Joan Miró Peintre (per a David Fernández Miró)

Joan Miró

Peintre (per a David Fernández Miró)

1965

Óleo sobre tela.

Colección particular en depósito temporal.

© Successió Miro 2018

Peintre (per a David Fernández Miró)

Texto de Maria Josep Balsach

Entre 1964 y 1965, después de pintar su famoso tríptico Azul I, II,III (1961), obra central de un período de despojamiento y de síntesis, Miró elabora dos telas dedicadas a sus nietos David y Emilio Fernández Miró. Son pinturas de un gran formato apaisado que permite al pintor evitar la composición a partir de un foco único y crear un desarrollo progresivo, sucesivo, que ya había utilizado anteriormente y que denomina como “bandas”. En este concepto pictórico, se puede apreciar la influencia de la pintura tradicional japonesa Yamato-e en su lectura del espacio, por el que se desplaza lateralmente en un movimiento infinito (emakimono).

tríptico Azul I, II,III (1961)

En Peinture (para David Fernández Miró), sus pendidas en una banda horizontal de mas de dos metros de longitud, apareen tres figuras inscritas en las líneas e un espacio ajedrezado (tan frecuente en las obras de Miró a partir de los años cincuenta) unidos, entrelazándose y extendiéndose en una línea progresiva, como el recorrido del vuelo de jun pájaro en un cielo monocromo de intenso azul con retículas cuadradas de colores puros (rojo, verde, amarillo y azul ultramar).

Estas formas, encerradas en la estrechez del espacio vertical, se engarzan en una danza celeste, con astros, estrellas fugaces y zonas pintadas de negro: brazos y esferas.

Veo puntos, signos y elipses: ojos del aire e iris del agua. Reflejos del cosmos de principio a fin.

Redescubriendo el Mediterráneo, tercera parte y final

Redescubriendo el Mediterráneo (Nota 1), tercera parte y final

Primera parte: España

https://hugoklico.blogspot.com/2018/11/redescubriendo-el-mediterraneo-en-la.html

Segunda parte: Francia

https://hugoklico.blogspot.com/2018/12/redescubriendo-el-mediterraneo-segunda.html

Le spose dei marinai Óleo sobre lienzo. Colección particular. Milán

Massimo Campigli

Italia (2)

En Noviembre de 1918 nace en roma la revista “Valori Plastici”, dirigida por Mario Broglia, y con la colaboración de Carlo Carrá, Giorgio de Chirico y Alberto Savinio. Cuestiona el papel del artista en el mundo contemporáneo, y subraya la crisis de las vanguardias tras la Primera Guerra Mundial,, al tiempo que da voz al desarrollo de nuevos lenguajes. “Valori Plastici” promueve, así, una vuelta a lo antiguo, al mito y al clasicismo. Obras que caminan por una senda en la que el tiempo parece haberse detenido.

Campigli intensifica además esta sensación mediante la técnica que utiliza: trabaja el lienzo  como si se tratara de un fresco pompeyano. Siendo familiares se muestran bajo el aspecto de lo extraño y lo inquietante. Una melancolía que nos habla de la pérdida, que nos remiten al pasado, al clasicismo, recordándonos que la felicidad de la Arcadia mediterránea nunca volverá a ser la misma.

La barca Óleo sobre cartón Colezzione Augusto e Francesca Giovanardi.

 

 

Carlo Carra

 

 

 

 

Lido a Forte dei Marmi. Óleo sobre lienzo. Colección particular. Milán.

 

 

 

 

Carlo Carrá

 

 

 

Venezia e la Salute (La Dogana) Óleo sobre lienzo. MART, Museo di Arte e Contemporánea di Trento e Rovereto. Colección L.F.

 

 

Carlo Carrá

 

 

 

 

Le muse (Le muse in villeggiatura) En Villégiature. Óleo sobre lienzo. MART, Museo di Arte e Contemporánea di Trento e Rovereto. Colección L.F.

 

 

 

Giorgio de Chirico

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cavalli antichi. Óleo sobre lienzo. Colección particular. Milán

 

 

 

Giorgio de Chirico

 

 

 

 

 

 

 

Cavalli in riva al mare/ Les deux chevaux Óleo sobre lienzo. MART, Museo di Arte e Contemporánea di Trento e Rovereto. Colección L.F.

 

 

 

Giorgio de Chirico

 

 

 

 

Cavallo e zebra. Óleo sobre lienzo. Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris. Legado Isabella Pakszwer de Chirico  

 

 

Giorgio de Chirico

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bagnante (Ritratto di Raissa) Óleo sobre lienzo. MART, Museo di Arte e Contemporánea di Trento e Rovereto. Colección particular C.J.

 

 

Giorgio de Chirico

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Téte de femme. Chapa recortada y plegada, y alambre pintado policromado. Musée National Picasso-Paris. Dación de 1979

 

Pablo Picasso

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Téte de femme. Chapa recortada y pintada. Musée National Picasso-Paris. Dación de 1979. 

 

 

Pablo Picasso

 

Téte de femme Chapa recortada y pintada. Musée National Picasso-Paris. Dación de 1979.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Pablo Picasso

 

 

 

La Vague 1952. Gouache sobre papel, recortado y pegado. Musée Niza. Donación de los herederos del artista. 1963.

 

Henri Matisse

 

 

 

Vitrail, étude pour “L´Arbre de Vie”. Vidrio coloreado, transparente y esmerilado, engastado en plomo. Musée Matisse, Niza. Legado de Madame Henri Matisse, 1960.

Henri Matisse

Pocos años después de su primera visita a Niza en 1917, Matisse se instala en ella casi todo el resto de su vida. Una de sus últimas obras en 1951, fue la decoración de la capilla del Rosario en Vence, cercana a Niza. Matisse fallece a los 3 años de terminarla en 1954. Realiza tres murales en blanco y negro que representan El Via Crucis, La Virgen y el Niño y Santo domingo de Guzmán, así como tres vitrales, el diseño del altar de piedra, una cruz de bronce y las puertas talladas del confesionario.

En “El Árbol de la Vida” solo utilizó tres colores, el amarillo, el azul y el verde, puros e intensos. Empleó la técnica de los “papeles recortados”, mediante la cual, como si dibujara con las tijeras, pudo equilibrar Los dos elementos más importantes para él, el color y la línea. Así esbozó sus diseños colocando múltiples recortes de papel previamente coloreados sobre una superficie hasta conseguir la composición que deseaba. Deseaba “dar, con una superficie muy limitada, la idea de inmensidad, respondiendo al sentimiento religioso y suscitando el consuelo del espíritu”.

Paysage de Cannes au crépuscule. Óleo sobre lienzo. Collection du Musée Narional d´Histoire et d´Art Luxembourg

 

 

Pablo Picasso

 

 

Interior con mujer con balancín. 1956. Cannes. Óleo sobre lienzo. Colección particular

 

 

 

 

 

 

 

Pablo Picasso

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La Californie. Mujer en el taller. Cannes. Óleo sobre lienzo. Colección particular

 

 

Pablo Picasso

 

 

 

 

 

Los pichones. 12 de septiembre 1957. Cannes. Óleo sobre lienzo. Museo Picasso, Barcelona. Donación Pablo Picasso, 1968

 

 

 

 

 

 

Pablo Picasso

 

 

La Baie de Cannes 1958, 19 abril-9 junio. Óleo sobre lienzo Musée National Picasso-Paris. Dación de 1979.

 

 

 

 

 

Pablo Picasso

 

 

 

La Californie (interior con hamaca azul) Cannes, 1958. Óleo sobre lienzo. Colección particular.

 

 

 

Pablo Picasso

 

 

 

 

 

 

 

 

La Californie. (Interior con hamaca azul). Cannes, 15 de Junio 1958. Óleo sobre lienzo. Colección particular.

 

 

 

 

 

Pablo Picasso

 

 

 

 

 

La Baie. c.1901. Óleo sobre lienzo. Colección particular.

 

 

 

Pablo Picasso

 

 

 

Nature morte aux grenades. Noviembre 1947, Vence. Oleo sobe lienzo. Musée Matisse, Niza. Donación de Henri Matisse, 1953.

 

 

Henri Matisse

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Nu au peignoir Óleo sobre lienzo. Colección Nahmad, Suiza

.Henri Matisse

 

 

 

 

 

 

 

Figure à l´ombrelle. Óleo sobre lienzo. Musée Matisse Niza. Legado de Madame Henri Matisse, 1960.

 

 

 

 

Henri Matisse

 

 

 

 

 

 

Téte de femme. Óleo sobre lienzo. Musée National Picasso-Paris. Dación de 1979.

Pablo Picasso

Entre mayo y octubre de 1921, Picasso y su familia pasan una temporada en Fontainebleau, donde el artista desarrolla un lenguaje clásico que ya había iniciado tras un viaje a Roma y a Pompeya en 1917.  Durante ese período realiza obras tan conocidas como Tres mujeres en la fuente o Cabeza de mujer, que dan comienzo a la llamada “vuelta al orden”, tendencia a la que se adhieren muchos pintores europeos tras el “tumulto “de las vanguardias. Se trata de un retorno al clasicismo, pero no solo; también a sus reglas: canon clásico , simplicidad en las formas, representación objetiva de la realidad y cierta asepsia sentimental; es decir, un predominio de la objetividad, que en buena parte proviene de la pintura metafísica de de Chirico.

En esta cabeza, Picasso vuelve, en efecto, al clasicismo, pero no olvida todo lo aprendido anteriormente, hay rastros de un primitivismo que, en 1905, con el retrato de Gertrude Stein  en 1907,  con Las señoritas de Aviñon, había dado paso al cubismo. Los ojos almendrados y la nariz angulosa son algunos de esos aspectos, no menos que la forma escultórica de la propia cabeza. Primitivismo y Clasicismo se unen en esta pintura para inscribirse por derecho propio en el desarrollo del arte moderno.

Picasso/Matisse

Tanto las tradiciones mediterráneas como la luz y la vegetación del entorno resultan estímulos imprescindibles para Picasso a la hora de crear. Seducido por el aislamiento de la villa y las vistas sobre la bahía de Cannes, en 1955 compra “La california”, una gran casa-taller donde se dan cita los temas que lo han ocupado hasta entonces; el pintor y la modelo, la figura femenina, También trabaja con lo que denomina  “paisajes interiores”, los motivos que observa desde su ventana, Los pichones o variaciones del interior de La California, a partir de los distintos tonos de la luz que entra por las ventanas.

Por su parte, Matisse se traslada a Saint-Tropez, junto a Signac. Como se observa en Figura con sombrilla, la influencia del divisionismo se hará palpable en su pintura. A partir de 1938, en Niza donde viajo por primera vez en 1917, estará dominado por la relación entre la luz y el color puro. Utiliza los papeles recortados, como si dibujara con tijeras, recorta grandes superficies de papel previamente coloreado, técnica que traslada a las vidrieras de la capilla de los dominicos de Vence, su gran última obra, donde consigue que el color sea luz y la luz, color.

Julio González

Nacido en Barcelona en 1876, pasó buena parte de su vida en parís, trabajó con Picasso y Gargallo, posiblemente con Brancussi, se relacionó con Alberto Giacometti o Fernand Léger. En los inicios de su carrera participó en el “noucentisme”, como en “Dos mujeres” y “Paisaje”. Si atendemos a su dilatada trayectoria como escultor, no solo fue un escultor “noucentista”, desarrolla una línea escultórica en la que construyendo con placas de metal, superpuestas, para destacar los volúmenes y los vacíos, se diría que está llevando el cubismo sintético al plano de la escultura. Cada placa es autónoma, pero soldadas, como “Dafne”, casi una escultura abstracta que nos habla del espacio y la materia, a pesar de que el tema está tomado de un clásico como Ovidio.

Montserrat criant nº 2 1936-1940. Óleo sobre lienzo. MACA, Museo de arte Contemporáneo de alicante. Colección Arte Siglo XX.

 

Julio Gonzalez

 

 

 

 

 

 

 

 

Daphné. Bronce patinado, fundición a la cera partida. Museo Nacional centro de Arte Reina Sofía. Madrid.

 

Julio González

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Busto con vaso blu. Óleo sobre lienzo. Collezione Augusto e Francesca Giovanardi

 

 

 

Massimo Campigli

 

 

 

 

 

 

Gli zingari. Óleo sobre lienzo. Collezione Augusto e Francesca Giovanardi.

 

 

Massimo Campigli

 

 

 

 

 

 

Notas

1

Comisarios: Pablo Jiménez Burillo, Marie-Paule Vial

Asistente al comisariado: Leyre Bozal Chamorro

Coordinación: Irene Núñez González, Blanca de la Válgoma

Registro: Irene Núñez González

Dirección de montaje e iluminación: Pedro Benito Albarrán.

Diseño y gráfica: Jesus Montero y Asociados.

Restauración: Gema Álvaro, Nieves Peñalver y Marisa Villamón

Realización del montaje: Feltrero División Artes S.L.

2

Los textos, son resúmenes que he realizado de los excelentes escritos descriptivos que acompañan la muestra. Solo he agregado algún dato menos (completar nombres o fechas de nacimiento y muerte.

 

 

 

 

 

El Libro Impreso por Arq. Luis Grossman (Clarín 4 diciembre 2018)

El Libro Impreso por Arq. Luis Grossman (Clarín 4 diciembre 2018)

Diario CLARIN arquitectura del 4 de diciembre de 2018

El Libro Impreso es vital para la cultura arquitectónica

Por Luis Grossman. Arquitecto

Librerías como CONCENTRA y CP67, fundada por visionarios, nos permiten armar nuestras bibliotecas. Así podemos disfrutar del placer de la lectura, a la vez que nos enriquecemos como profesionales.

No hace mucho leí, como noticia en la sección cultural de un diario, que el escritor italiano Alessandro Baricco, mediante su programa “Pickwick”, invitó a sus connacionales “a redescubrir el placer de la lectura”. Pareciera que la misma invocación es necesaria en casi todo el mundo a partir de la aparición de los medios electrónicos y su veloz divulgación.

En rigor, el debate no es en favor de la lectura como una tarea, ya que el que está sentado frente a la pantalla de un monitor también está leyendo, aun cuando esa actividad no implica que perciba un placer al realizarla. La controversia se plantea entre los que usan la pantalla como único medio para enterarse de teorías y episodios o propuestas de carácter intelectual, y los que todavía confiamos en los textos impresos en papel, a los que accedemos en unos volúmenes llamados libros. Umberto Eco mantuvo un brillante diálogo con Jean-Claude Carrière que se publicó con un título que parece una consigna “Nadie acabará con los libros”. Yo adhiero a esa proclama.

Cuando se arma una discusión en torno del abandono de los libros y la victoria del Internet y las pantallas luminosas, como pertenezco a una generación que se identifica como los que somos recibidos con la frase “Que bien se te ve”, estoy en condiciones de invocar dos leyes aplicadas con frecuencia en la Historia del Arte, una es la Ley del cansancio de la Forma, la otra, utilizada con más frecuencia, es la Ley del Péndulo.

Es razonable esperar que, en un plazo razonable, el que hable con su celular en la calle sea visto como un despistado. Porque solo se justificara esa conducta frente a una seria emergencia. Y citar a Internet o Wikipedia como origen de un trabajo, será vulgar y pedestre. Entre los arquitectos, el acto de leer ponía al estudioso frente a un texto ilustrado y lo hacía girar las páginas en busca de la figura que le resultara atractiva, más allá del contenido del escrito. Así, los textos se redujeron al máximo y las ilustraciones crecieron en tamaño y calidad. También influyeron los avances tecnológicos en la impresión moderna, la calidad del papel utilizado y el diseño gráfico de las publicaciones, sean éstas revistas o libros. Todo esto cambió con la irrupción de la informática y sus derivados.

Sin embargo, como integrante del grupo de los arquitectos de edad, me propuse aquí formular un homenaje a los que nos permitieron armar las bibliotecas que nos enriquecieron a la vez que disfrutábamos del “placer de la lectura”. Creo que es un tema de estricta justicia, y trataré de ayudar a los más jóvenes a entender el origen de las bibliotecas y hemerotecas que permiten alimentar los contenidos de Internet y sus anexos.

Primero fue Concentra, La esquina del Arquitecto, que en Julio de 1946 (no existía la Facultad de Arquitectura) abrió sus puertas en la entrada Viamonte de las Galerías Pacífico en su versión original. Don Herman Reich, un alemán de Leipzig con vocación libresca, contó con la ayuda del arquitecto José Aslan para instalarse en ese local que se convirtió en un centro de encuentro para arquitectos y estudiantes. Según lo afirman los que saben, era la primera librería en su tipo en América Latina.

Para valorar la visión de Reich es preciso recordar que la única Facultad de Arquitectura de Buenos Aires (fundada en 1949) tenía no más de 200 alumnos, lo que no aseguraba grandes ventas. Pero con el paso del tiempo (don Herman falleció en 1951) su idea germinó con éxito y, gracias a su esposa Lilly y su hija Raquel, sigue hasta hoy en el liderazgo bibliográfico.

En la década del 60 se advertía el aumento de la matrícula de arquitectos y estudiantes de la FAU, y aparece entonces el vendedor que visita estudios para dar a conocer las novedades en libros y revistas nacionales y extranjeras. Evoco a Eduardo Miranda y a Raúl MacGawl, dos figuras inolvidables con sapiencia y generosidad, que dejaban el material “a pagar cuando sea posible”, lo que permitió la formación de nuestras bibliotecas. Aquellos “visitadores” facilitaron que se poblaran nuestros anaqueles trayendo las novedades a domicilio.

Durante los últimos 30 o 40 años creció de tal modo el volumen de material editado que ya no basta la librería de los visitadores.

Esto lo advirtieron dos estudiantes de la FAU (que después fue FADU), los hermanos Hugo y Guillermo Kliczkowski, que en 1967 empezaron a imprimir material didáctico. Así apareció CP67 (Curso Preparatorio de 1967) con un lugar de venta en la escalera interior de la facultad y más tarde un local en la calle Florida (foto) e incluso la edición de libros y revistas.

A muchos colegas y alumnos de hoy, esta secuencia les parecerá nostálgica y tienen razón. Porque gracias a los Reich, Miranda, MacGawl y los Kliczkowski tuvimos acceso a la fascinación del papel impreso a todo color o de libros de solo texto. Y nos cultivamos, por encima de las fronteras de la profesión. Para ellos va mi gratitud. Y en unja vuelta simétrica al comienzo, repito la imagen que pronostico actualizada, la de grupo de jóvenes y maestros en rondas de lectura para recuperar una cultura que hoy se ve muy escasa. Eso que llamamos cultura arquitectónica.

Permitida su reproducción parcial o total mencionando la fuente

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martes, 4 de diciembre de 2018

Redescubriendo el Mediterráneo, segunda parte

Redescubriendo el Mediterráneo (Nota 1), segunda parte

Primera parte: España.  https://hugoklico.blogspot.com/2018/11/redescubriendo-el-mediterraneo-en-la.html  

FRANCIA (2)

El sur de Francia, era una etapa en el viaje a Roma, ofrecía los monumentos antiguos de Orange, Arlés y Nimes. Tanto George Sand (pseudónimo de Amantine Aurore Lucile Dupin, baronesa de Dudevant 1804-1876) como René Albert Guy de Maupassant (1850-1893) alabaron el midi (el mediodía, en el sur de Francia). El tren Paris-Lyon llegó a Marsella en 1856, a Niza en 1864 y a Ventimiglia en 1878, facilitó estos desplazamientos.

Los talleres del Midi, los asociamos a los artistas que allí residieron, Aix-en Provence con Paul Cézanne (1839-1906), Arlés con Vincent Van Gogh (1853-1890), Antibes con Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), Niza con Henri Matisse (1869-1954), Le Cannet con Pierre Bonnard (1867-1947), o Cagnes-sur-Mer con Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). Se daba tanto el clasicismo (de la antigüedad clásica), como de la modernidad que se referenciaba en él.

Los talleres del Midi

En la década de 1880, Van Gogh se instala en Arlés buscando “el sol del glorioso Midi”. La casa de color amarillo, que no llega a ser como él desaba una comunidad de artistas, el “taller del sur”, atrae a RenoirClaude Monet (1840-1926), Paul Signac (1863-1935), Georges Braque (1882-1963), André Derain (1880-1954), Raoul Dufy (1877-1953), Pierre Bonnard (1867-1947), Matisse o Picasso. Algunos pasan unos días, otros una temporada, y otros como RenoirBonnard y Matisse, se quedan definitivamente. Signac, luego de una estancia en Collioure, descubre en 1892 Saint-Tropez, donde se encontrara con sus amigos Henri-Edmond Cross (1856-1910), Théo van Rysselberghe (1862-1926), y Louis Valtat (1869-1952).

Cuando compra la villa La Hune, se transforma en lugar de encuentro para MatisseCharles Camoin (1879-1965), Albert Marquet (1875-1945), Henri Manguin (1874-1945), y Bonnard. Todos desde sus estilos compartían el interés por la luz y su relación con el color.

Es en 1905 cuando Derain Matisse comienzan en Collioure a trabajar con colores puros y brillantes, iniciando la aventura fauvista, un año más tarde Derain se reunió con BraqueDufy y Othon Friesz (1879-1949) en               L´Estaque para seguir desarrollando esa pintura, que daría lugar al cubismo, y al neocesannismo.

Montagne Sainte-Victoire. c.1890. Óleo sobre lienzo. Musée d´ ´Orsay, París.

 

Paul Cézanne. 

 

Chàteau Noir. Óleo sobre lienzo. Musée National Picasso-Paris.

 

 

 

 

 

Paul Cézanne

Establecido desde 1890 en Aix-en-Provence, donde Cézanne nació, varios fueron los motivos elegidos de los alrededores como el Chateau Noir para sus composiciones. Un castillo neogótico en ruinas, un entorno trabajado como si fuese con espátula y solo diferenciado del cielo por el color. Cézanne se refirió en varias ocasiones al clasicismo, Su conocida afirmación “hacer con el impresionismo una pintura como la de los museos”. No es

un deseo de volver a la tradición, sino la creación de un nuevo lenguaje.

La Méditerranée (Cap dÁntibes). Óleo sobre lienzo. Columbus Museum of Art, Ohio.

 

 

 

Claude Monet

 

Saint-Tropez. La Calanque. Óleo sobre Lienzo. Musées Royaux des Beaux Arts de Belgique, Bruselas.

 

 

 

 

 

Paul Signac

Paysage de Cagnes. 1915. Óleo sobre lienzo. Musée d´Orsay, Paris

 

 

 

 

 

 

Pierre-Auguste Renoir

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Femme s´essuyant. 1912-1914. Óleo sobre lienzo. Kunst Museum Winterthur.

 

 

 

 

 

Pierre-Auguste Renoir

 

Les villas à Bordighera. Óleo sobre lienzo. Musée d´Orsay.

 

 

Claude Monet

 

 

L´entrée du port de Marseille. Óleo sobre lienzo. Musée d´Orsay, Paris.

 

 

 

 

Paul Signac

 

 

 

 

Signac se aleja del divisionismo de Seurat, por el que las imágenes se construyen con puntos de color puro y tamaño igual, en éste cuadro vemos en lugar de puntos, pequeñas masas rectangulares ofreciendo un aspecto como de mosaico. Vemos rosas y azules, entremezcladas con manchas verdes, púrpuras y naranjas, captando el juego de luces en el agua y el paso de las nubes por el cielo.

Paul Signac

Saint-Tropez. Les pins parasols aux Canoubiers. Óleo sobre lienzo. Musée de l´Annonciade, Saint-Tropez

 

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Les Rochers rouges à Agay. Óleo sobre lienzo. Collection Fondation Regards de Provence, Marsella.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Louis Valtat

 

 

Vue d´une fenetre ouverte. 1908. Óleo sobre lienzo, marco de madera pintado de negro. Musée de la Loire, Ville de Cosne-Cours-sur-Loire.

 

 

 

 

 

Raoul Dufy

 

 

 

 

 

Como para la mayoría de sus contemporáneos, Cézanne supuso un descubrimiento para Dufy, viendo la retrospectiva en Aix en el salón d´Automme de 1907, o la de la galería Bernheim-Jeune.

A partir de ese momento va abandonando las composiciones puramente fauvistas y comienza a interesarse por el cubismo. Comienza a representar la tercera dimensión de otra manera. Esa ruptura es en 1908, cuando regresa a L´Estaque junto a sus amigos Braque y Friesz.

Sin renunciar totalmente el color fauve, y el gusto por la yuxtaposición de colores planos, se ha ido reduciendo a los ocres, marrones y verdes, aproximándose a las tonalidades que utiliza Cézanne, si bien  apreciamos otros tonos como el anaranjado y el rosa. Los volúmenes y planos simples lo hace confundirse con las de Braque, ambos elaboraron un lenguaje del que nació el primer cubismo. Más adelante ambos se distancian en sus formas, Braque uniéndose a Picasso y Dufy conservando sin destruir completamente las formas.

La Faunesse. Óleo sobre lienzo. Colección Particular.

 

 

 

Henri Manguin

 

 

 

 

 

Signac tenía una casa desde 1897 en Saint-Tropez, “La Hune”, durante sus estancias en el Midi, se reunían pintores y amigos, entre ellos ManguinCamoinMatisseBonnardMarquet…las intensas y luminosas armonías de colores prevalecían sobre el motivo en la obra de todos ellos, con el paisaje como tema predilecto. Como dijo el crítico Louis Vauxcelles (1870-1943) formaban una “intrépida y pequeña colonia de pintores que pintaban y charlaban en ese país encantado”.

A orillas del Mediterráneo “el primer océano del mundo”, en el que”…todo contribuyó a convertirlo en la piscina de los dioses” –en palabras de Paul Morand 1888-1976), “cada uno podía inventar su edad dorada”.

En esas temporadas, la pintura de Manguin como la de Camoin, se tornó en su etapa fauve, más equilibrada con una gama cromática basada en el naranja, el, verde tierno y el azul, produciendo armonías más suaves. Su pintura serena enmarcaba la descripción de una vida en la que el tiempo parecía transcurrir con una serenidad perfecta. Manguin con sus mujeres, bajo unos árboles, a través de cuyas ramas se filtra la luz mediterránea, transmitió como ningún otro artista la sensación de un mundo feliz y fuera del tiempo. Su modelo en numerosas ocasiones fue su mujer Jeanne, con quien se casó en 1899.

Cassis, le bain. Óleo sobre lienzo. Musée de Beaux-Arts, Nancy.

 

 

 

 

Henri Manguin

 

L´Estaque. Óleo sobre lienzo. Musée des Beaux-Arts de la Chaux-de-Fonds. Suiza

 

 

 

 

André Derain

 

La aventura del fauvismo, iniciada durante el verano de 195 en Collioure por Matisse Derain, cuando experimentaron con el color resplandeciente que, libre de todo afán de mimetismo, era empleado para

 “llegar a un estado de condensación de las sensaciones que genera el cuadro”, prosiguió durante varios meses más en L´Estaque. Fue Cézanne quien tanto influyó en la joven generación de pintores que transformaron los códigos de representación del paisaje.

Derain, comienza a dudar temiendo que el color lo llevase a un callejón sin salida, orientó su búsqueda hacia un análisis de las formas y la composición, como aparece en L´Estaque en el ritmo de los árboles.

Vue du Cannet 1927. Óleo sobre lienzo. Centre Pompidou, Musée National d´Art Moderne/ . Centre de Création Industrielle, Paris.

 

 

Pierre Bonnard

 

Cuando en 1909, Bonnard visita Saint-Tropez invitado por su amigo y también pintor Henri Manguin, descubre una nueva manera de interpretar el color influido por la luz mediterránea, “He tenido una visión como la de las mil y una noches. El mar, las paredes amarillas, los reflejos tan coloridos como las luces”. Las investigaciones plásticas de Bonnardsiempre se encaminan a representar un mundo profundamente personal, etéreo y sublimado, a la búsqueda de un ideal arcádico, sobre todo en cuanto en cuanto a sus paisajes y decoraciones. Como en esta serena vista de Cannet. Después de 1920 no hay casi atisbo del mundo moderno en su pintura, se ceñirá a paisajes e interiores, o elementos a menudo difícilmente clasificables, con colores nunca vistos, con un tinte de melancolía. Una melancolía derivada del anonimato y la soledad de su vida en Le Cannet, donde permanece  hasta el fin de sus días, y que contrasta con

 

 

el halo de felicidad que asimismo parece recorrer hasta la última de sus obras.

 

L´Estaque. Óleo sobre lienzo. Merzbacher Kunststiftung. Centre Pompidou, Musée National d´Art Moderne/ . Centre de Création Industrielle, Paris.
Route à L´Estaque. Óleo sobre lienzo. Centre Pompidou, Musée National d´Art Moderne/ . Centre de Création Industrielle, Paris

 

Georges Braque

 

 

 

 

 

 

 

Georges Braque

.Al igual que para su amigo Dufy, el encuentro con las últimas pinturas de Cézanne fue para Braque toda una revelación. Tras haber desarrollado las posibilidades del color dentro del fauvismo, a partir de 1908 se produce un gran cambio en su pintura. Braque Dufy, que trabajan juntos, comienzan a analizar los volúmenes modulados por la luz. Braque  había conocido a Picasso, quien estaba terminando  Las señoritas de Aviñón.

El crítico Louis Vauxcelles dice  “reduce todo, lugares, figuras y casas, a perfiles geométricos, a cubos”. El cubismo estaba naciendo, la solidez de los volúmenes sustituirían a la pincelada suelta. Los colores puros serían reemplazados por ocres y verdes, más acordes con las tonalidades apagadas que caracterizan la paleta cubista.

Notas

1

Comisarios Pablo Jiménez Burillo, Marie-Paule Vial

Asistente al comisariado: Leyre Bozal Chamorro

Coordinación: Irene Núñez González, Blanca de la Válgoma

Registro: Irene Núñez González

Dirección de montaje e iluminación: Pedro Benito Albarrán.

Diseño y gráfica: Jesus Montero y Asociados.

Restauración: Gema Álvaro, Nieves Peñalver y Marisa Villamón

Realización del montaje: Feltrero División Artes S.L.

2

Los textos, son resúmenes que he realizado de los excelentes escritos descriptivos que acompañan la muestra. Solo he agregado algún dato menos (completar nombres o fechas de nacimiento y muerte.

permitida la reproducción parcial o total citando la fuente.

Hugoklico.blogspot.com

2018

Redescubriendo el Mediterráneo, primera parte

Redescubriendo el Mediterráneo en la fundación Mapfre de Madrid

Redescubriendo el Mediterráneo (1)

En la fundación Mapfre se expone (y lo estará hasta enero de 2019) una muestra muy interesante.

Sobre una pared, un texto nos recibe, (que resumo) (2):

Nacer en el Mediterráneo parecía proporcionar unas señas de identidad. Así lo entendió, en Cataluña, el “noucentrisme”, una imagen basada en paisajes tranquilos y equilibrados, la herencia de una antigüedad inmutable.

En Francia, el Mediterráneo fue un lugar más para pintar que para vivir, casi sin personajes en sus cuadros, se despliegan paisajes con colores brillantes. Luz clara, y contrastes inesperados y sugerentes.

En Italia, el Mediterráneo permite el encuentro del artista con el clasicismo.

Permitió un lenguaje artístico, en un clima de armonía, paz y belleza, lo que no es poco en la atormentada historia del arte moderno.

ESPAÑA

A mediados el siglo XIX, la pintura moderna encuentra en Valencia uno de sus referentes. El realismo implicó el auge del paisajismo. Ignacio Pinazo Camarlench (1849-1916) se interesa por los aspectos del Mediterráneo  como paisaje y como escenario de las actividades playeras junto al turismo y el veraneo, fenómenos éstos vinculados a la nueva clase en alza, la burguesía.

Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923) hizo del mar el eje de toda su obra. Cataluña es otro de los lugares donde se juega un papel central en la renovación del ambiente artístico barcelonés, Joaquín Sunyer (1874-1956) y el profesor, pintor, escultor y escritor Joaquín Torres García (1874-1949) son sus mejores representantes.

Otro enclave es Mallorca, con Joaquim Mir (1873-1940) y Hermen (Hermenegildo) Anglada Camarasa (1871-1959). Colores violentos llevados a los límites rozando la abstracción.

Joaquín Torres-García. Paisaje (Mural de la casa del barón de Rialp). 1906. óleo sobre lienzo pegado a tabla. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.Entre templo clásico y masía, es la casa que Joaquín proyectó en 1914 en Tarrasa. El artista llamó a su casa “Mon repós”, Apolo y dos ninfas representa la juventud, el dios guarda en una cesta las naranjas que dos ninfas parece recoger de un árbol.

La leyenda corresponde a la escena “consagrar la vida a la verdad”, pertenecientes a las Sátiras de Juvenal.

Entre 1904 y 1907, el artista uruguayo-catalán desarrolló un lenguaje que le asoció directamente con el “noucentisme o novecentista”.

Tanto Eugenio d´Ors, principal promotor de esta tendencia publicó en 1906 su “Glossari”, como el descubrimiento de Puvis de Chavannes y su espiritualidad -basada en un arte neoclásico que busca valores trascendentes mediante imágenes de la antigüedad- influyeron en Torres García. Es importante mencionar como le influyó su viaje a Italia en 1912, fascinado por sus muralistas.

Joaquín Torres-García. Apolo y dos ninfas. 1914. Temple sobre estuco de yeso. Centre cultural Tarrassa.

                         Hermen Anglada Camarasa. Tormenta en la playa. c. 1925-1930.                               Óleo sobre lienzo. Colección Enaire.

Joaquím Sunyer Pastoral. 1910-1911. Óleo sobre lienzo. Col-lecció Nacional d´Art. Anxiu Joan Maragall.

 

 

 

 

Salvado Dalí. Bañistas de Es Llaner. 1923.

Óleo sobre cartón montado sobre tablero de madera contrachapado. Fundación Gala-Salvador Dalí, Figueras.

Ësta obra junto a “Mediterráneo”, obras fundacionales del “noucentrisme”. fueron presentadas en 1911 en una exposición individual de Joaquím,

En su título evoca a los poetas Teócrito (?  -260 a CPublio Virgilio (70 a.C.-19 a.C), en cierta forma está emulando a Henri Matisse (1869-1954) y su “alegría de vivir”, una arcadia feliz donde la mujer se integra con la naturaleza, madre tierra, madre de todas las cosas.

Joän Maragall escribe presentando la obra en el número 7 de la revista Museum: “..Llegue delante de aquella “Pastoral”, donde me pareció ver resumida, aclarada y sublimada toda la obra del artista…He aquí la mujer…la carne del paisaje; es el paisaje que, animándose, se ha hecho carne”.

Joaquim Mir. Posta de sol C 1903. Óleo sobre lienzo. Es Baluarde Museu d´Art Modern i Contemporani de Palma

Esta obra formó parte de un conjunto de decoraciones para lo que sería el primer hotel de Mallorca, el Gran Hotel, que el industrial uruguayo Juan Palmer Miralles encargó al arquitecto Lluis Domènech i Montaner. En total 7 plafones que realizó junto a Santiago Rusiñol. Posta de Sol es una vista de Pollença, en su parte superior la sierra Cavall Bernat. Es la fascinación por el paisaje.

Ignacio Pinazo Barraquetes. Óleo sobre tabla. Colección Particular.
Lluis Masriera i Rosés. Bajo la sombrilla. c. 1926. Óleo sobre tabla. Museu de l´Empordá, Figueras.

Su pintura es “la estética de lo inacabado”.

Artista muy polifacético, trabajo como orfebre, pintor, dramaturgo, y diseñador de joyas, creo la compañía teatral Belluguet y una revista dedicada a las artes decorativas “El Estilo”. Introdujo en Barcelona el llamado “esmalte Barcelona”, traslúcido y opaco muy próximo al art nouveau de René Lalique. 

Del tema bajo la sombrilla realizó varias versiones. Dos figuras se sitúan bajo una sombrilla (la playa quizás sea Sant Andreu de Llavaneres, a la cual su familia era asidua, La protagonista es una sombrilla japonesa, y una paleta llena de luz y color cercana al impresionismo.

Se distinguen unas figuras en segundo plano, así como una particular transparencia del cielo y la luminosidad de la arena. Los motivos japoneses (abanicos, quimonos, biombos) fueron  muy populares en el arte francés y español de los siglos XIX y principios del XX.

Cecilio Pla Mujeres en la playa y -Marina. Playa . Amba de  c. 1925. Óleo sobre cartón. Cortesía galería Benlliure, Valencia
Joaquín SorollaRocas de Jávea y el bote blanco. Óleo sobre lienzo. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.
Ignacio Pinazo. Anochecer en la escollera III. 1898-1900. Óleo sobre lienzo. IVAM, Institut Valencià d´Art Modern.
Joaquín Sorolla. Clotilde y Elena en las rocas. Jávea, 1905. Óleo sobre lienzo. Colección Esther Koplowitz.

Su mujer y su hija pequeña en el verano de 1905.

Ese verano realiza setenta y cinco cuadros para la exposición individual que se realizaría al año siguiente en París en la Galería Georges Petit.

Trasparencias, reflejos, la refracción o la superficie especular del agua sobre la arena le seducen como enigmas visuales y los adopta como motivos para sus pinturas.

En la orilla del mar descubre infinitos matices de color, texturas y formas que el agua revela a quien la mira con intensidad.

Joaquín Sorolla. La hora del baño. Sin fecha. Óleo sobre lienzo. Colección Esther Koplowitz.

Aristide Maillol.  Paysage des Pyrénées-Orientales. 1885-1886. Óleo sobre lienzo. Galerie Dina Vierny, Paris.

Josep de Togores.  Paisatge. 1917. Óleo sobre lienzo. Museo nacional centro de Arte Reina Sofía, Madrid. 

Josep de Togores. Couple à la plage. 1922. Óleo sobre lienzo. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Josep de Togores.  NU. 1921. Óleo sobre lienzo. Colección Casacuberta Marsans.

Notas

1

Comisarios Pablo Jiménez Burillo, Marie-Paule Vial

Asistente al comisariado: Leyre Bozal Chamorro

Coordinación: Irene Núñez González, Blanca de la Válgoma

Registro: Irene Núñez González

Dirección de montaje e iluminación: Pedro Benito Albarrán.

Diseño y gráfica: Jesús Montero y Asociados.

Restauración: Gema Álvaro, Nieves Peñalver y Marisa Villamón

Realización del montaje: Feltrero División Artes S.L.

2

Los textos, son resúmenes que he realizado de los excelentes escritos descriptivos que acompañan la muestra. Solo he agregado algún dato menos (completar nombres o fechas de nacimiento y muerte.

Continua en la 2nda parte (en preparación)

 

Hojas, el otoño

Hay que prestarles atención.

Se están esforzando para ser vistas con el tiempo necesario.

Por eso lo hacen silenciosamente, sin pausa.

No se dejan caer todas a la vez, lo hacen con un ritmo.
A veces esperan que una de ellas llegue o se pose en algún lugar o bailan de a dos o tres.
Siempre caen de distinta manera, pero se deben cuidar para que siempre sea igual de bonito, igual de bello e igual de hermoso.

No es una nieve dorada, es una cascada de lágrimas para que nos demos cuenta.

Nos demos cuenta de todo, y cuando escribo de todo, sugiero que lo hagamos mientras las hojas pasean, mientras planean y nos sobrevuelan.

No es ninguna casualidad, que no caigan como un peso pesado, como muertas, lo hacen volando lentamente, soñando por nosotros.

Es mucho lo que nos perdemos si las perdemos de vista.

Para evitarnos ese bochorno, cae una, y otra, y otra….

Es que el otoño, es mucho otoño.

Disimulemos, aunque no estemos a su alcance.

Será suficiente con que estemos atentos.

   

 

      

 

       

 

Joan Miró. “mujer rodeada de pájaros viendo el amanecer de una estrella.

Joan Miró. “mujer rodeada de pájaros viendo el amanecer de una estrella.

Joan Miró





“Femme entourée d´oiseaux regardant le lever d´une étoile”
Mujer rodeada de pájaros viendo el amanecer de una estrella.
26 de Agosto de 1942. Acuarela, gouache, lápiz y pastel sobre papel, 78 x 56 cm.
colección particular (c) Sucesión Miró 2018
en deposito temporal Fundación MAPFRE.
Madrid

por Leyre Bozal Chamorro
Una de las cosas inherentes al arte de Miró es la continua transformación y metamorfosis de sus motivos así como de los materiales utilizados.
Los objetos y las ideas se transforman en signos y os signos en otros materiales y temas diferentes.
En la obra de Miró todo está en continuo movimiento, sufre continuas alteraciones.
Las transformaciones morfológicas que el artista plantea en las pinturas y dibujos de los años 1923-1924, son en buena parte responsables de la metamorfosis que caracterizarán a partir de entonces toda su obra en “Carnaval d´Arlequin” (1924-1925)

y en sus tres “Interiores holandeses” (1928)

se establecen ya los elementos que serán propios del universo mironiano: la estrella, la mujer, personajes extraños que habitan el espacio, el vuelo de un pájaro.

Pero si en aquellos se atisbaba una nitidez y una claridad en los elementos ubicados en un espacio determinado -al menos aparentemente-, poco a poco las referencias espacio-temporales, el contexto de la composición, se hace cada vez mas difuso y el “horror vacui” que caracterizaba a aquellos va poco a poco desapareciendo.

En la obra que nos ocupa, los motivos parecen estar flotando. El color se centra en la mujer, que con sus dientes afilados recuerda uno de los seres monstruosos que aparecen en la obra de Miró a partir de medidos de los años 1930, símbolo de la preocupación del artista por los acontecimientos bélicos que se desarrollaban en Europa.

Por otra parte los pájaros – que más bien parecen hombres que rodean a la mujer- tienen menos color, destacando en ellos el lápiz con el que han sido realizados.
La mujer rodeada por pájaros ya había aparecido en sus “Constelaciones” (1940-1941); y distintas variantes en torno a este tema surgirán a partir de ahora una y otra vez en su pintura.

En enero de 2003, edité el libro “Josep Lluis Sert / Joan Miró”, su autor Bonet Llorená.
96 páginas, encuadernado en tapa dura, ISBN 9788 4960 48 515.
2 ediciones con textos en inglés y español.
editorial H Kliczkowski
Comentario en Amazon: ” Magnífica presentación de la obra de Joan Miró y Josep Lluís Sert las cuales se fundamentan en una serie de intereses compartidos. La búsqueda de la sencillez y una mirada atenta al mundo popular mediterráneo se hacen patentes en el trabajo de ambos. Al igual que su profunda creencia en el humanismo que, pese a los desastres vividos durante el sigo XX – o quizá por ellos – los une todavía más”.

Arq. Margarete Schüte-Lihotzky, “Grete”.

Margarete Schüte-Lihotzky, “Grete”

Su esencia fue su compromiso social y político. (1)

En la fundación Juan March, la arquitecta Fuensanta Nieto, concluyó su conferencia, diciendo: “…así como Grete, ayudó con su esfuerzo a las mujeres del siglo XX y XXI, nosotras debemos hacer el esfuerzo de ayudar a las mujeres sometidas para que en éste y el próximo siglo, su vida sea mucho mejor que la de hoy”. (2)

Con una calidad expositiva extraordinaria, acompañada de imágenes y videos, nos adentrarnos en la vida de Margarete Schüte-Lihotzky, conocida como “Grete”.

 Fuensanta Nieto (1957), junto a Enrique Sobejano (1957) forma parte del reconocido estudio de arquitectura: Nieto/Sobejano.

Han recibido más de 15 primeros premios, la medalla Alvar Aalto, el  premio Aga Khan, el Premio Nike de la BDA (Bund Deutscher Architekten) y el Premio Hannes Meyer. Fuensanta es codirectora de la revista Arquitectura (editada por el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid).

Margarete Schüte-Lihotzky. “Grete”

“…la arquitectura no es un estímulo estético, sino un arma eficaz en la lucha de clases”. Hannes Meyer

Grete vivió 103 años, 80 de los cuales los dedicó a su profesión.

Fue la primer mujer arquitecta en Austria.

Conocía a Oskar Kokoschka (1886-1980), trabajo con Adolf Loos, (1870-1933) de él aprendió “la forma de ver la arquitectura”.

Su defensa de la mujer se fue transformando en un activismo político, su interés principal fue la vivienda social y la sistematización y racionalización. Su interés por el equipamiento social no ha sido otro que el interés por ayudar a la mujer, mejorando su posición social.

Su padrino para entrar en 1915 en la Escuela de Artes Aplicadas, fue Gustav Klimt -a pedido de su madre-. Tuvo de profesores a Oskar Strnad (1879-1935), Henrich Tessenow (1876-1950) y Josef Hoffmann (1870-1956).

Su profesor Strnad le enseñó que “..todo milímetro cuenta, es importante y puede modificar la forma en que vivimos”. Sus estudios se desarrollaron mientras duró la 1er. Guerra mundial.

Obtuvo en 1917 el premio Max Mauthner por el “Proyecto para un centro cultural” y en 1919, el premio Lobmeyer por unas viviendas para trabajadores.

En 1918 desaparece el imperio austro-húngaro y nace la república.

Decía que la calidad de las viviendas marca la diferencia entre las clases desfavorecidas y las acomodadas.

En 1920 gana el concurso para la Construcción de pabellones en huertos parcelados en Schafberg, junto al arquitecto paisajista Alois Berger.

Adolf Loss fue director del Ministerio de la vivienda de Viena entre 1920-22,  Grete (en 1921) colaboró con él en el proyecto de la Siedlung Friedensstadt.

Fue profesora de arquitectura en Moscú, China, Estambul y la Habana.

En Berlín proyecta el conjunto de viviendas “Mietskasernen”.

En 1924 contrae la tuberculosis, (su madre no consigue sobrevivir a la enfermedad), es internada en el sanatorio antituberculoso de Grimmenstein. Durante su convalecencia  en 1925 realiza el proyecto de una ciudad-sanitaria y un “mobiliario adaptado”.

                                         Karl Marx Hof

Hizo un pormenorizado análisis de las 65.000 viviendas que se construyen en la Viena Roja. En una época de plena construcción de viviendas el arq. Karl Ehn (1884-1959) hace la Karl Marx Hof 1927/30 (hof = patio). Son 1.400 viviendas para la clase obrera desarrolladas en 1.100 mts, son viviendas de baja densidad (20%) con equipamientos sociales.

En la misma época se realizan otros conjuntos de viviendas, realizados por Behrens (1868-1940), Hoffman, Frank, Strnad y Loos.

Simultáneamente proyecta un refugio para trabajadoras de 192 viviendas.

Grete conoce al urbanista Ernst May (1886-1970). Este se queda muy impresionado de su capacidad y en 1926, ya nombrado concejal de urbanismo, le encarga tareas para la Neue Frankfurt. El lema es “Luz, aire y sol”.

La misión de Grete consistió en aunar ideas sobre la racionalización de la economía doméstica para aplicar a las diversas tipologías de viviendas que se construirían en Fankfurt am Main.

Entre sus primeras mejoras, figura la separación de áreas como la antigua cocina-lavadero.

En la ciudad de Frankfurt am Main. Son 15.000 viviendas, que equivalen al 90 % de las viviendas edificadas en esa ciudad en ese período.

Es  una época de reconstrucción, Alemania queda muy destruida después de la guerra. Entre 1922/24 se realizan grandes construcciones de viviendas.

En 1926 escribe varios artículos en la revista fundada por Ernst May “El nuevo Frankfurt”, como la cocina de Frankfurt, las cocinas para colegios y enseñanza y la vivienda para la mujer trabajadora.

 “…solo cuando la función se haya resuelto, puede comenzar el proyecto” MS-L

“La cocina de Frankfurt”, la Frankfurter Küche

 “Yo no soy una cocina: Si hubiera sabido que todos hablarían solo de ello, no habría construido nunca esa maldita cocina”. MS-L

Su primera cocina llamada de “núcleos húmedos” o “zona de aguas”, es de 2 x 2,05 mts con un pasillo o espacio de trabajo de 95 cm.

En septiembre de 1922 la expone en la “4ta. Exposición Hortícola Vienesa”. La patenta aunque no se industrializa,

Ese año recibe la Medalla de Bronce de la ciudad de Viena.

 

Investigó tres posibilidades:

La cocina-estancia con cocina-lavadero.

La cocina-comedor.

La cocina-trabajo.

Consideraba que si se concentraba las actividades en un  solo espacio se ahorraba energía para la calefacción y se fomentaba la comunicación familiar.

Su idea de cocina-comedor trataba de evitar la segregación de la mujer del resto de la familia. En Weissenhoff en 1926, que diseñó Lilly Reich (1885-1947) expone su “cocina de Frankfurt” de 6,50 m2.

Las mujeres trabajaban en la casa, en el llamado “trabajo doméstico”. Grete no cuestionaba ese trabajo, pero estudio la manera que pudieran hacerlo de una forma más eficiente, al tiempo que deseaba que se éste se reconozca como una profesión.

Para ello estudia la altura de los muebles y su distribución, ahora la mujer  moderna puede trabajar sentada, tiene el almacenamiento de comida a mano, y puede tirar la basura a cubos más cercanos a su tarea.

Con un acceso al agua más fácil y práctico. Estudió recorridos más fáciles, cortos y más eficientes

Incorporó un taburete que puede subir o bajar el asiento.

Le puso un color azul verdoso, en un estudio que realizara llegó a la conclusión que ese color no atrae las moscas.

Realiza cajoneras metálicas, donde no van los insectos de la madera.

Es un proceso de estandarización y de homogenización.

Es la 1era vez que se planteaban esos temas, han pasaron 100 años y se sigue el mismo o similar esquema.

En la exposición la nueva vivienda y su diseño interior la nueva cocina obtuvo su mayor publicidad y conocimiento social.

Feria de Frankfurt de 1929

Su difusión permitió que otros países como Francia incluyeran su modelo de cocina en 260.000 viviendas. Frankfurt en 10.000 hogares, Moscú, etc.

Podría ser comparable a su diseño de cocina (por la sistematización), la “Dymaxon” de Buckmister Fuller (1895-1983).

En 1924 la comunidad vienesa encarga a la Asociación Hortícola Austríaca, construir un gran bloque de viviendas obreras, se ocupan los propios arquitectos de la Asociación  Grete Schüte- Lihotzky y Franz Schuster (1892-1972), junto a ellos los  arquitectos modernos:

Peter Behrens, Josef Frank, Josef Hoffmann, Adolf Loos, Oskar Strnad, Oskar Wlacgh (1881-1963)

En 1926, a raíz de un concurso que realizo (y no ganó), estudio la cocina en los trenes, le interesaba saber cómo en un lugar tan acotado se preparaba comida para 100 personas.

Durante la conferencia Fuensanta pasa un video de la cocina de Grete, la misma que luego se construyó en 10.000 viviendas.

                                    Charlotte Perriand

La arquitecta Charlotte Perriand (1903-1999) también diseña una cocina que luego instala en una unidad habitacional de Le Corbusier. Así como las cocinas de las case study, se puede hacer una visión conjunta de las cocinas de MS-L, Perriand y Case Study.

 

“..Nunca antes había cocinado, no se cocinar, lo he diseñado como arquitecta…” MS-L

Con la habilidad que su gran humor le permitía, pudo incorporar en proyectos que eran solo accesibles a hombres, sus ideas, y pudo reinventar el equipamiento social.

Entre sus diseños figura una escuela en 1929 para enseñar a cocinar, con una profesora en un lugar central y un semicírculo de estudiantes, con sus mesadas y cocinas.

Desarrolló un equipamiento y programas específicos para mujeres, como un Kindergarten en Praunheim (que no llegó a construirse) pero si el modelo, que fue repetido en otros diseños de viviendas, sus proyectos decía, respondía a las indicaciones de Maria Montessori (1870-1952. (3)

                  Siedlung Römestadt

En 1929, participan Grette y Eugen Kaufmann (1892-1984) del segundo congreso del CIAM. (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna), celebrado en Frankfurt, donde presentan un proyecto para viviendas en hilera. Hay un contencioso entre los estándares mínimos que presentaba  Ernst May (1886-1970) y los de “existencia máxima” de Le Corbusier, en ese congreso.

Cuando se traslada a Moscú con su marido, se hacen cargo de equipos que están proyectando viviendas para 200.000 trabajadoras. Cuando dejan el proyecto en 1933 se trasladan de Rusia a China y Japón.

En China la invitan a quedarse para desarrollar sus proyectos de kindergarten, y su tarea consistió en normalizar el mobiliario de las guarderías.

      Bruno Taut: Onkel-Toms-Hütte, Wilskistrasse, Berlin

Conocen al arq. Bruno Taut (1880-1938) cuando éste estaba exiliado en Japón.

              Grete con Taut y Bruno en Japón

Cuando Taut se traslada a Estambul, llama a Grete y su marido. Grete dará clases de arquitectura durante 2 años.

Siempre fue una activista política, cuando decide unirse al partido comunista deja la seguridad de Estambul, conoce al arquitecto Herbert Eichholzer (1903-1943 ejecutado por los nazis), fundador del grupo antifascista austriaco de Turquía, y junto a él viaja en las Navidades de 1940 a Viena, donde tiene contactos con el jefe de la resistencia.

Ese encuentro la acerca a la muerte cuando es detenida por la Gestapo, y piden para ella ser condenada a muerte, que luego conmutan a 15 años de cárcel.

En Mayo de 1945, con el fin de la guerra  es liberada luego de pasar 4 años y medio presa en el presidio de Aichach en Baviera.

Pero la situación de pos guerra y las dificultades de transporte y traslado no le permiten reencontrarse con su marido, entonces se traslada a Sofía, Bulgaria.

Recién en 1947 pueden  reencontrarse (1900-1968). Se habían casado en 1927 (la pareja se separa en 1951)

En Viena le resulta  muy difícil trabajar debido a su relación con el Partido comunista, al no recibir trabajos, viaja a China y a Cuba.

Ya es una activista política, aunque nunca dejo de serlo ni en su vida pública ni en su profesión.

                                           Grete en su casa

Junto a Lina Loos (Carolina Catharina Obertimpfler 1882-1950), quien fuera la primer mujer de Adolf Loos, crea la Unión de Mujeres Demócratas Austriacas.

Su compromiso con las mujeres y los marginados fue constante.

En sus últimos años de su dilatada, valiente y generosa vida ingreso en la en el Consejo de la Paz y en la Asociación de Campos de Concentración (KZ) y Resistencia.

En 1988, rechazó el prestigioso premio vienés “Titulo de Honor Austríaco de la ciencia y el Arte” al saber que lo recibiría de manos del presidente Kurt Waldheim (1918-2007), que fuera oficial del ejército nazi.

Murió 2 años más tarde, a los 103 años de una vida ejemplar.

Notas

1

Heroínas del espacio.

Mujeres arquitectas en el Movimiento Moderno. Carmen Espegel. 2007 editorial Nobuko. Textos de Arquitectura y Diseño.

Director arq. Marcelo Camerlo.

 

 

2

El ciclo de conferencias “Pioneras de la arquitectura”, se realizaron en la fundación Juan March, en su sede de Castelló, 77 en Madrid, del 6 al 15 de Noviembre de 2018. “Domesticidad y Poder. Eileen Gray y E.10276” por Beatriz Colomina, arquitecta y profesora en la Universidad de Princeton, EEUU; “Lilly Reich: “El espíritu del material” por Carmen Espegel, arquitecta, estudio Espegel/Fisac y profesora en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid; “Margarete Schütte-Lihotzky” por Fuensanta Nieto, arquitecta, estudio Nieto/Sobejano y profesora en la Universidad europea de Madrid; “Charlotte Perriand: arquitecta del movimiento moderno” por Ängela García de Paredes, arquitecta, estudio Paredes/Pedrosa y profesora en la escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.

3

Maria Tecla Artemisia Montessori, más conocida como María Montessori, fue una educadora, pedagoga, científica, médica, psiquiatra, filósofa, antropóloga, bióloga, psicóloga, feminista y humanista italiana. Fue la primera mujer italiana que se graduó como doctora en Medicina.

 

Eileen Gray. la casa E-1027, historia de una excepción

Eileen Gray. La casa E-1027, historia de una excepción

Ayer, 6 de Noviembre de 2018, comenzó el ciclo de conferencias “Pioneras de la Arquitectura”, en la fundación Juan March en su sede de Madrid.

Lleno total.

      

La Arquitecta Beatriz Colomina habló de Eileen Gray (Enniscorthy, Irlanda, 1878-París, 1976), de su casa E.1027 y su relación, amor/odio con Le Corbusier.

Muy interesante el planteo de la exposición, basada en la evidencia de su conflictiva relación arquitectónica y personal con su incomodo vecino. Incómodo por su injerencia y protagonismo, en una casa en la que llegó a pintar -sin que nadie se lo pidiese- 8 murales, y su activismo tenaz en conseguir reunir los fondos para comprar la casa, una vez muerta Eileen, en un momento en que estaba realizando gran cantidad de proyectos, se dedicó a enviar más de 100 cartas a gente de su entorno con tal fin.

Beatriz, la conferencista, dijo que presentaría “la historia de una excepción”. Este tema lo sigue desde hace al menos 25 años, calificó la  historia como“de un culebrón”.

E-1027. la casa y el acantilado

A finales de 1920 la arquitecta y diseñadora Eileen Gray, diseñó y construyó a orillas del mar la Casa E-1027, que se convertiría en un hito de la arquitectura moderna.

    

Construida como residencia de verano, para compartirla con su amante, el arquitecto, crítico y editor rumano Jean Badovici (1893-1956),  quien ayudó en parte al diseño del proyecto.

Porque el nombre E-1027?

                                        Jean Badovici

“E” por Eileen,

“10” por ser la J de Jean la 10 letra del abecedario,

“2” la letra del apellido Badovici y

“7” porque G de Gray es la séptima letra.

La relación entre ambos terminó en 1932, fecha importante en relación al uso de la casa.

  

Le Corbusier, demostró un sentimiento muy particular por la casa, al punto de comprar un terreno del lado este de la E-1027 y construyó su célebre “Le Cabanon”, una pequeña y rústica cabaña prefabricada de un módulo de 3.66 x 3.66 m y de 2.66 m de altura.  Su acceso principal es a través tiene un corredor de 0.70 m de ancho, así como una puerta que da directamente al bar “L´etoile de mer”.

    

 

Iba a trabajar y a descansar, contemplando un paisaje tan maravillosamente bello como tranquilo.

Allí se bañaba, nadaba, incluso cuando sus médicos le aconsejaron que por su problema cardíaco no debería esforzarse, cosa que si hizo Le Corbusier y esforzándose y nadando hacia la puesta de sol aquel dramático viernes 27 de agosto de 1965 hasta encontrarse con la muerte, a la que a pesar de su tozudez no pudo ni vencer ni convencer.

Unos bañistas lo encontraron sin vida.

La E-1027 es una construcción del movimiento moderno donde empleó muchos de los principios de Le Corbusier, pero (y aquí la base del enfrentamiento con él) Gray no consideraba “la casa como una máquina para vivir”, sino como un organismo vivo, una extensión de la experiencia humana.

“ no es una cuestión de simplemente construir hermosos conjuntos de líneas, sino sobre todo, viviendas para las personas”…”las fórmulas no son nada”, , …”la vida es todo”. Eileen Gray

A esta casa no se puede llegar en auto, sino peatonalmente a través de un sendero. Está construida sobre un acantilado.

Eileen, mientras se construía la casa, vivió allí, durante 3 años, donde pudo con exquisitez profesional, hacer un referente de la arquitectura moderna.

La privacidad es uno de los objetivos principales de E-1027.

En el exterior, las ventanas de cielo a piso y abiertas al mar Mediterráneo entregan luz natural y amplias vistas, pero también incluyen persianas y dos franjas de lienzos que protegen al interior de la casa, bloqueando la luz natural y enmarcando la privilegiada vista de la costa.

Después de la muerte de Le Corbusier, toda la zona fue declarada “Espacio Moderno” y considerada área de importancia cultural e histórica, al  mismo tiempo que se reconoce a la E-1027 de Eileen Gray como elemento fundamental del lugar.

En referencia a la E-1027, el reconocimiento al trabajo de Eileen Gray recién llegaría en 1967 con un ensayo escrito por Joseph Rykwert (1926) arquitecto, profesor emérito en la Universidad de Pensilvania y uno de los más destacados historiadores de la arquitectura.

Hasta ese entonces, el mérito había sido adjudicado completamente a Badovici e incluso a Le Corbusier.

 

 

 

“…la arquitectura es el juego magistral, correcto y magnífico de los volumenes bajo la luz del sol.”. Le Corbusier, Vers une architecture, 1923

La sórdida historia de la icónica Casa E-1027 

Eileen y Corbu

Textos extraídos de otras fuentes, entre ellos el artículo publicado en la revista “Metropolis Magazine”.

“Uno debe construir para el ser humano, para que pueda redescubrir en la construcción arquitectónica el placer de la autorrealización en un todo que lo extiende y lo completa“, escribió Gray en un  número de L’Architecture Vivante en 1929

La casa, aun en vida de Eileen, fue abandonada, deteriorandose.

Le Corbusier, aprovechó una de sus ausencias (desde 1937-39) y pintó en sus pulcras, y blancas paredes, 8 murales, lo que enfado y enfrento a ambos arquitectos.

Eileen, con total razón, dijo que se había atentado contra el carácter de la vivienda (su vivienda). Y tildo de “vandalismo”, los  murales realizados.

Después de esto, ya no regreso a la casa, y comenzó el deterioro.

Beatriz Colomina, la conferencista, mencionó la condición bisexual de Eileen,  (no sé qué importancia tiene las preferencias sexuales al hablar del trabajo de una arquitecta)  así como el mal carácter y prepotencia de le Corbusier.

Es muy evidente que le Corbusier, no tenía ningún derecho a pintar sus murales, pero, tenía una relación obsesiva con la casa, y Eileen también con su incomodo vecino.

Cuando éste hizo el Cabanon, Eileen la denominó “Caseta de perro guardián”.

“Incluso los muebles deben perder su individualidad y mezclarse con el conjunto arquitectónico”. Eileen Gray

Le Corbusier fue un gran amigo de Badovici, relación clave en este culebrón.

Luego que Gray y Badovici finalizaran su relación en 1932, el arquitecto rumano se quedó con la casa y se alojaba a menudo con su esposa. Contra toda voluntad de GrayLe Corbusier pintó murales dentro de la casa, con la venia de Badovici.

Asimismo, el arquitecto franco-suizo incluso intentó comprar la casa, al  no poder hacerlo, optó por comprar una propiedad cercana donde construyó la pequeña cabaña: la Cabanon de vacances.

La degradación de la E-1027 continuó durante la Segunda Guerra Mundial cuando soldados del ejército nazi practicaron su puntería

 

 

 

 

Muerte simbólica y muertes reales

El 27 de agosto de 1965 el cuerpo de Le Corbusier apareció en esa misma costa, tras morir ahogado mientras nadaba.

En 1980 la arquitecta suiza Marie-Louise Schelbert, entonces propietaria de la E-1027, fue encontrada muerta en su departamento en Zúrich, Suiza. Tres días antes de su muerte, su doctor Peter Kägisecretamente había robado el mobiliario original y lo había rematado en Zúrich.

Cuando Schelbert murió, Kägi heredó la casa y la utilizó para organizar orgías con drogas incluidas.

En 1996 el propio Kägi fue asesinado en la sala de estar.

Deterioro y reconstrucción y rehabilitación

“La casa sufrió las profanaciones de Le Corbusier…” (Bueno, pienso que se exceden un poco, me hubiese encantado que Le Corbusier hubiese profanado mi casa todas las veces que hubiera querido, aunque pienso que no le habría interesado tanto, le interesaba la de Eileen), también las balas del ejército nazi, las orgías con drogas de Peter Kägi y su total abandono.

Le corbuisier y su esposa, en su auto Voisin C7 “Lumineuse” de 1927. actualmente en la fundación Norman Foster en Madrid

En la conferencia Beatriz ironizó, uno cuando quiere pintar busca pintor, y no es al revés.Le Corbusier destrozó la pared al dibujar Tres mujeres que representan a Eileen y Jeanjuntas, a pesar de que no se le “concedió la autorización completa”. Le Corbusier dijo “no lo considero como una invasión, sino como un regalo “free of charge”. Del libro “Líneas de batalla” – Beatriz Colomina)

Por su enorme valor arquitectónico Cap Moderne —la organización que se ha dedicado a rehabilitar el edificio para convertirse en destino cultural— ha iniciado una campaña de financiamiento colectivo para continuar con la restauración del edificio.

¡¡Pienso que bueno que sería que con el Parador Ariston ocurriera algo similar, podríamos denominarlo “Moderno Ariston”!!

En 1999, la villa fue comprada por la organización Conservatoire du littoral y desde ese entonces ha pasado por diversas remodelaciones.

En 2014 Cap Moderne pasa a administrar la villa junto a la cabaña de Le Corbusier“Hemos tomado la decisión, que no está de moda en los cursos de conservación, de reconstruir lo que ha sido destruido [y devolverlo] a su estado en 1929”, dice Tim Benton, curador de Cap Moderne y profesor de historia del arte especializado en el siglo XX, y agrega: “… hace 12 años, la villa seguía prácticamente en ruinas, y la pared de la sala de estar estaba hecha trizas. Casi todo ha sido, o está, o será reconstruido”,

En su actual campaña Cap Moderne espera reunir 50.000 dólares, junto al compromiso del gobierno francés de igualar las donaciones privadas que reciban. El dinero recolectado se destinará a remodelar el comedor de la villa, incluyendo una mesa de comedor con luz eléctrica incorporada y una tapa de corcho diseñada para proteger los platos y vasos, además de un recipiente de limones especialmente hecho para la villa (los limones Menton fueron alguna vez una especialidad regional). La asociación recreara la silla Non Conformist”,también diseñada por Gray, y una mesa plegable dentro del comedor que se abre convirtiéndose en un bar.

“Si se la considera vacía, esta es una de las 100 casas más importantes de fines del movimiento moderno”, dice Benton. “Pero en su interior es uno de los cuatro interiores más importantes del movimiento moderno en todo el mundo. Es por esto que estamos haciendo de nuevo el mobiliario con las mismas herramientas, los mismos materiales y los mismos procesos que los originales”,

 

 

“Maison en bord de mer”

Este video de Ivorypress presenta el proyecto del artista Kasper Akhøj (1976)  titulado Welcome (To The Teknival).

Serie fotográfica tomada por Akhøj entre la primavera de 2009 y el verano de 2017 durante la restauración de la E-1027,

Se basan en una serie de fotografías de Eileen Gray, publicadas por primera vez por Jean Badovici en un número especial de la revista L’Architecture Vivante de 1929, año en que se terminó su villa en Roquebrune-Cap-Martin, en la Costa Azul. Kasper registró la restauración y la resurrección de esta villa moderna, una de las pocas construidas por una arquitecta de la época.

Las fotografías se tomaron durante un período de seis visitas al E-1027 (en 2009, 2010, 2015 y 2017),

https://vimeo.com/288942065

Caracteristicas espaciales y de diseño

Eyleen no ha utilizado la planta libre como esquema.

Sus espacios interiores no se revelan inmediatamente: las habitaciones son espacios a la espera de ser descubiertos. Dado el compacto espacio de la vivienda (130 metros cuadrados) y la amplia cantidad de habitaciones, fue meticulosamente eficiente con el espacio. Tales condiciones llevan a innovadoras soluciones alternativas: los closets se abren para convertirse en muros, el sofá de la sala de estar se convierte en una cama y toda una serie de armarios y otros muebles a medida están encajados o intrínsecamente en sintonía con el resto de la casa.

El mejor ejemplo de esta creatividad es

la Mesa E-1027: diseñada originalmente

para la hermana de Graypara que desayunara en cama sin dejar migas de pan en las sábanas, es una pieza maestra del mobiliario diseñado en el movimiento moderno. La mesa consiste en dos tubos circulares de acero cuya base abierta gira en torno a un pilar, mientras la altura de la mesa se ajusta permitiendo que quede a la altura de la cama.

Muchas de estas fotografías son de Manuel Bougot.


 

Cosas que comentó Beatriz Colomina sobre le Corbusier.

– Le Corbusier, pedía la casa prestada por 1 día y se quedaba meses, junto a su esposa la modelo Yvonne Gallis (1892-1957), con quien estuviera casado desde 1930 hasta la muerte de ella.

                                                              Marguerite Tjader Harris

– no se dijo nada si también llevo allí a su affair “long time” la rica heredera sueco-estadounidense Marguerite Tjader Harris (1901-1986).

Conoció a Marguerite a raíz de hacerle un proyecto, la Villa Harris, cerca de donde construyó una pequeña casa para sus padres a orillas del Lago Lemán. La villa Harris nunca paso la etapa de proyecto, pero a partir del encargo Marguerite Harris y Le Corbusier forjaron una sólida y sentimental amistad que los mantuvo vinculados durante toda la vida.

– Le Corbusier, decía cosas como “dibujar es como ocupar la casa de un extraño”, respecto a pintar sus murales en la casa de Eileen.

– En uno de los dibujos, pinto una cruz esvástica sobre el pecho de la mujer ubicada a la derecha (se ve en las fotos).

   Antes de la restauración, con las balas del ejercito nazi

 

 

 

 

 

 

 

Relaciones políticas e ideológicas de Le Corbusier

En 1934, fue invitado por Benito Mussolini a una conferencia en Roma.

A principio de los ´40, le fue dado a Le Corbusier una posición como urbanista en el gobierno de Vichy  (nazi) para supervisar los diseños de varias ciudades, incluyendo Algeria. Cuando sus planes fueron rechazados, Le Corbusier dejó la vida política.

Le Corbusier tenía un fanatismo con la imagen de Open Hand, construyendo muchas esculturas durante su vida.

Las llamaba un”signo de paz y reconciliación destinado a recibir las riquezas y distribuirlas entre las personas del mundo. Debiese ser el símbolo de nuestra época”. La Open Hand tiene 28 metros y está en Chandigarh.

https://youtu.be/UmcR9jU6SPw

Beatriz Colomina

Nació en Madrid en 1952, Beatriz es arquitecta, historiadora y teórica de la arquitectura. Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona​ donde recibe primero el título de arquitecta y luego el de Doctora en arquitectura.

Ha escrito extensamente sobre cuestiones de la arquitectura y de las instituciones modernas de representación, especialmente sobre medios de comunicación impresos, fotografía, publicidad, cine y televisión. ​ Es autora de numerosos artículos y libros entre ellos:

1988 Architectureproduction​.

1992 Sexuality & Space, Princeton Architectural Press, ​ galardonado con el Premio Internacional del Libro AIA 1993.

1994 Privacy and Publicity. Modern Architecture As Mass Media,​ galardonado con el Premio Internacional del Libro 1995 por el Instituto Americano de Arquitectos.

1996 Battle Lines: E.1027, ensayo publicado en el libro “The sex of architecture”.

2000 Louise Bourgeois: Memory and Architecture.

2007 Domesticity at War.

2008 The World of Madelon Vriesendorp.

2011 Clip, Stamp, Fold: The Radical Architecture of Little Magazines 196X to 197X.

Finalmente

Las 100 cartas enviadas por Le Corbusier para comprar la casa pretendían reunir 30 millones de FF.

                     Croquis Le Corbusier

Carta con dibujos donde se ubicaban todas las construcciones y diciendo que si no se hacía algo se instalaría una casa de citas o un cabaret. Y dice que si bien  ahora el acceso es restringido (como iban a poner un burdel si no se podía acceder???), entonces Le Corbusier lanza una solución futura donde  se podría realizar un acceso más franco, y poder llegar por tren, avión o barco.

Su preocupación se manifiesta claramente en esta frase “si estos “cerdos la compran arruinaran los murales”. No explica a quienes se refiere.

Le Corbusier lleva a Brassai (Gyula Halász 1899-1984) para que fotografíe la casa.

La casa finalmente se vendió por subasta.

En 1999, la villa fue comprada por la organización Conservatoire du littoral y desde ese entonces ha pasado por diversas remodelaciones.

Desde 2014 Cap Moderne administra la villa y la cabaña de Le Corbusier.

La historia completa: https://www.espazium.ch/une-maison-malfame-e-1027

Permitida su reproducción parcial o total citando las fuentes.

Hugo A. Kliczkowski Juritz

Hugoklico@gmail.com

Palladio 5. De Pietro de la Gondola a Palladio.

Palladio 5 

De Pietro de la Gondola a Palladio.

Andrea Palladio  (Padua 1508Maser 1580 trabajaba en la molienda de granos, es a la muerte de su padre cuando aprende el oficio de cortador de piedras.

Giangiorgio Trissino

                    Giangorgio Trissino

En Padua estudió junto a Giovanni Maria Falconetto, no existiendo una escuela donde pudiera estudiar arquitectura y como Giangorgio Trissino ve en él una capacidad (que necesita ser desarrollada) decide transformarse en su protector, su formación será estudiar los clásicos.
Es justamente Giangiorgio quien ¿sugiere? Un cambio de nombre, Andrea di Pietro de la Gondola es bautizado por Trissino como Andrea Palladio.

El apellido Palladio podría venir de Palas Atenea o de un personaje de los poemas de Trissino a quien llamó Palladio y que era experto en arquitectura.
Varias veces viajan juntos a Roma (son 5 viajes, el de 1541, 1545. 1547 hasta 1551). Uno de ellos duró 5 meses.  Su  objetivo era estudiar los clásicos, verlos, oírlos, olfatearlos, medirlos “con la palma de la mano”.

Tomó muchos apuntes, no sólo de las ruinas romanas sino también de las obras de Bramante, algunos de los cuales fueron recogidos en sus “quattro libri dell’Architettura”, obra publicada cuando tenía 62 años, y por la que se le ha relacionado con Leon Battista Alberti.

Nos dice Giulio Carlo Argan (1909-1992), historiador y crítico de arte italiano, fue uno de los mayores eruditos y pensadores del siglo XX. Fue alcalde de Roma desde 1976 a 1979:

..Palladio en Roma… se ve conmocionado por el hecho de que la arquitectura de los antiguos, altamente expresiva de contenidos ideales y y de sentimientos civiles, fuese también técnicamente perfecta, ofreciera una respuesta a las exigencias prácticas y se adaptara admirablemente tanto al lugar como a la función. […] En toda la obra de Palladio aparecen bien claros estos dos momentos: el ideal clásico como suprema imagen de un modo de vida civil perfecto, y la respuesta a una exigencia práctica, el ceñirse a circunstancias específicas de lugar y de hecho como determinaciones de dicho ideal en los casos, siempre distintos, de la vida real.

        Leon Battista Alberti
Leon Battista Alberti

 ¿Porque Trissino quiere que su ciudad tenga un lenguaje clásico renacentista? Desea cambiar el gótico y el barroco que era el símbolo del poder dominante. Busca un ideal de creación más discreto y al

 

mismo tiempo digno y solemne.

La arquitectura era un medio para declarar la fe política y si se construía en estilo gótico, era fiel a Venecia.

                                Vincenzo Scamozzi

 

                                       Miguel Angel

Pero si era clásico seria  fiel a Carlos V (Rey de España y Alemania).

Y es Palladio quien mejor supo asimilar la herencia de las formas clásicas y adaptarlas al momento y a sus necesidades, es la época del Cinquecento. Sus obras, tanto villas como grandes obras públicas han influido en la arquitectura del Neoclasicismo en todo el mundo.

 

El Cinquecento (años 1500), es un período dentro del arte europeo, principalmente Italiano. Su centro fue la roma de los papas. (el Quattrocento tuvo su centro en la Florencia de los Medici).  El encuentro con las formas artísticas de la antigüedad y el mimetismo (o imitación) de la naturaleza, es el Renacimiento del arte.

Como si fuese una escalera, cada peldaño, tiene un nombre y apellido, el alto renacimiento (últimos años del siglo XV y primeras décadas del XVI),

Bajo Renacimiento o también Manierismo, Barroco y el Clasicismo.

                                            Bramante

Los más importantes artistas del Quattrocento y Cinquecento (el listado da escalofríos) fueron:

                                  Tintoretto
                                     El Greco

“Brunelleschi” Filippo di Ser Brunellesco Lapi (1377-1446); “Donatello” Donato di Niccoló di Betto Bardi (1386-1466); “Masaccio” Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai  (1401 – 1428); León Battista Alberti (1404-1472); “Giuliano da Sangallo”Giuliano Giamberti (1443-1516) su protector fue Lorenzo de Médici; “Bramante” Donato di Pascuccio d’Antonio (1444-1514) introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el Alto Renacimiento en Roma; “El Bosco” Cornelis Cort (1450-1516);  Leonardo da Vinci (1452-1519); Nicolás Maquiavelo (1469-1527); Alberto Durero (1471-1528); “ Miguel Ángel”  Michelangelo Buonarroti (1475-1564); Sebastian Serlio (1475-1554); “Giorgione” Giorgio Barbarelli da Castelfranco (1478-1510); “Rafael”  Rafael Sanzio (1483-1520); “Tiziano” Tiziano Vecellio o  Vecelli (1488-1576); “Giulio Romano” Giulio Pippi (1499-1546) alumno de Rafael; Benvenuto Cellini (1500-1571); “Vignola” Jacopo (o Giacomo) Barozzi  (1507-1573); Giorgio Vasari (1511- 1574) a quien se le atribuye haber acuñado el término Renacimiento, está considerado como uno de los primeros historiadores del arte; “Tintoretto” Jacopo Comin  (1518-1594); los Brueghel: Pieter Brueghel el Viejo (c.1525-1569); “Veronese” Paolo                Caliari o Cagliari  (1528-1588); Juan de Herrera de Maliaño (1530-1616); Giordano Bruno (1548-1600); “Lope de Vega”  Lope Félix de Vega Carpio (1562-1635); Pieter Brueghel el Joven (1564-1638); Jan Brueghel el Viejo (1568-1625); Jan Brueghel el Joven (1601-1678); Doménikos Theotokópoulos “El Greco”(1541-1614); Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616); William Shakespeare (1564-1616)

                                        Juan de Herrera

 Además y entre otros:  

Fernando Yáñez de la Almedina (1459-1536); Erasmo de Róterdam (1466-1536); Lucas Cranach el viejo (1472-1553); Nicolás Copérnico (1473-1543);  Baltasar Castiglione (1476-1559); Tomás Moro (1478-1535); Joaquín Patinir (1483-1562); Albrecht Altdorfer (1480-1538); Martín Lutero (1483-1546);“Correggio” Antonio Allegri da Correggio (1489-1534); Pedro Machuca (1490-1550); Bartolomé Ordónez (1490-1520); Alonso Berruguete (1490-1561); Pietro Aretino (1492-1556); Luis Vives (1493-1540); François Rabelais (1494-1553);

                                     Brunelleschi

Diego de Siloé (1495-1563); Hans Holbein el joven (1497-1543); Felipe Melanchton (1497-1560); Juan de Juni (1506-1577); Juan de Juanes (1507-1579); Juan Calvino (1509-1564); Andrés de Vandelvira (1509-1575); Lope de Rueda (1510-1565); Juan Bautista de Toledo (1515-1567); Santa Teresa de Jesús (1515-1582); Gaspar Becerra (1520-1570); Pierre de Ronsard (1524-1585); Fray Luis de León (1527-1591); “Giambologna” Juan Boulogne (1529-1608); Michel de Montaigne (1533-1592);San Juan de la Cruz (1542-1591); Torcuato Tasso (1544-1595); Christopher Marlowe (1564-1593)….

                          El Bosco

A pesar de sus incontables relaciones con clientes muy adinerados Palladio paso muchas penurias económicas.

En esa época, (una costumbre que continúa) los dibujos o ideas no construidas se pagaban muy poco. Las villas estaban muy lejos entre si y la obra se prolongaba en el tiempo.

La obra de la qué mejor cobró  fue la Basilica, era del ayuntamiento y le pagaba a Andrea o a su mujer Allegra Donna cada mes.

Su difusión inglesa estuvo en manos de Iñigo Jones (1573-1652)y el mayor coleccionista de sus dibujos Lord Burlington.

 

                                   La Basilica Palladiana

“…Los palacios urbanos de Palladio… son, sobre todo, casas dignas pero sin fastuosidad, cuyo prestigio urbano se confía más bien a la nobleza de las formas que a la ostentación de la riqueza o del poder; elemento esencial es la fachada, con la que las grandes familias quieren contribuir, casi como se tratara de un deber, al noble aspecto de la ciudad… Muchos de los palacios de Palladio se establecen sobre la vía del Corso: sus fachadas forman las paredes de ésta, entendida como una arquitectura abierta y transitable cuyo techo es el cielo. Cronológicamente, se distribuyen a lo largo de un período de treinta años, y cada fachada presenta una forma propia, una originalísima compaginación de los elementos de la morfología clásica… Concebidas en función de la calle… sus fachadas presentan un primer orden rústico, casi un basamento, y sólo sobre éste, donde el vano de la calle se hace más luminoso, se alzan  los órdenes de columnas y pilastras.(columnas adosadas a la pared)…Compone sus fachadas, preferentemente, con un orden único, gigante, de columnas o pilastras…”

                                                    Palacio Chiericati

Con frecuencia las mismas familias que encargan a Palladio la construcción de su palacio en la ciudad le hacen construir también su villa en el campo: palacio y villa representan dos caras de la misma realidad social. La casa urbana se inserta en una condición espacial dada, la perspectiva de la calle; la villa se inserta en un ambiente paisajístico siempre distinto, abierto a todas direcciones.

                                       Donatello

Con respecto a la calle, el palacio es una fachada, un plano frontal; con respecto al horizonte y al paisaje que la rodea, la villa es un organismo articulado, condicionado por la variedad de los puntos de vista, el carácter del emplazamiento, las pendientes del terreno, etc..Palladio plantea el problema en términos claros: se trata de insertar una forma sólida, una construcción geométrica y volumétrica, en un espacio natural que es distinto en cada ocasión, y de encontrar entre estas dos realidades… una relación de armonía e incluso de perfecta equivalencia… En la mayoría de los casos la fascinación de las villas palladianas consiste, precisamente, en esta concertada variedad de desarrollos temáticos: de la simplicidad de lo rústico a la solemnidad histórico-religiosa del templo, del carácter práctico de los cuerpos secundarios destinados a las necesidades de la hacienda agrícola a la refinadísima elegancia de los cuerpos  centrales destinados a otras funciones sociales….                                                        Giulio Carlo Argan

 

                             Veronesse

Este detalle de se refiere al proyecto de las obras y no a su construcción. Listado del “Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio”, Vicenza

https://web.archive.org/web/20090817191834/http:/www.cisapalladio.org/veneto/index.php?lingua=i&modo=nomi&ordine=alfa

                                               Andrea Palladio
  • 1531: Portal de la iglesia de Santa Maria dei Servi, Vicenza (atribuido)
  • 1534: Villa Trissino a Cricoli, Vicenza (tradicionalmente atribuida, pero probablemente diseñada por Gian Giorgio Trissino)
  • 1537-1542: Villa Godi (para Girolamo, Pietro y Marcantonio Godi), Lonedo di Lugo di Vicenza
  • 1539 circa: Villa Piovene, Lonedo di Lugo di Vicenza, Provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1540-1542 circa: Palazzo Civena, Vicenza
  • 1540 circa-1566 circa: Palazzo Pojana, Vicenza (atribuida)
  • 1542 – Villa Valmarana, Vigardolo di Monticello Conte Otto, Provincia de Vicenza
  • 1542-1556 circa: Palazzo Thiene, Vicenza (probablemente proyecto de Giulio Romano)
  • 1542: Villa Gazzotti (para Taddeo Gazzotti), Bertesina, Vicenza
  • 1542 circa: Villa Caldogno (para Losco Caldogno), Caldogno, Provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1542: Villa Pisani (para Vettore, Marco y Daniele Pisani), Bagnolo di Lonigo, Provincia de Vicenza
  • 1542: Villa Thiene (para Marcantonio y Adriano Thiene), Quinto Vicentino, Provincia de Vicenza (probablemente una reelaboración de un proyecto de Giulio Romano)
  • 1543: Villa Saraceno (para Biagio Saraceno), Finale de Agugliaro, Provincia de Vicenza
  • 1544 circa-1552: Palazzo Porto (para Iseppo De’ Porti), Vicenza
  • 1546-1549: Loggias del Palacio de la Ragione (entonces denominada Basílica Palladiana), Vicenza (completada en 1614 después de la muerte de Palladio)
  • 1546 circa-1563 circa: Villa Pojana (para Bonifacio Pojana), Pojana Maggiore, Provincia de Vicenza
  • 1546 circa: Villa Contarini, Piazzola sul Brenta, Provincia de Padua (atribuida)
  • 1547: Villa Arnaldi (para Vincenzo Arnaldi), Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (inacabada)
  • 1548: Villa Angarano, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (El cuerpo principal de la villa fue reconstruida más adelante por Baldassarre Longhena; el barchesse es parte del original)
  • 1550-1557: Palazzo Chiericati (para Girolamo Chiericati), Vicenza (completado sobre 1680 después de la muerte de Palladio)
  • 1550: Villa Chiericati (para Giovanni Chiericati), Vancimuglio di Grumolo delle Abbadesse, Provincia de Vicenza (completada en 1584 por Domenico Groppino después de la muerte de Palladio)
  • 1552: Villa Cornaro (para Giorgio Cornaro), Piombino Dese, Provincia de Padua
  • 1552 circa: Villa Pisani (para Francesco Pisani), Montagnana, Provincia de Padua
  • 1554-1563: Villa Badoer denominada La Badoera (para Francesco Badoer), Fratta Polesine, Provincia de Rovigo
  • 1554: Villa Porto (para Paolo Porto), Vivaro di Dueville, provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1554: Villa Barbaro (para Daniele y Marcantonio Barbaro), Maser, Provincia de Treviso
  • 1554 ?: Villa Zeno (para Marco Zeno), Donegal di Cessalto, Provincia de Treviso
  • 1555 circa: Palazzo Dalla Torre, Verona (solo parcialmente realizada. Una parte fue destruida por una bomba en 1945)
  • 1556: Arco Bollani, Udine
  • 1556 circa: Palazzo Antonini, Udine (alterada por posteriores reformas)
  • 1556: Villa Thiene, Cicogna di Villafranca Padovana (inacabada; solo el barchessa permanece)
  • 1557: Villa Repeta, Campiglia dei Berici (destruido por un incendio, posteriormente reconstruido)
  • 1558: Fachada para la Basílica de San Pietro di Castello, Venecia (completada después de la muerte de Palladio)
  • 1558: Villa Emo (para Leonardo Emo), Fanzolo di Vedelago, Provincia de Treviso
  • 1558: Bóveda para la Catedral de Vicenza, Vicenza (destruida en un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial, posteriormente reconstruida)
  • 1559: Villa Foscari denominada La Malcontenta, Malcontenta di Mira, Provincia de Venecia
  • 1559: Casa Cogollo (para Pietro Cogollo), tradicionalmente conocida como Casa de Palladio, Vicenza
  • 1560-1563 circa: Claustro del ciprés y refettorio del monasterio de San Giorgio Maggiore, Venecia
  • 1560: Convento della Carità, Venecia (sólo el claustro y el atrio, destruido en 1630 en un incendio)
  • 1560: Palazzo Schio (para Bernardo Schio), Vicenza
  • 1563 circa: Puerta lateral para la Catedral de Vicenza
  • 1563 circa: Villa Valmarana, Lisiera di Bolzano Vicentino, Provincia de Vicenza
  • 1564: Fachada de la iglesia de San Francesco della Vigna, Venecia
  • 1564: Palazzo Pretorio, Cividale del Friuli (provincia de Udine) (proyecto atribuido)
  • 1565: Basílica de San Giorgio Maggiore, Venecia (completada entre 1607 y 1611 después de la muerte de Palladio, con una fachada diferente proyectada por Vincenzo Scamozzi)
  • 1565: Teatro en el patio Convento de la Carità, Venecia (destruido por un incendio en 1570)
  • 1565: Palazzo del Capitaniato, Vicenza
  • 1565: Palazzo Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana), Vicenza
  • 1565: Villa Serego (para Marcantonio Serègo), Santa Sofia di Pedemonte (Provincia de Verona)
  • 1565 circa: Villa Forni Cerato (para Girolamo Forni), Montecchio Precalcino, Provincia de Vicenza
  • 1566: Villa Capra, la Rotonda(para Paolo Almerico), Vicenza (completada en 1585 por Vincenzo Scamozzi después de la muerte de Palladio)
  • 1567 circa: Villa Trissino, Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (solo realizada parcialmente)
  • 1568: Puente Vecchio, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (reconstruida en 1748 y después de la Segunda Guerra Mundial)
  • 1569-1575: Palazzo Barbaran da Porto (para Montano Barbarano), Vicenza
  • 1569: Puente en Tesina, Torri di Quartesolo, Provincia de Vicenza (atribuido)
  • 1570: Villa Porto (para Iseppo Porto), Molina di Malo, Provincia de Vicenza
  • 1571: Palacio Porto en la Plaza Castello, Vicenza (sin terminar, completado en 1615 por Vincenzo Scamozzi)
  • 1572 ?: Palazzo Thiene Bonin Longare, Vicenza
  • 1574-1577: Habitaciones en el Palacio Ducal, Venecia
  • 1574: Fachada para Basilica di San Petronio, Bolonia (proyecto)
  • 1576 circa: Capilla Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana) en la iglesia de Santa Corona, Vicenza
  • 1577: Iglesia de Il Redentore, Venecia
  • 1578: Iglesia de Santa Maria Nova, Vicenza (proyecto atribuido, completada en 1590 después de la muerte de Palladio)
  • 1579: Porta Gemona, San Daniele del Friuli, Provincia de Udine
  • 1580: Iglesia de Santa Lucia, Venecia (dibujos para el interior; demolida)
  • 1580: Iglesia (Tempietto Barbaro) de Villa Barbaro, Maser
  • 1580: Teatro Olímpico, Vicenza (completado después de la muerte de Palladio por su hijo Silla y en 1585 por Vincenzo Scamozzi)
  • 1580: Le Zitelle (Venecia)
  • Permitida su reproduccion parcial o total citando la fuente.
  • Hugo Alberto Kñliczkowski Juritz
domingo, 28 de octubre de 2018

Frida Kahlo con Diego Rivera.

En ciudad de México, antes de la Fil en Guadalajara,

la Casa Azul,

la casa-estudio Frida Kahlo y Diego Rivera

y el Museo Dolores Olmedo

Cada año, y así desde hace más de 20, antes de llegar a Guadalajara, para atender nuestro stand en la FIL (Feria Internacional del libro), me quedo unos días en la capital, antigua DF mexicana. El viaje desde Madrid a DF, es de casi 12 horas y si le sumamos 2 horas largas de trasbordo más otra hora a Guadalajara, se hace interminable. Puerta a puerta son 18 horas.

Así que unos días, recorriendo Ciudad de México (como es su actual nombre), me sirve para descargar cansancio y al mismo tiempo, cargarme de estímulos.

Entre ellos y no menos interés que visitar a Pedro Ramírez Vázquez, Barragan, Juan O´ Gorman o los Legorreta, es volver a estar con Frida Kahlo (Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón 1907-1954) y Diego Rivera (Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez 1886-1957).

 

“… Diego no es ni derrotista ni triste. Es,  fundamentalmente investigador, constructor y sobre todo arquitecto…No importa si su composición  es un cuadro, una casa o un argumento…” Frida Kahlo

1

Parte de este imprescindible recorrido, es la casa Azul, antigua casona donde vivían los padres de Frida desde 1904, ubicada en  la esquina de Londres 247 y Allende en Coyoacán, uno de los barrios más antiguos y bellos de la Ciudad de México.

Frida y Diego vivieron en esta casa. 1929-1954
 LA CASA AZUL Testimonio autobiográfico de Frida y Diego de su amor por México, de su propio universo, de su cultura indígena viva: arte precolombino y arte popular. Continente de su realización cotidiana. de sus sufrimientos y sus alegrías, recinto de su labor como artistas mexicanos y universales. Museo FRIDA KAHLO

Años mas tarde viviría con Diego.

Doña Matilde Calderón, la madre de Frida se oponía al amor de su hija con Diego Rivera le parecía “la unión entre un elefante y una paloma”.

En 1958 (cuatro años luego de la muerte de Frida) fue transformado en el Museo Frida Kahlo.

Trotsky, Natalia y Diego
André Breton, Diego Rivera y León Trotsky. Colección Vicente Wolf. 1938

Allí también vivió León Trotsky (Лев Давидович Бронштейн,  Lyev Davídovich Bronshteyn 1879-1940) con Natalia Ivánovna Sedova (1882-1962). Ambos arribaron a México el 9 de enero de 1937.

El 20 de agosto de 1940, en otra casa, un asesino a sueldo (económico e ideológico) de Stalin, Ramón Mercader (tele-dirigido por Caridad, su madre), golpeaba en la cabeza a Trotsky quien moriría al día siguiente.

Ramón Mercader

La historia está narrada con sumo detalle y literaria precisión en  “El hombre que amaba los perros” de Leonardo Padura.

Se puede visitar la casa (bunker) de la calle de Viena, en Coyoacán, donde Trotsky debió trasladarse cuando Diego rompe relaciones con él al enterarse del romance de éste con Frida.

Casa de Trotsky en la calle Viena

2

En el taller de Frida, dentro de la casa Azul, que fuera diseñado en 1944 por el Arq. Juan  O´Gorman (1905-1982), se exhiben sus objetos más preciados: el caballete regalo de Nelson Rockefeller, el espejo que Frida utilizó para sus autorretratos y sus amados libros (historia, literatura, arte, filosofía) muchos de ellos intervenidos con su poesía y sus dibujos.

En este espacio hay figuras prehispánicas, fruto de su admiración por las culturas precolombinas, así como sus pinceles, oleos y pigmentos, que guardaba en frascos de barniz y perfume (allí exhibidos). Hay un cuadro que muestra la evolución del feto humano, una de las obsesiones de la maternidad que Frida no pudo lograr.

Sufrió espina bífida, poliomielitis, las secuelas de un gravísimo accidente de tránsito dentro de un autobús a sus 18 años, varios abortos, 32 operaciones quirúrgicas, amputación de una pierna debido a la gangrena…Frida tradujo su dolor en algo bello, forjó una concepción filosófica de su vida donde cabía pero no prevalecía el desaliento ni la desesperanza.

 “Tan absurdo y fugaz es nuestro paso por el mundo, que solo me deja tranquila el saber que he sido auténtica, que he logrado ser lo más parecida a mí misma”. Frida Kahlo

 

  Vestuario de Frida

                                                  Su frase “Pies, para que los quiero si tengo alas para volar” es de 1953, cuando sufrió la amputación del pie derecho. Moriría poco después, el 13 de Julio de 1954.

Prótesis de Frida
Frida Kahlo. La columna rota. 1944 Óleo sobre Tela (uno de sus 55 autorretratos)

3

El paseo nos lleva a la casa-estudio que diseñara para ambos el Arq. Juan O‘Gorman, con su bellísimo cerco de cactus (1929-1931), ubicada en la esquina de Palmas y Altavista de la Delegación Álvaro Obregón, en la tradicional Colonia (barrio) San Ángel.  1

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Por eso la muerte es tan magnífica, por que no existe. Porque solo muere aquel que no vivió. Porque sigue viviendo quien después de muerto produce en los que le continúan sensaciones nuevas, anhelos y deseos”. Frida Kahlo

Frida en 1940 en su casa-estudio

 

 

Frida en 1950

Esperar con la angustia guardada,

la columna rota y la inmensa mirada.

sin andar en el vasto sendero,

moviendo mi vida

cercada de acero.

F.K.

4 

Museo Dolores Olmedo (María de los Dolores (Lola) Olmedo y Patiño Suárez 1908-2002), uno de los museos más espectaculares y bellos de la Ciudad de México, situado en Xochimilco, al sur de la Ciudad de México, ocupa la construcción que fue conocida como “Hacienda La Noria”, esta edificación data de finales del siglo XVI, con ampliaciones y reformas importantes durante los siglos XVII, XVIII y XX. Se inauguró el 5 de setiembre de 1994.

Diego Rivera. El Rastro. 1915. Óleo sobre tela.

https://youtu.be/QbxvH6lCiiE

Diego Rivera. Enfermera rusa. 1956 Acuarela sobre papel

Es la colección más importante de las obras (en cantidad y calidad) de Frida Kahlo y Diego Rivera. Contiene 137 obras representativas de varios periodos creativos de Diego Rivera exhibidas en diez salas (desde el academicismo en México, pasando por el costumbrismo y realismo español  la etapa cubista en Paris, al muralismo en México); 42 obras de la artista rusa Angelina Beloff, primera esposa de Rivera (desde 1911 a 1921); alberga la colección más extensa de quien fuera la tercera esposa de Rivera, la pintora Frida Kahlo.

Además de más de 600 piezas prehispánicas (en 12 salas) cuenta con imponentes y verdes jardines,  varias especies de árboles, pintorescos pavorreales y de varios perros xoloitzcuintle.

https://youtu.be/htoB3dZu9ok

 

 

 

 

 

 

 

 

Cuadro de Frida por Diego

EN HOMENAJE a Frida Kahlo, y recuerdo de su primera y única exposición individual en México, en la galería Arte Contemporáneo del 13 al 27 de abril de 1953. Julio 13 de 1955.

“Hoy hace 1 año”. “Para la Niña de mis ojos, Fisita mía el 13 de Julio de 1955 Diego”.

A mano

“ a Lolita Olmedo, la amiga de Frida, y la dama que yo quiero mucho más de lo que ella cree. Diego”

Frida y el aborto. 1932. Litografía
Sala obras Frida Kahlo

 “A ejemplo de mi madre, la profesora María Patiño Suárez Vda. de Olmedo, quien siempre me dijo ‘todo lo que tengas compártelo con tus semejantes’, dejo esta casa con todas mis colecciones  de arte, producto del trabajo de toda mi vida, para disfrute del pueblo de México”. Dolores Olmedo

El inmueble perteneció a Dolores Olmedo, musa inspiradora de David Alfaro SiqueirosJosé Clemente Orozco y gran amiga de Diego Rivera, quien a la muerte de él y de Frida Kahlo se dedicó a exponer por México y por el mundo algunas de las más famosas pinturas de la pareja. 3

Está ubicado en Av. México 5843 en La Noria Xochimilco,

Horario de visita de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.

La entrada al museo es gratis todos los días martes.

Realizan visitas guiadas, de martes a sábado a las 10:00, 12:00 y 16:00 horas

¿Cómo pueden llegar en Metro al Museo Dolores Olmedo? 2

 

En una de sus salas, quizás la tercera, del lado derecho y bajando unos escalones se encuentra un fresco, que impresiona por su tamaño, en forma de corte de la ciudad, así como su intencionalidad crítica-narrativa.

El MOMA nos permite descubrir la arquitectura y las características del mismo.

https://www.moma.org/interactives/exhibitions/2011/rivera/es/content/mural/frozen/detail.php

Fondos Congelados (Frozen Assets) de Diego Rivera

Fresco sobre cemento reforzado en estructura de acero galvanizado, 239 x 188.5 cm, pertenece al Banco de México, Fundación de Museos Diego Rivera y Frida Kahlo.

“En “Fondos congelados”, hay una conjunción de su admiración por sus edificios con una vigorosa crítica a las desigualdades económicas de la ciudad”.

Parte Superior

De izquierda a derecha se distinguen los siguientes edificios (muchos identificables y terminados en fechas cercanas a la llegada de Diego a New York):

– Edificio Irving Trust. 1931. 1 Wall Street. Arq. Voorhees, Gmelin y Walker.

– Edificio del Daily News. 1930. 220 calle 42 East. Arq Raymond Hood y John Mead Howells.

– Edificio del Bank of Manhattan Company. 1930. 40 Wall Street. Arq. H. Craig Severance y Yasuo Matsui.
– Edificio del Bankers Trust. 1915. 14 Wall Street. Arq. Trowbridge & Livingston.

– Rockefeller Center. 1932. Complejo de edificios entre las avenidas Quinta y Sexta y las calles 48 y 51. Arq. Raymond Hood. 1932–1940

En julio de 1931, se coloca la primera piedra, de este proyecto financiado con capital privado. Fue una fuente vital de empleo en Nueva York. En un momento en que 64 % de los trabajadores de la construcción en la ciudad carecían de empleo.

– Edificio Chrysler. 1930. 405 Avenida Lexington. Arq. William Van Alen.

– Edificio McGraw-Hill. 1931. 330 Calle 42 Oeste. Arq. Raymond Hood con Godley & Fouilhoux

-Edificio Empire State. c. 1931. 350 Quinta Avenida. Arq. Shreve, Lamb & Harmon.

– Edificio Equitable Trust. 1933. 15 Broad Street. Arq. Trowbridge & Livingston.

Franja central

“Una sección (en el medio de la obra) donde en una bodega de acero y cristal se refugian los trabajadores desposeídos que posibilitaron el crecimiento de N York durante la crisis económica”.

“Esta bodega fue identificada por la revista Fortune como el Muelle Municipal en la Calle 25 Este— abarrotada por hombres dormidos bajo la mirada vigilante de un guardia. Es muy posible que el impacto de la Depresión se hiciera patente de inmediato a los ojos de Rivera en aquel invierno de 1931-1932: las colas ante los comedores públicos que servían decenas de miles de comidas al día; alrededor de la mitad de las fábricas de manufactura en Nueva York habían cerrado; y en toda la ciudad brotaban casuchas improvisadas para albergar a veintenas de hombres y mujeres que habían perdido sus hogares debido a la crisis”.

“En la franja central, hay una línea de tren repleto de pasajeros, es una masa anónima apiñada en la plataforma de la estación, empequeñecidos bajo los enormes edificios que se yerguen a sus espaldas”.

“En la época en que Rivera visitó Nueva York, el sistema de trenes elevados aún funcionaba en la ciudad. Tal vez esta sea una parada de la línea de la Tercera Avenida”.

Parte Inferior

“Wall Street figura como el tema de las riquezas ocultas.  The New Yorker informó que, para crear la bóveda (construcción subterránea) que aparece en la sección inferior del fresco, Rivera se inspiró en una visita al Edificio Irving Trust, el cual por esa época se jactaba de tener el depósito subterráneo “más inexpugnable jamás construido”.

“Es la sala de espera de un banco donde además de un guardia y un empleado hay 3 figuras que esperan depositar sus riquezas crecientes. Las masas desposeídas acudiendo al trabajo, y los ricos acumulando su dinero, fue una obra que en 1932, en plena gran depresión, golpeó fuertemente a sus responsables políticos, económicos y laborales”.

Nunca falta alguien que sobre…

Al parecer, en el extremo inferior de Fondos congelados, Rivera incluyó un golpe algo taimado a los Rockefeller, patrocinadores clave de su exposición en el MOMA y futuros mecenas de su desafortunado mural en el Rockefeller Center.  “El hombre que aguarda para examinar su caja de seguridad muestra un parecido más que casual con John D. Rockefeller Jr., y el perfil ajado del empleado en el extremo izquierdo recuerda a John D. Rockefeller,  Ya pocos años antes, Rivera había incluido el retrato del viejo Rockefeller en uno de los tableros de la Secretaría de Educación Pública en México, donde criticó abiertamente el capitalismo estadounidense”. 

Notas 

1

Casa-estudio Frida y Diego

https://es.wikiarquitectura.com/edificio/casa-estudio-de-frida-kahlo-y-diego-rivera/

2

¿Cómo llegar en Metro al Museo Dolores Olmedo?

Tomar el Metro Taxqueña de la Línea 2 (Taxqueña-Cuatro Caminos).

Una vez que estás en la estación Taxqueña y luego de pasar los molinetes de control en la planta baja y caminas derecho hasta topar con pared, acto seguido da vuelta a mano derecha para ingresar al Tren Ligero, que comunica a Taxqueña con Xochimilco.

Uno, como turista no tiene la tarjeta que funciona para el metro, Metrobú y Ecobici, pero l@s mexicam@s son  muy amables y si le pides a cualquiera que te preste su tarjeta y le pagas el precio del viaje sencillo (que ellos saben cuánto es), no hay ningún problema. Están acostumbrados a hacerlo y lo hacen inmediatamente.

Luego de varias estaciones (quizás más de 10) bajar en la estación La Noria, Es facilísimo llegar, el Museo Dolores Olmedo, se encuentra a una distancia de 600 metros

Caminamos hacia la izquierda, cruzando las vías del tren y la Av. 20 de Noviembre. (Veremos una Tienda del ISSSTE).

Caminando en dirección contraria a los vehículos giramos en la 1er calle a la izquierda “Antiguo Camino a Xochimilco” que nos llevará al Museo Dolores Olmedo, (frente a una gasolinera).

3

Tuviera o no una relación más íntima con Dolores, Lo cierto es que a finales de 1956,

luego de regresar de la ex unión soviética, se trasladó a Acapulco, a la casa de Dolores, en el cerro “La Pinzona”, donde paso largas temporadas. Calle  6 (antigua calle Inalámbrica) rebautizada con el nombre de Diego Rivera.

Diego llamo a la casa “Ehecaticalli” (la casa del viento), y en la fachada dejó plasmada su obra  Exekatl kalli (Casa del Dios del Viento), acompañado de Dolores  pasó su convalecencia luego del tratamiento con bomba de cobalto que recibiera para curarse del cáncer de próstata. Era el final de sus días.

Mural de Diego en Acapulco

El 1 de febrero de 1957 (Diego moriría el 24 de Noviembre de ese año); Teresita, la secretaria de Diego, le entrega a Dolores una carta:

“Lolita Linda Señora Maravillosa y Vida de mi Vida… Por su deseo o no, esto no lo sé, no hay manera de ver a usted jamás, sin caballero sirviente al canto o en tal cercanía, que hace imposible la compañía próxima que todo afecto intenso demanda, y el mío por usted lo es en grado que resulta terrible, sin la menor posibilidad de intimidad”. “…estoy seguro de quererla lo suficiente para poder pedir que, con dos palabras, aclare esta situación…creo tener derecho, dada la intensidad de mi querer, a que se me diga SI o NO, precisa y claramente” (sic)… mi sentir no cambiará “ni el grueso de un cabello” por cualquiera que fuera la orientación sentimental de Olmedo. La adorará invariablemente: Diego Rivera.

Diego fallece a las 23,30 hs en su estudio de Altavista, en San Ángel. De aquellas últimas horas son sus palabras:

“…la asiduidad del que ama y no es amado resulta insoportable para quien no ama al enamorado”. Diego Rivera

En 2012 la casa fue comprada para abrir sus puertas como la “Casa Estudio Diego Rivera del puerto de Acapulco”

Hugo A. Kliczkowksi Juritz

Agosto 2018

 

Adolf Loos. 3era parte y final. El ornamento es una mentira

Adolf Loos (1870-1933)

El ornamento es una mentira
La  historia de la arquitectura, es la historia del hombre.
En esa historia Loos tiene un protagonismo especial.                      
Si analizamos los interesantes y valiosos momentos de su vida – su vigor por convencer y atraer a su entorno hacia una actitud diferente ante el arte y la arquitectura-, descubrimos a un arquitecto de unas dimensiones especiales.
Impresiona saber que Loos (o Mackintosh, entre otros en aquellas épocas), han pagado en “su persona” su anticonformismo, deteriorando su salud. 6      
                                                                                                                                                        Teórico y polemista, descubre el espacio donde se desenvuelve la “experiencia humana”, en ese mismo espacio, donde más tarde Gropius ampliara este concepto, incluyendo en el espacio de Loos todos los actos de la vida humana, individual y social…donde concurren todas las facultades operativas del hombre”.
Nada en Loos ha sido intrascendente. Su obra ha influído en los grandes arquitectos racionalistas como GropiusOud y Le Corbusier y demás maestros de posguerra.
Antes de ésta he publicado 2 partes, que comenzaron a raíz de la exposición sobre “Adolf Loos espacios privados”, realizada en la Caixa Forum de Madrid en Junio del 2018.
Con ésta 3era parte he ampliado datos de su biografía y de sus obras.
 
Es muy difícil, poner un limite entre una y otra, ya que toda su vida estuvo dedicada a convencer y vencer con su ideología arquitectónica, que no era otra que la de realizar una arquitectura mas “sincera”, de acuerdo a sus convicciones y a las del grupo que lo rodeaba y que adherían activamente a mejorar el hábitat tanto urbano como arquitectónico.
Además de la narración y descripción de su obra, incluyo un dato importante no suficientemente explicitado, como fue su condena por la denuncia probada de pederastia, por la que fue encarcelado, pago multa y luego queda en libertad gracias a la presión de sus “amigos” y benefactores, a su condición social, su dinero y sus abogados.
Alla vamos:                                                                                                                                     
1era parte
2nda parte 
 
3er. parte y final: Adolf Loos Biografía
notas 7 y 8     
“Loos ve en cada elemento arquitectónico un valor humano ligado a esta valoración inmediata y experimental; de ahí su horror por el despilfarro técnico y moral” Leonardo Benevolo. 6                                                                                                                                                                                                                                                                                 
1870 Nació un 10 de diciembre en Brunn, Moravia (hoy Brno república Checa), su padre eraAdolf Loos (escultor y cantero) y su madre María Hertl (1833-1921).
Adolf Franz Karl Viktor Maria Loos (1870-1933), era el mayor de tres hijos, junto a sus hermanas Hermine (187_-1904) Irme Marie.
1879 Con 48 años muere su padre, es su madre quien se hará cargo de la cantera esperando que su único hijo alcance la mayoría de edad.
1882 Se revelan los primeros síntomas de la sordera, heredada de su padre, que años más tarde lo convertiría en sordo total. Tiene un carácter alegre y sociable.
1884/8 Cursa la escuela secundaria en Melk, Iglau / Jihlava, Reichenberg / Liberec y Brùnn / Brno. Obtiene el diploma de sus estudios superiores en el Staatsgewerbeschule, un colegio técnico profesional, donde los 2 primeros años son de preparación y a partir del 3er. año se imparten las enseñanzas de arquitectura. Estudian en esos años algunos de los arquitectos más talentosos de su generación como Josef Hoffmann (1870-1956), Leopold Bauer (1872-1938) Hubert Gessner (1871-1943).
1887 Durante el verano realiza prácticas de albañilería en Czapka & Neusser en Brünn.
1889/90 Estudia arquitectura en la Königliche Sächsische Technische Hochschule de Dresden -donde 40 años antes había estudiado Gottfried Semper (1803-1879)- teórico de gran influencia en su pensamiento arquitectónico. Su economía es muy precaria y al no haber pagado la matricula no puede dar los exámenes finales y obtener el título profesional.
1890/1 Se inscribe como voluntario en la policía militar de Viena, llegando a teniente en la reserva.
1892/2 Continúa sus estudios en Dresden, sin llegar a terminarlos.
1893 Contrae sífilis en un burdel de Viena, al que concurre en compañía de su padrastro. Como resultado de la enfermedad quedaría estéril además de provocar un serio enfrentamiento con su madre.
1893-6 Desde los 23 a los 26 años reside en Chicago (visita la exposición Universal, que celebra los 400 años del descubrimiento del nuevo mundo).
En Philadelphia lo espera su tío Frederick Loos, de profesión relojero en Chestnut Street, pasa unas temporadas en  St. Louis, Boston y New York. Se mantiene con humildes reseñas de espectáculos publicados en revistas locales en alemán. Estos años influyen en su concepto de la vida moderna. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Su madre financia parcialmente su viaje a cambio de que renuncie a la
herencia de su padre. Para paliar sus penurias económicas  
trabaja también como peluquero, lavaplatos, dibujante y periodista.
Vive también de la dádiva, recibiendo pan, café
y azúcar junto a los desempleados.
 
1896 Debido al chantaje de su madre (que le amenaza con denunciarlo por dilapidar la herencia) debe regresar. Debido a este enfrentamiento corta definitivamente la relación con su madre.
Con sus ahorros hace escalas en Londres y París.
1896/8 A su regreso a Viena colabora en el estudio del arquitecto Carl Mayreder (1856-1935) y trabaja como docente en la Technische Hochschule.
Conoce la vanguardia intelectual y artística, entre ellos a la pedagoga reformista Eugenie Schwarzwald (1872-1940), al pintor Oskar Kokoschka (1886-1980) y el compositor Arnold Schönberg (1874-1951).
En esos años establece una relación estrecha con quienes serian sus futuros clientes y amigos: los escritores Peter Allenberg (seudónimo de Richard Englander -1859-1919- ) yKarl Kraus (1874-1936) – de quienes diría mas adelante que eran sus “parientes elegidos”.
Ninguna duda de que el perro es fiel. ¿Pero debemos por ello tomarlo como ejemplo?
La mujer participa con su sexo en todas las cosas de la vida, a veces en el amor.
El obstáculo más seductor y profundo es la moral.
La ley básica del capitalismo es tú o yo, no tú y yo.
En realidad él es fiel al hombre y no a los perros.
El erotismo es la superación de los obstáculos.
“Aparentar tiene más letras que ser”.
Frases y aforismos de Karl Kraus
1897 Nace su sobrino Walter Pirschl, hijo de Irme Marie, a quien adoptaría años más tarde, luego de la muerte de ésta en 1908.
1897 Realiza sus primeros trabajos. Publica ensayos y artículos críticos en “Die Zeit”, acerca de la exposición “Kunst und Industrie” (arte e industria).
1898 Artículos sobre la exposición del cincuentenario del emperador en la “Neue Freie Presse”y en “Dekorative Kunst”. El ensayo “Die Potemkin sche Stadt” aparece en el órgano de la Secesión Vienesa “Ver Sacrum”. Gana el premio literario de la revista”Der Architekt”.
En este año comienza su distancia de la Secesion.
1898-99 Sus primeros logros autónomos fueron el Museo del Café y el desfile de modas para caballeros Goldman & Salatsch en el Graben.
1900 Publica el artículo “Acerca de un pobre hombre rico” para la “Neue Wienner Tagblatt”.
El artículo “Acerca de un pobre hombre rico”, (“Vom einem armen
reichen Manne”) fue luego reeditado en Paris en 1921 en
 “Ins Leere Gesprochen 1897-1900” (“Dicho en el vacío 1897-1900”).
Es un artículo crítico e irónico donde Loos narra la historia de
un hombre que se ve atrapado por las ansias de controlar la obra,
todo objeto que pueda situarse en ella y sus moradores, como un
todo único, incluyendo los sonidos que puedan provenir del exterior,
 por parte del arquitecto, a quien encarga la decoración de su casa
como forma de rendir pleitesía al arte. Kenneth Frampton. 9
1901 Un informe médico indica que su sordera se ha agravado. La crítica alemana destaca sus actividades en las páginas de “Decorative Kunst”.
1902 el 21 de Julio se casa con Carolina Catherina Obertimpfler (Lina Loos, 1882-1950), el testigo Peter Altenberg se queda dormido y debe llamar a último momento como testigo aMax Schmidt (1818-1901)
Lina tiene 19 años, Loos 32.
Publica en la revista “Kunst” de Peter Altenberg Kunst.
 
Retrato de Max Schmidt
por Oskar Kokoschka
 

Lina y Adolf viven en el 5to. Piso en Giselastrasse 3 (hoy Bosendorferstrasse),
 Loos decora en 1903 su dormitorio con una enorme alfombra
de angora clara y paredes revestidas de batista blanca.
Plantea un rincón íntimo  para la conversación, al que ha bautizado como
“Nischerl o inglenook”, caracterizado por un bow-window.
 
El dormitorio de Lina Loos aparece en las páginas de la revista “Kunst” de, a la que, el 1 de octubre de 1903, se adjunta un suplemento escrito íntegramente por Loos y titulado “Das Andere, Ein Blatt zur Einfuhrung abendländischer Kultur in Osterreich” (El Otro: Hoja para la difusión de la cultura occidental en Austria). Loos explica que la revista tiene como objetivo “facilitar su actividad profesional”, pero “Das Andere” finaliza el 15 de octubre en su segundo número, donde se incluye un editorial polémico contra la Wiener Sezession.
 
retrato de Arnold Schoenberg
por Egon Schiele
 
1904 Mantiene correspondencia con la bailarina estadounidense Isadora Duncan (1877-1927). El 1 de Octubre muere su hermana mayor Hermine.
 
 
Entre los espectadores que me aclamaban en la sala, había
un joven húngaro, con facciones y estatura de dios.
Aquel joven debía transformar a la casta ninfa que yo era entonces
en una bacante salvaje y desenfrenada.
Fuiste silvestre una vez. No te dejes domesticar.
frases de Isadora Duncan
  
1905 Lina debido al escandalo por el suicidio de su amanteHeinz Lang se va a los EEUU, y decide separarse de Loos, firman el divorcio el 19 de Junio.
En su única obra (descubierta luego de su muerte) “Cómo convertirse en lo que eres”Lina reflejó el desarrollo de su matrimonio con Adolf.– editorial Adolf Opel 1994 –ISBN 3-216-30103-6
Tanto Adolf como Lina frecuentaban los círculos literarios de los cafes vieneses.
En 1906 surge un amor apasionado entre Lina y un joven estudiante
de secundaria Heinz Lang (1885-1904). Loos descubre las
cartas de amor y Lina termina su relación con Lang.
Heinz Lang la espera vanamente en Inglaterra, y angustiado
se suicida el 27 de Agosto de 1904.
1906 Loss conoce a Elisabeth Bruce (Elosie 1886-1921), una bailarina de cabaret londinense que está de gira por Viena, se la presenta su amigo
Altenberg en el Cabaret Tabarín, donde ambos son frecuentes visitantes. Comienza una etapa de felicidad que durara 9 años.
En la revista “Innen-Dekoration” se reseña la obra de Loos
de la pluma de un crítico y ex redactor de “Ver Sacrum”,
curiosamente sin fotografías.
1907 Entre el 10 y el 11 de diciembre, Loos organizó una serie de visitas pagas a sus obras (un total de dos tiendas y trece apartamentos), Wohgnung wanderungen o recorrido de apartamentos y editó un pequeño catálogo (reeditado por Loos Uber Architektur en 1987). 
El famoso fisiólogo y naturista  vienés Theodor Beer, (que fuera colaborador como Loos de la “Neue Freie Presse”, y su cliente en la Villa Karma) fue forzado a expatriarse por una acusación de pedofilia, que terminó al
año siguente con la condena y pérdida de su título.
 Su esposa Laura Beer, afectada por el escándalo se suicida en 1906.
 Las obras de la villa se interrumpen debido al incumplimiento en
 los pagos y la ruptura de relación entre Loos y Beer.
1908 “Loos Bar”, artículos y conferencias “Ornamento y delito” y cuatro articulos en la revista de vanguardia alemana “März”. La revista “Deutsche Kunst und Dekoration” dedica una crítica entusiasta firmada por Richard Schaukal.
Mantiene que la arquitectura y las artes aplicadas, “deben prescindir de cualquier ornamento, considerado un residuo de costumbres bárbaras”. 6
Los debates en Munich y la inauguración de la Kunstschau en Viena de los trabajos deHoffmann y de la Werkstätte de Viena (donde conoce a un joven Oskar Kokoschka de 22 años) inspiran a Loos en la primera versión de las muchas que escribió de “Ornamento y crimen”. Loos le ofrece protección de mecenazgo a cambio de su arte.
En función de este acuerdo el primer retrato que realiza es el suyo.
Kokoschka ha trabajado con el arquitecto y diseñador Josef Hoffmann (1870-1956), recibe la influencia de Gustav Mahler (1860-1911), Gustav Klimt (1862-1918) y Sigmund Freud(1856-1939).
“Se puede hacer algo nuevo, solo si se puede hacer mejor”. A.Loos
1909 En la semana del 9 al 15 de octubre lo hospitalizan en la clínica del Dr. Goldstem debido al agotamiento causado por una úlcera gástrica.
El 26 de junio Robert Scheu publicó una crítica sobre la obra de Loos en las páginas del periódico “Die Fackel”.
1909/11 construcción de la sastrería Goldman & Salatsch en la Michaelerplatz (Loos-Haus) en Viena. Su ubicación frente al palacio imperial es considerada una provocación. Debido a la oposición de las autoridades municipales el 11 de diciembre de 1911, se ve obligado a dar su famosa conferencia –explicativa-“Mein haus am Michaelerplatz”, en Sophiensaal. Es interesante ver el interés que despierta tanto en apoyar como en confrontar, al punto que concurrieron más de 2500 personas.
Su intensa actividad profesional y su exposición a la permanente discusión ante aquellos que tratan de socavar su reputación profesional agravan su salud, (padece úlceras desde hace 28 años).

 A raíz de las discusiones sobre la fachada de Michaelerplatz volcadas en
la prensa, la policía paraliza los trabajos de obra en septiembre de 1910.
A pesar que decretan su reapertura 1 mes más tarde el debate
continúa. Es una época muy fructífera, de obras tan famosas
como provocativas ante la mirada inquieta de la sociedad
conservadora vienesa.
 Su obra se convierte en “el caso Loos”, y su controversia, trasciende
 las fronteras de su país, su reputación se extiende a Alemania, Polonia
y Francia. Esta feroz controversia habría provocado la úlcera de Loos, aunque también es posible que la ocasionara el juicio contra Theodor Beer.
El 21 de enero de 1910, volvió a elaborar el texto de Munich sobre el tema “Ornamento y crimen” para una conferencia en el “Akademischer Verband fur Kultur und Musik” en Viena.
La revista “Der Sturm” (la tormenta) fundada por Herwarth Walden (1879-1991) publica algunos de sus viejos artículos. En octubre, da una conferencia en el Salón Cassirer deHerwarth Walden.
Loos asiste en Berlín a la representación del poema “Pelleas und Melisande” de Arnold Schönberg (1874-1951) y da una conferencia bajo el título “Arquitectura” en el“Architektenhaus”, extractos de ella aparecen en “Der sturm” el 15 de diciembre de 1910.
                                                                       Retrato de Emil Orlik 
                                                                      por Herwarth Walden
Sus obras consiguen atraer el interés de Le Corbusier.
A finales de año lleva a Bessie y a Oskar Kokoschka(1886-1980) a las montañas en el lago Lemán, al sanatorio de Leysin, La enfermedad de Bessie, cada vez más grave, la obligó a largos períodos de hospitalización, pero la distancia de Adolf hace estallar los celos en ella, Bessie sufre de tuberculosis, pero descuida su tratamiento para estar cerca de él en Viena.
Loos acuerda con el director de la clínica, que Kokoschkapague los costos de su tratamiento retratando a los pacientes adinerados.
 
1911 Decide realizar un viaje de descanso al oasis de Biskra, en el norte del Sahara, pasando por Francia, Córcega, Cerdeña y Túnez. Lo interrumpe dos veces en marzo y mayo, debido a la construcción en Michaelerplatz, lo hace solo, sinBessie.
El 8 de Abril asiste a la conversión de Karl Kraus al catolicismo, poco después, Peter Altenberg ingresó en una clínica de Inzersdorf para desintoxicarse del alcoholismo.
En julio, Loos también ingresó en una clínica fuera de Viena por problemas estomacales.
En septiembre dirige el curso anual de historia del arte, desde los orígenes hasta la edad contemporánea, en la escuela de Eugenie Schwarzwald. (1872-1940).
1912 Karl Kraus le presenta a Ludwig von Ficker (1885-1919), editor de la revista de Innsbruck “Der Brenner”.
Elabora el primer proyecto para la nueva sede de la Schwarzwaldschule, en Junio organiza una visita a la obra con los estudiantes.
Su enfoque de la arquitectura, asi como su convicción de renovar la sociedad, le llevan a fundar en septiembre de 1912 una escuela privada para arquitectos la “Adolf Loos-Bauschule“, junto a sus colaboradores más cercanos.
“…El maestro desencadenó una rebelión contra la costumbre de indicar las dimensiones en cifras o en dibujos acotados. Consideraba-según me dijo- que tal procedimiento deshumanizaba los proyectos”. Si quiero que un revestimiento de madera, tenga una altura determinada, me voy a la obra, pongo la mano a una altura determinada y el carpintero hace allí una marca con el lápiz. Después me alejo y lo miro desde distintos sitios, esforzándome por imaginar el resultado una vez acabado. Éste es el único modo de decidir la altura de un revestimiento de madera, o la anchura de una ventana”. Richard Neutra-discipulo de Loos- 10
 
1913-14. La escuela tiene un programa de tres años, de ejercicios prácticos y viajes de estudio. Las clases se dictan en las instalaciones de la Schwarzwaldschule.
La sede oficial se ubica en el estudio de Loos en Beatrixgasse, en el Palais Modena. En el 1er. Semestre, se inscriben 10 alumnos, como Paul Engelmann (1891-1965) Giuseppe De Finetti (1892-1952) a los que mas tarde se les unirán Richard Neutra (1892-1970) y Gustav Schleicher (1823-1879). La escuela se cerrará después del estallido de la Primera Guerra Mundial.
1913 El 23 de febrero celebró la famosa conferencia “Ornament und Verbrechen” en el Akademischer Architekten-Verein; a principios de marzo está en Praga y durante las vacaciones de Pascua se reencuentra con Bessie para hacer un tour, visitan Montecarlo, Barcelona y Madrid, luego Lisboa, Gibraltar y Tanger.
En mayo, Loos lleva a Altenberg a Venecia, donde se les unen Kraus y Bessie, pasan el verano juntos en el Lido donde visitan a Georg Trakl (1887-1914) y Ludwig von Ficker (1885-1919).
1914 En Abril se va con Bessie a Argel, y al regreso visitan Nápoles, Génova y se detienen en la Riviera di Levante. 
 
No puede exponer en el Salon d’Automne de París, debido a la entrada de
Austria en la guerra, tras el asesinato del heredero al trono
Francesco Ferdinando d’Este, en Sarajevo
el 28 de junio de 1914.
1914-18 Su agitada y febril actividad profesional, asi como sus virulentas respuestas a un entorno agresivo minaron su salúd. Además de su sordera progresiva, sufría de una úlcera gástrica que lo obligó a frecuentes ingresos en la clínica del Dr. Goldstern y períodos de convalecencia.
A pesar de la guerra consigue realizar algunas obras.
1916 Encarga a Kokoschka su propio retrato y el de Grete Hentschel.
Grete fue una antigua alumna de la Schwarzwaldschule, y a la que Loos
propuso matrimonio. En 1914 ya le había diseñado un departamento-studio
en Karl-Schweighofer-Gasse 5, en Viena.
Esta propuesta no prospero ya que en 1917 Grete se casó con Josef Klimt y
en poco tiempo tuvo dos hijos.
1917 Ludwig von Ficker, elige a LoosKokoschka, Trakl y otros artistas como beneficiarios del dinero que el filósofo Ludwig Wittgenstein desea donar para ayudar a la difusión del arte en Austria. Bessie vive en el sanatorio de Leysin, en el “Zauberberg”,  para poder mantener dicha internación, Loos propone a la gerencia para dar sus pieles y joyas como garantía.
1918 Le diagnostican un tumor maligno de estómago, se somete a una urgente y oportuna cirugía en Suiza, que le salva la vida, recuperándose en 6 meses.
El 3 de Noviembre se firmó el armisticio que marca el fín del imperio astro-hungaro y la separación de Austria de las provincias que no hablan alemán. Loos pasa a ser ciudadano checo.
 “¡El fin último de cualquier actividad figurativa es la arquitectura!
Manifiesto y Programa de creación de la Bauhaus de Weimar.
Walter Gropius
1919 El 8 de enero Peter Altenberg muere de neumonía y es Loos quien realiza el diseño de su tumba en el Zentralfriedhof de Viena.
En febrero publica el manifiesto “Richtlinien fur ein Kunstamt”, con el que pretende inspirar a la nueva nación “acercar el arte a la gente”.
Colabora con el periódico “Neues 8-Uhr Blatt”, respondiendo las preguntas de sus lectores cada domingo.
El 4 de Julio se casa con Elsie Grunfeld Altmann (1899 – 1984), una actriz, bailarina, cantante y escritora austriaca, de 19 años de origen judío, que había conocido 2 años antes (ella 17 años y él 47).  
Antes ambos deben separarse de sus respectivos cónyuges. Testigos fueron Hugo y LillySteiner (clientes de la villa de Hietzing) y el tio de Elsie.
En el otoño, retoma la actividad de su escuela de arquitectura interrumpida durante la guerra. Se inscribe enre otros Heinrich Kulka (1900-1971) más tarde colaborador de Loos y editor del primer libro sobre su obra.
 
Elsie Grunfeld Altmann
“Filosofía, arquitectura, comunidad son tres principios absolutos; y lo
que los unifica es la religión”… siendo la “arquitectura … una triple totalidad:
ella reúne en sí todas las artes-la pintura, la escultura, el arte de construir,
el arte de los jardines. Es la unidad entre naturaleza y arte,
porque expresa la naturaleza en forma artística,
Paul Bommersheim 11
1920 Con cincuenta años protagonizó un escándalo de pedofilia.
Loos fue sometido a un juicio escandaloso por pederastia con tres niñas de 8, 9 y 10 años, a las que había contratado como modelos. 12 y 13
Por invitación de un joven cliente (el periodista Henry Burke, corresponsal del Chicago tribune en Francia), viaja con Elsie a Paris, donde conoce entre otros a Charles Edouard Jeanneret(Le Corbusier), y recibe  una invitación para publicar en “L’Esprit Nouveau”. Es  recibido con entusiasmo y calidez.
Desde los EEUU, Rudolf Michael Schindler (1887-1953) alumno de Otto Wagner le envía un manuscrito del Louis Sullivan (1856-1924) “Kindergarten Chats”, con el pedido de recibir ayuda en su publicación (esto no sucedió).
“Il n’y a pas de sculpteurs seuls, de peintres seuls, d’architectes seuls.
L’événement plastique s’accomplit dans une forme une au
service de la poésie”.  Le Corbusier
1921  Obtiene la nacionalidad austríaca y gracias al apoyo del abogado Gustav Scheu (1875-1935) su cliente de la casa Scheu 1912/13, es nombrado Arquitecto Jefe de la Oficina de Vivienda de interés social de la ciudad de Viena, trabajando en el Ministerio de Vivienda.
Bessi que vive internada en un sanatorio suizo, recibe de Loos el dinero para pagarse el pasaje a Londres,  donde meses más tarde y con apenas 35 años, muere en brazos de su madre.
La editorial parisina Georges Crès & Cie publica en Octubre una colección de escritos de Loos, con el título “Ins Leere Gesprochen 1897-1900”. 14
1922 23
En Octubre presenta en la inauguración de la exposción su modelo de Hotel para las vacaciones de invierno en Semmering (de 1913), el gran éxito con que lo recibe la prensa y el público, no son aun suficientes para justificar la deseada mudanza.
El 7 de Octubre muere la madre de Loos, designando a su sobrino Walter (hijo de Irme Marie) como su heredero universal y dejando una modesta suma de dinero a Loos.
Es invitado como delegado austríaco a participar en la conferencia de Garden City en Londres.
Loos es contrario a los concursos de arquitectura, pese a ello, se inscribe para la realización de la  nueva sede del “Chicago Tribune”, proyecto en el que trabaja en octubre de 1922.
Expone en septiembre de 1923 sus trabajos como urbanista y arquitecto en una exposición en Viena.
La Asociación de Arquitectos de Viena, le encarga la elaboración de un plan para la capital junto a  Peter Behrens (1868-1940), Josef Hoffmann (1870-1956). Oskar Strnad (1879-1935) y Josef Frank (1885-1967).
 
Retrato de Peter Behrens
por Max Liebermann
Josef Hoffmann
 
En Octubre de 1923 es invitado a participar del Salon de Otoño de Paris (prestigiosa exposición de arte y arquitectura francesa) y nominado como miembro honorario. Surge la idea de mudarse a Paris, trasladando su escuela, lo alientan Man Ray (seudónimo de Emmanuel Radnitzky 1890-1976),  Josephine Baker (1906-1975) y Tristan Tzara (seudónimo de Samuel Rosenstock1896-1963), a quien realiza una de sus residencias más famosas.
Confiaba que de ser lo de la escuela posible, podría invitar a enseñar a Sullivan.
Durante la estancia en Francia se desencadena la primera crisis conyugal, tras la pérdida de un contrato de Elsie con el Casino de París, provocado por la intrusión de Loos en la negociación.
“la arquitectura es música congelada”,…el ritmo y la musicalidad en la construcción vienen determinados por un uso adecuado de los elementos constructivos,
se trataba de dejar hablar a los materiales. “la música es el arte menos
ligado a la tierra, la arquitectura la que lo está más. Pero entre todas
las artes figurativas es la más abstracta, puede dar los sonidos más puros
y al mismo tiempo más místicos y puede transfigurar la materia
en la forma más pura” Hans Poelzig 15
1924 Dimite del puesto del Municipio, dejando los proyectos en manos de Margarethe Lihotzky, la finalización de la casa Spanner a Leopold Fischer y la gestión de su estudio a su mas cercano colaborador, el croata Zlatko Neumann.
En junio se traslada a Francia donde vivirá los siguientes 4 años. Viaja frecuentemente por la Riviera francesa, Austria, Alemania y Checoslovaquia.
Consigue un trabajo que le garantiza un ingreso estable, desde Agosto de 1924 es el representante parisino de la empresa de muebles U. P. Werke de Brno.
En otoño, su primera colección de escritos, titulada “Ins Leere Gesprochen 1897-1900”(Palabras en el vacío), fue publicada en París y Zurich. La edición en francés es editada porMarcel Ray. Sus escritos ya le habían abierto las puertas en Berlín y Praga, y ahora le facilita el camino en Paris.
En este período entró en contacto con el joven poeta Georg Trakl, con quien estableció una profunda amistad.
En setiembre regresa a Austria para tratar de persuadir a su esposa para que lo siga, peroElsie ocupada en Viena no acepta. En octubre Loos regresa a París solo; en otoño realiza varios viajes a Berlín para realizar la sucursal alemana de la sastrería Knize en Wilhelmstrasse.
En Paris frecuenta al escritor y librero Jan Slivinski (1884-1950)
-seudónimo de Hans Effenberger- y a su círculo de refugiados y artistas polacos intelectuales.
Slivinski fue uno de los que con mayor fervor defendió la invitación a Loos para asistir al salón de otoño.  
 “Yo no llego a entender la poesía de Trakl, pero su lenguaje me deslumbra…” Wittgenstein
                                

1925 En enero dicta una serie de conferencias en Brno y en Praga junto a J. Piet Oud (Jacobus Johannes Pieter Oud (1890-1963),  Walter Gropius (1883-1969) y Le Corbusier (1887-1965).

 
 
Peter Oud
Le Corbusier
 En Noviembre notifica a la policía de Viena de su traslado a Francia y anunció su intención de cerrar el estudio vienes, quemando todos los documentos. Este propósito milagrosamente será impedido por Heinrich Kulka y por Grete Hentschel.

“con el debido aprecio por Le Corbusier, su mayor debilidad está en que no es sólo arquitecto, sino también un pintor abstracto y, como consecuencia de ello, confunde los problemas de la construcción con los de la pintura de estudio”
Bruno Taut
“… las formas de arte concreto han dado un fuerte impulso a la arquitectura moderna, en un modo, cierto es, indirecto, si bien irrefutable”.
 “la arquitectura y las demás artes han tenido el mismo punto de partida, punto de partida que, sin duda es abstracto, pero que, al mismo tiempo, está influenciado por todos los conocimientos y los sentimientos acumulados en nosotros”.
Revista Domus 1947.Alvar Aalto.
1926 Elosie es contratada en marzo por el Teatro Schubert en Nueva York, el mismo año en que comienzan los trámites de divorcio, que culminan el 28 de Octubre de 1927. Su matrimonio ha durado 7 años.
1926 Entre febrero y marzo dicta con gran éxito una serie de conferencias en alemán en la Sorbona tituladas “Der Mensch mit Modernen Nerven” (El hombre con nervios modernos).
Invita y reúne a sus mejores ex alumnos en su estudio de Paris: Wilhelm KellnerNorbert Krieger y Zlatko Neumann.
1927 Dicta una serie de conferencias de las cuales la más famosa, celebrada el 20 de abril, se titula “Das Wiener Weh” (El Vienés malo).
Regresa a Zagreb para cumplir con las obligaciones del servicio militar, en el otoño continúan sus frecuentes viajes a Viena para dictar sus conferencias y diseñar la casa Moller.
1928 el 5 de Septiembre es arrestado por los cargos de pedofilia y liberado tres días después mediante el pago de veinte mil chelines, provistos por sus amigos. En diciembre es condenado a 4 meses de prisión, y en febrero Karl Kraus para redimir a su amigo de este delito, le dedica la conmemoración del décimo aniversario de la muerte de Peter Altenberg. (Una época, donde un caso de pedofilia podía ser redimido, luego homenajeado y finalmente anulación de la pena “por buena conducta” HAK) 16.
Su tercera esposa, Claire Beck escribió tras su muerte el libro de anécdotas Adolf Loos privat con el objetivo de financiar con los beneficios de las ventas la tumba que Loos, muerto en la indigencia tres años atrás, había diseñado para sí mismo.
El libro -escrito en un estilo despojado y funcional, muy Loos- levanta un retrato tierno y divertido del exmarido que se negó a recogerla cuando ella, tras una fuga, quiso volver a casa (“¡una mujer que me deja no puede regresar!”), y recoge sus comentarios sobre su profesión y anécdotas diversas, como la insistencia (vana) del arquitecto en que Claire, que se casó con él siendo muy joven, se sometiese a ciertas operaciones​ quirúrgicas para seguir pareciendo jovencísima. Pocos años antes de morir, Loos fue sometido a un juicio escandaloso por pederastia con tres niñas de 8, 9 y 10 años, a las que había contratado como modelos; “gracias a su relevancia social salió libre por falta de pruebas. Murió demente. En fin, un horror. Lo cual nos devuelve a ese viejo enigma del artista que en el estricto marco de su profesión o de su disciplina puede ser un agente de la libertad, un filántropo, y en otros aspectos, patético o aborrecible. Es una constante característica de la contradictoria naturaleza del ser humano, entre monstruo y ángel, que nunca deja de interrogarnos”. 12

 

“En Agosto de 1928, el padre de una niña de nueve años le denunció por haberle dado dinero a su hija y entregado una tarjeta de visita. Se le acusó de pedofilia; y a la primera le siguieron otras denuncias. Adolf Loos, una vez probados los hechos, ingresó en prisión.
Sus defensores, indignados por el trato a un artista de tal talla, movilizaron a los mejores abogados vieneses que defendieron su inocencia e incluso acusaron al capitán de la policía de Viena de perseguir a Loos. Gracias a su prestigio y dinero (sobre todo al dinero) logró salir de la cárcel”. 13
1928 Es invitado al congreso preparatorio del CIAM en Suiza, en el castillo de Helena de Mandrot en La Sarraz (26/28 de Junio) pero decide no participar.
Viaja frecuentemente a Checoeslovaquia donde recibe encargos de su cliente y gran admirador Otto Beck.
1928 conoce a Claire (Klara Franziska Beck 1905-42), hija de su cliente checoeslovaco Otto Beck mientras asistía a un espectáculo de danza de Joséphine Baker.
A pesar del apoyo de su círculo de amistades, él está cada vez más aislado, se agrava su sordera. Claire decide poner distancia y regresa a Plzen con su familia,
El arquitecto vienés Karl Jaray decide publicar los escritos de Loos.
El título será una derivación de una frase de Nietzsche “Todo aquello que es decisivo, llega finalmente”.
1929 Claire regresa se casan el 18 de julio, contra el consejo de la familia debido a la diferencias de edad. (Se separaría de Claire en 1932).
El 24 de octubre, el “Frankfurter Zeitung” publicó “Ornament und Verbrechen” (Ornamento y delito).
Rediseña su casa de Viena, pero debido a su precaria salud no puede ocuparla, la alquila el cuñado de Claire.
 
Loos está totalmente sordo, todos sus contactos profesionales dependen de Claire y de sus colaboradores.
1930 en setiembre se interna en Karlsbad.
Con motivo de su sexagésimo cumpleaños, sus amigos editan una serie de sus escritos en su honor y el 10 de diciembre celebran un té en elSpolecensky Klub en Praga, donde se reúnen amigos cercanos y personalidades importantes.
Tambien una recepción en Villa Müller, ocasión en que el gobierno checoslovaco le da una gran suma de dinero.
Durante estas festividades, inaugura dos exposiciones individuales: una en Milán y otra en Viena, ambas organizadas por la Asociación de Artistas de Hagen, donde exhibe treinta y cinco obras.
 “la forma sólo se puede entender por su evolución histórica,
donde aquellas formas basadas en su día en necesidades constructivas
evolucionan hacia el ornamento” Gottfried Semper 17
1931 desde enero viven en Praga y colabora con Kurt Unger, a mediados de febrero la empresa de vidrio Lobmeyr le encarga el diseño de una línea especial de cristalería.
Mientras tanto en Viena, Heinrich Kulka está involucrado en la creación de las unidades de vivienda de la Werkbundsiedlung y, con Franz Gluck, en la publicación de un libro sobre Loospara las ediciones de Schroll.
En julio, se inaugura el internationale Raumausstellung en el Zeppelinhaus de Colonia, con dos salas creadas por Loos para la empresa de muebles berlinesa Schurmann.
Los cónyuges abandonan la Costa Azul para regresar a París, al no conseguir encargos Loosentra en una profunda depresión; poco después regresa a Austria solo, abandonado por su esposa y asistido por el fiel Kurt Unger.
Su salud empeora y se refugia en el castillo de Weleslawin, cerca de Praga, está completamente sordo, deprimido, y camina con dificultad.
En noviembre se inauguran las dos casas modelo de la Werkbundsiedlung en Viena, sin la presencia de Loos. En diciembre, Claire propuso a Loos sus condiciones para el divorcio.
1932 En marzo, obtiene por buena conducta, la anulación de la pena por pedofilia.
Pasa los siguientes meses en varias clínicas (cerca de Kub, Karlsbad y St. Margarethenbad en Bohemia) a fines de noviembre, aparentemente restablecido, pudo regresar a Viena; al llegar sufre un ataque cardíaco, que lo obliga a estar en silla de ruedas y a la hospitalización en la clínica de Rosenhugel.
Tiene 62 años y está en la ruina
1933 En julio, fue trasladado al sanatorio del Dr. Schwarzmann en Kalksburg, cerca de Viena, donde murió la noche del 23 de agosto.
Elsie Altmann sigue siendo su heredera universal, pero son sus amigos los que se hacen cargo de los costos de la clínica y el entierro en el cementerio de Kalksburg. A su lado su ama de llaves Mitzi Schnabl, que lo cuida fielmente como lo hacia desde hacia 14 años.Adolf Rainbauer crea la máscara mortuoria, que entrega a Karl Kraus.
 
 “…el pintor parte del mundo real y trabaja hacia la abstracción, y cuando termina una obra, ésta es una abstracción del llamado mundo real. El arquitecto, en cambio, parte del mundo abstracto y, debido a la naturaleza de su trabajo, tiende hacia el mundo real. El arquitecto importante es el único que, cuando ha acabado su trabajo, está tan próximo a la abstracción original como le ha sido posible…”John Hejduk
“Adolf Loos se erige con su arquitectura, artículos y conferencias como un
defensor del ciudadano, intentando hacerle ver, que se debe liberar de las
falsas necesidades  que le convierten en bruto”
Y citando a Karl Marx, “son las necesidades históricamente creadas, que se mueven por los deseos y la pasión, las que acaban en la “degeneración bestial del obrero”, el cual deja de regirse por la razón”. Esto le lleva a realizar una arquitectura sobria en el exterior y rica en el interior, donde todo atisbo de elementos superfluos (es decir, de ornamento) no tiene cabida.18
Cronología de sus obras
Antes de 1900
1897 Sastrería Ernst Ebenstein, Kohlmarkt 5, en Viena; Plan de  ordenamiento de Brünn.
1898 Proyecto de un teatro de 4.000 plazas, en Viena.
1898 Diseño de una tumba; Tienda de ropa masculina Goldman & Salatsch, Viena.
1899 Interior y fachada del Café Museum (Elizabethstrase 6) que fue todo un símbolo cultural; Pisos: paraHugo Haberfeld en Alserstrasse; para Eugen Stoessler bocetos de interiores; Proyecto de iglesia conmemorativa del jubileo del Káiser Francisco José, en Viena.
 
 
“…el Café Museum (1899)…(apenas se lo puede reconocer tras las múltiples renovaciones que padeció), es un pequeño local en Viena cerca de la Sezession vienesa (1898), la Ópera, la Casa de los Artistas, la Escuela Técnica Superior y la Escuela de Artes Gráficas, …
El café Museum, un punto de reunión para artistas y escritores vieneses,…bautizado por Ludwig Hevisi como “Café Nihilismus” (del latín nihil, “nada”)…Adolf Loos… orgulloso, así lo expresaría una década más tarde en la publicación “Der Sturm.” En el café Museum se renuncia a todo tipo de adorno, rompiendo así con los estilos de la época… se destruyen los valores vigentes para sustituirlos por otros nuevos. Es una obra que impacta por la austeridad de la fachada, la cual – según Loos – no tiene nada que decirle a la metrópoli. La fachada es simplemente un paramento rítmicamente perforado por ventanas rectangulares mudas. En el interior nos encontramos con el mismo lenguaje arquitectónico, pues el interior del café Museum también pertenece a la esfera pública. Un mueble circular frente a la entrada alberga la caja y articula las dos alas de la planta en “ele”. Los nueve estrechos espejos tras el mueble crean un truco escenográfico, rompiendo la esquina y creando una inquietante sensación de movimiento, como si… fuese un caleidoscopio. Recurso que repetiría años más tarde en la escalera del edificio en Michaelerplatz.
El interior, al igual que la fachada, carece de adornos…Crea una sala de billares y de juegos en el ala larga de la izquierda, separadas entre sí por un cerramiento de espejos que extiende el espacio; y en el ala derecha una zona más tranquila donde sentarse a leer o conversar. Un zócalo de caoba recorre todas las paredes unificando el espacio… Su obsesión por la eliminación de lo redundante es llevada al extremo incluso con las sillas, ya que elige la sillaThonet como símbolo de la era moderna en lugar de diseñar su propia silla, lo cual habría sido normal en aquella época. Unas tiras de latón cruzan el blanco techo de un lado al otro. A primera vista parece ornamento, pero en realidad es la desnuda expresión de la técnica, llevan la electricidad a las bombillas (inventadas hacía sólo veinte años), que simplemente cuelgan de sus cables. Se trata, por lo tanto, de una obra que elimina todo lo innecesario, carente de adornos y que, al igual que el frac del hombre moderno, había sustituido los botones dorados por botones negros”. 19
1897 Realiza sus primeros trabajos propios, sastrería Ernst Ebenstein, Wiena I, Kohlmarkt 5. Plan de ordenamiento de Brünn.
1900 a 1905
1900 Boceto de un teatro con tímpano.
1900 Replanteamiento de la fachada de un edificio, en Brno, República Checa.
1900Vivienda de Gustav y MaríaTurnowsky (cuñado y hermana de Karl Karl Kraus); Decoración de las salas del Frauenklub; Pisos: para Otto Stoessl; para Hugo Steiner en Gumpendorferstrasse, en Viena.
1901/03 Piso para Leopold Langer; sucursal de la banca privada Allgemeine Verkehrsbank sobre la Singerstrasse, en Viena.
1902Piso para Alfred Sobotka; la casa de Ferdinand Rainer, propietario del Museo Cafè sobre la Schwindgasse, en Viena.
1903 Pisos: para Michael Leiss; para Ferdinand y ElisabethReitler; para Essling; para Gustav Rosenberg; para Jakob Langer;  Casa de cambio para Leopold Langer; Vivienda de Adolf Loos, en Viena.
1903 Piso de Clothilde Brill Schweiger, en Hinterbrühl, Austria.
1903/06Theodor Beerle encarga la restauración de la llamada Villa Karma, en una suntuosa villa, rue St. Moritz 352, en Clarens, sobre el lago Leman, Suiza. La obra se paraliza varios años y es terminada a partir de 1919 por Hugo Ehrlich sobre la base del proyecto de Loos.
1904 Pisos: para Wagner-Wünsch; para Georg Weiss, en Viena.
1904-1905 Pisos: para Elsa Gall; para Emmanuel Aufricht; para Hedwig Kanner; para Alfred y Rudolf Kraus; para Josef Wertheimer; para Carl Reininghaus; para Hermann Schwarzwald; para Ludwig Schweiger, proyecto de un teatro para 4000 personas, en Viena.
…la civilización evoluciona hacia la expulsión de la ornamentación del objeto.AL
1906 a 1910
1906 Pisos: para V. Groser; para Emmy Piringer; para Rudolf Türkel; Oficina de Arthur Friedmann, en Viena.
1906 Pabellón de exposiciones de la empresa Siemens, en Reichenberg, Alemania.
1906-1907 Piso para Arthur y Leonie Friedmann; Tiendas de plumas ornamentales para Sigmund Steinersobre la Mariahilfestrase 56 y en Kärntnerstrasse; Bocetos de un edificio torre, en Viena.
1907Se presenta al concurso para el Proyecto para el Ministerio de la Guerra en Stubenring; Piso paraPaul Khuner, en Viena.
1907Piso para Willy y Martha Hirsch, en Pilsen, República Checa.
1908 Piso para Arthur Friedmann, en Mähren, Alemania.
1908/09 KärntnerBar (American Bar) en KärntnerPassage sobre la Kärntner Strasse, un pequeño local público que será una de sus obras maestras mas conocidas; Piso para R. Fischl; Bocetos para el Museo Técnico, en Viena.
1908/09 Piso para Otto Beck, en Pilsen, República Checa.
1909 Proyecto para un hotel; Proyecto de un barrio de casas con terrazas; Bocetos para la remodelación de la Karlsplatz, en Viena.
1909/11 Desde agosto ha estado involucrado en el proyecto de la nueva sastrería de Goldman & Salatsch en Michaelerplatz (Loos-Haus).
Al mismo tiempo, realiza las residencias de Leopold Goldman y Ernst Epstein en Döbling, ambos son director y sastre jefe de la sastrería respectivamente.
En 1909, Leopold Goldman y Emanuel Aufricht convocan un concurso para la construcción de un edificio de seis plantas en la parcela vacía de Michaelerplatz, que debía albergar la tienda “Goldman & Salatsch” junto con sus oficinas y talleres para los sastres, así como la vivienda particular del señor Goldman. Adolf Loos estaba entre los nueve arquitectos invitados a dicho concurso, pero rechaza la invitación pues, según el arquitecto, “el mundo de los concursos es una gangrena en nuestra arquitectura actual; sé que nunca se premia al mejor arquitecto, sino que se hace aquel proyecto que más se acerca a la sensibilidad del momento.” 20
 Finalmente, Adolf Loos consiguió el encargo de forma directa, pues ninguna de las propuestas del concurso fue del agrado de los clientes. Temerosos del carácter del
arquitecto vienés, redactaron un meticuloso contrato en el que se establecía que las decisiones funcionales de la planta se deberían tomar junto con el maestro de obras, mientras que las decisiones estéticas de la fachada eran de única incumbencia del arquitecto. Y fue justamente la fachada lo que trajo la gran polémica. Adolf Loos realizó numerosas propuestas para la fachada, siendo la última propuesta aceptada una fachada exenta de formas ornamentales, pero con una textura horizontal ondulante. Se concedió el
permiso de obra de la fachada en 1910 a condición de que se incorporaran al enlucido de la fachada almohadillados imitando sillares. En septiembre del mismo año, la fachada acabada no presentaba ninguno de estos elementos, sino que era aún más simple que el proyecto original. Era simplemente una superficie lisa. Adolf Loos argumentó en su defensa que, sólo una vez acabado el zócalo, se podría saber si era necesario o no añadir ornamento a la fachada pues, según el maestro vienés, el habitante vive la parte inferior de los edificios y no pasea mirando hacia arriba, por lo que la nobleza clásica del mármol cipolino de Eubea del zócalo debería ser suficiente.
El resultado de esta batalla con las autoridades fue la paralización de las obras. Fue una gran polémica que llegó a los periódicos. El 1 de enero de 1911, se publicó una caricatura en la que comparaban la fachada de Loos con una tapa de alcantarilla y en la que se puede leer: “Librémonos de la arquitectura”, haciendo un juego de palabras (“Los” significa “librémonos” en alemán, aunque parece que también hace referencia al apellido del arquitecto vienés).
Meses más tarde, el 6 de mayo de 1911, se convoca un concurso de nuevas propuestas para la fachada. Otto Wagner declinó la oferta de formar parte del jurado y movilizó a la Sociedad de Arquitectos Austriacos para boicotear el concurso. Sólo una semana más tarde se cancela el concurso y un año más tarde, el 4 de mayo de 1912, se recibe la resolución final del magistrado, en la que se acepta una propuesta de compromiso realizada por Adolf Loos en la que incorporaba una serie de maceteros con flores a las ventanas. 19
1909/13 Sastrería Knize; Piso para Arnold Julius Bellak sobre la Kohlmessergasse, en Viena.
 
 
 
1910 En junio presenta el proyecto de la villa para Hugo y Lilly Steiner, en el suburbio de Hietzing, un ícono de la arquitectura moderna, Viena.
 
 
 
1910 Proyecto de unos grandes almacenes, en Alejandría, Egipto.
1910 Reformas: de la casa Epstein; de la casa Goldman; Piso para Armin Horowitz, en Viena.
 
“Cuando hablamos de Kandinsky o de Picasso, no pensamos en pintores, sino en sacerdotes; no en gente del oficio, sino en creadores de nuevos mundos,
de nuevos paraísos”. Hugo Ball
1911 a 1914
1911/12  Reforma de la villa para el poeta Otto Stössel; Librería Manz, en Viena.
 
Librería Manz
 
1912 Piso para Valentin Rosenfeld; Proyectos de 
chalets en la montaña; Boceto de un teatro; Proyecto de actuación sobre la ciudad histórica, departamento para Hermann y Eugenie Schwarzwald sobre la Josefstädterstrasse, en Viena.
 
1912/13 Casa para el abogado Gustav Scheu; Piso de Robert Stein, en Viena.
Casa Scheu
 
1913Hermann Schwarzwald,director del Museo Handels representaba también a  la Anglo- Osterreichische Bank para la que Loos proyecta dos oficinas sobre la Mariahilferstrasse Nos 13 y 70; Piso para Josef Halban-Selma Kurz; Café Capua; Casa para Helene Horner, en Viena.
 
1913 Proyecto de la escuela Schwarzwald y de la casa del cuidador; Proyecto para un Gran Hotel, en Semmering, Austria.
 
1914 Remodelación de la Zentralsparkasse; Pisos para: Paul Mayer y Emil Löwenbach; departamento-estudio de Grete Hentschel (antigua estudiante de la Schwarzwaldschule) ubicada en Karl-Schweighofer-Gasse 5, en Viena.
 
“Cuando, después de una ausencia de tres años (en América) aparecí en el año 1896 en Viena, y volví a ver a mis colegas, tuve que frotarme los ojos: todos esos arquitectos iban vestidos como ‘artistas’. No como todas las demás personas, sino –según conceptos americanos- como bufones.” Adolf Loos 20
1915 a 1920
1915 Gimnasio de la escuela Schwarzwald; Reforma de la villa del rico industrial Wilibald Duschnitz, en Viena.

 

Casa Duschnitz
1916 Reforma de la villa Erich Mandl, en Viena.
 
 
Casa Mandl

1917 Proyecto del monumento a Francisco José, en Viena.

1917 La cantina de Akazienhof, inaugurada en marzo.
1918 Cantina de la Alt-Brünner Zuckerfabrik, en Brno, República Checa.
1918 Proyecto de adaptación y reforma del palacio Krasicyn, en Przemysl, Polonia.
1918 Fachada del comercio de joyas de Hugo & Alfred Spitz ubicada en  Kärntnterstrasse, en Viena.
1918 Proyecto de una casa de campo para Leo Sapieha.
1918-1919 Villa de Viktor von Bauer, director de la refinería de azúcar, en Rohrbach, República Checa.
1919 Reforma de la villa Strasser en Hietzing; Tumba para Peter Altenberg; Diseño para una reforma delBanco Nacional, en Viena.
 
Casa Strasser
1919 Proyecto de villa Konstandt, en Olomuc, República Checa.
1920 Cocina comunitaria de la Lainzer-Siedlung.
“Los arquitectos siempre han usado el simbolismo para enriquecer los contenidos de su arquitectura e introducir en ella otras dimensiones, a menudo literarias,
que la convierten en un sistema no estrictamente espacial.
El simbolismo ensancha el campo de la arquitectura introduciendo en ella tanto significación como expresión” Robert Venturi y Denise Scott Brown 21
1921 a 1925
1921 Casas de la colonia Lainz; Proyecto del mausoleo de Max Dvorák; El multimillonario Samuel Bronner le encomienda una serie de apartamentos y casas, incluyendo una villa monumental en Modenapark. En febreroLoos patenta la “casa de una sola pared”, (Das Haus mit einer Mauer) sistema económico de construcción para mano de obra no especializada.
La ciudad de Viena le encarga en su nuevo puesto de arquitecto jefe de la oficina de vivienda de interés social de la Ciudad de Viena el desarrollo de los asentamientos de Lainz y Hirschstetten y desarrollar asimismo el de Heuberg. Sus honorarios los cobra a través de un salario retroactivo.
1922 Reforma de la villa Reitler; Reforma del Arbeiterbank; Proyecto de la villa Stross; Reforma del Merkurbank; Piso para Hugo Kallberg; Reforma de la casa Steiner; Proyecto de edificios con patio junto a los Modena-Gründe, en Viena.
1922 Proyecto de la casa de campo Haberfeld, en Gastein, Austria.
1922 Anteproyecto concurso para el Chicago Tribune, en Chicago, EE UU.
1922 Villa Rufer, Proyecto de la Siedlung Südost, en Viena. ”La mas perfecta de sus residencias unifamiliares”. 6
1922 Diseño de un edificio multifuncional.
Diseña 2 grandes proyectos, para la ciudad de Mexico y para el para el Grand Hotel Babylone, para los cuales visualizó una interpretación ingeniosa de las estructuras piramidales escalonadas.
1923 Proyecto de un núcleo de veinte chalets con terrazas, en la Costa Azul, Francia.
1923 Proyecto de la villa Moissi, en Venecia, Italia.
1923 Proyecto de una casa con patio.
1923 Proyecto del Sport Hotel, en París.
1923 Proyecto de la villa Verdier, en Le Lavandou, Francia.
1923 Decoración de la empresa Erich Mandl; Proyecto de la villa Simon, en Viena.
1923 Proyecto del Grand Hotel Babylon, en Niza.
1923 Unidad de viviendas; Casa de campo Spanner, en Gumpoldskirchen, Austria.
1923 Proyecto de un edificio municipal, en la ciudad de México.
1923-1924 Salón de moda masculina P.C. Leschka & C. en Viena.
1924 Tienda Knize, en Berlín.
1924 Proyecto de casa Rubinstein; Proyecto de un hotel; Proyecto de un pabellón de exposiciones, en París.
1924 Proyecto de villa Flesch, en Seine-et-Marne, Francia.
1924 Casa Otto Haas-Hof, enViena.
1924 Proyecto de las cuadras del conde de Sangusko, en Sudáfrica.
1925 Proyecto de un palacio de exposiciones, en Tientsin, China.
1925 Proyecto de un edificio de oficinas; Proyecto de un piso de Adolf Loos, en París.
1925 Decoración del comedor de von Bauer, en Brno, República Checa.
“El edificio debe ser tonto por fuera y sólo revelar la riqueza en el interior…” Adolf Loos

1926 a 1933
1926 Montaje de una ópera para Arnold Schönberg, en París.
1926-1927 Casa de uno de los fundadores del movimiento Dadaista: el poeta rumano Tristan Tzara, (pseudonimo de Samy Rosenstock), 15 avenue Junot (18e), metro Lamarck-Caulaincourt, en París.
Video casa Tzara, de Mohammad Alkilani:
 
 
Casa Tzara
1927 Tienda Knize en Paris, encargo de Fritz Wolff y dirigida por Hugo Steiner
 
Adolf Loos sentado en la sucursal
de Knize en París
1927 Proyecto para la casa de la bailarina de charleston y animadora Josephine Baker  (la Venus negra americana animadora de las noches parisinas). Tiras de mármol blanco y negro, en París.
Casa Josephine Baker. Proyecto
1927-1928 Casa Moller, Viena. Trabaja con Zlatko Neumann en la casa de Hans y Anny Moller en Pötzleinsdorf, ubicada en la zona Střešovice, Praga 6.
 
Casa Moller
 
1928 Casa Hans Brummel, en Pilsen.
1928 Reforma de la casa comercial Zelenka, en Viena.
1928-1930 Reforma de la villa Kapsa, en Praga y Villa Müller, su gran obra maestra para Frantisek Milada y su hija Eva Müller, cuyo jardín realizó Karel Lhota (una obra analizada y apreciada por le Corbusier).
Villa Müller

Entre 1998-2000 la Villa Müller fue restaurada integralmente abriéndose oficialmente al público como sala de exposiciones y como Centro de Estudio y Documentación de Adolf Loos.
Horarios
De Noviembre a Marzo
Martes,jueves,sábado y domingo de 10,00 a 17,00 hs
De Abril a Octubre
Martes,jueves,sábado y domingo de  9,00 a 18,00 hs
Contacto
Villa Müller – Museo municipal de Praga (Müllerova vila)
Nad Hradním vodojemem 14
160 00 Praha 6- Střešovice
+420 224 312 012
1930 Video: Villa Müller “The Pryer”
Donald Au Chun Hung, Chris Chan Kwun Kit, Brak Ho Pui Lun
1929 Pisos: para Josef Vogl; para Willy Hirsch; para Leopold Eisner junto a Kurt Unger; para Leo Brummel, en Pilsen.
1929-1930 Acceso de la industria textil Albert Matzner, en Viena.
1929-1930 Casa de campo Khuner, junto a Heinrich Kulka en Kreuzberg, Austria.
1930 Piso para Victor von Bauer, en Brno, República Checa.
1930 Proyecto de reforma de unos grandes almacenes.
1930 Proyecto del salón de baile del Automóvil Club; Piso para Willy Kraus; Decoración de la consulta del doctor Teichner, en Pilsen.
1930 Proyecto de casa unifamiliar, en París.
1930 Vivienda del guarda de la casa Khuner, en Kreuzberg, Austria.
1931 Invitado por Josef Frank presidente de la Werkbund austríaco, para diseñar unos pisos pilotos de la lº Werkbundsiedlung; Diseño de su propia tumba, en Viena.
1931 Siedlung Babí, en Náchod, República Checa.
1931 Proyecto de villa Fleischner, en Haifa, Israel.
1931 Juego de cristalería Lobmeyr.


Adolf Loos
Servizio di cristalli, Lobmeyr, Vienna, 1931

1931 Proyecto de un hotel, en Juan-les-Pins, Francia.

1931 Proyecto de reforma de la casa Jordan, en Brno.
1931 Proyecto de un edificio de miniviviendas, en Praga.
1931 Reforma de la clínica Esplanade, en Karlsbad, Alemania.
1931 Comedor en la exposición de Colonia, en Colonia.
1931 Proyecto de adaptación de la villa Mercedes-Jellinek, en Niza, Francia.
1931-1932 Pisos: para Olly Naschauer y para Hugo Semmler, en Pilsen.
1931-1932 Villa Winternitz, en Praga.
1931-1933 Casa unifamiliar para Mitzi Schnabl, en Viena.
1932 Proyecto de la casa de campo Klein, en Marienbad, Alemania
1933 Realiza su última casa, en Praga.
Notas
Video resumen sobre Adolf Loos (italiano e ingles)
notas
6
Leonardo Benevolo.  Historia de la arquitectura moderna. Barcelona: Gustavo Gili, 1974.
7
Adolf Loos Escritos I 1897/1999. El Croquis editorial 1993.
8
Maddalena Scimemi. Artículo sobre Adolf Loos en Archimagazine. 
9
Kenneth Frampton, Historia crítica de la arquitectura moderna, editorial Gustavo Gili. Barcelona 1993, p. 92.
Referencias de la tesis doctoral de María José Fariña Busto“De lo espiritual en la arquitectura: Wassily Kandinwky y Hans Scharoun”. EST de Arquitectura de la Univ. de Valladolid. 2017.
file:///D:/Datos/Downloads/Tesis1280-170919%20(3).pdf
10
Richard J. Neutra. “Diseñar para sobrevivir” (1954) Fondo de cultura Económica. México. DF
11
Paul Bommersheim “Filosofía y arquitectura”, artículo publicado en el fascículo 10 de Frühlicht. “Filosofía y arquitectura”, en 1920-1922 “Gli anni dell’avanguardia architettonica in Germania”, Gabriele Mazzota Editore, Milan 1974, pp. 47-51
12
Ignacio Vidal-Folch 7.1.2018.
13
https://elretohistorico.com/arquitecto-adolf-loos-viena-loosmad/
14
Texto completo de la edición alemana. “Ins Leere Gesprochen 1897-1900”.https://archive.org/stream/insleeregesproch00loosuoft/insleeregesproch00loosuoft_djvu.txt
15
Hans Poelzig “Costruire oggi” (1922). Reeditado por la editorial Franco Angeli, Milan 1978, pp. 217-242. “La música è l’arte meno legata alla terra, l’architettura è quella che lo è di piu. Ma poichè tra tutte le arti figurative è la più astratta, può dare i suoni più puri e nello stesso tempo più mistici e può trasfigurare la materia nella forma più pura”.
16
Con respecto al proceso, véanse los artículos de Alfred PolgarHeinrich Eduard Jacob Arthur Rundtreeditado en Kontroversen 1985, pp. 117-127; el discurso pronunciado por Kraus y publicado unos meses más tarde con el título “Fur Adolf Loos” en “Die Fackel”, 806-809, mayo de 1929 citado en Rukschcio, Schachel (1982) 1987, p. 343.
17

Gottfried Semper“Der Stil in den technischen und tektonischen Künsten oder praktische. Ästhetik”. Frankfurt am Main, 1860.

18 “¿Ornamento y Delito? De Loos a Venturi & Scott Brown”.Prudencia Inés Arnau Orenga / Sergio Bruns Banegas / José María Lozano Velasco. Revista “En Blanco”. Nº 23. Año 2017.  Director Vicente Mas Llorens, Universitat Politècnica de València, España.

19

“Adolf Loos, Mein Haus am Michaelerplatz”, Conferencia del 11 de diciembre de 1911.  Adolf Loos, Escritos II. 1910/1932, traducción de A. Estévez, J. Quetglas, M.Vila. El Croquis 1993.
20
Adolf Loos, Escritos II. 1910/1932, traducción de A. Estévez, J. Quetglas, M.Vila. El Croquis 1993.“Adolf Loos über Josef Hoffmann” febrero de 1931. 

21

Robert Venturi, Diversidad, adecuación y representación en el historicismo.

Hugo A. Kliczkowski Juritz

permitido su uso mencionando la fuente.

gracias.

Julio de MMXVIII

La mujer en la Bauhaus. (De) Construyendo el amor. revista Coencuentros.

https://coencuentros.es/la-bauhaus-ya-es-una-vision-lejana-del-futuro/

(De) construyendo el amor.

Jugando con las palabras

Construyendo el (des) amor.

Entrando en tema

De construyendo un cierto amor, y construyendo otros.

Mi apuesta es escribir sobre el amor, sobre su construcción “partiendo de cero” (1) sobre una cierta idea de la creación y de la libertad (…y de cómo crear un mundo).

Y al mismo tiempo del desamor, de la deconstrucción en las relaciones de las parejas y entre mujeres y hombres en la Bauhaus.

Durante sus 14 años de funcionamiento, muchas parejas, formadas antes o durante los años de la Bauhaus, cimentaron las bases y el desarrollo de algo que fue mucho más que una escuela. (Fundada en 1919,  los nazis la cerraron en 1933) (2)

En su contexto, la Bauhaus era algo más que un lugar donde enseñar y aprender, era una comunidad, un movimiento espiritual, un enfoque radical de todas las formas del arte. Arriesgo poco si digo que también era un centro filosófico. (1)

Planteo:

¿Por qué personas vinculadas al arte, al diseño, a la creación, profesionales que decidieron reemprender el conocimiento (como ellos decían “partiendo de cero”), lo limitaron en sus interrelaciones?

¿Por qué su amor a la creación y al diseño, no fue simétrico en el respeto entre hombre y mujeres?

¿Por qué no hubo un reconocimiento, una lealtad al trabajo de las mujeres, y estas muchas veces debieron resignar sus logros, y dejar que fueron los o sus hombres quienes se vieran favorecidos por dicho reconocimiento?

Pero para llegar a esto, debemos comenzar hablando de qué era la Bauhaus y su contexto.

Planteo esta afirmación (que repetiré más adelante) y daré algunos ejemplos:

Las mujeres artistas que enseñaron, estudiaron e hicieron un trabajo pionero en la escuela a menudo se las recuerda en los libros de historia con el apellido de sus maridoso, peor aún, no se las recuerda en absoluto.

Bauhaus

Una visión lejana del futuro (5)

Otti Berger. Tejidos
Otti Berger. Tejidos

El año próximo, se cumplirá el centenario de la fundación de la escuela Bauhaus  (Das Staatliches Bauhaus).

Luego de terminada la primera gran guerra, Alemania necesita salir de su estado de frustración y se plantea recuperar la iniciativa en varios frentes. Por ejemplo, la educación.

Las autoridades de la ciudad de Weimar nombran a Walter Gropius director de dos escuelas de gran prestigio: la Escuela Industrial de Artes y la Escuela de Arte.

Gropius (Walter Adolph Georg Gropius, 1883-1969) decide poner en marcha un plan para fusionarlas y crear un centro de arte y diseño vinculado a la industria y el comercio. Cree que es posible la unidad del arte, la arquitectura y el diseño Tiene 32 años.

Siendo su fundador arquitecto y el significado de Bauhaus “construcción de casas”, es fácil deducir que el programa de la escuela  comenzara con un departamento de arquitectura.

No fue así. Durante varios años, la Bauhaus no enseñó arquitectura.

Pocos como Gropius amaron la arquitectura, alcanzando sus obras un gran nivel profesional que supo transmitirlo como docente.

Entonces, ¿estaría Gropius (de) construyendo su pasión, su amor por la arquitectura?

¿Parece y no es? ¿Es y no parece?

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, “construcción”, y Haus, “casa”; una pareja bien avenida, pero aparentan lo que no son.

Cuando me dijeron el título de la revista Coencuentros, estaba preparando material para unas jornadas que realizaremos en la Universidad de Buenos Aires, referidas a la Bauhaus y su significado.

Simultáneamente, había leído hacía muy poco un libro que lleva por título “Las mujeres de la Bauhaus” (3) y también  releyendo material de la campaña que llevan adelante, “Un día una arquitecta”, en el que cada día presentan a otra profesional.

Rechonchos de Eberhard Schrammen
Rechonchos de Eberhard Schrammen

Relacioné ambos temas, el de la revista Coencuentros y mi interés sobre la Bauhaus.

Existía una pasión común entre docentes y alumnos en la Bauhaus que construían juntos, pero… no compartían los méritos juntos, o al menos no equitativamente.

No es solo un tema de género (que también lo es), sino de cómo construían juntos un tema (el diseño) pero a costa de (de)construir otro (la lealtad al compañero o, más precisamente, a la compañera).

Me iré enterando junto con ustedes, de esta arista del amor, con varios ejemplos para hacer propia la frase de Prosper Mérimée (1803-1870) “de la historia, solo me interesan las anécdotas”.

La escuela fue cerrada, acusada de ser un nido de comunistas, un antro del llamado “arte degenerado” y “subversivo”. Ya en algún folleto de 1922 se la definía como “la catedral del socialismo”, obligando poco tiempo más tarde a Gropius a aclarar que “la Bauhaus no tenía nada que ver con partido político alguno”(2)

Era una época apta para los fundamentalismos, de enorme incertidumbre económica: en octubre de 1928, un dólar costaba 142 millones de marcos.

«Lo que resultaba más apasionante de la Bauhaus era que no había ningún sistema de enseñanza aún establecido.

Esa libertad es, probablemente, algo esencial que todo estudiante debería experimentar». Anni Albers

Preguntas

Empecemos por las preguntas, en ellas muchas veces entendemos más que en las respuestas.

– ¿El amor solo estaba en el trabajo? ¿El trabajo daba alas al amor?

– ¿Mientras construían un proyecto común, (de)construían otro?

– ¿Hubo menos libertad dentro de estas parejas que fuera de ellas?, ¿o eran todas estas relaciones producto de un desamor previsible?

Es compleja, múltiple y diversa la forma en que se construye algo material (o inmaterial), pero es aún más  difícil cuando se lo (de)construye.

¿Hombres que piensan en tres dimensiones y mujeres que lo hacen en dos?

¿Mandato de género?

La Bauhaus fue ideada como un lugar abierto a “cualquier persona de buena reputación sin importar su edad ni su sexo”. Donde no habría “diferencias entre el bello sexo y el sexo fuerte”. Un ideario fantástico para una sociedad que vetaba la entrada de la mujer a ciertos campos del conocimiento, y que la limitaba a enseñanzas impartidas por tutores dentro de los límites de su hogar. Al poder inscribirse libremente en los cursos fue mayor el número de mujeres inscritas que de hombres.

La realidad fue que el sexo fuerte podía acceder al aprendizaje de la arquitectura, metal, pintura y escultura, mientras que el “bello sexo” quedaba arrinconado en otras como la tejeduría.

Paul Klee y Wassily Kandinsky
Paul Klee y Wassily Kandinsky

Gropius opinaba abiertamente que las mujeres no estaban capacitadas física y genéticamente para determinadas artes ya que pensaban en dos dimensiones, frente a sus compañeros masculinos, que sí podían hacerlo en tres.

Cuando se inauguró la escuela de artes de la Bauhaus, solicitaron su ingreso más mujeres que hombres. ¿Cómo es que hemos oído poco hablar de ellas, y si lo hemos oído, solo de algunas? (4)

 “Al igual que la arquitectura de la Bauhaus se convierte en una visión lejana del futuro, los materiales de la Bauhaus siguen siendo tan útiles, táctiles y especiales como eran cuando estas mujeres se propusieron igualar a sus pares masculinos” (5)

¡¡¡La masculina Bauhaus!!!

Las mujeres artistas tuvieron la osadía de querer demostrar su valía en un momento histórico donde los hombres eran el centro de todo y las mujeres estaban relegadas al hogar y la familia. Pensaron que, si las relegaban al telar, en cierta manera, aplacaban su faceta artística, ocupando el lugar que la sociedad reservaba para ellas.

Sillas Barcelona
Sillas Barcelona

Es ejemplar cómo un grupo de mujeres relegadas a una actividad marginal, se convirtieron, gracias a su trabajo y creatividad, en un pilar fundamental de la escuela. El producido en el taller de tejidos fue  relevante en la Bauhaus ya que la mantuvo económicamente hasta su cierre gracias a las patentes de sus diseños que adquiría la industria textil alemana.

En 1995, la Bauhaus-archiv edita el libro “Construcciones y proyectos Bauhaus en Berlín”, de Peter Hahn, donde sólo se muestran los trabajos realizados por estudiantes y profesores de la escuela en el área metropolitana de Berlín, no aparecen planos  ni fotografías de ninguna estudiante. Tan solo se citan las biografías de Lilly Reich y Vera Meyer-Waldeck.

“Demasiadas reglas entorpecen la creatividad”. Johannes Itten (1888-1967)

Algunas de esas parejas y mujeres “Bauhaus”

Gunta Stölzl y Arieh Sharon

Gunta Stölzl
Gunta Stölzl

“Gunta Stölz (1897-1983) fue alumna, profesora, maestra y directora del taller Textil de la Bauhaus. Son famosas sus tapicerías sobre los muebles creados por Marcel Breuer.”

Casada con el estudiante judío Arieh Sharon, fue muy perseguida de todas las formas posibles por estudiantes de la Bauhaus de ideología nazi.

“Frau Sharon ha fracasado completamente en términos educativos, artísticos y organizativos. Stöltz es insegura y desconoce los términos y la técnica… es incapaz de distinguir la lana del algodón”. Este permanente acoso y la pintada de una esvástica en su puerta fueron los motivos de su abandono de la Bauhaus.

Mies expulsó a los estudiantes nazis provocadores (H.vonArend, Ll. Voigt y M. Reichardt) pero el alcade del partido nazi obligó a que estos fueran readmitidos.

Stölz abandonó finalmente la Bauhaus en 1931 para trasladarse a Suiza

La remplaza Anni Albers en su puesto de directora del “Taller de Diseño de Interiores y Tejidos”, luego Otti Berger, hasta que el 5 de enero de 1932, Mies designa a Lilly Reich.

Sila de Marcel Breuer con tapicería de Gunta Stölz (1922)
Sila de Marcel Breuer con tapicería de Gunta Stölz (1922)

Era esencial definir nuestro mundo imaginario, dar forma a nuestras experiencias mediante el material, el ritmo, la proporción, el color y la forma». Gunta Stölz

Lilly Reich y Mies van der Rohe

Zaida Muxi escribe:

“la diseñadora y arquitecta alemana que colaboró con Ludwig Mies van der Rohe, es conocida a raíz de este hecho, pero al mismo tiempo, se desconocen sus aportaciones ya que muchas han sido atribuidas al arquitecto”. (6)

Lilly Reich

Según Albert Pfeiffer, Vicepresidente de Diseño y Dirección de la empresa de muebles Knoll e investigador de la figura de Lilly Reich, no parece casual que el éxito de Mies esté estrechamente relacionado con el periodo en el que duró su relación personal con Reich.

«Se está convirtiendo en más que una coincidencia que la involucración y éxito de Mies en el diseño de exposiciones comience al mismo tiempo que su relación personal con Reich… Mies no ha desarrollado ningún mueble moderno de manera exitosa ni antes ni después de su colaboración con Reich»… dos de las sillas más famosas del mundo son obra de Lilly Reich: la Barcelona y la Brno”.

Lilly Reich conoce en 1926 a Mies van der Rohe, cuando en la última etapa de la Bauhaus se despide a Hans Meyer (y se nombra nuevo director a Mies). (7)

Este conocedor de la valía de Lilly Reich (1885-1947) la nombra directora “Taller de Diseño de Interiores y Tejidos”, (tanto en Dessau como en Berlín). Su colaboración (profesional y sentimental) se prolongará hasta 1938, cuando Mies decide emigrar a los Estados Unidos.

Lilly queda a cargo de la familia de Mies y del estudio, cuidando más de 2000 dibujos que fueron protegidos de los bombardeos en una granja en las afueras de Berlín. Entre ellos, 900 de sus propios dibujos que hoy son archivos del MOMA.

Aunque no estudió formalmente arquitectura, ejerció la profesión y trabajó junto a Mies van der Rohe en  numerosos proyectos.

En septiembre de 1938, Lilly Reich visitó a Mies en EEUU y colaboró en el proyecto del ITT de Chicago. Intentó quedarse, Mies no apoyó esa idea, y debió volver a Alemania en los peores años de la guerra.

Existió una relación afectiva y de trabajo entre Lilly Reich y Mies, paralela a la de éste con su esposa.

“La realidad es un hecho, queramos o no”. Mies van der Rohe

Gertrud Arndt y Alfred Arndt

Gertrud (fotógrafa, 1903-2000) cursó 3 años en la escuela en el área de tejeduría, y fue alumna de Paul Klee y László Moholy-Nagy, aunque su verdadera pasión era la arquitectura.

Se casó con un estudiante que fue luego maestro de la Bauhaus, el arquitecto Alfred Arndt, en 1927.

Dejan Dessau y se trasladan a Probstzella (oeste de Alemania). Poco después tendrían dos hijos y ella abandona su carrera y se dedica de pleno a cuidar de su familia

En 1929, Hanes Meyer invita a Alfred a regresar a la Bauhaus al taller de construcciones, del área de metal, carpintería y pintura.

La familia Arndt regresa a Dessau

Gertrud pone un pequeño laboratorio fotográfico en un baño de su casa.

Con la llegada del profesor Walter Peterhans (1897-1960), la fotografía fue considerada una asignatura. Gertrud quiso apuntarse a su curso.

“no pudo inscribirse y se dedica de pleno a cuidar de su familia.”

En 1932, tras el cierre de la Bauhaus, deben regresar a Probstzella donde Alfred podrá nuevamente trabajar mientras Gertrud se dedica de pleno a cuidar de su familia

Otti Berger

Diseñadora textil (1898-asesinada en Auschwitz, 1944).

En 1926 realiza el Vorkus (curso preparatorio) con Lászlo Mohloy-Nagy (1895-1946) y asiste a las conferencias impartidas por Paul Klee (1879-1940) (que, por lo que he leído, eran conceptualmente muy difíciles de asimilar) y Wassily Kandinsky (1866-1944), graduándose el 22 de noviembre de 1930 en el taller textil.

Durante su tiempo en Dessau, escribió un tratado sobre telas y la metodología de la producción textil que lo guardó Walter Gropius y nunca fue publicado.

Por recomendación de Gunta Stözl asume en 1931 la dirección del taller de tejidos. En 1932, cuando el nuevo director, Mies van der Rohe, confió la dirección del Taller Textil a la diseñadora Lilly ReichBerger se convirtió en su adjunta.

En 1932 deja la Bauhaus para abrir su propio “Atelier for Textiles” en Berlín.

Perseguida por los nazis es ingresada junto a su familia en Auschwitz donde es asesinada en 1944.

“…lo que resultaba más apasionante de la Bauhaus era que no había ningún sistema de enseñanza aún establecido. Y sentías como si dependiese solo de ti.

Anni Albers y Josef Albers,

Su nombre de soltera era Annieliese Fleischmann (1899-1994). Tuvo un talento tan excepcional que llevó el telar y el diseño textil a lo más alto.

Conoce en la escuela a quien sería su marido el pintor Josef Albers (1888 –1976) manteniendo una relación profesional y sentimental durante más de 40 años.

Anni Albers inició su carrera en la Bauhaus con la intención de formarse en pintura, pero la política de la escuela solo le permitió entrar en el taller textil, y en 1931 sustituye a Gunta Stölzl en la dirección de dicho taller.

Para su trabajo de graduación creó un tejido insonoro, reflectante y lavable (hecho principalmente de algodón y celofán). Convirtió sus tejidos y tapices (a los que llamaba colgaduras) en pinturas.

Juntos deben abandonar la Bauhaus, y en 1933 también Alemania.

Invitados por Philip Johnson, arquitecto y comisario del MOMA de Nueva York, parten a los Estados Unidos para ejercer como docentes en la recién inaugurada escuela experimental “Black Mountain College” en Carolina del Norte,

Anni recibe una gran influencia de su profesor Paul Klee que refleja en sus telas: “Observaba lo que él hacía con una línea, un punto o un trazo del pincel, e intenté en cierta medida encontrar mi propia dirección a través de mi propio material y mi propia disciplina artística”, (1968).

De forma más reducida, mencionaré a otras mujeres de la Bauhaus para homenajearlas como reconocimiento a su valor y esfuerzo.

Marianne Brandt

Marianne-Brandt
Marianne-Brandt
Lámpara "KANDEM", 702
Lámpara “KANDEM”, 702

Pintora, escultora, ingeniera, diseñadora industrial y fotógrafa (1893-1983).

Ingresó en la Bauhaus en 1923 y, como a Anni Albers, se le negó el acceso a los talleres de pintura y debió resignarse al taller textil a cargo de Gunta Stölz. Pero su perseverancia le permitió ser aceptada por László Moholy-Nagy en el “Taller de Metales” y terminó sustituyéndolo como directora del taller en 1928, siendo la primera mujer en conseguirlo.

Son famosos sus diseños como su famoso juego de café MT50-55a (1924), ceniceros, la mítica tetera MT49 y la conocidísima lámpara Kandem 702. Sus diseños son un referente de lo mejor producido en la Bauhaus.

Marianne-Brandt. tetera
Marianne-Brandt. tetera

Alma Siedhoff-Buscher

Los juguetes de la Bauhaus

Diseñadora de juguetes (1899-  murió en un bombardeo en Buchschlag en 1944).

Le debemos a Alma el haber tomado en serio el diseño de juguetes “claros, no desconcertantes”, y de “proporciones armónicas dentro de lo posible”. (8)

“Haus am Horn”

Entre el 15 de agosto y el 30 de septiembre de 1923, más de 15.000 personas visitan la exposición “Arte y técnica: una nueva unidad”. La Bauhaus la organiza para mostrar lo que se hacía en la escuela y para conseguir fondos. Se construyó una casa experimental, la “Haus am Horn”. En ella participaron varias mujeres de diferentes talleres, entre ellas Alma Siedhoff-Buscher y Benita Otte, Si buscamos en Internet no encontraremos ni una mención a ellas. En  Wikipedia leemos “…fue diseñada por Georg Muche, un pintor y profesor en la Bauhaus. Otros profesores de la Bauhaus, como Adolf Meyer y Walter Gropius, colaboraron con los aspectos técnicos del diseño de la casa…”

Cuando Benita Otte fue obligada a dejar su cargo en la Bauhaus.

Hermine Luise Scheper- Berkenkamp (Lou), alumna del taller de pintura mural, se casó con su compañero de estudios Hinnerk Scheper (1897-1957).

Él fue profesor de la escuela y ella se dedicó a ayudarle al tiempo que ejercía de pintora e ilustradora de libros para niños. Scheper muere prematuramente en 1957, yLou se hace cargo del estudio y sus obras. Fue responsable del diseño de color del último proyecto de Otto Bartning (un hogar infantil en Berlín), la Filarmónica de Hans Scharoun, el Museo Egipcio, varios edificios de Walter Gropius en los distritos de Berlín: Britz, Buckow y Rudow, así como el edificio del Aeropuerto de Berlín-Tegel.

Lotte Stam-Beese (1903-1988), arquitecta y urbanista, se formó en la Bauhaus entre 1926 y 1929.

Fruto de la tormentosa relación que mantuvo con Hannes Meyer fue el nacimiento de su hijo Peter. El hecho de que Meyer fuera un hombre casado obligó a Lotte a abandonar la Bauhaus, cosa que oficialmente haría “de manera voluntaria”.

Esa relación se mantuvo hasta 1932.

Fue la primera mujer en estudiar arquitectura teniendo de profesores a Hannes Meyer y a Hans Wittwer.

En el estudio Meyer/Wittwer trabajó en grandes proyectos (sanatorio en Harzgerode y un complejo educativo en Bernau (premiado y construido), entre muchos otros.

Marguerite Friedlaender-Wildenhain, ceramista. Alcanzó gran éxito en los EE.UU. con su cerámica “Pond Hall”.

Ilse Fehling, escultora y diseñadora escénica.

Marianne Dicker,

Ilse Fehling, Gertrud Grunow, Florence Henri, Grete Heymann-Loebenstein, Lucia Moholy, Grete Stern, Marta Erps. Kalt Both, Ruth Hollos-Consemüller,

Iguales pero  no tanto:

Bajo la dirección de la joven Gunta Stöltz, se produjeron grandes cambios como la aceptación de Gropius a que las alumnas: “…Tras un último examen… si la candidata está capacitada y siente inclinación a ello… podrá considerarse su incorporación al taller de arquitectura”.

En 1932, una revista alemana manifestaba “La relación entre maestros y alumnos es absolutamente distendida, de igual a igual. No hace falta decir que las mujeres gozan de los mismos derechos en todos los aspectos”. (9). Sin embargo, la realidad era mucho más dura, y dentro de la Bauhaus… la situación interna presentaba muchas contradicciones.

(Tomo esta cita de uno de los libros más exquisitos que hemos distribuido en España y Latinoamérica a través de ASPPAN y Onlybook.  Conocí de cerca la producción del mismo, tanto por mi relación personal y de amistad de más de 27 años con Ludwig Könemann, como con uno de los editores, Peter Feierabend, con quien hemos tenido interesantísimas charlas en varios países de Europa y Latinoamérica. Recuerdo especialmente una en San Pablo. Brasil).

“…durante la crisis económica, a principios de los años ´30… se les pedía a las mujeres que dejaran su trabajo para darles un sitio a los hombres… pero los ataques contra la mujer moderna iban mucho más allá del terreno económico.  (10)

Comencé este artículo escribiendo un juego de palabras, que reitero al final del mismo.

La Bauhaus una visión lejana del futuro

(De) construyendo el amor.

Construyendo el (des) amor.

Notas

Silla BRNO en la casa Farnsworth
Silla BRNO en la casa Farnsworth

1. En el concepto “Bauhausiano”, partir de cero era ni más ni menos que volver a crear el mundo. ¿Quién teme al Bauhaus feroz? Tom Wolfe, prólogo de Oscar Tusquets Blanca. Anagrama.1981

2. Los nazis avanzaban proporcionalmente al avance de la crisis económica que dejara desempleados a más de 6 millones de trabajadores en 1932. Ven a la Bauhaus como generadora de un arte degenerado, un arte bolchevique, judío y anti alemán.

3. “Las mujeres de la Bauhaus: de lo bidimensional al espacio total”. Josenia Hervás y Heras. Tesis doctoral 2014. ETS Arquitectura (UPM) Diseño Editorial. 2015. Librería Técnica CP67

4. Mujeres Bauhaus (“Bauhaus women”) de Ulrike Müller.

5. Jonathan Glancey. Crítico de arte y diseño en el diario británico The Guardian.

7. Ludwig Mies van der Rohe & Lilly Reich. Furniture and Interiors”. Editorial Hatje Cants, Ostfildern 2006. Pag 233

9. “Bauhaus”. Editorial Koenemann. Editores Jeannine Fiedler y Peter Feierabend. Barcelona 2000. Pag. 473/4 cita recogida por Frityz Schiff “Bauhaus Dessau”suplemento ilustrado, 1932 pág. 9

10. “La Alemania de Weimar, presagio y tragedia” Eric D. Weltz. Turner publicaciones SL. Madrid 2009. Pág. 380/1

Hugo A. Kliczkowski Juritz

Arquitecto, ha obtenido varios premios y menciones en concursos nacionales de arquitectura.

Entre ellos el premio DINERS de la Bienal de Buenos Aires.

Antiguo director de Le Monde diplomatique en español.

Fue profesor adjunto de diseño en la Universidad de Bs Aires.

Fue director del programa de radio “urbanidad” en Radio Splendid.

Cofundador de las revistas Ambiente, Espacios CEPA y Casa Internacional

Editor de libros de arte y arquitectura (editorial HK y Asppan). Editó más de 600 libros, traducidos a 14 idiomas, y coeditado más de 300 títulos con importantes grupos editoriales de todo el mundo. Varios de ellos obtuvieron 10 premios editoriales y han sido incluidos en exposiciones.

Hugoklico.blogspot.com

Onlybook.es/blog

Adolf Loos. Expo en Caixa Forum y algo más. 2nda parte

Adolf Loos….2nda parte

pueden leer la 1er parte en: 

https://hugoklico.blogspot.com/2018/06/adolf-loos-expo-en-caixa-forum-y-algo.html

2nda parte 

Referentes

A su regreso de Chicago en 1896 encuentra una respuesta al historicismo en la Secesión, movimiento fundado por Gustav Klimt (1862-1918), Joseph M. Olbrich (1867-1908), Josef Hoffmann (1870-1956) y Koloman Moser (1868-1918).

La genialidad de estos artistas fue la utilización de la abstracción basada en la naturaleza como ornamento. En 1894 Wagner había sido nombrado director de la cátedra de arquitectura de la Academia de Bellas Artes de Viena. Wagner con 55 años junto a su alumno José María Olbrich fundarían y se convertirían en los exponentes del movimiento llamado Secezion o Secesión. Adolf Loos tiene en Otto Wagner (1841-1817), un referente tanto en arquitectura como en urbanismo.

Fue una corriente que recorrió Europa, como alternativa a los estilos historicistas y eclécticos, dando paso a la arquitectura moderna.

Esa actitud contestataria tendría distintos nombres, cada una con su particular matiz, Art Nouveau en Francia y Bélgica, Modern Style en Inglaterra, Modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Letonia y Austria.

El nombre Secesión proviene de que en 1897 un grupo de arquitectos, pintores, escultores y otros artistas vieneses se separa de la corriente tradicional vienesa, es un poco más austero y geométrico, casi cubista, su vigencia dura 8 años, hasta 1905.

Son muy conocidas algunas obras deOtto Wagner como las estaciones de metro de Viena (1894- 1899), quien con el “Nutz-Stil” busca dar una respuesta moderna “El estilo de lo que es útil”, se le debe a sus aportes el  punto de inflexión entre clasicismo y modernidad.

Uno de sus lemas “A cada tiempo su arte, y a cada arte su libertad” (“Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit”) figura resaltado en el edificio que proyectó Joseph M. Olbrich, tiene 30 años cuando diseña este emblemático edificio transformado en el símbolo de la Secesión.

En la planta baja del edificio está el famoso friso Beethoven de Gustav Klimt. 5

Secesión o la investigación de la verdad

Para Loos aplicar el ornamento es forzar que el material diga una mentira, por lo que toma partido por los objetos industriales, seriados, para uso de cualquier persona. Loos distingue el“arte” del “artesano” 3

«El arquitecto es un albañil que sabe latín»—, niega así la visión del artista o el arquitecto como genio, al mismo tiempo reivindica su oficio.

Nos habíamos querido tanto (Loos y la Secesión) 6

En 1904, dirige la revista “Das Leben” (La vida) que lleva como subtitulo: “Una revista para introducir la cultura occidental en Austria”, escribía: “…fui tan feliz de poder vivir tres años en América y aprender a conocer culturas occidentales…convencido de su superioridad…considero una falta de carácter descender…al nivel austriaco.”

“…La administración no crea formas a partir del tipo de vida, sino que pretende crear nuevos tipos de vida con la ayuda de formas…”

“…Al pueblo se le dificultó apropiarse de la cultura occidental, pues entre la aristocracia y el pueblo se erigió un muro: La Sezession. Objeto de mi revista es crear brechas en ese muro”.

Revista Keramika (Nov 1911) “…escribo solo para personas que posean sentimientos modernos…que tengan que vivir hoy y no en siglos anteriores..no para aquellos que se consuman en las añoranzas del renaissance o del rococó… se remiten a saleros en forma de barcos, sostenidos por tritones, en los que además el remo puede usarse como cuchara para la sal.. Me han pedido exponer en la Secesión, lo haré cuando los comercianetes sean expulsados del templo. ¿Los comerciantes? No. Los prostituidores del arte.

Los espacios interiores

Al eliminar los objetos “inútiles” y ofrecer un espacio vacío, crea nuevas normas de habitar. Muebles vinculados a la función del espacio.

La nueva distribución mediante el raumplan en vertical y la enfilade en horizontal (encontraran explicaciones en la 1er parte) como se puede ver en la Casa Rufer de 1922,

  Loos parte de la idea del cubo vacío para crear un conjunto de espacios de diferentes alturas según el uso de quien lo habite, buscando cierta teatralidad del espacio, donde la obra es representada por quien vive en ella, por lo que el “vacío loosiano” es una obra permanentemente inacabada. 2

Silla de rincón c.1900 Adolf Loos Colección Hummel, Viena. FOTO Gisela Erlacher
Adolf Loos. Carrito doméstico como el del apartamento Turnowsky. 1903. Madera de caoba, vidrio, y latón enchapado en plata. Colección Hummel. Viena

No proyecto planos, ni fachadas, ni secciones. Proyecto espacio.

En realidad, no hay ni planta baja, ni piso superior ni inferior,

solo hay espacios (piezas) que se comunican, vestíbulos, terrazas.

Cada pieza (espacio) necesita una altura determinada.

La del comedor difiere de la de la oficina.

Por este motivo, los techos tienen alturas diferentes. Los espacios

 se unen entre sí de forma que el paisaje sea imperceptible

y natural, pero de la manera más eficaz.» Adolf Loos

“La casa tiene que parecer discreta por fuera, y revelar toda su riqueza por dentro”

Loos plantea dos leyes: la del revestimiento y la teoría del vestido
El interior es como una funda, un vestido que resguarda al individuo y soluciona la escisión entre el ser individual y el ser social. El revestimiento puede estar realizado en materialesblandos, como esteras, cortinas, tejidos y entapizados; duros, como el mármol, el granito y los ladrillos que enmarcan las chimeneas; o semiduros, como las maderas elegantes que forran las paredes.
Los materiales de construcción y de revestimiento son ya la decoración. No es necesario añadir ningún elemento más.
Es una arquitectura que va en busca de la “verdad” y que, a partir del interior, construye el exterior, un envoltorio discreto que elimina la opulencia, a menudo con fachadas lisas revocadas en cal, como en la tradición vienesa, como las ventanas de luz. 3

Dormitorio de Lina Loos, 1903. Dormitorio diseñado por Adolf Loos,  para su primera esposa y publicado en el número 1 de la revista  Kunst.  La habitación está ambientada en blanco y azul y cuenta con materiales blandos, cortina blanca que cubre paredes y ventanas,  y angora blanca en el suelo, en una envoltura continua. La idea de revestimiento interior toma aquí especial relevancia  y sensualidad: es la máxima expresión del  interior femenino

Cuenta la comisaria Parcerisas que ve a Adolf Loos como «el Duchamp de la arquitectura»(…la obra de arte la termina el cliente- Duchamp-).

Lo explica: aborda el mueble como un ready-made, usa texturas distintas, emplea los muebles para separar espacios en lugar de paredes…Loosentendía que “…la arquitectura no está acabada hasta que no está vivida.”.

Advierte la comisaria que la huella de Loos es enorme: «Abre las puertas a la modernidad y es bisagra para la posmodernidad».

Resulta sorprendente su teoría de la separación de género en la arquitectura: distingue entre espacios masculinos (bibliotecas, despachos) y femeninos (dormitorios), una teoría que hoy sería tachada sin duda de machista.                                                                                                                                                                    También cree que el arquitecto no tiene que inventar nada, tan solo seguir la tradición.La muestra se cierra con algunos de sus proyectos arquitectónicos no realizados, como la sede del “Chicago Tribune” (un edificio en forma de columna dórica) o la casa de Josephine Baker(1906-1975) en París, con el exterior revestido en mármol en blanco y negro, influencia de las iglesias florentinas.

En la exposición, también puede verse un sketch donde Loos indica que poner por escrito en su epitafio:Adolf Loos. Liberó a la humanidad de trabajos inútiles”.

  La exposición consta de 6 ÁMBITOS (existen textos explicativos en la entrada a cada área, y en la entrada ofrecen audio guías por 2 euros).

1
Otto Wagner y la Secesión

Oskar Kokoschka. Adolf Loos

Otto Wagner inicia en Viena el paso del historicismo a la modernidad.

Defiende la gran ciudad moderna y la adaptación de la arquitectura y el urbanismo al hombre moderno, abocado a la economía.

Reclama que la forma responda a la función y crear objetos prácticos a partir de tecnologías modernas y nuevos materiales de construcción.

Los artistas de la Secesión se refugian en una ornamentación con motivos abstractos inspirados en la naturaleza, y pretenden transformar la vida en arte.
Esto puede observarse en algunas piezas diseñadas por sus miembros, como por ejemplo las sillas de Hoffmann, con formas que no responden a ninguno de los valores prácticos que defendía Loos, quien creía que los muebles de la casa, los accesorios, debían responder a la psicología del hombre nuevo.
  Adolf Loos se impondrá a esta situación con su radical postura contra la ornamentación. En este espacio, los visitantes podemos ver mobiliario de otros artistas de la Secesión, así como fotografías de las obras de Otto Wagner, precursor de Loos, como varias vistas de la Postsparkasse (Caja de Ahorros de Correos, 1903- 1906), situada en la Ringstrasse y con la que Wagner reivindica la unión del arquitecto con el ingeniero, dos figuras que se habían separado en el siglo XIX y que habían dejado al arquitecto como tarea el embellecimiento de los edificios.

  Complementan éste espacio otros materiales como libros, carteles y dibujos que explican el contexto histórico y el trabajo de coetáneos de Loos, así como un ejemplar de Das Andere(1903), revista fundada por el arquitecto.

Esta publicación será usada como aparato crítico para cuestionar la forma de vida burguesa de la época y la inutilidad ornamental de los objetos cotidianos, y para comparar la cultura occidental del nuevo mundo: Inglaterra y América, con la Viena imperial.

Secreter, 1899. Adolf Loos. Colección Hummel

 

2

La crisis del espacio doméstico
  Loos revoluciona la arquitectura vienesa en torno a 1900 con el Café Museum, denominado también Café Nihilismus, por la posición de negación de los valores predominantes de la época.
Abre un local luminoso, renuncia a toda decoración y diseña unas sillas que adaptan elmodelo Thonet con curva elíptica para hacerlas más ligeras, y que rodean unas mesas redondas de mármol lo suficientemente separadas como para crear un ritmo en el interior del local.
Estos lugares generaban ambigüedad entre el espacio público y el privado, como una fuga del falso mundo burgués hacia una mayor democratización de los espacios de encuentro.
En la Casa TurnowskyLoos diseña nuevos muebles blancos de aire minimalista, con cenefas estriadas de cornisa clásica que aplica tanto a armarios como a marcos de espejo, que se pueden ver en la muestra.

3
Espacios masculinos y femeninos

Adolf Loos. Taburete tebano, 1905

Con la creación de los interiores, Adolf Loos preserva la intimidad del individuo de la esfera pública.

  Considera que la fachada exterior es masculina y responde a la moral pública, mientras que el interior es femenino, protege la intimidad y es escenario de las propias vivencias.

En los espacios interiores también puede observarse esta separación de géneros. Las bibliotecas, despachos, chimeneas… habitaciones que pueden considerarse de vocación pública en el interior y que quedan fuera del día a día doméstico, son masculinas.

En cambio, los espacios más íntimos, alcobas o dormitorios destinados a la sexualidad y la reproducción, son femeninos.

De hecho, estos no tan solo son espacio visual, sino también de sensaciones táctiles, hasta cierto punto hápticas (percepción táctil), relacionándose con el concepto de inframince (‘infrarrelieve’). Así, van desde la frialdad del mármol hasta la calidez de la alfombra, del granito pulido, al rugoso, del tejido liso al peludo, de las sillas y sillones con diferentes tapizados — seda, cuero, terciopelo u otros tejidos— a las singularidades de las distintas maderas, pero también tienen que ver con los espejos, tan usados por Loos en los interiores.

Esta aproximación entre arquitectura y género y sus diferencias se observa en el contraste entre un despacho de oficina y algunos de los muebles que se exhiben, como escritorios, sillones o librerías, normalmente realizados en maderas más oscuras, en contraposición con los muebles del entorno para la mujer, como tocadores, normalmente de colores más suaves, o con el revestimiento sensual del dormitorio de Lina Loos, su primera mujer, que se puede ver en una reproducción fotográfica de gran formato en la muestra.

4

Forma y función en el mobiliario

Loos construye arquitectura para su uso.
Asimismo, los objetos que formarán parte de estos ambientes están pensados en clave de uso en el presente, sin razones estéticas añadidas, como puede constatarse en la selección de objetos de este ámbito, algunos diseñados por él y otros elegidos para el uso de sus proyectos. El hombre moderno debe aprovechar los buenos diseños ya existentes realizados por el artesano en el objeto de uso cotidiano.

Dice Loos que el arquitecto se ocupa del inmueble, mientras que el artesano lo hace del mueble. Él nunca utilizó muebles «modernos y poco útiles”. Prefería los estilos Chippendale yHepplewhite, el sillón New Shaped Easy Chair de Hampton & Sons, y las sillas de mimbre. Empleaba sillas Liberty que podrán verse en la muestra, sillones Biedermeier y sofás Chesterfield, mesas de influencia turca, taburetes egipcios y alfombras orientales.

  Algunas agrupaciones de muebles constatan su eclecticismo de mirada posmoderna. También se exhibe una maqueta de la Casa Steiner (1910), que representa la filosofía deLoos, con una fachada austera y que es el resultado de su interior, con ventanas que no lo son realmente, sino espacios de luz que sirven para iluminar los interiores.

5

Los interiores: construir, habitar y usar

  Loos cuestiona la forma de vida burguesa de la Viena de la época, y compara la cultura occidental del nuevo mundo, Inglaterra y América, con el aire rancio de la Viena imperial. Devuelve la arquitectura a sus orígenes esenciales, donde construir y habitar coinciden, y considera la inutilidad ornamental de los objetos cotidianos burgueses, convirtiéndose en promotor de la sencillez y el valor de uso. En el interior, el “Yo soy del individuo” puede hacerse realidad. El interior retrata la arquitectura como espacio de uso, vacío, teatralizado y permanentemente inacabado, para ser llenado con vivencias. Proyecta la máxima confortabilidad, revestido con materiales duros como el mármol, pero también con otrosblandos, como tejidos y esteras, de colores pálidos, rosas pastel, azules y verdes que le confieren un toque femenino. La relación entre “arquitectura y sastrería” se extiende a los establecimientos comerciales.

  Como ejemplos, se ven las maquetas de la Casa Rufer (1922) y la Villa Müller (1930), ambas partiendo de la idea de un cubo que favorece el reparto de las masas, y desde donde se busca el vacío interior para crear un espacio de distintas alturas, según el uso que le dé quien lo habite. Así, no hay ni planta baja, ni piso superior, ni subsuelo, ya que cada zona tiene la altura que necesita y los espacios se unen de forma natural, lo que se refleja en un exterior de la máxima sencillez posible.

6

Tradición y modernidad

  Adolf Loos reivindica el oficio de arquitecto y la tradición constructiva, al considerar que no es necesario inventar nada, sino solo construir según la tradición y las mejoras técnicas de cada época.

“El arquitecto es un albañil que sabe latín”.

  Por eso el uso de la columna dórica o Dosier de prensa de la pirámide como base constructiva.

  Según la posmodernidad, es un referente el proyecto del Chicago Tribune Column, un edificio en forma de columna dórica, revestido de granito negro, sobre un pedestal cúbico que, iluminado, parece una lámpara.

  Aquí se exponen bocetos y maquetas de proyectos inéditos que nunca llegaron a realizarse, como el Chicago Tribune Column o la casa de la cantante Joséphine Baker (1927) en París, donde el espacio interior vacío es una gran piscina, y el revestimiento del exterior en mármol blanco y negro sigue la tradición clásica florentina.

The Chicago Tribune

A principios del siglo XX, el periódico estadounidense The Chicago Tribune tiraba varios millones de ejemplares diarios.   En 1922 para conmemorar sus 75 años de existencia, convocó un concurso internacional de arquitectura para el diseño de un rascacielos de unos 145 metros, entre las calles North Michigan Av, Austin Av y Saint Clair Street, en la ciudad de Chicago.

Participaron 263 arquitectos de 32 países diferentes, (entre otros Eliel SaarinenWalter Gropius y Adolf MeyesAdolf LoosBruno y Max TautHugo Häring…) El objetivo del concurso era: “To erect the most beautiful and distinctive office building in the world” (construir el edificio de oficinas más bonito y distinguido del mundo). Durante el concurso, Adolf Loos se encontraba en Francia, desde donde lo envio por correo, con un sello francés, por lo que se le contó entre los arquitectos franceses. Loos escribió un detallado texto explicativo en el que exponía sus argumentos, aludiendo de manera indirecta a la moderna arquitectura de la Bauhaus, argumentaba que las nuevas formas arquitectónicas de los artistas alemanes, franceses y austriacos volverían a estar pasadas de moda en un escaso periodo de tiempo, ya que “sus casas cambiaban de forma como los sombreros de señora”. Por esta razón, Adolf Loos, podía proponer sólo un modelo, en este caso la columna griega,  (columna –column en ingles se utiliza tanto en la prensa como en arquitectura) construida con granito negro, liso y pulido. La columna le otorgaría a la obra y a la ciudad de Chicago una identidad como la de la torre inclinada de Pisa.

  Loos quiso proyectar un edificio que una vez visto, aunque fuese por pocos instantes, no pudiese ser borrado de la memoria del espectador, buscó la esbeltez de un elemento tan noble como la columna griega, realizando un “monumento estructura”. Había estado en Chicago en 1893 y conocía el terreno.

Ganó el concurso un rascacielos neogótico, del estudio de los arquitectos John Mead Howells (1868-1959) y Raymond Hood (1881-1934). Se construyó en 1925.

  Como un reconocimiento a la arquitectura europea, otorgaron el 2ndo premio al arquitecto Eliel Saarinen.

 “La gran columna de estilo griego, dórico, será construida. Si no en Chicago, en cualquier otra ciudad. Si no para el Chicago Tribune, para cualquier otra entidad. Si no por mí, por cualquier otro arquitecto.”  

Loos al conocer el veredicto del jurado

Tribune Tower

Fin de la 2nda parte

continúa

Notas

1

La exposición Adolf Loos 1870-1933. Espacios privados

Lugar: CaixaForum Madrid (paseo del Prado, 36). Fechas: Del 28 de marzo al 24 de junio de 2018.

Organizada por la Obra Social”la Caixa” y el Museu del Disseny de Barcelona

Comisariado: Pilar Parcerisas.

Procedencia de las obras:

Colección Julius Hummel (Viena), The Albertina Museum (Viena), Wien Museum, Architekturmuseum der Technischen Universität de Múnich, Colección Markus Kristan (Viena), Colección Ernst Poil (Viena), J. & L. Lobmeyr (Viena), CCCB (Barcelona) y una colección particular del Reino Unido.

2

La muestra cuenta con un total de 218 obras, entre las que destacan 120 muebles —más de 50 sillas, sillones y taburetes, 13 lámparas, 21 mesas, escritorios y tocadores, armarios y librerías— y objetos de menor tamaño, como relojes, vasos, decantadores, espejos y perchas, entre otros. Además de documentos, dibujos y litografías, fotografías, libros, manuscritos y maquetas, tanto de proyectos realizados y de proyectos no construidos.

3

Juan Antonio García Fermosel. Área de Comunicación de la Obra Social” la Caixa” jagarcia@fundacionlacaixa.org. Sala de Prensa Multimedia: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial

Gran parte de los textos los he tomado del dossier que me ha remitido el señor Juan Antonio García Fermosel del Área de Comunicación, al que agradezco especialmente.

4

Pilar Parcerisas, comisaria de la exposición

5

Esta joya criticada en su momento por ser “un mausoleo con un repollo dorado encima”, fue muy dañado por los bombardeos aliados e incendiado por los soldados alemanes durante su retirada. En 1963 se llevó a cabo una reconstrucción del edificio, y la última en 1984.

Adolf Loos Escritos I 1897/1999. El Croquis editorial. 1993.

7

Artículo sobre Adolf Loos en archimagazine por Maddalena Scimemi

 

el Dulce Batata y la Arquitectura

el Dulce de Batata y la Arquitectura

Antonio a la pizza le esta pasando como a la arquitectura o el dulce de barata sin ir mas lejos.
Muchas veces me amargo sinceramente viendo cosas que no entiendo, edificios espantosos, tanto me amargo como el tener que convivir con el hdp que le puso chocolate al dulce de batata.
¿porque? Que le hizo el dulce de batata a ese energúmeno como para juntar 2 elementos nobles y con entidad propia, y características únicas como el chocolate y el dulce de batata.
Hay algo mas que me jode, es ir a un super en cualquier ciudad española, grande o pequeña, de la sierra o al borde del mar y ver ( me pongo mal cuando lo recuerdo) ver un dulce igual al de batata, igual consistencia, brillo y color y es DE MEMBRILLO.

Hacelo verde, negro a pintitas como quieras pero no copies una linea definida y aceptada.
No engañes. NO MIENTAS.
El dulce de membrillo no juega en la misma liga que el dulce de batata. ( como haces un vigilante con membrillo y queso? Que pasa, estamos locos?
Lo mismo pasa con la arquitectura, y aunque te metas adentro y apagues la luz e intentes dormir o lo que te pida el cuerpo . Si es un simil membrillo y no batata tu vida baja en calidad espacial, aunque te duermas ( directamente o después de lo del cuerpo) estas en un lugar de baja autoestima.

Hago un llamado a la seriedad profesional. No hagas proyecto membrillo si queres hacer un proyecto batata. Y si tenes sensibilidad y condiciones para hacer un proyecto batata, anímate y podes hacerlo “fresco y tata” pero jamas, nunca con chocolate. Haceme caso

Miguel me parece que no queda otra que utilizar metáforas cotidianas para hacer un llamado de atención a propios y extraños. Nos están rodeando de basura. Te propongo que comencemos una serie “proyecto batata” . Fernando sumate . Ya es tarde, imagínate si seguimos tardando 🤪
Antonio, tenes mando de tropa, hace lo imposible para que el “proyecto batata” no sea un delirio.
¿Cuando nos convencimos que lo malo y lo mediocre eran merecidos.?
Que la falta de talento se podía construir? y ser al menos interesante.
Aprendamos de los temas serios, como lo hicieron esta semana las mujeres, ahora entre todos hagamos la vida mas digna. Sin chicanas.
La arruga es bella (frase famosa del diseñador Adolfo Dominguez) que piola (listo), podía decirla porque no es arquitecto y ese pantalón arrugado lo podes planchar, nosotros no podemos planchar nada debemos pensarlo antes.
pensarlo más.
Antes que sea irreversible,

Adolf Loos. Expo en Caixa Forum y algo más. 1era. parte

Adolf Loos. Expo en Caixa Forum y algo más.

ADOLF LOOS. 

Espacios Privados

Hoy está siendo un buen día, siempre lo es cuando voy de visita a la Caixa Forum.  Fui a ver la exposición que presentan sobre el arquitecto Adolf Loos. 1

Hace poco, estuve leyendo sobre él, a raíz de unos  artículos que escribí sobre la Bauhaus. Rápidamente derive a la Secesión Vienesa y a las posiciones de éstos con Loos, o mejor dicho de Loos con aquéllos al rebelarse contra la llamada Secesión proponiendo una economía en la construcción arquitectónica y el diseño.

La casa tiene que gustar a todos, contrariamente a la obra de arte, que no tiene que complacer a nadie. La obra de arte es un asunto privado del artista. La casa no lo es. Adolf Loos

La exposición “Adolf Loos, espacios privados” se realiza en un edificio muy atractivo, un centro cultural dedicado a exposiciones temporales. 2  En el año 2002 el estudio Herzog & De Meuron comienza el proyecto de rehabilitación y ampliación de la que fuera la Central Eléctrica del Mediodía, de 1900, cuyo objeto era la producción de electricidad a partir de la combustión de carbón que debía abastecer de energía a todo el sector sur del casco antiguo de Madrid.

La remodelación y ampliación se inaugura en el 2008, muchos -no arquitectos- la ubicarán también por ser muy conocido (y encantador) el jardín vertical diseñado por Patrick Blanc (1953) y la escultura de Igor Mitoraj (1944-2014) en la esquina que hace de acceso principal desde el Paseo del Prado 36, en Madrid (aunque recomiendo especialmente sumergirse desde cualquiera de las otras calles en el espacio casi etéreo flotante que oculta hábilmente la  estructura central del edificio).

Un sándwich extraño, nada abajo, masa de ladrillos (la antigua fábrica) y como culminación, el remate de acero corten, en distintos volúmenes, con techos a 2 aguas, que dan un hermoso coronamiento al edificio.

El arquitecto Adolf Loos (1870-1933) nació en Brno (Imperio austro-húngaro), no consigue entrar a la escuela de arquitectura, accediendo entonces en la Escuela de Arte y Oficios de Reichenberg en Bohemia y luego en la Escuela politécnica de Dresde.

En 1923 viaja a ver la exposición Universal de Chicago, donde permanece desde los 23 hasta los 26 años.  Su formación estética se nutre en Chicago, luego en Londres y también en París, cuando llega a Viena tiene claro que desea trabajar de arquitecto revolucionando la arquitectura del momento, Viena aquejada de una crisis estética de fin-de-siècle ve con interés crítico este desafío.

 

Loos introdujo la cultura angloamericana mediante sus escritos en la prensa y en la revista “Das Andere” donde cuestionaba las costumbres y el uso de los objetos cotidianos.

   Loos logra un fuerte impacto con su proyecto minimalista del Café Museum de Viena (1899) conocido como Café Nihilismus. Un local muy luminoso, sin apenas decoración o adorno así como con sus proclamas a partir de su artículo Ornamento y Delito (1908)…“Como el ornamento ya no está unido orgánicamente a nuestra cultura, tampoco es ya la expresión de ésta”.

Adolf Loos. Café Museum de Viena. Café Nihilismus.

Interior del Café Museum

Ornamento y delito. Ins Leere Gesprochen

(hablando en el vacío)

“…El impulso de ornamentarse el rostro y todo lo que se tiene al alcance es el primer origen de las artes plásticas, es el balbuceo de la pintura: ya que todo arte es erótico…”

“…El primer ornamento que nació, la cruz, tuvo un origen erótico. Es la primera obra maestra, la primera creación artística con la que el primer artista embadurnó la pared para liberarse de la energía sobrante. Una línea horizontal: la mujer que yace. Una línea vertical: el hombre que la penetra. El hombre que la creó sintió el mismo impulso que Beethoven, se encontraba en el mismo cielo en el que éste compuso la Novena…”

“…Descubrí lo siguiente y se lo comuniqué al mundo: La evolución cultural equivale a eliminar el ornamento del objeto de uso cotidiano. Creía con ello entregarle al mundo algo nuevo por lo que alegrarse, algo que no me ha agradecido. Lagente estaba triste y andaba cabizbaja. Lo que les preocupaba era saber que ya no se podía crear un ornamento nuevo. ¿Cómo es posible que sólo nosotros, los hombres del siglo XIX, no seamos capaces de hacer lo que sabe hacer cualquier negro, lo que han sabido hacer todos los pueblos en todas las épocas anteriores a la nuestra?…soy yo, Hugo el que escribe: ”esta referencia despectiva hacia cualquier “negro”, me dejo pensando acerca de quien hablaba y para quienes hablaba, todos debían compartir semejante discriminación racial, sin ninguna inhibición, al punto de editar un libro y dar conferencias en esos términos !!!!!

“…El hombre moderno, que considera sagrado el ornamento como signo de superioridad artística de las épocas pasadas, reconocerá de inmediato, en los ornamentos modernos, lo torturado, lo penoso y lo enfermizo de los mismos. Alguien que viva en nuestro nivel cultural no puede crear ningún ornamento…”

“…Predico para los aristócratas. Soporto los ornamentos en mi propio cuerpo si éstos constituyen la felicidad de mi prójimo. En este caso también llegan a ser, para mí, motivo de alegría. Soporto los ornamentos del cafre, del persa, de la campesina eslovaca, los de mi zapatero, ya que todos ellos no tienen otro medio para alcanzar el punto culminante de su existencia. Pero nosotros tenemos al arte, que ha sustituido al ornamento. Después del trabajo del día, vamos al encuentro de Beethoven o de Tristán. Esto no lo puede hacer mi zapatero. No puedo arrebatarle su alegría, ya que no tengo nada que ofrecerle a cambio. El que, en cambio, va a escuchar la Novena Sinfonía y luego se sienta a dibujar un modelo de tapiz es un hipócrita o un degenerado…”

“…La carencia de ornamento ha conducido a las demás artes hasta alturas insospechadas. Las sinfonías de Beethoven no hubieran sido escritas nunca por un hombre que tuviera que ir metido en seda, terciopelo y puntillas. El que hoy en día lleva una americana de terciopelo no es un artista, sino un bufón o un pintor de brocha gorda. Nos hemos vuelto más refinados, más sutiles. Los miembros de las tribus tenían que distinguirse por medio de los colores, el hombre moderno necesita su vestido como máscara. Su individualidad es tan grande que ya no la puede expresar en prendas de vestir. La falta de ornamentos es un signo de fuerza intelectual. El hombre moderno utiliza los ornamentos de civilizaciones antiguas y extrañas a su antojo. Su capacidad de invención la concentra en otras cosas…”

https://archive.org/details/LoosSmtlicheSchriftenBd1

Exposición

Es interesante como en esta exposición, se ha puesto el acento en los trabajos de Adolf Loos como diseñador de equipamiento y como interiorista. Se exhiben 218 obras (entre ellas 120 muebles), muchos prestados por el coleccionista vienés Julius Hummel.

Nos explica Pilar Parcerisas, comisaria de la exposición: …La simplicidad y el confort son las máximas de sus diseños, sin perder por ello un ápice su capacidad de seducción. Alejadas de las modas, sus obras son intemporales.

El mobiliario era construido ex profeso o seleccionado por Loos para sus obras. Se exhiben ambos casos.

Texto extraído del catálogo de la exposición:

 En la concepción arquitectónica de Adolf Loos (Moravia, 1870 – Austria, 1933), la noción de espacio doméstico ocupa un lugar preponderante. Junto a sus múltiples proyectos y construcciones de tiendas de moda, cafés, hoteles y edificios públicos, Loos concede una vital importancia a los espacios interiores donde se desarrolla la vida privada. La vivienda constituye la esfera íntima, el refugio del individuo frente a la vida social. Valores como intimidad, privacidad o confortabilidad encuentran en el diseño de espacios y el uso del mobiliario doméstico de Loos un ejemplo de las nuevas formas de la cultura del hábitat. Esta exposición indaga en la revolución estética de Loos en el ámbito de lo privado, puesta en el contexto de la cultura y el arte de la Viena de principios del siglo XX.

Adolf Loos. Esbozo de un sillón, Paris. Lápiz sobre papel
Adolf Loos. Reloj de péndulo 1904-1920

Adolf Loos interior del Bar americano en Viena 

Goldaman & Salatsch (sastrería)

3 de Michaelerplatz

Es uno de los primeros edificios modernos de Viena, de uso mixto el Comercio ocupa las 3 plantas bajas del edificio y el resto vivienda

(1909-11).

  Loos plantea el edificio como de 2 elementos autónomos y distintos.

Comentario de la época “Reflexionando sobre el arte, el hombre más moderno pasea por las calles. De pronto se detiene, maravillado, ha encontrado lo que llevaba tanto tiempo buscando”.
Fue tachado de basura o gallinero, al punto que en 1910 las autoridades suspendieron las obras temporalmente, Otto Wagner asesoró a Loos hasta conseguir que ésta se reanudase.

Como suele suceder hoy en día el edificio de la Michaeleplatz es uno de los iconos de la ciudad de Viena y es considerado como uno de los primeros edificios modernos del continente Europeo.

La Viena de 1900

Se produce un cambio importante ya que donde existía una de las casas reales más poderosas e influyentes de Europa, hay una migración de trabajadores de campo a la ciudad, una burguesía industrial creciente basada en el dinero y las propiedades.

Hay enormes cambios con la llegada de la luz eléctrica el ferrocarril, el metro y las comunicaciones, las grandes ciudades destruyen murallas para crecer. Viena también lo hizo, con la construcción de la Ringstrasse (1858-1888), escaparate de los edificios más emblemáticos, como el nuevo Palacio Imperial, el Parlamento, la Ópera y el Teatro, entre otros. Fachadas del espacio público vienés que separaba el ámbito –degenerado- de la vida privada del espacio teatralizado de la vida pública.

Adolf Loos. Librería con coljumnas.c.1906, madera de caoba  y columnas de latón y metal. Colección Hummel

Las reacciones críticas al mundo burgués pudieron observarse en la rebelión del psicoanálisis, en la nueva arquitectura y el diseño, en la filosofía del lenguaje, en el dodecafonismo, en el uso de la palabra y en el arte: Sigmund Freud (1856-1939), Karl Kraus(escritor y poeta 1874-1936), Arnold Schönberg (pintor, teórico musical y pintor 1874-1951),Ludwig Wittgenstein (filósofo y matemático 1889-1951), Oskar Kokoschka (1886-1980) y de quien nos estamos ocupando el arquitecto Adolf Loos,

Otto Wagner. Interior del Museo del Emperador Francisco José (Viena),no realizado. c.1903 fotograbado impreso. Colección privada Reino Unido

La respuesta a esta Viena decadente vendrá de parte de una joven generación de artistas, intelectuales, estetas y moralistas que intentarán dar respuesta, desde el arte y la cultura, a un mundo que se hunde, ya que no tiene más la seguridad que había representado, la monarquía en el pasado.

Se reúnen entre los 120 muebles, aquellos que han sido concebidos o seleccionados por Loos entre 1899 y 1931

Raumplan y Enfilade

Mediante el método denominado “raumplan”o “spaceplan”o plan de volúmenes, era un complejo sistema de organización interna. Loos creó unos espacios continuos en vertical que permitían varias alturas según el uso.

Con la “enfilade” estableció la continuidad del espacio en horizontal.

El término hace referencia a una sucesión de habitaciones formalmente alineadas entre sí. Desde el período barroco en adelante, las puertas que permiten acceder a cada habitación están alineadas con las puertas de las habitaciones conectadas a lo largo de un solo eje, proporcionando una vista a través del conjunto entero de habitaciones.

Según Loos, la fachada era la cara masculina de la arquitectura, y la interior, la femenina.

Butaca 1907. De F.O. Schmidt utilizada por Adolf Loos.Colección Hummel.Viena

Vida privada compleja

1893 Contrajo sífilis en los burdeles de Viena, a resultas de la cual quedaría estéril y sería repudiado por su madre.

1893-6 reside en Chicago desde los 23 a los 26 años.

1902 se casa con Carolina Catherina Obertimpfler (Lina Loos), de quien se divorció en 1905.

1918 se le diagnostica cáncer.

1919 se casa con la cantante y bailarina Elsie Altmann. Se separa 7 años más tarde.

1920 con cincuenta años protagonizó un escándalo de pedofilia. 

1921, obtiene la nacionalidad austríaca y es nombrado arquitecto jefe del Ayuntamiento de Viena, trabajando en el Ministerio de Vivienda.

1924 dimite del puesto y vive los siguientes 5 años en Francia.

Se casa con Claire Beck, de quien se separa en 1932.

1932 tiene 62 años y está en la ruina.

1933 fallece.

Loos y sus propuestas

Se rebeló contras sus contemporáneos de la Secesión y la Wiener Werkstätte -que querían convertir la vida en arte tomando como modelos elementos abstractos de la naturaleza- se enfrentó a los espacios interiores burgueses, repletos de objetos decorativos pero inútiles, y propuso crear otros que protegiesen la intimidad del individuo del exterior a fin de resolver la escisión entre el ser individual y el ser social. 3

Elegida por Adolf Loos. Silla similar a las de la Villa Müller, madera de caoba y almohadilla en el asiento. Colección Hummel. Viena

Afirmaba que el arquitecto se ocupa del «inmueble», y el artesano, del «mueble», prefiere los estilos Chippendale y Hepplewhite, el sillón New Shaped Easy Chair de Hampton & Sons, y sillas de mimbre. Emplea sillas Liberty, sillones Biedermeier y sofás Chesterfield, mesas de influencia turca, taburetes egipcios y alfombras orientales. Sin dudas un eclecticismo de mirada posmoderna. 4

Fotografia de Adolf Loos con Peter Altenberg, 1930. Foto: Gisela Erlacher. Colección Hummel, Viena

 

Notas

1

La exposición Adolf Loos. 1870-1933. Espacios privados.  Lugar: CaixaForum Madrid (paseo del Prado, 36). Fechas: Del 28 de marzo al 24 de junio de 2018. Organizada por la Obra Social”la Caixa” y el Museu del Disseny de Barcelona. Comisariado: Pilar ParcerisasProcedencia de las obras:

Colección Julius Hummel (Viena), The Albertina Museum (Viena), Wien Museum, Architekturmuseum der Technischen Universität de Múnich, Colección Markus Kristan (Viena), Colección Ernst Poil (Viena), J. & L. Lobmeyr (Viena), CCCB (Barcelona) y una colección particular del Reino Unido.

2

La muestra cuenta con un total de 218 obras, entre las que destacan 120 muebles —más de 50 sillas, sillones y taburetes, 13 lámparas, 21 mesas, escritorios y tocadores, armarios y librerías— y objetos de menor tamaño, como relojes, vasos, decantadores, espejos y perchas, entre otros. Además de documentos, dibujos y litografías, fotografías, libros, manuscritos y maquetas, tanto de proyectos realizados y de proyectos no construidos.

3

Juan Antonio García Fermosel. Área de Comunicación de la Obra Social” la Caixa” jagarcia@fundacionlacaixa.org.

Sala de Prensa Multimedia: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial

Gran parte de los textos los he tomado del dossier que me ha remitido el señor Juan Antonio García Fermosel del Área de Comunicación, al que agradezco especialmente.

4

Pilar Parcerisas, comisaria de la exposición

Fin de la 1era parte

Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz
Junio 2018

Libros editorial H Kliczkowski Wright/O´Keeffe . “Duetos”

Libros editorial H Kliczkowski Wright/O´Keeffe . “Duetos”

Hace unos años creamos la colección que llamamos “duetos”.

Un arquitect@ y un artista, que tuvieran que ver en sus formas, en sus conceptos.

Una forma (más) de enfatizar la hermandad, la danza de las artes.

Tuvimos muchos lectores, hicimos varios títulos como Gaudi/Dali; Sert/Miro; Wagner/Klimt, etc.

Se hicieron coediciones en otros idiomas.

Esto que transcribo está en el libro Wright/O´keeffe

Los textos son de Llorenç Bonet y María Sol Kliczkowski

Editorial H Kliczkowski

ISBN 84-96241-14-9

FORMAS ORGANICAS

Naturaleza y abstracción

Tanto Georgia O´Keefe (1887-1986) como Frank Lloyd Wright (1867-1959) afirmaron a lo largo de toda su carrera que su obra debía mucho al estudio de los objetos naturales, y que una de las mejores fuentes de inspiración era la observación directa de la naturaleza.

Pero esta línea de trabajo no les llevó a crear una copia del mundo, sino que al haber interiorizado la realidad, pudieron crear un mundo totalmente personal, que derivó muchas veces hacía formas abstractas.

Los juegos de construcción Froebel fueron importantes en la formación de Frank Lloyd Wright y así lo afirmó durante toda su vida.

El juego consistía en un grupo de pequeños bloques de formas regulares con los que podían crearse distintas formas, basados siempre en la repetición de un mismo modulo, la racionalidad de estos bloques contrasta aparentemente con otra afirmación del arquitecto, que veía en la naturaleza su gran “fuente de inspiración”.

 

 

Pero para Wright, tanto la naturaleza como el juguete de construcción de su infancia forman parte del mismo mundo, ya que las formas racionales de cualquier volumen puro se pueden descomponer en formas menos regulares y viceversa. Por esta razón argumentaba que las formas simples constituían para él volúmenes aprehensibles a simple vista, aunque el edificio presentara un pórtico con entrantes y salientes o con columnas cuya base fuera más delgada.

Wright nunca quiso pertenecer a ninguna escuela o corriente arquitectónica precisa, pero se sintió próximo al significado de la palabra organicismo. Aunque no le gustaban las etiquetas y siempre se interesó por innovar según las posibilidades que tenía a su alcance, la idea de entender su arquitectura como una prolongación de la naturaleza no le parecía desagradable. Por otro lado lo que le interesaba era hacer casas habitables, cómodas y que permitieran el desarrollo social de sus habitantes. Para ello, Wrightconsideraba indispensable el contacto con la naturaleza. La combinación de una vida en un entorno natural , la constante innovación con nuevos materiales, el recuerdo a las formas puras de sus juguetes de su infancia, y sobre todo, su gran imaginación hacen que muchos de sus edificios sean como grandes esculturas habitables.

Frank Lloyd Wright-Georgia O´Keeffe

Ambos pioneros del arte y la cultura, reconocidos en vida como genios y precursores del arte norteamericano, sabían que a pesar que su obra formaba parte de la cultura occidental, representaba la escisión respecto a la tradición europea, consolidando un arte norteamericano relacionado con su territorio y sus paisajes.

Ambos fascinados por las culturas occidentales, nunca se inscribieron en una corriente que pudiera significarles abandonar su individualidad.

Con una diferencia de edad de 20 años, ambos compartieron un viaje vital de norte a sur y de este a oeste, siempre dentro de su país. El traslado de la costa atlántica a la pacífica significo una decisión crucial para los 2 artistas, en el caso de Wright el clima de Wisconsin fue demasiado duro para su delicada salud, que motivo a mediados de la década de los treinta su traslado a Taliesin west, que fue también su última residencia, O´Keeffe en esa misma época empezó a pasar más tiempo en Nuevo México, en el mismo desierto donde trabajaba Wright, donde se trasladaría definitivamente en 1946.

Ambos desde su Wisconsin natal hacia el desierto de Nuevo México y Arizona formo parte de sus derroteros dentro y fuera del país.

Precursores en crear un lenguaje norteamericano, personal e independiente de otros países, sin tener la necesidad de copiar las corrientes artísticas que triunfaban en aquella época en el viejo continente.

Ambos fascinados por las culturas occidentales, nunca se inscribieron en una corriente que pudiera significarles abandonar su individualidad.

Georgia O´Keeffe es una de las pintoras norteamericanas más importantes e influyentes del siglo XX en Estados Unidos. Tanto por la novedad que supuso su pintura en los años 20 dentro del reducido círculo de coleccionistas y especialistas de arte contemporáneo, como por el interés que suscitó en el gran público a partir de los setenta, cuando los museos más importantes del país ofrecían grandes retrospectivas de sus pinturas. 

Aunque sus cuadros más conocidos son las grandes telas con motivos florales – representados en primer plano y con formas que se acercan más a la pintura abstracta que a la figuración- su obra abarca otros temas e intereses. Lo novedoso y original de su producción es que rompió con la idea de escala y perspectiva dentro de los cánones occidentales pictóricos al representar los objetos en primer plano muy marcados y en un entorno sin referentes.

Para O´Keeffe las formas más sugestivas e inverosímiles estaban en los objetos naturales…actualmente esta considerada como un referente…Nació en Sun Prarie, en Wisconsin en 1887, estudio en el Art Institute de Chicago, en 1905, y continuó en el Art Institute League de NY, en una época que a una mujer no se la tomaba seriamente el querer ser pintora.

En 1908 regresa a Chicago para trabajar como diseñadora, sin grandes producciones hasta 1912 que acepta un trabajo en Amarillo, Texas como supervisora de dibujo de las escuelas públicas. En Texas los paisajes y ek aislamiento le permiten aclarar sus pensamientos…asistió a la universidad de Virginia, con el profesor Alon Bement (alumno a su vez de Arthur Wesley Dow (1857-1922)), quien le mostró teorías como el “Notan”, técnica japonesa tradicional del tratamiento de la luz y las sombras. Lee y estudia a Ernest Fenollosa “Epochs of Chinese and Japanese Art” 1912 especialista en arte y poesía china. Forma parte del profesorado en Virginia y en la Universidad de Columbia.

Anita Pulitzer le presenta al fotógrafo Alfred Stieglitz (1864-1946) también marchante de la galería 291, quien fue su gran avalador y defensor de su obra. Su relación fue también afectiva, y provocó un gran escándalo en la época, porque Stieglitz no se divorció de su esposa.

Paso temporadas con Stieglitz en la casa de éste a orillas del lago George, cuyo paisaje inspirara a la pintora… y desde 1929 en Texas, a bordo de su Ford A, acondicionado como taller ambulante… sus lugares favoritos fueron desde 1936 Ghosto Ranch, donde en 1940 compró una casa y más tarde otra en Abiquiu, residió en ambas luego de la muerte de Stieglitz en 1946.

En 1962 fue elegida miembro de la Academia Americana de la Artes y las Letras, el más alto honor que se otorga en los EEUU a pintores y escritores.

Casa Hollyhock (1917-20)

Fue un encargo de Aline Barnsdall (1882-1946), heredera de la Barnsdall Oil Company, para erigir un complejo destinado al mundo del teatro.

Para ello compró una gran extensión de tierra en el centro de Los Ángeles, en Olive Hill, para construir al pie de esta colina un gran teatro, un cine, residencia para actores y directores, unas tiendas y comercios.

En la cima su propia vivienda, la casa Hollyhock (casa de la malvarrosa).

Solo se construyeron 2 viviendas.

En un clima inhóspito por el calor, Wright concibió una casa introspectiva. Con un patio central arbolado y ventanas pequeñas (en relación a sus casas de la pradera).

Tiene protagonismo el agua, un arroyo que circula desde una fuente a un gran estanque en el patio, hasta aparecer dentro de la vivienda frente a la chimenea y en una piscina cuadrada en el salón.

En esta obra que el mismo Wright califico de “romance californiano”, la relación con la naturaleza, que armoniza con grandes volúmenes escultóricos, se manifiesta incluso en la ornamentación, para la que utilizó el motivo de la malvarrosa (flor preferida de Barnsdall). De esta forma se decoraron los antepechos, las columnatas, así como los respaldos de las sillas, diseñadas especialmente para la casa.

Bauhaus 5 y Gropius

Bauhaus y Gropius.

Todo lo que existía antes, durante. arriba y abajo de la Bauhaus.

Considerado el padre de la Bauhaus (Walter Adolph Georg Gropius) nació en Berlín el 18 de Mayo de 1883 y murió en Boston un 5 de Julio de 1969.

Tenía 32 años y siendo director de una escuela de medios de comunicación, es llamado por el gran duque de Sachsen-Weimar para nombrarlo director de 2 escuelas de arte de gran prestigio en la ciudad de Weimar (Gran Ducado de Sajonia).

– la Escuela Industrial de Artes y la Escuela de Arte

   Gropius (“el principe de plata”), decide fusionarlas en 1919 bajo el nombre de Das Staatliches Bauhaus, con el objetivo de crear un centro de arte y diseño para la industria y el comercio, donde pudiera realizar su proyecto de lograr la unidad del arte, la arquitectura y el diseño,

Fundó y dirigió la Bauhaus desde 1919 hasta 1928, año en que decide dedicar más tiempo a su estudio de arquitectura y delega la dirección de la escuela en Hannes Meyer (1889-1954) del que escribe al presentarlo a las autoridades Como sucesor propongo a Hannes Meyer, director del departamento de arquitectura, a quien considero capacitado, tanto en lo personal como en lo profesional, para dirigir el instituto con éxito”.

Como antecedentes familiares podemos mencionar que su tío abuelo fue uno de los discípulos del pintor y arquitecto neoclásico Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) y su padre fue arquitecto y miembro de la Comisión de Construcción de la Ciudad de Berlín, así como director de la Escuela de Arte en Berlín y director de educación en Prusia.

   Gropius se formó entre Múnich y Berlín, desde 1907 a 1910 trabajó en el estudio de Peter Behrens(1877-1940).

Fue en su estudio y debido a que realizaban trabajos para una gran empresa industrial, donde se forjó la aspiración ideológica de vincular la producción de diseño al sistema de producción industrial.

Prueba de éste interés lo demuestra años más tarde en su relación con el arquitecto Konrad Waschsmann (1901-1980), éste luego de abandonar Alemania se afinca en los EEUU, donde comenzó colaborando con Mies van der Rohe (1886-1969) y a partir de 1943 lo hace más intensamente conGropius, con quien llego a desarrollar proyectos de prefabricación como “The packaged house system”.

Éste fue un proyecto muy novedoso que partiendo del diseño estandarizado de sus componentes, que al ser fáciles de unir permitían generar el crecimiento de la vivienda. Utilizaban paneles de madera para techo, suelos y cubierta (de 90 x 100 cm). La clave fue su producción en serie, la estandarización y la posibilidad de ensamblarse en dos direcciones, generando una mayor flexibilización constructiva y de diseño.

“Sólo podemos mandar a la naturaleza si empezamos

 por obedecerla”. Francis Bacon

Alma Mahler

-viuda del arte-

  En 1910 se enamora de quien se decía era “la mujer más hermosa de Europa”, Alma Margaretha Maria Schindler (1879-1964) quien fuera esposa entre 1902-1911 del famoso compositor y director de orquesta Gustav Mahler (1860-1911); y amante de Gustav Klimt (1862-1918);

 

(este listado, soy conciente es políticamente incorrecto).

Amante de Oskar Kokoschka (1886-1980), quien la retrató varias veces y que en su Die Windsbraut -La novia del viento- representó su amor por ella.

  Entre 1929-1945 se casa con el poeta y novelista Franz Werfel (1890-1945); y mantiene relaciones con el que fuera compositor y profesor de Schönberg, Alexander von Zemlinsky (1871-1942); el director teatral Max Burckhard (1854-1912) y la tormentosa relación con el biólogo Paul Kammerer (1880-1926).

(Más datos de ella se pueden leer en sus propias memorias “Mein Leben” (traducido al inglés y editado con el título “And the Bridge is Love”). Su vida fue representada por la actriz Sarah Wynter en la película Bride of the Wind (2001) deBruce Beresford. Y su personaje actuado por Georgina Hale en la película “Mahler” de 1974 dirigida por Ken Russell (19272-2011).

FAGUS

Más que un complejo fabril

Entre 1911 y 1913, Gropius diseña junto a Adolf Meyer (1851-1920), (su integración en el trabajo fue tal que le valió el mote de “alter ego de Gropius) la fábrica de hormas de zapatos Fagus, en la ciudad de Alfeld cercana a Hanover, que se constituyó en ejemplo y pilar de la arquitectura contemporánea. Declarado en 2011 por la Unesco “Patrimonio de la Humanidad”.

Su propietario Carl Benscheidt (1858-1947) quería un proyecto que expresara una ruptura con lo que era el pasado de la compañía. Sus interiores se siguieron completando hasta 1925, interviniendo la propia Bauhaus.

            

El prestigio de Gropius se consolida en 1914 al construir para la exposición del Werkbund(precursora e inspiradora de la Bauhaus) un conjunto de oficinas, con un atrevido concepto estructural, estético y técnico. Al alistarse en la primera Guerra Mundial, su actividad como constructor queda interrumpida, aunque siguió madurando la idea del papel que debía desempeñar la arquitectura en el problema social que la posguerra plantearía con toda gravedad, pero con una particularidad, este problema social habría de fundirse con el estético.

Manifiesto de la Bauhaus

Escribía Walter Gropius: “¡Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual! ¡Establezcamos una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a una clase de la otra y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas! Anhelemos, concibamos y construyamos juntos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo —a la arquitectura, a la escultura y a la pintura— en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega…”

Ver Nota sobre “Bauhaus manifiesto y programa”.

https://hugoklico.blogspot.com.es/2018/01/bauhaus-manifiesto-y-programa.html

Werkbund
Sus integrantes

La Deutscher Werbund –Federación Alemana del Trabajo- (http://www.deutscher-werkbund.de/) era una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, una organización muy importante en la historia de la arquitectura y del diseño moderno.   Movimiento arquitectónico relacionado con el expresionismo fundado en Múnich por Hermann Muthesius (1851-1927), Friedrich Naumann (1860-1919) y Karl Schmidt(1888-1965).

Sus objetivos eran similares a los objetivos de la Bauhaus: la integración de la arquitectura con la industria y la artesanía a través del trabajo profesional, la educación y su publicidad y difusión. Estaba inspirada en el movimiento inglés ” Arts & Crafts” preconizado por William Morris, aunque distanciado de éste al admitir la utilización de la máquina y su proceso industrial.

La Werkbund en su interés tan amplio en la industria confió a Peter Behrens la tarea de proyectar publicaciones, logotipos, lámparas, escaleras eléctricas, fábricas, conjuntos de habitaciones para obreros, tiendas y publicidad para la AEG. Su interés por el diseño industrial se veía en las páginas de sus anuarios donde se reproducían muebles, lámparas, locomotoras del Maffeiwerke de Múnich, ferrocarriles eléctricos, buques, puentes de hormigón armado, puentes colgantes de acero, etc.

 

Buscaban la introducción del diseño arquitectónico en la modernidad al conferirle un carácter industrial, utilizando los nuevos materiales como el vidrio y el acero.

Perseguida fue clausurada por los nazis en 1938, y reabierta en 1949.

​- Hermann Muthesius la había fundado en 1907 en Múnich, años más tarde la trasladó a la ciudad deDarmstadt.

Otros fundadores de la Werbund fueron:

– Peter Behrens (1868-1949),

– Theodor Fischer (1862-1938) -su “Manifiesto para la arquitectura alemana” de 1917, de cómo llevar a cabo una nueva enseñanza de la arquitectura, es considerado la base del manifiesto de la Bauhaus.

– Josef Maria Olbrich (1867-1908) fue quien diseñó entre 1897 y 1898 el Pabellón de exposiciones de la Secesión Vienesa, que constituye uno de los más importantes edificios construidos en el estilo Secesión modernismo vienés (Jugendstil).

Bajo su famosa cúpula realizada en bronce dorado (popularmente conocida como “el repollo”) se lee la frase del escritor  Ludwig Hevesi (escritor 1843-1910) “A cada tiempo su arte, a cada arte su libertad”Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit ), a la izquierda de la entrada en otro lema: Ver Sacrum (Primavera Sagrada), como expresión y esperanza de un nuevo florecimiento del arte.

– Bruno Paul (1874-1968), en 1897 fundó en Múnich junto a Hermann Obrist (escultor 1862-1927), Richard Riemerschmid (arquitecto 1868-2957) y Bernhard Pankok la Unión de Talleres de Arte y Artesanía, una empresa de diseño basada en una estrecha relación entre artesanos, arquitectos y diseñadores, sentando un precedente para el diseño industrial del siglo xx, así fue como produjeron la línea de mobiliario “Typenmöbel”,  pensada exclusivamente para la fabricación industrial. Desde 1907 participó también en la Deutscher Werkbund. En 1933 los nazis le prohibieron ejercer la enseñanza, durante el III Reich, vivió en Wiesenburg dedicado a la decoración de interiores.

– Richard Riemerschmid, (arquitecto 1868-1957).

Otros arquitectos adhirieron al proyecto como:

– Heinrich Tessenow (arquitecto, urbanista y profesor 1876-1950).

– Else Oppler-Legband (diseñadora 1875-1965) se formó en la Academia de Bellas Artes de Múnich con Maximilian Dasi (1875-1965), con Henry van de Velde (1863-1957) fue discípula del arquitecto Josef Hoffmann (1870-1956) en Viena, donde coincidió con Lilly Reich, y del arquitecto y diseñador alemán Peter Behrens en Nuremberg.

– Lilly Reich  (1885-1947) quien en 1920 fue la primera mujer en dirigir la Werbund.

– Anna Muthesius,

Y el belga Henry van de Velde (arquitecto, diseñador, pintor). “Pensaba que todas las artes debían supeditarse a las artes decorativas, ya que mejorando el entorno del hombre, el hombre mejoraba”. Buscando este objetivo diseñaba sus espacios hasta el último detalle.

La Werkbund comisionó a Van de Velde la construcción de un teatro para la exhibición de 1914 en Colonia, que fue un momento álgido de su historia antes de la Primera guerra mundial. Este teatro fue su mejor trabajo, pero solamente estuvo en pie un año debido a que fue destruido en la guerra. Ya en esta exhibición, se evidenció la clara disidencia entre el sector más individualista (encabezado por Van de Velde) y el sector más funcionalista (encabezado por Muthesius). Van de Velde tuvo que dejar Alemania, ya que era ciudadano de un país enemigo


“Toda mi vida ha estado caracterizada por un fuerte deseo

de incluir los componentes esenciales de la vida,

en vez de excluir buena parte de ellos, como ocurre

cuando el enfoque es demasiado dogmático”. Walter Gropius

La Bauhaus

Adhiriendo cada vez más a la idea de vincular la arquitectura y el diseño a la industria y viceversa,Gropius se dedica a la enseñanza.

En 1919, perfeccionando una precedente iniciativa de Henri van de Velde, funda en Weimar la escuela llamada Bauhaus,

En ella aprendieron los mejores artistas alemanes, rusos, eslavos y holandeses los principios artísticos, teóricos y técnicos; la escuela se convirtió en un centro de vida y trabajo común.

En el Bauhaus ideó Gropius su proyecto de “teatro total”; y allí escribió sus obras más importantes, “Internationale Architektur” y “Bauhausbauten in Dessau”.

La escuela, que se había trasladado de Weimar a Dessau, ocupaba el (más bello) edificio construido por Gropius; pero el acento revolucionario de su obra era tan patente y tan opuesto al nacionalismo de Hitler, que éste ordenó su clausura en 1933. 

Artículo sobre Bauhaus y Kandinsky

Creatividad  y pintura sin objeto”

https://hugoklico.blogspot.com.es/2018/02/bauhaus-y-kandinsky.html

  Gropius, en 1928 se había tenido que marchar a los Estados Unidos, regresó a Berlín a ejercer su profesión, pero debió salir de nuevo, después de la clausura de la Bauhaus (22 de Agosto de 1932).

Permaneció de 1934 a 1937 en Inglaterra, donde construyó numerosos edificios hasta su instalación ya definitiva en los Estados Unidos, donde se hizo cargo de la cátedra de Arquitectura en la Universidad de Harvard.

La feria de Frankfurt y La Secesión Vienesa

No siempre es posible estar frente a un edificio tan representativo y simbólico de una época como es el Palacio de exposiciones de la Secesión de Josef Maria Olbrich.

La emoción está garantizada.

Pero entrar, y contemplar el maravilloso friso Beethoven (1902) realizado por Gustav Klimt (1862-1918), quien fuera presidente del movimiento, supera cualquier previsión.

  

Ese enorme friso (en tamaño y en calidad) lo realizó Klimt para una exposición temporal de la Secesión.

Ahora se encuentra permanentemente en la planta baja.

 

Su hermano Georg Klimt diseño las puertas de entrada de bronce.

 

 

La Buchmesse, feria del libro en Frankfurrt, es la más importante del mundo, no solo de venta de libros (físicos) sino de venta de derechos de edición.

Sus cifras son tremendas, más de 7.000 expositores de más de 100 países, y 300.000 visitantes, de los que el 50 % son profesionales y más de 10.000 periodistas, muchos de ellos especializados.

Durante 5 días se hacen los acuerdos de coediciones de todo el año, y en muchos casos ni siquiera se espera la apertura de la feria, en los días previos se hacen acuerdos en los hoteles de alrededor, como el Maritim o el Marriott, por ejemplo.

La visito desde hace 35 años, quizás un poco más…

Es un predio muy grande, donde está la famosa torre de Helmut Jahn (1940)    Históricamente arrancaba un miércoles hasta el lunes siguiente, pero la crisis también los afectó, cerraron 3 pabellones completos de los 9 de siempre y ahora cierra un dia antes, los domingos.

Con mi hermano Guillermo, luego de cubrir los días intensos de citas en la feria el libro (unas 10 por día) adquirimos la sana costumbre de tomarnos unos días de descanso, visitando ciudades, para fundamentalmente ver obras de arquitectura, en el 2008 tocaba Viena y visitar algunas obras de la Secesión Vienesa.

   Casa de la Vienzele de Otto WagnerEste movimiento formalmente incluido dentro del “modernismo” también reconocido como la “Belle Epoque” (1871- 914) presenta sus propias características y diferencias con el “Art 
Nouveau” francés, el Liberty inglés, el “Floreale” italiano o el “Modernismo” español (y estos con los otros también). Todos abrevaban de las aguas del cambio que exigía dar respuestas vanguardistas.

Visitamos:

El ya mencionado Pabellón de exposiciones de la secesión (1897) de Josef Maria Olbrich (1867-1908).

La Caja Postal de Ahorros de Austria(1912), sobre la Ringstrasse, obra maestra de Otto Wagner (1841-1918) y uno de los referentes  de la era moderna.

Ha diseñado todo el interior: muebles, alfombras, revestimientos…me llamó la atención, que seguía funcionando como oficina de correos, fuimos hasta una de sus “ventanillas”, para auto-enviarnos una postal. ¿¿Dónde estarás postal??

La “famosa” Estación de metro ubicada en la céntrica Karlsplatz, una de las 8 estaciones construidas por Otto Wagner.

Actualmente están en las líneas llamadas:

U4 
(estaciones Schönbrunn y Stadtpark)

U6
(estaciones Gumpendorfer Strasse, Burggasse, Josefstädter Strasse, Alser Strasse, Währinger Strasse y Nussdorfer Strasse).

 

La llamada Casa Loos (1911) ubicada en la Michaelerplatz.

Frente al Hofburg, Palacio Imperial de los Habsburgo.

Buen ejemplo de “desornamentación”, originalmente proyectado para una sastrería, ahora funciona un Banco.

 

Muy impresionante es visitar el edificio comunitarioKarl-Marx-Hof  (Hof significa patio).

De 1927/30, fue diseñado por Karl Edmund Ehn(arquitecto y urbanista 1884-1957), discípulo de Otto Wagner.

Wagner está considerado como el padre del racionalismo y modernismo centroeuropeo.

Quizás el complejo habitacional más largo del mundo, está en una súper manzana  de 1,2 km de largo (aunque conociendo Moscú no podría afirmarlo).

En un total de 156.000 m2, viven en él unas 5.000 personas en 1.382 pisos.

Una edificación perimetral deja el espacio interior libre y verde para diferentes usos de la comunidad.

Fue un encargo del Gobierno Social Demócrata y fue construido en el barrio Heiligenstadt en el norte de Viena, cerca de la estación de ferrocarril y del canal del Danubio.
Tiene (aún hoy) servicios comunitarios, sus habitantes contaban y cuentan con ambulatorio, comercios, biblioteca, guardería, baños públicos y espacios para actividades culturales y deportivas, en una de sus lavanderías se puede visitar un museo dedicado a la   “Viena Roja” y la historia del conjunto.

A pesar de su gran tamaño, el complejo se divide en diferentes partes para crear comunidades más reducidas que permiten un vínculo más personal con el entorno.

Los días no alcanzaron para nuestro entusiasmo arquitectónico faltó visitar entre otros la Urbanización Werkbundsiedlung (1932) que tiene 70 pequeñas casas unifamiliares en un área verde, diseñadas por 33 arquitectos destacados, entre ellos, Josef Frank (arquitecto y diseñador 1885-1967), uno  de los fundadores del movimiento de Diseño Moderno Escandinavo; Adolf Loos(arquitecto 1870-1933) pionero del movimiento moderno (el llamado racionalismo arquitectónico que polemizó con los “modernistas” de la Secesión de Viena).

Fue muy duro en sus críticas como las tituladas “Ornamento y delito” y “Arquitectura”, ambas de 1910; Josef Hoffmann (arquitecto y diseñador 1870-1956) alumno de Otto Wagner y Margarete Schütte-Lihotzky (quien fue la primera arquitecta austríaca 1897-2000).

1934

  Gropius abandona Alemania debido a la persecución del partido nazi.

Se dirigió al Reino Unido, vivió en el Isokon Building, y trabajó con un joven de gran éxito y talento, el arquitecto Edwin Maxwell Fry (1899-2987), con quien realizó varias obras.
La mayor contribución de Gropius a la arquitectura inglesa fue el proyecto del Impington Village College, en Cambridgeshire (1936), uno de los cuatro colleges construidos por el County Council en el campo.

En un futuro artículo explicaré que significó el lugar donde vivieron: el Isokon building sobre Lawn road, frente al gran parque Hampstead en Londres, una obra mas que interesante diseñada por Wells Coates para Molly y Jack Pritchard.
El edificio se inauguró en Julio de 1934 como un experimento de vida urbana, Alli vivieron Walter Gropius, Marcel BreuerLászlo Moholy-Nagy, y desde 1941 al 47 Agatha Christie. Estuve varias horas juntando información de la sala de exposiciones de la Planta Baja, si estan en Londres, no dejen de visitarla:
The Isokon Gallery, Lawn Road, Hampstead, Londres NW3 2XD. Abre cada sábado y domingo desde las 11 a las 16 horas. La entrada es libre, permiten sacar fotos a los muebles, láminas, fotografías. hay una cocina tipo “minima” en la sala.

The Isokon building

Luego de varios años, emigró a Estados Unidos, a principios de 1937, Gropius obtuvo una plaza de profesor de arquitectura en la Universidad de Harvard y en 1938 fue nombrado director de la sección de arquitectura.

Gropius se asoció con Marcel Breuer, un exalumno, y juntos realizaron varios proyectos, uno de ellos en 1941, fue una colonia de viviendas en New Kensington, cerca de Pittsburg. Marcel Breuer, junto a los arquitectos argentinosEduardo Catalano (1917-2010) y Carlos Coire (1917-1974) hicieron en 1947 el parador Aristón,

https://hugoklico.blogspot.com.es/2017/03/el-parador-ariston-una-ruina-moderna.html 

que por desidia y abandono está en un estado lamentable y estamos tratando de salvarlo de su destrucción total.

-ya tenemos 14.000 firmas, puedes firmarlo y difundirlo. Gracias

https://www.change.org/search?q=ariston

Continúo

En 1945, Gropius armó, con el nombre de The Architects Collaborative (TAC), un sólido equipo de arquitectos basado en una generación joven a quienes había formado. En esta empresa, Gropius asumió el papel de guía y fundador. Entre 1948 y 1950 realizaron juntos un primer gran proyecto, el Harvard Graduate Center, en Cambridge, conjunto con estructura de Hormigón armado y ladrillos color beige, en claro contraste con los edificios de estilo historicista y tradicional.

“no podemos pasarnos la vida haciendo intentos de resurrección.

Ningún estilo del pasado puede reflejar la vida de las personas del siglo XX.

En la arquitectura no hay nada definitivo;

sólo transformación permanente”. Walter Gropius

Podría enumerar una gran cantidad de sus obras, importante por diferentes motivos, todas ellos innovadoras, pero si tuviera que elegir una de sus últimas obras en New York sería el Pan Am Building (1963), hoy el Met Life Building, sobre la Grand Central Station junto a Pietro Belluschi(1899-1994) y Emery Roth).

“mis ideas han sido interpretadas con frecuencia como encaminadas hacia un extremo de racionalización y mecanización. 

  Esta interpretación es errónea. 
  Siempre he subrayado que existe otro aspecto, la satisfacción del alma humana, que es tan importante como el éxito en lo material, y que para conseguir una nueva visión del espacio significa más que una mera perfección funcional. 

  El lema ‘la adaptación correcta a la finalidad es productora de belleza’ es verdad sólo en parte. ¿Cuándo nos parece bello un rostro humano? Cualquier rostro resulta adaptado a sus finalidades gracias a sus distintas partes, pero únicamente la perfección de sus proporciones y los colores dentro de una armonía bien equilibrada merece ser llamada hermosa. 

  Lo mismo sucede con la arquitectura. Únicamente la armonía perfecta, tanto en las funciones técnicas como en las proporciones, puede producir belleza. Por eso nuestra tarea es tan variada ycompleja”

Premios

1954 en San Pablo recibe el primer “Gran Premio de Arquitectura”.
1956, en Londres, la “Medalla de Oro de la Arquitectura”.


Últimas obras

1960 La construcción del complejo universitario de Bagdad.

1961 la embajada de Estados Unidos en Atenas.

1963 el edificio de la Pan Am, Grand Central City Building, en Nueva York.

1964 el edificio John Kennedy en Boston entre otros.

Publicaciones

Entre 1908 y 1934 redactó alrededor 150 textos.
En estos momentos estoy leyendo un libro recién editado “Walter Gropius proclamas de Modernidad”prologado por Joaquín Medina Warmburg, de la editorial Reverté, donde se traducen al español una parte de esos 150 textos.

1925. “Internationale Architektur”.Editado por Walter Gropius y Lászlo Moholy-Nagy, tipografía deMoholy-Nagy, portada diseñada por Farkas Molnár, con trabajos de Le CorbusierTheo van DoesburgLe Corbusier y JeanneretAdolf LoosMies van der RoheRichard NeutraBruno Taut,Max TautHenry van de VeldeFrank Lloyd Wright entre otros…106 páginas. Editor Albert Lange 18 x 23 cm.

1946

Rebuilding our Communities Architecture”(Reconstrucción de Nuestras Comunidades). Introducción de Walter Gropius y  L. Moholy-Nagy. Primera de una serie de monografías bajo la dirección de este último, donde se expone la filosofía básica y el enfoque creativo del Institute of Design de Chicago.

1952. “Design in the Age of Science”,

1955.  “Scope of Total Architecture”, donde analiza su filosofía del diseño, el papel del arquitecto y las contribuciones que la ciencia, la producción en masa en la construcción, y como el renovado énfasis en el humanismo pueden allanar el camino en forma práctica para vivir mejor.contiene fotografías, planos y estudios de diseño.

 

– “Bauhausbauten in Dessau”.

–  Sus ensayos titulados “Fundamentos de la Nueva Arquitectura”.

– “Arquitectura Internacional”.

Habrá que continuar esta Nota.

En ello estoy.

Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

mayo de 2018

Japon 9. Tax free y otras cosas de Tokio

 

Tax free y otras cosas de Tokio

Paso 1

En compras superiores a 5.000¥ (50 usa) los comercios descuentan el tax que es del 8%.

El negocio junta la factura  con otros papeles y los grapa al pasaporte. A más compras de 50 usa el pasaporte más engrosa su interior.

Paso 2

En el aeropuerto (donde los comercios ya me han indicado que es donde los debo presentar), preguntamos varias veces donde cumplir esa gestión (entendemos de cierta trascendencia), sino cívica al menos turística.

-vaya uno a saber cómo es esta gente en temas fiscales ya que cuando solicitas el tax free te piden el pasaporte para controlar cuando entraste a Japón, (ese número irá a una central informática como la de Cabo Cañaveral que puede reaccionar ante tu ausencia al trámite y no dejarte subir al avión, o algo peor?, no realmente no pasa nada).

Como ya me ha pasado en algún querido país, que lo tienes que hacer antes de facturar las valijas porque el agente de aduanas con cara indescriptible te pide, si podes mostrarle esos zapatos que has comprado.

Antes de migraciones, encontramos al encargado de aduanas al que preguntamos que hay que hacer? Responde en forma amable que tienes que sacar la factura y demás papeles del pasaporte, es decir desgraparlos.

Supongo que entre él y sus compañeros se ocuparán de decirle a los 24 millones de turistas que tengan que hacer el trámite,  realicen el desgrapamiento correspondiente.

Paso 3

Todos vamos dejando esos documentos en una bandeja, que está  llena de documentos iguales.

Conclusión

Como nadie revisa nada, creo que resolvieron el problema de juntar millones de papeles en esas bandejas.

Son azules, las bandejas.

Metro

En el andén, mientras se espera la llegada del metro, se forman 2 filas paralelas, dejando un espacio en el medio para que cuando se abran las 4 puertas -2 del vagón y las 2 de protección del andén- puedan salir primero los pasajeros del vagón y después y solo después comenzar a entrar en orden. Notable y emocionante, no?

Siesta

Difícil entender como hacen para despertarse, pararse, y descender cuando el metro llega a la estación que van. Aun no se si 1/2 despiertos o 1/2 dormidos. Pero lo hacen.

Es probable que no duerman, sino estén relajados meditando con los ojos cerrados.

Muchos leen, libros de papel, impresos, otros en ebooks.

No vi graffitis, de ningún tipo. Todo impoluto, limpio, cuidado, protegido y mantenido.

Tampoco coches chocados, despintados ni rayados. Gran parte Toyota, de todos los tamaños.

Tren y corpiño 

 

Tomamos el Shinkansen de Okatama a Hiroshima.

Al nuestro lado una parejita de alemanes, de Munich, ella hablaba perfecto español.

Me explico que decidieron hacer una parte del camino juntos y después se separaban.

A los pocos minutos veo colgando un corpiño, quizás para que se seque, que se yo…..

Chiste

Esto que me llego de chinos viene muy buen aqui

-maestro Kun Fu, porque dicen que todos los chinos somos iguales?

– no soy el maestro Kun Fu.

Taxi

Cuando paras un taxi, la puerta se abre (y cierra automáticamente).

Sobre los asientos y el respaldo un tejido blanco.

El conductor con guantes blancos te saluda. Hay un mínimo de 570¥ para ls primeros 1.4 km. La ciudad es muy grande.

Hay carreras de 1.500 ¥ , 3.000.¥ 5.000 ¥.

Al aeropuerto de Narita, que está a 60 km por bus (tarda 1,05 horas) cuesta ¥ 1.000, por tren (30 minutos) son 3.000 ¥. Y por taxi más de 13.000 ¥. Cuando quiera presumir en algún CV pondré que en Tokio iba en taxi de un lado al otro

America del Sur

Les sorprende saber que soy argentino y varios me han comentado que la conocen.

Se alegran cuando les digo que vivo en España. Gaudí. Messi y Maradona son mis mejores credenciales.

Gaudi por su trencadis.

Madrid por sus tapas.

Y Messi por lo que es. (¿Vieron el corto Messi es un perro?)

Varios

Usan barbijos, por el tiempo de primavera para evitar alergias y para no contagiar a los demás.

Usan quimono, mucha gente joven, los fines de semana y por las zonas donde habían florecido los ceerezos. Se alquilan, 1.000 a 1.500 yenes por un día . Vimos muchos turistas alquilando.

Films

Mi amigo Edgardo me escribe :

Te paso dos películas fantásticas

1.

director Yasujiro Ozu

Film: Tokyo Story

 La primera es de un director de los años 50, fue un maestro y uno de  los mejores directores japoneses de todos los tiempos El segundo, contemporáneo si bien es Taiwanes la película que te recomiendo es japonesa.

2.

director  Hou Hsiao-hsien

Film: Cafe Lumiere

Ganó varios premios Cafe Lumiere.

Film del 2003.

Es un homenaje a Ozu que utilizaba una cámara fija en una habitación bastante baja y los personajes pasaba y actuaban delante de la misma.

Se iban a otra habitación y volvían.

 La cámara no seguía al actor.

Tienen buena pinta.

Japón 8. El gran Tange. Algo más que un movimiento

Japón 8. El gran Tange. Algo más que un movimiento.

Después de la 2nda guerra mundial, habían desaparecido millones de personas.

Ciudades enteras, edificios, estructuras, centros de producción.

No había que partir de cero, pero muchos movimientos en arquitectura si lo creían.

Kenzo Tange (1913-2005); Fumihiko Maki (1928) recuerdo lo feliz que estaba Mario Corea que Maki prologara su libro; Kiyonori Kikutake,(1928-2011); Kisho Kurikawa (1934-2007); Masato Otaka(1923-2010) presentan en 1960 “Metabolismo, propuestas para un nuevo Urbanismo”.

Este trabajo se presentó en el CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna) en 1959.

Proyectos que debían replantearse  las consecuencias de los crecimientos descontrolados.

Utopía e idealismo.

Como el ARCHIGRAM, como Los Beatles.

Algo había llegado para quedarse.

Hipismo, contracultura, etc

El Centro de Prensa y Difusión Shizuoka, es hoy en día un clásico de arquitectura.

Es una torre, del año 1967, inspirada en las teorías de arquitectura orgánica que Tange ya venía desarrollando desde la década pasada.

 

Un difícil terreno triangular de 190 m2 , frente a un paso vehicular elevado. Una columna de servicios donde “enchufar” como en un tablero, cápsulas prefabricadas.

Está en Ginza, uno de los 23 barrios que conforman Tokio.

El cilindro con un diámetro de 7,70 metros tiene 57 metros de altura (con escaleras, ascensores, servicios sanitarios y cocina).

La idea de “enchufar” más capsulas no se cumplió nunca, esto mismo también ocurrió con las cápsulas del edificio Nakagin Capsule Tower deKisho Kurokawa (1934-2007) de 1972.

El ESPACIO y sus sentidos

Espacios, un número de sentidos que reivindica para la arquitectura el sentido de la espacialidad. (Esta introducción acompaño el segundo volumen del libro +Casas –Houses – Haüser)

…..Me levanto, dispongo la pregunta acuciosa, suicida, inevitable del aprendiz: -¿Me enseña usted, maestro? Antoni Plàcid Guillem Gaudi i Cornet se levanta sin mirarme, arrastra los pasos y, casi con el mismo susurro del agua que corre plácida por la boca de su dragón, contesta:         -El árbol al lado de mi taller, ese es mi maestro.

Originalmente la intención era escribir un artículo que fuera recrear la introducción al libro que editamos en la editorial HK, con el título de +Casas –Houses – Haüser, ISBN 978 8496 3046 28 pero releyéndola, me he entusiasmado

Es necesario encontrar un carácter un poco distinto al de la mera introducción de un libro que presenta obras, en este caso, no introduce nada, por lo que a partir de aquí me dedicare a completarla, corregirla, y derivar hacia ideas que puedan permitir preguntas del tipo, el espacio es un lugar?.

 Alli voy…

El primer libro Houses-Casas-Haüser ha tenido una enorme aceptación en todo el mundo. Se han firmado acuerdos de coedición en varios idiomas y ello nos ha alentado a seguir con la difusión de más proyectos –más casas- en este segundo volumen.

En la introducción de ese primer libro, nos preguntábamos acerca de las casas, las ciudades y los arquitectos; hoy lo hacemos sobre los espacios, porque entendemos que hay una estrecha relación entre espacio, diseño y arquitectura. Cuidaremos de distinguir, sin embargo entre una obra de arquitectura y una construcción, ya que como menciona Nikolaus Pevner (1902 -1983)  “…Casi todo lo que encierra un espacio en una escala suficiente como para permitir que un hombre se mueva en él es una construcción; el término arquitectura se aplica exclusivamente  a edificios proyectados con el propósito de suscitar una emoción estética.” (Nota 1)

Sabemos también que existe una directa relación entre el diseño y su pertenencia a un tiempo –nos sea propio o ajeno-”… allí donde todo es nuevo, donde todo es otro.” (Nota 2)

Tiempo inscrito en un mundo que se caracteriza por cambios e innovaciones constantes: “….este a veces cambia, cuando puede conectarse con un nuevo espíritu, quizás distinto al de su época” (Nota 1 op. cit.), ya que respeta algo que le es profundamente humano.

Son amplias, generosas y bien fundamentadas las definiciones que tenemos del espacio, aunque no por ello deja de constituir en sí mismo un enigma que necesitamos reconocer y desvelar entre todos, ya que “… la experiencia espacial es una función biológica de todos, no solo un privilegio de arquitectos talentosos” (Nota 3)

Nos referimos al espacio como capacidad, volumen, dimensión, extensión, o lugar y podremos incluirlo como sustancia de la arquitectura si aceptamos que “…la clave de la arquitectura estriba en domina el problema del espacio”  (Nota 1 op.cit.)

Así identificar el problema, detectamos también el camino para encarar su posible solución, y muchas veces arribar a ella. Sobre todo si hacemos nuestras las preguntas que solía hacerse Le Corbusier, ¿Cómo? Y ¿Por qué? : “…he experimentado en una vida desprovista de quietud, en una vida llena de incesantes inquietudes, la profunda alegría del cómo, y del porque”. (Nota 4)

Los físicos definen el espacio como la relación entre la posición de los cuerpos y, en el campo de lo imaginario, como un mundo irreal creado o quizá fingido por la fantasía. De hecho, en literatura, la fantasía y los sueños –que son también expresiones de nuestra personalidad- anidan en espacios habitables.”… observando tu cocina se puede, pues, deducir una imagen de ti como mujer. Extrovertida y lúcida, sensual y metódica, que pone el sentido práctico al servicio de la fantasía” (Nota 5)

En “La casa de Roderick Usher” descrita por Edgar Allan Poe (1809-1849“…existen, sin lugar a dudas, combinaciones de objetos naturales muy simples que tienen el poder de afectarnos…” (Nota 6)

“La arquitectura es una cuestión de sueños y fantasías, de curvas generosas  y de espacios amplios y abiertos.” Oscar Niemeyer

Espacio Definiciones

Volviendo al campo de las definiciones, se acepta que espacio es el continente de todos los objetos sensibles que coexisten, así como la capacidad de un terreno, un sitio o un, lugar, e incluso el mero transcurso del tiempo.

Matemáticamente es posible definirlo como la relación de unos conjuntos con ciertos postulados, también como la separación entre letras de un texto o cada una de las partes de un programa de radio o de televisión.

Hablamos de espacio aéreo, o del que ocupan los planos de las órbitas de los planetas en su rotación alrededor del sol. También se considera espacio el ámbito territorial de colectividades y pueblos….y así continúan inagotables definiciones de la palabra espacio.

László Moholy-Nagy  (1895-1946) dice al respecto: “El espacio se define por la interpretación de lo interno y lo externo, lo superior y lo inferior y en el juego de las fuerzas existentes en loa materiales y sus relaciones en el espacio (Nota 3 op. cit.)

El espacio  no solo tiene éstas y otras definiciones, sino que además se le añade la calificación “para” o de muchísimas cosas:

Espacios de la construcción, protegidos, naturales, verdes, urbanos, rurales, públicos, al aire libre, recreativos, culturales, reducidos, modulares, abiertos, y en un ámbito aún más amplio, espacios deportivos, publicitarios, virtuales, alternativos, políticos de expresión, sin humo…

“La arquitectura no es la búsqueda de utilidad o practicidad. La arquitectura es belleza.  No existe ni puede existir otro tipo de arquitectura” Konstantian Melnikov

1.-ESPACIOS Y EXISTENCIA

Llegados a este punto, y dada la variedad y complejidad de los aspectos que pueden analizarse que nos ayuden a definir el espacio, vamos a acotarlo, refiriéndonos a él, dentro del campo de la arquitectura, como introducción de este libro que muestra obras de arquitectura y, en particular casas.

Un espacio no es solo un mero refugio que nos protege del frío y de los peligros, ni un recinto cerrado o una invariable disposición de habitaciones, sino un elemento orgánico de la vida. Dentro y entre muros, paredes, mamparas o una combinación de todos ellos, se conforman los espacios. Con diversas características, y con un complejo manejo de ellas. Muchas descripciones del espacio o de los espacios nos son ofrecidas con especial lucidez por escritores y arquitectos, y nos ayudan con sus comentarios y narraciones a entender su carácter: “…En una cocina hay demasiado ruido de loza y vidrios para que otros sonidos irrumpan en ella. Muy pocas veces permitíamos allí el silencio…” (Nota 7)

Julio Cortázar (1914-1984) habla de dimensiones y también del tiempo-espacio como sinónimo de magnitud, un concepto que lo incluye y lo supera: “…Nos gustaba la casa porque aparte de espaciosa y antigua. (Nota 7 op cit.)

Entonces comprendemos que son espacios que se recorren, porque entre otras cualidades tienen un destino: “…Se entraba a la casa por un zaguán con mayólica, y la puerta cancel daba al living.”

Italo Calvino (1923-1985) en “Si una noche de invierno”, un viajero nos describe espacios para el encuentro y eso incluye, por lógica, el desencuentro (no solo con su personaje Ludmilla). “Ahora no estoy en casa, pero no tardaré. Si llegas antes, puedes entrar y esperarme…”,espacios que tienen la vocación de invitar a la comunicación y a la lectura. “hecho de tinta y de espacios tipográficos, pueden convertirse en vuestras, un lenguaje, un código entre vosotros, un medio para intercambiaros señales y reconoceros.”

Y así Henning Mankell (1948-2015): “¡Vaya! El espacio cibernético trastorna las mentes de las personas –sentenció Martinson-. Este apartamento fortificado me produce náuseas. En efecto, había utilizado una palabra: “El espacio”…Aquel espacio que decía se mostraba silencioso.” (Nota 8)

A diferencia de otras artes, en la arquitectura hay motivos estéticos sin propósito ni intención aparente, pero que determinan el carácter del espacio. “El espacio pertenece al mundo y a las consideraciones del espíritu, aunque integre lo estético y lo funcional…”

Ser y estar. En los espacios somos y también estamos. Somos y por ello conformamos un hábitat donde estamos. “Tu casa, al ser el lugar donde lees, puede decirnos cual, es el lugar que los libros tienen en tu vida.”

En los espacios también hay luces y miradas. “Débiles rayos de una luz roja abríase paso a través de los cristales enrejados, dejando lo bastante en claro los principales objetos de alrededor; la mirada, empero, luchaba en vano por alcanzar los rincones lejanos de la estancia, o los entrantes del techo abovedado y con artesones.” (Nota 6 op. cit.)

“El sol nunca supo de su grandeza hasta que incidió sobre la cara de un edificio”. Louis Kahn

2.-ARQUITECTURA, GENERADORA DE ESPACIOS

La principal característica de la arquitectura (y lo que la diferencia de la pintura, y de la escultura) es su sentido espacial.

El espacio pertenece al mundo de las consideraciones del espíritu, aunque integre lo estético y lo funcional, porque “la historia de la arquitectura es la historia del hombre en su labor de organizar y dar forma al espacio.” (Nota 1 op. cit.)

Para apreciar la arquitectura es necesario poseer “la capacidad funcional de captar el espacio”.

Se necesita acumular una gran experiencia antes de poder captar realmente el contenido esencial del espacio articulado. Lamentablemente, esta forma de encarar la arquitectura es excepcional: “La mayor parte de la gente busca aún características de estilo, tales como pilares dóricos, capiteles corintios, arcos románicos, ventanales góticos, etc.”

Para László Moholy-Nagy (1895-1940) 

“Toda arquitectura –tanto sus partes funcionales como su articulación espacial- debe ser concebida como unidad. 

Sin esta condición, la arquitectura se convierte en una simple reunión de cuerpos vacíos, que podrá ser técnicamente factible, pero nunca brindara la emocionante experiencia del espacio articulado”. (Nota 3 op.cit. y comentarios 1)

“La arquitectura es una música de piedras y la música, una arquitectura  de sonidos”. Ludwig van Beethoven 

3.- EL ESPACIO Y LA VIVIENDA

En una parte de la edad media (siglos X al XIII), no se vivía en las casas, se acampaba en ellas y los muebles eran móviles y portátiles; en la edad media, tampoco existían los restaurantes, los bares y los hoteles. Las casas se llenaban de gente y los espacios “parecían o eran entonces más pequeños.” (Nota 9)

“El sótano era un ámbito sereno, reconciliado, trascendente y sin un solo libro en las paredes o por el suelo. Allí no penetraba la literatura, ni el mal …El sótano era el lugar convivencial y oral, el hábitat de la fidelidad, en donde el tiempo, no siendo eterno porque era un tiempo de humanos, no dejaba de ser, sin embargo, interminable…Se ve que tienes la costumbre de leer varios libros al tiempo que eliges lecturas distintas para las distintas horas del día, para los diversos rincones de tu reducida morada: hay libros destinados a la mesilla de noche, los que encuentran su lugar junto a la butaca, en la cocina, en el cuarto de baño. Entiendo que hay varios libros necesarios.” (Nota 10)

Pero no siempre ha sido así, a lo largo de los siglos, conceptual y materialmente muchas cosas han cambiado, ya que la tecnología y los avances en el ámbito del diseño han modificado sustancialmente la conformación de los espacios y sus características; muros más delgados, ventanas más amplias, equipamiento más ligero y cómodo, o lo que hoy entendemos como comodidad.

El espacio es un vacío, una bolsa de aire que debe ser contenida para definir un límite. Esta precisión coincide con la existencia indispensable de su alrededor, que le otorga identidad. Diseñar espacios es diseñar las posibilidades de la vida, con límites de material. El espacio se define por la forma, la textura, el color, la temperatura, el olor, la luz. También como un vacío, un proceso mental de control sobre la construcción, donde el espacio está en el centro; añadiendo sustracción, construyendo excavación. Se desplaza el centro de la experiencia desde la forma a la vida. A la vanguardia, el espacio: casi autónomo, casi absoluto. Aires Mateus

4.-HousesCasas-Häuser

Adolf Behne (1885-1948) ya nos advertía admonitoriamente “Es tan factible matar a un ser humano con una vivienda como con un hacha”.

No todos, sin embargo, comulgaban con esta idea catastrófica.

Hans Sharum (1893-1972) afirmaba: “El hombre está obligado y vinculado con su espacio correspondiente y con el tiempo cambiante; los crea y al mismo tiempo lo definen a él. Así, el espacio en el que vivimos según su sentido y su esencia no tiene una naturaleza estática sino dinámica”.(Nota 11)

Como colofón de esta introducción, nos remitimos a las fuentes.

El ingeniero Marco Vitruvio (80-70 a.C-15 a.C.) (Marco Voltruvius Pollio), facilitó la difusión del conocimiento de la arquitectura entre un público numeroso, con su obra “Los diez Libros de arquitectura”

-me remito a mi artículo http://onlybook.es/blog/andrea-palladio-los-tratados-de-arquitectura/-.

Allí se nos dice que en toda construcción deben considerarse tres aspectos sin los cuales ningún edificio merecerá ser “alabado”: la utilidad o comodidad, la perpetuidad y la belleza. Y esto porque, como  nos aclararía varios siglos más tarde Palladio “… no podría llamarse perfecta aquella obra que fuera útil pero por poco tiempo; o bien que aunque duradera no fuese cómoda; bien que teniendo ambas cualidades no tuviera ninguna gracia en sí”. (Nota 12)

La edición más famosa del libro de Vitruvio es la ilustrada justamente por Andrea Palladio (Andrea di Pietro della Gondola 1508-1580), quien en 1570 da a la imprenta su propio tratado teórico. “Los Cuatro Libros de Arquitectura”, que incluye grabados de edificios antiguos además de proyectos propios y obras terminadas.

Paladio fue, quizás, el arquitecto más importante de la segunda mitad del siglo XVI ( sin olvidarnos de Filippo Bruneleschi (1377-1446), Leone Battista Alberti (1404-1472) y Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), e influyeron tanto sus obras como sus tratados; entre ellos, no podemos dejar de mencionar las antigüedades de Roma.

En el primero de los cuatro libros de arquitectura se trata de las casas privadas, explica a su benefactor, el conde Giacomo Andanno, que ha escrito las “advertencias necesarias que deben observar todos los claros ingenios que estén deseosos de edificar bien y hermosamente… y para que las obras sean bellas, graciosas y duraderas…” 

Y continúa “…He tomado como maestro a Vitrubio…y he comenzado por las casas privadas, pues nos suministran conocimientos para los edificios públicos, siendo muy verosímil que al principio el hombre viviese solo, y después, viendo la necesidad de la ayuda de los demás para conseguir las cosas que le pudiesen hacer feliz (si alguna felicidad se encuentra aquí abajo), deseara y amara naturalmente la compañía de otros hombres.

Por lo que de muchas casas se formaron aldeas, y después de muchas aldeas las ciudades, y en ella los lugares y los edificios públicos; asimismo porque entre todas las partes de la arquitectura ninguna es más necesaria a los hombres”. (Nota 12 op. cit.)

Debemos recordar que cien años antes era Alberti quien, también inspirado por la obra deVitrubio, había realizado y publicado estudios que contribuyeron a elevar la arquitectura a la categoría de arte, dejando de ser considerada un oficio más.

“Convencidos de que la casa sigue siendo hoy en día un núcleo fundamental de experimentación de nuevas concepciones del espacio“(Fabio di Veroli), presentamos una selección de casas proyectadas por cualificados arquitectos y emplazadas en diferentes lugares.

Son las respuestas de profesionales al reto de dar forma al espacio. Artífices que, como Jorge Oteiza (1908-2003), orquestan la luz en el vacío de las aristas destinadas a ser, -en este caso- a habitar.

Algunos en la orientación que aquí planteamos, otros en una distinta,

¿Es que acaso cabe una sola interpretación de lo que es el espacio?

“…La arquitectura es la elaboración reflexiva de los espacios. Se trata de la creación de espacios que evocan un sentimiento de uso apropiado… Louis I. Kahn

 
       Vista del Panteón desde terrazas cercanas de Roma

¿Que escriben los que escriben sobre el espacio?

El concepto del espacio toma un sentido más amplio, si al interior lo articulamos con el exterior. El vínculo entre el edificio arquitectónico y el exterior crea el espacio urbano es difícil discernir si la ciudad define a los edificios o estos a ella, en cuanto que ambas se realimentan.

Sigfried Giedion (1888-1968) en su libro “El Presente Eterno: los comienzos de la arquitectura” (1964), clasifico en 3 estados la concepción arquitectónica del espacio, y la relación del interior con el exterior.

Primer estado.- Las civilizaciones de la antigüedad (Egipto y Mesopotamia), dieron gran importancia al espacio exterior utilizando para ello grandes volúmenes (monumentos). Los espacios interiores eran como espacios vacíos. (Ejemplos de esta fase son en Estambul las cúpulas de Hagia Sophia –Santa madre Sofía-,; tardo barrocas de Borromini, Guarini, etc.).

Segundo estado.-a partir de la mitad de la época romana. El objetivo principal de la arquitectura es el diseño de los espacios interiores. Desde el Panteón romano hasta el siglo XVIII, el abovedamiento permitió la creación de espacios para el desarrollo religioso y secular. Es la arquitectura romana la que da especial significación a los espacios tanto públicos como privados y su interrelación.

Tercer y último estado.- En los siglos XIX y XX, se alcanza la interrelación de los espacios interiores y exteriores. Tiene elementos de los 2 estados anteriores. Son los romanos los que entienden al espacio como un lenguaje arquitectónico. Busca – a diferencia del mundo helénico- fuera del hombre, buscando un lugar espacial para él. Se expresa diseñando los espacios, y ya a partir de esa expresión define y hace comprender la arquitectura.

La caracterización del espacio. Que mejor ejemplo que El Panteón

El Panteón consagró para siempre en arquitectura esa luz apacible y difusa, elevado a la categoría de mágica en horas del crepúsculo, enfatizando las proporciones. Su belleza espacial es perfectamente percibida, aun sin saber del porqué.

El Panteón (Pan = todos Theon = dioses) templo construido a comienzos del imperio romano y dedicado a todos los dioses. Idea de Agripa (63-12AC) general y político romano.

En el frontón pone (M·AGRIPPA·L·F·COS·TERTIVM·FECIT) “Marco Agripa, hijo de Lucio, cónsul por 3era vez lo hizo”, el 3er consulado indica que es del 27 AC.

 

Fue reconstruido luego de diversos incendios (80 y 110 DC) por Adriano que se cree lo inauguró entre 125 y 128 DC. A ciencia cierta no se sabe quién fue el arquitecto, ya que se supone fue el mismo Adriano o Apolodoro de Damasco (60-130 DC) arquitecto sirio que se lo llamo “el Damasceno”. (Nota 15)

Datos del Panteón

Apolodoro de Damasco

El diámetro de la cúpula es de 43,44 m (150 pies), Es la mayor cúpula de hormigón en masa de la historia. Tiene un pórtico de 8 columnas que da paso a la enorme rotonda de 43,44 mts (150 pies) de diámetro. La altura total es igual al diámetro de la bóveda, por lo que se puede inscribir una esfera completa en el espacio interior (el cilindro tiene una altura igual al radio).

La bóveda está  decorada con casetones que  permiten reducir el peso sin debilitar la cubierta, posee un gran óculo –ojo- de 10 metros de diámetro, única abertura para la iluminación y ventilación del interior cuando se encendían ofrendas. Está apoyada sobre 8 pilares de 6 metros de ancho, calados con nichos.

La cúpula es semiesférica, formada de hormigón con cascotes de tufo y volcánica, posee 5 anillos.

El cambio de material utilizado de hormigón para el primer anillo de la cúpula, hasta piedra pómez para las demás, es para aligerar su peso

Toda su cubierta estaba revestida de bronce, que fue desmontado en 2 etapas, Flavio Valerio Aurelio Constantino (272-337) la llevo para la ciudad que estaba creando Constantinopla (Nota 16) y 1300 años más tarde el arquitecto Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) desmontó lo que quedaba para usarlo en la construcción del Baldaquino de San Pedro, en el Vaticano. Posee 2 puertas de 21 metros de altura revestidas en bronce, que son “puertas originales”, y el solado de mármol fue una reconstrucción del siglo XIX  siguiendo el trazado original.

El suelo es convexo, con varias perforaciones en su perímetro para que el agua de la lluvia que entre por el óculo no inunde el suelo. El efecto sorpresa al cruzar las 2 puertas y entrar al espacio circular debía ser, como lo es hoy, impresionante

Convertido en iglesia cristiana consagrada a Santa María de los Mártires y ya en la Edad Moderna fue sede de la Academia de los Virtuosos de Roma. Alli descansan los restos de Rafael, Vignola y Annibale Carracci así como el rey Víctor Manuel II, su hijo Humberto I y su esposa Margarita. En 1980 el centro histórico de Roma, incluyendo el Panteón, fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Hay una intencionalidad espacial en el uso de columnas, pilastras, cornisas y las hermosas y superfluas columnas corintias  (que nada sostienen) de los vanos de los nichos, que están allí como respeto y continuidad  a la tradición constructiva sobre todo de la dinastía Flavia y sus 27 años de reinado.

El Panteón tiene diseño angélico y no humano. Miguel Angel 

Es el Panteón de Roma –siglo II AC- el que nos hace tomar conciencia del espacio.

Una planta cuadrada abovedada, un espacio único sin aberturas laterales. Ese espacio, podemos caracterizarlo como único, con límites precisos, de planta unitaria, definida, de medidas iguales, centrado y equilibrado, el edificio se conecta al exterior mediante un cuerpo intermedio que finaliza en un pórtico helenístico. Alois Riegl: (1858- 1905) “El espacio del Panteón”.

Es recién con los arquitectos del Quattrocento, cuando se incorpora la lógica de las relaciones espaciales, basados en la armonía, el orden y la simetría.

Es Vitrubio quien expresa la idea arquitectónica de la proporción, y que la armonía en un edificio bello se basaba en las proporciones humanas o en la Naturaleza. (la euritmia definida por Vitruvio que escribe: “Cuando todas las partes importantes del edificio están convenientemente establecidas en proporción mediante la adecuada correlación entre alturas y anchuras, entre anchura y profundidad, y cuando todas estas partes también tienen su lugar en la simetría total del edificio, obtenemos euritmia” ( eu– bello, armónico y ritmia-ritmo.)

Entiende la simetría como cualidad, como proporción de las partes.

“Simetría es la conveniente correspondencia entre los miembros de la obra, y la armonía de cada una de sus partes con el todo: pues así como se halla simetría y proporción entre el codo, pie, palmo, dedo y demás partes del cuerpo humano, sucede lo mismo en la construcción de las obras (Nota 13) haciendo mención a Leonardo. (Nota 14)

Alberti teoriza estos conceptos, recupera la ley de las proporciones de Vitruvio, incorporando los aspectos religiosos y filosóficos, por los que era debido a un orden superior la guía de los principios geométricos.

Videos del Panteón

1.-  https://youtu.be/PFTlZ6mLl50?t=3

2.- https://youtu.be/2P0FUjTmDWs?t=5

3.- https://youtu.be/UzAhpdo4RSI?t=245

4.- https://youtu.be/2Tye02m9UWY música: banda sonora Game of thrones.

Comentarios sobre algunas actores -principales y secundarios- mencionadas en el artículo

1.- László Moholy-Nagy  (1985 – 1946). Fotógrafo y pintor húngaro, a la renuncia de Johannes Itten (1888-1967) como director del curso de metal László se hace cargo de dirigir el curso. Fue profesor y junto a su mujer Lucia (Schulz) Moholy 1894-1989)se convirtió en el precursor de la fotografía Bauhaus.

La edición del octavo volumen de la Bauhaus de su trabajo “Pintura, Fotografía, Film”, aparecida en 1925, es uno de los pilares de la fotografía al establecer una relación entre ella y la pintura. La clasificaría como un medio para dar forma al color (la pintura) y la fotografía un instrumento de fenómeno de la luz.

Durante 8 años (desde 1922 a 1930) trabajo en una serie de planos metálicos perforados (Modulador luz-espacio) con efectos de luces y sombras.Alexander Rodchenko (1891-1956) había trabajado previamente con un modulador en el que sólo se buscaban sombras.

                                                                                                                                            Notas

Nota 1: Nikolaus Pevner (1902 -1983), Breve historia de la arquitectura europea.

Nota 2: Julio Cortázar (1914 – 1984) Paris, ritmos de una ciudad.

Nota 3: László Moholy-Nagy  (1985 – 1946). La nueva visión. Principios básicos del Bauhaus.

Nota 4: Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret-Gris, 1887 – 1965), Precisiones respecto a un estado actual de la arquitectura y el urbanismo.

Nota 5: Italo Calvino (1923 – 1985). Si una noche de invierno un viajero.

Nota 6: Edgar Allan Poe (1809 – 1849). La caída de la casa Usher.

Nota 7: Julio Cortázar, Casa Tomada.

Nota 8: Henning Mankell (1948), Cortafuegos.

Nota 9: Witold Rybczynski (1943), La casa: historia de una idea

Nota 10: Féliz de Azúa (1944), Benet en casa.

Nota 11: Hans Scharoun (1893-1972). Escritos.

Nota 12: Andrea Palladio (1508-1580). Los Cuatro Libros de Arquitectura.

Nota 13: del capítulo II. De que cosas consta la Architectura, libro 1ero. Los 10 libros de la arquitectura de Marco Lucio Vitruvio Polion.

Nota 14: Leonardo en sus notas indicaba una escala “palmos”. Debajo de su dibujo están en “codos”. Cada codo está dividido en seis palmos, y los últimos palmos están divididos en cuatro dedos cada uno. El “hombre de Vitruvio” obra de Leonardo con los brazos extendidos mide exactamente cuatro codos de ancho y también cuatro codos de altura.

La Proporciones del Hombre de Vitruvio

“Vitrubio el arquitecto, dice en su obra sobre arquitectura que la naturaleza distribuye las medidas del cuerpo humano como sigue: que 4 dedos hacen 1 palma, y 4 palmas hacen 1 pie, 6 palmas hacen 1 codo, 4 codos hacen la altura del hombre. Y 4 codos hacen 1 paso, y que 24 palmas hacen un hombre; y estas medidas son las que él usaba en sus edificios.

La longitud de los brazos extendidos de un hombre es igual a su altura. Desde el nacimiento del pelo hasta la punta de la barbilla es la décima parte de la altura de un hombre; desde la punta de la barbilla a la parte superior de la cabeza es un octavo de su estatura; desde la parte superior del pecho al extremo de su cabeza será un sexto de un hombre. Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo. Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte del hombre. La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte de un hombre. Desde el codo a la punta de la mano será la quinta parte del hombre; y desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte del hombre.

Nota 15: Apolodoro fue uno de los grandes arquitectos de Roma, con clara influencia helénica, entre sus obras (sirviendo al emperador Trajano), el Puente de Trajano, los mercados del Quirinal en Roma, las termas de Trajano, el foro de Trajano -con la Basilica Ulpia-, mercado de Trajano. Y la imponente Columna de Trajano de 40 metros de altura y 4 metros de diámetro, completamente tallada donde se narra la historia de la victoria de Trajano contra los Dacios.

Nota 16: Constantino es conocido también por haber refundado la ciudad de Bizancio (actual Estambul, en Turquía), llamándola «Nueva Roma» o Constantinopla (Constantini-polis, la ciudad de Constantino).

Hugo A. Kliczkowski Juritz
permitida su utilizacion citando la fuente
Abril 2018

Suecia, Mälmo , El Turning Torso de Santiago Calatrava

Suecia, Malmo Torre de Calatrava

Apenas llegamos a Mälmo, fuimos a ver la torre.

Sabía visualmente de sus características, pero necesitaba sentir como era ver su dimensión (54 pisos y 190 metros).

Johnny Örback, era en ese momento el director gerente de la cooperativa sueca de viviendas HSB, que fuera fundada en 1923 y es la actual propietaria de la torre. HSB es la mayor cooperativa de Suecia.

Esta torre está basada en una escultura de Santiago Calatravallamada “Twisting Torso” que es la forma en que un ser humano gira sobre sí mismo, realizada en mármol blanco.

Bautizaron “Turning Torso” a esta torre que el arq ing Santiago Calatrava finalmente construyo en Suecia.

Ubicada a 512 Km de Estocolmo en la ciudad de Mälmo, a las orillas del estrecho de Öresund. Se inauguró en Agosto de 2005 con 147 unidades residenciales.

Es extraño ver su torsión, y los elementos estructurales externos. Pero no son excesivos (debo reconocer que fui a verla con un poco de prejuicio por las polémicas que Calatrava ha causado y causa), ni en su cantidad ni su tamaño, hasta diría que me agrado su simplicidad dentro de su complejidad.

Emplazada en una zona nueva, muy cerca del puente/túnel que une Suecia con Dinamarca, es una obra de ingeniería muy compleja que une las ciudades de Mälmo -Suecia- con Copenhague -Dinamarca-.

Toda la zona tiene lugares de esparcimiento como restaurantes, al borde del río un paseo muy bien diseñado donde se circula en bicicleta, se usa para realizar gimnasia, tomar sol, e ir de compras en comercios y galerías, etc.

Alrededor de esta torre muy alta (la más alta de la península escandinava) hay muchas viviendas y comercios, muy bien diseñados y mejor construidos.

Me llamo la atención que ya en ese momento (era 2015) la torre (como la Torre Eiffel en París), era el símbolo de la ciudad y había todo tipo de merchandising con su

imagen.

En agosto de 2015, recibió el premio 10 Year Award del Council on Tall Buildings and Urban Hábitat. ( concedido por el Consejo de Edificios Gran Altura y Hábitat Urbano (CTBUH).

En 2005 obtuvo el primer puesto del Emporis Skyscraper Award.

La película “El socialista, el arquitecto y la torre”  trata, como lo indica la sinopsis de Filmaffinity:

” En 1999 el socialdemócrata Johnny Örbäck, director general de una cooperativa de viviendas en Malmö decide encargar a Santiago Calatrava la construcción de un edificio único en los viejos astilleros de la ciudad, la ‘Turning Torso’, una torre de 190 metros de altura que se retuerce sobre sí misma y que fue nombrada como el “mejor proyecto de edificio residencial del mundo” en Cannes. Los años pasan y el proyecto se retrasa. El presupuesto se excede en casi 85 millones de euros y Johnny Örbäck tiene que soportar la presión de los empresarios y de los ciudadanos de Malmö, que no entienden por qué una cooperativa como la HSB no construye pisos asequibles para la población. El director entra en las vidas de los protagonistas y vive en primera línea sus sueños y frustraciones. Una mirada única al mundo de la arquitectura y sobre qué pasa cuando la visión artística choca con la dura realidad.

Otra:

Hay un CDR editado por la FCA (la Fundación caja de arquitectos de Cataluña) donde se ha filmado todo lo que ha habido alrededor de la torre, que no ha sido poco por los sobrecostes y atrasos.

Creo a pesar de los pesares, y muchas consideraciones, que la torre es una maravilla.

Le Corbusier – Heidi Weber

HEIDI WEBER – AUSSTELLUNGSIMPRESSIONEN

AUSSTELLUNGSIMPRESSIONENLe Corbusier EL ARTISTA Arte PRO Entrevista Arq.Arq. Leonardo Noguez – Heidi WeberLeihgeber: Heidi WeberQuelle:Historisches Archiv, Heidi Weber

Publicada por Le Corbusier by Heidi Weber en Domingo, 29 de mayo de 2016

Le Corbusier, pabellón en Suiza

(…) ” siempre hemos considerado el pasado como algo que no está muerto, sino que representa una parte inseparable de nuestro pasado.” sigfried giedion, Historiador de arquitectura suizo

THE ORIGINAL 1967 – 2014

(…) „wir haben die Vergangenheit immer als etwas betrachtet, das nicht tot ist, sondern einen untrennbaren Teil unserer Vergangenheit darstellt." (Sigfried Giedion, schweizer Architekturhistoriker)

Publicada por Le Corbusier by Heidi Weber en Miércoles, 1 de marzo de 2017

Bauhaus 3 El año Bauhaus x 100. Amos Oz

Una Historia de amor y oscuridad
Amos Oz
editorial SIRUELA

………..Una mañana temprano, puedo decir hasta la fecha y hora exactas, tres días antes de que acabara el año 38, el miércoles 28 de diciembre de 1938, poco después de la fiesta de Januká, un día muy claro, casi sin nubes, a las seis de la mañana me puse un jersey y una cazadora, subí a la cubierta y miré la línea gris de nubes del horizonte.

Debí de estar casi una hora mirando y solo vi unas cuantas gaviotas. Y de repente , de golpe, sobre la línea de nubes apareció el sol invernal y bajo la línea de nubes despuntó la ciudad de Tel Aviv: filas y filas de casas cuadradas, blancas, completamente distintas a las casas de ciudad y a las casas de pueblo polacas y ucranianas, completamente distintas a Rovno, Varsovia y Trieste, pero muy parecidas a los cuadros que había en todas las aulas del Tarbut, desde las guarderías a los institutos, y también a los dibujos y fotos que el profesor Menahem Gelerter nos enseñaba. Por tanto me quede sorprendido pero al mismo tiempo no.

 

 

No puedo describir la alegría que de repente me inundó la garganta, de pronto solo quería gritar y cantar,¡ES MÍO!, ¡todo esto es mío !¡De verdad es todo mio! Es extraño, nunca antes, ni en nuestra casa, ni en nuestro jardín de árboles frutales, ni en el molino de harina, jamás tuve una sensación tan fuerte de completa pertenencia, la alegría de la posesión, ¿entiendes a lo que me refiero?

Nunca en la vida, ni antes de esa mañana ni después, sentí una alegría así: por fin aquí podría correr las cortinas, olvidarme de los vecinos y hacer lo que quisiera.

Aquí no tendría que ser educada, no tendría que avergonzarme de nadie, no tendría que preocuparme por lo que pensaran o dijeran de nosotros los campesinos……..ni causar buena impresión a los gentiles……¡ Esa fue la sensación que me embargó cerca de las siete de la mañana, ante una ciudad donde nunca había estado, ante una tierra que ni siquiera había pisado, ante una extrañas casas blancas distintas a las que había visto siempre.

 

 

 

Bauhaus 2 El Año Bauhaus x 100. Ciudad Blanca de Tel Aviv

El año Bauhaus x 100

Tel Aviv

La Unesco aceptó la recomendación de Mayo de 2003 de incluir a Tel Aviv en el listado “The World Heritage”.

La llamada Ciudad Blanca -140 ha. del centro urbano de Tel Aviv- fue inscrita en la reunión 27 de la UNESCO, resolución 1096 del 3 de Julio del 2003.

La Ciudad Blanca cuenta con más de 4.000 edificios construidos entre 1931 y 1956, de los que 2.087 están protegidos y 120 deben ser estrictamente preservados.
Se puede ver el texto completo en:
http://whc.unesco.org/en/decisions/718
Es así que desde julio de 2003, la “Ciudad Blanca de Tel Aviv” es Patrimonio de la Humanidad por la “síntesis de importancia excepcional de diversas tendencias del Movimiento Moderno en arquitectura y urbanismo de los inicios del siglo XX”.
Tel Aviv se fundó en 1909, y con motivo del 50 aniversario de la ciudad, en 1959 el pintor y escritor Nachum Gutman (1898-1978) realizo publicaciones buscando ésta declaración de la Unesco.
También en 1984 en el 75 aniversario de la ciudad, el historiador Michael Levin fue comisarió la exposición “A White City, International Style Architecture in Israel. Portrait of an Era”, en el Museo de Arte de Tel Aviv.
La exposición viajó al Jewish Museum de Nueva York y se editaron dos catálogos:
“A White City, International Style Architecture in Israel. Portrait of an Era” por M. Levin y
“A White City, International Style Architecture in Israel” fotografía de Judith Turner
En 1994, durante el 75 aniversario de la fundación de la Bauhaus en Weimar (1919), con el auspicio de la UNESCO y el ayuntamiento se realizó la “World Conference on the International Style in Architecture” para llamar la atención sobre el invalorable patrimonio arquitectónico y su necesidad de conservación.
Se celebró entre el 22 y 28 de mayo y fue dirigida por Michael Levin, Nitza Metzger–Szmuk y Catherine Weill–Rochand.
Incluyó diecisiete exposiciones; entre ellas:
– una reposición de la de 1984.
– la fotografía en la Bauhaus,
– el Weissenhofsiedlung en Stuttgart.
y muestras de artistas locales como Dani Karavan, quien realizó la escultura Kikar Levana –Plaza Blanca– en Tel Aviv.

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Hemos elegido como imagen la escultura “Red Pumpkin” de la artista y escritora japonesa Yayoi Kusama (1929 en Matsumoto), por la libertad de su creadora, por el lugar donde se encuentra en la entrada a la isla de arte Naoshima, y sobre todo porque simboliza los deseos de averiguar, hacernos preguntas y seguir encontrando sin buscar casi nada……como un FLANEUR

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Hugo Kliczkowski
hugoklico.blogspot.com
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Lina bo Bardi

Lina bo Bardi Exposición en su casa de vidrio en San Pablo

desde el 1 de Abril al 2 de Junio de 2018

Exposición “A CASA COMO CASA” –
CASA RESIDÊNCIA E ESTILO DE VIDA DO CASAL BARDI

direccion:
Rua General Almeiro de Moura 200
en Morumbi, San Pablo
Curadora y directora cultural : Sol Camacho.
De Jueves a Sábado horarios 10h15, 11h45, 14h y 15h30
 
Lina muere en 1992, un año mas tarde con el nombre de Lina Bo y P.M. Bardi se consolida en la que fue su casa una propuesta de difusión cultural en Sao Pablo.(ya funcionaba desde 1990).
Esta exposición es el lanzamiento del nombre INSTITUTO BARDI / CASA DE VIDRIO, para celebrar la reconstrucción de la sala de la Casa de Vidrio, lo mas parecida posible a aquella en la que vivieron los últimos años de su vida Lina y Pietro.
Sol Camacho curadora de la exposición explica que se intento recuperar la atmósfera y el estilo de vida de sus habitantes.
Recordemos que Lina y Pietro eran italianos, y que durante 50 años (1951 a 1999) fue el escenario de los intelectuales italianos que debido a la 2nda guerra mundial, escogieron Brasil como su patria.
Sus amigos, artistas, galeristas, políticos colaboraron en ese clima progresista, y hoy sede del Instituto que difunde cultura por medio del arte, el diseño, la arquitectura y el urbanismo.
Esta “su casa”, no fue solo un ejercicio de arquitectura de vanguardia, experimentación de los proyectos de vanguardia de Lina, sino que fue el lugar intimo donde ambos trabajaban, escribían, proyectaban edificios. muebles y objetos.

India 3 Jaipur Observatorio medieval Jantar Mantar instrumentos

India 3

Un conjunto armónico, una decisión formal.

anteriores, India 1    India 2

1 Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol

2 Dhruva-Darshak Yantra. Instrumento de la Estrella Polar 

3 Narivalaya Yantra. Reloj de sol hemisférico 

4 Dhoop-Ghari. Reloj de sol horizontal 

5. Kranti Vritta Yantra. Instrumento eclíptico

6 Raj Karika Yantra. Gran astrolabio

7 Unnatansha Yantra. Instrumento de altitud

8 Dakshinodak Bhitti Yantra. Muro meridiano

9 A-9- Brihat Samrat Yantra. Gran reloj de sol

9 B. -10- Shashthansha Yantra. Sextante

Las estructuras soportantes, hacen “un todo, formando un conjunto” con las soportadas. No se detecta un capricho formal, sino una decisión formal. Lo que es necesario, es “bellamente necesario”.

Las partes sólidas, protegen de las más frágiles. Las fijas a las móviles. Los materiales cambian en el sentido eficaz de su uso –como en el astrolabio-.

Las miro y una vez más me maravillo, de la total integración de partes “secundarias” que pasan a formar parte del cuerpo principal, como escaleras para acceder, formas externas que permiten funcionar a las formas internas del aparato así se ve en el  Unnatansha Yantra (instrumento de altitud).

No hay oposición, y si la hubiera sería una interacción de cada parte. Conforma un todo, en armonía, donde nada sobra ni tampoco falta.

  1. Raj Karika Yantra. Gran astrolabio

La palabra proviene del griego y significa “buscador de estrellas”, un antiguo instrumento astronómico, utilizado para determinar la posición y altura de las estrellas.

De origen remoto, quizás siglo II, su gran difusión en el mundo islámico se produjo en el siglo VIII, el instrumento más antiguo que se conserva está en el Museo Nacional de Kuwait y es del año 927. (llega a Europa recién en el XII).

Con él localizaban los astros y su movimiento, y les permitía conocer la hora a partir de la latitud o a la inversa a partir de ésta determinar la hora. Útil también para determinar distancias, calcular eclipses lunares y solares, así como la salida y puestas del sol y la luna.

El de Jaipur es uno de los mayores del mundo, pesa 400 kilos y mide de alto 3 metros por 2 de ancho, y uno de los instrumentos más valorados y apreciados del parque.

En su enorme disco de 2 metros de diámetro (aleación de 7 metales) está grabado un mapa celeste. El circulo externo esta graduado en 24 horas (60 ghatikas equivalentes a minutos) y el interno tiene 360 marcas.

Recién en 1750 el “astrolabio”  es reemplazado por el “sextante”.

  1. Unnatansha Yantra. Instrumento de altitud.

Es un importante instrumento.

Compuesto por un gran círculo de metal (diámetro 5 metros), que esta colgado de un soporte de albañilería.

 

De apariencia equilibrada, el pesado círculo está suspendido lo que le permite rotar en su eje vertical, para realizar observaciones astronómicas.

El círculo está compuesto por 4 sectores de 90 º, graduado en 360 º y cada uno de éstos dividido en 10 partes.

El orificio en el centro del instrumento permite colocar una “mira”, que permite determinar la altitud de los cuerpos celestes en cualquier momento del día o de la noche

8 Dakshinodak Bhitti Yantra. Muro meridiano.

Es un auténtico “2 en 1”, Son en realidad dos instrumentos de forma levemente diferente pero con la misma función observacional.

Con 2 caras, la del este, está inscripta en 1 cuadrante de unos 6 metros de radio y la cara oeste un semicírculo de un radio más pequeño.

Están realizados en mármol y graduados en grados y minutos.

Una pequeña estaca en el centro permite calcular la altitud de los cuerpos celestes y la declinación del sol.

9 A -9- Brihat Samrat Yantra. Gran reloj de sol

Es en proporción 5 veces más grande que el Nº 1, (Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol), por lo que marca el tiempo con una precisión 10 veces mayor.

 

La base de este triángulo rectángulo tiene 44 m de longitud y su hipotenusa, con un ángulo de 27º, alcanza una altura de 27 m.

 

 

A ambos costados del triángulo dos gigantescos cuadrantes de 15 m de radio, graduados en horas, minutos y segundos, sobre los que la sombra del “gnomon” se mueve a razón de 4 m/h, es decir 6 cm/min.

 

Al estar dividido cada minuto en 30 fracciones, tiene una precisión de dos segundos.

Mediante la sombra del “gnomon” (varilla fina) se puede  calcular la hora local, el momento del paso solar por el meridiano, la distancia al cénit y la declinación y la altitud de los cuerpos celestes. Los cálculos pueden hacerse también de noche con ayuda de un hilo de rosca.

Aunque parezca increíble, este instrumento es el que más uso tiene hoy en día. Durante los días de luna llena de junio y julio se reúne aquí un grupo de astrólogos para estudiar el movimiento y la dirección del viento, con el objeto de predecir las lluvias. Con este propósito, se iza una banderola de tela fina a la puesta de sol. Si la banderola muestra una brisa del oeste, esto indica unas buenas cosechas del monzón.

Si el viento tiene dirección sur, las posibilidades de lluvia son escasas, lo que significará malas cosechas y hambrunas. Los monzones siguen siendo un factor decisivo en la productividad de las cosechas.

 

 

 

 

 

        

9 B -10-  Shashthansha Yantra. Sextante.

Es una sala oscura, con 2 arcos adyacentes de 60 º cada uno.

Al mediodía, cuando el sol cruza el meridiano de Jaipur, los rayos caen en los arcos graduados, y atraviesan 2 orificios diminutos que están en el techo de la sala oscura. Durante uno o dos minutos, los rayos, con el tamaño de una pelota de tenis dan los varios datos de cálculo.

La graduación de los arcos, son 2. El primero permite observar la declinación del sol a mediodía y el segundo calcular la distancia al sol y al cénit.

India 2 Jaipur Observatorio medieval Jantar Mantar

India 2 (capitulo I)
Jaipur –Rajasthán)

1 Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol
2 Dhruva-Darshak Yantra. Instrumento de la Estrella Polar
3 Narivalaya Yantra. Reloj de sol hemisférico
4 Dhoop-Ghari. Reloj de sol horizontal
5. Kranti Vritta Yantra. Instrumento eclíptico

Cuando visite el Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II, del siglo XVIII me quede muy sorprendido.

Por el diseño de cada instrumento (pensé en muchos arquitectos modernos, posmodernos y eclécticos, que han “homenajeado” estas formas al repetirlas en sus proyectos) , se reconocen en parte o en su totalidad en propuestas arquitectónicas actuales. 

Estoy seguro coincidirán conmigo, lo hayan conocido antes o las vean ahora.

 


Pero no menos importante es su ubicación relativa, el conjunto es armonioso, funcional y elegante.
Cada forma da lugar a la otra y todas se interrelacionan. En total  son 15 construcciones.

Se han construido cuatro Observatorios gemelos en Delhi, Ujjain y Benarés, (y el desaparecido Mathura), .aunque no todos están en tan buen estado, pero a pesar de ello estos parques todavía calculan con exactitud la llegada de las lluvias monzónicas.
El más espectacular es éste, y fui a visitarlo.
El Jantar Mantar de Jaipur, ha sido declarado patrimonio Mundial de la humanidad por la UNESCO.

India 2 (capítulo II)

Observatorio Jantar Mantar,
-Instrumentos para calcular-

El observatorio medieval de Jaipur, “El Jantar Mantar” (proviene del sánscrito y significa “instrumentos para calcular”) se construyó ente 1728 y 1730, su buen estado actual es debido a las restauraciones de 1902 realizadas por el Chandra Dhar Sharma Guleril  y las últimas de 2006, Su conservación están bajo la supervisión del Departamento de Arqueología y Museos del estado de Rajasthán.

Fue un capricho del marajá local Sawai Jai Singh II, muy aficionado a la astronomía, les  permitía prever las alineaciones de planetas propicias para realizar ofrendas a los dioses y celebrar determinadas ceremonias. Y la no menos importante: predecir cómo serían las cosechas del año.

Lo componen 15 complejas construcciones que son instrumentos astronómicos (14 terminados y 1 inacabado), 6 funcionan con la luz solar y 9 con el reflejo de la luz lunar y estelar.

Estos instrumentos dan una medida precisa del tiempo, la declinación solar, el acimut (medida exacta del ángulo o longitud del arco medido sobre el horizonte celeste). Estas son una de las dos coordenadas horizontales, la segunda es la altura. estas coordenadas son locales y dependen de la posición del observador.  Además permiten localizar las constelaciones, eclipses y otros fenómenos atmosféricos.
Cuando el tiempo no permitía su uso (por lluvia o cielo cubierto), empleaban un reloj de agua (clesidra) para medir el tiempo en forma exacta.

Sugerencias:
– Es mejor ir al mediodía, para entender y ver mejor las funciones de los “aparatos”, está abierto todos los días de 9 a 16,30 hs , la entrada está (2018) en los 2,50 € .
– No es mala idea contratar un guía en el lugar.
– La entrada es junto al Palacio de los Vientos (Hawa Mahal) de Jaipur

India 2 (capítulo II)

1. Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol

https://youtu.be/yWdYMex1HY0

Construido de arenisca roja y mármol blanco, se lo ve como un triángulo, reposando en el plano del meridiano local. A cada lado dos cuadrantes curvos de 27 grados sobre el plano del ecuador. Están graduados en horas, minutos y segundos.

 

 

 

El cuadrante hacia el oeste, (subiendo el que se encuentra a la izquierda), indica desde las 6 a las 12, y el que esta hacia el este (subiendo a la derecha) desde las 12 a las 18 hs. Las horas están divididas en 60 minutos y estos en 3 fracciones. Su precisión es de 20 segundos.
Formalmente es un triángulo (su hipotenusa es de 27 grados) con una escalera de 34 escalones, calado por 3 arcos en punta.

El mármol se ha utilizado para enfatizar los bordes de muros, escaleras, arcos y cuadrantes.

India 2 (capitulo 4) 

2. Dhruva-Darshak Yantra. Instrumento de la Estrella Polar

Ubicado al este del pequeño reloj de sol, construido en piedra roja está inclinado 27 grados (es la latitud e Jaipur). Permite calcular el norte geográfico, la posición de la Estrella Polar, la Osa Mayor, etc.

 

India II (capitulo 5)

3. Narivalaya Yantra. Reloj de sol hemisférico


Es un reloj de sol, distinto al 1 (pequeño reloj de sol), pero cumple idéntica función: 

Medir la hora solar local. Un se usa en invierno (desde el 23 de Septiembre al 21 de marzo) y el otro en verano (del 21 de marzo al 23 de setiembre).

 

Tiene una varilla fina (llamada Gnomon, en griego  “guía· o “maestro”) cuya sombra se proyecta sobre una escala graduada en horas y minutos para medir el paso del tiempo.

 

 

 

 

 

India II (capítulo 6)

4. Dhoop-Ghari. Reloj de sol horizontal.
Sólo puede verse desde la parte superior del nº 3, es decir desde el reloj de sol hemisférico.

Tiene un gnomon (varilla fina) triangular de 27º cuya sombra indica el tiempo en ghatis. La hora observada puede verificarse usando el reloj de sol hemisférico. Este tipo de relojes están también en la terraza del palacio de Amber, en el fuerte de Jaisalmer y en las habitaciones de los astrólogos.

 

5. Kranti Vritta Yantra. Instrumento eclíptico.
Está situado al norte del reloj de sol norte y es uno de los pocos instrumentos metálicos del observatorio. Gira sobre una base de albañilería, el marco de metal esta graduado en 360º.
En el centro del marco de metal hay fijado un tubo metálico para medir la latitud y longitud celestes. Este instrumento se puede usar a cualquier hora del día o de la noche.

India 1 Jaipur Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II.

Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II.

India . Jaipur

Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II.

Antigua capital Amber y moderna ciudad de Jaipur.

Se accede por avión, desde Delhi por 2 trenes de alta velocidad, por buses de lujo con AA, y en coche (aunque esto último no se lo deseo a nadie).

Puede suceder que yendo tranquilamente de la mano izquierda, nos enfrente un camión –que debería estar en su mano, la derecha- y cuando la sensación de un choque es inevitable, se pone a cruzar una familia entera en un carro tirada por un animal.

Ya está dicho…dice el refranero español…“El que avisa no es traidor..

Esta historia trata de porque estábamos hace ya 14 años en la India?

La recorrimos durante varias semanas , y lo más importante el Observatorio astronómico medieval de Jaipur.

Era 2004, la editorial Roly Book, cumplía 25 años de vida.

Como editor mi editorial HK y distribuidora Onlybook pertenecía a la asociación MOTOVUM (nombre de una pequeña localidad en Croacia), seríamos unos 300 asociados de todo el mundo.

https://www.lacroacia.es/motovun/

Cada año, nos reuníamos, y tratábamos de que sean distintos países, en general, de aquellos a los que pertenecían sus miembros.

Pramod Kapoor, y su familia, propusieron que en el 2004, fuésemos a su país, la India, a festejar con ellos.

Allí fuimos, seriamos unos 200 entre editores, distribuidores, algunos traductores, fotógrafos, imprenteros, libreros.

En su mayoría éramos editores y distribuidores.

Muchas veces venían directores de bibliotecas nacionales (como Dinamarca y otros países del norte de Europa, de los EEUU, Japón, China etc.

Cerraba el círculo de invitados, esposas, amig@s y acompañantes diversos.

En la que fui a Dresde, lleve a mi mama, para tenerla más cerca, y no me hablara desde el cielo como lo hizo a Woody Allen su madre (Mae Questel) en Historias de Nueva York de 1989, yo lleve a la mía unos 10 años más tarde.

sugerencia de lectura:

Entre los miembros de Motovum nos conocíamos, ya que nos encontrábamos varias veces al año en ferias del libro (especialmente en la de Frankfurt, donde teníamos un stand colectivo), o en las ferias del libro de Londres, Francia, España  y en los encuentros anuales.

La idea era recrear un pequeño Buchmesse (feria del libro) de Frankfurt. En alguna parte del hotel donde parábamos, en general salones muy amplios, sobre unas mesas exhibíamos los nuevos proyectos, y en citas acordadas, hacíamos acuerdos de coedición, o venta de libros.

Y cuando no había lo que acordar, charlábamos de nuestras vidas, hice buenos amigos y aprendí mucho. Duraban en general unos 5 días, donde dábamos y escuchábamos conferencias y charlas, como éramos muchos, nos recibían las autoridades del lugar además de responsables de asociaciones del libro. Siempre muy bien agasajados, muchas veces pudimos entrar en Museos a la noche con charlas de los curadores de las exposiciones y guías, todo muy cordial e interesante.

Nuestras estadías eran reflejadas en la prensa, radio, etc.

Participé en muchas en España, Croacia, Alemania, India, Italia, EEUU, México, entre otras.

La celebración que realizo Pramod Kapoor,director de la editorial india ROLY BOOKS,  junto a su esposa y 2 hijos, por su aniversario, duro varios días e incluyo la presentación de un libro maravilloso, lujoso y muy cuidado en su edición “Unforgettable-Maharajas” sobre “Los Inolvidables Maharajas”.

Quizás uno de los grandes anacronismos del siglo XX. Como dice su editor

“..Entre ellos había gobernantes ilustrados y príncipes derrochadores, santos y sinvergüenzas, héroes y cobardes, sádicos y patán, hechiceros y excéntricos. A los ojos de su gente, sin embargo, tenían el derecho divino de gobernar y dejaron el sello de un inconfundible aura de majestuosidad. Una colección completa de fotografías históricas de la India principesca, esta es también la selección más grande de imágenes reales en cualquier libro. Se invirtieron muchos años de investigación y documentación para verificar sus detalles. El resultado es un libro que transmite el romance que los maharajas representaron para el mundo y un registro histórico de una época que nunca volveremos a ver”.

https://www.amazon.co.uk/Unforgettable-Maharajas-hundred-fifty-photography/dp/8174362959 

 

Era una coedición junto a la editorial inglesa Phaidon.

En una fiesta de 500 personas, llena de maharajas, Silvia y yo alucinábamos en colores, colores de oro y plata, como eran los hilos que bordaban las  vestimentas de tantos invitados.

Hubo cenas en casas de campo, con antorchas, y espectáculos. Recorridos en “Elephant taxis”. y muchas sorpresas.

Ahora llego a Jaipur:

Ademas de Nueva Delhi, también recorrido varias ciudades, una de ellas fue Jaipur.

Las fotos hacen referencia al Observatorio Astronómico Jantar Mantar de Jaipur, en Rajasthan.

Esta ciudad “rosa” por el color de sus edificios, tiene en sus entrañas un tesoro,

Un observatorio astronómico medieval

Podría arriesgar, que en mi opinión, este repertorio de imágenes y formas fue uno de los tantos que el pos modernismo y los otros ismos, tomaron como referencias.

 

Mírenlo, admirenlo y luego lo hablamos….

  

  

 

 

 

Japon 11 The National Museum of Western Art. Le Corbusier

Tokio

The National Museum of Western Art. Le Corbusier
Objetivo, tener y mostrar la colección Matsukata.
Esta colección fue fundada por Kojiro Matsukata, presidente de la empresa Kawasaki Dockyard Co. Ltd.
Durante la 2nda guerra mundial, toda la colección viajo a Francia.
Terminada ésta, el gobierno Francés accedió a devolver la colección, con la condición que se construyera un museo diseñado por un arquitecto francés (ya se habrían olvidado todos que nació en Suiza??)
Le encomiendan el proyecto en 1955, y este a su vez designa a 3 arquitectos para que le ayuden supervisando su construcción, Junzo Sakakura, Kunio Maekawa y Takamasa Yoshizaka.

Le Corbusier había trabajado en el concepto de museo ilimitado o infinito desde 1929 hasta su muerte.
Aquí tuvo su oportunidad de realizarlo.
Dirección
7-7 Uenokoen, Taito-ku, Tokio
Horario de atención
Lunes a Viernes 9:30-17:30
los viernes se extiende el cierre hasta las 20:00
Lunes cerrado.se accede:
A 1 minuto a pie de la salida Koen (Park) de la estación JR “Ueno”

A 7 minutos a pie de la estación “Keisei Ueno” de la línea Keisei
A 8 minutos a pie de la estación “Ueno” de las líneas Hibiya y Ginza del Tokyo Metro
Contacto TEL 03-5777-8600
http://www.nmwa.go.jp/en/
El parque UENO es muy lindo, y se lo puede recorrer. Muy, muy cerca, esta la ampliación que realizó Tadao Ando en la Biblioteca Infantil Internacional, Biblioteca Nacional de la Dieta
después les cuento más.
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Japón 10 Biblioteca Internacional de Literatura Infantil. Tadao Ando y Nikken Sekkei.

Biblioteca Internacional de Literatura Infantil.

Tadao Ando y Nikken Sekkei.

 A no mas de 400 metros del museo de Corbu esta esta obra magnifica cuya ampliación fue realizada por los arquitectos Tadao Ando y Nikken Sekkei.
Biblioteca Infantil Internacional, Biblioteca Nacional de la Dieta, el edificio actual que fue ampliado es de 1906, fue la primera Biblioteca imperial de Japón.
De 1906 diseñada por los arquitectos Masamichi Kuru y Hideo Mamizu, fueron a EEUU a conocer la tecnología de punta que les permitiera hacer una construcción referencial en Oriente.
A mi me impresiono mucho sus escaleras, sobre todo su baranda de hierro fundido y como Ando le agrego protecciones porque por alli circulan niños, la iluminación y sistema circulatorio.
El edificio es de estilo renacentista. el arquitecto Tadao Ando, se sumó al diseño y el edificio original se amplió con dos cajas de cristal con las funciones de entrada y de cafetería; la ampliación no alteró el esplendor y encanto del edificio original.
En el 2000 abrió como la primer biblioteca de Japón especializada en literatura infantil. Edificio histórico protegido.
a 15 minutos del museo de Le Corbusier y a 5 del Museo Nacional de Tokio, todo en el Parque Ueno.
Biblioteca Internacional de Literatura Infantil.
Dirección: 12-49 Ueno Park (en el borde del Parque Ueno).
2002 (renovación)
Sitio web: http://www.kodomo.go.jp/index.jsp

Horario: 9:30 a 17:00hs –

Lunes cerrado
metro Yamanote Line hasta Ueno Station
salida oeste, 10 minutos caminando.
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Japón 5 Soñando con los ojos abiertos luz y sonido en la montaña de Higashiyama

Quiero contarlo como si estuviésemos charlando en un café.

Sin correcciones.

Va todo en borrador.

Acabo de vivir una experiencia notable.

Acompañare esta con un video del viaje en bus desde la estación de Kioto hacia el Templo de Jubuzan Kodaiji (cuando lo encuentre).

Pasamos  todo el día en la ciudad de Nara a menos de 1 hora, llegamos en un tren de cercanías.

Nara daría como para distraerme.

Por eso no cuento nada del gran Buda, (allí llegue a la conclusión que los templos en Japón eran tallas en madera, alguien había troceado arboles y armado esos templos, no es normal tanta belleza)

Gerardo durante su viaje con Claudia, me iba pasando datos, y me dijo de… casualidad…. (lo escribió en tono más coloquial) vi un espectáculo de luz y sonido. 2ndo imperdible…..

El 1er imperdible, me había escrito antes era el templo de Fushimi  Inari  Taisha.  El barrio de Gion. Donde está el templo de Kodaiji tiene unas maravillosas calles muy estrechas, con una arquitectura baja y muy armoniosamente ensamblada.

Nos perdimos (nunca entiendo en el google map la flecha azul, el recorrido y para donde voy yo???)  Consultamos a una pareja que estaban  muy elegantemente vestidos, acorde al barrio.

Volvieron sobre sus pasos y recorriendo más de 700 mts nos dejaron en la escalinata de la entrada.

Atención empieza la película…

Subimos una escalera rampante de piedra de más de 40 escalones. Noche e iluminación dirigida. Una entrada de unos 600 ¥ c/u – 6 usa- , y empezamos a recorrer el pie de la montaña de

Higashiyama. Digamos año 1606.

 

 

 

 

 

El diseñador de jardines Kobori Ensyu logro hacer con piedras, bambúes, agua, un estanque, plantas y una minima injtervencion arquityectónica, caminos, senderos, susurros,  una maravilla que fuera designado como Paisaje Excepcional por el gobierno.

Que menos música de Antonio Dvorak. Y lo que verán en fotos – no podría describirlo-


Luego un lago, casas japonesas. Un bosque de bambúes.

 

Y el lago, iluminando lo de la superficie han creado en el reflejo ….lo soñado.

Lo del cielo en la tierra.

Y lo irreal frente a uno.

Por eso quería contarlo, solo y nada mas que por eso.

 

Japón 4 Kanazawa y Naoshima – Sanaa y Tadao Ando

A raíz del comentario de Antonio Ledesma sobre como  generan los “japoneses” los espacios, y planteado el tema de la transición, recojo la pregunta, a la que luego se sumo Zaida Muxi, todo está en el feis.

En ese diálogo también lo pregunta Pablo Mastandrea..

Yo agrego, “quien esté libre de pecado, que tire el primer concepto….”

 

Con mi amigo, ” otro Pablo”, y en una de las tantas conversaciones que hemos tenido y tenemos llegamos a la misma pregunta sobre la arquitectura japonesa moderna..

No ya que hacen (que lo vemos) sino desde donde y como lo hacen.

Transición!!

Esto hable con Pablo: “en la arquitectura que vimos de Tadao Ando, Yoshio Taganuchi,  Kengo Kuma y el gran Kenzo Tange, (no vimos nada de Toyo Ito) plantea espacios previos, anteriores al principal”.

Estos espacios anticipan, preparan la acción, sin sobresaltos…

Acordamos que la vida hace a la arquitectura y no al revés.

Tiempo!!

Es el tiempo, y no el espacio el que da calidad y sentido a la arquitectura.

Todo es tiempo. Y depende que uso demos a ese tiempo y como lo percibamos.

(Pablo me da un ejemplo futbolístico, si un equipo – sin duda se refiere a River-gana 1 a cero y faltan 2 minutos para el final del juego, que largos que son esos 2 minutos. Tiempo en el espacio (trato de interpretar). El tiempo es recorrido, y es el que da calidad y sentido. No el espacio.

 

Este texto parece lo que es, conceptos telegráficos…sobre la temporalidad y -nuevamente- sobre el sentido.

 

 

 

 

Sana– Sejima Kazuyo y  Ryue Ishikawa

Quienes en el año 2010 obtuvieron el Premio Pritzker de Arquitectura.

Es en el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI, donde el  estudio  Sanaa  (obtuvieron el 1er. premio)-, redefine la institución museo, construido en la ciudad de Kanazawa e inaugurado en 2004.

Respuesta “concentrada” así como dispersa la de Tadao Ando en el Chichu Art Museum (2004) (地中美術館 Chichū Bijutsukan) literalmente “Museo de Arte en la tierra”. y en el Benesse Art Museum (1992)  Ambos en la isla Naoshima.

Otra re-interpretación del concepto Museo, en este caso abierto a la vida. Todos los destinatarios, vecinos y visitantes reconocen ese cambio de paradigma.

 

 

1er recreo

Si por esas cosas de la vida deciden viajar a Japón, para hacer un master de arquitectura y de vida, – recomendaría la isla de Naoshima, en la prefectura de Kagawa.

Dormir en ella, en alguno de los bed & breakfast o la menos probable de conseguir alojamiento en el hotel  Benesse, también de Ando por 500 usa la noche. 

Pero a no preocuparse, no hay nunca lugar, ni siquiera en la parte alta que se llega en monorrail y tiene “seis increíbles habitaciones seis”.

Luego de pasar por la Terminal de Transbordadores de Naoshima, que Sanaa realizó en el 2006, volvemos al museo del siglo XXI.

Partido de Sanaa (Les recuerdo que pertenezco a la etapa pre autoCAD)

Simplificando “el partido” recrea un lugar conocido. Como estar en una ciudad o incluso un centro comercial, pero de exhibición y de arte, bueno, es casi lo mismo. Calles y locales, pasillos y habitaciones, todos lo entendemos. Por aquí se circula, y cuando algo nos llama la atención, entramos a ver.

Ventanas, caladuras por donde se ve gente y lo que ve la gente.

Dos “tapas”, materializadas en círculos de 103 mts de diámetro.  Una abajo y otro arriba.

En el medio de ambas “tapas” y sobresaliendo,  el contenido expuesto en el museo.

Las salas (circulares o cubicas) sobresalen lo necesario de la “tapa superior”.

La altura de la sala afecta solo a esa sala. No a la altura de la circulación.

Todo simple y fácil.

Ciertas salas de acceso libre conviven con salas  a las que solo se puede acceder con entrada.

En el mismo museo, como el gruyere, donde las partes llenas, junto a las vacías dan forma al conjunto

Un conjunto muy claro. (no es “un edificio”, equipamientos colectivos como biblioteca, sala de conferencias y sala taller polivalente de uso infantil. Galerías de exposición, museo y esparcimiento alrededor de los pasillos circulares que dan al jardín gracias a enormes paneles de vidrio continuo.

Como obra permanente, el Museo ha comprado e instalado la piscina de nuestro compatriota argentino Leandro Erlich.

2ndo recreo

 

Sanaa ha mejorado notablemente las terminaciones del New Museum (2007) en el Lower East Side de Manhattan.

 

 

Como ponía al comienzo: “quien esté libre de pecado, que tire el primer concepto….”

Se escuchan conceptos.

 

Hugo A Kliczkowxski

Abril 2018

 

Huellas Perspectivas 6

Huellas
Perspectivas 6


Paso mucho tiempo y aun hablan de él.
Con Guillermo hicimos libros y los íbamos numerando.

A este le tocó el número 6, es decir sabíamos poco de impresión.

Lo que va de 1 a 6
Guille tenía más experiencia y había editado Balance Térmico, sistemas de calefacción y aire acondicionado, uno de los autores era el Ing Di Giacomi. Llevaba el número 1 y como nombre editorial Librería Técnica CP67. Colores verde y naranja.
Se vendieron muchas ediciones de muchos miles de libros cada una.
Pero el Perspectivas 6 era otra cosa
Tapa negra y doble tamaño y el motivo de su tamaño fue debido a una creativa ignorancia.
Diseñamos el libro con los dibujos de Sandro Borghini Edgardo Minond y Víctor Vega. A pesar de mi memoria relativa por una edad injusta, creo que Víctor ya vivía en Venezuela.
Era muy seguido por todos nosotros el libro de Gordon Cullen con sus grafismos. Toda la facultad hacia sus entregas con el “TOWNSCAPE”.
Entonces quisimos hacer algo distinto y mejor, separándolos por capítulos (axonometrías, aéreas, interiores, etc) pero sobre todo con dibujos de nuestra gente, donde junto a sketch europeos había proyectos argentinos (tendré que hablar en su momento de los viajes de Cova) y repito lo importante fue “el tamaño”.
En otros temas esto es muy debatido en esto no teníamos duda.

Para poder “copiar” los grafismos y los detalles, tendría que ser grande.
Y fue al tamaño que queríamos.
Juntamos los originales y fuimos a la imprenta.
– ¿quien les dijo que eligieran este tamaño?
– nosotros
– porque con este tamaño hay un 40% de desperdicio, se usa una parte y lo que sobra no alcanza para otro libro


– para aprovechar el papel tienen que achicarlo

Lo dejamos grande, tiramos el desperdicio de papel y creo que en varias ediciones hicimos más de 26.000 libros.
Para tiradas de 1.500 y 2.000 ejemplares, el perspectivas 6 funciono muy muy bien.

Se hicieron ediciones en tapa dura y en tapa blanda, más fácil y liviano, para transportarlo y abrirlo.
En mercado libre usado y de bordes gastados se ofrece a 220$
Creo que lo comprare, usado y gastado significa que cumplió su cometido.
Con el nombre de Espacio Editora y el logo de una parte pequeña de un personaje de M.C.Escher. El cubo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Japón 3 La genial ligereza uruguaya japonesa

La genial ligereza uruguaya japonesa.


Quería verlo, y lo hice el 1er día.

El Fórum internacional de Tokyo -Tokyo Kokusai Foramy- es muchas cosas a la vez, 7 salas de exposiciones, 34 sala de conferencias, 8 auditorios, oficinas, restaurantes, paseo, encuentro, convenciones y todo tipo de eventos culturales.

Cuando lo visite estaba la Feria de Arte y muestra de algo que no sé qué era, ya que estaba en otra cosa, estaba embelesado con ese espacio único y generoso.
Me llamo la atención la cantidad de gente paseando por la calle interna descubierta -entre la gran estructura del hall, acceso, pasillo- o atravesando el hall cubierto.

El uso masivo de un espacio público es un referéndum de aprobación aceptación y apropiación.

 

El armazón de vidrio, corazón peatonal del proyecto mide 208 metros, 60 de altura y 32 de ancho. Tiene 11 niveles, 3 de ellos enterrados.

Mi amigo Rolly me dijo que el edificio se construyó simultáneamente, de la Pb para abajo y para arriba.

No me va a engañar, no?
Rafael mudó su estudio y a el también a Tokio con un equipo de 250 personas y …..800 ingenieros.
Es una zona de gran movimiento, cerca de la estación de trenes, oficinas, comercio y un local de Muji enoooorme.

En Muji vi que además de pañuelos ofrecen casas prefabricadas, no sé cómo llegaron e una cosa a la otra.

El Arq. Uruguayo Rafael Viñoly ganó este concurso internacional en 1987- la construcción desde 1992/1997.

Pablo me dice que hablando con Rafael, éste le contó que el edificio está apoyado en solo 2 columnas, el esqueleto de vigas (¿de un pez?) es de un diseño exquisito.

Tampoco está Pablo para engañarme, además ahí están las 2 columnas a la vista. Cuando te cuentan algo que ves, es tan fácil creer en el ser humano…

 

 

Hay ascensores y también una rampa que conecta desde el primer nivel al último, rampa suave que cada tanto genera puentes, que permiten unir las oficinas con las salas.

Gente mirando, gente paseando, curioseando, sacando fotos, fotos artísticas, modelos (ladies) dando un show extra al que de por si se percibe bajo esa cristalería transparente y protectora.

Su nombre en japonés significa “dentro del circulo”, al visitarlo de noche vi su capacidad de atracción, más gente en é que en los alrededores.

Sobre un terreno de 3 hectáreas se construyeron 145.000 m2.
De noche y desde lejos se integra cómodamente en el barrio.

Me pregunto. ¿Cómo supo Rafael Viñoly hacer una obra en japonés?

 

Hugo A. Kliczkowski Juritz

abril 2018

Japón 2 Museo Suzuki

Museo Suzuky del arq Yoshio Taniguchi

Dedicado al filósofo japonés Daisetsu Teitaro Suzuki (1870-1966), quien fuera uno de los promotores de la filosofía Zen en Occidente.

La palabra Zen deriva de la palabra sáncrita “Dhiana”, significa meditación, emergió de distintas escuelas budistas con comienzos en China en el siglo VII.Ubicada en Kanazawa, cerca del lugar donde nació Suzuki.

Consta de 3 alas, el ala de entrada, el ala de exhibición y el ala de meditación. Asi como 3 jardines, el de entrada, el espejo de agua y el jardin Rojí. Fue inaugurado en Julio del 2011.

Su dirección es 3-4-20 Hondamachi, Kanazawa 920-0964, Ishikawa Prefecture.

Cuando entramos al museo, entre las cañas y lo semiculto lo hacía parecer un proyecto vergonzoso, aun sabedor de su grandeza.

 

Al entrar por los tickets un cristal te permite ver al tiempo que deja entrar una luz que inunda el espacio.

 

Esa luz, proviene de un patio interior.

Justo (justo??) a la izquierda una entrada pasillo en penumbra te sugiere seguir hasta una luz que es otra apertura al mismo patio. Las salas de exposición dan a un espacio biblioteca.

Cuando todo parecía estar dicho, ya estamos frente el espejo de agua con la sala zen para meditar.

Se te cierra la garganta,

sin aire…. te quedas, estas sorprendido, empequeñecido

al mismo tiempo que

emocionado…acojonado.

 

 

 

 

Escuche a Pablo decirme:

 

…… “por cosas así, 

por esto…

creo en la arquitectura”…

 

 

 

.…aburriría… si digo que una pared con un trampolín mirador,  necesita a alguien que entienda que es un espacio, como se lo delimita y como te contempla o mejor dicho como te contiene mientras estas allí.                                                                 Hijo de arquitecto, Yoshio Taniguchi  (1937) ingeniero por la Universidad de Keio y arquitecto por la de Harvard, trabajo con Walter Gropius (Bauhaus) y ocho años en el estudio de Kenzo Tange.

Realizó varios museos en japón, que toman conocimiento mundial a partir de 1997 cuando gana el concurso para rediseñar el Museo de Arte Moderno de New York, el MOMA, su primer trabajo fuera de Japón.

Difícil irse y volver?

Hugo A. Kliczkowski Jurtiz

marzo 2018

Japon 5 Le Corbusier en Tokio

Después de su regreso de Japón, Marcelo y Adriana me preguntaron si conocía el museo de Le Corbusier en Tokio. Yo no tenia idea de su existencia..
Es su único edificio en esta parte del planeta.
Es el museo Nacional de Arte Occidental.(NMWA), creado en 1959 en base a la colección del industrial Kojiro Matsukata (firmada entre 1916 y 1923) en el barrio de Ueno.
Durante mi visita había una importante muestra traída del Museo del Prado. Son dos conocidos mios tanto Corbu como el Prado.
Sigue su teoría del museo de crecimiento ilimitado, una espiral cuadrada que va creciendo de acuerdo a las necesidades, planteada para el Museo Mundaneum de Ginebra en 1929.
Una mastaba que solo pudo realizar en Ahmedabbad (Sanskar Kendra) de 1957, Chadigarh (Galeria de Arte del Gobierno) y en este.
La de Chadigarh recuerda uno de los techos del Museo Le Corbusier o Heidi Weber, en Zurich , su ultimo trabajo, encargado en 1960 e inaugurado en 1967, dos años después de su muerte
Llegamos paseando por el parque que contiene el zoo, camino a la biblioteca infantil que Tadao Ando realizo, sobre un palacete .
Finalizada la Segunda Guerra Mundial, la colección paso a manos del gobierno frances. En 1956 ante el pedido de devolución de las obras del gobierno japones, el gobierno frances acepta con la condición que lo diseñe un arquitecto frances. Eso se acuerda, aunque Charles Edouard Jeanneret-Gris (auto bendecido Corbusier como deformación del apellido de su abuelo materno Lecorbesier) era suizo, pero como dice Eric, a esa altura ya nadie se acordaba de ese detalle debido a que se nacionalizó frances.
En hugoklico’blogspot.com puse un articulo de sus sketches en sus cuadernos de “viaje a oriente”.
El folleto del museo dice que cumple con los 5 puntos de la arquitectura que postulo Corbu( planta baja sobre columnas, planta libre, fachada libre y terraza jardín).

Me costo reconocer su diseño hasta que di con la columna que entre vigas permite el paso de luz natural y la rampa de 2 tramos al fondo.

Emociona ver gestos, que son tan reconocibles como si estuviésemos junto a el ( si su humor lo hubiera permitido), acompañando el trazo de su lápiz.
El chiste fácil seria que a veces para que te den una obra tiene que suceder algo tan trágico como una guerra mundial.
Ya le había sucedido, ya que en 1947 cuando se crea la division tan inglesa ella, de 2 paises- religiones, como la hindu y la musulmana en la región del Punjab.
Son la India y Pakistan (esta ultima luego partida en Pakistan y Bangladesh).
Al quedar la capital de la región del lado Pakistani ( frontera aun en conflicto) entonces Nehru pregunta a sus amigos (presidentes, reyes, primeros ministros) por un arquitecto. Y es elegido Le Corbusier que junto a su primo (cuyas cenizas están allí) realizan todo lo que sabemos en Chandigarh.
El museo fue declarado en Julio de 2016 patrimonio cultural de la humanidad, junto a la casa Curutchet y otras obras en Francia y Alemania.
Y nosotros que tenemos al parador Ariston de Breuer, Catalano y Coire, nos damos el lujo de que siga su triste camino de destrucción.

Japón 1 La silente Tokyo

Japón 1 La silente Tokio

La silente Tokio


Ordenada, rigurosa, amable y estricta.

Impoluta.

Cordial. Sonriente y exquisita.

Cuidada, limpia, obediente hasta lo impensado.

 

Fácil y distinta.

Diferente en sus gustos.

Occidentalizadamente oriental.

Lista, risueña.

Siestera en sus viajes en bus y metro.

Reservada.

Yendo a ver la torre del Centro de Prensa y Difusión  prensa y difusión Shizuoka proyectada por el arquitecto Kenzo Tange (1967) metabolismo mediante, me olvide -as usual- el teléfono en el taxi.

Los recepcionistas de la torre llamaron a la compañía de taxis (suelo perder muchas cosas y por eso guardo -sin perder- los tickets) como iba para largo,

me trajeron una silla y una bebida.

El taxista con mi teléfono fue a mi hotel, se negó a aceptar ningún pago, por ser su “servicio al pasajero”  le agradecí mucho y me dio – nos dimos- un abrazo.

Honestos, a veces se tocan.

La recepcionista del hotel no se sorprendió.

 

Ahora entiendo un poco más la disposición de las mesas en el Centro Nacional de Arte de Tokyo del arquitcto Kisho Kurokawa (1934-2007) mucho después de su Nakagin Capsule Tower (obra medular del movimiento metabolista y hoy abandonada). 14.000 m2 en el barrio de Roppongi, que tiene de vecinos al museo Suntory (del arq. Kengo Kuma) y el museo Mori.

El ruido no es lo único que nos avisa que algo se mueve, el silencio también.

O más.

Bauhaus y Kandinsky

Bauhaus y Kandinsky

Creatividad y pintura sin objeto

Fue la lógica, no la casualidad, la que hizo que artistas y profesionales tan especiales en sus oficios, coincidieran en la Bauhaus.

Algunos de sus integrantes ya habían participado en grupos que postulaban cambios en los significados clásicos del diseño, en todas sus áreas.

La escuela, se fundó con ese objetivo mayor, cambiar radicalmente los conceptos.

“Las escuelas de arte tienen que volver al taller. Este mundo de pintores, dibujantes y artes aplicadas tiene que convertirse en un mundo que construye… Arquitectos, escultores, pintores… Todos tenemos que volver a la artesanía,  porque no existe el arte por profesión” W. Gropius

Formaron con sus particulares aportes, una escuela, un centro de formación y creatividad, que a casi 1 siglo de su fundación, sigue estando presente e influyendo en diferentes campos del diseño.

Una de estos artistas fue Wassily Kandinsky, cuando se incorporó a la Bauhaus tenía 56 años, volcando en ella sus teorías y su enorme experiencia ayudó a dar aún más relieve a la emblemática escuela alemana.

Participó desde 1922 hasta 1933.

Abrió las puertas de la abstracción e influyó en muchos artistas con su visión de vanguardia, además de dejar escrita en forma didáctica y analítica su teoría sobre la abstracción.

                Wassily Kandinsky

Al interrelacionar la Bauhaus y a Wassily Kandinsky estamos en un período muy dramático de la humanidad, que sin duda nos invita a sacar varias conclusiones.
En su historia, la Bauhaus padeció varias crisis económicas y gobiernos inestables. Su corta existencia tuvo relación con las derrotas del partido Socialista Demócrata Alemán SPD. A pesar de ello, fue sin duda un fenómeno cultural, pedagógico y de enorme influencia en el mundo del diseño.

Intentar resumir datos y conceptos en un análisis sobre la Bauhaus, o sobre Kandinsky, es una tarea muy difícil, pero me ha servido y mucho, para rastrear los senderos de la Bauhaus, senderos que hoy en día aun recorremos.

1919 La Bauhaus

Todo se inició en el año 1919, con el nombre de Das Staatliches Bauhaus          (Bau =  construcción; Haus = casa).

Habían pasado pocas semanas desde que Alemania aceptó el armisticio del fin de la gran guerra, y es en 1919 cuando le proponen a un joven Walter Gropius de 36 años, dirigir la  Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. Acepta y propone fusionar ambas bajo el nombre de casa estatal de la construcción de la ciudad de Weimar, “Staatliches Bauhaus Weimar”.

Conocida mundialmente como BAUHAUS.

Este proyecto comenzó un poco antes con la influencia de las propuestas del movimiento Arts and Crafts, creado a comienzos del siglo XIX por William Morris y su propuesta de integración de las artes.

… Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las clases sociales y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas.Walter Gropius

El objetivo de la escuela fue crear una nueva estética que estaría en forma habitual en nuestra vida cotidiana, así lo explica Heinrich von Eckardt:

“La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como” diseño industrial y gráfico”; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo”

Manifiesto

El manifiesto lleva una portada “La catedral del futuro”, que fue diseñado por            Lyonel Feininger

Sus objetivos:

-¡Arquitectos, escultores, pintores, todos debemos volver a la artesanía! No existe ninguna diferencia esencial entre el artista y el artesano.

– Las viejas escuelas de Bellas Artes no pueden despertar esa unidad ¿cómo podrían hacerlo si el arte no puede enseñarse?

Deben volver a convertirse en talleres.

– La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva.

– Elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes.

– La escuela está al servicio del taller y un día será absorbida por éste.

Por lo tanto, no habrá profesores y alumnos en la Bauhaus, sino maestros, oficiales y aprendices.

– Comercializar los productos e integrarlos en la producción industrial.

– Conseguir que sean objetos de consumo asequibles para el gran público.

– Que el arte surja como respuesta a las necesidades de la sociedad.

Admisión

Serán admitidas todas las personas sin antecedentes, sin limitaciones de edad ni sexo, cuya preparación sea considerada suficiente por el concejo de maestros de la Bauhaus y mientras se disponga de plazas suficientes. La cuota de la enseñanza es de 180 marcos anuales (gradualmente ira desapareciendo por completo a medida que aumenten los ingresos de la Bauhaus). Además existe una cuota de ingreso única de 20 marcos.

Los extranjeros pagan cuotas dobles.

El texto completo se puede leer aquí:

https://hugoklico.blogspot.com.es/2018/01/bauhaus-manifiesto-y-programa.html

1970 Buenos Aires

Al cumplirse 50 años de su fundación se realizó una exposición conmemorativa en Buenos Aires. Muy entusiasmados fuimos de visita como una actividad de la Facultad de arquitectura de la Universidad de Buenos Aires allá por el año 1970. La muestra permaneció desde el 1 de setiembre al 10 de Octubre en el Museo de Bellas Artes.

 

Aún conservo el hermoso catálogo de 365 páginas .

Realizado conjuntamente por el archivo de la Bauhaus de Darmstadtel instituto de relaciones exteriores deStuttgarty la por aquel entonces la República Democrática Alemana. RDA

 

1919 Weimar

                                                        profesores de la Bauhaus con Gropius

 Los fundadores de la Bauhaus fueron: los arquitectos Walter (Adolph Georg) GropiusMies van der Rohe, los pintores Lyonel Feininger, Paul Klee, el escultor Gerhard Marcks, Oskar Schlemmer – que impartió un revolucionario taller de teatro -, el diseñador y fotógrafo László Moholy-Nagy, y el arquitecto y diseñador de muebles Marcel Breuer.                                                                   Dirigió la Bauhaus Walter Gropius, y desde 1922, su vicedirector fue Wassily Kandinsky. 

Ocupaba un edificio de la Universidad, diseñado en 1904 por Henry van de Velde (belga alemán 1863 ~1957) en donde funcionaba la sede del estudio de escultores de la Escuela de Arte.

Henry van de Velde es considerado junto a Victor Horta y Paul Hankar como uno de los fundadores del modernismo en Bélgica.

Enseñanza

Los elementos centrales de la enseñanza en la Escuela, eran el curso preliminar y los talleres, en los que se promovía el trabajo colectivo y la autoformación.

Se impartían clases de introducción a las formas, al dibujo analítico y un seminario intensivo del uso del color. Duraban 2 semestres.

El objetivo de Walter Gropius fue vincular la creatividad en torno a la arquitectura.

Como una forma de dar visibilidad a la tarea colectiva de los talleres, se decide realizar entre el 15 de agosto y el 30 de setiembre de 1923 una exposición llamada “Arte e industria, una nueva unidad”, un fatal año ya que 1923 fue el año de la hiperinflación en Alemania.

Se expuso el diseño de la casa experimental “Haus am Horn”, diseñada por Georg Muche (1895 ~1987) que con sus 23 años fue el profesor más joven de la Bauhaus, dirigió el taller de tejido entre 1919/25 y el curso preliminar entre 1921 y 1922.

En 1927 deja la Bauhaus.

En el diseño la “Haus am Horn”, participaron también  Adolf Meyer y Walter Gropius.

Tuvo una excelente acogida consiguiendo el apoyo del Deutsche Werkbund, institución que se ocupaba del cuidado y seguimiento de las artes aplicadas en Alemania.

Un cuadrado blanco de techo plano, su sala de estar central (rodeada por los dormitorios y servicios)  se iluminaba a través de un lucernario,

Gropius dijo de la casa que era:

“el máximo confort con la mayor economía por la aplicación de los mejores artesanos y mejora de la distribución espacial de forma, tamaño y articulación”

Construida sobre un terreno que iba a ser un jardín de la escuela, aún permanece en pie cerca del Parque An der Ilm en Weimar, sobre una calle residencial.

1996 Unesco

La UNESCO declara Patrimonio de la Humanidad del siglo XX cuatro edificios:

En Weimar:

– el edificio principal de la Academia de Weimar.

– el edificio Van de Velde de la Academia para la Arquitectura y las Artes constructivas.

En Dessau:

– Edificio de la Bauhaus.

– Casas de los Maestros.

Método Bauhaus

El objetivo era que al salir de la escuela, los alumnos tuvieran una formación completa en diferentes temas como dibujo, modelado, fotografía, diseño de muebles, escenografía, danza, tipografía…

Investigaban sobre la textura, el color, la forma, y el contorno de distintos materiales (piedra, madera, metal, barro, tejidos, vidrio). Realizaban un curso preparatorio (Vorkus), conocido como “Método Bauhaus” dirigido originariamente por Johannes Itten, común a todas las especialidades, su metodología: aprender trabajando, luego del cual los alumnos podían elegir talleres.

                    Método Bauhaus, programa de estudios

Cada taller, contaba con 2 jefes, un artista (maestro de la forma) y un artesano (maestro del oficio), el control compartido en forma igualitaria, provoco enfrentamientos y conflictos.

A partir de 1925 se elimina la “doble” jefatura, y la dirección pasa a  Moholy-Nagy (quien también impartía el taller del metal) y luego aJosef Albers.

No fue el único conflicto, ya que uno de los motivos del alejamiento de Johannes Itten en la primera etapa en Weimar fue su personalidad y misticismo que lo apartaron de otros maestros que apostaban por una educación menos individualista, Itten era seguidor de una secta estadounidense llamada mazdaznan, era vegetariano y practicaba la meditación.

Otros talleres eran los de:

Mueble (antes llamado de ebanistería) dirigido primero por Gropius y luego por Marcel Breuer.

Plástica y Textil, bajo la dirección de Gunta Stadler-Stölz, que paso a producir tejidos en serie (en Weimar, se priorizaba las ediciones únicas).

El Taller de Pintura Mural, era dirigido en Weimar por Kandinsky (1922-1925) y luego en Dessau porHinnerk Scheper.

Herbert Bayer estudio en la escuela durante 4 años, Sus méritos como publicista hizo que Gropius lo nombrara a cargo del taller de Tipografía y Publicidad, (también llamado de impresión).

Bayer diseñó el cuerpo tipográfico de la Bauhaus, de formas limpias, y racionales. Llamado “Architype Bayer”. Lo guían  los principios de Moholy-Nagy, busca la simplificación, elimina lo superfluo y deja solo lo esencial.

La Bauhaus generó un nuevo estilo tipográfico, sin mayúsculas empleando casi exclusivamente las fuentes sans serif (sin adornos), con un diseño geométrico.

A pesar que Gropius quería encontrar un diálogo entre la arquitectura y las artes, no existía un departamento específico de arquitectura, se crea recién en 1927 dirigido por Hannes Meyer.

1978 mi visita

En el año 1978, con motivo de nuestro viaje a Alemania, luego que obtuvimos el 1er premio en el concurso de las Escuelas diferenciales en Buenos Aires (Estudio Kliczkowski, Minond, Natanson, Nevani, Sztulwark con Rojkind) fui invitados por la RDA para recorrerla, y entre los paseos que realizamos fuimos al edificio de la Bauhaus de Dessau,  tengo muy presente esa visita, a los talleres de yeso, donde se realizaban las formas que luego serían repetidas formando series, todas realizadas por alumnos, así como su museo, y otros talleres.

Me obsequiaron con una forma en yeso, en escala de lo que luego podría ser industrializado para recubrimiento de fachadas.

Hacía poco habían recuperado el famoso mural de una de sus escaleras, la Escalera de la Bauhaus (Bauhaustreppe) tapada por una pintura – en la época que fue cerrada por los nazis-  cuando el edificio paso a ser una de las sedes del partido y escuela de mujeres.

1924 –  25 Dessau

No todos apoyaban las ideas de la Bauhaus, 1, en 1924 los liberales perdieron las elecciones locales de Weimar, entonces los conservadores bajo el argumento de que era “una organización superflua y sin probabilidades de éxito” les quitan apoyo y fondos.

Sin recursos el 1 de Abril debe cerrar sus puertas.

A pesar de estos ataques la escuela era reconocida y tenía un enorme prestigio, estudian mudarse a Frankfurt o a Dessau, se deciden por ésta última cuando el alcalde socialdemócrata Fritz Hesse, les ofrece financiar la construcción de la sede, además de un presupuesto para facilitar su mantenimiento.

Encargan el diseño del edificio al estudio de Walter Gropius y su equipo los arquitectos Carl Fieger, Ernst Neufert. Hans Volger y Heinz Nosselt. Utilizan un sistema muy moderno, económico y original que les permite terminar la obra en 1 año e inaugurarla el 4 de diciembre de 1926.

Con este apoyo a la Bauhaus las autoridades de la ciudad industrial de Dessau (70.000 habitantes)  – a 165 km de Weimar- amplían la oferta cultural.

Su dirección: Gropiusallee 38, 06846 Dessau.

“No hay una diferencia esencial entre un artista y un artesano”. Walter Gropius

Programa

Incluía una Academia de Arte con talleres, una escuela técnica (pedida por el Concejo de Dessau), asi como teatro, comedor, administración, habitaciones y estudios para los estudiantes. Y en un terreno alejado cuatro casas para los maestros.

Proyecto

De planta asimétrica, con pabellones a diferentes alturas y ventanales horizontales corridos.

Un largo puente (horizontal) conecta las distintas partes del proyecto (verticales) como la torre de alojamiento de los estudiantes.

Un conjunto armonioso, en formas y proporciones.

Edificios de líneas planas horizontales, sin ornamentos, vidriados. Un aspecto fabril con un diseño claro y económico.

El edificio principal es la academia de arte (cuerpo gris, entre uno blanco y otro vidriado).  

La escuela técnica y la academia de arte están conectadas por el puente que contiene la administración y la dirección.

 

Durante la guerra, fue bombardeado, restaurado en 1986, actualmente funciona una escuela superior de diseño.

 

 

Casas de maestros

https://es.wikiarquitectura.com/edificio/casa-de-los-maestros-de-la-bauhaus/

 



Construidas en un terreno en un bosque 
de pinos, a 750 metros de la sede de la 
Bauhaus.

Caminando por la calle Gropiuesalle se llega a la calle Ebertallee.

La dirección del conjunto es: Ebertallee 69/71, 06846 Dessau-Roßlau,

En ese terreno se construyeron 4 casas.

La casa de Walter Gropius. Destruida en el año 1945.

La casa pareada de Moholy-Nagy y Lyonel Feininger. Destruida en el año 1945, reconstruida en 1994.

La casa pareada Muche/Schelemer, fue reconstruida en el año 2002

La casa pareada Kandinsky /Klee, fue reconstruida en el año 2000

Fiestas

Tenían cuatro celebraciones principales, en primavera la de los farolillos, en verano la del solsticio, en otoño la de los cometas, y en invierno la de la Navidad.

Además la Fiesta blanca (donde también se permitían los colores básicos rojo, azul y amarillo” en rayas, conos o cubos”) la famosa del metal, de la Nueva Objetividad.

A todas estas fiestas se sumaban las de los cumpleaños, casamientos, nacimientos, aniversario del edificio,….

Cada mes se realizaba un baile de disfraces y conciertos de jazz con extraños instrumentos.

Se hacían excursiones, y durante la exposición de 1923, hubo una semana de audiciones.

Estas actividades tenían por objetivo facilitar el trabajo en equipo, y la relación entre la Bauhaus y los ciudadanos, buscaban difundir su trabajo y ante el rótulo de “socialista” que tenía la escuela, conseguir más apoyo a su tarea. 2

Bauhaus costume party, 1920s

La vida nocturna en la Bauhaus tiene la misma importancia que las actividades diurnas. Hay que saber bailar”. -Farkas Ferenc Molnár, estudiante húngaro de la Bauhaus y arquitecto-

1925 H.Meyer

“Nuestro objetivo es servir al pueblo, no buscamos ni un estilo Bauhaus, ni una moda Bauhaus (…)”. Hannes Meyer

Los Grupos comunistas estudiantiles y docentes exigen cambios en los programas de Paul Klee y deKandinsky.

Por estas presiones, en 1925 deja László Moholy-Nagy la Bauhaus, tras 5 años de docencia. Le siguePaul Klee.

Hay mucha presión para cambiar los programas y ante la negativa de Kandinsky a hacerlo, debe resignarse a que las materias que dictaba pasen a ser optativas.

En Setiembre de 1930 el partido Nazi (NS-DAP), queda como segunda fuerza política, preparando lo que en 1932 lo convierte en primera fuerza del parlamento.

Ese año Gropius deja la escuela para reanudar su tarea de arquitecto y en una nota al
alcalde de Dessau Fritz Hesse el 4 de febrero de 1928 escribe:

“Como sucesor propongo a Hannes Meyer, director del departamento de arquitectura, a quien considero capacitado, tanto en lo personal como en lo profesional, para dirigir el instituto con éxito”.

En su nueva tarea Hannes Meyer (1889~1954),  fortalece aún más la institución, da una mayor orientación hacia la arquitectura en detrimento de las otras disciplinas artísticas.

Hannes Meyer con Hilde Reindl

Kandinsky que fue vicedirector  conGropius continúa siéndolo con Meyer.

La Bauhaus ya demuestra que puede autofinanciarse, y vende sus productos.

El papel de empapelado “Bauhaus”, es el que mayores ingresos produce, bajo la dirección de

Hinnerk Scheper se producen una gran variedad de papeles monocromos y de pequeños estampados.

 

 

 

                                         Hannes Meyer

 

 

 

“Construir y crear son una misma cosa, y constituyen un acontecimiento social. En cuanto colegio mayor de la creación, la Bauhaus de Dessau no es un fenómeno artístico pero sí social. En cuanto ente creador, nuestra actividad está condicionada socialmente, y la sociedad compone el marco de nuestro trabajo”. H. Meyer

 

Al leerlo con atención, notamos que se quiere cambiar la línea que llevó Gropius.

Durante los años de dirección de Meyer, la Bauhaus organizó una exposición itinerante que viajó a Basilea, Breslau, Essen, Manhein y Zurich, popularizando sus ideas.

Pero son malas épocas para el vanguardismo en la Alemania nazi, en 1930 las autoridades municipales de Dessau despiden a Meyer acusándolo de “tendencias comunistas”, en realidad lo que más molestaba a las autoridades era su pasividad frente al bullicio político dentro de la Bauhaus.

En las páginas del periódico Anhalter Tageszeitung se escribía en estos términos:

“la desaparición de este llamado instituto de diseño significará la desaparición del suelo alemán de uno las más prominentes manifestaciones del arte judeomarxista”

Consiguen cerrarla el 30 de septiembre de 1931.

1930 a 1933 Berlín

Se hace cargo como director Ludwig Mies van der Rohe, ese mismo año traslada la Bauhaus a 130 km, desde Dessau a Berlín, para funcionar como una escuela privada, se instala en una vieja fábrica en el extrarradio en Steglitz, le siguen 100 alumnos.

Los problemas continúan y el 11 de abril se precinta la escuela y una treintena de estudiantes fueron detenidos.

En 1931 los nazis ganan las elecciones locales, y entre sus promesas electoralistas figuraba cerrar la Bauhaus, un “centro de “bolchevismo cultural”, que da trabajo a “frívolos intelectuales extranjeros que enseñan arte decadente” mientras el pueblo alemán “pasa hambre”.

Mies dirigió la escuela solo 3 años. Tres meses después de que Adolf Hitler fuera nombrado canciller de Alemania, la policía de Berlín clausuró el centro el 20 de julio de 1933, pese a todas las gestiones anteAlfred Rosenberg, uno de los más destacados nazis, presidente de la nueva Alianza de la Cultura Alemana, para que aceptara la Bauhaus como una escuela apolítica, para permitir su reapertura debía expulsarse a Hoilberseimer, miembro del SPD, y a Kandinsky por sus teoría