Galería y Residencia de Arquitectura. Bonet/López Chas/Vera Barros 2ª parte y final

1er parte http://onlybook.es/blog/galeria-y-residencia-de-arquitectura-bonet-lopez-chas-vera-barros-1a-parte/

Galería y Residencia de Arquitectura

El fantástico y emocionante texto de Edgardo C. Freysselinard que podrán leer en la 1er parte en http://onlybook.es/blog/galeria-y-residencia-de-arquitectura-bonet-lopez-chas-vera-barros-1a-parte/ , está en el cuadernillo que amablemente nos dieron en la Galería y Residencia de Arquitectura

Los 10 meses que duró la rehabilitación del local y el dúplex, es una edición potenciada de Hernan Bisman, Pablo Engelman y su equipo.

En forma automática y entrecerrando los ojos recordé el CAYC (Centro de Arte y Comunicación), eran los ´68 o ´69, cuando los artistas Víctor Grippo (Bs As 1936 – 2002), Alfredo Portrillos (Bs As 1928 – 2017) y Jorge González Mir (Bs As 1927 – 2011),  el escultor, pintor y arquitecto Jacques Bedel (Bs As 1947), los artistas y arquitectos Clorindo Testa (Benevento 1923 – 2013), Luis Fernando Benedit (Bs As 1937 – 2011) y el promotor cultural, editor y ensayista Jorge Glusberg (1932 – 2012), realizaron a partir de un taller interdisciplinario lo que sería un eje de discusión y de conocimiento, de relación con el “exterior”, de exposiciones permanentes.

Nosotros éramos estudiantes y muchos recién recibidos, aquello nos apasionaba.

Desde 1968 hasta la fecha de su muerte en 2012, Jorge Glusberg fue su director.

Abriendo los ojos, me encontré en la “Galería y Residencia de Arquitectura” (2) sin duda una experiencia riquísima, llena de vida.

También recordé el libro sobre la obra de Bonet (3) que editamos en 1985, sus autores fueron Ernesto Katzenstein, Gustavo Natanson, (Bs As 1947) y Hugo Schwartzman (Bs As 1947), nuestra editorial se llamaba Espacio Editora, la coordinación editorial la hacíamos Silvia Wladimirski Barenboim, Guillermo y Hugo Kliczkowski Juritz.

La invitación de Hernan y Clarisa Bisman continuó en una nutrida e interesante mesa en un restaurante cercano.

Algunas de las fotos que tomé, las intercalaré en el texto, otras provienen de archivos de Blogs y buscadores de Internet.

…Allá voy

La Casa de Estudios para Artistas

Seguramente la obra de Suipacha y Paraguay en CABA es uno de los primeros intentos de los integrantes del Grupo Austral, de construir, de hacer ciudad (como dice Miguel Angel Roca Córdoba 1936) desde otros parámetros y con el espíritu de los CIAM y el CIRPAC argentino.

El proyecto es de Antonio Bonet Castellana, Abel López Chas y Ricardo Vera Barros.

El diseño es de una gran libertad plástica, la fachada de distintas alturas en función del programa del edificio, son  capas separadas de hormigón visto blanco

El edificio construido sobre un terreno propiedad de la familia de Vera Barros se termina en 1938/9, cuenta con 4 locales comerciales de escaparates ondulantes de vidrios curvos en su planta baja y 7 talleres/estudios a los que se ingresa por medio de una escalera desde la calle Paraguay que da a un entrepiso verde, lugar de descanso y de acceso a las viviendas.

El primer piso da acceso a 5 de los talleres/estudios, que a su vez, desde cada uno se accede a su entrepiso, y continuando la escalera caracol del acceso, se llega a los 2 últimos del edificio cuyas cubiertas las conforman sinuosas bóvedas de hormigón. Uno de ellos lo ocupó Bonet durante 3 años, hasta 1941.

La construcción de La Casa de Estudios para Artistas incorpora materiales vinculados al concepto de la industrialización y la normalización en el diseño, como acero, perfiles, chapas dobladas y agujereadas, con vidrios circulares, cuadrados, rectangulares, transparentes o translúcidos dependiendo su función.

Prima la unidad en el diseño, no hay dispersión, sino un lenguaje moderno.

Las ochavas (chaflanes típicos de Buenos Aires), se resolvieron con un diseño articulado que tiene un frente de un local, luego unas lamas metálicas giratorias que pueden regularse en función del clima o de la transparencia que se desee y en el piso superior se libera generando una terraza jardín.

Desde el 8 de Agosto de 2002, se lo ha catalogado con nivel de protección estructural por el Código de Planeamiento Urbano de la ciudad de Buenos Aires.

El 9 de Abril de 2008 fue declarada de Interés Histórico Arquitectónico Nacional por el Congreso de la Nación Argentina.

Entre otros motivos, la necesidad de equipar el edifico, incentiva el diseño de las conocidas BKF (diseño de Bonet/Ferrari Hardoy y Kurchan).

En un principio fue diseñada por Jorge Ferrari Hardoy, y así fue presentada en 1940 en el Tercer Salón de Artistas Decoradores de Buenos Aires, pero es universalmente conocida como BKF, una de las sillas más célebres (y copiadas) del siglo XX, forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Anécdota 1

En uno de mis viajes a Barcelona, llamé al arquitecto Antonio Bonet y me invitó a almorzar en el Colegio Oficial de Arquitectos de Cataluña (COAC), frente a la Placa Nova la Catedral, un edificio interesante proyectado en 1957 por Javier Busquets. (1917 – 1990), cuyo mural fue realizado por Pablo Picasso (1881 – 1973) y el ceramista Antoni Cumella (1913 – 1985).

Planta Baja

En el almuerzo Bonet pidió, colocaran una mesa en el descanso de la escalera, acceso obligado por todos los visitantes del Colegio.

Primer piso

Fui testigo del afecto y el cariño que recibía de todos sus colegas amigos y admiradores, siempre atento Antoniose paraba e intercambiaba palabras con cada uno, estrechando sus manos.

Planta segunda

Me comentó que estaba muy atareado diseñando el sector que le asignaron de la Villa Olímpica, me dijo que ya estaba mayor y necesitaba ayuda, lo puse en contacto con un arquitecto que finalmente le fue de mucha ayuda, bueno a ambos ya que a su muerte continuo la obra junto a otros profesionales del estudio.

Planta tercera

Se habian asignado areas de la Villa Olimpica con el «mérito del dedo» a arquitectos prestigiosos de Barcelona, entre ellos Bonet.

Vista calle Paraguay

Al morir Bonet, se armo un tema complejo, pues varios querian heredarla y continuarla, para evitar males mayores, se decidio que siga el mismo equipo de arquitectos de su estudio, entre los que habia 2 argentinos.

Anécdota 2

Bonet había cosechado muchos y muy buenos amigos. Solía visitar Buenos Aires, y organizaba cenas donde invitaba a su gente.

Vista calle Suipacha

Tuve la suerte de ser invitado a una de esas cenas, en un departamento sobre la Avenida Callao.

Allí, estaba yo incrédulo viendo a los popes de la Arquitectura Argentoina con mayúsculas.

En el estar de un amplio departamento, ponían unas 6 u 8 mesas redondas como de bar, con sillas Thonet, y tres o cuatro invitados en cada mesa.

Mientras nos atendían y servían comida española con excelente vino, Bonet y su esposa Ana María Martí se acercaban a las mesas y charlaban con cada uno.

Era inevitable (y deseable) oír lo que hablaban en las otras mesas, además de la propia. Antonio, cariñoso, inteligente y cordial, conocía muchas cosas de cada uno, anécdotas que con su acento catalán eran aún más adorables.

Notas

1

BISMAN EDICIONES

Hernán Bisman, director.

Pablo Engelman, editor general asociado.

Ambos producen, junto a un equipo editorial inter y trans disciplinario de profesionales y técnicos, publicaciones de Arquitectura para las más importantes instituciones, universidades, organizaciones civiles y estudios de Argentina, de varios países de Latinoamérica y España.

Diez y ocho de ellas han obtenido premios y distinciones nacionales e internacionales: 14 veces premio bienal, incluyendo una distinción especial por la edición del libro “Poéticas Colectivas” otorgado por la Sociedad Central de Arquitectos y el Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo de Argentina; el Premio al Libro Mejor Editado de 2008, otorgado por la Cámara Argentina de Publicaciones (CAP); dos veces el Premio CAYC a la difusión de la arquitectura; y el Premio Francés Design & Design.

Hernán Bisman (Buenos Aires, 1968) es director de Bisman Ediciones.

Fue director museográfico de 3 ediciones de la BIA-AR (Bienal de Arquitectura Argentina), director ejecutivo del MARQ (Museo de Arquitectura y Diseño de Buenos Aires), director editorial de las revistas “Metro” y “8,66”.

Editor general de la Revista de Arquitectura y editor general del Atlas Ambiental de Buenos Aires (CONICET-GCBA). Fue co- curador de 3 de los envíos oficiales de la Argentina a la Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia. Curador independiente en las Bienales de Arquitectura de San Pablo, La Habana, en el Instituto Cervantes de Tokio, y en el Colegio de Arquitectos de Cataluña (COAC), además de en los principales museos y centros culturales de Argentina.

En 2015 fue elegido por la Presidencia de la Nación Argentina para ser el curador general del Sitio de Memoria ESMA, museo promovido por el Estado para recordar el campo de tortura y exterminio de la dictadura argentina. Fue Profesor titular del Laboratorio de Arquitectura Efímera de la Universidad de Palermo y editor general de los “Documentos de Arquitectura y Urbanismo” ARQUIS. En sus 25 años de carrera ha editado, junto al equipo de Bisman Ediciones, cientos de libros de arquitectura y urbanismo y numerosas revistas temáticas especializadas.

Pablo Engelman (Buenos Aires 1979) es editor general asociado de Bisman Ediciones.

Arquitecto (FADU-UBA) con posgrado en Alta Dirección en Urbanismo (FA-UP) y en

Managment de Arquitectura y gestión de emprendimientos (FAD-UM).

Es profesor titular de Proyecto Final de Carrera (Proyecto Urbano) en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Palermo y fue profesor de Materiales I y II, en el Instituto de Arquitectura de la Universidad de San Martín.

Fue coordinador de los Seminarios de Gestión Cultural CCEBA-GCBA y en el Workshop ESPACIO ALFA.

Seleccionado para la 7ma. Reunión de cátedras UNESCO en comunicación, Comunicación Ciudad y espacios públicos Universidad de Lima, 2018.

Disertante en el Foro de Políticas Públicas Ambientales 2016, presentado en el marco de los Premios Latinoamérica Verde.

Ha sido invitado por el Banco Hipotecario, como crítico invitado en el programa de televisión Arquitectos Argentinos.

2

Galería y Residencia de Arquitectura

Al decir de Bisman Ediciones…”En el icónico e importante edificio porteño, situado en la céntrica esquina de Paraguay y Suipacha, proyectado en 1938 por Antonio Bonet, Ricardo Vera Barros y Abel López, la Galería y Residencia de Arquitectura gestiona y organiza muestras temáticas y residencias de los autores invitados a exponer; genera tertulias, debates y otros eventos, e incuba encuentros y enlaces que difundan el potencial cultural de la buena arquitectura y su capacidad de dinamizar las ciudades y mejorar la calidad de vida de la sociedad que en ellas habita.

Las exhibiciones y las residencias se nutren de los libros editados en Latinoamérica y en España por la editorial”.

3

Antonio Bonet (1913 – 1989) quería hacer este libro, colaboró activamente proporcionando documentos que tenía en su poder y dando información de cómo obtener otros, participó entusiastamente en las entrevistas que le hicieron los autores del libro, y manifestó su deseo que el diseño lo realizara su amigo el pintor Alfredo Hlito (1932 – 1995).

Gran parte de los documentos y fotos de época las tenía y cuidaba Ernesto Katzenstein (1932 – 1995), amigo de Bonet y a quien recordamos entre otras cosas por haber sido cofundador de “La Escuelita”.

Los textos introductorios y los que acompañan el material gráfico son de él, de Gustavo Natanson (1947) y Hugo Schwartzman (1947).

En el libro, desde su introducción, y con palabras de Bonet, sabemos del GATEPAC (Grupo de Artistas y Técnicos Españoles para el progreso de la Arquitectura Contemporánea), de su participación en el emblemático viaje del crucero Patric II y su participación como estudiante del manifiesto urbanístico redactado en el IV Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM) celebrado a bordo del Patris II en 1933 en la ruta Marsella-Atenas-Marsella. Su paso por el estudio de Josep Lluis Sert (1902 – 1983) y Josep Torres Clavé (1906 – 1939), de Le Corbusier (1887 – 1965).

Es el contacto con Jorge Ferrari Hardoy (1914 – 1977) y Juan Kurchan (1913 – 1972) en el taller de París de Le Corbusier que decide viajar a la Argentina en 1938,  donde se produce la creación del Grupo Austral.

Walter Hilton Scott los presenta en su revista Nuestra Arquitectura en Junio de 1939 como “…un grupo formado para luchar por el progreso de la arquitectura…”. Los tres son los creadores de la famosa silla BKF.

Es en octubre de 1939, donde aparece anunciada la obra de Paraguay 894 y Suipacha que Bonet realiza con Abel López Chas y Ricardo Vera Barros, un programa arquitectónico inédito y original de locales en la planta Baja y estudios para artistas en las plantas superiores.

En el libro “Bonet” están presentados sus proyectos en el Rio de la Plata desde el Edificio de Paraguay y Suipacha de 1938 hasta el Tribunal Constitucional de 1976.

56 proyectos que incluyen planes urbanísticos, urbanizaciones, edificios, viviendas unifamiliares, hoteles, galerías comerciales, pabellones de exhibiciones, Iglesias, Bancos, sistemas constructivos, plaza de toros, canódromos y diseño de muebles,

Catálogo general de obras y proyectos (151), y Bibliografía de sus obras.

El título del libro “BONET”.

Editorial Espacio Editora

Coordinación Editorial: Cont. Silvia L. Wladimirski Barenboim, Arq. Guillermo R. Kliczkowski y Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Galería y Residencia de Arquitectura. Bonet/López Chas/Vera Barros 1ª parte

Galería y Residencia de Arquitectura 1ª parte

Ellos

Por Edgardo C. Freysselinard (1)

(Gracias Edgardo por tu autorización a publicarlo).

@chesterfrey

chesterfrey@hotmail.com

Ese día había tratado de dormir hasta tarde.

La noche anterior la había pasado yendo y viniendo, intentando descifrar los ruidos y las luces que se filtraban a través de las grandes ventanas horizontales desde la calle, sin poder descansar, como hacía ya mucho tiempo. Las sombras recorrían la piel de ladrillos de vidrio en distintas formas.

Lo único cierto que sabía era que la modelo llegaría a media mañana.

Caminé hacia la escalera. Antes de bajar para hacerme un café en el bar-cocina, desde la baranda metálica que ondeaba sobre el vacío de la doble altura divisé mi atril en el rincón más luminoso del atelier. Su estructura de madera avejentada sostenía mi última obra. Los colores que estaban impresos en la tela se encontraban definidos dentro un sector específico del círculo cromático.

El blanco dominaba gran parte de los volúmenes que se atrasaban y se adelantaban según los planos.

Las partes oscuras dependían directamente de los grises saturados.

La figura angelada retratada se recostaba entre almohadones de chintz y satén morados, sobre un chaise longue de cuero negro.

Mi saco se encontraba en una de las orejas del único sillón B.K.F. que tenía el lugar, tirado de manera desordenada.

La mesa cuadrada, junto a la pared norte, completaba el austero mobiliario, con dos sillas Thonet claras y contorneadas, de esterilla amarilla, deslucida.

En la esquina sur del estudio, acomodados según el orden cronológico descansaban más de mis cuadros, a la espera de un marchand francés que nunca llegaba, siempre de viaje y con obligaciones previas, cosas que lo hacían inviable.

Mi vida pasaba entre esas paredes, donde mi única comunicación con el exterior eran mis ventanas.

Me sentía seguro y a salvo del mundo entre ellas.

Atravesar la puerta era algo esporádico, sostenido solamente por la necesidad de subsistir. Una alta cristalera hacia el patio verde interior cubría todo con una delicada bocanada de luz, atravesando el desnivel entre mi cuarto y el estar, con sus sillones de género de algodón tejido. Un balcón limitado me daba la perspectiva del vacío angosto, al levantarme de mi cama. Abajo, empotrada en una pared y altamente presente en el espacio, una biblioteca de estructura de madera contenía los volúmenes de colores, que detallaban entre sus hojas gran parte de mi recorrido.

Confieso que el encuentro entre los sofás era mi lugar preferido para descansar y pensar largamente.

Una lámpara de cristal opaco blanco era la única luz, apoyada sobre una mesa baja de madera lustrada, en el ángulo.

En otros tiempos, un tocadiscos portátil sobre un bahiut de estilo escandinavo, alargado y bajo, que completaba el sector, dejaba escapar melodías acarameladas centroamericanas y fragmentos de jazz norteamericano, entre tantos discos acumulados.

El sonido estridente de la cafetera italiana, el gran vapor que comenzó a llenar el espacio y el olor a tostadas me avisaron que el desayuno ya estaba listo. Después de terminarlo, descalzo como estaba, subí de manera acompasada la escalera caracol escultural, definida por una piel metálica continua y suave, de escalones perforados, hacia el entrepiso. Debía tomar una ducha y afeitarme de manera urgente. Los minutos pasaban crueles. Laura estaría por llegar. Encendí un cigarrillo negro, del último paquete importado que me quedaba.

A través de las grandes bocanadas de humo intenso pude ver reflejada mi cara en el espejo cuadrado sobre la bacha helada del baño.

Me costó reconocerme. Mi aspecto era muy distante del que solía tener tiempo atrás. Recuerdo que llegué a abrir la ducha. El agua caía de forma estrepitosa. Y ahí, súbitamente, me invadió un dolor profundo que cruzó mi brazo derecho y se clavó en mi pecho, haciéndome caer sobre el piso frío.

Lo último que vi fue el cielorraso que se acercaba cada vez más a mi cara. De reojo divisé, a lo lejos, a la mujer de mi cuadro. Su rostro definido por una sonrisa me hablaba en un idioma que no pude comprender en ese instante final. Estos son los únicos recuerdos que me quedan de mi existencia entre los vivos.

Habito agazapado hace más de cuarenta años entre las sombras de mi estudio de artista reconvertido en una vivienda como un espectro traslúcido y solitario

Su aspecto original fue mutando a través del tiempo, convirtiéndose de a poco en una mascarada grotesca que lo ocultó para siempre. Como intruso permanente, mi hora preferida es el atardecer, cuando las luces se hacen ver desde la calle, cada vez más determinantes, y los últimos reflejos se arrastran por los pisos de madera entablonada descolorida.

Todo estaba envuelto en una serenidad abrumadora hasta que llegaron Ellos, después de un largo tiempo sin nuevos ocupantes.

Aquella mañana, de pronto, mi antiguo taller se llenó de golpes, gritos, polvo y escombros. De a poco, la superposición de materiales, texturas y luces embutidas se derramó sobre el piso ahora descubierto por pequeños sectores. Largas jornadas de trabajo transcurrieron hasta que una tarde, luego de la hora del té desaparecieron.

Pasó más de una semana, y después de una gran limpieza mi antiguo atelier resurgió. Fueron de a poco ingresando muebles cuadros sillones una cama, entre tantos objetos que lo volvieron a la vida logrando recrear su aspecto original Cada noche vuelvo a recorrerlo y a fundirme en un sueño que me transporta al pasado.

Uno de los tantos días alegres de largas visitas de recorridas de charlas y brindis con invitados intermitentes, la noche, insolente, se posó sobre los cristales intempestivamente.

Las luces comenzaban a verse entrecortadas. La calle perdía su vértigo cotidiano, encontrando de a poco el silencio.

Casi al final de la tarde, antes de la partida, uno de Ellos con una pequeña cámara, buscó retratar el momento descubriéndome.

Estaba sentado en la esquina, en el encuentro de los sillones del desnivel, junto a la mesa baja con la esfera de cristal blanco opaco apagada, observándolos.

Recuerdo que no se asustó. Sigilosamente, continuó la conversación con sus amigos, y con un leve movimiento de cabeza se despidió de mí, mirando fijamente la esquina. Luego, atravesó la puerta hacia el patio jardín, perdiéndose.

Mi existir entre bambalinas volvió a tener sentido. La eternidad guardaba para mi otra oportunidad, y esta vez no la dejaría pasar. Como los antiguos caballeros, había recuperado por asalto y para siempre mi castillo ancestral inexpugnable.

Edgardo C. Freysselinard

Notas

1

Edgardo C. Freysselinard (Ciudad de Mendoza 1964)es arquitecto de la Universidad de Buenos Aires y magister en “Historia, Arte, Arquitectura y Ciudad” por la ETSAB

(Universidad Politécnica de Cataluña).

Autor del libro “Fractales de la modernidad” (Bisman Ediciones  2014). Premio Design & Design, Francia 2014.

Coautor junto al Diseñador Gráfico Albano García de “Ambientes de Arquitectura. Fotografías de 50 estudios de Buenos Aires y sus protagonistas” (Bisman Ediciones 2019) y en edición “Swimming in the american way of life. El intenso tiempo de cambios en la ciudad de Mar del Plata a fines de los años 50”. (Bisman Ediciones 2023).

Ex Columnista de la Revista 8,66 2012/2013. Sección “Bibliotecas de Arquitectos”. Profesor invitado en la Revista Arquis Nº 9 “(Dis) locaciones territoriales”- Facultad de Arquitectura 2019. Universidad de Palermo.

Texto “De repente, aquel último verano”. Fundación Tejido Urbano –

Invitación para formar parte del libro “100 Reflexiones en tiempo de pandemia”. Colección Nociones Corales – Buenos Aires – (Bisman Ediciones  2020).

“El flâneur inmortal”. Columnista y Autor 2021/2023  Revista Veredes, España.

Colaborador de Bisman Ediciones desde 2012 a la actualidad. Escribe regularmente crónicas y críticas de arquitectura en prestigiosos medios especializados de la Argentina y del exterior. Actualmente es Profesor Titular ESAD -UM – AR, Profesor Invitado en la Catedra Solsona- Ledesma- Arquitectura I a V-FADU-UBA y Doctorando en Critica de la Arquitectura, de la Universidad Internacional de Barcelona – UIC -School of Architecture.

continua http://onlybook.es/blog/wp-admin/post.php?post=9462&action=edit

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 11. Libreria Browne

Ver capítulo anterior http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones/

Un proyecto poco conocido

Browne´ s´´ Bookstore, la librería más bella del mundo de 1908

410 de la S Michigan Ave. Chicago

Berlin, edición de Ernst Wasmuth, 1910, 40,5 x 64 cm

En 1908, Francis Fisher Browne encargó a Wright la renovación de un espacio en el Edificio de Bellas Artes de la ciudad de Chicago para instalar la “Librería Browne”.

El Edificio de Bellas Artes había sido diseñado por el Arq. Solon Spencer Beman (1853 – 1914), para la Compañía Studebaker en 1885 para exhibir sus carruajes tirados por caballos.

El colorido edificio fue remodelado unos años más tarde para reunir «las preocupaciones artísticas, sociales y literarias de la ciudad en un solo edificio«, estamos en 1890, y la intención es transformarlo, en un centro comercial con tiendas, editoriales, galerías de arte, estudios de artistas y ser la sede de varios clubes sociales.

La librería Browne fue el primero de los tres espacios que Wright remodeló en el edificio.

El edificio de Michigan Trust Company. Diseñado por Beman. En 1891, era el edificio de oficinas más alto de Grand Rapids y el segundo más alto de Michigan

Pensado para sus clientes lectores, tenía bancos acolchados, espacios con mesas, sillas cómodas para leer, y un «rincón para niños».

Era un espacio largo y estrecho en el séptimo piso del edificio, la tienda presentaba ventanas de vidrio emplomado que ofrecían vistas del lago Michigan, un techo inclinado con listones de madera, gabinetes de roble empotrados y un balcón.

Cada centímetro del interior fue diseñado por Frank Lloyd Wright: los estantes, las ventanas, las lámparas, los muebles como las mesas y sillas. Los adornos de roble cuarteado.

En ese momento, el Edificio de Bellas Artes era el centro de las artes y la cultura de Chicago. En 1901, era el hogar de estudios de artistas, compañías de teatro, clubes literarios y más de diez mil estudiantes de música. Una década más tarde, dio a luz a varias revistas como “Poetry” de Harriet Monroe, “The Little Review” de Margaret Anderson y el “Chicago Little Theatre”.

Con miles de amantes de los libros subiendo y bajando las escaleras todos los días, una librería en el séptimo piso no parecía una idea tan extraña. «Toda la sociedad de Chicago vino a la librería Browne», escribe Anderson. «Aquí se servía té y todos eran muy inteligentes».

En 1910 se traslada a la planta baja del edificio y su espacio fue remodelado en 1912.

Adam Morgan,  editor en jefe del “Chicago Review of books”, que a su vez era escritor y crítico de libros, hace en marzo de 2018 esta descripción de la Librería“…En octubre de 1907, unos meses después de que The Jungle de Upton Sinclair (un libro de ficción) horrorizara a Chicago, se abrió una nueva librería en el séptimo piso del Edificio de Bellas Artes en el centro de la ciudad”.

Wright utilizó los tres conjuntos de ventanas existentes, rediseñandolas

En su autobiografía, Margaret Anderson, fundadora y editora de The Little Review, la llamó «la librería más bella del mundo». A pesar del entusiasmo general solo sobrevivió cinco años”.

En 1908, un reportero visitante de Publishers Weekly pudo haber entendido el por qué: «Hasta ahora, solo un comerciante en todas las clases de libros ha tenido el coraje de ubicar su tienda “en el aire”. El aire» era el séptimo piso, y el único comerciante era Francis Fisher Browne, editor de la revista literaria “Du jour de Chicago”, The Dial, cuyas oficinas estaban ubicadas en el mismo piso.

Diseño para el conjunto siete paneles de vidrio repetidos, a través de los cuales se veía el Lago Michigan. Algunas secciones se abrían, como las ventanas laterales adicionales. Recuerdan las ventanas que diseñó en 1904 para el templo Unitario del 875 Lake Street en Oak Park.

Detalle de la ventana de la sala de juegos
de Oak Park (1919/11)

En 1895 Wright añadió una sala de juegos en el segundo piso de su casa en Oak Park, similares a las que utilizó en la residencia Winslow (1894).

En 1911vuelve a refaccionar la sala de juegos y  utiliza un diseño identico a las de la Libreria Browne. En 1910, la libreria Browne se había desplazado del séptimo piso a la Planta Baja, la sala de juegos de Oak Park es de 1911, es legítimo preguntarse si Wright utilizo parte de esas ventanas en su casa, o solo el diseño? (1)

En la habiacion que finaliza la librería, hay una ventana con catorce paneles repetidos

Una escena del film de 2009 The Time Traveler’s Wife (Más alla del tiempo) del director Robert Schwentke se realizó en el Artists Café de la planta baja.

En la habiacion que finaliza la librería, hay una ventana con catorce paneles repetidos

Frank Lloyd Wright trabajo durante unos meses en 1908 y luego en 1911 en el edificio en la Suite 1080.

A pesar de la enorme bibliografía de la obra de Wright no es fácil encontrar información sobre la librería Browne.

Wright conoció a Browne en el Caxton Club, donde se reunian prosperos habitantes de Chicago que editaban libros en el estilo Arts and Crafts. Luego de haber diseñado alguna de esas portadas, es en 1898 cuando Browne le encarga el diseño de la Libreria.

En 1906, Wright tenía 39 años, su prestigio comenzaba a crecer entre las élites de Chicago.

Esos años entre 1904 y 1909 fueron fundamentales en la vida de Wright, escribe Meryle Secrest en Frank Lloyd Wright: A Biography “… estaba en medio de una aventura amorosa secreta que terminaría con su matrimonio».

El espacio tenía forma de “L”, ocupaba la esquina sureste del séptimo piso, «mirando hacia el lago en un extremo y, en el otro hacia el patio interior italiano desde el que se escuchaba siempre algun piano, además de una fuente”

Browne y Wright «buscaron combinar las mejores características de una librería bien equipada con las de una biblioteca particular selecta», escribe el Publishers Weekly

La sala principal se dividió en seis lugares de lectura: cinco con mesas y las sillas de respaldo alto de Wright y una junto a la ventana con sofás.

Vista de la caja en la entrada de la librería

El lugar de la caja esta situada entre las dos puertas de la entrada.

Vista desde la entrada al fondo.Las estanterías están a todo lo larzo del lado izquierda, cada espacio tenia sillas, una mesa y luz de lectura

La sala más pequeña y serpenteante se encontraba en el extremo derecho, «larga, oscura, reposada, con una enorme chimenea y grandes sillones», era un espacio para eventos que también albergaba las raras encuadernaciones de Browne.

En 1908 el Publishers Weekly describe que «Cada accesorio y cada mueble ha sido especialmente diseñado y fabricado a pedido», «Los estuches, mesas, sillas y adornos de paredes son de roble… Las fotos muestran que entre los estantes, había una réplica de la estatua de la Victoria Alada del Louvre, una urna de cobre y altos y estrechas «malezas» que Wright usaba a menudo para exhibir pastos de las praderas”.

El segundo hijo de Wright, John Lloyd Wright, quien en 1916 inventó el popular juego de construcción infantil de piezas de madera “Lincoln Logs” escribe: «No satisfecho con el bric-a-brac de la época, el padre diseñó el suyo propio». John Lloyd Wright utiliza el termino para referirse a los objetos de diseño y decoradas como tazas de té, flores de cera bajo cúpulas de cristal, estatuillas y en general adornos.

Wright diseñó las lámparas elétricas, las conforman cuatro cuadrados de vidrio translúcido suspendidas de un cuadrado mayor de forma que las piezas colgadas, que forman un cubo, no están en contacto en las esquinas.

Cuando en 1914 Margaret Anderson regresa al edificio y funda The Little Review. Browne ya había muerto y su librería desaparecida 2 años antes.

El Edificio de Bellas Artes sigue en pie, algunos de los interiores se ven muy parecidos a los de hace un siglo: el vestíbulo de mármol, el restaurado Teatro Studebaker, los murales Art Nouveau, la Corte Veneciana oculta. Pero si se toma el ascensor que sigue siendo operado por ascensoristas hasta el séptimo piso, no se vera ningún rastro de lo diseñado por Wright. Alli funciona un estudio de arquitectura y diseño de interiores de paredes lisas y enlucidas.

En cada espacio había una mesa, cuatro sillas de respaldo alto y una luz de lectura, un artículo en Editoriales Weekly decía “por un sistema único de iluminacion  por estante, el titulo de cada volumen desde el estante superior hasta abajo se leian fácilmente, al tiempo que las luces estaban ocultas a la vista”. En la fotografía se ve el sistema de iluminación encima del estante superior. Los estantes inferiores estaban ligeramente inclinados hacia arriba, para mostrar mejor los libros. Los artefactos de iluminación están suspendidos del techo.

Notas

1

The Wright Library

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 10. Wright pensaba en «3 dimensiones»

Ver articulo anterior http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-9-casa-bach-y-the-illinois/

H. Allen Brooks

«Wright y la destrucción de la caja»

1990 (texto original de 1979)

Las esquinas invisibles

Hay muchos escritos de Wright acerca de «la destrucción de la caja”, en su búsqueda de espacios abiertos y fluidos.

A finales de la década de 1880, las ideas fuerza de “Shingle Style” o “Queen Anne” (1) se habían agotado pero Wright supo sacar las ideas para generar el uso de generosos espacios intermedios de entre espacios principales. (2)

Casa en Shingle Style, Casa – Estudio de Wright, 1889

En su interior la casa tradicional disponía una caja al lado de otra, la sumatoria de una serie de cajas de este tipo daba como resultado una casa.

Casa Ross

Wright redefinió el concepto de espacio interior desmantelando la caja tradicional. Ya en 1902 se aproximó a la resolución del problema en la Casa Ross. Fue una de las primeras casas de la Pradera.

Interior Casa Ross

Compartió conceptos con Bruce Price en su proyecto de 1897 de la Casa Kent en 18 Pepperidge Road en Tuxedo Park (de estilo colonial neerlandés), especialmente en la resolución de plantas cruciformes.

Bruce Price (3) no solo influyó en Wright, también lo hizo en otros arquitectos jóvenes. Wright en su búsqueda de un lenguaje propio, descubrió que para avanzar en la conceptualización de lo que deseaba conseguir con sus diseños, debía resolver la esquina, su conclusión era que el punto de mayor resistencia en una vivienda era la esquina. Su solución, fue disolverla, mediante el recurso de permitir que una pieza (o espacio) penetrara dentro de la otra.

Casa Price

Crea así un área de superposición que sirve como conexión entre las piezas, pues propone diversos usos para el “ahora” único espacio, reduce las dimensiones y el costo, sin que espacialmente parezca más pequeña.

Al decir del historiador de arquitectura y profesor en la Universidad de Toronto H. Allen Brooks (1925 – 2010) (4) “Esto, cuando se explica, es una idea simple (la mayoría de las grandes ideas son simples), pero en sus consecuencias últimas es uno de los “descubrimientos» más importantes realizados nunca en la arquitectura”.

Las obras de Wright proponen un espacio que adquiere un valor relativo (no es fijo), pues influye la observación de un espacio empírico, donde la participación y la realidad de la observación del espacio por las personas es cambiante. La percepción espacial es variada, es en diagonal, y no frontal y cambia mucho con el movimiento.

Wright se desprendió de las esquinas interiores así como las exteriores, y crea las “esquinas invisibles” con ángulos de vidrio, esto se convirtió en uno de los logros del movimiento moderno. Cuando la mirada recorre el muro lateral no encuentra ninguna interrupción en la esquina, sino que pasa al exterior a través de las puertas.

Las cajas tienen una cara superior y una cara inferior, además de caras laterales, y desde la Casa Ross, Wright comenzó a manipular la altura del techo, adecuándolo a las actividades que se desarrollaban bajo él, más alto donde permanecemos de pie en la sala de estar cerca de la chimenea o caminando a lo largo de las ventanas sobre los muros exteriores, y más bajo en el comedor, lugares donde normalmente permanecemos sentados, lugares para la reflexión y para la conversación.

Casa Loren B. Pope

En la Casa Loren B. Pope, Mt Vernon de 1939, Wright realiza dos niveles de techo, al entrar unos peldaños permiten el descenso y simultáneamente el techo se levanta en correspondencia con las actividades a realizar de pie en el área de estar. El techo baja en el comedor y en las ventanas donde se permanece sentado.

Si hablamos del “sentido de cobijo”, los muros exteriores, perforados, y calados pierden la función de cierre y es en la cubierta donde reside el “sentido de protección”. Intercambia los papeles al pasar de una arquitectura de muros a una arquitectura de techos, que consigue con el hábil manejo de las alturas de éstos.

Pero no se entendía como algo deseable, el señor Moore vecino de Oak Park exigía “Queremos que construya nuestra casa, pero no deseo que nos presente nada que recuerde, en lo más mínimo, a la del Sr. Winslow. No me gustaría tener que ir a tomar el tren por las mañanas pasando por pequeñas callejuelas, para evitar que se rían de mí”.

En su autobiografía Wright dice “…Fue la última vez que consideré mi condición de padre de familia con tres hijos para alimentar…”

No fue tan así, en la Navidad de 1922, un incendio destruyó parte de la casa Moore, y Wright renunciando a sus principios realizó otro proyecto en 1923.

Se dice que el término «Escuela de la pradera» se le atribuye al historiador Brooks, En marzo de 1908, Wright en la revista Architectural record definía: “… vivimos en la pradera. La pradera tiene una belleza muy característica. Nosotros debemos reconocer y acentuar esta belleza natural, su tranquila extensión. De ahí los tejados de ligera pendiente, las pequeñas proporciones, las apacibles siluetas, las chimeneas macizas, los aleros protectores, las terrazas bajas y los muros adelantados, que limitan pequeños jardines…”

Introdujo un sentido de misterio en la secuencia espacial.

En un primer paso Wright elimina las esquinas, y transforma las paredes en láminas, libres y móviles. En un segundo paso mediante el ensamble de segmentos de las láminas forma espacios creando un contexto espacial nuevo que integra las funciones que anteriormente conformaban las piezas destruidas.

En los dibujos a la izquierda, una planta Shingle Style típica,
con grandes vanos entre las piezas de habitaciones
principales, a la derecha, en una casa de Wright
una pieza penetra en la otra en las esquinas.
En el siguiente dibujo se aprecia
la resolución de las plantas, las dimensiones
de las piezas en estas dos plantas son idénticas.

No son aperturas de espacios descontroladas, utiliza distintos procedimientos como en la Casa Willits con láminas verticales de madera combinadas con estanterías bajas para libros, o paredes que no alcanzan el techo (casas Roberts y Hanna –1935/7) (5),  hogares y chimeneas que se abren sobre el espacio vecino (casas Martin y Robie).

Casa Roberts

Casa Robie

Wright tenía una manera de pensar tridimensional, lo que es verificable en la frecuencia con que reúne tantas veces techo y paredes con simples recursos, muchos de ellos se aprecian en la casa Robie. Espacialmente Wright disuelve la esquina y la hace transparente, los vidrios en esquina se juntan a tope, no tienen marcos o materiales opacos.

Casa Willits

En el caso de la casa Willits el núcleo que articula la planta baja está formado por la chimenea y dos bancos corridos, esta disposición en cruz permite muchas visuales, pero restringe una visión total del espacio lo que obliga al visitante de la casa a recorrerla. El comedor y la sala de estar comparten los muros exteriores, pero la “pared” que separa las dos piezas es una chimenea exenta. Los conductos de humos se desplazan a los costados y hacen posible una gran abertura en la masa de la chimenea a nivel del techo.

Desde cada una de las piezas puede verse el techo de la otra, lo que incrementa la sensación de espacio sin disminuir la privacidad, y se tiene una perspectiva continua sobre los muros laterales de estas dos piezas conectadas. Debido a la ausencia de esquinas (no hay señales visuales que nos detengan) es imposible decir donde terminan esos muros exteriores, o cuando dejan de pertenecer al espacio donde nos encontramos; el recurso funciona, ninguna ruptura visual, ni en el exterior ni en el interior, denota los límites de cualquiera de los dos espacios.

El espacio wrightiano depende de la ubicación del observador y no de un límite prefijado. Wright crea una sensación de expansión, una extensión visual del espacio que las dimensiones reales de sus edificios parecerían hacer imposible. Tuvo efectos asombrosos no solo en las obras de Wright, sino también en el futuro de la arquitectura.

Ésta liberación de las paredes de sus esquinas las convierte en lámina, y deja de estar en una posición fija, al convertirse de pared en lámina. Una lámina libre y móvil puede girar sobre su eje, dividirse en láminas menores, en segmentos de aquella,  ensamblarse con otras y definir un concepto espacial nuevo.

Planta de proyecto para casa contra incendios por 5.000 usa de 1906, publicada en Ladies del Home Journal, en abril de 1907

En el diagrama, aparece una planta con sus cuatro paredes trabadas en sus esquinas, al eliminarse éstas, las paredes se convierten en planos independientes o láminas. Más que encerrar, definen un área que sigue siendo similar al del esquema tradicional, pero la excepción está en las esquinas.

Un ejemplo es la planta de la Casa Darwin D. Martín de 1904/6 en Bufalo, Nueva York, que tuvo una amplia difusión en Europa al ser publicado en el Portfolio Wasmuth en 1910.

Casa Charles S. Ross: análisis de la planta realizado por
R.C. Mac Cormac, a partir del cual determinó la malla utilizada
por Wright en su diseño. Architectural Review 1958

Las dimensiones y la situación de los elementos que definen los espacios, sean pantallas, láminas, pilares, techos y chimeneas, nunca eran casuales o arbitrarias, sino que estaban controladas y gobernadas por lo que Wright llamó “un sistema de unidades”.

Los suelos presentan un tema especial, en las Casa Willits y Casa Davidson (Prarie houses), introdujo un único cambio de nivel. Es interesante ver como en la Casa Palmer, emplea un desnivel de un peldaño para disuadir al visitante de acercarse al ala de dormitorios, o, como en la Casa Pope, para magnificar la sensación de majestuosidad a medida que se desciendo desde la entrada a los sectores más públicos de la casa.

Wright manejaba la escala del diseño así como las proporciones, los materiales, el mobiliario y el color, para crear una armonía lo más perfecta posible (muchas veces conseguía una armonía total), no admitía notas discordantes.

A diferencia de otras “muletas o ayudas”, como la sección áurea (a/b = b/ [a + b]), o el Modulor de Le Corbusier, Wright nunca llegó a explicar cómo funcionaba su sistema.

Ver artículo http://onlybook.es/blog/el-modulor-de-le-corbusier/

Más tarde Wright aplicó este sistema también a los alzados. Un aspecto esencial de la arquitectura orgánica de Wright es la idea de que el espacio interior debe encontrar una expresión exterior.

Una comparación entre las Casa Willits (1902) y la Casa Robie (1908) muestra su evolución. . Los edificios se hicieron más informales, más abiertos, y su relación con el entorno natural es más inmediato.

La “casa usoniana”, con su modesto tamaño, fue la expresión perfecta de todo esto. Las situaciones espaciales del interior podían leerse exteriormente. Un muro de mampostería, cerrado en forma de U, iluminado internamente tan sólo por una ventana en triforio bajo una losa de techo de escasa altura, era un estudio, un lugar donde retirarse; un techo más alto y una hilera de puertas vidriadas francesas era signo de un espacio de estar más público; ventanas más pequeñas dando frente a un patio protegido correspondían a un dormitorio. El espacio siempre se manifestaba; había sido definido, una definición que todos ven y reconocen.

Reorganizar espacialmente la vivienda fue para Wright un arduo proceso intelectual,

Tradicionalmente las piezas o habitaciones se delimitan con paredes trabadas en las esquinas, durante el siglo XIX, las casas de campo inglesas hicieron un uso “ridículo” de esta segmentación espacial.

Wright reconoce este “problema” y se dedica a “corregirlo”. Detecta que las esquinas eran el elemento más expresivo del problema y decidió resolverlo.

Desmembró las paredes intermedias, los techos, e incluso los suelos. Finalmente, volvió a ensamblar las piezas fragmentadas en un contexto espacial distinto. Definió las funciones creando un entorno donde viviré más pequeño, pero psicológicamente más saludable.

Era un arquitecto genial, y da el paso esencial al “destruir la caja”. (6)

El sistema tiene algunas ventajas estructurales, los voladizos se dan naturamente cuando la estructura principal se aleja de las esquinas.

En un paso siguiente Wright utilizaría puertas francesas de suelo a techo para conseguir el efecto deseado. En principio, la chimenea exenta se abría a ambos lados, y las bandas del techo reunían al estar, el hogar y el hall de entrada en una única entidad espacial. Desgraciadamente uno de los lados de la chimenea ha sido cerrado por los nuevos propietarios, y las bandas del techo han sido eliminadas.

Recomiento ler este articulo de un colaborador de Wright, hasta que fue invitado a retirarse de Taliesin, en 1948.

Sus conceptos filosóficos acerca de la forma que una ciudad debia ayudar al desarrollo de la vida a sus habitantes, y sus críticas al concepto de desarrollo urbano de F.LL.Wrigh en Broadacre City (proyecto financiado por Edgar Kaufmann) lo enfrentaron a su maestro.

Comenzó su proyecto de vida en Arizona.

He tenido la oportunidad de visitarlo y descubri, que aun hoy antiguos artesanos y seguidores del Arq Paolo Soleri, aún viven allí:

http://onlybook.es/blog/arq-paolo-soleri-por-hakj/

Es muy interesante su proyecto para la nueva fábrica de cerámica SULIMENE al sur de Nápoles, (declarada Monumento Italiano), una obra orgánica y expresiva. 

Notas

1

Fue el surgimiento de la escuela de arquitectura de Nueva Inglaterra, oponiéndose a los patrones ornamentados del estilo Eastlake em la arquitectura Queen Anne. El concepto era de “masa” como un volumen íntegro y la continuidad de líneas horizontales.

2

H. Allen Brooks. Wright y la destrucción de la caja. 1990 (texto original de 1979)

3

Bruce Price (1845 – 1903) innovó el estilo Shingle. Su geometría austera y la masa compacta de sus cabañas en Tuxedo Park influyeron en Frank Lloyd Wright y en Robert Venturi entre otros arquitectos. Realizó grandes obras en estilo “Románico Richardsoniano”, en estilo “Beaux Art” y rascacielos. Realizó en Canadá grandes hoteles para la Canadian Pacific Railways como el Château Frontenac en Quebec y la Estación de Windsor en Montreal.

4

H. Allen Brooks ( 1925 – 2010) fue historiador de arquitectura y profesor en la facultad del Departamento de Bellas Artes de la Universidad de Toronto. Escribió sobre los primeros años de Le Corbusier, y fue el editor del Archivo LeCorbusier de 32 volúmenes. Escribió e investigó sobre Frank Lloyd Wright y la Prairie School.

El término «Escuela de la pradera» se le atribuye a Brooks. Su primer libro, “The Prairie School: Frank Lloyd Wright and his Midwest Contemporaries“ (1972), recibió el premio Alice Davis Hitchcock de la Society of Architectural Historians, también el «Wright Spirit Award», el premio más alto otorgado por la Frank Lloyd Wright Building Conservancy. Fue presidente y miembro de la Sociedad de Historiadores Arquitectónicos, miembro fundador de la Sociedad para el Estudio de la Arquitectura en Canadá y miembro vitalicio de la Sociedad de Historiadores Arquitectónicos de Gran Bretaña.

5

Para el joven matrimonio Hanna, en 737 Frenchman´s Road, que adaptaron la casa durante 25 años. La casa está diseñada en una geometría en base a hexágonos hábilmente innovados por Wright.

6

Acerca de la Caja, ver “An Autobiography”, Nueva York, Duell, Sloan & Pearce, 1943, en la sección “Building the New House”.

Casa Boynton

Un brillante ejemplo es el comedor de la Casa Boynton (1908) en Rochester, donde tres alturas de techo se relacionan directamente con el mobiliario de Wright, que pasados setenta años sigue (increíblemente) en su lugar.

Una mesa pequeña para el desayuno o el almuerzo está situada contra la ventana exterior; sobre ella, el techo tiene tan sólo la altura de la cabeza y crea una sensación de intimidad en las comidas familiares. Hacia el interior de la pieza se encuentra una mesa, grande e imponente, flanqueada por sillas de altos respaldos; corresponde a encuentros familiares formales y a la recepción de invitados, y en escala con ello el techo es más alto.

Entre estas dos mesas con sus techos en relación se encuentra un triforio (línea de ventanas, abiertas en el grueso de los muros) de una sola cara que ilumina la mesa principal y da luz a los rincones más profundos de la pieza. Este techo de una planta y media de altura cubre el área donde se uno puede caminar al interior de la pieza.

Cuando se trataba de unir el espacio interior y el exterior, creaba una pantalla de puertas cristaleras entre el interior y la terraza, como en la Casa Willits o en otras casas usonianas.

Continúa en http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-11-libreria-browne/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 9. Casa Bach y «The Illinois»

capitulo anterior http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-8-su-vida/

Casa Emil Bach en Illinois

Ubicada en Rogers Park (1) en Chicago, sobre un terreno de menos de 4.000 m2.

Al 7415 N de la Sheridan Road.

En 1909 Wright construye una casa que luego de terminada, sus dueños originales la venden a Otto Bach.

En la familia Bach gustó tanto esa casa que su hermano Emil decidió construir otra, es uno de los dueños de Bach Brick Company.

Emil y su esposa Anna Bach deciden comprar un terreno a comienzos de diciembre de 1914 y en 1915 encargan el diseño de la casa a Wright.

En 1907 Wright publicita sus casas de masa cúbica con techos planos en voladizo, un ejemplo es la divulgación de su propuesta en un articulo en la revista“Ladies Home Journal”.

La primer de estas casas fue la Casa Laura Gale, y la Casa Oscar Balch, ambas en Oak Park, luego la Casa Frederick C. Bogk y finalmente la Casa Bach.

La Casa Bach es la única que ha quedado en pie, tiene 250, 84 m², fue diseñada como una residencia unifamiliar de dos pisos con sótano. 

Wright diseño esta casa durante un momento especial de su vida. Despues de su larga estancia en Europa y antes de su viaje a Japón. Un momento especial porque la influencia japonesa le significó una transición a una estétca más expresionista.

Diseña la casa en el clasico Prairie House, pero era diferente a las otras casas diseñadas en ese estilo, porque la casa Bach no estaba en los suburbios, sino en una concurrida calle de Chicago. Representa el último estilo Prairie, antes de un cambio en la concepción de sus proyectos.

Cuando se construyó, era una «casa de campo», desde su fachada Este (trasera) se veia el lago Michigan, actualmente está entre edificios de apartamento y construcciones comerciales sobre la N Sheridan Road, una calle muy concurrida.

Los Bach venden en 1934 la casa a Joseph Peacock donde vivió hasta 1947.

En 1951 se vende 2 veces mas, la última de ellas es en diciembre de 1951 a Manuel Weiss. En 1959 éste la vende a Joseph Blinder.

En 2003, se la puso a la venta la casa con un precio de 2, 5 millones de dólares, estuvo a la venta varios meses hasta que en una subasta con una base de 750.000 dólares se vendió por 1, 7 millones. Muchas organizaciones conservacionistas expresaron su preocupacion con el destino que finalmente se le daria al patio lateral de 45,72 x 13,72 metros, cuyo uso era el de tomar el sol, cuando aun no se habia construido alrededor, este tema resuelto por los nuevos compradores, ¡no lo modificaran!.

Según Ronald Scherubel, director ejecutivo de Frank Lloyd Wright Building Conservancy de Chicago, las limitaciones a la alteración de la casa sin la aprobación de la ciudad y el Consejo de Preservación de Monumentos Históricos de Illinois y la imposibilidad de su destrucción ha sido impedido su demolición. Fue declarada “Monumento Histórico de Chicago” en 1977 y en 1979 se agregó al “Registro Nacional de Lugares Históricos de EE. UU”.

En 2014 se hizo una importante restauración y actualmente se ofrece en regimen de alquileres temporales.

Casa Laura Gale
Casa Oscar Balch
Casa Frederick C. Bogk

“Mile High Building” (The Illinois)

Propuesta de la Utopía de un proyecto de 1609 metros de altura. Fue diseñado por Frank Lloyd Wright en 1956. Su lugar, Chicago.

Hasta ese momento el edificio más alto era el Empire State Building de Nueva York de 1931 con 381 metros y 102 pisos diseñado por William F. Lamb (1883 – 1952) del estudio de arquitectura Shreve-Lamb y Harmon. Anteriormente el más alto había sido el Edificio Chrysler.

Pero el Empire State tenía menos de la cuarta parte de altura que el Mile High. Posiblemente haya servido de inspiración en el diseño de la torre Burj Khalifa (2005/2010) de 829,80 metros y 163 plantas en Dubai, diseñado por el arquitecto Adrian Smith del SOM (estudio Skidmore – Owings & Merrill).

Otros piensan que sus sistema estructural de tres lóbulos tuvo su inspiración en la Torre Lake Point de Chicago, el rascacielos en forma de trebol y revestido de vidrio que los discípulos de Mies van de Rohe (1886 – 1969) completaron en 1969.

El material que se usaba era el acero, que es flexible y hace que la torre se balancee debido a la acción del viento, Wright planteaba como solución el diseño en trípode de la torre, combinándolo con marcos de acero y componentes estructurales integrados, seguramente hubiera debido colocar contrapesos dentro de la torre como en la torre Taipei 101 con 508 metros de altura y 101 pisos diseñada por el arquitecto C. Y. Lee (1938) en 2004.

Taipei 101

Sin duda hoy existen más recursos para hacer factible su Utopia. Otros avances tecnológicos lo hubieran ayudado, ya que desde el año 2000 existen hormigones con un gran aumento de su resistencia, y que son menos flexible que el acero. El espacio que tenían que ocupar los ascensores ocuparía todo el espacio disponible en los pisos inferiores, para así dar servicio en toda la altura del edificio, tema dificil y complicado debido al delgado diseño de Wright.

Este problema ha sido solucionado en edificios más pequeños, como en el Taipei 101, usando ascensores de dos pisos, o como en el World Trade Center, de Nueva York de 1971 diseño de Minoru Yamasaki, Emery Roth & Son, en que el edificio fue dividido en tres sectores, cada uno con su propio vestíbulo, donde los inquilinos se cambiarían entre ascensores, grandes y rápidos y otros más pequeños de pocas plmatas. Yamasaki (1912 – 1986) fue también el autor de las Torres gemelas.

La solución que planteo Wright fueron elevadores exteriores al edificio para conservar el espacio interior. Un tema importante era el de encarar la seguridad frente a un incendio, pero con escaleras de emergencia éstas ocuparían la mayor parte de la superficie de los pisos inferiores. No menor seria la resolución de los elevadores de agua y las aguas residuales, que hubiera exigido reciclar el agua usada usando más superficie de las plantas inferiores.

Chicago Tribune del 28/5/2017

Nunca se construyó pero tampoco se olvidó.

Por BlairKamin (2)

Fue uno de los episodios más extravagantes en la ya extravagante vida de Frank Lloyd Wright, el 16 de octubre de 1956, con 89 años se paró frente a un enorme lienzo dorado, plateado y azul marino en el salón de baile del Sherman House Hotel y desveló su plan para un rascacielos de una milla, 1609,4 metros de altura y hasta la punta de la antena 1739, 20 metros con 528 pisos, 76 ascensores, y una superficie de 1.715.000 m2  con suficiente espacio para 100.000 personas, 15.000 automóviles y 100 helicópteros.

Para manejar a sus 100.000 ocupantes, “The Illinois” tenía una batería de 76 ascensores que se dividian en cinco grupos, cada uno de los cuales sirve un segmento de 100 pisos del edificio, con un ascensor que accede solo los pisos superiores. 

Boceto para el rascacielos de una milla de altura propuest.  
The Illinois. Fuente: Galería Wright Mile, MCM Daily

Cada ascensor era una unidad que se movía sobre rieles y accedía a cinco pisos simultáneamente. Con la forma piramidal del rascacielos, las estructuras verticales del hueco del ascensor finalmente se extendieron más allá de las paredes exteriores inclinadas, formando parapetos sobresalientes en los lados del edificio. 

En su libro de 1957 “A Testament”, Wright dijo que los ascensores fueron diseñados para permitir la evacuación del edificio en una hora, en combinación con las escaleras mecánicas que servían a los cinco pisos más bajos. (4)

La cena en el Sherman House Hotel de Chicago junto a la conferencia de prensa de Mile-High recaudó $ 25,000, unos 274.000 dólares actuales, que ayudaron al futuro de la escuela de arquitectura de Wright, la Taliesin Fellowship.

«Este es The Illinois, caballeros», dijo Wright a los periodistas, donde estaba un joven Paul Gapp, que se convertiría en el crítico de arquitectura del Tribune. 

“En él se consolidarán todas las oficinas gubernamentales que ahora se encuentran repartidas por Chicago”, enfatizaba Wright.

Lo presentó con una ilustración que medía más de 7,6 metros de altura, con el rascacielos dibujado a una escala de 1/16 de pulgada por cada 0,3048 cm. (pie)

Wright no tenía cliente ni sitio para su rascacielos, que nunca se construyó pero tampoco se olvidó.

¿Por qué Wright, que supuestamente odiaba las ciudades, llevó a cabo este truco casi escandaloso? ¿Por qué este feroz defensor de la descentralización diseñaría un rascacielos que habría sido más de cuatro veces más alto que el Empire State Building, por entonces el edificio más alto del mundo?

Barry Bergdoll (3), curador del Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno y de la exposición «Frank Lloyd Wright at 150 Unpacking the Archive», inaugurada el 12 de Junio de 2017 en el MoMA (4) sugiere estas pistas:

Pista uno: Era una búsqueda de la posteridad.

Pista dos: Ir detrás del dinero. Wrigth diría «proponed lujos y las necesidades se atenderán solas”.

Pista tres: Wright buscaba atención mediática. Los historiadores de la arquitectura lo retrataban como “el pasado”, “lo nuevo” era el arquitecto germano-estadounidense Ludwig Mies van der Rohe (1886 – 1969) cuyos rascacielos de acero y vidrio en el 860-880 N. Lake Shore Drive ganaron gran reconocimiento cuando se completaron cinco años antes. 

Wright no podía soportar lo que estaba haciendo Mies. «Mile-High es un acto simbólico, algo increíble para llamar la atención».

A lo largo de su carrera, Wright se destacó en la elaboración de su imagen pública, así como en sus edificios innovadores. 

Fue un “manipulador de los medios de comunicación”, llegó a la televisión en la década de 1950 para aparecer en el popular programa de juegos “Cuál es mi línea” donde dijo que su profesión, era ser el «Arquitecto más famoso del mundo».

Wright revela planes para un fabuloso edificio
de una milla de altura. Ruth Moore

corresponsal de «The Capital Times»

Le dijo a un reportero del Tribune que «El Empire State Building será un ratón en comparación a The Illinois”. Claire Penny, de IBM Watson IOT for Buildings dijo que Wright “Conmocionó a la industria”. Su propuesta «hizo que la gente pensara en edificios altos en el futuro».

No solo los periódicos de todo el país se sumaron a la historia, el alcalde Richard J. Daley proclamó el 17 de octubre de 1956, el día después de la conferencia de prensa, «Día de Frank Lloyd Wright«.

El Mile-High no pretendía ser simplemente alto, fue la máxima expresión del sistema estructural de «raíz principal» de Wright, un mástil central de hormigón que se hundía profundamente en la tierra. Su sistema de raíz principal permitía que los pisos varíen de tamaño al tiempo que permitía abrir el interior y que el espacio fluya entre los pisos. Explicaba «¿Por qué no diseñar un edificio que sea realmente alto?… Hace mucho tiempo observé árboles después del paso de un ciclón. Los que tenían raíces primarias profundas fueron los que sobrevivieron».

El Burj Khalifa y The Illinois

Bill Baker, ingeniero estructural del Burj Khalifa de Dubai, ha estudiado el diseño de Wright a lo largo de los años: “Tenía algunas buenas ideas. Y algunas ideas que no eran tan buenas”

El sistema estructural de raíz pivotante de Wright (enterrar un mástil central en el suelo) no habría funcionado.

Baker relata que Wright trató de resolver parte de la tecnología. Sus planes se redujeron a detalles tan pequeños como pernos de anclaje. Wright también reconoció que necesitaría ayuda técnica, enumerando nombres de académicos, ingenieros estructurales e investigadores en uno de sus dibujos.

Su idea de una hipercentralización, buscaba reemplazar muchos edificios altos en un solo rascacielos superalto. Planteaba liberar el plano de tierra y liberar a las ciudades de la congestión y el hacinamiento que Wright había atacado durante décadas.

Concluye Barry Bergdoll “si era una apuesta por la posteridad, no funcionó. El plan era técnicamente inviable”

Vistas del exterior y de la sección transversal de la SC Johnson Research Tower. La base principal penetra 16,46 metros en el terreno, el núcleo central soporta
15 pisos en voladizo 

Video del 13 sep 2017. Periodista Ilona Kauremszky. Vídeo Esteban Smith. Música Kevin MacLeod. La Torre de Investigación fue la visión de Wright de un complemento vertical al Edificio de Administración. Inaugurada en 1950, la Torre de Investigación es una de las estructuras más altas jamás construidas sobre el principio de voladizo.

Entre 1950 y 1982, la Torre fue el espacio principal de los científicos de investigación y desarrollo de la compañía, quienes, en los 10 años posteriores a su apertura, desarrollaron e introdujeron varios de sus productos mas famosos en todo el mundo,  Raid 1955, Glade 1956, OFF! 1957 y Pledge 1958.

https://youtu.be/m1CkuXYizQc

Torre Price en Bartlesville

Ya había utilizado este sistema estructural en 1950 en la torre de investigación SC Johnson de 15 pisos en Racine, Wisconsin. Allí, alternó pisos cuadrados y redondos que se extienden como ramas de árboles desde un núcleo de hormigón armado. 

Debido al cambio en los códigos de seguridad contra incendios y la impracticabilidad de modernizar el edificio para cumplir con los requisitos del código actual, SC Johnson no ha utilizado la Torre de investigación desde 1982. Sin embargo, restauraron el edificio en 2013 y es visitable.

Vista exterior del Golden Beacon. La sección transversal muestra los cimientos principales, el núcleo central y los pisos en voladizo

Wright utiliza también esta solución en la Torre Price en Bartlesville (1952-1956), tiene 19 pisos y 67,4 metros de altura, es una evolución del diseño de Wright de 1927 para el proyecto St. Mark’s Tower.

Wright lo apodó «el árbol que escapó del bosque abarrotado», en referencia a la construcción en voladizo del edificio y el origen de su diseño en un proyecto para la ciudad de Nueva York.

La Price Tower también ha sido llamado el «rascacielos de la pradera. (Se puede visitar https://www.pricetower.org/tour/)

Vista exterior del Faro Dorado
«Golden Beacon». Fuente:
Fundación Frank Lloyd Wright

Wright al lado de su maqueta de
St. Marks´ in the Bouwerie en el Instituto de
Arte de Chicago, el 24 de septiembre1930

En 1919 habia diseñado un grupo de cuatro torres en Nueva York. Su diseño presentaba una innovadora estructura de «raíz principal», con los pisos en voladizo sobre un núcleo vertical.

La exposición itinerante «The Show» se exhibió en el Art Institute of Chicago, desde el 25 de septiembre al 12 de octubre de 1930. «The Show» luego de Nueva York se exhibió en Chicago, Eugene, Oregón; Seattle, Washington y en varias ciudades europeas.

En la Galería Layton de Milwaukee se exhibíeron 600 fotografías, 1000 dibujos y cuatro maquetas (tres de las cuales eran la Residencia Richard Lloyd Jones, la Gasolinera y las Torres St. Marks-in-the-Bouwerie).

Además del núcleo central para soportar las cargas muertas del edificio, “The Illinois” también incorporó una estructura de trípode de acero tensado externo para resistir las cargas de viento externas y otras cargas de flexión (terremotos), distribuyendo esas cargas a través de la estructura de acero integral del trípode, resistiendo oscilaciones.

Maqueta en el MoMA

En su libro, “Testamento”, Wright declaró: “Finalmente, en toda esta estructura tensada liviana, debido al carácter integral de todos los miembros, las cargas están en equilibrio en todos los puntos, eliminando las oscilaciones. No habrá influencia en la cima de “The Illinois””. (5)

El video corto de 1:31 minutos de 2012 de Charles Muench, “A Peaceful Day in BroadAcre City – One Mile High – Frank Lloyd Wright” muestra el rascacielos de Illinois en el espacioso entorno de Broadacre City y muestra una secuencia de construcción animada del torre. Realisación Viviane El Haddad, Charles Denis
Architecture Trailer TU München 2012.

Exposición en el MoMA

Wright explicó que el edificio (y los ascensores) tenían «energía atómica» aunque no había una planta de energía autónoma en el edificio.

El Empire State Building, mucho mas pequeño tiene una demanda eléctrica máxima de casi 10 megavatios (MW) después de implementar medidas de conservación de energía, en comparación “The Illinois” podía haber tenido juna demanda de 70 megavatios MW.

El Illinois estaba pensado para ser construido en un entorno espacioso como Broadacre City, en lugar del centro de una gran ciudad congestionada y adyacente a otros rascacielos. 

El rascacielos de Illinois como parte del paisaje de mediados de la década de 1950 para su concepto de planificación urbana conocido como Broadacre City

Desde la muerte de Wright en 1959, sus archivos han estado bajo el cuidado de la Fundación Frank Lloyd Wright ( https://franklloydwright.org/frank-lloyd-wright/ ) y en las casas/escuelas de arquitectura de Wright en Taliesin en Spring Green, WI. y Taliesin West, cerca de Scottsdale, AZ.

En septiembre de 2012, Mary Louise Schumacher (6) escribiendo para el Milwaukee Sentinel Journal, informó que la Universidad de Columbia y el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Manhattan habían adquirido conjuntamente los archivos de Frank Lloyd Wright, que consisten en dibujos arquitectónicos, maquetas a gran escala, fotografías históricas, manuscritos, cartas y otros documentos

http://archive.jsonline.com/newswatch/168457936.html

La Biblioteca Avery de Arquitectura y Bellas Artes de la Universidad de Columbia ( https://library.columbia.edu/libraries/avery/da.html ) guardará todos los archivos en papel de Wright, así como las cintas de entrevistas, las transcripciones y las películas. MoMA agregará las maquetas a su colección permanente.

La Fundación Frank Lloyd Wright retendrá todas las responsabilidades de derechos de autor y propiedad intelectual de los archivos, y las tres organizaciones esperan ver los archivos en internet en el futuro.

«La ciudad de gran acrev(4.046 m2), donde cada familia tendrá al menos un acre de tierra, es el inevitable municipio del futuro … Vivimos ahora en ciudades del pasado, esclavos de la máquina y de la construcción tradicional… Nosotros no podemos resolver nuestros problemas de vida y transporte escondiéndonos debajo o trepando por encima, ¿y por qué deberíamos hacerlo? Nos dispersaremos y, al hacerlo, transformaremos nuestros sitios de habitación humana en lugares que permitan la belleza del diseño y el paisaje, el saneamiento y el aire fresco, la privacidad y la patios de recreo y un terreno para criar cosas». Wright

Broadacre City fue un concepto trabajado continuamente por Wright. Escribió mucho al respecto (“La ciudad que desaparece» , 1932), realizó dibujos y maquetas. 

Broadacre es la antítesis de una ciudad porque pretende ser una crítica a las ciudades industriales. De hecho, esta utopía utiliza las posibilidades que permiten los automóviles, ¿o los helicópteros? – y tecnologías de la comunicación para fusionar la naturaleza con la calidad de vida urbana. Increíblemente, lo que los críticos de Wright veían como una utopía, hoy es una realidad: inmensas autopistas que conectan ‘casas de campo’ con servicios dispersos, comercio, instalaciones deportivas y oficinas. Al igual que las ciudades jardín de Howard, Broadacre quiere ser una unidad rural y descentralizada que pueda replicarse infinitamente.

¿Habrá alguna vez un rascacielos de una milla de altura?. Stefan Al explica como las megaestructuras se convirtieron en el skyline de nuestras ciudades. Dirigida por TED y narrada por Addison Anderson.

https://www.ted.com/talks/stefan_al_will_there_ever_be_a_mile_high_skyscraper/transcript?language=en

Notas

1

Rogers Park fue la primera de las 77 áreas comunitarias de Chicago. A 14 km del Loop, el distrito comercial central de la ciudad, esta en el extremo norte a orillas del lago Michigan. Un barrio conocido por su diversidad cultural, espacios verdes, teatros, bares, restaurantes, playas y una arquitectura de principios del siglo XX.

2

Blair Kamin fue crítico de arquitectura del Chicago Tribune, durante 28 años, desde 1992 hasta 2021, anteriormente trabajó para The Des Moines Register. Es editor colaborador en la revista Architectural Record. Ganó el Premio Pulitzer de Crítica en 1999 por sus artículos sobre los problemas y los espacios públicos en Chicago y su lago. Ha recibido mas de 45 premios, es autor de varios libros, ha dado numerosas conferencias y participado en espacios de radio y TV. Se ha desempeñado como crítico invitado en escuelas de arquitectura, incluida la Escuela de Graduados en Diseño de la Universidad de Harvard .

Kamin se graduó en el Amherst College, donde en 1979 recibió una Licenciatura en Artes con honores, y de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, donde realizó en 1984 un Master en Diseño Ambiental.

3

Barry Bergdoll (1955) es profesor de historia del arte en el Departamento de Historia del Arte y Arqueología de la Universidad de Columbia y desde el 2007 al 2019 fue curador en el Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde de 2007 a 2013 se desempeñó como conservador jefe de arquitectura y diseño de Philip Johnson . Se desempeña, desde 2018, como presidente de la Junta del Centro de Arquitectura de la ciudad de Nueva York y desde 2019 miembro del jurado del Premio Pritzker de Arquitectura . 

4

El 12 de junio de 2017, el MoMA inauguró su exhibición, «Frank Lloyd Wright at 150: Unpacking the Archive», que estuvo abierta hasta el 1 de octubre de 2017.

https ://www.moma.org/calendar/exhibiciones/1660

5

El Grupo Lyncean de San Diego (Lynceans) está formado por profesionales técnicos jubilados y semi-jubilados que se reúnen regularmente para discutir temas relacionados con la ciencia y la tecnología, aprender unos de otros, compartir pensamientos e ideas y disfrutar de un interés mutuo en ciencia, tecnología y áreas afines. La información fue actualizada el 9 de mayo de 2020 por Pedro Lobner

6

Mary Louise Schumacher, becaria «Nieman de Arts & Culture 2017», es periodista y crítica independiente. Actualmente está trabajando en un documental sobre críticos de arte en medio de la transformación tecnológica y cultural. Fue crítica de arte y arquitectura en el Milwaukee Journal Sentinel hasta febrero de 2019, donde cubrió la sección cultural para el periódico Midwestern durante 18 años.

Continua en el articulo http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 8. Su vida

Cumpleaños 88 de Frank Lloyd Wright

8 de Junio de 1955, en el 88 cumpleaños de Wright

En el costado de la foto pone “Spring Green, Wis. 8 de Junio: Wright celebra su 88 cumpleaños, Frank Lloyd Wright, el arquitecto de fama mundial, posó con su esposa Olgivanna (derecha) y su hija Iovanna, en la celebración de su 88 cumpleaños. Más de 125 invitados brindaron por Wright mientras hablaba del encargo del rey Faisal de Irak para diseñar y planificar un centro cultural en una isla del río Tigris en Bagdad. Calificó el encargo como “un regalo maravilloso”. La foto se publicó en el Saturday Evening Post en la página 38.

Cumpleaños 90 de Frank Lloyd Wright

Fotografía para un artículo en la pag 30 de “Look Magazine”. Publicado
el 17 de Septiembre de 1957. Fotografía de Michael A. Vaccaro

Cuando el 8 de Junio de 1957 Wright cumple 90 años, su hija Iovanna Lloyd Wright (1925 – 2015) le dedica un poema, que se lo da en Navidad.

Publicado parcialmente en el verano de 1959 después de su muerte, en el boletín de la Pacific Arts Association, en un artículo que incluye estas líneas en un mensaje a los editores «Pensé que le gustaría tener este poema que nuestra hija Iovanna escribió para el cumpleaños número 90 de su padre, pero que se lo regaló en Navidad. Lo disfrutó y se lo leía con frecuencia a nuestros amigos”. Sra. Frank Lloyd Wright.

A mi padre (Publicado por Taliesin Fellowship, Taliesin West)

«… Viviendas que crecieron, En bosques, sol y piedra, En terrones y arcilla sembrada de estrellas. El tiempo y sus eones, forma tras ola, Ola tras ola intemporal yacían reflejadas, En los estanques, los claros misteriosos, Que engendraron dentro de su mente, Y atrajeron el espíritu de la montaña, Y la llanura…»

Son 4 páginas sin numerar, dentro de un sobre dirigido a la «Sra. Mary Fritz, Spring Green, Wisconsin». El matasellos pone “Phoenix, 16 de mayo de 1959″. La dirección del remitente: «Taliesin West, Phoenix Arizona». 

La vida de Wright fue cuanto menos intensa, al tiempo que tormentosa, y dramática.

No solo incluye el abandono de su primera esposa Kitty y a sus 6 hijos.

El hecho de “escaparse” con la esposa de un cliente y sus consecuencias sociales y profesionales. El desastre del asesinato de Mamah Borthwick con sus 2 hijos y 4 colaboradores y el incendio de su casa taller.

El casamiento con una persona prácticamente desconocida como Miriam Noel.

Hasta la paz que le proporciono Olgivanna, cuenado ella tenía 27 años y él 57.

El espíritu creativo de Olgivanna ayudó al renacimiento de la carrera de Wright.

Ello ocurrió desde que en 1924 se conocieron en un espectáculo de ballet en Chicago, ambos se estaban separando de sus matrimonios.

Olgivanna se había casado a los diecinueve años, tuvo una hija y pronto estuvo bajo la influencia de Gurdjeff (1). Poco después de conocerse en 1925, ella y Wright comenzaron a planear un futuro juntos.

Miriam Noel

La separación de Frank con Miriam Noel (1869 – 1930) fue traumático.

En 1922 la primera esposa de Wright, Kitty, le concede el divorcio, y al año, en noviembre de 1923 se casa con Miriam en Spring Green. Wright conoció a Miriam Noel casi inmediatamente después de la trágica muerte de Mamah Cheney el 15 de agosto de 1914, Miriam envió sus condolencias a Wright. En cuestión de semanas, Wright se involucró con Miriam y ella se mudó a Taliesin.

En Mayo de 1924 Miriam abandonó Taliesin. Se habían casado 6 meses antes, es en Noviembre de 1925 que Miriam solicita el divorcio, alegando abandono y crueldad.

El 20 de abril de 1925 un segundo incendio se produce en Taliesin destruyendo las viviendas.

El 2 de diciembre de 1925, Olgivanna da a luz a la hija de Wright, Iovanna Lazovich Lloyd Wright, en Chicago.

Parecía que el divorcio podría permitirle a Wright escapar de las garras de Miriam, hasta que ella descubrió no solo que Olgivanna había entrado en la vida de Wright, sino que Olgivanna estaba embarazada. Así comenzaron años de hostigamientos, acusaciones, contraacusaciones y exabruptos que fueron cubiertos por la prensa nacional. Durante este período, Wright se hizo conocido más por sus escándalos que por su arquitectura, lo que planteó un problema en la captación de clientes.

En Chicago, Miriam incluso agredió a Olgivanna en el hospital a principios de diciembre de 1926. Enfurecida Miriam intentó (sin conseguirlo) asaltar Taliesin el 3 de junio de 1926. En agosto de ese año exige su derecho a vivir en Taliesin y demanda a Olgivanna, ya que asegura “esa bonita bailarina rusa”, le ha usurpado sus derechos.

Una época convulsa, que incluyen el 21 de octubre de 1926 el arresto de Wright en la puerta de la cocina de la cabaña sobre el lago Minnetonka, que había alquilado a comienzos de setiembre, después del arresto Miriam espera las instrucciones de su abogado en el Hotel Southmoor en Chicago, pero debe desaparecer de allí pues la desalojan del hotel y demandan por el impago de 1.500 dólares (unos 25.255 dólares de 2022)

En 1927 la que es arrestada en Miriam en el comedor del hotel Lorain de Madison por el envío de una carta obscena a Wright.

Desde diciembre de 1926 hasta febrero de 1927 Miriam vive en San Francisco, en los Claremont Apartments de la calle Sutter.

Finalmente se separa de Miriam el 26 de Agosto de 1927, y Frank decide viajar con Olgivanna a Puerto Rico por dos meses. En marzo de 1928 Frank, Olgivanna y sus hijos se mudan a una cabaña en La Jolla en California, en julio de ese año Miriam destroza la cabaña y es arrestada.

El año 1928, fue un caos en la economía de Wright, en enero el banco le reclama el pago de una hipoteca ordena que abandone Taliesin, y da la orden de ponerla a la venta. Poco tiempo antes, a comienzos de 1927 el banco había ordenado a Wright vender alguno de sus grabados japoneses.

En Octubre de 1928 Wright, Olgivanna y los niños regresan a Taliesin. Cuatro años después de conocerse, y al año de conseguir la separación de Miriam, el 25 de Agosto de 1928 Olgivanna y Frank se casan a la medianoche en Rancho Santa Fe cerca de La Jolla. Pasaron su luna de miel en Phoenix, en el Arizona Biltmore Hotel.

El 3 de enero de 1930, Miriam Noel fallece a la edad de 61 años.

El Hotel Plaza, inaugurado en 1907, fue testigo de parte de la vida de Wright. Irónicamente llamado Taliesin III, fue en él donde en 1909 se había encontrado con su amante Mamah Borthwick, en camino a Europa. Y también el en 1950 cuando se instaló en una suite doble con su esposa Olgivanna.

Desde el Plaza, supervisó el museo Guggenheim, y otros proyectos en Westchester y Connecticut, así como 3 proyectos menores el Hoffmann Automobile Showroom (Manhattan), New Sports Pavilion (Long Island) y Cass House (Staten Island).

Oro Press ha editado un libro sobre Oligivanna escrito por Maxine Fawcett-Yeske junto a Bruce Brooks Pfeiffer (Director de los Archivos Frank Lloyd Wright).

Pfeiffer tuvo un contacto estrecho con Olgivanna.

La revista A + A entrevistó a Fawcett-Yeske, este es el resumen:

“…durante uno de mis viajes de investigación al Archivo Frank Lloyd Wright en Taliesin West, me comenta Bruce Brooks Pfeiffer que Olgivanna había escrito una autobiografía, en bruto, inédita y leída por muy pocas personas hasta ese momento. Mientras Bruce y yo discutíamos la autobiografía, me quedó claro que antes de preparar ediciones de obras seleccionadas de las composiciones de Olgivanna y antes de escribir la biografía de la señora Wright, se debería permitir que sus palabras hablen por sí mismas. Así comenzó el trabajo de compilación y edición de lo que se convertiría en «Crna Gora to Taliesin, From the Black Mountain to the Shining Brow: The Life of Olgivanna Lloyd Wright…” Maxine Fawcett-Yeske

Gracias al genio de Olgivanna se formó la Escuela de Arquitectura Frank Lloyd Wright, conocida como la “Beca Taliesin”.

Wright, Olgivanna e insertada la foto de Gurdjeff

Ella supervisó todos los aspectos administrativos de la escuela, así como el plan de estudios holístico que consideraba que el “todo” es un sistema más complejo que la individualidad de las partes. Enseñaban a los alumnos que además del diseño arquitectónico era importante hablar en público, cuidar la etiqueta y el decoro, mientras les enseñaban los secretos del arte.

Era escritora, fue autora de cinco libros sobre filosofía y sobre la vida que ella y Frank compartieron.

Era compositora, compuso más de cuarenta composiciones musicales que enriquecieron la vida de los aprendices, y la del público que acudía a los festivales de música y danza en Taliesin East en Wisconsin y en Taliesin West en Scottsdale

Quizás fue una arquitecta del espíritu humano, apoyaba a los aprendices de arquitectura convencida que la música, el arte, la literatura, la danza y la filosofía eran «orgánicos» y fundamentales para el diseño estructural de la mente, el cuerpo y el carácter, pero basicamente apoyó al genio de Frank, y le permitió retomar el camino de la arquitectura con mayúsculas.

Su nombre completo era Olga Ivanovna «Olgivanna» Milijanov Lazovich Hinzenberg Lloyd Wright. Nació en Cetinje, entonces capital del pequeño principado de Montenegro. Su padre, Iovan Lazovich, fue el primer presidente de la Corte Suprema de Montenegro. Su madre Melitza era general del ejército montenegrino, hija del duque Marco Milijanov (1833-1901), un general al que se le atribuye la preservación de la independencia de Montenegro del dominio turco en 1878.

Georgi Gurdjieff

Melitza era la menor de tres hijas del duque, en ausencia de hijos, Milijanov la llevó al ejército para entrenarla como soldado. Por lo tanto, Olgivanna provenía de un entorno aristocrático fuerte y diverso: una madre experta en rebelión social y tácticas militares y un padre dedicado a la paz y la justicia. El padre de Olgivanna se había quedado ciego en el momento de su nacimiento, por lo que durante su primera infancia en Montenegro, fue los ojos de su padre, le leía todo: periódicos, documentos legales, libros de poesía y filosofía, al mismo tiempo que desarrollaba una visión de un mundo, que era complejo para su corta edad.

A los 9 años comienza una educación más formal en Rusia. Vivía con su hermana Julia, que estaba casada con el noble ruso Constantin Siberiakov, cuya familia poseía minas de oro en los Montes Urales. A los 20 años se casa con el arquitecto ruso Vlademar Hinzenberg.

En Rusia estudia varios años con el místico y filósofo greco-armenio Georgi Gurdjieff (1866 – 1949) (1)

En 1917, en el momento de la Revolución Bolchevique, Olgivanna huyó de Rusia junto con Gurdjieff y sus seguidores, en ese año nace su hija Svetlana.

Vivió un tiempo en Tiflis, en Georgia, cerca de la frontera con Turquía, junto con Gurdjieff y sus adeptos.

Our House (Nuestra Casa) por Olgivanna Lloyd Wright, editor Prensa del Horizonte 1959. 308 páginas, digitalizado por La Universidad de Michigan en 2007

Desde 1922 el Grupo enseñaba en el Instituto para el Desarrollo Armonioso del Hombre en Avon, en el distrito de Fontainebleau.

Gurdjieff creía en el desarrollo de la «persona completa», mente, corazón y cuerpo. Su plan de estudios era estricto, incorporaba la danza, el ejercicio y el trabajo físico para superar dificultades personales y encontrar una disciplina psicológica. El prestigio del Instituto Gurdieff convocó a muchos alumnos como la escritora modernista Katherine Mansfield (pseudónimo de Kathleen Beauchamp 1888 – 1923) quien estuvo al cuidado de Olgivanna debido a su terminal estado de tuberculosis. Es en el instituto donde Olgivanna se formó como bailarina, música, educadora y filósofa.

No tuvieron tiempo para el aburrimiento, las experiencias con el aprendizaje y la enseñanza, la Beca Taliesin, los ocupaba diariamente,

Luego de la muerte de Frank el 9 de Abril de 1959, Olgivanna tomo a su cargo explicar en charlas permanentes el concepto de “arquitectura orgánica” de Wright y hablar sobre su vida. Continuó componiendo música hasta su muerte el 1 de marzo de 1985.

Amigos que influyeron en la carrera de Wright

El promotor más importante de Wright en la escena cultural de la ciudad de Nueva York fue Alexander Woollcott (1887 – 1943), crítico teatral, comentarista y escritor de The New Yorker.

Alexander Woolcott

Desde 1929 a 1934 escribió la columna “Gritos y Rumores”.

Su apodo era Aleck, fue miembro fundador y figura central en la mesa redonda Algonquin. Este “oasis intelectual en el árido Broadway” comenzó como una reunión de almuerzo donde cabían autores, dramaturgos, ilustradores, caricaturistas, actores, artistas, escultores y celebridades.

“Todas las cosas que realmente me gusta hacer son inmorales, ilegales o engordan”, le gustaba confesar a Alexander Woollcott.

Entre sus compañeros de lengua afilada, Woollcott se convirtió en «el más cortejado y el más odiado en el negocio». Demoledor crítico teatral, fue una de las personas más influyentes del panorama artístico estadounidense de la primera mitad del siglo XX.

Wright y Woollcott compartieron una correspondencia cálida e ingeniosa, cargada de admiración mutua. Wright afirmó que incluso había asistido a algunas de las reuniones de la Mesa Redonda de Algonquin como invitado de Woollcott..

En 1919 la Mesa redonda de Algonquin estaba integrada por Art Samuels, Harpo Marx, Charlie MacArthur, Doroty Parker y Alexander Woollcott. Sirvió de inspiración al dramaturgo  George Simon Kaufman (1889 – 1961) y a Moss Hart (1904 – 1961) para crear al personaje principal llamado Sheridan Whiteside de la obra “El hombre que vio a cenar”. Woollcott tenía una estrecha amistad con Harpo Marx, (1888 – 1964), colaboró activamente en el renacimiento de la carrera de los hermanos Marx. Su libro “While Rome Burns”, editado por Grisset & Dunlap en 1934 fue un superventas.

Su personalidad no le impedía difundirlo permanentemente desde su programa de radio en la CBS “The Town Crier” (emitido desde 1933 hasta 1938), o hacer comentarios como los que hizo sobre un pianista, compositor autor, humorista y actor “No hay absolutamente nada malo en Oscar Levant que un milagro no pueda corregir”.

El editor, crítico de teatro y escritor Wolcott Gibbs (1902 – 1958) que lo conocía muy bien, ya que trabajó 31 años en la revista The New Yorker, escribió de él “Se podía sacar cada frase sin cambiar el sentido general… fue uno de los escritores más espantosos que han existido”.

Entre las frases clásicas de Woollcott esta su descripción del área de Los Angeles como “Siete barrios en busca de una ciudad” (algunos la atribuyen a su amiga Dorothy Parker).

Notas

1

El místico Ivanovich Gurdjieff, nacido en Armenia enseñaba técnicas de danza que llamaba Movimientos, que según él podrían transportar a sus seguidores más allá del reino de los sentidos ordinarios. A principios de la década de 1920, Olgivanna era una de sus principales devotas.

 “Gurdjieff mostró que la evolución del hombre… es el resultado del crecimiento (y desarrollo) interior individual…tal apertura interior es la meta de todas las religiones, de todos los caminos… requiere un conocimiento directo y preciso… que sólo se puede adquirir con la ayuda de algún guía con experiencia y a través de un prolongado estudio de sí y del trabajo sobre sí mismo”.

Perspectivas desde el mundo real. Introducción. Ed. Sirio

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Calendario 2023. Por la III República (2)

anterior ver http://onlybook.es/blog/calendario-2023-por-la-iii-republica-1/

Aleksandra Kolontái (1872 – 1952)

Aleksandra Kolontái (Aleksandra «Shura» Mijáilovna Kolontái) fue una destacada política revolucionaria y feminista marxista rusa. Bolchevique desde 1915, fue la primera mujer de la historia en estar al frente de un ministerio en el Gobierno y de una embajada.

Pertenecía a una familia aristocrática rusa, su padre, Mijaíl Alekséievich Domontóvich, era un general al servicio del zar, y su madre, Aleksandra Aleksándrovna Masálina  provenía de una familia de campesinos que había hecho una gran fortuna en la industria maderera

Después de ser la primera mujer que formaba parte del Comité Ejecutivo del Sóviet de Petrogrado, fue elegida miembro del Comité central del Partido Bolchevique poco antes de la Insurrección. Tras el triunfo de la misma pasó a dirigir el Comisariado del Pueblo para la Salud y el Bienestar Social.  

A los 19 conoció al que sería su marido, Vladímir Lúdvigovich Kolontái, un estudiante de ingeniería de origen modesto rechazado por su madre. tras afiliarse en 1896 al partido socialista abandonó a su marido y su hijo para estudiar en Zúrich (Suiza) centro neurálgico de las jóvenes estudiosas afines a las ideas socialistas. Se afilió al Partido Obrero Socialdemócrata Ruso en 1899.

Participó en los acontecimientos revolucionarios de 1905, tras presenciar la matanza de obreros frente al Palacio de Invierno.

Kolontái trabajó escribiendo artículos y organizando asociaciones de trabajadoras rusas. Tuvo que exiliarse a raíz de la publicación de un artículo titulado Finlandia y el socialismo en el que animaba a los finlandeses a sublevarse contra la ocupación rusa. Esto le dio oportunidad de viajar por toda Europa, entrando en contacto con diversos partidos socialistas en países como Alemania, Gran Bretaña y Francia.

Se opuso activamente a la Primera Guerra Mundial, en junio de 1915 se unió a los bolcheviques que «eran los que más consecuentemente combatían el Socialpatriotismo», viajó por diversos países haciendo campaña contra la guerra

Trató el tema de la liberación sexual femenina en dos de sus obras: “La Nueva Mujer” y “El Amor en la Sociedad Comunista”.

Kolontái era partidaria de una organización específica de la mujer en los partidos obreros y lo intentó establecer en Oposición Obrera.

Fue elegida miembro del Comité Ejecutivo del Sóviet de Petrogrado. Apoyó a Lenin en su visión de los soviets. 

​Pocos meses antes de octubre de 1917 fue elegida miembro del Comité Central del Partido y votó a favor de la insurrección y de la toma del Palacio de Invierno para construir así un Estado obrero.

Aleksandra Kolontái fue elegida para el Comisariado del Pueblo para la Asistencia Pública.

Trabajó para la modificación de las leyes que establecían la subordinación de la mujer al varón, defendió el derecho del voto femenino y la premisa de «a igual trabajo igual salario» de las mujeres en las mismas condiciones que los hombres”. Luchó por el derecho al divorció y el aborto, planteó la creación de guarderías y hogares para ninños, protegiendo además la maternidad.

En 1922 pasó al servicio diplomático siendo una de las primeras mujeres en ocupar cargos diplomáticos importantes en Noruega, México y Suecia.

Kollontái fue colocada a la cabeza de la legación soviética, primero como chargée d’affaires y poco después como ministra plenipotenciaria.

Con este rango fue transferida a México en 1926, luego enviada de regreso a Noruega y, finalmente, en 1930 a Suecia, donde permaneció hasta 1945, llegando a ser embajadora en 1943 (probablemente la primera mujer en ocupar tal puesto en la historia de la diplomacia moderna​) seguramente su imagen personal resultaba valiosa al régimen de Stalin como modelo de la emancipación femenina soviética. Por otro lado, ella se había alineado disciplinadamente con los seguidores de Stalin desde 1927 al publicar en Pravda un artículo de crítica radical contra la Oposición unificada.

Durante la Segunda Guerra Mundial Kolontái mantuvo activos los vínculos entre la URSS y Suecia, en contrapartida, sus casi veinte años de actividad diplomática fuera de la URSS significaron que su influencia política en el PCUS desapareciera, mientras las purgas estalinistas causaban la muerte a los veteranos de la «Oposición Obrera» y también a su propio ex esposo Pável Dybenko.(Pável Efimovich Dybenko, 1889 – fusilado en 1938).

Pável Dybenko y Aleksandra Kolontái

El contexto social en el que actuó esta explicitado en este texto:

 “Borrada de la historia oficial del comunismo, su obra tiene hoy plena vigencia. Los actuales movimientos feministas se debaten con la misma problemática que en la época de Kollontay: por un lado el apoliticismo, acompañado de una actitud sexista, que domina en algunos grupos; por otro, la indiferencia y el paternalismo de la mayoría de los partidos progresistas ante la situación de la mujer en su práctica cotidiana”

Carmen Parrondo, “Alejandra Kolontay, bolchevique y feminista”. En “La mujer nueva y la moral sexual y otros escritos”, Ayuso, Madrid, 1976.

En “Orígenes de la familia” señaló que en la sociedad comunista, la igualdad, el reconocimiento recíproco de los derechos y la comprensión fraternal debían constituir los principios fundamentales de las relaciones entre mujeres y hombres.

Trató el tema de la liberación sexual femenina en dos de sus obras: La Nueva Mujer y El Amor en la Sociedad Comunista.

Para la querida camarada Louise Bryant de
su amiga Aleksandra
Kolontái. Petrogrado, 1 de septiembre de 1918.

En las relaciones sexuales la mujer nueva no renunciaría a su naturaleza femenina, ni al placer de la carne y elegiría libremente al hombre que quisiese como padre de su descendencia. Sobre la prostitución consideraba que se trata de una experiencia insatisfactoria tanto para el hombre, que comprando las caricias de una mujer nunca experimentará el verdadero éxtasis erótico, como para la prostituta, que nunca alcanzará plenitud y armonía vendiendo su cuerpo.

De 1898 es su primer estudio sobre sicología de la educación, escribe “Bases de la educación según Dobrolivbov”, en ese momento se encuentra con Clara Zetkin.

En sus memorias deja claro que sus ideas se decantaron con mayor precisión al conocer a Rosa Luxemburgo. Ver sobre ambas en http://onlybook.es/blog/calendario-2023-por-la-iii-republica-1/

Durante la dictadura franquista, se entierra su recuerdo. Nada más morir Franco en 1975, comienzan a reeditarse sus obras, que interesan a una sociedad altamente politizada, en la que irrumpe el movimiento feminista, que siente en ella una precursora.

Notas

2

Textos Efemérides Antonio Jiménez, Matilde Sempere, Fernando Moreno, Alicia Cózar, Daniel Fernández, Nadia Kahlil.

Diseño Fernando Casado

Calendario 2023. Por la III República (1)

Enero

Flora Tristán (1803-1844)

Flora Celestina Teresa Enriqueta Tristán y Moscoso fue una escritora francesa socialista y feminista, hija de un coronel peruano de la armada española… a los diecisiete años la obligaron a casarse con André Chazal, propietario de un taller de litografía en el que trabajaba desde los 16 años.

Tuvo tres hijos, uno falleció muy joven y su única hija nacida en 1825 fue Alina, que fue la madre del pintor Paul Gauguin.

Por huir del maltrato de su marido y ser hija ilegítima, se convirtió en paria, algo que asumió con orgullo utilizando el término en su obra Peregrinaciones de una Paria (Pérégrinations d’une Paria) donde narra sus viajes y sus experiencias en Perú. Fue publicado en 1838.

De regreso a Francia, emprendió una campaña a favor de la emancipación de la mujer, los derechos de los trabajadores y en contra de la pena de muerte.

Viajó por Inglaterra y tras ver las condiciones miserables en que vivía la población obrera, escribió en 1840 un coherente programa socialista en L’Union Ouvrière (La Unión Obrera), en donde clamó por la necesidad de los trabajadores de organizarse y abogó por su “unidad universal, la emancipación de los trabajadores debía ir unida a la emancipación de la mujer”, fue la creadora de la consigna “Proletarios del mundo, uníos”. Fue la primera autora en aunar feminismo y socialismo.

Ya había conseguido la separación legal de su marido y la custodia de sus hijos; sin embargo, André Chazal, enfurecido e impotente, intentó asesinarla, disparándole en la calle y dejándola malherida, en septiembre de 1838. Flora ganó notoriedad en la prensa, y Chazal fue sometido a un proceso que se le complicó con la acusación de intentar violar a su propia hija Aline, finalmente fue condenado a veinte años de trabajos forzados.

Se convirtió así en la primera mujer en hablar del socialismo y de la lucha de los proletarios. Karl Marx reconoció su carácter de “precursora de altos ideales nobles” y sus libros formaron parte de su biblioteca personal.

En el texto La Sagrada Familia (escrito conjuntamente por Karl Marx y Friedrich Engels) en el capítulo IV (escrito solamente por Engels), Die kritische Kritik als die Ruhe des Erkennens oder die kirische Kritik ald Herr Edgar se hace una defensa de la feminista comunista Flore Celestine.

Murió a los 41 años, víctima del tifus, mientras se hallaba en plena gira por el interior de Francia, promoviendo sus ideas revolucionarias.

Febrero

Louise Michel (1830-1905)

Era hija natural de una sirvienta, Marie Anne Michel, y del terrateniente Étienne-Charles Demahis o, más probablemente, de su hijo, Laurent Demahis. Luego de la muerte de su abuelo en 1850, estudió para ser maestra pero su rechazo a prestar juramento a Napoleón III le impidió entrar en la enseñanza pública.

Por ese motivo, entre 1852 y 1855, abrió sucesivamente escuelas libres. Practicó una enseñanza basada en los ideales republicanos y en una pedagogía innovadora, lo que levantaría suspicacias entre los padres de sus alumnos y le valió alguna amonestación por parte de las autoridades. Insistía en el sentido de la responsabilidad y en la participación activa del alumnado, prohibía los castigos, daba clases de ciencias naturales y escribía pequeñas piezas teatrales que las alumnas representaban en clase.

En 1856, Louise Michel se trasladó a París, donde se dedicó a la enseñanza sin interrupción durante quince años.

El 1 de septiembre de 1870, la derrota de Napoleón III en la guerra franco-prusiana puso fin a la dictadura imperial. Los acontecimientos precipitaron la proclamación de la república, mientras el ejército prusiano marchaba sobre París, Louise Michel entró a formar parte del Comité de Vigilancia del barrio de Montmartre. Louise Michel era entonces seguidora del movimiento revolucionario fundado por el republicano socialista Louis Auguste Blanqui. En enero de 1871, cuando las tropas del general Trochu abrieron fuego contra la multitud delante de la alcaldía de París, Michel, vestida de guarda nacional, respondió disparando. Estuvo en primera fila de los acontecimientos de los 17 y 18 de marzo de 1871, que marcan el inicio de la Comuna de París.

 
Louise Michel, agitando una bandera negra con
la inscripción “pan o muerte”, el 9 de marzo de 1883
en el saqueo a una panadería en París.

Louise mantuvo una destacada labor social y militante en los apenas dos meses que duró la sublevación parisina. Consiguió la creación de comedores para los niños del barrio. Organizó también un servicio de guarderías infantiles en toda la capital, y apoyó ideas muy novedosas como la creación de escuelas profesionales y de orfanatos laicos. Cuando las tropas del gobierno de Versalles asaltaron París en abril-mayo de 1871, combatió, fusil en mano, en las barricadas, lideró un batallón femenino. Michel logró escapar, pero se entregó a los «versalleses» a los pocos días, para obtener la liberación de su madre que había sido arrestada en su lugar. La condenaron a diez años de destierro.

Deportada a Nueva Caledonia, después de cumplir veinte meses en prisión, colaboró con quienes luchaban por la independencia política de esa colonia francesa.

Amparada por la amnistía parcial concedida a los participantes en la Comuna de París, Louise Michel regresó a París en 1880. En 1883, en un mitin en París, Louise Michel, para desmarcarse de los socialistas se pronunció a favor de la adopción de la bandera negra por los anarquistas Durante los diez últimos años de su vida, residió entre Londres y París sus actividades fueron constantemente vigiladas por la policía y fue detenida en numerosas ocasiones.

Marzo

Emma Goldman (1869-1940)

La palabra como arma.

Emma Goldman nació en la ciudad lituana de Kaunas en 1869.

Con diecisiete años emigró a Estados Unidos, escapando de un matrimonio concertado por su padre.

Allí asistió a un acontecimiento que marcaría su devenir intelectual y personal, la revuelta obrera que tuvo lugar el 1 de Mayo de 1886 en Chicago. 300.000 trabajadores se declararán en huelga exigiendo una jornada laboral de ocho horas. Tres días más tarde estallará una bomba durante una concentración en la plaza de Haymarket. Ocho jóvenes anarquistas serán acusados. Tras un juicio que hoy se considera una farsa, cinco obreros fueron ejecutados y tres encarcelados en prisión.

Comenzó entonces su carrera como activista política. Daba discursos incendiarios ante miles de personas y era detenida frecuentemente… El director del FBI la consideró “la mujer más peligrosa de América”… Goldman fue finalmente deportada a Rusia en 1919.

Dos años en Rusia. Diez artículos
publicados en el mundo

En 1922 participó en la rebelión anarquista de Kronstadt… Visitó España en tres ocasiones durante la Segunda República, trabando amistad con Federica Montseny… Suya es la conocida frase: “Si no puedo bailar, tu revolución no me interesa”

“Puede que me arresten, me procesen y me metan en la cárcel, pero nunca me callaré; nunca asentiré o me someteré a la autoridad, nunca haré las paces con un sistema que degrada a la mujer a una mera incubadora y que se ceba con sus inocentes víctimas. Aquí y ahora declaro la guerra a este sistema y no descansaré hasta que sea liberado el camino para una libre maternidad y una saludable, alegre y feliz niñez”.

Agitadora, propagandista y promotora de los métodos anticonceptivos y la igualdad de género, fue considerada como una de las mujeres más peligrosas de la puritana América de finales del siglo XIX y principios del XX. “Emma la Roja”, se convirtió en un hito de la historia del feminismo.

Abril

Clara Zetkin  (1857-1933)

Nació como Clara Eibner, fue una política comunista alemana de origen judío, activa defensora de los derechos de la mujer.

Dirigió la revista La Igualdad, fue una de las fundadoras de la Internacional Socialista de Mujeres (ISM) y propuso la celebración del “Día de la mujer Trabajadora”.  

Debido a las prohibiciones de las actividades socialistas dictadas por Otto von Bixmarck en 1878, se refugia en Zúrich y luego en Paris donde toma contacto con anarquistas y dirigentes marxistas como Jenny y Laura MarxPaul Lafargue y Jules Guesde. Juega un papel importante en la fundación de la Segunda Internacional.

En el informe que redacta del Congreso fundacional, define la necesidad inmediata de abordar la lucha de las mujeres por parte de los partidos socialistas y de ganar a sus filas a las mujeres obreras. En el documento “Directrices para el movimiento comunista femenino presentado en 1921 en el III Congreso Mundial de la Internacional Comunista escribe: La II Internacional toleró que las organizaciones inglesas afiliadas lucharan durante años por la introducción de un derecho de voto femenino restringido lo cual, de haber sido conseguido, sólo hubiera aumentado el poder político de los poseedores y reforzado su resistencia contra el sufragio universal para todos los adultos. Permitió también que el partido socialdemócrata belga y, más tarde, el austríaco, se negasen a incluir, en sus grandes luchas por el derecho de voto, la reivindicación del sufragio universal femenino…”

Durante la Primera Guerra Mundial, Clara ZetkinKarl Liebknecht y Rosa Luxemburgo junto a otros influyentes miembros del SPD, rechazaron la política pactista del partido con el gobierno, la cual suprimía las huelgas obreras durante el conflicto armado. Junto con otros activistas antibelicistas, Zetkin organizó una conferencia internacional de mujeres socialistas contra la guerra en Berlín en 1905.

A consecuencia de sus opiniones fue arrestada varias veces durante la guerra

Hasta 1924 Zetkin fue miembro de la oficina central del KPD, y entre 1927 y 1929 miembro de su comité central.

Desde 1921 a 1933 fue miembro del comité ejecutivo de la Internacional Comunista (el Comintern).

En 1925 fue elegida presidenta de la asociación de solidaridad «Socorro Rojo». Fue miembro del Reichstag por el Partido Comunista de Alemania durante la República de Weimar desde 1920 a 1933, en agosto de 1932, como presidenta del Reichstag al ser el miembro de más edad, hizo el llamamiento de esta institución a la lucha contra el nazismo.

Cuando Adolf Hitler y su NSDAP tomaron el poder, el Partido Comunista fue ilegalizado y el Reichstag incendiado en 1933. Clara Zetkin se exilió de nuevo, esta vez en la Unión Soviética, donde murió el 20 de junio de 1933 en Moscú. Fue enterrada en la Necrópolis de la Muralla del Kremlin en Moscú.

Mayo

Rosa Luxemburgo (1871-1919)

Monumento a Rosa Luxemburgo en el
canal Landwehr de Berlín, lugar
donde fue arrojada al agua, malherida
pero aún con vida

Con su asesinato, observó Isaac Deutscher, biógrafo de Trotsky “la Alemania de la casa dinástica de los Hohemzollern celebró su último triunfo y la Alemana nazi, el primero”.

Rosa Luxenburgo, militante polaca, alemana de origen judío. Se la considera una de las principales teóricas marxistas

Pensaba que la Primera Guerra Mundial había sido un mero enfrentamiento entre potencias imperialistas, y se opuso a la aprobación de los socialdemócratas a los créditos para financiar la guerra.

En Women’s suffrage and class struggle (1912) Luxemburgo toma una postura crítica con sectores capitalistas del feminismo:

La monarquía y la falta de derechos de las mujeres se han convertido en las herramientas más importantes de la clase capitalista gobernante…si se tratara de votar por las damas burguesas, el estado capitalista no podría esperar nada más que un apoyo efectivo para la reacción. La mayoría de esas mujeres burguesas que actúan como leonas en la lucha contra las ‘prerrogativas masculinas’ trotarían como ovejas dóciles en el campo de la reacción conservadora y clerical si tuvieran sufragio… Aparte de las pocas que tienen trabajos o profesiones, las mujeres de la burguesía no participan en la producción social. No son más que co-consumidores de la plusvalía que sus hombres extorsionan al proletariado…Son parásitos de los parásitos del cuerpo social. Y los co-consumidores suelen ser aún más rabiosos y crueles al defender su «derecho» a la vida de un parásito que los agentes directos del dominio de clase y la explotación…Las mujeres de las clases propietarias siempre defenderán fanáticamente la explotación y la esclavitud de los trabajadores por los cuales indirectamente reciben los medios para su existencia socialmente inútil…

En The Proletarian Woman (1914) Luxemburgo, como parte de una continuación del escrito de 1912 más detallado, exige separar a la mujer proletaria de la mujer burguesa:

El capitalismo fue el primero en sacarla de la familia y ponerla bajo el yugo de la producción social, forzada a los campos de otros, a talleres, edificios, oficinas, fábricas y almacenes. Como mujer burguesa, la hembra es un parásito de la sociedad; su función consiste en compartir el consumo de los frutos de la explotación…Como mujer proletaria moderna, la mujer se convierte en un ser humano por primera vez, ya que la lucha proletaria es la primera en preparar a los seres humanos para que contribuyan a la cultura, a la historia de la humanidad.

En 1916 ingresó en la Liga Espartaquista, germen del posterior Partido Comunista de Alemania. Fundó con el teórico alemán Karl Liebknecht, el periódico Die Rote Fahne (La Bandera Roja) y público libros de considerable influencia como Reforma o Revolución (1900), Huelga de masas, partido y sindicato (1906), La Acumulación del capital (1913) y La revolución rusa (1918).

La Liga publicó gran cantidad de panfletos ilegales firmados como “Espartaco”, emulando al gladiador tracio que intentó la liberación de los esclavos de Roma. Incluso la misma Rosa Luxemburgo adoptó el apodo de “Junius”, tomado de Lucius Junius Brutus, el cual se considera fundador de la República de Roma tras deponer al último rey romano (509 a. C.)

En 1898 se muda a Berlín, Denunció repetidamente el creciente conformismo parlamentario del SPD frente a la cada vez más probable situación de guerra. Rosa insistió en que la crítica diferencia entre capital y trabajo solo podía ser contrarrestada si el proletariado tomaba el poder y se producía un cambio revolucionario en todo el contexto de los medios de producción.

Por su oposición a la guerra e intentando provocar una huelga general el 28 de junio de 1916 Rosa Luxemburgo y Karl Liebknecht fueron sentenciados a dos años y medio de prisión.

Su aguda crítica a la Revolución de Octubre y a los bolcheviques disminuyó en la medida en que ella explicó los errores de la revolución y de los bolcheviques como “un completo fracaso del proletariado internacional” (Sobre la Revolución rusa). A pesar de toda su carga crítica, dejó claro como credencial de los bolcheviques que al menos ellos se habían atrevido a hacer la revolución.

Fue en este contexto en el que escribió su famosa frase: “Freiheit ist immer die Freiheit des Andersdenkenden” (La libertad siempre ha sido y es la libertad para aquellos que piensen diferente). Otra publicación de la misma época —junio de 1916— fue La crisis de la socialdemocracia

En enero de 1919, una segunda ola revolucionaria sacudió Alemania, aunque algunos de los líderes del KPD —incluida Rosa Luxemburgo— no deseaban promoverla. En respuesta al levantamiento, el líder socialdemócrata Friedrich Ebert, temeroso ante la inestabilidad política y sus consecuencias, accedió a que fueran sofocados por los “Cuerpos Libres” (Freikorps).

Eran milicias paramilitares de extrema derecha, auténticos “protonazis” reclutados por el gobierno de entre los combatientes desmovilizados de la Primera guerra mundial lo sofocaran, desatando el Terror blanco.

Tanto Rosa Luxemburgo como Liebknecht fueron capturados en Berlín el 15 de enero de 1919, siendo asesinados ese mismo día. Rosa Luxemburgo fue derribada a culatazos por el soldado Otto Runge (1875-1945), luego recibió un disparo en la cabeza por parte del teniente Kurt Vogel (1889-1967) o del teniente Herman Souchon (1894-1982); su cuerpo fue lanzado al Landwehr Canal en Berlín. Liebknecht recibió un tiro en la nuca, y su cuerpo fue enterrado en una fosa común. Otros cientos de miembros del KPD fueron asesinados, y los comités suprimidos.

Las últimas palabras conocidas de Rosa Luxemburgo, escritas la noche de su muerte, fueron sobre su confianza en las masas, y en la inevitabilidad de la revolución:

“El liderazgo ha fallado. Incluso así, el liderazgo puede y debe ser regenerado desde las masas. Las masas son el elemento decisivo, ellas son el pilar sobre el que se construirá la victoria final de la revolución. Las masas estuvieron a la altura; ellas han convertido esta derrota en una de las derrotas históricas que serán el orgullo y la fuerza del socialismo internacional. Y esto es por lo que la victoria futura surgirá de esta derrota”.

¡El orden reina en Berlín!’ ¡Estúpidos secuaces! Vuestro ‘orden’ está construido sobre la arena. Mañana la revolución se levantará vibrante y anunciará con su fanfarria, para terror vuestro: ¡Yo fui, yo soy, y yo seré!

El líder soviético Vladimir Lenin la llamo “Águila de la Revolución”.

Continúa en http://onlybook.es/blog/calendario-2023-por-la-iii-republica-2/

Notas

1

Textos Efemérides Antonio Jiménez, Matilde Sempere, Fernando Moreno, Alicia Cózar, Daniel Fernández, Nadia Kahlil.

Diseño Fernando Casado

Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 7. El TAA

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El renacer con Taliesin, sus alumnos/aprendices y el TAA (Taliesin Associated Architects. “Lerning by doing”

La depresión del 29 provoca en Wright y su esposa circunstancias económicas muy difíciles, ya que no hay trabajo.

“No tenía edificios que construir en este angustioso momento, pero capitalizando treinta y cinco años de experiencia pasada, ¿por qué no construir a los constructores de edificios, preparándoles para el momento en que se pueda volver a construir edificios?”. (1)

Así nace Taliesin, y la idea se difunde a través de cartas enviadas a amigos, a universidades y a allegados. Frank Lloyd Wright, junto a un número de competentes asistentes residente en Taliesin, dirigirá la obra de una nueva Fraternidad de aprendices arraigada profundamente en la Arquitectura. Tres residentes asociados: un escultor, un pintor y un músico, serán los elegidos para el trabajo a realizar. También estarán presentes un grupo interno de siete aprendices de honor con la categoría de aprendices superiores o profesores universitarios, y tres asesores técnicos ejercitados en la industria. Pensadores, Artistas y Filósofos de varios países pueden asistir ocasionalmente a compartir un periodo de nuestras actividades, quizá también residir durante algunas temporadas”.

Se le dio difusión en la prensa, como en el Milwaukee Journal. (2)

Wright expone su filosofía educativa del “Learning by doing”. “Creemos que un intento racional de integrar Arte e Industria debe estar coordinado con la vida de cada día que vivimos aquí, en América. Cualquier intento racional semejante debe ser arquitectura esencial, creciendo mediante los naturales procesos sociales, industriales y económicos presentes en nuestro modo de vida: Aprender con la práctica, “Learning by doing”. (3)

El ambicioso plan era recibir a 70 aprendices, la realidad fue que el primer año solo hubo 23 inscriptos.

La idea era conformar un equipo, con un objetivo común bajo una dirección.

Taliesin no estaba preparada para esta actividad, espacialmente fue necesario adaptarlo, proyectar laboratorios, talleres, estudios, galerías.

Los cursos abarcaban:

-Diseño y Construcciones Arquitectónicas.

-Filosofía de la Arquitectura

El alumno/aprendiz John Rattenbury habla a Olgivanna y a Wright
en una fiesta de temática veneciana

-Estudio colateral de la Filosofía y la práctica de la Escultura, la Pintura, el Drama, y el Ritmo. (2)

-Diseño Tipográfico, que incluía la impresión de la publicación “Taliesin”.

-Molduras y moldes adaptados a los sistemas modernos de construcción en vidrio, hormigón y metal.

Frank Lloyd Wright y los becarios toman el té en la terraza Sunset de Taliesin West

Un grupo de alumnos, más o menos aventajados, se constituyeron en grupo permanente para el desarrollo de proyectos, para convertirse posteriormente en mentores de los cada vez más numerosos aprendices.

TAA Taliesin Associated Architects

Volando en el tiempo, llegamos a 1959, año de la muerte de Wright.

Los alumnos/aprendices que se habían formado con su “maestro”, deciden continuar su visión arquitectónica, la cual compartían y que durante décadas habían ayudado a crear.

Fue un estudio de arquitectura fundada por los herederos de Frank Lloyd Wright bajo la atenta mirada de su viuda Olgivanna, se completaron proyectos y obras que dejó Wright inconclusas, a lo que sumaron obras nuevas de gran calidad proyectual.

La firma se disolvió en 2003. En ese momento, ya no estaban vivos sus mentores.

Beaver Meadows Visitor Center

Su sede estaba en Taliesin West en Scottsdale, Arizona, los 14 directores que la presidieron, habían trabajado con Wright

Uno de los encargos más importantes en los años inmediatamente posteriores a la muerte de Wright fue el Edificio de Administración del Parque Nacional de las Montañas Rocosas ”Beaver Meadows Visitor Center”, sede del parque y centro de visitantes. Fue terminado en 1967.

Fue parte de la “Mision 66”, un programa que duró 10 años hasta 1976, a cargo del Servicio de Parques Nacionales de los Estados Unidos.

Se lo declara Monumento Histórico Nacional en 2001.

El primer director gerente del Taliesin Associated Architects fue el protegido y yerno de WrightWilliam Wesley Peters. (4)

Fue director hasta su muerte en 1991, otros arquitectos del TAA incluyeron a John Rattenbury (1928 – 2021), a Vernon Swabackcy y a Charles Montooth.

Cuando la princesa Shams Pahlavi encarga a Moontooth la construcción de su Pearl Palace (ya había debido irse apurada de su Palacio de la Perla en Iran), Olgivanna dijo “Continúen con los Johnson, no se preocupen por la Princesa”.

Se refería al proyecto de una escuela privada preparatoria para la Universidad en Racine en 1963 que la familia Johnson encargó a Willy Hilpert y a  Imogene “Gene” Johnson.

Los arquitectos de Milwaukee habían diseñado edificios con habitaciones rectangulares “como cualquier otra escuela”. La propuesta de Taliesin contrastaba fuertemente con esas ideas, una serie de curvas fluidas que se extendían por todo el campus.

En cuanto al Palacio de la Perla, finalmente fue diseñado por Wes Peters (4), actualmente se lo conoce como el Palacio Morvarid. El periódico Persian Morning Daily lo llama uno de los «monumentos arquitectónicos contemporáneos más prominentes» de la nación.

Tras la muerte de Wright en 1959, Peters se convirtió en presidente del Taliesin Associated Architects, y en 1985 presidente de la “Fundación Frank Lloyd Wright”, cargo que ocupó hasta su muerte en 1991. En honor la biblioteca de Taliesin que cuenta con una colección de más de 32.000 volumenes, se llama “Biblioteca William Wesley Peters”.

En 1935 se había casado con la hijastra de Wright, Svetlana Hinzenberg Wright (1917-1946), que acababa de cumplir dieciocho años.

Debido a un trágico accidente automovilístico, Svetlana falleció en 1946 a los 29 años junto a su pequeña hijo Daniel de 2 años.

Su ex suegra Olgivanna le presentó a Svetlana Alliluyeva (1926 – 2011), hija de Joseph Stalin, quien en 1970 había desertado de la URSS alejándose del gobierno tiránico y dictatorial de su padre. (5)

En 1970 Svetlana había recibido una invitación de Olgivanna, para visitar su casa en Arizona. Allí se enteró de que Olgivanna creía que era el reemplazo espiritual de su hija Svetlana muerta. Svetlana no solo aceptó esta idea, sino que también se casó con el viudo de la Svetlana muerta, William Wesley Peters y se cambió el nombre a Lana Peters. La pareja tuvo en 1971 una hija llamada Olga, finalmente se divorciaron.

Torre Kaden

Torre Kaden 

Es un edificio de oficinas de 15 pisos en el 6100 de la calle Dutchmans Lane en las afueras de Louisville, en Kentucky.

Fue inaugurado en 1966 con el nombre de “Lincoln Tower”, atribuido a Peters, tiene una llamativa estructura en voladizo.

Arizona Biltmore Hotel

Taliesin Associated Architects completó varios de los diseños no construidos de Wright y realizó una renovación y expansión de muchos de ellos, por ejemplo, en el Arizona Biltmore Hotel en Phoenix, un complejo que forma parte de la cadena Hilton y los hoteles Waldorf Astoria, ubicado en el 2400 E de Missouri Ave., Phoenix, en Arizona.

El diseño se le atribuye erróneamente (e intencionadamente) a Wright, porque había realizado una consultoría a pie de obra durante 4 meses en 1928 relacionado con la construcción del “Bloque Textil” utilizado en el hotel, y que se convirtió en su elemento distintivo.

Los honorarios ofrecidos a Wright fueron de 10.000 usa (174.300 usa de hoy) por su asesoramiento y por los derechos para usar el sistema de bloques de concreto que empleó en varias casas de Los Ángeles.

El «Biltmore Block» que Wright diseñó presenta un patrón geométrico que se dice que representa una palmera recién cortada.

Las modificaciones de McArthur a su diseño, sumadas a la falta de voluntad de los contratistas para probar métodos de construcción no convencionales, llevaron a Wright a declarar “que el edificio terminado era «incluso peor» de lo que temía”.

Sin embargo, la Sala Azteca y las Cabañas revelan la mano del diseño de Wright con pocos o ningún ajuste.

AZ Biltomre Hotel

A raíz de la publicación que hice en la página “Fans of Frank Lloyd Wright” en Facebook, el arquitecto James Abell me envía la perspectiva que adjunto con este comentario:

“…perspectiva inicial del AZ Biltmore Hotel de Albert Chase McArthur que no se usó… Agregué dos colores para «aclarar» una discusión acerca de que Mc Arthur quería usar el agua del canal que corría a través de la propiedad… incluso la perspectiva en blanco y negro muestra algunos nenúfares en primer plano”.

Entrada y explanada Arizona biltmore. Albert Chase McArthur architect Phoenix

Junto al envío de esta perspectiva James Abell -a quien en el 2014 laAIA le otorgó el Premio Thomas Jefferson de Arquitectura Pública- me comenta que Wright había escrito una carta que contradecía las críticas que se le atribuyen:

“He visto el original de esta famosa carta en los archivos de la Universidad del Estado de Arizona”.

Taliesin 2 de Junio de 1930

A quien corresponda.

Todo lo que he hecho en relación con la construcción del Arizona Biltmore, cerca de Phoenix, lo he hecho por el propio Albert McArthur a petición suya, y por nadie más.

Albert Mc Arthur es el arquitecto del edificio. Todos los intentos de atribuirse el mérito de esa actuación son gratuitos y no respetan su impronta.

Si no hubiera sido por él, Phoenix no habría tenido nada como el Biltmore, y espero que pueda darle a Phoenix muchos edificios más, hermosos, ya que creo que es totalmente capaz de hacerlo”.

Frank Lloyd Wright

Otra carta:

“Licencia

Por la contribución valiosa pagada por Albert Chase McArthur, cuyo recibo se acusa por la presente, el abajo firmante otorga a Arizona Bitmore Corporation, a la corporación, y a su arquitecto, Albert Chase McArthur, y a cualquier contratista (contratista incluye contratistas y subcontratistas) o a empleados por él,  una licencia para usar (usar significa hacer, usar o vender en la medida en que sea razonablemente necesario para los fines contemplados) un sistema constructivo conocido como “Textile Block Slab Construction”,  patentes en relación con las cuales son propiedad del abajo firmante, en la construcción del edificio del hotel, casas de campo, garajes y otras construcciones que erigirá Arizona Biltomer Corporation cerca de… Esta licencia se otorga con el entendimiento expreso de que Albert Chase McArthur, de Phoenix, Arizona, es y seguirá siendo el arquitecto a cargo del diseño y la construcción”.

Frank Lloyd Wright

Hotel Arizona Biltmore en Phoenix, Estilizados ladrillos
del arquitecto Albert Chase McArthur 1929/30

Diseños similares ya había realizado Wright en la la Casa John Storer en Hollywood de 1923, en la Casa Ennis y en la Casa Samuel Freeman, ambas en Los Angeles en 1924. 

El arq Albert Chase McArthur, hermano de los propietarios del hotel (Warren y Charles McArthur) había sido dibujante en el taller de Wright en Oak Park entre 1907 y 1909.

El hijo de Wright, John Lloyd Wright escribió de los diseñadores de esa época:

“William Drummond, Francis Barry Byrne, Walter Burley Griffin, Albert McArthur, Marion Mahony, Isabel Roberts y George Willis fueron los dibujantes. Eran cinco hombres y dos mujeres. Llevaban corbatas fluidas y batas adecuadas para la época. Los hombres llevaban el pelo como papá, todos excepto Albert, no tenía suficiente cabello… ¡Sé que cada uno de ellos estaba haciendo valiosas contribuciones como pioneros de la arquitectura estadounidense moderna por la cual mi padre recibe toda la gloria, los dolores de cabeza y el reconocimiento hoy!”. 

La autoría de McArthur figura en un artículo de 1029 en la revista Architectural Record, sus planos originales que se conservan en la Biblioteca de la Universidad Estatal de Arizona.

La familia ya conocía a Wright, ya que en 1982 diseñó la casa de Warren Mcarthur en Chicago, al 4852 de South Kenwood Avenue.

Fue una de sus obras “piratas”, que ocultó a los ojos de Louis Sullivan, aunque no consiguió engañarlo, ya que fue una de las casas por las que Sullivan lo despide del estudio.

Las influencias de Wright se notan en los agregados al hotel durante los siguientes años.

– El diseño de vidriera que se publicó en el año 1926 en la revista Liberty Magazine con el titulo «Saguaro Forms and Cactus Flowers». Fue instalada en 1973, y fabricada por estudiantes de Taliesin.

Andrew Pielage, fotógrafo de arquitectura,
en Phoenix, Arizona

– Las reproducciones de las estatuas geométricas ‘sprite’ diseñadas por Wright y esculpidas por su amigo Alfonso Iannelli (1888 – 1965) para el proyecto Midway Gardens (1915) de Chicago se colocaron posteriormente alrededor del hotel.

Midway Gardens

En la época del Midway Gardens, Wright reclamó para sí el crédito de las piezas del Midway´s Sprite, debido a ello se separaron en forma irreconciliable.

– 3 restaurantes llevan el nombre de Wright: Wright’s at the Biltmore, The Wright Bar y Frank & Albert’s. 

Se puede visitar.

El Teatro Golden Rondelle de 1964, originalmente construido para la Feria Mundial de Nueva York de 1964/65, dentro del cual se mostraba la película “To Be Alive”.

Luego se desmanteló y trasladó al complejo administrativo de SC Johnson & Son en Racine, Wisconsin.

Notas

1

Autobiografía de Frank Lloyd Wright 1867 – 1944. Editorial El Croquis 1988.

2

Edgar Tafel. “About Wright. An Album of Recollections by those who knew F.L.W”

Editorial John Wiley & Sons. 1993.

3

“La flecha giratoria”. Noticias y actualizaciones de la Fundación Frank Lloyd Wright.

4

William Wesley Peters (1912 – 1991), fue un protegido de Wright desde 1932.

Wright escribió de Peters en su autobiografía: “…Fue uno de los primeros en llegar a Taliesin, era un joven alto y de ojos oscuros. Era hijo de un editor de Evansville…. El muchacho venía de un curso de ingeniería en Massachusetts Tech, era una fuente de enérgica lealtad a las ideas que representaba Taliesin. Pronto tomó una mano de liderazgo en lo que sucedía. Su mente estaba alerta, su carácter independiente y generoso. Era joven, de unos diecinueve años…”

Peters tuvo a su cargo los diseños estructurales del Museo Guggenheim y de la torre del laboratorio en Johnson Wax, entre otros proyectos.

5

Svetlana Alilúyeva (1926 – 2011) nació con el nombre de Svetlana Iósifovna Stálinay y falleció como Lana Peters. Fue la única hija de Iósif Stalin (1878 – 1953) y de su segunda esposa Nadezhda Allilúyeva (1901 – 1932), de cuya muerte hay muchas versiones, apendicitis, suicidio y posible asesinato.

Su vida se puede leer en la biografía de Rosemary Sullivan “La hija de Stalin, la extraordinaria y tumultuosa vida de Svetlana Allileyeva”, Premio Plutarch de Biografía 2016, y libro del año por el diario Daily Mail del Reino Unido.

Svetlana fue escritora y conmocionó a la opinión pública al refugiarse en los Estados Unidos en 1967.

Era la menor de sus hermanos Yákob y Vasili. Stalin la llamaba “pequeño gorrión” o “pequeña mariposa”.

A sus 16 años se enamora del guionista de cine judío Alekséi Kápler (1903 – 1979) de 40 años, lo que no fue bueno para la salud de éste, ya que fue “exiliado” durante 10 años en la ciudad polar de Vorkutá.

Estudia en la Universidad de Moscú, y se enamora a los 17 años de Grigori Morózov, también judío, de ese casamiento nace en 1945 Iósif, de quien se separa en 1948.

A instancias de su padre se casa con Yuri Zhdánov (hijo de Andréi Zhdánov miembro del Politburó que durante la Gran Purga de 1937/8 aprobaba las listas de las personas que serían ejecutadas). Tiene en 1950 a Yekaterina, y se separa poco después.

Cuando en 1953 muere Stalin, adopta el apellido de su madre.

No se le permite casarse con su nueva pareja, el comunista indio Brajesh Singh, pues la ley no permitía a los soviéticos casarse con extranjeros. Al morir Singh viaja a la India para verter sus cenizas en el Ganges.

Convencida que si regresaba a La Unión Soviética no se le permitiría salir, en 1966 pidió asilo político en la embajada de los EEUU, por ello ve a sus hijos Iósif (18) y Yekatenina (16) por última vez.

En EEUU denuncia los excesos del gobierno soviético.​ La venta de su autobiografía “Rusia, mi padre y yo (Veinte cartas a un amigo)” traducida a 23 idiomas, le permitió vivir cómodamente al ganar una fortuna.

Al casarse con William Wesley Peters, viudo de Svetlana, la hija de Olgivanna Wright, cambió su nombre por Lana Peters.

En 1969 el Gobierno soviético le revoca la ciudadanía, acusándola por “mala conducta y difamar a la ciudadanía”, un crimen establecido en 1938 durante el mandato de Stalin, la declaran una “persona enferma” y “moralmente inestable”.

En 1984 regresa a la URSS y se desdice de lo que dijo en los EEUU.

En 1986 regresa a los EEUU y se desdice de lo que dijo en la URSS.

En 1991 intentó suicidarse.

En sus últimos años de vida criticó al líder ruso Vladímir Putin por estar imitar el culto a la personalidad que ejerció su padre. ​

Según la escritora checa Monika Zgustova, Svetlana pasó de ser vigilada por la KGB a ser espiada por la CIA, de estar constantemente acosada por parte de la prensa.  Zgustova  escribió de ella: “Fue una víctima de su padre, de la sociedad y de sí misma”.

continua http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-8-su-vida/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Estudio Grafton y la TSE en Toulouse

Grafton

Las arquitectas Yvonne Farrell (1951) y Shelley McNamara (1952) formaron en 1978 junto a otros 3 integrantes, (entre ellos Gerard Carty y Phillippe O’Sullivan) el estudio Grafton Architects.

El nombre proviene de la calle donde instalaron el estudio.

Actualmente solo ellas integran el estudio, ambas se graduaron en el University College de Dublin.

Ocuparon la cátedra Kenzo Tange en Harvard y la cátedra Louis Kahn en Yale, también han enseñado en la Ecole Polytechnique Federal de Lausane y en la Academia de Architettura di Mendrisio.

“…enseñar para nosotras siempre ha sido una realidad paralela…ofrecemos nuestra experiencia para que los estudiantes tengan un papel en el crecimiento de esa cultura… aprendemos de los estudiantes y esperamos que ellos aprendan de nosotras…”

Obtuvieron el Premio Pritzker 2020 y la Medalla de Oro RIBA 2020.

 Escuela de Economía de Toulouse TSE

Obras

Universidad Luigi Bocconi

Universidad Luigi Bocconi en Milan (recibiendo el Premio World Building of the year 2008).

Junto a “su maestro” Paulo Mendez da Rocha (1928-2021) obtuvieron el Premio León de Plata de la Bienal de Venecia 2012.

Campus para la UTEC (Universidad de Ingeniería y Tecnología de Lima) en Perú con Shell Arquitectos (RIBA International Award). “…constituye una solución innovadora en el campo de la arquitectura universitaria: un campus vertical de cemento armado, una composición de volúmenes permeable a la ciudad, a la luz y al aire”.

Marshall Building LSE en Londres.

Centro Universitario Town House en Londres.

Biblioteca Municipal en el Centro Cultural de Parnell Square

Biblioteca Municipal en el Centro Cultural de Parnell Square, en Dublín

Centro Anthony Timberlands de Diseño e Innovación de Materiales en Fayetteville.

 Escuela de Economía de Toulouse TSE

En diciembre de 2022 visité la Fundación Jean-Jacques Laffont, la Escuela de Economía de Toulouse TSE diseñada en 2019 al borde del rio Garona, diseñada por Grafon Architects y como socio local Vigneu Zilio Architectes.

Es un edificio conformado por una fragmentación de volúmenes, conexiones y pasarelas. Llevaron adelante una estrategia de patios para favorecer la entrada de aire y luz natural.

 Escuela de Economía de Toulouse TSE

Forma una masa ladrillera, casi sin juntas, típica de las construcciones en Toulouse, a la que por ese motivo se la llama “la ciudad rosa”.

Tiene una superficie de 18.000 m2. 7 plantas sobre el nivel del suelo y 2 bajo él.

“El volumen se fragmenta en una serie de brazos ligeramente rotados y apilados que garantizan la continuidad visual entre la trama urbana y las bellas riberas del río Garona”. (AV 223).

Las proyectistas lo definen como «…una composición de los elementos característicos de Toulouse reinterpretados: contrafuertes, rampas, frescos e interiores misteriosos, con claustros y patios».

Creada en el 2007, está considerada una de las mejores escuelas de economía del mundo, tiene 2000 alumnos, 700 de ellos son extranjeros, de 80 nacionalidades.

Tiene 160 profesores, entre ellos Thomas Piketty (1971), reconocido por su obra “El Capital en el Siglo 21”.

Tuvo juna enorme repercusion cuando en Enero de 2015 rechazó la Legión de Honor otorgada por el gobierno francés declarando «Rechazo esta nominación porque pienso que no es el papel del gobierno el decidir quién es honorable

El director de la escuela es Jean Tirole (1953), un economista que en 2014 recibió el Premio Nobel de Economía.

Jean Tirole, director del TSE

Es el tercer francés en recibir el galardón, el Comité Nobel lo presentó como «uno de los economistas más influyentes de nuestra época» por «sus investigaciones sobre las finanzas, la empresa, la regulación y los mercados».

 Escuela de Economía de Toulouse TSE

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 6. Arqs Taffel y Masselink

 Los mejores del Taliesin de Wright

“Taliesin Fellowship”

Construir constructores. “Learning by Doing”

Wright tuvo tres herramientas que le permitieron transmitir sus conocimientos, el Portfolio Wasmuth, Taliesin East y Taliesin West. (1)

Cuando en 1911 regresa de Italia, de la Isla de Fiesole, tiene 42 años y decide comenzar una  nueva fase de su vida.

Con tal fin construye su casa-estudio cerca de Spring Green en Wisconsin.

Wright y Olgivana

En 1931, Wright y su tercera esposa Olgivana, crean “Taliesin Fellowship”, una comunidad de aprendices, que con sus familias vivieron, trabajaron y estudiaron con Wright primero en Taliesin East en Wisconsin y luego en Taliesin West en Arizona. 

Debe promocionarlo, por lo que hace una llamada a escolares destacados, artistas y amigos, anunciando su plan de constituir una Escuela en Taliesin Spring Green, para aplicar un método de docencia de Arquitectura basado en el concepto: “Learning by Doing”.

La educación en Taliesin se sostenía en dos pilares fundamentales: la experimentación con proyectos y construcción de edificios reales; y la riqueza de ser interdisciplinar, allí se impartían cursos de escultura, pintura, música, teatro y danza.

El éxito de este método de enseñanza se refleja en un grupo de arquitectos que posteriormente serán grandes maestros de la segunda generación del Movimiento Moderno: Rudolf Michael Schindler (1887 – 1953), Raymond Mathewson Hood (1881 – 1934), Richard Josep Neutra (1892 – 1970).

1936, en la mesa de dibujo en Taliesin Wright con 69 años con Gene Masselink,
Bennie Dombar, Edgar Tafel y Jack Howe

Entre 1916 y 1925, estos tres arquitectos estarían de un modo u otro vinculados a Taliesin y trabajarán para Wright.

En Octubre de 1932, se inscriben 23 jóvenes que pagan 650 dólares anuales (aproximadamente 14.140 dólares de 2022).

No seguía las pautas y materias universitarias, Wright decía que “las tareas en Taliesin potenciaban la imaginación más que las “especialidades universitarias”.

Su idea era acoger durante un par de años a sus estudiantes, luego “algunos” podrían permanecer como Arquitectos/practicantes.

Wright valoraba las experiencias directas en contraste a la educación convencional, consideraba a la Naturaleza el primer maestro, por ello las ubicaciones en áreas naturales de ambas Taliesin. (Gaudí hacía referencia al árbol que miraba desde su ventana y que le enseñaba).

Con el tiempo se constituyo la “Asociación de Miembros Antiguos de Taliesin”. Entre ellos:

Eugene Beyer “ Gene ” Masselink (1910-1962)

Fue uno de los primeros aprendices de Frank Lloyd Wright en Taliesin Fellowship. 

Habia estudiado con el pintor abstracto Hans Hoffman (1880 – 1966) y recorrido Europa antes de llegar a Taliesin Fellowship en 1932. Fue artista y diseñador.

Se inscribió como pintor, no como arquitecto, y se dedico a hacer maquetas (del edificio administrativo de SC Johnson y los proyectos de Broadacre City) se ocupaba del jardín y de construir edificios en Taliesin en Spring Green.

Era un devoto de Taliesin Fellow, rápidamente Wright lo nombró su secretario personal. Manejaba todos los asuntos comerciales de la Fraternidad, así como los proyectos de Wright siendo el primer punto de contacto con clientes potenciales, proveedores, contratistas, reporteros, admiradores, etc.

Mural de flores de yuca, pintura y madera pintada sobre tela, 1956

Encontraba tiempo para crear, diseñar paisajes y realizar retratos de sus compañeros de la Fraternidad.

Estuvo casi 30 años, desde 1933 hasta su muerte en 1962, coincidiendo con las primeras tres décadas de la Fellowship y las últimas tres décadas de la vida de Wright, sus más prolíficas.

Estudio de patrón abstracto, pintura sobre collage de tablero en capas, 1950

Debió adaptarse a la estética de Wright evitando formas pictóricas modernas y con la escuadra T, la Brújula de dibujo utilizada para dibujar círculos y el triángulo, experimentar y conseguir realizar estudios de líneas abstractas, llamados “estudios de patrones abstractos”.

Planteó sus ejercicios, que realizó a través de un proceso por el cual una forma natural como una flor, una rama de un árbol, un cactus o un paisaje, se reducían gráficamente a un conjunto de formas geométricas, dentro de una cuadrícula angular.

Sus abstracciones gráficas, su estilo adornaría todo, desde publicaciones impresas, logotipos, murales, notas personales e invitaciones a fiestas. 

Sus singulares obras de arte hechas a mano consiguieron dar intimidad al trabajo de Wright. Su estética y su filosofía fue inspiradora en las generaciones de estudiantes de Taliesin que la continuaron posteriormente a su muerte.

Video de una entrevista/conversación con Wright

Cornelia Brierly (1913 – 2012)

Fue una de las primeras cinco mujeres en estudiar arquitectura en  la Universidad CMU (Carnegie Mellon University).

La Escuela, ubicada en Pittsburgh en Pensilvania fue fundada en 1900.

En el año 2019 contaba con 14.800 alumnos entre alumnos de grado y posgrado,

Brierly fue la primera becaria de Taliesin Fellowship en 1934. Trabajó en el plan Broadacre City de Wright, explicando sus ideas arquitectónicas dio conferencias viajando a Pittsburgh, Pensilvania y Washington DC. 

Estudió con Wright durante 10 años antes de comenzar una práctica privada con su esposo Peter Berndtson (1909 – 1972).

En 1956 regresó a la Fundación Frank Lloyd Wright trabajando en diseños de arquitectura, y tareas como decoradora de interiores y arquitecta paisajista.

Fue Presidenta Honoraria y Síndica de la Fundación. 

Edgar A. Tafel (1912 – 2011)

Comenzó su carrera como aprendiz de Frank Lloyd Wright en Taliesin junto con Wesley Peters (1912 – 1991), John «Jack» Howe (1913 – 1909) y Abram Dombar, entre otros. 

Trabajó en la Fallingwater (1935), la Wingspread conocida como la Casa Herbert F. Johnson (1938/9) y la Johnson Wax (1936/9).

Al dejar Taliesin abrió su estudio en New York.

Diseñó el edificio para la Primera Iglesia Presbiteriana en manhattan, el edificio recibió un premio de diseño de la Asociación de la Quinta Avenida (1958/60).

La Capilla Protestante en el Aeropuerto Internacional Kennedy (demolida), y la Iglesia Episcopal St. John’s in the Village en Greenwich Village (1972/74),el plan maestro de 1964 para el campus de SUNY Geneseo y su «joya de diseño» Brodie Hall, así como el complejo residencial South Village de la universidad, la Silver House de 1947 y la Casa Henry y Gladys Nelsen en Racine.

En 1975 completo la expansión del ala norte del Allentown Art Museum en Allentown, Pensilvania, el Museo instaló una sala diseñada por Frank Lloyd Wright como parte de su colección permanente: la biblioteca de la segunda Francis W. Little House.

En el 2010, el Museo Allentown encargó al estudio de Filadelfia Venturi Scott Brown (Robert Venturi y Denise Scott Brown) la renovación del museo y  agregar una nueva fachada de vidrio al lado de la calle Quinta.

Casa Florence e Isaac Budovitch

Tafel realizó en 1955 la casa privada de Florence e Isaac Budovitch en Wilmington, Delaware y los colegios comunitarios en Johnstown y Hudson.

Diseñó 80 casas, 35 iglesias y otros edificios religiosos y tres campus universitarios. Escribió en 1979 el libro “Aprendiz de genio: Años con Frank Lloyd Wright” y en 1993 “Acerca de Wright: Un álbum de recuerdos de los que conocían a Frank Lloyd Wright”.

Produjo “The Frank Lloyd Wright Way”, película que ganó el primer premio en el Festival Internacional de Cine de Houston de 1995.

En 2006, donó 3, 2 millones de dólares al Departamento de Arquitectura de la Universidad de Cornell para crear la Cátedra Edgar A. Tafel de Arquitectura y organizar las Conferencias de Arquitectura Tafel

Muere a los 98 años, y con él muere el último miembro de los Taliesin Fellows.

Su archivo arquitectónico fue donado a la Biblioteca Avery de Arquitectura y Bellas Artes de la Universidad de Columbia en New York. 

Mereció los premios de Doctor en Bellas Artes, Honoris Causa – SUNY Geneseo, 2001 y Cátedra distinguida Edgar Tafel en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Illinois en Urbana Champaign. 

Curtis Besinger (1914 – 1999) recibió en 1936 su título de Bachelor of Architecture de la Universidad de Kansas y en el verano de 1939 se unió a Taliesin Fellowship.

Estuvo en Taliesin 16 años hasta 1955.

Después de dejar Taliesin, enseñó arquitectura en KU durante 29 años donde fue decano hasta su jubilación en 1984.

A partir de 1956, Besinger pasó sus vacaciones de verano enseñando en Aspen con Fabi y Fritz Benedict

Wright con alumnos/aprendices en un picnic. Eugene Masselink, el hermano de Masselink, Fritz Benedict, Wes Peters.

Besinger participó activamente en el diseño de la Escuela de Música de Aspen y en el centro comercial peatonal Cooper-Hyman. 

Tuvo relación con la revista House Beautiful, que adhería y difundía las ideas de Wright.

En su relato de sus años en Taliesin, “Working with Mr. Wright (1995)”, menciona arquitectos asociados en Aspen: Charles Gordon Lee, Gordon Chadwick (1915 – 1980) fue becario de taliesin, participó en 195172 en la casa de David Wright en Phoenix en Arizona. Benedict y Molny

Benedict organizaba viajes de esquí para los becarios de Taliesin cuando estaban en Arizona en el invierno de 1941-1942.

Tenía un master en arquitectura paisajista de la Universidad de Wisconsin en 1948 se une a Taliesin en como jefe de jardinería.

Durante 3 años participó en las 2 Taliesin, se hizo cargo de los jardines, y en Arizona trabajó con el paisaje natural del desierto, plantando, moviendo y diseñando con cactus.

En sus proyectos se nota la influencia de Wright, su obra maestra la Casa Edmundson Waterfall es un homenaje a la Fallingwater, con estructuras en voladizo, enorme chimenea, líneas horizontales, techos con poca pendiente, ventanas en las esquinas y una relación íntima con el sitio.

Las tradiciones de Taliesin Fellowship fueron desarrolladas por Benedict al acoger a jóvenes arquitectos, George Gordon Lee, Gordon Chadwick y Curtis Besinger becarios de Taliesin vivieron y trabajaron en su rancho en red Mountain.

Robin Molny después de su estadía en Taliesin desde 1949 a 1954, continuó en la oficina de Benedict.

A la izquierda, su primer aprendiz Masselink

En la última página de su autobiografía de 1943, Wright hace un reconocimiento al trabajo de Gene Masselink, “…Gene de la Fraternidad y sus ayudantes han desenredado día a día, mes a mes, la masa de guiones interlineados y desfigurados que molestaría a cualquiera, especialmente a mí. Gene es el único que podía leerlos”. Se refería a su difícil letra, difícil de seguir.

ªMirando al Norte de Taliesin contra la colina en Wisconsin”. Pluma, tinta y pintura. Gene Masselink

Los residentes de Chicago y Milwaukee convirtieron el lago de Geneva en un refugio de verano popular.

Los empresarios John Williams y Arthur L. Richards, viendo la demanda creciente encargaron en 1911 a Frank Lloyd Wright la realización del Lake Geneva Hotel Company. (1)

El plan era la construcción de 90 habitaciones, comedor y un vestíbulo con una gran chimenea.

Wright enfatizó como en sus otros proyectos la línea horizontal, techos bajos a cuatro aguas coronan la estructura de 2 pisos, las bandas de vetanas y una larga terraza cubierta en toda la elevación sur.

Wright planteó un diseño de vitraux en ventanas, accesorios y tragaluces en el comedor.

Las ventanas de la planta baja del edificio estaban compuestas por patrones geométricos, mientras que las que se encuentran en los pisos superiores presentaban un motivo de tulipanes.

El Hotel al poco tiempo de su inauguración, (Sociedad Histórica de Wisconsin)

El hotel enfrentó dificultades financieras poco después de su construcción y cambió de propietario con frecuencia en los años siguientes, cambiando su nombre por Hotel Geneva. La estructura fue demolida en 1970 después de que un incendio arrasara una de sus alas.

Luz de noche con el diseño de la ventana del Hotel Lake Geneva

James Dresser fue desde 1945 un alumno/aprendiz de Wright en Taliesin.

En 1954 diseña la Biblioteca local de la zona del lago y colocó en ella dos ventanas originales del Hotel Lake Geneva, también fue autor del restaurante “The Del-Bar”, que realizó también todas las ampliaciones y remodelaciones.

Este proyecto, como tantos otros que hicieran los seguidores de Wright, llevan en si las ideas de su maestro.

Tiene paredes de piedra en el interior y el exterior, un uso extensivo de maderas, con techos de alturas variadas, y una pensada iluminación.

Fachada de la Biblioteca que da al Lago de Ginebra

Notas

1

Arq Cristóbal Miró (Sevila 1977) “Learning by Doing. Taliesin y los arquitectos de la segunda Generación del Movimiento Moderno”. 2003 Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura. Universidad de Sevilla, desde el 2008 Docente e investigador, en la actualidad es profesor asociado del Departamento de Expresión Gráfica Arquitectónica de la Universidad de Sevilla. Miembro del Grupo de Investigación HUM 789 “Otras Situaciones, Nuevas Arquitecturas”.

continua http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-7-el-taa/

articulos anteriores:

ver obras de Frank Lloyd Wright parte 1 http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-1/

parte 5 http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-5/

parte 4 http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-4-romeo-y-julieta-y-otras-obras/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 5. Tom Monagham y Portfolio Wasmuth

 capitulo anterior http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-4-romeo-y-julieta-y-otras-obras/

Tom Monagham

Ann Arbor es una ciudad en el estado de Michigan, de 124 mil habitantes, allí se encuentra Domino´s Farms.

Quizás el lugar indicado para poder visualizar una de las mejores colecciones sobre diseños de Wright, está abierta al público y su entrada es gratuita.

 Tom Monagham

Dibujos, maquetas, muestras de alfombras, ventanas, puertas, fotografías, se exhiben cientos de artículos, bocetos originales, escritos de Wright así como su correspondencia. Elementos que nos permiten acercarnos a la mágica carrera del arquitecto Frank Lloyd Wright.

Seguramente lo más valioso sean las litografías de la publicación “del Portfolio Wasmuth” editado en Berlín de 1910, donde se representan los detalles de muchos de los primeros proyectos modernos de Wright.

Domino´´’ s Farms

Publicación “Wasmuth” de Berlín de 1910

Frank LLoyd Wright

1910 fue un año complicado para Wright, se separa de su mujer, Catherine Lee Tobin, Kitty y se aleja de sus 6 hijos. Dijo que su matrimonio “tenía fecha de caducidad”, y decide irse a Europa con la mujer de su cliente Edwin Cheney.

Conoce a ambos (mas a su mujer) cuando en 1903 Wright realizó en Oak Park, una casa para el matrimonio, el ingeniero Edwin H Cheney y su esposa Mamah Cheney (de soltera Mamah Borthwick).

Casa Cheney

La Casa Cheney (1903), está ubicada en el 520 North East Avenue, Oak Park, Illinois.

Tiene un esquema claro, una casa de ladrillo, de las Prairie Houses, con la sala de estar y los dormitorios en una sola planta, cobijados por un techo a cuatro aguas.

Está separada de la calle principal por una terraza limitada por un muro, las ventanas están ubicadas bajo los amplios aleros del techo y el alfeizar de piedra que rodea la casa. (El alfeizar, del árabe al-fasha, es el elemento constructivo que está bajo la ventana, cubriendo el antepecho), posee cincuenta y dos ventanas que se asientan por encima de la altura del muro atenuado su apariencia hermética.

Las partes superiores de las ventanas están compuestas de vidrio iridiscente (el tono de la luz varía de acuerdo al ángulo desde el que se observa su superficie) y evocan las cortinas japonesas de bambú del tipo que Wright pudo haber encontrado en la publicación de Edward Sylvester Morse de 1885-86 “Japanese Homes and their Surroundings”. (1)

Casa Cheney

Las salas de estar, que contienen el comedor, la sala y la biblioteca ocupan todo el frente del edificio y se abren a la terraza central. En el sótano se ubicó una gran suite para los padres de ambos.

La puerta principal está fuera de la vista, solo se accede indirectamente pasando más allá de toda la fachada frontal y alrededor del costado de la casa.

Un modelo en el diseño o patrón similar a esta casa se ve en la casa de E. Arthur Davenport (1901), en el 559 Ashland Avenue, en  River Forest, Illinois. Fué restaurada. No admiten visitas.

También en la Casa Frank B. Henderson (1901) una de las pocas construidas durante su breve asociación con Webster Tomlinson, donde Wright era el socio diseñador, y Tomlinson gerente comercial.

Situada al 301 S. Kenilworth, Elmhurst, Illinois. No admiten visitas.

Su planta es similar a la Casa Warren Hickox, así como sus espacios habitables en línea lo son a la Casa Cheney.

Tiene más de 80 ventanas con vitraux, similares a la Casa Davenport y la Casa Fricke, cuenta con tres chimeneas de ladrillo y muchos muebles empotrados. Es uno de los primeros diseños de las Prairie Houses.

Está inscripta en el NRHP (Registro Nacional de Lugares Históricos) el 9 de Agosto de 2002.

Otro modelo similar a las anteriores es la Casa William G. Fricke (1901) ubicada al 540 Fair Oaks Avenue.

No admiten visitas.

También fue el resultado de la breve sociedad que tuvo con el arquitecto Webster Tomlinson, para William G. Fricke, socio de una empresa de suministros escolares Weber, Costello, Fricke.

La casa tiene elementos claves del estilo Prairie, un primer nivel de piedra, bandas horizontales, aleros del techo que sobresalen, techo a cuatro aguas poco profundo y exterior de estuco.

Una casa de diseño vertical respondiendo a un lote estrecho. Tiene ventanas que son tiras rectangulares de vidrio transparente orientadas verticalmente intercaladas con pequeños cuadrados de colores. (2)

Entre 1893 y 1909, Wrigth había producido 140 obras en el estilo Prairie, y es invitado a Berlín a realizar una gran exposición sobre su obra, debido al rechazó social que causó su relación con Mamah Borthwick, y la situación inestable en que quedaba su estudio y sus trabajos, decide viajar.

Asistí a una de las clases magistrales que suele dar Luis Ferenandez Galiano, dedicada a Wright, decia al respecto “… El prestigio de Wright decayó, a la par que los pedidos de trabajo, claro, ningún cliente se arriesgaría a darle un encargo y que Wright se llevara a su mujer…”

En 1910 alquila una villa en las afueras de Florencia para preparar los dibujos y asesorar y asistir el proceso de la publicación de su monografía.

El trabajo profesional de Wright era reconocido y causaba un enorme interés su activa vinculación a la arquitectura moderna norteamericana. Junto al editor de libros de arte Ernst Wasmuth, que cinco años antes había editado las obras del Modernismo Vienés de Joseph María Olbrich, comienza la enorme tarea de realizar un Portfolio. Sería la carta de presentación de Wright en Europa.

El llamado Portfolio Wasmuth, fue una lujosa publicación sobre su obra realizada en dos volúmenes, con 100 láminas litográficas en formato 64 x 41 cm, que constituyó y constituye uno de los más trascendentes legados de la arquitectura del siglo XX. Su título “Diseños de edificios ejecutados y por Frank Lloyd Wright” (Ausgefuhrte Bauten Entwurfe und von Frank Lloyd Wright) fue realizada en Berlín y editado en 1910. (3)

Nunca antes Wright había publicado sus trabajos, ahora editarían sus proyectos desde 1893 a 1909 en los Estados Unidos.

Portfolio Wasmuth

Su libro publicado en alemán tuvo enorme influencia en los arquitectos holandeses y alemanes de la década del 20. Como la que tuvo en el arquitecto modernista holandés Willem Marinus Dudok (1884 – 1974) que en su obra del Ayuntamiento de Hilversum de 1931, no solo diseño el edificio, sino su interior, incluidas las alfombras, los muebles e incluso el martillo de la reunión del alcalde, o en Henrik Berlage (1856 – 1934), Theo van Doesburg (1883 – 1931), y en menor medida Walter Gropius (1883 – 1969), Le Corbusier (1887 – 1965) o Mies van der Rohe (1886 – 1969).

Desde el estudio le envían planos y fotografías de los proyectos, tanto su hijo Lloyd Wright como su delineante Taylor Woolley (1884 – 1965) (4), los dibujos que le envían son láminas realizadas con pluma a tinta china.

Se rehicieron algunos dibujos que habían servido en las etapas de proyecto, ejecutados por la arquitecta Marion Mahony. Sus representaciones a color serian adaptadas y compiladas mediante el sistema de impresión litográfico. Incluso la posición relativa de los dibujos en cada lámina, convertían cada representación en una obra de arte en sí misma. 

Las láminas estaban numeradas y llevaban textos concisos donde se describía cada obra y proyecto. Wright supervisó personalmente durante un año la ejecución de los dibujos litográficos que fueron necesario rehacer tomando como base los originales en color de Mahony, por ello hizo trasladar a Florencia a Taylor Woolley.

Los dibujos se envían a Alemania, y se publican en Berlín el mismo año. El prefacio de la publicación termina con el siguiente texto: “…los dibujos que se presentan aquí, fueron expresamente dibujados para la publicación en 1911”.

Estas publicaciones prácticamente han desaparecido, Wright se los lleva a Japón la mayoría de los dibujos originales y allí desaparecen. (5)

El Portfolio para Wright tenia varios objetivos, el de difundir su obra y poder ampliar su cartera de clientes, al tiempo de poder fundamentar los principios de su arquitectura orgánica.

Inicialmente se pensó en editar 1000 ejemplares que debieron ser reducidos a 650 por cuestiones presupuestarias, 150 se distribuyeron en Europa y 500 se enviaron a su despacho en Taliesin. Luego del incendio de Taliesin solo se pudieron rescatar 35 ejemplares y algunas láminas sueltas.

También se realizaron 25 ejemplares “de luxe” de mayor tamaño editados sobre papel y tapa con tipografía en oro. En 1911 se realizó una edición alemana conocida como ‘Wasmuth Pequeña’ y otra en japonés aún más pequeña.

Wright obtuvo una notable reputación en Europa, los EEUU y Australia por las obras que contenía y por su manifiesto conceptual en difundir la arquitectura moderna.

Le prestan especial atención el grupo holandés “De Stijl” fundada por Theo van Doesburg en 1917 e inspirados en las imágenes más abstractas de Wright, como la perspectiva del Yahara Boathouse de la “University of Winconsin Boat Club” en Madison, de 1902/05; la perspectiva del Larkin Company administration Building en  Buffalo, New York, 1903/05; y la presentación con ilustraciones de la Frederick C. Robie House, Chicago, Illinois, 1906/09

Mies van der Rohe afirmaría “… la obra de Wright presenta un mundo arquitectónico de fuerza inesperada, claridad de lenguaje y desconcertante riqueza de formas”.

En 1937 Mies van Der Rohe es designado para dirigir la Escuela de Arquitectura de Chicago. En Illinois conoce a Wright, es sabido que éste tuvo una cordialidad con Mies que no había tenido ni con Le Corbusier (Charles Édouard Jeanneret) ni con Walter Gropius, quizás porque ambos no habían reconocido ser influidos por Wright como tantos otros, y ya sabemos lo que pensaba Wright de si mismo, que era el mejor arquitecto de los EEUU y quizás uno de los mejores de la historia.

Es posible que Wright le dijera a Mies «Herr Mies, es usted el mejor de todos ellos». Wright apreciaba sinceramente el pabellón de Barcelona «a pesar de los ridículos postes» y veía la arquitectura «neoplástica» de Mies como continuadora de la suya, y mucho más rica “que la de los cubos blancos».

Cuando regresa a Oak Park en 1911, los escándalos que habían producido su viaje a Europa no habían cesado, por lo que la situación no era la adecuada para reiniciar su carrera, se había instalado en la sociedad lo escrito en los periódicos “Cómo podía dejar a tanto niño sin el calor de un padre y a su esposa tirada?” y su justificación “que jamás sintió la llamada de la paternidad y que ser cabeza de familia no hacía sino estrangular y minar su vena creativa” empeoraba las cosas. “Sentía que me estaba secando por dentro”.

Wright dejaba a sus hijos con la madre y Mamah a sus dos hijos con su padre. Y se marchaban a Europa a empezar una nueva vida lejos de las habladurías y los comentarios insidiosos del vecindario de Oak Park, que no perdonaba una traición de ese calibre.

Durante la estadía en Florencia Mamah entró en contacto con los círculos intelectuales de la época y conoció a Ellen Key, pensadora feminista con la que trabó una sólida amistad y cuyas obras se dedicaría a traducir. (6)

«Romeo y Julieta»

A su regreso su madre le ofrece un amplio terreno de 200 hectáreas que tenía en Spring Green en el valle de Wisconsin, zona en la que ya había construido un molino de viento «Romeo y Julieta» (1895), y la escuela privada Hillside (1902).

Allí comenzaría a construir su propio estudio-casa-granja, a la que denomina “Taliesin I”, comenzaría allí una nueva etapa arquitectónica.

El Horror

Fue mientras estaba construyendo el Midway Gardens, en Chicago, Illinois (1913/24) que se enteró de la destrucción de Taliesin y la muerte brutal de Mamah, sus hijos, y otras 5 personas, fueron asesinadas en total 7 personas.

Wright perdió lo que más amaba, sus seres queridos, la gente que lo acompañaba, su casa, además la pérdida de los tomos guardados del Portfolio fueron casi totales. (6)

Notas

1

Morse trata todos los todos los aspectos de la casa tradicional japonesa, desde su plan general y las principales características estructurales hasta los detalles ceremoniales y tradicionales como los tatamis (que determinan el tamaño de la casa), lámparas, hibachi (braseros), fusuma y pantallas shoji, candelabros, almohadas y tokonoma (lugares donde se exhiben objetos de arte o flores).

En 300 dibujos se muestran detalles tanto de la construcción como de la ornamentación arquitectónica, que es su sello distintivo.

2

Casa William Fricke

3

Información y datos de https://rapulopulo.blogspot.com/

4

Taylor A. Woolley (1884 – 1965), antes de estudiar en el Instituto de Arte de Chicago, trabajó en el estudio Ware & Treganza de Salt Lake City. Luego trabajó como dibujante para Frank Lloyd Wright en la arquitectura de Prairie School. A partir de 1909, viajó con Wright a Florencia y Fiesole para trabajar con Lloyd Wright, el hijo de Wright.

Trabajó en el estudio de Oak Park, y en las primeras etapas de Taliesin I.

Se recibe de arquitecto en 1910 en Utah, a partir de 1911 introduce el estilo Prairie en su estado natal. Un ejemplo es la casa que realiza para el abogado William W. Ray, una vivienda em un lote angosto y largo que descendía en su extremo sur hacia Red Butte Creek.

1915, Arq Taylor A. Woolley

El proyecto lo conforma un bloque principal de dos pisos al que le adiciona dos construcciones, en la fachada que da a la calle, una oficina de un piso con techo a cuatro aguas; en la fachada trasera (sur), un porche de un piso con techo a cuatro aguas. 

La casa se basó en uno de los diseños residenciales más imitados de Wright, «Una casa a prueba de fuego por $5,000», publicado en la edición de abril de 1907 de Ladies’ Home Journal.

Hay muchas similitudes, la sala de estar y el comedor se arman alrededor de una chimenea central de azulejos. Una barandilla unificadora de roble, a pocos cm del techo recorre el perímetro de la sala y el comedor. Realizó algunos cambios como suplantar el hormigón armado por bloques de tejas huecas con paredes exteriores estucadas. 

Construyó otras casas sobre la Yale Avenue en Salt Lake City.

En 1915 trabaja en el estudio de Francis Barry Byrne y Walter Burley Griffin. En 1917 regresa a Salt Lake City y junto a su cuñado se asocia en la empresa Miller, Woolley and Evans, donde permanece hasta 1922.

Se jubiló en 1950 habiendo trabajado entre 1933 a 1941 como arquitecto estatal para el estado de Utah y en la presidencia del Capítulo de Salt Lake del AIA (Instituto Americano de Arquitectos).

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elblogdeIlaBasmati.com

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Ellen Karolina Sofía Key (1849 – 1926) fue una escritora y feminista sueca con experiencia en los campos de la vida familiar, ética y educación. Una de sus obras fundamentales fue Amor y Matrimonio (1903) en la que defendía la idea de que las mujeres podían lograr su máximo desarrollo como seres humanos con la maternidad, pero al mismo tiempo destacaba la necesidad de la protección del Estado económica y políticamente ya que la dependencia económica de los años de crianza eran la causa de la subordinación femenina.

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Paul Hendrickson narra en su libro “Plagued By Fire: the Dreams and Furies of Frank Lloyd Wright”, las facetas mas humana y cercana de Wright.

¡Y el horror!.

El 15 de Agosto de 1914, mientras Wright estaba en Chicago, Julian Carlton empleado de Taliesin, desencajado en su locura, y seguramente potenciada por un altercado que había tenido con uno de los ayudantes de Wright, por el que sería despedido, prendió fuego a la casa, y con un hacha mato a Mamah, a sus hijos de 8 y 12 años, y a 5 empleados que estaban en el comedor, otros colaboradores de Wright Billy Weston, David y Fritz pudieron escapar y pedir ayuda.

Escribe Paul Hendrickson “El arquitecto estaba lejos y regresó de manera precipitada…su viaje en tren fue agobiante… el mensaje que le habían pasado era escueto para evitarle males mayores: “Taliesin, consumido por las llamas”. Cuando arribó, completamente enajenado e incrédulo, se sentó delante del piano y comenzó a interpretar a Bach.

Las llamas se sofocaron como se pudo, pero las pérdidas fueron muy cuantiosas, entre ellas, una parte de la colección de arte asiático que el artista había comprado. Sin su amante y con su casa dañada, al que llamaba “el bungalow del amor”, Wright tuvo que volver a levantarse. Dicen que ya no fue nunca el mismo, que su carácter se volvió más hosco y que su vida fue bastante más introspectiva. Sufrió trastornos en el sueño y pesadillas frecuentes”.

El asesino, Carlton escondido en una cámara ignífuga que había en la casa tomó ácido clorhídrico que le destrozó el esófago y preso murió de hambre al no poder ingerir comida. El hacha fue hallada en el siniestro lugar del crimen, él se declaró inocente. Su esposa fue exculpada.

continua parte 6ta http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-6/

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parte 3era http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-3-exposiciones/

Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 4. Romeo y Julieta

 Frank Lloyd Wright, otras obras

1897 Romeo & Julieta

1906 River Forest Tennis Club

1917 Almacenes German

1952 Tiendas Anderton

Jane y Ellen Lloyd Jones, las tías de Wright, fundaron y maestras del Hillside Home School, un internado progresista en Spring Green, Wisconsin.

Wright, con la ayuda de su mentor Joseph Lyman Silsbee, había diseñado una estructura Shingle Style para remodelar la escuela en 1887. (Hoy demolida).

Diez años más tarde, sus tías le encargaron el diseño de un molino de viento y un pozo que suministraría agua a la escuela. Ubicado en lo alto de una colina y rodeado de árboles, diseña una torre octogonal que abraza y refuerza estructuralmente un molino de viento más alto y estrecho con forma de diamante.

Un gesto que, a algunos, influidos por el nombre que Wright le puso al Molino, evocan a los amantes de Shakespeare.

Respondiendo los deseos de sus tías de que el diseño se ajustara al de las otras estructuras en el sitio de Hillside Home School, Wright terminó la torre del molino de viento con un revestimiento de tejas.

El revestimiento original de tejuelas de madera fueron eliminadas por Wright en 1938, además restauró con tableros de madera y añadió un pequeño mirador donde instaló un equipo de música orientado al valle.

En 1987 se le colocaron contrachapados de 3/4 » y tableros de ciprés de 1/2 «.

Una nueva torre reemplazó a la original en 1992.

Su basamento siguió siendo de piedra.

Es el mismo molino de viento que años mas tarde llevaría agua a su casa-escuela-estudio.

Su primer Taliesin.

Es como un árbol en la cima de la colina, uno de los pocos edificios de Wright que compite con la cima de una colina.

Una escalera sube por el tambor del octógono hacia el mirador, una escalera como dice Bachelard que siempre sube  (“La escalera que sube a un desván siempre sube y nunca baja, igual que siempre baja y nunca sube la de un sótano” Gaston Bachelard).

La obra fue ejecutada originalmente en madera, por ello fue muy criticada con el argumento que caería debido a un fallo estructural.

Un Wright irónico escribiría a sus tías “Romeo y Julieta resistirán 25 años más que las Torres de Acero de la zona…me temo mis propias tías no la sobrevivirán”.

En 1976 fue declarado Monumento Histórico.

Tom Campbell, el jefe de Preservación en Wisconsin de la «Fundación Frank Lloyd Wright», realizó un recorrido de por la torre del molino de viento en 2020, y filmo (caseramente) las vistas.

Vista desde el molino https://www.facebook.com/wrighttaliesin/videos/252670155784825

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El River Forest Tennis Club está en el 615 Lathrop Avenue, River Forest, Illinois.

El edificio original se destruyó en un incendio, y Wright que era miembro del Club, recibió en 1906 el encargo de diseñar el nuevo edificio.

Entre sus colaboradores estaban Charles E. White Jr (1876–1936) y Vernon S. Watson.

He tenido la suerte de visitarlo, y su longitud y el color de su madera, atraen, más que cualquier construcción de alrededor.

No es visitable, pero….hay si se insiste…

Wright diseñó una estructura baja, alargada de una sola planta, revestida con tablas y listones que enfatizan su horizontalidad.

Los extremos en forma de proa exageran y realzan aún más su estructura.

Tiene un techo bajo a cuatro aguas interrumpido por chimeneas anchas y poco profundas.

En el interior, la amplia sala de reuniones está bordeada por chimeneas en tres lados y una banda continua de puertas de vidrio desde donde se ven las canchas de tenis del Club. 

El edificio fue reubicado y modificado en 1920 después de que la Comisión de Reserva Forestal del Condado de Cook reclamara la propiedad original. 

Actualmente se lo sigue utilizado como casa club por el River Forest Tennis Club.

The River Forest

Tennis Club – Inicio (rftc.org)

Almacén German. AD

Frank Lloyd Wright nació en Richland Center, Wisconsin en 1867, allí proyectó entre 1917 – 1921 el Almacén German AD.

Ubicado al 300 South Church St, Centro Richland, WI, en la esquina de las calles Church y Haseltine

Su sitio WEB: Adgermanwarehouse.org

Inscripto en 1974 en el NRHP (Registro Nacional de Lugares Históricos de Wisconsin), es el único almacén diseñado por Wright, en el mismo período que realizó el Hotel Imperial en Tokio y el Midway Gardens en Chicago. 

Fue diseñado como bodega tradicional para «almacenar y vender productos al por mayor», el espacio debía incluir un restaurante, una casa de té, espacios comerciales, una tienda de regalos y una galería de arte para Albert Delvino German (A.D. German Warehouse) además de una sala de música adjunta.

Es una estructura de ladrillo a la que corona un friso de hormigón, al que se conoce con el nombre de “panteón o templo maya” derivado de las máscaras del dios del agua y de  la lluvia «Chaac».

Ha utilizado un concepto estructural único conocido como el «sistema Burton Spider-web», un ejemplo de construcción de hormigón in situ, asentada sobre una plataforma de corcho que ayuda a su estabilidad y para absorber impactos.

Wright utilizó losas de concreto, sostenidas por columnas que se van reduciendo en tamaño a medida que ascienden al 4to piso.

La construcción se detuvo con el edificio sin terminar en 1921, luego de gastar $ 125,000 (equivaldría a 2.082.000 dólares del 2022), lo que superó el costo estimado original de $ 30,000 (equivaldría a 499.500 dólares del 2022). 

Es la única estructura comercial diseñada por Wright que aún existe de este período.

En proyecto está el remodelarlo respetando el estilo wrightiano, cada piso tendrá un contenido específico que será diseñado para ser centro de atracción que atraiga al turismo, y a empresarios pues contará con espacios para trabajar, comer y realizar compras.

Más datos ADGWC. www.adgermanwarehouse.org , a info@adgermanwarehouse.org 

Los recorridos solo son posibles de Mayo a Octubre con cita previa. 15 usa por persona.

Tuvo un propietario Harvey Glazner que hasta su muerte en 2011 puso en el piso inferior una tienda y el Museo Museo Frank Lloyd Wright, que abría en forma intermitente.

En Noviembre de 2015 el AD German Warehouse Conservancy (ADGWC), contrató a Isthmus Architecture, especialistas en conservación, y en el 2017 se realizó un plan de conservación.

Tiendas Anderton Court, Beverly Hills, EE. UU

Si de por si es extraño (uno sería el extraño allí) caminar por Rodeo Drive en Beverly Hills, tratando de evitar que una Ferrari 812 GTS no te atropelle, mientras distraído miras varios Lamborghinis.

Rodeo Drive es un espacio con coches estilizados estacionados desordenadamente, con gente muy parecida a los multimillonarios con bolsas que gentiles vendedores llevan a los maleteros, como digo si eso es extraño mucho más es que aparezca allí, un pequeño proyecto de Frank Lloyd Wright.

Pequeño, una miniatura de un centro comercial.

Uno entra, sube la rampa y se encuentra con locales de forma diversa, yo aventure meterme en un taller de joyería, mirando todo menos las joyas.

A pesar que no tiene la contundencia del Morris Gift de San Francisco, uno percibe que la Bugatti Noire envidia tanta armonía arquitectónica.

Un pequeño proyecto, creado por Wright en 1952 está en la 333 N. Rodeo Drive. Beverly Hills, California.

The Anderton Court Shops es una de los nueve edificios diseñadas por Frank Lloyd Wright en el área de Los Ángeles, el último que haría en la ciudad.

Nina G. Anderton encargó el trabajo en diciembre de 1951, un proyecto que Wright realiza después de haber diseñado la tienda de regalos VC Morris en San Francisco mientras esta diseñando el Museo Guggenheim en Nueva York.

El edificio mide 15,24 x 45,72 metros de profundidad, en la glamurosa calle Rodeo Drive. Llama la atención su “campanario” similar a la del Marin Civic Center.

Pensado para 4 tiendas en sus dos plantas, ahora se ha subdividido el espacio y hay 6 tiendas, tres a cada lado con unos escalones que salvan medio piso y que se compensan con la rampa.

En el Ático se diseñó un apartamento que actualmente es una oficina.

La entrada a las tiendas es desde una rampa angular que serpentea, cerca de la fachada.

La fachada original era de color beige claro con molduras de fibra de vidrio de color cobre oxidado, se han pintado de blanco con detalles en negro.

En general se parece al proyecto original, aunque se ha eliminado el mástil que coronaba la aguja central,

Nina Anderton quería poner el nombre de su amigo el modisto Eric Bass, que adminisrtaria el centro, exhibiría sus creaciones y viviría en el Atico.

Una pelea entre ambos, hizo desaparecer el deseo de poner el nombre su amigo, y puso el de otra amiga, ella misma.

Los cimientos de hormigón sostienen paredes hechas de “gunita”, una mezcla de hormigón que se inyecta mediante mangueras de alta presión, consiguiendo un muro continuo, de mayor resistencia con menor espesor y baja porosidad.

Los pilares se estrechan hacia abajo, se ha utilizado “parones de chevron” en la aguja central y los bordes de la línea del techo. 

Los Patrones Chevron o Espiga es un motivo de diseño que encontramos en “…los antiguos templos hindúes, en la alfarería Hopi, en el Art Decó francés, en los ponchos hippies y así hasta el principio de los tiempos. (Palabras de Maxwell Ryan, bloguero indignado en 2012 por la propagación desenfrenada del patrón Chevrón, pero Wright la usó en 1952).

Por razones de presupuesto, se remplazaron las molduras de metal de cobre por plástico reforzado de fibra de vidrio.

Está inscripto en el Registro Nacional de Lugares Históricos.

Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 3. Exposiciones

 Frank Lloyd Wright, exposiciones

Mis edificios no solo son luz o perspectiva, alimentan el espíritu. Intentan encontrar formas adecuadas para integrar y armonizar los nuevos materiales y técnicas con el ideal de vida democrática de mis tiempos”. F. Ll. Wright

Frank Lloyd Wright desarrollo un enorme trabajo de una calidad difícilmente superable.

Realizó 1.191proyectos, incluyendo casas, oficinas, iglesias, escuelas, bibliotecas, puentes y museos. 460 casi 1/3 de ellos se construyeron, de los que se conservan 384, actualmente protegidos por ley y rehabilitados.

Diseñó muebles, telas, arte en vidrio, lámparas, vajillas, ropa de cama y  artes gráficas, fue autor de 20 libros e innumerables artículos, ha dado conferencias en los EEUU y en Europa.

Desarrolló un plan para la descentralización de las ciudades, de la “América urbana”, al que al día de hoy se le presta atención y se debate acerca de su importancia.

Sus trabajos fueron mostrados en innumerables medios, gráficos, visuales, televisados, radiales, y en exposiciones.

Exposiciones

He descubierto una serie de exposiciones, que me han llamado la atención, como la que se realizó en 1953, cuando el arquitecto Frank Lloyd Wright tenía 84 años, en los terrenos donde pocos años más tarde se levantaría el Guggenheim en New York, se la llamó “The Usonian House: Sixty Years of Living Architecture”.

En otra oportunidad rastreando el origen del diseño de una silla de Wright, me topé con el magnate Tom Monaghan fundador de la compañía de Pizza Domino’s y constructor del centro de Arte Domino’s Farms, ubicado en la ciudad de Ann Arbor Township.

Monagham invirtió millones de dólares en reunir una valiosa colección de elementos diseñados por Wright, entre ellos el histórico e increíble Portafolio Wasmuth de 1910, cuando Wright… pero vayamos de a poco.

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The Usonian House: Sixty Years of Living Architecture.

La casa Usoniana: sesenta años de arquitectura viva.

Esta sencilla silla de contrachapado fue producida para la exposición celebrada en el museo Guggenheim de Nueva York en 1953, cuando Wright tenía 84 años. 

Frank Lloyd Wright silla de comedor Usonian Exhibition. Roble y madera contrachapada 1953. Museo de Arte de Milwaukee.

La exposición fue llamada The Usonian House: Sixty Years of Living Architecture, allí se se ve con claridad los esfuerzos del arquitecto, que en la última parte de su vida desea seguir produciendo viviendas que fueran asequibles, sin renunciar a los altos estándares dictados por su diseño de arquitectura orgánica. 

El catálogo que acompañó a la exposición Guggenheim contenía una declaración de Wright: “Creo que una casa es más que un hogar, por ser una obra de arte” afirmando “…mi enfoque de la arquitectura se alinea, fundamentalmente, con los principios de la democracia estadounidense”.

La sala de estar de la Casa de Exposiciones Usoniana
ilustrada en House Beautiful, 1955

No fue un proyecto para un cliente individual, por lo que el proyecto de la casa estaba liberado de cualquier restricción.

La Casa de la Usonian Exhibition House que Wright creó para el Guggenheim fue una versión idealizada de sus conceptos, cuyo resultado fue ampliamente difundido en numerosas revistas y periódicos de la época.

Su edificio no tuvo la vocación de ser construido en New York, solo fue para la exposición y ocupó el sitio donde se construiría años más tarde el Guggenheim.

En el caso de la silla de comedor Usonian Exhibition House, se nota dónde encajan las diferentes piezas de madera contrachapada, los recortes decorativos de la silla acuerdan con el diseño general de la casa, son de un carácter simple y geométrico.

La silla Usonian, representa los esfuerzos de Wright para influir en el cambio social a través de un sistema práctico que ayude a planificar, construir y amueblar hogares. 

En conjunto, Frank Lloyd Wright: Buildings for the Prairie y la silla de comedor Usonian Exhibition House actúan como partes de la historia del legado de Wright. La exposición ha examinado el primer período de la carrera de arquitecto.

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En la Bradley Family Galleries se realizó la exposición «Frank Lloyd Wright: Buildings for the Prairie«, allí se pudo apreciar los trabajos de la primer parte de su carrera.

La segunda parte se exhibió en el MAM (Museo de Arte de Milwaukee, ubicado al 700 N. Arte Museum Drive, a orillas del lago Michigan en Wisconsin. Fue el 26 de Septiembre de 2017 para celebrar los 150 años del nacimiento de Frank Lloyd wright y se la llamó «El potencial del contrachapado».

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Anteriormente el MAM (el Museo de Arte de Milwaukee) junto a la Fundación Frank Lloyd Wright de Scottsdale, habían organizado en los meses de febrero y Mayo del 2011 la exposición vanguardista “Frank Lloyd Wright: arquitectura orgánica para el siglo XXI”.

Se exhibieron más de 150 objetos diseñados por Wright, dibujos, maquetas, películas caseras, secuencias de videos, fotografías, y muebles que realizó durante siete décadas.

Se celebraba el centenario de Taliesin, la casa-estudio y escuela de Wright en Spring Green, en Wisconsin.

Hannah Pivo fue la curadora, con amplia experiencia en adquisiciones, rotaciones de galerías y exhibiciones de cerámica, vidrio, textiles, gráficos, diseño industrial de los siglos XX y XXI.

Los diseños posteriores de Wright están representados por la adquisición de una silla, la  Usonian Exhibition House Dining Silla : uno de los dos únicos diseños que aún existen, que se han agregado a la colección del MAM

Se celebraba también el décimo aniversario del Pabellón Quadracci diseñado por Santiago Calatrava, que en el año 2001 se agregó al MAM.

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Con ocasión del 75 aniversario de Taliesin West, de la que fuera la vivienda de invierno, el estudio y el campus de arquitectura de Frank Lloyd Wright, en Scottsdale se realiza una gran exposición.

Frank Lloyd Wright en su taller en Taliesin, Spring Green en 1956. Foto de Ed Obma, 2010 Frank Lloyd Wright Foundation en Scottsdale

El Phoenix Art Museum presentó del 18 de diciembre del 2011 al 29 de abril de 2012 una nueva perspectiva de las siete décadas de su carrera. Se la llamó «Frank Lloyd Wright: Arquitectura orgánica para el siglo 21», donde se exploran los principios de la arquitectura orgánica de Wright.

Desde una perspectiva actual podemos relacionar su arquitectura con una arquitectura sostenible, sus conceptos de energía, los materiales que utilizó, la eficiencia del espacio, la tecnología de la prefabricación y la fabricación de partes en plantas alejadas de la obra, el transporte y la planificación urbana, asi como su respeto con el lugar y al clima.

Entre sus proyectos emblemáticos se exhibieron el Templo Unitario (Oak Park 1905), La Casa de la Cascada (Mill Run 1936), la Johnson Wax Administration (Racine 1936, Taliesin East (Spring Green 1911-59) y Taliesin West (a 10 km de Scottsdale 1937-59).

American System Built Houses, Modelo VII-A, 1915, (Para Richards Company, Milwaukee), Vista, Fundación Frank Lloyd Wright, Scottsdale 2010

Casa Edgar J. Kaufmann, “Fallingwater”, 1934–37,
Fundación Frank Lloyd Wright, Scottsdale 2010

Capitolio del estado de Arizona, “Oasis”, Phoenix,  1957 (proyecto), Air View, Fundación Frank Lloyd Wright, Scottsdale 2010

Para celebrar el centenario del estado, se realizó una maqueta a gran escala acompañada de dibujos del proyecto del Capitolio propuesto por Wright en 1957.

Hotel Rogers Lacy, Dallas, 1946, Fundación Frank Lloyd Wright, Scottsdale 2010

Lenkurt Electric Company, San Carlos, 1955, Fundación Frank Lloyd Wright, Scottsdale 2010

Seth Peterson Cottage, Lake Delton, 1958, Fundación Frank Lloyd Wright, Scottsdale 2010

Museo de Arte de Milwauke. MAM

El MAM creado en 1888, tiene actualmente 31.700 m2, posee 30.000 obras de arte que reciben más de 400 mil visitas al año. Está conformado por 4 edificios.

1

El War Memorial Center, monumento a los veteranos de guerra, diseñado en 1957 por el arquitecto finlandés-estadounidense Eero Saarinen (1910 – 1961), cuyo aeropuerto John F. Kennedy de NY, es una joya arquitectónica (1).

Originalmente el encargo fue ofrecido a su padre Eliel Saarinen (1873 – 1950) pero debido a su muerte en 1950 es Eero quien lo realiza.

La construcción comenzó en 1955, bajo la supervisión de los arquitectos de Milwaukee Maynard W. Meyer & Asociados. Eero Saarinen incorpora los 5 puntos de Le Corbusier, como levantar el edificio del suelo mediante columnas, eliminar los muros de carga para tener una fachada y una planta libre para observar el lago, en las terrazas y azoteas.

2

El Kahler Building fue diseñado en 1975 por el arquitecto David Kahler (Kahler, Fitzhugh & Scott). Kahler añadió una estructura de hormigón que se extiende hasta la orilla del lago, creando un zócalo en el eje del edificio de Saarinen

El comienzo de la colección fue la donación de más de 600 obras de Arte Moderno y un aporte de 1 millón de dólares en 1960 (aprox 9,2 millones actuales) realizado por la Sra Harry (Peg) Lynde Bradley.

3

El Quadracci Pavilion (realizado con fondos de Betty y Harry Quadracci) fue diseñado en el 2001 por el arquitecto Santiago Calatrava. (1951), fue su primer proyecto en los EEUU. En sus 13.200 m2 alberga una gran sala de recepción, un auditorio, un gran espacio de exhibición, una tienda, dos cafés y estacionamiento.

Las alas del Museo, el “Burke Brise Soleil”, un “protector solar móvil con una envergadura de 66 metros, con 72 aletas de acero”. Para evitar que el viento pueda hacer “volar” al Museo, cuando los sensores detectan que los vientos superan los 37 km durante más de 3 segundos, cierran las alas automáticamente en 3,5 minutos.

Jardines Cudahy

Los jardines llevan el nombre del filántropo Michael Cudahy. Mientras se levantaba el Pabellón Quadracci, se rediseñaron los terrenos del Museo. El arquitecto paisajista Dan Kiley fue el encargado de diseñar una red de jardines, plazas y fuentes en un rectángulo de 183 metros por 30.

Con formas y patrones geométricos integró el edificio formal de Eero Saarinen, con las formas  sugerentemente más libres y aparentemente espontáneas de Santiago Calatrava.

Una serie de setos de 3 m de altura y una fuente con una cortina de agua de 1,22 m de alto dividen el jardín en diez parterres inclinados de céspedes. Las plazas de los extremos cuentan con fuentes monumentales que rocían agua a 10m en el aire.

4

En 2015 se inauguró una nueva ampliación obra del arquitecto de Milwaukee  James Shields (HGA Arghitects).

James W. Shields (3) FAIA (Fellow of the American Institute of Architects) (4), es director de diseño en HGA Architects y profesor asociado de arquitectura en la Universidad de Wisconsin-Milwaukee. 

Debido a discrepancias con el Museo, no continuó el proyecto que fue terminado por otros profesionales del estudio. El edificio tiene un acceso para visitantes orientado al lago, con voladizos (del piso superior sobre la primera planta acristalada) y columnas de hormigón.

En sus cuatro pisos se exhiben colecciones que incluyen el arte europeo de los siglos XV al XX y estadounidense de los siglos XVII al XX. Los artistas importantes representados incluyen a Nardo di Cione, Francisco de Zurbarán, Jean-Honoré Fragonard, Winslow Homer, Auguste Rodin, Edgar Degas, Claude Monet, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Jóan Miro, Mark Rothko, Robert Gober y Andy Warhol, en sus importantes fondos el Museo posee una de las mayores colecciones de obras de Georgia O’Keeffe, la artista era nativa de Wisconsin.


5

Catálogo de la exposición, 24 de Junio a
septiembre. Palacio Strozzi

La Exposición itinerante «Sesenta años de arquitectura viva: el trabajo de Frank Lloyd Wright», fue una exposición itinerante, donde se exhibieron maquetas, fotografías y dibujos originales.

En Enero de 1951 se realizó una visión previa de la exposición en Filadelfia en la Galeria Gimbel Brothers.

La gira mundial comenzó en Junio de 1951 en Florencia en el Palazzo Strozzi.

En “Sixty Years de New York” se anunciaba que luego de Florencia la exposición viajó a Zúrich a finales de Mayo de 1952.

A Paris en Abril de 1952.

A Múnich del 16 de Mayo al 15 de Junio de 1952.

 Y a Róterdam el 1 de Junio de 1952. 

Luego de exhibirse 2 años en Europa en 1953 fue a México y New York.

En 1954 a Los Angeles.

Si bien Wright dice que en 1955 iría a Oriente, en «Frank Lloyd Wright, His Life, His Work, His Words» en la paginas 219/20, su esposa Olgivanna, señala que luego de Los Angeles, regresó a Taliesin.

En el catálogo de Chicago, se indica, que a las 8 ciudades mencionadas, se le agregó la 9na que fue Chicago. A raíz de ella el alcalde Daley, proclama el 17 de octubre como el día de Frank Lloyd Wright.

La exposición de New York de 1953 se realizó en los terrenos donde años más tarde se realizaría el Museo Guggenheim. El complejo que se construyó para la exposición constaba de dos estructuras: La Casa de Exposiciones Usoniana de 158 m2 completamente amueblada, y el Pabellón, ambas estaban en la portada del catálogo. La exposición se inauguró el 9 de Octubre y duró hasta el 29 de Noviembre de 1953.

Wright usó el mismo diseño de la silla de comedor de la Casa Usoniana en otras casas como la Casa Trier.

Casa Trier

Después de la exhibición, la casa se subastó, pero el comprador enfermo de polio no pudo reconstruir la casa.

En 1984, después de estar en un almacén durante 30 años se volvió a subastar.

Tom Monagham (del que conoceremos de su museo en próximas entregas) pudo comprarla con una oferta de 117.000 usa., (unos 342,128 dólares de 2022).

Tampoco se reconstruyó en ese momento y volvió a ser subastada en 1992.

Exposición de la maqueta del proyecto de ciudad “Broadacre” en el año 1951.

Una vista previa de la exposición se celebró en Filadelfia en la Galería Gimbel Brothers, en enero de 1951.

La gira mundial comenzó en el Palazzo Strozzi en Florencia. Se la llamó “60 años de arquitectura viva The work of Frank Lloyd Wright”, fue una exposición itinerante, compuesta por maquetas, fotografías y dibujos originales.

Broadacre fue presentada como “Una concepción de la Comunidad descentralizada moderna ideal”, un diseño con 2200 parcelas de 4.047 m2 “en contra la concentración exagerada e inhumana de las ciudades americanas”, estaba diseñada para permitir el contacto del hombre con la naturaleza.

En la foto de izquierda a derecha Ologivanna Lloyd Wright, Frank Lloyd Wright, el arquitecto y crítico de Arte Bruno Zevi –vista parcial- (1918 – 2000), Kathryn Lewis, Iovanna Lloyd Wright -hija de Frank y Ologivanna- (1925 – 2015), el crítico de arte, historiador, filósofo del arte y político italiano Carl Ludovico Ragghianti (1910 – 1987), el diplómatico –ejerció el cargo de ministro de relaciones exteriores de Italia- y político antifascista Conde Carlo Sforza (1972 – 1952), el arquitecto y escultor racionalista Oscar Gregory Stonorov (1905 – 1970) y la historiadora de Arte y escritora Licia Collobi Ragghianti (1914 – 1989).

Notas

1

La TWA (Trans World Airlines) se inauguró en 1962, actualmente la T5.

2

Datos tomados de Wikiarquitectura.

3

James Shields fue elegido miembro del AIA (Instituto Americano de Arquitectos) en 2010.

Con una práctica activa en el diseño de edificios públicos, ha recibido más de una docena de premios de diseño del AIA de Wisconsin por proyectos como el Museo Discovery World en la orilla del lago de Milwaukee, el Museo de Arte DeVos, el Departamento de Arte y Diseño de la Universidad del Norte de Michigan, y el Butterfly Vivarium en el Museo Público de Milwaukee. Ha sido premiado por sus diseños en arquitectura religiosa como la iglesia St. Boniface en Mequon, la capilla del St. Norbert’s College y la catedral católica de Milwaukee. 

Autor de dos libros: “Las ciudades de James Duane Doty” y “Representación arquitectónica”. Se ha formado en las Universidades de Wisconsin-Milwaukee, Pensilvania en Ecole Speciale, París, y Wisconsin-Milwaukee.

4

FAIA es la abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto.

Dicho honor distingue a arquitectos que han hecho contribuciones significativas a la profesión de arquitectura en tres categorías específicas de nominación:

Excelencia en diseño

Contribuciones a la academia y la educación en la arquitectura

Servicio público

Menos del 2% de los cerca de 72.000 arquitectos estadounidenses forman parte del College of Fellows.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Parroquia Santa Mónica

La encontré de casualidad, a pesar de estar en Rivas donde tuve la editorial durante 19 años, no sabia de ella.

Esta construida en la zona residencial de casas y apartamentos, en Rivas Vaciamadrid, a 15 km al sur de Madrid.

Rivas-Vaciamadrid es un Municipio y localidad de la Comunidad de Madrid, junto a la A-3. En 1980 tenía 500 vecinos, en 2021 su población llegó a 92.902 habitantes en una superficie de 67,58 km2, quizás la mayor explosión demográfica de Europa.

Tres cuartas partes del término municipal forman parte del parque regional del Sureste, donde confluyen los ríos Jarama y Manzanares.

Los barrios «Covibar» y «Pablo Iglesias» fueron construidos por cooperativas, el primero vinculado a Comisiones Obreras y al Partido Comunista de España, y el segundo a la Unión General de Trabajadores y al Partido Socialista Obrero Español. Es un municipio que forma parte del conocido como «cinturón rojo» de la Comunidad Autónoma.

El barrio forma parte de las zonificación que incluye al Polígono de Santa Ana.

Los que trabajábamos allí, pagábamos un impuesto de mantenimiento de la jardinería, arboles, plantas y flores. La nave (almacén) de Asppan y la editorial HK estaba en la calle La Fundición 15.

Hay un acuerdo entre el PSOE e Izquierda Unida, que se presentan separadas y eligen el alcalde de los propuestos por el partido mas votado de ambos y el equipo de gobierno es compartido. Funciona muy bien.

Retomando la historia de la Parroquia, ésta comenzó su actividad en un local en la planta baja de un centro comercial.
La familia Corsini , cede un predio entre las calles de la Libertad y de la Integración.
El presupuesto no superó los 2 millones de euros.

En Mayo del 2003 se puso la primera Piedra y se inauguró a finales del 2008. Ocupa casi todo el solar, dejando únicamente un patio longitudinal de acceso y servicios, paralelo a uso eje más largo.


Su autor el doctor arquitecto Ignacio Vicens (integrante del estudio Vicens y Ramos)  describe al proyecto en relación al solar…”me fije en su longitud y estrechez, y entendí que pedía direccionalidad y retablo.

“El edificio se construyó mediante una estructura metálica forrada de Pladur, con un revestimiento de acero corten, representa el contraste entre el óxido del mundo exterior y la pura luz interior«

“…el presbiterio remata en un retablo construido por la luz natural que entra por unos lucernarios, de pan de oro, distribuidos por toda la iglesia…el exterior de esa cabecera esta construida con prismas desiguales…”.

“En el siglo XV los campanarios tenían sentido, pero hoy tenemos teléfonos móviles…, por eso mismo, el tradicional campanario ha sido convertido en un juego de prismas irregulares terminados en lucernarios: siete brazos geométricos de acero cortén que miran hacia afuera y cuyas aperturas acristaladas dejan entrar el sol en distintas direcciones e inclinaciones sobre el altar».

«El efecto lumínico no solo propicia un ambiente de suave recogimiento, sino que crea un auténtico retablo de luz».

Para conformar un lugar «diáfano e íntimo», las imágenes escultóricas «que parecen flotar en el espacio» y los bloques de color en el altar fueron realizadas por el escultor Javier Viver, cuenta además con un triple mural de lienzo, una obra de expresionismo abstracto obra de los artistas José María Círia y Fernando Pagola.

Reconozco que esperaba un espacio diferente al que vi, impresionado por la fuerza de sus formas y un exterior tan contundente, su interior es mas convencional, que la cascara que lo recubre, aprovechando el generoso paso de la luz.

Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 2

 Frank Lloyd Wright, obras

parte 1 http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-1/

“Los médicos tapan sus errores con tierra, los abogados con papeles

y los arquitectos aconsejamos poner plantas”. F. Ll. Wright

Para economizar en la construcción de las viviendas, Wright utilizaba madera laminada de cedro, en muchos elementos, sean tabiques, cubiertas o en el diseño deñ mobiliario.

Luego de varias pruebas, donde los presupuestos se habían prácticamente duplicado, en la Casa Jacobs (ejemplo 1), pudo llegar a un coste de 5.500 dólares (unos 117.442,01 dólares de Nov 2022).

Pero en la Casa Goetsch-Winkler (ejemplo 5), el presupuesto original volvió a duplicarse, aunque (o quizás debido a que) los propietarios participaron personalmente en su construcción.

A pesar de su limitado presupuesto, las casas usonianas continuaron siendo pensadas como “Obra de Arte Total” (Gesamtkunstwerk), y se manifestaba en que su diseños era total, incluían el mobiliario, armarios, estanterías, e incluso mesas con mobiliario fijo, integrado en el diseño formal y constructivo de la casa.

Trataba así de controlar los presupuestos, por eso utilizó los mismos tableros de madera laminada que usaba en los tabiques de las casas, para que de esa manera lo podía realizar cualquier carpintero o el mismo usuario, evitando un ebanista especializado.

Wright relacionó el diseño de los muebles con el diseño de la vivienda donde se colocarían, así surgieron muebles de formas octogonales, hexagonales, circulares entre otras.

El sillón “Origami” o las sillas de la Casa Sondern, fueron construidos en base a tableros de madera contrachapada que se cruzan,

4

1939 Casa Bernard y Fern Schwartz (Wright la nombró Still Bend), Adams 3425, Two Rivers, Wisconsin.

Tiene 278 m2. Un ejemplo de “la casa de los sueños”, diseñada para la revista Life. Es una de las pocas “Casas Usonian” de 2 plantas.

En un momento especial de su carrera profesional, la revista The Architectural Forum dedica en 1938 un número completo de su trabajo, con el título “Usonian Architect”.

Había una especial admiración por la recientemente terminada Falling Water, y la Johnson Wax que estaba en construcción.

Además la revista Life en colaboración con The Architectral Forum invitó a Wright a participar en un artículo llamado “Ocho casas para la vida moderna”.

Life encargó los diseños de una de esas “Casas ensueño” para cuatro familias típicas estadounidenses con ingresos entre 2 y 10 mil dólares al año (entre 42.100 y 210.500 dólares de 2022).

Bernard Schwartz, dedicado a los negocios de Two Rivers encargó uno de los proyectos.

Wright modificó los planos y cambió los materiales de estuco y piedra a tableros y listones de ciprés de marea roja, los ladrillos y el piso de concreto eran también rojos.

Al elevar el techo de estar, deja un espacio para un enorme balcón en el segundo piso que balconea sobre la sala de recreación de 23 metros de largo.

Wright diseña las mesas, sillas, camas, sofá con estanterías integradas, almohadones, lámparas, fruteros.

También diseñó diversas ampliaciones, como un cuarto de servicio que permitiera adicionar un taller de carpintería, planos del jardín, una pérgola que debía conducir desde a la casa a una pequeña granja y un cobertizo para botes a construir en East Twin Rivers, debajo de la casa, ninguna de ellas llegó a realizarse.

Hasta el año 1971 vivieron en la casa Bernard, Fern y su hijo Steven.

El segundo propietario vivió allí 33 años, y hoy la casa es propiedad de los hermanos Gary y Michael Ditmer que la han restaurado cuidadosamente, y la alquilan para pasar unos días en ella.

Posiblemente sea la vivienda con el sistema de calefacción por suelo radiante en funcionamiento más antiguo del país.

En un reportaje de AAO (Association of Architecture Organizations) en Octubre de 2010 a Michael Ditner, éste dice:

«Esta casa fue diseñada para un artículo de 1938 de la revista Life «Dream House». Se seleccionaron cuatro familias que representaban diferentes rangos de ingresos. Cada familia tenía dos casas diseñadas para ellos: una moderna y otra tradicional».

La familia Blackbourn seleccionó la opción moderna diseñada por Wright, desafortunadamente, el banco no aceptó financiar un diseño tan poco convencional, por lo que construyeron la opción tradicional. 

Un hombre llamado Bernard Schwartz leyó el artículo y se puso en contacto con Wright para diseñar una casa. Esto le dió a Wright la oportunidad de construir su «Casa de los Sueños» con algunas modificaciones. Se diferencia del modelo usoniano estándar porque es más grande y tiene un segundo piso.

Frank Lloyd Wright describió el diseño original de esta casa como «… un pequeño club privado con una privacidad y comodidades especiales todo el tiempo».

Permiten recorrer la casa, duran una hora. La entrada para adultos es de 25 $, para menores de 18 años 5 $. Es necesario reservar.

3425 Adams Street, Two Rivers, Wisconsin 54241
+1 (612) 840-7507

Alquiler, mínimo 2 noches, 6 personas 595 $ por noche, hasta 2 personas adicionales a 50 $ por persona.

En invierno domingo a jueves 595 $ la noche, viernes y sábado 675 $ la noche.

En primavera y verano entre 675 $ 795 $ noche

Entre 18 de diciembre y 3 de enero 995 $ la noche.

Tenía curiosidad por saber que demanda tienen los pedidos de alquiler de la casa, y el 8 de noviembre de 2022 miré cuales eran las disponibilidades:

En noviembre ninguna, en diciembre 2 días disponibles, en enero 11 días y en febrero 14 días.

5

1940 Casa Goetsch – Winckler, ubicada en el 2410 de Hulett Rd, Okemos, Míchigan.

Muy valorada por las terminaciones qué realizó Wright, su rica decoración interior la transforman en una de las más elegantes de la serie.

En la década de los años ´30, ocho profesores de la Universidad Estatal de Michigan, situada en la pequeña ciudad de East Lasing, entre los condados de Ingham y de Clinton, formaron una cooperativa, y compraron un terreno de 24 hectáreas en Okemos,

Dos de ellos, Alma Goetsch y Kathrine Winckler pidieron a Wright que diseñara una comunidad de vecinos (1).

Deseaban construir siete casas y una más pequeña para los cuidadores, querían tener una granja, un huerto y un estanque con peces.

El proyecto planteaba un acceso a las casas por un camino en forma de U alrededor de la granja, cada casa se construiría al final de un largo camino, cada una tendría su jardín privado.

Frank Lloyd Wright, silla y taburete para la
Goetsch-Winkler House, Okemos, Míchigan

Las líneas generales serían techos planos, líneas horizontales y volúmenes simples,

Pero los bancos no deseaban dar financiamiento a proyectos “poco convencionales”.

Solo se construyó la Casa Goetsch-Winckler, pero en otro sitio.

Años más tarde, después de la segunda guerra mundial, otro miembro de la cooperativa Erling P. Brauner (ejemplo 6), construyó un proyecto de Wright a menos de 2,5 km de la casa Goetsch – Winckler.

Es una de las casas más antiguas de Wright de las llamadas “Usoniano en línea”. La cochera, la sala de estar, el comedor, la cocina y los dormitorios separados por un baño, estaban diseñados dentro de espacios rectangulares, y se ubicaban uno a continuación del otro.

La sala de estar ocupa la mayor parte de la casa, con una chimenea en un extremo frente a un área de trabajo, los dormitorios se abren a la galería,

Como todas sus casas, ésta espacialmente parece más grande a pesar de su pequeño tamaño. Ello es debido a que los muebles y los estantes están incorporados a la estructura de la casa. Así resolvió la mesa del comedor, el asiento junto a la chimenea, el bar, el escritorio y la estantería del área de trabajo.

6

1948 Casa Erling P. Brauner, 2527 Arrowhead Road, Okemos. Míchigan.

Los propietarios formaban parte del grupo que deseaba construir 8 casas en la zona.

Pero no había financiación para casas tan poco convencionales, y el grupo no pudo realizar su proyecto.

Años más tarde los Brauner construyeron su casa, cercana a la Casa Goetsch-Winkler, ambas ubicadas en una zona suburbana, al final de un callejón sin salida, muy arbolado.  

Construida con bloques de concreto pintados, situada en un lote elevado, está cerrada al frente, el lado privado de la casa es acristalado con vistas al jardín y la piscina.

El buzón está hecho con los mismos bloques de hormigón que el resto de la casa. 

No permiten visitas

Notas

1

Caroline Knight, Frank Lloyd Wright , p. 158,editorial Parragón, distribuida por ASPPAN, 2004.

ver Frank Lloyd Wright exposiciones parte 3 http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-3-exposiciones/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Las obras de Frank Lloyd Wright, parte 1

 Frank Lloyd Wright, obras

Frank Lloyd Wright creó un concepto proyectual y constructivo con el objetivo de ofrecer viviendas económicas y asequibles a la familia media americano de los años ´30, acorde a la política del «New Deal» del 32 presidente de los EEUU, Franklin Delano Roosevelt (1882 – 1945).

Las llamó casas Usonianas, combinando el acrónimo USA con el “Jeffersonian”, que era como se referían a las acciones del que fuera el 3er presidente de EEUU y autor de la Declaración de Independencia de Estados Unidos en 1776, Thomas Jefferson (1743 – 1826).

La idea de conseguir un sistema constructivo de bajo coste y sencillo (la «usonian family») comenzó en 1932 con la Casa de Malcom Wiley, y en 1937 (quizás la primera de la serie de casas usonianas) con la Casa Jacobs.

Wright basó su sistema constructivo en que por una parte fuera sencillo de construir y armar sin necesidad de operarios cualificados, incluso participando el mismo usuario (cosa que no fue posible en todos los casos) y que otra parte se pudiera hacer en un taller, y que montadas se enviaran directamente a la obra.

Sus casas son en general de una sola planta, con aberturas generosas de suelo a techo, moduladas, continuando los solados interiores en el exterior, con voladizos de la cubierta sobre terrazas.

Otra característica es la horizontalidad, calefacción integrada en el suelo (losa radiante), cubiertas planas y paredes de madera tanto interiores como exteriores. Un sutil y genial manejo de las formas y las funciones, un mobiliario integrado a las paredes, y una estudiada resolución de la iluminación vertical o cenital, las chimeneas juega un protagonismo en las plantas.

Las casas usonianas eran de formas geométricas simples y de líneas rectas, a diferencia de sus proyectos de las “Casas de la Pradera” (Prarie Houses) de comienzos de siglo.  En el vocabulario de Wright, el término sugería una reinvención social y arquitectónica utópica de los Estados Unidos basada en viviendas desurbanizadas de bajo costo para el estadounidense promedio. 

Usonia era una utopía posible, para que viviese su habitante ideal, aquel para el que había planteado su proyecto urbanístico Broadacre City  (1931 – 1935) (1), que consistía en “viviendas unifamiliares colonizando un territorio”.

La idea de conseguir un sistema constructivo de bajo coste y sencillo (la «usonian family») comenzó en 1932 con la Casa de Malcom Wiley, y en 1937 (quizás la primera de la serie de casas usonianas) con la Casa Jacobs.

Wright basó su sistema constructivo en que por una parte fuera sencillo de construir y armar sin necesidad de operarios cualificados, incluso participando el mismo usuario (cosa que no fue muy factible) y que otra parte se pudiera hacer en un taller, y que montadas se enviaran directamente a la obra.

Sus casas son en general de una sola planta, con aberturas generosas de suelo a techo, moduladas, continuando los solados interiores en el exterior, con voladizos de la cubierta sobre terrazas.

Otra característica era la horizontalidad, un innovador sistema de calefacción por suelo radiante, comunes hoy en día, pero adelantado en su tiempo, cubiertas planas y paredes de madera tanto interiores como exteriores. Un sutil y genial manejo de las formas y las funciones, un mobiliario integrado a las paredes, y una estudiada resolución de la iluminación vertical o cenital, En todas las chimeneas juega un protagonismo.

Las casas usonianas eran de formas geométricas simples y de líneas rectas, a diferencia de sus proyectos de las “Casas de la Pradera” de comienzos de siglo.

Por eso la estructura de estas casas se basaba en una malla geométrica (que podía ser rectangular, triangular o hexagonal) para facilitaba la prefabricación a la par que daba sentido y coherencia al conjunto.

El tema de la vivienda asequible fue de gran interés para los arquitectos modernos, muchos de los cuales propusieron soluciones densas e intensamente urbanas. Wright, por el contrario, propuso un modelo descentralizado que recordaba la visión agraria de Thomas Jefferson para Estados Unidos, en el que cada familia tendría un hogar usoniano personalizado en su propia parcela de tierra.

El sueño de Wright nunca se realizó a gran escala, pero completó 26 casas usonianas desde 1937 en adelante (y diseñó otras 31 que nunca se construyeron). Estas casas se caracterizaban principalmente por su construcción—Wright desarrolló un sistema de paredes de paneles de madera prefabricados, y este “kit de partes” podía ensamblarse en una variedad infinita de formas para satisfacer las necesidades particulares de cada cliente. 

1

1936/37 Casa Herbert y Katherine Jacobs.

441 Toepfer Street del barrio de Westmorland en Madison, Wisconsin.

Se la considera el primer ejemplo de sus casas Usonianas. El periodista del Milwaukee Journal y profesor de Berkeley Herbert Jacobs 1903 – 1987) amigo de Wright, le pidió una casa que no superara los 5000 dólares, aproximadamente 115.000 usa de hoy.

El terreno  tiene 4.046 m2, la vivienda es de una planta resuelta en “L”.

Para ahorrar costos de construcción Wright desarrolló un tipo de muro hecho con contrachapado de 57 mm de espesor.

Thomas A. Heinz en su libro “Frank Lloyd Wright Field Guide, volumen 1″, editado por Academy Editions de 1966, menciona el rumor que para hacer posible que el coste final fuera de 5500 dólares Wright decidió el desvío de ladrillos que debían usarse para el Edificio Johnson Wax.

Heinz en el año 2000 escribe otro libro sobre Wright, “The Vision of Frank Lloyd Wright”, editado por Regency House.

Cuando a los Jacobs la casa de 2 dormitorios les queda pequeña, encargan la que sería la Casa Jacobs 2, a la que se mudan en 1940.

La casa tuvo varios propietarios que le realizaron modificaciones no todas felices.

En 1983 se realiza una restauración para renovar instalaciones y devolver a la casa su aspecto original.

En el 2003 la casa fue declarada Monumento Histórico Nacional.

Wright. Casa Jacobs, Madison, Wisconsin 1936/37. Perspectivas exteriores. Lápiz de color sobre papel. 53,3 x 80,6 cm. Archivos de la Fundación Frank Lloyd Wright (Museo de arte Moderno, Biblioteca de Bellas Artes y Arquitectura de la Universidad de Columbia, New York

Wright describe esta casa para la familia Jacobs en la revista “The Natural House”:

“Esta casa para un joven periodista, su esposa y una hija menor está ahora construida. Su coste: cinco mil quinientos dólares incluyendo los honorarios de arquitecto, es decir, quinientos cincuenta dólares. ¿Dónde acaba el jardín y empieza la vivienda? (…) esta vivienda usoniana parece amar al ser humano en su tierra propia, con un nuevo sentido del espacio, de la luz y la libertad”.

2

1937 Casa Benjamín y Anne Rebhuhn

94 Dr. Myrtle, en Great Neck Estates, Nueva York

Para los editores Rebhuhn, Wright diseña una casa de planta cruciforme, con la sala de estar de doble altura, construida en madera de ciprés rojo, tanto por dentro como por fuera, el techo es de ladrillo y teja roja.

Su diseño es similar a la Casa Grand Beach en Michigan, entre ambas se notan las diferencias entre el estilo Usonian (Casa Rebhuhn) y el estilo Prairie (Casa Vosburgh), construida 21 años antes.

Entre los propietarios de la casa figura Diane Reid, heredera de empresas petroleras en Texas.

3

1939 Casa George D. Sturges

449 North  Skyewlay Road, en el barrio de Brentwood Heights, Los Ángeles, California.

La vivienda, se realizó mediante hormigón, acero, ladrillo y madera de secuoya, resuelta en una sola planta, es bastante pequeña (111,50 m2), aunque cuenta con una amplia terraza panorámica.

Las viviendas del modelo Usoniano se pueden agrupar en distintos tipos, esta es del tipo lineal (Usonian-in-line), vivienda en planta baja con circulaciones reducidas y menor perímetro exterior que otras de este estilo.

Son de planta baja con circulaciones reducidas y menor perímetro exterior.

Al igual que la Casa Herbert Jacobs de 1939, la Casa Sturges se cierra a la calle y se abre al interior, está sobre un terreno con una fuerte pendiente.

En este caso como en la Casa Oboler (1940) o la Casa Morris (1946), Wright proyecta las casas hacia adelante aprovechando un promontorio, generando una imagen de puente al espacio.

El ingreso es a una planta rectangular de 14.80 x 5.70 metros, la cocina se integra en la sala de estar, que junto a los 2 dormitorios se vuelcan sobre la terraza, cuya superficie equivale a 1/3 de la superficie total de la vivienda.

Tiene 1 baño, la cocina, el estar y una despensa.

Pequeñas escaleras dan acceso a la terraza y al sótano.

La pérgola, imprescindible como concepto e imagen final de la vivienda, ofrece abrigo y protección y contribuye a la modulación de la luz, da claridad a la horizontalidad de la terraza, continuando su estructura.

Los Sturges venden la casa en 1951, luego tuvo 3 propietarios hasta que fue adquirida por el actor Jack Larson y James Bridges, que en 1967 contratan al Arq. John Lautner (1911 – 1994) para hacer una importante restauración.

Es importante recordar que parte de la construcción original ya había sido supervisada por el joven arquitecto John Lautner, que había colaborado con Wright en Taliesin.

Larson y Bridges vivieron 48 años en la casa.

En 1993 se la declara Monumento Histórico Cultural de Los Angeles.

El costo presupuestado por Wright fue de 7000 dólares, pero terminó costando 11.000 dólares que equivaldrían a 235.000 dólares de 2022.

Se precio estimado de venta en 2016 fue entre 2,5 y 3 millones de dólares.

¿Servirá esto, como demostración del valor que tiene la buena arquitectura, en manos de un buen arquitecto, y del valor que tienen también económicamente los espacios mágicos, en este caso con el plus de ser Wright el que lo diseñó?

Como en otras casas Usonianas, las sillas están formadas por planos que se interceptan con el plano del suelo o entre sí, como elementos en voladizo, repitiendo los principios experimentales de estas casas.

Nota

1

Sus casas complementan su visión de la “Broadacre City”, un proyecto teórico y utópico de desarrollo urbano (1932), mostrando como sería la ciudad deseable para Wright, continuaban las ideas de “ciudad jardín” del arquitecto, paisajista y botánico Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) famoso por el diseño de parques urbanos como el central Park, el Prospect Park y el parque de las Cataratas del Niagara entre otros.

Y del urbanista Ebenezer Howard (1850 – 1928) fundador del movimiento “ Ciudad Jardín”, quien en 1902 publicara su tratado “Ciudades Jardín del mañana”.

CONTINUA en parte 2

http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-2/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Impresiones de un relator 12. Desde el Middlebury College en EEUU. 2 casa de Wright

Impresiones de un relator.

Manchester de New Hampshire (hay muchas Manchester en EEUU), tiene zonas muy interesantes, que me atraparon a medida que la he recorrido.

Barrios muy tranquilos con casas de madera, de aspecto unifamiliar, aunque viendo los contadores de gas que están al exterior, se entiende que muchas están subdivididas por dentro en 2, 3 y 4 unidades.

Otras, unifamiliares, son espectaculares, con sus jardines que continúan en el de su vecino, prácticamente no se ven setos o estructuras divisorias.

Manchester fue una ciudad muy próspera, dedicada a la industria textil, hoy ya extinguida.

En el 150 de Ash Street está el Currier Museum, fundado en 1929 por un legado del ex gobernador Moody Currier (1806 – 1898) y su esposa Hannah Slade Currier (1829 – 1915).

El edificio, que actualmente tiene 4.047 m2 surge del proyecto ganador del concurso.

Pertenece al estudio de los Arq. Titon & Githens junto a Salvator Lascari, tuvo una ampliación en 1982 que fue realizada por el estudio neoyorquino Hardy Holzman Pfeiffer.

El proyecto global, es decir tanto el inicial, como sus ampliaciones, recibieron el premio de diseño 2008 otorgado por el famoso AIA (American Institute of Architects).

Jan Gossaer

Jan Gossaert (llamado Mabuse) 1470 – 1533. Retrato de un hombre (su autoretrato?) 1515/20. Óleo sobre madera.

El modelo se vuelve hacia el espectador y gesticula con una mano, como si estuviera a punto de hablar. Cada mechón de cabello áspero en su barba y las líneas dibujadas alrededor de sus ojos están realizadas con gran cuidado, al igual que las texturas y los pliegues de la ropa y el sombrero.

Después de una estancia en Italia, Gossaert fusionó la escultura renacentista italiana con el énfasis holandés en los detalles.

Pedro de Mena

Pedro de Mena (1628 – 1688)

San Pedro de Alcántara confesando a Santa Teresa.

Jan de Bray

Jan de Bray (c. 1627 – 1697)

Banquete de Antonio y Cleopatra 1669

Óleo sobre tela

Josef Scharl (1896 – 1954). Hombre rezando 1943. Óleo sobre tela.

Josef Scharl

Etiquetado como un “artista degenerado” por los nazis, se le prohibió pintar en su Alemania natal. Con la ayuda de Albert Einstein, a quien pintó varias veces, Scharl en 1938 se dirigió a los Estados Unidos. Vivía en Nueva York, cuando pintó este retrato.

Sufriendo persecución y luchando por encontrar aceptación en su país adoptivo, empatizó con la difícil situación de los afroamericanos.

Identificándose con el retratado, Scharl afirmó: «El pintor y el hombre no están separados». Una inscripción en la parte posterior puede parecer identificar al hombre en la pintura como Tilly. Las formas planas y los colores llamativos hacen eco a los trabajos de Vincent van Gogh, un estilo compartido por otros artistas alemanes en el movimiento llamado Nueva Objetividad.

Arghavan Khosravi

Arghavan Khosravi (1984, Shahr-e-kord, Iran). La incertidumbre (2020).

Acrílico sobre textil encontrado y lienzo de algodón sobre panel de madera, cordón de cuero.

La mujer de esta pintura no puede moverse en ninguna dirección.

Las piernas se enredan en una cuerda, la visión se oscurece y un trozo de vidrio se mueve en un ángulo imposible, lo que sugiere un momento congelado en el tiempo.

De acuerdo con su título, esta es la última pintura que Khosravi completó antes del inicio de la pandemia del Covid-19

El Currier es el único Museo que tiene como obras a mostrar dos casas, ambas diseñadas por Frank LLoyd Wright (1867 – 1959). Están sobre la calle Heather, en el 223 y en el 137, una a pocos metros de la otra.

La casa del Dr. Isadore Zimmerman y su esposa Lucille es de 1950/51  (un claro ejemplo de casa USONIA Prairie), cuando en 1988 dejan la casa realizan su donación al Museo, y se reabre para el público en 1990.

Foto de 1960

Conserva el diseño interior y los muebles originales diseñados por Wright, incluyendo su buzón, con formas referenciales a la casa, como el encuentro de vidrios en las esquinas mostrando un diseño estructural independiente.

Se muestra la colección de arte moderno, cerámica y escultura de sus propietarios.

El Museo Currier permite visitarla de marzo a diciembre.

En 1979, el edificio fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos.

A la casa Zimmerman House (1950) la encontramos en el barrio suburbano de Ahmerst. No hubo (como en otras casas Usonian) restricciones de costes.

Se utilizaron materiales nobles “caros”, como la madera de ciprés y el ladrillo rojo, en el cuadernillo de detalles de las Usonian se lo especifica como “red glazed brick”.

Hay una remarcada horizontalidad que domina la composición del proyecto, así como una estrecha relación con el terreno.

Casa Toufic H. Kalil de 1955

Diseñada siguiendo los parámetros de las “Usonian Automatic Houses”.

Construida sobre una colina, a diferencia de la Zimmerman no tiene vegetación que la proteja de las vistas desde el exterior.

La cubierta es plana, construida con elementos prefabricados. Son de distintos tipo dependiendo su ubicación, en el alero, las esquinas, la fachada o los muros son piezas de 30 cm. Sus paramentos verticales están construidos con bloques de hormigón perforado.

El sistema proponía economía y rapidez en su montaje, pero el público de postguerra no tenía la predisposición a aceptar estos métodos de prefabricación (ni otros).

Hubo otros motivos que no lo hicieron popular, como problemas de producción y distribución, además la financiación no acompaño esta innovación. Era un Sistema que requería una elevada demanda inicial para poder aplicar la producción en serie, y esto no ocurrió.

Es una de las 7 casas de vidrio y Hormigón armado prefabricadas diseño de Wright. En sus 130 m2 tiene 2 dormitorios, dos baños, cocina y sala de estar, zona de comedor y biblioteca. Su planta sigue el esquema en “L”, agrupando en un eje las zonas privadas y en el otro el acceso y las zonas públicas.

El terreno con una frondosa vegetación impide su visión desde el exterior. Se ubica diagonalmente en ella y su desarrollo sigue un esquema lineal y compacto, a diferencia de las plantas Usonian que son en forma de T y L.

La casa Zimmerman, cerrada al frente se abre a un amplio jardín. En la fachada Norte, donde está el acceso, hay una hilada de bloques prefabricados de hormigón blanco, calados según un diseño geométrico, base del muro de ladrillo rojo. Crean un bello contraste entre el tono blanquecino de los bloques y el rojizo de los ladrillos.

La fachada posterior orientada al Sur es totalmente acristalada, para conectarse con el jardín proyectado por Wright. La casa se desarrolla en una sola planta, se organiza alrededor de una gran chimenea central con un gran techo corrido de madera de ciprés. Tiene el poder de transición “dramático” y expansivo de espacios cerrados a espacios abiertos, que he visto en varias de sus casas.

De 158 m2, tiene 2 dormitorios con dos baños, un amplio estar y la cocina junto a la chimenea dejan lugar a un pequeño “espacio comedor”, que da al jardín.

El Museo muestra su otra joya, la casa del matrimonio Mildred y Toufic Kalil del año 1955.

Sistema de prefabricación “Usonian Automatic System”

Wright para sus prototipos de viviendas suburbanas, económicas utiliza el término USONIAN (conjunción de USA y de Utopía).

Sus casas complementan su visión de la “Broadacre City”, un proyecto teórico y utópico de desarrollo urbano (1932), mostrando como sería la ciudad deseable para Wright, continuaban las ideas de “ciudad jardín” del arquitecto, paisajista y botánico Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) famoso por el diseño de parques urbanos como el central Park, el Prospect Park y el parque de las Cataratas del Niagara entre otros y del urbanista Ebenezer Howard (1850 – 1928) fundador del movimiento “ Ciudad Jardín”, quien en 1902 publicara su tratado “Ciudades Jardín del mañana”.

Las Ciudades Jardín no incorporaban el automóvil, éste se desarrolló mucho después.

Dibujo de Wright de la Broadacre City

Como resultado de sus investigaciones, publicó en 1902 “Ciudades Jardín del mañana”, un conocido tratado de urbanismo que dio origen a un nuevo modelo urbanístico llamado “Ciudad-Jardín”.

En 1991, el periodista Joel Garreau (1948) populariza en su libro “Edge City: Life on the New Frontier “el desarrollo de las ciudades periféricas” o “ciudades de borde”. Son ideas incompletas y faltas de planeamiento, a diferencia de las ideas de Wright en su Broadacre City.

Con ese concepto Wright construyó aproximadamente 140 viviendas desde 1936 hasta su muerte en 1959. (1)

La prefabricación y la estandarización fueron la respuesta a la necesidad de viviendas, especialmente luego de la II Guerra Mundial.

Casa Citröhan

En 1920 Le Corbusier desarrollaba las viviendas “Citröhan”, le gustaba aclarar “no quise llamarla Citröen” , proponía tres prototipos, Domino, Monol, Citröhan, para su construcción en serie. Se refería a ellas como “la máquina de habitar”, debían construirse como los autos, los barcos y los aviones.

La colonia de Pessac, la casa Guiette y la casa Citröhan de la Weibenhofsiedlung fueron inscriptas como Patrimonio de la Humanidad en 2016 dentro del conjunto de la «Obra arquitectónica de Le Corbusier, Contribución excepcional al Movimiento Moderno» en la categoria de bien cultural.

Wright publicó las características del Sistema Usonian en un “Manifiesto Usonian”, publicado en 1938 en la revista Architectural Forum y en 1954 en el libro “The Natural House” publicado por la Editorial Horizon Press.

El concepto de «Usonian», es una modernización de las «Casas de la Pradera» de la década 1901 – 1910, conservan muchas de las características y los conceptos espaciales de las primeras.

La búsqueda de soluciones prefabricadas para las viviendas, comenzaron en 1915, cuando ideó el sistema “American Ready-Cut System”, de piezas de madera que se ensamblaban a pie de obra, estas construcciones se realizaron en Milwakee, Wisconsin.

En 1920 experimentó con bloques prefabricados de hormigón, que tuvieron un  alto coste de fabricación, las construcciones se realizaron en California.

En 1937 desarrollo un sistema de prefabricación “AII Steel” y a partir de 1950 crea el sistema “Usonian Automatic System”, la facilidad y simplicidad del proceso debería permitir la participación del cliente (que no fue tan así por la complejidad del proceso de diseño), a este proceso lo llamó «Automatic». Para tal fin los detalles constructivos se recopilaban en un cuadernillo  “Standard Usonian Details”, también incorporaba datos de los clientes, para que el constructor tuviese más información para tener en cuenta.

En 2019 fue adquirida en 970.000 usa, y en el mes de Abril de 2022 fue abierta al público.

Los Zimmerman y los Kalil eran médicos y amigos, estas 2 casas están entre las más de 425 obras catalogadas de Wright.

El Museo para disminuir el tráfico en la zona, organiza tours de hasta 11 personas (35 usa cada una) y un chofer conduce en una furgoneta a los visitantes desde el Museo hasta las casas, donde 2 personas las explican mientras se las recorre con total libertad.

La Casa Kalil en construcción

En YouTube se pueden visualizar muchas de esas visitas.

8 momentos de Frank Lloyd Wright

1 Frank Lloyd Wright, entrevistado por Mike Wallace en 1957.

2 Una conversación con Frank Lloyd Wright, por Hugh Downs de la NBC de Chicago en 1953.

3 Kaufmann pide adaptaciones del proyecto a sus deseos, y Wright se obstina en negárselas, hasta que Kaufmann, el 25 de  Agosto del 36, le dice a Mosher, aprendiz de Wright a cargo de la obra:

“Yo soy el único que va a vivir en ésta casa, y la quiero así. Que sabrá el arquitecto de lo que yo pueda querer?”.

Kaufmann y Wright en Taliesin

Wright, escandalizado, le escribe a Kaufmann el día 25:

“…al parecer se ha desarrollado por su parte una actitud del tipo “que sabe el arquitecto de lo que yo quiero -yo voy a vivir en ésta casa- no él”.

Bueno, había oído de semejante provincianismo en mujeres, pero nunca antes en un hombre, y no es aún tarde para que usted pueda encontrar un arquitecto que sepa lo que usted quiere. No sé con qué tipo de arquitecto está usted familiarizado, pero aparentemente no es el tipo que yo creo ser. Usted parece no saber tratar a uno decente. He puesto tanto en ésta casa  si a ésta alturas no tengo la confianza de usted o cualquier otro cliente, entonces al infierno con todo”.

Ese mismo día, Wrigth le pide a Mosher que deje lo que está haciendo en Bear Run y vuelva a Taliesin.

4 Frank Lloyd Wright declarando ante un juez. Un funcionario le pregunta su nombre y su oficio y él responde: “Frank Lloyd Wright, soy el mejor arquitecto del mundo”.

Su esposa Olgivanna (Olgivanna Lazovich Hinzenburg). que estaba en la sala, lo mira con ojos censuradores y Wright se dirige a ella: “¿Qué querías que dijera?. Estoy bajo juramento”.

5 Un antiguo cliente de Wright le llamó un día para anunciarle que tenía una gotera en su cuarto de estar y que el agua caía a chorros sobre el sofá. “¿Qué hago, Frank?”.

-“Mueve el sofá”.

6 Otro cliente amigo le dice que su hija quiere estudiar piano, y que en su cuarto no entra el instrumento, y no ve donde ponerlo, le pide ayuda que hago?

-“Que estudie violín”.

7 Rechazó unirse al Instituto Estadounidense de Arquitectos.

Cuando alguien le llamaba «un viejo aficionado», Wright, que trabajó hasta que murió a los 91 años, tan sólo respondía: «Soy el más viejo».

8 La nuera de Miller le pidió cambios a Wright en los planos de la 2nda casa, al lado de la Casa Alvin e Inez Miller. Planeaba tener más hijos y pidió otro dormitorio.

Wright rechazó los cambios, diciendo que el plan era perfecto tal como se diseñó, por lo que la joven familia Miller decidió no seguir adelante. Esta historia ha sido confirmada por las hijas del Dr. William Miller, y la explicación acuerda con la actitud de Wright de que sus diseños no necesitaban alteración.

Notas

1

Un intento de prefabricación: las viviendas Usonian. Por Alarcón Reyero Candelaria COAM.

https://www.coam.org/media/Default%20Files/fundacion/biblioteca/revista-arquitectura-100/1993-2000/docs/revista-articulos/revista-arquitectura-1997-n309-pag34-39.pdf

Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

hugoklico.blogspot.com

La Composición 2da parte y final

primera parte http://onlybook.es/blog/la-composicion-1era-parte/

La arquitectura, algunas veces espontánea. otras basada en las tradiciones tuvo desde sus inicios no solo desarrollos prácticos sino también teóricos.

Me referiré a varios tratados y también a una obra referencial por su importancia. Los estudios de Vitruvio (c -80/70 a.C. – -15 a.C.) , de Alberti (1404 – 1472), de Palladio (1508 – 1580) y a la Villa Rotonda.

Este es mi homenaje a estos enormes personajes, a partir de aquí lo que sigue es una descripción de cada tratado, que han sido claves en la historia de la Arquitectura.

1. 27 a.C. Marcus Vitruvio

Marcus Vitruvius Polion

Ni el talento sin el estudio, ni el estudio sin talento pueden formar un buen arquitecto. M. Vitruvio

Su tratado sobre arquitectura es el más antiguo que se conserva de la antigüedad clásica.

Según Vitruvio, «…la arquitectura es una imitación de la naturaleza. Como las aves construyen sus nidos, los seres humanos construyen su vivienda a partir de materiales naturales, construyendo así un refugio contra los elementos…»

Fue arquitecto de Julio César (-100 a.C. – 44 a.C.) y autor del tratado «De Aerchitectura», que se conoce como «Los 10 libros de Arquitectura».

Escrito probablemente entre los años 27 a.C. y 23 a.C., se inspiró en teóricos helenísticos, trata sobre órdenes, materiales, técnicas decorativas, uso de colores, construcciones y distintos tipos de edificios.

famoso por afirmar en su libro que ciertos edificios públicos deben exhibir tres cualidades, ser sólidos, útiles y hermosos.

Influyó profundamente en artistas, pensadores y arquitectos, entre ellos León Battista Alberti, Leonardo da Vinci (1452 – 1519) y Miguel Ángel (1475 – 1564).

Lo hicieron en forma armónica, dando un sentido a la proporciones cuando toman como unidad, la mayor obra de arte: el Cuerpo Humano.

El famoso dibujo del cuerpo humano de Leonardo da Vinci (que se exhibe en la Galleria dell´ ´Accademia, en Venecia) está basado en las indicaciones y proporciones dadas por Vitruvio.

Las ilustraciones originales de la obra de Vitruvio no han sobrevivido, por ello Daniele Bárbaro (1514 – 1570) utilizó los dibujos que realizó especialmente su protegido Andrea Palladio.

2.- 1452. León Battista Alberti. Los 10 libros “De aedificatoria”.

León Battista Alberti. Los 10 libros de aedificatoria   

León Battista Alberti fue uno de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento, arquitecto, tratadista, matemático y poeta, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo.

Quizás, el primer teórico del Renacimiento, buscó en las reglas tanto teóricas como prácticas, su fuente de inspiración para volcarlas en varios tratados.

Como «De Statua», «De Pictura» y el tratado que más nos interesa «De re aedificatoria» donde aborda todos los aspectos teóricos y prácticos relativos a nuestra profesión.

La obra se publicó en 1485, 13 años después de su muerte.

Está dirigida al gran público con formación humanística y toma como modelo los diez libros de arquitectura de Vitruvio que en aquel momento circulaban en copias manuscritas aún sin corregir.

Utiliza el término “concinnitas” que traducido nos dice acerca de “La justa medida”, es decir cuando no sobra ni falta nada. Es el concepto que hace que veamos algo bello y no sepamos porqué.

 “…cualquiera no está preparado para desarrollar la actividad arquitectónica, hace falta una especial sensibilidad y preparación”. León Battista Alberti

El libro «De Pictura» de 1436  lo dedica a Filippo Brunelleschi, (1377 – 1446) aborda el tema del dibujo y de la perspectiva.

El libro III habla del artista, ya no como artesano (basado en la técnica), sino como intelectual (basado además en las matemáticas y la geometría).

Uno de sus logros más importantes fue la adaptación de elementos clásicos al mundo arquitectónico del Renacimiento.

Cuando muere en 1472 a los 68 años, Leonardo Da Vinci tiene 20 años.

Como Alberti era un humanista erudito, decía cosas como esta:

“(…) el que quiera llamarse arquitecto. Deberá ser ingenioso y aplicado; pues ni el talento sin el estudio,  ni éste sin aquel, pueden formar un artífice perfecto. Será instruido en las Buenas Letras, diestro, en el dibujo, hábil en la geometría, inteligente en la óptica, instruido en la aritmética, versado en la historia, Filósofo, Médico, Jurisconsulto, y Astrólogo”

3.- En 1486 y en 1502, Pellegrino Prisciani, (1435 – 1518) une fragmentos de Alberti y de Vitrubio.  Era también un erudito, fue Astrólogo, Arquitecto, Historiador y erudito humanista italiano. Además de Diplomático, Archivero y Asesor personal de Leonello d’Este (1407 – 1450) que fue mecenas de las artes, la literatura y en general de la cultura, y Borso d’Este, (1413 – 1471) ambas figuras destacadas de la nobleza italiana, marqués y duque de Ferrara.

Al servicio de los d’Este, ocupó el cargo de embajador en Venecia y Roma. 

4.- 1556. Daniele Barbaro y A. Palladio. Realizan una interpretación del Tratado de Vitruvio.

5.- 1562. Giacomo Barozzi Vignola. (Jacopo Barozzi de Vignola, quien toma el nombre por haber nacido en Vignola cercana a Módena 1507 – 1573).

El reconocido Arquitecto y Tratadista del Renacimiento es autor de la “Regla de los cinco ordenes de la arquitectura», (la Regola delli cinque ordine d’architettura).

6.- 1570. Andrea Palladio y Los cuatro libros de la arquitectura.

7.- 1615. Vincenzo Scamozzi (1548 – 1616), autor de Uno de los tratados más importantes de la época “La idea de la arquitectura universal”.

Retrato de Vicenzo Scamozzi realizado
por Paolo Veronesse

Entra en escena Vicenzo Scamozzi, nunca mejor dicho, sobre todo por su intervención en el Teatro Olímpico.

Vicenzo Scamozzi, fue un importante arquitecto renacentista.

Seguramente el tercero en una lista que incluye nada menos que a Andrea Palladio y su colega Baldasarre Longhena (1596/7 – 1682), autor entre otras obras de la Basílica de Santa Maria della Salute.

Scamozzi estudia el tratado de Vitruvio en la interpretación de Daniele Barbaro y Andrea Palladio.

Planta Teatro Olímpico, con sus calles

En 1580, año de su muerte, Andrea Palladio recibe el encargo de realizar el Teatro Olímpico en Vicenza, que debía ser construido dentro de un complejo medieval preexistente, con el objetivo de la puesta en escena de comedias clásicas.

Maqueta Teatro Olímpico

Es el primer edificio de teatro cubierto con tejado en la historia moderna.

Se inaugura en 1585, se debe a Palladio el aporte del sentido real de espacio y su perspectiva y a Scamozzi las famosas escenas fijas, ofreciendo una ilusión óptica con las calles que parecen perderse en la lejanía.

Es indudable que la obra de Vincenzo Scamozzi consiguió enriquecer el proyecto original de Palladio. (Cosa que es muy difícil de decir)

Distancia entre los tratados a lo largo del tiempo

De entre los Tratados de Arquitectura, hay uno que tiene una distancia enorme en siglos con respecto a los otros, son los 10 libros de Vitrubio, del siglo 1 AC, casi 16 siglos con respecto a los tratados de Alberti y Palladio.

Impresiona la capacidad teórica y práctica de cada uno de sus actores.

Impresiona la capacidad creativa, su espíritu de búsqueda, eran observadores de la realidad tanto de su tiempo como de los anteriores, lo han dejado registrado en forma minuciosa, como si de codificadores se tratase.

Una vez encontrado el hilo conector de todas las sapiencias y el “buen hacer” tuvieron la capacidad y la posibilidad de establecer una normativa para sus seguidores.

La antigüedad fue el modelo a adoptar, y ella fue “la Escuela Arquitectónica del Renacimiento”.

Entusiasma todas estas obras y tratados por lo que puede verse de ellas, en la búsqueda posterior de un lenguaje, y de un concepto arquitectónico “moderno”, que muchas veces, cambia el lenguaje, pero dice las mismas cosas.

La misma narrativa, pero en un envoltorio “aggiornado” y/o “adaptado”, quizás sea solo un cambio de melodía, o de ritmo.

Quisiera redondear lo dicho con una obra que creo resume todo lo anterior, podría haber puesto la Acrópolis, o la capilla de Nuestra Señora du Haut en Ronchamp, también pensé mucho en el Panteón de Agripa. Pero tengo especial cariño por la Villa Capra, “la Villa Rotonda”, y qué duda cabe que el Panteón ha inspirado a Palladio en ésta, su obra mayor.

Que eran estas villas?.

Al decir del documentalista francés Stan Neumann (1949) y de Louise Decelle  “Este tipo de villas, inventadas y codificadas por el mismo Palladio, reunía un numero de diferentes edificios que tenían distintas funciones, que se fundían en una homogénea y armoniosa unidad. Era una nueva ambición arquitectónica, una nueva concepción de belleza”.

De las más de veinte Villas que Palladio proyecto en la región veneciana uno de los edificios más celebres de la historia de la arquitectura es la Villa Rotonda.

Villa Rotonda

La coherencia racional de Palladio en cuanto a geometría, longitud y altura, deriva de su gran conocimiento de las obras teóricas de Vitrubio y Alberti.  Recordemos que ya había estudiado y dibujado la interpretación del tratado de Vitrubio junto a Daniele Barbaro en 1556.

Es en esta villa, donde supo aplicar sus teorías a un edificio concreto, aplica en la Rotonda su concepción del clasicismo en forma exacta.

En 1565 cuando el sacerdote y conde Paolo Almerico (? – 1589) decide regresar a su ciudad natal, encarga a Andrea Palladio el proyecto de su futura casa, una villa sofisticada, un refugio tranquilo de meditación y estudio.

Se construyó entre 1567 y 1570  muy cerca pero fuera de los muros de la ciudad de Vicenza, en la cima de una pequeña colina, Palladio tenía 58 años, era muy conocido y su obra muy reconocida.

La Villa Rotonda, como mencioné refleja una indudable inspiración en el Panteón de Roma.

Se la conoce también con los nombres de quienes fueron sus propietarios, como Villa Capra, ya que fueron los hermanos Capra quienes la recibieron en 1591, y encargaron a Vicenzo Scamozzi (1548 – 1616) completarla con nuevas dependencias.

También como Villa Almerico-Capra o Villa Capra-Valmarana, ya que en el siglo XX fue restaurada por la familia Valmarana de Venecia.

Hasta su muerte ocurrida a los 81 años fue propietario el arq Mario di Valmarana, un arquitecto y experto en las obras de Palladio, profesor emérito de arquitectura en la universidad de Virginia desde 1972.

La villa fue la residencia de su familia por más de dos siglos, y su ambición declarada fue preservar la Rotonda para que pueda ser apreciada y maraville a las futuras generaciones.

La villa ha sido incluida en 1994 en el elenco de Patrimonios de la Humanidad de la Unesco, junto con otros edificios de Vicenza, a la que llaman la “ciudad de Palladio

Barchessa agregada por Scamozzi

Vicenzo Scamozzi, fue quien agregó los anexos rústicos externos (la Barchessa o cobertizo), separado del cuerpo principal, para el desarrollo de las tareas rurales, no previstos en el proyecto original, ya que tiene cuatro fachadas principales y ningún lateral. (1)

Por eso Scamozzi, pone la Barchessa paralela al acceso.

El complejo incluye además la capilla familiar, Vicenzo la realizó junto a su padre el Topógrafo, Carpintero y Arquitecto Giandomenico Scamozzi.

La Rotonda es una obra que tiene algunas particularidades espaciales y formales, que la alejan de un patrón de diseño tipo.

Palladio incluye a La Rotonda en su tratado como un palacio, un edificio cuadrado simétrico inscripto en un círculo perfecto. 

Utiliza la esfera (espiritualmente tiene atributos divinos de unidad), y el cubo (que es una referencia a lo terrenal).

En esa época la cúpula era utilizada para las iglesias, pero Palladio la usa en esta casa particular, cubriendo la sala central. 

El acceso a cada una de sus cuatro fachadas es por amplias escalinatas, que llegan a una galería (o loggia, un pasaje con arcos cubierto)  enfatizada por un “pronaos jónico” y un frontón decorado con esculturas que representan a divinidades griegas clásicas y flanqueada a sus costados por una ventana simple. 

Gira la planta 45 grados respecto a los puntos cardinales, para que las habitaciones principales, tengan un asoleamiento similar.

El interior es tan espléndido como el exterior, la decoración de la Villa llevó mucho tiempo, y en algunos casos no se conoce a los artistas y artesanos que trabajaron.

El lugar más notable del espacio interno, es sin duda la sala central circular, dotada de balcones, que se desarrolla en toda la altura hasta la cúpula.

Aunque la Rotonda pueda parecer completamente simétrica, existen desviaciones proyectadas para que cada fachada se adaptara al ambiente y la topografía circundante.

Existen diferencias en las fachadas, en el tamaño de los escalones, en el muro de contención, etc. De tal modo la simetría de la arquitectura dialoga con la asimetría del paisaje, para crear una composición en apariencia simétrica.

El arquitecto y fundador de la Bauhaus Walter Gropius (Walter Adolph Georg Gropius 1883 – 1969) nos hablaba del Arte y de los Artesanos; podemos darnos una idea de la colaboración de arquitecto y artistas, mencionando quienes “vistieron de realidad” la Villa.

Las esculturas son obra de Lorenzo Rubini y del Arquitecto y Escultor Giambattista Albanese (1573 – 1630), la decoración plástica y los cielorrasos son de Agostino RubiniOttavio Ridolfi, el escultor Ruggero Bascapè (1528 – 1590), y el arquitecto Domenico Fontana (1543 – 1607).

Los frescos pertenecen al pintor Anselmo Canera (1522 – 1584) quien había trabajado con Paolo Veronese y Bernardino India, al pintor manierista Bernardino India (1528 – 1590), y al pintor cercano a la corriente contra/manierista Alessandro Maganza (1556 – 1632), que decora con frescos el cielorraso semiesférico donde encontramos también alegorías ligadas a la vida religiosa, con representaciones de la Bondad, la Templanza y la Castidad.

Más tarde el pintor y grabador Ludovico Dorigny  (1654 – 1742) que, nacido en Francia pasó gran parte de su vida en Verona  fue el autor de la parte inferior de la sala, que decora las paredes con columnatas fingidas en trampantojo y gigantescas figuras de la mitología griega.

Otro colaborador pudo haber sido el escultor Alessandro Vittoria (1525 – 1608), que por haber estado incorporado al taller del reconocido Arquitecto y Escultor Jacopo Sansobino (1486 – 1570) en Venecia, participó activamente en la biblioteca Marsiana.

Cuando vemos tanto prodigio, pensamos que tal cantidad de frescos genera el ambiente de una catedral, no el de una residencia campestre. 

Goethe, quien varias veces visitó la villa, decía que “Palladio había adaptado un templo griego para ser habitado”.

Influencias de Palladio

Villa Pisani o «la Rocca Pisana de Vicenzo Scamozzi»

La arquitectura Palladiana fue muy importante como fuente de inspiración para numerosos arquitectos como Vincenzo Scamozzi que proyecta a los 26 años la Villa Pisani (1575 y 1578) llamada la Rocca Pisana, en el pueblo de Lonigo, obra que lejos de limitarse a imitar al maestro, pretende ser una crítica al proyecto de la Rotonda, retornando al modelo del Panteón Romano.

He tenido la suerte de visitar esta obra así como el teatro de Sabbioneta en Mantua, y no tengo la percepción que la Rocca Pisana consiga ser una crítica superadora de la Villa Rotonda, ni que el teatro de Sabbioneta iguale al Teatro Olímpico, aunque en este también realiza un escenario como una ciudad, pero es solo un pálido reflejo del trampantojo de las 7 calles de Tebas del Teatro Olímpico.

Palladio también influyó en Lord Burlington (1694-1753) y en William Kent (1685-1748) autores de la Chiswick House (Londres, 1725), uno de los más célebres ejemplos de neopalladianismo británico.

Una creación ecléctica y personal. No fue habitada en forma permanente, se decía «que era demasiado chica para vivienda habitual y demasiado grande para usar en el llavero». Se la puede visitar, cerca de la salida de Londres en dirección al aeropuerto de Heathrow.

Y en el presidente de los EEUU Thomas Jefferson(1743-1826)  que realiza su casa de Monticello en Charlottesville  (Virginia) así como la sede de la Universidad de Virginia, obras que en 1987 son declaradas Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. 

Los cuatro libros de la Arquitectura

“La belleza proviene de la forma y de la correspondencia del todo con las partes. las partes con las partes, y las partes con el todo, de modo que el edificio se parezca al cuerpo bien modelado donde cada miembro encaja con los otros y donde cada miembro  es necesario para cumplir aquello para lo que fue hecho” 

Palladio «Los cuatro libros de la arquitectura (I quattro libri dell’architettura)»

El libro contiene proyectos de Palladio, trata (y lo consigue) hacer una comunicación sencilla y directa no solo de su enorme conocimiento del tema sino una traducción válida a los conceptos de Vitruvio.

La teoría de las proporciones armónicas, que vincula arquitectura, matemáticas, música y cosmología le sirve para afirmar que (…la buena proporción, satisface al ojo y conduce a una construcción más sólida y conveniente).

Contenido

El tratado tiene cuatro secciones llamadas libros, que constituyen un solo «libro».

La introducción de Llorenç Bonet en uno de nuestros libros (editorial H. Kliczkowski) sobre Palladio, con fotografías de Pino Guidolotti, de la colección que denominamos «archipocket», dice:

«Palladio demuestra una versatilidad sorprendente. Pero no se basa en un idealismo, sino en una idea modular de la arquitectura: construye a partir de piezas distintas, de un repertorio limitado que pueda combinarse de forma infinita. Quizás el elemento más claro de esta formulación sean los accesos principales: todos se originan en la idea del frontón clásico, son parecidos y comparten soluciones, pero no hay ninguno que se repita, siempre se aprecia una evolución».

«Sus edificios son, además de prácticos, de una belleza indiscutible, basados en la sencillez de sus elementos y en cierta noción de sobriedad».

 «Palladio, combinó la cultura con la naturaleza. Hizo una síntesis entre la arquitectura antigua y la cultura de su propio tiempo.  “La arquitectura debe también considerar la búsqueda por congeniar la belleza con la utilidad (como diríamos ahora, forma y función)”.

Andrea Palladio en buena compañía

Daniele Barbaro

Entre ellos el patriarca católico, estudioso de Filosofía y Matemáticas Daniele Matteo Alvise Barbaro (1514 – 1570).

La fama de quien llegara a ser cardenal se debe a su vasta producción en las artes, las letras.

Fue un culto humanista, además de traductor, y óptico.

Su figura es importante en esta historia por varios motivos:

– Realiza en 1556 una traducción al italiano con un extenso comentario sobre los “Diez Libros de Arquitectura” de Vitruvio.

– Heredo junto a su hermano Marco Antonio una finca, en la que Palladio diseño la Villa Barbaro, mitad palacio mitad granja,

– Visito Roma junto a Palladio de dónde provino el interés mutuo en los antiguos edificios.

– Juntos decidieron decorar la Villa con frescos de Paolo Veronese quien representó todas las temáticas del Renacimiento italiano: dioses, diosas y musas humanizadas, así como numerosos retratos al óleo de Daniele.

La Composición

La composición es, en parte «teoría de la arquitectura», y en parte «historia de la arquitectura», de lo que aconteció, la historia es de alguna manera el telón de fondo.

Aprendemos leyendo arquitectura, aprendemos viendo arquitectura, pensando en arquitectura y sobre todo conociendo las teorías que nos permiten relacionar el todo con sus partes y las partes con el todo. Llegamos a soñar en clave de arquitectura. Hablamos con conceptos arquitectónicos y visualizamos nuestro entorno con esas claves.

La composición arquitectónica es la síntesis que precede al proyecto, la composición proveerá siempre más que “un camino a seguir”, mientras que todo proyecto es una toma de decisión,

dibujo de Edgardo Minond

Pensar la arquitectura es la materia de la composición arquitectónica, es un posible espacio para la reflexión y el debate, para el intercambio de ideas.

Hace unas semanas mi amigo, ex socio y casi hermano Edgardo Minond me trajo a Madrid el número de la revista 1:100 con una selección de sus obras.

En la entrevista comenta:

“La forma de proyectar es con mi imaginación, el dibujo a mano alzada me ayuda, pero no es necesario al comienzo de un proyecto. Me gustan los dibujos inacabados, confusos, donde uno puede ver muchas continuaciones de la idea, y así ver más, imaginar más”.

“…lo mismo pasa con la escala: se aprende mediante la experiencia directa: se aprende mediante la experiencia directa con el espacio. No de forma teórica. Por ejemplo visitar Machu Picchu es aprender la escala directamente con nuestro cuerpo; nadie nos la explica teóricamente, sino que la sentimos”.

Aprender a hacer arquitectura

Aprender arquitectura es pasar de la experiencia a la conciencia, que no es mas ni menos que el conocimiento.

Dicen que el recorrido que realiza el alumno, que lo convertirá en futuro arquitecto empieza a caminarlo, desde el momento en que desea ser arquitecto.

No es el premio final al esfuerzo de 6 o más años de estudio, en ese recorrido, la búsqueda no es solo lo consagrado y conocido, sino la inquietante búsqueda personal.

Hay que hacerlo a nuestro ritmo y de nuestra manera, un camino que si es necesario, requiere un descanso en aquellos lugares que nos sea afines.

No proyectamos con ocurrencias, proyectamos con certezas.

“La arquitectura no existe, existe la obra de arquitectura”.
“El ladrillo me estaba hablando siempre, me decía, estás perdiendo una oportunidad”
. Louis Kahn

Louis Kahn

“Dibujar es pensar”. Rafael Moneo

Rafael Moneo

El proyecto toma partido, palabra que es su síntesis, la composición es abierta por naturaleza, cuanto más libre y abierta al debate, más puntos de apoyo nos ofrece.

El «momento » de la composición arquitectónica es tan difícil como apasionante, todas las referencias presentes y la experiencia conseguida, ayudan a lograrlo.

Cartel para la primera exposición de la Bauhaus en 1923

Notas

1

Se lo llamó “Barchesse” o “Barco”, a un edificio rural, destinado a almacenar y proteger las herramientas agrícolas, además de contener las cocinas, las casas de los campesinos, los establos, las dependencias rústicas y el almacén para alimentos.

Un (o ms) edificios que conforman junto a la Villa un gran complejo agrícola productivo. En sus proyectos Palladio las conecta con suma maestría a la casa principal.

En las Villas, el espacio central estaba reservado a los propietarios, y los laterales a los campesinos. Formalmente era una estructura porticada con arcos redondos y altos, en sus “Cuatro libros de la arquitectura”, Andrea aconseja orientarlos al sur, para mantener la paja seca y evitar fermentos y quemaduras.

Durante el siglo XIX debido a que se aplicaron altos impuestos a las Villas, muchas de estas Villas patricias se demolieron, dejando solo en pie la barchesse, como almacén rústico. 

Palladio en su libro, en el capítulo II, dice: “…a fin de que las casas sean cómodas para el uso de la familia… se deberá tener mucho cuidado no sólo en las partes principales, como son las logias, salas, patios, estancias magníficas y amplias escaleras, luminosas y fáciles de subir, sino que también las partes más pequeñas y feas sean lugares apropiados para el servicio de las mayores y más dignas. Puesto que así como en el cuerpo humano hay algunas partes nobles y, bellas y otras más bien innobles y feas, y, sin embargo, vemos que aquéllas tienen de éstas gran necesidad y sin ellas no podrían existir, así también en los edificios algunas partes deben ser respetables y nobles y otras menos elegantes, pero sin las cuales las susodichas no podrían quedar despejadas, y perderían así parte de su dignidad y belleza”.

La concepción espacial de las villas, ya no en una ciudad como Venecia, sino en el campo, requerían de un elemento distinto a lo conocido, de un “invento”.

Palladio utilizó ese elemento arquitectónico, para dar un sentido de monumentalidad y simetría a sus villas.

Agripa, Foster y Nouvel en Nimes. 2a parte y final

primera parte http://onlybook.es/blog/agripa-foster-y-nouvel-en-nimes/

En la Plaza de Nimes convivían, “La Maison Carrée” y un antiguo teatro neoclásico (1798/1800) que se incendió totalmente en 1962.

Del teatro solo quedó en pie una columnata neoclásica.

Entonces el alcalde de Nimes Jean Bousquet (1932), decide en 1983 realizar un concurso para construir el “Carré d´Art”, su plan fue convertir la ciudad en un centro cultural y la nueva institución su pieza central, se inaugura en Mayo de 1993.

Llaman a Concurso internacional de Arquitectura en 1984 invitando a Norman Foster a César Pelli (1926 – 2019), Arata Isozaki (1931) Jean Nouvel (1945) y Frank Gehry (1929) entre un total de 12 estudios.

El proyecto elegido fue el del arquitecto Norman Foster, quien realiza varias propuestas con y sin integrar la columnata del antiguo teatro. El jurado decide elegir el proyecto sin las columnas que fueron desmontadas y ensambladas en un área de descanso de la autopista.

En 1988 unas inundaciones desbastan parte de la Maison Carrée, Foster se encarga de rehabilitarla y recrear la plaza, al final del Boulevard Víctor Hugo, en el lugar donde hasta ese momento estacionaban coches, se creó un espacio peatonal abierto con un nuevo enfoque social, donde la gente puede reunirse, tomar un café y/o pasear.

Un museo de Arte Contemporáneo y una Biblioteca (Con cerca de 380.000 volúmenes, 800 manuscritos, y 70 incunables. (10)

La biblioteca está abierta a una amplia audiencia de investigadores, estudiantes, académicos, y lectores visitantes.

Su fondo lo componen obras del XVI y XVII (Astronomicum Caesarum, Apian (1540); la primera obra impresa sobre la historia de la ciudad de Nimes de 1559; Placas botánicas de Pierre Richer de Belleval (1600); El dibujo de la declaración de la inscripción de la Maison Carrée de Jean-François Séguier (1758); La  Historia de Nimes… Léon Ménard (1750).

Luego de la construcción del Centro Georges-Pompidou en el año 1977, se lo tomo como modelo de muchos centros, entre otros este de Nimes.

En 2013, Norman Foster diseñó la exposición que celebró el 20 aniversario del Museo.

Su colección se inició en 1986, reúne cerca de 600 obras desde 1960 hasta la actualidad, exhibe ejemplos del “Nuevo Realismo” (el Nouveau Réalisme son en realidad varias corrientes artísticas que se oponían a la pintura abstracta en la década de 1940), “Apoyos-Superficie” (tiene sus orígenes en el sur de Francia, su fundador fue Vincent Bioulès (1938) y “Figuración Libre” (movimiento artístico de principios de los 80, que surge de un contexto artístico minimalista y conceptual).

De su fondo exhibe grabados originales de Marc Chagall (1887 – 1985), así como obras fotográficas o instalaciones.

En el 2018 se realizan cambios en la recepción, la iluminación en las plantas de las exposiciones y se hicieron cambios en los sistemas de calefacción mejorando el rendimiento energético y reduciendo el consumo.

El edificio es un gran cubo de vidrio, de líneas puras, utiliza la transparencia para permitir el paso de la luz y recrea con su atrio central los patios interiores de las casas de Nimes.

Una gran escalera lleva a las galerías de arte que están ubicadas en el último piso.

La Biblioteca principal está en el primer sótano, iluminada gracias a los amplios vacíos que llegan desde el vestíbulo.

En los siguientes sótanos están alojadas las Salas de almacenamiento de Archivos y un Cine.

Sobre nivel de calle, en la planta baja está la Librería y la Hemeroteca, en el vestíbulo se realizan Exposiciones Temporales.

En el primer piso, están las Bibliotecas, una de ellas está dedicada al público infantil.

Aprovechando la iluminación natural, las Galerías de Arte se han ubicado en los dos niveles superiores, las Colecciones y Exposiciones Temporales, tienen una superficie de 2.000 m2.

El edificio es un paralelepípedo con caras rectangulares de ángulos rectos, con una retícula de 9 x 9 de pilares cilíndricos de hormigón, envueltos con una fachada de marcos de acero y diferentes tipos de vidrio.

En su estructura se han utilizado acero, hormigón y cristal, las columnas del podio son de tubos metálicos, el vidrio en paredes, techos y escaleras permite el paso de la luz natural a la vez que aligera el aspecto del edificio, es importante la decisión al respecto que de sus nueve pisos, la mitad se encuentran bajo nivel de calle. Mantiene así un perfil de edificio bajo, estableciendo una buena relación con la escala de los edificios que lo rodean.

Para evitar rotaciones, entre los marcos se han colocado columnas con elementos horizontales más rígidos que los verticales. Estas columnas en apariencia delgadas como las del pórtico, están sujetas en la parte superior por un rígido sistema de arriostramiento.

Obras de Infraestructura Romana en  Nimes

La ciudad de Nimes, Nemensus está a solo 32 km de Arles, ciudad que tiene un Teatro Romano del 12 a.C.; Una Arena; El Anfiteatro del 80 d.C.;, la Necrópolis (Alyscamps) (11), los baños de Constantino (siglo IV d.C.) el área del Foro Romano (Cryptoporticus) (12).

Pero sobre todo su impresionante acueducto que llevaba agua a través del Valle del Gardon, era parte de un sistema de canalización de aguas construidas en el 1 a.C., que con una extensión de 50 km llegaba desde Uzés hasta Nemausus.

El sistema, utiliza un puente el llamado “Pont du Gard”, ubicado en un enclave natural junto al pueblo de Remoulins.

Su construcción se atribuye al yerno de Augusto, Marco Vipsanio Agripa, fueron necesarios alrededor de un millar de hombres trabajando durante cinco años para construirlo.

El acueducto completo tenía una pendiente de 34 cm/km, descendía sólo 17 m en todo su trayecto y llevaba 20.000.000 de litros de agua diariamente a Nemensus. (13)

En 1985 la Unesco lo declara Patrimonio de la Humanidad.

Jean Nouvel

En Nimes hay una obra tan interesante como extraña, el complejo “Nemausus I y II” del arquitecto Jean Nouvel (1945). Da así una respuesta a la resolución de la vivienda social.

Su trayectoria es conocida, a finales de los años 60 trabaja en el despacho del arquitecto  Claude Parent (1923 – 2016), además de Jean Nouvel, otros arquitectos han reconocido su influencia, entre ellos Frank Gehry  (1929), Thom Mayne (1944),  Zaha Hadid (1950 – 2016).

En los años 70 abre su propio estudio.

Obtiene reconocimiento mundial al ganar el concurso y construir el Instituto del Mundo Árabe, Paris (1981-1987).

Ha obtenido importantes premios:

Medalla de Oro del RIBA (2001)

Premio de la Fundación Wolf de las Artes (2005)

Premio Pritzker (2008).

“Nemausus” es un conjunto de viviendas sociales diseñadas por Jean Nouvel, construidas en Nimes entre 1985 y 1987, un experimento radical diseñado, aplicando los principios y materiales de la edificación industrializada aplicada en la construcción de viviendas sociales, con el fin de reducir los costes de construcción.

Formó parte de un programa de renovación de un barrio en estado ruinoso espacial y materialmente que había sido construido en los 60.

Nouvel se inspiró en los principios de su experiencia de Saint-Ouen (1982 – 1987)  donde realizé 50 viviendas (subvencionadas) sobre el Boulevar Biron.

En Nemensus propuso:

-Abundancia de espacios públicos, respetando el vivero de árboles que había en el terreno y la arboleda de plátanos existentes, que dan sombra al espacio que existe entre los dos edificios. Arma una especie de toldo de follaje diáfano que llega casi hasta la parte superior de los edificios.

-En 2 tiras de 7 plantas propone una variedad de soluciones. 17 modelos diferentes para 114 viviendas de una planta con un dormitorio, hay dúplex con 2 y triplex con 3 dormitorios.

-Los departamentos están definidos por una crujía (espacio entre los muros) de 5 x 12 metros, que incluye el espacio de la terraza que está cubierta por el voladizo del balcón del piso superior.

Las viviendas de varias plantas (dúplex y triplex) tienen espacios de doble altura.

-Se han reducido las zonas colectivas cubiertas

-Las circulaciones verticales y horizontales se realizan por escaleras (con imagen de arquitectura industrial)  y rellanos en las fachadas Norte.

-Grandes balcones/terrazas en las fachadas sur, aprovechando el clima y el estilo de vida mediterráneo, las viviendas tienen puertas metálicas de doble hoja que permite su apertura del ancho total de la vivienda, para ampliar el espacio habitable a los balcones/terrazas.

– Construcción sencilla con paramentos de hormigón revestidos en aluminio, con el mismo sistema utilizado en el diseño de oficinas.

-Se ha evitado los pasillos y las entradas tradicionales, permitiendo que la luz natural penetre en todas las habitaciones y baños.

El barrio tiene edificios de apartamentos de diseño anónimo y casas unifamiliares.

Los extremos de los dos edificios de forma redondeada dan su frente a la Avenida Général Leclerc. Ambas se levantan sobre pilotes, dejando un espacio amplio de aparcamiento cubierto en una cota levemente inferior al el terreno.

Notas

10

La palabra “incunables” proviene de “incunabula”, literalmente “pañales de un recién nacido”.

El médico y estudioso de los clásicos Hadrianus Junius (Adriaen de Jonghe, 1511 – 1575), escribe en 1569 que el término »  incunable » se aplica a la época de los primeros logros del arte tipográfico.

También se refería a los inicios de la tipografía con el uso de móviles de impresión tipográfica en Occidente, que tradicionalmente comenzó con la invención de Gutenberg, alrededor de 1454-1455.

11

Los «Alyscamps», es una gran necrópolis romana construida en la ciudad de Arlés.

Declarada Patrimonio de la humanidad por la Unesco.

Estaban a escasa distancia de las murallas, fuera de ellas, ya que las ciudades romanas prohibían los enterramientos dentro de los límites de éstas. Era habitual que las carreteras que estaban afuera de una ciudad estuvieran llenas de tumbas y mausoleos a sus lados.

Los «Alyscamps» fueron el principal lugar de enterramiento de Arlés durante casi 1.500 años. Su nombre está también en la expresión latina “Elisii Campi” (Campos Eliseos).

12

Se llama “Criptopórtico”, a una galería cubierta semi subterránea, en general abovedados, destinaba a la circulación o a almacenar productos perecederos, gracias a su temperatura fresca.

Estaban integrados a construcciones más grandes. Se iluminaban mediante aberturas en la parte superior de los arcos o bóvedas,

«Criptopórtico» parte del término griego kryptē (ocultar) y del latino «porticus» (pórtico).

El de Arlés está construido bajo el antiguo Foro de Arlés, bajo la actual iglesia jesuita de la rue de Balze.

Durante la Segunda Guerra Mundial sirvieron de refugio a los miembros de la Resistencia francesa ante las tropas nazis.

13

El Puente tiene 49 metros de alto, y tres niveles, siendo el más largo de 275 metros de longitud. El nivel inferior, lo forman 6 arcos de 142 metros de longitud, 6 de grosor y 22 de altura.  El nivel medio, lo forman 11 arcos de 242 metros de longitud, 4 de grosor y 20 de altura.  El nivel superior, está formado por 35 arcos, 275 metros de longitud, 3 de grosor y 7 de altura.

Sobre el tercer nivel discurre un camino y un conducto de agua de 1,8 m de altura y 1,2 m de grosor con una pendiente de 0,4 % de grados.

Grabado del Pont du Gard realizado en 1804 por el arquitecto, dibujante, anticuario y artista Charles – Louis Clérisseau (1721 – 1820) que muestra el estado ruinoso del puente a comienzos del siglo XIX.

artículo de como se fundaba de una ciudad romana: http://onlybook.es/blog/fundacion-de-una-ciudad-romana-ex-novo-de-nueva-planta-1/

Agripa, Foster y Nouvel en Nimes. 1a parte

La Maison Carrée en un espacio para la celebración

Una contraparte contemporánea

Cuando fui a Nimes, como todo visitante,  me atrajo la plaza donde se encuentra el templo romano llamado “Maison Carrée” y el “Carré d´Arts” del arquitecto Norman Foster.

Es muy difícil hacer un edificio con tanto volumen (9 pisos -4 sobre nivel- y 20.400 m2) en el mismo espacio que un Templo Romano, uno de los mejor conservados, y además en condiciones de ser observado con rigor y salir airoso en esa confrontación.

El Templo Romano formaba parte de un conjunto urbano hoy desaparecido y está orientado hacia el Foro, el Centro de Arte lo hace mirando al templo.

La intervención de Foster liberó a la plaza de construcciones poco relevantes, quedando ambos como protagonistas de dos momentos históricos diferentes, de espacios y contenidos distintos, sin embargo ambos emocionan.

Son parte de una arquitectura que ennoblece con su presencia, uno contemplativo, el otro participativo.

Uno inspira al otro y  este otro como contenedor de cultura, permite saber más del primero.

Entiendo que Foster sale airoso de este dialogo conscientemente al plantear no un edificio, sino un edificio y su entorno, lo describe así:

“Los dibujos mostraban que no se trataba de hacer un edificio, sino de jugar en un campo más amplio… el proyecto fue más allá de un edificio individual…es muy difícil decir lo que es este proyecto, ¿Se trata de un edificio o concierne al espacio urbano?…ambos conceptos son ahora muy difíciles de separar. Se han convertido en una única cosa porque ambos fueron concebidos como parte del mismo problema, del mismo reto”.

Hay dos edificios maravillosos, uno al lado, frente al otro, la Maison Carrée y el Carré d´Art que alberga el Museo de Arte Contemporáneo y la Biblioteca Municipal.

Los separan 2009 años de historia, uno finalizado en el 16 a.C. (1), el otro en 1993 d.C.

La Maison Carrée  es un templo consagrado al culto imperial de los dioses de la Antigua Roma, está en la ciudad de Nimes, cuyo primitivo nombre galo era Namaus o Namausatis. (2)

Tiene forma rectangular, 26 metros de largo, 15 de ancho y 17 de alto.

Su cubierta es a dos aguas, y se accede por una escalera.

Su acceso conectaba con el Foro.

“Carrée” en francés significa cuadrado, pero en el siglo XVIII cuando se popularizó su nombre “Carrée” designaba cualquier forma de cuatro ángulos, llamando “Carré Long” al rectángulo,  y “Carré Parfait” al cuadrado por lo que “Maison Carrée” designa una casa rectangular.

Se alza sobre un podio (podium), elemento que normalmente se construía alrededor de un templo.

La Maison Carrée es un templo “pseudoperiptero”, pseudo porque si bien tiene columnas en el pórtico delantero, las columnas laterales están encastradas en las fachadas simulando galerías abiertas.

Es el resultado de la interpretación de “la cella” de los templos etruscos (habitación que estaba en el centro del edificio, y que contenía la imagen del culto) y del “Pórtico de Columnas” de planta rectangular de los templos griegos.

Marco Vitruvio, en sus “Los diez libros de arquitectura”  ya describía como debían ser los templos: “…de superficie cuadrada, apoyado sobre un zócalo, el orden de las columnas deben ser de orden toscano”.

El orden toscano no integraba el repertorio de los órdenes clásicos (dórico, jónico y corintio) sino que era una aportación etrusca, que habían simplificado el dórico.

Un ejemplo más de como las distintas civilizaciones inteligentemente van heredando conocimientos de las anteriores, así las técnicas egipcias y micénicas, influyeron en las griegas y romanas.

La Maison Carrée tiene 6 columnas de orden Corintio en el pórtico (hexástilo), fue construida en el año 16 a.C. bajo el patrocinio del general y político Marco Agripa (Augusto Marco Vipsanio Agripa c. 63 a.C. – 12 a.C.) en honor de su suegro, (al haberse casado con Julia, la hija del que fuera primer emperador César Augusto (63 a.C. – 14 d.C), su esposa Livia Drusilla (50/58 a.C. – 29 d.C.) y sus hijos Cayo César (20 a.C. – 4 a.C.) y Lucio César (17 a. C.-2 d. C.).

Agripa tenía un presencia importantísima en la estructura romana, fue (nada menos) consejero y lugarteniente de César Augusto.

Mapa del mundo de Agripa o Porticus Vipsania 

 «La mente divina ubicó la capital del pueblo romano en una región excelente y templada para que se adueñara de todo el orbis terrarum». (Marco Vitrubio, Libro de Arquitectura VI).

Agripa (3) no solo se destacó por su capacidad militar y política sino también por las construcciones con las que embelleció la ciudad de Roma, realizó un mapa del mundo antiguo que elaboró con los datos obtenidos durante sus viajes.

En el 17 a. C. elaboró el Orbis Terrarum, uno de los primeros mapas del mundo.

Su Obra de Geografía fue utilizada por Estrabón y Plinio El Viejo.

Plinio en sus libros III a VI se refiere más de 30 veces al texto de Agripa, que incluyen medidas de diferentes partes del mundo (provincias, mares, islas, etc.), entre otras observaciones.

De estas referencias se pudo saber la existencia del Mapa del Imperio que adornaba el Porticus Vipsaniae de Roma.

Era una época sin guerras, la llamada “Pax Augusta”,

La “Paz Romana”, no significaba ausencia de guerra, sino la paz que sucedía a una guerra (Mary Beard –1955).

Agripa ordena la construcción de un mapamundi a las afueras de Roma, en una zona del Campo de Marte, es el Campus Agrippae, no muy lejos de la Via Flaminia.

Una zona muy popular donde los romanos solían pasear.

Tenía una columnata pegada al “Aqua Virgo” (4) -un acueducto que actualmente coincide con la vía del Corso en Roma- y muy cerca del Panteón.

Augusto lo inaugura en el año 7 a.C., Agripa había muerto 5 años antes.

Al ser construido por su hermana Vipsania Polla, el mapa recibe por ello su nombre. 

Marco Agripa aprueba la construcción del “Aqua Virgo”

Se extendía a lo largo de la vía Lata entre el “Acqua Virgo” (al Sur) y la “vía Claudia” (al Norte), tenía 370 metros de largo por 45 metros de ancho.

Estaba cercano al Panteón, no al edificio que vemos actualmente, construido por el emperador Adriano, y que deja el nombre de Agripa en el frontis, sino el anterior que destruye un incendio en el 80 a.C. (5)

No han quedado restos y las dudas si realmente existió el “Mapa de Agripa”, es porque  el geógrafo e historiador griego Estrabón (c. 64 o 63 a.C. – c. 23 o 24 D.C.) no menciona una maqueta sino unas placas de mármol en la que estarían los nombres de las regiones, y ríos entre otros datos, que estaban colgadas de un pórtico dedicado a la hermana de Agripa. (6)

Mientras que Plinio el Viejo habla de imágenes construidas y hace una descripción de él en su libro de “Historia Natural”.

También lo confirma un obra que ha llegado parcialmente a nuestros días “La historia de Roma” desde su fundación en 753 a.C. hasta el 229 a.C. Son 80 libros escritos en griego por el político, militar e historiador Lucio Casio Dion (c. 155 d.C. – 235 d.C.)

Muchos de estos lo corrobora el mapa (Tabula Peutingeriana) del economista y arqueólogo Konrad Peutinger, sobre las carreteras del Imperio Romano, mapa basado en un documento del siglo 4 ó 5 d.C. que a su vez se alimenta del mapa de Agripa.

De aquellos Templos Griegos estos Templos Romanos

Llevan el nombre de “anfipróstilo” aquellos templos griegos y romanos, con un pórtico en la fachada delantera y otro en la fachada trasera, pero sin columnas a los lados.

Estos templos no tenían más de cuatro columnas.

Un ejemplo de templo “anfipróstilo” es el de Atenea Niké, aproximadamente 421 a.C., un torreón de los propileos, que aún hoy, domina la subida a la Acrópolis de Atenas. (7)

Lo realizó el arquitecto Calícrates (470 a.C. – 420 a.C.), quien también colaboró en la construcción del Partenón junto al famoso arquitecto Ictino.

La Maison Carrée ha inspirado el diseño de varios edificios de estilo neoclásico (8), como la iglesia de la Madeleine en París, la iglesia de San Marcelino en Rogalin, Polonia, o el Capitolio de Virginia, obra del arquitecto y presidente de Estados Unidos Thomas Jefferson (1743 – 1809).

En 1787, como embajador de los EEUU en París, la visitó e impresionado construyó una copia de ella en su hogar en Virginia, dijo que la Maison Carrée de Augusto “es uno de los más hermosos, si no el más hermoso, vestigio de arquitectura que nos ha legado la Antigüedad. Es sencillo, pero noble en su expresión. Será un honor para nuestro joven país ofrecer a los viajeros un gesto de tal buen gusto”.

Restauraciones

La Maison Carrée durante y después de la restauración (2006-2011)

Desde la edad media ha tenido distintas funciones, se lo ha conservado, y restaurado en varias ocasiones.

Entre los siglos XIII y XV, fue utilizada como Ayuntamiento.

En 1670, fue vendida a los Agustinos que la convirtieron en Iglesia

El pronaos fue restaurado a comienzos del siglo XIX , se lo cubrió con un nuevo tejado de estilo romano.

En 1824 se coloca el portón actual.

Después de la Revolución Francesa, albergó los archivos del departamento de Gard, de la región de Occitania (sur de Francia).

Hasta el siglo XIX formaba parte de un conjunto de edificios que se le habían anexado, éstos son demolidos, y el templo quedo exento como estuvo en su origen.

Entre 1821 y 1907 albergó el  Museo de Bellas Artes de Nimes.

Entre 1988 y 1992 se lo restauró nuevamente incluyendo nuevo techado y la adecuación de la plaza que lo rodea, con lo que se pudo desvelar el trazado del Foro Romano..

En 1840 se lo declara monumento histórico de Francia.
Al Foro Romano los romanos lo denominaban “Forum Magnum”, era la zona central donde estaban las principales instituciones del gobierno y religiosas, el mercado, el comercio, la prostitución, y la administración de justicia.

Entre los años 2006 y 2011 el templo romano recupera su blancura original gracias a una intensa restauración.

Al limpiar su piedra, restituyeron elementos decorativos en relieve al tiempo que se retiraron restos de restauraciones inadecuadas.

Carré d´´ Art. Plaza del Arte

En el otro extremos de la plaza que rodea la Maison Carrée, (Place de la Maison Carrée) entre los años 1984 y 1994, el arquitecto Norman Foster realizó un edificio, al que se lo llamó Carré d’Art, por su proximidad al antiguo templo.

Ocupa el lugar donde estaba el teatro de Nimes, destruido por un incendio en 1952

En la mayoría de los pueblos y ciudades francesas, hay una oferta cultural importante, con las “Médiathèques”, donde es posible acceder a libros, revistas, música, video y cine. El Centro Georges Pompidou ofreció a la ciudad de Paris un extra a la biblioteca multimedia con el Museo de Arte Contemporáneo.

El edificio en Nimes sigue ese modelo y permite interactúan las Artes Visuales con el mundo de la información en papel y digital. Alberga el Museo de Arte Contemporáneo de Nimes y la Biblioteca Municipal.

El proyecto de Foster emplea materiales modernos como acero y vidrio, y toma prestados el pórtico y las columnas de la obra romana.

Dicho pórtico tiene 5 columnas metálicas, apoyadas sobre un podio de 5 escalones, buscando un equilibrio visual con el templo romano.

Los accesos son por los extremos de su planta rectangular.

Norman Foster, Barón Foster de Thames Bank (Manchester, 1 de junio de 1935) estudió arquitectura en la universidad de Manchester y con una beca prosiguió sus estudios en la Universidad de Yale.

En la obra participó el famoso estudio de Ingeniería Arup.

Memoria del proyecto del estudio Foster:

“…El Carré d’Art se articula como una estructura de nueve pisos, la mitad de los cuales está bajo el nivel de suelo, manteniendo el perfil del edificio bajo en simpatía con la escala de los edificios circundantes. En el corazón del plano hay un atrio con techo de vidrio, con una escalera en cascada, que hace referencia al patio vernáculo de la región. Este espacio aprovecha la transparencia y la ligereza de los materiales modernos para permitir que la luz del día penetre en todos los pisos. Los niveles inferiores albergan almacenamiento de archivos y un cine. En los dos niveles superiores hay dos pisos de biblioteca, con galerías de arte. Un espacio de recepción en el piso superior se abre a una terraza con una cafetería a la sombra con vista a la nueva plaza pública”.

“…La creación de este espacio urbano fue una parte integral del proyecto. Se eliminaron las barandillas, las vallas publicitarias y los automóviles estacionados y se amplió el espacio frente al edificio para crear un lugar peatonal: un nuevo enfoque social y un entorno apropiado para la Maison Carrée. Alineada con mesas de café y atestada de gente, la plaza ha revigorizado la vida social y cultural de Nimes. Junto con estas intervenciones urbanas, el Carré d’Art muestra cómo un proyecto de construcción, respaldado por una iniciativa política ilustrada, puede proporcionar un poderoso catalizador para revitalizar el tejido social y físico de una ciudad”.

Dice Foster “El desafío era relacionar lo nuevo con lo antiguo, pero al mismo tiempo crear un edificio que representara su propia época con integridad”.

Escribe Marcelo Gardinetti en su blog “Tecne” en febrero de 2015. (9)

“El racionalismo tecnológico de Foster se define incitando la producción de ambientes unificados debajo de cubiertas ligeras, planos verticales transparentes, estructuras de perfiles sofisticados y detalles de un exhaustivo diseño. En el proyecto para el Carrée d’Art de Nimes, esta depuración resulta más trascendente debido a que se emplaza de manera perpendicular al lateral de la Maison Carrée, un edificio rectangular elevado sobre un podio de 17 metros de altura que data del año 16 a.C.”

“De este modo, el enfrentamiento entre la casa romana y el delicado edificio de Foster pone de manifiesto la antítesis entre ambas tecnologías y exalta la temporalidad de las dos arquitecturas”.

“Sus formas leves avivan una interesante convivencia entre la actualidad y la antigüedad, o mejor dicho, entre la simplicidad elemental del edificio romano y la complejidad tecnológica de la contemporaneidad.”.

Congreso «Arquitectura: lo común«

Entre los días 20 a 22 de Junio de 2012 se celebró en el Baluarte de Pamplona, el Congreso con el nombre de “Arquitectura: lo común”.

Dos años antes, en Junio del 2010 ya se había realizado el primer encuentro bajo el lema “Arquitectura: más por menos”.

Ambos organizados por la Fundación Arquitectura y Sociedad.

https://arquitecturaysociedad.com/wp-content/uploads/2019/07/ARQUITECTURA_LO-COM%c3%9aN-comprimido.pdf

En la página 18 Norman Foster dice:

“Uno de nuestros proyectos…importante respecto a su relación con el contexto urbano en sentido amplio fue el que surgió de un pequeño concurso en Nimes, en el sur de Francia, en 1985.

El maravilloso templo romano que daba hacia el solar objeto del concurso estaba ocupado en aquel momento por las ruinas de una columnata de un edificio del siglo XIX destinado a ópera, que se había quemado unos años atrás.

Place de la Maison Carrée y el antiguo teatro de Nîmes en 1980

Antes de que se supieran los nombres de los seleccionados para participar, todo el mundo fue invitado a visitar la ciudad, pero yo preferí recorrerla de incógnito. Nadie sabía que yo estaba allí, y pude así, con libertad, dibujar y tomar notas sobre las cosas que me resultaban emocionantes en el lugar, todas ellas relacionadas con la infraestructura, con las calles de la ciudad. Por ejemplo: esa especie de túnel oscuro que es el bulevar que conduce hacia el solar; la explosión de luz cuando se llega a la plaza; el problema de los coches aparcados delante del templo romano.

Los dibujos expresaban que no se trataba de hacer un edificio, sino de jugar en un campo más amplio… Lo interesante es que ganamos el concurso, y nos pusimos a trabajar con las autoridades, con el apoyo de un alcalde muy comprensivo.

De nuevo, la transformación que supuso el proyecto fue más allá de un edificio individual. En este sentido, es muy difícil decir lo que es este proyecto: ¿Se trata de un edificio o concierne al espacio urbano? Por supuesto, ambos conceptos son ahora muy difíciles de separar. Se han convertido en una única cosa porque ambos fueron concebidos como parte del mismo problema, del mismo reto. Otro aspecto es que el público puede atravesar directamente el edificio de un lado a otro, por lo que este se ha convertido en un atajo. Constituye una manera más rápida de ir de un lado de la plaza a otro barrio: la gente entra, por tanto, en la pieza no sólo por lo que alberga sino porque es la manera más directa de atravesar esta parte de la ciudad. En su respuesta urbana, el edificio presenta la misma altura que los inmuebles de los alrededores, lo que significa que alberga bajo tierra tanto como sobre rasante, de ahí la importancia de llevar la luz natural hasta el fondo del espacio interior. Cuando uno llega a la bajo cubierta del edificio, bajo la sombra, tiene conciencia del compromiso del proyecto con la ciudad, del compromiso con la histórica plaza, con el monumento, y del diálogo entre lo antiguo y lo nuevo. Se crea un espacio para la celebración, una especie de escenario para el entretenimiento cívico”.

Notas

1

La fecha de construcción del templo tiene distintas interpretaciones que surgen de diferentes análisis. Uno de ellos está basado en los estudios realizados en 1919 así como en los del arqueólogo, epigrafista y militar Emile Espérandieu (1857 – 1939) que señalan la fecha en el año 16 a.C.

Otros estudios llevados a cabo entre 1964 y 1970 por encargo del Centro Nacional de Investigaciones Científicas (CNRS) señalan el siglo 1 d.C. (entre los años 1 y 4). Confirman así la fecha de 1758. Están basada en los estudios del arqueólogo, botánico y astrónomo Jean-François Séguier (Nimes 1703 – 1784).

Una inscripción hoy desaparecida, pero reconstituida sobre la base de los puntos de anclaje de las antiguas letras de bronce, indica que el templo estaba dedicado a Cayo y Lucio César, hijos de Marco Vipsanio Agripa y nietos del emperador Augusto, a los que este último adoptó y nombró para sucederle.

2

Fue un asentamiento galo, su primitivo nombre era Namaus o Namausatis. Entre los años 120 y 117 a.C. fue ocupada por los romanos, que llaman a su colonia Nemausus.

Con ella los romanos se aseguraban el camino hacia la Península Ibérica (Hispania), para ello realizan en el año 118 a.C, la via Domitia, que fue la primera calzada romana construida en la Galia, al sur de la actual Francia. Lleva el nombre de su constructor el procónsul Cneo Domicio Enobarbo.

En esa época fundan Narbona, que hasta el fin del Imperio romano de Occidente fue una de las ciudades más importantes de la Galia, tenía una superficie de más de 2 km².

3

Marco Agripa (Augusto Marco Vipsanio Agripa c. 63 a.C. – 12 a.C.) fue amigo y lugarteniente de confianza de Augusto. Se distinguió en la Guerra de Perusina, contra los Chatti, contra Sexto Pompeyo, y en la Batalla de Actium.

Fue cónsul en los años 37, 28 y 27 a. C., y edil en el 33 a.C. Reparó y construyó importantes obras públicas.

Su primera esposa fue Ática, la hija de Tito Pomponio Ático, alrededor del año 28 a.C. se casó con la sobrina de Augusto, Marcela, y en el 21 el emperador le hizo divorciarse y casarse con su hija, Julia. Murió inesperadamente en el año 12 a. C. 

4

La fuente de la Plaza dei Popolo fue una de las 18 nuevas fuentes proyectadas luego de la restauración del Acqua Virgo, uno de los 11 acueductos que proveían de aproximadamente 100 mil metros cúbicos diarios de agua a la antigua Roma.

La provisión de agua fue una tarea permanente en Roma, Marco Agripa finalizó la construcción del Acqua Virgo en el 19 a.C. reinando el emperador Augusto, trayendo agua de una fuente situada a 3 km de la vía Prenestina, una antigua calzada romana, que partiendo de Roma y luego de 42,4 km llegaba a la ciudad de Palestrina, fue restaurada mil años después, durante el renacimiento pasó a llamarse Acqua Vergine. Una extraordinaria obra que tenía en sus primeros 20 km un declive de solo 4 metros.

5

La construcción del Panteón se realizó en tiempos de Adriano, en el año 126 d.C. Recibe el nombre de Agripa por haber sido construido donde anteriormente, en el año 27 a.C, se encontraba el primer Panteón de Agripa y que fue destruido por un incendio en el año 80 d.C. .

6

Estrabón fue un gran viajero que, aprovechando la paz romana, recorrió casi todas las tierras donde la vida humana era posible (ecúmene), llegando desde Armenia en Oriente, hasta Cerdeña en Occidente, y desde el mar Negro en el norte hasta los límites de Etiopía en el sur.

7

Estaba dedicado a la diosa alada Niké Áptera, era un símbolo de las victorias navales. Le cortaron las alas para que no abandonara Atenas. (Áptera, sin alas). El templo conmemoraba la victoria de los griegos sobre los persas.

8

El estilo Neoclásico comienza a mediados del siglo XVIII, como una reacción al Barroco (de ornamentación naturalista) y rasgos clasicistas que nacieron del Baroco tardío. Continuó durante el siglo XIX, coincidiendo con la Arquitectura Historicista y el Eclecticismo Arquitectónico.

9

Los grandes teatros romanos

http://onlybook.es/blog/teatros-romanos/

continua próximamente

La Biblioteca del Trinity College

“ .. Sospecho que la especie humana está por extinguirse y que la Biblioteca perdurará: iluminada, solitaria, infinita, perfectamente inmóvil, armada de volúmenes preciosos, inútil, incorruptible, secreta». Jorge Luis Borges, “La Biblioteca de Babel”.

La Biblioteca del Trinity College de Dublin es la más grande de Irlanda, está sobre la calle Nassau.

Acerca de esa calle recordamos que “…un 16 de Junio de 1904 James Joyce conoció a Nora Barnacle frente a un escaparate de la calle Nassau… Llevaba un parche en un ojo, como un pirata de la literatura (debido a una iritis juvenil), y de él se rumoreaba que estaba escribiendo una extraña epopeya”.

“… Es el mismo día, que un judío irlandés, llamado Leopold Bloom realiza un periplo de 24 horas por Dublín”

«El Ulises vio la luz el 2 del 2 del 22. Fue un doble regalo a Joyce de parte de Sylvia Beach, la propietaria de la librería Shakespeare & Co. de París. Doble porque la publicó (nadie quería jugársela con un texto tan difícil, obsceno y pasto de la censura y los juicios por libelo)… y porque lo hizo el día que el autor cumplía 40 años». (Manuel Vicent, Agosto 2007)

Ver al respecto http://onlybook.es/blog/leer-es-como-sonar-con-letras-2nda-parte-librerias-en-paris/

El fondo de la Biblioteca del Trinity se nutre de la ley que ordena que de todos los libros que se editan en Irlanda y en el Reino Unido, deben enviarse en forma gratuita un libro a la Biblioteca, sirve como depósito legal para la protección de los derechos de autor.

Custodia 4,25 millones de libros y recibe 100.000 libros y artículos nuevos cada año.

Entre los textos antiguos y los llamados “raros” destacan:

-El libro de Durrow, un manuscrito del siglo VII, realizado en la abadía de Durrow, comprende los evangelios según San Mateo, marcos, Lucas y Juan.

-El libro de Howth y el famoso

-“Libro de Kells” o Gran Evangelio de San Columba, un manuscrito incompleto escrito en latín, con motivos ornamentales, que realizaron los monjes celtas alrededor del año 800 en un pueblo de Irlanda, llamado Kells, a 65 km de Dublin.  

En 1661, Henry Jones lo dona a la biblioteca. 

Forma parte de los “Libros Iluminados”, que contienen miniaturas con pintura y dibujos de figuras, con cierta relación con los vitreaux de las catedrales e iglesias del arte románico y el primer arte gótico.

Era común que realizaran dibujos en las letras capitulares, además de miniaturas, término que deriva de “mínimum” un ácido de plomo de color rojo, componente de la tinta con la que se “iluminaban los códices manuscritos”.

El arzobispo de Armagh, James Ussher (1625 – 1656) hace un gran aporte al legar su biblioteca compuesta por miles de libros impresos y manuscritos.

La Biblioteca fue fundada con el Trinity College por la reina Isabel I, en 1592 y forma parte de la Universidad de Dublin, la más antigua de Irlanda. Actualmente tiene 15 mil alumnos.

El campus tiene 19 hectáreas.

Fue proyectada por el ingeniero militar, arquitecto y miembro del Parlamento Thomas Burgh (1670 – 1730), es un edificio de gran volumen que destaca entre los edificios similares que la rodean.

Habia diseñado grandes edificios públicos en Dublín: La antigua Aduana (1704–6), Eel Hospital Dr. Steevens (1719) , la Linen Hall (1722) y Royal Barracks (1701).

La Sala principal de 65 metros de la Biblioteca antigua se construyó entre 1712 y 1732, En ella hay 200.000 de los libros más antiguos de la biblioteca, impresos, manuscritos, códices, palimpsestos -que son los manuscritos en el que se ha borrado el texto primitivo (mediante raspado u otros procedimientos) para volver a escribir un nuevo texto-.

Originalmente tenia estanterías solo en el nivel inferior, con un techo que la separaba de la galería del piso superior, éste se demuele en 1850/60 para agregar más estanterías.

Tiene 38 bustos de mármol, muchos de ellos son bustos de grandes filósofos, escritores y hombres que apoyaron la universidad. 14 de ellos del escultor Peter Scheemkers, y también de Louis François Roubiliac.

Entre sus joyas está el arpa de Brian Boru, del siglo XV, de roble y sauce, que conserva 29 cuerdas de latón, de las 30 que tenía originalmente.

Brian Boru rey de Cashel, capital del antiguo reino irlandés de Munster consiguió someter a todos los territorios de Irlanda bajo su mando y plantó cara a los invasores vikingos que se habían asentado en la isla en el año 795.

Estudios han demostrado que el arpa data de los siglos XIV y XV por lo que el rey Brian Boru (Boroimhe 942 – 1014) no podía pertenecerle, pero lleva su nombre como homenaje a quien fuera promotor de las artes en Irlanda.

Aparece en algunas escenas de “Harry Potter y el Prisionero de Azkaban” y en Star Wars: el ataque de los clones de George Lucas.

El último edificio de las 6 bibliotecas fue diseñada por James Ussher en 2003, tiene 8 pisos y 9.500 m2, y ofrece 750 nuevos espacios de lectura, además de albergar la la Biblioteca de Mapas Glucksman y el Departamento de Conservación

El 24 de octubre es el Día de la Biblioteca como recuerdo del incendio de la Biblioteca de Sarajevo en 1992, y para señalar las bibliotecas como lugar de encuentro.

Sabemos que los libros son fundamentales para conservar la memoria colectiva ya que es un instrumento que nos educa en la convivencia humana.

“Sin bibliotecas, ¿Qué nos quedaría?; no tendríamos pasado ni futuro”. Bradbury

No fue fácil construir la «Pirámide del Louvre»

La pirámide actual, acceso al Louvre, del arquitecto Pei, se construyó ahora, pero la idea viene de lejos, de muy lejos…

Intuimos que no es nada fácil intervenir en el  Museo más visitado del mundo, cada año 9 millones de personas desean conocer (recorriendo su superficie de 160.000 m2, las 35 mil obras de arte que se exhiben de entre las más de 300.000 que posee el Museo, desde la antigüedad hasta 1848.

Fue un Castillo Medieval, que se fue transformando en Palacio Real con la intervención renacentista del arquitecto Pierre Lescot, (1510 – 1578).

Lecost que fue nombrado por el rey Francisco I (1494 – 1547) mecenas y protector de las artes, para realizar el ala sur-oeste de la plaza principal.

Años mas tarde se efectuaron los cambios barrocos realizados por Claude Perrault (1613 – 1688), que era arquitecto, físico, mecánico, médico y miembro de la Academia de Ciencias

Grabado de Jean Mariette, elevación de la fachada el Louvre que mira al Sena

En 1793 se convierte en una gran escuela de Arte para artistas y estudiosos, más tarde se permite el acceso al público  en general.

La Pirámide del Louvre, es una pirámide de vidrio laminado, acero y aluminio de 200 toneladas, que está en el centro del “Cour Napoleón” del Museo del Louvre de Paris.

Tiene una altura de 21,64 metros sobre una base cuadrada de 35,42 metros de lado. La conforman 603 rombos (con 2100 nodos y 6000 barras)  y 70 triángulos de vidrio (de 21 mm de espesor).

Su primera inauguración la realizó el presidente François Mitterrand (1916 – 1996) en marzo de 1988, que fue quien la encargó en 1983 al arquitecto Ieoh Ming Pei (1917 – 2019).

Mitterrand desarrolló un ambicioso plan de proyectos arquitectónicos, entre ellos la renovación del Museo del Louvre, para ello nombra a Émile Biasini (1922 – 2011) para que lo supervisara.

Biasini invita a Pei a formar parte de un grupo de trabajo.

Éste realiza varios viajes secretos, para estudiar la viabilidad de los cambios, que serían cambios que modificarían el funcionamiento del Museo.

El equipo de los arquitectos Pei, Cobb, Fred & Partners eran conscientes que “La historia de Paris estaba incrustada en las piedras del Louvre”.

Su propuesta de la pirámide, quizá fuera un guiño al arquitecto André Le Nôtre (1613 – 1700) y una referencia a los planos facetados de las cubiertas del Museo.

André Le Nôtre, había trabajado durante 55 años al lado del rey Luis XIV diseñando los jardines del Palacio de Versalles, del Palacio de Vaux-le-Viconte y de Chantilly.

Pero el interés de Pei en Le Nôtre, era su desarrollo de la perspectiva y las ilusiones ópticas.

En 1889 se proponían varios proyectos conmemorativos para festejar el centenario de la Revolución, entre ellos el arquitecto Louis Ernest Lheureu propone como utopía arquitectónica, una pirámide ciclópea estilo neo-azteca.

Ernest Lhereux, proyecto de monumento a la gloria
de la revolución francesa. Dibujo, entre 1886 y 1888

Un zócalo esculpido y una serie de pequeñas columnas en diferentes niveles.

Con escaleras y grupos escultóricos.

Le suma un templo circular (referencia al “tempietto de Bramante”), formas universales de diferentes civilizaciones, puso el circulo, el semi circulo, el triángulo, y por si algo faltaba, ciertos ordenes europeos.

Lheureu era alumno de Labrouste, cercano a las ideas del arquitecto, arqueólogo y escritor Eugéne-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814 – 1879). Le interesaban sobre todo sus «restauraciones» interpretativas de los edificios medievales. En 1881 había diseña do la escuela preparatoria del Colegio Sainte-Barbe en pleno Barrio Latino.

Bernard François Balzac (1746 – 1829) en 1809 escribe en “Informe sobre dos grandes obligaciones a cumplir por los franceses” donde señala que una era construir una pirámide en el patio del Louvre, como un monumento de reconocimiento al emperador Napoleón.

Nada es fácil en esta vida, ni siquiera para Pei.

Hubo muchas posturas contrarias a la construcción de la pirámide, como la renuncia del director del Museo André Chabaud, o la oposición pública y de críticos que opinaba que Mitterand desde su despotismo quería construir en Paris “este artilugio gigantesco, ruinoso y atroz”.

Desde una óptica nacionalista se publicaba: “Es sorprendente que se busque a un arquitecto chino en América para tratar con el corazón histórico de la capital francesa”.​

El periódico Le Figaro criticó con vehemencia el diseño de Pei,

El periódico France Soir fundado en 1944 vinculado a la Resistencia Francesa durante la 2nda Guerra Mundial titulaba “El nuevo Louvre causa ya escándalo”.

El historiador de arte y profesor emérito de la Universidad de Ginebra Pierre Vaisse (1938) escribía desde Le Figaro: “Grado cero de arquitectura”

El novelista y ensayista miembro de la Academia Francesa Jean Dufourd 1920 – 2011) hizo un “llamado a la insurrección”.

El historiador del arte André Fermigier (1923 – 1988), escribió un violento editorial titulado “El Circón”, comparando la pirámide con una “casa de los muertos”, con un “embudo”, con un objeto salido “Disneylandia”, o de cualquier otro “parque de atracciones”.

La prensa daba a François Mitterrand el apodo de “Mitteramsès o Tontonkhamon”

​El ex secretario de Estado para la Cultura Michel Guy (1927 – 1990) crea la “Asociación para la renovación del Louvre”, para luchar contra el proyecto de la “pirámide de vidrio”.

Pei respondía acerca de la pirámide  «la gente tiende a confundir la forma de la pirámide del Louvre con la de Egipto… no es exacto: la pirámide egipcia es enorme; en segundo lugar es sólida, es de piedra; es un lugar para los muertos. La pirámide en el Louvre es lo opuesto: es de vidrio, es transparente, es para los vivos».

Le Nouvel Observateur,  contraatacó en marzo de 1985 con una serie de artículos apoyando el proyecto del arquitecto Pei con textos del escritor, crítico literario y teatral Guy Dumur (1921 – 1991) y de Yves-Charles Rivière.

En la sección Opinión escribía “Vive la pyramide”.

Un periodista escribió en Le Quotidien de Paris: “La tan temida pirámide se ha convertido en adorable”.

Muchos otros apoyaron la idea (como el director, compositor y pedagogo Pierre Boulez (1925 – 2016) y Claude Pompidou (1912 – 2007) viuda del presidente Georges Pompidou.

El en ese entonces alcalde de París Jacques Chirac (1932 – 2019) ordenó en Mayo de 1985 realizar una maqueta en escala de la pirámide. Más de 60 mil personas la vieron durante los 4 días que estuvo expuesta. Finalmente se llegó al acuerdo de construirla, incluyendo la realización de un gran aparcamiento subterráneo para que los autocares de turismo dejaran libre las orillas del Sena.

Pei dijo que su experiencia había sido agotadora, “Tras el Louvre pensé que ningún proyecto sería demasiado difícil”.

Asi decía de la que sin duda es su obra más famosa.

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Los grandes Teatros Romanos

La ciudad de Éfeso y los grandes Teatros Romanos.

En la antigüedad había cuatro ciudades importantes en Asia Menor: Roma con 1 millón de habitantes, Antioquía (Antioquía del Orontes) con 350.000  y luego con más de 250.000 Alejandría, y Éfeso.

Éfeso es una de las doce ciudades jónicas situadas a orillas del mar Egeo, su puerto era Panormo. 

Templo de Artemisa en Éfeso

En cuanto a la población en Éfeso, esta cifra se superaba muchas veces por la gran cantidad de peregrinos que iban a visitar el Templo de Artemisa (actualmente Selcuk) diosa de la fertilidad, a 1 km de Éfeso.

La primera construcción del Templo de Artemisa data del siglo VIII a. C., éste sufrió graves daños cuando en el 654 a.C. los cimerios atacaron el reino de Lidia, matando a su rey Giges y destruyendo gran parte de Sardes, su capital.

El rey Creso, último rey de Lidia continuó la construcción del Templo de Artemisa. Un reinado marcado por las artes, los placeres, y sobre todo por la guerra.

Plinio el Viejo ​y Marco Vitruvio (c. 80-70 a.C. – 15 a.C. que fue arquitecto de Julio César y autor de los 10 libros “De Architectura”) afirman que los trabajos prosiguieron durante 120 años y que fueron varios los arquitectos que los dirigieron.

El rey Creso reinaba sobre los territorios de Lidia, que abarcaba  lo que hoy son las provincias turcas de Esmirna y Manisa, su reino cayó conquistada por los persas.

El mencionado Templo de Artemisa fue destruido por un incendio provocado por Eróstrato el 21 de julio del año 356 a. C., la noche que, se dice, nació Alejandro Magno.

Del templo que tenía una hectárea de superficie y se sostenía sobre 127 columnas, de todas ellas solo queda 1 columna en pie.

La ciudad de Éfeso

Reconstrucción de la ciudad de Éfeso

El historiador y geógrafo Estrabón  (63 a.C. – 23 d.C.) menciona que a Ëfeso durante un tiempo se la llamó Esmirna porque lo fundó una «Amazona», como se llamaba a las antiguas guerreras griegas.

Este mito quizás se deba a que las mujeres tuvieron un papel fundamental a lo largo de la historia de Éfeso, las múltiples artistas femeninas -como Timarata– hicieron famosa a la ciudad en el mundo antiguo.

El escritor y militar romano Plinio el Viejo (Cayo Plinio Segunda c. 23 – 79), famoso entre otros libros por su “Historia Natural” y que murió durante la erupción del Vesubio en Pompeya, escribe que antes de llamarse Éfeso se la llamo, Álope, Traquia, Ortigia, Amorges, Hemonio y Ptelea.

Está muy cerca de la histórica ciudad de Selçuk, en el distrito de Esmirna, a 680 kilómetros de Estambul.

Teatros romanos

Éfeso tenía como muchas de las ciudades romanas, un teatro.

Los teatros ocupaban un papel destacado dentro de la vida de los ciudadanos, pasaban gran parte de su tiempo libre allí.

Las autoridades romanas utilizaban los teatros como un medio para divulgar la cultura romana en las colonias y al mismo tiempo distraer a los ciudadanos de toda actividad política, para ello contaban con mimos, pantomimas, lecturas poéticas y comedias del estilo farsesco llamadas “Atelana”.

Pan y circo, casi, casi como ahora.

El teatro de máscaras griego, exclusivamente masculino, continuó durante el Imperio romano, representando las tragedias y comedias tomadas de la literatura, en latín.

Lo más popular fueron los mimos, donde se mezclaba un guion escrito con improvisaciones con secuencias de acción y sátiras. Los mimos no utilizaban máscaras, los roles femeninos fueron interpretados por mujeres, no por hombres disfrazados.

Cercano al mundo del mimo fue la pantomima, un ballet narrativo, música y un libreto musical, sobre temas mitológicos que podían ser trágicos o cómicos.

En los espetáculos se intercalaban baile, acrobacia, malabares, funambulistas que caminaban sobre un delgado alambre o sobre una cuerda, los que lo hacían se llamaban funámbulos (funis (cuerda) y ambulare (andar), había también osos bailarines, striptease y bailes sensuales.

La Farsa Atelana

La “Farsa Atelana”, se remonta al siglo IV a.C. originalmente en idioma osco.

Este idioma, el osco, tenía mucho en común con el latín, se habló en la parte centro-meridional de la península itálica durante parte de la antigüedad.

El historiador Tito Livio (59 a.C. – 17 d.C.) en alguna parte de los 142 libros que componen su monumental historia del estado romano, dice que la “Farsa Atelana” fue importada a Roma en 391 a. C.

Utilizaban máscaras, cuyos rasgos representaban los defectos humanos en relación a los físicos, vinculaban la fealdad moral con la fealdad física.

Estos personajes sórdidos, caricaturescos, tenían una gran capacidad para la crítica.

Eran improvisaciones satíricas y populares mezclaban todo tipo de bromas, tanto en prosa como en verso. Las máscaras siempre eran las mismas, y recibían los nombres de Dossennus, Maccus, Manducus, Pappus y Bucco.

De entre todos ellos destacan cuatro personajes principales que el público reconocería con facilidad. 

Dossennus es el contrahecho jorobado, casi calvo, con grandes orejas y nariz curva, como la de un cuervo, es desconfiado, malicioso, astuto y sagaz, no desdeña los placeres de la vida.

Personaje de Dossennus, Atelana

Maccus, de gruesas mandíbulas y cejas asimétricas es el rústico necio, insulso, tontorrón y, a veces, inocente enamoradizo.

Personaje de Maccus, Atelana

Manducus se presenta como un glotón de dientes afilados, símbolo del parásito que busca sacar provecho de los demás.

Personaje de Manducus, Atelana

En Pappus vemos al viejo decrépito, malhumorado, avaro y libidinoso.

Personaje de Pappus, Atelana
antiguas máscaras del Teatro Griego

El género alcanzó su máxima popularidad en tiempo de Adriano (Publio Elio Adriano 76 – 138) y de Trajano (Marcus Ulpius Traianus 53 – 117) y se mantuvo durante toda la época imperial, lo demuestran las numerosas máscaras y estatuillas encontradas en yacimientos arqueológicos en zonas de dominación romana.

Muchos de estos entretenimientos duraban todo el día, estaba abierto a todos y eran gratuitos.

Pero, las farsas tenían su riesgo, especialmente si con la sátira se atacaba o se ridiculizaba a algún poderoso poco empático, como Caligula que hizo quemar vivo a un actor, por ridiculizarlo en una farsa atelana, al decir de Cayo Suetonio Tranquilo.

Pero, no habría que fiarse tampoco demasiado de este historiador y biógrafo conocido como Suetonio (c. 70/71 – post. 126), que habiendo conseguido formar parte del círculo de amistades de Plinio el Joven (61 – c. 112) y del mismo emperador Adriano, cayó en desgracia.

En el 122, se rompió bruscamente su relación con Adriano, fue expulsado de la Corte, parece ser que fue debido a “haberse tomado demasiadas familiaridades con la emperatriz”.

La Danza

Algunas de sus formas eran consideradas en el Imperio como inhumanas o extranjeras, ya desde la Roma Arcaica se había incorporado la danza a los rituales religiosos.

Su estatus era similar al de los gladiadores o los esclavos, aunque desde el punto de vista técnico eran libres. Los que gozaban de gran prestigio, disfrutaban de riquezas que les permitía relacionarse con las clases altas, incluso con los emperadores, muchas veces sexualmente.

Los Grandes Teatros, fueron glorias eternas de la antigüedad, en esta reseña haremos una visita a algunos de los que aún están en pie y pueden visitarse. No podría decir lo mismo del Teatro Romano de Palmira en Siria, ya que el ISIS, se ha dedicado ha destruirlo en gran parte.

Después de 2000 años se le sigue asignando un valor simbólico, ideológico, religioso o una combinación de ellos, así estamos.

La Música

Tibia o Flauta doble

La música era frecuente en los eventos sociales y en las ceremonias fúnebres, eran una de las manifestaciones artísticas más populares junto a la danza.

Sin duda desarrolladas a partir de la imitación de los griegos.

En los sacrificios se tocaba una “tibia”, o flauta doble, era un instrumento de viento, se creía que su sonido ahuyentaba los espíritus malignos.

Entre los Instrumentos más comunes estaban los de madera, los metales, e instrumentos de percusión y cuerdas (como la citara griega).

El “cornu”, un instrumento de viento de metal que se curvaba a lo largo del cuerpo del músico, se usaba en desfiles y lo empleaba el ejército romano para transmitir señales militares.

Órgano Hydraulis y el Cornu

El órgano hidráulico llamado “hydraulis” fue una de las hazañas musicales y técnicas más significativas de la antigüedad, era un instrumento musical de viento, predecesor del órgano neumático.

Se había inventado en Grecia en el siglo IIIa.C., fue conocido por los romanos y extendido por todo el imperio se utilizó en los espectáculos que se daban en los teatros.

1. Gran Teatro de Éfeso en Turquía

Es una obra de origen helenística, levantada en la colina Panayir, tuvo varias intervenciones durante el Imperio.

Allí discutían temas religiosos y filosóficos, organizaban peleas de gladiadores, y de animales, y se representaban obras de teatro y conciertos.

Con sus cerca de 24.500 espectadores, era el mayor de su época.

Su altura es enorme, al punto de provocar vértigo.

Tiene una cávea de 66 filas de asientos, en forma de herradura de 220 grados y un diámetro de 151 metros, su última fila está a 30 metros de altitud sobre la orquesta. La escena es un ornamentado edificio de tres pisos y una altura de 18 metros.

Los asientos se dividen en tres secciones. En las secciones más bajas, donde está el cubículo del Emperador se usaron piezas de mármol, los asientos tienen espaldares.

Es una obra maestra, con una acústica increíble.

Luego de tareas de restauración y pasada la pandemia volvió a abrir sus puertas con La Traviata de Giuseppe Verdi, y con el 4º Festival Internacional de Ópera y Ballet de Éfeso.

Inscrito en el 2015 como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco

2. Teatro Romano de Orange en Francia

Ilustración de 1905

Construido bajo el reinado de César Augusto en la antigua colonia Arausio o más exactamente “Julia Firma Secundanorum Arausio”, del siglo I d.C.

Su cávea permitía albergar a 9.000 espectadores y aún conserva el muro de la fachada escénica (scaenae frons) con 103 metros de largo por 37 de altura. Tiene 3 niveles, con frisos y nichos.

Muro de cierre del Teatro de Orange en un grabado del siglo XVIII

Declarado por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad en 1981.

3. Teatros de Jerash en Jordania

Gran Teatro del Sur

Jerash, llamada Gerasa por los romanos, fue una de las Decápolis Romanas (asi se llamaba a la red o mancomunidad de 10 ciudades en la frontera del Imperio al sudeste de la región del Levante Mediterráneo) y una de las mejor conservadas de Oriente Próximo.

Durante el siglo I (años 90/92) se construyó el Gran Teatro del Sur, su estructura semicircular escalonada está literalmente tallada en la ladera del Janal Al-Jofeh en tres secciones con un total de 44 filas y una capacidad para 6.000 espectadores.

Su orientación Norte los protege del sol. Posee una excelente acústica.

Los pobres, los extranjeros, los esclavos y las mujeres debían estar en la sección superior. El escenario de 100 metros de ancho, tenia, probablemente tres pisos de altura, la orquesta tiene un radio de 13 metros.

Frente al teatro estaba la hilera de columnas jónicas que flanqueaban el Foro Romano, una plaza pública que fue una de la más grande del imperio (100 x 50 metros), tiene forma elíptica, una singularidad pues los foros romanos solían ser rectangulares, con un pavimento de piedra caliza.

Gran Teatro del Norte

Al este está el Odeón, un auditorio más pequeño para actividades musicales y certámenes de poesía. Es el Teatro del Norte, se construyó durante el siglo II año 165 d.C.) , hacían “pequeñas representaciones”, la cávea, dividida en dos niveles, con 29 filas de gradas, tiene capacidad para 1.600 personas. Cada grada está dedicado a una divinidad y cada asiento está o numerado o lleva el nombre de una tribu.

Jerash a 48 km de Amman (antiguamente Filadelfia), es la segunda ciudad más visitada en Jordania, después de Petra, tenía cuatro entradas principales en la muralla del siglo I. Su “Cardo Máximo” de 800 metros de largo era la entrada principal de la ciudad desde el extremo sur al norte, estaba atravesado por un sistema de alcantarillado para canalizar el agua de lluvia hacia los desagües.

Incomprensiblemente no están incluida en la lista del Patrimonio de la Humanidad de la Unesco.

4. Teatro Romano de Cartagena en España

El emperador Augusto lo construyó en la antigua Cartago Nova (actual Cartagena). Lo construyó con mármol pentélico de Grecia.

En el siglo III dejó de utilizarse, y muchas piezas se usaron en edificios aledaños.

Aquí el link a mi artículo del Museo y Teatro de Cartagena:

http://onlybook.es/blog/museo-y-teatro-romano-de-cartagena-arq-rafael-moneo/

Hay gestiones para que Cartagena se una a las 48 ciudades españolas que están incluidas en los listados como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

5. Teatro Romano de Palmira en Siria

Palmira era uno de los puntos más importantes de la Ruta de la Seda. La elaboración de la seda era un secreto que solo los chinos conocían, y que dio nombre a esta Ruta.

Circulaban además piedras y metales preciosos, diamantes, rubíes, jade, perlas, telas de lana o de lino ámbar, marfil, laca, especias, porcelana, vidrio, materiales manufacturados, coral, etc.

China desde el siglo I a.C. abrió una red de rutas terrestres y marítimas interconectando la mayor parte del continente asiático, el Mediterráneo europeo y la costa oriental africana.

El teatro está en medio del desierto de Siria, construido en el siglo II d.C. rodeado por una plaza porticada semicircular que se abre a la puerta sur de Palmira. La plaza tiene 82 x 104 metros y está al suroeste de la principal calle de columnas.

Palmira (Patrimonio de la Humanidad) era conocida como “la perla del desierto”.

Debido a la guerra en Siria, está en riesgo serio.

La Unesco denunció que el ISIS (o Dásh, grupo terrorista fundamentalista yihadista) ha destruido gran parte de la columnata del Tetrapylon, la fachada del teatro romano y parte de la escena.

6. Teatro Antiguo de Arlés en Francia

Construido en lo alto de la colina de Hauture, en tiempos del emperador Augusto, estaba dedicado al dios Apolo. Comenzado hacia los años 40-30 a.C. se acabó en el año 12 a.C. siendo uno de los primeros teatros de piedra romanos, dentro de la cuadrícula romana, sobre el Decumano, formando parte del plan de urbanismo de Augusto.

La cávea de un diámetro de 102 metros, con 33 hiladas de gradas, podía acoger a 10 mil espectadores.

Su estructura poseía una pared en tres alturas en las que se levantaban hasta 100 columnas corintias, 33 hileras de gradas sobre la cávea y figuras como la Venus de Arlés, actualmente en el Museo del Louvre.

El emperador Constancio II celebró una representación grandiosa el 10 de Octubre (día de mi cumpleaños, pero de otro año d.C.) de 353 y siguió funcionando hasta principios del siglo V, que fue cuando la iglesia, que se oponía a los espectáculos paganos, utilizó el teatro como cantera para la construcción de la basílica paleocristiana de San Esteban.

Fué declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el capítulo “Monumentos romanos y románicos de Arlés”.

7. Teatro Grande de Pompeya

Existían 2 teatros, el grande y el pequeño. El grande fue edificado durante la época samnita, uno de los antiguos pueblos itálicos que entre los siglos VII y III a.C. habitaron la región  montañosa del centro-meridional de Italia.

Las gradas se construyeron aprovechando la ladera de una pequeña colina.

En torno a 80 a. C., se efectuaron diversos trabajos al tiempo de la construcción del Teatro pequeño, principalmente en la zona de la cávea, que fue ampliada unos diez metros.

En la época del primer emperador romano Augusto (63 a.C. – 27 a.C)  se realizó una reestructuración total, que amplió su capacidad a 5.000 espectadores.

Durante el terremoto de Pompeya de 62 de una magnitud estimada de entre 5 y 6 en la escala de Richter, su estructura quedo parcialmente dañada y su escena debió ser totalmente reconstruida.

El seísmo tuvo epicentro en la ciudad de Estabia a 6 km al sur de Pompeya, se sabe de él por las descripciones del filósofo y dramaturgo Séneca el Joven (Lucio Anneo Séneca 4 a.C. – 65 d.C.) en su crónica “De Terrae Motu” (relativo a los terremotos) incluida en su libro “Naturales quaestions”.

Tan solo 17 años más tarde, en el 79 fue sepultado por la erupción del Vesubio.

En él se representaron comedias, tragedias, mimos y pantomimas, además de “Atelanas” acompañadas de danza y música. Estaba cerca de la puerta Stabiana.

Plano Teatro Pompeya. Publicación de 1870

Hace 2 mil años la ciudad de Pompeya estaba al borde del mar.

Es total la influencia griega, su forma es en herradura en lugar de hemiciclo, ubicado cerca de un templo dórico que era un área sagrada.

La estructura del Teatro pequeño es muy similar a la del Teatro grande pero con una capacidad menor de unos 1 300 asientos.

Están incluidos en la lista del Patrimonio de la Humanidad de la Unesco.

Maqueta de los dos teatros y el Cuadripórtico

El “Cuadripórtico de los Teatros” fue llamado también “Cuartel de los Gladiadores”. A sus costados tenia pórticos que marcaban una especie de Foyer, que vemos en casi todos los teatros helenísticos. Así lo codifico Vitruvio en “De architectura”. Por él paseaban los espectadores de los dos teatros, en los intervalos de los espectáculos.

Seguramente fue edificado en la misma época que el Odeón (80 a.C.) luego del terremoto del 62 se construyeron algunas estancias en 2 pisos a lo largo de las paredes perimetrales.

Las armas encontradas sugieren que fue Cuartel de Gladiadores, y la gran cantidad de cadáveres indican que todos ellos fueron a buscar refugio durante la erupción del Vesubio.

8. Teatro Romano de Augusta Raurica en Suiza

Es uno de los parques arqueológicos más importantes del centro de Europa.

Maqueta de la ciudad de Augusta Raurica

Bajo las órdenes del general Manutius Plancus se asentó en el año 45 a.C. una colonia romana en tierras de los celtas ráuricos. Augusta Raurica se convirtió en capital de colonia y en importante centro comercial, con una población de entre 15 y 20.000 habitantes.

La antigua Augusta Raurica, la mejor conservada al norte de los Alpes, dio origen a dos localidades modernas, Augst y Kaiseraugst.

El teatro está muy bien conservado. Con capacidad para 10.000 espectadores, que presenciaban multitudinarios juegos y espectáculos, prácticamente la mitad de la población.

Está a 10 km de Basilea.

Actualmente, mientras se realizaban obras para la construcción del nuevo cobertizo del Club de Remo de Basilea, en Kaiseraugust, se descubrió un anfiteatro, del que no se sabía de su existencia. Es un complejo de 50 metros de largo por 40 de ancho, situado en la hondonada de una cantera abandonada en época romana, justo al oeste del Castro de Kaiseraugst, el “Castrum Rauracense”.

nota: “Castro” (Castrum en latin) indica un poblado fortificado, la palabra española castrense (con connotación militar) proviene de “Castrum”.

9. Teatro Romano de Dougga en Túnez

Construido en la ciudad de Dougga en el año 168.

La ciudad tenía 10.000 habitantes, y un gran número de ellos, hasta 3.500, podían presenciar representaciones de tragicomedias y de comedias.

El emplazamiento arqueológico es de 65 hectáreas, situado a 4,6 km de la ciudad de Téboursouk, en una meseta con vistas a las llanuras en el Oued Khalled.

La UNESCO calificó a Dougga, como la ciudad romana mejor conservada del Africa Proconsularis, y la declaró Patrimonio de la Humanidad en 1997.

En latín el «Africa Proconsularis» se refería a la provincia romana de África, fue una provincia de la Antiqua Roama en la costa noroeste de África.

Comprendía aproximadamente el territorio de Túnez, la costa de Libia a lo largo del golfo de Sidra y el noreste de Argelia.

Luego de la derrota de Cartago en la tercera guerra púnica, el Estado Romano la organizó en el año 146 a.C. e instaló la capital en Útica (entre 146 a.C. y 25).

Al fusionarse las provincias de Africa Nueva y Africa Antigua (Africa vetus), el nombre pasó a ser África Proconsular (su nombre proviene del hecho que es gobernada por un procónsul), y Cartago fue su nueva capital.

Fue una de las zonas productoras de cereales más importantes del Imperio. Desde su puerto exportaban trigo africano hacia Roma, llegó a ser la segunda ciudad en importancia del Imperio con 400.000 habitantes. Sin dudas una de las provincias más ricas del Imperio.

Maqueta de Dougga
Letrinas de baños comunes en una terma.

Su riqueza la da su historia númida, bereber, púnica, romana y bizantina

Cuando sube al poder Septimio Severo en el 205 d.C. que había nacido en Túnez, es cuando obtiene el estatus de Colonia Romana con el título de “Colonia Licinia Septimia Aurelia Alexandriana Thuggensis”.

A partir del siglo IV d.C. la ciudad deja de crecer en importancia por el desinterés del cristianismo.

Debido a que Dougga ya exitia, sus calles no están dispuestas según el modelo teórico que era normal en un asentamiento romano. 

10. Teatro romano de Mérida en España 

Es una muestra del esplendor del Imperio en la colonia Augusta Emerita.

Fue una ciudad que gozaba del privilegio de Augusto y sus sucesores, capital de la Lusitania, provincia romana situada al oeste de la Península Ibérica.

Hasta 6.000 espectadores podían maravillarse ante la scaena, en la que se ubican dos filas superpuestas de columnas corintias, frisos, cornisas y estatuas.

La escena sería reedificada por Trajano y completada por Adriano en el año 135.

Una reproducción de la diosa Ceres, preside el escenario.

Fue uno de los teatros más completos del Imperio Romano.

Sobre las puertas laterales ( en total hay 13 puertas de acceso) están las inscripciones que hablan de su historia.

Dice que fue construido por Marco Agripa, cuando fue cónsul por tercera vez y tribuno en el 24 a.C. Lamentablemente en el siglo XVIII se utilizó parte del revestimiento de piedra de la fachada y las gradas para las obras del puente que cruza el rio Guadiana, más tarde partes de las gradas se usaron para realizar la Plaza de toros.

Lo que le salvó del saqueo y su destrucción, fue porque estaba enterrado.

Una parte del teatro está en la excavación realizada en el terreno, y la otra sobre él.

Tiene forma de hemiciclo, su parte semicircular tiene 88,50 metros de diámetro. En la orchestra y a sus laterales se ubicaban las autoridades,

El escenario tiene 53 metros de largo por 6 de ancho.

El muro de fondo guarda una gran similitud con el teatro de Dugga en Túnez, sus columnas son de mármol gris azulado y los capiteles y bases de mármol blanco. Las estatuas están dedicadas a Ceres, Venus, Baco, Plutón, Proserpina y a emperadores.

La parte posterior del teatro era tan amplia como la cávea, siguiendo las recomendaciones de Vitruvio, que consideraba que el pórtico servía para proteger a la gente de las inclemencias del tiempo.

Su tamaño era tan grande como la del teatro de Pompeyo en Roma.

Cada año el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

Ver como fundaban una ciudad nueva los romanos en mi articulo:

http://onlybook.es/blog/fundacion-de-una-ciudad-romana-ex-novo-de-nueva-planta-1/

Impresiones de un relator. Desde el Middlebury College en EEUU. 9, 10 y 11

Capítulos anteriores 6, 7 y 8:

http://onlybook.es/blog/impresiones-de-un-relator-desde-el-middlebury-college-en-eeuu-6/

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Ya he visitado 7 puentes cubiertos.

De una y dos manos, con estructura de Poste de Rey y Poste de Reina, y otros de arcos apoyados sobre pilares en cada extremo y una estructura que diversificaba las cargas en sentido transversal (como los diseñados por Theodore Burr).

Ahora es el turno del puente “Pine Brook” o “Wilder Covered”.

Cruza el río Pine Brook que es un afluente del río Mad, en una zona rural del norte del pueblo de Waitsfield en Vermont.

Construido en 1872, es uno de los 2 puentes sobrevivientes del pueblo.

Desde 1974 figura en el listado del National Register of Historic Places.

Posee un solo carril.

No se conoce el nombre de su constructor.

Tiene 14,63 metros de largo, 4,25 de ancho, 2,80 de alto en la armadura, y 3,65 metros de alto en el centro.

En 1970, el puente se encontraba en un estado lamentable, con los soportes de la plataforma pudriéndose y en varias partes estaba hundida. 

Milton Graton & Son, una empresa de ingeniería especializada en puentes cubiertos, fue contratada para restaurar el puente en 1976.

Para preservar su integridad histórica Milton Graton colocó dos vigas de acero paralelas (no son visibles) debajo de la plataforma.

Están a unos 2,5 cm por debajo de las vigas de madera, de modo que solo ante una situación de sobrecarga, podría requerir la ayuda adicional de las vigas. 

En 1989 se reemplazó la cubierta. 

Estructura

Descansa sobre pilares de piedra revestidos de hormigón, y la plataforma del puente de madera está sostenida por vigas en “I” de acero. 

El techo es de metal con costura.

Es uno de los dos puentes cubiertos históricos que quedan en el estado, (el otro es el de Stony Brook Bridge) con un diseño llamado “Kingpost” o “Poste de Rey”, se llama así a un poste vertical central, que trabaja tensionado.

“Poste de Corona”, se denomina al poste vertical que soporta los elementos que por compresión se apoyan en la viga inferior.

Visualmente ambos son similares, originales del siglo XIII, fueron un recurso estructural muy utilizado porque estéticamente eran muy atractivos.

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El pequeño estado de Vermont, tiene más de 100 puentes cubiertos.

Uno misterioso, casi engullido por la vegetación es el  Puente ferroviario cubierto de Shoreham.

No es fácil llegar a él, se deja el auto en un lugar al costado de la ruta, y se camina unos 300 metros hasta que en medio de un bosque tupido y fantástico aparece como un gigante dormido.

Este puente ferroviario es uno de los dos únicos puentes ferroviarios cubiertos que quedan en Vermont.

Fue construido en 1897 con el sistema de “Celosia Howe”.

Se llama Celosía a la estructura de barras que se cruzan en diagonal.

Fue William Howe (1803 – 1852), quien en 1840 patentó este sistema estructural.

La “Celosia Howe” era  similar a otro sistema llamado “Multiple Kingpost” la diferencia era que se sustituían los montantes que trabajan a la tracción de madera por tirantes de hierro forjado.

Existían otros sistemas estructurales como “la Celosia Pratt”, en la que las diagonales interiores trabajan a la tracción y los verticales a la compresión.

Debido a que el coste del hierro era mucho más alto que el de la madera, se ahorraba combinando ambos materiales.

Muchos de éstos puentes de madera se construyeron con madera de “Abeto Douglas”, impregnada con “Creosata” a presión.

Este elemento, la “Creosota” es un compuesto químico muy eficaz para defender la madera de los agentes que la deterioran, proviene de la hulla de carbón mineral que por procesos industriales produce cuatro aceites, la mezcla de ellos crea la Creosota.

Por el puente Shoreham pasaba el Ferrocarril Rutland que unía Leicester en Vermont con las ciudades de Delaware y Hudson en Nueva York.

La zona conserva el antiguo nombre de Ticonderoga, proviene del idioma mohawk que significa “en la confluencia de dos corrientes de agua”.

Ya hemos visto el barco que se muestra en el Museo Shelburne y que lleva el nombre “Ticonderoga”.

Cruzaba el lago Champlain en un puente flotante en Larrabees Point.

Este puente se utilizó por última vez para el tráfico ferroviario en 1951

El resto del ramal se cerró en 1963.

Los primeros puentes cubiertos se construyeron en Pensilvania.

Su inventor fue Charles Wilson Peale que lo patentó en 1797, pero nunca concretó su invento, el primero en construirse fue sobre el río Schuykill.

En 1804 el ya mencionado Theodore Burr diseñó el puente con Celosia en arco, que lo patenta recién en 1817, el motivo fue que los inventores recibían regalías de sus patentes en función de la longitud del puente.

Burr con su viga arqueada consiguió aumentar la luz a salvar y dar estabilidad estructural.

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Es Vermont el estado donde Bernie Sanders (1941) hizo su carrera política.

Bernie Sanders con Yolanda Diaz

Fue Alcalde de Burlington durante 3 períodos, luego en 1991 elegido en la Cámara de Representantes, y en el 2007 Senador por Vermont. 

Ideológicamente se presenta como Socialista, perteneció al partido Union y Libertad (originado en el movimiento antibélico), luego al Partido Independiente, y fue candidato a las primarias del partido demócrata en 2016 y 2020.

Conocido por sus postura a favor de las libertades y los derechos civiles, es cérrimo critico con la política exterior estadounidense en Latinoamerica.

Es Licenciado en Arte.

En las vidrieras de negocios y en las casas se ven carteles con “Black Lives Matter”, La vida de los negros nos importan.

O banderas de la libertad sexual y de género.

En las iglesias de Middlebury, por ejemplo la St. Stephen´s Episcopal Church, hay banderas tricolores, y carteles con “We stand with Ucraine”.

Sobre el edificio Batell Block Building, hay una placa que pone que forma parte del Registro de Lugares Históricos de la ciudad, porque el edificio “Contribuye a la Importancia Histórica del Distrito”.

Me llamo la atención que no eran las autoridades de la ciudad  las que daban jerarquía al edificio sino que reconocían que “era al revés era éste el que la daba a la ciudad”. 

Las casas, que sin discontinuidad (no hay cercos o seto de separación entre ellas), siempre tuvieron un prado verde, la cultura ecológica los convenció, y esos prados están dando lugar a huertos, y algo impensable, se ve ropa colgada en el jardín, porque “el sol es beneficioso”.

continua en el 12

http://onlybook.es/blog/impresiones-de-un-relator-desde-el-middlebury-college-en-eeuu-12/

Impresiones de un relator. Desde el Middlebury College en EEUU. 6, 7 y 8

Capítulos anteriores 1,2,3,4, y 5:

http://onlybook.es/blog/impresiones-de-un-relator-desde-el-middlebury-college/

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El puente cubierto es de 1845.

El puente cubierto es de 1845

En 1950, junto a edificios, barcos y un Faro Marítimo (Colchester Reef Light de 1871) fue trasladado en 1950 al Museo Shelburne.

Tiene 51 metros de largo, con 2 vías vehiculares y un paso peatonal lateral.

El sistema del puente es una estructura reticular de barras y arcos de barras paralelas, que actúan en conjunto para soportar tanto el puente como su carga, este sistema permitió la construcción de luces más largas.

El diseño del arco fue patentado en 1804 por Theodore Burr, uno de los arquitectos de puentes más exitosos del siglo XIX.

Su techo protege contra el clima severo y agrega estabilidad, mientras que los lados cerrados protegen a los animales de granja que cruzan, tener cualquier vista que pudiera distraerlos.

El puente cubierto sirvió de entrada al Museo Shelburne hasta finales de la década de 1970.

En 1949, mientras el estado de Vermont se preparaba para reemplazar este puente y otro sobre el río Lamoille de Vermont, le ofrecieron los puentes a la Sra. Webb.

-“Cuando me ofrecieron el puente cubierto lo iban a derribar, y las autoridades me dijeron podría quedármelo”.

-Había dos puentes, uno pequeño y otro más grande. Por supuesto quería el grande. Y me dijeron.

-¿Qué va a hacer con él?

Respondí 

“No sé. Vamos a conseguirlo primero, luego diremos qué hacer con él”.

-Esa fue la única vez que fui realmente deshonesta con mi arquitecto paisajista. Tenía 51 metros de largo y le dije algo que no sería cierto: “Lo haremos 30 metros más corto de lo que es”.

(Creo que alguna otra vez le mintió, eso pienso…)

El puente fue desmantelado a partir de 1950, trasladado y puesto como entrada del Museo en marzo de 1951.

La autora, critica y periodista de televisión, Aline Saarinen contó esta anécdota sobre el proyecto:

Un día, la Sra. Webb estaba sentada al borde de la carretera dentro de su automóvil, observando cómo se ensamblaban una por una las enormes vigas talladas a mano del puente.

Un granjero de Vermont, que se había detenido para observar el complicado proceso, le preguntó:

-¿Conoce a esta señora Webb?

-Sí, respondió ella.

-¡Está loca verdad?. Es mucho más barato rellenar este estanque que construir este puente…

Un granero redondo de Vermont de 1901

Datos del Museo

El Museo está en Shelburne, Vermont, sobre 18 hectáreas cerca del Lago Champlain, frontera de los EEUU con Canadá.

Exhibe más de 150.000 obras en 39 edificios, de ellos 25 son históricos, trasladados y reubicados en el Museo.

Barco de vapor. «Ticonderoga» de 1906 de 67 metros de largo.
Monumento Histórico Nacional

Se puede visitar la Cárcel de Castleton de 1890. Una escuela de Vergennes de 1840. Un Granero de Herradura de 1947/49. Un circo, una galería donde se exhiben textiles de sombreros y fragancias. Un vagón de ferrocarril “Grand Isle. Una locomotora ferroviaria.

El Museo Shelburne fue fundado en 1947 por Electra Havemeyer Webb (1888 – 1960), sus padres Henry Osborne Havemeyer y Louisine Elder, fueron importantes coleccionistas de pintura impresionista, arte europeo y asiático,. 

Electa tuvo la enorme suerte que su padre fuera presidente de la Compañía de Refinería de Azúcar, millonario, sería poco decir.

Una familia culta y muy viajera, siendo Europa y especialmente Francia su destino habitual.

Escuela de una sola aula de 1840

Electra vivía en su piso de 740 Park Avenue de NY, con más de 20 obras de pintura Impresionista, entre ellas estaban las del pintor y grabador francés Édouard Manet (1832- 1883); las del pintor Claude Monet, uno de los creadores del impresionismo (1840 – 1926), del pintor, escultor y grabador francés Edgar Degas (Hilaire-Germain- Edgar de Gas (1834 – 1917), y de la pintora y grabadora impresionista Mary Stevenson Cassatt (1844 – 1926 era amiga de Degas).

Impresión, Sol Naciente

El termino Impresionistas surge en 1874 cuando se funda la Sociedad Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores, como forma de oponerse al arte tradicional.

Proponen nuevas formas de expresión más innovadoras, el grupo de artistas lo encabezaba Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley y Morisot.

El 15 de abril de 1874, en un local cedido por el fotógrafo Nadar abrió sus puertas al público la primera exposición del grupo. Monet expuso, entre otras obras, una vista del puerto de El Havre, con el sol entre las brumas del amanecer.

«Me piden el título para el catálogo, y les contesté: “¡Ponle Impresión!” De ese titulo se pasó a Impresionismo«.

La obra quedó registrada en el catálogo como Impresión, Sol naciente.

La realidad se mostraba como se la percibia visualmente, estudiando la luz y los mecanismos de percepción óptica del color.

Volviendo a Electra, le gustaba la decoración, y decidió hacer el Museo en una parte de la granja de sus suegros que tenía 4 km2, en un estilo que podemos definir como “Renacimiento Colonial”. Yo diría que es una versión vernácula basado en una arquitectura producto de la colonización española. En el 2013, se inauguró el Centro Pizzagalli de Arte y Educación con dos galerías, un auditorio y un aula.

Grainstack, efecto de escarcha blanca de Claude Monet , 1890-91

En el museo hay unos 3.200 grabados, pinturas, dibujos y gráficos estadounidenses relacionados con la vida cotidiana. Las pinturas estadounidenses incluyen obras de Bierstadt, Cassatt, Chase, Copley, Heade, Homer, Eastman Johnson, Lane, Grandma Moses, Peto y Andrew Wyeth además de pinturas y pasteles europeos de la colección Havemeyer que incluye obras de Corot, Daubigny, Degas, Manet y Monet.

El Museo es una colección de colecciones, incluyendo la Galería Webb. Estuve allí 4 horas, resultaron escasas.

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Dentro del Museo Shelburne hay distintos edificios y exhibiciones al aire libre.

Los 33 grados con altísima humedad no me permitieron estar más de 4 horas allí, pero merece estar todo el día.

Hay varios museos y una galería de arte.

El “Pizzigalli Center for Art and Edication” exhibe en unas de sus salas la muestra

“Eyesight & Insight: Lens on American Art” (Vista y perspicacia: lentes en el arte

estadounidense).

Autor desconocido.

H.L. Adams Optician s Trade Sign de fecha desconocida.

Hierro pintado

Colección del Museo Shelburne, regalo de Roger Wentworth, 1964

La fundadora del Museo Shelburne, Electra Havemeyer Webb, fue una de las primeras

coleccionistas de arte popular estadounidense.

Este letrero, individualizado con el nombre del óptico, solía colgarse en el Manchester Center de Vermont

George Cope (Estadounidense 1855 – 1929)

Espectáculos, ca 1900. Oleo sobre tabla.

Pensylvania Academy of the Fine Arts

Colección de Frances y Joseph Nash Field Fund

Proveniente de Brandywine Valley, Pensilvania, George Cope comenzó pintando trampantojos («engañar a los ojos”). La simplicidad de esta pequeña imagen resalta las habilidades técnicas de Cope: las delicadas monturas y lentes de metal proyectan una sombra ligeramente alargada sobre el fondo vacío de la composición.

Autor no identificado. (Gobles, Michigan)

Aniversario de hojalata: sombrero de copa y anteojos para hombres, 1880 – 1900.

Producido en Estaño

Museo de Arte Popular Estadounidense, regalo de Martin y Enid Packard

Durante el siglo XIX los caprichos de hojalata se concibieron cómo recuerdos humorísticos para los décimos aniversarios de bodas.

Se celebraban con unas fiestas llamadas bodas de hojalata. Las invitaciones se imprimían en hojalata o en papel decorado con hojalata, y los invitados obsequiaban a la pareja con regalos de hojalata.

Rembrandt Peale (estadounidense 1778 – 1860).

«Rubens Peale con un geranio», 1801. Óleo sobre lienzo

Galería Nacional de Arte, Fondo Permanente

Charles Willson Peale bautizó a la mayoría de sus 17 hijos en honor a conocidos científicos y artistas. Tanto Rubens, modelo en el retrato, como su hermano Rembrandt, el autor del retrato, eran artistas y cuidadores del museo.

El estudio detallado del mundo natural requería una vista aguda, y los dos pares de anteojos visibles en el retrato servían para dos propósitos diferentes, en sus manos tiene unos de cristales ovalados y un puente más ancho, que le servían para aumentar las imágenes.

Las gafas en su rostro, están pensadas para la visión de largo alcance.

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De las obras mediocres uno nunca aprende, a lo sumo brindan una pobre excusa para que pensemos opciones, quizás quién la hizo no las pensó, o si lo hizo, no le interesaron.

De las obras maestras, uno aprende mucho.

La biblioteca de Louis Kahn en Exeter, es una joya, una obra perfecta.

Es la obra de un genio, del arquitecto Louis Isadore Kahn (1901 – 1974) cuyo nombre en estonia era Itze-Leib Schmuilowsky, en los EEUU lo cambió por el que conocemos.

Allí, uno se da cuenta que la escala, no es una cuestión de medidas, y quizás ni siquiera lo es de de proporciones.

Una obra, es compleja, porque se compone de muchas partes,  lo que vemos, lo que sentimos, lo que somos frente a ella, y lo que nos sugiere ser.

La obra de un maestro se percibe como tal.

Kahn parte de una necesidad conocida, como lo es una biblioteca, y sugiere un plus, plantea muchas hipótesis de uso, de vida, y muchas décadas después de diseñada, no pierde actualidad. Diseñada en 1965, han pasado 57 años y es una obra absolutamente moderna.

Hoy, me di cuenta, que es posible aprender cómo las ideas, cuando son potencialmente ricas, en manos de un buen arquitecto, son transformadoras del espacio.

Uno se da cuenta que el lugar necesitaba esa obra.

La vecindad necesitaba esa obra.

Todos necesitábamos esta obra.

Me levanté a las 4,30 para hacer los 265 km que hay por autopista entre Middlebury y Exeter. En la zona donde estoy (y creo que lo es en gran parte de Vermont), no hay autopistas, no las han permitido, en cambio atravesé un maravilloso camino en las Green Mountain, como las llaman desde 1777 al traducir su nombre original de «Verts Monts«, pude saber que Vermont fue la «Republica de Vermont» desde 1777 a 1791 en que se convirtió en el 14 estado de la Unión.

Las Green tienen 400 km, que en su punto mas alto llega a los 1.339 metros. Son parte de las Apalaches, una cordillera que se extiende desde Quebec en el norte hasta Giorgia en el sur. Luego de recorrer 21 km pasé por la estación de ski que tiene desde 1934 el Middlebury College llamado «Snow Bowl».

También visité el Campus de «Bread Loaf Mountain» de 7,3 km2, donde se encuentra la Escuela de Inglés y donde se realiza la Conferencia de Escritores Bread Loaf cada verano. Middlebury es propietaria de la casa de Robert Frost (1874 – 1963), donde el poeta vivió y escribió en los veranos y otoños desde 1921 hasta su muerte en 1963, la casa declarada «Monumento Histórico Nacional» está al lado del Campus de Bread Loaf.

Durante esos años enseñó en la Escuela de Inglés Bread Loaf Mountain, dejó las bases de los programas de escritura creativa. en un paseo cercano, en cada recodo, se puede leer una poesía suya. Robert Lee Frost, es considerado uno de los fundadores de la poesía moderna estadounidense por expresar, con sencillez y profundidad, la vida y sobre todo las emociones del hombre rural de Nueva Inglaterra.

«En un bosque se bifurcaron dos caminos, y yo… Yo tomé el menos transitado. Esto marcó toda la diferencia». Robert Lee Frost

“La casa fantasma” fue escrito en 1901 y publicado en 1905 en la antología “La voluntad de un muchacho”.

Volviendo a la biblioteca de Kahn, está cerrada en ésta época, pero luego de alguna insistencia ya que el tema lo merecía, conseguí una autorización para visitarla.

A las 8 estaba en una calle de una ciudad de casas bajas, circulé con un rio a mi izquierda, y no pude evitar  una exclamación cuando vi en un parque el cubo de ladrillo de Kahn.

El resto lo dicen las fotos.

Dos comentarios

Uno, el edificio de al lado de la Biblioteca, también es de Louis Kahn, es un comedor

estudiantil, el “Elm Street Dining Hall” de 1971.

Dos. En el camino se pasa por Woodstock, y es inevitable emocionarse pensando en aquel Festival de Woodstock, 3 días de Rock, y mucho más en Agosto de 1969.

También estoy en Agosto, 53 años después. Un poco menos que la genial biblioteca de Kahn

Una recomendación, para aquellos que no la haya visto.

El film «My Architect», el guiñó y la dirección es del hijo de Louis Kahn, Nathaniel Kahn. De 2003, duración 116 minutos.

Este documental, nominado al Oscar, es la historia de Nathaniel, donde abre de manera directa la figura de su padre, del arquitecto que a pesar de su gran éxito y reconocimiento profesional, murió solo y arruinado en 1974, Nathaniel tenía 11 años, y ya de adulto, intenta capturar la relación entre ambos, haciendo un precioso recorrido por los edificios que su padre realizó por todo el mundo, y buscando a aquellos que le conocieron. Imperdible y conmovedora.

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continua en

http://onlybook.es/blog/impresiones-de-un-relator-desde-el-middlebury-college-en-eeuu-9-10-y-11/

Impresiones de un relator. Desde el Middlebury College en EEUU. 1 2 3 4 y 5

Universidad privada en Middlebury

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Si uno quiere ir desde el aeropuerto JFK de N York hasta el College de Middlebury hay distintas opciones. La distancia es de 445 km, normalmente unas 5 horas y media.

En los caminos comarcales no se puede ir a más velocidad que entre 40 y 60 km/h y en las autopistas entre 80 y 130 km/h

Mi google map me llevó por las montañas de Adirondack, 2 horas más de viaje pero 100 veces más lindo.

El Middlebury College es una Universidad privada, ubicada en el pequeño pueblo de Middlebury, en el estado de Vermont, en los Estados Unidos.

La diferencia entre un College y una Universidad es que en el primero se dan títulos Universitarios o títulos asociados, y en el segundo se cursan programas de posgrado y doctorados.

Plano de la Universidad de Middlebury

Fue fundada en 1800, por lo que es una de las más antiguas de los Estados Unidos, pertenece al grupo de estudios que se conocen como artes liberales, porque mantiene la esencia del “Trivium” y “Quadrivium” de las universidades medievales.

“Trivium” etimológicamente significa “el lugar donde se encuentran tres vías”, que son el Conocimiento o “Gramática”, que se comprende a través de la “Lógica” y que se transmite como sabiduría en la “Retórica”.

Por su parte el “Quadrivium”, trataba de cuatro temas que se enseñaban luego de enseñar el “Trivium”, la Aritmética, la Geometría, la Música y la Astronomía.

Estas son las siete artes liberales, especialmente utilizadas en artes como la Arquitectura y la Medicina.

El College, uno de los más prestigiosos de EEUU, es 4 entre las Universidades liberales, y 39 entre las 50 mejores del país.

Su matrícula es una de las más caras, y otorga numerosas becas de estudio.

Asisten 2350 alumnos, que se reparten entre las 44 especialidades, y en verano entre los 13 cursos de idiomas (hebreo, japonés, árabe, chino, italiano, coreano, abenaki -idioma de las tribus amerindias, proviene de wabunaki “los que viven a la salida del sol”-, inglés, francés, alemán, portugués, ruso y español.

Fueron profesores de la Escuela Española, entre otros Ramiro de Maeztu, Gabriela Mistral, Pilar de Madariaga, Jorge Guillén, Américo Castro, Francisco García Lorca (hermano de Federico, 4 años menor), Julián Marías, Francisco Ayala, Alicia de Larrocha, Octavio Paz…

Fue la primera Universidad en otorgar un título a una persona negra, el Sr. Alexander Twilight en 1823, y en aceptar mujeres en sus cursos en 1883.

En sus 280 hectáreas hay casas, biblioteca, aulas, comedores, pistas de atletismo, centro de arte, teatro, cines, y escuelas con pistas de Sky y de Golf.

La antigua biblioteca “Egbert Starr” fue diseñada por York y Sawyer en 1900, un edificio Beaux Arts, éste fue remodelado y ampliado y se lo llamó “Axinn Center y Warner Hall”.

El campus es de formato abierto, integrado en el pueblo de Middlebury, no hay límites físicos o barreras, las calles son comunes.

El estilo general de sus edificios es del “Renacimiento Georgiano”, y sus materiales son piedra caliza gris, granito y mármol de Vermont

Ya he visitado el primer puente cubierto (del estilo del que conocimos en el film Los Puentes de Madison), el “Pulp Mill Covered Bridge” de Vermont de 1808/20, aun en uso. Cruza el río Otter Creek, de unos 180 km que desemboca en el lago Champlain.

Une Middlebuury y Weybridge.

Originalmente fue construido de un solo tramo, pero su uso intensivo necesitó la adición de dos pilares en el arroyo, por lo que tiene 3 tramos.

Es uno de los 7 puentes cubiertos de dos carriles del país, en Vermont hay dos, el otro está en el Museo Shelburne, que he visitado, y comentaré más adelante.

En 1974 fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos.

Louis Kahn

Hace años que quería visitar la Biblioteca Phillips Exeter que en 1965 diseñó el Arq. Louis Kahn, y que forma parte de la Universidad fundada en 1781, está en New Hampshire, al oeste de Elm Street, en Exeter, a 260 km de donde estoy.

Está cerrada por vacaciones escolares, pero tuve la suerte de conseguir una autorización para visitarla.

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Está a pocos km de Middleburry y fui a verlo.

Un pequeño cartel dentro del puente anuncia

“The Theodore Burr Covered Bridge Society of Pennsylvania, Inc” P.O.Box 2383. Lancaster, PA 17603 -2383”, y continua

“la Sociedad toma su nombre en honor del famoso constructor Theodore Burr, conocido por su empresa La Burr Arch. Construction of Covered Bridges”.

Theodore Burr (1771 – 1822) diseñó y construyó uno de los primeros puentes que atravesó el Rio Hudson, y en Oxford el del Rio Chenango

Fue el más destacado arquitecto de puentes de los EEUU.

En Abril de 1817 registró su sistema constructivo con la patente 2769, consistía en utilizar 2 arcos que descansan sobre pilares ubicados en cada extremo, combinados con una estructura que ayudaba a diversificar las cargas en sentido transversal.

Construyó casi todos los puentes que cruzaban el Rio Susquehanna desde Binghamton hasta Maryland a comienzos del XIX.

Los puentes se cubrían debido a que los caballos se ponían muy nerviosos por el ruido y el movimiento de las aguas, y muchos se negaban a cruzarlo.

También servía en las tormentas como refugio de viajeros o vaqueros trasladando ganado.

Al estar cubiertos preserva su estructura de madera, sin techo la madera duraría entre 10 y 20 años, debido a la lluvia, la nieve, el viento y el sol. Los puentes cubiertos están en pie y muchos en uso 200 años después de construidos. El techo refuerza la estructura.

Hay 1600 puentes de esta característica en todo el mundo, de ellos 900 están en los EEUU. Casi todos de 1 carril, hay algunos de 2.

El Blenheim Bridge de Schoharie construido en 1865 cubre 64 metros de luz, tiene triple celosía y doble carril -tema no menor pues el puente debe soportar el doble de carga cuando hay dos vehículos cruzándolo al mismo tiempo-.

Volviendo al College, todos los días hay actividades a la tarde-noche, como el baile de disfraces del sábado 30 de julio que siguió con el concierto del grupo Clave & Blues, una banda cubana y de jazz latino con músicos profesionales del Berklee College of Music dirigidos por el pianista cubano Aníbal Cruz de Camagüey.

Hay cine, como el documental “Landfill Harmonic (continuación de “Recycled Orchestra”), una orquesta con instrumentos hechos de basura reciclada.

Conciertos de Voz y Piano, como el que ofrecieron la mezzo-soprano Ana Guigui y el pianista cubano Anibal Cruz.

Ayer martes 2 de agosto fue la presentación de libros, con la argentina-mexicana Sandra Lorenzano, presentando “Antígonas de América Latina”; Nicolás Poppr presentó el film “Emergencia e Industrialización del cine sonoro en Latinoamerica”, la Puertoriqueña Priscila Meléndez presentó la revista “Latinx Theatre” y Patricia Saldarriaga con Emy Manini presentaron “Infected Empires. Decolonizing Zombies”.

En el campus hay varios restaurantes, uno para estudiantes de cada idioma, con un control con tarjetas para entrar en ellos, toda la comida y bebida que se consume (desayuno, almuerzo, te y cena) no se paga, está incluida en la matrícula del curso (que ya comenté es muy alta, y que muchos estudiantes están becados).

3

En 1806 una gran inundación destruyó la mayor parte de los puentes, las autoridades en lugar de reconstruir esos puentes de tan poca vida útil, vieron la oportunidad de hacerlo con puentes cubiertos.

El techo y las paredes sólidas cumplían varios propósitos, el principal, como ya comenté evitar que los caballos y otros animales pudieran ver el río abajo y se asustaran y no menor prolongar la vida útil del puente.

Los puentes cubiertos no son originales de Vermont o de Nueva Inglaterra. El primer puente cubierto, con una estructura de tres arcos, se construyó en Filadelfia en 1804.

El Valle también tuvo el único puente que existía semi cubierto, estaba en Kingsbury, La mitad del puente, la que cruzaba la parte principal del arroyo, estaba cubierta, el resto no, tenía en cada extremo una estructura que terminaba en curvas cerradas. Como muchos otros fue reemplazado por uno de hierro.

Tres de los puentes cubiertos originales del valle del río Mad están en buenas condiciones.

De ellos en el pueblo de Waitsfield hay dos:

El puente “Pine Brook” en North Road,

Y el puente “Village” (Great Eddy) sobre la calle Bridge.

En Warren uno:

El puente “Lincoln Gap”.

El “Lincoln Gap Bridge” o “Warren Village Bridge”, fue construido en 1879/80 por Walter Bagley, tiene 16,7 metros de largo y 4 de ancho, su altura es de 3 metros de alto en los bordes estructurales y 4 en el centro.

Walter Bagley era dueño de una fábrica de tablones de madera en «South Hollow» en Warren.

En 1872, Bagley fue contratado para construir un puente sobre el río Mad, desde Warren Village hasta Lincoln Road.

El puente no era común a otros, las armaduras interiores estaban protegidas de las inclemencias del exterior, por su cubierta.

camino desde Middleburry a Warren

4

En 1929 Federico García Lorca viaja a Colombia, a estudiar inglés, lo reciben Angel del Río y su esposa Amelia Agostini junto a De Onis y su esposa, quienes le dan una cálida acogida.

Del Río enseñaba en Columbia y en el verano era director de la Escuela Española del Middlebury Collegue, lugar conocido ya que la familia García Lorca la había visitado durante una década.

El hermano de Federico, Francisco “Paco” García Lorca (1902 – 1976), cuatro años menor que Federico también enseñó en Middlebury, donde en 1942 se casa con Laura de los Ríos.

La hermana de Federico, Isabel García Lorca fue también profesora en la Escuela Española del Middlebury College.

El profesor Ernesto Véguez, de origen cubano, nos lo explicó durante una caminata donde recorrimos parte del campus, hasta el cementerio, (tema muy interesante para comentar).

Tomo datos de su libro “En las montañas de Vermont”, los exiliados en la Escuela Española de Middlebury College. 1937 – 1963. Edición de Fort Orange Press, 2017.

https://schoolofspanish.middcreate.net/centenario/libro/index

En el libro se ven fotos de la familia García Lorca, de Concha, la hermana del poeta viuda del asesinado Manuel Fernández Montesino Lustau.

Concha asume en 1963-4 la dirección del programa en Madrid, que no era otro que el de Middlebury, como por razones políticas no se les permitió incorporarse a las facultades de las Universidades en España, todo ese exilio interior encontró refugio en la Escuela.

El hijo de Concha, Manuel, menciona en 1951 la importancia de las representaciones teatrales de los viernes, y la música en las praderas en Middlebury.

En 1950 regresan a España Isabel, su madre, su hermana Concha y sus tres hijos.

Paco García Lorca, Laura y sus hijas, nacidas en los EEUU decidieron quedarse.

Fernando Montesinos escribe “A mis tíos, sobre todo a mi tío Paco, se les hacía muy cuesta arriba volver a pisar España. Por eso durante el verano de 1953, la primera reunión de la familia, la que ya está en España con la de EEUU sería en una casa cerca de Cannes, en Francia”.

Ayer, en el College  hubo una conferencia “Los “mil” retratos de Sor Juana Inés de la Cruz y uno más”. Dado por la doctora y catedrática mexicana Sara Poot Herrera.

Sara, divertida y sobre todo muy culta nació en Mérida en 1947, es escritora, profesora, académica e investigadora.

Es miembro de la Academia Mexicana de la Lengua, especialmente reconocida por sus investigaciones sobre la poetisa novohispana del Siglo de Oro Sor Juana Inés de la Cruz (1648 – 1695).

Hoy darán la obra de teatro “Sor Juana o la libertad del espíritu”, su autor y director Miguel Alonso Gutierrez Bolaños, que vive en Sinaola, me contó cómo fue concebida, durante la reunión – fiesta de profesores y alumnos, con comida, ping pong, futbolín y risas. Acordamos ir a visitar juntos puentes cubiertos de Vermont.

Ayer, envié a mis amigos una foto de una granja con su silo, y Edgardo Minond me reenvió otra de una iglesia románica con este texto:

-Me gustan las formas de los techos en combinación con el silo al costado, me hace acordar a las iglesias románicas.”

5

Cuando se visita la casa Museo del arq John Soane (1792 – 1824) frente al Lincoln Inn Fields en pleno centro de Londres, aunque uno sepa que se llevo medio Egipto, con sus sarcófagos, y que están allí expuestos, aun así impresiona mucho.

Como los relieves griegos, o las esculturas romanas O su past-post moderna casa.

Pero cuando se consigue convencer al cuidador de turno, que muestre unas laminas de Giovanni Battista Piranesi, tantas, que Soane invento un sistema de marcos que se abaten unos sobre otros, quizás sean 3 o 4 marcos superpuestos, y que al abrirse, inevitablemente también lo hace nuestra asombro.

Soane considerado el arq del espacio y de la luz, se convertirá en el Arq mas importante del Neoclacisimo de Inglaterra. Una sugerencia, leer al arq Rafael Moneo en su interesante reflexión en «Cuatro citas/ cuatro notas» en Arquitectura Bis del año 1981).

A lo que estaba, he vuelto a ver grabados de Piranesi en el Middlebury College, en la que era la Biblioteca Starr y que al construirse la nueva, son actualmente las aulas Axxim.

Giovanni Battista Piranesi (cerca de Treviso 1720 – 1778 Roma), fue arqueólogo, arquitecto, investigador e historiador del arte además de pintor y grabador.

Realizó más de 2000 grabados de edificios reales e imaginarios.

En la sala que estoy hay enfrentadas dos laminas, dos elevaciones de la Columna de Marco Aurelio c. 1776 Son aguafuertes, que fueron adquiridas por el Middlebury College c. 1900.

Piranesi se formó como arquitecto en su Venecia natal, y ya en 1740 y se convertiría en un prolífico grabador.

Fue un polemista entusiasta en los debates del siglo XVIII sobre si la antigua Grecia o la antigua Roma eran la fuente más importante de la civilización occidental.

Los magníficos grabados de Piranesi de las Columnas Imperiales tanto de Trajano como de Marco Aurelio se entienden dentro de este contexto. Señalan visualmente la grandeza de la antigua Roma.

En el grabado, Piranesi muestra una elevación de la Columna de Marco Aurelio que fue emperador del Imperio Romano desde el año 161 hasta su muerte en 180 d.C..

El friso que envuelve la columna, representa escenas de las dos campañas que emprendió Marco Aurelio contra las tribus bárbaras que habitaban las tierras al norte del Danubio.

Fiel a la historia incluye la estatua de San Pablo que en 1588 reemplazó la del emperador, aquella estaba encima de la columna y se había perdido hace tiempo.

Ayer, con un lleno absoluto, vimos la obra de teatro “Sor Juana o la Libertad del Espíritu ” dirigida por Miguel Alonso Gutiérrez Bolaños actuada por alumnos y profesores, con músicos tocando en vivo.

En la tarde una visita a Vergennes, a 21 km de aquí.

continúa en:

http://onlybook.es/blog/impresiones-de-un-relator-desde-el-middlebury-college-en-eeuu-6/

3 Arquitectos Louis Herman De Koninck, Leon Battista Alberti y Tom Wright -Ad-

Louis Herman De Koninck (1896- 1984) fue un arquitecto y diseñador racionalista belga. Quizás el mejor arquitecto moderno belga de entreguerras.

Su obra desarrollada durante las décadas de 1920 y 1930, se ha destacado por sus innovaciones formales en el campo de la arquitectura residencial, sus proyectos han sido sin duda un gran aporte al Estilo Internacional.

Maison Lenglet

Estudió en la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas, donde se recibió en 1916.

Luego en la Escuela Industrial de Bruselas, se especializó en todo cuanto se refiere al uso del hormigón armado.

Sus investigaciones se concentraron en los procesos industriales de la construcción, al uso de elementos prefabricados, su estandarización y el estudio del hábitat mínimo.

Desarrolló varios prototipos de elementos prefabricados en hormigón, metal y madera.

En 1917 fue contratado por De Smaele para el diseño y fabricación de elementos estandarizados, que dio lugar a los productos DS y Geba, utilizados en las casas obreras de La Roue en Anderlecht (1922).

En 1920 creó también para Van Hamme unos prototipos de chasis metálicos.

Para Van de Ven diseñó igualmente elementos de mobiliario estandarizado, paredes interiores y sistemas constructivos en madera desmontable.

Tras unos inicios influido por la Secesión vienesa (como su casa de Campo en Auderghem, 1921), evolucionó hacia el racionalismo, como su otra casa en Uccle (1924), de forma cúbica, con una original distribución del espacio interior alrededor de una tubería de calefacción central de su invención.

Dos años más tarde, en 1926, realizó la casa-taller del pintor Lenglet en Uccle, en la avenida Fond’roy un dúplex que denota todavía la influencia de Victor Horta.

El volumen de la casa-taller, se ve perforado por ventanas horizontales que, en un alarde estructural, doblan las esquinas, negando su materialización.

Las carpinterías enrasadas con las fachadas y los perfiles delineando las aristas remarcan el carácter superficial de los cerramientos, suprimiendo sombras arrojadas y líneas de sombra.

En el interior, sobresale el taller a doble altura y de iluminación cenital.

En 1927 introdujo un sistema de construcción basado en delgadas láminas de hormigón armado, que experimentó en la casa de la avenida Brassine en Auderghem. En 1930 patentó un ladrillo de vidrio con refracción normalizada. Proyectó una vivienda metálica de bajo coste que presentó en la Exposición de Lieja.

En los años 1930 realizó algunas de sus mejores obras:

-Villa para el arquitecto paisajista Jean Canneel en Auderghem (1931), que sustituyó a un proyecto anterior no ejecutado de Le Corbusier ( se demolió en 1970).

-Casa del coleccionista Dotremont en Uccle (1932).

-Villa del doctor Ley en Uccle (1934).

-Edificio de la calle del Ermitage en Ixelles (1935).

-Villa Paquebot en Zoute (1936).

-Conjunto de viviendas en la plaza Coghen de Uccle (1936); casa Berteaux en Uccle (1937).

También continuó con sus investigaciones sobre procesos constructivos: en 1930 presentó en el III Congreso del CIAM celebrado en Bruselas la cocina Cubex, uno de los primeros sistemas de muebles estandarizados superpuestos y yuxtapuestos.

En 1933 ganó el concurso organizado por la Agrupación Belga por el diseño de una casa construida completamente de cemento.

En 1939 ideó dos sistemas constructivos de elementos modulados desmontables en madera, denominados Metrikos y Tecta.

En 1945 diseñó unos bungalows metálicos provisionales ideados para siniestros.

De Koninck fue el único arquitecto belga representado en la exposición Modern Architecture – International Exhibition que se celebró en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York en 1932.

La Maison Lenglet fue incluida en la publicación The International Style: Architecture since 1922, que Henry-Russell Hitchcock y Philip Johnson escribieron como consecuencia de la exposición llevada a cabo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Entre 1942 y 1973 fue profesor en la École nationale supérieure d’architecture et des arts visuels (La Cambre) de Bruselas.

Las influencias iniciales recibidas tanto de la arquitectura de Victor Horta como de los diseños de la Secesión vienesa, darán paso a una etapa de madurez enmarcada en el Movimiento

En el caso de la Maison Dotremont, al tratarse de una vivienda entre medianeras ubicada en la rue de l’Echevinage, en Uccle (Bruselas), construida entre 1931 y 1932 para un coleccionista de arte, la experimentación se llevó a cabo en el espacio interior, buscando el juego de dobles alturas, niveles diferentes y superficies transparentes, translúcidas y opacas.

La casa fue restaurada en 1979, modificando parcialmente la cocina y los baños.

Una reciente intervención, en el año 2012, llevada a cabo por Atelier d’Architecture du Congrès (dirigido por el arquitecto Frederic Hossey) ha devuelto las estancias a su estado original, restaurando, además, fachadas y carpinterías.

Junto a su arquitectura residencial, cabe destacar el amplio trabajo de Louis Herman de Koninck en el diseño de elementos estandarizados de mobiliario para el hogar, perfilería y estructuras metálicas (bungalow Acia, 1945), particiones interiores y sistemas desmontables de construcción en madera (sistemas Metrikos y Tecta, 1939).

De todos estos diseños, el mobiliario de cocina fue el de mayor repercusión. Las investigaciones desarrolladas entre 1927 y 1929 desembocaron en el modelo CIAMB, presentado en el tercer congreso CIAM, organizado en Bruselas en 1930.

Su comercialización se inicia un año después bajo la marca “Cubex”, distribuida por los establecimientos Van de Ven hasta 1965.

Se trata de un hito de la cocina moderna, puesto que fue uno de los primeros sistemas de muebles estandarizados que podían ser superpuestos y yuxtapuestos, estableciendo el módulo básico de 60 cm.

León Battista Alberti

El palacio Rucellai, se ubica en el 18 de la vía della Vigna Nuova, de Florencia.

Fue construida por Leon Battista Alberti entre el año 1446 y 1451, siguiendo el modelo de palacio renacentista italiano.

Se trata de uno de los edificios más icónicos del Quattrocento, una obra maestra.

Quizás proyectó este palacio casi como ilustración de su manual “De Re Aedificatoria” de 1452, en donde explica que la arquitectura debe imponerse más por el prestigio de las proporciones que por la demostración de belleza y lujo.

“Esos mismos números por los que sucede que el acuerdo de las voces es bienvenido a los oídos, son los mimos números que llenan los ojos y el alma de un placer maravilloso”, De re edificatoria IX. 5

Xilografia tomada de “La patria, geografía de Italia por
Gustavo Strafforello, 1893

El palacio sigue perteneciendo a la familia Rucellai.

En los años 1990 ha sido sede del Museo de Historia de la Fotografía Fratelli Alinari.

La fachada con mampostería de arenisca uniforme y plana, está subdividida horizontalmente en tres cuerpos por cornisas y a su vez organizados por pilastras, que se han utilizado para la superposición de órdenes.

La planta baja, es de orden toscano

El primer piso (piano nobile) es de tipo jónico muy sobrio, mientras el último piso presenta un orden corintio más vistoso y decorativo.

Los tres órdenes aluden de modo bastante claro en la superposición de órdenes que exhibe el Coliseo de Roma.

La mampostería con conchas se inspira también en la arquitectura romana. Las lesenas (o tiras apilastradas, son unas fajas o banda vertical estrecha, que se hacían en bajorrelieve sobre un muro, era semejante a una pilastra, pero sin función sustentante ni base ni capitel) decrecen progresivamente hacia los pisos más altos, proporcionando un efecto de perspectiva.

La parte superior del palacio está rematada por una cornisa, sostenida por ménsulas, detrás de las cuales se halla oculta una logetta (que era una antigua construcción del siglo XV)

Detrás del palacio se encuentra la antigua iglesia de San Pancrazio en la que hay otra obra maestra de Alberti, el templete del Santo Sepulcro, que hoy alberga el Museo Marino Marini.

Hay cerca dos obras de Alberti, delante la Logia Rucellai y la fachada de la basílica de Santa Maria Novella, por encargo de Giovanni Rucellai.

Tom Wright

Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

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Verónica Franco, “puttana de lujo”. Musa de pintores y artistas

El teatro de la vida

Verónica Franco, “reina de las cortesanas”. Musa de pintores y artistas

He leído con sorpresa y admiración la vida de Veronica Franco, impresionado por su duro y difícil entorno, lo comparto:

Su cara era de tez blanca, cabellera rojiza, ojos claros, y formas contundentes, “puttana de lujo”, musa de Tintoretto, ícono de la belleza, culta y refinada e inspiradora de poetas y artistas. Verónica Franco (1546 – 1591 –A-), a los 18 años cansada de las palizas de su marido comienza una camino personal que la lleva en 1566 a ser la “reina de las cortesanas”.

Verónica dijo que estas mujeres tan instruidas como sensuales (y quizás por ello), estaban «condenadas a comer con boca ajena, dormir con ojos ajenos, moverse según los deseos ajenos, corriendo en manifiesto naufragio siempre de las facultades y de la vida». (1)

En 1570 Tintoretto (Jacopo Comin 1518 – 1594 –B) nos la enseña a sus 24 años como un referente de la libertad, una “cortigiane oneste”, que llega a ser la “reina de las cortesanas” (2), el cuadro más conocido de Verónica, es “Retrato de una dama” (1574).

Dama que descubre su seno, posible retrato de Veronica Franco. Óleo de Jacopo Tintoretti. 1570.
Museo del Prado. Madrid

A Tintoretto se le atribuyen los dos únicos retratos que existen de la cortesana (aunque no está verificado que fuera ella la modelo que posó), así como en “Dama que descubre su seno” (1570). Siempre adornada de perlas, era su seña de identidad.

Dice Verónica: “Il mio carissimo amico Tintoretto me pintó con perlas…Te juro que cuando vi mi retrato…me pregunté por un momento si era una pintura o una aparición presentada ante mí por algún truco del diablo. El Maestro Tintoretto se concentra enteramente en métodos de imitación y de superación de la naturaleza…no solo imitando o modelando la figura humana, desnuda o vestida… sino también expresando estados emocionales” (3).

Verónica Franco había nacido en Venecia en 1546, en la Calle dei Franchi, en los confines parroquiales de la Chiesa di Sant´ ´Agnese, su padre era Francesco Maria Franco, un veneciano perteneciente a los «ciudadanos», que hoy llamaríamos clase media, y de Paola Fracassa, una famosa “cortigana onesta” que, al casarse, abandonó su antiguo oficio.

Verónica era la única mujer de 4 hermanos: Girolamo, Orazio y Serafino que tuvo poca suerte al ser capturado por los turcos en 1570.

La muerte temprana de Francesco obligó a Paola a regresar a su antigua y lucrativa profesión. El nombre de Paola fue escrito en el «Catalogo di tutte le principal et piu honorate cortigiane di Venezia» (El catálogo de todas las cortesanas principales y honradas de Venecia) en 1565.

Siempre intentó dar a su hija una vida honorable A tal fin, cuando Verónica sólo contaba dieciséis años, la madre concertó (pagando la dote adecuada) su matrimonio con Paolo Panizza, un médico aficionado al juego y a la bebida que sólo reportó a su joven esposa grandes sufrimientos. (4)

Abandona a su marido, tiene 18 años y está embarazada de su futuro hijo Achille, pero cuyo padre no era Paolo sino un comerciante de Ragusa (Dubrovnik), llamado Jacomo di Baballi, reclama su dote y decide buscar nuevos horizontes en la prostitución. A sus 24 años dio a luz a Enea. Tuvo en total 6 hijos, pero 4 de ellos murieron. (5)

Tras su separación, Verónica regresó junto a su madre, Paola Fracassa, quien acabó por iniciarla en el oficio hasta el punto de que ambas lo ejercieron a la vez.

Así lo demuestra que sus nombres aparezcan en la edición de 1572 de la “Tariffa delle Puttane”, el libro en el que se hallan catalogadas las 215 cortesanas de mayor prestigio de Venecia con sus respectivas tarifas. En este caso, el importe era el mismo para ambas: dos escudos por noche, si bien se dice que, años más tarde, un beso de Verónica se valoraba en quince escudos y en cincuenta una velada completa en su compañía.

Algunas mujeres

Ellas, las meretrices, inspiraban por su belleza a artistas y poetas, cultas y refinadas, amantes del lujo y de los placeres, sabían ser compañeras tanto en la cama como en la mesa.

La belleza del arte renacentista y de sus mujeres, convivía con la lujuria, el carnaval y la peste bubónica.

El poeta Pietro AretinoC– llego a escribir “…Venus, diosa del amor, se ha convertido en mujer de letras”.

Ellas, las meretrices, seleccionaban astutamente a sus amantes, por su condición de clase social, dinero y cultura.

A comienzos del siglo XVI, el famoso periodista patricio veneciano Marin Seruto, registro 11.654 prostitutas en una ciudad de 100.000 personas.

Venecia era un gran puerto y ciudad comercial a la que concurrían muchos hombres solos, la figura femenina, era un ícono de la concordia familiar, donde una familia patricia adecuada a la época debía tener una hija virgen, una esposa y una madre en la esfera privada. Pero en la vida pública eran las meretrices, y especialmente las cortesanas quienes mantenían el mito social de concordia social y política.

La vida real veneciana, convivió el contraste entre la Virgen María y la diosa afrodita “Venus Anadiomena”. Las leyes trataron de regular la vida y las apariencias de las mujeres patricias y las cortesanas acomodadas.

Las meretrices, debían obedecer reglas estrictas, como la prohibición de usar ropas de seda, oro, plata, joyas preciosas o imitaciones, no podían ingresar a las iglesias durante las celebraciones principales

La distinción entre una meretriz y una prostituta de lujo “meretrice sumptuousa o cortigiane honrada” era enorme, las meretrices estaban bajo las leyes venecianas, y su actividad y desplazamientos regulados, pero las cortesanas honradas nunca recibieron una prohibición del senado en el siglo XVI.

“El nacimieno de Venus” de Sandro Botticelli Temple sobre lienzo. 278.5 x 172,5 cm.Galeria degli Uffizi 1485/6

También había en la práctica una diferencia entre las cortesanas que en general vivían en el esplendor aunque recibiendo una educación limitada, (las mujeres venecianas de esa época tenían prohibido asistir a la escuela –de gramática por ejemplo-), y las cortesanas honestas, que eran privilegiadas, ricas, y se les reconocía su capacidad intelectual, tocaban instrumentos, conocían la literatura griega y romana y se mezclaban con pensadores, escritores y artistas de la época. (6)

Una mujer, si su familia tenía recursos solo podía educarse en su casa con lecciones particulares, por lo que el destino de una doncella pobre, era una unión mediocre o el convento.

Algunas de ellas decidieron el duro trabajo de cortesanas.

Para atraer clientes las cortesanas venecianas acudían al “Ponte delle Tette”(puente de las tetas), mostrando sus piernas y sus pechos a los futuros clientes que pasaban en góndolas, y así conseguir llevarlos al burdel, solo podían pasear los sábados.

El Ponte delle Tette se encontraba en San Cassiano, en la zona llamada Carampane.

En 1421 la ciudad de Venecia decidió transformar en casas cerradas un bloque de casas heredadas en 1318 al mote del último descendiente de la rica familia Rampani, de allí que Ca-Rampani toma su nombre.

Las prostitutas venecianas fueron transferidas a las casas Rampani y el nombre más tarde se convirtió en sinónimo de prostituta.

Se cree que las meretrices mostraban sus pechos para demostrar que eran mujeres y  no homosexuales travestidos (ahora con las operaciones de pechos esto no tendría el efecto buscado). La sodomía en el siglo XVI estaba perseguida y castigada, a los sodomitas se los quemaba atados a las columnas de la Piazzetta.

La razón de la ordenanza era alejar a la población masculina de la ola de homosexualidad, tema que se había convertido casi en un problema estatal.

La homosexualidad estaba muy extendida en la Venecia del siglo XVI, tanto que las prostitutas, en 1511, enviaron una súplica al fiscal Antonio Contarini para que hiciera algo al respecto, porque ya no tenían clientes suficientes,

La abundancia de oferta había provocado la crisis económica.

Entre los expedientes de los juicios más famosos, había muchos casos contra homosexuales o por violencia «contra la naturaleza».

Francesco Cercato fue ahorcado por sodomía entre las columnas de la Piazzetta San Marco en 1480, y Francesco Fabrizio, sacerdote y poeta, fue decapitado y quemado en 1545 por su «vicio indescriptible».

El célebre poeta Domenico Venieri, seguidor de Petrarca, y muy amigo de Verónica Franco influyó enormemente en su carrera literaria y patrocinó la publicación de su poemario “Terze Rime” en 1575, que eran poesías sobre su vida, incluyendo aspectos sexuales. Era extraño a la época que una escritora se animara a alejarse de los temas religiosos, y que sumergida en temas seculares, incluyera una temática sexual. Las mujeres debían ser castas y obedientes en la vida real, y en la poesía debían ser reservadas, hermosas sí, pero inalcanzables. Editó también el libro “D´Ardito Cavalier non è Prodezza”.

Otra poetisa cortesana Tulia D´AragonaD– armó también su propia colección de poemas.

Poetas y poetizas

Representacion de la Prudencia. Pintado por Girolamo di Francesco di Mariotto Macchietti (Florencia 1535 – 1592 Ibid).Cercano al circulo manierista encabezado por Giorgio Vasari.

Hubo más clientes famosos en su cama y en su vida. Uno muy importante fue el ilustre humanista francés Michel Eyquem de Montaigne (1533 – 1592 –E-), creador del género conocido en la edad moderna como “ensayo”.

En 1580 recaló en Venecia, cuenta que el 7 de noviembre, cenó con Verónica y recibió como obsequio un pequeño volumen que ella misma había editado bajo el título de “Lettere familiari e diversi” (Cartas íntimas y variadas), en el cual se recogía su correspondencia con diversos personajes de la época y que hoy constituye un testimonio único de los usos y costumbres de la Serenissima República de Venecia del Cinquecento.

En estas cartas así como en algunos de sus “Capitoli” solicitaba a Domenico Venier y a otros para que contribuyan con sus poemas en las colecciones que estaba trabajando. Parte de esta documentación se conserva en la Biblioteca Nazionale Marciana, maravillosa obra de Jacopo SansovinoF-.

Video “Verónica Franco, más fuerte que su destino”

Domenico Venier creó “Ca-´Venier”, el lugar más importante en Venecia donde intelectuales, y hombres de letras se reunían, esto ocurría a mediados del XVI, también lo hacían en la “Accademia della fama” hasta 1561, año de su desaparición. Domenico fue mentor de poetas y escritores, incluidas varias mujeres: Moderata Fonte, (Modesta Pozzo 1555-1592, escribió poesía religiosa y romántica Su obra más conocida es el diálogo “Il merito delle donne” -1600- ). Irene di Spilimbergo (pintora y poetiza, estudio con Tiziano, murió  muy joven 1540-1559), Gaspara Stampa (poetiza 1523-1554), Tullia d’Aragona, (poeta-cortesana, autora y filósofa (1510-1556), Verónica Gambara (1485-1550).

Buscaron caminos alternativos a las formas poéticas “Petrarcas”, encontrando en el madrigal, la oda, la elegía y en la poesía vernácula sus raíces, no solo de poetas elegiacos clásicos (la elegía, como subgénero de la poesía lírica, es un canto de duelo, son poemas de lamentación, funerarios) sino también trovadores provenzales.

Por entonces, Verónica mantenía relaciones con dos sobrinos de Domenico: Marco y Maffeo.

El primero fue, sin duda, el gran amor de su vida, por lo que Maffeo, al verse desplazado por su hermano, no dudó en dedicar a Verónica unos ofensivos versos que circularon libremente por toda Venecia: «Veronica, ver unica puttana» (Verónica, la única y verdadera puta).

No le faltó capacidad literaria a la “puttana” para lejos de darse por ofendida, lo reto públicamente a un duelo poético del que salió vencedora y que la consagró aún más como poetiza.

La romántica historia de amor entre Verónica y Marco, fue la de unos amantes que podrían dar una de las posibles interpretaciones a sus poemas de amor.

Maffeo Venier escribe estos Versos, seleccionados del Capítulo 16:

«Verónica, la única y verdadera puta«

Franca, astuta, voladora, endeble, flácida,

Apestoso, escuálido, escabroso y el más grande sinvergüenza además,

Quién vive entre Castello, Ghetto y la Aduana.

Una mujer reducida a un monstruo hecho de carne humana,

Yeso, tiza, cartón, cuero y tablero de madera,

Un espeluznante fantasma, un ogro costroso,

Un cocodrilo, un hipogrifo, un avestruz, una yegua de rodillas.

Para cantar de todo lo que te pasa,

Tus defectos, tus fallas,

Tomaría cien conceptos,

Miles de plumas y tinteros,

E innumerables poetas,

La perspectiva de puentes y hospitales”.

Link del film “Más fuerte que su destino” (Dangerous Beauty) 1998. 111 minutos. EEUU.

Direccion Marshall Herskovitz.

Catherine McCormack, Rufus Sewell, Jacqueline Bisset, Oliver Platt, Moira Kelly, Fred Ward, Naomi Watts, Jeroen Krabbé.

Musica George Fenton y Fotografía Bojan Bazelli

Verónica, fomentaba las mejores relaciones con sus amistades literarias, y de las otras. Convirtió su hermoso palacio de Santa María Formosa en un ateneo, lugar de reunión de músicos, pintores y nobles y donde, además de gustar de placeres mucho más terrenales, se disfrutaba de conciertos, debates filosóficos y lecturas de poesía y de nuevas obras, así como discusiones filosóficas, y cenas de gala.

Una casa que además de atraer al amor en todas sus formas permitía ser un espacio de reflexión, arte y camaradería. Recibía a nobles, artistas, visitantes de alto rango, incluso a altos prelados, todos aquellos que eran dueños del mundo civil, militar y eclesiástico.

Su gusto poético se acercaba a las elegías de Ovidio (43 a.C.-? –G-), Catulo (87 o 84 a.n.e. – 54 a.n.e. –H-), Propercio (aprox 50 a.n.e. – 15 a.n.e. –I-) y Tíbulo (55 a.n.e. – 19 ó 18 a.n.e. –J-)

Editó “Rime di diversi Eccellentissimi autori nella morte dell´illustre Signore Estor Martinengo  Conde de Malpaga”, patrocinado por Francesco Martinengo.

Su tarea fue elegir poetas como Domenico Venier (1517-1582), gran figura de la academia y de gran prestigio literario, Marco Venier, Orsato Giustinian (¿-1464), Bartolomeo Zacco, Celio Magno, Andrea Menichini, Marco Stecchini, El conocido latinista, traductor y literato Orazio Toscanella (1520-1580), Giovanni Scrittore, Valerio Sali, Antonio Cavassico a los que agregó nueve sonetos de su producción poética. Al ser incluida en este grupo para honrar a Estor, se la reconocía al nivel de esos poetas varones insignes.

Giovanni Scrittore escribe:

Veronica celeste, unica, e vera

Dea tra noi di beltà, di cortesía,

Franca in valor, che indarno altri qui spera,

Benché seguendo lei per dritta via;

Felicemente a la beata spera

Ogni nobile spirito s´invia…

Las “cortigiane oneste” gozaban del privilegio de elegir a sus amantes y Verónica los escogía sistemáticamente en base a su clase social, dinero y cultura, lo que le permitió codearse con los poderes fácticos de la ciudad. No es de extrañar, pues, que en el verano de 1574, cuando Enrique de Valois viajó al Véneto en vísperas de ser coronado rey de Francia, la Señoría de la República veneciana, recurrió a los servicios de la afamada Verónica.

Cuando Enrique de Valois (1551-1589 asesinado –K-) llega a Venecia, ésta acaba de sufrir la derrota que el imperio turco-otomano infligió a la “Serenissima Repubblica” en las islas del Mar Egeo. Enrique ya era rey de Polonia, donde había sido coronado como Henryk Walezy, pero iba a ser un reinado muy breve ya que estaba a punto de ser entronizado como soberano de Francia, al ser el heredero de la casa Valois – Angulema, sería Enrique III.

En la necesidad de congraciarse con el monarca, ya que necesitaban tener protección naval contra los turcos, Venecia declaró once días de celebraciones, organizadas por diversos artistas, entre ellos nuestro amigo Andrea Palladio –L, el compositor y organista Andrea Gabrieli, (1554/57- 1612 –M-), el pintor Paolo Veronese (1528-1588 ) y el amigo de Verónica, Tintoretto.

A pesar que tradicionalmente se lo representaba como un rey afeminado y amanerado, ya que se lo solía ver rodeado de jóvenes vestidos con trajes estrafalarios, pero varios historiadores lo niegan y lo atribuyen a las propagandas divulgada por la Liga y los Hugonotes, y por cortesanos disconformes con los cambios en las costumbres de la corte.

También se decía de él que era estéril y sexualmente ambiguo, tuvo numerosos amantes, a los cuales paseaba por las calles de París con los labios pintados y vestidos de mujer. Organizó torneos con estos amantes, quienes no se privaban de adoptar poses femeninas durante las justas

III

De Doña Verónica Franca

Esto te escribe tu fiel Franca,

dulce, gentil, su valiente amante;

que, lejos de ti, vive miserable.

Ay, lo digo y siempre lo diré nunca

que vivir sin ti es cruel hasta la muerte,

y los placeres son tormentos y problemas para mí.

Las rosas frescas, los lirios y las violetas

culo tiene’ el viento de’ mis cálidos suspiros,

y he visto el sol palidecer lastimosamente;

en mover los ojos en giros llorosos

detener los ríos, y el mar depositó el iris

por la dulce misericordia de mis mártires.

Ay cuantas veces dicen mis dolores

el aura y el movil se van a escuchar

¡Detén esto y déjalo ir!

Inmediatamente después de llegar a la habitación deseada,

Me inclinaré con mis rodillas en el suelo

a mi Apolo en la ciencia y en la apariencia;

y ganado por él en una guerra amorosa,

los seguire de miedo con alma cash

por el camino del valor para que no se equivoque.

Este es mi amante, que pasa a todos los demás

en soportar las tribulaciones, y en la fidelidad

cada otro más fiel detrás de él caduca.

Bueno, te refrescaré del pasado.

problemas, señor, en cuanto a mi poder es,

viniendo a complacerte, a mi bondad,

truncándome el mártir, el deseo a ti.

Fragmentos del libro “Los muertos hablan” de Carlos Bracho e Ignacio Trejo

…. ¿Por qué me recuerda usted una obra de Tintoretto?, – le pregunto, mientras no dejo de admirar su largo collar en banda y el cuello ornamentado con una gargantilla de perlas sobre el opulento escote donde se asoma por un seno, con estudiado descuido, el pezón como pruna erguida en la piel.

…Coincido en la injusta distribución de la alegría en las calles habitadas por huérfanos de prostitutas con dientes podridos y navegantes extenuados.

… En mi familia somos “cittadini originari” desde varios siglos atrás, aunque tenemos escudo de armas, estamos socialmente debajo de los nobles…mi madre me enseño el oficio “di cortigiana onesta”.

…gran diferencia con la “cortigiana di lume”, pobres mujeres de vientres caídos, confinadas a la zona de Rialto y sus luces rojas, o las jóvenes con licencia para estar en los pretiles del “Ponte delle tette”, en el río Terà delle Carampane.

…Una mujer inculta se ofrecería por unas monedas como una libertina de vida alegre, y si fuese comerciante sería igualmente explotada en los mercados. Pero con las enseñanzas de mi madre y mi preparación previa podría convertirme en una “cortigiana onesta”. A mayores lecturas y refinamientos, mejores ingresos y elección de mis distinguidos visitantes…Pero, sobre todo, más libertad y autonomía…Mi madre y yo misma aparecemos en “Il Catalogo du tutte le principali et piú honorate cortigiane di Venetia” con una paga de dos escudos de oro, poco menos que dos ducados…una tarifa baja que pronto se elevó muy por arriba del sueldo de un Capitán de Navío.

Podria compararse con un mal año del Viejo Tintoretto, cuando recibió apenas cien ducados por tres pinturas en la Scuola Grande di San Rocco.

En “Veincinque Capitoli in Terza Rima” está más cerca de Dante que de Petrarca. Los primeros catorce Capitoli (7)presentan a siete poetas masculinos a los que Verónica da respuesta uno a uno.

La forma desafio/respuesta (proposta/risposta) fue muy popular entre los miembros del grupo de Ca´Venier.  Dedica la obra a Guglielmo Gonzaga duque de Mantua y Monferrato, un entusiasta de la música sacra, especialmente de Giovanni da Palestrina (1525-1594 –Ñ-).

Explica Verónica, “…escribo en forma de “capitoli”, una forma de verso usada por poetas del siglo XIII, para el debate literario. Está escrito en verso de once sílabas con tres estrofas de rimas entrelazadas…”

Nosotras, las mujeres

Verónica pensó en las mujeres, en plural, y en las mujeres jóvenes pobres y desafortunadas que no podían pagar una dote suficiente para tener un matrimonio “decente”.

Donaría dinero a la Casa delle Zitelle, una institución caritativa para albergar a niñas pobres y solteras, evitado su pérdida de castidad y en consecuencia la pérdida de la posibilidad de matrimonio.

En síntesis, podríamos decir: “Si no eres casta, no te casarás”.

Les dice a las madres pobres que no conviertan a sus hijas en cortesanas, en putas, les escribe:

«…que no destruyan de un solo golpe…almas y reputación junto con la de sus hijas. Ellos hablan de suerte, pero yo les sigo diciendo, no hay nada peor que entregarse a la fortuna que puede traer más dolor que beneficio…Oh, la miserable vida de una cortesana, los peligros, las injusticias, las falsas acusaciones…” (8)

Cuando Verónica dijo, «…las mujeres también tenemos armas y entrenamiento…», no se refería solo a destreza física; ella aludía a la educación de mujeres que no existía de manera sistemática en su época. 

No sabemos si tuvo alguna educación formal (existían algunas escuelas especiales para niñas). Probablemente su conocimiento sea un mosaico de las lecciones de sus hermanos, del conocimiento de su madre (como cortesana honrada debe tener algún conocimiento de literatura, griego y latín) y, finalmente, de los recursos en el “Círculo literario Domenico Venier”,

La Italia del “Cinquecento” facilitó un terreno fértil para varias mujeres de todos los ámbitos de la vida que se hicieron conocidas y publicadas como escritoras y poetas.

Siguieron las ideas del humanista del siglo XVI Pietro Bembo –O, literato italiano que abrazó el italiano sobre el latín y escribió literatura en toscano, veneciano y otros dialectos, gracias a él, muchas mujeres pudieron leer estos textos.

Desarrollado el sistema de impresión, las copias de los mismos textos eran cada vez más accesibles.

Simultáneamente,  un grupo cada vez más amplio de humanistas del Renacimiento reconoció a las mujeres como individuos con «las mismas capacidades espirituales y mentales que los hombres y que también pueden sobresalir en sabiduría. Los hombres y las mujeres son de la misma esencia”. 

Ludovico Ariosto –P-:

Mujeres sabias, fuertes, verdaderas y castas.

no solo en Grecia y Roma

Pero donde sea que brille el sol, desde el Lejano Oriente

para las Hespérides, han tenido su hogar,

cuyas virtudes y cuyos méritos no se cuestionan.

En cuanto a ellos, los historiadores son tontos:

Autores contemporáneos, llenos de rencor,

La verdad sobre esas mujeres no escribiría.

pero, mujeres, no cesen en esta cuenta

perseverar en las obras que haces bien.

que no desanime la ambición desalentadora,

ni temer que el reconocimiento nunca lo hará

Soy tuyo. Bueno, ninguna inmunidad puede alardear

Del cambio, el mal no es inmutable,

y si en la historia tu página estaba borrosa,

en los tiempos modernos tus méritos serán escuchados”.

El ocaso de una cortesana

La visita de Montaigne marcó un punto de inflexión en la vida de Verónica Franco. Pocos meses después, Rodolfo Vannitelli, preceptor de uno de sus cuatro hijos y, posiblemente, amante despechado, la denunció al Tribunal de la Inquisición Veneciana del Santo Oficio acusándola de falta de celo religioso y prácticas de brujería y hechicería, concretamente de someter y seducir a sus amantes con encantamientos, y comer pollo, huevos y queso en vigilia, y además de tener en su residencia una casa de apuestas.

Rodolfo responde así a la denuncia que Verónica hace contra él por robarle objetos de su dote de su casa con la complicidad de su criada Bortola en Mayo de 1580. 

Vannitelli:

«Si esta bruja, esta prostituta pública, enmascarada y engañosa no es castigada, muchas otras comenzarán a hacer lo mismo contra la santa iglesia católica».

Verónica:

Tuve que defenderme de acusaciones vengativas, de comportamiento deshonesto, encantamientos mágicos en mi casa, y que fueron realizados por algunos de mis sirvientes y sus amigos en contra de mi voluntad.

Encarcelada en la prisión de la República, la vista tuvo lugar el día 8 de octubre de 1581 y, aunque las excelentes relaciones de Veronica con los jerarcas de la curia veneciana y de la Señoría le permitieron salir absuelta, este proceso marcó su declive definitivo y la pérdida de la práctica totalidad de sus bienes. Su espléndida vida como una cortesana suntuosa y honrada había terminado, su principal benefactor Domenico Venier murió un año más tarde.

Existen pocos datos sobre los últimos años de la vida de Verónica. Retirada en su mansión, medió ante las autoridades venecianas para crear un asilo donde se acogiese a las cortesanas enfermas o ancianas, y donde se enseñase un oficio a las mujeres que decidieran retirarse de la profesión. Es muy probable que trabajara en nuevas obras literarias que –lamentablemente– no se han conservado.

El rastro de Verónica Franco se pierde definitivamente en 1582 y su nombre sólo vuelve a aparecer en el registro del Magistrato alla Sanità, donde un escueto parte fechado el 22 de julio de 1591 informa de que «la signora Verónica Franco ha fallecido el 20 de Julio, de fiebres a la edad de cuarenta y cinco años».

Con ella desaparecía la edad de oro de las cortesanas venecianas, mujeres fuertes, libres, instruidas y sensuales.

Referencias

  • “The Honest Courtesan”. La honesta cortesana: Verónica Franco, ciudadana y escritora en la Venecia del siglo XVI. The University of Chicago Press.1992. autora Margaret F. Rosenthal.
  • En la película “Dangerous Beauty” de 1998, basada en el libro de Rosenthal y dirigida por Marshall Herskovitz, donde Catherine McCormack interpreta a Verónica Franco, se concentra en el período en que participó en el salón literario de Domenico Venier  entre los años 1570 y 1582, cuando se publicaron todos sus proyectos literarios, así como el juicio que se le hace por practicar brujería.
  • En el film aparece solo la denuncia de comportamiento deshonesto y la ingeniosa defensa de Verónica.
  • Veronica Franco. Diccionario Biográfico de los italianos. Volumen 50 (1998). Autora Floriana Calitti.
  • “Veronica Franco, Poems and Selected Letters”, editado y traducido por Ann Rosalind Jones y Margaret F. Rosenthal. The University of Chicago Press, 1998.
  • Revista Renacimiento trimestral. Artículo “Terze Rime” de Verónica Franco: la defensa de la cortesana veneciana de Margaret F. Rosenthal Vol. 42, N ° 2 (verano de 1989), págs. 227-257
  • Editorial Herodotusc. “Veronica Franco and the ‘Cortigiane Oneste”: Attaining Power through Prostitution in Sixteenth-Century Venice» 2015. Autora Arielle Sison.
  • Editorial National Geographic. “Veronica Franco, la reina de las cortesanas”. Autora Maria Pilar Queralt
  • “La Puttana de Venecia”. Emece Editores. Autora Ana María Cabrera.

Notas

1

«Carta 22» en Jones & Rosenthal, p. 39

“Pero no hay un destino brillante para una cortesana. Incluso si el destino fuera completamente favorable y amable con una mujer joven, esta es una vida que siempre resulta ser una miseria. Es algo muy miserable, contrario a la razón humana, someter el cuerpo y el trabajo a una esclavitud aterradora incluso en la que pensar. Hacerse presa de tantos hombres, a riesgo de ser despojado, robado, incluso asesinado, para que un hombre, un día, pueda arrebatarle todo lo que ha adquirido de muchos durante tanto tiempo, junto con muchos otros peligros de lesiones y terribles enfermedades contagiosas; comer con la boca de otro, dormir con los ojos de otro, moverse de acuerdo con la voluntad de otro, obviamente corriendo hacia el naufragio de tu mente y tu cuerpo, ¿Qué mayor miseria? ¿Qué riqueza, qué lujos, qué delicias pueden superar todo esto? Créame”.

2

A él se atribuyen los dos únicos retratos que existen de la cortesana, si bien pudo no haber sido ella quien posó como modelo. En  Dama que descubre su seno (1570) y Retrato de dama (1574), se ve a una mujer de formas rotundas, tez blanca, cabellera cobriza, ojos claros y facciones finas, adornada con perlas, seña de identidad de Verónica.

Otra obra para la que pudo haber posado fue Susana y los viejos (1556).

3

Veronica Franco, Cartas familiares a varias personas (1580), editado y traducido por Ann Rosalind Jones y Margaret F. RosenthalVerónica Franco: Poems and Selected Letters, The University of Chicago Press, 1998, «Carta 21» en Rosenthal & Jones, p. 37

4

“Sono da famiglia Franca. No somos patricios; nuestros nombres no aparecen en el «Libro d’Oro de Venezia». “Ma siamo cittadini originari”, ciudadanos venecianos de nacimiento. Tenemos nuestro propio escudo de armas familiar, que todos pueden ver «a la entrada de la Calle dei Franchi en la» parocchia «de San Agnese en Venecia». Mi familia, junto con las otras familias «subpatricias», está escrita en el «Libro d’Argente da Venezia». Según el erudito e historiador italiano Guiseppe Tassini, (1827-1899) este escudo de armas todavía existe en el lugar mencionado. Cita de Margaret F. Rosenthal, The Honest Courtesan: Verónica Franco, Ciudadana y Escritora en la Venecia del siglo XVI, The University of Chicago Press, 1992, p. 66

5

Testimonio de Veronica en el juicio de la Inquisición en 1580 según lo relatado por Rosenthal en “The Honest Courtesan”, p. 83.

6

“Veronica Franco, Poems and Selected Letters”, editado y traducido por Ann Rosalind Jones y Margaret F. Rosenthal. The University of Chicago Press, 1998. Introducción: “La cortesana honrada”. Pag 3.

7

El Capitolo es una composición poética del Renacimiento. Eran métricas formas por una serie de tercetos concatenados, cerrados con un verso que rimaba con el segundo del último terceto.

Escribo principalmente en forma de «Capitolo», «una forma de verso usada por poetas provenzales del siglo XIII para el debate literario». 

«Capitolo» está escrito en verso de once sílabas y sigue el patrón de tres estrofas de rimas entrelazadas (aba , bcb, cdc, …). La forma de «proposta / risposta» (desafío / respuesta) de usar «Capitolo» fue extremadamente popular entre los miembros de nuestro grupo, el Ca ‘Venier”.

8

Irma B. Jaffe, Shinning Eyes, Cruel Fortune: “The Lives and Loves of Italian Renaissance Women Poet”

Fordham University Press, Nueva York, 2002. «Carta 22», pág. 340

Biografías

A

Verónica Franco,  República de Venecia, 25 de marzo de 1546 – Venecia, 21 de julio de 1591, fue una poeta y cortesana italiana en la Venecia del siglo XVI.

B

Tintoretto, cuyo nombre era Jacopo Comin (Venecia, 29 de septiembre de 1518 – 31 de mayo de 1594), fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y representante del estilo manierista.

C

Pietro Aretino (Arezzo, 19 de abril de 1492 – Venecia, 21 de octubre de 1556) fue un poeta, escritor y dramaturgo italiano.

D

Tullia d’Aragona (circa 1510–1556) fue una poetisa italiana, autora y filósofa. Nacida en Roma, vivió en Venecia, Ferrara, Siena, y Florencia. Como su madre no estuvo casada con su presunto padre (el Cardenal Luigi d’Aragona), la vida de Tullia estuvo marcada por el estigma del nacimiento ilegítimo de una madre cortesana, por un lado, y la fama literaria, por el otro.

E

Michel Eyquem de Montaigne (Castillo de Montaigne, Saint-Michel-de-Montaigne, cerca de Burdeos, 28 de febrero de 1533 – ibíd., 13 de septiembre de 1592) fue un filósofo, escritor, humanista y moralista francés del Renacimiento, autor de los Ensayos. Ha sido calificado como el más clásico de los modernos y el más moderno de los clásicos.

F

Jacopo d’Antonio Sansovino (Florencia, 2 de julio de 1486 – Venecia, 27 de noviembre de 1570) fue un arquitecto y escultor renacentista italiano, conocido sobre todo por sus obras alrededor de la Plaza de San Marcos en Venecia. Andrea Palladio, en el Prefacio de sus Quattro Libri, opinaba que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio erigido desde la Antigüedad. La Vita de Sansovino es la única de las escritas por Giorgio Vasari que imprimió separadamente.

G

Publio Ovidio Nasón (Sulmona, 20 de marzo de 43 a. C.-Tomis, 17 d. C.) poeta romano. Sus obras más conocidas son Arte de amar y Las metamorfosis, ambas en verso; la segunda recoge relatos mitológicos procedentes del mundo griego adaptados a la cultura latina de su época; también gozaron de cierta fama las Heroidas, cartas de grandes enamoradas, y sus Tristia, poemas elegíacos en que lamenta su destierro.

H

Cayo o Gayo Valerio Catulo (Verona, actual Italia, h. 87 (u 84) a.n.e. – Roma, h. 57 a.n.e., fue un poeta latino.

I

Sexto Propercio fue un poeta lírico latino, nacido en la Umbría, contemporáneo de Tibulo. ​Su fecha de nacimiento se sitúa entre los años 54 y 43 a.n.e.​

J

Albio Tibulo (54 a.n.e. – 19 a.n.e.) fue un poeta lírico latino.

K

Enrique III de Francia (Fontainebleau, 19 de septiembre de 1551 – Saint Cloud, 2 de agosto de 1589) fue rey de Francia entre 1574 y 1589. Anteriormente rey de Polonia como Enrique de Valois (Henryk Walezy en polaco) de 1573 a 1574.

L

Andrea Palladio (Andrea di Pietro della Góndola (Padua, 1508 – Maser, 1580) fue un importante arquitecto italiano de la República de Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Vicenza, en sus alrededores, y en Venecia. Se le considera el arquitecto que tal vez “mejor supo actualizar la herencia de las formas clásicas con la realidad del Cinquecento”. ​ Sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en la arquitectura del Neoclasicismo.

M

Andrea Gabrieli (ca. 1533 – 30 de agosto de 1585) fue un compositor y organista italiano de finales del Renacimiento. Tío del famoso compositor Giovanni Gabrieli, fue el primer miembro de renombre internacional de la Escuela Veneciana de compositores. Tuvo gran influencia en la difusión del estilo veneciano tanto en Italia como en Alemania.

N

Paolo Caliari o Cagliari (Verona, 1528 – Venecia, 1588), conocido como Paolo Veronese (en España, como El Veronés), fue un pintor italiano, figura central del Manierismo veneciano.

Ñ

Giovanni Pierluigi da Palestrina (Palestrina, 3 de febrero de 1525 – 1594 2 de febrero Roma) fue un compositor italiano renacentista de música sacra y el representante más conocido de la Escuela romana de composición musical del siglo xvi.​ Tuvo una influencia duradera en el desarrollo de la música eclesiástica y secular en Europa, especialmente en el desarrollo del contrapunto, y su obra se considera la culminación de la polifonía renacentista.

O

Pietro Bembo (Venecia, 20 de mayo de 1470 – 1547 18 de enero Roma) fue un cardenal, humanista, filólogo, escritor, poeta, traductor y erudito italiano.

P

Ludovico Ariosto (Reggio Emilia, 8 de septiembre de 1474 – 1533 6 de Julio Ferrara) fue un poeta italiano, de gran renombre, autor del poema épico Orlando furioso (1516). Escribió para el teatro obras como: Arquilla, Los supuestos, El nigromante, La alcahueta y Los estudiantes, entre otras.

«MOTION» Autos Arte y Arquitectura by Norman Foster. 2nda parte

Albert Kahn (1869 – 1942) Ford Motor Company. Highland Park. Michigan en 1924
Tinta sobre papel, Colección Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, Michigan

Pegaso Z-102 “cúpula” de 1958. Creador Wilfredo Ricart. Motor V8
de 2.500, 2.800 o 3.200 cc. Se produjeron 86 unidades

Entrevista (Nota 1)

XL. ¿Cuál es la conexión entre la arquitectura y los coches?

NF. El automóvil ha transformado el paisaje urbano y rural como ningún otro invento. Su influencia es enorme. Hemos pasado por fases, durante el cambio del siglo XIX al XX el automóvil recató la ciudad. Nueva York o Londres apestaban a caballos muertos, enfermedades…El coche limpió la ciudad. Luego se convirtió en su contaminante, como antes lo fue el caballo. En la primera sala de la exposición vemos que en aquel cambio de siglo ya competían el vehículo eléctrico y el impulsado por petróleo. Hay un automóvil extraordinario que se exhibe, el Porsche Paeton de 1900, que tenía motor eléctrico e inspiró a la NASA para el primer vehículo en la Luna. Ahora estamos entrando en otra era, que probablemente será otra revolución.

XL. ¿Cómo imagina la ciudad del futuro?

NF. La pandemia ha acelerado tendencias que ya existían, como la peatonalización. Probablemente la ciudad del futuro será más verde, más silenciosa, segura y más amable para los peatones.

Jeff Koons . Puppy, 1992. Acero inoxidable, sustrato y plantas en floración

XL. ¿Cuándo acabó el confinamiento, nos lanzamos a la calle?

NF. Sí, pero en paralelo vimos una revolución del espacio público, calles que normalmente estaban congestionadas de coches dieron paso a los peatones, surgieron las terrazas: lo veo en Boston, Londres o New York, os cafés han invadido las calles…

XL. ¿Usted, que está viajando constantemente, como llevó el confinamiento?

NF. ¡Fue un gran lujo!. Dibujé y escribí mucho más…la tecnología nos ha permitido comunicarnos sin viajar…y nos ha hecho más conscientes del valor del cara a cara, del contacto físico…

La escritura es solitaria. Pero diseñar y levantar un edificio es trabajo de equipo: es una labor multidisciplinaria, es un proceso creativo, y ningún zoom puede superar eso. El proceso creativo es crucial para unir a la gente. El lugar más importante en un laboratorio de investigación es el comedor, es el punto de encuentro donde personas de distintas disciplinas se reúnen y cruzan su fertilidad, ahí es donde se consiguen los avances médicos, Los espacios sociales son cruciales….

XL. ¿El teletrabajo va a cambiar las ciudades?

NF. …Las ciudades están gestionadas por la gente que no se puede permitir ese lujo…Un hospital, un cuerpo policial o una central eléctrica, no lo pueden hacer desde casa. El teletrabajo es cosa de una minia proporción de la humanidad, la mayoría no pude permitírselo.

XL. Los coches son un símbolo de estatus…

NF. Es una extensión mecánica de nosotros mismos, igual que lo fue el caballo. El coche nos dio movilidad, lo podemos controlar, dirigir. Como dijo Henry Ford “Si preguntas a la gente lo que quiere, te contestarán que jun caballo más rápido”. Está en nuestro ADN, nos esforzamos por llegar más rápido y más lejos. Pasa con las torres altas, desafiamos la gravedad.

En la sala dedicada a los visionarios, veras imágenes de los primeros años cincuenta que muestran el coche autónomo…El futuro se anticipó hace más de medio siglo. No es difícil imaginar un futuro sin conductores, sin accidentes y sin seguros…

XL la gasolina está muy cara

NF. El coche está históricamente acostumbrado a la escasez de combustible y su encarecimiento…hay vehículos que ocupan menos espacio y consumen menos. ..Ya se ha logrado convertir agua del mar en combustible para aviones, quizás viviremos nuevos tipos de combustión.

XL La interferencia del coche está clara en el arte de los futuristas

NF. Y en otras corrientes, como el aerodinamismo, una rama del art déco. Artistas como Umberto Boccioni y Brancusi anticiparon las formas aerodinámicas…en el Jeep militar, se ven los huesos del vehículo, su elemental acabado es de un enorme atractivo estético

XL. ¿Cuál es su coche preferido?

NF. Son muchos. Quizás los muy básicos, como los primeros Porsches. Hay uno de principios de los cincuenta que ni tiene indicador de combustible. Su carrocería es la más bonita de Porsche.

XL ¿Los años cincuenta le parecen una edad dorada?

NF. Puede ser, hay varias…El período post Segunda Guerra Mundial generó una enorme democratización de la movilidad, como el Cinquecento, el dos caballos y el escarabajo.

Bugatti Type 35

XL ¿Se mantiene hoy en día esta conexión entre coches, arte y arquitectura?

NF. No lo creo. En el pasado había muchas expresiones diferentes del automóvil, y eso se relejaba en la pintura y la escultura….hoy es más seguro, más sofisticado, pero carece absolutamente de individualidad. Y se refleja en nuestra sociedad. Quizás ahora hay más uniformidad en los coches y en nuestra sociedad.

La inversión en infraestructuras es inversión en las generaciones futuras…para afrontar el futuro de una manera más optimista…se invierte en educación, en ciudades más limpias y silenciosas, en maneras más rápidas de conectarlas con vías de alta velocidad.

XL ¿la sostenibilidad?

NF…la sostenibilidad es una cuestión de inversión en tecnología d formas limpias de propulsión…

XL. ¿Cuál es el objetivo de esta exposición?

NF. Si alguien se va pensando “¡Guau!, algunos de estos automóviles son una forma de arte”, lo hemos conseguido. Y también si ven que el coche eléctrico y el autónomo ya fueron anticipados en el pasado. La ciencia ficción de mi juventud es la realidad de hoy.

Mantengo el optimismo porque veo en los jóvenes inteligencia y ganas, Acabo de dar una charla sobre creatividad a chicos de entre 14 y 18 años, ese público estaba alerta, transmite frescura. Me gusta trabajar con gente joven, me entusiasma el pensamiento joven.

ESCULTURAS

A principios de la década de 1950, Arthur Drexler describió los automóviles como “esculturas vacías con ruedas”. En esta sala hay dos esculturas de los artistas más importantes del mismo periodo: Figura recostada, de Henry Moore, definida por sus suaves curvas; y el colosal móvil de Alexander Calder 31 de enero, que destaca por su incesante y grácil movimiento.

Andy Warhol (1928 – 1987). Benz Patent-Motor Car 1886.
Serigrafía y Acrílico sobre lienzo.

Cada uno de estos automóviles sobresale por su excelencia técnica —dos de ellos están considerados como los vehículos de serie más rápidos de la carretera—, pero aquí celebramos la belleza de sus fluidas líneas.

Al igual que las grandes obras de arte, el Bugatti Type 57SC Atlantic, el Hispano-Suiza H6B Dubonnet Xenia y el Pegaso Z-102 Cúpula tienen un valor excepcional como ediciones limitadas realizadas para entendidos.

Pese a haber sido producido en serie, también del Bentley R-Type Continental se fabricaron únicamente cerca de 200 ejemplares. Otra analogía entre este trabajo y el del estudio del artista se refleja en las carrocerías de estos automóviles, moldeadas una a una por artesanos que doblegaron el metal de manera manual para configurar sus curvas compuestas.

El Atlantic, creado por Jean Bugatti, estuvo ligado a una familia inmersa en el mundo del arte y la arquitectura durante varias generaciones. Junto al automóvil, se presenta aquí la escultura Pantera al acecho, obra del tío de Jean, el artista Rembrandt Bugatti.

Buckminster Fuller (1895 – 1983) y Starling Burgess
(diseñador de yates)
Fabricación 1933-34/2010 (4 unidades).
Propietario Foster Family Collection.

Buckminstyr Fuller solo produjo tres Dymaxion Car originales, y afirmó que ninguno de ellos “estaba diseñado para ser solo un automóvil”, sino la “fase terrestre de una máquina voladora sin  alas y con dos zancos orientables de propulsión”.

Alexander Calder 31 de enero

Cumplía así su máxima de “hacer más con menos” al superar a las berlinas Ford de la época, que compartían idéntico chasis, motor y transmisión. Era más veloz, consumía menos gasolina y transportaba a un mayor número de personas. Sin embargo, como prototipo tenía problemas de estabilidad a velocidades altas. En 2010, empleando los documentos y planos originales, Norman Foster creó el cuarto Dymaxion en honor a “Bucky”, su amigo, mentor y colaborador desde 1971 hasta su fallecimiento en 1983. Todo en él procede de fuentes históricas originales, excepto la carrocería, que, no obstante, esta construida con los mismos materiales y técnicas utilizadas en la década de 1930.

Bentley R-Type Continental. 1952

Voiture Minimun. 1936

Diseñado por Le Corbusier

The Design Museum

Con su “automóvil mínimo de máxima funcionalidad”, Le Corbusier accedió a un concurso de diseño patrocinado por la Asociación Francesa de Ingenieros Automovilísticos.

Buscaban tener un coche sencillo y de producción en serie que costara 8.000 francos.

La forma sencilla y armoniosa del Voiture Minimum alberga un interior espacioso, con un asiento corrido para tres personas en la parte delantera y un asiento abatible orientado a un lado que podía convertirse en cama de campaña.

Posteriormente Le Corbusier aseguró que su modelo había servido de inspiración para el Citroën 2CV.

1er parte http://onlybook.es/blog/8012-2/