Adolf Loos. Expo en Caixa Forum y algo más. 2nda parte

Adolf Loos….2nda parte

pueden leer la 1er parte en: 

https://hugoklico.blogspot.com/2018/06/adolf-loos-expo-en-caixa-forum-y-algo.html

2nda parte 

Referentes

A su regreso de Chicago en 1896 encuentra una respuesta al historicismo en la Secesión, movimiento fundado por Gustav Klimt (1862-1918), Joseph M. Olbrich (1867-1908), Josef Hoffmann (1870-1956) y Koloman Moser (1868-1918).

La genialidad de estos artistas fue la utilización de la abstracción basada en la naturaleza como ornamento. En 1894 Wagner había sido nombrado director de la cátedra de arquitectura de la Academia de Bellas Artes de Viena. Wagner con 55 años junto a su alumno José María Olbrich fundarían y se convertirían en los exponentes del movimiento llamado Secezion o Secesión. Adolf Loos tiene en Otto Wagner (1841-1817), un referente tanto en arquitectura como en urbanismo.

Fue una corriente que recorrió Europa, como alternativa a los estilos historicistas y eclécticos, dando paso a la arquitectura moderna.

Esa actitud contestataria tendría distintos nombres, cada una con su particular matiz, Art Nouveau en Francia y Bélgica, Modern Style en Inglaterra, Modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Letonia y Austria.

El nombre Secesión proviene de que en 1897 un grupo de arquitectos, pintores, escultores y otros artistas vieneses se separa de la corriente tradicional vienesa, es un poco más austero y geométrico, casi cubista, su vigencia dura 8 años, hasta 1905.

Son muy conocidas algunas obras deOtto Wagner como las estaciones de metro de Viena (1894- 1899), quien con el “Nutz-Stil” busca dar una respuesta moderna “El estilo de lo que es útil”, se le debe a sus aportes el  punto de inflexión entre clasicismo y modernidad.

Uno de sus lemas “A cada tiempo su arte, y a cada arte su libertad” (“Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit”) figura resaltado en el edificio que proyectó Joseph M. Olbrich, tiene 30 años cuando diseña este emblemático edificio transformado en el símbolo de la Secesión.

En la planta baja del edificio está el famoso friso Beethoven de Gustav Klimt. 5

Secesión o la investigación de la verdad

Para Loos aplicar el ornamento es forzar que el material diga una mentira, por lo que toma partido por los objetos industriales, seriados, para uso de cualquier persona. Loos distingue el“arte” del “artesano” 3

«El arquitecto es un albañil que sabe latín»—, niega así la visión del artista o el arquitecto como genio, al mismo tiempo reivindica su oficio.

Nos habíamos querido tanto (Loos y la Secesión) 6

En 1904, dirige la revista “Das Leben” (La vida) que lleva como subtitulo: “Una revista para introducir la cultura occidental en Austria”, escribía: “…fui tan feliz de poder vivir tres años en América y aprender a conocer culturas occidentales…convencido de su superioridad…considero una falta de carácter descender…al nivel austriaco.”

“…La administración no crea formas a partir del tipo de vida, sino que pretende crear nuevos tipos de vida con la ayuda de formas…”

“…Al pueblo se le dificultó apropiarse de la cultura occidental, pues entre la aristocracia y el pueblo se erigió un muro: La Sezession. Objeto de mi revista es crear brechas en ese muro”.

Revista Keramika (Nov 1911) “…escribo solo para personas que posean sentimientos modernos…que tengan que vivir hoy y no en siglos anteriores..no para aquellos que se consuman en las añoranzas del renaissance o del rococó… se remiten a saleros en forma de barcos, sostenidos por tritones, en los que además el remo puede usarse como cuchara para la sal.. Me han pedido exponer en la Secesión, lo haré cuando los comercianetes sean expulsados del templo. ¿Los comerciantes? No. Los prostituidores del arte.

Los espacios interiores

Al eliminar los objetos “inútiles” y ofrecer un espacio vacío, crea nuevas normas de habitar. Muebles vinculados a la función del espacio.

La nueva distribución mediante el raumplan en vertical y la enfilade en horizontal (encontraran explicaciones en la 1er parte) como se puede ver en la Casa Rufer de 1922,

  Loos parte de la idea del cubo vacío para crear un conjunto de espacios de diferentes alturas según el uso de quien lo habite, buscando cierta teatralidad del espacio, donde la obra es representada por quien vive en ella, por lo que el “vacío loosiano” es una obra permanentemente inacabada. 2

Silla de rincón c.1900 Adolf Loos Colección Hummel, Viena. FOTO Gisela Erlacher
Adolf Loos. Carrito doméstico como el del apartamento Turnowsky. 1903. Madera de caoba, vidrio, y latón enchapado en plata. Colección Hummel. Viena

No proyecto planos, ni fachadas, ni secciones. Proyecto espacio.

En realidad, no hay ni planta baja, ni piso superior ni inferior,

solo hay espacios (piezas) que se comunican, vestíbulos, terrazas.

Cada pieza (espacio) necesita una altura determinada.

La del comedor difiere de la de la oficina.

Por este motivo, los techos tienen alturas diferentes. Los espacios

 se unen entre sí de forma que el paisaje sea imperceptible

y natural, pero de la manera más eficaz.» Adolf Loos

“La casa tiene que parecer discreta por fuera, y revelar toda su riqueza por dentro”

Loos plantea dos leyes: la del revestimiento y la teoría del vestido
El interior es como una funda, un vestido que resguarda al individuo y soluciona la escisión entre el ser individual y el ser social. El revestimiento puede estar realizado en materialesblandos, como esteras, cortinas, tejidos y entapizados; duros, como el mármol, el granito y los ladrillos que enmarcan las chimeneas; o semiduros, como las maderas elegantes que forran las paredes.
Los materiales de construcción y de revestimiento son ya la decoración. No es necesario añadir ningún elemento más.
Es una arquitectura que va en busca de la “verdad” y que, a partir del interior, construye el exterior, un envoltorio discreto que elimina la opulencia, a menudo con fachadas lisas revocadas en cal, como en la tradición vienesa, como las ventanas de luz. 3

Dormitorio de Lina Loos, 1903. Dormitorio diseñado por Adolf Loos,  para su primera esposa y publicado en el número 1 de la revista  Kunst.  La habitación está ambientada en blanco y azul y cuenta con materiales blandos, cortina blanca que cubre paredes y ventanas,  y angora blanca en el suelo, en una envoltura continua. La idea de revestimiento interior toma aquí especial relevancia  y sensualidad: es la máxima expresión del  interior femenino

Cuenta la comisaria Parcerisas que ve a Adolf Loos como «el Duchamp de la arquitectura»(…la obra de arte la termina el cliente- Duchamp-).

Lo explica: aborda el mueble como un ready-made, usa texturas distintas, emplea los muebles para separar espacios en lugar de paredes…Loosentendía que “…la arquitectura no está acabada hasta que no está vivida.”.

Advierte la comisaria que la huella de Loos es enorme: «Abre las puertas a la modernidad y es bisagra para la posmodernidad».

Resulta sorprendente su teoría de la separación de género en la arquitectura: distingue entre espacios masculinos (bibliotecas, despachos) y femeninos (dormitorios), una teoría que hoy sería tachada sin duda de machista.                                                                                                                                                                    También cree que el arquitecto no tiene que inventar nada, tan solo seguir la tradición.La muestra se cierra con algunos de sus proyectos arquitectónicos no realizados, como la sede del “Chicago Tribune” (un edificio en forma de columna dórica) o la casa de Josephine Baker(1906-1975) en París, con el exterior revestido en mármol en blanco y negro, influencia de las iglesias florentinas.

En la exposición, también puede verse un sketch donde Loos indica que poner por escrito en su epitafio:Adolf Loos. Liberó a la humanidad de trabajos inútiles”.

  La exposición consta de 6 ÁMBITOS (existen textos explicativos en la entrada a cada área, y en la entrada ofrecen audio guías por 2 euros).

1
Otto Wagner y la Secesión

Oskar Kokoschka. Adolf Loos

Otto Wagner inicia en Viena el paso del historicismo a la modernidad.

Defiende la gran ciudad moderna y la adaptación de la arquitectura y el urbanismo al hombre moderno, abocado a la economía.

Reclama que la forma responda a la función y crear objetos prácticos a partir de tecnologías modernas y nuevos materiales de construcción.

Los artistas de la Secesión se refugian en una ornamentación con motivos abstractos inspirados en la naturaleza, y pretenden transformar la vida en arte.
Esto puede observarse en algunas piezas diseñadas por sus miembros, como por ejemplo las sillas de Hoffmann, con formas que no responden a ninguno de los valores prácticos que defendía Loos, quien creía que los muebles de la casa, los accesorios, debían responder a la psicología del hombre nuevo.
  Adolf Loos se impondrá a esta situación con su radical postura contra la ornamentación. En este espacio, los visitantes podemos ver mobiliario de otros artistas de la Secesión, así como fotografías de las obras de Otto Wagner, precursor de Loos, como varias vistas de la Postsparkasse (Caja de Ahorros de Correos, 1903- 1906), situada en la Ringstrasse y con la que Wagner reivindica la unión del arquitecto con el ingeniero, dos figuras que se habían separado en el siglo XIX y que habían dejado al arquitecto como tarea el embellecimiento de los edificios.

  Complementan éste espacio otros materiales como libros, carteles y dibujos que explican el contexto histórico y el trabajo de coetáneos de Loos, así como un ejemplar de Das Andere(1903), revista fundada por el arquitecto.

Esta publicación será usada como aparato crítico para cuestionar la forma de vida burguesa de la época y la inutilidad ornamental de los objetos cotidianos, y para comparar la cultura occidental del nuevo mundo: Inglaterra y América, con la Viena imperial.

Secreter, 1899. Adolf Loos. Colección Hummel

 

2

La crisis del espacio doméstico
  Loos revoluciona la arquitectura vienesa en torno a 1900 con el Café Museum, denominado también Café Nihilismus, por la posición de negación de los valores predominantes de la época.
Abre un local luminoso, renuncia a toda decoración y diseña unas sillas que adaptan elmodelo Thonet con curva elíptica para hacerlas más ligeras, y que rodean unas mesas redondas de mármol lo suficientemente separadas como para crear un ritmo en el interior del local.
Estos lugares generaban ambigüedad entre el espacio público y el privado, como una fuga del falso mundo burgués hacia una mayor democratización de los espacios de encuentro.
En la Casa TurnowskyLoos diseña nuevos muebles blancos de aire minimalista, con cenefas estriadas de cornisa clásica que aplica tanto a armarios como a marcos de espejo, que se pueden ver en la muestra.

3
Espacios masculinos y femeninos

Adolf Loos. Taburete tebano, 1905

Con la creación de los interiores, Adolf Loos preserva la intimidad del individuo de la esfera pública.

  Considera que la fachada exterior es masculina y responde a la moral pública, mientras que el interior es femenino, protege la intimidad y es escenario de las propias vivencias.

En los espacios interiores también puede observarse esta separación de géneros. Las bibliotecas, despachos, chimeneas… habitaciones que pueden considerarse de vocación pública en el interior y que quedan fuera del día a día doméstico, son masculinas.

En cambio, los espacios más íntimos, alcobas o dormitorios destinados a la sexualidad y la reproducción, son femeninos.

De hecho, estos no tan solo son espacio visual, sino también de sensaciones táctiles, hasta cierto punto hápticas (percepción táctil), relacionándose con el concepto de inframince (‘infrarrelieve’). Así, van desde la frialdad del mármol hasta la calidez de la alfombra, del granito pulido, al rugoso, del tejido liso al peludo, de las sillas y sillones con diferentes tapizados — seda, cuero, terciopelo u otros tejidos— a las singularidades de las distintas maderas, pero también tienen que ver con los espejos, tan usados por Loos en los interiores.

Esta aproximación entre arquitectura y género y sus diferencias se observa en el contraste entre un despacho de oficina y algunos de los muebles que se exhiben, como escritorios, sillones o librerías, normalmente realizados en maderas más oscuras, en contraposición con los muebles del entorno para la mujer, como tocadores, normalmente de colores más suaves, o con el revestimiento sensual del dormitorio de Lina Loos, su primera mujer, que se puede ver en una reproducción fotográfica de gran formato en la muestra.

4

Forma y función en el mobiliario

Loos construye arquitectura para su uso.
Asimismo, los objetos que formarán parte de estos ambientes están pensados en clave de uso en el presente, sin razones estéticas añadidas, como puede constatarse en la selección de objetos de este ámbito, algunos diseñados por él y otros elegidos para el uso de sus proyectos. El hombre moderno debe aprovechar los buenos diseños ya existentes realizados por el artesano en el objeto de uso cotidiano.

Dice Loos que el arquitecto se ocupa del inmueble, mientras que el artesano lo hace del mueble. Él nunca utilizó muebles «modernos y poco útiles”. Prefería los estilos Chippendale yHepplewhite, el sillón New Shaped Easy Chair de Hampton & Sons, y las sillas de mimbre. Empleaba sillas Liberty que podrán verse en la muestra, sillones Biedermeier y sofás Chesterfield, mesas de influencia turca, taburetes egipcios y alfombras orientales.

  Algunas agrupaciones de muebles constatan su eclecticismo de mirada posmoderna. También se exhibe una maqueta de la Casa Steiner (1910), que representa la filosofía deLoos, con una fachada austera y que es el resultado de su interior, con ventanas que no lo son realmente, sino espacios de luz que sirven para iluminar los interiores.

5

Los interiores: construir, habitar y usar

  Loos cuestiona la forma de vida burguesa de la Viena de la época, y compara la cultura occidental del nuevo mundo, Inglaterra y América, con el aire rancio de la Viena imperial. Devuelve la arquitectura a sus orígenes esenciales, donde construir y habitar coinciden, y considera la inutilidad ornamental de los objetos cotidianos burgueses, convirtiéndose en promotor de la sencillez y el valor de uso. En el interior, el “Yo soy del individuo” puede hacerse realidad. El interior retrata la arquitectura como espacio de uso, vacío, teatralizado y permanentemente inacabado, para ser llenado con vivencias. Proyecta la máxima confortabilidad, revestido con materiales duros como el mármol, pero también con otrosblandos, como tejidos y esteras, de colores pálidos, rosas pastel, azules y verdes que le confieren un toque femenino. La relación entre “arquitectura y sastrería” se extiende a los establecimientos comerciales.

  Como ejemplos, se ven las maquetas de la Casa Rufer (1922) y la Villa Müller (1930), ambas partiendo de la idea de un cubo que favorece el reparto de las masas, y desde donde se busca el vacío interior para crear un espacio de distintas alturas, según el uso que le dé quien lo habite. Así, no hay ni planta baja, ni piso superior, ni subsuelo, ya que cada zona tiene la altura que necesita y los espacios se unen de forma natural, lo que se refleja en un exterior de la máxima sencillez posible.

6

Tradición y modernidad

  Adolf Loos reivindica el oficio de arquitecto y la tradición constructiva, al considerar que no es necesario inventar nada, sino solo construir según la tradición y las mejoras técnicas de cada época.

“El arquitecto es un albañil que sabe latín”.

  Por eso el uso de la columna dórica o Dosier de prensa de la pirámide como base constructiva.

  Según la posmodernidad, es un referente el proyecto del Chicago Tribune Column, un edificio en forma de columna dórica, revestido de granito negro, sobre un pedestal cúbico que, iluminado, parece una lámpara.

  Aquí se exponen bocetos y maquetas de proyectos inéditos que nunca llegaron a realizarse, como el Chicago Tribune Column o la casa de la cantante Joséphine Baker (1927) en París, donde el espacio interior vacío es una gran piscina, y el revestimiento del exterior en mármol blanco y negro sigue la tradición clásica florentina.

The Chicago Tribune

A principios del siglo XX, el periódico estadounidense The Chicago Tribune tiraba varios millones de ejemplares diarios.   En 1922 para conmemorar sus 75 años de existencia, convocó un concurso internacional de arquitectura para el diseño de un rascacielos de unos 145 metros, entre las calles North Michigan Av, Austin Av y Saint Clair Street, en la ciudad de Chicago.

Participaron 263 arquitectos de 32 países diferentes, (entre otros Eliel SaarinenWalter Gropius y Adolf MeyesAdolf LoosBruno y Max TautHugo Häring…) El objetivo del concurso era: “To erect the most beautiful and distinctive office building in the world” (construir el edificio de oficinas más bonito y distinguido del mundo). Durante el concurso, Adolf Loos se encontraba en Francia, desde donde lo envio por correo, con un sello francés, por lo que se le contó entre los arquitectos franceses. Loos escribió un detallado texto explicativo en el que exponía sus argumentos, aludiendo de manera indirecta a la moderna arquitectura de la Bauhaus, argumentaba que las nuevas formas arquitectónicas de los artistas alemanes, franceses y austriacos volverían a estar pasadas de moda en un escaso periodo de tiempo, ya que “sus casas cambiaban de forma como los sombreros de señora”. Por esta razón, Adolf Loos, podía proponer sólo un modelo, en este caso la columna griega,  (columna –column en ingles se utiliza tanto en la prensa como en arquitectura) construida con granito negro, liso y pulido. La columna le otorgaría a la obra y a la ciudad de Chicago una identidad como la de la torre inclinada de Pisa.

  Loos quiso proyectar un edificio que una vez visto, aunque fuese por pocos instantes, no pudiese ser borrado de la memoria del espectador, buscó la esbeltez de un elemento tan noble como la columna griega, realizando un “monumento estructura”. Había estado en Chicago en 1893 y conocía el terreno.

Ganó el concurso un rascacielos neogótico, del estudio de los arquitectos John Mead Howells (1868-1959) y Raymond Hood (1881-1934). Se construyó en 1925.

  Como un reconocimiento a la arquitectura europea, otorgaron el 2ndo premio al arquitecto Eliel Saarinen.

 “La gran columna de estilo griego, dórico, será construida. Si no en Chicago, en cualquier otra ciudad. Si no para el Chicago Tribune, para cualquier otra entidad. Si no por mí, por cualquier otro arquitecto.”  

Loos al conocer el veredicto del jurado

Tribune Tower

Fin de la 2nda parte

continúa

Notas

1

La exposición Adolf Loos 1870-1933. Espacios privados

Lugar: CaixaForum Madrid (paseo del Prado, 36). Fechas: Del 28 de marzo al 24 de junio de 2018.

Organizada por la Obra Social”la Caixa” y el Museu del Disseny de Barcelona

Comisariado: Pilar Parcerisas.

Procedencia de las obras:

Colección Julius Hummel (Viena), The Albertina Museum (Viena), Wien Museum, Architekturmuseum der Technischen Universität de Múnich, Colección Markus Kristan (Viena), Colección Ernst Poil (Viena), J. & L. Lobmeyr (Viena), CCCB (Barcelona) y una colección particular del Reino Unido.

2

La muestra cuenta con un total de 218 obras, entre las que destacan 120 muebles —más de 50 sillas, sillones y taburetes, 13 lámparas, 21 mesas, escritorios y tocadores, armarios y librerías— y objetos de menor tamaño, como relojes, vasos, decantadores, espejos y perchas, entre otros. Además de documentos, dibujos y litografías, fotografías, libros, manuscritos y maquetas, tanto de proyectos realizados y de proyectos no construidos.

3

Juan Antonio García Fermosel. Área de Comunicación de la Obra Social” la Caixa” jagarcia@fundacionlacaixa.org. Sala de Prensa Multimedia: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial

Gran parte de los textos los he tomado del dossier que me ha remitido el señor Juan Antonio García Fermosel del Área de Comunicación, al que agradezco especialmente.

4

Pilar Parcerisas, comisaria de la exposición

5

Esta joya criticada en su momento por ser “un mausoleo con un repollo dorado encima”, fue muy dañado por los bombardeos aliados e incendiado por los soldados alemanes durante su retirada. En 1963 se llevó a cabo una reconstrucción del edificio, y la última en 1984.

Adolf Loos Escritos I 1897/1999. El Croquis editorial. 1993.

7

Artículo sobre Adolf Loos en archimagazine por Maddalena Scimemi

 

el Dulce Batata y la Arquitectura

el Dulce de Batata y la Arquitectura

Antonio a la pizza le esta pasando como a la arquitectura o el dulce de barata sin ir mas lejos.
Muchas veces me amargo sinceramente viendo cosas que no entiendo, edificios espantosos, tanto me amargo como el tener que convivir con el hdp que le puso chocolate al dulce de batata.
¿porque? Que le hizo el dulce de batata a ese energúmeno como para juntar 2 elementos nobles y con entidad propia, y características únicas como el chocolate y el dulce de batata.
Hay algo mas que me jode, es ir a un super en cualquier ciudad española, grande o pequeña, de la sierra o al borde del mar y ver ( me pongo mal cuando lo recuerdo) ver un dulce igual al de batata, igual consistencia, brillo y color y es DE MEMBRILLO.

Hacelo verde, negro a pintitas como quieras pero no copies una linea definida y aceptada.
No engañes. NO MIENTAS.
El dulce de membrillo no juega en la misma liga que el dulce de batata. ( como haces un vigilante con membrillo y queso? Que pasa, estamos locos?
Lo mismo pasa con la arquitectura, y aunque te metas adentro y apagues la luz e intentes dormir o lo que te pida el cuerpo . Si es un simil membrillo y no batata tu vida baja en calidad espacial, aunque te duermas ( directamente o después de lo del cuerpo) estas en un lugar de baja autoestima.

Hago un llamado a la seriedad profesional. No hagas proyecto membrillo si queres hacer un proyecto batata. Y si tenes sensibilidad y condiciones para hacer un proyecto batata, anímate y podes hacerlo “fresco y tata” pero jamas, nunca con chocolate. Haceme caso

Miguel me parece que no queda otra que utilizar metáforas cotidianas para hacer un llamado de atención a propios y extraños. Nos están rodeando de basura. Te propongo que comencemos una serie “proyecto batata” . Fernando sumate . Ya es tarde, imagínate si seguimos tardando 🤪
Antonio, tenes mando de tropa, hace lo imposible para que el “proyecto batata” no sea un delirio.
¿Cuando nos convencimos que lo malo y lo mediocre eran merecidos.?
Que la falta de talento se podía construir? y ser al menos interesante.
Aprendamos de los temas serios, como lo hicieron esta semana las mujeres, ahora entre todos hagamos la vida mas digna. Sin chicanas.
La arruga es bella (frase famosa del diseñador Adolfo Dominguez) que piola (listo), podía decirla porque no es arquitecto y ese pantalón arrugado lo podes planchar, nosotros no podemos planchar nada debemos pensarlo antes.
pensarlo más.
Antes que sea irreversible,

Adolf Loos. Expo en Caixa Forum y algo más

Adolf Loos. Expo en Caixa Forum y algo más.

ADOLF LOOS. 

Espacios Privados

Hoy está siendo un buen día, siempre lo es cuando voy de visita a la Caixa Forum.  Fui a ver la exposición que presentan sobre el arquitecto Adolf Loos. 1

Hace poco, estuve leyendo sobre él, a raíz de unos  artículos que escribí sobre la Bauhaus. Rápidamente derive a la Secesión Vienesa y a las posiciones de éstos con Loos, o mejor dicho de Loos con aquéllos al rebelarse contra la llamada Secesión proponiendo una economía en la construcción arquitectónica y el diseño.

La casa tiene que gustar a todos, contrariamente a la obra de arte, que no tiene que complacer a nadie. La obra de arte es un asunto privado del artista. La casa no lo es. Adolf Loos

La exposición “Adolf Loos, espacios privados” se realiza en un edificio muy atractivo, un centro cultural dedicado a exposiciones temporales. 2  En el año 2002 el estudio Herzog & De Meuron comienza el proyecto de rehabilitación y ampliación de la que fuera la Central Eléctrica del Mediodía, de 1900, cuyo objeto era la producción de electricidad a partir de la combustión de carbón que debía abastecer de energía a todo el sector sur del casco antiguo de Madrid.

La remodelación y ampliación se inaugura en el 2008, muchos -no arquitectos- la ubicarán también por ser muy conocido (y encantador) el jardín vertical diseñado por Patrick Blanc (1953) y la escultura de Igor Mitoraj (1944-2014) en la esquina que hace de acceso principal desde el Paseo del Prado 36, en Madrid (aunque recomiendo especialmente sumergirse desde cualquiera de las otras calles en el espacio casi etéreo flotante que oculta hábilmente la  estructura central del edificio).

Un sándwich extraño, nada abajo, masa de ladrillos (la antigua fábrica) y como culminación, el remate de acero corten, en distintos volúmenes, con techos a 2 aguas, que dan un hermoso coronamiento al edificio.

El arquitecto Adolf Loos (1870-1933) nació en Brno (Imperio austro-húngaro), no consigue entrar a la escuela de arquitectura, accediendo entonces en la Escuela de Arte y Oficios de Reichenberg en Bohemia y luego en la Escuela politécnica de Dresde.

En 1923 viaja a ver la exposición Universal de Chicago, donde permanece desde los 23 hasta los 26 años.  Su formación estética se nutre en Chicago, luego en Londres y también en París, cuando llega a Viena tiene claro que desea trabajar de arquitecto revolucionando la arquitectura del momento, Viena aquejada de una crisis estética de fin-de-siècle ve con interés crítico este desafío.

 

Loos introdujo la cultura angloamericana mediante sus escritos en la prensa y en la revista “Das Andere” donde cuestionaba las costumbres y el uso de los objetos cotidianos.

   Loos logra un fuerte impacto con su proyecto minimalista del Café Museum de Viena (1899) conocido como Café Nihilismus. Un local muy luminoso, sin apenas decoración o adorno así como con sus proclamas a partir de su artículo Ornamento y Delito (1908)…“Como el ornamento ya no está unido orgánicamente a nuestra cultura, tampoco es ya la expresión de ésta”.

Adolf Loos. Café Museum de Viena. Café Nihilismus.

Interior del Café Museum

Ornamento y delito. Ins Leere Gesprochen

(hablando en el vacío)

“…El impulso de ornamentarse el rostro y todo lo que se tiene al alcance es el primer origen de las artes plásticas, es el balbuceo de la pintura: ya que todo arte es erótico…”

“…El primer ornamento que nació, la cruz, tuvo un origen erótico. Es la primera obra maestra, la primera creación artística con la que el primer artista embadurnó la pared para liberarse de la energía sobrante. Una línea horizontal: la mujer que yace. Una línea vertical: el hombre que la penetra. El hombre que la creó sintió el mismo impulso que Beethoven, se encontraba en el mismo cielo en el que éste compuso la Novena…”

“…Descubrí lo siguiente y se lo comuniqué al mundo: La evolución cultural equivale a eliminar el ornamento del objeto de uso cotidiano. Creía con ello entregarle al mundo algo nuevo por lo que alegrarse, algo que no me ha agradecido. Lagente estaba triste y andaba cabizbaja. Lo que les preocupaba era saber que ya no se podía crear un ornamento nuevo. ¿Cómo es posible que sólo nosotros, los hombres del siglo XIX, no seamos capaces de hacer lo que sabe hacer cualquier negro, lo que han sabido hacer todos los pueblos en todas las épocas anteriores a la nuestra?…soy yo, Hugo el que escribe: ”esta referencia despectiva hacia cualquier “negro”, me dejo pensando acerca de quien hablaba y para quienes hablaba, todos debían compartir semejante discriminación racial, sin ninguna inhibición, al punto de editar un libro y dar conferencias en esos términos !!!!!

“…El hombre moderno, que considera sagrado el ornamento como signo de superioridad artística de las épocas pasadas, reconocerá de inmediato, en los ornamentos modernos, lo torturado, lo penoso y lo enfermizo de los mismos. Alguien que viva en nuestro nivel cultural no puede crear ningún ornamento…”

“…Predico para los aristócratas. Soporto los ornamentos en mi propio cuerpo si éstos constituyen la felicidad de mi prójimo. En este caso también llegan a ser, para mí, motivo de alegría. Soporto los ornamentos del cafre, del persa, de la campesina eslovaca, los de mi zapatero, ya que todos ellos no tienen otro medio para alcanzar el punto culminante de su existencia. Pero nosotros tenemos al arte, que ha sustituido al ornamento. Después del trabajo del día, vamos al encuentro de Beethoven o de Tristán. Esto no lo puede hacer mi zapatero. No puedo arrebatarle su alegría, ya que no tengo nada que ofrecerle a cambio. El que, en cambio, va a escuchar la Novena Sinfonía y luego se sienta a dibujar un modelo de tapiz es un hipócrita o un degenerado…”

“…La carencia de ornamento ha conducido a las demás artes hasta alturas insospechadas. Las sinfonías de Beethoven no hubieran sido escritas nunca por un hombre que tuviera que ir metido en seda, terciopelo y puntillas. El que hoy en día lleva una americana de terciopelo no es un artista, sino un bufón o un pintor de brocha gorda. Nos hemos vuelto más refinados, más sutiles. Los miembros de las tribus tenían que distinguirse por medio de los colores, el hombre moderno necesita su vestido como máscara. Su individualidad es tan grande que ya no la puede expresar en prendas de vestir. La falta de ornamentos es un signo de fuerza intelectual. El hombre moderno utiliza los ornamentos de civilizaciones antiguas y extrañas a su antojo. Su capacidad de invención la concentra en otras cosas…”

https://archive.org/details/LoosSmtlicheSchriftenBd1

Exposición

Es interesante como en esta exposición, se ha puesto el acento en los trabajos de Adolf Loos como diseñador de equipamiento y como interiorista. Se exhiben 218 obras (entre ellas 120 muebles), muchos prestados por el coleccionista vienés Julius Hummel.

Nos explica Pilar Parcerisas, comisaria de la exposición: …La simplicidad y el confort son las máximas de sus diseños, sin perder por ello un ápice su capacidad de seducción. Alejadas de las modas, sus obras son intemporales.

El mobiliario era construido ex profeso o seleccionado por Loos para sus obras. Se exhiben ambos casos.

Texto extraído del catálogo de la exposición:

 En la concepción arquitectónica de Adolf Loos (Moravia, 1870 – Austria, 1933), la noción de espacio doméstico ocupa un lugar preponderante. Junto a sus múltiples proyectos y construcciones de tiendas de moda, cafés, hoteles y edificios públicos, Loos concede una vital importancia a los espacios interiores donde se desarrolla la vida privada. La vivienda constituye la esfera íntima, el refugio del individuo frente a la vida social. Valores como intimidad, privacidad o confortabilidad encuentran en el diseño de espacios y el uso del mobiliario doméstico de Loos un ejemplo de las nuevas formas de la cultura del hábitat. Esta exposición indaga en la revolución estética de Loos en el ámbito de lo privado, puesta en el contexto de la cultura y el arte de la Viena de principios del siglo XX.

Adolf Loos. Esbozo de un sillón, Paris. Lápiz sobre papel
Adolf Loos. Reloj de péndulo 1904-1920

Adolf Loos interior del Bar americano en Viena 

Goldaman & Salatsch (sastrería)

3 de Michaelerplatz

Es uno de los primeros edificios modernos de Viena, de uso mixto el Comercio ocupa las 3 plantas bajas del edificio y el resto vivienda

(1909-11).

  Loos plantea el edificio como de 2 elementos autónomos y distintos.

Comentario de la época “Reflexionando sobre el arte, el hombre más moderno pasea por las calles. De pronto se detiene, maravillado, ha encontrado lo que llevaba tanto tiempo buscando”.
Fue tachado de basura o gallinero, al punto que en 1910 las autoridades suspendieron las obras temporalmente, Otto Wagner asesoró a Loos hasta conseguir que ésta se reanudase.

Como suele suceder hoy en día el edificio de la Michaeleplatz es uno de los iconos de la ciudad de Viena y es considerado como uno de los primeros edificios modernos del continente Europeo.

La Viena de 1900

Se produce un cambio importante ya que donde existía una de las casas reales más poderosas e influyentes de Europa, hay una migración de trabajadores de campo a la ciudad, una burguesía industrial creciente basada en el dinero y las propiedades.

Hay enormes cambios con la llegada de la luz eléctrica el ferrocarril, el metro y las comunicaciones, las grandes ciudades destruyen murallas para crecer. Viena también lo hizo, con la construcción de la Ringstrasse (1858-1888), escaparate de los edificios más emblemáticos, como el nuevo Palacio Imperial, el Parlamento, la Ópera y el Teatro, entre otros. Fachadas del espacio público vienés que separaba el ámbito –degenerado- de la vida privada del espacio teatralizado de la vida pública.

Adolf Loos. Librería con coljumnas.c.1906, madera de caoba  y columnas de latón y metal. Colección Hummel

Las reacciones críticas al mundo burgués pudieron observarse en la rebelión del psicoanálisis, en la nueva arquitectura y el diseño, en la filosofía del lenguaje, en el dodecafonismo, en el uso de la palabra y en el arte: Sigmund Freud (1856-1939), Karl Kraus(escritor y poeta 1874-1936), Arnold Schönberg (pintor, teórico musical y pintor 1874-1951),Ludwig Wittgenstein (filósofo y matemático 1889-1951), Oskar Kokoschka (1886-1980) y de quien nos estamos ocupando el arquitecto Adolf Loos,

Otto Wagner. Interior del Museo del Emperador Francisco José (Viena),no realizado. c.1903 fotograbado impreso. Colección privada Reino Unido

La respuesta a esta Viena decadente vendrá de parte de una joven generación de artistas, intelectuales, estetas y moralistas que intentarán dar respuesta, desde el arte y la cultura, a un mundo que se hunde, ya que no tiene más la seguridad que había representado, la monarquía en el pasado.

Se reúnen entre los 120 muebles, aquellos que han sido concebidos o seleccionados por Loos entre 1899 y 1931

Raumplan y Enfilade

Mediante el método denominado “raumplan”o “spaceplan”o plan de volúmenes, era un complejo sistema de organización interna. Loos creó unos espacios continuos en vertical que permitían varias alturas según el uso.

Con la “enfilade” estableció la continuidad del espacio en horizontal.

El término hace referencia a una sucesión de habitaciones formalmente alineadas entre sí. Desde el período barroco en adelante, las puertas que permiten acceder a cada habitación están alineadas con las puertas de las habitaciones conectadas a lo largo de un solo eje, proporcionando una vista a través del conjunto entero de habitaciones.

Según Loos, la fachada era la cara masculina de la arquitectura, y la interior, la femenina.

Butaca 1907. De F.O. Schmidt utilizada por Adolf Loos.Colección Hummel.Viena

Vida privada compleja

1893 Contrajo sífilis en los burdeles de Viena, a resultas de la cual quedaría estéril y sería repudiado por su madre.

1893-6 reside en Chicago desde los 23 a los 26 años.

1902 se casa con Carolina Catherina Obertimpfler (Lina Loos), de quien se divorció en 1905.

1918 se le diagnostica cáncer.

1919 se casa con la cantante y bailarina Elsie Altmann. Se separa 7 años más tarde.

1920 con cincuenta años protagonizó un escándalo de pedofilia. 

1921, obtiene la nacionalidad austríaca y es nombrado arquitecto jefe del Ayuntamiento de Viena, trabajando en el Ministerio de Vivienda.

1924 dimite del puesto y vive los siguientes 5 años en Francia.

Se casa con Claire Beck, de quien se separa en 1932.

1932 tiene 62 años y está en la ruina.

1933 fallece.

Loos y sus propuestas

Se rebeló contras sus contemporáneos de la Secesión y la Wiener Werkstätte -que querían convertir la vida en arte tomando como modelos elementos abstractos de la naturaleza- se enfrentó a los espacios interiores burgueses, repletos de objetos decorativos pero inútiles, y propuso crear otros que protegiesen la intimidad del individuo del exterior a fin de resolver la escisión entre el ser individual y el ser social. 3

Elegida por Adolf Loos. Silla similar a las de la Villa Müller, madera de caoba y almohadilla en el asiento. Colección Hummel. Viena

Afirmaba que el arquitecto se ocupa del «inmueble», y el artesano, del «mueble», prefiere los estilos Chippendale y Hepplewhite, el sillón New Shaped Easy Chair de Hampton & Sons, y sillas de mimbre. Emplea sillas Liberty, sillones Biedermeier y sofás Chesterfield, mesas de influencia turca, taburetes egipcios y alfombras orientales. Sin dudas un eclecticismo de mirada posmoderna. 4

Fotografia de Adolf Loos con Peter Altenberg, 1930. Foto: Gisela Erlacher. Colección Hummel, Viena

 

Notas

1

La exposición Adolf Loos. 1870-1933. Espacios privados.  Lugar: CaixaForum Madrid (paseo del Prado, 36). Fechas: Del 28 de marzo al 24 de junio de 2018. Organizada por la Obra Social”la Caixa” y el Museu del Disseny de Barcelona. Comisariado: Pilar ParcerisasProcedencia de las obras:

Colección Julius Hummel (Viena), The Albertina Museum (Viena), Wien Museum, Architekturmuseum der Technischen Universität de Múnich, Colección Markus Kristan (Viena), Colección Ernst Poil (Viena), J. & L. Lobmeyr (Viena), CCCB (Barcelona) y una colección particular del Reino Unido.

2

La muestra cuenta con un total de 218 obras, entre las que destacan 120 muebles —más de 50 sillas, sillones y taburetes, 13 lámparas, 21 mesas, escritorios y tocadores, armarios y librerías— y objetos de menor tamaño, como relojes, vasos, decantadores, espejos y perchas, entre otros. Además de documentos, dibujos y litografías, fotografías, libros, manuscritos y maquetas, tanto de proyectos realizados y de proyectos no construidos.

3

Juan Antonio García Fermosel. Área de Comunicación de la Obra Social” la Caixa” jagarcia@fundacionlacaixa.org.

Sala de Prensa Multimedia: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial

Gran parte de los textos los he tomado del dossier que me ha remitido el señor Juan Antonio García Fermosel del Área de Comunicación, al que agradezco especialmente.

4

Pilar Parcerisas, comisaria de la exposición

Fin de la 1era parte

Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz
Junio 2018

Libros editorial H Kliczkowski Wright/O´Keeffe . “Duetos”

Libros editorial H Kliczkowski Wright/O´Keeffe . “Duetos”

Hace unos años creamos la colección que llamamos “duetos”.

Un arquitect@ y un artista, que tuvieran que ver en sus formas, en sus conceptos.

Una forma (más) de enfatizar la hermandad, la danza de las artes.

Tuvimos muchos lectores, hicimos varios títulos como Gaudi/Dali; Sert/Miro; Wagner/Klimt, etc.

Se hicieron coediciones en otros idiomas.

Esto que transcribo está en el libro Wright/O´keeffe

Los textos son de Llorenç Bonet y María Sol Kliczkowski

Editorial H Kliczkowski

ISBN 84-96241-14-9

FORMAS ORGANICAS

Naturaleza y abstracción

Tanto Georgia O´Keefe (1887-1986) como Frank Lloyd Wright (1867-1959) afirmaron a lo largo de toda su carrera que su obra debía mucho al estudio de los objetos naturales, y que una de las mejores fuentes de inspiración era la observación directa de la naturaleza.

Pero esta línea de trabajo no les llevó a crear una copia del mundo, sino que al haber interiorizado la realidad, pudieron crear un mundo totalmente personal, que derivó muchas veces hacía formas abstractas.

Los juegos de construcción Froebel fueron importantes en la formación de Frank Lloyd Wright y así lo afirmó durante toda su vida.

El juego consistía en un grupo de pequeños bloques de formas regulares con los que podían crearse distintas formas, basados siempre en la repetición de un mismo modulo, la racionalidad de estos bloques contrasta aparentemente con otra afirmación del arquitecto, que veía en la naturaleza su gran “fuente de inspiración”.

 

 

Pero para Wright, tanto la naturaleza como el juguete de construcción de su infancia forman parte del mismo mundo, ya que las formas racionales de cualquier volumen puro se pueden descomponer en formas menos regulares y viceversa. Por esta razón argumentaba que las formas simples constituían para él volúmenes aprehensibles a simple vista, aunque el edificio presentara un pórtico con entrantes y salientes o con columnas cuya base fuera más delgada.

Wright nunca quiso pertenecer a ninguna escuela o corriente arquitectónica precisa, pero se sintió próximo al significado de la palabra organicismo. Aunque no le gustaban las etiquetas y siempre se interesó por innovar según las posibilidades que tenía a su alcance, la idea de entender su arquitectura como una prolongación de la naturaleza no le parecía desagradable. Por otro lado lo que le interesaba era hacer casas habitables, cómodas y que permitieran el desarrollo social de sus habitantes. Para ello, Wrightconsideraba indispensable el contacto con la naturaleza. La combinación de una vida en un entorno natural , la constante innovación con nuevos materiales, el recuerdo a las formas puras de sus juguetes de su infancia, y sobre todo, su gran imaginación hacen que muchos de sus edificios sean como grandes esculturas habitables.

Frank Lloyd Wright-Georgia O´Keeffe

Ambos pioneros del arte y la cultura, reconocidos en vida como genios y precursores del arte norteamericano, sabían que a pesar que su obra formaba parte de la cultura occidental, representaba la escisión respecto a la tradición europea, consolidando un arte norteamericano relacionado con su territorio y sus paisajes.

Ambos fascinados por las culturas occidentales, nunca se inscribieron en una corriente que pudiera significarles abandonar su individualidad.

Con una diferencia de edad de 20 años, ambos compartieron un viaje vital de norte a sur y de este a oeste, siempre dentro de su país. El traslado de la costa atlántica a la pacífica significo una decisión crucial para los 2 artistas, en el caso de Wright el clima de Wisconsin fue demasiado duro para su delicada salud, que motivo a mediados de la década de los treinta su traslado a Taliesin west, que fue también su última residencia, O´Keeffe en esa misma época empezó a pasar más tiempo en Nuevo México, en el mismo desierto donde trabajaba Wright, donde se trasladaría definitivamente en 1946.

Ambos desde su Wisconsin natal hacia el desierto de Nuevo México y Arizona formo parte de sus derroteros dentro y fuera del país.

Precursores en crear un lenguaje norteamericano, personal e independiente de otros países, sin tener la necesidad de copiar las corrientes artísticas que triunfaban en aquella época en el viejo continente.

Ambos fascinados por las culturas occidentales, nunca se inscribieron en una corriente que pudiera significarles abandonar su individualidad.

Georgia O´Keeffe es una de las pintoras norteamericanas más importantes e influyentes del siglo XX en Estados Unidos. Tanto por la novedad que supuso su pintura en los años 20 dentro del reducido círculo de coleccionistas y especialistas de arte contemporáneo, como por el interés que suscitó en el gran público a partir de los setenta, cuando los museos más importantes del país ofrecían grandes retrospectivas de sus pinturas. 

Aunque sus cuadros más conocidos son las grandes telas con motivos florales – representados en primer plano y con formas que se acercan más a la pintura abstracta que a la figuración- su obra abarca otros temas e intereses. Lo novedoso y original de su producción es que rompió con la idea de escala y perspectiva dentro de los cánones occidentales pictóricos al representar los objetos en primer plano muy marcados y en un entorno sin referentes.

Para O´Keeffe las formas más sugestivas e inverosímiles estaban en los objetos naturales…actualmente esta considerada como un referente…Nació en Sun Prarie, en Wisconsin en 1887, estudio en el Art Institute de Chicago, en 1905, y continuó en el Art Institute League de NY, en una época que a una mujer no se la tomaba seriamente el querer ser pintora.

En 1908 regresa a Chicago para trabajar como diseñadora, sin grandes producciones hasta 1912 que acepta un trabajo en Amarillo, Texas como supervisora de dibujo de las escuelas públicas. En Texas los paisajes y ek aislamiento le permiten aclarar sus pensamientos…asistió a la universidad de Virginia, con el profesor Alon Bement (alumno a su vez de Arthur Wesley Dow (1857-1922)), quien le mostró teorías como el “Notan”, técnica japonesa tradicional del tratamiento de la luz y las sombras. Lee y estudia a Ernest Fenollosa “Epochs of Chinese and Japanese Art” 1912 especialista en arte y poesía china. Forma parte del profesorado en Virginia y en la Universidad de Columbia.

Anita Pulitzer le presenta al fotógrafo Alfred Stieglitz (1864-1946) también marchante de la galería 291, quien fue su gran avalador y defensor de su obra. Su relación fue también afectiva, y provocó un gran escándalo en la época, porque Stieglitz no se divorció de su esposa.

Paso temporadas con Stieglitz en la casa de éste a orillas del lago George, cuyo paisaje inspirara a la pintora… y desde 1929 en Texas, a bordo de su Ford A, acondicionado como taller ambulante… sus lugares favoritos fueron desde 1936 Ghosto Ranch, donde en 1940 compró una casa y más tarde otra en Abiquiu, residió en ambas luego de la muerte de Stieglitz en 1946.

En 1962 fue elegida miembro de la Academia Americana de la Artes y las Letras, el más alto honor que se otorga en los EEUU a pintores y escritores.

Casa Hollyhock (1917-20)

Fue un encargo de Aline Barnsdall (1882-1946), heredera de la Barnsdall Oil Company, para erigir un complejo destinado al mundo del teatro.

Para ello compró una gran extensión de tierra en el centro de Los Ángeles, en Olive Hill, para construir al pie de esta colina un gran teatro, un cine, residencia para actores y directores, unas tiendas y comercios.

En la cima su propia vivienda, la casa Hollyhock (casa de la malvarrosa).

Solo se construyeron 2 viviendas.

En un clima inhóspito por el calor, Wright concibió una casa introspectiva. Con un patio central arbolado y ventanas pequeñas (en relación a sus casas de la pradera).

Tiene protagonismo el agua, un arroyo que circula desde una fuente a un gran estanque en el patio, hasta aparecer dentro de la vivienda frente a la chimenea y en una piscina cuadrada en el salón.

En esta obra que el mismo Wright califico de “romance californiano”, la relación con la naturaleza, que armoniza con grandes volúmenes escultóricos, se manifiesta incluso en la ornamentación, para la que utilizó el motivo de la malvarrosa (flor preferida de Barnsdall). De esta forma se decoraron los antepechos, las columnatas, así como los respaldos de las sillas, diseñadas especialmente para la casa.

Bauhaus 5 y Gropius

Bauhaus y Gropius.

Todo lo que existía antes, durante. arriba y abajo de la Bauhaus.

Considerado el padre de la Bauhaus (Walter Adolph Georg Gropius) nació en Berlín el 18 de Mayo de 1883 y murió en Boston un 5 de Julio de 1969.

Tenía 32 años y siendo director de una escuela de medios de comunicación, es llamado por el gran duque de Sachsen-Weimar para nombrarlo director de 2 escuelas de arte de gran prestigio en la ciudad de Weimar (Gran Ducado de Sajonia).

– la Escuela Industrial de Artes y la Escuela de Arte

   Gropius (“el principe de plata”), decide fusionarlas en 1919 bajo el nombre de Das Staatliches Bauhaus, con el objetivo de crear un centro de arte y diseño para la industria y el comercio, donde pudiera realizar su proyecto de lograr la unidad del arte, la arquitectura y el diseño,

Fundó y dirigió la Bauhaus desde 1919 hasta 1928, año en que decide dedicar más tiempo a su estudio de arquitectura y delega la dirección de la escuela en Hannes Meyer (1889-1954) del que escribe al presentarlo a las autoridades Como sucesor propongo a Hannes Meyer, director del departamento de arquitectura, a quien considero capacitado, tanto en lo personal como en lo profesional, para dirigir el instituto con éxito”.

Como antecedentes familiares podemos mencionar que su tío abuelo fue uno de los discípulos del pintor y arquitecto neoclásico Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) y su padre fue arquitecto y miembro de la Comisión de Construcción de la Ciudad de Berlín, así como director de la Escuela de Arte en Berlín y director de educación en Prusia.

   Gropius se formó entre Múnich y Berlín, desde 1907 a 1910 trabajó en el estudio de Peter Behrens(1877-1940).

Fue en su estudio y debido a que realizaban trabajos para una gran empresa industrial, donde se forjó la aspiración ideológica de vincular la producción de diseño al sistema de producción industrial.

Prueba de éste interés lo demuestra años más tarde en su relación con el arquitecto Konrad Waschsmann (1901-1980), éste luego de abandonar Alemania se afinca en los EEUU, donde comenzó colaborando con Mies van der Rohe (1886-1969) y a partir de 1943 lo hace más intensamente conGropius, con quien llego a desarrollar proyectos de prefabricación como “The packaged house system”.

Éste fue un proyecto muy novedoso que partiendo del diseño estandarizado de sus componentes, que al ser fáciles de unir permitían generar el crecimiento de la vivienda. Utilizaban paneles de madera para techo, suelos y cubierta (de 90 x 100 cm). La clave fue su producción en serie, la estandarización y la posibilidad de ensamblarse en dos direcciones, generando una mayor flexibilización constructiva y de diseño.

“Sólo podemos mandar a la naturaleza si empezamos

 por obedecerla”. Francis Bacon

Alma Mahler

-viuda del arte-

  En 1910 se enamora de quien se decía era “la mujer más hermosa de Europa”, Alma Margaretha Maria Schindler (1879-1964) quien fuera esposa entre 1902-1911 del famoso compositor y director de orquesta Gustav Mahler (1860-1911); y amante de Gustav Klimt (1862-1918);

 

(este listado, soy conciente es políticamente incorrecto).

Amante de Oskar Kokoschka (1886-1980), quien la retrató varias veces y que en su Die Windsbraut -La novia del viento- representó su amor por ella.

  Entre 1929-1945 se casa con el poeta y novelista Franz Werfel (1890-1945); y mantiene relaciones con el que fuera compositor y profesor de Schönberg, Alexander von Zemlinsky (1871-1942); el director teatral Max Burckhard (1854-1912) y la tormentosa relación con el biólogo Paul Kammerer (1880-1926).

(Más datos de ella se pueden leer en sus propias memorias “Mein Leben” (traducido al inglés y editado con el título “And the Bridge is Love”). Su vida fue representada por la actriz Sarah Wynter en la película Bride of the Wind (2001) deBruce Beresford. Y su personaje actuado por Georgina Hale en la película “Mahler” de 1974 dirigida por Ken Russell (19272-2011).

FAGUS

Más que un complejo fabril

Entre 1911 y 1913, Gropius diseña junto a Adolf Meyer (1851-1920), (su integración en el trabajo fue tal que le valió el mote de “alter ego de Gropius) la fábrica de hormas de zapatos Fagus, en la ciudad de Alfeld cercana a Hanover, que se constituyó en ejemplo y pilar de la arquitectura contemporánea. Declarado en 2011 por la Unesco “Patrimonio de la Humanidad”.

Su propietario Carl Benscheidt (1858-1947) quería un proyecto que expresara una ruptura con lo que era el pasado de la compañía. Sus interiores se siguieron completando hasta 1925, interviniendo la propia Bauhaus.

            

El prestigio de Gropius se consolida en 1914 al construir para la exposición del Werkbund(precursora e inspiradora de la Bauhaus) un conjunto de oficinas, con un atrevido concepto estructural, estético y técnico. Al alistarse en la primera Guerra Mundial, su actividad como constructor queda interrumpida, aunque siguió madurando la idea del papel que debía desempeñar la arquitectura en el problema social que la posguerra plantearía con toda gravedad, pero con una particularidad, este problema social habría de fundirse con el estético.

Manifiesto de la Bauhaus

Escribía Walter Gropius: “¡Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual! ¡Establezcamos una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a una clase de la otra y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas! Anhelemos, concibamos y construyamos juntos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo —a la arquitectura, a la escultura y a la pintura— en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega…”

Ver Nota sobre “Bauhaus manifiesto y programa”.

https://hugoklico.blogspot.com.es/2018/01/bauhaus-manifiesto-y-programa.html

Werkbund
Sus integrantes

La Deutscher Werbund –Federación Alemana del Trabajo- (http://www.deutscher-werkbund.de/) era una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, una organización muy importante en la historia de la arquitectura y del diseño moderno.   Movimiento arquitectónico relacionado con el expresionismo fundado en Múnich por Hermann Muthesius (1851-1927), Friedrich Naumann (1860-1919) y Karl Schmidt(1888-1965).

Sus objetivos eran similares a los objetivos de la Bauhaus: la integración de la arquitectura con la industria y la artesanía a través del trabajo profesional, la educación y su publicidad y difusión. Estaba inspirada en el movimiento inglés ” Arts & Crafts” preconizado por William Morris, aunque distanciado de éste al admitir la utilización de la máquina y su proceso industrial.

La Werkbund en su interés tan amplio en la industria confió a Peter Behrens la tarea de proyectar publicaciones, logotipos, lámparas, escaleras eléctricas, fábricas, conjuntos de habitaciones para obreros, tiendas y publicidad para la AEG. Su interés por el diseño industrial se veía en las páginas de sus anuarios donde se reproducían muebles, lámparas, locomotoras del Maffeiwerke de Múnich, ferrocarriles eléctricos, buques, puentes de hormigón armado, puentes colgantes de acero, etc.

 

Buscaban la introducción del diseño arquitectónico en la modernidad al conferirle un carácter industrial, utilizando los nuevos materiales como el vidrio y el acero.

Perseguida fue clausurada por los nazis en 1938, y reabierta en 1949.

​- Hermann Muthesius la había fundado en 1907 en Múnich, años más tarde la trasladó a la ciudad deDarmstadt.

Otros fundadores de la Werbund fueron:

– Peter Behrens (1868-1949),

– Theodor Fischer (1862-1938) -su “Manifiesto para la arquitectura alemana” de 1917, de cómo llevar a cabo una nueva enseñanza de la arquitectura, es considerado la base del manifiesto de la Bauhaus.

– Josef Maria Olbrich (1867-1908) fue quien diseñó entre 1897 y 1898 el Pabellón de exposiciones de la Secesión Vienesa, que constituye uno de los más importantes edificios construidos en el estilo Secesión modernismo vienés (Jugendstil).

Bajo su famosa cúpula realizada en bronce dorado (popularmente conocida como “el repollo”) se lee la frase del escritor  Ludwig Hevesi (escritor 1843-1910) “A cada tiempo su arte, a cada arte su libertad”Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit ), a la izquierda de la entrada en otro lema: Ver Sacrum (Primavera Sagrada), como expresión y esperanza de un nuevo florecimiento del arte.

– Bruno Paul (1874-1968), en 1897 fundó en Múnich junto a Hermann Obrist (escultor 1862-1927), Richard Riemerschmid (arquitecto 1868-2957) y Bernhard Pankok la Unión de Talleres de Arte y Artesanía, una empresa de diseño basada en una estrecha relación entre artesanos, arquitectos y diseñadores, sentando un precedente para el diseño industrial del siglo xx, así fue como produjeron la línea de mobiliario “Typenmöbel”,  pensada exclusivamente para la fabricación industrial. Desde 1907 participó también en la Deutscher Werkbund. En 1933 los nazis le prohibieron ejercer la enseñanza, durante el III Reich, vivió en Wiesenburg dedicado a la decoración de interiores.

– Richard Riemerschmid, (arquitecto 1868-1957).

Otros arquitectos adhirieron al proyecto como:

– Heinrich Tessenow (arquitecto, urbanista y profesor 1876-1950).

– Else Oppler-Legband (diseñadora 1875-1965) se formó en la Academia de Bellas Artes de Múnich con Maximilian Dasi (1875-1965), con Henry van de Velde (1863-1957) fue discípula del arquitecto Josef Hoffmann (1870-1956) en Viena, donde coincidió con Lilly Reich, y del arquitecto y diseñador alemán Peter Behrens en Nuremberg.

– Lilly Reich  (1885-1947) quien en 1920 fue la primera mujer en dirigir la Werbund.

– Anna Muthesius,

Y el belga Henry van de Velde (arquitecto, diseñador, pintor). “Pensaba que todas las artes debían supeditarse a las artes decorativas, ya que mejorando el entorno del hombre, el hombre mejoraba”. Buscando este objetivo diseñaba sus espacios hasta el último detalle.

La Werkbund comisionó a Van de Velde la construcción de un teatro para la exhibición de 1914 en Colonia, que fue un momento álgido de su historia antes de la Primera guerra mundial. Este teatro fue su mejor trabajo, pero solamente estuvo en pie un año debido a que fue destruido en la guerra. Ya en esta exhibición, se evidenció la clara disidencia entre el sector más individualista (encabezado por Van de Velde) y el sector más funcionalista (encabezado por Muthesius). Van de Velde tuvo que dejar Alemania, ya que era ciudadano de un país enemigo


“Toda mi vida ha estado caracterizada por un fuerte deseo

de incluir los componentes esenciales de la vida,

en vez de excluir buena parte de ellos, como ocurre

cuando el enfoque es demasiado dogmático”. Walter Gropius

La Bauhaus

Adhiriendo cada vez más a la idea de vincular la arquitectura y el diseño a la industria y viceversa,Gropius se dedica a la enseñanza.

En 1919, perfeccionando una precedente iniciativa de Henri van de Velde, funda en Weimar la escuela llamada Bauhaus,

En ella aprendieron los mejores artistas alemanes, rusos, eslavos y holandeses los principios artísticos, teóricos y técnicos; la escuela se convirtió en un centro de vida y trabajo común.

En el Bauhaus ideó Gropius su proyecto de “teatro total”; y allí escribió sus obras más importantes, “Internationale Architektur” y “Bauhausbauten in Dessau”.

La escuela, que se había trasladado de Weimar a Dessau, ocupaba el (más bello) edificio construido por Gropius; pero el acento revolucionario de su obra era tan patente y tan opuesto al nacionalismo de Hitler, que éste ordenó su clausura en 1933. 

Artículo sobre Bauhaus y Kandinsky

Creatividad  y pintura sin objeto”

https://hugoklico.blogspot.com.es/2018/02/bauhaus-y-kandinsky.html

  Gropius, en 1928 se había tenido que marchar a los Estados Unidos, regresó a Berlín a ejercer su profesión, pero debió salir de nuevo, después de la clausura de la Bauhaus (22 de Agosto de 1932).

Permaneció de 1934 a 1937 en Inglaterra, donde construyó numerosos edificios hasta su instalación ya definitiva en los Estados Unidos, donde se hizo cargo de la cátedra de Arquitectura en la Universidad de Harvard.

La feria de Frankfurt y La Secesión Vienesa

No siempre es posible estar frente a un edificio tan representativo y simbólico de una época como es el Palacio de exposiciones de la Secesión de Josef Maria Olbrich.

La emoción está garantizada.

Pero entrar, y contemplar el maravilloso friso Beethoven (1902) realizado por Gustav Klimt (1862-1918), quien fuera presidente del movimiento, supera cualquier previsión.

  

Ese enorme friso (en tamaño y en calidad) lo realizó Klimt para una exposición temporal de la Secesión.

Ahora se encuentra permanentemente en la planta baja.

 

Su hermano Georg Klimt diseño las puertas de entrada de bronce.

 

 

La Buchmesse, feria del libro en Frankfurrt, es la más importante del mundo, no solo de venta de libros (físicos) sino de venta de derechos de edición.

Sus cifras son tremendas, más de 7.000 expositores de más de 100 países, y 300.000 visitantes, de los que el 50 % son profesionales y más de 10.000 periodistas, muchos de ellos especializados.

Durante 5 días se hacen los acuerdos de coediciones de todo el año, y en muchos casos ni siquiera se espera la apertura de la feria, en los días previos se hacen acuerdos en los hoteles de alrededor, como el Maritim o el Marriott, por ejemplo.

La visito desde hace 35 años, quizás un poco más…

Es un predio muy grande, donde está la famosa torre de Helmut Jahn (1940)    Históricamente arrancaba un miércoles hasta el lunes siguiente, pero la crisis también los afectó, cerraron 3 pabellones completos de los 9 de siempre y ahora cierra un dia antes, los domingos.

Con mi hermano Guillermo, luego de cubrir los días intensos de citas en la feria el libro (unas 10 por día) adquirimos la sana costumbre de tomarnos unos días de descanso, visitando ciudades, para fundamentalmente ver obras de arquitectura, en el 2008 tocaba Viena y visitar algunas obras de la Secesión Vienesa.

   Casa de la Vienzele de Otto WagnerEste movimiento formalmente incluido dentro del “modernismo” también reconocido como la “Belle Epoque” (1871- 914) presenta sus propias características y diferencias con el “Art 
Nouveau” francés, el Liberty inglés, el “Floreale” italiano o el “Modernismo” español (y estos con los otros también). Todos abrevaban de las aguas del cambio que exigía dar respuestas vanguardistas.

Visitamos:

El ya mencionado Pabellón de exposiciones de la secesión (1897) de Josef Maria Olbrich (1867-1908).

La Caja Postal de Ahorros de Austria(1912), sobre la Ringstrasse, obra maestra de Otto Wagner (1841-1918) y uno de los referentes  de la era moderna.

Ha diseñado todo el interior: muebles, alfombras, revestimientos…me llamó la atención, que seguía funcionando como oficina de correos, fuimos hasta una de sus “ventanillas”, para auto-enviarnos una postal. ¿¿Dónde estarás postal??

La “famosa” Estación de metro ubicada en la céntrica Karlsplatz, una de las 8 estaciones construidas por Otto Wagner.

Actualmente están en las líneas llamadas:

U4 
(estaciones Schönbrunn y Stadtpark)

U6
(estaciones Gumpendorfer Strasse, Burggasse, Josefstädter Strasse, Alser Strasse, Währinger Strasse y Nussdorfer Strasse).

 

La llamada Casa Loos (1911) ubicada en la Michaelerplatz.

Frente al Hofburg, Palacio Imperial de los Habsburgo.

Buen ejemplo de “desornamentación”, originalmente proyectado para una sastrería, ahora funciona un Banco.

 

Muy impresionante es visitar el edificio comunitarioKarl-Marx-Hof  (Hof significa patio).

De 1927/30, fue diseñado por Karl Edmund Ehn(arquitecto y urbanista 1884-1957), discípulo de Otto Wagner.

Wagner está considerado como el padre del racionalismo y modernismo centroeuropeo.

Quizás el complejo habitacional más largo del mundo, está en una súper manzana  de 1,2 km de largo (aunque conociendo Moscú no podría afirmarlo).

En un total de 156.000 m2, viven en él unas 5.000 personas en 1.382 pisos.

Una edificación perimetral deja el espacio interior libre y verde para diferentes usos de la comunidad.

Fue un encargo del Gobierno Social Demócrata y fue construido en el barrio Heiligenstadt en el norte de Viena, cerca de la estación de ferrocarril y del canal del Danubio.
Tiene (aún hoy) servicios comunitarios, sus habitantes contaban y cuentan con ambulatorio, comercios, biblioteca, guardería, baños públicos y espacios para actividades culturales y deportivas, en una de sus lavanderías se puede visitar un museo dedicado a la   “Viena Roja” y la historia del conjunto.

A pesar de su gran tamaño, el complejo se divide en diferentes partes para crear comunidades más reducidas que permiten un vínculo más personal con el entorno.

Los días no alcanzaron para nuestro entusiasmo arquitectónico faltó visitar entre otros la Urbanización Werkbundsiedlung (1932) que tiene 70 pequeñas casas unifamiliares en un área verde, diseñadas por 33 arquitectos destacados, entre ellos, Josef Frank (arquitecto y diseñador 1885-1967), uno  de los fundadores del movimiento de Diseño Moderno Escandinavo; Adolf Loos(arquitecto 1870-1933) pionero del movimiento moderno (el llamado racionalismo arquitectónico que polemizó con los “modernistas” de la Secesión de Viena).

Fue muy duro en sus críticas como las tituladas “Ornamento y delito” y “Arquitectura”, ambas de 1910; Josef Hoffmann (arquitecto y diseñador 1870-1956) alumno de Otto Wagner y Margarete Schütte-Lihotzky (quien fue la primera arquitecta austríaca 1897-2000).

1934

  Gropius abandona Alemania debido a la persecución del partido nazi.

Se dirigió al Reino Unido, vivió en el Isokon Building, y trabajó con un joven de gran éxito y talento, el arquitecto Edwin Maxwell Fry (1899-2987), con quien realizó varias obras.
La mayor contribución de Gropius a la arquitectura inglesa fue el proyecto del Impington Village College, en Cambridgeshire (1936), uno de los cuatro colleges construidos por el County Council en el campo.

En un futuro artículo explicaré que significó el lugar donde vivieron: el Isokon building sobre Lawn road, frente al gran parque Hampstead en Londres, una obra mas que interesante diseñada por Wells Coates para Molly y Jack Pritchard.
El edificio se inauguró en Julio de 1934 como un experimento de vida urbana, Alli vivieron Walter Gropius, Marcel BreuerLászlo Moholy-Nagy, y desde 1941 al 47 Agatha Christie. Estuve varias horas juntando información de la sala de exposiciones de la Planta Baja, si estan en Londres, no dejen de visitarla:
The Isokon Gallery, Lawn Road, Hampstead, Londres NW3 2XD. Abre cada sábado y domingo desde las 11 a las 16 horas. La entrada es libre, permiten sacar fotos a los muebles, láminas, fotografías. hay una cocina tipo “minima” en la sala.

The Isokon building

Luego de varios años, emigró a Estados Unidos, a principios de 1937, Gropius obtuvo una plaza de profesor de arquitectura en la Universidad de Harvard y en 1938 fue nombrado director de la sección de arquitectura.

Gropius se asoció con Marcel Breuer, un exalumno, y juntos realizaron varios proyectos, uno de ellos en 1941, fue una colonia de viviendas en New Kensington, cerca de Pittsburg. Marcel Breuer, junto a los arquitectos argentinosEduardo Catalano (1917-2010) y Carlos Coire (1917-1974) hicieron en 1947 el parador Aristón,

https://hugoklico.blogspot.com.es/2017/03/el-parador-ariston-una-ruina-moderna.html 

que por desidia y abandono está en un estado lamentable y estamos tratando de salvarlo de su destrucción total.

-ya tenemos 14.000 firmas, puedes firmarlo y difundirlo. Gracias

https://www.change.org/search?q=ariston

Continúo

En 1945, Gropius armó, con el nombre de The Architects Collaborative (TAC), un sólido equipo de arquitectos basado en una generación joven a quienes había formado. En esta empresa, Gropius asumió el papel de guía y fundador. Entre 1948 y 1950 realizaron juntos un primer gran proyecto, el Harvard Graduate Center, en Cambridge, conjunto con estructura de Hormigón armado y ladrillos color beige, en claro contraste con los edificios de estilo historicista y tradicional.

“no podemos pasarnos la vida haciendo intentos de resurrección.

Ningún estilo del pasado puede reflejar la vida de las personas del siglo XX.

En la arquitectura no hay nada definitivo;

sólo transformación permanente”. Walter Gropius

Podría enumerar una gran cantidad de sus obras, importante por diferentes motivos, todas ellos innovadoras, pero si tuviera que elegir una de sus últimas obras en New York sería el Pan Am Building (1963), hoy el Met Life Building, sobre la Grand Central Station junto a Pietro Belluschi(1899-1994) y Emery Roth).

“mis ideas han sido interpretadas con frecuencia como encaminadas hacia un extremo de racionalización y mecanización. 

  Esta interpretación es errónea. 
  Siempre he subrayado que existe otro aspecto, la satisfacción del alma humana, que es tan importante como el éxito en lo material, y que para conseguir una nueva visión del espacio significa más que una mera perfección funcional. 

  El lema ‘la adaptación correcta a la finalidad es productora de belleza’ es verdad sólo en parte. ¿Cuándo nos parece bello un rostro humano? Cualquier rostro resulta adaptado a sus finalidades gracias a sus distintas partes, pero únicamente la perfección de sus proporciones y los colores dentro de una armonía bien equilibrada merece ser llamada hermosa. 

  Lo mismo sucede con la arquitectura. Únicamente la armonía perfecta, tanto en las funciones técnicas como en las proporciones, puede producir belleza. Por eso nuestra tarea es tan variada ycompleja”

Premios

1954 en San Pablo recibe el primer “Gran Premio de Arquitectura”.
1956, en Londres, la “Medalla de Oro de la Arquitectura”.


Últimas obras

1960 La construcción del complejo universitario de Bagdad.

1961 la embajada de Estados Unidos en Atenas.

1963 el edificio de la Pan Am, Grand Central City Building, en Nueva York.

1964 el edificio John Kennedy en Boston entre otros.

Publicaciones

Entre 1908 y 1934 redactó alrededor 150 textos.
En estos momentos estoy leyendo un libro recién editado “Walter Gropius proclamas de Modernidad”prologado por Joaquín Medina Warmburg, de la editorial Reverté, donde se traducen al español una parte de esos 150 textos.

1925. “Internationale Architektur”.Editado por Walter Gropius y Lászlo Moholy-Nagy, tipografía deMoholy-Nagy, portada diseñada por Farkas Molnár, con trabajos de Le CorbusierTheo van DoesburgLe Corbusier y JeanneretAdolf LoosMies van der RoheRichard NeutraBruno Taut,Max TautHenry van de VeldeFrank Lloyd Wright entre otros…106 páginas. Editor Albert Lange 18 x 23 cm.

1946

Rebuilding our Communities Architecture”(Reconstrucción de Nuestras Comunidades). Introducción de Walter Gropius y  L. Moholy-Nagy. Primera de una serie de monografías bajo la dirección de este último, donde se expone la filosofía básica y el enfoque creativo del Institute of Design de Chicago.

1952. “Design in the Age of Science”,

1955.  “Scope of Total Architecture”, donde analiza su filosofía del diseño, el papel del arquitecto y las contribuciones que la ciencia, la producción en masa en la construcción, y como el renovado énfasis en el humanismo pueden allanar el camino en forma práctica para vivir mejor.contiene fotografías, planos y estudios de diseño.

 

– “Bauhausbauten in Dessau”.

–  Sus ensayos titulados “Fundamentos de la Nueva Arquitectura”.

– “Arquitectura Internacional”.

Habrá que continuar esta Nota.

En ello estoy.

Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

mayo de 2018

Japon 9. Tax free y otras cosas de Tokio

 

Tax free y otras cosas de Tokio

Paso 1

En compras superiores a 5.000¥ (50 usa) los comercios descuentan el tax que es del 8%.

El negocio junta la factura  con otros papeles y los grapa al pasaporte. A más compras de 50 usa el pasaporte más engrosa su interior.

Paso 2

En el aeropuerto (donde los comercios ya me han indicado que es donde los debo presentar), preguntamos varias veces donde cumplir esa gestión (entendemos de cierta trascendencia), sino cívica al menos turística.

-vaya uno a saber cómo es esta gente en temas fiscales ya que cuando solicitas el tax free te piden el pasaporte para controlar cuando entraste a Japón, (ese número irá a una central informática como la de Cabo Cañaveral que puede reaccionar ante tu ausencia al trámite y no dejarte subir al avión, o algo peor?, no realmente no pasa nada).

Como ya me ha pasado en algún querido país, que lo tienes que hacer antes de facturar las valijas porque el agente de aduanas con cara indescriptible te pide, si podes mostrarle esos zapatos que has comprado.

Antes de migraciones, encontramos al encargado de aduanas al que preguntamos que hay que hacer? Responde en forma amable que tienes que sacar la factura y demás papeles del pasaporte, es decir desgraparlos.

Supongo que entre él y sus compañeros se ocuparán de decirle a los 24 millones de turistas que tengan que hacer el trámite,  realicen el desgrapamiento correspondiente.

Paso 3

Todos vamos dejando esos documentos en una bandeja, que está  llena de documentos iguales.

Conclusión

Como nadie revisa nada, creo que resolvieron el problema de juntar millones de papeles en esas bandejas.

Son azules, las bandejas.

Metro

En el andén, mientras se espera la llegada del metro, se forman 2 filas paralelas, dejando un espacio en el medio para que cuando se abran las 4 puertas -2 del vagón y las 2 de protección del andén- puedan salir primero los pasajeros del vagón y después y solo después comenzar a entrar en orden. Notable y emocionante, no?

Siesta

Difícil entender como hacen para despertarse, pararse, y descender cuando el metro llega a la estación que van. Aun no se si 1/2 despiertos o 1/2 dormidos. Pero lo hacen.

Es probable que no duerman, sino estén relajados meditando con los ojos cerrados.

Muchos leen, libros de papel, impresos, otros en ebooks.

No vi graffitis, de ningún tipo. Todo impoluto, limpio, cuidado, protegido y mantenido.

Tampoco coches chocados, despintados ni rayados. Gran parte Toyota, de todos los tamaños.

Tren y corpiño 

 

Tomamos el Shinkansen de Okatama a Hiroshima.

Al nuestro lado una parejita de alemanes, de Munich, ella hablaba perfecto español.

Me explico que decidieron hacer una parte del camino juntos y después se separaban.

A los pocos minutos veo colgando un corpiño, quizás para que se seque, que se yo…..

Chiste

Esto que me llego de chinos viene muy buen aqui

-maestro Kun Fu, porque dicen que todos los chinos somos iguales?

– no soy el maestro Kun Fu.

Taxi

Cuando paras un taxi, la puerta se abre (y cierra automáticamente).

Sobre los asientos y el respaldo un tejido blanco.

El conductor con guantes blancos te saluda. Hay un mínimo de 570¥ para ls primeros 1.4 km. La ciudad es muy grande.

Hay carreras de 1.500 ¥ , 3.000.¥ 5.000 ¥.

Al aeropuerto de Narita, que está a 60 km por bus (tarda 1,05 horas) cuesta ¥ 1.000, por tren (30 minutos) son 3.000 ¥. Y por taxi más de 13.000 ¥. Cuando quiera presumir en algún CV pondré que en Tokio iba en taxi de un lado al otro

America del Sur

Les sorprende saber que soy argentino y varios me han comentado que la conocen.

Se alegran cuando les digo que vivo en España. Gaudí. Messi y Maradona son mis mejores credenciales.

Gaudi por su trencadis.

Madrid por sus tapas.

Y Messi por lo que es. (¿Vieron el corto Messi es un perro?)

Varios

Usan barbijos, por el tiempo de primavera para evitar alergias y para no contagiar a los demás.

Usan quimono, mucha gente joven, los fines de semana y por las zonas donde habían florecido los ceerezos. Se alquilan, 1.000 a 1.500 yenes por un día . Vimos muchos turistas alquilando.

Films

Mi amigo Edgardo me escribe :

Te paso dos películas fantásticas

1.

director Yasujiro Ozu

Film: Tokyo Story

 La primera es de un director de los años 50, fue un maestro y uno de  los mejores directores japoneses de todos los tiempos El segundo, contemporáneo si bien es Taiwanes la película que te recomiendo es japonesa.

2.

director  Hou Hsiao-hsien

Film: Cafe Lumiere

Ganó varios premios Cafe Lumiere.

Film del 2003.

Es un homenaje a Ozu que utilizaba una cámara fija en una habitación bastante baja y los personajes pasaba y actuaban delante de la misma.

Se iban a otra habitación y volvían.

 La cámara no seguía al actor.

Tienen buena pinta.

Japón 8. El gran Tange. Algo más que un movimiento

Japón 8. El gran Tange. Algo más que un movimiento.

Después de la 2nda guerra mundial, habían desaparecido millones de personas.

Ciudades enteras, edificios, estructuras, centros de producción.

No había que partir de cero, pero muchos movimientos en arquitectura si lo creían.

Kenzo Tange (1913-2005); Fumihiko Maki (1928) recuerdo lo feliz que estaba Mario Corea que Maki prologara su libro; Kiyonori Kikutake,(1928-2011); Kisho Kurikawa (1934-2007); Masato Otaka(1923-2010) presentan en 1960 “Metabolismo, propuestas para un nuevo Urbanismo”.

Este trabajo se presentó en el CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna) en 1959.

Proyectos que debían replantearse  las consecuencias de los crecimientos descontrolados.

Utopía e idealismo.

Como el ARCHIGRAM, como Los Beatles.

Algo había llegado para quedarse.

Hipismo, contracultura, etc

El Centro de Prensa y Difusión Shizuoka, es hoy en día un clásico de arquitectura.

Es una torre, del año 1967, inspirada en las teorías de arquitectura orgánica que Tange ya venía desarrollando desde la década pasada.

 

Un difícil terreno triangular de 190 m2 , frente a un paso vehicular elevado. Una columna de servicios donde “enchufar” como en un tablero, cápsulas prefabricadas.

Está en Ginza, uno de los 23 barrios que conforman Tokio.

El cilindro con un diámetro de 7,70 metros tiene 57 metros de altura (con escaleras, ascensores, servicios sanitarios y cocina).

La idea de “enchufar” más capsulas no se cumplió nunca, esto mismo también ocurrió con las cápsulas del edificio Nakagin Capsule Tower deKisho Kurokawa (1934-2007) de 1972.

El ESPACIO y sus sentidos

Espacios, un número de sentidos que reivindica para la arquitectura el sentido de la espacialidad. (Esta introducción acompaño el segundo volumen del libro +Casas –Houses – Haüser)

…..Me levanto, dispongo la pregunta acuciosa, suicida, inevitable del aprendiz: -¿Me enseña usted, maestro? Antoni Plàcid Guillem Gaudi i Cornet se levanta sin mirarme, arrastra los pasos y, casi con el mismo susurro del agua que corre plácida por la boca de su dragón, contesta:         -El árbol al lado de mi taller, ese es mi maestro.

Originalmente la intención era escribir un artículo que fuera recrear la introducción al libro que editamos en la editorial HK, con el título de +Casas –Houses – Haüser, ISBN 978 8496 3046 28 pero releyéndola, me he entusiasmado

Es necesario encontrar un carácter un poco distinto al de la mera introducción de un libro que presenta obras, en este caso, no introduce nada, por lo que a partir de aquí me dedicare a completarla, corregirla, y derivar hacia ideas que puedan permitir preguntas del tipo, el espacio es un lugar?.

 Alli voy…

El primer libro Houses-Casas-Haüser ha tenido una enorme aceptación en todo el mundo. Se han firmado acuerdos de coedición en varios idiomas y ello nos ha alentado a seguir con la difusión de más proyectos –más casas- en este segundo volumen.

En la introducción de ese primer libro, nos preguntábamos acerca de las casas, las ciudades y los arquitectos; hoy lo hacemos sobre los espacios, porque entendemos que hay una estrecha relación entre espacio, diseño y arquitectura. Cuidaremos de distinguir, sin embargo entre una obra de arquitectura y una construcción, ya que como menciona Nikolaus Pevner (1902 -1983)  “…Casi todo lo que encierra un espacio en una escala suficiente como para permitir que un hombre se mueva en él es una construcción; el término arquitectura se aplica exclusivamente  a edificios proyectados con el propósito de suscitar una emoción estética.” (Nota 1)

Sabemos también que existe una directa relación entre el diseño y su pertenencia a un tiempo –nos sea propio o ajeno-”… allí donde todo es nuevo, donde todo es otro.” (Nota 2)

Tiempo inscrito en un mundo que se caracteriza por cambios e innovaciones constantes: “….este a veces cambia, cuando puede conectarse con un nuevo espíritu, quizás distinto al de su época” (Nota 1 op. cit.), ya que respeta algo que le es profundamente humano.

Son amplias, generosas y bien fundamentadas las definiciones que tenemos del espacio, aunque no por ello deja de constituir en sí mismo un enigma que necesitamos reconocer y desvelar entre todos, ya que “… la experiencia espacial es una función biológica de todos, no solo un privilegio de arquitectos talentosos” (Nota 3)

Nos referimos al espacio como capacidad, volumen, dimensión, extensión, o lugar y podremos incluirlo como sustancia de la arquitectura si aceptamos que “…la clave de la arquitectura estriba en domina el problema del espacio”  (Nota 1 op.cit.)

Así identificar el problema, detectamos también el camino para encarar su posible solución, y muchas veces arribar a ella. Sobre todo si hacemos nuestras las preguntas que solía hacerse Le Corbusier, ¿Cómo? Y ¿Por qué? : “…he experimentado en una vida desprovista de quietud, en una vida llena de incesantes inquietudes, la profunda alegría del cómo, y del porque”. (Nota 4)

Los físicos definen el espacio como la relación entre la posición de los cuerpos y, en el campo de lo imaginario, como un mundo irreal creado o quizá fingido por la fantasía. De hecho, en literatura, la fantasía y los sueños –que son también expresiones de nuestra personalidad- anidan en espacios habitables.”… observando tu cocina se puede, pues, deducir una imagen de ti como mujer. Extrovertida y lúcida, sensual y metódica, que pone el sentido práctico al servicio de la fantasía” (Nota 5)

En “La casa de Roderick Usher” descrita por Edgar Allan Poe (1809-1849“…existen, sin lugar a dudas, combinaciones de objetos naturales muy simples que tienen el poder de afectarnos…” (Nota 6)

“La arquitectura es una cuestión de sueños y fantasías, de curvas generosas  y de espacios amplios y abiertos.” Oscar Niemeyer

Espacio Definiciones

Volviendo al campo de las definiciones, se acepta que espacio es el continente de todos los objetos sensibles que coexisten, así como la capacidad de un terreno, un sitio o un, lugar, e incluso el mero transcurso del tiempo.

Matemáticamente es posible definirlo como la relación de unos conjuntos con ciertos postulados, también como la separación entre letras de un texto o cada una de las partes de un programa de radio o de televisión.

Hablamos de espacio aéreo, o del que ocupan los planos de las órbitas de los planetas en su rotación alrededor del sol. También se considera espacio el ámbito territorial de colectividades y pueblos….y así continúan inagotables definiciones de la palabra espacio.

László Moholy-Nagy  (1895-1946) dice al respecto: “El espacio se define por la interpretación de lo interno y lo externo, lo superior y lo inferior y en el juego de las fuerzas existentes en loa materiales y sus relaciones en el espacio (Nota 3 op. cit.)

El espacio  no solo tiene éstas y otras definiciones, sino que además se le añade la calificación “para” o de muchísimas cosas:

Espacios de la construcción, protegidos, naturales, verdes, urbanos, rurales, públicos, al aire libre, recreativos, culturales, reducidos, modulares, abiertos, y en un ámbito aún más amplio, espacios deportivos, publicitarios, virtuales, alternativos, políticos de expresión, sin humo…

“La arquitectura no es la búsqueda de utilidad o practicidad. La arquitectura es belleza.  No existe ni puede existir otro tipo de arquitectura” Konstantian Melnikov

1.-ESPACIOS Y EXISTENCIA

Llegados a este punto, y dada la variedad y complejidad de los aspectos que pueden analizarse que nos ayuden a definir el espacio, vamos a acotarlo, refiriéndonos a él, dentro del campo de la arquitectura, como introducción de este libro que muestra obras de arquitectura y, en particular casas.

Un espacio no es solo un mero refugio que nos protege del frío y de los peligros, ni un recinto cerrado o una invariable disposición de habitaciones, sino un elemento orgánico de la vida. Dentro y entre muros, paredes, mamparas o una combinación de todos ellos, se conforman los espacios. Con diversas características, y con un complejo manejo de ellas. Muchas descripciones del espacio o de los espacios nos son ofrecidas con especial lucidez por escritores y arquitectos, y nos ayudan con sus comentarios y narraciones a entender su carácter: “…En una cocina hay demasiado ruido de loza y vidrios para que otros sonidos irrumpan en ella. Muy pocas veces permitíamos allí el silencio…” (Nota 7)

Julio Cortázar (1914-1984) habla de dimensiones y también del tiempo-espacio como sinónimo de magnitud, un concepto que lo incluye y lo supera: “…Nos gustaba la casa porque aparte de espaciosa y antigua. (Nota 7 op cit.)

Entonces comprendemos que son espacios que se recorren, porque entre otras cualidades tienen un destino: “…Se entraba a la casa por un zaguán con mayólica, y la puerta cancel daba al living.”

Italo Calvino (1923-1985) en “Si una noche de invierno”, un viajero nos describe espacios para el encuentro y eso incluye, por lógica, el desencuentro (no solo con su personaje Ludmilla). “Ahora no estoy en casa, pero no tardaré. Si llegas antes, puedes entrar y esperarme…”,espacios que tienen la vocación de invitar a la comunicación y a la lectura. “hecho de tinta y de espacios tipográficos, pueden convertirse en vuestras, un lenguaje, un código entre vosotros, un medio para intercambiaros señales y reconoceros.”

Y así Henning Mankell (1948-2015): “¡Vaya! El espacio cibernético trastorna las mentes de las personas –sentenció Martinson-. Este apartamento fortificado me produce náuseas. En efecto, había utilizado una palabra: “El espacio”…Aquel espacio que decía se mostraba silencioso.” (Nota 8)

A diferencia de otras artes, en la arquitectura hay motivos estéticos sin propósito ni intención aparente, pero que determinan el carácter del espacio. “El espacio pertenece al mundo y a las consideraciones del espíritu, aunque integre lo estético y lo funcional…”

Ser y estar. En los espacios somos y también estamos. Somos y por ello conformamos un hábitat donde estamos. “Tu casa, al ser el lugar donde lees, puede decirnos cual, es el lugar que los libros tienen en tu vida.”

En los espacios también hay luces y miradas. “Débiles rayos de una luz roja abríase paso a través de los cristales enrejados, dejando lo bastante en claro los principales objetos de alrededor; la mirada, empero, luchaba en vano por alcanzar los rincones lejanos de la estancia, o los entrantes del techo abovedado y con artesones.” (Nota 6 op. cit.)

“El sol nunca supo de su grandeza hasta que incidió sobre la cara de un edificio”. Louis Kahn

2.-ARQUITECTURA, GENERADORA DE ESPACIOS

La principal característica de la arquitectura (y lo que la diferencia de la pintura, y de la escultura) es su sentido espacial.

El espacio pertenece al mundo de las consideraciones del espíritu, aunque integre lo estético y lo funcional, porque “la historia de la arquitectura es la historia del hombre en su labor de organizar y dar forma al espacio.” (Nota 1 op. cit.)

Para apreciar la arquitectura es necesario poseer “la capacidad funcional de captar el espacio”.

Se necesita acumular una gran experiencia antes de poder captar realmente el contenido esencial del espacio articulado. Lamentablemente, esta forma de encarar la arquitectura es excepcional: “La mayor parte de la gente busca aún características de estilo, tales como pilares dóricos, capiteles corintios, arcos románicos, ventanales góticos, etc.”

Para László Moholy-Nagy (1895-1940) 

“Toda arquitectura –tanto sus partes funcionales como su articulación espacial- debe ser concebida como unidad. 

Sin esta condición, la arquitectura se convierte en una simple reunión de cuerpos vacíos, que podrá ser técnicamente factible, pero nunca brindara la emocionante experiencia del espacio articulado”. (Nota 3 op.cit. y comentarios 1)

“La arquitectura es una música de piedras y la música, una arquitectura  de sonidos”. Ludwig van Beethoven 

3.- EL ESPACIO Y LA VIVIENDA

En una parte de la edad media (siglos X al XIII), no se vivía en las casas, se acampaba en ellas y los muebles eran móviles y portátiles; en la edad media, tampoco existían los restaurantes, los bares y los hoteles. Las casas se llenaban de gente y los espacios “parecían o eran entonces más pequeños.” (Nota 9)

“El sótano era un ámbito sereno, reconciliado, trascendente y sin un solo libro en las paredes o por el suelo. Allí no penetraba la literatura, ni el mal …El sótano era el lugar convivencial y oral, el hábitat de la fidelidad, en donde el tiempo, no siendo eterno porque era un tiempo de humanos, no dejaba de ser, sin embargo, interminable…Se ve que tienes la costumbre de leer varios libros al tiempo que eliges lecturas distintas para las distintas horas del día, para los diversos rincones de tu reducida morada: hay libros destinados a la mesilla de noche, los que encuentran su lugar junto a la butaca, en la cocina, en el cuarto de baño. Entiendo que hay varios libros necesarios.” (Nota 10)

Pero no siempre ha sido así, a lo largo de los siglos, conceptual y materialmente muchas cosas han cambiado, ya que la tecnología y los avances en el ámbito del diseño han modificado sustancialmente la conformación de los espacios y sus características; muros más delgados, ventanas más amplias, equipamiento más ligero y cómodo, o lo que hoy entendemos como comodidad.

El espacio es un vacío, una bolsa de aire que debe ser contenida para definir un límite. Esta precisión coincide con la existencia indispensable de su alrededor, que le otorga identidad. Diseñar espacios es diseñar las posibilidades de la vida, con límites de material. El espacio se define por la forma, la textura, el color, la temperatura, el olor, la luz. También como un vacío, un proceso mental de control sobre la construcción, donde el espacio está en el centro; añadiendo sustracción, construyendo excavación. Se desplaza el centro de la experiencia desde la forma a la vida. A la vanguardia, el espacio: casi autónomo, casi absoluto. Aires Mateus

4.-HousesCasas-Häuser

Adolf Behne (1885-1948) ya nos advertía admonitoriamente “Es tan factible matar a un ser humano con una vivienda como con un hacha”.

No todos, sin embargo, comulgaban con esta idea catastrófica.

Hans Sharum (1893-1972) afirmaba: “El hombre está obligado y vinculado con su espacio correspondiente y con el tiempo cambiante; los crea y al mismo tiempo lo definen a él. Así, el espacio en el que vivimos según su sentido y su esencia no tiene una naturaleza estática sino dinámica”.(Nota 11)

Como colofón de esta introducción, nos remitimos a las fuentes.

El ingeniero Marco Vitruvio (80-70 a.C-15 a.C.) (Marco Voltruvius Pollio), facilitó la difusión del conocimiento de la arquitectura entre un público numeroso, con su obra “Los diez Libros de arquitectura”

-me remito a mi artículo http://onlybook.es/blog/andrea-palladio-los-tratados-de-arquitectura/-.

Allí se nos dice que en toda construcción deben considerarse tres aspectos sin los cuales ningún edificio merecerá ser “alabado”: la utilidad o comodidad, la perpetuidad y la belleza. Y esto porque, como  nos aclararía varios siglos más tarde Palladio “… no podría llamarse perfecta aquella obra que fuera útil pero por poco tiempo; o bien que aunque duradera no fuese cómoda; bien que teniendo ambas cualidades no tuviera ninguna gracia en sí”. (Nota 12)

La edición más famosa del libro de Vitruvio es la ilustrada justamente por Andrea Palladio (Andrea di Pietro della Gondola 1508-1580), quien en 1570 da a la imprenta su propio tratado teórico. “Los Cuatro Libros de Arquitectura”, que incluye grabados de edificios antiguos además de proyectos propios y obras terminadas.

Paladio fue, quizás, el arquitecto más importante de la segunda mitad del siglo XVI ( sin olvidarnos de Filippo Bruneleschi (1377-1446), Leone Battista Alberti (1404-1472) y Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), e influyeron tanto sus obras como sus tratados; entre ellos, no podemos dejar de mencionar las antigüedades de Roma.

En el primero de los cuatro libros de arquitectura se trata de las casas privadas, explica a su benefactor, el conde Giacomo Andanno, que ha escrito las “advertencias necesarias que deben observar todos los claros ingenios que estén deseosos de edificar bien y hermosamente… y para que las obras sean bellas, graciosas y duraderas…” 

Y continúa “…He tomado como maestro a Vitrubio…y he comenzado por las casas privadas, pues nos suministran conocimientos para los edificios públicos, siendo muy verosímil que al principio el hombre viviese solo, y después, viendo la necesidad de la ayuda de los demás para conseguir las cosas que le pudiesen hacer feliz (si alguna felicidad se encuentra aquí abajo), deseara y amara naturalmente la compañía de otros hombres.

Por lo que de muchas casas se formaron aldeas, y después de muchas aldeas las ciudades, y en ella los lugares y los edificios públicos; asimismo porque entre todas las partes de la arquitectura ninguna es más necesaria a los hombres”. (Nota 12 op. cit.)

Debemos recordar que cien años antes era Alberti quien, también inspirado por la obra deVitrubio, había realizado y publicado estudios que contribuyeron a elevar la arquitectura a la categoría de arte, dejando de ser considerada un oficio más.

“Convencidos de que la casa sigue siendo hoy en día un núcleo fundamental de experimentación de nuevas concepciones del espacio“(Fabio di Veroli), presentamos una selección de casas proyectadas por cualificados arquitectos y emplazadas en diferentes lugares.

Son las respuestas de profesionales al reto de dar forma al espacio. Artífices que, como Jorge Oteiza (1908-2003), orquestan la luz en el vacío de las aristas destinadas a ser, -en este caso- a habitar.

Algunos en la orientación que aquí planteamos, otros en una distinta,

¿Es que acaso cabe una sola interpretación de lo que es el espacio?

“…La arquitectura es la elaboración reflexiva de los espacios. Se trata de la creación de espacios que evocan un sentimiento de uso apropiado… Louis I. Kahn

 
       Vista del Panteón desde terrazas cercanas de Roma

¿Que escriben los que escriben sobre el espacio?

El concepto del espacio toma un sentido más amplio, si al interior lo articulamos con el exterior. El vínculo entre el edificio arquitectónico y el exterior crea el espacio urbano es difícil discernir si la ciudad define a los edificios o estos a ella, en cuanto que ambas se realimentan.

Sigfried Giedion (1888-1968) en su libro “El Presente Eterno: los comienzos de la arquitectura” (1964), clasifico en 3 estados la concepción arquitectónica del espacio, y la relación del interior con el exterior.

Primer estado.- Las civilizaciones de la antigüedad (Egipto y Mesopotamia), dieron gran importancia al espacio exterior utilizando para ello grandes volúmenes (monumentos). Los espacios interiores eran como espacios vacíos. (Ejemplos de esta fase son en Estambul las cúpulas de Hagia Sophia –Santa madre Sofía-,; tardo barrocas de Borromini, Guarini, etc.).

Segundo estado.-a partir de la mitad de la época romana. El objetivo principal de la arquitectura es el diseño de los espacios interiores. Desde el Panteón romano hasta el siglo XVIII, el abovedamiento permitió la creación de espacios para el desarrollo religioso y secular. Es la arquitectura romana la que da especial significación a los espacios tanto públicos como privados y su interrelación.

Tercer y último estado.- En los siglos XIX y XX, se alcanza la interrelación de los espacios interiores y exteriores. Tiene elementos de los 2 estados anteriores. Son los romanos los que entienden al espacio como un lenguaje arquitectónico. Busca – a diferencia del mundo helénico- fuera del hombre, buscando un lugar espacial para él. Se expresa diseñando los espacios, y ya a partir de esa expresión define y hace comprender la arquitectura.

La caracterización del espacio. Que mejor ejemplo que El Panteón

El Panteón consagró para siempre en arquitectura esa luz apacible y difusa, elevado a la categoría de mágica en horas del crepúsculo, enfatizando las proporciones. Su belleza espacial es perfectamente percibida, aun sin saber del porqué.

El Panteón (Pan = todos Theon = dioses) templo construido a comienzos del imperio romano y dedicado a todos los dioses. Idea de Agripa (63-12AC) general y político romano.

En el frontón pone (M·AGRIPPA·L·F·COS·TERTIVM·FECIT) “Marco Agripa, hijo de Lucio, cónsul por 3era vez lo hizo”, el 3er consulado indica que es del 27 AC.

 

Fue reconstruido luego de diversos incendios (80 y 110 DC) por Adriano que se cree lo inauguró entre 125 y 128 DC. A ciencia cierta no se sabe quién fue el arquitecto, ya que se supone fue el mismo Adriano o Apolodoro de Damasco (60-130 DC) arquitecto sirio que se lo llamo “el Damasceno”. (Nota 15)

Datos del Panteón

Apolodoro de Damasco

El diámetro de la cúpula es de 43,44 m (150 pies), Es la mayor cúpula de hormigón en masa de la historia. Tiene un pórtico de 8 columnas que da paso a la enorme rotonda de 43,44 mts (150 pies) de diámetro. La altura total es igual al diámetro de la bóveda, por lo que se puede inscribir una esfera completa en el espacio interior (el cilindro tiene una altura igual al radio).

La bóveda está  decorada con casetones que  permiten reducir el peso sin debilitar la cubierta, posee un gran óculo –ojo- de 10 metros de diámetro, única abertura para la iluminación y ventilación del interior cuando se encendían ofrendas. Está apoyada sobre 8 pilares de 6 metros de ancho, calados con nichos.

La cúpula es semiesférica, formada de hormigón con cascotes de tufo y volcánica, posee 5 anillos.

El cambio de material utilizado de hormigón para el primer anillo de la cúpula, hasta piedra pómez para las demás, es para aligerar su peso

Toda su cubierta estaba revestida de bronce, que fue desmontado en 2 etapas, Flavio Valerio Aurelio Constantino (272-337) la llevo para la ciudad que estaba creando Constantinopla (Nota 16) y 1300 años más tarde el arquitecto Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) desmontó lo que quedaba para usarlo en la construcción del Baldaquino de San Pedro, en el Vaticano. Posee 2 puertas de 21 metros de altura revestidas en bronce, que son “puertas originales”, y el solado de mármol fue una reconstrucción del siglo XIX  siguiendo el trazado original.

El suelo es convexo, con varias perforaciones en su perímetro para que el agua de la lluvia que entre por el óculo no inunde el suelo. El efecto sorpresa al cruzar las 2 puertas y entrar al espacio circular debía ser, como lo es hoy, impresionante

Convertido en iglesia cristiana consagrada a Santa María de los Mártires y ya en la Edad Moderna fue sede de la Academia de los Virtuosos de Roma. Alli descansan los restos de Rafael, Vignola y Annibale Carracci así como el rey Víctor Manuel II, su hijo Humberto I y su esposa Margarita. En 1980 el centro histórico de Roma, incluyendo el Panteón, fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Hay una intencionalidad espacial en el uso de columnas, pilastras, cornisas y las hermosas y superfluas columnas corintias  (que nada sostienen) de los vanos de los nichos, que están allí como respeto y continuidad  a la tradición constructiva sobre todo de la dinastía Flavia y sus 27 años de reinado.

El Panteón tiene diseño angélico y no humano. Miguel Angel 

Es el Panteón de Roma –siglo II AC- el que nos hace tomar conciencia del espacio.

Una planta cuadrada abovedada, un espacio único sin aberturas laterales. Ese espacio, podemos caracterizarlo como único, con límites precisos, de planta unitaria, definida, de medidas iguales, centrado y equilibrado, el edificio se conecta al exterior mediante un cuerpo intermedio que finaliza en un pórtico helenístico. Alois Riegl: (1858- 1905) “El espacio del Panteón”.

Es recién con los arquitectos del Quattrocento, cuando se incorpora la lógica de las relaciones espaciales, basados en la armonía, el orden y la simetría.

Es Vitrubio quien expresa la idea arquitectónica de la proporción, y que la armonía en un edificio bello se basaba en las proporciones humanas o en la Naturaleza. (la euritmia definida por Vitruvio que escribe: “Cuando todas las partes importantes del edificio están convenientemente establecidas en proporción mediante la adecuada correlación entre alturas y anchuras, entre anchura y profundidad, y cuando todas estas partes también tienen su lugar en la simetría total del edificio, obtenemos euritmia” ( eu– bello, armónico y ritmia-ritmo.)

Entiende la simetría como cualidad, como proporción de las partes.

“Simetría es la conveniente correspondencia entre los miembros de la obra, y la armonía de cada una de sus partes con el todo: pues así como se halla simetría y proporción entre el codo, pie, palmo, dedo y demás partes del cuerpo humano, sucede lo mismo en la construcción de las obras (Nota 13) haciendo mención a Leonardo. (Nota 14)

Alberti teoriza estos conceptos, recupera la ley de las proporciones de Vitruvio, incorporando los aspectos religiosos y filosóficos, por los que era debido a un orden superior la guía de los principios geométricos.

Videos del Panteón

1.-  https://youtu.be/PFTlZ6mLl50?t=3

2.- https://youtu.be/2P0FUjTmDWs?t=5

3.- https://youtu.be/UzAhpdo4RSI?t=245

4.- https://youtu.be/2Tye02m9UWY música: banda sonora Game of thrones.

Comentarios sobre algunas actores -principales y secundarios- mencionadas en el artículo

1.- László Moholy-Nagy  (1985 – 1946). Fotógrafo y pintor húngaro, a la renuncia de Johannes Itten (1888-1967) como director del curso de metal László se hace cargo de dirigir el curso. Fue profesor y junto a su mujer Lucia (Schulz) Moholy 1894-1989)se convirtió en el precursor de la fotografía Bauhaus.

La edición del octavo volumen de la Bauhaus de su trabajo “Pintura, Fotografía, Film”, aparecida en 1925, es uno de los pilares de la fotografía al establecer una relación entre ella y la pintura. La clasificaría como un medio para dar forma al color (la pintura) y la fotografía un instrumento de fenómeno de la luz.

Durante 8 años (desde 1922 a 1930) trabajo en una serie de planos metálicos perforados (Modulador luz-espacio) con efectos de luces y sombras.Alexander Rodchenko (1891-1956) había trabajado previamente con un modulador en el que sólo se buscaban sombras.

                                                                                                                                            Notas

Nota 1: Nikolaus Pevner (1902 -1983), Breve historia de la arquitectura europea.

Nota 2: Julio Cortázar (1914 – 1984) Paris, ritmos de una ciudad.

Nota 3: László Moholy-Nagy  (1985 – 1946). La nueva visión. Principios básicos del Bauhaus.

Nota 4: Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret-Gris, 1887 – 1965), Precisiones respecto a un estado actual de la arquitectura y el urbanismo.

Nota 5: Italo Calvino (1923 – 1985). Si una noche de invierno un viajero.

Nota 6: Edgar Allan Poe (1809 – 1849). La caída de la casa Usher.

Nota 7: Julio Cortázar, Casa Tomada.

Nota 8: Henning Mankell (1948), Cortafuegos.

Nota 9: Witold Rybczynski (1943), La casa: historia de una idea

Nota 10: Féliz de Azúa (1944), Benet en casa.

Nota 11: Hans Scharoun (1893-1972). Escritos.

Nota 12: Andrea Palladio (1508-1580). Los Cuatro Libros de Arquitectura.

Nota 13: del capítulo II. De que cosas consta la Architectura, libro 1ero. Los 10 libros de la arquitectura de Marco Lucio Vitruvio Polion.

Nota 14: Leonardo en sus notas indicaba una escala “palmos”. Debajo de su dibujo están en “codos”. Cada codo está dividido en seis palmos, y los últimos palmos están divididos en cuatro dedos cada uno. El “hombre de Vitruvio” obra de Leonardo con los brazos extendidos mide exactamente cuatro codos de ancho y también cuatro codos de altura.

La Proporciones del Hombre de Vitruvio

“Vitrubio el arquitecto, dice en su obra sobre arquitectura que la naturaleza distribuye las medidas del cuerpo humano como sigue: que 4 dedos hacen 1 palma, y 4 palmas hacen 1 pie, 6 palmas hacen 1 codo, 4 codos hacen la altura del hombre. Y 4 codos hacen 1 paso, y que 24 palmas hacen un hombre; y estas medidas son las que él usaba en sus edificios.

La longitud de los brazos extendidos de un hombre es igual a su altura. Desde el nacimiento del pelo hasta la punta de la barbilla es la décima parte de la altura de un hombre; desde la punta de la barbilla a la parte superior de la cabeza es un octavo de su estatura; desde la parte superior del pecho al extremo de su cabeza será un sexto de un hombre. Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo. Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte del hombre. La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte de un hombre. Desde el codo a la punta de la mano será la quinta parte del hombre; y desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte del hombre.

Nota 15: Apolodoro fue uno de los grandes arquitectos de Roma, con clara influencia helénica, entre sus obras (sirviendo al emperador Trajano), el Puente de Trajano, los mercados del Quirinal en Roma, las termas de Trajano, el foro de Trajano -con la Basilica Ulpia-, mercado de Trajano. Y la imponente Columna de Trajano de 40 metros de altura y 4 metros de diámetro, completamente tallada donde se narra la historia de la victoria de Trajano contra los Dacios.

Nota 16: Constantino es conocido también por haber refundado la ciudad de Bizancio (actual Estambul, en Turquía), llamándola «Nueva Roma» o Constantinopla (Constantini-polis, la ciudad de Constantino).

Hugo A. Kliczkowski Juritz
permitida su utilizacion citando la fuente
Abril 2018

Suecia, Mälmo , El Turning Torso de Santiago Calatrava

Suecia, Malmo Torre de Calatrava

Apenas llegamos a Mälmo, fuimos a ver la torre.

Sabía visualmente de sus características, pero necesitaba sentir como era ver su dimensión (54 pisos y 190 metros).

Johnny Örback, era en ese momento el director gerente de la cooperativa sueca de viviendas HSB, que fuera fundada en 1923 y es la actual propietaria de la torre. HSB es la mayor cooperativa de Suecia.

Esta torre está basada en una escultura de Santiago Calatravallamada “Twisting Torso” que es la forma en que un ser humano gira sobre sí mismo, realizada en mármol blanco.

Bautizaron “Turning Torso” a esta torre que el arq ing Santiago Calatrava finalmente construyo en Suecia.

Ubicada a 512 Km de Estocolmo en la ciudad de Mälmo, a las orillas del estrecho de Öresund. Se inauguró en Agosto de 2005 con 147 unidades residenciales.

Es extraño ver su torsión, y los elementos estructurales externos. Pero no son excesivos (debo reconocer que fui a verla con un poco de prejuicio por las polémicas que Calatrava ha causado y causa), ni en su cantidad ni su tamaño, hasta diría que me agrado su simplicidad dentro de su complejidad.

Emplazada en una zona nueva, muy cerca del puente/túnel que une Suecia con Dinamarca, es una obra de ingeniería muy compleja que une las ciudades de Mälmo -Suecia- con Copenhague -Dinamarca-.

Toda la zona tiene lugares de esparcimiento como restaurantes, al borde del río un paseo muy bien diseñado donde se circula en bicicleta, se usa para realizar gimnasia, tomar sol, e ir de compras en comercios y galerías, etc.

Alrededor de esta torre muy alta (la más alta de la península escandinava) hay muchas viviendas y comercios, muy bien diseñados y mejor construidos.

Me llamo la atención que ya en ese momento (era 2015) la torre (como la Torre Eiffel en París), era el símbolo de la ciudad y había todo tipo de merchandising con su

imagen.

En agosto de 2015, recibió el premio 10 Year Award del Council on Tall Buildings and Urban Hábitat. ( concedido por el Consejo de Edificios Gran Altura y Hábitat Urbano (CTBUH).

En 2005 obtuvo el primer puesto del Emporis Skyscraper Award.

La película “El socialista, el arquitecto y la torre”  trata, como lo indica la sinopsis de Filmaffinity:

” En 1999 el socialdemócrata Johnny Örbäck, director general de una cooperativa de viviendas en Malmö decide encargar a Santiago Calatrava la construcción de un edificio único en los viejos astilleros de la ciudad, la ‘Turning Torso’, una torre de 190 metros de altura que se retuerce sobre sí misma y que fue nombrada como el “mejor proyecto de edificio residencial del mundo” en Cannes. Los años pasan y el proyecto se retrasa. El presupuesto se excede en casi 85 millones de euros y Johnny Örbäck tiene que soportar la presión de los empresarios y de los ciudadanos de Malmö, que no entienden por qué una cooperativa como la HSB no construye pisos asequibles para la población. El director entra en las vidas de los protagonistas y vive en primera línea sus sueños y frustraciones. Una mirada única al mundo de la arquitectura y sobre qué pasa cuando la visión artística choca con la dura realidad.

Otra:

Hay un CDR editado por la FCA (la Fundación caja de arquitectos de Cataluña) donde se ha filmado todo lo que ha habido alrededor de la torre, que no ha sido poco por los sobrecostes y atrasos.

Creo a pesar de los pesares, y muchas consideraciones, que la torre es una maravilla.

Le Corbusier – Heidi Weber

HEIDI WEBER – AUSSTELLUNGSIMPRESSIONEN

AUSSTELLUNGSIMPRESSIONENLe Corbusier EL ARTISTA Arte PRO Entrevista Arq.Arq. Leonardo Noguez – Heidi WeberLeihgeber: Heidi WeberQuelle:Historisches Archiv, Heidi Weber

Publicada por Le Corbusier by Heidi Weber en Domingo, 29 de mayo de 2016

Le Corbusier, pabellón en Suiza

(…) ” siempre hemos considerado el pasado como algo que no está muerto, sino que representa una parte inseparable de nuestro pasado.” sigfried giedion, Historiador de arquitectura suizo

THE ORIGINAL 1967 – 2014

(…) „wir haben die Vergangenheit immer als etwas betrachtet, das nicht tot ist, sondern einen untrennbaren Teil unserer Vergangenheit darstellt." (Sigfried Giedion, schweizer Architekturhistoriker)

Publicada por Le Corbusier by Heidi Weber en Miércoles, 1 de marzo de 2017

Bauhaus 3 El año Bauhaus x 100. Amos Oz

Una Historia de amor y oscuridad
Amos Oz
editorial SIRUELA

………..Una mañana temprano, puedo decir hasta la fecha y hora exactas, tres días antes de que acabara el año 38, el miércoles 28 de diciembre de 1938, poco después de la fiesta de Januká, un día muy claro, casi sin nubes, a las seis de la mañana me puse un jersey y una cazadora, subí a la cubierta y miré la línea gris de nubes del horizonte.

Debí de estar casi una hora mirando y solo vi unas cuantas gaviotas. Y de repente , de golpe, sobre la línea de nubes apareció el sol invernal y bajo la línea de nubes despuntó la ciudad de Tel Aviv: filas y filas de casas cuadradas, blancas, completamente distintas a las casas de ciudad y a las casas de pueblo polacas y ucranianas, completamente distintas a Rovno, Varsovia y Trieste, pero muy parecidas a los cuadros que había en todas las aulas del Tarbut, desde las guarderías a los institutos, y también a los dibujos y fotos que el profesor Menahem Gelerter nos enseñaba. Por tanto me quede sorprendido pero al mismo tiempo no.

 

 

No puedo describir la alegría que de repente me inundó la garganta, de pronto solo quería gritar y cantar,¡ES MÍO!, ¡todo esto es mío !¡De verdad es todo mio! Es extraño, nunca antes, ni en nuestra casa, ni en nuestro jardín de árboles frutales, ni en el molino de harina, jamás tuve una sensación tan fuerte de completa pertenencia, la alegría de la posesión, ¿entiendes a lo que me refiero?

Nunca en la vida, ni antes de esa mañana ni después, sentí una alegría así: por fin aquí podría correr las cortinas, olvidarme de los vecinos y hacer lo que quisiera.

Aquí no tendría que ser educada, no tendría que avergonzarme de nadie, no tendría que preocuparme por lo que pensaran o dijeran de nosotros los campesinos……..ni causar buena impresión a los gentiles……¡ Esa fue la sensación que me embargó cerca de las siete de la mañana, ante una ciudad donde nunca había estado, ante una tierra que ni siquiera había pisado, ante una extrañas casas blancas distintas a las que había visto siempre.

 

 

 

Bauhaus 2 El Año Bauhaus x 100. Ciudad Blanca de Tel Aviv

El año Bauhaus x 100

Tel Aviv

La Unesco aceptó la recomendación de Mayo de 2003 de incluir a Tel Aviv en el listado “The World Heritage”.

La llamada Ciudad Blanca -140 ha. del centro urbano de Tel Aviv- fue inscrita en la reunión 27 de la UNESCO, resolución 1096 del 3 de Julio del 2003.

La Ciudad Blanca cuenta con más de 4.000 edificios construidos entre 1931 y 1956, de los que 2.087 están protegidos y 120 deben ser estrictamente preservados.
Se puede ver el texto completo en:
http://whc.unesco.org/en/decisions/718
Es así que desde julio de 2003, la “Ciudad Blanca de Tel Aviv” es Patrimonio de la Humanidad por la “síntesis de importancia excepcional de diversas tendencias del Movimiento Moderno en arquitectura y urbanismo de los inicios del siglo XX”.
Tel Aviv se fundó en 1909, y con motivo del 50 aniversario de la ciudad, en 1959 el pintor y escritor Nachum Gutman (1898-1978) realizo publicaciones buscando ésta declaración de la Unesco.
También en 1984 en el 75 aniversario de la ciudad, el historiador Michael Levin fue comisarió la exposición “A White City, International Style Architecture in Israel. Portrait of an Era”, en el Museo de Arte de Tel Aviv.
La exposición viajó al Jewish Museum de Nueva York y se editaron dos catálogos:
“A White City, International Style Architecture in Israel. Portrait of an Era” por M. Levin y
“A White City, International Style Architecture in Israel” fotografía de Judith Turner
En 1994, durante el 75 aniversario de la fundación de la Bauhaus en Weimar (1919), con el auspicio de la UNESCO y el ayuntamiento se realizó la “World Conference on the International Style in Architecture” para llamar la atención sobre el invalorable patrimonio arquitectónico y su necesidad de conservación.
Se celebró entre el 22 y 28 de mayo y fue dirigida por Michael Levin, Nitza Metzger–Szmuk y Catherine Weill–Rochand.
Incluyó diecisiete exposiciones; entre ellas:
– una reposición de la de 1984.
– la fotografía en la Bauhaus,
– el Weissenhofsiedlung en Stuttgart.
y muestras de artistas locales como Dani Karavan, quien realizó la escultura Kikar Levana –Plaza Blanca– en Tel Aviv.

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Hemos elegido como imagen la escultura “Red Pumpkin” de la artista y escritora japonesa Yayoi Kusama (1929 en Matsumoto), por la libertad de su creadora, por el lugar donde se encuentra en la entrada a la isla de arte Naoshima, y sobre todo porque simboliza los deseos de averiguar, hacernos preguntas y seguir encontrando sin buscar casi nada……como un FLANEUR

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Hugo Kliczkowski
hugoklico.blogspot.com
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Lina bo Bardi

Lina bo Bardi Exposición en su casa de vidrio en San Pablo

desde el 1 de Abril al 2 de Junio de 2018

Exposición “A CASA COMO CASA” –
CASA RESIDÊNCIA E ESTILO DE VIDA DO CASAL BARDI

direccion:
Rua General Almeiro de Moura 200
en Morumbi, San Pablo
Curadora y directora cultural : Sol Camacho.
De Jueves a Sábado horarios 10h15, 11h45, 14h y 15h30
 
Lina muere en 1992, un año mas tarde con el nombre de Lina Bo y P.M. Bardi se consolida en la que fue su casa una propuesta de difusión cultural en Sao Pablo.(ya funcionaba desde 1990).
Esta exposición es el lanzamiento del nombre INSTITUTO BARDI / CASA DE VIDRIO, para celebrar la reconstrucción de la sala de la Casa de Vidrio, lo mas parecida posible a aquella en la que vivieron los últimos años de su vida Lina y Pietro.
Sol Camacho curadora de la exposición explica que se intento recuperar la atmósfera y el estilo de vida de sus habitantes.
Recordemos que Lina y Pietro eran italianos, y que durante 50 años (1951 a 1999) fue el escenario de los intelectuales italianos que debido a la 2nda guerra mundial, escogieron Brasil como su patria.
Sus amigos, artistas, galeristas, políticos colaboraron en ese clima progresista, y hoy sede del Instituto que difunde cultura por medio del arte, el diseño, la arquitectura y el urbanismo.
Esta “su casa”, no fue solo un ejercicio de arquitectura de vanguardia, experimentación de los proyectos de vanguardia de Lina, sino que fue el lugar intimo donde ambos trabajaban, escribían, proyectaban edificios. muebles y objetos.

India 3 Jaipur Observatorio medieval Jantar Mantar instrumentos

India 3

Un conjunto armónico, una decisión formal.

anteriores, India 1    India 2

1 Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol

2 Dhruva-Darshak Yantra. Instrumento de la Estrella Polar 

3 Narivalaya Yantra. Reloj de sol hemisférico 

4 Dhoop-Ghari. Reloj de sol horizontal 

5. Kranti Vritta Yantra. Instrumento eclíptico

6 Raj Karika Yantra. Gran astrolabio

7 Unnatansha Yantra. Instrumento de altitud

8 Dakshinodak Bhitti Yantra. Muro meridiano

9 A-9- Brihat Samrat Yantra. Gran reloj de sol

9 B. -10- Shashthansha Yantra. Sextante

Las estructuras soportantes, hacen “un todo, formando un conjunto” con las soportadas. No se detecta un capricho formal, sino una decisión formal. Lo que es necesario, es “bellamente necesario”.

Las partes sólidas, protegen de las más frágiles. Las fijas a las móviles. Los materiales cambian en el sentido eficaz de su uso –como en el astrolabio-.

Las miro y una vez más me maravillo, de la total integración de partes “secundarias” que pasan a formar parte del cuerpo principal, como escaleras para acceder, formas externas que permiten funcionar a las formas internas del aparato así se ve en el  Unnatansha Yantra (instrumento de altitud).

No hay oposición, y si la hubiera sería una interacción de cada parte. Conforma un todo, en armonía, donde nada sobra ni tampoco falta.

  1. Raj Karika Yantra. Gran astrolabio

La palabra proviene del griego y significa “buscador de estrellas”, un antiguo instrumento astronómico, utilizado para determinar la posición y altura de las estrellas.

De origen remoto, quizás siglo II, su gran difusión en el mundo islámico se produjo en el siglo VIII, el instrumento más antiguo que se conserva está en el Museo Nacional de Kuwait y es del año 927. (llega a Europa recién en el XII).

Con él localizaban los astros y su movimiento, y les permitía conocer la hora a partir de la latitud o a la inversa a partir de ésta determinar la hora. Útil también para determinar distancias, calcular eclipses lunares y solares, así como la salida y puestas del sol y la luna.

El de Jaipur es uno de los mayores del mundo, pesa 400 kilos y mide de alto 3 metros por 2 de ancho, y uno de los instrumentos más valorados y apreciados del parque.

En su enorme disco de 2 metros de diámetro (aleación de 7 metales) está grabado un mapa celeste. El circulo externo esta graduado en 24 horas (60 ghatikas equivalentes a minutos) y el interno tiene 360 marcas.

Recién en 1750 el “astrolabio”  es reemplazado por el “sextante”.

  1. Unnatansha Yantra. Instrumento de altitud.

Es un importante instrumento.

Compuesto por un gran círculo de metal (diámetro 5 metros), que esta colgado de un soporte de albañilería.

 

De apariencia equilibrada, el pesado círculo está suspendido lo que le permite rotar en su eje vertical, para realizar observaciones astronómicas.

El círculo está compuesto por 4 sectores de 90 º, graduado en 360 º y cada uno de éstos dividido en 10 partes.

El orificio en el centro del instrumento permite colocar una “mira”, que permite determinar la altitud de los cuerpos celestes en cualquier momento del día o de la noche

8 Dakshinodak Bhitti Yantra. Muro meridiano.

Es un auténtico “2 en 1”, Son en realidad dos instrumentos de forma levemente diferente pero con la misma función observacional.

Con 2 caras, la del este, está inscripta en 1 cuadrante de unos 6 metros de radio y la cara oeste un semicírculo de un radio más pequeño.

Están realizados en mármol y graduados en grados y minutos.

Una pequeña estaca en el centro permite calcular la altitud de los cuerpos celestes y la declinación del sol.

9 A -9- Brihat Samrat Yantra. Gran reloj de sol

Es en proporción 5 veces más grande que el Nº 1, (Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol), por lo que marca el tiempo con una precisión 10 veces mayor.

 

La base de este triángulo rectángulo tiene 44 m de longitud y su hipotenusa, con un ángulo de 27º, alcanza una altura de 27 m.

 

 

A ambos costados del triángulo dos gigantescos cuadrantes de 15 m de radio, graduados en horas, minutos y segundos, sobre los que la sombra del “gnomon” se mueve a razón de 4 m/h, es decir 6 cm/min.

 

Al estar dividido cada minuto en 30 fracciones, tiene una precisión de dos segundos.

Mediante la sombra del “gnomon” (varilla fina) se puede  calcular la hora local, el momento del paso solar por el meridiano, la distancia al cénit y la declinación y la altitud de los cuerpos celestes. Los cálculos pueden hacerse también de noche con ayuda de un hilo de rosca.

Aunque parezca increíble, este instrumento es el que más uso tiene hoy en día. Durante los días de luna llena de junio y julio se reúne aquí un grupo de astrólogos para estudiar el movimiento y la dirección del viento, con el objeto de predecir las lluvias. Con este propósito, se iza una banderola de tela fina a la puesta de sol. Si la banderola muestra una brisa del oeste, esto indica unas buenas cosechas del monzón.

Si el viento tiene dirección sur, las posibilidades de lluvia son escasas, lo que significará malas cosechas y hambrunas. Los monzones siguen siendo un factor decisivo en la productividad de las cosechas.

 

 

 

 

 

        

9 B -10-  Shashthansha Yantra. Sextante.

Es una sala oscura, con 2 arcos adyacentes de 60 º cada uno.

Al mediodía, cuando el sol cruza el meridiano de Jaipur, los rayos caen en los arcos graduados, y atraviesan 2 orificios diminutos que están en el techo de la sala oscura. Durante uno o dos minutos, los rayos, con el tamaño de una pelota de tenis dan los varios datos de cálculo.

La graduación de los arcos, son 2. El primero permite observar la declinación del sol a mediodía y el segundo calcular la distancia al sol y al cénit.

India 2 Jaipur Observatorio medieval Jantar Mantar

India 2 (capitulo I)
Jaipur –Rajasthán)

1 Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol
2 Dhruva-Darshak Yantra. Instrumento de la Estrella Polar
3 Narivalaya Yantra. Reloj de sol hemisférico
4 Dhoop-Ghari. Reloj de sol horizontal
5. Kranti Vritta Yantra. Instrumento eclíptico

Cuando visite el Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II, del siglo XVIII me quede muy sorprendido.

Por el diseño de cada instrumento (pensé en muchos arquitectos modernos, posmodernos y eclécticos, que han “homenajeado” estas formas al repetirlas en sus proyectos) , se reconocen en parte o en su totalidad en propuestas arquitectónicas actuales. 

Estoy seguro coincidirán conmigo, lo hayan conocido antes o las vean ahora.

 


Pero no menos importante es su ubicación relativa, el conjunto es armonioso, funcional y elegante.
Cada forma da lugar a la otra y todas se interrelacionan. En total  son 15 construcciones.

Se han construido cuatro Observatorios gemelos en Delhi, Ujjain y Benarés, (y el desaparecido Mathura), .aunque no todos están en tan buen estado, pero a pesar de ello estos parques todavía calculan con exactitud la llegada de las lluvias monzónicas.
El más espectacular es éste, y fui a visitarlo.
El Jantar Mantar de Jaipur, ha sido declarado patrimonio Mundial de la humanidad por la UNESCO.

India 2 (capítulo II)

Observatorio Jantar Mantar,
-Instrumentos para calcular-

El observatorio medieval de Jaipur, “El Jantar Mantar” (proviene del sánscrito y significa “instrumentos para calcular”) se construyó ente 1728 y 1730, su buen estado actual es debido a las restauraciones de 1902 realizadas por el Chandra Dhar Sharma Guleril  y las últimas de 2006, Su conservación están bajo la supervisión del Departamento de Arqueología y Museos del estado de Rajasthán.

Fue un capricho del marajá local Sawai Jai Singh II, muy aficionado a la astronomía, les  permitía prever las alineaciones de planetas propicias para realizar ofrendas a los dioses y celebrar determinadas ceremonias. Y la no menos importante: predecir cómo serían las cosechas del año.

Lo componen 15 complejas construcciones que son instrumentos astronómicos (14 terminados y 1 inacabado), 6 funcionan con la luz solar y 9 con el reflejo de la luz lunar y estelar.

Estos instrumentos dan una medida precisa del tiempo, la declinación solar, el acimut (medida exacta del ángulo o longitud del arco medido sobre el horizonte celeste). Estas son una de las dos coordenadas horizontales, la segunda es la altura. estas coordenadas son locales y dependen de la posición del observador.  Además permiten localizar las constelaciones, eclipses y otros fenómenos atmosféricos.
Cuando el tiempo no permitía su uso (por lluvia o cielo cubierto), empleaban un reloj de agua (clesidra) para medir el tiempo en forma exacta.

Sugerencias:
– Es mejor ir al mediodía, para entender y ver mejor las funciones de los “aparatos”, está abierto todos los días de 9 a 16,30 hs , la entrada está (2018) en los 2,50 € .
– No es mala idea contratar un guía en el lugar.
– La entrada es junto al Palacio de los Vientos (Hawa Mahal) de Jaipur

India 2 (capítulo II)

1. Laghu Samrat Yantra. Pequeño reloj de sol

https://youtu.be/yWdYMex1HY0

Construido de arenisca roja y mármol blanco, se lo ve como un triángulo, reposando en el plano del meridiano local. A cada lado dos cuadrantes curvos de 27 grados sobre el plano del ecuador. Están graduados en horas, minutos y segundos.

 

 

 

El cuadrante hacia el oeste, (subiendo el que se encuentra a la izquierda), indica desde las 6 a las 12, y el que esta hacia el este (subiendo a la derecha) desde las 12 a las 18 hs. Las horas están divididas en 60 minutos y estos en 3 fracciones. Su precisión es de 20 segundos.
Formalmente es un triángulo (su hipotenusa es de 27 grados) con una escalera de 34 escalones, calado por 3 arcos en punta.

El mármol se ha utilizado para enfatizar los bordes de muros, escaleras, arcos y cuadrantes.

India 2 (capitulo 4) 

2. Dhruva-Darshak Yantra. Instrumento de la Estrella Polar

Ubicado al este del pequeño reloj de sol, construido en piedra roja está inclinado 27 grados (es la latitud e Jaipur). Permite calcular el norte geográfico, la posición de la Estrella Polar, la Osa Mayor, etc.

 

India II (capitulo 5)

3. Narivalaya Yantra. Reloj de sol hemisférico


Es un reloj de sol, distinto al 1 (pequeño reloj de sol), pero cumple idéntica función: 

Medir la hora solar local. Un se usa en invierno (desde el 23 de Septiembre al 21 de marzo) y el otro en verano (del 21 de marzo al 23 de setiembre).

 

Tiene una varilla fina (llamada Gnomon, en griego  “guía· o “maestro”) cuya sombra se proyecta sobre una escala graduada en horas y minutos para medir el paso del tiempo.

 

 

 

 

 

India II (capítulo 6)

4. Dhoop-Ghari. Reloj de sol horizontal.
Sólo puede verse desde la parte superior del nº 3, es decir desde el reloj de sol hemisférico.

Tiene un gnomon (varilla fina) triangular de 27º cuya sombra indica el tiempo en ghatis. La hora observada puede verificarse usando el reloj de sol hemisférico. Este tipo de relojes están también en la terraza del palacio de Amber, en el fuerte de Jaisalmer y en las habitaciones de los astrólogos.

 

5. Kranti Vritta Yantra. Instrumento eclíptico.
Está situado al norte del reloj de sol norte y es uno de los pocos instrumentos metálicos del observatorio. Gira sobre una base de albañilería, el marco de metal esta graduado en 360º.
En el centro del marco de metal hay fijado un tubo metálico para medir la latitud y longitud celestes. Este instrumento se puede usar a cualquier hora del día o de la noche.

India 1 Jaipur Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II.

Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II.

India . Jaipur

Observatorio de instrumentos astronómicos de Jai Sing II.

Antigua capital Amber y moderna ciudad de Jaipur.

Se accede por avión, desde Delhi por 2 trenes de alta velocidad, por buses de lujo con AA, y en coche (aunque esto último no se lo deseo a nadie).

Puede suceder que yendo tranquilamente de la mano izquierda, nos enfrente un camión –que debería estar en su mano, la derecha- y cuando la sensación de un choque es inevitable, se pone a cruzar una familia entera en un carro tirada por un animal.

Ya está dicho…dice el refranero español…“El que avisa no es traidor..

Esta historia trata de porque estábamos hace ya 14 años en la India?

La recorrimos durante varias semanas , y lo más importante el Observatorio astronómico medieval de Jaipur.

Era 2004, la editorial Roly Book, cumplía 25 años de vida.

Como editor mi editorial HK y distribuidora Onlybook pertenecía a la asociación MOTOVUM (nombre de una pequeña localidad en Croacia), seríamos unos 300 asociados de todo el mundo.

https://www.lacroacia.es/motovun/

Cada año, nos reuníamos, y tratábamos de que sean distintos países, en general, de aquellos a los que pertenecían sus miembros.

Pramod Kapoor, y su familia, propusieron que en el 2004, fuésemos a su país, la India, a festejar con ellos.

Allí fuimos, seriamos unos 200 entre editores, distribuidores, algunos traductores, fotógrafos, imprenteros, libreros.

En su mayoría éramos editores y distribuidores.

Muchas veces venían directores de bibliotecas nacionales (como Dinamarca y otros países del norte de Europa, de los EEUU, Japón, China etc.

Cerraba el círculo de invitados, esposas, amig@s y acompañantes diversos.

En la que fui a Dresde, lleve a mi mama, para tenerla más cerca, y no me hablara desde el cielo como lo hizo a Woody Allen su madre (Mae Questel) en Historias de Nueva York de 1989, yo lleve a la mía unos 10 años más tarde.

sugerencia de lectura:

Entre los miembros de Motovum nos conocíamos, ya que nos encontrábamos varias veces al año en ferias del libro (especialmente en la de Frankfurt, donde teníamos un stand colectivo), o en las ferias del libro de Londres, Francia, España  y en los encuentros anuales.

La idea era recrear un pequeño Buchmesse (feria del libro) de Frankfurt. En alguna parte del hotel donde parábamos, en general salones muy amplios, sobre unas mesas exhibíamos los nuevos proyectos, y en citas acordadas, hacíamos acuerdos de coedición, o venta de libros.

Y cuando no había lo que acordar, charlábamos de nuestras vidas, hice buenos amigos y aprendí mucho. Duraban en general unos 5 días, donde dábamos y escuchábamos conferencias y charlas, como éramos muchos, nos recibían las autoridades del lugar además de responsables de asociaciones del libro. Siempre muy bien agasajados, muchas veces pudimos entrar en Museos a la noche con charlas de los curadores de las exposiciones y guías, todo muy cordial e interesante.

Nuestras estadías eran reflejadas en la prensa, radio, etc.

Participé en muchas en España, Croacia, Alemania, India, Italia, EEUU, México, entre otras.

La celebración que realizo Pramod Kapoor,director de la editorial india ROLY BOOKS,  junto a su esposa y 2 hijos, por su aniversario, duro varios días e incluyo la presentación de un libro maravilloso, lujoso y muy cuidado en su edición “Unforgettable-Maharajas” sobre “Los Inolvidables Maharajas”.

Quizás uno de los grandes anacronismos del siglo XX. Como dice su editor

“..Entre ellos había gobernantes ilustrados y príncipes derrochadores, santos y sinvergüenzas, héroes y cobardes, sádicos y patán, hechiceros y excéntricos. A los ojos de su gente, sin embargo, tenían el derecho divino de gobernar y dejaron el sello de un inconfundible aura de majestuosidad. Una colección completa de fotografías históricas de la India principesca, esta es también la selección más grande de imágenes reales en cualquier libro. Se invirtieron muchos años de investigación y documentación para verificar sus detalles. El resultado es un libro que transmite el romance que los maharajas representaron para el mundo y un registro histórico de una época que nunca volveremos a ver”.

https://www.amazon.co.uk/Unforgettable-Maharajas-hundred-fifty-photography/dp/8174362959 

 

Era una coedición junto a la editorial inglesa Phaidon.

En una fiesta de 500 personas, llena de maharajas, Silvia y yo alucinábamos en colores, colores de oro y plata, como eran los hilos que bordaban las  vestimentas de tantos invitados.

Hubo cenas en casas de campo, con antorchas, y espectáculos. Recorridos en “Elephant taxis”. y muchas sorpresas.

Ahora llego a Jaipur:

Ademas de Nueva Delhi, también recorrido varias ciudades, una de ellas fue Jaipur.

Las fotos hacen referencia al Observatorio Astronómico Jantar Mantar de Jaipur, en Rajasthan.

Esta ciudad “rosa” por el color de sus edificios, tiene en sus entrañas un tesoro,

Un observatorio astronómico medieval

Podría arriesgar, que en mi opinión, este repertorio de imágenes y formas fue uno de los tantos que el pos modernismo y los otros ismos, tomaron como referencias.

 

Mírenlo, admirenlo y luego lo hablamos….

  

  

 

 

 

Japon 11 The National Museum of Western Art. Le Corbusier

Tokio

The National Museum of Western Art. Le Corbusier
Objetivo, tener y mostrar la colección Matsukata.
Esta colección fue fundada por Kojiro Matsukata, presidente de la empresa Kawasaki Dockyard Co. Ltd.
Durante la 2nda guerra mundial, toda la colección viajo a Francia.
Terminada ésta, el gobierno Francés accedió a devolver la colección, con la condición que se construyera un museo diseñado por un arquitecto francés (ya se habrían olvidado todos que nació en Suiza??)
Le encomiendan el proyecto en 1955, y este a su vez designa a 3 arquitectos para que le ayuden supervisando su construcción, Junzo Sakakura, Kunio Maekawa y Takamasa Yoshizaka.

Le Corbusier había trabajado en el concepto de museo ilimitado o infinito desde 1929 hasta su muerte.
Aquí tuvo su oportunidad de realizarlo.
Dirección
7-7 Uenokoen, Taito-ku, Tokio
Horario de atención
Lunes a Viernes 9:30-17:30
los viernes se extiende el cierre hasta las 20:00
Lunes cerrado.se accede:
A 1 minuto a pie de la salida Koen (Park) de la estación JR “Ueno”

A 7 minutos a pie de la estación “Keisei Ueno” de la línea Keisei
A 8 minutos a pie de la estación “Ueno” de las líneas Hibiya y Ginza del Tokyo Metro
Contacto TEL 03-5777-8600
http://www.nmwa.go.jp/en/
El parque UENO es muy lindo, y se lo puede recorrer. Muy, muy cerca, esta la ampliación que realizó Tadao Ando en la Biblioteca Infantil Internacional, Biblioteca Nacional de la Dieta
después les cuento más.
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Japón 10 Biblioteca Internacional de Literatura Infantil. Tadao Ando y Nikken Sekkei.

Biblioteca Internacional de Literatura Infantil.

Tadao Ando y Nikken Sekkei.

 A no mas de 400 metros del museo de Corbu esta esta obra magnifica cuya ampliación fue realizada por los arquitectos Tadao Ando y Nikken Sekkei.
Biblioteca Infantil Internacional, Biblioteca Nacional de la Dieta, el edificio actual que fue ampliado es de 1906, fue la primera Biblioteca imperial de Japón.
De 1906 diseñada por los arquitectos Masamichi Kuru y Hideo Mamizu, fueron a EEUU a conocer la tecnología de punta que les permitiera hacer una construcción referencial en Oriente.
A mi me impresiono mucho sus escaleras, sobre todo su baranda de hierro fundido y como Ando le agrego protecciones porque por alli circulan niños, la iluminación y sistema circulatorio.
El edificio es de estilo renacentista. el arquitecto Tadao Ando, se sumó al diseño y el edificio original se amplió con dos cajas de cristal con las funciones de entrada y de cafetería; la ampliación no alteró el esplendor y encanto del edificio original.
En el 2000 abrió como la primer biblioteca de Japón especializada en literatura infantil. Edificio histórico protegido.
a 15 minutos del museo de Le Corbusier y a 5 del Museo Nacional de Tokio, todo en el Parque Ueno.
Biblioteca Internacional de Literatura Infantil.
Dirección: 12-49 Ueno Park (en el borde del Parque Ueno).
2002 (renovación)
Sitio web: http://www.kodomo.go.jp/index.jsp

Horario: 9:30 a 17:00hs –

Lunes cerrado
metro Yamanote Line hasta Ueno Station
salida oeste, 10 minutos caminando.
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Japón 5 Soñando con los ojos abiertos luz y sonido en la montaña de Higashiyama

Quiero contarlo como si estuviésemos charlando en un café.

Sin correcciones.

Va todo en borrador.

Acabo de vivir una experiencia notable.

Acompañare esta con un video del viaje en bus desde la estación de Kioto hacia el Templo de Jubuzan Kodaiji (cuando lo encuentre).

Pasamos  todo el día en la ciudad de Nara a menos de 1 hora, llegamos en un tren de cercanías.

Nara daría como para distraerme.

Por eso no cuento nada del gran Buda, (allí llegue a la conclusión que los templos en Japón eran tallas en madera, alguien había troceado arboles y armado esos templos, no es normal tanta belleza)

Gerardo durante su viaje con Claudia, me iba pasando datos, y me dijo de… casualidad…. (lo escribió en tono más coloquial) vi un espectáculo de luz y sonido. 2ndo imperdible…..

El 1er imperdible, me había escrito antes era el templo de Fushimi  Inari  Taisha.  El barrio de Gion. Donde está el templo de Kodaiji tiene unas maravillosas calles muy estrechas, con una arquitectura baja y muy armoniosamente ensamblada.

Nos perdimos (nunca entiendo en el google map la flecha azul, el recorrido y para donde voy yo???)  Consultamos a una pareja que estaban  muy elegantemente vestidos, acorde al barrio.

Volvieron sobre sus pasos y recorriendo más de 700 mts nos dejaron en la escalinata de la entrada.

Atención empieza la película…

Subimos una escalera rampante de piedra de más de 40 escalones. Noche e iluminación dirigida. Una entrada de unos 600 ¥ c/u – 6 usa- , y empezamos a recorrer el pie de la montaña de

Higashiyama. Digamos año 1606.

 

 

 

 

 

El diseñador de jardines Kobori Ensyu logro hacer con piedras, bambúes, agua, un estanque, plantas y una minima injtervencion arquityectónica, caminos, senderos, susurros,  una maravilla que fuera designado como Paisaje Excepcional por el gobierno.

Que menos música de Antonio Dvorak. Y lo que verán en fotos – no podría describirlo-


Luego un lago, casas japonesas. Un bosque de bambúes.

 

Y el lago, iluminando lo de la superficie han creado en el reflejo ….lo soñado.

Lo del cielo en la tierra.

Y lo irreal frente a uno.

Por eso quería contarlo, solo y nada mas que por eso.

 

Japón 4 Kanazawa y Naoshima – Sanaa y Tadao Ando

A raíz del comentario de Antonio Ledesma sobre como  generan los “japoneses” los espacios, y planteado el tema de la transición, recojo la pregunta, a la que luego se sumo Zaida Muxi, todo está en el feis.

En ese diálogo también lo pregunta Pablo Mastandrea..

Yo agrego, “quien esté libre de pecado, que tire el primer concepto….”

 

Con mi amigo, ” otro Pablo”, y en una de las tantas conversaciones que hemos tenido y tenemos llegamos a la misma pregunta sobre la arquitectura japonesa moderna..

No ya que hacen (que lo vemos) sino desde donde y como lo hacen.

Transición!!

Esto hable con Pablo: “en la arquitectura que vimos de Tadao Ando, Yoshio Taganuchi,  Kengo Kuma y el gran Kenzo Tange, (no vimos nada de Toyo Ito) plantea espacios previos, anteriores al principal”.

Estos espacios anticipan, preparan la acción, sin sobresaltos…

Acordamos que la vida hace a la arquitectura y no al revés.

Tiempo!!

Es el tiempo, y no el espacio el que da calidad y sentido a la arquitectura.

Todo es tiempo. Y depende que uso demos a ese tiempo y como lo percibamos.

(Pablo me da un ejemplo futbolístico, si un equipo – sin duda se refiere a River-gana 1 a cero y faltan 2 minutos para el final del juego, que largos que son esos 2 minutos. Tiempo en el espacio (trato de interpretar). El tiempo es recorrido, y es el que da calidad y sentido. No el espacio.

 

Este texto parece lo que es, conceptos telegráficos…sobre la temporalidad y -nuevamente- sobre el sentido.

 

 

 

 

Sana– Sejima Kazuyo y  Ryue Ishikawa

Quienes en el año 2010 obtuvieron el Premio Pritzker de Arquitectura.

Es en el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI, donde el  estudio  Sanaa  (obtuvieron el 1er. premio)-, redefine la institución museo, construido en la ciudad de Kanazawa e inaugurado en 2004.

Respuesta “concentrada” así como dispersa la de Tadao Ando en el Chichu Art Museum (2004) (地中美術館 Chichū Bijutsukan) literalmente “Museo de Arte en la tierra”. y en el Benesse Art Museum (1992)  Ambos en la isla Naoshima.

Otra re-interpretación del concepto Museo, en este caso abierto a la vida. Todos los destinatarios, vecinos y visitantes reconocen ese cambio de paradigma.

 

 

1er recreo

Si por esas cosas de la vida deciden viajar a Japón, para hacer un master de arquitectura y de vida, – recomendaría la isla de Naoshima, en la prefectura de Kagawa.

Dormir en ella, en alguno de los bed & breakfast o la menos probable de conseguir alojamiento en el hotel  Benesse, también de Ando por 500 usa la noche. 

Pero a no preocuparse, no hay nunca lugar, ni siquiera en la parte alta que se llega en monorrail y tiene “seis increíbles habitaciones seis”.

Luego de pasar por la Terminal de Transbordadores de Naoshima, que Sanaa realizó en el 2006, volvemos al museo del siglo XXI.

Partido de Sanaa (Les recuerdo que pertenezco a la etapa pre autoCAD)

Simplificando “el partido” recrea un lugar conocido. Como estar en una ciudad o incluso un centro comercial, pero de exhibición y de arte, bueno, es casi lo mismo. Calles y locales, pasillos y habitaciones, todos lo entendemos. Por aquí se circula, y cuando algo nos llama la atención, entramos a ver.

Ventanas, caladuras por donde se ve gente y lo que ve la gente.

Dos “tapas”, materializadas en círculos de 103 mts de diámetro.  Una abajo y otro arriba.

En el medio de ambas “tapas” y sobresaliendo,  el contenido expuesto en el museo.

Las salas (circulares o cubicas) sobresalen lo necesario de la “tapa superior”.

La altura de la sala afecta solo a esa sala. No a la altura de la circulación.

Todo simple y fácil.

Ciertas salas de acceso libre conviven con salas  a las que solo se puede acceder con entrada.

En el mismo museo, como el gruyere, donde las partes llenas, junto a las vacías dan forma al conjunto

Un conjunto muy claro. (no es “un edificio”, equipamientos colectivos como biblioteca, sala de conferencias y sala taller polivalente de uso infantil. Galerías de exposición, museo y esparcimiento alrededor de los pasillos circulares que dan al jardín gracias a enormes paneles de vidrio continuo.

Como obra permanente, el Museo ha comprado e instalado la piscina de nuestro compatriota argentino Leandro Erlich.

2ndo recreo

 

Sanaa ha mejorado notablemente las terminaciones del New Museum (2007) en el Lower East Side de Manhattan.

 

 

Como ponía al comienzo: “quien esté libre de pecado, que tire el primer concepto….”

Se escuchan conceptos.

 

Hugo A Kliczkowxski

Abril 2018

 

Huellas Perspectivas 6

Huellas
Perspectivas 6


Paso mucho tiempo y aun hablan de él.
Con Guillermo hicimos libros y los íbamos numerando.

A este le tocó el número 6, es decir sabíamos poco de impresión.

Lo que va de 1 a 6
Guille tenía más experiencia y había editado Balance Térmico, sistemas de calefacción y aire acondicionado, uno de los autores era el Ing Di Giacomi. Llevaba el número 1 y como nombre editorial Librería Técnica CP67. Colores verde y naranja.
Se vendieron muchas ediciones de muchos miles de libros cada una.
Pero el Perspectivas 6 era otra cosa
Tapa negra y doble tamaño y el motivo de su tamaño fue debido a una creativa ignorancia.
Diseñamos el libro con los dibujos de Sandro Borghini Edgardo Minond y Víctor Vega. A pesar de mi memoria relativa por una edad injusta, creo que Víctor ya vivía en Venezuela.
Era muy seguido por todos nosotros el libro de Gordon Cullen con sus grafismos. Toda la facultad hacia sus entregas con el “TOWNSCAPE”.
Entonces quisimos hacer algo distinto y mejor, separándolos por capítulos (axonometrías, aéreas, interiores, etc) pero sobre todo con dibujos de nuestra gente, donde junto a sketch europeos había proyectos argentinos (tendré que hablar en su momento de los viajes de Cova) y repito lo importante fue “el tamaño”.
En otros temas esto es muy debatido en esto no teníamos duda.

Para poder “copiar” los grafismos y los detalles, tendría que ser grande.
Y fue al tamaño que queríamos.
Juntamos los originales y fuimos a la imprenta.
– ¿quien les dijo que eligieran este tamaño?
– nosotros
– porque con este tamaño hay un 40% de desperdicio, se usa una parte y lo que sobra no alcanza para otro libro


– para aprovechar el papel tienen que achicarlo

Lo dejamos grande, tiramos el desperdicio de papel y creo que en varias ediciones hicimos más de 26.000 libros.
Para tiradas de 1.500 y 2.000 ejemplares, el perspectivas 6 funciono muy muy bien.

Se hicieron ediciones en tapa dura y en tapa blanda, más fácil y liviano, para transportarlo y abrirlo.
En mercado libre usado y de bordes gastados se ofrece a 220$
Creo que lo comprare, usado y gastado significa que cumplió su cometido.
Con el nombre de Espacio Editora y el logo de una parte pequeña de un personaje de M.C.Escher. El cubo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Japón 3 La genial ligereza uruguaya japonesa

La genial ligereza uruguaya japonesa.


Quería verlo, y lo hice el 1er día.

El Fórum internacional de Tokyo -Tokyo Kokusai Foramy- es muchas cosas a la vez, 7 salas de exposiciones, 34 sala de conferencias, 8 auditorios, oficinas, restaurantes, paseo, encuentro, convenciones y todo tipo de eventos culturales.

Cuando lo visite estaba la Feria de Arte y muestra de algo que no sé qué era, ya que estaba en otra cosa, estaba embelesado con ese espacio único y generoso.
Me llamo la atención la cantidad de gente paseando por la calle interna descubierta -entre la gran estructura del hall, acceso, pasillo- o atravesando el hall cubierto.

El uso masivo de un espacio público es un referéndum de aprobación aceptación y apropiación.

 

El armazón de vidrio, corazón peatonal del proyecto mide 208 metros, 60 de altura y 32 de ancho. Tiene 11 niveles, 3 de ellos enterrados.

Mi amigo Rolly me dijo que el edificio se construyó simultáneamente, de la Pb para abajo y para arriba.

No me va a engañar, no?
Rafael mudó su estudio y a el también a Tokio con un equipo de 250 personas y …..800 ingenieros.
Es una zona de gran movimiento, cerca de la estación de trenes, oficinas, comercio y un local de Muji enoooorme.

En Muji vi que además de pañuelos ofrecen casas prefabricadas, no sé cómo llegaron e una cosa a la otra.

El Arq. Uruguayo Rafael Viñoly ganó este concurso internacional en 1987- la construcción desde 1992/1997.

Pablo me dice que hablando con Rafael, éste le contó que el edificio está apoyado en solo 2 columnas, el esqueleto de vigas (¿de un pez?) es de un diseño exquisito.

Tampoco está Pablo para engañarme, además ahí están las 2 columnas a la vista. Cuando te cuentan algo que ves, es tan fácil creer en el ser humano…

 

 

Hay ascensores y también una rampa que conecta desde el primer nivel al último, rampa suave que cada tanto genera puentes, que permiten unir las oficinas con las salas.

Gente mirando, gente paseando, curioseando, sacando fotos, fotos artísticas, modelos (ladies) dando un show extra al que de por si se percibe bajo esa cristalería transparente y protectora.

Su nombre en japonés significa “dentro del circulo”, al visitarlo de noche vi su capacidad de atracción, más gente en é que en los alrededores.

Sobre un terreno de 3 hectáreas se construyeron 145.000 m2.
De noche y desde lejos se integra cómodamente en el barrio.

Me pregunto. ¿Cómo supo Rafael Viñoly hacer una obra en japonés?

 

Hugo A. Kliczkowski Juritz

abril 2018

Japón 2 Museo Suzuki

Museo Suzuky del arq Yoshio Taniguchi

Dedicado al filósofo japonés Daisetsu Teitaro Suzuki (1870-1966), quien fuera uno de los promotores de la filosofía Zen en Occidente.

La palabra Zen deriva de la palabra sáncrita “Dhiana”, significa meditación, emergió de distintas escuelas budistas con comienzos en China en el siglo VII.Ubicada en Kanazawa, cerca del lugar donde nació Suzuki.

Consta de 3 alas, el ala de entrada, el ala de exhibición y el ala de meditación. Asi como 3 jardines, el de entrada, el espejo de agua y el jardin Rojí. Fue inaugurado en Julio del 2011.

Su dirección es 3-4-20 Hondamachi, Kanazawa 920-0964, Ishikawa Prefecture.

Cuando entramos al museo, entre las cañas y lo semiculto lo hacía parecer un proyecto vergonzoso, aun sabedor de su grandeza.

 

Al entrar por los tickets un cristal te permite ver al tiempo que deja entrar una luz que inunda el espacio.

 

Esa luz, proviene de un patio interior.

Justo (justo??) a la izquierda una entrada pasillo en penumbra te sugiere seguir hasta una luz que es otra apertura al mismo patio. Las salas de exposición dan a un espacio biblioteca.

Cuando todo parecía estar dicho, ya estamos frente el espejo de agua con la sala zen para meditar.

Se te cierra la garganta,

sin aire…. te quedas, estas sorprendido, empequeñecido

al mismo tiempo que

emocionado…acojonado.

 

 

 

 

Escuche a Pablo decirme:

 

…… “por cosas así, 

por esto…

creo en la arquitectura”…

 

 

 

.…aburriría… si digo que una pared con un trampolín mirador,  necesita a alguien que entienda que es un espacio, como se lo delimita y como te contempla o mejor dicho como te contiene mientras estas allí.                                                                 Hijo de arquitecto, Yoshio Taniguchi  (1937) ingeniero por la Universidad de Keio y arquitecto por la de Harvard, trabajo con Walter Gropius (Bauhaus) y ocho años en el estudio de Kenzo Tange.

Realizó varios museos en japón, que toman conocimiento mundial a partir de 1997 cuando gana el concurso para rediseñar el Museo de Arte Moderno de New York, el MOMA, su primer trabajo fuera de Japón.

Difícil irse y volver?

Hugo A. Kliczkowski Jurtiz

marzo 2018

Japon 5 Le Corbusier en Tokio

Después de su regreso de Japón, Marcelo y Adriana me preguntaron si conocía el museo de Le Corbusier en Tokio. Yo no tenia idea de su existencia..
Es su único edificio en esta parte del planeta.
Es el museo Nacional de Arte Occidental.(NMWA), creado en 1959 en base a la colección del industrial Kojiro Matsukata (firmada entre 1916 y 1923) en el barrio de Ueno.
Durante mi visita había una importante muestra traída del Museo del Prado. Son dos conocidos mios tanto Corbu como el Prado.
Sigue su teoría del museo de crecimiento ilimitado, una espiral cuadrada que va creciendo de acuerdo a las necesidades, planteada para el Museo Mundaneum de Ginebra en 1929.
Una mastaba que solo pudo realizar en Ahmedabbad (Sanskar Kendra) de 1957, Chadigarh (Galeria de Arte del Gobierno) y en este.
La de Chadigarh recuerda uno de los techos del Museo Le Corbusier o Heidi Weber, en Zurich , su ultimo trabajo, encargado en 1960 e inaugurado en 1967, dos años después de su muerte
Llegamos paseando por el parque que contiene el zoo, camino a la biblioteca infantil que Tadao Ando realizo, sobre un palacete .
Finalizada la Segunda Guerra Mundial, la colección paso a manos del gobierno frances. En 1956 ante el pedido de devolución de las obras del gobierno japones, el gobierno frances acepta con la condición que lo diseñe un arquitecto frances. Eso se acuerda, aunque Charles Edouard Jeanneret-Gris (auto bendecido Corbusier como deformación del apellido de su abuelo materno Lecorbesier) era suizo, pero como dice Eric, a esa altura ya nadie se acordaba de ese detalle debido a que se nacionalizó frances.
En hugoklico’blogspot.com puse un articulo de sus sketches en sus cuadernos de “viaje a oriente”.
El folleto del museo dice que cumple con los 5 puntos de la arquitectura que postulo Corbu( planta baja sobre columnas, planta libre, fachada libre y terraza jardín).

Me costo reconocer su diseño hasta que di con la columna que entre vigas permite el paso de luz natural y la rampa de 2 tramos al fondo.

Emociona ver gestos, que son tan reconocibles como si estuviésemos junto a el ( si su humor lo hubiera permitido), acompañando el trazo de su lápiz.
El chiste fácil seria que a veces para que te den una obra tiene que suceder algo tan trágico como una guerra mundial.
Ya le había sucedido, ya que en 1947 cuando se crea la division tan inglesa ella, de 2 paises- religiones, como la hindu y la musulmana en la región del Punjab.
Son la India y Pakistan (esta ultima luego partida en Pakistan y Bangladesh).
Al quedar la capital de la región del lado Pakistani ( frontera aun en conflicto) entonces Nehru pregunta a sus amigos (presidentes, reyes, primeros ministros) por un arquitecto. Y es elegido Le Corbusier que junto a su primo (cuyas cenizas están allí) realizan todo lo que sabemos en Chandigarh.
El museo fue declarado en Julio de 2016 patrimonio cultural de la humanidad, junto a la casa Curutchet y otras obras en Francia y Alemania.
Y nosotros que tenemos al parador Ariston de Breuer, Catalano y Coire, nos damos el lujo de que siga su triste camino de destrucción.

Japón 1 La silente Tokyo

Japón 1 La silente Tokio

La silente Tokio


Ordenada, rigurosa, amable y estricta.

Impoluta.

Cordial. Sonriente y exquisita.

Cuidada, limpia, obediente hasta lo impensado.

 

Fácil y distinta.

Diferente en sus gustos.

Occidentalizadamente oriental.

Lista, risueña.

Siestera en sus viajes en bus y metro.

Reservada.

Yendo a ver la torre del Centro de Prensa y Difusión  prensa y difusión Shizuoka proyectada por el arquitecto Kenzo Tange (1967) metabolismo mediante, me olvide -as usual- el teléfono en el taxi.

Los recepcionistas de la torre llamaron a la compañía de taxis (suelo perder muchas cosas y por eso guardo -sin perder- los tickets) como iba para largo,

me trajeron una silla y una bebida.

El taxista con mi teléfono fue a mi hotel, se negó a aceptar ningún pago, por ser su “servicio al pasajero”  le agradecí mucho y me dio – nos dimos- un abrazo.

Honestos, a veces se tocan.

La recepcionista del hotel no se sorprendió.

 

Ahora entiendo un poco más la disposición de las mesas en el Centro Nacional de Arte de Tokyo del arquitcto Kisho Kurokawa (1934-2007) mucho después de su Nakagin Capsule Tower (obra medular del movimiento metabolista y hoy abandonada). 14.000 m2 en el barrio de Roppongi, que tiene de vecinos al museo Suntory (del arq. Kengo Kuma) y el museo Mori.

El ruido no es lo único que nos avisa que algo se mueve, el silencio también.

O más.

Bauhaus y Kandinsky

Bauhaus y Kandinsky

Creatividad y pintura sin objeto

Fue la lógica, no la casualidad, la que hizo que artistas y profesionales tan especiales en sus oficios, coincidieran en la Bauhaus.

Algunos de sus integrantes ya habían participado en grupos que postulaban cambios en los significados clásicos del diseño, en todas sus áreas.

La escuela, se fundó con ese objetivo mayor, cambiar radicalmente los conceptos.

“Las escuelas de arte tienen que volver al taller. Este mundo de pintores, dibujantes y artes aplicadas tiene que convertirse en un mundo que construye… Arquitectos, escultores, pintores… Todos tenemos que volver a la artesanía,  porque no existe el arte por profesión” W. Gropius

Formaron con sus particulares aportes, una escuela, un centro de formación y creatividad, que a casi 1 siglo de su fundación, sigue estando presente e influyendo en diferentes campos del diseño.

Una de estos artistas fue Wassily Kandinsky, cuando se incorporó a la Bauhaus tenía 56 años, volcando en ella sus teorías y su enorme experiencia ayudó a dar aún más relieve a la emblemática escuela alemana.

Participó desde 1922 hasta 1933.

Abrió las puertas de la abstracción e influyó en muchos artistas con su visión de vanguardia, además de dejar escrita en forma didáctica y analítica su teoría sobre la abstracción.

                Wassily Kandinsky

Al interrelacionar la Bauhaus y a Wassily Kandinsky estamos en un período muy dramático de la humanidad, que sin duda nos invita a sacar varias conclusiones.
En su historia, la Bauhaus padeció varias crisis económicas y gobiernos inestables. Su corta existencia tuvo relación con las derrotas del partido Socialista Demócrata Alemán SPD. A pesar de ello, fue sin duda un fenómeno cultural, pedagógico y de enorme influencia en el mundo del diseño.

Intentar resumir datos y conceptos en un análisis sobre la Bauhaus, o sobre Kandinsky, es una tarea muy difícil, pero me ha servido y mucho, para rastrear los senderos de la Bauhaus, senderos que hoy en día aun recorremos.

1919 La Bauhaus

Todo se inició en el año 1919, con el nombre de Das Staatliches Bauhaus          (Bau =  construcción; Haus = casa).

Habían pasado pocas semanas desde que Alemania aceptó el armisticio del fin de la gran guerra, y es en 1919 cuando le proponen a un joven Walter Gropius de 36 años, dirigir la  Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. Acepta y propone fusionar ambas bajo el nombre de casa estatal de la construcción de la ciudad de Weimar, “Staatliches Bauhaus Weimar”.

Conocida mundialmente como BAUHAUS.

Este proyecto comenzó un poco antes con la influencia de las propuestas del movimiento Arts and Crafts, creado a comienzos del siglo XIX por William Morris y su propuesta de integración de las artes.

… Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las clases sociales y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas.Walter Gropius

El objetivo de la escuela fue crear una nueva estética que estaría en forma habitual en nuestra vida cotidiana, así lo explica Heinrich von Eckardt:

“La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como” diseño industrial y gráfico”; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo”

Manifiesto

El manifiesto lleva una portada “La catedral del futuro”, que fue diseñado por            Lyonel Feininger

Sus objetivos:

-¡Arquitectos, escultores, pintores, todos debemos volver a la artesanía! No existe ninguna diferencia esencial entre el artista y el artesano.

– Las viejas escuelas de Bellas Artes no pueden despertar esa unidad ¿cómo podrían hacerlo si el arte no puede enseñarse?

Deben volver a convertirse en talleres.

– La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva.

– Elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes.

– La escuela está al servicio del taller y un día será absorbida por éste.

Por lo tanto, no habrá profesores y alumnos en la Bauhaus, sino maestros, oficiales y aprendices.

– Comercializar los productos e integrarlos en la producción industrial.

– Conseguir que sean objetos de consumo asequibles para el gran público.

– Que el arte surja como respuesta a las necesidades de la sociedad.

Admisión

Serán admitidas todas las personas sin antecedentes, sin limitaciones de edad ni sexo, cuya preparación sea considerada suficiente por el concejo de maestros de la Bauhaus y mientras se disponga de plazas suficientes. La cuota de la enseñanza es de 180 marcos anuales (gradualmente ira desapareciendo por completo a medida que aumenten los ingresos de la Bauhaus). Además existe una cuota de ingreso única de 20 marcos.

Los extranjeros pagan cuotas dobles.

El texto completo se puede leer aquí:

https://hugoklico.blogspot.com.es/2018/01/bauhaus-manifiesto-y-programa.html

1970 Buenos Aires

Al cumplirse 50 años de su fundación se realizó una exposición conmemorativa en Buenos Aires. Muy entusiasmados fuimos de visita como una actividad de la Facultad de arquitectura de la Universidad de Buenos Aires allá por el año 1970. La muestra permaneció desde el 1 de setiembre al 10 de Octubre en el Museo de Bellas Artes.

 

Aún conservo el hermoso catálogo de 365 páginas .

Realizado conjuntamente por el archivo de la Bauhaus de Darmstadtel instituto de relaciones exteriores deStuttgarty la por aquel entonces la República Democrática Alemana. RDA

 

1919 Weimar

                                                        profesores de la Bauhaus con Gropius

 Los fundadores de la Bauhaus fueron: los arquitectos Walter (Adolph Georg) GropiusMies van der Rohe, los pintores Lyonel Feininger, Paul Klee, el escultor Gerhard Marcks, Oskar Schlemmer – que impartió un revolucionario taller de teatro -, el diseñador y fotógrafo László Moholy-Nagy, y el arquitecto y diseñador de muebles Marcel Breuer.                                                                   Dirigió la Bauhaus Walter Gropius, y desde 1922, su vicedirector fue Wassily Kandinsky. 

Ocupaba un edificio de la Universidad, diseñado en 1904 por Henry van de Velde (belga alemán 1863 ~1957) en donde funcionaba la sede del estudio de escultores de la Escuela de Arte.

Henry van de Velde es considerado junto a Victor Horta y Paul Hankar como uno de los fundadores del modernismo en Bélgica.

Enseñanza

Los elementos centrales de la enseñanza en la Escuela, eran el curso preliminar y los talleres, en los que se promovía el trabajo colectivo y la autoformación.

Se impartían clases de introducción a las formas, al dibujo analítico y un seminario intensivo del uso del color. Duraban 2 semestres.

El objetivo de Walter Gropius fue vincular la creatividad en torno a la arquitectura.

Como una forma de dar visibilidad a la tarea colectiva de los talleres, se decide realizar entre el 15 de agosto y el 30 de setiembre de 1923 una exposición llamada “Arte e industria, una nueva unidad”, un fatal año ya que 1923 fue el año de la hiperinflación en Alemania.

Se expuso el diseño de la casa experimental “Haus am Horn”, diseñada por Georg Muche (1895 ~1987) que con sus 23 años fue el profesor más joven de la Bauhaus, dirigió el taller de tejido entre 1919/25 y el curso preliminar entre 1921 y 1922.

En 1927 deja la Bauhaus.

En el diseño la “Haus am Horn”, participaron también  Adolf Meyer y Walter Gropius.

Tuvo una excelente acogida consiguiendo el apoyo del Deutsche Werkbund, institución que se ocupaba del cuidado y seguimiento de las artes aplicadas en Alemania.

Un cuadrado blanco de techo plano, su sala de estar central (rodeada por los dormitorios y servicios)  se iluminaba a través de un lucernario,

Gropius dijo de la casa que era:

“el máximo confort con la mayor economía por la aplicación de los mejores artesanos y mejora de la distribución espacial de forma, tamaño y articulación”

Construida sobre un terreno que iba a ser un jardín de la escuela, aún permanece en pie cerca del Parque An der Ilm en Weimar, sobre una calle residencial.

1996 Unesco

La UNESCO declara Patrimonio de la Humanidad del siglo XX cuatro edificios:

En Weimar:

– el edificio principal de la Academia de Weimar.

– el edificio Van de Velde de la Academia para la Arquitectura y las Artes constructivas.

En Dessau:

– Edificio de la Bauhaus.

– Casas de los Maestros.

Método Bauhaus

El objetivo era que al salir de la escuela, los alumnos tuvieran una formación completa en diferentes temas como dibujo, modelado, fotografía, diseño de muebles, escenografía, danza, tipografía…

Investigaban sobre la textura, el color, la forma, y el contorno de distintos materiales (piedra, madera, metal, barro, tejidos, vidrio). Realizaban un curso preparatorio (Vorkus), conocido como “Método Bauhaus” dirigido originariamente por Johannes Itten, común a todas las especialidades, su metodología: aprender trabajando, luego del cual los alumnos podían elegir talleres.

                    Método Bauhaus, programa de estudios

Cada taller, contaba con 2 jefes, un artista (maestro de la forma) y un artesano (maestro del oficio), el control compartido en forma igualitaria, provoco enfrentamientos y conflictos.

A partir de 1925 se elimina la “doble” jefatura, y la dirección pasa a  Moholy-Nagy (quien también impartía el taller del metal) y luego aJosef Albers.

No fue el único conflicto, ya que uno de los motivos del alejamiento de Johannes Itten en la primera etapa en Weimar fue su personalidad y misticismo que lo apartaron de otros maestros que apostaban por una educación menos individualista, Itten era seguidor de una secta estadounidense llamada mazdaznan, era vegetariano y practicaba la meditación.

Otros talleres eran los de:

Mueble (antes llamado de ebanistería) dirigido primero por Gropius y luego por Marcel Breuer.

Plástica y Textil, bajo la dirección de Gunta Stadler-Stölz, que paso a producir tejidos en serie (en Weimar, se priorizaba las ediciones únicas).

El Taller de Pintura Mural, era dirigido en Weimar por Kandinsky (1922-1925) y luego en Dessau porHinnerk Scheper.

Herbert Bayer estudio en la escuela durante 4 años, Sus méritos como publicista hizo que Gropius lo nombrara a cargo del taller de Tipografía y Publicidad, (también llamado de impresión).

Bayer diseñó el cuerpo tipográfico de la Bauhaus, de formas limpias, y racionales. Llamado “Architype Bayer”. Lo guían  los principios de Moholy-Nagy, busca la simplificación, elimina lo superfluo y deja solo lo esencial.

La Bauhaus generó un nuevo estilo tipográfico, sin mayúsculas empleando casi exclusivamente las fuentes sans serif (sin adornos), con un diseño geométrico.

A pesar que Gropius quería encontrar un diálogo entre la arquitectura y las artes, no existía un departamento específico de arquitectura, se crea recién en 1927 dirigido por Hannes Meyer.

1978 mi visita

En el año 1978, con motivo de nuestro viaje a Alemania, luego que obtuvimos el 1er premio en el concurso de las Escuelas diferenciales en Buenos Aires (Estudio Kliczkowski, Minond, Natanson, Nevani, Sztulwark con Rojkind) fui invitados por la RDA para recorrerla, y entre los paseos que realizamos fuimos al edificio de la Bauhaus de Dessau,  tengo muy presente esa visita, a los talleres de yeso, donde se realizaban las formas que luego serían repetidas formando series, todas realizadas por alumnos, así como su museo, y otros talleres.

Me obsequiaron con una forma en yeso, en escala de lo que luego podría ser industrializado para recubrimiento de fachadas.

Hacía poco habían recuperado el famoso mural de una de sus escaleras, la Escalera de la Bauhaus (Bauhaustreppe) tapada por una pintura – en la época que fue cerrada por los nazis-  cuando el edificio paso a ser una de las sedes del partido y escuela de mujeres.

1924 –  25 Dessau

No todos apoyaban las ideas de la Bauhaus, 1, en 1924 los liberales perdieron las elecciones locales de Weimar, entonces los conservadores bajo el argumento de que era “una organización superflua y sin probabilidades de éxito” les quitan apoyo y fondos.

Sin recursos el 1 de Abril debe cerrar sus puertas.

A pesar de estos ataques la escuela era reconocida y tenía un enorme prestigio, estudian mudarse a Frankfurt o a Dessau, se deciden por ésta última cuando el alcalde socialdemócrata Fritz Hesse, les ofrece financiar la construcción de la sede, además de un presupuesto para facilitar su mantenimiento.

Encargan el diseño del edificio al estudio de Walter Gropius y su equipo los arquitectos Carl Fieger, Ernst Neufert. Hans Volger y Heinz Nosselt. Utilizan un sistema muy moderno, económico y original que les permite terminar la obra en 1 año e inaugurarla el 4 de diciembre de 1926.

Con este apoyo a la Bauhaus las autoridades de la ciudad industrial de Dessau (70.000 habitantes)  – a 165 km de Weimar- amplían la oferta cultural.

Su dirección: Gropiusallee 38, 06846 Dessau.

“No hay una diferencia esencial entre un artista y un artesano”. Walter Gropius

Programa

Incluía una Academia de Arte con talleres, una escuela técnica (pedida por el Concejo de Dessau), asi como teatro, comedor, administración, habitaciones y estudios para los estudiantes. Y en un terreno alejado cuatro casas para los maestros.

Proyecto

De planta asimétrica, con pabellones a diferentes alturas y ventanales horizontales corridos.

Un largo puente (horizontal) conecta las distintas partes del proyecto (verticales) como la torre de alojamiento de los estudiantes.

Un conjunto armonioso, en formas y proporciones.

Edificios de líneas planas horizontales, sin ornamentos, vidriados. Un aspecto fabril con un diseño claro y económico.

El edificio principal es la academia de arte (cuerpo gris, entre uno blanco y otro vidriado).  

La escuela técnica y la academia de arte están conectadas por el puente que contiene la administración y la dirección.

 

Durante la guerra, fue bombardeado, restaurado en 1986, actualmente funciona una escuela superior de diseño.

 

 

Casas de maestros

https://es.wikiarquitectura.com/edificio/casa-de-los-maestros-de-la-bauhaus/

 



Construidas en un terreno en un bosque 
de pinos, a 750 metros de la sede de la 
Bauhaus.

Caminando por la calle Gropiuesalle se llega a la calle Ebertallee.

La dirección del conjunto es: Ebertallee 69/71, 06846 Dessau-Roßlau,

En ese terreno se construyeron 4 casas.

La casa de Walter Gropius. Destruida en el año 1945.

La casa pareada de Moholy-Nagy y Lyonel Feininger. Destruida en el año 1945, reconstruida en 1994.

La casa pareada Muche/Schelemer, fue reconstruida en el año 2002

La casa pareada Kandinsky /Klee, fue reconstruida en el año 2000

Fiestas

Tenían cuatro celebraciones principales, en primavera la de los farolillos, en verano la del solsticio, en otoño la de los cometas, y en invierno la de la Navidad.

Además la Fiesta blanca (donde también se permitían los colores básicos rojo, azul y amarillo” en rayas, conos o cubos”) la famosa del metal, de la Nueva Objetividad.

A todas estas fiestas se sumaban las de los cumpleaños, casamientos, nacimientos, aniversario del edificio,….

Cada mes se realizaba un baile de disfraces y conciertos de jazz con extraños instrumentos.

Se hacían excursiones, y durante la exposición de 1923, hubo una semana de audiciones.

Estas actividades tenían por objetivo facilitar el trabajo en equipo, y la relación entre la Bauhaus y los ciudadanos, buscaban difundir su trabajo y ante el rótulo de “socialista” que tenía la escuela, conseguir más apoyo a su tarea. 2

Bauhaus costume party, 1920s

La vida nocturna en la Bauhaus tiene la misma importancia que las actividades diurnas. Hay que saber bailar”. -Farkas Ferenc Molnár, estudiante húngaro de la Bauhaus y arquitecto-

1925 H.Meyer

“Nuestro objetivo es servir al pueblo, no buscamos ni un estilo Bauhaus, ni una moda Bauhaus (…)”. Hannes Meyer

Los Grupos comunistas estudiantiles y docentes exigen cambios en los programas de Paul Klee y deKandinsky.

Por estas presiones, en 1925 deja László Moholy-Nagy la Bauhaus, tras 5 años de docencia. Le siguePaul Klee.

Hay mucha presión para cambiar los programas y ante la negativa de Kandinsky a hacerlo, debe resignarse a que las materias que dictaba pasen a ser optativas.

En Setiembre de 1930 el partido Nazi (NS-DAP), queda como segunda fuerza política, preparando lo que en 1932 lo convierte en primera fuerza del parlamento.

Ese año Gropius deja la escuela para reanudar su tarea de arquitecto y en una nota al
alcalde de Dessau Fritz Hesse el 4 de febrero de 1928 escribe:

“Como sucesor propongo a Hannes Meyer, director del departamento de arquitectura, a quien considero capacitado, tanto en lo personal como en lo profesional, para dirigir el instituto con éxito”.

En su nueva tarea Hannes Meyer (1889~1954),  fortalece aún más la institución, da una mayor orientación hacia la arquitectura en detrimento de las otras disciplinas artísticas.

Hannes Meyer con Hilde Reindl

Kandinsky que fue vicedirector  conGropius continúa siéndolo con Meyer.

La Bauhaus ya demuestra que puede autofinanciarse, y vende sus productos.

El papel de empapelado “Bauhaus”, es el que mayores ingresos produce, bajo la dirección de

Hinnerk Scheper se producen una gran variedad de papeles monocromos y de pequeños estampados.

 

 

 

                                         Hannes Meyer

 

 

 

“Construir y crear son una misma cosa, y constituyen un acontecimiento social. En cuanto colegio mayor de la creación, la Bauhaus de Dessau no es un fenómeno artístico pero sí social. En cuanto ente creador, nuestra actividad está condicionada socialmente, y la sociedad compone el marco de nuestro trabajo”. H. Meyer

 

Al leerlo con atención, notamos que se quiere cambiar la línea que llevó Gropius.

Durante los años de dirección de Meyer, la Bauhaus organizó una exposición itinerante que viajó a Basilea, Breslau, Essen, Manhein y Zurich, popularizando sus ideas.

Pero son malas épocas para el vanguardismo en la Alemania nazi, en 1930 las autoridades municipales de Dessau despiden a Meyer acusándolo de “tendencias comunistas”, en realidad lo que más molestaba a las autoridades era su pasividad frente al bullicio político dentro de la Bauhaus.

En las páginas del periódico Anhalter Tageszeitung se escribía en estos términos:

“la desaparición de este llamado instituto de diseño significará la desaparición del suelo alemán de uno las más prominentes manifestaciones del arte judeomarxista”

Consiguen cerrarla el 30 de septiembre de 1931.

1930 a 1933 Berlín

Se hace cargo como director Ludwig Mies van der Rohe, ese mismo año traslada la Bauhaus a 130 km, desde Dessau a Berlín, para funcionar como una escuela privada, se instala en una vieja fábrica en el extrarradio en Steglitz, le siguen 100 alumnos.

Los problemas continúan y el 11 de abril se precinta la escuela y una treintena de estudiantes fueron detenidos.

En 1931 los nazis ganan las elecciones locales, y entre sus promesas electoralistas figuraba cerrar la Bauhaus, un “centro de “bolchevismo cultural”, que da trabajo a “frívolos intelectuales extranjeros que enseñan arte decadente” mientras el pueblo alemán “pasa hambre”.

Mies dirigió la escuela solo 3 años. Tres meses después de que Adolf Hitler fuera nombrado canciller de Alemania, la policía de Berlín clausuró el centro el 20 de julio de 1933, pese a todas las gestiones anteAlfred Rosenberg, uno de los más destacados nazis, presidente de la nueva Alianza de la Cultura Alemana, para que aceptara la Bauhaus como una escuela apolítica, para permitir su reapertura debía expulsarse a Hoilberseimer, miembro del SPD, y a Kandinsky por sus teorías disolventes y anti alemanas. Las presiones eran excesivas, solo deseaban exterminar ese ámbito de libertad.

Fueron los primeros pasos del régimen para eliminar cualquier rastro de arte “decadente y bolchevique”,y de “cosmopolitismo judío” haciendo referencia a que traía estilos de países como EE UU, Holanda y Francia, que “contaminaban las tradiciones”.

Tras la toma del poder en Octubre de 1933, el edificio fue reconvertido en centro de formación de las SA, dirigidas por Ernst Rohm, en la fachada en el lugar de las letras de la Bauhaus aparecieron los símbolos del Tercer Reich. En lugar de la libertad de crear, el sometimiento y la perversión.

1933 la dispersión

En 1930 Hannes Meyer,  parte a Moscú y Paul Klee se dirige a Suiza.

En 1933, sin más opciones Kandinsky emigra a Neuilly-sur-Seine, cerca de París. Ya no regresaría a Alemania.

En 1934 Walter Gropius, con el pretexto de atender una invitación del arquitecto Maxwell Fry, se exilió en Gran Bretaña y más tarde junto a su amigo Marcel Breuer,  se dirigen a los Estados Unidos.

En 1937 Mies van der Rohe también se va a los Estados Unidos, como lo hizo Lyonel Feininger y muchos otros integrantes de la Bauhaus.

En 1937 László Moholy-Nagy fundó en Chicago la New Bauhaus.

En 1938 Ludwig Hilberseimer parte a Chicago invitado por Mies como profesor del IIT (Instituto de Tecnología de Illinois).

Bayer, trabajo en la campaña de la “Deutschland Ausstellung”, una muestra propagandística concebida por el Tercer Reich con motivo de los Juegos Olímpicos de Berlín del verano de 1936

Schlemmer permaneció en Alemania.

En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), llamándola Nueva Bauhaus (Neues Bauhaus) el pintor y diseñador argentino Tomas Maldonado la dirige desde 1954-1966

Esta enorme dispersión de talentos, provocó sufrimiento pero también una mayor difusión de sus ideas asi como su puesta en práctica que fue muy influyente en todo el mundo.

Fue mayor su difusión fuera de Alemania luego de su cierre, que la que había conseguido dentro de una Alemania empobrecida, y que no podía apreciar los objetos que se producían sino como productos sencillos y más aptos para utilizar en fábricas que en el hogar. Esta percepción fue  facilitada por los continuos ataques a sus logros, que fueron banalizados por las autoridades. 3

El artista es la mano que, mediante una y otra tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana. W. Kandinsky

Principales integrantes de la Bauhaus

Josef Albers, Hinnerk Scheper, Georg Muche, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius, Stölzl, etc en el techo de la Bauhaus.

Por su diversidad de profesiones, y encuentro de intereses, merece la pena recordar algunos de sus nombres.

La escuela, incorporó como maestros a muchos de los que comenzaron como alumnos de la misma.

Compartían así la filosofía y tenían una relación muy estrecha con compañeros y profesores.

Walter Gropius (1883-1969), arquitecto, urbanista y diseñador. Más datos en el artículo

Ludwig Mies Van der Rohe (1886-1969), arquitecto. Más datos en el artículo

Lilly Reich (1885-1947), arquitecta de interiores. Socia, colaborada y esposa de Mies Van Der Rohe.

Paul Klee (1879-1940), pintor. Profesor. Más datos en el artículo

Wassily Kandinsky (1866-1944), pintor. Más datos en el artículo

Hannes Meyer (1889-1954), arquitecto y urbanista. Más datos en el artículo

Marcel Breuer (1902-1981), arquitecto y diseñador industrial. Alumno y profesor. En 1928 deja la Bauhaus.

Herbert Bayer (1900-1985), diseñador gráfico, pintor, fotógrafo y arquitecto. Alumno y profesor hasta 1928.

Lászlo Moholy-Nagy (1895-1946), diseñador visual. Más datos en el artículo

Lyonel Feininger (1871-1956), pintor e historietista

Oskar Schlemmer (1888-1943), pintor. Profesor desde 1920

Josef Albers (1888-1976), artista y docente de arte. Profesor desde 1923 a 1933. Su esposa fue la artista Anni Albers. Ambos viajan a los Estados Unidos invitados por Philip Johnson (1906~2005) para impartir clases en Carolina del Norte

Anni Albers (1899-1994), diseñadora textil y grabadora. En 1931 fue nombrada directora del área y fábrica de tejido de la escuela, como sustituta de Gunta Stölzl.

Johannes Itten (1888-1967), pintor y profesor de arte. Profesor desde 1919 a 1923 en los talleres de metal, pintura mural y cristal.

Alfred Arndt (1898-1976), arquitecto. Desde 1929 a 1932 es director del taller de construcción en el área de metal, carpintería y pintura. Impartió construcción, diseño y perspectiva. En 1932, tras el cierre de la Bauhaus por los nazis, se afilió al partido nazi y fue su jefe de propaganda.  Su esposa fue la fotógrafa Gertrud Arndt,

Ludwig Hilberseimer (1885-1967), arquitecto y urbanista. Alumno y luego profesor desde 1929 a 1933.

Marianne Brandt (1893-1983), pintora, escultora y diseñadora en metal. Alumna y profesora hasta 1932. Vicerrectora de metalurgia, sucediendo a Moholy-Nagy  Trabajo en el estudio de Gropius.

Georg Muche (1895-1987), arquitecto, pintor, grabador y escritor. Más datos en el artículo

Gerhard Marcks (1889-1940), pintor y escultor. Profesor desde 1919 en el taller de cerámica.

Walter Peterhans (1897-1960), fotógrafo. Profesor desde 1929 a 1933

Hinnerk Scheper (1897-1957), colorista, pintor y conservador de monumentos.

Joost Schmidt (1893-1948), tipógrafo y escultor. Alumno y profesor hasta 1925

Lothar Shreyer (1886-1966), escritor, dramaturgo y pintor.

Gunta Stölzl (1897-1983), tejedora. Alumna y profesora hasta 1931, cuando debido a su casamiento con un arquitecto judío se le pide abandone la Bauhaus.

Horacio Cóppola (1906-2012), fotógrafo y cineasta argentino. Casado con Grete Stern.

Grete Stern (1904-1999), diseñadora y fotógrafa.

Xanti Schawinsky (1904-1979), Pintor, dibujante, diseñador y fotógrafo.

Archivo Bauhaus

La sede del archivo de la Bauhaus funciona en la calle Klingelhöferstraße 14,  Tiergarten en Berlín,  a 4 km de la Puerta de Brandemburgo.

Vale la pena visitarla por su contenido y su edificio.

 

 

El edificio proyectado por Gropius, originalmente fue diseñado para la ciudad de Darmstadt, luego entre los años 1976 y 79 Gropius modifica el proyecto para construirlo en Berlín.

 

https://www.bauhaus.de/de/

2017 La Bauhaus Dessau y la Getty Foundation

En 2017 la organización estadounidense Getty Foundation eligió 12 obras importantes del siglo XX otorgando fondos (1,66 millones de dólares), para la conservación y preservación de la arquitectura moderna, bajo el nombre de “keeping It Modern”.

Desde su fundación en 2014, este programa ha apoyado a 45 proyectos de todo el  mundo.

En 2017 eligió:

1.- La Bauhaus de Dessau, Arq. Walter Gropius, 1925.

Además de:

2.- Torre Price, 1956. El único rascacielos de Arq. Frank Lloyd Wright, Bartlesville.

3.- La casa Melnikov. 1927-29. Moscú. Arq. Konstantin Melnikov.
4.-Boston – City Hall Plaza. 1968. Arq. Kallmann, McKinnell, & Knowles.

5.- Museo de Arte de São Paulo (MASP), 1968. Arq. Lina Bo Bardi.

6.-Estadio Flaminio1960. Arq. Pier Luigi Nervi, Rome.

7.- Seminario St. Peter’s 1958-1966. Arq. Andy MacMillan y Isi Metzstein (Gillespie, Kidd & Coia), 1966. Glasgow. Desde 1992 es patrimonio de la humanidad.

8.-Estación Termal Sidi Harazem, 1958. Fez, Arq. Jean-François Zevaco Marruecos.

9.-Antesala del Museo del Gobierno y la Galería de Arte. 1968. Arq. Le Corbusier (Charles-Édouard Jeanneret), Chandigarh.

10.- Facultad de arquitectura. 1963. Arq. Altuğ and Behruz Çinici, Ankara.

11.-Catedral de Coventry. 1962. Arq. Sir Basil Spence.

12.- Gimnasio Nacional y estadio Yoyogi. 1964. Arq. Kenzo Tange, Tokio, Japan.

Nota 1

¡Hombres y mujeres de Weimar! ¡Nuestra antigua y famosa Escuela de Arte está en peligro! Todos los ciudadanos de Weimar para quienes las sedes de nuestro arte y nuestra cultura son sagrados, están llamados a asistir a la convocatoria pública que tendrá lugar el jueves 22 de enero de 1920, a las 20.00 horas. Los comités, elegidos por los ciudadanos

Nota 2

Bauhaus Jeannine Fieder y Peter Feierabend. 1999. Editorial Konemann. Distribución A.Asppan S.L.ISBN 3829025947

…aunque probablemente la fiesta de disfraces más brillante de la Bauhaus fuera la “Fiesta metálica” del 9.2.1929. La idea original era celebrar una “Fiesta de las campanas, los timbres y los cascabeles”,……. los artistas de la escuela ampliaron el plan a “lo metálico”.La escuela resplandecía como una fábula de brillo metálico. La decoración era soberbia: muros reflectantes guarnecidos con hojalata, imágenes de los bailarines distorsionadas por fruteros de color latón en el techo, una cantidad asombrosa de bolas de Navidad, y timbres y repiques por todas partes, así como una escalera musical que al pisar cada escalón emitía un tono diferente. Los invitados llegaban a la sala deslizándose por un tobogán de metal. No se hacía ninguna distinción entro los invitados. Incluso el alcalde de Dessau, Hess, fue recibido de este modo. Una hojalatería abastecía a los invitados con todo tipo de herramientas: llaves de tuercas y abrelatas. “La orquesta de la Bauhaus se había guarnecido festivamente con coquetas chisteras plateadas,…”. En el escenario se decían disparates con una lengua férrea: una divertida danza femenina bailada por hombres y un “sketch” en el que sólo la punta de un casco representaba el metal saciaban la curiosidad y las ganas de reír. Se dice que también se idearon los mejores disfraces de la fiesta: la calavera de un húsar pintada de negro, con una olla y una espumadera de aluminio como yelmo y el pecho guarnecido con cucharas de hojalata de color plateado: una dama vestida con discos de hojalata lucía coqueta en la pulsera una llave de tuercas que confiaba a cualquier caballero para que le ajustara las tuercas sueltas…”

Nota 3

Renato de Fusco, Historia del diseño. Santa & Cole. Barcelona, 2005

“En el clima deprimido de la Alemania de Weimar; en los años de la crisis del 29, […] mientras Alemania padecía una inflación monetaria extrema; entre un público que, por otro lado, seguía apegado al estilo Biedermeier, la acogida de los muebles metálicos, de las lámparas esquemáticas y de unos objetos más propios del ambiente laboral que del doméstico, fue fría e incluso hostil. El propósito de abaratar los precios no se logró nunca del todo al no existir una seriación productiva adecuada. Los precios, aunque moderados, eran elevados para una población que a duras penas podía acceder a los productos de primera necesidad”.

El estilo Biedermeier (bieder significa simple y Meier es un apellido alemán muy común) simbolizaba al alemán de la clase media alemana. A quien le gustaba las formas sencillas con adornos populares.

Bibliografía

Información, datos y consulta

– 1999. Bauhaus Jeannine Fieder y Peter Feierabend. Editorial Konemann.         Distribución   A. Asppan S.L.ISBN 3829025947

–  Ana Montoya Gallardo.  https://labauhaus.wordpress.com

–  Nº 6, febrero 2009 VEGA, Pindado “Diseño y consumo en tiempo de crisis I. 
   La desintegración de la Bauhaus”. ISSN 1885-8007.     http://www.artediez.es/articulos/vega/bauhaus.pdf

– 2011, Universidad de Salamanca, tesis doctoral de Julia Martínez Benito,     Departamento de Filosofía, Lógica y Estética “Kandinsky y la abstracción: nuevas   interpretaciones”

Fronteras publicado revista Co-encuentros por HaKj

Fronteras publicado revista Co

encuentros por HaKj

Fronteras 

1

En el libro Cuando las catedrales eran blancas, en el capítulo Saint-Front de Perigueux, Le Corbusier sintetiza: «El pensamiento no tenía entonces ni fronteras ni nacionalidad». Y más adelante: «Observemos, de paso, que nadie sintió escrúpulos de internacionalismo cuando un abad fue enviado a Venecia para tomar las medidas de la basílica de San Marcos con el objeto de intentar imitarla en nuestro país ‒se refiere a Francia‒. Y la basílica de San Marcos, a su vez, fue inspirada por la iglesia de Santa Sofía, en Bizancio». 

Este texto de 1936 del gran arquitecto, maestro de maestros, me ha llevado a pensar en los lugares y espacios que asocio a la palabra fronteras, me he asombrado de la cantidad de fronteras que existen, y que junto a cada una de ellas, existen otras. Algunas dentro de nosotros, otras fuera.

Convivimos con ellas.

No solo las ideologías imponen líneas que separan y discriminan, también las crean las costumbres, los prejuicios, los sentimientos, los miedos, los intereses…
Lo que encierra una frontera es, en muchos casos, una construcción cultural que tiene una base histórica, donde suceden las acciones sociales y las relaciones, donde se construye un sueño común de destino, -me tienta agregar desatino-.
No es inocente la toma de conciencia de la frontera, porque genera sentimientos de pertenencia o de exclusión. Quien es de aquí y quien no lo es, y justamente no lo es porque no pertenece al grupo de los de aquí.

Es un acierto que el término elegido sea Fronteras, en plural y no en singular. El plural amplía el panorama a analizar.
Si las fronteras existen es para ser construidas, para poder cruzarse o también para ser destruidas, y hacen referencia a las ciudades fortificadas, que tenían un motivo primigenio para existir: el poder aislar y, sobre todo, diferenciar (a unos y a otros).

Preparando estas líneas recordé algunos ejemplos, y de ellos saqué algunas ideas que comparto.
Dentro del campo de la arquitectura, una frontera separa conceptos como el interior el exteriorel afuera el adentro, lo público lo privado, lo lleno lo vacío… Pero también señala el borde, la línea, zonas de contacto, diferencias, límites… Escribe Ricardo Piglia (1941-2017) en El camino de Ida«En el límite, el terror garantizaba el acceso a la palabra…».

Siguiendo estas ideas, me resulta natural relacionar las fronteras con los límites.

Mark Twain (1835-1910) lo explica muy bien cuando no reconoce peor identidad que la humana.
Es una frontera que establece el límite de lo humano; «A mi edad cuando me presentan a alguien ya no me importa si es blanco, negro, católico, musulmán, judío, capitalista, comunista… me basta y me sobra con que sea un ser humano. Peor cosa no podría ser». Mark Twain (por ello es sugestivo que a su identidad le sumara un seudónimo: Samuel Langhorne Clemens).

Si a la palabra Fronteras se le agrega la preposición sin,ampliamos su definición, muchas ONGs al añadir sin fronteras confieren una cualidad a sus acciones. La negación: sin fronteras explica por sí misma que ante la inexistencia de fronteras se amplía su territorio de acción como médicos, reporteros, arquitectos, payasos, agrónomos, psicólogos, ingenieros, dentistas… SIN FRONTERAS (hay decenas más).
Otras fronteras, son frágiles e inestables ya que se establecen por convenciones, y han sido creadas (y cambiadas) para hacer visible la transgresión, cuando no es respetada. Muchas veces, tiene consecuencias y algunas de ellas muy duras, como la que vivió el arquitecto ruso Konstantín Stepánovich Mélnikov (1890-1974) quien realizó numerosas obras de altísima calidad; entre ellas el pabellón de la URSS en la exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales Modernas de Paris, o sus casas obreras, e incluso su propia casa taller en Moscú (1929) que sin embargo el régimen estalinista consideró que atentaba contra la estética revolucionaria, a pesar de que el mismo arquitecto manifestase que sus proyectos expresaban los valores sociales soviéticos revolucionarios.

Mélnikov creía en el derecho y la necesidad de respetar la expresión personal, pero ese derecho (a la expresión personal) no era compartida por el régimen y fue caracterizado como un arquitecto formalista, esa definición fue también un límite (que en este artículo utilizo como una frontera más), que en aquella época de purgas se utilizó en forma despectiva para definir a los otros.

Mélnikov fue un arquitecto utópico al que la realidad apartó de la enseñanza y de la práctica profesional. Sin otra opción, debió vivir de su pintura y, junto a su hijo, transformar su casa (hoy objeto de estudio y admiración) en un museo de sus obras pictóricas. 2

Lo que iba a ser un ejemplo de arquitectura y sistema constructivo popular, quedo como una caja vaciada de su contenido ideológico y transformada en una sala de venta de cuadros y exposición.

Algunos límites, parecieran ser también un límite a la creatividad, aunque Xul Solar (1887-1963), hermano espiritual de Jorge Luis Borges, consigue eludirlos como una forma natural de incentivar su creatividad. Crea un juego cuyas reglas cambian permanentemente, es posible jugar al panajedrez, (como lo denominó), pero sin reglas fijas conocidas, ya que la que se conoce es la anteúltima, la última regla la crea Xul en el momento de jugar. Reglas que no limitan su capacidad creativa y le permiten interactuar al jugar, ya que es Xul quien las recrea permanentemente. 

Xul Solar tuvo siempre el deseo de eliminar fronteras, poner en diálogo culturas disímiles y posibilitar la creación de espacios de encuentro. Para ello inventa el panlengua. El prefijo panestá vinculado a la idea de totalidad o conjunto. Su objetivo no era un capricho, sino un vehículo que permitiera unir a los pueblos.

Como ya he mencionado, sabemos que dentro (y fuera) de las fronteras territoriales, existen otras fronteras, más difíciles de superar, porque son aquellas en las cuales nosotros limitamos nuestras posibilidades de cambio, como las fronteras físicas y mentales.

Por ejemplo las que limitaron (en el supuesto que fuera posible) la creatividad a Johann Sebastián Bach (1685-1750), trabajando en Weimar bajo las órdenes del príncipe Wilhem Ernst. 

Había trabajado allí anteriormente durante 7 meses y decide volver. Sabía que debía aceptar fronteras políticas, religiosas y geográficas. Muchas limitaban sus intereses musicales, entre ellas la mayor fue no conseguir el puesto que deseaba y merecía.

Lo necesitaba para su desarrollo profesional y para mantener a su familia, ya tenía 5 hijos –a lo largo de su vida tuvo 20 hijos, de los que sobrevivieron 11-.

Después de 10 años de esperar cambios en su trabajo, recibe una propuesta del príncipeLeopoldo de Anhalt para ocupar el puesto de Kapellmeister (maestro de capilla, equivalente a director de orquesta) en Cöthen. Una oferta difícil de rechazar pero necesita una autorización para dejar su puesto de trabajo.

En Noviembre de 1717, con 32 años insiste en su pretensión de dejar el ducado y que se le conceda la autorización correspondiente, por orden de W. Ernst es condenado a pasar 3 semanas de prisión. (el informe del tribunal decía: << El 6 de noviembre de 1717, el otrora maestro de capilla y organista Bach fue encarcelado en el Juzgado de la Corte por forzar demasiado obstinadamente el asunto de su renuncia y finalmente fue puesto en libertad de su arresto el 2 de diciembre con una notificación desfavorable de su despido.>> 

Finalmente consigue que acepten su renuncia (o despido), y le otorguen la autorización para salir de Weimar.

Es un período muy creativo, pudo componer la primera parte de El clave bien 
temperado, los conciertos de Brandemburgo, las cuatro suites para orquesta, música de cámara y obras para violín, viola da gamba, flauta, etc., que llegan al límite de las posibilidades técnicas de los instrumentos, por nombrar solo alguna de ellas.

Bach sabía que cambiando geográficamente de lugar, atravesando fronteras, se sentiría más libre para crear, como efectivamente ocurrió.

A la muerte de Bach, cuando ya no puede crear más (y nadie puede superarlo) es cuando queda determinada una línea, una fecha que marca la terminación de la música barroca y el comienzo de la clásica.
Es la muerte de Bach la que señala esa fecha como límite y no al revés.

Bach, superando todas las fronteras de la música, alcanza una cúspide que conocemos como polifonía, agregando además el conocimiento que tenía de la música que lo precedió. En ese punto, ya no quedaba mucho más por decir (o componer), y da comienzo la música clásica (hasta 1815) y luego la romántica (siglo XX). 4 

Bach era incapaz de amoldarse a las rutinas al protocolo y a los caprichos de los príncipes a los que sirvió así como al séquito que los rodeaba.

Casi 2 siglos más tarde el arquitecto americano Frank Lloyd Wright  (1867-1959) decía: «La ley y las reglas están hechas para el hombre medio. Es infinitamente más difícil vivir sin reglas, pero eso es lo que los hombres de pensamiento realmente honesto y sincero están forzados a hacer».

No respetarlas tuvo consecuencias para él, como cuando huyó con la esposa de un cliente, y salió de las fronteras de su estado con niños menores, cometió un delito federal que lo obligó a vivir 2 años en Europa, y postergar su desarrollo profesional hasta que su «falta» fue perdonada y socialmente tolerada por clientes y autoridades.

Este ir y venir de las fronteras, me lleva a recordar la certeza de un músico, que sabía que habría un límite al reconocimiento de una obra según quien fuese su autor. Me refiero a Remo Giazotto (1910-1998).

El célebre Adagio en Sol menor de Tomaso Albinoni, en realidad, no es de él. Hoy sabemos que Remo Giazotto,(que nació 239 años más tarde) musicólogo italiano que clasificó y catalogó las obras de Tomaso Albinoni (1671-1751), fue el verdadero autor del conocido Adagio de Albinoni.

Seguramente, Giazotto sabía que el adagio sería más escuchado y valorado si él decía que simplemente lo había arreglado, y no que lo había compuesto. Una línea que pocos se animan a traspasar, dar un paso al costado, renunciando a una autoría y a un justo reconocimiento, para beneficiar a su partitura. 5

Algún placer íntimo debió de haberle dado, el saber que los amantes de la música no dudaban que su música, por su calidad, podía haber sido escrita por Albinoni.

En esta sucesión de ejemplos desearía agregar una frontera o límite más: la línea que muchas escritoras debieron aceptar para ser leídas; como cambiar su nombre real por uno masculino. Sin ser una frontera, si es una advertencia de hasta dónde no puedes llegar si la aceptas o lo que es lo mismo, hasta dónde puedes llegar desobedeciendo lo establecido. 6

Aquí, es muy oportuna esta visión que nos da Le Corbusier acerca de lo falso, lo que es rehecho y falsificado, al afirmar: «Creo en la importancia de la piel de las cosas, como en el rostro de las mujeres».

Al comienzo mencioné cómo la palabra Fronteras me había permitido pensar en personajes y lugares, y pude reconocer una gran cantidad de fronteras «interiores» que existen dentro de las fronteras «exteriores», las que identifica a aquellos que están o han quedado juntos o separados, son fronteras no siempre deseadas, y generalmente impuestas.

Podría pensarse que las fronteras no enriquecen, sino que por el contrario cercenan y al mismo tiempo dividen, identificando a quienes están de uno u otro lado.

Pero, también podría contradecir el párrafo anterior, diciendo que los arquitectos, tratamos de limitar (aunque sea conceptualmente) el espacio, y nos manejamos con superficies y volúmenes acotados, muchos pensamos que esa idea enriquece el espacio.

Cuando Le Corbusier (1887-1965) -seudónimo de Charles Édouard Jeanneret-Gris- en la Ville Savoye en Poissy, abre una ventana en una terraza, enmarcando una vista, no entendemos ese enmarque como una limitación a la vista generosa de un territorio abierto, sino que al limitar lo extenso, le da una propiedad particular, permite apreciarla de otra manera, le hace un homenaje a esa belleza.

Con esa decisión consigue tener una comunicación más personal e íntima con el paisaje que lo rodea.

Esto se observa también en muchas casas situadas cerca de lugares naturales, como el mar o la montaña, que tienen ventanas pequeñas.

La fuerza natural del exterior es tan fuerte y vital, que cuando sentimos la necesidad de escondernos en nuestra «cueva», una forma de sentir la «protección» interior es enmarcando y limitando las imágenes que desde dentro tenemos de ese afuera.

El poeta Camilo Sánchez hace decir a Johanna la cuñada de Vincent Van Gogh «…Es cierto que la patria se compone finalmente de la lista de paseos que puedas dar a pie alrededor de tu pueblo». (La viuda de los Van Gogh, Editorial Edhasa).

 

Cuando en ciertos lugares, por ejemplo en algunas islas griegas, se ve una pequeña ermita o capilla y una línea de color alrededor para señalar su límite o borde, sabemos dónde está la parte pública y la privada de esa construcción. Ambas se retroalimentan, no podría existir una sin la otra, y la escala o las dimensiones del espacio, toman forma gracias a esa línea.

Esa dualidad, es la que me permitió entender también que ante ciertas fronteras, el ser humano busca, y muchas veces encuentra, maneras de crecer (y ser).

No siempre lo limitan, a veces son un punto de partida y no solo de llegada.

Hugo A. Kliczkowski Juritz

Notas

1

Este artículo se publicó en la revista coencuentros Nº 3 del 6 de febrero de 2018

2

La ideología como frontera o la persecución al otro.

Casa de Melnikov en Moscú (1929)

Konstantin Melnikov: fue un destacado arquitecto ruso, innovador y vanguardista. Uno de los principales representantes del constructivismo ruso, movimiento de vanguardia surgido en 1914, dentro del arte y la arquitectura, con mucha presencia después de la Revolución de Octubre de 1917.

 

3

Un juego sin fronteras, donde nada está rígidamente establecido

http://hugoklico.blogspot.com.es/2017/11/la-magia-de-xul-solar-por-hakj-parte-1.html

Xul Solar (su verdadero nombre era Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari), era una persona excéntrica, original, culta, estudiosa y autodidacta, versado en astrología, ciencias ocultas, idiomas y mitologías. Experto en la confección de cartas astrales y artista.

Fue un gran creador, e inventor -entre otros-, del panajedrez, que contaba con 144 casilleros y 62 piezas, en lugar de los 64 casilleros y 16 piezas del ajedrez tradicional.

Su amigo Jorge Luis Borges (1899-1986) -dentro del Museo de Xul Solar en Buenos Aires hay una placa que pone que Borges Xul eran hermanos espirituales- lamentaba las reglas del juego, «yo nunca entendí ese juego… Él daba una explicación, digamos, de tal regla del juego; cuando uno la había entendido, cuando yo la había entendido con mucha dificultad, porque soy de pensamiento lento, entonces ya Xul había ido más adelante y había modificado lo que acababa de enseñarme; entonces me comunicaba esa modificación, pero esa modificación la dejaba atrás también enseguida…»

4
Una creatividad sin fronteras

https://hugoklico.blogspot.com.es/2016/12/johann-sebastian-bach-los-cambios-la.html

El clave bien temperado o bien templado, fue su legado para demostrar cómo con la «nueva» armonía, se podían escribir preludios y fugas en todas las notas de la gama cromática con sus tonalidades mayores y menores.

En la Historia de la música, se suele definir al Barroco musical como un período de 150 años, que van desde 1600 hasta la muerte de Bach en 1750.

Dejo estos links del film, uno de ellos en el metro, maravilloso.

Sin dar más detalles los invito a ver ambos.


https://youtu.be/DW_vuwUqeb8

 

https://youtu.be/NyrAzZyjO8g 





5
Se sabe que es una obra original de Remo Giazotto porque el fragmento de Tomaso Albinoni, que supuestamente Giazotto encontró, solo disponía del pentagrama del bajo y de seis compases de la melodía.

6

La frontera del género.

Autoras que usaron seudónimos de hombres para que su creación fuese reconocida y valorada. Y conseguir –como así fue- que se le diera más importancia al texto que al género de sus autoras.

Fernán Caballero en realidad era Cecilia Böhl de Faber y Larrea (1796-1877)

Amantine Lucile Aurore Dupin (1804-1876) publicó bajo el seudónimo de George Sand.

Las hermanas Brontë (entre 1816-1855) publicaron como Currer Bell, Ellis Bell y Acton Bell.

George Eliot fue el seudónimo masculino de Mary Ann Evans (1819-1880).

Louisa May Alcott (1832-1888) utilizó el seudónimo de A. M. Barnard.

Víctor Catalá fue el seudónimo que utilizó Caterina Albert (1869-1966).

Katharine Burdeckin (1896-1963) utilizó el seudónimo Murray Constantine

Joanne Rowling (1965) utilizó iniciales J. K. Rowling y no su nombre Joanne, siguiendo los consejos de su primer editor.

Laura Albert (1965) firmaba como J. T. Leroy. Tiene por ello una condena por fraude, daños y perjuicios, por haber firmado como hombre siendo una mujer.

7

-arquitecto, ha obtenido varios premios y menciones en concursos nacionales de arquitectura.

Entre ellos el premio DINERS de la Bienal de Buenos Aires.

– antiguo director de Le Monde diplomatique en español.

– fue profesor adjunto de diseño en la Universidad de Bs Aires.

– fue director del programa de radio “urbanidad” en Radio Splendid.

– cofundador de las revistas Ambiente, Espacios CEPA y Casa Internacional

– editor de libros de arte y arquitectura (editorial HK y Asppan)

– Editó más de 600 libros, traducidos a 14 idiomas, y coeditado más de 300 títulos con importantes grupos editoriales de todo el mundo. Varios de ellos obtuvieron 10 premios editoriales y han sido incluidos en exposiciones.

Blogs:

Hugoklico.blogspot.com

Onlybook.es/blog

Bauhaus manifiesto y programa . Walter Gropius

Bauhaus manifiesto y programa

Manifiesto y programa de la Bauhaus
¡El último fin de toda actividad plástica es la construcción!

Decorar los edificios fue antaño la más noble tarea de las artes plásticas, que constituían elementos inseparables de la gran arquitectura. Actualmente presentan un aislamiento autosuficiente del que solo podrán liberarse de nuevo a través de una colaboración consciente de todos los profesionales. Arquitectos, pintores y escultores deben volver a conocer y concebir la naturaleza compuesta de la edificación en su totalidad y en sus partes.

Solo entonces su obra quedara de nuevo impregnada de ese espíritu arquitectónico que se ha perdido en el arte de salón.

Las viejas escuelas de Bellas Artes no pueden despertar esa unidad, cómo podrían hacerlo si el arte no puede enseñarse.

Deben volver a convertirse en talleres. Este mundo de diseñadores y decoradores que solo dibujan y pintan debe convertirse de nuevo en un mundo de gente que construye.

Cuando el joven que siente amor por la actividad artística vuelva a comenzar como antaño su carrera aprendiendo un oficio, el artista” improductivo no estará condenado a un ejercicio incompleto del arte, pues su pleno desarrollo corresponderá al oficio, en el cual puede sobresalir.

¡Arquitectos, escultores, pintores, todos debemos volver a la artesanía!

Pues no existe un “arte como profesión”. No existe ninguna diferencia esencial entre el artista y el artesano. El artista es un perfeccionamiento del artesano.

La gracia del cielo hace que, en raros momentos de inspiración, ajenos a su voluntad, el arte nazca inconscientemente de la obra de su mano, pero la base de un buen trabajo de artesano es indispensable para todo artista. Allí se encuentra la fuente primera de la imaginación creadora.

¡Formemos pues un nuevo gremio de artesanos sin las pretensiones clasistas que querían erigir una arrogante barrera entre artesanos y artistas!

Deseemos, proyectemos, creemos todos juntos la nueva estructura del futuro, en que todo constituirá un solo conjunto, arquitectura, plástica, pintura y que un día se elevara hacia el cielo de las manos de millones de artífices como símbolo cristalino de una nueva fe.

WALTER GROPIUS

Programa de la STAATLICHES BAUHAUS de Weimar

La Staatliches Bauhaus de Weimar se crea a partir de la fusión de la antigua Escuela Superior de Bellas Artes del Gran Ducado de Sajonia y la antigua Escuela de Artes y Oficios del Gran Ducado de Sajonia a las que se ha sumado una sección de arquitectura.

Objetivos de la Bauhaus

La Bauhaus trata de reunir toda la actividad artística creadora en una sola unidad, de reunificar todas las disciplinas artesanales -escultura, pintura, artes aplicadas y manuales- en una nueva arquitectura, como partes inseparables de la misma. El último, aunque remoto, objetivo de la Bauhaus es la obra de arte unitaria -el gran edificio- en la que no existan fronteras entre arte monumental y decorativo.

La Bauhaus desea preparar a arquitectos, pintores y escultores de toda categoría para que se conviertan, según sus capacidades, en artesanos hábiles o artistas y creadores independientes y fundar una comunidad de trabajo compuesta de maestros y aprendices que sea capaz de crear obras arquitectónicamente completas -construcción, acabados, decorados y equipos y que respondan en su conjunto a un mismo espíritu.

Principios de la Bauhaus

El arte nace por encima de todo método, no es susceptible de aprendizaje, pero si lo es, en cambio, la artesanía. Arquitectos, pintores, escultores, son artesanos en el sentido original de la palabra, por ello se exige como base indispensable para toda creación plástica una preparación artesanal básica de todos los alumnos en talleres y obradores experimentales. Los talleres propios deben construirse gradualmente y se deben establecer contratos de aprendizaje con talleres no adscritos a la escuela.

La escuela está al servicio del taller y un día será absorbida por éste.

Por lo tanto, no habrá profesores y alumnos en la Bauhaus, sino maestros,

oficiales y aprendices.

La forma de enseñanza responde a la esencia del taller:

Creación orgánica desarrollada a partir de conocimientos artesanales.

Evitar toda rigidez; dar prioridad a la actividad creadora; libertad de la

individualidad, pero riguroso estudio.

Pruebas para obtener el título de maestro u oficial, según el reglamento

gremial, ante el consejo de maestros de la Bauhaus o ante maestros ajenos a

la escuela.

Colaboración con los aprendices en las obras de los maestros.

Cesión de encargos a los aprendices.

Elaboración conjunta de amplios proyectos arquitectónicos utópicos –

edificios públicos y para el culto- realizables a largo plazo. Colaboración de todos los maestros y aprendices – arquitectos, pintores, escultores- en estos proyectos con el objeto de influir conjuntamente sobre todas las partes integrantes de la arquitectura. Constante contacto con los dirigentes de talleres e industrias del país.

Contacto con la vía pública, con el pueblo, a través de exposiciones y otros actos.

Nuevos experimentos en la organización de las exposiciones, para resolver el problema de mostrar la imagen y la plástica dentro del marco de la arquitectura.

Establecimiento de unos contactos amistosos entre maestros y aprendices fuera del trabajo; para ello se organizaran representaciones teatrales, conferencias, recitales de poesía, conciertos, fiestas de disfraces.

Desarrollo de un ceremonial alegre en estas reuniones.

Extensión de la enseñanza

La enseñanza de la Bauhaus comprende todas las ramas prácticas y científicas de la creación plástica.

  1. Arquitectura
  2. Pintura
  3. Escultura

Incluidas todas las derivaciones artesanales.

Se preparará a los alumnos en el aspecto manual-artesanal (1), así

como en el aspecto pictórico (2) y científico-teórico (3).

  1. La formación manual-artesanal -ya sea en talleres propios, que se irán completando gradualmente, o en talleres ajenos con contratos de aprendizaje comprende:
  1. a) escultores, canteros, estucadores, tallistas, ceramistas,
  2. b) herreros, cerrajeros, fundidores, torneros.
  3. c) ebanistas.
  4. d) pintores decoradores, pintores de vidrio, mosaiquistas,
  5. e) aguafuertistas, xilografistas, litógrafos, estampadores, ciseladores
  6. f) tejedores.

La formación artesanal constituye la enseñanza fundamental de la

Bauhaus. Todo estudiante debe aprender un oficio.

  1. La formación gráfica y pictórica abarca:
  2. a) dibujo libre de bocetos de memoria y de fantasía.
  3. b) dibujo y pintura de cabezas, modelos vivos y animales.
  4. c) dibujo y pintura de paisajes, figuras, plantas y naturalezas
  5. d) composición.
  6. e) realización de murales, pinturas sobre tabla y vidrieras.
  7. f) proyectos de ornamentos.
  8. g) grafismo.
  9. h) dibujo constructivo y proyectual.
  10. i) diseño de exteriores, jardines e interiores.
  11. k) diseño de muebles y objetos de uso cotidiano.
  1. La formación científico-teórica comprende:
  2. a) historia del arte- no presentada en forma de historia de los estilos, sino como un conocimiento vivo de los métodos y técnicas de trabajo a lo largo de la historia.
  3. b) Estudio de materiales.
  4. c) anatomía -en el modelo vivo.
  5. d) teoría física y química del color.
  6. e) métodos racionales de pintura.
  7. f) conceptos fundamentales de contabilidad, redacción de contratos, adjudicación de obras.
  8. g) conferencias de interés general sobre todos los aspectos del arte y la ciencia.

División de la enseñanza

La formación se divide en tres cursos:

  1. Curso para aprendices.
  2. oficiales.

III.maestros y oficiales.

La formación particular queda sometida al criterio de cada maestro

dentro del marco del programa general y del plan de distribución del trabajo establecido semestralmente.

Para proporcionar a los estudiantes la oportunidad de obtener la máxima

formación técnica y artística en todos los aspectos, el plan de división del

trabajo se distribuirá periódicamente de modo tal que todo futuro arquitecto, pintor o escultor también pueda participar en una parte de los demás cursos.

Admisión

Serán admitidas todas las personas sin antecedentes, sin limitaciones de edad ni sexo, cuya preparación sea considerada suficiente por el consejo de maestros de la Bauhaus y mientras se disponga de plazas suficientes. La cuota de la enseñanza es de 180 marcos anuales (gradualmente ira desapareciendo por completo a medida que aumenten los ingresos de la Bauhaus). Además existe una cuota de ingreso única de 20 marcos. Los extranjeros pagan cuotas dobles. Las solicitudes deben dirigirse al secretariado de la Staatliches Bauhaus de Weimar.

ABRIL 1919

La Dirección de la Staatliches Bauhaus de Weimar:

Xul Solar 2 La magia de Xul Solar (continuación)

La magia de Xul Solar  parte 2 (continuación)

por Hugo A. Kliczkowski Juritz

La parte 1 se puede leer en este  link:   http://hugoklico.blogspot.com.es/2017/11/la-magia-de-xul-solar-por-hakj-parte-1.html

Sus pinturas, los ángeles y los dioses

Xul Solar provoca una atracción y un interés especial con sus pinturas y dibujos.  Borges aseguraba que era un pintor místico, un poeta, como nos aclara en una conferencia que dicta en 1965:

 “Creo en la facultad visionaria……y creo en la verdad de aquello que los ángeles le contaron a Xul”. “Sus pinturas son documentos del mundo metafísico en que los dioses toman las formas de la imaginación que los sueña”.

 A través de sus pinturas  descubrimos cuál era su comprensión del mundo y cual su espíritu, en una geometría mágica de signos, símbolos, líneas, y formas en el espacio. Con un lenguaje artístico y arquitectónico diseña sus ciudades imaginarias que dota de colores y transparencias.

                                       Rua Ruini. 1949. 35 cm x 50 cm

Se nutre del Simbolismo, un movimiento que une a artistas visuales con artistas literarios, como Jan Toorop (holandés 1858~1928) y Edvard Munch (noruego 1863~1944), quienes refuerzan sus ideas con recursos similares, de línea, ritmo y color.

   Tú y yo. 1923. 55,6 cm x 45 cm
                              Tú y yo. 1923. 55,6 cm x 45 cm

 Prefería realizar sus obras en un formato pequeño, por eso llama la atención un dibujo que realizó sobre papel pintado en tempera de más de 2 metros de alto titulado “7 sishis”, pensado para un gran espacio de meditación pedido por un grupo de estudios esotéricos de Montevideo.

 “en Xul es precisamente su confianza en la capacidad transformadora de la arquitectura sobre la cultura, la que lo lleva a la formulación de nuevos espacios arquitectónicos”. Patricia Artundo

Su mundo

Decía “Me haré un mundo…poblado de seres espirituales, símbolos, mitos…”. Un mundo que enriqueció con la Cábala, las religiones hinduístas, el pensamiento chino, las mitologías prehispánicas, la fantasía, y su búsqueda de lo desconocido.

Xul escribe:

“! Oh! ¿Qué manos, qué llamadas, me llevarán al aire puro, al sol radioso y al satisfecho mediodía?…¡encontraré el camino; si no lo hay,… me haré un mundo!”  

                                       Grafía. 1962. 33,8 cm x 25,9 cm

Creó ese mundo, su materia fue la creación, el estudio y la meditación.

Nos dice:

 “Mis cuadros, 12 al menos, y mi poema dramático musical, a todas horas, serán mi obsesión…”. 

 Esto está reflejado en su diario personal, como nos recuerda el ingeniero e investigador de arte Mario Gradowczyk (argentino 1932~2010):

“Xul menciona la existencia de doce pinturas y un poema dramático y musical –desconocidos-, la esperanza de un empleo que no llega (…), enfermedad, llanto, orgullo, fracaso, amor, cadenas, lucha, tristeza, muerte –y también la vida-, deseos estrangulados, la soledad, el desengaño, aspiraciones espirituales, hermanos, hijos, mundo; un destellante pantallazo de sus sufrimientos e ilusiones”.

“Puerto Azul”, acuarela

Puerto Azul. 1927. 61,5 cm x 45 cm

Tanto cultural como físicamente, el progreso se nota en las máquinas, las fábricas, las usinas, y sobre todo en sus múltiples medios de transporte.Al regresar en Junio de 1924 de su larga estancia en Europa, casi no reconoce la ciudad que dejó 12 años atrás, Buenos Aires ha cambiado mucho, se ha modernizado.

 En 1927 transmite esa visión en su obra “Puerto Azul”, acuarela sobre papel de 28 x 37 cm:

“Muestra un barco con una rueda propulsora y una desproporcionada chimenea humeante , escaleras, respiraderos, antena de radio, banderas, marineros. Sus planos están pintados en colores cálidos.  El puerto se afirma sobre pilotes y sus edificios son multicolores, construidos con cuadrados y triángulos rojos, violetas, amarillos, naranjas,  verdes y celestes. Hay chimeneas, banderas, antenas, cadenas con ganchos, hombrecitos que observan, trabajan, caminan, saludan o se arrojan al agua.  Un nadador parece perseguido por uno de los peces, que nadan pero que también vuelan por el cielo. Un buzo desciende al agua con escafandra y traje.  Un sol rojo domina el espacio. Produce una impresión de movimiento, de goce, de alegría”. 2

“Vuel Villa”. Una villa volante

                                                        Vuel Villa. 1936. 54 cm x 44,1 cm

Xul describe su cuadro “Vuel Villa” realizado en 1936: 

“Alguien en Buenos Aires tenía ya, desde varios años algún proyecto en boceto, de una ciudad, digámosle villa, que cualquier día podría presentarse en el horizonte, asomarse por entre las nubes, aparecer en cualquier lugar del aire donde no había nada el día antes, es decir, una villa que flote, derive o navegue por el aire, una villa volante, una Vuelvilla…”

 “Para colgar un cuadro de Xul Solar debemos agrandar nuestra casa, No solo materialmente, sino espiritualmente”. Rafael Squirru

 Lita, su joven esposa

Micaela Cadenas a la que llaman “Lita”, nace en España y a los 2 años llega a la Argentina  (1902~1988), junto a otras jóvenes alumnas concurre a los cursos que Xul dicta sobre temas religiosos y espirituales. Años más tarde Xul le confiesa a su amiga y poetiza Olga Orozco (argentina 1920~1999), que en su carta astral, la confluencia de dos planetas le  impedían contraer matrimonio.


Pero….hubo un respiro de 48 horas a ese impedimento que le permitió un martes 13 de agosto preguntarle a Lita si se casaría con él.
Xul tenía 59 años, Lita 44. Quizás imbuida de ese destino, Lita leía las interpretaciones de las cartas que Xul diseñaba, como profundo conocedor de la astrología. 
Le ayudó a ordenar su vida y sus papeles, años más tarde promueve la creación del museo y el Pan Klub.                                                            

Regresó –de Europa-  y se encerró en su guarida de calle Laprida. Y sin 
embargo, cuántos viajes maravillosos hizo. Precisamente es la 
libertad intrépida en el corazón de la quietud lo que 
caracteriza a Xul”, Álvaro Abós 

El Tigre

En 1954 compran una casa en el Tigre, (una típica construcción del delta, apoyada sobre pilotes con base de material y madera). Xul y Lita fueron transformando esa construcción precaria en un lugar “para vivir y crear”. Iban a la estación Retiro donde tomaban el tren para dirigirse al Tigre, allí se embarcaban en una lancha de pasajeros (llamadas lanchas colectivas) que navegaba hasta un muelle sobre el río Luján y el canal Villanueva. 
Luego realizaban un paseo de 300 metros por un sendero de tierra bordeado de helechos y lirios, hasta llegar a la casa ubicada en el embarcadero “Los Ciruelos” en Villa La Ñata.

 

 

 

 

 

En la parte baja de la casa había un ambiente, donde aún se conservan los viejos sillones de jardín. Arriba el atelier de Xul con un pequeño anafe y 3 habitaciones, una para los invitados y 2 para la pareja, cada uno tenía su habitación.

Su fértil imaginación hace que llame al río Lujan “Li Tao”, “Li” por su esposa Lita y “Tao” por su significado en chino de “camino”. Hasta 1957, lo utiliza de taller, al que llama  “Rio Lujan”, a partir de  ese año se instala en él en forma casi definitiva hasta su muerte.

Durante esos años intensifica su interés en la ciencia que trata del origen y la evolución del universo, y lentamente y sin pausa va trasladando su biblioteca.  Plasma una cosmogonía en sus cuadros donde superpone un mundo acuático a otro aéreo, son sus arquitecturas imposibles, plenas de figuras, escaleras, puentes y mensajes cifrados, con una paleta de colores muy rica. Los mismos colores que supo sacar de sus obras para trasladar a su casa taller.

Álvaro Abós (argentino 1941) en su libro “Xul Solar, pintor del misterio”,  rescata esta frase escrita en neocriollo sobre las islas del Tigre: 3

 “En las islas de más arriba, por Entre Ríos i Santa Fe, ya no hai gringos sino criollos ó indios mui pocos que viven de pesca i caza, no cultivan. Uno dellos se hizo un cerco redor su rancho con yacarés clavados 
en el suelo, i claro que hedían”.

Sigue existiendo una tranquera que Xul construyó y pinto de amarillo, rojo y celeste. La casa la ha cuidado Martha Rastelli de Caprotti, (a quien menciono mas adelante cuando la conocí en el museo de la calle Laprida, quien es actualmente responsable de la casa de Xul Solar) amiga desde hace décadas de la familia, con quienes convivió y participó en las reuniones y tertulias de la calle Laprida. Por suerte para todos nosotros desde el 14de Octubre de 2017, su casa-taller es otra obra más para apreciar, La Fundación Pan Klub, depositarios de su legado, el Museo Xul-Solar y el Municipalidad del Tigre la han puesto en valor.

Allí no se exhiben obras, aunque sí su casa-taller que construyó utilizando y adaptando elementos del lugar en ventanas y puertas, esa también ha sido su paleta de colores. 

Por fuera, una escalera a cielo abierto,  materializa un elemento habitual de sus pinturas.

La reconstrucción seguirá los próximos años, y  tiene entre otras tareas recuperar el muelle que usaba para desayunar o ver el atardecer.

En muchas de sus pinturas incluye proyectos para las casa del Delta. Verónica Tejeiro, curadora del MAT (Museo Arte del Tigre) integrante del equipo que realizó su catálogo razonado comenta: 

“Recorrer estos ambientes invita a pensar en todas aquellas cosas con las 
que se decoran las casas”. “La austeridad fue su filosofía. Su afán 
no era ser una estrella de rock”. “Fue un oasis donde meditar, hacer
 gimnasia y pasar el tiempo en contacto con la naturaleza”

En ese oasis trabajo y realizó gran parte de sus grafías y retratos-grafías, y más de 270 pinturas.

Lucila Rolón nos acerca a sus vidas cotidianas:

 “Todo lo que hay acá lo hicieron Lita y Xul. Las camas de una plaza tienen baúles debajo para guardar la ropa necesaria. Las ventanas del piso del atelier las diseñó y las pintó Xul, son sus geometrías y sus colores los que sostienen estos vidrios. Todo es original”, Se abren hacia lados extraños, están hechas incluso de cucharas de madera y otros elementos nobles que el artista colectaba. Rojo, amarillo y celeste mandan acá arriba.  De fondo, el cielo y las copas de los taxodium que trajo con ayuda de sus amigos desde Paraná. Una gran X de madera se esconde entre las texturas de la puerta de salida hacia las escaleras. Veníamos a visitarlos y a pasar el día juntos.  Cuando llegabas, tenías que hacer 100 bombazos de agua, empujar la bomba con toda tu fuerza hasta que saliera la cantidad que ibas a consumir en el día. Después, todos a desayunar al río, a dos cuadras de acá, con la caña y el bote “En los últimos años, para los vecinos él era Oscar, no sabían que era un gran artista, jamás hizo alarde de eso”. 4

A partir de 1953 diseña proyectos y fachadas de casas para el Delta así como grandes espacios,  teatros, iglesias y pórticos.

Crea nuevas formas llenas de alegría por medio del color, que contrastan con la vegetación, hace combinaciones del rojo, el verde, el azul, el amarillo así como el naranja que se repiten en los reflejos del agua. 

Diseña casas sobre pilotes con ventanales de formas geométricas y ojos de buey.

“Proyecto Fachada Delta” acuarela

proyecto fachada delta. 1954. 26 cm x 36 cm

Pinta triángulos, cuadrados, rombos y rectángulos, techos en declive, miradores, mástiles con banderas y banderines de color. Escaleras, pilotes, “Proyecto Fachada Delta” (1954), acuarela sobre papel, montada sobre cartón, 26 x 36 cm. Fundación Pan Klub.

“Todas las «escuelas» plásticas en buena fe son legítimas aunque parciales, como los colores puros”. Xul Solar

Hermanos espirituales

Expuesta en el Museo Xul Solar hay una placa donde se puede leer que Borges Xul eran amigos íntimos y hermanos espirituales:

 

                                                                

 

 

 

 

“Caminaban juntos desde la casa de Xul a la casa de Borges y de la casa de Borges a la de Xul, platicando animadamente, hasta que anochecía,  sin conciencia del tiempo”. 5

En septiembre de 1980 Borges recuerda en una conferencia dictada en la Fundación San Telmo:

“Xul era el hombre más capaz de amistad que he conocido. Creo que le debo quizás las mejores horas de mi vida, leyendo y discutiendo, 
y sobre todo, dejándome enseñar por él”. “Pienso en primer término en mi padre. También, en personas famosas que conocí,…quiero nombrar…a Macedonio Fernández y quizás más que ningún otro a Alejandro Xul Solar.”  “…Ahora siento que en este momento soy un navegante. 
Tengo que hablar de ese gran continente, de este vasto país con sus imperios, su historia y sus mitologías, su botánica y su zoología, todo eso fue Xul Solar, no sé si lo he alcanzado; creo que no, pero he percibido lo bastante para sentir ahora el vértigo de todo aquello infinito que vi en Xul, de lo cual me fue dado discernir algo. Muy poco, desde luego, pero lo bastante 
para saber que yo he estado frente a un hombre de genio”. 6

Tuvieron una relación estrecha, precisa  Teresa Tedín, portavoz de la Fundación Pan Klub-Museo Xul Solar:

“…mientras que el autor de El Aleph escribió los prólogos de prácticamente todas sus exposiciones, el pintor ilustró con viñetas varios de los cuentos de Borges”.

“….el sentido del humor de Xul, su amor de las bromas…el hecho de que fuera lo contrario de casi todos los argentinos, no era absolutamente convencional, en nada” J.L.Borges

 Conferencia de Jorge Luis Borges 

Realizada en 1975, sobre Xul Solar, en el Hotel Plaza de Buenos Aires,
con motivo de un aniversario de la muerte del pintor: 7

1era parte. 

https://youtu.be/7ZoQk-O80l4   

2nda parte

https://youtu.be/XyxCe-ACSEg

3era parte

https://youtu.be/SGBUtlBQoX8

4ta. Parte

https://youtu.be/VSNiJZSfSIg

5ta parte y final

https://youtu.be/sPZRPe0CfJo

Jacques Lassaigne comenta acerca de la amistad que unió a Xul con Borges:

“No hay nada que resulte más exaltante que descubrir en diferentes y a veces lejanos centros fuerzas que se conjugan, se apoyan, se prolongan; se establecen parentescos, se justifican y se consolidan tentativas; las victorias de cada uno se convierten en las de todos. Las distancias, el tiempo son vencidos.” 8

      Borges y Xul Solar  almorzando en Quilmes – 1938                                            Colección Museo Xul Solar

 Evar Méndez, Guillermo Evar González Méndez (argentino 1885~1955) presentó a Xul  y aLeopoldo Marechal, éstos se vieron cotidianamente y crearon un itinerario  nocturno entre las casas de ambos. 9

En su novela  “Adán Buenosayres”, publicada en Agosto de 1948 Leopoldo Marechal crea varios personajes: para Xul al astrólogo Schultze, para Borges al criollista y gramático Luís Pereda, para Raúl Scalabrini Ortiz al moralista, polígrafo y boxeador Bernini, reservándose para si el nombre de Adán Buenosayres. 10

“Sus pinturas son documentos del mundo metafísico en que los dioses toman las formas de la imaginación que los sueña”. J.L.Borges

Borges lo llamo “padre de utopías”

El universo de Xul se nutre de la invención y no del mero azar.

Xul refiriéndose al arte:

“Todas las «escuelas» plásticas en buena fe son legítimas aunque parciales, como los colores puros”.

Xul Solar y su obra El títere de la muerte
                     Xul Solar con su títere de la muerte

Xul de sí mismo:

“Soy campeón del mundo de un juego que nadie conoce todavía: el panajedrez; 
Soy maestro de una escritura que nadie lee todavía; 
Soy creador de una técnica, de una grafía musical, que permitirá que el estudio de piano sea posible en la tercera parte del tiempo que hoy lleva estudiarlo. 
Soy director de un teatro que todavía no funciona. 
Soy el creador de un idioma universal: la panlengua, sobre bases numéricas y astrológicas, que contribuirá a que los pueblos se conozcan mejor. 
Soy creador de doce técnicas pictóricas, algunas de índole surrealista y otras que llevan al lienzo el mundo sensorio, emocional que produce la escucha de una audición musical, 
Soy creador de una lengua para América Latina: el neocriollo con palabras, sílabas, raíces de las dos lenguas dominantes: el español y el portugués “ 
11 

Pan Tree o árbol de la vida. 1954 36.5 cm x 64 cm. acuarela, tinta y cartón

Xul se presenta

“Alejandro Xul Solar, pintor escribidor y pocas cosas más. Duodecimal y 
catrólico (ca: cabalista, tro: astrólogo, li: liberal, co: cocoista o cooperador). Recreador –  no inventor- y campeón mundial de un panajedrez y otros serios juegos que nadie juega, padre de una pan lengua que quiere ser perfecta y que casi nadie habla y padrino de otra lengua vulgar sin vulgo; autor de grafías plastiútiles que casi nadie lee;  exégeta de doce (más una total) religiones y filosofías 
que casi nadie escucha. Esto que parece negativo deviene positivo con un adverbio: “aún” y un casi “creciente”.
 12

Su amigo Jorge Luis Borges exalta su figura singular antes que su obra:

 “un hombre versado en todas las disciplinas, curioso de los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitología, panajedrecista y astrólogo, perfecto en la indulgente ironía y en la generosa amistad Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época”. 13

                    Proyecto Fachada para la ciudad. 64 cm x 60,9 cm 

El poeta Fernando Demaría, escribió en un ensayo “Xul Solar y Paul Klee” publicado en 1971 en la revista Lyra:

«No es fácil para el espíritu humano elevarse de la astrología a la 
astronomía, pero haríamos un error si olvidáramos que un auténtico 
astrólogo como Xul Solar está cerca de la fuente de las estrellas. 
El primitivismo de Xul Solar es anterior a la aparición de los dioses..
 14

Notas

1.- “! Oh! ¿Qué manos, qué llamadas, me llevarán al aire puro, al sol radioso y al satisfecho mediodía? ¡En esta lucha angustiosa me haré veterano; con mis manos, mis ojos y oídos ávidos, con mi ardiente e hirviente cerebro encontraré el camino; si no lo hay, si no hay país sin angustia para mí, todo yo, dentro de mis pensamientos, para mis hermanos, me haré un mundo!”.

Un castillo de troncos. 1953.  61,7 cm x 45 cm 

 2.-”Xul Solar y la arquitectura para la felicidad”María Teresa Serralunga. (Revista Ojo que ves # 36, editada por la Escuela Provincial de Arte Prof. Juan Mantovani).

3.- Álvaro Abós. “Xul Solar. Pintor del misterio”.Bs. As. Editorial Sudamericana. 2004.

4.- Lucila Rolón para el diario Clarín publicado en“San Fernando nuestro.com.ar”  el 8 de octubre de 2017.

5.- 1928. Realizó seis viñetas para “El idioma de los Argentinos” de Borges, con una tirada de 500 ejemplares.

                    “El idioma de los Argentinos”
                           grafia

6.- 1980. Borges en su conferencia en la Fundación San Telmo,“Pienso en primer término en mi padre. También, en personas famosas que conocí, sé que las conocí, como sé, por ejemplo, que estuve en Connecticut y en Valencia; pero hay tres de ellas que querría nombrar, que son el gran poeta judeo andaluz Rafael Cansinos Assens, Macedonio Fernández y, quizás más que ningún otro, Alejandro Xul Solar. Ahora siento que en este momento soy un navegante. Tengo que hablar de ese gran continente, de este vasto país con sus imperios, su historia y sus mitologías, su botánica y su zoolo

gía, todo eso fué Xul Solar, no sé si lo he alcanzado; creo que no, pero he percibido lo bastante para sentir ahora el vértigo de todo aquello infinito que vi en Xul, de lo cual me fue dado discernir algo. Muy poco, desde luego, pero lo bastante para saber que yo he estado frente a un hombre de genio”.

 

 7.- 1975. Primera parte de la conferencia pronunciada por Jorge Luis Borges sobre Xul Solar. (Editado por Pablo Stafforini el 26 de octubre de 2010).

              Casas en Alto. 1922. 61,7 cm x 45 cm

 

      Tu y yo. 1923. 55,6 cm x 45 cm

8.- El crítico de arte francés Jacques Lassaigne comenta: “Afinidades, sensibilidades hermanas, algo así unió a Xul con Borges, amistad escrita en el horóscopo de ambos”.

 

9.- En la biblioteca de Xul (Pan-Klub, Bs. As.), se conserva un ejemplar de la revista Novalis’ Werke, sin fecha (con firma autógrafa de Xul). A raíz de esa traducción Evar Mendez dirige una carta el 20 de enero al:

“Querido e ilustre Mago”, “Necesito tu presencia, primero para contemplarte, luego para pedirte que copiemos corrigiendo a tu sabor tu traducción de Novalis  que va en el N° del periódico que estoy armando, ya en prensa, y, finalmente, para pedirte que veas los cuatro clichés de tus obras que publicaré. Han salido de primer orden y creo no habrán de requerir corrección. Pero, si tú deseas hacerlas, ahí están a tu disposición”. Dos semanas mas tarde le pide: ¿No podrías hacerme unas cuantas viñetas, adornos, “cul de lampe”para el periódico”..

10.-  2013. Lectura en clave Pan-Astrológica del ADÁN BUENOSAYRES: Leopoldo Marechal, Xul Solar y la vanguardia Martinferrista. Tesis de Julia Cisneros

 

11.- 1951 entrevista para la revista Mundo Argentino, Xul Solar dice de sí mismo.

 

 12.-  En 1957 se presenta de esta manera en la revista Mirador en el artículo“Autómatas de la historia chica”.

13.- julio 2006. Revista Quid. Año 1. Número 4. Junio. Pág. 7

14.- 1971. El poeta Fernando Demaríalo escribió en su  ensayo “Xul Solar y Paul Klee” publicado en la revista argentina de cultura Lyra 

 

Frank Gehry y la Fundación Louis Vuitton, Paris

Fundación Louis Vuitton por Frank Gehry

impresiones de un relator

 por el arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

Esta conversación existió, durante el mes de Julio del 2015 en Madrid.

Los interlocutores fueron un arquitecto al que conozco desde hace muchos años que es una persona muy culta, formada e informada, a quien mantendré con el rango de amigo/arquitecto y otro arquitecto, con menos virtudes y más defectos, yo.

Había ido a París a ver la exposición que sobre Le Corbusier se montó en el Centro Pompidou,  

conmemorando los 50 años de su muerte, una retrospectiva que incluía textos, pinturas, dibujos, esculturas y maquetas. 1;

 

También aproveche para visitar varias obras del Arq. Jean Nouvel (como La fundación Cartier –que me sigue pareciendo interesantísima)

Fundación Cartier de Jean Nouvel

Me acerque al Museo de Quai Branly, (quai tiene la acepción de muelle, y así se llaman muchas de las calles que bordean el río Sena).

No llegue a ver la Philarmónica de París también de Nouvell porque estaba cerrada hasta finales de Agosto por obras. También fui a conocer el Museo de Le Gaite Lyric al lado de la Rue Sebastopol. Al que destine un tiempo y un deseo especial fue al nuevo (inaugurado en Octubre de 2014) museo de la Fundación Louis Vuitton diseñado por el Arq. Frank Gehry, de origen canadiense (1929).

Un aviso que puede servirles: si van a visitarlo, les comento que en el Arco del triunfo cada 15 minutos sale un bus eléctrico, que cobra 1 € cada trayecto.

Le comenté a  mi amigo/arquitecto, que no me había gustado, que me parecía un edificio rodeado de un tu-tú, de un velamen, que además de superfluo, es pretencioso, en definitiva, me había decepcionado.

Había visto personalmente varias obras de Gehry, como su casa –en realidad la remodelación de su cocina- en Santa Mónica en 1977/78, su casa de la Playa, el museo aeronáutico de Los Angeles, El Disney Hall, Fred & Ginger en Praga – el caprichoso edificio danzante invadiendo las aceras-, ya había sentido un poco el sabor amargo en Vitra Design Museum en Weil am Reheim, que me pareció una casa común con un envoltorio muy forzado, para hacerlo “gheriano”, el Neuer Zollhof en Dusseldorf, Alemania (1999); y me extasié muchas veces, en cada visita al Museo Guggenheim en Bilbao. Insistí que la obra en Paris no me había gustado.

Esta obra tiene gran cantidad de espacios que dan a muchísimas terrazas, donde la gente, se dedicaba a sacar fotos del Bois de Boulogne, ya que la obra está en la zona del Jardin d´Ácclimatation, un lugar familiar en la vida de los parisinos, en el barrio XVI.

En un terreno de 19 hectáreas, diseñados por el arquitecto Gabriel Davioud (1824-1881) y el paisajista Jean-Pierre Barillet-Deschamps, (1824-1873) .

Fue inaugurado por Napoleón III en 1860, la parte del Jardín Zoológico de Aclimatación llego a contar con más de 110.000 animales.

La finalidad era crear un espacio con nuevas especies animales y botánicas en Francia. En 1860 se trajeron semillas, bulbos, raíces y animales para ser introducidos en el corazón del Bosque de Boulogne, creando un bello espacio ajardinado.

Algo más complicado ( y doloroso) de comprender fue que entre 1877 y 1912 es decir durante 35 años, se convirtió en el L’Acclimatation Anthropologique, un zoológico humano en donde se presentaban familias enteras de pueblos indígenas, poniendo tras las rejas, a la vista de los visitantes y tratados como animales a indígenas de todo el mundo como Nubios (Egipto y norte de Sudan), Bosquimanos (de 6 países africanos), Zulúes (Sudáfrica y otros países de África), Lapones (península escandinava y Rusia), Kali’nas (Brasil, Guayanas y Norte de Sudamérica), Selknam (Argentina, Chile y tierra del fuego), Mapuches (Sur de Chile y Argentina), entre otros.

La sociedad concesionaria para la Ciudad de París del Jardín de Aclimatación pertenece al Grupo LVMH, siglas de Louis Vuitton Moët Hennessy, este conglomerado dueño de más de 70 marcas de renombre de todo el mundo está presidido por Bernard Arnault, undécimo hombre más rico del mundo y primero de Francia.

En una de las terrazas, vi una pareja que se encontraron con una escalera que debería salvar al menos 2 niveles de altura, y encogiéndose de hombros la encararon (yo tras ellos).

Mi amigo/arquitecto, me contradijo:

Ah, no, es una obra fantástica, me ha parecido estupenda, digna obra de un encargo de Arnault en su carácter de ser el mayor coleccionista de arte moderno de Europa.

En serio, dije yo. ¿Porque?

Deberíamos hablarlo en extenso, pero es una gran obra.

Arnault sabe que no tiene una gran colección de obras de arte, de hecho no tiene ninguna obra artística contemporánea que cueste los 230 millones de euros que ha costado la obra que le ha encargado a Gehry.

Entonces, le pidió a Gehry una gran obra, la más importante de su colección. Y Gehry ha hecho una gran escultura transitable, rodeando a las salas de alas de mariposa (me encanto esto de alas de mariposa, voy a cambiar la mía porque ya no me gusta más lo del tu-tú), tiene 12 velas de vidrio. La mayor tiene 3.000 m2 y está a 25 metros más alta que la terraza.

– En ese sentido llevas toda la razón, había más gente fuera que dentro del edificio.

– Claro, ha construido una montaña, y tú puedes salir de la montaña y caminarla por fuera, y ver el bosque maravilloso, y cuando lo deseas entras a la montaña.

– Bueno, no sé, me estas cambiando los esquemas, sigue le pedí.

Todas son como montañas (no he estado en la Capadocia, en Turquía, donde hay una región, un paisaje montañoso con cuevas o lugares donde entrar).

Pero son lugares puntuales, como esta montaña, entras para ver algo, y luego sales estando en el conjunto.

Se ha hecho con un rigor constructivo enorme, con un cálculo, que evita problemas.

– ¿no se ira volando hasta Avellaneda? (siempre en estas conversaciones difíciles, como desde donde yo partí, trato de agradar con algo que me parece simpático, que no fue el caso).

– No, han hecho una tarea enorme de estudios de varios materiales, acero, madera, cristal,

La idea era que en el año 2009 se inaugurara el museo, para lo cual la ciudad de París, propietaria del parque otorgó el permiso. En 2011 una asociación defensora del Bois de Boulogne consiguió que un juez fallara “que –la obra y su función- alteraría la paz verde del parque”. La ciudad de París apeló este fallo, y el Arq. Jean Nouvel avaló a Frank Gehry diciendo:

“… con sus pequeños y ajustados trajes resulta bastante patético que quieran poner a París en formol…”.

Finalmente la Asamblea Nacional aprobó una ley especial alegando que la Fundación era un interés nacional y que el edificio que se pensaba construir era “una inmensa obra de arte para el mundo entero”, con esta ley se permitió su continuación.

En ese sentido, ya el fallo de la Asamblea Nacional lo menciona no como un edificio sino como una inmensa “Obra de arte”.

Ya he mencionado que la historia del Jardín d´Acclimatation comienza en 1854 de la mano del naturalista Isidoro Goefroy Saint-Hilaire (1805-1861) con el apoyo de Napoleón III, pero a partir de 1990 al Jardín de Aclimatación le resultó imposible competir con los nuevos parques temáticos abiertos en las afueras de París. El espacio fue comprado por el grupo Vuitton que recuperó algunas de sus antiguas piezas como el aviario o el coto rocoso para los ciervos. Con la construcción del edificio diseñado por Gehry se abre un nuevo capítulo en su historia.

La obra

Ya había leído acerca de Velas o líneas continuas, todo controlado por el programa digital CATIA. Un programa creado originalmente para la industria aeronáutica por una compañía francesa y adaptado a los diseños de arquitectura, solo para este proyecto Gehry contó con la ayuda de más de 190.000 archivos digitales. Si lo pensamos como un iceberg (o montaña como mi amigo/arquitecto me dijo)- de los 11.000 m2 construidos 9.000 corresponden al iceberg.

Posee 2 accesos, el de la Avenida M. Gandhi o desde el Jardín, que nos dirigen a un amplio vestíbulo que articula los distintos espacios. El edificio cuenta con 11 galerías.

Un auditorio (en la planta sótano) con capacidad para 360 a 1000 personas, flexibilidad conseguida por un particular sistema automático de configuración de asientos, la gruta y las terrazas, cuenta con salas más pequeñas.

El edificio “interno” tiene 3 volúmenes. Y el “externo” permite exponer obras de arte y maravillarse ante las visitas al entorno.

Dos de las terrazas están cubiertas por las “velas”, y existe otra descubierta.

La lógica constructiva de la fundación es específica para cada bloque con una estructura primaria de hormigón armado con acero y una secundaria de madera y acero revestido con vidrio.

El edificio tiene 46 fachadas acristaladas. Diseñaron un software que permitió calcular el radio de doble curvatura para cada panel de vidrio, lo que garantizaba su continuidad con los paneles adyacentes.

Los revestimientos de los muros del “Iceberg” son placas de Ductal  Blanco fijadas a un marco de aluminio.

Son 19.000 rectángulos de medida equivalentes aunque cada uno tiene una curva propia.

Debería extenderme más, ya que ni he entrado a valorar su espacialidad (que es muy interesante) ni su riqueza visual.

Pero quería compartir estas formas de entender, explicar, o explicarse de la que sin dudas es una obra mayor de arquitectura.

Cuando leí del juicio de los vecinos, me acordé lo que le ocurrió a la Torre Eiffel, y el edicto municipal que permitía su demolición. La Torre Eiffel, un icono de París, existe hoy día, porque por suerte, prevaleció un mirada más allá de lo inmediato.

Voy a volver a re-mirar esta obra de Gehry y les aviso.

Hugo A. Kliczkowski Juritz

7 de Agosto de 2015

Notas

1.-La retrospectiva sobre la vida y obra de Le Corbusier, llevaba por título, “Le Corbusier: Las medidas del Hombre”,  del 29 de abril hasta el 3 de agosto de 2015

 

 

Xul Solar 1 La magia de Xul Solar

La magia de Xul Solar (1er parte)

la 2nda parte pueden leerla en este link    http://hugoklico.blogspot.com.es/2018/01/la-magia-de-xul-solar-parte-2.html

Arquitecturas latinoamericanas fantásticas y visionarias

– ¿Cuál es tu “Nacihora”? , habría preguntado Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari.

Xul Solar, que conocía el panlengua y el neo-criollo, entre otras razones por haberlos inventado sabia perfectamente que ese dato era indispensable para confeccionar una carta Astral.

Le estaban preguntando, ¿cuál es “la hora de tu nacimiento”?.

– “Nacihora”.

Xul Solar preparando una carta astral junto al periodista Carlos Marin.

Era una persona excéntrica, original y culta, estudiosa y autodidacta, versado en astrología, ciencias ocultas, idiomas y mitologías. Experto en la confección de cartas astrales. 1

Su carta astral, que puede verse en el Museo Xul Solar indicaba que era de Sagitario,nacido a las 11,20 hs de un miércoles 14 de diciembre de 1887

Su casa en el Tigre, rehabilitada como museo

en San Fernando -de la Buena Vista -.

Vivió en muchos lugares, sus últimos años en el Tigre -cerca de donde había nacido- murió un martes 9 del mes de Abril de 1963, a los 75 años.

 

Su padre era amante de la música, la posición acomodada de esta familia de inmigrantes, llegados en 1873, permitió dar a su hijo conocimientos de  violín, piano, teoría musical, y facilitarle la asistencia a conciertos.Tiene 19 años cuando su familia se traslada de San Fernando a Buenos Aires, donde trabaja de maestro. Tuvo una relación muy intensa con sus padres y su tía, quienes atendieron su educación.

Inicia sus estudios de arquitectura, (se dictaban en la facultad de Ingeniería), cursa solo 1 año entre 1906 y 1907, en su proyecto esta el de recorrer mundo,

El 5 de Abril de 1912 con 25 años parte en un buque inglés “England Carrier”o quizás el “Highland” a Hong Kong, Hace un trueque, pasaje por tareas de peón. Esta historia puede haber sido inventada, ya que en una entrevista Xul dice que viajo como pasajero en camarote de 2nda. clase y directo a Europa.

Si seguimos la historia inventada podemos imaginarnos que se pregunta:

–  ¿Para que llegar a Hong Kong?, si puedo bajar en Londres, recorrer Inglaterra, Francia e Italia.

Meses mas tarde llegarían su madre Agustina Solari (1865~1958) y su tía Clorinda, a quienes visito frecuentemente en la ciudad familiar. (Su madre era de Zoagli, Italia y su padre Emilio Schulz Salles (1853~1925) de Riga, Letonia).

Durante 27 días de navegación, el barco toca las ciudades de Montevideo, Santos, Rio de Janeiro, Dakar llegando a finales de Abril de 1912 a Londres.

Influencias en Xul Solar

Mientras transcurre la 1er. Guerra mundial, visita a su familia y conoce entre otros al artista argentino Emilio Pettoruti (1894~1971), Emilio lo alienta a exponer sus pequeñas acuarelas y dibujos, lo hace en Paris y en Milán.

Emilio comenta: “Mientras yo examinaba sus trabajos, mi nuevo amigo me dijo que mi nombre era un lindo nombre de pintor, y que el suyo no le placía, le sugerí cambiarlo y nos enfrascamos en el estudio de un nombre agradable y sonoro que tuviese relación con el propio”. Pensaron en X, luego en Xul Sol, hasta llegar a Xul Solar, como continuo firmando sus cuadros.

En Berlín contacta con el Dadaísmo que es un movimiento cultural y artístico que surge en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zürich de la mano de Hugo Ball y el poeta Tristan Tzara, burlándose de las convenciones abarca la poesía, la escultura, la pintura, la música.

No es seguro, o no se sabe si conoció personalmente al pintor suizo Paul Klee, (1879~1940), aunque recibió su influencia.

Fueron años que se dedica a formarse y observar obras de arte.

En Berna aprende música, artes plásticas, lee a los clásicos y dedica su tiempo a la observación de las obras de William Blake (1757~1827), obras con elementos fantásticos y sobrenaturales, Gustav Klimt (1862~1918) y Goya (1746~1828)

En París estudia las obras de Leonardo (1452~1519) y Rembrandt (1606~1669)

Realiza dibujos inspirados en Van Gogh (1853~1890), Cézanne (1839~1906) y Matisse (1869~1954) entre otros representantes de la escuela francesa.

Entra en contacto con el grupo der Blaue Reiter (El jinete azul), lo que le permitió conocer a sus creadores, Wassily Kandinski (1866~1944)  y Franz Marc (1880-1916) August Macke, Paul Klee y Alexei von Jawlensky2

“No puedo evitar la idea de que se trata de celdas, con aberturas por donde entran el aire y la luz y sale, como la mía, la mirada del morador. Ezequiel Martinez Estrada3

El almanaque de Blaue Reiter

De ellos le impresiona el diseño multitemático de “El Almanaque”, obra de Kandinsky y Marc, una especie de revista con textos teóricos, poemas, aforismos, ensayos sobre música, partituras (de Schönberg, Webern y Berg) y una amplia selección de imágenes de obras de los artistas del grupo, de arte popular, infantil, relieves etruscos y arte precolombino. 4

Kandinsky explica el calendario y su intención de eliminar el límite entre el arte antiguo y el arte moderno: “En aquella época maduró en mí el deseo de hacer un libro (una especie de almanaque) al que contribuyeran como autores solamente artistas. Deseaba que fueran pintores y músicos de primera fila. La perniciosa separación de las artes; la separación entre “El Arte” y el arte popular e infantil, y la “etnografía”; los sólidos muros que dividían lo que, en mi opinión, estaba tan estrechamente relacionado y eran, a menudo, fenómenos idénticos -en una palabra, sus relaciones sintéticas- todo eso me inquietaba”

En Junio de 1911 Kandinsky le escribe a Marc “Tengo un nuevo proyecto. El editor será Piper y nosotros dos los redactores. Una especie de almanaque con reproducciones, artículos… y una crónica. Es decir, críticas de exposiciones hechas únicamente por artistas… Un lazo con el pasado y una luz que ilumine el futuro…… Pondremos una obra egipcia al lado de un pequeño Zeh…un niño que dibuja bien, una obra china al lado de Rousseau el Aduanero, un dibujo popular al lado de un Picasso y así sucesivamente. Poco a poca atraeremos a escritores y músicos…”.

Esa era la idea básica: unir a pintores y a músicos. 5

Querían ir mas allá de la envoltura para llegar a lo esencial, mas que una unidad de estilo, los unía una coincidencia en los objetivos.

En Munich asiste a las conferencias  de Rudolf Steiner (1861~1925), filósofo, pedagogo y arquitecto austriaco, creador de la antroposofía, (la agricultura ecológica biodinámica, la bioconstrución y la arquitectura bioclimática) sostenía que la percepción espiritual es independiente de los sentidos. Sus clases eran un acontecimiento cultural, Xul toma nota de la conferencias y lleva sus libros a Buenos Aires, fue como su “maestro espiritual”.

Rudolf Steiner, creador de la arquitectura antroposófica

La historiadora del arte  Lourdes Cirlot Valenzuela (1949) comenta sobre Steiner, “concebía la arquitectura como medio para expresar en el espacio las leyes rítmicas de la naturaleza y recreaba de ese modo en el objeto construido las estructuras propias del mundo viviente”

En 1912 expone en Berlín junto a Alfred Kubin (1877~1959) y August Macke (1887~1914).

En París se relacionó con Robert Delaunay (1885~1941) y se impregna del clima cubista. Su interés se centra cada vez más en el movimiento, el tiempo, la luz, el color, las formas impregnadas de un gran recogimiento espiritual.

Durante 1914 recorre Tunez. Comienza sus exposiciones y su relación con grupos de escritores y artistas de la vanguardía parisina como PicassoApollinaire y Modigliani.

Man Tree 1918

En 1918 pinta “Man Tree”, al que incorpora por primera vez palabras a la pintura. En Milan realiza su primera exposición, y estudia filosofía, literatura, etnografía, historia y los saberes ocultos.

Influencias esotéricas: Edward Alexander Crowley (1875~1947) fue un influyente ocultista, místico, alquimista, escritor, poeta, drogadicto, medium y mago ceremonial, se apodaba The Great Beast 666 -la gran bestia 666- quien le dará la “iniciación”. Esta consistiría en aprender a dominar la mente, concentrarse y experimentar visiones. Fue un aprendizaje decisivo en su vida espiritual.

En el British Museum Xul lee de magia, alquimia y autores, filósofos, matemáticos, médicos, juristas, cirujanos e ingenieros- que disertan sobre la sabiduría y perfección de la Astrología. Se definia como “catrólico”, es decir católico y astrólogo.

Paseando por la Riviera Lígure se aloja como se mencionó en un pueblito llamado Zoagli,  también vivió largas temporadas en París, Florencia, Londres, Munich a veces en compañia de su amigo Emilio Pettoruti, con quien en Junio de 1924, regresa a Buenos Aires a bordo del vapor “Vigo”. Tiene 36 años.

Buenos Aires

En Buenos Aires se contacta con artistas que adscribían a una revolución estética, el grupo literario Martín Fierro (1924~1927),  la revista (re-fundada por su director Evar Méndez y por José B. Cairola), llegó a tirar 20.000 ejemplares. Era un agrupamiento informal de artistas de vanguardia. Llamado también Grupo de Florida, ya que sobre esa calle estaba la sede de la revista y el café La RICHMOND donde se reunian, asi como en el café TORTONI.

Coexistía con otro grupo literario de Buenos Aires, el llamado Grupo Boedo. 6, con escritores que también publicaban en “Los Pensadores” y revistas de izquierda cultural. Este grupo tildaba a Xul como “el genio de la casa” 7

Evar Méndez estuvo vinculado a “Proa”, revista literaria integrada por Borges y Macedonio Fernández  (1874~1952) entre otros.

En la despedida cuando  Marechal  parte a Europa, Xul le escribe en el Martin Fierro, en su panlengua lo psicoabrazo y nos hemos de frecuenreunir por los sueñipaises por los taqipaises de Fantasía”.

Xul ya forma parte de los creadores de la vanguardia argentina, se relaciona con Antonio BerniMiguel VictoricaHector VasalduaVictoria Ocampo.

Son vanguardia en el sentido de crear un nuevo orden de las cosas en relación a lo que les antecede, a lo establecido. Se enfrentan a las tradiciones, y al conformismo y buscan la novedad con actitud provocadora.

El poeta y crítico de arte Aldo Pellegrini (1903 ~1973)  destaca a los fundadores de la primera vanguardia argentina, influenciados por la “Escuela de Paris”, entre ellos Aquiles Badi (1894~1976), Horacio Butler (1897~1983), Héctor Basaldúa (1895~1976), Raquel Forner (1902 ~1988), Lino Eneas Spilimbergo (1896~ 1964), Antonio Berni (1905 ~1981), Alfredo Bigatti (1898~1964),  Emilio Pettoruti (1892~1971), Juan Del Prete (1897~1987)  y Xul Solar, de quien comenta que “es difícil de encuadrar en una corriente específica” lo describe como realizador de una “figuración fantástica muy personal”, lo vincula al Surrealismo. “En la pintura le tocó a Xul Solar ser el único de esa generación que exploró zonas más arriesgadas y no cedió nunca a la búsqueda de nuevas expresiones (…) El de Xul Solar es el arte de un visionario, arte que no puede medirse con los patrones que se usan comúnmente para los otros artistas”.

Se relaciona con el músico Juan de Dios Filiberto (1893~1964),  con algunos pintores de La Boca, el pintor y critico uruguayo Guillermo Facio Hebecquer (1889~1935), el escultor Pablo Curatella Manes (1891 ~1962), entre otros.

El mundo se hace de nuevo en cada hombre que lo mira” L. Marechal

Arquitecturas visionarias,  arquitecturas fantásticas

Pinta obras y objetos arquitectónicos que conoce como la Penitenciaría Nacional donde trabajó su padre durante 20 años (Xul tambien durante 6 meses  a partir de setiembre de 1905) , en varias de sus pinturas aparecen altísimos muros y torres, largos caminos, recorridos zigzagueantes de almenas, personajes anónimos, que recuerdan la vida de aquella cárcel, (“Ciudá y abismo”, “Casi plantas”, “Muros y escaleras”), o el Duomo de Milán; los castillos de Luis II de Baviera o las modernistas construcciones de Antonio Gaudí (1852~1926)

Es bastante lógico preguntarse ¿Xul había conocido los grabados carcelarios de Giovanni Battista Piranesi (1720~1778) en sus paseos por Roma?. Quizás fueron el germen de sus arquitecturas visionarias (1917). Pintaba símbolos que se repetían, caminos que conducen hacia grutas elevadas, pirámides, lagos, escaleras, símbolos de la verticalidad, la elevación, la ascensión, Inventó y pintó las montañas y las regiones de la tierra, las ciudades, los barrios y maquinarias voladoras. Invento estructuras arquitectónicas.

En la década del ´30, creo paisajes y diseños arquitectónicos fantásticos, donde se manifiestan su visión de Dios (teosofía), su mística y su interés por la astrología,

Y las pinto como un artista original en tanto que escritor, poeta y mago.

¿Se puede crear ese mundo arquitectónico tan lleno de vida, de originalidad, de formas, sin tener enormes recursos formales y de comprensión del espacio? En el caso de Xul sería la comprensión del “cosmos”.

Con un lenguaje propio, traduce lo que ha estudiado, experimentado e integrado (las artes plásticas, la literatura y sus vastos conocimientos). Hay como ya se ha dicho un paralelismo con la obra de Vassily Kandinsky y de Paul Klee, que ha hecho visible (al igual que él), la magia de lugares fantásticos, y de una arquitectura utópica.

Al recuperar la idea del artista como un artesano (renacimiento), los proyectos de Xul nos hacen comprender que su idea del espacio, es de un espacio comunitario. (Patricia M. Artundo autora del catálogo razonado de su obra).

XUL un arquitecto no convencional. Casas en el Delta

<<Seamos, de manera consciente, arquitectos imaginarios… Somos el brote en un humus fresco>> Bruno Taut en el grupo expresionista La Cadena de Cristal – Die Gläserne Kette– tenía el seudónimo “Glas” 8

El crítico de arte Jorge Lòpez Anaya hace una referencia a una posible influencia en Xul del arquitecto Bruno Taut (1880~1938) y su circulo “Gläserne Kette” (La cadena cristalina). 9

Taut como Xul era ante todo un viajero, y tambien firmaba sus proyectos expresionistas con un seudónimo Namenlose, el “sin nombre”.

Taut fue un arquitecto que había soñado con ser pintor y Xul un pintor que pensó en ser arquitecto. 

Siedlong Onkeñ Tom de Bruno Taut

 

 



Arquitectura alpina 1919
La Corona de la Ciudad 1919

 

 

 

 

 

 

Taut utilizó el color en la arquitectura como un pintor, buscando efectos puramente plásticos. Xul Solar imaginó ciudades y casas como un arquitecto. La guerra y la revolución habían conmocionado al mundo y provocado dolor,  las propuestas de Taut para una arquitectura expresionista: arquitecturas pintadas, escritas y dibujadas, cuyo fin último es concebir la felicidad, construirla, Escribe un guión en 1920 “los Zuecos de la suerte”, donde zapatos y huellas abren el futuro de la felicidad.

Soñando una arquitectura para un mundo en paz, como contraparte a un período entre dos guerras mundiales creo 4 obras donde desarrolla una utopía arquitectónica, basada en constucciones de colores: La corona de la ciudad (1919); Arquitectura alpina (1919), La disolución de las ciudades (1920) y El maestro arquitecto del mundo (1920).

Planta general de la Exposición de la vivienda en Weissenhof

Su devoción por el color  no solo la aplicó en sus pinturas, fue evidente en 1927 en la la Exposición de la vivienda Weissenhof de 1927 en Stuttgart: en contraste con creaciones de un blanco puro, como las de Mies van der Rohe (1886~1969), Le Corbusier (1887~1965), y Walter Gropius (1883~1969) la casa número 19 que diseño Taut  estaba pintada de colores primarios.Taut proponia una “arquitectura para la felicidad”, y consideraba al color como un material más en la construcción. En uno de sus planes de viviendas llamado Siedlung (urbanización) Onkel Toms, de mediados de los años ’20, diferencia ventanas y puertas que eran todas iguales con combinaciones en amarillo-rojo-blanco y blanco-amarillo-rojo.

El proyecto Fachada Delta es la remodelación que el artista propuso para su casa del Tigre. Nota 10.

“Proyecto Fachada Delta” (1954), acuarela sobre papel montada sobre cartón, 26 x 36 cm. Fundación Pan Klub

 

 

 

 

 

 

Mestizos de avión y gente (1936)

Los temas de Xul son elementos plásticos que remiten a festejos populares, actividades sociales, incluye colores luminosos, largas escaleras, paneles colgantes y todo conectado con la naturaleza.

“La pareja avanza hacia tales objetos. Giran sus miradas, que se dirigen a la meseta, sobre la cual está aterrizando un brillante y luminoso aeroplano de extrañas formas. Saltan a bordo y remontan el vuelo. Bajo ellos ven la maravillosa tierra, a veces más distante, bajo las nubes, otras más cercana, con todos sus edificios. Más lejos, una visión radiante. Aterrizan”. Ya estando en Milan, Xul descubre que una de sus “mayores aspiraciones era lograr construir espacios comunales destinados a la cultura y al culto de su nuevo mundo”. Nota 11. B.Taut Die Galoschen des Glücks (Los Zapatos de la suerte).

NOTAS

Fotografía tomada de la colección editorial “Pintores Argentinos del Siglo XX”, volumen 1 al 58, editada por Centro Editor de América Latina. Publicada en 1980 y 1981 en Buenos Aires, Argentina.

1.- Profundo conocedor de la astrología, a partir de 1939 comenzó a diseñar cartas astrológicas.

Entre los personajes de la cultura, realizó las cartas astrales de Miguel Ángel Asturias, Macedonio Fernandez, Jorge Luis Borges, Leopoldo Marechal, Manuel Mujica Lainez, Juan Manuel Fangio, Victoria Ocampo, Tomas Maldonado, Luisa Mercedes Levinson, Adolfo Bioy Casares, Ricardo Güiraldes, Pablo Rojas Paz, Ezequiel Martinez Estrada, Jorge Calvetti, Raúl Soldi, Alfredo Guttero, Onofrio Panizza, Juan Batlle Planas, Emilio Pettoruti, Jozquin Torres García, Julio Payró, Jorge Romero Brest. (Alvaro Abós, “Xul Solar, pintor del misterio”.) 

Carta Astral de Jorge Luis Borges

 

Xul desde Turín escribió a su padre (Emilio Schulz Riga) sobre este encuentro: “hay cosas espantosas para los burgueses, cuadros sin naturaleza, líneas y colores sólo, por ejemplo así… (Dibuja en tinta un cuadro de Kandinsky) estoy satisfechísimo porque veo cómo yo solo, sin inspiración exterior de ninguna clase, he trabajado en la tendencia que será la dominante del arte más elevado del porvenir”.

2.- El grupo de artistas Der Blaue Reiter con sede en Munich incluía al pintor ruso Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Paul Klee, Alfred Kubin, Gabriele Münter. Alexej von Jawlensky, Heinrich Campendonk, Natalia Goncharova, Mijaíl Lariónov, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger, Arnold Schoenberg, David Burliuk

En otra carta le escribía “estoy cada vez más cansado de Europa i su civilización, cansado de tanto salvajismo i atraso ke hai en Europa”.

3.- “La ciudad como espacio de libertad pero también como cárcel…Ezequiel Martinez Estrada describia asi el bosque de ventanas “No puedo evitar la idea de que se trata de celdas, con aberturas por donde entran el aire y la luz; y sale, como la mía, la mirada del morador. Se trata de celdas y prisioneros. Me es fácil pensar que todos estamos presos, aunque el guardián haya desaparecido hace años o siglos. Nos encerro a todos y se fue, o se murió. Hizo la ciudad y nos metió dentro con la consigna de que no nos marchásemos hasta que volviese. La cabeza de Goliat, 1940.

Horóscopo de Xul Solar

4.- “El jinete…” bregaba por el arte como artificio, por el gesto antimético frente a lo real; contra la saturación de la tecnología y del maquinismo. Sugieren ver las cosas desde adentro. Vale recordar el célebre ensayo de Kandinsky “De lo espiritual en el arte”. Fabián Lebenglik en Pagina 12. Marzo 2017. A raíz de la exposición en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.

5.- Querían demostrar que su propuesta de vanguardia se hundía en la tradición.Por eso en El Almanaque hay de todo pintura china, xilografías góticas, máscaras africanas, dibujos infantiles, esculturas precolombinas, pinturas bávaras sobre vidrio, telas, miniaturas medievales, Picasso, Van Gogh, Rousseau, Cézanne, Gauguin, y ensayos sobre música y pintura, forma y color. “Hemos explicado en el catálogo de nuestra exposición que el objetivo no era preconizar una tendencia concreta, sino que tenía por principio la diversidad de expresiones artísticas”.

El Almanaque se publicó en 1912 y la guerra tuvo la culpa de que no apareciera un segundo número, pero su importancia fue crucial y constituye uno de los textos decisivos del pensamiento artístico de nuestro siglo. De hecho, su primera exposición del grupo se anunció como “Primera exposición de la redacción de El Jinete Azul” ellos se sentían redactores de El Jinete Azul, antes que grupo de pintores”. Virginia Tovar Martín (historiadora y catedrática) en ArteHistoria.

6.- Martín Fierro ya había sido publicada por Evar Mendez en 1919, la vuelve a publicar entre Febrero de 1924 y Noviembre de 1927, Fundada además por  José B. Cairola, Leónidas Campbell (fundador de ambas ediciones) Hipólito Carambat, Luis L. Franco, Oliverio Girondo (1891~1967) – esposo de Norah Lange-, Norah Lange (1905~1972), Ernesto Palacio (1905~1972), Pablo Rojas Paz (1896~1956),  y Gastón O. Talamón. con colaboradores permanentes como Jorge Luis Borges, Pedro Figari, Raúl González Tuñón, Eduardo González Lanuza, Ricardo M. Setaro , Leopoldo Marechal,  Mario Bravo, Fernando Fader, Macedonio Fernández, Santiago Ganduglia, Córdoba Iturburu, Samuel Glusberg, Leopoldo Lugones, Roberto Mariani, Luis L. Franco, Xul Solar, Emilio Pettoruti, Ricardo Güiraldes, Ernesto Palacio, Pablo Rojas Paz, Sergio Piñero. También se acercaron a sus páginas Enrique Amorim, Brandan Caraffa, Luis Cané, Andrés Caro, Vizconde Emilio de Lascano Tegui, Francisco López Merino, Pedro Herreros, Leopoldo Hurtado, Manuel Lugones, Conrado Nalé Roxlo, Nicolás Olivari, Horacio A. Rega Molina, Nicolás Barrios Lynch, Xul Solar y Ricardo Rojas. Lino Palacio colaboro en el diseño gráfico, y representantes de las vanguardias arquitectónicas como Alberto Prebisch y Ernesto Vautier)

7.- Tesis de Laura Farina, Clarisa Fernández, Cintia Kemelmajer, Leticia Lozano, director: Carlos Vallina. “La comunicación en el Universo de Xul Solar” Facultad de Periodismo y Comunicación Social Universidad Nacional de La Plata. Diciembre, 2007.

8.- La Cadena de Cristal –Die Gläserne Kette– fue un grupo expresionista de la Alemania de entreguerras liderado por Bruno Taut. Entre 1919 y 1920 publicaron en la revista Frühlicht sus escritos y dibujos. Todos tenían seudónimos, Bruno Taut “Glas”, Wilhelm Brückmann “Berxbach”, Walter Gropius “Mass”, Hans Scharoun “Hannes”. Alfred Brust “Cor”, Hermann Finsterlin “Prometh”, Paul Goesch “Tancred”, Jacobus Goettel “Stellarius” Wenzel Hablik “W.H.”, Hans Hansen “Antischmitz”, los hermanos Hans “Angkor” y Wassili Luckhardt “Zacken”.

9.- Jorge López Anaya (1936~2010) fue uno de los críticos de arte argentinos más lúcidos y centrales en el estudio del arte local, especialmente contemporáneo. Historia del arte argentino. Buenos Aires: Emecé

10.- María de los Ángeles Rueda,Arte y Utopía, la ciudad desde las artes visuales”, Asuntoimpreso Ediciones, Buenos Aires, 2003.

11. Mario H. Gradowczyk “Alejandro Xul Solar”, Ediciones ALBA Fundación Bunge y Born, Buenos Aires, 1994

 

la 2nda parte pueden leerla en este link

http://hugoklico.blogspot.com.es/2018/01/la-magia-de-xul-solar-parte-2.html

 

Arq. Paolo Soleri, un profeta en el desierto. por HaKj

Arquitecto Paolo Soleri, un profeta en el desierto

Una arquitectura coherente con la ecología

 El experimento mágico creado en un laboratorio

Hace algunos años, junto mi hermano Guillermo, visitamos “Arcosanti”, una “parada anterior” en nuestro camino para conocer el estudio del arquitecto Frank Lloyd Wright en Taliesin West.

 

Taliesin EAST
Taliesin WEST

Queríamos ver in situ lo que ha planificado para una comunidad Paolo Soleri un arquitecto Italo-americano que por su trabajo podríamos presentarlo además como urbanista, artista, artesano, escultor, escritor y filósofo. Su filosofía era fusionar la ecología en la arquitectura, de una forma urbana compacta e integrada. Podemos hablar de una contraposición entre ésta comunidad compacta que comparte un espacio saludable y placentero y la expansión urbana tradicional que por su dimensión genera un alto consumo de espacio, energía y tiempo.

Consideró que la distancia crea aislamiento, para evitarlo propone eliminar el uso del automóvil, y dedicar la tierra que rodea la ciudad a la agricultura y los viveros.

Si estás en Phoenix en los EEUU, vale la pena hacer 104 km al Norte para ver Arcosanti. Mientras tanto, aquí algunos comentarios.

Vista general de ARCOSANTI

      No lo llaméis utopía, La utopía es el “no lugar”, el ideal inalcanzable. Yo nunca he querido caer en el idealismo irrelevante… “Arcosanti” es un laboratorio urbano y está arraigado en la realidad”. Paolo Soleri

Surge Arcosanti. Un hábitat alternativo al “hiperconsumo”  Www.arcosanti.org 

Nos encontramos con una ciudad experimental y de investigación para 5.000 personas, fundada por el arquitecto Paolo Soleri (Turín, 1919- Scottsdale Arizona, 2013) y su esposa Colly.

Su población actual flotante no llega al centenar, durante el verano se incrementa con “voluntarios y aprendices” que llegan para continuar la construcción de esta ciudad que no parece tener fin.

Su plan, fue realizar un conjunto de arquitectura bioclimática, un experimento como si de un laboratorio se tratase, con un respeto hacia el medio ambiente, que con menos (consumo, deshechos) se consiguiera más (calidad de vida, integración entre sus habitantes y con el lugar). Su proyecto comenzó en 1970, y aun hoy, a 4 años de su muerte (y a 35 de la de Colly), su proyecto sigue creciendo  e interesa a más de 40.000 visitas al año.

Soleri caminando en el desierto

Paolo Soleri se esfuerza durante toda su vida en hacer realidad el proyecto arquitectónico Arcosanti, con la ayuda de 70 estudiantes de varias nacionalidades que entienden que la participación en ésta construcción es una forma de aprender y una forma de vida, quizás una forma de aprender a vivir.

Trabajar, aprender, vivir y jugar, todo esto se hará “en” un mismo techo, la comunidad la integran estudiantes y aprendices que conforman una unidad junto a las “familias” que también viven en Arcosanti.

Una ciudad como un sistema que surge de un proyecto sesudamente planificado, que resulta complejo y simple a la vez.

La Fundación Cosanti, lleva el nombre de una propuesta de aquellas cosas (cosa) que son, y al mismo tiempo se oponen a serlo (Cosa/anti). Es Arcosanti como un híbrido entre un edificio y una ciudad, que pretende ser sostenible sin sobrecargar el medio ambiente.

El proyecto aspira ser un modelo demostrativo que la Arcología es coherente con la ecología.

Es una ciudad hiperdensa, diseñada para elevar al máximo las relaciones humanas, el acceso a servicios de infraestructuras compartidos y al mismo tiempo hacerla rentable. Objetivos hoy en dia muy “declamados” como conservar el agua reduciendo las aguas residuales, minimizando el uso de la energía, materias primas y tierra, reduciendo residuos y la contaminación ambiental, en definitiva una ciudad que establezca un diálogo honesto con el entorno circundante.

Busca en forma real de convertirse en una “alternativa”, a través de un diseño urbano inteligente que facilite la vida humana.

Resumiendo proponía

– una arquitectura antimaterialista

– antiespeculativa

– integradora con el medio ambiente

– favoreciendo la integración del hombre con su ambiente natural.

– facilitando la interrelación de sus habitantes.

Ha tenido 5 fases experimentales:

–          1951. La Fundación educativa Cosanti, sin fines de lucro.

–          En la década de los ´60 Cosanti II,

–          1971. Masa Crítica

–          Entre 1980 y 1985 Valetta Primavera

–          1991 un prototipo de última generación “arcologique”

 “el Homo faber tiene la facultad de hacer, una facultad que depende directamente de la capacidad de manipular y transformar las cosas, por  lo que somos transformadores por naturaleza”. PS

 Ubicación

Al Norte de Phoenix, cerca de Cordes Junction, en Arizona 86333 en los EE. UU. Es un experimento urbano, una comunidad que actúa como un laboratorio en constante crecimiento, buscando hacer “más con menos” más integración con el sitio y accesibilidad para sus habitantes con menos (recursos energéticos, contaminación, desperdicio de espacio y materiales).

Voluntarios y aprendices comenzaron esta construcción en 1970. Se materializo en una compleja estructura de 34 niveles., creando un hábitat humano en equilibrio con su entorno. Arcosanti no es solo un proyecto de arquitectura, donde podemos encontrar cualidades espaciales y sociales, sino también un departamento de diseño y construcción de invernaderos para la agricultura ecológica.

Construido con grandes estructuras semiesféricas entre gradas semicirculares, bóvedas y arcos de hormigón. Casas subterráneas con techos abiertos o rodeados de cristal. La energía que necesita la proveen generadores de viento y paneles solares.

Solo ha sido construido un 5 % del proyecto inicial

El arquitecto Paolo Soleri

Se recibe de arquitecto y en 1946 completa su doctorado con los más altos honores en el Politécnico de Turin.

 

Al año siguiente fue a Arizona, y durante 1 año y medio trabajó con el arquitecto Frank Lloyd Wright, tanto en Taliesin West (Arizona) como en Taliesin en Spring Green (Wisconsin)

Las teorías de Wright acerca de lo orgánico y la plasticidad tendrán una profunda influencia en la obra de Soleri.

Durante ese período no solo conoció Taliesin West, también conoció y amó el desierto.

Broadacre City

Hubo un pero que provocó en 1948 su expulsión de Taliesin, Sus conceptos filosóficos acerca de la forma que una ciudad debia ayudar al desarrollo de la vida a sus habitantes, y sus críticas al concepto de desarrollo urbano de F.LL.Wrigh en Broadacre City (proyecto financiado por Edgar Kaufmann) lo enfrentaron a su maestro.

En ese tiempo ganó reconocimiento internacional por el diseño de un puente exhibido en el Museo de Arte Moderno y publicado en el libro “Arquitectura de los Puentes” de Elizabeth Mock.

Vuelve a Italia en 1950 para recorrerla en un bus que es también “casa-estudio”, y en la ciudad de Vietri Sul Mare conoce a una antigua familia de alfareros llamados Sulimene, con los que  acuerda realizar el diseño de la nueva fábrica de cerámica SULIMENE al sur de Nápoles, (declarada Monumento Italiano), una obra orgánica y expresiva. 

De esa época son sus conocimientos de producción de cerámica y bronce, cubiertos con una fina lámina de metal. Sus proyectos se siguen financiando actualmente con la técnica que aprendiera en aquella época y que se utilizan para realizar las campanas de cerámica.

En 1951 construye la sede de la fundación Cosanti en Paradise Valley, Arizona la “Casa de la tierra” donde experimenta con técnicas de fabricación de materiales de arcilla moldeados.

Preside la fundación desde 1955, y al año siguiente, regresa al desierto con su mujer y sus 2 hijas, para dedicarse a la investigación y a la experimentación tanto en el diseño como en la planificación urbana en la “ecoaldea Arcosanti”.

Fue un pionero al reclamar un límite al crecimiento urbano, una arquitectura bioclimática y una amplitud mental abierta a la hora de definir el alcance de la labor de un arquitecto.

Fue un destacado profesor en la facultad de Arquitectura de la universidad Estatal de Arizona.

Arcosanti es su reacción a la dispersión de gente a través del paisaje de los EEUU, lo que Soleri llamó una “ermita planetaria”.

Tanto su esposa Colly como él, están enterrados en Arcosanti.

 “No he querido caer nunca en el idealismo irrelevante”“Somos parte de la realidad, y las construcciones deberían ser como organismos vivos, con toda su complejidad, admitiendo sus imperfecciones y evolucionando, siempre evolucionando”.P.S.

 La Arcologia fusiona la arquitectura + ecología

Nos lo explica Paolo Soleri: “En la naturaleza, cuando un organismo evoluciona, aumenta su complejidad y también se convierte en un sistema más compacto o miniaturizado. Del mismo modo una ciudad debe funcionar como un sistema vivo. Arcología, la arquitectura y la ecología como un proceso integral, es capaz de aportar una respuesta positiva a los muchos problemas de la civilización urbana, la población, la contaminación, la energía y el agotamiento de los recursos naturales, la escasez de alimentos y la calidad de vida. La Arcología reconoce la necesidad de la reorganización radical del paisaje urbano en expansión en densas ciudades, integrados en tres dimensiones con el fin de apoyar las complejas actividades que sustentan la cultura humana. La ciudad es el instrumento necesario para la evolución de la humanidad “.

 

Por eso, Arcosanti es la implementación de un concepto arquitectónico de una ciudad utópica, que Soleri denomina “Arcologie”.

Se analiza el clima y su influencia en los cultivos que ayuden a operar Arcosanti de manera autónoma e independiente.

“Solíamos estar más lejos, pero la ciudad sin límites creció hacia nosotros”, ironiza Soleri. “En el último medio siglo, y gracias al automóvil, hemos adoptado el modelo de expansión de los organismos más primarios. Las especies más complejas, como las abejas o las termitas, eligieron vivir hace tiempo en dimensiones compactas. ¿Por qué hemos sido tan estúpidos los humanos?” P.S.

Recorrido

Se llega por un camino de tierra, a 5 minutos de Phoenix.

Alli viven 80 personas, 7 niños y un hombre de 80 años que está desde el comienzo del proyecto.

Con una entrada de 10 usa se hace un tour, se ve un corto sobre Arcosanti y Soleri. Se ven las ½ esferas de HºAº orientadas al sur para captar los rayos del sol, que ayudan a calefaccionar durante la noche.

Otras están orientadas formando un túnel de viento permitiendo que la brisa en verano enfríe los edificios, como un aire acondicionado natural.

Hay un anfiteatro donde se dan conciertos, (centro de artes escénicas Colly Soleri), una biblioteca gimnasio, un bar, una tienda y mercado de productos que se elaboran allí y un complejo  educativo  https://arcosanti.org/

Leyendo a Soleri

Respecto a las dificultades de su creación nos aclara: “Habría sido relativamente fácil vender la idea a un promotor inmobiliario, Pero habría sido también muy fácil desvirtuar la idea y acabar construyendo otro suburbio de Phoenix, concebido de espaldas a la humanidad y al servicio exclusivo del coche”.

Soleri tenía plena conciencia que su obra no la podría terminar en vida, y lamentaba el aspecto perpetuamente inacabado de “Arcosanti”, como si de ruinas mayas de hormigón se tratara. Y aclara al respecto: … “La culpa ha sido mía. Nunca he sido un buen relaciones públicas y sigo considerando a los promotores urbanísticos como la encarnación del diablo.

Lo reconozco: he fallado a la hora de materializar el proyecto. Nunca será como lo soñé, pero espero que el tiempo acabe dándone la razón: la ciudad del futuro será compacta, y los aparcamientos dejarán paso a las huertas urbanas, y no necesitaremos derrochar el tiempo y la energía como hacemos ahora”.

“Las ciudades que hemos construido en el último siglo son una receta para la catástrofe, Lamentablemente, las ciudades que hemos construido en el último medio siglo son una receta para la catástrofe. El sueño americano de una casa y dos coches se está reproduciendo en todo el mundo y está destruyendo el planeta”

 En su manifiesto urbano “La ciudad en la imagen del hombre” dice: “La ciudad debería ser la mejor expresión de la humanidad, el lugar donde trascienden todas nuestras limitaciones. Así ha sido siempre en todas las grandes civilizaciones, desde la Mesopotamia a los romanos… .

 Otros proyectos. no similares.

“Biosfera 2” es el nombre de un ecosistema artificial construido en Oracle, Tucson, Arizona.

Este ecosistema cerrado fue el mayor construido a la fecha (entre 1985 y 2007).

En su interior, una selva de 1900 m², un océano de 850  con un arrecife de coral, un manglar de 450 m², 1300 m² de sabana, un desierto de 1400 m², 2500 m² de tierras cultivables, un hábitat humano con alojamiento y oficinas, e instalaciones técnicas bajo tierra. (Nota 1)

Si el ego de un arquitecto es pequeño está acabado. Si, por el contrario, es enorme, cabe la posibilidad de que haga grandes contribuciones. P.S.

Films

Durante más de 8 años el director Lisa Scafuro, realizó el documental biográfico “La visión de Paolo Soleri: Profeta en el desierto”. Las respuestas de Paolo Soleri a la crisis ambiental, social y económica que pesa sobre el presente y futuro de la humanidad. Equipo: Director y Premio Emmy, Sam Shinn, presentando en las entrevistas a Jean-Michel Cousteau, Paul Goldberger, Eric Lloyd Wright, Steven Holl, Will Wright -creador del juego SimCity- y Morley Safer. Banda Sonora: Andrea Bocelli y Jared Leto de Thirty Seconds To Mars, Música Original: Justin M. Salter. Año 2010, duración 88 minutos. En 2013 fue seleccionado en el Festival de Cine de New Hope.

(tráiler) https://youtu.be/OXb9SoZ5YOI?t=2

 

Facebook : “The Vision Of Paolo Soleri: Prophet In The Desert”

VIDEOS

2 de Octubre de 2010. Soleri Archives. (2009) Fundación Cosanti. Textos de Erin Jeffries. Música de Philip Glass “Sons of the Silent Age”. Orchestra, Dennis Russell Davies. Video realizado por Tomiaki Tamura. https://youtu.be/0iRd41gvhaw

 Arcosanti.  20 de setiembre de 2011 – Vertigo 1871. Música: “Alash” por Vladiswar Nadishana  y “Youl’ por  Ayas Kholazhyk   https://youtu.be/GspJp5Mub1Y

14 de diciembre de 2012 por G. Alex.  Una ciudad para salvar al hombre. 

https://youtu.be/RhwsygLhA6w

2013.  ARCOSANTI, Eco Aldea ecológica de Arizona. autor: ekadantamedialuna. https://greenhousingwelfare.wordpress.com/2013/04/17/arcosanti-eco-aldea-ecologica-de-arizona/

20 de Junio de 2016. Un Video de Kirsten Dirksen.

Entrevista a Soleri en 2.000 describió la ciudad experimental .Aparece la familia Nadia Begin y David Tollas y su hijo Tristan. En 2014 (1 año después de la muerte de Soleri) regrese, Tristan tenía ya 18 años. https://youtu.be/VICOY_CVaHs

FORM Arcosanti 2017 (Official Trailer).                https://youtu.be/cml-TxAD2Os

realizado del 12 al 14 de  Mayo de 2017- Festival FORM Arcosanti. http://experienceform.com

Otros proyectos

1947. Cottage del sole, Taliesin, con Mark Mills
1949-50. Cúpula House, Dome House , Cave Creek, Arizona. Es el primer edificio que construyera Soleri con su amigo Mark Mills para la señora Woods. (inscrita en el Registro Nacional de Lugares Históricos),


1952. Casa studio in Via Madonna dell’Arco, Vietri sul mare – Salerno
1954-56. Fábrica de Cerámica Artistica Solimene, Vietri sul Mare, Via Madonna Degli Angeli 7 (84019) Italia. Adosada a la roca de la montaña, es muy reconocible por su fachada de miles de tubos cilíndricos de ladrillo en colores rojo y verde. La planta sigue las distintas fases de elaboración de los productos cerámicos, modelación en el torno, luego su diseño y decoración y finalmente su cocción. El arquitecto Oscar Pulice dice de su fachada “Una maravilla. El ladrillo como pincel”, y tiene razón.

 

Un excelente video de Franco Di Capua de la fábrica Solimeni https://youtu.be/lFOXomHEZ-w?t=7

1959. Mesa Proyecto Ciudad


1960, Cosanti, Phoenix
1962. Arcosanti, “Ciudad del Futuro”, Arizona,
1966-1970. Anfiteatro “Paolo Soleri” de Santa Fe, Nuevo México. Institut of American Indian Arts.

1970. Arcosanti, construcción del primer edificio “I cubi”, en el desierto de Arizona

1971. Il donnone, estatua para el Museo d’Arte de Phoenix.
1980-1985. Valetta primavera.
1981. Casa De Concini, Phoenix.

1994. Asteromo ’94, para el Mei Center of the Art, Japón.
1996. Glendale Community College de Arizona. Anfiteatro para los estudiantes.

Publicaciones

  • 1969 Arcology: the City in the Image of Man. (Arcology La ciudad en la imagen del hombre). Cambridge, MIT Press, (Massachusetts Institute of Technology)
  • 1971 Los Cuadernos de Paolo Soleri. Cambridge, MIT Press,
  • 1973 El puente entre materia y espíritu se está convirtiendo en Materia Espíritu. Nueva York: Anchor / Doubleday,
  • 1981 Fragmentos-Una selección de los Cuadernos de Paolo Soleri; La paradoja Tiger-Paradigma. San Francisco: Harper and Row,
  • 1981 La Semilla Omega: Una Hipótesis escatológico. Nueva York: Anchor / Doubleday,
  • 1984 Espacio para la Paz, Paradise Valley, Arizona. Fundación Cosanti.
  • 1984 Fundición Tierra de Paolo Soleri: Para Escultura, Modelos y Construcción. Salt Lake City: Peregrine Smith,
  • 1986 Tecnología y Cosmogenesis. Nueva York: Paragon
  • 1993 Arcosanti: An Urban Laboratory? Mayer, AZ. El Cosanti Press,
  • 2001 El Urban Ideal: Conversaciones con Paolo Soleri. Editorial Berkeley, CA.
  • 2002 Y Si? Quaderni – Vol. 1, Mayer, AZ. El Cosanti Press,
  • 2003 What If? Collected Writings, 1986-2000, autores Paolo Soleri, Anastasia, Ron, Harry Rand, Editorial Berkeley, CA, (ISBN 13: 9781893163447)

 Premios y Reconocimientos

  • 1963: Medalla de Oro del American Institute of Architects. El AIA le concedió una medalla de oro por su labor de artesano. (Comentario: han  valorado sus cerámicas más que su ideario de ciudad).1981: Medalla de oro en la Bienal Mundial de Arquitectura organizado por la Academia Internacional de Arquitectura en Sofía, Bulgaria
  • 1984: Medalla de Plata para la investigación y la tecnología en la Academia de Arquitectura de París, Francia
  • 1996 Miembro honorario del Instituto Real de Arquitectos Británicos (RIBA)
  • 2000 León de Oro en la Bienal de Arquitectura de Venecia, Italia
  • 2006: Premio Nacional de Diseño por todo su trabajo en el Museo Nacional de Diseño Cooper-Hewitt en Nueva York
  • Recibe las Becas de la Fundación Guggenheim y la Fundación Graham.

Notas

1-      Por tuberías circula la calefacción y el agua fría. Una central de gas natural proporciona energía eléctrica. Tuvo un coste de más de 200 millones de dólares, y se vendió por ¼ de su valor a una promotora de casas residenciales y un hotel turístico. La arquitectura de cristales es ahora responsabilidad de la Universidad de Arizona, lo que garantiza la continuidad de la investigación y preservación arquitectónica.

Utopia. El parador Ariston por HaKj

Caminamos en nuestra Utopía para recuperar ¡Nuestra Huella! Recuperando El Parador Ariston.
Obra de los arquitectos Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Carlos Coire.

Utopía

Eduardo Galeano comenta en uno de sus libros que estando en Cartagena de Indias, en la costa Colombiana con el director de cine argentino Fernando Birri, un estudiante le pregunta:

-¿Para qué sirve la utopía?

-y Fernando Birri responde que esa pregunta se la hacia él todos los días.

-¿Para qué sirve la utopía?

-Fíjense ustedes que la utopía para mí está en el horizonte.

Y si está en el horizonte nunca la voy a alcanzar.

Pues si yo camino 10 pasos, la utopía se va a alejar 10 pasos.

Y si camino 20 pasos, la utopía se va a colocar 20 pasos más allá.

Cuanto más lo intente, menos lo conseguiré.

Porque ella, se va alejando a medida que yo me acerco.

O sea, yo sé, que jamás, que nunca la alcanzaré.

Es una buena pregunta, ¿para qué sirve la utopía?

La Utopía sirve para eso, para caminar.

 

Eduardo Galeano

Fernando Birri

 

 

 

 

Recuperar el Ariston. Es también una Utopia?

Poniendo nuestro mejor empeño para salvarlo de su actual estado de abandono, caminamos hacia ese propósito,

Debemos cuidarlo y evitar que desaparezca.  Porque hay un riesgo, cuando desaparecen, las historias también desaparecen. Cuando desaparecen los espacios donde tejimos y construimos historias, nuestras historias también desaparecen con ellos. Las historias se desarrollan en algún lugar y cuando estas historias se relatan hablamos en el espacio y en el tiempo. (Marc Augé)

Nota 1.

Hablamos de nuestra “HUELLA”.

Hay un nexo entre los espacios y nuestras historias. Se alimentan mutuamente. Los espacio efímeros y provisorios producen relaciones efímeras y provisorias, y todo lo efímero y provisorio está destinado a desvanecerse.  Por el contrario, aun hoy, luego de más de 25 de años de estar cerrado, el parador Aristón, sigue despertando historias, pasiones y deseos. No hablamos pues de una arquitectura efímera, en el sentido que es una arquitectura que dura menos que nosotros mismos, sino de una arquitectura con vocación de permanencia que nos sobrevive. Nos relacionamos con el edificio, que es donde transcurren nuestras realidades cotidianas y alimentamos esa relación con nuestras narraciones. Tenemos una relación afectiva con los lugares que habitamos, tambien han condicionado nuestra manera de ser y actuar. (Nota 2)   

Esa es nuestra “Huella”.

La arquitectura es el arte de las superficies que están alrededor del espacio (Brinkman)

Hay una percepción del lugar y del tiempo (Einstein)

El hombre existe en el espacio al dar lugar al espacio (Heidegger)

  Cada período cultural tiene su propia concepción del espacio, pero es preciso cierto tiempo para que la gente lo entienda asi conscientemente. (Lazlo Moholy-Nagy)  

Hay cierta arquitectura que es muy importante conservar, porque ella y sus espacios nos recuerdan a los que nos han precedido, y también a nosotros mismos en otro tiempo. Hay obras que se transforman en iconos de la arquitectura, tienen la fuerza para influir en su entorno físico y cultural. Transforman el lugar en un sitio especial. Como el Parador Aristón.

Así como las acciones inmateriales se recuperan con las historias que se cuentan y escuchamos, cuando son edificios, las historias se construyen de manera  más compleja, son historias que hemos creado entre todos y son los edificios los que nos dan pistas de esas historias, donde hemos vivido y compartido distintos momentos. Como si cultivaramos, cuando se proyecta un edificio, nos apropiamos del sitio. Nota 3

Así construimos Nuestra Huella.

Marcel Breuer

Un edificio para poder vincularse con la cultura a la que pertenece, debe estar inmerso en las realidades, emociones y mitos que forman el imaginario colectivo de una sociedad. Javier Maderuelo. Nota 4

A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”. Peter Blake. Nota 5

Defender el Parador Ariston es asumir la defensa del patrimonio histórico. La propuesta, es hacer pedagogía en la opinión pública para que defienda la arquitectura contemporánea como parte de su patrimonio, a los gobiernos municipales y provinciales para que declaren la protección de obras de alto valor arquitectónico. Al defender nuestro patrimonio, defendemos lo que hemos heredado de nuestros padres (“Patrimonium”). Al conservarlo (es frágil y limitado), establecemos vínculos con un legado que es común a todos. Su enorme valor radica en que ese legado nos vincula al pasado haciéndolo presente.

Esa es nuestra “Huella”.

Eduardo Catalano

Desde el punto de vista espacial, el Movimiento Moderno creó una nueva manera de entender el espacio urbano y doméstico del cual somos herederos. Arq José María Ezquiaga – decano del Colegio de Arquitectos de Madrid (COAM)

Otra manera de presentar al Parador Ariston

En un mágico paisaje, cuando el hombre proyecta, descubre un lugar. Lo diseña, creando un sitio y creando espacios.

El espacio surge de repensar el tiempo (Henry Lefebvre)

El espacio, es el lugar donde son posibles los relatos, de hecho, todo relato es un relato de un viaje, que es nuestra experiencia personal en ese espacio. El relato de nuestras vivencias, nuestras historias, hace el espacio y al contarlo a los demás, define nuestra “huella”. Nota 6

Carlos Coire

Notas

1.  Marc Augé 1935: Estas formas simples se concretan en y debido al tiempo. De hecho, todas las relaciones inscritas en el espacio se inscriben también en su duración, son, por lo tanto, históricas.

2. Marc Augé, se refiere al “no lugar” como lugares transitorios, que no tienen suficiente importancia para ser considerados “lugares”. Un no-lugar puede ser una autopista, una habitación de hotel, una estación de tren, un centro comercial, donde la relación es más superficial, circunstancial, las relaciones son más artificiales que en un “lugar”. Hay espacios que tienen una doble acepción: Aunque un centro comercial pueda ser un lugar de encuentro, de relación y de diversión para gente joven, puede ser un no lugar para gente mayor

3. La clave estaba en un libro del arquitecto austriaco Victor Gruen, El corazón de nuestras ciudades. Gruen intentaba establecer una circunscripción entre aquello que pertenece a la ciudad (de todas las ciudades en general), y aquello que queda excluido: hay sitios de tránsito y sitios de encuentro; sitios donde los itinerarios corren en paralelo y sitios donde tienden a cruzarse; sitios estáticos y sitios dinámicos; sitios donde uno puede encontrarse con personas y sitios donde las personas se transforman en cosas.

4. Javier Maderuelo. LA IDEA DE ESPACIO. En la arquitectura y el arte contemporáneo 1960-1989. Editorial Akal (978-84-460-1261-0). 2008.

5. El historiador Peter Blake, en su libro “The Master Builders” (1976) comenta acerca de las vidas que pueda tener la arquitectura de los grandes maestros, y nos dice que la primer vida de un edificio comienza cuando el edificio se termina y su éxito se juzga dependiendo de si funciona o no, su segunda vida es una o dos generaciones más tarde cuando ya no se recuerda su comportamiento en términos de planificación, presupuesto, comodidad, ya que se lo juzga simplemente como si fuera una obra antigua, aunque el edificio no sea demasiado “bello”. A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”.

6. Es el relato el que transforma el lugar en espacio. (Michel de Certeau -1925/86- filósofo, “Las artes de hacer”)

 

 

La fealdad del espíritu

La fealdad del espiritu

 

El arbolito no es responsable de nada.

No hay que criminalizarlo, no pidió ningún fondo para exponer su belleza.

Nadie cercano, aprendió de él su forma, sutileza, color o textura, ni su escala o su movimiento.

Ni advirtió sus visitantes (pajaritos, otras aves, hasta algún barrilete).

Nadie observó su maravillosa forma de dar sombra y hasta el susurro del viento y el juego de las hojas flotando en el espacio.

El arbolito no tiene culpa alguna.

Ni criminalizarlo, ni juzgarlo, pero si agradecerle que exista para recordarnos que lo bello muchas veces nos permite reconocer la fealdad. Sobre todo la del espíritu.

Diario La Nación 10 de Mayo 2000 por Luis Grossman

Diario LA NACION

MIÉRCOLES 10 DE MAYO DE 2000

“¡Y vas a ver lo que es canela fina!”

Por Luis J. Grossman

MADRID.- Si notáis en el escrito que sigue algunos giros infrecuentes en nuestras entregas habituales, podréis atribuirlo al caudaloso influjo idiomático recogido durante varias semanas de permanencia en España. Ese contagio lo recibí incluso de dos compatriotas que hicieron las veces de cordiales anfitriones en sendas jornadas madrileñas a fines de Semana Santa.

Primero fue el arquitecto Hugo Kliczkowski que, tras 11 años de vida en Madrid, es casi un oriundo aunque con el acento porteño incontaminado. Con él recorrimos la ciudad y su contorno, comenzando por la Ciudad Universitaria y la siempre lozana residencia argentina Nuestra Señora de Luján (diseñada hace 40 años por Horacio Baliero y Carmen Córdova). El trayecto siguió hasta el monasterio del Escorial y los alrededores, en los que hay casos tan diversos como el Euroforum y la nueva sede de la revista El Croquis, un alarde de vocabulario moderno.

Nuestro tiempo con Hugo concluyó por la noche con una comida en el restaurante Samarkanda, que disfruta del paisaje interior de la estación de Atocha, creativamente reformada por Rafael Moneo.

Gracias a iniciativas públicas y privadas, Madrid luce (de día y de noche) un atractivo espectacular.

Foto: María Aramburu

 

 

 

 

 

A diferencia de Kliczkowski, nuestro segundo cicerone, Alejandro Caffarini, habla ya con la pronunciación y los modismos de un madrileño nato. Está en España hace 12 años y, como es más joven, se asimiló a la vida de Madrid con más plasticidad. Hicimos con Alejandro un largo periplo nocturno mechado con sus agudos comentarios. De lo visto y oído quiero extractar para compartir algunas observaciones que, inevitablemente, comportan un parangón con hechos verificables en nuestro país.

Tomemos por caso el transporte público subterráneo: la evolución operada en la red del metro de Madrid fue tal que en cuatro años duplicaron los 42 kilómetros de vías ya existentes. Eso implica un ritmo de más de 10 kilómetros de construcción de túneles, instalaciones y estaciones terminadas y habilitadas por año . Vale aclarar que los trenes son casi inaudibles, cómodos, y que se desplazan a una profundidad que llega a más de 30 metros con respecto a la cota de la calle.

Pero hay una reflexión que prevalece en mi espíritu después de este intenso paso por la capital española. Después de observar las creativas reformas y adaptaciones en obras venerables y más que centenarias, como la citada del Euroforum del Escorial o las del Museo Reina Sofía y el Thyssen Bornemisza, sin olvidar la estación Atocha y su entorno, uno no puede dejar de lamentar la pacatería que, entre nosotros, impide la presencia del hoy en edificios que ni se acercan a los valores y la antigüedad de las citadas. Ascensores de cristal, sanitarios modernísimos, ambientes diáfanos y bien señalizados, y una clara adaptación al uso propuesto son el resultado de trabajos respetuosos e inteligentes.

Mientras tanto, aquí seguimos discutiendo si puede o no acondicionarse la Villa Victoria para una misión cultural trascendente y no condenarla a un reverente inmovilismo.

Algún día habrá que explicar lo que es canela fina . Y tenerla

Arq. Eduardo Le Monnier, un Icono en el puerto de Bs As por HaKj

Un ícono en el Puerto de Buenos Aires. arq Eduardo le Monnier

Como una escultura posada en el río 

por Hugo A. Kliczkowski Juritz

Hubo una época en que los arquitectos de otros países podían fácilmente convalidar sus títulos universitarios y trabajar en una ciudad (y un país) que valoraba enormemente sus proyectos, la burguesía nacional los esperaban para establecer con ellos una conexión de proximidad y así de/mostrar su pertenencia social, adoptando sus valores estético-simbólicos, en la arquitectura y en el mobiliario como signos de refinamiento. (Nota 1)

Entre esos profesionales hubo muchos arquitectos franceses que nos dejaron sus proyectos, como el que capta nuestra atención cuando se entra al puerto, es una silueta sugerente con un lenguaje arquitectónico que nos retrotrae a la secesión Vienesa.

Es el Yatch Club Argentino, del arquitecto Eduardo Le Monnier, ubicado en uno de los accesos a Buenos Aires.

Edouard Stanislas Louis Le Monnier, o simplificándolo como él lo americanizó Eduardo Le Monier, se forma en la Escuela Nacional de Artes Decorativas, una institución que colaboró intensamente en el desarrollo del Art Decó, en los años 20 a 30. (Nota 2)

La escuela poseía (y posee) un enorme prestigio.Entre sus alumnos podemos mencionar al arquitecto Hector Guimard (1867~1942) representante principal del Art Nouveau, Fernand Léger (1881~1955) destacado pintor cubista de la primera mitad del siglo XX, al pintor Francis-Marie Martínez Picabia (1879~1953), y quisiera agregar a Rébecca Dautremer (1971) quien ha estudiado en la misma escuela, aunque un siglo más tarde. Les recomiendo especialmente el maravilloso libro “Pequeño Teatro de Rebecca” (https://youtu.be/1hiJVA5yDHQ ) editado en español por la editorial Edelvives. Su último libro Une bible, de Philippe Lechermeier, editado por Gautier-Languereau en 2014, es una proeza de ilustración.Esta editorial fue fundada en 1859, 14 años antes del nacimiento de Le Monnier.

Le Monnier, nace en Paris en 1873 desde donde se traslada a Brasil, luego a Uruguay (siendo unos de los pioneros en proyectar viviendas en lo que más tarde se llamaría Punta del Este) y llega finalmente en 1896 a Buenos Aires con 23 años.

Cambios en Buenos Aires

Durante la intendencia de Torcuato de Alvear se operan grandes cambios en la ciudad (entre 1880 y 1883 fue Presidente de la Comisión Municipal de la Ciudad de Buenos Aires, y es designado por el presidente Julio Argentino Roca como primer Intendente municipal para el periodo 1883 y 1887), como parte de los cambios se demuelen la vieja recova (construida en 1802 para la venta de carne, verduras y frutas) para conformar la Plaza de Mayo,  también la Aduana, y el primer Teatro Colón.

 

Existe una preocupación por arquitecturizar el espacio público, como urbanísticamente lo hizo el barón Georges-Eugène Haussmann (1809~1891) en Paris en 1852 por encargo de Napoleón III Bonaparte (1808~1873).

En Buenos Aires de la mano del arquitecto Juan Antonio Buschiazzo(1845~1917)  se diseña la Avenida de Mayo, un eje que conectará la casa de gobierno (la casa rosada) con el Congreso de la Nación y que funcionara como un boulevard central este-oeste. El viejo Fuerte de Buenos Aires se convierte en la Casa de Gobierno (con la construcción del arco monumental que une las dos construcciones existentes). Se anexiona a la ciudad las antiguas quintas de Belgrano y Flores, se construyen obras residenciales e institucionales a gran escala, barrios obreros, edificios para la educación y la salud, así como obras portuarias y tranviarias, que cambiarían en forma definitiva la fisonomía de la ciudad de Buenos Aires.

La sociedad argentina está en pleno esplendor, con una creciente producción agropecuaria y aumento de sus exportaciones, una enorme afluencia inmigratoria y una sed de aplicar modelos urbanos y arquitectónicos especialmente franceses (hay una fascinación  por la moda parisina especialmente a partir del reinado de Napoleón III entre 1852 y 1870) siguiendo los cánones dictados por la Ecole de Beaux Arts, donde predominaban criterios esteticistas de la composición arquitectónica (como las normas de la simetría axial, de la fragmentación de las partes y la “composición” del todo).

Lenta pero inexorablemente los conceptos del clasicismo comienzan a teñirse de eclecticismo, mostrando un proceso de “decadencia” que hace que lentamente se abandonen sus anteriores normas rígidas. Lo que permanece es el esfuerzo –no solo arquitectónico- de dar apariencia de “vida europea”, a ciertos sectores sociales en Buenos Aires.

Llegan los franceses!! 

Arquitectos franceses como Pablo (Paul E.) Pater (Dijon 1879~Buenos Aires

1966), u otros como René Sergent (1865~1927) que a pesar de la enorme cantidad de proyectos que realizó nunca estuvo en nuestro país (entre ellos la residencia Bosch –actual embajada americana o el  Palacio Errázuriz, ahora Museo de Arte Decorativo para la que hasta Rodin llegó el encargo de una nunca construida estufa.

La residencia de la familia Paz de 12.000 m2 (actual Círculo militar) fue proyectada por Luis María Sortaris en Francia. Norbert Maillart (y no Maillard como se lo menciona errónea y habitualmente) (1856 ~ ) diseña el Correo Central, el Palacio de Tribunales y el nuevo Colegio Nacional Buenos Aires.

Los espacios públicos que aún hoy admiramos diseñados por (Jules Charles) Carlos Thays (arquitecto, naturalista, paisajista, urbanista, escritor y periodista francés) (Paris 1849~Bs. As. 1934) embellecidas con esculturas de Augusto Rodin(1840~1917) o Antonio Bourdelle (1861~1929).

Las casas de renta y los “petite hotel” toman del lenguaje arquitectónico dominante sus lineamientos para beber de su prestigio, es una manifestación de buen gusto y ascenso social para sus edificios y sus propietarios. En esa época y a raíz de estas obras surgieron excelentes artesanos, escultores, ebanistas para satisfacer la necesidad del estilo “luises” que abarcaba la porcelana, esculturas, cortinados y mobiliario que decoraban las viviendas de la época.

Otros arquitectos franceses que construyeron sus proyectos en ciudades argentinas y que se formaron en la École Spéciale D´architecture, en la École Des Beaux Arts o como Le Monnier en la  École Nationale Des Arts Décoratifs son: Louis Dubois (1867~1916); (Pierre Paul)

Alfred Massué (1860~1923) se identificó con el art nouveau y el eclecticismo anti-academicista como el edificio de Avda Corrientes y Azcuénaga o la torre del mirador Massué de Plaza Lavalle (deformada por el edificio moderno que la contiene); Gastón L. A. Mallet  (Mennecy – Seine -Et-Oise 1875~Bs.As.1964); Albert Ballu (1849~1939) realizó el pabellón argentino en la Exposición Universal de 1889 en Paris, siguiendo la línea de diseño del Crystal Palace de Joseph Paxton, desmontado y luego de múltiples peripecias por su traslado rearmado en Buenos Aires, donde funcionó durante 20 años como Museo de Bellas Artes, hasta 1933 que fue demolido para ampliar la Plaza San Martín; Robert CH. Tiphaine  (Paris 1879~Bs. As.1962); Emile Hugé (Francia 1863~Bs.As.1912); Auguste Huguier (Troyes 1876~Bs As.1957) autor junto a Eduardo Sauze del palacio Estrugamou en Juncal al 783 de Buenos Aires, bautizado por el escritor Eduardo Mallea como el “codo aristocrático de la calle Arroyo);Joseph Gire (1872~1933); Emilio (Émile) Bonnet Coutaret (Thiers 1863~La Plata 1949) en 1885 junto a Pedro Benoit y el arq. Ernesto Mayerrealizan la Catedral de La Plata, fue director de la Academia de Dibujo y Bellas Artes, entre sus alumnos destacaron Emilio Pettoruti y Adolfo TravascioUlric Courtois (Avignon1843 / ); Joseph Antoine Bouvard  (1840~1920) El intendente Carlos de Alvear lo contrataría para proyectar obras públicas y un plan urbanístico para festejar el centenario de la revolución que se haría en Mayo de 1910; Albert Desiré ; André Guilbert(1866~1949); Henry Paul Nenot (1853~1934) diseño el edificio Dreyfus en Avda. Alem 410.

Si observamos sus fechas de fallecimiento, gran parte de ellos ocurrieron en Buenos Aires, donde habían fijado su residencia.

En 1901, Le Monnier revalidó su título francés en la Universidad de Buenos Aires e ingresa en la SCA (Sociedad Central de Arquitectos), 6 años más tarde presidirá la misma (1907~8).

Le Monnier no oculta la influencia de las líneas anticlasicistas de la Secesión, en especial de los arquitectos Wagner, Olbrich y Hoffman. Arriba a un Buenos Aires que en ese momento se dejaba seducir por diferentes corrientes arquitectónicas, las que darían un lenguaje acorde al uso de cada edificio, con el objetivo de darles un sello personal. 

Las instituciones religiosas abrazarían los llamados estilos historicistas, como el neorrománico (una reinterpretación del románico de la edad media, fue Eugène Viollet-le-Duc que lo difundió en Francia a partir de su “Dictionnaire”), el neobizantino o neogótico (integra elementos de la arquitectura bizantina –desarrollado en Constantinopla- junto con elementos vinculados a la arquitectura cristiano-medieval de Europa del este).

Las instituciones del estado como los poderes legislativo y judicial adoptan variantes grecorromanas y para temas más populares, de ocio como sedes deportivas, turísticas y balnearias; ámbitos de vida rural, y mayoritariamente como “casas quinta” suburbanas el pintoresquismo (una arquitectura desprejuiciada, con referencias a la arquitectura anónima, regionalista y folclórica, con materiales rústicos, como una estética sincera sin aditivos extraños)

Irrumpe también el eclecticismo que cobra vida de la combinación en distintos porcentajes de composiciones académicas, su arquitectura se nutre de esa mezcla de géneros arquitectónicos: tantoel art Nouveau (Nota 3)como los movimientos de vanguardia.

Le Monnier adscribe al eclecticismo que no pasará inadvertido y provoca críticas como la que en 1908  bajo el título “Adefecios a granel” se refiere a su obra “como un atentado fenomenal a las leyes del buen gusto”, y define la resolución de la ochava de la esquina de General Perón al 300 como “lo más feo de lo feo”

Por el contrario años más tarde el arquitecto Federico Ortiz define su obra diversa de un “Eclecticismo Abierto”.

Ve a Buenos Aires, “plagada de fachadas Luis XV”, critica la “modernización” que se da por todas partes en “barrios ricos y pobres, en palacios y casuchas” asociando productos “de civilizaciones tan distintas como lo son la azotea y el Luis XV”Buenos Aires no puede “contentarse con sus antiguas fachadas ornamentadas con pilastras rematadas por capiteles mil veces repetidos y caer en una “Luisiada como si hubiese caído una nevada de Luises” – estos son extractos de su artículo “Garnier y la arquitectura Bonaerense”.

Su prestigio crecía tanto por los encargos que recibía como por los reconocimientos a su trabajo, entre ellos el premio Municipal a la mejor fachada (residencia Ginocchio) y 3er premio a la mejor fachada (residencia Egusquiza).
Se desempeñó además como docente en la Academia Nacional de Bellas Artes y en la Escuela de Arquitectura de la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires.

Sus primeras obras en Buenos Aires las realizo asociado al arquitecto Carlos Altgelt (1855 ~1937) (Nota 4). Se enfrentaron en el seno de la SCA (Carlos Altgelt fue uno de los 10 socios fundadores de la SCA) cuando ambos mantuvieron posiciones encontradas, Altgelt criticaría la sumisión por todo lo que proviniera de Paris, y Le Monnier solicitando la exclusión de todo profesional que no estuviera diplomado en la Sociedad Central de Arquitectos. (El primer título de arquitecto se extiende en 1878 y La Sociedad Central de Arquitectos y la Escuela de Arquitectura los otorgan a partir de 1901. (Nota 5)

Tuvo una destacada actuación en edificios en la ciudad de Rosario, como la sucursal local de la Compañía de Ahorro y Seguro “La Bola de Nieve”, donde celebra una esquina con claras reminiscencias a San Pietro del arq Bramante en Roma, al colocar un tambor con columnatas.Le Monnier Realizo más de un centenar de edificios.

Yatch Club Argentino

Historia

El 2 de Julio de 1883 se crea formalmente el Yatch Club Argentino (YCA), una institución próxima a cumplir 134 años, que figura entre los 30 clubes más antiguos del mundo dedicados al yatching.

La primer obra fue realizada por la empresa constructora Erausquin y Sanmartino, con un coste de 57.000 pesos (casi imposible darnos una idea de que magnitud hablamos).

En Septiembre de 1911 el Congreso aprueba el proyecto que concede al club un fondeadero de 30.000 metros cuadrados de superficie, y en Junio de 1914 la concesión para la sede social, El edificio sede central del Yatch Club Argentino es inaugurado el 23 de diciembre de 1915, lo amplia en 1930. En 1995 es remozado y restaurado.

Ubicada en el espigón de la Dársena Norte en el Puerto Nuevo de Buenos Aires. Al más puro lenguaje de la secesión Vienesa, de espaldas a la ciudad y frente al río abierto, el Rio de la Plata, diseña un edificio de formas curvas y lenguaje náutico, el faro (torre asimétrica que remata en una esfera de hierro y vidrio iluminada), una cubierta a modo de mirador sobre el río, la puerta como timón de barco. Le Monnier se permite liberarse de la escuela académica, poniendo como límite solo su espíritu creativo.

Es una obra que anticiparía las arquitecturas de los años 30. Un lenguaje que se enriquece con escalinatas, terrazas torres y contrafuertes, una cubierta en diagonal, distintos cuerpos que componen la volumetría general, la obra se eleva del terreno, aun manifestando un anclaje al mismo, con sus escalinatas y la generosa superficie de sus terrazas.

Declarado Monumento Histórico Nacional en 2001, en 2004 fue galardonado por la Asociación Art Nouveau de Buenos Aires como uno de los Edificios Emblemáticos y Destacados de Buenos Aires. (Nota 6)

Descripción

Con una propuesta innovadora y conceptualmente academicista, propone resoluciones modernistas muy ingeniosas. 

El conjunto es asimétrico, el sector más alto, remata en una torre-faro, donde está ubicado la fachada y el acceso principal que esta frente a la ciudad, y se articula con otro más bajo semicircular y que en forma de hemiciclo se brinda al río,

Su zona social tiene 4 lugares que se usan como comedor, el Salón Principal –con ventanales con arcos de medio punto, y paredes revestidas en madera-, el Salón Grumete -para los más pequeños-, el Salón Copa Atlántico y el Bar, con una barra de madera cóncava -al revés de las barras habituales convexas-.

Cuenta con una gran explanada, con reminiscencias de cubierta de barco, En la parte superior está la biblioteca y tres habitaciones para los jueces de las regatas internacionales que organiza el YCA, con los nombres de tres históricos veleros “Recluta” “Fortuna” y “Fjord III”.

En la segunda intervención del arquitecto entre 1929 y 1930, reemplaza el techo de tejas por una losa de Hormigón Armado de borde redondeado.

Funcionalmente, el cuerpo longitudinal contiene los halles de acceso así como las circulaciones verticales, cocinas y demás servicios. En el cuerpo semicircular se ubican las áreas sociales, bar comedor y terraza con dos escalinatas que permiten acceder a una gran explanada con vistas al rio

En 1991 se realizaron importantes trabajos para apuntalarlo ya que el suelo al ceder provocó la inclinación de la torre faro, se utilizó una compleja técnica de micro pilotajes para reforzar las fundaciones, y anclar mejor el edificio.

 

Videos

https://youtu.be/hiMjybQeQscideo (arquiviajes)

https://youtu.be/4E6V2fKPMPk

Libro

Agosto 2001: Libro-catálogo de 200 páginas “Le Monnier, Arquitectura francesa en la Argentina”, muestra exhibida en el Archivo y Museo Histórico del Banco de la Provincia de Buenos Aires, organizada por el Centro de Documentación de Arquitectura Latinoamericana (CEDODAL), dirigido por el arquitecto Ramón Gutiérrez, con textos entre otros de Julio Cacciatore, Jorge Tartarini, Federico Ortiz, Elisa Radovanovic, Graciela Viñuales y Patricia Mendez.

Trabajo como como dibujante y proyectista en su estudio ubicado en el último piso del pasaje Barolo. El arquitecto Eduardo Le Monnier fallece a los 58 años en Buenos Aires, un 13 de Enero de 1931, dos años más tarde de las conferencias dictadas por otro Suizo francés Le Corbusier.

Principales Obras

Muchas de sus obras (valiosas como la de tantos otros) fueron demolidas (Nota 7)

– 1898  Panadería “La Burdalesa”. Paraná nº 861/9, Buenos Aires. Demolida

Vivienda con un comercio en la planta baja, estilo art nouveau. Su fachada estaba revestida en piezas cerámicas vitrificadas, mansarda y buhardilla,

– 1901 edificio de rentas en tres plantas y comercio en planta baja en Cangallo (hoy Tte. Gral. Perón) esquina Esmeralda. Demolido

– 1902 Herrería Artística Motteau, Garay 1272, Buenos Aires. Demolida 

– 1902 Iglesia del Sagrado Corazón de Jesús, en Hurlingham, pcia de Buenos Aires.

– 1902 Iglesia de Nuestra Señora del Carmen, en Ramos Mejía, pcia de Buenos Aires.

– 1902  Iglesia de la Sagrada Familia, en Haedo, pcia de Buenos Aires.

– 1902 Cottage “Tocad”, propiedad de Le Monnier en Bella Vista. Actual parte del Club de Regatas de Bella Vista.

– 1903 Casa de Bartolomé Ginocchio. Lima 1642, Buenos Aires. Premio Municipal a la mejor fachada. Demolida

– 1904 Compañía “La Bola de Nieve”. Tte. Gral. Juan D. Perón 301, Buenos Aires. Demolida

– 1904 oficinas de la Sociedad de Ahorro Mutuo en Cangallo y 25 de Mayo. Buenos Aires. Demolida

– 1905 Residencia de Féliz Egusquiza. Libertad 1394, Buenos Aires. Resuelta en un  estilo academicista y diseños de vanguardia. Tercer premio municipal de fachada. Demolida

– 1905 Edificio de oficinas para “La Bola de Nieve”. Perú 167, Buenos Aires.Demolido

– 1905 Iglesia de la Parroquia San Francisco Solano, en Bella Vista.

– 1906 Casa de huéspedes “La Oriental”. Bartolomé Mitre 1840, Buenos Aires.Demolida

– 1906 Compañía “La Bola de Nieve”. Córdoba y Laprida, Rosario. Durante muchos años el edificio más alto de la ciudad.

– 1906 Jockey Club. Córdoba y Maipú, Rosario.

– 1907  Residencia de Juan A. Fernández y Rosa de Anchorena. Av. Alvear 1637 y Montevideo,   Actual sede de la Nunciatura Apostólica en Buenos Aires. Con un elegante acceso para carruajes, posee una planta estructurada alrededor de un gran óvalo central resuelto con escalinatas de líneas cóncavas y convexas.

– 1907  Residencia de Carolina Ortega de Benítez. Av. Callao 1807, Buenos Aires.Demolida

– 1907 residencia en Avenida de los Incas 3260. Buenos Aires

– 1908 Casa de Arturo Z. Paz. Santa Fe 1652 a 1662, Buenos Aires (año 1908). Demolida

– 1913 Sede social del Yacht Club Argentino. Dársena Norte de Puerto Madero, Buenos Aires.

– 1916 termina el Jockey Club de Rosario, calles Maipú y Córdoba, Buenos Aires,

– 1925 Banco Argentino Uruguayo. Av. Roque Sáenz Peña 525 esquina San Martín, frente a la Catedral Metropolitana y a la histórica Plaza de Mayo. Monumentales pilastras jónicas se elevan a toda la altura del edificio, en la ochava resalta un cilindro también envuelto en pilastras jónicas coronado con una linterna a 56 metros de altura.
Le Monnier tenía allí su oficina, debajo de los balcones, junto a una serie de figuras griegas hay un rostro de un  señor pelado de bigotes.
Es su rostro observando la Plaza.

– 1927 Edificio de viviendas para “Bencich Hermanos”. Av. Córdoba 801 y Esmeralda, Buenos Aires

– 1927 Edificio Miguel Bencich. Av. Roque Sáenz Peña 602, Buenos Aires

– 1927 Edificio de viviendas para “Bencich Hermanos”. Suipacha 1399 y Arroyo, Buenos Aires

– 1928 Edificio de la Secretaría de Gabinete de Jefatura de Gabinete de Ministros “Edificio del INAP”. Ave. Roque Sáenz Peña 511, Buenos Aires.

– 1929 Edificio de viviendas para “Bencich Hermanos”. Tucumán 802 y Esmeralda, Buenos Aires

Notas

1.- Hubo una tensión en la Sociedad central de Arquitectos, entre los que proponían una arquitectura ecléctica, básicamente producida por la mano de los arquitectos europeos y los que entendían que dicha arquitectura se oponía a la búsqueda de una identidad o estilo nacional.  Es con Alejandro Christophersen (Cádiz 1866~Bs. As.1946) que en 1901 se crea la Escuela de arquitectura (en el marco de la Facultad de Ingeniería y de Ciencias Exactas) donde se propone una formación académica con la intención de adecuarse a la realidad del país. En 1906 son mayoría los arquitectos que tenían sus títulos de revalidas de títulos europeos. En 1915 se crea la revista de Arquitectura por el Centro de Estudiantes de arquitectura y desde 1917 es vocero de la SCA con una opinión más política.

2.-  El CEDODAL (Centro de Documentación de Arquitectura Latinoamericana) dirigida por  su fundador el arquitecto Ramón Gutiérrez (1939) realizó en el 2001 una exposición gráfica y fotográfica presentando el libro-catálogo “Le Monnier, arquitectura francesa en la Argentina”, 200 páginas con  ensayos de varios autores, sus épocas en Brasil y Uruguay, Rosario y Buenos Aires. Al final de la publicación figura un catálogo completo de sus obras y proyectos. De su época de estudiante (fue un buen alumno, obtuvo medallas y menciones) figuran cartas que intercambio con dos de sus profesores, Eugène Train (1832~1903) y Charles Genuys (1852~1928).

3.- distintas denominaciones como Art Nouveau en Bélgica y Francia, Floreale en Italia, Liberty en Inglaterra, Jugendstil en Alemania, Modernismo en Cataluña,Escuela de Glasgow y Secesión Vienesa en Viena). 

4.- Le gustaba presentarse como “Carlos Altgelt arquitecto no ingeniero”. Sus alegaciones tratando de definir como distintas ambas profesiones y formaciones fueron muy influyentes y expresadas con gran convicción, sostenía que los ingenieros eran profesionales ajenos al genio artístico, meros usurpadores de la profesión de arquitecto. Para él todo arquitecto podía, mediante algunos estudios de ciencia pura, llegar a ser un buen ingeniero, pero ningún ingeniero podría llegar a ser un arquitecto mediocre sin largos años de aprendizaje artístico, y para que no quedaran dudas, remataba: “… donde empieza el ingeniero, acaba el artista”. Más aún, consideraba que la mala calidad de la arquitectura argentina se debía a que la Sociedad de Arquitectos estaba invadida por ingenieros que hacían de arquitectos.

5.- La SCA se crea el 18 de marzo de 1886, Los socios fundadores fueron: Ernesto Bunge, que había estudiado en Alemania fue el primer presidente de la SCA,  Joaquín Belgrano, Carlos Altgelt, Otto von Arnim, Juan Martín Burgos, Juan Antonio Buscchiazzo, Adolfo Büttner, Julio Dormal, Enrique Joostens y Fernando Moog,

6.- Otros edificios galardonados como edificios emblemáticos además del Yacht Club Argentina (Le Monnier) son el Palacio Barolo (Mario Palanti), la Galería Güemes y Piazzola Tango (Francisco Gianotti), El Ateneo Grand Splendid (Peró y Torres Armengol) y como edificios destacados  la sede del Club Sirio-Libanés (Virasoro), y el Casal de Catalunya (García Núñez).

7.- 2008 Arquitecturas ausentes: Obras  notables demolidas en la ciudad de Buenos Aires (ISBN 9789872443504) CEDODAL y Ediciones El Artenauta. 106 páginas. 80 obras únicas demolidas  Ramón Gutiérrez, Patricia Méndez y Marcelo KohanContenido Fotografía y Arquitectura, una relación bien atemperada / Arq. Patricia Méndez – Arquitecturas ausentes, El imaginario de otra Buenos Aires / Arq. Ramón Gutiérrez – Plaza Mayor y alrededores – Arquitectura institucional, pública y privada – Arquitectura comercial – Arquitectura de las viviendas – Espacios culturales.

 

Arq., Hugo A. Kliczkowski Juritz

Exposición sobre Rafael Moneo en el Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid. Mayo 2017 por HaKj

En el marco de los 25 años del Museo Thyssen-Bornemisza, se puede ver la exposición:

 Rafael Moneo. Una reflexión teórica desde la profesión. 
Materiales de Archivo (1961~2016)

Del 4 de Abril al 11 de Junio de 2017.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Siempre es interesante ver las obras de Rafael Moneo, especialmente si la exposición tiene lugar en una de sus obras como es la remodelación y puesta en valor del Palacio de Villahermosa a Museo Thyssen-Bornemisza, realizado por su estudio.

Están muy bien expuestos dibujos, planos, maquetas y fotografías. Se la recorre muy cómodamente en 2 horas.

En el catálogo de la exposición Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza,  nos explica: “la presente muestra es una edición actualizada de la que se inauguró en 2013 en la Fundación Barrié de A Coruña y posteriormente ha visitado Lisboa, Ciudad de México y Hong Kong”.

 La exposición se recorre en el nivel -1 del Museo, y en el 1er nivel que balconea al gran hall distribuidor de la entrada, continua la exposición con la historia del edificio del palacio de Villahermosa, con las sucesivas modificaciones hasta la última realizada por Rafael Moneo.

 

 

 

Rafael Moneo, expresa  en el catálogo “¿cómo plantear la muestra? Fresca todavía la que había sido mi participación en la Biennale di Architettura di Venezia en el año 2012, en la que había presentado sólo dibujos de mi obra como arquitecto en Madrid, pensé que tal vez tuviese interés ampliar el campo a toda mi carrera, haciendo de los dibujos el vehículo preferente para mostrarla”.

“Con ayuda de María Fraile, y de Francisco González de Canales, que asumió el papel de comisario, nos zambullimos en el archivo en busca de aquellos dibujos originales que pudieran tener cierto interés, tanto para los profesionales como para el público en general. Ellos han sido los responsables de la selección de los proyectos y de los dibujos que aquí se exponen. Todos juntos me parece que ofrecen una buena muestra del papel que el dibujo ha tenido en la práctica profesional de los arquitectos en estos últimos 55 años. Además, el conjunto de los dibujos documentan lo que ha sido la evolución del pensamiento arquitectónico durante los años en que se ha desarrollado mi carrera, en la que el ejercicio profesional ha estado siempre acompañado por la dedicación a la crítica y a la enseñanza”. “No se pretende mostrar exhaustivamente ningún proyecto y sí dar razón de lo que ha sido toda una carrera.

Fotografías y maquetas acompañan a los dibujos “

 A grandes trazos, podemos escribir que José Rafael Moneo Vallés, nace en Tudela (Navarra) en 1937.

Estudia en la Escuela de Arquitectura de Madrid, titulándose en 1961.

En su época de estudiante trabajó con Francisco Javier Sáenz de Oíza.

Tras un año en el estudio de Jørn Utzon en 1963 gana la pensión de la Academia de España en Roma, permaneciendo en esta ciudad hasta 1965.

En 1970 obtiene la cátedra de Elementos de Composición de la Escuela de Arquitectura de Barcelona y desde 1980 hasta 1985 enseña en la Escuela de Arquitectura de Madrid, año en que es nombrado Chairman de la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard, cargo que mantiene hasta 1990. En la actualidad es Professor of Architecture en la Graduate School of Design de Harvard.

La actividad de Rafael Moneo como profesor y arquitecto va acompañada por la que desarrolla como conferenciante y crítico.

Cofundador de la revista Arquitecturas Bis, sus escritos se han publicado en numerosas revistas profesionales y la presentación de su obra mediante exposiciones y conferencias, le ha llevado a instituciones a uno y otro lado del Atlántico.

En 2005 publicó el libro “Inquietud teórica y estrategia proyectual en la obra de ocho arquitectos contemporáneos” obra que ha tenido un amplio eco habiéndose traducido a ocho idiomas.

En septiembre de 2010 vieron la luz simultáneamente las ediciones de su libro Apuntes sobre 21 Obras (Gustavo Gili) y Remarks on 21 Works (Monacelli Press).

En 2013 ha presentado Rafael Moneo, Porfolio Internacional 1985~2012 (La Fábrica) y Rafael Moneo, International Portfolio 1985~2012 (Edition Axel Menges).

Ha recibido numerosas distinciones, entre otras el Premio Pritzker de Arquitectura en 1996 y la Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects en 2003.

Elegido Académico de Bellas Artes en 1997, tomó posesión de su plaza a comienzos de 2005.

En 2006 el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España le hizo entrega de la Medalla de Oro de la Arquitectura Española y en 2012 obtuvo el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

 Exposicion

En el Hall de acceso a la exposición, se pueden leer en unos paneles, una cronología de la vida de Rafael Moneo, en una pantalla van apareciendo imágenes de video con las obras que luego se verán con más detalle dentro de las 6 salas.

1er. Sala

Los años formativos La Escuela de Madrid (hasta 1968) (Nota1)

Trabajó con Saénz de Oíza en las Torres Blancas (1958-61), luego en Dinamarca con Jørn Utzon para participar en el proyecto de la Ópera de Sídney (1961~2) .Su esporádica colaboración con Fernando Higueras en el Centro de Restauración (Premio Nacional de Arquitectura 1961) lo identifican claramente con la llamada “Escuela de Madrid”.

En esta sala destacan

– Las Escuelas en Tudela (1966~71). Nota 2

– La Fábrica de Transformadores Diestre en Zaragoza (1964~7)

– Mercado en el Centro Histórico Cáceres, 1962 Concurso. Segundo premio

– Ampliación de la Plaza de Toros Pamplona. 1966~1967 Concurso. Primer premio

 

2nda Sala

Una expresión propia. Primera madurez (hasta 1976)

Puso en orden su pensamiento arquitectónico al centrarse en la preparación del programa de enseñanza en 1970 de la cátedra de elementos de composición en la Escuela de Barcelona.

Sitúa a la historia como centro de aproximación al proyecto, como un cuerpo de conocimiento que asiste al arquitecto con un conjunto de soluciones ya ensayadas por otros. En su obra se verán soluciones estudiadas por Asplund, Gardella, Terragni, Sullivan e incluso arquitectos contemporáneos como Rossi, Venturi o Stirling.

Valora la reconsideración de la composición como herramienta de proyecto capaz de articular una arquitectura hecha de diferentes partes. De esta época es la relación de Moneo con el urbanista barcelonés Manuel de Solà-Morales.

Sus teorías arquitectónicas que dotan a sus edificios con un “principio estructurante” están presentes en su ensayo “Sobre la noción de tipo”.

En esta sala destacan:

– Sede Bankinter Madrid (1972~76). Nota 3

Sede de Previsión Española en Sevilla (1982~87)

– Ayuntamiento de Logroño (1973~81)

3er Sala

La escena internacional. Entre Madrid y Nueva York (hasta 1984)

 Durante el curso 1976~7 Moneo se toma un año sabático de la escuela de Barcelona y acepta la invitación de Peter Eisenman para acudir al Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos de Nueva York, así como de John Hejduk como profesor visitante en la Cooper Union, y en Princeton (al año siguiente).

Estos contactos así como el de Gandelsonas, Silvetti, Vidler y arquitectos europeos como Stirling y Koolhaas, por entonces en Nueva York, le abren nuevas perspectivas intelectuales.

En 1980 deja la cátedra de Barcelona, y se hace cargo de la cátedra de composición en Madrid. Su eje académico pasa a ser Madrid/New York.

En esta sala destacan:

– Ampliación del Banco de España en Madrid (1978~80),

– Edificios como Previsión Española en Sevilla (1982~7)

– Museo Nacional de Arte Romano de Mérida (1980~6). Nota 4

 

4ta. Sala

La experiencia americana Harvard (hasta 1990)

A raíz de su nombramiento en 1985 como director del Departamento de Arquitectura de Harvard, se traslada a vivir durante 5 años a Cambridge, Massachusetts.

Recupera la relación entre pensamiento teórico y construcción frente a la mera especulación gráfica, tan presente entonces en las universidades americanas. Éste fue el tema principal de su discurso inaugural en Harvard, “La soledad de los edificios”.

En esta sala destacan:

– Ampliación de la estación de Atocha, Madrid (1984~92)

– L’Illa diagonal, Barcelona 1987~1994 (con Manuel de Solà-Morales)

– Kurssaal Auditorio y centro de congresos en San Sebastián (1990~99). Nota 5

– La Fundación Joan i Pilar Miró en Palma de Mallorca (1987~92)

 

– El Auditori y Centro de Música de Barcelona (1987~99).

5ta. Sala

Una práctica profesional global Regreso a Madrid y reconocimiento internacional (hasta 1999)

6ta. Sala

La oficina en el cambio de siglo El presente de una práctica profesional reflexiva (hasta hoy)

En 1990 regresa a España, recibe en 1996 el premio Pritzker y pasa a ser una figura reconocida en el “star System global”.

Enfatiza cada vez más en la importancia del lugar en la construcción del proyecto, y sus reflexiones más importantes de esta época, como la conferencia “El Murmullo del Lugar”, reivindicaban precisamente esa posición.

Para Moneo, el lugar no dicta necesariamente una respuesta directa sobre la arquitectura que debe ser hecha, sino que debe ser interpretado, recíprocamente

construido y a veces incluso confrontado.

Es por ello que Moneo prefiere a menudo usar otros términos menos cargados, como “apropiado” en lugar de “contextual”, o “sitio” en vez de “lugar”.

En estas salas destacan:

– Museo de Arte Moderno y Arquitectura de Estocolmo (1991~8), concurso 1er premio.  Nota 6

– la Ampliación del Ayuntamiento de Murcia (1991~8) Nota 7

 

 

– El Museo de Bellas Artes Audrey Jones Beck en Houston (1992~2000)

– la Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles (1996~2002) Nota 8

 

– la Ampliación del Museo del Prado (1998~2007),

 

Con estos proyectos, son con los que el estudio inicia su trabajo en el siglo XXI

RAFAEL MONEO. UNA REFLEXIÓN TEÓRICA DESDE LA PROFESIÓN
A partir de aqui, con los materiales de archivo (1961-2016) un listado de proyectos expuestos en cada sala.

 

Expuestos en la 1er sala

  1. Centro Emisor en Plaza del Obradoiro, Santiago de Compostela, España, 1962. Concurso. Premio de Roma
  2. Mercado en el Centro Histórico de Cáceres, España, 1962. Concurso. Segundo Premio
  3. Ampliación de la Plaza de Toros de Pamplona, España, 1966~1967
  4. Ópera de Madrid, España, 1964. Concurso
  5. Fábrica de Transformadores Diestre, Zaragoza, España 1964~7
  6. Colegios en Tudela, España, 1966. Concurso. Accésit. (proyecto 1966~1971)
  7. Casa Gómez-Acebo, La Moraleja, Madrid, 1966~8
  8. Plan Parcial, Sector 8, Vitoria, España, 1966~8. (con Carlos Ferrán y Eduardo Mangada)
  9. Ayuntamiento de Ámsterdam, Holanda, 1967~8. Concurso. Finalista

Expuestos en la 2nda sala

  1. Edificio de viviendas Urumea, San Sebastián, España, 1969~1973 (con Javier Marquet, Javier Unzurrunzaga y Luis Zulaica)
  2. Remodelación del Centro Histórico de Zaragoza, España, 1969~70. Concurso. Segundo Premio (con Manuel Solà-Morales)
  3. Sede de Bankinter, Madrid, España, 1972~1976 (con Ramón Bescós)
  4. Colegio de Agentes de Cambio y Bolsa de Madrid, España, 1973. Concurso
  5. Ayuntamiento de Logroño, España, 1973~1981
  6. Remodelación del Centro de Eibar, España, 1973~1974. Concurso. Primer Premio
  7. Viviendas en el Paseo de la Habana, Madrid, España, 1973~1977 (con Ramón Bescós)
  8. Polígono Residencial del Actur de Lacua, Vitoria, España, 1976~80. Concurso. Primer

Premio (con Manuel Solà-Morales)

Expuestos en la 3er sala

  1. Ampliación del Banco de España, Madrid, 1978~80. Concurso. Primer Premio
  2. Cannaregio, Venecia, Italia, 1978~1979. Concurso. Primer Premio
  3. Viviendas en Rua Vieja, Logroño, España, 1979~82.
  4. Plan Especial de Aranjuez, España, 1979-81 (con Manuel Solà-Morales)
  5. Museo Nacional de Arte Romano, Mérida, España, 1980-1986
  6. Sede de Previsión Española, Sevilla, España, 1982-1987
  7. Sede del Banco de España en Jaén, España, 1983-1988
  8. Estadio Olímpico en Montjuic, Barcelona, España, 1983. Concurso (con F. J. Sáenz de Oiza)

Expuestos en la 4ta sala

  1. Ampliación de la Estación de Atocha, Madrid, España, 1984~1992
  2. Progetto Biccoca, Milán, Italia, 1985. Concurso
  3. Concurso IACP Campo de Marte, Guidecca, Venecia, Italia, 1985. Concurso. Primer Premio
  4. La Escudería Imperial Museumquartier-Messepalast, Viena, Austria, 1986. Concurso
  5. Fundación Pilar i Joan Miró, Palma de Mallorca, España, 1987~1992
  6. Edificio L’Illa Diagonal, Barcelona, España, 1987~1994 (con Manuel Solà-Morales)
  7. L’Auditori – Centro Musical de Barcelona, España, 1987~1999 
  8. Palazzo del Cinema, Venecia, Italia, 1990. Concurso. Primer Premio
  9. Kursaal – Auditorio y Centro de Congresos, San Sebastián, España, 1990~1999

Expuestos en la 5ta sala

  1. Ampliación del Ayuntamiento de Murcia, España, 1991~1998.
  2. Museos de Arte Moderno y Arquitectura, Estocolmo, Suecia, 1991~1998.
  3. Museo de Bellas Artes, Edificio Audrey Jones Beck, Houston, Tejas, EEUU, 1992~2000
  4. Residencia del Embajador de España en Washington, EE.UU, 1995~2002
  5. Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles, Los Ángeles, California, EEUU, 1996~2002.
  6. Souks de Beirut, Líbano, 1996~2009
  7. Biblioteca Arenberg, Universidad Católica de Lovaina, Bélgica, 1997~2002
  8. Hospital Materno-Infantil Gregorio Marañón, Madrid, España, 1997~2003
  9. Ampliación del Museo del Prado, Madrid, España, 1998~2007
  10. LISE, Universidad de Harvard, Cambridge, Massachussets, EEUU, 2000~2007
  11. Complejo Aragonia, Zaragoza, España, 2000~10
  12. Biblioteca para la Universidad de Deusto, Bilbao, España, 2001~9
  13. Parroquia en las Riberas de Loiola, San Sebastián, España, 2001~2011
  14. Edificio de laboratorios para la Universidad de Columbia, Nueva York, EE.UU,       2005~2010         
  15. Museo de la Universidad de Navarra, Pamplona, 2009~2014
  16. Departamentos de Neurociencia y Psicología para la Universidad de Princeton, Nueva Jersey, 2007~2013
  17. Bodega Descendientes de J. Palacios, Villafranca del Bierzo, 2013~
  18. APEIRON. Viviendas y Hotel en el Jockey Club, Miami, Florida, 2014~

Nota 1

Los textos están extraídos de los paneles de presentación de cada sala.

Nota 2

Escuelas Públicas en Tudela, 1966~1971

Con el propósito de construir el mayor número de aulas en el solar, se dispusieron éstas perpendicularmente a la calle, obligándose así el arquitecto a resolver la doble orientación deseada con la ayuda de la luz reflejada por los “pozos” que la captan en la cubierta.

En términos lingüísticos se entiende esta arquitectura como expresión de un realismo dando un evidente protagonismo a los métodos de construcción –tradicionales– con los que se trabaja.

Nota 3

Sede de Bankinter, Paseo de la Castellana 29, Madrid, 1972~1976. Con Ramon Bescós

Manteniendo el palacio existente del Marqués de Mudela, una dignísima muestra de la arquitectura ecléctica madrileña de fines de siglo XIX, el nuevo edificio convive co el antiguo, manteniendo ambos su independencia.

El cambio de acceso y la afilada esquina/proa hace posible esta convivencia de forma autónoma.

Nota 4

Museo Nacional de Arte Romano, Mérida, 1980~1986

El origen de este proyecto fue realizar un muro de contención de la calle José Ramón Mélida, en peligro por la excavación de los arqueólogos, al encontrar acueductos, peristilos de casas romanas, cimientos de patios renacentistas, cisternas, atarjeas e incluso restos de una iglesia paleocristiana.

Construír sobre lo construido, El nuevo museo venía a ser la recuperación de la continuidad perdida entre lo romano y la Mérida de nuestro días: el nuevo museo, por tanto, aparece como episodio más reciente de lo que había sido la historia de aquel lugar.

El uso de los medios de construcción cuasi-romanos, con espacios arquitectónicos contemporáneos, produce el contrapunto de atracción de este museo.

Nota 5

Kursaal-Auditorio y Centro de Congresos, San Sebastián, 1990~1999. Concurso, Primer premio

Seleccionado entre los trabajos de los arquitectos Botta, Isozaki, Corrales / Peña Ganchegui / Molezún, y Foster.

Quizás las enseñanzas del escultor Jorge Oteiza sobre como los sólidos primarios son dinamizados y activados por su deseo de movimiento, y el planteo de Moneo que no fuera una mera extensión de la forma urbana (de la avenida Zurriola) sino el planteo de una accidente geográfico capaz de sugerir la presencia de los montes Urgull y Uria.

Son pues dos grandes rocas varadas de vidrio.

Nota 6

Museo de Arte Moderno y Arquitectura, Estocolmo, 1991~1998. Concurso, Primer premio

Cuando la armada sueca abandona la isla de Skeppsholmen, sus instalaciones pasaron a ser instituciones culturales (escuelas, museos, teatros), se decide construir un nuevo museo que debería incluir el Arkitektur Museet. A diferencia de la opera de Sidney de Jørn Utzon o El Guggenheim de Frank Ghery, no pretende atraer las miradas, sino volcar éstas sobre la ciudad que tiene frente a sí.

Nota 7

Ampliación del Ayuntamiento de Murcia, 1991~1998

Un solar en la plaza del Cardenal Belluga, el más notable espacio público de la ciudad de Murcia. Sin los excesos del posmodernismo, Moneo plantea una forma de actuar en la ciudad histórica sin normas ni cánones estrictos. Debe convivir con la fachada monumental de la Catedral del arquitecto Jaime Bort de 1754, el Palacio del Cardenal Belluga, del arquitecto Baltasar Canestro entre 1765 y 1768, y toda una serie de viviendas construidas por la burguesía local a principios del siglo XX, sin sobresaltos en dicha plaza despliega en el plano vertical una estructura de pilastras subrayando sus aristas.

Reconociendo lo singular, lo específico, escuchando lo que sugiere el lugar, atendiendo a su instinto arquitectónico, produciendo un edificio que demuestra su conocimiento disciplinar al actuar en libertad.

Nota 8

Catedral de Nuestra Señora de los Ángeles, Los Ángeles, California, 19964 2002. Concurso, Primer premio

Seleccionado entre los trabajos de los arquitectos invitados Santiago Calatrava, Frank Gehry, Tom Mayne, Robert Venturi y Denise Scott-Brown.

Moneo planteo una novedad tipológica al plantear el acceso desde la cabecera, capillas abiertas a un deambulatorio.

 

Constructivismo / Deconstructivismo por HaKj


Constructivismo / deconstructivismo

Analizando el constructivismo ruso (movimiento de vanguardia, que organiza los planos y la expresión del volumen) y el deconstructivismo, (el control del desorden en un diseño impredecible y perturbador),  es posible detectar que ambos comparten una tendencia y una actitud en común, existe un nexo entre la construcción y la deconstrucción.

El constructivismo nace en 1914, el deconstructivismo en 1980, aunque 66 años las separan, comparten la voluntad de provocar la ruptura con la tradición, entendiendo a ésta como un vínculo con el pasado, y proponiendo o creando un orden “fresco”, dando “nuevos aires” a ambas corrientes

Los viejos conceptos han de ser defenestrados, tratan de crear nuevas formas en el espacio, convencidos sus protagonistas que es la originalidad la que debe primar sobre esos conceptos, que consideran superados por los cambios.

Tanto es así, que el constructivismo influye en distintas áreas del conocimiento, pone nombre al andamiaje necesario para actuar, sienta las bases conceptuales a un crecimiento continuo, dinámico, creativo y reflexivo. Pretende orientar la misión del artista, que no es otra que la de construir en y con el arte.

Constructivismo

Alexander Ródchenko

En el campo del arte y la arquitectura, en la Rusia de 1914 el artista y arquitecto Vladimir Tatlin, (1885 ~1953) funda el constructivismo junto a otro pionero del movimiento también artista y arquitecto El (Eliazar) Lissitzky, (1890 ~1941), posteriormente se le unieron Antón Pevsner, artista (1888 ~1962) y su hermano Naum Gabo, artista y médico (1890 ~1977), Kasimir Malevich, pintor (1878 ~1935) y Alexander Ródchenko, diseñador, fotógrafo (1891 ~1956 ) su esposa Varvara Stepánova, artista (1894 ~1958) así como Laszlo Moholy-Nagy, pintor, fotógrafo (1895 ~1946 ), y profesor en la Bauhaus de Dessau, y su esposa Lucia Moholy ( Lucía Schultz 1894 ~ 1989).

 

Laszlo Moholy-Nagy

 

 

Es Theo van Doesburg (1883 ~1931) -grupo Abstraction-Creation-, quien con su influencia y la del grupo que toma el nombre de la revista fundada por Doesburg y Piet Mondrian ( 1872 ~1944) en Octubre de 1917 “De Stijl” (el estilo), provoca el interés y convoca la participación del pintor y profesor uruguayo  Joaquín Torres García (1874 ~1974).

    América Invertida. Joaquín Torres García 1943

 

 

 

Joaquín Torres García, Composición constructiva

 

 

 

 

Un protagonista especial fue Vladimir Tatlin quien diseña y construye su maqueta el Monumento a la III Internacional (1919), una torre que el crítico y ensayista Viktor Shklovski (1893 ~ 1984) definió como una “Torre de Babel construida, de hierro, vidrio y revolución”.

Vladimir Tatlin

 

 

 

 

 

Claramente se nutre de una ideología y una actitud política con la intención de difundir y crear del constructivismo en el arte, un arte revolucionario.

Algunos artistas y arquitectos generadores y propagadores del constructivismo en el mundo

El ingeniero Vladímir Shújov  (1853 ~1939) diseñó en 1920 la torre Shujov o Shábolovka –estructura hiperboloide de 160 metros-,

 

 

 

 

 

 

Oskar Schlemmer pintor y escultor alemán (1888-1943) estuvo vinculado a la Bauhaus de Weimar, Vadim Meller pintor, diseñador y escenógrafo ruso (1884 ~1962) vinculado a “Der Blaue Reiter” grupo expresionista fundado por V. Kandinski y F. Marc que existió desde 1911 a 1913. (El jinete azul, proviene del nombre de un cuadro de 1903 de Kandinsky). (Nota 1)

Kandinsky, el jinete azul

 

 

 

Lyubov Popova pintora rusa (1889-1924) asociada al constructivismo, suprematismo y cubo- futurismo), Konstantín Mélnikov arquitecto y pintor ruso (1890-1974) es famosa su residencia de 2 torres cilíndricas con ventanas hexagonales en Moscú de 1929.

Esta casa le dio tanto fama como arquitecto, como la desgracia de su persecución política y profesional por el estanilismo, al ser un modernismo, que se entendía opuesto al que imponía el régimen,

 

Louis Lozowick pintor y grabador ucraniano/americano (1892 ~1973), Moisei Ginzburg arquitecto y urbanista ruso (1892 ~1946) vinculado al constructivismo y al racionalismo arquitectónico participando de los congresos del CIAM (congresos internacionales de arquitectura moderna) acuña el concepto de “desurbanismo“, para limar las distancias existentes entre el campo y la ciudad, como “la ciudad verde” como propuesta anti-urbana. Leo Breuer pintor alemán (1893-1975), Varvara Fiódorovna Stepánova pintora rusa (1894 ~1958) vinculada a A. Rodchenko, V. Kandinski, A. Ekster y L. Popova

Varvara Stepanova Figuras danzando en blanco-1920-oleo sobre tela

Ben Nicholson pintor y escultor inglés (1894 ~1982), Manuel Rendón pintor francés (1894-1982) llevo el constructivismo a Ecuador y países de Latinoamérica, Marcel Janco rumano/israelí (1895 ~1984) fue una de las figuras fundadoras del “Dadaismo” postulando que el caos, el nihilismo.   –como crítica a todo lo que los rodeaba- y la irracionalidad cambiarían al mundo haciendo de él un lugar mejor para vivir, Gustav Klutsis fotógrafo y diseñador ruso (1895-1938) quien realizo junto a su esposa y colaboradora Valentina Kuláguina (1902 ~1987) un importante papel en el diseño de la propaganda estanilista, fue un reconocido artista que utilizo el fotomontaje con fines políticos.

A pesar de su tarea política el propio régimen lo condeno a muerte, tarea que desarrolló la KGV luego de un juicio sumarísimo.

 

Ella Bergmann-Michel artista abstracta y fotógrafa alemana (1896-1971), Tomoyoshi Murayama artista, dramaturgo y productor de teatro japonés (1901~~1977) quien acuña el método “constructivismo consciente” eliminando las fronteras entre el arte y la vida cotidiana, Jocelyn Barbara Hepworth escultora inglesa (1903 ~1975) vinculada entre otros artistas a Naum Gabo. Victor Pasmore pintor y escultor británico (1908-1998), Estuardo Maldonado escultor y pintor ecuatoriano (1930) ha llevado adelante proyectos de integración de la pintura y la escultura a la arquitectura, Theo Constanté – (1934- ), Carlos Catasse pintor chileno (1944 ~2010),

Cine dancing Doesburg Strasbourg Café L’Aubette (1928) Théo Van Doesburg con Hans Arp y Sophie
Café de Unie de Jacobus Johannes Pieter Oud Rotterdam 1925

 

 

 

 

 

 

 

 

Influencias mutuas

El cubismo ejerce una gran influencia en el constructivismo, a partir del conocimiento que V. Tatlin tiene de las obras de Pablo Picasso (1891 ~1973) y Juan Gris (José Victoriano González-Pérez, 1887 ~1927), así como el futurismo que valora la originalidad, la velocidad y la tecnología, buscando el escándalo (éste surge en Milán en 1910 en el manifiesto que realiza Filippo Tommaso Marinetti ideólogo, poeta y editor (1876 ~1944), , también lo hizo el suprematismo (que surge paralelamente al constructivismo, compartiendo ideas al rechazar el arte convencional buscando la sensibilidad a través de la abstracción geométrica), y el dadaísmo (creado en Zürich en el cabaret Voltaire entre 1916 y 1922 por Hugo Ball autor y poeta alemán (1886 ~1927), Jean Arp y Tristan Tzara seudónimo del poeta, escritor y ensayista rumano Samuel Rosenstock (1896 ~1963)  quien tuvo amplia influencia en todos los campos de la creación artística, fundiendo vida y arte al incorporar entre otros gestos, acciones provocadoras, esa provocación actuó como aglutinador de un movimiento que podría definirse como “anti-arte”, termino que sin duda agradaría a sus integrantes, que intentaban “escandalizar a la burguesía”.

El dadaísmo actúo como piedra fundacional de otros movimientos, como el surrealismo, o el estridentismo,  movimiento de vanguardia latinoamericano e interdisciplinario iniciado en 1921 en la Ciudad de México por el poeta Manuel Maples Arce (1900 ~ 1981) y de alguna manera llega hasta el Arte Pop de los años ´60.

En todos estos “ismos”, lo común es el rechazo a lo convencional, creando a partir de la oposición a lo que les precede una idea nueva que permita la creación en libertad, de formas, de elementos, de colores y de luz, sin dogmatismos.

El constructivismo da gran importancia a la técnica y a los pasos que utiliza para conseguir su cometido final, la obra. Su campo de acción es muy amplio ya que puede ubicarse en el espacio, no sólo en forma bidimensional sino interactuar en el, en tres dimensiones, utilizando líneas puras y formas geométricas (arquitectura, escultura y diseño). Estas técnicas les permite a sus creadores difundir ideas, tanto en carteles, como en fotografías, en propaganda o ilustraciones.

Utilizan materiales simples como: madera, metal, cartón, vidrio, y colores fuertes como el rojo, azul, amarillo, negro, blanco y el naranja.

Una anécdota curiosa –y cruel- fue la utilización del término “constructivismo” por Malévich para criticar despectivamente en 1917 los trabajos de  Ródchenko.

 

 

 

Rodchenko, danza. composición sin objetivo

 

 

 

 

 

 

Hay una innegable influencia de los trabajos de estos artistas constructivistas en la arquitectura deconstructivista de Zaha Hadid y de la cooperativa de arquitectos Coop Himmerlb(l)au entre otros. ( Estos arquitectos hacen de su nombre un juego de palabras Himmelblau significa ‘azul celeste’, y Himmelbau “construcción celeste o celestial). Ambos estudios participaron en la exposición deconstructivista del MOMA (que mas adelante se explica en detalle).

Manifiesto Realista

Antón Pevsner

Naum Gabo. cabeza Nº 2 1916

 

Es en 1920 cuando Antoine Pevsner  y su hermano Naum Gabo (su nombre real era Naum Neemia Pevsner pero utiliza Gabo para diferenciarse de Antoine) publican el 5 de marzo el “manifiesto Realista” explicitando las ideas del constructivismo, es la primera vez que el termino fue usado, critican el Cubismo y el Futurismo y organizan una exhibición en un kiosco de música en el Bulevar Tverskói en Moscú.

Tanto Tatlin como Rodchenko utilizan el constructivismo con una intención “útil” a los fines de la revolución, distinta a la de Kandinsky que en su arte abstracto defiende la estética y la libertad, sin la intencionalidad de emitir un mensaje directo.

En 1922 Alekséi Gan lo utiliza como título del libro “Constructivism”, influido en parte por el “suprematismo” ( supremacia del sentimiento puro en el arte).

Los artistas tejen lazos y comparten intereses comunes, el líder de los suprematistas es Kasimir Malévich quien crea una sociedad de artistas “Supremus” junto a  Liubov Popova, El Lissitzky, Alexander Ródchenko.

 

 

Kasimir Malevich, suprematismo

Paralelamente a su necesidad de expresión, buscan y encuentran un gran aliado en el arte y en el diseño gráfico. Ambos les ayudan en la transmisión y comprensión de sus mensajes.

Seis décadas más tarde, a finales de 1980 el llamado deconstructivismo en la arquitectura, crea una fragmentación controlada, que conduce a un formalismo aparentemente espontáneo e improvisado (“aparentemente” porque es producto de un pensamiento y actitud reflexiva). Estamos ante obras que se crean desde el instinto y no tanto por conceptos racionales.

En ambas áreas, las obras y los proyectos, nacen en la “cabeza del artista o del arquitecto”. Este concepto, ha sido expresado en relación a la acción de las abejas que construyen la celda en la colmena a diferencia del arquitecto o el artista que construye su obra primero en su cabeza. (Nota 2)

Deconstructivismo “hace referencia a la desarticulación de un pensamiento, más que a su destrucción”.

“…lo característico en la arquitectura es la perfección  violada…” (Jacques Derrida)

Deconstructivismo: fragmentación, distorsión, geometría no euclidiana (que no sigue alguno de los parámetros de Euclides), un rol opuesto al modernismo y al posmodernismo, posee un reflexivo discurso propio,

En la búsqueda de dicho discurso y de la mano del arq Peter Eisenmann llegamos al filósofo francés Jacques Derrida (1930 ~ 2004) considerado uno de los pensadores y filósofo contemporáneo más influyente, vinculándose su pensamiento a la deconstrucción y a la realización del filósofo-artista (definido así en la biografía de Benoit Peteers -1956- ).

Derrida adopta el término deconstrucción, ya que “hace referencia a la desarticulación de un pensamiento, más que a su destrucción”.

En la exposición deconstructivista en el MOMA, nace el término Deconstrucción

 En 1988 los arquitectos Mark Wigley (profesor en Princeton University)  y Phillip Johnson (director del departamento de Arquitectura y Diseño del MOMA) coordinado por Frederieke Taylor  organizan la exposición “Deconstructivist Architecture”. Wigley escribe un ensayo diciendo “que el punto en común de los arquitectos que participaron es como ¨perturban la manera en que pensamos sobre la forma, construyendo edificios inquietantes que explotaban el potencial desconocido del modernismo¨.

Lista de los arquitectos participantes y de los proyectos expuestos

Coop Himmelb-l-au (cooperativa de arquitectura creada en 1968) Viena, arq, Wolf D. Prix (1942) y Helmut Swiczinksy (1944): Ático en Viena -1985- Hamburg Skyline 1985 edificio de apartamentos en Viena 1986.

Peter Eisenman estadounidense (1932): Biocentro para la J. W. Goethe Universidad, Frankfurt, concurso 1987

Frank Gehry  canadiense/estadounidense (1929): Casa Gehry, 1977-87 y Residencia familiar ambas en Santa Mónica, 1978.

Zaha Hadid iraquí/inglesa (1950 ~ 2016): The Peak, concurso Hong Kong, 1983.

Rem Koolhaas holandés (1944): Rotterdam edificios en torre 1981.

 

Daniel Libeskind polaco/estadounidense (1946): City Edge concurso, Berlín, 1987

Bernard Tschumi suizo/estadounidense (1944): Parque de la Villette, concurso en Paris, 1982, menciona que hoy en día las funciones cambian con usos diversos, museos en antiguas estaciones, bibliotecas en iglesias, entonces ya “la forma no sigue más a la función” que fue el principio funcionalista de la Bauhaus).


Hay referencias adicionales en el deconstructivismo a varios movimientos del siglo XX: la interacción modernismo/postmodernismo, expresionismo, cubismo y el arte contemporáneo. El intento del deconstructivismo es liberar a la arquitectura de las reglas modernistas, que sus seguidores juzgan constrictivas, como «la forma sigue a la función» (“form follows function”) frase acuñada por el arquitecto Louis Sullivan (1856 ~1893) y que a su vez la remite a Marco Vitruvio Polión ( 80,70 AC ~15 AC) en su libro De Architettura, «la pureza de la forma» como principio estético que busca la complejidad de la sencillez. y la «verdad de los materiales» (“truth on materials”) en cuanto a su utilización estructural y estética.

Estas teorías se reflejaron en la revista Oppositions 

(publicada en el período 1973-84) editada por el  Institute for Architecture and Urban Studies con sede en N York. Y  entendieron que sus postulados estaban reflejados en el libro “Complejidad y Contradicción en la arquitectura” (1966) de Robert Venturi,

Si bien Venturi es un posmodernista, los deconstructivistas encuentran sentido a sus propias propuestas funcionales, estructurales y espaciales. Tanto Derrida como Eisenmann presuponen la arquitectura como un lenguaje capaz de comunicar un cierto sentido, y que puede expresarse con la “filosofía del lenguaje”, al debatir y estudiar nociones como el significado, la referencia, el entendimiento, el pensamiento, la comunicación.

 

La dialéctica conformada por la presencia y la ausencia, es un tema recurrente en la arquitectura de Peter Einsemann ya que el lleno y el vacío, tiene su referente en la construcción y la deconstrucción.

Indudablemente, ambos términos constructivismo / deconstructivismo se complementan al vincular obras, movimientos y una base de desarrollo intelectual, teórico y práctico, Artistas, arquitectos, en un recorrido de poco más de medio siglo.

Lo que no es poco.

Hugo A. Kliczkowski Juritz

 

Nota 1

Entre el 18 de diciembre de 1911 y el 1 de Enero de 1912 se realizo la primera exposición de El Jinete Azul, en la Galeria Muniquesa Thanhauser  donde se expusieron 50 obras de Albert Bloch, David y Vladimir Burliuk, Heinrich Campendfonk, Robert Delaunay. Elisabeth Epstein, Eugen von Kahler, Vassily Kandinsky, August Macke, Franz Marc, Gabriele Münter, Jean Bloé Niestlé, Henri Rousseau y Arnold Schönberg.

Kandinsky preparó a los visitantes con el siguiente texto ” En esta pequeña exposición no intentamos difundir una forma específica o determinada. Lo que queremos es presentar, a través de las distintas formas aquí representadas, las diferentes maneras mediante las cuales se manifiestan los deseos internos del artista.”

Nota 2

Maurice Lagueux Departamento de Filosofía Universidad de Montreal, refiere a Karl Marx, en un célebre pasaje del Capital evidenciando la cualidad del hombre”.  (El Capital, Libro 1, in Marx, 1963, p. 728).

El parador ARISTON, una ruina moderna por HaKj

El Parador Ariston obra de los arquitectos Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Carlos Coire.

Una “ruina moderna”.

 El historiador Peter Blake, en su libro “The Master Builders” (1976) comenta acerca de las vidas que pueda tener la arquitectura de los grandes maestros, y nos dice que la primer vida de un edificio comienza cuando el edificio se termina y su éxito se juzga dependiendo de si funciona o no, su segunda vida es una o dos generaciones más tarde cuando ya no se recuerda su comportamiento en términos de planificación, presupuesto, comodidad, ya que se lojuzga simplemente como si fuera una obra antigua, aunque el edificio no sea demasiado “bello”. A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”.

Resulta clarificadora y útil la frase de Peter Blake “la grandeza de una obra y de su arquitecto se resume en esas dos cuestiones, cuanto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”.

Hay obras que se transforman en iconos de la arquitectura, ya que tienen “per se”, la fuerza necesaria para influir en el entorno físico y cultural, sea cercano o lejano.

De pronto, hay lugares donde las personas y sus acciones, los objetos que realizan y construyen transforman el lugar en un sitio especial.

Así como las acciones inmateriales se recuperan con las historias que se cuentan y escuchamos, cuando son edificios, las historias se construyen de manera  más compleja, son historias que hemos creado entre todos y son los edificios los que nos dan pistas de esas historias, donde hemos vivido y compartido distintos momentos.

Hay un edificio, el Parador Aristón, del que podríamos estar orgullosos, ya que es parte de nuestra historia, de nuestra historia colectiva. Su “huella” es parte de nuestra identidad como un valor sustantivo que conforma el patrimonio cultural común, por eso nos duele el estado de abandono al que está sometido.

Debemos cuidarlo y evitar que desaparezca. 

Porque hay un riesgo, cuando desaparecen, las historias también desaparecen.

¿Es un desapego afectivo? ¿Carecemos de la sensibilidad necesaria para valorar su identidad en cuanto generadora y referente de ideas? (Nota 1)

A pesar de estos pesares hay mucha gente interesada en preservarlo, como gratamente he podido descubrir.

Todos ellos saben que tratar de recuperar el Parador Ariston nos califica, (así como dejar que desaparezca nos descalifica).

Comencé este artículo, con la intención de enterarme de esta historia, sobre todo cuando vi su lamentable y calamitoso estado.

Parafraseando al filósofo y escritor francés Blaise Pascal del siglo XVII comento aquello de “escribo un texto largo, porque no tengo tiempo de escribir uno corto”, en él pongo énfasis en lo siguiente:

– es un edificio “emblemático” de la arquitectura moderna

– sus autores también lo son (Nota 2)

– hay muchos información en textos y videos que lo demuestran.

– esa información es nacional y también internacional, debido sobre todo a la participación de los arq. Breuer y Catalano

– muchas personas están interesadas en su puesta en valor

Me sumo a ellos, con este pequeño aporte del tema.

Los grandes edificios que mueven el espíritu siempre han sido extraños.

son únicos, poéticos, productos del corazón.-Arthur Erickson

  • Sus alrededores como el Edificio Alfar

Durante varios años he veraneado con mi familia en el edificio Alfar (en la calle 16 entre la 1 y la 3) cerca del bosque Peralta Ramos y a pocos calles del parador Aristón. Tendría 12 años y no lo recuerdo especialmente, aunque en esa época debió haber estado en su esplendor, hablo de los años ´60.

Si recuerdo que era una zona, muy verde y tranquila que comenzaba a urbanizarse.

El edificio Alfar se había construido con la intención de poner allí un casino, al no conseguirse, vendieron en régimen de propiedad horizontal sus 130 departamentos, no era habitual que segundas viviendas, utilizaran toda la infraestructura de un hotel, fue el primer appart hotel del país.

Inaugurado a finales de 1950, obra del arquitecto de origen checo Carlos Navrátil (1910- 1972) quien se formó en la Facultad de Rosario.

Construyo obras como el Ministerio de agricultura en Santa Fe, los tribunales provinciales de Rosario, el Barrio Alfar y su emblemático edificio. En Santa Fe ocupo la dirección de arquitectura sanitaria, reemplazando al arq. Wladimiro Acosta (1900~1967).

El edificio Alfar junto a un centenar de chalets en lo que era el barrio Faro Punta Mogotes, fue diseñado en un estilo modernista racionalista, que en los años ´30 era típico de Rosario, próximo al estilo internacional y alejado de las construcciones “pintoresquistas” marplatenses.

Una placa de 6 pisos con habitaciones está en el medio del sándwich formado por un basamento abierto y un coronamiento de uso social. Tanto el basamento como el coronamiento ocupan todo el largo y ancho del edificio.

En el Comedor se ubicó un relieve perteneciente al escultor Falcini y un fresco de Juan Carlos Castagnino (1908~1972).

Decoraban el resto del edificio las obras de arte de 36 artistas argentinos contemporáneos, entre ellos Emilio Pettoruti, Héctor Basaldúa, ´Raúl Soldi, Ramón Gómez Cornet, Enrique Policastro, Juan Del Prete, Eugenio Daneri, Antonio Berni, Juan Battle Planas y Norah Borges (seguramente a instancias de Blanca Stábile, historiadora del arte y colaboradora permanente de Jorge Romero Brest en la revista de crítica artística Ver y Estimar -1948~1955- ).

Llamaba la atención en el comedor la escultura en metal de una guitarra, como recuerdo de la inauguración donde toco el quinteto del guitarrista Oscar Alemán.

El mobiliario fue provisto por las conocidas empresas Nordiska Kompaniet (su director Erich Werth explicó que el propósito de crearla fue “dotar al país de una industria que viniese a colaborar con el magnífico empuje de su joven arquitectura” y la empresa Comte (entre otros equipamiento del Hotel Llao Llao de Alejandro Bustillo y el Casino de Mar del Plata, contaban con los trabajos del reconocido diseñador Jean-Michel Frank).

 

(Nota 3) Barrio Hotel Alfar. Pag 67. Excelente el trabajo de 300 páginas del seminario “Primeros arquitectos modernos en el Cono Sur”, realizado en la ciudad de Rosario del 5 al 7 de Agosto de 2004.

La madre del arte es la arquitectura. Sin la arquitectura de nuestro propio ser no tenemos alma de nuestra propia civilización. Frank Lloyd Wright.
  • Parador Ariston
  • La obra. Parte I

Obra de los arquitectos Marcel Lajos Breuer, en colaboración con los arquitectos Eduardo Catalano y Carlos Coire.

Está situado en el Barrio La Serena, sobre la ruta provincial 11, a 15 km de Mar del Plata, en la provincia de Buenos Aires.

Ícono fiel de la arquitectura moderna en la Argentina, como la casa del Puente (Nota 4) -1945- del arq Amancio Williams (1913-1989), – sobre un lote de 2 hectáreas limitado por las calles Matheu, Funes, Saavedra y Guido;  La Casa del Dr. Curutchet de Le Corbusier (1887-1965) y Amancio Williams, en La Plata;  el edificio “Terraza Palace” -1957-  (Mar del Plata) de Antoni Bonet (1913-1989) –ubicado en el boulevard marítimo Patricio Peralta Ramos 5659-

https://youtu.be/1GTkM0FLp6c  (render realizado por Lucas Pugliese)

La arquitectura despierta sentimientos en el hombre. Su tarea es por tanto, hacer esos sentimientos más precisos. Adolf Loos.
  •  La historia del Parador Ariston

En el año 1947 durante el gobierno del General Juan Domingo Perón y de Quijano, se firma la ley de propiedad horizontal, dando un cambio al tejido de la ciudad de Mar del Plata, se iniciaba la oferta de lotes que diera lugar con el tiempo a lo que son hoy los barrios de Alfar, San Jacinto, Playa Serena, San Patricio, San Carlos, Costa Azul y Acantilados.

Las facilidades de acceso al pavimentarse la ruta 2, la prolongación de 40 km más hacia Miramar, la construcción de aeródromos, puertos, playas así como las urbanizaciones de las ramblas Bristol y Playa Grande y la incorporación de las vacaciones pagas da un gran empuje al turismo.

La consigna del ´45  esel mar y la montaña deben ser accesibles a todos los hombres –ricos y pobresese “turismo social” se concreta con la construcción de los 19 hoteles que conforman el complejo de Chapadmalal.

Es una época donde la acumulación de población en las ciudades, el uso de nuevos materiales y la figura de la propiedad horizontal se ligan a las ideas del movimiento moderno.

revista Nuestra Arquitectura

Tanto el Estado como la capital privado construyen una serie de edificios modernos como Playa Grande -1937- y el Correo Argentino -1950-, las estaciones del ACA del ingeniero Antonio. U. Vilar -1940- , el edificio “redondo” para la Ford “Stantien”  de J. de la María Prince, La Casa del Puente de Amancio Williams  -1943- , el Hotel Hurlinghan de H. Miglierini -1937- , la Confitería o Parador Aristón de Marcel Breuer, Catalano y Coire -1947- ,  Casas de Renta (Luro e Independencia), los cines Ambassador, Ocean Rex y Atlantic, viviendas experimentales de Alejandro Virasoro y a finales de los cincuenta, Antonio Bonet diseña el Terraza Palace y la galería Rivadavia ambas en 1959 y otros interesantes edificios de galería comercial y vivienda en propiedad horizontal. (Nota 3)

En Playa Serena se lotea el Barrio del mismo nombre y es en ese contexto que la facultad de arquitectura encarga el parador Aristón al arq Marcel Breuer como ícono de modernidad.

 

Allí funcionó la discoteca “Maryana”; el café bar “Bruma y Arena”, y en los años 90, la parrilla “Perico”, a partir de 1993 queda abandonado, a su “suerte o para ser más exactos “a su mala suerte”.

En febrero del 2015 aparece un cartel donde una empresa española www.calpevillas.eu anuncia su restauración para centro comercial y cultural, y se cerca el lugar.

 

Cada edificio es un prototipo. No hay dos iguales. Helmut Jahn.
  •  El parador Ariston y Le Corbusier.
  • Cinco puntos para una nueva arquitectura

Le Corbusier presenta en 1926 un documento con los fundamentos teóricos para desarrollar un nuevo lenguaje arquitectónico que la tecnología y los nuevos materiales como el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano en grandes dimensiones contribuyeron a materializar..

El parador Aristón respeta 4 de los 5 puntos desarrollados por Le Corbusier, como características de la Nueva Arquitectura:

– PLANTA LIBRE.

Edificio apoyado sobre columnas (pilotis) para liberar la planta baja, consiguiendo la mayor superficie libre al incorporar el paisaje al edificio.   Es una planta elevada de formas curvas con un cerramiento acristalado.

– ESPACIO INTERIOR LIBRE

Debido a la estructura basada en pilares y tabiques. La superficie de la pista de baile es diáfana, con una gran amplitud de espacios donde se visualizan los pilares que la sostienen.

FACHADA LIBRE de elementos estructurales

Permitiendo un diseño sin condicionamientos, Grandes cerramientos y aventanamientos acristalados que estaban cubiertos con cortinas con los colores primarios.

Ventanas corridas en las fachadas para conseguir una profusa iluminación natural en el interior (fenetre en longeur)

El punto referido a la TERRAZA JARDIN, es decir una cubierta plana, sobre la que se sitúa un jardín, está ampliamente compensado por la gran superficie del terreno donde se ubica y relativamente pequeña superficie de la obra.

 

Si crees que no puedes hacer al mundo un mejor lugar con tu trabajo, al menos asegúrate que no lo haces peor. Herman Hertzberger
  • Parador Ariston
  • La Obra, parte II

La propuesta de la realización de un parador- restaurante, destinado a reuniones sociales, baile y cócteles la recibió Marcel Breuer durante su estadía en Buenos Aires. Estaba realizando un curso de 8 semanas (entre agosto y septiembre de 1947) en la Facultad de Arquitectura de la UBA, y fue la Facultad quien encargo y financió la obra.

La “caja de vidrio” de la Planta Baja, contenía el hall de entrada, guardarropa y los servicios.

En la parte posterior en un volumen independiente estaban ubicadas las dependencias de servicio, cinco habitaciones para los camareros, baños, comedor y depósito.

En la primera planta tras las cortinas de colores primarios (rojo, verde y azul) estaba el salón, el bar y sobre un piso machimbrado de madera la pista de baile.

Su construcción

En forma de trébol, con sus superficies curvas para permitir el máximo acristalamiento. Su construcción fue muy rápida durante los meses de Agosto y Setiembre de 1947. Un volumen de Hormigón Armado  sostenido por cuatro pilares. Estructura de losas de doble armadura, con losetas de lava volcánicas que aligeraron las cargas (sistema poco usado en esa época).

 

  • La arquitectura moderna (Nota 2)

Los medios de difusión estimulaban el nuevo lenguaje ya que modificaba el hábitat en un sentido modernizador, “abandonando las formas del pasado, suprimiendo el ornamento y simplificando el desenvolvimiento de la vida privada”(María Laura Tarchini) “como movimiento que busca fundar una nueva estética que se independice de los cánones heredados, y como tal no sólo comprende al racionalismo sino también el neocolonial, el art nouveau, el art déco, el pintoresquismo; en tanto cada una de ellas a través del tiempo realiza un aporte en pos de una nueva arquitectura”. (Francisco Liernur).

En la Exposición Feria de Mar del Plata (1934-1945) se construyó un espacio denominado American Dancing, quizás un antecedente formal al Ariston. El arquitecto Ramiro Dell´Erba en  “Constelaciones modernas en la noche marplatense” nos advierte “que no piensa que la arquitectura del Parador Aristón se inspirara en el American Dancing de 1934, aunque sí coinciden los arquitectos de ambos proyectos en proponer soluciones modernas de una similar bondad”….”sea por el volumen orgánico suspendido, el acceso vertical central y el amplio perímetro transparente libre son elementos comunes en ambos proyectos”.

“El Dancing de 1934 de forma semi-cilíndrica, se ubicaba elevado sobre pilotis dejando una amplia planta libre de acceso. El plano curvo de su fachada contenía una panorámica ventana corrida, mientras que su fachada recta posterior era ciega”.

1934 (American dancing) y 1947 (Parador Aristón)  idénticas cualidades espaciales.

La arquitectura es la voluntad de una época traducida en espacio.  Ludwig Mies van der Rohe.
  • Parador Ariston
  • Los autores, Arq I
  • Marcel Lajos Breuer

Nació en Hungría (1902- 1981). La Bauhaus funcionó en la ciudad de Weimar desde su fundación el 1 de Abril de 1919 a 1925, Breuer fue uno de los 143 alumnos que la escuela contó en su 2ndo año de vida, dirigida por Walter A.G. Gropius (1883~1969),

Trabajo en el estudio de  Pierre Chareau (1883~1950) y ante el llamado de Gropius vuelve años más tarde a la Bauhaus ubicada ahora en la ciudad de Dassau (funcionó desde 1925 hasta su clausura en 1933)  para dirigir el taller de muebles,  allí diseña sus primeras silla de tubo de acero, y la famosa silla Vassily.

Entre sus profesores podemos mencionar a Johannes Itten (1888~1967), Walter Gropius, Josef Zachmann y a Paul Klee (1879~1940) a quien reconocería como 1 de los 2 profesores que más marcaron su formación.

En 1925, con sólo 23 años, Breuer, siendo director del taller de ebanistería de la Bauhaus, se interesa por la forma en que la fábrica de acero alemana “Mannesmann” había conseguido doblar tubos de acero sin que se rompieran y utilizándola para fabricar distintos objetos, como por ejemplo la bicicleta Adler.

La estudio atentamente, y utilizo esta técnica logrando una revolución en el diseño de muebles al fabricar las primeras sillas y mesas con tubo de acero, lo que sin duda fue su trascendental aportación a la historia del mobiliario.

  • Breuer y la Bauhaus

Bauhaus el rostro del siglo XX por Frank Whitford con material de la Bauhaus Archiv de Berlin, Bauhaus de Dessau y Bauhaus de Weimar.

https://www.youtube.com/watch?v=sriGH51vWTo

La Bauhaus, fue clausurada en 1933, cuando el partido nazi accede al poder. Ese año Breuer se exiló en Inglaterra, y en 1937 en EEUU,

En Harvard da clases en la Universidad junto a Gropius..

Instalado en 1946 en N York proyecta junto a los Arq. Pier Luigi Nervi (1891~1979) y  Bernard Zehrfuss (1911~1996) el nuevo edificio de la Unesco en Paris. (Entre sus obras más destacadas figura el edificio de viviendas De Bijenkorf en Rotterdam (1961); el Centro de Investigación de IBM en La Garde, Francia (1962);  la iglesia de St John’s Abbey en Collegeville, Minnesota (1967) y el Museo Whitney de Arte Americano (Nueva York, 1963-1966), con el arq Hamilton P. Smith.

El Whitney Museum estaba situado en la Avenida Madison con la Calle 75 del Upper East Side de Manhattan, el edificio fue comprado hace unos años por el Metropolitan Museum y ha abierto sus puertas en marzo de 2016, bautizado con el nombre de The Met Breuer.

¿Y donde ha ido el Whitney Museum y su increíble colección? se ha traslado al edificio diseñado por el Arq. Renzo Piano, que está a los pies del High Line de New York  en el número 99 de Gansevoort Street. (Escribí un artículo sobre el High line en http://onlybook.es/blog/historia-del-high-line-de-new-york-impresiones-de-un-relator/)

Marcel Breuer recibe en 1968 la medalla Thomas Jefferson por su contribución como arquitecto al bien común.

El mismo año recibe la medalla de oro de la AIA (American Institute of Architects), es el premio de arquitectura más importante de los EEUU que se otorga en reconocimiento al trabajo e influencia en la teoría y práctica de la arquitectura). En 1995 la recibió también el Arq. argentino César Pelli.

Es muy interesante ver la web del arquitecto Breuer, donde además de sus obras y diseños están escaneadas las cartas que intercambio con el arq. Eduardo Catalano sobre el Parador Aristón. http://breuer.syr.edu/  (nota 5)

  • Extraigo algunas frases del libro de Marcel Breuer: SUN AND SHADOW. (The Philosophy of an Architect. Peter Blake and Alexey Brodovitch)

“El verdadero impacto de cualquier obra reside en su capacidad de unificar ideas contrapuestas, es decir, un punto de vista y su contrario. Y digo ‘unificar’ y no ‘llegar a un compromiso.’ Esto es lo que los españoles dan a entender con una expresión procedente de las corridas de toros: Sol y sombra. […] pero nunca dicen sol o sombra. Para ellos, toda la vida -con sus contrastes, sus tensiones, su agitación y su belleza- está contenida en ese proverbio: sol y sombra.”

“Ni la simplificación excesiva y unilateral ni el compromiso poco afinado ofrecen una solución. La búsqueda de una respuesta clara y firme que satisfaga necesidades y propósitos opuestos es lo que saca a la arquitectura del reino de la abstracción y le da vida, y arte.”

“Está el concepto principal y está el de los detalles; entre ambos exactamente se mueve el diseño del edificio. Sin estos dos principios básicos ni el sentido común, ni la experiencia, ni el gusto ni en trabajo son suficientes.”

“La formación del suelo, los árboles, las rocas -todo ello influirá sobre la forma de la casa, todo ello sugerirá algo sobre el diseño del edificio. Son un punto de partida importante para cualquier construcción. El paisaje podría atravesar el edificio, el edificio podría interceptar el paisaje.”

 Busco la sorpresa en mi arquitectura. Un trabajo de arte debería provocarla emoción de lo novedoso. Oscar Niemeyer

  •  Parador Ariston
  • La Obra. Parte III
  • Estado de abandono

“Vemos que las arquitecturas antiguas producen ruinas y las arquitecturas modernas

producen residuos y restos cochambrosos”.

Francesc Cornadó. (Nota 6)

 

El parador es de propiedad privada, desde 1993 está tapiado y en un  estado de abandono lamentable.

A partir de 1970 los sucesivos inquilinos lo han ido degradando al ampliar en forma rudimentaria y caótica, sin cuidar la calidad espacial del edificio, ni sus materiales.

Una obra que por su singularidad merecería recuperar su valor para que vuelva a formar parte -en condiciones dignas- del acervo arquitectónico y cultural argentino y que no se corra el riesgo posible de su demolición.  (Nota 7)

No está protegido ni figura dentro del listado de bienes patrimoniales de la ciudad de Mar del Plata ya que para ser incluido en dicho listado, se debe analizar si posee los valores históricos, arquitectónicos y ambientales, simbólicos y sociales, como menciona el Consejo Internacional de Monumentos y Sitios ICOMOS y la UNESCO.

Uno de los informes realizado por el Arq. Enrique Madia -de la Consultoría García Madia & Asociados, dedicada a la preservación del patrimonio histórico en Latinoamérica– dice: “Los requisitos(para ser incluido en el listado de bienes patrimoniales) son: que la construcción sea producto de un arquitecto de reconocimiento mundial, en este caso Breuer y Catalano; que pertenezca a un movimiento arquitectónico de trascendencia, aquí se trata del movimiento moderno; y por último, que tenga innovaciones tecnológicas, como el uso del hormigón armado con grandes voladizos y de aventanamientos corridos, entre otros”. (Nota 8)

https://www.facebook.com/groups/57250688796/?fref=ts

Actualmente estudiantes de arquitectura llevan adelante acciones en pos de la recuperación a través de la página de Facebook “Recuperemos el Ariston”.  Fue creada el 17 de marzo de 2009 y cuenta con 888 miembros

https://youtu.be/5SUwvAgCe0M

Estado de soledad y abandono en 2011.

https://youtu.be/0EopIj93BZw

Por Anto Antu el 15 de enero 2012

https://www.facebook.com/photo.php?fbid=946098678758844&set=gm.10154269721148797&type=3&theater

Fotografías de Vicente Claudio Mazzitelli “recuperemos el Ariston”.

Un verdadero gran libro debería ser leído en la juventud, de nuevo en la madurez y una vez más en la vejez, al igual que un buen edificio debería ser visto con la luz de la mañana, por la tarde y con la luz de la luna. Robertson Davies

 

  • La obsolescencia por desapego.

– Luis Breton Belloso escribe en su tesis del ETSAM sobre la Obsolescencia Afectiva del Parador ARISTON…. (Nota 1).esta es una nueva forma de obsolescencia. El desapego o la desafección que la arquitectura moderna y la sociedad soportan. No existe una conciencia social del significado de estas obras modernas. Ni mucho menos una sensibilidad para apreciar su valor cultural. Su cercanía en el tiempo no ha posibilitado la configuración de una perspectiva histórica que sea capaz de interpretar lo que esta arquitectura representa. Juan Calduch Cervera lo explica en términos de “perdida de carácter”. Y cómo “la arquitectura moderna renunció conscientemente a un mínimo simbolismo en su forma que posibilitara al usuario reconocerse en ella. Según Calduch la arquitectura moderna no supo o no quiso transmitir de modo eficiente sus ideas y propuestas a través de sus formas. Esto, evidentemente, las condena al destierro de cualquier presupuesto público”.

Si un edificio se vuelve arquitectura, es arte. Arne Jacobsen
  • Parador Ariston
  • Los autores, Arq II
  • Eduardo Fernando Catalano (1917-2010)

Becado por la Universidad de Pensilvania y Harvard, fue invitado por el decano fundador Henry L. Kamphoefner, quien reunió un grupo muy especial, que fueron  pioneros en el campo de la arquitectura moderna, como George Matsumoto, Matthew Nowicki . I. M. Pei, Philip Johnson, Paul Rudolph y Eduardo Catalano.Entre sus profesores figuraron Walter Gropius y Marcel Breuer.Dirigió la escuela de diseño de Raleigh –Carolina del Norte- NSCU (North Carolina State University), es en esa ciudad donde construyo la famosa casa Raleigh o Catalano House, que fuera elogiada por Wright, quien escribió: “Es refrescante ver como la idea de refugio es tratado en esta casa de Eduardo Catalano” -sabemos que el amigo Frank no era muy afecto a prodigarse en elogios al trabajo de otros arquitectos-.

Escribe el arq. Eduardo Sacriste en su libro Usonia, editado por la editorial Nobuko:“….Así, para Wright un edificio debe ser algo más que un local para “meterse adentro”. La Obra debe dar la sensación de cobijar. A este respecto, no deja de ser sintomático que Wright, que fuera tan avaro y sarcástico con sus juicios, haya elogiado la casa del arquitecto E. Catalano en Raleigh, Carolina del Norte, señalando su complacencia porque alguien, al menos, hubiera creado una nueva sensación espacial”.Adjetivada como la casa de la década, es considerada como uno de los grandes referentes de la arquitectura residencial de mediados del siglo XX.

Con una única planta que contiene 4 habitacion
es que cubre una gran cubierta en forma de paraboloide hiperbólico de madera,  donde 2 de sus vértices están encastrados y los otros 2 en voladizo.

Lamentablemente fue demolida en el 2001, estaba en 1467 Ridge Road, esta calle lleva hoy el nombre de Catalano Drive. Libro del arq E.Lynch “Fine Thoughts” sobe la Casa Catalano. Una historia sobre una casa (texto en inglés)

http://www.ncmodernist.org/archlynchbook.pdf

Algunos lamentos  http://www.newsobserver.com/entertainment/arts-culture/article65448782.html

  • Intercambo de cartas entre Catalano y Breuer

http://arquitecturaminorista.com/wordpress/?p=811

Durante el transcurso de las obras, y debido a que estas iban lentas Eduardo Catalano decide pasar su luna de miel en Mar del Plata para ir a la obra todos los días a comprobar la estructura. Así se lo contaba a Breuer en una postal.Nos enteramos de este y otros cotilleos gracias al archivo digital de Marcel Breuer, de la Universidad de Siracusa.

Desde 1956 hasta 1977 Catalano fue profesor de arquitectura en el Instituto Tecnológico de Massachusetts. MIT. Algunas de sus obras fueron: Ciudad Universitaria (Plan General 1950) Bs. As. en colaboración con Horacio Caminos (1960) pabellones II y III , Embajada de EE.UU. (en Argentina  1975 y Sudáfrica), la escuela de música Juilliard School de Nueva York con el arq Pietro Belljuchi (1899~1994) y en Cambridge diseñó el Centro de Estudiantes Stratton (1966)  y la torre residencial Eastgate (1967) en el MIT, El palacio de Justicia y Palacio Municipal en Greensboro, así como el Mercado del Plata sobre la Avenida 9 de Julio en Buenos Aires(1947) asociado al Arq. Osar Crivelli (1916~1977) y Jorge Heinzemann, entre otras obras.En el año 2002 regaló a la ciudad de Buenos Aires la escultura metálica denominada “Floralis Genérica” situada en la Plaza de las Naciones Unidas sobre la  Avenida Figueroa Alcorta, Una escultura cinética ambiental que se abre todas las mañanas a las 8 y se cierra al ocaso. Construida en Córdoba, durante 13 meses a un coste de 500.000 dólares.En el 2007 recibió un doctorado honorario de la NCSU.

En el año 2010 se realiza un Homenaje a Eduardo Catalano por AAM -Arquitectos Argentinos en el Mundo-, dirigido por Luis Grossman y Daniel Casoy, Presentan en Expo vivienda.el libro Arquitectos Argentinos Universales, edición bicentenario,

En dicho libro hay dialogo, biografías y obras de los arquitectos Eduardo Catalano, Cesar Pelli, Emilio Ambasz, Eduardo Elkouss, Pfeifer-Zurdo-Di Clerico-Questa y Juan Lucas Young.

Como un homenaje a Eduardo Catalano, fallecido en enero de ese año se realizó una mesa redonda integrada por Juan Manuel Borthagaray, Ricardo Rosso, Oscar Boracchia y los anfitriones, con sus recuerdos y evocaciones del maestro, más un cálido mensaje enviado por Mario Roberto Álvarez, culminó con una grabación del propio Catalano, enviada en ocasión de nombrarlo la Universidad de Morón doctor Honoris Causa, en 2008.

http://saraviacontenidos.blogspot.com.es/2010_06_06_archive.html

Su último legado a Buenos Aires, una pirámide de agua sobre la que se podrán proyectar imágenes, se encuentra en gestión.

La arquitectura es hacer espacio reflexivamente. Louis Kahn
  • Parador Ariston
  • Los autores. Arq III

Carlos Coire (1914-2006). En muchas publicaciones se lo re-bautiza como Eduardo o Francisco Coire, lo que es un error.

Decano de la Facultad de Arquitectura de la UBA desde 1958 y 1962, encargó el proyecto y ejecución de la ciudad Universitaria.

Vicedecano y profesor titular de Arquitectura III y IV en la Universidad de Morón. Realizo viviendas unifamiliares y multifamiliares  así como emprendimientos privados e industriales,

Trabajó con Antonio Bonet (1913~1989), Juan Kurchan (1913~1972), Jorge Vivanco (1912~1987), Marcel Breuer (1902~1981), Eduardo Catalano (1917~2010), Horacio Caminos (1914~1990), Horacio –Hirsz- Rotzait (1915~2006) y Oscar Crivelli (1916~1977), entre otros arquitectos.

En 2005 publicó El hombre y su obra, un libro dedicado a Eduardo Sacriste )1905~1999).

Por su labor docente lo llamaban “maestro de maestros”. 

La arquitectura pertenece a la cultura, no a la civilización. Alvar Aalto
  • Grupos que desean su puesta en valor (Nota 9)

Hay muchas agrupaciones que tratan de conseguir la recuperación del Aristón como:

Las entidades barriales del sur, El movimiento de murgas, El club social  y deportivo “Defensores del Sur”, El grupo de scouts “Islas Malvinas” y Las Mujeres del Sur. (María Inés Benítez integra desde hace años la sociedad de fomento y es señalada como la precursora de este movimiento de vecinos en defensa del Parador Aristón). La Sociedad de fomento de Alfar. Los Estudiantes de arquitectura crean en Facebook “recuperemos el Ariston”.

Desean protegerlo como Patrimonio arquitectónico

Que sirva para la creación de un espacio cultural para el encuentro de los vecinos del sur.

Donde se puedan desarrollar actividades de la comunidad, exposiciones, orquestas, murgas….

Bruno Taut aludía a los edificios que aspiran a construir en un sentido más elevado, que resumen el “espíritu de la época”, al que todos dirigen su mirada y orienta la voluntad constructiva. Escritos expresionistas, El Croquis Editorial. 1997.

  • Datos

Carta de la revista Architecture d´aujourdhui de la publicación a comienzos del año 1949

http://breuer.syr.edu/xtf/view?docId=mets/2738.mets.xml;query=ariston;brand=breuer

Intercambio de cartas entre Eduardo Catalano y Marcel breuer, y algunas complicaciones de la obra

http://breuer.syr.edu/xtf/search?brand=breuer&collection=breuer&keyword=ariston

“…los nidos de los pájaros…además de ser formalmente perfectos, son estándar, están siempre bien orientados, construidos con una técnica clara y definida, cumplen correctamente su función… Creo que deberíamos volver a las fuentes”.  Eduardo  Sacriste

  •  publicaciones y  videos

1970 fragmento de Santiago Ghigliano, Revista Summa, N° 33, Buenos Aires.

“…el Restaurante Ariston, que se presenta como un volumen curvo definido por una generatriz que se desplaza apoyándose en dos planos paralelos al suelo, con forma de cruz de vértices curvos, sustentado por cuatro columnas que expresan la característica ideológica de la época -la forma sigue a la función- al diferenciar con claridad lo que soporta de lo soportado. Los cerramientos se rigen entonces por esa premisa y cada uno de ellos constituye una composición plana acabada.”

-6 de Marzo de 2010. Diario Página 12. Por Matias Gigli.

https://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/m2/10-1814-2010-03-06.html

 

-Octubre de 2012. TECNNE. El Ariston sigue en ruinas. Por Marcelo Gardinetti Fotografía: Francisco Villamil

http://tecnne.com/urbanismo/patrimonio/el-ariston-sigue-en-ruinas/ . Octubre 2012

-AD Classics: Ariston Hotel / Marcel Breuer. Autora Bárbara Porada. 1 de Octubre de 2013

http://www.archdaily.com/433397/ad-classics-ariston-hotel-marcel-breuer

Redacción del vespertino digital 0223 de Mar del Plata. www.0223.com.ar

22 de Noviembre de 2014

http://www.0223.com.ar/nota/2014-11-22-otra-movilizacion-para-que-los-escuchen-piden-la-recuperacion-del-ariston

5 de Febrero de 2015

http://www.0223.com.ar/nota/2015-2-5-solicitan-declarar-de-interes-patrimonial-al-parador-ariston

Publicación ISSII por Andrea Germinario 12 Abril de 2016. Análisis y reflexiones en torno a una arquitectura singular-

https://issuu.com/andreagerminario/docs/parador_ariston

Revista digital IECE Nº 2 del 28 diciembre 2016. Autora Andrea Germinario. Tapa y contratapa dedicada al parador Ariston.

https://issuu.com/andreagerminario/docs/r2

La Arq. Flora Manteola cuenta que estudió arquitectura tras haber conocido el Ariston (primeros minutos de la entrevista). CPAU Moderna Buenos Aires.

https://vimeo.com/78766698 

Preservación del patrimonio. La Capital

https://www.flickr.com/photos/ekain/2972617740/in/photostream/

Notas

1 – http://oa.upm.es/35547/7/TESIS_MASTER_Luis_Breton_Belloso_TFM_1314.pdf pag 31 y 32

Tesis fin de Master de Luis Bretón Belloso ETSAM año 2014.

OBSOLESCENCIA AFECTIVA Parador ARISTON, Ruta provincial 11, playa de la Serena, Mar del Plata, Argentina…el parador Ariston fue diseñado por Marcel Breuer junto a los arquitectos locales Carlos Coire y Eduardo Catalano, financiado por la Universidad de Buenos Aires y construido en 1948 con el fin de acoger reuniones sociales, bailes, cócteles, etc. En un lugar despoblado por entones, su innovador diseño en forma de trébol permitía observar el mar y las dunas circundantes. Es uno de los escasos ejemplos, junto con la Casa Curuchet, de obras realizadas en Sudamérica por los “arquitectos estrella” del movimiento moderno. En este caso, tanto la estructura, realizada mediante doble losa de hormigón armado, como los muros cortina que constituían sus cerramientos ya eran soluciones constructivas ampliamente probadas por la industria de la época. Así que no fueron motivos constructivos los que propiciaron su ruina .Desde los años 70 el edificio se ha ido alquilando y realquilando como restaurante y sufrido obras de reforma y ampliaciones que no han respetado la singularidad ni el valor del edificio. Desde 1993 se encuentra abandonado y siendo víctima habitual del saqueo y el vandalismo, sin ninguna protección patrimonial por parte de las autoridades. En el año 2.007 y motivado por una denuncia, se realizó un informe de la situación del parador que firmaba así el arquitecto argentino Enrique Mandía: “…de nuevo la desidia y la irresponsabilidad de todos, la actitud de no decir nada y hacer mucho menos.” “El proceso es siempre el mismo y se origina por el desconocimiento, la ignorancia y el desapego a la historia de la arquitectura moderna.” Esta es una nueva forma de obsolescencia. El desapego o la desafección que la arquitectura moderna y la sociedad soportan. No existe una conciencia social del significado de estas obras modernas. Ni mucho menos una sensibilidad para apreciar su valor cultural. Su cercanía en el tiempo no ha posibilitado la configuración de una perspectiva histórica que sea capaz de interpretar lo que esta arquitectura representa. Juan Calduch Cervera lo explica en términos de “perdida de carácter”. Y cómo la arquitectura moderna renunció conscientemente a un mínimo simbolismo en su forma que posibilitara al usuario reconocerse en ella. Según Calduch la arquitectura moderna no supo o no quiso transmitir de modo eficiente sus ideas y propuestas a través de sus formas. Esto, evidentemente, las condena al destierro de cualquier presupuesto público

2 – La revista Nuestra Arquitectura (publico 523 números entre agosto de 1929 y mayo de 1986), dirigida por Walter Hylton Scott fue un especial escenario para resaltar la arquitectura nacional e internacional, y podemos mencionar a los “primeros modernos” como entre tantos – que  no están aquí mencionados- a los arquitectos León Lamouret (1882~   ); Antonio U. Vilar (1887~1996); Alejandro G. Bustillo 1889~1982); Ernesto Lagos (1890~1977); León Dourge ( 1890~1    ); Luis María de la Torre (1890~1975); Gregorio Sánchez (1891~1944);  Alejandro Virasoro (1892~1978); Rogers, Ernesto Lacalle Alonso (1893~1948); Jorge Kalnay (1894~1957); Fermin H. Bereterbide (1895~1979); Eduardo Birabén (1895~1954): Mario Bidart Malbrán (1896~1979); Alejo Martínez (1897~  ); Alberto Prebisch (1899~1970); Ermete De Lorenzi -primer decano de la FAU de la UBA- (1900~1971); Wladimiro Acosta (1900-1967); Manuel Civit (1901~1978); Arturo  Civit (1903~1975); Salvador Domingo Bertuzzi (1904~ 1975); Julio Vicente Otaola (1901~ ); Eduardo Sacriste (1905~1999); Macedonio O. Ruiz (1906~1987); Francisco Baroni (1906-1987?); Alfredo Joselevich (1907~1997); Alfredo Agostini (1908~1972); Carlos Medieros (1908~1982); Carlos Navrátil (1910~1972); Roberto Croci (1910~1975); Enrico Tedeschi (1910~1978); Santiago Sanchez Elia (1911~1976); Hilario A. Zalba (1912-1995); Jorge Vivanco (1912~1987); Antoni Bonet (1913~1989); Mario Roberto Álvarez (1913~2011); José Le Pera (1913~1990); Amancio Williams (1913~1989); Juan Kurchan (1913~1972); Itala Fulvia Villa (1913~1991); Federico Peralta Ramos (1914~1991); Horacio Vera Barros; Jorge Ferrari Hardoy (1914~1977); Horacio Caminos (1914~1990); Carmen Córdova (1929~2011); German y J. B. Joselevich; Lamarca y Blagovestchensky; Salvador Bertuzzi ; Rosendo Martínez ; Mariano Mansilla Moreno; Rodríguez Remy; Carlos Rébora; Carlos Machiavello; Van Lacke; Croce Mujica ; Squirru; Abel López Chas; José Luis Ocampo; Ventura Mariscotti; Picaso, Fernández Díaz y Funes; Tito y José Michelletti; Mariano Mansilla Moreno y Enrique Tívoli; Agustín Arman y Atilio Todeschini; Enrique Douillet; Daniel Duggan; Anibal Rocca; Calcapina; José Enrique Tívoli; Ploetz y Fisher; Arturo y Francisco Montagna; Carlos de Álzaga; César Fernández Paredes; Carlos Guerra, Eugenio Neyra y Reynaldo Varea; Geza Tauszig; Guerino Carlos Guerra;

Muchos de estos nombres se repiten en esta relación de la cátedra de los arq Alberto Petrina & Sergio López Martínez. – La Arquitectura Moderna en la Argentina y sus diversas vertientes (Art Déco,Funcionalismo, Expresionismo, Estilo Náutico, Neoplasticismo,  International Style):    y se agregan  Estudio Pablo Eugenio Pater (1879~1966) & Alberto Morea (1903~1972);  León Dourge (1890~1969); Jorge Sabaté (1897~1991); Jorge Bunge (1893~1961);  Jaime Guillermo Roca (1899~1970); Ernesto Vautier (1899~1989); Estudio Eduardo Casado Sastre (1911~2001) & Hugo Pio Armesto (1910~1977); Jorge Alberto Le Pera (1913~1990);  Eduardo Catalano (1917~2010); Estudio Frigerio & Álvarez Vicente; Mario A. Cooke; Luciano Chersanaz; Lázaro Goldstein; Isidoro Gurevitz; Luis Graziani; Luis V. Migone;

Interesante trabajo de algunas obras racionalistas y art deco (considerada como la “otra modernidad” en Buenos Aires)

http://www.guevaragallery.com/antiques/es/recommended-art-deco-and-rationalism-tours/

Y este link de “Moderna Buenos Aires”

http://www.modernabuenosaires.org/arquitectos

y en

https://es-es.facebook.com/modernabuenosaires/

Liernur, Jorge Francisco. Arquitectura en la Argentina del siglo XX. La construcción de la modernidad, Buenos Aires, Fondo Nacional de las Artes, 2008.

3 – Texto completo en:  http://rephip.unr.edu.ar/xmlui/bitstream/handle/2133/2641/Primeros%20Modernos.pdf?sequence=1

4 – En el mes de agosto de 2014, en el Museo Casa Sobre el Arroyo/ CASA DEL PUENTE, comienzan las tareas de restauración del Pabellón.

Durante el 2014/15, se logró restaurar el curso del espejo de agua del Arroyo Las Chacras… 120 metros del arroyo que compone parte esencial del conjunto, así como otras tareas de mantenimiento. El 24 de marzo de 2015 inauguró en el “MoMa”, Museo de Arte Moderno de Nueva York, la muestra “Latin America in construction” en la que participa la Casa del Puente promoviéndola como uno de los iconos relevantes de la arquitectura del siglo XX en Latinoamérica. En noviembre de 2015 el Museo Casa sobre el Arroyo fue nominado en los Premios Internacionales de la Fundación CICOP …en la categoría “Conservación del Patrimonio Arquitectónico”

5 – https://circarq.wordpress.com/2016/05/20/marcel-breuer-sun-and-shadow/ vida de Marcel Breuer

https://www.youtube.com/watch?v=TtXktyjANhA – autores Zettelmaier y Tran.

https://www.youtube.com/watch?v=8M8190Yt6cI  Marcel Breuer architecture. Música de Vangelis Papathanassious.

6 – http://francesccornado.blogspot.com.es/2015/07/las-ruinas-de-la-arquitectura-moderna.html

7 – Obras maestras perdidas Marel Breuer y el Ariston Club. Febrero 2012. Revista MODern deSIGN. From modernist and contemporary designers.

http://www.moderndesign.org/2012/02/lost-masterpieces.html

Interacciones.org. “El chiringuito argentino de Marcel Breuer”. Por Ariel Guersenzvaig.

https://interacciones.org/2008/01/18/el-chiringuito-de-marcel-breuer/ Interacciones.org  Enero 2008

8 –   El arquitecto Enrique Madia, Consultor en Preservación Histórica y Arquitecturas del siglo XX, manifestó que “en los últimos años nuestro patrimonio cultural construido se va deteriorando y tiende a desaparecer rápidamente (no solamente por el paso del tiempo sino también por el ‘no te metás’ de profesionales y espectadores comunes. De los profesionales la complicidad pasa a los dirigentes políticos a todo nivel con los que comparten ignorancias, desapegos e irresponsabilidades…y lo peor en el fondo es que lo saben…” 

“casualmente en la Ciudad de Mar del Plata, un amigo me decía: ‘Mar del Plata tiene un intendente arquitecto’. La Casa del Puente, que se está deteriorando día a día… inundada por burocracia y no soluciones necesarias e inminentes de salvaguardarla y preservarla como importantísima obra del Modernismo a nivel mundial… otra obra importante del Modernismo se está perdiendo, la obra de la Boite Ariston de Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Coire de los años 1946/47″. Ver más comentarios en la Nota 1.

Aparecido en el Boletín de la SCA de 2008: http://socearq.org/index.php/_old/articulos/el_ariston_de_mar_del_plata_con_futuro_incierto.html

28 de Septiembre de 2012. Enrique H. Madia. Revista Habitat.

http://www.revistahabitat.com/noticias/val/246/sec_val/99/patrimonio-el-olvido-y-el-no-te-met%C3%A1s-se-repite.html

9 – es interesante el concepto con el cual en la cátedra de introducción a la arquitectura en la Facultad de Morón se le dan a los alumnos estas premisas

Arq Marcela Kral

El ejercicio…… en esta última etapa del Curso de INTRODUCCIÓN AL DISEÑO es la intervención en una obra de arquitectura emblemática que el Movimiento Moderno produjo en nuestro país: el parador “Ariston”…. diseñada por dos jóvenes arquitectos argentinos, Carlos Coire y Eduardo Catalano, (ambos Profesores Honoris Causa de nuestra Universidad de Morón), conjuntamente con el arquitecto húngaro Marcel Breuer. A él se le atribuye una frase que sintetiza su pensamiento: … “La arquitectura moderna no es un estilo sino una actitud”…

En nuestro país, el Movimiento Moderno se dio en un contexto de gran efervescencia cultural, donde figuras como Victoria Ocampo encabezaban  una revolución que introdujo profundos cambios en las artes…. ese cambio  de pensamiento se reflejara en obras de arquitctura de vanguardia….se constituyó  el  “Grupo Austral….. Con arquitectos de la talla de Antonio Bonet, Kurchan, Ferrari Hardoy, Coire, Catalano y Caminos, entre otros.

…. El “Ariston”, plasmó el pensamiento  revolucionario de la arquitectura moderna en Argentina….pensada para generar un punto de interés……de la que ahora se conoce como Playa Serena. … destinado a confitería bailable; un largo muro direccional construido en piedra de la zona contenía a una pequeña caja vidriada que constituía el acceso principal,…. ese mismo muro relacionaba al edificio con un prisma rectangular donde se albergaban los cuartos del personal de servicio del parador. …..sobre él se recostaba una escalera exterior que llegaba hasta el área más “cerrada” del volumen principal…..el  largo perímetro vidriado de la planta alta permitía dominar el paisaje….excepto en la zona que recibía el sol del oeste, que fue intencionalmente cerrada. Actualmente…….el edificio se encuentra en un total estado de abandono. Sucesivas ocupaciones poco afortunadas han llevado a la mutilación y degradación de esta obra. Resulta bastante difícil de comprender cómo es que la indiferencia de nuestra sociedad permite que se destruyan los símbolos que constituyen la base de nuestra identidad cultural. …surge esta iniciativa….  como forma de sensibilizar a aquellos que tienen el poder de decisión, a los colegios profesionales y a la sociedad en su conjunto…. queremos aportar ideas….es factible recuperar esta obra para las generaciones venideras. … La madurez de una sociedad pasa también por la reflexión y el cuidado de  todos aquellos elementos que nos recuerdan nuestras raíces, y por lo tanto, que construyen nuestra identidad.

Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

Cuba. reflexiones y experiencias de un relator. por HaKj

Cuba diciembre 2016

“Habana es nombre de mujer”. Eusebio Leal.

                                                                                          Debemos llevar siempre en los ojos una pregunta,                                                                                          y siempre buscar  en los libros una respuesta.

José Marti.

 Luego de la feria del libro de Guadalajara FIL, fuimos a Cuba a visitar la parte occidental de la isla. La Habana, Viñales, Pinar Del Río, Soroa y regresó a La Habana

Siempre es bueno ir a Cuba, sobre todo para cumplir aquello de que no hay 2 sin 3.

Algo distinto sucedió ya que mientras atendía el stand de ASPPAN en la feria, y una semana antes de partir falleció Fidel Castro (Fidel Alejandro Castro Ruz 1926-2016).          Se decretaron 9 días de luto, y la procesión del cortejo con las cenizas del comandante Fidel salieron el miércoles 30 de Noviembre desde La Habana hasta su destino final en Santiago de Cuba, aunque 868 km los separan por carretera, rodaron más de 1.000 km al entrar en muchos pueblos durante su recorrido. Como Matanzas, Cárdenas, Cienfuegos, Santa Clara, Sancti Spíritus, Camagüey, Las Tunas, Holguín, Bayamo, entre otros lugares, hasta llegar al cementerio de Santa Ifigenia.

Ese recorrido incluyo 13 de las 15 provincias cubanas en un sentido inverso al que realizo “la caravana de la libertad” que llevo a Fidel y sus hombres desde Santiago de Cuba a La Habana en 1959 cuando derrocaron a Fulgencio Batista (1901 – 1973)

Note una resignación dolorosa ante la pérdida de un referente que los acompaño durante 2 generaciones, el ritmo de la ciudad de La Habana y su actividad continuaba, aunque hubo prohibición de venta de alcohol y música estridente, además de suspenderse muchas actividades.

En un taxi colectivo, que son taxis antiguos, apodados “almendrones”, el conductor tenia puesta música alta, un pasajero le reprocho que no había nada que celebrar para tener esa música tan fuerte, el conductor la apago. Todos lo entendieron.

“Es el amarillo de Cádiz con un grado más, el rosa de Sevilla tirando a carmín y el verde de Granada con una leve fosforescencia de pez. La Habana surge, entre cañaverales y ruido de maraca, corneta divinas y marimbas.”

Federico García Lorca, 1930

El cementerio de Santa Ifigenia 

https://youtu.be/g58dh-yb7K4

Inaugurado en 1868 es el cementerio más antiguo de Cuba, declarado Patrimonio histórico cultural de Santiago de Cuba.

Allí se encuentran los restos del héroe nacional José Martí y entre otros los llamados Mártires de Cuba.

Es también el cementerio de la música y los artistas, con su Sendero de los trovadores, donde se encuentran los restos de Pepe Sánchez (José Vivanco Sánchez Hecheverría 1856 – 1918) trovador español creador del bolero y del son; y de otras celebridades como Compay Segundo (Máximo Francisco Repilado Muñoz 1907 – 2003), que recorrió el mundo con Buena Vista Social Club.

                                                          La vista de La Habana, a la entrada del puerto, es una de las más                                                                           alegres y pintorescas de que puede gozarse en la América                                                   equinoccial, al norte del Ecuador”.

Alejandro de Humboldt, 1800.

Viñales

Tomando la autovía este-oeste (Nº 4) luego de 178 km se llega a Viñales, pueblo cordial y lleno de turistas, siguiendo 17 km más en dirección a Pons se llega al pueblo de El Moncada. Se encuentra a pocos metros de la entrada de la cueva más grande de Cuba, la de Santo Tomás (estalagmitas, estalactitas, murciélagos y algunas pequeñas plantas, que son capaces de sobrevivir sin luz, aunque con mucha humedad). Chuchi, nuestro guía nos explicó durante el recorrido las plantaciones que son posibles en el valle como el Tabaco y maíz. Había estudiado historia y era espeleólogo Pero las condiciones de la economía le exigían mucho esfuerzo, estaba cambiando el techo de su casa, y esperaba terminarla cuanto antes, por suerte un amigo que vivía enfrente le permitía dormir en su casa.

El nombre de “Viñales” viene de cuando los conquistadores españoles intentaron cultivar viñedos, fracaso el intento, pero el nombre quedo. El 92 % de las propiedades está en manos de propietarios privados, 1/3 de estos agricultores realizan su tarea en forma individual y 2/3 agrupados en la Asociación Nacional de agricultores pequeños.

El Valle está protegido por disposiciones en la Constitución Cubana (24 febrero 1976), desde 1977 hay una ley de Protección al Patrimonio Cultural. Y en 1979 fue designado Monumento Nacional.

“La pasión dominante, desde luego, es el baile; todo el mundo baila en  La  Habana sin reparar en edad, clase o condición”.

Nicolás Tanco Armero, 1853.

 Sobre la muerte de Fidel

Una cubana me comento que no esperaban su fallecimiento…”hace unos años cuando estaba “malito” si estaban preocupados, pero ahora no.

Lo vieron en una imagen fotográfica recibir en su residencia al presidente de Vietnam, Tran Dai Quang el 15 de Noviembre, diez días antes de su muerte.

3 meses antes, el 13 de agosto, estuvo en un acto público en el teatro Karl Marx de La Habana con motivo de cumplir 90 años.

Estaba con aspecto frágil, en un chándal blanco y flanqueado por su hermano Raúl (1931)  y por el presidente de Venezuela Nicolás Maduro (1962).

Desde el 2006, en que delega el poder, recibía a personalidades internacionales en su residencia, los últimos fueron el presidente de Irán, Hasan Rohani; el de Portugal, Marcelo Rebelo de Sousa; y los primeros ministros de Japón, Shinzo Abe; de China, Li Keqiang, y de Argelia, Abdelmalek Sellal.

Falleció el viernes 25 de Noviembre, su cuerpo fue cremado al día siguiente en un acto privado. La población de la Habana le rindió un multitudinario homenaje en el memorial José Martí en la Plaza de la Revolución.

Las “Damas de Blanco” (Nota 1) suspendieron su marcha de los domingos que realizan en la Habana.

El cortejo recorrió durante 4 días Cuba hasta la ciudad de Santiago de Cuba, donde se realizó un “acto de masas” en la plaza Antonio Maceo.

El sepelio se realizó el domingo 4 de diciembre a las 07:00 de la mañana en el cementerio de Santa Ifigenia.

https://youtu.be/-YsHvX0w_zQ

Nota 1. Las Damas de Blanco son un movimiento surgido en el 2003 tras la llamada “primavera Negra de Cuba”. Agrupa a esposas, madres, hijas, hermanas y otros familiares de personas que están en prisión y que consideran presos políticos y que el régimen considera presos comunes. Realizan una misa y luego una concentración vestidas de blanco en la 5ta. Avenida. Recientemente las damas de blanco fueron representadas en un documental de la Human Rights Foundation (creada en el 2005, su oficina principal se encuentra en la ciudad de Nueva York) sobre su lucha en Cuba. (http://www.cubaencuentro.com/multimedia/videos/damas-de-blanco)

“Es hermoso ver como esas paredes derruidas van renaciendo,  pero con otra luz y con otra vida, superior”.

Manuel Mendive, 2000

 Algunos de los asistentes dijeron en sus funerales     (Granma dixit)

http://www.lavanguardia.com/internacional/20161126/412179889345/muere-fidel-castro.html

Con un discurso sin matices pero visiblemente emocionado, Raúl Castro ha anunciado a las 18 hs el fallecimiento de su hermano mayor, Fidel. “Con profundo dolor comparezco para informar al pueblo que hoy, 25 de Noviembre de 2016, falleció el comandante en jefe de la revolución cubana” terminando con la frase más emblemática de los revolucionarios latinoamericanos: “¡Hasta la victoria, siempre!”

 -Xi Jinping . Presidente de China.

“vivirá eternamente [..] “el pueblo chino ha perdido a un buen y verdadero camarada”.

-Tran Dai Quang. Presidente de Vietnam

“Líder comunista y revolucionario de las naciones latinoamericanas y del movimiento de lucha por la paz, independencia, libertad y socialismo”.

-Narendra Modi. Primer ministro de la India.

“India llora la pérdida de un gran amigo”.

Luis Guillermo Solís. Presidente de Costa Rica

“Será recordado como el hombre que hizo una de las más profundas y perdurables revoluciones del siglo XX. Su legado le trasciende”.

Enrique Peña Nieto. Presidente de México

“Referente emblemático del siglo XX”.

-Rafael Correa, Presidente de Ecuador

“Contigo comandante Fidel Castro Ruz, con Camilo Cienfuegos, con el Ché, con Hugo Chávez aprendimos a creer en el hombre nuevo latinoamericano”,

-Evo Morales. Presidente de Bolivia

“Mientras haya un socialista de pie […] Fidel estará entre nosotros y para siempre”,

-Alexander Lukashenko. Presidente de Bielorusia

“Hemos perdido a un pensador”.

Nursultan Nazarbaev. Presidente de Kazajstán

“Un gobernante sabio, un político de gran influencia”.

Justin Trudeau. Primer ministro de Canadá

“Sé que mi padre estaba muy orgulloso de llamarle un amigo”

Mariano Rajoy. Presidente del gobierno de España

“desaparece una figura de gran calado histórico, que marco un punto de inflexión en el devenir del país y que tuvo gran influencia en toda la región”.

-Alexis Tsipras. Primer ministro de Grecia

“Lider histório de la izquierda mundial y garante de la dignidad y la independencia de su pueblo”.

-Cristina Fernandez. Ex presidenta de Argentina

“Fidel Castro y Cuba ingresando definitivamente en la historia grande. Junto a su pueblo, ejemplo de dignidad y soberanía”.

-Dilma Rousseff. Ex Presidenta de Brasil

“Visionario contemporáneo que creyó en la construcción de una sociedad fraterna, justa, libre del hambre y la explotación, una America Latina unida y fuerte”.

-Luiz Inácio Lula da Silva. Ex presidente de Brasil

“Es la pérdida de un hermano mayor, de un compañero insustituible del cuál jamás se olvidará”.

 “Al deambular por esa Habana que amo más que cualquier Otra ciudad en el mundo, me he preguntado muchas veces si sus destinos no han sido revisados siempre por unos fabulosos coleccionistas de casas, avenidas, muelles, parques y edificios públicos. Es decir, por hombres que temen ver terminado su placer al lograr una obra perfecta”.

Alejo Carpentier, 1940

Eusebio Leal Spengler

La ciudad tiene un prócer urbano, el Dr. Eusebio Leal (1942), como historiador de la ciudad de La Habana dirige la restauración del Casco Histórico desde 1981.La Habana fue declarada por la Unesco “Patrimonio de la Humanidad” en 1982,Es Doctor en Ciencias Históricas y Maestro en Ciencias arqueológicas.

Cuando estuvimos en el Parque La Güira, el subdirector Tony nos acompaño a realizar un paseo, nos comentó que sus 2 hijos trabajaban con Eusebio, luego una amiga nos aclaró que eso lo podían decir miles de habaneros ya que prácticamente cualquiera que hiciera algo en las propiedades del estado, trabajaba para Eusebio Leal

Su oficina recibe por ley aportes de las empresas, por lo que cuenta con suficientes fondos para su tarea, muy apoyado por Fidel, nadie se atrevería a sacarlo de su lugar, sería “un escándalo” ya que es muy reconocida su labor. Dirige un popular programa de la TVC “Andar La Habana” que aborda el patrimonio histórico de La Habana vieja.

Aquí algunos capítulos:

https://youtu.be/b1S8wvurxbA?t=5

El Capitolio:

https://youtu.be/Zd5H-ey9WXQ?

El “nuevo” puerto “viejo”.

https://youtu.be/1_X9d6-YxoA?

Episodio dedicado a los barberos. “Fígaros”.

https://youtu.be/ngiTWOd5tNQ?

   “He llenado mis ojos una vez más con la visión del Moro, de la Pinta, de la larga línea de las                                         fortificaciones….de las casas azules, blancas y amarillas, que parece  estén  acurrucadas bajo el peso del sol”.

Eulalia de Borbón, 1893

 Autos

Asppan distribuye los libros de la editorial alemana EAR books, y uno de sus títulos es “Heroes of the revolution”. American cars and cuban beats. 4 CD” el autor es Robert Polidori . Con fantásticas fotografías de autos y música cubana, da exactamente con el título de los autos que circulan por La Habana.

Hay muchos”Héroes de la Revolución”. Ford, Chevrolet, Buick, Plymouths, Studebakers, Pontiac, Cadillac, Oldsmobile, Dodge, Mercedes Benz, de los años ´30, ´40 y ´50 conviviendo con los rusos Moskovitch (similar al Seat 124) o Lada. En muy buen estado de carrocería. Y en casi todos los casos con motores Hyundai o Mitsubishi, hay talleres que no solo reparan sino que fabrican autopartes

Son un reclamo turístico de primer orden, se los ve por La Habana y por las rutas que llegan y parten de ella. Algunos se ven en Viñales, pero casi nada en Pinar Del Río, en solo 164 km el panorama cambia, posiblemente los autos se habían cambiado de ciudad, para dar mayor protagonismo a la capital.

La imagen de casas y edificios de casi 2 siglos, combinan muy bien con este decorado urbano, móvil y útil.  Muchos se usan como taxis urbanos, apodados “los almendrones” con capacidad para 5 pasajeros, que pagan 10 o 20 pesos cubanos de acuerdo al trayecto (aproximadamente 0,40 /0,80 euros), basta hacerles una señal levantando un dedo de la mano.

Otros autos en su mayoría convertibles son utilizados por turistas para pasear.

Son tan demandados que  últimamente muchos de estos autos han perdido su techo de chapa por una apertura al aire libre, cada vez hay más convertibles y menos autos cerrados.

“El encanto de La Habana nace de su irreductible ambivalencia….Coquetea con el barroco en una trama trazada con cartabón. En el rejuego entre el sol  implacable  y la sombra protectora…en sus calles y en sus rincones imprevistos, sigue viviendo su espíritu “.

Graziella Pogolotti, 1999.

 Partido único y liderazgo único

Me han comentado, amigos sociólogos que si bien en Cuba hay un partido único, dentro de él, coexisten todos los partidos, hay comunistas, socialistas, progresistas, ortodoxos, etc?…..  Pero que todo funcionaba dentro de un liderazgo único, con Fidel esto se ha acabado, y en pocos años, por la edad de los dirigentes históricos esto se terminara, y afloraran muchas ideas que por ahora están en silencio. O convenientemente silenciadas (caso del canciller Bruno Rodríguez con el vicepresidente del gobierno Miguel Mario Díaz-Canel Bermúdez).

Esa es una de las incógnitas políticas. Y no es la única

Peso cubano y cuc

Los pesos cubanos sirven para la compra de la cartilla, viajar en transporte público y poco más, el resto se consigue en CUC o Pesos convertibles cubanos. Ambas monedas dividen a la población de acuerdo con el acceso que se tenga a cada una de ellas y sus valores cambiarios.

Pero con una relación de 1 CUC equivalente a  24 pesos cubanos, la convivencia de ambos es difícil, para quienes cobran alrededor de 200 Cuc al mes, en pesos cubanos

Comer en un paladar, ir a un bar, o comprar muchos productos solo es posible en CUC, y estos se pueden ganar, si se está vinculado al turismo, mediante servicios, o con la venta de productos, que viene de Panamá, México entre otros países. Y ello requiere de contactos.

No guardo rencor al pasado; al contrario, he creído en la necesidad de  ir al futuro desde el pasado”.

Eusebio Leal, 2012

Pequeñas importaciones

En el aeropuerto vi más de 200 bultos embalados con film de la misma manera.  Nos explicaron que afuera vendría un camión a recogerlo, como cada cubano puede introducir una cantidad de productos al año, estos cobran además del viaje unos 200 usa, lo que es un ingreso extra, que en muchos casos permite unas vacaciones.

Vimos además repuestos de automóviles, neumáticos en la cinta de las maletas.

“La alegría de La Habana, más que en sus paseos, en sus edificaciones y en el movimiento animado de sus calles, hay que buscarla en el carácter de sus gentes…”

Vicente Blasco Ibáñez, 1928

El amigo americano

Hacía menos de 1 semana, que American Airlines estaba llegando a La Habana (ya lo hacía a Varadero y otros destinos) Tiene 10 vuelos diarios de EEUU a Cuba. Hay 8 compañías americanas entre ellas Southwest Airlines, Delta y Spirit,

Se espera mucho turismo americano (Trump mediante) y todos comentan que el aeropuerto debería adecuarse a ese nuevo caudal de turistas.

Cuando llegamos lo hicieron 4 aviones, y demoramos más de 2 1/2 en pasar migraciones y tener nuestras maletas. La cola para cambiar euros a CUC, presagiaba una hora más, pero un alma caritativa lo resolvió, juntando a varios pasajeros y reduciendo el precio de 25 a 20 CUC. Los cubanos son expertos en resolver situaciones.

En el 2015 ingresaron 3,5 millones de turistas a Cuba, y de ellos 1,6 millones fueron a La Habana. Hay una gran demanda de plazas hoteleras y de casas particulares, así como  de autos de alquiler, En el 2016 esta cifras subió un 35 %.

“Está el mar, el trópico, la historia interesantísima de esta ciudad que es apasionante , y también está el pueblo cubano, que es un actor protagónico dentro del  teatro urbano. No hay nada como un cubano dentro de una ciudad para incrementar su interés. 

Andrés Duany, 2010

Periodo especial

El colapso de la Unión Soviética en 1991 y del Came o Comecon (Consejo de ayuda mutua económica, una organización de los países socialistas en torno a la URSS, que controlaba entre el 6 y el 10 % del tráfico mundial). Y el recrudecimiento del embargo norteamericano desde 1992, provocó en Cuba un colapso económico sin precedentes. La caída de la URSS privó a Cuba de un socio político  económico y sobre todo proveedor de petróleo y suministros.  

Hay mucho texto que explica ese momento duro en la vida de los cubanos. Se denominó a esa crisis “período especial en tiempos de paz” y su PIB se contrajo un 36 % de 1990 a 1993. La falta de hidrocarburos (gasolina y diésel y otros combustibles) modifico drásticamente su sistema de producción de alimentos, provocando racionamiento, y limitando el transporte y otros usos de maquinarias, afectando a su industria.

A partir de 1994, su PIB fue creciendo y es recién en el 2007 que se acercó a los valores de los ´90.

“Allí se extendía la gran ciudad de La Habana, a lo largo de la costa […] con casas bajas de todos los colores: azules, amarillos, verdes, anaranjados, como un enorme depósito de cristales abigarrados y objetos de porcelana en una tienda de regalos,”

Frederika Bremer, 1851

Libros

En el aeropuerto de la ciudad de México, tuve el privilegio de saludar al poeta, sacerdote y escritor nicaragüense Ernesto Cardenal (Ernesto Cardenal Martínez 1925)  y recordé su hermoso libro “En Cuba”.

Editorial Carlos Lohlé, Buenos Aires 1972 (370 pp).

En 1970 fue invitado por Casa de las américas, como miembro de un jurado de poesía, y realiza una larga visita a Cuba. Relata en unas crónicas sinceras y honestas sus experiencias, impresiones, recuerdos y encuentros, de lo que ve y escucha de los cubanos, opiniones tanto positivas como negativas. Relata lo que se habla y lo que se calla.

Realiza una entrevista a Fidel Castro, a José Lezama Lima, y a la madre de Camilo Cienfuegos.  Asiste a la charla anual que Fidel da sobre la revolución.

Sabe intercalar entre su prosa, poemas propios y de otros autores.

Otro libro que me ayudó en mi anterior viaje fue “Y Dios entró en La Habana” ISBN  978-8403594944  (El País-Aguilar 1998), de Manuel Vázquez Montalban (1939-2003) donde en 700 páginas reflexiona y nos lo hace saber en un libro que se podría encuadrar entre el ensayo y el reportaje.

 

“Rindo culto también al Prado, a la Plaza de Armas, a las antiguas calles y a esa Habana vieja secular, mística, cubana, misteriosa, inmortal …Todas sus piedras han dado en mi corazón.”

Carilda Oliver Labra, 2000

El “López Serrano” y el edificio “Bacardi”

Tomo como base explicativa de arquitectura, el texto que escribe el Arq. Roberto Segre (1934 – 2013) en su libro editado en 2004“Arquitectura Antillana del siglo XX”. Segre dirigió durante 3 décadas la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de La Habana. (Nota 1)

La aparición en 1932 del “paradigma del Empire State o rascacielos habanero”, es el edificio “López Serrano” de 15 plantas ubicado en calle 13 y L  en el Vedado. Obra del arquitecto Ricardo Mira y el ingeniero Miguel Rosich. Diseñado con una planta en “H” para facilitar la iluminación y la ventilación de sus pisos. La decoración del basamento y la entrada es rica en detalles.

El Art decó aparece “en plenitud”  en la sede de la empresa Bacardi (1928-1930). (Nota 2)

Esta joya del art decó fue realizada por los arquitectos Rafael Fernández Ruenes, Esteban Rodríguez Castell (1887-   ) y el ingeniero José Emérito Menéndez (1900 – 1991) para la empresa fabricante de ron. El estudio del Ingeniero Menéndez funcionó en el edifico Bacardi hasta su fallecimiento a los 91 años.

Ubicado “en un sitio estratégico del centro comercial de La Habana en el punto de articulación entre la trama colonial y la expansión republicana de inicios de siglo” en la zona antigua de la ciudad sobre La Avenida de Bélgica 261 entre Empedrado y San Juan de Dios.

El edificio fue oficina de la empresa Bacardi además de varias plantas de alquiler de oficinas.

Las decoraciones más fastuosas están en los accesos y la planta baja donde está el vestíbulo y a su derecha el salón de exposiciones, con pilares de capiteles dorados y lámparas de estilo, además de los entresuelos donde se ubicaba el bar para invitados.

En cada piso hay muchas empresas distintas que utilizan los amplios despachos de lo que fuera el buque insignia del famoso licor.

Los detalles ornamentales, de iluminación, y los materiales son de clara influencia parisina, mientras que la volumetría exterior y su espacialidad recuerda “la tradición funcional imperante en los EEUU”. Aparece “el colorido de La Habana colonial, la cubanía”, la alegría “callejera resaltada por el cromatismo tropical” frente al gris de la arquitectura clásica circundante. Era sábado y fue posible subir en ascensor hasta la 7ma planta y luego por una endeble escalera caracol metálica a la terraza mirador en el 8vo. Piso.

Solo los fines de semana por 2 CUC  por persona, entrada quizás oficial. Con ese aporte varios pudimos gozar de unas imágenes lindísimas de La Habana vieja

Nota 1. Arquitectura Antillana del siglo XX. Autor Roberto Segre

Texto completo: https://books.google.es/books?id=QLyPNftMdB0C&pg=PA140&lpg=PA140&dq=Rafael+Fern%C3%A1ndez+Ruenes+arquitecto&source=bl&ots=CETWnVTard&sig=rIpAniWoyzxzJmttq2-Frh-pnWc&hl=es&sa=X&ved=0ahUKEwjVkrfH0fnQAhXDuhoKHezpCqsQ6AEIOzAJ#v=onepage&q=Rafael%20Fern%C3%A1ndez%20Ruenes%20arquitecto&f=false

Nota 2: edificio Bacardi  https://youtu.be/4fAn7otf-GA?t=4

 La ciudad

En la zona histórica (y turística) la calle Obispo tiene mucho encanto, que no se encuentra en las calles paralelas, que están necesitadas de mantenimiento y arreglos.

De la fachada para su interior, se parecen más, ya que en muchos casos  solo se había remodelado la piel exterior.

“Esas son memorias importantes, porque es lo que queda en nosotros,cuando se olvida lo que una vez se leyó en los libros”.

Eusebio Leal, 2012

El Moncada

Estuvimos 2 noches en casa Don Dámaso Calle 2nda y #6, de Karolina, polaca casada con un cubano 

Cuando llegamos a la casa nos recibió Estrella, que vive al lado y se ocupa de recibir turistas.

Nos hablaba en español con un marcado acento polaco, le dije que mi apellido era también polaco, de Tutzin. Le pregunté de qué parte de Polonia era. Me dijo que era cubana, pero que como la dueña era polaca e iban muchos polacos se le había pegado el acento polaco. Hablaba español con acento polaco. Muy gracioso.

….como la virtud hace hermosos los lugares en que obra, asi los lugares hermosos obran sobre la virtud

Jose Marti

Restaurantes

Porto Habana 

En una torre de 25 pisos, una de las 4 más alta de la isla, hay un restaurante en el piso 11, decorada en un amable estilo kitsch muy cuidado. Calle E 158 B entre Calzada y 9na en el Vedado.

Si pides agua con gas, traen agua San Pellegrini, italiana, al comentar que no era razonable traer soda desde Italia, nos dijeron que la cubana Ciego Montero, no tenía la fuerza de esta, al ser débilmente gasificada. Empieza la sofisticación…..

La comida bien elaborada, al coste de un restaurante de Madrid, pero en La Habana, había además de turistas, comensales cubanos. Y estudiantes que habitan el edifico en casas de familias y que comían diariamente por 10 CUC

Versus -1900-

Está en una casa colonial de comienzos del 1900, muy bien restaurada, ubicado en av Linea 504 2nda planta, entre calles D y en El Vedado.

Un dato simpático, en su biblioteca encontré un libro nuestro del museo Guggenheim.

Vale la pena recorrerlo y comer en él (también leer nuestro libro..)

“Al llegar la noche nace de nuevo La Habana, vuelve. Se toca entonces su contorno, y se ven hasta las venas de su cuerpo interior […]  En La Habana se está, se instala el paseante en ella, como en una barca quieta en el mar […] La Habana ciudad nocturna  interiormente radiante, y luminosa en las entrañas.”

Gastón Baqero, 1960

Maestra de 9 grado

Durante 104 km desde Matanzas a La Habana, nos acompañó Elizabeth, maestra de secundario, profesora de matemáticas de 36 años con 2 hijos.

Comentó que la caravana fúnebre entró en Cárdenas donde los estudiantes habían hecho un pasillo. La consigna era gritar “Yo soy Fidel”.

Así se le dijo a los estudiantes, y estos esperaron pacientes la caravana, cuando ésta llegó se hizo un silencio, y casi ningún estudiante (14 años) salió de su silencio, Nadie coreo la consigna, embebidos en un respetuoso, impresionante y sentido silencio.

Elizabeth nos mostró un vídeo que hizo del paso del cortejo, pasaron varios coches militares y el carro con la caja de cristal y el féretro. Nos dijo que cada vez que lo ve, se emociona.

Todos los alumnos conocen la historia revolucionaria. Así como la historia actual. Y estudian especialmente la historia de Latinoamérica.

 “…el sol, bañado de su propia púrpura, naufragando en el horizonte, y tiñiendo con los reflejos de su agonía las nubes y las azoteas y las olas, como un diario poema de despedida a la ciudad.”

Ängel Gaztelu, 1946

Pies secos, pies mojados

Si un cubano es encontrado en el mar intentando llegar a las costas de Estados Unidos no se les permite quedarse en los Estados Unidos, (pies mojados o wet foot), pero si tocan suelo estadounidense pueden quedarse (conocidos como dry foot), sea que hayan llegado por mar, por tierra desde México (se los llama pies con polvo o dusty foot) o por avión pidiendo asilo.

No hay un asilo inmediato, pero si son aceptados podrán tener una serie de documentos, con beneficios sociales y económicos, un número del seguro social y la licencia de conducir. Por supuesto hay muchísimas excepciones, y normativas.

Hay sectores en los EEUU interesados en terminar con este “privilegio”.

 “La pasión dominante, desde luego, es el baile; todo el mundo baila en La Habana sin reparar en edad, clase o condición.”

Nicolás Tanco Armero, 1853

Maqueta de la Habana

Este proyecto comenzó en 1995, a iniciativa de Eusebio Leal, y sus creadores fueron el maquetista y topógrafo Orlando Martorell y su esposa Dulce María, (a quien Eusebio denomino “arquitecto especialista en proyectos) quienes trabajaron en ella durante 3 años. Se inaugura en 1999 con motivo del 480 aniversario de la fundación de La Habana.

La maqueta de La Habana Vieja tiene una superficie de 48 metros cuadrados, 8 metros por 6, en una escala de 1:500. La maqueta se actualiza constantemente y ofrece un extraordinario nivel de detalle sobre las edificaciones del núcleo antiguo de La Habana. Está ubicada en el antiguo almacén de la “Farmacia Taquechel”. La farmacia se encuentra en la calle Obispo 155 entre Mercaderes y San Ignacio en la Habana vieja.

Inaugurada en 1898, es en 1996 que se la pone en valor y actualmente es una hermosísima farmacia museo con porcelanas maravillosas del siglo XIX.
En el año 2003, la Universidad Cisneriana le encarga a O. Martorell la realización de una maqueta del centro histórico de Alcalá de Henares (España), en escala 1:1.000, fue entregada en el 2006.

En el barrio de Miramar, en la calle 28 Nº 113 entre las avenidas 1 y 3, existe otra enorme maqueta a escala 1:1000 de toda la ciudad. Tiene 22 metros por 8, Los edificios pintados de distintos colores, indican la época de su construcción.

Fue creada por el GDIC (Grupo para el desarrollo Integral de la Capital) que asesora en materia de planificación urbanística. Este grupo dirigido por Gina Rey se creó en 1987 para guiar lo que se pensó sería un desarrollo frenético de la construcción en La Habana, que tras la crisis por la desaparición de la URSS este desarrollo se frenó. Desde 1999 a 2001 lo dirigió  el Arq. Mario Coyula, con Mayda Pérez, Mario González en un grupo pequeño y ejecutivo.

“La Habana es su cielo, y este no parece parte del común a toda la tierra, sino proyección del alma de la ciudad, afirmación soberana de ser lo que ella es.”

Luis Cernuda, 1952

Metrobuses

En este viaje no he visto a los llamados “camellos” de 18 ruedas, https://youtu.be/4dZzi9Oyr3k  circularon a partir de 1990 como una respuesta a la escasez de gasolina y facilitar un transporte masivo, con capacidad para 200 a 400 (inimaginablemente). https://youtu.be/x0tb8sGuxbo

Alguna vez nos dijeron que los cubanos los llamaban “cine del sábado a la noche”, porque dentro había sexo, violencia y delitos. En horas punta todos apretujados intercambian conversaciones y alimentan rumores de todo tipo. Cada vez se los ve menos, reemplazados por las “guaguas”. Circulan por la ciudad y tienen todo el aspecto de provenir de México, por sus carteles. Son articulados, modernos y cómodos.

 “Rindo culto también al Prado, a la Plaza de Armas, a las antiguas calles y a esa Habana vieja secular, mística, cubana, misteriosa, inmortal… Todas sus piedras han dado en mi corazón”.

Carilda Oliver Labra, 2000

Malecón

El Malecón se extiende sobre la costa Norte de La Habana a lo largo de 8 kilómetros. Diseñada por el Ingeniero cubano Francisco de Albear (1816-1887), apodado “El señor de las aguas”, su construcción comienza en 1901 y luego de cuatro etapas finaliza en 1952. Conecta la vieja Habana colonial con barrio el Vedado

A lo largo del Malecón se alzan monumentos, importantes edificios y avenidas como la calle 23, la avenida de los Presidentes y la avenida Paseo.

Además de tener la función de detener el agua, y con marea agitada provocar hermosas olas que se elevan más de 6 metros, invadiendo como en 2010 hasta 400 metros dentro de la ciudad anegándola hasta que el agua se escurre. Es sobre todo un paseo social, turístico, donde es posible tomar tragos, escuchar música, risas, el lugar ideal para idilios recientes o antiguos. Un espacio que favorece la vida  desde el amanecer hasta el anochecer, sin interrupción.

 Decían los griegos que combinando la unidad con  la variedad se lograba la armonía.

Arq. Mario Coyula

Pueblo de Varadero

La publicidad del Hotel Herradura ponía Directamente sobre la blanca arena de esta playa y más cerca del mar que cualquier otro hotel de Varadero, se distingue además por su peculiar forma de herradura abierta al litoral, como un gran balcón asomado a la vasta extensión de playa, con variedad de amenidades y todas las posibilidades para la práctica de deportes náuticos de Varadero”. Quizás por eso, se decidió demolerlo, así como las demás construcciones que se levantaron sobre las dunas. La idea es liberar esos espacios para reconstruir las dunas de arena y facilitar la vista al mar.

De una página oficial cubana en la Web recupere esta información:

“La Oficina de Recuperación de Playa Varadero. Está encargada de llevar a cabo el programa de recuperación de Playa Varadero que tiene como misión analizar, gestionar y ejecutar una serie de proyectos encaminados a la recuperación de dicho ecosistema ya que el mismo es objeto de una grave erosión de playas debida particularmente a impactos en la línea de costa originados por construcciones no planeadas desde una visión sistémica de la zona costera; por ejemplo la construcción de hoteles directamente sobre la duna costera, extracción de arena de playa para utilizarse como material de construcción, descargas de aguas residuales, o la perforación y extracción de petróleo en la Provincia de Matanzas. El carácter de esta Oficina es de plano ejecutivo, ya que tiene a su cargo la implementación de un plan de demoliciones de construcciones ubicadas en zonas y segmentos considerados como críticos en la playa Varadero. Han desarrollado una serie de esquemas para tomar decisiones sobre prioridades de demolición de inmuebles y de reubicación en algunos casos. El proyecto contempla más de 200 demoliciones, de las cuales más del 50% han sido ya ejecutadas”….”  Y este comentario “Una fuente digna de todo crédito me confirma que no sólo el hotel (que se ve en muy buenas condiciones) sino el conjunto de casitas de paredes de canto y cubiertas de madera y tejas proyectado por Nicolás Quintana (nota  3)) al lado del Hotel serán derruidos. Se trata, en pocas palabras, de otra obra maestra de arquitectura y diseño urbano del Movimiento Moderno cubano que se perderá. Se ha protestado pero al parecer la decisión ya está tomada”.

Es interesante la nota donde el Arq Roberto Segre entrevista al Arq. Mario Coyula (nota 4) y se menciona la situación de la arquitectura pre y pos revolución. Y las implicancias del movimiento moderno en los grandes lineamientos de la isla. Los intentos de crear “Las Vegas del Caribe” o el encargo 30 años antes  al urbanista y paisajista francés Jean-Claude Nicolas Forestier para crear “La Niza del caribe”.

El Arq. Coyula dirigió la revista Arquitectura/Cuba y la escuela de Arquitectura, llegando a ser Director de Arquitectura y Urbanismo de la Administración Metropolitana de La Habana.

Menciona el debate (si lo recordaremos nosotros también en la antigua FAU!!) sobre “la función social del arquitecto”. Menciona a la excelente revista Espacio, de la Asociación de Estudiantes de Arquitectura y su participación en la toma de “conciencia” de los estudiantes.

El encargo a J.L.Sert por parte de Fulgencio Batista para ordenar el previsible desarrollo turístico de La Habana, Varadero, Cojímar y la Isla de Pinos y la relación con los mafiosos Meyer Lansky y Santos Trafficante con sus inversiones en los hoteles Habana Riviera (y porque aparece y desaparece  Phillip Johnson) y Capri.

Hago estos comentarios tratando de inducirlos a leer la entrevista completa, porque es muy interesante en datos, conceptos y anécdotas como el profesor de la AA (Architectural Association de Londres), que dio esta impresión de Cuba “!ustedes tienen microplanes, extraplanes, planes especiales… pero lo que no tienen es (un) Plan!”.

Nota 3.  Considerado padre de la arquitectura moderna Cubana (1925-2011) trabajo con Gropius y con J.L.Sert (con quien realizo el plan maestro de Trinidad entre otros como un desarrollo nuevo al este de La Habana,)

El arq. Coyula menciona a las casas del arq Nicolás Quintana “que había hecho también en los ’50 una pequeña obra maestra con el conjunto de viviendas junto al Hotel Internacional de Varadero, organizadas a lo largo de un largo cul-de-sac y siguiendo su particular estilo arquitectónico playero con paredes de canto a vista y techos inclinados de madera y tejas. Ese repertorio lo había empleado antes en las cabañas del hotel Kawama, también en Varadero. Pero la mayoría de aquellas decenas de urbanizaciones fueron ejecutadas por compañías sin más interés que el especulativo. Recuerdo una de ellas, donde solo trabajé tres días, que dibujaba las plantas de las viviendas a 1:50 y ponía el mobiliario a 1:80…”

 Nota 4. Entrevista completa al arq Mario Coyula

Entrevista parcialmente publicada en la revista CyTET (Ciudad y Territorio. Estudios Territoriales) No. 143, Ministerio de la Vivienda de España, Madrid, invierno, 2005.

Primera parte http://www.archivocubano.org/coyula_01.html

Segunda parte  http://www.archivocubano.org/coyula_02.html

 “No son las piedras lo que, más me interesa. Es el febril encanto de la restauración que hace renacer la ciudad vieja. Hace surgir lo nuevo de lo viejo, la nueva vieja ciudad, ese es el gran milagro y, por milagro, maravilloso y hasta increíble.”

Alfredo Guevara. 1998

Soy Cuba

Película cubano-soviética estrenada en 1964. Su director Mijail Kalatozov y el excelente cámara Segei Urusevsky dedicaron 1 año a esta filmación.

Tiene 4 historias, con secuencias muy largas que supieron valorar tanto Martin Scorsese (1942) como Francis Ford Coppola (1939) que la recuperaron del olvido en la que había caído frente a la indiferencia cubana (criticada por señalar tópicos y estereotipos cubanos) y en la URSS (por no ser lo suficientemente revolucionaria).

Un Texto publicado en abril de 2012 nos advierte que es uno de “los grandes descubrimientos del cine, y que cambiara nuestra visión el cine para siempre”.

Fue “iniciada sólo una semana después de la crisis de los misiles cubanos” como “la respuesta de Cuba a la obra maestra de propaganda de Sergei Eisenstein (1898 – 1948) Potemkin y el romance libre de Jean-Luc Godard (1930) Breathless”. Presentada en español como “Sin Aliento” o “Al filo de la escapada”, película de culto de 1960, historia creada por François Truffaut con Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Danuiel Boulanger y Jean-Pierre Melville

Es una celebración “esquizofrénica del comunista Kitsch” donde se mezclan  la solemnidad eslava con la sensualidad latina. Con imágenes “delirantemente yuxtapuestas de estadounidenses ricos y bellezas en bikini bebiendo cócteles junto a la piscina con escenas de barrios pobres llenos de niños hambrientos y ancianos desamparados”. Con lentes que distorsionan y filtros que transforman “las palmeras en plumas blancas gigantes, la cámara acrobática de Urusevsky alcanza ángulos salvajes que desafían la gravedad mientras se desliza sin esfuerzo a través de largos disparos continuos”

Film “SOY CUBA”:

https://youtu.be/fZ6gR0jxzUg

https://youtu.be/sYFXv6bDIY8

https://youtu.be/oNPTu7gAYxo
Nota general: los textos que están intercalados entre los párrafos, los tome casi “prestados” del libro Cuaderno de Bitácora. Logbook, de 2012 en el XXX Aniversario de la inclusión de la Habana vieja y su Sistema de Fortificaciones en la lista del Patrimonio Mundial. Libro obsequiado amorosamente por Alina y Armando.

Sin duda estos textos continuarán, ya que tengo la necesidad de dejarlos escritos para recordarlos y volver a sentir el calor y la alegría de estar en Cuba con sus gentes.

Eladio Dieste. El señor de los ladrillos por HaKj

 

Ing arq Eladio Dieste

EL SEÑOR DE LOS LADRILLOS

(Nota 1)
Por HaKj

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“La forma es un lenguaje, y ese lenguaje debe sernos inteligible, estamos ansiosos de inteligibilidad y, por lo tanto, de expresión. Parte del desasosiego moderno se debe a la ausencia de expresividad legítima a que nos rodean cosas que  ostentan un hermetismo que es la negación de lo que supondría la fraternidad quedamos por supuesta y que naturalmente debería leerse en la obra del hombre en el espacio” Eladio Dieste

Eladio Dieste creador de tecnología. Un maestro del tercer mundo

La forma sigue a la función, mas es menos… muchas teorías al respecto, pero no tantas evidencias de lo que se debe hacer, como y cuando.  La capacidad y el talento de profesionales como Eladio Dieste, señalan un camino, un rumbo, que nos explica, y nos muestra enseñándonos que es posible lo que antes se pensaba que no lo era.

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Cuando visite la iglesia de Atlántida, junto a mi amigo Edgardo M. me impacto no solo su espacio, su estructura, el uso de la luz, la sencillez compleja de su resolución.

Es sin duda una de sus mejores obras pero no la única. Su genialidad está en el concepto de sus formas, en un discurso simple y enriquecedor donde el espacio contenido, juega un papel de dialogo con la cascara que lo define. No es anecdótico decir que son soluciones inteligentes, razonables, económicas y de rápida ejecución. No se debería pedir más. Pero hay más.

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Produce en el espectador narraciones como las de su amigo Juan Grampone “La experiencia de caminar por encima una bóveda que vibra a cada paso como si fuese un tambor, también es una experiencia intransferible. Las grandes bóvedas autoportantes, voladas, como las de Salto, esas gaviotas de cerámica, son incomprensibles, aun para quien ha estudiado algo de estructuras y de resistencia de materiales. Simplemente no se puede creer lo que se ve. La experiencia de ver una bóveda sin completar, colgada del aire, especialmente cuando esta recién quitado el molde y todavía está húmeda es otra experiencia imborrable. Además posee el encanto de lo fugaz, de aquello que una vez que se complete, dejara de ser así para siempre. Así recuerdo las cascaras del Montevideo  Shopping Center cuando la visite invitado por Dieste” 3d

No es común acciones donde convergen el arquitecto, el ingeniero, el constructor, el maestro de obras donde hay una línea del proceso desde el concepto, la ejecución hasta la obra terminada. Su actitud ideológica no es un valor menor en sus valiosos logros profesionales.

Nos advirtió “No veo «modelos» por imitar; veo algo mucho más incitante: un camino y sé que tengo brújula”. 

Unos párrafos más adelante he puesto 6 videos de la entrevista que le realizara el arq. Mariano Arana, y que es todo un ejemplo de claridad profesional (y personal).  Comencemos:

La vida de Eladio Dieste

“Eladio Dieste, maestro de la Ingeniería” gracias a este libro de Juan Grompone (1939) ingeniero industrial, profesor, informático. escritor uruguayo y amigo de la familia (Nota 2) podemos tener acceso a datos interesantes de su vida.

Eladio Dieste nació en Artigas, R.O. del Uruguay el 10 de diciembre de 1917, falleció a los 82 años en Montevideo el 20 de Julio del 2000. Ingeniero de formación es nombrado arquitecto honorario en reconocimiento a su tarea de diseñador. Encontró apoyo en las obras de Antonio Bonet (Nota 3), (ver Antonio Bonet, Espacio Editora) y las obra de su compatriota Torres García (Nota 4)3c-antonio-bonet-dew-espacio-editora

Tuvo 11 hijos, y el segundo de ellos Esteban lo describió como “un católico muy ferviente”: “De carácter difícil, varios de sus hijos trabajaron con él, Eduardo (administrador de empresas), Antonio (ingeniero civil). Considerado como perteneciente a la “generación del 45” que se  caracterizó por un gran espíritu crítico, y una sólida formación que les permitió siendo docentes transformar los centros de altos estudios en centros académicos de primer nivel.

En los años 30, Uruguay recibió a muchos inmigrantes, a partir del 36 fue la emigración española provocada por la guerra civil, también de judíos que eran perseguidos en Europa, y posteriormente durante la 2nda guerra mundial. De esa época es su relación con la familia de Joaquín Torres García (1874-1949), a quien mencionaba como “un artista de verdadero genio y de gran intuición estética” 2-torres-garcia

En 1934 conoce a Eduardo Díaz Yepe  (1910 – 1978)  (esposo de Olimpia Torres, hija mayor de Joaquín Torres García) (Nota 5) y en 1961 a su regreso -luego de su prisión durante la guerra civil y estadía en Francia-  le encarga el Cristo de la Parroquia del Cristo Obrero de Atlántida. 3b-cristo-del-artista-eduardo-yepes-en-la-igklesia-de-atlantida

Olimpia Torres se refirió a la iglesia: “…La Iglesia de Atlántida fue como un hijo también para nosotros, un hijo que fue naciendo poco a poco. Porque si había que llevar ladrillos, él (Eladio Dieste) venía a buscarnos a casa a mi esposo y a mí, y nos llevaba a traer ladrillos”. No fue fácil para Dieste convencer a las monjas que aceptaran considerar al Cristo una obra de arte y religiosa y no lo sacaran de la iglesia, debido a su intenso brillo por estar recubierto con pan de oro.

Es Torres García quien le habla de Antonio Gaudí (especialmente de la Cripta de Santa Coloma, a 19 km de Barcelona)

1era distracción sobre la Cripta de Santa Coloma

Gaudi , Güell y Santa Coloma de Cervelló

Con un interior mágico donde participan el ladrillo visto (seguramente lo que más interesó a Eladio), junto a trozos de cerámica, cristal y la teja catalana. Durante mas de 10 años trabajó Gaudí en este proyecto que le encargara Eusebi Güell (1846-1918) y que terminara en fracaso como proyecto de colonia donde se alojarían sus empleados, al lado de la fábrica que tenía en Santa Coloma.3-gaudi-santa-coloma-de-cervello

Del proyecto de una iglesia de 2 niveles y torre de 40 metros, solo se completó la planta baja denominada Cripta (terminada en 1914) y declarada Patrimonio de la Humanidad en 2005.

En Santa Coloma podremos encontrar obras de discípulos de Gaudi, Joan Rubió i Bellver (1870 – 1952) , Francesc Berenguer i Bellvehí (1889 –1952) y Francesc d’Assís Berenguer i Mestres (1866 – 1914).

Volvamos a la vida de Eladio Dieste

Con otro catalán es con quien se enfrenta a la posibilidad de realizar su primera bóveda de ladrillo. Es en 1946 cuando lo llama el arquitecto Antoni Bonet i Castellana (1913-1989) para colaborar en la casa Berlinghieri en Portezuelo (Maldonado). Su propuesta es sencilla, propone hacer trabajar en forma solidaria el ladrillo, el mortero y el hierro pero dándole forma al material para que sea más resistente y eficaz.

14-interior-atlantida-foto-de-gonzalez-pedemonte

De 6 metros de luz, pasa a obras de 10,50 metros, luego a 43 metros de luz en TEM y a 46,50 metros  con el Packing Caputto en Salto hasta a cubierta del Pabellón Julio Herrera y  Obes en el Puerto de Montevideo] con una luz de 50 metros. En tantas y tantas obras solo hubo 2 accidentes, que no fueron por fallos de esta tecnología, sino por un error constructivo al omitir la empresa constructora poner hierros en la losa de borde, y el otro por fallos en la calidad del cemento suministrado por la cementera. Este último costo la vida de varios operarios.

En el libro de Damian Bayon y Paolo Gasparini (Barcelona 1977) “Panorámica de la arquitectura latino–americana. Eladio Diesteleemos:  

En Estados Unidos [. . .] al ver que el ladrillo iba siendo sustituido, crearon unos institutos para tratar de buscarle una Utilización estructural [. . .] Han hecho con el ladrillo cosas que se hacen mejor con hormigón: vigas de hormigón, losas de hormigón [ . . ] Pero no hay [. . .] una sola experiencia, por ejemplo, de diafragma de ladrillo; cuando el diafragma, o sea la pared portante,es el elemento primitivo del ladrillo [. . .]  No hay ni una sola cúpula, una sola bóveda, un solo tanque, un solo silo, todas las cosas para las cuales el ladrillo se presta con un costo muchísimo menor que el hormigón.

Demostró que la cerámica armada permite la construcción de estructuras muy esbeltas, con las que es posible construir luces de hasta 50 metros “siempre que sean elásticamente estables, resistiendo al pandeo, y esto se consigue ondulando la bóveda” 15-detalle-de-boveda

La empresa Dieste y Montañez (Nota 6) (fundada en 1954, hasta el año 2.000 cuando muere E. Dieste) realizo más de 150 construcciones) fue de las primeras en adquirir computadoras. Por todo esto es interesante la evolución del pensamiento de Dieste. Hacia 1980 decía: [. . .] pocas cosas en este mundo son más prodigiosas que la computación. Muchas de las dificultades de  cálculo [. . .] han desaparecido, porque no hay sistema de ecuaciones diferenciales, por complejo que sea que resista a la capacidad de resolución de una buena máquina. Pero esta no responde por sí misma, nunca nos dará substancialmente más que lo que le ponemos dentro; o sea que la creación de la forma ´ seguirá siendo el resultado del trabajo de la mente “.

Diseñó maquinas, equipos para el pretensado y encofrados muy delgados, así como muebles: “Esto me divertía bastante”  16-detalle-constructivo-eladio-dieste

En la enseñanza Dieste fue un estimado docente de la Facultad de Ingeniería, en la cátedra de Mecánica, incitaba a sus alumnos a pensar más en las leyes fundamentales que en  los resultados. Estaba convencido de la importancia de la formación conceptual.

 

Un ingeniero al que los  arquitectos tan dignamente han elogiado al punto de recibir el título de arquitecto honorario.

En 1978 Mariano Arana (1933) le pregunto en forma directa (Nota 7) si se considera arquitecto  y la respuesta de Dieste es clara y elocuente:

“No. Para ser arquitecto se necesita una formación académica que no tengo”. Según el propio Dieste: “La Iglesia de Atlántida fue mi Facultad de Arquitectura”

Entrevista del Arq. Mariano Arana el 8 de Octubre de 1990.

La conciencia de la forma (6 videos)

https://youtu.be/cCEiwO7pJDM

2 https://youtu.be/D-4iTHEIpJc

3 https://youtu.be/Xoi5C0t5qT8

4 https://youtu.be/jzbdZLpPYrI

5 https://youtu.be/6NwqXBfifbU

6 https://youtu.be/EmJhtsvgYck

Parroquia o Iglesia del Cristo Obrero de Estación Atlántida

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En 1952 Alberto Giudice y su mujer Urioste donantes de la Iglesia que tenían en ese lugar una catequesis, le propone construir una bóveda, a pesar que Dieste le pide trabajar con un arquitecto (proponiéndole una lista de posibles arquitectos), este se niega, ambos siguen en contacto permanente, y es entre 1956 y 1957 que finalmente acepta. Trabaja durante 2 años, a pie de obra,

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“Recuerdo que en una ocasión me dijo que en una iglesia lo importante era lo que sucedía adentro; que el edificio no importaba. Le conteste que la Iglesia siempre tuvo la sabiduría de rodear lo religioso de una dignidad capaz de expresar visualmente lo sagrado. Finalmente ofrecí construir la Iglesia por el costo de un galpón. [. . .] “La idea del proyecto se me ocurrió de inmediato” (Nota 8)4-iglesia-de-atlantida-de-marcelo_donadussi.

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La obra es publicada en todo el mundo influyendo en muchos profesionales que comenzaron  a utilizar el ladrillo, entre ellos José Ignacio Dıaz “Togo Diaz” (1927-2009) en Córdoba, Argentina, quien en sus comienzos colaboro con el arquitecto Antonio Bonet mientras proyectaba la Torre de las Américas en Córdoba;  Rogelio Salmona (1929-2007) en Colombia, quien trabajo durante casi 10 años en el Atelier 35 rue de Sèvres de Le Corbusier, autor entre otros proyectos emblemáticos de la casa de Gabriel García Márquez,. Juvenal Baracco (1940) en Perú, entre otros.

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Volvemos al ladrillo

El uso del ladrillo, desde los romanos, tiene su lógica constructiva, en bóvedas y cúpulas. Al ser un sistema simple, ya que se pone el ladrillo unido a otro por un mortero se lo utilizó en edificaciones de uso doméstico (aljibes, pozos, dinteles de puerta).

El aporte de la obra de Eladio Dieste es lo que él denominó “cerámica armada” llevado al extremo la creación de superficies curvas a partir de esa  nueva tecnología. Le ha permitido diseñar con una máxima liviandad, construcciones abovedadas realizadas con ladrillos, armadura de acero y un mínimo de hormigón.

Nos ha demostrado que es posible resistir las solicitaciones y las cargas gracias a su forma y no a su masa, consiguiendo un importante ahorro de materiales.

Al poder ser construidos sobre un encofrado móvil (por ser muy livianas), factibles de ser prefabricadas y sistematizadas en la repetición de sus componentes, consiguió muchísima aceptación.19-bovedas-autoportantes-frigorifico-fenix

Supo cubrir distancias importantes sin apoyos intermedios construyendo grandes espacios con una estudiada utilización de la luz.

Preparando estas líneas asocie su trabajo con el artista californiano James Turell (1943) que crea espacios a partir de la luz, Dieste incorpora la luz al espacio construido. “Mi trabajo es sobre el espacio y la luz que habita en él. Se trata de cómo se puede hacer frente a ese espacio y materializarlo” (Nota 9)

El camino de la cerámica armada está lleno de posibilidades. E.D.

El ladrillo podría considerarse el material prefabricado más antiguo de la humanidad, hemos comprendimos sus enormes posibilidades en la  Basílica de Magencio en Roma, (en ruinas), con el record mundial de 25 m de luz, o cuando Filipo Brunelleschi (1377-1446) construye la bóveda de mayor dimensión del mundo en Santa María dei Fiore en Florencia.

Hasta Dieste, la cerámica se había utilizado como elemento siempre comprimido, el incorpora el recurso del pretensado y la utiliza en grandes dimensiones, el acero envainado en las láminas le permite crear espacios de grandes luces.20-estacion_servicio-barbieri-legare-en-salto-la-gaviota

Eladio Dieste nos menciona las ventajas del ladrillo y de la cerámica estructural:

  • Elevada resistencia mecánica (1.000 a 1.500 kg/cm2)
  • Material liviano, mejor adaptabilidad a las deformaciones, buen envejecimiento,
  • Buen aislamiento térmico y acústico, regulación natural de la humedad, material económico (entre 3 y 4 veces menos que una construcción tradicional)

Crea “LAS BÓVEDAS GAUSAS

Cuyas formas geométricas, características estructurales, técnica constructiva  y economía de materiales responde al hecho de crear la forma siguiendo la directriz del peso propio. El complejo ladrillo-mortero-hierro se comporta como una unidad estructural, el peso produce compresión simple y ésta compresión le permite resistir esfuerzos de flexión.Gimnasio Durazno, Ing. Dieste, E. Durazno, 1967. Foto de Andrea Sellanes, 2006

“No podemos seguir dando por sentado que el arte, la ciencia y la técnica nos han de venir de fuera. Continúa leyendo Eladio Dieste. El señor de los ladrillos por HaKj

Andrea Palladio. los tratados de arquitectura por HaKj

2 libros + 3 tratados + 1 Villa

Andrea Palladio

El arquitecto más eminente de todos los tiempos.

Andrea di Pietro della Góndola. (1508 –  1580)

 “La cittá non sia altro che una casa grande,

E per lo contrario la casa, una città picola”

A.Palladio. Libro II, capítulo 12.

Tengo conmigo 2 libros, uno casi de bolsillo, que he editado, y otro muy importante en tamaño y contenido con el que mi relación es más indirecta.

El más pequeño es de una colección que bautizamos archipocket, y que componen una serie de arquitectos “clásicos” y otra de arquitectos “modernos”. La editamos entre los años 2002 y 2003. (Nota 1)

Ambas colecciones fueron editadas con el mismo criterio, en cuanto a la presentación de cada biografía, y de las obras, redibujamos los planos, y se publicaron las fotografías generales a página entera.

La única diferencia entre arquitectos del siglo XVI y XXI era la foto del artquitecto de contratapa, ya que el interior del libro se diseñó presentando de igual manera las obras de Miguel Ángel o Palladio como las de Jean Nouvell o  Alvaro Siza.

Fue una notable experiencia ver lo bien que convivían ambas series, la buena arquitectura no tiene una fecha de caducidad. Si es buena, en sus comienzos, así continua.

archupocket palladio

Andrea Palladio (colección archipocket)

Editorial HK (H Kliczkowski)

17,5 cm x 23 cm. 80 páginas a todo color

Tapa dura con sobrecubierta

ISBN 978 84 8943 982 5

Me gusta la introducción al libro Antonio Palladio, de la editorial HK, que escribió Llorenç Bonet, aquí va:

A mediados del siglo XVI, los otrora poderosos comerciantes venecianos son conscientes de que su pequeña república no puede competir con los grandes imperios europeos. Son una clase noble, cosmopolita, que necesita reconvertir sus negocios debido a la crisis que sufre el Mediterráneo ante la pujanza del comercio atlántico.

Este nuevo enfoque pasa por invertir sus fortunas en la terraferma. Hacen de los pantanosos terrenos de la región una tierra apta para el cultivo, y se trasladan de las ciudades a los campos para dirigir personalmente las explotaciones, aunque sin olvidar su pasado noble y sus costumbres urbanas. Esto precisa una arquitectura funcional para la explotación hortícola que a la vez tenga en cuenta que sus dueños no son solo campesinos, sino nobles urbanos. Además ante la delicadeza económica de esta transición, es necesario que estas construcciones puedan edificarse por etapas, en función de la liquidez del propietario.

Es en este contexto donde aparece Andrea di Pietro della Gondola, llamado Palladio por su mentor, Giangiorgio Trissino, el intelectual más destacado de Vicenza, una de las ciudades que rendía tributo a Venecia. Es precisamente este humanista quien descubre al cantero Andrea di Pietro, cuando tiene treinta años, y le proporciona una educación clásica tras apreciar su predisposición a aprender y su inclinación a los estudios de matemática. La formación que recibe Andrea es más la de un técnico con conocimientos humanistas más o menos sólidos que la de un humanista propiamente dicho. Conoce los textos de Vitruvio y de Alberti, pero él es un arquitecto práctico y no un teórico, como, lo demuestra en sus Quatro Libri (Venecia, 1570), donde se interesa más por las soluciones pragmáticas que por los problemas teóricos de la arquitectura….sigue (Nota 2)

El otro libro, que mencioné, son palabras mayores, es un hermoso libro sobre la obra del maestro. Tengo una ya larga relación de amistad con su editor Ludwig Konemann y asumí su distribución tanto en España como  en varios países de Latinoamérica.

 

Editado por Konemann y Magnus Edizioni, de Udine, Italiapalladio de Konemann

www.magnusedizioni.it

ISBN 978 88 7057 247 6 . © de Frechmann Kolon GmbH -Konemann

Su autor es Christoph Ulmer. Como resumen pone en la solapa de portada: Andrea Palladio, el arquitecto más eminente de todos los tiempos, nunca trabajo guiándose por esquemas rígidos ni reglas fijas. Su estilo personal se caracterizó por una fusión perfecta entre el espíritu de la antigüedad clásica y la tradición veneciana local, aspecto que lo convirtió en un artista único, imitado en todo el mundo durante siglos.”

 Presenta 13 Palacios, 19 Villas, 9 Iglesias y edificios religiosos así como  8 edificios públicos.

Los diseños, los planos y las fachadas del volumen han sido extraídos de la Obra I QUATTRO LIBRI DELL’ARCHITECTURA y de LE FABBRICHE E I DISEGNI ambos de Andrea Palladio, con textos e ilustraciones de Ottavio Bertotti Scamozzi,

Arquitectura con mayúscula

La arquitectura, algunas veces espontánea, otras basada en las tradiciones tuvo desde sus inicios no solo desarrollos prácticos sino también teóricos. Muchos de ellos han sido refugio y germen intelectual de gran parte de las construcciones que nos rodean hoy en día -algunas para bien, otras no tanto-. Se siguen estudiando, en forma directa o a través de las obras que aquellos tratados y aquellos arquitectos proyectaron y para nuestra suerte construyeron.

Me referiré a varios tratados y también a una obra referencial por su importancia. Los estudios de Vitruvio, Alberti y Paladio y la Villa rotonda.

Este es mi homenaje a estos enormes personajes, a partir de aquí  lo que sigue es una descripción de cada tratado, que han sido claves en la historia de la arquitectura:

1.- Marcus Vitrubio. Los 10 libros de “De aerquitectura”.

vitruvio imagen y portada libro

El tratado sobre arquitectura más antiguo que se conserva de la Antigüedad clásica. (27 AC)

2.- Leon Battista Alberti.  Los 10 libros De aedificatoria” (1452)

pall portada de Alberti de 1542 de aedificatoria

3.- Pellegrino Prisciani.“Spectacula”, sobre el teatro antiguo, uniendo fragmentos de Alberti y de Vitrubio. (1486 y 1502)

4.- Daniele Barbaro y A. Palladio. La interpretación del tratado de Vitrubio (1556)

5.- Giacomo Barozzi Vignola. “Regla de los cinco ordenes de la arquitectura” (1562)Vignola_Regla_de_las_5_ordenes_de_la_arquitectura_vigbnola libro españa

6.- Andrea Palladio y Los cuatro libros de la arquitectura “I quattro libri dell’architettura” (1570)palladio y los 4 libros de la arquitectura

pall portada La edición de 1642 por Marco Antonio Brogiollo en Venecia (la portada que presenta la ilustración es de este libro).

7.- Vicenzo Scamozzi. “La idea de la arquitectura universal” (1615)

Entre ellos, hay uno que tiene una distancia en siglos enorme con respecto a los otros, son los 10 libros de Vitrubio, del siglo 1 AC, casi 16 siglos con respecto a los tratados de Alberti y Palladio.

Impresiona la capacidad teórica y práctica de cada uno de sus actores. Llenos de creatividad, de espíritu de búsqueda, observadores de la realidad tanto de su tiempo como los anteriores, han quedado registradas en forma minuciosa, como si de codificadores se tratase.

Una vez encontrado el hilo conector de todas las sapiencias y el “buen hacer” tuvieron la capacidad y la posibilidad de establecer una normativa para sus seguidores.

La antigüedad fue el modelo a adoptar, fue “la escuela arquitectónica” del renacimiento.

Me han entusiasmado especialmente todas estas obras y tratados por lo que veo de ellas, en la búsqueda posterior de un lenguaje, y de un concepto arquitectónico “moderno”, que muchas veces, solo cambia el lenguaje, diciendo las mismas cosas. La misma narrativa, en un envoltorio “aggiornado” y/o “adaptado”, quizás sea solo un cambio de melodía, o de ritmo.

Villa Capra, “la Villa Rotonda”

palladio villa rotonda

Que eran estas villas? Al decir de Stan Neumann y Louise Decelle “Este tipo de villas, inventadas y codificadas por el mismo Palladio, reunía en un numero de diferentes edificios que tenían distintas funciones pero que intentaba fundir en una homogénea y armoniosa unidad. Esta era una nueva ambición arquitectónica, una nueva concepción de belleza”.

De las más de veinte Villas que Palladio proyecto en la región veneciana uno de los edificios más celebres de la historia de la arquitectura es la Villa Rotonda. La coherencia racional de Palladio en cuanto a geometría, longitud y altura, deriva de su gran conocimiento de las obras teóricas de Vitrubio y Alberti. Es en esta villa, donde supo aplicar sus teorías a un edificio concreto, donde aplica su concepción del clasicismo en forma exacta.

En 1565 cuando el sacerdote y conde Paolo Almerico decide regresar a su ciudad natal, encarga a Andrea Palladio el proyecto de su futura casa, una villa sofisticada, un refugio tranquilo de meditación y estudio.

Esta se construyó entre 1567 y 1570  muy cerca pero fuera de los muros de la ciudad de villa rotonda corteVicenza, en la cima de una pequeña colina. Palladio contaba con 58 años, era muy conocido y su obra muy reconocida.

La Villa Rotonda, contiene una indudable inspiración en el Panteón de Roma, y se la conoce también con los nombres de quienes fueron sus propietarios, Villa Capra, Los hermanos Capra la recibieron en 1591, y encargaron a Vicenzo Scamozzi (1548 – 1616) completarla con nuevas dependencias. También como Villa Almerico-Capra o Villa Capra-Valmarana (en el siglo XX fue restaurada por la familia Valmarana de Venecia).

Hasta su muerte ocurrida a los 81 años fue propietario el arq Mario di Valmarana (1929-2010), un arquitecto y experto en las obras de Palladio, profesor emérito de arquitectura en la universidad de Virginia desde 1972. La villa fue la residencia de su familia por más de dos siglos, y su ambición declarada fue preservar la Rotonda para que pueda ser apreciada y maraville a las futuras generaciones.

La villa ha sido incluida en 1994, junto con otros edificios de Vicenza, “ciudad de Palladio”, en el elenco de Patrimonios de la humanidad de la Unesco.palladio villa rotonda estudio

Los Scamozzi agregaron los anexos rústicos externos (la barchessa), separados del cuerpo principal, para el desarrollo de las tareas rurales, no previstos en el proyecto original. El complejo incluye además la capilla familiar, encarga el conde Marcio Capra en 1645 y construida por Girolamo Albanese (1584-1660).

Incluida en su tratado como un palacio, es un edificio cuadrado simétrico inscripto en un círculo perfecto. Palladio utiliza la esfera (definiéndola espiritualmente con atributos divinos de unidad y uniformidad), y el cubo (como referencia a lo terrenal).

En esa época la cúpula era utilizada para las iglesias, pero Palladio la usa en esta casa particular, cubriendo la sala central. El acceso a cada una de sus cuatro fachadas es por amplias escalinatas, que llegan a una galería (o loggia, que es un pasaje con arcos y cubierto)  enfatizada por un “pronaos jónico” y un frontón decorado con esculturas que representan a divinidades griegas clásicas y flanqueada a sus costados por una ventana simple. Gira la planta 45 grados respecto a los puntos cardinales, para que las habitaciones principales, tengan un asoleamiento similar.

A diferencia de las demás villas, ésta no tiene dependencias secundarias.

El interior es tan espléndido como el exterior. Las esculturas son obra de Lorenzo Rubini ( 1556-?) y Giambattista Albanese (1573-1630) la decoración plástica y los cielorrasos son de Agostino Rubini, Ottavio Ridolfi (1582-1624), Ruggero Bascapè (?-1600?), Domenico Fontana (1543-1607) y posiblemente de Alessandro Vittoria (1525-1608) que también trabajo en la biblioteca Marsiana ; los frescos pertenecen a Anselmo Canera  (1530?-1584?), Bernardino India (1528–1590) , Alessandro Maganza (1556-1640) que decora con frescos el cielorraso semiesférico donde encontramos también alegorías ligadas a la vida religiosa, con representaciones de la Bondad, la Templanza y la Castidad. Y más tarde al francés Ludovico Dorigny (1654-1742) autor de la parte inferior de la sala, que ha decorado las paredes con columnatas fingidas en trampantojo y gigantescas figuras de la mitología griega.

La decoración de la villa llevó mucho tiempo, y en algunos casos no se conoce a los artistas y artesanos que trabajaron. El lugar más notable del espacio interno, es sin duda la sala central circular, dotada de balcones, que se desarrolla en toda la altura hasta la cúpula.

La cantidad de frescos genera casi el ambiente de una catedral, no de una residencia campestre. Goethe, quien varias veces visitó la villa, decía que Palladio había adaptado un templo griego para ser habitado.pall portada de los cuatro libros de la arquitectura

La escalinata fue modificada en el siglo XVIII por Ottavio Bertotti (1719-1790) , Scamozzi la devolvió la forma original y el ático fue subdividido en locales por Francesco Muttoni (1667-1747), quien modificó los entrepisos entre los años 1725 y 1740.

Aunque la Rotonda pueda parecer completamente simétrica, existen desviaciones proyectadas para que cada fachada se adaptara al ambiente y la topografía circundante. Existen diferencias en las fachadas, en el tamaño de los escalones, en el muro de contención, etc. De tal modo la simetría de la arquitectura dialoga con la asimetría del paisaje, para crear una composición en apariencia simétrica. El paisaje ofrece una visión panorámica de árboles, prados y bosques, con la visión de Vicenza en el horizonte.

La influencia de la arquitectura de A. Palladio o arquitectura palladiana fue muy importante como fuente de inspiración para numerosos arquitectos como Vincenzo pall foro roma , creo mejorScamozzi que proyecta la Villa Pisani entre 15675 y 1578 llamada la Rocca Pisana, obra que lejos de limitarse a imitar al maestro, construye filo lógicamente una crítica al proyecto de la Rotonda, retornando al modelo del panteón romano.

o Lord Burlington (1694-1753) y William Kent (1685-1748) autores de la Chiswick House (Londres, 1725), uno de los más célebres ejemplos de neopalladianismo británico, creación intensamente ecléctica y personal.

o Thomas Jefferson(1743-1826)  que realiza su casa en Monticello en Charlottesville  (Virginia) asi como la sede de la Universidad de Virginia  La obra es declarada en 1987 Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. (NOTA 3)

 Comencemos por el principio

Marco Vitruvio Polión. Tratado “De Aerchitectura”

 Según Vitruvio, la arquitectura es una imitación de la naturaleza.

Como las aves construyen sus nidos, los seres humanos

construyen su vivienda a partir de materiales naturales,

construyendo así un refugio contra los elementos.

Marcus Vitruvius Pollio (c. 80-70 a. C.-15 a. C.), fue arquitecto de Julio César y autor del tratado sobre arquitectura “De Aerchitectura” que se conoce como “Los 10 libros de Arquitectura” un tratado escrito en latín y griego antiguo acerca de arquitectura, dedicado al emperador Augusto. (Nota 4)

Escrito probablemente entre los años 27 AC y 23 AC, se inspiró en teóricos helenísticos, la obra trata sobre órdenes, materiales, técnicas decorativas, uso de colores, construcciones y distintos tipos de edificios.

En el último libro describió la tecnología romana, y la ingeniería de máquinas para desagües, elevación de agua; (como la rueda hidráulica), acueductos; e instrumentos de medición para uso topográfico;  la utilización de calefacción central en edificios explicando que el caldarium debe estar al lado del tepidarium y este seguido del frigidarium; y todo tipo de artefactos bélicos  (catapultas, ballestas, tortugas, etc.).

Famoso por afirmar en su libro que ciertos edificios públicos deben exhibir tres cualidades, ser sólidos, útiles y hermosos.

El florentino Francesco Petrarca (1304 – 1374)  fue el gran redescubridor de Vitruvio, con su difusión se sentaron las bases de la arquitectura Renacentista, impreso por primera vez en Roma en 1486, fue conocido y empleado en la Edad Media y permitió a los artistas del Renacimiento el conocimiento de las formas arquitectónicas de la antigüedad greco romana.

Influyó profundamente a los artistas, pensadores y arquitectos, entre ellos León Battista    Alberti (1404-1472), Leonardo da Vinci (1452-1519) y Miguel Ángel (1475-1564).

Y lo hicieron en forma armónica, para ello los griegos inventaron los órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio. Estudiaron y dieron un sentido de la proporción, que culminó en la comprensión de las proporciones de la mayor obra de arte: el cuerpo humano.

El famoso dibujo del cuerpo humano de Leonardo da Vinci, (que está en la Galleria dell’Accademia, en Venecia) está basado en las indicaciones y proporciones dadas por Vitruvio:

leonardo y la fuigura del hombre

“… tendido el hombre supinamente, y abiertos brazos y piernas, si se pone un pie del compás en

el ombligo, y se forma un círculo con el otro, tocará los extremos de pies y manos.

Lo mismo… sucederá en un cuadrado; porque si se mide desde las plantas a la coronilla,

        y se pasa la medida transversalmente a los brazos tendidos se hallará ser la altura igual a la anchura, resultando un cuadrado perfecto” (Nota 5)

Está inscrito en el círculo y el cuadrado (los patrones geométricos fundamentales del orden cósmico).Las ilustraciones originales de la obra de Vitruvio no han sobrevivido, por ello Daniele Barbaro utilizo los dibujos que realizo especialmente Andrea Palladio.

Bárbaro explica claramente algunas de las secciones más técnicas y teoriza en la relación existente entre naturaleza y arquitectura.

Los conocimientos teóricos y arqueológicos que toma de Palladio le permitieron enriquecer la obra de Vitrubio. (Nota 6)

 Ni el talento sin el estudio, ni el estudio sin el talento

pueden formar un buen arquitecto.

Marcus Vitruvius Pollio

Leon Battista Alberti. Los 10 libros de aedificatoria                           

Leon Battista Alberti (1404 – 1472) fue uno de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento, arquitecto, tratadista, matemático y poeta, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo.alberti de re aedificatoria libro

Quizás, el primer teórico del Renacimiento, busco en las reglas (teóricas y prácticas) su fuente de inspiración para volcarlas en varios tratados como De Statua (1404), De Pictura (1436)  (Nota 7) y el tratado que más nos interesa: De re aedificatoria de 1452

De re ædificatoria 

En la ciudad de Roma escribió De re ædificatoria en latín, un completo tratado de arquitectura abordando todos los aspectos teóricos y prácticos relativos a la profesión. La obra se publicó en 1485, 13 años después de su muerte.pall retrato de Leone Batista Alberti

Está dirigida al gran público con formación humanística y toma como modelo los diez libros de arquitectura de Vitruvio que en aquel momento circulaban en copias manuscritas aún sin corregir.

En el tratado parte siempre del estudio de la antigüedad, basado en las medidas de los monumentos antiguos, para proponer nuevos tipos de edificios modernos, y también edificios nuevos pero inspirados en el estilo antiguo, entre los que se incluían varios edificios de utilidad pública, como las prisiones (a las que trata de humanizar) y los hospitales.

Utiliza el término “concinnitas” que podemos traducir como la justa medida, cuando no sobra ni falta nada. Es el concepto que hace que veamos algo bello y no sepamos porqué.

Nos explica que el arquitecto es el que la inventa y su función es matemática, debe crear y dar proporciones. La labor de aparejador la hacen sus discípulos, que son los que resuelven los problemas a pie de obra.

Una síntesis de sus libros:

los 3 primeros tratan de la elección del terreno y de los materiales, otros 2 de los distintos tipos de edificios, el 6to. sobre la ornamentación, los siguientes 3 libros acerca de la construcción de iglesias, edificios públicos y privados y el 10 y último libro de la rehabilitación. (Nota 8)

 “…pero cualquiera no está preparado para desarrollar la actividad arquitectónica,

hace falta una especial sensibilidad y preparación”

Leon Battista Alberti

 Alberti arquitecto

“(…) el que quiera llamarse arquitecto. Deberá ser ingenioso y aplicado; pues ni el talento sin el estudio,  ni éste sin aquel, pueden formar un artífice perfecto. Será instruido en las Buenas Letras diestro, en el Dibujo, hábil en la Geometría, inteligente en la Óptica, instruido en la Aritmética, versado en la Historia, Filósofo, Médico, Jurisconsulto, y Astrólogo”

Formado como tal en Roma, en donde entra en contacto con el círculo de artistas en torno a Brunelleschi y Donatello. Se dedicó a la arquitectura los últimos 25 de su vida, hace obras de una enorme sencillez estructural, conjugando economía de medios, belleza y armonía

Al proporcionar todas sus partes, tanto internas como externas, sus conceptos remiten a los números, a la música y a la geometría. Uno de sus logros más importantes fue la adaptación de elementos clásicos al mundo arquitectónico del Renacimiento.

En la Toscana: la Villa Médicis de Fiesole (atribuida a Michelozzo) es fruto de un proyecto ideado por Alberti con numerosos elementos innovadores que hacen de ella probablemente el primer modelo de residencia suburbana y de jardín totalmente renacentista.

En Rimini: el templo Malatestiano (San Francesco).

En Mantua, La Iglesia de San Sebastián, la Iglesia de San Andrés –el diseño interior está basado en la basílica romana de Majencio- .

En Florencia: la Iglesia de San Pancracio, el palacio de la familia Rucellai asi como la Capilla Rucellai en la iglesia de S. Pancrazio y la fachada de Santa María Novella.

En Ferrara crea la parte trasera del Palacio Municipal y el campanario de la catedral.

En Roma, restauró las iglesias de Santa María la Mayor y Santo Stefano Rotondo.

Muere en 1472 a los 68 años, tras una intensa vida destacando en múltiples disciplinas. En ese momento Leonardo Da Vinci tiene 20 años.

Entra en escena Vicenzo Scamozzi

(nunca mejor dicho, sobre todo por el Teatro Olimpico)

Vicenzo Scamozzi (1548 – 1616) fue un importante arquitecto renacentista, quizás el tercero en la lista que incluye nada menos que a Andrea Palladio y su colega Baldasarre Longhena. (1596/7 – 1682).

Scamozzi arquitecto, estudioso e intelectual de su tiempo reunió una notable biblioteca personal, coleccionando libros de las más diversas disciplinas, desde matemática hasta física. Entre sus obras más destacadas figuran Ca’ Rezzonico y la Basílica de Santa Maria della Salute, erigida para recordar el fin de la peste que diezmo la población de la ciudad de Venecia en 80.000 personas y en más de 600.000 en todo el territorio de la Serenísima República de Venecia.santa maria de la salute

Scamozzi estudia el tratado de Vitruvio en la interpretación de Daniele Barbaro y Andrea Palladio.

Junto a su padre realiza una serie de palacios y villas.

Escribió en 1615 uno de los más importantes tratados de la época, “La idea de la arquitectura universal”, texto básico de los arquitectos de la época y que tuvo enorme difusión en el norte de Europa.

A los 26 años proyecta la Villa Pissani en Lonigo, llamada La Rocca con una tipología de planta central, imitando la Villa Rotonda, utilizando una tipología basada e inspirado en el panteón de Roma el teatro de Sabbioneta, y la Procuraduría nueva en la Plaza de San Marcos,

En 1580, año de su muerte A.Palladio  recibe el encargo de realizar el Teatro Olímpico en Vicenza, que debía ser construido dentro de un complejo medieval preexistente, y su objetivo la puesta en escena de comedias clásicas. Es el primer edificio de teatro cubierto con tejado en la historia moderna. Está situado frente al Museo Cívico (Palazzo Chiericati). Inaugurada en 1585 se debe a Palladio el aporte del sentido real de espacio y perspectiva y a Scamozzi las famosas escenas fijas. La platea central, destinada a los nobles, ofrece una ilusión óptica con las calles que parecen perderse en la lejanía.

En el proscenio, un arco triunfal en honor a Hércules tiene el emblema de la ciudad. La parte anterior, representa una plaza y detrás del proscenio se abre la espectacular perspectiva de las cinco vías de Tebas,

Es indudable que la obra de Vincenzo Scamozzi consiguió (cosa muy difícil de decir) superar el proyecto original de Palladio.

El teatro sigue programando obras de teatro y conciertos y en 1994 fue incluido en la lista de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, al igual que otras obras “palladianas” en Vicenza.

“La belleza proviene de la forma y de la correspondencia del todo con las partes. las partes con las partes, y las partes con el todo de modo que el edificio se parezca al cuerpo bien modelado donde cada miembro encaja con los otros y donde cada miembro  es necesario para cumplir aquello para lo que fue hecho” 

Palladio. Los cuatro libros de la arquitectura (I quattro libri dell’architettura)

Este tratado de arquitectura fue publicado en Venecia en 1570, que en esa época era un importante centro de ediciones, donde habían conseguido  desarrollar la tecnología de la ilustración por medio de grabados de madera tanto.

La edición original es de 21 cm x 15 cm con 400 páginas y más de 200 ilustraciones.

Contiene proyectos con los que Palladio quiso que se conociera tanto teórica como prácticamente la simplicidad de la arquitectura clásica, por ello no duda en poner comentarios de Julio César así como mencionar a numerosos artistas e ingenieros de su tiempo,

Trata (y lo consigue) hacer una comunicación sencilla y directa no solo de su enorme conocimiento del tema sino una traducción válida a los conceptos de Vitruvio.

La técnica utilizada del grabado, le importa mucho a Palladio, ya que le permite poner ejemplos junto a sus observaciones. El tema del grabado inspirará también a Giovanni Battista Piranesi (1720 – 1778), gran admirador de Vitruvio y Palladio.

La teoría de las proporciones armónicas, que vincula arquitectura, matemáticas, música y cosmología le sirve para afirmar que la buena proporción, satisface al ojo y conduce a una construcción más sólida y conveniente.

 Contenido

El tratado tiene cuatro secciones llamadas libros.

  • El primero incluye una dedicatoria y un prólogo común al primero y segundo libros. En este prólogo Palladio indica su elección editorial y educativa. Trata de la caja de herramientas del arquitecto: elección de los materiales, cómo construir, las normas de proporción, elementos arquitectónicos, la forma de organizar estos elementos y de unirlos. Hace mención a la aplicación del sistema estructural basado en el ladrillo (como lógica de edificación) y señala las reglas del proyecto (basada en el aspecto)-
  • El libro segundo contiene varios diseños de Palladio en planta y sección con una descripción específica de cada proyecto. Muestra en proyectos, la práctica que surge de aplicar las normas del primer libro.

Los capítulos XIII, XIV y XV tratan de las casas de campo y aunque no se menciona por el autor, es interesante comparar el diseño de estas casas y la descripción de sus jardines con la que describe Erasmo en Le Banquet religieux de (1522) o el diseño de la Villa de los Pisones descubierta en Herculano.

  • El libro tercero describe cómo construir los edificios públicos, como calles, puentes, plazas. Presenta dos proyectos de Palladio y las reconstrucciones arqueológicas de construcciones antiguas.

Además de a Vitruvio, Palladio cita en este libro a Tácito, Plutarco y Julio César, del que escribe un amplio extracto de los Comentarios a propósito de la construcción del puente sobre el Rin.

Cita, a propósito de los puentes de armadura, a Alessandro Picolino della Mirandola, autor de un tratado sobre la estructura de la construcción naval y toda una autoridad en estas construcciones.

  • El libro cuarto, con un prólogo cosmológico, trata de los templos construidos por los antiguos y presenta unas reconstrucciones de los restos arqueológicos de Roma.

Se hacen ediciones en italiano, francés, inglés. (Nota 9)

El arq Iñigo Jones (1573 -1652), es el primer arquitecto ingles en emplear las reglas de proporción y simetría “vitruvianas” en sus edificios, En sus 2 viajes a Italia (1613 y 1614) conoce las obras de Palladio y de Scamozzi e introduce el Clasicismo en la arquitectura inglesa. Le da al tratado de Palladio un uso con un punto de vista más profesional y práctico, que teórico junto a su discípulo John Webb.

 Palladio, combinó la cultura con la naturaleza. Hizo una síntesis entre la arquitectura antigua y la cultura de su propio tiempo.  “La arquitectura debe también considerar la búsqueda por congeniar la belleza con la utilidad (como diríamos ahora, forma y función)” esto fue parte de su legado a la posteridad 

 Andrea Palladio en buena compañía:

Francesco Sansovino (1521-1586) un reconocido escritor italiano manierista consideró a Daniele Barbaro (1514-1570) como uno de los tres mejores arquitectos venecianos, junto con Palladio y su propio padre el arquitecto y escultor renacentista italiano  Jacopo d´Antonio Sansovino (1486 – 1570).

Jacopo Sansovino fue junto a Scamozzi autores de La Biblioteca Marciana, ubicada biblioteca marcianaenfrente del palacio de los Dogos, en la Piazza de San Marcos, es una de las estructuras renacentistas de Venecia más ricamente ornamentadas. En su prefacio de los Quattro Libri, Palladio escribe que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio
erigido desde la Antigüedad.

Formado con Rafael e inspirado en Miguel Ángel propuso frente al lenguaje arquitectónico del clasicismo -tradicionalmente asociado con la severidad y la moderación-  un lenguaje preciosista en la decoración de superficies, consiguiendo la aprobación de los venecianos.

Este logro abrió sin duda el camino a la arquitectura de Andrea Palladio.

Daniele Matteo Alvise Barbaro. Su fama se debe a su vasta producción en las artes, las letras y las matemáticas. Fue un culto humanista, además de traductor, óptico y cardenal.

Fue amigo y admirador de Torquato Tasso, (1544 – 1595) mecenas de Andrea Palladio.

Su figura es importante en esta historia por varios motivos:

– Realiza en 1556 una traducción al italiano con un extenso comentario sobre los “Diez Libros de Arquitectura” de Vitruvio.

– Heredo junto a su hermano Marco Antonio una finca, en la que Palladio diseño la Villa Barbaro, mitad palacio mitad granja,

Completada en 1557. (Nota 10)

– Visito Roma junto a Palladio de dónde provino el interés mutuo en los antiguos edificios que vieron allí,

– Juntos decidieron decorar la Villa con frescos de Paolo Veronese quien representó todas las temáticas del Renacimiento italiano: dioses, diosas y musas humanizadas, así como numerosos retratos al óleo de Daniele.

Italia, estaba en pleno renacimiento maduro (término que define el renacer de las artes desde la época de Alberti y atribuido a Giorgio Vasari como “Rinascita”) que llega a influir en las artes centroeuropeas, flamencas y alemanas..

Muchas de las biografías de pintores, escultores y arquitectos están en el libro que Vasari publicó. (Nota 11). Mantegna (1431 – 1506), Donato d’Angelo Bramante (1443/4 – 1514), Leonardo da Vinci (1452 – 1519), Miguel Angel Buonarroti (1475 – 1564), Rafael Sanzio, (1483 – 1520), Tiziano (1477/90 – 1576), Baldassarre Peruzzi (1481 – 1536), Antonio Cordiani (1484 – 1546),  Jacopo Barozzi de Vignola (1507 – 1573), Giorgio Vasari (1511 – 1574), Paolo Veronese (1528 – 1588), Michelangelo Buonarroti (1475–1564), Baldasarre Longhena (1596/7 – 1682),

 Obras y Proyectos de Andrea Palladio

1530-1537 Villa Trissino, Cricoli.
1538 Villa Piovene, Lonedo Lugo di Vicenza.
1538-1542 Villa Godi, Lonedo Lugo di Vicenza.
1540 Palazzo Poiana, Vicenza.
1540-1545 Villa Forni Cerato, Montecchio Precalcino.
1540-1546 Palazzo Civena, Vicenza.
1541 Villa Valmarana, Vigardolo di Monticello Conte Otto.
1544 Villa Pisani, Bagnolo di Lonigo.
1545-1550 Palazzo Thiene, Vicenza.
1545-1555 Villa Poiana, Poiana Maggiore.
1546 Villa Contarini, Piazzola sul Brenta.
1546-1549 Loggia del Palazzo della Ragione “Basílica” Vicenza.
1546-1563 Villa Arnaldi, Meledo di Sarego.
1547 Villa Gazzotti, Bertesina.
1548 Villa Angarano, Bassano del Grappa.
1550 Palazzo Chiericati, Vancimuglio.
1550 Villa Thiene, Quinto Vicentino.
1552 Palazzo Iseppo Porto, Vicenza.
1553-1555 Villa Pisani, Montagnana.
1554-1557 Villa Chiericati, Vancimuglio di Grumolo delle Abbadesse.
1554-1558 Villa Porto, Vivaro di Dueville.
1554-1563 Villa Badoer, Fratta Polesine.
1555 Palazzo Dalla Torre, Verona.
1555-1557 Villa Barbaro, Maser.
1556 Arco Bollani, Udine.
1556 Arcadas de Villa Thiene, Cicogna di Villafranca Padovana.
1556 Palazzo Antonini, Udine.
1557-1558 Villa Repeta, Campiglia dei Berici.
1558 Fachada de San Pietro di Castello, Venecia.
1558 Cúpula de la Catedral de Vicenza, Vicenza.
1559 Casa Cogollo, Vicenza.
1559 Villa Emo, Fanzolo di Vedelago.
1559-1566 Villa Zeno, Donegal di Cessalto.
1560 Claustro de San Giorgio Maggiore, Venecia.
1560 Villa Foscari “La Malcontenta”, Malcontenta di Mira.
1560 Villa Saraceno, Finale di Agugliaro.
1560-1562 Refectorio de San Giorgio Maggiore, Venecia.
1560-1565 Villa Caldogno, Caldogno.
1560-1565 Villa Cornaro, Piombino Dese.
1561 Covento della Carità, Venecia.
1563 Portada lateral de la Catedral de Vicenza.
1563-1564 Villa Valmarana, Lisiera di Bolzano.
1564 Palazzo Pretorio, Cividale del Friuli.
1565 Fachada de San Francesco della Vigna.
1565 Iglesia de San Giorgio Maggiore.
1565-1566 Palazzo Valmarana, Vicenza.
1566 Palazzo Schio, Vicenza.
1566-1570 Villa Almerico Capra “La Rotonda”, Vicenza.
1567 Arcadas de Villa Trissino, Meledo di Sarego.
1568-1569 Villa Serego, Santa Sofia di Pedemonte.
1569 Puente sobre el Tesina, Torri di Quartesolo.
1569 Puente de Bassano, Bassano del Grappa.
1570-1571 Palazzo Barbarano, Vicenza.
1570-1580 Palazzo Porto-Breganze, Vicenza.
1571 Loggia del Capitaniato, Vicenza.
1572 Palazzo Thiene Bonin Longare, Vicenza.
1572 Villa Porto, Molina di Malo.
1574-1577 Sala del Palazzo Ducale, Venecia.
1576 Capilla Valmarana, Vicenza.
1576-1577 Iglesia del Redentore.
1578 Iglesia de Santa Maria Nova.
1579 Porta Gemona, San Daniele del Friuli.
1579-1580 Tempietto Barbaro, Maser.
1579-1580 Teatro Olimpico, Vicenza.
1581 Iglesia delle Zitelle, Venecia.

Notas

1.- colección archipocket

Arquitectos clásicos: Gustave Alexandre Eiffel, Charles Garnier, Antoni Gaudí, Victor Horta, Charles Mackintosh, Michelangelo, Andrea Palladio, Antonio Sant’Elia, Karl Friedrich  Schinkel, Otto Wagner.

Arquitectos modernos: Alvar Alto, Mario Botta, Foster and Partners, Hundertwasser, Rem Koolhaas/OMA, Le Corbusier, Legorreta+Legorreta, Mies van der Rohe, Miralles-Tagliabue EMBT, Jean Nouvel, Renzo Piano, Alvaro Siza, Eduardo Souto De Moura, Tadao Ando.

2.-  (continua la excelente introducción de Llorenç Bonet)……. Palladio demuestra una versatilidad sorprendente. Todas sus villas responden a una misma familia arquitectónica: parten de un cuerpo principal cuadrado, sin patio central, casi siempre con las típicas brachese (pórticos para las herramientas del campo) a sus lados, pero adaptadas siempre a las necesidades de cada propietario. Todos los estudios del siglo XX destacan esta faceta singular del arquitecto de Vicenza. Parece que Palladio tiene un esquema mental muy claro de las necesidades de este tipo de edificios, y adapta esta villa ideal al presupuesto, al terreno y a las funciones que ha de desempeñar. Pero no se basa en un idealismo, sino en una idea modular de la arquitectura: construye a partir de piezas distintas, de un repertorio limitado que pueda combinarse de forma infinita. Quizás el elemento más claro de esta formulación sean los accesos principales: todos se originan en la idea del frontón clásico, son parecidos y comparten soluciones, pero no hay ninguno que se repita, siempre se aprecia una evolución.

Sus edificios son, además de prácticos, de una belleza indiscutible, basada muchas veces en la sencillez de sus elementos y en cierta noción de sobriedad. Pero donde más explota estas características es en su etapa en Venecia y en sus proyectos religiosos: San Giorgio Maggiore y el Redentore.

Palladio, se erige como el arquitecto que entiende a la nobleza vicentina, que ha pasado de ser comerciante para establecerse como terrateniente, y construye para ella casas prácticas, cómodas y saludables con materiales económicos. Esta mentalidad presenta similitudes con la de los nobles ingleses y su cultura de los cottages, y también a la de los grandes propietarios norteamericanos, pragmáticos y a la vez amantes de la monumentalidad palladiana y su apariencia clásica. Las características propias de la sociedad anglosajona unida al éxito de los Quatro Libri de Palladio y al hecho de que Venecia fue desde el siglo XVIII un referente para Inglaterra, explican la enorme fortuna historia de las obras de Palladio, el arquitecto más copiado de todos los tiempos.

3.- al respecto escribe en su tratado: CAPíTULO xV1l. De algunos diseños en sitios obligados. Mi designio era tratar solo de las fábricas concluidas, ó por lo menos comenzadas, y en estado de concluirse brevemente: pero conociendo que muchas veces ocurre ha~ bernos de acomodar al terreno, porque no siempre se construye en terreno libre, me he persuadido ultimamente no ser ageno de propósito añadir á los diseños arriba dados algunas invenciones mias para varias personas, las quales no se pusieron en execucion por acasos que suceden á menudo. Por lo qual pienso será de mucha utilidad mostrar el modo que tuve en acomodar las piezas, quartos y demas oficinas para proporcionarlas entre sL El sitio pues de la primera invencion LAM. LID. es piramidal La basa de la pirámide viene á ser la principal fachada de la casa; y tiene tres Ordenes de colunas, que son Dórico, Jónico y Corintio. El vesdbulo es quadrado. Tiene quatro colunas que sostienen la bóveda, y proporcionan la altura con la anchura. A una y otra parte hay dos salas, largas un quadrado y dos tercios: altas segun el método primero que dimos tratando de la altura de las bóvedas. Al lado de cada una de ellas hay un camarin y escalera para subir á los sobrados. Al cabo del vesdbulo hacia yo dos piezas, cuya longitud era un quadrado y medio: y á su lado dos camarines de la misma proporcion con sus escaterillas para los sobrados. Más adentro hacia la sala, larga un quadrado y dos tercios con colunas iguales á las del vestíbulo. Junto á la sala debia haber una galeria con sus escaleras eHpticas á los lados. Más adelante el corral, y á su lado la cocina. Las piezas del quarto segundo habian de ser altas veinte pies: las. del tercero diez y ocho: pero las dos salas habian de llegar al tejado. Ambas debían tener interiormente balcones en rededor para ver los festines, banquetes y demás divertimientos que se hiciesen en ellas.

 4.- http://aparejadoresacc.com/wp-content/uploads/Vitruvio_Polion_Marco.pdf

5.- http://sabernoestademas.blogspot.com.es/2013/09/el-hombre-de-vitrubio-de-leonardo-da_29.html

 6.- https://romher.webs.ull.es/cv/vitruvio.pdf . Del profesor Román Hernández González. Artículo publicado en UNO. Revista de Didáctica de las Matemáticas, Matemáticas: belleza y arte, nº 40, ed. Graó, Julio, agosto, septiembre, Barcelona, 2005, págs. 99-109.

 7.- De Pictura  (1436)  dedicado a Filippo Brunelleschi (1377-1446), aborda el tema del dibujo y de la perspectiva.

Hace una distinción entre la forma presente, la palpable y la aparente, la que aparece ante la vista, que varía según la luz y el lugar.

Los colores fundamentales son el rojo, el azul, el verde y el amarillo. El blanco y el negro no los define como colores, sino como modificación de la luz.

En su libro II habla de la teoría artística, del trazo preciso en el contorno de los cuerpos, de la teoría de las proporciones y la composición y del relieve,  del tono y los fondos.

El libro III habla del artista, ya no como artesano (basado en la técnica), sino como intelectual (basado además en las matemáticas y la geometría). Hace una diferencia entre copia (la abundancia de temas presentes en una composición) y variedad (diversidad de formas, temas y colores).

De statua, (1464) sobre las proporciones  del cuerpo humano

Define a la escultura dividiéndola en tres modos según la técnica utilizada. Blandos (tierra y cera) , piedra o metal.

Fija reglas de procedimiento según sea con regla y escuadra o por proporciones, para esto último inventa un aparato (“el definitor”) que calcula las variables producidas por el movimiento del modelo.

 8.- Los 3 primeros libros tratan de la elección del terreno y de los materiales que deben utilizarse y de los cimientos.

I- “Lineamientos” de la zona, el área, la parcela, planificación y sobre muros, cubiertas y huecos.
II- “Materiales”

III- “técnica constructiva”
Acerca de los distintos tipos de edificios

IV- “tratado de las obras en general”
V- “tratado de obras de tipo social y específicas”
Acerca de la belleza arquitectónica

VI- “Ornamentación”.

Acerca de la construcción de iglesias, edificios públicos y privados.

VII- “tratado del ornato de edificios sagrados”
VIII- “tratado del ornato dentro y fuera de las ciudades y los lugares para enterrar o incinerar a los muertos”·
IX- “tratado sobre adornos de palacios, casas reales y de principales magistrados, proporciones y reglas”
Acerca de la restauración, rehabilitación de edificios (por primera vez un arquitecto se ocupa de la restauración, antes si alguien intervenía en una obra era para destruirla)

X- De los defectos en los edificios cuales pueden ser corregidos y cuáles no” 

 9.- Ya en 1554 había  recogido la imagen urbana de la roma antigua en su libro “Le Antichità di Roma”.

 10.- de la casa Barbaro, escribe en su tratado: LAMINA XXXV. El edificio presente está en Masera, cortijo cercano á Asolo, pueblo del Trevigiano. Es propio del Reverendisimo Monseñor Daniel Barbaro, electo Patriarca de Aquileya, y del magnífico Señor Marco Antonio, su hermano. La parte del edificio que viene un poco hácia delante tiene dos órdenes de piezas. El piso de las de arriba está al igual del de un patio que hay detrás, en el qual hay una fuente cortada en la peña, con muchos adornos de estucos y pinturas, frente á frente de la casa. Dicha fuente forma un pequeño lago que sirve de piscina. Saliendo de allí el agua, corre por la cocina-,riega los jardines (que están á diestray siniestra del camino que con suave cuesta conduce á la quinta) y después forma otros dos estanques con abrevaderos al camino público. Parte de aquie1 agua á regar la huerta que es extensisima, llena de sabrosisima fruta y poblada de caza. La fachada del quarto del dueño tiene quatro columnas Jónicas; y los capiteles de las angulares hacen cara á dos lados. En el libro de ~7los Templos diré como se construyen estos capiteles.

 11.-Le vite de’ più eccellenti pittori, scultori e architettori”. Obra editada 1550, del pintor y arquitecto italiano Giorgio Vasari que contiene una serie de biografías de los artistas italianos del siglo XVI.

 Libros

http://www.cehopu.cedex.es/img/bibliotecaD/1797_Andrea_Palladio_Los_cuatro_libros_de_arquitectura

-Palladio. Obra arquitectónica completa. Editorial Taschen (2008)  Autores M.Wundram y T.Pape -2004-  ISBN 978-3822821077

Los Cuatro Libros De La Arquitectura. Editorial Fuentes de arte. (2015)  Autor A. Palladio,traductoras  L.de Aliprandini y A.Martínez Crespo.

-Los cuatro libros de la arquitectura/ The Four Books of Architecture . Editorial Universidad Autónoma metropolitana y Limusa, Noriega editores. (2005). Autor A. Palladio  ISBN 978-9681865603.

Andrea Palladio (colección archipocket) Editorial HK (H Kliczkowski) (2002). Autor Llorenç Bonet. ISBN 978 84 8943 982 5

Andrea Palladio. Editorial Frechmann Kolon GmbH -Konemann. (2015).  Autor Christoph Ulmer. ISBN 978 88 7057 247 6

-Publicado en 2014 Giovanni Giaconi nos presenta el libro Vincenzo Scamozzi (1548-1616), nos brinda el acceso a la vida y obra del Arq. Scamozi. https://youtu.be/mvegbkwe3_s

Videos

-Primer libro de Vitrubio.
Capítulo I. La arquitectura y los arquitectos.
Capítulo 2. De que elementos consta la arquitectura. 

https://youtu.be/c5O-2gAGpmQ

 -El hombre Vitrubio

https://youtu.be/5wfZnInUWtQ?list=RDc5O-2gAGpmQ

 -Leon Battista alberti

https://youtu.be/JnCiwh75D_k

-Villa rotonda

http://footage.framepool.com/es/shot/579253605-villa-capra-andrea-palladio-vicenza-rotonda-arquitectura

-Villa Barbaro

Published on May 27, 2013

Capítulo de la serie “Arquitecturas” dedicado a la Villa Barbaro (Villa de Maser) de Andrea Palladio. Además del análisis de la forma en que fue ideada y construida esta obra, en el capítulo se ofrecen algunos detalles del contexto histórico en que surgieron este tipo de “Villas” y se indaga por lo que la obra de Palladio habría legado a las generaciones futuras. Igualmente, se hace mención de las pinturas de Paolo Veronese.

-2013. Andrea Palladio

algunos de sus trabajos – Basilica de Vicenza, Villa Barbaro (Veronese), Villa Rotonda y el Templo de Maser  (Pantheon), Loggia del Capitanio y Palacio Porto Breganze (ambos no terminados), Teatro Olimpico (Scamozzi). Biblioteca de San Marco (Venecia) de Sansovino y San Benedetto (Polirone) de Guilio Romano.