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Los Tiempos de Steinberg. Entre la coyuntura social y el lector intemporal

Por María Teresa Muñoz Jiménez

Cuando el pensamiento contemporáneo sobre el arte se enfrenta a obras producidas con una cierta distancia temporal, lo hace generalmente confiriendoles un poder de eternidad que las hace superiores a lo que pudieron significar en su origen, en el momento de su producción.

Las obras de arte adquieren un valor ideal, separadas ya del espectador de su tiempo o incluso de su creador, y se convierten en mágicas y extrañas, o se hacen totalmente ajenas a nuestra vida cotidina.

Pero, al tratar de sobrepasar la extrañeza que nos producen, descubrimos en ellas también algo familiar, en cuanto nos obligan a movernos hacia atrás en busca de aquello que envolvió o incluso fue la causa de su existencia.

Esta consideración del tiempo propio de las obras implica ya una posición histórica, en cuanto les presupone un cierto destino futuro.

El objeto artístico se convierte entonces, para generaciones de espectadores que lo contemplarán en distintos momentos y con distintos propósitos, en algo que no tiene presente.

Hay razones para invocar la historicidad como criterio de valor de una obra de arte, cuando se considera una producción artística como la de Saul Steinberg, tan profundamente marcada por la técnica y la temática de sus objetos, propios de un modo de hacer que no comparte con los más próximos de sus contemporáneos, los artistas plásticos norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX.

Saul Steinberg, nacido en Rumanía en 1914 y emigrado a los Estados Unidos tras su paso por Italia, coincidió en sus comienzos con la actividad de los pintores del expresionismo abstracto y con algunos de ellos compartió la misma condición de inmigrante.

Sin embargo, son el medio y la técnica que utilizó para producir sus obras los que le colocaron en un lugar excéntrico respecto a la corriente principal del arte de su tiempo, de manera que, para algunos críticos como Clement Greenberg, no importaría cuán potentes fueran sus resultados o incluso cuán indiscutible fuera la calidad de sus objetos, porque la condición de ilustrador o cartoonist supondría inmediatamente su irrelevancia para el arte en general. En el extremo opuesto, habría que citar a Harold Rosenberg, para quien la importancia de Saul Steinberg era equivalente a la de pintores como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky o Mark Rothko.

Rosenberg consideraba que son sus obras las que ponen en cuestión las fronteras del propio arte plástico, por cuanto demandan una redefinición de sus límites.

Sus primeros dibujos se publicaron en el periódico milanés Bertoldo entre 1936 y 1938  y, antes incluso de llegar a los Estados Unidos en 1942, sus dibujos aparecieron en la revista neoyorkina The New Yorker, a la que permaneció vinculado prácticamente toda su vida.

Tras permanecer en Bucarest hasta 1933, Saul Steinberg se trasladó a Milán, donde estudió Arquitectura, y permaneció allí casi una década.

Sus primeros dibujos se publicaron en el periódico milanés Bertoldo entre 1936 y 1938  y, antes incluso de llegar a los Estados Unidos en 1942, sus dibujos aparecieron en la revista neoyorkina The New Yorker, a la que permaneció vinculado prácticamente toda su vida.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Steinberg desempeñó labores para la inteligencia norteamericana en China y, a su vuelta, fue incluido en una exposición colectiva organizada por Dorothy C. Miller en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York.

Esta exposición, titulada Fourteen Americans -Catorce Estadounidenses- 1946, presentó en las salas del museo las obras de pintores y escultores como Arshile Gorky, Robert Motherwell, Mark Tobey o Isamu Nogu-chi, además de las del propio Saul Steinberg.

En el catálogo, Miller subrayó que los artistas elegidos, pese a emplear una gran diversidad de técnicas, no consideraban la técnica como lo más importante, sino la revelación que hace posible su existencia. Y afirmó que la obra de estos catorce artistas tenía más que ver con la comunicación que con la estética y que, a pesar de utilizar lenguajes propios de su país, sobrepasaban sus límites para dirigirse a un ámbito más universal, imbuidos de la atmósfera y la inspiración propios de su tiempo.

Aunque Saul Steinberg ya había expuesto varios dibujos en la Wakefield Gallery de Nueva York, en 1943, y en la Young Books Gallery, en 1945, su primer recopilatorio importante de dibujos llegó con la publicación del libro All in Line -Todo en línea-, en 1945.

En este libro, ya apareció una mención explícita a lo que sería una marca de identidad de la obra artística de Steinberg: el dibujo a línea.

En Fourteen Americans se incluyó, por vez primera, la obra de Steinberg en un museo de Arte Contemporáneo y se situó al mismo nivel que algunos de los artistas plásticos más relevantes de su tiempo. Esto significa, obviamente, que la publicación de sus dibujos en revistas de gran difusión tuvo lugar prácticamente en el mismo momento en que se presentó su obra en galerías y museos de arte, por lo que el reconocimiento de su condición de artista no se produjo con posterioridad, sino desde el principio de su carrera.

 Sin embargo, el influyente crítico Clement Greenberg, en su breve comentario a la exposición del MoMA publicada en The Nation, consideró la inclusión de Steinberg como un gesto de última hora y, mientras descalificaba a la mitad de los artistas representados por su academicismo o su falsedad, mantuvo que el dibujante Saul Steinberg era bueno solo de un modo limitado, ya que su técnica lo hacía en todo caso poco importante en términos del arte moderno.[…] Steinberg, además de trabajar fundamentalmente con trazos a pluma sobre una superficie de papel, ensayaba en estas primeras obras algunos de los que serían sus temas favoritos como los animales, las mujeres o la ciudad, muy lejos, por cierto, de la abstracción reclamada para la pintura.

Tanto la técnica como los temas lo colocaban inexorablemente como una rara avis dentro del panorama artístico norteamericano hacia 1950. No obstante, su obra gozó de una difusión incomparablemente más amplia y una aceptación del público mucho más generalizada que la de otros artistas, al utilizar como vehículo las revistas ilustradas y compartir con la palabra escrita una vertiente periodística y crítica sobre la sociedad. Sus dibujos, desde el momento en que ocuparon las portadas o las páginas interiores de The New Yorker, se convirtieron en una seña de identidad de la propia publicación.

Por otra parte, para el catálogo de la exposición citada, Fourteen Americans, Saul Steinberg envió un párrafo manuscrito totalmente ilegible, mientras que el resto de los artistas escribieron sobre sus respectivos enfoques o intenciones. El se limitó a proporcionar una clave gráfica de su trabajo, una especie de autentificación falsa de la veintena de obras que aparecían en la muestra, una sofisticada firma que antecedía a los dibujos. Esta nota manuscrita forma parte de una serie de dibujos sobre documentos falsos en los que empezó a trabajar a finales de la década de los años cuarenta y que continuó años después. En The Passport de 1954.

…Continúa el texto en el catálogo, desde esta página 325 hasta la página 332 que es donde comienza el texto de Sheila Schwartz.

Escribió su amigo en 1978, el escritor, educador, filósofo y critico de arte estadounidense Harold Rosenberg (Nueva York 1906 – 1978 Springs, Nueva York)“… Saul Steinberg es un pionero de los géneros, un artista al que no se puede encasillar en una categoría. Es un escritor de cuadros, un arquitecto de la palabra y de los sonidos, un dibujante de reflexiones filosóficas. Maestro de la pluma y de la caligrafía, su línea, deliciosa desde el punto de vista estético, es también la línea de un fantaseador que formula adivinanzas y chistes sobre las apariencias…»

“El toque Steinberg”, un sencillo juego con el orden lógico de las coas capaz de trastocar la conciencia y obligar a la reflexión. (2)

Nos presenta una visión irónica y sagaz de las ciudades americanas y sus habitantes. Dibujos que tienen como protagonista a la gran metrópoli, sus arquitectras, sus singulares laberintos y los seres atrapados en esos espacios urbanos.

“No se dibuja bien si se miente. Cuando un dibujo dice la verdad, automáticamente resulta ser un buen dibujo” S. Steinberg

Ha vivido 84 años, y a lo largo de seis décadas ha producido unas 90 portadas y más de 1200 dibujos solo para The New Yorker, ademas de otros miles de obras entre dibujos, esculturas, escenografías, fotografías y murales que se han exhibido en galerías y museos de todo el mundo.

La mayor parte de este enorme legado está en la Universidad de Yale y en la fundación que lleva su nombre. Sus archivos y cuadernos de dibujos, sus obras de pequeño formato y sus dibujos en blanco y negro de Nueva York están depositados en la maravillosa Biblioteca de libros y manuscritos raros de la Unversidad de Yale, junto a los archivos personales de Edith Wharton, Alfred Stieglitz, Georgia O’Keeffe, Eugene O’Neill, Ezra Pound, Gertrude Stein, Walt Whitman y Witold Gombrowicz, entre muchos otros.

Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 4ta parte

Página de la Fundación Saul Steinberg https://saulsteinbergfoundation.org

ISBN-13 978-1681378626, Editorial New York Review Books, Editado el 19 noviembre 2024

Una nueva edición de las memorias dibujadas de Saul Steinberg sobre su huida de la Europa fascista, su estancia breve en la República Dominicana y luego su viaje a Estados Unidos, capturando en el camino absurdos, placeres y las sombrías realidades de la guerra. […] «All In Line» es una memoria a través de un dibujo de este momento clave en la vida de Steinberg, cuando comenzó a encontrar su línea y su camino en Estados Unidos.

En sus caricaturas e ilustraciones para The New Yorker y otros, Steinberg describió deliciosos absurdos y momentos tranquilos: un pintor corta un lienzo largo en porciones más pequeñas y vendibles; un niño dibuja una cara gigantesca en la acera ante la confusión de los transeúntes; una mujer sola en su habitación dobla perchas de metal en forma de rostros.

Pero Steinberg no rehuyó enfrentar las sombrías realidades de su época. Hay caricaturas antifascistas fulminantes, así como destellos de guerra: cielos llenos de bombarderos, familias huyendo, convoyes del ejército, jeeps averiados y campos de batalla en llamas.

Esta nueva edición de «All In Line» incluye una introducción de la caricaturista Liana Finck y un epílogo del escritor Iain Topliss sobre la creación del libro por parte de Steinberg.

“…mis dibujos son trampas atractivas…” Sauk Steinberg 1978

“…estuvo por encima de su oficio…inventó su oficio…” Dupín, 1972

Steinberg viajó por Euopa, América, Asia, la antigua Union Sovética y África que describió con sus dibujos, Sus mejores mentores estuvieron en los editores de The New yorker, Harold Ross y William Shawn, su compañera y amiga Hedda Sterne y Akdi Buzzi, con quien tuvo una amistad profunda que mantuvo hasta su muerte en 1999.

Steinberg mira a los que miran

Por Sheila Schwartz

El collage mural de Steinberg Art Viewers -Espectadores de Arte- era hasta hace poco una obra maestra desconocida, inédita, que solo habían podido contemplar aquellos que visitaron la Galerie Maeght durante el mes que la exposición del artista permaneció abierta al público, entre el 25 de marzo y el 23 de abril de 1966. Una vez finalizada la muestra, la obra se desmontó y las piezas de tela volvieron a manos de Steinberg.

Tras su fallecimiento, la Saul Steinberg Foundation heredó las piezas, y allí permanecieron hasta que fueron donadas al Centre Pompidou, donde se volvieron a montar, en el año 2021, para su exhibición en la «Exposición Saul Steinberg».

«…esta obra, una de las más imaginativas y visualmente atractivas, representa la culminación de los veinte años que dedicó al análisis del motivo del espectador ante la obra de arte. Al mismo tiempo, constituye un homenaje a la práctica del collage, que el artista cultivó durante toda su vida, y marca el punto final de su obra como muralista».

En el momento en que produjo Art Viewers, Steinberg ya había creado siete proyectos murales, una labor que había comenzado en 1947, uno para unos grandes almacenes, otro para un hotel, otro más para una línea de barcos de pasajeros, dos para sendas exposiciones y un último para un palazzo en Milán. De los siete murales, cinco consistían en dibujos ampliados fotográficamente que montaban después sobre la pared los técnicos de los respectivos proyectos.

El mural más relevante para entender Art Viewers es su antecedente casi inmediato, el colosal The Americans -Los estadounidenses-, que concibió para el pabellón de los Estados Unidos en la Exposición Internacional de Bruselas de 1958 (Fig 1).

Con sus tres metros de altura y una longitud total de más de setenta, el mural se dividía en ocho secciones temáticas. Steinberg llevó los dibujos del fondo a Bruselas, donde fueron fotografiados, ampliados y montados sobre las paredes. Después pasó más de tres semanas in situ, recortando y pegando figuras de cartulina marrón, aplicando el color con diferentes técnicas y añadiendo retales de tela y recortes de tiras cómicas de periódicos

[…] Si existe un rasgo que permita determinar su posición en la trayectoria del arte del siglo XX y definir su ecléctica y versátil imaginación, este es el collage. «Nací en un colegio de collage», afirmaba Steinberg, aludiendo al oficio de su padre, que se dedicaba a la fabricación de cajas decorativas. De niño, en la tienda de su padre, tenía a su disposición «todos los materiales que necesita un collagista». Su padre «tenía cartulinas, papeles de colores, papel dorado y pegamento […] y reproducciones de pinturas para decorar las cajas de caramelos». Las máscaras con bolsas de papel que Steinberg empezó a diseñar en 1959 también evolucionaron hasta convertirse en collages. Valiéndose de las habituales bolsas de papel de estraza de las tiendas de comestibles estadounidenses, creó una colección de tipos sociales, una serie que se hizo famosa gracias a las fotografías que tomó Inge Morath del artista y sus amigos (Fig 2)

…Continúa el texto en el catálogo, desde esta página 337 hasta la página 345 que es donde comienza el texto de Francesca Pellicciari.

Notas

1

La arquitecta María Teresa Muñoz Jiménez (Madrid, 1948) es investigadora y especialista en pensamiento y crítica de la Arquitectura.​ Fue la primera mujer en dirigir el departamento de proyectos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.

Se tituló arquitecta en 1972 en la ETSAM.

-Máster en arquitectura en 1974 en Canadá en la Universidad de Toronto con los arquitectos Peter Prangnell y Douglas Engel.

-Doctorado en la Universidad Politécnica de Madrid (UPM), su tesis la dirigio Rafael Moneo.

-Desde 1983 profesora titular en la ETSA de Madrid de Proyectos Arquitectónicos.

-Profesora invitada de la ETSA de Barcelona.

-Traducción del libro de George Baird y Charles Jencks, Meaning in Architecture (El significado en arquitectura).

-Autora de numeras publicaciones, artículos y libros. 1989, Cerrar el círculo y otros escritos, 1991, El laberinto expresionista, 1995, La otra arquitectura orgánica, 1998, La desintegración estilística de la arquitectura contemporánea, 2000 Vestigios, 2010 La mirada del otro, y en 2013 Jaulas y trampas.

-3 tomos de Historia de la Arquitectura Contemporánea Española 1994, 1995 y 1997 en colaboración con Juan Daniel Fullaondo, en 1992 Laocoonte crepuscular, Conversaciones sobre Eduardo Chillida y Bruno Zevi.

-Ha publicado escritos en revistas como Metalocus, Arquitectura, Circo, Arquitectura Bis, Iluminaciones y edito Las piedras de San Agustín, ensayos sobre la obra de Jorge Oteiza.

En el año 1988, premio FAD de pensamiento y crítica por su libro Juan Daniel Fullaondo. Formo parte del equipo director de la revista Arquitectura del Colegio de Arquitectos de Madrid.

Actualmente es profesora emérita de la ETSAM y colegiada en el COAM.

2

Tesis doctoral del Arq. Luis García Gil. 2021. “Saul Steinberg, en los márgenes de la Arquiectura”. ETSA de Madrid

3

Sheila Miriam Schwartz (Filadelfia 1952 – 2008) fue una escritora y profesora de escritura creativa estadounidense. Su colección de cuentos Imagine a Great White Light ganó un premio Pushcart Press Editor’s Award y fue nombrada uno de los mejores libros de 1991 por USA Today , y su cuento «Afterbirth» ganó un premio O. Henry en 1999.

Se formó en la Univ. de Temple en 1974 y obttuvo una maestría en la Univ. de Binghamton. Con la beca Wallace Stegner profundizó sus conocimientos de ficción en la Univ. De Stanford.

Imagine a Great White Light fue publicado en 1991 por Pushcart Press , como ganador de su Premio Anual del Editor

«. La reseña de Publishers Weekly concluyó: «por turnos oníricos y duros, estas historias son perturbadoras y, ocasionalmente, profundas». USA Today lo nombró uno de los mejores libros de 1991. 

«Lies Will Take You Somewhere» fue publicada por Etruscan Press en 2009, tres meses después de la muerte de Schwartz

«Afterbirth», que se publicó en Ploughshares en 1998 y ganó un premio O. Henry en 1999 como uno de los veinte mejores cuentos del año anterior.

Schwartz enseñó escritura creativa en la Univ. Northwestern , la Univ. de Ohio , la Univ. de Syracuse y la Univ. Estatal de Cleveland , donde se unió a la facultad en 1990 y permaneció durante el resto de su carrera docente. Uno de sus estudiantes, el periodista Lee Chilcote, la describió como una «profesora y crítica enormemente generosa». 

Schwartz murió el 8 de noviembre de 2008, a los 56 años, por complicaciones derivadas de un cáncer de ovario. En 2000 le diagnosticaron por primera vez cáncer de ovario en etapa cuatro y luchó durante ocho años contra el cáncer, que incluyó cirugía, tres rondas de quimioterapia y dos remisiones, hasta que el cáncer volvió a aparecer por segunda vez en 2006. Trabajó hasta la última semana de su vida. 

Premios y reconocimientos

1981/83 – Beca Wallace Stegner, Univ. de Stanford

1991 – Premio del editor de Pushcart por Imagine una gran luz blanca

1993 – Artista individual de la Asociación Nacional de Educación

1993 – Beca del Fondo Nacional para las Artes

1999 – Premio O. Henry por «Afterbirth»

2005 – Beca del Consejo de Artes de Ohio

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Si este libro se titula «Saul Steinberg, artista» es porque afirma, de principio a fin, que esa fue la vocación más radical de quien dijo de sí mismo que no acababa «de pertenecer al mundo del arte, de la viñeta o del dibujo» y que el mundo del arte no supo bien dónde colocarlo. Profusamente ilustrado, recorre su vida y su obra en Europa y en los Estados Unidos de América, especialmente en Nueva York.

SAUL STEINDERG: EL SIGNO ERRANTE

Alicia Chillida (1)

«Soy un escritor que dibuja». Saul Steinberg

El papel sobre el que dibuja Saul Steinberg parece transformarse en una cinta continua e infinita. Con su trazo profuso es capaz de invadir territorios, mapas, galerías de arte, museos, per-sonas, muebles, animales o edificios. (…)

Origen y Destino

Saul Steinberg eligió el dibujo en busca de la máxima libertad de expresión y acción, hasta convertirlo en un signo errante, trazado por su propia existencia. Nació en 1914 en Râmnicu Sărat, un pueblo rumano próximo a Bucarest, en el seno de una familia judía de ascendencia rusa que emigró a la capital en 1915. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Bucarest. Entre 1933 y 1940 vivió en Milán, y allí obtuvo el título de Arquitectura en el Real Politécnico. Dibujante incansable, inspirado por el cubismo y la Bauhaus, comenzó en 1936 a trabajar para el periódico satírico Bertoldo.

Como él mismo recordaría años después en su entrevista con Jean Vanden Heuvel (Los Angeles 1934 – 2017 Nueva York), «aunque creía que no contaba con un gran talento, siempre sentí una fuerte inclinación por el dibujo».

Cuando se publicó su primer trabajo dijo, «me quedé mirándolo durante horas, hipnotizado. Me paseaba detenidamente por cada una de las líneas. Probablemente no era el dibujo lo que admiraba, sino a mí mismo»!

A partir de aquella primera publicación, tomó conciencia del potencial de su obra y del poder de difusión de su pensamiento sobre el papel a través de los medios de comunicación de masas.

A juicio del crítico y filósofo norteamericano Harold Rosenberg (Nueva York 1906 – 1978 Springs) el autor se anticipó al espíritu artístico de su tiempo:

Steinberg, al capturar la mezcla (que existe) entre la naturaleza y el arte, entre el artista y el espectador, participa del pensamiento artístico avanzado de su tiempo. Veinte años antes del pop art, expuso sus premisas en un gran número de dibujos, tanto como en la doble relación que mantiene entre el arte comercial y el museo.

En Italia, el arquitecto y dibujante fue víctima de las leyes raciales de Mussolini de 1938, que le prohibieron ejercer su profesión como dibujante. Arrestado posteriormente, fue internado en el campo de Tortoreto, del que se le permitió salir con la condición de abandonar el país. Años después, escribiría a su amigo Aldo Buzzi «Me parecía estar en el papel de algún otro, me veía a mí mismo como si fuera otro, algo parecido a la situación del hombre que dibuja a un hombre».

Finalmente, en 1941, consiguió huir de Europa en dirección a Nueva York. Hubo de aguardar cerca de un año en la República Dominicana -donde coincidió con el pintor y poeta español Eugenio Granell-, a la espera de obtener el visado para entrar en los Estados Unidos. Durante aquel periodo, comenzó a colaborar con el semanario The New Yorker, hecho que le ayudó, junto a la mediación de su agente Cesare Civita y sus familiares allí residentes, a entrar en el país, en julio de 1942.

En 1942, aún en Ciudad Trujillo (hoy Santo Domingo), dibujó caricaturas de Hitler que aparecieron en distintas publicaciones y formaron parte de la exposición “Viñetas contra el Eje”, organizada por la Sociedad Estadounidense de Caricaturistas de Revistas y celebrada en la Art Students League, en la que también participaron, entre otros, Ad Reinhardt, Crockett Johnson y Charles Addams.

Der Schuldige (El culpable), en la edición del 26 de julio de 1944 de Das Neue Deutschland, un periódico falso de la Resistencia producido por las Operaciones Morales de la OSS

Establecido ya en los Estados Unidos, fue reclutado en 1943 por la Reserva Naval norteamericana y realizó el servicio militar durante la Il Guerra Mundial en la División de Operaciones Morales, integrada en la Oficina de Servicios Estratégicos (OSS).

En esta unidad, se dedicó a producir material para la guerra psicológica contra las Potencias del Eje y, para tal fin, fue enviado a la India, China, el norte de África e Italia.

En el otoño de 1944, se estableció definitivamente en Nueva York, donde se casó con la pintora Hedda Sterne (Bucarest, 1910-Nueva York, 2011).

Finalizada la guerra, conoció los Estados Unidos en profundidad y pasó temporadas en Europa, especialmente en París, donde residían artistas y escritores rumanos que formaban parte de la élite intelectual y cultural europea como Constantin Brancusi, Emil Cioran o Eugène lonesco.

En 1957, también viajó a España junto a su mujer (y visitaron San Sebastián, Madrid, Granada…). De entre todos estos viajes, cabe mencionar la visita en 1958 a Picasso en su villa La Californie, en Cannes, donde se divirtieron dibujando cadáveres exquisitos. (2)

Explorador incansable, valoró el viaje como método. Se diría que en su pulsión de viajar existía un ansia de mutación existencial, un propósito de ponerse a prueba y, tal vez, de convertirse en otro. Fue errante por su biografía: judío, dibujante formado como arquitecto, prisionero y emigrante.

Esta línea vital enredada es la que dibuja su carácter y da origen al signo: un signo que se mueve entre signos. La crítica e historiadora del arte Dore Ashton ha señalado, precisamente, esta condición errante de ST, en la que el carácter es destino: El destino de Steinberg fue identificar la línea exacta entre millones de posibles líneas para expresar su propio carácter, simultáneamente, con el de lo que observaba.

Él sabía que la palabra derivaba de los antiguos griegos y que significaba grabar.

Para los griegos el carácter era un instrumento. Para Steinberg, también.

De igual manera, el filósofo estructuralista francés Roland Barthes, que dedicó a la obra de ST un importante ensayo, All except you -Todo excepto tú- empleó el término «idiolecto» para denominar la forma de hablar característica de este creador de figuras-signo.

El artista, según Barthes, juega con todas las formas de representación, atraviesa el lenguaje común para crear uno nuevo, en el que dibujar se convierte en un modo de filosofar o satirizar, provocando en el “lector” un chispazo intelectual, una mueca de risa y desesperanza.

ST ofrece una lectura que nunca termina. De signo en signo, invita al lector a un viaje siempre inconcluso.

Nueva York, El Museo, la Crítica, el Arte

Sin dejar de estar presente en revistas como The New Yorker -que le brindó una colaboración que se extendió durante más de cinco décadas y le permitió darse a conocer mundialmente, o Flair, donde publicó durante los años cincuenta sus primeros trabajos fotográficos – fotografías en blanco y negro intervenidas con dibujo, que representan interiores domésticos y escenas urbanas-; participó en 1946 en su primera exposición de ámbito nacional: Fourteen Americans -Catorce estadounidenses-, comisariada por Dorothy C. Miller en el Museum of Modern Art de Nueva York (MoMA), junto a artistas como Isamu Noguchi, Arshile Gorky, Robert Motherwell y Mark Tobey.

En 1958 se publicó el libro “Les Américains” -Los estadounidenses- con fotografías de Robert Frank, emigrante suizo de origen judío que había recorrido los Estados Unidos entre 1955 y 1956, retratando las calles, los rostros de las personas, las plazas, los bares y las tiendas. (3)

Robert Delpire, su editor parisino, invitó a Saul Steinberg a realizar la portada de esta primera edición, quien respondió al encargo con unos pocos trazos de tinta negra sobre papel mili-metrado, un dibujo que condensaba el espíritu de Nueva York en los años cincuenta.

La extraordinaria agudeza visual con la que ST observaba su país de adopción dialoga con la obra de Robert Frank, ambos artistas europeos, viajeros empedernidos y apasionados cronistas de la sociedad norteamericana. Les Américains pronto se convirtió en uno de los libros de fotografía más influyentes del mundo.

Las grandes estaciones de tren y los edificios de la ciudad constituyen otro motivo captado por el dibujante-arquitecto y viajero errante, amaba su continente de adopción a la vez que lo satirizaba:

¡Ah! Adoro América […]. Libertad de movimiento, libertad de ser lo que uno quiera. ¡América es la utopía! No hay clases sociales, tampoco obligaciones… ¡Y lo que también me gusta de allí es que todo se tira rápido! Los contenedores están siempre llenos, se pueden encontrar pianos de cola, televisores del año pasado o sofás: es la riqueza de las basuras en América. Otra cosa: se puede estar solo. Si te mueres, nadie se da cuenta.

[… ] Su inclusión, en la citada exposición del MoMA lo consagró como uno de los artistas del momento, lo que despertó el recelo del crítico norteamericano Clement Greenberg “La presencia de artistas como Sharrer, el inefable Pickens, Tooker, Culwell, Aronson, incluso del pintor abstracto Pereira, el escultor Noguchi y el talentoso dibujante y caricaturista Saul Steinberg -cuyos dibujos poseen una energía sorprendente por sí solos- le resta fuerza [a la exposición], bien porque, como en el caso de los cuatro o cinco primeros, tienden en el fondo al academicismo, o bien porque, como en el caso de Pereira y Noguchi, su pose fingida diluye las buenas intenciones. Y la incorporación de Steinberg -que es bueno, pero con sus limitaciones- parece casi un gesto desesperado de última hora: pues, aunque diera mucho más de sí, aún sería relativamente insignificante desde el punto de vista del arte moderno”.

Steinberg evitó todo encasillamiento «No pertenezco del todo al mundo del arte, ni al de las viñetas, ni al de las revistas, por eso el mundo del arte no sabe muy bien dónde situarme».

[…] Otro artista también cercano fue el pintor, escultor, grabador y ceramista Joan Miró (Barcelona 1893 – 1983 Palma), con quien compartía ese mundo de la infancia, además de una inclinación hacia la ironía y la complejidad del dibujo.

[…]  en sus comentarios pictóricos, una multitud de rostros contempla atentamente un conjunto de pinturas abstractas en una exposición, y estas mismas formas abstractas se confunden con los peinados y otros aspectos de los espectadores.

En su obra, también son patentes las formas extraídas del constructivismo ruso o las referencias a Piet Mondrian, como en Luna Park (1968), donde el pintor neo-plasticista holandés se convierte en una atracción de feria art déco junto a Soren Kierkegaard y Arthur Rimbaud.

…Continúa el texto en el catálogo, desde esta página 311 hasta la página 324 que es donde comienza el texto de María Teresa Muñoz.

La chica de la bañadera. Página/12. 13 de mayo de 2011

Por el escritor, periodista, editor, traductor y asesor literario Juan Forn (Buenos Aires 1959 – 2021 Mar de las Pampas), responsable de las maravillosas contratapas del periódico Pagina/12

Hace unos días murió en Nueva York una rumana de cien años llamada Hedda Sterne (usó de sudónimossu nombre Sterne y Hedda Lindenberk). La maquinaria necrológica se puso en marcha a la manera habitual y los titulares fueron: “Muere la última de los abstractos expresionistas”. Se referían a la pandilla de Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning y compañía, que durante los primeros años de la Guerra Fría, con la colaboración activa de la CIA y el Departamento de Estado norteamericano, exportó al mundo entero la noticia de que había una nueva forma de pintar y que la capital por excelencia del arte ya no era París, sino Nueva York.

Los abstractos expresionistas eran todos hombres, todos ególatras, todos pontificadores y bebedores, y ardieron como bonzos después de pelearse como perros rabiosos, después de descubrir con estupor que habían triunfado. Una foto a doble página aparecida en la revista Life en 1951, con el título “Los Irascibles”, los había hecho famosos. En la foto tomada por Nina Leen (Rusia 1914 – 1995 Nueva York), entre todos aquellos machos cabríos, asomaba la cabecita de Hedda Sterne, en la última fila, la única mujer. “Soy más conocida por esa foto que por ochenta años de trabajo. Si tuviera ego, me deprimiría”, declaró Sterne en el único reportaje que le hicieron al inaugurar su última muestra, cuando tenía 97 años.

La foto denominada «Los Irascibles o Los Belicosos» reunía a un grupo de importantes artistas y fue realizada para protestar por el rechazo del Museo Metropolitano de Nueva York para mostrar los trabajos de los Expresionistas abstractos en los años 50′ del siglo pasado, en la mayor retrospectiva de la pintura americana hasta el momento. En esa foto estaban Willem de Kooning, Paul Jackson Pollock , Mark Rothko, Saul Steinberg, Hedda Sterne entre otros.

La historia de la foto y el grupo

En 1950, dieciocho artistas de lo que años más tarde se bautizó como Escuela de Nueva York protagonizaron una protesta contra la exposición ”American Painting Today: 1950” que el Metropolitan Museum of Art estaba organizando para ese año.

Muchos artistas contemporáneos no se consideraban representados en esta muestra que pretendía congregar lo mejor del arte contemporáneo americano y decidieron organizar una protesta colectiva.

Entre aquellos artistas estaban nada menos que los pintores Jackson Pollock, Christopher Rothko, Barnett Newmann o Willem de Kooning.

En el 2020, setenta años después, la Fundación March rememora aquel episodio con una exposición en su sede de Madrid, mostrando las obras de los dieciocho artistas que protagonizaron aquella protesta, iniciada en el entorno de la academia Studio 35, en el Village de Nueva York, un espacio que en 1948 habían puesto en marcha los pintores Motherwell, Baziotes y Rothko junto al escultor David Hare.

Descontentos con el jurado que el Metropolitan Museum había designado para elegir a los representantes de la pintura norteamericana contemporánea, en su opinión de tendencia conservadora y poco relacionados con el arte de las vanguardias que se hacía en 1950, escribieron una carta al presidente del museo, Roland L. Redmond, que firmaron veintitrés artistas.

El New York Times publicó aquella carta en su portada del 22 de mayo de 1950 bajo el titular ”18 pintores boicotean al Metropolitan: acusan al Museo de mantener una actitud hostil hacia el arte avanzado”.

El Herald Tribune trató de desautorizar la protesta de aquellos artistas en un duro editorial que publicó al día siguiente en el que calificaba a los firmantes como ”Los 18 irascibles».

A pesar de todo, el Metropolitan celebró aquella exposición a finales de 1950. La revista Life propuso entonces a los signatarios de la carta que inició la polémica que posasen para una fotografía que ya es histórica. Acudieron quince de ellos y la imagen se convirtió en un símbolo icónico no sólo de la protesta sino del ideario de lo que estos artistas pensaban sobre el futuro del arte americano.

La foto es ya el retrato canónico de la generación de artistas conocida como Escuela de Nueva York. Life publicó la fotografía el 15 de enero de 1951 ilustrando un artículo que titulaba “Una facción irascible de artistas avanzados ha liderado la lucha contra una exposición”.

Los archivos de Hedda Sterne están depositados en el Smithsonian Institution. Incluídos en el Archives of American Art, Hedda Sterne papers, AAA sterhedd 1939/1977. Hay correspondencia entre Hedda y Saul Steinberg que contiene dibujos poco conocidos de Steinberg que envio a Hedda dentro del ámbito privado y de caracter erótico.

Su aparición en aquella foto fue un malentendido. Los belicosos varones se enfurecieron en masa con ella y con Life, porque la presencia de una mujer le quitaba toda seriedad al asunto (Hedda aparecía en la foto con sombrerito y coqueta cartera colgando del brazo). Hasta el día anterior le decían con condescendencia“Pintas como un hombre. Podrías ser uno de nosotros”. A partir de ese día decretaron que no era ni abstracta ni expresionista, cosa que ella misma les refrendó con una frase que mucha gracia no les hizo “Es cierto, abstracto es Mondrian. Y, para expresionista, nadie mejor que mi Saul”. Su Saul era Saul Steinberg, que para aquellos pintores era, sí, un dibujante brillante, incluso un dotado, pero un mero caricaturista del New Yorker.

Steinberg era rumano como Hedda, ambos habían nacido en Bucarest y frecuentado los mismos ambientes, pero recién se conocieron en Nueva York “Yo era cuatro años mayor que él, y a los diecinueve años no me andaba fijando en muchachitos de quince”, cuando Hedda venía de París, de donde huyó con lo puesto antes que la deportaran por judía, y Steinberg hizo lo propio desde Milán, adonde estudiaba arquitectura hasta que empezaron las purgas antisemitas. Steinberg apareció de visita en su departamentito de la calle 71 un mediodía de 1943 y se quedó dieciocho años. En la bañadera de ese departamento pintó en 1949 su archifamosa “Chica en la tina”, que es por supuesto un retrato de Hedda.

A diferencia de la foto de Life, a ella nunca le molestó ser la chica de la bañadera de Steinberg, aunque se separaran en 1961. Hedda siguió viviendo en ese mismo departamentito hasta su muerte, cuando ya hacía mucho que el dibujo en la bañadera se había despintado. Tampoco descolgó nunca de la pared de la cocina un hermoso diploma que le había hecho Steinberg consagrándola cocinera en jefe de la casa y de la ciudad (aunque no cocinó nunca más, ni siquiera para sí misma, después de Steinberg). Peggy Guggenheim le reprochó que abandonara la cocina y que se negara con la misma tozudez a que su pintura tuviese una marca de fábrica, un logo-style, Hedda le corregía: “Te refieres, sospecho, a ego-style”.

Desde su llegada a América, se había fascinado con lo concreto y lo inmediato: “Estados Unidos era más extraordinariamente surrealista que cualquier cosa que hubiesen imaginado los surrealistas”. Con Steinberg recorrieron todo el país en auto “Sólo nos faltó Hawaii; Saul no encontró el camino”.

Sterne empezó a pintar autos en movimiento, gigantescas hortalizas vistas desde adentro, piezas de avión en forma de tótems, naturalezas muertas con sanitarios (una de sus obsesiones: las diferencias entre los sanitarios europeos y los del nuevo mundo), pero para su estupor y la hilaridad de Steinberg, todo lo que hacía era abstracto a los ojos de sus colegas: “Podrías ser uno de nosotros”, “Pintas como un hombre”.

Sterne confesaba sin pudor que sus momentos de sequía habían sido abundantes, por el simple hecho de vivir dieciocho años junto a un hombre que nunca trabajaba más de tres cuartos de hora seguidos y que confiaba a ciegas en una sola cosa en el mundo: su formidable primer trazo (según Steinberg “ese trazo era su modo de pensar”). Durante esas crisis de confianza, Hedda hacía para distraerse psicorretratos a mano alzada de sus colegas y amigos: no eran fisonómicos; eran exclusivamente de la psique, en su opinión. Los acumuló durante años y cuando los expuso, creyendo que eran lo más abstracto que había sido capaz de hacer en su vida, la acusaron de haber traicionado a la abstracción y (¡en 1971!) la defenestraron una vez más. Steinberg había dibujado una vez una historia que Hedda le contó, la tenían colgada en la cocina:

…una nena está dibujando. La madre le pregunta qué dibuja. La nena dice que a Dios. ¿Cómo puedes dibujarlo si no sabés cómo es?, dice la madre. Para eso lo dibujo, contesta la chica. Rothko y Barnett Newman estaban bebiendo una noche en esa cocina. Barnett le señaló el dibujo a Rothko. “Eso es lo que estamos olvidando todos”, dijo.

En 1943, participó en The Exhibition by 31 Women que se realizó en la galería de arte de Peggy Guggenheim el Art of this Century en Nueva York.

A pesar de su obra, Sterne ha sido casi completamente ignorada por la Historia del Arte de la escena artística estadounidense de posguerra. Sterne veía sus muy variadas obras como un flujo, más que como afirmaciones definitivas. Cuando publicó su libro (American women artists) ya era reconocida como artista.

Desde el momento en que empezó a perder la vista hasta que se quedó ciega, Sterne llevó una suerte de bitácora en forma de dibujos diarios, hechos en crayones blancos sobre papel blanco. Había instalado su mesa de trabajo contra la ventana más grande de su departamento y ahí se sentaba cada día, crayón en mano, buscando la luz con sus ojos lechosos. En un reportaje filmado que le hicieron antes de morir, está sentada a la misma mesa, la luz entra de costado y le ilumina los ojos, tiene el pelo blanquísimo y esa serenidad en la cara que sólo los ciegos: es literalmente refulgente. “Los doctores dicen que no puedes gastarte los ojos. Lo que los gasta son otras cosas, no el uso”, dice en determinado momento. “El ego es la herramienta que usan algunos para que el talento parezca genio”, dice en otro momento.

Uno la ve hablar, relatar su vida, y ve aparecer todas las mujeres que fue, todas ellas a la vez: la de diez y la de veinte y la de treinta y la de cuarenta y la de cincuenta, la jovencita fatal de la que se enamoraron Hans Arp y Duchamp, la perseguida por judía, la rescatada por Nueva York, la siempre atenta a la sensualidad del mundo, la artista inmune al ego, la solitaria, la anciana sabia. Como si de alguna manera, en ese envase, se preservaran todas, se preservara lo que la mayoría pierde de sí en el camino. El novelista Henry de Montherlant (Paris 1895 – 1972 Ibid) dijo que sólo había un modo de retratar la felicidad: con tinta blanca sobre papel blanco.

Hedda Sterne lo hizo.

Forma parte de una serie en la que se proyectó un dibujo de Saul Steinberg de una mujer sobre Hedda Sterne, la proyección se alinea tan estrechamente con los rasgos de Sterne que se convierte en una especie de máscara.

Anticipa las máscaras de bolsas de papel que Steinberg comenzaría a hacer varios años después. Entre 1959 y 1962, animó muchas bolsas de papel sencillas con caras dibujadas con crayón, tinta o lápiz, que él y sus amigos se pusieron para los retratos enmascarados que tomó la fotógrafa Inge Morath (Graz 1923 – 2002 Manhattan). Los Eames compartían el interés de los Steinberg por las máscaras.

Charles, Ray Eames y Saul Steinberg

Poco después de que Charles y Ray Eames desarrollaran las Shell Chairs (1948) con carcasa de asiento de fibra de vidrio, (producidas en serie, constituyeron una nueva tipología de asientos) (4), Saul Steinberg visitó en 1950 la Eames Office de Los Ángeles. Steinberg ya era conocido por sus dibujos humorísticos y a veces provocadores de personas y animales ─sobre todo gatos─, con los a que traspasaba una y otra vez los limites de los medios gráficos tradicionales. Durante su visita dibujó de forma espontánea una serie de animadas caricaturas sobre los prototipos de muebles, el suelo y las paredes del estudio. Le llamaron especialmente la atención las Shell Chairs, y con un pincel empezó a pintar líneas que fluían de una silla a otra, creando un pequeño e imaginativo cosmos de personajes y animales, los Eames documentaron entusiasmados el espectáculo con una serie de fotografías.

Nota

1

Alicia Chillida (San Sebastián, 1958) demuestra un ineres por la convergencia entre arte, arquitectura, paisaje y, por cuestiones medioambientales.

Sus proyectos más recientes son las exposiciones Archivo Portera en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y Saul Steinberg, artista en la Fundación Juan March, Madrid,

-Moderadora de la sesión «Creación artística» en el curso de verano Luis Martín-Santos y su tiempo. Política, sociedad y cultura en años de silencio en la Universidad del País Vasco (UPV/EHU), San Sebastián;

-Fue invitada por el Departamento de Ingeniería de Diseño de Sistemas de la Universidad de Keio, Tokio; 

-Dirección y producción de la Bienal Edge´92, Madrid.

-Coordinación del taller Intervenciones urbanas, dirigido por Muntadas para Arteleku, Donostia-San Sebastián

-Comisariado y la producción del proyecto de escultura permanente de Ulrich Rückriem: Siglo XX, XXI, en el Prepirineo de Huesca. 

-Fue invitada por la XII Bienal de la Habana.

-Directora del Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria.

2

El cadáver exquisito era un juego surrealista de creación colectiva, que podía ser escrito o gráfico. En esa obra cada miembro del grupo realizaba su parte de la obra sin conocer por completo las otras partes. En este tipo de collage el accidente jugaba un papel muy importante.

3

LOS AMERICANOS. Frank Robert- Kerouac Jack. ISBN 978- 84-18934-03-2. Editorial la Fábrica. 180 pp.

Obra cumbre de la historia de la fotografía, este libro muestra un apasionante
retrato de la América de los años 50 a modo de road movie.
Los Americanos se gestó durante los años 1955 y 1956. Publicado por primera vez en 1958, no tardó mucho en convertirse en un hito, el libro de fotografía más influyente del mundo y en piedra de toque de la identidad estadounidense.
Robert Frank, que recorrió las carreteras de 48 estados norteamericanos tomando fotografías de gente corriente (Un desfile en Nueva Jersey, un funeral en Carolina del Sur, escaparates de Washington, un cóctel en Nueva York, carreteras de Idaho, un pícnic en California, Tennessee, Utah…) gracias a la beca que le concedió la John Simon Guggenheim Foundation, concibió este proyecto a raíz de su relación en la beat generation, tras coincidir con personalidades como Bill Brandt, Walter Evans o el poeta Allen Ginsberg.

4

Actualmente Vitra utiliza plástico posconsumo reciclado para fabricar las carcasas de las Eames Plastic Chairs y resina de poliéster reforzada con fibra de vidrio para las Eames Fiberglass Chairs.

Se fabrican con más de 170.000 configuraciones, 23 colores de carcasa y 36 opciones de acolchado. Las carcasas de asiento, ya sean de fibra de vidrio, plástico reciclado o cable de acero soldado, se adaptan a los contornos del cuerpo humano para dar mayor nivel de confort.

Continua en https://onlybook.es/blog/saul-steinberg-artista-3a-parte/

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Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

Arquitecto Luis Barragán por Hugo A. Kliczkowski Juritz

Muchas pequeñas cosas, es decir de todo un poco

Dijo Dante Alighieri

“Bien puede ser que lo que llamamos moderno, no sea sino aquello indigno de perdurar hasta hacerse viejo”.

Así comienza esta historia

Antes de ir a la FIL 2016,  feria del libro de Guadalajara quise visitar nuevamente la casa del Arq. Mexicano Luis Barragán, muchas veces me ocurre que mis ganas no siempre son suficientes, no había lugar en los pequeños grupos a los que  permiten entrar, ni ese día ni en los 3 subsiguientes.

En mi hotel entraron en la Web http://www.casaluisbarragan.org/visitas.html, y me informaron que la visita es previa cita, de Lunes a Viernes en 5 turnos, y llamaron por teléfono, sin conseguirnos lugar.

Fue la Sra. Catalina Corcuera Cabezut, directora desde hace mas de 20 años de la Casa Luis Barragán, con la que tuvimos una excelente charla en la que sin inocencia alguna le explicamos que habíamos editado un número de casas Internacional dedicado al arquitecto Barragán y otro de la colección achipocket dedicado a los arquitectos Legorreta Legorreta (HK) (discípulos y herederos arquitectónicos de Barragán).

Le explicamos que necesitábamos recrear en nuestra memoria la casa y accedió a invitarnos a verla.

Y no solo eso, ya que  nos permitió ver primero los jardines Ortega, contigua a la casa de Barragán, donde habito unos años, en esa casa estaba el premio Pritzker, y a esta casa primigenia en conceptos y experiencias espaciales, y de escala, casi un taller experimental, a ella se refirió Luis Barragán en su discurso al recibir el premio el 3 de Junio de 1980 en Dumbarton Oaks, EEUU, siendo la primera obra del mundo latino premiada  (segundo fue el arquitecto portugués Eduardo Souto de Moura).

Los jardines (sobre terrenos comprados por Barragán) fueron diseñados en 1940, así como la casa.

Sobre la casa Ortega dice el arquitecto en 1940”….”Un jardín bello es presencia permanente de la naturaleza, pero la naturaleza reducida a proporción humana y puesta al servicio del hombre, y es el más eficaz refugio contra la agresividad del mundo contemporáneo….”

Casa museo Luis Barragán

Como ya mencioné es una de las obras arquitectónicas contemporáneas de mayor trascendencia en el contexto internacional

La influencia de Luis Barragán en la arquitectura mundial sigue creciendo y su casa, conservada con fidelidad tal como la habitó y tuvo su estudio su autor hasta su muerte en 1988, es uno de los sitios más visitados en la ciudad de México por los arquitectos y los conocedores de arte de todo el mundo. Este museo, que comprende la residencia y el taller arquitectónico de su creador, es propiedad del Gobierno del Estado de Jalisco y de la Fundación de Arquitectura Tapatía Luis Barragán.

Casa-estudio Luis Barragan

Ubicado en la calle General Francisco Ramírez 12-14, colonia de Tacubaya, México, DF (11840).

Fue construida en 1948, y declarada por la UNESCO en 2004, Patrimonio Mundial,

Es el único inmueble individual en America Latina, y en su declaratoria la UNESCO manifiesta “ Es una obra maestra dentro del desarrollo del movimiento moderno que integra en una nueva síntesis de elementos tradicionales y vernáculos, así como diversas corrientes filosóficas “.

Ocupa dos lotes dentro de la misma calle, contando con una construcción de 1161,50 m2

La UNESCO incluye en sus categorías de inscripción para declarar a un bien como patrimonio de la humanidad entre otras categorías: “conjuntos y monumentos arquitectónicos y artísticos”. Estos últimos son grupos de construcciones independientes o reunidas con una arquitectura de valor excepcional o con una gran integración con el entorno natural. Precisamente a esta clase de tesoros pertenece la Casa Estudio de Luis Barragán. Se trata de una de las construcciones más interesantes de la Ciudad de México por sus referencias estéticas y planteamientos arquitectónicos.

Es una especie de compendio arquitectónico de las principales tendencias estéticas del siglo XX. Consta de planta baja y 2 plantas superiores y nos llama la atención por la selección de los materiales utilizados, los espacios creados y el manejo de una rica paleta de colores.

Considerado Patrimonio moderno, por su creatividad expresión y testimonial en la medida que recibe una herencia, la entiende, la comprende, y ello le permite transmitirla a otras generaciones.

Quien fue Luis Barragan?

(Guadalajara, 9 de marzo de 1902 – 1988 22 de noviembre Ciudad de México)

Nació en Guadalajara, y se graduó de ingeniero civil (el titulo que se otorgaba en esa época) aunque tempranamente y a raíz de sus viajes se decanto por la arquitectura. Realiza varias obras hasta que en 1936 se traslada a la ciudad de México.

En 1940 adquirió un amplio terreno en la entonces llamada Calzada de los Madereros, donde realizó algunos jardines, vendió la mayor parte de estos jardines reservándose una parte donde construyo su casa.

Desde 1940 al 45 realizo numerosas viviendas y desarrollos y posteriormente  junto a José Alberto Bustamante adquirió una enorme extensión de tierras en Pedregal de San Ángel para la realización de una ambiciosa urbanización-

Jardines

Tanto como a Roberto Burle Marx, los diseños de Barragán necesitan una lectura mas atenta para comprender su lenguaje y con el su significado.

En sus viajes influyeron en él los jardines de la Alhambra (y en ellos la sorpresa, la magia y el susurro de sus estanques) y en Francia 2 libros de Ferdinand Bac “Les Colombières” y “Jardins Echantés”.

En 1931 al volver a Europa visita a Bac en su jardín Les Colombières y le desencantó detectar la poca armonía con el espíritu de hoy. Conoció también a Le Corbusier y visito la Villa Savoye (situado en Poissy, en las afueras de Paris, construido en 1929) y el apartamento De Beistegui (diseñado en 1930).

En 1937 conoció a Richard Neutra con quien mantendría una gran amistad y compartiría conceptos sobre el paisaje.

Son muchos los personajes del mundo de la arquitectura y el paisajismo, el arte y la poesía que se relacionaron con él.

Nota: guardaba bajo llave en un cajón sus libros secretos, el ya mencionado Jardins Echantés y Les Colombières de F. Bac; B. Godounov de Pouchkine; Les Iles Grecques y el Poema electrónico de Le Corbusier y El Jardín Meridional de Nicolás María Rubio y Tudirí.

Que nos dicen de él

– arquitectura autobiográfica (por la enorme cantidad de gestos y guiños que nos llevan a las casas y el rancho de Mazamitla que habito de niño).

– solidez y armonía

– formas geométricas simples

– utilización de la luz en espacios místicos y emotivos.

– muestra el refugio, el escondite que nos libera hacia lo vital y lo necesario

– espacios para una vida ya vivida.

Nota: Enfermo de Párkinson, en su cama, bajo un rosario, sus últimas lecturas descansan sobre la más pequeñas de las mesas, Cumbres Borrascosas de Emily Brontë y En la búsqueda de Marcel Proust, de Maurois.

La casa Ortega

Una casa “experimental”

Podemos considerar a esta casa germen de lo que luego seria su casa definitiva. Un lugar donde pudo probar las sensaciones de espacios articulados, sugerentes, visiones  recorridos entre muros y árboles, arbustos y césped. Plantas y distancias mas presentidas que percibidas por el impacto visual.

Originalmente los jardines se unían por una puerta ahora tapiada dentro del muro que los separa.

El arquitecto que nos recibió y nos permitió visitarla y fotografiarla es sobrino de la Sra. Ortega la propietaria original.

Conserva mucho mobiliario diseñado por Barragán y por la Diseñadora Clara Porcet y está en un estado mucho más descuidado que la casa museo vecina.

Discurso del Arq. Luis Ramiro Barragán Morfín  en la entrega del Pritzker

(Los premios Pritzker son concedidos desde 1979 por la Fundación Hyatt).

Es en su discurso, donde con más facilidad podemos entender el pensamiento y la brújula con la que decidió guiar sus obras.

«Deseo dejar constancia, además, de mi respeto y admiración por el pueblo norteamericano, gran mecenas de las ciencias y de las artes, y que sin encerrarse dentro de los límites de sus fronteras las trascendió para distinguir de manera tan honrosa y generosa, en este caso, a un hijo de México. Tengo plena conciencia, por tanto, que el premio que se me otorga es un acto de reconocimiento de la universalidad de la cultura y en particular de la cultura de mi patria. Pero como nunca nadie se debe todo a sí mismo, sería mezquino no recordar en este momento la colaboración, la ayuda y el estímulo que he recibido a lo largo de mi vida por parte de colegas, dibujantes, fotógrafos, escritores, periodistas y personales amigos que han tenido la bondad de interesarse en mis trabajos.

Quisiera valerme de esta ocasión para presentar ante ustedes algunos pensamientos, algunos recuerdos e impresiones que, en su conjunto, expresen la ideología que sustenta mi trabajo. Y a este respecto ya se anticipó –aunque con excesiva generosidad el señor Jay A. Pritzker (1)  cuando explicó a la prensa que se me había concedido el Premio por considerar que me he dedicado a la arquitectura “como un acto sublime de la imaginación poética”. En mí se premia entonces, a todo aquél que ha sido tocado por la belleza. En proporción alarmante han desaparecido en las publicaciones dedicadas a la arquitectura las palabras belleza, inspiración, embrujo, magia, sortilegio, encantamiento y también las de serenidad, silencio, intimidad y asombro. Todas ellas han encontrado amorosa acogida en mi alma, y si estoy lejos de pretender haberles hecho plena justicia en mi obra, no por eso han dejado de ser mi faro».

Religión y Mito

 ¿Cómo comprender el arte y la gloria de su historia sin la espiritualidad religiosa y sin el trasfondo mítico que nos lleva hasta las raíces mismas del fenómeno artístico? Sin lo uno y lo otro no habría pirámides de Egipto y las nuestras mexicanas; no habría templos griegos ni catedrales góticas ni los asombros que nos dejó el renacimiento y la edad barroca; no las danzas rituales de los mal llamados pueblos primitivos ni el inagotable tesoro artístico de la sensibilidad popular de todas las naciones de la Tierra. Sin el afán de Dios nuestro planeta sería un yermo de fealdad. “En el arte de todos los tiempos y de todos los pueblos impera la lógica irracional del mito”, me dijo un día mi amigo Edmundo O’Gorman (2)  y con o sin su permiso me he apropiado sus palabras.

Belleza

La invencible dificultad que siempre han tenido los filósofos en definir la belleza es muestra inequívoca de su inefable misterio. La belleza habla como un oráculo, y el hombre, desde siempre, le ha rendido culto, ya en el tatuaje, ya en la humilde herramienta, ya en los egregios templos y palacios, ya, en fin, hasta en los productos industriales de la más alta tecnología contemporánea. La vida privada de belleza no merece llamarse humana.

Silencio

En mis jardines, en mis casas, siempre he procurado que prive el plácido murmullo del silencio, y en mis fuentes canta el silencio.

Soledad

Sólo en íntima comunión con la soledad puede el hombre hallarse a sí mismo. Es buena compañera, y mi arquitectura no es para quien la tema y la rehúya.

Serenidad

Es el gran y verdadero antídoto contra la angustia y el temor, y hoy, la habitación del hombre debe propiciarla. En mis proyectos y en mis obras no ha sido otro mi constante afán, pero hay que cuidar que no la ahuyente una indiscriminada paleta de colores. Al arquitecto le toca anunciar en su obra el evangelio de la serenidad.

Alegría

¡Cómo olvidarla! Pienso que una obra alcanza la perfección cuando no excluye la emoción de la alegría, alegría silenciosa y serena disfrutada en soledad.

La muerte

La certeza de nuestra muerte es fuente de vida, y en religiosidad implícita en la obra de arte triunfa la vida sobre la muerte.

Jardines

En el jardín el arquitecto invita a colaborar con el reino vegetal. Un jardín bello es presencia permanente de la naturaleza, pero la naturaleza reducida a proporción humana y puesta al servicio del hombre, y es el más eficaz refugio contra la agresividad del mundo contemporáneo.

“El alma de los jardines”, decía Ferdinand Bac, “alberga la mayor suma de serenidad de que puede disponer el hombre”. Y fue Bac quien despertó en mí el anhelo de la arquitectura de jardín. El decía: “En este pequeño dominio (sus jardines de Les Colombiers) no he hecho otra cosa que unirme a la solidaridad milenaria que la que todos estamos sujetos, que no es sino la ambición de expresar con la materia un sentimiento común a muchos hombres en búsqueda de un vínculo con la naturaleza al crear un lugar de reposo, de placer apacible”. Ya se ve que es condición de un jardín aunar lo poético y lo misterioso con la serenidad de la alegría. No hay mejor expresión de la vulgaridad que un jardín vulgar.

En una vasta extensión de lava al sur de la ciudad de México me propuse, arrobado por la belleza de ese antiguo paisaje volcánico, realizar algunos jardines que humanizaran, sin destruir tan maravilloso espectáculo. Paseando entre las grietas de lava protegido por la sombra de imponentes murallas de roca viva, repentinamente descubrí. ¡Oh sorpresa encantadora!, pequeños secretos valles verdes rodeados y limitados por las más caprichosas, hermosas y fantásticas formaciones de piedra que había esculpido en la roca derretida el soplo de vendavales prehistóricos.

Tan inesperado hallazgo de esos valles me produjo una sensación no desemejante a la que tuve cuando, caminando por un estrecho y oscuro túnel de la Alhambra, se me entregó, sereno, callado y solitario, el hermoso patio de los mirtos de ese antiguo palacio. Contenía lo que debe contener un jardín bien logrado: nada menos que el universo entero. Jamás me ha abandonado tan memorable epifanía y no es casual que desde el primer jardín que realicé en 1941, todos los que le han seguido pretenden con humildad recoger el eco de la inmensa lección de la sabiduría plástica de los moros de España.

Fuentes

Una fuente nos trae paz, alegría y apacible sensualidad alcanza la perfección de su razón de ser cuando por el hechizo de su embrujo, nos transporta, por decirlo así, fuera de este mundo. En la vigilia y en el sueño me ha acompañado a lo largo de mi vida el dulce recuerdo de fuentes maravillosas; las que marcaron para siempre mi niñez: los derramaderos de aguas sobrantes de las presas; los aljibes de las haciendas; los brocales de los pozos en los patios conventuales; las acequias por donde corre largamente el agua; los pequeños manantiales que reflejan las copas de los árboles milenarios; y los viejos acueductos que desde lejanos horizontes traen presurosos el agua a las haciendas con el estruendo de una catarata.

Arquitectura

Mi obra es autobiográfica, como tan certeramente lo señaló Emilio Ambasz (3) en el texto del libro que publicó sobre mi arquitectura el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En mi trabajo subyacen los recuerdos del rancho de mi padre donde pasé años de niñez y adolescencia, y en mi obra siempre alienta intento de transponer al mundo contemporáneo la magia de esas lejanas añoranzas tan colmadas de nostalgia. Han sido par a mí motivo de permanente inspiración las lecciones que encierra la arquitectura popular de la provincia mexicana: sus paredes blanqueadas con cal; la tranquilidad de sus patios y huertas; el colorido de sus calles y el humilde señorío de sus plazas rodeadas de sombreados portales. Y como existe un profundo vínculo entre esas enseñanzas y las de los pueblos del norte de África y de Marruecos, también éstos han marcado con su sello mis trabajos.

Católico que soy, he visitado con reverencia y con frecuencia los monumentales conventos que heredamos de la cultura y religiosidad de nuestros abuelos, los hombres de la colonia, y nunca ha dejado de conmoverme el sentimiento de bienestar y paz que se apodera de mi espíritu al recorrer aquellos hoy deshabitados claustros, celdas y solitarios patios. Cómo quisiera que se reconociera en algunas de mis obras la huella de esas experiencias, como traté de hacerlo en la capilla de las monjas capuchinas sacramentarias en Tlalpan, ciudad de México.

El arte de ver

Es esencial al arquitecto saber ver; quiero decir ver de manera que o se sobreponga el análisis puramente racional. Y con este motivo rindo aquí un homenaje a un gran amigo que con su infalible buen gusto estético fue maestro en ese difícil arte de ver con inocencia. Aludo al pintor Jesús (Chucho) Reyes Ferreira (4) a quien tanto me complace traer ahora la oportunidad de reconocerle públicamente la deuda que contraje con él por sus sabias enseñanzas. Y a este propósito no está fuera de lugar traer a la memoria unos versos de otro gran y querido amigo, el poeta mexicano Carlos Pellicer (5): por la vista el bien y el mal nos llegan. Ojos que nada ven, almas que nada esperan.

La nostalgia

Es conciencia del pasado, pero elevada a potencia poética, y como para el artista su personal pasado es la fuente de donde emanan sus posibilidades creadoras, la nostalgia es el camino para que ese pasado rinda los frutos de que está preñado. El arquitecto no debe, pues, desoír el mandato de las revelaciones nostálgicas, porque sólo con ellas es verdaderamente capaz de llenar con belleza el vacío que le queda a toda obra arquitectónica una vez que ha atendido las exigencias utilitarias del programa. De lo contrario la arquitectura no puede aspirar a seguir contando entre las bellas artes.

Mi socio y amigo el joven arquitecto Raúl Ferrera (6) y el pequeño equipo de nuestro taller comparten conmigo los conceptos que tan rudimentaria e insuficientemente he intentado presentar ante ustedes. Hemos trabajado y seguiremos trabajando animados por la fe en la verdadera estética de esa ideología y con la esperanza de que nuestra labor, dentro de sus muy modestos límites, coopere en la gran tarea de dignificar la vida humana por los senderos de la belleza y contribuya a levantar un dique contra el oleaje de deshumanización y vulgaridad.

Notas

1

Jay Arthur Pritzker (Chicago 26 de agosto de 1922 – 23 de enero de 1999) fue un empresario norteamericano y organizador de más de 60 compañías multi-industriales. En 1979 se estableció el Premio Pritzker de Arquitectura, que ahora es considerado el más prestigioso honor en el campo. En 2004, el Pabellón Jay Pritzker, diseñado por el arquitecto Frank Gehry, se completó como parte del Parque del Milenio en el centro de Chicago.

2.

Edmundo O’Gorman (Ciudad de México; 24 de noviembre de 1906 – 28 de septiembre de 1995) fue un reconocido historiador mexicano. Nació en Coyoacán. Hijo del ingeniero de minas y pintor irlandés Cecil Crawford O’Gorman y hermano del célebre pintor y arquitecto Juan O’Gorman.

3

Emilio Ambasz es un arquitecto, profesor y diseñador argentino.

(Resistencia  13 de junio de 1943). Entre 1970 y 1976 curador del MOMA.

4

(Chucho Reyes) José de Jesús Benjamín Buenaventura de los Reyes y Ferreira (Guadalajara, Jalisco, 17 de octubre de 1880 – 1977 5 de agosto Ibid) fue un pintor, coleccionista y anticuario mexicano. En 1957 asesoró la gama cromática original de las Torres de Satélite a Mathias Goeritz y Luis Barragán. En ese último influyó y asesoró en sus características gamas de color.

5

Carlos Pellicer Cámara (San Juan Bautista (hoy Villahermosa), Tabasco, México; 16 de enero de 1897 – Ciudad de México; 16 de febrero de 1977) fue un escritor, poeta, museólogo y político mexicano.. En agosto de 1921, junto con Vicente Lombardo Toledano, Diego Rivera, José Clemente Orozco y Xavier Guerrero entre otros, fundó el Grupo Solidario del Movimiento Obrero. Ese mismo año, su antiguo discípulo, el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez inauguraba el Museo Nacional de Antropología en Ciudad de México. Para su diseño se basó en las indicaciones de Pellicer. Pedro Ramírez Vázquez tuvo la oportunidad de colaborar con su maestro en etapas posteriores del museo regional de Tabasco.

6

Raúl Ferrera, socio de Barragán, heredó su archivo profesional

Historia de las instituciones que custodian los fondos de archivo de Luis Barragan

Su casa es el Museo que resguarda los libros que integraron su biblioteca, además de algunas pinturas, fotografías, y los objetos personales de Barragán.

Otras secciones de su archivo profesional la resguardó uno de sus familiares, quien después en 1994 entregó este archivo a la Fundación de Arquitectura en Guadalajara llamada «Luis Barragán» que conserva correspondencia amistosa, amorosa y familiar, testimonios escritos e ilustrados de sus viajes, por mencionar algunos. La Fundación se ubica en una de las Casas de Luis Barragán, a estos documentos se agregaron otros donados por amigos y familiares.

Fundación Barragan de Suiza

Institución sin fines de lucro financiada por la empresa suiza Vitra, se localiza en Birsfelden, cerca de Basilea (Basel), Suiza. Se hace cargo del archivo profesional del arquitecto mexicano Luis Barragán y su objetivo es la conservación, estudio y difusión del conocimiento sobre el trabajo de Luis Barragán.
El archivo profesional fue heredado por su socio el Arquitecto Raúl Ferrera, a su muerte, su viuda vendió parte del archivo a una empresa Suiza junto con los derechos de autor.

Resguarda 13, 500 dibujos, 7, 500 fotografías (positivo) 82 paneles fotográficos, 3, 500 negativos, 7, 800 transparencias; 290 publicaciones sobre el trabajo de Barragán, 54 publicaciones coleccionadas por Barragán; 7 expedientes con recortes sobre el trabajo de Barragán (periódicos, revistas, 7 maquetas y varios expedientes con manuscritos, notas, listas, correspondencia. Además resguarda la colección Armando Salas Portugal (1916-1995) fotógrafo que colaboro activamente con Barragán en 1944 cuando éste estaba diseñando El Pedregal de San Ángel 
Contacto Barragán Foundation, Klünenfeldstrasse 20, 4127, Birsfelden, Switzerland. Teléfono 41613771665.

 Alguna bibliografía

– 1937. The New architecture of México, de Esther Born

– 1940. Casa Ortega.

–  1976. The architecture of Luis Barragan. Introducción  de Emilio Ambasz . MoMA  .  ISBN 978-0-87070-233-4.

– 1979. House For Luis Barragan & San ChristobalTapa, GA 48

– 1997. Luis Barragan: Mexico’s Modern Master, 1902-1988 ed Monacceli Press

– 1997. Luis Barragan: Barragan House, Los Clubes and San Cristobal autor Emilio Ambasz – Ada Edita  GA

– 2002. CUATRO Centenarios: Luis Barragán (jardines en silencio); Marcel breuer, Arne Jacobsen, José   Luis Sert. De Darío Álvarez, Universidad de Valladolid y COACYCLE.

– 2009. Escritos y conversaciones – Luis Barragán editorial El Croquis autor Antonio Riggen

– 2009. Luis Barragan: Barragan House, Mexico City, 1947-1948 by Futagawa, Yukio Ada Edita. GA.

– 2011. La casa de Luis Barragán: Un valor universal, autores Alfaro, Garza, Palomar.

– 2013. Luis Barragán (1902-1988) .editorial RM. Prologo del arq. Álvaro Siza autores  Buendía Júlvez, Palomar, Eguiarte.

– 2014. Luis Barragán. Paraisos / Paradises , HK books autor Juan Molina y Vedia

– 2014. LUIS BARRAGAN. Casa estudio.  FCA Nº 21 –con DVD

Premios

1976 Premio Nacional de Ciencias y Artes, México.

1980 Premio Pritzker de Arquitectura.

1985. Premio Anual de Arquitectura Jalisco.

1987. Premio América de Arquitectura.

Sus obras

1979-84.  Faro del Comercio, en colaboración con Raúl Ferrara, Macroplaza en Monterrey, Nuevo León.

1978. Casa Gárate (hoy B. Meyer), en colaboración con Alberto Chauvet.

1976. Casa Gilardi, calle Gral. Antonio León 82, Tacubaya, México, DF.

1969. Puerta de servicio «Los Clubes», Las Arboledas, Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

Plan Maestro de Cano, Tepotzotlán, Estado de México.

1967-1968. Cuadra San Cristóbal. Establos, piscina. Casa, alberca y establos Folke Egerstrom, en colaboración con Andrés Casillas

1967. Lomas Verdes y Capilla, ordenación, en colaboración con Juan Sordo Madaleno.

1963. Los Clubes, ordenación general, Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

1958. Las Arboledas, ordenación general y jardines, Tlalnepantla de Baz y Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

1957. Torres de Ciudad Satélite, (Anillo Periférico Norte) en colaboración con Mathias Goeritz, Ciudad Satélite, México DF.

1955. Jardines del Hotel Pierre Márquez, Acapulco. Guerrero

Casa Antonio Gálvez, (calle Pimentel, 10, Chimalistac San Ángel, México DF.

Plan de Ordenación de Jardines del Bosque (obra no construida), Guadalajara, Jalisco.

1952-1955. Convento de las Capuchinas Sacramentarias del Purísimo Corazón de María, centro de Tlalpan, México DF.

1950. Casa Eduardo Prieto López, Jardines del Pedregal de San Ángel. México DF.

1948. Dos casas (casas muestra) en la Avda. de las Fuentes, 10 (hoy 130), en colaboración con Max Cetto, Jardines del Pedregal de San Ángel, México, DF.

1947. Casa Estudio Luis Barragán, calle General Francisco Ramírez #14, Tacubaya,2 México, DF.

1945-1950. Plan Maestro, accesos, plaza de las Fuentes y tres jardines muestra, Jardines del Pedregal de San Ángel, México, DF.

Cuatro jardines particulares, avenida de los Constituyentes y calle General Francisco Ramírez, Tacubaya, México, D. F.

1944 Tres jardines privados en la Avda. San Jerónimo, Jardines del Pedregal de San Ángel, México, DF.

1941-1943 Casa y jardín en C/General Francisco Ramírez, Tacubaya, México DF.

1940 Casa Eduardo Villaseñor, San Ángel DF.

1937 Casa Pizarro Suárez, Lomas de Chapultepec, México DF.

1936 – 1940 Edificio de apartamentos en colaboración con Max Cetto, calle Río Lerma 147 México DF.

Casa para alquilar, calle Río Guadiana Colonia Cuauhtémoc, México DF.

Edificio de apartamentos, Colonia Cuauhtémoc, México DF.

Edificio de apartamentos en colaboración con José Creixell, Colonia Cuauhtémoc, México DF.

Edificio de apartamentos y casa unifamiliar anexa, Av. Río Missisipi en la plaza Melchor Ocampo, Colonia Cuauhtémoc, México, DF.

Edificio de estudios para pintores (en colaboración con el Arq. Max Cetto). Colonia Cuauhtémoc, México DF.

1936 Casa para dos familias, Avenida parque México 141 y 143, Colonia Condesa, México, DF.

Dos casas en Avda. Mazatlán, México DF.

1932 Restauración de casa en colaboración con Juan Palomar, Guadalajara, Jalisco.

1931 Casa de la familia Barragán, (con Juan Palomar y Arias), Chapala, Jalisco.

1929 Casa de Gustavo Cristo, Guadalajara, Jalisco.

Jardín de recreo infantil, Parque de la Revolución, Guadalajara, Jalisco.

Casas de alquiler para Efraín González Luna, actualmente Casa ITESO Clavijero. Guadalajara, Jalisco.

1928 Casas de alquiler para Robles León, Guadalajara, Jalisco.

Casa Harper de Garibi, Guadalajara, Jalisco.

Casa Efraín González Luna, actual Casa ITESO Clavijero, Guadalajara, Jalisco.

Casa de Enrique Aguilar, Guadalajara, Jalisco.

1927-1936 Casa en calle Simón Bolívar, Guadalajara, Jalisco.

Casa José C. Orozco, Guadalajara, Jalisco.

Casas para alquilar de Idelfonso Franco, Av. La Paz 2207 y Simón Bolívar 224, Guadalajara, Jalisco.

1927-1933 Casa del Dr. Medina, Guadalajara, Jalisco.

1927 Reforma de la casa Emiliano Robles León, Guadalajara, Jalisco.

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

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Saul Steinberg, Artista 

La Fundación Juan March presentó en Madrid, en su sede de Castello,77, la primera exposición retrospectiva Saul Steinberg.

La obra de Saul Steinberg (Ramnicu Sarat, Rumania 1914 – 1999 Nueva York). 

Visité la muestra a finales de noviembre de 2024, los textos y fotos de este artículo, provienen de la exposición y de su completo catálogo de 388 páginas editado por Manuel, Fontán del Junco y Aida Capa, junto a Alicia Chillida, y Francesca Pellicciari. 

Aclaran en la falsa portada que contiene textos de Harold Rosenberg, Alicia Chillida, Maria Teresa Muñoz, Sheila Schwartz, Francisca Pellicciari, Gabriele Gimmelli y Daniela Roman, y mencionan un homenaje a El Roto.  

Se inauguró el 18 de octubre de 2024, permanecerá hasta el 12 de enero de 2025.  Me ha encantado, volveré a verla antes que cierre.

Exponen dibujos, pinturas, grabados, collages y objetos en 3 dimensiones, fotografías, libros de artista, revistas y filmaciones. 

En España solo se había realizado en el año 2002 en el Institut Valenciá d´Art Modern una exposición sobre sus dibujos. 

Ha colaborado principalmente la Saul Steinberg Foundation de Nueva York (Sheila Schwartz y Patterson Sim), que, en el marco de sus donaciones ainstituciones internacionales, decidió donar cerca de cien obras, a la Fundación Juan March.

Para la muestra han recibido prestamos del Centre Pompidou, el Art Institute of Chicago, el Boston Museum of Fine Art, La Galeria Maeght, La Pace Gallery, la Biblioteca Nazionale Braidense de Milán de los herederos del artista (sus sobrinos Daniela y Stèphane Roman) y colecciones particulares. 

Han abierto el sitio Saul Steinberg la exposición extendida en www.march.es. 

“Tengo la sensación de haberme pasado toda la vida cruzado una frontera tras otra. Alunas reales, otras imaginarias. Después de un viaje, me siento tan renovado como esos artistas que parecen estar siempre enamorados”. Saul Steinberg, 1978. 

Rumanía, Italia, República Dominicana, Estados Unidos, El Mundo…

 El diploma que lo distingue como arquitecto del Politécnico de Milán de 1940 pone en su texto…Nato a Sarat…..DI RAZZA EBRAICA. Dato que no parece fuera irrelevante para escribir sus datos personales. Documento de 45 x 55 cm. Archivi Storici. Politecnico di Milano.

Excelente Exposición en la Fundación Juan March de Madrid.” Saul Steinberg, artista”. Desde el 18 de octubre de 2024 al 12 de enero de 2025.

Saul Steinberg. Harold Rosenberg (1)

Saul Steinberg es un hombre que vive en la frontera de los géneros, un artista que no se puede encasillar en una sola categoría. Es un escritor de imágenes, un arquitecto de palabras y sonidos, un dibujante de reflexiones filosóficas. Su línea de calígrafo y escribano magistral, estéticamente deliciosa en sí misma, es también la línea de un ilusionista que plantea acertijos y chistes sobre las apariencias.

Y es, además, una «línea» en otro sentido que la palabra «line» solo posee en inglés: una frase ingeniosa para seducir a alguien, un piropo. Por la atracción que siente por la pluma, la tinta y los lápices, y por la compleja naturaleza intelectual de sus creaciones, se podría pensar que Steinberg es una especie de escritor, aunque único en su género.

Ha ideado diálogos entre lo verbal y lo visual que incluyen juegos de palabras con múltiples planos de significado verbal y visual, que han llevado a compararle con James Joyce. Sus monólogos artísticos dan vida a imágenes que son palabras, y a palabras que tienen la solidez de los objetos y sufren los infortunios de los seres vivos, ¡como cuando un cocodrilo’ le suelta un mordisco a la palabra HELP! -¡Socorro!-. y la parte en dos, o cuando WHO empuja a DID, que acaba espachurrando a la I de IT en WHO DID IT? -¿Quién ha sido?- (figura 1).

Las composiciones de Steinberg cruzan las fronteras que separan el arte de la caricatura, de la ilustración, del arte infantil, del art brut, de la sátira, y, al mismo tiempo, están cargadas de reminiscencias de diversos estilos, desde el arte griego y oriental hasta el cubismo y el constructivismo. Su obra es especialmente actual, pero conserva un halo de antigualla.

«No pertenezco al mundo del arte, ni al de las viñetas, ni al de las revistas -explica-, y por eso el mundo del arte no sabe muy bien dónde situarme». Saul Steinberg

Como humorista gráfico, atormenta a los que se empeñan en establecer distinciones entre las bellas artes y los medios de comunicación de masas.

Hay que admitir que es ocurrente, genial desde un punto de vista formal, un gran calígrafo, pero «¿es un artista?». (…) No obstante, en el momento en que sus dibujos y pinturas se exhiben en un museo de arte, pasan a definirse como arte. Desde que Marcel Duchamp expuso una rueda de bicicleta en una galería hace más de cincuenta años, los objetos se identifican por la compañía en la que andan. Por esta regla, la presente retrospectiva pone fin al debate en torno a las obras reunidas en esta exposición, pero no determina la naturaleza de un «Steinberg» que se publique en una revista la semana que viene.

Hoy arte, mañana viñeta.

Más importante, sin embargo, que la obsoleta pregunta de si una obra es o no arte es el hecho de que todas las creaciones de Steinberg forman un todo continuo y en evolución; que son coherentes entre sí en virtud del singular molde que da forma al pensamiento, a la capacidad y a la sensibilidad de este artista. Es esta firma mental y manual definitiva la que le ha ayudado a conseguir un mayor reconocimiento como maestro entre el público internacional que cualquier otro artista vivo.

La tradición del artista consiste en convertirse en otra persona. Saul Steinberg

Fue uno de los artistas estadounidenses que surgieron inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial y revolucionaron la pintura y la escultura mediante la introducción de un nuevo objeto de representación: el misterio de la identidad individual.

Barnett Newman escribió al respecto:

«El yo, terrible y constante, es para mí el objeto de representación de la pintura». El yo o el no yo (la impersonalidad) ha sido la cuestión en torno a la cual los movimientos artísticos han aflorado o han naufragado en los Estados Unidos durante las décadas posteriores a la guerra.

En sus míticas búsquedas, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Philip Guston, Barnett Newman o Mark Rothko han intentado encontrar un vocabulario especial que les permitiera dejar al descubierto el ser que subyace a la conciencia.

“La tradición del artista consiste en convertirse en otra persona”. Saul Steinberg

Al igual que ellos, Steinberg concibe el arte como una autobiografía. (…) Virtuoso de los intercambios de identidad, Steinberg siente una inclinación natural por la comedia. Su idea de lo cómico está relacionada al mismo tiempo con las fantasías de los seres humanos y con su intransigencia (…)

Para Steinberg, todo lo que existe es un artista entregado al perfeccionamiento de su apariencia, una curiosa versión del darwinismo. Como explicó en una entrevista: «Lo más importante que hay que averiguar es qué tipo de técnica emplea el cocodrilo para dejarse ver». Esta autotransformación universal también tiene su lado oscuro. Convertirse en otro es un momento de crisis. Los dibujos de Steinberg están llenos de figuras al borde de precipicios, estatuas que se caen de sus pedestales, individuos solitarios que miran fijamente al vacío.

A diferencia de los signos impenetrables pero sugerentes que evocan Pollock y De Kooning mediante la acción espontánea del pincel, el lenguaje figurativo de Steinberg, igual de misterioso, proviene de la galería de imágenes grabadas a fuego en el espíritu colectivo.

En este sentido, como en otros que veremos más adelante, Steinberg es un precursor del pop art, aunque lo trascienda, pues es ante todo un artista de la imaginación libre. (…) una de sus obras más personales y memorables es el señor con un conejo dentro de la cabeza que mira a través de los ojos del hombre, una criatura asustada, atrapada y protegida al mismo tiempo Fig 3. The Rabbit (El conejo). Accesible solo a través de sus metáforas, Steinberg se convierte en «alguien» cuando demuestra cómo su ser interior anónimo se representa constantemente a sí mismo.

Saul Steinberg, dice dibujar es una manera de razonar sobre papel. (Hugo K. Me hace acordar lo que me decía mi nietita cuando le leía, “Leer es como soñar mirando letras”).

Steinberg insiste en que su interpretación personal de sus propios dibujos no es la única posible. (…) Steinberg ha confesado que en sus obras se puede detectar una «seriedad o una melancolía (Mozartiana) disfrazada de alegría», y es cierto que algunas de sus panorámicas sociales de los últimos años -como Law and Order -Ley y orden- y Street War -Guerra callejera- poseen un tono lúgubre.

En una viñeta de un solo trazo, el artista se dibuja a sí mismo dentro de un círculo. (…) Se podría interpretar que el dibujo representa la historia del hombre civilizado. Y así sucesivamente.

Imágenes Pensantes y Pensadas. “¿Cómo puede una imagen dar ideas? Sin embargo, Steinberg las da. O más bien -algo más valioso- da ganas de ideas”. Roland Barthes sobre Saul Steinberg, 1983

(…) El dibujo significa para cada espectador lo que pueda encontrar en él. El arte de Steinberg es un acto que saca a la luz una nueva percepción, a veces en forma de acertijo, y pide a cambio un acto de comprensión.

Un exceso de interpretación complica el acto responsivo: «Toda explicación –ha afirmado Steinberg– es una explicación excesiva». A pesar de que su arte se basa en la imaginería popular, es, a fin de cuentas, tan gnómico como el de los expresionistas abstractos coetáneos.

Steinberg se enfrenta a su experiencia presente retrocediendo en círculos hasta llegar a otras fases anteriores de su arte y reutilizando su lenguaje para nuevos fines.

Sus mesas de la década de 1970 Fig 4 son ensamblajes sobre tablas integrados por imágenes y falsificaciones hechas a mano, visualmente engañosas, de sus herramientas artísticas -plumas, lápices, pinceles, reglas, cuadernos de dibujo, cuadernos de notas-, a las que incorpora elementos tan característicos como sus globos de diálogo y los sellos de caucho, que cumplen la misma función identificativa que las huellas dactilares y las firmas oficiales de la década de 1950.

Los tableros más grandes se montan sobre caballetes y se convierten así en auténticas mesas. Ordenadas con la misma pulcritud que los objetos que se guardan en las vitrinas de un organismo policial, las herramientas artísticas de Steinberg representan otro plano de su autobiografía, los objetos a los que se siente más unido emocionalmente: su «arte erótico», como a él le gusta definirlo. (…) Son extensiones de sí mismo, pero, al igual que sus máscaras con bolsas de papel, «no son la realidad, sino un símbolo». …

…Continua el texto en el catálogo, desde esta página 284 hasta la página 307 que es donde comienza el texto de Alicia Chillida.

NOTA

1

Nota de los editores. Este texto del crítico norteamericano Harold Rosenberg, buen amigo de Saul Steinberg, se traduce por primera vez al español, se publicó originalmente en el catálogo de la exposición Saul Steinberg, celebrada en el Whitney Museum of American Art de Nueva York en 1978. La importancia del ensayo de Rosenberg estriba no solo en su agudo y complejo acercamiento a la figura de Steinberg, sino, además, en la reivindicación que hace de su obra, a la que sitúa, con justicia, en el centro del contexto artístico del siglo XX. Se desconoce el paradero actual de algunas de las imágenes referenciadas por Rosenberg en el texto y reproducidas a continuación, de modo que las fichas correspondientes se hallan por fuerza incompletas.

Continua en https://onlybook.es/blog/saul-steinberg-artista-2a-parte/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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“The Ariston, a modern ruin”, its history and its protagonists

«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz

El parador ARISTON, una ruina moderna por HaKj

We were expectant, very expectant, the director Gerardo Panero told us that he could not send us the documentary until it was screened at the 39th Mar del Plata film festival, which began on November 21 and ended on December 1, 2024.

I think he said, “that the festival jury was very strict, and that the documentary should not circulate parallel to the festival.”

I replied:

“…you have me more nervous than my first girlfriend (I don’t know if I was nervous in that century), but it helped me to politely ask her to send it.”

Preview of the documentary «El Ariston» selected in the Official Competition of the 39th Mar del Plata International Film Festival, screenings on November 24 and 25.

https://youtube.com/watch?v=ZX2rcdG2nx0%3Ffeature%3Doembed

We read the comments in the newspapers until we learned that they had given him a special mention.

Friday, November 29, 2024

“El Ariston”: documentary covers the history of the parador and can be seen at the Film Festival.

It is the famous parador located on the southern beaches of Mar del Plata.

The documentary film is directed by Gerardo Panero. In 2013 he directed the film about Amancio Willliams, the architect of the House on the Stream.

Argentine Feature Film Competition

-First Special Mention “EL ARISTON” by Gerardo Panero.

-Second Special Mention to Lautaru Bettoni and Benicio Mutti Spinetta for their performance in “NO CORRE VENTO”.

Gerardo Panero has a degree in Audiovisual Arts Teaching (UNSAM) and a graduate of ENERC (National School of Film Experimentation and Production). 

-He worked as a sound director in fiction feature films, documentaries, TV series and advertising.

“Chivilcoy, the foundation of a past” 

It won the 2010 digital TV award, shown by Canal Encuentro and Argentine Public TV.

“Amancio Williams”, documentary feature film.

Nominated by the Academy of Cinematographic Arts and Sciences of Argentina for the “Sur” 2014 award and nominated for the Silver Condor by the Association of Cinematographic Chroniclers of Argentina in 2015

“Plan for Buenos Aires”

It received the award for best documentary at the Guatemala International Film Festival.

Original title The Ariston

Year 2024

Duration 67 min.

Country Argentina

Address Gerardo Panero

Screenplay Gerardo Panero

Lito Vitale music

Photography Daniel Hermo

Companies Fueye Films

Documentary Genre

Argentine Cinema and Theater

Nov 24, 2024

Gerardo Panero 

The Ariston The director brings us what the famous tourist inn is and what it was. Interview: Javier Erlij, Edition: Alejandro Ramirez.

https://youtube.com/watch?v=3YhZsGouZHo%3Ffeature%3Doembed

https://www.ivoox.com/documental-sobre-ariston-festival-de-audios-mp3_rf_136220405_1.html

The Ariston, located in Playa Serena, is the work of architect Marcel Breuer.

“El Ariston” is the documentary that traces the history of the famous parador located in Playa Serena, in the southern area of ​​Mar del Plata. Directed by Gerardo Panero, the film will be part of the programming of the Mar del Plata International Film Festival, which will begin this Thursday in various theaters.

It was exhibited in three performances, within the Argentine Competition section: this Saturday at 10:10 and 7:20 p.m. and this Sunday at 4:10 p.m. in room 4 of Paseo Aldrey.

Panero, an Argentine film director born in the city of Chivilicoy, came to Ariston from a previous documentary work – made in 2013 – that revolved around the figure of Amancio Williams, architect of the famous “House on the Brook” , also located in Mar del Plata.

“The first approach was through the figure of Amancio, I investigated the deployment of the architecture of Mar del Plata and how the references of modern architecture did work in this city. This is how he came to know the history of the now abandoned inn and its architect Marcel Breuer».

Breuer is a key figure in the Bauhaus, a movement founded in Germany that renewed art and architecture.

In 1947 he visited Argentina and designed the Parador Ariston under the avant-garde criteria of said school. 1947 is a time of much development in architecture, a time of social changes, he said in an interview with LA CAPITAL.

It was built to be able to carry out urban development in that area (south of Mar del Plata). The idea was to sell the land, because with the creation of the Chapadmalal complex and Route 11 it was thought that these neighborhoods could be urbanized. And the parador was the first place of interest to populate that area.”

The documentary tells the architectural history of Mar del Plata and how with the passage of time the Ariston was forgotten and its slow destruction began.

This story leads us to reflect on the importance of architectural heritage in a city.turística.

For the filmmaker, the possibility of screening this film for the first time in Mar del Plata represents, in addition to “immense joy,” a “natural” screen for its premiere, given the closeness to the story and the people who participate in the film. .

In that sense, Mar del Plata historians contribute their voice to the documentary, as happens with Elisa Pastoriza, among others.

Synopsis

In 1947, Marcel Breuer, a fundamental figure of the Bauhaus, visited Argentina and designed the Parador Ariston in Mar del Plata. As time goes by, the Ariston will fall into oblivion. The context in which it was created leads us to discover how Mar del Plata is transformed into the dream city for Argentine families’ vacations and the importance of architectural heritage.

Reviews

«It is one of those neat and well-put together films that meets the objectives it sets out to do: take something that is visible to everyone and, from that, see what its story tells us about the present. «It won’t be much, but it won’t be little either.» Score: ★★★ (out of 5)». Ezequiel Boetti, OtherCines.com

Documentary about Ariston at the Mar del Plata Film Festival, November 22, 2024.

Review of “El Ariston”, documentary by Gerardo Panero (Argentine Competition). By Ezequiel Boetti. OtherCines.com

The hidden story behind an architectural jewel abandoned to its fate very close to Mar del Plata.

The Ariston (Argentina/2024). Direction and script: Gerardo Panero.

With the testimonies of Horacio Goyeneche, Hugo Kliczkowski Juritz, Magali Marazzo, Gustavo Nielsen, Elisa Pastoriza, Moira Sanjurjo and María Talay. Photography: Daniel Hermo. Edition: Emiliano Fardaus. Art direction: Laura M. Faccinelli. Sound: Gino Gelsi. Music: Lito Vitale. Producers: Gerardo Panero, Franco Carbone, Eliana Ponzano. Production house: Fueye Films. Duration: 67 minutes. 

Like any abandoned construction, the Parador Ariston is the trace of a truncated promise, of a past that predicted prosperity and joy for a future that, of course, never came. And the one that today is eaten away by the Atlantic saltpeter and surrounded by grass is also the only work in Latin America that bears the signature of the Hungarian architect Marcel Breuer, one of the great references of the modernist movement of the mid-20th century.

That parador, located a few kilometers south of the center of the city of Mar del Plata, is the end of the ball that the director Gerardo Panero pulls to investigate the way in which architecture becomes a fragment of urban identity, at the same time as a very faithful representation of the winds that blew in each era. This explains why Mar del Plata is characterized by what one of the several specialists who speaks to the camera defines as a “construction-destruction-construction” cycle.

There are the photos and testimonies that remind us of the imposing French promenade in the Belle Époque style that was built at the beginning of the last century and that was demolished just 20 years later.

They also remember that the new design, which remains in place to this day, responds to a new working class that was beginning to take over a place that until then had belonged to the elites.

This parador, thought to be a reference for the then incipient urbanization of the beaches near the lighthouse, dates back to that time, an advance that would be crowned with the creation of Chapadmalal on land expropriated from the Martínez de Hoz family.

Appealing to the most recurrent uses and customs of expository documentaries, with their mix of talking heads and archival material spun by a voice-over,

Review of “El Ariston”: Memory and abandonment of a Bauhaus icon

By Juan Pablo Russo. Friday, December 6, 2024

https://www.escribiendocine.com/noticias/2024/12/06/18868-critica-de-el-ariston-memoria-y-abandono-de-un-icono-de-la-bauhaus#google_vignette

The narrative is nourished by exhaustive research and achieves a balance between historical analysis and an aesthetic sensitivity that invites us to rethink the relationship between memory and space. The progressive destruction of the Parador Ariston highlights the challenges faced by heritage conservation in a city whose identity is strongly linked to tourism.

The Ariston is more than a testament to Marcel Breuer’s legacy; It is a reminder of how carelessness can blur the value of works that defined an era. In this sense, the documentary becomes a key tool to raise awareness about the need to value and protect these structures.

Publication in the New York times on April 21, 2019

Reporters Alex Marshall and Miriam Quick

The New York Times made a special supplement on the occasion of the 100 years of the Bauhaus, they asked me for collaboration and I asked them in return to give a special place to the Parador Ariston, which they did by putting it on the cover of Arts&Leisure, and pages 14 and 15.

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2 comments on “The documentary «El Ariston» is awarded at the 39th Mar del Plata Film Festival”

Gustavo Nielsen5 diciembre, 2024 a las 12:18 pmEditar Qué informazo, gracias!!!

What a great information, thank you!!!
hugoklicoDecember 5, 2024 at 3:44 pm.The architect deserves the

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“El Ariston una ruina moderna”, su historia y sus protagonistas

El parador ARISTON, una ruina moderna por HaKj

Estábamos expectantes, muy expectantes, el director Gerardo Panero nos dijo que no podía enviarnos el documental hasta que no se proyectase en el 39 festival de cine de Mar del Plata, que comenzó el 21 de noviembre y finalizó el 1 de diciembre de 2024.

Creo que dijo, “que el jurado del festival era muy estricto, y que no debía circular el documental, paralela al festival”.

Le respondí:

“…me tenés más nervioso que mi primera novia (no se si en aquel siglo estaba nervioso), pero me sirvió para pedirle simpáticamente que lo enviara”.

Avance del documental «El Ariston» seleccionado en la Competencia Oficial del 39 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, proyecciones los dias 24 y 25 de noviembre.

Fuimos leyendo los comentarios en los diarios, hasta que supimos que le otorgaron una mención especial.

Viernes,29 de noviembre de 2024

“El Ariston”: documental recorre la historia del parador y podrá verse en el Festival de Cine.

Es el famoso parador ubicado en las playas del sur de Mar del Plata.

El filme documental tiene la dirección de Gerardo Panero. En 2013 dirigió la película sobre Amancio Willliams, el arquitecto de la Casa sobre el Arroyo.

Competencia Argentina de Largometrajes

-Primera mención Especial “EL ARISTON” de Gerardo Panero.

-Segunda Mención Especial a Lautaru Bettoni y Benicio Mutti Spinetta por su interpretación en “NO CORRE VIENTO”.

Gerardo Panero es licenciado en Enseñanza de las Artes Audiovisuales (UNSAM) y egresado de la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica). 

-Trabajó como director de sonido en largometrajes de ficción, documentales, series de TV y publicidad.

“Chivilcoy, la fundación de un pasado” 

Obtuvo el premio de TV digital 2010. exhibido por Canal Encuentro y la TV Pública Argentina.

“Amancio Williams”, largometraje documental.

Nominado por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina al premio “Sur” 2014 y nominado al Cóndor de Plata por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina en 2015

“Plan para Buenos Aires”.

Recibió el premio al mejor documental en el Festival Internacional de Cine de Guatemala.

Título original El Ariston

Año 2024

Duración 67 min.

País  Argentina

Dirección Gerardo Panero

Guion Gerardo Panero

Música Lito Vitale

Fotografía Daniel Hermo

Compañías Fueye Films

Género Documental

Cine y Teatro Argentino

24 nov 2024

Gerardo Panero 🎬 El Ariston El director nos trae lo que es y lo que fue el famoso parador turistico. Entrevista: Javier Erlij, Edición: Alejandro Ramirez.

https://www.ivoox.com/documental-sobre-ariston-festival-de-audios-mp3_rf_136220405_1.html

El Ariston, ubicado en Playa Serena, es obra del arquitecto Marcel Breuer.

“El Ariston” es el documental que recorre la historia del famoso parador ubicado en Playa Serena, en la zona sur de Mar del Plata. Dirigida por Gerardo Panero, la película será parte de la programación del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata que empezará este jueves en diversas salas.

Se lo exhibió en tres funciones, dentro de la sección Competencia Argentina: este sábado a las 10.10 y a las 19.20 y este domingo a las 16.10 en la sala 4 del Paseo Aldrey.

Panero, un director de cine argentino nacido en la ciudad de Chivilicoy, llegó al Ariston a partir de un trabajo documental anterior -realizado en 2013- que giró en torno a la figura de Amancio Williams, arquitecto de la famosa “Casa sobre el arroyo”, también emplazada en Mar del Plata.

“El primer acercamiento fue a través de la figura de Amancio, investigué sobre el despliegue de la arquitectura de Mar del Plata y cómo los referentes de la arquitectura moderna hicieron obra en esta ciudad. Así llegó a conocer la historia del hoy abandonado parador y de su arquitecto Marcel Breuer.

Breuer es una figura fundamental de la Bauhaus, un movimiento fundado en Alemania que renovó el arte y la arquitectura. 

En 1947visitó la Argentina y diseñó el Parador Ariston bajo los criterios vanguardistas de dicha escuela, 1947 es una época de mucho desarrollo de la arquitectura, una época de cambios sociales -contó en una entrevista con LA CAPITAL-.

Se lo construyó para poder hacer un desarrollo urbano en esa zona (sur de Mar del Plata). La idea fue vender los terrenos, porque con la creación del complejo Chapadmalal y de la Ruta 11 se pensaba que se podía urbanizar esos barrios. Y el parador fue el primer lugar de interés para poblar esa zona”.

El documental relata la historia arquitectónica de Mar del Plata y cómo con el paso del tiempo el Ariston quedó en el olvido y comenzó su lenta destrucción.

Esta historia lleva a reflexionar sobre la importancia del patrimonio arquitectónico en una ciudad turística.

Para el cineasta, la posibilidad de proyectar esta película por primera vez en Mar del Plata supone, además de una“alegría inmensa”, una pantalla “natural” para su estreno, dada la cercanía con la historia y con las personas que particián del filme.

En ese sentido, historiadores marplatenses aportan su voz en el documental, tal como ocurre con Elisa Pastoriza, entre otros.

Sinopsis

En 1947 Marcel Breuer, figura fundamental de la Bauhaus, visitó Argentina y diseñó el Parador Ariston, en Mar del Plata. Con el paso del tiempo, el Ariston caerá en el olvido. El contexto en el que fue creado nos lleva a descubrir cómo Mar del Plata se transforma en la ciudad soñada para las vacaciones de las familias argentinas y la importancia del patrimonio arquitectónico.

Críticas

«Es de esas películas prolijas y bien armadas que cumple los objetivos que se propone: tomar algo que está a la vista de todos y, a partir de eso, ver de qué nos dice su historia sobre el presente. No será mucho, pero tampoco es poco”. Puntuación: ★★★ (sobre 5)». Ezequiel Boetti, OtrosCines.com 

Documental sobre el Ariston en el Festival de Cine de Mar del Plata, 22 de noviembre de 2024

Crítica de “El Ariston”, documental de Gerardo Panero (Competencia Argentina). Por Ezequiel Boetti. OtrosCines.com

La historia oculta detrás de una joya arquitectónica abandonada a su suerte muy cerca de Mar del Plata.

El Ariston (Argentina/2024). Dirección y guion: Gerardo Panero.

Con los testimonios de Horacio Goyeneche, Hugo Kliczkowski Juritz, Magali Marazzo, Gustavo Nielsen, Elisa Pastoriza, Moira Sanjurjo y María Talay. Fotografía: Daniel Hermo. Edición: Emiliano Fardaus. Dirección de arte: Laura M. Faccinelli. Sonido: Gino Gelsi. Música: Lito Vitale. Productores: Gerardo Panero, Franco Carbone, Eliana Ponzano. Casa productora: Fueye Films. Duración: 67 minutos. 

Como toda construcción abandonada, el Parador Ariston es la huella de una promesa trunca, de un pasado que auguraba prosperidad y alegría para un futuro que, desde ya, nunca llegó. Y la que hoy está carcomida por el salitre del Atlántico y rodeada de pasto es también la única obra en Latinoamérica que lleva la firma del arquitecto húngaro Marcel Breuer, uno de los grandes referentes del movimiento modernista de mediados del siglo XX.

Ese parador, ubicado unos kilómetros al sur del centro de la ciudad de Mar del Plata, es la punta del ovillo de la que tira el realizador Gerardo Panero para indagar en la manera por la que la arquitectura se vuelve un fragmento de la identidad urbana, a la vez que una representación muy fiel de los vientos que soplaron en cada época. Eso explica por qué Mar del Plata se caracteriza por lo que uno de los varios especialistas que habla a la cámara define como un ciclo de “construcción-destrucción-construcción”.

Allí están las fotos y los testimonios que recuerdan la imponente rambla francesa de estilo Belle Époque que se construyó a comienzos del siglo pasado y que se demolió tan sólo 20 años después. También recuerdan que el nuevo diseño, que se mantiene hasta hoy, responde a una flamante clase trabajadora que comenzaba a copar un lugar que hasta entonces había pertenecido a las élites.

De esa época data este parador pensado como referencia de la entonces incipiente urbanización de las playas cercanas al faro, una avanzada que se coronaría con la creación de Chapadmalal en tierras expropiadas a la familia Martínez de Hoz.

Apelando a los usos y costumbres más recurrentes de los documentales expositivos, con su mezcla de cabezas parlantes y material de archivo hilados por una voz en off, 

Crítica de «El Ariston»: Memoria y abandono de un ícono de la Bauhaus

Por Juan Pablo Russo. Viernes 6 de diciembre de 2024

https://www.escribiendocine.com/noticias/2024/12/06/18868-critica-de-el-ariston-memoria-y-abandono-de-un-icono-de-la-bauhaus#google_vignette

La narrativa se nutre de una exhaustiva investigación y logra un balance entre el análisis histórico y una sensibilidad estética que invita a repensar la relación entre memoria y espacio. La progresiva destrucción del Parador Ariston pone en evidencia los desafíos que enfrenta la conservación del patrimonio en una ciudad cuya identidad está fuertemente vinculada al turismo.

El Ariston es más que un testimonio del legado de Marcel Breuer; es un recordatorio de cómo el descuido puede desdibujar el valor de las obras que definieron una época. En este sentido, el documental se convierte en una herramienta clave para crear conciencia sobre la necesidad de valorar y proteger estas estructuras.

Publicación en el New York times del 21 de Abril de 2019

Reporteros Alex Marshall y Miriam Quick

El New York Times realizó un suplemento especial con motivo de los 100 años de la Bauhaus, me solicitaron colaboración y les pedi a cambio que dieran un lugar especial al Parador Ariston, cosa que hicieron al Ponerlo en la Portada de Arts&Leisure, y páginas 14 y 15.

FIN

Ordenes griegos (1)

Video https://academiaplay.net/

Vale la pena ver Academia Play, ya que es una herramienta de aprendizaje a través del formato vídeo.

El orden dórico (Ordo Doricus) es el más antiguo y austero de los tres órdenes arquitectónicos clásicos utilizados en la Antigua Grecia.

Su nombre proviene, según el arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano Marco Vitruvio Polión (c. 80 o 70 a. C. – c.15 a. C.) de los primeros templos de este estilo que estaban construidos en las ciudades de los dorios.​ (2)

Se convirtió en el estilo preferido del continente griego asi como las regiones dominadas por los dorios, el Peloponeso, Creta y sus colonias occidentales, las sureñas Italia y Sicilia, lo que se conoce como la Magna Graecia. (3)

Se caracteriza por su simplicidad y robustez, aspciado (culturalmente) a valores como la masculinidad, la fuerza y la solidez.

Segesta fue una ciudad de Sicilia al noroeste de la isla, a unos 10 km de la costa y a unos 50 km al oeste de Palermo. La denominación griega era Egesta y en romano Segesta.

Los órdenes, sistemas estructurales de organización de componentes, jugaron un papel crucial en la búsqueda griega de la perfección de las proporciones.

Las columnas, los fustes, los capiteles y la entabladura se decoraban de acuerdo con uno de los tres órdenes aceptados, dórico, jónico y corintio.

El orden dórico fue desarrollado por los griegos, que eran descendientes de los micénicos, quienes estaban emparentados estrechamente con los minoicos (sin llegar a ser idénticos). Ambas civilizaciones antiguas descienden en parte de agricultores que emigraron del suroeste de Anatolia, en lo que es actualmente territorio de Turquía.

 El dórico alcanzó su cenit a mediados del siglo V a.C. y fue uno de los órdenes aceptados por los romanos que adaptaron en su arquitectura.

Características principales del orden dórico:

1. Columnas sin basa: Las columnas dóricas carecen de basa (apoyo), se alzan directamente sobre el estilóbato (la superficie superior de la plataforma del templo). Son estriadas y estan coronadas por un capitel achatado.

El fuste descansa sobre el estilóbato (el escalón superior del estereóbato). La plataforma que los contiene consta generalmente de tres escalones, al borde escalonado se lo conoce como crepidoma, que es la plataforma escalonada construida en piedra sobre la que se asienta un templo.

2. Fustes estriados: Los fustes de las columnas presentan estrías (normalmente entre 16 y 20), talladas con canales paralelos verticales formando aristas vivas.

El fuste, puede ser monolítico o compuesto por tambores de piedra superpuestos, su sección es circular, corto y poco esbelto. Su diámetro no es constante, sino que va disminuyendo con la altura más acusadamente cuanto más arriba, y frecuentemente tiene lo que se denomina éntasis, (5) que es un ligero abombamiento en la parte central.

El tamaño total de la columna nunca sobrepasa los dieciséis módulos, que es la medida del radio en la base de la columna (donde es mayor).

3. Capitel: El término capitel proviene del idioma occitano y este del latín: capitellum, diminutivo de caput, capitis, cabeza.

Está integrado por un equino -echinus- (una sección de esfera en forma de disco que sirve de unión entre la prolongación del fuste y el ábaco.

El ábaco (una losa rectangular superior que soporta en forma directa la estructura horizontal del edificio), y los collarinos, que son prolongaciones del fuste usados para disimular la unión con el fuste de la columna, son una fina acanaladura o moldura horizontal.

Existe una banda modelada el hipotraquelio -hypotrachelium- en la parte superior o ranura del fuste de la columna dórica, debajo del traquelio.

4. El Friso, situado sobre el arquitrabe, está decorado por triglifos (6) y metopas.

Los triglifos eran bloques con tres surcos verticales generalmente alineados sobre cada columna e intercolumnio. Consistía en dos estrías o glifos verticales bordeadas por dos semi o medios-glifos, a eso debe su nombre.

Las metopas eran paneles cuadrados entre los triglifos que podían ser lisos o ricamente decorados, a menudo con bajorrelieves y relieves de variados temas ornamentales.

5. Proporciones robustas: Su aspecto de sólido y fuerte lo da su relación de altura a diámetro, es menor que en los otros órdenes. Su altura, incluyendo el capitel, varia de 4 a 6 veces el diámetro de la base de su fuste. La entabladura dórica consiste en un arquitrabe sencillo, un friso de triglifos con metopas alternados y una cornisa lisa coronando el conjunto.

El ejemplo más famoso del uso del orden dórico es el Partenón, dedicado a Atenea Parthenos en la Acrópolis de Atenas, construido durante el siglo V a. C., que simboliza el cenit de este estilo arquitectónico. Atenea (Atenea la virgen) era el nombre de una imponente escultura de marfil y oro de la diosa griega realizada por Fidias, Una de las salas del Partenón fue diseñada para albergarla.

La quintaesencia de la arquitectura griega fue erigida hace más de 2.400 años entre los años 447 y 438 a.C. por orden de Pericles, el cual contó con Fidias como jefe de obra y responsable del programa escultórico, era uno de los mejores arquitectos de la antigua Grecia. Fue una obra impresionante para la época: se dice que costó lo mismo que una flota de 700 barcos.

El Partenón

Como sabemos fue un edificio que causó y causa admiración.

Para la construcción del Partenón se utilizaron 22.000 toneladas de mármol pentélico blanco, prescindiendo de cualquier otro material. El único elemento que no era de mármol fue el armazón de madera, que se usó para cubrir el techo sobre el que se colocaron las tejas de mármol (en lugar de barro como era habitual).

En el interior del Partenón, en la naos (donde solo podían acceder los iniciados), se encontraba la monumental estatua crisoelefantina (oro y marfil) de Atenea Parthenos. Esta obra de doce metros de altura y 1.200 kilos de peso fue realizada por Fidias y era considerada como una de las grandes maravillas de la antigüedad. Con la invasión otomana, fue llevada a Constantinopla, donde desapareció. Actualmente se puede ver una copia romana de menor tamaño en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

6. El entablamento, elemento básico de la arquitectura clásica varía para los órdenes dórico, jónico y corintio.

El arquitrabe, es una especie de viga gruesa y lisa que recorre toda la alineación de columnas, su función estructural es servir de dintel, para transmitir el peso de la cubierta a las columnas.

La cornisa, ubicada sobre el friso, forma un voladizo que desvía el agua de lluvia. Se adorna con unos bloques planos llamados mútulos, que llevan unas pequeñas piezas denominadas gotas que repelen el agua.​ Generalmente cuenta con una moldura de tipo cimacio –cymatium-. Es una moldura curva en forma de S, tiene una función estética asi como estructural.

7. La Ornamentación más común era la greca, en forma de clave, serpentina o laberinto.

Video de UNAM | FAD | Historia del Arte II. Miguel Angel González Vila

Música Apollo’s Lyre. Michael Levy. The Lyre of Apollo: The Chelys Lyre of Ancient Greece

Sierra de Historia. 18 de agosto de 2022. Alberto Garin  https://youtu.be/bxVls_RngdM

Cuando hablamos de órdenes arquitectónicos, lo primero que nos viene a la cabeza son los tres clásicos, el dórico, el jónico y el corintio. Sin embargo, un orden arquitectónico es el conjunto de un elemento vertical que soporta y un elemento horizontal que es soportado. Los tres órdenes clásicos no son más que tres posibilidades en un mar de innumerables alternativas.

8. En los extremos del templo se colocaron los frontones, decorados con esculturas que representaban el nacimiento de Atenea y su lucha con Poseidón por el dominio de la ciudad. Tanto los frontones como los frisos fueron realizados por Fidias y estaban profusamente coloreados. De las 96 planchas que componían el friso del Partenón, tan solo 40 se encuentran en el Museo de la Acrópolis. El resto están en el Museo Británico. En los frisos se representó la fiesta anual de las Panateneas.

Se realizan obras de restauración y conservación desde hace mas de 40 años. Estas comenzaron en 1983

No hay una fecha de finalización, no se sabe cuándo va a concluir y el nivel de terminación que alcanzarán.

9. pocos siglos duró el Partenón con su apariencia original, En el siglo VI, se convirtió en iglesia cristiana, por lo que se destruyó el frontón oriental y en su lugar se colocó un ábside. Más tarde, en el año 1458, durante la ocupación otomana, la Acrópolis fue un barrio cuartelario y sobre el Partenón se levantó una mezquita posteriormente se transformó en un almacén de pólvora. Durante el asedio veneciano a la ciudad, varias bombas explosionaron en el edificio, por lo que el Partenón quedó prácticamente destruido.

Notas

1

Fuentes

“La gramática de la Arquitectura” (editora general Emily Cole) original de Ivy Press y traducido por Lisma ediciones; “Los diez libros de Architectura” de M. Vitruvio Polión; Blog Baúl de Chity; Academia Play; Sierra de Historia Alberto Garín; Wikipedia; Chat GPT.

2

Se empleó en la Grecia continental desde finales del siglo VII a. C. así como en el sur de Italia y Sicilia. Algunos de los primeros templos que contienen elementos de este orden son el templo de Poseidón en Istmia, el Hereo de Argos y el templo de Apolo en Termo, de los que solo quedan ruinas.

3

Originalmente, Magna Graecia fue el nombre usado por los romanos para describir la región entre el golfo de Nápoles al oeste y el golfo de Tarento al este, de forma que el área entera de la colonización griega en la península itálica (e incluyendo en sentido más amplio también a la isla de Sicilia) fue conocida por este nombre, hasta su incorporación en la Italia romana.​

4

Según Virgilio, Segesta fue fundada conjuntamente entre el rey de aquel territorio llamado Acestes (que era hijo del rey local Criniso y de una mujer dardania), y Eneas, para acomodar a las mujeres que, hastiadas del mar, habían incendiado la flota de los troyanos fugitivos, y por todos aquellos que decidieron no continuar el viaje y deseaban ser gobernados por Acestes.

5

La finalidad de la éntasis es conseguir una mejor sensación estética y visual, al conferir más armonía al fuste y da la impresión de mayor esbeltez a las columnas.

6

Los triglifos, según Vitruvio, pueden ser una reminiscencia de las cabezas de las vigas de madera de similar escuadría que, cargando sobre el arquitrabe (en su origen también de madera) formarían el entramado estructural de recubrimiento. ​ Su apariencia es estriada en vertical.

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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24 nov 2011 FUNDACIÓN JUAN MARCH

El arquitecto, catedrático y académico Luis Fernández-Galiano se ocupa de la biografía y del talento creativo de Norman Foster.

Galardonado con el premio Pritzker y autor de una obra de gran refinamiento tecnológico y elegancia visual, cuyos rascacielos y aeropuertos han transformado la forma de construir este tipo de edificios. Conferencia del ciclo «Protagonistas de la arquitectura del siglo XXI».

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35 rue de Sevres, cien años. Publicacion (buenísima) de la revista ARQUINE del 18 septiembre del 2024.

por Alejandro Hernández Gálvez | Twitter: otrootroblog | Instagram: otrootroblog

Quizá no exista ninguna otra dirección mítica en la arquitectura moderna con el peso del número 35 de la rue de Sèvres , en París. Fue ahí que el 18 de septiembre de 1924, hoy hace 100 años, Le Corbusier estableció su taller, según refiere la fundación que lleva el nombre que Charles Edouard Jeanneret-Gris se diera a sí mismo.

La calle de Sèvres se llamó primero de la Maladrerie, luego de Petites-Maisons, debido a un hospital para leprosos, cerrado bajo Francisco I y en lugar del cual se construyeron las Petites-Maisons. Allí se encerraba a mendigos, gente de malas costumbres y locos; sin embargo el establecimiento se dividió, quedando principalmente un hospital.

Desde 1355 hay noticias del nombre calle o camino de Sèvres , pues era la dirección hacia esa ciudad, al suroeste de París, hoy célebre por la Manufactura Nacional de porcelana que ahí se estableció en 1756 —y que de 1800 a 1847 fuera dirigida por Alexandre Bronginart, entre otras cosas, hijo de arquitecto, químico y mineralogista, y colaborador de Georges Cuvier, con quien realizó estudios pioneros en la estratigrafía, como su “Corte teórico de la cuenca parisina”— y la Oficina Internacional de Pesos y Medidas, fundada en 1875, donde se conservan los “patrones universales” del metro y del kilogramo.

Fue poco después de 1821 que la Compañía de Jesús compró los edificios situados en los números 33 y 35 de la rue de Sèvres. Luego añadirían los de los números 37 y 43. Entre 1855 y 1858 se construyó la iglesia de San Ignacio a la que seguirá la de un claustro. El último edificio construido en esos terrenos por los jesuitas, tras una complicada historia de expulsiones y regresos de la Compañía en Francia, fue un centro de estudios inaugurado en 1974.

José Ramón Alonso Pereira escribe que fue Winaretta Singer-Polignac quien, a inicios del verano de 1924, ofreció a Le Corbusier la posibilidad de instalar su estudio, “en condiciones muy ventajosas”, en “un espacio secundario que ocupaba la galería de uno de los lados claustrales de la Residencia de los jesuitas.” También cuenta que, tanto el templo de San Ignacio como el edificio de la residencia fueron proyecto de Jean-Maggior Torunesac, “arquitecto diocesano luego jesuita, que siguió el estilo ojival de la catedral de Le Mans.” De Winaretta Singer-Polignac escribe:

Era hija del célebre industrial americano Isaac Merrit Singer, cuyo nombre fue emblema de la máquina de coser. Nacida en Nueva York, vivió en Inglaterra y en París, donde aprendió a pintar y se interesó por las creaciones impresionistas, así como por los prerrafaelitas ingleses, admirando en ellos su tentativa de fusión entre literatura, filosofía, religión e historia. Se casó a los 22 años con Louis de Scey-Montbéliard y luego con el príncipe Polignac, cuya unión estuvo basada en un respeto mutuo y una gran amistad artística, en especial por la música.

Los salones de su casa del Trocadèro -decorados por el célebre José María Sert, tío del arquitecto José Luis Sert, luego aprendiz de Le Corbusier– fueron conocidos como un importante centro musical de vanguardia. Los mejores intérpretes de su tiempo tocaron ahí: Gabriel Fauré, Claude Debussy, Eric Satié, Maurice Ravel, Igor Stravinsky, Arthur Rubinstein, Manuel de Falla, etc.

Es sabido que muchas de las evocaciones de Marcel Proust sobre la cultura de la época nacieron de su asistencia a esos conciertos en el salón de los Polignac. Winaretta Singer usó también su fortuna para el fomento de las artes y las ciencias, con una manifiesta componente social ligada a su cristianismo militante. En particular, fue mecenas del Armée de Salut, 49 patrocinando los proyectos de Le Corbusier: el anexo del Palais du Peuple (1926-27), el Asilo flotante (1930) y la Cité de Refuge (1929-33). 

Alonso Pereira subraya el interés de Le Corbusier por nombrar a su lugar de trabajo “taller” y no “agencia de arquitectura”, como se acostumbraba —así se llamaba la de Perret, con quien trabajó— u “oficina”, inclinándose por el uso de “atelier” por artistas.

Sobre el espacio en sí, Alonso Pereira escribe: «Con una altura de 4 metros, el local medía 41 metros de largo por 3.50 de ancho. Es decir, tenía una proporción 1 a 12, proporción muy ingrata que sólo tenía parangón con una obra en la historia de la arquitectura: la galería que conforma el acceso a los palacios vaticanos definiendo el brazo recto de la plaza de San Pedro de Bernini, obra admirada por Le Corbusier unos pocos años antes, en el curso de su segundo viaje a Roma con Ozenfant en el verano de 1921. En ella puede verse un antecedente más o menos claro del atelier de Sèvres como espacio arquitectónico». 

«Situada en el primer piso del cuerpo conventual, no era fácil encontrar el local del atelier. El proceso de acceso era el siguiente. Común con la de la iglesia, la entrada a él desde la calle era un atrio iluminado por una claraboya, con puertas abiertas en todas direcciones. La única indicación del atelier era una pequeña placa azul con un letrero manuscrito en rojo: “Atelier Le Corbusier, primer piso al fondo del corredor”. Abierta la puerta de la derecha, se pasaba al corredor septentrional del claustro, iluminado por la luz del sur, que llevaba a su fondo hasta una escalera de madera que ascendía al primer piso. Una vez subida la escalera se cruzaba la puerta del santuario. Un mural fotográfico y una puerta negra daban paso al atelier».» 

«Diez altas ventanas daban sobre el claustro y sus árboles centenarios. En 1924 Le Corbusier cerró los dos extremos del local con muros de ladrillo. En los primeros tiempos, el atelier sólo estaba amueblado con algunas sillas y mesas de dibujo sobre caballetes, sin ningún orden, y el equipamiento se reducía al estrictamente necesario: un teléfono y una estufa, pues la galería no tenía calefacción. Luego se acondicionaron algunas pantallas para que Le Corbusier pudiese tener un rincón personal 53 para recibir».

En cuanto al espacio, el atelier se organizaba en tres tramos concatenados. El primero era un cuerpo oscuro, sin iluminación natural, donde se encontraban las zonas de acceso, almacén y copia de planos, control y secretariado, seguida por los pequeños despachos de Le Corbusier y, en su momento, del jefe de atelier, tras los cuales se abría al atelier propiamente dicho, con las mesas y tableros de dibujo, al fondo del cual se hallaría desde 1947 un gran mural pintado por Le Corbusier. 

A la entrada, un vestíbulo reducido, a cuya izquierda se puso el vestuario y la copiadora de planos, disimulada por archivadores, y luego la oficina del secretariado que controlaba la entrada. Detrás se encontraba el pequeño bureau de Le Corbusier, un despacho de 2.59 × 2.26 × 2.26: un ‘volumen patrón’ que daba expresión plástica a los conceptos del Modulor, cuya publicación se preparaba por entonces. Este bureau mítico era como un cabanon, una arquitectura interior dentro de una arquitectura envolvente. 

Otra descripción, menos objetiva, quizá, pero sin duda más cercana, es la que hizo Charlotte Perriand: «…Mis pasos me llevaron regularmente a la rue de Sèvres hasta 1937. Mi papel, inesperado, fue el de colaborar como asociada de Le Corbusier y Pierre Jeanneret en el desarrollo de su programa de mobiliario: “cajoneras, sillas y mesas”, que habían anunciado en 1925 en el pabellón del Esprit Nouveau, para continuar su estudio y asegurar la ejecución de los prototipos por mis artesanos, pero también para iniciarme en la arquitectura, como yo quería, porque todo está vinculado. Trabajar en este antiguo convento, hoy derribado, era un privilegio. Era un lugar inspirado. Pasada la caseta del conserje, entramos en un amplio pasillo para subir el primer tramo de escaleras. Arriba a la izquierda estaba la entrada al taller. Una vez atravesada la puerta, nos encontramos en un vasto campamento. Una cuerda recorría una pared interminable donde los dibujos colgaban de pinzas para la ropa».

Las altas ventanas daban al patio del convento. En el centro del taller, una solitaria estufa de leña. Ninguna oficina secreta independiente. El correo se colocaba sobre una de las mesas de dibujo. Todos podrían leerlo. En verano oíamos cantar a los pájaros, en invierno nos moríamos de frío (entonces me envolvía las piernas en papel de periódico para no sentir que se me congelaban los pies). Pensemos en esta época heroica, pionera y sin dinero, con tan pocos medios, pensemos en todos estos proyectos arquitectónicos o urbanísticos nunca realizados y sin embargo cuidadosamente estudiados, que van mucho más allá del objeto mismo, proyectos en relación con el hombre, en armonía con él, de acuerdo con sus tiempos. Porque, después de todo, ¿por qué nuestro trabajo sino ese? El resultado es visible y experimentado. Puede hacer feliz o infeliz al hombre, según su concepción honesta. Crea el nido del hombre y el árbol que lo sustentará. Terminamos creyéndolo.

Chicos, jóvenes, entusiastas, procedentes de las mejores escuelas, de todo el mundo, estaban allí, no sólo por la arquitectura, sino por Corbu, por su forma de resolver todos los problemas, por su aura. Corbu había elegido Francia para expresarse, pero Francia no lo había adoptado. Reinaba el academicismo. El rechazo del otro era mutuo, la lucha, incluso injusta, era necesaria. Corbu nunca habría aceptado a un estudiante de la Escuela de Bellas Artes en este estudio de la rue de Sèvres: sus dibujos eran malos, sus mentes estaban distorsionadas. Esta fue una de las razones por las que prefirió contratar a Jean Bossu, cuya motivación era ser arquitecto y que trabajaba como estibador nocturno en Les Halles. Sin embargo, Corbu no le ahorró sus críticas, como nos hizo a nosotros mismos, e incluso su mal humor, hasta el día en que Bossu nos dejó para ejercer su profesión en total libertad. En esta Torre de Babel hablábamos todos los idiomas, el francés mal, pero hablábamos el mismo idioma. Nos ayudábamos con las frecuentes “repentinas”, no éramos muchos. Aquellos días, la efervescencia empezaba tras la salida de Corbu, a las ocho de la tarde.

Corbu salió por última vez del 35 de la rue de Sèvres el miércoles 28 de julio de 1965. El atelier cerró por vacaciones y Le Corbusier partió a descansar en su cabanon de Cap Martin. El viernes 27 de agosto, Le Corbusier murió mientras nadaba en el Mediterráneo. Alonso Pereira escribe: sus restos volvieron a París, al atelier de Sèvres, abierto por última vez para recibirle.

La Vanguardia, 28 de agosto de 1965.

El arquitecto que acaba de morir ha sido en los años de entreguerras un fabuloso enterrador de conceptos, de formas, de masas, de ornatos… Fue un triunfador y un fracasado más o menos oficial. Recordemos a propósito de ello el palacio de la Sociedad de Naciones, en estilo dieciochesco que tan feliz hizo a los conservadores al presenciar cómo el proyecto de Le Corbusier era postergado por demasiado audaz. Pero el creador de la arquitectura racional hubo de decir en aquel trance unas palabras profundas «…El Palacio de las Naciones no es ya, como se pretendía, una máquina de trabajo, sino un mausoleo representativo de todo lo terriblemente inútil e incapaz de evolucionar que representa una Academia».

Le Corbusier, si conserva su primigenia prestancia, lo debe simplemente al hecho de no haber construido jamás un mausoleo. A. R. ©Hemeroteca Diario La Vanguardia de Barcelona.

Ver Sketches de Le Corbusier https://onlybook.es/blog/sketches-de-le-corbusier-viaje-a-oriente-y-burdeles-de-paris/

Ver El Modulor https://onlybook.es/blog/el-modulor-de-le-corbusier/

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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En noviembre de 2024, planificamos con amigos/as un viaje por la bota de Italia, La Puglia, una región muy concurrida, ultimamente esta de «moda».

Hicimos base en Polignano a Mare, y desde alli armamos varios recorridos, como Alberobello, la capital de los Trulli, allí nos sumergimos en un cuento de hadas.

«Se pensi che l´avventura sia pericolosa, prova la routine, E´ Letale». Paulo Coelho

«Si crees que la aventura es peligrosa, prueba la rutina. Es letal».

El centro histórico de Alberobello es pequeño, por lo que es fácil de recorrer a pie,
se puede comenzar por el Trullo Soberano situado en la parte norte de la ciudad: es el único trullo de dos plantas, está amueblado con piezas originales de principios del siglo XX, tambien es bueno, comenzar por cualqueir parte.

Enseguida uno se sumerge en el distrito Monti, el barrio más grande y célebre de Alberobello, con unos 1000 trulli.

Visitamos el trulli Siamés, dos conos fusionados en el centro que, dice la leyenda, simbolizan la historia de amor y odio que envolvió a dos hermanos.
Todo está a «un paso», como el Barrio del Rione Aia piccola, el barrio más pequeño del centro histórico, allí hay unos 400 trulli de uso residencial.

El Museo del territorio funciona en la Casa Pezzolla, un complejo de 15 conos interconectados.

Las guias recomiendan visitar la Casa D’Amore, un edificio histórico que data de 1797, el primero construido después de que Alberobello fuera liberado de todas sus obligaciones fiscales por el rey de Nápoles, y el Belvedere Santa Lucía.

Como en toda la italia, comer es parte del viaje, aqui recomiendan la pasta orecchiette de Apulia, con grelos y anchoas saladas o las bombitas de carne, pequeños rollos de cerdo rellenos de queso y hierbas.

Los TRULLI son una antigua tipología constructiva realizada totalmente con muros de mampostería de piedra en seco, sin mortero alguno, rematada con una cubierta de forma cónica, está construída como una bóveda en voladizo, lleva a veces como decoración símbolos pintados con cal, la soportan muros de hasta un metro y medio de espesor, también encalados.

El origen de estas construcciones, así como la etimología de la propia palabra “trullo”, no está claro. Gabriella Esposito en “Architettura e storia dei trulli” (1983), dice que “trullo”, podría derivar de la voz latina trullus que designa en general cualquier construcción rematada en cúspide, o del griego torullus (cúpula).
Seguramente son una evolución de la choza primitiva de paja, traida de otros territorios, hay edificaciones similares en culturas ya muertas, en el III milenio A.C.

Se erigían tholos en Egipto y Mesopotamia, son de fácil construcción, no requieren el uso de cimbras, se forman aros concéntricos cerrados con un óculo central.

La cultura Micénica, II milenio a.C, muestra el primer edificio monumental con cubierta cónica: el Tesoro de Atreo (1), en cambio en Albobello lo han aplicado a la arquitectura habitacional.
El poblado de Koum en Aleppo, Siria, también se levantó totalmente con edificios en forma de trullo, revestidos externamente y coronados con pináculos como los de Alberobello. Quizas tenga que ver con la presencia de asentamientos de grupos étnicos provenientes de Grecia, Asia Menor o Egipto en la Italia meridional.

Son construcciones similares a las de Digano en Istria meridional, o en Baleares, a las Valchiusa en la Provenza, alas cabañas de planta circular de Liguria y Cerdeña, o las construcciones en Harrán , Turquía.

Pueblos como Alberobello, Locorotondo, Cisternino, Fasano, Martina Franca, Putignano, Noci… forman la denominada “Murgia dei trulli”, una de las áreas conservadas con mayor homogeneidad urbana de Europa, que siguen ocupadas hoy en día.

Alberobello, la “capital de los trulli” fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996, con una población de casi 11.000 habitantes, de los que 4000 viven hoy en trulli.

Polignano a Mare

Polignano existe desde los tiempos del Imperio Romano, cuando era una aldea de pescadores. Está en la región de Apulia (La Puglia) en la provincia de Bari.

Aqui nació el cantautor Domenico Modugno, (Polignano a Mare 1928 – 1934 Lampedusa, Sicilia), que además de regalarnos su inolvidable «Nel blu dipinto di blu» conocida como Volare, fue diputado y dirigente del Partido Radical Italiano. (2)

Polignano ha tenido un enorme desarrollo como área residencial en las afueras de Bari. Su principal actividad sigue siendo la pesca, la agricultura (en el campo se ven hermosos y antiguos olivos) y el turismo.

«La vida es como un espejo te sonríe si la miras sonriendo». Jim Morrison

«Aquí, en el límite bimilenario de la antigua Neápolis, por voluntad de Fernando II de Borbón, rey del reino de las dos Sicilias, se construyó en 1836 el grandioso puente con cinco luces de cuerda sobre el barranco, desde donde el pueblo admiraba las sublimes bellezas de un lugar encantador.
En 2016, la administración municipal conmemora el 180 aniversario de la construcción».

El Ponte Borbón es uno de los hitos de Polignano a Mare, al atardecer su horizonte se tiñe de rojo. Fue construido a principios del siglo XIX por el rey Fernando II de Borbón como parte de una nueva carretera para conectar Bari con Lecce.

Ostuni

Es el extremo norte del «tacon» de Italia, encontramos esta ciudad blanca, rodeada de centenarios olivos, estamos en las últimas estribaciones de la Murgia, una comarca de la región de Apuglia.

El nombre Murgia proviene del latín murex «piedra afilada». Invita a recorrer su trazado laberíntico, sus casas encaladas dan a calles, callejones sinuosos y escaleras, se puede ver aún ocho de los quince torreones aragoneses que limitaban el centro medieval.

La concatedral de Ostuni es de finales del siglo XV, construída entre 1435 y 1495, sus formas góticas tienen una portada tripartita de pilastras, de sección cuadrangular, que sobresalen de la pared (muchas pilastras servian de refuerzo, otras eran solo ornamentales). La Basilica Minore Concattedrale di Santa Maria Assunta es una catedral católica situada en la cima de la colina más alta de la ciudad.

Matera

Dificil explicar Matera, entramos en la ciudad moderna actual, que no permite ver lo que oculta, ni siquiera intuirlo.

Estamos en la Basilicata, una región antigua, suspendida entre dos mares y bellas montañas. El hombre que dejó su huella desde la prehistoria, llamaba a ésta zona «Lucania».

Su riqueza son los Sassi, unas cuevas excavadas en la montaña donde, hasta los años 50, vivía la población, que posteriormente se vio obligada a abandonar esas viviendas milenarias, tan curiosas como insalubres. Hoy son Patrimonio de la Humanidad. (3)

Su historia se remontan a la era Paleolítica, la primera cerámica neolítica de Matera se remonta unos 7500 años antes de Cristo, cuando se producía cerámica de terracota en los pueblos.

Fue construida sobre un poblado prehistórico atrincherado, de orígenes griegos, Supo tener estrechas relaciones con colonias de la costa meridional, por lo que en épocas romanas se convirtió en un centro de paso y abastecimiento.

La llegada masiva de monjes bizantinos y benedictinos transformó las cuevas de la Gravina, una gran fisura kárstica (4), en iglesias rupestres.

Tras el asentamiento de los normandos en Italia, la ciudad vivió un periodo de paz seguido de hambrunas y terremotos, fue ciudad real durante mucho tiempo, pasó a manos de los aragoneses para luego ser cedida al conde Giovan Carlo Tramontano, que posteriormente fue asesinado por la población oprimida por los impuestos. (que no nos den ideas).

Tenían un espìritu critico y de libertad, los habitantes de Matera fueron los primeros del sur de Italia en rebelarse contra la ocupación nazi.

Notas

1

El tesoro de Atreo, tumba de Atreo o tumba de Agamenón​ es un tholos de Grecia, localizada en la colina de Panagitsa, a las afueras de Micenas, fue construida durante la Edad de Bronce, alrededor de 1250 a. C.

La piedra del dintel sobre la puerta pesa 120 toneladas, con unas dimensiones aproximadas de 8.3 x 5.2 x 1.2 mts,​ seguramente una de la más grande del mundo. La tumba fue utilizada durante un período desconocido, mencionada por Pausanias (c. 420 a.C.), cuando estaba en la corte del rey macedonio Arquelao. en 1879 el arqueólogo alemán Heinrich Schliemann descubrió las tumbas de pozo bajo el «ágora» en la Acrópolis en Micenas.

2

Esta considerado como el «padre» de los cantautores italianos», escribió y grabó mas de 230 canciones, interpretó 38 películas para cine y 7 para la televisión, participó en 13 obras teatrales, y condujo programas en la TV. Una estatua de bronce lo recuerda, realizada por el escultor argentino Hermann Mejer (Mendoza 1961).

3

En 1952, una ley nacional estipuló el desalojo de los Sassi, considerados una «desgracia nacional» debido a su hacinamiento y condiciones insalubres. Sus habitantes fueron trasladados a nuevos barrios residenciales que se construyeron formando una nueva zona de la ciudad, un diseño de pocas luces, es frecuente ver como los diseñadores y planificadores de un poblado o ciudad nueva no han aprendido nada de lo que tienen a su lado, concibiendo centros pobres de espiritu y diseño (en España por ejemplo Patones de Arriba (antigua) y Patones de abajo (nueva). https://onlybook.es/blog/madrid-y-alrededores/

4

Las zonas cársticas comprenden regiones geográficas cuyo subsuelo tiene una geología dominada por calizas, dolomitas, mármol, yeso y sal.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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La Medalla de Oro del AIA 

La Medalla de Oro del AIA es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA).

La otorga “el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura”.

AIA

Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto

En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

En 2014 fue entregada por primera vez a una mujer, Julia Morgan a título póstumo. La medalla de 2016 fue otorgada por primera vez a una pareja después del cambio de estatutos de la organización del 2013 en la que abrió esta posibilidad.​

Aclaración, el título FAIA, abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, es un título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto. Dicho honor distingue a arquitectos que han hecho contribuciones significativas a la profesión de arquitectura. Menos del 2% de los cerca de 72.000 arquitectos estadounidenses forman parte del College of Fellows

Lista de ganadores de la Medalla de Oro del AIA

1907 Sir Aston Webb (1849 – 1930), Reino Unido

1909 Charles Follen McKim FAIA (1847–1909), EEUU

1911 George Browne Post FAIA (1837–1913), EEUU

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 1a parte, de Webb a Sullivan

1947 Gottlieb Eliel Saarinen (1873–1950), Finlandia

1948 Charles Donagh Maginnis FAIA (1867–1955), Irlanda y los EEUU

1949 Frank Lloyd Wright (1867–1959), EEUU

1950 Leslie Patrick Abercrombie (1879–1957), EEUU

1951 Bernard Ralph Maybeck (1862–1957), EEUU

1952 Auguste Perret (1874–1954), Francia

1953 William Adams Delano FAIA (1874–1960), EEUU

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 2nda parte, de Eliel Saarinen a W. Delano.

1955 Willem Marinus Dudok(1884–1974), Paises Bajos

1956 Clarence Samuel Stein(1882–1975), EEUU

1957 Louis Skidmore(1897–1962), EEUU

1958 John Wellborn Root (1850–1891), EEUU

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 3era parte, de Dudok a Wright

1959 Walter Adolph Georg Gropius (1883–1969), Alemania

1960 Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969), Alemania

1961 Le Corbusier – Charles Edouard Jeanneret-Gris – (1887–1965), Suiza

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 4ta parte, de Gropius a Le Corbusier

1962 Eero Saarinen (1910–1961), Finlandia/EEUU

1963 Alvar Aalto (1898–1976), Finlandia

1964 Pier Luigi Nervi (1891–1979), Italia

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 5ta parte, de Eero Saarinen a Nervi

1966 Kenzo Tange(1913–2005), Japón

1967 Wallace Harrison(1895–1981), Estados Unidos

1968 Marcel Breuer(1902–1981), Hungría

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 6ta parte, de Tadao Ando a Marcel Breuer

1969 William Wilson Wurster(1895–1973), Estados Unidos

1970 Buckminster Fuller(1895–1983), Estados Unidos

1971 Louis Kahn(1901–1974), Estados Unidos

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 7ma parte, de Wilson Wurster a Louis Kahn.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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1969 William Wilson Wurster (1895–1973), Estados Unidos

El arquitecto William Wilson Wurster (Stockton 1895 – 1973 Berkeley) se graduó en la Universidad de California en 1919 (algunas fuentes mencionan 1922), fue profesor de arquitectura en la Universidad de California, Berkeley, y en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, fue conocido por sus diseños residenciales en California. 

En 1922 viajó a Europa y pasó un año estudiando la arquitectura de Francia, Italia y España. A finales de la década de 1920, Wurster ya había comenzado a alejarse de su formación en arquitectura, mas comprometido con la arquitectura vernácula y la influencia del clima y el lugar. Trabaja en el estudio de William Adams Delano y Chester Holmes Aldrich.

En 1924 abre su estudio en Berkeley en California. Entre 1927 y 1942 Wurster diseñó más de doscientas casas. La estructura, los materiales y el aspecto de las casas quedaban supeditadas a la forma de vivirlas.

En sus proyectos la naturaleza, el aire fresco, la luz natural y la economía son partes de la construcción.

Conoció y fue amigo de Alvar Aalto, conoce a su futura esposa Catalina Bauer (1905 – 1964) en la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard, compartiendo clases  del urbanista socialista alemán Martin Wagner (1885 – 1957). Catalina era una especialista en planificación urbana, en 1934 publicó el libro Vivienda Moderna (Modern Housing).

En 1944 James Killian, vicepresidente del Instituto de Tecnología de Massachusetts, lo nombra director de la Escuela de Arquitectura y Urbanismo del MIT.

En 1945 su estudio se ​​convirte en Wurster Wurster, Bernardi y Emmons. En 1949 regresó a California como decano de la Escuela de Arquitectura en Berkeley, Wurster jugó un papel importante en la evolución de la enseñanza de la arquitectura en los años 1940 y 1950 y sentó las bases para nuevos enfoques de la formación de arquitectos, paisajistas y urbanistas.

Obras relevantes: Casa de playa Clark, Aptos (1937); Plaza Ghirardelli (1964); CASBS(1954); Calle California 555 (1969).

La Plaza Ghirardelli es una plaza pública emblemática en el Distrito de la Marina de San Francisco, California.

Una parte de la zona fue incluida en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 1982 como Pioneer Woolen Mills y D. Ghirardelli Company. Llegó a contar con más de 40 tiendas especializadas y restaurantes, algunas de ellas todavía ocupan la plaza.

El Centro de Estudios Avanzados en Ciencias del Comportamiento (CASBS) es un laboratorio de investigación interdisciplinario de la Universidad de Stanford, ubicado en 75 Alta Rd, Stanford, California.

Calle California 555 (1969), antes era el Banco de América Central, San Francisco junto con Skidmore, Owings and Merrill y Benardi and Emmons.

1970 Buckminster Fuller (1895–1983), Estados Unidos

Si existe una imagen verdaderamente elocuente para describir a Richard Buckminster Fuller, sin duda, es la que el pintor Boris Artzybasheff (1899-1965) realizó para la portada de la revista Time del 10 de enero de 1964.

Se puede ver como la cabeza de este inventor, ingeniero, poeta y arquitecto se encuentra facetada en cientos de triángulos, formando algo que no es sino una cúpula geodésica, como las que le hicieron famoso en todo el mundo.

Richard Buckminster «Bucky» Fuller (Milton 1895 – 1983 Los Angeles) fue un diseñador, arquitecto e inventor, profesor en la Universidad del Sur de Illinois Carbondale y un prolífico escritor,

Documentó escrupulosamente su vida, filosofía e ideas en un diario y en veintiocho libros..

En 1949 erigió la primera cúpula geodésica del mundo que podía sostener su propio peso sin límite. Era una cúpula de 4,2 metros de diámetro construida con tubos de aluminio y una cubierta de vinilo en forma de icosaedro. Para probar su diseño, Buckminster y muchos estudiantes que habían ayudado en su construcción se colgaron de la estructura ante los atónitos espectadores. El gobierno estadounidense reconoció la importancia del invento y le contrató para hacer pequeñas cúpulas para el ejército. En pocos años había miles de estas cúpulas en todo el mundo.

Fuller obtuvo 28 patentes y muchos doctorados honoríficos.

Acuñó la palabra Dymaxion (abreviación de Dynamic Maximum Tension) para referirse a su filosofía de obtener lo máximo de cada material. Esta palabra le sirvió como marca que empleó en muchas de sus invenciones, como la casa Dymaxion, el mapa Dymaxion o el coche Dymaxion.

Obras relevantes: Casa Dymaxion (1930); Cúpula de la casa Fuller-Hewlett (1960). Biosphere de Montreal (1967).

La casa Dymaxion

Fue una vivienda futurista. La palabra «Dymaxion», combina las palabras dinámico, máximo y tensión.

En 1920 Fuller deseaba construir una vivienda autónoma unifamiliar sostenible “la máquina viviente del futuro”. Aunque nunca se construyó, el diseño del Dymaxion aparece con visión de futuro, ejemplar en su autosuficiencia, podría haber sido producida en masa, luego envasada y enviada a todo el mundo. (1)

Casa Cúpula en Carbondale, Illinois. R. B. Fuller, 1960.

Un trabajo de investigación produce una de las cúpulas mas personales que construyera Fuller.

Construye la que fue su casa en Carbondale, en ella vivió durante toda la década de los años sesenta del pasado siglo.

El Dymaxion Car

El vehículo contaba con un eje delantero con dos ruedas y uno trasero con un solo neumático que albergaba la dirección del coche, podía girar 180º utilizando su eje trasero, llevaba un motor trasero V8 Ford que le aportaba 86 CV de potencia.

Su consumo se calculaba en 7,8 L/100km, unas cifras realmente buenas para la época, estaba destinado a llevar a 11 pasajeros. Por aerodinámica y bajo peso alcanzaba una velocidad punta de más de 100 km/h.

El Dymaxion Car (4to prototipo) formó parte de la muestra”Bucky Fuller & Spaceship Earth”, en el espacio Ivorypress Art + Books de Madrid el 9 de setiembre del 2011.

Alli se presentó el libro “Dymaxion Car Buckminster Fuller” de la editorial Ivorypress, estuvo Norman Foster, la hija de Buckminster Fuller, Allegra Fuller Snyder, presidenta del Comité directivo del Buckminster Fuller Institut; el arquitecto Thomas Zung socio de Fuller, y el arquitecto y catedrático Luis Fernández-Galiano.

Fui a ver la muestra de los inventos de Buckminster Fuller, muchos de sus dibujos maquetas y el famos Dymaxion “en persona”. La segunda vez que vi el Dymaxion fue en la exposicion “Motion” realizada en el Museo Guggenheim de Bilbao en abril de 2022. (2)

Ver acerca de la muestra en el Guggenheim  https://onlybook.es/blog/8012-2/

Reportaje completo en la revista Metropolis «Norman Foster y el coche Dymaxion» realizada por Martin C. Pedersen.

Pederson dirige el sitio web de arquitectura y diseño Common Edge (commonedge.org), vive en Nueva Orleans.

-¿Qué te inspiró a recrear el famoso coche Dymaxion de Bucky?

Bucky nunca está lejos de mis pensamientos. Colaboramos en proyectos durante los últimos doce años de su vida. Cuando me concedieron la medalla de oro del Royal Guild en Londres, dio la charla… y luego se fue a Estados Unidos, a ver a su esposa Ann, que estaba en fase terminal, en el hospital. Al llegar, sufrió un ataque cardíaco fatal junto a su cama y ella murió treinta y seis horas después…

Era amigo de Henry Ford, lo que le aseguraba que conseguiría piezas de Ford al 30 por ciento de su coste real. Cogió el motor V8 de cabeza plana, las ruedas, el volante, la transmisión y le dio un giro de 180 grados.

-Al recrear el nuevo automóvil, ¿dónde trazó la línea entre ejecutar fielmente los planos y dibujos originales y realizar mejoras en ellos?

El coche nº 4 no es una réplica del nº 3, pero sí replicamos el motor, el encendido Studebaker, las ruedas y el volante Ford. Lo único que no es completamente auténtico y original es el freno de mano.

-Hace unos años vi el Dymaxion que sobrevivió en la exposición Whitney. El interior estaba muy deteriorado. Tu equipo debe haber hecho un gran trabajo de investigación para recrear el interior.

Sí, increíble. Afortunadamente, conocemos bien a la gente de Stanford, donde está el archivo. Y las personas que elegimos para realizar el trabajo de restauración también eran extraordinariamente increíbles en la investigación… elaboramos un libro sobre el coche… una pequeña, diminuta punta del iceberg de todo el material que generamos.

-Necesitaron dos años para completarlo. ¿Cuánto costó el proyecto?

Prefiero no hablar de eso. La respuesta verdadera es que costó un ojo de la cara y mucho dinero…

-¿Cuál es la relevancia del automóvil para el mundo automovilístico actual?

…, el Dymaxion fue el clásico vehículo de transporte de pasajeros antes de su tiempo…  Hay una película antigua en la que Bucky hace piruetas con el coche alrededor de un policía.

-¿Cómo es el viaje aerodinámicamente?

No es blando, pero tiene una amortiguación increíble. Es más como un barco. Por supuesto, fue diseñado en colaboración con Sterling Burgess, el diseñador del yate ganador de la Copa del América. …

-¿Podría alcanzar cómodamente los 100 km/h por hora?

… Hicimos una serie de estudios y desarrollamos una película hermosa. La mostramos como parte de nuestra exposición Bucky en Madrid. Es bastante divertida. El Dymaxion sale de un garaje de los años 30 en Nueva York y pasa por delante de todos estos coches viejos. Pasa por delante del edificio Hearst, que por supuesto todavía era relativamente nuevo, luego cruza el río y entra en un túnel. Sale por el otro lado en la Nueva York actual…

-Es interesante cómo tú, Nicholas Grimshaw y Richard Rogers se sintieron atraídos por Bucky durante vuestra formación.

Fue su filosofía, su optimismo, su creencia en una tecnología limpia y amigable que permitiría a las especies sobrevivir si utilizaban su inteligencia… Pero nunca soñé que unos años más tarde Bucky terminaría contactándome para colaborar con él en proyectos y que se convertiría en una relación tan estrecha.

-Has hablado de Bucky con audiencias más jóvenes. ¿Sus ideas conectan con ellos?

Creo que realmente tienen eco, habilitó a una generación. No es una exageración decir que desencadenó el movimiento verde….sin duda el movimiento ambientalista tiene sus raíces en Bucky. Ha sido mucho más comprendido en Europa. No sé qué piensa usted, pero no creo que haya sido comprendido realmente en Estados Unidos.

La Biosphère de Montreal fue el antiguo pabellón de los Estados Unidos de la Expo 67 en Montreal, ahora convertido es un Museo, dedicado al agua y al medio ambiente.

Su concepción, obra de Richard Buckminster Fuller está situada en la île Sainte-Hélène.

En 1976, un incendio consumió el revestimiento de polímero.

La estructura, construida en acero, permaneció intacta, es todo lo que queda del antiguo pabellón.

El museo fue inaugurado en 1995.

La he visitado.

La Biosphère, está muy próxima al conjunto de los arquitectos Moshe Safdie y Rabines, Hábitat 67.

En la misma ciudad donde esta la estación de servicio de Mies van Der Rohe

Mies van der Rohe. Montreal, su única estacion de servicio

1971 Louis Kahn (1901–1974), Estados Unidos

Louis Isadore Kahn (Itze-Leib Schmuilowsky) nació en la isla estonia de Saaremaa.

Murió el 17 de marzo de 1974 de un ataque al corazón en los servicios de la estación de Pennsylvania de Nueva York, acababa de regresar de un viaje de trabajo en la India, a pesar de tener tres familias, nadie reclamó su cadáver durante tres dias, no llevaba sus documentos con él.

Cuando tenia tan solotres años, mientras se cocinaba cous en la estufa, cautivado por la luz, corrió el recipiente, y las llamas lo alcanzaron y le quemaron la cara y las palmas de las manos, fue su “marca de fábrica”, se sabe que en el colegio, los chicos se burlaban de él, y lo llamaban “scarface”.

En 1920, ganó una beca para la Universidad de Pensilvania, en 1924 se recibió de arquitecto.

Trabajó en el estudio de William H. Hoffman y Paul Henon Jr. , y en el de John Molitor, donde llegó a ser jefe de proyectos del plan regulador de Filadelfia.

Abre en 1935 su propio estudio y paralelamente desde 1947 hasta 1957 se dedica a la crítica del diseño y a la docencia en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, a partir de 1957 hasta su muerte en 1974 fue profesor de Arquitectura en la Escuela de Diseño en la Universidad de Pennsylvannia, entre sus alumnos figuraban Moshe Safdie y Robert Venturi.

Kahn tuvo tres mujeres diferentes, su esposa Esther Israelí, su compañera de trabajo Anne Tyng, y Harriet Pattison.

En 1930, se casó con Ester Israelí, con quien diez años después tendría una hija, Sue.

Se relacionó sentimentalmente con una arquitecta joven que trabajaba en su estudio, Anne Tyng, con quien tendría a su hija Alex.

Años después, en 1959, llegaría a su vida la paisajista Harriet Pattison, la madre de Nathaniel. Se conocieron de casualidad en una fiesta de Filadelfia, Louis tenía casi 60 y Harriet 32. 

Me ha encantado saber que cuando sus amigos lo visitaban se acercaban a su piano y le pedían que tocara obras, especialmente Mozart y Bach.

Desde Ahmedabad, India –un destino al que Kahn fue muchas veces-, le escribió las últimas líneas a su hijo “Tu padre no se siente como un héroe conquistador. Espero algún día poder enseñarte a ser mejor hombre del que yo fui”.

Mi blog es mi memoria externa, mi libreta de viaje

Creo haber escrito muchas veces que mi blog, es mi diario, mi libreta de apuntes, por eso, cuando escribo acerca de los edificios que visito, tambien comento el contexto de esas visitas, esto me permite recordar, es lo que estoy haciendo ahora.

Louis Kahn

Supe mas de Louis Kahn, por mi querido amigo el arq Miguel Angel Roca, oi mucho de Kahn ya que nos veiamos semanalmente cuando fui su profesor adjunto de su catedra en Diseño 2 y 3 en la Universidad de Buenos Aires.

Miguel, hizo su tesis con Kahn. Hace poco me dijo mientras paseabamos por Toledo, casi no hablaba con él, era un dios, y para un joven era dificil, acercarse mas de lo imprescindible.

Supe de Kahn, cuando con Guillermo fuimos a La Jolla a ver el increible Instituto Salk, el arq Pablo Bransburg, que vivia allí nos guió, fuimos a ver varias obras de arquitectura, el Instituto Salk (1959/1965) lo visitamos completo, con su esposa Perla pasamos unos dias inolvidables, mientras comiamos unos mariscos tambien inolvidables.

Supe mas de Kahn cuando vi el documental “Mi arquitecto: el viaje de un hijo” (2003), nominado al Oscar ese año.Durante casi dos horas, recorre la vida y obra de su padre, al cual, como Kahn tenía dos familias simultáneas, cada una con hijos, lo veía poco. (3)

https://www.facebook.com/watch/?v=159097418570262

Supe mas de Kahn, al visitar su biblioteca Phillips Exeter Academy en New Hampshire (1965/1972) y su monumento en NY de las cuatro libertades, en la isla East River, un monumento al presidente Franklin D. Roosvelt. (4) Gracias Minond por decirme que podia llegar en telesferico.

Supe de Kahn cuando admiré en la Universidad de Yale su Galería de Arte, New Haven (1951/1953), a peassr de mis deseos no pude entrar, (porque aun no se inauguró su rehabilitación), al Yale Center for British Art (1969/1974).

Supe mas de Kahn cuando vi este año (2024) su “Primera Iglesia y Escuela Unitaria” en Rochester(1959/1969).

 “Una obra de arte no es algo vivo, pero te hace sentir vivo. Una obra de arte es lo que nos enseña que la naturaleza puede reunir a los hombres”.

“La arquitectura debe contener la medida del tiempo. Veinte o cincuenta años después de ser construida… sólo entonces podrás medirla. Es tan perfecta que, en el momento en que se realiza, su apariencia podrá diluirse, y probablemente lo haga, pero la espiritualidad permanecerá, y así entenderás la prueba del tiempo”. (5)

El escultor y diseñador Isamu Noguchi (1904/1988) se refirió a él como «un filósofo entre arquitectos».

National Assembly Building in Dhaka -Bangladesh – Louis Kahn 1962-83-Raymond Meier

En Bangladesh, sobre un espejo de agua, se duplican los volúmenes del edificio de la Asamblea y el complejo de gobierno en la capital Dakha (1964/1983).

Mereció recibir el premo Aga Khan de Arquitectura.

El complejo incluye: el edificio de la Asamblea Nacional, la plaza norte (6.040 m2), la plaza sur (20.720 m2), hoteles para los miembros del parlamento, ministros y secretarias, salas sociales y edificios comunes, todos ellos conectados por calles y vías peatonales y rodeados de jardines y lagos.

Se construyó a mano, cientos de trabajadores llevando cestos de concreto sobre sus cabezas, escalando andamios de bambú. Se tardó casi 20 años en terminarlo, fue inaugurado en 1983, nueve años después de la muerte de Kahn. Por dentro, su belleza es tan fascinante como por fuera.

El proyecto más ambicioso de Kahn se realizó en uno de los países más pobres del mundo, sin certeza de su terminación, finalmente se pudo realizar.

Instituto Salk de Estudios Biológicos

Es un complejo de laboratorios situados en La Jolla, en California, sin duda, es una referencia mundial en el mundo de la biología.

Louis Kahn lo construyó entre 1959 y 1965 a pedido del Dr. Jonas Edward Salk (1914 – 1995), inventor de la vacuna contra la poliomielitis, Salk colaboró durante los diferentes procesos de los laboratorios.

El conjunto está compuesto por dos bloques separados por una plaza seca, la componen los laboratorios, estudios, bibliotecas y oficinas.

Está situado cerca de unos acantilados de la costa de La Jolla, a pocos kilómetros al norte de San Diego.

La condición de Salk fuera que diez investigadores privados con sus respectivos equipos, todos muy cercanos a Salk pudiesen funcionar con total comodidad.

Hubo varios planteos, hasta que se decidió por la tercer propuesta, los laboratorios se distribuyeron en dos bloques separados por una plaza.

La estructura ideada por Kahn y diseñadas por el ingeniero también estonio August Eduard  Komendant (1906 – 1992), es de hormigón vertido, su característica es ser flexible para resistir los terremotos que hay en California.

Komendant era pionero en el campo del hormigón pretensado, se conocieron cuando coincidieron como profesores en la Universidad de Pennsylvania.

A Komendant le llamaba la atención la dedicación que Kahn otorgaba a la Universidad, a pesar de su complicada situación económica y la presión de los plazos que tenía en su estudio. Kahn siempre estaba alegre y animado en sus clases. Cuando le preguntó cómo era capaz de conseguirlo, éste le respondió:

“Cuando estoy con mis alumnos y les enseño arquitectura, soy feliz y me olvido de todo lo demás”. (6)

En un principio, Kahn pensó la plaza central con árboles y vegetación, pero prefirió encargar el diseño del jardín al arquitecto mexicano Luis Barragán (1902-1988).

Arquitecto Luis Barragán -casa Ortega y Barragán en DF México

Al ver Barragan las fachadas de hormigón no dudó en poner en toda la plaza un suelo de travertino del mismo color que el edificio, diciendo que “el suelo sería la quinta fachada”, solo hay una hilera de árboles en la entrada principal de los laboratorios.

En el centro de la plaza y atravesándola, Kahn diseñó un canalillo de agua que, dirigiéndose hacia el mar, culmina en una fuente de gran tamaño situada en una terraza ubicada en el lado sur y dos o tres metros más baja que la plaza. En ella hay unas escaleras y unos bancos de travertino.

Desde esta terraza se puede contemplar el océano Pacífico.

La madera de los estudios es teca, ésta necesita restauracion cada cierto tiempo al ser sensible a las inclemencias medioambientales. (7)

Salk-Institute-in-La-Jolla-California-Louis-Kahn-1959–65-©-The-Architectural Archives University of Pennsylvania. Foto de JohnNicolais.

Franklin D. Roosevelt Four Freedoms Park. NewYork 1973-2012. Foto de Paul-Warchol

Notas

1

https://www.archdaily.cl/cl/02-288162/clasicos-de-arquitectura-la-casa-dymaxion-buckminster-fuller

2

Norman Foster ha prestado 11 automóviles de su colección, Bentley R-Type Contnental de 1953, un Tatra, el Dymaxion de tres ruedas, el Voisin C-7 Lumineuse que conducía Le Corbusier entre ellos.

Comisariado por Norman Foster, Manuel Cirauqui y Lekha Hileman Waitoller, se exhibió entre el 8 de abril y el 18 de septiembre de 2022 en el Museo Guggenheim de Bilbao.

3

Nathaniel Kahn rastreó el sentido de su existencia en la obra de su padre, Louis Isadore Kahn, en su documental “Mi arquitecto: el viaje de un hijo” (2003).

Recorre la vida y obra de Louis Kahn, se proyectó en el Design Museum de Londres, como parte de la muestra Louis Kahn, el poder de la arquitectura, en el 2014. La exhibición incluyó maquetas, dibujos, fotografías y otras películas. Se exhibió un modelo de cuatro metros de altura del proyecto City Tower para Philadelphia (1952-57).

4

En memoria a su conocido “Discurso de las 4 Libertades” (Four Freedom Speech), Libertad de expresión, de culto, de vivir sin penuria y de vivir sin miedo.

5

En el último capítulo del libro 18 años con el arquitecto Louis I. Kahn, el ingeniero August Komendant recuerda los años en los que ambos coincidieron como profesores en la Universidad de Pennsylvania.

6

Natalia Iscaro. Publicado en el número 50 de Revista 90+10.

7

Luis Antonio Gutiérrez & Marta Rodríguez -Grupo PFC-

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sábado, 25 de mayo de 2019

Hundertwasser. Constructor de espacios dispensadores de felicidad. Parte 1

Hundertwasser, constructor de espacios dispendadores de felicidad

Consta de 3 partes

1era parte  https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios.html

2nda parte https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios_27.html

3era parte y final:  https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios_28.html

Friedensreich Hundertwasser. 1a parte

Constructor de espacios dispensadores de felicidad.

En uno de nuestros descansos  “post-Feria del libro de Frankfurt”, fui junto a mi hermano Guillermo a Viena, para ver alguna de las obras de Hundertwasser.

Paseamos y vimos con mucho tiempo y detalle la “Hundertwasserhaus”un maravilloso conjunto de viviendas sociales que en 1977 el alcalde Leopold Gratz le ofrece realizar.

Pudimos ver el uso de tejados con vegetación y ese concepto maravilloso de “árboles inquilinos” en las fachadas.

Aún me “duele”, no haber podido ir a visitar la planta de tratamiento de residuos, así como tengo pendiente la Waldspirale… (Complejo residencial en Darmstadt, Alemania).

Luego de ver –a conciencia- las casas y tomar un café en el bar de la esquina del edificio, fuimos a una librería que estaba enfrente, la dueña nos contó que había conocido a Hundertwasser, que le gustaba conversar y era muy simpático, solía mirar libros y a veces elegía alguno que le interesaba y otras le hacía algún encargo.

Nos repitió que le gustaba hablar con la gente y era muy amable.

Es interesante conocer las costumbres o actitudes de “normalidad” de aquellos personajes especiales y en ciertos casos excepcionales. Me lo imaginaba, caminando con ropa de colores, saludando a sus vecinos, y haciendo sus compras cotidianas.

Luego fuimos al Museo Hundertwasser (Kunst Haus Wien), que está a pocas calles de la Hundertwasserhaus junto al canal del Danubio, llamado el primer “museo verde” de Viena.

 Allí las obras pictóricas de Hundertwasser conviven con exposiciones temporales de fotografías. 

Está en la calle Untere Weißgerberstraße 13, (+43-1-712 04 91) info@kunsthauswien.com. Abre todos los días de 10 a 18 hs.


Frases de Fiedensreich-Hundertwasser:

”Cuando uno está soñando solo, es sólo un sueño. Cuando muchos sueñan juntos, es el principio de una nueva realidad“. Friedensreich Hundertwasser

Pudimos ver el uso de tejados con vegetación y ese concepto maravilloso de “árboles inquilinos” en las fachadas.

La línea recta conduce a la caída de la humanidad.

El arte por el arte es una aberración, la arquitectura por la arquitectura es un crimen.

El que vive en una casa debe tener derecho a asomarse a su ventana y a diseñar como le guste todo el trozo de muro exterior que pueda alcanzar con el brazo, así será evidente para todo el mundo desde la lejanía que allí vive una persona. 

Nos asfixiamos en las ciudades a causa de la contaminación atmosférica y la falta de oxígeno. La vegetación que nos permite vivir y respirar está siendo destruida sistemáticamente. Nuestra existencia está perdiendo dignidad. Pasamos por delante de fachadas grises y estériles, sin darnos cuenta que estamos condenados a vivir en celdas de una cárcel.

Si queremos sobrevivir, todos tenemos que actuar. Cada uno de nosotros debe diseñar su propio ambiente. No puedes quedarte esperando a que las autoridades te concedan el permiso. Los muros exteriores te pertenecen tanto como tu ropa y el interior de tu casa. Cualquier diseño personal es mejor que la estéril muerte. 

Tienes derecho a diseñar a tu gusto tus ventanas y los muros exteriores hasta lo que alcance tu brazo. Hay que ignorar los reglamentos que prohíben o restringen este derecho. Es tu deber ayudar a la vegetación a conseguir sus derechos con todos los medios a tu alcance. 

La naturaleza debe crecer libremente donde cae la lluvia y la nieve, lo que está blanco en invierno, debe ser verde en verano. Todo lo que se extiende en horizontal bajo el cielo, pertenece a la naturaleza, en las carreteras y los tejados deben plantarse árboles. Hay que conseguir que se pueda respirar de nuevo el aire del bosque en la ciudad. La relación entre el hombre y el árbol tiene que adquirir proporciones religiosas. Así, la gente entenderá por fin la frase- la línea recta es atea.  

“La producción de basura debería ser un delito criminal. Los productores de residuos, las indusr4ías de embalajes, las causantes de los residuos, es decir todos nosotros, deberíamos ser castigados severamente para así acabar radicalmente con la producción de residuos”.

Se transforma en médico, especialista en el “rediseño” de las viviendas enfermas. “…A los trabajadores me limito a darles instrucciones de conjunto. Nada de reglas, escuadras, ni niveles de agua. Saben que pueden dar libre curso a su instinto y saben que yo lo apruebo… Todos los que han trabajado para mí guardan un recuerdo lleno de respeto y nostalgia… Hoy los sindicatos han sustituido a las cofradías. Sólo hablan de salarios y de jornadas laborales, pero casi nada de formación profesional. Lo que intento promover entre mis obreros es la capacidad de innovar por medio del libre ejercicio de su creatividad. ¿Cómo podría la cerámica de mis paredes y mis columnas alcanzar semejante esplendor y diversidad, sin la libre iniciativa de mis albañiles y de mis enlosadores?”.

Sus obras fueron un manifiesto en contra de la arquitectura racional, la ortogonalidad y los espacios “inhumanos”, rechazaba la línea recta, usando los colores en las formas orgánicas. Pensaba que la miseria humana era el resultado de una arquitectura que construía espacios monótonos, estériles y repetitivos. Entendía la individualidad como una apuesta a la vida.

Armonía con la naturaleza, manifiestos construidos

Su obra es una ideología y un compromiso ecológico, fue un activo militante del respeto a las leyes de la naturaleza y la preservación del hábitat natural. Escribió artículos y dió conferencias en favor de la protección de la naturaleza, el rescate de los océanos, y la defensa de las ballenas, y la selva tropical.

Su visión del mundo se centraba en la letra “e” de “espiral”, consideraba que cada persona, desde su propio “ser”, se rodea de capas “de significación”, y ellas determinan su relación con el universo.

Sus nombres

Huntderwasser cambiará de nombre varias veces como un ritual. “… Yo tengo muchos nombres y soy muchas personas…hay tantas cosas que hacer que me gustaría ser diez Hundertwasser para hacer diez veces más cosas. Como eso no puede ser al menos puedo tener muchos nombres”.

Nació como Friedrich Stowasser

Se auto bendijo como Friedensreich Regentag Dunkelbunt Hundertwasser

Se lo conoce como Friedensreich Hundertwasser,

Sto en checo significa cien o Hundert en alemán. Por eso, Stowasser o Hundertwasser. Friedensreich puede entenderse como «lugar de paz» o «Reino de la paz”. Regentag  que se traduce como «Día lluvioso». Dunkelbunt que se traduce como «Oscuro, multicoloreado».

De acuerdo a estas explicaciones su nombre Friedensreich Hundertwasser significa, «Reino de la Paz con Cientos de Aguas».

En algunas pinturas aparece su firma como 百水 (hyaku-sui), la traducción al japonés de su apellido.

Aún me “duele”, no haber podido ir a visitar la planta de tratamiento de residuos, así como tengo pendiente la Waldspirale… (Complejo residencial en Darmstadt, Alemania). 

Su vida

Nació en Viena, Austria el 15 de diciembre de 1928 y falleció en el Reino Unido el 19 de febrero de 2000 a los 71 años. Su madre era judía y su padre (que murió a los pocos meses de su nacimiento) protestante.

Su infancia transcurrió en un ambiente de extrema pobreza y bajo el clima asfixiante del nazismo, ello motivo que su madre decidiera bautizarlo para salvarlo y lo alistó en las juventudes hitlerianas.

En la escuela (en sus primeras etapas de educación -1936- asiste a clases en el colegio Montessori de Viena), usaba el brazalete amarillo obligatorio con la estrella de David de judío y en su casa el brazalete nazi que usaba cuando a medianoche irrumpían de inspección nocturna en su casa donde vivieron escondidos en el sótano hasta 1944. Cuando terminó la guerra estaba en un estado grave de desnutrición y fue enviado al campo a vivir, pero el resto de su familia fue delatada y asesinada por los nazis.  

En 1948 asistió a clases de pintura en la Akademie der Bildenden Künste, que, que abandonó a los pocos meses por encontrarla aburrida, no le incentivaban sus contenidos.

En esa época visitó las exposiciones de Egon Schiele (1890-1918) en la Albertina y de Walter Kaampmann (1887-1945) que lo influyeron notablemente. Admira también a Gustav Klimt (1862-1918), los grabados de Katsushika Hokusai (1760-1849) y el arte japonés, los colores de Paul Klee (1879-1940) y los paisajes y la las naturalezas pintadas por Henri Rousseau (1844-1910).

Le hubiera gustado presentarse como pintor (influyente con su “shock en el arte pictórico”), escultor, arquitecto (ejerció brillantemente como tal sin título académico), urbanista, diseñador gráfico, de fachadas, banderas, vestidos, gráfico y de estampillas. 

Como teórico desarrollo una filosofía del ambientalismo. 

Sus trabajos (total o parcialmente), han sido utilizados para elaborar banderas, sellos,  monedas, posters, escuelas, iglesias, lavabos públicos y se ha usado de modelo en Nueva Zelanda en el diseño de edificios. En 1983 dibuja un proyecto de bandera para Nueva Zelanda (Koru).(1)

Fue un nómade, vivió en Italia, y luego junto a tres amigos franceses –pintores- viajó a Sicilia haciendo auto-stop. Vivió en París durante 7 años en casa de una familia. Luego viaja a  Marruecos, Túnez, norte de África, Austria. Estos viajes, que hacia sin dinero, los financiaba creando obras que entregaba a cambio de alojamiento.

En 1950 se traslada a Paris para continuar sus estudios, que decide nuevamente abandonar para continuar su derrotero por el mundo.

En 1952 realiza su primera exposición individual en el Kunstverein de Viena y 2 años más tarde en el Studio Paul Facchetti de Paris.

Es su bandera más famosa. “La ley de la naturaleza es la ley del arte, la del juego aleatorio de la creatividad espontánea. Los detalles más espectaculares de la belleza de la naturaleza se nos presentan con total gratuituidad ¿Para qué sirven los preciosos dibujos sobre las alas de las mariposas o sobre las plumas del pavo real?”.

“…La belleza es siempre funcional. Es la base de todos los logros tecnológicos de la ecología. La prueba es la siguiente: estoy convencido de que las alas de las mariposas, ampliamente desplegadas al sol, son recolectores de energía que actúan a la manera de paneles fotovoltaicos de la energía solar, e incluso de forma más eficaz, gracias a la belleza del diseño que engalanan las mariposas y que contrasta con el rigor geométrico de los paneles colectores industriales”.

Diseñó sellos para las islas de cabo verde, así como para la administración postal de Ginebra. Su sello de 1,20 francos suizos para las Naciones Unidas, obtiene en 1984 el premio al sello más bello y la medalla de oro del Presidente italiano Sandro Pertini.

“…El sello debe vivir su destino… un auténtico sello debe sentir la lengua del expedidor cuando humedece la cola… el sello debe conocer el interior oscuro del buzón. El sello debe soportar el franqueo de correos. El sello debe sentir la mano del cartero cuando entrega la carta al destinatario… El sello sólo es auténtico cuando se ha enviado en una carta, si no, no ha viajado jamás… Este precioso fragmento de arte alcanza a todo el mundo como regalo que viene de lejos. El sello debe ser testigo de la cultura, de la belleza y del genio creador del hombre”.

Su diseño, Características e influencias

Creaba sus propios colores con materiales que encontraba: ladrillos, tierra, carbón…y los aplicaba en capas muy finas, de esa forma intensificaba el color consiguiendo más profundidad.

Planteó un rechazo a las líneas rectas, a la que llegó a denominar la “herramienta del diablo”, utilizó colores brillantes, formas orgánicas, fomento un diálogo entre los seres humanos y la naturaleza estimulando el individualismo.

“La utilización ciega, cobarde y estúpida de la línea geométrica recta, ha convertido nuestras ciudades en baldíos desolados desde el punto de vista estético, espiritual y ecológico…la línea recta y sus derivados son úlceras cancerosas que envenenan por igual, la planificación urbana y la salud física…me niego a construir casas que puedan dañar a la naturaleza y a las personas”.

“… A los trabajadores me limito a darles instrucciones de conjunto. Nada de reglas, escuadras, ni niveles de agua. Saben que pueden dar libre curso a su instinto y saben que yo lo apruebo…Hoy los sindicatos han sustituido a las cofradías. Solo hablan de salarios y de jornadas laborales, pero casi nada de formación profesional. Lo que intento promover entre mis obreros es la capacidad de innovar por medio del libre ejercicio de su creatividad. ¿Cómo podría la cerámica de mis paredes y mis columnas alcanzar semejante esplendor y diversidad, sin la libre iniciativa de mis albañiles y de mis enlosadores?”.

Puede vinculárselo al “Biomorfismo”, movimiento artístico del siglo XX. Este término (utilizado por primera vez en 1936 por Alfred Barr –1902-1981- ), se centra en poner el interés en la vida natural, utilizando formas orgánicas. (en un artículo de la Tate Modern vincula a éste movimiento a artistas como Joan Miró (1893-1983), Jean Arp (1886-1966), Henry Moore (1898-1986), Barbara Hepworth (1903-1975), Yves Tanguy (1900-1955)  y Roberto Matta (1911-2002).

Pintura

Podía pintar en cualquier lugar, en su casa o en la de amigos, en la carretera, en un café, un restaurante, en la naturaleza, viajara en tren o en aviones. No tenía un estudio, y el lienzo no se extendía necesariamente sobre un caballete, podía ser sobre cualquier superficie.

Cuando estaba en el camino, podía suceder que doblara el papel, pintando solo en la parte visible de su trabajo.

Durante sus viajes, dejaba sus pinturas inconclusas para retomarlas a su regreso.

Hundertwasser hizo sus pinturas de muchas formas, pintó con acuarelas, al óleo, al temple, al huevo, con lacas brillantes y utilizó tierra. Mezcló distintos materiales, exponiéndolos uno al lado del otro, para que contrastaran no solo en su color sino también en su textura. El «chasis» de sus pinturas lo hacía él mismo, y casi siempre estiraba su propio lienzo, enmarcándolo.

Experimentó muchas técnicas e inventó nuevas. Pintó en diferentes tipos de papel, prefiriendo los papeles de envoltura usados, que a menudo montaba en varios soportes, como tableros de fibra de madera, cáñamo o lino.

Pintó en materiales encontrados, por ejemplo, en piezas de madera contrachapada, que encajó, como se muestra en el trabajo 904 Pellestrina Wood, o en una centralita, como en 816 Switch Board.

Casi invariablemente, Hundertwasser anotó en el frente o reverso de sus pinturas dónde y la fecha en que las pintó, así como la información técnica sobre el trabajo.

Textos del libro: Hundertwasser 1928-2000, Catálogo Raisonné, Colonia, 2002. Volumen 2:

“ El color…un mundo de colores, es siempre sinónimo de paraíso. Un mundo gris o monocromático es siempre sinónimo de purgatorio o de infierno”.

“ …un buen cuadro está lleno de magia. Te hace sentir feliz, te hace reír o llorar, pone las cosas en marcha. Debe ser como una flor, como un árbol. Debe ser como la naturaleza. Es algo que se añora, cuando no está”.

Wieland Schmied (1929-2014), historiador y crítico de arte austríaco, curador, erudito literario y escritor, escribe acerca de la pintura de Hundertwasser:

“…Una parte importante del efecto de la pintura de Hundertwasser es el color, utiliza los colores de manera instintiva, sin asociarlos con un simbolismo definido de su propio invento. Prefiere los colores intensos y radiantes y le encanta colocar colores complementarios uno junto al otro para enfatizar el doble movimiento de la espiral, por ejemplo”.

La espiral es el símbolo de la vida y la muerte

Los espirales aparecen en sus obras a partir de 1953, inspirado en un documental “Imágenes de la locura” en la que enfermos esquizofrénicos de un hospital de Paris aparecen dibujando y pintando espirales. Aparece la “casa espiral”, una vivienda ecológica que reduce la contaminación y que aparece repetidamente en sus obras.

Esta espiral se encuentra en ese punto donde la materia inanimada se transforma en vida.

Estoy convencido de que el acto de creación tuvo lugar en forma de espiral. Toda nuestra vida procede en espirales.

Nuestra tierra describe un curso en espiral. Nos movemos en círculos, pero nunca volvemos al mismo punto. El círculo no está cerrado. Solo pasamos muchas veces por el mismo barrio. Es característico de una espiral que parece ser un círculo pero no está cerrada.

La verdadera espiral no es geométrica sino vegetativa, se vuelve más delgada y gruesa y fluye alrededor de los obstáculos que están en su camino.

La espiral muestra la vida y la muerte en ambas direcciones. Comenzando desde el centro, el infinito pequeño de la espiral significa nacimiento y crecimiento, pero al crecer más y más, la espiral se diluye en el espacio infinito y desaparece como olas que desaparecen en las aguas tranquilas.

Por el contrario, si la espiral se condensa desde el espacio exterior, la vida comienza desde lo infinito a lo grande, la espiral se vuelve cada vez más poderosa y se concentra en lo infinitamente pequeño que el hombre no puede medir porque está más allá de su concepción y que lo llama muerte.

La espiral crece y muere como una planta; las líneas de la espiral, como un río serpenteante, siguen las leyes del crecimiento de una planta. Sigue su propio curso. De esta manera la espiral no se equivoca.

Notas

1

El koru (en lenguaje Maori, es hablado en el este de la Polinesia) es una forma de espiral basada en la aparición de una nueva fronda del helecho plateado desplegable, simboliza nueva vida, crecimiento, fuerza y ​​paz. Su forma «transmite la idea de movimiento perpetuo», mientras que la bobina interna «sugiere regresar al punto de origen». Wikipedia.

continúa en Parte 2

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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1966 Kenzo Tange (1913–2005), Japón

Kenzo Tange (Sakai 1913 – 2005 Tokio) fue un arquitecto y urbanista vinculado vinculado a distintos movimientos arquitectonicos, al Moderno, al Metabolista y al Neo-futurismo.

En 1987 recibe el premio Pritzker.

Obras relevantes: Catedral de Santa María (1961/64 y 2007); Estadio Olímpico (1964); Shizuoka Newspaper and Broadcasting Corporation (1966/1967); Ayuntamiento de Tokio (1988/1991).

En el año 1994, viaje a Tokio para visitar a mis proveedores, GA (Global Architecture) de la editorial ADA EDITA; A+U (Architecture & Urbanism), y JA (Japan Architecture) las dos últimas de la editorial Shinkenchiku-sha Co.

El Ceo de GA, me fue a recibir al hotel, ya que el aeropuerto esta a 60 km de la ciudad y me trajo unas manzanas, tres exactamente.

En la revista GA las maravillosas fotografias las realizaba Yukio Futagawa, su hijo Tatsuo se ocupaba de la comercialización y la distribuidora la coordinaba Kawahara.

En su sede, pude ver como sacaban fotos de una maqueta, con algo que se asemejaba a una maquina de fotos descontracturada, separada en partes. Casi 2 horas para una foto, de la portada.

Al dia siguiente el director de A+U, Yasuhirto Teramarsu me llevó a recorrer la ciudad en metro, (con las ventajas de un metro excelente), fuimos a pasear a Shinjuku (que significa nueva posada), es uno de los barrios mas importantes administrativos y comerciales.

Vimos el edificio del Ayuntamiento, dificil comprender unas oficinas de casi 200 mil m2. El complejo consta de tres rascacielos, cada uno de los cuales ocupa una manzana. Sustituyó al antiguo Ayuntamiento de Tokio en Yūrakuchō, construido en 1957 tambien por Kenzo Tange, en la antigua ubicación del Ayuntamiento de Tokio, donde está ahora el Foro Internacional de Tokio.

La Catedral de Santa María

Ubicada en 3-15-16 Sekiguchi, Bunkyo-ku en Tokio.

Para descubrirla es necesario subir una pequeña loma, dando un paseo por las llamadas “mesetillas de Bunkyo”, que se distingue por sus cinco mesetas y varios valles, al noroeste de Shinjuku. Está rodeado por una espesa vegetación, al entrar (es necesario buscarla) uno queda asombrado por el clima de recogimiento que crea su planteo de contrastes, de luces y sombras.

El edificio original de madera de estilo gótico de 1899 fue destruido durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, como gran parte de la capital. Tange gana el concurso que le permite en 1961 su reconstrucción, planteando un proyecto muy diferente del original.

Décadas mas tarde en el 2007 se realiza una restauración, Taisei Construction Co. y Tange Associates, en un trabajo conjunto realizan una gran tarea, cambian las partes afectadas por el óxido y el desgaste del tiempo, principalmente el techo.

La catedral tiene una planta de cruz latina a través de la cual se abren ocho muros con forma de parábola hiperbólica. Estos muros crean cuatro grandes vidrieras que dejan pasar la luz natural formando una cruz de luz.

Presenta un enorme contraste entre la luz natural y su interior realizado en hormigón.

El efecto de la luz solar sobre la superficie exterior va cambiando según la hora del día y la inclinación de los rayos del sol. La puerta de madera de acceso al interior se encuentra entre dos grandes muros revestidos, que dan forma a una de las cuatro grandes vidrieras del edificio.

Video donde se muestra desde diferentes ángulos la fachada de la Catedral de Santa María revestida de aluminio galvanizado y marcos de acero inoxidable ferrítico tipo 445J1 (1) con un acabado en relieve grabado.

Shizuoka Newspaper and Broadcasting Corporation

Ginza 8-3-7, Barrio Chuo en Tokio

En 1966 la Shizuoka Newspaper and Broadcasting Corporation encarga al arquitecto japonés Kenzo Tange la construcción de su sede en el distrito de Ginza.

Se trata del primer proyecto en el que logra unir sus conceptos de arquitectura espacial y de planeamiento urbano (ya figura en su Plan de Tokio de 1960).

También se trata de la primera realización de las ideas metabolistas de Kenzo Tange, inspiradas en el crecimiento orgánico y desarrolladas en los años cincuenta.

Un recuerdo… en el 2018, como suelo hacer, deje mi movil sobre el asiento del taxi, que me llevó hasta la puerta de la Shizouka, apenas baje me di cuenta, pero era tarde. Ni siquiera tenia el tiket, cosa que hubiera sido bueno hacer, pero no lo hice.

En el movil tenia todo lo del viaje, mails, hoteles, direcciones…. desesperado entré al edificio, y como pude (en realidad como no pude) le explique al recepcionista lo que me habia sucedido, no hablabamos ninguna lengua común. Bajaron dos personas de la empresa, me trajeron una silla, y una coca cola, me dijeron que me tranquilice. Hablaban inglés.

Llamaron a ls empresas de Taxis de Tokio y les dieron el datos de mi viaje, hora y lugar. Quedaron en averiguar. Al rato, me dijeron que ubicaron el coche, pero que el chofer estaba en un viaje y no podia hablar, me pidieron que fuera a mi hotel.

Al llegar al hotel, la recepcionista me dijo que el taxista venia con mi movil. Cuando lo vi, lo abrace y quise darle una propina, no la aceptó, me dijo que yo era un cliente, y el me daba ese servicio. Tomamos algo juntos, que alegria me dió.

Dicen que “los japoneses” no se tocan, yo al mejor estilo criollo, lo abrace y percibi que lo entendia, la recepcionista viendo mi entusiasmo, tambien sonreía.

La lista de sus obras es muy importante, podria señalar One Raffles Place, anteriormente Overseas Union Bank Centre o OUB Centre (1988); las Torres Shinjuku Park (1990/1994); el Bank of Shanghai Headquarters (2002/2005);el Mode Gakuen Cocoon Tower (2006/2008) entre muchas otras.

“La Arquitectura es la creación de una forma especial de comprensión de la realidad. Se trabaja y transforma la realidad a través de la construcción de un importante objeto de uso. La forma artística de este objeto, por otro lado, tiene la doble cualidad de servir de espejo y enriquecerlo.
Esta comprensión de la realidad que tiene lugar a través de la creación de la arquitectura exige que tanto la anatomía de la misma, como su estructura sustancial y espiritual, sea comprendida como un todo”. Kenzo Tange.

1967 Wallace Harrison (1895–1981), Estados Unidos

Wallace Kirkman Harrison (1895 – 1981) comenzó su carrera profesional en el estudio de Corbett, Harrison & MacMurray, participando en la construcción del Rockefeller Center. Su trabajo es conocido por la ejecución de grandes proyectos públicos en Nueva York y el norte del estado, muchos de ellos como asesor de Nelson Rockefeller.

Obras relevantes: 1211 Avenue of the Americas (1971/1973); Metropolitan Opera House (1963/66);

El edificio formaba parte de la ”expansión tardía” del Rockefeller Center, se los conoce como los edificios XYZ. ​

Sus planos fueron dibujados por primera vez en 1963 por el “arquitecto de la familia Rockefeller” Wallace Harrison, del estudio de arquitectura Harrison & Abramovitz.(2)  

Sus letras tienen relación con la altura de cada torre, de mas alta a mas baja.

1251 Avenue of the Americas es el edificio X, el más alto con 229 m y 54 pisos, fue terminado en 1971. La empresa Esso (rebautizada como Exxon) se instalaría en la torre.

1221 Avenue of the Americas es el edificio Y tiene 205 metros con 51 pisos, completada en 1973. La editorial McGraw-Hill la ocupó.

1211 Avenue of the Americas, es el  edificio Z de 180 metros y 45 pisos. La empresa Celanese la ocupó en 1973.

El pedido requería que cada torre incluyese una plaza frente a ellos, siguiendo los lineamientos del Centro Lincoln Center for the Performing arts en el Upper West Side. (3)

Las plazas frontales serían grandes espacios de reunión, desde 1916 la Ley de Zonificación permitia compensar la superficie de las plazas con mas espacio para las oficinas de cada edificio.

La Ópera Metropolitana de Nueva York (Metropolitan Opera House, Metropolitan o Met) es una compañía, teatro de ópera, y de música clásica, ubicado en el 30 Lincoln Center Plaza. Es uno de los más importantes de la ópera mundial, ofrece  mas de 220 representaciones de Ópera. Su capacidad es de 3.800 espectadores.

Ver video de GoandseeTV https://youtu.be/afvJ9dbPoVY

La Sede de las Naciones Unidas fue construida en Nueva York entre 1949 y 1950 junto al East River, en 69 mil metros cuadrados de tierra compradas por Nelson Rockefeller  al principal constructor neoyorquino de la época, William Zeckendorf en ocho millones y medio de dólares.

La familia Rockefeller había ofrecido unos terrenos que tenian en Kykuit, pero fue rechazada al considerarse que estaba alejada de Manhattan.

La selección del Arquitecto

El arquitecto norteamericano Wallace Harrison fue nombrado director de planificación y los diferentes gobiernos miembros nombraron al consejo asesor en diseño.

El proceso no fue fácil ni rápido, pero finalmente lo conformaron Oscar Niemeyer (1907 – 2012) de Brasil; Julio Villamajo (1894 – 1948) de Uruguay; N.D. Bassov (1922 – 2001) de la Unión Soviética; Gaston Brunfaut (1894 – 1974) de Bélgica; Ernest Cormier (1885 – 1980) de Canadá; Le Corbusier (1887 – 1965) de Francia; Liang Ssu-cheng (1901 – 1972) de China; Sven Markelius (1889 – 1972) de Suecia;  Howard Robertson (1903 – 1961) del Reino Unido; y G.A. Soilleux (Australia).

Cada arquitecto presentó al menos una propuesta sobre la cual luego se trabajaría en conjunto. El comité estudió más de 50 propuestas antes de escoger la ganadora.

Además de los 39 pisos sobre el nivel del suelo dedicados a alojar las oficinas de los distintos países el complejo cuenta con tres plantas subterráneas que comunican la torre de la secretaria con el edificio de conferencias.

1968 Marcel Breuer (1902–1981), Hungría

Marcel Lajos Breuer fue un arquitecto, profesor, y diseñador de mobiliario e industrial  húngaro de origen judío. Uno de los principales maestros del Movimiento Moderno que mostró un gran interés por la construcción modular y las formas sencillas.

Obras relevantes Silla B3, más conocida como Silla Wassily, (1925/1926); Casa Gropius, Lincoln, Massachusetts (1937/1938); Parador Ariston, Mar de Plata, Argentina (1946-1947); Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York (1966);

Obras del arq Marcel Breuer https://www.urbipedia.org/hoja/Plantilla:Obras_de_Marcel_Breuer

La silla Wassily o Modelo B3, fue diseñada por Breuer mientras era director del taller de ebanistería en la Bauhaus de Dessau.

A pesar de la creencia popular, la silla no fue diseñada para el pintor no-objetivista Wassily Kandinsky, quien fue también docente en la Bauhaus. Sin embargo, Kandinsky había admirado el diseño, y Breuer fabricó un duplicado para la oficina personal de Kandinsky. La silla llegó a conocerse como «Wassily» decenios más tarde, cuando fue re-editada por un fabricante italiano Gavina que había conocido la anecdótica conexión con Kandinsky en el curso de sus investigaciones sobre los orígenes de la silla.

El diseño de la silla fue especialmente revolucionario para la época, por su uso de tubos de acero y su método de fabricación, que copiaba el sistema de fabricación de los tubos de las bicicletas. La estructura original era de acero niquelado, posteriormente cromado, y doblado. El asiento y el respaldo era de cuero, lona o tela.

La foto del sillón B46 de acero y madera (1928/1930) de Breuer la he tomado en Noviembre del 2024 en la exposición “Tiempos Inciertos. Alemania entre guerras” en la Caixa Forum de Madrid.

Detrás estaba expuesto el Taburete B8 de acero y fibra textil sintética (1928/1930)  y la mesa B12 de acero y madera (1928/1930). Todos diseños de Breuer.

Casa Gropius

Arquitectos Walter Gropius y Marcel Breuer

Ubicada en 68 Baker Bridge Road, Lincoln, Massachusetts.

Videos

Casa Gropius. Método sustractivo. Ziiar Matt

Video producida por Pinky Chan, Shirley Liew, Lim Hui Sim, Gab Liew, Tan Shing Yeou. 1 sept 2014.

En 1934 debe salir de Alemania y se dirige a Londres, se instala en el edificio Isokon https://onlybook.es/blog/el-edificio-isokon-lawn-road/

Fue (refugio) y vivienda entre otros de Walter Gropius, Marcel Breuer, László Moholy-Nagy, Sybil Moholy-Nagy, James Stirling, Agatha Christie entre muchos otros famosos,

En 1937 Gropius llega a la ciudad de Lincoln, en Estados Unidos con su familia y la compañía de algunos muebles que se habían fabricado en la Bauhaus. Debido a su condición de inmigrante recibió facilidades económicas para establecerse, proyectó su casa con influencias directas de la arquitectura de Nueva Inglaterra en colaboración de Marcel Breuer.

En 1969 a la muerte de Gropius, su mujer cedió la propiedad a la Sociedad para la Conservación de Antiguedades Históricas de Nueva Inglaterra, en 1974, pero siguió viviendo en la casa hasta su muerte en 1983. Dos años después de su muerte, se abrió como Casa Museo Histórico.

Parador Ariston

Ver https://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

Mi relacion con esta obra lleva muchos años, que incluyeron conocer gente fantástica que desea que se recupere este patrimonio argentino, obra del arq Marcel Breuer.

El link de mas arriba lo realice a comienzos de marzo del 2017. Ha tenido a la fecha mas de 14 mil visualizaciones, y ha motivado muchas publicaiones (incluida la del New York Times del 21 de abril de 2019) que repercutió en otros medios), conferencias (como la que realizamos en la casa sobre el Arroyo (4) de Amancio Williams (Buenos Aires 1913 – 1090 Ibid.) y  Delfina Gálvez Bunge (Buenos Aires 1913 – 2014), que consiguió sea declarado Monumento Historico Nacional.

Hemos realizado muchas conferencias en Argentina, Perú y Guatemala y reportajes en medios de difusión.

Está situado en el barrio La Serena en Mar del Plata, diseño de Marcel Breuer junto a Eduardo Catalano (Buenos Aires 1917 – 2010 Boston) y Francisco Coire, fue financiado por la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Bs As. Construído en 1948, en tan solo 60 días.

Un largo muro rectilíneo construido en piedra de la zona contenía a una pequeña caja vidriada que constituía el acceso principal, con el apoyo de sanitarios y guardarropa. Ese mismo muro vinculaba al edificio con un prisma rectangular donde se albergaban los cuartos del personal de servicio del parador.

Sobre la pared se recostaba una escalera exterior que llegaba hasta el área más “cerrada” del volumen principal, donde se ubicaba la zona de barra.

Como era el deseo proyectual del trebol, el largo perímetro vidriado de la planta alta permitía dominar el paisaje, excepto en la zona que recibía el sol del oeste, que fue intencionalmente cerrada con el diseño de la carpintería.

La estructuras fue realizada mediante losas de doble armadura, vigas invetidas y material de lava volcánica que permite mostrar unas líneas gráciles que aún hoy asombran.

Las losetas de lava volcánica, fue un material de poco uso para la época.

Agrego un hermoso cuento que escribió mi amigo y arquitecto Gustavo Nielsen, aqui está (gracias Gus)

Escombros de un paraíso

El Museo Whitney de Arte Americano

El edificio está diseñado como un zigurat de granito invertido que se retranquea en sus niveles inferiores como un gesto que a la vez sugiere distanciamiento y atracción a su interior. (5)
El Museo Whitney de Arte Americano, actual MET Breuer, es una joya a contracorriente de la arquitectura de Nueva York. Breuer optó por el contraste y el diálogo de contrarios, su bloque compacto, ensimismado, casi ciego, genera curiosidad por lo que encierra.

Frente a la esbeltez apabullante de los rascacielos que lo rodean, el edificio que creó Breuer para el anterior Museo Whitney se alza como bloque tectónico y silencioso que invita a una mirada reposada sobre el arte. En la fachada lateral, nos sorprenden pequeñas ventanas de abertura oblicuas.

«Quería transformar la vitalidad de la calle en la profundidad del arte”. Marcel Breuer

Notas

1

El acero inoxidable Tipo 441 es un acero inoxidable ferrítico, de buena resistencia a altas temperaturas. Su forma en en láminas, cuando se lo estabilizan con niobo y titanio proporciona buena ductilidad ante la soldadura y resistencia a la corrosión

2

El estudio Harrison & Abramovitz estuvo activo activo desde 1941 hasta 1976.

3

El Upper West Side es un barrio del distrito de Manhattan, entre el Central Park y el río Hudson al norte de la Calle 59 Oeste.

4

La conferencia “Identidad Patrimonial en riesgo”, realizada el 9 de diciembre de 2019 por los arquitectos Hugo Kliczkowski, Gustavo Nielsen y Guillermo de Diego. Moderaba Calina Artigas y Fernando Martín.

5

David Quesada Redactor jefe de Arquitectura y Diseño, agosto del 2020.

Continua en https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-7ma-parte-de-wilson-wurster-a-louis-kahn/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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La Medalla de Oro del AIA 

Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».

Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

1962 Eero Saarinen (1910–1961), Finlandia/EEUU

Obras relevantes: El David S. Ingalls Rink es una pista de hockey sobre hielo, conocido como la ballena (1953/1958); CBS Building (1961/1965); Arco Gateway (1963/1965).

Ver nota sobre la Universidad de Yale y obras de Eero Saarinen: https://onlybook.es/blog/un-paseo-por-la-universidad-de-yale-paul-rudolph-louis-kahn-eero-saarinen-gordon-bunshaft-7a-parte-y-final/

Al rascacielos CBS, la llaman también “La Roca Negra”, ubicado en el Midtown de Manhattanl, al 51 de la calle 52 West, esquina Avenida de las Américas (6ta Av). Tiene 38 plantas con una superficie de 81.000 metros cuadrados.

El Arco Gateway, o la Puerta hacia el Oeste, es la parte más importante del Monumento a la Expansión Nacional de Jefferson (expansión hacia el oeste de los EEUU) ubicada en San Luis, Misuri. Cuenta con 200 metros de altura máxima, lo que lo convierte en el monumento accesible más alto hecho por el hombre en los Estados Unidos, una estructura arquitectónica con forma de arco catenario aplastado.

1963 Alvar Aalto (1898–1976), Finlandia

El arquitecto y diseñador Alvar Aalto (Hugo Alvar Henrik Aalto, Kuortane, Ostrobotnia del Sur 1898 – 1976 Helsinki), formó parte del Movimiento Moderno.

Participó en los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna).

En Espacio, tiempo y arquitectura, publicado en 1949, el historiador Sigfried Giedion Giedion (1888 – 1968) sitúa a Aalto al nivel de los grandes como Le Corbusier, Mies van der Rohe, Walter Gropius y Frank Lloyd Wright, y como uno de los impulsores del Movimiento Moderno.

El movimiento moderno, estilo internacional o racionalismo, se desarrolló entre 1925 y 1965, sin duda es la principal tendencia arquiectónica de la primera mitad del siglo XX.

Cada tres o cinco años, en su honor desde 1967 se concede la “Medalla Alvar Aalto”, que otorga el Museo finlandés de Arquitectura y la Asociación Finlandesa de Arquitectos (SAFA).

La ceremonia se desarrolla en el Centro Alvar Aalto Symposium de la ciudad de Jyväskylä, lugar de nacimiento de Alvar Aalto. (1)

“Todo lo que es superfluo se vuelve feo con el tiempo”, Alvar Aalto un arquitecto funcionalista y orgánico.

Aalto visita España en 1951 (Barcelona, Madrid, Palma, Granada), su llegada fue el detonante para la creación del Grupo R (que se reconocía en el GATCPAC y el CIAM y reunía a arquitectos como Antoni de Moragas, Josep Antoni Coderch, Joaquim Gili, Josep Maria Sostres, Manuel Valls, Oriol Bohigas, Josep Martorell), y para el “Manifiesto de la Alhambra”, que quería recuperar las propuestas del Movimiento Moderno.

Obras relevantes: La Villa Mairea (1938); La Universidad Politécnica de Helsinki (1949/1969); El ayuntamiento de Säynätsalo (1950/1952).

La Villa Mairea es una casa de veraneo construida en Noormarkku en Finlandia por los arquitectos Alvar Aalto y Aino Aalto.

La Universidad Politécnica de Helsinki está ubicada en Otakaari 1, distrito de Otaniemi, en la parte este de Espoo en Finlandia.

Ayuntamiento de Säynätsalo. El edificio que ocupa actualmente es una de sus obras más importantes. 

La obra es exquisita, y muy bien resuelta, “esa escalera” que conduce al patio distribuidor deja a uno admirado, en ese viaje vi tambien su Casa Experimental, construída en la costa occidental de la isla de Muuratsalo en el lago Päijänne en Finlandia (1952/1953) proyecto de Elissa y Alvar Aalto.

Hasta 1994 fue la residencia de verano, una casa-oficina, actualmente el Museo Aalto está a cargo de la casa, y permite visitarla.

En el primer piso de la csa, en una habitación, en una biblioteca con algunos libros, vi (no puedo evitar emocionarme, ni dejar de mencionarlo) nuestro libro de la colección Archipocket dedicado a Alvar Aalto. (editorial H Kliczkowski del 1 de enero de 2002) con textos en español, luego vendimos a la editorial alemana teNeues los derechos para otras 4 lenguas, alemán, inglés, francés e italiano.

Ver https://onlybook.es/blog/introduccion-a-la-revista-casas-internacional-187/

Encontraron el sitio para la casa cuando viajaron a la isla mientras el Ayuntamiento de Säynätsalo estaba en construcción. Compraron la isla que por entonces estaba deshabitada con el objetivo de aislarse. El único modo de llegar era en barco y para ello Alvar Aalto construyó uno. La torre de la iglesia de Muurame diseñada por el arquitecto entre 1926 y 1929 se puede ver a lo lejos.

La casa se ubica frente a la playa en el linde del bosque de pinos que tiene la isla. Está protegida por el sur de una pequeña cordillera. Aalto utiliza esta particularidad del terreno, creando entre la cordillera y los pequeños pabellones, un espacio de trabajo, la interacción entre el terreno y el volumen principal es también importante.

El prisma cuadrado del que se compone la casa es recortado por el terreno y la cubierta a dos aguas. El desnivel del emplazamiento permite situar, bajo el nivel de la casa, debajo del salón, un pequeño refugio para embarcaciones. El volumen, agujereado por oeste y sur (que son las mejores orientaciones en Finlandia), tiene una presencia importante cuando se sube por el embarcadero.

Aalto quiso empezar una nueva vida en Muuratsalo, y sin duda se valió de la calificación “experimental” como pretexto para construir el refugio anhelado, el “paraíso terrenal”, escapando de su pasado a bordo del bote diseñado por el mismo al que llamó “Nemo Propheta in Patria”, y que, al igual que la casa, el bosque, el lago o las rocas, es parte de la arquitectura.

En el bote, Aalto vivió la experiencia reconfortante de la partida y de la llegada, “recorriendo la travesía de lo técnico a lo humano para rencontrarse en el paisaje y la naturaleza”.

“Cada casa, cada producto digno del arte de construir, aspira a ser una prueba de que queremos edificar el paraíso terrenal para los hombres”. Alvar Aalto

“En Muuratsalo, la arquitectura empieza en el lugar, quizás incluso antes, en la elección del propio lugar. Aalto escoge una isla desierta a la que sólo era posible acceder en bote cruzando el lago Päijänne. Un lugar alejado e inaccesible en el que poder desarrollar sus ideas con absoluta libertad. En Muuratsalo lo esencial es que la arquitectura está en la naturaleza y ésta, a su vez, forma parte de la arquitectura. Cada roca, cada árbol, el cielo, el lago, son también la arquitectura”.

Aalto, al igual que Le Corbusier, siempre se sintió atraído por el mundo clásico de la antigua Grecia, y tras su viaje de 1952 por España, Italia y Marruecos, decidió construir en el frio clima nórdico una modesta “casa patio”, “sin duda producto de la fascinación al observar la riqueza de los espacios intermedios. En la casa de Muuratsalo, como en la casa mediterránea, el patio es el centro del hogar y del habitar, es la habitación donde observar el cielo y meditar, el espacio fundamental en torno al que se articulan los demás; y en su centro un lugar para el cuidado del fuego, símbolo de continuidad”.

“A escasos metros de la casa, entre los árboles, hoy el bote permanece varado dentro de un cofre de listones de madera. Contemplándolo rodeado de tanta belleza uno se pregunta si no es tiempo de considerar alternativas a esta arquitectura nuevamente globalizada que parece perderse a medio camino entre la tecnología, la máscara y el artificio. Quizá todos deberíamos algún día poseer un bote como el de Muuratsalo, en el que poder despojarnos de lo superfluo, y escapar de lo intrascendente, para con ello siquiera poder aspirar alguna vez a “edificar el paraíso terrenal para los hombres”. Arquitectos J.L. Saez y F. Vigueras. El bote de Muuratsalo – despuntes

El bote de Muuratsalo

Rafael Moneo (1937), con motivo de la muerte de Aalto en 1976 publica en un artículo: “Aalto hablaba poco de arquitectura: dejaba que aquella hablase por sí misma….. Alvar Aalto no necesitó otros manifiestos que sus obras. Y, eso sí, sus obras eran (al menos así pienso que pueden ser entendidas) auténticos programas, furiosos ataques contra las arquitecturas académicas, contra cualquier forma que fuese de ortodoxia, contra la norma: Aalto parecía disfrutar con aquella continua negación de la forma que son sobre obras… lo protegía el sabio empleo de los materiales, el control de las sensaciones, el dominio de los espacios y de la luz, el conocimiento de las necesidades y del uso”. (Artículo: “Rey muerto sin Rey puesto”, publicado en el núm. 13-14 de la revista Arquitecturas bis).

1964 Pier Luigi Nervi (1891–1979), Italia

El ingeniero Pier Luigi Nervi estudió en la Escuela de Ingeniería civil de la Universidad de Bolonia graduandose en 1913. Ejerció la docencia en la Universidad de Roma entre 1946 y 1961. Era y es reconocido por su brillantez como ingeniero estructural y su novedoso uso del hormigón armado, es uno de los máximos exponentes del movimiento de arquitectura racionalista de los años veinte y treinta del siglo XX.

Obras relevantes: El Palazzetto dello Sport (1956/1957); Tour de la Bourse en Montreal (1964); Catedral de Santa María de la Asunción de San Francisco (California 1967) en colaboración con Pietro Belluschi FAIA(1899 – 1994).

El Palazzetto dello Sport o Pala Tiziano es un edificio multifuncional, principalmente utilizado para deportes, está en el distrito Flaminio en Roma.

Diseñado en 1956 por el arquitecto Annibale Vitellozzi (1902 – 1990) y el ingeniero Pier Luigi Nervi, se construyó para los XVII Juegos Olímpicos de Roma. La renovación realizada en el 2023, devolvió el edificio a su estado original.

La Tour de la Bourse es un rascacielos de 48 plantas situado en Montreal, en la intersección de Victoria Square y la Rue Saint-Jacques en el Quartier international de Montréal. Está conectada subterráneamente con la estación de metro de Square-Victoria.

La catedral es una cruz cubierta en una base cuadrada. Ocho paraboloides hiperbólicos de concreto hacen la transición del cuadrado a la cruz, elevado a una altura de aproximadamente 58 metros.  Algunos objetos de arte están suspendidos sobre el altar, como la escultura cinética de Richard Lippold (1915 – 2002) que aparece suspendido por hilos de oro.

Notas

1

Lista de galardonados con la Medalla Alvar Aalto

1967 Alvar Aalto (1898 – 1976) Finlandia

1973 Hakon Ahlberg (18891 . 1984) Suecia

1978 James Stirling (1926 – 1992) Reino Unido

1982 Jørn Utzon (1918 – 2008) Dinamarca

1985 Tadao Ando (1941) Japón

1988 Álvaro Siza (1933) Portugal

1992 Glenn Murcutt (1936) Australia

1998 Steven Holl (1947) Estados Unidos

2003 Rogelio Salmona (1927 – 2007) Colombia

2009 Tegnestuen Vandkunsten (estudio formado en 1970) Dinamarca

2012 Paulo David (1959) Portugal

2015 Fuensanta Nieto (1957) y Enrique Sobejano (1957) España

2017 Zhang Ke (1970) China

Continua en https://onlybook.es/blog/17295-2/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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La Medalla de Oro del AIA 

Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».

Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

1959 Walter Adolph Georg Gropius (1883–1969), Alemania

Fue arquitecto, urbanista y diseñador fundador de la Escuela de la Bauhaus.

Walter Gropius comenzó su carrera como arquitecto bajo la dirección de Peter Behrens (1868 – 1940). (1)

Se unió al movimiento modernista de la Deutscher Werkbund (2) , y en 1911 logró una obra maestra con la Fábrica Fagus (3) junto Adolf Meyer. (4)

Obras relevantes: Fábrica Fagus (1911/1925); El campus de la Bauhaus en Dessau (1925/1926); el edificio Pan Am (1960/1963)

En 1919, tras la Primera Guerra Mundial, se hizo cargo de la Escuela de Artes Aplicadas de Weimar, a la que rebautizó Bauhaus. Introdujo una nueva forma de enseñar el arte y la técnica. (5)

Diseñó para la escuela los famosos edificios de la Bauhaus en Dessau (Sajonia-Anhalt). En 1926 dejó su cargo de director de la Bauhaus y continuó su trabajo como arquitecto, la situación política y la falta de encargos le llevó a emigrar al Reino Unido, entre 1934 y 1937 Gropius vivió en las afueras de Londres, en el edificio Isokon (1932/1934) diseñado por el arquitecto Wells Coates,(1895 – 1958).

Tuve la ocasión de visitar el edificiolo, todo esto lo cuento en https://onlybook.es/blog/el-edificio-isokon-lawn-road/

En 1937 se dirige a los Estados Unidos donde es nombrado profesor de la Universidad de Harvard, allí formó una generación de arquitectos.

Ver https://onlybook.es/blog/bauhaus-5-y-gropius/

Hay un tema que no debe ser soslayado, Gropius no permitió que las mujeres estudiaran arquitectura, aún en contra de las leyes de la República de Weimar que establecían la educación universal.​

A las mujeres solo se les permitía participar en los talleres textiles o de cerámica.

Ver https://onlybook.es/blog/bauhaus-de-construyendo-el-amor-revista-coencuentros/

1960 Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969), Alemania

Fue alumno de Peter Behrens.

Junto a Walter Gropius, Frank Lloyd Wright y Le Corbusier se lo reconoce como uno de los pioneros de la arquitectura moderna.

Fue el último director de la Bauhaus, cuando el nazismo, que se oponía frontalmente a la modernidad, que era lo que la escuela representaba (su mérito entre otros peores y criminales fue acuñar el término Arte Degenerado).

Mies emigra a los estados Unidos, y pasa a dirigir la escuela de arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago.

Obras relevantes: El pabellón de Alemania, junto a Lilly Reich, fue el edificio de representación de Alemania en la Exposición internacional de Barcelona (1929); Casa Farnsworth(1946/1951); S. R. Crown Hall (1956) sede de la Facultad de Arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago, Illinois, halagada como «el Partenón del siglo XX; El Seagram Building (1958) ubicado en el 375 de Park Av. entre la 52 y la 53 en el centro de Manhattan). Torre de oficinas proyectada por Ludwig Mies van der Rohe junto a Philip Johnson (1906 – 2005) y la ingeniería de Severud Associates;

1961 Le Corbusier – Charles Edouard Jeanneret-Gris – (1887–1965), Suiza

Fue arquitecto, pintor, escritor, urbanista, fotógrafo, dibujante, artista textil, artista visual y diseñador 

Obras relevantes: Capilla Notre Dame du Haut (1950/1955); Villa Savoye (1929); Unité d’Habitation; La Ville Radieuse (1947/1952).

Le Corbusier (I) Fundación Caja de Arquitectos

La capilla de Notre Dame du Haut en Ronchamp, Francia, se la conoce como Ronchamp, oficia el culto católico.

La Villa Savoye, conserva el apellido de su primer propietario, ​está situado en Poissy, a una hora a las afueras de París, es un suburbio con largas calles de casas unifamiliares con jardín.

El predio domina el valle del Sena en la Rue de Villiers.

Es sin duda el paradigma de la Arquitectura Internacional y de la referencial arquitectura del siglo XX, junto a la Casa Farnsworth (1945/1951) de Ludwig Mies van der Rohe; la Casa de la Cascada (1936/1938) de Frank Lloyd Wright; la Casa Sobre el Arroyo (1943/46) de Amancio Willams y Delfina Gálvez y la Villa Mairea (1937/1939) de Alvar Aalto y Aino Marsio.

Ver Sketches https://onlybook.es/blog/sketches-de-le-corbusier-viaje-a-oriente-y-burdeles-de-paris/

Le Corbusier la consideró un prototipo tipológico para sus futuras construcciones en serie, ya en 1927 había planteado los Cinco Puntos para una nueva Arquitectura que desarrolla en ésta obra.

-La Villa Savoye se levanta, aislada del suelo sobre un sistema de pilotes.

–Planta libre, conseguida mediante la separación entre columnas de carga y paredes subdivisorias del espacio.

–Fachada libre, al perder el muro su función sustentante, no hay fachada principal y carece de elementos decorativos.

–La cubierta plana es transformada en jardín, sustituyendo el tejado y recuperando la zona de suelo cubierta por el bosque.

–La ventana longitudinal permite que el espacio natural, el espacio exterior, se integre con el espacio artificial, el interior, a la vez que uniformiza la entrada de luz.

​Sus dueños la habitaron por un corto espacio de tiempo, en 1940 tras la invasión alemana fue abandonada, bombardeada e incendiada. En 1963 la Villa Savoye fue declarada patrimonio arquitectónico por parte del gobierno francés que la restauró. Actualmente funciona como una “casa-museo” dedicada a la vida y las obras de Le Corbusier. La conserva la sociedad pública Monuments of France.

La Unité d’Habitation, o «Unidad de Habitación’, es el nombre de un concepto de tipología residencial del movimiento moderno desarrollado por Le Corbusier, con la colaboración del arquitecto y pintor portugués Nadir Afonso Rodríguez (1920 – 2013) (GOSE) (6), quien fuera pionero de la abstracción geométrica.

El concepto fue la base de varios conjuntos de viviendas diseñados por él en toda Europa, No todo le resulto fácil, Le Corbusier fue muy crítico en la falta de calidad general en Berlin, ya que los arquitectos no habían aplicado ninguna de sus detalladas instrucciones en los interiores y en la estructura exterior.

Cité Radieuse

El primer y más famoso de estos edificios, conocido como Cité Radieuse (ciudad radiante) e incluso La Maison du Fada («La casa del loco»), ​ ubicada en Marsella, Francia.

El edificio supone uno de los trabajos más famosos de Le Corbusier, siendo enormemente influyente y a menudo citado como fenómeno inspirador de la filosofía y estilo arquitectónico brutalista.

El edificio de Marsella, desarrollado junto con los diseñadores de Le Corbusier Shadrac Woods (1923 – 1973) y George Candilis (1913 – 1995) es un prisma rectangular de 130 m de longitud y 56 m de altura, elevado del suelo mediante grandes pilotis de hormigón. Sus 337 apartamentos en forma de dúplex se distribuyen en doce plantas. El edificio también incorpora tiendas, equipamientos deportivos, educativos y sanitarios, y un hotel. El volumen se remata con una cubierta plana transitable concebida como una terraza comunitaria, adornada con chimeneas de ventilación que adoptan formas escultóricas, y que alberga una pista de atletismo y un estanque de poca profundidad.

En el interior, los pasillos atraviesan el centro del eje longitudinal cada tercer piso del edificio, dando acceso al nivel de entrada de los dúplex, que se extienden de una fachada a la otra en el piso superior e inferior de cada pasillo, los mismos rematan en un balcón Brise soleil.

A diferencia de muchos de los diseños posteriores inspirados en el edificio de Marsella que carecen de las generosas proporciones del original, así como de sus instalaciones comunitarias y zonas verdes, la Unité es muy popular entre sus residentes, actualmente la habitan principalmente profesionales de clase media.

El edificio se construyó en béton brut (hormigón visto), pues en la escasez de la posguerra, el diseño en estructura metálica previsto inicialmente resultó ser demasiado costoso.

Controversia Política

https://www.swissinfo.ch/spa/cultura/le-corbusier-verdades-inc%c3%b3modas/41584950

https://www.swissinfo.ch/spa/cultura/le-corbusier-verdades-inc%c3%b3modas/41584950

Eileen Gray

Cuando escribi la nota sobre la casa E-1027 de Eileen Gray y los enfrentamientos que tuvo con Le Corbusier, descubrí un hecho no muy difundido, como el símbolo nazi en uno de los murales.

Eileen Gray. la casa E-1027, historia de una excepción

El enfrentamiento se debió a que Le Corbusier pinto ocho murales con la complicidad del ex esposo de Eileen, Jean Badovici.

En uno de ellos, pintó una cruz gamada. Jean Badovici (1893 – 1956) era arquitecto, crítico y editor rumano, había colaborado en parte en el diseño de la casa. 

Esto ya lo había escuchado en la conferencia que dio la arquitecta Beatriz Colomina en la Fundación Juan March en Madrid. En ella habló de Eileen Gray (Enniscorthy, Irlanda 1878 – 1976 Paris) de su casa E-1027 (7) y su relación, amor/odio con Le Corbusier.

En uno de los murales, pintó una cruz esvástica sobre el pecho de la mujer ubicada a la derecha (se ve en las fotos).

Sin ninguna intención especial, comparto los datos e informaciones que conozco, asi como las Relaciones políticas e ideológicas de Le Corbusier.

En 1934, fue invitado por Benito Mussolini (1883 – ejecutado en 1945 ) a una conferencia en Roma.

A principio de los ´40, le fue dado a Le Corbusier el cargo de urbanista en el gobierno nazi de Vichy, dirigido por el general Henri Philippe Benoni Omer Pétain (1856 – 1951) para supervisar los diseños de varias ciudades, incluyendo Algeria. Cuando sus planes fueron rechazados, Le Corbusier dejó la vida política junto al régimen de Vichy, que permitió la deportación de cientos de miles de judíos y gitanos a los campos de exterminio nazis.

Le Corbusier, verdades incómodas

Cuando se festejó el 50 aniversario de la muerte de Le Corbusier, las evidencias sobre sus relaciones con el régimen nazi de Vichy, empañaron el evento, Francia vive obsesionada con la mancha de su pasado colaboracionista.

Le Corbusier convivió con el régimen más de 18 meses, quizás por oportunista, quizás por ingenuo o probablemente por simpatizante.

Curiosamente en lugar de reconocer la nacionalidad francesa de Charles-Edouard Jeanneret obtenida en 1930, en los festejos que antes mencioné se referían a él como “el arquitecto suizo”. Lo narra el periodista de “Telérama” Xavier de Jarcy (1965) en su libro “Le Corbusier, un fascisme français” Le Corbusier, un fascismo francés. (8)

Desde el 29 de abril al 3 de agosto del 2015, el Centro Pompidou realizó una increíble retrospectiva centrada en “La medida del hombre”. Muestra que tuve el privilegio de visitar.

Ocupaba todas las salas expositivas del Pompidou con más de 300 piezas entre dibujos, maquetas, fotografías, películas, cartas, etc.

Ver El Modulor https://onlybook.es/blog/el-modulor-de-le-corbusier/

Su amistad con personajes como George Valois, (fundador de Le Faisceau, el primer partido fascista francés, que desapareció en 1928), asi como el doctor Pierre Winter o el ingeniero François de Pierrefeu, eugenistas. Tenían en común que eran miembros de la derecha más reaccionaria de Francia, todo ésto ya había sido documentado, destapando de este modo su faceta más oscura, asi como su admiración por Mussolini o su antisemitismo.

La Fundación Le Corbusier, ha publicado las cartas a su madre de 1940 donde le escribe “…estamos en las manos de un vencedor y su actitud podría ser aplastante. Si el trato es sincero, Hitler podría coronar su vida con una obra grandiosa: el ordenamiento de Europa…”. Narran estas convicciones libros como “Un Corbusier” de François Chaslin o “Le Corbusier, une froide vision du monde” (Le Corbusier, una fría visión del mundo), de Marc Perelman

Sus defensores, sin embargo, también son legión. “Entre sus amigos se contaban comunistas como el pintor Fernand Léger«.

-“…frecuentó a personalidades fascistas. Pero de ahí a decir que era un arquitecto de esa ideología es ir demasiado lejos…’

-“…Uno de estos libros no solo arremete contra Le Corbusier sino contra el Movimiento Moderno en general, dice cosas absurdas como que todas las vanguardias son modernistas y por lo tanto totalitarias”, menciona el filósofo Frédéric Migayrou.

Y agrega “…Se le puede hacer un proceso moral, pero confundir su visón global con un proceso totalitario no tiene sentido. Él busca un concepto, una visión total del hombre a partir de esa idea de percepción interna”, señala Migayrou, quien adelanta que el año que viene (se refiere al 2015) el Centro Pompidou busca celebrar un gran coloquio sobre el urbanismo de los años 30 a Vichy (1940-44). “Le Corbusier no va a ser exculpado. Frecuentó a personalidades fascistas. Pero de ahí a decir que era un arquitecto de esa ideología es ir demasiado lejos. Hay que situarlo en su contexto histórico…”.

Es verdad que el arquitecto nunca dejó a nadie indiferente. “Siempre molestó”, admite Michel Richard, ex director de la Fundación Le Corbusier (9), instalada en un edificio del barrio XVI de París, “…la gente está francamente a su favor, o abiertamente en contra. Hay excesos en ambos bandos…”.

En el funeral de 1965, Georges-André Malraux, ministro de Charles de Gaulle no escatimó palabras de elogio: “…Le Corbusier ha conocido grandes rivales […] Pero ningún otro ha representado con tanta fuerza la revolución de la arquitectura, porque ninguno ha sido durante tanto tiempo y tan copiosamente insultado”. Así habló el intelectual gaullista que luchó en
la Guerra Civil Española contra el fascismo que defendía el arquitecto suizo en la misma época.

«El escritor y político André Malraux  pronuncia el discurso en su funeral, ¿creen que Malraux no conocía esa correspondencia, que estaba todo escondido?”, defiende Frédéric Migayrou, comisario de la retrospectiva del Pompidou junto a Olivier Cinqualbre.

Su correspondencia

“La derrota de las armas me parece la milagrosa victoria de Francia”, escribe Le Corbusier a su madre en el verano de 1940, a los pocos meses de la derrota militar de Francia ante las tropas hitlerianas.

En su correspondencia privada, da rienda suelta a declaraciones antisemitas “El dinero y los judíos, que son en parte responsables (de la derrota) más la masonería francesa… todos recibirán el justo castigo. Estas vergonzosas fortalezas serán desmanteladas. Lo dominaban todo”.

Durante la ocupación nazi, Le Corbusier reconocía que, “los judíos lo estaban pasando mal”, pero enseguida añadía que, “su ciega sed de dinero había podrido el país”. Xavier de Jarcy recoge en su libroque mientras que su primo, Pierre Jeanneret, entra rápidamente en la Resistencia, el arquitecto se instala en Vichy a partir de enero de 1941. “Fue una elección libre”,” no una imposición», asegura el periodista.

Deseos de colaborar

“Le Corbusier no llega a Vichy por casualidad, junto a sus amigos, considera que el momento tan esperado ha llegado. Desde hace quince años esperan poder llevar a cabo el programa definido en las revistas Plans y Prélude, “La revolución que querían llevar a cabo pasaba esencialmente por el urbanismo, por materializar una ideología basada en un retorno a los valores patriarcales, como el trabajo y la familia”. Explica Xavier de Jarcy.

Y agrega “cuando el mariscal Pétain llega al poder, “es evidente que Le Corbusier tiene deseos de colaborar”. Pero el régimen de Vichy no necesariamente está interesado en su visión de la arquitectura. “Pétain tiene sus propias ideas, que no siempre coinciden con las de Le Corbusier”, puntualiza el periodista, quien establece una clara diferencia entre el arquitecto suizo y los colaboracionistas que delataban a quienes se oponían al nuevo régimen. “Hubo gente mucho peor que Le Corbusier, quien nunca colaboró con la Alemania nazi”.

Las opiniones de Le Corbusier han sido variables a lo largo del tiempo

En la década de 1920, cofundó y contribuyó con artículos sobre urbanismo en las revistas fascistas Plans, Prélude y L’Homme Réel.

También escribió artículos a favor del antisemitismo nazi para esas revistas, así como «editoriales de odio».

Entre 1925 y 1928, Le Corbusier, como ya hemos mencionado, tenía conexiones con Le Faisceau, un partido fascista francés de corta duración dirigido por Georges Valois, más tarde, Valois se convirtió en antifascista.

Le Corbusier conocía a otro ex miembro de Faisceau, Hubert Lagardelle, un exlíder sindicalista que se había sentido descontento con la izquierda política. En 1934, después de que Lagardelle hubiera obtenido un puesto en la embajada francesa en Roma, arregló que Le Corbusier diera una conferencia sobre arquitectura siendo invitado por Benito Mussolini.​ Lagardelle más tarde fue ministro de trabajo en el Régimen de Vichy.

Albert Speer y Leni Riefenstahl, la estética nazi

Le Corbusier buscó encargos del régimen de Vichy, particularmente en el rediseño de Marsella después de que su población judía hubiera sido eliminada por la fuerza, pero no tuvo éxito, y el único galardón que recibió fue la pertenencia a un comité que estudiaba el urbanismo. 

No veo como los deseos de Le Corbusier hubieran podido ser cumplidos, el régimen tenía su propia estética, que no era la del racionalismo, lo demostró con la persecución y cierre de la Bauhaus en 1933.

La estética del partido tenía un artífice, se llamaba Albert Speer (Berthold Konrad Hermann Albert Speer1905 – 1981), arquitecto que se había afiliado al Partido Nazi entre 1930 y 1931, y formaba parte de las SA.

A la muerte del arquitecto favorito de Hitler, Paul Ludwig Troost (1878 – 1934) Speer lo reemplazó como arquitecto jefe del partido y fue nombrado dirigente de la Oficina Principal de la Construcción, trabajando en el equipo de Rudolf Hess.

En 1937 Hitler lo nombró inspector general de edificios de Berlín, fue el responsable del Departamento Central de Reasentamiento, que desalojó a propietrios judíos de sus hogares.

En febrero de 1942, Speer fue designado ministro de Armamento y Producción de Guerra del Reich. Formó parte del círculo más cercano de Hitler, por ello fue condenado en los juicios de Núremberg y sentenciado a veinte años de prisión.

​En esa línea estética podemos mencionar a Leni Riefenstah (Helene Bertha Amelie Riefenstah 1902 – 2003) actriz, cineasta y fotógrafa, considerada como una de las figuras más controvertidas de la historia del cine: sus críticos han catalogado su trabajo como propaganda del nacional socialismo, otros la han defendído diciendo que “fue una cineasta innovadora y creativa, cuyas obras fueron explotadas con fines propagandisticos por el Tercer Reich”. ​

De una forma u otra fue famosa por sus importantes películas de propaganda a favor del partido nacionalsocialista.

En una reunión con su líder, Adolf Hitler, fue elegida para rodar las películas del partido, esta promesa se materializó cuando los nazis llegaron al poder.

Detenida y juzgada al finalizar la guerra, fue definida como “compañera de ruta” (Mitläufer) y no fue asociada con los crímenes de guerra de los nazis. Siempre negó haber estado al tanto del Holocausto y ganó cerca de cincuenta casos de difamación en los tribunales. Póstumamente fue elogiada por el conjunto de sus obras.

El biólogo, médico, investigador, eugenista y escritor Alexis Carrel (Marie Joseph Auguste Carrel-Billiard 1873 – 1944) nombró a Le Corbusier para el Departamento de Bio-Sociología de la Fundación para el Estudio de Problemas Humanos, un instituto que ha promovido políticas eugenésicas bajo el régimen de Vichy. Carrel habia sido galardonado con el Premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1912.

En 1904 Galton definía su concepto de eugenesia como “la ciencia que trata sobre todas las influencias que mejoran las cualidades innatas de una raza, y también con aquellas que las desarrollan hasta la mayor ventaja”.

Se suman los motivos para acusar a Le Corbusier de antisemitismo, y también de menospreciar a la población musulmana de Argelia, que en ese entonces era parte de Francia.

Tras la Liberación, Le Corbusier salió ileso. “La depuración solo se ocupó de los casos más graves”, recuerda de Jarcy, quien admite desde las primeras páginas de su libro que “ser fascista no impide tener talento”, citando otro ejemplo controvertido: el del escritor Louis Ferdinand Auguste Destouches (1894 – 1961) que fue héroe de guerra en la Primera Guerra Mundial y traidor colaboracionista y panfletario antisemita en el transcurso de la Segunda.

Notas

1

 Fue quien acuñó la frase «Menos es Más» atribuida erróneamente a Mies van der Rohe (1886 – 1969) que era su ayudante.

2

La Deutscher Werkbund (DWB) fue una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich​ por el arquitecto, escritor y diplomático Hermann Muthesius (1861 – 1927).

3

Adolf Meyer (1881 – 1929). Fue profesor en la Bauhaus (1919-1925). En 1926 fue nombrado arquitecto municipal de Fráncfort del Meno donde realizó la mayor parte de sus obras. Sus obras más reconocidas fueron las realizadas junto a Walter Gropius, como la Fábrica Fagus y en el Teatro Municipal de Jena (1922-1923).

4

La Fábrica Fagus-Werk era una fábrica de hormas de botas y zapatos en Alfeld an der Leine, situada en la Baja Sajonia, Alemania, un ejemplo referencial de arquitectura moderna temprana debido a la influencia que este edificio tuvo sobre el desarrollo de la arquitectura del movimiento moderno.

En el año 2011, la fábrica Fagus fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. «El papel de los muros se restringió a ser meras cortinas estiradas entre las columnas erguidas en la estructura para preservar de la lluvia, el frío y el ruido»^. Walter Gropius, «The New Architecture and the Bauhaus», London, 1937.

El propietario Carl Benscheidt quería una estructura radical que expresara la ruptura con el pasado de la compañía, diseñada por Walter Gropius y Adolf Meyer entre 1911 y 1913, ciertos añadidos y sus interiores se completaron en 1925.

5

Como director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst (Escuela Superior de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola escuela que combinara los objetivos académicos de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura. En 1919, Walter Gropius funda una escuela de diseño, arte y arquitectura en Weimar, a la que llamó Staatliches Bauhaus.

6

Nadir Afonso trabajó con Le Corbusier y Oscar Niemeyer. Designado GOSE “Gran oficial de la Orden de Santiago de la Espada”.

Una condecoración portuguesa, que premia el mérito literario, científico y artístico (Antiga, Nobilíssima e Esclarecida Ordem Militar de Sant’Iago da Espada, do Mérito Científico, Literário e Artístico).

La orden tiene su origen en la Orden de Santiago fundada en 1170, por Pedro Fernández de Castro y Fernando II de León, rey de León (1157-1188).

7

¿Como se conforma el nombre E-1027?

  “E” por Eileen

  “10” por ser la J de Jean la 10 letra del abecedario

  “2” la letra del apellido Badovici y

  “7” porque G de Gray es la séptima letra.

8

Minuciosamente documentado a través de la propia correspondencia de Le Corbusier, Xavier de Jarcy observa en las formas un vehículo para sus ideas totalitarias, con el hormigón, la estandarización, el orden racional, la regularidad geométrica, la pureza y la intervención en las ciudades como maquinaria para producir “el hombre nuevo”.

Esta visión se materializa en las “unidades de habitación”, como la Cité Radieuse de Marsella, o la de Rezé, a las afueras de Nantes, enormes bloques de viviendas concebidos como ciudades verticales con apartamentos prácticos e higiénicos, y dotados de servicios como guardería, instalaciones deportivas o jardines.

9

La Fundación Le Corbusier, situada en los números 8 y 10 de la plaza del Doctor Blanche, en el Distrito 16º de París, es una fundación privada, creada en 1967, que promueve y defiende la obra del arquitecto Le Corbusier y que conserva numerosos archivos. Es la heredera universal de la totalidad de sus bienes, mobiliarios e inmobiliarios, de acuerdo con su deseo expresado en 1949 y oficializado en 1960. ​ Conserva la mayor parte de sus dibujos, estudios y planos originales de Le Corbusier, realizados principalmente en colaboración con Pierre Jeanneret de 1922 a 1940, así como una importante colección de archivos escritos y fotográficos.

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La Medalla de Oro del AIA 

La Medalla de Oro del AIA es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA).

La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».

La Octagon House se convirtió en la sede del American Institute of Architects (AIA) el 1 de enero de 1899.

La Octagon House está en Washington, D.C., fue construida entre 1789 y 1800, propiedad del Instituto Americano de Arquitectos, originalmente perteneció al coronel John Tayloe.

Después de que la Casa Blanca fuera quemada por los britanicos en la guerra de 1812, (la guerra anglo-estadounidense de 1812), el Octagon se convirtió en el hogar temporal del presidente James Madison y su esposa Dolley, (Madison fue el 4to. Presidente de los EEUU -desde 1809 a 1817-).

Durante la Guerra Civil fue un hospital improvisado. Madison usó la habitación circular encima de la entrada como estudio, y allí firmó el Tratado de Gante que acabó con la Guerra de 1812 que enfrentó a los Estados Unidos contra el Reino Unido y sus colonias canadienses. 

The Octagon House, fue diseñada por el médico, inventor, pintor y arquitecto William Thornton (1759 – 1828) responsable entre otras obras del Capitolio de los Estados Unidos.

La casa se construyó para la fmailia del coronel John Tayloe, propietario de las plantaciones de Mt. Airy, éstas eran las más ricas de Virginia, a 150 kilómetros al sur de Washington. Aparentemente la casa se construyó siguiendo los consejos de George Washington, tiene tres pisos, se uso lo que en aquella época era un nuevo ladrillo con el tradicional estilo georgiano.

Los materiales de construcción, madera, hierro, ladrillos y otras piedras se produjeron en los Estados Unidos, pero la piedra Coade (un tipo de piedra cerámica inglesa), las cocinas, los elementos decorativos y los muebles fueron traídos desde Inglaterra.

Ha habido cambios, hoy, es la Fundación Americana de la Arquitectura la dueña de Octagon House, y la AIA ha movido su sede a un edificio más grande detrás del original. Se ha llevado a cabo un extenso trabajo de rehabilitación en la casa desde 1996, tratando de retornar al esplendor inicial del edificio.

AIA

La AIA, es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses.

Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto

En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

En 2014 fue entregada por primera vez a una mujer, Julia Morgan a título póstumo. La medalla de 2016 fue otorgada por primera vez a una pareja después del cambio de estatutos de la organización del 2013 en la que abrió esta posibilidad.​

Aclaración, el título FAIA, abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, es un título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto. Dicho honor distingue a arquitectos que han hecho contribuciones significativas a la profesión de arquitectura. Menos del 2% de los cerca de 72.000 arquitectos estadounidenses forman parte del College of Fellows.

Lista de ganadores de la Medalla de Oro del AIA

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 1a parte

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 2nda parte

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 3era parte

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 4ta parte

Viene https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-2nda-parte/

La Medalla de Oro del AIA 

Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».

Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

1955 Willem Marinus Dudok (1884–1974), Paises Bajos

Fué ingeniero, arquitecto, urbanista, diseñador y oficial militar.

Muchos de sus edificios (como el Ayuntamiento de 1931) eran asimétricos y de una rotundidad geométrica, sus finos voladizos estaban inspiradas en la arquitectura de Frank Lloyd Wright, muy en boga por la publicación de su obra en los Países Bajos.

Ayuntamiento ; Hilversum (1928-1931); Monumento en Afsluitdijk, Países Bajos (1933) ; Cité Universitaire , Collège néerlandais París, Francia (1939) donde varios edificios de la CIUP han sido diseñadas por arquitectos como como Le Corbusier, Heydar Ghiai y Claude Parent.

1956 Clarence Samuel Stein  (1882–1975), EEUU

Era arquitecto, urbanista y escritor, uno de los principales promotores del movimiento Garden City en los Estados Unidos. Estableció su estudio de planificación y arquitectura en la ciudad de Nueva York en 1919, después de estudiar en la Universidad de Columbia y la École des Beaux-Arts de París.

En 1923, Stein cofundó la Regional Planning Association of America (RPAA), que se ocupó de importantes cuestiones de planificación, como la vivienda social asequible, los efectos de la suburbanización y la conservación de la naturaleza.

-Planes para Radburn (Nueva Jersey); Sunnyside Gardens (Nueva York) ; Greenbelt (Maryland) y Village Green (Los Ángeles).

Un diagrama que muestra la estructura de red de calles de Radburn y su jerarquía. Sendas peatonales separadas corren a través de los espacios verdes entre los callejones sin salida y a través de la espina verde central. Nota: el área sombreada no se construyó.

En Radburn, se experimenta con la separación de los sistemas viarios, para que el peatón y el vehículo nunca se crucen, su acercamiento es a traves de espacios intermedios, que se formalizan en calles en “cul de sac”. A su vez, las zonas verdes de cada supermanzana se comunican entre sí mediante pasos subterráneos permitiendo caminar por toda la ciudad sin la interferencia de los vehículos.

Esta manera de organización se determina mediante el concepto de “supermanzana” residencial.

1957 Louis Skidmore (1897–1962), EEUU

Realizó sus prácticas profesionales en Cram & Ferguson, un estudio importante de Boston que diseñó edificios en estilo gótico. Estudió en el Boston Architectural Club.

El haber podido ganar un premio en el BAC, le abrió las puertas para ingresar al MIT, luego estudió en el Instituto de Massachusetts de Tecnología (MIT) hasta el año 1924.

Socio fundador del SOM, integrado por Skidmore y Nathaniel A. Owings que cofundaron la empresa en 1936. John O. Merrill se convirtió en el tercer socio en 1939. 

«Skid era un chico muy tranquilo, muy brillante y lo bastante mañoso para conseguir trabajo, pero muy agradable y, si se tomaba algunas copas, era muy cordial. Nunca fue mezquino. No pudo haber sido más agradable conmigo y con los cuatro socios con los que crecimos. Skid era el hombre que tuvo la perspicacia de encontrar gente. Skid consiguió los primeros cuatro socios.» – Gordon Bunshaft

A lo largo de sus más de 65 años de existencia, SOM ha recibido más de 800 premios de arquitectura y diseño. En 1961 recibió el primer premio del Instituto Americano de Arquitectura concedido a un estudio de arquitectura, y lo volvió a ganar en 1996.

Actualmente dispone de oficinas en Chicago, Nueva York, San Francisco, Washington, Los Ángeles, Londres, Hong Kong y São Pablo

Arquitecto Bruce Graham (1925 – 2010) del SOM y Fazlur Rahman Khan (1929 – 1982) ingeniero estructural.

Acerca de sus intervenciones en Londres escribió “Diseñamos nuestros edificios para los habitantes y para aquellos que los ven desde la calle. Intentamos diseñar edificios que sean parte de Londres, no como una imitación de estilos de época, sino como una invención”.​

Fue construido en 1965 – 1970, remodelado en 1995, está ubicado al 875 N. Michigan Ave, diseñado por Bruce Graham (1925 – 2010) del SOM, y Fazlur Rahman Khan (1929 – 1982).

Proyecto de David Childs del SOM, junto a Daniel Libeskind. Childs es conocido por haber diseñado el Burj Khalifa (junto a Tom Wright (1957), y la Torre Willis.

1957 Ralph Thomas Walker FAIA(1889–1973 (3), EEUU

Formó parte del estudio McKenzie, Voorhees, Gmelin, nombre que se fue modificando a medida que cambiaba la constitucion del estudio.

Walker fue denominado «El único otro arquitecto honesto en América» por Frank Lloyd Wright, quienes conocemos la personalidad de Wright entendemos quien es el OTRO arquitecto.

Fue denominado «Arquitecto del Siglo» por el The New York Times cuando recibió la Medalla de Oro del AIA.

Escribió “El rascacielos es la única forma de vivir en esta era de máquinas. Es una expresión y reflejo de la época”. Acerca delrol de los arquitectos. “…el arquitecto del futuro será un psicólogo, porque es importante para el arquitecto diseñar una casa para las personas que sea mentalmente confortable, algo tan necesario como que sea físicamente confortable”.

A raiz de su diseño para el edificio Barclay-Vesey (1922-1926), encargado por la New York Telephone en 1921, (ahora Verizon Building), se le atribuye ser el primer rascacielos en aplicar la ley de Zonificación de 1916 (Nueva York) como premisa de diseño. Está ubicado en el 140 de West Street en Nueva York.

Walker se convirtió en un diseñador líder.

Inspirado por los dibujos teóricos de Hugh Ferriss (1889 – 1967) (1) exhibidos en 1922 (2), Walker creó una enorme torre asimétrica apartada de su base.

El diseño abrió el camino para una generación de rascacielos construidos utilizando el principio de retroceso.​

Como resultado del éxito de sus diseños, Walker se convirtió en socio de la firma y su nombre se cambió a Voorhees, Gmelin & Walker en 1926.

El 1 Wall Street, originalmente el Irving Trust Company Building, luego el Bank of New York Building y BNY Mellon Building, es un rascacielos situado en Manhattan, diseñado en estilo art déco, mide 199 m de altura y consta de dos secciones.

El edificio original de 50 pisos fue diseñado por Ralph Thomas Walker de la firma Voorhees, Gmelin & Walker y construido entre 1929 y 1931, el anexo de 36 pisos fue diseñado por la firma sucesora Voorhees, Walker Smith & Haines y construido entre 1963 y 1965.

Después de completar el edificio Barclay-Vesey, diseñó varios edificios utilizando su combinación de alturas asimétricas y torres con adornos art déco, incluida la sede del Ejército de Salvación (1929-30) en la calle West 14th Street, el Irving Trust Bank en el 1 Wall Street (1928-31), y varios edificios en Nueva York y en otras ciudades del estado como Syracuse, Rochester y New Jersey el Bell Headquarters Building.

Durante la década de 1930, a medida que disminuía el influjo del art déco, Walker se involucró en la planificación de laExposición Universal de Chicago (1933).

Y también en la llamada “Exposición General de segunda categoría de Nueva York”, inaugurada desde el 30 de abril al 31 de octubre de 1939, y reabierta desde el 11 de mayo al 27 de octubre de 1940.

Su eslogan fue «Construyendo el mundo del futuro», 45 millones de personas visitaron sus 500 hectáreas.

El diseñador de la muestra fue Henry Dreyfuss (1904 – 1972), y los arquitectos del centro temático fueron Jacques Fouilhoux y Wallace Kirkman Harrison (1895 – 1981) éste último participó en el diseño del Rockefeller Centre, conglomerado de 19 edificios comerciales.

1958 John Wellborn Root (1850–1891), EEUU

Fue uno de los fundadores de la llamada Escuela de Chicago. Formó el influyente estudio Burnham & Root.

Dos de sus edificios han sido designados Monumentos Históricos Nacionales, el Rookery y el Reliance, otros han sido designados Monumentos Históricos de Chicago y figuran en el Registro Nacional de Lugares Históricos.

En 1958, recibió póstumamente la Medalla de Oro del AIA.

El Rookery Building es un edificio histórico situado en el 209 South LaSalle Street en el Loop de Chicago. Completado en 1888 según el diseño de John Wellborn Root & Daniel Burnham , es uno de sus diseños más importantes, allí estuvieron durante un tiempo sus oficinas. El edificio tiene 55 m de altura y doce plantas, y se considera el rascacielos más antiguo de Chicago.

Frank Lloyd Wright era un joven arquitecto en 1886 que trabaja como asistente de Adler & Sullivan.

Al desligarse del estudio de Sullivan en 1893, Wright ocupa unas oficinas en el edificio Rookery entre los años 1898 y 1899.
En 1905 recibe el encargo de rediseñar el vestíbulo del edificio Rookery. 

Reunificó la entrada con un estilo de la pradera (Prairie Style) realizando un diseño moderno abierto y pleno de luz. Las dos escaleras curvas ornamentadas que unen el primer piso con el segundo se convierten en parte del conjunto del vestíbulo. Wright eliminó gran parte de la terracota y el hierro de la escalera central y los balcones reemplazandolos con patrones geométricos en las barandillas de las escaleras Oriel, éstas se caracterizan por su estructura que se extiende hacia afuera de la pared, creando un espacio adicional ya menudo un efecto visual impactante, un estilo común en arquitecturas góticas y renacentistas.

La intervención más significativa de Wright fue la adición del mármol blanco con adornos estilo persa.  Los recubrimientos y decorados de mármol añaden al vestíbulo una sensación de lujo, cambiando así el antiguo interior con decorados en acero. También encerró las columnas de hierro con mármol blanco. La reforma edificio Rookery sería el único trabajo de Wright en cualquier edificio del paisaje urbano de la ciudad.

Cuando se remodelo el edificio en 1989, el edificio recuperó su diseño original.

Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-1/

El sótano y la primera planta fueron diseñadas por John Root de la firma Burnham & Root en 1890, y el resto del edificio fue completado por Charles B. Atwood (1849 – 1895) en 1895. 

Está situado en el 1 W. Washington Street en el Loop en Chicago. Fue el primer rascacielos con grandes ventanas de vidrio que componen la mayoría de la fachada, presagiando una característica que sería dominante en el siglo XX.

Propuso innovaciones arquitectónicas como la base «flotante», una losa de hormigón armado que proporcionó el peso del edificio con una plataforma sólida sobre el suelo notoriamente pantanoso de Chicago .

Su diseño es de una cimentación de rejilla “una cimentación en la que los rieles de hierro y las vigas estructurales se combinan en un patrón entrecruzado y se recubren en hormigón para soportar el inmenso peso del edificio sin piedras de cimentación pesadas. Esta construcción es particularmente útil cuando las cargas estructurales son altas en comparación con la capacidad portante natural del suelo”.

Notas

1

„The problem for us is this: how can we in the “Machine Age” conserve human values?“ . El problema para nosotros es este: ¿cómo podemos conservar los valores humanos en la “era de las máquinas”?. Hugh Ferriss

Se desconoce el año exacto en que comenzó a publicarse la serie de “las Carceri” de Giambattista Piranesi (1720 – 1778), pero existe la certeza de que salió a la luz poco antes de 1750. Se trataba de un conjunto de grabados de tema arquitectónico fantástico, que mostraba espacios colosales, oscuros y laberínticos, a modo de “prisiones” sin puertas, simbólicas e imposibles. La serie de “las Carceri” se convertiría con el paso del tiempo en uno de los lugares imaginarios más visitados de la cultura moderna, y en una fuente de inspiración inagotable para pintores y arquitectos.

Hugh Ferriss (1889-1967) ha sido sin duda alguna el Piranesi del siglo XX, y ha dejado una huella profunda e insustituible en el imaginario arquitectónico moderno, aun cuando su influencia aún no ha sido reconocida con la amplitud y entusiasmo que se merece. Nacido en St. Louis, se graduó como arquitecto en 1911 en la Washington University, no ejerció nunca como tal o no lo hizo de la manera esperada. A través de su profesión de visualizador y dibujante (renderer) de proyectos y edificios creados por otros arquitectos se convirtió de manera subrepticia en un auténtico visionario, desarrollando un estilo tan sugerente y original que sus servicios fueron solicitados en seguida por una gran cantidad de profesionales: entre sus clientes habituales se contaban los arquitectos y urbanistas más renombrados de Estados Unidos además de numerosos publicistas y las empresas más poderosas relacionadas con la construcción. “La Metrópolis sublime de Hugh Ferris. Actualidad de un modelo visionario”. Teatro Marittimo N2. Marzo 2012. David Rivera

2

Ferriss se vio implicado en la elaboración de diversas propuestas arquitectónicas y urbanas regionales de gran alcance, que quedan ejemplificadas por sus numerosas colaboraciones con Raymond Hood (1881 – 1934) coautor con John Mead Howells    del edificio neogótico de la Tribune Tower en Chicago y Harvey Wiley Corbett (1873 – 1954) y sobre todo por la revolucionaria serie de dibujos explicativos con los que ilustró las posibles consecuencias estéticas y compositivas de la Zoning Law de 1916 (una serie de propuestas experimentales de 1922 con las que Ferriss probablemente dio nacimiento al característico “estilo escalonado. Teatro Marittimo N2. Marzo 2012. David Rivera

3

Walker se suicidó en 1973, usando una bala de plata que él mismo había forjado.

Continúa en https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-4ta-parte/

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La Medalla de Oro del AIA 

Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».

Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

1947 Gottlieb Eliel Saarinen (1873–1950), Finlandia

Obras relevantes: Estación Central de Trenes de Helsinki (1919); Museo Nacional de Finlandia (1905/1910); Sala de música Kleinhans (1938/1940).

Ver https://onlybook.es/blog/un-paseo-por-la-universidad-de-yale-paul-rudolph-louis-kahn-eero-saarinen-gordon-bunshaft-5ta-parte

1948 Charles Donagh Maginnis FAIA (1867–1955), Irlanda y los EEUU

Maginnis se convirtió en un destacado defensor de la arquitectura gótica y en un escritor y orador elocuente sobre «cual debe ser el papel de la arquitectura en la sociedad«. Su trabajo pionero influyó y fue influenciado por su colega gótico Ralph Adams Cram. Recibe un importante encargo, construir 20 edificios del Boston College denominado «Oxford en América».

Los archivos de Charles D. Maginnis y los archivos de Maginnis & Walsh se encuentran en la Biblioteca Burns de Libros Raros y Colecciones Especiales del Boston College. La colección Maginnis & Walsh de la Biblioteca Pública de Boston contiene obras del estudio de arquitectura de 1913 a 1952.

Obras relevantes: Basílica del Santuario Nacional de la Inmaculada Concepción (1920/1961); Iglesia de San Juan Evangelista en Cambridge (1891) capacidad 10.000 (6.000 en la Gran Iglesia Superior; 4.000 en la Iglesia de la Cripta); Seminario Maryknoll en Cupertino (1926).

La Basílica del Santuario Nacional de la Inmaculada Concepción es una gran basílica católica ubicado en Washington, DC, al 400 de la Av. Michigan NE. El santuario es la iglesia católica romana más grande de EE. UU., y una de las más grandes del mundo, su estilo es Renacimiento Bizantino y Románico.

1949 Frank Lloyd Wright (1867–1959), EEUU

Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-8-su-vida/

Obras relevantes: Frederick C. Robie House en Chicago (1910); Residencia Kaufmann o Fallingwater sobre el río Bear Run, en Fayette, Pensilvania (1936/1939); Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York (1943/1959).

Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-13-la-casa-robie/

Tuvo tres interveniones, la primera, realizada entre 1905 y 1907, cuando se le encarga a Frank Lloyd Wright remodelar los espacios interiores. Wright cubrie los elaborados acabados de hierro forjado de Root con superficies de mármol de Carrara blanco tallado, de esa forma Wright adecua el edificio al estatus de la época . Otros de sus cambios fue simplificar las herrerías y añadir sus características jardineras y apliques luminosos​.

La segunda renovación, se completa el 24 de agosto de 1931 por el antiguo ayudante de Wright, William Drummond, quien modernizó muchos elementos interiores, incluidos los ascensores, y añadió elementos del estilo de la época al edificio, como detalles de estilo art déco. La tercera renovación, en 1992, devolvió al edificio su esplendor original, reabriendo el techo del patio después de que fuera cubierto para protegerlo.​

1950 Leslie Patrick Abercrombie (1879–1957), EEUU

En 1920 se asoció con los arquitectos Philip Lockwood y FC Saxon, el estudio se llamó Lockwood Abercrombie and Saxon, firma que hoy en día actua en Chester como Lovelock Mitchell, una de las firmas de arquitectura más antiguas del mundo.

Obras relevantes: Replanificó las ciudades de Plymouth, Hull, Bath, Edimburgo y Bournemouth, entre otras, además del Londres posterior a la Segunda Guerra Mundial; Rediseñó Hong Kong y en 1956 Haile Selassie le encargó que elaborara planos para la capital de Etiopía, Adís Abeba.

1951 Bernard Ralph Maybeck (1862–1957), EEUU

Maybeck se sentía igualmente cómodo diseñando obras en diferentes estilos.

Como el American Craftsman , Mission Revival , Gothic revival , Arts and Crafts y Beaux-Arts.

Creía que cada problema arquitectónico requería el desarrollo de una solución completamente nueva.

Obras relevantes: Primera Iglesia de Cristo Científico en Berkeley, California (1910); El Parsons Memorial Lodge (1915) en el Parque Nacional de Yosemite; Concesionario de automóviles Earle C. Anthony Packard, Avenida Van Ness, Ellis en San Francisco; Associated Charities of San Francisco (1928).

1952 Auguste Perret (1874–1954), Francia

Fue un gran arquitecto, profesor, diseñador y urbanista, junto con el Arq. Tony Garnier (1869 – 1948) fue el arquitecto más representativo e innovador del nuevo clasicismo francés que apareció en París a comienzos del siglo XX.

Profesor de Le Corbusier, Jean Renaudie, René Iché y Patroklos Karantinos.

Es considerado como el padre del hormigón, fue el primero en utilizarlo como elemento constructivo y estructural, además de elemento ornamental que presenta en ocasiones desnudo al exterior en algunas de sus obras.

Obras relevantes: Iglesia de Nuestra Señora de Le Raincy, 83 Avenue de la Résistance (1922/1923); Centro reconstruido de El Havre, 133 hectáreas declarado patrimonio mundial de la humanidd por la Unesco en el 2005 “un ejemplo excepcional de la arquitectura y del urbanismo posterior a la guerra»; Teatro de los Campos Elíseos con Henry van de Velde junto al escultor Antoine Bourdelle (1913).

1953 William Adams Delano FAIA (1874–1960), EEUU

William Adams Delano en 1943, por el artista Gordon Hope Grant. National Academy of Design, New York.

Se formó en la Universidad de Columbia, en la Universidad de Yale y como posgrado en la Columbia Graduate School of Architecture, Planning and Preservation 

Obras relevantes: Castillo Oheka (1919); Complejo William Jefferson Clinton Federal Building (1934) junto al Arq. Chester Holmes Aldrich; Terminales en los Aeropuertos de La Guardia y Miami; Terminal Aérea Marítima del Aeropuerto La Guardia, servicio de hidroaviones trasatlánticos de Pan American Airways (1939).

El nombre «Oheka» es un acrónimo, usa las primeras letras del nombre de su creador, Otto Hermann Kahn. Construida entre 1914 y 1919, es la casa privada más grande de Nueva York y la segunda más grande de los Estados Unidos, con 127 habitaciones y 10.126 m². Actualmente es un hotel con 32 habitaciones y suites.

Continúa en https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-3era-parte/

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Galería de Arte de la Universidad de Yale. Arq Louis Kahn

“La Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale estaba en medio de un trastorno pedagógico cuando Louis Kahn se unió a la facultad en 1947. Con el arquitecto de rascacielos George Howe como decano y modernistas como Kahn, Philip Johnson y Josef Albers como profesores, los años de la posguerra en Yale fueron tendencia lejos del linaje Beaux-Arts de la escuela hacia la vanguardia”. (1)

“Terminado en 1953, el edificio de la Galería de Arte de la Universidad de Yale de Louis Kahn proporcionaría un espacio flexible de galería, aula y oficina para una escuela de arquitectura cambiante”.

“Kahn y su colaboradora, Anne Tyng, se habían inspirado en las formas geométricas de Buckminster Fuller”.

“Tyng estudió con Fuller en la Universidad de Pensilvania mientras que Kahn había mantenido correspondencia mientras enseñaba en Yale”.

Fue con las icónicas estructuras geométricas de Fuller en mente que ambos crearon el elemento más innovador de la Galería de Arte de Yale: el techo de losa tetraédrica de hormigón”.

“Henry A. Pfisterer, el ingeniero estructural del edificio lo explica:

«se sujetó un elemento plano continuo a los vértices de tetraedros equiláteros huecos, de base abierta, unidos en los vértices de los triángulos en el plano inferior.

En la práctica, el sistema de tetraedros tridimensionales era lo suficientemente fuerte como para soportar el espacio abierto, sin columna”.

Kahn lo diseño de manera que los elementos del edificio pueden ser tanto escultóricos como estructurales.

“El hueco de la escalera central ocupa un cilindro hueco de hormigón…en el techo un triángulo ornamental de hormigón está rodeado en su circunferencia por un anillo de ventanas…encerradas dentro del cilindro, la escalera forma triángulos. Kahn afirmaba que las escaleras «están diseñadas para que las personas quieran usarlas…esperaba que los visitantes y estudiantes se involucraran con el edificio”

“Los materiales utilizados en los muros cortina de vidrio de la galería resultaron poco prácticos…las ventanas capturaban la condensación y estropearon la fachada de Kahn.

Una restauración realizada en 2006 por Ennead Architects (antes Polshek Partnership) utilizó materiales modernos para reemplazar las ventanas…y un control climático actualizado”.

El crítico de arquitectura Paul Goldberger (1950), graduado en 1972 en la Universidad de Yale, donde estudió historia de la arquitectura con Vincent Scully, con un doctorado (honorario) de la New York School Interior Design, comenta una impresión compartida por muchos estudiantes que frecuentaban el espacio de Kahn:

“…su belleza no emerge a primera vista, sino que llega solo después del tiempo que se pasa dentro de ella…”.

Piet Mondrian, holandés, 1872-1944

Composición con amarillo, azul, negro y azul claro. Óleo sobre lienzo. 1929

Fox Trot B, con negro, rojo, azul y amarillo. Óleo sobre lienzo. 1929

Donación de la colección Société Anonyme

Gerrit Rietveld, diseñador, holandés, 1888-1964

Gerard van de Groenekan, fabricante holandés, 1904-1994

Silla Berlín. Diseñada en Utrecht, 1923, fabricada después de 1924, contrachapado, tilo y fresno con pintura. Donación de Alexander Brooke. 1960

Gerrit Rietveld pertenecía a De Stijl (“el estilo”, en neerlandés), un grupo de artistas y arquitectos europeos que buscaban reflejar en su trabajo el espíritu progresista e internacional cada vez más predominante en la década de 1920. En 1923, Rietveld incluyó sus diseños de muebles en Espacio-Color-Composición, una sala modelo para una exposición en Berlín. A partir de estos diseños, su aprendiz Gerard van de Groenekan fabricó posteriormente esta silla “Berlín”. La silla es una expresión del neoplasticismo, un estilo derivado de la creencia de que la abstracción geométrica y tonal forja una relación armoniosa entre el individuo y el mundo moderno. Al diseñar una silla que privilegiaba esta postura artística sobre los contornos del cuerpo humano, Rietveld creó una visión idealizada de la vida moderna, más que una silla cómoda.

Harry Holtzman. Estadounidense, 1912-1987

Volumen Lateral #2. Óleo y témpera sobre gasa o muselina, montada en Masonite. 1940

Retrato de Mondrian au caballero. Impresión en plata. 25 cm x 20 cm.

Harry Holtzman (1912 – 1987) conoció a Piet Mondrian en 1934 en París, y ese encuentro se convirtió en una amistad artística.

Holtzman ayudó al artista holandés a emigrar a los Estados Unidos y a establecerse en Nueva York, más tarde se convertiría en el único heredero y albacea del patrimonio de Mondrian.

Holtzman fue influenciado por el neoplasticismo de Mondrian, un término acuñado por el artista holandés para describir un arte ideal que utiliza solo los elementos más básicos de la pintura: color, línea y forma.

Holtzman adoptó en su propio trabajo un lenguaje formal similar, basado en líneas verticales y horizontales que dividían la superficie, limitándose a los colores primarios. Sin embargo, se apartó de su mentor al crear obras escultóricas, como Volumen Lateral #2, en las que fijaba una composición pintada, basada en los principios neoplasticistas, a un soporte, convirtiéndola en un objeto tridimensional, en 1936 ayudó a fundar los American Abstract Artists para promover su comprensión.

Donación del artista a la Colección Société Anonyme

Joan Miró, español (1893 – 1983). Jeune fille s’évadant. (Chica escapando). Bronce con pintura. 1968. Colección de Charles B. Benenson, 1933

El Anatsui. Ghanés, activo en Nigeria, nacido en 1944 Tela de mujer de sociedad (Oro). 2006. Tapas de botellas de licor de aluminio y alambre de cobre. Donación de Thomas Jaffe, 1971, en honor a Robert Farris Thompson, 1955.

Escuela de arquitectura en Yale. Arq Paul Rudolph

El Rudolph Hall, conocido como Yale Art and Architecture Building o A & A Building, es uno de los primeros y más conocidos ejemplos de arquitectura brutalista en los Estados Unidos.

Alberga la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, donde antiguamente también se alojaba la Escuela de Arte.

Diseñado por el arquitecto Paul Rudolph (1918 – 1991) fue terminado en 1963, el complejo edificio contiene más de treinta niveles en sus siete pisos, realizados en hormigón armado abujardado y nervado.

Su diseño es una clara influencia del edificio de la administración Larkin de Frank Lloyd Wright, en Búfalo y edificios de Le Corbusier.

Ver https://onlybook.es/blog/gb-wright-larkin-darwin-martin-complex-midway-gardens-2nd-part/

El edificio, fue elogiado ampliamente por críticos y académicos, y recibió varios premios como el Premio de Honor del American Institute of Architects (AIA).

Ada Louise Huxtable (2), crítica de arquitectura de The New York Times lo llamó «un espectacular tour de force«, pero con el tiempo, la reacción ha sido más negativa, Nicolas Pevsner (1902 – 1982) lamentó “la opresiva monumentalidad de la estructura”.

Un gran incendio en la noche del 14 de junio de 1969 causó grandes daños, durante las reparaciones, se hicieron muchos cambios al diseño original de Rudolph, aunque se ha especulado que el incendio fue intencionado, este origen no ha sido probado.

La apreciación de la estructura ha aumentado en los últimos años, Yale invirtió 126 millones de dólares para la renovación del edificio.​ La Escuela de Arte se mudó a su propio edificio y el edificio se ha ampliado y renovado con la intención de restaurarlo al diseño originalmente previsto por Rudolph.

Con ese objetivo se restauró el ático en la azotea, se adecentó la sala de estudiantes que estaba desmantelada y se volvieron a colocar puentes (conexiones) que habían sido destruidos uniendo un nuevo departamento de Historia del Arte.

Los trabajos fueron realizados por Gwathmey Siegel & Associates Architects. Prudente y sabia decisión ya que Charles Gwathmey (1938 – 2009) fue alumno de Yale Architecture y exalumno de Rudolph.

“Eero Saarinen”. Revista Nacional de Arquitectura. Madrid. Número 35, noviembre de 1961.

“Ha muerto a los cincuenta y un años, en plena juventud de arquitecto, insaciable en su afán de ensayar todo, de probar todos los sistemas y soluciones, de inventar sin miedo a las consecuencias”.

“No fue la autocrítica su virtud característica, por lo que no tuvo ese freno paralizador que ha anulado a otros demasiado reflexivos”.

La alegría de crear -libremente- la alegría de las cosas nuevas fue la nota común de sus obras tal como en ocasión de su muerte, se ve reflejada en las revistas de arquitectura donde se han publicado sus trabajos.

Era finlandés, hijo del también famoso Eliel Saarinen, quien en 1922 con motivo del concurso para la construcción del “Chicago Tribune” (3) se trasladó con su familia. Obtiene el segundo premio y en 1923 decide quedarse en los EE. UU.

Se presentaron al concurso 260 anteproyectos de todo el mundo, el primer lugar fue otorgado a los arquitectos John Mead Howells (4) y Raymond Hood, un edificio neogótico que se termina en 1925, su silueta ha llegado a ser la silueta típica de Chicago, merito que tienen pocas obras de arquitectura, no solo las mejores, sino las más enraizadas en el aprecio de los vecinos.

Eliel Saarinen recibió 20 000 dólares (unos 374.757,14 dólares actuales) por el segundo lugar; su diseño nunca se construyó, pero su torre retranqueada influyó en muchos proyectos posteriores.

Eero como buen finlandés, nunca mostró esa frialdad y contención que parecen típicas nórdicas, su arquitectura exuberante, extrovertida, casi como si fuera la de un maestro barroco.

Charles Eames y Eero Saarinen con una estructura de tracción ligera diseñada para la exposición de la facultad de 1939 en la Academia de Arte Studio de Cranbrook. Foto de Richard G. Askew

Nunca sintió esos “complejos” de los arquitectos contemporáneos que huyen de la monumentalidad clásica del siglo XIX, ni de realizar edificios imponentes y simétricos. Como en su Embajada de Londres, obra expuesta a las críticas que hoy suelen sufrir edificios de este género. Algo parecido hizo en Oslo, y en ambos casos se aplicó con su habitual entusiasmo a componer fachadas en bajo relieve, como hubiera hecho cualquier arquitecto del Renacimiento o del Barroco cuando proyectaba la fachada de un palacio.

Solo un plano con salientes más o menos abultados; más bien a la manera de Borromini, (menos a la manera de Brunelleschi).

Lo espacial, en cambio, era su preocupación en los grandes aeropuertos; en ellos la composición es básicamente tridimensional, nunca fue fácil expresarlo bien en planos. Esto vale tanto si se trata de una cubierta colgada, la del aeropuerto de Dulles, en Washington, como si es un conjunto abovedado, en ldlewild (TWA), «el gran pájaro», o el animal prehistórico que forma la cubierta del Hockey de Yale.

Dejó su huella en todos los campos de la arquitectura, en 1962 la AIA lo premió con la Medalla de Oro. (5)

Son famosos sus laboratorios, el último es el conocido de la IBM, en Yorktown Hights, cerca de Nueva york, toma relevancia su característica forma curva.

Hizo obras muy interesantes, como sus universidades, muchas de metal y cristal, excepto el curioso intento de medievalismo romántico, un gran castillo de macizos muros en Yale en 1959.

El gran centro técnico de la General Motors es ya conocido como una de las cumbres de su carrera, asi como sus tareas como uno de los arquitectos del Lincoln Center de Nueva York.

Rascacielos, oficinas, viviendas, etc., en tanta variedad hizo común tener un particular enfoque de cada problema. Uno de sus proyectos más notables es el de un vestíbulo rodante, como un salón sobre ruedas, para enlazar en los aeropuertos el vestíbulo normal con las cabinas de los aviones. Últimamente estaba realizando estudios de bóvedas y cubiertas colgadas, investigando toda clase de formas tridimensionales. Su taller, según las fotografías que se han publicado, se estaba pareciendo al que dejó Gaudí a su muerte. Entusiasta con un peculiar método de trabajo usaba la técnica pero sin dejarse dominar por ésta, dejó escrito “..la arquitectura no es simplemente cumplir la necesidad humana de cobijarse, sino también satisfacer la creencia humana en la nobleza de su existencia sobre la tierra”. Eero Saarinen. Revista Nacional de Arquitectura.

Quien fue Paul Mellon

Detrás de todas estas obras de arquitectura en Yale (entre otras, hay un empresario, inversionista, criador de caballos de carreras pura sangre y filántropo, me refiero a Paul Mellon (1907 – 1999)

Aunque parezca mentira, mucho lo ha ayudado ser el heredero de una de las mayores fortunas empresariales de Estados Unidos, derivada del Banco Mellon creado por su abuelo Thomas Mellon, su padre Andrew W. Mellon (que fuera Secretario del Tesoro  de 1921 a 1932 y embajador de los Estados Unidos entre 1932 a 1933.) y su tío Richard B. Mellon.

En 1957, cuando Fortune preparó su primera lista de los estadounidenses más ricos, estimó que Paul Mellon, su hermana Ailsa Mellon Bruce y sus primos Sarah Mellon y Richard King Mellon, se encontraban entre las ocho personas más ricas de los Estados Unidos, con fortunas de entre 400 y 500 millones de dólares cada una (entre 4.300 y 7.600 millones de dólares de hoy). (6)

La autobiografía de Mellon “Reflections in a Silver Spoon”, se publicó en 1992.

Primeros años y educación

Se graduó en 1925 en Wallingford, y en las Universidades de Yale y  Cambridge.

Sus donaciones hicieron posible la creación de

-La Biblioteca Forbes-Mellon del Clare College, inaugurado en 1986,

-La Universidad de Cambridge,

-El Centro de Artes Mellon y el Centro de Ciencias Mellon (ahora Icahn),

-El Choate Rosemary Hall, en Wallingford, Connecticut,

-Los colegios residenciales Ezra Stiles y Morse, y el Centro de Arte Británico en Yale

En 1938, recibió una maestría en el Clare College de Cambridge, en 1974 la Orden del Imperio Británico (K.B.E.), en 1985 la Medalla Nacional de las Artes, y en 1997 la Medalla Nacional de Humanidades.

Colección de arte

La Galería Nacional de Arte (National Gallery of Art NGA) se fundó en 1937 gracias al apoyo inicial de Andrew W. Mellon.

Aportó 15 millones de dólares para la construcción del edificio y una donación de obras de arte compuesta de 126 pinturas y 26 esculturas.

Para esa donación fue fundamental su compra de 21 cuadros del Hermitage de San Petersburgo (Jan van Eyck, Rafael, Tiziano…) que el gobierno soviético vendió para obtener divisas. Otro magnate de la época, Samuel H. Kress, contribuyó a la colección inicial de arte italiano con 375 pinturas y 18 esculturas.

Otra aportación fue la realizada por John Russell Pope y la colección de 115 pinturas de su padre.

Años mas tarde encargó al arquitecto Ieoh Ming Pei (1917 – 2019) la construcción del edificio este, inaugurado en 1978, y junto a su hermana y su esposa, donaron mas de mil obras a la Galería Nacional, muchas de ellas obras maestras francesas y estadounidenses.

El ala Este de la Galería Nacional es la más cercana al Capitolio. Cuenta con dos galerías en torre con iluminación natural, y una terraza que el arquitecto conceptual Perry Chin compara “con un jardín zen”, a pesar de no ser un arquitecto muy conocido, Chin fue íntimo colaborador de Ieoh Ming Pei (Cantón 1917 – 2019 Manhattan).

En 1978 la National Gallery recurrió a Pei para actualizar el edificio, y éste recomendó a Chin, quien asesoró a la National Gallery en la dotación de nuevos sistemas de calefacción, refrigeración, seguridad y protección contra incendios.

La terraza contiene una escultura de un gallo azul cobalto de Katharina Fritsch (Essen 1956).

El ala este del museo tiene más de 500 obras de arte, incluidas obras de Alexander Calder, Barbara Kruger, Jasper Johns, Pablo Picasso, Mark Rothko entre muchos más.

Galeria Este

Fue un gran coleccionista de arte, su equipo contaba con el aporte del historiador de arte inglés Basil Taylor.

Su colección recibió ademas el asesoramiento del marchante de arte John Baskett, el período desde 1960 a 1969, fue el de mayor colaboración y formación de la colección entre ellos.

Las principales secretarias de Mellon, fueron Ethel Orendorff y Beverley Carter. Otras personas relevantes fueron Willis Van Devanter, bibliotecario de Mellon; Leslie Cheek, curador en el Museo de Bellas Artes de Virginia, y varios asociados de la National Gallery of Art Agnew’s y Colnaghi. La colección de Mellon fue catalogada por Dudley Snelgrove (otro asesor y curador de grabados y dibujos británicos) y Judy Egerton. Toda esta enorme organización de especialistas en arte ha participado activamente en el Museo de Bellas Artes de Virginia en Richmond, y en Choate Rosemary Hall.

Fundaciones filantrópicas

Mellon crea en 1941 la Fundación Old Dominion y en 1945 la Fundación Bollingen que ha publicado más de 100 libros. Cuando sus activos se fusionaron con los de la Fundación Avalon de su hermana Ailsa se crea la Fundación Andrew W. Mellon.

Cuando desea llevar la arquitectura moderna a Yale, la concreta con la creación de dos nuevos colegios residenciales de pregrado, Ezra Stiles College y Morse College, ambos diseñadas por Eero Saarinen, y el Centro de Arte Británico diseñado por Louis Kahn.

Universidad de Cambridge

Desarrolló su gran amor por Inglaterra y su cultura mientras estudiaba en el Clare College de 1929 a 1931. En 1999, Paul Mellon legó 8 millones de dólares a la Universidad de Cambridge en Inglaterra para el Museo Fitzwilliam. También fue un importante benefactor del Clare College y del Clare Hall, fundada en 1966, ambas en Cambridge en Inglaterra.

«He sido un aficionado en todas las etapas de mi vida; un poeta aficionado, un erudito aficionado, un jinete aficionado, un granjero aficionado, un soldado aficionado, un conocedor aficionado del arte, un editor aficionado y un ejecutivo de museo aficionado. La raíz de la palabra «aficionado» es la palabra latina para (mencionar) amor, puedo decir honestamente que he disfrutado muchísimo de todos los papeles que he interpretado». Paul Mellon de su autobiografía Reflexiones en una cuchara de plata. (Reflections in a Silver Spoon).

Notas

1

Arch daily. Escrito por Ella Comberg.

2

Ada Louise Huxtable (1921 – 2013) fue una escritora y crítica de arquitectura que ubicó al periodismo de arquitectura y diseño urbano de tal manera que generó una amplia conciencia pública sobre el entorno urbano. En 1970, recibió el primer Premio Pulitzer de Crítica. El crítico de arquitectura Paul Goldberger, ganador en 1984 del Premio Pulitzer de crítica arquitectónica, dijo en 1996: “Antes de Ada Louise Huxtable, la arquitectura no formaba parte del diálogo público”.

3

En 1922 el periódico Chicago Tribune convocó a un concurso para su nueva sede en la metrópoli norteamericana. Las pretensiones de la nueva construcción no eran precisamente modestas. Según las condiciones de la convocatoria debía ser uno de los más bellos edificios del mundo y, obviamente, tenía que ser un rascacielos.

4

El arquitecto John Mead Howells, FAIA (1868 – 1959) nació en Cambridge, Massachusetts, hijo del autor William Dean Howells, obtuvo una licenciatura en la Universidad de Harvard en 1891 y completó estudios de arquitectura allí en 1894 antes de estudiar en la École des Beaux-Arts , en París, donde obtuvo su diploma en 1897.

El arquitecto Raymond Mathewson Hood (1881 – 1934) realizó sus trabajos en el estilo art decó a principios y mediados del siglo XX. Nació en Pawtucket, Rhode Island,  estudió en la Universidad Brown, el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), y la École des Beaux-Arts en París. En esta última conoció a John Mead Howells, con quien formó un estudio.

Hood trabajó frecuentemente con el escultor arquitectónico Rene Paul Chambellan (1893 – 1955) para crear las esculturas de sus edificios y para hacer modelos de plastilina de sus proyectos. Hood murió a los 53 años.

Atlas en el Rockefeller Center es una impresionante escultura de bronce Art Déco de Rene Paul Chambellan y Lee Lawrie. Con una altura de 4,26 mts., representa al titán Atlas sosteniendo los cielos sobre sus hombros.

5

La Medalla de Oro del AIA es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA) otorgado «por el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento de un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura». Lista de ganadores de la Medalla de Oro del AIA: ver https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos/

6

En el 2012 el Bank of New York Mellon fue el octavo banco más grande de los EEUU, BNY Mellon ha sido clasificado una vez más como el banco más seguro de los EE. UU. según una encuesta reciente de los “50 bancos más seguros del mundo”.

Conocida como BNY Mellon, es una corporación bancaria multinacional estadounidense de servicios financieros constituida el 1 de julio de 2007, como resultado de la fusión del Banco de Nueva York y Mellon Financial Corporation. ​Es el banco custodio más grande en el mundo, emplea a 51.400 personas en todo el mundo y opera en los sectores principales de servicios financieros. Es la más antigua corporación bancaria en los Estados Unidos, con orígenes que se remontan a la creación del Banco de Nueva York en 1784 por Alexander Hamilton.

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La Medalla de Oro del AIA 

La Medalla de Oro del AIA es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA).

La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».

La Octagon House se convirtió en la sede del American Institute of Architects (AIA) el 1 de enero de 1899.

La Octagon House está en Washington, D.C., fue construida entre 1789 y 1800, propiedad del Instituto Americano de Arquitectos, originalmente perteneció al coronel John Tayloe.

Después de que la Casa Blanca fuera quemada por los britanicos en la guerra de 1812, (la guerra anglo-estadounidense de 1812), el Octagon se convirtió en el hogar temporal del presidente James Madison y su esposa Dolley, (Madison fue el 4to. Presidente de los EEUU -desde 1809 a 1817-).

Durante la Guerra Civil fue un hospital improvisado. Madison usó la habitación circular encima de la entrada como estudio, y allí firmó el Tratado de Gante que acabó con la Guerra de 1812 que enfrentó a los Estados Unidos contra el Reino Unido y sus colonias canadienses. (1)

The Octagon House, fue diseñada por el médico, inventor, pintor y arquitecto William Thornton (1759 – 1828) responsable entre otras obras del Capitolio de los Estados Unidos.

La casa se construyó para la fmailia del coronel John Tayloe, propietario de las plantaciones de Mt. Airy, éstas eran las más ricas de Virginia, a 150 kilómetros al sur de Washington. Aparentemente la casa se construyó siguiendo los consejos de George Washington, tiene tres pisos, se uso lo que en aquella época era un nuevo ladrillo con el tradicional estilo georgiano.

Los materiales de construcción, madera, hierro, ladrillos y otras piedras se produjeron en los Estados Unidos, pero la piedra Coade (un tipo de piedra cerámica inglesa), las cocinas, los elementos decorativos y los muebles fueron traídos desde Inglaterra.

Ha habido cambios, hoy, es la Fundación Americana de la Arquitectura la dueña de Octagon House, y la AIA ha movido su sede a un edificio más grande detrás del original. Se ha llevado a cabo un extenso trabajo de rehabilitación en la casa desde 1996, tratando de retornar al esplendor inicial del edificio.

AIA

Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto

En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

En 2014 fue entregada por primera vez a una mujer, Julia Morgan a título póstumo. La medalla de 2016 fue otorgada por primera vez a una pareja después del cambio de estatutos de la organización del 2013 en la que abrió esta posibilidad.​

Aclaración, el título FAIA, abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, es un título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto. Dicho honor distingue a arquitectos que han hecho contribuciones significativas a la profesión de arquitectura. Menos del 2% de los cerca de 72.000 arquitectos estadounidenses forman parte del College of Fellows.

Lista de ganadores de la Medalla de Oro del AIA

1907 Sir Aston Webb (1849 – 1930), Reino Unido

Obras relevantes: Entrada principal del Victoria and Albert Museum (1891/1909); Los nuevos edificios del Christ’s Hospital en Horsham, Sussex (1893-1902); Rediseño de la Fachada principal del Palacio de Buckingham (1913).

1909 Charles Follen McKim FAIA (1847–1909), EEUU

Obras relevantes: La Biblioteca Pública de Boston (1887); El campus Morningside  Heights de la Universidad de Columbia (1893); la New York Penn Station (1904/1910).

1911 George Browne Post FAIA (1837–1913), EEUU

En vida, llegó a ser referido como «el decano de los arquitectos estadounidenses» y «el padre del edificio alto en Nueva York».

Obras relevantes: Sociedad Histórica de Brooklyn, Nueva York (1878/1881); Edificio nº 4 de la Bolsa de Valores de Nueva York (1903); Capitolio del estado de Wisconsin, Madison (1917); Ademas e encargos privados como Biltmore, The Breakers y Marble House.

1914 Jean Louis Pascal (1837–1920), Francia

Obras relevantes: Sala Oval, Biblioteca Nacional de Francia (1897/1932); Cementerio Père Lachaise; Escuela de Medicina y Farmacia, Victory Square, Burdeos (1888).

1922 Víctor-Alexandre-Frédéric Laloux (1850 – 1937), Francia

Obras relevantes: La antigua estación de Orsay (1898 – 1914); La basílica de Saint-Martin de Tours (1886 -1924); La estación de Tours; Ayuntamiento de Roubaix (1907-1911), con esculturas arquitectónicas de Cordonnier.

1923 Henry Bacon (1866–1924), EEUU

Trabajó en el estudio de McKim, Mead & White (AIA 1909)

Obras relevantes: Grandes almacenes Halle Brothers, Cleveland (1910 – 1914); Lincoln Memorial, Washington (1912 – 1922); Union Square Savings Bank, Nueva York (1918).

1925 Bertram Grosvenor Goodhue (1869–1924), EEUU

Colaboraron en su arquitectura neogótica y neocolonial español varios artistas y artesanos, como el escultor Lee Lawrie y el muralista Hildreth Meire.

Obras relevantes: Iglesia de Santo Tomás, Nueva York (1909); Finca El Fureidis en Montecito; California (1906); Edificio central de la Biblioteca Pública de Los Ángeles (1924).

1925 Sir Edwin Landseer Lutyens (1869–1944), Reino Unido

Obras relevantes: Catedral Metropolitana de Liverpool (1933); Casa Hyderabad (1926/1928); Palacio Presidencial Nueva Delhi -Rashtrapati Bhavan- (1929/31).

1927 Howard Van Doren Shaw (1869–1926), EEUU

Obras relevantes: Plaza del Mercado (1916); Edificio de la imprenta Lakeside (1901); Ragdale (1897).

1929 Milton Bennett Medary (1874–1929), EEUU

Obras relevantes: Capilla Memorial de Washington (1921), interior; Edificio de la Fidelity Mutual Life Insurance Company en Filadelfia (1926/1928); Torre de canto de Bok (1927/1929), Lake Wales, Florida; El edificio Ruth and Raymond G. Perelman , (era el edificio de la Fidelity Mutual Life Insurance Company), es un anexo del Museo de Arte de Filadelfia. 

1933 Ragnar Östberg (1866–1945), Suecia

Obras relevantes: El Ayuntamiento de Estocolmo (1909/1923) inspirado en la arquitectura sueca del siglo XVI integrando armoniosamente, formas clásicas, medievales y románticas;  Aschanska villan, Umeå (1906); Puente Nacional Riksbron (1930).

1938 Paul Philippe Cret (1876–1945), Francia, EEUU

Obras relevantes: Detroit Institute of Arts (1885); Folger Shakespeare Library (1932); Edificio principal, Universidad de Texas, Austin (1934/1937); Cincinnati Union Terminal en Ohio (1933).

1944 Louis Sullivan (1856–1924), EEUU

Ver https://onlybook.es/blog/la-escuela-de-chicago-3-arq-louis-h-sullivan-su-vida/

Obras relevantes: Auditorio de Chicago (1889); Wainwright Building, St. Louis (1890); Guaranty Building (anteriormente Prudential Building) Buffalo (1894); National Farmer’s Security Bank, Owatonna, Minnesota (1908).

Ver https://onlybook.es/blog/wright-brenham-sullivan/

Notas

1

La Guerra de 1812 o la guerra anglo-estadounidense se desarrolló entre 1812 y 1815. Incluyó a los aborígenes nativos de varias tribus en el contexto de la supervivencia indígena ante la conquista del territorio por uno u otro de los demás bandos.

Los enfrentamientos se dieron por tierra y por mar. La guerra tuvo lugar en momentos en que el Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda soportaban un gran esfuerzo de guerra contra la Francia Napoleónica

Continúa en https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-2nda-parte/

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1955/1956. Silla Tulipán

Sus medidas son altura 80 cm, ancho 50 cm y profundidad 56 cm, su base es de aluminio, el marco de fibra de vidrio y los cojines de cuero o tela.

En colores marco blanco, cojín rojo (cojín variable).

La silla Tulipán fue diseñada por Eero Saarinen entre los años 1955 y 1956 para la compañía Knoll de Nueva York. Los diseños se titularon inicialmente «Grupo de pedestal» antes de que Saarinen y Knoll se decidieran por la «silla Tulipán», que sonaba más orgánica, lo que reflejaba su inspiración en la naturaleza. 

Fue diseñada principalmente como una silla para combinar con la mesa de comedor complementaria. La silla tiene las líneas suaves del modernismo y fue experimental al utilizarse materiales no habituales. Una silla que muchos consideraron  de la «Era Espacial» por su uso futurista de curvas y materiales artificiales no tradicionales.

Diseño y construcción

«El apoyo de sillas y mesas en un interior típico crea un mundo feo, confuso e inquieto. Quería limpiar el tugurio de piernas. Quería que la silla volviera a ser una sola cosa«. Saarinen

Esta frase o deseo de Saarinen resalta un deseo de orden y simplicidad, de regresar a la esencia de lo que representa una silla: un lugar para sentarse, no un objeto disperso y abrumador.

Saarinen esperaba producir la silla como una unidad de una sola pieza hecha completamente de fibra de vidrio, pero este material no podía soportar la base y los prototipos eran propensos a romperse, como resultado, la base de la silla tulipán es de aluminio fundido con un acabado recubierto de rilsan (1) a juego con la carcasa superior, dando la apariencia de una sola unidad. La carcasa superior es de fibra de vidrio moldeada, con un acabado reforzado con plástico. 

El cojín de espuma tapizado es desenfundable con cierre de velcro. 

En 1960 se concedió a Saarinen la patente de la silla Tulipán, que ha merecido los siguientes premios 

1969. Premio del Museo de Arte Moderno.

1969. Premio Federal de Diseño Industrial.

1962. Premio Design Center Stuttgart.

Proyecto Cybersyn

En 1971, en Chile se utilizó una forma modificada de la silla Tulipán en el diseño del Proyecto Cybersyn. El nombre del proyecto en inglés (‘Cybersyn’) es un acrónimo de las palabras ‘cybernetics’ y ‘synergy’.

Otros proyectos de Eero Saarinen

1956-1961. IBM’s Thomas J. Watson Research Center. Yorktown Heights, New York

El Centro de Investigación Thomas J. Watson en Yorktown Heights, Nueva York, es la sede mundial de IBM Research, la organización de investigación industrial más grande del mundo. La instalación, terminada en 1961, alberga a más de 1500 científicos, ingenieros y diseñadores que se ocupan del futuro del mundo de la informática.

Los visitantes se alojan en el Think Lab de IBM, que alberga varios sistemas IBM Quantum, así como una supercomputadora experimental nativa de la nube optimizada para IA.

1956-1958. El Campus Tecnológico IBM, Rocherter Minnesota.

Fue realizada por Eero Saarinen con sus asociados Smith, Hinchman & Grylls y los ingenieros Johnson, Drake & Piper, Inc.

La instalación es compartida por varias empresas.

Saarinen recubrió la estructura con paneles azules de diferentes tonos inspirado tanto en el cielo de Minnesota como en el nombre del primer ocupante, Big Blue, lo más probable es que fuera esto último.

El sitio fue rebautizado en el 2018 como Rochester Technology Campus.

El CEO de IBM, Thomas J. Watson Jr., eligió el sitio, la primera piedra se colocó a mediados de 1956, la primera etapa fue de 53.500 m2, y luego de su ampliación llegó a la impresionante superficie de 290.000 m2 el equivalente de 29 canchas de futbol. Llegó a tener 8 mil empleados, en el 2017 esa cifra bajó a 2.800.

La planta, que se encuentra cerca de la autopista 52 en la parte noroeste de Rochester, fue reconocida en 1990 por el Museo Nacional de la Construcción como una de las contribuciones significativas de IBM al entorno construido de los Estados Unidos, junto con la sede de IBM en la ciudad de Nueva York y el edificio de IBM en Atlanta, Georgia.

1953 – 1957. Memorial de la Guerra, Milwaukee

En 1888, Frederick Layton fundó la Asociación de Arte de Milwaukee, (llamada luego Instituto de Arte de Milwaukee).

En 1957, la Galería de Arte Layton trasladó su colección junto a la del Instituto de Arte de Milwaukee, al War Memorial Center, diseñado por Eero Saarinen.

En 1975 se hizo una ampliación diseñada por David Kahler.

Y en el 2001 el arquitecto Santiago Calatrava diseñó el Pabellón Quadracci, dando además de más espacio, un edificio ícono para la ciudad.

Alberga más de 30.000 obras, en 1980 pasó a llamarse Museo de Arte de Milwaukee.

Se encuentra en el 700 N. Art Museum Drive, a orillas del lago Michigan, en el estado de Wisconsin.

1958. Hill College House en la Universidad de Pennsylvania

Está ubicada al3333 Walnut Street, es una de las residencias más grandes de la Universidad de Pensilvania.

1958. La Casa Emma Hartman Noyes en Vassar College

Es una residencia para 156 estudiantes ubicada en el Vassar College en Poughkeepsie, Nueva York.

Es uno de los tres edificios modernos encargados por Sarah Gibson Blanding, la primera presidenta de la Universidad.

Saarinen estaba casado con Aline Bernstein Saarinen, graduada del Vassar College, quien tenía una relación personal con la directora del Departamento de Arte, Agnes Claflin. Ësta conociendo las capacidades proyectuales de Eero, lo recomendó para construir la residencia.

Finalizada en 1958, es la última residencia de estudiantes que se construyó en el campus e invoca el estilo gótico y tradicional del campus. El espacio interior más memorable es una sala de estar circular hundida originalmente llamada «Passion Pit», que ahora se conoce como “Jetsons” Lounge.

El plan maestro de Saarinen proponía encerrar Noyes Circle, una zona verde histórica que se usaba normalmente para hacer ejercicio, con dos edificios residenciales en forma de medialuna de los que solo se construyó uno, indudablemente influyo en ello que el costo del edificio fue el doble del costo estimado del proyecto.

Mientras Cesar Pelli estaba en Vassar College después de que le encargaran el diseño del “Centro de Arte Frances Lehman Loeb” (terminado en 1993), recomendó a Frances Fergusson, presidenta de la escuela, un arquitecto de Minneapolis llamado Leonard Parker (1938) para que se encargara del proyecto de restauración. Éste había trabajado anteriormente con Saarinen en su oficina de Bloomfield Hills.

Parker encontró un libro de 1956 en los archivos de Saarinen que documentaba las telas, los acabados y los materiales originales, asi se pudo colocar los muebles nuevos dónde estaban previstos originalmente.

1958-1962. Aeropuerto Internacional Dulles, Chantilly, Virginia

Debido al crecimiento de la aviación en 1950, el presidente Eisenhower eligió la pequeña ciudad de Willard para construir un segundo aeropuerto.

Está a 42 km al oeste de Washington DC en Chantilly, su nombre es un homenaje a John Foster Dulles secretario de Estado durante la presidencia de Eisenhower.

Con una superficie de 4.700 has, puede recibir a 23 millones de pasajeros al día con 125 destinos.

Contrataron a Saarinen para que diseñara un edificio tan “bello como la naturaleza de un vuelo”. No lo hizo solo, Kevin Roche participó activamente en el proyecto.

Desde la rampa, los pasajeros pasan por el área de venta de billetes hasta el lado de la pista, donde encontrarán puertas que los llevan a la sala móvil, ésta se asemeja a una especie de autobús gigante de lujo capaz de transportar hasta noventa personas desde la terminal hasta su avión. Esa inclusión fue una revolución en el movimiento dentro del aeropuerto, eliminando enorme cantidad de puertas.

Se realizaron ampliaciones en ambos extremos, duplicando la longitud de la estructura.

Este aeropuerto ha aparecido en muchas películas ambientadas en Washington, como la película de 1964 “Siete días en mayo”, “Duro de matar 2”, “Más duro de matar”, “El paquete”, “Aeropuerto”, “Las fuerzas de la naturaleza”, “Expediente X” y “Red de mentiras”. (2)

En 1958, Charles y Ray Eames crearon esta película para explicar el nuevo aeropuerto de Washington (Aeropuerto Internacional de Dulles), proyecto que había sido diseñando por su amigo Eero Saarinen.

El vídeo trataba de justificar de una forma muy gráfica e intuitiva la propuesta circulatoria y programática del nuevo aeropuerto: los pasajeros una vez que pasaban el control de seguridad llegaban a la parte trasera del edificio donde les esperaba la nueva “sala de espera móvil”, un vehículo de grandes dimensiones que transportaba a los pasajeros desde la terminal hasta la entrada de los aviones.

Eero Saarinen no diseñó personalmente esta nueva sala móvil, lo hizo un consultor que olaboró durante el proceso de desarrollo del aeropuerto. Las sucesivas transformaciones y ampliaciones del aeropuerto son las responsables que la nueva sala de espera móvil haya caído prácticamente en desuso ya que se ha construido un tren subterráneo que conecta la terminal original con las nuevas estaciones satélites

1958-1962. Ezra Stiles y Samuel Morse Colleges, Universidad de Yale

1960. Embajada de EE. UU, en Londres

Fue el primer edificio construido con el fin de ser una embajada en Gran Bretaña.

Más de 50 años después, el proyecto de Saarinen, situado cerca de la plaza de Grosvenor, se convertirá en un hotel.

David Chipperfield (1953) será quien lleve a cabo el proyecto sobre la base de Saarinen, quien curiosamente trabajó en la construcción mientras estaba diseñando la terminal del aeropuerto JFK de Nueva York, que también acaba de convertirse en un hotel.

El estudio de Chipperfield, artífice del Neues Museum de Berlín, el Museo fluvial y del remo en Henley-on-Thames, uno de sus proyectos más premiados, del Pabellón de la Copa América en Valencia.

o de Casa de vacaciones en la localidad gallega de Corrubedo.

Se impuso al estudio de Norman Foster en la construcción de este hotel de lujo, que, en sus nueve plantas, tendrá 137 habitaciones, con cinco restaurantes, seis tiendas, un spa y un salón de baile.

1961/1964. El edificio CBS, también conocido como Black Rock y 51W52, es una torre de 38 pisos y 150 metros de altura en el 51 West 52nd Street en el Midtown de Manhattan.

El primer y único rascacielos diseñado por Eero Saarinen en Nueva York, ha sido renovado por Vocon Architects y MdeAS Architects. Es la sede de la cadena de radiodifusión CBS. El edificio diseñado por Eero Saarinen, se refirió al edificio como la «declaración de rascacielos más simple de Nueva York».  Los espacios interiores y el mobiliario fueron diseñados por Saarinen, y por Florence Knoll Bassett.

El edificio también fue la sede de CBS Records (más tarde Sony Music Entertainment) antes de principios de la década de 1990.

1938 / 2001. Aeropuerto Internacional Ellinikon. Construido en 1938, fue cerrado en 2001.

El Aeropuerto Internacional Ellinikon, construido en 1938, se llamó originalmente Aeródromo de Kalamaki. Durante la ocupación alemana de Grecia en 1941, se utilizó como base aérea de la Luftwaffe.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el gobierno griego permitió a los Estados Unidos utilizar el aeropuerto hasta 1993.

Estaba considerado como uno de los aeropuertos más difíciles y arriesgados del mundo debido a las características naturales de la región, una pista corta y pequeña en una estrecha franja de tierra plana entre el mar Egeo y las montañas que rodean la cuenca del Ática, particularmente el monte Hymmetus.

Tras su cierre el 28 de marzo de 2001, fue reemplazado por el nuevo Aeropuerto Internacional de Atenas Eleftherios Venizelos.

El antiguo aeropuerto estaba ubicado a 7 kilómetros al sur de Atenas, su nombre provenia de la aldea de Elliniko.

Su capacidad era de 11 millones de pasajeros al año, aunque en su utimo año de funcionamiento atendio a 13,5 millones.

Una gran parte del sitio se convirtió en un estadio e instalaciones deportivas para los Juegos Olímpicos de 2004. El antiguo aeropuerto es ahora el sitio de un importante desarrollo para la costa de Atenas. Fue muy criticada la demolición de edificios históricos bien conservados de la década de los años 30.

En el 2020, comenzó la construcción del Parque Metropolitano Hellenikon, un complejo que consta de casas de lujo, hoteles, casino, la torre Inspire Athens, puerto deportivo, tiendas y oficinas, se estima que se terminará entre el 2025 y el 2026.

El aeropuerto está rodeado por playas al oeste, por el Club de Golf de Glyfada al sur, por el límite municipal de Elliniko-Glyfada y por una zona residencial. El centro de radar de Atenas sigue estando ubicado en Elliniko. El aeropuerto tenía dos terminales: la Terminal Oeste para Olympic Airways y la Terminal Este para todas las demás aerolíneas, éste último fue diseñado entre 1960 y 1969 por Saarinen.

Parque Metropolitano Hellenikon

En 2005, los arquitectos David Serero , Elena Fernández y el arquitecto paisajista Philippe Coignet ganaron el concurso patrocinado por la UIA (Union Interncional de Arquitetos) el Ministerio de Medio Ambiente de Grecia y la Organización para la Planificación y la Protección del Medio Ambiente de Atenas (ORSA).

Se presentaron más de 300 equipos de arquitectos para diseñar un parque metropolitano en el antiguo emplazamiento del aeropuerto Ellinikon. El proyecto fue desarrollado en 2006 y 2007.

1951–1964. Edificio Earl V. Moore, Universidad de Michigan. Casa de la Música

Ubicación Ann Arbor, Estado de Míchigan, dirección: 1100 Baits Ave. Eero Saarinen y asociados. (3)

“Nuestra arquitectura es demasiado humilde».

«Debería ser más orgullosa, más agresiva, mucho mas rica y más grande que la que vemos hoy”. Eero Saarinen

Modernismo: raíces en Michigan

Los arquitectos Eero Saarinen y Minoru Yamasaki (1912 – 1986) diseñaron edificios que definieron una era.

Este edificio fue el más destacado del campus norte, rodeado de colinas boscosas que se reflejaban en un estanque, un edificio en perfecta armonía con su entorno.

Tanto las paredes exteriores como las interiores son de ladrillo. Las aulas y los estudios de sonido del nivel principal emplean una losa que parece flotar sobre fibra de vidrio, una losa-soporte de hormigón estructural, que insonoriza los estudios.

Al norte hay un ala de dos pisos para aulas y salas de ensayo, al sur están la biblioteca, las salas de ensayo y recitales. Las ventanas estrechas enteras sin divisiones contrastan con los patrones horizontales del ladrillo.

Eero Saarinen y sus colaboradores realizaron el Masterplan del Campus Norte, de la Universidad de Michigan, asi como el edificio Earl V. Moor que es la actual Biblioteca de la Escuela de Música.

1957 1962. Edificio Bell Laboratorios. Holmdel en Nueva Jersey.

“El futuro ocupaba constantemente la imaginación de Saarinen que creía que lo que traería el mañana sería decidido por un grupo privilegiado de individuos, investigadores comprometidos en proyectos destinados a producir cambios en la sociedad.  Para él, los laboratorios eran los santuarios de los elegidos. «Deberíamos observar esos laboratorios para hacernos una idea de que vendrá… Allí las personas se concentran sobre ciertas ideas que, de hecho, podrían resultar interesantes para todos nosotros». Pierluigi Serraino.

1963-1967. Arco Gateway, St. Louis, Misuri

El Jefferson National Expansion Memorial (Gateway Arch, 1964) en San Luis, es un arco en acero inoxidable de 192 m de altura en su punto más alto de la catenaria. Ha recibido numerosos premios.

Yale University Press (31 octubre 2006) Publicado en asociación con el Instituto Cultural Finlandés de Nueva York, el Museo Nacional de la Construcción de Washington, D.C. y el Museo de Arquitectura Finlandesa.

464 pp en tapa blanda. 23 cm x 29,70 cm x 3,25 cm

Texto en inglés. ISBN ‎ 978-0300122374. “Eero Saarinen: Dando forma al futuro”. Autores Donald Albrecht y Eeva-Liisa Pelkonen. Vida y obra de Eero Saarinen, uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.

Desde las bóvedas de hormigón de la terminal TWA en el aeropuerto JFK hasta el Arco Gateway en St. Louis, Sus diseños icónicos capturaron las aspiraciones y los valores de los Estados Unidos de mediados del siglo XX. incluido el Centro Técnico de GM, el Aeropuerto Internacional Dulles y la sede de John Deere.

Este es el primer libro sobre Saarinen que incorpora importantes investigaciones y materiales de los archivos recientemente disponibles de su oficina, e incluye el portafolio más completo de sus proyectos hasta la fecha: un estudio cronológico de más de 100 obras construidas y no construidas, fotografías inéditas, planos y dibujos de trabajo.

Exposiciones: 2006 Kunsthalle Helsinki, Finlandia. 2007. Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño, Oslo. 2007 CIVA, Centro Internacional de Urbanismo, Arquitectura y Paisaje, Bruselas. 2008 Museo Nacional de la Construcción, Washington, D.C..2007/2008 Academia de Arte Cranbrook, Bloomfield Hills, Michigan. 2009 Museo de Arte Mildred Lane Kemper, Universidad de Washington, St. Louis. 2009 Instituto de Arte de Minneapolis y Centro de Artes Walker. 2010 Galería de arte de la Universidad de Yale y Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut.‎

1963 1964. Centro John Deere, Moline, Illinois

Es un complejo de cuatro edificios en un predio de 570 hectáreas en One John Deere Place, Moline, Illinois. Es la sede corporativa de la empresa de maquinaria agrícola pesada John Deere. Se inauguró el 20 de abril de 1964. Saarinen murió antes de que se completara su construcción, ocurrió a solo cuatro días después de firmar el contrato para los edificios más nuevos.

El proyecto fue terminado por el arquitecto Kevin Roche, participó en las decisiones el presidente de Deere & Company, William Hewitt, utilizando acero resistente a la intemperie COR-TEN, una de las primeras aplicaciones arquitectónicas del material, que le dio al edificio un aspecto terroso a medida que se oxidaba y envejecía

En celebración del Bicentenario de Illinois 2018, la sede mundial de John Deere fue seleccionada como uno de los “200 Grandes Lugares” por el Instituto Americano de Arquitectos componente de Illinois (AIA Illinois).

Las oficinas permiten el trabajo de 900 empleados y su auditorio tiene capacidad para 350 personas. El diseño del campus lo realizó Hideo Sasaki (1919 – 2000). El diseño recibió el premio ASLA Classic Award en 1991 por su «entorno corporativo arquetípico». 

1964. Iglesia North Christian, Columbus. Indiana

1965. El Teatro Vivian Beaumont. en el Teatro Lincoln Center en Nueva York

Es el lugar más septentrional y occidental de Broadway y está ubicado dentro del Lincoln Center, un complejo de artes escénicas en el Upper West Side.

Su capacidad es de 1080 espectadores.

Diseñado por Eero Saarinen, junto al diseñador escénico de Broadway Jo Mielziner.

El Teatro Vivian Beaumont y el Teatro Mitzi Newhouse diseñados por el Eero Saarinen, sondos teatros diferentes, el Teatro Vivian Beaumont a nivel de plaza y el Teatro Mitzi Newhouse a nivel de calle.

Se inauguró el 21 de octubre de 1965.

Nota

1

Producida a partir de aceite de ricino, la resina Rilsan es un polímero de alto rendimiento de origen 100% renovable, se ha utilizado durante mas de 70 años como sinónimo de alto rendimiento y durabilidad.

2

Texto de Megan Sveiven.

3

Fotografías de G. Grubb

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Eero Saarinen

Fue hijo de Eliel Saarinen y uno de los arquitectos más destacados de mediados del siglo XX, comenzó su labor a partir de las estructuras rectilíneas en acero y cristal del International Style, para evolucionar hacia las formas más libres de construcción en hormigón que habían iniciado Pier Luigi Nervi, Le Corbusier y otros arquitectos de principios del siglo XX. Sus edificios universitarios, oficinas centrales, terminales de aeropuertos y embajadas tienen en común su arriesgado diseño y gran tamaño.

Se graduó en la Escuela de Arquitectura de Yale en 1934, y entró a formar parte del estudio de su padre. A partir de 1940 diseñó muebles con Charles Eames, diseños elegantes en plástico y madera laminada, diseños que han sido muy imitados. Entre ellos la famosa silla “Tulipa”.

Su mayor encargo fue el centro de la General Motors (1948-1957) en Warren, un recinto con 5 pabellones en los que las masas rectangulares contrastan con cilindros y cúpulas. El complejo refleja la influencia de Ludwig Mies van der Rohe y Albert Kahn.

Saarinen incluyó ladrillos teñidos en varios colores y escaleras de fantasía diseñó espacios ilimitados; en la década de 1950 produjo varias estructuras cubiertas con cúpulas espectaculares, como el auditorio Kresge, en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (1955) y el Ingalls Hockey Rink (1959, Yale).

Alcanzó la máxima brillantez en la terminal de la compañía aérea TWA, en el aeropuerto internacional Kennedy, de Nueva York, en 1962. En sus planos para el Aeropuerto Internacional de Dulles, acabado en 1963, introducía el nuevo concepto de sala de embarque, que cubría con un tejado de losas de hormigón suspendidas por cables. Prefería construir edificios institucionales, su único rascacielos, el de la CBS, acabado en 1965, fue el primero en Nueva York realizado en hormigón armado. Murió muy joven en Ann Arbor, Michigan, el 1 de septiembre de 1961, a título póstumo recibió la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos, que recogió su viuda, Aline B. Saarinen, crítica de arte.

Obras referenciales de Eero Saarinen

1935. El Teatro Sueco

Situado en Helsinki, en la plaza Erottaja al final de Esplanadi. Fue el primer escenario nacional de Finlandia.

Esta obra se realizó en 3 etapas distintas, 1860,1866 y 1935.

El arquitecto que realizó la obra en 1860 fue Georg Theodor Chiewitz (1815 – 1862).

La obra de 1866 la realizó el Arq. Nikolaj Benois (1813 – 1898).

La obra de 1935 fueron los arquitectos Eero Saarinen y Jarl Eklund (1876 – 1962).

1938-1940. Kleinhans Music Hall, Buffalo, New York. junto a Eliel Saarinen

Sala de conciertos que alberga la Orquesta Filarmónica de Buffalo y otras organizaciones musicales locales.

Su donante Edward L. Kleinhans dio el nombre a la sala. En 1964, en la sala de conciertos dio un discurso Robert F. Kennedy, quien se postulaba para ser elegido senador demócrata en representación de Nueva York, frente a una audiencia de 6.000 personas, y en 1967, el Dr. Martin Luther King, Jr. dio un discurso titulado «El futuro de la integración».

El edificio presenta dos curvas parabólicas opuestas, que forman las paredes en la parte trasera del auditorio principal más grande y la sala más pequeña, con el auditorio principal en forma de triángulo con lados y un vértice curvo en la parte trasera del edificio.

El exterior del edificio está revestido de ladrillo pulido con paneles de piedra caliza en las marquesinas, que enmarcan las puertas de entrada

Es uno de los primeros diseños más audaces de Eliel y Eero Saarinen.

El 1989 fue declarado Monumento Histórico Nacional.

1949-1950. La Casa Entenza

Case Study House Nº 9, Pacific Palisades.

Eero Saarinen junto a Charles y Ray Eames. Archivo fotográfico de Julius Shulman. Imagen © J. Paul Getty Trust. Getty Research Institute, Los Ángeles.

Las Case Study Houses fueron experimentos de arquitectura residencial estadounidense patrocinados por la revista Arts & Architecture, que fueron encargados a los principales arquitectos de la época, entre ellos Richard Neutra (1892 – 1970), Raphael Soriano (1904 – 1988), Craig Ellwood (1922 – 1992), Charles (1907 – 1978)y Ray Eames (1912 – 1988), Pierre Koenig (1925 – 2004), Eero Saarinen (1910 – 1961), Archibal Quincy Jones (1913 – 1979), Edward Killingsworth (1917 – 2004), Rodney Walker (1910 – 2986) y Ralph Rapson (1914 – 1008).

En la búsqueda de modelos de casas baratas y eficientes para resolver el boom de la vivienda residencial en los Estados Unidos causado por el final de la Segunda Guerra Mundial y el regreso de millones de soldados.

El programa funcionó de forma intermitente desde 1945 hasta 1966. Las primeras seis casas se construyeron en 1948 y atrajeron a más de 350.000 visitantes. No se construyeron todos los 36 diseños, la mayoría se hicieron en Los Ángeles, uno en San Rafael en el norte de California, y otro en Phoenix, Arizona

Varias de las casas aparecieron en la revista en icónicas fotografías en blanco y negro del fotógrafo de arquitectura Julius Shulman (1910 – 2009).

1949-1956. Centro Técnico de General Motors, Warren, Township al norte de Detroit. Michigan.

El Tech Center fue el primer gran proyecto independiente de Eero Saarinen después de dejar la empresa de su padre.

Fue el paso imprescindible para su éxito posterior.

Colaboró con consultores de diseño y artistas, incluidos Alexander Girard (1907 – 1993) y los diseñadores de la Cranbrook School Harry Bertoia (1915 – 1978), Maija Grotell (1899 – 1973) y Florence Knoll (1917 – 2019).

Su diseño integra la arquitectura, la planificación, el diseño civil, el interiorismo, las bellas artes y la arquitectura paisajística que la realiza Thomas Church (1960).

Las obras de arte incluyen obras de Harry Bertoia, Alexander Calder (1898 – 1976) la fuente en el extremo norte del estanque reflectante principal, Antoine Pevsner (1884 – 1962) escultura, El vuelo del pájaro, también conocido como pájaro en vuelo, en el extremo sur del mismo estanque, y pinturas de Charles Sheeler (1883 – 1965) y Jimmy Ernst (1920 – 1984). 

GM adquirió un terreno con más de tres millones de metros cuadrados (300 hectáreas) y contrato a los arquitectos a Saarinen y Swanson.
En 1945 fue el mayor proyecto arquitectónico de los EE. UU y supuso una revolución en el campo de la arquitectura industrial. No hubo limite al presupuesto, pasando de los 60 millones iniciales a los 100 millones de dólares. 
La construcción se inició en 1949 y su inauguración en 1956 fue cubierta por una difusión periodística sin precedentes, contando con un discurso televisado del presidente Eisenhower para toda la nación y con la presencia en Warren de estrellas del Hollywood de la época. El plan maestro original del campus, estaba compuesto por veinticinco edificios repartidos en grandes espacios abiertos y avenidas lineales. El Centro Técnico de General Motors fue distribuido alrededor de un lago de 9 hectáreas que contenía cuatro islas, al estilo del diseño de Mies Van de Rohe para el campus del Instituto de Tecnología de Chicago. Cinco complejos de edificios rodean el lago, uno en cada extremo y tres sobre su lado oriental. Los edificios son bajos, con estructuras de tres pisos y amplios ventanales con vistas a los parques. https://youtu.be/lpgkJf6p47o

En el 2000 fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos y en el 2014 fue designado Monumento Histórico Nacional.

North Campus, University of Michigan, Ann Arbor, Michigan

Este campus se construyó fuera de los límites de la ciudad, en una gran parcela de 3,2 km2, que en 1922 había comprado la universidad.

Su arquitectura es de líneas más modernistas que la mayoría de los edificios del campus que son clásico o gótico colonial. Eero Saarinen, desde su sede en Birminghal en Michigan creo uno de los primeros planes maestros para el Morte y diseño varios edificios en la década del 50 incluido el edificio de la Escuela de Música Earl V. Moore.

La mayoría de los espacios de enseñanza de la escuela, las oficinas de la facultad y la biblioteca de música se encuentran en el edificio Earl V. Moore. Este edificio lleva el nombre de un antiguo decano de la escuela, y fue diseñado en un estilo moderno de mediados de siglo por el Saarinen.

Recibe el encargo de diseñar el plan maestro para el Campus Norte de la Universidad de Michigan, el diseño del edificio de la escuela de música (que ahora es el Edificio Earl V. Moore). 

El plan original requería un edificio en forma de L y una sala de conciertos circular. Terminado en 1964, el resultado fue un pabellón de cinco niveles con alas flanqueantes. Saarinen imaginó un edificio en armonía con la naturaleza, por lo que diseñó el edificio para que se construyera en una colina con vistas a un estanque. La estructura de hormigón revestida de ladrillo tiene ventanas verticales estrechas que contrastan con los patrones horizontales de ladrillo, que se cree que representan los colores alternos de las teclas del piano. El color ladrillo se conoce como «Cranbrook Buff» por su referencia al “color de los edificios en el campus de la Comunidad Educativa de Cranbrook. El estilo de este edificio ha influido en casi toda la construcción posterior del Campus Norte”.

“El edificio original contenía 2 salas de ensayo/conciertos, 45 estudios de enseñanza de interpretación, 18 aulas, 40 oficinas, una gran biblioteca, 120 salas de ensayo, incluidas 12 salas de práctica de órgano, y otras instalaciones especiales para la práctica de piano, arpa, clavicémbalo y percusión. La construcción de este edificio permitió el primer aumento en la matrícula desde 1946”.

Durante la construcción del edificio, Saarinen fue diagnosticado con un tumor cerebral, pero pudo ver el progreso del edificio desde su habitación en el Hospital Universitario.

Según el informe financiero presentado por el presidente Harlan Hatcher a la Junta de Regentes en 1966, la Universidad de Michigan tenía la segunda escuela académica de música en los Estados Unidos, después de la Escuela de Música de la Universidad de Indiana. El campus de Ann Arbor y la División Universitaria del Campamento Nacional de Música en Interlochen inscribieron la sesión de música de verano más grande de los Estados Unidos.

El Campus Norte es sede de la Facultad de Ingeniería, la Escuela de Arte y Diseño Stamps, la Facultad de Arquitectura y Urbanismo Taubman y la Escuela de Música, Teatro y Danza (SMTD).

Cuenta Mari Reyes-Toidze guía del Campus. Menciona lo hermoso que es el campus de Ann Arbor …” Hay tantas cosas en el Campus Norte que los estudiantes que frecuentan el campus pasan por alto, por lo que estoy aquí para arrojar algo de luz sobre las partes únicas que quizás aún no hayas visto o de las que no hayas oído habla” …”En cualquier época del año, el Campus Norte tiene vistas increíbles. Es inigualable caminar alrededor del edificio SMTD y subir a los edificios residenciales. Durante la caminata de 30 minutos de los senderos, te acompañan pájaros y animales que deambulan por alli. Los árboles cubren el camino”. Luego de jugar con el columpio que esta junto a la torre del reloj se llega al Pierpont Commons, un edificio que tiene una galería de arte, sillones de masajes en el sótano y muchos buenos lugares para comer alternativos al comedor de Bursley”.

Ideal para estudiar es la Biblioteca Duderstadt (“The Dude”) y el edificio de Arte y Arquitectura.

The Dude, es una enorme biblioteca de tres pisos, un gran sótano (oscuro sin ventanas) una cafetería en el 3ndo piso, y con áreas para sentarse al aire libre o a cubierto, ideal para estudiar y trabajar, con iluminación natural “que ofrece a muchos estudiantes un hogar lejos del hogar y una zona aislada y segura con muchas joyas ocultas”.

Renovación

El Campus Norte es el más contiguo, construido independientemente de la ciudad en una gran parcela de tierras de cultivo, de aproximadamente 3,2 km², que la universidad compró en 1952.

Es más nuevo que el Campus Central y, por lo tanto, tiene una arquitectura más modernista, mientras que la mayoría de los edificios del Campus Central son de estilo clásico o gótico colegial. Eero Saarinen, creó uno de los primeros planes maestros para el Campus Norte y diseñó varios de sus edificios en la década de 1950, incluido el edificio de la Escuela de Música Earl V. Moore. 

Los campus Norte y Central tienen campanarios únicos que reflejan los estilos arquitectónicos predominantes de su entorno. Cada uno de los campanarios alberga un gran carillón, 2 de los 57 que hay en todo el mundo. La torre del Campus Norte se llama Torre Lurie.  La residencia más grande de la Universidad de Michigan, Bursley Hall, es parte del Campus Norte.

El campo de golf de la Universidad de Michigan fue diseñado por el arquitecto escocés Alister MacKenzie (1870 – 1934) e inaugurado en 1931. Fue quien diseñó el Augusta National Golf Club en Georgia, sede del Torneo de Maestros.

La revista Sports Illustrated en 2006, dice que tiene uno de «los mejores hoyos jamás diseñados por el arquitecto.

1953-1957. Casa Miller, Columbus, Indiana. Eero Saarinen. Propietario el industrial, y filántropo J. Irwin Miller y su familia.

1953-1958. Estadio de Hockey David S. Ingalls, Universidad de Yale (restaurado)

1953-1958. Seminario Teológico Concordia, Fort Wayne, Indiana

Concordia Senior College era una universidad de artes liberales ubicada en Fort Wayne, Indiana, y afiliada a la Iglesia Luterana Sínodo de Misuri (LCMS), fundada en el año 1957, cerró en 1977.

Eero Saarinen, creó una serie de edificios con techo a dos aguas para la escuela teológica, dispuestos como un pequeño pueblo alrededor de un lago y todos orientados en la misma dirección. En el centro del campus se encuentra la Capilla Kramer, de sección triangular, donde los ladrillos con forma de diamante están iluminados por la luz natural que se filtra desde sus bordes.

El campus sufrió daños cuando un tornado lo azotó en 2001, pero la mayoría de los edificios de Saarinen resultaron ilesos.

En 1955, Eero Saarinen fue contratado para desarrollar un segundo plan maestro, que condujo a la construcción de edificios tanto al norte como al sur de Midway, incluido el Laird Bell Law Quadrangle, una serie de edificios de arte;  un edificio diseñado por Ludwig Mies van der Rohe para la Escuela de Administración de Servicios Sociales de la universidad,  un edificio que se convertirá en el hogar de la Escuela Harris de Políticas Públicas de Edward Durrell Stone, y la Biblioteca Regenstein , el edificio más grande del campus con una estructura brutalista diseñada por Walter Netsch del SOM la firma de Chicago Skidmore, Owings & Merril.

1959. Embajada de los EEUU en Oslo

La impactante y monocromática embajada de Estados Unidos en Oslo, fue uno de los tres únicos edificios construidos en Europa por Eero Saarinen.

Las vallas, bolardos y guardias armados como muestras de preocupaciones por la seguridad son todo lo contrario de la intención original, dice Jonas Norsted, del estudio de arquitectura Atelier Oslo, que trabajó junto con otra firma con sede en Oslo, Lund Hagem, en la restauración y ampliación del edificio. 

1960. La Facultad de Derecho en la Universidad de Chicago.

Arq. Eero Saarinen & Associates.
ubicación 1111 E. 60th St. Chicago, Illinois

Desde que comenzó su construcción en la década de 1950, la Facultad de Derecho de la Universidad de Chicago ha atraído la atención de importantes figuras públicas.

El complejo de Eero Saarinen ha sido elogiado como el mayor logro de la arquitectura moderna. Las alas largas y bajas de las aulas y la administración del edificio están en consonancia con el interés modernista por la horizontalidad y el espacio entrelazado.

Saarinen utilizó la misma piedra caliza de Indiana que en sus hermanos góticos. La fuente y las plantas cercanas, obra del arquitecto paisajista Dan Kiley, suavizaron las líneas.

La rehabilitación y renovación de 2008 recibió el Premio de Preservación para la Rehabilitación de la Fundación Richard H. Driehaus.

1953-1962. Terminal de la TWA. Aeropuerto J. F. Kennedy en Nueva York

Fue el máximo ícono de la era del jet, la TWA, pero los aviones dejaron obsoleto el TWA Flight Center.

El edificio parece pequeño, es pintoresco, nunca dejó de ser un vestíbulo. El edificio principal tiene dos puertas de salida, una añadida por Roche-Dinkeloo a finales de los años sesenta, ambas demolidas.

Al abaratarse el alojamiento y los viajes,  el edificio dejo de ser funcional y se cerró en el 2001. El glamour del dinero, los recursos y las necesidades, son parte de su signo de identidad, el mismo que tiene el Metro de Moscú. Es una emoción estética en el fantástico espejismo de lujo de Saarinen.

“Es uno de los iconos más famosos de la modernidad de mediados del siglo XX, la terminal de la TWA, cuidadosamente restaurado durante los últimos seis años, está catalogado en el Registro Nacional de Lugares Históricos de EE. UU”.

“Una de las últimas veces que tuve la oportunidad de pasar por la terminal de la TWA fue en 1998 camino de LA, había perdido el vuelo después de estar esperando en una interminable cola y de haber llegado al aeropuerto desde Manhattan en el tranquilo Subway, recorriendo toda la ciudad de madrugada desde mi hotel en la 109. La azafata que me atendió fue extremadamente amable (ahora las líneas Lowcost, entre sus recortes para abaratar también han reducido la amabilidad) y pude coger el siguiente vuelo para Los Ángeles. Después regresaría y volvería a pasar por ella, siempre mirando de reojo, pensando que aquella era un sitio especial, pero creyendo que era atemporal”. José Juan Barba (2)

Permaneció abierto al público durante cuatro décadas hasta que se consideró poco práctico, de acuerdo con las medidas de seguridad del 2002.

Declarado monumento histórico de la ciudad de Nueva York en 1994, desde el 2005 es Lugar Histórico inscripto en el Registro Nacional de EE.UU.

Mientras que la nueva terminal JetBlue, T5 del aeropuerto JFK de Nueva York, diseñada por Gensler, rodea parcialmente la terminal de Saarinen y se situa al lado del Centro de Vuelo, el edificio principal original permanece vacío.

La Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey había abierto un proyecto de desarrollo inmobiliario y promotores de hoteles en el año 2011, que por suerte y por la enorme cantidad de reprobaciones que recibió no llegó a concretarse.

La Autoridad Portuaria ha anunciado planes para la restauración y ha retomado el proceso para solicitar de nuevo ofertas a promotores. Antes de revelar las perspectivas del proyecto, ha dedicado una cifra estimada de 20 millones de dólares en diferentes reformas iniciales. Entre las adiciones posibles se pueden incluir torres de hotel, un restaurante y una sala de estar El coste estimado anual actual por mantener la terminal vacía, entre seguridad y gastos operativos, se estima que es de 2 millones de dólares.

Ver TWA de Eero Saarinen https://onlybook.es/blog/la-twa-de-eero-saarinen/

1954. Auditorio Kresge, Massachusetts Institute of Technology, MIT Cambridge.

ubicado en 48 Massachusetts Avenue. El edificio de Eero Saarinen lleva el nombre de su principal financiador, Sebastian S. Kresge, fundador de S. S. Kresge Stores (antecesor de Kmart) y la Fundación Kresge.

Saarinen diseñó el Auditorio Kresge en conjunto con la cercana Capilla MIT; los dos edificios están separados por un espacio verde llamado Kresge Oval. el conjunto es reconocido como uno de los mejores ejemplos de arquitectura moderna de mediados de siglo en los Estados Unidos. 

El auditorio se define por una elegante estructura delgada de hormigón armado, un octavo de esfera que se eleva a una altura de 15 m, y cortada por muros de cortina de vidrio transparente para que llegue a la tierra en solo tres puntos. 

La tecnología de hormigón de cáscara fina fue innovadora para la época, la cúpula es proporcionalmente más delgada que una cáscara de huevo. 

La cúpula es muy liviana, y está revestida de cobre, originalmente estaba cubierto con piedra orastone lisa y brillante que se reemplazó con láminas de plomo unidas con alambres de acero inoxidable.

Al encontrarse en 1980 grietas en la estructura, el cobre reemplazó al plomo, y las paredes ahora soportan parte de la carga del techo. 

Una sala de conciertos con capacidad para 1.226 personas, y en un nivel inferior alberga un pequeño teatro con capacidad para 177 personas, además de dos salas de ensayo, camerinos, oficinas, baños y salones.

La sala de conciertos tiene un órgano acústico de tubos Holtkamp, cuyos tubos resuenan visualmente como una secuencia de elementos verticales de diferentes alturas.

Todos los asientos de la sala de conciertos tienen una vista sin obstáculos, ya que no hay soportes interiores para soportar la cúpula superior.

Junto a los arquitectos acústicos Bolt, Beranek y Newman, Saarinen empleó «nubes» acústicas colgantes que absorben y dirigen el sonido, en lugar de un techo de yeso tradicional, además contienen luces, altavoces y la ventilación. 

Mientras se está de pie a ambos lados del vestíbulo de entrada de Kresge, se puede escuchar claramente a las personas del otro lado hablando en una voz tan baja como un susurro. Este llamado efecto de galería susurrante es producido por la forma geométrica curvada y las superficies duras del techo.

1955. Capilla Kresge, M.I.T., Cambridge

En el diseño de la capilla para el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), Eero Saarinen se aleja de las formas fluidas y dinámicas que suelen caracterizar sus diseños para adentrarse en una tipología diferente, un simple volumen cilíndrico cuya cualidad compleja y mística se encuentra en su interior, en una capilla no confesional.

En mi paseo por el campus del MIT, una de las obras que deseaba visitar era la capilla Kresge y el Auditorium Kresge.

La vi apenas el bus entro por la Avenida Massachusetts, dejando atras el río Charles, y cruzando la calle Amherst, en el campus de la universidad de Cambridge.

La vi enfrente de nuestra dirección, en un parque, a la izquierda de la escultura “Alchemist “del español Jaume Plensa (1955) y alli estaba ella.

Para entrar hay que rodearla, entramos, y dentro de ella, todo se hizo penumbra mágica, abrazado por las paredes onduladas de ladrillo a la vista y con los caireles cayendo desde el techo.

Esta escultura de metal, realizada por Harry Bertoria (1915 – 1978) (3) cuelga de la claraboya y brilla con la luz del sol, reflejándola en todo el interior de la capilla y sobre el altar de mármol blanco.

La cascada de luz se mueve constantemente, redefiniéndose, y redefiniendo aquello que ilumina.

Ver Capilla del MIT de Eero Saarinen https://onlybook.es/blog/boston-el-mit-y-eero-saarinen/

Eric Saarinen hizo una película sobre su padre, Eero Saarinen, que le ayudó a purgar su amargura. Ahora se enfrenta a su abuelo, Eliel Saarinen, diseñador de Cranbrook.

Extracto de la película: «El salón móvil de Eero Saarinen, el concepto del «pasajero al avión», permite su revolucionario diseño del aeropuerto de Dulles».

Extracto de la película: Eero Saarinen explica su diseño del centro técnico de General Motors (Warren, Mich.), Un punto de referencia histórico:

Extracto de la película: Eero y Eliel Saarinen compiten por el diseño del monumento de St. Louis.

Notas

1

Un carillón es un instrumento de percusión afinada que se toca con un teclado y consta de al menos 23 campanas. Las campanas están fundidas en bronce, colgadas en suspensión fija y afinadas en orden cromático para que puedan sonar armoniosamente juntas.

Se golpean con badajos conectados a un teclado de bastones de madera que se tocan con las manos y pedales que se tocan con los pies. A menudo alojados en campanarios, los carillones suelen ser propiedad de iglesias, universidades o municipios.

Continua en https://onlybook.es/blog/un-paseo-por-la-universidad-de-yale-paul-rudolph-louis-kahn-eero-saarinen-gordon-bunshaft-6ta-parte/

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Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 1a. parte

Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 2nda parte

Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 3era parte

Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 4ta parte

Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 5ta parte

Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 6ta parte

Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 6ta parte

Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 7a parte y final

Ver anterior https://onlybook.es/blog/un-paseo-por-la-universidad-de-yale-paul-rudolph-louis-kahn-eero-saarinen-gordon-bunshaft-3era-parte/

1960 – 1963. Universidad de Yale, New Haven, Estados Unidos.

Beinecke Rare Books Library.

Biblioteca Beinecke de manuscritos y libros raros

Arquitecto Gordon Bunshaft del SOM Skidmore, Owings & Merrill.

Arquitecto Técnico Jaros, Baum & Bolles

Ingeniero estructural Paul Weidlinger

Constructora George A. Fuller Construction Company

Ubicación

Universidad de Yale, New Haven, Estados Unidos

La Biblioteca Beinecke, está dedicada por completo a los libros raros y manuscritos, alberga los principales libros de esta especialidad en la Universidad de Yale, además de servir como centro de investigación para estudiantes, profesores y otros académicos.

La colección de manuscritos raros de Yale comenzó en 1701, cuando diez ministros se reunieron para fundar una universidad en Connecticut Colony. Los libros que donaron fueron los primeros de muchos obsequios que siguieron durante los siguientes tres siglos, incluido el críptico Manuscrito Voynich y una de las veintiuna Biblias originales de Gutenberg que se sabe que existen y se entregó a la universidad en 1926.

Hernán Cortés, Impreso en papel. Núremberg, 1524.

El “Praeclara Ferdina[n]di Cortesi de nova maris oceani Hyspania narratio sacratissimo ac Invictissimo”, (Ilustración de Fernando Cortés sobre nuevos hechos acerca de los mares y el océano), es el mapa más antiguo de la capital azteca, Tenochtitlán, antes de que fuera destruida por Hernán Cortés (1485-1547).

En su apogeo, Tenochtitlán era la ciudad más grande de las Américas precolombinas. Como indica el mapa, la ciudad estaba construida sobre una isla con puentes que la conectaban con el continente. Estaba altamente estructurada y probablemente era más grande que cualquier ciudad europea contemporánea.

Tras aliarse con las comunidades indígenas alrededor de Tenochtitlán, Cortés sitió la ciudad durante más de noventa días, causando una hambruna masiva. Luego ordenó su destrucción, tras lo cual fue reconstruida como una ciudad española. Eventualmente, la isla se convirtió en el centro histórico de la Ciudad de México.

Originalmente, la colección de libros raros se almacenaba en estanterías especiales en Dwight Hall, que sirvió como biblioteca hasta finales del siglo XIX.

En la década de 1930, se trasladó a la Sala de libros raros de la Biblioteca Sterling.  A partir de 1963 un obsequio de 3 ex alumnos de Yale, Edwin J. Beinecke, Frederick W. Beinecke y Walter Beinecke, permitió a la universidad construir un edificio de biblioteca especialmente diseñado para su creciente colección.

Su construcción comenzó en 1960 y se terminó en 1963.   

Tras su finalización en 1963, la Biblioteca Beinecke recibió el desprecio abierto de los bibliotecarios de Yale. Contra el telón de fondo de los edificios neoclásicos y góticos universitarios existentes, la imponente caja modernista se consideró como una “locura flotante”.

El bibliotecario asistente Donald Wing lo llamó “el sueño de un arquitecto y nuestra futura pesadilla”.  

Mientras tanto, el director de la biblioteca marcó zonas del edificio para señalar sus defectos de diseño. Sin embargo, en los más de cincuenta años transcurridos desde la apertura de la biblioteca, estas protestas se han desvanecido y la Biblioteca Beinecke se ha convertido en un elemento célebre del campus de Yale.

La Universidad de Yale, es una institución que tiene un gran impacto en la vida cultural y académica de la comunidad, el centro de la ciudad está compuesto principalmente por edificios universitarios.

La biblioteca está ubicada en The Hewitt University Quadrangle, una plaza de 61x107m, conocida como Beinecke Plaza, rodeada de otros edificios del campus.  

El cuadrilátero se creó en 1901 con la construcción de los Edificios del Bicentenario de la universidad y el Woodbridge Hall. Cuando se agregó la biblioteca Beinecke al patio, se crearon pasillos subterráneos privados para conectar el edificio con la Biblioteca Sterling Memorial para que los miembros del personal transporten libros entre los edificios.

Los edificios cercanos presentan una rica diversidad de alturas, formas y escalas. El edificio se amolda a su entorno y tiene una forma rectilínea que hace referencia a la estructura de la trama urbana.

La fachada del edificio es un guiño a la alineación de la ciudad.

Esto permite un enfoque sutil y una capa adicional; que funciona como el borde de la plaza dividiendo el espacio en dos espacios públicos, la calle con un malecón y la plaza.

Concepto

Gordon Bunshaft diseñó Beinecke como una estructura de dos componentes.  El componente más grande y más visible es la estructura de 6 pisos sobre el nivel del suelo que es un espacio completamente abierto que contiene una torre interior cerrada con un muro cortina de vidrio y temperatura controlada para albergar libros.

El componente más pequeño es un centro de investigación subterráneo que contiene pilas, espacio para oficinas, aulas, un área de estudio y un patio con jardín diseñado por Isamu Noguchi.  El edificio se encuentra en el corazón del campus de Yale y se puede describir  como un cubo de mármol gigante en marcado contraste con los edificios circundantes más antiguos que evocan más la tradición de la erudición universitaria.

En el diseño del arquitecto Bunshaft del estudio Skidmore, Owings & Merrill (5) una de las preocupaciones principales fue el control de la luz. Se requería iluminación ambiental suficiente para permitir que el edificio sirviera como lugar de estudio y lectura, sin embargo, la exposición a la luz solar podría dañar los textos cuidadosamente conservados de la colección. El compromiso de Bunshaft fue construir la fachada con paneles de mármol que, con un grosor de aproximadamente 3 cm permitieran que algo de luz se difundiera hacia el interior sin dañar la colección. Desde el exterior, el mármol blanco con vetas grises parece frío e impenetrable, pero desde el interior, la luz del sol hace que la piedra brille con un sorprendente nivel de calidez.

Muchos han descrito la Beinecke como un “joyero”, lo que no sorprende dado el cálido resplandor que emana el mármol iluminado después de que se pone el sol.

Espacios

El edificio rectangular que tiene 40m de largo, 27 de ancho y 15m de alto se levanta como un monolito compacto e independiente internamente dividido en 6 plantas sobre nivel y dos subterráneas.  Una hendidura horizontal de aproximadamente 2,7m recorre todo el perímetro del edificio permitiendo que el vestíbulo de entrada quede oculto bajo la caja.

El vestíbulo de entrada, al nivel de la plaza, y al que se accede por medio de una puerta giratoria de vidrio, está acristalado y al entrar revela una amplia sala de exposiciones, La Gran Sala. Dos tramos de escaleras gemelas conectan con el piso de abajo y el balcón de exhibición de la planta superior.   

Escondida de forma segura dentro de la carcasa de mármol hay una torre de cristal hermética y acristalada provista de aire acondicionado que nace en el subsuelo y continúa casi hasta el techo de la Gran Sala, con una estructura metálica propia y 6 pisos de altura (uno de ellos subterráneo) llena de pilas de “libros raros”.

Encuadernados en cuero y en algunos casos incluso dorados, hay aproximadamente 180.000 tomos dentro del pozo de vidrio, exhibidos con orgullo, a pesar de que solo son accesibles para el personal de la biblioteca.

En las estanterías subterráneas se almacenan otros aproximadamente 600.000 ejemplares convirtiéndose en uno de los edificios más grandes del mundo dedicado por completo a este tipo de libros.

Los detalles interiores originales eran exuberantes y oscuros: bronce, tapicería de cuero negro, paneles de madera, mesas y escritorios de teca, alfombras y pisos de granito. La remodelación de mediados de la década de 1990 reemplazó gran parte de los elementos textiles con muebles y materiales más contemporáneos. 

Niveles subterráneos

El techo del área subterránea sirve como plaza, convirtiéndose en un hito social central en el Campus de Yale.

Debajo de la plaza hay dos niveles. El inferior contiene equipo mecánico y un gran espacio para almacenar libros.  En el nivel superior el espacio dedicado a almacenaje es más pequeño, compartido con una sala de catálogos y referencias, una sala de lectura, oficinas para el personal y un patio hundido.

La luz natural ingresa a los niveles del sótano a través de este patio que recuerda a un “scriptorium” del claustro.

El término scriptorium,es​ literalmente “un lugar para escribir”, se usa habitualmente para referirse a la habitación de los monasterios de la Europa medieval dedicada a la copia de manuscritos por los escribas monásticos. No obstante, múltiples indicios (tanto documentales como arqueológicos) parecen indicar que tales habitaciones fueron muy poco frecuentes; la mayor parte de la escritura monástica se habría realizado en una especie de cubículos que existían en los claustros o en las propias celdas de los monjes.

Rápidamente hacemos la asociación con la Biblioteca del Philipp Exeter de Louis Kahn, que deja en los laterales del cubo unos espacios con el mismo concepto de los “scriptorium”, son los puestos de lectura de su biblioteca.

Decía Louis Kahn que“La arquitectura proviene de hacer una habitación, ya que quien sabe hacer una habitación sabe hacer una casa, y con ella algo mayor. Sin embargo, saber hacer una habitación es lo primero…”

Los Scriptorium tienen la intimidad que da la protección, muebles acogedores que dan la escala de su espacio.

Como en el que escribe Jean Miélot los “Miracles de España”, o donde estudiaba San Jerónimo según Antonello da Messina.

El patio cuenta con un jardín de esculturas diseñado por el escultor Isami Noguchi, quien utilizó exclusivamente mármol blanco en deferencia a la geometría de la propia biblioteca. Tres formas esculpidas ocupan el jardín sin plantas: una pirámide que representa la geometría de la tierra y el pasado, un disco que representa el sol y un cubo que se asemeja al azar a través del lanzamiento de dados.

Estructura

La fachada estructural del edificio, 40x27x15m, consta de cerchas Vierendeel que forman un marco cuadriculado autoportante en los cuatro lados y transfieren sus cargas a cuatro columnas de hormigón macizas en cada una de las cuatro esquinas.  Estas columnas con forma de pirámide invertida transfieren las cargas a un pilar metálico revestido de granito.

Las cerchas están compuestas por cruces cónicas de acero prefabricadas, recubiertas de granito gris en el exterior y hormigón prefabricado con áridos de granito en el interior. En las bahías, entre las cruces, hay paneles de mármol blanco translúcido que permiten la entrada tenue de la luz diurna en la biblioteca, mientras bloquean el calor y los fuertes rayos del sol.

Este sistema estructural permite que el vestíbulo de la planta baja esté casi completamente acristalado, dando a los que se encuentran en la plaza frente a la biblioteca un vistazo del tesoro escondido dentro de la caja.

Materiales

Seleccionar el material para este edificio presentó una gran pregunta ya que los espacios debían estar bien iluminados para que los visitantes leyeran y estudiaran en ellos, pero la luz también debía ser sutil y no dañar los libros y manuscritos raros. Bunshaft optó por paneles cuadrados de mármol blanco de Vermont con vetas grises y 3cm de espesor colocados en un marco cuadriculado de vigas Vierendeel (3) recubiertas con granito gris claro.

 La transparencia de la fachada se compone de dos capas. Uno de ellos es transparente y se utiliza para el volumen masivo que flota sobre la plaza, manteniendo alejados a los intrusos y creando las condiciones climáticas óptimas. El retranqueo de esta capa preserva los libros raros porque la luz directa del sol es incapaz de penetrar. La otra capa es translúcida, un filtro que evita la dañina luz ultravioleta.

El mármol, gracias a sus propiedades naturales, tiene un aspecto variable, lo que hace que el edificio parezca interesante y le da carácter. El elemento translúcido hace del interior un espacio cálido y emocionante, que contrasta con el frío e impactante exterior, haciendo de la experiencia y el recorrido por el edificio una empresa emocional.

En su construcción original también se utilizó bronce, acero y vidrio.

Video

Nota

1

La viga Vierendeel es una viga con forma de celosía ortogonal inventada y patentada por Jules Arthur Vierendeel al que le debe su nombre. Es una estructura de entramado denominadas como de transición, pues permite salvar grandes luces (de 6 a 27 metros dependiendo de la distancia entre verticales).​ Se emplea en la construcción de puentes (puente Vierendeel) y en el de vigas especiales que deben cruzar grandes vanos en edificios. Suele emplearse en materiales como metal, hormigón o incluso madera (rara ocasión). Se suele colocar como elemento estructural en forma de dintel.

2

José Juan Barba (1964). Arquitecto (1991). Doctor Arquitecto por la ETSA de Madrid “Cum lauden” por su tesis “Invenciones: Nueva York vs. Rem Koolhaas, Bernard Tschumi, Piranesi” (2004).

Premio nacional de terminación de estudios (1991). Funda su estudio en Madrid, 1992. Es crítico de arquitectura y director de la revista METALOCUS desde 1999. Asesor de diferentes ONGs hasta 1997.
Profesor Titular Universidad de Alcalá de Urbanismo, Proyectos, Teoría y Crítica de la Arquitectura, en grado y máster.

Invitado en diferentes universidades (Roma TRE, Politécnico de Milán, UPMF Grenoble, ETSA Madrid, ETSA Barcelona, U. Thesaly Volos, UNAM México, F.A. Montevideo, U. Iberoamericana México, IE School, U.Alicante, U.Europea Madrid, UCJC, Washington, Medellín, ESARQ-U.I.C. Barcelona,…).
Jurados de concursos. Ha publicado varios libros y recibido los premios: – “Pierre Vago” ICAC, Londres 2005. – “Panayioti Mixeli Aeard”, Atenas 2005. – “Santiago Amón” Award, C.O.A.M. Madrid 2000. – FAD Award 07 Arquin-Fad. Barcelona 2007. – World Architecture Festival. Barcelona 2008. – Gran Vía Posible. Madrid 2010. – Reforma de entorno del río Segura. Murcia 2010.

3

Harri Bartoia, con su beca para estudiar en la Cranbrook Academy of Art se encontró por primera vez con Walter Gropius y Edmund N. Bacon. Trabajo para Charles y Ray Eames, con Hans y Florence Knoll, que es cuando realiza la Colección Bertoia para Knoll, entre ellas la Silla Diamond,

4

Bunshaft trabajó con varios arquitectos y diseñadores industriales, hasta que se convirtió en socio de Skidmore, Owings and Merrill en su sede de Nueva York. ​ Era seguidor del Movimiento Moderno, con gran influencia por los arquitectos Mies van der Rohe y Le Corbusier. Entre sus trabajos más conocidos se encuentra la conocida como Lever House de Nueva york, que se construyó para ser la sede principal de la compañía de jabón Lever Brothers. La única vivienda unifamiliar que proyectó fue la Casa Travertino, de 210 m², hecha para su familia.

En 1988 recibió el Premio Pritzker, junto al brasileño Oscar Niemeyer.

5

Skidmore, Owings and Merrill es un estudio de ingeniería y arquitectura estadounidense, conocido por las siglas SOM.

Fundado en Chicago por Louis Skidmore y Nathaniel A. Owings en el año 1936, en 1939 se incorporó John Merrill y Gordon Bunshaft quien fuera el principal disseñador del SOM durante más de 40 años. En 1988 recibió el Premio Pritzker.

Bajo la visión de Bunshaft el SOM se caracterizó desde el principio por sus rascacielos en forma de caja de cristal, un estilo en el que fue pionero. El estudio ha construido los rascacielos más altos de los Estados Unidos, su arquitectura es sobria y elegante, sin adornos innecesarios.

A lo largo de sus más de 65 años de existencia, SOM ha recibido más de 800 premios de arquitectura y diseño. En 1961 recibió el primer premio del Instituto Americano de Arquitectura concedido a un estudio de arquitectura, y lo volvió a ganar en 1996.

En la actualidad, un Comité Ejecutivo integrado por tres mujeres miembros del AIA dirigen la empresa Carrie Byles, Xuan Fu y Laura Ettelman.

El SOM está estructurado como una sociedad, los socios actuales son: Mustafa Abadan, Stephen Apking, William Baker, David Childs, Thomas Behr, Keith Boswell, , Larry Chien, Leo Chow, Brant Coletta, Chris Cooper, Paul Danna, Michael Duncan, Scott Duncan, Philip Enquist, , , TJ Gottesdiener, Gary Haney, Craig Hartman, Kent Jackson, Colin Koop, Brian Lee, Kennet h Lewis, Adam Semel, Jonathan Stein y Douglas Voigt.

Actualmente tiene oficinas en Chicago, Nueva York, San Francisco, Washington, Los Ángeles, Londres, Hong Kong y São Paulo.

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