Recorriendo Miami, visitamos el Pérez Art Museum Miami PAMM, el Frost Museum, y el Rubell Museum.
Fue un viaje corto, de 5 días, programado con mis amigos Roly y Edgardo.

Queríamos encontrarnos y el pretexto era conocer Miami en general y algunos edificios en particular. Un viaje que nos volvía a reunir luego del que habíamos hecho juntos por el Camino de Santiago.
Roly nos esperaba en Miami, Edgardo viajó desde Buenos Aires y yo desde Madrid.

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Visitamos el Pérez Art Museum Miami (PAMM), caracterizado por su gran techo protector, diseñado por Jacques Herzog y Pierre de Meuron, junto a Handel Architexts y Arquitectonica GEO, responsable del diseño del paisaje.
El edificio, inaugurado en 2013, está elevado sobre una plataforma y rodeado de vegetación tropical, como respuesta al clima de Miami ubicado frente a la bahía de Biscayne.

Jorge M. Pérez es un empresario y filántropo argentino/estadounidense (Buenos Aires, 1949), de padres cubanos. Vivió en Colombia antes de trasladarse a Miami.

Miami tiene mucho sol (era julio y tuvimos días de más de 36 grados), humedad y lluvia, por lo que es una buena idea prolongar el parque, generando un recorrido gradual desde el exterior, a través de galerías que actúan como espacios intermedios. Genera una transición del exterior caluroso y húmedo a un interior climatizado. Igualmente, imposible no acatarrarse pasando de 36 grados a 22 o menos permanentemente.

Al entrar llama la atención los jardines colgantes desarrollados por el botánico francés Patrick Blanc (Paris 1953), conocido internacionalmente por desarrollar y popularizar los jardines verticales conocidos como “muros vegetales”. Su sistema permite cultivar plantas sin tierra, utilizando una estructura vertical con agua y nutrientes. Diseñó el famoso jardín vertical de CaixaForum Madrid, inaugurado en 2008, en la medianera junto al museo. Es uno de sus trabajos más conocidos en España.

El Pérez Art Museum Miami está en medio de 67 jardines, con alrededor de 54.700 plantas y 77 especies.
El museo se centra en obras relacionadas con América Latina, el Caribe, la diáspora africana y la experiencia latina en Estados Unidos, un tema que define a las comunidades que conviven en Miami.

Un texto nos recibe, “Durante casi 40 años el Pérez Art Museum Misami (PAMM), ha sido el hogar del arte moderno y contemporáneo de Miami.
Desde 1994, se han coleccionado mas de 3.500 obras que reflejan la diversidad de las comunidades internacionales…su objetivo no es solamente conservar arte, sino también ser un lugar de encuentro, intercambio y comunicación”. Franklin Sirmans, director del PAMM.

Dicen los arquitectos: “En el nuevo museo, las zonas híbridas y fluidas para la recepción, las exposiciones, el restaurante y las conferencias, las galerías integradas y los rincones de lectura íntimos distribuidos por todo el espacio crean una diversidad de experiencias espaciales”.

Cuando la visitamos exhibian:
–Basquiat: Figures, Signs, Symbols. Diez obras de Jean-Michel Basquiat pertenecientes a la colección de Kenneth C. Griffin.
–Carlos Cruz-Diez: Chromosaturation.
–Cecilia Vicuña: Quipu Gut.
-This Is America: Selección de la colección del PAMM. 80 obras de 70 artistas en torno a la historia, identidad, inmigración y diversidad de Estados Unidos.
-Fragments of Time y Held in Layers, y las exposiciones permanentes Beyond Representation, Permanent Collection y el Sculpture Garden.

El museo está elevado sobre una plataforma para protegerlo de las inundaciones y la subida del nivel del agua de Biscayne Bay. El garaje abierto incorpora además pavimento permeable, vegetación y sistemas para captar e infiltrar el agua de lluvia.

Planta correspondiente al nivel de acceso, con el vestíbulo, galerías, restaurante, tienda, auditorio y espacios educativos.

Nivel principal de las galerías de exposición, con espacios para la colección permanente y exposiciones temporales.

La gran cubierta de celosía de madera y hormigón protege el edificio del sol y genera una veranda alrededor del museo. La vegetación tropical integrada en esta estructura contribuye a crear un microclima más fresco.

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Al lado está el Frost Museum, ambos comparten el estacionamiento.

Diseño de Sir Nicholas Grimshaw (1939 – 2025), Medalla de Oro del Riba, con el estudio local Rodríguez & Quiroga Architects Chartered como arquitectos ejecutivos.
Entre sus obras podemos mencionar la Estación de Waterloo en Londres y del Proyecto Edén en Cornwall.

El Phillip and Patricia Frost Museum of Science, es un museo de ciencia, planetario y acuario, terminado en 2017, tiene unos 23.000 m2 cubiertos, sobre una parcela de 16.000 m2.
Su costo fue de 305 millones de dólares.
Grimshaw lo “armó”, para que funcionara como un campus compuesto por cuatro edificios, las alas Norte y Oeste, el Acuario y el Planetario. Un rompecabezas.
Las alas norte y oeste contienen galerías para exposiciones permanentes y temporales, servicios para visitantes y miembros, tienda, oficinas y el Centro de Aprendizaje con cuatro aulas.
El Acuario tiene forma de gota, contiene 1,9 millones de litros, sus tres plantas permiten observar la vida marítima desde diferentes alturas. Está abierto a la planta más alta y tiene una lente ocular de 9 m de diámetro en su parte inferior que permite contemplar los peces, mantas y tiburones.
El Planetario, una esfera perfecta, es una pantalla de cúpula completa de 20 metros de diámetro con 250 asientos, sonido envolvente y un sistema de proyección 8K con 16 millones de colores.
Por sus respuestas al clima de Miami, aprovechando el sol, las brisas y la sombra, el edificio obtuvo la certificación LEED Gold.
Su implantación está abierta hacia los jardines del Parque Maurice A. Ferré. Separados, por entre los edificios circula la brisa de la Bahia de Biscayne.

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Luego fuimos al Rubell Museum, que funciona en un antiguo edificio industrial intervenido por la arq Annabelle Selldorf, en el barrio de Allapattah. Visitarlo es entrar en una de las mayores colecciones privadas de arte contemporáneo del mundo.

Otra de sus obras es la Galería David Zwirner, en Nueva York

La colección de la familia fue formada por los coleccionistas Don y Mera Rubell, quienes comenzaron a coleccionar arte contemporáneo en 1965, Dan estudiaba medicina y Mera era profesora, posteriormente se incorporó su hijo Jason.
Reúnen mas de 7.700 obras de más de mil artistas, entre ellos Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Jeff Koons, Yayoi Kusama, Cindy Sherman, Yoshitomo Nara y Kara Walker.
En 1993 crearon la Rubell Family Collection en Wynwood, en 2019 se mudaron a Allapattah en Miami.

Fue diseñado por la arquitecta alemana Annabelle Selldorf, (Colonia 1964) dirige Selldorf Architects, su estudio con sede en Nueva York.
Trabajó sobre las estructuras industriales existentes, transformando seis antiguos almacenes industriales, interconectados en una secuencia de 36 galerías y espacios públicos con luz natural, se inauguró en diciembre de 2019 y tiene 9.290 m2.
El programa incluye una biblioteca de investigación con 40 mil volúmenes, espacio para eventos y un restaurante.

Un dato interesante es que los Rubell comenzaron su colección cuando todavía no eran grandes coleccionistas: compraban obras de artistas jóvenes y poco conocidos. Esa estrategia hizo que la colección creciera junto con muchos de los artistas que hoy son figuras fundamentales del arte contemporáneo.

Vimos obras interesantes de la Collection Highlights 2025–26, como las de Yayoi Kusama, incluyendo dos instalaciones. Ya habíamos conocido su obra en la isla de Naoshima, en Japón, con sus famosas calabazas de colores. También vimos obras de Jean-Michel Basquiat y Keith Haring.
Además de Cecily Brown, Sarah Lucas, Sylvia Snowden, Kerry James Marshall, El Anatsui, Mark Bradford, Alexandre Diop, He Xiangyu, Minami Kobayashi y Studio Lenca, entre otros.

Hank Willis Thomas /Nueva Jersey 1976). Vive en Nueva York. En su obra Guernica, figuras humanas y un enorme toro surgen de entre una explosión de colores y formas.
Camisetas deportivas, que incluye a famosos rivales como los Celtics y los Lakers, figuras enfrentadas que recuerdan al Guernica de Pablo Picasso de 1937. una pintura que aborda la violencia de la Guerra Civil española. Thomas, toma la obra de Picasso como referencia y utiliza camisetas de equuipos para hablar de rivalidad, violencia, racismo y presión social.

La instalación está formada por 700 esferas de acero inoxidable pulido que reflejan continuamente el espacio, las obras y los visitantes. En el Rubell Museum ocupaba el gran corredor central, creando una especie de «río» de reflejos.
Kusama presentó la obra originalmente en la Bienal de Venecia de 1966, donde llegó a vender las esferas a los visitantes por 2 dólares cada una, como una crítica al narcisismo y a la comercialización del arte.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Artículos sobre Corbusier
Le Corbusier fue uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Sus aportes trascendieron la arquitectura para abarcar el urbanismo, el diseño y las artes plásticas. El Modulor, su sistema de proporciones basado en las medidas del cuerpo humano, revolucionó la concepción del espacio habitable, mientras que sus propuestas urbanas para la ciudad moderna y experiencias como Chandigarh continúan inspirando el debate sobre cómo vivimos y construimos nuestras ciudades. Esta serie de once artículos invita a descubrirlo, a sus ideas y un extraordinario legado que cambió para siempre la arquitectura moderna.

1 Sketches de Le Corbusier -viaje a Oriente y burdeles de Paris. https://onlybook.es/blog/sketches-de-le-corbusier-viaje-a-oriente-y-burdeles-de-paris/
Le Corbusier y sus dibujos. Un periodo que va desde 1911 hasta 1965, año de su muerte. Le Corbusier nace el 6 de Octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds en la Suiza francófona. En 1911, comienza una etapa que será decisiva en su formación no curricular de arquitecto, es cuando viaja y recorre ciudades.

2 “35 rue de Sevres”, el taller de Le Corbusier junto a Pierre Jeaneret y Charlotte Perriand. 1a. parte.
https://onlybook.es/blog/35-rue-de-sevres-el-taller-de-le-corbusier-junto-a-pierre-jeaneret-y-charlotte-perriand-mb/
El taller de Le Corbusier “Corbu” junto a Pierre Jeaneret y Charlotte Perriand. El taller de Le Corbusier «Corbu». Quizá no exista ninguna otra dirección mítica en la arquitectura moderna con el peso del número 35 de la rue de Sèvres, en París.

3 “35 rue de Sevres”, el taller de Le Corbusier junto a Pierre Jeaneret y Charlotte Perriand. 2a. parte y final.
https://onlybook.es/blog/35-rue-de-sevres-el-taller-de-le-corbusier-junto-a-pierre-jeaneret-y-charlotte-perriand-2a-parte-y-final-mb/
Charlotte Perriand llega a París, había ido directamente al taller de Le Corbusier, situado en el sexto piso de la Rue de Sèvres, donde el gran arquitecto trabajaba.

4 El Modulor de Le Corbusier.
https://onlybook.es/blog/el-modulor-de-le-corbusier/
«El Modulor, es una gama de proporciones que hace lo malo difícil y lo bueno fácil». Albert Einstein.

5 Eileen Gray. la casa E-1027, historia de una excepción.
https://onlybook.es/blog/eileen-gray-la-casa-e-1027-historia-de-una-excepcion/
Eileen Gray (Enniscorthy, Irlanda 1878 – 1976 Paris), la casa E.1027 y su relación, de amor/odio con Le Corbusier.

6 Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 4ta parte, de Gropius a Le Corbusier.
https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-4ta-parte/
“La Medalla de Oro del AIA  Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA), en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura”.

7 Japón 5 Le Corbusier en Tokio.
https://onlybook.es/blog/japon-5-le-corbusier-en-tokio/
El Museo Nacional de Arte Occidental se encuentra dentro del popular Parque Ueno, en el distrito de Taitō, al noreste del centro histórico de Tokio.

8 Exposición sobre LE CORBUSIER en el Centre Georges Pompidou de Paris Agosto 2015.
https://onlybook.es/blog/exposicion-sobre-le-corbusier-en-el-centre-georges-pompidou-de-paris-agosto-2015/

English text GB. Exhibition on LE CORBUSIER at the Centre Georges Pompidou in Paris, August 2015 https://onlybook.es/blog/exhibition-on-le-corbusier-at-the-centre-georges-pompidou-in-paris-august-2015-mbgb/
Estudio para la Mano Abierta (La Main Ouverte), Chandigarh, India, 1951. Dibujo a lápiz con anotaciones de sus dimensiones, para el monumento símbolo del Capitolio de Chandigarh. Su concepción es de 1948.

9 Las obras de Frank Lloyd Wright. Su influencia e influenciados en Sudamérica, Le Corbusier, parte 13
https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-13-su-influencia-e-influenciados-en-sudamerica/

English text. The Works of Frank Lloyd Wright: His Influence and Legacy in South America. Le Corbusier. Part 13 https://onlybook.es/blog/the-works-of-frank-lloyd-wright-his-influence-and-legacy-in-south-america-le-corbusier-part-13-gbmb/
La influencia de Frank Lloyd Wright y Le Corbusier trascendió continentes y encontró en Sudamérica un terreno fértil para nuevas interpretaciones. Este artículo explora el diálogo entre sus ideas y la obra de destacados arquitectos sudamericanos, mostrando cómo ambos maestros inspiraron una arquitectura capaz de conjugar modernidad, paisaje e identidad local. Un recorrido apasionante por las huellas que dejaron a uno y otro lado del Atlántico.

10 Los dos Le Corbusier, Charles Edouard y Pierre Jeanneret en Chandigarh
https://onlybook.es/blog/los-dos-le-corbusier-charles-edouard-y-pierre-jeaneret-en-chandigardh/?utm_source=chatgpt.com

English text GB. The two Le Corbusiers, Charles Edouard and Pierre Jeanneret in Chandigardh https://onlybook.es/blog/the-two-le-corbusiers-charles-edouard-and-pierre-jeanneret-in-chandigardh-mbgb/
La historia menos conocida de Chandigarh y el papel fundamental que desempeñó Pierre Jeanneret junto a su primo Le Corbusier. Un relato sobre arquitectura, amistad y creación compartida que reivindica la figura de quien hizo posible gran parte del sueño moderno en la India. Un viaje por edificios, muebles y testimonios que revelan que, en realidad, hubo dos Le Corbusier.

11 El rostro de las Ciudades sin rostro 6ta parte A. Rossi, J. Jacobs, J. Gehl. E. Peñalosa, C. Moreno, C. Perry, A. Hidalgo, Le Corbusier, Team X, H. Lefebvre https://onlybook.es/blog/el-rostro-de-las-ciudades-sin-rostro-6ta-parte-a-rossi-j-jacobs-j-gehl-e-penalosa-c-moreno-c-perry-a-hidalgo-le-corbusier-team-x-h-lefebvre-mb/
¿Qué hace que una ciudad tenga identidad y sea verdaderamente habitable? Este artículo reúne las miradas de pensadores y arquitectos como Jane Jacobs, Aldo Rossi, Jan Gehl, Carlos Moreno y Le Corbusier, cuyas ideas siguen moldeando el debate urbano contemporáneo. Una reflexión sobre el pasado, el presente y el futuro de nuestras ciudades y de quienes las habitan.

Hugo A. Kliczkowski Juritz es arquitecto, editor y autor de numerosos libros sobre arquitectura y diseño.
Desde este blog comparte investigaciones, lecturas, viajes y reflexiones sobre arquitectos y obras que considera significativos.
Más que un archivo, Onlybook.es/blog es una mirada personal sobre la arquitectura moderna y contemporánea, su historia y sus protagonistas.
El blog reúne más de 600 artículos, consultados por lectores de todo el mundo, y ha superado las 1.800.000 lecturas.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Entrada anteriorGB. 35 rue de Sèvres, the workshop of Le Corbusier «Corbu». Part 1. (mbgb)

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35 rue de Sevres, el taller de Le Corbusier “Corbu” junto a Pierre Jeaneret y Charlotte Perriand (mb)

El taller de Le Corbusier «Corbu». (mb) (1)

Quizá no exista ninguna otra dirección mítica en la arquitectura moderna con el peso del número 35 de la rue de Sèvres, en París.
Fue allí que el 18 de septiembre de 1924, hace un poco más de un siglo, Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret-Gris, La Chaux-de-Fonds, Suiza 1887 – 1965 Roquebrune-Cap-Martin, Francia) abrió su estudio, la fecha la confirma la Fundación que lleva su nombre, lo menciono porque en varias publicaciones figura el año 1922.
Desde 1355 hay noticias del nombre del “camino de Sèvres”, pues era la dirección, al suroeste de París, célebre por la Manufactura Nacional de porcelana que ahí se estableció en 1756 —y que de 1800 a 1847 fuera dirigida por Alexandre Bronginart, hijo de arquitecto, químico y mineralogista, y colaborador de Georges Cuvier, asi como la Oficina Internacional de Pesos y Medidas, fundada en 1875, donde se conservan los “patrones universales” del metro y del kilogramo.
La calle de Sèvres se llamó primero de la Maladrerie, donde funcionaba un hospital para leprosos, cerrado bajo el reinado de Francisco I, en su remplazo se construyeron las Petites-Maisons. Allí se encerraba a mendigos, locos y gente de mala conducta y “dudosa moral para la época”, cuando el establecimiento se subdividió solo quedó funcionando el hospital. (2)
Después de 1821 la Compañía de Jesús compró los edificios situados en los números 33 y 35 de la rue de Sèvres, agregándole luego el 37 y 43. Entre 1855 y 1858 se construyó la iglesia de San Ignacio y luego un claustro.
El último edificio construido en esos terrenos por los jesuitas, tras una complicada historia de expulsiones y regresos de la Compañía en Francia, fue un centro de estudios. (3)

El Arq José Ramón Alonso Pereira (1953) (4) escribe que fue Winaretta Singer (Yonkers, New York, 1865 – 1943 Londres) princesa Edmond de Polignac (5) quien, a inicios del verano de 1924, ofreció a Le Corbusier la posibilidad de instalar su estudio, “con condiciones muy ventajosas”, en “un espacio secundario que ocupaba la galería de uno de los lados del claustro de la Residencia de los jesuitas”.

También cuenta que, tanto el templo de San Ignacio como el edificio de la residencia fueron proyecto de Jean-Maggior Torunesac, «un arquitecto diocesano luego jesuita, que siguió el estilo ojival de la catedral de Le Mans».
Acerca de Winaretta Singer-Polignac escribe: “…Era hija del célebre industrial americano Isaac Merrit Singer, cuyo nombre fue referente de la máquina de coser. Nacida en Nueva York, vivió en Inglaterra y en París».

“Atelier Le Corbusier, primer piso al fondo del corredor”

Alonso Pereira subraya el interés de Le Corbusier por nombrar a su lugar de trabajo “taller” y no “agencia de arquitectura”, como se acostumbraba – así se llamaba la de Perret, con quien trabajó – u “oficina”, inclinándose por el uso de “atelier” para artistas. Sobre el espacio en sí, escribe: “Con una altura de 4 metros, el local medía 41 metros de largo por 3.50 de ancho. Es decir, tenía una proporción 1 a 12, una proporción muy ingrata que sólo tenía parangón con una obra en la historia de la arquitectura: la galería que da acceso a los palacios vaticanos definiendo el brazo recto de la plaza de San Pedro de Bernini”.

Esta obra, fue admirada por Le Corbusier unos pocos años antes, en el curso de su segundo viaje a Roma con Ozenfant en el verano de 1921. En ella puede verse un antecedente del espacio arquitectónico del atelier de Sèvres”.
Para ver el estudio de Le Corbusier había que dirigirse al primer piso del edificio, no era fácil encontrar el atelier.
El proceso de acceso era el siguiente “Común con la de la iglesia, la entrada a él desde la calle era un atrio iluminado por una claraboya, con puertas abiertas en todas direcciones. La única indicación del atelier era una pequeña placa azul con un letrero manuscrito en rojo: “Atelier Le Corbusier, primer piso al fondo del corredor”. Abierta la puerta de la derecha, se pasaba al corredor septentrional del claustro, iluminado por la luz del sur, que llevaba a su fondo hasta una escalera de madera que ascendía al primer piso. Una vez subida la escalera se cruzaba la puerta del santuario. Un mural fotográfico y una puerta negra daban paso al atelier”. 

Diez ventanas altas daban sobre el claustro y sus árboles centenarios. En 1924 Le Corbusier cerró los dos extremos del local con muros de ladrillo. En los primeros tiempos, el atelier sólo estaba amueblado con algunas sillas y mesas de dibujo sobre caballetes, sin ningún orden, y el equipamiento se reducía al estrictamente necesario: un teléfono y una estufa, pues la galería no tenía calefacción. Luego se acondicionaron algunas pantallas para que Le Corbusier pudiese tener un rincón personal para sus encuentros.

En cuanto al espacio, el atelier se organizaba en tres tramos sucesivos, el primero era un vestíbulo reducido oscuro, sin iluminación natural, donde se encontraban las zonas de acceso, vestuario, almacén y copiadora de planos disimulada por los archivadoras, la oficina del secretariado que controlaba la entrada, seguida por los pequeños despachos de Le Corbusier y, en su momento, del jefe de atelier, tras los cuales se abría al atelier propiamente dicho, con las mesas y tableros de dibujo, al fondo del cual se hallaría desde 1947 un gran mural pintado por Le Corbusier. 

El pequeño bureau de Le Corbusier, era un despacho de 2.59 × 2.26 × 2.26 mts. un «volumen patrón» que daba expresión plástica a los conceptos del Modulor, cuya publicación se preparaba por entonces. Este bureau mítico era como un «cabanon«, una arquitectura interior dentro de una arquitectura envolvente. 

Desde el comienzo, trabajó con su primo, Pierre Jeanneret (6) tenían una relación muy cercana, de plena confianza, que les permitió realizar numerosas investigaciones y proyectos.
En octubre de 1927, contrataron a una joven arquitecta, Charlotte Perriand, que en ese momento gozaba de cierta notoriedad. Su colaboración duró hasta 1937 y fue muy fructífera, especialmente en el diseño de muebles. La complicidad entre los tres autores promoverá la producción de objetos de excepcional calidad artística y cultural.

Con Charlotte Perriand el estudio comienza a abordar la temática del «equipamiento doméstico». http://www.fondationlecorbusier.fr

Fragmento de “Charlotte Perriand, une vie de création”, Éditions Odile Jacob, París, 1998.

Charlotte Perriand. L’atelier de la rue de Sèvres.
Una descripción del atelier, menos objetiva, pero más cercana, es la que hizo Charlotte Perriand: “…Mis pasos me llevaron regularmente a la rue de Sèvres hasta 1937. Mi papel, inesperado, fue el de colaborar como asociada de Le Corbusier y Pierre Jeanneret en el desarrollo de su programa de mobiliario: “cajoneras, sillas y mesas”, que habían anunciado en 1925 en el pabellón del Esprit Nouveau, para continuar su estudio y asegurar la ejecución de los prototipos por mis artesanos.

Sobre Los dos Le Corbusier, Charles Edouard, Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand en Chandigarh https://onlybook.es/blog/los-dos-le-corbusier-charles-edouard-y-pierre-jeaneret-en-chandigardh/?utm_source=chatgpt.com

Pero también para iniciarme en la arquitectura, como yo quería, porque todo está vinculado. Trabajar en este antiguo convento, hoy derribado, era un privilegio.
Era un lugar inspirado. Pasada la caseta del conserje, entramos en un amplio pasillo para subir el primer tramo de escaleras. Arriba a la izquierda estaba la entrada al taller.

«Una vez atravesada la puerta, nos encontramos en un vasto campamento. Una cuerda recorría una pared interminable donde los dibujos colgaban de pinzas para la ropa”.
“Las altas ventanas daban al patio del convento. En el centro del taller, una solitaria estufa de leña. No había ninguna oficina independiente.
El correo se colocaba sobre una de las mesas de dibujo, todos podrían leerlo. En verano oíamos cantar a los pájaros, en invierno nos moríamos de frío (entonces me envolvía las piernas en papel de periódico para no sentir que se me congelaban los pies)».

«Pensemos en esta época heroica, pionera y sin dinero, con tan pocos medios, pensemos en todos estos proyectos arquitectónicos o urbanísticos nunca realizados y sin embargo cuidadosamente estudiados, que van mucho más allá del objeto mismo, proyectos en relación con el hombre, en armonía con él, de acuerdo con su tiempo..«

«El resultado fue visible y confirmado…Puede hacer feliz o infeliz al hombre…Crea el nido del hombre y el árbol que lo sustentará…estábamos convencidos de ello”.

Ver Sketches de Le Corbusier https://onlybook.es/blog/sketches-de-le-corbusier-viaje-a-oriente-y-burdeles-de-paris/

“Lo siento, aquí no bordamos cojines”. Estas fueron las palabras de Le Corbusier a Charlotte Perriand la primera vez que la arquitecta y diseñadora llamó a su puerta.

Muchachos, jóvenes, entusiastas, salidos de las mejores escuelas, de todo el mundo, estaban allí, no solo por la arquitectura, sino por Corbu, por su forma de resolver todos los problemas, por su aura. Corbu había elegido Francia para expresarse, pero Francia no lo había adoptado. Reinaba el academicismo. La negativa del otro era mutua, la lucha, aunque injusta, estaba a la orden del día. Corbu nunca habría aceptado a un estudiante de la École des Beaux-Arts en este estudio de la Rue de Sèvres: sus líneas eran malas, sus mentes estaban distorsionadas. Esta fue una de las razones por las que prefirió contratar a Jean Bossu, cuya motivación era convertirse en arquitecto y que era estibador por las noches en Les Halles. Sin embargo, Corbu no le ahorró sus críticas, así como él mismo, incluso su mal humor, hasta el día en que Bossu nos dejó para ejercer su profesión con total libertad.

Jean Bossu (Nesles-la-Vallée 1912 – 1983 Paris), conocido por sui trabajo en Argelia y en la isla de Reunión al SO del Océano Índico, cuatro de los edificios que ha diseñado están catalogados como Monumentos Históricos.

«En esta Torre de Babel hablábamos todos los idiomas, mal el francés, pero hablábamos el mismo idioma. Nos ayudábamos unos a otros…, no éramos muchos. En esos días, la emoción comenzaba después de que Corbu se había ido, a las 8 de la noche».
«Casi siempre, Pierre Jeanneret se quedaba con nosotros. A veces pasábamos cuatro días sin dormir, y Sakakura, nuestro pequeño japonés estoico, nos hacía compañía. Con el paso de las noches, su tez se volvía gris. Le habían dado instrucciones para que tachara nuestros errores, que se multiplicaban al amanecer».

«Por la mañana, vi su mano yendo y viniendo, rascando con una cuchilla de afeitar (en la época que se dibujaba sobre papel calco, la manera de “borrar” los errores era pasando una “hoja de afeitar”, suavemente paralela al papel para evitar agujeros, y luego sobre lo raspado, se pasaba la parte de atrás de la uña, para que la tinta no se corriera)».
«Saka muchas veces dormía como un hombre bendito, con la cabeza sobre el plano, feliz de habernos sido útil».
“A primera hora de la mañana, nos reunimos en la terraza del Café du Lutétia para consolarnos antes de volver al trabajo del día, un poco somnolientos, lo que molestó considerablemente a Corbu. Nada de piropos, una pelea porque no sabíamos organizarnos. Esos esfuerzos eran de ocho o diez días, era peor que dar a luz, quedábamos convalecientes. Luego el taller de ese convento volvía al silencio. Pienso en Junzo Sakakura, Ernest Weissmann, Alfred Roth, Kunio Maekawa, Norman Rice, José Luis Sert, como hermosas flores que nunca se marchitarán en mi memoria”.

En los años 60, Perriand crea algunos de los diseños que mejor condensan su savoir-faire, como la banqueta Refolo, la librería Nuage, las mesas Rio, Mexique y Pétalo y los taburetes Berger y Méribel, hoy convertidas en auténticos iconos mundiales.

«Decía Corbu, que junto a Pierre Jeanneret conformábamos una gran familia, y yo añadiría a sus mejores defensores, a los que recuerdo con ternura y gratitud. En aquellos tiempos, el dinero no llegaba: por falta de logros, demasiados proyectos no conseguidos, que ponían las arcas a cero. A los estudiantes no se les pagó. El dinero no era nuestra motivación, Corbu y Pierre nos dieron ejemplo. Todo el mundo lo sufría. Pero… «el futuro se construyó, o más bien se concibió, en solidaridad. Era una época de descubrimientos”.

«Pierre era un hermano para todos, era el nexo entre Corbu y nosotros, dibujaba, dibujaba, todo, hasta el más mínimo detalle. Era el mecánico de los nuevos tiempos, su mente y su gusto por la mecánica lo invadieron por completo, incluso en el mantenimiento del famoso automóvil Voisin».

Ver «Los dos Corbusier» https://onlybook.es/blog/los-dos-le-corbusier-charles-edouard-y-pierre-jeaneret-en-chandigardh/

El arq Norman Foster rescató el auto de Le Corbusier (que ha dejado impecable, rescatado de una granja cercano a Paris), lo he podido observar personalmente en la sede de la magnifica Fundación Foster de la c/ Le Monte Esquinza 48, 28010, Madrid. 913 89 89 65.
El Avions Voisin C7 fue avanzado para su época, empleando tecnología de la aviación por la compañía Voisin para sus aviones. Debido al uso masivo de vidrio -reflejada en la nueva arquitectura de su época-, el automóvil fue llamada Lumineuse. Gabriel Voisin, que fue cliente de Le Corbusier, inspiró el nombre de la radical propuesta para París, Le Plan Voisin.
«Corbu bromeó al respecto. Conocí la arquitectura, este «erudito, correcto y magnífico juego de volúmenes reunidos bajo la luz» (Le Corbusier), y ¿qué mejor ejemplo que la Villa La Roche (donde ahora funciona allí la Fundación Le Corbusier)».

“Mi primer trabajo fue equipar esta casa construida en 1922 por Le Corbusier y Pierre Jeanneret para Raoul La Roche, banquero y amigo, gran coleccionista de Fernand Léger, Picasso… Entrar en ese espacio…bañada en las cantatas de Johann Sebastian Bach – Corbu había enchufado el gramófono – era entrar religiosamente en un mundo desconocido, musical, armonioso, encontrarse en ósmosis, en total comunión con el Todo, a través de todos los sentidos del ser”.
Sin duda es una de las viviendas más destacadas de la arquitectura moderna, Es uno de los 17 edificios de Le Corbusier que han sido catalogados como Patrimonio de la Humanidad.

La Villa o  Maison La Roche. está situada al fondo del callejón del Doctor Blanche en el distrito XVI de París, en un barrio en pleno acondicionamiento en esa época (1923).

“…Fue en 1927, mi primera visita a La Roche. ¡Qué choque, una expresión de felicidad! Humildemente tuve que imbuirme los méritos de ese conjunto. El espacio es blanco, puntuado por las paredes coloreadas con valores cromáticos. Si tenemos esto en cuenta, hay armonía, si no, hay una ruptura que no detectamos, pero que nos afecta. Es un error diseñar las piezas de forma independiente unas de otras sin integrar esos factores. Una sola nota falsa en una melodía siempre rompe su hechizo”.

“El ojo, espejo de los sentidos”

Le Corbusier diseñó dos colecciones de colores para la empresa de papel pintado “Salubra”.
El teclado de color de 1931 tiene 43 colores, y la colección de 1959, 20 colores.

Colección de 1959 de 20 colores

Basándose en su experiencia como arquitecto y pintor, dispuso los tonos en 12 tarjetas de tal manera que uno podía usar un “control deslizante” para aislar o combinar diferentes conjuntos de tres a cinco colores.

Cada uno de estos mapas contenía una atmósfera cromática diferente, con la intención, de producir un efecto espacial particular. Le Corbusier creó una herramienta, y también un testimonio de la teoría purista del color.
En 1934, Le Corbusier estandarizó su gama de colores. Lo hizo publicar en papel pintado por la casa “Salubra”. Dos catálogos con tapas recortadas permitían al usuario elegir una combinación de colores, era muy inteligente ya que ahorrábamos tiempo y nos garantizaba un buen resultado.

En la época de la Villa La Roche, usábamos polvos: azul wheelwright, ultramar, y toda gama de siena, sombra natural, ocre quemado que, mezclado con blanco, daba rosas sutiles y ligeras. Las piezas metálicas, como los radiadores, eran de color gris hierro. Las tuberías de la sala de máquinas se pintaron con los colores de las temperaturas rojo/calor, azul/frío. Nada fue dejado al azar.

2a parte «35 rue de Sevres», el taller de Le Corbusier junto a Pierre Jeaneret y Charlotte Perriand. 2a. parte y final. (mb) | Hugo A. Kliczkowski Juritz

Notas
1
“35 rue de Sevres, cien años”. Publicación de la revista ARQUINE del 18 septiembre del 2024. Alejandro Hernández Gálvez.
2
Desde 1355 hay noticias del nombre calle o camino de Sèvres , pues era la dirección hacia esa ciudad, al suroeste de París, hoy célebre por la Manufactura Nacional de porcelana establecida en 1756 —y que de 1800 a 1847 fuera dirigida por Alexandre Bronginart, hijo de arquitecto, químico y mineralogista, y colaborador de Georges Cuvier, con quien realizó estudios pioneros en la estratigrafía, como su “Corte teórico de la cuenca parisina”— y la Oficina Internacional de Pesos y Medidas, fundada en 1875, donde se conservan los “patrones universales” del metro y del kilogramo.
3
Revista Arquine. 35 rue de Sevres, cien años, 18 septiembre, 2024. Por el Arq Alejandro Hernández Gálvez. Director de Contenido de Arquine desde julio del 2013. Entre otros libros es coautor de 100 x 100, arquitectos del siglo XX en México y de Sombras, sombreros, sombrillas: de algunos principios de la arquitectura.
4

Madrid (1953), arquitecto ETSAM (1977), doctor UPM (1983), profesor titular USC (Santiago de Compostela 1987), catedrático de universidad UDC (A Coruña 1991) de Historia de la Arquitectura y del Urbanismo en la E.T.S. de Arquitectura, de la que ha sido director desde 1989 a 1997.
5
Winnaretta Singer (1865 – 1943), princesa Edmond de Polignac, fue una importante mecenas musical estadounidense y una de las herederas de la empresa de máquinas de coser Singer Corporation. Estudió piano y órgano. En 1893 con 22 años se casó con Louis de Scey-Montbéliard, y luego con el príncipe Edmond de Polignac, homosexual como ella, vivieron en total libertad basando su unión en un respeto mutuo y una gran amistad artística.
Ambos compartían pasión por la música y las artes, especialmente la pintura de Monet.
Los salones de su casa del Trocadèro -decorados por el célebre José María Sert, tío del arquitecto José Luis Sert, que fuera luego aprendiz de Le Corbusier – fueron conocidos como un importante centro musical de vanguardia. Los mejores intérpretes de su tiempo tocaron ahí: Gabriel Fauré, Claude Debussy, Eric Satié, Maurice Ravel, Igor Stravinsky, Arthur Rubinstein, Manuel de Falla, etc.

Winaretta Singer usó su fortuna para el fomento de las artes y las ciencias, con una manifiesta componente social ligada a su cristianismo militante. En particular, fue mecenas del Armée de Salut, 49 patrocinando los proyectos de Le Corbusier: el anexo del Palais du Peuple (1926-27), el Asilo flotante (1930) y la Cité de Refuge (1929-33). 
6
El arquitecto y diseñador Pierre Jeanneret (Ginebra 1896 – 1967), fue primo, socio y estrecho colaborador del arquitecto francosuizo Le Corbusier.
Se graduó en la École des Beaux-Arts de Ginebra. Trabajó con Auguste y Gustave Perret en París en 1921-1922, antes de comenzar a colaborar con Le Corbusier en 1922. Su papel fue muy importante en todos los proyectos del estudio. Juntos, publicaron un manifiesto en 1926 titulado «Cinco puntos hacia una nueva arquitectura«, que luego sirvió como guía para su estética arquitectónica.

7
Durante muchos años distribuíamos la colección de 8 volúmenes, tanto en Argentina (Librería Técnica CP67) como en España (Asppan y Onlybook) que importábamos de Suiza. De la editorial Birkhauser, Autor W. Boesiger y Max Bill.

En aquella época iban por la 11 edición. Encuadernación de tapa dura entelada con un total de 1708 páginas, 24,5 x 30 cm. A pesar de su precio, de más de 800 euros, debemos haber superado las mil cajas vendidas. Birkhauser también tenía una colección de las obras completas de Alvar Aalto de 3 volúmenes.
8

La introducción de nuestro libro editado por Kliczkowski publisher ponía “Le Corbusier se inspiró en lo que todavía es de rigeur en el diseño de nuestras vidas de hoy en día. La influencia de la producción en serie de la era tecnológica, el empleo de materiales industriales y su perspectiva para la vida urbana moderna lo colocaron al frente del Movimiento Moderno. Su trabajo abarcó desde obras maestras como la elegante forma curva de la capilla en Ronchamp, en Francia, hasta las torres de la Unité d’Habitation en Marsella y su manifestación de la ciudad ideal Chandigarh en la India. A pesar de haber sido criticado y acusado de culpable de la decadencia urbana de fines del siglo XX, la moda actual de la vida metropolitana y el renacimiento de los ideales modernistas reactivaron el interés por su estilo. El concepto de la vivienda como «máquina para habitar» nunca ha sido más exacto y su mueble de cuero y cromo es ampliamente imitado”.
9
Colección Archipocket (editorial H Kliczkowski).
Arquitectos modernos: Le Corbusier, Alvar Alto, Mario Botta, Foster and Partners, Hundertwasser, Rem Koolhaas/OMA, Legorreta+Legorreta, Mies van der Rohe, Miralles-Tagliabue EMBT, Jean Nouvel, Renzo Piano, Alvaro Siza, Eduardo Souto De Moura, Tadao Ando.
Arquitectos clásicos: Gustave Alexandre Eiffel, Charles Garnier, Antoni Gaudí, Victor Horta, Charles Mackintosh, Michelangelo, Andrea Palladio, Antonio Sant’Elia, Karl Friedrich  Schinkel, Otto Wagner.

Artículos sobre Corbusier
1 Sketches de Le Corbusier -viaje a Oriente y burdeles de Paris. (mb)

2 “35 rue de Sevres”, el taller de Le Corbusier junto a Pierre Jeaneret y Charlotte Perriand. 1a. parte. (mbgb)

3 “35 rue de Sevres”, el taller de Le Corbusier junto a Pierre Jeaneret y Charlotte Perriand. 2a. parte y final. (mb)

4 El Modulor de Le Corbusier

5 Eileen Gray. la casa E-1027, historia de una excepción

6 Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 4ta parte, de Gropius a Le Corbusier

7 Japón 5 Le Corbusier en Tokio

8 Exposición sobre LE CORBUSIER en el Centre Georges Pompidou de Paris Agosto 2015

Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz
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«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz.

A lifelong admirer of his mentor, John Lautner habitually referred to him as “Mr. Wright.” He was deeply influenced by him, to the point of pursuing in his own work a commitment to the principles of Organic Architecture.
Recalling his time at Taliesin, he wrote: “Mr. Wright constantly pointed out those things that contributed to the beauty of space, of the building, or to the function of the kitchen, the dining room, or any other area. He also emphasized the details of construction: how a particular way of resolving them, what he called his grammar, contributed to the total idea, to the whole, to the overall expression of the work. And he kept insisting that there is no true architecture unless one possesses a complete idea. Thus I learned that it is necessary to have a great unifying idea; otherwise, you have nothing—only stories. What most people do is no more than a collection of clichés, façades, or empty formulas.”
He was deeply influenced by Wright.

Lautner was largely self-taught in the manner of autodidacts, learning through travel. He journeyed throughout Europe and Mexico to visit and study the works of Henry Klumb (1905–1984), Oscar Niemeyer (1907–2012), Eero Saarinen (1910–1961), Hans Scharoun (1893–1972), Jørn Utzon (1918–2008), and Juan O’Gorman (1905–1982), as well as those of Pier Luigi Nervi (1891–1979), Eduardo Torroja (1899–1961), Félix Candela (1910–1997), and Frei Otto (1925–2015).
He understood structure both through its technical rigor and its plastic and spatial dimensions. In his architecture, structural expression was not an added element, but an integral part of the design of the spaces he created.
He sought new models of habitation, liberating spaces through flexible plans. He pursued an ever more intense integration between architecture and the natural landscape, understanding that “all the functions of dwelling are spatial experiences.”
The interviews he gave (6) reveal the scant regard he felt for the International Style and its principal representatives: “None of them had anything comparable to Frank Lloyd Wright. In fact, I personally heard Walter Gropius (1883–1969), Le Corbusier (1887–1965), Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969), and all the greats, and they are nothing compared with Frank Lloyd Wright. They are simply nothing. So, when people want to argue about it with me, it’s crazy, that’s all” (laughs)…

“I never copied any of Frank Lloyd Wright’s drawings or took photographs, because he was a purist and I was an idealist. I wanted to work from my own philosophy, and that is what he wanted his apprentices to do: wherever they went, they should contribute to nature’s infinite variety by being individuals, creating for each person an architecture capable of growing and changing. Well, practically none of them were able to do so. I mean, I am one of the two or three who perhaps have managed it…”

“Architecture has to do with every aspect of life, which is why it has no end. When you are 70 or 80 years old, you are still beginning and still learning—that is the life I wanted for myself.”

“Architecture must contribute to human well-being: it should be joyful, it should have light, air, and open spaces.” He explained in the interview for UCLA. (6) “Architecture is, for me, an art form, and for that it has to be alive.”
“I always encourage my students to build something, with whatever money they have and however they can. Drawings on paper are not enough. People want to see something tangible.”

Chemosphere
Among his projects, the Chemosphere House (1960) stands out. Nicknamed the “flying saucer” in its time, it has become one of the architectural landmarks of Los Angeles.
“Architecture has to contribute to human well-being: it must be joyful, it must have light, air, free spaces and be alive”.

Perhaps because he sought to convey both hope and audacity through it, the Chemosphere is much more than a house. John Lautner designed and solved the challenge of building an observation belvedere overlooking the San Fernando Valley on a site with a slope of more than 45%, achieving a work that was both structurally stable and economically viable.
In 2000, Benedikt Taschen (1961– ) acquired and restored the house together with the architects Frank Escher and Ravi GuneWardena, restoring it to the splendor of its original conception.

Googie style

He was recognized both for his residential works and for the design of commercial establishments. After designing the Googie Coffee Shop in 1949—futuristic, eccentric, and filled with impossible angles—his name came to be used, initially in a derogatory sense, to designate an architectural style associated with his distinctive formal proposals.
In an article published in 1952 in Yale University’s magazine, Professor Douglas Haskell (1909–1984) wrote: “The coffee shop is distinguished by its glass walls, its form, and its exuberant signage oriented toward automobile traffic, which constitutes an advertisement in itself.”

Googie embodied the spirit of the postwar era (Zeitgeist), although it was ridiculed by much of the architectural criticism of the 1950s.
The rejection came not only from architects but also from academic critics, who regarded it as an ephemeral, excessive, and commercial architecture. Decades later, it would be recognized as one of the most original expressions of postwar Californian architecture.Googie was part of the post-war zeitgeist (Zeit-geist), but was ridiculed by architects in the 1950s.

For more on Robert Venturi and Denise Scott Brown, see https://onlybook.es/blog/robert-venturi-denise-scott-brown/

As we have seen, “Googie” was described as superficial and vulgar.
In 1972, Robert Venturi rescued it in his book Learning from Las Vegas, stating that “the principal ideas of architecture are close to Lautner’s logic,” written together with Denise Scott Brown and Steven Izenour.
The first part expands upon the results of the seminar organized in 1968 at Yale University, with photographs, maps, and diagrams demonstrating how the typical architecture of Las Vegas functions.
At the center of the second part are two emblematic figures: “the duck and the decorated shed.” The duck becomes a sculpture; symbolic form completely takes possession of architecture, assuming an excessive role.

The functional shed is decorated according to its function, with an advertising sign placed on the roof or on the site.
The Googie look is that of those roadside bars, gas stations, and coffee shops of the United States, as cinematic as they are Tarantino-esque, filled with color and references to the Space Race and to airplanes.
A style—that of Las Vegas—that was optimistic, playful, and unapologetic. Lautner’s Henry’s restaurant chain (1949–1952) follows this line. After several years of little work during the 1950s and 1960s, he experienced a resurgence with his concrete houses, particularly the Bob Hope Residence and other houses in Palm Springs.

The sixty years of John Lautner’s professional career constitute one of the most original and least studied contributions to twentieth-century architecture.
Building upon the teachings he received as Wright’s apprentice, he developed a language of his own characterized by the integration of space, structure, landscape, and technology.

His architecture was always at the service of human well-being, employing concrete roofs, large cantilevers, movable glazed walls, and retractable roofs.
From his arrival in Los Angeles in 1938, Lautner designed some of the most singular works of Californian architecture, from the Googie coffee shops to the iconic Chemosphere, Elrod, and Silvertop houses.

The more than one hundred buildings designed by Lautner, most of them private residences, are distinguished by a high degree of individuality and a taste for experimentation. Despite incorporating spectacular elements, they always conveyed a sense of intimacy and balance. His works were meant to adapt to their inhabitants and enhance their quality of life through light and air.

Works by Lautner

– 1940. Lautner Residence, Los Angeles.
– 1940. Norman Springer Cottage, Los Angeles.
– 1941. Bell House, Los Angeles.

– 1944. Carling House, Los Ángeles.
– 1945. Darrow Office Building, Beverly Hills.
– 1945. Hancock House, Silver Lake.

– 1946. Residencia Edgar Mauer, Los Ángeles.
– 1946. Coffee Dan’s No. 1, 2, 3 y 4, Los Angeles.
– 1946. Casa Garnett y Betty Hancock, Los Ángeles.

– 1946. Casa de huespedes de Arthur Eisele, Los Angeles.
– 1947. Henry’s Restaurant, Glendale.
– 1947. El Motel De­sert Hot Springs, Coachella Valley en Palm Springs. It still works today.

– 1947. Jacobsen House, Hollywood.
– 1947. W. F. Gantvoort House, La Canada Flintridge.
– 1947. Casa Foster Carling. Los Angeles.

– 1947. Tower Motors Lincoln Mercury Showroom.
– 1947. Casa Edgar F. y Allison Mauer, Los Ángeles.

– 1947. Casa George Jacobson, Hollywood.

– 1947. Casa Florence Polin, Hollywood.

– 1948. Valley Escrow Offices, Sherman Oaks.
– 1948. Casa Jules Salkin, Los Ángeles.

– 1948. Arthur Eisele Guest House Pavilion, Los Angeles.

– 1949. Apartamentos Sheats «L’Horizon». Westwood.

– 1949. Casa Ganvoort, La Cañada Flintridge.

– 1949. Googie’s Coffee Shop, West Hollywood.
– 1949. Casa Schaffer, Glendale.

– 1949. UPA Studios, Burbank.
– 1949. Grant Dahlstrom House, Pasadena.
– 1949. Casa Slater Dahlstrom, Pasadena

– 1950. Leo Harvey House, Los Angeles.
– 1950. Shusett House, Beverly Hills.
– 1950. Lawrence E. Deutsch House, Los Angeles.
– 1950. Casa Louise Foster, Sherman Oaks.

– 1951. Casa George Alexander, Long Beach.
– 1951. Casa Baxter-Hodiak, Los Angeles.
– 1951. Casa Bick, Brentwood.
– 1951. Casa Nouard Gootgeld. Beverly Hills.

– 1951. David Shusett House, Beverly Hills.

– 1952. Casa Howe, Los Angeles.
– 1952. Casa Fern Carr, Los Angeles.
– 1952. Casa Harry A. Williams, Los Angeles.
– 1953. Casa Ted Tyler, Studio City.
– 1953. Casa Ted Bergren, Los Angeles.
– 1953. Restaurane Henry’s, Pasadena.
– 1953. Casa Howe, Los Angeles.
– 1954. Casa Harry C. Fischer, Los Angeles.
– 1954. Casa Beachwood, Los Angeles.
– 1954. Edificio Coneco Corporation, Sherman Oaks.
– 1954. Casa Deutsch, Los Ángeles.

– 1955. Casa Baldwin, Los Angeles.
– 1956. Casa Reiner-Burchill «Silvertop», Los Angeles.
– 1956. Casa Stanley Johnson, Laguna Beach.

– 1956. Edificio Speer Contractors, Los Angeles.
– 1956. Kaynar Factory, Pico Rivera.
– 1956. Casa Willis Harpel House Nº1, Los Ángeles.

– 1956. Casa Silvertop, Kenneth Reiner, Los Ángeles.

Silvertop constitutes one of the landmarks of twentieth-century residential architecture. Commissioned by Kenneth Reiner, John Lautner conceived a serene dwelling whose beauty was meant to arise from its relationship with the site and from the unity of space, structure, and technology. Its curved walls and its great concrete roof frame views toward the ocean and the mountains.
Designed in 1956 and constructed through 1964, it incorporated major innovations, including a 24-meter prestressed concrete vault, an infinity-edge swimming pool, concealed mechanical systems, and movable enclosures specially designed for the house. It also marked the first major use of monolithic concrete as both a sculptural and architectural element in Lautner’s work.
Restored and updated in recent decades, Silvertop preserves the architect’s original vision intact.

Honors
Member of the American Institute of Architects, 1970
Architectural Record Award of Excellence, 1971
Distinguished Alumnus Award, Northern Michigan University, 1975
Architectural Record Award of Excellence, 1977
Cody Award, 1980
American Institute of Architects, Los Angeles Chapter, Man of the Year, 1980
Olympic Architect, 1984

Legacy
Lautner’s legacy is now preserved and perpetuated by the John Lautner Foundation, a nonprofit organization. In 2007, the Foundation donated its archive of drawings, models, photographs, and other materials belonging to John Lautner to the Special Collections of the Getty Research Institute.
In 2008, Lautner’s life and work were the subject of a major retrospective exhibition at the Hammer Museum in Los Angeles. Reviewing the exhibition, author and critic Hunter Drohojowska-Philp praised Lautner’s work: “If there ever was an architect who deserved an exhibition in an art museum, it is John Lautner. With their fluid curves in space and the rhythm of repeated forms, his buildings stand as functional sculptures. They are unique entities, unlike those of any other architect.”

List of Works
1039 John Lautner House, Los Angeles.
1940 Norman Springer Cottage, Los Angeles, Bell House, West Hollywood, Darrow Office Building.
1945 Beverly Hills, Edgar Mauer House, Los Angeles, Hancock House, Silver Lake.
1946 Coffee Dan’s No. 1, Los Angeles, Coffee Dan’s No. 2, Los Angeles, Coffee Dan’s No. 3, Los Angeles, Coffee Dan’s No. 4, Los Angeles (1946)
Arthur Eisele Guest House, Los Angeles.
1947 Foster Carling House, Los Angeles, Desert Hot Springs Motel, Desert Hot Springs, Henry’s Restaurant, Glendale, Florence Polin House, Hollywood, Jacobsen House, Hollywood, W. F. Gantvoort House, La Canada Flintridge, Tower Motors Lincoln Mercury Showroom,
1948 Sheats Apartments («L’Horizon»), Westwood, Valley Escrow Offices, Sherman Oaks.
1949 UPA Studios, Burbank, Grant Dahlstrom House, Pasadena, Schaffer House, Glendale, Googie’s Coffee Shop, West Hollywood,
1950 Leo Harvey House, Los Angeles, Louise Foster House, Sherman Oaks, Shusett House, Beverly Hills, Lawrence E. Deutsch House, Los Angeles.
1951 George Alexander House, Long Beach, Baxter-Hodiak House, Los Angeles, Bick House, Brentwood.
1952 Nouard Gootgeld House, Beverly Hills, Howe House, Los Angeles
Fern Carr House, Los Angeles, Harry A. Williams House, Los Angeles.
1953 Ted Bergren House, Los Angeles, Henry’s Restaurant, Pasadena, Tyler House, Studio City, Howe House, Los Angeles.
1954 Beachwood House, Los Angeles, Coneco Corporation House, Sherman Oaks, Harry C. Fischer House, Los Angeles.
1955 Baldwin House, Los Angeles.
1956 Reiner-Burchill House («Silvertop»), Los Angeles, Speer Contractors Building, Los Angeles, Kaynar Factory, Pico Rivera,
Willis Harpel House No. 1, Los Angeles, Stanley Johnson House, Laguna Beach.
1957 Paul Zahn House, Los Angeles, Henry’s Restaurant, Pomona,
Carl and Agnes Pearlman Cabin, Idyllwild, Ernest S. Lautner House («Round House»), Pensacola.
1958 George Hatherell House, Shadow Hill, Russ Garcia House («Rainbow House»), West Hollywood, Iwerks House, Sherman Oaks,
Leonard J. Malin House («Chemosphere»), West Hollywood.
1960 Concannon House, Beverly Hills, Midtown School, Los Angeles.
1961 Peter Tolstoy House, Rancho Cucamonga, Marco Wolff House, West Hollywood.
1962 Paul Sheats House, Beverly Hills.
1965 Wayne Zimmerman House, Studio City.
1966 Willis Harpel House No. 2, Anchorage, Marina View Heights Headquarters Building, San Juan Capistrano.
1968 Dan Stevens House, Malibu, Arthur Elrod House, Palm Springs, Marco Wolff Mountain Cabin («Windsong»), Banning.
1969 Douglas Walstrom House, Los Angeles.
1970 Garwood House, Malibu.
1971 Gary Familian House, Beverly Hills.
1972 Stephen Bosustow Cabin, Lake Almanor.
1973 Bob Hope House, Palm Springs. William Jordan House, Laguna Beach, Jeronimo Arango House («Marbrisa»), Acapulco.
1975 Beyer House, Malibu.
1978 Robert Rawlins House, Newport Beach.
1979 Crippled Children’s Society, Woodland Hills, Gilbert Segel House, Malibu.
1982 Allan Turner House, Aspen, Alden Schwimmer House, Beverly Hills.
1983 Krause House, Malibu, Stanley Beyer House, Malibu.
1990 Levy House («Concrete Castle»), Malibu.
1992 Shearing House, Coronado.

Notes
6
Interview with Lautner by Laskey in 1986.
In 1986, Marlene Laskey interviewed John Lautner for the Oral History Program at the University of California, Los Angeles (UCLA). Her six-and-a-half-hour interview was published by UCLA under the title Responsibility, Infinity, Nature. It is available through the Internet Archive, an online library for researchers, historians, and scholars. The library maintains copies of the book in several different formats. It can be read online or downloaded.

Internet Archive. Responsibility, infinity, nature oral history transcription: Lautner, John, 1911- interviewed: free download, loan and transmission: Internet Archive

Internet Archive. Responsabilidad, infinito, naturaleza historia oral transcripción: Lautner, John, 1911- entrevistado: descarga gratuita, préstamo y transmisión: Internet Archive

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“The Borrowed Landscape”
John Lautner, his architecture in dialogue with the “borrowed landscape”.

John Edward Lautner Jr. (Marquette, Michigan, 1911 – Los Angeles, California, 1994) grew up in a rural area of the United States, immersed in nature and surrounded by lakes and forests on the shores of Lake Superior.
This early experience profoundly shaped his conception of architecture and became a constant reference in the design of his houses, always conceived in intimate communion with their surroundings.
His works seek to dissolve the boundaries between interior and exterior through the use of large expanses of glass, natural materials, and an intelligent integration of open spaces.

His father was a university professor of German origin, a man of great erudition, and his mother was a painter of Irish descent. «I have never been able to be either completely free like an Irishman or disciplined like a German», he said in one of his most extensive interviews, conducted in 1986 (6). Perhaps the secret of his genius lies in this ambivalence. John Lautner was awarded a scholarship to study architecture at Taliesin, the school founded by Frank Lloyd Wright, where he remained for six years during the 1930s.
There he met future architects and artists such as E. Fay Jones (1921–2004) (3), Santiago Martínez Delgado (4), and Paolo Soleri (5).
During his time at Taliesin, he participated in two projects in Los Angeles, including the Sturges House, and collaborated as construction supervisor on Wingspread, the residence that Frank Lloyd Wright designed for H. F. Johnson Jr., president of the SC Johnson Company.

Wingspread House
The Wingspread House, built in 1937, is situated on a 12-hectare estate in Racine, Wisconsin. The residence displays the long horizontal lines characteristic of Frank Lloyd Wright and a masterful use of natural wood.

The name Wingspread refers to the four wings of the house, which extend from the great central hall. It was the Johnson family’s residence until the 1950s and was later donated to the Johnson Foundation, where it now serves as a conference center. It is located eight kilometers from Racine, Wisconsin. Over the past fifty years, Wingspread has hosted meetings that gave rise to numerous initiatives and institutions, including the National Endowment for the Arts (NEA), National Public Radio (NPR), and some of the earliest American gatherings in support of the establishment of the International Criminal Court. In 1989, it was designated a National Historic Landmark.
John Lautner described himself as «half completely free wild Irishman, through his mother’s heritage, and half completely square German, through his father’s». His father, John Edward Lautner (1871–1959), emigrated from Germany as a child. Self-taught in his early years, he later graduated from the University of Michigan and spent eleven years in Europe studying at the universities of Paris, Göttingen, and Leipzig. Upon returning to the United States, he settled in Marquette, Michigan, where he taught anthropology, philosophy, ethics, French, and German as a university professor.

His father met the woman who would become his wife, Vida Cathleen Gallagher (1885–1958), one of his students, twenty years his junior. She was an interior designer and painter (6). The Lautners showed a deep interest in art and architecture from an early age. In 1918, their house in Marquette, “Keepsake,” designed by Joy Wheeler Dow (1864–1938), was published in The American Architect magazine. A decisive influence in John Lautner’s life was the construction of the family’s summer cabin, “Midgaard,” built upon a rocky outcrop on a remote promontory along the shore of Lake Superior (7).
The Lautners designed and built the log cabin with their own hands, while Vida was responsible for its interior design and decoration, drawing inspiration from her study of Nordic dwellings. In 2013, Midgaard was listed on the United States National Register of Historic Places. In 1929, John Lautner enrolled at Northern State Teachers College, where he studied philosophy, ethics, physics, literature, drawing, art, and the history of architecture. He played the piano and various wind instruments. He did not receive formal architectural training until he entered Taliesin, the school at Spring Green, Wisconsin. During his father’s sabbatical years, he spent periods living in Boston, New York, and Chicago, cities whose cultural atmosphere contributed to broadening his intellectual and artistic interests.

Under Wright’s Tutelage

John Lautner always felt a profound admiration for Frank Lloyd Wright. When he decided to follow his own path, he stated that «I was going to work from my own philosophy, because that is what Wright wanted his apprentices to do». He also maintained: «My plan for being an architect is to work from the ground up and from my philosophical ideas». Speaking about his working method, he explained: «… I always begin from scratch with sketches and try to form a complete idea. I gather all the information from the client: what they like and dislike, the idiosyncrasies of the physical things involved, and I absorb the totality of the requirements. Then, in addition to consolidating that knowledge, I try to create an entirely new idea that can solve that particular problem. It may take me a short time or several months. Sometimes I need so much time to absorb the situation and assume my role that, in reality, this process itself becomes a contribution to the project».
From 1933 to 1939, John Lautner worked and studied with Frank Lloyd Wright at Taliesin in Wisconsin and at Taliesin West in Arizona, where Wright had created a unique school for the education of architects. He avoided the drafting room, preferring the everyday tasks of «carpenter, plumber, farmer, cook, and dishwasher». His experience at Taliesin taught him far more than drawing: he learned stone masonry and carpentry, as well as the value of teamwork.

Years later, in an interview with Marlene Laskey for UCLA (the University of California) (6), John Lautner recalled: «There were no classes, no rules or laws of any kind, except not being late for breakfast. No one taught anything. Physical work and hands-on learning were what mattered most». Frank Lloyd Wright had instilled in him a way of understanding architecture that integrated thought, experience, and construction. Referring to the Arango House in Acapulco, Lautner explained: «I knew exactly the kind of environments they required. They had bought that site overlooking the bay and asked me to design a mountain house. When I went to explore the area, I sat on the site and, after a while, discovered some higher points on the slope that extended directly toward the main living room. That allowed me to conceive the whole project as a single, unified idea. I would create an open terrace, free of any obstacles that might spoil the view, with a band of water surrounding it as a transitional element integrating the house with the bay. Then I could imagine something like a slope disappearing into the sky, beyond sight. It would be a free space, visually and psychologically suspended between the sky and the sea».

John Lautner progressed rapidly under the tutelage of Frank Lloyd Wright. When he married MaryBud Roberts in 1934, he was preparing the design details for one of Wright’s houses in Los Angeles for Alice Millard, working at Taliesin’s Playhouse and Studios. In 1936, he was assigned to a project that would last two years: supervising the construction of Deertrack House in Marquette, designed for Abby Beecher Roberts, MaryBud’s mother. Years later, the house would become the home of Carol Lautner, the couple’s eldest daughter. In 1937, he agreed to supervise the construction of Wingspread, the Johnson family residence near Racine, Wisconsin, his favorite among the Frank Lloyd Wright projects on which he worked. That same year, he traveled with Wright to Minneapolis, Minnesota, to supervise the photography of the Malcolm Willey House, a work whose spatial conception would exert a notable influence on the houses he would design in later years.

He was also deeply involved in the construction of the drafting room at Taliesin West, which influenced the design of his later Mauer House (1946). He compiled photographs of Frank Lloyd Wright’s work for a special issue of Architectural Forum published in 1938 and briefly returned to Taliesin to assist in the preparation of models and materials for the exhibition that the Museum of Modern Art (MoMA) in New York devoted to Wright in 1940. He remained with his mentor for six years, until 1940, when he moved to Los Angeles to begin his independent professional career.

«I am conscious of not wanting to be classified, but rather of continuing to grow and change without interruption, of developing fundamental ideas that enrich life itself and provide a timeless enjoyment of space. This is what I call “real architecture.” Without beginning or end». While striving to establish an independent career, John Lautner wrote to Frank Lloyd Wright assuring him that he remained «ready to do anything that you or your Fellowship might need».

He worked alongside Frank Lloyd Wright on approximately eleven projects in Los Angeles over the following five years. In March 1938, he moved there to take charge of two projects, including the Sturges House (1939), and decided to stay, cut the umbilical cord, and try his luck in an immense city that at first horrified him. «The first time I drove down Santa Monica Boulevard, I thought it was so ugly that I became physically ill. I felt that way for an entire year. After having spent my life surrounded by the natural landscapes of Michigan, Arizona, and Wisconsin… it was the most dreadful thing I had ever seen». In time, that first impression became a personal challenge: «Through my work, I have tried to create oases of beauty despite being in Los Angeles». His first daughter, Karol Lautner, was born in May 1938 (8). His first independent project was a modest one-bedroom house built with a timber frame at a cost of only $2,500 for the Springer family. In September of that same year, Wright once again called upon him to supervise several projects in Los Angeles, including the Green, Lowe, Bell, and Mauer houses. During this period, Lautner collaborated with Wright on the designs for the Sturges House in Brentwood Heights, California, and the Jester House, which was ultimately never built.

Lautner also supervised the construction of the Sturges House for Wright, although the project was plagued by serious design, cost, and construction problems that culminated in the owners threatening legal action, forcing Wright to send Taliesin students to complete the necessary repairs. When the Mauer family terminated their contract with Wright because the working drawings were not delivered on time, they decided to commission Lautner to complete the project. Shortly thereafter, Wright entrusted him with the Bell House commission, which Lautner completed swiftly, consolidating the success of his first independent house. The project received critical acclaim, and the University of Chicago requested its plans and drawings for use as teaching material.

Lautner was an architect-researcher who experimented throughout his professional career with form and structure, as well as with the spatial relationships between architecture, the natural environment, and their material expression. His work was widely published in specialized journals and newspapers, including the Los Angeles Times, the three-page feature devoted to him by Arts & Architecture in June 1942, the House and Garden article of May 1944 that described his work as «the model house for California living», and publications in California Design, Architectural Forum, and The Californian. Particularly significant were the exhibitions Between Earth and Sky: The Architecture of John Lautner, organized in 2008 by the Hammer Museum and the Getty Center (9), and its subsequent presentation in Glasgow, Scotland. Likewise, the symposium Against Reason: John Lautner and Postwar Architecture contributed to rekindling interest in his life and work, generating wide coverage in the architectural press.

Such as the catalogue of the 1991 Vienna exhibition John Lautner: Architect: Los Angeles, with texts by John Lautner himself and edited by Frank Escher, as well as the website of the John Lautner Foundation. His first solo project was his own residence in Los Angeles, the Lautner House (1939), conceived as a laboratory of ideas in which he began to develop many of the spatial and constructive principles that would characterize his later architecture.

The house was the subject of an article published in the June–July issue of California Arts & Architecture. The architectural historian and critic Henry-Russell Hitchcock described it in House Beautiful as «the finest house in the United States designed by an architect under thirty years of age».

See Henry-Russell Hitchcock’s comments on Wright in The Works of Frank Lloyd Wright, Princeton Lectures, and the Walker House at https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-12-conferencias-en-princeton-y-la-casa-walker/?utm_source=chatgpt.com

In 1943, John Lautner worked for the Structon Company on wartime engineering and military construction projects. The following year, he collaborated with architects Samuel Reisbord and Whitney R. Smith before joining the office of Douglas Honnold as a design associate. As Lautner did not obtain his architectural license until 1952, Honnold signed the projects they produced together. Honnold had begun his career in the 1930s as an interior decorator and also worked as an art director and film set designer for Metro-Goldwyn-Mayer.

Lautner collaborated with Douglas Honnold on several projects, including the Coffee Dan’s restaurants on Vine Street in Hollywood and on Broadway in downtown Los Angeles, as well as the remodeling of the Beverly Hills Athletic Club (now demolished). During this period, he also completed two independent projects: the Mauer House and the Eisele Guest House. Of particular importance was the article “Three Western Homes,” published in the March issue of House & Garden, which included the plans of the Bell Residence and four photographs by Julius Shulman (10).

These photographs marked the beginning of a lifelong collaboration between John Lautner and Julius Shulman. Over the following fifty years, Shulman documented approximately seventy-five of Lautner’s projects—both personal commissions and works for other clients—and his photographs of the architect’s work appeared in at least 275 publications. In 1945, Lautner became a partner in Douglas Honnold’s practice, which he left two years later after falling in love with Elizabeth Gilman, his partner’s wife.

When he decided to separate from his first wife, MaryBud Roberts, Lautner did not seek another home; instead, he moved into Honnold’s house at 1818 El Cerrito Place, where he established his new architectural studio. A year later, in 1948, he married Elizabeth. MaryBud returned to Marquette with their four children, Karol (1938–2015), Mary Beecher (1944), Judith Munroe (1946), and Michael John (1942–2005).

His stepdaughter, Elizabeth Honnold Harris, described him as an «incorrigible observer», an expression that reflects his enduring intellectual curiosity and his ability to find inspiration in everyday life. Despite that «small detail», Honnold and Lautner remained lifelong friends.
He was married to Elizabeth Gilman until her death in 1978, following many years of chronic illness. In 1982, he married Francesca Hernández, who had cared for Elizabeth during the final years of her life. Lautner’s work during this period included the Tower Motors Lincoln-Mercury showroom in Glendale and the Sheats “L’Horizon” Apartments.
He then undertook a series of important projects, including the Foster Carling House (1947) in Los Angeles, the Gantvoort Residence (1947) in La Cañada Flintridge, Henry’s Restaurant (1947) in Glendale, and the Desert Hot Springs Motel (1947), now known as the Hotel Lautner. The latter was originally conceived as the prototype for a community of more than one hundred buildings and swimming pools spread across approximately 240 hectares acquired by film producer Lucien Hubbard, winner of the first Academy Award for Best Picture for Wings (1927). This ambitious project was never completed and today survives as one of the few Lautner buildings open to the public.

In the Late 1940s and Early 1950s
His work appeared regularly in both specialized and widely circulated publications, including Architectural Record, Arts & Architecture, House & Garden, Ladies’ Home Journal, and the Los Angeles Times. It has also been extensively documented in archival collections and reference databases such as the RIBA (Royal Institute of British Architects) Library, Columbia University’s Avery Architectural and Fine Arts Library, WorldCat, WilsonWeb, and Art Index, among others.
1949–50
He completed the Dahlstrom Residence (1949), the celebrated Googie’s Coffee House (1949) in Hollywood—the building that gave its name to the Googie architectural style—and the UPA Studios animation facilities (1951) in Burbank.
1950
He participated in a group exhibition of sixteen California architects held at Scripps College in Claremont, California.
“Sixteen Southern California Architects Exhibit Contemporary Trends”.
The exhibition was also published in the April 1950 issue of Arts & Architecture, featuring 39 photographs by Julius Shulman, including two of Lautner’s Mauer House.
1951
His work was included in the influential guide A Guide to Contemporary Architecture in Southern California (Watling, 1951), edited by Frank Harris and Weston Bonenberger.
1952
In 1952, he obtained his architectural license. That same year, House and Home published the influential article “Googie Architecture” by Douglas Haskell, illustrated with two photographs by Julius Shulman of Googie’s Coffee Shop in Los Angeles. The publication also included an article devoted to the Foster Carling House and the L’Horizon Apartments, making a decisive contribution to the dissemination of Lautner’s work and to the popularization of the term “Googie,” which would eventually come to define an entire movement of postwar Californian architecture.
1984
In 1984, he was appointed Olympic Architect for the Los Angeles Summer Olympic Games. Architect Duncan Nicholson, who worked in his studio for five years at the beginning of the 1990s, wrote of him: «Lautner was an architect’s architect. He did not wear a bow tie or pretend to be something he was not. He was always unassuming, although, if you worked for him, you had better know what you were doing, because otherwise you would pay dearly for it».

John Lautner referred to his clients in these terms: «My clients are all individuals with considerable personality; otherwise, they would not come to me». Many of them were connected to the entertainment industry, such as Bob Hope, Anne Baxter—the granddaughter of Frank Lloyd Wright—and John Hodiak; others were musicians, such as George Carling, Miles Davis, and Russ Garcia; artists, such as Helen Sheats; interior designers, such as Arthur Elrod; and, above all, engineers and technicians, such as Leonard Malin and Kenneth Reiner. The latter worked in the innovative aerospace industry and contributed technical solutions that proved decisive for some of his buildings, which would hardly have been the same without their collaboration.
1999
The Architecture of John Lautner, by Alan Hess and Alan Weintraub, published by Rizzoli International Publications, was released in 1999. It remains one of the most comprehensive monographs devoted to his work.
2008
An exhibition was held in 2008 at the Hammer Museum, curated by architect Frank Escher and architectural historian Nicholas Olsberg.
Lautner is remembered not only for the development of the Googie style, but also for the architecture of the so-called “Atomic Age,” a period extending from 1940 to 1963, when Western society was immersed in the concerns of the Cold War.
Architecture, industrial design, commercial design (including advertising), interior design, and the fine arts were all influenced by the themes of atomic science and the Space Age. Atomic Age design became both popular and readily recognizable through its use of atomic motifs and symbols of the Space Age. Among the works of this period are the Leonard Malin House, the Paul Sheats House, the Garcia House, and the Rainbow House.
John Lautner designed more than 200 architectural projects during his career, although many of his large-scale building designs were never realized. In the architectural press, his work has been largely represented by his domestic commissions; however, he also designed numerous commercial buildings, including Googie’s, Coffee Dan’s, and Henry’s restaurants, the Beachwood Market, the Desert Hot Springs Motel, and the Lincoln Mercury Showroom in Glendale. Unfortunately, several of these buildings have been demolished.
With a few exceptions, such as the Arango Residence in Acapulco, the Turner House in Aspen, Colorado, the Harpel House #2 in Anchorage, Alaska, and the Ernest Lautner House in Pensacola, Florida, nearly all of Lautner’s surviving buildings are located in California, primarily in and around Los Angeles.
Lautner’s final years were overshadowed by declining health and the loss of mobility.

14 films and the Lautner Houses Used.
The Sheats-Goldstein Residence has been the Lautner house most frequently used by Hollywood, followed by the Chemosphere and the Elrod House, both of which have become cinematic icons.
1. The Duplicate Man (1964) – Malin House (Chemosphere).
2. Diamonds Are Forever (1971) – Elrod House.
3. Body Double (1984) – Malin House (Chemosphere).
4. Less Than Zero (1987) – Reiner-Burchill Residence (Silvertop).
5. Lethal Weapon 2 (1989) – Rainbow House.
6. Playing God (1997) – Sheats-Goldstein Residence.
7. Sunset (1998) – Jacobsen House.
8. The Big Lebowski (1998) – Sheats-Goldstein Residence.
9. Bandits (2001) – Sheats-Goldstein Residence.
10. Charlie’s Angels: Full Throttle (2003) – Sheats-Goldstein Residence.
11. A Single Man (2009) – Schaffer Residence.
12. L.A. Confidential (1997) – Harpel House (selected scenes).
13. Charlie’s Angels (2000) – Sheats-Goldstein Residence.
14. Southland Tales (2006) – Sheats-Goldstein Residence.

Notes
1
A.V. Arquitectura Viva. Frank Escher, 31/12/2010. John Lautner 1911–1994.
2
John Lautner. Infinite Space. Original title: Infinite Space: The Architecture of John Lautner (USA, 2008, 91 min.). Documentary directed by Murray Grigor. Arquia/Documentary Collection No. 36, with texts by architect Jorge Gorostiza.
3
American architect and designer E. Fay Jones (1921–2004) was an apprentice of Frank Lloyd Wright at Taliesin. He was the only one of Wright’s disciples to receive the Gold Medal of the American Institute of Architects (AIA) in 1990, the institution’s highest honor. He also achieved international recognition for his thirty-five years of teaching at the School of Architecture of the University of Arkansas.

In the late ’40s and early ’50s
His work appeared regularly in both professional and popular publications, including Architectural Record, Arts & Architecture, House & Garden, Ladies’ Home Journal, and the Los Angeles Times. It has also been extensively documented in major architectural archives and reference databases such as the RIBA (Royal Institute of British Architects) Library, Columbia University’s Avery Architectural and Fine Arts Library, WorldCat, WilsonWeb, and Art Index, among others.
1949-50
He was part of a group exhibition of sixteen California architects at Scripps College in Claremont, California.<<<< He designed the Dahlstrom Residence (1949), the celebrated Googie’s Coffee Shop (1949) in Hollywood—which gave its name to the Googie architectural style—and the UPA Studios (1951) animation studios in Burbank.
1950
He took part in a collective exhibition of sixteen California architects held at Scripps College in Claremont, California, entitled Sixteen Southern California Architects Exhibit Contemporary Trends. It was also published in the April 1950 issue of Arts & Architecture, featuring 39 photographs by Julius Shulman, including two of Lautner’s Mauer House.
1951
His work was included in Harris and Bonenberg’s influential A Guide to Contemporary Architecture in Southern California (Watling 1951). His work was included in the influential A Guide to Contemporary Architecture in Southern California (Watling, 1951), edited by Frank Harris and Weston Bonenberger.
1952
In 1952, he obtained his architectural license. That same year, House and Home published the influential article “Googie Architecture” by Douglas Haskell, illustrated with two photographs by Julius Shulman of Los Angeles’s Googie’s Coffee Shop. The publication also included an article on the Foster Carling House and the L’Horizon apartments, contributing significantly to the dissemination of Lautner’s work and the popularization of the term “Googie,” which would come to define an entire movement of postwar California architecture.
1984
In 1984, he was appointed Olympic Architect for the Los Angeles Summer Olympic Games. Architect Duncan Nicholson, who worked in his studio for five years in the early 1990s, wrote of him: “Lautner was an architect’s architect. He didn’t wear a bow tie or pretend to be something he wasn’t. He was always unassuming, although if you worked for him, you had better know what you were doing, because otherwise you would pay dearly for it.”
Lautner spoke of his clients this way “My clients are all individuals with quite a bit of personality; If not, they would not come”.
Many of those clients were related to the world of entertainment, such as Bob Hope, Anne Baxter – Wright’s granddaughter – and John Hodiak, others were musicians such as George Carling, Miles Davis and Russ Garcia, or artists such as Helen Sheats, interior designers such as Arthur Elrod, and, above all, engineers and technicians, such as Leonard Malin and Kenneth Reiner, the latter worked in the innovative aerospace industry, and provided solutions to some of its buildings, so that without them they would not have been as they are.
1999
The Architecture of John Lautner, by Alan Hess and Alan Weintraub, was published by Rizzoli International Publications, one of the most comprehensive monographs devoted to his work.
2008
An exhibition is held in 2008 at the Hammer Museum curated by architect Frank Escher and architectural historian Nicholas Olsberg.
Lautner is not only remembered for the development of the Geogie style, but for the style of the so-called “Atomic Age”, a period from 1940 to 1963 when Western society was immersed in concerns about the Cold War.
Architecture, industrial design, commercial design (including advertising), interior design, and fine art were influenced by themes of atomic science, as well as the Space Age. Atomic Age design became popular and recognizable, with the use of atomic motifs and space age symbols. From that time are the Leonard Malin House, the Paul Sheats House, the Garcia House or the Rainbow House.
John Lautner designed more than 200 architectural projects during his career, but many large building designs were never realized. In the architectural press, his current work has been dominated by his domestic commissions; Although he designed numerous commercial buildings, including Googie’s, Coffee Dan’s and Henry’s restaurants, Beachwood Market, Desert Hot Springs Motel and the Lincoln Mercury Showroom in Glendale, several of these buildings have sadly been demolished.

With exceptions such as the Arango Residence in Acapulco, the Turner House in Aspen, Colorado, the Harpel House #2 in Anchorage, Alaska, the Ernest Lautner House in Pensacola, Florida, almost all of Lautner’s existing buildings are in California, mainly in Los Angeles and surroundings.
Lautner’s final years were marred by declining health and loss of mobility.

Notes
1
AV. Living Architecture. Frank Escher, 12/31/2010. John Lautner 1911-1994.
2
John Lautner infinite space. Collection directed by Murray Grigor. Texts by Architect Jorge Gorostiza. Original title “A Infinite Space. The Architecture of John Lautner (USA, 2008-92)”. Arquia Collection / Documentary 36.
3
American architect and designer E. Fay Jones (1921–2004) was an apprentice of Frank Lloyd Wright at Taliesin. He was the only one of Wright’s disciples to receive the American Institute of Architects (AIA) Gold Medal in 1990, the institution’s highest honor. He also gained international recognition for his thirty-five years of teaching at the University of Arkansas School of Architecture.

4
Colombian muralist, painter, illustrator, and graphic designer Santiago Martínez Delgado (Bogotá, 1906–Cajicá, 1954) was one of the leading representatives of Art Deco in Colombia. He studied at the School of Fine Arts in Chicago and was a disciple of Frank Lloyd Wright at Taliesin. Among other distinctions, he received the Logan Medal of the Arts, the Colombian National Artists’ Salon Award, and the Cross of the Order of Boyacá for his work on the mural in the Elliptical Hall of the National Capitol, considered one of the most significant mural works in the country.
5
https://onlybook.es/blog/arq-paolo-soleri-por-hakj/
6
Interview with Lautner by Laskey in 1986. In 1986, Marlene Laskey interviewed John Lautner for the Oral History Program at the University of California, Los Angeles (UCLA).
His six and a half hour interview was published by UCLA under the title “Responsibility, Infinity, Nature”.
It is available through the Internet Archive, an online library for researchers, historians and academics. The library maintains copies of the book in several different formats. It can be read online or downloaded.

Internet Archive. Responsabilidad, infinito, naturaleza historia oral transcripción : Lautner, John, 1911- entrevistado: descarga gratuita, préstamo y transmisión: Internet Archive

7
Lake Superior is the largest of North America’s Great Lakes and the world’s largest freshwater lake by surface area, as well as the third largest by volume. Shared by Canada and the United States, its waters flow into Lake Huron through the St. Marys River.
8
“John Lautner. Architect». By Alicia Paz González Riquelme and Eduardo Basurto Salazar Department of Methods and Systems. Metropolitan Autonomous University. Mexico.
9
The Hammer Museum is an art museum and cultural center, part of the University of California, Los Angeles. Founded in 1990 by industrial entrepreneur Armand Hammer to house his personal art collection, the museum has since expanded its reach to become «the most modern and culturally relevant institution in the city.»
Critically acclaimed by the museum are presentations by emerging contemporary artists, many of them historically overlooked. It hosts more than 300 programs year-round, from conferences, symposiums and readings to concerts and film screenings.
10

Julius Shulman was born in Brooklyn, and grew up on a farm in Connecticut. He moved to Los Angeles to begin his studies, but never finished them. His mentor was Richard Neutra, who upon seeing the photos he took of the Kun Residence, commissioned him to immortalize his projects. “Actually I’m just a salesman, I sell architecture».
When John Entenza, director of the magazine Arts and Architecture, launched his Case Study program in 1945, Julius transformed projects by Eames, Neutra or Soriano into Icons.

“Shulman’s Stahl House snapshot is one of those images that summarizes an entire city” wrote the New York Times critic of the time (referring to Case Study 22, designed by Pierre Koenig from 1959).

«When I started working I realized that very few of my colleagues captured people in their work, but I thought that if I was going to photograph architecture I wanted to show it being functional».
«My images always tell a story, perhaps because there are people in them».
He lived in a house designed by Raphael Soriano in the Hollywood Hills. In 2015, the Californian studio LOHA restored it respecting its original design.

Follow at https://onlybook.es/blog/arq-john-lautner-el-dialogo-con-el-paisaje-prestado-parte-2/
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The three articles on Architect John Lautner, complete in Spanish and English.

Arq. John Lautner, el diálogo con el paisaje prestado, el aprendiz de Wright. parte 1 https://onlybook.es/blog/arq-john-lautner-el-dialogo-con-el-paisaje-prestado/
English text https://onlybook.es/blog/gb-architect-john-lautner-the-dialogue-with-the-borrowed-landscape-part-1-english-text/

Arq. John Lautner, el diálogo con el paisaje prestado, el aprendiz de Wright. parte 2 https://onlybook.es/blog/arq-john-lautner-el-dialogo-con-el-paisaje-prestado-parte-2/
English text https://onlybook.es/blog/gb-architect-john-lautner-the-dialogue-with-the-borrowed-landscape-part-2-english-text/

Arq. John Lautner, el diálogo con el paisaje prestado, el aprendiz de Wright. parte 3 y final https://onlybook.es/blog/arq-john-lautner-el-dialogo-con-el-paisaje-prestado-parte-3/
English text https://onlybook.es/blog/gb-architect-john-lautner-the-dialogue-with-the-borrowed-landscape-part-2-english-text-2/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Hugoklico7.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Firma y difúndelo. GRACIAS

https://chng.it/PsfMJ6xtK6

Diario Clarin https://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-https://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-zkowski/

El “paisaje prestado”
John Lautner, su arquitectura en diálogo con el “paisaje prestado”.

John Edward Lautner Jr. (Marquette, Míchigan, 1911 – 1994 Los Ángeles, California) creció en una zona rural de Estados Unidos, inmerso en la naturaleza, rodeado de lagos y bosques a orillas del Lago Mayor. Esa experiencia temprana marcó profundamente su concepción de la arquitectura y se convirtió en una referencia constante en el diseño de sus casas, concebidas siempre en íntima comunión con el entorno. Sus obras buscan diluir los límites entre el interior y el exterior, utilizando grandes superficies acristaladas, materiales naturales, y un inteligente uso de los espacios abiertos.

Su padre era un profesor universitario de origen alemán, un hombre de gran erudición, y su madre una pintora de ascendencia irlandesa. «Nunca he sido capaz de ser ni completamente libre como un irlandés ni disciplinado como un alemán», contó en una de sus más extensas entrevistas, realizada en 1986 (6). Quizá en esa ambivalencia resida el secreto de su genialidad. Lautner fue becado para formarse en arquitectura en Taliesin, la escuela fundada por Frank Lloyd Wright, donde permaneció durante seis años en la década de 1930. Allí coincidió con futuros arquitectos y artistas como Euine Fay Jones (1921 – 2004) (3), San­tiago Mar­tí­nez Del­gado (4) y Paolo Soleri. (5)
Durante su estancia en Taliesin participó en dos proyectos en Los Ángeles, entre ellos la Casa Sturges, y colaboró como director de obra de Wingspread, la residencia que Frank Lloyd Wright diseñó para H. F. Johnson Jr., presidente de la SC Johnson Company.

Casa Wings­pread
La Casa Wingspread de 1937, está situada en una propiedad de 12 hectáreas en Racine, Wisconsin, la residencia despliega las largas líneas horizontales características de Frank Lloyd Wright y una cuidada utilización de la madera natural.

El nombre Wingspread «alas desplegadas» alude a las cuatro alas de la casa, que se extienden desde el gran salón central. Fue la residencia de la familia Johnson hasta la década de 1950 y, posteriormente, fue donada a la Fundación Johnson, donde funciona como centro de conferencias. Se encuentra a ocho kilómetros de Racine, Wisconsin.
En los últimos cincuenta años, Wingspread ha acogido reuniones que dieron origen a diversas iniciativas e instituciones, entre ellas la Fundación Nacional para las Artes (National Endowment for the Arts), la Radio Pública Nacional (NPR) y algunos de los primeros encuentros estadounidenses en apoyo de la creación de la Corte Penal Internacional. En 1989 fue declarada Monumento Histórico Nacional (National Historic Landmark).

Lautner se definía a sí mismo como «mitad salvaje irlandés completamente libre, por herencia materna, y mitad alemán completamente cuadriculado, por la paterna». Su padre, John Edward Lautner (1871-1959), emigró desde Alemania siendo niño. Autodidacta en sus primeros años, se graduó posteriormente en la Universidad de Michigan y permaneció once años en Europa estudiando en las universidades de París, Gotinga y Leipzig. A su regreso a Estados Unidos se estableció en Marquette (Michigan), donde ejerció como profesor universitario impartiendo clases de antropología, filosofía, ética, francés y alemán.

Su padre conoció a quien sería su esposa, Vida Cathleen Gallagher (1885-1958), una de sus alumnas, veinte años menor que él. Fue diseñadora de interiores y pintora (6).
Los Lautner mostraron desde muy temprano un profundo interés por el arte y la arquitectura. En 1918, su casa de Marquette, «Keepsake», diseñada por Joy Wheeler Dow (1864-1938), fue publicada en la revista The American Architect. Una influencia decisiva en la vida de John Lautner fue la construcción de la cabaña de verano familiar, «Midgaard», levantada sobre una plataforma rocosa en un remoto promontorio de la costa del lago Superior (7).

Los Lautner diseñaron y construyeron la cabaña de troncos con sus propias manos, mientras que Vida se encargó del diseño y la decoración interior, inspirándose en su estudio de las viviendas nórdicas. En 2013, Midgaard fue incluida en el Registro Nacional de Lugares Históricos de Estados Unidos.
En 1929, John Lautner ingresó en el Northern State Teachers College, donde estudió filosofía, ética, física, literatura, dibujo, arte e historia de la arquitectura. Tocaba el piano y diversos instrumentos de viento. No recibió una formación académica en arquitectura hasta su ingreso en Taliesin, la escuela de Spring Green (Wisconsin).
Durante los años sabáticos de su padre, vivió temporadas en Boston, Nueva York y Chicago, ciudades cuyo ambiente cultural contribuyó a ampliar sus intereses intelectuales y artísticos.

Bajo la tutela de Wright

Desde siempre sintió una profunda admiración por Frank Lloyd Wright. Cuando decidió emprender su propio camino afirmó que «iba a trabajar a partir de mi propia filosofía, ya que eso es lo que Wright quería que hicieran los aprendices»». También sostenía: «Mi plan para ser arquitecto es trabajar desde cero y desde mis ideas filosóficas». Acerca de su método de trabajo explicaba: «… comienzo siempre desde cero con los bocetos y trato de hacerme una idea completa. Recojo toda la información del cliente: lo que le gusta y lo que no, la idiosincrasia de las cosas físicas, etc., y absorbo la totalidad de los requerimientos. Entonces, además de consolidar esos conocimientos, trato de crear una idea totalmente nueva que pueda resolver ese problema en particular. Puede llevarme un tiempo breve o varios meses. A veces necesito tanto tiempo para asimilar la situación y asumir mi papel que, en realidad, ya se trata de una contribución al proyecto en sí misma».

Desde 1933 hasta 1939 trabajó y estudió con Frank Lloyd Wright en Taliesin, en Wisconsin, y en Taliesin West, en Arizona, donde Wright había creado una singular escuela para la formación de arquitectos. Evitó la sala de dibujo, prefiriendo las tareas cotidianas de «carpintero, plomero, agricultor, cocinero y lavaplatos». La experiencia en Taliesin le enseñó mucho más que a dibujar: aprendió cantería y carpintería, así como el valor del trabajo en equipo.

Años más tarde, en una entrevista concedida a Marlene Laskey para la UCLA (Universidad de California) (6), Lautner recordaba: «No había clases, ni normas ni leyes de ningún tipo, excepto no llegar tarde al desayuno. Nadie enseñaba nada. El trabajo físico y el aprendizaje manual eran lo fundamental». Wright le había inculcado una manera de entender la arquitectura integrando pensamiento, experiencia y construcción. Refiriéndose a la Casa Arango, en Acapulco, Lautner explicaba: «Conocía exactamente los ambientes que requerían. Habían comprado aquel terreno que dominaba la bahía y me habían pedido el proyecto de una casa de montaña. Cuando fui a explorar la zona me senté en el terreno y, tras un rato, descubrí en la ladera algunas zonas más elevadas que se prolongaban directamente hacia la sala principal. Así pude concebirlo todo como una idea global. Haría una terraza abierta, sin obstáculos que pudieran estropear el panorama, con una franja de agua alrededor como elemento de transición que integrase la casa con la bahía. Entonces pude imaginar algo así como una pendiente que desapareciese en el cielo, fuera de la vista. Sería un espacio libre, suspendido visual y psicológicamente entre el cielo y el mar».

Lautner progresó rápidamente bajo la tutela de Wright. Cuando en 1934 se casó con MaryBud Roberts, estaba preparando los detalles del diseño de una casa de Wright en Los Ángeles para Alice Millard, trabajando en el Playhouse and Studios de Taliesin. En 1936 fue asignado a un proyecto que se prolongó durante dos años: la supervisión de la casa Deertrack, diseñada en Marquette para Abby Beecher Roberts, madre de MaryBud. Años más tarde, la casa sería el hogar de Carol Lautner, la hija mayor del matrimonio.
En 1937 acordó supervisar la construcción de Wingspread, la residencia de la familia Johnson cerca de Racine, Wisconsin, su proyecto favorito entre las obras de Frank Lloyd Wright en las que trabajó. Ese mismo año viajó con Wright a Minneapolis (Minnesota) para supervisar las fotografías de la Malcolm Willey House, una obra cuya concepción espacial ejercería una notable influencia en las viviendas que diseñaría años más tarde.

También estuvo profundamente involucrado en la construcción de la sala de dibujo de Taliesin West, que influyó en el diseño de su posterior Mauer House (1946). Recopiló fotografías de la obra de Frank Lloyd Wright para un número especial de Architectural Forum publicado en 1938 y regresó brevemente a Taliesin para colaborar en el montaje de maquetas y materiales destinados a la exposición que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) dedicó a Wright en 1940. Permaneció junto a su maestro durante seis años, hasta que en 1940 se trasladó a Los Ángeles para iniciar su carrera profesional de forma independiente.

«Soy consciente de no querer ser clasificado, sino seguir creciendo y cambiando sin interrupción, desarrollar ideas básicas que supongan un enriquecimiento de la vida misma y, además, un disfrute intemporal de los espacios. Esto es lo que yo llamo “arquitectura real. Sin principio ni fin». Mientras buscaba desarrollar una carrera independiente, le escribió a Wright asegurándole que permanecía «dispuesto a hacer cualquier cosa que usted o su Fellowship necesitaran».

Trabajó junto a Wright en alrededor de once proyectos en Los Ángeles durante los cinco años siguientes. En marzo de 1938 se trasladó para hacerse cargo de dos obras. la Sturges House (1939), y decidió quedarse, cortar el cordón umbilical y probar suerte en una urbe enorme que, al principio, le horrorizó. «La primera vez que conduje por el bulevar de Santa Mónica me pareció tan feo que me puse físicamente enfermo. Así estuve un año. Después de haber pasado mi vida en la naturaleza de Michigan, Arizona y Wisconsin… era lo más espantoso que había visto nunca». Con el tiempo, aquella impresión inicial se transformó en un desafío personal: «He intentado con mi trabajo crear oasis de belleza a pesar de estar en Los Ángeles».
Su primera hija, Karol Lautner, nació en mayo de 1938 (8). Su primer proyecto independiente fue una modesta vivienda de un dormitorio, construida con estructura de madera y un coste de apenas 2.500 dólares, para la familia Springer. En septiembre de ese mismo año, Wright volvió a ponerse en contacto con él para supervisar varios proyectos en Los Ángeles, entre ellos las casas Green, Lowe, Bell y Mauer. Durante este período, Lautner colaboró con Wright en los diseños de la Sturges House, en Brentwood Heights (California), y de la Jester House, que finalmente no llegó a construirse.

Lautner supervisó también la construcción de la Sturges House para Wright, aunque la obra se vio afectada por serios problemas de diseño, costes y ejecución que culminaron con la amenaza de acciones legales por parte de los propietarios, obligando a Wright a enviar estudiantes de Taliesin para completar las reparaciones.
Cuando la familia Mauer rescindió el contrato con Wright por no entregar a tiempo los planos de ejecución, decidió contratar a Lautner para finalizar el proyecto. Poco después, Wright le cedió el encargo de la Bell House, que Lautner completó con rapidez, consolidando el éxito obtenido con su primera vivienda independiente. El proyecto recibió elogios de la crítica y la Universidad de Chicago solicitó sus planos y dibujos para utilizarlos como material docente.

Lautner fue un arquitecto investigador que experimentó a lo largo de toda su trayectoria profesional con la forma y la estructura, así como con las relaciones espaciales entre la arquitectura, el entorno natural y su materialización. Sus obras fueron ampliamente publicadas en revistas y periódicos especializados. Entre ellas destacan el Los Angeles Times, las tres páginas que Arts & Architecture le dedicó en junio de 1942, el artículo de House and Garden de mayo de 1944 que la calificó como «la casa modelo para la vida en California», así como sus publicaciones en California Design, Architectural Forum y The Californian.
Relevantes fueron las exposiciónes «Entre la tierra y el cielo: la arquitectura de John Lautner», organizada en 2008 por el Museo Hammer y el Getty Center (9), y su posterior presentación en Glasgow, Escocia. Asimismo, el simposio «Contra la razón: John Lautner y la arquitectura de posguerra» contribuyó a despertar un renovado interés por su vida y su obra, generando una amplia repercusión en la prensa especializada.

Como el catálogo de la exposición vienesa de 1991 John Lautner: Architect: Los Angeles, con textos del propio Lautner y editado por Frank Escher, así como el sitio web de la Fundación John Lautner. Su primer proyecto en solitario fue su propia vivienda en Los Ángeles, la Casa Lautner (1939), concebida como un laboratorio de ideas en el que comenzó a desarrollar muchos de los principios espaciales y constructivos que caracterizarían su arquitectura posterior.

La casa fue objeto de un artículo publicado en la edición de junio-julio de California Arts & Architecture. El historiador y crítico de la arquitectura Henry-Russell Hitchcock la calificó en House Beautiful como «la mejor casa de los Estados Unidos realizada por un arquitecto menor de treinta años».

Ver comentarios de Henry-Rusell Hitchcock sobre Wright en Las obras de Frank Lloyd Wright, conferencias en Princeton, la Casa Walker en https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-12-conferencias-en-princeton-y-la-casa-walker/?utm_source=chatgpt.com

En 1943 trabajó para la Structon Company en proyectos de ingeniería y construcción militar en tiempos de la guerra. Al año siguiente colaboró con los arquitectos Samuel Reisbord y Whitney R. Smith, antes de incorporarse como asociado de diseño al estudio de Douglas Honnold. Como Lautner no obtuvo su licencia de arquitecto hasta 1952, Honnold firmaba los proyectos realizados conjuntamente. Honnold había iniciado su carrera en la década de 1930 como decorador de interiores y trabajó también como director artístico y escenógrafo cinematográfico para la Metro-Goldwyn-Mayer.

Lautner colaboró con Douglas Honnold en varios proyectos, entre ellos los restaurantes Coffee Dan’s de Vine Street, en Hollywood, y de Broadway, en el centro de Los Ángeles, así como en la remodelación del Beverly Hills Athletic Club (hoy desaparecido). Durante ese período realizó también dos proyectos propios: la Mauer House y la casa de huéspedes Eisele. Especial relevancia tuvo el artículo «Three Western Homes», publicado en la edición de marzo de House & Garden, que incluía los planos de la Bell Residence y cuatro fotografías de Julius Shulman (10).

Estas fotografías marcaron el inicio de una colaboración de por vida entre John Lautner y Julius Shulman. Durante los cincuenta años siguientes, Shulman documentó alrededor de setenta y cinco proyectos de Lautner —tanto encargos personales como realizados para otros clientes— y sus imágenes de la arquitectura del arquitecto aparecieron en al menos 275 publicaciones. En 1945, Lautner se convirtió en socio del estudio de Douglas Honnold, que abandonó dos años más tarde tras enamorarse de Elizabeth Gilman, esposa de su socio.
Cuando decidió separarse de su primera esposa, MaryBud Roberts, Lautner no buscó otra vivienda: se trasladó precisamente a la casa de Honnold, en el 1818 de El Cerrito Place, donde instaló su nuevo estudio profesional. Un año después, en 1948, contrajo matrimonio con Elizabeth.
MaryBud regresó a Marquette con sus cuatro hijos, Karol (1938-2015), Mary Beecher (1944), Judith Munroe (1946) y Michael John (1942-2005). 
Su hijastra, Elizabeth Honnold Harris, lo definió como un «observador incorregible», expresión que alude a su permanente curiosidad intelectual y a su capacidad para encontrar inspiración en la vida cotidiana.
A pesar de ese «pequeño detalle», Honnold y Lautner siguieron siendo amigos durante toda la vida.

Estuvo casado con Elizabeth Gilman hasta su fallecimiento en 1978, tras padecer durante muchos años una enfermedad crónica. En 1982 contrajo matrimonio con Francesca Hernández, quien había sido la cuidadora de Elizabeth durante sus últimos años de vida. La producción de Lautner en ese período incluyó la sala de exhibición Tower Motors Lincoln-Mercury, en Glendale, y los apartamentos Sheats «L’Horizon».

Emprendió entonces una serie de importantes proyectos, entre ellos la Foster Carling House (1947), en Los Ángeles; la Gantvoort Residence (1947), en La Cañada Flintridge, el Henry’s Restaurant (1947), en Glendale; y el Desert Hot Springs Motel (1947), hoy conocido como Hotel Lautner, éste fue concebido originalmente como el prototipo de una comunidad de más de cien edificios y piscinas sobre unas 240 hectáreas adquiridas por el productor cinematográfico Lucien Hubbard, ganador del primer Óscar a la mejor película por Wings (1927). El ambicioso proyecto nunca llegó a completarse y hoy sobrevive como uno de los escasos edificios de Lautner abiertos al público

A finales de los ´40 y principios de los ´50
Su obra apareció regularmente en publicaciones especializadas y de gran difusión, entre ellas Architectural Record, Arts & Architecture, House & Garden, Ladies’ Home Journal y el Los Angeles Times. Asimismo, ha sido ampliamente documentada en archivos y bases de datos de referencia como la biblioteca del RIBA (Royal Institute of British Architects), la Avery Architectural and Fine Arts Library de la Universidad de Columbia, WorldCat, WilsonWeb y Art Index, entre otras.                                       

1949-50
Realizó la Dahlstrom Residence (1949), la célebre Googie’s Coffee House (1949), en Hollywood —obra que daría nombre al estilo arquitectónico Googie— y los estudios de animación UPA Studios (1951), en Burbank.

1950
Formó parte de una exposición colectiva de dieciséis arquitectos californianos celebrada en el Scripps College de Claremont, California.
«Sixteen Southern California Architects Exhibit Contemporary Trends».
Fue publicada además en el número de abril de 1950 de Arts & Architecture con 39 fotografías de Julius Shulman, entre ellas dos de la Mauer House de Lautner.

1951
Su obra fue incluida en la influyente guía A Guide to Contemporary Architecture in Southern California (Watling, 1951), editada por Frank Harris y Weston Bonenberger

1952
En 1952 obtuvo su licencia de arquitecto. Ese mismo año, House and Home publicó el influyente artículo «Googie Architecture», de Douglas Haskell, ilustrado con dos fotografías de Julius Shulman del restaurante Googie’s Coffee Shop de Los Ángeles. La publicación incluía además un artículo dedicado a la Foster Carling House y a los apartamentos L’Horizon, contribuyendo decisivamente a la difusión de la obra de Lautner y a la popularización del término «Googie», que acabaría identificando toda una corriente de la arquitectura californiana de posguerra.

1984
En 1984 fue nombrado Arquitecto Olímpico para los Juegos Olímpicos de Verano de Los Ángeles. El arquitecto Duncan Nicholson, que trabajó en su estudio durante cinco años a comienzos de la década de 1990, escribió sobre él: «Lautner era un arquitecto de arquitectos. No llevaba pajarita ni fingía ser algo que no era. Siempre se mostraba sencillo, aunque, si trabajabas para él, era mejor que supieras lo que estabas haciendo, porque de lo contrario lo pagarías caro».

Lautner se refería así a sus clientes: «Mis clientes son todos individuos con bastante personalidad; si no, no vendrían». Muchos de ellos estaban relacionados con el mundo del espectáculo, como Bob Hope, Anne Baxter —nieta de Frank Lloyd Wright— y John Hodiak; otros eran músicos, como George Carling, Miles Davis y Russ Garcia; artistas, como Helen Sheats; interioristas, como Arthur Elrod; y, sobre todo, ingenieros y técnicos, como Leonard Malin y Kenneth Reiner. Estos últimos trabajaban en la innovadora industria aeroespacial y aportaron soluciones técnicas decisivas a algunos de sus edificios, que difícilmente habrían sido los mismos sin su colaboración.

1999
Se publicó The Architecture of John Lautner, de Alan Hess y Alan Weintraub, editado por Rizzoli International Publications, una de las monografías más completas dedicadas a su obra.

2008

Se realiza una exhibición en 2008 en el Hammer Museum comisariada por el arquitecto Frank Escher y el historiador de la arquitectura Nicholas Olsberg.

Lautner, no solo es recordado por el desarrollo del estilo Geogie, sino por el estilo de la llamada “Era Atómica”, un período que va desde 1940 a 1963 cuando la sociedad occidental estuvo inmersa en la preocupación por la Guerra Fría.

La arquitectura, el diseño industrial, el diseño comercial (incluida la publicidad), el diseño de interiores y las bellas artes estuvieron influenciados por los temas de la ciencia atómica, así como por la Era Espacial. El diseño de la Era Atómica se hizo popular y reconocible, con el uso de motivos atómicos y símbolos de la era espacial. De esa época son la Casa Leonard Malin, la Casa Paul Sheats, la Casa Garcia o la Casa del Arco iris.

John Lautner diseñó más de 200 proyectos arquitectónicos durante su carrera, pero muchos diseños de edificios de gran tamaño nunca se realizaron. En la prensa arquitectónica, su obra actual ha estado dominada por sus encargos domésticos; aunque diseñó numerosos edificios comerciales, incluidos los restaurantes Googie’s, Coffee Dan’s y Henry’s, Beachwood Market, Desert Hot Springs Motel y Lincoln Mercury Showroom en Glendale, lamentablemente, varios de estos edificios han sido demolidos.

Salvo excepciones como la Residencia Arango en Acapulco, la Casa Turner en Aspen, Colorado, la Casa Harpel # 2 en Anchorage, Alaska, la casa Ernest Lautner en Pensacola, Florida, casi todos los edificios existentes de Lautner están en California, principalmente en Los Ángeles y alrededores.

Los últimos años de Lautner se vieron empañados por el deterioro de la salud y la pérdida de movilidad.

10 Films y las casas de Lautner utilizadas
La Sheats-Goldstein Residence ha sido la casa de Lautner más utilizada por Hollywood, seguida por la Chemosphere y la Casa Elrod, convertidas ya en iconos cinematográficos.

1. The Duplicate Man (1964) – Casa Malin (Chemosphere).
2. Diamantes para la eternidad (Diamonds Are Forever, 1971) – Casa Elrod.
3. Body Double (1984) – Casa Malin (Chemosphere).
4. Menos que cero (Less Than Zero, 1987) – Reiner-Burchill Residence (Silvertop).
5. Arma letal 2 (Lethal Weapon 2, 1989) – Rainbow House.
6. Jugando con la muerte (Playing God, 1997) – Sheats-Goldstein Residence.
7. Al caer el sol (Sunset, 1998) – Jacobsen House.
8. El gran Lebowski (The Big Lebowski, 1998) – Sheats-Goldstein Residence.
9. Bandidos (Bandits, 2001) – Sheats-Goldstein Residence.
10. Los Ángeles de Charlie: Al límite (Charlie’s Angels: Full Throttle, 2003) – Sheats-Goldstein Residence.
11. A Single Man (2009) – Schaffer Residence.
12. L.A. Confidential (1997) – Harpel House (algunas escenas).
13. Ángeles y demonios (Charlie’s Angels, 2000) – Sheats-Goldstein Residence.
14. Southland Tales (2006) – Sheats-Goldstein Residence.

Notas
1
A.V. Arquitectura Viva. Frank Escher, 31/12/2010. John Lautner 1911-1994.
2
Grigor, Murray. John Lautner. Espacio infinito. Título original: Infinite Space: The Architecture of John Lautner (EE.UU., 2008, 91 min.). Documental dirigido por Murray Grigor. Colección Arquia/Documental n.º 36, con textos del arquitecto Jorge Gorostiza.
3
El arquitecto y diseñador estadounidense E. Fay Jones (1921-2004) fue aprendiz de Frank Lloyd Wright en Taliesin. Es el único de sus discípulos que recibió la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos (AIA) en 1990, la máxima distinción otorgada por esa institución. Alcanzó reconocimiento internacional también por su labor docente durante treinta y cinco años en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Arkansas.

4
El muralista, pintor, ilustrador y publicista colombiano Santiago Martínez Delgado (Bogotá, 1906-Cajicá, 1954) fue uno de los principales representantes del Art Déco en Colombia. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Chicago y fue discípulo de Frank Lloyd Wright en Taliesin. Recibió, entre otras distinciones, la Medalla Logan de las Artes, el Premio del Salón Nacional de Artistas de Colombia y la Cruz de la Orden de Boyacá por su trabajo en el mural del Salón Elíptico del Capitolio Nacional, considerado una de las obras murales más significativas del país.
5
https://onlybook.es/blog/arq-paolo-soleri-por-hakj/
6
Entrevista a Lautnerpor Laskey en 1986.
En 1986, Marlene Laskey entrevistó a John Lautner para el Programa de Historia Oral de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA).
Su entrevista de seis horas y media fue publicada por UCLA con el título “Responsabilidad, Infinito, Naturaleza”.
Está disponible a través de Internet Archive, una biblioteca en línea para investigadores, historiadores y académicos. La biblioteca mantiene copias del libro en varios formatos diferentes. Se puede leer en línea o descargarlo. vvvvv Entrevista a Lautner por Laskey en 1986. Marlene Laskey entrevistó a John Lautner para el Programa de Historia Oral de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA). La entrevista, de seis horas y media de duración, fue publicada por la UCLA con el título Responsibility, Infinity, Nature (Responsabilidad, Infinito, Naturaleza). El texto está disponible a través de Internet Archive, una biblioteca digital de acceso libre para investigadores, historiadores y académicos, que conserva ejemplares en distintos formatos y permite su lectura en línea o su descarga gratuita.
Internet Archive. Responsabilidad, infinito, naturaleza historia oral transcripción: Lautner, John, 1911- entrevistado: descarga gratuita, préstamo y transmisión: Internet Archive
7
El lago Superior es el mayor de los Grandes Lagos de América del Norte y el lago de agua dulce más grande del mundo por superficie, además del tercero por volumen. Compartido por Canadá y Estados Unidos, sus aguas desembocan en el lago Hurón a través del río St. Marys.
8
“John Lautner. Arquitecto”. Por Alicia Paz González Riquelme y Eduardo Basurto Salazar Departamento de Métodos y Sistemas. Universidad Autónoma Metropolitana. México.
9
El Hammer Museum es un museo de arte y centro cultural dependiente de la Universidad de California en Los Ángeles. Fundado en 1990 por el empresario e industrial Armand Hammer (1898-1990) para albergar su colección privada de arte, el museo ha ampliado desde entonces su misión hasta convertirse en una de las instituciones culturales más innovadoras y relevantes de la ciudad. Es especialmente reconocido por sus exposiciones dedicadas a artistas contemporáneos emergentes, muchos de ellos históricamente ignorados o insuficientemente representados. Además, organiza más de 300 actividades anuales, entre las que se incluyen conferencias, simposios, lecturas, conciertos y proyecciones cinematográficas.
10

Julius Shulman (1910-2009) nació en Brooklyn y creció en una granja de Connecticut. Se trasladó a Los Ángeles para iniciar sus estudios universitarios, que nunca llegó a concluir. Su mentor fue Richard Neutra (1892-1970), quien, al ver las fotografías que tomó de la Residencia Kun, le encargó documentar sus proyectos. «En realidad, solo soy un vendedor; vendo arquitectura», afirmaba Shulman. Cuando John Entenza (1905-1984), director de la revista Arts & Architecture, lanzó el programa Case Study Houses en 1945, Julius Shulman transformó en iconos de la arquitectura moderna las obras de Charles Eames (1907-1978), Richard Neutra y Raphael Soriano (1904-1988), entre muchos otros.
«La instantánea de la Stahl House de Julius Shulman (1910-2009) es una de esas imágenes que resumen una ciudad entera», escribió un crítico del New York Times de la época, en referencia a la Case Study House nº 22, diseñada por Pierre Koenig (1925-2004) en 1959.

«Cuando empecé a trabajar me di cuenta de que muy pocos de mis colegas incluían personas en sus fotografías, pero pensé que, si iba a fotografiar arquitectura, quería mostrarla en uso». «Mis imágenes cuentan siempre una historia, tal vez porque hay gente en ellas». Julius Shulman (1910-2009) vivió en una casa diseñada por Raphael Soriano (1904-1988) en Hollywood Hills. En 2015, el estudio californiano LOHA restauró la vivienda respetando fielmente su diseño original.

Continúa en  https://onlybook.es/blog/arq-john-lautner-el-dialogo-con-el-paisaje-prestado-parte-2/

Los tres articulos sobre el Arq John Lautner contextos en español y en inglés

Arq. John Lautner, el diálogo con el paisaje prestado, el aprendiz de Wright. parte 1 https://onlybook.es/blog/arq-john-lautner-el-dialogo-con-el-paisaje-prestado/
English text https://onlybook.es/blog/gb-architect-john-lautner-the-dialogue-with-the-borrowed-landscape-part-1-english-text/

Arq. John Lautner, el diálogo con el paisaje prestado, el aprendiz de Wright. parte 2 https://onlybook.es/blog/arq-john-lautner-el-dialogo-con-el-paisaje-prestado-parte-2/
English text https://onlybook.es/blog/gb-architect-john-lautner-the-dialogue-with-the-borrowed-landscape-part-2-english-text/

Arq. John Lautner, el diálogo con el paisaje prestado, el aprendiz de Wright. parte 3 y final https://onlybook.es/blog/arq-john-lautner-el-dialogo-con-el-paisaje-prestado-parte-3/
English text https://onlybook.es/blog/gb-architect-john-lautner-the-dialogue-with-the-borrowed-landscape-part-2-english-text-2/

Continúa en https://onlybook.es/blog/arq-john-lautner-el-dialogo-con-el-paisaje-prestado-parte-2/
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Casa Emil Bach en Illinois

Ubicada en Rogers Park (1) en Chicago, sobre un terreno de menos de 4.000 m2.

Al 7415 N de la Sheridan Road.

En 1909 Wright construye una casa que luego de terminada, sus dueños originales la venden a Otto Bach.

En la familia Bach gustó tanto esa casa que su hermano Emil decidió construir otra, es uno de los dueños de Bach Brick Company.

Emil y su esposa Anna Bach deciden comprar un terreno a comienzos de diciembre de 1914 y es en 1915 cuando encargan el diseño de la casa a Wright.

En 1907 Wright publicita sus casas de masa cúbica con techos planos en voladizo, y divulga su propuesta realizando artículos como el de la revista“Ladies Home Journal”.

La primer de estas casas fue la Casa Laura Gale (Elizabeth court 6, Oak Park) de 1909, y la Casa Oscar B. Balch (611 North Kenilworth, Oak Park) de 1911, luego la Casa Frederick C. y Mary Bogk (2420 N Terrace Ave, Milwaukee, Wisconsine) entre 1905 y 1916 y finalmente la Casa Bach.

La Casa Bach es la única que ha quedado en pie, tiene 250, 84 m², fue diseñada como una residencia unifamiliar de dos pisos con sótano. 

Wright diseño esta casa durante un momento especial de su vida, después de su larga estancia en Europa y antes de su viaje a Japón. Un momento especial porque la influencia japonesa le significó una transición a una estética distinta a lo que venia desarrollando, quizás más expresionista.

Diseña la casa en el clásico estilo Prairie House, pero era diferente a las otras casas diseñadas en ese estilo, porque la casa Bach no estaba en los suburbios, sino en una concurrida calle de Chicago. Representa el último estilo Prairie, antes de un cambio en la concepción de sus proyectos.

Cuando se construyó, era una «casa de campo», desde su fachada Este (trasera) se veia el lago Michigan, actualmente está entre edificios de apartamento y construcciones comerciales sobre la N Sheridan Road, una calle muy concurrida.

Los Bach venden en 1934 la casa a Joseph Peacock que vivió en ella hasta 1947. Se vende 2 veces más, en diciembre de 1951 a Manuel Weiss, y en1959 a Joseph Blinder.

En 2003, se la puso a la venta con un precio de 2, 5 millones de dólares, luego de varios meses sin interesados se realizó una subasta con una base de 750.000 dólares, y finalmente hubo un comprador que pagó 1, 7 millones. Muchas organizaciones conservacionistas expresaron su preocupación con el destino que finalmente se le daría al patio lateral de 45,72 x 13,72 metros, que era un solárium, sin vecinos molestos alrededor, ya que no había construcciones.

Los compradores se comprometieron a no modificarlo.

Según Ronald Scherubel, director ejecutivo del Frank Lloyd Wright Building Conservancy de Chicago, lo que ha impedido su demolición han sido las limitaciones a la alteración de la casa sin la aprobación de la ciudad y el Consejo de Preservación de Monumentos Históricos de Illinois.

Fue declarada “Monumento Histórico de Chicago” en 1977 y en 1979 se agregó al “Registro Nacional de Lugares Históricos de EE. UU”.

En 2014 se hizo una importante restauración y actualmente se ofrece en régimen de alquileres temporales.

“Mile High Building” (The Illinois)

Propuesta de la Utopía de un proyecto de 1609 metros de altura.

Fue diseñado por Frank Lloyd Wright en 1956. Su lugar, Chicago.

Hasta ese momento el edificio más alto era el Empire State Building de 1931 de Nueva York con 381 metros y 102 pisos diseñado por William F. Lamb (1883 – 1952) del estudio de arquitectura Shreve-Lamb y Harmon. Anteriormente el más alto había sido el Edificio Chrysler.

Pero el Empire State tenía menos de la cuarta parte de altura que el Mile High. Posiblemente haya servido de inspiración en el diseño de la torre Burj Khalifa (2005/2010) de 829,80 metros y 163 plantas en Dubai, diseñado por el arquitecto Adrian Smith del SOM (estudio Skidmore – Owings & Merrill).

Otros piensan que su sistema estructural de tres lóbulos tuvo su inspiración en la Torre Lake Point de Chicago, el rascacielos en forma de trébol y revestido de vidrio que los discípulos de Mies van de Rohe (1886 – 1969), los arquitectos John Heinrich (1928 – 1993) y George Schipporeit (1933 – 2013), trabajando bajo la firma de Schipporeit and Heinrich.

Fue construido entre 1965 y 1968. Se inspiraron en el diseño de Mies de 1922 de un rascacielos de cristal en Berlin.  

El material que proponía era el acero, un material flexible que permite el balanceo de la torre debido a la acción del viento. Wright planteaba como solución el diseño en trípode de la torre, combinándolo con marcos de acero y componentes estructurales integrados, seguramente hubiera debido colocar contrapesos dentro del edificio como existen en la torre Taipei 101 con 508 metros de altura y 101 pisos diseñada por el arquitecto C. Y. Lee (1938) en 2004.

La solución que planteo Wright fueron ascensores exteriores al edificio para conservar el espacio interior. Un tema complejo era el de encarar la seguridad frente a un incendio, pero las escaleras de emergencia ocuparían la mayor parte de la superficie de los pisos inferiores. No menor seria la resolución de los elevadores de agua y las aguas residuales, que hubiera exigido reciclar el agua usada usando más superficie de las plantas inferiores. Sin duda hoy existen más recursos que harían factible su utopía. Otros avances tecnológicos lo hubieran ayudado, ya que desde el año 2000 existen hormigones con un gran aumento de su resistencia, y que son menos flexible que el acero. El espacio que tenían que ocupar los ascensores ocuparía todo el espacio disponible en los pisos inferiores, para así dar servicio en toda la altura del edificio, tema difícil y complicado debido al delgado diseño de Wright.

Este problema ha sido solucionado en edificios más pequeños, como en el Taipei 101, usando ascensores de dos pisos, o como en el World Trade Center, de Nueva York de 1971 diseño de Minoru Yamasaki (1912 – 1986), Emery Roth & Son, en que el edificio fue dividido en tres sectores, cada uno con su propio vestíbulo, donde los inquilinos se cambiarían de ascensores, desde los más grandes y rápidos a otros más pequeños que cubren pocas plantas. 

Recordemos que Yamasaki (1912 – 1986) fue el autor de las Torres Gemelas de Nueva York y las Torres Picasso de Madrid.

La solución que planteo Wright fueron elevadores exteriores al edificio para conservar el espacio interior. Un tema importante era el de encarar la seguridad frente a un incendio, pero con escaleras de emergencia, éstas ocuparían la mayor parte de la superficie de los pisos inferiores. No menor seria la resolución de los elevadores de agua y las aguas residuales, que hubiera exigido reciclar el agua usada usando más superficie de las plantas inferiores. Chicago Tribune del 28/5/2017

Como escribió BlairKamin (2). “Nunca se construyó, pero tampoco se olvidó”. 

Fue uno de los episodios más extravagantes en la ya extravagante vida de Frank Lloyd Wright, el 16 de octubre de 1956, con 89 años se paró frente a un enorme lienzo dorado, plateado y azul marino en el salón de baile del Sherman House Hotel y desveló su plan para un rascacielos de una milla, 1.609,4 metros de altura y hasta la punta de la antena 1.739, 20 metros con 528 pisos, 76 ascensores, y una superficie de 1.715.000 m2  con suficiente espacio para 100.000 personas, 15.000 automóviles y 100 helicópteros.

Para manejar a sus 100.000 ocupantes, “The Illinois” tenía una batería de 76 ascensores divididos en cinco grupos, cada uno de los cuales serviría un segmento de 100 pisos del edificio, con un ascensor que accedería solo a los pisos superiores. 

Los ascensores se movían sobre rieles y accedían a cinco pisos simultáneamente. Debido a la forma piramidal del rascacielos, las estructuras verticales del hueco del ascensor finalmente se extendieron más allá de las paredes exteriores inclinadas, formando parapetos sobresalientes en los lados del edificio. 

En su libro de 1957 “A Testament”, Wright dijo que los ascensores fueron diseñados para permitir la evacuación del edificio en una hora, en combinación con las escaleras mecánicas que servían a los cinco pisos más bajos. (4)

Los ingresos por la cena en el Sherman House Hotel de Chicago más la conferencia de prensa de Mile-High sumaron 25,000 dólares, unos 274.000 dólares actuales, se invirtieron en la escuela de arquitectura de Wright, la Taliesin Fellowship.

“Este es The Illinois, caballeros”, dijo Wright a los periodistas, donde estaba un joven Paul Gapp, que se convertiría en el crítico de arquitectura del Tribune. 

“En él se consolidarán todas las oficinas gubernamentales que ahora se encuentran repartidas por Chicago”, enfatizaba Wright.

Lo presentó con una ilustración que medía más de 7,6 metros de altura, con el rascacielos dibujado a una escala de 1/16 de pulgada por cada 0,3048 cm.

La realidad es que Wright no tenía cliente ni sitio para su rascacielos.

¿Por qué Wright, que supuestamente odiaba las ciudades, llevó a cabo este truco casi escandaloso? ¿Por qué este feroz defensor de la descentralización diseñaría un rascacielos que habría sido más de cuatro veces más alto que el Empire State Building, por entonces el edificio más alto del mundo?

Barry Bergdoll (1955), curador del Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno (3) y de la exposición “Frank Lloyd Wright at 150 Unpacking the Archive”, inaugurada el 12 de junio de 2017 en el MoMA (4) sugiere estas pistas:

Pista uno: Era una búsqueda de la posteridad.

Pista dos: Ir detrás del dinero. Wrigth diría “proponed lujos y las necesidades se atenderán solas”.

Pista tres: Wright buscaba atención mediática. Los historiadores de la arquitectura lo retrataban como “el pasado”, ya que “lo nuevo” era el arquitecto germano-estadounidense Ludwig Mies van der Rohe (1886 – 1969) cuyos rascacielos de acero y vidrio en el 860-880 N. Lake Shore Drive ganaron gran reconocimiento cuando se completaron cinco años antes. 

Wright no podía soportar lo que estaba haciendo Mies. Mile-High era un acto simbólico, algo increíble para llamar la atención, siempre le interesó su imagen pública, y buscar respuestas innovadoras en sus proyectos.

Fue un “manipulador de los medios de comunicación”, llegó a la televisión en la década de 1950 para aparecer en el popular programa de juegos “Cuál es mi línea” donde dijo que su profesión, era ser el “Arquitecto másfamoso del mundo”.

Le dijo a un reportero del Tribune que “El Empire State Building será un ratón en comparación a The Illinois”.

Claire Penny, de IBM Watson IOT for Buildings dijo que Wright “Conmocionó a la industria, su propuesta hizo que la gente pensara en edificios altos en el futuro.

No solo los periódicos de todo el país se sumaron a la historia, el alcalde Richard J. Daley proclamó el 17 de octubre de 1956, el día después de la conferencia de prensa “día de Frank Lloyd Wright”.

El Mile-High no pretendía ser simplemente alto, fue la máxima expresión del sistema estructural que denominó de “raíz principal”, un mástil central de hormigón que se hundía profundamente en la tierra, permitiendo que los pisos pudieran variar de tamaño al tiempo, dando espacialidad al interior de los pisos.

Explicaba «¿Por qué no diseñar un edificio que sea realmente alto?… Hace mucho tiempo observé árboles después del paso de un ciclón. Los que tenían raíces primarias profundas fueron los que sobrevivieron».

Bill Baker, ingeniero estructural del Burj Khalifa de Dubai, ha estudiado el diseño de Wright a lo largo de los años: “Tenía algunas buenas ideas. Y algunas ideas que no eran tan buenas”. 

El sistema estructural de raíz pivotante de Wright (enterrar un mástil central en el suelo) no habría funcionado.

Baker relata que Wright trató de resolver parte de la tecnología. Sus planes se redujeron a detalles tan pequeños como pernos de anclaje. Wright también reconoció que necesitaría ayuda técnica, enumerando nombres de académicos, ingenieros estructurales e investigadores en uno de sus dibujos.

Su idea de una hipercentralización, buscaba reemplazar muchos edificios altos en un solo rascacielos superalto. Planteaba liberar el plano de tierra y liberar a las ciudades de la congestión y el hacinamiento que Wright había atacado durante décadas.

Concluye Barry Bergdoll “si era una apuesta por la posteridad, no funcionó. El plan era técnicamente inviable”. 

Video del 13 sep

2017. Periodista Ilona Kauremszky. Vídeo Esteban Smith. Música Kevin MacLeod. La Torre de Investigación fue la visión de Wright de un complemento vertical al Edificio de Administración. Inaugurada en 1950, la Torre de Investigación es una de las estructuras más altas jamás construidas sobre el principio de voladizo.

Entre 1950 y 1982, la Torre fue el espacio principal de los científicos de investigación y desarrollo de la compañía, quienes, en los 10 años posteriores a su apertura, desarrollaron e introdujeron varios de sus productos más famosos en todo el mundo, “Raid” en 1955, “Glade” en 1956, “OFF” 1957 y “Pledge” 1958.

https://youtu.be/m1CkuXYizQc

Ya había utilizado este sistema estructural en 1950 en la torre de investigación SC Johnson de 15 pisos en Racine, Wisconsin. Allí, alternó pisos cuadrados y redondos que se extienden como ramas de árboles desde un núcleo de hormigón armado. 

Debido al cambio en los códigos de seguridad contra incendios y la impracticabilidad de modernizar el edificio para cumplir con los requisitos del código actual, SC Johnson no ha utilizado la Torre de investigación desde 1982. Sin embargo, restauraron el edificio en 2013 y es visitable.

Wright utiliza también esta solución en la Torre Price en Bartlesville (1952-1956), de 19 pisos y 67,4 metros de altura, es una evolución del diseño de Wright de 1927 para el proyecto St. Mark’s Tower.

Wright lo apodó “el árbol que escapó del bosque abarrotado”, en referencia a la construcción en voladizo del edificio y el origen de su diseño en un proyecto para la ciudad de Nueva York.

La Price Tower también ha sido llamado el “rascacielos de la pradera”. (Se puede visitar https://www.pricetower.org/tour/)

En 1919 había diseñado un grupo de cuatro torres en Nueva York, su diseño presentaba una innovadora estructura de “raíz principal”, desde donde salían sus pisos en voladizo.

La exposición itinerante “The Show” se exhibió en el Art Institute of Chicago, desde el 25 de septiembre al 12 de octubre de 1930. luego de Nueva York se exhibió en Chicago, Eugene, Oregón; Seattle, Washington y en varias ciudades europeas.

En la Galería Layton de Milwaukee se exhibieron 600 fotografías, 1000 dibujos y cuatro maquetas (tres de las cuales eran la Residencia Richard Lloyd Jones, la Gasolinera y las Torres St. Marks-in-the-Bouwerie).

Además del núcleo central para soportar las cargas muertas del edificio, “The Illinois” también incorporó una estructura de trípode de acero tensado externo para resistir las cargas de viento externas y otras cargas de flexión (terremotos), distribuyendo esas cargas a través de la estructura de acero integral del trípode, resistiendo oscilaciones.

En su libro, “Testamento”, Wright declaró: “Finalmente, en toda esta estructura tensada liviana, debido al carácter integral de todos los miembros, las cargas están en equilibrio en todos los puntos, eliminando las oscilaciones. No habrá influencia en la cima de “The Illinois””. (5)

El video corto de 1:31 minutos de 2012 de Charles Muench, “A Peaceful Day in BroadAcre City – One Mile High – Frank Lloyd Wright” muestra el rascacielos de Illinois en el espacioso entorno de Broadacre City y muestra una secuencia de la construcción animada de la torre. 

Realización Viviane El Haddad, Charles Denis. Architecture Trailer TU München 2012.

Wright explicó que el edificio (y los ascensores) tenían “energía atómica” aunque no había una planta de energía autónoma en el edificio.

El Empire State Building, mucho más pequeño tiene una demanda eléctrica máxima de casi 10 megavatios (MW) después de implementar medidas de conservación de energía, en comparación “The Illinois” podía haber tenido una demanda de 70 megavatios (MW).

El Illinois estaba pensado para ser construido en un entorno espacioso como Broadacre City, en lugar del centro de una gran ciudad congestionada y adyacente a otros rascacielos. 

Desde la muerte de Wright en 1959, sus archivos han estado bajo el cuidado de la Fundación Frank Lloyd Wright ( https://franklloydwright.org/frank-lloyd-wright/ ) y en las casas/escuelas de arquitectura de Wright en Taliesin en Spring Green, WI. y Taliesin West, cerca de Scottsdale.

En septiembre de 2012, Mary Louise Schumacher (6) escribiendo para el Milwaukee Sentinel Journal, informó que la Universidad de Columbia y el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Manhattan habían adquirido conjuntamente los archivos de Frank Lloyd Wright, que consisten en dibujos arquitectónicos, maquetas a gran escala, fotografías históricas, manuscritos, cartas y otros documentos

http://archive.jsonline.com/newswatch/168457936.html

La Biblioteca Avery de Arquitectura y Bellas Artes de la Universidad de Columbia ( https://library.columbia.edu/libraries/avery/da.html ) guardará todos los archivos en papel de Wright, así como las cintas de entrevistas, las transcripciones y las películas. MoMA agregará las maquetas a su colección permanente.

La Fundación Frank Lloyd Wright retendrá todas las responsabilidades de derechos de autor y propiedad intelectual de los archivos, y las tres organizaciones esperan ver los archivos en internet en el futuro.

“La ciudad de gran acre (4.046 m2), donde cada familia tendrá al menos un acre de tierra, es el inevitable municipio del futuro … Vivimos ahora en ciudades del pasado, esclavos de la máquina y de la construcción tradicional… Nosotros no podemos resolver nuestros problemas de vida y transporte escondiéndonos debajo o trepando por encima, ¿y por qué deberíamos hacerlo? Nos dispersaremos y, al hacerlo, transformaremos nuestros sitios de habitación humana en lugares que permitan la belleza del diseño y el paisaje, el saneamiento y el aire fresco, la privacidad y los patios de recreo y un terreno para cultivar…”. Wright

Broadacre City fue un concepto en el que trabajo permanentemente. Escribió mucho al respecto (“La ciudad que desaparece” 1932), realizó dibujos y maquetas. 

Broadacre es la antítesis de una ciudad porque pretende ser una crítica a las ciudades industriales. De hecho, esta utopía utiliza las posibilidades que permiten los automóviles, ¿o los helicópteros? – y tecnologías de la comunicación para fusionar la naturaleza con la calidad de vida urbana. Increíblemente, lo que los críticos de Wright veían como una utopía, hoy es una realidad: inmensas autopistas que conectan “casas de campo” con servicios dispersos, comercio, instalaciones deportivas y oficinas. Al igual que las ciudades jardín de Howard, Broadacre quiere ser una unidad rural y descentralizada que pueda replicarse infinitamente.

¿Habrá alguna vez un rascacielos de una milla de altura? Stefan Al explica como las megaestructuras se convirtieron en el skyline de nuestras ciudades.

Dirigida por TED y narrada por Addison Anderson.

https://www.ted.com/talks/stefan_al_will_there_ever_be_a_mile_high_skyscraper/transcript?language=en

Notas

1

Rogers Park fue la primera de las 77 áreas comunitarias de Chicago, ubicado a 14 km del Loop (como se llama al distrito comercial central de la ciudad), a orillas del lago Michigan. Un barrio conocido por su diversidad cultural, sus espacios verdes, teatros, bares, restaurantes, playas rodeado de una arquitectura de principios del siglo XX.

2

Blair Kamin fue crítico de arquitectura del Chicago Tribune, desde 1992 hasta 2021, anteriormente trabajó para The Des Moines Register.

Es editor colaborador en la revista Architectural Record. Ha obtenido el Premio Pulitzer de Crítica en 1999 por sus artículos sobre los problemas y los espacios públicos en Chicago y su lago. Ha recibido más de 45 premios, es autor de varios libros, ha dado numerosas conferencias y participado en espacios de radio y TV. Crítico invitado en Escuelas de Arquitectura, incluida la Escuela de Graduados en Diseño de la Universidad de Harvard. Kamin se graduó en el Amherst College, donde en 1979 recibió una Licenciatura en Artes con honores, y de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, donde realizó en 1984 un Máster en Diseño Ambiental.

3

Barry Bergdoll (1955) es profesor de historia del arte en el Departamento de Historia del Arte y Arqueología de la Universidad de Columbia y desde el 2007 al 2019 fue curador en el Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde de 2007 a 2013 se desempeñó como conservador jefe de arquitectura y diseño de Philip Johnson . Se desempeña, desde 2018, como presidente de la Junta del Centro de Arquitectura de la ciudad de Nueva York y desde 2019 miembro del jurado del Premio Pritzker de Arquitectura . 

4

El 12 de junio de 2017, el MoMA inauguró su exhibición, «Frank Lloyd Wright at 150: Unpacking the Archive», que estuvo abierta hasta el 1 de octubre de 2017.

https ://www.moma.org/calendar/exhibiciones/1660

5

El Grupo Lyncean de San Diego está formado por profesionales técnicos jubilados y semi-jubilados que se reúnen regularmente para discutir temas relacionados con la ciencia y la tecnología, aprender unos de otros, compartir pensamientos e ideas y disfrutar de un interés mutuo en ciencia, tecnología y áreas afines. La información fue actualizada el 9 de mayo de 2020 por Pedro Lobner

6

Mary Louise Schumacher, becaria “Nieman de Arts & Culture 2017”, es periodista y crítica independiente. Fue crítica de arte y arquitectura en el Milwaukee Journal Sentinel hasta febrero de 2019, donde cubrió la sección cultural para el periódico Midwestern durante 18 años.

Continua en el articulo https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Leer la 1a parte Carlo Scarpa 1. La arquitectura de la historia. (mb) | Hugo A. Kliczkowski Juritz

Cuando comencé a escribir este artículo, lo hice para profundizar en la Tumba Brion, no solo porque al descubrir su espacio y riqueza de metáforas me abrió los ojos a una dimensión de detalles de filigrana sino porque creo que como pasa en otras pocas obras, es un referente de nuestras aspiraciones últimas (o primeras) en nuestra profesión.

Es difícil analizarla fuera del contexto de la obra general de Carlo Scarpa, por eso estos textos, referencias y contextos para presentar su figura mas allá de la Tumba Brion. El resultado, me ha resultado revelador y de una gran enseñanza en el campo de la arquitectura.

Allá voy

1971

Elabora un proyecto de reestructuración para el castillo de Brescia, para adaptarlo como Museo de Armas; Diseño de la tienda «Buonpensieri» en Bolonia; Casa Roth en Asolo (Treviso) 1971/72. Por encargo de su amigo Aldo Businaro, proyecta la rehabilitación de la Villa Palazzetto, en Monselice, Padua 1971/78. (1)

1972

Es nombrado director de la IUAV, cargo que había ocupado durante dos años como sustituto; Con Padoan, Magagnato, Cevese y Pozza, forma parte de una Comisión para la Protección del Teatro Olímpico de Vicenza; Exposición “Le Corbusier, Wright, Kahn y Noguchi” en la XXXVI Bienal de Venecia; Exposición «Obras maestras de la pintura del siglo XX 1900-1945”, en el Ala Napoleónica; Proyecto de la casa LUPI en Vicenza; Diseña las mesas Valmarana y Quatuor para la empresa Simon Internacional; Reordenación de la Galería Franchetti en Ca d’Oro Venecia 1972/73.

Ver Teatro Olímpico Palladio y el Teatro Olímpico. Parte 8 | Hugo A. Kliczkowski Juritz

1973

Es nombrado Académico en “Literatura y las Artes” por la Academia Olímpica de Vicenza; Diseño y almacén de los libros de visitas de la Fundación Querini Stampalia en Venecia; Restaurante Fini en Módena; Renovación de la planta alta del Museo de Villa Strozzi de Florencia; Exposición en Venecia de “Le Corbusier”; Exposición “Purista a la Napoleónica y el “proyecto de Pessac” en la  Fundación Querini Stampalia en Venecia; Asesoramiento para la exposición “Tancredi en Rotonda di Vía Besana” en Milán; Mesa Orseolo; Ampliación de la sede de la Banca Popolare di Verona e Novara 1973/78 y 1981.

Somos un paisaje de todo lo que hemos visto. Isamu Noguchi

1974

Realiza el estudio para la nueva sede de la Galería Nacional de Arte en Messina con el arq. Roberto Calandra (1915 – 2015); Museo de Castelvecchio en Verona; Exposiciones “Venecia y Bizancio” en el Palacio Ducal de Venecia y “Gino de Rossi” en Ca Noal en Treviso; Exposiciones personales: “Carlo Scarpa” en la Galería Heinz en Londres organizada por el RIBA y “Domus Conestabilis” en la Basílica Palladiana en Vicenza; Diseño del sofá y sillón para Cornaro Internacional Simón y Biblioteca Infantil para la empresa de mobiliario Bernini, empresa con la que comienza a trabajar; Estudios para la adaptación del convento de Santa Caterina en El Museo de Treviso 1974/75; Ampliación de la villa Matteazzi-Iglesia en Ponte Alto en Vicenza; Monumento a las víctimas de la masacre de la Piazza della Loggia en Brescia, de la que solo se realiza el monolito conmemorativo en 1977; Apartamentos en Vicenza 1974/79; Villa Ottolenghi, Bardolino en Verona 1974/78.

1975

Es nombrado miembro honorario de la Fundación Pierre Chareau de París; Propone organizar el Gran Salón de la IUAV de Venecia; Asesora la reorganización de la tienda «Diseño de Interiores Club de Florencia”; Exposición “Carlo Scarpa” en el París de L ‘Environnement, Institut; Exposición “Giuseppe Samona 50 años de arquitectura” en el Palazzo Grassi, Venecia; Tres casas para viviendas en Quero (Belluno) y el diseño de la casa de Pesaro Urbino 1975/76; Plan de conservación de los hallazgos arqueológicos delante de la catedral romana de Feltre (Belluno) 1975/78.

1976

Miembro de la Accademia di San Luca en Roma; Profesor en el IUAV 1976/77; Concurso para la adaptación del Hôtel Salé Nacional Museo Picasso de París; Edificio en Lugo, Rávena; Tienda Lily en Palermo; Muebles “1934” para la empresa Bernini; Edificio Funerario Galli en el cementerio Comunal de Nervi Sant’ Ilario en Génova; Sede del Banco en Monselice en Rovigo; Oficinas de la región del Véneto; Palacio Real de Procuratie Nuove en la Piazza San Marco en Venecia; Diseño de un nuevo portal de entrada a la Facultad de Letras y Filosofía de la Universidad de Venecia 1976/79.

Leer más en https://onlybook.es/blog/venecia-carlos-scarpa-universidad-iuav/

1977

Conferencia en la Academia de Bellas Artes de Viena “La arquitectura puede ser la poesía?». Reforma del Palacio Chiaromonte Steri en Museo para la Universidad de Palermo con el arq. Roberto Calandra; Estudio de la nueva entrada a la sede de IUAV; Condominio Benetton en Treviso; Iglesia de Santa Maria delle Rose en Rovigo y Tienda de muebles en Guastalla (Mantova); Aesoramiento para la explotación de los restos de una villa romana descubierta en el Palazzo Forti en Verona; Apartamento en Montecchio (Vicenza); Junto a su amigo Alberto Viani (1906 – 1989) prepara la exposición en Ca´ Pesaro en Venecia “Dibujar el Rialto”; Mesa de la biblioteca Delphi en colaboración con el arq. Marcel Breuer (1902 – 1981) para la empresa  Simón; Aparador, mesa y silla de la Scuderia de Kentucky para la empresa Bernini; Diseños de los muebles «Mobilfiorente» para Scarperia en Florencia; Edificio en Vicenza; Zoppi apartamento en la planta alta y ático del edificio en el distrito de Pueblo Contras de Vicenza; Tienda de muebles «Alessi» en Bassano del Grappa 1977/78.

1978

La biblioteca de la Scuola Normale Superiore di Pisa; Casa en Oneglia, Imperia; Villa en Al Saaud Riad, Arabia Saudi; Sede de la Banca Popolare di Gemona en Udine con el arq. Luciano Germin; Altar Mayor y solado de la Chiesa del Torresino, Padua; Tumba de la familia Gallo en el cementerio de San Hilario Alto en Nervi; Exposición en Madrid “Carlo Scarpa”; Exposición “Mario Cavaglieri” en la  Academia de Concordi de Rovigo; Producción de cubiertos de plata Arcade para Cleto Munari.

En una conferencia dictada en Madrid en el verano de 1978 dijo: “…Quiero confesar, me gustaría que un crítico descubriese en mis trabajos ciertas intenciones e ideas que siempre he tenido. Es decir, un enorme deseo y voluntad de estar dentro de la tradición, pero sin hacer capiteles o columnas, porque ya no se pueden hacer. Ni siquiera un dios inventaría hoy una base ática…”. Carlo Scarpa

1978

Recibió un Doctorado Honoris Causa en Arquitectura por el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, poniendo así fin al debate sobre la legitimidad de sus actividades.

Lamentablemente no pudo asistir a la ceremonia porque murió el 28 de noviembre en Sendai en Japón debido a un accidente: Scarpa durante un paseo en un centro comercial vio un escalón de mármol italiano trabajado de forma particular, se acerca para observarlo mejor pero tropezó accidentalmente y cayó de la escalera mecánica.

Murió más tarde en el hospital por las consecuencias del golpe en la cabeza. De acuerdo a su última voluntad, fue enterrado en el cementerio de la Familia Brion en San Vito d’Altivole en Treviso. Su tumba la diseña su hijo Tobía.

Intervención (en italiano) de Tobia Scarpa, hijo del arquitecto, el 28 de Noviembre de 2018.

1978

Carlo Scarpa. Proyectos para el Teatro 8 de junio – 21 de noviembre de 2009
Centro Carlo Scarpa Archivio di Stato Treviso. Vía Pietro di Dante 11.

Se presentaron los proyectos para edificios teatrales elaborados por Carlo Scarpa entre finales de los años veinte y 1970 y que nunca fueron realizados. Promovida por el Ministerio de bienes y actividades culturales, la Dirección General PARC y el Comité paritario para el conocimiento y la promoción del patrimonio ligado a Carlo Scarpa, Producida por el MAXXI Museo nacional de las artes del siglo XXI (Centro de archivos MAXXI arquitectura) y por el Centro Internacional de Estudios de Arquitectura Andrea Palladio.

La exposición «Carlo Scarpa, Proyectos para el Teatro» se visitó en Treviso con ocasión de la 53ª Exposición internacional de arte de Venecia.

Fue su Comisario Vitale Zanchettin 

Se presenta por primera vez al público los proyectos para edificios teatrales elaborados por Carlo Scarpa entre finales de los años veinte y 1970 y que nunca fueron realizados: el Proyecto para un Teatro Social de 1927, la Ordenación del Teatro Rossini en Venecia de 1937, los Proyectos del Teatro Carlo Felice en Génova de 1963 y del Teatro Municipal en Vicenza de 1970.
El teatro es concebido como síntesis vital de otros artes, música, prosa, actuación, espacio arquitectónico,

Fundacion Querini Stampalia

Desde 1948, con la puesta en escena de la exposición retrospectiva de Paul Klee (1879 – 1940) comenzó una larga colaboración con la Bienal de Venecia que continuaría en mas de sesenta exposiciones de arte en salas y museos.

Entre sus numerosos proyectos relacionados con la vivienda, podemos mencionar el urbanismo y el paisaje en los centros históricos. (1)

Carlo Scarpa, el profesor del ritmo y la proporción

1 Ca`Foscari. Dorsoduro (barrio) 3246

2 Galleria dell`Accademia. Campo della Carità, Dorsoduro (barrio) 1050

3 Local de Olivetti. Piazza San Marco 101

4 Fondazione Querini Stampalia. Santa Maria Formosa, Castello

5 Sculpture garden. Giardini, Castello

6 Pabellón de Venezuela. Giardini, Castello

7 Venta de entradas. Giardini, Castello

8 La Partigiana. Riva dei Sette Martiri, Castello.

1932 Local “Sfriso” en Venecia

1935/37 y 1954/56 Ca´Foscari. Aula Magna. Venecia.

Sede de la Universidad de Venecia, restauración del Edificio, del Rectorado, las Oficinas, Aulas universitarias y el Salón de Actos Académicos. Después de veinte años de la primera actuación, Carlo Scarpa fue requerido nuevamente para transformar el Aula Magna en la actual Aula Mario Baratto.

Luego del incendio en 1983 el arquitecto Valeriano Pastor hace restauraciones según el diseño original de Carlo Scarpa.

Por analogía y analizando sus intereses en obras de otros arquitectos, podríamos decir que en su primera intervención de 1935 se nota la influencia de Le Corbusier, y en la que realiza veinte años mas tarde, la de Frank Lloyd Wright.

La reforma de Cà Foscari da sus frutos en tres reestructuraciones de museos, hasta tal punto magistrales que han determinado la evolución museológica del siglo XX.

1942 Casa Pelizzari, Venecia

1943/44 Tumba Capovilla, Cementerio de San Michele in Isola, Venecia

1944/46 Casa de Vittorio Bellotto, Venecia

1945/59 Gallerie dell’Accademia, Venecia

1947/48 Banca Cattolica del Veneto, Tarvisio

1950/52 Villa Angelo Bortolotto, Cervignano del Friuli. Con Angelo Masieri. Via Udine, 52, 33052 Cervignano del Friuli

Notas

1

Algunos ejemplos museísticos en los que ha participado: la Gallerie dell’ Accademia de Venecia (1945-1959), la Galería Nacional de Palazzo Abatellis en Palermo en Sicilia (1953-1954), las primeras salas y el Gabinete de Dibujos y Grabados Galería Uffizi en Florencia (1953-1956), el Museo Correr de Venecia (1957-1960), esculturas de Galería Canova en Possagno (1955-1957), el Museo de Castelvecchio en Verona (1958-1974), la Fondazione Querini Stampalia en Venecia (1961-1963).
El premio Olivetti, que recibe en 1956, es otorgado por su implicación en estas áreas del Proyecto.

Para la preparación de la exposición sobre Frank Lloyd Wright, en el XII Triennale di Milano (1960), fue galardonado con el Gran Premio del Jurado Internacional y Roma, en 1962, el premio nacional-EN ARCH para la restauración y la construcción del Palazzo Abatellis.

En 1967 obtuvo el premio de la Presidencia de la República para la arquitectura. Fue nombrado miembro del RIBA (1970), la Academia Olímpica de Vicenza (1973), la Fundación Pierre Chareau de París (1975), la Accademia di San Luca en Roma (1976).

Continua en https://onlybook.es/blog/carlo-scarpa-3/

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Le Corbusier (1887-1965). Estudio para la Mano Abierta (La Main Ouverte), Chandigarh, India, 1951. Dibujo a lápiz con anotaciones de sus dimensiones, para el monumento símbolo del Capitolio de Chandigarh.
Su concepción es de 1948.
El monumento definitivo fue proyectado para el Capitolio de Chandigarh y se completó en 1985, veinte años después de la muerte de Le Corbusier. La Mano Abierta simboliza «abierta para dar y abierta para recibir», idea asociada por Le Corbusier a la paz y la reconciliación.

Le Corbusier, Chandigarh, India, ca. 1952/53. Retrato de Le Corbusier durante su trabajo en el proyecto del Capitolio de Chandigarh. Fotografía en blanco y negro. Colección no identificada.

Le Corbusier. Le Modulor, cartel para la exposición del Centre Pompidou, París, 2015. El diseño incorpora la figura antropométrica del Modulor, desarrollada entre 1943 y 1955 como sistema de proporciones basado en las dimensiones del cuerpo humano y la sección áurea. Fotografía del cartel expuesto en el Centre Pompidou.

Sobre El Modulor de Le Corbusier ver https://onlybook.es/blog/el-modulor-de-le-corbusier/

Atelier Le Corbusier, 35 rue de Sèvres, París, ca. 1952-1955. Le Corbusier, en primer plano, junto a varios colaboradores trabajando sobre dibujos y maquetas. Durante estos años, el estudio desarrolló simultáneamente algunos de sus proyectos más importantes: el Capitolio de Chandigarh (India), la Unidad de Habitación de Marsella, las Casas Jaoul en Neuilly-sur-Seine y la Capilla de Notre-Dame-du-Haut en Ronchamp. Fotografía de época.

Sobre su taller ver 35 rue de Sevres”, el taller de Le Corbusier junto a Pierre Jeaneret y Charlotte Perriand. 1a. parte. https://onlybook.es/blog/35-rue-de-sevres-el-taller-de-le-corbusier-junto-a-pierre-jeaneret-y-charlotte-perriand-mb/

Y la segunda parte ver https://onlybook.es/blog/35-rue-de-sevres-el-taller-de-le-corbusier-junto-a-pierre-jeaneret-y-charlotte-perriand-2a-parte-y-final-mb/

Entre sus principales colaboradores en esos años podemos mencionar a Pierre Jeanneret. Fue su colaborador más estrecho entre 1922 y 1940 y volvió a trabajar con él en el proyecto de Chandigarh. En la India desempeñó un papel fundamental como arquitecto jefe del proyecto, supervisando numerosas obras y formando a una generación de arquitectos indios. Muchas piezas de mobiliario diseñadas para Chandigarh llevan su firma. André Wogenscky (1916-2004). Arquitecto francés de origen polaco. Fue el principal colaborador de Le Corbusier entre 1936 y 1956, dirigió numerosos proyectos durante ls viajes de Le Corbusier. Iannis Xenakis (1922-2001). Ingeniero, arquitecto y compositor greco-francés. Trabajó en el Atelier entre 1947 y 1959, participó en proyectos como el Convento de La Tourette y el Pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas de 1958. Georges Candilis (1913-1995). Arquitecto greco-francés. Integró el estudio entre 1945 y 1952 y colaboró en los proyectos de la reconstrucción de posguerra y la Unidad de Habitación de Marsella. Shadrach Woods (1923-1973). Arquitecto estadounidense. Trabajó entre 1948 y 1951 antes de asociarse con Georges Candilis y Alexis Josic. José Oubrerie (1932-2024). Arquitecto francés. Fue uno de los últimos colaboradores directos de Le Corbusier, completó posteriormente la iglesia de Saint-Pierre de Firminy. Guillermo Jullian de la Fuente (1931-2008). Arquitecto chileno. Colaboró entre 1958 y 1965, participó en proyectos como el Hospital de Venecia y diversas propuestas urbanas de los últimos años del arquitecto.
Charlotte Perriand, autora junto con Le Corbusier y Pierre Jeanneret de gran parte del célebre mobiliario tubular de acero.

Artículos sobre Corbusier
1 Sketches de Le Corbusier -viaje a Oriente y burdeles de Paris. (mb)

2 Eileen Gray. la casa E-1027, historia de una excepción

3 Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 4ta parte, de Gropius a Le Corbusier

4 Japón 5 Le Corbusier en Tokio

5 Los dos Le Corbusier, Charles Edouard y Pierre Jeanneret en Chandigardh

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