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Robert Venturi / Denise Scott Brown

Robert Venturi

“…el escrito más importante en arquitectura desde la publicación de «Vers Une Architecture» por Le Corbusier en 1923…”

“Menos es más…aburrido”. R.V.

“A diferencia de otras ideologías políticas, la del mercado siempre se ha argumentado no como una idea sino como un “hecho”, como una condición objetiva”

Edición en español: Complejidad y contradicción en arquitectura, Gustavo Gili, 2014 (12ª edición) en inglés Complexity and Contradiction in Architecture, Tapa blanda – enero 1977, Nueva York, Museo de Arte Moderno, 1997. ISBN-13: 978-0870702815.

Robert Venturi resumió esta situación con agudo ironía cuando escribió “el poder siempre decreciente del arquitecto y su creciente ineficiencia al darle forma al ambiente entero, tal vez pueda revertirse, al estrechar sus intereses y concentrarse en su trabajo”.
“Mientras en la antigüedad no había diferencia entre el concepto y el edificio, desde el siglo XV la concepción, el momento del diseño, se volvió independiente del edificio mismo”.
“Mi argumento es que la arquitectura ha tenido un papel decisivo en la formación de ideas, conceptos y paradigmas mediante los cuales la ciudad se ha desarrollado, primero en Occidente y después en una escala global”.

“Complejidad y Contradicción en la arquitectura” fue el ganador del Classic Book Award en la Séptima Edición de los Premios Internacionales del Libro de Arquitectura de la AIA.

En la introducción de Complejidad y contradicción en arquitectura, Vicent Scully (1920 – 2017) de quien Philip Johnson (1906 – 2005) opinara que era “el más influyente profesor de arquitectura de todos los tiempos” consideraba el libro como “el escrito más importante en arquitectura desde la publicación de «Vers Une Architecture» por Le Corbusier en 1923.

Publicado por primera vez en 1966 y traducido a 16 idiomas, este notable libro se ha convertido en un documento esencial de la literatura arquitectónica.

Un “manifiesto amable para una arquitectura no directa”, la Complejidad y contradicción de la arquitectura de Venturi expresa en los términos más convincentes y originales la rebelión posmoderna contra el purismo del modernismo.

Trescientas cincuenta fotografías arquitectónicas le sirven a su autor para realizar comparaciones históricas e iluminar sus ideas para crear y experimentar la arquitectura.

Comentarios de la revista Arquine (hola Manuel Novodeltsky) de Vittorio Aureli del 31 de Julio de 2019: “…Construyendo sobre el legado de los pioneros de la investigación urbana como Robert Venturi y Denise Scott-Brown en “Aprendiendo de Las Vegas” Rem Koolhaas en “Delirio en Nueva York”, muchos arquitectos han visto las condiciones urbanas extremas sin entender cómo éstas eran resultado de intenciones políticas específicas ocultas tras el espectáculo de la urbanización desregulada —es decir, impulsada por el mercado”(1)

“A diferencia de otras ideologías políticas, la del mercado siempre se ha argumentado no como una idea sino como un “hecho”, como una condición objetiva. Asumir el caos urbano como un dato ha sido un problema para muchos argumentos sobre la ciudad propuestos por arquitectos. Nuestra falta de habilidad para darle forma a la ciudad se ha presentado como un hecho histórico inevitable”.

La aparente informalidad de la ciudad del siglo XX tardío y la lógica política del urbanismo del laissez-faire estaban lejos de no ser algo planeado; más bien, eran el resultado de una voluntad política específica. Por falta de entendimiento, los arquitectos se quedan, confortablemente, dentro de los límites de su profesión. (2)

“Cuanto más celebran los arquitectos la condición urbana como algo que no puede gobernarse más, sostienen la coartada perfecta para retirarse de su mandato profesional, pretendiendo que su trabajo consiste en responder pragmáticamente a las demandas de sus clientes”. 

Robert Venturi 
resumió esta situación con agudo cinismo cuando dijo que “el poder siempre decreciente del arquitecto y su creciente ineficiencia al darle forma al ambiente entero tal vez pueda revertirse, irónicamente, al estrechar sus intereses y concentrarse en su trabajo». (3)

En la última década, un nuevo discurso dominante ha emergido contra dicha posición, esta vez centrado en el arquitecto como activista. En especial desde la recesión económica del 2007, cuando los obstáculos del neoliberalismo se volvieron evidentes, una nueva generación de arquitectos ha abogado por una práctica más comprometida socialmente. 

Ellos entienden su posición como emancipada de la tarea tradicional de la arquitectura -diseñar edificios- y con la misión de atacar problemas urgentes que están más allá de la arquitectura. (4)

Identificada como la del “arquitecto-activista”, esta posición se construye de acercamientos a veces radicalmente distintos que no pueden resumirse racionalmente en un solo movimiento.

Sin embargo, un argumento recurrente de este tipo de prácticas afirma la creciente ineficiencia de la arquitectura para ofrecer respuestas a problemas sociales y políticos. 

Tal afirmación inevitablemente implica una crítica no sólo al estatus del diseño contemporáneo sino también a lo que ha sido la cultura arquitectónica a lo largo de su desarrollo histórico. (5)

Escribe Venturi “Aunque simpatizo más con las ambiciones sociales del arquitecto activista que con la celebración acrítica de la ciudad como mero conglomerado de complejidades y contradicciones, pienso que ambas posturas subestiman —con buena o mala fe— el poder de la arquitectura en su formato tradicional —como una disciplina encargada de diseñar edificios— para influir en la realidad de nuestra condición urbana”. 

“Mi argumento es que la arquitectura ha tenido un papel decisivo en la formación de ideas, conceptos y paradigmas mediante los cuales la ciudad se ha desarrollado, primero en Occidente y después en una escala global”. 

“Me enfoco especialmente en las teorías y las estrategias de la arquitectura más que en la arquitectura en tanto edificios. Este enfoque en la teoría arquitectónica bajo la forma de tratados sobre la arquitectura está motivado por el hecho de que es, precisamente al presentarse como teoría o como estrategia independientemente de su realización, como la arquitectura se ha convertido en algo más que una mera práctica: un proyecto”. 

Ahora soy yo, Hugo “Tengo recuerdos entrañables de la Marsilio editores, editaban con mucho mimo y dedicación, obras de arquitectura, que muchas editoriales no nos atrevíamos a realizar, porque si bien nos interesaban en lo personal, nunca estabas lo suficientemente seguro de hacer miles, al respecto, un viejo editor (en experiencia y en años), me dijo una vez:Hugo, si te gusta mucho un libro, cómprate uno, pero no obligues a otros miles a hacer lo mismo”.
Tenía muchísima razón, no le hice caso totalmente, compre muchos, sin importarme demasiado su precio, convencido que su valor era siempre mayor a su precio, y edite otros, que durante décadas, en cada feria, intentaba convencer al cliente de turno (editoriales, o distribuidores o cadenas de librerías), de su enorme valor.
“Así, un día me encontré hablando en la LIBER en Barcelona de un libro de Palladio, de sus dibujos, y de su enorme trascendencia para la arquitectura, cuando terminé mi charla, un señor, me agradeció, (ante mi vehemencia se habían juntado algunas personas, cosa que ocurre normalmente en las ferias, que hablas con alguien, pero otros entran al stand y hojean libros). Yo encantado de, (pensé), haberlo interesado, le pregunté, de que país, ¿o empresa era del mundo del libro? y me dijo que era médico, que estaba acompañando a su esposa”. 

Ahora volvemos a Venturi, “Sin embargo, es exactamente en tanto anticipación de la realidad por venir que el proyecto es también la realidad misma. El proyecto es el sine qua non de la producción arquitectónica: da forma y reproduce un conocimiento compartido y, por tanto, colectivo que es irreductible a lo que se ha realizado en forma de edificios y objetos de diseño”. (7)

El proyecto siempre ha sido un marco ambivalente. Siempre ha sido un acto tanto de emancipación como de dominio sobre una situación social y política dada. Dentro del proyecto, el acto de emancipación y la voluntad de dominar no pueden separarse. Sobre todo, la arquitectura en tanto conocimiento es vista aquí como un recurso estratégico mediante el cual las fuerzas en juego en el desarrollo de la ciudad se hacen visibles”. 

“Es exactamente cuando estas fuerzas se pueden entender críticamente cuando el proyecto arquitectónico ya no es sólo un medio para un fin sino también la posibilidad para desentrañar los medios de sus supuestos fines buscando un proyecto alternativo para la ciudad”.

Robert Charles Venturi (Filadelfia 1925 – 2018 ibid) su esposa y socia fue Denise Scott Brown (Nikana 1967), en ese orden se relacionaron.

Robert estudió arquitectura en la Universidad de Princeton, en Nueva Jersey, y pasó después tres años como becario en la Academia Americana en Roma.

Trabajó hasta 1958 en el estudio de Eero Saarinen y Louis Kahn, simultáneamente también fue profesor de arquitectura teórica en la Universidad de Pensilvania, en Filadelfia.

A partir de 1964 trabajó con John Rauch.

En 1967 se casó con Denise Scott Brown con quien trabajó conjuntamente desde 1969, creando el estudio Venturi, Rauch y Scott Brown Asociados.

Enseñó en las Universidades de Pensilvania, de Harvard, de Yale, y de Princeton.

Miembro de Sociedad Filosófica Estadounidense, Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, Academia Europea de Ciencias y Artes, Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias, Phi Beta Kappa, Academia de San Lucas.

Un premio Pritzker ideologizado por un machismo arquitectónico

Su obra más importante la realizó con su esposa Denise Scott Brown 

Denise, sin embargo, fue excluido del premio Pritzker con el que fue galardonado en 1991.

Pienso que éste es un tema que pone, una vez más, la actitud de quienes deben hacer justicia con las mujeres en el campo del pensamiento, en este caso, la arquitectura, he leído que Denise se oponía a que ahora se dijera que fuera compartido, deseaba, que el Pritzker fuera entregado también a su nombre como lo fue su socio y esposo, El Premio Pritzker, argumentó, que no podía hacerse retroactivo, da vergüenza ajena.

Quince años después, ambos de manera conjunta fueron distinguidos con la Medalla de Oro del AIA 2016, el premio de arquitectura más importante de Estados Unidos.

Robert alcanzó prestigio cuando en la década de 1960 inició la crítica a la ortodoxia del movimiento moderno, que desembocó en el postmodernismo de la década de 1970. 

Su causa defendía una arquitectura compleja y que aceptara sus contradicciones.

Rechazó la austeridad del movimiento moderno y animó el retorno del historicismo, la decoración añadida y de un rotundo simbolismo en el diseño arquitectónico.

Venturi es considerado como uno de los arquitectos más originales de finales del siglo XX y es apreciado por haber introducido conceptos diferentes en sus obras, que se apartan de todo lo que se acostumbra a ver en arquitectura.

Al mismo tiempo ha expresado sus pensamientos en numerosas conferencias y clases, y también en varios libros y artículos.

Escribió sus libros principalmente con su socia y esposa Denise Scott Brown, en los que realza el hecho de que también la arquitectura moderna se basa en las referencias históricas. Según manifiesta, él como arquitecto intenta no dejarse llevar por el hábito, sino por un sentido consciente del pasado, evaluando detenidamente lo que significa y la conveniencia y forma de tenerlo en cuenta en sus proyectos.

Premios

1983 fue distinguido con la Medalla Thomas Jefferson.

1991 fue distinguido con el premio Pritzker, uno de los galardones internacionales más importantes de arquitectura, comparable al premio Nobel. Su esposa Denise Scott Brown se negó a acompañarlo en la ceremonia de entrega del galardón ya que consideró que el premio debió ser compartido.

2013 un grupo de estudiantes de Harvard inició una petición en internet para solicitar la concesión del Pritzker de manera retroactiva para Denise Scott. La petición fue firmada entre otros por el propio Robert Venturi a pesar de que en 1991 en su discurso de aceptación no reclamó compartir el premio, aunque si mencionara que Scott Brown realizaba más del 50 % del trabajo.

Numerosos medios de comunicación como el The New York Times se hicieron eco de la protesta, denunciaron la falta de presencia de mujeres en el jurado de los premios aportando el dato de que en 1991 tan solo había una mujer y 20 años después seguía habiendo solo una mujer, Martha Thorne (8) directora ejecutiva de Pritzker y denunciaron la discriminación de las mujeres en la profesión de arquitectura. ​

Después de varios meses de especulaciones tras la protesta, en junio de 2013 el comité del premio Pritzker se reunió y decidió no reconocer retroactivamente a Scott Brown. ​
En noviembre de 2015 se anunció que Robert Venturi Denise Scott Brown conjuntamente eran distinguidos con la Medalla de Oro del AIA del Instituto Americano de Arquitectura.​ uno de los galardones más prestigiosos del mundo en arquitectura, por la influencia que sus escritos y diseños han tenido en la teoría y la práctica de la arquitectura un galardón que, según algunas revistas especializadas, es «un guiño» a Scott Brown tras la polémica del Pritzker

Denise se convierte en la segunda mujer de la historia que gana el galardón más prestigioso del mundo de la arquitectura y en la primera mujer viva que recibe este galardón, ya que la primera mujer que recibió esta medalla fue Julia Morgan en 2014 a título póstumo

Denise Scott Brown

Nacida como Denise Lakofski (Nkana, Zambia 1931), es reconocida como una arquitecta posmoderna, urbanista, escritora y profesora.

Experta en planificación urbana y docente en distintas universidades como Berkeley, Yale y Harvard, escribió en 1972 en colaboración con Robert Venturi y Steven Izenour «Aprendiendo de Las Vegas»: el simbolismo olvidado de la forma arquitectónica, uno de los libros más influyentes en arquitectura en la segunda mitad del siglo xx.

Está considerada como la arquitecta más famosa de la segunda mitad del siglo xx.

Fue socia del estudio de arquitectura Venturi, Scott Brown y asociados de Filadelfia. En 2012 tras la jubilación de Venturi se convirtió en VSBA Architects & Planners. ​

Estudió primero en Johannesburgo (Sudáfrica) en la Universidad del Witwatersrand (1948-1952) donde conoció a su primer marido, Robert Scott Brown que también estudió arquitectura.

En 1952 viajó a Londres para continuar sus estudios en la Architectural Association School of Architecture donde se graduó en 1955.

En 1958 se instalan en Filadelfia para estudiar en el departamento de planificación de la Universidad de Pensilvania. En 1959, con 28 años, Robert Scott murió en un accidente de coche

En 1967 conoce en una reunión de profesores a Robert Venturi, con quien se casaría en 1969, Brown no adoptó el nombre Venturi y decidió mantener su nombre de casada para no perder el trabajo que había publicado durante años con el apellido de su primer marido.

Denise intervino en contra de la demolición de la biblioteca de la universidad diseñada por el arquitecto de Filadelfia Frank Furness (1839 – 1912).

En 1965 fue nombrada codirectora del Programa de Diseño Urbano de la Universidad de California.

Scott Brown regresó a Filadelfia en 1967 para unirse a la empresa de Robert Venturi y se convirtió en la directora de planificación en 1969.

En 1972 con Venturi y Steven Izenour escribió «Aprendiendo de Las Vegas: el simbolismo olvidado de la forma arquitectónica«.

Con la firma Venturi, Rauch y Scott Brown en 1980; y finalmente Venturi, Scott Brown y Asociados en 1989, Scott Brown ha realizado numerosos proyectos, entre ellos el Sainsbury Wing de la National Gallery en Londres, el complejo del Consejo General en Toulouse y el Mielparque Nikko Kirfuri Hotel y Spa cerca de Nikko en Japón.

Obras representativas

-Allen Memorial Art Museum, Oberlin College; Oberlin, Ohio (1976)

 -Edificio Gordon Wu, Universidad de Princeton en New Jersey (1983)

 -Auditorio de la Orquesta de Filadelfia

-Museo de las Artes Manufactureras en Fráncfurt del Meno

-Sala de Exposición de Basco (Filadelfia)

-Laboratorio Lewis Thomas, Universidad de Princeton (Princeton, Nueva Jersey) (1986)

-Edificio de Investigaciones Clínicas, Universidad de Pensilvania (Filadelfia)

-Guild House (Filadelfia). 1960-63

-Casa de Vacaciones Trubek y Wislocki (Nantucket Island, Massachusetts). 1970/72

-Franklin Court (Filadelfia)

-Facultad de Estudios Humanísticos, Universidad del Estado (Nueva York)

-Ampliación del Museo National Gallery, Sainsbury Wing, Londres (1991)

-Museo de Arte de Seattle, estado de Washington (1991)

-Museo del Niño en Houston, Texas (1992)

-Modelo de Ciudad Celebration para Disney World en Orlando, Florida.

-Edificio de Juzgados Franklin en Filadelfia.

-Pabellón de Estados Unidos para la Exposición Universal 1992 en Sevilla

17 de mayo. Día de honor de EEUU. La fachada tenía un muro de agua, simboliza el Océano Atlántico cruzado por Colón, las tres carabelas están representadas por 3 gigantescas banderas del país. Dentro del recinto se exponían 2 paneles alegóricos pintados por Meter Max representando el pasado y presente de EEUU. Constaba de dos inmensas cúpulas geodésicas separadas por una cancha de baloncesto. (Expodiario, Canal Sur Televisión).

-Perelman Quadrangle, University of Pennsylvania, Filadelfia (2000)

-Facultad de Estudios Humanísticos, Universidad del Estado de Nueva York.

Distinciones

-“Premio Jane Drew” otorgado por la revista Architects’ Journal, 20177

– “Medalla de Oro del AIA” 2016 (con Robert Venturi)

-“Design Mind Award Cooper-Hewitt National Design Awards“ 2007 (con Robert Venturi)

-“Athena Award“, Congress for the New Urbanism; 2007

-“Vilcek Prize“, The Vilcek Foundation; 2007

– “Vincent J. Scully Prize“, National Building Museum; 2002 (con Robert Venturi)

– “Topaz Medallion“, American Institute of Architects AIA 1996

– “National Medal of Arts“ United States Presidential Award; 1992 (con Robert Venturi)

– “AIA Firm Award“ to Venturi, Rauch and Scott Brown; 1985

Bibliografía

-Learning from Las Vegas: the Forgotten Symbolism of Architectural Form, (con Robert Venturi y Steven Izenour), Cambridge: MIT Press, 1972; edición revisada 1977.

-A View from the Campidoglio: Selected Essays, 1953-1984, (con Robert Venturi), Nueva York: Harper & Row, 1984.

-Urban Concepts, Architectural Design Profile 60: January-February 1990. Londres: Academy Editions; distribuida en los Estados Unidos por by St. Martin’s Press.

-Architecture as Signs and Systems: for a Mannerist Time (con Robert Venturi), Cambridge: The Belknap Press of Harvard University Press, 2004.

-The art in waste (artículo), en Distorsiones urbanas / Urban Distorsions, Madrid, Basurama, 2006. Artículo completo.

Obras representativas
En una clara separación del movimiento moderno, en su “Complejidad y contradicción en la arquitectura” de 1966 defiende una posición contraria a la arquitectura moderna, contra su pretensión de buscar solo la diferencia y la novedad. Quiere mostrar la complejidad de la forma arquitectónica que no puede ser reducida a un solo sistema lógico y estético (como defendían los modernos). 

Argumenta que esta arquitectura no es adecuada para un período de cambio como fueron los 60, haciendo de esta voluntad de cambio su objetivo entonces se separa de ellos autodenominándose posmoderno. “La posmodernidad significa la superación del movimiento moderno. Un aceptar las complicaciones del hombre común en vez de ignorarlas y plantear un empezar de cero como hacían sus predecesores”.

En 1972 publicó el libro “Aprendiendo de las Vegas” escrito con Denise Scott Brown y Steven Izenour.
La primera parte amplia los resultados del seminario organizado en 1968 en la Universidad de Yale; con fotos, mapas y diagramas en las que demuestra cómo funciona la arquitectura típica de Las Vegas. 
En el centro de la segunda parte se habla sobre dos figuras emblemáticas: “el pato y la caja decorada”. El pato se convierte en una escultura; la forma simbólica se apropia completamente de la arquitectura, desempeñando un papel excesivo.

La caja funcional, se decora de acuerdo con su función, con un cartel publicitario sobre la cubierta o en el terreno.

Influencias


Algunas de las más importantes son su admiración por Kahn con quien estudió en la Universidad de Yale. De él rescata el haber establecido una conexión con el pasado y haber dado a la arquitectura un desarrollo autónomo. 

Además, es vital el viaje que realiza a Roma en el cual puede estudiar el Barroco, período que lo apasiona por su capacidad de articular los elementos, subordinándolos a una unidad geométrica global y desarrollando todo tipo de ambigüedades. Finalmente hay que destacar su contemporaneidad con el pop art, cuyos valores, la admiración por el vernáculo comercial y los objetos de consumo se ven reflejados en su obra.

Las fuentes fundamentales para Venturi serán las tradiciones eclécticas y clasicistas (Barroco, Manierismo, Rococó) y la arquitectura popular. 

Es además admirador de Le Corbusier, Aalto, Van Eyck (por su defensa de las culturas primitivas y sus saberes). 

En referencia a Mies destaca que pese a la creencia errónea que era su crítico acérrimo, la realidad demuestra todo lo contrario 
«De todo lo que escrito y dicho en mi vida, que ha sido mucho, no hay nada de lo que me arrepienta o que quiera retirar, excepto quizás la frase “Menos es Aburrido”. Aquello era una rebeldía contra la simpleza insulsa de lo que yo la llamaría la arquitectura moderna tardía. Era una frase retórica. Desde nuestra perspectiva actual, no me cabe duda de que Mies es uno de los grandes maestros de este siglo en la arquitectura y todos los arquitectos deberíamos besar los pies de Mies van der Rohe por todos sus logros y lo que podemos aprender de él”.

Toda esta complejidad debe resolverse comprometiéndose con el conjunto. Esta unidad mantiene un control sobre los elementos en conflicto que las compone como un todo. 

Valora la tradición que considera que los artistas “tienen completo significado en cuanto son valorados en relación con sus predecesores”. 

Proclamaba en su libro la dualidad, la riqueza de significado, que oponía a una arquitectura aburrida, “intuyendo que con atender solamente los requerimientos funcionales no se cumplía con la misión arquitectónica, sino que se conducía a la desolación y el agotamiento del habitante”. 

Se basa para su obra en la cultura americana de consumo por excelencia. Estas características emergentes de una sociedad desordenada, difícil de entender por el ciudadano, no son compatibles con el racionalismo.

Concluye que el arquitecto “debe saber cómo interpretar con nuevos criterios de gusto y composición los elementos de la metrópolis moderna y los elementos de mala reputación, como puede ser el equipamiento urbano”. Se refiere al pop art con quien “comparte el gusto por los elementos vulgares de la cultura urbana, que combinan para mostrarla variedad y vitalidad”.

En este sentido la propuesta de Venturi es un reflejo de la sociedad norteamericana de los 50´ y 60´. Lo que más destaca de los edificios que analiza en su libro (más de 200 obras) es “explorar temas como las contradicciones en las composiciones, así como el poder de expresar varios significados simultáneamente, o tener una dualidad funcional”.

Reduce la arquitectura a un fenómeno perceptivo, a un juego de formas que transmiten mensajes a nuestros sentidos. Destaca entonces su capacidad expresiva.

Casa Vanna Venturi

De 1964, considera al edificio sustancialmente clásico en su planta y forma y su ornamentación y elevación, sin embargo, específica que a pesar de ser clásica no es pura, se adhiere más a las características manieristas que admite contradicción con la idea de orden.

Venturi considera que para apreciar esto se debe ser consciente de la contradicción en la arquitectura clásica, como en las obras de Palladio a quien considera su guía. “Algunos han dicho que la casa de mi madre “parece un dibujo de niños -representando los elementos básicos de refugio- (…). Me gusta pensar que es algo que alcanza otra esencia, esa del género de que es una casa y es elemental”.

“La casa de mi madre fue diseñada cuando ella ya era una viuda anciana, con su dormitorio en la planta baja, sin garaje porque ella no conducía, y con habitaciones para una sirvienta y la posibilidad de tener una enfermera -además de ser también adecuada para sus bellos muebles con los que yo me había criado. Por lo demás, ella no realizó otras demandas al arquitecto, su hijo, relacionadas con el programa o su estética -ella era maravillosamente confiada.” Guild House

En su libro “Aprendiendo de las Vegas” plantea dos caminos para que un edificio sea comunicativo “Que en su forma exprese una función o que sea un edificio funcional con un rótulo gigante”. La segunda opción es la que considera más contemporánea. 

Esto implica una independización de la fachada como hecho autónomo del contenido funcional. 
Un ejemplo del edificio anuncio es el “National College Hall of Fame”, un edificio con forma similar a la de una galería que es totalmente independiente de la fachada, siendo esta un anuncio gigante con pantalla electrónica. 

Así se opone a Loos considerando al edificio como “una máquina funcional por dentro y una obra singular por fuera”.

Lo que pasará a caracterizar su obra será una muestra de posibilidad de adaptabilidad y prevalencia de la arquitectura basándose en el uso de elementos convencionales.

leer tambien http://onlybook.es/blog/denise-scott-brown-una-conferencia-magistral/

Notas

1

Bibliografías

Rem Koolhaas “Delirio de Nueva York”, un manifiesto retroactivo para Manhattan, editorial Gustavo Gili, 2004.

Robert Venturi, Denise Scott-Brown y Steven Izenour “Aprendiendo de Las Vegas”, el simbolismo olvidado de la forma arquitectónica, Gustavo Gili, 2013 (9ª edición).
La lista de obras influenciadas por estos dos libros pioneros es innumerable.

Recordamos:

-“Mutations”, Rem Koolhaas, Stefano Boeri, Samford Kwinter, Nadia Tazi Hans-Ulrich Obrist, (Barcelona, Atar 2000)
-“The Urban Age Project”by de London School of Economics and Deutsche Bank’s“Alfred Herrasen Society” de Ricky Burdett y Deyan SudjikThe Endless City (Londres, Phaidon 2010).

2

“La idea de que las ciudades ya no se “planifican” es una de las más grandes ilusiones que han cultivado los arquitectos en los últimos cuarenta años. Es cierto que la posibilidad de planificar ciudades como un “proyecto” legible declinó con el auge de las políticas neo-liberales en los años 80”. 
“Sin embargo, más que desaparecer de un golpe, la planificación se ha transformado en un lubricante usado por el Estado con el fin ideológico de demostrar su propia inferioridad de cara al mercado”. 

“Contradicions in Neoliberal Planning”, Tuna Tasan-Kok y Guy Baeten, editorial Viena, Springer, 2008.

3

Robert Venturi, “Complexity and Contradiction in Architecture”, 1996, Nueva York, Museo de Arte Moderno, 1997.

Edición en español “Complejidad y contradicción en arquitectura”, Gustavo Gili, 2014 (12ª)

4

Un lema repetido obsesivamente en estos días en el discurso arquitectónico.

Veamos a Luca Guido, “To Go Beyond or Not to Be’ Unsolicited Architecture: An Interview with Ole Bouman,” en Architectural Design 79, número 1, enero-febrero 2009, páginas 82-85.

5

Para un compendio de prácticas activistas surgidas en los últimos años, véase Nihat Awan, Tatjana Schneider y Jeremy Till, Spatial Agency: “Other Ways of Doing Architecture”, Londres, Routledge, 2011, y “Did Someone Say Participate?”: An Atlas of Spatial Practices, Markus Miessen y Shumon Basar, editores, Cambridge, MIT Press, 2006.

6

Sobre la categoría del “proyecto” véase Massimo Cacciari, “Project en The Unpolitical: On the Radical Critique of Political Reason”, editado por Alessandro Carrera, Nueva York, Fordham University Press, 2009, 122-145.

Otros dos ensayos al tema del proyecto: “Redefining the Autonomy of Architecture: The Architectural Project and the Production of Subjectivity”, Pier Vittori Aureli, Harvard Design Magazine 35 (2012), páginas 106-114.

“The Common and the Production of Architecture: Early Hypotheses”, en Common Ground, David Chipperfield, Kieran Long y Shumi Bose, editores, Venecia, Marsilio, 2012, páginas 106-111.

La editorial Marsilio siempre editó cuidadas e interesantes títulos, estaba en aquellos tiempos en Venecia, lo cual para  mi era un acento que lo inimaginable podía llegar a ser posible.

7

“Proyecto” viene del latín “projectum”, “algo lanzado hacia adelante”. “Producción” viene del latín “producere”, “sacar adelante”. Ambas palabras son similares o sinónimos de proficere, que significa “ofrecer” o “sacar”.

8

Martha Thorne es una académica, curadora, editora y autora de arquitectura estadounidense. Es directora ejecutiva del Premio Pritzker de Arquitectura y Decana de la Escuela de Arquitectura de IE University en Madrid. Anteriormente, fue curadora de arquitectura en el Art Institute of Chicago.

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Denise Scott Brown, una conferencia magistral

El arte en el diseño

Denise Scott Brown

Conferencia del ciclo Distorsiones Urbanas de Basurama06 (1), en La Casa Encendida. Madrid, 4 de mayo de 2006.

Traducción: Natalie Gómez Handford y Ana Fernández-Caparrós Turina

Hace muchos años, cuando impartía clases en la Universidad de Pennsylvania, compartía una clase de urbanismo con paisajistas. Un día invitaron a una jardinera que nos enseñó unas secuencias de imágenes de plantas. Había fotografiado el crecimiento de rosas. En una secuencia tras otra, las rosas pasaban de ser tiernos capullos a espléndidas flores. Pero ¿y después? De repente me di cuenta de que sólo estábamos viendo la mitad del proceso. Después del florecimiento viene el deterioro: la rosa envejece, marchita y después muere. Pero la jardinera no podía enfrentarse a ese proceso de marchitamiento y de muerte; para ella, las fotos terminaban con el logro y la plenitud.

Sin embargo, el ciclo natural es semilla, brote, flor, marchitamiento, muerte, rebrote, y así comienza un nuevo ciclo. No es una historia tan mala. Aparece en todas las formas de vida y en toda la mitología humana; es el contexto para cualquier discusión sobre los procesos humanos, incluidos aquellos de vida urbana y crecimiento de las ciudades. En la década de los cincuenta, los urbanistas, que habían presenciado la destrucción de las ciudades europeas causada por las bombas, y el deterioro de las ciudades norteamericanas por la migración de la población a barrios residenciales de la periferia, emplearon para denominar estas pérdidas un término que hace referencia a un fenómeno de la naturaleza: » blight «; y designar así el deterioro urbano («urban blight»). A medida que se amplía, empezaron a revisar sus nociones del cambio urbanístico, y empezaron a entender el nacimiento, la decadencia y la recuperación de áreas urbanas como parte de un ciclo vital. Esta visión del proceso de degradación paralelo al del ciclo. vital, será el contexto en el que enmarcaremos nuestro intento de considerar el arte en el diseño.

¿Cómo ven los seres humanos los desechos? Pensamos en ellos como algo sucio. El polvo es seco y relativamente limpio pero la basura es húmeda y desagradable. El diseño tiene connotaciones desagradables. Por ello, para profundizar en las relaciones entre arte y basura, tendré que ser poco delicado. Imaginad a un bebé que se ha escapado de su pañal lleno de heces. Si tiene la oportunidad, jugará con ellas. Son parte de él, y por eso le gustan. Pero la madre no lo soportaría; la sociedad tampoco. Algo debe hacerse con las heces porque, siendo realistas, no son higiénicas. Sin embargo, cuando se controla demasiado al bebé, sin tacto y sin conocimientos, el resultado será inhibición, y en particular, inhibición artística, porque la necesidad de jugar con los residuos está relacionada con la creatividad. Una buena madre sabrá transmitir esta necesidad dejando al niño jugar en el barro, haciendo castillos de arena o tartas de barro, es decir, haciendo algo seguro inmerso en la suciedad. Considerar el arte en el diseño significa, por lo tanto, tomar en consideración características humanas básicas y asumirlas a través de la educación, entendiendo, por ejemplo, que jugar entre la suciedad está ligado a la creatividad.

Nuestra definición del deseo es cultural. En un artículo de la publicación anterior de Basurama (2) se hacía referencia a que un campesino no tendría la misma relación con el estiércol que una urbanita. Esto me recordó a una granja que visité en Cape Dutch en Sudáfrica. El suelo estaba hecho con estiércol. Estaba encerrado y su olor era fresco. Lo habían mezclado con huesos de melocotón y, al tacto, era como una goma muy suave. El estiércol y los huesos de melocotón se consideraban recursos valiosos en esa sociedad, no se percibían como basura. Las casas kraal africanas también tienen suelos de estiércol y los africanos usan los neumáticos de los coches viejos para hacer sandalias. Con ellos hacen las suelas y con los cables del interior del automóvil hacen las correas. Es un calzado excelente para caminos accidentados.

Nuestra definición del deseo también es clasista. La gente de clase alta suele considerar vulgar y despreciable el gusto de la gente de clases inferiores, y nosotros, los arquitectos, usamos las expresiones «deterioro visual» o «polución visual» para describir las formas de la cultura comercial, y en especial de los carteles de las ciudades. Pero creo que no hacemos un uso apropiado de estas expresiones. La analogía con la contaminación química no tiene fundamento. Las sustancias químicas pueden ser dañinas para la salud y su presencia en la atmósfera se puede medir en partículas por metro cúbico. ¿Pero cómo mide la contaminación visual? Lo que definimos como contaminación visual es, a menudo, lo que encontramos feo. Pero, eso mismo, puede ser bonito para otra persona, o algo que sencillamente se adapta a sus necesidades.

¿Por qué estoy aquí? En primer lugar porque Basurama , al estar investigando la basura como recurso artístico, ha elegido un campo muy interesante. Se dirigieron a Robert Venturi ya mí porque habíamos analizado un fenómeno denostado: Las Vegas (3) y Levittown. Las Vegas es la apoteosis de la expansión comercial descontrolada en las autopistas de las afueras de las ciudades norteamericanas, y Levittown es un barrio residencial periférico de gente de clase media-baja, de los que emergieron después de la Segunda Guerra Mundial para alojarse, sobre todo. a veteranos de guerra, las «ticky tacky boxes» del popular tema del cantante de folk Pete Seeger. Para los arquitectos de clase media-alta son claramente las casas de otra gente. Nosotros intentamos aprender de ellas, intentando observarlas sin prejuicios para, tal vez, poder extraer algo bello de ellas.

Antes de esto, otro colectivo de Madrid nos había llamado para invitarnos a participar en una exposición sobre plagios. Nosotros dijimos que no porque si no, a partir de ese momento, nos acusarían de robar las ideas de otros. Ellos insistieron e intentaron explicarnos que habían usado una palabra menospreciada para referirse a un fenómeno interesante y potencialmente beneficioso: la influencia que se establece entre diferentes grupos o movimientos. Así que respondimos que sí, porque nosotros, después de todo, habíamos usado la palabra sprawl  (4) en nuestro afán de analizar los barrios residenciales sin prejuicios. Más tarde se dirigieron a nosotros una vez más, pidiéndonos que atendiéramos a la llamada de Basurama, que también usamos una palabra con connotaciones negativas, basura, para describir algo bueno; Sentimos afinidad con su aproximación al fenómeno de la basura y, por ello, encontramos su propuesta un desafío.

Más adelante, una arquitecta romana a la que respeto mucho me dijo que me había puesto en contacto con algunos de los arquitectos jóvenes más interesantes de Europa. Muchos arquitectos han considerado que si decidíamos analizar la arquitectura de Las Vegas significaba que no teníamos un compromiso social. Estos críticos, que son sobre todo de una generación anterior, eran incapaces de separar estructura y contenido. Por ejemplo, el hecho de que no me sienta para nada identificado con la religión católica medieval no implica que no me puedan gustar las catedrales medievales. No tengo que creer en esa religión para que me encanten estos edificios religiosos. Del mismo modo, no tiene por qué gustarme el juego para poder estudiar el urbanismo de Las Vegas. Basurama ha entendido esto, y reconoce la afinidad entre nuestras ideas y nuestras preocupaciones sociales y las suyas.

Pero también existe otro camino que me condujo hasta aquí. Empezó en África. Como cualquier otra niña que creciera en Sudáfrica, mi vida cultural estuvo dominada por el Reino Unido. Aunque ya no éramos una colonia, éramos, en términos culturales, una sociedad colonial. Los expatriados ingleses que vivían allí nos decían que nuestra realidad era inferior a la de Inglaterra. Buscaban en Sudáfrica paisajes de un verde como el de Surrey, sin reparar en la belleza de nuestro paisaje seco de color caqui. ¿Por qué mi hermoso altiplano estepario tenía que parecerse a Surrey? Me convertí en una africana xenófoba que protestaba airadamente contra la importación de otras culturas y tal vez objetara demasiado, pues ahora creo en el multiculturalismo.

Muchos compartían mis opiniones en África, donde el debate artístico giraba en torno a qué era África y cómo nosotros, como artistas, debíamos expresar los paisajes y la cultura africana. En este contexto, el arte vernáculo era venerado mientras que la cultura popular africana era menospreciada; cuando los artistas africanos dejaron de lado sus tradiciones para aceptar también la influencia del Johannesburgo industrial, los puristas se sintieron ultrajados. Sin embargo, creo que estos movimientos populares, y en especial aquellos que reciclaban desechos industriales, eran muy interesantes, mucho más interesantes, de hecho, que las interpretaciones de la cultura vernácula que habían hecho los artistas más renombrados.

En definitiva, quedamos atrapados culturalmente entre el «debería» y el «es», entre el «debería» de un país lejano y el «es» de África. Creo que los artistas que ven sólo basura en el «es» y atienden demasiado a los «deberíais» provenientes de un lugar lejano corren el riesgo de perder su creatividad. Con esta visión, la del «es», fue con la que me aproximé a Las Vegas. Creo que mi visión de Las Vegas es africana porque implica mirar a la realidad cotidiana que nos rodea e intentar verla como una fuente artística y cultural, e incluso, todavía más allá y cuestionar sus reglas. Si éstas provienen de otro lugar y de otro tiempo, ¿siguen teniendo vigencia ahora?

En 1952, cuando era estudiante de arquitectura de cuarto curso, me trasladé de Johannesburgo a Londres y allí ingresé a la Architectural Association (AA). Llegué a Inglaterra en un período de grandes cambios sociales, por las políticas sociales que siguieron a la Segunda Guerra Mundial. Los alumnos de la AA estaban divididos en diferentes grupos: por una parte, existía un grupo de alumnos que habían recibido una beca para poder estudiar allí; por otra estaban los clásicos alumnos de la AA, los que habían estudiado en colegios de élite y se podían permitir estudiar en esa escuela. Como yo provenía de una colonia, podía relacionarme con los miembros de ambos grupos porque no tenían referencias sobre mí, pero, entre ellos, apenas se relacionaban.

En medio de este estado de agitación social, el debate arquitectónico más interesante tenía lugar entre aquellos que habían sido becados. Se sentían atraídos por el trabajo de los nuevos brutalistas, Alison y Peter Smithson. Los Smithson provenían del norte de Inglaterra, lo cual ya era un signo, en aquella época, de que no eran de clase alta; por eso, ellos tenían una visión propia, la visión del extranjero (al igual que la tengo yo por ser africana, o que la tiene Rem Koolhaas, que cuando era adolescente vivía en Indonesia). Tanto los Smithson como Robert Scott Brown, mi primer esposo, como yo, y más tarde también Rem, llegamos a la cultura metropolitana, donde está el origen de nuestra, ahora, cultura divergente, con un punto de vista diferente, y tal vez por ello, con una mente más lúcida.

Para los brutalistas, sin embargo, el debate no giraba en torno a la confrontación entre la cultura colonial y la metropolitana, como ocurría en África, sino que era una cuestión de clases, entre las clases superiores y las inferiores. Los Smithson rechazaban la visión del urbanismo de Le Corbusier, es decir, la visión del CIAM; se asociaron con el Team 10, los rebeldes europeos que se oponían al CIAM, y enfocaron su trabajo en la vida callejera de los barrios más pobres. Por ello prestaron atención al trabajo de algunos sociólogos británicos que estaban instando a los urbanistas a que entendieran el tipo de vida de la gente de los barrios del este de Londres, alertando de que, aquellos cuyas casas habían sido bombardeadas, no podían ser trasladados sin más a una zona residencial periférica. En los barrios más humildes, las conexiones sociales, los lazos familiares y de amistad creaban vínculos que protegían a la gente de las dificultades ocasionadas por la pobreza. Su vida en las calles era un sistema de apoyo y sustento del que no podían ser privados.

Los Smithson, en aquel período, se referían a su trabajo como «socioplástica activa». Pero pronto se dieron cuenta de que era difícil incorporar la sociología al diseño, y por ello, concluyeron que los sociólogos debían ampliar su disciplina para incluir las necesidades de los arquitectos. Les dije que tenían que ser ellos los que, al contrario, tenían que ampliar sus miras, no los sociólogos, pero finalmente se rindieron. Yo seguí intentándolo.

Otro de los intereses de los brutalistas reside en romper las reglas, hacer justo lo contrario de lo que normalmente se había hecho en arquitectura. Su rebeldía hizo resonar en mí el espíritu africano de trasgresión y, en consecuencia, empecé a interesarme por el manierismo, es decir, la arquitectura que rompe las reglas, desde entonces. También estaban interesados ​​en la cultura popular, y en especial, en la cultura popular norteamericana. Junto con Ian Hamilton y otros miembros del Grupo Independiente de Londres, crearon un protomovimiento de arte pop en los años cuarenta, mucho antes de que naciera en América. Su interés por lo pop era otro modo de transgredir normas, porque consistía en percibir de un modo creativo lo que otros consideraban kitsch o, simplemente, una porquería.

Los brutalistas también reconsideraron los ciclos de cambio en urbanismo y en arquitectura, y esto les hizo cuestionar la visión del funcionalismo de la arquitectura moderna. Algunos miembros del movimiento moderno, a través de su doctrina Neue Sachlichkeit (nueva objetividad) habían propuesto lo siguiente: que se olvidara la arquitectura del siglo XIX para poder afrontar los desafíos de la industria moderna. Resolviendo los problemas directamente, sin atender a la estética o a las leyes de composición de la arquitectura, creyeron que encontrarían soluciones adecuadas para los proyectos y para los nuevos tiempos. Y esto a pesar de que la arquitectura resultante pudiera parecer fea, con yuxtaposiciones estridentes entre, por ejemplo, las escalas para máquinas industriales y las escalas de los lugares reservados para la gente. Los arquitectos modernos pensaron que, aunque en un primer momento seguramente odiarían los resultados de un pensamiento objetivo, acabarían por amarlos, porque los edificios eran como tenían que ser. La ruptura con las reglas no era entonces arbitraria; lo que se hacía estaba determinado por la lógica.

También nosotros, en nuestro trabajo, hemos llegado a buenas soluciones que eran tremendamente feas. Creo que estas experiencias nos llevaron hacia una nueva sensibilidad. Al igual que el estudio de la realidad cotidiana, nos llevaron más allá del predominio de lo estético para encontrar una nueva manera de mirar las cosas, en línea con los tiempos y con las nuevas tecnologías. Como creo en esta versión de una Neue Sachlichkeit, suelo decir que soy una arquitecta moderna y funcionalista. La definición de modernidad, sin embargo, debe cambiar. Por ejemplo, debemos abandonar la idea de que el uso al que se destinó el edificio originalmente constituya después el único uso al que se pueda acomodar el edificio. En Venecia muchos edificios se utilizan desde el siglo XII, aunque esto no significa que el sistema de cañerías tenga ochocientos años. Sus usos habrán variado a lo largo del tiempo. Un palacio puede haber sido la residencia de toda una dinastía y un almacén, luego un banco, un museo, un edificio institucional o hasta un edificio de apartamentos. Así que ¿cómo definimos la función del edificio? Tiene que haber otras definiciones que se adaptan a la necesidad de acomodar los cambios en las actividades de los edificios a lo largo del tiempo.

Cuando ya estaba familiarizada e implicada en todos aquellos problemas que afectaban a África y Europa, llegué a Estados Unidos justo cuando se estaba gestando el movimiento por los derechos civiles. Para mí, el origen de la nueva izquierda tuvo lugar en los debates sobre las condiciones sociales y raciales en las ciudades de los departamentos de urbanismo que tuvieron lugar en las Universidades de Pennsylvania y Berkeley. Yo había ido a Estados Unidos porque quería estudiar urbanismo. En la Europa de la posguerra era lo que había que hacer si eras un joven arquitecto con talento. Y el lugar adecuado para hacerlo era América. Además, Robert Scott Brown y yo teníamos otro motivo más: queríamos volver luego a África y desarrollar nuestras ideas y nuestros proyectos allí, trabajar para una África mejor.

Para nuestra sorpresa, cuando llegamos allí, descubrimos que Khan no era profesor en el departamento de urbanismo. ¿Cómo podía ser? Pero nuestro tutor en la universidad, David Crane, nos aseguró que, si nuestro objetivo era trabajar en África, teníamos que estudiar el urbanismo que se enseñaba en Pennsylvania. Y tenía razón.Durante nuestro primer semestre no hicimos proyectos, sino que tomamos clases de sociología urbana, economía, estadística y construcción de viviendas como disciplina económica. En estos cursos nos dimos cuenta de que el tipo de urbanismo que nos había interesado cuando vivíamos en Inglaterra no sólo estaba totalmente asumido, sino que aparecía ya en los libros de texto, y el objeto de los cursos era más interesante porque estaba relacionado con condiciones urbanas. y problemas reales, más próximos a la «socioplástica activa».

La bibliografía para el curso de sociología urbana incluía los libros que los Smithson habían leído sobre la vida en la zona este de Londres, y nuestro profesor, Herbert J. Gans, había desarrollado un proyecto similar en la zona del oeste de Boston. En la escuela de urbanismo descubrimos el escándalo de la renovación urbana, cómo, a través de este programa financiado por el estado, el sueño de los arquitectos de renovar los centros urbanos se había convertido en una pesadilla para los ciudadanos con pocos recursos económicos. Las imágenes de la renovación urbana en Norteamérica eran las mismas que en Europa, pero los que vivían en estas nuevas viviendas eran los ricos; y los pobres, que antes vivían allí, habían sido forzados a marcharse a los suburbios a vivir hacinados. Éste fue uno de los motivos por los que se inició el movimiento por los derechos civiles; Surgió, en parte, a raíz de lo que los arquitectos estaban haciendo dentro del plan de renovación urbana. Cuando les dije a un grupo de alumnos de cuarto curso de arquitectura en Berkeley que, potencialmente, ellos eran parte del problema, se quedaron horrorizados. «¿Y tú qué vas a hacer?» me preguntaron. Algunos años antes, en la Universidad de Pennsylvania, le había planteado la misma pregunta a mi profesor de planificación de viviendas, William Wheaton: «Describe un problema complejo y no ofrece soluciones. ¿Qué haces tú al respecto?» Y él me respondió: «No sé. ¿Qué haces tú al respecto?”

Esa pregunta ha permanecido conmigo y ha determinado toda mi carrera profesional. ¿Qué voy a hacer respecto a este problema que no he causado pero que he heredado? ¿Qué iban a hacer los estudiantes con este problema del cual nadie les había comentado nada en los cuatro años que llevaban estudiando en la escuela de arquitectura? En los años sesenta, los arquitectos, cuando tomaban en consideración la ciudad, miraban hacia adentro, a la arquitectura. Leían lo que Le Corbusier había escrito sobre la Ville Radieuse en vez de examinar la ciudad tal y como es realmente; Tampoco se preocupaban por leer sobre otras disciplinas de urbanística, de ir más allá de la arquitectura.Suelo decir que soy un jinete como los del circo; Soy capaz de montar en dos caballos a la vez, arquitectura y urbanismo. Cada uno de ellos cabalga en direcciones divergentes, pero intenta acercarlos y que vayan en paralelo. En la escuela de urbanismo aprenderá a considerar la realidad urbana, el «es» de la ciudad, antes de exponer sus «debería». Herbert Gans, por ejemplo, nos enseñó la sociología de la estructura de clases en América. Mi antiguo profesor en la AA, Arthur Korn, que era comunista, solía decir «todos somos trabajadores». Cuando le conté esto a Gans, que, como Korn, era un refugiado alemán, me contestó que los arquitectos llevaban un estilo de vida y tenían los mismos gustos que la gente de clase alta. ¿Cómo podíamos proclamar nuestra solidaridad con la clase trabajadora si ni siquiera entendíamos sus necesidades, tal y como las veían ellas?

Gans se quejaba de que los arquitectos que trabajaban como urbanistas, y se veían como expertos en su campo, no poseían los conocimientos necesarios sobre asuntos sociales y no entendían, como urbanistas, que tenían que respetar los gustos y los valores de otra gente. Los urbanistas, en una democracia, deben entender que en una ciudad hay gente de culturas diferentes y gustos diferentes y que estas opiniones tienen que ser escuchadas. que tenían que respetar los gustos y los valores de otra gente. Los urbanistas, en una democracia, deben entender que en una ciudad hay gente de culturas diferentes y gustos diferentes y que estas opiniones tienen que ser escuchadas. que tenían que respetar los gustos y los valores de otra gente. Los urbanistas, en una democracia, deben entender que en una ciudad hay gente de culturas diferentes y gustos diferentes y que estas opiniones tienen que ser escuchadas.

Nuestros profesores en Pennsylvania nos recomendaron que, como arquitectos, visitáramos las ciudades del suroeste americano, a las que la gente acudía en masa porque allí se lo pasaba bien. Teníamos que intentar comprender qué era lo que atraía a la gente de esas ciudades, las cualidades de las que cuidaban los lugares creados por arquitectos. Ese fue uno de los motivos por los que fuimos a Las Vegas. Mi primer proyecto en la Universidad de Pennsylvania versaba sobre un tema muy diferente. Se trataba de una nueva ciudad en Chandigarh. El profesor, David Crane, tomó el proyecto de Le Corbusier, pero nos pidió que consideráramos una nueva ciudad desde el punto de vista de los campesinos, que habían emigrado a la ciudad y dependían de los desechos y de la basura para sobrevivir. ¿Qué podía ofrecerles una ciudad con tan pocos recursos? Bajo la supervisión de Crane, decidimos que la infraestructura urbana más asequible y apropiada habría sido un sistema de drenaje. Como se trata de una zona de clima monzónico esto les permitiría acceder a lugares secos en los que construir sus viviendas.

Otro de los intereses de los urbanistas de Pennsylvania fue planear los cambios, cómo hacerlo cuando la naturaleza del cambio no puede ser predicha. Es más fácil predecir con precisión, por ejemplo, el crecimiento de la población de una nación, en un período determinado, que predecir en qué medida se expandirá una ciudad hacia una zona periférica, en ese mismo período. Una de las soluciones que se proponen más frecuentemente, dentro de nuestra incapacidad para predecir el futuro, es establecer una predicción en el punto intermedio entre la proyección más elevada y la más baja. Pero esta solución para un punto será errónea para todos los demás. Una aproximación que crezca flexiblemente será más adecuada. Lynch, en un artículo titulado «Adaptabilidad ambiental» (5) Propuso planear el cambio por sí mismo, sin predecir cuál sería el cambio. Analizó diferentes formas de hacerlo. Una consistía en dejar espacio suficiente para que pudieran ocurrir varias cosas. Otra era diseñar un edificio con un amplio apoyo estructural y amplios huecos entre columnas de modo que pudiera acomodar una amplia variedad y densidad de actividades. Si también fuera posible separar los sistemas mecánicos y estructurales de los espacios destinados al uso, los cambios de actividades no se verían afectados por los sistemas de construcción. La propuesta de Lynch proporcionó la base para la evaluación tanto del cambio urbano como del arquitectónico.

Del mismo modo que los urbanistas estaban estudiando asuntos sociales y cambio urbano, también estaban aprendiendo a aproximarse a la ciudad como si de un conjunto de sistemas se tratase. En la década de los cincuenta se adaptaron ordenadores que antes eran para uso militar, para un uso urbano. La tecnología de las computadoras se aplicó, en primer lugar, a estudios que combinaban economía urbano-regional y medios de transporte, porque ambos campos se prestaban a análisis estadísticos. Me apunté a varios cursos de informática y de teoría urbana computacional a principios de los sesenta porque presentía que los estudios sobre medios de transporte regionales se estaban volviendo muy complejos y ya no eran accesibles para los urbanistas más tradicionales, especialmente en aquellos tiempos en que los ordenadores eran máquinas enormes. 

Sin embargo, me fijé en que los investigadores, mientras trabajaban, hacían unas asunciones sobre urbanismo todavía más simples de las que hacían los arquitectos; una de las peores era que cualquier factor que no fuera susceptible de ser medido se podía ignorar. También había gente culta y creativa en este campo que era consciente de la importancia de incluir también en sus proyectos aquellos fenómenos que no se podían medir con sus métodos. Estos últimos investigadores entendieron la importancia que tenían los métodos del urbanismo tradicional y el uso de la experiencia y el juicio humano a la hora de decidir. Pero me preocupaban los defensores neófitos de los ordenadores y quería aprender lo suficiente para alcanzarlos y hacerles ver que estaban haciendo demasiadas asunciones. Uno de los factores clave fue que, como diseñadores y como humanistas, aceptamos con una mente abierta todo lo que el ordenador podía hacer, pero sin perder por ello nuestra capacidad de juicio delante de la pantalla. Gracias a la evolución de modelos matemáticos, Pudimos acercarnos a una compleja visión de la ciudad como un conjunto de sistemas yuxtapuestos. Nuestra aportación como arquitectos y urbanistas podía ser entonces considerar cómo sacar provecho de la yuxtaposición de sistemas, y sobre todo, en aquellos puntos conflictivos o en los que se producían fallos. Esta nueva visión me sirvió para recuperar mi interés por el manierismo en la ciudad. Si el manierismo era una forma de romper con las normas arquitectónicas, en el diseño urbano significaba romper las normas de los diferentes sistemas urbanos. Esto era inevitable, pues en la ciudad hay tantos sistemas, cada uno con sus reglas, que tiene que existir necesariamente un conflicto entre ellos. Pero las yuxtaposiciones y los conflictos entre sistemas urbanos pueden ser muy bellos, y los yerros que a veces generan son, potencialmente, lugares desafiantes y de libertad, tanto para la población como para hábiles artistas urbanos.

Cuando Robert Venturi y yo nos conocimos, en 1960, compartimos un interés por el manierismo y él pronto empezó a comprender mi fascinación por la cultura popular y el paisaje urbano cotidiano. Observamos entusiasmados cómo los artistas pop norteamericanos empezaron a poner «residuos» en un nuevo contexto; por ejemplo, colocando una lata de sopa Campbell’s en un museo. Los artistas pop descubrieron nuevos “objetos encontrado”s. Los artistas modernos de principios de siglo tenían sus “objetos trouvés”. A Henry Moore le habían atraído la escultura primitiva y los objetos naturales como los guijarros, mientras que los primeros arquitectos modernos rebuscaron en la industria, encontrando en sus silos y en sus chimeneas formas cubistas que les intrigaban. Bob y yo, habiendo aprendido de los arquitectos modernos a mirar en lugares insólitos y aprender de ellos, encontramos nuestras fuentes de inspiración en la historia y en la ciudad de la vida diaria con un poco de ayuda de los brutalistas, los artistas pop y algunos. sociólogos. Gran parte de nuestra inspiración provenía de los ambientes comerciales y de la expansión de zonas residenciales periféricas. Sus arquetipos, la avenida principal de Las Vegas y Levittown, fueron nuestros “objetos encontrados”.

El último libro de Lynch, “Echar a perder” (6), es más poético y más filosófico que sus otros escritos. Habla de los residuos en muchos sentidos. Es impactante porque usa palabras que no estamos acostumbrados a ver impresas, y desde luego capta nuestra atención con ellas. Lynch alude a la necesidad de «gastar bien». Para nosotros esto implica aceptar los ciclos de nacimiento y muerte, el concepto de reciclaje y el uso de objetos viejos con nuevos propósitos, como la rehabilitación de edificios antiguos para nuevos usos. El movimiento de conservación está muy extendido hoy en día, pero la primera pregunta debería ser siempre: ¿Debemos preservar o no?.

No siempre se debe preservar. Venturi siempre recuerda que ningún palacio renacentista fue construido sobre un aparcamiento. Muchos se erigieron en lugares en los que antes había edificios medievales. A veces debemos destruir.

Por ello, cuando conservamos, debemos decidir qué período favorecer. Recuperar los orígenes medievales en Europa, o del siglo XVIII en Estados Unidos, puede suponer la destrucción de un hermoso escaparate de los años treinta. Así que la decisión de qué períodos se deben preservar debe ser situacionista y los conservadores que tienen una actitud demasiado purista pueden hacer un uso inadecuado de las estructuras y crear un ambiente insulso y limitado que ha sido preservado hasta tal punto que ya no tiene arreglo. Lo cual crea la necesidad de hacer cambios posteriores. Y la ciudad conservada, si todavía es una ciudad real, estará siempre sujeta a la presión del cambio. Si se trata de grandes decorados, la conservación hace que su apariencia histórica se mantenga, pero no su significado. Por estas razones, Barbara Capitman, art-decó de Miami Beach, solía decir «la conservación es tan temporal».

También podemos pensar en la reutilización de viejas ideas. Un palimpsesto es un texto que cubre otro anterior. Si miras debajo del primero encontrarás el segundo. Nosotros, los arquitectos, conocemos algunos palimpsestos muy bien antes de la era de los ordenadores. Eran nuestros dibujos, hechos a lápiz en papel de calco. Si un detalle del diseño cambiaba, cambiábamos el dibujo, y si volvía a cambiar, borrábamos y volvimos a dibujar una vez más. La lista de las revisiones aparecía en los títulos, y cada vez que borrabas aparecían líneas blancas grabadas donde antes habías dibujado. También hay palimpsestos urbanos. Debajo de la Roma renacentista está la Roma medieval, y debajo de ésta, la Roma paleocristiana y la Roma romana. Los restos y trazos de todas estas Romas son visibles en la Roma moderna. En muchas ciudades vivimos sobre palimpsestos.

Por otra parte, está la morfología, el estudio de la forma como resultado de un proceso. Los procesos técnicos, urbanos e industriales, han sido importantes para la morfología urbana en todas las eras, y sus correlativos procesos de residuos y de reciclaje son particularmente relevantes, a la vez que un gran desafío hoy en día. Cuando las tecnologías urbanas cambian se crean nuevos tipos de residuos y también nace la demanda de un tipo de reciclaje nuevo. La tecnología electrónica crea basura virtual. Si le das a la tecla «eliminar» se generará un residuo. Si alguien recuperara todos mis archivos eliminados aprendería muchísimo; y el interés de Basurama en el uso creativo de la basura virtual demuestra que están explorando nuevas formas de «gastar bien».

Otro concepto es la «paleotecnología» (7), que consiste en el uso de una tecnología más primitiva pero igualmente apropiada: neumáticos viejos para zapatos nuevos, por ejemplo. Esto es común en el tercer mundo donde la gente tiene que salir adelante con lo que tiene o sustituir aquello que ha perdido. Los cubanos usan residuos de un modo creativo para mantener sus viejos coches americanos, para los que no existen recambios. El conductor de un taxi que ha perdido la luz que se lleva sobre el automóvil, la reemplaza con una bombilla dentro de un bote amarillo de detergente vacío, y día y noche reconoces el símbolo familiar del taxi.

Por otra parte está el concepto de » satisfacer «, una noción del economista Herbert A. Simon (8). Los modelos económicos tradicionales suponen que todo el mundo dispone de toda la información que necesita para tomar una decisión y, además, que todos somos uniforme y perfectamente racionales. El modelo de Simon asume que la gente debe tomar decisiones dentro de un margen limitado de tiempo y con información imperfecta. «El juego del taxi» es un ejemplo del modelo » satisficing «: mientras estás decidiendo el taxímetro estás corriendo; así que debes tomar la mejor decisión que puedas según el dinero del que dispongas. Los límites en la eficiencia y en la racionalidad son aceptados como parte inevitable del proceso.

El concepto de «gastar bien» implica estas visiones más inclusivas de la tecnología y del manejo de factores no cuantificables. Sin embargo, Lynch no va todavía más allá al considerar las posibilidades artísticas de los residuos y del derroche. Eso es lo que yo pretendo hacer aquí. En 2005 formó parte de un jurado para evaluar el trabajo de alumnos excelentes de la Universidad de Tsinghua en Beijing. Le pregunté a una joven cuyo proyecto me había gustado mucho qué carrera estaba haciendo y me contestó que se iba a titular en gestión de aguas residuales. Me pregunté porque parecía algo muy aburrido. Así que le pregunté si estaba estudiando la gestión de aguas residuales como parte de una ingeniería y me dijo que no, que como disciplina artística.

Esto es de lo que nos está hablando Basurama . Cuando los miembros de Basurama se dirigieron a nosotros no conocían los detalles de mi formación, que he estado relatando, y por lo tanto, cual podría ser mi aproximación al tema de la basura, pero intuyeron que nuestro libro, Aprendiendo de Las Vegas, podía ser un ejemplo de una visión creativa de esta materia. Yo acepté, agregando que, de hecho, había también una serie de intereses culturales, sociales y metodológicos, así como un interés artístico, que nos empujó a examinar las ciudades del suroeste norteamericano.

¿Pero por qué Las Vegas? Porque era el arquetipo, no el prototipo. Era el ejemplo más claro: sus signos eran más grandes y su contexto más sencillo. No había una ciudad de la época colonial o del siglo XIX entre la avenida principal y el desierto. En Los Ángeles, la más grande y representativa ciudad de automóviles, había una estructura previa: las vías ferroviarias. En Las Vegas podíamos analizar un fenómeno en estado puro.

El propósito de nuestro estudio, del que nació Aprendiendo de Las Vegas, ha sido comentado recientemente por Karin Theunissen: «Este estudio fue titulado Aprendiendo de Las Vegas o Análisis formal como investigación de diseño’ y surgió como `un estudio que nos ayudará a definir un nuevo tipo de urbanismo que está emergente en América….que, por ignorancia, definimos hoy en día como ramificación urbana”. “El objeto del estudio se define de este modo `entender esta nueva forma y empezar a desarrollar técnicas para manejarla”. “De esto entendemos que Aprendiendo de Las Vegas es un estudio de observación de las formas de la ciudad, seguido de una documentación, un análisis y una clasificación de los datos obtenidos para `que puedan ser de utilidad como herramientas de diseño para urbanistas”. La publicación original incluye notas al margen, en negrita, que hacen referencia a aspectos del análisis técnico, como por ejemplo Este ha sido un estudio técnico. Estamos desarrollando nuevas herramientas: herramientas analíticas para entender nuevos espacios y formas, y herramientas gráficas con las que poder representarlos”. (9)

Nosotros no queríamos estudiar Las Vegas simplemente como un conjunto de signos. Queríamos aprender, a través de ella, acerca de gustos culturales, arte popular, procesos y sistemas urbanos, configuración urbana y usos de la historia. Viajando metafóricamente de Roma a Las Vegas, para volver de nuevo a Roma, intentamos establecer un vínculo entre presente y pasado y englobar el paisaje del día a día en la tradición arquitectónica y en nuestra experiencia moderna. La arquitectura moderna se había alejado de la tradición; Nosotros aspirábamos a hacer arquitectura otra vez. Y sí, queríamos aprender sobre signos e iconografía; sobre cómo Las Vegas establecía una comunicación con la gente que la cruzaba en coche cuando circulaba por la avenida principal a 50 km por hora. Más adelante nos dimos cuenta de que Las Vegas nos había dado una lección importante sobre el papel de la comunicación y del simbolismo en arquitectura. Este aspecto del diseño había sido ignorado por los arquitectos modernos, aun cuando incorporaban un alto nivel de simbolismo en sus diseños: el simbolismo de la industria y de un mundo que estaba cambiando.

Estudiamos Las Vegas y Levittown en beneficio de nuestro arte. Como emprendedores y creadores, nuestro objetivo al observar estas ciudades e interpretar lo que había en ellas era mejorar nuestra labor como arquitectos y como urbanistas enriqueciendo nuestras habilidades y nuestras herramientas. Tomar ideas de otros campos –los procesos que habían dejado perplejos a los Smithson– ha sido uno de nuestros métodos. Hemos buscado ideas que podríamos trasladar a la construcción, y también símiles y metáforas que nos podrían ayudar a evocar formas físicas a partir de conceptos verbales, de un modo creativo y lógico. En “Arquitectura como signos y sistemas para una época manierista” (10). He intentado explicar algunos de estos conceptos y demostrar cómo operan en nuestro trabajo. Puede que ahora, al final de nuestras carreras, el conjunto de nuestra obra demuestre que hemos aprendido de Las Vegas.

Si, en nuestra obra, hicimos tartas de barro en Las Vegas, fue por convicciones artísticas y morales. Al enfatizar el «es» de cada día, intentamos recuperar la imaginación para que influya en la, a menudo, agonizante realidad de nuestras ciudades. Al consagrar la basura, el más secular de nuestros productos, y buscar en ella una belleza poco común, esperamos haber encontrado una arquitectura apropiada para nuestros tiempos. Empleando esta aproximación somos herederos de una tradición moderna, porque operamos dentro de los parámetros de la filosofía de los primeros artistas modernos, pero adaptándolos a condiciones nuevas.

Ahora, Basurama está adaptando estas ideas una vez más a nuestros tiempos. Como resultado de su esfuerzo, nuestra obligación de redescubrir constantemente la arquitectura moderna –de establecer su nuevo centro en un mundo en constante cambio– debe incluir una visita con los ojos bien abiertos, y sin prejuicios, al vertedero.

Notas

1

BASURAMA. Un colectivo que nace de La Escuela de Arquitectura de Madrid, dedicado al rescate de basura o materiales que ya no son utilizados para dar una nueva función ya sea en la producción de objetos o de espacios ambientados. Buscando así analizar y reducir el fenómeno de la abundancia de residuos materiales. Sus proyectos se han llegado a presentar en conciertos, concursos, espacios públicos etc.

2

Pedro Feduchi, «Panorama de la basura» en Basurama, Madrid: La Casa Encendida, 2005, p.75.

3

Robert Venturi, Denise Scott Brown y Steven Izenour , Aprendiendo de Las Vegas , Barcelona: Gustavo Gili, 1978.

4

En la edición española de Aprendiendo de Las Vegas, el traductor explica que Sprawl significa literalmente desparramarse o caer o tenderse con los brazos y piernas abiertos. Con el término Urban Sprawl los autores designan una determinada configuración urbana de tipo muy ramificado y crecimiento espontáneo, y por ello se traduce como ramificación urbana.

5

Kevin Lynch. «Adaptabilidad ambiental», AIP Journal 24, no. 1 (1958).

6

Kevin Lynch, Echar a perder. Un análisis del deterioro, Barcelona: Gustavo Gili, 2005.

7

 Victor Papaanek, Diseño para el mundo real: ecología humana y cambio social, Nueva York, NY: Pantheon Books, 1972.

8

 Herbert A. Simon, Modelos de hombre, Nueva York, NY: John Wiley & Sons, 1957.

9

 Karin Theunissen, «La reconstrucción como táctica urbana, examinando la transformación de Venturi Scott Brown and Associates desde dentro del campus estadounidense», The Architecture Annual 2004-2005, Universidad Tecnológica de Delft, 2006.

10

Robert Venturi y Denise Scott Brown, Arquitectura como signos y sistemas para una época manierista, Parte II, «Arquitectura como patrones y sistemas, aprendiendo de la planificación», págs. 105-217. Cambridge: The Belknap Press de Harvard University Press, 2004.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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La Escuela de Chicago 2. Obras

Ver anterior http://onlybook.es/blog/la-exposicion-mundial-de-chicago-de-1893-la-escuela-de-chicago/

La Escuela de Chicago

“What I have written is intended to be a protest againts the dogma that art in architecture ended with the Renaissance”

“Lo que he escrito pretende ser una protesta contra el dogma de que el arte en la arquitectura terminó con el Renacimiento”. Dankmar Adler. 1896

El período que abarco la llamada Escuela de Chicago podrían establecerse entre 1874 y 1904, el año que fue la finalización de la tienda Schlesinger & Meyer de Louis Sullivan(1)

El centro de Chicago con la localización de los edificios más característicos de la Escuela de Chicago

.

La numeración está ordenada por fechas de construcción. Los edificios demolidos se representan sin relleno y con la numeración atenuada (2)

1

Arq. William Le Baron Jenney. 1879

Leiter I Building (demolido en 1972)

200-208 W. Monroe Street

El edificio First Leiter o Leiter I, reformado y ampliado en 1888, fue demolido en 1972.

Fue diseñado para su cliente Levi Z. Leiter como Grandes Almacenes.

Tiene varios elementos innovadores de un rascacielos moderno como su altura de 7 pisos, su estructura de hierro, la utilización de materiales ignífugos de terracota y los ascensores.

2

Arq. Burnham & Root.1882-83

Monroe St. (actualmente Exelon Plaza) 

Montauk Block (demolido en 1902).

Burnham y  Root

3

Arq. Solon S. Beman.1882/83

Adams con Michigan

Pullman Building (demolido en 1958)

4

Arq.William Le Baron Jenney. 1883/85

135 S Lasalle St

Home Insurance Building (demolido en 1929)

Se lo considera el primer rascacielos así como el primero en el mundo construido con estructura de acero.

De 10 pisos y 42 metros de altura, en 1880 se le agregaron 2 plantas más llegando a los 55 metros.

Texto de L. Sullivan. Edificio Monadnock, Chicago, Illinois, 1893

Vista desde Dearborn Street en 2005

…Es mi creencia que en la esencia misma de cada problema, está contenida y sugerida su propia solución. Esto creo que es la ley natural.

Examinemos…detenidamente los elementos, busquemos esa sugerencia contenida, esa esencia del problema…

Las condiciones prácticas son, a grandes rasgos, las siguientes:

Primero, se busca un piso subterráneo que contenga calderas, motores de varios tipos, etc., en resumen, la planta de energía, calefacción, iluminación, etc.

Segundo, una planta baja, así llamada, dedicada a tiendas, bancos, u otros establecimientos que requieran gran superficie, amplio espacio, mucha luz y gran libertad de acceso. 

Tercero, un segundo piso de fácil acceso por escaleras, este espacio generalmente en grandes subdivisiones, con la correspondiente liberalidad en el espacio estructural y la extensión del vidrio y la amplitud de las aberturas externas. 

Encima de esto, un número indefinido de pisos de oficinas apiladas fila tras fila…

Una oficina similar a una celda en un panal de miel, simplemente un compartimento, nada más. 

Quinto y último, en la parte superior de este montón se coloca un espacio o piso que, en cuanto a la vida y utilidad de la estructura, es de naturaleza puramente fisiológica…el ático. 

En esto el sistema circulatorio se completa y da su gran giro, ascendiendo y descendiendo. El espacio se llena de tanques, tuberías, válvulas, roldanas…etc. que suplen y complementan la fuerza que origina la planta bajo tierra, en la bodega.

Finalmente, o más bien al principio, debe existir en la planta baja un vano principal o entrada común a todos los ocupantes o clientes del edificio, técnicos, etcétera.

Problema: ¿Cómo impartiremos a este montón estéril, a esta aglomeración cruda, áspera, brutal, a esta exclamación descarnada y fija de lucha eterna, la gracia de esas formas superiores de sensibilidad y cultura que descansan en las pasiones más bajas y feroces? ¿Cómo proclamar desde la vertiginosa altura de esta azotea extraña, moderna, el apacible evangelio del sentimiento, de la belleza, del culto a una vida superior?.

No busco una solución individual o especial, sino lo verdaderamente normal…debe buscarse aquellas condiciones que sean constantes en todos los edificios altos, y eliminarse cualquier variación incidental y accidental.

La “unidad” de las oficinas se basan en una habitación de superficie y altura cómoda…y ésta predetermina la unidad estructural estándar y el tamaño de las aberturas de las ventanas.

Estas unidades estructurales, puramente arbitrarias forman naturalmente  la base del desarrollo artístico del exterior.

Los espacios estructurales y las aberturas del primer piso o piso comercial sean los más grandes, los del segundo o cuasi-comercial deben ser de naturaleza similar. Los espacios y aberturas en el ático no tienen importancia, sus ventanas no tienen valor real, ya que la luz puede provenir de la parte superior.

Notas

1

Gerald R. Larson, se formó en la Universidad de Michigan en 1968. M.Arch en 1974. Profesor en la Universidad de Cincinnati desde 1974 a 2016. Actualmente es profesor emérito.

2

Mario Manieri Elia (1996). “Louis Henry Sullivan”. Princeton Architectural Press. Publicado por José Antonio Blasco 

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Las obras de Frank Lloyd Wright. Libreria Browne, parte 11

Ver capítulo anterior http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones/

Un proyecto poco conocido

Browne´ s´´ Bookstore, la librería más bella del mundo de 1908

410 de la S Michigan Ave. Chicago

Berlin, edición de Ernst Wasmuth, 1910, 40,5 x 64 cm

En 1908, Francis Fisher Browne encargó a Wright la renovación de un espacio en el Edificio de Bellas Artes de la ciudad de Chicago para instalar la “Librería Browne”.

El Edificio de Bellas Artes había sido diseñado por el Arq. Solon Spencer Beman (1853 – 1914), para la Compañía Studebaker en 1885 para exhibir sus carruajes tirados por caballos.

El colorido edificio fue remodelado unos años más tarde para reunir «las preocupaciones artísticas, sociales y literarias de la ciudad en un solo edificio«, estamos en 1890, y la intención es transformarlo, en un centro comercial con tiendas, editoriales, galerías de arte, estudios de artistas y ser la sede de varios clubes sociales.

La librería Browne fue el primero de los tres espacios que Wright remodeló en el edificio.

El edificio de Michigan Trust Company. Diseñado por Beman. En 1891, era el edificio de oficinas más alto de Grand Rapids y el segundo más alto de Michigan

Pensado para sus clientes lectores, tenía bancos acolchados, espacios con mesas, sillas cómodas para leer, y un «rincón para niños».

Era un espacio largo y estrecho en el séptimo piso del edificio, la tienda presentaba ventanas de vidrio emplomado que ofrecían vistas del lago Michigan, un techo inclinado con listones de madera, gabinetes de roble empotrados y un balcón.

Cada centímetro del interior fue diseñado por Frank Lloyd Wright: los estantes, las ventanas, las lámparas, los muebles como las mesas y sillas. Los adornos de roble cuarteado.

En ese momento, el Edificio de Bellas Artes era el centro de las artes y la cultura de Chicago. En 1901, era el hogar de estudios de artistas, compañías de teatro, clubes literarios y más de diez mil estudiantes de música. Una década más tarde, dio a luz a varias revistas como “Poetry” de Harriet Monroe, “The Little Review” de Margaret Anderson y el “Chicago Little Theatre”.

Con miles de amantes de los libros subiendo y bajando las escaleras todos los días, una librería en el séptimo piso no parecía una idea tan extraña. «Toda la sociedad de Chicago vino a la librería Browne», escribe Anderson. «Aquí se servía té y todos eran muy inteligentes».

En 1910 se traslada a la planta baja del edificio y su espacio fue remodelado en 1912.

Adam Morgan,  editor en jefe del “Chicago Review of books”, que a su vez era escritor y crítico de libros, hace en marzo de 2018 esta descripción de la Librería“…En octubre de 1907, unos meses después de que The Jungle de Upton Sinclair (un libro de ficción) horrorizara a Chicago, se abrió una nueva librería en el séptimo piso del Edificio de Bellas Artes en el centro de la ciudad”.

Wright utilizó los tres conjuntos de ventanas existentes, rediseñandolas

En su autobiografía, Margaret Anderson, fundadora y editora de The Little Review, la llamó «la librería más bella del mundo». A pesar del entusiasmo general solo sobrevivió cinco años”.

En 1908, un reportero visitante de Publishers Weekly pudo haber entendido el por qué: «Hasta ahora, solo un comerciante en todas las clases de libros ha tenido el coraje de ubicar su tienda “en el aire”. El aire» era el séptimo piso, y el único comerciante era Francis Fisher Browne, editor de la revista literaria “Du jour de Chicago”, The Dial, cuyas oficinas estaban ubicadas en el mismo piso.

Diseño para el conjunto siete paneles de vidrio repetidos, a través de los cuales se veía el Lago Michigan. Algunas secciones se abrían, como las ventanas laterales adicionales. Recuerdan las ventanas que diseñó en 1904 para el templo Unitario del 875 Lake Street en Oak Park.

Detalle de la ventana de la sala de juegos
de Oak Park (1919/11)

En 1895 Wright añadió una sala de juegos en el segundo piso de su casa en Oak Park, similares a las que utilizó en la residencia Winslow (1894).

En 1911vuelve a refaccionar la sala de juegos y  utiliza un diseño identico a las de la Libreria Browne. En 1910, la libreria Browne se había desplazado del séptimo piso a la Planta Baja, la sala de juegos de Oak Park es de 1911, es legítimo preguntarse si Wright utilizo parte de esas ventanas en su casa, o solo el diseño? (1)

En la habiacion que finaliza la librería, hay una ventana con catorce paneles repetidos

Una escena del film de 2009 The Time Traveler’s Wife (Más alla del tiempo) del director Robert Schwentke se realizó en el Artists Café de la planta baja.

En la habiacion que finaliza la librería, hay una ventana con catorce paneles repetidos

Frank Lloyd Wright trabajo durante unos meses en 1908 y luego en 1911 en el edificio en la Suite 1080.

A pesar de la enorme bibliografía de la obra de Wright no es fácil encontrar información sobre la librería Browne.

Wright conoció a Browne en el Caxton Club, donde se reunian prosperos habitantes de Chicago que editaban libros en el estilo Arts and Crafts. Luego de haber diseñado alguna de esas portadas, es en 1898 cuando Browne le encarga el diseño de la Libreria.

En 1906, Wright tenía 39 años, su prestigio comenzaba a crecer entre las élites de Chicago.

Esos años entre 1904 y 1909 fueron fundamentales en la vida de Wright, escribe Meryle Secrest en Frank Lloyd Wright: A Biography “… estaba en medio de una aventura amorosa secreta que terminaría con su matrimonio».

El espacio tenía forma de “L”, ocupaba la esquina sureste del séptimo piso, «mirando hacia el lago en un extremo y, en el otro hacia el patio interior italiano desde el que se escuchaba siempre algun piano, además de una fuente”

Browne y Wright «buscaron combinar las mejores características de una librería bien equipada con las de una biblioteca particular selecta», escribe el Publishers Weekly

La sala principal se dividió en seis lugares de lectura: cinco con mesas y las sillas de respaldo alto de Wright y una junto a la ventana con sofás.

Vista de la caja en la entrada de la librería

El lugar de la caja esta situada entre las dos puertas de la entrada.

Vista desde la entrada al fondo.Las estanterías están a todo lo larzo del lado izquierda, cada espacio tenia sillas, una mesa y luz de lectura

La sala más pequeña y serpenteante se encontraba en el extremo derecho, «larga, oscura, reposada, con una enorme chimenea y grandes sillones», era un espacio para eventos que también albergaba las raras encuadernaciones de Browne.

En 1908 el Publishers Weekly describe que «Cada accesorio y cada mueble ha sido especialmente diseñado y fabricado a pedido», «Los estuches, mesas, sillas y adornos de paredes son de roble… Las fotos muestran que entre los estantes, había una réplica de la estatua de la Victoria Alada del Louvre, una urna de cobre y altos y estrechas «malezas» que Wright usaba a menudo para exhibir pastos de las praderas”.

El segundo hijo de Wright, John Lloyd Wright, quien en 1916 inventó el popular juego de construcción infantil de piezas de madera “Lincoln Logs” escribe: «No satisfecho con el bric-a-brac de la época, el padre diseñó el suyo propio». John Lloyd Wright utiliza el termino para referirse a los objetos de diseño y decoradas como tazas de té, flores de cera bajo cúpulas de cristal, estatuillas y en general adornos.

Wright diseñó las lámparas elétricas, las conforman cuatro cuadrados de vidrio translúcido suspendidas de un cuadrado mayor de forma que las piezas colgadas, que forman un cubo, no están en contacto en las esquinas.

Cuando en 1914 Margaret Anderson regresa al edificio y funda The Little Review. Browne ya había muerto y su librería desaparecida 2 años antes.

El Edificio de Bellas Artes sigue en pie, algunos de los interiores se ven muy parecidos a los de hace un siglo: el vestíbulo de mármol, el restaurado Teatro Studebaker, los murales Art Nouveau, la Corte Veneciana oculta. Pero si se toma el ascensor que sigue siendo operado por ascensoristas hasta el séptimo piso, no se vera ningún rastro de lo diseñado por Wright. Alli funciona un estudio de arquitectura y diseño de interiores de paredes lisas y enlucidas.

En cada espacio había una mesa, cuatro sillas de respaldo alto y una luz de lectura, un artículo en Editoriales Weekly decía “por un sistema único de iluminacion  por estante, el titulo de cada volumen desde el estante superior hasta abajo se leian fácilmente, al tiempo que las luces estaban ocultas a la vista”. En la fotografía se ve el sistema de iluminación encima del estante superior. Los estantes inferiores estaban ligeramente inclinados hacia arriba, para mostrar mejor los libros. Los artefactos de iluminación están suspendidos del techo.

Notas

1

The Wright Library

continua en http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-12-conferencias-en-princeton-y-la-casa-walker/

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Las obras de Frank Lloyd Wright. Casa Bach y «The Illinois», parte 9

capitulo anterior http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-8-su-vida/

Casa Emil Bach en Illinois

Ubicada en Rogers Park (1) en Chicago, sobre un terreno de menos de 4.000 m2.

Al 7415 N de la Sheridan Road.

En 1909 Wright construye una casa que luego de terminada, sus dueños originales la venden a Otto Bach.

En la familia Bach gustó tanto esa casa que su hermano Emil decidió construir otra, es uno de los dueños de Bach Brick Company.

Emil y su esposa Anna Bach deciden comprar un terreno a comienzos de diciembre de 1914 y es en 1915 cuando encargan el diseño de la casa a Wright.

En 1907 Wright publicita sus casas de masa cúbica con techos planos en voladizo, y divulga su propuesta realizando artículos como el de la revista“Ladies Home Journal”.

La primer de estas casas fue la Casa Laura Gale (Elizabeth court 6, Oak Park) de 1909, y la Casa Oscar B. Balch (611 North Kenilworth, Oak Park) de 1911, luego la Casa Frederick C. y Mary Bogk (2420 N Terrace Ave, Milwaukee, Wisconsine) entre 1905 y 1916 y finalmente la Casa Bach.

La Casa Bach es la única que ha quedado en pie, tiene 250, 84 m², fue diseñada como una residencia unifamiliar de dos pisos con sótano. 

Wright diseño esta casa durante un momento especial de su vida, después de su larga estancia en Europa y antes de su viaje a Japón. Un momento especial porque la influencia japonesa le significó una transición a una estética distinta a lo que venia desarrollando, quizás más expresionista.

Diseña la casa en el clásico estilo Prairie House, pero era diferente a las otras casas diseñadas en ese estilo, porque la casa Bach no estaba en los suburbios, sino en una concurrida calle de Chicago. Representa el último estilo Prairie, antes de un cambio en la concepción de sus proyectos.

Cuando se construyó, era una «casa de campo», desde su fachada Este (trasera) se veia el lago Michigan, actualmente está entre edificios de apartamento y construcciones comerciales sobre la N Sheridan Road, una calle muy concurrida.

Los Bach venden en 1934 la casa a Joseph Peacock que vivió en ella hasta 1947. Se vende 2 veces más, en diciembre de 1951 a Manuel Weiss, y en1959 a Joseph Blinder.

En 2003, se la puso a la venta con un precio de 2, 5 millones de dólares, luego de varios meses sin interesados se realizó una subasta con una base de 750.000 dólares, y finalmente hubo un comprador que pagó 1, 7 millones. Muchas organizaciones conservacionistas expresaron su preocupación con el destino que finalmente se le daría al patio lateral de 45,72 x 13,72 metros, que era un solárium, sin vecinos molestos alrededor, ya que no había construcciones.

Los compradores se comprometieron a no modificarlo.

Según Ronald Scherubel, director ejecutivo del Frank Lloyd Wright Building Conservancy de Chicago, lo que ha impedido su demolición han sido las limitaciones a la alteración de la casa sin la aprobación de la ciudad y el Consejo de Preservación de Monumentos Históricos de Illinois.

Fue declarada “Monumento Histórico de Chicago” en 1977 y en 1979 se agregó al “Registro Nacional de Lugares Históricos de EE. UU”.

En 2014 se hizo una importante restauración y actualmente se ofrece en régimen de alquileres temporales.

Casa Laura Gale
Casa Oscar Balch
Casa Frederick C. Bogk

“Mile High Building” (The Illinois)

Propuesta de la Utopía de un proyecto de 1609 metros de altura.

Fue diseñado por Frank Lloyd Wright en 1956. Su lugar, Chicago.

Hasta ese momento el edificio más alto era el Empire State Building de 1931 de Nueva York con 381 metros y 102 pisos diseñado por William F. Lamb (1883 – 1952) del estudio de arquitectura Shreve-Lamb y Harmon. Anteriormente el más alto había sido el Edificio Chrysler.

Pero el Empire State tenía menos de la cuarta parte de altura que el Mile High. Posiblemente haya servido de inspiración en el diseño de la torre Burj Khalifa (2005/2010) de 829,80 metros y 163 plantas en Dubai, diseñado por el arquitecto Adrian Smith del SOM (estudio Skidmore – Owings & Merrill).

Otros piensan que su sistema estructural de tres lóbulos tuvo su inspiración en la Torre Lake Point de Chicago, el rascacielos en forma de trébol y revestido de vidrio que los discípulos de Mies van de Rohe (1886 – 1969), los arquitectos John Heinrich (1928 – 1993) y George Schipporeit (1933 – 2013), trabajando bajo la firma de Schipporeit and Heinrich.

Ludwig Mies van der Rohe, junto a las torres del 860-880 Lake Shore Drive de Chicago. Foto circa 1960. Foto de Slim Aarons/Getty Images

Fue construido entre 1965 y 1968. Se inspiraron en el diseño de Mies de 1922 de un rascacielos de cristal en Berlin.  

El material que proponía era el acero, un material flexible que permite el balanceo de la torre debido a la acción del viento. Wright planteaba como solución el diseño en trípode de la torre, combinándolo con marcos de acero y componentes estructurales integrados, seguramente hubiera debido colocar contrapesos dentro del edificio como existen en la torre Taipei 101 con 508 metros de altura y 101 pisos diseñada por el arquitecto C. Y. Lee (1938) en 2004.

Taipei 101

La solución que planteo Wright fueron ascensores exteriores al edificio para conservar el espacio interior. Un tema complejo era el de encarar la seguridad frente a un incendio, pero las escaleras de emergencia ocuparían la mayor parte de la superficie de los pisos inferiores. No menor seria la resolución de los elevadores de agua y las aguas residuales, que hubiera exigido reciclar el agua usada usando más superficie de las plantas inferiores. Sin duda hoy existen más recursos que harían factible su utopía. Otros avances tecnológicos lo hubieran ayudado, ya que desde el año 2000 existen hormigones con un gran aumento de su resistencia, y que son menos flexible que el acero. El espacio que tenían que ocupar los ascensores ocuparía todo el espacio disponible en los pisos inferiores, para así dar servicio en toda la altura del edificio, tema difícil y complicado debido al delgado diseño de Wright.

Este problema ha sido solucionado en edificios más pequeños, como en el Taipei 101, usando ascensores de dos pisos, o como en el World Trade Center, de Nueva York de 1971 diseño de Minoru Yamasaki (1912 – 1986), Emery Roth & Son, en que el edificio fue dividido en tres sectores, cada uno con su propio vestíbulo, donde los inquilinos se cambiarían de ascensores, desde los más grandes y rápidos a otros más pequeños que cubren pocas plantas. 

Recordemos que Yamasaki (1912 – 1986) fue el autor de las Torres Gemelas de Nueva York y las Torres Picasso de Madrid.

La solución que planteo Wright fueron elevadores exteriores al edificio para conservar el espacio interior. Un tema importante era el de encarar la seguridad frente a un incendio, pero con escaleras de emergencia, éstas ocuparían la mayor parte de la superficie de los pisos inferiores. No menor seria la resolución de los elevadores de agua y las aguas residuales, que hubiera exigido reciclar el agua usada usando más superficie de las plantas inferiores. Chicago Tribune del 28/5/2017

Como escribió BlairKamin (2). “Nunca se construyó, pero tampoco se olvidó”. 

Fue uno de los episodios más extravagantes en la ya extravagante vida de Frank Lloyd Wright, el 16 de octubre de 1956, con 89 años se paró frente a un enorme lienzo dorado, plateado y azul marino en el salón de baile del Sherman House Hotel y desveló su plan para un rascacielos de una milla, 1.609,4 metros de altura y hasta la punta de la antena 1.739, 20 metros con 528 pisos, 76 ascensores, y una superficie de 1.715.000 m2  con suficiente espacio para 100.000 personas, 15.000 automóviles y 100 helicópteros.

Para manejar a sus 100.000 ocupantes, “The Illinois” tenía una batería de 76 ascensores divididos en cinco grupos, cada uno de los cuales serviría un segmento de 100 pisos del edificio, con un ascensor que accedería solo a los pisos superiores. 

Boceto para el rascacielos de una milla de altura propuest.  
The Illinois. Fuente: Galería Wright Mile, MCM Daily

Los ascensores se movían sobre rieles y accedían a cinco pisos simultáneamente. Debido a la forma piramidal del rascacielos, las estructuras verticales del hueco del ascensor finalmente se extendieron más allá de las paredes exteriores inclinadas, formando parapetos sobresalientes en los lados del edificio. 

En su libro de 1957 “A Testament”, Wright dijo que los ascensores fueron diseñados para permitir la evacuación del edificio en una hora, en combinación con las escaleras mecánicas que servían a los cinco pisos más bajos. (4)

Los ingresos por la cena en el Sherman House Hotel de Chicago más la conferencia de prensa de Mile-High sumaron 25,000 dólares, unos 274.000 dólares actuales, se invirtieron en la escuela de arquitectura de Wright, la Taliesin Fellowship.

“Este es The Illinois, caballeros”, dijo Wright a los periodistas, donde estaba un joven Paul Gapp, que se convertiría en el crítico de arquitectura del Tribune. 

“En él se consolidarán todas las oficinas gubernamentales que ahora se encuentran repartidas por Chicago”, enfatizaba Wright.

Lo presentó con una ilustración que medía más de 7,6 metros de altura, con el rascacielos dibujado a una escala de 1/16 de pulgada por cada 0,3048 cm.

La realidad es que Wright no tenía cliente ni sitio para su rascacielos.

¿Por qué Wright, que supuestamente odiaba las ciudades, llevó a cabo este truco casi escandaloso? ¿Por qué este feroz defensor de la descentralización diseñaría un rascacielos que habría sido más de cuatro veces más alto que el Empire State Building, por entonces el edificio más alto del mundo?

Barry Bergdoll (1955), curador del Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno (3) y de la exposición “Frank Lloyd Wright at 150 Unpacking the Archive”, inaugurada el 12 de junio de 2017 en el MoMA (4) sugiere estas pistas:

Pista uno: Era una búsqueda de la posteridad.

Pista dos: Ir detrás del dinero. Wrigth diría “proponed lujos y las necesidades se atenderán solas”.

Pista tresWright buscaba atención mediática. Los historiadores de la arquitectura lo retrataban como “el pasado”, ya que “lo nuevo” era el arquitecto germano-estadounidense Ludwig Mies van der Rohe (1886 – 1969) cuyos rascacielos de acero y vidrio en el 860-880 N. Lake Shore Drive ganaron gran reconocimiento cuando se completaron cinco años antes. 

Wright no podía soportar lo que estaba haciendo Mies. Mile-High era un acto simbólico, algo increíble para llamar la atención, siempre le interesó su imagen pública, y buscar respuestas innovadoras en sus proyectos.

Fue un “manipulador de los medios de comunicación”, llegó a la televisión en la década de 1950 para aparecer en el popular programa de juegos “Cuál es mi línea” donde dijo que su profesión, era ser el “Arquitecto másfamoso del mundo”.

Wright revela planes para un fabuloso edificio
de una milla de altura. Ruth Moore

corresponsal de «The Capital Times»

Le dijo a un reportero del Tribune que “El Empire State Building será un ratón en comparación a The Illinois”.

Claire Penny, de IBM Watson IOT for Buildings dijo que Wright “Conmocionó a la industria, su propuesta hizo que la gente pensara en edificios altos en el futuro.

No solo los periódicos de todo el país se sumaron a la historia, el alcalde Richard J. Daley proclamó el 17 de octubre de 1956, el día después de la conferencia de prensa “día de Frank Lloyd Wright”.

El Mile-High no pretendía ser simplemente alto, fue la máxima expresión del sistema estructural que denominó de “raíz principal”, un mástil central de hormigón que se hundía profundamente en la tierra, permitiendo que los pisos pudieran variar de tamaño al tiempo, dando espacialidad al interior de los pisos.

Explicaba «¿Por qué no diseñar un edificio que sea realmente alto?… Hace mucho tiempo observé árboles después del paso de un ciclón. Los que tenían raíces primarias profundas fueron los que sobrevivieron».

El Burj Khalifa y The Illinois

Bill Baker, ingeniero estructural del Burj Khalifa de Dubai, ha estudiado el diseño de Wright a lo largo de los años: “Tenía algunas buenas ideas. Y algunas ideas que no eran tan buenas”

El sistema estructural de raíz pivotante de Wright (enterrar un mástil central en el suelo) no habría funcionado.

Baker relata que Wright trató de resolver parte de la tecnología. Sus planes se redujeron a detalles tan pequeños como pernos de anclaje. Wright también reconoció que necesitaría ayuda técnica, enumerando nombres de académicos, ingenieros estructurales e investigadores en uno de sus dibujos.

Su idea de una hipercentralización, buscaba reemplazar muchos edificios altos en un solo rascacielos superalto. Planteaba liberar el plano de tierra y liberar a las ciudades de la congestión y el hacinamiento que Wright había atacado durante décadas.

Concluye Barry Bergdoll “si era una apuesta por la posteridad, no funcionó. El plan era técnicamente inviable”

Vistas del exterior y de la sección transversal de la SC Johnson Research Tower. La base principal penetra 16,46 metros en el terreno, el núcleo central soporta
15 pisos en voladizo 

Video del 13 sep

2017. Periodista Ilona Kauremszky. Vídeo Esteban Smith. Música Kevin MacLeod. La Torre de Investigación fue la visión de Wright de un complemento vertical al Edificio de Administración. Inaugurada en 1950, la Torre de Investigación es una de las estructuras más altas jamás construidas sobre el principio de voladizo.

Entre 1950 y 1982, la Torre fue el espacio principal de los científicos de investigación y desarrollo de la compañía, quienes, en los 10 años posteriores a su apertura, desarrollaron e introdujeron varios de sus productos más famosos en todo el mundo, “Raid” en 1955, “Glade” en 1956, “OFF” 1957 y “Pledge” 1958.

https://youtu.be/m1CkuXYizQc

Torre Price en Bartlesville

Ya había utilizado este sistema estructural en 1950 en la torre de investigación SC Johnson de 15 pisos en Racine, Wisconsin. Allí, alternó pisos cuadrados y redondos que se extienden como ramas de árboles desde un núcleo de hormigón armado. 

Debido al cambio en los códigos de seguridad contra incendios y la impracticabilidad de modernizar el edificio para cumplir con los requisitos del código actual, SC Johnson no ha utilizado la Torre de investigación desde 1982. Sin embargo, restauraron el edificio en 2013 y es visitable.

Vista exterior del Golden Beacon. La sección transversal muestra los cimientos principales, el núcleo central y los pisos en voladizo

Wright utiliza también esta solución en la Torre Price en Bartlesville (1952-1956), de 19 pisos y 67,4 metros de altura, es una evolución del diseño de Wright de 1927 para el proyecto St. Mark’s Tower.

Wright lo apodó “el árbol que escapó del bosque abarrotado”, en referencia a la construcción en voladizo del edificio y el origen de su diseño en un proyecto para la ciudad de Nueva York.

La Price Tower también ha sido llamado el “rascacielos de la pradera”. (Se puede visitar https://www.pricetower.org/tour/)

Vista exterior del Faro Dorado
«Golden Beacon». Fuente:
Fundación Frank Lloyd Wright
Wright al lado de su maqueta de
St. Marks´ in the Bouwerie en el Instituto de
Arte de Chicago, el 24 de septiembre1930

En 1919 había diseñado un grupo de cuatro torres en Nueva York, su diseño presentaba una innovadora estructura de “raíz principal”, desde donde salían sus pisos en voladizo.

La exposición itinerante “The Show” se exhibió en el Art Institute of Chicago, desde el 25 de septiembre al 12 de octubre de 1930. luego de Nueva York se exhibió en Chicago, Eugene, Oregón; Seattle, Washington y en varias ciudades europeas.

En la Galería Layton de Milwaukee se exhibieron 600 fotografías, 1000 dibujos y cuatro maquetas (tres de las cuales eran la Residencia Richard Lloyd Jones, la Gasolinera y las Torres St. Marks-in-the-Bouwerie).

Además del núcleo central para soportar las cargas muertas del edificio, “The Illinois” también incorporó una estructura de trípode de acero tensado externo para resistir las cargas de viento externas y otras cargas de flexión (terremotos), distribuyendo esas cargas a través de la estructura de acero integral del trípode, resistiendo oscilaciones.

Maqueta en el MoMA

En su libro, “Testamento”, Wright declaró: “Finalmente, en toda esta estructura tensada liviana, debido al carácter integral de todos los miembros, las cargas están en equilibrio en todos los puntos, eliminando las oscilaciones. No habrá influencia en la cima de “The Illinois””. (5)

El video corto de 1:31 minutos de 2012 de Charles Muench, “A Peaceful Day in BroadAcre City – One Mile High – Frank Lloyd Wright” muestra el rascacielos de Illinois en el espacioso entorno de Broadacre City y muestra una secuencia de la construcción animada de la torre. 

Realización Viviane El Haddad, Charles Denis. Architecture Trailer TU München 2012.

Exposición en el MoMA

Wright explicó que el edificio (y los ascensores) tenían “energía atómica” aunque no había una planta de energía autónoma en el edificio.

El Empire State Building, mucho más pequeño tiene una demanda eléctrica máxima de casi 10 megavatios (MW) después de implementar medidas de conservación de energía, en comparación “The Illinois” podía haber tenido una demanda de 70 megavatios (MW).

El Illinois estaba pensado para ser construido en un entorno espacioso como Broadacre City, en lugar del centro de una gran ciudad congestionada y adyacente a otros rascacielos. 

El rascacielos de Illinois como parte del paisaje de mediados de la década de 1950 para su concepto de planificación urbana conocido como Broadacre City

Desde la muerte de Wright en 1959, sus archivos han estado bajo el cuidado de la Fundación Frank Lloyd Wright ( https://franklloydwright.org/frank-lloyd-wright/ ) y en las casas/escuelas de arquitectura de Wright en Taliesin en Spring Green, WI. y Taliesin West, cerca de Scottsdale.

En septiembre de 2012, Mary Louise Schumacher (6) escribiendo para el Milwaukee Sentinel Journal, informó que la Universidad de Columbia y el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Manhattan habían adquirido conjuntamente los archivos de Frank Lloyd Wright, que consisten en dibujos arquitectónicos, maquetas a gran escala, fotografías históricas, manuscritos, cartas y otros documentos

http://archive.jsonline.com/newswatch/168457936.html

La Biblioteca Avery de Arquitectura y Bellas Artes de la Universidad de Columbia ( https://library.columbia.edu/libraries/avery/da.html ) guardará todos los archivos en papel de Wright, así como las cintas de entrevistas, las transcripciones y las películas. MoMA agregará las maquetas a su colección permanente.

La Fundación Frank Lloyd Wright retendrá todas las responsabilidades de derechos de autor y propiedad intelectual de los archivos, y las tres organizaciones esperan ver los archivos en internet en el futuro.

“La ciudad de gran acre (4.046 m2), donde cada familia tendrá al menos un acre de tierra, es el inevitable municipio del futuro … Vivimos ahora en ciudades del pasado, esclavos de la máquina y de la construcción tradicional… Nosotros no podemos resolver nuestros problemas de vida y transporte escondiéndonos debajo o trepando por encima, ¿y por qué deberíamos hacerlo? Nos dispersaremos y, al hacerlo, transformaremos nuestros sitios de habitación humana en lugares que permitan la belleza del diseño y el paisaje, el saneamiento y el aire fresco, la privacidad y los patios de recreo y un terreno para cultivar…”. Wright

Broadacre City fue un concepto en el que trabajo permanentemente. Escribió mucho al respecto (“La ciudad que desaparece” 1932), realizó dibujos y maquetas. 

Broadacre es la antítesis de una ciudad porque pretende ser una crítica a las ciudades industriales. De hecho, esta utopía utiliza las posibilidades que permiten los automóviles, ¿o los helicópteros? – y tecnologías de la comunicación para fusionar la naturaleza con la calidad de vida urbana. Increíblemente, lo que los críticos de Wright veían como una utopía, hoy es una realidad: inmensas autopistas que conectan “casas de campo” con servicios dispersos, comercio, instalaciones deportivas y oficinas. Al igual que las ciudades jardín de Howard, Broadacre quiere ser una unidad rural y descentralizada que pueda replicarse infinitamente.

¿Habrá alguna vez un rascacielos de una milla de altura? Stefan Al explica como las megaestructuras se convirtieron en el skyline de nuestras ciudades.

Dirigida por TED y narrada por Addison Anderson.

https://www.ted.com/talks/stefan_al_will_there_ever_be_a_mile_high_skyscraper/transcript?language=en

Notas

1

Rogers Park fue la primera de las 77 áreas comunitarias de Chicago, ubicado a 14 km del Loop (como se llama al distrito comercial central de la ciudad), a orillas del lago Michigan. Un barrio conocido por su diversidad cultural, sus espacios verdes, teatros, bares, restaurantes, playas rodeado de una arquitectura de principios del siglo XX.

2

Blair Kamin fue crítico de arquitectura del Chicago Tribune, desde 1992 hasta 2021, anteriormente trabajó para The Des Moines Register.

Es editor colaborador en la revista Architectural Record. Ha obtenido el Premio Pulitzer de Crítica en 1999 por sus artículos sobre los problemas y los espacios públicos en Chicago y su lago. Ha recibido más de 45 premios, es autor de varios libros, ha dado numerosas conferencias y participado en espacios de radio y TV. Crítico invitado en Escuelas de Arquitectura, incluida la Escuela de Graduados en Diseño de la Universidad de Harvard. Kamin se graduó en el Amherst College, donde en 1979 recibió una Licenciatura en Artes con honores, y de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, donde realizó en 1984 un Máster en Diseño Ambiental.

3

Barry Bergdoll (1955) es profesor de historia del arte en el Departamento de Historia del Arte y Arqueología de la Universidad de Columbia y desde el 2007 al 2019 fue curador en el Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde de 2007 a 2013 se desempeñó como conservador jefe de arquitectura y diseño de Philip Johnson . Se desempeña, desde 2018, como presidente de la Junta del Centro de Arquitectura de la ciudad de Nueva York y desde 2019 miembro del jurado del Premio Pritzker de Arquitectura . 

4

El 12 de junio de 2017, el MoMA inauguró su exhibición, «Frank Lloyd Wright at 150: Unpacking the Archive», que estuvo abierta hasta el 1 de octubre de 2017.

https ://www.moma.org/calendar/exhibiciones/1660

5

El Grupo Lyncean de San Diego está formado por profesionales técnicos jubilados y semi-jubilados que se reúnen regularmente para discutir temas relacionados con la ciencia y la tecnología, aprender unos de otros, compartir pensamientos e ideas y disfrutar de un interés mutuo en ciencia, tecnología y áreas afines. La información fue actualizada el 9 de mayo de 2020 por Pedro Lobner

6

Mary Louise Schumacher, becaria “Nieman de Arts & Culture 2017”, es periodista y crítica independiente. Fue crítica de arte y arquitectura en el Milwaukee Journal Sentinel hasta febrero de 2019, donde cubrió la sección cultural para el periódico Midwestern durante 18 años.

Continua en el articulo http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones/

Nuestro Blog ha obtenido ms de Un millon de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Hugoklico.blogspot.com

Las obras de Frank Lloyd Wright. Su vida, parte 8

Cumpleaños 88 de Frank Lloyd Wright

8 de Junio de 1955, en el 88 cumpleaños de Wright

En el costado de la foto se puede leer “Spring Green, Wis. 8 de junio: Wright celebra su 88 cumpleaños, Frank Lloyd Wright, el arquitecto de fama mundial, posó con su esposa Olgivanna (derecha) y su hija Iovanna, en la celebración de su 88 cumpleaños. Más de 125 invitados brindaron por Wright mientras hablaba del encargo del rey Faisal de Irak para diseñar y planificar un centro cultural en una isla del río Tigris en Bagdad. Calificó el encargo como “un regalo maravilloso”. La foto se publicó en el Saturday Evening Post en la página 38.

Cumpleaños 90 de Frank Lloyd Wright

Fotografía para un artículo en la pag 30 de “Look Magazine”. Publicado
el 17 de Septiembre de 1957. Fotografía de Michael A. Vaccaro

Cuando el 8 de Junio de 1957 Wright cumple 90 años, su hija Iovanna Lloyd Wright (1925 – 2015) le dedica un poema, que se lo da en Navidad.

Publicado parcialmente en el verano de 1959 después de su muerte, en el boletín de la Pacific Arts Association, en un artículo que incluye estas líneas en un mensaje a los editores «Pensé que le gustaría tener este poema que nuestra hija Iovanna escribió para el cumpleaños número 90 de su padre, pero que se lo regaló en Navidad. Lo disfrutó y se lo leía con frecuencia a nuestros amigos”. Sra. Frank Lloyd Wright.

A mi padre (Publicado por Taliesin Fellowship, Taliesin West)

«… Viviendas que crecieron, En bosques, sol y piedra, En terrones y arcilla sembrada de estrellas. El tiempo y sus eones, forma tras ola, Ola tras ola intemporal yacían reflejadas, En los estanques, los claros misteriosos, Que engendraron dentro de su mente, Y atrajeron el espíritu de la montaña, Y la llanura…»

Son 4 páginas sin numerar, dentro de un sobre dirigido a la «Sra. Mary Fritz, Spring Green, Wisconsin». El matasellos pone “Phoenix, 16 de mayo de 1959″. La dirección del remitente: «Taliesin West, Phoenix Arizona». 

La vida de Wright fue cuanto menos intensa, al tiempo que tormentosa, y dramática.

Catherine Tobin Wright, en Oak Park (aprox 1890/1900) foto
de la F.Ll.Wright preservation Trust

No solo incluye el abandono de su primera esposa Kitty y a sus 6 hijos.

El hecho de “escaparse” con la esposa de un cliente y sus consecuencias sociales y profesionales. El desastre del asesinato de Mamah Borthwick con sus 2 hijos y 4 colaboradores y el incendio de su casa taller.

El casamiento con una persona prácticamente desconocida como Miriam Noel.

Hasta la paz que le proporciono Olgivanna, cuando ella tenía 27 años y él 57.

El espíritu creativo de Olgivanna ayudó al renacimiento de la carrera de Wright.

Ello ocurrió desde que en 1924 se conocieron en un espectáculo de ballet en Chicago, ambos se estaban separando de sus matrimonios.

Olgivanna se había casado a los diecinueve años, tuvo una hija y pronto estuvo bajo la influencia de Gurdjeff(1). Poco después de conocerse en 1925, comenzaron a planear un futuro juntos.

Maud Miriam Noel

La separación de Frank con Miriam Noel (1869 – 1930) fue traumático.

En 1922 Kitty, la primera esposa de Wright, le concede el divorcio, y al año, en noviembre de 1923 se casa con Miriam en Spring Green. La conoció casi inmediatamente después de la trágica muerte de Mamah Cheney el 15 de agosto de 1914, cuando Miriam envió sus condolencias a Wright

En cuestión de semanas, Wright se involucra profundamente con Miriam, cumpliendo el objetivo de ésta, que se muda a Taliesin.

En mayo de 1924 Miriam abandonó Taliesin, se habían casado 6 meses antes, y es en noviembre de 1925 que Miriam solicita el divorcio, alegando abandono y crueldad.

El 20 de abril de 1925 un segundo incendio se produce en Taliesin destruyendo las viviendas.

El 2 de diciembre de 1925, Olgivanna da a luz a la hija de Wright, Iovanna Lazovich Lloyd Wright, en Chicago.

En Mayo de 1924 Miriam abandonó Taliesin. Se habían casado 6 meses antes, es en Noviembre de 1925 que Miriam solicita el divorcio, alegando abandono y crueldad.

F. LL.Wright tocando piano. quizas una Sonata de Beethoven 1957. Tony Vaccaro Studio, Portrait Gallery of Photography

El 20 de abril de 1925 un segundo incendio se produce en Taliesin destruyendo las viviendas.

El 2 de diciembre de 1925, Olgivanna da a luz a la hija de Wright, Iovanna Lazovich Lloyd Wright, en Chicago.

Parecía que el divorcio podría permitirle a Wright escapar de las garras de Miriam, hasta que ella descubrió no solo que Olgivanna había entrado en la vida de Wright, sino que Olgivanna estaba embarazada.

Durante un período que duro años, Wright sufrió (sin duda Noel también) años de hostigamientos, acusaciones, contraacusaciones y exabruptos que fueron cubiertos por la prensa nacional.

Maud Miriam Noel

Wright se hizo conocido más por sus escándalos que por su arquitectura, lo que planteó un problema en la captación de clientes.

En Chicago, Miriam incluso agredió a Olgivanna en el hospital a principios de diciembre de 1926. Enfurecida Miriam intentó (sin conseguirlo) asaltar Taliesin el 3 de junio de 1926. En agosto de ese año exige su derecho a vivir en Taliesin y demanda a Olgivanna, ya que asegura “esa bonita bailarina rusa”, le ha usurpado sus derechos.

Una época convulsa, que incluyen el 21 de octubre de 1926 el arresto de Wright en la puerta de la cocina de la cabaña sobre el lago Minnetonka (a 26 km de Minneapolis en Missesota) que había alquilado a comienzos de setiembre.

Después del arresto Miriam espera las instrucciones de su abogado en el Hotel Southmoor en Chicago, pero debe desaparecer de allí pues la desalojan del hotel y demandan por el impago de 1.500 dólares (unos 25.255 dólares de 2022).

En 1927 la que es arrestada en Miriam en el comedor del Hotel Lorain de Madison por el envío de una carta obscena a Wright.

Desde diciembre de 1926 hasta febrero de 1927 Miriam vive en San Francisco, en los Claremont Apartments de la calle Sutter.

Finalmente se separa de Miriam el 26 de agosto de 1927, y Frank decide viajar con Olgivanna a Puerto Rico por dos meses.

En marzo de 1928 FrankOlgivanna y sus hijos se mudan a una cabaña en La Jolla en California, en julio de ese año, inevitablemente Miriam destroza la cabaña y es arrestada.

El año 1928, fue un caos en la economía de Wright, en enero el banco le reclama el pago de una hipoteca y ordena que abandone Taliesin, dando la orden de ponerla a la venta. Poco tiempo antes, a comienzos de 1927 el banco había ordenado a Wright vender alguno de sus grabados japoneses.

En octubre de 1928 WrightOlgivanna y los niños regresan a Taliesin.

Cuatro años después de conocerse, y al año de conseguir la separación de Miriam, el 25 de agosto de 1928 se casan a la medianoche en Rancho Santa Fe cerca de La Jolla. Pasaron su luna de miel en Phoenix, en el Arizona Biltmore Hotel.

El 3 de enero de 1930, Miriam Noel fallece a la edad de 61 años.

Desde el Plaza, supervisó el museo Guggenheim, y otros proyectos en Westchester y Connecticut, así como 3 proyectos menores el Hoffmann Automobile Showroom (Manhattan), New Sports Pavilion (Long Island) y Cass House (Staten Island).

Oro Press ha editado un libro sobre Oligivanna escrito por Maxine Fawcett-Yeske junto a Bruce Brooks Pfeiffer (Director de los Archivos Frank Lloyd Wright).

Pfeiffer tuvo un contacto estrecho con Olgivanna.

La revista A + A entrevistó a Fawcett-Yeske, este es el resumen:

“…durante uno de mis viajes de investigación al Archivo Frank Lloyd Wright en Taliesin West, me comenta Bruce Brooks Pfeiffer que Olgivanna había escrito una autobiografía, en bruto, inédita y leída por muy pocas personas hasta ese momento. Mientras Bruce y yo discutíamos la autobiografía, me quedó claro que antes de preparar ediciones de obras seleccionadas de las composiciones de Olgivanna y antes de escribir la biografía de la señora Wright, se debería permitir que sus palabras hablen por sí mismas. Así comenzó el trabajo de compilación y edición de lo que se convertiría en «Crna Gora to Taliesin, From the Black Mountain to the Shining Brow: The Life of Olgivanna Lloyd Wright…” Maxine Fawcett-Yeske

Wright, Olgivanna e insertada la foto de Gurdjeff

Gracias al genio de Olgivanna se formó la Escuela de Arquitectura Frank Lloyd Wright, conocida como la “Beca Taliesin”.

Olgivanna Lazarovic

Supervisó todos los aspectos administrativos de la escuela, y el plan de estudios holístico, ya que consideraba que el “todo” era un sistema más complejo que la individualidad de las partes.

En Taliesin se enseñaba a los alumnos/aprendices que mientras desarrollaban proyectos arquitectónicos y buceaban en los secretos del arte, debían saber hablar en público, al tiempo que cuidar la etiqueta y el decoro.

Era escritora, fue autora de cinco libros sobre filosofía y sobre la vida que ella y Frank compartieron.

Era compositora, compuso más de cuarenta composiciones musicales que enriquecieron la vida de los aprendices, y la del público que acudía a los festivales de música y danza en Taliesin East (en Wisconsin) y en Taliesin West (en Scottsdale).

Quizás fue una arquitecta del espíritu humano, apoyaba a los aprendices de arquitectura convencida que la música, el arte, la literatura, la danza y la filosofía eran «orgánicos» y fundamentales para el diseño estructural de la mente, el cuerpo y el carácter, pero basicamente apoyó al genio de Frank, y le permitió retomar el camino de la arquitectura con mayúsculas.

Su nombre completo era Olga Ivanovna «Olgivanna» Milijanov Lazovich Hinzenberg Lloyd Wright. Nació en Cetinje, entonces capital del pequeño principado de Montenegro.

Su padre, Iovan Lazovich, fue el primer presidente de la Corte Suprema de Montenegro. Su madre Melitza era general del ejército montenegrino, hija del duque Marco Milijanov (1833-1901), un general al que se le atribuye la preservación de la independencia de Montenegro del dominio turco en 1878.

Georgi Gurdjieff

Melitza era la menor de tres hijas del duque, en ausencia de hijos, Milijanov la llevó al ejército para entrenarla como soldado. Por lo tanto, Olgivanna provenía de un entorno aristocrático fuerte y diverso: una madre experta en rebelión social y tácticas militares y un padre dedicado a la paz y la justicia. El padre de Olgivanna se había quedado ciego en el momento de su nacimiento, por lo que durante su primera infancia en Montenegro, fue los ojos de su padre, le leía todo: periódicos, documentos legales, libros de poesía y filosofía, al mismo tiempo que desarrollaba una visión de un mundo, que era complejo para su corta edad.

A los 9 años comienza una educación más formal en Rusia. Vivía con su hermana Julia, que estaba casada con el noble ruso Constantin Siberiakov, cuya familia poseía minas de oro en los Montes Urales. A los 20 años se casa con el arquitecto ruso Vlademar Hinzenberg.

En Rusia estudia varios años con el místico y filósofo greco-armenio Georgi Gurdjieff (1866 – 1949) (1)

En 1917, en el momento de la Revolución Bolchevique, Olgivanna huyó de Rusia junto con Gurdjieff y sus seguidores, en ese año nace su hija Svetlana.

Vivió un tiempo en Tiflis, en Georgia, cerca de la frontera con Turquía, junto con Gurdjieff y sus adeptos.

Our House (Nuestra Casa) por Olgivanna Lloyd Wright, editor Prensa del Horizonte 1959. 308 páginas, digitalizado por La Universidad de Michigan en 2007

Desde 1922 el Grupo enseñaba en el Instituto para el Desarrollo Armonioso del Hombre en Avon, en el distrito de Fontainebleau.

Gurdjieff creía en el desarrollo de la «persona completa», mente, corazón y cuerpo. Su plan de estudios era estricto, incorporaba la danza, el ejercicio y el trabajo físico para superar dificultades personales y encontrar una disciplina psicológica. El prestigio del Instituto Gurdieff convocó a muchos alumnos como la escritora modernista Katherine Mansfield (pseudónimo de Kathleen Beauchamp 1888 – 1923) quien estuvo al cuidado de Olgivanna debido a su terminal estado de tuberculosis. Es en el instituto donde Olgivanna se formó como bailarina, música, educadora y filósofa.

No tuvieron tiempo para el aburrimiento, las experiencias con el aprendizaje y la enseñanza, la Beca Taliesin, los ocupaba diariamente,

Luego de la muerte de Frank el 9 de Abril de 1959, Olgivanna tomo a su cargo explicar en charlas permanentes el concepto de “arquitectura orgánica” de Wright y hablar sobre su vida. Continuó componiendo música hasta su muerte el 1 de marzo de 1985.

Wright con su nieta Anne Baxter
27 de abril de 1958, foto de Duke Downey

Amigos que influyeron en la carrera de Wright

El promotor más importante de Wright en la escena cultural de la ciudad de Nueva York fue Alexander Woollcott (1887 – 1943), crítico teatral, comentarista y escritor de The New Yorker.

Alexander Woolcott

Desde 1929 a 1934 escribió la columna “Gritos y Rumores”.

Su apodo era Aleck, fue miembro fundador y figura central en la mesa redonda Algonquin. Este “oasis intelectual en el árido Broadway” comenzó como una reunión de almuerzo donde cabían autores, dramaturgos, ilustradores, caricaturistas, actores, artistas, escultores y celebridades.

“Todas las cosas que realmente me gusta hacer son inmorales, ilegales o engordan”, le gustaba confesar a Alexander Woollcott.

Entre sus compañeros de lengua afilada, Woollcott se convirtió en «el más cortejado y el más odiado en el negocio». Demoledor crítico teatral, fue una de las personas más influyentes del panorama artístico estadounidense de la primera mitad del siglo XX.

Wright y Woollcott compartieron una correspondencia cálida e ingeniosa, cargada de admiración mutua. Wright afirmó que incluso había asistido a algunas de las reuniones de la Mesa Redonda de Algonquin como invitado de Woollcott..

En 1919 la Mesa redonda de Algonquin estaba integrada por Art Samuels, Harpo Marx, Charlie MacArthur, Doroty Parker y Alexander Woollcott. Sirvió de inspiración al dramaturgo  George Simon Kaufman (1889 – 1961) y a Moss Hart (1904 – 1961) para crear al personaje principal llamado Sheridan Whiteside de la obra “El hombre que vio a cenar”. Woollcott tenía una estrecha amistad con Harpo Marx, (1888 – 1964), colaboró activamente en el renacimiento de la carrera de los hermanos Marx. Su libro “While Rome Burns”, editado por Grisset & Dunlap en 1934 fue un superventas.

Su personalidad no le impedía difundirlo permanentemente desde su programa de radio en la CBS “The Town Crier” (emitido desde 1933 hasta 1938), o hacer comentarios como los que hizo sobre un pianista, compositor autor, humorista y actor “No hay absolutamente nada malo en Oscar Levant que un milagro no pueda corregir”.

El editor, crítico de teatro y escritor Wolcott Gibbs (1902 – 1958) que lo conocía muy bien, ya que trabajó 31 años en la revista The New Yorker, escribió de él “Se podía sacar cada frase sin cambiar el sentido general… fue uno de los escritores más espantosos que han existido”.

Entre las frases clásicas de Woollcott esta su descripción del área de Los Angeles como “Siete barrios en busca de una ciudad” (algunos la atribuyen a su amiga Dorothy Parker).

Notas

1

El místico Ivanovich Gurdjieff, nacido en Armenia enseñaba técnicas de danza que llamaba “Movimientos”, que según él podrían transportar a sus seguidores más allá del reino de los sentidos ordinarios. A principios de la década de 1920, Olgivanna era una de sus principales devotas.

 “Gurdjieff mostró que la evolución del hombre… es el resultado del crecimiento (y desarrollo) interior individual…tal apertura interior es la meta de todas las religiones, de todos los caminos… requiere un conocimiento directo y preciso… que sólo se puede adquirir con la ayuda de algún guía con experiencia y a través de un prolongado estudio de sí y del trabajo sobre sí mismo”. Perspectivas desde el mundo real. Introducción. Editorial Sirio.

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Puede interesarte este tema, por lo que te envío una sugerencia de Hugo K: Sketches de Le Corbusier -viaje a Oriente y burdeles de Paris.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

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3 Arquitectas y 1 Arquitecto Carmen Córdova, Yvonne Farrell y Shelley McNamara y Vincent Callebaut -e-

La arquitecta Carmen Córdova, (Buenos Aires 1929 – 2011 Ibid), formó parte del Grupo OAM (Organización de Arquitectura Moderna).

Fue la primera decana de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (Universidad de Buenos Aires) en 1994.

En 2004 recibió el Premio Trayectoria artística del Fondo Nacional de las Artes.

Obras notables

Colegio Mayor Argentino en Madrid

-Cementerio Israelita de Mar del Plata

-Proyecto de 155 viviendas en Centenario, Neuquén con Horacio «Bucho» Baliero. y Alberto Casares.

-Colegio Mayor Argentino en Madrid

Distinciones

Cementerio Parque de Mar del Plata

2º Premio: Hoteles en Misiones con Horacio «Bucho» Baliero. , 1956.

3º Premio: Hosterías en Misiones con Horacio «Bucho» Baliero , 1956.

2º Premio: Hosterías en Misiones con Horacio «Bucho» Baliero, 1956.

1º Premio: Cementerio Parque Mar del Plata, Pcia. de Buenos Aires, con Horacio «Bucho» Baliero, 1961.

2º Premio: Ciudad Universitaria de Córdoba (en colaboración con Horacio «Bucho» Baliero, 1962.

1º Premio: Colegio Ntra. Sra. de Luján en Madrid con Horacio «Bucho» Baliero, 1964.

4º Premio: Auditorio Ciudad de Buenos Aires, en colaboración con Horacio «Bucho» Baliero, 1972.

3º Premio: Embajada Argentina en Asunción, Paraguay, con Horacio «Bucho» Baliero. 1971.

4º Premio: Museo del Cemento, Olavarría, con Horacio «Bucho» Baliero. y Ernesto Katzenstein, 1973.

1º Premio: Planificación de Laguna de los Padres, Pcia Buenos Aires, con Horacio «Bucho» Baliero. y Ernesto Katzenstein, 1973.

Yvonne Farrell y Shelley McNamara

Con su manifiesto FREESPACE, las curadoras de la Bienal de Arquitectura de Venecia 2019, Yvonne Farrell y Shelley McNamara, invitaron a arquitectos de todo el mundo a proponer con libertad sobre el espacio en la muestra que dura hasta noviembre de este año.

Ambas irlandesas, estudiaron Arquitectura en la Universidad de Dublín, donde se conocieron, para luego graduarse y fundar en 1978 Grafton Architects.

En su oficina han creado un variado rango de arquitectura, con énfasis en edificios públicos y universidades.

Yvonne y Shelley enseñan sobre sus proyectos en diferentes partes del mundo como Harvard, Yale y EPFL in Lausanne, pues para ellas es esencial que exista crítica y discusión.

Entre sus obras más destacadas están la Universidad Luigi Bocconi en Milan, por la que fueron premiadas en 2008 con el World Building of the Year; y su exposición «Arquitectura como una nueva geografía» en la Bienal de Venecia de 2012, por el que ganaron el León de Plata.

Allí expusieron sobre arquitectura brasileña y peruana, en una exploración de infraestructura y paisaje.

Tanto Yvonne como Shelley proponen una arquitectura que conjuga la dimensión artística con las necesidades de quienes habitan el espacio de manera cotidiana.

Un concepto que se plasmó en los diferentes proyectos que llegaron de todas partes del mundo a la Bienal Venecia 2018, donde destacan los espacios intermedios como las escaleras, los porches, los pasillos, las entradas.

Además decidieron poner diferentes tipos de bancos en distintas partes de la ciudad para poder sentarse, pues les interesa una relación más contemplativa con la ciudad.

Así también se preocuparon de abrir nuevos recorridos dentro de Venecia, antes cerrados para los visitantes.

Con la idea de que la creatividad no tiene género, estas arquitectas se encuentran trabajando en diferentes proyectos como el Edificio Marshall para la Escuela de Economía de Londres, el proyecto Parnell Square Cultural Quarter en Irlanda y la nueva Escuela de Economía de la Universidad de Toulouse.

Shelley McNamara (Lisdoonvarna, Condado de Clare, 1952) es una arquitecta irlandesa.

En 2015, les otorgaron el Premio Jane Drew por su «enorme influencia» en la profesión, y en 2020 obtuvo el premio Pritzker, junto a la arquitecta Yvonne Farrell.

Yvonne Farrell (Tullamore, 1951) es una arquitecta y profesora irlandesa.

Cofundadora de Grafton Architects.

En noviembre de 2022, estuve en Toulouse, paseando, y asombrandome de muchas obras en la ciudad, sobre todo rehabilitaciones como el Museo de Histria. Por consejo de Miguel Angel Roca fui a visitar la Escuela de Economía, bueno, visitar poco, porque no pude pasar del acceso. El lugar es muy tranquilo, con un canal de agua y mucho verde.

Es considerada una de las mejores escuelas de economía del mundo. Su director es Jean Tirole, Premio Nobel en Ciencias Económicas 2014.

Vincent Callebaut nació en La Louvière, una provincia minera del sur de Bélgica, por lo que los paisajes de su niñez fueron industriales y grisáceos, amaba pasar horas en jardines y huertos, tanto es así que un tiempo se dedicó a la horticultura, antes de dedicarse a tiempo completo a la arquitectura.

Piensa que la eficiencia energética y el respeto del medio ambiente son fundamentales para la creación de soluciones presentes y futuras para los desafíos que enfrenta el mundo actual debido al uso desmedido de los recursos que la humanidad ha realizado.

En todas estas propuestas, el uso racional de la energía reflejada en la noción de eficiencia energética y la reglamentación que la rodea (como ejemplo, el certificado de eficiencia energética) se convierten en protagonistas, al lado de la reaparición de lo verde y lo vegetal como punto focal en lugar de darle prioridad al concreto.

Sus propuestas ponen en práctica la denominada «arquibiótica», una disciplina que intenta, de una forma interdisciplinaria reinventar la forma de vida del mañana.

Sus diseños inspirados en las formas de la naturaleza, sus edificios son espectaculares y orgánicos y tienen una apariencia fantástica o futurista.

En Europa, sus diseños arquitectónicos apenas empiezan a despertar interés concreto, pero en Asia, sus fantásticas ideas empiezan a concretarse con mayor velocidad.

La idea central de sus diseños es ver la vida en color verde.

Después de obtener su título, se mudó a París, y abrió su estudio en 2008.

Web oficial de Vincent Callebaut:

http://vincent.callebaut.org

Ver más Arquitectas y Arquitectos:

F   http://onlybook.es/blog/3-arquitectos-alberto-prebisch-william-morris-y-eyleen-gray/

G   http://onlybook.es/blog/4-arquitectos-justo-jorge-jujo-solsona-ricardo-porro-hidalgo-lyndon-neri-y-rossana-hu/

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Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

Miguel Ángel, 3a. parte

Vittoria Colonna. La única mujer en su vida?

viene de la 2nda parte http://onlybook.es/blog/miguel-angel-2da-parte/

¡¡¡Que usina de genios!!! talleres desde donde se transmitían las formas de crear belleza, donde cada artista, cada artesano, cada pensador, creaba en torno a su figura y su pensamiento, discípulos que desarrollaban sus capacidades.

Retrato de Vittoria Colonna por Miguel Ángel

Miguel Ángel estuvo muy cerca de la aristócrata Vittoria Colonna (Marino 1492 – 1547 Roma),  ambos detentores de un sentimiento profundo y seguramente solamente espiritual.

Conoce a la poetisa en Roma en 1536, Vittoria tenía 45 años y Miguel Ángel 60,

Vittoria descendía de estirpes ilustres, criada en la refinada corte de Urbino, recibió una sólida formación literaria y artística, prometida en matrimonio desde niña al marqués de Pescara D. Fernando Francisco de Ávalos, al cumplir los 17 años se casaron.

De Ávalos liderará los ejércitos germano-españoles que vencieron a los franceses en la batalla de Pavía en 1525, donde resultará herido de muerte.

Vittoria, su viuda, ahora marquesa de Pescara, sin hijos, se dedicó a la poesía durante sus largos periodos en conventos.

Un editor de Parma obtuvo algunas copias de sus poemas y publicó un volumen “Rimas” en 1538. Le siguieron otras recopilaciones.

Vittoria no buscaba la fama, pero su obra poética, influida por el poeta y filósofo Petrarca (Arezzo 1304 – 1374 Arquà Petrarca) tuvo una difusión considerable, y su talento fue admirado en los entornos cultos de Roma, Venecia y Nápoles.

En Nápoles entró en contacto con el grupo del humanista y escritor español Juan de Valdés (Cuenca 1509 – 1541 Nápoles),

Este grupo de intelectuales laicos pero con inquietudes religiosas reformistas, trataban temas que bordeaban la salvación y la fe, temas que importaban mucho y se debatían permanentemente.

La marquesa de Pescara participaba de otras tertulias como las del Cconvento de San Silvestro al Quirinale en Roma. Allí había empezado a acudir Miguel Ángel, atraído por el ideario reformista que aspiraba a un cristianismo puro, próximo al luteranismo.

La gran sintonía espiritual y de recíproca admiración entre Miguel Ángel y Vittoria, a los que también unía su afición a la poesía, se convirtió en una relación de amistad muy profunda, a pesar que una vez escribió que sería imposible compartir verdaderos sentimientos de amor con una mujer.

El ya mencionado Ascanio Condivi en su biografía de Buonarroti dice que éste estaba enamorado “del divino espíritu de Vittoria”.

Se intercambiaron rimas bellísimas, Miguel Ángel realizó para ella varios trabajos artísticos sobre temas religiosos como “La Piedad, un dibujo a carboncillo que no se sabe si legó a convertirse en pintura, el cuadro “La Crucifixión” hoy perdido, fue un pedido de Vittoria.

En el British Museum hay un boceto  y varias copias del original realizadas por otros pintores, una de ellas en la con-catedral de Logroño (una con-catedral es un templo cristiano con rango de Iglesia catedral que comparte la condición de ser la sede del obispo, esta concesión la da la Santa Sede).

Vittoria muere en 1547 y deja a Miguel Ángel tristemente decaído, la sobrevivió casi veinte años, en los que centró su existencia en una espiritualidad cada vez más intensa. 

Condivi recuerda el dicho de Miguel Ángel “…de que su único pesar en la vida fue no haber besado la cara de la viuda de la misma manera que había besado su mano”.

También fue destinatario de su interés, su alumno Cecchino dei Bracci, (nacido como Francesco de Zanobi Bracci (Florencia 1528 – 1544 Roma) quien murió a los 16 años.

Miguel Ángel le compuso más de cuarenta epitafios y diseñó su tumba, ubicada en la Iglesia de Santa Maria Aracoeli de Roma.

Tumba de Cecchino dei Bracci

Una variante textual del epitafio 197 “fanático de lo que fui agraciado en la cama / que abrazó y que vive el alma”, no es una casualidad que haya permanecido inédito hasta hace unos años, revela además que el apego de Miguel Ángel al niño también había tenido un componente sexual.

Se puede mencionar a Giovanni da Pistoia, un escritor joven y guapo que dedicó algunos sonetos a Miguel Ángel, o al modelo Febo di Poggio (atractivo y pendenciero que, al parecer, robó dinero y dibujos al artista) es aludido en la poesía G.99 donde alude a él como Phoebus y su apellido Poggio, que significa colina:

Realmente debería, tan feliz fue mi suerte,
Mientras Febo inflamaba todo el cerro,
Haber resucitado de la tierra mientras yo podía,
Usando sus plumas y así hacer dulce mi agonía.

También muestra su dolor con Febo di Poggio escribiendo

“Ahora me dejó. Y si en vano prometió
hacerme feliz los días pasan menos rápido”.

Le creó muchos problemas, como en 1533 cuando empezó a pedirle dinero al enterarse que Miguel Ángel comenzaba a verse con otro joven, por lo que debió huir de Florencia.

El poeta Pietro Arentino lo chantajeó, lo amenazó con difundir la excitación que ek artista sentía al momento de trabajar con desnudos masculinos, lo menciona en el poema G.55 desconsolado porque lo ha dejado:

«Te he comprado, a un precio no pequeño, una cosita que huele dulce, ya que por un olor a menudo se conoce una calle, dondequiera que esté, donde tú estés…Si te escondes de mí, te perdonaré, porque, llevando esto, siempre, mientras pasas, incluso si fuera ciego, te encontraría.

Otro modelo Gherardo Perini lo atormentaba cada vez que desaparecía, Miguel Ángel dice en el poema G.36:

«Por aquí fue donde me robó mi amor, Aquí con sus hermosos ojos me prometió ayuda»

Miguel Ángel no se casó ni tuvo hijos, y entre los estudiosos existe un amplio consenso sobre su homosexualidad, quizás haya tenido relaciones carnales, o quizás platónicos, pero como en el Renacimiento la homosexualidad, aunque gozaba de mayor tolerancia que en otros períodos, no estaba socialmente aceptada, resultaba lógico el intento de que no quedara rastro de las relaciones entre personas del mismo sexo.

Portada original de la segunda edición de Le vite

No sabemos si debió librar alguna batalla entre sus deseos y la manera de encauzar sus impulsos sentimentales y también eróticos, Probablemente encontrara en el arte esa manera de encauzar esa tensión.

Era un hombre de rostro poco agraciado, de estatura mediana y complexión enfermiza y endeble, su mirada era sombría y absorta. (5)

Con un carácter difícil, no tuvo buena relación con el escultor Pietro Torregiano

(Nacido como Pietro di Torrigiano d’Antonio, Florencia 1472 – 1528 Sevilla) que fuera

asistente asiduo de la corte literaria de Lorenzo el Magnífico.

En la Corte participaba el escultor, orfebre y escritor Benvenuto Cellini (1500 – 1571) que en su biografía menciona una disputa entre Miguel Ángel y Torregiano, en la que Miguel Ángel recibe un puñetazo que lo desfigura de por vida con un extraño bulto en el medio de la nariz.

Su aspecto físico era más satánico que angelical, decía de sí mismo “mi cara tiene forma de miedo” (mía faccia ha forma di spavento).

Miguel Ángel fue alumno de Domenico Ghirlandaio (nacido como Domenico Bigordi o Curradi 1448 – 1494) quién le enseñó los rudimentos de la pintura.

También fue alumno del escultor Bertoldo di Giovanni (Poggio a Caiano 1435 – 1440 Ibid) que a su vez fue discípulo de Donatello.

Trabajó durante un tiempo en su taller, finalizando las obras que su maestro dejó inconclusas a su muerte en 1466.

Bertoldo fue el organizador y maestro de la escuela de escultura creada por Lorenzo de Médici en el jardín de su Palacio de la Via Larga donde se exhibían numerosas esculturas grecorromanas.

Palacio Florentino

El Palacio Florentino, fue encargado en 1944 por Cosme I de Medici (II duque de la República de Florencia) al arquitecto y escultor Michelozzo di Bartolomeo (Florencia 1396 – 1472 Ibíd.) quien fue a su vez discípulo de Filippo Brunelleschi,

¡¡¡Que usina de genios!!!, talleres desde donde se transmitían las formas de crear belleza, cada artista, cada artesano, cada pensador, creaba en torno a su figura y su pensamiento, discípulos que desarrollaban sus capacidades.

En la escuela se formaron artistas como el escultor Baccio da Montelupo (nacido como Bartolomeo di Giovanni d’Astore dei Sinibaldi, Montelupo Fiorentino 1469 – 1523 Lucca), el escultor Giovanni Francesco Rustici (Florencia 1474 – 1554 Tours) que fuera ayudante de Leonardo da Vinci, o el arquitecto y escultor Jacopo d’Antonio Sansovino  (nacido como Iacobo o Jacopo Tatti. Florencia 1486 – 1570 Venecia)

Como referencia a su calidad artística y profesional quisiera mencionar que nada menos que Andrea Palladio, en el prefacio de sus Cuatro Libros, opinaba que la Biblioteca Marciana de Sansovino, era el mejor edificio erigido desde la antigüedad, otra mención de su importancia lo señala el hecho que Giorgio Vasari, al escribir la vida de Sansovino, decidió que fuera la única de entre tantas y tantas biografías, que se imprimiera separadamente, se había formado ni más ni menos que con Rafael y Bramante.

Volviendo a la vida de Miguel Ángel, existe un momento que podemos pensar que fue excelso, cuando toma contacto con la obra de Jacobo della Quercia (nacido como Jacopo Di Pietro d’Agnolo de La Quercia, Quercegrossa 1374 – 1438 Siena), en ese momento siente que debe aspirar a lo más alto en sus creaciones.

Inmersión con los Médici

Lorenzo llegó a un acuerdo con Ludovico, el padre de Miguel Ángel para acogerlo y protegerlo en su palacio, prácticamente adoptado formaba parte de la familia, con quienes compartía las actividades del día. Recibía una pensión de cinco florines de oro mensuales, frecuentó a los sabios y poetas como el humanista y filósofo Giovanni Pico della Mirándola (Mirandola 1463 – 1494 Florencia).

Lorenzo tenía 6 hijos, tres varones y tres mujeres, pero ninguno estuvo a la altura de Miguel Ángel, por lo que se dedicó a alimentarlo espiritualmente.

Al comienzo mencioné su espíritu belicoso, lo llevó a tener una disputa con el escultor Pietro di Torrigiano (Florencia 1472 – 1528 Sevilla) que también trabajaba en la Corte de Lorenzo de Médici, Cuenta Cellini que en una disputa causada por los celos que le ocasionaba la pasión de Lorenzo por Miguel Ángel le dio tal golpe que le rompió la nariz, causándole una desfiguración que es visible en todos los retratos del artista.

Por ese hecho Torrigiano fue condenado al exilio, y se dirigió a Sevilla, donde desarrolló alguna de sus famosas esculturas, como “San Jerónimo Pentente”.

San Jerónimo penitente 1525 Pietro Torrigiano.
Museo de Bellas Artes Sevilla

Miguel Ángel pasó su juventud en Florencia, en el palacio de los Medici, que como hemos mencionado formó parte de la corte de artistas e intelectuales que giraba alrededor de Lorenzo el Magnífico.

El trabajo que Lorenzo realizó en el ámbito cultural le hizo merecedor del título de “El Mag­nífico” ya que bajo su gobierno Florencia fue el centro del mundo artístico y cultu­ral europeo. Encarnó el ideal del renacimiento italiano, como poeta, filósofo y mecenas, un patrocinio especial lo recibieron Botticelli y Miguel Ángel.

Segundo Intermedio musical

“…la música herramienta inigualable para la representación de cosas invisibles”, Leonardo da Vinci

En los círculos intelectuales del “quattrocento” se entendía la música como una suerte de filosofía sonora, una ciencia llena de proporciones y de armonías.

Para los aristócratas, artesanos y comerciantes, era un entretenimiento, un ejercicio de placer.

Al norte de Italia había dos polos intelectuales y de gran influencia musical, uno era la corte de Ferrara y el otro la corte de Mantua, en ellos se desarrolló un tipo de poema y de composición musical polifónica que llamaban la “frottola”.

La Corte de Ferrara era dirigida por Nicolás III, Marqués de Este, Ferrara, Módena Reggio y  Parma, (Ferrara 1383 – 1441 Milán), poder que ejercía acompañado de sus hermanos Borso de Este y Leonello de Este.

El momento de máximo esplendor corresponde a Hércules I de Este (Ercole I. Ferrara 1431 – 1505 Ferrara) duque de Ferrara, Módena y Reggio, al que llamaban  “El diamante” o “Viento del Norte).

La otra corte era la de Mantua, y en ella la gran mecenas de las artes, la noble Isabella de Este (Ferrara 1474 – 1539 Mantua).

En su Corte se desarrolló  la época dorada de los “frottolistas” (9), compositores que deseaban expresar mediante la música el significado de las palabras, al aunar texto y música, crearon un nuevo estilo musical.

La “frottola” (el término procede del latín “frocta”, que significa “conglomerado desordenado”) se interpretaba con cuatro voces, o también con una combinación de una sola voz humana, que seguía la línea del cantus, y el resto de las voces estaban a cargo de instrumentos.

Es en los siglos XV y XVI cuando se desarrolla la independencia del lenguaje instrumental, ésto lo consiguen mediante nuevas formas de expresión musical basadas en las formas vocales, así como en la improvisación y la danza.

El genial violagambista y director Jordi Savall (Igualada 1941) nos dice que la “Basse-Dance o Danza Baja» era la favorita de las cortes desde mediados del siglo XV hasta bien entrado el siglo XVI. Consistía en 2 o 3 voces, improvisadas sobre un «cantus firmus» de basse dance”.

El nombre se debía a la propia naturaleza de sus pasos, que se deslizan a nivel del suelo. Danza de parejas, lenta, majestuosa, propia del protocolo cortesano, con una coreografía muy cuidada. La basse-dance necesitaba un conjunto de instrumentos de sonido fuerte necesarios cuando se bailaba en lugares amplios.

Un sacabuche toca la melodía del «cantus firmus» y sobre él una o dos chirimías improvisan o tocan un contrapunto.

“La Spagna” era una de las melodías más antiguas de base dance y de las más difundidas ya que hay más de 250 versiones, de las primeras en hacerse polifónica, su origen quizás haya sido una melodía o canción española, de ahí sus diversos nombres, el coreógrafo, compositor y maestro de danza Doménico da Piacenza (Plasencia 1390 – 1470 Ferrara) la apodaba «la reina», también «La Spagna», «Castille», «Tenore del Re di Spagna», «Casulle la novele» es decir Nueva Castilla. (11)

En base a ella compusieron Francisco de la Torre (Sevilla c. 1460 – c. 1504), el compositor y teórico musical Diego Ortiz (Toledo 1510 – 1570 Nápoles), el compositor Heinrich Isaac (Región Flamenca 1450 – 1517 Florencia), el ya mencionado Josquin des Prés entre tantos otros.

La Bottega del Verrocchio 

En el quatroccento se escuchaban canciones y aires de danza, como los que impregnaba el espíritu de los carnavales de los Medici en Florencia.

Fascinaban las representaciones sacramentales, y las piezas de cantores y músicos entre ellos Leonardo Giustiniani (Venecia 1388 – 1446 Ibíd.) Bacio Ugolino o Bartolomeo Tromboncino (Verona 1470 – 1535 Ibíd.).

Existían unos locales cerrados que fueron espacios fecundos de la historia del arte, como “La Bottega de Verrocchio”, donde solía concurrir Leonardo da Vinci.

Allí, entre sones de laúd se cantaban los poemas de amor del poeta, filósofo y filólogo Francesco Petrarca (Arezzo 1304 – 1374 Arquà Petrarca) Poliziano o el mismo Lorenzo de Medici.

También los versos más impúdicos de Bellicioni y de Antonio Cammelli Il Pistoia (Pistoia 1436 – 1502 Ferrara) que vivió y trabajó sobre todo en la Corte de Ferrara, y  dedicó a Isabel de Este 533 sonetos satíricos con referencias y crónicas políticas, en la Corte todos sabían que tener buenas relaciones con Isabel facilitaba el establecer vínculos con Ludovico el Moro.

En laCorte aportaron su mejor saber grandes artistas como Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, Florencia 1445 – 1510 Ibíd.), Domenico Ghirlandaio (Domenico Bigordi o Domenico Curradi, Florencia 1448 – 1494 ibíd.), Lorenzo di Credi (Florencia 1459 – 1537 Ibíd.), Fra ‘Bartolomeo (Fray Bartolomeo, Prato 1472 – 1517 Florencia), Pietro Perugino (Pietro di Cristoforo Vanucci, Città della Pieve, 1446 – 1523  Fontignano), Giovanni Francesco Rustici, Florencia 1474 – Tours 1554), Bartolomeo della Gatta (nacido como Pietro di Antonio Dei, Italia 1448 – 1502 Arezzo),o el organista de Santa María del Fiore, Antonio Sqarcialupi (Florencia 1416 – 1480 Ibíd.).

La Bottega del Verrocchio sería hoy un centro cultural, un laboratorio de usos múltiples que incluirían actividades en talleres de pintura, música, escultura y orfebrería.

Esa eterna melancolía

En las tertulias florentinas de Lorenzo el Magnífico, atraía una tendencia musical sofisticada que prometía la sanación del alma, que era como denominaban en esa época a las emociones desenfrenadas, y que hoy llamaríamos melancolía.

Eran los “himnos órficos”, de Marcilio Ficino (Figline Valdarno 1433 – 1499 Villa Medicea de Careggi).

En ese círculo había humanistas filósofos y artistas como Filippo Lippi, (Prato c.1457 1504 Florencia), Pico della Mirandola (nacido como Giovanni Pico della Mirandola, 1463 Mirandola – 1494 Florencia), o el ya mencionado Leo Battista Alberti.

Las discusiones que giraban alrededor de la armonía universal estaban en general acompañadas de un fondo sonoro.

La música cuya estructura está basada en leyes de la matemática, compartía junto a la aritmética, la geometría y la astronomía, una de las cuatro disciplinas del Quadrivium, pilar del sistema educativo renacentista.

El panorama musical se enriqueció con la llegada de músicos foráneos como Jacob Obrecht (Gante 1457 – 1505 Ferrara), Gilles de Binchois (Mons 1400 – 1460 Soignies),

Guillaume Dufay (Beersel 1397 – 1474 Cambrai) o Johannes Ockeghem (Saint-Ghislain 1410 – 1497 Tours), que podemos escuchar en el link:

Johannes Ockeghem

Requiem: Kyrie / Missa Prolationum

Musica Ficta, director Bo Holten.

Réquiem – I Introitus – II Kyrie – III Graduale – IV Tractus – V Offertorium.

Guillaume Dufay (izquierda) y Gilles Binchois

Una mención especial debemos hacer sobre Joaquín des Prés (Tournai, ca. 1450/55 – 1521 Condé) considerado el más famoso compositor renacentista europeo junto a Guillaume Dufay (Beersel 1397 – 1474 Cambrai), Gilles Binchois (Mons c.1400 – 1460 Soignies), éste era uno de los tres compositores más famosos del siglo XV, Tomás Luis de Victoria (Ávila 1548 – 1611 Madrid) y Giovanni Pierluigi da Palestrina (Palestrina 1525 – 1594 Roma) de quien podemos escuchar en el siguiente link:

Palestrina Choral Music Beautiful Choral

https://youtu.be/VBEwP95zNGk

Missa Gabriel Archangelus

Artista Magnificat, Philip Cave

Canciones Adjuro vos Filiae Hierusalem, Caput eius aurum optimum, Descendi in hortum, Dilectus meus descendit, Dilectus meus mihi, Duo ubera tua, Ecce tu pulcher es.

Álbum The Sacred Flame

Director John Rutter

Artista Cambridge Singers

Canción Motettorum, Liber 5: No. 18, Exultate Deo

Canción Motettorum, Liber 5: No. 18, Exultate Deo

Artista Magnificat, Philip Cave

Canciones Fasciculus myrrhae, Guttur tuum sicut

Joaquín des Prés asume la dirección de la capilla catedralicia de Milán, y se convierte en parte de la corte de los Sforza, junto a lo mejor dentro de los campos de las matemáticas y la Ingeniería, considerado como la figura central de la escuela franco-flamenca, y ampliamente reconocido tanto por su erudición musical como por ser el primer maestro del estilo de música vocal polifónica del alto Renacimiento, que comienza a surgir en su época.

https://youtu.be/hf8lG24q7Yo

Joaquin des Prés

LA SPAGNA (a 5), Novum et insigne opus musicum, sex, quinque, et quatuor vocum, cuius in Germania hactenus nihil simile usquam est editum.

Nuremberg: H. Grapheus, 1537.

Director: Jordi Savall,

Intérpretes: Hespérion XXI

 Jean-Pierre Canihac (Cornetto), Béatrice Delpierre (Chirimía), Stephan Legée (Sacabuche), Daniel Lasalle (Sacabuche), Josep Borrás (Bajón), Lorenzo Alpert (Bajón), Pedro Estevan (Percusión).

Ludovico el Moro

La corte gira alrededor de Ludovico el Moro (Ludovico Sforza, Vigevano 1452 – 1508 Loches) famoso por ser mecenas de Leonardo da Vinci o el arquitecto Donato Bramante (Monte Asdruvaldo 1444 – 1514 Roma) entre otros artistas.

Ludovico «El Moro»

Recibió un amplio conocimiento en pintura, escultura y letras, además de en las artes de conducción de gobierno y en la guerra bajo la tutela del humanista Francesco Filelfo (Tolentino 1398 – 1481 Florencia).

Su casamiento con Beatriz de Este (Ferrara 1475-1497 Milán), la hija menor de Ercole de Este, consolidó el poder a las familias Sforza – Este. (12)

Supo mantener buenas relaciones con Lorenzo el Magnífico de Florencia y con el papa Alejandro VI (nacido como Roderic Llançol i de Borja,Játiva 1431 – 1503 Roma).

Miniatura de Beatriz de Este

Su corte alcanzó gran esplendor en sus primeros años, invirtió enormes cantidades de dinero en fortificaciones y obras suntuarias destinadas a embellecer la ciudad, así como en mecenazgos y patrocinios, lo cual atrajo a numerosos escritores y artistas, aunque también significó un gravoso aumento de los tributos.

Muchos aportaban sus conocimientos, entre ellos Franchino Gaffurio, que elaboró sus tratados sobre teoría musical o Leonardo presentando sus invenciones, como la “Lira de Brazo”, en ésta se frotaban cinco de sus siete cuerdas, fue el antecesor de las violas y violines modernos, mientras las otras dos cuerdas las pulsaba con el dedo pulgar.

Este fue uno de los más de treinta instrumentos que inventó, mejoró o simplificó su ejecución. En su “Tratado de pintura”, dice “Pero la pintura, servidora de los ojos, el más noble de los sentidos, encuentra una proporción armónica lo mismo que cuando se reúnen varias voces y cantan a la vez…”.

Leonardo explicaba la relación estrecha entre el arte pictórico y el arte musical afirmando que “…la música no debe ser llamada sino hermana de la pintura, subordinada al oído, sentido que sigue al de la vista…la pintura supera y rige a la música, porque una vez concluida su creación no cesa, como ocurre con la música, y permanece, por tanto, en su esencia…la música es una herramienta inigualable para la representación de cosas invisibles”. Un catálogo relativamente complejo de timbres, armonías y ritmos, en una época caracterizada por la convivencia de estilos, como los motetes, chansons, misas, melodías y ritmos populares “frottole” que como vimos era el tipo de canción típico de Mantua.

Notas

5

Cristina Bosch, nació en Buenos aires. Poetiza, ensayista, traductora, periodista. Correctora literaria y crítica musical en el France Journal. Coordinadora de la revista Arca Blanca. Cristina Bosch: Miguel Angel .

9

Textos basados en el ensayo de Javier Palacio “El entorno musical de Da Vinci”, en el CD “Entornos Musicales. Da Vinci”.

11

Con el término «Casulle la novele» es decir Nueva Castilla, aparece en un tratado de M. Toulouze (Tratado de ‘bien dancer’ (1496), Bruselas, Ms 9085).

Roberto L. Pajares Alonso: «Historia de la música en 6 bloques» Vol. II, 2010.

Josquin des Prés, (a quien llamaban también Josquin Desprez o Josquin, derivado del flamenco Josken ,que era un diminutivo de José), fue un compositor franco-flamenco del Renacimiento.

Es comúnmente considerado como la figura central de la escuela franco-flamenca, y ampliamente reconocido por la erudición musical como el primer maestro del estilo de música vocal polifónica del alto Renacimiento, que empezaba a surgir en su época.

Artículos anteriores sobre Miguel Ángel

Miguel Ángel. 1a parte

continua en http://onlybook.es/blog/miguel-angel-4ta-parte/

Librería DAUNT en Marylebone

Librería Daunt

Paseando por Londres como un Flaneur, para llegar a Marylebone,

Visitar librerías, es una buena costumbre siempre, pero es especialmente obligada antes de ir a una feria del libro, Entre marzo y abril se celebra cada año The London Book Faire en el barrio de West Kensington en la Sala de exposiciones Olympia.

Olympia

Es fantástica porque deja entrar el sol a través de sus enormes arcos de hierro fundido y techado de cristal.

El Olympia ocupa 2 hectáreas y fue proyectado en varias etapas, 1885 por Henry Edward Coe y James Edmeston junto a los ingenieros Arthur T Walmisley y Max Am Ende. El anexo de 1923 fue realizado por los arquitectos Holman y Goodrham.

Y el Olympia central de 1929 por el arquitecto Joseph Emberton (1889 – 1956).

Uno puede imaginar cómo habrá sido estar en el Crystal Palace de  Joseph Paxton (1803 – 1865) construida en 1851 con motivo de la Gran Exposición, aunque midiera 564 x 124 metros, y el Olympia no.

Que se ve en las librerías con los ojos de buscar y descubrir?

En las buenas librerías uno puede enterarse que novedades hay, muchas veces cuales son los libros más vendidos, y no pocas que libros están saldados.

Esto es indispensable cuando se tiene reuniones con editores en las ferias del libro de cualquier país, y uno con conocimiento puede advertirles que ese libro que te “intentan colar”, esta saldado en tal o cual librería.

Hay muchas librerías que tienen remainders, es decir libros descatalogados, porque son antiguos y los editores vendieron el stock remanente, o porque alguna editorial cierra.

Allí, se encuentran joyas, a precios que entusiasman, yo pago muchas veces precios altos (como las ediciones de los cuadernos de Corbu o algunas de la editorial Phaidon, siempre pensé que si pagaba por un libro lo que cuesta cenar 4 o más personas, el libro me iba a durar dentro mío, mucho más que la cena en cuestión.

Una de esas librerías es Daunt Book, está en un barrio protegido y muy cuidado Marylebone sobre la calle High Street.

Siempre hago el mismo recorrido, paseando desde Regent Street, encaro Baker Street que me permite entrar en el barrio de Marylebone, cuando paso por la acera frente al museo de Madame Tussauds, siempre pienso lo mismo “Lo mejor Hugo, será que no entres nunca, así no te vas a decepcionar”, cosa que respeto desde hace años.

Mi itinerario, que repito año tras año desde hace muuucho,  incluye siempre visitar el RIBA (Royal Institute of British Architects) en 66 Portland Place.

Es un edificio protegido, de los años 30 y diseñado por el arquitecto George Grey Wornum (1888 – 1957) con esculturas de Edward Bainbridge Copnall (1903 – 1973) que fuera presidente de la Real Sociedad de Escultores de 1961 a 1966. y James Woodford (1893 – 1976) quien realizó las puertas de bronce del instituto y del Ayuntamiento de Norwich.

La fama de George Grey Wornum (muy merecida) proviene del edificio RIBA, la entrada de Wornum fue juzgada como la mejor de entre 3600 en la competencia para dotar una nueva sede de RIBA, recibió la Medalla Real de Oro de Arquitectura en 1952.

Un poco antes, dejo a mi izquierda Regent Park y admiro el conjunto de viviendas de Crescent Park.

Es un maravilloso conjunto que con forma de media luna rodea el Crescent Park, son elegantes casas adosadas, diseñadas por el arquitecto John Nash (1572 – 1835) ni más ni menos.

Las terrazas y el jardín comunitario están incluidos en el listado del Patrimonio Nacional de Inglaterra y en el registro de Parques y Jardines Históricos.

John Nash había propuesto la construcción de un “Circulo”, las obras comenzaron en 1806 pero debido a las Guerras Napoleónicas el constructor Charles Mayor quebró y se completaron recién entre 1819 y 1821.

Ex librería  “Francis Edwards”, actual “Daunt Books” 

La sucursal de Marylebone sobre High Street se encuentra en una antigua librería “Eduardiana” estilo de comienzos del XIX, con sus galerías de roble, elegantes claraboyas y grabados del diseñador textil William Morris (1834 – 1896)

Morris era además poeta, artista, novelista, impresor y activista socialista asociado con el Movimiento Británico Arts and Crafts.

La sección más antigua de la tienda de Marylebone se completó en 1912, y originalmente era una Librería anticuaria llamada “Francis Edwards”. 

Se dice que fué la primer librería diseñada especificamente para ese fin.

Una gran caja fuerte está cerca de la entrada de la galería que ofrece libros de viajes, en ella se almacenaban los volúmenes caros.

La tienda fue comprada por el ex banquero James Daunt que la renombró “Daunt Books” en 1990. 

Ahora se especializa en títulos de primera mano especialmente relacionados con viajes.

Sus secciones están organizadas por regiones y paises. Cada sección organiza charlas con autores donde se dan conversaciones con el público. Daunt organiza el “Festival de Libros de Daunt” que se celebra anualmente en primavera. 

Tiene sucursales en Holland Park, Cheapside, Hampstead y Belsize Park.

La librería “Owl» en Kentish Town fue comprada por Daunt Books, pero conserva su nombre original. 

Daunt Books abrió su primera sucursal fuera de Londres en Saffron Walden Essex, bajo el nombre de “Hart’s Books” y otra en Marlow, Buckinghamshire, bajo el nombre de “The Marlow Bookshop”. 

Interior de Daunt Books de la sucursal Marylebone en High Street

En uno de mis viajes el amigo y artista Jorge Sarsale me pidió lleve una de sus obras a la galeria SoShiro House en Marylebone, a pocos metros de la libreria Daunt, cosa que hice encantado y feliz e ver sus obras en una galería londinense.

Volvamos a Achilles James Daunt (1963) fundador de Daunt Books. Después de trabajar en los Estados Unidos como banquero para JP Morgan entre 1985 y 1988, fundó Daunt Books en 1990, como ya mencioné con una cadena de nueve librerías en Londres. 

Desde 2011 Daunt es director general de la cadena de librerías Waterstones nombrado por el nuevo propietario el  multimillonario ruso Alexander Mamut. Ha reemplazado al anterior que se llama Dominic Myers.

Dicen que Daunt ha salvado a Waterstones de su cierre.

Tanto Mamut como Daunt están incluidos en el cuarto lugar en una lista del periódico “The  Guardian” realizada en el  2011 de las 100 personas más importantes en la industria del libro británico. 

Como una cosa llama a la otra Achilles James Daunt fue elegido en 2017 miembro honorario de la Royal Society of Literature.

En junio de 2019, se convirtió en el CEO de la cadena de librerías estadounidense Barnes & Noble,adquirida por la matriz de Waterstones,

Elliott Advisors (Reino Unido) por 683 millones de dólares. www.dauntbooks.co.uk

La compañía Barnes & Noble tiene 614 librerías en los 50 estados de los EEUU, su sede está en la 122 Fifth Avenue en la ciudad de Nueva York.

Cuando los libros y el dinero se juntan, surgen cosas peculiares.

El ya mencionado Alexander Leonidovich Mamut (1960) es un abogado, banquero e inversor multimillonario ruso.

Con 2.300 millones de dólares, deja paso a 1361 multimillonarios más ricos que el (según la revista Forbes).

Su padre Leonid Solomonovich Mamut fue uno de los autores de la Constitución Rusa,

Simplificando fundó varios bancos y varias empresas fantasmas, y las malas lenguas dicen que para lavado de enormes cantidades de dinero en paises off-shore.

Por tener, tiene Compañías de seguros, Sociedades de Inversión, Constructoras, Equipos de Futbol, Bufetes de Abogados, Restaurantes y Clubes, Salas de Cine y Teatros, Sitios web de noticias, Preside el Instituto Strelka de Medios, Arquitectura y Diseño que tiene como objetivo cambiar el paisaje de las ciudades rusas. 

Un detalle no menor, ha sido un importante colaborador de las campañas de Boris Yeltsin.

Compró Waterstones en el 2011por 66 millones de dólares, Siete años más tarde vendió una parte en 250 millones de dólares.

Quiero aclarar que no lo conozco de nada, y todos estos datos me los dio mi amigo Google…por las dudas.

Urueña, un pueblo librero

http://onlybook.es/blog/uruena-en-valladolid-un-pueblo-librero-de-aquel-hay-on-wye-este-uruenas/

Sobre la librería Lello:

Sobre la historaria de la librería Lackington pueden leerla en

Sobre la historaria de la librería Lackington pueden leerla en

http://onlybook.es/blog/los-libreros-mas-baratos-del-mundo-lackington-bookstore/

Palazzo del Capitaniato. Andrea Palladio. Parte 13

Andrea Palladio

Palazzo del Capitaniato

El Palazzo del Capitaniato, también conocido como “Loggia del Capitaniato o Loggia Bernarda”, es un palacio de Andrea Palladio situado en la céntrica Piazza dei Signori de Vicenza, en Italia, frente a la Basílica Palladiana, actualmente sede del ayuntamiento de la ciudad.

Fue decorado por el cantero, escultor, escultor y yesero Lorenzo Rubini (1543 – ¿1574) y las pinturas del interior son de Giovanni Antonio Fasolo. (1530 – 1572), era originario de Mandello del Lario, y se formó en Venecia con Pablo Veronese (1528 – 1588); Trabajo en varios edificios de Andrea Palladio como la Villa Caldogno con Giovanni Battista Zelotti, (1526 – 1578), Casa Cogollo y el Palazzo del Capitaniato que fue su última obra ya que murió debido a un accidente cuando trabajaba en el techo del Palazzo.

El edificio fue diseñado en 1565 y construido entre 1571y 1572. Desde 1994 está inscrito, junto con los otros edificios de Palladio en Vicenza, en la lista del Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO.

La fachada lateral da hacia la Contrà Monte, al fondo se ve la Basílica Palladiana.

En 1565 la ciudad de Vicenza pidió a Andrea Palladio realizar un edificio para el Capitanio que era el representante de la República de Venecia en la ciudad, y le dio nombre al edificio.

El edificio debía sustituir a una construcción tardo medieval preexistente, dedicada previamente a residencia del Capitanio, que se situaba en la Piazza dei Signori.  De este modo Palladio se encontró trabajando en dos lados de la misma plaza, dado que las obras de la Basílica Palladiana, en la cual trabajaba el arquitecto vicentino desde mediados de los años cuarenta, estaban todavía realizandose.

Palladio se tuvo que desafiar a sí mismo, en la misma plaza, en un arco de veinte años.  En el Palazzo del Capitaniato tuvo oportunidad de aprovechar los conocimientos arquitectónicos y estilísticos adquiridos en ese período, alcanzando en esta obra una de las máximas cumbres de su carrera. El estilo del edificio se ha comparado al manierista, debido a la vistosa diferencia de ritmo entre la fachada principal y la lateral, con resultados que no se pueden encuadrar en el código clasicista.

Como muchos otros edificios del arquitecto véneto, el edificio permaneció parcialmente incompleto: las obras se detuvieron en 1572, a pesar de que el edificio no estaba terminado, y se realizaron solo tres crujías, en lugar de las cinco o seis previstas inicialmente.

El lado por el que habría debido de ser continuado el palacio fue sacado a la luz en los años treinta del siglo XX, cuando se demolieron algunos edificios adosados. Se habló entonces de completar el edificio construyendo las crujías que faltan, pero esta propuesta no tuvo aceptación. Para dar más dignidad al edificio, la fachada lateral sufrió entonces una adaptación lineal, según el estilo racionalista, con un arco, que sin embargo ha sido objeto de críticas.

Al igual que la Basílica Palladiana situada enfrente, también la Loggia del Capitaniato ha sido objeto de una intervención de restauración, entre marzo y septiembre de 2008, en coincidencia con las celebraciones por el quinto centenario de Andrea Palladio, que ha afectado a la logia y la fachada.

El Palazzo del Capitaniato se basa en un orden compuesto, gigante tanto en altura como en anchura. En la planta baja hay una gran logia cubierta por anchas bóvedas, que sostiene un piano nobile dotado de un gran salón, la Sala Bernarda.  La fachada del edificio está dividida por cuatro semi columnas gigantes de ladrillos vistos y tres grandes arcos.  Las decoraciones están realizadas en piedra de Istria y sobre todo estuco. Según el diseño de Palladio, las columnas iban a ser recubiertas por yeso blanco, que es visible solamente en la base de los capiteles corintios. Palladio decidió en este caso jugar con el contraste utilizando ladrillos rojos sin enyesar que resaltan tanto sobre el blanco de los estucos como sobre el blanco de la piedra de la Basílica Palladiana que se sitúa de frente.

Las arcadas están coronadas por balcones, que a su vez sostienen un ático con balaustrada. Los materiales utilizados en este edificio, ladrillos sin enyesar y piedra, crean una original bicromía.

Las tres imponentes arcadas del pórtico están sostenidas por las grandes columnas que llegan hasta debajo de la balaustrada del ático. En la fachada principal algunas decoraciones representan figuras que vierten agua, simbolizando ríos.

En el entablamento se puede leer la inscripción: “JO. BAPTISTAE BERNARDO PRAEFECTO”, que recuerda al capitanio Bernardo, que encargó el edificio.

Frisos del portal lateral, con la indicación de Andrea Palladio architetto, detalle que representa las armas de los vencidos de la Batalla de Lepanto de 1571.

La fachada hacia la Contrà Monte, diseñada sobre el modelo de los arcos de triunfo romanos, presenta cuatro semi columnas, pero más bajas que las de la fachada, y está decorada con estucos en bajorrelieve y dos estatuas alegóricas colocadas en los intercolumnios, que recuerdan la victoria de la flota hispano-veneciana contra los otomanos en la Batalla de Lepanto (7 de octubre de 1571), conseguida en parte gracias al sacrificio de muchos vicentinos.

En la base de las estatuas se pueden leer las dos frases en latín “PALMAM GENUERE CARINAE” (las naves determinaron la victoria) y “BELLI SECURA QUIESCO” (descanso a salvo de la guerra), que sugieren el significado de las estatuas: la primera representa a la diosa de la victoria naval y la segunda a la diosa de la paz.

En la planta superior del arco hay otras cuatro estatuas: la primera (desde la plaza) representa la Virtud, la segunda, un poco más pequeña que la primera, representa la Fe, la tercera representa la Piedad, y por último la cuarta, tan grande como la primera, representa el Honor. La interpretación que se da a estos símbolos es unívoca: la virtud, la fe, la piedad y el honor obtienen la victoria y la paz, y si Venecia pudo vencer a los otomanos fue precisamente gracias a estos valores.

La ciudad de Vicenza contribuyó al éxito de la Batalla de Lepanto.

El sacerdote, estudioso, historiador y bibliotecario Sebastiano Rumor (1862 – 1929) recuerda que Vicenza aportó doce mil ducados que se añadieron a los cuatrocientos dados espontáneamente por el Collegio dei Notai, como lo ha transmitido el abad e historiador Gaetano Maccà(1740 – 1824).

El Altiplano de Asiago proporcionó la madera necesaria para la construcción de dos naves, el Huomo Marino y la Torre di Vicenza, comandadas respectivamente, por Giacomo Trissino y Ludovico Porto.

Otros dos vicentinos participaron en las operaciones militares y sus empresas fueron celebradas por el poeta Antonio Bertazzolo: se trata de Alfonso e Ippolito da Porto.

La logia de la planta baja, rodeada por una alta barandilla de hierro forjado, es un espacio armonioso, caracterizado por hornacinas y columnas; alberga algunas placas en recuerdo de los caídos de las guerras.

El piano nobile está ocupado por la Sala Bernarda, decorada por frescos del siglo XVI provenientes de una de las villas de los da Porto. En la Sala Bernarda se reúne actualmente el ayuntamiento de Vicenza. Con ocasión de las sesiones del ayuntamiento, los políticos vicentinos entran precisamente por el portón de la logia y no, como de costumbre, por la entrada del Corso Palladio. En el interior del piano nobile del Palazzo del Capitaniato hay nueve pinturas del siglo XVII de Giovanni Antonio Fasolo (1530 – 1572), restauradas en 1961.

Entre junio de 2010 y enero de 2012 la sala de juntas ha sido objeto de importantes obras de remodelación. El mobiliario, completamente sustituido, fue diseñado por el arquitecto y urbanista español Salvador Perez Arroyo, (1945) que ha favorecido la madera clara y el aluminio. La remodelación de la sala ha afectado también al techo y a las nueve grandes pinturas del artesonado de madera del pintor Gian Antonio (1699 – 1760).

Más artículos sobre Andrea Palladio:

1ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-parte-1-el-teatro-de-la-vida/

2ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iii/

3ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iii-2/

4ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iv/

5ª parte  http://onlybook.es/blog/2583-2/

6ª parte  http://onlybook.es/blog/%ef%bb%bfpalladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-vi/

7ª parte  http://onlybook.es/blog/palladio-scamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-vii/

8ª parte  http://onlybook.es/blog/palladio-y-el-teatro-olimpico/

9ª parte  http://onlybook.es/blog/3487-2/

10ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-villa-saraceno/

11ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-villa-cornaro/

12ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-scamozzi-arq-opera-y-venecia-xa/

13ª parte http://onlybook.es/blog/palazzo-del-capitaniato-andrea-palladio/

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Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:   http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Palladio. Villa Saraceno. Parte 10

Andrea Palladio. Villa Saraceno, 1540

La Villa Saraceno es una villa del siglo XVI relacionada con el arquitecto Andrea Palladio.

Se encuentra en el lugar llamado Finale, municipio italiano de Agugliaro (Vicenza). Es uno de los primeros trabajos de Palladio, y ha sido datada en 1540.

Fue proyectada en 1543 y construida en torno a 1548.

Se trata de un encargo de Biagio Saraceno, recibiendo su nombre de esta aristocrática familia.

Biagio Saraceno le pidió que interviniera en una granja agrícola preexistente, desde tiempo atrás propiedad de la familia. Es posible que el proyecto previera una reestructuración que comprendiera dicha granja.

Planta de Villa Saraceno, realizada por
Ottavio Bertotti Scamozzi en 1778.

En 1570 el edificio fue ilustrado en un estado imaginario en el libro de Palladio, «Los cuatro libros de arquitectura», presentando el edificio cerrado entre dos grandes barchesse en ángulo recto. La reestructuración global no se efectuó nunca y la intervención palladiana se circunscribió al edificio señorial.

Sin embargo, la villa había sido construida en una forma más modesta, sin las características alas o barchesse del arquitecto. Las razones de ello no están del todo claras, pero probablemente se refieren al hecho de que ya había una granja trabajando activamente en el lugar.

La fecha del inicio de las obras se coloca en el período que transcurre entre dos estimaciones: la primera, de 1546, donde se cita al edificio señorial preexistente, mientras que en la segunda de 1555, es descrita como la nueva «Villa Palladiana».

Es posible que la construcción se remonte al 1548, cuando Biagio Saraceno pasa a tener un importante cargo político en la ciudad. En cualquier caso, es sólo treinta años más tarde cuando Pietro Saraceno, hijo de Biagio, realiza los estucos del interior y comienza el programa decorativo, quizás realizados por Brusasorzi.

Sobre el lado derecho de la granja los edificios son aún del siglo XV. La barchessa fue construida a principios del siglo XIX, que la conecta con la edificación del siglo XV.

La villa decayó por falta de reparaciones en el siglo XX pero mantuvo parte de sus frescos originales.

En 1989 fue adquirida en 1989 por la organización benéfica británica llamada Landmark Trust.

En 1994 el Trust había completado su restauración, convirtiendo la propiedad, que incluye edificios agrícolas adyacentes que no son de Palladio, en una casa de vacaciones para 16 personas

Se aprecia una enorme sensibilidad ante la obra y desde 1996 la villa ha disfrutado de un nivel de protección adicional, al ser conservado como uno de los edificios que forman el conjunto Patrimonio de la Humanidad «La ciudad de Vicenza y las villas palladianas del Véneto».

Con horarios limitados es posible visitar las habitaciones principales de la villa.

La villa es uno de los mejors proyectos valorados entre las realizaciones palladianas de los años cuarenta. De extraordinaria simplicidad, casi ascético, el edificio es un volumen puro construido en ladrillo y estuco, en el que los elementos decorativos están proscritos y el raro empleo de la piedra tallada está limitado a los elementos arquitectónicos más significativos, como las ventanas, portones, y a las partes estructurales.

Tiene dimensiones reducidas, y elementos propios de los templos romanos. un piano nobile sobre un podio para elevarse sobre el nivel de acceso. abajo se encuentran las bodegas y demas dependencias de servicio.

La logia de la fachada está coronada por un tímpano triangular. Pequeñas ventanas iluminan los ático, diseñados como un granero. Incluso en planta la villa es de una enorme simplicidad, dos ambientes menores destinados a acoger las escaleras determinan la forma de «T» de la sala, a cuyos lados se disponen dos habitaciones unidas para tener mas amplitud.

Mas artículos sobre Andrea Palladio

1ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-parte-1-el-teatro-de-la-vida/

2ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iii/

3ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iii-2/

4ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iv/

5ª parte  http://onlybook.es/blog/2583-2/

6ª parte  http://onlybook.es/blog/%ef%bb%bfpalladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-vi/

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12ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-scamozzi-arq-opera-y-venecia-xa/

13ª parte http://onlybook.es/blog/palazzo-del-capitaniato-andrea-palladio/

El café Tortoni de Buenos Aires

El café Tortoni

Debemos aceptar (no sin dolor y tristeza), que es admirable que un espacio de esta superficie en el centro de Buenos Aires, sea respetado.

Motivos sobran, y no son menores su enorme valor histórico y cultural luego de un poco más de siglo y medio.

Sobre todo en una ciudad que no se caracteriza por respetar y conservar los referentes representativos de nuestro pasado inmediato (del anterior ya no hablemos).

El “Tortoni”, por haber sido conservado esta atravesando un excelente momento de fama y popularidad.

Guillermo, mi hermano, editó en 2010 junto a la Universidad de Palermo, el libro del Arq. Mario Roberto Álvarez (1913 – 2011) “Cuadernos de Viajes”.

El libro es el Tomo I, luego, el fallecimiento del arquitecto, suspendió lo que sin duda sería un excelente Tomo II.

Durante la preparación del mismo Guillermo tuvo ocasión de hablar varias veces con Mario Roberto, y me contó que comentando un proyecto banal e intrascendente cercano a su estudio el prestigioso arquitecto le dijo:

-“Que lastima, han perdido la oportunidad de hacer una buena obra de arquitectura”.

Alguna vez leí, que no se debía tirar una obra de arquitectura, si no se hacía al menos algo igual o mejor.

A la arquitectura, como a las amistades y los buenos vinos, es el tiempo el que los mejora, y pueden deleitarnos si sabemos apreciar su esencia.

Cuando visité la Johnson Wax de Frank Lloyd Wright (1867 – 1959) en Racine, y vi los escritorios de trabajo en esa selva de finas columnas bañadas de luz, tenían funcionando, incorporadas  pantallas de ordenador, con teclados y equipos modernos.

Los escritorios eran iguales a cuando fueron diseñados en 1939, su buen diseño, permitió su adecuación a nuevos tiempos.

El “Tortoni” se ha sabido adaptar a los nuevos tiempos, a los turistas, a los habitués y muestra como el edificio de Wright, lo que un buen diseño permite.

El Tortoni, el espíritu de Avenida de Mayo, un puerto de afectos

El café “Tortoni” es el café más antiguo de la Argentina.

Monsieur Jean Touan lo funda en 1858 en la calle Defensa al 200, luego lo traslada a la calle Esmeralda y Rivadavia frente a la Asistencia Pública, donde estuvo 20 años.

Luego a la calle Rivadavia 832, y más tarde a Rivadavia 826.

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Retrato de Curutchet y su esposa
Ana Artcanthurry

En 1862, Celestino Curutchet (1828 – ?  ) de origen vasco-francésse casa con Ana Artcanthurry en Burdeos.

La madre de Ana, su suegra, estaba viviendo en Buenos Aires con su esposo Jean Touan y los entusiasman con sus relatos de Buenos Aires.

La joven pareja se deja seducir por ese Buenos Aires encantador y deciden emigrar a Buenos Aires en 1870.

En 1879 Celestino Curutchet, que vive en los altos del café, compra y se hace cargo del café “Tortoni”.

Cuando el intendente Torcuato de Alvear (1822 – 1890) concibe el proyecto de construcción de un gran boulevard al estilo de los creados por el Barón Haussmann (Georges-Eugène Haussmann 1809 – 1891) en el Paris del XIX, comienzan una serie de importantes intervenciones en Buenos Aires (1), se la llamó Avenida de Mayo inaugurada en 1888

Grabado de Paul Renouard, Cafe tortoni 1889

Luego de la construcción de la Avenida de Mayo, el café “Tortoni” decide construir una nueva entrada sobre ella y en 1893, abre sus puertas en el número 825, es el barrio de Montserrat (2).

Celestino Curutchet le encarga la realización de una nueva fachada al arquitecto Alejandro Christophersen (1866 – 1946).

Recién construida la Avenida de Mayo, se autorizan a colocar mesas y sillas en las veredas. El 20 de octubre de 1849, fue el café “Tortoni” el primero en colocarlas del lado del cordón (bordillo), dejando un espacio entre las mesas y la línea municipal.

El edificio donde está el Tortoni fue realizado para la familia Unzué como residencia familiar sobre una planta baja de comercios.

El Café “Tortoni”, es por definición “el Café de Buenos Aires”. (3)

Su nombre procede del que a fines del XIX era el Café emblemático de Paris.

La aristocracia porteña soñaba con Paris, importaba su estilo, importaba sus productos deseando moldear Buenos Aires a la manera parisina, recreando el espíritu del “Tortoni” francés, meca de famosos, intelectuales y artistas.

Grand Café Tortoni de Paris

Eugene von Guérard. Café Tortoni 1856

Acuarela. Museo Carnavalet – Paris

La popularidad del café alcanzó su punto máximo a mediados de siglo.

Honoré de Balzac​ (1799 – 1850), Stendhal (Henri Beyle 1783 – 1842), René Albert Guy de Maupassant (1850 – 1893) y más tarde Marcel Proust (1871 – 1922) se encuentran entre los escritores que dan testimonio del esplendor del café.

Lugar de encuentro para dandies, intelectuales entre otros habitues.

A los financieros de la capital también les gustaba pasar el rato en el “Tortoni” por la mañana, porque el café estaba ubicado cerca de la Bolsa de Valores.

El estilo del café italiano encarnado en París por “Tortoni” viene del “Florian” de Venecia, el “Gambrinus” en Nápoles, el “Greco” en Roma.

En esos cafés los amanes de la literatura apreciaban redescubrir el espíritu creativo del siglo XIX.

Eugene von Guérard. Café Tortoni 1856

Gaëtan Baldisserd Velloni, fue un veneciano que ofrecía un nuevo tipo de café con el cual extasiaba a la élite parisina, además de aliviar el frío invierno con un chocolate caliente que en esa época era un producto de lujo muy sofisticado, y para compensar, en verano un rico helado italiano.

Lo llamó café “Le Napolitan”, ubicado en la esquina de Boulevard des Italiens y Taitbout, en una París aristocrática y señorial. Todo fue muy duro para él cuando el negocio no funcionó y terminó quitándose la vida.

Su primo Giusseppe Tortoni tomó su lugar, dejó la venta ambulante y se dedicó a difundir los “peziduri”, unas tortas napolitanas de helado moldeado, leche merengada y “cassata”.

En 1798, se instaló en el 22 de la rue Taibout, y lo llamó “Grand Café Tortoni”, de su Musset dan fe los innumerables escritos de quienes lo apreciaban.

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Édouard Manet (1832 – 1883) y Charles Pierre Baudelaire (1821 – 1867) almorzaban en el “Tortoni “, se retrató con galera escribiendo en una de sus mesas.

Lugar de encuentro de políticos, intelectuales, becarios, “dandies” es decir hombres elegantes y refinados, mujeres del mundo y en ocasiones “cocottes” (mujeres que viven de servicios sexuales pagados, toleradas por las autoridades) o “demi-mondaines” (palabra que proviene del Demi-monde, una comedia que Alejandro Dumas Jr. (1824 – 1895) publicara en 1855 “El semimundo es un mundo nebuloso que devuelve una imagen distorsionada del «gran mundo».

La fama del café se acrecentó con las citas de novelistas y viajeros, y la fama de clientes habituales que lo alababan. (4)

¿En que se transformó el Grand café Tortoni?

Cuando cerró sus puertas definitivamente en 1893 parecía el fin.

Más de un siglo después, en el otoño de 2017, dicen que el café “Tortoni” finalmente renació.

Actualmente está en el 45 de la rue de Saintonge, Paris 3.

Abre de martes a sábado de 9 a 19 hs y domingos de 11 a 18 hs.(+331 42 72 28 92).

Ramdane Touhami (1974) y Victoire de Taillac, perfumistas parisinas, han tomado decisiones importantes, como la de hacer una versión doble del “viejo” café.

En la entrada hay un dispensario retro que recuerda a la perfumería florentina Santa Maria Novella, presentando los cosméticos “Buly”.

La cafetería está después de este primer mostrador. 

El telón de fondo es de mármol, carpintería y grandes ramos de flores secas.

Poco y nada del antiguo “Grand Café Tortoni”.

La Peña Literaria

Café contado

En el café funcionó “La Peña”, inaugurada el 25 de Mayo de 1926, fomentó la protección de las artes y las letras hasta su desaparición en 1943.

La idea fue de Quinquela Martín (Benito Juan Martín 1890 – 1977), mientras realizaba un viaje por Francia y tomaba un café en el “Tortoni” de Paris decide ponerla en práctica en Buenos Aires, para que amigos y colegas que disfrutaban de la buena conversación, se pudiesen reunir en un espacio adecuado.

Esta Peña había nacido en el café “La Cosechera” de Perú y Avenida de Mayo, más tarde se trasladó a las mesas del “Tortoni”.

Como con el tiempo el lugar quedó chico, Curutchet ofreció la bodega de vinos para que pudieran estar más cómodos y trasladó la vinería a otro lugar.

Así la sede de “La Peña”, llamada “Agrupación Gente de Artes y Letras”, realizó tareas de difusión cultural mediante conciertos, recitales, conferencias, y debates, se sentaron grandes personalidades, deportistas, intelectuales y artistas argentinos y de todo el mundo.

Cuando cerró, lo recaudado por la venta de los muebles (entre ellos un piano Steinway en el que tocaron Arthur Rubinstein (1887 – 1982), Alejandro Brailowsky (1896 – 1976), Lía Cimaglia Espinosa (1906 – 1998)y Héctor Panizza(1875 – 1967) se compró el granito con el que Luis Perlotti (1890 – 1969) realizó el monumento a Alfonsina Storni en Mar del Plata, además de amueblar el recreo en el Tigre donde muriera Leopoldo Lugones (1874 – 1938)y erigir un monumento a la memoria de Fernando Fader (1882 – 1935) en Mendoza.

Horacio Ferrer, escritor uruguayo, poeta e historiador del tango (Horacio Arturo Ferrer Ezcurra 1933 – 2014) que comandó la Academia del Tango que funcionaba en el primer piso, lo describe sabiamente:

“Para el gran Tortoni, puerto de afectos, pandora de historias, dulce de amores en secreto, arco iris de las artes, mágico de porteñísimo, cabal y misterioso de reflexiones, atorado de ensueños, loco, loco de presagios y nostalgias, refugio, nido, eco, tiento y clavija donde el alma mejor afina sentires y pesares”.

El tango “Viejo Tortoni”

Se me hace que el palco llovizna recuerdos,
que allá en la avenida se asoman, tal vez,
bohemios de antaño y que están volviendo
aquellos baluartes del viejo café.

Tortoni de ahora te habita aquel tiempo.
Historia que vive en tu muda pared.
Y un eco cercano de voces que fueron,
se acoda en las mesas, cordial habitué…

Letra de Héctor Negro (1934 – 2015), música de Eladia Blázquez (1931 – 2005) ​ en versión de Susana Rinaldi (1935)

Los protagonistas de la Peña del Café Tortoni (5)

Cuentan que Quinquela Martín organizaba cenas en las que se vestía de marinero, luego de comer tallarines de colores se entregaba en la sobremesa un tornillo a algún artista invitado.

Se leyó poesía, se estudió el tango en presencia de reconocidos artistas locales y regionales, como la poetisa y escritora Alfonsina Storni (1892 – 1938), el poeta y médico rural Baldomero Fernández Moreno (aprovecho para enviarle un saludo a la también galardonada nieta Inés), al pianista Arthur Rubinstein (1887 – 1982) nacido en Polonia en Lodz, cuya mención me recuerdan la ciudad donde se crió Luis mi padre, Ricardo Viñes, Carlos Gardel, Roberto Arlt, José Ortega y Gasset, Jorge Luis Borges, Florencio Molina Campos, Lisandro de la Torre, Ernesto Palacio, Marcelo Torcuato de Alvear, Eladia Blázquez, Conrado Nalé Roxlo, Antonio Bermúdez Franco, Juan de Dios Filiberto, Carlos Marchal, Juana de Ibarbourou,

Su fama atraía a conocidas figuras, que deseaban descubrirlo por lo que se los solía ver con cierta frecuencia como: Juan Manuel Fangio, Osvaldo Pedro Pugliese, Julio de Caro, Tita Merello, Miguel de Molina, Federico García Lorca,

Tuvo visitantes ocasionales Albert Einstein, Hillary Clinton, Juan Carlos de Borbón, entre otros.

 La Peña de El Escarabajo de Oro (6)

Entre 1962 y 1974, en la parte de atrás del “Tortoni” (actual sala Eladia Blázquez), se reunía cada viernes un grupo de jóvenes escritores en torno a figuras algo mayores como Abelardo Castillo y Humberto “Cacho” Constantini.

Los integrantes más constantes de esa Peña fueron los narradores, como Liliana Heker, Isidoro Blastein, Ricardo Emilio Piglia Renzi, Arnaldo Liberman, Julio de Caro, Miguel Ángel Briante, Vicente Battista, Jorge Di Paola, Ramón Plaza, Horacio Salas.

En esas reuniones en el “Tortoni” se concretaron tres revistas emblemáticas “El grillo de papel”, “El escarabajo de oro” y “El ornitorrinco” que fueron decisivas en la dinámica literaria e intelectual argentina de aquellos años.

Refundación del Tortoni (7)

Roberto Fanego, formó parte del grupo de 20 hombres que trabajaban en el Café, pusieron el dinero para comprarlo formando parte de la sociedad con un 5 % cada uno.

Su historia quedó registrada en las revisas tituladas “los Cuadernos del Café Tortoni”.

“Las luces misteriosas del Tortoni prosiguen alargando los fantasmas bohemios que inventaron ‘un tiempo’ en Buenos Aires”, escribió Cátulo Castillo (Ovidio Cátulo González Castillo,  1906 – 1975) en una visita al café en 1973.

La mesa de Gardel

Carlos Gardel (c.1883 – 1935) cantó dos veces en el café, en una de ellas le ha dedicado un tango al autor italiano Luigi Pirandelo luego que éste diera una conferencia en La Bodega.

Durante un tiempo fue habitué del lugar.

Solía ocupar –según testimonio de Enrique Cadícamo (1900 – 1999) – la mesa del costado derecho junto a la ventana entrando por la avenida Rivadavia, donde podía reunirse con amigos sin ser abordado por sus admiradores. ​

 El Tortoni hoy

Actualmente el propietario del café es el Touring Club Argentino.

La sala «La Bodega», en el subsuelo, es escenario de diferentes artistas de tango y jazz, desde 1978 toca todos los sábados la “Fénix Jazz Band”.

El grupo recibió en 1995 el Premio Konex de Platino como mejor banda de Jazz de la década en la Argentina. En “La Bodega” se realizan presentaciones de libros y concursos de poesía. Tiene además una biblioteca y al fondo, mesas de billar y salones para jugar al dominó y a los dados.

El café conserva la decoración de sus primeros años y la salida por la calle Rivadavia.

El programa de radio “La venganza será terrible”, conducido por el escritor, músico y actor  Alejandro Dolina (1944) se transmitió en vivo desde la bodega del Café “Tortoni” con presencia de público, hasta que por razones de seguridad se ha trasladado al Hotel Bauen.

Antecedentes el Café Izmir (8)

Leopoldo Marechal hace aún más conocido al Café Izmir, al publicarse en 1948 su novela “Adán Buenosayres”, aunque ya era famoso en los años ´30, armó su historia personal alrededor y con “El Tortoni” y el “Izmir”

Fue Jaim Danón, quien lo bautizara “Izmir”, en recuerdo de su ciudad natal. Fue a finales de 1932 en las habitaciones de un inquilinato de la calle Gurruchaga 432/36 barrio de Villa Crespo

Lo continuará Rafael Alboger durante el siguiente cuarto de siglo, quien trabajara de lustrabotas en el Café “Tortoni”, en Avenida de Mayo al 800, luego mozo y más tarde maître, al final de los años ´20 y primeros años del ´30, es decir espectador privilegiado de las manifestaciones culturales de la época.

En el barrio convivían representantes de las tres religiones monoteístas, por lo que algunas disquisiciones teológicas eran frecuentes en el “lzmir”, como las del judío Abraham, el musulmán Abdalla y el cristiano Jabil que defendían sus diferencias sobre el Mesías.

«…el café “lzmir” en su momento era tradición, era una reliquia de Buenos Aires, de Villa Crespo. Ahí se sentaba gente grande de nuestra colectividad, iban camino al templo…a tomar un café, también la colectividad armenia, la griega, la musulmana…no había odios…en paz…en aquel tiempo eran todos respetados y amables”.

El “Izmir” ofrecía un ámbito para la magia, el ensueño y la sensualidad a un público casi exclusivamente machista que lo frecuentaban para acortar la distancia entre la Reina del Plata y sus lejanos pueblos de mar.

Entonces se casaban, la ceremonia religiosa, con ritual sefaradí, se iniciaba generalmente a la vuelta, en el Gran Templo de Camargo 875 y algunos mozos del “lzmir” se convertían en «mozos de boda». Y cuando al templo le faltaban hombres para llegar al número mínimo necesario para los rezos (minyám) al primer lugar al que acudían era al café.

Con los cambios sociales y políticos llegaron al “lzmir” las elementales discusiones entre peronistas y antiperonistas; asimismo, los dirigentes de fútbol de Atlanta y Chacarita (clubes de la zona), llevaron al café algunas de sus agitadas reuniones, sobre todo en los prolegómenos de las elecciones politicas.

Cerró definitivamente sus persianas el 9 de octubre de 2000. El “lzmir” figura entre los 39 cafés citados en el libro “Los cafés de Buenos Aires, publicado por la Comisión de Protección y Promoción de los Cafés, Bares y Billares y Confiterías Notables de la Ciudad de Buenos Aires” y entre los 21 citados como emblemas porteños en “La Guía Total de Buenos Aires” de diciembre 2000

Grupo Martin Fierro o Grupo de Florida y el Grupo Boedo (9)

Ernesto Palacio y Roberto Mariani, deciden, con fines publicitarios, iniciar un “movimiento literario”.

Políticamente hablando uno tomó rumbo a la derecha y el otro derivó a la izquierda. 

Ernesto Palacio argumentaba que en Francia había grupos literarios y entonces, para no ser menos, en Buenos Aires había que hacer lo mismo y que podía servir como publicidad el hecho de que hubiera dos grupos enemigos.

El calificativo de “Florida” correspondió al centro de la ciudad, y el de “Boedo”, al suburbio

El Grupo de Florida estaba cercano a la redacción de la revista literaria Martín Fierro que estaba en Florida y Tucumán, y acostumbraban reunirse en la confitería “La Richmond” ubicado sobre Florida entre Lavalle y Corrientes, y realizar exposiciones en el café “Tortoni”.

El Grupo de Florida (o también Grupo Martín Fierro) fue unagrupamiento informal de artistas de vanguardia de la Argentina.

Coincidían Ricardo Güiraldes, Jorge Luis Borges, Oliverio Girondo, Pablo Rojas Paz, Pelegrina Pastorino, Norah Lange, Conrado Nalé Roxlo, Raquel Forner, Francisco Luis Bernárdez, Norah Borges, Córdova Iturburu, Macedonio Fernández 

El grupo Boedo (10)

Pertenecía al suburbio, recibieron ese nombre porque uno de sus puntos de confluencia era la Editorial Claridad (11) ubicada en calle Boedo 837, y el café “El Japonés” (12) en Boedo 873. La zona era por entonces eje de uno de los barrios obreros de Buenos Aires.

El grupo se caracterizó por su temática social, sus ideas de izquierda y su deseo de vincularse con los sectores populares y en especial con el movimiento obrero.

El escritor Roberto Arlt, en una entrevista, hablaba sobre el Grupo de Boedo, que  «De las nuevas tendencias que están agrupadas bajo el nombre de Florida, me interesan estos escritores: Amado Villar, que creo encierra un poeta exquisito, Bernárdez, Mallea, Mastronardi, Olivari y Alberto Pinetta. «

Sus participantes fueron:

Leónidas Barletta, César Tiempo (Clara Beter), Elías Castelnuovo, Aristóbulo Echegaray, Raúl González Tuñón, Roberto Mariani, Nicolás Olivari, Alberto Pinetta, Gerardo Pisarello, Abel Rodríguez, Gustavo Riccio, Lorenzo Stanchina, César Tiempo, Enrique Amorim, Arístides Gandolfi Herrero, Juan Carlos Mauri, Roberto Arlt, José Arato, Adolfo Bellocq, Guillermo Facio Hebequer, Abraham Regino Vigo, Cátulo Castillo, Homero Manzi, Álvaro Yunque, Juan de Dios Filiberto, Juan Francisco Giacobbe, José González Castillo, Pedro Láurenz, Pedro Mario Maffia, Sebastián Piana.

Además, el café fue conocido por ser asiduamente visitado por los jugadores, hinchas y directivos del club Huracán cuya cancha se encontraba muy próxima.

Que es hoy el Tortoni?

En el diccionario “Tortoni” es un helado a menudo aromatizado con Jerez.

En la actualidad sigue siendo un lugar de difusión cultural y turístico por excelencia, donde se puede pedir habitualmente Chocolate con Churros. 1 riquísima taza de chocolate caliente + 3 exquisitos y crocantes churros rellenos de dulce de leche y/o bañados en chocolate, o una Picada de jamón, queso, salame, cantimpalo, aceituna y mortadela.

El Caffè Florian de Venecia

Notas

1

Entre 1882 y 1885, el conjunto de edificios que reemplazaron al viejo Fuerte de Buenos Aires se convirtieron en la Casa de Gobierno cuando los unió el arco Monumental.

Hacia fines de siglo comenzó la construcción del Congreso de la Nación de 1896/1906 del artq. Vittorio Meano (1860 – 1904) que fue también una parte de la también nueva Avenida de Mayo, produciendo el principal corredor cívico y eje de desarrollo este-oeste de Buenos Aires.

Dos años antes se había terminado el Palacio de Tribunales de 1905/1942 arq. Norbert Maillart (1856 – 1928) y dos años después el Teatro Colón de 1888/1908 diseñado por los Arq. Francesco Tamburini (1846 – 1890),Vittorio Meano (1860 – 1904), Julio Dormal (1846 – 1924).

También se realizaron obras en los alrededores de la Plaza Lavalle; el Palacio de Correos 1906/1910 por el Arq. Norbert Maillart (1856 – 1928); el edificio de Aguas Corrientes de 1887/1894 diseñado por el Arq. Olaf Boye (1864 – 1993) y el Ing. Carlos Nyström. Así como las escuelas Petronila Rodríguez.

2

www.arcondebuenosaires.com.ar

3

https://cafecontado.com/

De Carlos Cantini y Diego Ruiz (museólogo y cronista callejero) mandinga.ruiz@gmail.com

Publicado en el periódico Desde Boedo, Año XII, Nº 131, junio de 2013

Nos cuenta:

Otros cafés de la época, como elCafé de Monserrat en la calle Buen Orden 152 (actual Bernardo de Irigoyen 292), que perduró hasta fin de siglo.

Café De las Cuatro Naciones de Perú y Alsina, fundado en 1836 por José Badaracco y que desapareció al demolerse el antiguo Mercado del Centro que abarcaba la manzana de Alsina, Perú, Moreno y Chacabuco.

Confitería del Águila, fundada por el Vicente Costa en 1852 en Florida 102 (actual 178–180) esquina Perón.

Le sucede Jerónimo Canale, quien construyó un edificio de lujo para recepciones y luego sus hermanos Ángel, Agustín y Santiago, quien a principios del siglo XX muda la confitería a Callao y Santa Fe.

Confitería del Gas, de 1857 en Suipacha y Rivadavia. Su nombre seguramente proviene de los faroles de Gas que reemplazaban a los de aceite eran un orgullo porteño. Un lugar selecto que rivalizaba con la confitería Del Molino a la hora del té con masas suizas.

El Bar La Helvética, fundado en 1860 en Corrientes 502, por Poirier y Morini. Su cercanía del diario La Nación, lo convirtió en sucursal de la redacción.

Concurría además del General Mitre, Rubén Darío, durante su estadía en Buenos Aires desde 1893 a 1898, concurría la vida literaria e intelectual del Buenos Aires de fin de siglo, Roberto J. Payró, Emilio Becher, Bartolito Mitre, José de Maturana, Joaquín de Vedia, Charles de Soussens, José Ingenieros entre tantos otros.

Otro de los establecimientos preferidos por la sociedad porteña de fines del siglo XIX fue el café y restaurante La Sonámbula, en la esquina sureste de Hipólito Yrigoyen y Defensa. Allí había construido la compañía de seguros La Previsora un edificio para sus oficinas al que, por razones económicas, destinó en parte para el Hotel de Londres.

El edificio, diseñado por el arquitecto Pedro Coni en estilo academicista, tenía una importante cúpula en símil piedra que coronaba un grupo alegórico, creación del escultor italiano Luis Trinchero (1862 – 1944) y los coloridos toldos de los niveles bajos le conferían una atractiva vista a la esquina. No se sabe de qué nacionalidad era el dueño o los dueños, pero todo le hace suponer un origen itálico porque si bien el hotel era “de Londres”, el curioso nombre de La sonámbula sólo lo remite a la famosa ópera de Vincenzo Bellini… y no nos olvidemos que Plaza de Mayo por medio se encontraba todavía el viejo Teatro de Colón.

Al hotel y a la confitería se los llevó puestos el “progreso” en la década de 1940, cuando el estado nacional expropió o adquirió todos los lotes de la manzana –salvo el del antiguo Congreso Nacional de Yrigoyen y Balcarce– para construir el Banco Hipotecario. Quedó como recuerdo un tango de Pascual Cardarópoli, titulado precisamente La sonámbula, que Pacho Maglio grabó en el sello Columbia allá por 1912 o 1913, en solo de bandoneón. Pero la relación del naciente tango con los cafés de Buenos Aires… será otro callejeo.

 

Muy interesante el trabajo del arq. Alberto Petrina (hola Alberto) “Patrimonio Arquitectónico Argentino, Tomo II, Parte 1 (1880-1920)  

4

De la rue Taitbut se trasladó al 45 de la rue Saintonge, 75003, en el otoño europeo del año 2017.

El “Grand Café Tortoni”, es una reconstrucción llena de recuerdos y de elegancia, de la pátina que la vistieron con su presencia tantos artistas y autores, donde atienden de martes a domingo de 9,30 a 19 hs, metro République (líneas 3, 5, 8, 9,11).

5

El pianista español Ricardo Viñes (1875 – 1943) amigo de Maurice RavelClaude Debussy y Manuel de Falla y profesor entre otros de Enrique Granados.

El cantante, compositor y actor Carlos Gardel (c.1883 – 1935.

El novelista, cuentista, dramaturgo, periodista e inventor Roberto Arlt (1900 – 1942).

Leopoldo Marechal, autor de Adán Buenosayres frecuentaría, como parte de la generación martinfierrista, «La Peña del Tortoni», y luego también el café de la calle Gurruchaga, que lo inspiraría para la narración de algunas de las bellas páginas de su primera novela.

El filósofo y ensayista español situado en el movimiento del “novecentismo” José Ortega y Gasset (1883 – 1955).

El escritor, poeta y ensayista Jorge Luis Borges (Jorge Francisco Isidoro Luis Borges (1899 – 1986).

El dibujante y pintor Florencio Molina Campos (1891 – 1959) conocido por sus dibujos costumbristas.

El abogado, escritor y dirigente político Lisandro de la Torre (1868 – 1938).

El escritor, abogado, periodista y docente Ernesto Palacio (1900 – 1979).

El presidente de la Nación Argentina y abogado Máximo Marcelo Torcuato de Alvear Pacheco (1868 – 1942).

El pianista, director y compositor de tangos Osvaldo Pedro Pugliese (1905 – 1995).

El 5 veces campeón de automovilismo Juan Manuel Fangio (1911 – 1995).

El físico Albert Einstein (1879 – 1955).

El violinista, director de orquesta y compositor de tango Julio de Caro (1899 – 1980).

La cantante de tango y milonga y actriz Tita Merello (Laura Ana Merello 1904 – 2002).

El cantante de copla español Miguel de Molina (Miguel Frías de Molina 1908 – 1993).

La política diplomática, escritora y conferencista Hillary Clinton (Hillary Diane Rodham Clinton 1947).

La cantante y compositora Eladia Blázquez (1931 – 2005).

El poeta, dramaturgo y prosista español Federico García Lorca (1898 – 1936).

El rey de España Juan Carlos de Borbón (1938).

El poeta, escritor, periodista, dramaturgo y humorista Conrado Nalé Roxlo.

El caricaturista, artista plástico e ilustrador Antonio Bermúdez Franco.

El compositor y músico Juan de Dios Filiberto (1885 – 1964), el autor de “Setenta balcones y ninguna flor”.

La poetisa uruguaya Juana de Ibarbourou (Fernández Morales 1892 – 1979).

6

El escritor Abelardo Castillo (1935 – 2017).

El escritor Humberto Cacho Costantini (1924 – 1987).

La novelista y ensayista Liliana Heker (1943).

El escritor Isidoro Blastein (1933 – 2004).

El escritor, crítico literario y guionista Emilio Piglia Renzi (1941 – 2017).

El psicoanalista y escritor Arnaldo Liberman (1933) a quien tuve el privilegio de conocer y participar en su casa en los encuentros que realizaban en Madrid junto a otras personas muy valiosas desde el punto de vista intelectual y humano, entre las que se encontraba mi querido Dr. Hugo Bleichman (   – 2020).

El violinista, director de orquesta y compositor de tango Julio de Caro, (1899 – 1980),

El escritor, periodista y guionista Miguel Ángel Briante (1944 – 1995).

El escritor y guionista Vicente Battista (1940).

El poeta, ensayista e historiador Horacio Salas (1938 – 2020).

7

Martín Auzmendi, cronista y poeta, autor de “Cócteles en el camino”, crónica íntima de un viaje por ciudades, bares y barras.

Datos tomados de su artículo “Paris en Avenida de Mayo “La historia del Café Tortoni y de una Buenos Aires que ya no existe”. 27 de Abril de 2015

8

Carlos Szwarcer. Publicado en: «Todo es Historia». Nº 422. Setiembre de 2002.

9

El novelista y poeta Ricardo Güiraldes (1886 – 1927).

El poeta Oliverio Girondo (Octavio José Oliverio Girondo 1891 – 1967).

El ensayista, poeta, cronista y escritor Pablo Rojas Paz (1896 – 1956).

La reportera, editora de moda, traductora y educadora italiana Pelegrina Pastorino “Pele” (1902 – 1988).

El poeta, dramaturgo, novelista y ensayista autor de Adán Buenosayres Leopoldo Marechal (1900 – 1970).

El docente, abogado, periodista y escritor Ernesto Palacio (1900 -1970).

El poeta, escritor, periodista, guionista, libretista, dramaturgo y humorista Conrado Nalé Roxlo  (1909 – 1971).

La pintora, escultora y profesora de dibujo Raquel Forner (1902 – 1988).

El poeta y diplomático Francisco Luis Bernárdez (1900 – 1978).

La poeta, artista plástica y crítica de arte Norah Borges (Leonor Fanny Borges 1901 – 1998), hermana de Jorge Luis Borges, la llamaba Norah y escribía En todos nuestros juegos era ella siempre el caudillo, yo el rezagado, el tímido, el sumiso. Ella subía a la azotea, trepaba a los árboles y a los cerros yo la seguía con menos entusiasmo que miedo”.

El periodista y poeta Córdova Iturburu “Policho” (Cayetano Policinio Córdova Iturburu (1902 – 1977) miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes.

El escritor, abogado y filósofo Macedonio Fernández (1874 – 1952).

10

El escritor, periodista y dramaturgo Leónidas Barletta (1902 – 1975).

El escritor, periodista, editor y guionista César Tiempo, (Israel Zeitlin (1906 – 1980) se presentó como Clara Beter.

El poeta, ensayista y periodista uruguayo Elías Castelnuovo (1893 -1982).

El poeta Aristóbulo Echegaray (1904 – 1986).

El poeta y periodista Raúl González Tuñón “El pichón de Buenos Aires” (1895 – 1974).

El poeta, escritor de “Cuentos de Oficina” y periodista Roberto Mariani (1893 – 1946).

El escritor, traductor y poeta Nicolás Olivari (1900 – 1966).

El escritor, poeta y periodista Alberto Pinetta (1906 – 1971).

El poeta, escritor, periodista y docente Gerardo Pisarello (1898 – 1986).

El escritor, periodista y poeta Abel Rodríguez (1893 – 1961).

El poeta Gustavo Riccio (1900 – 1927) “Para empezar a ser bueno es necesario sentir como si fueran de uno las penas de los otros”.

El escritor Lorenzo Stanchina (1900-1987) fundador del grupo Boedo.

El periodista, autor, guionista, escritor y actor César Tiempo (Israel Zeitlin 1906 – 1980).

El escritor, dramaturgo, poeta, novelista, guionista cinematográfico uruguayo Enrique Amorim (1900 – 1960).

Escritor, cuentista, dramaturgo, historiador, ensayista, poeta Arístides Gandolfi Herrero “Álvaro Yunque” (1889 – 1982).

Juan Carlos Mauri, https://es.slideshare.net/caceresvictoria/juan-carlos-mauri-y-el-virus-de-la-literatura-una-retrospectiva

El novelista, cuentista, dramaturgo, periodista e inventor argentino Roberto Arlt (1900 – 1942) es a veces incluido en el Grupo Boedo (incluso él mismo lo hace en una entrevista).

El pintor José Arato (1893 – 1929) ilustró el libro “Los pobres” de Leônidas Barletta.

El pintor, grabador, docente y xilógrafo Adolfo Bellocq (1899 – 1972).

El pintor, grabador y litógrafo uruguayo Guillermo Facio Hebequer (1889 – 1935).

El pintor uruguayo Abraham Regino Vigo (1893 – 1957), realizó grabados, aguafuertes y xilografías basados en la temática social, como la serie La Quema

El poeta y compositor de tango Cátulo Castillo (Ovidio Cátulo González Castillo 1906 – 1975).

El poeta, político, guionista, periodista, director de cine y autor de tangos y milongas famosas Homero Manzi (Homero Nicolás Manzione 1907 – 1951).

El poeta, escritor, cuentista, historiador, ensayista Álvaro Yunque (Arístides Gandolfi Herrero 1889 – 1982).

El novelista, cuentista, dramaturgo, periodista e inventor Roberto Arlt (Roberto Emilio Godofredo Arlt (1900 – 1942).

El compositor y músico autor de Caminito (1926), Quejas de Bandoneón, Malevaje (1928) Juan de Dios Filiberto “Filiberto” (1885 – 1964).

El musicólogo, compositor, director, dramaturgo, poeta, filósofo, regisseur, científico y profesor de música Juan Francisco Giacobbe (1907 – 1990).

El dramaturgo, director de teatro, libretista de cine y letrista de tango José González Castillo (1885 – 1937).

El bandoneonista, director y compositor Pedro Láurenz (1902 – 1972).

El bandoneonista, director, compositor y docente Pedro Mario Maffia (1899 – 1967).

El músico, compositor, director de orquesta y pianista Sebastián Piana (1903 – 1994).

11

La Cooperativa Editorial Claridad fue fundada el 30 de enero de 1922 por el periodista, político y empresario español Antonio Zamora (1896 – 1976).

Decía “una editorial no debía ser una empresa comercial, sino una especie de universidad popular”.

El nombre elegido se inspiró en el movimiento intelectual francés “Clarité”, vinculado a Henri Barbusse (1873 – 1935).  

En sus comienzos estaban en la calle Boedo 837 y debido a ello el grupo literario vinculado a la editorial durante la década de 1920 fue llamado ‘El grupo de Boedo’, grupo muy destacado en la historia literaria argentina por la cantidad de escritores y artistas notables que lo conformaban.

Algunas de sus publicaciones fueron: La revista Los pensadores, la revista Claridad y la colección Los nuevos.

La editorial Claridad fue considerada uno de los más importantes emprendimientos culturales durante la primera mitad del siglo xx en Argentina.

Cárcel de mujeres de Angélica Mendoza, editado por Claridad, Biblioteca Feminaria (1933).

Esquema sexual de Humberto Salvador, editado por Claridad, Biblioteca Científica (1934?).

12

Entre 1920 y 1940 se instalaron más de 40 cafés o bares japoneses en Buenos Aires, práctica que se extendió a lo largo de la Argentina.

Motokichi Yamagata, partió de su Kagoshima natal en 1908 rumbo a San Pablo, pero las promesas incumplidas lo convencieron de ir a la Argentina.

En 1920 Motokichi Yamagata (paso a ser Yamakata en Argentina) y sus otros hermanos abrieron dos cafés en Buenos Aires, uno en Cerrito y Lavalle, y otro la avenida Boedo 873

Estaba cerca de la Editorial Claridad, allí se reunía el Grupo Boedo constituido por artistas de vanguardia de la década del 20, conocidos por su preocupación social.

La Junta de Estudios Históricos del barrio de Boedo homenajeó al café “El Japonés” con una placa conmemorativa que fue descubierta el 22 de noviembre de 2013, en Boedo 873.

En 1935 un periodista del diario Crítica, lo describía así:

“…el cronista llegó con su rabioso cansancio a cuestas y descansó en sus sillas de Viena…La humeante taza de café con leche y el pan con manteca servidos por Murata. El café Japonés tiene algo de ciudad y de campo. La asiduidad del Juez de Paz…a cuyo alrededor mariposean los que tienen hambre y sed de favores…”

Roberto Arlt en su novela «Los siete locos» menciona al café de Cerrito y Lavalle, en la sección «El Odio«:

(Erdosain)…Al poner una mano en el bolsillo encontró que tenía un puñado de billetes y entonces entró en el bar Japonés. Cocheros y rufianes hacían rueda en torno de las mesas. Un negro con cuello palomita y alpargatas negras se arrancaba los parásitos del sobaco, y tres “polacos” polacos, con gruesos anillos de oro en los dedos, en su jerigonza, trataban de prostíbulos y alcahuetas. En otro rincón varios choferes de taxímetros jugaban a los naipes. El negro que se despiojaba miraba en derredor…Erdosain, pidió café, apoyó la frente en la mano y se quedó mirando el mármol”.

Carlo Scarpa 2. El dibujo como lenguaje

1er parte http://onlybook.es/blog/carlo-scarpa-1-la-arquitectura-de-la-historia/

Cuando comencé a escribir este artículo, lo hice para profundizar en la Tumba Brion, no solo porque al descubrir su espacio y riqueza de metáforas me abrió los ojos a una dimensión de detalles de filigrana sino porque creo que como pasa en otras pocas obras, es un referente de nuestras aspiraciones últimas (o primeras) en nuestra profesión.

Es difícil analizarla fuera del contexto de la obra general de Carlo Scarpa, por eso estos textos, referencias y contextos para presentar su figura mas allá de la Tumba Brion. El resultado, me ha resultado revelador y de una gran enseñanza en el campo de la arquitectura.

Allá voy

En 1971 elabora un proyecto de reestructuración para el castillo de Brescia, para adaptarlo como Museo de Armas; Diseño de la tienda «Buonpensieri» en Bolonia; Casa Roth en Asolo (Treviso) 1971/72. Por encargo de su amigo Aldo Businaro, proyecta la rehabilitación de la Villa Palazzetto, en Monselice, Padua 1971/78. (1)

En 1972 es nombrado director de la IUAV, cargo que había ocupado durante dos años como sustituto; Con Padoan, Magagnato, Cevese y Pozza, forma parte de una Comisión para la Protección del Teatro Olímpico de Vicenza; Exposición “Le Corbusier, Wright, Kahn y Noguchi” en la XXXVI Bienal de Venecia; Exposición «Obras maestras de la pintura del siglo XX 1900-1945”, en el Ala Napoleónica; Proyecto de la casa LUPI en Vicenza; Diseña las mesas Valmarana y Quatuor para la empresa Simon Internacional; Reordenación de la Galería Franchetti en Ca d’Oro Venecia 1972/73.

En 1973 es nombrado Académico en “Literatura y las Artes” por la Academia Olímpica de Vicenza; Diseño y almacén de los libros de visitas de la Fundación Querini Stampalia en Venecia; Restaurante Fini en Módena; Renovación de la planta alta del Museo de Villa Strozzi de Florencia; Exposición en Venecia de “Le Corbusier”; Exposición “Purista a la Napoleónica y el “proyecto de Pessac” en la  Fundación Querini Stampalia en Venecia; Asesoramiento para la exposición “Tancredi en Rotonda di Vía Besana” en Milán; Mesa Orseolo; Ampliación de la sede de la Banca Popolare di Verona e Novara 1973/78 y 1981.

Somos un paisaje de todo lo que hemos visto. Isamu Noguchi

Museo de Castelvecchio

En 1974 realiza el estudio para la nueva sede de la Galería Nacional de Arte en Messina con el arq. Roberto Calandra (1915 – 2015); Museo de Castelvecchio en Verona; Exposiciones “Venecia y Bizancio” en el Palacio Ducal de Venecia y “Gino de Rossi” en Ca Noal en Treviso; Exposiciones personales: “Carlo Scarpa” en la Galería Heinz en Londres organizada por el RIBA y “Domus Conestabilis” en la Basílica Palladiana en Vicenza; Diseño del sofá y sillón para Cornaro Internacional Simón y Biblioteca Infantil para la empresa de mobiliario Bernini, empresa con la que comienza a trabajar; Estudios para la adaptación del convento de Santa Caterina en El Museo de Treviso 1974/75; Ampliación de la villa Matteazzi-Iglesia en Ponte Alto en Vicenza; Monumento a las víctimas de la masacre de la Piazza della Loggia en Brescia, de la que solo se realiza el monolito conmemorativo en 1977; Apartamentos en Vicenza 1974/79; Villa Ottolenghi, Bardolino en Verona 1974/78.

En 1975 fue nombrado miembro honorario de la Fundación Pierre Chareau de París; Propone organizar el Gran Salón de la IUAV de Venecia; Asesora la reorganización de la tienda «Diseño de Interiores Club de Florencia”; Exposición “Carlo Scarpa” en el París de L ‘Environnement, Institut; Exposición “Giuseppe Samona 50 años de arquitectura” en el Palazzo Grassi, Venecia; Tres casas para viviendas en Quero (Belluno) y el diseño de la casa de Pesaro Urbino 1975/76; Plan de conservación de los hallazgos arqueológicos delante de la catedral romana de Feltre (Belluno) 1975/78.

1976

Miembro de la Accademia di San Luca en Roma; Profesor en el IUAV 1976/77; Concurso para la adaptación del Hôtel Salé Nacional Museo Picasso de París; Edificio en Lugo, Ravenna; Tienda Lily en Palermo; Muebles “1934” para la empresa Bernini; Edificio Funerario Galli en el cementerio Comunal de Nervi Sant’ Ilario en Genova; Sede del Banco en Monselice en Rovigo; Oficinas de la región del Véneto; Palacio Real de Procuratie Nuove en la Piazza San Marco en Venecia; Diseño de un nuevo portal de entrada a la Facultad de Letras y Filosofía de la Universidad de Venecia 1976/79.

Acceso de la Facultad de Arquitectura. Universidad de Venecia

1977

Conferencia en la Academia de Bellas Artes de Viena “La arquitectura puede ser la poesía”?. Reforma del Palacio Chiaromonte Steri en Museo para la Universidad de Palermo con el arq. Roberto Calandra; Estudio de la nueva entrada a la sede de IUAV; Condominio Benetton en Treviso; Iglesia de Santa Maria delle Rose en Rovigo y Tienda de muebles en Guastalla (Mantova); Aesoramiento para la explotación de los restos de una villa romana descubierta en el Palazzo Forti en Verona; Apartamento en Montecchio (Vicenza); Junto a su amigo Alberto Viani (1906 – 1989) prepara la exposición en Ca´ Pesaro en Venecia “Dibujar el Rialto”; Mesa de la biblioteca Delphi en colaboración con el arq. Marcel Breuer (1902 – 1981) para la empresa  Simón; Aparador, mesa y silla de la Scuderia de Kentucky para la empresa Bernini; Diseños de los muebles «Mobilfiorente» para Scarperia en Florencia; Edificio en Vicenza; Zoppi apartamento en la planta alta y ático del edificio en el distrito de Pueblo Contras de Vicenza; Tienda de muebles «Alessi» en Bassano del Grappa 1977/78.

1978

La biblioteca de la Scuola Normale Superiore di Pisa; Casa en Oneglia, Imperia; Villa en Al Saaud Riad, Arabia Saudi; Sede de la Banca Popolare di Gemona en Udine con el arq. Luciano Germin; Altar Mayor y solado de la Chiesa del Torresino, Padua; Tumba de la familia Gallo en el cementerio de San Hilario Alto en Nervi; Exposición en Madrid “Carlo Scarpa”; Exposición “Mario Cavaglieri” en la  Academia de Concordi de Rovigo; Producción de cubiertos de plata Arcade para Cleto Munari.

En una conferencia dictada en Madrid en el verano de 1978 dijo: “…Quiero confesar, me gustaría que un crítico descubriese en mis trabajos ciertas intenciones e ideas que siempre he tenido. Es decir, un enorme deseo y voluntad de estar dentro de la tradición, pero sin hacer capiteles o columnas, porque ya no se pueden hacer. Ni siquiera un dios inventaría hoy una base ática…” Carlo Scarpa

En 1978 recibió un Doctorado Honoris Causa en Arquitectura por el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, poniendo así fin al debate sobre la legitimidad de sus actividades.

Lamentablemente no pudo asistir a la ceremonia porque murió el 28 de noviembre en Sendai en Japón debido a un accidente: Scarpa durante un paseo en un centro comercial vio un escalón de mármol italiano trabajado de forma particular, se acerca para observarlo mejor pero tropezó accidentalmente y cayó de la escalera mecánica.

Murió más tarde en el hospital por las consecuencias del golpe en la cabeza. De acuerdo a su última voluntad, fue enterrado en el cementerio de la Familia Brion en San Vito d’Altivole en Treviso. Su tumba la diseña su hijo Tobía.

Tumba de Carlo Scarpa realizada por Tobia Scarpa


Intervención (en italiano) de Tobia Scarpa, hijo del arquitecto, el 28 de Noviembre de 2018.

1978

Carlo Scarpa. Proyectos para el Teatro 8 de junio – 21 de noviembre de 2009
Centro Carlo Scarpa Archivio di Stato Treviso. Vía Pietro di Dante 11.

Se presentaron los proyectos para edificios teatrales elaborados por Carlo Scarpa entre finales de los años veinte y 1970 y que nunca fueron realizados. Promovida por el Ministerio de bienes y actividades culturales, la Dirección General PARC y el Comité paritario para el conocimiento y la promoción del patrimonio ligado a Carlo Scarpa, Producida por el MAXXI Museo nacional de las artes del siglo XXI (Centro de archivos MAXXI arquitectura) y por el Centro Internacional de Estudios de Arquitectura Andrea Palladio.

La exposición «Carlo Scarpa, Proyectos para el Teatro« se visitó en Treviso con ocasión de la 53ª Exposición internacional de arte de Venecia.

Comisario Vitale Zanchettin 

Se presenta por primera vez al público los proyectos para edificios teatrales elaborados por Carlo Scarpa entre finales de los años veinte y 1970 y que nunca fueron realizados: el Proyecto para un Teatro Social de 1927, la Ordenación del Teatro Rossini en Venecia de 1937, los Proyectos del Teatro Carlo Felice en Génova de 1963 y del Teatro Municipal en Vicenza de 1970.
El teatro es concebido como síntesis vital de otros artes – música, prosa, actuación, espacio arquitectónico

Fundacion Querini Stampalia

Desde 1948, con la puesta en escena de la exposición retrospectiva de Paul Klee (1879 – 1940) comenzó una larga colaboración con la Bienal de Venecia que continuaría en mas de sesenta exposiciones de arte en salas y museos.

Entre sus numerosos proyectos relacionados con la vivienda, el urbanismo y el paisaje en los centros históricos, podemos mencionar. (2)

Carlo Scarpa, el profesor del ritmo y la proporción.

1 Ca`Foscari. Dorsoduro (barrio) 3246.

2 Galleria dell`Accademia. Campo della Carità, Dorsoduro (barrio) 1050.

3 Negozio Olivetti. Piazza San Marco 101.

4 Fondazione Querini Stampalia. Santa Maria Formosa, Castello.

5 Sculpture garden. Giardini, Castello.

6 Pavilion of Venezuela. Giardini, Castello.

7 Ticketing booth. Giardini, Castello.

8 La Partigiana. Riva dei Sette Martiri, Castello.

1932 Local “Sfriso” en Venecia.

1935/37 y 1954/56 Ca´Foscari. Aula Magna. Venecia.

Sede de la Universidad de Venecia, restauración del Edificio, del Rectorado, las Oficinas, Aulas universitarias y el Salón de Actos Académicos. Después de veinte años de la primera actuación, Carlo Scarpa fue requerido nuevamente para transformar el Aula Magna en la actual Aula Mario Baratto.

Luego del incendio en 1983 el arquitecto Valeriano Pastor hace restauraciones según el diseño original de Carlo Scarpa.

Por analogía y analizando sus intereses en obras de otros arquitectos, podriamos decir que en su primera intervención de 1935 se nota la influencia de Le Corbusier, y en la que realiza veinte años mas tarde, la de Frank Lloyd Wright.

La reforma de Cà Foscari da sus frutos en tres reestructuraciones de museos, hasta tal punto magistrales que han determinado la evolución museológica del siglo XX

Aula Magna Ca´ Foscari 1935

1942 Casa Pelizzari, Venecia

1943/44 Tumba Capovilla, Cementerio de San Michele in Isola, Venecia

1944/46 Casa de Vittorio Bellotto, Venecia

1945/59 Gallerie dell’Accademia, Venecia

1947/48 Banca Cattolica del Veneto, Tarvisio

1950/52 Villa Angelo Bortolotto, Cervignano del Friuli. Con Angelo Masieri. Via Udine, 52, 33052 Cervignano del Friuli


Notas

1

Algunos ejemplos museísticos en los que ha participado: la Gallerie dell’Accademia de Venecia (1945-1959), la Galería Nacional de Palazzo Abatellis en Palermo en Sicilia (1953-1954), las primeras salas y el Gabinete de Dibujos y Grabados Galería Uffizi en Florencia (1953-1956), el Museo Correr de Venecia (1957-1960), esculturas de Galería Canova en Possagno (1955-1957), el Museo de Castelvecchio en Verona (1958-1974), la Fondazione Querini Stampalia en Venecia (1961-1963).
El premio Olivetti, que recibe en 1956, es otorgado por su implicación en estas áreas del Proyecto.

Para la preparación de la exposición sobre Frank Lloyd Wright, en el XII Triennale di Milano (1960), fue galardonado con el Gran Premio del Jurado Internacional y Roma, en 1962, el premio nacional-EN ARCH para la restauración y la construcción del Palazzo Abatellis.

En 1967 obtuvo el premio de la Presidencia de la República para la arquitectura. Fue nombrado miembro del RIBA (1970), la Academia Olímpica de Vicenza (1973), la Fundación Pierre Chareau de París (1975), la Accademia di San Luca en Roma (1976).

2

Algunos ejemplos museísticos en los que ha participado: la Gallerie dell’Accademia de Venecia (1945-1959), la Galería Nacional de Palazzo Abatellis en Palermo en Sicilia (1953-1954), las primeras salas y el Gabinete de Dibujos y Grabados Galería Uffizi en Florencia (1953-1956), el Museo Correr de Venecia (1957-1960), esculturas de Galería Canova en Possagno (1955-1957), el Museo de Castelvecchio en Verona (1958-1974), la Fondazione Querini Stampalia en Venecia (1961-1963).
El premio Olivetti, que recibe en 1956, es otorgado por su implicación en estas áreas del Proyecto.

Para la preparación de la exposición sobre Frank Lloyd Wright, en el XII Triennale di Milano (1960), fue galardonado con el Gran Premio del Jurado Internacional y Roma, en 1962, el premio nacional – EN ARCH para la restauración y la construcción del Palazzo Abatellis.

En 1967 obtuvo el premio de la Presidencia de la República para la arquitectura. Fue nombrado miembro del RIBA (1970), la Academia Olímpica de Vicenza (1973), la Fundación Pierre Chareau de París (1975), la Accademia di San Luca en Roma (1976).

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Palladio+Scamozzi arq. Trissino. El teatro de la vida, parte 5

Palladio+Scamozzi arq. el teatro de la vida, parte V

Parte V

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Cuatro Libros de arquitectura

En los “Cuatro libros de arquitectura”, testamento arquitectónico y la herencia que nos legara Andrea, editado en  Venecia en 1570 escribió “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado”.

Ya había realizado para ellos un palacio en Vicenza, en Contro Riale, además de una casa suburbana.

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Cuando se entra en Sarego, nombre actual de Meledo,  y girando a la derecha, nos detiene una puerta reja, y un cartel donde se lee “Villa Trissino. Arch A. Palladio (1540-1547).

Mientras entramos creemos oírlo leer su capítulo XII, de sus libros: “Las casas de la ciudad son realmente de mucho esplendor y comodidad para el gentilhombre, teniendo que vivir en ellas todo el tiempo que le haga falta para la administración de la república y gobierno de las propiedades…y además por el ejercicio que en el campo se suele hacer a pie y a caballo, el cuerpo conservará más fácilmente su salud y vigor….el ánimo se repondrá y tranquilamente podrá dedicarse a los estudios de las letras y a la contemplación… Al elegir el sitio para la casa de campo se deben tener en cuenta todas aquellas consideraciones que se hacen al elegir el sitio en la ciudad, puesto que la ciudad no es más que una casa grande, y por el contrario, la casa una ciudad pequeña”.

El grabado que vemos en su tratado nos da la imagen de una estructura imponente, de varios niveles, el desarrollo de un complejo romano. Llama la atención las dos barchesse con columnas toscanas.

Al no estar terminado, nos pude hacer pensar que fue el desarrollo de una villa grandiosa que “navega” en la orografía ondulante del pueblo de Meledo. Hoy al lado de una iglesia parroquial desde donde se disfruta las vistas desde una colina. Podemos suponer una hipótesis teórica imaginada para un sitio real.

Ludovica, la propietaria y al fondo la 2nda Barchesse

Durante más de 7 años, la familia de Livia Pertile y su marido Antonio Ognisanto recuperaron la barchesse que está al lado del río Guá y que posee una torre, una acción fundamental ya que el complejo estaba reducido a un estado de abandono y su conservación en peligro.

Un día, el hijo de Antonio entra en la cocina de la planta baja donde me alojé, lo saluda, y se va. Antonio, enorme en su aspecto y su afecto, mira el suelo, y comienza a llorar, silencioso, lentamente, tristemente. Su hijo se va a estudiar a Milán, y el allí, en el palacio inconcluso de Palladio, 4 siglos y poco más, Antonio vive su pena. Me acerco, lo abrazo, le digo que sé lo que sucede, lo viví. Ese día, sentado en mi mesa, comenzamos a entendernos en distintos idiomas con un solo sentimiento. El premio, recorrer, los espacios aun no restaurados, la torre, el colmenar, la grandiosidad de lo que pocas veces el hombre puede representar, como lo hizo Bach, como tantos pocos otros.

Antonio me explicó que el techo de la última estancia, bajo la torre la pintó Eliodoro Forbicini (1533-..) de la escuela de Veronese, que sobresalió con sus grotescos. La pintura grotesca, se refiere a lo extraño, misterioso, magnífico, fantástico, horrible….se utiliza como calificativo de formas extrañas, distorsionadas. También a un estilo extravagante. Me dice que son muy admiradas dos habitaciones que realizó en el Palazzo Canova. Esto también nos une.

Todos dicen que la enorme reputación de Andrea Palladio, en sus inicios, y muchos más después de su muerte, se ha basado en su enorme habilidad como diseñador de villas. Éstas fueron necesarias debido a la guerra de la llamada Liga de Cambrai, que provocó una enorme destrucción de casas en los 8 años ((1509-1517) en los que se enfrentaron Francia, los Estados Pontificios y la República de Venecia, a los que se les unieron en forma intermitente España, el Sacro Imperio Romano Germánico, Inglaterra, Escocia, el Ducado de Milán, Florencia, el Ducado de Ferrara y Suiza.

El Papa Julio II crea una liga anti veneciana que llaman la Liga de Cambrai, cuyo objetivo era contener la influencia veneciana en el Norte de Italia. No solo resultaron dañadas las casas, junto a ellas también sufrieron las infraestructuras rurales. La recuperación fue lenta y llega el año 1540, que es cuando crece el mercado urbano de los productos alimenticios y la decisión política de liberar a Venecia y el Véneto, de la dependencia del cereal que provenía del exterior, especialmente el que provenía del peligroso y amenazante imperio otomano. Se invirtió en agricultura y en estructuras, así como en irrigación y drenajes. Los latifundistas invertían y al mismo tiempo crecían tanto sus parcelas como su riqueza.

Existía la necesidad de un nuevo tipo de residencia rural. Algunas pretendían tener un gran palacio en el campo, casi como el de la ciudad, ese fue el caso de la enorme villa da Porto en Thiene, otros tenían la idea de casas o villas más pequeñas para establecer una presencia social y política en el campo y se las adaptó para el reposo, la caza y evitar vivir en las “malsanas ciudades”. No menor era la pretensión de impresionar a vecinos y huéspedes, muchas veces importantes socialmente, y otras económica y políticamente. Palladio dio respuestas a estas necesidades, y de qué manera!

Imagino a Andrea, pensando que debía documentar de entre todas sus obras aquellas que podrían ser un modelo por los siglos de los siglos, de un referente y un festejo a la buena arquitectura. Ese, debió ser su objetivo, y me lo imagino con el mismo empeño, con que 152 años más tarde, en 1722 Johann Sebastián Bach  escribiera el clave bien temperado (templado), para demostrar que otra afinación o temperamento era posible. Se alejaba así de las formas de afinación pitagóricas o las de Aristógenes. Ambos tomaron los elementos preexistentes para crear y producir espacios para una mejor vida. Seguramente alguien dijo, y si no lo dijo, podemos decirlo nosotros:

– Son genios, saben, que deben dejar referentes, claras señales que permitan a los demás seguirlas.

Y estoy seguro que Andrea escribía con ese propósito en sus Cuatro libros de arquitectura, sobre esta villa: “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado. En lo alto de la colina ha de estar la sala, redonda, rodeada por las habitaciones, pero ha de tomar la luz por encima de ellas. En la sala hay algunas medias columnas que sostienen un balcón al que se entra por las habitaciones de arriba…debajo…están las cocinas, los tinelos y demás lugares. Y como cada lado tiene vistas bellísimas, hay cuatro logias, de orden corintio, sobre cuyos frontispicios surge la cúpula de la sala. Las logias, en semicírculo, tienen un aspecto muy grato. Más abajo, y ya casi en lo llano. Están las bodegas, los establos, los graneros, la vivienda del capataz, y otras dependencias para los trabajos de campo. Las columnas de estos pórticos son de orden toscano, junto al arroyo, en los ángulos del patio, hay dos palomares”.

En muchos casos, además de escribir y comentar sus proyectos, los construía.

Buscando quienes eran los integrantes del estudio de Palladio, he dado con Domenico Groppino, arquitecto y proyectista.

En las documentaciones que encontré menciona que colaboró en el proyecto en 1550 y en su construcción entre 1555 y 1584 en la Villa que les encargó construir don Giovanni Chiericati.

Ubicado en Vancimuglio, localidad de Grumolo delle Abbadesse, sobre la calle  Via Nazionale, 1. Giovanni, era hermano de Girolamo, para los cuales Andrea realizó el palacio en la Isola de Vicenza, en esos años. En 1557, un año antes de la muerte de Giovanni, la villa estaba incompleta, recién en 1564. Estaba cubierta, pero le faltaban los áticos y las ventanas.

No se terminó hasta 1574 en que la compra Ludovico Porto. En 1584, para terminarla contrata a Domenico Groppino, más que correcta decisión. Los trabajos del estudio de Palladio, no dejan de asombrar, y podemos pensar que esta villa fue el prototipo de la Villa Rotonda y de la Villa La Malcontenta. De planta cuadrada.

Podría hacer ocurrido que Andrea dijera:

– saben que haré ? (lo arquitectónicamente correcto debería haber sido “Lo que haremos”, pero ya sabemos que Andrea estaba en lo que estaba.

– Hace tiempo que deseo repetir la idea del Panteón.

– en qué sentido?

– añadiendo un pronaos.

– pero siempre nos has dicho que era un elemento arquitectónico que precedía el acceso a un templo o a un lugar de oratoria.

– Si, pero ahora digo que lo será de una villa.

Por lo que ocurrió, es decir que el pronaos se construyó, entiendo que nadie dijo esta boca es mía.

A callar y proyectar.

Nunca antes el pronaos de un templo se había incorporado al diseño de una villa.Se sabe que Andrea en su libro “Los 4 libros de la arquitectura”, da valor a conceptos como tradición, sistematización y belleza en relación a las visiones que existían en ese momento.

Esa tradición la recupera a partir del acercamiento que hace de otros tratadistas como Vitruvio y sobre todo a sus análisis de la arquitectura de la antigua Roma.Debió pensar en la importancia de comprender la historia para poder dar las claves de un nuevo lenguaje arquitectónico. Quizás les recordó a sus colaboradores, lo que escribiera en su libro:

“… y me dediqué a la investigación de las reliquias de los viejos edificios, que han permanecido a pesar del tiempo y de la crueldad de los bárbaros. Y hallándolos dignos de mayor consideración de lo que había pensado, comencé a medir prolijamente y con mucha diligencia cada parte suya. Con lo que vine a ser solícito investigador, no sabiendo distinguir nada, que con razón y bella proporción no fuera hecho”.

Si hubiera estado dando una teórica en cualquier escuela de arquitectura hubiera dicho:

– Doy mucha importancia a la historia como principio de la arquitectura, tanto como se la doy a la tradición clásica y a la formación humanista. Hacer arquitectura no es solo un mero hacer, es hacer la conexión entre arquitectura y filosofía, y entre arquitectura y ética.

Daniele Matteo Alvise Barbaro,

Lo habrían aplaudido, ya no como una formalidad sino como una comprensión de un pensamiento esencial de la arquitectura. Luego Palladio presentaría a su amigo Daniel Bárbaro, que diría:

– El arte pertenece al campo de las verdades “inciertas” mientras que la ciencia pertenece al campo de las verdades “ciertas”. Y ambas, el arte y la ciencia se expresan en la arquitectura.

Miraría a Andrea sonriente, recordándole la importancia de una base aristotélica en cualquiera de sus consideraciones y reflexiones.

Andrea sabía que estudioso de filosofía, matemática y óptica, tenía sólidos conocimientos, había sido traductor y comentarista del tratado “De architectura” de Vitruvio y le estaba agradecido por la encomienda de la Villa Barbaro en Maser alrededor de 1560.

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Artículos sobre Palladio

Artículos sobre Palladio

1ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-parte-1-el-teatro-de-la-vida/

2ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iii/

3ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iii-2/

4ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iv/

5ª parte  http://onlybook.es/blog/2583-2/

6ª parte  http://onlybook.es/blog/%ef%bb%bfpalladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-vi/

7ª parte  http://onlybook.es/blog/palladio-scamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-vii/

8ª parte  http://onlybook.es/blog/palladio-y-el-teatro-olimpico/

9ª parte  http://onlybook.es/blog/3487-2/

10ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-villa-saraceno/

11ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-villa-cornaro/

12ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-scamozzi-arq-opera-y-venecia-xa/

13ª parte http://onlybook.es/blog/palazzo-del-capitaniato-andrea-palladio/

Palladio+Scamozzi arq. El teatro de la vida, Trisino. parte 4

4ta. parte

Estudio Palladio, Scamozzi arquitectos

Podría pensarse que Andrea no solo había ganado a Sebastiano Serlio el concurso de la basílica, sino que lo logró utilizando un recurso arquitectónico muy utilizado en el Renacimiento y luego en el neoclásico, que consistía en combinar arcos de medio punto con vanos adintelados y que llevaba el nombre de Sebastiano Serlio, es decir, “ventana Serliana”, ya que fue el primero en dar una base teórica a esta forma.

Es una impronta que aparece como arco de triunfo, utilizada en portadas y logias, sus laterales están adintelados y son más bajos.

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capilla de Santa maria del Poppolo

modelo de fachada de Iglesia por
Sebastiano Serlio

Entre tantos y tantos ejemplos, podía verse en la portada del Palacio de Carlos V situado en la colina de la Alhambra en Granada realizada por Pedro Machuca en 1527.

Pero, podríamos también pensar que la fuente de inspiración de Sebastiano podría haber sido la Villa Adriana (125-134 DC) en Tivoli, así como en el templo de Adriano (130 DC en Efeso, Turquía, donde se lo llamaba también “arco Siriaco”.

Más tarde es Bramante quien lo utiliza en Sta. María Del Popolo (1507-09) en Roma,

Cuando un admirador de Andrea Palladio como Iñigo Jones lo difunde en Inglaterra, ya lleva el nombre de “arcada Paladiana”.

Lord Burlington en el siglo XVIII le añade un arco exterior para recoger los tres huecos.

cuatro libros de la arquitectura

En los “Cuatro libros de arquitectura”, testamento arquitectónico y la herencia que nos legara Andrea, editado en  Venecia en 1570 escribió “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado”.

Ya había realizado para ellos un palacio en Vicenza, en Contro Riale, además de una casa suburbana.

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Cuando se entra en Sarego, nombre actual de Meledo,  y girando a la derecha, nos detiene una puerta reja, y un cartel donde se lee Villa Trissino. Arch A. Palladio (1540-1547).

Mientras entramos creemos oírlo leer su capítulo XII, de sus libros: “Las casas de la ciudad son realmente de mucho esplendor y comodidad para el gentilhombre, teniendo que vivir en ellas todo el tiempo que le haga falta para la administración de la república y gobierno de las propiedades…y además por el ejercicio que en el campo se suele hacer a pie y a caballo, el cuerpo conservará más fácilmente su salud y vigor….el ánimo se repondrá y tranquilamente podrá dedicarse a los estudios de las letras y a la contemplación… Al elegir el sitio para la casa de campo se deben tener en cuenta todas aquellas consideraciones que se hacen al elegir el sitio en la ciudad, puesto que la ciudad no es más que una casa grande, y por el contrario, la casa una ciudad pequeña”.

El grabado que vemos en su tratado nos da la imagen de una estructura imponente, de varios niveles, el desarrollo de un complejo romano. Llama la atención las dos barchesse con columnas toscanas.

Al no estar terminado, nos pude hacer pensar que fue el desarrollo de una villa grandiosa que “navega” en la orografía ondulante del pueblo de Meledo. Hoy al lado de una iglesia parroquial desde donde se disfruta las vistas desde una colina. Podemos suponer una hipótesis teórica imaginada para un sitio real.

Durante más de 7 años, la familia de Livia Pertile y su marido Antonio Ognisanto recuperaron la barchesse que está al lado del río Guá y que posee una torre, una acción fundamental ya que el complejo estaba reducido a un estado de abandono y su conservación en peligro.

Un día, el hijo de Antonio entra en la cocina de la planta baja donde me alojé, lo saluda, y se va. Antonio, enorme en su aspecto y su afecto, mira el suelo, y comienza a llorar, silencioso, lentamente, tristemente. Su hijo se va a estudiar a Milán, y el allí, en el palacio inconcluso de Palladio, 4 siglos y poco más, Antonio vive su pena. Me acerco, lo abrazo, le digo que sé lo que sucede, lo viví. Ese día, sentado en mi mesa, comenzamos a entendernos en distintos idiomas con un solo sentimiento. El premio, recorrer, los espacios aun no restaurados, la torre, el colmenar, la grandiosidad de lo que pocas veces el hombre puede representar, como lo hizo Bach, como tantos pocos otros.

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Antonio me explicó que el techo de la última estancia, bajo la torre la pintó Eliodoro Forbicini (1533-..) de la escuela de Veronese, que sobresalió con sus grotescos.

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La pintura grotesca, se refiere a lo extraño, misterioso, magnífico, fantástico, horrible….se utiliza como calificativo de formas extrañas, distorsionadas. También a un estilo extravagante. Me dice que son muy admiradas dos habitaciones que realizó en el Palazzo Canova. Esto también nos une.

Todos dicen que la enorme reputación de Andrea Palladio, en sus inicios, y muchos más después de su muerte, se ha basado en su enorme habilidad como diseñador de villas.

Éstas fueron necesarias debido a la guerra de la llamada Liga de Cambrai, que provocó una enorme destrucción de casas en los 8 años ((1509-1517) en los que se enfrentaron Francia, los Estados Pontificios y la República de Venecia, a los que se les unieron en forma intermitente España, el Sacro Imperio Romano Germánico, Inlaterra, Escocia, el Ducado de Milán, Florencia, el Ducado de Ferrara y Suiza.

El Papa Julio II crea una liga anti veneciana que llaman la Liga de Cambrai, cuyo objetivo era contener la influencia veneciana en el Norte de Italia.

No solo resultaron dañadas las casas, junto a ellas también sufrieron las infraestructuras rurales.

La recuperación fue lenta y llega el año 1540, que es cuando crece el mercado urbano de los productos alimenticios y la decisión política de liberar a Venecia y el Véneto, de la dependencia del cereal que provenía del exterior, especialmente el que provenía del peligroso y amenazante imperio otomano. Se invirtió en agricultura y en estructuras, así como en irrigación y drenajes. Los latifundistas invertían y al mismo tiempo crecían tanto sus parcelas como su riqueza.

Existía la necesidad de un nuevo tipo de residencia rural. Algunos pretendían tener un gran palacio en el campo, casi como el de la ciudad, ese fue el caso de la enorme villa da Porto en Thiene, otros tenían la idea de casas o villas más pequeñas para establecer una presencia social y política en el campo y se las adaptó para el reposo, la caza y evitar vivir en las “malsanas ciudades”.

No menor era la pretensión de impresionar a vecinos y huéspedes, muchas veces importantes socialmente, y otras económica y políticamente. Palladio dio respuestas a estas necesidades, y de qué manera!

Imagino a Andrea, pensando que debía documentar de entre todas sus obras aquellas que podrían ser un modelo por los siglos de los siglos, de un referente y un festejo a la buena arquitectura.

Ese, debió ser su objetivo, y me lo imagino con el mismo empeño, con que 152 años más tarde, en 1722 Johann Sebastián Bach  escribiera el clave bien temperado (templado), para demostrar que otra afinación o temperamento era posible. Se alejaba así de las formas de afinación pitagóricas o las de Aristógenes.

Ambos tomaron los elementos preexistentes para crear y producir espacios para una mejor vida.

Seguramente alguien dijo, y si no lo dijo, podemos decirlo nosotros: Son genios, saben, que deben dejar referentes, claras señales que permitan a los demás seguirlas.

Y estoy seguro que Andrea escribía con ese propósito en sus Cuatro libros de arquitectura, sobre esta villa: “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza».

«El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado. En lo alto de la colina ha de estar la sala, redonda, rodeada por las habitaciones, pero ha de tomar la luz por encima de ellas».

«En la sala hay algunas medias columnas que sostienen un balcón al que se entra por las habitaciones de arriba…debajo…están las cocinas, los tinelos y demás lugares. Y como cada lado tiene vistas bellísimas, hay cuatro logias, de orden corintio, sobre cuyos frontispicios surge la cúpula de la sala. Las logias, en semicírculo, tienen un aspecto muy grato. Más abajo, y ya casi en lo llano. Están las bodegas, los establos, los graneros, la vivienda del capataz, y otras dependencias para los trabajos de campo. Las columnas de estos pórticos son de orden toscano, junto al arroyo, en los ángulos del patio, hay dos palomares”.

En muchos casos, además de escribir y comentar sus proyectos, los construía.

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Artículos sobre Palladio

1ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-parte-1-el-teatro-de-la-vida/

2ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iii/

3ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iii-2/

4ª parte  http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iv/

5ª parte  http://onlybook.es/blog/2583-2/

6ª parte  http://onlybook.es/blog/%ef%bb%bfpalladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-vi/

7ª parte  http://onlybook.es/blog/palladio-scamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-vii/

8ª parte  http://onlybook.es/blog/palladio-y-el-teatro-olimpico/

9ª parte  http://onlybook.es/blog/3487-2/

10ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-villa-saraceno/

11ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-villa-cornaro/

12ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-scamozzi-arq-opera-y-venecia-xa/

13ª parte http://onlybook.es/blog/palazzo-del-capitaniato-andrea-palladio/

Gaudí, la casa Vicens parte 2 y final

pueden leer la primer parte en:

Gaudi, la casa Vicens, parte 1

Casa original 

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es foto-de-todo-el-terreno-y-proyecto-de-época.jpg foto de la casa original antes de la ampliación y el terreno completo con las obras demolidas La obra tardó en terminarse cinco años más de lo previsto debido a dificultades económicas del propietario. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es Casa_vicens_09.jpg En 1899 Dolors Giralt, viuda de Vicens, vendió la casa a Antoni Jover i Puig, y luego su propietaria fue Fabiola Jover de Herrero. Gaudi aconsejó muchas veces a la familia Jover sobre algunos detalles y el  mantenimiento de la misma. Debido al desprendimiento de piezas cerámicas de la fachada, Tau cerámicas, realizó las baldosas artesanalmente con técnicas de hace más de 1 siglo. Estas piezas están muy bien realizadas, son del siglo XXI pero se confunden con las realizadas en el siglo XX. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-terraza-y-torre-768x1024.jpg En 1925, la casa fue ampliada y reformada por el arquitecto Joan Bautista Serra de Martínez (1888-1962), con el beneplácito de Gaudí (quien estaba dedicado a las obras de la sagrada familia, y que moriría trágicamente 1 año más tarde). Se construyó un templete en el jardín, con una fuente llamada de Santa Rita, estaba en la esquina con la Avenida Príncipe de Asturias. Fue demolida en 1962. Anteriormente en 1946 se vende esa parte del terreno y las obras que la ocupaban son demolidas, allí se han construido edificios de vivienda. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es a-lateraldesde-jardin-768x1024.jpg
Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-video-plano-detgalle-reja-931x1024.jpg
                detalle de reja
Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-video-caa-1024x501.jpg Utilizando el mismo lenguaje arquitectónico fue ampliada del lado más próxima a la calle Gran de Gràcia con un agregado que alargaba la fachada de la calle Carolines. La casa quedó así convertida en una edificación con cuatro fachadas y ya no quedaba adherida a la medianera del edificio del convento, que fue finalmente derribado. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es calle-1-768x1024.jpg Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es detalle-pared-ladrillo-ceramicos-1.jpg Con la ampliación hubo un gran cambio de uso, ya que paso de ser una vivienda unifamiliar (de veraneo) a casa permanente de 3 familias, esto motivó el derribo de la escalera principal diseñada por Gaudí. En 1927 recibe del ayuntamiento de Barcelona el “premio al mejor edificio”, Serra fue galardonado con el primer premio del concurso anual de edificios artísticos otorgado por el Ayuntamiento. El 24 de Julio de 1969 es declarado “monumento histórico-artístico”, aunque La Generalitat ya la protegía desde los ´80. En el 2005 fue declarada  Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. En mayo de 2017, se anuncia (Europa Press), que la cascada de Gaudi (desaparecida a mediados del siglo XX)  se reconstruirá en el Museo de la aguas de Cornellà. Un proyecto que dirige el arquitecto Josep Vicenç Gómez (1950), experto en la obra de Gaudí.  Daniel Giralt-Miracle (1944), historiador del arte y asesor de la Fundación Agbar, explica que «la cascada, hecha para refrescar el ambiente del jardín de la Casa Vicens, era una obra eminentemente gaudiniana, por el trabajo de los ladrillos, el juego de resistencias, el equilibrio del arco, la reconstrucción se hará con el máximo rigor científico».

“…Todavía no tenemos estudios monográficos o tesis doctorales sobre la luz, el color, la acústica, las texturas el espacio y otros temas que pudiesen surgir de su obra. Es un trabajo que probablemente harán las próximas generaciones”. Luis Gueilburt (1950), fue Director del Centro de Estudios Gaudinianos

La primera casa de Gaudí

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es Casa_vicens_11.jpg Rehabilitada, restaurada y abierta como casa museo. Abrió sus puertas al público el 16 de noviembre de 2017 Es la primera obra de Gaudí en Barcelona, y fue adquirida en el año 2014 por el Grupo Mora Banc, a la familia Herrero Jover. El objetivo del proyecto de rehabilitación (con un coste de cuatro millones y medio de euros), fue dejarla lo más parecida posible a como fue en 1888. La rehabilitación duró casi tres años, el edificio es el octavo en Barcelona catalogado como Patrimonio Mundial de la Unesco

Por otra parte, el aprecio y el conocimiento de Gaudí por los oficios artesanales se debía, en parte, a que la mayoría de oficios de la ciudad trabajaban en la calle convirtiéndola, así, en una prolongación del mismo taller. Es decir, Gaudí creció con el contacto diario del trabajo artesanal –su familia tenía una larga tradición en el oficio de calderero– que, ya como arquitecto, supo aplicar de manera tan genial en una arquitectura llena de modernidad.  Marc Ferrán Vicenç.

“Gaudí tenía 31 años y en esta casa es la primera vez que puede hacer de director de orquesta, y tratar directamente con el cliente”, dice Joan Abellà Barril (1971), director del Museo Casa Vicens.

Video presentación de la casa, en el momento de su inauguración

https://www.facebook.com/LaVanguardia/videos/1698802443516671/

Sin embargo, otras partes y elementos se modificaron e incluso se perdieron, alterando su concepción original. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 1925.-Plano-original-Coincide-con-la-del-rectángulo-amarillo-de-la-foto-actual-de-abajo..-Plano-original-Coincide-con-la-del-rectángulo-amarillo-de-la-foto-actual-de-abajo-1.jpg Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es Archivo-fotográfico-del-Centro-Excursionista-de-cataluña-Imagen-del-edificio-original.jpg En estas imágenes se pueden ver los cambios antes y después de la ampliación, al ampliarse el ancho de la calle Carolines se llevó el límite de la acera hasta la fachada, asimismo se definió los de la avenida Príncipe de Asturias, que cerraba el jardín del otro lado. Se suprimió la palmera del jardín para construir una terraza, la valla original fue reemplazada por la actual forja de hojas de palmito (obra de Llorenç Matamala), idéntica a la de la puerta de acceso. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 1927-rectificación-de-los-límites-de-la-calle-Carolinas-y-de-la-Avenida-Príncipe-de-Asturias-Archivo-Histórico-de-Barcelona.jpg

Sala de Fumadores

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es a-salon-de-fumar-1-763x1024.jpg Las primeras fotografías con que contábamos eran en blanco y negro, sin poder ver los colores originales y con las fotos en color, siempre veíamos la sala de color ocre. Al comenzar a actuar y limpiar hemos descubierto muchos matices de colores: azules, verdes, dorados, etcétera. (5)

….pasar de las fachadas a los interiores, entender su lógica constructiva, entender su replanteamiento de la arquitectura, el uso inteligente de los materiales. Cuando el ladrillo no le basta, busca el basalto o el granito o el ónix. Hace un conjunto de experimentaciones del espacio como los arcos catenaricos o la maqueta estereofunicular. Es otra manera de entender la arquitectura que no es la dibujada sobre el papel sino la que dibuja formas, dibuja espacios, entiende con los ojos y con las manos las formas, esa herencia artesanal que aprende en la casa de su padre el calderero y que perfecciona y consuma en una Escuela Técnica Superior de Arquitectura recién creada que sigue la línea de la Escuela Alemana de la matemática y la ingeniería, y que permite a Gaudí tener ese doble registro como nadie: el de los oficios, de las técnicas que él ha aprendido en su casa y que sabe ejecutar y una capacidad compleja de diseño y de configuración de las formas que será excepcional. Daniel Giralt Miracle. En el año 2002 fue Comisario General del Año Internacional Gaudí

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-videwo-foto-interior-1024x571.jpg

Libro Gaudi Obras completas

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 22544627221-1.jpg

Daniel Giralt-Miracle,  realizó la introducción “El fenómeno Gaudi” a nuestro libro “Gaudi Obras completas”, editorial H Kliczkowski. Firmó la misma como “Historiador de arte, crítico y Comisario general del año internacional Gaudi, este libro que fue dedicado a S.W. llevaba el ISBN 978-84-89439-91-7, tiene 240 páginas (tapa dura con sobrecubierta), editado en distintas lenguas, español, catalán, inglés, francés, polaco, japonés, italiano, alemán, portugués, holandés, ruso.. En conjunto se editaron más de 400.000 libros, se acordaron varias coediciones con otras editoriales, y obtuvo varios premios editoriales. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es fachada-1.png 1925.- Plano original del proyecto de ampliación presentado por Juan Bautista Sierra. Se puede identificar la parte añadida en rojo en la parte derecha de la imagen. Coincide con la del rectángulo amarillo de la foto actual de abajo. Pero la pérdida más sentida de aquel jardín fue la de la imponente cascada monumental que había en la parte de poniente del jardín, cerca del umbral con el callejón de Sant Gervasi, también hoy desaparecido. La estructura de la cascada era de ladrillo visto con un arco parabólico sobre el que había un paso entre columnas. El agua, almacenada en dos depósitos situados en cada uno de los extremos, caía ofreciendo agradables efectos ruidosos. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es imagenes-compaativas-de-los-cambios-fachada-y-acera-1.jpg

“Hemos encontrado más sorpresas, como la galería exterior, cerrada con vidrio, que estaba abierta. Estamos restaurando la fuente, que tenía una pieza que dibujaba un arco iris… Mil y un detalles que Gaudí nos dejó y que estamos intentando recuperar”. (4)

Aunque Antoni Gaudí, a veinte años de su muerte, ya era considerado en todo el mundo un arquitecto de prestigio, el régimen del momento no solo no protegió el patrimonio arquitectónico de la ciudad, sino que permitió la desaparición en 1946 de esta parte de la casa. La Gran cascada y el jardín, mutilado, no se pueden recuperar.

“Es una lástima. La cascada aún la podríamos reproducir, pero no en el espacio original, porque era una finca que se fue reduciendo hasta el aspecto actual. La casa era de veraneo, y Vicens fue comprando las fincas de los alrededores para hacerla muy grande, pero después se dividió porque allí vivía una familia todo el año. La ciudad se fue apropiando del espacio”. (5)

 Gaudí no proyectaba, Gaudí tenía en su cabeza los edificios terminados, y así los trasladaba a las maquetas, completos, sería más tarde cuando haría los cálculos que le permitieran construirlos. Gaudí poseía una intuición primitiva y en su sentido más noble, animal, el mismo instinto que le dicta a la golondrina el buche exacto de barro que llevará en su pico y la herencia inmemorial que le dirige cómo construir el nido que colgará bajo un balcón, perfectamente adherido, sin desprenderse haga el viento que haga. Ninguno de esos animales ha necesitado leer Entretiens sur l’Architecture de Viollet-le-Duc  para hacer esa exquisita obra. Del mismo modo, Gaudí llevaba en la sangre bastantes generaciones de antepasados caldereros, artesanos que sabían envolver el espacio, creando volúmenes, y por ello su sabiduría también era genética… Ana Mª Férrin (biógrafa de Gaudí).

Un accidente mortal

Hablan los vecinos…. Brutal noticia: La bebé Ramona Domènech i Tarragó, de pocos meses de vida se ahogó accidentalmente en la cascada del jardín –la que actualmente ya no existe-. Ésta noticia apareció publicada en periódicos como, La Vanguardia y La Campana de Gràcia, a finales de 1898. El 26 de Octubre de 1898 en el periódico La Publicidad se describe la finca propiedad de Dolores Giralt, viuda de Manuel Vicens i Montaner, como de un estilo original, “mezcla de todas las arquitecturas que la distingue de los otros edificios”, una casa “casi rodeada de jardines, desierta desde hace algunos años”. Estas crónicas nos permiten saber: que la señora Giralt, viuda del señor Vicens, dejó de habitar en ella después de la muerte de éste y se fue a vivir a la casa del rector de la iglesia de Sant Joan de Gràcia, Francisco Llanas Viñas.

Ha ocurrido que Gaudí es esencialmente visual. La fuerza de Gaudí es la expresividad de la forma, la intensidad del color, la capacidad de hacer una arquitectura diferente que va entre la racionalidad más pragmática de su formación como arquitecto de alto nivel y de esa capacidad artística de determinar espacios, formas, signos y símbolos. Si unimos un arte exacerbado potente y una capacidad técnica y constructiva excepcional, sale este melting pot (crisol de culturas), este binomio, este matrimonio que es Antonio Gaudí. Daniel Giralt Miracle. En el año 2002 fue Comisario General del Año Internacional Gaudí

Manuel Vicens, en su testamento, nombra como tutor legal de su hija adoptiva al mismo Francisco Llanas así como también al escultor Antoni Riba, autor de las dos esculturas que se conservan en el comedor de la Casa Vicens. En las noticias podemos también saber cómo describían a la casa, al jardín y la cascada. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-video-foto-cascada-1024x552.jpg Según La Publicidad era una “construcción alta, esbelta, hermosa, oculta casi por la hiedra, que hace desaparecer las líneas de su arquitectura”, Publica La Campana de Gràcia una nota ilustrada con una imagen de la Casa Vicens, en concreto de la fachada sureste, de la calle de les Carolines. , estas  fotografías (de las pocas que se conservan) han permitieron abordar la restauración y rehabilitación de la casa con menores errores de los posibles, debido a la falta de documentación. En ese otoño de 1898 la Casa Vicens fue un tema de conversación recurrente entre el vecindario de Gràcia. Además de comentar el accidente mortal dan opinión de la casa: “la finca desde la calle de Sant Gervasi presenta un aspecto triste, en cambio, vista desde los jardines, ofrece una silueta preciosísima, contemplándose sus atrevidas torres, sus originales arcos, sus galerías, los parterres preciosos, etc.” Dirección:   Está sobre la calle Carolines, 24, en el barrio de Gracia,en Barcelona. Cuando se construyó Gracia era una villa independiente de Barcelona, con un ayuntamiento propio.

Podríamos decir que a las tres cualidades que deben presidir la Arquitectura según Vitrubio, “la Función”, “la Técnica” y “la Forma”, añadió Gaudí además, “la Naturaleza”, con igual relevancia, e incluso anteponiéndola a las otras tres del Arquitecto romano. Para Gaudí, su gran maestro, la Naturaleza, se manifestaba en el mismo árbol que veía a través de la ventana de su estudio, en el L’Obrador de la Sagrada Familia. Josep Ma. Adell.

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es viven2-1024x687.png Que se puede ver? En una casa de cuatro plantas, con 10 puntos de museografía, un audiovisual, la sala fumador, la galería exterior, la terraza, la biblioteca, el bar y el jardín. Está previsto que la visiten 500 personas al día, 150.000 al año. Calle de les Carolines, 20-26 08012 Barcelona reserves@casavicens.org +34 93 547 59 80 

Horarios

Abril – Septiembre, de lunes a domingo de 10:00 a 20:00 hs. Octubre -Marzo, lunes de 10:00 a 20:00 hs. de martes a domingo de 10:00 a 19:00 h. Autobús: 22, 24, 27, 31,32, 87, 92, V17, N4 Metro: L3 – Lesseps / Fontana FGC: Pl. Molina (L7) y Sant Gervasi (S5, L6)

Frases de Gaudi

“Sólo hay una clase de hombres que tengan derecho a decir tonterías, los tontos”. de la discusión no sale la luz, sino el amor propio”. – “desconfía de los que te adulan, porque detrás de las adulaciones viene el engaño”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es terraza-16-768x1024.jpg – Definía al Arquitecto como “el hombre sintético, que ve las cosas claramente de conjunto antes de que estén hechas, que escoge y une a los elementos en su relación plástica y en la distancia justa; y que tiene que resolver los difíciles problemas artísticos, los mecánicos y los utilitarios”. Sobre los trabajos de Le Corbusier, Gaudi opina críticamente: “he visto una maqueta de este arquitecto y es un montón de paralelepípedos. Parece mucho un muelle de descarga de una estación donde se han metido cajas de embalajes. Algunas de ellas recuerdan mucho  a estantes. Este hombre tiene mentalidad de carpintero”.  Ideas de Gaudí que vertió durante los trabajos de la Sagrada Familia y transcritas por sus discípulos: “La arquitectura es la ordenación de la luz; la escultura es el juego de la luz; la pintura, la reproducción de la luz por el color; que es la descomposición de la luz”. “Mis ideas son de una lógica indiscutible; lo único que me hace dudar es que no hayan sido aplicadas anteriormente, y que tenga que ser yo el primero el hacerlo”. “La originalidad consiste en el retorno al origen; así pues, original es aquello que con sus medios vuelve a la simplicidad de las primeras soluciones”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es terraza-14-768x1024.jpg “Se debe estar ocupado todo el día, intelectualmente y manualmente, caminando y haciendo ejercicio, todo a proporción a las fuerzas que se tienen. Así se duerme toda la noche completa, y esto es el equilibrio, la compensación, la vida”.  “El gran libro, siempre abierto y que conviene esforzarse en leer; es el de la Naturaleza; los demás libros han salido de éste y tienen además las interpretaciones y equívocos de los hombres”. “Para hacer las cosas bien se debe sentir amor por ellas y disponer de la técnica”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es f-ceramicas-3-1024x630.jpg  “El Arquitecto ha de saber aprovecharse de lo que “saben hacer” y de lo que “pueden hacer” los operarios. Se ha de aprovechar la cualidad preeminente de cada uno. Eso es: integrar, sumar todos los esfuerzos y darles la mano cuando se atasquen: así trabajan a gusto y con la seguridad que confiere la plena confianza en el organizador”. “Para la armonía, esto es, el equilibrio, es necesario el contraste; luz y sombra: continuidad y discontinuidad; convexidad y concavidad, etc.”.  “La elegancia es hermana de la pobreza; pero conviene no confundir la pobreza con la miseria”.  “En la iluminación de las iglesias hay el malentendido de los que creen que el exceso de luz favorece. No es así. La luz debe ser la justa; ni mucha ni poca”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es e-cereamica-924x1024.jpg  “Los paraboloides, hiperboloides y helicoides son superficies regladas, arregladas, puestas en regla, reglamentadas”. “La cualidad esencial de la obra de arte es la armonía; en las obras plásticas nace de la luz, que da relieve, decora”. “Para hacer una cosa se necesita tanto más coraje cuanto menos conocimientos se tengan, pues estas dos cualidades están en razón inversa”. “La arquitectura es la primera arte plástica; la escultura y la pintura necesitan de ella”. “Para que una obra arquitectónica sea bella, es preciso que todos sus elementos tengan la situación, la dimensión, la forma y el color justos”. “A los artistas no se les debe hacer monumentos, puesto que ya lo tienen hecho con sus obras. Para conmemorar actos de heroísmo, abnegación o sacrificio que pronto serían olvidados, puede hacerse un monumento”. -“la belleza – decía – es resplandor de la verdad” “la verdad incorpora la belleza, y no requiere explicación para ser admirada. “nosotros poseemos la imagen, la fantasía viene del fantasma, la fantasía es de la gente del norte, nosotros somos concretos, la imagen es del Mediterráneo, Orestes sabe dónde va, Hamlet divaga perdido”. Anécdotas sobre Gaudí – De su firmeza de carácter recuerdo la anécdota de que recibió el encargo de la decoración de la habitación de una casa noble y que después de terminado se le pidió que la reformara al objeto de que la niña de la casa pudiera tocar el piano, a lo que se negó Gaudí, proponiendo que tocase el violín en vez del piano. (Joan Jordi Bergós) NotasEsta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es ventana-747x1024.jpg 4 “GAUDÍ ARQUITECTO”.  Colegio de Arquitectos de Madrid. 16 de Abril de 2002. 5 Joan Abellà Barril director de la casa Vicens. El artículo Joan Abella: Amb Casa Vicens volem fer un Gaudí per passejar-lo sense massa pressa” fue publicado en El Periòdic de Andorra el 13 de marzo de 2017.
Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente gracias
más artículos en mis blogs :  hugoklico.blogspot.com onlybook.es/blog

Arq. Margarete Schüte-Lihotzky, “Grete”.

Margarete Schüte-Lihotzky, “Grete”

Su esencia fue su compromiso social y político. (1)

En la fundación Juan March, la arquitecta Fuensanta Nieto, concluyó su conferencia, diciendo: “…así como Grete, ayudó con su esfuerzo a las mujeres del siglo XX y XXI, nosotras debemos hacer el esfuerzo de ayudar a las mujeres sometidas para que en éste y el próximo siglo, su vida sea mucho mejor que la de hoy”. (2)

Con una calidad expositiva extraordinaria, acompañada de imágenes y videos, nos adentrarnos en la vida de Margarete Schüte-Lihotzky, conocida como “Grete”.

 Fuensanta Nieto (1957), junto a Enrique Sobejano (1957) forma parte del reconocido estudio de arquitectura: Nieto/Sobejano.

Han recibido más de 15 primeros premios, la medalla Alvar Aalto, el  premio Aga Khan, el Premio Nike de la BDA (Bund Deutscher Architekten) y el Premio Hannes Meyer. Fuensanta es codirectora de la revista Arquitectura (editada por el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid).

Margarete Schüte-Lihotzky. “Grete”

“…la arquitectura no es un estímulo estético, sino un arma eficaz en la lucha de clases”. Hannes Meyer

Grete vivió 103 años, 80 de los cuales los dedicó a su profesión.

Fue la primer mujer arquitecta en Austria.

Conocía a Oskar Kokoschka (1886-1980), trabajo con Adolf Loos, (1870-1933) de él aprendió “la forma de ver la arquitectura”.

Su defensa de la mujer se fue transformando en un activismo político, su interés principal fue la vivienda social y la sistematización y racionalización. Su interés por el equipamiento social no ha sido otro que el interés por ayudar a la mujer, mejorando su posición social.

Su padrino para entrar en 1915 en la Escuela de Artes Aplicadas, fue Gustav Klimt -a pedido de su madre-. Tuvo de profesores a Oskar Strnad (1879-1935), Henrich Tessenow (1876-1950) y Josef Hoffmann (1870-1956).

Su profesor Strnad le enseñó que “..todo milímetro cuenta, es importante y puede modificar la forma en que vivimos”. Sus estudios se desarrollaron mientras duró la 1er. Guerra mundial.

Obtuvo en 1917 el premio Max Mauthner por el “Proyecto para un centro cultural» y en 1919, el premio Lobmeyer por unas viviendas para trabajadores.

En 1918 desaparece el imperio austro-húngaro y nace la república.

Decía que la calidad de las viviendas marca la diferencia entre las clases desfavorecidas y las acomodadas.

En 1920 gana el concurso para la Construcción de pabellones en huertos parcelados en Schafberg, junto al arquitecto paisajista Alois Berger.

Adolf Loss fue director del Ministerio de la vivienda de Viena entre 1920-22,  Grete (en 1921) colaboró con él en el proyecto de la Siedlung Friedensstadt.

Fue profesora de arquitectura en Moscú, China, Estambul y la Habana.

En Berlín proyecta el conjunto de viviendas “Mietskasernen”.

En 1924 contrae la tuberculosis, (su madre no consigue sobrevivir a la enfermedad), es internada en el sanatorio antituberculoso de Grimmenstein. Durante su convalecencia  en 1925 realiza el proyecto de una ciudad-sanitaria y un “mobiliario adaptado”.

                                         Karl Marx Hof

Hizo un pormenorizado análisis de las 65.000 viviendas que se construyen en la Viena Roja. En una época de plena construcción de viviendas el arq. Karl Ehn (1884-1959) hace la Karl Marx Hof 1927/30 (hof = patio). Son 1.400 viviendas para la clase obrera desarrolladas en 1.100 mts, son viviendas de baja densidad (20%) con equipamientos sociales.

En la misma época se realizan otros conjuntos de viviendas, realizados por Behrens (1868-1940), Hoffman, Frank, Strnad y Loos.

Simultáneamente proyecta un refugio para trabajadoras de 192 viviendas.

Grete conoce al urbanista Ernst May (1886-1970). Este se queda muy impresionado de su capacidad y en 1926, ya nombrado concejal de urbanismo, le encarga tareas para la Neue Frankfurt. El lema es “Luz, aire y sol”.

La misión de Grete consistió en aunar ideas sobre la racionalización de la economía doméstica para aplicar a las diversas tipologías de viviendas que se construirían en Fankfurt am Main.

Entre sus primeras mejoras, figura la separación de áreas como la antigua cocina-lavadero.

En la ciudad de Frankfurt am Main. Son 15.000 viviendas, que equivalen al 90 % de las viviendas edificadas en esa ciudad en ese período.

Es  una época de reconstrucción, Alemania queda muy destruida después de la guerra. Entre 1922/24 se realizan grandes construcciones de viviendas.

En 1926 escribe varios artículos en la revista fundada por Ernst May “El nuevo Frankfurt”, como la cocina de Frankfurt, las cocinas para colegios y enseñanza y la vivienda para la mujer trabajadora.

 “…solo cuando la función se haya resuelto, puede comenzar el proyecto” MS-L

“La cocina de Frankfurt”, la Frankfurter Küche

 “Yo no soy una cocina: Si hubiera sabido que todos hablarían solo de ello, no habría construido nunca esa maldita cocina”. MS-L

Su primera cocina llamada de “núcleos húmedos” o “zona de aguas”, es de 2 x 2,05 mts con un pasillo o espacio de trabajo de 95 cm.

En septiembre de 1922 la expone en la «4ta. Exposición Hortícola Vienesa». La patenta aunque no se industrializa,

Ese año recibe la Medalla de Bronce de la ciudad de Viena.

Investigó tres posibilidades:

La cocina-estancia con cocina-lavadero.

La cocina-comedor.

La cocina-trabajo.

Consideraba que si se concentraba las actividades en un  solo espacio se ahorraba energía para la calefacción y se fomentaba la comunicación familiar.

Su idea de cocina-comedor trataba de evitar la segregación de la mujer del resto de la familia. En Weissenhoff en 1926, que diseñó Lilly Reich (1885-1947) expone su “cocina de Frankfurt” de 6,50 m2.

Las mujeres trabajaban en la casa, en el llamado “trabajo doméstico”. Grete no cuestionaba ese trabajo, pero estudio la manera que pudieran hacerlo de una forma más eficiente, al tiempo que deseaba que se éste se reconozca como una profesión.

Para ello estudia la altura de los muebles y su distribución, ahora la mujer  moderna puede trabajar sentada, tiene el almacenamiento de comida a mano, y puede tirar la basura a cubos más cercanos a su tarea.

Con un acceso al agua más fácil y práctico. Estudió recorridos más fáciles, cortos y más eficientes

Incorporó un taburete que puede subir o bajar el asiento.

Le puso un color azul verdoso, en un estudio que realizara llegó a la conclusión que ese color no atrae las moscas.

Realiza cajoneras metálicas, donde no van los insectos de la madera.

Es un proceso de estandarización y de homogenización.

Es la 1era vez que se planteaban esos temas, han pasaron 100 años y se sigue el mismo o similar esquema.

En la exposición la nueva vivienda y su diseño interior la nueva cocina obtuvo su mayor publicidad y conocimiento social.

Feria de Frankfurt de 1929

Su difusión permitió que otros países como Francia incluyeran su modelo de cocina en 260.000 viviendas. Frankfurt en 10.000 hogares, Moscú, etc.

Podría ser comparable a su diseño de cocina (por la sistematización), la “Dymaxon” de Buckmister Fuller (1895-1983).

En 1924 la comunidad vienesa encarga a la Asociación Hortícola Austríaca, construir un gran bloque de viviendas obreras, se ocupan los propios arquitectos de la Asociación  Grete Schüte- Lihotzky y Franz Schuster (1892-1972), junto a ellos los  arquitectos modernos:

Peter Behrens, Josef Frank, Josef Hoffmann, Adolf Loos, Oskar Strnad, Oskar Wlacgh (1881-1963)

En 1926, a raíz de un concurso que realizo (y no ganó), estudio la cocina en los trenes, le interesaba saber cómo en un lugar tan acotado se preparaba comida para 100 personas.

Durante la conferencia Fuensanta pasa un video de la cocina de Grete, la misma que luego se construyó en 10.000 viviendas.

                                    Charlotte Perriand

La arquitecta Charlotte Perriand (1903-1999) también diseña una cocina que luego instala en una unidad habitacional de Le Corbusier. Así como las cocinas de las case study, se puede hacer una visión conjunta de las cocinas de MS-L, Perriand y Case Study.

“..Nunca antes había cocinado, no se cocinar, lo he diseñado como arquitecta…” MS-L

Con la habilidad que su gran humor le permitía, pudo incorporar en proyectos que eran solo accesibles a hombres, sus ideas, y pudo reinventar el equipamiento social.

Entre sus diseños figura una escuela en 1929 para enseñar a cocinar, con una profesora en un lugar central y un semicírculo de estudiantes, con sus mesadas y cocinas.

Desarrolló un equipamiento y programas específicos para mujeres, como un Kindergarten en Praunheim (que no llegó a construirse) pero si el modelo, que fue repetido en otros diseños de viviendas, sus proyectos decía, respondía a las indicaciones de Maria Montessori (1870-1952. (3)

                  Siedlung Römestadt

En 1929, participan Grette y Eugen Kaufmann (1892-1984) del segundo congreso del CIAM. (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna), celebrado en Frankfurt, donde presentan un proyecto para viviendas en hilera. Hay un contencioso entre los estándares mínimos que presentaba  Ernst May (1886-1970) y los de “existencia máxima” de Le Corbusier, en ese congreso.

Cuando se traslada a Moscú con su marido, se hacen cargo de equipos que están proyectando viviendas para 200.000 trabajadoras. Cuando dejan el proyecto en 1933 se trasladan de Rusia a China y Japón.

En China la invitan a quedarse para desarrollar sus proyectos de kindergarten, y su tarea consistió en normalizar el mobiliario de las guarderías.

      Bruno Taut: Onkel-Toms-Hütte, Wilskistrasse, Berlin

Conocen al arq. Bruno Taut (1880-1938) cuando éste estaba exiliado en Japón.

              Grete con Taut y Bruno en Japón

Cuando Taut se traslada a Estambul, llama a Grete y su marido. Grete dará clases de arquitectura durante 2 años.

Siempre fue una activista política, cuando decide unirse al partido comunista deja la seguridad de Estambul, conoce al arquitecto Herbert Eichholzer (1903-1943 ejecutado por los nazis), fundador del grupo antifascista austriaco de Turquía, y junto a él viaja en las Navidades de 1940 a Viena, donde tiene contactos con el jefe de la resistencia.

Ese encuentro la acerca a la muerte cuando es detenida por la Gestapo, y piden para ella ser condenada a muerte, que luego conmutan a 15 años de cárcel.

En Mayo de 1945, con el fin de la guerra  es liberada luego de pasar 4 años y medio presa en el presidio de Aichach en Baviera.

Pero la situación de pos guerra y las dificultades de transporte y traslado no le permiten reencontrarse con su marido, entonces se traslada a Sofía, Bulgaria.

Recién en 1947 pueden  reencontrarse (1900-1968). Se habían casado en 1927 (la pareja se separa en 1951)

En Viena le resulta  muy difícil trabajar debido a su relación con el Partido comunista, al no recibir trabajos, viaja a China y a Cuba.

Ya es una activista política, aunque nunca dejo de serlo ni en su vida pública ni en su profesión.

                                           Grete en su casa

Junto a Lina Loos (Carolina Catharina Obertimpfler 1882-1950), quien fuera la primer mujer de Adolf Loos, crea la Unión de Mujeres Demócratas Austriacas.

Su compromiso con las mujeres y los marginados fue constante.

En sus últimos años de su dilatada, valiente y generosa vida ingreso en la en el Consejo de la Paz y en la Asociación de Campos de Concentración (KZ) y Resistencia.

En 1988, rechazó el prestigioso premio vienés “Titulo de Honor Austríaco de la ciencia y el Arte” al saber que lo recibiría de manos del presidente Kurt Waldheim (1918-2007), que fuera oficial del ejército nazi.

Murió 2 años más tarde, a los 103 años de una vida ejemplar.

Notas

1

Heroínas del espacio.

Mujeres arquitectas en el Movimiento Moderno. Carmen Espegel. 2007 editorial Nobuko. Textos de Arquitectura y Diseño.

Director arq. Marcelo Camerlo.

2

El ciclo de conferencias «Pioneras de la arquitectura», se realizaron en la fundación Juan March, en su sede de Castelló, 77 en Madrid, del 6 al 15 de Noviembre de 2018. «Domesticidad y Poder. Eileen Gray y E.10276» por Beatriz Colomina, arquitecta y profesora en la Universidad de Princeton, EEUU; «Lilly Reich: «El espíritu del material» por Carmen Espegel, arquitecta, estudio Espegel/Fisac y profesora en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid; «Margarete Schütte-Lihotzky» por Fuensanta Nieto, arquitecta, estudio Nieto/Sobejano y profesora en la Universidad europea de Madrid; «Charlotte Perriand: arquitecta del movimiento moderno» por Ängela García de Paredes, arquitecta, estudio Paredes/Pedrosa y profesora en la escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.

3

Maria Tecla Artemisia Montessori, más conocida como María Montessori, fue una educadora, pedagoga, científica, médica, psiquiatra, filósofa, antropóloga, bióloga, psicóloga, feminista y humanista italiana. Fue la primera mujer italiana que se graduó como doctora en Medicina.

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente
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Eileen Gray. la casa E-1027, historia de una excepción

Eileen Gray. La casa E-1027, historia de una excepción

Ayer, 6 de Noviembre de 2018, comenzó el ciclo de conferencias “Pioneras de la Arquitectura”, en la fundación Juan March en su sede de Madrid.

Lleno total.

La Arquitecta Beatriz Colomina habló de Eileen Gray (Enniscorthy, Irlanda, 1878 – 1976 Paris), de su casa E.1027 y su relación, amor/odio con Le Corbusier.

Muy interesante el planteo de la exposición, basada en la evidencia de su conflictiva relación arquitectónica y personal con su incomodo vecino. Incómodo por su injerencia y protagonismo, en una casa en la que llegó a pintar – sin que nadie se lo pidiese – ocho murales, y a la muerte de Badovici (pareja de Eileen) su activismo tenaz en conseguir reunir los fondos para comprar la casa, en un momento en que estaba realizando gran cantidad de proyectos, se dedicó a enviar más de 100 cartas a gente de su entorno con tal fin.

Beatriz, la conferencista, dijo que presentaría “la historia de una excepción”. Este tema lo sigue desde hace al menos 25 años, calificó la  historia como » la de un culebrón”.

E-1027. la casa y el acantilado

A finales de 1920 la arquitecta y diseñadora Eileen Gray, diseñó y construyó a orillas del mar la Casa E-1027, que se convertiría en un hito de la arquitectura moderna.

Construida como residencia de verano, para compartirla con su amante, el arquitecto, crítico y editor rumano Jean Badovici (1893-1956),  quien ayudó en parte al diseño del proyecto.

Como se conforma el nombre E-1027?

Jean Badovici

  “E” por Eileen,

  “10” por ser la J de Jean la 10 letra del    abecedario,

  “2” la letra del apellido Badovici y

  “7” porque G de Gray es la séptima letra.

  La relación entre ambos terminó en 1932,   fecha importante en relación al uso de la casa.

Le Corbusier, demostró un sentimiento muy particular por la casa, al punto de comprar un terreno del lado este de la E-1027 y construyó su célebre “Le Cabanon”, una pequeña y rústica cabaña prefabricada de un módulo de 3.66 x 3.66 m y de 2.66 m de altura. 

Su acceso principal es a través de un corredor de 0.70 m de ancho, así como una puerta que da directamente al bar “L´etoile de mer”.

Iba a trabajar y a descansar, contemplando un paisaje tan maravillosamente bello como tranquilo.

Allí se bañaba, nadaba, incluso cuando sus médicos le aconsejaron que por su problema cardíaco no debería esforzarse, cosa que si hizo Le Corbusier y esforzándose y nadando hacia la puesta de sol de aquel dramático viernes 27 de agosto de 1965 hasta encontrarse con la muerte, a la que a pesar de su tozudez no pudo ni vencer ni convencer.

Unos bañistas lo encontraron sin vida.

La E-1027 es una construcción del movimiento moderno donde empleó muchos de los principios de Le Corbusier, pero (y aquí la base del enfrentamiento con él) Gray no consideraba “la casa como una máquina para vivir”, sino como un organismo vivo, una extensión de la experiencia humana.

“ no es una cuestión de simplemente construir hermosos conjuntos de líneas, sino sobre todo, viviendas para las personas”…”las fórmulas no son nada”, , …”la vida es todo”. Eileen Gray

A esta casa no se puede llegar en auto, sino peatonalmente a través de un sendero. Está construida sobre un acantilado.

Eileen, mientras se construía la casa, vivió allí, durante 3 años.

Pudo con exquisitez profesional, hacer un referente de la arquitectura moderna.

La privacidad es uno de los objetivos principales de E-1027.

En el exterior, las ventanas de cielo a piso y abiertas al mar Mediterráneo entregan luz natural y amplias vistas, pero también incluyen persianas y dos franjas de lienzos que protegen al interior de la casa, bloqueando la luz natural y enmarcando la privilegiada vista de la costa.

Después de la muerte de Le Corbusier, toda la zona fue declarada “Espacio Moderno”.

Y está considerada como área de importancia cultural e histórica, al  mismo tiempo que se reconoce a la E-1027 de Eileen Gray como elemento fundamental del lugar.

En referencia a la E-1027, el reconocimiento al trabajo de Eileen Gray recién llegaría en 1967 con un ensayo escrito por Joseph Rykwert (1926) arquitecto, profesor emérito en la Universidad de Pensilvania y uno de los más destacados historiadores de la arquitectura.

Hasta ese entonces, el mérito había sido adjudicado completamente a Badovici e incluso a Le Corbusier.

“…la arquitectura es el juego magistral, correcto y magnífico de los volumenes bajo la luz del sol.”Le Corbusier, Vers une architecture, 1923

La sórdida historia de la icónica Casa E-1027 

Eileen y Corbu

Textos extraídos de otras fuentes, entre ellos el artículo publicado en la revista “Metropolis Magazine”.

«Uno debe construir para el ser humano, para que pueda redescubrir en la construcción arquitectónica el placer de la autorrealización en un todo que lo extiende y lo completa». Escribió Gray en un  número de L’Architecture Vivante en 1929

La casa, aun en vida de Eileen, fue abandonada, y se fue deteriorando.

Le Corbusier, aprovechó una de sus ausencias (desde 1937-39) y pintó en sus pulcras, y blancas paredes, ocho murales, lo que enfado y enfrento a ambos arquitectos.

Eileen, con total razón, dijo que se había atentado contra el carácter de la vivienda (su vivienda). Y tildo de “vandalismo”, los  murales realizados.

Después de esto, ya no regreso a la casa, y comenzó el deterioro.

Beatriz Colomina, la conferencista, mencionó la condición bisexual de Eileen,  (no sé qué importancia tiene las preferencias sexuales al hablar del trabajo de una arquitecta)  así como el mal carácter y prepotencia de le Corbusier.

Es muy evidente que le Corbusier, no tenía ningún derecho a pintar sus murales, pero, tenía una relación obsesiva con la casa, y Eileen también con su incomodo vecino.

Cuando éste hizo el Cabanon, Eileen la denominó “Caseta de perro guardián”.

«Incluso los muebles deben perder su individualidad y mezclarse con el conjunto arquitectónico». Eileen Gray

Le Corbusier fue un gran amigo de Badovici, relación clave en este culebrón.

Luego que Gray y Badovici finalizaran su relación en 1932, el arquitecto rumano se quedó con la casa y se alojaba a menudo con su nueva esposa.

Contra toda voluntad de GrayLe Corbusier pintó murales dentro de la casa, con la venia de Badovici.

Asimismo, el arquitecto franco-suizo incluso intentó comprar la casa, al  no poder hacerlo, optó por comprar una propiedad cercana donde construyó la pequeña cabaña: la Cabanon de vacances.

La degradación de la E-1027 continuó durante la Segunda Guerra Mundial cuando soldados del ejército nazi practicaron su puntería

Muerte simbólica y muertes reales

El 27 de agosto de 1965 el cuerpo de Le Corbusier apareció en esa misma costa, tras morir ahogado mientras nadaba.

En 1980 la arquitecta suiza Marie-Louise Schelbert, entonces propietaria de la E-1027, fue encontrada muerta en su departamento en Zúrich, Suiza. Tres días antes de su muerte, su doctor Peter Kägisecretamente había robado el mobiliario original y lo había rematado en Zúrich.

Cuando Schelbert murió, Kägi heredó la casa y la utilizó para organizar orgías con drogas incluidas.

En 1996 el propio Kägi fue asesinado en la sala de estar.

Deterioro y reconstrucción y rehabilitación

“La casa sufrió las profanaciones de Le Corbusier…” (Bueno, pienso que se exceden un poco, me hubiese encantado que Le Corbusier hubiese profanado mi casa todas las veces que hubiera querido, aunque pienso que no le habría interesado tanto, le interesaba la de Eileen), también las balas del ejército nazi, las orgías con drogas de Peter Kägi y su total abandono.

Le corbuisier y su esposa, en su auto Voisin C7 «Lumineuse» de 1927. actualmente en la fundación Norman Foster en Madrid

En la conferencia Beatriz ironizó, uno cuando quiere pintar busca pintor, y no es al revés.Le Corbusier destrozó la pared al dibujar Tres mujeres que representan a Eileen y Jeanjuntas, a pesar de que no se le «concedió la autorización completa». Le Corbusier dijo “no lo considero como una invasión, sino como un regalo “free of charge”. Del libro «Líneas de batalla» – Beatriz Colomina).

Por su enorme valor arquitectónico Cap Moderne – la organización que se ha dedicado a rehabilitar el edificio para convertirse en destino cultural – ha iniciado una campaña de financiamiento colectivo para continuar con la restauración del edificio.

¡¡Pienso que bueno que sería que con el Parador Ariston ocurriera algo similar, podríamos denominarlo “Moderno Ariston”!!

En 1999, la villa fue comprada por la organización Conservatoire du littoral y desde ese entonces ha pasado por diversas remodelaciones.

En 2014 Cap Moderne pasa a administrar la villa junto a la cabaña de Le Corbusier. «Hemos tomado la decisión, que no está de moda en los cursos de conservación, de reconstruir lo que ha sido destruido [y devolverlo] a su estado en 1929», dice Tim Benton, curador de Cap Moderne y profesor de historia del arte especializado en el siglo XX, y agrega: “… hace 12 años, la villa seguía prácticamente en ruinas, y la pared de la sala de estar estaba hecha trizas. Casi todo ha sido, o está, o será reconstruido».

En su actual campaña Cap Moderne espera reunir 50.000 dólares, junto al compromiso del gobierno francés de igualar las donaciones privadas que reciban.

El dinero recolectado se destinará a remodelar el comedor de la villa, incluyendo una mesa de comedor con luz eléctrica incorporada y una tapa de corcho diseñada para proteger los platos y vasos, además de un recipiente de limones especialmente hecho para la villa (los limones Menton fueron alguna vez una especialidad regional). La asociación recreara la silla “Non Conformist”,también diseñada por Gray, y una mesa plegable dentro del comedor que se abre convirtiéndose en un bar.

«Si se la considera vacía, esta es una de las 100 casas más importantes de fines del movimiento moderno», dice Benton. «Pero en su interior es uno de los cuatro interiores más importantes del movimiento moderno en todo el mundo. Es por esto que estamos haciendo de nuevo el mobiliario con las mismas herramientas, los mismos materiales y los mismos procesos que los originales»,

“Maison en bord de mer”

Este video de Ivorypress presenta el proyecto del artista Kasper Akhøj (1976)  titulado Welcome (To The Teknival).

Serie fotográfica tomada por Akhøj entre la primavera de 2009 y el verano de 2017 durante la restauración de la E-1027,

Se basan en una serie de fotografías de Eileen Gray, publicadas por primera vez por Jean Badovici en un número especial de la revista L’Architecture Vivante de 1929, año en que se terminó su villa en Roquebrune-Cap-Martin, en la Costa Azul. Kasper registró la restauración y la resurrección de esta villa moderna, una de las pocas construidas por una arquitecta de la época.

Las fotografías se tomaron durante un período de seis visitas al E-1027 (en 2009, 2010, 2015 y 2017),

Caracteristicas espaciales y de diseño

Eyleen no ha utilizado la planta libre como esquema.

Sus espacios interiores no se revelan inmediatamente: las habitaciones son espacios a la espera de ser descubiertos. Dado el compacto espacio de la vivienda (130 metros cuadrados) y la amplia cantidad de habitaciones, fue meticulosamente eficiente con el espacio. Tales condiciones llevan a innovadoras soluciones alternativas: los closets se abren para convertirse en muros, el sofá de la sala de estar se convierte en una cama y toda una serie de armarios y otros muebles a medida están encajados o intrínsecamente en sintonía con el resto de la casa.

El mejor ejemplo de esta creatividad es la Mesa E-1027: diseñada originalmente para la hermana de Gray, para que desayunara en cama sin dejar migas de pan en las sábanas.

Es una pieza maestra del mobiliario diseñado en el movimiento moderno.

La mesa consiste en dos tubos circulares de acero cuya base abierta gira en torno a un pilar, mientras la altura de la mesa se ajusta permitiendo que quede a la altura de la cama.

Muchas de estas fotografías son de Manuel Bougot.

Cosas que comentó Beatriz Colomina sobre le Corbusier.

– Le Corbusier, pedía la casa prestada por 1 día y se quedaba meses, junto a su esposa la modelo Yvonne Gallis (1892-1957), con quien estuviera casado desde 1930 hasta la muerte de ella.

                                                              Marguerite Tjader Harris

– no se dijo nada si también llevo allí a su affair “long time” la rica heredera sueco-estadounidense Marguerite Tjader Harris (1901-1986).

Conoció a Marguerite a raíz de hacerle un proyecto, la Villa Harris, cerca de donde construyó una pequeña casa para sus padres a orillas del Lago Lemán. La villa Harris nunca paso la etapa de proyecto, pero a partir del encargo Marguerite Harris y Le Corbusier forjaron una sólida y sentimental amistad que los mantuvo vinculados durante toda la vida.

– Le Corbusier, decía cosas como “dibujar es como ocupar la casa de un extraño”, respecto a pintar sus murales en la casa de Eileen.

– En uno de los dibujos, pinto una cruz esvástica sobre el pecho de la mujer ubicada a la derecha (se ve en las fotos).

   Antes de la restauración, con las balas del ejercito nazi

Relaciones políticas e ideológicas de Le Corbusier

En 1934, fue invitado por Benito Mussolini a una conferencia en Roma.

A principio de los ´40, le fue dado a Le Corbusier una posición como urbanista en el gobierno de Vichy  (nazi) para supervisar los diseños de varias ciudades, incluyendo Algeria. Cuando sus planes fueron rechazados, Le Corbusier dejó la vida política.

Le Corbusier tenía un fanatismo con la imagen de Open Hand, construyendo muchas esculturas durante su vida.

Las llamaba un”signo de paz y reconciliación destinado a recibir las riquezas y distribuirlas entre las personas del mundo. Debiese ser el símbolo de nuestra época”. La Open Hand tiene 28 metros y está en Chandigarh.

Beatriz Colomina

Nació en Madrid en 1952, Beatriz es arquitecta, historiadora y teórica de la arquitectura. Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona​ donde recibe primero el título de arquitecta y luego el de Doctora en arquitectura.

Ha escrito extensamente sobre cuestiones de la arquitectura y de las instituciones modernas de representación, especialmente sobre medios de comunicación impresos, fotografía, publicidad, cine y televisión. ​ Es autora de numerosos artículos y libros entre ellos:

1988 Architectureproduction​.

1992 Sexuality & Space, Princeton Architectural Press, ​ galardonado con el Premio Internacional del Libro AIA 1993.

1994 Privacy and Publicity. Modern Architecture As Mass Media,​ galardonado con el Premio Internacional del Libro 1995 por el Instituto Americano de Arquitectos.

1996 Battle Lines: E.1027, ensayo publicado en el libro “The sex of architecture”.

2000 Louise Bourgeois: Memory and Architecture.

2007 Domesticity at War.

2008 The World of Madelon Vriesendorp.

2011 Clip, Stamp, Fold: The Radical Architecture of Little Magazines 196X to 197X.

Finalmente

Las 100 cartas enviadas por Le Corbusier para comprar la casa pretendían reunir 30 millones de FF.

                     Croquis Le Corbusier

Carta con dibujos donde se ubicaban todas las construcciones y diciendo que si no se hacía algo se instalaría una casa de citas o un cabaret. Y dice que si bien  ahora el acceso es restringido (como iban a poner un burdel si no se podía acceder???), entonces Le Corbusier lanza una solución futura donde  se podría realizar un acceso más franco, y poder llegar por tren, avión o barco.

Su preocupación se manifiesta claramente en esta frase “si estos “cerdos la compran arruinaran los murales”. No explica a quienes se refiere.

Le Corbusier lleva a Brassai (Gyula Halász 1899-1984) para que fotografíe la casa.

La casa finalmente se vendió por subasta.

En 1999, la villa fue comprada por la organización Conservatoire du littoral y desde ese entonces ha pasado por diversas remodelaciones.

Desde 2014 Cap Moderne administra la villa y la cabaña de Le Corbusier.

La historia completa: https://www.espazium.ch/une-maison-malfame-e-1027

Revista ARQUINE. «Algunas luces de Gray» 

https://arquine.com/algunas-luces-de-gray/?fbclid=IwAR05OqlDdOlPZlxa8U6ATN1h8jn53y3flbmk0nrht6IHIWH812oHse8-7hg

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Puede interesarte este tema, por lo que te envío esta sugerencia de Hugo K: Exposicion SUBURBIA 5ta parte, en el CCCB de Barcelona. http://onlybook.es/blog/suburbia-5ta-parte/

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

Palladio 5. De Pietro de la Gondola a Palladio.

Palladio 5 

De Pietro de la Gondola a Palladio.

Andrea Palladio  (Padua 1508Maser 1580 trabajaba en la molienda de granos, es a la muerte de su padre cuando aprende el oficio de cortador de piedras.

Giangiorgio Trissino

                    Giangorgio Trissino

En Padua estudió junto a Giovanni Maria Falconetto, no existiendo una escuela donde pudiera estudiar arquitectura y como Giangorgio Trissino ve en él una capacidad (que necesita ser desarrollada) decide transformarse en su protector, su formación será estudiar los clásicos.
Es justamente Giangiorgio quien ¿sugiere? Un cambio de nombre, Andrea di Pietro de la Gondola es bautizado por Trissino como Andrea Palladio.

El apellido Palladio podría venir de Palas Atenea o de un personaje de los poemas de Trissino a quien llamó Palladio y que era experto en arquitectura.
Varias veces viajan juntos a Roma (son 5 viajes, el de 1541, 1545. 1547 hasta 1551). Uno de ellos duró 5 meses.  Su  objetivo era estudiar los clásicos, verlos, oírlos, olfatearlos, medirlos “con la palma de la mano”.

Tomó muchos apuntes, no sólo de las ruinas romanas sino también de las obras de Bramante, algunos de los cuales fueron recogidos en sus “quattro libri dell’Architettura”, obra publicada cuando tenía 62 años, y por la que se le ha relacionado con Leon Battista Alberti.

Nos dice Giulio Carlo Argan (1909-1992), historiador y crítico de arte italiano, fue uno de los mayores eruditos y pensadores del siglo XX. Fue alcalde de Roma desde 1976 a 1979:

..Palladio en Roma… se ve conmocionado por el hecho de que la arquitectura de los antiguos, altamente expresiva de contenidos ideales y y de sentimientos civiles, fuese también técnicamente perfecta, ofreciera una respuesta a las exigencias prácticas y se adaptara admirablemente tanto al lugar como a la función. […] En toda la obra de Palladio aparecen bien claros estos dos momentos: el ideal clásico como suprema imagen de un modo de vida civil perfecto, y la respuesta a una exigencia práctica, el ceñirse a circunstancias específicas de lugar y de hecho como determinaciones de dicho ideal en los casos, siempre distintos, de la vida real.

        Leon Battista Alberti
Leon Battista Alberti

 ¿Porque Trissino quiere que su ciudad tenga un lenguaje clásico renacentista? Desea cambiar el gótico y el barroco que era el símbolo del poder dominante. Busca un ideal de creación más discreto y al

mismo tiempo digno y solemne.

La arquitectura era un medio para declarar la fe política y si se construía en estilo gótico, era fiel a Venecia.

                                Vincenzo Scamozzi

                                       Miguel Angel

Pero si era clásico seria  fiel a Carlos V (Rey de España y Alemania).

Y es Palladio quien mejor supo asimilar la herencia de las formas clásicas y adaptarlas al momento y a sus necesidades, es la época del Cinquecento. Sus obras, tanto villas como grandes obras públicas han influido en la arquitectura del Neoclasicismo en todo el mundo.

El Cinquecento (años 1500), es un período dentro del arte europeo, principalmente Italiano. Su centro fue la roma de los papas. (el Quattrocento tuvo su centro en la Florencia de los Medici).  El encuentro con las formas artísticas de la antigüedad y el mimetismo (o imitación) de la naturaleza, es el Renacimiento del arte.

Como si fuese una escalera, cada peldaño, tiene un nombre y apellido, el alto renacimiento (últimos años del siglo XV y primeras décadas del XVI),

Bajo Renacimiento o también Manierismo, Barroco y el Clasicismo.

                                            Bramante

Los más importantes artistas del Quattrocento y Cinquecento (el listado da escalofríos) fueron:

                                  Tintoretto

                                     El Greco

“Brunelleschi” Filippo di Ser Brunellesco Lapi (1377-1446); “Donatello” Donato di Niccoló di Betto Bardi (1386-1466); “Masaccio” Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai  (1401 – 1428); León Battista Alberti (1404-1472); “Giuliano da Sangallo”Giuliano Giamberti (1443-1516) su protector fue Lorenzo de Médici; “Bramante” Donato di Pascuccio d’Antonio (1444-1514) introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el Alto Renacimiento en Roma; “El Bosco” Cornelis Cort (1450-1516);  Leonardo da Vinci (1452-1519); Nicolás Maquiavelo (1469-1527); Alberto Durero (1471-1528); “ Miguel Ángel”  Michelangelo Buonarroti (1475-1564); Sebastian Serlio (1475-1554); “Giorgione” Giorgio Barbarelli da Castelfranco (1478-1510); “Rafael”  Rafael Sanzio (1483-1520); “Tiziano” Tiziano Vecellio o  Vecelli (1488-1576); “Giulio Romano” Giulio Pippi (1499-1546) alumno de Rafael; Benvenuto Cellini (1500-1571); “Vignola” Jacopo (o Giacomo) Barozzi  (1507-1573); Giorgio Vasari (1511- 1574) a quien se le atribuye haber acuñado el término Renacimiento, está considerado como uno de los primeros historiadores del arte; “Tintoretto” Jacopo Comin  (1518-1594); los Brueghel: Pieter Brueghel el Viejo (c.1525-1569); “Veronese” Paolo                Caliari o Cagliari  (1528-1588); Juan de Herrera de Maliaño (1530-1616); Giordano Bruno (1548-1600); “Lope de Vega”  Lope Félix de Vega Carpio (1562-1635); Pieter Brueghel el Joven (1564-1638); Jan Brueghel el Viejo (1568-1625); Jan Brueghel el Joven (1601-1678); Doménikos Theotokópoulos “El Greco”(1541-1614); Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616); William Shakespeare (1564-1616)

                                        Juan de Herrera

 Además y entre otros:  

Fernando Yáñez de la Almedina (1459-1536); Erasmo de Róterdam (1466-1536); Lucas Cranach el viejo (1472-1553); Nicolás Copérnico (1473-1543);  Baltasar Castiglione (1476-1559); Tomás Moro (1478-1535); Joaquín Patinir (1483-1562); Albrecht Altdorfer (1480-1538); Martín Lutero (1483-1546);“Correggio” Antonio Allegri da Correggio (1489-1534); Pedro Machuca (1490-1550); Bartolomé Ordónez (1490-1520); Alonso Berruguete (1490-1561); Pietro Aretino (1492-1556); Luis Vives (1493-1540); François Rabelais (1494-1553);

                                     Brunelleschi

Diego de Siloé (1495-1563); Hans Holbein el joven (1497-1543); Felipe Melanchton (1497-1560); Juan de Juni (1506-1577); Juan de Juanes (1507-1579); Juan Calvino (1509-1564); Andrés de Vandelvira (1509-1575); Lope de Rueda (1510-1565); Juan Bautista de Toledo (1515-1567); Santa Teresa de Jesús (1515-1582); Gaspar Becerra (1520-1570); Pierre de Ronsard (1524-1585); Fray Luis de León (1527-1591); “Giambologna” Juan Boulogne (1529-1608); Michel de Montaigne (1533-1592);San Juan de la Cruz (1542-1591); Torcuato Tasso (1544-1595); Christopher Marlowe (1564-1593)….

                          El Bosco

A pesar de sus incontables relaciones con clientes muy adinerados Palladio paso muchas penurias económicas.

En esa época, (una costumbre que continúa) los dibujos o ideas no construidas se pagaban muy poco. Las villas estaban muy lejos entre si y la obra se prolongaba en el tiempo.

La obra de la qué mejor cobró  fue la Basilica, era del ayuntamiento y le pagaba a Andrea o a su mujer Allegra Donna cada mes.

Su difusión inglesa estuvo en manos de Iñigo Jones (1573-1652)y el mayor coleccionista de sus dibujos Lord Burlington.

                                   La Basilica Palladiana

“…Los palacios urbanos de Palladio… son, sobre todo, casas dignas pero sin fastuosidad, cuyo prestigio urbano se confía más bien a la nobleza de las formas que a la ostentación de la riqueza o del poder; elemento esencial es la fachada, con la que las grandes familias quieren contribuir, casi como se tratara de un deber, al noble aspecto de la ciudad… Muchos de los palacios de Palladio se establecen sobre la vía del Corso: sus fachadas forman las paredes de ésta, entendida como una arquitectura abierta y transitable cuyo techo es el cielo. Cronológicamente, se distribuyen a lo largo de un período de treinta años, y cada fachada presenta una forma propia, una originalísima compaginación de los elementos de la morfología clásica… Concebidas en función de la calle… sus fachadas presentan un primer orden rústico, casi un basamento, y sólo sobre éste, donde el vano de la calle se hace más luminoso, se alzan  los órdenes de columnas y pilastras.(columnas adosadas a la pared)…Compone sus fachadas, preferentemente, con un orden único, gigante, de columnas o pilastras…”

                                                    Palacio Chiericati

Con frecuencia las mismas familias que encargan a Palladio la construcción de su palacio en la ciudad le hacen construir también su villa en el campo: palacio y villa representan dos caras de la misma realidad social. La casa urbana se inserta en una condición espacial dada, la perspectiva de la calle; la villa se inserta en un ambiente paisajístico siempre distinto, abierto a todas direcciones.

                                       Donatello

Con respecto a la calle, el palacio es una fachada, un plano frontal; con respecto al horizonte y al paisaje que la rodea, la villa es un organismo articulado, condicionado por la variedad de los puntos de vista, el carácter del emplazamiento, las pendientes del terreno, etc..Palladio plantea el problema en términos claros: se trata de insertar una forma sólida, una construcción geométrica y volumétrica, en un espacio natural que es distinto en cada ocasión, y de encontrar entre estas dos realidades… una relación de armonía e incluso de perfecta equivalencia… En la mayoría de los casos la fascinación de las villas palladianas consiste, precisamente, en esta concertada variedad de desarrollos temáticos: de la simplicidad de lo rústico a la solemnidad histórico-religiosa del templo, del carácter práctico de los cuerpos secundarios destinados a las necesidades de la hacienda agrícola a la refinadísima elegancia de los cuerpos  centrales destinados a otras funciones sociales….                                                        Giulio Carlo Argan

                             Veronesse

Este detalle de se refiere al proyecto de las obras y no a su construcción. Listado del “Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio”, Vicenza

https://web.archive.org/web/20090817191834/http:/www.cisapalladio.org/veneto/index.php?lingua=i&modo=nomi&ordine=alfa

                                               Andrea Palladio

  • 1531: Portal de la iglesia de Santa Maria dei Servi, Vicenza (atribuido)
  • 1534: Villa Trissino a Cricoli, Vicenza (tradicionalmente atribuida, pero probablemente diseñada por Gian Giorgio Trissino)
  • 1537-1542: Villa Godi (para Girolamo, Pietro y Marcantonio Godi), Lonedo di Lugo di Vicenza
  • 1539 circa: Villa Piovene, Lonedo di Lugo di Vicenza, Provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1540-1542 circa: Palazzo Civena, Vicenza
  • 1540 circa-1566 circa: Palazzo Pojana, Vicenza (atribuida)
  • 1542 – Villa Valmarana, Vigardolo di Monticello Conte Otto, Provincia de Vicenza
  • 1542-1556 circa: Palazzo Thiene, Vicenza (probablemente proyecto de Giulio Romano)
  • 1542: Villa Gazzotti (para Taddeo Gazzotti), Bertesina, Vicenza
  • 1542 circa: Villa Caldogno (para Losco Caldogno), Caldogno, Provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1542: Villa Pisani (para Vettore, Marco y Daniele Pisani), Bagnolo di Lonigo, Provincia de Vicenza
  • 1542: Villa Thiene (para Marcantonio y Adriano Thiene), Quinto Vicentino, Provincia de Vicenza (probablemente una reelaboración de un proyecto de Giulio Romano)
  • 1543: Villa Saraceno (para Biagio Saraceno), Finale de Agugliaro, Provincia de Vicenza
  • 1544 circa-1552: Palazzo Porto (para Iseppo De’ Porti), Vicenza
  • 1546-1549: Loggias del Palacio de la Ragione (entonces denominada Basílica Palladiana), Vicenza (completada en 1614 después de la muerte de Palladio)
  • 1546 circa-1563 circa: Villa Pojana (para Bonifacio Pojana), Pojana Maggiore, Provincia de Vicenza
  • 1546 circa: Villa Contarini, Piazzola sul Brenta, Provincia de Padua (atribuida)
  • 1547: Villa Arnaldi (para Vincenzo Arnaldi), Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (inacabada)
  • 1548: Villa Angarano, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (El cuerpo principal de la villa fue reconstruida más adelante por Baldassarre Longhena; el barchesse es parte del original)
  • 1550-1557: Palazzo Chiericati (para Girolamo Chiericati), Vicenza (completado sobre 1680 después de la muerte de Palladio)
  • 1550: Villa Chiericati (para Giovanni Chiericati), Vancimuglio di Grumolo delle Abbadesse, Provincia de Vicenza (completada en 1584 por Domenico Groppino después de la muerte de Palladio)
  • 1552: Villa Cornaro (para Giorgio Cornaro), Piombino Dese, Provincia de Padua
  • 1552 circa: Villa Pisani (para Francesco Pisani), Montagnana, Provincia de Padua
  • 1554-1563: Villa Badoer denominada La Badoera (para Francesco Badoer), Fratta Polesine, Provincia de Rovigo
  • 1554: Villa Porto (para Paolo Porto), Vivaro di Dueville, provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1554: Villa Barbaro (para Daniele y Marcantonio Barbaro), Maser, Provincia de Treviso
  • 1554 ?: Villa Zeno (para Marco Zeno), Donegal di Cessalto, Provincia de Treviso
  • 1555 circa: Palazzo Dalla Torre, Verona (solo parcialmente realizada. Una parte fue destruida por una bomba en 1945)
  • 1556: Arco Bollani, Udine
  • 1556 circa: Palazzo Antonini, Udine (alterada por posteriores reformas)
  • 1556: Villa Thiene, Cicogna di Villafranca Padovana (inacabada; solo el barchessa permanece)
  • 1557: Villa Repeta, Campiglia dei Berici (destruido por un incendio, posteriormente reconstruido)
  • 1558: Fachada para la Basílica de San Pietro di Castello, Venecia (completada después de la muerte de Palladio)
  • 1558: Villa Emo (para Leonardo Emo), Fanzolo di Vedelago, Provincia de Treviso
  • 1558: Bóveda para la Catedral de Vicenza, Vicenza (destruida en un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial, posteriormente reconstruida)
  • 1559: Villa Foscari denominada La Malcontenta, Malcontenta di Mira, Provincia de Venecia
  • 1559: Casa Cogollo (para Pietro Cogollo), tradicionalmente conocida como Casa de Palladio, Vicenza
  • 1560-1563 circa: Claustro del ciprés y refettorio del monasterio de San Giorgio Maggiore, Venecia
  • 1560: Convento della Carità, Venecia (sólo el claustro y el atrio, destruido en 1630 en un incendio)
  • 1560: Palazzo Schio (para Bernardo Schio), Vicenza
  • 1563 circa: Puerta lateral para la Catedral de Vicenza
  • 1563 circa: Villa Valmarana, Lisiera di Bolzano Vicentino, Provincia de Vicenza
  • 1564: Fachada de la iglesia de San Francesco della Vigna, Venecia
  • 1564: Palazzo Pretorio, Cividale del Friuli (provincia de Udine) (proyecto atribuido)
  • 1565: Basílica de San Giorgio Maggiore, Venecia (completada entre 1607 y 1611 después de la muerte de Palladio, con una fachada diferente proyectada por Vincenzo Scamozzi)
  • 1565: Teatro en el patio Convento de la Carità, Venecia (destruido por un incendio en 1570)
  • 1565: Palazzo del Capitaniato, Vicenza
  • 1565: Palazzo Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana), Vicenza
  • 1565: Villa Serego (para Marcantonio Serègo), Santa Sofia di Pedemonte (Provincia de Verona)
  • 1565 circa: Villa Forni Cerato (para Girolamo Forni), Montecchio Precalcino, Provincia de Vicenza
  • 1566: Villa Capra, la Rotonda(para Paolo Almerico), Vicenza (completada en 1585 por Vincenzo Scamozzi después de la muerte de Palladio)
  • 1567 circa: Villa Trissino, Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (solo realizada parcialmente)
  • 1568: Puente Vecchio, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (reconstruida en 1748 y después de la Segunda Guerra Mundial)
  • 1569-1575: Palazzo Barbaran da Porto (para Montano Barbarano), Vicenza
  • 1569: Puente en Tesina, Torri di Quartesolo, Provincia de Vicenza (atribuido)
  • 1570: Villa Porto (para Iseppo Porto), Molina di Malo, Provincia de Vicenza
  • 1571: Palacio Porto en la Plaza Castello, Vicenza (sin terminar, completado en 1615 por Vincenzo Scamozzi)
  • 1572 ?: Palazzo Thiene Bonin Longare, Vicenza
  • 1574-1577: Habitaciones en el Palacio Ducal, Venecia
  • 1574: Fachada para Basilica di San Petronio, Bolonia (proyecto)
  • 1576 circa: Capilla Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana) en la iglesia de Santa Corona, Vicenza
  • 1577: Iglesia de Il Redentore, Venecia
  • 1578: Iglesia de Santa Maria Nova, Vicenza (proyecto atribuido, completada en 1590 después de la muerte de Palladio)
  • 1579: Porta Gemona, San Daniele del Friuli, Provincia de Udine
  • 1580: Iglesia de Santa Lucia, Venecia (dibujos para el interior; demolida)
  • 1580: Iglesia (Tempietto Barbaro) de Villa Barbaro, Maser
  • 1580: Teatro Olímpico, Vicenza (completado después de la muerte de Palladio por su hijo Silla y en 1585 por Vincenzo Scamozzi)
  • 1580: Le Zitelle (Venecia)

Artículos sobre Palladio

1ª parte http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-parte-1-el-teatro-de-la-vida/

2ª parte http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iii/

3ª parte http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iii-2/

4ª parte http://onlybook.es/blog/palladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-iv/

5ª parte http://onlybook.es/blog/2583-2/

6ª parte http://onlybook.es/blog/%ef%bb%bfpalladioscamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-vi/

7ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-scamozzi-arq-el-teatro-de-la-vida-parte-vii/

8ª parte http://onlybook.es/blog/palladio-y-el-teatro-olimpico/

9ª parte http://onlybook.es/blog/3487-2/

  • Permitida su reproducción parcial o total citando la fuente.
  • Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
domingo, 28 de octubre de 2018

Japón 8. El gran Tange, algo más que un movimiento

Japón 8. El gran Tange, algo más que un movimiento.

Después de la 2nda guerra mundial, habían desaparecido millones de personas. Ciudades enteras, edificios, estructuras, centros de producción. No había que partir de cero, pero muchos movimientos en arquitectura si lo creían.

Kenzo Tange (1913-2005), Fumihiko Maki (1928) – recuerdo lo feliz que estaba Mario Corea que Maki prologara su libro-, Kiyonori Kikutake,(1928-2011), Kisho Kurikawa (1934-2007),  Masato Otaka(1923-2010) presentan en 1960 “Metabolismo, propuestas para un nuevo Urbanismo”.

Este trabajo se presentó en el CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna) en 1959.

Proyectos que debían replantear  las consecuencias de los crecimientos descontrolados.

Utopía e idealismo.

Como el ARCHIGRAM, como Los Beatles…como los movimientos por la paz.

Algo había llegado para quedarse, Hipismo, contracultura, etc

El Centro de Prensa y Difusión Shizuoka, es hoy en día un clásico de arquitectura.

Es una torre, del año 1967, inspirada en las teorías de arquitectura orgánica que Tange ya venía desarrollando desde la década pasada.

Un difícil terreno triangular de 190 m2 , frente a un paso vehicular elevado. Una columna de servicios donde “enchufar” como en un tablero, cápsulas prefabricadas.

Está en Ginza, uno de los 23 barrios que conforman Tokio. El cilindro con un diámetro de 7,70 metros tiene 57 metros de altura (con escaleras, ascensores, servicios sanitarios y cocina).

La idea de “enchufar” más capsulas no se cumplió nunca, esto mismo también ocurrió con las cápsulas del edificio Nakagin Capsule Tower deKisho Kurokawa (1934-2007) de 1972.

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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EL ESPACIO y sus sentidos

El ESPACIO y sus sentidos

Espacios, un número de sentidos que reivindica para la arquitectura el sentido de la espacialidad. (Esta introducción acompaño el segundo volumen del libro +Casas –Houses – Haüser)

…..Me levanto, dispongo la pregunta acuciosa, suicida, inevitable del aprendiz: -¿Me enseña usted, maestro? Antoni Plàcid Guillem Gaudi i Cornet se levanta sin mirarme, arrastra los pasos y, casi con el mismo susurro del agua que corre plácida por la boca de su dragón, contesta:         -El árbol al lado de mi taller, ese es mi maestro.

Originalmente la intención era escribir un artículo que fuera recrear la introducción al libro que editamos en la editorial HK, con el título de +Casas –Houses – Haüser, ISBN 978 8496 3046 28 pero releyéndola, me he entusiasmado

Es necesario encontrar un carácter un poco distinto al de la mera introducción de un libro que presenta obras, en este caso, no introduce nada, por lo que a partir de aquí me dedicare a completarla, corregirla, y derivar hacia ideas que puedan permitir preguntas del tipo, el espacio es un lugar?.

 Alli voy…

El primer libro Houses-Casas-Haüser ha tenido una enorme aceptación en todo el mundo. Se han firmado acuerdos de coedición en varios idiomas y ello nos ha alentado a seguir con la difusión de más proyectos –más casas- en este segundo volumen.

En la introducción de ese primer libro, nos preguntábamos acerca de las casas, las ciudades y los arquitectos; hoy lo hacemos sobre los espacios, porque entendemos que hay una estrecha relación entre espacio, diseño y arquitectura. Cuidaremos de distinguir, sin embargo entre una obra de arquitectura y una construcción, ya que como menciona Nikolaus Pevner (1902 -1983)  “…Casi todo lo que encierra un espacio en una escala suficiente como para permitir que un hombre se mueva en él es una construcción; el término arquitectura se aplica exclusivamente  a edificios proyectados con el propósito de suscitar una emoción estética.” (Nota 1)

Sabemos también que existe una directa relación entre el diseño y su pertenencia a un tiempo –nos sea propio o ajeno-”… allí donde todo es nuevo, donde todo es otro.” (Nota 2)

Tiempo inscrito en un mundo que se caracteriza por cambios e innovaciones constantes: “….este a veces cambia, cuando puede conectarse con un nuevo espíritu, quizás distinto al de su época” (Nota 1 op. cit.), ya que respeta algo que le es profundamente humano.

Son amplias, generosas y bien fundamentadas las definiciones que tenemos del espacio, aunque no por ello deja de constituir en sí mismo un enigma que necesitamos reconocer y desvelar entre todos, ya que “… la experiencia espacial es una función biológica de todos, no solo un privilegio de arquitectos talentosos” (Nota 3)

Nos referimos al espacio como capacidad, volumen, dimensión, extensión, o lugar y podremos incluirlo como sustancia de la arquitectura si aceptamos que “…la clave de la arquitectura estriba en domina el problema del espacio”  (Nota 1 op.cit.)

Así identificar el problema, detectamos también el camino para encarar su posible solución, y muchas veces arribar a ella. Sobre todo si hacemos nuestras las preguntas que solía hacerse Le Corbusier, ¿Cómo? Y ¿Por qué? : “…he experimentado en una vida desprovista de quietud, en una vida llena de incesantes inquietudes, la profunda alegría del cómo, y del porque”. (Nota 4)

Los físicos definen el espacio como la relación entre la posición de los cuerpos y, en el campo de lo imaginario, como un mundo irreal creado o quizá fingido por la fantasía. De hecho, en literatura, la fantasía y los sueños –que son también expresiones de nuestra personalidad- anidan en espacios habitables.”… observando tu cocina se puede, pues, deducir una imagen de ti como mujer. Extrovertida y lúcida, sensual y metódica, que pone el sentido práctico al servicio de la fantasía” (Nota 5)

En “La casa de Roderick Usher” descrita por Edgar Allan Poe (1809-1849“…existen, sin lugar a dudas, combinaciones de objetos naturales muy simples que tienen el poder de afectarnos…” (Nota 6)

“La arquitectura es una cuestión de sueños y fantasías, de curvas generosas  y de espacios amplios y abiertos.” Oscar Niemeyer

Espacio Definiciones

Volviendo al campo de las definiciones, se acepta que espacio es el continente de todos los objetos sensibles que coexisten, así como la capacidad de un terreno, un sitio o un, lugar, e incluso el mero transcurso del tiempo.

Matemáticamente es posible definirlo como la relación de unos conjuntos con ciertos postulados, también como la separación entre letras de un texto o cada una de las partes de un programa de radio o de televisión.

Hablamos de espacio aéreo, o del que ocupan los planos de las órbitas de los planetas en su rotación alrededor del sol. También se considera espacio el ámbito territorial de colectividades y pueblos….y así continúan inagotables definiciones de la palabra espacio.

László Moholy-Nagy  (1895-1946) dice al respecto: “El espacio se define por la interpretación de lo interno y lo externo, lo superior y lo inferior y en el juego de las fuerzas existentes en loa materiales y sus relaciones en el espacio (Nota 3 op. cit.)

El espacio  no solo tiene éstas y otras definiciones, sino que además se le añade la calificación “para” o de muchísimas cosas:

Espacios de la construcción, protegidos, naturales, verdes, urbanos, rurales, públicos, al aire libre, recreativos, culturales, reducidos, modulares, abiertos, y en un ámbito aún más amplio, espacios deportivos, publicitarios, virtuales, alternativos, políticos de expresión, sin humo…

«La arquitectura no es la búsqueda de utilidad o practicidad. La arquitectura es belleza.  No existe ni puede existir otro tipo de arquitectura» Konstantian Melnikov

1.-ESPACIOS Y EXISTENCIA

Llegados a este punto, y dada la variedad y complejidad de los aspectos que pueden analizarse que nos ayuden a definir el espacio, vamos a acotarlo, refiriéndonos a él, dentro del campo de la arquitectura, como introducción de este libro que muestra obras de arquitectura y, en particular casas.

Un espacio no es solo un mero refugio que nos protege del frío y de los peligros, ni un recinto cerrado o una invariable disposición de habitaciones, sino un elemento orgánico de la vida. Dentro y entre muros, paredes, mamparas o una combinación de todos ellos, se conforman los espacios. Con diversas características, y con un complejo manejo de ellas. Muchas descripciones del espacio o de los espacios nos son ofrecidas con especial lucidez por escritores y arquitectos, y nos ayudan con sus comentarios y narraciones a entender su carácter: “…En una cocina hay demasiado ruido de loza y vidrios para que otros sonidos irrumpan en ella. Muy pocas veces permitíamos allí el silencio…” (Nota 7)

Julio Cortázar (1914-1984) habla de dimensiones y también del tiempo-espacio como sinónimo de magnitud, un concepto que lo incluye y lo supera: “…Nos gustaba la casa porque aparte de espaciosa y antigua. (Nota 7 op cit.)

Entonces comprendemos que son espacios que se recorren, porque entre otras cualidades tienen un destino: “…Se entraba a la casa por un zaguán con mayólica, y la puerta cancel daba al living.”

Italo Calvino (1923-1985) en “Si una noche de invierno”, un viajero nos describe espacios para el encuentro y eso incluye, por lógica, el desencuentro (no solo con su personaje Ludmilla). “Ahora no estoy en casa, pero no tardaré. Si llegas antes, puedes entrar y esperarme…”,espacios que tienen la vocación de invitar a la comunicación y a la lectura. “hecho de tinta y de espacios tipográficos, pueden convertirse en vuestras, un lenguaje, un código entre vosotros, un medio para intercambiaros señales y reconoceros.”

Y así Henning Mankell (1948-2015): “¡Vaya! El espacio cibernético trastorna las mentes de las personas –sentenció Martinson-. Este apartamento fortificado me produce náuseas. En efecto, había utilizado una palabra: “El espacio”…Aquel espacio que decía se mostraba silencioso.” (Nota 8)

A diferencia de otras artes, en la arquitectura hay motivos estéticos sin propósito ni intención aparente, pero que determinan el carácter del espacio. “El espacio pertenece al mundo y a las consideraciones del espíritu, aunque integre lo estético y lo funcional…”

Ser y estar. En los espacios somos y también estamos. Somos y por ello conformamos un hábitat donde estamos. “Tu casa, al ser el lugar donde lees, puede decirnos cual, es el lugar que los libros tienen en tu vida.”

En los espacios también hay luces y miradas. “Débiles rayos de una luz roja abríase paso a través de los cristales enrejados, dejando lo bastante en claro los principales objetos de alrededor; la mirada, empero, luchaba en vano por alcanzar los rincones lejanos de la estancia, o los entrantes del techo abovedado y con artesones.” (Nota 6 op. cit.)

«El sol nunca supo de su grandeza hasta que incidió sobre la cara de un edificio». Louis Kahn

2.-ARQUITECTURA, GENERADORA DE ESPACIOS

La principal característica de la arquitectura (y lo que la diferencia de la pintura, y de la escultura) es su sentido espacial.

El espacio pertenece al mundo de las consideraciones del espíritu, aunque integre lo estético y lo funcional, porque “la historia de la arquitectura es la historia del hombre en su labor de organizar y dar forma al espacio.” (Nota 1 op. cit.)

Para apreciar la arquitectura es necesario poseer “la capacidad funcional de captar el espacio”.

Se necesita acumular una gran experiencia antes de poder captar realmente el contenido esencial del espacio articulado. Lamentablemente, esta forma de encarar la arquitectura es excepcional: “La mayor parte de la gente busca aún características de estilo, tales como pilares dóricos, capiteles corintios, arcos románicos, ventanales góticos, etc.”

Para László Moholy-Nagy (1895-1940) 

“Toda arquitectura –tanto sus partes funcionales como su articulación espacial- debe ser concebida como unidad. 

Sin esta condición, la arquitectura se convierte en una simple reunión de cuerpos vacíos, que podrá ser técnicamente factible, pero nunca brindara la emocionante experiencia del espacio articulado”. (Nota 3 op.cit. y comentarios 1)

«La arquitectura es una música de piedras y la música, una arquitectura  de sonidos». Ludwig van Beethoven 

3.- EL ESPACIO Y LA VIVIENDA

En una parte de la edad media (siglos X al XIII), no se vivía en las casas, se acampaba en ellas y los muebles eran móviles y portátiles; en la edad media, tampoco existían los restaurantes, los bares y los hoteles. Las casas se llenaban de gente y los espacios “parecían o eran entonces más pequeños.” (Nota 9)

“El sótano era un ámbito sereno, reconciliado, trascendente y sin un solo libro en las paredes o por el suelo. Allí no penetraba la literatura, ni el mal …El sótano era el lugar convivencial y oral, el hábitat de la fidelidad, en donde el tiempo, no siendo eterno porque era un tiempo de humanos, no dejaba de ser, sin embargo, interminable…Se ve que tienes la costumbre de leer varios libros al tiempo que eliges lecturas distintas para las distintas horas del día, para los diversos rincones de tu reducida morada: hay libros destinados a la mesilla de noche, los que encuentran su lugar junto a la butaca, en la cocina, en el cuarto de baño. Entiendo que hay varios libros necesarios.” (Nota 10)

Pero no siempre ha sido así, a lo largo de los siglos, conceptual y materialmente muchas cosas han cambiado, ya que la tecnología y los avances en el ámbito del diseño han modificado sustancialmente la conformación de los espacios y sus características; muros más delgados, ventanas más amplias, equipamiento más ligero y cómodo, o lo que hoy entendemos como comodidad.

El espacio es un vacío, una bolsa de aire que debe ser contenida para definir un límite. Esta precisión coincide con la existencia indispensable de su alrededor, que le otorga identidad. Diseñar espacios es diseñar las posibilidades de la vida, con límites de material. El espacio se define por la forma, la textura, el color, la temperatura, el olor, la luz. También como un vacío, un proceso mental de control sobre la construcción, donde el espacio está en el centro; añadiendo sustracción, construyendo excavación. Se desplaza el centro de la experiencia desde la forma a la vida. A la vanguardia, el espacio: casi autónomo, casi absoluto. Aires Mateus

4.-HousesCasas-Häuser

Adolf Behne (1885-1948) ya nos advertía admonitoriamente “Es tan factible matar a un ser humano con una vivienda como con un hacha”.

No todos, sin embargo, comulgaban con esta idea catastrófica.

Hans Sharum (1893-1972) afirmaba: “El hombre está obligado y vinculado con su espacio correspondiente y con el tiempo cambiante; los crea y al mismo tiempo lo definen a él. Así, el espacio en el que vivimos según su sentido y su esencia no tiene una naturaleza estática sino dinámica”.(Nota 11)

Como colofón de esta introducción, nos remitimos a las fuentes.

El ingeniero Marco Vitruvio (80-70 a.C-15 a.C.) (Marco Voltruvius Pollio), facilitó la difusión del conocimiento de la arquitectura entre un público numeroso, con su obra “Los diez Libros de arquitectura”

-me remito a mi artículo http://onlybook.es/blog/andrea-palladio-los-tratados-de-arquitectura/-.

Allí se nos dice que en toda construcción deben considerarse tres aspectos sin los cuales ningún edificio merecerá ser “alabado”: la utilidad o comodidad, la perpetuidad y la belleza. Y esto porque, como  nos aclararía varios siglos más tarde Palladio “… no podría llamarse perfecta aquella obra que fuera útil pero por poco tiempo; o bien que aunque duradera no fuese cómoda; bien que teniendo ambas cualidades no tuviera ninguna gracia en sí”. (Nota 12)

La edición más famosa del libro de Vitruvio es la ilustrada justamente por Andrea Palladio (Andrea di Pietro della Gondola 1508-1580), quien en 1570 da a la imprenta su propio tratado teórico. “Los Cuatro Libros de Arquitectura”, que incluye grabados de edificios antiguos además de proyectos propios y obras terminadas.

Paladio fue, quizás, el arquitecto más importante de la segunda mitad del siglo XVI ( sin olvidarnos de Filippo Bruneleschi (1377-1446), Leone Battista Alberti (1404-1472) y Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), e influyeron tanto sus obras como sus tratados; entre ellos, no podemos dejar de mencionar las antigüedades de Roma.

En el primero de los cuatro libros de arquitectura se trata de las casas privadas, explica a su benefactor, el conde Giacomo Andanno, que ha escrito las “advertencias necesarias que deben observar todos los claros ingenios que estén deseosos de edificar bien y hermosamente… y para que las obras sean bellas, graciosas y duraderas…” 

Y continúa “…He tomado como maestro a Vitrubio…y he comenzado por las casas privadas, pues nos suministran conocimientos para los edificios públicos, siendo muy verosímil que al principio el hombre viviese solo, y después, viendo la necesidad de la ayuda de los demás para conseguir las cosas que le pudiesen hacer feliz (si alguna felicidad se encuentra aquí abajo), deseara y amara naturalmente la compañía de otros hombres.

Por lo que de muchas casas se formaron aldeas, y después de muchas aldeas las ciudades, y en ella los lugares y los edificios públicos; asimismo porque entre todas las partes de la arquitectura ninguna es más necesaria a los hombres”. (Nota 12 op. cit.)

Debemos recordar que cien años antes era Alberti quien, también inspirado por la obra deVitrubio, había realizado y publicado estudios que contribuyeron a elevar la arquitectura a la categoría de arte, dejando de ser considerada un oficio más.

“Convencidos de que la casa sigue siendo hoy en día un núcleo fundamental de experimentación de nuevas concepciones del espacio“(Fabio di Veroli), presentamos una selección de casas proyectadas por cualificados arquitectos y emplazadas en diferentes lugares.

Son las respuestas de profesionales al reto de dar forma al espacio. Artífices que, como Jorge Oteiza (1908-2003), orquestan la luz en el vacío de las aristas destinadas a ser, -en este caso- a habitar.

Algunos en la orientación que aquí planteamos, otros en una distinta,

¿Es que acaso cabe una sola interpretación de lo que es el espacio?

“…La arquitectura es la elaboración reflexiva de los espacios. Se trata de la creación de espacios que evocan un sentimiento de uso apropiado… Louis I. Kahn

 
       Vista del Panteón desde terrazas cercanas de Roma

¿Que escriben los que escriben sobre el espacio?

El concepto del espacio toma un sentido más amplio, si al interior lo articulamos con el exterior. El vínculo entre el edificio arquitectónico y el exterior crea el espacio urbano es difícil discernir si la ciudad define a los edificios o estos a ella, en cuanto que ambas se realimentan.

Sigfried Giedion (1888-1968) en su libro “El Presente Eterno: los comienzos de la arquitectura” (1964), clasifico en 3 estados la concepción arquitectónica del espacio, y la relación del interior con el exterior.

Primer estado.- Las civilizaciones de la antigüedad (Egipto y Mesopotamia), dieron gran importancia al espacio exterior utilizando para ello grandes volúmenes (monumentos). Los espacios interiores eran como espacios vacíos. (Ejemplos de esta fase son en Estambul las cúpulas de Hagia Sophia –Santa madre Sofía-,; tardo barrocas de Borromini, Guarini, etc.).

Segundo estado.-a partir de la mitad de la época romana. El objetivo principal de la arquitectura es el diseño de los espacios interiores. Desde el Panteón romano hasta el siglo XVIII, el abovedamiento permitió la creación de espacios para el desarrollo religioso y secular. Es la arquitectura romana la que da especial significación a los espacios tanto públicos como privados y su interrelación.

Tercer y último estado.- En los siglos XIX y XX, se alcanza la interrelación de los espacios interiores y exteriores. Tiene elementos de los 2 estados anteriores. Son los romanos los que entienden al espacio como un lenguaje arquitectónico. Busca – a diferencia del mundo helénico- fuera del hombre, buscando un lugar espacial para él. Se expresa diseñando los espacios, y ya a partir de esa expresión define y hace comprender la arquitectura.

La caracterización del espacio. Que mejor ejemplo que El Panteón

El Panteón consagró para siempre en arquitectura esa luz apacible y difusa, elevado a la categoría de mágica en horas del crepúsculo, enfatizando las proporciones. Su belleza espacial es perfectamente percibida, aun sin saber del porqué.

El Panteón (Pan = todos Theon = dioses) templo construido a comienzos del imperio romano y dedicado a todos los dioses. Idea de Agripa (63-12AC) general y político romano.

En el frontón pone (M·AGRIPPA·L·F·COS·TERTIVM·FECIT) “Marco Agripa, hijo de Lucio, cónsul por 3era vez lo hizo”, el 3er consulado indica que es del 27 AC.

 

Fue reconstruido luego de diversos incendios (80 y 110 DC) por Adriano que se cree lo inauguró entre 125 y 128 DC. A ciencia cierta no se sabe quién fue el arquitecto, ya que se supone fue el mismo Adriano o Apolodoro de Damasco (60-130 DC) arquitecto sirio que se lo llamo “el Damasceno”. (Nota 15)

Datos del Panteón

Apolodoro de Damasco

El diámetro de la cúpula es de 43,44 m (150 pies), Es la mayor cúpula de hormigón en masa de la historia. Tiene un pórtico de 8 columnas que da paso a la enorme rotonda de 43,44 mts (150 pies) de diámetro. La altura total es igual al diámetro de la bóveda, por lo que se puede inscribir una esfera completa en el espacio interior (el cilindro tiene una altura igual al radio).

La bóveda está  decorada con casetones que  permiten reducir el peso sin debilitar la cubierta, posee un gran óculo –ojo- de 10 metros de diámetro, única abertura para la iluminación y ventilación del interior cuando se encendían ofrendas. Está apoyada sobre 8 pilares de 6 metros de ancho, calados con nichos.

La cúpula es semiesférica, formada de hormigón con cascotes de tufo y volcánica, posee 5 anillos.

El cambio de material utilizado de hormigón para el primer anillo de la cúpula, hasta piedra pómez para las demás, es para aligerar su peso

Toda su cubierta estaba revestida de bronce, que fue desmontado en 2 etapas, Flavio Valerio Aurelio Constantino (272-337) la llevo para la ciudad que estaba creando Constantinopla (Nota 16) y 1300 años más tarde el arquitecto Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) desmontó lo que quedaba para usarlo en la construcción del Baldaquino de San Pedro, en el Vaticano. Posee 2 puertas de 21 metros de altura revestidas en bronce, que son “puertas originales”, y el solado de mármol fue una reconstrucción del siglo XIX  siguiendo el trazado original.

El suelo es convexo, con varias perforaciones en su perímetro para que el agua de la lluvia que entre por el óculo no inunde el suelo. El efecto sorpresa al cruzar las 2 puertas y entrar al espacio circular debía ser, como lo es hoy, impresionante

Convertido en iglesia cristiana consagrada a Santa María de los Mártires y ya en la Edad Moderna fue sede de la Academia de los Virtuosos de Roma. Alli descansan los restos de Rafael, Vignola y Annibale Carracci así como el rey Víctor Manuel II, su hijo Humberto I y su esposa Margarita. En 1980 el centro histórico de Roma, incluyendo el Panteón, fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Hay una intencionalidad espacial en el uso de columnas, pilastras, cornisas y las hermosas y superfluas columnas corintias  (que nada sostienen) de los vanos de los nichos, que están allí como respeto y continuidad  a la tradición constructiva sobre todo de la dinastía Flavia y sus 27 años de reinado.

El Panteón tiene diseño angélico y no humano. Miguel Angel 

Es el Panteón de Roma –siglo II AC- el que nos hace tomar conciencia del espacio.

Una planta cuadrada abovedada, un espacio único sin aberturas laterales. Ese espacio, podemos caracterizarlo como único, con límites precisos, de planta unitaria, definida, de medidas iguales, centrado y equilibrado, el edificio se conecta al exterior mediante un cuerpo intermedio que finaliza en un pórtico helenístico. Alois Riegl: (1858- 1905) “El espacio del Panteón”.

Es recién con los arquitectos del Quattrocento, cuando se incorpora la lógica de las relaciones espaciales, basados en la armonía, el orden y la simetría.

Es Vitrubio quien expresa la idea arquitectónica de la proporción, y que la armonía en un edificio bello se basaba en las proporciones humanas o en la Naturaleza. (la euritmia definida por Vitruvio que escribe: “Cuando todas las partes importantes del edificio están convenientemente establecidas en proporción mediante la adecuada correlación entre alturas y anchuras, entre anchura y profundidad, y cuando todas estas partes también tienen su lugar en la simetría total del edificio, obtenemos euritmia” ( eu– bello, armónico y ritmia-ritmo.)

Entiende la simetría como cualidad, como proporción de las partes.

“Simetría es la conveniente correspondencia entre los miembros de la obra, y la armonía de cada una de sus partes con el todo: pues así como se halla simetría y proporción entre el codo, pie, palmo, dedo y demás partes del cuerpo humano, sucede lo mismo en la construcción de las obras (Nota 13) haciendo mención a Leonardo. (Nota 14)

Alberti teoriza estos conceptos, recupera la ley de las proporciones de Vitruvio, incorporando los aspectos religiosos y filosóficos, por los que era debido a un orden superior la guía de los principios geométricos.

Videos del Panteón

1.-  https://youtu.be/PFTlZ6mLl50?t=3

2.- https://youtu.be/2P0FUjTmDWs?t=5

3.- https://youtu.be/UzAhpdo4RSI?t=245

4.- https://youtu.be/2Tye02m9UWY música: banda sonora Game of thrones.

Comentarios sobre algunas actores -principales y secundarios- mencionadas en el artículo

1.- László Moholy-Nagy  (1985 – 1946). Fotógrafo y pintor húngaro, a la renuncia de Johannes Itten (1888-1967) como director del curso de metal László se hace cargo de dirigir el curso. Fue profesor y junto a su mujer Lucia (Schulz) Moholy 1894-1989)se convirtió en el precursor de la fotografía Bauhaus.

La edición del octavo volumen de la Bauhaus de su trabajo “Pintura, Fotografía, Film”, aparecida en 1925, es uno de los pilares de la fotografía al establecer una relación entre ella y la pintura. La clasificaría como un medio para dar forma al color (la pintura) y la fotografía un instrumento de fenómeno de la luz.

Durante 8 años (desde 1922 a 1930) trabajo en una serie de planos metálicos perforados (Modulador luz-espacio) con efectos de luces y sombras.Alexander Rodchenko (1891-1956) había trabajado previamente con un modulador en el que sólo se buscaban sombras.

                                                                                                                                            Notas

Nota 1: Nikolaus Pevner (1902 -1983), Breve historia de la arquitectura europea.

Nota 2: Julio Cortázar (1914 – 1984) Paris, ritmos de una ciudad.

Nota 3: László Moholy-Nagy  (1985 – 1946). La nueva visión. Principios básicos del Bauhaus.

Nota 4: Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret-Gris, 1887 – 1965), Precisiones respecto a un estado actual de la arquitectura y el urbanismo.

Nota 5: Italo Calvino (1923 – 1985). Si una noche de invierno un viajero.

Nota 6: Edgar Allan Poe (1809 – 1849). La caída de la casa Usher.

Nota 7: Julio Cortázar, Casa Tomada.

Nota 8: Henning Mankell (1948), Cortafuegos.

Nota 9: Witold Rybczynski (1943), La casa: historia de una idea

Nota 10: Féliz de Azúa (1944), Benet en casa.

Nota 11: Hans Scharoun (1893-1972). Escritos.

Nota 12: Andrea Palladio (1508-1580). Los Cuatro Libros de Arquitectura.

Nota 13: del capítulo II. De que cosas consta la Architectura, libro 1ero. Los 10 libros de la arquitectura de Marco Lucio Vitruvio Polion.

Nota 14: Leonardo en sus notas indicaba una escala “palmos”. Debajo de su dibujo están en “codos”. Cada codo está dividido en seis palmos, y los últimos palmos están divididos en cuatro dedos cada uno. El “hombre de Vitruvio” obra de Leonardo con los brazos extendidos mide exactamente cuatro codos de ancho y también cuatro codos de altura.

La Proporciones del Hombre de Vitruvio

“Vitrubio el arquitecto, dice en su obra sobre arquitectura que la naturaleza distribuye las medidas del cuerpo humano como sigue: que 4 dedos hacen 1 palma, y 4 palmas hacen 1 pie, 6 palmas hacen 1 codo, 4 codos hacen la altura del hombre. Y 4 codos hacen 1 paso, y que 24 palmas hacen un hombre; y estas medidas son las que él usaba en sus edificios.

La longitud de los brazos extendidos de un hombre es igual a su altura. Desde el nacimiento del pelo hasta la punta de la barbilla es la décima parte de la altura de un hombre; desde la punta de la barbilla a la parte superior de la cabeza es un octavo de su estatura; desde la parte superior del pecho al extremo de su cabeza será un sexto de un hombre. Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo. Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte del hombre. La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte de un hombre. Desde el codo a la punta de la mano será la quinta parte del hombre; y desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte del hombre.

Nota 15: Apolodoro fue uno de los grandes arquitectos de Roma, con clara influencia helénica, entre sus obras (sirviendo al emperador Trajano), el Puente de Trajano, los mercados del Quirinal en Roma, las termas de Trajano, el foro de Trajano -con la Basilica Ulpia-, mercado de Trajano. Y la imponente Columna de Trajano de 40 metros de altura y 4 metros de diámetro, completamente tallada donde se narra la historia de la victoria de Trajano contra los Dacios.

Nota 16: Constantino es conocido también por haber refundado la ciudad de Bizancio (actual Estambul, en Turquía), llamándola «Nueva Roma» o Constantinopla (Constantini-polis, la ciudad de Constantino).

Hugo A. Kliczkowski Juritz
permitida su utilizacion citando la fuente
Abril 2018

Suecia, Mälmo, y el Turning Torso de Santiago Calatrava

Suecia, Mälmo Torre de Calatrava

Apenas llegamos a Mälmo, fuimos a ver la torre.

Sabía visualmente de sus características, pero necesitaba sentir como era ver su dimensión (54 pisos y 190 metros) y su entorno cercano.

Johnny Örback, era en ese momento el director gerente de la cooperativa sueca de viviendas HSB, que fuera fundada en 1923 y la actual propietaria de la torre.

HSB es la mayor cooperativa de Suecia.

Esta torre está basada en una escultura de Santiago Calatrava llamada «Twisting Torso» que es la forma en que un ser humano gira sobre sí mismo, realizada en mármol blanco, y con el nombre de «Turning Torso», bautizaron a esta torre que el ing arq Santiago Calatrava finalmente construyó en Suecia.

Ubicada a 512 Km de Estocolmo, en la ciudad de Mälmo, está a las orillas del estrecho de Öresund. Se inauguró en Agosto de 2005 con 147 unidades residenciales.

Es extraño ver su torsión, y los elementos estructurales externos. Pero no son excesivos (debo reconocer que fui a verla con no pocos prejuicios por las polémicas que Calatrava ha causado y causa), así como su tamaño, hasta diría que me agrado su simplicidad dentro de su complejidad.

Emplazada en una zona nueva, muy cerca del puente/túnel que une Suecia con Dinamarca, una obra de ingeniería muy compleja que une las ciudades de Mälmo -Suecia- con Copenhague -Dinamarca-.

Toda la zona tiene lugares de esparcimiento y restaurantes, al borde del río un paseo muy bien diseñado donde se circula en bicicleta, que tambien se usa para realizar gimnasia, tomar sol, e ir de compras en comercios y galerías.

Alrededor de esta torre muy alta. (la más alta de la península escandinava) hay muchas viviendas y comercios, muy bien diseñados y mejor construidos.

Me llamo la atención que ya en ese momento (era 2015), la torre (como en su momento lo fue la Torre Eiffel en París), era el símbolo de la ciudad y había todo tipo de merchandising con su imagen.

En agosto de 2015, recibió el premio 10 Year Award del Council on Tall Buildings and Urban Hábitat (concedido por el Consejo de Edificios Gran Altura y Hábitat Urbano (CTBUH).

En 2005 obtuvo el primer puesto del Emporis Skyscraper Award.

La película “El socialista, el arquitecto y la torre”  trata, como lo indica la sinopsis de Filmaffinity:

» En 1999 el socialdemócrata Johnny Örbäck, director general de una cooperativa de viviendas en Malmö decide encargar a Santiago Calatrava la construcción de un edificio único en los viejos astilleros de la ciudad, la ‘Turning Torso’, una torre de 190 metros de altura que se retuerce sobre sí misma y que fue nombrada como el «mejor proyecto de edificio residencial del mundo» en Cannes.

Los años pasan y el proyecto se retrasa. El presupuesto se excede en casi 85 millones de euros y Johnny Örbäck tiene que soportar la presión de los empresarios y de los ciudadanos de Malmö, que no entienden por qué una cooperativa como la HSB no construye pisos asequibles para la población. El director entra en las vidas de los protagonistas y vive en primera línea sus sueños y frustraciones. Una mirada única al mundo de la arquitectura y lo que pasa cuando la visión artística choca con la dura realidad».

Otra:

Hay un CDR editado por la FCA (la Fundación Caja de Arquitectos de Cataluña) donde se ha filmado todo lo que ha habido alrededor de la torre, que no ha sido poco por los sobrecostes y atrasos.

Creo a pesar de los pesares, y muchas consideraciones, la torre es una maravilla.

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Puede interesarte este tema, por lo que te envío una sugerencia de Hugo K: Florencio Molina Campos.

https://onlybook.es/blog/florencio-molina-campos-quien-se-va-a-ocupar-de-cuidar-y-exhibir-sus-obras/

 

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Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:   http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczko

Hugoklico.blogspot.com

Lina bo Bardi

Lina bo Bardi Exposición en su casa de vidrio en San Pablo

desde el 1 de Abril al 2 de Junio de 2018

Exposición «A CASA COMO CASA» –
CASA RESIDÊNCIA E ESTILO DE VIDA DO CASAL BARDI

direccion:
Rua General Almeiro de Moura 200
en Morumbi, San Pablo
Curadora y directora cultural : Sol Camacho.
De Jueves a Sábado horarios 10h15, 11h45, 14h y 15h30
 
Lina muere en 1992, un año mas tarde con el nombre de Lina Bo y P.M. Bardi se consolida en la que fue su casa una propuesta de difusión cultural en Sao Pablo.(ya funcionaba desde 1990).
Esta exposición es el lanzamiento del nombre INSTITUTO BARDI / CASA DE VIDRIO, para celebrar la reconstrucción de la sala de la Casa de Vidrio, lo mas parecida posible a aquella en la que vivieron los últimos años de su vida Lina y Pietro.
Sol Camacho curadora de la exposición explica que se intento recuperar la atmósfera y el estilo de vida de sus habitantes.
Recordemos que Lina y Pietro eran italianos, y que durante 50 años (1951 a 1999) fue el escenario de los intelectuales italianos que debido a la 2nda guerra mundial, escogieron Brasil como su patria.
Sus amigos, artistas, galeristas, políticos colaboraron en ese clima progresista, y hoy sede del Instituto que difunde cultura por medio del arte, el diseño, la arquitectura y el urbanismo.
Esta «su casa», no fue solo un ejercicio de arquitectura de vanguardia, experimentación de los proyectos de vanguardia de Lina, sino que fue el lugar intimo donde ambos trabajaban, escribían, proyectaban edificios. muebles y objetos.

Japón 4 Kanazawa y Naoshima – Sanaa y Tadao Ando

A raíz del comentario de Antonio Ledesma sobre como  generan los “japoneses” los espacios, y planteado el tema de la transición, recojo la pregunta, a la que luego se sumo Zaida Muxi, todo está en el feis.

En ese diálogo también lo pregunta Pablo Mastandrea..

Yo agrego, «quien esté libre de pecado, que tire el primer concepto….»

 

Con mi amigo, » otro Pablo», y en una de las tantas conversaciones que hemos tenido y tenemos llegamos a la misma pregunta sobre la arquitectura japonesa moderna..

No ya que hacen (que lo vemos) sino desde donde y como lo hacen.

Transición!!

Esto hable con Pablo: «en la arquitectura que vimos de Tadao Ando, Yoshio Taganuchi,  Kengo Kuma y el gran Kenzo Tange, (no vimos nada de Toyo Ito) plantea espacios previos, anteriores al principal».

Estos espacios anticipan, preparan la acción, sin sobresaltos…

Acordamos que la vida hace a la arquitectura y no al revés.

Tiempo!!

Es el tiempo, y no el espacio el que da calidad y sentido a la arquitectura.

Todo es tiempo. Y depende que uso demos a ese tiempo y como lo percibamos.

(Pablo me da un ejemplo futbolístico, si un equipo – sin duda se refiere a River-gana 1 a cero y faltan 2 minutos para el final del juego, que largos que son esos 2 minutos. Tiempo en el espacio (trato de interpretar). El tiempo es recorrido, y es el que da calidad y sentido. No el espacio.

 

Este texto parece lo que es, conceptos telegráficos…sobre la temporalidad y -nuevamente- sobre el sentido.

 

 

 

 

Sana– Sejima Kazuyo y  Ryue Ishikawa

Quienes en el año 2010 obtuvieron el Premio Pritzker de Arquitectura.

Es en el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI, donde el  estudio  Sanaa  (obtuvieron el 1er. premio)-, redefine la institución museo, construido en la ciudad de Kanazawa e inaugurado en 2004.

Respuesta “concentrada” así como dispersa la de Tadao Ando en el Chichu Art Museum (2004) (地中美術館 Chichū Bijutsukan) literalmente “Museo de Arte en la tierra”. y en el Benesse Art Museum (1992)  Ambos en la isla Naoshima.

Otra re-interpretación del concepto Museo, en este caso abierto a la vida. Todos los destinatarios, vecinos y visitantes reconocen ese cambio de paradigma.

 

 

1er recreo

Si por esas cosas de la vida deciden viajar a Japón, para hacer un master de arquitectura y de vida, – recomendaría la isla de Naoshima, en la prefectura de Kagawa.

Dormir en ella, en alguno de los bed & breakfast o la menos probable de conseguir alojamiento en el hotel  Benesse, también de Ando por 500 usa la noche. 

Pero a no preocuparse, no hay nunca lugar, ni siquiera en la parte alta que se llega en monorrail y tiene “seis increíbles habitaciones seis”.

Luego de pasar por la Terminal de Transbordadores de Naoshima, que Sanaa realizó en el 2006, volvemos al museo del siglo XXI.

Partido de Sanaa (Les recuerdo que pertenezco a la etapa pre autoCAD)

Simplificando «el partido» recrea un lugar conocido. Como estar en una ciudad o incluso un centro comercial, pero de exhibición y de arte, bueno, es casi lo mismo. Calles y locales, pasillos y habitaciones, todos lo entendemos. Por aquí se circula, y cuando algo nos llama la atención, entramos a ver.

Ventanas, caladuras por donde se ve gente y lo que ve la gente.

Dos “tapas”, materializadas en círculos de 103 mts de diámetro.  Una abajo y otro arriba.

En el medio de ambas “tapas” y sobresaliendo,  el contenido expuesto en el museo.

Las salas (circulares o cubicas) sobresalen lo necesario de la “tapa superior”.

La altura de la sala afecta solo a esa sala. No a la altura de la circulación.

Todo simple y fácil.

Ciertas salas de acceso libre conviven con salas  a las que solo se puede acceder con entrada.

En el mismo museo, como el gruyere, donde las partes llenas, junto a las vacías dan forma al conjunto

Un conjunto muy claro. (no es «un edificio», equipamientos colectivos como biblioteca, sala de conferencias y sala taller polivalente de uso infantil. Galerías de exposición, museo y esparcimiento alrededor de los pasillos circulares que dan al jardín gracias a enormes paneles de vidrio continuo.

Como obra permanente, el Museo ha comprado e instalado la piscina de nuestro compatriota argentino Leandro Erlich.

2ndo recreo

 

Sanaa ha mejorado notablemente las terminaciones del New Museum (2007) en el Lower East Side de Manhattan.

 

 

Como ponía al comienzo: «quien esté libre de pecado, que tire el primer concepto….»

Se escuchan conceptos.

 

Hugo A Kliczkowxski

Abril 2018

 

Frank Gehry y la Fundación Louis Vuitton, Paris

Fundación Louis Vuitton por Frank Gehry

impresiones de un relator

 por el arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

Esta conversación existió, durante el mes de Julio del 2015 en Madrid.

Los interlocutores fueron un arquitecto al que conozco desde hace muchos años que es una persona muy culta, formada e informada, a quien mantendré con el rango de amigo/arquitecto (Arq. Miguel Angel Roca) y otro arquitecto, con menos virtudes y más defectos, yo.

Había ido a París a ver la exposición que sobre Le Corbusier se montó en el Centro Pompidou, conmemorando los 50 años de su muerte, una retrospectiva que incluía textos, pinturas, dibujos, esculturas y maquetas. 1

También aproveché para visitar varias obras del Arq. Jean Nouvel (como La fundación Cartier –que me sigue pareciendo interesantísima-)

Me acerque al Museo de Quai Branly, (quai tiene la acepción de muelle, y así se llaman muchas de las calles que bordean el río Sena).

No llegue a ver la Philarmónica de París también de Nouvell porque estaba cerrada hasta finales de Agosto por obras.

También fui a conocer el Museo de Le Gaite Lyric al lado de la Rue Sebastopol. Al que destine un tiempo y un deseo especial fue al nuevo (inaugurado en Octubre de 2014) museo de la Fundación Louis Vuitton diseñado por el Arq. Frank Gehry, de origen canadiense (1929).

Fundación Cartier de Jean Nouvel

Un aviso que puede servirles: si van a visitarlo, les comento que en el Arco del triunfo cada 15 minutos sale un bus eléctrico, que cobra 1 € cada trayecto.

Le comenté a  mi amigo/arquitecto, que no me había gustado, que me parecía un edificio rodeado de un tu-tú, de un velamen, que además de superfluo, es pretencioso, en definitiva, me había decepcionado.

Había visto personalmente varias obras de Gehry, como su casa –en realidad la remodelación de su cocina- en Santa Mónica en 1977/78, su casa de la Playa, el museo aeronáutico de Los Angeles, El Disney Hall, Fred & Ginger en Praga – el caprichoso edificio danzante invadiendo las aceras-, ya había sentido un poco el sabor amargo en Vitra Design Museum en Weil am Rhein, que me pareció una casa común con un envoltorio muy forzado, para hacerlo “gheryano”, el Neuer Zollhof en Dusseldorf, Alemania (1999), donde tenia las oficinas mi amigo editor Wim, y me extasié muchas veces, en cada visita al Museo Guggenheim en Bilbao. Insistí que la obra en Paris no me había gustado.

Esta obra tiene gran cantidad de espacios que dan a muchísimas terrazas, donde la gente, se dedicaba a sacar fotos del Bois de Boulogne, ya que la obra está en la zona del Jardin dÁcclimatation, un lugar familiar en la vida de los parisinos, en el barrio XVI.

Ubicada en un terreno de 19 hectáreas, diseñados por el arquitecto Gabriel Davioud (1824-1881) y el paisajista Jean-Pierre Barillet-Deschamps, (1824-1873).

Fue inaugurado por Napoleón III en 1860, la parte del Jardín Zoológico de Aclimatación llego a contar con más de 110.000 animales.

La finalidad fue crear un espacio con nuevas especies animales y botánicas en Francia. En 1860 se trajeron semillas, bulbos, raíces y animales para ser introducidos en el corazón del Bosque de Boulogne, creando un bello espacio ajardinado.

Algo más complicado ( y doloroso) de comprender fue que entre 1877 y 1912 es decir durante 35 años, se convirtió en L’Acclimatation Anthropologique es decir en zoologicos humanos.

Durante el siglo XVIII y XIX, la sociedad intelectual europea sentía una gran fascinación por lo desconocido y lo exótico, como grupos de indígenas para observarlos, estudiarlos y compararlos con la raza civilizada, es decir la blanca europea, por ello se crearon los «Zoológicos Humanos».

El zoologo y domador alemán Carl Hagenbeck (1844 – 1913), que en un principio se dedicaba a la muestra animal y a la dirección de circos, se especializó en llevar grupos de indigenas «puros» desde África y Asia, recreando su hábitat y costumbres. Era en estos zoológicos humanos, donde se presentaban familias enteras de pueblos indígenas, poniendo tras las rejas, a la vista de los visitantes y tratando como animales a indígenas de todo el mundo.

Como Nubios (Egipto y norte de Sudan), Bosquimanos (de 6 países africanos), Zulúes (Sudáfrica y otros países de África), Lapones (península escandinava y Rusia), Kali’nas (Brasil, Guayanas y Norte de Sudamérica), Selknam (Argentina, Chile y tierra del fuego), Mapuches (Sur de Chile y Argentina), entre otros.

Saliendo de aquel horror, regresemos al presente, la sociedad concesionaria para la Ciudad de París del Jardín de Aclimatación pertenece al Grupo LVMH, siglas de Louis Vuitton Moët Hennessy, este conglomerado dueño de más de 70 marcas de renombre de todo el mundo está presidido por Bernard Arnault (1949) undécimo hombre más rico del mundo y primero de Francia.

En una de las terrazas, vi una pareja que se encontraron con una escalera que debería salvar al menos 2 niveles de altura, y encogiéndose de hombros frente al esfuerzo, la encararon (yo tras ellos).

Mi amigo/arquitecto, me contradijo:

Ah, no, es una obra fantástica, me ha parecido estupenda, digna obra de un encargo de Arnault en su carácter de ser el mayor coleccionista de arte moderno de Europa.

En serio, dije yo. ¿Porque?

Deberíamos hablarlo en extenso, pero es una gran obra.

Arnault sabe que no tiene una gran colección de obras de arte, de hecho no tiene ninguna obra artística contemporánea que cueste los 230 millones de euros que ha costado la obra que le ha encargado a Gehry.

Entonces, le pidió a Gehry una gran obra, la más importante de su colección. Y Gehry ha hecho una gran escultura transitable, rodeando a las salas de alas de mariposa (me encanto esto de alas de mariposa, voy a cambiar la mía porque ya no me gusta más -lo del tu-tú-), tiene 12 velas de vidrio. La mayor tiene 3.000 m2 y está 25 metros más alta que la terraza.

– En ese sentido llevas toda la razón, había más gente fuera que dentro del edificio.

– Claro, ha construido una montaña, y tú puedes salir de la montaña y caminarla por fuera, y ver el bosque maravilloso, y cuando lo deseas entras a la montaña.

– Bueno, no sé, me estas cambiando los esquemas, sigue le pedí.

Todas son como montañas (no he estado en la Capadocia, en Turquía, donde hay una región, un paisaje montañoso con cuevas o lugares donde entrar).

Pero son lugares puntuales, como esta montaña, entras para ver algo, y luego sales estando en el conjunto.

Se ha hecho con un rigor constructivo enorme, con un cálculo, que evita problemas.

– ¿No se ira volando hasta Avellaneda? (siempre en estas conversaciones difíciles, como desde donde yo partí, trato de agradar con algo que me parece simpático, que no fue el caso).

– No, han hecho una tarea enorme de estudios de varios materiales, acero, madera, cristal,

La idea era que en el año 2009 se inaugurara el museo, para lo cual la ciudad de París, propietaria del parque otorgó el permiso. En 2011 una asociación defensora del Bois de Boulogne consiguió que un juez fallara “que –la obra y su función- alteraría la paz verde del parque”. La ciudad de París apeló este fallo, y el Arq. Jean Nouvel avaló a Frank Gehry diciendo:

“… con sus pequeños y ajustados trajes resulta bastante patético que quieran poner a París en formol…”.

Finalmente la Asamblea Nacional aprobó una ley especial alegando que la Fundación era un interés nacional y que el edificio que se pensaba construir era “una inmensa obra de arte para el mundo entero”, con esta ley se permitió su continuación.

En ese sentido, ya el fallo de la Asamblea Nacional lo menciona no como un edificio sino como una inmensa “Obra de arte”.

Ya he mencionado que la historia del Jardín d´Acclimatation comienza en 1854 de la mano del naturalista Isidoro Goefroy Saint-Hilaire (1805-1861) con el apoyo de Napoleón III, pero a partir de 1990 al Jardín de Aclimatación le resultó imposible competir con los nuevos parques temáticos abiertos en las afueras de París. El espacio fue comprado por el grupo Vuitton que recuperó algunas de sus antiguas piezas como el aviario o el coto rocoso para los ciervos. Con la construcción del edificio diseñado por Gehry se abre un nuevo capítulo en su historia.

La obra

Ya había leído acerca de velas o líneas continuas, todo controlado por el programa digital CATIA. Un programa creado originalmente para la industria aeronáutica por una compañía francesa y adaptado a los diseños de arquitectura, solo para este proyecto Gehry contó con la ayuda de más de 190.000 archivos digitales. Si lo pensamos como un iceberg (o montaña como mi amigo/arquitecto me dijo)- de los 11.000 m2 construidos 9.000 corresponden al iceberg.

Posee 2 accesos, el de la Avenida M. Gandhi o desde el Jardín, que nos dirigen a un amplio vestíbulo que articula los distintos espacios. El edificio cuenta con 11 galerías.

Un auditorio (en la planta sótano) con capacidad para 360 a 1000 personas, flexibilidad conseguida por un particular sistema automático de configuración de asientos. La gruta y las terrazas, cuenta con salas más pequeñas.

El edificio “interno” tiene 3 volúmenes. Y el “externo” permite exponer obras de arte y maravillarse ante las visitas al entorno.

Dos de las terrazas están cubiertas por las “velas”, y existe otra descubierta.

La lógica constructiva de la fundación es específica para cada bloque con una estructura primaria de hormigón armado con acero y una secundaria de madera y acero revestido con vidrio.

El edificio tiene 46 fachadas acristaladas. El software diseñado permitió calcular el radio de doble curvatura para cada panel de vidrio, lo que garantizaba su continuidad con los paneles adyacentes.

Los revestimientos de los muros del “Iceberg” son placas de Ductal  Blanco fijadas a un marco de aluminio.

Son 19.000 rectángulos de medida equivalentes aunque cada uno tiene una curva propia.

Debería extenderme más, ya que ni he entrado a valorar su espacialidad (que es muy interesante) ni su riqueza visual.

Pero quería compartir estas formas de entender, explicar, o explicarse de la que sin dudas es una obra mayor de arquitectura.

Cuando leí del juicio de los vecinos, me acordé lo que le ocurrió a la Torre Eiffel, y el edicto municipal que permitía su demolición. La Torre Eiffel, un icono de París, existe hoy día, porque por suerte, prevaleció una mirada más allá de lo inmediato.

Voy a volver a re-mirar esta obra de Gehry y les aviso.

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Puede interesarte este tema, por lo que te envío esta sugerencia de Hugo K: Arq. Andrea Palladio, Palazzo del Capitaniato: https://onlybook.es/blog/palazzo-del-capitaniato-andrea-palladio/

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Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:    http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

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Hugo A. Kliczkowski Juritz

7 de Agosto de 2015

Notas

1

La retrospectiva sobre la vida y obra de Le Corbusier, llevaba por título, «Le Corbusier: Las medidas del Hombre»,  estuvo expuesta desde el 29 de abril hasta el 3 de agosto de 2015

Utopia. El parador Ariston por HaKj

Caminamos en nuestra Utopía para recuperar ¡Nuestra Huella! Recuperando El Parador Ariston.
Obra de los arquitectos Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Carlos Coire.

Utopía

Eduardo Galeano comenta en uno de sus libros que estando en Cartagena de Indias, en la costa Colombiana con el director de cine argentino Fernando Birri, un estudiante le pregunta:

-¿Para qué sirve la utopía?

-y Fernando Birri responde que esa pregunta se la hacia él todos los días.

-¿Para qué sirve la utopía?

-Fíjense ustedes que la utopía para mí está en el horizonte.

Y si está en el horizonte nunca la voy a alcanzar.

Pues si yo camino 10 pasos, la utopía se va a alejar 10 pasos.

Y si camino 20 pasos, la utopía se va a colocar 20 pasos más allá.

Cuanto más lo intente, menos lo conseguiré.

Porque ella, se va alejando a medida que yo me acerco.

O sea, yo sé, que jamás, que nunca la alcanzaré.

Es una buena pregunta, ¿para qué sirve la utopía?

La Utopía sirve para eso, para caminar.

 

Eduardo Galeano

Fernando Birri

 

 

 

 

Recuperar el Ariston. Es también una Utopia?

Poniendo nuestro mejor empeño para salvarlo de su actual estado de abandono, caminamos hacia ese propósito,

Debemos cuidarlo y evitar que desaparezca.  Porque hay un riesgo, cuando desaparecen, las historias también desaparecen. Cuando desaparecen los espacios donde tejimos y construimos historias, nuestras historias también desaparecen con ellos. Las historias se desarrollan en algún lugar y cuando estas historias se relatan hablamos en el espacio y en el tiempo. (Marc Augé)

Nota 1.

Hablamos de nuestra “HUELLA”.

Hay un nexo entre los espacios y nuestras historias. Se alimentan mutuamente. Los espacio efímeros y provisorios producen relaciones efímeras y provisorias, y todo lo efímero y provisorio está destinado a desvanecerse.  Por el contrario, aun hoy, luego de más de 25 de años de estar cerrado, el parador Aristón, sigue despertando historias, pasiones y deseos. No hablamos pues de una arquitectura efímera, en el sentido que es una arquitectura que dura menos que nosotros mismos, sino de una arquitectura con vocación de permanencia que nos sobrevive. Nos relacionamos con el edificio, que es donde transcurren nuestras realidades cotidianas y alimentamos esa relación con nuestras narraciones. Tenemos una relación afectiva con los lugares que habitamos, tambien han condicionado nuestra manera de ser y actuar. (Nota 2)   

Esa es nuestra “Huella”.

La arquitectura es el arte de las superficies que están alrededor del espacio (Brinkman)

Hay una percepción del lugar y del tiempo (Einstein)

El hombre existe en el espacio al dar lugar al espacio (Heidegger)

  Cada período cultural tiene su propia concepción del espacio, pero es preciso cierto tiempo para que la gente lo entienda asi conscientemente. (Lazlo Moholy-Nagy)  

Hay cierta arquitectura que es muy importante conservar, porque ella y sus espacios nos recuerdan a los que nos han precedido, y también a nosotros mismos en otro tiempo. Hay obras que se transforman en iconos de la arquitectura, tienen la fuerza para influir en su entorno físico y cultural. Transforman el lugar en un sitio especial. Como el Parador Aristón.

Así como las acciones inmateriales se recuperan con las historias que se cuentan y escuchamos, cuando son edificios, las historias se construyen de manera  más compleja, son historias que hemos creado entre todos y son los edificios los que nos dan pistas de esas historias, donde hemos vivido y compartido distintos momentos. Como si cultivaramos, cuando se proyecta un edificio, nos apropiamos del sitio. Nota 3

Así construimos Nuestra Huella.

Marcel Breuer

Un edificio para poder vincularse con la cultura a la que pertenece, debe estar inmerso en las realidades, emociones y mitos que forman el imaginario colectivo de una sociedad. Javier Maderuelo. Nota 4

A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”. Peter Blake. Nota 5

Defender el Parador Ariston es asumir la defensa del patrimonio histórico. La propuesta, es hacer pedagogía en la opinión pública para que defienda la arquitectura contemporánea como parte de su patrimonio, a los gobiernos municipales y provinciales para que declaren la protección de obras de alto valor arquitectónico. Al defender nuestro patrimonio, defendemos lo que hemos heredado de nuestros padres (“Patrimonium”). Al conservarlo (es frágil y limitado), establecemos vínculos con un legado que es común a todos. Su enorme valor radica en que ese legado nos vincula al pasado haciéndolo presente.

Esa es nuestra “Huella”.

Eduardo Catalano

Desde el punto de vista espacial, el Movimiento Moderno creó una nueva manera de entender el espacio urbano y doméstico del cual somos herederos. Arq José María Ezquiaga – decano del Colegio de Arquitectos de Madrid (COAM)

Otra manera de presentar al Parador Ariston

En un mágico paisaje, cuando el hombre proyecta, descubre un lugar. Lo diseña, creando un sitio y creando espacios.

El espacio surge de repensar el tiempo (Henry Lefebvre)

El espacio, es el lugar donde son posibles los relatos, de hecho, todo relato es un relato de un viaje, que es nuestra experiencia personal en ese espacio. El relato de nuestras vivencias, nuestras historias, hace el espacio y al contarlo a los demás, define nuestra “huella”. Nota 6

Carlos Coire

Notas

1.  Marc Augé 1935: Estas formas simples se concretan en y debido al tiempo. De hecho, todas las relaciones inscritas en el espacio se inscriben también en su duración, son, por lo tanto, históricas.

2. Marc Augé, se refiere al «no lugar» como lugares transitorios, que no tienen suficiente importancia para ser considerados “lugares”. Un no-lugar puede ser una autopista, una habitación de hotel, una estación de tren, un centro comercial, donde la relación es más superficial, circunstancial, las relaciones son más artificiales que en un “lugar”. Hay espacios que tienen una doble acepción: Aunque un centro comercial pueda ser un lugar de encuentro, de relación y de diversión para gente joven, puede ser un no lugar para gente mayor

3. La clave estaba en un libro del arquitecto austriaco Victor Gruen, El corazón de nuestras ciudades. Gruen intentaba establecer una circunscripción entre aquello que pertenece a la ciudad (de todas las ciudades en general), y aquello que queda excluido: hay sitios de tránsito y sitios de encuentro; sitios donde los itinerarios corren en paralelo y sitios donde tienden a cruzarse; sitios estáticos y sitios dinámicos; sitios donde uno puede encontrarse con personas y sitios donde las personas se transforman en cosas.

4. Javier Maderuelo. LA IDEA DE ESPACIO. En la arquitectura y el arte contemporáneo 1960-1989. Editorial Akal (978-84-460-1261-0). 2008.

5. El historiador Peter Blake, en su libro “The Master Builders” (1976) comenta acerca de las vidas que pueda tener la arquitectura de los grandes maestros, y nos dice que la primer vida de un edificio comienza cuando el edificio se termina y su éxito se juzga dependiendo de si funciona o no, su segunda vida es una o dos generaciones más tarde cuando ya no se recuerda su comportamiento en términos de planificación, presupuesto, comodidad, ya que se lo juzga simplemente como si fuera una obra antigua, aunque el edificio no sea demasiado “bello”. A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”.

6. Es el relato el que transforma el lugar en espacio. (Michel de Certeau -1925/86- filósofo, “Las artes de hacer”)

 

 

La fealdad del espíritu

La fealdad del espiritu

 

El arbolito no es responsable de nada.

No hay que criminalizarlo, no pidió ningún fondo para exponer su belleza.

Nadie cercano, aprendió de él su forma, sutileza, color o textura, ni su escala o su movimiento.

Ni advirtió sus visitantes (pajaritos, otras aves, hasta algún barrilete).

Nadie observó su maravillosa forma de dar sombra y hasta el susurro del viento y el juego de las hojas flotando en el espacio.

El arbolito no tiene culpa alguna.

Ni criminalizarlo, ni juzgarlo, pero si agradecerle que exista para recordarnos que lo bello muchas veces nos permite reconocer la fealdad. Sobre todo la del espíritu.

El parador ARISTON, una ruina moderna por HaKj

El Parador Ariston obra de los arquitectos Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Carlos Coire.

Una “ruina moderna”.

 El historiador Peter Blake, en su libro “The Master Builders” (1976) comenta acerca de las vidas que pueda tener la arquitectura de los grandes maestros, y nos dice que la primer vida de un edificio comienza cuando el edificio se termina y su éxito se juzga dependiendo de si funciona o no, su segunda vida es una o dos generaciones más tarde cuando ya no se recuerda su comportamiento en términos de planificación, presupuesto, comodidad, ya que se lojuzga simplemente como si fuera una obra antigua, aunque el edificio no sea demasiado “bello”. A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”.

Resulta clarificadora y útil la frase de Peter Blake “la grandeza de una obra y de su arquitecto se resume en esas dos cuestiones, cuanto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”.

Hay obras que se transforman en iconos de la arquitectura, ya que tienen “per se”, la fuerza necesaria para influir en el entorno físico y cultural, sea cercano o lejano.

De pronto, hay lugares donde las personas y sus acciones, los objetos que realizan y construyen transforman el lugar en un sitio especial.

Así como las acciones inmateriales se recuperan con las historias que se cuentan y escuchamos, cuando son edificios, las historias se construyen de manera  más compleja, son historias que hemos creado entre todos y son los edificios los que nos dan pistas de esas historias, donde hemos vivido y compartido distintos momentos.

Hay un edificio, el Parador Aristón, del que podríamos estar orgullosos, ya que es parte de nuestra historia, de nuestra historia colectiva. Su “huella” es parte de nuestra identidad como un valor sustantivo que conforma el patrimonio cultural común, por eso nos duele el estado de abandono al que está sometido.

Debemos cuidarlo y evitar que desaparezca. 

Porque hay un riesgo, cuando desaparecen, las historias también desaparecen.

¿Es un desapego afectivo? ¿Carecemos de la sensibilidad necesaria para valorar su identidad en cuanto generadora y referente de ideas? (1)

A pesar de estos pesares hay mucha gente interesada en preservarlo, como gratamente he podido descubrir.

Todos ellos saben que tratar de recuperar el Parador Ariston nos califica, (así como dejar que desaparezca nos descalifica).

Comencé este artículo, con la intención de enterarme de esta historia, sobre todo cuando vi su lamentable y calamitoso estado.

Parafraseando al filósofo y escritor francés Blaise Pascal del siglo XVII comentó aquello de “escribo un texto largo, porque no tengo tiempo de escribir uno corto”, en él pongo énfasis en lo siguiente:

– es un edificio “emblemático” de la arquitectura moderna

– sus autores también lo son (2)

– hay muchos información en textos y videos que lo demuestran.

– esa información es nacional y también internacional, debido sobre todo a la participación de los arq. Breuer y Catalano

– muchas personas están interesadas en su puesta en valor

Me sumo a ellos, con este pequeño aporte del tema.

Los grandes edificios que mueven el espíritu siempre han sido extraños.

son únicos, poéticos, productos del corazón. Arthur Erickson

  • Sus alrededores como el Edificio Alfar

Durante varios años he veraneado con mi familia en el edificio Alfar (en la calle 16 entre la 1 y la 3) cerca del bosque Peralta Ramos y a pocos calles del parador Aristón. Tendría 12 años y no lo recuerdo especialmente, aunque en esa época debió haber estado en su esplendor, hablo de los años ´60.

Si recuerdo que era una zona, muy verde y tranquila que comenzaba a urbanizarse.

El edificio Alfar se había construido con la intención de poner allí un casino, al no conseguirse, vendieron en régimen de propiedad horizontal sus 130 departamentos, no era habitual que segundas viviendas, utilizaran toda la infraestructura de un hotel, fue el primer appart hotel del país.

Inaugurado a finales de 1950, obra del arquitecto de origen checo Carlos Navrátil (1910-1972) quien se formó en la Facultad de Rosario.

Construyo obras como el Ministerio de agricultura en Santa Fe, los tribunales provinciales de Rosario, el Barrio Alfar y su emblemático edificio. En Santa Fe ocupó la dirección de arquitectura sanitaria, reemplazando al arq. Wladimiro Acosta (1900-1967).

El edificio Alfar junto a un centenar de chalets en lo que era el barrio Faro Punta Mogotes, fue diseñado en un estilo modernista racionalista, que en los años ´30 era típico de Rosario, próximo al estilo internacional y alejado de las construcciones “pintoresquistas” marplatenses.

Una placa de 6 pisos con habitaciones está en el medio del sándwich formado por un basamento abierto y un coronamiento de uso social. Tanto el basamento como el coronamiento ocupan todo el largo y ancho del edificio.

En el Comedor se ubicó un relieve perteneciente al escultor Falcini y un fresco de Juan Carlos Castagnino (1908-1972).

Decoraban el resto del edificio las obras de arte de 36 artistas argentinos contemporáneos, entre ellos Emilio Pettoruti, Héctor Basaldúa, ´Raúl Soldi, Ramón Gómez Cornet, Enrique Policastro, Juan Del Prete, Eugenio Daneri, Antonio Berni, Juan Battle Planas y Norah Borges (seguramente a instancias de Blanca Stábile, historiadora del arte y colaboradora permanente de Jorge Romero Brest en la revista de crítica artística Ver y Estimar -1948-1955-).

Llamaba la atención en el comedor la escultura en metal de una guitarra, como recuerdo de la inauguración donde toco el quinteto del guitarrista Oscar Alemán.

El mobiliario fue provisto por las conocidas empresas Nordiska Kompaniet (su director Erich Werth explicó que el propósito de crearla fue “dotar al país de una industria que viniese a colaborar con el magnífico empuje de su joven arquitectura” y la empresa Comte (entre otros equipamiento del Hotel Llao Llao de Alejandro Bustillo y el Casino de Mar del Plata, contaban con los trabajos del reconocido diseñador Jean-Michel Frank).

(3) Barrio Hotel Alfar. Pag 67. Excelente el trabajo de 300 páginas del seminario “Primeros arquitectos modernos en el Cono Sur”, realizado en la ciudad de Rosario del 5 al 7 de Agosto de 2004.

«La madre del arte es la arquitectura. Sin la arquitectura de nuestro propio ser no tenemos alma de nuestra propia civilización». Frank Lloyd Wright.

  • Parador Ariston
  • La obra. Parte I

Obra de los arquitectos Marcel Lajos Breuer, en colaboración con los arquitectos Eduardo Catalano y Carlos Coire.

Está situado en el Barrio La Serena, sobre la ruta provincial 11, a 15 km de Mar del Plata, en la provincia de Buenos Aires.

Ícono fiel de la arquitectura moderna en la Argentina, como la casa del Puente (4) -1945- de los arq Amancio Williams (1913 – 1989) y Delfina Gálvez Bunge (1913-2014), – sobre un lote de 2 hectáreas limitado por las calles Matheu, Funes, Saavedra y Guido;  La Casa del Dr. Curutchet de Le Corbusier (1887-1965) y Amancio Williams en La Plata;  el edificio «Terraza Palace» -1957-  (Mar del Plata) de Antoni Bonet Castellana (1913-1989) –ubicado en el boulevard marítimo Patricio Peralta Ramos 5659-

https://youtu.be/1GTkM0FLp6c  (render realizado por Lucas Pugliese)

«La arquitectura despierta sentimientos en el hombre, su tarea es por lo tanto, hacer esos sentimientos mas precisos». Adolf Loos.

  •  La historia del Parador Ariston

En el año 1947 durante el gobierno del General Juan Domingo Perón y de Quijano, se firma la ley de propiedad horizontal, dando un cambio al tejido de la ciudad de Mar del Plata, se iniciaba la oferta de lotes que diera lugar con el tiempo a lo que son hoy los barrios de Alfar, San Jacinto, Playa Serena, San Patricio, San Carlos, Costa Azul y Acantilados.

Las facilidades de acceso al pavimentarse la ruta 2, la prolongación de 40 km más hacia Miramar, la construcción de aeródromos, puertos, playas así como las urbanizaciones de las ramblas Bristol y Playa Grande y la incorporación de las vacaciones pagas da un gran empuje al turismo.

La consigna del ´45  esel mar y la montaña deben ser accesibles a todos los hombres –ricos y pobresese “turismo social” se concreta con la construcción de los 19 hoteles que conforman el complejo de Chapadmalal.

Es una época donde la acumulación de población en las ciudades, el uso de nuevos materiales y la figura de la propiedad horizontal se ligan a las ideas del movimiento moderno.

revista Nuestra Arquitectura

Tanto el Estado como la capital privado construyen una serie de edificios modernos como Playa Grande -1937- y el Correo Argentino -1950-, las estaciones del ACA del ingeniero Antonio U. Vilar -1940- , el edificio “redondo” para la Ford “Stantien”  de J. de la María Prince, La Casa del Puente de Amancio Williams  -1943- , el Hotel Hurlinghan de H. Miglierini -1937- , la Confitería o Parador Aristón de Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Carlos Coire -1947- ,  Casas de Renta (Luro e Independencia), los cines Ambassador, Ocean Rex y Atlantic, viviendas experimentales de Alejandro Virasoro y a finales de los cincuenta, Antonio Bonet diseña el Terraza Palace y la galería Rivadavia ambas en 1959 entre otros interesantes edificios de galería comercial y vivienda en propiedad horizontal. (3)

En Playa Serena se lotea el Barrio del mismo nombre y es en ese contexto que la facultad de arquitectura encarga el parador Aristón al arq Marcel Breuer como ícono de modernidad.

Allí funcionó la discoteca “Maryana”; el café bar “Bruma y Arena”, y en los años 90, la parrilla “Perico”, a partir de 1993 queda abandonado, a su “suerte o para ser más exactos “a su mala suerte”.

En febrero del 2015 aparece un cartel donde una empresa española www.calpevillas.eu anuncia su restauración para centro comercial y cultural, y se cerca el lugar. Nunca funcionó ese link.

Cada edificio es un prototipo. No hay dos iguales. Helmut Jahn.
  •  El parador Ariston y Le Corbusier.
  • Cinco puntos para una nueva arquitectura

Le Corbusier presenta en 1926 un documento con los fundamentos teóricos para desarrollar un nuevo lenguaje arquitectónico que la tecnología y los nuevos materiales como el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano en grandes dimensiones contribuyeron a materializar..

El parador Aristón respeta 4 de los 5 puntos desarrollados por Le Corbusier, como características de la Nueva Arquitectura:

– PLANTA LIBRE

Edificio apoyado sobre columnas (pilotis) para liberar la planta baja, consiguiendo la mayor superficie libre al incorporar el paisaje al edificio.   Es una planta elevada de formas curvas con un cerramiento acristalado.

– ESPACIO INTERIOR LIBRE

Debido a la estructura basada en pilares y tabiques. La superficie de la pista de baile es diáfana, con una gran amplitud de espacios donde se visualizan los pilares que la sostienen.

– FACHADA LIBRE de elementos estructurales

Permitiendo un diseño sin condicionamientos, Grandes cerramientos y aventanamientos acristalados que estaban cubiertos con cortinas con los colores primarios.

Ventanas corridas en las fachadas para conseguir una profusa iluminación natural en el interior (fenetre en longeur)

El punto referido a la TERRAZA JARDIN, es decir una cubierta plana, sobre la que se sitúa un jardín, está ampliamente compensado por la gran superficie del terreno donde se ubica y relativamente pequeña superficie de la obra.

«Si crees que no puedes hacer al mundo un mejor lugar con tu trabajo, al menos asegurate que no lo haces peor.» Herman Hertzberger (1932)

  • Parador Ariston
  • La Obra, parte II

La propuesta de la realización de un parador- restaurante, destinado a reuniones sociales, baile y cócteles la recibió Marcel Breuer durante su estadía en Buenos Aires. Estaba realizando un curso de 8 semanas (entre agosto y septiembre de 1947) en la Facultad de Arquitectura de la UBA, y fue la Facultad quien encargo y financió la obra.

La “caja de vidrio” de la Planta Baja, contenía el hall de entrada, guardarropa y los servicios.

En la parte posterior en un volumen independiente estaban ubicadas las dependencias de servicio, cinco habitaciones para los camareros, baños, comedor y depósito.

En la primera planta tras las cortinas de colores primarios (rojo, verde y azul) estaba el salón, el bar y sobre un piso machimbrado de madera la pista de baile.

Su construcción

En forma de trébol, con sus superficies curvas para permitir el máximo acristalamiento. Su construcción fue muy rápida durante los meses de Agosto y Setiembre de 1947. Un volumen de Hormigón Armado  sostenido por cuatro pilares. Estructura de losas de doble armadura, con losetas de lava volcánicas que aligeraron las cargas (sistema poco usado en esa época).

  • La arquitectura moderna (2)

Los medios de difusión estimulaban el nuevo lenguaje ya que modificaba el hábitat en un sentido modernizador, “abandonando las formas del pasado, suprimiendo el ornamento y simplificando el desenvolvimiento de la vida privada”(María Laura Tarchini) “como movimiento que busca fundar una nueva estética que se independice de los cánones heredados, y como tal no sólo comprende al racionalismo sino también el neocolonial, el art nouveau, el art déco, el pintoresquismo; en tanto cada una de ellas a través del tiempo realiza un aporte en pos de una nueva arquitectura”. (Francisco Liernur).

En la Exposición Feria de Mar del Plata (1934-1945) se construyó un espacio denominado American Dancing, quizás un antecedente formal al Ariston. El arquitecto Ramiro Dell´Erba en  “Constelaciones modernas en la noche marplatense” nos advierte “que no piensa que la arquitectura del Parador Aristón se inspirara en el American Dancing de 1934, aunque sí coinciden los arquitectos de ambos proyectos en proponer soluciones modernas de una similar bondad”….”sea por el volumen orgánico suspendido, el acceso vertical central y el amplio perímetro transparente libre son elementos comunes en ambos proyectos”.

“El Dancing de 1934 de forma semi-cilíndrica, se ubicaba elevado sobre pilotis dejando una amplia planta libre de acceso. El plano curvo de su fachada contenía una panorámica ventana corrida, mientras que su fachada recta posterior era ciega”.

1934 (American dancing) y 1947 (Parador Aristón)  idénticas cualidades espaciales.

«La arquitectura es la voluntad de una época traducida en espacio».  Ludwig Mies van der Rohe. (1886 – 1969)

  • Parador Ariston
  • Los autores, Arq I
  • Marcel Lajos Breuer

Nació en Hungría (1902- 1981). La Bauhaus funcionó en la ciudad de Weimar desde su fundación el 1 de Abril de 1919 a 1925, Breuer fue uno de los 143 alumnos que la escuela contó en su segundo año de vida, dirigida por Walter A.G. Gropius (1883 -1969),

Trabajo en el estudio de  Pierre Chareau (1883~1950) y ante el llamado de Gropius vuelve años más tarde a la Bauhaus ubicada ahora en la ciudad de Dassau (funcionó desde 1925 hasta su clausura en 1933)  para dirigir el taller de muebles,  allí diseña sus primeras silla de tubo de acero, y la famosa silla Vassily.

Entre sus profesores podemos mencionar a Johannes Itten (1888~1967), Walter Gropius, Josef Zachmann y a Paul Klee (1879~1940) a quien reconocería como uno de los dos profesores que más marcaron su formación.

En 1925, con sólo 23 años, Breuer, siendo director del taller de ebanistería de la Bauhaus, se interesa por la forma en que la fábrica de acero alemana “Mannesmann” había conseguido doblar tubos de acero sin que se rompieran y utilizándola para fabricar distintos objetos, como por ejemplo la bicicleta Adler.

La estudio atentamente, y utilizo esta técnica logrando una revolución en el diseño de muebles al fabricar las primeras sillas y mesas con tubo de acero, lo que sin duda fue su trascendental aportación a la historia del mobiliario.

  • Breuer y la Bauhaus

Bauhaus el rostro del siglo XX por Frank Whitford con material de la Bauhaus Archiv de Berlin, Bauhaus de Dessau y Bauhaus de Weimar.

https://www.youtube.com/watch?v=sriGH51vWTo

La Bauhaus, fue clausurada en 1933, cuando el partido nazi accede al poder. Ese año Breuer se exiló en Inglaterra, y en 1937 en EEUU,

En Harvard da clases en la Universidad junto a Gropius.

Instalado en 1946 en N York proyecta junto a los Arq. Pier Luigi Nervi (1891~1979) y  Bernard Zehrfuss (1911~1996) el nuevo edificio de la Unesco en Paris, (entre sus obras más destacadas figura el edificio de viviendas De Bijenkorf en Rotterdam (1961); el Centro de Investigación de IBM en La Garde, Francia (1962);  la iglesia de St John’s Abbey en Collegeville, Minnesota (1967) y el Museo Whitney de Arte Americano (Nueva York, 1963-1966), con el arq Hamilton P. Smith.

El Whitney Museum estaba situado en la Avenida Madison con la Calle 75 del Upper East Side de Manhattan, el edificio fue comprado hace unos años por el Metropolitan Museum y ha abierto sus puertas en marzo de 2016, bautizado con el nombre de The Met Breuer.

¿Y donde ha ido el Whitney Museum y su increíble colección? se ha traslado al edificio diseñado por el Arq. Renzo Piano, que está a los pies del High Line de New York  en el número 99 de Gansevoort Street. (leer mi artículo sobre el High line en http://onlybook.es/blog/historia-del-high-line-de-new-york-impresiones-de-un-relator/)

Marcel Breuer recibe en 1968 la medalla Thomas Jefferson por su contribución como arquitecto al bien común.

El mismo año recibe la medalla de oro de la AIA (American Institute of Architects), es el premio de arquitectura más importante de los EEUU que se otorga en reconocimiento al trabajo e influencia en la teoría y práctica de la arquitectura). En 1995 la recibió también el Arq. argentino César Pelli.

Es muy interesante ver la web del arquitecto Breuer, donde además de sus obras y diseños están escaneadas las cartas que intercambio con el arq. Eduardo Catalano sobre el Parador Aristón. http://breuer.syr.edu/  (5)

  • Extraigo algunas frases del libro de Marcel Breuer: SUN AND SHADOW. (The Philosophy of an Architect. Peter Blake and Alexey Brodovitch)

“El verdadero impacto de cualquier obra reside en su capacidad de unificar ideas contrapuestas, es decir, un punto de vista y su contrario. Y digo ‘unificar’ y no ‘llegar a un compromiso.’ Esto es lo que los españoles dan a entender con una expresión procedente de las corridas de toros: Sol y sombra. […] pero nunca dicen sol o sombra. Para ellos, toda la vida -con sus contrastes, sus tensiones, su agitación y su belleza- está contenida en ese proverbio: sol y sombra.”

“Ni la simplificación excesiva y unilateral ni el compromiso poco afinado ofrecen una solución. La búsqueda de una respuesta clara y firme que satisfaga necesidades y propósitos opuestos es lo que saca a la arquitectura del reino de la abstracción y le da vida, y arte.”

“Está el concepto principal y está el de los detalles; entre ambos exactamente se mueve el diseño del edificio. Sin estos dos principios básicos ni el sentido común, ni la experiencia, ni el gusto ni en trabajo son suficientes.”

“La formación del suelo, los árboles, las rocas -todo ello influirá sobre la forma de la casa, todo ello sugerirá algo sobre el diseño del edificio. Son un punto de partida importante para cualquier construcción. El paisaje podría atravesar el edificio, el edificio podría interceptar el paisaje.”

 Busco la sorpresa en mi arquitectura. Un trabajo de arte debería provocarla emoción de lo novedoso. Oscar Niemeyer

  •  Parador Ariston
  • La Obra. Parte III
  • Estado de abandono

“Vemos que las arquitecturas antiguas producen ruinas y las arquitecturas modernas

producen residuos y restos cochambrosos”.

Francesc Cornadó. (6)

El parador es de propiedad privada, desde 1993 está tapiado y en un  estado de abandono lamentable.

A partir de 1970 los sucesivos inquilinos lo han ido degradando al ampliar en forma rudimentaria y caótica, sin cuidar la calidad espacial del edificio, ni sus materiales.

Una obra que por su singularidad merecería recuperar su valor para que vuelva a formar parte -en condiciones dignas- del acervo arquitectónico y cultural argentino y que no se corra el riesgo posible de su demolición.  (7)

No está protegido ni figura dentro del listado de bienes patrimoniales de la ciudad de Mar del Plata ya que para ser incluido en dicho listado, se debe analizar si posee los valores históricos, arquitectónicos y ambientales, simbólicos y sociales, como menciona el Consejo Internacional de Monumentos y Sitios ICOMOS y la UNESCO.

Uno de los informes realizado por el Arq. Enrique Madia -de la Consultoría García Madia & Asociados, dedicada a la preservación del patrimonio histórico en Latinoamérica– dice: “Los requisitos(para ser incluido en el listado de bienes patrimoniales) son: que la construcción sea producto de un arquitecto de reconocimiento mundial, en este caso Breuer y Catalano; que pertenezca a un movimiento arquitectónico de trascendencia, aquí se trata del movimiento moderno; y por último, que tenga innovaciones tecnológicas, como el uso del hormigón armado con grandes voladizos y de aventanamientos corridos, entre otros”. (8)

https://www.facebook.com/groups/57250688796/?fref=ts

Actualmente estudiantes de arquitectura llevan adelante acciones en pos de la recuperación a través de la página de Facebook “Recuperemos el Ariston”.  Fue creada el 17 de marzo de 2009 y cuenta con 888 miembros

Estado de soledad y abandono en 2011.

Por Anto Antu el 15 de enero 2012

https://www.facebook.com/photo.php?fbid=946098678758844&set=gm.10154269721148797&type=3&theater

Fotografías de Vicente Claudio Mazzitelli “recuperemos el Ariston”.

Un verdadero gran libro debería ser leído en la juventud, de nuevo en la madurez y una vez más en la vejez, al igual que un buen edificio debería ser visto con la luz de la mañana, por la tarde y con la luz de la luna. Robertson Davies (1913 – 1995).

  • La obsolescencia por desapego.

Luis Breton Belloso escribe en su tesis del ETSAM sobre la Obsolescencia Afectiva del Parador ARISTON…. (1).esta es una nueva forma de obsolescencia. El desapego o la desafección que la arquitectura moderna y la sociedad soportan. No existe una conciencia social del significado de estas obras modernas. Ni mucho menos una sensibilidad para apreciar su valor cultural. Su cercanía en el tiempo no ha posibilitado la configuración de una perspectiva histórica que sea capaz de interpretar lo que esta arquitectura representa. Juan Calduch Cervera lo explica en términos de “perdida de carácter”. Y cómo “la arquitectura moderna renunció conscientemente a un mínimo simbolismo en su forma que posibilitara al usuario reconocerse en ella. Según Calduch la arquitectura moderna no supo o no quiso transmitir de modo eficiente sus ideas y propuestas a través de sus formas. Esto, evidentemente, las condena al destierro de cualquier presupuesto público”.

«Si un edificio se vuelve arquitectura, es arte»Arne Jacobsen

  • Parador Ariston
  • Los autores, Arq II
  • Eduardo Fernando Catalano (1917-2010)

Becado por la Universidad de Pensilvania y Harvard, fue invitado por el decano fundador Henry L. Kamphoefner, quien reunió un grupo muy especial, que fueron  pioneros en el campo de la arquitectura moderna, como George Matsumoto, Matthew Nowicki. I. M. Pei, Philip Johnson, Paul Rudolph y Eduardo Catalano. Entre sus profesores figuraron Walter Gropius y Marcel Breuer. Dirigió la escuela de diseño de Raleigh –Carolina del Norte- NSCU (North Carolina State University), es en esa ciudad donde construyo la famosa casa Raleigh o Catalano House, que fuera elogiada por Wright, quien escribió: «Es refrescante ver como la idea de refugio es tratado en esta casa de Eduardo Catalano” -sabemos que el amigo Frank no era muy afecto a prodigarse en elogios al trabajo de otros arquitectos-.

Escribe el arq. Eduardo Sacriste en su libro Usonia, editado por la editorial Nobuko:“….Así, para Wright un edificio debe ser algo más que un local para “meterse adentro”. La Obra debe dar la sensación de cobijar. A este respecto, no deja de ser sintomático que Wright, que fuera tan avaro y sarcástico con sus juicios, haya elogiado la casa del arquitecto E. Catalano en Raleigh, Carolina del Norte, señalando su complacencia porque alguien, al menos, hubiera creado una nueva sensación espacial”. Adjetivada como la casa de la década, es considerada como uno de los grandes referentes de la arquitectura residencial de mediados del siglo XX.

Con una única planta que contiene 4 habitaciones que cubre una gran cubierta en forma de paraboloide hiperbólico de madera,  donde 2 de sus vértices están encastrados y los otros 2 en voladizo.

Lamentablemente fue demolida en el 2001, estaba en 1467 Ridge Road, esta calle lleva hoy el nombre de Catalano Drive. Libro del arq E.Lynch “Fine Thoughts” sobe la Casa Catalano. Una historia sobre una casa (texto en inglés)

http://www.ncmodernist.org/archlynchbook.pdf

Algunos lamentos  http://www.newsobserver.com/entertainment/arts-culture/article65448782.html

  • Intercambo de cartas entre Catalano y Breuer

http://arquitecturaminorista.com/wordpress/?p=811

Durante el transcurso de las obras, y debido a que estas iban lentas Eduardo Catalano decide pasar su luna de miel en Mar del Plata para ir a la obra todos los días a comprobar la estructura. Así se lo contaba a Breuer en una postal. Nos enteramos de este y otros cotilleos gracias al archivo digital de Marcel Breuer, de la Universidad de Siracusa.

Desde 1956 hasta 1977 Catalano fue profesor de arquitectura en el Instituto Tecnológico de Massachusetts. MIT. Algunas de sus obras fueron: Ciudad Universitaria (Plan General 1950) Bs. As. en colaboración con Horacio Caminos (1960) pabellones II y III, Embajada de EE.UU. (en Argentina  1975 y Sudáfrica), la escuela de música Juilliard School de Nueva York con el arq Pietro Belljuchi (1899~1994) y en Cambridge diseñó el Centro de Estudiantes Stratton (1966)  y la torre residencial Eastgate (1967) en el MIT, El palacio de Justicia y Palacio Municipal en Greensboro, así como el Mercado del Plata sobre la Avenida 9 de Julio en Buenos Aires(1947) asociado al Arq. Osar Crivelli (1916~1977) y Jorge Heinzemann, entre otras obras. En el año 2002 regaló a la ciudad de Buenos Aires la escultura metálica denominada “Floralis Genérica” situada en la Plaza de las Naciones Unidas sobre la  Avenida Figueroa Alcorta. Una escultura cinética ambiental que se abre todas las mañanas a las 8 y se cierra al ocaso. Construida en Córdoba, durante 13 meses a un coste de 500.000 dólares. En el 2007 recibió un doctorado honorario de la NCSU.

En el año 2010 se realiza un Homenaje a Eduardo Catalano por AAM -Arquitectos Argentinos en el Mundo-, dirigido por Luis Grossman y Daniel Casoy. Presentan en Expo vivienda.el libro Arquitectos Argentinos Universales, edición bicentenario,

En dicho libro hay dialogo, biografías y obras de los arquitectos Eduardo Catalano, Cesar Pelli, Emilio Ambasz, Eduardo Elkouss, Pfeifer-Zurdo-Di Clerico-Questa y Juan Lucas Young.

Como un homenaje a Eduardo Catalano, fallecido en enero de ese año se realizó una mesa redonda integrada por Juan Manuel Borthagaray, Ricardo Rosso, Oscar Boracchia y los anfitriones, con sus recuerdos y evocaciones del maestro, más un cálido mensaje enviado por Mario Roberto Álvarez, culminó con una grabación del propio Catalano, enviada en ocasión de nombrarlo la Universidad de Morón doctor Honoris Causa, en 2008.

http://saraviacontenidos.blogspot.com.es/2010_06_06_archive.html

Su último legado a Buenos Aires, una pirámide de agua sobre la que se podrán proyectar imágenes, se encuentra en gestión.

La arquitectura es hacer espacio reflexivamente. Louis Kahn

  • Parador Ariston
  • Los autores. Arq III

Carlos Coire (1914-2006). En muchas publicaciones se lo re-bautiza como Eduardo o Francisco Coire, lo que es un error.

Decano de la Facultad de Arquitectura de la UBA desde 1958 y 1962, encargó el proyecto y ejecución de la ciudad Universitaria.

Vicedecano y profesor titular de Arquitectura III y IV en la Universidad de Morón. Realizo viviendas unifamiliares y multifamiliares  así como emprendimientos privados e industriales,

Trabajó con Antonio Bonet (1913-1989), Juan Kurchan (1913-1972), Jorge Vivanco (1912-1987), Marcel Breuer (1902-1981), Eduardo Catalano (1917-2010), Horacio Caminos (1914~1990), Horacio –Hirsz- Rotzait (1915~2006) y Oscar Crivelli (1916~1977) entre otros arquitectos.

En 2005 publicó El hombre y su obra, un libro dedicado a Eduardo Sacriste (1905-1999).

Por su labor docente lo llamaban “maestro de maestros”. 

La arquitectura pertenece a la cultura, no a la civilización. Alvar Aalto

Revista de la SCA (Sociedad Central de Arquitectos)

Boletín SCA.

Julio-agosto de 1981. Número 117, paginas 37/42

Carlos Coire. “Marcel Breuer en Buenos Aires”.

Esta es la historia contada por Carlos Coire.

«Almorzábamos todos los días en un restaurante de Carlos Pellegrini al 600. En esos momentos habíamos recibido con Catalano el encargo de una obra, de modo que mientras comíamos, no podíamos evitar hablar de ella, quedando Breuer fuera de la conversación».

«En un instante determinado, al cruzar nuestras miradas con Catalano, adivinamos que teníamos el mismo pensamiento: ¿Y si lo invitaramos a Breuer a trabajar con nosotros en la obra?»

«Se lo propusimos y aceptó entusiasmado. Le explicamos el tema: Un parador para una playa de Mar del Plata, destinado a confitería por la tarde y «boîte» con pista de baile por la noche, y que debía estar funcionando en cuatro meses.»

«Se quedó mirando un punto fijo, y luego desplegó una servilleta en la mesa y en ella dibujó el trébol del Ariston, aclarando: «Se necesita entonces, un gran perímetro para favorecer las visuales al mar durante el día, y por otra parte lograr que de noche, las miradas se dirijan a la pista de baile».

«Ese día el restaurante de Carlos Pellegrini contabilizó una servilleta de menos.»

«Cuando esa tarde llegamos al Estudio – en realidad era un galpón de 15 x 8 en el primer piso de una casa como de inquilinato que había pertenecido a escenógrafos ilustres -. Breuer ya estaba trabajando acompañado por nuestro dibujante, quien decía que de acuerdo al corte de pelo que usaba, Breuer se peinaba «a la toalla».

«Entre ellos se había establecido una viva simpatía y un mutuo entendimiento pese a la infranqueable barrera idiomática.»

«Cuando nos acercamos a su tablero nos explicó que trabajaba en nuestro proyecto. Esperábamos ver algún croquis de plantas, cortes o fachadas, alguna perspectiva exterior o interior, algo que nos diera la pista general del proyecto. Como no entendíamos nada de lo dibujado, por supuesto, y como corresponde en esos casos, no hicimos ninguna pregunta.»

«Lo que nos despistaba era la escala empleada. Breuer sin duda se dio cuenta de nuestra situación embarazosa, y para sacarnos de ella, como quien no quiere la cosa nos explica «Este va a ser el encuentro entre los paneles modulares de madera que formando una poligonal, cerrará la planta alta; solucionando los encuentros de éstos con la losa del techo y del piso, faltarán solo pequeños detalles para concretar el proyecto.»

«En su último croquis había dibujado unos elementos planos, de chapa de metal o madera para colgar horizontalmente a distintas alturas del techo de la sala en sí, que acentuarían la sensación espacial.»

«Esta vez si comprendimos rápidamente los dibujos.»

«Nos costó mucho trabajo encontrar la manera de explicarle que a pesar de no ser puritanos ni tener muchos prejuicios, y de no importarnos un rábano las convenciones , nos parecía inconveniente modificar las formas propuestas, pues podrían acarrear problemas con gente timorata o con algún ente moralizador.»

«Haciendo un guiño rompió los detalles propuestos.»

«Ese día nos dimos cuenta de que húngaros y argentinos, tienen el mismo sentido de la picardía.»

  • Grupos que desean su puesta en valor (9)

Hay muchas agrupaciones que tratan de conseguir la recuperación del Aristón como:

Las entidades barriales del sur, El movimiento de murgas, El club social  y deportivo “Defensores del Sur”, El grupo de scouts “Islas Malvinas” y Las Mujeres del Sur. (María Inés Benítez integra desde hace años la sociedad de fomento y es señalada como la precursora de este movimiento de vecinos en defensa del Parador Aristón). La Sociedad de fomento del Alfar. Los Estudiantes de arquitectura crean en Facebook “recuperemos el Ariston”.

Desean protegerlo como Patrimonio Arquitectónico

Que sirva para la creación de un espacio cultural para el encuentro de los vecinos del sur.

Donde se puedan desarrollar actividades de la comunidad, exposiciones, orquestas, murgas….

Bruno Taut aludía a los edificios que aspiran a construir en un sentido más elevado, que resumen el “espíritu de la época”, al que todos dirigen su mirada y orienta la voluntad constructiva. Escritos expresionistas, El Croquis Editorial. 1997.

  • Datos

Carta de la revista Architecture d´aujourdhui de la publicación a comienzos del año 1949

http://breuer.syr.edu/xtf/view?docId=mets/2738.mets.xml;query=ariston;brand=breuer

Intercambio de cartas entre Eduardo Catalano y Marcel Breuer, y algunas complicaciones de la obra

http://breuer.syr.edu/xtf/search?brand=breuer&collection=breuer&keyword=ariston

“…los nidos de los pájaros…además de ser formalmente perfectos, son estándar, están siempre bien orientados, construidos con una técnica clara y definida, cumplen correctamente su función… Creo que deberíamos volver a las fuentes”.  Eduardo  Sacriste

  •  publicaciones y  videos

1970 fragmento de Santiago Ghigliano, Revista Summa, N° 33, Buenos Aires.

“…el Restaurante Ariston, que se presenta como un volumen curvo definido por una generatriz que se desplaza apoyándose en dos planos paralelos al suelo, con forma de cruz de vértices curvos, sustentado por cuatro columnas que expresan la característica ideológica de la época -la forma sigue a la función- al diferenciar con claridad lo que soporta de lo soportado. Los cerramientos se rigen entonces por esa premisa y cada uno de ellos constituye una composición plana acabada.”

-6 de Marzo de 2010. Diario Página 12. Por Matias Gigli.

https://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/m2/10-1814-2010-03-06.html

-Octubre de 2012. TECNNE. El Ariston sigue en ruinas. Por Marcelo Gardinetti Fotografías de Francisco Villamil

http://tecnne.com/urbanismo/patrimonio/el-ariston-sigue-en-ruinas/ . Octubre 2012

-AD Classics: Ariston Hotel / Marcel Breuer. Autora Bárbara Porada. 1 de Octubre de 2013

http://www.archdaily.com/433397/ad-classics-ariston-hotel-marcel-breuer

Redacción del vespertino digital 0223 de Mar del Plata. www.0223.com.ar

22 de Noviembre de 2014

http://www.0223.com.ar/nota/2014-11-22-otra-movilizacion-para-que-los-escuchen-piden-la-recuperacion-del-ariston

5 de Febrero de 2015

http://www.0223.com.ar/nota/2015-2-5-solicitan-declarar-de-interes-patrimonial-al-parador-ariston

Publicación ISSII por Andrea Germinario 12 Abril de 2016. Análisis y reflexiones en torno a una arquitectura singular-

Revista digital IECE Nº 2 del 28 diciembre 2016. Autora Andrea Germinario. Tapa y contratapa dedicada al parador Ariston.

La Arq. Flora Manteola cuenta que estudió arquitectura tras haber conocido el Ariston (primeros minutos de la entrevista). CPAU Moderna Buenos Aires.

Preservación del patrimonio. La Capital

https://www.flickr.com/photos/ekain/2972617740/in/photostream/

A finales de 2023 se habían juntado 34.370 firmas para salvar al Parador Ariston y ponerlo en valor.

https://chng.it/pfCd6ffY

Notas

1 – http://oa.upm.es/35547/7/TESIS_MASTER_Luis_Breton_Belloso_TFM_1314.pdf pag 31 y 32

Tesis fin de Master de Luis Bretón Belloso ETSAM año 2014.

OBSOLESCENCIA AFECTIVA Parador ARISTON, Ruta provincial 11, playa de la Serena, Mar del Plata, Argentina…el Parador Ariston fue diseñado por Marcel Breuer junto a los arquitectos locales Carlos Coire y Eduardo Catalano, financiado por la Universidad de Buenos Aires y construido en 1948 con el fin de acoger reuniones sociales, bailes, cócteles, etc. En un lugar despoblado por entones, su innovador diseño en forma de trébol permitía observar el mar y las dunas circundantes. Es uno de los escasos ejemplos, junto con la Casa Curuchet, de obras realizadas en Sudamérica por los “arquitectos estrella” del movimiento moderno. En este caso, tanto la estructura, realizada mediante doble losa de hormigón armado, como los muros cortina que constituían sus cerramientos ya eran soluciones constructivas ampliamente probadas por la industria de la época. Así que no fueron motivos constructivos los que propiciaron su ruina.

Desde los años 70 el edificio se ha ido alquilando y realquilando como restaurante y sufrido obras de reforma y ampliaciones que no han respetado la singularidad ni el valor del edificio. Desde 1993 se encuentra abandonado y siendo víctima habitual del saqueo y el vandalismo, sin ninguna protección patrimonial por parte de las autoridades. En el año 2.007 y motivado por una denuncia, se realizó un informe de la situación del parador que firmaba así el arquitecto argentino Enrique Mandía: “…de nuevo la desidia y la irresponsabilidad de todos, la actitud de no decir nada y hacer mucho menos.” “El proceso es siempre el mismo y se origina por el desconocimiento, la ignorancia y el desapego a la historia de la arquitectura moderna.” Esta es una nueva forma de obsolescencia. El desapego o la desafección que la arquitectura moderna y la sociedad soportan. No existe una conciencia social del significado de estas obras modernas. Ni mucho menos una sensibilidad para apreciar su valor cultural. Su cercanía en el tiempo no ha posibilitado la configuración de una perspectiva histórica que sea capaz de interpretar lo que esta arquitectura representa. Juan Calduch Cervera lo explica en términos de “perdida de carácter”. Y cómo la arquitectura moderna renunció conscientemente a un mínimo simbolismo en su forma que posibilitara al usuario reconocerse en ella. Según Calduch la arquitectura moderna no supo o no quiso transmitir de modo eficiente sus ideas y propuestas a través de sus formas. Esto, evidentemente, las condena al destierro de cualquier presupuesto público

2 – La revista Nuestra Arquitectura (publico 523 números entre agosto de 1929 y mayo de 1986), dirigida por Walter Hylton Scott fue un especial escenario para resaltar la arquitectura nacional e internacional, y podemos mencionar a los “primeros modernos” como entre tantos – que  no están aquí mencionados – a los arquitectos León Lamouret (1882~   ); Antonio U. Vilar (1887~1996); Alejandro G. Bustillo 1889~1982); Ernesto Lagos (1890~1977); León Dourge ( 1890~1    ); Luis María de la Torre (1890~1975); Gregorio Sánchez (1891~1944);  Alejandro Virasoro (1892~1978); Rogers, Ernesto Lacalle Alonso (1893~1948); Jorge Kalnay (1894~1957); Fermin H. Bereterbide (1895~1979); Eduardo Birabén (1895~1954): Mario Bidart Malbrán (1896~1979); Alejo Martínez (1897~  ); Alberto Prebisch (1899~1970); Ermete De Lorenzi -primer decano de la FAU de la UBA- (1900~1971); Wladimiro Acosta (1900-1967); Manuel Civit (1901~1978); Arturo  Civit (1903~1975); Salvador Domingo Bertuzzi (1904~ 1975); Julio Vicente Otaola (1901~ ); Eduardo Sacriste (1905~1999); Macedonio O. Ruiz (1906~1987); Francisco Baroni (1906-1987?); Alfredo Joselevich (1907~1997); Alfredo Agostini (1908~1972); Carlos Medieros (1908~1982); Carlos Navrátil (1910~1972); Roberto Croci (1910~1975); Enrico Tedeschi (1910~1978); Santiago Sanchez Elia (1911~1976); Hilario A. Zalba (1912-1995); Jorge Vivanco (1912~1987); Antoni Bonet (1913~1989); Mario Roberto Álvarez (1913~2011); José Le Pera (1913~1990); Amancio Williams (1913~1989); Juan Kurchan (1913~1972); Itala Fulvia Villa (1913~1991); Federico Peralta Ramos (1914~1991); Horacio Vera Barros; Jorge Ferrari Hardoy (1914~1977); Horacio Caminos (1914~1990); Carmen Córdova (1929~2011); German y J. B. Joselevich; Lamarca y Blagovestchensky; Salvador Bertuzzi ; Rosendo Martínez ; Mariano Mansilla Moreno; Rodríguez Remy; Carlos Rébora; Carlos Machiavello; Van Lacke; Croce Mujica ; Squirru; Abel López Chas; José Luis Ocampo; Ventura Mariscotti; Picaso, Fernández Díaz y Funes; Tito y José Michelletti; Mariano Mansilla Moreno y Enrique Tívoli; Agustín Arman y Atilio Todeschini; Enrique Douillet; Daniel Duggan; Anibal Rocca; Calcapina; José Enrique Tívoli; Ploetz y Fisher; Arturo y Francisco Montagna; Carlos de Álzaga; César Fernández Paredes; Carlos Guerra, Eugenio Neyra y Reynaldo Varea; Geza Tauszig; Guerino Carlos Guerra.

Muchos de estos nombres se repiten en esta relación de la cátedra de los arq Alberto Petrina & Sergio López Martínez. – La Arquitectura Moderna en la Argentina y sus diversas vertientes (Art Déco,Funcionalismo, Expresionismo, Estilo Náutico, Neoplasticismo,  International Style): y se agregan  Estudio Pablo Eugenio Pater (1879-1966) & Alberto Morea (1903-1972); León Dourge (1890-1969); Jorge Sabaté (1897-1991); Jorge Bunge (1893-1961); Jaime Guillermo Roca (1899-1970); Ernesto Vautier (1899-1989); Estudio Eduardo Casado Sastre (1911-2001) & Hugo Pio Armesto (1910-1977); Jorge Alberto Le Pera (1913-1990); Eduardo Catalano (1917-2010); Estudio Frigerio & Álvarez Vicente; Mario A. Cooke; Luciano Chersanaz; Lázaro Goldstein; Isidoro Gurevitz; Luis Graziani; Luis V. Migone;

Interesante trabajo de algunas obras racionalistas y Art Deco (considerada como la “otra modernidad” en Buenos Aires)

http://www.guevaragallery.com/antiques/es/recommended-art-deco-and-rationalism-tours/

Y este link de “Moderna Buenos Aires”

http://www.modernabuenosaires.org/arquitectos

y en

https://es-es.facebook.com/modernabuenosaires/

Jorge Francisco LiernurArquitectura en la Argentina del siglo XX. La construcción de la modernidad, Buenos Aires, Fondo Nacional de las Artes, 2008.

3 – Texto completo en:  http://rephip.unr.edu.ar/xmlui/bitstream/handle/2133/2641/Primeros%20Modernos.pdf?sequence=1

4 – En el mes de agosto de 2014, en el Museo Casa Sobre el Arroyo/ CASA DEL PUENTE, comienzan las tareas de restauración del Pabellón.

Durante el 2014/15, se logró restaurar el curso del espejo de agua del Arroyo Las Chacras… 120 metros del arroyo que compone parte esencial del conjunto, así como otras tareas de mantenimiento. El 24 de marzo de 2015 inauguró en el «MoMa», Museo de Arte Moderno de Nueva York, la muestra «Latin America in construction» en la que participa la Casa del Puente promoviéndola como uno de los iconos relevantes de la arquitectura del siglo XX en Latinoamérica. En noviembre de 2015 el Museo Casa sobre el Arroyo fue nominado en los Premios Internacionales de la Fundación CICOP …en la categoría «Conservación del Patrimonio Arquitectónico»

5 – https://circarq.wordpress.com/2016/05/20/marcel-breuer-sun-and-shadow/ vida de Marcel Breuer.

https://www.youtube.com/watch?v=TtXktyjANhA – autores Zettelmaier y Tran.

https://www.youtube.com/watch?v=8M8190Yt6cI  Marcel Breuer architecture. Música de Vangelis Papathanassious.

6 – http://francesccornado.blogspot.com.es/2015/07/las-ruinas-de-la-arquitectura-moderna.html

7 – Obras maestras perdidas Marcel Breuer y el Ariston Club. Febrero 2012. Revista MODern deSIGN. From modernist and contemporary designers.

http://www.moderndesign.org/2012/02/lost-masterpieces.html

Interacciones.org. “El chiringuito argentino de Marcel Breuer”. Por Ariel Guersenzvaig.

https://interacciones.org/2008/01/18/el-chiringuito-de-marcel-breuer/ Interacciones.org  Enero 2008

8 –   El arquitecto Enrique Madia, Consultor en Preservación Histórica y Arquitecturas del siglo XX, manifestó que “en los últimos años nuestro patrimonio cultural construido se va deteriorando y tiende a desaparecer rápidamente (no solamente por el paso del tiempo sino también por el ‘no te metás’ de profesionales y espectadores comunes. De los profesionales la complicidad pasa a los dirigentes políticos a todo nivel con los que comparten ignorancias, desapegos e irresponsabilidades…y lo peor en el fondo es que lo saben…” 

“casualmente en la Ciudad de Mar del Plata, un amigo me decía: ‘Mar del Plata tiene un intendente arquitecto’. La Casa del Puente, que se está deteriorando día a día… inundada por burocracia y no soluciones necesarias e inminentes de salvaguardarla y preservarla como importantísima obra del Modernismo a nivel mundial… otra obra importante del Modernismo se está perdiendo, la obra de la Boite Ariston de Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Coire de los años 1946/47″. Ver más comentarios en la Nota 1.

Aparecido en el Boletín de la SCA de 2008: http://socearq.org/index.php/_old/articulos/el_ariston_de_mar_del_plata_con_futuro_incierto.html

28 de Septiembre de 2012. Enrique H. Madia. Revista Habitat.

http://www.revistahabitat.com/noticias/val/246/sec_val/99/patrimonio-el-olvido-y-el-no-te-met%C3%A1s-se-repite.html

9 – es interesante el concepto con el cual en la cátedra de introducción a la arquitectura en la Facultad de Morón se le dan a los alumnos estas premisas

Arq Marcela Kral

El ejercicio…… en esta última etapa del Curso de INTRODUCCIÓN AL DISEÑO es la intervención en una obra de arquitectura emblemática que el Movimiento Moderno produjo en nuestro país: el parador “Ariston”…. diseñada por dos jóvenes arquitectos argentinos, Carlos Coire y Eduardo Catalano, (ambos Profesores Honoris Causa de nuestra Universidad de Morón), conjuntamente con el arquitecto húngaro Marcel Breuer. A él se le atribuye una frase que sintetiza su pensamiento: … “La arquitectura moderna no es un estilo sino una actitud”…

En nuestro país, el Movimiento Moderno se dio en un contexto de gran efervescencia cultural, donde figuras como Victoria Ocampo encabezaban  una revolución que introdujo profundos cambios en las artes…. ese cambio  de pensamiento se reflejara en obras de arquitctura de vanguardia….se constituyó  el  “Grupo Austral….. Con arquitectos de la talla de Antonio Bonet, Kurchan, Ferrari Hardoy, Coire, Catalano y Caminos, entre otros.

…. El “Ariston”, plasmó el pensamiento  revolucionario de la arquitectura moderna en Argentina….pensada para generar un punto de interés……de la que ahora se conoce como Playa Serena. … destinado a confitería bailable; un largo muro direccional construido en piedra de la zona contenía a una pequeña caja vidriada que constituía el acceso principal,…. ese mismo muro relacionaba al edificio con un prisma rectangular donde se albergaban los cuartos del personal de servicio del parador. …..sobre él se recostaba una escalera exterior que llegaba hasta el área más “cerrada” del volumen principal…..el  largo perímetro vidriado de la planta alta permitía dominar el paisaje….excepto en la zona que recibía el sol del oeste, que fue intencionalmente cerrada. Actualmente…….el edificio se encuentra en un total estado de abandono. Sucesivas ocupaciones poco afortunadas han llevado a la mutilación y degradación de esta obra. Resulta bastante difícil de comprender cómo es que la indiferencia de nuestra sociedad permite que se destruyan los símbolos que constituyen la base de nuestra identidad cultural. …surge esta iniciativa….  como forma de sensibilizar a aquellos que tienen el poder de decisión, a los colegios profesionales y a la sociedad en su conjunto…. queremos aportar ideas….es factible recuperar esta obra para las generaciones venideras. … La madurez de una sociedad pasa también por la reflexión y el cuidado de  todos aquellos elementos que nos recuerdan nuestras raíces, y por lo tanto, que construyen nuestra identidad.

Puede interesarte este tema, por lo que te envio esta sugerencia de Hugo K: Carlo Scarpa 4, hilando Obras deslumbrantes. http://onlybook.es/blog/carlo-scarpa-4-hilando-obras-deslumbrantes/

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

el arq. Fermín Bereterbide por HaKj

Arq. Fermín Hilario Bereterbide

«La casa Colectiva de Parque Los Andes»

por Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

 …”La gente siempre querrá saber, lo necesita, dónde está la entrada de su casa, su vereda, su grupo vecino inmediato, querrá confirmarlo en la costumbre cotidiana, y será capaz de aceptar versiones nuevas siempre que éstas sean capaces de cumplir, aunque sea de otra manera, dichas funciones tradicionales. A este manejo de lo socialmente instaurado en la memoria colectiva y los modos de vida no fueron capaces de responder aquellas macro arquitecturas de los 60 y los 70”.  Fermín Bereterbide.bereterbide foto personal

Había una vez en la Argentina

Un país con gobiernos “conservadores” que de estructuras cuasi feudales trataron de cambiar y dinamizar la sociedad, consiguiendo desperezarla.

Por lo que esta historia es parte de una historia mayor, que muchas veces incluye a los que frenaron y destruyeron estas aspiraciones legitimas de las clases más desfavorecidas y en consecuencia las posibilidades de ascenso social.

Esto no ocurrió hace tanto en la Argentina, casi unos milímetros en su historia

En la que el arquitecto Bereterbide gana los 3 concursos

No es una parte menor de esta historia, el hecho que se realizaran 3 concursos de proyectos para la construcción de casas colectivas o viviendas económicas. Y que Fermín Hilario Bereterbide obtuviera el 1er premio en los 3.

El 30 de diciembre de 1924 se hace la Disposición para la Preparación del llamado a Concurso de proyectos

El 22 de septiembre de 1925 se llama a concurso 3 conjuntos en los barrios de Palermo (Dorrego y Luis María Campos) designado con la letra Alfa, Flores Sur (Castañón y Balbastro) designado con la letra Beta y Chacarita (junto al Parque Los Andes ) finalmente designado Gamma, todos con capacidad para albergar 90 o 100 familiasbereterbide planta de conjunto

El 31 de enero de 1926 falla el Jurado otorgándole al Arq. Fermín Bereterbide el 1er premio, siendo el segundo para los arq Ernesto Vautier y Alberto Prebich.

La casa colectiva de Chacarita fue inaugurada el 6 de octubre de 1928

Como ya mencioné en los otros 2 concursos también obtiene el primer premio, siendo el 2ndo premio para  los Arq. Villanueva y Sainz, y en el 3er concurso el 2ndo premio es para los Arq. Bilbao la Vieja y Benz

Estos 2 últimos no pudieron realizarse debido al golpe militar del 6 de setiembre de 1930.

Características

El barrio cerrado ocupa toda una manzana (una hectárea) en la ciudad de Buenos Aires, rodeado por las calles Guzmán, Concepción Arenal, Rodney y Leiva, con 12 edificios rodeados de parques y jardines internos. Sus construcciones, de planta baja y tres pisos, están terminadas con techos de tejas coloniales, a dos aguas. Las espaciosas escaleras son de mármol y en los departamentos las puertas están hechas con madera maciza de roble, los pisos de las habitaciones con pinotea y las baldosas y los herrajes se traen de Francia, un detalle no menor tratándose de la calidad que se quería dar a casas populares.

Cada cuerpo tiene la forma de “T” o de “L”, y están puestos de mane
ra que cada cuerpo no produzca conos de sombra sobre el edificio vecino, aprovechando mejor la luz natural. Todos los 157 departamentos son externos y los ocupan unas 600 personas.

La reglamentación determinaba que cada conjunto deberá tener una capacidad para 90 a 100 familias, en un número de 180 a 200 adultos y de 360 a 400 niños.

Su carrera

“…. La ciudad esta hecha, sobretodo, de huecos, no solo hay casas, también hay calles, plazas….”

Renzo Piano (1937)

Militante socialista nació en Rosario el 14 de Enero de 1895 y muere en Buenos Aires el 9 de septiembre de 1979.

En 1918 a los 22 años obtiene el titulo de arquitecto.

Su preocupación profesional se centró en mejorar la calidad de vida a los más necesitados y por eso sus trabajos siempre tuvieron relación con mejorar  la ciudad, en realizar una arquitectura y un urbanismo justo, ordenado, racionalmente controlado.bereterbide bario los andes

Lejos en lo conceptual de cualquier istmo, se aleja tanto de lo tradicional como de las vanguardias a la pàge.

Profundamente reflexivo, trato de elegir aquellas opciones que no desvirtuaran sus objetivos sociales.

Pero no todo le fue fácil, debido a sus ideas políticas.

Políticamente opuesto al gobierno del GOU y al peronismo, en 1947, en la entrega de premios para el concurso para la Sede de la Secretaría de Aeronáutica, cuyo proyecto ganó una mención, Bereterbide le negó el saludo al presidente Perón, la consecuencia fue su expulsión de las funciones públicas que ocupaba y de la SCA. (Sociedad Central de Arquitectos)2015 Fermin Bereterbide Edificio_nicolás_repetto_1955

Se lo asilo profesionalmente y recluido durante un tiempo en prisión.

Es recién en los años ´80 que su obra es reivindicada y valorada sobre todo por el difícil equilibrio de trabajar aceptando lo existente y al mismo tiempo desde esa aceptación, provocando su transformación.

Con su propuesta del Barrio Parque los Andes Bereterbide planteo una solución para reemplazar los conventillos porteños, plantea una buena alternativa al hacinamiento.

Su proyecto fue parte de las llamadas “casas baratas”, y lo consigue a través de la búsqueda de la “renovación” desde lo sustantivo del proyecto, diseñando espacios y formas que mejoren la vida a sus ocupantes.

Cambia lo esencial en su arquitectura, el programa. Y a partir de este  nuevo programa, encuentra las maneras y las formas de expresarlo y resolverlo. Propone proyectos sobrios, evitando la gran complejidad o los rebuscamientos formales.

Algunos antecedentes

“…..creo que la diferencia entre buena y mala arquitectura no estriba en como funciona, sino que va más allá, esta en función de cuanto inspira al hombre”

Eero Saarinen (1910-1961)

Las conferencias que dio Le Corbusier en Buenos Aires en 1929, dejo una impronta digerida lentamente en la Escuela de Arquitectura y en las mentalidades “modernas” de la época.

Fermín Bereterbide, junto a Alberto Prebich (1899-1970), Ernesto Vautier- (1899, 1989) y otros viajan a Europa invitados por la Asociación amigos el Arte  y toman contacto directo con los movimientos vanguardistas (Tony Garnier entre otros)

De 1929 es también una obra muy interesante el Palacio de los Patos, propiedad de Alfredo Chopitea,  complejo habitacional de 144 apartamentos, obra del arquitecto 2015 fermin Bereerbide BARRIO-CHACARITA-ARQUITECTO-SOCIALISTA-BERETERBIDE_CLAIMA20110418_0045_32francés Henri Aziere (1861-1938) que nunca estuvo en Buenos Aires ya que fue contactado por Chopitea en Francia  y el arq Julio Senillosa (1864-1036, primo segundo de Chopitea) ocupando media hectárea (media manzana) en la calle Ugarteche 3050 en el barrio de Palermo en Buenos Aires) seis cuerpos de seis pisos separados por nueve patios y jardines. Contrariando las normas de la máxima rentabilidad en la ocupación del terreno deja libre 1.400 m2 sobre un total de 4.400 m2.bereterbide barrio jardin de flores

Ya comienzan a perfilarse las influencias entre otras con la llegada a finales de 1927 del arq  Wladimiro Acosta (original de Odessa y formado en Berlin y Roma)

Lógicas influencias

“…..una casa, es un envoltorio….es un envoltorio para las vidas que se viven dentro”.

Hans Scharoum (1893-1972)

Influye en arquitectos como Ernesto Vauiter que en 1947 construye en 1947  junto al Arq. Luis Olezza  el Palacio de los Gansos -70 unidades-  propiedad de  Alfredo Chopitea, obra racionalista ubicada en la Avda Las Heras y Ugarteche en Buenos Aires.

Su postulado son también parte de los principios que fueron claves del movimiento moderno de los CIAM, que se realizan al poco tiempo, ya que la fundación el CIAM es en Suiza en La Sarraz en 1928, y 5 años antes del IV CIAM en donde se publica la carta de Atenas.

Porque piensa que no hay una manera de pensar la arquitectura lejos o separada del urbanismo en 1935 junto a Dourge, Prebisch y Vautier forma parte de un grupo liderado por W. Acosta para organizar un CIAM local, iniciativa que no encontró el eco suficiente para prosperar.

Gobiernos Nacionales

En los años en que se hace la obra gobierna en la Argentina Máximo Marcelo Torcuato de Alvear del la Unión Cívica Radical –UCR- que lo hace desde el 1922-1928 (no es baladí mencionar que su gobierna dura exactamente los 6 años del mandato), que se inaugura cuando comienza la presidencia de Hipólito Yrigoyen, que lo dejan gobernar solamente 2 años, ya que el General José Félix Uriburu, inaugura lamentablemente en la Argentina, los gobiernos de facto que toman el poder ciudadano mediante golpes militares.

Durante esos años es alcalde de la ciudad de Buenos Aires el político y diplomático Carlos Martín Noel, durante su mandato se ensancha la avenida Santa Fe, el Barrio Rawson construido entre 1928 y 1934, por la Comisión Nacional de Casas Baratas.

Desde el año 1923 cuenta con el asesoramiento directo de Jean Claude Nicolás Forestier, paisajista y funcionario de la Municipalidad de París, para la elaboración de un plan para los espacios verdes metropolitanos.

Con total sintonía con los principios del Civic Art (que guía la sumatoria de la arquitectura, los espacios públicos, monumentos, diseño urbano, el paisaje….aunque es mucho mas que la suma de sus partes, ya que el Civic Art ayuda a crear cultura a partir de la interrelación de todos esos elementos. Sus principios se basan en la articulación de los conjuntos habitacionales con los centros cívicos y culturales s

Al damero ya existente le agregan los boulevares, que son avenidas parquizadas, para acceder a los nuevos barrios obreros, vinculando entre si los equipamientos (estadios deportivos, espacios verdes, parques, plazas y patios de juegos).

Comisión Nacional de Casas Baratas

 “ (Bereterbide)..Hizo como pocos arquitectura moderna argentina de alta calidad al servicio de la gente, guiado por sus concepciones socialistas, por criterios que amalgamaron lo bello con lo funcional y por un perfeccionismo que el desarrollo tecnológico estimuló”. Eduardo  Molina y Vedia.

A mediados de la década del `20 un estudio refleja la precariedad de las viviendas ya que el 80 % de las familias obreras vivían en una sola pieza y que el 37 % carecía de agua corriente. Esta situación se complicaba debido al continuo flujo de inmigrantesbereterbide otros prof barrio cafferata en Parque Chacabuco

Para cambiar esta citación el 5 de Octubre de 1915 se promulga la ley 9677 que crea la Comisión Nacional de casas Baratas. Llego a planificar la construcción de 3.000 viviendas durante la presidencia de Victorino de la Plaza

Su acción se desarrolló solo en Buenos Aires construyendo edificios de departamentos y barrios de casas unifamiliares.

En 1921 construye el Barrio Cafferata, conjunto de casas con techo de teja en el barrio de Parque Chacabuco, la gran novedad era la de incorporar dentro de la vivienda el baño y la cocina.

La ley de casas baratas con créditos a bajo interés y mas de 20 años de plazo , se sumo a oras leyes como el descanso dominical, la reglamentación del trabajo de menores y mujeres, protección del salario, accidentes de trabajo,  de jubilación, protección al ahorro, entre otras. En 1943 paso a ser parte de la nueva Secretaría de Trabajo y Previsión, a cargo del coronel Juan Domingo Perón.2015 fermin bereterbide planta de otra obra palacio de los patos

El último proyecto de la CNCB fue la Casa Colectiva Martín Rodríguez en La Boca, repitiendo la tipología de bloques en peine, y sumando un segundo edificio con planta en forma de letra G, encerrando un patio interior. En 1944 la CNCB fue disuelta creándose en su reemplazo la Administración Nacional de Vivienda.

Búsqueda y bibliografía

– “HABITAR LA VIVIENDA SOCIAL EN BUENOS AIRES 1905-2002” Habitar Buenos Aires, las manzanas, los lotes, las casas. Editor y Compilador Juan M. Borthagaray. Ediciones SCA y CPAU. ISBN 978-987-99741-8-6. Pág. 236- 253., Autores: Teresa Boselli y Renée Dunowicz. (2011).

– Diccionario de Arquitectura en la Argentina Estilos obras biografías instituciones ciudades Jorge Francisco Liernur, Fernando Aliata   Editor: Berto González Montaner Clarín arquitectura, (2004).

– Arq- diario de arquitectura Clarín AGEA 2005. Fermín Bereterbide J. Molina y Vedia. Buenos Aires. 1998

– libro Fermín Bereterbide: La construcción de lo imposible. Ediciones Colihue

De Juan Molina y Vedia, Rolando Schere . ISBN 950-581-721-5 (1997)

– Sandro Borghini, Hugo Salama, Justo Solsona. 1930-1950 Arquitectura Moderna en Buenos Aires. Librería Técnica CP67. (1987)

– Tomo a-b. Vanguardias Argentinas. Obras y Movimientos en el siglo XX. Editor: Berto González Montaner.

–  “La vivienda popular”, donde volcó sus ideas sobre arquitectura habitacional, gestión y financiamiento.

Políticamente opuesto al gobierno del GOU y al peronismo. (1959)

Redes sociales: Factbook

https://www.facebook.com/Ferm%C3%ADn-Bereterbide-197089753728949/

Videos

– Filmación aérea Barrio Parque Los Andes (2015)

https://youtu.be/2sjHOzFjFUE

– Bereterbide – Pop Arq / Max Zolkwer (2010)

https://youtu.be/XQKsa5yJHDY

– «El país que no Miramos» – Ivan Grondona: Barrio Parque los Andes (2009)

https://youtu.be/v13FfInXzYk

– Edificio del hogar Policial, Buenos Aires. A demoler? (2009)

https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=jm4IWc2pO44

– Blog Espacios habitados. Arq. Juan  Molina y Vedia (2008)

https://youtu.be/DT1Ou_3K7Zk

– Barrio Parque Los Andes, Ciudad de Buenos Aires, Argentina. Fiesta de la Primavera 2008 con la actuacion de la banda integrada por jovenes del Barrio. (2008)

https://youtu.be/mxRgSJ_48GA

– 80 años no es nada. Musica «Verano Porteño» by Trio Pantango (2007)

https://youtu.be/6Vd5HiINP6U

– Barrio Parque Los Andes 80 aniversario, (2007)

https://www.youtube.com/watch?v=51Irxzd5nos

Selección de proyectos y obras

– 1920 ganó el Concurso para casa colectiva en Flores, organizado por la Unión popular católica

– 1925 ganó los concursos para vivienda colectiva de Los Andes, Flores y Palermo, organizados por la Municipalidad de Buenos Aires

– 1932 realiza un proyecto para la apertura de la Av. Norte-Sur (Av. 9 de Julio) que no fue ejecutado

.  Trabaja junto con Ernesto Vautier en una obra de difusión “qué es el urbanismo”  que culmina en un esbozo de Plan Regulador Regional para Buenos Aires, donde se plantea la necesidad de considerar no solo la ciudad sino la totalidad del Gran Buenos Aires.

– de1937 a 1947 forma parte de la Comisión de Estudio del Código de Edificación, formulando un cuerpo legal que entró en vigencia en 1944 (propone entre otras cosas liberar suelo urbano como espacio verde aumentando la altura).

– 1941 gana el concurso para vivienda colectiva de la Av. Rivadavia 5118, organizado por la Cooperativa El Hogar Obrero, junto con W. Acosta, y A. Felice.

– 1942 Trabajó en los proyectos para el Plan Regulador de Mendoza.

– 1944 proyecto para la reconstrucción de San Juan.

– 1948 construye el edificio de Güemes 4426, CABA.

Puede interesarte este tema, por lo que te envio esta sugerencia de Hugo K: Andrea Palladio Villa Cornaro  http://onlybook.es/blog/palladio-villa-cornaro/

Arq. Francisco Salamone . El Art Decó en la pampa argentina- una arquitectura cargada de ideología-

El Art Decó en la pampa argentina- una arquitectura cargada de ideología

El arquitecto Francisco Salamone

por Hugo A. Kliczkowski Juritz

Hace unos años, en un viaje que hice para visitar a mis sobrinos en Sierra de la Ventana, quise ver una obra muy especial, el cementerio del pueblo de Suldangaray, a pocos kilómetros de allí.

Con un taxista simpático, recorrimos esos 9 km.

Pude ver la obra del arq. Francisco Salamone y  me interesé por su papel en el panorama arquitectónico bonaerense de la época.

Ese día  vimos el cementerio, con un pórtico extraordinario por su magnitud y complejidad, el edificio de la Municipalidad y la plaza que estaba frente a ella.

Francisco Salamone

salomone foto

Arquitecto e Ingeniero, (Leonforte,  en la Catania italiana- 5 de junio de 1897, Buenos Aires 8 de agosto de 1959), siguió los pasos de su padre Salvatore Salamone arquitecto y constructor, recibiéndose primero de maestro mayor de obras en el Otto Krause y luego de Ingeniero y arquitecto en las universidades de La plata y de Córdoba.

También lo fueron sus 3 hermanos.

Entre 1936 y 1940 construyó más de 120 edificios (entre grandes y medianas obras)  en más de 25 municipios de la Provincia de Buenos Aires.

De la mano de quien comienza esta historia?

Con la abstención del radicalismo en plena época de fraude electoral, accede al gobierno de la provincia de Buenos Aires entre 1936 a 1940 el Dr.  Manuel Antonio Justo Pastor Pascual Fresco  (1888 – 1971) médico, político y diputado por el conservador Partido Demócrata Nacional. Es un caudillo de Avellaneda cercano al golpista General Uriburu quien el 6 de setiembre de 1930 encabezo el golpe de estado que derroco al gobierno constitucional de Hipólito Yrigoyen estableciendo una dictadura militar, la primera de una serie que se extendería hasta 1983.

salomone palacio municipal de Carhue

Tenía una cierta simpatía con el corporativismo del dictador español Miguel Primo de Rivera, manifestó su disconformidad con la democracia tal como se ejercía en la época, lo que no le impidió tener problemas de conciencia para acceder a la gobernación de la provincia de Buenos Aires gracias a la aplicación generalizada del fraude electoral usando fondos públicos para sus actos de campaña y movilizando a sus seguidores en trenes especiales.

Apoyaba la eliminación del voto secreto reformando la ley electoral para hacer valer el “voto a la vista o voto cantado”.

Admirador del presidente de los EEUU Franklin Roosevelt, tenía en su despacho bustos de Adolf Hitler y Benito Mussolini. Declaró ilegal al partido comunista. Un hombre cuyas simpatías fascistas lo llevaban a saludar públicamente con el brazo en alto, además de ensalzar sin pudor al Duce.

Decide encarar un ambicioso plan de edificaciones en gran parte de los 110 municipios de la provincia con el fin manifiesto de “dignificar el perfil oficial y paisajista de la región”.

Concentró una gran actividad en obras de infraestructura y una política del estado del bienestar creando decenas de obras como hospitales, municipalidades, cementerios, iglesias católicas, escuelas y gran cantidad de caminos y rutas pavimentadas

Durante su mandato el arquitecto Alejandro Bustillo (otorgadas por su hermano el ministro de Obras Públicas José María Bustillo) diseñó la urbanización de la playa Bristol en Mar del Plata así como el Casino, el Hotel Provincial, el Municipio y la Gran Rambla en un estilo neoclásico, en esta tarea trabajo mas de 10 años.

Para consolidar la ciudad de Mar del plata como un balneario de masas, se pavimentó su acceso por la ruta N.º 2,

En 1945 ofrece al entonces Coronel Juan Domingo Perón su pequeño partido de tendencias fascistas «Patria, Unión Nacional Argentina» que queda unido al Partido Justicialista.

Dichos de la época

salamone Guamini matadero

Uno de ellos dice: “Lo que Fresco dispone lo construye Salamone aclarando: “No se mueve un ladrillo sin que lo diga Bustillo

Las obras públicas (edificios y caminos) son el motor fundamental para la reactivación económica, en un país aún azotado por el crac mundial del 29.

Con un lema que en aquel entonces y aun hoy nos dice casi todo: “Dios, Patria y Hogar”.

Méritos y conflictos

A los 23 años, en 1919, gana dos medallas por sus diseños en exposiciones internacionales de Milán y Barcelona.

En 1924, sale segundo en un concurso para el diseño de caratula de la revista de la SCA, ya podemos entender la mala relación entre el arquitecto y la SCA ya que a  pesar de que era tradición publicar todos los trabajos premiados su trabajo no aparece  publicado.

salamone cementerio de Azul

En 1926 denuncia que el ganador para la construcción de la Bolsa de Comercio de Rosario es idéntico o calcado al proyecto del Banco de la República de Uruguay. En ambos casos el jurado era el mismo, el presidente Coni Molina y el arquitecto Christophersen.

Desde ese momento las relaciones con la Sociedad Central de Arquitectos, quedan muy deterioradas, al punto que deja de usar el titulo de arquitecto en sus papeles y presentaciones.

Definición teórica

salamone Saldungaray cementerio

Sin poder acceder a algún fundamento teórico por parte de Salamone, los estudiosos dan distintas interpretaciones.

El investigador del Conicet, Dardo Arbide lo reivindica como producto puro del Cubismo Checo.

El arquitecto Mario Sabugo lo bautiza como Futurismo Populista Bonaerense.

Alberto Belucci habla en cambio que sus obras nos derivan en un estilo icnográfico a lo que serian Las Vegas y Disneylandia

 Impacto

salamone municipalidad de tornquist

La monumentalidad de sus obras (algunas de mas de 30 metros de altura en un panorama edilicio de no mas de entre 3 y 5 metros), causó un fuerte impacto en el desarrollo de esas poblaciones. A veces prestigiándolos a veces empequeñeciéndolas. 

En todo caso tenían un claro objetivo de “progreso” casi prepotente., debemos entender que en la mayoría de los casos la población no llegaba al millar de habitantes como Salliqueló, Urdampilleta, Saldungaray,  Puán, Laprida, Lobería, Cacharí, Carhué o Carlos Pellegrini.

Construyó en otras  mas importantes como Balcarce, Coronel Pringles, Rauch, Alberti, Alem, Tornquist, Alsina, Tres Lomas, Azul, González Chávez, Guaminí, etc

Exagerando bastante podríamos decir que son obras con una remota inspiración con los regímenes fascistas y de nacional socialismo, con una arquitectura espectacular y monumental, cercana a los estilos art decó y futurista italiano, un tanto bizarras con elementos del funcionalismo racionalista, el  expresionismo alemán, el decorativismo francés, neoplasticismo holandés, constructivismo ruso y el clasicismo monumentalista.

Ingredientes de extraña combinación y dudosa catalogación que Salamone pudo materializar en pueblos y ciudades perdidos de la pampa, como ariete de crecimiento y progreso, no siempre conseguido.

salamone municipalidad ed Carhue

 Donde?

En ciudades y pueblos apacibles, hechos de hierro y ladrillo, rodeado o entre alambrados y campos, con obras de estilo y diseño inglés ferroviario y con el saber hacer de los albañiles italianos.

Tomando el conocido revoque símil piedra que desde finales del siglo XIX era la firma europea en la arquitectura del país,  Salomone materializada sus obras con el hormigón armado, la llamada piedra líquida, alimentados desde la cercana Olavarría, el agua de la pampa y las armaduras de hierro.

Anécdotas

Juan Forn escritortraductor y asesor literario (argentino 1959), nos cuenta en su artículo publicado en la sección Radar de Pagina 12: ...» Aun así, hay anécdotas legendarias, como la que se cuenta en Laprida, donde el caudillo del pueblo, un tal Martínez, que había llegado a intendente, interceptó al mejor estilo cuatrero el tren que llevaba más al Sur (aparentemente a Bahía Blanca) las piezas desarmadas de lo que sería el enorme frontispicio de la necrópolis local, y a punta de pistola ordenó: “El cementerio se queda acá”.

Temas que desarrollo

salamone matadero Balcarce

Palacios municipales, oficinas públicas, mercados, escuelas así como portales de parques y cementerios, mataderos, parques y plazas junto a farolas y mobiliario urbano. Ornamentaciones y monumentales Cristos, Diseñó aceras y realizó la decoración y el diseño interior de sus edificios. En el caso del mobiliario se llegó al mimetismo que la silla oficial del intendente de la localidad de Laprida, tenía un respaldo muy alto, tanto como la torre que remataba la Municipalidad, imitándola en mini escala, incomoda pero elocuente.

salamone municipalidad de Rauchj

Sus grandes temas, (cementerios, mataderos y municipios) son ideológicamente comprensibles, es el Municipio el centro de la vida pública y sobre todo política, el corazón de cada pueblo.  A tal punto el municipio debe regir simbólicamente las vidas del pueblo que el arquitecto remata la construcción con una torre que supera en altura hasta el campanario de la iglesia, a la que corona con un inmenso reloj (ya no es la evolución del sol sino el municipio el que da la hora “oficial”) al decir inteligente de Juan Forn » Los mataderos o los cementerios no son cualquier símbolo, representan la vida, el trabajo y el definitivo descanso de todos y cada una de las familias en cada uno de los pueblos. Tienen su impronta en sus portales y símbolos, representan la presencia del poder público en lo privado» . Salamone así creyó comprender el mensaje de su mentor Fresco y de su época.

salamone matadero de coronel Pringles

La arquitectura de Salamone nada tenía que ver con el contexto en que se erigió e hizo un uso masivo de la piedra líquida.

No es casual, no es inocente, es la convicción política y religiosa individualista reflejada en la obra arquitectónica.
En muchos siempre fue así, y esta no es una excepción. Es una apuesta de permanencia. Su obra mas importante declarada Monumento Arquitectónico Municipal, fue el Palacio Municipal de Carhué, sobre la laguna de Epecuén, inaugurado en 1938, y que combina el art decó, el futurismo italiano y el funcionalismo de la Bauhaus.

Poder político

Estas obras solo fueron posibles por la relación de amistad (no sabemos hasta que punto) con el ya mencionado gobernador Manuel Fresco quien le encarga todas estas obras.

Decenas de partidos agradecen su iniciativa. La obra pública que le encargaran, conforma un legado de decenas de emprendimientos.

No fue su fin el exilio, pero si de sus obras

A fines de 1938 el proyecto Fresco-Salamone tropezó con problemas económicos y políticos. Los bonos que muchas municipalidades colocaban en la Bolsa de Valores para financiar sus obras se desplomaron. A su vez, se desató una interna política entre el gobernador bonaerense y el presidente Ramón Castillo que derivó en la intervención de la provincia en 1940.

El arquitecto vio demoradas sus obras en Tres Arroyos, Pilar, Lobería y Chascomús entre otras.
Salamone siguió trabajando para el gobierno con una empresa de pavimentación de rutas que había montado con su hermano.

Fue acusado de irregularidades en un proceso de licitación, Salamone se exilió en Montevideo.

Los tribunales desestimaron la causa en su contra, el creador de los gigantes de hormigón regresó a Buenos Aires, compró un petit hotel en la calle Uruguay al 1200 y puso una nueva empresa constructora con la que levantó un par de edificios sobrios en la Capital.

salomobe edificio de alvear y ayacucho

Algunas de sus Obras

-CAPITAL FEDERAL

Uno de los pocos edificios en el área privada esta en la capital Federal en el barrio de La Recoleta.

En la avenida Alvear y Ayacucho, frente al Hotel Alvear.

El otro edificio se construyó en la calle  Zufriategui, que fue sede de la empresa de pavimentación que tenia con su hermano

 -Rauch (Km 273 de la capital Federal)

A tan solo 70 kilómetros de Tandil, se emplaza esta apacible ciudad que aún  respeta la siesta y las tradiciones más arraigadas de la llanura bonaerense.
Realizo el Palacio Municipal, una de sus obras más importantes, rodeada de jardines, decoro su interior. Diseño varias  plazas públicas, con farolas y arcos de su especial diseño personal

-Azul (Km 306)

Construyó el cementerio con su pórtico estilo Art-Decó que no puede dejar de visitarse. La imponencia de las formas y los detalles de las siluetas son de un valor patrimonial tan rico como atractivo. Así como el Cristo y el Oratorio con un gran Ángel de la Muerte custodiando la entrada y la gigantesca sigla RIP realizadas en cemento. Además de la plaza, viviendas y el portal del Parque municipal.

-Balcarce (Km 406)

En la ciudad donde nació Juan Manuel Fangio, realizo la Escuela Normal 1, glorietas, monumentos y farolas. El palacio municipal, la plaza central y el portal del cementerio tienen su sello. El Matadero se encuentra en muy mal estado de conservación, pero esto le concede un clima de cierto misterio. Una curiosidad es que en su predio funcionó un templo católico, del cual quedan algunos vestigios. El edificio habla de una época de opulencia y mucho trabajo,

– Adolfo Gonzalez Chaves (Km 450) – 

Realizó el Palacio municipal, Mercado y Matadero.

(Gracias a Hugo Stampone por indicarme con su comentario que incluya estas obras).

-Coronel Pringles (Km 534)

Dónde funcionara el antiguo matadero se levanta una sede de oficinas públicas que impactan por su belleza edilicia. En Pringles, el movimiento arquitectónico francés caló hondo, a tal punto que sus edificios son categorizados en el mundo. El viejo matadero se completa en una torre que con crudeza remata en una cuchilla. Se trata de un Monumento Histórico Municipal y es considerado un interesante exponente del Art-Decó.

 -Guaminí (Km 574)

Realizò el Palacio Municipal y el Matadero (en donde se filmaron algunas películas que detallo mas abajo)

-Saldungaray (Km 578)

También en la zona de Villa Ventana, esta ciudad tiene múltiples muestras del arte Art-Decó. El Palacio Municipal. plazas, arcadas, edificios públicos y el cementerio dan cuenta de arte en la vía pública.
El portal del camposanto es único en el mundo. Su complejidad habla del valor que le otorgaba el ingeniero a los temas místicos y la trascendencia del hombre donde aparece el Cristo crucificado en un frente circular. Un sitio en muchos sentidos, imperdible.

 -Tornquist (Km 598)

Realizó el Palacio Municipal además de sus plazas con sus farolas, arcadas y el matadero- El cristo es de su diseño.

– Carhué (Km 626)

En el partido de Adolfo Alsina, a orillas del lago Epecuén, una salina de más de 10.000 hectáreas, se ubica esta ciudad que es visitada dadas las altas propiedades curativas de este espejo de agua. Realizo el Palacio Municipal y el Matadero. Los visitantes se acercan para fotografiar, y fotografiarse, en este lugar en ruinas que deja entrever la estética Art-decó difundida por Salamone.

Grandes letras anuncian lo que fuera un centro de producción de entre los más importantes de la provincia.

Realizó los Palacios Municipales entre otras obras en Puan, Alberti, Laprida, Chillar, Adolfo Gonzales Chaves, Vedia, Pellegrini. etc

Adriana Elvira Piastrellini -Fundadora y Presidenta de AdbA Art Deco Argentina – ACAPA, me ha enviado un comentario en Enero de 2022, para que agregue obras y su la labor de ACAPA.

Obras en Alberti
-Palacio Municipal
-Plaza
-Pórtico del Parque Municipal
-Morgue Cementerio
-Escuela
-Matadero

artdecoargentina.com.arx
adbainstitucional@gmail.com
Han realizado la Primer Guía virtual Art Deco – Ganadora de un Mecenazgo GCBA
http://artdecoargentina.com/Guia_Virtual/adba_en_el_mundo.html
Su Asociación Civil sin fines de lucro realizó 5 ediciones de Concursos de Fotografías Art Deco nacionales e internacionales, premiando numerosas obras de Salamone conocidas e inéditas, cuyo objetivo fue dar difusión y promoción a su obra en  el mundo.

LEY PROVINCIAL QUE DECLARA PATRIMONIO BONAERENSE A LA OBRA DE SALAMONEsalomone Balcarce

El 23 de enero de 2002, el Senado y la cámara de Diputados de la provincia de Buenos Aires sanciona La Ley 12.854 que declara Patrimonio Cultural de la Provincia de Buenos Aires a los bienes muebles e inmuebles, cuyos proyectos y ejecuciones de obra fueran realizados por el ingeniero arquitecto Francisco Salamone. En su  Art 4º – convoca a especialistas así como a toda persona o institución, pública o privada, vinculadas al estudio de la obra de Salamone que puedan contribuir a los fines de esta Ley

Films

Septiembre 2017Invasión SALAMONE.

Documental de 4 horas de grabación, En una serie por capítulos. Guion y realización de Diego Ávalos y Francisco Larralde.  Investigación histórica del arq. Sergio Di Pietro.  Protagonista el actor Ezequiel Castaño y el escritor Juan Sasturian.  Testimonios de arquitectos, historiadores, autoridades y colaboradores. Publicado por Alejandro Machado.

http://francisco-salamone.blogspot.com.es/2017/09/invasion-salamone-el-documental.html

Trailer:
https://vimeo.com/65272140
Capítulo 1:

https://www.youtube.com/watch?v=O1JUpEu3aNw
Capítulo 2:

https://www.youtube.com/watch?v=-pjv4XZ2qeM
Capítulo 3:

https://www.youtube.com/watch?v=ndXl_kbQOb8
Capítulo 4:

https://www.youtube.com/watch?v=3c1QbYX6Uqs
Capítulo 5:

https://www.youtube.com/watch?v=dleOBnvKg9M
Capítulo 6:

https://www.youtube.com/watch?v=SR4M8VybwaM
Capítulo 7:

https://www.youtube.com/watch?v=nLm8LqeZbKQ
Capítulo 8:

https://www.youtube.com/watch?v=gr01LuIxvhk

– el documental “Salamone Superstar”, dirigido por Andrés Tórtola. Reconstruye la figura del arquitecto en base a más de 100 testimonios y material de archivo.

– El film «Las minas del Rey Salamone», del año 2010 dirección, producción, guion, cámara y montaje de Andrés Tórtola.

Es un proyecto turístico del que participan los municipios de Laprida, Azul, Gonzáles Chávez, Coronel Pringles, Rauch, Guaminí, Balcarce, Tornquist, Adolfo Alsina y Pigüe, junto al equipo de la Secretaría de Turismo de la Provincia de Buenos Aires

Serie televisiva “En el camino”

Francisco Salamone 1:

-https://youtu.be/oKA5A3DBcUE

Francisco Salamone 2:

Francisco Salamone 3:

Francisco Salamone 4:

Francisco Salamone 5:

Francisco Salamone 6:

-recorrido de obras

https://youtu.be/SdtDU8Sf30A

Los Caminos de Salamone” https://youtu.be/mTY7IPp9ItA

Documental sobre la vida y la obra de Francisco Salamone.

Un Corto,  no solamente de Pringles, sino también de Pigüé de Diego Stanga y Eugenia Cavallaro.

-Film Mundo Salamone

https://youtu.be/zR_8zv00_jw

“Mundo Salamone – Avance” por Ezequiel Hilbert en Vimeo

Otros

Lanzamiento oficial de Los Caminos de Salamone en FIT.

En Facebook:

https://www.facebook.com/InvasionSalamone/

https://www.facebook.com/groups/610779919024154/

Muestras, exposiciones y ediciones

– Anuario del Ministerio de relaciones exteriores y culto.  República Argentina.

– En el diario (masserista) Convicción una nota del profesor Alberto Belucci en Julio de 1982.

– En la revista DAPA , una nota del profesor Alberto Belucci“Art deco monumental en las Pampas. El arte Urbano de Francisco Salamone” 1992.

– El libro “Reconocimiento Patrimonial de la Provincia de Buenos Aires” dedicado al arq. Francisco Salamone.

– La monografía “Una arquitectura de los márgenes: reconsideración de la obra de Francisco Salamone”. firmada por el Sr.  Dardo Arbide, investigador del Conicet.

-durante el mes de diciembre en Coronel Pringles (a 534 Km de la Capital federal), en  su homenaje se organizan las Jornadas Salamone.

– Muestra en la Foto-galería del Teatro General San Martín, de Esteban Pastorino, Junio 2002.

– Edición de un catálogo  con texto de los críticos Tom Shaw Edward  Shaw, con motivo de la muestra “Salamone, la consagración monumental en las Pampas 1997-2007 «, en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires 2007.

– agosto 2009, Primeras Jornadas Salamone organizadas por la Municipalidad de Azul y el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

-Julio  2015, muestra plástica “Serie SALAMONE de Laura Sendra en el Centro Municipal Sociedad española de Casbas. Proveniente del área de cultura de la Cooperativa Obrera de Bahía Blanca.

salomone matadero de Carhue

Hasta aquí llegamos, se podría continuar, porque este ejemplo de imagen y cristalización de la obra arquitectónica con su contenido de ideología e intencionalidad urbana no es excepcional y nos serviría perfectamente para aplicarla y comprender mejor otros casos pasados y presentes.

Seguramente mas adelante.

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noviembre, 2015

DPSC records me escribe el 14 septiembre de 2016

Música oficial sobre Francisco Salamone primer cd escrito a sus obras y vida adelantos link lista de reproduccion https://www.youtube.com/playlist?list=PLI1WjdGL18I1VUxTGHduo2bFyltSViCSG

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Puede interesarte este tema, por lo que te envío una sugerencia de Hugo K: Sketches de Le Corbusier -viaje a Oriente y burdeles de Paris.

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Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

El Arquitecto Robert Mallet-Stevens (1886-1945) la Villa Cavrois y muchos de sus proyectos e ideas. ok

El arquitecto Robert Mállete-Stevens por HaKj

El 11 de Junio de 2015 se rehabilita y abre al público una de las obras maestras del Movimiento Moderno, La villa Cavrois (1929-32) en Croix, al Norte de Francia, casi casi en Bélgica. (Villa Cavrois, 60, avenue John-Fitzgerald Kennedy. Croix. Tel: + 33 03 20734712. www.villa-cavrois.fr ) había sufrido un abandono total antes de ser comprada por el estado.

Otro dato

Sobre el callejón del doctor Blanche, hay 2 obras de Le Corbusier y de Pierre Jeanneret , la maison La Roche (1923/25) en una de ellas funciona la fundación Le Corbusier.

A pocas calles de este callejón hay una calle que lleva el nombre de Mallet-Stevens, en el distrito XVI de Paris, allí hay cinco mansiones que diseño y construyo, todas cubistas.

Otro dato más

La calle fue inaugurada el 20 de julio de 1927, y admirada como una manifestación del arte arquitectónico moderno, recién a partir de su muerte y como un reconocimiento a su labor de arquitecto, se puso su nombre a dicha calle.

Y más

Corría el año 1925 y Robert Mallet-Stevens era uno de los hombres más prestigiosos de Francia, amigo de Le Corbusier, Pierre Chareau y otros enamorados del Estilo Internacional y del movimiento holandés De Stijl.

Finalmente

En esta historia interviene el Palais Stoclet del arquitecto Joseph Hoffman y la villa de Wilem Marinus Dudok en Hilversum.

Comencemos:mallet stevens retrato acuarela

Robert Mallet-Stevens nace en Paris el 24 de marzo de 1886 y muere el 8 de Febrero de 1945. Acortando su nombre se hizo llamar Rob Mallet-Stevens

Recibe su diploma de arquitecto en 1910 en la Escuela especial de Arquitectura de Paris, comenzó su trabajo dedicándose al diseño de muebles y decorados para el cine, hasta que se volcó totalmente a su quehacer arquitectónico.

Opuesto al eclecticismo de los años `20 y `30, en 1929 participa en la fundación de la UAM (Unión de Artistas Modernos), apoyada por Le Corbusier, Charlotte Perriand y Jean Prouvé. Su objetivo (con un éxito relativo) era promover las tendencias del modernismo y la industrialización en el arte.

Temiendo por su seguridad (su esposa era de religión judía), durante la segunda guerra mundial debió refugiarse del gobierno de Vichy a 640 km al sur de Paris, en Penne-d’Agenais,

Una anécdota

La realidad supera a la ficción, incluso cuando recuerda a una obra de Shakespeare. La Villa Cavrois , no sería posible si en 1919 Paul Cavrois no hubiera perdido en la Gran Guerra a su hermano. Y es que pocos meses después decidió casarse con su cuñada, Lucie Vanoutryve, que ya tenía tres hijos. Con él concibió otros cuatro. Andaba el matrimonio corto de espacio cuando Paul, un gran industrial francés dueño de varias fábricas textiles, conoció en París al arquitecto Robert Mallet-Stevens. Corría el año 1925 y Mallet era uno de los hombres más prestigiosos de Francia.

El empresario y el arquitecto se hicieron amigos, y visitaron el Palais Stoclet de Joseph Hoffman y la villa de Wilem Marinus Dudok en Hilversum. Con esos dos edificios en la cabeza, proyectaron la gran casa familiar, que se convirtió en el manifiesto teórico de Mallet sobre la arquitectura, el resumen de toda su vida.

Una referencia al Palacio Stoclet que inspira la casa Cavrois

El palacio Stoclet es una mansión particular construida por el arquitecto Josef Hoffmann (1870 – 1956) entre 1905 y 1911 en Bruselas (Bélgica) para el banquero y aficionado al arte Adolphe Stoclet. Considerado la obra maestra de Hoffman, la casa de Stoclet es una de las casas particulares más refinadas y lujosas del siglo XX.Mallet Palacio Stoclet de Hoffmann Fue construida en la Avenue de Tervueren/Tervurenlaan de Bruselas, Puede causar asombro que la fachada recubierta de mármol es casi racionalista, mientras su interior contiene obras encargadas a Gustav Klimt (1862 – 1918) en el comedor, cuatro figuras de cobre en lo alto obra del escultor Franz Metzner, y otras artesanías en el interior y exterior del edificio.

Esta integración de arquitectos, artistas y artesanos hacen de él un ejemplo del Jugenstil.

La mansión ya no está ocupada por la familia Stoclet, desde la muerte de la baronesa Anny Stoclet en junio de 2002. Y es en Junio del 2009 que la Unesco lo designa un lugar Patrimonio de la Humanidad.

Volvamos al trabajo de Mallet-Stevens

Ha contribuido mucho a la difusión y conocimiento de su trabajo la exposición que sobre su obra completa realizo el Centro Pompidou en Paris desde el 27 de Abril al 29 Agosto de 2005, ya que nos ha permitido reconocer y también rehabilitar y poner en valor sus proyectos, edificios e ideas.

Sus proyectos tienen cada uno características particulares pero nos explica “….fueron creadas en un mismo prisma para formar una unidad, pues un cuerpo de arquitectura es uno e indivisible”

En la calle que años m´ás tarde llevaría su nombre construyó:

– Su casa y su estudio

– el taller de los escultores Joël y Jean Martel (que trabajaron en la decoración interior de las obras y es la única que se conserva original)

– Casa de Mme Reifenberg

– Casa de M. y Mme. Allatini

– Casa Dreyfus

Explicó durante mucho tiempo la idea y filosofía de su “calle, casas entre jardines” que privilegian el aprovechamiento de la luz y la utilización de cemento armado y piedra.

Agregando que “…la arquitectura es un arte esencialmente geométrico” y estructura sus edificios a partir de un elemento vertical (una escalera, una balaustrada)».

Es de resaltar que la mayor parte de su obra fue realizada para clientes privados. El único encargo público de toda su carrera fue todo un éxito, la central de bomberos en Paris que también incluye apartamentos para las familias.

De sus obras sobrevive en París la casa y taller construida por el arquitecto para su maestro cristalero Louis Barillet, la única obra de Mallet-Stevens abierta al público, y cuyo mayor atractivo es una estrecha vidriera que ocupa toda la parte superior de la puerta de entrada. El mobiliario funcional que también diseñó, como una silla de cuero y tubo metálico, es pieza de especial atención de coleccionistas

Un reconocimiento mas es cuando la casa de interiorismo Habitat ha celebrado su 50 aniversario incorporando a su catálogo de diseñadores a Mallet Stevens ( además de Thierry Marx y Sir Terence Contran)Mallet Stevens Chaise-longue-Mallet-Stevens1

Sus diseños simbolizan la modernidad de una época ya que incorporan una dimensión artística a su visión social, casi un manifiesto de la Bauhaus.

Volvamos a la Villa Cavroismallet stevens fachada villa_cavrois_215231583_620xMallet-Stevens, animado por la confianza de su cliente, proyectó un edificio que seguía las premisas del Movimiento Moderno pero suavizado por la estética de una casa de campo tradicional francesa.

Sus formas fueron simplificadas al máximo, como mandaba el racionalismo utilizo materiales nobles como madera, mármol y otros industriales como el cristal, metal, acero, en una villa geométrica, simple y bella. Modernista y paradigma de síntesis al mismo tiempo. Nos recordaba «El verdadero lujo es vivir en un entorno luminoso, alegre, abierto al exterior, bien calefaccionado, con pocas cosas inútiles y mínimo servicio”.Mallet Stevens villa_cavrois sala

La fachada, geométrica se materializa con ladrillos amarillos de la zona, y el interior es una combinación de muebles de madera maciza y otros policromadas mas informales.Mallet Stevens villa_cavrois_comedor 2

La casa fue cuartel general de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, pero los Cavrois la recuperaron y vivieron en ella hasta que Lucie, la cuñada-esposa, murió en 1985. Después fue prácticamente abandonada hasta que en el 2009 se compró con dinero público y fue restaurada por el Centre des Monuments Nationaux.

Se recuperaron muchos de los muebles originales de coleccionistas particulares para ofrecer una imagen fiel de la villa original.

Si bien debió protegerse del nazismo y dejar su protagonismo en el campo de la arquitectura, hasta ese momento deja una impronta que ha ayudado a construir el pensamiento arquitectónico moderno.

Entre ellas las obras que se mencionan abajo (además de numerosos proyectos no construidos)

Hugo A. Kliczkowski Juritz

Algunas de sus Obras

1921-23 Chateau de M. Paul Poiret (Mezy).

1924-25 Villa Paul Poiret de Mézy-sur-Seine, en el departamento de Yvelines.

Construida para el modisto Paul Poiret en Mézy en las afueras de París.

1923-28 Villa Noailles en Hyères sobre el mediterráneo cerca de Marsella.

Encargada por el vizconde Charles de Noailles y su esposa Marie-Laure Bischoffsheim, mecenas y amigos de artistas del arte moderno, entre ellos Man Ray que en 1928 filmó allí su primer film surrealista Les Mystères du Château de Dés, también Piet Mondrian y Francis Jourdain cooperaron en su decoración.

Fue creciendo hasta alcanzar en 1933 los 1.800 m2, con piscina, pista de squash y gimnasio y un gran jardín mediterráneo plantado inicialmente por el vizconde Noailles,

Ubicada en el Parc Saint Bernard, 83400 Hyères,, es hoy sede del Centre d’art et d’architecture. Esta inscripta desde 1975 entre los monumentos históricos franceses, donde desde 1996 se realizan exposiciones temporales de arte contemporáneo: artes plásticas, arquitectura, diseño, fotografía o moda

1925 Pabellón en la Exposición de Artes decorativas de Paris

1925-26 Casa de Mme Collinet y la Casa de M. Auger

1927 Garaje Alfa Romeo

1927-28 Casino de Saint Jean de Luz

1928 Café de Brasil (Haussmann, Wagram) en Paris

1928-29 Inmueble Rapport , Paris

1928-29 Casa Gompel, 25, Boulevart Suchet , Paris

1926-34 Residencias particulares de la rue Mallet-Stevens, en particular la situada en el número 10 conocida como Hotel de Jan y Joël Martel en el distrito XVI de París.

1929-32 Villa Cavrois en Croix, departamento de Norte. Cerca de Lille.

1930 Destilería para el gobierno Turco en Estambul

1930 Reforma del Teatro Municipal en Grasse

1931-32 Casa y taller del maestro vidriero Barillet, en el nº 15 del square de Vergennes, París, distrito XV.

1931-32 Casa Trapenard en Sceaux

1936 Cuartel de bomberos en el nº 8 de la rue Mesnil, París, distrito XVI

1937 Pabellón de Tabacs en la Exposition des Arts Et Techniques de Paris

1939 Pabellón de la prensa en Lille

Decorados para Films

1920 – Le secret de Rosette Lambert de Raymond Bernard

1921 – Le Mauvais Garcon de Henri Diamant Berger

1921 – Jettatur de Pierre-Gilles Verber

1922- Triplepatte de Raymond Bernard

1923 – L`Inhumaine de Marcel L´Herbier

1924 – Le Miracle des Loups de Raymond Bernard.

1926 – Le Joueur d Echecs de Raymond Bernard
1926 – Le Vertige de Marcel L´Herbier
1927 – Princesse masha de Rene Leprince1927 – La Sirene des Tropiques de Mario Nalpas y Henry Etivant

Sketches de Le Corbusier -viaje a Oriente y burdeles de Paris

Le Corbusier y sus dibujos por HaKj

Un periodo que va desde 1911 hasta 1965, año de su muerte.

Le Corbusier nace el 6 de Octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds en la Suiza francófona.

le corbusier en la actropolis 15 septiembre 2911

En 1911, comienza una etapa que será decisiva en su formación no curricular de arquitecto, viaja y recorre ciudades como Berlín, Praga, Viena, Budapest, Belgrado, Bucarest, Constantinopla, Salónica y Atenas.

Tiene 24 años,  es un viaje revelador donde descubre formas, figuras, contenidos, espacios que vuelca en sus libretas de dibujo.

Junto a su amigo Auguste Klipstein (1885 – 1951) (1), con poco dinero, comienzan el recorrido desde Mayo a Octubre, y tocan Bohemia, Serbia, Rumanía, Bulgaria y Turquía.

le corbusier autoretrato

Oriente es todo lo contrario de Europa, este viaje hacia Constantinopla, representa lo contrario de lo que fueron sus trayectos europeos.

Se podría intuir que “este Oriente” esté presente en sus obras en Chandigard, o en Ronchamp o en el convento de La Tourette

La mirada de Le Corbusier, puesta en sus dibujos, le enseñan a ver  de otra forma todo lo que observa.

Y todas esas miradas están en estas libretas de tapa negras (como las que ahora produce Moleskine, pero sin la banda elástica vertical) de 10 cm de ancho por 17 cm de alto.

En 1987 la editorial Electa de Milán hace una edición de sus dibujos realizados durante su viaje a Oriente, un facsímil de las mismas, la realiza junto a la Fundación Le Corbusier.

La libreta que tengo en mis manos es de la 1era edición que se realiza en los EEUU, y la edita la editorial Rizzoli.

En el carnet cuyo título es Sketchbooks, donde traduce al ingles los otros 5 carnets (Carnet 1, 2, 3,4,y los 5-6 juntos, pone en el copywright «First published in the United States of America in 1988 by Rizzoli International Publications, Inc. 597 Fifth Avenue, New York, NY 10017. Precisamente en ese lugar estabamos, en la librería que da a la calle.

Sigo «Copywright 1987 Electa s.p.a. and Fondation Le Corbusier, Paris. Translation copywright (c) 1988 Rizzoli International Publications, Inc. Impreso y encuadernado en Italia».

Imprimen solamente 500 libros, dentro de una caja con tres lados entelados de color negro (el cuarto lado es por donde se meten los fasciculos carnets) con una etiqueta con el título de fondo blanca con letras negras y rojas, cuya base y tapa es de color amarillo, están numerados del 1 al 499, la que tengo en mi biblioteca lleva estampado el número 478.

Su título “Le Corbusier, Ch. E. Jeanneret. Voyage d´Orient Carnets. Electa- Rizzoli, New York”.

Durante su vida Le Corbusier siempre llevo libretas de notas en los que acumulaba observaciones, cálculos, notas, dibujos de arquitectura, y sketches de trabajos, obras y proyectos.

Para hacer todo este importantísimo material accesible, la fundación le Corbusier autoriza la publicación de 73 sketchbooks realizados desde los años 1911 a 1964, es decir desde sus 24 años hasta practicamente su muerte en 1965.

Estaba con el arq Jorge Doporto, en Nueva York, caminando por la 5ta, avenida, y entramos en la libreria Rizzoli. Maravillados mirabamos, hojeabamos hasta que dimos con una vitrina, y allí estaba esperandome «Voyages d´Orient Carnets». Electa. Rizzoli, Nueva York. Recuerdo su precio , porque era mucho para mi, cien dólares…lo tengo conmigo.

Su viaje a Oriente comienza en su “carnet V” .

Un dato curioso, su primera página es de 1910 y corresponde a un viaje hecho a Alemania. Podemos pensar que quizás en ese país compro  las libretas.

le corbusier dibujos 3

Como son facsímiles esta hasta el sello del negocio donde las compró , con dificultad se lee un sello que pone KELTZ & Meiners – Berlin – Leipziger strasse 190.

Este libro fue publicado por primera vez en 1965 año de su muerte.

Quisiera comentar que tengo en mis manos otra edición en facsímil que se llama “Les voyages d’Allemagne” Carnets  The Monacelli Press y Fondation L.C. primera edición 1994.

Ambas del mismo tamaño y tipo de libretas. Ya hablaremos de ella.

le corbusier dibujos 2

En un film documental acerca de su vida realizado por la Fondation Le Corbusier (1987)  se escucha a Le Corbusier, haciendo un repaso de su desarrollo intelectual y profesional, de sus interesas, proyectos y obras que realizo a lo largo de su vida.

https://youtu.be/NW-ugB10Xd4, (tiene títulos en español y dura unas 2,28 horas interesantísimas)

Nos relata con detalle cómo crece como observador, su  formación (fuera de la academia, como gustaba señalar) y sus escritos.

Estos viajes constituirán una excelente ocasión para descubrir los grandes edificios que se están erigiendo en Europa y le proporcionarán los conocimientos necesarios para dedicarse a la arquitectura. Le gustaba añadir que además de arquitecto era urbanista, poeta, pintor, filósofo y hombre de letras.

Como dudarlo!!!

A los 30 años se instala definitivamente en París. Junto al poeta Paul Dermée (1886-1951) (2) y el pintor Amedée Ozenfant  (1886 – 1966) (3) (a quien diseña su casa-estudio en 1922-1923) y con ellos  funda la revista de vanguardia L’Espirit Nouveaux.

En ella volcaron y expusieron sus ideas, desarrollando nuevos conceptos sobre urbanismo, arquitectura y otros campos de la cultura

En el primer ejemplar descubren que deben incluir algún artículo sobre arquitectura, y  es en ese momento donde Edouard Jeanneret tomará el seudónimo Le Corbusier, con el que será más conocido popularmente, en toda su producción arquitectónica, reservando su verdadero nombre para su producción pictórica.

Lo cuenta de esta forma

le corbusier dibujos 1

“…mirando las galeradas del número 1, Ozenfant me dijo: -Hay que incluir algo de arquitectura. Entonces hice algo el sábado de noche, había que entregar el texto el lunes. Escribí tres consejos para arquitectos y dije no los firmo Jeanneret, mi apellido, sino Le Corbusier. Y así nació el maldito le Corbusier, con el artículo y los siguientes, hizo ruido, fue mundial enseguida”.

El apellido de su abuelo materno es Lecorbésier, Jeanneret lo transforma en Le Corbusier como una variación humorística ya que evoca a la palabra cuervo,

No solo dibujo o se interesó por la arquitectura.

Le Corbusier burdeles 1
Le Corbusier burdeles 5

Hay unos dibujos de esa época, donde ente otras cosas hace dibujos y sketches de sus visitas a los burdeles parisinos, a los cuales solía frecuentar, donde además hacia dibujos.

Al respecto escribe el 12 de Mayo de 1918:

Le Corbusier burdeles 4

“…..Mis intentos son sin forma, decepcionante. Toda mi imaginación está en el trabajo. Quiero una claridad, un brillo, una agudeza que tolera solamente el lápiz, la disciplina,  el ritmo, y la moderación en el uso del color. Y pinto suciedad. Mis mujeres son bestialmente lascivas, calientes.»

Le Corbusier burdeles 3
Le Corbusier burdeles 2

Citas de Le Corbusier
» Prefiero dibujar a hablar. Dibujar es más rápido, y deja menos espacio para la mentira».

» Mi pecado capital es estar sometido a las cosas visuales. Tengo ojos y todo lo visual, el dibujo, la pintura, la escultura, la arquitectura, para mí es igual. Es sinfónica. La arquitectura exige ciertas cualidades del pensamiento del cerebro, o sea la concepción. Las otras cosas también, pero con posibilidades manuales».

«Siempre me interesó lo creativo, sobre todo, lo que se aplica al hombre y a su medio. Con la pintura pude desarrollar todo eso. Es un medio apasionante y peligroso. «

«Como consumidor de pintura creo que su gran rol es justamente aportar el espacio que puede ser inefable.»

«No tengo diploma y por eso nunca tuve que olvidar lo que estudié. Esa es la pura verdad».

Los sketches tienen una importancia en el desarrollo de las ideas, no solo para Le Corbusier, sino en todo aquel que pueda utilizarlos como herramienta de diseño.

Su valor es enorme, y no dudo que merece mas consideraciones.

Por ahora esta queda aquí.

Notas

1

Auguste Klipstein junto a Richard Gutekunst, (hijo del comerciante gráfico HG Gutekunst), fundó en 1919 en Berna la empresa Gutekunst und Klipstein , especializada en gráficos modernos. 

Hildebrand Gurlitt era uno de sus clientes.  En 1939, en una operación secreta, Klipstein y Hildebrand Gurlitt transportaron a Estados Unidos varios cuadros de Wassili Kandinsky, que habían sido confiscados por los nacionalsocialistas como “arte degenerado”. 

2

Paul Dermée  fue un escritor, poeta y crítico literario belga . Nació con el nombre de Camille Janssen en Lieja (Bélgica) en 1886 y murió en París en 1951.

Contactado por el poeta y ensayista Tristan Tzara (1896 – 1063), se arriesgó en tiempos de guerra a difundir la revista «Dada» en Zurich. Recibió el título de «Procónsul Dada». Fue director de la revista L’Esprit Nouveau.

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Conoció al arquitecto y pintor suizo Charles-Edouard Jeanneret (Le Corbusier) en 1917, y conjuntamente expusieron las teorías del purismo en el libro Después del cubismo. Su publicación coincidió con la primera exposición purista, celebrada en la Galerie Thomas de París en 1917, en la que expuso Ozenfant. Realizaron mas colaboraciones conjuntas en el periódico L’Esprit nouveau, que se publicó de 1920 hasta 1925.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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