Fernando Higueras nació en Madrid el 26 de noviembre de 1930. Cursó bachillerato en el Colegio Estudio de Madrid, alternándolo con música y pintura. En 1959 se graduó por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Su proyecto fin de carrera se publicó en la revista Nueva Forma de Fullaondo y sus 10 Residencias de Artistas en El Pardo ganaron el accésit del Premio Nacional de Arquitectura.
Fernando Higueras en el Hotel Las Salinas
Aficionado a la música, a la pintura, a la escultura y a la fotografía, participó desde 1953 en numerosos concursos de las cuatro ramas artísticas logrando a lo largo de su carrera gran número de premios.
En urbanismo y arquitectura consiguió también un sinfín de premios y reconocimientos, entre los más relevantes: la Primera y Segunda Medallas de Arquitectura en la Exposición Nacional de Bellas Artes, 1966; fue invitado como único arquitecto español para el Concurso Internacional Restringido para Edificio de Oficinas para la firma DOM, en Colonia (Alemania), 1980; Primer Premio del Concurso Internacional para el Ministerio de Asuntos Exteriores de Abu Dabi, 1980; invitado a la Bienal de Venecia, 1983. En 1983 fue seleccionado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España para optar al Premio Internacional de Arquitectura Pritzker.
invitado a la Bienal de Venecia, 1983
En 1983 fue seleccionado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España para optar al Premio Internacional de Arquitectura Pritzker.
«Corona de espinas», Ciudad Universitaria, madrid 1965-1985
En 1969 el Museo de Arte Moderno de Nueva York solicita su proyecto para urbanización de Lanzarote
y en 1998 se concedió al Hotel Las Salinas de Lanzarote (1973) la categoría de Patrimonio Artístico y Cultural de la isla de Lanzarote.
Iglesia de Sta. mría de Caná. Pozuelo. 1995-1999
Hotel Las Salinas, Lanzarote. 1973-1977
En 2002 el Ayuntamiento de Madrid catalogó y protegió otras tres obras suyas: la sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España La Corona de Espinas (1965),
El Colegio Estudio, Aravaca (1962),
Colegio Estudio Aravaca, 1962-64
Viviendas para el Patronato de Casas Militares. Madrid. 1967-75
y la UVA de Hortaleza (1963).
Museo López Torres, Tomelloso. 1980-85
Fernando Higueras falleció en Madrid el 30 de enero de 2008.
Esta exposición fue realizada en la Fundación PROA (1) entre el 8 de Septiembre, 2018 y el 13 de Enero del 2019. Curaduría: Sandra Antelo-Suárez con la Fundación Calder, NY.
Se presentaron alrededor de sesenta obras de Alexander Calder (EE. UU 1898 – 1976), que abarcan seis décadas diversamente creativas de la vida del artista.
Sin título, 1925 (gato), detalle. Tinta sobre papel 14,2 x 16,5 cm. Calder Foundation, New York
Conocido como el inventor del móvil, un tipo de “escultura suspendida” hecha de chapa y alambre que captura el movimiento en una serie de formas siempre cambiantes, también es famoso por sus “stabiles”, esculturas estáticas con movimiento implícito.
Sin título, 1925 (mono). Tinta sobre papel 9,5 x 20,9 cm. Calder Foundation, New York
Teatro de Encuentros fue organizada por la Fundación Proa con la colaboración de la Fundación Calder, NY. Junto a la Embajada de los Estados Unidos de América, la United Airlines (transporte de las obras) y el auspicio de la Organización Techint, Tecpetrol – Tenaris
Sin título, 1925 (gallo). Tinta sobre papel 10,8 x 10,8 cm. Calder Foundation, New York.
Para comprender mejor el material expuesto se ofrecía una audioguía «Alexander Calder. Teatro de Encuentros». (2)
1898 (3)
Alexander Calder nace el 22 de Julio de 1898, en Lawnton, Pensilvania.
Fué el segundo hijo de Nanette Lederer Calder, pintora y de Alexander Stirling Calder, escultor.
Sin título, 1925 (trapecio). Lápiz sobre papel 27,8 x 21,1 cm. Calder Foundation, New York
Fue educado en un ambiente artístico, desde los 8 años hacia joyas en alambre y cobre para las muñecas de su hermana.
Mono, 1928. Alambre y madera 9,5 x 20,9 cm. Calder Foundation, New York
En 1909, con 11 años, regala a sus padres dos esculturas, un pequeño perro y un pato, cortadas y modeladas de una plancha de cobre. El pato oscila hacia adelante y hacia atrás cuando se lo toca.
Hellen Wills II, 1928. Alambre y madera. Calder Foundation, New York
Hercules y León, 1928. Alambre.151 x 122 x 61 cm. Calder Foundation, New York
Sin título, 1925 (trapecio). Lápiz sobre papel 27,8 x 21,1 cm. Calder Foundation, New York
1930
Una proposición
(encontrada)
A finales de 1931, durante una de las visitas que hizo Marcel Duchamp (1887-1968) al estudio de Calder, comienza una colaboración entre ambos. Duchamp le sugiere el término mobile (móvil) para denominar a los objetos motorizados que realiza Calder, dándole nombre a una nueva categoría artística, como deseando expresar el hecho dialéctico de situarse entre “causa y efecto” un juego de palabras que en francés significa a la vez movimiento y motivo o “la fuerza detrás de una acción”.
Sin título, 1925 (figuras en el trapecio). Lápiz sobre papel 27,8 x 21,3 cm. Calder Foundation, New York.
Animal Sketching, 1926. Bocetos de animales. Publicación 20 x 15 cm. Calder Foundation, New York
Hellen Wills II, 1927 o 1928. Alambre y madera. 33,6 x 43 x 20,3 cm. Calder Foundation, New York
.
Jimmy Durante, 1928. Alambre 30,40 x 30,40 x 23,80 cm. Calder Foundation, New York
Elefante, 1928. Alambre 24,7 x 30 x 12 cm. Calder Foundation, New York
Pecera, 1929. Alambre 40,60 x 38,1 x 15,20 cm. Calder Foundation, New York
1919 – 1923
Autoretrato, 1909 a sus 10 años
Se recibe a los 21 años de ingeniero en el Stevens Institute of Technology.
Trabajó como ingeniero hidráulico, cronometrador en un campamento maderero y bombero en la sala de calderas de un barco.
Luego de un largo viaje se inscribe en 1923 en el Art Students League de New York, en ese tiempo trabaja como ilustrador y diseñador en varios proyectos.
Invitación a la performance del Cirque Calder en su departamento de Hawes-Harden el 28 de agosto de 1929
1925
Participa en su primera exposición colectiva (en
la Asociación de Artistas Independientes) con su pintura El Eclipse.
La National Police Gazette, lo contrata para ilustrar el recorrido del circo Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus durante 2 semanas.
Tanto en Florida, (en los jardines donde se instala el circo), como en los zoológicos del central Park y el Bronx de Nueva York, trabaja y realiza bocetos y croquis de animales.
Comienza su carrera artística con exposiciones en
Nueva York, París y Berlín.
1926 – 1931
Se muda a Paris en 1926. Comienza a construir El circo Calder, que es un
conjunto de diminutos intérpretes, animales y accesorios que había observado en
el circo Rigling Brothers. Confeccionado con alambre, cuero, tela y otros materiales que Calder va encontrando. Su circo fue
diseñado para ser manipulado manualmente. Una obra que nos presenta la forma en
que un demiurgo nos crea su propia obra. (Como un artista creador que dispone
que sus personajes vuelvan a vivir su propia historia en su propio espacio
cerrado). Teatro, guion, escenografía, relato en movimiento. La pieza total es Calder que une las más diversas
disciplinas.
Lo traslada en
baúles o valijas conteniendo las piezas pequeñas, lo que le permite hacer su
representación que dura 2 horas en diversos lugares.
La Magie Calder
Hace años, luego de
ver esta maravilla, adquirí varios DVD (conservo el mío y he regalado el resto
a amigos).
El realizador es Carlos Vilardebo, quien nació en Lisboa
en 1926, en 1946 trabaja como asistente de Becker,
Duvivier, Grémillon y de Agnés Varda
en “La Pointe Courte (1954). En 1964, una versión del Circo de Calder es
proyectado antes del film de Alain Resnais “El año pasado en Marienbad”
En la contraportada
del DVD se lee: Francia 1961/67. 30 minutos/18 mm, color. VF. mono. Con la participación
del Centro nacional de la cinematografía. (3-760010-552940).
Se estrena en 1961.
Los participantes en el DVD son Alexander Calder y Louisa James Calder.
El guión es de Alexander Calder, Marcel Brossard, Marcel Beau, Jacques Decerf.
Años más tarde (2015), viendo el nuevo edificio de la Whitney Museum , proyecto de Renzo Piano, ubicado al comienzo de la High Line en NY (en el Meatpacking District, al 99 de la calle Gansevoort), pude ver los animales y personajes dentro de una gran vitrina circular, mucho más grandes de lo que me había imaginado, más hermosos, más increíbles.
Poco después me fui del museo, era la inauguración y habían puesto lo mejor de la cultura pictórica y escultórica americana.
Es difícil tener la capacidad para absorber tanto de golpe.
En 1929 conoce a Louisa James (1905-1996) sobrina del escritor Henry James, con quien se casa en enero de 1931.
Toma contacto con galeristas, artistas e intelectuales, como Fernand Léger (1881-1955), Edgar Varèse (1883-1965), James Johnson Sweeney, y Piet Mondrian.
En el otoño de 1930 pinta una serie de pinturas abstractas impresionado por su visita al estudio de Mondrian en París.
1926-1931. Calder en una de sus performance. Fred Hamilton
Comienza sus obras escultóricas, su decisión es crear con objetos escultóricos en lugar de la pintura.
Sin título (trapecio), 1930. Óleo sobre tela. Calder Foundation, New York
En perspectiva, 1931. Tinta sobre papel. Calder Foundation, New York
Puesta del sol, 1931. Tinta sobre papel. Calder Foundation, New York
Dos esferas dentro de una esfera, 1931. Madera, alambre y pintura. Calder Foundation, New York
Sin título, 1932. Madera, alambre y pintura. Calder Foundation, New York
Sin título, 1932. Tinta sobre papel. Calder Foundation, New York
Pequeña esfera y pesada esfera, 1932/33. Hierro, madera, vidrio, chapa, hilo, varilla y pintura. Calder Foundation, New York
Small Sphere and Heavy Sphere (esfera pequeña y esfera pesada) de 1932/33 es el primer móvil colgante de Calder que marca un momento decisivo en su obra, busca potenciar la acción, la reacción y la interacción (incluye por primera vez sonidos inesperados en la obra).
Era una obra compleja para su tiempo, incluso para el MOMA que en 1943, y a pesar de la sugerencia de Calder de incluirla en su retrospectiva, deciden no hacerlo.
Máquina motorizada, 1933. Madera, alambre, pintura con motor. Calder Foundation, New York
Serpiente y la cruz, 1936. Lámina de metal, madera, varilla, hilo de alambre y pintura. Calder Foundation, New York
Sin título, 1934. Tubo, varilla, madera, hilo de alambre y cuerda. Calder Foundation, New York
Sin título, 1936. Lámina de acero y pintura. Colección particular.
1931- 1936
En el otoño de 1931, se produce un significativo punto de inflexión en su carrera cuando crea su primera escultura cinética, dando forma a un tipo de arte completamente nuevo.
Al comienzo eran impulsados por motores, fue su
amigo Marcel Duchamp (1887-1968),
quien los apodo mobile (móvil),
refiriéndose tanto a “movimiento” como a “motivo”. Más adelante Calder descubrió que podían moverse por
sí mismos, aprovechando las corrientes de aire.
En 1932, Duchamp
organizó, tituló y diseñó la invitación de la primera exhibición de móviles
en la galería Vignon en París.
Hans Arp
(1886-1966), en juego dialéctico
con Duchamp, denominó Stabiles, a las piezas escultóricas
fijas.
Calder junto a su obra Black Frame, 1934. The Renaissance Sociaty de la universidad de chicago 1935. Calder Foundation, New York.
En 1933 regresa a los EEUU y compra con Louisa una antigua granja en Roxbury,
en Connecticut, donde construye su nuevo (y gran) estudio. En 1935 nace su hija Sandra y en 1939 Mary.
En 1934 realiza su primera muestra individual en
la galería Pierre Matisse en Nueva York, uno de los más prestigiosos curadores
americanos, James Johnson Sweeney (1900-1986),
escribe el prefacio del catálogo.
En esos años, diseño y construyó sets de ballet para Martha Graham (1894-1991)y Erik Satie (1866-1925), y continuó realizando performances de su Circo Calder.
1937
Calder creó su primer “Stabile” a gran escala, atornillado, armado completamente, que títuló Mantarraya (Devil Fish).
Se exhibió en la galería Pierre Matisse, junto a otra gran obra, Gran Pájaro (Big Bird). Había comenzado con obras en gran escala y al aire libre. Los intentos de 1934 en su jardín que se doblaban con vientos fuertes fueron sus antecedentes de experimentación.
También comenzó a hacer convivir
los móviles con los stabiles (como en Crag).
Sin título, 1940. Lámina de metal, cuero, varilla y tela. Calder Foundation, New York
Para el pabellón de España en la exposición de Paris, fabricó Mercury Fountain (Fuente de Mercurio), que simboliza la resistencia republicana al fascismo, en un momento en que la fracción nacionalista estaba por tomar las minas de mercurio de Almadén (cosa que ocurrió en marzo de 1939).
1939 – 1942
Cuando los EEUU entraron en la segunda guerra
mundial, Calder solicito ser
incorporado en el Cuerpo de marines, pero fue finalmente rechazado.
Sin título, 1940. Lámina de metal, alambre y pintura. Calder Foundation, New York
Durante los años de guerra escaseaba el metal, por
lo que recurrió más a la madera como medio escultórico.
Tanto James
Johnson Sweeney (1900-1986) como Duchamp
llamaron a las formas originales esculpidas en madera “constelaciones”, para realizarlas utilizó alambre y madera.
En ese período, Calder recibe el encargo para realizar una pieza de tamaño monumental Lobster Trap and Fish Tail (Trampa para langostas y cola de pez), un móvil que ubicó en la escalera principal del Museo de arte Moderno de NY.
Sin título, 1941. Lámina de metal y alambre. Calder Foundation, New York
1940 y 1950
La esplendorosa era del objeto-ballet semi-suficiente
“Para mí, lo más importante en la composición es la disparidad” A.C. 1943
La “disparidad”
es su regla de composición, su método en contra del determinismo. En una
especie de “experiencia estética”,Calder se enfoca en la complejidad
(tanto física como de la fantasía) de la realidad.
Gilles Deleuze menciona “como un caso de transición”, de un
cambio, de un devenir. Pero un devenir que perdura, ya que el cambio es la esencia
misma.
Formalmente, las obras de Calder están compuestas de mecanismos conectados y articulados, totalmente
expuestos. Una parte altera las demás. Calder
renuncia al estilo, Susan Sontag (1933-2004)
dice al respecto “los recursos estilísticos
son técnicas de evasión, los móviles y stabiles de Calder tienen múltiples
capas, son al mismo tiempo eróticos y evasivos, a veces fugitivos, silenciosos
sinfónicos”.
Su obra resiste las convenciones de la
clasificación, escapa sus propias reglas en busca de una constante: la
incertidumbre,
El público no participa físicamente, su
participación es más que todo mental, pues la intervención del medio ambiente
(por ejemplo el viento) facilita esa participación. Sobre todo en los móviles
colgantes de los años 40 y 50.
En “teatro de encuentros”, los espacios se vuelven
un teatro. Entramos en la sala, y esperamos los acontecimientos. La mayoría son
obras sonoras como el Gong Mobile y Small Sphere and Heavy Sphere. Calder señala “ya lo ves, hay peso, forma, tamaño, color, movimiento y también
sonido”.
S y estrella, 1941. Madera contrachapada, cable de velocímetro, chapa, alambre, pintura. Calder Foundation, New York
Pierre
Matisse realizó la última
exposición individual de Calder en
su galería. Su asociación con Matisse terminó
poco después y se unió a la galería Buchholz con Curt Valentín (1902-1954), como su representante en Nueva York.
El Museo de arte Moderno de NY, presenta su
retrospectiva “Alexander Calder:
Scultures and Constructions”, con Jonson
Sweeny como curador y la colaboración de Marcel Duchamp.
Durante la misma, Calder ofrece varias representaciones de su circo en el mismo museo.
El taller de Calder en Roxbury, 1941. Foto Herbert Matter
En 1945, realiza obras a pequeña escala (acorde a su economía), y ensambla varias de ellas para lograr obras de mayor tamaño.
Duchamp interesado por estas piezas pequeña, pensó que podrían desmontarse fácilmente, y enviarse por correo a Europa y volver a ensamblarse para una exposición.
Así, planifica una muestra en la galería Louis Carro en Paris, Jean-Paul Sartre (1905-1980) escribió su famoso ensayo sobre los móviles para el catálogo de la exposición.
Varas rojas, 1943. Madera, alambre, cuerda y pintura. Calder Foundation, New York
Refiriéndose a sus móviles, Alexander Calder dijo en alguna ocasión que con ellos había pretendido dar vida y movimiento a las obras de Piet Mondrian (1872-1944), quien tuvo ocasión de contemplar en directo y le causaron un profundo impacto.
Carta de Calder a James Johnson Sweeney ilustrando “Small Sphere and heavy Sphere” 1932-1933, 28 de Agosto de 1943.
1948
La obra Black Widow (Viuda Negra),
formó parte de la primera exposición de Calder
en Brasil, en el Museo de Arte Moderno de Sao Pablo, en 1948.
Luego de la exposición Calder donó la obra al Instituto de los Architetos de Brasil (IAB/SP) por intermedio del arquitecto Rino Levi. La donación se concretó en 1954. Calder escogió como lugar para ubicarla, el salón del primer piso de la sede.
Vista de la Instalación de la exhibición “Alexander Calder Sculptures and Constructions”. MOMA desde el 29 de septiembre de 1943 al 16 de enero de 1944
Triple Gong, 1948. Chapa de latón, alambre y pintura. Calder Foundation, New York
“Viuda Negra”, 1948. Instalada en el Instituto dos Architetos do Brasil, 1954
Black Widow, 1948. Viuda negra. Lámina de metal, alambre y pintura. Calder Foundation, New York
1950
La Galerie Maeght de París expone “Calder: Mobiles and Stabiles”, lo animaChristian Zervos (1889-1970) y Calder ilustra el catálogo y el cartel de la exposición.
Boceto del taller de Piet Mondrian en Paris del manuscrito de Calder “The Evolution” 1955-1956
Más tarde se convertiría su distribuidora
exclusiva.
Se asociación con la galería Maegh
duró 26 años, hasta su muerte en 1976.
La New York Book Review selecciona
a Calder como uno de los diez mejores ilustradores de libros para niños de los
últimos 50 años.
El Massachusetts Insitute of Technology de Cambridge
expone “Calder, a restrospective”.
1951
Después de dos años de filmación y producción se estrena la película «Woks of Calder» en el Museum of Modern Art de N Y. Dirección y fotografía de Herbert Matter, producida y narrada por Burgess Meredith, con música de John Cage.
Calder participa en el simposio “What Abstract Art Means to Me”.
Flamingo / Flamenco, 1973
Crag, 1974. Risco. Lámina de metal, alambre y pintura. Calder Foundation, New York
Bailando entre el Móvil y el Stabile
La plataforma operativa de Calder se encuentra entre el movimiento (móvil) y el movimiento implícito (stabile).
Durante otra de sus colaboraciones abiertas, en febrero de 1932, Calder opta el término sarcástico que usa Jean Arp para nombrar los otros “stabiles” de su obra: “Pues, ¿qué son esas cosas que hiciste el año pasado (para la exposición en la Galerie Percier), son Stabiles?
Los “stabiles” son planos de chapa, tridimensionales y multi-diagramáticos diseñados para lugares específicos.
Calder dice de sus “móviles” “Siempre me ha encantado la manera en que las cosas se enganchan las unas con las otras…Es como un diagrama de fuerzas, es un encuentro sensual y armonioso”.
“Al manipularlos – es decir, al tocarlos con la mano para ponerlos en movimiento – se debe considerar la dirección en la que el objeto está diseñado para moverse, y la inercia de su masa. En todo caso “suave” es la palabra “clave”.
Los “Stabile sin brazos”, son figuras
exóticas que Calder crea en 1974 tan
solo dos años antes de su muerte. Las llamaba “critters” (bichos).
De ellos Mario Pedroza escribió: “Como si, en cualquier momento, otras patas estuvieran a punto de brotar de sus turbulentos troncos, que parecen capaces de engendrar más”. Donde habrá encontrado Calder los “critters” y los “crags”?
Pedrosa se pregunta «¿Serán acaso fantasmas?.
James Jophnson Sweeney recordó a Calder: “aunque ya no esté el bailarín, queda el baile”.
Sandra Antelo-Suárez, curadora de la exposición nos despide con estas palabras:
“ Mientras tanto, tú y yo, trazamos nuestra experiencia colectiva sobre el teatro de encuentros en expansión, extasiados sobre el escenario de la exposición, el espacio social donde todo (objetos, público y espacio) actúa. La exposición se convierte, por lo tanto, en el registro de la coreografía y la sinfonía de todos nosotros”.
Duchamp escribe sobre la obra de Calder. ”La sinfonía se completa cuando se suman el
color y el sonido, haciendo una llamado a que nuestros sentidos sigan una
partitura invisible”.
Y finaliza Sandra: “me alegro que hayamos visitado juntos esta exposición. Ojalá la hayas disfrutado”.
Notas
1
Fundación Proa Av. Pedro de Mendoza 1929 y Caminito, Buenos Aires, Argentina (+54-11) 4104-1000 info@proa.org
Horario de la
Fundación:
De martes a domingos 11 – 19 hs. Cierra los días lunes
2
Coordinación
General: Rosario García Martínez
Investigación y texto: Noemí Aira, Pilar Victorio, Rosario García Martínez
Locución: Noemí Aira, Pilar Victorio, Rosario García Martínez, Tomás
Tyrrell
Con la participación especial de Sandra
Antelo Suárez (curadora) y Sandy
Rower (Dir. Fundación Calder, NY)
Grabación y Edición: Tomás Tyrrell,
Goblin Music
3
Los textos de este artículo, son los que acompañaron la muestra, tanto en carteles informativos, como en aclaraciones y descripciones a pie de cada obra.
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Hoy está siendo un buen día, siempre lo es cuando voy de visita a la Caixa Forum. Fui a ver la exposición que presentan sobre el arquitecto Adolf Loos. 1
Hace poco, estuve leyendo sobre él, a raíz de unos artículos que escribí sobre la Bauhaus. Rápidamente derive a la Secesión Vienesa y a las posiciones de éstos con Loos, o mejor dicho de Loos con aquéllos al rebelarse contra la llamada Secesión proponiendo una economía en la construcción arquitectónica y el diseño.
La casa tiene que gustar a todos, contrariamente a la obra de arte, que no tiene que complacer a nadie. La obra de arte es un asunto privado del artista. La casa no lo es. Adolf Loos
La exposición “Adolf Loos, espacios privados”se realiza en un edificio muy atractivo, un centro cultural dedicado a exposiciones temporales. 2 En el año 2002 el estudio Herzog & De Meuron comienza el proyecto de rehabilitación y ampliación de la que fuera la Central Eléctrica del Mediodía, de 1900, cuyo objeto era la producción de electricidad a partir de la combustión de carbón que debía abastecer de energía a todo el sector sur del casco antiguo de Madrid.
La remodelación y ampliación se inaugura en el 2008, muchos -no arquitectos- la ubicarán también por ser muy conocido (y encantador) el jardín vertical diseñado por Patrick Blanc (1953) y la escultura de Igor Mitoraj (1944-2014) en la esquina que hace de acceso principal desde el Paseo del Prado 36, en Madrid (aunque recomiendo especialmente sumergirse desde cualquiera de las otras calles en el espacio casi etéreo flotante que oculta hábilmente la estructura central del edificio).
Un sándwich extraño, nada abajo, masa de ladrillos (la antigua fábrica) y como culminación, el remate de acero corten, en distintos volúmenes, con techos a 2 aguas, que dan un hermoso coronamiento al edificio.
El arquitecto Adolf Loos (1870-1933) nació en Brno (Imperio austro-húngaro), no consigue entrar a la Escuela de Arquitectura, accediendo entonces en la Escuela de Arte y Oficios de Reichenberg en Bohemia y luego en la Escuela Politécnica de Dresde.
En 1923 viaja a ver la exposición Universal de Chicago, donde permanece desde los 23 hasta los 26 años. Su formación estética se nutre en Chicago, luego en Londres y también en París. Cuando llega a Viena tiene claro que desea trabajar de arquitecto revolucionando la arquitectura del momento, Viena aquejada de una crisis estética de fin-de-siècle ve con interés crítico este desafío.
Loos introdujo la cultura angloamericana mediante sus escritos en la prensa y en la revista “Das Andere” donde cuestionaba las costumbres y el uso de los objetos cotidianos.
Loos logra un fuerte impacto con su proyecto minimalista del Café Museum de Viena (1899) conocido como Café Nihilismus. Un local muy luminoso, sin apenas decoración o adorno así como con sus proclamas a partir de su artículo Ornamento y Delito (1908)…“Como el ornamento ya no está unido orgánicamente a nuestra cultura, tampoco es ya la expresión de ésta”.
Adolf Loos. Café Museum de Viena. Café Nihilismus.
Interior del Café Museum
Ornamento y delito. Ins Leere Gesprochen
(hablando en el vacío)
“…El impulso de ornamentarse el rostro y todo lo que se tiene al alcance es el primer origen de las artes plásticas, es el balbuceo de la pintura: ya que todo arte es erótico…”
“…El primer ornamento que nació, la cruz, tuvo un origen erótico. Es la primera obra maestra, la primera creación artística con la que el primer artista embadurnó la pared para liberarse de la energía sobrante. Una línea horizontal: la mujer que yace. Una línea vertical: el hombre que la penetra. El hombre que la creó sintió el mismo impulso que Beethoven, se encontraba en el mismo cielo en el que éste compuso la Novena…”
“…Descubrí lo siguiente y se lo comuniqué al mundo: La evolución cultural equivale a eliminar el ornamento del objeto de uso cotidiano. Creía con ello entregarle al mundo algo nuevo por lo que alegrarse, algo que no me ha agradecido. Lagente estaba triste y andaba cabizbaja. Lo que les preocupaba era saber que ya no se podía crear un ornamento nuevo. ¿Cómo es posible que sólo nosotros, los hombres del siglo XIX, no seamos capaces de hacer lo que sabe hacer cualquier negro, lo que han sabido hacer todos los pueblos en todas las épocas anteriores a la nuestra?…soy yo, Hugo el que escribe: ”esta referencia despectiva hacia cualquier “negro”, me dejo pensando acerca de quien hablaba y para quienes hablaba, todos debían compartir semejante discriminación racial, sin ninguna inhibición, al punto de editar un libro y dar conferencias en esos términos !!!!!
“…El hombre moderno, que considera sagrado el ornamento como signo de superioridad artística de las épocas pasadas, reconocerá de inmediato, en los ornamentos modernos, lo torturado, lo penoso y lo enfermizo de los mismos. Alguien que viva en nuestro nivel cultural no puede crear ningún ornamento…”
“…Predico para los aristócratas. Soporto los ornamentos en mi propio cuerpo si éstos constituyen la felicidad de mi prójimo. En este caso también llegan a ser, para mí, motivo de alegría. Soporto los ornamentos del cafre, del persa, de la campesina eslovaca, los de mi zapatero, ya que todos ellos no tienen otro medio para alcanzar el punto culminante de su existencia. Pero nosotros tenemos al arte, que ha sustituido al ornamento. Después del trabajo del día, vamos al encuentro de Beethoven o de Tristán. Esto no lo puede hacer mi zapatero. No puedo arrebatarle su alegría, ya que no tengo nada que ofrecerle a cambio. El que, en cambio, va a escuchar la Novena Sinfonía y luego se sienta a dibujar un modelo de tapiz es un hipócrita o un degenerado…”
“…La carencia de ornamento ha conducido a las demás artes hasta alturas insospechadas. Las sinfonías de Beethoven no hubieran sido escritas nunca por un hombre que tuviera que ir metido en seda, terciopelo y puntillas. El que hoy en día lleva una americana de terciopelo no es un artista, sino un bufón o un pintor de brocha gorda. Nos hemos vuelto más refinados, más sutiles. Los miembros de las tribus tenían que distinguirse por medio de los colores, el hombre moderno necesita su vestido como máscara. Su individualidad es tan grande que ya no la puede expresar en prendas de vestir. La falta de ornamentos es un signo de fuerza intelectual. El hombre moderno utiliza los ornamentos de civilizaciones antiguas y extrañas a su antojo. Su capacidad de invención la concentra en otras cosas…”
Es interesante como en esta exposición, se ha puesto el acento en los trabajos de Adolf Loos como diseñador de equipamiento y como interiorista. Se exhiben 218 obras (entre ellas 120 muebles), muchos prestados por el coleccionista vienés Julius Hummel.
Nos explica Pilar Parcerisas, comisaria de la exposición: …La simplicidad y el confort son las máximas de sus diseños, sin perder por ello un ápice su capacidad de seducción. Alejadas de las modas, sus obras son intemporales.
El mobiliario era construido ex profeso o seleccionado por Loos para sus obras. Se exhiben ambos casos.
Texto extraído del catálogo de la exposición:
En la concepción arquitectónica de Adolf Loos (Moravia, 1870 – Austria, 1933), la noción de espacio doméstico ocupa un lugar preponderante. Junto a sus múltiples proyectos y construcciones de tiendas de moda, cafés, hoteles y edificios públicos, Loos concede una vital importancia a los espacios interiores donde se desarrolla la vida privada. La vivienda constituye la esfera íntima, el refugio del individuo frente a la vida social. Valores como intimidad, privacidad o confortabilidad encuentran en el diseño de espacios y el uso del mobiliario doméstico de Loos un ejemplo de las nuevas formas de la cultura del hábitat. Esta exposición indaga en la revolución estética de Loos en el ámbito de lo privado, puesta en el contexto de la cultura y el arte de la Viena de principios del siglo XX.
Adolf Loos. Esbozo de un sillón, Paris. Lápiz sobre papelAdolf Loos. Reloj de péndulo 1904-1920
Adolf Loos interior del Bar americano en Viena
Goldaman & Salatsch (sastrería)
3 de Michaelerplatz
Es uno de los primeros edificios modernos de Viena, de uso mixto el Comercio ocupa las 3 plantas bajas del edificio y el resto vivienda
(1909-11).
Loos plantea el edificio como de 2 elementos autónomos y distintos.
Comentario de la época “Reflexionando sobre el arte, el hombre más moderno pasea por las calles. De pronto se detiene, maravillado, ha encontrado lo que llevaba tanto tiempo buscando”.
Fue tachado de basura o gallinero, al punto que en 1910 las autoridades suspendieron las obras temporalmente, Otto Wagner asesoró a Loos hasta conseguir que ésta se reanudase.
Como suele suceder hoy en día el edificio de la Michaeleplatz es uno de los iconos de la ciudad de Viena y es considerado como uno de los primeros edificios modernos del continente Europeo.
La Viena de 1900
Se produce un cambio importante ya que donde existía una de las casas reales más poderosas e influyentes de Europa, hay una migración de trabajadores de campo a la ciudad, una burguesía industrial creciente basada en el dinero y las propiedades.
Hay enormes cambios con la llegada de la luz eléctrica el ferrocarril, el metro y las comunicaciones, las grandes ciudades destruyen murallas para crecer. Viena también lo hizo, con la construcción de la Ringstrasse (1858-1888), escaparate de los edificios más emblemáticos, como el nuevo Palacio Imperial, el Parlamento, la Ópera y el Teatro, entre otros. Fachadas del espacio público vienés que separaba el ámbito –degenerado- de la vida privada del espacio teatralizado de la vida pública.
Adolf Loos. Librería con coljumnas.c.1906, madera de caoba y columnas de latón y metal. Colección Hummel
Las reacciones críticas al mundo burgués pudieron observarse en la rebelión del psicoanálisis, en la nueva arquitectura y el diseño, en la filosofía del lenguaje, en el dodecafonismo, en el uso de la palabra y en el arte: Sigmund Freud (1856-1939), Karl Kraus(escritor y poeta 1874-1936), Arnold Schönberg (pintor, teórico musical y pintor 1874-1951),Ludwig Wittgenstein (filósofo y matemático 1889-1951), Oskar Kokoschka (1886-1980) y de quien nos estamos ocupando el arquitecto Adolf Loos,
Otto Wagner. Interior del Museo del Emperador Francisco José (Viena),no realizado. c.1903 fotograbado impreso. Colección privada Reino Unido
La respuesta a esta Viena decadente vendrá de parte de una joven generación de artistas, intelectuales, estetas y moralistas que intentarán dar respuesta, desde el arte y la cultura, a un mundo que se hunde, ya que no tiene más la seguridad que había representado, la monarquía en el pasado.
Se reúnen entre los 120 muebles, aquellos que han sido concebidos o seleccionados por Loos entre 1899 y 1931
Raumplan y Enfilade
Mediante el método denominado “raumplan”o “spaceplan”o plan de volúmenes, era un complejo sistema de organización interna.Loos creó unos espacios continuos en vertical que permitían varias alturas según el uso.
Con la “enfilade” estableció la continuidad del espacio en horizontal.
El término hace referencia a una sucesión de habitaciones formalmente alineadas entre sí. Desde el período barroco en adelante, las puertas que permiten acceder a cada habitación están alineadas con las puertas de las habitaciones conectadas a lo largo de un solo eje, proporcionando una vista a través del conjunto entero de habitaciones.
Según Loos, la fachada era la cara masculina de la arquitectura, y la interior, la femenina.
Butaca 1907. De F.O. Schmidt utilizada por Adolf Loos.Colección Hummel.Viena
Vida privada compleja
1893 Contrajo sífilis en los burdeles de Viena, a resultas de la cual quedaría estéril y sería repudiado por su madre.
1893-6 reside en Chicago desde los 23 a los 26 años.
1902 se casa con Carolina Catherina Obertimpfler (Lina Loos), de quien se divorció en 1905.
1918 se le diagnostica cáncer.
1919 se casa con la cantante y bailarina Elsie Altmann. Se separa 7 años más tarde.
1920 con cincuenta años protagonizó un escándalo de pedofilia.
1921, obtiene la nacionalidad austríaca y es nombrado arquitecto jefe del Ayuntamiento de Viena, trabajando en el Ministerio de Vivienda.
1924 dimite del puesto y vive los siguientes 5 años en Francia.
Se casa con Claire Beck, de quien se separa en 1932.
1932 tiene 62 años y está en la ruina.
1933 fallece.
Loos y sus propuestas
Se rebeló contras sus contemporáneos de la Secesión y la Wiener Werkstätte -que querían convertir la vida en arte tomando como modelos elementos abstractos de la naturaleza- se enfrentó a los espacios interiores burgueses, repletos de objetos decorativos pero inútiles, y propuso crear otros que protegiesen la intimidad del individuo del exterior a fin de resolver la escisión entre el ser individual y el ser social. 3
Elegida por Adolf Loos. Silla similar a las de la Villa Müller, madera de caoba y almohadilla en el asiento. Colección Hummel. Viena
Afirmaba que el arquitecto se ocupa del «inmueble», y el artesano, del «mueble», prefiere los estilos Chippendale y Hepplewhite, el sillón New Shaped Easy Chair de Hampton & Sons, y sillas de mimbre. Emplea sillas Liberty, sillones Biedermeier y sofás Chesterfield, mesas de influencia turca, taburetes egipcios y alfombras orientales. Sin dudas un eclecticismo de mirada posmoderna. 4
Fotografia de Adolf Loos con Peter Altenberg, 1930. Foto: Gisela Erlacher. Colección Hummel, Viena
Notas
1
La exposición Adolf Loos. 1870-1933. Espacios privados. Lugar: CaixaForum Madrid (paseo del Prado, 36). Fechas: Del 28 de marzo al 24 de junio de 2018. Organizada por la Obra Social”la Caixa” y el Museu del Disseny de Barcelona. Comisariado:Pilar Parcerisas. Procedencia de las obras:
Colección Julius Hummel (Viena), The Albertina Museum (Viena), Wien Museum, Architekturmuseum der Technischen Universität de Múnich, Colección Markus Kristan (Viena), Colección Ernst Poil (Viena), J. & L. Lobmeyr (Viena), CCCB (Barcelona) y una colección particular del Reino Unido.
2
La muestra cuenta con un total de 218 obras, entre las que destacan 120 muebles —más de 50 sillas, sillones y taburetes, 13 lámparas, 21 mesas, escritorios y tocadores, armarios y librerías— y objetos de menor tamaño, como relojes, vasos, decantadores, espejos y perchas, entre otros. Además de documentos, dibujos y litografías, fotografías, libros, manuscritos y maquetas, tanto de proyectos realizados y de proyectos no construidos.
3
Juan Antonio García Fermosel. Área de Comunicación de la Obra Social” la Caixa” jagarcia@fundacionlacaixa.org.
Gran parte de los textos los he tomado del dossier que me ha remitido el señor Juan Antonio García Fermosel del Área de Comunicación, al que agradezco especialmente.
En el marco de los 25 años del Museo Thyssen-Bornemisza, se puede ver la exposición:
Rafael Moneo. Una reflexión teórica desde la profesión.
Materiales de Archivo (1961~2016)
Del 4 de Abril al 11 de Junio de 2017.
Siempre es interesante ver las obras de Rafael Moneo, especialmente si la exposición tiene lugar en una de sus obras como es la remodelación y puesta en valor del Palacio de Villahermosa a Museo Thyssen-Bornemisza, realizado por su estudio.
Están muy bien expuestos dibujos, planos, maquetas y fotografías. Se la recorre muy cómodamente en 2 horas.
En el catálogo de la exposición Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza, nos explica: “la presente muestra es una edición actualizada de la que se inauguró en 2013 en la Fundación Barrié de A Coruña y posteriormente ha visitado Lisboa, Ciudad de México y Hong Kong”.
La exposición se recorre en el nivel -1 del Museo, y en el 1er nivel que balconea al gran hall distribuidor de la entrada, continua la exposición con la historia del edificio del palacio de Villahermosa, con las sucesivas modificaciones hasta la última realizada por Rafael Moneo.
Rafael Moneo, expresa en el catálogo“¿cómo plantear la muestra? Fresca todavía la que había sido mi participación en la Biennale di Architettura di Venezia en el año 2012, en la que había presentado sólo dibujos de mi obra como arquitecto en Madrid, pensé que tal vez tuviese interés ampliar el campo a toda mi carrera, haciendo de los dibujos el vehículo preferente para mostrarla”.
“Con ayuda de María Fraile, y de Francisco González de Canales, que asumió el papel de comisario, nos zambullimos en el archivo en busca de aquellos dibujos originales que pudieran tener cierto interés, tanto para los profesionales como para el público en general. Ellos han sido los responsables de la selección de los proyectos y de los dibujos que aquí se exponen. Todos juntos me parece que ofrecen una buena muestra del papel que el dibujo ha tenido en la práctica profesional de los arquitectos en estos últimos 55 años. Además, el conjunto de los dibujos documentan lo que ha sido la evolución del pensamiento arquitectónico durante los años en que se ha desarrollado mi carrera, en la que el ejercicio profesional ha estado siempre acompañado por la dedicación a la crítica y a la enseñanza”. “No se pretende mostrar exhaustivamente ningún proyecto y sí dar razón de lo que ha sido toda una carrera.
Fotografías y maquetas acompañan a los dibujos “
A grandes trazos, podemos escribir que José Rafael Moneo Vallés, nace en Tudela (Navarra) en 1937.
Estudia en la Escuela de Arquitectura de Madrid, titulándose en 1961.
En su época de estudiante trabajó con Francisco Javier Sáenz de Oíza.
Tras un año en el estudio de Jørn Utzon en 1963 gana la pensión de la Academia de España en Roma, permaneciendo en esta ciudad hasta 1965.
En 1970 obtiene la cátedra de Elementos de Composición de la Escuela de Arquitectura de Barcelona y desde 1980 hasta 1985 enseña en la Escuela de Arquitectura de Madrid, año en que es nombrado Chairman de la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard, cargo que mantiene hasta 1990. En la actualidad es Professor of Architecture en la Graduate School of Design de Harvard.
La actividad de Rafael Moneo como profesor y arquitecto va acompañada por la que desarrolla como conferenciante y crítico.
Cofundador de la revista Arquitecturas Bis, sus escritos se han publicado en numerosas revistas profesionales y la presentación de su obra mediante exposiciones y conferencias, le ha llevado a instituciones a uno y otro lado del Atlántico.
En 2005 publicó el libro “Inquietud teórica y estrategia proyectual en la obra de ocho arquitectos contemporáneos” obra que ha tenido un amplio eco habiéndose traducido a ocho idiomas.
En septiembre de 2010 vieron la luz simultáneamente las ediciones de su libro Apuntes sobre 21 Obras (Gustavo Gili) y Remarks on 21 Works (Monacelli Press).
En 2013 ha presentado Rafael Moneo, Porfolio Internacional 1985~2012 (La Fábrica) y Rafael Moneo, International Portfolio 1985~2012 (Edition Axel Menges).
Ha recibido numerosas distinciones, entre otras el Premio Pritzker de Arquitectura en 1996 y la Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects en 2003.
Elegido Académico de Bellas Artes en 1997, tomó posesión de su plaza a comienzos de 2005.
En 2006 el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España le hizo entrega de la Medalla de Oro de la Arquitectura Española y en 2012 obtuvo el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
Exposicion
En el Hall de acceso a la exposición, se pueden leer en unos paneles, una cronología de la vida de Rafael Moneo, en una pantalla van apareciendo imágenes de video con las obras que luego se verán con más detalle dentro de las 6 salas.
1er. Sala
Los años formativos La Escuela de Madrid (hasta 1968) (Nota1)
Trabajó con Saénz de Oíza en las Torres Blancas (1958-61), luego en Dinamarca con Jørn Utzon para participar en el proyecto de la Ópera de Sídney (1961~2) .Su esporádica colaboración con Fernando Higueras en el Centro de Restauración (Premio Nacional de Arquitectura 1961) lo identifican claramente con la llamada “Escuela de Madrid”.
En esta sala destacan
– Las Escuelas en Tudela (1966~71). Nota 2
– La Fábrica de Transformadores Diestre en Zaragoza (1964~7)
– Mercado en el Centro Histórico Cáceres, 1962 Concurso. Segundo premio
– Ampliación de la Plaza de Toros Pamplona. 1966~1967 Concurso. Primer premio
2nda Sala
Una expresión propia. Primera madurez (hasta 1976)
Puso en orden su pensamiento arquitectónico al centrarse en la preparación del programa de enseñanza en 1970 de la cátedra de elementos de composición en la Escuela de Barcelona.
Sitúa a la historia como centro de aproximación al proyecto, como un cuerpo de conocimiento que asiste al arquitecto con un conjunto de soluciones ya ensayadas por otros. En su obra se verán soluciones estudiadas por Asplund, Gardella, Terragni, Sullivan e incluso arquitectos contemporáneos como Rossi, Venturi o Stirling.
Valora la reconsideración de la composición como herramienta de proyecto capaz de articular una arquitectura hecha de diferentes partes. De esta época es la relación de Moneo con el urbanista barcelonés Manuel de Solà-Morales.
Sus teorías arquitectónicas que dotan a sus edificios con un “principio estructurante” están presentes en su ensayo “Sobre la noción de tipo”.
En esta sala destacan:
– Sede Bankinter Madrid (1972~76). Nota 3
Sede de Previsión Española en Sevilla (1982~87)
– Ayuntamiento de Logroño (1973~81)
3er Sala
La escena internacional. Entre Madrid y Nueva York (hasta 1984)
Durante el curso 1976~7 Moneo se toma un año sabático de la escuela de Barcelona y acepta la invitación de Peter Eisenman para acudir al Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos de Nueva York, así como de John Hejduk como profesor visitante en la Cooper Union, y en Princeton (al año siguiente).
Estos contactos así como el de Gandelsonas, Silvetti, Vidler y arquitectos europeos como Stirling y Koolhaas, por entonces en Nueva York, le abren nuevas perspectivas intelectuales.
En 1980 deja la cátedra de Barcelona, y se hace cargo de la cátedra de composición en Madrid. Su eje académico pasa a ser Madrid/New York.
En esta sala destacan:
– Ampliación del Banco de España en Madrid (1978~80),
– Edificios como Previsión Española en Sevilla (1982~7)
– Museo Nacional de Arte Romano de Mérida (1980~6). Nota 4
4ta. Sala
La experiencia americana Harvard (hasta 1990)
A raíz de su nombramiento en 1985 como director del Departamento de Arquitectura de Harvard, se traslada a vivir durante 5 años a Cambridge, Massachusetts.
Recupera la relación entre pensamiento teórico y construcción frente a la mera especulación gráfica, tan presente entonces en las universidades americanas. Éste fue el tema principal de su discurso inaugural en Harvard, “La soledad de los edificios”.
En esta sala destacan:
– Ampliación de la estación de Atocha, Madrid (1984~92)
– L’Illa diagonal, Barcelona 1987~1994 (con Manuel de Solà-Morales)
– Kurssaal Auditorio y centro de congresos en San Sebastián (1990~99). Nota 5
– La Fundación Joan i Pilar Miró en Palma de Mallorca (1987~92)
– El Auditori y Centro de Música de Barcelona (1987~99).
5ta. Sala
Una práctica profesional global Regreso a Madrid y reconocimiento internacional (hasta 1999)
6ta. Sala
La oficina en el cambio de siglo El presente de una práctica profesional reflexiva (hasta hoy)
En 1990 regresa a España, recibe en 1996 el premio Pritzker y pasa a ser una figura reconocida en el “star System global”.
Enfatiza cada vez más en la importancia del lugar en la construcción del proyecto, y sus reflexiones más importantes de esta época, como la conferencia “El Murmullo del Lugar”, reivindicaban precisamente esa posición.
Para Moneo, el lugar no dicta necesariamente una respuesta directa sobre la arquitectura que debe ser hecha, sino que debe ser interpretado, recíprocamente
construido y a veces incluso confrontado.
Es por ello que Moneo prefiere a menudo usar otros términos menos cargados, como “apropiado” en lugar de “contextual”, o “sitio” en vez de “lugar”.
En estas salas destacan:
– Museo de Arte Moderno y Arquitectura de Estocolmo (1991~8), concurso 1er premio. Nota 6
– la Ampliación del Ayuntamiento de Murcia (1991~8) Nota 7
– El Museo de Bellas Artes Audrey Jones Beck en Houston (1992~2000)
– la Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles (1996~2002) Nota 8
– la Ampliación del Museo del Prado (1998~2007),
Con estos proyectos, son con los que el estudio inicia su trabajo en el siglo XXI
RAFAEL MONEO. UNA REFLEXIÓN TEÓRICA DESDE LA PROFESIÓN
A partir de aqui, con los materiales de archivo (1961-2016) un listado de proyectos expuestos en cada sala.
Expuestos en la 1er sala
Centro Emisor en Plaza del Obradoiro, Santiago de Compostela, España, 1962. Concurso. Premio de Roma
Mercado en el Centro Histórico de Cáceres, España, 1962. Concurso. Segundo Premio
Ampliación de la Plaza de Toros de Pamplona, España, 1966~1967
Ópera de Madrid, España, 1964. Concurso
Fábrica de Transformadores Diestre, Zaragoza, España 1964~7
Colegios en Tudela, España, 1966. Concurso. Accésit. (proyecto 1966~1971)
Casa Gómez-Acebo, La Moraleja, Madrid, 1966~8
Plan Parcial, Sector 8, Vitoria, España, 1966~8. (con Carlos Ferrán y Eduardo Mangada)
Ayuntamiento de Ámsterdam, Holanda, 1967~8. Concurso. Finalista
Expuestos en la 2nda sala
Edificio de viviendas Urumea, San Sebastián, España, 1969~1973 (con Javier Marquet, Javier Unzurrunzaga y Luis Zulaica)
Remodelación del Centro Histórico de Zaragoza, España, 1969~70. Concurso. Segundo Premio (con Manuel Solà-Morales)
Sede de Bankinter, Madrid, España, 1972~1976 (con Ramón Bescós)
Colegio de Agentes de Cambio y Bolsa de Madrid, España, 1973. Concurso
Ayuntamiento de Logroño, España, 1973~1981
Remodelación del Centro de Eibar, España, 1973~1974. Concurso. Primer Premio
Viviendas en el Paseo de la Habana, Madrid, España, 1973~1977 (con Ramón Bescós)
Polígono Residencial del Actur de Lacua, Vitoria, España, 1976~80. Concurso. Primer
Premio (con Manuel Solà-Morales)
Expuestos en la 3er sala
Ampliación del Banco de España, Madrid, 1978~80. Concurso. Primer Premio
Cannaregio, Venecia, Italia, 1978~1979. Concurso. Primer Premio
Viviendas en Rua Vieja, Logroño, España, 1979~82.
Plan Especial de Aranjuez, España, 1979-81 (con Manuel Solà-Morales)
Museo Nacional de Arte Romano, Mérida, España, 1980-1986
Sede de Previsión Española, Sevilla, España, 1982-1987
Sede del Banco de España en Jaén, España, 1983-1988
Estadio Olímpico en Montjuic, Barcelona, España, 1983. Concurso (con F. J. Sáenz de Oiza)
Expuestos en la 4ta sala
Ampliación de la Estación de Atocha, Madrid, España, 1984~1992
Progetto Biccoca, Milán, Italia, 1985. Concurso
Concurso IACP Campo de Marte, Guidecca, Venecia, Italia, 1985. Concurso. Primer Premio
La Escudería Imperial Museumquartier-Messepalast, Viena, Austria, 1986. Concurso
Fundación Pilar i Joan Miró, Palma de Mallorca, España, 1987~1992
Edificio L’Illa Diagonal, Barcelona, España, 1987~1994 (con Manuel Solà-Morales)
L’Auditori – Centro Musical de Barcelona, España, 1987~1999
Palazzo del Cinema, Venecia, Italia, 1990. Concurso. Primer Premio
Kursaal – Auditorio y Centro de Congresos, San Sebastián, España, 1990~1999
Expuestos en la 5ta sala
Ampliación del Ayuntamiento de Murcia, España, 1991~1998.
Museos de Arte Moderno y Arquitectura, Estocolmo, Suecia, 1991~1998.
Museo de Bellas Artes, Edificio Audrey Jones Beck, Houston, Tejas, EEUU, 1992~2000
Residencia del Embajador de España en Washington, EE.UU, 1995~2002
Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles, Los Ángeles, California, EEUU, 1996~2002.
Souks de Beirut, Líbano, 1996~2009
Biblioteca Arenberg, Universidad Católica de Lovaina, Bélgica, 1997~2002
Ampliación del Museo del Prado, Madrid, España, 1998~2007
LISE, Universidad de Harvard, Cambridge, Massachussets, EEUU, 2000~2007
Complejo Aragonia, Zaragoza, España, 2000~10
Biblioteca para la Universidad de Deusto, Bilbao, España, 2001~9
Parroquia en las Riberas de Loiola, San Sebastián, España, 2001~2011
Edificio de laboratorios para la Universidad de Columbia, Nueva York, EE.UU, 2005~2010
Museo de la Universidad de Navarra, Pamplona, 2009~2014
Departamentos de Neurociencia y Psicología para la Universidad de Princeton, Nueva Jersey, 2007~2013
Bodega Descendientes de J. Palacios, Villafranca del Bierzo, 2013~
APEIRON. Viviendas y Hotel en el Jockey Club, Miami, Florida, 2014~
Nota 1
Los textos están extraídos de los paneles de presentación de cada sala.
Nota 2
Escuelas Públicas en Tudela, 1966~1971
Con el propósito de construir el mayor número de aulas en el solar, se dispusieron éstas perpendicularmente a la calle, obligándose así el arquitecto a resolver la doble orientación deseada con la ayuda de la luz reflejada por los “pozos” que la captan en la cubierta.
En términos lingüísticos se entiende esta arquitectura como expresión de un realismo dando un evidente protagonismo a los métodos de construcción –tradicionales– con los que se trabaja.
Nota 3
Sede de Bankinter, Paseo de la Castellana 29, Madrid, 1972~1976. Con Ramon Bescós
Manteniendo el palacio existente del Marqués de Mudela, una dignísima muestra de la arquitectura ecléctica madrileña de fines de siglo XIX, el nuevo edificio convive co el antiguo, manteniendo ambos su independencia.
El cambio de acceso y la afilada esquina/proa hace posible esta convivencia de forma autónoma.
Nota 4
Museo Nacional de Arte Romano, Mérida, 1980~1986
El origen de este proyecto fue realizar un muro de contención de la calle José Ramón Mélida, en peligro por la excavación de los arqueólogos, al encontrar acueductos, peristilos de casas romanas, cimientos de patios renacentistas, cisternas, atarjeas e incluso restos de una iglesia paleocristiana.
Construír sobre lo construido, El nuevo museo venía a ser la recuperación de la continuidad perdida entre lo romano y la Mérida de nuestro días: el nuevo museo, por tanto, aparece como episodio más reciente de lo que había sido la historia de aquel lugar.
El uso de los medios de construcción cuasi-romanos, con espacios arquitectónicos contemporáneos, produce el contrapunto de atracción de este museo.
Nota 5
Kursaal-Auditorio y Centro de Congresos, San Sebastián, 1990~1999. Concurso, Primer premio
Seleccionado entre los trabajos de los arquitectos Botta, Isozaki, Corrales / Peña Ganchegui / Molezún, y Foster.
Quizás las enseñanzas del escultor Jorge Oteiza sobre como los sólidos primarios son dinamizados y activados por su deseo de movimiento, y el planteo de Moneo que no fuera una mera extensión de la forma urbana (de la avenida Zurriola) sino el planteo de una accidente geográfico capaz de sugerir la presencia de los montes Urgull y Uria.
Son pues dos grandes rocas varadas de vidrio.
Nota 6
Museo de Arte Moderno y Arquitectura, Estocolmo, 1991~1998. Concurso, Primer premio
Cuando la armada sueca abandona la isla de Skeppsholmen, sus instalaciones pasaron a ser instituciones culturales (escuelas, museos, teatros), se decide construir un nuevo museo que debería incluir el Arkitektur Museet. A diferencia de la opera de Sidney de Jørn Utzon o El Guggenheim de Frank Ghery, no pretende atraer las miradas, sino volcar éstas sobre la ciudad que tiene frente a sí.
Nota 7
Ampliación del Ayuntamiento de Murcia, 1991~1998
Un solar en la plaza del Cardenal Belluga, el más notable espacio público de la ciudad de Murcia. Sin los excesos del posmodernismo, Moneo plantea una forma de actuar en la ciudad histórica sin normas ni cánones estrictos. Debe convivir con la fachada monumental de la Catedral del arquitecto Jaime Bort de 1754, el Palacio del Cardenal Belluga, del arquitecto Baltasar Canestro entre 1765 y 1768, y toda una serie de viviendas construidas por la burguesía local a principios del siglo XX, sin sobresaltos en dicha plaza despliega en el plano vertical una estructura de pilastras subrayando sus aristas.
Reconociendo lo singular, lo específico, escuchando lo que sugiere el lugar, atendiendo a su instinto arquitectónico, produciendo un edificio que demuestra su conocimiento disciplinar al actuar en libertad.
Nota 8
Catedral de Nuestra Señora de los Ángeles, Los Ángeles, California, 19964 2002. Concurso, Primer premio
Seleccionado entre los trabajos de los arquitectos invitados Santiago Calatrava, Frank Gehry, Tom Mayne, Robert Venturi y Denise Scott-Brown.
Moneo planteo una novedad tipológica al plantear el acceso desde la cabecera, capillas abiertas a un deambulatorio.
Desde el 4 de Junio, hasta el 23 de Agosto de 2015, en Barcelona la Caixa Forum, ha presentado una exposición dedicada al arquitecto Alvar Aalto (1898-1976). Un recorrido por la vida y la obra de quien (sin duda alguna) lo presentan como el arquitecto finlandés más importante de su generación y un gran exponente de una modernidad orientada hacia el humanismo.
La propuesta se compone de veinte maquetas históricas y más de un centenar de piezas, como dibujos originales, muebles, lámparas y objetos de cristal además de obras de otros artistas con los que compartió inquietudes como Alexander Calder o Jean Arp.
Proyecto alrededor de 500 edificios y construyo 300, la mayoría en Finlandia y casi un centenar de ellos están en 18 países. En la muestra se pudo apreciar los temas que abordó, edificios oficiales, casas privadas, adosadas y prefabricadas. Pabellones de exposiciones, instalaciones industriales, edificios de oficinas…
Sus proyectos no se limitaron a la arquitectura sino que incluyeron sus diseños de mobiliario, lámparas, tejidos y materiales de construcción.
Hugo Alvar Henrik Aalto, a quien se lo conoce internacionalmente como Alvar Aalto, formó parte del Movimiento Moderno y participó en los CIAM desde 1925 hasta 1956. (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna)
Nació el 3 de febrero de 1898 en Kuortane y falleció el 11 de Mayo de 1976 en Helsinki,Finlandia. En 1957 recibió la Real medalla de Oro de arquitectura del RIBA (Real Instituto de Arquitectos Británicos) y en 1963 la medalla de Oro del IAA (Instituto Americano de Arquitectos)
Fue elegido miembro honorario extranjero de la Academia Americana de Artes y Ciencias en 1957. También fue presidente de la Academia de Finlandia desde 1963 hasta 1968.
Desde aquel año que visite su casa estudio en Munkkiniemi, Helsinki, donde tuve la satisfacción de encontrar en su biblioteca (que obviamente había sido preparada para poner material sobre el, y que había sido editado luego de su muerte) un ejemplar de la revista CASAS Internacional que junto a mi hermano Guillermo se había preparado sobre su obra. El ambiente de la casa, era muy similar al que sentí en la casa y en el estudio de Charles y Ray Eames, en esa Case Study Nº 8 para el programa publicado en la Revista de Artes y Arquitectura de Los Ángeles construida en Pacific Palsides en California. Ambas integradas a un paisaje verde y rodeada de árboles.
Aalto dijo de su casa “Queríamos hacer el mejor uso de la iluminación natural dentro de la casa, la orientación de las terrazas y de las diferentes salas, los refugios contra el viento y así sucesivamente, por lo que debido a nuestro clima, nos vimos obligados a adoptar una solución compleja en los muros exteriores. Esto requirió una investigación completa de las propiedades aislantes de los muros…”
La muestra de la Caixa Forum se llamó Arquitectura Orgánica, arte y diseño, su comisario Jocken Eisenbrand del VITRA DESIGN MUSEUM e incluyo piezas del Alvar Aalto Museum de Finlandia.
Se presentaron 30 de sus más de 500 proyectos, en forma muy cuidadosa, sobre un mueble planera al viejo uso se apoyan maquetas, y abriendo los cajones de la planera se pueden apreciar los planos, como si de un estudio se tratase.
De su primera época racionalista el sanatorio de Tuberculosis de Paimio (150 km de Helsinki) de 1933 con el ascensor de vidrio, desde donde se ve una desbordante naturaleza, una filmación muestra esas vistas, desde dentro de dicho ascensor y La biblioteca de Viipuri. Asi como obras de gran escala como el Auditorio Finlandia de Helsinki y la Ópera de Essen
Una sala dedicada a los muebles, sillas, sillones de madera laminada, mesas y los taburetes que Aalto los consideraba hermanos pequeños de la columna arquitectónica.
Del techo cuelgan más de 20 lámparas donde se ve su preocupación para que no se vean las bombillas y que queden recubiertas.
Uno puede apreciar una vez más el jarrón Savoy de 1936.
Recuperamos algunas de sus manifestaciones “…Hacer mas humana la arquitectura, significa hacer mejor arquitectura y conseguir un funcionalismo mucho mas amplio que el puramente técnico…”
O en una entrevista hecha por Göran Schildt en 1972“…He utilizado materiales diversos porque los programas eran diversos. A este respecto no hay que dejarse inspirar por la teoría sea ésta cual sea. Quisiera considerar el problema en un modo más general y declarar que la arquitectura debe estar al servicio del hombre. Los materiales deben poseer valores humanos. También las antiguas propiedades de los materiales deben prevalecer. Es humano hacer apropiados los materiales al destino del uso de los edificios; por lo tanto, existe una relación entre el hombre y los materiales. Los materiales deben corresponder al sentimiento humano, es decir, no deben hurtarlo…” Desde sus épocas de estudiante tuvo como profesor a Armas Lindgren que fuera socio de Eliel Saarinen y Herman Gesellius, y pudo cultivar una gran amistad que unió a Alvar y a Aino Aalto (su segunda esposa) con el fotógrafo y pintor húngaro László Moholy-Nagy (1895/1946) profesor de la Bauhaus, No fueron los únicos, Sven Markelius, Le Corbusier, Morton Shand, Sigfried Giedion, tuvo una inmensa admiración a Frank Lloyd Writght.
Alvar y Aino junto a Maire y Harry Gullichsen en 1935 formarán la empresa Artek, que hoy en día sigue existiendo y fabrica sus diseños de muebles y lámparas.
PROPUESTA y una ocurrencia: hackear a Ikea que hackeo antes a Alvar Aalto
Uno de sus muebles mas difundidos es que hoy vende IKEA (pero no con 3 patas, sino con 4 (derechos de autor??), es de 1933 y se llama TABURETE 60.
En este link se explica como convertir el taburete IKEA FROSTA STOOL de 4 patas (por solo € 7,99) en el original de 3 patas (que cuesta € 200 en ARTEK)
Continuo, esa sociedad, permitió también la creación de una de las casas mas famosas de la historia de la arquitectura, la Villa Mairea, que lleva el nombre de su dueña Maire Ahlström de Gullichsen.
Podríamos definirla como una casa-manifiesto porque en ella Aalto pudo expresar una síntesis del racionalismo del Movimiento moderno y sus experiencias con el paisaje y las tradiciones locales, además de su comprensión del formalismo abstracto que tan bien pudo aprovechar de artistas de la talla de Picasso y Leger. Pudo balancear inteligentemente su interpretación de la cultura arquitectónica internacional con los maravillosos paisajes de Escandinavia. El agua, la madera, el paisaje invaden la casa no solo en las formas, sino también en los espacios.
La casa diseñada en 2 plantas y organizada en L construye con la piscina y con la pérgola que las une, un espacio al aire libre con chimenea y sauna. Nos admira la dedicación en la selección de materiales naturales y el diseño en el dialogo entre ellos.
Gran viajero, interesado por el mundo y sus hacedores, daba conferencias y conquistaba amigos en muchas partes del mundo.
Volver a ver ciertas obras, conocer otras, los diseños producidos con elementos naturales, así como su casa experimental, donde pudo probar distintas sillerías, fue una experiencia hermosísima, como lo es el país que recibió su sabiduría.
