Antonio a la pizza le esta pasando como a la arquitectura o el dulce de barata sin ir mas lejos.
Muchas veces me amargo sinceramente viendo cosas que no entiendo, edificios espantosos, tanto me amargo como el tener que convivir con el hdp que le puso chocolate al dulce de batata.
¿porque? Que le hizo el dulce de batata a ese energúmeno como para juntar 2 elementos nobles y con entidad propia, y características únicas como el chocolate y el dulce de batata.
Hay algo mas que me jode, es ir a un super en cualquier ciudad española, grande o pequeña, de la sierra o al borde del mar y ver ( me pongo mal cuando lo recuerdo) ver un dulce igual al de batata, igual consistencia, brillo y color y es DE MEMBRILLO.
Hacelo verde, negro a pintitas como quieras pero no copies una linea definida y aceptada.
No engañes. NO MIENTAS.
El dulce de membrillo no juega en la misma liga que el dulce de batata. ( como haces un vigilante con membrillo y queso? Que pasa, estamos locos?
Lo mismo pasa con la arquitectura, y aunque te metas adentro y apagues la luz e intentes dormir o lo que te pida el cuerpo . Si es un simil membrillo y no batata tu vida baja en calidad espacial, aunque te duermas ( directamente o después de lo del cuerpo) estas en un lugar de baja autoestima.
Hago un llamado a la seriedad profesional. No hagas proyecto membrillo si queres hacer un proyecto batata. Y si tenes sensibilidad y condiciones para hacer un proyecto batata, anímate y podes hacerlo “fresco y tata” pero jamas, nunca con chocolate. Haceme caso
Miguel me parece que no queda otra que utilizar metáforas cotidianas para hacer un llamado de atención a propios y extraños. Nos están rodeando de basura. Te propongo que comencemos una serie “proyecto batata” . Fernando sumate . Ya es tarde, imagínate si seguimos tardando ?
Antonio, tenes mando de tropa, hace lo imposible para que el “proyecto batata” no sea un delirio.
¿Cuando nos convencimos que lo malo y lo mediocre eran merecidos.?
Que la falta de talento se podía construir? y ser al menos interesante.
Aprendamos de los temas serios, como lo hicieron esta semana las mujeres, ahora entre todos hagamos la vida mas digna. Sin chicanas.
La arruga es bella (frase famosa del diseñador Adolfo Dominguez) que piola (listo), podía decirla porque no es arquitecto y ese pantalón arrugado lo podes planchar, nosotros no podemos planchar nada debemos pensarlo antes.
pensarlo más.
Antes que sea irreversible,
Hoy está siendo un buen día, siempre lo es cuando voy de visita a la Caixa Forum. Fui a ver la exposición que presentan sobre el arquitecto Adolf Loos. 1
Hace poco, estuve leyendo sobre él, a raíz de unos artículos que escribí sobre la Bauhaus. Rápidamente derive a la Secesión Vienesa y a las posiciones de éstos con Loos, o mejor dicho de Loos con aquéllos al rebelarse contra la llamada Secesión proponiendo una economía en la construcción arquitectónica y el diseño.
La casa tiene que gustar a todos, contrariamente a la obra de arte, que no tiene que complacer a nadie. La obra de arte es un asunto privado del artista. La casa no lo es. Adolf Loos
La exposición “Adolf Loos, espacios privados”se realiza en un edificio muy atractivo, un centro cultural dedicado a exposiciones temporales. 2 En el año 2002 el estudio Herzog & De Meuron comienza el proyecto de rehabilitación y ampliación de la que fuera la Central Eléctrica del Mediodía, de 1900, cuyo objeto era la producción de electricidad a partir de la combustión de carbón que debía abastecer de energía a todo el sector sur del casco antiguo de Madrid.
La remodelación y ampliación se inaugura en el 2008, muchos -no arquitectos- la ubicarán también por ser muy conocido (y encantador) el jardín vertical diseñado por Patrick Blanc (1953) y la escultura de Igor Mitoraj (1944-2014) en la esquina que hace de acceso principal desde el Paseo del Prado 36, en Madrid (aunque recomiendo especialmente sumergirse desde cualquiera de las otras calles en el espacio casi etéreo flotante que oculta hábilmente la estructura central del edificio).
Un sándwich extraño, nada abajo, masa de ladrillos (la antigua fábrica) y como culminación, el remate de acero corten, en distintos volúmenes, con techos a 2 aguas, que dan un hermoso coronamiento al edificio.
El arquitecto Adolf Loos (1870-1933) nació en Brno (Imperio austro-húngaro), no consigue entrar a la Escuela de Arquitectura, accediendo entonces en la Escuela de Arte y Oficios de Reichenberg en Bohemia y luego en la Escuela Politécnica de Dresde.
En 1923 viaja a ver la exposición Universal de Chicago, donde permanece desde los 23 hasta los 26 años. Su formación estética se nutre en Chicago, luego en Londres y también en París. Cuando llega a Viena tiene claro que desea trabajar de arquitecto revolucionando la arquitectura del momento, Viena aquejada de una crisis estética de fin-de-siècle ve con interés crítico este desafío.
Loos introdujo la cultura angloamericana mediante sus escritos en la prensa y en la revista “Das Andere” donde cuestionaba las costumbres y el uso de los objetos cotidianos.
Loos logra un fuerte impacto con su proyecto minimalista del Café Museum de Viena (1899) conocido como Café Nihilismus. Un local muy luminoso, sin apenas decoración o adorno así como con sus proclamas a partir de su artículo Ornamento y Delito (1908)…“Como el ornamento ya no está unido orgánicamente a nuestra cultura, tampoco es ya la expresión de ésta”.
Adolf Loos. Café Museum de Viena. Café Nihilismus.Interior del Café Museum
Ornamento y delito. Ins Leere Gesprochen
(hablando en el vacío)
“…El impulso de ornamentarse el rostro y todo lo que se tiene al alcance es el primer origen de las artes plásticas, es el balbuceo de la pintura: ya que todo arte es erótico…”
“…El primer ornamento que nació, la cruz, tuvo un origen erótico. Es la primera obra maestra, la primera creación artística con la que el primer artista embadurnó la pared para liberarse de la energía sobrante. Una línea horizontal: la mujer que yace. Una línea vertical: el hombre que la penetra. El hombre que la creó sintió el mismo impulso que Beethoven, se encontraba en el mismo cielo en el que éste compuso la Novena…”
“…Descubrí lo siguiente y se lo comuniqué al mundo: La evolución cultural equivale a eliminar el ornamento del objeto de uso cotidiano. Creía con ello entregarle al mundo algo nuevo por lo que alegrarse, algo que no me ha agradecido. Lagente estaba triste y andaba cabizbaja. Lo que les preocupaba era saber que ya no se podía crear un ornamento nuevo. ¿Cómo es posible que sólo nosotros, los hombres del siglo XIX, no seamos capaces de hacer lo que sabe hacer cualquier negro, lo que han sabido hacer todos los pueblos en todas las épocas anteriores a la nuestra?…soy yo, Hugo el que escribe: ”esta referencia despectiva hacia cualquier “negro”, me dejo pensando acerca de quien hablaba y para quienes hablaba, todos debían compartir semejante discriminación racial, sin ninguna inhibición, al punto de editar un libro y dar conferencias en esos términos !!!!!
“…El hombre moderno, que considera sagrado el ornamento como signo de superioridad artística de las épocas pasadas, reconocerá de inmediato, en los ornamentos modernos, lo torturado, lo penoso y lo enfermizo de los mismos. Alguien que viva en nuestro nivel cultural no puede crear ningún ornamento…”
“…Predico para los aristócratas. Soporto los ornamentos en mi propio cuerpo si éstos constituyen la felicidad de mi prójimo. En este caso también llegan a ser, para mí, motivo de alegría. Soporto los ornamentos del cafre, del persa, de la campesina eslovaca, los de mi zapatero, ya que todos ellos no tienen otro medio para alcanzar el punto culminante de su existencia. Pero nosotros tenemos al arte, que ha sustituido al ornamento. Después del trabajo del día, vamos al encuentro de Beethoven o de Tristán. Esto no lo puede hacer mi zapatero. No puedo arrebatarle su alegría, ya que no tengo nada que ofrecerle a cambio. El que, en cambio, va a escuchar la Novena Sinfonía y luego se sienta a dibujar un modelo de tapiz es un hipócrita o un degenerado…”
“…La carencia de ornamento ha conducido a las demás artes hasta alturas insospechadas. Las sinfonías de Beethoven no hubieran sido escritas nunca por un hombre que tuviera que ir metido en seda, terciopelo y puntillas. El que hoy en día lleva una americana de terciopelo no es un artista, sino un bufón o un pintor de brocha gorda. Nos hemos vuelto más refinados, más sutiles. Los miembros de las tribus tenían que distinguirse por medio de los colores, el hombre moderno necesita su vestido como máscara. Su individualidad es tan grande que ya no la puede expresar en prendas de vestir. La falta de ornamentos es un signo de fuerza intelectual. El hombre moderno utiliza los ornamentos de civilizaciones antiguas y extrañas a su antojo. Su capacidad de invención la concentra en otras cosas…”
Es interesante como en esta exposición, se ha puesto el acento en los trabajos de Adolf Loos como diseñador de equipamiento y como interiorista. Se exhiben 218 obras (entre ellas 120 muebles), muchos prestados por el coleccionista vienés Julius Hummel.
Nos explica Pilar Parcerisas, comisaria de la exposición: …La simplicidad y el confort son las máximas de sus diseños, sin perder por ello un ápice su capacidad de seducción. Alejadas de las modas, sus obras son intemporales.
El mobiliario era construido ex profeso o seleccionado por Loos para sus obras. Se exhiben ambos casos.
Texto extraído del catálogo de la exposición:
En la concepción arquitectónica de Adolf Loos (Moravia, 1870 – Austria, 1933), la noción de espacio doméstico ocupa un lugar preponderante. Junto a sus múltiples proyectos y construcciones de tiendas de moda, cafés, hoteles y edificios públicos, Loos concede una vital importancia a los espacios interiores donde se desarrolla la vida privada. La vivienda constituye la esfera íntima, el refugio del individuo frente a la vida social. Valores como intimidad, privacidad o confortabilidad encuentran en el diseño de espacios y el uso del mobiliario doméstico de Loos un ejemplo de las nuevas formas de la cultura del hábitat. Esta exposición indaga en la revolución estética de Loos en el ámbito de lo privado, puesta en el contexto de la cultura y el arte de la Viena de principios del siglo XX.
Adolf Loos. Esbozo de un sillón, Paris. Lápiz sobre papel
Adolf Loos. Reloj de péndulo 1904-1920
Adolf Loos interior del Bar americano en Viena
Goldaman & Salatsch (sastrería)
3 de Michaelerplatz
Es uno de los primeros edificios modernos de Viena, de uso mixto el Comercio ocupa las 3 plantas bajas del edificio y el resto vivienda
(1909-11).
Loos plantea el edificio como de 2 elementos autónomos y distintos.
Comentario de la época “Reflexionando sobre el arte, el hombre más moderno pasea por las calles. De pronto se detiene, maravillado, ha encontrado lo que llevaba tanto tiempo buscando”.
Fue tachado de basura o gallinero, al punto que en 1910 las autoridades suspendieron las obras temporalmente, Otto Wagner asesoró a Loos hasta conseguir que ésta se reanudase.
Como suele suceder hoy en día el edificio de la Michaeleplatz es uno de los iconos de la ciudad de Viena y es considerado como uno de los primeros edificios modernos del continente Europeo.
La Viena de 1900
Se produce un cambio importante ya que donde existía una de las casas reales más poderosas e influyentes de Europa, hay una migración de trabajadores de campo a la ciudad, una burguesía industrial creciente basada en el dinero y las propiedades.
Hay enormes cambios con la llegada de la luz eléctrica el ferrocarril, el metro y las comunicaciones, las grandes ciudades destruyen murallas para crecer. Viena también lo hizo, con la construcción de la Ringstrasse (1858-1888), escaparate de los edificios más emblemáticos, como el nuevo Palacio Imperial, el Parlamento, la Ópera y el Teatro, entre otros. Fachadas del espacio público vienés que separaba el ámbito –degenerado- de la vida privada del espacio teatralizado de la vida pública.
Adolf Loos. Librería con coljumnas.c.1906, madera de caoba y columnas de latón y metal. Colección Hummel
Las reacciones críticas al mundo burgués pudieron observarse en la rebelión del psicoanálisis, en la nueva arquitectura y el diseño, en la filosofía del lenguaje, en el dodecafonismo, en el uso de la palabra y en el arte: Sigmund Freud (1856-1939), Karl Kraus(escritor y poeta 1874-1936), Arnold Schönberg (pintor, teórico musical y pintor 1874-1951),Ludwig Wittgenstein (filósofo y matemático 1889-1951), Oskar Kokoschka (1886-1980) y de quien nos estamos ocupando el arquitecto Adolf Loos,
Otto Wagner. Interior del Museo del Emperador Francisco José (Viena),no realizado. c.1903 fotograbado impreso. Colección privada Reino Unido
La respuesta a esta Viena decadente vendrá de parte de una joven generación de artistas, intelectuales, estetas y moralistas que intentarán dar respuesta, desde el arte y la cultura, a un mundo que se hunde, ya que no tiene más la seguridad que había representado, la monarquía en el pasado.
Se reúnen entre los 120 muebles, aquellos que han sido concebidos o seleccionados por Loos entre 1899 y 1931
Raumplan y Enfilade
Mediante el método denominado “raumplan”o “spaceplan”o plan de volúmenes, era un complejo sistema de organización interna.Loos creó unos espacios continuos en vertical que permitían varias alturas según el uso.
Con la “enfilade” estableció la continuidad del espacio en horizontal.
El término hace referencia a una sucesión de habitaciones formalmente alineadas entre sí. Desde el período barroco en adelante, las puertas que permiten acceder a cada habitación están alineadas con las puertas de las habitaciones conectadas a lo largo de un solo eje, proporcionando una vista a través del conjunto entero de habitaciones.
Según Loos, la fachada era la cara masculina de la arquitectura, y la interior, la femenina.
Butaca 1907. De F.O. Schmidt utilizada por Adolf Loos.Colección Hummel.Viena
Vida privada compleja
1893 Contrajo sífilis en los burdeles de Viena, a resultas de la cual quedaría estéril y sería repudiado por su madre.
1893-6 reside en Chicago desde los 23 a los 26 años.
1902 se casa con Carolina Catherina Obertimpfler (Lina Loos), de quien se divorció en 1905.
1918 se le diagnostica cáncer.
1919 se casa con la cantante y bailarina Elsie Altmann. Se separa 7 años más tarde.
1920 con cincuenta años protagonizó un escándalo de pedofilia.
1921, obtiene la nacionalidad austríaca y es nombrado arquitecto jefe del Ayuntamiento de Viena, trabajando en el Ministerio de Vivienda.
1924 dimite del puesto y vive los siguientes 5 años en Francia.
Se casa con Claire Beck, de quien se separa en 1932.
1932 tiene 62 años y está en la ruina.
1933 fallece.
Loos y sus propuestas
Se rebeló contras sus contemporáneos de la Secesión y la Wiener Werkstätte -que querían convertir la vida en arte tomando como modelos elementos abstractos de la naturaleza- se enfrentó a los espacios interiores burgueses, repletos de objetos decorativos pero inútiles, y propuso crear otros que protegiesen la intimidad del individuo del exterior a fin de resolver la escisión entre el ser individual y el ser social. 3
Elegida por Adolf Loos. Silla similar a las de la Villa Müller, madera de caoba y almohadilla en el asiento. Colección Hummel. Viena
Afirmaba que el arquitecto se ocupa del «inmueble», y el artesano, del «mueble», prefiere los estilos Chippendale y Hepplewhite, el sillón New Shaped Easy Chair de Hampton & Sons, y sillas de mimbre. Emplea sillas Liberty, sillones Biedermeier y sofás Chesterfield, mesas de influencia turca, taburetes egipcios y alfombras orientales. Sin dudas un eclecticismo de mirada posmoderna. 4
Fotografia de Adolf Loos con Peter Altenberg, 1930. Foto: Gisela Erlacher. Colección Hummel, Viena
Notas
1
La exposición Adolf Loos. 1870-1933. Espacios privados. Lugar: CaixaForum Madrid (paseo del Prado, 36). Fechas: Del 28 de marzo al 24 de junio de 2018. Organizada por la Obra Social”la Caixa” y el Museu del Disseny de Barcelona. Comisariado:Pilar Parcerisas. Procedencia de las obras:
Colección Julius Hummel (Viena), The Albertina Museum (Viena), Wien Museum, Architekturmuseum der Technischen Universität de Múnich, Colección Markus Kristan (Viena), Colección Ernst Poil (Viena), J. & L. Lobmeyr (Viena), CCCB (Barcelona) y una colección particular del Reino Unido.
2
La muestra cuenta con un total de 218 obras, entre las que destacan 120 muebles —más de 50 sillas, sillones y taburetes, 13 lámparas, 21 mesas, escritorios y tocadores, armarios y librerías— y objetos de menor tamaño, como relojes, vasos, decantadores, espejos y perchas, entre otros. Además de documentos, dibujos y litografías, fotografías, libros, manuscritos y maquetas, tanto de proyectos realizados y de proyectos no construidos.
3
Juan Antonio García Fermosel. Área de Comunicación de la Obra Social” la Caixa” jagarcia@fundacionlacaixa.org.
Gran parte de los textos los he tomado del dossier que me ha remitido el señor Juan Antonio García Fermosel del Área de Comunicación, al que agradezco especialmente.
Libros editorial H Kliczkowski Wright/O´Keeffe . «Duetos»
Hace unos años creamos la colección que llamamos «Duetos».
Un arquitect@ y un artista, que tuvieran que ver en sus formas, en sus conceptos.
Una forma (más) de enfatizar la hermandad, la danza de las artes.
Tuvimos muchos lectores, hicimos varios títulos como Gaudi/Dali; Sert/Miro; Wagner/Klimt, etc.
Se hicieron coediciones en otros idiomas.
Este texto que transcribo está en el libro Wright/O´keeffe
Sus autores son de Llorenç Bonet y María Sol Kliczkowski
Editorial H Kliczkowski
ISBN 84-96241-14-9
FORMAS ORGANICAS
Naturaleza y abstracción
Tanto Georgia O´Keefe (1887-1986) como Frank Lloyd Wright (1867-1959) afirmaron a lo largo de toda su carrera que su obra debía mucho al estudio de los objetos naturales, y que una de las mejores fuentes de inspiración era la observación directa de la naturaleza.
Pero esta línea de trabajo no les llevó a crear una copia del mundo, sino que al haber interiorizado la realidad, pudieron crear un mundo totalmente personal, que derivó muchas veces hacía formas abstractas.
Los juegos de construcción Froebel fueron importantes en la formación de Frank Lloyd Wright y así lo afirmó durante toda su vida.
El juego consistía en un grupo de pequeños bloques de formas regulares con los que podían crearse distintas formas, basados siempre en la repetición de un mismo modulo, la racionalidad de estos bloques contrasta aparentemente con otra afirmación del arquitecto, que veía en la naturaleza su gran “fuente de inspiración”.
Pero para Wright, tanto la naturaleza como el juguete de construcción de su infancia forman parte del mismo mundo, ya que las formas racionales de cualquier volumen puro se pueden descomponer en formas menos regulares y viceversa. Por esta razón argumentaba que las formas simples constituían para él volúmenes aprehensibles a simple vista, aunque el edificio presentara un pórtico con entrantes y salientes o con columnas cuya base fuera más delgada.
Wright nunca quiso pertenecer a ninguna escuela o corriente arquitectónica precisa, pero se sintió próximo al significado de la palabra organicismo. Aunque no le gustaban las etiquetas y siempre se interesó por innovar según las posibilidades que tenía a su alcance, la idea de entender su arquitectura como una prolongación de la naturaleza no le parecía desagradable. Por otro lado, lo que le interesaba era hacer casas habitables, cómodas y que permitieran el desarrollo social de sus habitantes. Para ello, Wright consideraba indispensable el contacto con la naturaleza. La combinación de una vida en un entorno natural , la constante innovación con nuevos materiales, el recuerdo a las formas puras de sus juguetes de su infancia, y sobre todo, su gran imaginación hacen que muchos de sus edificios sean como grandes esculturas habitables.
Frank Lloyd Wright-Georgia O´Keeffe
Ambos pioneros del arte y la cultura, reconocidos en vida como genios y precursores del arte norteamericano, sabían que a pesar que su obra formaba parte de la cultura occidental, representaba la escisión respecto a la tradición europea, consolidando un arte norteamericano relacionado con su territorio y sus paisajes.
Ambos fascinados por las culturas occidentales, nunca se inscribieron en una corriente que pudiera significarles abandonar su individualidad.
Con una diferencia de edad de 20 años, compartieron un viaje vital de norte a sur y de este a oeste, siempre dentro de su país. El traslado de la costa atlántica a la del pacífico significó una decisión crucial para los 2 artistas, en el caso de Wright el clima de Wisconsin fue demasiado duro para su delicada salud, que motivo a mediados de la década de los treinta su traslado a Taliesin West, que fue también su última residencia, O´Keeffe en esa misma época empezó a pasar más tiempo en Nuevo México, en el mismo desierto donde trabajaba Wright, donde se trasladaría definitivamente en 1946.
Ambos desde su Wisconsin natal hacia el desierto de Nuevo México y Arizona formó parte de sus derroteros dentro y fuera del país.
Precursores en crear un lenguaje norteamericano, que fue personal e independiente de otros países, sin tener la necesidad de copiar las corrientes artísticas que triunfaban en aquella época en el viejo continente.
Ambos fascinados por las culturas occidentales, nunca se inscribieron en una corriente que pudiera significarles abandonar su individualidad.
Georgia O´Keeffe es una de las pintoras norteamericanas más importantes e influyentes del siglo XX en Estados Unidos. Tanto por la novedad que supuso su pintura en los años 20 dentro del reducido círculo de coleccionistas y especialistas de arte contemporáneo, como por el interés que suscitó en el gran público a partir de los setenta, cuando los museos más importantes del país ofrecían grandes retrospectivas de sus pinturas.
Aunque sus cuadros más conocidos son las grandes telas con motivos florales – representados en primer plano y con formas que se acercan más a la pintura abstracta que a la figuración- su obra abarca otros temas e intereses.
Lo novedoso y original de su producción es que rompió con la idea de escala y perspectiva dentro de los cánones occidentales pictóricos al representar los objetos en primer plano muy marcados y en un entorno sin referentes.
Para O´Keeffe las formas más sugestivas e inverosímiles estaban en los objetos naturales…actualmente se la considera como un referente…Nació en Sun Prarie, en Wisconsin en 1887, estudió en el Art Institute de Chicago, en 1905, y continuó en el Art Institute League de NY, en una época que a una mujer no se la tomaba seriamente, si quería ser pintora.
En 1908 regresa a Chicago para trabajar como diseñadora, sin grandes producciones hasta 1912 que acepta un trabajo en Amarillo, Texas como supervisora de dibujo de las escuelas públicas.
En Texas los paisajes y el aislamiento le permiten aclarar sus pensamientos…asistió a la universidad de Virginia, con el profesor Alon Bement (alumno a su vez de Arthur Wesley Dow (1857-1922)), quien le mostró teorías como el “Notan”, técnica japonesa tradicional del tratamiento de la luz y las sombras. Lee y estudia a Ernest Fenollosa “Epochs of Chinese and Japanese Art” 1912 especialista en arte y poesía china. Forma parte del profesorado en Virginia y en la Universidad de Columbia.
…Anita Pulitzer le presenta al fotógrafo Alfred Stieglitz (1864-1946) también marchante de la galería 291, quien fue su gran avalador y defensor de su obra. Su relación fue también afectiva, y provocó un gran escándalo en la época, porque Stieglitz no se divorció de su esposa.
Pasó temporadas con Stieglitz en la casa de éste a orillas del lago George, cuyo paisaje inspirara a la pintora… y desde 1929 en Texas, a bordo de su Ford A, acondicionado como taller ambulante… sus lugares favoritos fueron desde 1936 Ghosto Ranch, donde en 1940 compró una casa y más tarde otra en Abiquiu, residió en ambas luego de la muerte de Stieglitz en 1946.
En 1962 fue elegida miembro de la Academia Americana de la Artes y las Letras, el más alto honor que se otorga en los EEUU a pintores y escritores.
Casa Hollyhock (1917-20)
Fue un encargo de Aline Barnsdall (1882-1946), heredera de la Barnsdall Oil Company, para erigir un complejo destinado al mundo del teatro.
Para ello compró una gran extensión de tierra en el centro de Los Ángeles, en Olive Hill, para construir al pie de esta colina un gran teatro, un cine, residencia para actores y directores, unas tiendas y comercios.
En la cima su propia vivienda, la casa Hollyhock (casa de la malvarrosa).
Solo se construyeron 2 viviendas.
En un clima inhóspito por el calor, Wright concibió una casa introspectiva.
Con un patio central arbolado y ventanas pequeñas (en relación a sus casas de la pradera).
Tiene protagonismo el agua, un arroyo que circula desde una fuente a un gran estanque en el patio, hasta aparecer dentro de la vivienda frente a la chimenea y en una piscina cuadrada en el salón.
En esta obra que el mismo Wright califico de “romance californiano”, la relación con la naturaleza, que armoniza con grandes volúmenes escultóricos, se manifiesta incluso en la ornamentación, para la que utilizó el motivo de la malvarrosa (flor preferida de Barnsdall).
De esta forma se decoraron los antepechos, las columnatas, así como los respaldos de las sillas, diseñadas especialmente para la casa.
(…) » siempre hemos considerado el pasado como algo que no está muerto, sino que representa una parte inseparable de nuestro pasado.» sigfried giedion, Historiador de arquitectura suizo
Una Historia de amor y oscuridad
Amos Oz
editorial SIRUELA
….Una mañana temprano, puedo decir hasta la fecha y hora exactas, tres días antes de que acabara el año 38, el miércoles 28 de diciembre de 1938, poco después de la fiesta de Januká, un día muy claro, casi sin nubes, a las seis de la mañana me puse un jersey y una cazadora, subí a la cubierta y miré la línea gris de nubes del horizonte.
Debí de estar casi una hora mirando y solo vi unas cuantas gaviotas. Y de repente , de golpe, sobre la línea de nubes apareció el sol invernal y bajo la línea de nubes despuntó la ciudad de Tel Aviv, filas y filas de casas cuadradas, blancas, completamente distintas a las casas de las ciudades y a las casas de los pueblos polacos y ucranianos.
Completamente distintas a Rovno, Varsovia y Trieste, pero muy parecidas a los cuadros que había en todas las aulas del Tarbut, desde las guarderías a los institutos, y tambien a los dibujos y fotos que el profesor Menahem Gelerter nos enseñaba. Por tanto me quede sorprendido pero al mismo tiempo no.
No puedo describir la alegría que de repente me inundó la garganta, de pronto solo quería gritar y cantar, ¡ES MÍO!, ¡todo esto es mío ! ¡De verdad es todo mio!.
Es extraño, nunca antes, ni en nuestra casa, ni en nuestro jardín de árboles frutales, ni en el molino de harina, jamás tuve una sensación tan fuerte de completa pertenencia, la alegría de la posesión, ¿entiendes a lo que me refiero?.
Nunca en la vida, ni antes de esa mañana ni después, sentí una alegría así: por fin aquí podría correr las cortinas, olvidarme de los vecinos y hacer lo que quisiera.
Aquí no tendría que ser educada, no tendría que avergonzarme de nadie, no tendría que preocuparme por lo que pensaran o dijeran de nosotros los campesinos……..ni causar buena impresión a los gentiles……¡ Esa fue la sensación que me embargó cerca de las siete de la mañana, ante una ciudad donde nunca había estado, ante una tierra que ni siquiera había pisado, ante unas extrañas casas blancas distintas a las que había visto siempre.
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La Unesco aceptó la recomendación de Mayo de 2003 de incluir a Tel Aviv en el listado “The World Heritage”.
La llamada Ciudad Blanca – 140 hectáreas del centro urbano de Tel Aviv- fue inscrita en la reunión 27 de la UNESCO, resolución 1096 del 3 de Julio del 2003.
La Ciudad Blanca cuenta con más de 4.000 edificios construidos entre 1931 y 1956, de los que 2.087 están protegidos y 120 deben ser estrictamente preservados.
Es así que desde julio de 2003, la “Ciudad Blanca de Tel Aviv” es Patrimonio de la Humanidad por la “síntesis de importancia excepcional de diversas tendencias del Movimiento Moderno en arquitectura y urbanismo de los inicios del siglo XX”.
Tel Aviv se fundó en 1909, y con motivo del 50 aniversario de la ciudad, en 1959 el pintor y escritor Nachum Gutman (1898-1978) realizó publicaciones buscando ésta declaración de la Unesco.
También en 1984 en el 75 aniversario de la ciudad, el historiador Michael Levin fue comisarió la exposición “A White City, International Style Architecture in Israel. Portrait of an Era”, en el Museo de Arte de Tel Aviv.
La exposición viajó al Jewish Museum de Nueva York y se editaron dos catálogos:
“A White City, International Style Architecture in Israel. Portrait of an Era” por M. Levin y “A White City, International Style Architecture in Israel” fotografía de Judith Turner
En 1994, durante el 75 aniversario de la fundación de la Bauhaus en Weimar (1919), con el auspicio de la UNESCO y el ayuntamiento se realizó la “World Conference on the International Style in Architecture” para llamar la atención sobre el invalorable patrimonio arquitectónico y su necesidad de conservación.
Se celebró entre el 22 y 28 de mayo y fue dirigida por Michael Levin, Nitza Metzger–Szmuk y Catherine Weill–Rochand. Incluyó diecisiete exposiciones; entre ellas: – una reposición de la de 1984. – la fotografía en la Bauhaus, – el Weissenhofsiedlung en Stuttgart.
Asi como muestras de artistas locales como Dani Karavan (1930 – 2021), quien realizó la escultura Kikar Levana –Plaza Blanca– en Tel Aviv.
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Estamos en ONLY travel (no es una agencia ni tiene interes en serlo, es solo divulgativo)
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Hemos elegido como imagen la escultura «Red Pumpkin» de la artista y escritora japonesa Yayoi Kusama (1929 en Matsumoto), por la libertad de su creadora, por el lugar donde se encuentra en la entrada a la isla de arte Naoshima, y sobre todo porque simboliza los deseos de averiguar, hacernos preguntas y seguir encontrando sin buscar casi nada……como un FLANEUR
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datos, información de visitas desde el punto de vista no solo de la arquitectura (que tambien) , los paseos, la ciudad , museos, parques, personajes, ritmos urbanos etc. etc.
Lina bo Bardi Exposición en su casa de vidrio en San Pablo
desde el 1 de Abril al 2 de Junio de 2018
Exposición «A CASA COMO CASA» –
CASA RESIDÊNCIA E ESTILO DE VIDA DO CASAL BARDI
direccion:
Rua General Almeiro de Moura 200
en Morumbi, San Pablo
Curadora y directora cultural : Sol Camacho.
De Jueves a Sábado horarios 10h15, 11h45, 14h y 15h30
Lina muere en 1992, un año mas tarde con el nombre de Lina Bo y P.M. Bardi se consolida en la que fue su casa una propuesta de difusión cultural en Sao Pablo.(ya funcionaba desde 1990).
Esta exposición es el lanzamiento del nombre INSTITUTO BARDI / CASA DE VIDRIO, para celebrar la reconstrucción de la sala de la Casa de Vidrio, lo mas parecida posible a aquella en la que vivieron los últimos años de su vida Lina y Pietro.
Sol Camacho curadora de la exposición explica que se intento recuperar la atmósfera y el estilo de vida de sus habitantes.
Recordemos que Lina y Pietro eran italianos, y que durante 50 años (1951 a 1999) fue el escenario de los intelectuales italianos que debido a la 2nda guerra mundial, escogieron Brasil como su patria.
Sus amigos, artistas, galeristas, políticos colaboraron en ese clima progresista, y hoy sede del Instituto que difunde cultura por medio del arte, el diseño, la arquitectura y el urbanismo.
Esta «su casa», no fue solo un ejercicio de arquitectura de vanguardia, experimentación de los proyectos de vanguardia de Lina, sino que fue el lugar intimo donde ambos trabajaban, escribían, proyectaban edificios. muebles y objetos.
1 Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol2 Dhruva-Darshak Yantra. Instrumento de la Estrella Polar 3 Narivalaya Yantra. Reloj de sol hemisférico 4 Dhoop-Ghari. Reloj de sol horizontal 5. Kranti Vritta Yantra. Instrumento eclíptico6 Raj Karika Yantra. Gran astrolabio7 Unnatansha Yantra. Instrumento de altitud8 Dakshinodak Bhitti Yantra. Muro meridiano9 A-9- Brihat Samrat Yantra. Gran reloj de sol9 B. -10- Shashthansha Yantra. Sextante
Las estructuras soportantes, hacen “un todo, formando un conjunto” con las soportadas. No se detecta un capricho formal, sino una decisión formal. Lo que es necesario, es “bellamente necesario”.
Las partes sólidas, protegen de las más frágiles. Las fijas a las móviles. Los materiales cambian en el sentido eficaz de su uso –como en el astrolabio-.
Las miro y una vez más me maravillo, de la total integración de partes “secundarias” que pasan a formar parte del cuerpo principal, como escaleras para acceder, formas externas que permiten funcionar a las formas internas del aparato así se ve en el Unnatansha Yantra (instrumento de altitud).
No hay oposición, y si la hubiera sería una interacción de cada parte. Conforma un todo, en armonía, donde nada sobra ni tampoco falta.
Raj Karika Yantra. Gran astrolabio
La palabra proviene del griego y significa “buscador de estrellas”, un antiguo instrumento astronómico, utilizado para determinar la posición y altura de las estrellas.
De origen remoto, quizás siglo II, su gran difusión en el mundo islámico se produjo en el siglo VIII, el instrumento más antiguo que se conserva está en el Museo Nacional de Kuwait y es del año 927. (llega a Europa recién en el XII).
Con él localizaban los astros y su movimiento, y les permitía conocer la hora a partir de la latitud o a la inversa a partir de ésta determinar la hora. Útil también para determinar distancias, calcular eclipses lunares y solares, así como la salida y puestas del sol y la luna.
El de Jaipur es uno de los mayores del mundo, pesa 400 kilos y mide de alto 3 metros por 2 de ancho, y uno de los instrumentos más valorados y apreciados del parque.
En su enorme disco de 2 metros de diámetro (aleación de 7 metales) está grabado un mapa celeste. El circulo externo esta graduado en 24 horas (60 ghatikas equivalentes a minutos) y el interno tiene 360 marcas.
Recién en 1750 el «astrolabio» es reemplazado por el «sextante».
Unnatansha Yantra. Instrumento de altitud.
Es un importante instrumento.
Compuesto por un gran círculo de metal (diámetro 5 metros), que esta colgado de un soporte de albañilería.
De apariencia equilibrada, el pesado círculo está suspendido lo que le permite rotar en su eje vertical, para realizar observaciones astronómicas.
El círculo está compuesto por 4 sectores de 90 º, graduado en 360 º y cada uno de éstos dividido en 10 partes.
El orificio en el centro del instrumento permite colocar una “mira”, que permite determinar la altitud de los cuerpos celestes en cualquier momento del día o de la noche
8 Dakshinodak Bhitti Yantra. Muro meridiano.
Es un auténtico “2 en 1”, Son en realidad dos instrumentos de forma levemente diferente pero con la misma función observacional.
Con 2 caras, la del este, está inscripta en 1 cuadrante de unos 6 metros de radio y la cara oeste un semicírculo de un radio más pequeño.
Están realizados en mármol y graduados en grados y minutos.
Una pequeña estaca en el centro permite calcular la altitud de los cuerpos celestes y la declinación del sol.
9 A -9- Brihat Samrat Yantra. Gran reloj de sol
Es en proporción 5 veces más grande que el Nº 1, (Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol), por lo que marca el tiempo con una precisión 10 veces mayor.
La base de este triángulo rectángulo tiene 44 m de longitud y su hipotenusa, con un ángulo de 27º, alcanza una altura de 27 m.
A ambos costados del triángulo dos gigantescos cuadrantes de 15 m de radio, graduados en horas, minutos y segundos, sobre los que la sombra del “gnomon” se mueve a razón de 4 m/h, es decir 6 cm/min.
Al estar dividido cada minuto en 30 fracciones, tiene una precisión de dos segundos.
Mediante la sombra del “gnomon” (varilla fina) se puede calcular la hora local, el momento del paso solar por el meridiano, la distancia al cénit y la declinación y la altitud de los cuerpos celestes. Los cálculos pueden hacerse también de noche con ayuda de un hilo de rosca.
Aunque parezca increíble, este instrumento es el que más uso tiene hoy en día. Durante los días de luna llena de junio y julio se reúne aquí un grupo de astrólogos para estudiar el movimiento y la dirección del viento, con el objeto de predecir las lluvias. Con este propósito, se iza una banderola de tela fina a la puesta de sol. Si la banderola muestra una brisa del oeste, esto indica unas buenas cosechas del monzón.
Si el viento tiene dirección sur, las posibilidades de lluvia son escasas, lo que significará malas cosechas y hambrunas. Los monzones siguen siendo un factor decisivo en la productividad de las cosechas.
9 B -10- Shashthansha Yantra. Sextante.
Es una sala oscura, con 2 arcos adyacentes de 60 º cada uno.
Al mediodía, cuando el sol cruza el meridiano de Jaipur, los rayos caen en los arcos graduados, y atraviesan 2 orificios diminutos que están en el techo de la sala oscura. Durante uno o dos minutos, los rayos, con el tamaño de una pelota de tenis dan los varios datos de cálculo.
La graduación de los arcos, son 2. El primero permite observar la declinación del sol a mediodía y el segundo calcular la distancia al sol y al cénit.
Más artículos en mis blogs:
hugoklico.blogspot.com
y onlybook.es/blog
1 Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol
2 Dhruva-Darshak Yantra. Instrumento de la Estrella Polar
3 Narivalaya Yantra. Reloj de sol hemisférico
4 Dhoop-Ghari. Reloj de sol horizontal
5. Kranti Vritta Yantra. Instrumento eclíptico
Cuando visite el Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II, del siglo XVIII me quede muy sorprendido.
Por el diseño de cada instrumento (pensé en muchos arquitectos modernos, posmodernos y eclécticos, que han “homenajeado” estas formas al repetirlas en sus proyectos) , se reconocen en parte o en su totalidad en propuestas arquitectónicas actuales.
Estoy seguro coincidirán conmigo, lo hayan conocido antes o las vean ahora.
Pero no menos importante es su ubicación relativa, el conjunto es armonioso, funcional y elegante.Cada forma da lugar a la otra y todas se interrelacionan. En total son 15 construcciones.
Se han construido cuatro Observatorios gemelos en Delhi, Ujjain y Benarés, (y el desaparecido Mathura), .aunque no todos están en tan buen estado, pero a pesar de ello estos parques todavía calculan con exactitud la llegada de las lluvias monzónicas.
El más espectacular es éste, y fui a visitarlo.
El Jantar Mantar de Jaipur, ha sido declarado patrimonio Mundial de la humanidad por la UNESCO.
India 2 (capítulo II)
Observatorio Jantar Mantar, -Instrumentos para calcular-
El observatorio medieval de Jaipur, “El Jantar Mantar” (proviene del sánscrito y significa “instrumentos para calcular”) se construyó ente 1728 y 1730, su buen estado actual es debido a las restauraciones de 1902 realizadas por el Chandra Dhar Sharma Guleril y las últimas de 2006, Su conservación están bajo la supervisión del Departamento de Arqueología y Museos del estado de Rajasthán.
Fue un capricho del marajá local Sawai Jai Singh II, muy aficionado a la astronomía, les permitía prever las alineaciones de planetas propicias para realizar ofrendas a los dioses y celebrar determinadas ceremonias. Y la no menos importante: predecir cómo serían las cosechas del año.
Lo componen 15 complejas construcciones que son instrumentos astronómicos (14 terminados y 1 inacabado), 6 funcionan con la luz solar y 9 con el reflejo de la luz lunar y estelar.
Estos instrumentos dan una medida precisa del tiempo, la declinación solar, el acimut (medida exacta del ángulo o longitud del arco medidosobre el horizonte celeste). Estas son una de las dos coordenadas horizontales, la segunda es la altura. estas coordenadas son locales y dependen de la posición del observador. Además permiten localizar las constelaciones, eclipses y otros fenómenos atmosféricos.
Cuando el tiempo no permitía su uso (por lluvia o cielo cubierto), empleaban un reloj de agua (clesidra) para medir el tiempo en forma exacta.
Sugerencias:
– Es mejor ir al mediodía, para entender y ver mejor las funciones de los «aparatos», está abierto todos los días de 9 a 16,30 hs , la entrada está (2018) en los 2,50 € .
– No es mala idea contratar un guía en el lugar.
– La entrada es junto al Palacio de los Vientos (Hawa Mahal) de Jaipur
Construido de arenisca roja y mármol blanco, se lo ve como un triángulo, reposando en el plano del meridiano local. A cada lado dos cuadrantes curvos de 27 grados sobre el plano del ecuador. Están graduados en horas, minutos y segundos.
El cuadrante hacia el oeste, (subiendo el que se encuentra a la izquierda), indica desde las 6 a las 12, y el que esta hacia el este (subiendo a la derecha) desde las 12 a las 18 hs. Las horas están divididas en 60 minutos y estos en 3 fracciones. Su precisión es de 20 segundos.
Formalmente es un triángulo (su hipotenusa es de 27 grados) con una escalera de 34 escalones, calado por 3 arcos en punta.
El mármol se ha utilizado para enfatizar los bordes de muros, escaleras, arcos y cuadrantes.
India 2 (capitulo 4)
2. Dhruva-Darshak Yantra. Instrumento de la Estrella Polar
Ubicado al este del pequeño reloj de sol, construido en piedra roja está inclinado 27 grados (es la latitud e Jaipur). Permite calcular el norte geográfico, la posición de la Estrella Polar, la Osa Mayor, etc.
India II (capitulo 5)
3. Narivalaya Yantra. Reloj de sol hemisférico
Es un reloj de sol, distinto al 1 (pequeño reloj de sol), pero cumple idéntica función:
Medir la hora solar local. Un se usa en invierno (desde el 23 de Septiembre al 21 de marzo) y el otro en verano (del 21 de marzo al 23 de setiembre).
Tiene una varilla fina (llamada Gnomon, en griego “guía· o “maestro”) cuya sombra se proyecta sobre una escala graduada en horas y minutos para medir el paso del tiempo.
India II (capítulo 6)
4. Dhoop-Ghari. Reloj de sol horizontal.
Sólo puede verse desde la parte superior del nº 3, es decir desde el reloj de sol hemisférico.
Tiene un gnomon (varilla fina) triangular de 27º cuya sombra indica el tiempo en ghatis. La hora observada puede verificarse usando el reloj de sol hemisférico. Este tipo de relojes están también en la terraza del palacio de Amber, en el fuerte de Jaisalmer y en las habitaciones de los astrólogos.
5. Kranti Vritta Yantra. Instrumento eclíptico.
Está situado al norte del reloj de sol norte y es uno de los pocos instrumentos metálicos del observatorio. Gira sobre una base de albañilería, el marco de metal esta graduado en 360º.
En el centro del marco de metal hay fijado un tubo metálico para medir la latitud y longitud celestes. Este instrumento se puede usar a cualquier hora del día o de la noche.
Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II.
India . Jaipur
Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II.
Antigua capital Amber y moderna ciudad de Jaipur.
Se accede por avión, desde Delhi por 2 trenes de alta velocidad, por buses de lujo con AA, y en coche (aunque esto último no se lo deseo a nadie).
Puede suceder que yendo tranquilamente de la mano izquierda, nos enfrente un camión –que debería estar en su mano, la derecha- y cuando la sensación de un choque es inevitable, se pone a cruzar una familia entera en un carro tirada por un animal.
Ya está dicho…dice el refranero español…“El que avisa no es traidor..
Esta historia trata de porque estábamos hace ya 14 años en la India?
La recorrimos durante varias semanas , y lo más importante el Observatorio astronómico medieval de Jaipur.
Era 2004, la editorial Roly Book, cumplía 25 años de vida.
Como editor mi editorial HK y distribuidora Onlybook pertenecía a la asociación MOTOVUM (nombre de una pequeña localidad en Croacia), seríamos unos 300 asociados de todo el mundo.
Cada año, nos reuníamos, y tratábamos de que sean distintos países, en general, de aquellos a los que pertenecían sus miembros.
Pramod Kapoor, y su familia, propusieron que en el 2004, fuésemos a su país, la India, a festejar con ellos.
Allí fuimos, seriamos unos 200 entre editores, distribuidores, algunos traductores, fotógrafos, imprenteros, libreros.
En su mayoría éramos editores y distribuidores.
Muchas veces venían directores de bibliotecas nacionales (como Dinamarca y otros países del norte de Europa, de los EEUU, Japón, China etc.
Cerraba el círculo de invitados, esposas, amig@s y acompañantes diversos.
En la que fui a Dresde, lleve a mi mama, para tenerla más cerca, y no me hablara desde el cielo como lo hizo a Woody Allen su madre (Mae Questel) en Historias de Nueva York de 1989, yo lleve a la mía unos 10 años más tarde.
sugerencia de lectura:
Entre los miembros de Motovum nos conocíamos, ya que nos encontrábamos varias veces al año en ferias del libro (especialmente en la de Frankfurt, donde teníamos un stand colectivo), o en las ferias del libro de Londres, Francia, España y en los encuentros anuales.
La idea era recrear un pequeño Buchmesse (feria del libro) de Frankfurt. En alguna parte del hotel donde parábamos, en general salones muy amplios, sobre unas mesas exhibíamos los nuevos proyectos, y en citas acordadas, hacíamos acuerdos de coedición, o venta de libros.
Y cuando no había lo que acordar, charlábamos de nuestras vidas, hice buenos amigos y aprendí mucho. Duraban en general unos 5 días, donde dábamos y escuchábamos conferencias y charlas, como éramos muchos, nos recibían las autoridades del lugar además de responsables de asociaciones del libro. Siempre muy bien agasajados, muchas veces pudimos entrar en Museos a la noche con charlas de los curadores de las exposiciones y guías, todo muy cordial e interesante.
Nuestras estadías eran reflejadas en la prensa, radio, etc.
Participé en muchas en España, Croacia, Alemania, India, Italia, EEUU, México, entre otras.
La celebración que realizo Pramod Kapoor,director de la editorial india ROLY BOOKS, junto a su esposa y 2 hijos, por su aniversario, duro varios días e incluyo la presentación de un libro maravilloso, lujoso y muy cuidado en su edición “Unforgettable-Maharajas” sobre “Los Inolvidables Maharajas”.
Quizás uno de los grandes anacronismos del siglo XX. Como dice su editor:
“..Entre ellos había gobernantes ilustrados y príncipes derrochadores, santos y sinvergüenzas, héroes y cobardes, sádicos y patán, hechiceros y excéntricos. A los ojos de su gente, sin embargo, tenían el derecho divino de gobernar y dejaron el sello de un inconfundible aura de majestuosidad. Una colección completa de fotografías históricas de la India principesca, esta es también la selección más grande de imágenes reales en cualquier libro. Se invirtieron muchos años de investigación y documentación para verificar sus detalles. El resultado es un libro que transmite el romance que los maharajas representaron para el mundo y un registro histórico de una época que nunca volveremos a ver”.
Era una coedición junto a la editorial inglesa Phaidon.
En una fiesta de 500 personas, llena de maharajas, Silvia y yo alucinábamos en colores, colores de oro y plata, como eran los hilos que bordaban las vestimentas de tantos invitados.
Hubo cenas en casas de campo, con antorchas, y espectáculos. Recorridos en «Elephant taxis». y muchas sorpresas.
Ahora llego a Jaipur:
Ademas de Nueva Delhi, también recorrido varias ciudades, una de ellas fue Jaipur.
Las fotos hacen referencia al Observatorio Astronómico Jantar Mantar de Jaipur, en Rajasthan.
Esta ciudad “rosa” por el color de sus edificios, tiene en sus entrañas un tesoro,
Un observatorio astronómico medieval
Podría arriesgar, que en mi opinión, este repertorio de imágenes y formas fue uno de los tantos que el pos modernismo y los otros ismos, tomaron como referencias.
Objetivo, tener y mostrar la colección Matsukata.
Esta colección fue fundada por Kojiro Matsukata, presidente de la empresa Kawasaki Dockyard Co. Ltd.
Durante la 2nda guerra mundial, toda la colección viajo a Francia.
Terminada ésta, el gobierno Francés accedió a devolver la colección, con la condición que se construyera un museo diseñado por un arquitecto francés (ya se habrían olvidado todos que nació en Suiza??)
Le encomiendan el proyecto en 1955, y este a su vez designa a 3 arquitectos para que le ayuden supervisando su construcción, Junzo Sakakura, Kunio Maekawa y Takamasa Yoshizaka.
Le Corbusier había trabajado en el concepto de museo ilimitado o infinito desde 1929 hasta su muerte.
Aquí tuvo su oportunidad de realizarlo.
Dirección
7-7 Uenokoen, Taito-ku, Tokio
Horario de atención
Lunes a Viernes 9:30-17:30
los viernes se extiende el cierre hasta las 20:00
Lunes cerrado.se accede:
A 1 minuto a pie de la salida Koen (Park) de la estación JR “Ueno”
A 7 minutos a pie de la estación “Keisei Ueno” de la línea Keisei
A 8 minutos a pie de la estación “Ueno” de las líneas Hibiya y Ginza del Tokyo Metro
El parque UENO es muy lindo, y se lo puede recorrer. Muy, muy cerca, esta la ampliación que realizó Tadao Ando en la Biblioteca Infantil Internacional, Biblioteca Nacional de la Dieta
después les cuento más.
Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente gracias
más articulos en mis blogs : hugoklico.blogspot.com
y
A no mas de 400 metros del museo de Corbu esta esta obra magnifica cuya ampliación fue realizada por los arquitectos Tadao Ando y Nikken Sekkei.
Biblioteca Infantil Internacional, Biblioteca Nacional de la Dieta, el edificio actual que fue ampliado es de 1906, fue la primera Biblioteca imperial de Japón.
De 1906 diseñada por los arquitectos Masamichi Kuru y Hideo Mamizu, fueron a EEUU a conocer la tecnología de punta que les permitiera hacer una construcción referencial en Oriente.
A mi me impresiono mucho sus escaleras, sobre todo su baranda de hierro fundido y como Ando le agrego protecciones porque por alli circulan niños, la iluminación y sistema circulatorio.
El edificio es de estilo renacentista. el arquitecto Tadao Ando, se sumó al diseño y el edificio original se amplió con dos cajas de cristal con las funciones de entrada y de cafetería; la ampliación no alteró el esplendor y encanto del edificio original.
En el 2000 abrió como la primer biblioteca de Japón especializada en literatura infantil. Edificio histórico protegido.
a 15 minutos del museo de Le Corbusier y a 5 del Museo Nacional de Tokio, todo en el Parque Ueno.
Biblioteca Internacional de Literatura Infantil.
Dirección: 12-49 Ueno Park (en el borde del Parque Ueno).
2002 (renovación)
Sitio web: http://www.kodomo.go.jp/index.jsp
Horario: 9:30 a 17:00hs –
Lunes cerrado
metro Yamanote Line hasta Ueno Station
Quiero contarlo como si estuviésemos charlando en un café.
Sin correcciones. Va todo en borrador.
Acabo de vivir una experiencia notable
Acompañare esta con un video del viaje en bus desde la estación de Kioto hacia el Templo de Jubuzan Kodaiji (cuando lo encuentre).
Pasamos todo el día en la ciudad de Nara a menos de 1 hora, llegamos en un tren de cercanías.
Nara daría como para distraerme.
Por eso no cuento nada del gran Buda, (allí llegue a la conclusión que los templos en Japón eran tallas en madera, alguien había troceado arboles y armado esos templos, no es normal tanta belleza)
Gerardo durante su viaje con Claudia, me iba pasando datos, y me dijo «de… casualidad…. (lo escribió en tono más coloquial), vi un espectáculo de luz y sonido. 2ndo imperdible…..»
El 1er imperdible – me había escrito antes- era el templo de Fushimi Inari Taisha. El barrio de Gion, donde está el templo de Kodaiji.
Para llegar se recorren unas maravillosas calles muy estrechas, con una arquitectura baja y armoniosamente ensamblada.
Nos perdimos (nunca entiendo en el google map la flecha azul, el recorrido y para donde voy yo???) Consultamos a una pareja que estaban muy elegantemente vestidos, acorde al barrio.
Volvieron sobre sus pasos y recorriendo más de 700 mts nos dejaron en la escalinata de la entrada.
Atención empieza la película…
Subimos una escalera rampante de piedra de más de 40 escalones. Es de noche, nos guia una iluminación dirigida.
La entrada son 600 ¥ c/u – 6 usa- , y empezamos a recorrer el pie de la montaña de Higashiyama.
Estamos en el año 1606.
El aristócrata Kobori Enshü (1579 – 1647) diseñador de jardines, pintor, poeta y maestro del té japonés durante el reinado de Tokugawa Ieyasu, logro hacer con piedras, bambúes, agua, un estanque, plantas y una minima injtervencion arquitectónica, caminos, senderos, susurros, creando una maravilla que fuera designado como Paisaje Excepcional por el Gobierno de Japón.
Nos acompañó la música de Antonio Dvorak. Lo que verán en fotos, no sabría describirlo.
Luego un lago, casas japonesas, un bosque de bambúes.
Cuando llegamos al lago, vimos como al estar iluminanda la superficie han creado en el reflejo ….lo soñado.
A raíz del comentario de Antonio Ledesma sobre como generan los “japoneses” los espacios, y planteado el tema de la transición, recojo la pregunta, a la que luego se sumo Zaida Muxi, todo está en el feis.
En ese diálogo también lo pregunta Pablo Mastandrea..
Yo agrego, «quien esté libre de pecado, que tire el primer concepto….»
Con mi amigo, » otro Pablo», y en una de las tantas conversaciones que hemos tenido y tenemos llegamos a la misma pregunta sobre la arquitectura japonesa moderna..
No ya que hacen (que lo vemos) sino desde donde y como lo hacen.
Transición!!
Esto hable con Pablo: «en la arquitectura que vimos de Tadao Ando, Yoshio Taganuchi, Kengo Kuma y el gran Kenzo Tange, (no vimos nada de Toyo Ito) plantea espacios previos, anteriores al principal».
Estos espacios anticipan, preparan la acción, sin sobresaltos…
Acordamos que la vida hace a la arquitectura y no al revés.
Tiempo!!
Es el tiempo, y no el espacio el que da calidad y sentido a la arquitectura.
Todo es tiempo. Y depende que uso demos a ese tiempo y como lo percibamos.
(Pablo me da un ejemplo futbolístico, si un equipo – sin duda se refiere a River-gana 1 a cero y faltan 2 minutos para el final del juego, que largos que son esos 2 minutos. Tiempo en el espacio (trato de interpretar). El tiempo es recorrido, y es el que da calidad y sentido. No el espacio.
Este texto parece lo que es, conceptos telegráficos…sobre la temporalidad y -nuevamente- sobre el sentido.
Sanaa – Sejima Kazuyo y Ryue Ishikawa
Quienes en el año 2010 obtuvieron el Premio Pritzker de Arquitectura.
Es en el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI, donde el estudio Sanaa (obtuvieron el 1er. premio)-, redefine la institución museo, construido en la ciudad de Kanazawa e inaugurado en 2004.
Respuesta “concentrada” así como dispersa la de Tadao Ando en el Chichu Art Museum (2004) (地中美術館 Chichū Bijutsukan) literalmente “Museo de Arte en la tierra”. y en el Benesse Art Museum (1992) Ambos en la isla Naoshima.
Otra re-interpretación del concepto Museo, en este caso abierto a la vida. Todos los destinatarios, vecinos y visitantes reconocen ese cambio de paradigma.
1er recreo
Si por esas cosas de la vida deciden viajar a Japón, para hacer un master de arquitectura y de vida, – recomendaría la isla de Naoshima, en la prefectura de Kagawa.
Dormir en ella, en alguno de los bed & breakfast o la menos probable de conseguir alojamiento en el hotel Benesse, también de Ando por 500 usa la noche.
Pero a no preocuparse, no hay nunca lugar, ni siquiera en la parte alta que se llega en monorrail y tiene “seis increíbles habitaciones seis”.
Luego de pasar por la Terminal de Transbordadores de Naoshima, que Sanaa realizó en el 2006, volvemos al museo del siglo XXI.
Partido de Sanaa (Les recuerdo que pertenezco a la etapa pre autoCAD)
Simplificando «el partido» recrea un lugar conocido. Como estar en una ciudad o incluso un centro comercial, pero de exhibición y de arte, bueno, es casi lo mismo. Calles y locales, pasillos y habitaciones, todos lo entendemos. Por aquí se circula, y cuando algo nos llama la atención, entramos a ver.
Ventanas, caladuras por donde se ve gente y lo que ve la gente.
Dos “tapas”, materializadas en círculos de 103 mts de diámetro. Una abajo y otro arriba.
En el medio de ambas “tapas” y sobresaliendo, el contenido expuesto en el museo.
Las salas (circulares o cubicas) sobresalen lo necesario de la “tapa superior”.
La altura de la sala afecta solo a esa sala. No a la altura de la circulación.
Todo simple y fácil.
Ciertas salas de acceso libre conviven con salas a las que solo se puede acceder con entrada.
En el mismo museo, como el gruyere, donde las partes llenas, junto a las vacías dan forma al conjunto
Un conjunto muy claro. (no es «un edificio», equipamientos colectivos como biblioteca, sala de conferencias y sala taller polivalente de uso infantil. Galerías de exposición, museo y esparcimiento alrededor de los pasillos circulares que dan al jardín gracias a enormes paneles de vidrio continuo.
Como obra permanente, el Museo ha comprado e instalado la piscina de nuestro compatriota argentino Leandro Erlich.
2ndo recreo
Sanaa ha mejorado notablemente las terminaciones del New Museum (2007) en el Lower East Side de Manhattan.
Como ponía al comienzo: «quien esté libre de pecado, que tire el primer concepto….»
Paso mucho tiempo y aun hablan de él.
Con Guillermo hicimos libros y los íbamos numerando.
A este le tocó el número 6, es decir sabíamos poco de impresión.
Lo que va de 1 a 6
Guille tenía más experiencia y había editado Balance Térmico, sistemas de calefacción y aire acondicionado, uno de los autores era el Ing Di Giacomi. Llevaba el número 1 y como nombre editorial Librería Técnica CP67. Colores verde y naranja.
Se vendieron muchas ediciones de muchos miles de libros cada una.
Pero el Perspectivas 6 era otra cosa
Tapa negra y doble tamaño y el motivo de su tamaño fue debido a una creativa ignorancia.
Diseñamos el libro con los dibujos de Sandro Borghini Edgardo Minond y Víctor Vega. A pesar de mi memoria relativa por una edad injusta, creo que Víctor ya vivía en Venezuela.
Era muy seguido por todos nosotros el libro de Gordon Cullen con sus grafismos. Toda la facultad hacia sus entregas con el “TOWNSCAPE”.
Entonces quisimos hacer algo distinto y mejor, separándolos por capítulos (axonometrías, aéreas, interiores, etc) pero sobre todo con dibujos de nuestra gente, donde junto a sketch europeos había proyectos argentinos (tendré que hablar en su momento de los viajes de Cova) y repito lo importante fue “el tamaño”.
En otros temas esto es muy debatido en esto no teníamos duda.
Para poder “copiar” los grafismos y los detalles, tendría que ser grande.
Y fue al tamaño que queríamos.
Juntamos los originales y fuimos a la imprenta.
– ¿quien les dijo que eligieran este tamaño?
– nosotros
– porque con este tamaño hay un 40% de desperdicio, se usa una parte y lo que sobra no alcanza para otro libro
–
–
– para aprovechar el papel tienen que achicarlo
Lo dejamos grande, tiramos el desperdicio de papel y creo que en varias ediciones hicimos más de 26.000 libros.
Para tiradas de 1.500 y 2.000 ejemplares, el perspectivas 6 funciono muy muy bien.
Se hicieron ediciones en tapa dura y en tapa blanda, más fácil y liviano, para transportarlo y abrirlo.
En mercado libre usado y de bordes gastados se ofrece a 220$
Creo que lo comprare, usado y gastado significa que cumplió su cometido.
Con el nombre de Espacio Editora y el logo de una parte pequeña de un personaje de M.C.Escher. El cubo.
El Fórum internacional de Tokyo -Tokyo Kokusai Foramy- es muchas cosas a la vez, 7 salas de exposiciones, 34 sala de conferencias, 8 auditorios, oficinas, restaurantes, paseo, encuentro, convenciones y todo tipo de eventos culturales.
Cuando lo visite estaba la Feria de Arte y muestra de algo que no sé qué era, ya que estaba en otra cosa, estaba embelesado con ese espacio único y generoso.
Me llamo la atención la cantidad de gente paseando por la calle interna descubierta -entre la gran estructura del hall, acceso, pasillo- o atravesando el hall cubierto.
El uso masivo de un espacio público es un referéndum de aprobación aceptación y apropiación.
El armazón de vidrio, corazón peatonal del proyecto mide 208 metros, 60 de altura y 32 de ancho. Tiene 11 niveles, 3 de ellos enterrados.
Mi amigo Rolly me dijo que el edificio se construyó simultáneamente, de la Pb para abajo y para arriba.
No me va a engañar, no?
Rafael mudó su estudio y a el también a Tokio con un equipo de 250 personas y …..800 ingenieros.
Es una zona de gran movimiento, cerca de la estación de trenes, oficinas, comercio y un local de Muji enoooorme.
En Muji vi que además de pañuelos ofrecen casas prefabricadas, no sé cómo llegaron e una cosa a la otra.
El Arq. Uruguayo Rafael Viñoly ganó este concurso internacional en 1987- la construcción desde 1992/1997.
Pablo me dice que hablando con Rafael, éste le contó que el edificio está apoyado en solo 2 columnas, el esqueleto de vigas (¿de un pez?) es de un diseño exquisito.
Tampoco está Pablo para engañarme, además ahí están las 2 columnas a la vista. Cuando te cuentan algo que ves, es tan fácil creer en el ser humano…
Hay ascensores y también una rampa que conecta desde el primer nivel al último, rampa suave que cada tanto genera puentes, que permiten unir las oficinas con las salas.
Gente mirando, gente paseando, curioseando, sacando fotos, fotos artísticas, modelos (ladies) dando un show extra al que de por si se percibe bajo esa cristalería transparente y protectora.
Su nombre en japonés significa “dentro del circulo”, al visitarlo de noche vi su capacidad de atracción, más gente en é que en los alrededores.
Sobre un terreno de 3 hectáreas se construyeron 145.000 m2.
De noche y desde lejos se integra cómodamente en el barrio.
Me pregunto. ¿Cómo supo Rafael Viñoly hacer una obra en japonés?
abril 2018
Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente gracias
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Después de su regreso de Japón, Marcelo y Adriana me preguntaron si conocía el museo de Le Corbusier en Tokio. Yo no tenia idea de su existencia..
Es su único edificio en esta parte del planeta.
Es el museo Nacional de Arte Occidental.(NMWA), creado en 1959 en base a la colección del industrial Kojiro Matsukata (firmada entre 1916 y 1923) en el barrio de Ueno.
Durante mi visita había una importante muestra traída del Museo del Prado. Son dos conocidos mios tanto Corbu como el Prado.
Sigue su teoría del museo de crecimiento ilimitado, una espiral cuadrada que va creciendo de acuerdo a las necesidades, planteada para el Museo Mundaneum de Ginebra en 1929.
Una mastaba que solo pudo realizar en Ahmedabbad (Sanskar Kendra) de 1957, Chadigarh (Galeria de Arte del Gobierno) y en este.
La de Chadigarh recuerda uno de los techos del Museo Le Corbusier o Heidi Weber, en Zurich , su ultimo trabajo, encargado en 1960 e inaugurado en 1967, dos años después de su muerte
Llegamos paseando por el parque que contiene el zoo, camino a la biblioteca infantil que Tadao Ando realizo, sobre un palacete .
Finalizada la Segunda Guerra Mundial, la colección paso a manos del gobierno frances. En 1956 ante el pedido de devolución de las obras del gobierno japones, el gobierno frances acepta con la condición que lo diseñe un arquitecto frances. Eso se acuerda, aunque Charles Edouard Jeanneret-Gris (auto bendecido Corbusier como deformación del apellido de su abuelo materno Lecorbesier) era suizo, pero como dice Eric, a esa altura ya nadie se acordaba de ese detalle debido a que se nacionalizó frances.
En hugoklico’blogspot.com puse un articulo de sus sketches en sus cuadernos de “viaje a oriente”.
El folleto del museo dice que cumple con los 5 puntos de la arquitectura que postulo Corbu( planta baja sobre columnas, planta libre, fachada libre y terraza jardín).
Me costo reconocer su diseño hasta que di con la columna que entre vigas permite el paso de luz natural y la rampa de 2 tramos al fondo.
Emociona ver gestos, que son tan reconocibles como si estuviésemos junto a el ( si su humor lo hubiera permitido), acompañando el trazo de su lápiz.
El chiste fácil seria que a veces para que te den una obra tiene que suceder algo tan trágico como una guerra mundial.
Ya le había sucedido, ya que en 1947 cuando se crea la division tan inglesa ella, de 2 paises- religiones, como la hindu y la musulmana en la región del Punjab.
Son la India y Pakistan (esta ultima luego partida en Pakistan y Bangladesh).
Al quedar la capital de la región del lado Pakistani ( frontera aun en conflicto) entonces Nehru pregunta a sus amigos (presidentes, reyes, primeros ministros) por un arquitecto. Y es elegido Le Corbusier que junto a su primo (cuyas cenizas están allí) realizan todo lo que sabemos en Chandigarh.
El museo fue declarado en Julio de 2016 patrimonio cultural de la humanidad, junto a la casa Curutchet y otras obras en Francia y Alemania.
Y nosotros que tenemos al parador Ariston de Breuer, Catalano y Coire, nos damos el lujo de que siga su triste camino de destrucción.
Artículos sobre Corbusier
1 Sketches de Le Corbusier -viaje a Oriente y burdeles de Paris. (mb)
En el libro Cuando las catedrales eran blancas, en el capítulo Saint-Front de Perigueux, Le Corbusier sintetiza: «El pensamiento no tenía entonces ni fronteras ni nacionalidad». Y más adelante: «Observemos, de paso, que nadie sintió escrúpulos de internacionalismo cuando un abad fue enviado a Venecia para tomar las medidas de la basílica de San Marcos con el objeto de intentar imitarla en nuestro país ‒se refiere a Francia‒. Y la basílica de San Marcos, a su vez, fue inspirada por la iglesia de Santa Sofía, en Bizancio».
Este texto de 1936 del gran arquitecto, maestro de maestros, me ha llevado a pensar en los lugares y espacios que asocio a la palabra fronteras, me he asombrado de la cantidad de fronteras que existen, y que junto a cada una de ellas, existen otras. Algunas dentro de nosotros, otras fuera.
Convivimos con ellas.
No solo las ideologías imponen líneas que separan y discriminan, también las crean las costumbres, los prejuicios, los sentimientos, los miedos, los intereses…
Lo que encierra una frontera es, en muchos casos, una construcción cultural que tiene una base histórica, donde suceden las acciones sociales y las relaciones, donde se construye un sueño común de destino, -me tienta agregar desatino-.
No es inocente la toma de conciencia de la frontera, porque genera sentimientos de pertenencia o de exclusión. Quien es de aquí y quien no lo es, y justamente no lo es porque no pertenece al grupo de los de aquí.
Es un acierto que el término elegido sea Fronteras, en plural y no en singular. El plural amplía el panorama a analizar.
Si las fronteras existen es para ser construidas, para poder cruzarse o también para ser destruidas, y hacen referencia a las ciudades fortificadas, que tenían un motivo primigenio para existir: el poder aislar y, sobre todo, diferenciar (a unos y a otros).
Preparando estas líneas recordé algunos ejemplos, y de ellos saqué algunas ideas que comparto.
Dentro del campo de la arquitectura, una frontera separa conceptos como el interior y el exterior, el afuera y el adentro, lo público y lo privado, lo lleno y lo vacío… Pero también señala el borde, la línea, zonas de contacto, diferencias, límites… Escribe Ricardo Piglia (1941-2017) en El camino de Ida «En el límite, el terror garantizaba el acceso a la palabra…».
Siguiendo estas ideas, me resulta natural relacionar las fronteras con los límites.
Mark Twain (1835-1910) lo explica muy bien cuando no reconoce peor identidad que la humana.
Es una frontera que establece el límite de lo humano, «A mi edad cuando me presentan a alguien ya no me importa si es blanco, negro, católico, musulmán, judío, capitalista, comunista… me basta y me sobra con que sea un ser humano. Peor cosa no podría ser». Mark Twain (por ello es sugestivo que a su identidad le sumara un seudónimo: Samuel Langhorne Clemens).
Si a la palabra Fronterasse le agrega la preposición sin, ampliamos su definición, muchas ONGs al añadir sin fronteras confieren una cualidad a sus acciones. La negación: sin fronteras explica por sí misma que ante la inexistencia de fronteras se amplía su territorio de acción como médicos, reporteros, arquitectos, payasos, agrónomos, psicólogos, ingenieros, dentistas… SIN FRONTERAS (hay decenas más).
Otras fronteras, son frágiles e inestables ya que se establecen por convenciones, y han sido creadas (y cambiadas) para hacer visible la transgresión, cuando no es respetada. Muchas veces, tiene consecuencias y algunas de ellas muy duras, como la que vivió el arquitecto ruso Konstantín Stepánovich Mélnikov (1890-1974) quien realizó numerosas obras de altísima calidad; entre ellas el pabellón de la URSS en la exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales Modernas de Paris, o sus casas obreras, e incluso su propia casa taller en Moscú (1929) que sin embargo el régimen estalinista consideró que atentaba contra la estética revolucionaria, a pesar de que el mismo arquitecto manifestase que sus proyectos expresaban los valores sociales soviéticos revolucionarios, de poco le valió.
Mélnikov creía en el derecho y la necesidad de respetar la expresión personal, pero ese derecho (a la expresión personal) no era compartida por el régimen y fue caracterizado como un arquitecto formalista, esa definición fue también un límite (que en este artículo utilizo como una frontera más), que en aquella época de purgas se utilizó en forma despectiva para definir a los otros.
Mélnikov fue un arquitecto utópico al que la realidad apartó de la enseñanza y de la práctica profesional. Sin otra opción, debió vivir de su pintura y, junto a su hijo, transformar su casa (hoy objeto de estudio y admiración) en un museo de sus obras pictóricas. (2)
Lo que iba a ser un ejemplo de arquitectura y sistema constructivo popular, quedo como una caja vaciada de su contenido ideológico y transformada en una sala de venta de cuadros y exposición.
Algunos límites, parecieran ser también un límite a la creatividad, aunque Xul Solar (1887-1963), hermano espiritual de Jorge Luis Borges, consigue eludirlos como una forma natural de incentivar su creatividad. Crea un juego cuyas reglas cambian permanentemente, es posible jugar al panajedrez, (como lo denominó), pero sin reglas fijas conocidas, ya que la que se conoce es la anteúltima, la última regla la crea Xul en el momento de jugar. Reglas que no limitan su capacidad creativa y le permiten interactuar al jugar, ya que es Xul quien las recrea permanentemente. (3)
Xul Solar tuvo siempre el deseo de eliminar fronteras, poner en diálogo culturas disímiles y posibilitar la creación de espacios de encuentro. Para ello inventa el panlengua. El prefijo panestá vinculado a la idea de totalidad o conjunto. Su objetivo no era un capricho, sino un vehículo que permitiera unir a los pueblos.
Como ya he mencionado, sabemos que dentro (y fuera) de las fronteras territoriales, existen otras fronteras, más difíciles de superar, porque son aquellas en las cuales nosotros limitamos nuestras posibilidades de cambio, como las fronteras físicas y mentales.
Por ejemplo las que limitaron (en el supuesto que fuera posible) la creatividad a Johann Sebastián Bach (1685-1750), trabajando en Weimar bajo las órdenes del príncipe Wilhem Ernst.
Había trabajado allí anteriormente durante 7 meses y decide volver. Sabía que debía aceptar fronteras políticas, religiosas y geográficas. Muchas limitaban sus intereses musicales, entre ellas la mayor fue no conseguir el puesto que deseaba y merecía.
Lo necesitaba para su desarrollo profesional y para mantener a su familia, ya tenía 5 hijos, a lo largo de su vida tuvo 20 hijos, de los que sobrevivieron 11.
Después de 10 años de esperar cambios en su trabajo, recibe una propuesta del príncipe Leopoldo de Anhalt para ocupar el puesto de Kapellmeister (maestro de capilla, equivalente a director de orquesta) en Cöthen. Una oferta difícil de rechazar pero necesita una autorización para dejar su puesto de trabajo.
En Noviembre de 1717, con 32 años insiste en su pretensión de dejar el ducado y que se le conceda la autorización correspondiente, por orden de W. Ernst es condenado a pasar 3 semanas de prisión. (el informe del tribunal decía: «El 6 de noviembre de 1717, el otrora maestro de capilla y organista Bach fue encarcelado en el Juzgado de la Corte por forzar demasiado obstinadamente el asunto de su renuncia y finalmente fue puesto en libertad de su arresto el 2 de diciembre con una notificación desfavorable de su despido».
Finalmente consigue que acepten su renuncia (o despido), y le otorguen la autorización para salir de Weimar.
Es un período muy creativo, pudo componer la primera parte de El clave bien temperado, los conciertos de Brandemburgo, las cuatro suites para orquesta, música de cámara y obras para violín, viola da gamba, flauta, etc., que llegan al límite de las posibilidades técnicas de los instrumentos, por nombrar solo alguna de ellas.
Bach sabía que cambiando geográficamente de lugar, atravesando fronteras, se sentiría más libre para crear, como efectivamente ocurrió.
A la muerte de Bach, cuando ya no puede crear más (y nadie puede superarlo) es cuando queda determinada una línea, una fecha que marca la terminación de la música barroca y el comienzo de la clásica.
Es la muerte de Bach la que señala esa fecha como límite y no al revés.
Bach, superando todas las fronteras de la música, alcanza una cúspide que conocemos como polifonía, agregando además el conocimiento que tenía de la música que lo precedió. En ese punto, ya no quedaba mucho más por decir (o componer), y da comienzo la música clásica (hasta 1815) y luego la romántica (siglo XX). (4)
Bach era incapaz de amoldarse a las rutinas al protocolo y a los caprichos de los príncipes a los que sirvió así como al séquito que los rodeaba.
Casi 2 siglos más tarde el arquitecto americano Frank Lloyd Wright (1867-1959) decía «La ley y las reglas están hechas para el hombre medio. Es infinitamente más difícil vivir sin reglas, pero eso es lo que los hombres de pensamiento realmente honesto y sincero están forzados a hacer».
No respetarlas tuvo consecuencias para él, como cuando huyó con la esposa de un cliente, y salió de las fronteras de su estado con niños menores, cometió un delito federal que lo obligó a vivir 2 años en Europa, y postergar su desarrollo profesional hasta que su «falta» fue perdonada y socialmente tolerada por clientes y autoridades.
Este ir y venir de las fronteras, me lleva a recordar la certeza de un músico, que sabía que habría un límite al reconocimiento de una obra según quien fuese su autor. Me refiero a Remo Giazotto (1910-1998).
El célebre Adagio en Sol menor de Tomaso Albinoni, en realidad, no es de él. Hoy sabemos que Remo Giazotto,(que nació 239 años más tarde)musicólogo italiano que clasificó y catalogó las obras de Tomaso Albinoni (1671-1751), fue el verdadero autor del conocido Adagio de Albinoni.
Seguramente, Giazotto sabía que el adagio sería más escuchado y valorado si él decía que simplemente lo había arreglado, y no que lo había compuesto. Una línea que pocos se animan a traspasar, dar un paso al costado, renunciando a una autoría y a un justo reconocimiento, para beneficiar a su partitura. (5)
Algún placer íntimo debió de haberle dado, el saber que los amantes de la música no dudaban que su música, por su calidad, podía haber sido escrita por Albinoni.
En esta sucesión de ejemplos desearía agregar una frontera o límite más: la línea que muchas escritoras debieron aceptar para ser leídas; como cambiar su nombre real por uno masculino. Sin ser una frontera, si es una advertencia de hasta dónde no puedes llegar si la aceptas o lo que es lo mismo, hasta dónde puedes llegar desobedeciendo lo establecido. (6)
Aquí, es muy oportuna esta visión que nos da Le Corbusier acerca de lo falso, lo que es rehecho y falsificado, al afirmar: «Creo en la importancia de la piel de las cosas, como en el rostro de las mujeres».
Al comienzo mencioné cómo la palabra Fronteras me había permitido pensar en personajes y lugares, y pude reconocer una gran cantidad de fronteras «interiores» que existen dentro de las fronteras «exteriores», las que identifica a aquellos que están o han quedado juntos o separados, son fronteras no siempre deseadas, y generalmente impuestas.
Podría pensarse que las fronteras no enriquecen, sino que por el contrario cercenan y al mismo tiempo dividen, identificando a quienes están de uno u otro lado.
Pero, también podría contradecir el párrafo anterior, diciendo que los arquitectos, tratamos de limitar (aunque sea conceptualmente) el espacio, y nos manejamos con superficies y volúmenes acotados, muchos pensamos que esa idea enriquece el espacio.
Cuando Le Corbusier (1887-1965) -seudónimo de Charles Édouard Jeanneret-Gris- en la Ville Savoye en Poissy, abre una ventana en una terraza, enmarcando una vista, no entendemos ese enmarque como una limitación a la vista generosa de un territorio abierto, sino que al limitar lo extenso, le da una propiedad particular, permite apreciarla de otra manera, le hace un homenaje a esa belleza, enmarcandola.
Con esa decisión consigue tener una comunicación más personal e íntima con el paisaje que lo rodea.
Esto se observa también en muchas casas situadas cerca de lugares naturales, como el mar o la montaña, que tienen ventanas pequeñas.
La fuerza natural del exterior es tan fuerte y vital, que cuando sentimos la necesidad de escondernos en nuestra «cueva», una forma de sentir la «protección» interior es enmarcando y limitando las imágenes que desde dentro tenemos de ese afuera.
El poeta Camilo Sánchez hace decir a Johanna la cuñada de Vincent Van Gogh «…Es cierto que la patria se compone finalmente de la lista de paseos que puedas dar a pie alrededor de tu pueblo…». (La viuda de los Van Gogh, Editorial Edhasa).
Cuando en ciertos lugares, por ejemplo en algunas islas griegas, se ve una pequeña ermita o capilla y una línea de color alrededor para señalar su límite o borde, sabemos dónde está la parte pública y la privada de esa construcción. Ambas se retroalimentan, no podría existir una sin la otra, y la escala o las dimensiones del espacio, toman forma gracias a esa línea.
Esa dualidad, es la que me permitió entender también que ante ciertas fronteras, el ser humano busca, y muchas veces encuentra, maneras de crecer (y ser).
No siempre lo limitan, a veces son un punto de partida y no solo de llegada.
Hugo A. Kliczkowski Juritz
Notas
1
Este artículo se publicó en la revista coencuentros Nº 3 del 6 de febrero de 2018
2
La ideología como frontera o la persecución al otro.
Casa de Melnikov en Moscú (1929)
Konstantin Melnikov: fue un destacado arquitecto ruso, innovador y vanguardista. Uno de los principales representantes del constructivismo ruso, movimiento de vanguardia surgido en 1914, dentro del arte y la arquitectura, con mucha presencia después de la Revolución de Octubre de 1917.
3
Un juego sin fronteras, donde nada está rígidamente establecido
Xul Solar (su verdadero nombre era Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari), era una persona excéntrica, original, culta, estudiosa y autodidacta, versado en astrología, ciencias ocultas, idiomas y mitologías. Experto en la confección de cartas astrales y artista.
Fue un gran creador, e inventor -entre otros-, del panajedrez, que contaba con 144 casilleros y 62 piezas, en lugar de los 64 casilleros y 16 piezas del ajedrez tradicional.
Su amigo Jorge Luis Borges (1899-1986) -dentro del Museo de Xul Solar en Buenos Aires hay una placa que pone que Borges y Xul eran hermanos espirituales- lamentaba las reglas del juego, «yo nunca entendí ese juego… Él daba una explicación, digamos, de tal regla del juego; cuando uno la había entendido, cuando yo la había entendido con mucha dificultad, porque soy de pensamiento lento, entonces ya Xul había ido más adelante y había modificado lo que acababa de enseñarme; entonces me comunicaba esa modificación, pero esa modificación la dejaba atrás también enseguida…».
El clave bien temperado o bien templado, fue su legado para demostrar cómo con la «nueva» armonía, se podían escribir preludios y fugas en todas las notas de la gama cromática con sus tonalidades mayores y menores.
En la Historia de la música, se suele definir al Barroco musical como un período de 150 años, que van desde 1600 hasta la muerte de Bach en 1750.
Dejo estos links del film, uno de ellos en el metro, maravilloso.
Sin dar más detalles los invito a ver ambos. https://youtu.be/DW_vuwUqeb8
https://youtu.be/NyrAzZyjO8g
5
Se sabe que es una obra original de Remo Giazotto porque el fragmento de Tomaso Albinoni, que supuestamente Giazotto encontró, solo disponía del pentagrama del bajo y de seis compases de la melodía.
6
La frontera del género.
Autoras que usaron seudónimos de hombres para que su creación fuese reconocida y valorada. Y conseguir –como así fue- que se le diera más importancia al texto que al género de sus autoras.
Fernán Caballero en realidad era Cecilia Böhl de Faber y Larrea (1796-1877)
Amantine Lucile Aurore Dupin (1804-1876) publicó bajo el seudónimo de George Sand.
Las hermanas Brontë (entre 1816-1855) publicaron como Currer Bell, Ellis Bell y Acton Bell.
George Eliot fue el seudónimo masculino de Mary Ann Evans (1819-1880).
Louisa May Alcott (1832-1888) utilizó el seudónimo de A. M. Barnard.
Víctor Catalá fue el seudónimo que utilizó Caterina Albert (1869-1966).
Katharine Burdeckin (1896-1963) utilizó el seudónimo Murray Constantine
Joanne Rowling (1965) utilizó iniciales J. K. Rowling y no su nombre Joanne, siguiendo los consejos de su primer editor.
Laura Albert (1965) firmaba como J. T. Leroy. Tiene por ello una condena por fraude, daños y perjuicios, por haber firmado como hombre siendo una mujer.
7
Hugo A. Kliczkowski Jurtiz
-arquitecto, ha obtenido varios premios y menciones en concursos nacionales de arquitectura.
Entre ellos el premio DINERS de la Bienal de Buenos Aires.
– antiguo director de Le Monde diplomatique en español.
– fue profesor adjunto de diseño en la Universidad de Bs Aires.
– fue director del programa de radio “urbanidad” en Radio Splendid.
– cofundador de las revistas Ambiente, Espacios CEPA y Casa Internacional
– editor de libros de arte y arquitectura (editorial HK y Asppan)
– Editó más de 600 libros, traducidos a 14 idiomas, y coeditado más de 300 títulos con importantes grupos editoriales de todo el mundo. Varios de ellos obtuvieron 10 premios editoriales y han sido incluidos en exposiciones.
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: https://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Manifiesto y programa de la Bauhaus ¡El último fin de toda actividad plástica es la construcción!
«Decorar los edificios fue antaño la más noble tarea de las artes plásticas, que constituían elementos inseparables de la gran arquitectura. Actualmente presentan un aislamiento autosuficiente del que solo podrán liberarse de nuevo a través de una colaboración consciente de todos los profesionales. Arquitectos, pintores y escultores deben volver a conocer y concebir la naturaleza compuesta de la edificación en su totalidad y en sus partes».
Solo entonces su obra quedara de nuevo impregnada de ese espíritu arquitectónico que se ha perdido en el arte de salón.
Las viejas escuelas de Bellas Artes no pueden despertar esa unidad, «cómo podrían hacerlo si el arte no puede enseñarse».
«Deben volver a convertirse en talleres. Este mundo de diseñadores y decoradores que solo dibujan y pintan debe convertirse de nuevo en un mundo de gente que construye».
Cuando el joven que siente amor por la actividad artística vuelva a comenzar como antaño su carrera aprendiendo un oficio, «el artista” improductivo no estará condenado a un ejercicio incompleto del arte, pues su pleno desarrollo corresponderá al oficio, en el cual puede sobresalir.
¡Arquitectos, escultores, pintores, todos debemos volver a la artesanía!
Pues no existe un “arte como profesión”. No existe ninguna diferencia esencial entre el artista y el artesano. El artista es un perfeccionamiento del artesano.
La gracia del cielo hace que, en raros momentos de inspiración, ajenos a su voluntad, el arte nazca inconscientemente de la obra de su mano, pero la base de un buen trabajo de artesano es indispensable para todo artista. Allí se encuentra la fuente primera de la imaginación creadora.
¡Formemos pues un nuevo gremio de artesanos sin las pretensiones clasistas que querían erigir una arrogante barrera entre artesanos y artistas!
Deseemos, proyectemos, creemos todos juntos la nueva estructura del futuro, en que todo constituirá un solo conjunto, arquitectura, plástica, pintura y que un día se elevara hacia el cielo de las manos de millones de artífices como símbolo cristalino de una nueva fe.
Walter Gropius
Programa de la STAATLICHES BAUHAUS de Weimar
La Staatliches Bauhaus de Weimar se crea a partir de la fusión de la antigua Escuela Superior de Bellas Artes del Gran Ducado de Sajonia y la antigua Escuela de Artes y Oficios del Gran Ducado de Sajonia.
A ambas se le ha sumado una sección de arquitectura.
Objetivos de la Bauhaus
La Bauhaus trata de reunir toda la actividad artística creadora en una sola unidad, de reunificar todas las disciplinas artesanales -escultura, pintura, artes aplicadas y manuales– en una nueva arquitectura, como partes inseparables de la misma. El último, aunque remoto, objetivo de la Bauhaus es la obra de arte unitaria -el gran edificio- en la que no existan fronteras entre arte monumental y decorativo.
La Bauhaus desea preparar a arquitectos, pintores y escultores de toda categoría para que se conviertan, según sus capacidades, en artesanos hábiles o artistas y creadores independientes y fundar una comunidad de trabajo compuesta de maestros y aprendices que sea capaz de crear obras arquitectónicamente completas -construcción, acabados, decorados y equipos y que respondan en su conjunto a un mismo espíritu.
Principios de la Bauhaus
El arte nace por encima de todo método, no es susceptible de aprendizaje, pero si lo es, en cambio, la artesanía. Arquitectos, pintores, escultores, son artesanos en el sentido original de la palabra, por ello se exige como base indispensable para toda creación plástica una preparación artesanal básica de todos los alumnos en talleres y obradores experimentales. Los talleres propios deben construirse gradualmente y se deben establecer contratos de aprendizaje con talleres no adscritos a la escuela.
La escuela está al servicio del taller y un día será absorbida por éste.
Por lo tanto, no habrá profesores y alumnos en la Bauhaus, sino maestros, oficiales y aprendices.
-La forma de enseñanza responde a la esencia del taller:
-Creación orgánica desarrollada a partir de conocimientos artesanales.
-Evitar toda rigidez; dar prioridad a la actividad creadora; libertad de la individualidad, al tiempo que estar dispuesto a realizar un riguroso estudio.
-Pruebas para obtener el título de maestro u oficial, según el reglamento gremial, ante el consejo de maestros de la Bauhaus o ante maestros ajenos a la escuela.
-Colaboración con los aprendices en las obras de los maestros.
-Cesión de encargos a los aprendices.
-Elaboración conjunta de amplios proyectos arquitectónicos utópicos – edificios públicos y para el culto- realizables a largo plazo. Colaboración de todos los maestros y aprendices – arquitectos, pintores, escultores- en estos proyectos con el objeto de influir conjuntamente sobre todas las partes integrantes de la arquitectura. Constante contacto con los dirigentes de talleres e industrias del país.
-Contacto con la vía pública, con el pueblo, a través de exposiciones y otros actos.
-Nuevos experimentos en la organización de las exposiciones, para resolver el problema de mostrar la imagen y la plástica dentro del marco de la arquitectura.
-Establecimiento de unos contactos amistosos entre maestros y aprendices fuera del trabajo; para ello se organizaran representaciones teatrales, conferencias, recitales de poesía, conciertos, fiestas de disfraces.
-Desarrollo de un ceremonial alegre en estas reuniones.
Extensión de la enseñanza
La enseñanza de la Bauhaus comprende todas las ramas prácticas y científicas de la creación plástica.
Arquitectura
Pintura
Escultura
Incluidas todas las derivaciones artesanales.
Se preparará a los alumnos en el aspecto manual-artesanal (1), así como en el aspecto pictórico (2)y científico-teórico (3).
La formación manual-artesanal -ya sea en talleres propios, que se irán completando gradualmente, o en talleres ajenos con contratos de aprendizaje comprende:
a) escultores, canteros, estucadores, tallistas, ceramistas.
b) herreros, cerrajeros, fundidores, torneros.
c) ebanistas.
d) pintores decoradores, pintores de vidrio, mosaiquistas.
La formación artesanal constituye la enseñanza fundamental de la Bauhaus. Todo estudiante debe aprender un oficio.
La formación gráfica y pictórica abarca:
a) dibujo libre de bocetos de memoria y de fantasía.
b) dibujo y pintura de cabezas, modelos vivos y animales.
c) dibujo y pintura de paisajes, figuras, plantas y naturalezas.
d) composición.
e) realización de murales, pinturas sobre tabla y vidrieras.
f) proyectos de ornamentos.
g) grafismo.
h) dibujo constructivo y proyectual.
i) diseño de exteriores, jardines e interiores.
k) diseño de muebles y objetos de uso cotidiano.
La formación científico-teórica comprende:
a) historia del arte- no presentada en forma de historia de los estilos, sino como un conocimiento vivo de los métodos y técnicas de trabajo a lo largo de la historia.
b) Estudio de materiales.
c) anatomía -en el modelo vivo.
d) teoría física y química del color.
e) métodos racionales de pintura.
f) conceptos fundamentales de contabilidad, redacción de contratos, adjudicación de obras.
g) conferencias de interés general sobre todos los aspectos del arte y la ciencia.
División de la enseñanza
La formación se divide en tres cursos:
Curso para aprendices.
Oficiales.
Maestros y oficiales.
La formación particular queda sometida al criterio de cada maestro dentro del marco del programa general y del plan de distribución del trabajo establecido semestralmente.
Para proporcionar a los estudiantes la oportunidad de obtener la máxima formación técnica y artística en todos los aspectos, el plan de división del trabajo se distribuirá periódicamente de modo tal que todo futuro arquitecto, pintor o escultor también pueda participar en una parte de los demás cursos.
Admisión
«Serán admitidas todas las personas sin antecedentes, sin limitaciones de edad ni sexo, cuya preparación sea considerada suficiente por el consejo de maestros de la Bauhaus y mientras se disponga de plazas suficientes. La cuota de la enseñanza es de 180 marcos anuales (gradualmente ira desapareciendo por completo a medida que aumenten los ingresos de la Bauhaus). Además existe una cuota de ingreso única de 20 marcos. Los extranjeros pagan cuotas dobles. Las solicitudes deben dirigirse al secretariado de la Staatliches Bauhaus de Weimar».
ABRIL 1919
La Dirección de la Staatliches Bauhaus de Weimar.
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La parte 1 se puede leer en este link: http://hugoklico.blogspot.com.es/2017/11/la-magia-de-xul-solar-por-hakj-parte-1.html
Sus pinturas, los ángeles y los dioses
Xul Solar provoca una atracción y un interés especial con sus pinturas y dibujos. J. L. Borges aseguraba que era un pintor místico, un poeta, como nos aclara en una conferencia que dicta en 1965:
“Creo en la facultad visionaria……y creo en la verdad de aquello que los ángeles le contaron a Xul”. «Sus pinturas son documentos del mundo metafísico en que los dioses toman las formas de la imaginación que los sueña».
A través de sus pinturas descubrimos cuál era su comprensión del mundo y cual su espíritu, en una geometría mágica de signos, símbolos, líneas, y formas en el espacio. Con un lenguaje artístico y arquitectónico diseña sus ciudades imaginarias que dota de colores y transparencias.
Rua Ruini. 1949. 35 cm x 50 cm
Se nutre del Simbolismo, un movimiento que une a artistas visuales con artistas literarios, como Jan Toorop (holandés 1858~1928) y Edvard Munch (noruego 1863~1944), quienes refuerzan sus ideas con recursos similares, de línea, ritmo y color.
Tú y yo. 1923. 55,6 cm x 45 cm
Prefería realizar sus obras en un formato pequeño, por eso llama la atención un dibujo que realizó sobre papel pintado en tempera de más de 2 metros de alto titulado “7 sishis”, pensado para un gran espacio de meditación pedido por un grupo de estudios esotéricos de Montevideo.
“en Xul es precisamente su confianza en la capacidad transformadora de la arquitectura sobre la cultura, la que lo lleva a la formulación de nuevos espacios arquitectónicos”. Patricia Artundo
Su mundo
Decía “Me haré un mundo…poblado de seres espirituales, símbolos, mitos…”. Un mundo que enriqueció con la Cábala, las religiones hinduístas, el pensamiento chino, las mitologías prehispánicas, la fantasía, y su búsqueda de lo desconocido.
Xul escribe:
“! Oh! ¿Qué manos, qué llamadas, me llevarán al aire puro, al sol radioso y al satisfecho mediodía?…¡encontraré el camino; si no lo hay,… me haré un mundo!”(1)
Grafía. 1962. 33,8 cm x 25,9 cm
Creó ese mundo, su materia fue la creación, el estudio y la meditación.
Nos dice:
“Mis cuadros, 12 al menos, y mi poema dramático musical, a todas horas, serán mi obsesión…”.
Esto está reflejado en su diario personal, como nos recuerda el ingeniero e investigador de arte Mario Gradowczyk (argentino 1932~2010):
“Xul menciona la existencia de doce pinturas y un poema dramático y musical –desconocidos-, la esperanza de un empleo que no llega (…), enfermedad, llanto, orgullo, fracaso, amor, cadenas, lucha, tristeza, muerte –y también la vida-, deseos estrangulados, la soledad, el desengaño, aspiraciones espirituales, hermanos, hijos, mundo; un destellante pantallazo de sus sufrimientos e ilusiones”.
“Puerto Azul”, acuarela
Puerto Azul. 1927. 61,5 cm x 45 cm
Tanto cultural como físicamente, el progreso se nota en las máquinas, las fábricas, las usinas, y sobre todo en sus múltiples medios de transporte.Al regresar en Junio de 1924 de su larga estancia en Europa, casi no reconoce la ciudad que dejó 12 años atrás, Buenos Aires ha cambiado mucho, se ha modernizado.
En 1927 transmite esa visión en su obra “Puerto Azul”, acuarela sobre papel de 28 x 37 cm:
“Muestra un barco con una rueda propulsora y una desproporcionada chimenea humeante , escaleras, respiraderos, antena de radio, banderas, marineros. Sus planos están pintados en colores cálidos. El puerto se afirma sobre pilotes y sus edificios son multicolores, construidos con cuadrados y triángulos rojos, violetas, amarillos, naranjas, verdes y celestes. Hay chimeneas, banderas, antenas, cadenas con ganchos, hombrecitos que observan, trabajan, caminan, saludan o se arrojan al agua. Un nadador parece perseguido por uno de los peces, que nadan pero que también vuelan por el cielo. Un buzo desciende al agua con escafandra y traje. Un sol rojo domina el espacio. Produce una impresión de movimiento, de goce, de alegría”. (2)
“Vuel Villa”. Una villa volante
Vuel Villa. 1936. 54 cm x 44,1 cm
Xul describe su cuadro “Vuel Villa” realizado en 1936:
“Alguien en Buenos Aires tenía ya, desde varios años algún proyecto en boceto, de una ciudad, digámosle villa, que cualquier día podría presentarse en el horizonte, asomarse por entre las nubes, aparecer en cualquier lugar del aire donde no había nada el día antes, es decir, una villa que flote, derive o navegue por el aire, una villa volante, una Vuelvilla…”
“Para colgar un cuadro de Xul Solar debemos agrandar nuestra casa, No solo materialmente, sino espiritualmente”.Rafael Squirru
Lita, su joven esposa
Micaela Cadenas a la que llaman “Lita”, nace en España y a los 2 años llega a la Argentina (1902~1988), junto a otras jóvenes alumnas concurre a los cursos que Xul dicta sobre temas religiosos y espirituales. Años más tarde Xul le confiesa a su amiga y poetiza Olga Orozco (argentina 1920~1999), que en su carta astral, la confluencia de dos planetas le impedían contraer matrimonio.
Pero….hubo un respiro de 48 horas a ese impedimento que le permitió un martes 13 de agosto preguntarle a Lita si se casaría con él. Xul tenía 59 años, Lita 44. Quizás imbuida de ese destino, Lita leía las interpretaciones de las cartas que Xul diseñaba, como profundo conocedor de la astrología. Le ayudó a ordenar su vida y sus papeles, años más tarde promueve la creación del museo y el Pan Klub.
Regresó de Europa, y se encerró en su guarida de calle Laprida. Y sin embargo, cuántos viajes maravillosos hizo. Precisamente es la libertad intrépida en el corazón de la quietud lo que caracteriza a Xul»,Álvaro Abós
El Tigre
En 1954 compran una casa en el Tigre, (una típica construcción del delta, apoyada sobre pilotes con base de material y madera). Xul y Lita fueron transformando esa construcción precaria en un lugar “para vivir y crear”. Iban a la estación Retiro donde tomaban el tren para dirigirse al Tigre, allí se embarcaban en una lancha de pasajeros (llamadas lanchas colectivas) que navegaba hasta un muelle sobre el río Luján y el canal Villanueva. Luego realizaban un paseo de 300 metros por un sendero de tierra bordeado de helechos y lirios, hasta llegar a la casa ubicada en el embarcadero “Los Ciruelos” en Villa La Ñata.
En la parte baja de la casa había un ambiente, donde aún se conservan los viejos sillones de jardín. Arriba el atelier de Xul con un pequeño anafe y 3 habitaciones, una para los invitados y 2 para la pareja, cada uno tenía su habitación.
Su fértil imaginación hace que llame al río Lujan “Li Tao”, “Li” por su esposa Lita y “Tao” por su significado en chino de “camino”. Hasta 1957, lo utiliza de taller, al que llama “Rio Lujan”, a partir de ese año se instala en él en forma casi definitiva hasta su muerte.
Durante esos años intensifica su interés en la ciencia que trata del origen y la evolución del universo, y lentamente y sin pausa va trasladando su biblioteca. Plasma una cosmogonía en sus cuadros donde superpone un mundo acuático a otro aéreo, son sus arquitecturas imposibles, plenas de figuras, escaleras, puentes y mensajes cifrados, con una paleta de colores muy rica. Los mismos colores que supo sacar de sus obras para trasladar a su casa taller.
Álvaro Abós (argentino 1941) en su libro “Xul Solar, pintor del misterio”, rescata esta frase escrita en neocriollo sobre las islas del Tigre: (3)
«En las islas de más arriba, por Entre Ríos i Santa Fe, ya no hai gringos sino criollos ó indios mui pocos que viven de pesca i caza, no cultivan. Uno dellos se hizo un cerco redor su rancho con yacarés clavados en el suelo, i claro que hedían».
Sigue existiendo una tranquera que Xul construyó y pinto de amarillo, rojo y celeste. La casa la ha cuidado Martha Rastelli de Caprotti, (a quien menciono mas adelante cuando la conocí en el museo de la calle Laprida, quien es actualmente responsable de la casa de Xul Solar) amiga desde hace décadas de la familia, con quienes convivió y participó en las reuniones y tertulias de la calle Laprida. Por suerte para todos nosotros desde el 14 de Octubre de 2017, su casa-taller es otra obra más para apreciar, La Fundación Pan Klub, depositarios de su legado, el Museo Xul-Solar y el Municipalidad del Tigre la han puesto en valor.
Allí no se exhiben obras, aunque sí su casa-taller que construyó utilizando y adaptando elementos del lugar en ventanas y puertas, esa también ha sido su paleta de colores.
Por fuera, una escalera a cielo abierto, materializa un elemento habitual de sus pinturas.
La reconstrucción seguirá los próximos años, y tiene entre otras tareas recuperar el muelle que usaba para desayunar o ver el atardecer.
En muchas de sus pinturas incluye proyectos para las casa del Delta. Verónica Tejeiro, curadora del MAT (Museo Arte del Tigre) integrante del equipo que realizó su catálogo razonado comenta:
“Recorrer estos ambientes invita a pensar en todas aquellas cosas con las que se decoran las casas”. “La austeridad fue su filosofía. Su afán no era ser una estrella de rock”. “Fue un oasis donde meditar, hacer gimnasia y pasar el tiempo en contacto con la naturaleza”
En ese oasis trabajo y realizó gran parte de sus grafías y retratos-grafías, y más de 270 pinturas.
Lucila Rolón nos acerca a sus vidas cotidianas:
“Todo lo que hay acá lo hicieron Lita y Xul. Las camas de una plaza tienen baúles debajo para guardar la ropa necesaria. Las ventanas del piso del atelier las diseñó y las pintó Xul, son sus geometrías y sus colores los que sostienen estos vidrios. Todo es original”, Se abren hacia lados extraños, están hechas incluso de cucharas de madera y otros elementos nobles que el artista colectaba. Rojo, amarillo y celeste mandan acá arriba. De fondo, el cielo y las copas de los taxodium que trajo con ayuda de sus amigos desde Paraná. Una gran X de madera se esconde entre las texturas de la puerta de salida hacia las escaleras. Veníamos a visitarlos y a pasar el día juntos. Cuando llegabas, tenías que hacer 100 bombazos de agua, empujar la bomba con toda tu fuerza hasta que saliera la cantidad que ibas a consumir en el día. Después, todos a desayunar al río, a dos cuadras de acá, con la caña y el bote “En los últimos años, para los vecinos él era Oscar, no sabían que era un gran artista, jamás hizo alarde de eso”. (4)
A partir de 1953 diseña proyectos y fachadas de casas para el Delta así como grandes espacios, teatros, iglesias y pórticos.
Crea nuevas formas llenas de alegría por medio del color, que contrastan con la vegetación, hace combinaciones del rojo, el verde, el azul, el amarillo así como el naranja que se repiten en los reflejos del agua.
Diseña casas sobre pilotes con ventanales de formas geométricas y ojos de buey.
“Proyecto Fachada Delta” acuarela
proyecto fachada delta. 1954. 26 cm x 36 cm
Pinta triángulos, cuadrados, rombos y rectángulos, techos en declive, miradores, mástiles con banderas y banderines de color. Escaleras, pilotes, “Proyecto Fachada Delta» (1954), acuarela sobre papel, montada sobre cartón, 26 x 36 cm. Fundación Pan Klub.
«Todas las «escuelas» plásticas en buena fe son legítimas aunque parciales, como los colores puros». Xul Solar
Hermanos espirituales
Expuesta en el Museo Xul Solar hay una placa donde se puede leer que Borges y Xul eran amigos íntimos y hermanos espirituales:
“Caminaban juntos desde la casa de Xul a la casa de Borges y de la casa de Borges a la de Xul, platicando animadamente, hasta que anochecía, sin conciencia del tiempo”.(5)
En septiembre de 1980 Borges recuerda en una conferencia dictada en la Fundación San Telmo:
“Xul era el hombre más capaz de amistad que he conocido. Creo que le debo quizás las mejores horas de mi vida, leyendo y discutiendo, y sobre todo, dejándome enseñar por él”. “Pienso en primer término en mi padre. También, en personas famosas que conocí,…quiero nombrar…a Macedonio Fernández y quizás más que ningún otro a Alejandro Xul Solar.” “…Ahora siento que en este momento soy un navegante. Tengo que hablar de ese gran continente, de este vasto país con sus imperios, su historia y sus mitologías, su botánica y su zoología, todo eso fue Xul Solar, no sé si lo he alcanzado; creo que no, pero he percibido lo bastante para sentir ahora el vértigo de todo aquello infinito que vi en Xul, de lo cual me fue dado discernir algo. Muy poco, desde luego, pero lo bastante para saber que yo he estado frente a un hombre de genio”. (6)
Tuvieron una relación estrecha, precisa Teresa Tedín, portavoz de la Fundación Pan Klub-Museo Xul Solar:
“…mientras que el autor de El Aleph escribió los prólogos de prácticamente todas sus exposiciones, el pintor ilustró con viñetas varios de los cuentos de Borges”.
“….el sentido del humor de Xul, su amor de las bromas…el hecho de que fuera lo contrario de casi todos los argentinos, no era absolutamente convencional, en nada” J.L.Borges
Conferencia de Jorge Luis Borges
Realizada en 1975, sobre Xul Solar, en el Hotel Plaza de Buenos Aires, con motivo de un aniversario de la muerte del pintor:(7)
1era parte.
2nda parte
3era parte
4ta. Parte
5ta parte y final
Jacques Lassaigne comenta acerca de la amistad que unió a Xul con Borges:
“No hay nada que resulte más exaltante que descubrir en diferentes y a veces lejanos centros fuerzas que se conjugan, se apoyan, se prolongan; se establecen parentescos, se justifican y se consolidan tentativas; las victorias de cada uno se convierten en las de todos. Las distancias, el tiempo son vencidos.”(8)
Borges y Xul Solar almorzando en Quilmes – 1938 Colección Museo Xul Solar
Evar Méndez, Guillermo Evar González Méndez (argentino 1885~1955) presentó a Xul y aLeopoldo Marechal, éstos se vieron cotidianamente y crearon un itinerario nocturno entre las casas de ambos. (9)
En su novela “Adán Buenosayres”, publicada en Agosto de 1948 Leopoldo Marechal crea varios personajes: para Xul al astrólogo Schultze, para Borges al criollista y gramático Luís Pereda, para Raúl Scalabrini Ortiz al moralista, polígrafo y boxeador Bernini, reservándose para si el nombre de Adán Buenosayres.(10)
«Sus pinturas son documentos del mundo metafísico en que los dioses toman las formas de la imaginación que los sueña». J.L.Borges
Borges lo llamo “padre de utopías”
El universo de Xul se nutre de la invención y no del mero azar.
Xul refiriéndose al arte:
«Todas las «escuelas» plásticas en buena fe son legítimas aunque parciales, como los colores puros».
Xul Solar con su títere de la muerte
Xul de sí mismo:
«Soy campeón del mundo de un juego que nadie conoce todavía: el panajedrez; Soy maestro de una escritura que nadie lee todavía; Soy creador de una técnica, de una grafía musical, que permitirá que el estudio de piano sea posible en la tercera parte del tiempo que hoy lleva estudiarlo. Soy director de un teatro que todavía no funciona. Soy el creador de un idioma universal: la panlengua, sobre bases numéricas y astrológicas, que contribuirá a que los pueblos se conozcan mejor. Soy creador de doce técnicas pictóricas, algunas de índole surrealista y otras que llevan al lienzo el mundo sensorio, emocional que produce la escucha de una audición musical, Soy creador de una lengua para América Latina: el neocriollo con palabras, sílabas, raíces de las dos lenguas dominantes: el español y el portugués «(11)
Pan Tree o árbol de la vida. 1954 36.5 cm x 64 cm. acuarela, tinta y cartón
Xul se presenta
“Alejandro Xul Solar, pintor escribidor y pocas cosas más. Duodecimal y catrólico (ca: cabalista, tro: astrólogo, li: liberal, co: cocoista o cooperador). Recreador – no inventor- y campeón mundial de un panajedrez y otros serios juegos que nadie juega, padre de una pan lengua que quiere ser perfecta y que casi nadie habla y padrino de otra lengua vulgar sin vulgo; autor de grafías plastiútiles que casi nadie lee; exégeta de doce (más una total) religiones y filosofías,que casi nadie escucha. Esto que parece negativo deviene positivo con un adverbio: “aún” y un casi “creciente”.(12)
Su amigo Jorge Luis Borges exalta su figura singular antes que su obra:
«un hombre versado en todas las disciplinas, curioso de los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitología, panajedrecista y astrólogo, perfecto en la indulgente ironía y en la generosa amistad Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época”.(13)
Proyecto Fachada para la ciudad. 64 cm x 60,9 cm
El poeta Fernando Demaría, escribió en un ensayo “Xul Solar y Paul Klee” publicado en 1971 en la revista Lyra:
«No es fácil para el espíritu humano elevarse de la astrología a la astronomía, pero haríamos un error si olvidáramos que un auténtico astrólogo como Xul Solar está cerca de la fuente de las estrellas. El primitivismo de Xul Solar es anterior a la aparición de los dioses...»(14)
Notas
1
“! Oh! ¿Qué manos, qué llamadas, me llevarán al aire puro, al sol radioso y al satisfecho mediodía? ¡En esta lucha angustiosa me haré veterano; con mis manos, mis ojos y oídos ávidos, con mi ardiente e hirviente cerebro encontraré el camino; si no lo hay, si no hay país sin angustia para mí, todo yo, dentro de mis pensamientos, para mis hermanos, me haré un mundo!”.
Un castillo de troncos. 1953. 61,7 cm x 45 cm
2
”Xul Solar y la arquitectura para la felicidad” María Teresa Serralunga. (Revista Ojo que ves # 36, editada por la Escuela Provincial de Arte Prof. Juan Mantovani).
Lucila Rolón para el diario Clarín publicado en“San Fernando nuestro.com.ar” el 8 de octubre de 2017.
5
1928. Realizó seis viñetas para “El idioma de los Argentinos”de Borges, con una tirada de 500 ejemplares.
“El idioma de los Argentinos”
grafia
6
1980. Borges en su conferencia en la Fundación San Telmo,“Pienso en primer término en mi padre. También, en personas famosas que conocí, sé que las conocí, como sé, por ejemplo, que estuve en Connecticut y en Valencia; pero hay tres de ellas que querría nombrar, que son el gran poeta judeo andaluz Rafael Cansinos Assens, Macedonio Fernández y, quizás más que ningún otro, Alejandro Xul Solar. Ahora siento que en este momento soy un navegante. Tengo que hablar de ese gran continente, de este vasto país con sus imperios, su historia y sus mitologías, su botánica y su zoología, todo eso fué Xul Solar, no sé si lo he alcanzado; creo que no, pero he percibido lo bastante para sentir ahora el vértigo de todo aquello infinito que vi en Xul, de lo cual me fue dado discernir algo. Muy poco, desde luego, pero lo bastante para saber que yo he estado frente a un hombre de genio”.
7
1975. Primera parte de la conferencia pronunciada por Jorge Luis Borges sobre Xul Solar. (Editado por Pablo Stafforini el 26 de octubre de 2010).
Casas en Alto. 1922. 61,7 cm x 45 cm
Tu y yo. 1923. 55,6 cm x 45 cm
8
El crítico de arte francés Jacques Lassaigne comenta: “Afinidades, sensibilidades hermanas, algo así unió a Xul con Borges, amistad escrita en el horóscopo de ambos”.
9
En la biblioteca de Xul (Pan-Klub, Bs. As.), se conserva un ejemplar de la revista Novalis’ Werke, sin fecha (con firma autógrafa de Xul). A raíz de esa traducción Evar Mendez dirige una carta el 20 de enero al:
“Querido e ilustre Mago”, “Necesito tu presencia, primero para contemplarte, luego para pedirte que copiemos corrigiendo a tu sabor tu traducción de Novalis que va en el N° del periódico que estoy armando, ya en prensa, y, finalmente, para pedirte que veas los cuatro clichés de tus obras que publicaré. Han salido de primer orden y creo no habrán de requerir corrección. Pero, si tú deseas hacerlas, ahí están a tu disposición”. Dos semanas mas tarde le pide: ¿No podrías hacerme unas cuantas viñetas, adornos, “cul de lampe”para el periódico»..
10
2013. Lectura en clave Pan-Astrológica del ADÁN BUENOSAYRES: Leopoldo Marechal, Xul Solar y la vanguardia Martinferrista. Tesis de Julia Cisneros
11
1951 entrevista para la revista Mundo Argentino, Xul Solar dice de sí mismo.
12
En 1957 se presenta de esta manera en la revista Mirador en el artículo“Autómatas de la historia chica”.
13
Julio 2006. Revista Quid. Año 1. Número 4. Junio. Pág. 7
14
1971. El poeta Fernando Demaría, lo escribió en su ensayo “Xul Solar y Paul Klee” publicado en la revista argentina de cultura Lyra
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Esta conversación existió, durante el mes de Julio del 2015 en Madrid.
Los interlocutores fueron un arquitecto al que conozco desde hace muchos años que es una persona muy culta, formada e informada, a quien mantendré con el rango de amigo/arquitecto (Arq. Miguel Angel Roca) y otro arquitecto, con menos virtudes y más defectos, yo.
Había ido a París a ver la exposición que sobre Le Corbusier se montó en el Centro Pompidou, conmemorando los 50 años de su muerte, una retrospectiva que incluía textos, pinturas, dibujos, esculturas y maquetas. (1)
También aproveché para visitar varias obras del Arq. Jean Nouvel (como La fundación Cartier, que me sigue pareciendo interesantísima)
Me acerque al Museo de Quai Branly, (quai tiene la acepción de muelle, y así se llaman muchas de las calles que bordean el río Sena).
No llegue a ver la Philarmónica de París también de Nouvell porque estaba cerrada hasta finales de Agosto por obras.
También fui a conocer el Museo de Le Gaite Lyric al lado de la Rue Sebastopol.
Al que destine un tiempo y un deseo especial fue al nuevo (inaugurado en Octubre de 2014) museo de la Fundación Louis Vuitton diseñado por el Arq. Frank Gehry, de origen canadiense (1929).
Un aviso que puede servirles: si van a visitarlo, les comento que en el Arco del triunfo cada 15 minutos sale un bus eléctrico, que cobra 1 € cada trayecto.
Le comenté a mi amigo/arquitecto, que no me había gustado, que me parecía un edificio rodeado de un tu-tú, de un velamen, que además de superfluo, es pretencioso, en definitiva, me había decepcionado.
Había visto personalmente varias obras de Gehry, como su casa –en realidad la remodelación de su cocina- en Santa Mónica en 1977/78, su casa de la Playa, el museo aeronáutico de Los Angeles, El Disney Hall, Fred & Ginger en Praga – el caprichoso edificio danzante invadiendo las aceras-, ya había sentido un poco el sabor amargo en Vitra Design Museum en Weil am Rhein, que me pareció una casa común con un envoltorio muy forzado, para hacerlo “gheryano”, el Neuer Zollhof en Dusseldorf, Alemania (1999), donde tenia las oficinas mi amigo editor Wim, y me extasié muchas veces, en cada visita al Museo Guggenheim en Bilbao. Insistí que la obra en Paris no me había gustado.
Esta obra tiene gran cantidad de espacios que dan a muchísimas terrazas, donde la gente, se dedicaba a sacar fotos del Bois de Boulogne, ya que la obra está en la zona del Jardin dÁcclimatation, un lugar familiar en la vida de los parisinos, en el barrio XVI.
Ubicada en un terreno de 19 hectáreas, diseñados por el arquitecto Gabriel Davioud (1824-1881) y el paisajista Jean-Pierre Barillet-Deschamps, (1824-1873).
Fue inaugurado por Napoleón III en 1860, la parte del Jardín Zoológico de Aclimatación llego a contar con más de 110.000 animales.
La finalidad fue crear un espacio con nuevas especies animales y botánicas en Francia. En 1860 se trajeron semillas, bulbos, raíces y animales para ser introducidos en el corazón del Bosque de Boulogne, creando un bello espacio ajardinado.
Algo más complicado ( y doloroso) de comprender fue que entre 1877 y 1912 es decir durante 35 años, se convirtió en L’Acclimatation Anthropologique es decir en zoologicos humanos.
Durante el siglo XVIII y XIX, la sociedad intelectual europea sentía una gran fascinación por lo desconocido y lo exótico, como grupos de indígenas para observarlos, estudiarlos y compararlos con la raza civilizada, es decir la blanca europea, por ello se crearon los «Zoológicos Humanos».
El zoologo y domador alemán Carl Hagenbeck (1844 – 1913), que en un principio se dedicaba a la muestra animal y a la dirección de circos, se especializó en llevar grupos de indigenas «puros» desde África y Asia, recreando su hábitat y costumbres. Era en estos zoológicos humanos, donde se presentaban familias enteras de pueblos indígenas, poniendo tras las rejas, a la vista de los visitantes y tratando como animales a indígenas de todo el mundo.
Como Nubios (Egipto y norte de Sudan), Bosquimanos (de 6 países africanos), Zulúes (Sudáfrica y otros países de África), Lapones (península escandinava y Rusia), Kali’nas (Brasil, Guayanas y Norte de Sudamérica), Selknam (Argentina, Chile y tierra del fuego), Mapuches (Sur de Chile y Argentina), entre otros.
Saliendo de aquel horror, regresemos al presente, la sociedad concesionaria para la Ciudad de París del Jardín de Aclimatación pertenece al Grupo LVMH, siglas de Louis Vuitton Moët Hennessy, este conglomerado dueño de más de 70 marcas de renombre de todo el mundo está presidido por Bernard Arnault (1949) undécimo hombre más rico del mundo y primero de Francia.
En una de las terrazas, vi una pareja que se encontraron con una escalera que debería salvar al menos 2 niveles de altura, y encogiéndose de hombros frente al esfuerzo, la encararon (yo tras ellos).
Mi amigo/arquitecto, me contradijo:
– Ah, no, es una obra fantástica, me ha parecido estupenda, digna obra de un encargo de Arnault en su carácter de ser el mayor coleccionista de arte moderno de Europa.
– En serio, dije yo. ¿Porque?
– Deberíamos hablarlo en extenso, pero es una gran obra.
Arnault sabe que no tiene una gran colección de obras de arte, de hecho no tiene ninguna obra artística contemporánea que cueste los 230 millones de euros que ha costado la obra que le ha encargado a Gehry.
Entonces, le pidió a Gehry una gran obra, la más importante de su colección. Y Gehry ha hecho una gran escultura transitable, rodeando a las salas de alas de mariposa (me encanto esto de alas de mariposa, voy a cambiar la mía porque ya no me gusta más -lo del tu-tú-), tiene 12 velas de vidrio. La mayor tiene 3.000 m2 y está 25 metros más alta que la terraza.
– En ese sentido llevas toda la razón, había más gente fuera que dentro del edificio.
– Claro, ha construido una montaña, y tú puedes salir de la montaña y caminarla por fuera, y ver el bosque maravilloso, y cuando lo deseas entras a la montaña.
– Bueno, no sé, me estas cambiando los esquemas, sigue le pedí.
– Todas son como montañas (no he estado en la Capadocia, en Turquía, donde hay una región, un paisaje montañoso con cuevas o lugares donde entrar).
Pero son lugares puntuales, como esta montaña, entras para ver algo, y luego sales estando en el conjunto.
Se ha hecho con un rigor constructivo enorme, con un cálculo, que evita problemas.
– ¿No se ira volando hasta Avellaneda? (siempre en estas conversaciones difíciles, como desde donde yo partí, trato de agradar con algo que me parece simpático, que no fue el caso).
– No, han hecho una tarea enorme de estudios de varios materiales, acero, madera, cristal,
La idea era que en el año 2009 se inaugurara el museo, para lo cual la ciudad de París, propietaria del parque otorgó el permiso. En 2011 una asociación defensora del Bois de Boulogne consiguió que un juez fallara “que –la obra y su función- alteraría la paz verde del parque”. La ciudad de París apeló este fallo, y el Arq. Jean Nouvel avaló a Frank Gehry diciendo:
“… con sus pequeños y ajustados trajes resulta bastante patético que quieran poner a París en formol…”.
Finalmente la Asamblea Nacional aprobó una ley especial alegando que la Fundación era un interés nacional y que el edificio que se pensaba construir era “una inmensa obra de arte para el mundo entero”, con esta ley se permitió su continuación.
En ese sentido, ya el fallo de la Asamblea Nacional lo menciona no como un edificio sino como una inmensa “Obra de arte”.
Ya he mencionado que la historia del Jardín d´Acclimatation comienza en 1854 de la mano del naturalista Isidoro Goefroy Saint-Hilaire (1805-1861)con el apoyo de Napoleón III, pero a partir de 1990 al Jardín de Aclimatación le resultó imposible competir con los nuevos parques temáticos abiertos en las afueras de París. El espacio fue comprado por el grupo Vuitton que recuperó algunas de sus antiguas piezas como el aviario o el coto rocoso para los ciervos. Con la construcción del edificio diseñado por Gehry se abre un nuevo capítulo en su historia.
La obra
Ya había leído acerca de velas o líneas continuas, todo controlado por el programa digital CATIA. Un programa creado originalmente para la industria aeronáutica por una compañía francesa y adaptado a los diseños de arquitectura, solo para este proyecto Gehry contó con la ayuda de más de 190.000 archivos digitales. Si lo pensamos como un iceberg (o montaña como mi amigo/arquitecto me dijo)- de los 11.000 m2 construidos 9.000 corresponden al iceberg.
Posee 2 accesos, el de la Avenida M. Gandhi o desde el Jardín, que nos dirigen a un amplio vestíbulo que articula los distintos espacios. El edificio cuenta con 11 galerías.
Un auditorio (en la planta sótano) con capacidad para 360 a 1000 personas, flexibilidad conseguida por un particular sistema automático de configuración de asientos. La gruta y las terrazas, cuenta con salas más pequeñas.
El edificio “interno” tiene 3 volúmenes. Y el “externo” permite exponer obras de arte y maravillarse ante las visitas al entorno.
Dos de las terrazas están cubiertas por las “velas”, y existe otra descubierta.
La lógica constructiva de la fundación es específica para cada bloque con una estructura primaria de hormigón armado con acero y una secundaria de madera y acero revestido con vidrio.
El edificio tiene 46 fachadas acristaladas. El software diseñado permitió calcular el radio de doble curvatura para cada panel de vidrio, lo que garantizaba su continuidad con los paneles adyacentes.
Los revestimientos de los muros del “Iceberg” son placas de Ductal Blanco fijadas a un marco de aluminio.
Son 19.000 rectángulos de medida equivalentes aunque cada uno tiene una curva propia.
Debería extenderme más, ya que ni he entrado a valorar su espacialidad (que es muy interesante) ni su riqueza visual.
Pero quería compartir estas formas de entender, explicar, o explicarse de la que sin dudas es una obra mayor de arquitectura.
Cuando leí del juicio de los vecinos, me acordé lo que le ocurrió a la Torre Eiffel, y el edicto municipal que permitía su demolición. La Torre Eiffel, un icono de París, existe hoy día, porque por suerte, prevaleció una mirada más allá de lo inmediato.
Voy a volver a re-mirar esta obra de Gehry y les aviso.
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Puede interesarte este tema, por lo que te envío esta sugerencia de Hugo K: Arq. Andrea Palladio, Palazzo del Capitaniato: https://onlybook.es/blog/palazzo-del-capitaniato-andrea-palladio/
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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Salvemos al Parador Ariston de su ruina
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Hugo A. Kliczkowski Juritz
7 de Agosto de 2015
Notas
1
La retrospectiva sobre la vida y obra de Le Corbusier, llevaba por título, «Le Corbusier: Las medidas del Hombre», estuvo expuesta desde el 29 de abril hasta el 3 de agosto de 2015
la 2nda parte pueden leerla en este link http://hugoklico.blogspot.com.es/2018/01/la-magia-de-xul-solar-parte-2.html
Arquitecturas latinoamericanas fantásticas y visionarias
– ¿Cuál es tu “Nacihora”? , habría preguntado Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari.
Xul Solar, que conocía el panlengua y el neo-criollo, entre otras razones por haberlos inventado sabia perfectamente que ese dato era indispensable para confeccionar una carta Astral.
Le estaban preguntando, ¿cuál es “la hora de tu nacimiento”?.
– “Nacihora”.
Xul Solar preparando una carta astral junto al periodista Carlos Marin.
Era una persona excéntrica, original y culta, estudiosa y autodidacta, versado en astrología, ciencias ocultas, idiomas y mitologías. Experto en la confección de cartas astrales. (1)
Su carta astral, que puede verse en el Museo Xul Solar indicaba que era de Sagitario,nacido a las 11,20 hs de un miércoles 14 de diciembre de 1887 en San Fernando de la Buena Vista.
Su casa en el Tigre, rehabilitada como museo
Vivió en muchos lugares, sus últimos años en el Tigre -cerca de donde había nacido- murió un martes 9 del mes de Abril de 1963, a los 75 años.
Su padre era amante de la música, la posición acomodada de esta familia de inmigrantes, llegados en 1873, permitió dar a su hijo conocimientos de violín, piano, teoría musical, y facilitarle la asistencia a conciertos. Tiene 19 años cuando su familia se traslada de San Fernando a Buenos Aires, donde trabaja de maestro. Tuvo una relación muy intensa con sus padres y su tía, quienes atendieron su educación.
Inicia sus estudios de arquitectura, (se dictaban en la facultad de Ingeniería), cursa solo 1 año entre 1906 y 1907, en su proyecto esta el de recorrer mundo,
El 5 de Abril de 1912 con 25 años parte en un buque inglés “England Carrier”o quizás el “Highland” a Hong Kong, Hace un trueque, pasaje por tareas de peón. Esta historia puede haber sido inventada, ya que en una entrevista Xul dice que viajó como pasajero en camarote de 2nda. clase y directo a Europa.
Si seguimos la historia inventada podemos imaginarnos que se pregunta:
– ¿Para que llegar a Hong Kong?, si puedo bajar en Londres, recorrer Inglaterra, Francia e Italia.
Meses mas tarde llegarían su madre Agustina Solari (1865~1958) y su tía Clorinda, a quienes visitó frecuentemente en la ciudad familiar. Su madre era de Zoagli, Italia y su padre Emilio Schulz Salles (1853 – 1925) de Riga, Letonia.
Durante 27 días de navegación, el barco toca las ciudades de Montevideo, Santos, Rio de Janeiro, Dakar llegando a finales de Abril de 1912 a Londres.
Influencias en Xul Solar
Mientras transcurre la 1er. Guerra mundial, visita a su familia y conoce entre otros al artista argentino Emilio Pettoruti (1894 – 1971), Emilio lo alienta a exponer sus pequeñas acuarelas y dibujos, lo hace en Paris y en Milán.
Emilio comenta: “Mientras yo examinaba sus trabajos, mi nuevo amigo me dijo que mi nombre era un lindo nombre de pintor, y que el suyo no le placía, le sugerí cambiarlo y nos enfrascamos en el estudio de un nombre agradable y sonoro que tuviese relación con el propio”. Pensaron en X, luego en Xul Sol, hasta llegar a Xul Solar, como continuo firmando sus cuadros.
En Berlín contacta con el Dadaísmo que es un movimiento cultural y artístico que surge en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zürich de la mano de Hugo Ball y el poeta Tristan Tzara, burlándose de las convenciones abarca la poesía, la escultura, la pintura, la música.
No es seguro, o no se sabe si conoció personalmente al pintor suizo Paul Klee, (1879 – 1940), aunque recibió su influencia. Fueron años que se dedica a formarse y observar obras de arte.
En Berna aprende música, artes plásticas, lee a los clásicos y dedica su tiempo a la observación de las obras de William Blake (1757 – 1827), obras con elementos fantásticos y sobrenaturales, Gustav Klimt (1862 – 1918) y Goya (1746 – 1828)
En París estudia las obras de Leonardo (1452 – 1519) y Rembrandt (1606 – 1669). Realiza dibujos inspirados en Van Gogh (1853 – 1890) Gogh(1853 – 1890), Cézanne (1839 – 1906) yMatisse(1869 – 1954) entre otros representantes de la escuela francesa.
Entra en contacto con el grupo der Blaue Reiter (El jinete azul), lo que le permitió conocer a sus creadores, WassilyKandinski (1866 – 1944) y Franz Marc (1880 – 1916) August Macke, Paul Klee y Alexei von Jawlensky. (2)
“No puedo evitar la idea de que se trata de celdas, con aberturas por donde entran el aire y la luz y sale, como la mía, la mirada del morador» Ezequiel Martinez Estrada. (3)
El almanaque de Blaue Reiter
De ellos le impresiona el diseño multitemático de “El Almanaque”, obra de Kandinsky y Marc, una especie de revista con textos teóricos, poemas, aforismos, ensayos sobre música, partituras (de Schönberg, Webern y Berg) y una amplia selección de imágenes de obras de los artistas del grupo, de arte popular, infantil, relieves etruscos y arte precolombino. (4)
Kandinsky explica el calendario y su intención de eliminar el límite entre el arte antiguo y el arte moderno: “En aquella época maduró en mí el deseo de hacer un libro (una especie de almanaque) al que contribuyeran como autores solamente artistas. Deseaba que fueran pintores y músicos de primera fila. La perniciosa separación de las artes; la separación entre “El Arte” y el arte popular e infantil, y la “etnografía”; los sólidos muros que dividían lo que, en mi opinión, estaba tan estrechamente relacionado y eran, a menudo, fenómenos idénticos -en una palabra, sus relaciones sintéticas- todo eso me inquietaba”.
En Junio de 1911 Kandinsky le escribe a Marc«Tengo un nuevo proyecto. El editor será Piper y nosotros dos los redactores. Una especie de almanaque con reproducciones, artículos… y una crónica. Es decir, críticas de exposiciones hechas únicamente por artistas… Un lazo con el pasado y una luz que ilumine el futuro…… Pondremos una obra egipcia al lado de un pequeño Zeh…un niño que dibuja bien, una obra china al lado de Rousseau el Aduanero, un dibujo popular al lado de un Picasso y así sucesivamente. Poco a poca atraeremos a escritores y músicos…».
Esa era la idea básica: unir a pintores y a músicos. (5)
Querían ir mas allá de la envoltura para llegar a lo esencial, mas que una unidad de estilo, los unía una coincidencia en los objetivos.
En Munich asiste a las conferencias de Rudolf Steiner (1861 – 1925), filósofo, pedagogo y arquitecto austriaco, creador de la antroposofía, (la agricultura ecológica biodinámica, la bioconstrución y la arquitectura bioclimática) sostenía que la percepción espiritual es independiente de los sentidos. Sus clases eran un acontecimiento cultural, Xul toma nota de la conferencias y lleva sus libros a Buenos Aires, fue como su “maestro espiritual”.
Rudolf Steiner, creador de la arquitectura antroposófica
La historiadora del arte Lourdes Cirlot Valenzuela (1949) comenta sobre Steiner, “concebía la arquitectura como medio para expresar en el espacio las leyes rítmicas de la naturaleza y recreaba de ese modo en el objeto construido las estructuras propias del mundo viviente”
En 1912 expone en Berlín junto a Alfred Kubin (1877 – 1959) y August Macke (1887 – 1914).
En París se relacionó con Robert Delaunay (1885 – 1941) y se impregna del clima cubista. Su interés se centra cada vez más en el movimiento, el tiempo, la luz, el color, las formas impregnadas de un gran recogimiento espiritual.
Durante 1914 recorre Tunez. Comienza sus exposiciones y su relación con grupos de escritores y artistas de la vanguardía parisina como Picasso, Apollinaire y Modigliani.
Man Tree 1918
En 1918 pinta “Man Tree”, al que incorpora por primera vez palabras a la pintura. En Milan realiza su primera exposición, y estudia filosofía, literatura, etnografía, historia y los saberes ocultos.
Influencias esotéricas: Edward Alexander Crowley (1875 – 1947) fue un influyente ocultista, místico, alquimista, escritor, poeta, drogadicto, medium y mago ceremonial, se apodaba The Great Beast 666 -la gran bestia 666- quien le dará la “iniciación”. Esta consistiría en aprender a dominar la mente, concentrarse y experimentar visiones. Fue un aprendizaje decisivo en su vida espiritual.
En el British Museum Xul lee de magia, alquimia y autores, filósofos, matemáticos, médicos, juristas, cirujanos e ingenieros- que disertan sobre la sabiduría y perfección de la Astrología. Se definia como “catrólico”, es decir católico y astrólogo.
Paseando por la Riviera Lígure se aloja como se mencionó en un pueblito llamado Zoagli, también vivió largas temporadas en París, Florencia, Londres, Munich a veces en compañia de su amigo Emilio Pettoruti, con quien en Junio de 1924, regresa a Buenos Aires a bordo del vapor “Vigo”. Tiene 36 años.
Buenos Aires
En Buenos Aires se contacta con artistas que adscribían a una revolución estética, el grupo literario Martín Fierro (1924 – 1927), la revista (re-fundada por su director Evar Méndez y por José B. Cairola), llegó a tirar 20.000 ejemplares. Era un agrupamiento informal de artistas de vanguardia. Llamado también Grupo de Florida, ya que sobre esa calle estaba la sede de la revista y el café La RICHMOND donde se reunian, asi como en el café TORTONI.
Coexistía con otro grupo literario de Buenos Aires, el llamado Grupo Boedo. (6), con escritores que también publicaban en “Los Pensadores” y revistas de izquierda cultural. Este grupo tildaba a Xul como “el genio de la casa”(7).
Evar Méndez estuvo vinculado a “Proa”, revista literaria integrada por Borges y Macedonio Fernández (1874 – 1952) entre otros.
En la despedida cuando Marechal parte a Europa, Xul le escribe en el Martin Fierro, en su panlengua “lo psicoabrazo y nos hemos de frecuenreunir por los sueñipaises por los taqipaises de Fantasía”.
Xul ya forma parte de los creadores de la vanguardia argentina, se relaciona con Antonio Berni, Miguel Victorica, Hector Vasaldua, Victoria Ocampo.
Son vanguardia en el sentido de crear un nuevo orden de las cosas en relación a lo que les antecede, a lo establecido. Se enfrentan a las tradiciones, y al conformismo y buscan la novedad con actitud provocadora.
El poeta y crítico de arte Aldo Pellegrini (1903 – 1973) destaca a los fundadores de la primera vanguardia argentina, influenciados por la “Escuela de Paris”, entre ellos Aquiles Badi (1894 – 1976), Horacio Butler (1897 – 1983), Héctor Basaldúa (1895 – 1976), Raquel Forner (1902 – 1988), Lino Eneas Spilimbergo (1896 – 1964), Antonio Berni (1905 – 1981), Alfredo Bigatti (1898 – 1964), Emilio Pettoruti (1892 – 1971), Juan Del Prete (1897 1987) y Xul Solar, de quien comenta que “es difícil de encuadrar en una corriente específica” lo describe como realizador de una “figuración fantástica muy personal”, lo vincula al Surrealismo. “En la pintura le tocó a Xul Solar ser el único de esa generación que exploró zonas más arriesgadas y no cedió nunca a la búsqueda de nuevas expresiones (…) El de Xul Solar es el arte de un visionario, arte que no puede medirse con los patrones que se usan comúnmente para los otros artistas”.
Se relaciona con el músico Juan de Dios Filiberto (1893 – 1964), con algunos pintores de La Boca, el pintor y critico uruguayo Guillermo Facio Hebecquer (1889 – 1935), el escultor Pablo Curatella Manes (1891- 1962), entre otros.
El mundo se hace de nuevo en cada hombre que lo mira”. L. Marechal
Pinta obras y objetos arquitectónicos que conoce como la Penitenciaría Nacional donde trabajó su padre durante 20 años (Xul tambien durante 6 meses a partir de setiembre de 1905) , en varias de sus pinturas aparecen altísimos muros y torres, largos caminos, recorridos zigzagueantes de almenas, personajes anónimos, que recuerdan la vida de aquella cárcel, (“Ciudá y abismo”, “Casi plantas”, “Muros y escaleras”), o el Duomo de Milán; los castillos de Luis II de Baviera o las modernistas construcciones de Antonio Gaudí (1852 – 1926)
Es bastante lógico preguntarse ¿Xul había conocido los grabados carcelarios de Giovanni Battista Piranesi (1720 – 1778) en sus paseos por Roma?. Quizás fueron el germen de sus arquitecturas visionarias (1917). Pintaba símbolos que se repetían, caminos que conducen hacia grutas elevadas, pirámides, lagos, escaleras, símbolos de la verticalidad, la elevación, la ascensión, Inventó y pintó las montañas y las regiones de la tierra, las ciudades, los barrios y maquinarias voladoras. Invento estructuras arquitectónicas.
En la década del ´30, creo paisajes y diseños arquitectónicos fantásticos, donde se manifiestan su visión de Dios (teosofía), su mística y su interés por la astrología, y las pinto como un artista original en tanto que escritor, poeta y mago.
¿Se puede crear ese mundo arquitectónico tan lleno de vida, de originalidad, de formas, sin tener enormes recursos formales y de comprensión del espacio? En el caso de Xul sería la comprensión del “cosmos”.
Con un lenguaje propio, traduce lo que ha estudiado, experimentado e integrado (las artes plásticas, la literatura y sus vastos conocimientos). Hay como ya se ha dicho un paralelismo con la obra de Vassily Kandinsky y de Paul Klee, que ha hecho visible (al igual que él), la magia de lugares fantásticos, y de una arquitectura utópica.
Al recuperar la idea del artista como un artesano (renacimiento), los proyectos de Xul nos hacen comprender que su idea del espacio, es de un espacio comunitario. (Patricia M. Artundo autora del catálogo razonado de su obra).
XUL un arquitecto no convencional. Casas en el Delta
«Seamos, de manera consciente, arquitectos imaginarios… Somos el brote en un humus fresco» Bruno Taut en el grupo expresionista La Cadena de Cristal – Die Gläserne Kette– tenía el seudónimo “Glas”(8)
El crítico de arte Jorge Lòpez Anaya hace una referencia a una posible influencia en Xul del arquitecto Bruno Taut (1880 – 1938) y su circulo “Gläserne Kette” (La cadena cristalina). (9)
Taut como Xul era ante todo un viajero, y tambien firmaba sus proyectos expresionistas con un seudónimo Namenlose, el “sin nombre”.
Taut fue un arquitecto que había soñado con ser pintor y Xul un pintor que pensó en ser arquitecto.
Siedlong Onkeñ Tom de Bruno Taut
Arquitectura alpina 1919
La Corona de la Ciudad 1919
Taut utilizó el color en la arquitectura como un pintor, buscando efectos puramente plásticos. Xul Solar imaginó ciudades y casas como un arquitecto. La guerra y la revolución habían conmocionado al mundo y provocado dolor, las propuestas de Taut para una arquitectura expresionista: arquitecturas pintadas, escritas y dibujadas, cuyo fin último es concebir la felicidad, construirla. Escribe un guión en 1920 “los Zuecos de la suerte”, donde zapatos y huellas abren el futuro de la felicidad.
Soñando una arquitectura para un mundo en paz, como contraparte a un período entre dos guerras mundiales creo 4 obras donde desarrolla una utopía arquitectónica, basada en constucciones de colores: La corona de la ciudad(1919); Arquitectura alpina(1919), La disolución de las ciudades (1920) y El maestro arquitecto del mundo (1920).
Planta general de la Exposición de la vivienda en Weissenhof
Su devoción por el color no solo la aplicó en sus pinturas, fue evidente en 1927 en la la Exposición de la vivienda Weissenhof de 1927 en Stuttgart: en contraste con creaciones de un blanco puro, como las de Mies van der Rohe(1886 – 1969), Le Corbusier(1887 – 1965), y Walter Gropius (1883 – 1969) la casa número 19 que diseño Taut estaba pintada de colores primarios. Taut proponia una “arquitectura para la felicidad”, y consideraba al color como un material más en la construcción. En uno de sus planes de viviendas llamado Siedlung (urbanización) Onkel Toms, de mediados de los años ’20, diferencia ventanas y puertas que eran todas iguales con combinaciones en amarillo-rojo-blanco y blanco-amarillo-rojo.
El proyecto Fachada Delta es la remodelación que el artista propuso para su casa del Tigre. (10)
“Proyecto Fachada Delta» (1954), acuarela sobre papel montada sobre cartón, 26 x 36 cm. Fundación Pan Klub
Mestizos de avión y gente (1936)
Los temas de Xul son elementos plásticos que remiten a festejos populares, actividades sociales, incluye colores luminosos, largas escaleras, paneles colgantes y todo conectado con la naturaleza.
“La pareja avanza hacia tales objetos. Giran sus miradas, que se dirigen a la meseta, sobre la cual está aterrizando un brillante y luminoso aeroplano de extrañas formas. Saltan a bordo y remontan el vuelo. Bajo ellos ven la maravillosa tierra, a veces más distante, bajo las nubes, otras más cercana, con todos sus edificios. Más lejos, una visión radiante. Aterrizan”.Ya estando en Milan, Xul descubre que una de sus “mayores aspiraciones era lograr construir espacios comunales destinados a la cultura y al culto de su nuevo mundo”.(11). B.Taut Die Galoschen des Glücks (Los Zapatos de la suerte).
NOTAS
Fotografía tomada de la colección editorial «Pintores Argentinos del Siglo XX», volumen 1 al 58, editada por Centro Editor de América Latina. Publicada en 1980 y 1981 en Buenos Aires, Argentina
1
Profundo conocedor de la astrología, a partir de 1939 comenzó a diseñar cartas astrológicas. Entre los personajes de la cultura, realizó las cartas astrales de Miguel Ángel Asturias, Macedonio Fernandez, Jorge Luis Borges, Leopoldo Marechal, Manuel Mujica Lainez, Juan Manuel Fangio, Victoria Ocampo, Tomas Maldonado, Luisa Mercedes Levinson, Adolfo Bioy Casares, Ricardo Güiraldes, Pablo Rojas Paz, Ezequiel Martinez Estrada, Jorge Calvetti, Raúl Soldi, Alfredo Guttero, Onofrio Panizza, Juan Batlle Planas, Emilio Pettoruti, Jozquin Torres García, Julio Payró, Jorge Romero Brest. Alvaro Abós, “Xul Solar, pintor del misterio”.
Carta Astral de Jorge Luis Borges
Xul desde Turín escribió a su padre (Emilio Schulz Riga) sobre este encuentro: “hay cosas espantosas para los burgueses, cuadros sin naturaleza, líneas y colores sólo, por ejemplo así… (Dibuja en tinta un cuadro de Kandinsky) estoy satisfechísimo porque veo cómo yo solo, sin inspiración exterior de ninguna clase, he trabajado en la tendencia que será la dominante del arte más elevado del porvenir”.
2
El grupo de artistas Der Blaue Reiter con sede en Munich incluía al pintor ruso Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Paul Klee, Alfred Kubin, Gabriele Münter. Alexej von Jawlensky, Heinrich Campendonk, Natalia Goncharova, Mijaíl Lariónov, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger, Arnold Schoenberg, David Burliuk.
En otra carta le escribía “estoy cada vez más cansado de Europa i su civilización, cansado de tanto salvajismo i atraso ke hai en Europa”.
3
“La ciudad como espacio de libertad pero también como cárcel…Ezequiel Martinez Estrada describia asi el bosque de ventanas “No puedo evitar la idea de que se trata de celdas, con aberturas por donde entran el aire y la luz; y sale, como la mía, la mirada del morador. Se trata de celdas y prisioneros. Me es fácil pensar que todos estamos presos, aunque el guardián haya desaparecido hace años o siglos. Nos encerró a todos y se fue, o se murió. Hizo la ciudad y nos metió dentro con la consigna de que no nos marchásemos hasta que volviese. La cabeza de Goliat, 1940.
Horóscopo de Xul Solar
4
“El jinete…” bregaba por el arte como artificio, por el gesto antimético frente a lo real; contra la saturación de la tecnología y del maquinismo. Sugieren ver las cosas desde adentro. Vale recordar el célebre ensayo de Kandinsky “De lo espiritual en el arte”.Fabián Lebenglik en Pagina 12. Marzo 2017. A raíz de la exposición en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.
5
Querían demostrar que su propuesta de vanguardia se hundía en la tradición.Por eso en El Almanaque hay de todo pintura china, xilografías góticas, máscaras africanas, dibujos infantiles, esculturas precolombinas, pinturas bávaras sobre vidrio, telas, miniaturas medievales, Picasso, Van Gogh, Rousseau, Cézanne, Gauguin, y ensayos sobre música y pintura, forma y color. «Hemos explicado en el catálogo de nuestra exposición que el objetivo no era preconizar una tendencia concreta, sino que tenía por principio la diversidad de expresiones artísticas”.
El Almanaque se publicó en 1912 y la guerra tuvo la culpa de que no apareciera un segundo número, pero su importancia fue crucial y constituye uno de los textos decisivos del pensamiento artístico de nuestro siglo. De hecho, su primera exposición del grupo se anunció como “Primera exposición de la redacción de El Jinete Azul”ellos se sentían redactores de El Jinete Azul, antes que grupo de pintores». Virginia Tovar Martín (historiadora y catedrática) en ArteHistoria.
6
Martín Fierro ya había sido publicada por Evar Mendez en 1919, la vuelve a publicar entre Febrero de 1924 y Noviembre de 1927, Fundada además por José B. Cairola, Leónidas Campbell (fundador de ambas ediciones) Hipólito Carambat, Luis L. Franco, Oliverio Girondo (1891 – 1967) – esposo de Norah Lange-, Norah Lange (1905 – 1972), Ernesto Palacio (1905 – 1972), Pablo Rojas Paz (1896 – 1956), y Gastón O. Talamón. con colaboradores permanentes como Jorge Luis Borges, Pedro Figari, Raúl González Tuñón, Eduardo González Lanuza, Ricardo M. Setaro, Leopoldo Marechal, Mario Bravo, Fernando Fader, Macedonio Fernández, Santiago Ganduglia, Córdoba Iturburu, Samuel Glusberg, Leopoldo Lugones, Roberto Mariani, Luis L. Franco, Xul Solar, Emilio Pettoruti, Ricardo Güiraldes, Ernesto Palacio, Pablo Rojas Paz, Sergio Piñero. También se acercaron a sus páginas Enrique Amorim, Brandan Caraffa, Luis Cané, Andrés Caro, Vizconde Emilio de Lascano Tegui, Francisco López Merino, Pedro Herreros, Leopoldo Hurtado, Manuel Lugones, Conrado Nalé Roxlo, Nicolás Olivari, Horacio A. RegaMolina, Nicolás Barrios Lynch, Xul Solar y Ricardo Rojas. Lino Palacio colaboró en el diseño gráfico, y representantes de las vanguardias arquitectónicas como Alberto Prebisch y Ernesto Vautier.
7
Tesis de Laura Farina, Clarisa Fernández, Cintia Kemelmajer, Leticia Lozano, director: Carlos Vallina. “La comunicación en el Universo de Xul Solar” Facultad de Periodismo y Comunicación Social Universidad Nacional de La Plata. Diciembre, 2007.
8
La Cadena de Cristal –Die Gläserne Kette– fue un grupo expresionista de la Alemania de entreguerras liderado por Bruno Taut. Entre 1919 y 1920 publicaron en la revista Frühlicht sus escritos y dibujos. Todos tenían seudónimos, Bruno Taut “Glas”, Wilhelm Brückmann “Berxbach”, Walter Gropius “Mass”, Hans Scharoun “Hannes”. Alfred Brust “Cor”, Hermann Finsterlin “Prometh”, Paul Goesch “Tancred”, Jacobus Goettel “Stellarius” Wenzel Hablik “W.H.”, Hans Hansen “Antischmitz”, los hermanos Hans “Angkor” y Wassili Luckhardt “Zacken”.
9
Jorge López Anaya (1936 – 2010) fue uno de los críticos de arte argentinos más lúcidos y centrales en el estudio del arte local, especialmente contemporáneo. Historia del arte argentino. Buenos Aires: Emecé
10
María de los Ángeles Rueda,“Arte y Utopía, la ciudad desde las artes visuales”, Asuntoimpreso Ediciones, Buenos Aires, 2003.
11
Mario H. Gradowczyk“Alejandro Xul Solar”, Ediciones ALBA Fundación Bunge y Born, Buenos Aires, 1994
Caminamos en nuestra Utopía para recuperar ¡Nuestra Huella! Recuperando El Parador Ariston.
Obra de los arquitectos Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Carlos Coire.
Utopía
Eduardo Galeano comenta en uno de sus libros que estando en Cartagena de Indias, en la costa Colombiana con el director de cine argentino Fernando Birri, un estudiante le pregunta:
-¿Para qué sirve la utopía?
-y Fernando Birri responde que esa pregunta se la hacia él todos los días.
-¿Para qué sirve la utopía?
-Fíjense ustedes que la utopía para mí está en el horizonte.
Y si está en el horizonte nunca la voy a alcanzar.
Pues si yo camino 10 pasos, la utopía se va a alejar 10 pasos.
Y si camino 20 pasos, la utopía se va a colocar 20 pasos más allá.
Cuanto más lo intente, menos lo conseguiré.
Porque ella, se va alejando a medida que yo me acerco.
O sea, yo sé, que jamás, que nunca la alcanzaré.
Es una buena pregunta, ¿para qué sirve la utopía?
La Utopía sirve para eso, para caminar.
Eduardo Galeano
Fernando Birri
Recuperar el Ariston. Es también una Utopia?
Poniendo nuestro mejor empeño para salvarlo de su actual estado de abandono, caminamos hacia ese propósito,
Debemos cuidarlo y evitar que desaparezca. Porque hay un riesgo, cuando desaparecen, las historias también desaparecen. Cuando desaparecen los espacios donde tejimos y construimos historias, nuestras historias también desaparecen con ellos. Las historias se desarrollan en algún lugar y cuando estas historias se relatan hablamos en el espacio y en el tiempo. (Marc Augé)
Nota 1.
Hablamos de nuestra “HUELLA”.
Hay un nexo entre los espacios y nuestras historias. Se alimentan mutuamente. Los espacio efímeros y provisorios producen relaciones efímeras y provisorias, y todo lo efímero y provisorio está destinado a desvanecerse. Por el contrario, aun hoy, luego de más de 25 de años de estar cerrado, el parador Aristón, sigue despertando historias, pasiones y deseos. No hablamos pues de una arquitectura efímera, en el sentido que es una arquitectura que dura menos que nosotros mismos, sino de una arquitectura con vocación de permanencia que nos sobrevive. Nos relacionamos con el edificio, que es donde transcurren nuestras realidades cotidianas y alimentamos esa relación con nuestras narraciones. Tenemos una relación afectiva con los lugares que habitamos, tambien han condicionado nuestra manera de ser y actuar. (Nota 2)
Esa es nuestra “Huella”.
La arquitectura es el arte de las superficies que están alrededor del espacio (Brinkman)
Hay una percepción del lugar y del tiempo (Einstein)
El hombre existe en el espacio al dar lugar al espacio (Heidegger)
Cada período cultural tiene su propia concepción del espacio, pero es preciso cierto tiempo para que la gente lo entienda asi conscientemente. (Lazlo Moholy-Nagy)
Hay cierta arquitectura que es muy importante conservar, porque ella y sus espacios nos recuerdan a los que nos han precedido, y también a nosotros mismos en otro tiempo. Hay obras que se transforman en iconos de la arquitectura, tienen la fuerza para influir en su entorno físico y cultural. Transforman el lugar en un sitio especial. Como el Parador Aristón.
Así como las acciones inmateriales se recuperan con las historias que se cuentan y escuchamos, cuando son edificios, las historias se construyen de manera más compleja, son historias que hemos creado entre todos y son los edificios los que nos dan pistas de esas historias, donde hemos vivido y compartido distintos momentos. Como si cultivaramos, cuando se proyecta un edificio, nos apropiamos del sitio. Nota 3
Así construimos Nuestra Huella.
Marcel Breuer
Un edificio para poder vincularse con la cultura a la que pertenece, debe estar inmerso en las realidades, emociones y mitos que forman el imaginario colectivo de una sociedad. Javier Maderuelo.Nota 4
A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”. Peter Blake.Nota 5
Defender el Parador Ariston es asumir la defensa del patrimonio histórico. La propuesta, es hacer pedagogía en la opinión pública para que defienda la arquitectura contemporánea como parte de su patrimonio, a los gobiernos municipales y provinciales para que declaren la protección de obras de alto valor arquitectónico. Al defender nuestro patrimonio, defendemos lo que hemos heredado de nuestros padres (“Patrimonium”). Al conservarlo (es frágil y limitado), establecemos vínculos con un legado que es común a todos. Su enorme valor radica en que ese legado nos vincula al pasado haciéndolo presente.
Esa es nuestra “Huella”.
Eduardo Catalano
Desde el punto de vista espacial, el Movimiento Moderno creó una nueva manera de entender el espacio urbano y doméstico del cual somos herederos. Arq José María Ezquiaga – decano del Colegio de Arquitectos de Madrid (COAM)
Otra manera de presentar al Parador Ariston
En un mágico paisaje, cuando el hombre proyecta, descubre un lugar. Lo diseña, creando un sitio y creando espacios.
El espacio surge de repensar el tiempo (Henry Lefebvre)
El espacio, es el lugar donde son posibles los relatos, de hecho, todo relato es un relato de un viaje, que es nuestra experiencia personal en ese espacio. El relato de nuestras vivencias, nuestras historias, hace el espacio y al contarlo a los demás, define nuestra “huella”.Nota 6
Carlos Coire
Notas
1. Marc Augé 1935: Estas formas simples se concretan en y debido al tiempo. De hecho, todas las relaciones inscritas en el espacio se inscriben también en su duración, son, por lo tanto, históricas.
2. Marc Augé, se refiere al «no lugar» como lugares transitorios, que no tienen suficiente importancia para ser considerados “lugares”. Un no-lugar puede ser una autopista, una habitación de hotel, una estación de tren, un centro comercial, donde la relación es más superficial, circunstancial, las relaciones son más artificiales que en un “lugar”. Hay espacios que tienen una doble acepción: Aunque un centro comercial pueda ser un lugar de encuentro, de relación y de diversión para gente joven, puede ser un no lugar para gente mayor
3. La clave estaba en un libro del arquitecto austriaco Victor Gruen, El corazón de nuestras ciudades. Gruen intentaba establecer una circunscripción entre aquello que pertenece a la ciudad (de todas las ciudades en general), y aquello que queda excluido: hay sitios de tránsito y sitios de encuentro; sitios donde los itinerarios corren en paralelo y sitios donde tienden a cruzarse; sitios estáticos y sitios dinámicos; sitios donde uno puede encontrarse con personas y sitios donde las personas se transforman en cosas.
4. Javier Maderuelo. LA IDEA DE ESPACIO. En la arquitectura y el arte contemporáneo 1960-1989. Editorial Akal (978-84-460-1261-0). 2008.
5. El historiador Peter Blake, en su libro “The Master Builders” (1976) comenta acerca de las vidas que pueda tener la arquitectura de los grandes maestros, y nos dice que la primer vida de un edificio comienza cuando el edificio se termina y su éxito se juzga dependiendo de si funciona o no, su segunda vida es una o dos generaciones más tarde cuando ya no se recuerda su comportamiento en términos de planificación, presupuesto, comodidad, ya que se lo juzga simplemente como si fuera una obra antigua, aunque el edificio no sea demasiado “bello”. A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”.
6. Es el relato el que transforma el lugar en espacio. (Michel de Certeau -1925/86- filósofo, “Las artes de hacer”)
Verán ustedes: si en vez de un palacio de cristal tengo un simple gallinero, cuando llueva podré cobijarme en él; pero, aunque le esté muy agradecido por haberme preservado de la lluvia, no lo tomaré por un palacio. Ustedes se ríen y me dicen que en este caso un palacio y un gallinero tienen el mismo valor. Y yo les responderé que así es, pero que no vivimos sólo para no mojarnos —Dostoyevski
En el viaje realizado en la semana del 15 al 19 de octubre de 2001, a Varsovia, Lodz y Cracovia, hemos podido verificar, lo que tantos suponían, que el apellido KLICZKOWSKI es ilustre, y noble.
Consultando con el famoso libro del Dr. Hipolit Stupnicki “HERBARZ POLSKI”, en su tomo 1ero. De 1855, en la página 25, se aprecia dos escudos del apellido KLICZKOWSKI, la dinastía PILAWA (la nuestra) y la dinastía PRUS I. (que no es la nuestra).
Este trabajo de investigación, comenzó el día Lunes 15 de octubre de 2001, en el vuelo de Lufthansa LH 3268 de las 10,50 hs, en clase C, como corresponde.
A las 12,35 hs, llegamos Guille y yo al aeropuerto de Varsovia.
En la foto 1era, se ven a Hugo, Stanislaw Kliczkowski y Guillermo, en el café del Hollyday Inn, en un fraternal encuentro con quien será de ahora en adelante, nuestro pariente en Varsovia.
Era el único con apellido KLICZKOWSKI en la guía telefónica, y el habla polaco y alemán, y nosotros argentino y lunfardo, así que debimos recurrir a la eficiente labor del traductor contratado por nos-otros.
Solo debo decir que nuestro Stanislaw KLICZKOWSKI, es barítono y ha cantado en la Opera de Potsdam., su esposa Anna es Ingeniera, y como es mujer se llama KLICZKOWSKA, y su hija Evelyn de 22 años.
La 2da. Foto, pertenece a la entrada a la Plaza del Mercado de la ciudad Vieja (Rynek Starego Miasta).Todo el mundo sabe que hasta finales del siglo XVIII, fue la mas importante de Varsovia, Se celebran habitualmente ferias y festividades, y ya lamentablemente se ven menos ejecuciones públicas, mide 90 x 73 metros, los mas ricos comerciantes construyeron sus casas aquí, pero la nuestra no está aquí sino en el castillo KLICZKOW.
A. ASPPAN SL, es la distribuidora nacional, y se ocupa del fondo editorial del grupo (HK), y también de fondos editoriales de primer nivel, especialmente en idioma español, y ediciones bilingües y trilingües, que incorporan el inglés, alemán, francés y portugués en sus ediciones. Cuenta con subdistribuidores y almacenes en todas las comunidades de España y Portugal. ONLYBOOK SL, es la distribuidora internacional, con venta especialmente en Latinoamérica, además de Brasil y los EEUU. Cuenta con un equipo de venta con sede en Buenos Aires y realiza viajes para promocionar novedades y potenciar la venta de sus fondos.
Exporta a varios países de Europa y Asia. En sus tres almacenes, se reciben y distribuyen mas de 3,5 millones de libros al año.
Nuestra empresa se forma en 1988, dedicándose a la edición y distribución de libros y revistas. Con base en temas como arquitectura, diseño grafico e interiorismo, va ampliando sus campos al arte, la fotografía, libros infantiles, turismo, libros de regalo de alto nivel de diseño y edición, y literatura.
La editorialHK(H Kliczkowski), realiza libros propios así como coediciones con importantes grupos editoriales de todo el mundo. Posee un fondo editorial de mas de 700 libros, y produce 40 libros nuevos cada año. Algunos de sus títulos han superado los 80.000 ejemplares en varias ediciones y se han traducido a mas de 14 idiomas entre ellos el español, alemán, catalán, chino, coreano, francés, griego, holandés, inglés, italiano, japonés, polaco, portugués y ruso.Ha ampliado su temática editorial a notebooks y stationary con su ya prestigiosa marca KLIC*.
sobre arquitectura, Arte, fotografía, diseño por Hugoklico@gmail.com
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De origen remoto, quizás siglo II, su gran difusión en el mundo islámico se produjo en el siglo VIII, el instrumento más antiguo que se conserva está en el Museo Nacional de Kuwait y es del año 927. (llega a Europa recién en el XII).
Al estar dividido cada minuto en 30 fracciones, tiene una precisión de dos segundos.
Los monzones siguen siendo un factor decisivo en la productividad de las cosechas.
Estos instrumentos dan una medida precisa del tiempo, la declinación solar, el acimut (medida exacta del ángulo o longitud del arco medido
sobre el horizonte celeste). Estas son una de las dos coordenadas horizontales, la segunda es la altura. estas coordenadas son locales y dependen de la posición del observador. Además permiten localizar las constelaciones, eclipses y otros fenómenos atmosféricos.
Construido de arenisca roja y mármol blanco, se lo ve como un triángulo, reposando en el plano del meridiano local. A cada lado dos cuadrantes curvos de 27 grados sobre el plano del ecuador. Están graduados en horas, minutos y segundos.
El uso masivo de un espacio público es un referéndum de aprobación aceptación y apropiación.
En Muji vi que además de pañuelos ofrecen casas prefabricadas, no sé cómo llegaron e una cosa a la otra.
Este texto de 1936 del gran arquitecto, maestro de maestros, me ha llevado a pensar en los lugares y espacios que asocio a la palabra fronteras, me he asombrado de la cantidad de fronteras que existen, y que junto a cada una de ellas, existen otras. Algunas dentro de nosotros, otras fuera.
Mark Twain (1835-1910) lo explica muy bien cuando no reconoce peor identidad que la humana.
Mélnikov creía en el derecho y la necesidad de respetar la expresión personal, pero ese derecho (a la expresión personal) no era compartida por el régimen y fue caracterizado como un arquitecto formalista, esa definición fue también un límite (que en este artículo utilizo como una frontera más), que en aquella época de purgas se utilizó en forma despectiva para definir a los otros.
Algunos límites, parecieran ser también un límite a la creatividad, aunque Xul Solar (1887-1963), hermano espiritual de Jorge Luis Borges, consigue eludirlos como una forma natural de incentivar su creatividad. Crea un juego cuyas reglas cambian permanentemente, es posible jugar al panajedrez, (como lo denominó), pero sin reglas fijas conocidas, ya que la que se conoce es la anteúltima, la última regla la crea Xul en el momento de jugar. Reglas que no limitan su capacidad creativa y le permiten interactuar al jugar, ya que es Xul quien las recrea permanentemente. 
Casi 2 siglos más tarde el arquitecto americano Frank Lloyd Wright (1867-1959) decía «La ley y las reglas están hechas para el hombre medio. Es infinitamente más difícil vivir sin reglas, pero eso es lo que los hombres de pensamiento realmente honesto y sincero están forzados a hacer».
El célebre Adagio en Sol menor de Tomaso Albinoni, en realidad, no es de él. Hoy sabemos que Remo Giazotto,(que nació 239 años más tarde) musicólogo italiano que clasificó y catalogó las obras de Tomaso Albinoni (1671-1751), fue el verdadero autor del conocido Adagio de Albinoni.
De ellos le impresiona el diseño multitemático de “El Almanaque”, obra de Kandinsky y Marc, una especie de revista con textos teóricos, poemas, aforismos, ensayos sobre música, partituras (de Schönberg, Webern y Berg) y una amplia selección de imágenes de obras de los artistas del grupo, de arte popular, infantil, relieves etruscos y arte precolombino. 
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Eduardo Galeano
