Tadao Ando

El arquitecto autodidacta Tadao Ando a sus 81años, mantiene una actividad de una calidad sorprendente. (Minato-ku, Osaka Septiembre de 1941).

En su libro “Historia crítica de la arquitectura moderna” el historiador Francesco Dal Co, analizando los pensamientos que contengan teoría y práctica de la arquitectura define a Ando como diseñador de un “regionalismo crítico”, otro historiador Keneth Frampton entiende que comprender tradicionalmente el contexto no ayuda en la búsqueda de una integración de materia/forma/ y contenido temático en la arquitectura.

La descripción que hace Frampton de estas dos acciones (motores) que accionan en la arquitectura moderna (materia y pensamiento, teoría y práctica), es claramente un lamento por la falta de integración entre los seres humanos y el mundo externo, que es como decir entre sujeto y objeto.

Como seguidor de la Escuela de Frankfurt, manifiesta éste deseo: “…la única esperanza de discurso significativo en el futuro inmediato radica, en mi opinión, en un contacto creativo entre estos dos puntos de vista extremo”. 1989

Creo que mientras Frampton se refiere a la Teoria Arquitectonica, Tadao Ando, aclara el punto con sus obras en forma fehaciente y suficiente. (1)

Premios

1979 Premio Anual (Row House, Sumiyoshi)

1983 Premio de Diseño Cultural (Rokko Housing One and Two)

1985 Medalla Alvar Aalto

1989 Medalla de Oro de la Arquitectura. Francia

1992 Premio de Arquitectura Carlsberg. Dinamarca

1993 Premio de la Academia de Arte de Japón

1994 Premio Asahi. Japon

1995 Premio Pritzker de Arquitectura. EEUU. Donó los 100.000 dólares del premio a los huérfanos del terremoto de Kobe de 1995

1995 Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres. Francia

1996 Praemium Imperiale Primer Premio “FRATE SOLE” en Arquitectura. Japón

1997 Oficial de la Orden de las Artes y las Letras. Francia y Medalla de Oro, RIBA.  Gran Bretaña

2002 Medalla de oro AIA. EEUU y Premio de Kioto. Japón

2003 Persona de Mérito Cultural. Japón

2005 Medalla de oro de la UIA. Francia

2010 Orden de la Cultura. Japón

2012 Medalla Neutra a la Excelencia Profesional. EEUU

2013 Gran Oficial de la Orden de la Estrella de Italia

2013 y 2021 Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres. Francia

En su CV figura su trabajo como boxeador y luchador, que abandona cuando decide dedicarse a la profesión de arquitecto, sin haber tenido una formación formal,

Cuando cursaba el segundo año de la escuela secundaria y pudo conocer el Hotel Imperial de F. Ll. Wright, decidió dejar el boxeo y dedicarse a la arquitectura.

Asistió a clases nocturnas de dibujo y diseño de interiores por correspondencia.

Visito edificios diseñado por Le Corbusier, Ludwig Mies van der Rohe, Frank Lloyd Wright y Louis Kahn antes de regresar a Osaka en 1968 para establecer su propio estudio de diseño Tadao Ando Architects and Associates

La arquitectura y el diseño de Ando, están impregnados de sus experiencias en Japón, de la religión y la cultura en la que se crió.

Se menciona que los espacios que crea son “haiku”, (3) al enfatizar “la nada” , los espacios vacíos, representa la belleza de la simplicidad.

Muchos de sus diseños son complejos, pero se esmera para que mantengan la apariencia de simplicidad.

La influencia religiosa Zen, presente en sus trabajos. se centran en el concepto de simplicidad al concentrarse mas en el sentimiento interior que en la apariencia exterior.

Cree que la arquitectura puede cambiar la sociedad «cambiar la vivienda es cambiar la ciudad y reformar la sociedad».  La acción de reformar la sociedad, la entiende que a partir de un lugar, se puede producir un cambio de la identidad de ese lugar.

El uso del hormigón le permite dar la sensación de limpieza e ingravidez, a pesar que el Hormigón es un material pesado.

El hábitat religioso y el diseño arquitectónico

Además de la arquitectura religiosa japonesa, Ando también ha diseñado iglesias cristianas, como la Iglesia de la Luz (1989) y la Iglesia en Tarumi (1993).

Aunque las iglesias japonesas y cristianas muestran características distintas, Ando las trata de manera similar. 

Cree que no debería haber diferencia en el diseño de la arquitectura y proyectos de casas religiosas.

“No necesitamos diferenciar uno de otro. Habitar en una casa no es solo una cuestión funcional, sino también espiritual. La casa es el lugar del corazón (kokoro ), y el corazón es el lugar de dios”. Vivir en una casa es una búsqueda del corazón ( kokoro ) como el lugar de dios, tal como uno va a la iglesia a buscar a dios”.

“Un papel importante de la iglesia es realzar este sentido de lo espiritual. En un lugar espiritual, la gente encuentra paz en su corazón, como en su tierra natal”. 

Ando habla del espíritu de la arquitectura, enfatizando la asociación entre naturaleza y arquitectura, su intención es “…que las personas experimenten fácilmente el espíritu y la belleza de la naturaleza a través de la arquitectura”. 

Él cree que la arquitectura es responsable de realzar la actitud del sitio para hacerlo visible, por eso dedica tanto tiempo estudiando la arquitectura a partir de la experiencia física.

Visitando sus obras

He tenido la enorme suerte de sorprenderme con alguna de sus obras.

Pabellón de Japón para la Expo 1992 en Sevilla. 1992.

Casa de seminarios de Vitra en Weil am Rhein en Alemania 1993.

El Benesse House Museum en Naoshima.

El Benesse House Hotel en Naoshima 1988 – 1995.

Museo de Arte Contemporáneo en Naoshima, Kaawa 1995.

Museo de Arte Chichu en Naoshima, Kagawa 2004.

Complejo comercial Omotesando Hills en Tokio 2005.

Punta della Dogana (aduana ) restauración en Venecia 2009.

El Museo Ando en Naoshima  2013.

Centro de visitantes, exposiciones y conferencias. Instituto de Arte Clark en Williamstown en Massachusetts 2014.

Es notable el uso que hace Ando de la luz natural, plantea estructuras respetuosas del paisaje.

Ampliación del Museo Clark en Williamstown

“Me gusta lograr espacios de arte que inspiren a los espectadores y evoquen su creatividad y libertad de pensamiento”, siempre me ha asombrado el sentido único del lugar que tiene Clark en la naturaleza. 

Tanto en el Centro Clark como en el Centro Lunder en Stone Hill, he tratado de expresar un profundo respeto por el paisaje exterior y una igual reverencia por el arte interior. 

Es fundamental que el arte hable por sí mismo y que los espectadores lo experimenten a su manera”. Tadao Ando.

Tadao Ando, arquitecto, en su CV figura como ex aprendiz de carpintero y ex púgil.

Autor entre tantas obras del Pabellón de Japón en la Expo Universal de Sevilla (1992), Museo de Arte Moderno en Fort Worth, Texas 2002, Palacio Grassi 2006, la Punta della Dogana en Venecia en Venecia (2009), Poly Grand Theatre, Shanghái 2016.

Ampliación Museo Clark

Arquitectos Tadao Ando Architect & Associates,

Arquitectos asociados Gensler, Reed Hilderbrand Landscape Architecture , Selldorf Architects

Inaugurado en el 2014. Superficie 29.780 m2

Ingeniero Civil Vincent P. Guntlow & Associates

Dirección 225 South Street. Williamstown Ma 01267

El Instituto de Arte Clark, está completando su programa de expansión del campus, tanto de sus programas académicos como museísticos, y el diseño de la circulación general de sus 56 Has.

Las obras se inician en 2001 luego de terminarse el plan maestro realizado por Cooper, Robertson & Partners que realizan una reacomodación general del campus. 

Realizado por etapas, el proyecto incluía renovación y construcción de varios edificios, entre ellos la renovación del museo y ampliación de las galerías, y senderos peatonales

Pero el punto focal del paisaje es un conjunto de espejos de agua escalonadas.

Todo el campus se renueva y mejora con la introducción de 6,5 km de nuevos senderos peatonales, cinco nuevos puentes peatonales y se plantan más de mil árboles nuevos.

Tadao Ando es un autodidacta, no está tan seguro que la arquitectura pueda enseñarse.

“Es difícil saberlo, muchas cosas pueden contarse en las escuelas, pero hay otras que nadie puede transmitir, y que los estudiantes deben aprender por sí mismos”. (3)

“En mis viajes me preguntaba insistentemente, porque eran bellos, que era lo que me atraía?».

Fue un período de tiempo que pasé haciéndome ese tipo de preguntas sin respuesta; aunque doloroso, me llevó a establecer las bases de mi propia filosofía como arquitecto”.

“Utilizo el hormigón, los proyectos aspiran a manifestar su estructura como orden”.

Una obra constructora de memoria

“Como ocurre con cualquier artefacto, llegará un día en que cualquier arquitectura se desvanezca, que sea destruida. Podría decirse que la historia de la arquitectura es una expresión del empeño humano por resistirse a este proceso. Si fuese posible, me gustaría crear una obra que perdure en la memoria, como lo hace un recuerdo –tal y como sucede en la arquitectura de Kahn y de Barragán–, antes que como una materia tangible o una forma. Para alcanzar este ideal trato de crear una arquitectura que sea como un lienzo en blanco, que se haya despojado minuciosamente de cualquier presencia.”

El espacio

“Ese vacío al que aspiro no consiste en un cubo blanco del que se haya extraído cualquier individualidad, sino que se trata de un espacio capaz de aceptar cualidades muy diversas. Si la luz o el aire entran en ese ámbito, el espacio se imbuye de vida. Si un vacío se define mediante un muro de ladrillo que muestra las huellas del tiempo, ese elemento aportará una rica consciencia de su paso: del pasado al presente, y de ahí al futuro. Incluso cuando abordo la arquitectura dentro de un contexto histórico, mi aproximación conceptual es esencialmente la misma.”

La arquitectura no es una acción solitaria

Una obra no es algo que un arquitecto pueda crear en solitario. Yo solamente me siento completo cuando me acompañan el cliente, que es el promotor, y el constructor, que es quien habrá de ejecutar la imagen que yo pueda tener en la cabeza. Para los arquitectos, el éxito o el fracaso de un proyecto depende de la medida en que podamos compartir el objetivo con este tipo de colaboradores. En el caso de la Bolsa del Comercio tuve la suerte de contar con el señor Pinault, quien, en ocasiones, piensa en la arquitectura en términos aún más sinceros que los propios arquitectos”

Reed Hilderbrand Landscape Architecture diseñó los espejos de agua, con sus cascadas, terraplenes de césped y escalones para unir el campus edilicio con el recorrido pastoral de Stone Hill Meadow y el meandro (la curva que dibuja el curso de un rio) de Christmas Brook y sus humedales. 

Con el objetivo de cumplir los objetivos ambientales de Clark, los espejos de agua se adaptaron a la topografía, la hidrología y el hábitat del lugar.

Concebidas por el arquitecto Tadao Ando como un elemento unificador para el campus y sus alrededores, los espejos de agua organizan una composición unificada entre los diversos elementos arquitectónicos del Centro Clark, el Edificio del Museo, el Centro de Investigación de Manton y el paisaje.

Las terrazas del Clark Center dan al espejo de agua superior, que refleja las vistas de los humedales y los bosques.

La totalidad de los espejos de agua unen las praderas ajardinadas del campus central con el prado de Stone Hill y la intrincada red de arroyos que definen los sistemas de drenaje del lugar. 

El agua discurre en cascada a través de vertederos de granito de un espejo de agua al siguiente y luego se recicla a través de un sistema que integra la captura de lluvia, la gestión de aguas pluviales, el riego de jardines y los sistemas de construcción, incluido el control climático y la cisterna de los baños.

Sostenibilidad. Aprovechamiento inteligente del paisaje

– El Centro Clark tiene como objetivo lograr LEED – Certificación Plata de Nueva Construcción del Consejo de Construcción de los Estados Unidos (USGBC).

– El volumen operativo de los espejos de agua es de 1.075.000 litros de agua en un área de 3,900 m2 con una profundidad promedio de 33 cm.

– 7.600 litros de agua circulan por los espejos de agua cada minuto. Los espejos de agua reducen el consumo total del campus a través de la interconexión de las fuentes de agua del paisaje con las del edificio.

– Se mejoró el área de Schow Pond y se mejoraron las vistas desde las galerías.

– se plantaron 1.150 árboles nuevos.

– se realizaron mejoras y aumentaron los senderos a 6,4 km y 5 puentes peatonales.

– el estacionamiento ajardinado permite 398 espacios de estacionamiento.

– 32 hectáreas del campus siguen siendo bosques.

– 10 jardines son receptores de lluvias y facilitan su escurrimiento. Usando varias técnicas de recolección (drenajes, tuberías) y técnicas de almacenamiento (depósitos, tanques), el sistema hidrológico integrado recolecta agua de cimentación, agua de lluvia, y la canaliza hacia la piscina reflectante. El agua recolectada también se usa para riego, aguas grises para los inodoros. el proyecto está diseñado para lograr una reducción del 50 por ciento.

– Los techos verdes, los sistemas de iluminación regulables y los siete pozos geotérmicos instalados en el campus reducen el consumo de electricidad y calefacción de Clark en un 28 por ciento.

– se utilizaron materiales con contenido de reciclado, el 10 % del acero utilizado era reciclado, el treinta por ciento de todos los materiales de construcción se obtuvieron localmente

– reducción de superficies impermeables (minimizando las superficies de estacionamiento tradicional).

El proyecto es un paralelepípedo, que como un trazo se “incrusta” en el museo antiguo.

En realidad lo hace con un pasillo en diagonal.

Es el acceso y el límite, ya que el pasaje que lo rodea es infinito, subiendo por unos laderas y senderos en un verde que impresiona.

El final del paralelepípedo, el lateral del pasillo y el lateral del Hall, tienen la misma carpintería vidriada.

Un toque mágico en un proyecto hermosísimo.

El otro limite son unos espejos de agua, de diferentes tamaños, con un fondo de piedras, de poca profundidad.

Los visitantes se sientan en unos cómodos sillones, dando la espalda al bloque del museo, enfrentando desde el espejo de agua la magnificencia de la naturaleza, que se ennoblece cuando juega con la sabiduría del trazo arquitectónico.

Es una maestría impregnada de sencillez que solo la genialidad permite.

Entre los espejos de agua, unas piedras caladas permiten el paso del agua, permiten sentarse y mojarse las piernas, permite sentirse en una obra de arte.

Nuestro Blog ha obtenido ms de Un millon de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

+

anterior ver http://onlybook.es/blog/el-muralista-mexicano-jose-orozco-en-dartmouth-parte-1/

El Muralismo Mexicano

Fue un movimiento artístico, político y social que surge tras la Revolución Mexicana de 1910, un movimiento popular y nacional, que comienza como “una heroica revuelta de campesinos sin tierra” a la que rápidamente se le añaden intelectuales, artistas, que además de las reivindicaciones de la tierra desean un retorno a la vida y a la civilización que consideran fue truncada por el invasor español.

Una ideología con gran influencia de ideas marxistas.

La corrupción del gobierno del dictador Porfirio Díaz alimentó este movimiento revolucionario, cuando la dictadura llega a su fin, promovida por Francisco “Pancho” Villa y Emiliano Zapata entre otros.

Díaz asumió la presidencia en forma interina en 1876 y en forma constitucional desde 1877 a 1880, luego tomó el poder de facto desde 1884 a 1911. El llamado Porfiriato detento el poder durante más de 30 años.

En los años 1922-24 utilizará las grandes superficies murales como soporte de una pintura cuyo contenido será básicamente ideológico. (1)

El arte se convierte en un instrumento al servicio de los ideales de la revolución, en el marco de la lucha de clases.

No quedará encapsulado en México, ya que recorrerá Latinoamérica, nutriéndose mutuamente, influye especialmente en Cuba.

Coincide en el tiempo con el fin de la Primera Guerra Mundial y el período de la gran depresión, su apogeo se extendió hasta la década de los 60.

Tras la victoria destituyendo a Diaz, los primeros gobiernos democráticos se apoyaron en aquellos intelectuales que habían participado en la revolución y colaborado en las necesarias reformas culturales, el gobierno de Álvaro Obregón (1920 – 1934) encarga la dirección de la reforma de la enseñanza a José Vasconcelos, autor del libro “La raza cósmica”, que asume la tarea como secretario de Educación Pública.

Para Vasconcelos “la verdadera revolución era algo distinto a los campos de batalla y la toma de ciudades, era el retorno a la entronización de la conducta civilizada”.

El gobierno de Obregón expropia los latifundios y tierras ociosas y las da a los pequeños productores y campesinos.           

Para explicar al pueblo y que este lo entendiera rápidamente apoyan la narrativa que brindan los murales. Especial atención se brindan a los grabados populares, por lo que José Guadalupe Posada Aguilar (ya mencionado en este articulo) fue una importante fuente de inspiración para los muralistas.

Guadalupe Posada trabajaba en la tienda del impresor y editor Antonio Vanegas Arroyo (Puebla 1852 – 1917 Ciudad de México) y allí lo conoció Orozco.

En 1920 el 85% de la población mexicana no sabía leer, por lo que los mensajes sobre los muros de los edificios públicos eran portadores de información y educación, (dato difícil de comprender, pero lo he verificado y es así de cruel).

Los muralistas con recursos iconográficos prehispánicos se nutren de la cultura popular, del folklore del periodo colonial.

Una tendencia expresionista, definida como “realismo socialista”.

Un nuevo espíritu, un nuevo lenguaje (5)

Los muralistas consideraban al academicismo como “burgués”, ya que tenia una mirada eurocéntrica de escenas religiosas, mitológicas, o históricas, así como retratos y paisajes.

Impulsaban una libertad artística, reivindicando la importancia del lenguaje plástico sobre el contenido.

Con un estilo propio, hicieron visibles problemas que habían sido ignorados, así retornaron y reivindicaron la estética y la cultura indígena.

Abordaron los temas nacionales en confrontación con el modelo universalizante europeo.

Promovieron por Latinoamérica la causa de un arte comprometido con la historia y que diera voz a la construcción de una identidad latinoamericana.

Como el Movimiento Modernista de Brasil con su “Manifiesto Antropófago” con Oswald de Andrade en1924.

Comentarios como los de la investigadora Carmen Hernández de CLACSO (Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales), refiriéndose “a que se produjeron estereotipos que oscilaban entre la “exortización” y la “sociologización” del arte latinoamericano, es decir que Latinoamérica es “exótica/pintoresca” o es “denuncia social”.

Hay tres muralistas mexicanos, enormes muralistas.

José Clemente Orozco Flores (Ciudad Guzmán 1883 – 1949 Ciudad de México), Diego Rivera (Guanajuato 1886 – 1957 Ciudad de México) y David Alfaro Siqueiros (Santa Rosalía de Camargo 1896 – 1974 Cuernavaca).

Menos importantes en este movimiento han sido Fernando Revueltas o Fernando Leal. Y los artistas Gerardo Murillo (Dr. Atl), Rufino Tamayo, Roberto Montenegro, Federico Cantú, Juan O´Gorman, Pablo O´Higgins y Ernesto Rios Rocha.

En sus mensajes predomina una ideología de izquierda, y un carácter antiespañol como gesto épico.

Rivera se afiliaría al trotskismo, Siqueiros se afiliaría al comunismo mexicano.

Tuvieron diferente participación en la Revolución Mexicana, Orozco, afiliado al Ejército Constitucionalista con el general Álvaro Obregón, Siqueiros llegó a ser oficial de alto rango, mientas que Rivera no tuvo una participación directa en el conflicto político y militar, a pesar de lo que se supone.

Orozco se distanció de la visión de sus amigos después de la publicación del “Manifiesto del Sindicato de obreros técnicos, pintores y escultores”, pero prevaleció en su pintura una visión humanista, que se ve claramente en su mural “El hombre en llamas” en el Hospicio Cabañas.

En el artículo “El camino contrarrevolucionario de Rivera”, publicado el 29 de mayo de 1934 en la revista New Masses de Nueva York “Siqueiros expone críticas que desprestigian la imagen de Rivera… punto de partida de un conflicto como crítica hacia Rivera, cabe mencionar que dichas críticas fueron realizadas cuando Rivera ya tenía varias obras realizadas y bien reconocidas en cuanto a Siqueiros solo contaba con unas cuantas. Siqueiros manifiesta una postura stanilista y Rivera una trotskista”.

La obra de Rivera es monumental en toda su extensión, en sus dimensiones, tanto en su cantidad como en su número de propuestas, exploraciones estéticas y en su intensidad. Logró hacer un ate educativo, cometido preliminar de la Revolución mexicana.

Sus murales son menos políticos que los de Siqueiros, su posición política la explicita en sus escritos y manifiestos. (6)

En 1922 se unen Rivera, Siqueiros y Orozco en el Sindicato Revolucionario de Obreros Técnicos y Plásticos. Su órgano de difusión “El Machete” sería con el tiempo la revista del Partido Comunista Mexicano.

Veinticuatro años más tarde, en 1946, integraron los tres la comisión de Pintura Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Ese año recibe Orozco el Premio Nacional de Bellas artes de México.

Orozco

El fuego y la paz

Orozco en sus obras utiliza el fuego como elemento purificador.

Aunque su pintura es de una fuerza que roza la violencia, su alegato es de paz.

Quizás es aquel fuego en el que queda amputado de una mano, que retorna, su obra es un alegato contra la guerra.

Su obra tiene un carácter satírico, de crítica no solo social sino también a las concepciones religiosas.

El hombre, señala en su afán destructivo provoca el hambre, la ignorancia y la tecnología excesiva.

El historiador de arte José Pijoán (Barcelona 1879 – 1863 Lausana), profesor del Pomona College en Claremont en California, hizo posible que el College enviara una invitación a Orozco para decorar el Frary Hall.

Realiza uno de los motivos importantes de su pintura en la figura de Prometeo, héroe mítico que se apodera del fuego divino para entregarlo a los morales.

Luego realiza unos murales en la New School of Social research de Nueva York, antes de su actividad en el Dartmouth College.

David Alfaro Siqueiros, fue un teórico e ideólogo del muralismo, comprometido y radical en sus convicciones, que le han llevado a la cárcel, así como la expulsión por los gobiernos de México, Argentina, Chile, Cuba…

Es a partir de sus 40 años que decide dejar la acción política de riesgo carcelario, regresar a México y dedicarse a la pintura.

Su convicción que el artista es un obrero, y que el arte debe ser revolucionario, lo lleva a investigar y avanzar en los aspectos tecnológicos de su arte. Prueba y utiliza materiales no convencionales con suerte diversa.

El Polyforum Siqueiros está sobre la Avenida de los Insurgentes 701 en la Ciudad de México. Esta entre Colonia (barrio) Nápoles y la Colonia Del Valle. Tiene capacidad para mil espectadores, fue inaugurado a finales de 1971.

 “La Marcha de la Humanidad”, cubre todas las paredes y el techo del Foro Universal. Su trabajo muestra la evolución de la humanidad del pasado al presente y una visión del futuro. está considerado el mural más grande del mundo,

Manuel Suárez Suárez fue el mecenas de la obra que contiene el mural de 8.000 m2. Siqueiros llevaba cuatro años en la cárcel de Lecumberri (entre 1960 y 1964), por el cargo de “disolución social”, entonces el poderoso empresario Suárez convence al gobierno de Díaz Ordaz de liberarlo, y ponerlo bajo su supervisión.

Entre 1966 y 1971 trabaja en el casino de La Selva y luego en el Polyforum.

El proyecto fue de los arquitectos Guillermo Rosel de la Lama (Pachuca1925 – 2010 Ciudad de México), Ramón Miquelajauregui Aranaz (1931 – 1980) y Joaquín Álvarez Ordoñez (Ciudad de México 1932) Premio Nacional de Arquitectura 2018.

Estado actual del Polyforum

Es preocupante su estado actual debido al abandono en su cuidado.

Las humedades, la lluvia, el sol y la contaminación han causado grandes deterioros en el edificio que está cerrado desde 2017. A pesar de que Siqueiros lo realizó con piroxilinas, pinturas del sector del automóvil, y productos químicos especiales ya que estaba convencido que le garantizaría un óptimo estado de 500 años a la intemperie. No fue así.

En la Nueva democracia, una mujer con el gorro frigio avanza con fuerza hacia el espectador rompiendo cadenas.

Una gran obra realizada en piroxilina sobre un algodón muy resistente, conocido como celotex. Un hombre cargado de expresiones telúricas (su cabeza es una piedra, raíces prehistóricas), las manos en escorzo, vacías, buscando (¿pidiendo?) una vida mejor, un futuro mejor. Se aprecia su forma de pintar en perspectiva, llamada “poli angular”.

Es una obra de caballete, si bien los muralistas rechazaban el caballete al ser “una pintura para burgueses”, los tres lo hacen.

Diego Rivera (1886-1957), con su estilo pictórico y su vida tan personal como extravagante atrajo a muchos admiradores.

Fue un gran muralista, de reconocimiento internacional.

Poseedor de un encanto único, atrapó a miles con su particular estilo pictórico y su extravagante estilo de vida.

Era el gran muralista, el más internacional y famoso. Su familia era de un estatus social medio alto, de mentalidad avanzada.

Todos estos artistas de la vanguardia casi siempre nacen en una familia burguesa, acomodada, con estudios… un estatus medio-alto, más liberales o conservadores.

Las perspectivas en planos superpuestos, un convencionalismo de perspectiva que asimila de los murales italianos del Renacimiento y que utilizará para esa pintura que él considera que tiene que ser como un instrumento pedagógico, en la que va a representar a todos los héroes de la revolución, la utopía del México nacionalista, antiespañola…

El Rockefeller Center es un edificio decorado con toda una serie de mobiliario Art Decó, elegante y muy rico… “piensa que va a pintarle un mural con el tema: el hombre en la encrucijada mirando esperanzado al futuro”.

Coloca en el centro de toda la composición un hombre, que es un obrero, el dueño de la técnica, el cual maneja una gran máquina. Pero está rodeado de una serie de retratos como el de Lenin, Trotsky y otros ideólogos comunistas.

Un discurso de izquierdas, marxista… que no acepta Rockefeller, el cual le pide que lo modifique. Rivera dice que no va a retocar nada, se produce un escándalo en Nueva York… se niega a repintar la obra.

El mecenas le paga y destruye la obra.

Pero como Rivera tiene ese halo de suerte, cuando regresa a México le encargan que haga un mural para el Palacio de Bellas Artes de la capital mexicana y aquí tiene la oportunidad de volver a hacer el mural, donde va a mostrar exactamente todo lo que había mostrado en Nueva York. Ese obrero que está en el centro, que parece que maneja una máquina… todo lo conquista a través de las ideologías de izquierdas.

En 1943 dice “,,,deje de pintar a la manera cubista debido a la guerra, a la revolución rusa y a mi creencia en la necesidad de crear un arte social y popular. El arte debía tener una función, estar relacionado con el mundo y con los tiempos y tenía que ayudar a las masas a lograr una mejor organización social”.

Uno de los finales de su vida es de los más interesantes porque se aparta de la rutina de todo lo antiespañol.

Para el parque de Chapultepec, le encargan que pinte todas esas conducciones de agua del parque, es un desafío, pues parte de esos murales tenían que ir cubiertos de agua, utiliza una técnica experimental, combinando el polietileno con una solución de caucho.. Concebido para ser visto desde arriba, se ve el río discurrir como si estuviésemos en un puente.

Tema central el agua. Utiliza una serie de recursos iconográficos que nos pueden recordar a otros de la pintura de Teotihuacán. Se ha restaurado hace poco

La Chalchiuhtlicue, diosa de la que sus manos surgen los chorros de agua, el agua de la vida. Por tanto, esa idea de colocar esas manos blindando esas aguas. Enfrenta un personaje masculino y otro femenino. Simulando la corriente de agua “aparecen una serie de bandas, con una especie de caracolillos, plancton, microorganismos aumentados, para identificar el agua… recurso que ya habían hecho en la cultura prehispánica, no microorganismos, pero sí caracolas, renacuajos y otros elementos marinos”.  Inspiración en “El paraíso de Tlaloc”, pintura mural de Teotihuacán.

Los Murales de Orozco en Guadalajara

Durante muchos años participé en la Feria de Guadalajara (conocida como FIL) como expositor con mis libros de la editorial H Kliczkowski y las distribuidoras Asppan y Onlybook.

Sin dudas es la feria del libro más importante de habla hispana (la reina es la feria de Frankfurt).

Es una feria muy extensa en horas (de 9 a 21 hs. durante 2 semanas), 12 horas diarias, compartidas con amigos editores, autores, donde se intercala entrevistas a autores y entrega de premios, y a la noche el país invitado lleva a los que considera los más representativos artistas de su país, todo condimentado con su comida, y sus gentes, y sobre todo sus libros.

Mientras participaba en la FIL en el 2014, mi amiga Inés Fernando Moreno (1947) recibió el Premio Sor Juana Inés de la Cruz por su obra “El cielo no existe”.

Ese año la feria tuvo como país invitado a la Argentina, participaron 650 escritores de 22 países.

Inés es hija del poeta César Fernández Moreno y nieta de Baldomero Fernández Moreno. (NOTA, en el mes de noviembre de 2024, Ines nos ha dejado, luego de enfrentarse a una enfermedad impiadosa, descansa en paz).

Hospicio Cabañas

Está ubicado en Cabañas 8, el horario de visita es de 10 a 18 horas.

Muchas de mis visitas a Guadalajara he ido a admirar los frescos de Orozco, en el Instituto Cultural Cabañas.

Un hermoso edificio que alguna vez fue hospital y orfanato. Sus paredes y sus techos están revestidos con 57 frescos, que realiza durante casi dos años, sobre los muros del edificio proyectado por el reconocido arquitecto, ingeniero y escultor Manuel Tolsá (Manuel Vicente Agustín Tolsá y Sarrión. Enguera 1757 – 1816 Ciudad de Mexico). (4)

El edificio está declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

A diferencia de Diego Rivera , quien veía la Revolución como un desarrollo completamente positivo, Orozco tenía una visión más sombría. 

Su obra refleja sus preocupaciones sobre el enorme número de muertos que provocó el conflicto que duró desde 1910 hasta 1920.

Su trabajo se inspira en José Guadalupe Posada Aguilar (Aguascalientes 1852 – 1913 Ciudad de México), el gran grabador, ilustrador satírico y caricaturista, criticando los abusos del gobierno y la explotación del pueblo.

Obras con sus característicos tonos rojos y negros, trabajo en ellas desde 1937 a 1939.

El poeta y ensayista Octavio Paz escribe en su libro Los privilegios de la vista “Orozco no cuenta ni relata; tampoco interpreta; confronta los hechos, los interroga, busca en ellos una revelación que puede descubrir el visitante avezado”.

En el cruce de las salas, esta su fresco más famoso “Hombre de Fuego”, donde se ve a un hombre consumido por las llamas, a pesar de ello, se lo ve vigoroso, en esa gloria agónica. Con un movimiento en espiral, Se ha querido ver una representación de la metáfora del Ave Fénix, “el hombre se purifica mediante el fuego para renacer”.

Hay un efecto (que la guías te invitan a experimentar), que cuando tu caminas en circulo, las figuras producen ilusiones visuales, las cabezas parecen girar y todo cobra movimiento.En toda la obra utiliza fundamentalmente gris, blanco y negro con toques de amarillo y rojo para el fuego.

Un conquistador español sobre un caballo de dos cabezas sobre los cuerpos de indígenas mexicanos. Tras una cruz de madera, Felipe II rey de España contempla el derramamiento de sangre

La casa taller de José Clemente Orozco

Calle Aurelio Aceves 27, Arcos Vallarta, Guadalajara, México +52 01 333 616 8329.

Su viuda Margarita Valladares en 1951 inauguró el Museo Taller José Clemente Orozco, con varias de sus pinturas y paneles.

A los 21 años, para contentar a su familia, porque ser artista no estaba bien visto, estudia en la escuela de agricultura, pero tiene un episodio traumático cuando está haciendo unos experimentos en la escuela, mientras manipulaba pólvora para hacer fuegos artificiales se lesiono su mano izquierda, y para evitar que la gangrena le afectara más seriamente, le amputaron la mano y la muñeca. La revolución y sus etapas previas marcaron su cosmovisión de la política.

El Palacio de Gobierno

Palacio de Gobierno, Ramón Corona 31, Zona Centro, Guadalajara, Jalisco. Horario de 9 a 19 hs.

Cerca de la Catedral se encuentra el Palacio de Gobierno. Dentro está el mural “El pueblo y sus lideres”, unificando las paredes y las bóvedas de la escalera principal, donde se ve al líder revolucionario con una antorcha encendida, con la que quiere encender el movimiento de independencia, en el mismo lugar donde emitió un decreto para abolir la esclavitud en 1810.

El cura Miguel Hidalgo (considerado el padre de la patria, su nombre completo Miguel Gregorio Antonio Ignacio Hidalgo y Coatia Gallaga Mandarte y Villaseños nació en Pénjamo 1753 – 1811 Chihuahua) está presente en un segundo mural en el salón que fue la Cámara de diputados del edificio.

En el libera a los esclavos de México firmando la palabra “libertad”, aunque con un profundo rojo sangre que sugiere el costo humano que tuvo.

Otros murales de Orozco están

-En el Paraninfo Enrique Díaz de León del Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara.

-En el Palacio de Gobierno de Jalisco, en Guadalajara “Hidalgo Incendiario”.

-Antiguo Colegio de San Ildefonso. “La Trinchera”.

-Hospicio Cabañas. “El hombre en llamas”.

Fresco

La creación de un verdadero fresco (del italiano affresco) es un proceso que consume mucho tiempo, es técnicamente exigente y altamente complejo.

El artista utiliza pigmentos minerales disueltos en agua para pintar directamente sobre una capa de yeso húmedo especialmente preparado (llamado intonaco), que ha sido aplicado sobre capas base de yeso seco o cal apagada y arena de 1 cm de espesor (arriccio o soporte).

Debido a que la pintura debe completarse mientras el intonaco está húmedo, el artista planifica cuidadosamente el diseño y la composición con antelación.

El pintor trabaja rápidamente en un área pequeña de la pared llamada “giornata”, una palabra italiana que indica la cantidad de trabajo que se puede completar en un solo día. El artista puede hacer correcciones mientras el yeso aún está húmedo o puede usar temple para hacer pequeños cambios en la superficie seca, pero para corregir un error importante, el artista debe picar toda el área y comenzar de nuevo.

El fresco se ejecuta en jornadas de trabajo de 9 horas, ya que la cal en un período de 24 horas comienza el proceso de secado y no admite ms pigmentos. Por eso algunos acabados se realizan en seco, con temple, es decir aglutinados con cola (fresco seco).

Aunque la práctica de Orozco variaba un poco de proyecto en proyecto, siguió esta técnica general de fresco para crear todos sus murales. Cada mañana, Orozco y sus asistentes molían y mezclaban sus pigmentos y aplicaban una capa delgada de intonaco en el área de la pared que completaría ese día. En los murales terminados de Orozco, las líneas de demarcación en el yeso y las diferencias de color a menudo definen su trabajo diario.

Para el mural de Dartmouth, Orozco realizó más de 200 dibujos preparatorios en grafito, carboncillo, acuarela y temple. Incluyeron bocetos de composición, estudios de vida y figuras, y dibujos a tamaño completo (llamados “cartones”) de elementos clave como manos, cabezas y pies.

Llevó algunos de estos cartones al andamio y los utilizó para transferir los contornos de los diseños al yeso. También dibujó bocetos de la composición en rojo sobre la capa seca de yeso, trazando a lo largo del lado de una regla o usando una cuerda tensa cubierta de tiza contra la pared para crear líneas rectas que enmarcaran la composición.

Orozco tenía tanta confianza en su técnica que a menudo planeaba partes de los diseños finales y colores directamente en la pared, y pintaba de manera audaz y altamente expresiva.

Su continuación en los tiempos

En 1906, el Dr. Atl (ya mencionado) publicó un manifiesto pidiendo el desarrollo de un movimiento apoyando el arte publico en México.

Los murales más antiguos, las pinturas rupestres y resina como aglutinante datan del paleolítico superior. Cuevas, pinturas sobre rocas preparadas con pigmentos naturales de plantas y minerales. Su importancia artística continuó en la antigüedad, y en la época románica. En el Renacimiento evolucionó con la técnica del fresco (como la Capilla Sixtina), y continuó durante el Barroco y el Rococó, combinado a veces con relieves de estuco.

Notas

1

John R. Stomberg (director Virginia Rice Kelsey 1961), Sue Mehrer (decana de Bibliotecas), Jacquelynn Baas (historiadora del arte y ex directora del Museo de Art Hood).

2

Blog “El Estudio del Pintor”. Manme Romero.

3

Mary K. Coffey (profesora asociada de Historia del Arte en Dartmouth College).

4

El arquitecto, ingeniero y escultor Manuel Tolsá Concluyó las Obras de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México. El antiguo palacio de Buenavista (Hoy funciona allí el Museo Nacional de San Carlos), EL Palacio del marqués del Apartado (donde viviría Fernando VII al llegar a México), el Altar principal de la Catedral de Puebla, de la iglesia de La Profesa y de la iglesia de Santo Domingo. Planos del Hospicio Cabañas en Guadalajara, El Palacio de Minería en el centro histórico de Ciudad de México, entre varias obras relevantes.

5

Andrea Imaginario (“Cultura Genial” especialista en arte, literatura e historia cultural). Licenciada en la Universidad Central de Venezuela, autora del libro “Visiones de la religiosidad popular”.

6

Pablo Cabañas Días. Blog “almomento”.

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Orozco en New Hampshire

El año pasado no pudo ser, pero este año si, ver el mural de José Clemente Orozco (mexicano, 1883-1949), en las paredes de la sala de lectura de la planta baja de la biblioteca Baker del Dartmouth College.

El encargo lo hacen los profesores de Historia del Arte Artemas S. Packard y Churchill P. Lathrop junto al presidente de la Universidad Ernest Hopkins. Orozco lo realizó entre 1932 y 1934.

Fundamental fue la persistencia de la agente neoyorquina de Orozco, Alma Reed. Durante 1930 y 1931, Orozco se encontraba trabajando en una serie de murales para el New School for Social Research en Manhattan.

Tanto Packard como Abby Rockefeller (madre de Nelson) estaban pensando en Diego de Rivera, “Estoy más que entusiasmado con su sugerencia de Rivera quien, sin duda alguna, en todos los sentidos es un pintor más importante que Orozco…”

Recordemos que Abby Rockefeller, como gran mecenas fue quien creó el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA).

La presencia de Orozco en Dartmouth en el fin de semana del 18 al 20 de marzo de 1932 para dar una conferencia como parte de un seminario (en base a su pequeño mural) definió la selección.

Durante el seminario enseñó la técnica tradicional de fresco a los estudiantes de Dartmouth, y su forma de mejorar esa técnica tradicionl.

Orozco consiguió ser contratado para crear el mural de ”La épica de la civilización americana”. (1)

La escena del pequeño mural fue titulado de varias formas, como «Release» («Libertad»), «Man Released from the Mechanistic» («El Hombre Liberado de lo Mecánico») o más informalmente «The Test Panel» («El Panel de Prueba»), estaba destinada a ser el punto focal de un ciclo de murales más grande en el pasillo que conecta Carpenter Hall y Baker Library.

Orozco imaginó que el mural estaría basado en el genio mecánico griego Dédalo, y declaró que el fresco «representa al hombre emergiendo de un montón de maquinaria destructiva que simboliza la esclavitud, el automatismo y la conversión del ser humano en robot, sin cerebro, corazón ni libre albedrío, bajo el control de otra máquina… El hombre ahora se muestra al mando de sus propias manos y finalmente es libre para dar forma a su propio destino».

Por la realización del mural de prueba, cobró 500 usa.

Durante las conversaciones acerca del lugar donde se realizaría el mural, Orozco y Lathrop acuerdan que los más de 186 metros cuadrados de paredes necesarias, sea en la sala de lectura, una ubicación más grande y accesible que el oscuro pasillo de Carpenter Hall.

Orozco abandonó el tema de Dédalo y desarrolló una ambiciosa idea de un mural basado en una mitología específica de las Américas. El artista regresó a Dartmouth en junio de 1932 para comenzar los casi dos años de trabajo en «The Epic of American Civilization» («La Epopeya de la Civilización Americana»).

Contrato

Lo firman el 9 de junio de 1932, el mural tendría finalmente 194 m2 e “impartiría clases donde enseñaríanza en la técnica de pintura al fresco…”. El importe total sería de 5.200 usa, y el proyecto se realizaría en 18 meses.

Recibió además 1,250 usa al terminar su primer panel “La Profecía”, ubicado encima de la puerta en el rincón derecho.

Fundamental fue la persistencia de la agente neoyorquina de Orozco, Alma Reed,

El fresco que pintó, según Orozco exploraba el tema de la “posguerra”, el titulo definitivo (tuvo otros) fue “El hombre liberado de la mecánica hacia la vida creativa”.

Se muestra al hombre ahora en control de sus propias manos y por fin libre de forjar su propio destino”.

Debido a que los trabajos se extendieron en el tiempo, recibió un total (incrementando el origina), de 7.000 usa

Pero Orozco cobró 5 veces menos de lo que debió haber cobrado.

Por ejemplo, a Puvis de Chavannes le pagaron 60.000 usa por el mural de la escalera de la biblioteca pública de Boston, y 20.000 usa a John Singer Sargent por los murales del último piso.

Rivera cobró 21.000 usa por el mural del Rockefeller Center, que sabemos que terminó en un feroz enfrentamiento que motivó que a 8 meses de terminado fuera destruido por Rockefeller, ya que Rivera no aceptó sacar los rostros de Lenin, Engels entre otros.

La idea pedagógica del decano fue la de invitar a artistas a enseñar y trabajar en la Universidad, desde entonces más de 150 artistas han participado, entre ellos Robert Rauschenberg, Frank Stella, Terry Adkins, Jane Hammond y Sana Musasama.

Los aportes los realizó la familia Rockefeller, recordemos que Nelson había estudiado en Dartmouth, graduándose en 1930. Su profesor fue el ya mencionado Lathrop.

Son tres mil años de historia americana, escribe el ensayista y narrador José Montelono en Letras Libres:

“Abres la puerta, das unos pasos y en un instante quedas frente al reparto completo de la épica americana: los constructores de pirámides, la piedra de obsidiana ejerciendo el oficio divino, un Moisés-Quetzalcóatl con aliento de William Blake, Cortés y los misioneros, generales asesinos y banqueros cómplices, el campesino traicionado, un libertador caído entre guirnaldas, Cristo refulgente empuñando el hacha, constructores de rascacielos y un obrero letrado que simboliza la utopía industrial”.

La Fundación Manton hace los aportes necesarios para la conservación e interpretación del mural (a perpetuidad).

José Clemente Orozco, redirige la “épica de América” de la típica narrativa histórica estadounidense, que comienza con la colonización británica de la costa este del país y avanza heroicamente hacia el oeste.

Orozco desvía este relato hacia una narrativa mexicana, arraigada en las civilizaciones y la devastación causada por la conquista española, y ubica los orígenes de América en la cultura indo hispana en lugar de la anglo europea caracterizando nuestra «civilización» como una herencia traumática y no “ilustrada”. (3)

Usa la división de la sala para ubicar su mural en la “época antigua y la moderna”.

Y muestra así la destrucción del mundo antiguo y el violento nacimiento de la modernidad.

Planta y secciones del mural

Los títulos de los paneles murales no son de Orozco, seguramente fueron realizados tras su creación. Su autor es el profesor Artemas Packard.

La llegada y la partida de Quetzcóatl

1 Migración

Representa los orígenes de la civilización indígena americana.

2 Serpiente y lanzas

Un pequeño panel, encima de la puerta, una serpiente cascabel rodeada de lanzas, símbolos de agresión.

3 El antiguo sacrificio humano

El rito del sacrificio humano de los antiguos indígenas mesoamericanos. Se extirpa el corazón del enemigo aún con vida, y lo ofrecen a los dioses.

4 Guerreros Aztecas

Los guerreros aztecas visten disfraces de águila y jaguar para adoptar los atributos de estos animales.

5 La llegada de Quetzalcóatl

Esta figura mitológica mesoamericana reparte las bendiciones del aprendizaje, la cultura y las artes. Viene a reemplazar el panteón anterior de los seis dioses.

6 La edad de oro precolombina

El conocimiento universal, la agricultura, las artes y la ciencia.

7 La partida de Quetzalcóatl

Retrata los hechiceros-discípulos de los antiguos dioses.

8 La profecía

La invasión armada del siglo XVI. El poderío europeo a través del caballo, un arma poderosa y desconocida. Los soldados cargan la cruz, como un arma para someter a los más débiles.

9 Totems

Caricaturizados los tótems de la costa noroeste, pintadas con tótems mecánicos en el ultimo período del proyecto. Se incorporan los habitantes indígenas de América del Norte en la narrativa del mural.

10 Tótems mecánicos

Son dos paneles verticales donde se equipara a las máquinas y elementos industriales como equivalentes modernos de los tótems. El de la izquierda lleva la firma de Orozco.

El ala este: Cortés y la época moderna

11 Cortés y la cruz

Orozco pinta un retrato de la invasión salvaje española de México, en el siglo XVI. Hernán Cortés con su armadura pesada, parece una máquina humana, y su rostro sereno y distante sugiere su indiferencia al sufrimiento humano a su alrededor. Lo ubica en el centro rodeado de destrucción, el misionero franciscano aferrado a una cruz alude al apoyo ideológico que la iglesia católica brindó a los invasores.

12  La máquina

Un salto temático e histórico al siglo XX a través de un retrato expresionista de una monstruosa y caótica máquina. Los cuerpos humanos amontonados del panel de al lado conectan su proyecto imperialista y destructor. Es el caos impersonal de la época moderna.

13 Angloamérica

El panel es un retrato de la sociedad norteamericana contemporánea. La imagen de la escuela como educación universal al servicio de la sociedad, está desautorizada en la profesora alta y severa, una agente autoritaria y controladora, símbolo de esta cultura, rodeada de niños sin expresión, disciplinados.

Una rigidez cultural que contrasta con el caos y la determinación del próximo panel.

14 Hispanoamérica

Un líder muy parecido al líder revolucionario Emiliano Zapata, determinado y orgulloso, símbolo importante de las luchas campesinas en México.

El rebelde está en un escenario moderno urbano, invadido por las caricaturas salvajes de los ricos y los militarizados.

15 Dioses del mundo moderno

Una sátira de la educación institucionalizada de la era moderna y su indiferencia hacia la turbulencia política de los años 30. Un grupo de esqueletos en ropa académica presiden el nacimiento de un conocimiento inútil encarnado en un feto esquelético. Los académicos siguen preocupados de su mundo intelectual, reaccionando como muertos a los temas candentes que hacen arder la vida contemporánea.

16 Simbolos del nacionalismo

Una pila de símbolos históricos, de guerras e imperios, sugiriendo una continuidad entre las aspiraciones militares de las potencias monárquicas de la Europa de antaño y el nacionalismo militarizado de la época moderna.

17 El moderno sacrificio humano

El cuerpo de un soldado desconocido, con sus manos esqueléticas, enterrado debajo de los atavíos del patriotismo: banderas coloridas, guirnaldas, monumentos, discursos, una banda de bronces y la llama eterna. El espejo del antiguo sacrificio humano vinculando las dos edades de la civilización americana, el inútil sacrificio institucional del individuo.

18 Migración moderna del espíritu

Una escena apocalíptica, un Cristo resucitado y desafiante, pintado en colores ácidos con un cambio de piel que revela un nuevo cuerpo resucitado. Vuelve para barrer con las ideologías e instituciones que frustran la emancipación humana. Un Cristo que rechaza su destino de sacrificio, tirando su propia cruz y condenando y destruyendo las fuentes de su agonía, los armamentos militares y los símbolos religiosos y culturales, relegados al basurero de la historia.

19 Cadenas del espíritu

Buitres vistiendo cuellos romanos y portando las llaves entrelazadas que pueden abrir las cadenas de la servidumbre intelectual y física.

20 El hombre industrial moderno

Los últimos paneles se ubican enfrente del centro del salón de lectura. En estos paneles, Orozco usa una paleta sutil para retratar un posible mundo del futuro.

En los cuatro paneles laterales, los trabajadores dirigen sus propias labores en una nueva sociedad, que se está formando. Estas figuras anónimas están amenazadas por la misma tecnología que usan.

En el panel central, una figura recostada de ascendencia mixta (europea e indígena-americana, o tal vez Afroamericana) finalmente pueden abandonar sus herramientas y salir en busca de su propia educación y alimento espiritual.

Notas

1

John R. Stomberg (director Virginia Rice Kelsey 1961), Sue Mehrer (decana de Bibliotecas), Jacquelynn Baas (historiadora del arte y ex directora del Museo de Art Hood).

2

Blog “El Estudio del Pintor”. Manme Romero.

3

Mary K. Coffey (profesora asociada de Historia del Arte en Dartmouth College).

continúa en http://onlybook.es/blog/orozco-rivera-siqueiros/

Nuestro Blog ha obtenido mas de Un millon de lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com