Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 11. Libreria Browne

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Un proyecto poco conocido

Browne´ s´´ Bookstore, la librería más bella del mundo de 1908

410 de la S Michigan Ave. Chicago

Berlin, edición de Ernst Wasmuth, 1910, 40,5 x 64 cm

En 1908, Francis Fisher Browne encargó a Wright la renovación de un espacio en el Edificio de Bellas Artes de la ciudad de Chicago para instalar la “Librería Browne”.

El Edificio de Bellas Artes había sido diseñado por el Arq. Solon Spencer Beman (1853 – 1914), para la Compañía Studebaker en 1885 para exhibir sus carruajes tirados por caballos.

El colorido edificio fue remodelado unos años más tarde para reunir «las preocupaciones artísticas, sociales y literarias de la ciudad en un solo edificio«, estamos en 1890, y la intención es transformarlo, en un centro comercial con tiendas, editoriales, galerías de arte, estudios de artistas y ser la sede de varios clubes sociales.

La librería Browne fue el primero de los tres espacios que Wright remodeló en el edificio.

El edificio de Michigan Trust Company. Diseñado por Beman. En 1891, era el edificio de oficinas más alto de Grand Rapids y el segundo más alto de Michigan

Pensado para sus clientes lectores, tenía bancos acolchados, espacios con mesas, sillas cómodas para leer, y un «rincón para niños».

Era un espacio largo y estrecho en el séptimo piso del edificio, la tienda presentaba ventanas de vidrio emplomado que ofrecían vistas del lago Michigan, un techo inclinado con listones de madera, gabinetes de roble empotrados y un balcón.

Cada centímetro del interior fue diseñado por Frank Lloyd Wright: los estantes, las ventanas, las lámparas, los muebles como las mesas y sillas. Los adornos de roble cuarteado.

En ese momento, el Edificio de Bellas Artes era el centro de las artes y la cultura de Chicago. En 1901, era el hogar de estudios de artistas, compañías de teatro, clubes literarios y más de diez mil estudiantes de música. Una década más tarde, dio a luz a varias revistas como “Poetry” de Harriet Monroe, “The Little Review” de Margaret Anderson y el “Chicago Little Theatre”.

Con miles de amantes de los libros subiendo y bajando las escaleras todos los días, una librería en el séptimo piso no parecía una idea tan extraña. «Toda la sociedad de Chicago vino a la librería Browne», escribe Anderson. «Aquí se servía té y todos eran muy inteligentes».

En 1910 se traslada a la planta baja del edificio y su espacio fue remodelado en 1912.

Adam Morgan,  editor en jefe del “Chicago Review of books”, que a su vez era escritor y crítico de libros, hace en marzo de 2018 esta descripción de la Librería“…En octubre de 1907, unos meses después de que The Jungle de Upton Sinclair (un libro de ficción) horrorizara a Chicago, se abrió una nueva librería en el séptimo piso del Edificio de Bellas Artes en el centro de la ciudad”.

Wright utilizó los tres conjuntos de ventanas existentes, rediseñandolas

En su autobiografía, Margaret Anderson, fundadora y editora de The Little Review, la llamó «la librería más bella del mundo». A pesar del entusiasmo general solo sobrevivió cinco años”.

En 1908, un reportero visitante de Publishers Weekly pudo haber entendido el por qué: «Hasta ahora, solo un comerciante en todas las clases de libros ha tenido el coraje de ubicar su tienda “en el aire”. El aire» era el séptimo piso, y el único comerciante era Francis Fisher Browne, editor de la revista literaria “Du jour de Chicago”, The Dial, cuyas oficinas estaban ubicadas en el mismo piso.

Diseño para el conjunto siete paneles de vidrio repetidos, a través de los cuales se veía el Lago Michigan. Algunas secciones se abrían, como las ventanas laterales adicionales. Recuerdan las ventanas que diseñó en 1904 para el templo Unitario del 875 Lake Street en Oak Park.

Detalle de la ventana de la sala de juegos
de Oak Park (1919/11)

En 1895 Wright añadió una sala de juegos en el segundo piso de su casa en Oak Park, similares a las que utilizó en la residencia Winslow (1894).

En 1911vuelve a refaccionar la sala de juegos y  utiliza un diseño identico a las de la Libreria Browne. En 1910, la libreria Browne se había desplazado del séptimo piso a la Planta Baja, la sala de juegos de Oak Park es de 1911, es legítimo preguntarse si Wright utilizo parte de esas ventanas en su casa, o solo el diseño? (1)

En la habiacion que finaliza la librería, hay una ventana con catorce paneles repetidos

Una escena del film de 2009 The Time Traveler’s Wife (Más alla del tiempo) del director Robert Schwentke se realizó en el Artists Café de la planta baja.

En la habiacion que finaliza la librería, hay una ventana con catorce paneles repetidos

Frank Lloyd Wright trabajo durante unos meses en 1908 y luego en 1911 en el edificio en la Suite 1080.

A pesar de la enorme bibliografía de la obra de Wright no es fácil encontrar información sobre la librería Browne.

Wright conoció a Browne en el Caxton Club, donde se reunian prosperos habitantes de Chicago que editaban libros en el estilo Arts and Crafts. Luego de haber diseñado alguna de esas portadas, es en 1898 cuando Browne le encarga el diseño de la Libreria.

En 1906, Wright tenía 39 años, su prestigio comenzaba a crecer entre las élites de Chicago.

Esos años entre 1904 y 1909 fueron fundamentales en la vida de Wright, escribe Meryle Secrest en Frank Lloyd Wright: A Biography “… estaba en medio de una aventura amorosa secreta que terminaría con su matrimonio».

El espacio tenía forma de “L”, ocupaba la esquina sureste del séptimo piso, «mirando hacia el lago en un extremo y, en el otro hacia el patio interior italiano desde el que se escuchaba siempre algun piano, además de una fuente”

Browne y Wright «buscaron combinar las mejores características de una librería bien equipada con las de una biblioteca particular selecta», escribe el Publishers Weekly

La sala principal se dividió en seis lugares de lectura: cinco con mesas y las sillas de respaldo alto de Wright y una junto a la ventana con sofás.

Vista de la caja en la entrada de la librería

El lugar de la caja esta situada entre las dos puertas de la entrada.

Vista desde la entrada al fondo.Las estanterías están a todo lo larzo del lado izquierda, cada espacio tenia sillas, una mesa y luz de lectura

La sala más pequeña y serpenteante se encontraba en el extremo derecho, «larga, oscura, reposada, con una enorme chimenea y grandes sillones», era un espacio para eventos que también albergaba las raras encuadernaciones de Browne.

En 1908 el Publishers Weekly describe que «Cada accesorio y cada mueble ha sido especialmente diseñado y fabricado a pedido», «Los estuches, mesas, sillas y adornos de paredes son de roble… Las fotos muestran que entre los estantes, había una réplica de la estatua de la Victoria Alada del Louvre, una urna de cobre y altos y estrechas «malezas» que Wright usaba a menudo para exhibir pastos de las praderas”.

El segundo hijo de Wright, John Lloyd Wright, quien en 1916 inventó el popular juego de construcción infantil de piezas de madera “Lincoln Logs” escribe: «No satisfecho con el bric-a-brac de la época, el padre diseñó el suyo propio». John Lloyd Wright utiliza el termino para referirse a los objetos de diseño y decoradas como tazas de té, flores de cera bajo cúpulas de cristal, estatuillas y en general adornos.

Wright diseñó las lámparas elétricas, las conforman cuatro cuadrados de vidrio translúcido suspendidas de un cuadrado mayor de forma que las piezas colgadas, que forman un cubo, no están en contacto en las esquinas.

Cuando en 1914 Margaret Anderson regresa al edificio y funda The Little Review. Browne ya había muerto y su librería desaparecida 2 años antes.

El Edificio de Bellas Artes sigue en pie, algunos de los interiores se ven muy parecidos a los de hace un siglo: el vestíbulo de mármol, el restaurado Teatro Studebaker, los murales Art Nouveau, la Corte Veneciana oculta. Pero si se toma el ascensor que sigue siendo operado por ascensoristas hasta el séptimo piso, no se vera ningún rastro de lo diseñado por Wright. Alli funciona un estudio de arquitectura y diseño de interiores de paredes lisas y enlucidas.

En cada espacio había una mesa, cuatro sillas de respaldo alto y una luz de lectura, un artículo en Editoriales Weekly decía “por un sistema único de iluminacion  por estante, el titulo de cada volumen desde el estante superior hasta abajo se leian fácilmente, al tiempo que las luces estaban ocultas a la vista”. En la fotografía se ve el sistema de iluminación encima del estante superior. Los estantes inferiores estaban ligeramente inclinados hacia arriba, para mostrar mejor los libros. Los artefactos de iluminación están suspendidos del techo.

Notas

1

The Wright Library

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 9. Casa Bach y «The Illinois»

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Casa Emil Bach en Illinois

Ubicada en Rogers Park (1) en Chicago, sobre un terreno de menos de 4.000 m2.

Al 7415 N de la Sheridan Road.

En 1909 Wright construye una casa que luego de terminada, sus dueños originales la venden a Otto Bach.

En la familia Bach gustó tanto esa casa que su hermano Emil decidió construir otra, es uno de los dueños de Bach Brick Company.

Emil y su esposa Anna Bach deciden comprar un terreno a comienzos de diciembre de 1914 y en 1915 encargan el diseño de la casa a Wright.

En 1907 Wright publicita sus casas de masa cúbica con techos planos en voladizo, un ejemplo es la divulgación de su propuesta en un articulo en la revista“Ladies Home Journal”.

La primer de estas casas fue la Casa Laura Gale, y la Casa Oscar Balch, ambas en Oak Park, luego la Casa Frederick C. Bogk y finalmente la Casa Bach.

La Casa Bach es la única que ha quedado en pie, tiene 250, 84 m², fue diseñada como una residencia unifamiliar de dos pisos con sótano. 

Wright diseño esta casa durante un momento especial de su vida. Despues de su larga estancia en Europa y antes de su viaje a Japón. Un momento especial porque la influencia japonesa le significó una transición a una estétca más expresionista.

Diseña la casa en el clasico Prairie House, pero era diferente a las otras casas diseñadas en ese estilo, porque la casa Bach no estaba en los suburbios, sino en una concurrida calle de Chicago. Representa el último estilo Prairie, antes de un cambio en la concepción de sus proyectos.

Cuando se construyó, era una «casa de campo», desde su fachada Este (trasera) se veia el lago Michigan, actualmente está entre edificios de apartamento y construcciones comerciales sobre la N Sheridan Road, una calle muy concurrida.

Los Bach venden en 1934 la casa a Joseph Peacock donde vivió hasta 1947.

En 1951 se vende 2 veces mas, la última de ellas es en diciembre de 1951 a Manuel Weiss. En 1959 éste la vende a Joseph Blinder.

En 2003, se la puso a la venta la casa con un precio de 2, 5 millones de dólares, estuvo a la venta varios meses hasta que en una subasta con una base de 750.000 dólares se vendió por 1, 7 millones. Muchas organizaciones conservacionistas expresaron su preocupacion con el destino que finalmente se le daria al patio lateral de 45,72 x 13,72 metros, cuyo uso era el de tomar el sol, cuando aun no se habia construido alrededor, este tema resuelto por los nuevos compradores, ¡no lo modificaran!.

Según Ronald Scherubel, director ejecutivo de Frank Lloyd Wright Building Conservancy de Chicago, las limitaciones a la alteración de la casa sin la aprobación de la ciudad y el Consejo de Preservación de Monumentos Históricos de Illinois y la imposibilidad de su destrucción ha sido impedido su demolición. Fue declarada “Monumento Histórico de Chicago” en 1977 y en 1979 se agregó al “Registro Nacional de Lugares Históricos de EE. UU”.

En 2014 se hizo una importante restauración y actualmente se ofrece en regimen de alquileres temporales.

Casa Laura Gale
Casa Oscar Balch
Casa Frederick C. Bogk

“Mile High Building” (The Illinois)

Propuesta de la Utopía de un proyecto de 1609 metros de altura. Fue diseñado por Frank Lloyd Wright en 1956. Su lugar, Chicago.

Hasta ese momento el edificio más alto era el Empire State Building de Nueva York de 1931 con 381 metros y 102 pisos diseñado por William F. Lamb (1883 – 1952) del estudio de arquitectura Shreve-Lamb y Harmon. Anteriormente el más alto había sido el Edificio Chrysler.

Pero el Empire State tenía menos de la cuarta parte de altura que el Mile High. Posiblemente haya servido de inspiración en el diseño de la torre Burj Khalifa (2005/2010) de 829,80 metros y 163 plantas en Dubai, diseñado por el arquitecto Adrian Smith del SOM (estudio Skidmore – Owings & Merrill).

Otros piensan que sus sistema estructural de tres lóbulos tuvo su inspiración en la Torre Lake Point de Chicago, el rascacielos en forma de trebol y revestido de vidrio que los discípulos de Mies van de Rohe (1886 – 1969) completaron en 1969.

El material que se usaba era el acero, que es flexible y hace que la torre se balancee debido a la acción del viento, Wright planteaba como solución el diseño en trípode de la torre, combinándolo con marcos de acero y componentes estructurales integrados, seguramente hubiera debido colocar contrapesos dentro de la torre como en la torre Taipei 101 con 508 metros de altura y 101 pisos diseñada por el arquitecto C. Y. Lee (1938) en 2004.

Taipei 101

Sin duda hoy existen más recursos para hacer factible su Utopia. Otros avances tecnológicos lo hubieran ayudado, ya que desde el año 2000 existen hormigones con un gran aumento de su resistencia, y que son menos flexible que el acero. El espacio que tenían que ocupar los ascensores ocuparía todo el espacio disponible en los pisos inferiores, para así dar servicio en toda la altura del edificio, tema dificil y complicado debido al delgado diseño de Wright.

Este problema ha sido solucionado en edificios más pequeños, como en el Taipei 101, usando ascensores de dos pisos, o como en el World Trade Center, de Nueva York de 1971 diseño de Minoru Yamasaki, Emery Roth & Son, en que el edificio fue dividido en tres sectores, cada uno con su propio vestíbulo, donde los inquilinos se cambiarían entre ascensores, grandes y rápidos y otros más pequeños de pocas plmatas. Yamasaki (1912 – 1986) fue también el autor de las Torres gemelas.

La solución que planteo Wright fueron elevadores exteriores al edificio para conservar el espacio interior. Un tema importante era el de encarar la seguridad frente a un incendio, pero con escaleras de emergencia éstas ocuparían la mayor parte de la superficie de los pisos inferiores. No menor seria la resolución de los elevadores de agua y las aguas residuales, que hubiera exigido reciclar el agua usada usando más superficie de las plantas inferiores.

Chicago Tribune del 28/5/2017

Nunca se construyó pero tampoco se olvidó.

Por BlairKamin (2)

Fue uno de los episodios más extravagantes en la ya extravagante vida de Frank Lloyd Wright, el 16 de octubre de 1956, con 89 años se paró frente a un enorme lienzo dorado, plateado y azul marino en el salón de baile del Sherman House Hotel y desveló su plan para un rascacielos de una milla, 1609,4 metros de altura y hasta la punta de la antena 1739, 20 metros con 528 pisos, 76 ascensores, y una superficie de 1.715.000 m2  con suficiente espacio para 100.000 personas, 15.000 automóviles y 100 helicópteros.

Para manejar a sus 100.000 ocupantes, “The Illinois” tenía una batería de 76 ascensores que se dividian en cinco grupos, cada uno de los cuales sirve un segmento de 100 pisos del edificio, con un ascensor que accede solo los pisos superiores. 

Boceto para el rascacielos de una milla de altura propuest.  
The Illinois. Fuente: Galería Wright Mile, MCM Daily

Cada ascensor era una unidad que se movía sobre rieles y accedía a cinco pisos simultáneamente. Con la forma piramidal del rascacielos, las estructuras verticales del hueco del ascensor finalmente se extendieron más allá de las paredes exteriores inclinadas, formando parapetos sobresalientes en los lados del edificio. 

En su libro de 1957 “A Testament”, Wright dijo que los ascensores fueron diseñados para permitir la evacuación del edificio en una hora, en combinación con las escaleras mecánicas que servían a los cinco pisos más bajos. (4)

La cena en el Sherman House Hotel de Chicago junto a la conferencia de prensa de Mile-High recaudó $ 25,000, unos 274.000 dólares actuales, que ayudaron al futuro de la escuela de arquitectura de Wright, la Taliesin Fellowship.

«Este es The Illinois, caballeros», dijo Wright a los periodistas, donde estaba un joven Paul Gapp, que se convertiría en el crítico de arquitectura del Tribune. 

“En él se consolidarán todas las oficinas gubernamentales que ahora se encuentran repartidas por Chicago”, enfatizaba Wright.

Lo presentó con una ilustración que medía más de 7,6 metros de altura, con el rascacielos dibujado a una escala de 1/16 de pulgada por cada 0,3048 cm. (pie)

Wright no tenía cliente ni sitio para su rascacielos, que nunca se construyó pero tampoco se olvidó.

¿Por qué Wright, que supuestamente odiaba las ciudades, llevó a cabo este truco casi escandaloso? ¿Por qué este feroz defensor de la descentralización diseñaría un rascacielos que habría sido más de cuatro veces más alto que el Empire State Building, por entonces el edificio más alto del mundo?

Barry Bergdoll (3), curador del Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno y de la exposición «Frank Lloyd Wright at 150 Unpacking the Archive», inaugurada el 12 de Junio de 2017 en el MoMA (4) sugiere estas pistas:

Pista uno: Era una búsqueda de la posteridad.

Pista dos: Ir detrás del dinero. Wrigth diría «proponed lujos y las necesidades se atenderán solas”.

Pista tres: Wright buscaba atención mediática. Los historiadores de la arquitectura lo retrataban como “el pasado”, “lo nuevo” era el arquitecto germano-estadounidense Ludwig Mies van der Rohe (1886 – 1969) cuyos rascacielos de acero y vidrio en el 860-880 N. Lake Shore Drive ganaron gran reconocimiento cuando se completaron cinco años antes. 

Wright no podía soportar lo que estaba haciendo Mies. «Mile-High es un acto simbólico, algo increíble para llamar la atención».

A lo largo de su carrera, Wright se destacó en la elaboración de su imagen pública, así como en sus edificios innovadores. 

Fue un “manipulador de los medios de comunicación”, llegó a la televisión en la década de 1950 para aparecer en el popular programa de juegos “Cuál es mi línea” donde dijo que su profesión, era ser el «Arquitecto más famoso del mundo».

Wright revela planes para un fabuloso edificio
de una milla de altura. Ruth Moore

corresponsal de «The Capital Times»

Le dijo a un reportero del Tribune que «El Empire State Building será un ratón en comparación a The Illinois”. Claire Penny, de IBM Watson IOT for Buildings dijo que Wright “Conmocionó a la industria”. Su propuesta «hizo que la gente pensara en edificios altos en el futuro».

No solo los periódicos de todo el país se sumaron a la historia, el alcalde Richard J. Daley proclamó el 17 de octubre de 1956, el día después de la conferencia de prensa, «Día de Frank Lloyd Wright«.

El Mile-High no pretendía ser simplemente alto, fue la máxima expresión del sistema estructural de «raíz principal» de Wright, un mástil central de hormigón que se hundía profundamente en la tierra. Su sistema de raíz principal permitía que los pisos varíen de tamaño al tiempo que permitía abrir el interior y que el espacio fluya entre los pisos. Explicaba «¿Por qué no diseñar un edificio que sea realmente alto?… Hace mucho tiempo observé árboles después del paso de un ciclón. Los que tenían raíces primarias profundas fueron los que sobrevivieron».

El Burj Khalifa y The Illinois

Bill Baker, ingeniero estructural del Burj Khalifa de Dubai, ha estudiado el diseño de Wright a lo largo de los años: “Tenía algunas buenas ideas. Y algunas ideas que no eran tan buenas”

El sistema estructural de raíz pivotante de Wright (enterrar un mástil central en el suelo) no habría funcionado.

Baker relata que Wright trató de resolver parte de la tecnología. Sus planes se redujeron a detalles tan pequeños como pernos de anclaje. Wright también reconoció que necesitaría ayuda técnica, enumerando nombres de académicos, ingenieros estructurales e investigadores en uno de sus dibujos.

Su idea de una hipercentralización, buscaba reemplazar muchos edificios altos en un solo rascacielos superalto. Planteaba liberar el plano de tierra y liberar a las ciudades de la congestión y el hacinamiento que Wright había atacado durante décadas.

Concluye Barry Bergdoll “si era una apuesta por la posteridad, no funcionó. El plan era técnicamente inviable”

Vistas del exterior y de la sección transversal de la SC Johnson Research Tower. La base principal penetra 16,46 metros en el terreno, el núcleo central soporta
15 pisos en voladizo 

Video del 13 sep 2017. Periodista Ilona Kauremszky. Vídeo Esteban Smith. Música Kevin MacLeod. La Torre de Investigación fue la visión de Wright de un complemento vertical al Edificio de Administración. Inaugurada en 1950, la Torre de Investigación es una de las estructuras más altas jamás construidas sobre el principio de voladizo.

Entre 1950 y 1982, la Torre fue el espacio principal de los científicos de investigación y desarrollo de la compañía, quienes, en los 10 años posteriores a su apertura, desarrollaron e introdujeron varios de sus productos mas famosos en todo el mundo,  Raid 1955, Glade 1956, OFF! 1957 y Pledge 1958.

https://youtu.be/m1CkuXYizQc

Torre Price en Bartlesville

Ya había utilizado este sistema estructural en 1950 en la torre de investigación SC Johnson de 15 pisos en Racine, Wisconsin. Allí, alternó pisos cuadrados y redondos que se extienden como ramas de árboles desde un núcleo de hormigón armado. 

Debido al cambio en los códigos de seguridad contra incendios y la impracticabilidad de modernizar el edificio para cumplir con los requisitos del código actual, SC Johnson no ha utilizado la Torre de investigación desde 1982. Sin embargo, restauraron el edificio en 2013 y es visitable.

Vista exterior del Golden Beacon. La sección transversal muestra los cimientos principales, el núcleo central y los pisos en voladizo

Wright utiliza también esta solución en la Torre Price en Bartlesville (1952-1956), tiene 19 pisos y 67,4 metros de altura, es una evolución del diseño de Wright de 1927 para el proyecto St. Mark’s Tower.

Wright lo apodó «el árbol que escapó del bosque abarrotado», en referencia a la construcción en voladizo del edificio y el origen de su diseño en un proyecto para la ciudad de Nueva York.

La Price Tower también ha sido llamado el «rascacielos de la pradera. (Se puede visitar https://www.pricetower.org/tour/)

Vista exterior del Faro Dorado
«Golden Beacon». Fuente:
Fundación Frank Lloyd Wright

Wright al lado de su maqueta de
St. Marks´ in the Bouwerie en el Instituto de
Arte de Chicago, el 24 de septiembre1930

En 1919 habia diseñado un grupo de cuatro torres en Nueva York. Su diseño presentaba una innovadora estructura de «raíz principal», con los pisos en voladizo sobre un núcleo vertical.

La exposición itinerante «The Show» se exhibió en el Art Institute of Chicago, desde el 25 de septiembre al 12 de octubre de 1930. «The Show» luego de Nueva York se exhibió en Chicago, Eugene, Oregón; Seattle, Washington y en varias ciudades europeas.

En la Galería Layton de Milwaukee se exhibíeron 600 fotografías, 1000 dibujos y cuatro maquetas (tres de las cuales eran la Residencia Richard Lloyd Jones, la Gasolinera y las Torres St. Marks-in-the-Bouwerie).

Además del núcleo central para soportar las cargas muertas del edificio, “The Illinois” también incorporó una estructura de trípode de acero tensado externo para resistir las cargas de viento externas y otras cargas de flexión (terremotos), distribuyendo esas cargas a través de la estructura de acero integral del trípode, resistiendo oscilaciones.

Maqueta en el MoMA

En su libro, “Testamento”, Wright declaró: “Finalmente, en toda esta estructura tensada liviana, debido al carácter integral de todos los miembros, las cargas están en equilibrio en todos los puntos, eliminando las oscilaciones. No habrá influencia en la cima de “The Illinois””. (5)

El video corto de 1:31 minutos de 2012 de Charles Muench, “A Peaceful Day in BroadAcre City – One Mile High – Frank Lloyd Wright” muestra el rascacielos de Illinois en el espacioso entorno de Broadacre City y muestra una secuencia de construcción animada del torre. Realisación Viviane El Haddad, Charles Denis
Architecture Trailer TU München 2012.

Exposición en el MoMA

Wright explicó que el edificio (y los ascensores) tenían «energía atómica» aunque no había una planta de energía autónoma en el edificio.

El Empire State Building, mucho mas pequeño tiene una demanda eléctrica máxima de casi 10 megavatios (MW) después de implementar medidas de conservación de energía, en comparación “The Illinois” podía haber tenido juna demanda de 70 megavatios MW.

El Illinois estaba pensado para ser construido en un entorno espacioso como Broadacre City, en lugar del centro de una gran ciudad congestionada y adyacente a otros rascacielos. 

El rascacielos de Illinois como parte del paisaje de mediados de la década de 1950 para su concepto de planificación urbana conocido como Broadacre City

Desde la muerte de Wright en 1959, sus archivos han estado bajo el cuidado de la Fundación Frank Lloyd Wright ( https://franklloydwright.org/frank-lloyd-wright/ ) y en las casas/escuelas de arquitectura de Wright en Taliesin en Spring Green, WI. y Taliesin West, cerca de Scottsdale, AZ.

En septiembre de 2012, Mary Louise Schumacher (6) escribiendo para el Milwaukee Sentinel Journal, informó que la Universidad de Columbia y el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Manhattan habían adquirido conjuntamente los archivos de Frank Lloyd Wright, que consisten en dibujos arquitectónicos, maquetas a gran escala, fotografías históricas, manuscritos, cartas y otros documentos

http://archive.jsonline.com/newswatch/168457936.html

La Biblioteca Avery de Arquitectura y Bellas Artes de la Universidad de Columbia ( https://library.columbia.edu/libraries/avery/da.html ) guardará todos los archivos en papel de Wright, así como las cintas de entrevistas, las transcripciones y las películas. MoMA agregará las maquetas a su colección permanente.

La Fundación Frank Lloyd Wright retendrá todas las responsabilidades de derechos de autor y propiedad intelectual de los archivos, y las tres organizaciones esperan ver los archivos en internet en el futuro.

«La ciudad de gran acrev(4.046 m2), donde cada familia tendrá al menos un acre de tierra, es el inevitable municipio del futuro … Vivimos ahora en ciudades del pasado, esclavos de la máquina y de la construcción tradicional… Nosotros no podemos resolver nuestros problemas de vida y transporte escondiéndonos debajo o trepando por encima, ¿y por qué deberíamos hacerlo? Nos dispersaremos y, al hacerlo, transformaremos nuestros sitios de habitación humana en lugares que permitan la belleza del diseño y el paisaje, el saneamiento y el aire fresco, la privacidad y la patios de recreo y un terreno para criar cosas». Wright

Broadacre City fue un concepto trabajado continuamente por Wright. Escribió mucho al respecto (“La ciudad que desaparece» , 1932), realizó dibujos y maquetas. 

Broadacre es la antítesis de una ciudad porque pretende ser una crítica a las ciudades industriales. De hecho, esta utopía utiliza las posibilidades que permiten los automóviles, ¿o los helicópteros? – y tecnologías de la comunicación para fusionar la naturaleza con la calidad de vida urbana. Increíblemente, lo que los críticos de Wright veían como una utopía, hoy es una realidad: inmensas autopistas que conectan ‘casas de campo’ con servicios dispersos, comercio, instalaciones deportivas y oficinas. Al igual que las ciudades jardín de Howard, Broadacre quiere ser una unidad rural y descentralizada que pueda replicarse infinitamente.

¿Habrá alguna vez un rascacielos de una milla de altura?. Stefan Al explica como las megaestructuras se convirtieron en el skyline de nuestras ciudades. Dirigida por TED y narrada por Addison Anderson.

https://www.ted.com/talks/stefan_al_will_there_ever_be_a_mile_high_skyscraper/transcript?language=en

Notas

1

Rogers Park fue la primera de las 77 áreas comunitarias de Chicago. A 14 km del Loop, el distrito comercial central de la ciudad, esta en el extremo norte a orillas del lago Michigan. Un barrio conocido por su diversidad cultural, espacios verdes, teatros, bares, restaurantes, playas y una arquitectura de principios del siglo XX.

2

Blair Kamin fue crítico de arquitectura del Chicago Tribune, durante 28 años, desde 1992 hasta 2021, anteriormente trabajó para The Des Moines Register. Es editor colaborador en la revista Architectural Record. Ganó el Premio Pulitzer de Crítica en 1999 por sus artículos sobre los problemas y los espacios públicos en Chicago y su lago. Ha recibido mas de 45 premios, es autor de varios libros, ha dado numerosas conferencias y participado en espacios de radio y TV. Se ha desempeñado como crítico invitado en escuelas de arquitectura, incluida la Escuela de Graduados en Diseño de la Universidad de Harvard .

Kamin se graduó en el Amherst College, donde en 1979 recibió una Licenciatura en Artes con honores, y de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, donde realizó en 1984 un Master en Diseño Ambiental.

3

Barry Bergdoll (1955) es profesor de historia del arte en el Departamento de Historia del Arte y Arqueología de la Universidad de Columbia y desde el 2007 al 2019 fue curador en el Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde de 2007 a 2013 se desempeñó como conservador jefe de arquitectura y diseño de Philip Johnson . Se desempeña, desde 2018, como presidente de la Junta del Centro de Arquitectura de la ciudad de Nueva York y desde 2019 miembro del jurado del Premio Pritzker de Arquitectura . 

4

El 12 de junio de 2017, el MoMA inauguró su exhibición, «Frank Lloyd Wright at 150: Unpacking the Archive», que estuvo abierta hasta el 1 de octubre de 2017.

https ://www.moma.org/calendar/exhibiciones/1660

5

El Grupo Lyncean de San Diego (Lynceans) está formado por profesionales técnicos jubilados y semi-jubilados que se reúnen regularmente para discutir temas relacionados con la ciencia y la tecnología, aprender unos de otros, compartir pensamientos e ideas y disfrutar de un interés mutuo en ciencia, tecnología y áreas afines. La información fue actualizada el 9 de mayo de 2020 por Pedro Lobner

6

Mary Louise Schumacher, becaria «Nieman de Arts & Culture 2017», es periodista y crítica independiente. Actualmente está trabajando en un documental sobre críticos de arte en medio de la transformación tecnológica y cultural. Fue crítica de arte y arquitectura en el Milwaukee Journal Sentinel hasta febrero de 2019, donde cubrió la sección cultural para el periódico Midwestern durante 18 años.

Continua en el articulo http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Carlo Scarpa 2. El dibujo como lenguaje

1er parte http://onlybook.es/blog/carlo-scarpa-1-la-arquitectura-de-la-historia/

Cuando comencé a escribir este artículo, lo hice para profundizar en la Tumba Brion, no solo porque al descubrir su espacio y riqueza de metáforas me abrió los ojos a una dimensión de detalles de filigrana sino porque creo que como pasa en otras pocas obras, es un referente de nuestras aspiraciones últimas (o primeras) en nuestra profesión.

Es difícil analizarla fuera del contexto de la obra general de Carlo Scarpa, por eso estos textos, referencias y contextos para presentar su figura mas allá de la Tumba Brion. El resultado, me ha resultado revelador y de una gran enseñanza en el campo de la arquitectura.

Allá voy

En 1971 elabora un proyecto de reestructuración para el castillo de Brescia, para adaptarlo como Museo de Armas; Diseño de la tienda «Buonpensieri» en Bolonia; Casa Roth en Asolo (Treviso) 1971/72. Por encargo de su amigo Aldo Businaro, proyecta la rehabilitación de la Villa Palazzetto, en Monselice, Padua 1971/78. (nota 1)

En 1972 es nombrado director de la IUAV, cargo que había ocupado durante dos años como sustituto; Con Padoan, Magagnato, Cevese y Pozza, forma parte de una Comisión para la Protección del Teatro Olímpico de Vicenza; Exposición “Le Corbusier, Wright, Kahn y Noguchi” en la XXXVI Bienal de Venecia; Exposición «Obras maestras de la pintura del siglo XX 1900-1945”, en el Ala Napoleónica; Proyecto de la casa LUPI en Vicenza; Diseña las mesas Valmarana y Quatuor para la empresa Simon Internacional; Reordenación de la Galería Franchetti en Ca d’Oro Venecia 1972/73.

En 1973 es nombrado Académico en “Literatura y las Artes” por la Academia Olímpica de Vicenza; Diseño y almacén de los libros de visitas de la Fundación Querini Stampalia en Venecia; Restaurante Fini en Módena; Renovación de la planta alta del Museo de Villa Strozzi de Florencia; Exposición en Venecia de “Le Corbusier”; Exposición “Purista a la Napoleónica y el “proyecto de Pessac” en la  Fundación Querini Stampalia en Venecia; Asesoramiento para la exposición “Tancredi en Rotonda di Vía Besana” en Milán; Mesa Orseolo; Ampliación de la sede de la Banca Popolare di Verona e Novara 1973/78 y 1981.

Somos un paisaje de todo lo que hemos visto Isamu Noguchi

En 1974 realiza el estudio para la nueva sede de la Galería Nacional de Arte en Messina con el arq. Roberto Calandra (1915 – 2015); Museo de Castelvecchio en Verona; Exposiciones “Venecia y Bizancio” en el Palacio Ducal de Venecia y “Gino de Rossi” en Ca Noal en Treviso; Exposiciones personales: “Carlo Scarpa” en la Galería Heinz en Londres organizada por el RIBA y “Domus Conestabilis” en la Basílica Palladiana en Vicenza; Diseño del sofá y sillón para Cornaro Internacional Simón y Biblioteca Infantil para la empresa de mobiliario Bernini, empresa con la que comienza a trabajar; Estudios para la adaptación del convento de Santa Caterina en El Museo de Treviso 1974/75; Ampliación de la villa Matteazzi-Iglesia en Ponte Alto en Vicenza; Monumento a las víctimas de la masacre de la Piazza della Loggia en Brescia, de la que solo se realiza el monolito conmemorativo en 1977; Apartamentos en Vicenza 1974/79; Villa Ottolenghi, Bardolino en Verona 1974/78.

Museo de Castelvecchio

En 1975 fue nombrado miembro honorario de la Fundación Pierre Chareau de París; Propone organizar el Gran Salón de la IUAV de Venecia; Asesora la reorganización de la tienda «Diseño de Interiores Club de Florencia”; Exposición “Carlo Scarpa” en el París de L ‘Environnement, Institut; Exposición “Giuseppe Samona 50 años de arquitectura” en el Palazzo Grassi, Venecia; Tres casas para viviendas en Quero (Belluno) y el diseño de la casa de Pesaro Urbino 1975/76; Plan de conservación de los hallazgos arqueológicos delante de la catedral romana de Feltre (Belluno) 1975/78.

1976

Miembro de la Accademia di San Luca en Roma; Profesor en el IUAV 1976/77; Concurso para la adaptación del Hôtel Salé Nacional Museo Picasso de París; Edificio en Lugo, Ravenna; Tienda Lily en Palermo; Muebles “1934” para la empresa Bernini; Edificio Funerario Galli en el cementerio Comunal de Nervi Sant’ Ilario en Genova; Sede del Banco en Monselice en Rovigo; Oficinas de la región del Véneto; Palacio Real de Procuratie Nuove en la Piazza San Marco en Venecia; Diseño de un nuevo portal de entrada a la Facultad de Letras y Filosofía de la Universidad de Venecia 1976/79.

Acceso de la Facultad de Arquitectura. Universidad de Venecia

1977 Conferencia en la Academia de Bellas Artes de Viena “La arquitectura puede ser la poesía”?. Reforma del Palacio Chiaromonte Steri en Museo para la Universidad de Palermo con el arq. Roberto Calandra; Estudio de la nueva entrada a la sede de IUAV; Condominio Benetton en Treviso; Iglesia de Santa Maria delle Rose en Rovigo y Tienda de muebles en Guastalla (Mantova); Aesoramiento para la explotación de los restos de una villa romana descubierta en el Palazzo Forti en Verona; Apartamento en Montecchio (Vicenza); Junto a su amigo Alberto Viani (1906 – 1989) prepara la exposición en Ca´ Pesaro en Venecia “Dibujar el Rialto”; Mesa de la biblioteca Delphi en colaboración con el arq. Marcel Breuer (1902 – 1981) para la empresa  Simón; Aparador, mesa y silla de la Scuderia de Kentucky para la empresa Bernini; Diseños de los muebles «Mobilfiorente» para Scarperia en Florencia; Edificio en Vicenza; Zoppi apartamento en la planta alta y ático del edificio en el distrito de Pueblo Contras de Vicenza; Tienda de muebles «Alessi» en Bassano del Grappa 1977/78.

1978. La biblioteca de la Scuola Normale Superiore di Pisa; Casa en Oneglia, Imperia; Villa en Al Saaud Riad, Arabia Saudi; Sede de la Banca Popolare di Gemona en Udine con el arq. Luciano Germin; Altar Mayor y solado de la Chiesa del Torresino, Padua; Tumba de la familia Gallo en el cementerio de San Hilario Alto en Nervi; Exposición en Madrid “Carlo Scarpa”; Exposición “Mario Cavaglieri” en la  Academia de Concordi de Rovigo; Producción de cubiertos de plata Arcade para Cleto Munari.

En una conferencia dictada en Madrid en el verano de 1978 dijo:

“…Quiero confesar, me gustaría que un crítico descubriese en mis trabajos ciertas intenciones e ideas que siempre he tenido. Es decir, un enorme deseo y voluntad de estar dentro de la tradición, pero sin hacer capiteles o columnas, porque ya no se pueden hacer. Ni siquiera un dios inventaría hoy una base ática…”Carlo Scarpa

En 1978 recibió un Doctorado Honoris Causa en Arquitectura por el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, poniendo así fin al debate sobre la legitimidad de sus actividades.

Lamentablemente no pudo asistir a la ceremonia porque murió el 28 de noviembre en Sendai en Japón debido a un accidente: Scarpa durante un paseo en un centro comercial vio un escalón de mármol italiano trabajado de forma particular, se acerca para observarlo mejor pero tropezó accidentalmente y cayó de la escalera mecánica.

Murió más tarde en el hospital por las consecuencias del golpe en la cabeza. De acuerdo a su última voluntad, fue enterrado en el cementerio de la Familia Brion en San Vito d’Altivole en Treviso. Su tumba la diseña su hijo Tobía, su hijo.

Tumba de Carlo Scarpa realizada por Tobia Scarpa


Intervención (en italiano) de Tobia Scarpa, hijo del arquitecto, el 28 de Noviembre de 2018.

1978

Carlo Scarpa. Proyectos para el Teatro
8 de junio – 21 de noviembre de 2009
Centro Carlo Scarpa Archivio di Stato Treviso. Vía Pietro di Dante 11.

Se presentaron los proyectos para edificios teatrales elaborados por Carlo Scarpa entre finales de los años veinte y 1970 y que nunca fueron realizados. Promovida por el Ministerio de bienes y actividades culturales, la Dirección General PARC y el Comité paritario para el conocimiento y la promoción del patrimonio ligado a Carlo Scarpa, Producida por el MAXXI Museo nacional de las artes del siglo XXI (Centro de archivos MAXXI arquitectura) y por el Centro Internacional de Estudios de Arquitectura Andrea Palladio.

La exposición Carlo Scarpa, Proyectos para el Teatro se visitó en Treviso con ocasión de la 53ª Exposición internacional de arte de Venecia.

Comisario Vitale Zanchettin 

Se presenta por primera vez al público los proyectos para edificios teatrales elaborados por Carlo Scarpa entre finales de los años veinte y 1970 y que nunca fueron realizados: el Proyecto para un Teatro Social de 1927, la Ordenación del Teatro Rossini en Venecia de 1937, los Proyectos del Teatro Carlo Felice en Génova de 1963 y del Teatro Municipal en Vicenza de 1970.
El teatro es concebido como síntesis vital de otros artes – música, prosa, actuación, espacio arquitectónico

Fundacion Querini Stampalia

Desde 1948, con la puesta en escena de la exposición retrospectiva de Paul Klee (1879 – 1940) comenzó una larga colaboración con la Bienal de Venecia que continuaría en mas de sesenta exposiciones de arte en salas y museos. (

Entre sus numerosos proyectos relacionados con la vivienda, el urbanismo y el paisaje en los centros históricos, podemos mencionar. (Nota 2)

Carlo Scarpa, el profesor del ritmo y la proporción.

1 Ca`Foscari. Dorsoduro (barrio) 3246.

2 Galleria dell`Accademia. Campo della Carità, Dorsoduro (barrio) 1050.

3 Negozio Olivetti. Piazza San Marco 101.

4 Fondazione Querini Stampalia. Santa Maria Formosa, Castello.

5 Sculpture garden. Giardini, Castello.

6 Pavilion of Venezuela. Giardini, Castello.

7 Ticketing booth. Giardini, Castello.

8 La Partigiana. Riva dei Sette Martiri, Castello.

1932 Local “Sfriso” en Venecia.

1935/37 y 1954/56 Ca´Foscari. Aula Magna. Venecia.


Sede de la Universidad de Venecia, restauración del Edificio, del Rectorado, las Oficinas, Aulas universitarias y el Salón de Actos Académicos. Después de veinte años de la primera actuación, Carlo Scarpa fue requerido nuevamente para transformar el Aula Magna en la actual Aula Mario Baratto.

Luego del incendio en 1983 el arquitecto Valeriano Pastor hace restauraciones según el diseño original de Carlo Scarpa.

Por analogía y analizando sus intereses en obras de otros arquitectos, podriamos decir que en su primera intervención de 1935 se nota la influencia de Le Corbusier, y en la que realiza veinte años mas tarde, la de Frank Lloyd Wright.

La reforma de Cà Foscari da sus frutos en tres reestructuraciones de museos, hasta tal punto magistrales que han determinado la evolución museológica del siglo XX

Aula Magna Ca´ Foscari 1935

1942 Casa Pelizzari, Venecia

1943/44 Tumba Capovilla, Cementerio de San Michele in Isola, Venecia

1944/46 Casa de Vittorio Bellotto, Venecia

1945/59 Gallerie dell’Accademia, Venecia

1947/48 Banca Cattolica del Veneto, Tarvisio

1950/52 Villa Angelo Bortolotto, Cervignano del Friuli. Con Angelo Masieri. Via Udine, 52, 33052 Cervignano del Friuli


Notas

1

Algunos ejemplos museísticos en los que ha participado: la Gallerie dell’Accademia de Venecia (1945-1959), la Galería Nacional de Palazzo Abatellis en Palermo en Sicilia (1953-1954), las primeras salas y el Gabinete de Dibujos y Grabados Galería Uffizi en Florencia (1953-1956), el Museo Correr de Venecia (1957-1960), esculturas de Galería Canova en Possagno (1955-1957), el Museo de Castelvecchio en Verona (1958-1974), la Fondazione Querini Stampalia en Venecia (1961-1963).
El premio Olivetti, que recibe en 1956, es otorgado por su implicación en estas áreas del Proyecto.

Para la preparación de la exposición sobre Frank Lloyd Wright, en el XII Triennale di Milano (1960), fue galardonado con el Gran Premio del Jurado Internacional y Roma, en 1962, el premio nacional-EN ARCH para la restauración y la construcción del Palazzo Abatellis.

En 1967 obtuvo el premio de la Presidencia de la República para la arquitectura. Fue nombrado miembro del RIBA (1970), la Academia Olímpica de Vicenza (1973), la Fundación Pierre Chareau de París (1975), la Accademia di San Luca en Roma (1976).4

2

Algunos ejemplos museísticos en los que ha participado: la Gallerie dell’Accademia de Venecia (1945-1959), la Galería Nacional de Palazzo Abatellis en Palermo en Sicilia (1953-1954), las primeras salas y el Gabinete de Dibujos y Grabados Galería Uffizi en Florencia (1953-1956), el Museo Correr de Venecia (1957-1960), esculturas de Galería Canova en Possagno (1955-1957), el Museo de Castelvecchio en Verona (1958-1974), la Fondazione Querini Stampalia en Venecia (1961-1963).
El premio Olivetti, que recibe en 1956, es otorgado por su implicación en estas áreas del Proyecto.

Para la preparación de la exposición sobre Frank Lloyd Wright, en el XII Triennale di Milano (1960), fue galardonado con el Gran Premio del Jurado Internacional y Roma, en 1962, el premio nacional – EN ARCH para la restauración y la construcción del Palazzo Abatellis.

En 1967 obtuvo el premio de la Presidencia de la República para la arquitectura. Fue nombrado miembro del RIBA (1970), la Academia Olímpica de Vicenza (1973), la Fundación Pierre Chareau de París (1975), la Accademia di San Luca en Roma (1976).

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Arq. Margarete Schüte-Lihotzky, “Grete”.

Margarete Schüte-Lihotzky, “Grete”

Su esencia fue su compromiso social y político. (1)

En la fundación Juan March, la arquitecta Fuensanta Nieto, concluyó su conferencia, diciendo: “…así como Grete, ayudó con su esfuerzo a las mujeres del siglo XX y XXI, nosotras debemos hacer el esfuerzo de ayudar a las mujeres sometidas para que en éste y el próximo siglo, su vida sea mucho mejor que la de hoy”. (2)

Con una calidad expositiva extraordinaria, acompañada de imágenes y videos, nos adentrarnos en la vida de Margarete Schüte-Lihotzky, conocida como “Grete”.

 Fuensanta Nieto (1957), junto a Enrique Sobejano (1957) forma parte del reconocido estudio de arquitectura: Nieto/Sobejano.

Han recibido más de 15 primeros premios, la medalla Alvar Aalto, el  premio Aga Khan, el Premio Nike de la BDA (Bund Deutscher Architekten) y el Premio Hannes Meyer. Fuensanta es codirectora de la revista Arquitectura (editada por el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid).

Margarete Schüte-Lihotzky. “Grete”

“…la arquitectura no es un estímulo estético, sino un arma eficaz en la lucha de clases”. Hannes Meyer

Grete vivió 103 años, 80 de los cuales los dedicó a su profesión.

Fue la primer mujer arquitecta en Austria.

Conocía a Oskar Kokoschka (1886-1980), trabajo con Adolf Loos, (1870-1933) de él aprendió “la forma de ver la arquitectura”.

Su defensa de la mujer se fue transformando en un activismo político, su interés principal fue la vivienda social y la sistematización y racionalización. Su interés por el equipamiento social no ha sido otro que el interés por ayudar a la mujer, mejorando su posición social.

Su padrino para entrar en 1915 en la Escuela de Artes Aplicadas, fue Gustav Klimt -a pedido de su madre-. Tuvo de profesores a Oskar Strnad (1879-1935), Henrich Tessenow (1876-1950) y Josef Hoffmann (1870-1956).

Su profesor Strnad le enseñó que “..todo milímetro cuenta, es importante y puede modificar la forma en que vivimos”. Sus estudios se desarrollaron mientras duró la 1er. Guerra mundial.

Obtuvo en 1917 el premio Max Mauthner por el “Proyecto para un centro cultural» y en 1919, el premio Lobmeyer por unas viviendas para trabajadores.

En 1918 desaparece el imperio austro-húngaro y nace la república.

Decía que la calidad de las viviendas marca la diferencia entre las clases desfavorecidas y las acomodadas.

En 1920 gana el concurso para la Construcción de pabellones en huertos parcelados en Schafberg, junto al arquitecto paisajista Alois Berger.

Adolf Loss fue director del Ministerio de la vivienda de Viena entre 1920-22,  Grete (en 1921) colaboró con él en el proyecto de la Siedlung Friedensstadt.

Fue profesora de arquitectura en Moscú, China, Estambul y la Habana.

En Berlín proyecta el conjunto de viviendas “Mietskasernen”.

En 1924 contrae la tuberculosis, (su madre no consigue sobrevivir a la enfermedad), es internada en el sanatorio antituberculoso de Grimmenstein. Durante su convalecencia  en 1925 realiza el proyecto de una ciudad-sanitaria y un “mobiliario adaptado”.

                                         Karl Marx Hof

Hizo un pormenorizado análisis de las 65.000 viviendas que se construyen en la Viena Roja. En una época de plena construcción de viviendas el arq. Karl Ehn (1884-1959) hace la Karl Marx Hof 1927/30 (hof = patio). Son 1.400 viviendas para la clase obrera desarrolladas en 1.100 mts, son viviendas de baja densidad (20%) con equipamientos sociales.

En la misma época se realizan otros conjuntos de viviendas, realizados por Behrens (1868-1940), Hoffman, Frank, Strnad y Loos.

Simultáneamente proyecta un refugio para trabajadoras de 192 viviendas.

Grete conoce al urbanista Ernst May (1886-1970). Este se queda muy impresionado de su capacidad y en 1926, ya nombrado concejal de urbanismo, le encarga tareas para la Neue Frankfurt. El lema es “Luz, aire y sol”.

La misión de Grete consistió en aunar ideas sobre la racionalización de la economía doméstica para aplicar a las diversas tipologías de viviendas que se construirían en Fankfurt am Main.

Entre sus primeras mejoras, figura la separación de áreas como la antigua cocina-lavadero.

En la ciudad de Frankfurt am Main. Son 15.000 viviendas, que equivalen al 90 % de las viviendas edificadas en esa ciudad en ese período.

Es  una época de reconstrucción, Alemania queda muy destruida después de la guerra. Entre 1922/24 se realizan grandes construcciones de viviendas.

En 1926 escribe varios artículos en la revista fundada por Ernst May “El nuevo Frankfurt”, como la cocina de Frankfurt, las cocinas para colegios y enseñanza y la vivienda para la mujer trabajadora.

 “…solo cuando la función se haya resuelto, puede comenzar el proyecto” MS-L

“La cocina de Frankfurt”, la Frankfurter Küche

 “Yo no soy una cocina: Si hubiera sabido que todos hablarían solo de ello, no habría construido nunca esa maldita cocina”. MS-L

Su primera cocina llamada de “núcleos húmedos” o “zona de aguas”, es de 2 x 2,05 mts con un pasillo o espacio de trabajo de 95 cm.

En septiembre de 1922 la expone en la «4ta. Exposición Hortícola Vienesa». La patenta aunque no se industrializa,

Ese año recibe la Medalla de Bronce de la ciudad de Viena.

Investigó tres posibilidades:

La cocina-estancia con cocina-lavadero.

La cocina-comedor.

La cocina-trabajo.

Consideraba que si se concentraba las actividades en un  solo espacio se ahorraba energía para la calefacción y se fomentaba la comunicación familiar.

Su idea de cocina-comedor trataba de evitar la segregación de la mujer del resto de la familia. En Weissenhoff en 1926, que diseñó Lilly Reich (1885-1947) expone su “cocina de Frankfurt” de 6,50 m2.

Las mujeres trabajaban en la casa, en el llamado “trabajo doméstico”. Grete no cuestionaba ese trabajo, pero estudio la manera que pudieran hacerlo de una forma más eficiente, al tiempo que deseaba que se éste se reconozca como una profesión.

Para ello estudia la altura de los muebles y su distribución, ahora la mujer  moderna puede trabajar sentada, tiene el almacenamiento de comida a mano, y puede tirar la basura a cubos más cercanos a su tarea.

Con un acceso al agua más fácil y práctico. Estudió recorridos más fáciles, cortos y más eficientes

Incorporó un taburete que puede subir o bajar el asiento.

Le puso un color azul verdoso, en un estudio que realizara llegó a la conclusión que ese color no atrae las moscas.

Realiza cajoneras metálicas, donde no van los insectos de la madera.

Es un proceso de estandarización y de homogenización.

Es la 1era vez que se planteaban esos temas, han pasaron 100 años y se sigue el mismo o similar esquema.

En la exposición la nueva vivienda y su diseño interior la nueva cocina obtuvo su mayor publicidad y conocimiento social.

Feria de Frankfurt de 1929

Su difusión permitió que otros países como Francia incluyeran su modelo de cocina en 260.000 viviendas. Frankfurt en 10.000 hogares, Moscú, etc.

Podría ser comparable a su diseño de cocina (por la sistematización), la “Dymaxon” de Buckmister Fuller (1895-1983).

En 1924 la comunidad vienesa encarga a la Asociación Hortícola Austríaca, construir un gran bloque de viviendas obreras, se ocupan los propios arquitectos de la Asociación  Grete Schüte- Lihotzky y Franz Schuster (1892-1972), junto a ellos los  arquitectos modernos:

Peter Behrens, Josef Frank, Josef Hoffmann, Adolf Loos, Oskar Strnad, Oskar Wlacgh (1881-1963)

En 1926, a raíz de un concurso que realizo (y no ganó), estudio la cocina en los trenes, le interesaba saber cómo en un lugar tan acotado se preparaba comida para 100 personas.

Durante la conferencia Fuensanta pasa un video de la cocina de Grete, la misma que luego se construyó en 10.000 viviendas.

                                    Charlotte Perriand

La arquitecta Charlotte Perriand (1903-1999) también diseña una cocina que luego instala en una unidad habitacional de Le Corbusier. Así como las cocinas de las case study, se puede hacer una visión conjunta de las cocinas de MS-L, Perriand y Case Study.

“..Nunca antes había cocinado, no se cocinar, lo he diseñado como arquitecta…” MS-L

Con la habilidad que su gran humor le permitía, pudo incorporar en proyectos que eran solo accesibles a hombres, sus ideas, y pudo reinventar el equipamiento social.

Entre sus diseños figura una escuela en 1929 para enseñar a cocinar, con una profesora en un lugar central y un semicírculo de estudiantes, con sus mesadas y cocinas.

Desarrolló un equipamiento y programas específicos para mujeres, como un Kindergarten en Praunheim (que no llegó a construirse) pero si el modelo, que fue repetido en otros diseños de viviendas, sus proyectos decía, respondía a las indicaciones de Maria Montessori (1870-1952. (3)

                  Siedlung Römestadt

En 1929, participan Grette y Eugen Kaufmann (1892-1984) del segundo congreso del CIAM. (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna), celebrado en Frankfurt, donde presentan un proyecto para viviendas en hilera. Hay un contencioso entre los estándares mínimos que presentaba  Ernst May (1886-1970) y los de “existencia máxima” de Le Corbusier, en ese congreso.

Cuando se traslada a Moscú con su marido, se hacen cargo de equipos que están proyectando viviendas para 200.000 trabajadoras. Cuando dejan el proyecto en 1933 se trasladan de Rusia a China y Japón.

En China la invitan a quedarse para desarrollar sus proyectos de kindergarten, y su tarea consistió en normalizar el mobiliario de las guarderías.

      Bruno Taut: Onkel-Toms-Hütte, Wilskistrasse, Berlin

Conocen al arq. Bruno Taut (1880-1938) cuando éste estaba exiliado en Japón.

              Grete con Taut y Bruno en Japón

Cuando Taut se traslada a Estambul, llama a Grete y su marido. Grete dará clases de arquitectura durante 2 años.

Siempre fue una activista política, cuando decide unirse al partido comunista deja la seguridad de Estambul, conoce al arquitecto Herbert Eichholzer (1903-1943 ejecutado por los nazis), fundador del grupo antifascista austriaco de Turquía, y junto a él viaja en las Navidades de 1940 a Viena, donde tiene contactos con el jefe de la resistencia.

Ese encuentro la acerca a la muerte cuando es detenida por la Gestapo, y piden para ella ser condenada a muerte, que luego conmutan a 15 años de cárcel.

En Mayo de 1945, con el fin de la guerra  es liberada luego de pasar 4 años y medio presa en el presidio de Aichach en Baviera.

Pero la situación de pos guerra y las dificultades de transporte y traslado no le permiten reencontrarse con su marido, entonces se traslada a Sofía, Bulgaria.

Recién en 1947 pueden  reencontrarse (1900-1968). Se habían casado en 1927 (la pareja se separa en 1951)

En Viena le resulta  muy difícil trabajar debido a su relación con el Partido comunista, al no recibir trabajos, viaja a China y a Cuba.

Ya es una activista política, aunque nunca dejo de serlo ni en su vida pública ni en su profesión.

                                           Grete en su casa

Junto a Lina Loos (Carolina Catharina Obertimpfler 1882-1950), quien fuera la primer mujer de Adolf Loos, crea la Unión de Mujeres Demócratas Austriacas.

Su compromiso con las mujeres y los marginados fue constante.

En sus últimos años de su dilatada, valiente y generosa vida ingreso en la en el Consejo de la Paz y en la Asociación de Campos de Concentración (KZ) y Resistencia.

En 1988, rechazó el prestigioso premio vienés “Titulo de Honor Austríaco de la ciencia y el Arte” al saber que lo recibiría de manos del presidente Kurt Waldheim (1918-2007), que fuera oficial del ejército nazi.

Murió 2 años más tarde, a los 103 años de una vida ejemplar.

Notas

1

Heroínas del espacio.

Mujeres arquitectas en el Movimiento Moderno. Carmen Espegel. 2007 editorial Nobuko. Textos de Arquitectura y Diseño.

Director arq. Marcelo Camerlo.

2

El ciclo de conferencias «Pioneras de la arquitectura», se realizaron en la fundación Juan March, en su sede de Castelló, 77 en Madrid, del 6 al 15 de Noviembre de 2018. «Domesticidad y Poder. Eileen Gray y E.10276» por Beatriz Colomina, arquitecta y profesora en la Universidad de Princeton, EEUU; «Lilly Reich: «El espíritu del material» por Carmen Espegel, arquitecta, estudio Espegel/Fisac y profesora en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid; «Margarete Schütte-Lihotzky» por Fuensanta Nieto, arquitecta, estudio Nieto/Sobejano y profesora en la Universidad europea de Madrid; «Charlotte Perriand: arquitecta del movimiento moderno» por Ängela García de Paredes, arquitecta, estudio Paredes/Pedrosa y profesora en la escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.

3

Maria Tecla Artemisia Montessori, más conocida como María Montessori, fue una educadora, pedagoga, científica, médica, psiquiatra, filósofa, antropóloga, bióloga, psicóloga, feminista y humanista italiana. Fue la primera mujer italiana que se graduó como doctora en Medicina.

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente
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La mujer en la Bauhaus. (De) Construyendo el amor, revista Coencuentros.

La Bauhaus ya es una visión lejana del futuro

(De) construyendo el amor.

Jugando con las palabras

Construyendo el (des) amor.

Entrando en tema

De construyendo un cierto amor, y construyendo otros.

Mi apuesta es escribir sobre el amor, sobre su construcción “partiendo de cero” (1) sobre una cierta idea de la creación y de la libertad (…y de cómo crear un mundo).

Y al mismo tiempo del desamor, de la deconstrucción en las relaciones de las parejas y entre mujeres y hombres en la Bauhaus.

Durante sus 14 años de funcionamiento, muchas parejas, formadas antes o durante los años de la Bauhaus, cimentaron las bases y el desarrollo de algo que fue mucho más que una escuela. (Fundada en 1919,  los nazis la cerraron en 1933) (2)

En su contexto, la Bauhaus era algo más que un lugar donde enseñar y aprender, era una comunidad, un movimiento espiritual, un enfoque radical de todas las formas del arte. Arriesgo poco si digo que también era un centro filosófico. (1)

Planteo:

¿Por qué personas vinculadas al arte, al diseño, a la creación, profesionales que decidieron reemprender el conocimiento (como ellos decían “partiendo de cero”), lo limitaron en sus interrelaciones?

¿Por qué su amor a la creación y al diseño, no fue simétrico en el respeto entre hombre y mujeres?

¿Por qué no hubo un reconocimiento, una lealtad al trabajo de las mujeres, y estas muchas veces debieron resignar sus logros, y dejar que fueron los o sus hombres quienes se vieran favorecidos por dicho reconocimiento?

Pero para llegar a esto, debemos comenzar hablando de qué era la Bauhaus y su contexto.

Planteo esta afirmación (que repetiré más adelante) y daré algunos ejemplos:

Las mujeres artistas que enseñaron, estudiaron e hicieron un trabajo pionero en la escuela a menudo se las recuerda en los libros de historia con el apellido de sus maridoso, peor aún, no se las recuerda en absoluto.

Bauhaus

Una visión lejana del futuro (5)

Otti Berger. Tejidos
Otti Berger. Tejidos

El año próximo, se cumplirá el centenario de la fundación de la escuela Bauhaus  (Das Staatliches Bauhaus).

Luego de terminada la primera gran guerra, Alemania necesita salir de su estado de frustración y se plantea recuperar la iniciativa en varios frentes. Por ejemplo, la educación.

Las autoridades de la ciudad de Weimar nombran a Walter Gropius director de dos escuelas de gran prestigio: la Escuela Industrial de Artes y la Escuela de Arte.

Gropius (Walter Adolph Georg Gropius, 1883-1969) decide poner en marcha un plan para fusionarlas y crear un centro de arte y diseño vinculado a la industria y el comercio. Cree que es posible la unidad del arte, la arquitectura y el diseño Tiene 32 años.

Siendo su fundador arquitecto y el significado de Bauhaus “construcción de casas”, es fácil deducir que el programa de la escuela  comenzara con un departamento de arquitectura.

No fue así. Durante varios años, la Bauhaus no enseñó arquitectura.

Pocos como Gropius amaron la arquitectura, alcanzando sus obras un gran nivel profesional que supo transmitirlo como docente.

Entonces, ¿estaría Gropius (de) construyendo su pasión, su amor por la arquitectura?

¿Parece y no es? ¿Es y no parece?

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, “construcción”, y Haus, “casa”; una pareja bien avenida, pero aparentan lo que no son.

Cuando me dijeron el título de la revista Coencuentros, estaba preparando material para unas jornadas que realizaremos en la Universidad de Buenos Aires, referidas a la Bauhaus y su significado.

Simultáneamente, había leído hacía muy poco un libro que lleva por título “Las mujeres de la Bauhaus” (3) y también  releyendo material de la campaña que llevan adelante, “Un día una arquitecta”, en el que cada día presentan a otra profesional.

Rechonchos de Eberhard Schrammen
Rechonchos de Eberhard Schrammen

Relacioné ambos temas, el de la revista Coencuentros y mi interés sobre la Bauhaus. Existía una pasión común entre docentes y alumnos en la Bauhaus que construían juntos, pero… no compartían los méritos juntos, o al menos no equitativamente. No es solo un tema de género (que también lo es), sino de cómo construían juntos un tema (el diseño) pero a costa de (de) construir otro (la lealtad al compañero o, más precisamente, a la compañera).

Me iré enterando junto con ustedes, de esta arista del amor, con varios ejemplos para hacer propia la frase de Prosper Mérimée (1803-1870) “de la historia, solo me interesan las anécdotas”.

La escuela fue cerrada, acusada de ser un nido de comunistas, un antro del llamado “arte degenerado” y “subversivo”. Ya en algún folleto de 1922 se la definía como “la catedral del socialismo”, obligando poco tiempo más tarde a Gropius a aclarar que “la Bauhaus no tenía nada que ver con partido político alguno”(2)

Era una época apta para los fundamentalismos, de enorme incertidumbre económica: en octubre de 1928, un dólar costaba 142 millones de marcos.

«Lo que resultaba más apasionante de la Bauhaus era que no había ningún sistema de enseñanza aún establecido. Esa libertad es, probablemente, algo esencial que todo estudiante debería experimentar». Anni Albers

Preguntas

Empecemos por las preguntas, en ellas muchas veces entendemos más que en las respuestas.

– ¿El amor solo estaba en el trabajo? ¿El trabajo daba alas al amor?

– ¿Mientras construían un proyecto común, (de) construían otro?

– ¿Hubo menos libertad dentro de estas parejas que fuera de ellas?, ¿o eran todas estas relaciones producto de un desamor previsible?

Es compleja, múltiple y diversa la forma en que se construye algo material (o inmaterial), pero es aún más  difícil cuando se lo (de)construye.

¿Hombres que piensan en tres dimensiones y mujeres que lo hacen en dos? ¿Mandato de género?

La Bauhaus fue ideada como un lugar abierto a “cualquier persona de buena reputación sin importar su edad ni su sexo”. Donde no habría “diferencias entre el bello sexo y el sexo fuerte”. Un ideario fantástico para una sociedad que vetaba la entrada de la mujer a ciertos campos del conocimiento, y que la limitaba a enseñanzas impartidas por tutores dentro de los límites de su hogar. Al poder inscribirse libremente en los cursos fue mayor el número de mujeres inscritas que de hombres.

La realidad fue que el sexo fuerte podía acceder al aprendizaje de la arquitectura, metal, pintura y escultura, mientras que el “bello sexo” quedaba arrinconado en otras como la tejeduría.

Paul Klee y Wassily Kandinsky
Paul Klee y Wassily Kandinsky

Gropius opinaba abiertamente que las mujeres no estaban capacitadas física y genéticamente para determinadas artes ya que pensaban en dos dimensiones, frente a sus compañeros masculinos, que sí podían hacerlo en tres.

Cuando se inauguró la escuela de artes de la Bauhaus, solicitaron su ingreso más mujeres que hombres. ¿Cómo es que hemos oído poco hablar de ellas, y si lo hemos oído, solo de algunas? (4)

 «Al igual que la arquitectura de la Bauhaus se convierte en una visión lejana del futuro, los materiales de la Bauhaus siguen siendo tan útiles, táctiles y especiales como eran cuando estas mujeres se propusieron igualar a sus pares masculinos» (5)

¡¡¡La masculina Bauhaus!!!

Las mujeres artistas tuvieron la osadía de querer demostrar su valía en un momento histórico donde los hombres eran el centro de todo y las mujeres estaban relegadas al hogar y la familia. Pensaron que, si las relegaban al telar, en cierta manera, aplacaban su faceta artística, ocupando el lugar que la sociedad reservaba para ellas.

Sillas Barcelona
Sillas Barcelona

Es ejemplar cómo un grupo de mujeres relegadas a una actividad marginal, se convirtieron, gracias a su trabajo y creatividad, en un pilar fundamental de la escuela. El producido en el taller de tejidos fue  relevante en la Bauhaus ya que la mantuvo económicamente hasta su cierre gracias a las patentes de sus diseños que adquiría la industria textil alemana.

En 1995, la Bauhaus-Archiv edita el libro “Construcciones y proyectos Bauhaus en Berlín”, de Peter Hahn, donde sólo se muestran los trabajos realizados por estudiantes y profesores de la escuela en el área metropolitana de Berlín, no aparecen planos  ni fotografías de ninguna estudiante. Tan solo se citan las biografías de Lilly Reich y Vera Meyer-Waldeck.

“Demasiadas reglas entorpecen la creatividad”. Johannes Itten (1888-1967)

Algunas de esas parejas y mujeres “Bauhaus”

Gunta Stölzl y Arieh Sharon

Gunta Stölz (1897-1983) fue alumna, profesora, maestra y directora del taller Textil de la Bauhaus. Son famosas sus tapicerías sobre los muebles creados por Marcel Breuer.”

Casada con el estudiante de origen judío Arieh Sharon, fue muy perseguida de todas las formas posibles por estudiantes de la Bauhaus de ideología nazi.

“Frau Sharon ha fracasado completamente en términos educativos, artísticos y organizativos. Stöltz es insegura y desconoce los términos y la técnica… es incapaz de distinguir la lana del algodón”. Este permanente acoso y la pintada de una esvástica en su puerta fueron los motivos de su abandono de la Bauhaus.

Mies expulsó a los estudiantes nazis provocadores (H.vonArend, Ll. Voigt y M. Reichardt) pero el alcalde del partido nazi obligó a que estos fueran readmitidos.

Stölz abandonó finalmente la Bauhaus en 1931 para trasladarse a Suiza

La remplaza Anni Albers en su puesto de directora del “Taller de Diseño de Interiores y Tejidos”, luego Otti Berger, hasta que el 5 de enero de 1932, Mies designa a Lilly Reich. 

Sila de Marcel Breuer con tapicería de Gunta Stölz (1922)

«Era esencial definir nuestro mundo imaginario, dar forma a nuestras experiencias mediante el material, el ritmo, la proporción, el color y la forma». Gunta Stölz

Lilly Reich y Mies van der Rohe

Zaida Muxi escribe:

“la diseñadora y arquitecta alemana que colaboró con Ludwig Mies van der Rohe, es conocida a raíz de este hecho, pero al mismo tiempo, se desconocen sus aportaciones ya que muchas han sido atribuidas al arquitecto”. (6)

Lilly Reich

Según Albert Pfeiffer, Vicepresidente de Diseño y Dirección de la empresa de muebles Knoll e investigador de la figura de Lilly Reich, no parece casual que el éxito de Mies esté estrechamente relacionado con el periodo en el que duró su relación personal con Reich.

«Se está convirtiendo en más que una coincidencia que la involucración y éxito de Mies en el diseño de exposiciones comience al mismo tiempo que su relación personal con Reich… Mies no ha desarrollado ningún mueble moderno de manera exitosa ni antes ni después de su colaboración con Reich»… dos de las sillas más famosas del mundo son obra de Lilly Reich: la Barcelona y la Brno».

Lilly Reich conoce en 1926 a Mies van der Rohe, cuando en la última etapa de la Bauhaus se despide a Hans Meyer (y se nombra nuevo director a Mies). (7)

Este conocedor de la valía de Lilly Reich (1885-1947) la nombra directora “Taller de Diseño de Interiores y Tejidos”, (tanto en Dessau como en Berlín). Su colaboración (profesional y sentimental) se prolongará hasta 1938, cuando Mies decide emigrar a los Estados Unidos.

Lilly queda a cargo de la familia de Mies y del estudio, cuidando más de 2000 dibujos que fueron protegidos de los bombardeos en una granja en las afueras de Berlín. Entre ellos, 900 de sus propios dibujos que hoy son archivos del MOMA. Aunque no estudió formalmente arquitectura, ejerció la profesión y trabajó junto a Mies van der Rohe en  numerosos proyectos.

En septiembre de 1938, Lilly Reich visitó a Mies en EEUU y colaboró en el proyecto del ITT de Chicago. Intentó quedarse, Mies no apoyó esa idea, y debió volver a Alemania en los peores años de la guerra.

Existió una relación afectiva y de trabajo entre Lilly Reich y Mies, paralela a la de éste con su esposa.

“La realidad es un hecho, queramos o no”. Mies van der Rohe

Gertrud Arndt y Alfred Arndt

Gertrud (fotógrafa, 1903-2000) cursó 3 años en la escuela en el área de tejeduría, y fue alumna de Paul Klee y László Moholy-Nagy, aunque su verdadera pasión era la arquitectura.

Se casó con un estudiante que fue luego maestro de la Bauhaus, el arquitecto Alfred Arndt, en 1927.

Dejan Dessau y se trasladan a Probstzella (oeste de Alemania). Poco después tendrían dos hijos y ella abandona su carrera y se dedica de pleno a cuidar de su familia

En 1929, Hanes Meyer invita a Alfred a regresar a la Bauhaus al taller de construcciones, del área de metal, carpintería y pintura. La familia Arndt regresa a Dessau, Gertrud pone un pequeño laboratorio fotográfico en un baño de su casa.

Con la llegada del profesor Walter Peterhans (1897-1960), la fotografía fue considerada una asignatura. Gertrud quiso apuntarse a su curso.

“no pudo inscribirse y se dedica de pleno a cuidar de su familia.”

En 1932, tras el cierre de la Bauhaus, deben regresar a Probstzella donde Alfred podrá nuevamente trabajar mientras Gertrud se dedica de pleno a cuidar de su familia

Otti Berger

Diseñadora textil (1898-asesinada en Auschwitz, 1944).

En 1926 realiza el Vorkus (curso preparatorio) con Lászlo Mohloy-Nagy (1895-1946) y asiste a las conferencias impartidas por Paul Klee (1879-1940) (que, por lo que he leído, eran conceptualmente muy difíciles de asimilar) y Wassily Kandinsky (1866-1944), graduándose el 22 de noviembre de 1930 en el taller textil.

Durante su tiempo en Dessau, escribió un tratado sobre telas y la metodología de la producción textil que lo guardó Walter Gropius y nunca fue publicado.

Por recomendación de Gunta Stözl asume en 1931 la dirección del taller de tejidos. En 1932, cuando el nuevo director, Mies van der Rohe, confió la dirección del Taller Textil a la diseñadora Lilly ReichBerger se convirtió en su adjunta.

En 1932 deja la Bauhaus para abrir su propio “Atelier for Textiles” en Berlín.

Perseguida por los nazis es ingresada junto a su familia en Auschwitz donde es asesinada en 1944.

«…lo que resultaba más apasionante de la Bauhaus era que no había ningún sistema de enseñanza aún establecido. Y sentías como si dependiese solo de ti».

Anni Albers y Josef Albers

Su nombre de soltera era Annieliese Fleischmann (1899-1994). Tuvo un talento tan excepcional que llevó el telar y el diseño textil a lo más alto. Conoce en la escuela a quien sería su marido el pintor Josef Albers (1888 –1976) manteniendo una relación profesional y sentimental durante más de 40 años.

Anni Albers inició su carrera en la Bauhaus con la intención de formarse en pintura, pero la política de la escuela solo le permitió entrar en el taller textil, y en 1931 sustituye a Gunta Stölzl en la dirección de dicho taller. Para su trabajo de graduación creó un tejido insonoro, reflectante y lavable (hecho principalmente de algodón y celofán). Convirtió sus tejidos y tapices (a los que llamaba colgaduras) en pinturas.

Juntos deben abandonar la Bauhaus, y en 1933 también Alemania.

Invitados por Philip Johnson, arquitecto y comisario del MOMA de Nueva York, parten a los Estados Unidos para ejercer como docentes en la recién inaugurada escuela experimental “Black Mountain College” en Carolina del Norte,

Anni recibe una gran influencia de su profesor Paul Klee que refleja en sus telas: “Observaba lo que él hacía con una línea, un punto o un trazo del pincel, e intenté en cierta medida encontrar mi propia dirección a través de mi propio material y mi propia disciplina artística”, (1968).

De forma más reducida, mencionaré a otras mujeres de la Bauhaus para homenajearlas como reconocimiento a su valor y esfuerzo.

Marianne Brandt

Marianne-Brandt
Marianne-Brandt
Lámpara "KANDEM", 702
Lámpara “KANDEM”, 702

Pintora, escultora, ingeniera, diseñadora industrial y fotógrafa (1893-1983).

Ingresó en la Bauhaus en 1923 y, como a Anni Albers, se le negó el acceso a los talleres de pintura y debió resignarse al taller textil a cargo de Gunta Stölz. Pero su perseverancia le permitió ser aceptada por László Moholy-Nagy en el “Taller de Metales” y terminó sustituyéndolo como directora del taller en 1928, siendo la primera mujer en conseguirlo.Marianne-Brandt. tetera

Son famosos sus diseños como su famoso juego de café MT50-55a (1924), ceniceros, la mítica tetera MT49 y la conocidísima lámpara Kandem 702. Sus diseños son un referente de lo mejor producido en la Bauhaus.

Marianne – Brandt. Tetera

Alma siedhoff-Buscher

Los juguetes de la Bauhaus

Diseñadora de juguetes (1899-  murió en un bombardeo en Buchschlag en 1944).

Le debemos a Alma el haber tomado en serio el diseño de juguetes “claros, no desconcertantes”, y de “proporciones armónicas dentro de lo posible”. (8)

“Haus am Horn”

Entre el 15 de agosto y el 30 de septiembre de 1923, más de 15.000 personas visitan la exposición “Arte y técnica: una nueva unidad”. La Bauhaus la organiza para mostrar lo que se hacía en la escuela y para conseguir fondos. Se construyó una casa experimental, la “Haus am Horn”. En ella participaron varias mujeres de diferentes talleres, entre ellas Alma Siedhoff-Buscher y Benita Otte, Si buscamos en Internet no encontraremos ni una mención a ellas.

En  Wikipedia leemos “…fue diseñada por Georg Muche, un pintor y profesor en la Bauhaus. Otros profesores de la Bauhaus, como Adolf Meyer y Walter Gropius, colaboraron con los aspectos técnicos del diseño de la casa…”

Benita Otte fue obligada a dejar su cargo en la Bauhaus.

Hermine Luise Scheper- Berkenkamp (Lou), alumna del taller de pintura mural, se casó con su compañero de estudios Hinnerk Scheper (1897-1957).

Él fue profesor de la escuela y ella se dedicó a ayudarle al tiempo que ejercía de pintora e ilustradora de libros para niños. Scheper muere prematuramente en 1957, y Lou se hace cargo del estudio y sus obras. Fue responsable del diseño de color del último proyecto de Otto Bartning (un hogar infantil en Berlín), la Filarmónica de Hans Scharoun, el Museo Egipcio, varios edificios de Walter Gropius en los distritos de Berlín: Britz, Buckow y Rudow, así como el edificio del Aeropuerto de Berlín-Tegel.

Lotte Stam-Beese (1903-1988), arquitecta y urbanista, se formó en la Bauhaus entre 1926 y 1929.

Fruto de la tormentosa relación que mantuvo con Hannes Meyer fue el nacimiento de su hijo Peter. El hecho de que Meyer fuera un hombre casado obligó a Lotte a abandonar la Bauhaus, cosa que oficialmente haría “de manera voluntaria”.

Esa relación se mantuvo hasta 1932.

Fue la primera mujer en estudiar arquitectura teniendo de profesores a Hannes Meyer y a Hans Wittwer.

En el estudio Meyer/Wittwer trabajó en grandes proyectos (sanatorio en Harzgerode y un complejo educativo en Bernau (premiado y construido), entre muchos otros.

Marguerite Friedlaender-Wildenhain, ceramista. Alcanzó gran éxito en los EE.UU. con su cerámica “Pond Hall”.

Ilse Fehling, escultora y diseñadora escénica.

Marianne Dicker, Ilse Fehling, Gertrud Grunow, Florence Henri, Grete Heymann-Loebenstein, Lucia Moholy, Grete Stern, Marta Erps. Kalt Both, Ruth Hollos-Consemüller,

Iguales pero  no tanto:

Bajo la dirección de la joven Gunta Stöltz, se produjeron grandes cambios como la aceptación de Gropius a que las alumnas: “…Tras un último examen… si la candidata está capacitada y siente inclinación a ello… podrá considerarse su incorporación al taller de arquitectura”.

En 1932, una revista alemana manifestaba “La relación entre maestros y alumnos es absolutamente distendida, de igual a igual. No hace falta decir que las mujeres gozan de los mismos derechos en todos los aspectos” (9). Sin embargo, la realidad era mucho más dura, y dentro de la Bauhaus… la situación interna presentaba muchas contradicciones.

(Tomo esta cita de uno de los libros más exquisitos que hemos distribuido en España y Latinoamérica a través de mi editorial y distribuidora ASPPAN y Onlybook.  Conocí de cerca la producción del mismo, tanto por mi relación personal y de amistad de más de 27 años con Ludwig Könemann, como con uno de los editores, Peter Feierabend, con quien hemos tenido interesantísimas charlas en varios países de Europa y Latinoamérica. Recuerdo especialmente una en San Pablo. Brasil.

“…durante la crisis económica, a principios de los años ´30… se les pedía a las mujeres que dejaran su trabajo para darles un sitio a los hombres… pero los ataques contra la mujer moderna iban mucho más allá del terreno económico. (10)

Comencé este artículo escribiendo un juego de palabras, que reitero al final del mismo.

La Bauhaus una visión lejana del futuro

(De) construyendo el amor.

Construyendo el (des) amor.

Notas

Silla BRNO en la casa Farnsworth
Silla BRNO en la casa Farnsworth

1. En el concepto “Bauhausiano”, partir de cero era ni más ni menos que volver a crear el mundo. ¿Quién teme al Bauhaus feroz? Tom Wolfe, prólogo de Oscar Tusquets Blanca. Anagrama.1981

2. Los nazis avanzaban proporcionalmente al avance de la crisis económica que dejara desempleados a más de 6 millones de trabajadores en 1932. Ven a la Bauhaus como generadora de un arte degenerado, un arte bolchevique, judío y anti alemán.

3. “Las mujeres de la Bauhaus: de lo bidimensional al espacio total”. Josenia Hervás y Heras. Tesis doctoral 2014. ETS Arquitectura (UPM) Diseño Editorial. 2015. Librería Técnica CP67

4. Mujeres Bauhaus (“Bauhaus women”) de Ulrike Müller.

5. Jonathan Glancey. Crítico de arte y diseño en el diario británico The Guardian.

7. Ludwig Mies van der Rohe & Lilly Reich. Furniture and Interiors”. Editorial Hatje Cants, Ostfildern 2006. Pag 233

9. “Bauhaus”. Editorial Koenemann. Editores Jeannine Fiedler y Peter Feierabend. Barcelona 2000. Pag. 473/4 cita recogida por Frityz Schiff “Bauhaus Dessau”suplemento ilustrado, 1932 pág. 9

10. “La Alemania de Weimar, presagio y tragedia” Eric D. Weltz. Turner publicaciones SL. Madrid 2009. Pág. 380/1

Hugo A. Kliczkowski Juritz

Arquitecto, ha obtenido varios premios y menciones en concursos nacionales de arquitectura.

Entre ellos el premio DINERS de la Bienal de Buenos Aires.

Antiguo director de Le Monde diplomatique en español.

Fue profesor adjunto de diseño en la Universidad de Bs Aires.

Fue director del programa de radio “urbanidad” en Radio Splendid.

Cofundador de las revistas Ambiente, Espacios CEPA y Casa Internacional

Editor de libros de arte y arquitectura (editorial HK y Asppan). Editó más de 600 libros, traducidos a 14 idiomas, y coeditado más de 300 títulos con importantes grupos editoriales de todo el mundo. Varios de ellos obtuvieron 10 premios editoriales y han sido incluidos en exposiciones.

Hugoklico.blogspot.com

Onlybook.es/blog

Sigue leyendo La mujer en la Bauhaus. (De) Construyendo el amor, revista Coencuentros.

Arq. Eduardo Le Monnier, un Icono en el puerto de Bs As por HaKj

Un ícono en el Puerto de Buenos Aires. arq Eduardo le Monnier

Como una escultura posada en el río 

por Hugo A. Kliczkowski Juritz

Hubo una época en que los arquitectos de otros países podían fácilmente convalidar sus títulos universitarios y trabajar en una ciudad (y un país) que valoraba enormemente sus proyectos, la burguesía nacional los esperaban para establecer con ellos una conexión de proximidad y así de/mostrar su pertenencia social, adoptando sus valores estético-simbólicos, en la arquitectura y en el mobiliario como signos de refinamiento. (Nota 1)

Entre esos profesionales hubo muchos arquitectos franceses que nos dejaron sus proyectos, como el que capta nuestra atención cuando se entra al puerto, es una silueta sugerente con un lenguaje arquitectónico que nos retrotrae a la secesión Vienesa.

Es el Yatch Club Argentino, del arquitecto Eduardo Le Monnier, ubicado en uno de los accesos a Buenos Aires.

Edouard Stanislas Louis Le Monnier, o simplificándolo como él lo americanizó Eduardo Le Monier, se forma en la Escuela Nacional de Artes Decorativas, una institución que colaboró intensamente en el desarrollo del Art Decó, en los años 20 a 30. (Nota 2)

La escuela poseía (y posee) un enorme prestigio.Entre sus alumnos podemos mencionar al arquitecto Hector Guimard (1867~1942) representante principal del Art Nouveau, Fernand Léger (1881~1955) destacado pintor cubista de la primera mitad del siglo XX, al pintor Francis-Marie Martínez Picabia (1879~1953), y quisiera agregar a Rébecca Dautremer (1971) quien ha estudiado en la misma escuela, aunque un siglo más tarde. Les recomiendo especialmente el maravilloso libro “Pequeño Teatro de Rebecca”  https://youtu.be/1hiJVA5yDHQ  editado en español por la editorial Edelvives. Su último libro Une bible, de Philippe Lechermeier, editado por Gautier-Languereau en 2014, es una proeza de ilustración. Esta editorial fue fundada en 1859, 14 años antes del nacimiento de Le Monnier.

Le Monnier, nace en Paris en 1873 desde donde se traslada a Brasil, luego a Uruguay (siendo unos de los pioneros en proyectar viviendas en lo que más tarde se llamaría Punta del Este) y llega finalmente en 1896 a Buenos Aires con 23 años.

Cambios en Buenos Aires

Durante la intendencia de Torcuato de Alvear se operan grandes cambios en la ciudad (entre 1880 y 1883 fue Presidente de la Comisión Municipal de la Ciudad de Buenos Aires, y es designado por el presidente Julio Argentino Roca como primer Intendente municipal para el periodo 1883 y 1887), como parte de los cambios se demuelen la vieja recova (construida en 1802 para la venta de carne, verduras y frutas) para conformar la Plaza de Mayo,  también la Aduana, y el primer Teatro Colón.

Existe una preocupación por arquitecturizar el espacio público, como urbanísticamente lo hizo el barón Georges-Eugène Haussmann (1809~1891) en Paris en 1852 por encargo de Napoleón III Bonaparte (1808~1873).

En Buenos Aires de la mano del arquitecto Juan Antonio Buschiazzo(1845~1917)  se diseña la Avenida de Mayo, un eje que conectará la casa de gobierno (la casa rosada) con el Congreso de la Nación y que funcionara como un boulevard central este-oeste. El viejo Fuerte de Buenos Aires se convierte en la Casa de Gobierno (con la construcción del arco monumental que une las dos construcciones existentes). Se anexiona a la ciudad las antiguas quintas de Belgrano y Flores, se construyen obras residenciales e institucionales a gran escala, barrios obreros, edificios para la educación y la salud, así como obras portuarias y tranviarias, que cambiarían en forma definitiva la fisonomía de la ciudad de Buenos Aires.

La sociedad argentina está en pleno esplendor, con una creciente producción agropecuaria y aumento de sus exportaciones, una enorme afluencia inmigratoria y una sed de aplicar modelos urbanos y arquitectónicos especialmente franceses (hay una fascinación  por la moda parisina especialmente a partir del reinado de Napoleón III entre 1852 y 1870) siguiendo los cánones dictados por la Ecole de Beaux Arts, donde predominaban criterios esteticistas de la composición arquitectónica (como las normas de la simetría axial, de la fragmentación de las partes y la “composición” del todo).

Lenta pero inexorablemente los conceptos del clasicismo comienzan a teñirse de eclecticismo, mostrando un proceso de “decadencia” que hace que lentamente se abandonen sus anteriores normas rígidas. Lo que permanece es el esfuerzo –no solo arquitectónico- de dar apariencia de “vida europea”, a ciertos sectores sociales en Buenos Aires.

Llegan los franceses!! 

Arquitectos franceses como Pablo (Paul E.) Pater (Dijon 1879~Buenos Aires

1966), u otros como René Sergent (1865~1927) que a pesar de la enorme cantidad de proyectos que realizó nunca estuvo en nuestro país (entre ellos la residencia Bosch –actual embajada americana o el  Palacio Errázuriz, ahora Museo de Arte Decorativo para la que hasta Rodin llegó el encargo de una nunca construida estufa.

La residencia de la familia Paz de 12.000 m2 (actual Círculo militar) fue proyectada por Luis María Sortaris en Francia. Norbert Maillart (y no Maillard como se lo menciona errónea y habitualmente) (1856 ~ ) diseña el Correo Central, el Palacio de Tribunales y el nuevo Colegio Nacional Buenos Aires.

Los espacios públicos que aún hoy admiramos diseñados por (Jules Charles) Carlos Thays (arquitecto, naturalista, paisajista, urbanista, escritor y periodista francés) (Paris 1849~Bs. As. 1934) embellecidas con esculturas de Augusto Rodin(1840~1917) o Antonio Bourdelle (1861~1929).

Las casas de renta y los “petite hotel” toman del lenguaje arquitectónico dominante sus lineamientos para beber de su prestigio, es una manifestación de buen gusto y ascenso social para sus edificios y sus propietarios. En esa época y a raíz de estas obras surgieron excelentes artesanos, escultores, ebanistas para satisfacer la necesidad del estilo “luises” que abarcaba la porcelana, esculturas, cortinados y mobiliario que decoraban las viviendas de la época.

Otros arquitectos franceses que construyeron sus proyectos en ciudades argentinas y que se formaron en la École Spéciale D´architecture, en la École Des Beaux Arts o como Le Monnier en la  École Nationale Des Arts Décoratifs son: Louis Dubois (1867~1916); (Pierre Paul)

Alfred Massué (1860~1923) se identificó con el art nouveau y el eclecticismo anti-academicista como el edificio de Avda Corrientes y Azcuénaga o la torre del mirador Massué de Plaza Lavalle (deformada por el edificio moderno que la contiene); Gastón L. A. Mallet  (Mennecy – Seine -Et-Oise 1875~Bs.As.1964); Albert Ballu (1849~1939) realizó el pabellón argentino en la Exposición Universal de 1889 en Paris, siguiendo la línea de diseño del Crystal Palace de Joseph Paxton, desmontado y luego de múltiples peripecias por su traslado rearmado en Buenos Aires, donde funcionó durante 20 años como Museo de Bellas Artes, hasta 1933 que fue demolido para ampliar la Plaza San Martín; Robert CH. Tiphaine  (Paris 1879~Bs. As.1962); Emile Hugé (Francia 1863~Bs.As.1912); Auguste Huguier (Troyes 1876~Bs As.1957) autor junto a Eduardo Sauze del palacio Estrugamou en Juncal al 783 de Buenos Aires, bautizado por el escritor Eduardo Mallea como el “codo aristocrático de la calle Arroyo);Joseph Gire (1872~1933); Emilio (Émile) Bonnet Coutaret (Thiers 1863~La Plata 1949) en 1885 junto a Pedro Benoit y el arq. Ernesto Mayerrealizan la Catedral de La Plata, fue director de la Academia de Dibujo y Bellas Artes, entre sus alumnos destacaron Emilio Pettoruti y Adolfo TravascioUlric Courtois (Avignon1843 / ); Joseph Antoine Bouvard  (1840~1920) El intendente Carlos de Alvear lo contrataría para proyectar obras públicas y un plan urbanístico para festejar el centenario de la revolución que se haría en Mayo de 1910; Albert Desiré ; André Guilbert(1866~1949); Henry Paul Nenot (1853~1934) diseño el edificio Dreyfus en Avda. Alem 410.

Si observamos sus fechas de fallecimiento, gran parte de ellos ocurrieron en Buenos Aires, donde habían fijado su residencia.

En 1901, Le Monnier revalidó su título francés en la Universidad de Buenos Aires e ingresa en la SCA (Sociedad Central de Arquitectos), 6 años más tarde presidirá la misma (1907~8).

Le Monnier no oculta la influencia de las líneas anticlasicistas de la Secesión, en especial de los arquitectos Wagner, Olbrich y Hoffman. Arriba a un Buenos Aires que en ese momento se dejaba seducir por diferentes corrientes arquitectónicas, las que darían un lenguaje acorde al uso de cada edificio, con el objetivo de darles un sello personal. 

Las instituciones religiosas abrazarían los llamados estilos historicistas, como el neorrománico (una reinterpretación del románico de la edad media, fue Eugène Viollet-le-Duc que lo difundió en Francia a partir de su “Dictionnaire”), el neobizantino o neogótico (integra elementos de la arquitectura bizantina –desarrollado en Constantinopla- junto con elementos vinculados a la arquitectura cristiano-medieval de Europa del este).

Las instituciones del estado como los poderes legislativo y judicial adoptan variantes grecorromanas y para temas más populares, de ocio como sedes deportivas, turísticas y balnearias; ámbitos de vida rural, y mayoritariamente como “casas quinta” suburbanas el pintoresquismo (una arquitectura desprejuiciada, con referencias a la arquitectura anónima, regionalista y folclórica, con materiales rústicos, como una estética sincera sin aditivos extraños)

Irrumpe también el eclecticismo que cobra vida de la combinación en distintos porcentajes de composiciones académicas, su arquitectura se nutre de esa mezcla de géneros arquitectónicos: tanto el art Nouveau (Nota 3)como los movimientos de vanguardia.

Le Monnier adscribe al eclecticismo que no pasará inadvertido y provoca críticas como la que en 1908  bajo el título “Adefecios a granel” se refiere a su obra “como un atentado fenomenal a las leyes del buen gusto”, y define la resolución de la ochava de la esquina de General Perón al 300 como “lo más feo de lo feo”

Por el contrario años más tarde el arquitecto Federico Ortiz define su obra diversa de un “Eclecticismo Abierto”.

Ve a Buenos Aires, “plagada de fachadas Luis XV”, critica la “modernización” que se da por todas partes en “barrios ricos y pobres, en palacios y casuchas” asociando productos “de civilizaciones tan distintas como lo son la azotea y el Luis XV”Buenos Aires no puede “contentarse con sus antiguas fachadas ornamentadas con pilastras rematadas por capiteles mil veces repetidos y caer en una “Luisiada como si hubiese caído una nevada de Luises” – estos son extractos de su artículo “Garnier y la arquitectura Bonaerense”.

Su prestigio crecía tanto por los encargos que recibía como por los reconocimientos a su trabajo, entre ellos el premio Municipal a la mejor fachada (residencia Ginocchio) y 3er premio a la mejor fachada (residencia Egusquiza).
Se desempeñó además como docente en la Academia Nacional de Bellas Artes y en la Escuela de Arquitectura de la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires.

Sus primeras obras en Buenos Aires las realizo asociado al arquitecto Carlos Altgelt (1855 ~1937) (Nota 4). Se enfrentaron en el seno de la SCA (Carlos Altgelt fue uno de los 10 socios fundadores de la SCA) cuando ambos mantuvieron posiciones encontradas, Altgelt criticaría la sumisión por todo lo que proviniera de Paris, y Le Monnier solicitando la exclusión de todo profesional que no estuviera diplomado en la Sociedad Central de Arquitectos. (El primer título de arquitecto se extiende en 1878 y La Sociedad Central de Arquitectos y la Escuela de Arquitectura los otorgan a partir de 1901. (Nota 5)

Tuvo una destacada actuación en edificios en la ciudad de Rosario, como la sucursal local de la Compañía de Ahorro y Seguro “La Bola de Nieve”, donde celebra una esquina con claras reminiscencias a San Pietro del arq Bramante en Roma, al colocar un tambor con columnatas.Le Monnier Realizo más de un centenar de edificios.

Yatch Club Argentino

Historia

El 2 de Julio de 1883 se crea formalmente el Yatch Club Argentino (YCA), una institución próxima a cumplir 134 años, que figura entre los 30 clubes más antiguos del mundo dedicados al yatching.

La primer obra fue realizada por la empresa constructora Erausquin y Sanmartino, con un coste de 57.000 pesos (casi imposible darnos una idea de que magnitud hablamos).

En Septiembre de 1911 el Congreso aprueba el proyecto que concede al club un fondeadero de 30.000 metros cuadrados de superficie, y en Junio de 1914 la concesión para la sede social, El edificio sede central del Yatch Club Argentino es inaugurado el 23 de diciembre de 1915, lo amplia en 1930. En 1995 es remozado y restaurado.

Ubicada en el espigón de la Dársena Norte en el Puerto Nuevo de Buenos Aires. Al más puro lenguaje de la secesión Vienesa, de espaldas a la ciudad y frente al río abierto, el Rio de la Plata, diseña un edificio de formas curvas y lenguaje náutico, el faro (torre asimétrica que remata en una esfera de hierro y vidrio iluminada), una cubierta a modo de mirador sobre el río, la puerta como timón de barco. Le Monnier se permite liberarse de la escuela académica, poniendo como límite solo su espíritu creativo.

Es una obra que anticiparía las arquitecturas de los años 30. Un lenguaje que se enriquece con escalinatas, terrazas torres y contrafuertes, una cubierta en diagonal, distintos cuerpos que componen la volumetría general, la obra se eleva del terreno, aun manifestando un anclaje al mismo, con sus escalinatas y la generosa superficie de sus terrazas.

Declarado Monumento Histórico Nacional en 2001, en 2004 fue galardonado por la Asociación Art Nouveau de Buenos Aires como uno de los Edificios Emblemáticos y Destacados de Buenos Aires. (Nota 6)

Descripción

Con una propuesta innovadora y conceptualmente academicista, propone resoluciones modernistas muy ingeniosas. 

El conjunto es asimétrico, el sector más alto, remata en una torre-faro, donde está ubicado la fachada y el acceso principal que esta frente a la ciudad, y se articula con otro más bajo semicircular y que en forma de hemiciclo se brinda al río,

Su zona social tiene 4 lugares que se usan como comedor, el Salón Principal –con ventanales con arcos de medio punto, y paredes revestidas en madera-, el Salón Grumete -para los más pequeños-, el Salón Copa Atlántico y el Bar, con una barra de madera cóncava -al revés de las barras habituales convexas-.

Cuenta con una gran explanada, con reminiscencias de cubierta de barco, En la parte superior está la biblioteca y tres habitaciones para los jueces de las regatas internacionales que organiza el YCA, con los nombres de tres históricos veleros “Recluta” “Fortuna” y “Fjord III”.

En la segunda intervención del arquitecto entre 1929 y 1930, reemplaza el techo de tejas por una losa de Hormigón Armado de borde redondeado.

Funcionalmente, el cuerpo longitudinal contiene los halles de acceso así como las circulaciones verticales, cocinas y demás servicios. En el cuerpo semicircular se ubican las áreas sociales, bar comedor y terraza con dos escalinatas que permiten acceder a una gran explanada con vistas al rio

En 1991 se realizaron importantes trabajos para apuntalarlo ya que el suelo al ceder provocó la inclinación de la torre faro, se utilizó una compleja técnica de micro pilotajes para reforzar las fundaciones, y anclar mejor el edificio.

Videos

https://youtu.be/hiMjybQeQscideo (arquiviajes)

https://youtu.be/4E6V2fKPMPk

Libro

Agosto 2001: Libro-catálogo de 200 páginas “Le Monnier, Arquitectura francesa en la Argentina”, muestra exhibida en el Archivo y Museo Histórico del Banco de la Provincia de Buenos Aires, organizada por el Centro de Documentación de Arquitectura Latinoamericana (CEDODAL), dirigido por el arquitecto Ramón Gutiérrez, con textos entre otros de Julio Cacciatore, Jorge Tartarini, Federico Ortiz, Elisa Radovanovic, Graciela Viñuales y Patricia Mendez.

Trabajo como como dibujante y proyectista en su estudio ubicado en el último piso del pasaje Barolo. El arquitecto Eduardo Le Monnier fallece a los 58 años en Buenos Aires, un 13 de Enero de 1931, dos años más tarde de las conferencias dictadas por otro Suizo francés Le Corbusier.

Principales Obras

Muchas de sus obras (valiosas como la de tantos otros) fueron demolidas (Nota 7)

– 1898  Panadería «La Burdalesa». Paraná nº 861/9, Buenos Aires. Demolida

Vivienda con un comercio en la planta baja, estilo art nouveau. Su fachada estaba revestida en piezas cerámicas vitrificadas, mansarda y buhardilla,

– 1901 edificio de rentas en tres plantas y comercio en planta baja en Cangallo (hoy Tte. Gral. Perón) esquina Esmeralda. Demolido

– 1902 Herrería Artística Motteau, Garay 1272, Buenos Aires. Demolida 

– 1902 Iglesia del Sagrado Corazón de Jesús, en Hurlingham, pcia de Buenos Aires.

– 1902 Iglesia de Nuestra Señora del Carmen, en Ramos Mejía, pcia de Buenos Aires.

– 1902  Iglesia de la Sagrada Familia, en Haedo, pcia de Buenos Aires.

– 1902 Cottage «Tocad», propiedad de Le Monnier en Bella Vista. Actual parte del Club de Regatas de Bella Vista.

– 1903 Casa de Bartolomé Ginocchio. Lima 1642, Buenos Aires. Premio Municipal a la mejor fachada. Demolida

– 1904 Compañía «La Bola de Nieve». Tte. Gral. Juan D. Perón 301, Buenos Aires. Demolida

– 1904 oficinas de la Sociedad de Ahorro Mutuo en Cangallo y 25 de Mayo. Buenos Aires. Demolida

– 1905 Residencia de Féliz Egusquiza. Libertad 1394, Buenos Aires. Resuelta en un  estilo academicista y diseños de vanguardia. Tercer premio municipal de fachada. Demolida

– 1905 Edificio de oficinas para «La Bola de Nieve». Perú 167, Buenos Aires.Demolido

– 1905 Iglesia de la Parroquia San Francisco Solano, en Bella Vista.

– 1906 Casa de huéspedes «La Oriental». Bartolomé Mitre 1840, Buenos Aires.Demolida

– 1906 Compañía «La Bola de Nieve». Córdoba y Laprida, Rosario. Durante muchos años el edificio más alto de la ciudad.

– 1906 Jockey Club. Córdoba y Maipú, Rosario.

– 1907  Residencia de Juan A. Fernández y Rosa de Anchorena. Av. Alvear 1637 y Montevideo,   Actual sede de la Nunciatura Apostólica en Buenos Aires. Con un elegante acceso para carruajes, posee una planta estructurada alrededor de un gran óvalo central resuelto con escalinatas de líneas cóncavas y convexas.

– 1907  Residencia de Carolina Ortega de Benítez. Av. Callao 1807, Buenos Aires.Demolida

– 1907 residencia en Avenida de los Incas 3260. Buenos Aires

– 1908 Casa de Arturo Z. Paz. Santa Fe 1652 a 1662, Buenos Aires (año 1908). Demolida

– 1913 Sede social del Yacht Club Argentino. Dársena Norte de Puerto Madero, Buenos Aires.

– 1916 termina el Jockey Club de Rosario, calles Maipú y Córdoba, Buenos Aires,

– 1925 Banco Argentino Uruguayo. Av. Roque Sáenz Peña 525 esquina San Martín, frente a la Catedral Metropolitana y a la histórica Plaza de Mayo. Monumentales pilastras jónicas se elevan a toda la altura del edificio, en la ochava resalta un cilindro también envuelto en pilastras jónicas coronado con una linterna a 56 metros de altura.
Le Monnier tenía allí su oficina, debajo de los balcones, junto a una serie de figuras griegas hay un rostro de un  señor pelado de bigotes.
Es su rostro observando la Plaza.

– 1927 Edificio de viviendas para «Bencich Hermanos». Av. Córdoba 801 y Esmeralda, Buenos Aires

– 1927 Edificio Miguel Bencich. Av. Roque Sáenz Peña 602, Buenos Aires

– 1927 Edificio de viviendas para «Bencich Hermanos». Suipacha 1399 y Arroyo, Buenos Aires

– 1928 Edificio de la Secretaría de Gabinete de Jefatura de Gabinete de Ministros «Edificio del INAP». Ave. Roque Sáenz Peña 511, Buenos Aires.

– 1929 Edificio de viviendas para «Bencich Hermanos». Tucumán 802 y Esmeralda, Buenos Aires

Notas

1.- Hubo una tensión en la Sociedad central de Arquitectos, entre los que proponían una arquitectura ecléctica, básicamente producida por la mano de los arquitectos europeos y los que entendían que dicha arquitectura se oponía a la búsqueda de una identidad o estilo nacional.  Es con Alejandro Christophersen (Cádiz 1866~Bs. As.1946) que en 1901 se crea la Escuela de arquitectura (en el marco de la Facultad de Ingeniería y de Ciencias Exactas) donde se propone una formación académica con la intención de adecuarse a la realidad del país. En 1906 son mayoría los arquitectos que tenían sus títulos de revalidas de títulos europeos. En 1915 se crea la revista de Arquitectura por el Centro de Estudiantes de arquitectura y desde 1917 es vocero de la SCA con una opinión más política.

2.-  El CEDODAL (Centro de Documentación de Arquitectura Latinoamericana) dirigida por  su fundador el arquitecto Ramón Gutiérrez (1939) realizó en el 2001 una exposición gráfica y fotográfica presentando el libro-catálogo “Le Monnier, arquitectura francesa en la Argentina”, 200 páginas con  ensayos de varios autores, sus épocas en Brasil y Uruguay, Rosario y Buenos Aires. Al final de la publicación figura un catálogo completo de sus obras y proyectos. De su época de estudiante (fue un buen alumno, obtuvo medallas y menciones) figuran cartas que intercambio con dos de sus profesores, Eugène Train (1832~1903) y Charles Genuys (1852~1928).

3.- distintas denominaciones como Art Nouveau en Bélgica y Francia, Floreale en Italia, Liberty en Inglaterra, Jugendstil en Alemania, Modernismo en Cataluña,Escuela de Glasgow y Secesión Vienesa en Viena). 

4.- Le gustaba presentarse como “Carlos Altgelt arquitecto no ingeniero”. Sus alegaciones tratando de definir como distintas ambas profesiones y formaciones fueron muy influyentes y expresadas con gran convicción, sostenía que los ingenieros eran profesionales ajenos al genio artístico, meros usurpadores de la profesión de arquitecto. Para él todo arquitecto podía, mediante algunos estudios de ciencia pura, llegar a ser un buen ingeniero, pero ningún ingeniero podría llegar a ser un arquitecto mediocre sin largos años de aprendizaje artístico, y para que no quedaran dudas, remataba: “… donde empieza el ingeniero, acaba el artista”. Más aún, consideraba que la mala calidad de la arquitectura argentina se debía a que la Sociedad de Arquitectos estaba invadida por ingenieros que hacían de arquitectos.

5.- La SCA se crea el 18 de marzo de 1886, Los socios fundadores fueron: Ernesto Bunge, que había estudiado en Alemania fue el primer presidente de la SCA,  Joaquín Belgrano, Carlos Altgelt, Otto von Arnim, Juan Martín Burgos, Juan Antonio Buscchiazzo, Adolfo Büttner, Julio Dormal, Enrique Joostens y Fernando Moog,

6.- Otros edificios galardonados como edificios emblemáticos además del Yacht Club Argentina (Le Monnier) son el Palacio Barolo (Mario Palanti), la Galería Güemes y Piazzola Tango (Francisco Gianotti), El Ateneo Grand Splendid (Peró y Torres Armengol) y como edificios destacados  la sede del Club Sirio-Libanés (Virasoro), y el Casal de Catalunya (García Núñez).

7.- 2008 Arquitecturas ausentes: Obras  notables demolidas en la ciudad de Buenos Aires (ISBN 9789872443504) CEDODAL y Ediciones El Artenauta. 106 páginas. 80 obras únicas demolidas  Ramón Gutiérrez, Patricia Méndez y Marcelo KohanContenido Fotografía y Arquitectura, una relación bien atemperada / Arq. Patricia Méndez – Arquitecturas ausentes, El imaginario de otra Buenos Aires / Arq. Ramón Gutiérrez – Plaza Mayor y alrededores – Arquitectura institucional, pública y privada – Arquitectura comercial – Arquitectura de las viviendas – Espacios culturales.

Arq., Hugo A. Kliczkowski Juritz