Palladio+Scamozzi arq. Trissino. El teatro de la vida, parte V

Palladio+Scamozzi arq. el teatro de la vida, parte V

Parte V

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Cuatro Libros de arquitectura

En los “Cuatro libros de arquitectura”, testamento arquitectónico y la herencia que nos legara Andrea, editado en  Venecia en 1570 escribió “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado”.

Ya había realizado para ellos un palacio en Vicenza, en Contro Riale, además de una casa suburbana.

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Cuando se entra en Sarego, nombre actual de Meledo,  y girando a la derecha, nos detiene una puerta reja, y un cartel donde se lee “Villa Trissino. Arch A. Palladio (1540-1547).

Mientras entramos creemos oírlo leer su capítulo XII, de sus libros: “Las casas de la ciudad son realmente de mucho esplendor y comodidad para el gentilhombre, teniendo que vivir en ellas todo el tiempo que le haga falta para la administración de la república y gobierno de las propiedades…y además por el ejercicio que en el campo se suele hacer a pie y a caballo, el cuerpo conservará más fácilmente su salud y vigor….el ánimo se repondrá y tranquilamente podrá dedicarse a los estudios de las letras y a la contemplación… Al elegir el sitio para la casa de campo se deben tener en cuenta todas aquellas consideraciones que se hacen al elegir el sitio en la ciudad, puesto que la ciudad no es más que una casa grande, y por el contrario, la casa una ciudad pequeña”.

El grabado que vemos en su tratado nos da la imagen de una estructura imponente, de varios niveles, el desarrollo de un complejo romano. Llama la atención las dos barchesse con columnas toscanas.

Al no estar terminado, nos pude hacer pensar que fue el desarrollo de una villa grandiosa que “navega” en la orografía ondulante del pueblo de Meledo. Hoy al lado de una iglesia parroquial desde donde se disfruta las vistas desde una colina. Podemos suponer una hipótesis teórica imaginada para un sitio real.

Ludovica, la propietaria y al fondo la 2nda Barchesse

Durante más de 7 años, la familia de Livia Pertile y su marido Antonio Ognisanto recuperaron la barchesse que está al lado del río Guá y que posee una torre, una acción fundamental ya que el complejo estaba reducido a un estado de abandono y su conservación en peligro.

Un día, el hijo de Antonio entra en la cocina de la planta baja donde me alojé, lo saluda, y se va. Antonio, enorme en su aspecto y su afecto, mira el suelo, y comienza a llorar, silencioso, lentamente, tristemente. Su hijo se va a estudiar a Milán, y el allí, en el palacio inconcluso de Palladio, 4 siglos y poco más, Antonio vive su pena. Me acerco, lo abrazo, le digo que sé lo que sucede, lo viví. Ese día, sentado en mi mesa, comenzamos a entendernos en distintos idiomas con un solo sentimiento. El premio, recorrer, los espacios aun no restaurados, la torre, el colmenar, la grandiosidad de lo que pocas veces el hombre puede representar, como lo hizo Bach, como tantos pocos otros.

Antonio me explicó que el techo de la última estancia, bajo la torre la pintó Eliodoro Forbicini (1533-..) de la escuela de Veronese, que sobresalió con sus grotescos. La pintura grotesca, se refiere a lo extraño, misterioso, magnífico, fantástico, horrible….se utiliza como calificativo de formas extrañas, distorsionadas. También a un estilo extravagante. Me dice que son muy admiradas dos habitaciones que realizó en el Palazzo Canova. Esto también nos une.

Todos dicen que la enorme reputación de Andrea Palladio, en sus inicios, y muchos más después de su muerte, se ha basado en su enorme habilidad como diseñador de villas. Éstas fueron necesarias debido a la guerra de la llamada Liga de Cambrai, que provocó una enorme destrucción de casas en los 8 años ((1509-1517) en los que se enfrentaron Francia, los Estados Pontificios y la República de Venecia, a los que se les unieron en forma intermitente España, el Sacro Imperio Romano Germánico, Inglaterra, Escocia, el Ducado de Milán, Florencia, el Ducado de Ferrara y Suiza.

El Papa Julio II crea una liga anti veneciana que llaman la Liga de Cambrai, cuyo objetivo era contener la influencia veneciana en el Norte de Italia. No solo resultaron dañadas las casas, junto a ellas también sufrieron las infraestructuras rurales. La recuperación fue lenta y llega el año 1540, que es cuando crece el mercado urbano de los productos alimenticios y la decisión política de liberar a Venecia y el Véneto, de la dependencia del cereal que provenía del exterior, especialmente el que provenía del peligroso y amenazante imperio otomano. Se invirtió en agricultura y en estructuras, así como en irrigación y drenajes. Los latifundistas invertían y al mismo tiempo crecían tanto sus parcelas como su riqueza.

Existía la necesidad de un nuevo tipo de residencia rural. Algunas pretendían tener un gran palacio en el campo, casi como el de la ciudad, ese fue el caso de la enorme villa da Porto en Thiene, otros tenían la idea de casas o villas más pequeñas para establecer una presencia social y política en el campo y se las adaptó para el reposo, la caza y evitar vivir en las “malsanas ciudades”. No menor era la pretensión de impresionar a vecinos y huéspedes, muchas veces importantes socialmente, y otras económica y políticamente. Palladio dio respuestas a estas necesidades, y de qué manera!

Imagino a Andrea, pensando que debía documentar de entre todas sus obras aquellas que podrían ser un modelo por los siglos de los siglos, de un referente y un festejo a la buena arquitectura. Ese, debió ser su objetivo, y me lo imagino con el mismo empeño, con que 152 años más tarde, en 1722 Johann Sebastián Bach  escribiera el clave bien temperado (templado), para demostrar que otra afinación o temperamento era posible. Se alejaba así de las formas de afinación pitagóricas o las de Aristógenes. Ambos tomaron los elementos preexistentes para crear y producir espacios para una mejor vida. Seguramente alguien dijo, y si no lo dijo, podemos decirlo nosotros:

– Son genios, saben, que deben dejar referentes, claras señales que permitan a los demás seguirlas.

Y estoy seguro que Andrea escribía con ese propósito en sus Cuatro libros de arquitectura, sobre esta villa: “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado. En lo alto de la colina ha de estar la sala, redonda, rodeada por las habitaciones, pero ha de tomar la luz por encima de ellas. En la sala hay algunas medias columnas que sostienen un balcón al que se entra por las habitaciones de arriba…debajo…están las cocinas, los tinelos y demás lugares. Y como cada lado tiene vistas bellísimas, hay cuatro logias, de orden corintio, sobre cuyos frontispicios surge la cúpula de la sala. Las logias, en semicírculo, tienen un aspecto muy grato. Más abajo, y ya casi en lo llano. Están las bodegas, los establos, los graneros, la vivienda del capataz, y otras dependencias para los trabajos de campo. Las columnas de estos pórticos son de orden toscano, junto al arroyo, en los ángulos del patio, hay dos palomares”.

En muchos casos, además de escribir y comentar sus proyectos, los construía.

Buscando quienes eran los integrantes del estudio de Palladio, he dado con Domenico Groppino, arquitecto y proyectista.

En las documentaciones que encontré menciona que colaboró en el proyecto en 1550 y en su construcción entre 1555 y 1584 en la Villa que les encargó construir don Giovanni Chiericati.

Ubicado en Vancimuglio, localidad de Grumolo delle Abbadesse, sobre la calle  Via Nazionale, 1. Giovanni, era hermano de Girolamo, para los cuales Andrea realizó el palacio en la Isola de Vicenza, en esos años. En 1557, un año antes de la muerte de Giovanni, la villa estaba incompleta, recién en 1564. Estaba cubierta, pero le faltaban los áticos y las ventanas.

No se terminó hasta 1574 en que la compra Ludovico Porto. En 1584, para terminarla contrata a Domenico Groppino, más que correcta decisión. Los trabajos del estudio de Palladio, no dejan de asombrar, y podemos pensar que esta villa fue el prototipo de la Villa Rotonda y de la Villa La Malcontenta. De planta cuadrada.

Podría hacer ocurrido que Andrea dijera:

– saben que haré ? (lo arquitectónicamente correcto debería haber sido “Lo que haremos”, pero ya sabemos que Andrea estaba en lo que estaba.

– Hace tiempo que deseo repetir la idea del Panteón.

– en qué sentido?

– añadiendo un pronaos.

– pero siempre nos has dicho que era un elemento arquitectónico que precedía el acceso a un templo o a un lugar de oratoria.

– Si, pero ahora digo que lo será de una villa.

Por lo que ocurrió, es decir que el pronaos se construyó, entiendo que nadie dijo esta boca es mía.

A callar y proyectar.

Nunca antes el pronaos de un templo se había incorporado al diseño de una villa.Se sabe que Andrea en su libro “Los 4 libros de la arquitectura”, da valor a conceptos como tradición, sistematización y belleza en relación a las visiones que existían en ese momento.

Esa tradición la recupera a partir del acercamiento que hace de otros tratadistas como Vitruvio y sobre todo a sus análisis de la arquitectura de la antigua Roma.Debió pensar en la importancia de comprender la historia para poder dar las claves de un nuevo lenguaje arquitectónico. Quizás les recordó a sus colaboradores, lo que escribiera en su libro:

“… y me dediqué a la investigación de las reliquias de los viejos edificios, que han permanecido a pesar del tiempo y de la crueldad de los bárbaros. Y hallándolos dignos de mayor consideración de lo que había pensado, comencé a medir prolijamente y con mucha diligencia cada parte suya. Con lo que vine a ser solícito investigador, no sabiendo distinguir nada, que con razón y bella proporción no fuera hecho”.

Si hubiera estado dando una teórica en cualquier escuela de arquitectura hubiera dicho:

– Doy mucha importancia a la historia como principio de la arquitectura, tanto como se la doy a la tradición clásica y a la formación humanista. Hacer arquitectura no es solo un mero hacer, es hacer la conexión entre arquitectura y filosofía, y entre arquitectura y ética.

Daniele Matteo Alvise Barbaro,

Lo habrían aplaudido, ya no como una formalidad sino como una comprensión de un pensamiento esencial de la arquitectura. Luego Palladio presentaría a su amigo Daniel Bárbaro, que diría:

– El arte pertenece al campo de las verdades “inciertas” mientras que la ciencia pertenece al campo de las verdades “ciertas”. Y ambas, el arte y la ciencia se expresan en la arquitectura.

Miraría a Andrea sonriente, recordándole la importancia de una base aristotélica en cualquiera de sus consideraciones y reflexiones.

Andrea sabía que estudioso de filosofía, matemática y óptica, tenía sólidos conocimientos, había sido traductor y comentarista del tratado “De architectura” de Vitruvio y le estaba agradecido por la encomienda de la Villa Barbaro en Maser alrededor de 1560.

Parte IV

Parte III

Parte II

Parte I

Palladio+Scamozzi arq. El teatro de la vida, parte IV

4ta. parte

Estudio Palladio , Scamozzi arquitectos

Podría pensarse que Andrea no solo había ganado a Sebastiano Serlio el concurso de la basílica, sino que lo logró utilizando un recurso arquitectónico muy utilizado en el Renacimiento y luego en el neoclásico, que consistía en combinar arcos de medio punto con vanos adintelados y que llevaba el nombre de Sebastiano Serlio, es decir, “ventana Serliana”, ya que fue el primero en dar una base teórica a esta forma.

Es una impronta que aparece como arco de triunfo, utilizada en portadas y logias, sus laterales están adintelados y son más bajos.

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capilla de Santa maria del Poppolo

modelo de fachada de Iglesia por
Sebastiano Serlio

Entre tantos y tantos ejemplos, podía verse en la portada del Palacio de Carlos V situado en la colina de la Alhambra en Granada realizada por Pedro Machuca en 1527.

Pero, podríamos también pensar que la fuente de inspiración de Sebastiano podría haber sido la Villa Adriana (125-134 DC) en Tivoli, así como en el templo de Adriano (130 DC en Efeso,Turquía, donde se lo llamaba también “arco Siriaco”. Más tarde es Bramante quien lo utiliza en Sta. María Del Popolo (1507-09) en Roma,

Cuando un admirador de Andrea Palladio como Iñigo Jones lo difunde en Inglaterra, ya lleva el nombre de “arcada Paladiana”. Lord Burlington en el siglo XVIII le añade un arco exterior para recoger los tres huecos.

cuatro libros de la arquitectura

En los “Cuatro libros de arquitectura”, testamento arquitectónico y la herencia que nos legara Andrea, editado en  Venecia en 1570 escribió “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado”.

Ya había realizado para ellos un palacio en Vicenza, en Contro Riale, además de una casa suburbana.

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Cuando se entra en Sarego, nombre actual de Meledo,  y girando a la derecha, nos detiene una puerta reja, y un cartel donde se lee “Villa Trissino. Arch A. Palladio (1540-1547).

Mientras entramos creemos oírlo leer su capítulo XII, de sus libros: “Las casas de la ciudad son realmente de mucho esplendor y comodidad para el gentilhombre, teniendo que vivir en ellas todo el tiempo que le haga falta para la administración de la república y gobierno de las propiedades…y además por el ejercicio que en el campo se suele hacer a pie y a caballo, el cuerpo conservará más fácilmente su salud y vigor….el ánimo se repondrá y tranquilamente podrá dedicarse a los estudios de las letras y a la contemplación… Al elegir el sitio para la casa de campo se deben tener en cuenta todas aquellas consideraciones que se hacen al elegir el sitio en la ciudad, puesto que la ciudad no es más que una casa grande, y por el contrario, la casa una ciudad pequeña”.

El grabado que vemos en su tratado nos da la imagen de una estructura imponente, de varios niveles, el desarrollo de un complejo romano. Llama la atención las dos barchesse con columnas toscanas.

Al no estar terminado, nos pude hacer pensar que fue el desarrollo de una villa grandiosa que “navega” en la orografía ondulante del pueblo de Meledo. Hoy al lado de una iglesia parroquial desde donde se disfruta las vistas desde una colina. Podemos suponer una hipótesis teórica imaginada para un sitio real.

Durante más de 7 años, la familia de Livia Pertile y su marido Antonio Ognisanto recuperaron la barchesse que está al lado del río Guá y que posee una torre, una acción fundamental ya que el complejo estaba reducido a un estado de abandono y su conservación en peligro.

Un día, el hijo de Antonio entra en la cocina de la planta baja donde me alojé, lo saluda, y se va. Antonio, enorme en su aspecto y su afecto, mira el suelo, y comienza a llorar, silencioso, lentamente, tristemente. Su hijo se va a estudiar a Milán, y el allí, en el palacio inconcluso de Palladio, 4 siglos y poco más, Antonio vive su pena. Me acerco, lo abrazo, le digo que sé lo que sucede, lo viví. Ese día, sentado en mi mesa, comenzamos a entendernos en distintos idiomas con un solo sentimiento. El premio, recorrer, los espacios aun no restaurados, la torre, el colmenar, la grandiosidad de lo que pocas veces el hombre puede representar, como lo hizo Bach, como tantos pocos otros.

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Antonio me explicó que el techo de la última estancia, bajo la torre la pintó Eliodoro Forbicini (1533-..) de la escuela de Veronese, que sobresalió con sus grotescos.

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La pintura grotesca, se refiere a lo extraño, misterioso, magnífico, fantástico, horrible….se utiliza como calificativo de formas extrañas, distorsionadas. También a un estilo extravagante. Me dice que son muy admiradas dos habitaciones que realizó en el Palazzo Canova. Esto también nos une.

Todos dicen que la enorme reputación de Andrea Palladio, en sus inicios, y muchos más después de su muerte, se ha basado en su enorme habilidad como diseñador de villas. Éstas fueron necesarias debido a la guerra de la llamada Liga de Cambrai, que provocó una enorme destrucción de casas en los 8 años ((1509-1517) en los que se enfrentaron Francia, los Estados Pontificios y la República de Venecia, a los que se les unieron en forma intermitente España, el Sacro Imperio Romano Germánico, Inglaterra, Escocia, el Ducado de Milán, Florencia, el Ducado de Ferrara y Suiza.

El Papa Julio II crea una liga anti veneciana que llaman la Liga de Cambrai, cuyo objetivo era contener la influencia veneciana en el Norte de Italia.

No solo resultaron dañadas las casas, junto a ellas también sufrieron las infraestructuras rurales. La recuperación fue lenta y llega el año 1540, que es cuando crece el mercado urbano de los productos alimenticios y la decisión política de liberar a Venecia y el Véneto, de la dependencia del cereal que provenía del exterior, especialmente el que provenía del peligroso y amenazante imperio otomano. Se invirtió en agricultura y en estructuras, así como en irrigación y drenajes. Los latifundistas invertían y al mismo tiempo crecían tanto sus parcelas como su riqueza.

Existía la necesidad de un nuevo tipo de residencia rural. Algunas pretendían tener un gran palacio en el campo, casi como el de la ciudad, ese fue el caso de la enorme villa da Porto en Thiene, otros tenían la idea de casas o villas más pequeñas para establecer una presencia social y política en el campo y se las adaptó para el reposo, la caza y evitar vivir en las “malsanas ciudades”. No menor era la pretensión de impresionar a vecinos y huéspedes, muchas veces importantes socialmente, y otras económica y políticamente. Palladio dio respuestas a estas necesidades, y de qué manera!

Imagino a Andrea, pensando que debía documentar de entre todas sus obras aquellas que podrían ser un modelo por los siglos de los siglos, de un referente y un festejo a la buena arquitectura.

Ese, debió ser su objetivo, y me lo imagino con el mismo empeño, con que 152 años más tarde, en 1722 Johann Sebastián Bach  escribiera el clave bien temperado (templado), para demostrar que otra afinación o temperamento era posible. Se alejaba así de las formas de afinación pitagóricas o las de Aristógenes.

Ambos tomaron los elementos preexistentes para crear y producir espacios para una mejor vida.

Seguramente alguien dijo, y si no lo dijo, podemos decirlo nosotros:

– Son genios, saben, que deben dejar referentes, claras señales que permitan a los demás seguirlas.

Y estoy seguro que Andrea escribía con ese propósito en sus Cuatro libros de arquitectura, sobre esta villa: “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado. En lo alto de la colina ha de estar la sala, redonda, rodeada por las habitaciones, pero ha de tomar la luz por encima de ellas. En la sala hay algunas medias columnas que sostienen un balcón al que se entra por las habitaciones de arriba…debajo…están las cocinas, los tinelos y demás lugares. Y como cada lado tiene vistas bellísimas, hay cuatro logias, de orden corintio, sobre cuyos frontispicios surge la cúpula de la sala. Las logias, en semicírculo, tienen un aspecto muy grato. Más abajo, y ya casi en lo llano. Están las bodegas, los establos, los graneros, la vivienda del capataz, y otras dependencias para los trabajos de campo. Las columnas de estos pórticos son de orden toscano, junto al arroyo, en los ángulos del patio, hay dos palomares”.

En muchos casos, además de escribir y comentar sus proyectos, los construía.

Si desean pueden leer los capítulos anteriores

Parte III

Parte II

Parte I

Gaudí, la casa Vicens parte 2 y final

pueden leer la primer parte en:

Gaudi, la casa Vicens parte 1

Casa original 

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es foto-de-todo-el-terreno-y-proyecto-de-época.jpg foto de la casa original antes de la ampliación y el terreno completo con las obras demolidas La obra tardó en terminarse cinco años más de lo previsto debido a dificultades económicas del propietario. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es Casa_vicens_09.jpg En 1899 Dolors Giralt, viuda de Vicens, vendió la casa a Antoni Jover i Puig, y luego su propietaria fue Fabiola Jover de Herrero. Gaudi aconsejó muchas veces a la familia Jover sobre algunos detalles y el  mantenimiento de la misma. Debido al desprendimiento de piezas cerámicas de la fachada, Tau cerámicas, realizó las baldosas artesanalmente con técnicas de hace más de 1 siglo. Estas piezas están muy bien realizadas, son del siglo XXI pero se confunden con las realizadas en el siglo XX. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-terraza-y-torre-768x1024.jpg En 1925, la casa fue ampliada y reformada por el arquitecto Joan Bautista Serra de Martínez (1888-1962), con el beneplácito de Gaudí (quien estaba dedicado a las obras de la sagrada familia, y que moriría trágicamente 1 año más tarde). Se construyó un templete en el jardín, con una fuente llamada de Santa Rita, estaba en la esquina con la Avenida Príncipe de Asturias. Fue demolida en 1962. Anteriormente en 1946 se vende esa parte del terreno y las obras que la ocupaban son demolidas, allí se han construido edificios de vivienda. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es a-lateraldesde-jardin-768x1024.jpg
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                detalle de reja
Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-video-caa-1024x501.jpg Utilizando el mismo lenguaje arquitectónico fue ampliada del lado más próxima a la calle Gran de Gràcia con un agregado que alargaba la fachada de la calle Carolines. La casa quedó así convertida en una edificación con cuatro fachadas y ya no quedaba adherida a la medianera del edificio del convento, que fue finalmente derribado. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es calle-1-768x1024.jpg Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es detalle-pared-ladrillo-ceramicos-1.jpg Con la ampliación hubo un gran cambio de uso, ya que paso de ser una vivienda unifamiliar (de veraneo) a casa permanente de 3 familias, esto motivó el derribo de la escalera principal diseñada por Gaudí. En 1927 recibe del ayuntamiento de Barcelona el “premio al mejor edificio”, Serra fue galardonado con el primer premio del concurso anual de edificios artísticos otorgado por el Ayuntamiento. El 24 de Julio de 1969 es declarado “monumento histórico-artístico”, aunque La Generalitat ya la protegía desde los ´80. En el 2005 fue declarada  Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. En mayo de 2017, se anuncia (Europa Press), que la cascada de Gaudi (desaparecida a mediados del siglo XX)  se reconstruirá en el Museo de la aguas de Cornellà. Un proyecto que dirige el arquitecto Josep Vicenç Gómez (1950), experto en la obra de Gaudí.  Daniel Giralt-Miracle (1944), historiador del arte y asesor de la Fundación Agbar, explica que «la cascada, hecha para refrescar el ambiente del jardín de la Casa Vicens, era una obra eminentemente gaudiniana, por el trabajo de los ladrillos, el juego de resistencias, el equilibrio del arco, la reconstrucción se hará con el máximo rigor científico».

“…Todavía no tenemos estudios monográficos o tesis doctorales sobre la luz, el color, la acústica, las texturas el espacio y otros temas que pudiesen surgir de su obra. Es un trabajo que probablemente harán las próximas generaciones”. Luis Gueilburt (1950), fue Director del Centro de Estudios Gaudinianos

La primera casa de Gaudí

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es Casa_vicens_11.jpg Rehabilitada, restaurada y abierta como casa museo. Abrió sus puertas al público el 16 de noviembre de 2017 Es la primera obra de Gaudí en Barcelona, y fue adquirida en el año 2014 por el Grupo Mora Banc, a la familia Herrero Jover. El objetivo del proyecto de rehabilitación (con un coste de cuatro millones y medio de euros), fue dejarla lo más parecida posible a como fue en 1888. La rehabilitación duró casi tres años, el edificio es el octavo en Barcelona catalogado como Patrimonio Mundial de la Unesco

Por otra parte, el aprecio y el conocimiento de Gaudí por los oficios artesanales se debía, en parte, a que la mayoría de oficios de la ciudad trabajaban en la calle convirtiéndola, así, en una prolongación del mismo taller. Es decir, Gaudí creció con el contacto diario del trabajo artesanal –su familia tenía una larga tradición en el oficio de calderero– que, ya como arquitecto, supo aplicar de manera tan genial en una arquitectura llena de modernidad.  Marc Ferrán Vicenç.

“Gaudí tenía 31 años y en esta casa es la primera vez que puede hacer de director de orquesta, y tratar directamente con el cliente”, dice Joan Abellà Barril (1971), director del Museo Casa Vicens.

Video presentación de la casa, en el momento de su inauguración

https://www.facebook.com/LaVanguardia/videos/1698802443516671/

Sin embargo, otras partes y elementos se modificaron e incluso se perdieron, alterando su concepción original. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 1925.-Plano-original-Coincide-con-la-del-rectángulo-amarillo-de-la-foto-actual-de-abajo..-Plano-original-Coincide-con-la-del-rectángulo-amarillo-de-la-foto-actual-de-abajo-1.jpg Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es Archivo-fotográfico-del-Centro-Excursionista-de-cataluña-Imagen-del-edificio-original.jpg En estas imágenes se pueden ver los cambios antes y después de la ampliación, al ampliarse el ancho de la calle Carolines se llevó el límite de la acera hasta la fachada, asimismo se definió los de la avenida Príncipe de Asturias, que cerraba el jardín del otro lado. Se suprimió la palmera del jardín para construir una terraza, la valla original fue reemplazada por la actual forja de hojas de palmito (obra de Llorenç Matamala), idéntica a la de la puerta de acceso. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 1927-rectificación-de-los-límites-de-la-calle-Carolinas-y-de-la-Avenida-Príncipe-de-Asturias-Archivo-Histórico-de-Barcelona.jpg

Sala de Fumadores

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es a-salon-de-fumar-1-763x1024.jpg Las primeras fotografías con que contábamos eran en blanco y negro, sin poder ver los colores originales y con las fotos en color, siempre veíamos la sala de color ocre. Al comenzar a actuar y limpiar hemos descubierto muchos matices de colores: azules, verdes, dorados, etcétera. (5)

….pasar de las fachadas a los interiores, entender su lógica constructiva, entender su replanteamiento de la arquitectura, el uso inteligente de los materiales. Cuando el ladrillo no le basta, busca el basalto o el granito o el ónix. Hace un conjunto de experimentaciones del espacio como los arcos catenaricos o la maqueta estereofunicular. Es otra manera de entender la arquitectura que no es la dibujada sobre el papel sino la que dibuja formas, dibuja espacios, entiende con los ojos y con las manos las formas, esa herencia artesanal que aprende en la casa de su padre el calderero y que perfecciona y consuma en una Escuela Técnica Superior de Arquitectura recién creada que sigue la línea de la Escuela Alemana de la matemática y la ingeniería, y que permite a Gaudí tener ese doble registro como nadie: el de los oficios, de las técnicas que él ha aprendido en su casa y que sabe ejecutar y una capacidad compleja de diseño y de configuración de las formas que será excepcional. Daniel Giralt Miracle. En el año 2002 fue Comisario General del Año Internacional Gaudí

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Libro Gaudi Obras completas

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 22544627221-1.jpg

Daniel Giralt-Miracle,  realizó la introducción “El fenómeno Gaudi” a nuestro libro “Gaudi Obras completas”, editorial H Kliczkowski. Firmó la misma como “Historiador de arte, crítico y Comisario general del año internacional Gaudi, este libro que fue dedicado a S.W. llevaba el ISBN 978-84-89439-91-7, tiene 240 páginas (tapa dura con sobrecubierta), editado en distintas lenguas, español, catalán, inglés, francés, polaco, japonés, italiano, alemán, portugués, holandés, ruso.. En conjunto se editaron más de 400.000 libros, se acordaron varias coediciones con otras editoriales, y obtuvo varios premios editoriales. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es fachada-1.png 1925.- Plano original del proyecto de ampliación presentado por Juan Bautista Sierra. Se puede identificar la parte añadida en rojo en la parte derecha de la imagen. Coincide con la del rectángulo amarillo de la foto actual de abajo. Pero la pérdida más sentida de aquel jardín fue la de la imponente cascada monumental que había en la parte de poniente del jardín, cerca del umbral con el callejón de Sant Gervasi, también hoy desaparecido. La estructura de la cascada era de ladrillo visto con un arco parabólico sobre el que había un paso entre columnas. El agua, almacenada en dos depósitos situados en cada uno de los extremos, caía ofreciendo agradables efectos ruidosos. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es imagenes-compaativas-de-los-cambios-fachada-y-acera-1.jpg

“Hemos encontrado más sorpresas, como la galería exterior, cerrada con vidrio, que estaba abierta. Estamos restaurando la fuente, que tenía una pieza que dibujaba un arco iris… Mil y un detalles que Gaudí nos dejó y que estamos intentando recuperar”. (4)

Aunque Antoni Gaudí, a veinte años de su muerte, ya era considerado en todo el mundo un arquitecto de prestigio, el régimen del momento no solo no protegió el patrimonio arquitectónico de la ciudad, sino que permitió la desaparición en 1946 de esta parte de la casa. La Gran cascada y el jardín, mutilado, no se pueden recuperar.

“Es una lástima. La cascada aún la podríamos reproducir, pero no en el espacio original, porque era una finca que se fue reduciendo hasta el aspecto actual. La casa era de veraneo, y Vicens fue comprando las fincas de los alrededores para hacerla muy grande, pero después se dividió porque allí vivía una familia todo el año. La ciudad se fue apropiando del espacio”. (5)

 Gaudí no proyectaba, Gaudí tenía en su cabeza los edificios terminados, y así los trasladaba a las maquetas, completos, sería más tarde cuando haría los cálculos que le permitieran construirlos. Gaudí poseía una intuición primitiva y en su sentido más noble, animal, el mismo instinto que le dicta a la golondrina el buche exacto de barro que llevará en su pico y la herencia inmemorial que le dirige cómo construir el nido que colgará bajo un balcón, perfectamente adherido, sin desprenderse haga el viento que haga. Ninguno de esos animales ha necesitado leer Entretiens sur l’Architecture de Viollet-le-Duc  para hacer esa exquisita obra. Del mismo modo, Gaudí llevaba en la sangre bastantes generaciones de antepasados caldereros, artesanos que sabían envolver el espacio, creando volúmenes, y por ello su sabiduría también era genética… Ana Mª Férrin (biógrafa de Gaudí).

Un accidente mortal

Hablan los vecinos…. Brutal noticia: La bebé Ramona Domènech i Tarragó, de pocos meses de vida se ahogó accidentalmente en la cascada del jardín –la que actualmente ya no existe-. Ésta noticia apareció publicada en periódicos como, La Vanguardia y La Campana de Gràcia, a finales de 1898. El 26 de Octubre de 1898 en el periódico La Publicidad se describe la finca propiedad de Dolores Giralt, viuda de Manuel Vicens i Montaner, como de un estilo original, “mezcla de todas las arquitecturas que la distingue de los otros edificios”, una casa “casi rodeada de jardines, desierta desde hace algunos años”. Estas crónicas nos permiten saber: que la señora Giralt, viuda del señor Vicens, dejó de habitar en ella después de la muerte de éste y se fue a vivir a la casa del rector de la iglesia de Sant Joan de Gràcia, Francisco Llanas Viñas.

Ha ocurrido que Gaudí es esencialmente visual. La fuerza de Gaudí es la expresividad de la forma, la intensidad del color, la capacidad de hacer una arquitectura diferente que va entre la racionalidad más pragmática de su formación como arquitecto de alto nivel y de esa capacidad artística de determinar espacios, formas, signos y símbolos. Si unimos un arte exacerbado potente y una capacidad técnica y constructiva excepcional, sale este melting pot (crisol de culturas), este binomio, este matrimonio que es Antonio Gaudí. Daniel Giralt Miracle. En el año 2002 fue Comisario General del Año Internacional Gaudí

Manuel Vicens, en su testamento, nombra como tutor legal de su hija adoptiva al mismo Francisco Llanas así como también al escultor Antoni Riba, autor de las dos esculturas que se conservan en el comedor de la Casa Vicens. En las noticias podemos también saber cómo describían a la casa, al jardín y la cascada. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-video-foto-cascada-1024x552.jpg Según La Publicidad era una “construcción alta, esbelta, hermosa, oculta casi por la hiedra, que hace desaparecer las líneas de su arquitectura”, Publica La Campana de Gràcia una nota ilustrada con una imagen de la Casa Vicens, en concreto de la fachada sureste, de la calle de les Carolines. , estas  fotografías (de las pocas que se conservan) han permitieron abordar la restauración y rehabilitación de la casa con menores errores de los posibles, debido a la falta de documentación. En ese otoño de 1898 la Casa Vicens fue un tema de conversación recurrente entre el vecindario de Gràcia. Además de comentar el accidente mortal dan opinión de la casa: “la finca desde la calle de Sant Gervasi presenta un aspecto triste, en cambio, vista desde los jardines, ofrece una silueta preciosísima, contemplándose sus atrevidas torres, sus originales arcos, sus galerías, los parterres preciosos, etc.” Dirección:   Está sobre la calle Carolines, 24, en el barrio de Gracia,en Barcelona. Cuando se construyó Gracia era una villa independiente de Barcelona, con un ayuntamiento propio.

Podríamos decir que a las tres cualidades que deben presidir la Arquitectura según Vitrubio, “la Función”, “la Técnica” y “la Forma”, añadió Gaudí además, “la Naturaleza”, con igual relevancia, e incluso anteponiéndola a las otras tres del Arquitecto romano. Para Gaudí, su gran maestro, la Naturaleza, se manifestaba en el mismo árbol que veía a través de la ventana de su estudio, en el L’Obrador de la Sagrada Familia. Josep Ma. Adell.

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es viven2-1024x687.png Que se puede ver? En una casa de cuatro plantas, con 10 puntos de museografía, un audiovisual, la sala fumador, la galería exterior, la terraza, la biblioteca, el bar y el jardín. Está previsto que la visiten 500 personas al día, 150.000 al año. Calle de les Carolines, 20-26 08012 Barcelona reserves@casavicens.org +34 93 547 59 80 

Horarios

Abril – Septiembre, de lunes a domingo de 10:00 a 20:00 hs. Octubre -Marzo, lunes de 10:00 a 20:00 hs. de martes a domingo de 10:00 a 19:00 h. Autobús: 22, 24, 27, 31,32, 87, 92, V17, N4 Metro: L3 – Lesseps / Fontana FGC: Pl. Molina (L7) y Sant Gervasi (S5, L6)

Frases de Gaudi

“Sólo hay una clase de hombres que tengan derecho a decir tonterías, los tontos”. de la discusión no sale la luz, sino el amor propio”. – “desconfía de los que te adulan, porque detrás de las adulaciones viene el engaño”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es terraza-16-768x1024.jpg – Definía al Arquitecto como “el hombre sintético, que ve las cosas claramente de conjunto antes de que estén hechas, que escoge y une a los elementos en su relación plástica y en la distancia justa; y que tiene que resolver los difíciles problemas artísticos, los mecánicos y los utilitarios”. Sobre los trabajos de Le Corbusier, Gaudi opina críticamente: “he visto una maqueta de este arquitecto y es un montón de paralelepípedos. Parece mucho un muelle de descarga de una estación donde se han metido cajas de embalajes. Algunas de ellas recuerdan mucho  a estantes. Este hombre tiene mentalidad de carpintero”.  Ideas de Gaudí que vertió durante los trabajos de la Sagrada Familia y transcritas por sus discípulos: “La arquitectura es la ordenación de la luz; la escultura es el juego de la luz; la pintura, la reproducción de la luz por el color; que es la descomposición de la luz”. “Mis ideas son de una lógica indiscutible; lo único que me hace dudar es que no hayan sido aplicadas anteriormente, y que tenga que ser yo el primero el hacerlo”. “La originalidad consiste en el retorno al origen; así pues, original es aquello que con sus medios vuelve a la simplicidad de las primeras soluciones”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es terraza-14-768x1024.jpg “Se debe estar ocupado todo el día, intelectualmente y manualmente, caminando y haciendo ejercicio, todo a proporción a las fuerzas que se tienen. Así se duerme toda la noche completa, y esto es el equilibrio, la compensación, la vida”.  “El gran libro, siempre abierto y que conviene esforzarse en leer; es el de la Naturaleza; los demás libros han salido de éste y tienen además las interpretaciones y equívocos de los hombres”. “Para hacer las cosas bien se debe sentir amor por ellas y disponer de la técnica”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es f-ceramicas-3-1024x630.jpg  “El Arquitecto ha de saber aprovecharse de lo que “saben hacer” y de lo que “pueden hacer” los operarios. Se ha de aprovechar la cualidad preeminente de cada uno. Eso es: integrar, sumar todos los esfuerzos y darles la mano cuando se atasquen: así trabajan a gusto y con la seguridad que confiere la plena confianza en el organizador”. “Para la armonía, esto es, el equilibrio, es necesario el contraste; luz y sombra: continuidad y discontinuidad; convexidad y concavidad, etc.”.  “La elegancia es hermana de la pobreza; pero conviene no confundir la pobreza con la miseria”.  “En la iluminación de las iglesias hay el malentendido de los que creen que el exceso de luz favorece. No es así. La luz debe ser la justa; ni mucha ni poca”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es e-cereamica-924x1024.jpg  “Los paraboloides, hiperboloides y helicoides son superficies regladas, arregladas, puestas en regla, reglamentadas”. “La cualidad esencial de la obra de arte es la armonía; en las obras plásticas nace de la luz, que da relieve, decora”. “Para hacer una cosa se necesita tanto más coraje cuanto menos conocimientos se tengan, pues estas dos cualidades están en razón inversa”. “La arquitectura es la primera arte plástica; la escultura y la pintura necesitan de ella”. “Para que una obra arquitectónica sea bella, es preciso que todos sus elementos tengan la situación, la dimensión, la forma y el color justos”. “A los artistas no se les debe hacer monumentos, puesto que ya lo tienen hecho con sus obras. Para conmemorar actos de heroísmo, abnegación o sacrificio que pronto serían olvidados, puede hacerse un monumento”. -“la belleza – decía – es resplandor de la verdad” “la verdad incorpora la belleza, y no requiere explicación para ser admirada. “nosotros poseemos la imagen, la fantasía viene del fantasma, la fantasía es de la gente del norte, nosotros somos concretos, la imagen es del Mediterráneo, Orestes sabe dónde va, Hamlet divaga perdido”. Anécdotas sobre Gaudí – De su firmeza de carácter recuerdo la anécdota de que recibió el encargo de la decoración de la habitación de una casa noble y que después de terminado se le pidió que la reformara al objeto de que la niña de la casa pudiera tocar el piano, a lo que se negó Gaudí, proponiendo que tocase el violín en vez del piano. (Joan Jordi Bergós) NotasEsta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es ventana-747x1024.jpg 4 “GAUDÍ ARQUITECTO”.  Colegio de Arquitectos de Madrid. 16 de Abril de 2002. 5 Joan Abellà Barril director de la casa Vicens. El artículo Joan Abella: Amb Casa Vicens volem fer un Gaudí per passejar-lo sense massa pressa” fue publicado en El Periòdic de Andorra el 13 de marzo de 2017.
Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente gracias
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Arq. Margarete Schüte-Lihotzky, “Grete”.

Margarete Schüte-Lihotzky, “Grete”

Su esencia fue su compromiso social y político. (1)

En la fundación Juan March, la arquitecta Fuensanta Nieto, concluyó su conferencia, diciendo: “…así como Grete, ayudó con su esfuerzo a las mujeres del siglo XX y XXI, nosotras debemos hacer el esfuerzo de ayudar a las mujeres sometidas para que en éste y el próximo siglo, su vida sea mucho mejor que la de hoy”. (2)

Con una calidad expositiva extraordinaria, acompañada de imágenes y videos, nos adentrarnos en la vida de Margarete Schüte-Lihotzky, conocida como “Grete”.

 Fuensanta Nieto (1957), junto a Enrique Sobejano (1957) forma parte del reconocido estudio de arquitectura: Nieto/Sobejano.

Han recibido más de 15 primeros premios, la medalla Alvar Aalto, el  premio Aga Khan, el Premio Nike de la BDA (Bund Deutscher Architekten) y el Premio Hannes Meyer. Fuensanta es codirectora de la revista Arquitectura (editada por el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid).

Margarete Schüte-Lihotzky. “Grete”

“…la arquitectura no es un estímulo estético, sino un arma eficaz en la lucha de clases”. Hannes Meyer

Grete vivió 103 años, 80 de los cuales los dedicó a su profesión.

Fue la primer mujer arquitecta en Austria.

Conocía a Oskar Kokoschka (1886-1980), trabajo con Adolf Loos, (1870-1933) de él aprendió “la forma de ver la arquitectura”.

Su defensa de la mujer se fue transformando en un activismo político, su interés principal fue la vivienda social y la sistematización y racionalización. Su interés por el equipamiento social no ha sido otro que el interés por ayudar a la mujer, mejorando su posición social.

Su padrino para entrar en 1915 en la Escuela de Artes Aplicadas, fue Gustav Klimt -a pedido de su madre-. Tuvo de profesores a Oskar Strnad (1879-1935), Henrich Tessenow (1876-1950) y Josef Hoffmann (1870-1956).

Su profesor Strnad le enseñó que “..todo milímetro cuenta, es importante y puede modificar la forma en que vivimos”. Sus estudios se desarrollaron mientras duró la 1er. Guerra mundial.

Obtuvo en 1917 el premio Max Mauthner por el “Proyecto para un centro cultural» y en 1919, el premio Lobmeyer por unas viviendas para trabajadores.

En 1918 desaparece el imperio austro-húngaro y nace la república.

Decía que la calidad de las viviendas marca la diferencia entre las clases desfavorecidas y las acomodadas.

En 1920 gana el concurso para la Construcción de pabellones en huertos parcelados en Schafberg, junto al arquitecto paisajista Alois Berger.

Adolf Loss fue director del Ministerio de la vivienda de Viena entre 1920-22,  Grete (en 1921) colaboró con él en el proyecto de la Siedlung Friedensstadt.

Fue profesora de arquitectura en Moscú, China, Estambul y la Habana.

En Berlín proyecta el conjunto de viviendas “Mietskasernen”.

En 1924 contrae la tuberculosis, (su madre no consigue sobrevivir a la enfermedad), es internada en el sanatorio antituberculoso de Grimmenstein. Durante su convalecencia  en 1925 realiza el proyecto de una ciudad-sanitaria y un “mobiliario adaptado”.

                                         Karl Marx Hof

Hizo un pormenorizado análisis de las 65.000 viviendas que se construyen en la Viena Roja. En una época de plena construcción de viviendas el arq. Karl Ehn (1884-1959) hace la Karl Marx Hof 1927/30 (hof = patio). Son 1.400 viviendas para la clase obrera desarrolladas en 1.100 mts, son viviendas de baja densidad (20%) con equipamientos sociales.

En la misma época se realizan otros conjuntos de viviendas, realizados por Behrens (1868-1940), Hoffman, Frank, Strnad y Loos.

Simultáneamente proyecta un refugio para trabajadoras de 192 viviendas.

Grete conoce al urbanista Ernst May (1886-1970). Este se queda muy impresionado de su capacidad y en 1926, ya nombrado concejal de urbanismo, le encarga tareas para la Neue Frankfurt. El lema es “Luz, aire y sol”.

La misión de Grete consistió en aunar ideas sobre la racionalización de la economía doméstica para aplicar a las diversas tipologías de viviendas que se construirían en Fankfurt am Main.

Entre sus primeras mejoras, figura la separación de áreas como la antigua cocina-lavadero.

En la ciudad de Frankfurt am Main. Son 15.000 viviendas, que equivalen al 90 % de las viviendas edificadas en esa ciudad en ese período.

Es  una época de reconstrucción, Alemania queda muy destruida después de la guerra. Entre 1922/24 se realizan grandes construcciones de viviendas.

En 1926 escribe varios artículos en la revista fundada por Ernst May “El nuevo Frankfurt”, como la cocina de Frankfurt, las cocinas para colegios y enseñanza y la vivienda para la mujer trabajadora.

 “…solo cuando la función se haya resuelto, puede comenzar el proyecto” MS-L

“La cocina de Frankfurt”, la Frankfurter Küche

 “Yo no soy una cocina: Si hubiera sabido que todos hablarían solo de ello, no habría construido nunca esa maldita cocina”. MS-L

Su primera cocina llamada de “núcleos húmedos” o “zona de aguas”, es de 2 x 2,05 mts con un pasillo o espacio de trabajo de 95 cm.

En septiembre de 1922 la expone en la «4ta. Exposición Hortícola Vienesa». La patenta aunque no se industrializa,

Ese año recibe la Medalla de Bronce de la ciudad de Viena.

Investigó tres posibilidades:

La cocina-estancia con cocina-lavadero.

La cocina-comedor.

La cocina-trabajo.

Consideraba que si se concentraba las actividades en un  solo espacio se ahorraba energía para la calefacción y se fomentaba la comunicación familiar.

Su idea de cocina-comedor trataba de evitar la segregación de la mujer del resto de la familia. En Weissenhoff en 1926, que diseñó Lilly Reich (1885-1947) expone su “cocina de Frankfurt” de 6,50 m2.

Las mujeres trabajaban en la casa, en el llamado “trabajo doméstico”. Grete no cuestionaba ese trabajo, pero estudio la manera que pudieran hacerlo de una forma más eficiente, al tiempo que deseaba que se éste se reconozca como una profesión.

Para ello estudia la altura de los muebles y su distribución, ahora la mujer  moderna puede trabajar sentada, tiene el almacenamiento de comida a mano, y puede tirar la basura a cubos más cercanos a su tarea.

Con un acceso al agua más fácil y práctico. Estudió recorridos más fáciles, cortos y más eficientes

Incorporó un taburete que puede subir o bajar el asiento.

Le puso un color azul verdoso, en un estudio que realizara llegó a la conclusión que ese color no atrae las moscas.

Realiza cajoneras metálicas, donde no van los insectos de la madera.

Es un proceso de estandarización y de homogenización.

Es la 1era vez que se planteaban esos temas, han pasaron 100 años y se sigue el mismo o similar esquema.

En la exposición la nueva vivienda y su diseño interior la nueva cocina obtuvo su mayor publicidad y conocimiento social.

Feria de Frankfurt de 1929

Su difusión permitió que otros países como Francia incluyeran su modelo de cocina en 260.000 viviendas. Frankfurt en 10.000 hogares, Moscú, etc.

Podría ser comparable a su diseño de cocina (por la sistematización), la “Dymaxon” de Buckmister Fuller (1895-1983).

En 1924 la comunidad vienesa encarga a la Asociación Hortícola Austríaca, construir un gran bloque de viviendas obreras, se ocupan los propios arquitectos de la Asociación  Grete Schüte- Lihotzky y Franz Schuster (1892-1972), junto a ellos los  arquitectos modernos:

Peter Behrens, Josef Frank, Josef Hoffmann, Adolf Loos, Oskar Strnad, Oskar Wlacgh (1881-1963)

En 1926, a raíz de un concurso que realizo (y no ganó), estudio la cocina en los trenes, le interesaba saber cómo en un lugar tan acotado se preparaba comida para 100 personas.

Durante la conferencia Fuensanta pasa un video de la cocina de Grete, la misma que luego se construyó en 10.000 viviendas.

                                    Charlotte Perriand

La arquitecta Charlotte Perriand (1903-1999) también diseña una cocina que luego instala en una unidad habitacional de Le Corbusier. Así como las cocinas de las case study, se puede hacer una visión conjunta de las cocinas de MS-L, Perriand y Case Study.

“..Nunca antes había cocinado, no se cocinar, lo he diseñado como arquitecta…” MS-L

Con la habilidad que su gran humor le permitía, pudo incorporar en proyectos que eran solo accesibles a hombres, sus ideas, y pudo reinventar el equipamiento social.

Entre sus diseños figura una escuela en 1929 para enseñar a cocinar, con una profesora en un lugar central y un semicírculo de estudiantes, con sus mesadas y cocinas.

Desarrolló un equipamiento y programas específicos para mujeres, como un Kindergarten en Praunheim (que no llegó a construirse) pero si el modelo, que fue repetido en otros diseños de viviendas, sus proyectos decía, respondía a las indicaciones de Maria Montessori (1870-1952. (3)

                  Siedlung Römestadt

En 1929, participan Grette y Eugen Kaufmann (1892-1984) del segundo congreso del CIAM. (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna), celebrado en Frankfurt, donde presentan un proyecto para viviendas en hilera. Hay un contencioso entre los estándares mínimos que presentaba  Ernst May (1886-1970) y los de “existencia máxima” de Le Corbusier, en ese congreso.

Cuando se traslada a Moscú con su marido, se hacen cargo de equipos que están proyectando viviendas para 200.000 trabajadoras. Cuando dejan el proyecto en 1933 se trasladan de Rusia a China y Japón.

En China la invitan a quedarse para desarrollar sus proyectos de kindergarten, y su tarea consistió en normalizar el mobiliario de las guarderías.

      Bruno Taut: Onkel-Toms-Hütte, Wilskistrasse, Berlin

Conocen al arq. Bruno Taut (1880-1938) cuando éste estaba exiliado en Japón.

              Grete con Taut y Bruno en Japón

Cuando Taut se traslada a Estambul, llama a Grete y su marido. Grete dará clases de arquitectura durante 2 años.

Siempre fue una activista política, cuando decide unirse al partido comunista deja la seguridad de Estambul, conoce al arquitecto Herbert Eichholzer (1903-1943 ejecutado por los nazis), fundador del grupo antifascista austriaco de Turquía, y junto a él viaja en las Navidades de 1940 a Viena, donde tiene contactos con el jefe de la resistencia.

Ese encuentro la acerca a la muerte cuando es detenida por la Gestapo, y piden para ella ser condenada a muerte, que luego conmutan a 15 años de cárcel.

En Mayo de 1945, con el fin de la guerra  es liberada luego de pasar 4 años y medio presa en el presidio de Aichach en Baviera.

Pero la situación de pos guerra y las dificultades de transporte y traslado no le permiten reencontrarse con su marido, entonces se traslada a Sofía, Bulgaria.

Recién en 1947 pueden  reencontrarse (1900-1968). Se habían casado en 1927 (la pareja se separa en 1951)

En Viena le resulta  muy difícil trabajar debido a su relación con el Partido comunista, al no recibir trabajos, viaja a China y a Cuba.

Ya es una activista política, aunque nunca dejo de serlo ni en su vida pública ni en su profesión.

                                           Grete en su casa

Junto a Lina Loos (Carolina Catharina Obertimpfler 1882-1950), quien fuera la primer mujer de Adolf Loos, crea la Unión de Mujeres Demócratas Austriacas.

Su compromiso con las mujeres y los marginados fue constante.

En sus últimos años de su dilatada, valiente y generosa vida ingreso en la en el Consejo de la Paz y en la Asociación de Campos de Concentración (KZ) y Resistencia.

En 1988, rechazó el prestigioso premio vienés “Titulo de Honor Austríaco de la ciencia y el Arte” al saber que lo recibiría de manos del presidente Kurt Waldheim (1918-2007), que fuera oficial del ejército nazi.

Murió 2 años más tarde, a los 103 años de una vida ejemplar.

Notas

1

Heroínas del espacio.

Mujeres arquitectas en el Movimiento Moderno. Carmen Espegel. 2007 editorial Nobuko. Textos de Arquitectura y Diseño.

Director arq. Marcelo Camerlo.

2

El ciclo de conferencias «Pioneras de la arquitectura», se realizaron en la fundación Juan March, en su sede de Castelló, 77 en Madrid, del 6 al 15 de Noviembre de 2018. «Domesticidad y Poder. Eileen Gray y E.10276» por Beatriz Colomina, arquitecta y profesora en la Universidad de Princeton, EEUU; «Lilly Reich: «El espíritu del material» por Carmen Espegel, arquitecta, estudio Espegel/Fisac y profesora en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid; «Margarete Schütte-Lihotzky» por Fuensanta Nieto, arquitecta, estudio Nieto/Sobejano y profesora en la Universidad europea de Madrid; «Charlotte Perriand: arquitecta del movimiento moderno» por Ängela García de Paredes, arquitecta, estudio Paredes/Pedrosa y profesora en la escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.

3

Maria Tecla Artemisia Montessori, más conocida como María Montessori, fue una educadora, pedagoga, científica, médica, psiquiatra, filósofa, antropóloga, bióloga, psicóloga, feminista y humanista italiana. Fue la primera mujer italiana que se graduó como doctora en Medicina.

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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Eileen Gray. la casa E-1027, historia de una excepción

Eileen Gray. La casa E-1027, historia de una excepción

Ayer, 6 de Noviembre de 2018, comenzó el ciclo de conferencias “Pioneras de la Arquitectura”, en la fundación Juan March en su sede de Madrid.

Lleno total.

      

La Arquitecta Beatriz Colomina habló de Eileen Gray (Enniscorthy, Irlanda, 1878-París, 1976), de su casa E.1027 y su relación, amor/odio con Le Corbusier.

Muy interesante el planteo de la exposición, basada en la evidencia de su conflictiva relación arquitectónica y personal con su incomodo vecino. Incómodo por su injerencia y protagonismo, en una casa en la que llegó a pintar -sin que nadie se lo pidiese- 8 murales, y su activismo tenaz en conseguir reunir los fondos para comprar la casa, una vez muerta Eileen, en un momento en que estaba realizando gran cantidad de proyectos, se dedicó a enviar más de 100 cartas a gente de su entorno con tal fin.

Beatriz, la conferencista, dijo que presentaría “la historia de una excepción”. Este tema lo sigue desde hace al menos 25 años, calificó la  historia como“de un culebrón”.

E-1027. la casa y el acantilado

A finales de 1920 la arquitecta y diseñadora Eileen Gray, diseñó y construyó a orillas del mar la Casa E-1027, que se convertiría en un hito de la arquitectura moderna.

    

Construida como residencia de verano, para compartirla con su amante, el arquitecto, crítico y editor rumano Jean Badovici (1893-1956),  quien ayudó en parte al diseño del proyecto.

Porque el nombre E-1027?

                                        Jean Badovici

“E” por Eileen,

“10” por ser la J de Jean la 10 letra del abecedario,

“2” la letra del apellido Badovici y

“7” porque G de Gray es la séptima letra.

La relación entre ambos terminó en 1932, fecha importante en relación al uso de la casa.

  

Le Corbusier, demostró un sentimiento muy particular por la casa, al punto de comprar un terreno del lado este de la E-1027 y construyó su célebre “Le Cabanon”, una pequeña y rústica cabaña prefabricada de un módulo de 3.66 x 3.66 m y de 2.66 m de altura.  Su acceso principal es a través tiene un corredor de 0.70 m de ancho, así como una puerta que da directamente al bar “L´etoile de mer”.

    

 

Iba a trabajar y a descansar, contemplando un paisaje tan maravillosamente bello como tranquilo.

Allí se bañaba, nadaba, incluso cuando sus médicos le aconsejaron que por su problema cardíaco no debería esforzarse, cosa que si hizo Le Corbusier y esforzándose y nadando hacia la puesta de sol aquel dramático viernes 27 de agosto de 1965 hasta encontrarse con la muerte, a la que a pesar de su tozudez no pudo ni vencer ni convencer.

Unos bañistas lo encontraron sin vida.

La E-1027 es una construcción del movimiento moderno donde empleó muchos de los principios de Le Corbusier, pero (y aquí la base del enfrentamiento con él) Gray no consideraba “la casa como una máquina para vivir”, sino como un organismo vivo, una extensión de la experiencia humana.

“ no es una cuestión de simplemente construir hermosos conjuntos de líneas, sino sobre todo, viviendas para las personas”…”las fórmulas no son nada”, , …”la vida es todo”. Eileen Gray

A esta casa no se puede llegar en auto, sino peatonalmente a través de un sendero. Está construida sobre un acantilado.

Eileen, mientras se construía la casa, vivió allí, durante 3 años, donde pudo con exquisitez profesional, hacer un referente de la arquitectura moderna.

La privacidad es uno de los objetivos principales de E-1027.

En el exterior, las ventanas de cielo a piso y abiertas al mar Mediterráneo entregan luz natural y amplias vistas, pero también incluyen persianas y dos franjas de lienzos que protegen al interior de la casa, bloqueando la luz natural y enmarcando la privilegiada vista de la costa.

Después de la muerte de Le Corbusier, toda la zona fue declarada “Espacio Moderno” y considerada área de importancia cultural e histórica, al  mismo tiempo que se reconoce a la E-1027 de Eileen Gray como elemento fundamental del lugar.

En referencia a la E-1027, el reconocimiento al trabajo de Eileen Gray recién llegaría en 1967 con un ensayo escrito por Joseph Rykwert (1926) arquitecto, profesor emérito en la Universidad de Pensilvania y uno de los más destacados historiadores de la arquitectura.

Hasta ese entonces, el mérito había sido adjudicado completamente a Badovici e incluso a Le Corbusier.

 

 

 

“…la arquitectura es el juego magistral, correcto y magnífico de los volumenes bajo la luz del sol.”. Le Corbusier, Vers une architecture, 1923

La sórdida historia de la icónica Casa E-1027 

Eileen y Corbu

Textos extraídos de otras fuentes, entre ellos el artículo publicado en la revista “Metropolis Magazine”.

«Uno debe construir para el ser humano, para que pueda redescubrir en la construcción arquitectónica el placer de la autorrealización en un todo que lo extiende y lo completa«, escribió Gray en un  número de L’Architecture Vivante en 1929

La casa, aun en vida de Eileen, fue abandonada, deteriorandose.

Le Corbusier, aprovechó una de sus ausencias (desde 1937-39) y pintó en sus pulcras, y blancas paredes, 8 murales, lo que enfado y enfrento a ambos arquitectos.

Eileen, con total razón, dijo que se había atentado contra el carácter de la vivienda (su vivienda). Y tildo de “vandalismo”, los  murales realizados.

Después de esto, ya no regreso a la casa, y comenzó el deterioro.

Beatriz Colomina, la conferencista, mencionó la condición bisexual de Eileen,  (no sé qué importancia tiene las preferencias sexuales al hablar del trabajo de una arquitecta)  así como el mal carácter y prepotencia de le Corbusier.

Es muy evidente que le Corbusier, no tenía ningún derecho a pintar sus murales, pero, tenía una relación obsesiva con la casa, y Eileen también con su incomodo vecino.

Cuando éste hizo el Cabanon, Eileen la denominó “Caseta de perro guardián”.

«Incluso los muebles deben perder su individualidad y mezclarse con el conjunto arquitectónico». Eileen Gray

Le Corbusier fue un gran amigo de Badovici, relación clave en este culebrón.

Luego que Gray y Badovici finalizaran su relación en 1932, el arquitecto rumano se quedó con la casa y se alojaba a menudo con su esposa. Contra toda voluntad de GrayLe Corbusier pintó murales dentro de la casa, con la venia de Badovici.

Asimismo, el arquitecto franco-suizo incluso intentó comprar la casa, al  no poder hacerlo, optó por comprar una propiedad cercana donde construyó la pequeña cabaña: la Cabanon de vacances.

La degradación de la E-1027 continuó durante la Segunda Guerra Mundial cuando soldados del ejército nazi practicaron su puntería

 

 

 

 

Muerte simbólica y muertes reales

El 27 de agosto de 1965 el cuerpo de Le Corbusier apareció en esa misma costa, tras morir ahogado mientras nadaba.

En 1980 la arquitecta suiza Marie-Louise Schelbert, entonces propietaria de la E-1027, fue encontrada muerta en su departamento en Zúrich, Suiza. Tres días antes de su muerte, su doctor Peter Kägisecretamente había robado el mobiliario original y lo había rematado en Zúrich.

Cuando Schelbert murió, Kägi heredó la casa y la utilizó para organizar orgías con drogas incluidas.

En 1996 el propio Kägi fue asesinado en la sala de estar.

Deterioro y reconstrucción y rehabilitación

“La casa sufrió las profanaciones de Le Corbusier…” (Bueno, pienso que se exceden un poco, me hubiese encantado que Le Corbusier hubiese profanado mi casa todas las veces que hubiera querido, aunque pienso que no le habría interesado tanto, le interesaba la de Eileen), también las balas del ejército nazi, las orgías con drogas de Peter Kägi y su total abandono.

Le corbuisier y su esposa, en su auto Voisin C7 «Lumineuse» de 1927. actualmente en la fundación Norman Foster en Madrid

En la conferencia Beatriz ironizó, uno cuando quiere pintar busca pintor, y no es al revés.Le Corbusier destrozó la pared al dibujar Tres mujeres que representan a Eileen y Jeanjuntas, a pesar de que no se le «concedió la autorización completa». Le Corbusier dijo “no lo considero como una invasión, sino como un regalo “free of charge”. Del libro «Líneas de batalla» – Beatriz Colomina)

Por su enorme valor arquitectónico Cap Moderne —la organización que se ha dedicado a rehabilitar el edificio para convertirse en destino cultural— ha iniciado una campaña de financiamiento colectivo para continuar con la restauración del edificio.

¡¡Pienso que bueno que sería que con el Parador Ariston ocurriera algo similar, podríamos denominarlo “Moderno Ariston”!!

En 1999, la villa fue comprada por la organización Conservatoire du littoral y desde ese entonces ha pasado por diversas remodelaciones.

En 2014 Cap Moderne pasa a administrar la villa junto a la cabaña de Le Corbusier«Hemos tomado la decisión, que no está de moda en los cursos de conservación, de reconstruir lo que ha sido destruido [y devolverlo] a su estado en 1929», dice Tim Benton, curador de Cap Moderne y profesor de historia del arte especializado en el siglo XX, y agrega: “… hace 12 años, la villa seguía prácticamente en ruinas, y la pared de la sala de estar estaba hecha trizas. Casi todo ha sido, o está, o será reconstruido»,

En su actual campaña Cap Moderne espera reunir 50.000 dólares, junto al compromiso del gobierno francés de igualar las donaciones privadas que reciban. El dinero recolectado se destinará a remodelar el comedor de la villa, incluyendo una mesa de comedor con luz eléctrica incorporada y una tapa de corcho diseñada para proteger los platos y vasos, además de un recipiente de limones especialmente hecho para la villa (los limones Menton fueron alguna vez una especialidad regional). La asociación recreara la silla Non Conformist”,también diseñada por Gray, y una mesa plegable dentro del comedor que se abre convirtiéndose en un bar.

«Si se la considera vacía, esta es una de las 100 casas más importantes de fines del movimiento moderno», dice Benton. «Pero en su interior es uno de los cuatro interiores más importantes del movimiento moderno en todo el mundo. Es por esto que estamos haciendo de nuevo el mobiliario con las mismas herramientas, los mismos materiales y los mismos procesos que los originales»,

 

 

“Maison en bord de mer”

Este video de Ivorypress presenta el proyecto del artista Kasper Akhøj (1976)  titulado Welcome (To The Teknival).

Serie fotográfica tomada por Akhøj entre la primavera de 2009 y el verano de 2017 durante la restauración de la E-1027,

Se basan en una serie de fotografías de Eileen Gray, publicadas por primera vez por Jean Badovici en un número especial de la revista L’Architecture Vivante de 1929, año en que se terminó su villa en Roquebrune-Cap-Martin, en la Costa Azul. Kasper registró la restauración y la resurrección de esta villa moderna, una de las pocas construidas por una arquitecta de la época.

Las fotografías se tomaron durante un período de seis visitas al E-1027 (en 2009, 2010, 2015 y 2017),

https://vimeo.com/288942065

Caracteristicas espaciales y de diseño

Eyleen no ha utilizado la planta libre como esquema.

Sus espacios interiores no se revelan inmediatamente: las habitaciones son espacios a la espera de ser descubiertos. Dado el compacto espacio de la vivienda (130 metros cuadrados) y la amplia cantidad de habitaciones, fue meticulosamente eficiente con el espacio. Tales condiciones llevan a innovadoras soluciones alternativas: los closets se abren para convertirse en muros, el sofá de la sala de estar se convierte en una cama y toda una serie de armarios y otros muebles a medida están encajados o intrínsecamente en sintonía con el resto de la casa.

El mejor ejemplo de esta creatividad es

la Mesa E-1027: diseñada originalmente

para la hermana de Graypara que desayunara en cama sin dejar migas de pan en las sábanas, es una pieza maestra del mobiliario diseñado en el movimiento moderno. La mesa consiste en dos tubos circulares de acero cuya base abierta gira en torno a un pilar, mientras la altura de la mesa se ajusta permitiendo que quede a la altura de la cama.

Muchas de estas fotografías son de Manuel Bougot.


 

Cosas que comentó Beatriz Colomina sobre le Corbusier.

– Le Corbusier, pedía la casa prestada por 1 día y se quedaba meses, junto a su esposa la modelo Yvonne Gallis (1892-1957), con quien estuviera casado desde 1930 hasta la muerte de ella.

                                                              Marguerite Tjader Harris

– no se dijo nada si también llevo allí a su affair “long time” la rica heredera sueco-estadounidense Marguerite Tjader Harris (1901-1986).

Conoció a Marguerite a raíz de hacerle un proyecto, la Villa Harris, cerca de donde construyó una pequeña casa para sus padres a orillas del Lago Lemán. La villa Harris nunca paso la etapa de proyecto, pero a partir del encargo Marguerite Harris y Le Corbusier forjaron una sólida y sentimental amistad que los mantuvo vinculados durante toda la vida.

– Le Corbusier, decía cosas como “dibujar es como ocupar la casa de un extraño”, respecto a pintar sus murales en la casa de Eileen.

– En uno de los dibujos, pinto una cruz esvástica sobre el pecho de la mujer ubicada a la derecha (se ve en las fotos).

   Antes de la restauración, con las balas del ejercito nazi

 

 

 

 

 

 

 

Relaciones políticas e ideológicas de Le Corbusier

En 1934, fue invitado por Benito Mussolini a una conferencia en Roma.

A principio de los ´40, le fue dado a Le Corbusier una posición como urbanista en el gobierno de Vichy  (nazi) para supervisar los diseños de varias ciudades, incluyendo Algeria. Cuando sus planes fueron rechazados, Le Corbusier dejó la vida política.

Le Corbusier tenía un fanatismo con la imagen de Open Hand, construyendo muchas esculturas durante su vida.

Las llamaba un”signo de paz y reconciliación destinado a recibir las riquezas y distribuirlas entre las personas del mundo. Debiese ser el símbolo de nuestra época”. La Open Hand tiene 28 metros y está en Chandigarh.

https://youtu.be/UmcR9jU6SPw

Beatriz Colomina

Nació en Madrid en 1952, Beatriz es arquitecta, historiadora y teórica de la arquitectura. Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona​ donde recibe primero el título de arquitecta y luego el de Doctora en arquitectura.

Ha escrito extensamente sobre cuestiones de la arquitectura y de las instituciones modernas de representación, especialmente sobre medios de comunicación impresos, fotografía, publicidad, cine y televisión. ​ Es autora de numerosos artículos y libros entre ellos:

1988 Architectureproduction​.

1992 Sexuality & Space, Princeton Architectural Press, ​ galardonado con el Premio Internacional del Libro AIA 1993.

1994 Privacy and Publicity. Modern Architecture As Mass Media,​ galardonado con el Premio Internacional del Libro 1995 por el Instituto Americano de Arquitectos.

1996 Battle Lines: E.1027, ensayo publicado en el libro “The sex of architecture”.

2000 Louise Bourgeois: Memory and Architecture.

2007 Domesticity at War.

2008 The World of Madelon Vriesendorp.

2011 Clip, Stamp, Fold: The Radical Architecture of Little Magazines 196X to 197X.

Finalmente

Las 100 cartas enviadas por Le Corbusier para comprar la casa pretendían reunir 30 millones de FF.

                     Croquis Le Corbusier

Carta con dibujos donde se ubicaban todas las construcciones y diciendo que si no se hacía algo se instalaría una casa de citas o un cabaret. Y dice que si bien  ahora el acceso es restringido (como iban a poner un burdel si no se podía acceder???), entonces Le Corbusier lanza una solución futura donde  se podría realizar un acceso más franco, y poder llegar por tren, avión o barco.

Su preocupación se manifiesta claramente en esta frase “si estos “cerdos la compran arruinaran los murales”. No explica a quienes se refiere.

Le Corbusier lleva a Brassai (Gyula Halász 1899-1984) para que fotografíe la casa.

La casa finalmente se vendió por subasta.

En 1999, la villa fue comprada por la organización Conservatoire du littoral y desde ese entonces ha pasado por diversas remodelaciones.

Desde 2014 Cap Moderne administra la villa y la cabaña de Le Corbusier.

La historia completa: https://www.espazium.ch/une-maison-malfame-e-1027

Permitida su reproducción parcial o total citando las fuentes.

Hugo A. Kliczkowski Juritz

Hugoklico@gmail.com

Palladio 5. De Pietro de la Gondola a Palladio.

Palladio 5 

De Pietro de la Gondola a Palladio.

Andrea Palladio  (Padua 1508Maser 1580 trabajaba en la molienda de granos, es a la muerte de su padre cuando aprende el oficio de cortador de piedras.

Giangiorgio Trissino

                    Giangorgio Trissino

En Padua estudió junto a Giovanni Maria Falconetto, no existiendo una escuela donde pudiera estudiar arquitectura y como Giangorgio Trissino ve en él una capacidad (que necesita ser desarrollada) decide transformarse en su protector, su formación será estudiar los clásicos.
Es justamente Giangiorgio quien ¿sugiere? Un cambio de nombre, Andrea di Pietro de la Gondola es bautizado por Trissino como Andrea Palladio.

El apellido Palladio podría venir de Palas Atenea o de un personaje de los poemas de Trissino a quien llamó Palladio y que era experto en arquitectura.
Varias veces viajan juntos a Roma (son 5 viajes, el de 1541, 1545. 1547 hasta 1551). Uno de ellos duró 5 meses.  Su  objetivo era estudiar los clásicos, verlos, oírlos, olfatearlos, medirlos “con la palma de la mano”.

Tomó muchos apuntes, no sólo de las ruinas romanas sino también de las obras de Bramante, algunos de los cuales fueron recogidos en sus “quattro libri dell’Architettura”, obra publicada cuando tenía 62 años, y por la que se le ha relacionado con Leon Battista Alberti.

Nos dice Giulio Carlo Argan (1909-1992), historiador y crítico de arte italiano, fue uno de los mayores eruditos y pensadores del siglo XX. Fue alcalde de Roma desde 1976 a 1979:

..Palladio en Roma… se ve conmocionado por el hecho de que la arquitectura de los antiguos, altamente expresiva de contenidos ideales y y de sentimientos civiles, fuese también técnicamente perfecta, ofreciera una respuesta a las exigencias prácticas y se adaptara admirablemente tanto al lugar como a la función. […] En toda la obra de Palladio aparecen bien claros estos dos momentos: el ideal clásico como suprema imagen de un modo de vida civil perfecto, y la respuesta a una exigencia práctica, el ceñirse a circunstancias específicas de lugar y de hecho como determinaciones de dicho ideal en los casos, siempre distintos, de la vida real.

        Leon Battista Alberti
Leon Battista Alberti

 ¿Porque Trissino quiere que su ciudad tenga un lenguaje clásico renacentista? Desea cambiar el gótico y el barroco que era el símbolo del poder dominante. Busca un ideal de creación más discreto y al

 

mismo tiempo digno y solemne.

La arquitectura era un medio para declarar la fe política y si se construía en estilo gótico, era fiel a Venecia.

                                Vincenzo Scamozzi

 

                                       Miguel Angel

Pero si era clásico seria  fiel a Carlos V (Rey de España y Alemania).

Y es Palladio quien mejor supo asimilar la herencia de las formas clásicas y adaptarlas al momento y a sus necesidades, es la época del Cinquecento. Sus obras, tanto villas como grandes obras públicas han influido en la arquitectura del Neoclasicismo en todo el mundo.

 

El Cinquecento (años 1500), es un período dentro del arte europeo, principalmente Italiano. Su centro fue la roma de los papas. (el Quattrocento tuvo su centro en la Florencia de los Medici).  El encuentro con las formas artísticas de la antigüedad y el mimetismo (o imitación) de la naturaleza, es el Renacimiento del arte.

Como si fuese una escalera, cada peldaño, tiene un nombre y apellido, el alto renacimiento (últimos años del siglo XV y primeras décadas del XVI),

Bajo Renacimiento o también Manierismo, Barroco y el Clasicismo.

                                            Bramante

Los más importantes artistas del Quattrocento y Cinquecento (el listado da escalofríos) fueron:

                                  Tintoretto

                                     El Greco

“Brunelleschi” Filippo di Ser Brunellesco Lapi (1377-1446); “Donatello” Donato di Niccoló di Betto Bardi (1386-1466); “Masaccio” Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai  (1401 – 1428); León Battista Alberti (1404-1472); “Giuliano da Sangallo”Giuliano Giamberti (1443-1516) su protector fue Lorenzo de Médici; “Bramante” Donato di Pascuccio d’Antonio (1444-1514) introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el Alto Renacimiento en Roma; “El Bosco” Cornelis Cort (1450-1516);  Leonardo da Vinci (1452-1519); Nicolás Maquiavelo (1469-1527); Alberto Durero (1471-1528); “ Miguel Ángel”  Michelangelo Buonarroti (1475-1564); Sebastian Serlio (1475-1554); “Giorgione” Giorgio Barbarelli da Castelfranco (1478-1510); “Rafael”  Rafael Sanzio (1483-1520); “Tiziano” Tiziano Vecellio o  Vecelli (1488-1576); “Giulio Romano” Giulio Pippi (1499-1546) alumno de Rafael; Benvenuto Cellini (1500-1571); “Vignola” Jacopo (o Giacomo) Barozzi  (1507-1573); Giorgio Vasari (1511- 1574) a quien se le atribuye haber acuñado el término Renacimiento, está considerado como uno de los primeros historiadores del arte; “Tintoretto” Jacopo Comin  (1518-1594); los Brueghel: Pieter Brueghel el Viejo (c.1525-1569); “Veronese” Paolo                Caliari o Cagliari  (1528-1588); Juan de Herrera de Maliaño (1530-1616); Giordano Bruno (1548-1600); “Lope de Vega”  Lope Félix de Vega Carpio (1562-1635); Pieter Brueghel el Joven (1564-1638); Jan Brueghel el Viejo (1568-1625); Jan Brueghel el Joven (1601-1678); Doménikos Theotokópoulos “El Greco”(1541-1614); Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616); William Shakespeare (1564-1616)

                                        Juan de Herrera

 Además y entre otros:  

Fernando Yáñez de la Almedina (1459-1536); Erasmo de Róterdam (1466-1536); Lucas Cranach el viejo (1472-1553); Nicolás Copérnico (1473-1543);  Baltasar Castiglione (1476-1559); Tomás Moro (1478-1535); Joaquín Patinir (1483-1562); Albrecht Altdorfer (1480-1538); Martín Lutero (1483-1546);“Correggio” Antonio Allegri da Correggio (1489-1534); Pedro Machuca (1490-1550); Bartolomé Ordónez (1490-1520); Alonso Berruguete (1490-1561); Pietro Aretino (1492-1556); Luis Vives (1493-1540); François Rabelais (1494-1553);

                                     Brunelleschi

Diego de Siloé (1495-1563); Hans Holbein el joven (1497-1543); Felipe Melanchton (1497-1560); Juan de Juni (1506-1577); Juan de Juanes (1507-1579); Juan Calvino (1509-1564); Andrés de Vandelvira (1509-1575); Lope de Rueda (1510-1565); Juan Bautista de Toledo (1515-1567); Santa Teresa de Jesús (1515-1582); Gaspar Becerra (1520-1570); Pierre de Ronsard (1524-1585); Fray Luis de León (1527-1591); “Giambologna” Juan Boulogne (1529-1608); Michel de Montaigne (1533-1592);San Juan de la Cruz (1542-1591); Torcuato Tasso (1544-1595); Christopher Marlowe (1564-1593)….

                          El Bosco

A pesar de sus incontables relaciones con clientes muy adinerados Palladio paso muchas penurias económicas.

En esa época, (una costumbre que continúa) los dibujos o ideas no construidas se pagaban muy poco. Las villas estaban muy lejos entre si y la obra se prolongaba en el tiempo.

La obra de la qué mejor cobró  fue la Basilica, era del ayuntamiento y le pagaba a Andrea o a su mujer Allegra Donna cada mes.

Su difusión inglesa estuvo en manos de Iñigo Jones (1573-1652)y el mayor coleccionista de sus dibujos Lord Burlington.

 

                                   La Basilica Palladiana

“…Los palacios urbanos de Palladio… son, sobre todo, casas dignas pero sin fastuosidad, cuyo prestigio urbano se confía más bien a la nobleza de las formas que a la ostentación de la riqueza o del poder; elemento esencial es la fachada, con la que las grandes familias quieren contribuir, casi como se tratara de un deber, al noble aspecto de la ciudad… Muchos de los palacios de Palladio se establecen sobre la vía del Corso: sus fachadas forman las paredes de ésta, entendida como una arquitectura abierta y transitable cuyo techo es el cielo. Cronológicamente, se distribuyen a lo largo de un período de treinta años, y cada fachada presenta una forma propia, una originalísima compaginación de los elementos de la morfología clásica… Concebidas en función de la calle… sus fachadas presentan un primer orden rústico, casi un basamento, y sólo sobre éste, donde el vano de la calle se hace más luminoso, se alzan  los órdenes de columnas y pilastras.(columnas adosadas a la pared)…Compone sus fachadas, preferentemente, con un orden único, gigante, de columnas o pilastras…”

                                                    Palacio Chiericati

Con frecuencia las mismas familias que encargan a Palladio la construcción de su palacio en la ciudad le hacen construir también su villa en el campo: palacio y villa representan dos caras de la misma realidad social. La casa urbana se inserta en una condición espacial dada, la perspectiva de la calle; la villa se inserta en un ambiente paisajístico siempre distinto, abierto a todas direcciones.

                                       Donatello

Con respecto a la calle, el palacio es una fachada, un plano frontal; con respecto al horizonte y al paisaje que la rodea, la villa es un organismo articulado, condicionado por la variedad de los puntos de vista, el carácter del emplazamiento, las pendientes del terreno, etc..Palladio plantea el problema en términos claros: se trata de insertar una forma sólida, una construcción geométrica y volumétrica, en un espacio natural que es distinto en cada ocasión, y de encontrar entre estas dos realidades… una relación de armonía e incluso de perfecta equivalencia… En la mayoría de los casos la fascinación de las villas palladianas consiste, precisamente, en esta concertada variedad de desarrollos temáticos: de la simplicidad de lo rústico a la solemnidad histórico-religiosa del templo, del carácter práctico de los cuerpos secundarios destinados a las necesidades de la hacienda agrícola a la refinadísima elegancia de los cuerpos  centrales destinados a otras funciones sociales….                                                        Giulio Carlo Argan

 

                             Veronesse

Este detalle de se refiere al proyecto de las obras y no a su construcción. Listado del “Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio”, Vicenza

https://web.archive.org/web/20090817191834/http:/www.cisapalladio.org/veneto/index.php?lingua=i&modo=nomi&ordine=alfa

                                               Andrea Palladio

  • 1531: Portal de la iglesia de Santa Maria dei Servi, Vicenza (atribuido)
  • 1534: Villa Trissino a Cricoli, Vicenza (tradicionalmente atribuida, pero probablemente diseñada por Gian Giorgio Trissino)
  • 1537-1542: Villa Godi (para Girolamo, Pietro y Marcantonio Godi), Lonedo di Lugo di Vicenza
  • 1539 circa: Villa Piovene, Lonedo di Lugo di Vicenza, Provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1540-1542 circa: Palazzo Civena, Vicenza
  • 1540 circa-1566 circa: Palazzo Pojana, Vicenza (atribuida)
  • 1542 – Villa Valmarana, Vigardolo di Monticello Conte Otto, Provincia de Vicenza
  • 1542-1556 circa: Palazzo Thiene, Vicenza (probablemente proyecto de Giulio Romano)
  • 1542: Villa Gazzotti (para Taddeo Gazzotti), Bertesina, Vicenza
  • 1542 circa: Villa Caldogno (para Losco Caldogno), Caldogno, Provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1542: Villa Pisani (para Vettore, Marco y Daniele Pisani), Bagnolo di Lonigo, Provincia de Vicenza
  • 1542: Villa Thiene (para Marcantonio y Adriano Thiene), Quinto Vicentino, Provincia de Vicenza (probablemente una reelaboración de un proyecto de Giulio Romano)
  • 1543: Villa Saraceno (para Biagio Saraceno), Finale de Agugliaro, Provincia de Vicenza
  • 1544 circa-1552: Palazzo Porto (para Iseppo De’ Porti), Vicenza
  • 1546-1549: Loggias del Palacio de la Ragione (entonces denominada Basílica Palladiana), Vicenza (completada en 1614 después de la muerte de Palladio)
  • 1546 circa-1563 circa: Villa Pojana (para Bonifacio Pojana), Pojana Maggiore, Provincia de Vicenza
  • 1546 circa: Villa Contarini, Piazzola sul Brenta, Provincia de Padua (atribuida)
  • 1547: Villa Arnaldi (para Vincenzo Arnaldi), Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (inacabada)
  • 1548: Villa Angarano, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (El cuerpo principal de la villa fue reconstruida más adelante por Baldassarre Longhena; el barchesse es parte del original)
  • 1550-1557: Palazzo Chiericati (para Girolamo Chiericati), Vicenza (completado sobre 1680 después de la muerte de Palladio)
  • 1550: Villa Chiericati (para Giovanni Chiericati), Vancimuglio di Grumolo delle Abbadesse, Provincia de Vicenza (completada en 1584 por Domenico Groppino después de la muerte de Palladio)
  • 1552: Villa Cornaro (para Giorgio Cornaro), Piombino Dese, Provincia de Padua
  • 1552 circa: Villa Pisani (para Francesco Pisani), Montagnana, Provincia de Padua
  • 1554-1563: Villa Badoer denominada La Badoera (para Francesco Badoer), Fratta Polesine, Provincia de Rovigo
  • 1554: Villa Porto (para Paolo Porto), Vivaro di Dueville, provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1554: Villa Barbaro (para Daniele y Marcantonio Barbaro), Maser, Provincia de Treviso
  • 1554 ?: Villa Zeno (para Marco Zeno), Donegal di Cessalto, Provincia de Treviso
  • 1555 circa: Palazzo Dalla Torre, Verona (solo parcialmente realizada. Una parte fue destruida por una bomba en 1945)
  • 1556: Arco Bollani, Udine
  • 1556 circa: Palazzo Antonini, Udine (alterada por posteriores reformas)
  • 1556: Villa Thiene, Cicogna di Villafranca Padovana (inacabada; solo el barchessa permanece)
  • 1557: Villa Repeta, Campiglia dei Berici (destruido por un incendio, posteriormente reconstruido)
  • 1558: Fachada para la Basílica de San Pietro di Castello, Venecia (completada después de la muerte de Palladio)
  • 1558: Villa Emo (para Leonardo Emo), Fanzolo di Vedelago, Provincia de Treviso
  • 1558: Bóveda para la Catedral de Vicenza, Vicenza (destruida en un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial, posteriormente reconstruida)
  • 1559: Villa Foscari denominada La Malcontenta, Malcontenta di Mira, Provincia de Venecia
  • 1559: Casa Cogollo (para Pietro Cogollo), tradicionalmente conocida como Casa de Palladio, Vicenza
  • 1560-1563 circa: Claustro del ciprés y refettorio del monasterio de San Giorgio Maggiore, Venecia
  • 1560: Convento della Carità, Venecia (sólo el claustro y el atrio, destruido en 1630 en un incendio)
  • 1560: Palazzo Schio (para Bernardo Schio), Vicenza
  • 1563 circa: Puerta lateral para la Catedral de Vicenza
  • 1563 circa: Villa Valmarana, Lisiera di Bolzano Vicentino, Provincia de Vicenza
  • 1564: Fachada de la iglesia de San Francesco della Vigna, Venecia
  • 1564: Palazzo Pretorio, Cividale del Friuli (provincia de Udine) (proyecto atribuido)
  • 1565: Basílica de San Giorgio Maggiore, Venecia (completada entre 1607 y 1611 después de la muerte de Palladio, con una fachada diferente proyectada por Vincenzo Scamozzi)
  • 1565: Teatro en el patio Convento de la Carità, Venecia (destruido por un incendio en 1570)
  • 1565: Palazzo del Capitaniato, Vicenza
  • 1565: Palazzo Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana), Vicenza
  • 1565: Villa Serego (para Marcantonio Serègo), Santa Sofia di Pedemonte (Provincia de Verona)
  • 1565 circa: Villa Forni Cerato (para Girolamo Forni), Montecchio Precalcino, Provincia de Vicenza
  • 1566: Villa Capra, la Rotonda(para Paolo Almerico), Vicenza (completada en 1585 por Vincenzo Scamozzi después de la muerte de Palladio)
  • 1567 circa: Villa Trissino, Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (solo realizada parcialmente)
  • 1568: Puente Vecchio, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (reconstruida en 1748 y después de la Segunda Guerra Mundial)
  • 1569-1575: Palazzo Barbaran da Porto (para Montano Barbarano), Vicenza
  • 1569: Puente en Tesina, Torri di Quartesolo, Provincia de Vicenza (atribuido)
  • 1570: Villa Porto (para Iseppo Porto), Molina di Malo, Provincia de Vicenza
  • 1571: Palacio Porto en la Plaza Castello, Vicenza (sin terminar, completado en 1615 por Vincenzo Scamozzi)
  • 1572 ?: Palazzo Thiene Bonin Longare, Vicenza
  • 1574-1577: Habitaciones en el Palacio Ducal, Venecia
  • 1574: Fachada para Basilica di San Petronio, Bolonia (proyecto)
  • 1576 circa: Capilla Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana) en la iglesia de Santa Corona, Vicenza
  • 1577: Iglesia de Il Redentore, Venecia
  • 1578: Iglesia de Santa Maria Nova, Vicenza (proyecto atribuido, completada en 1590 después de la muerte de Palladio)
  • 1579: Porta Gemona, San Daniele del Friuli, Provincia de Udine
  • 1580: Iglesia de Santa Lucia, Venecia (dibujos para el interior; demolida)
  • 1580: Iglesia (Tempietto Barbaro) de Villa Barbaro, Maser
  • 1580: Teatro Olímpico, Vicenza (completado después de la muerte de Palladio por su hijo Silla y en 1585 por Vincenzo Scamozzi)
  • 1580: Le Zitelle (Venecia)
  • Permitida su reproduccion parcial o total citando la fuente.
  • Hugo Alberto Kñliczkowski Juritz
domingo, 28 de octubre de 2018

Japón 8. El gran Tange. Algo más que un movimiento

Japón 8. El gran Tange. Algo más que un movimiento.

Después de la 2nda guerra mundial, habían desaparecido millones de personas.

Ciudades enteras, edificios, estructuras, centros de producción.

No había que partir de cero, pero muchos movimientos en arquitectura si lo creían.

Kenzo Tange (1913-2005); Fumihiko Maki (1928) recuerdo lo feliz que estaba Mario Corea que Maki prologara su libro; Kiyonori Kikutake,(1928-2011); Kisho Kurikawa (1934-2007); Masato Otaka(1923-2010) presentan en 1960 “Metabolismo, propuestas para un nuevo Urbanismo”.

Este trabajo se presentó en el CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna) en 1959.

Proyectos que debían replantearse  las consecuencias de los crecimientos descontrolados.

Utopía e idealismo.

Como el ARCHIGRAM, como Los Beatles.

Algo había llegado para quedarse.

Hipismo, contracultura, etc

El Centro de Prensa y Difusión Shizuoka, es hoy en día un clásico de arquitectura.

Es una torre, del año 1967, inspirada en las teorías de arquitectura orgánica que Tange ya venía desarrollando desde la década pasada.

 

Un difícil terreno triangular de 190 m2 , frente a un paso vehicular elevado. Una columna de servicios donde “enchufar” como en un tablero, cápsulas prefabricadas.

Está en Ginza, uno de los 23 barrios que conforman Tokio.

El cilindro con un diámetro de 7,70 metros tiene 57 metros de altura (con escaleras, ascensores, servicios sanitarios y cocina).

La idea de “enchufar” más capsulas no se cumplió nunca, esto mismo también ocurrió con las cápsulas del edificio Nakagin Capsule Tower deKisho Kurokawa (1934-2007) de 1972.

El ESPACIO y sus sentidos

Espacios, un número de sentidos que reivindica para la arquitectura el sentido de la espacialidad. (Esta introducción acompaño el segundo volumen del libro +Casas –Houses – Haüser)

…..Me levanto, dispongo la pregunta acuciosa, suicida, inevitable del aprendiz: -¿Me enseña usted, maestro? Antoni Plàcid Guillem Gaudi i Cornet se levanta sin mirarme, arrastra los pasos y, casi con el mismo susurro del agua que corre plácida por la boca de su dragón, contesta:         -El árbol al lado de mi taller, ese es mi maestro.

Originalmente la intención era escribir un artículo que fuera recrear la introducción al libro que editamos en la editorial HK, con el título de +Casas –Houses – Haüser, ISBN 978 8496 3046 28 pero releyéndola, me he entusiasmado

Es necesario encontrar un carácter un poco distinto al de la mera introducción de un libro que presenta obras, en este caso, no introduce nada, por lo que a partir de aquí me dedicare a completarla, corregirla, y derivar hacia ideas que puedan permitir preguntas del tipo, el espacio es un lugar?.

 Alli voy…

El primer libro Houses-Casas-Haüser ha tenido una enorme aceptación en todo el mundo. Se han firmado acuerdos de coedición en varios idiomas y ello nos ha alentado a seguir con la difusión de más proyectos –más casas- en este segundo volumen.

En la introducción de ese primer libro, nos preguntábamos acerca de las casas, las ciudades y los arquitectos; hoy lo hacemos sobre los espacios, porque entendemos que hay una estrecha relación entre espacio, diseño y arquitectura. Cuidaremos de distinguir, sin embargo entre una obra de arquitectura y una construcción, ya que como menciona Nikolaus Pevner (1902 -1983)  “…Casi todo lo que encierra un espacio en una escala suficiente como para permitir que un hombre se mueva en él es una construcción; el término arquitectura se aplica exclusivamente  a edificios proyectados con el propósito de suscitar una emoción estética.” (Nota 1)

Sabemos también que existe una directa relación entre el diseño y su pertenencia a un tiempo –nos sea propio o ajeno-”… allí donde todo es nuevo, donde todo es otro.” (Nota 2)

Tiempo inscrito en un mundo que se caracteriza por cambios e innovaciones constantes: “….este a veces cambia, cuando puede conectarse con un nuevo espíritu, quizás distinto al de su época” (Nota 1 op. cit.), ya que respeta algo que le es profundamente humano.

Son amplias, generosas y bien fundamentadas las definiciones que tenemos del espacio, aunque no por ello deja de constituir en sí mismo un enigma que necesitamos reconocer y desvelar entre todos, ya que “… la experiencia espacial es una función biológica de todos, no solo un privilegio de arquitectos talentosos” (Nota 3)

Nos referimos al espacio como capacidad, volumen, dimensión, extensión, o lugar y podremos incluirlo como sustancia de la arquitectura si aceptamos que “…la clave de la arquitectura estriba en domina el problema del espacio”  (Nota 1 op.cit.)

Así identificar el problema, detectamos también el camino para encarar su posible solución, y muchas veces arribar a ella. Sobre todo si hacemos nuestras las preguntas que solía hacerse Le Corbusier, ¿Cómo? Y ¿Por qué? : “…he experimentado en una vida desprovista de quietud, en una vida llena de incesantes inquietudes, la profunda alegría del cómo, y del porque”. (Nota 4)

Los físicos definen el espacio como la relación entre la posición de los cuerpos y, en el campo de lo imaginario, como un mundo irreal creado o quizá fingido por la fantasía. De hecho, en literatura, la fantasía y los sueños –que son también expresiones de nuestra personalidad- anidan en espacios habitables.”… observando tu cocina se puede, pues, deducir una imagen de ti como mujer. Extrovertida y lúcida, sensual y metódica, que pone el sentido práctico al servicio de la fantasía” (Nota 5)

En “La casa de Roderick Usher” descrita por Edgar Allan Poe (1809-1849“…existen, sin lugar a dudas, combinaciones de objetos naturales muy simples que tienen el poder de afectarnos…” (Nota 6)

“La arquitectura es una cuestión de sueños y fantasías, de curvas generosas  y de espacios amplios y abiertos.” Oscar Niemeyer

Espacio Definiciones

Volviendo al campo de las definiciones, se acepta que espacio es el continente de todos los objetos sensibles que coexisten, así como la capacidad de un terreno, un sitio o un, lugar, e incluso el mero transcurso del tiempo.

Matemáticamente es posible definirlo como la relación de unos conjuntos con ciertos postulados, también como la separación entre letras de un texto o cada una de las partes de un programa de radio o de televisión.

Hablamos de espacio aéreo, o del que ocupan los planos de las órbitas de los planetas en su rotación alrededor del sol. También se considera espacio el ámbito territorial de colectividades y pueblos….y así continúan inagotables definiciones de la palabra espacio.

László Moholy-Nagy  (1895-1946) dice al respecto: “El espacio se define por la interpretación de lo interno y lo externo, lo superior y lo inferior y en el juego de las fuerzas existentes en loa materiales y sus relaciones en el espacio (Nota 3 op. cit.)

El espacio  no solo tiene éstas y otras definiciones, sino que además se le añade la calificación “para” o de muchísimas cosas:

Espacios de la construcción, protegidos, naturales, verdes, urbanos, rurales, públicos, al aire libre, recreativos, culturales, reducidos, modulares, abiertos, y en un ámbito aún más amplio, espacios deportivos, publicitarios, virtuales, alternativos, políticos de expresión, sin humo…

«La arquitectura no es la búsqueda de utilidad o practicidad. La arquitectura es belleza.  No existe ni puede existir otro tipo de arquitectura» Konstantian Melnikov

1.-ESPACIOS Y EXISTENCIA

Llegados a este punto, y dada la variedad y complejidad de los aspectos que pueden analizarse que nos ayuden a definir el espacio, vamos a acotarlo, refiriéndonos a él, dentro del campo de la arquitectura, como introducción de este libro que muestra obras de arquitectura y, en particular casas.

Un espacio no es solo un mero refugio que nos protege del frío y de los peligros, ni un recinto cerrado o una invariable disposición de habitaciones, sino un elemento orgánico de la vida. Dentro y entre muros, paredes, mamparas o una combinación de todos ellos, se conforman los espacios. Con diversas características, y con un complejo manejo de ellas. Muchas descripciones del espacio o de los espacios nos son ofrecidas con especial lucidez por escritores y arquitectos, y nos ayudan con sus comentarios y narraciones a entender su carácter: “…En una cocina hay demasiado ruido de loza y vidrios para que otros sonidos irrumpan en ella. Muy pocas veces permitíamos allí el silencio…” (Nota 7)

Julio Cortázar (1914-1984) habla de dimensiones y también del tiempo-espacio como sinónimo de magnitud, un concepto que lo incluye y lo supera: “…Nos gustaba la casa porque aparte de espaciosa y antigua. (Nota 7 op cit.)

Entonces comprendemos que son espacios que se recorren, porque entre otras cualidades tienen un destino: “…Se entraba a la casa por un zaguán con mayólica, y la puerta cancel daba al living.”

Italo Calvino (1923-1985) en “Si una noche de invierno”, un viajero nos describe espacios para el encuentro y eso incluye, por lógica, el desencuentro (no solo con su personaje Ludmilla). “Ahora no estoy en casa, pero no tardaré. Si llegas antes, puedes entrar y esperarme…”,espacios que tienen la vocación de invitar a la comunicación y a la lectura. “hecho de tinta y de espacios tipográficos, pueden convertirse en vuestras, un lenguaje, un código entre vosotros, un medio para intercambiaros señales y reconoceros.”

Y así Henning Mankell (1948-2015): “¡Vaya! El espacio cibernético trastorna las mentes de las personas –sentenció Martinson-. Este apartamento fortificado me produce náuseas. En efecto, había utilizado una palabra: “El espacio”…Aquel espacio que decía se mostraba silencioso.” (Nota 8)

A diferencia de otras artes, en la arquitectura hay motivos estéticos sin propósito ni intención aparente, pero que determinan el carácter del espacio. “El espacio pertenece al mundo y a las consideraciones del espíritu, aunque integre lo estético y lo funcional…”

Ser y estar. En los espacios somos y también estamos. Somos y por ello conformamos un hábitat donde estamos. “Tu casa, al ser el lugar donde lees, puede decirnos cual, es el lugar que los libros tienen en tu vida.”

En los espacios también hay luces y miradas. “Débiles rayos de una luz roja abríase paso a través de los cristales enrejados, dejando lo bastante en claro los principales objetos de alrededor; la mirada, empero, luchaba en vano por alcanzar los rincones lejanos de la estancia, o los entrantes del techo abovedado y con artesones.” (Nota 6 op. cit.)

«El sol nunca supo de su grandeza hasta que incidió sobre la cara de un edificio». Louis Kahn

2.-ARQUITECTURA, GENERADORA DE ESPACIOS

La principal característica de la arquitectura (y lo que la diferencia de la pintura, y de la escultura) es su sentido espacial.

El espacio pertenece al mundo de las consideraciones del espíritu, aunque integre lo estético y lo funcional, porque “la historia de la arquitectura es la historia del hombre en su labor de organizar y dar forma al espacio.” (Nota 1 op. cit.)

Para apreciar la arquitectura es necesario poseer “la capacidad funcional de captar el espacio”.

Se necesita acumular una gran experiencia antes de poder captar realmente el contenido esencial del espacio articulado. Lamentablemente, esta forma de encarar la arquitectura es excepcional: “La mayor parte de la gente busca aún características de estilo, tales como pilares dóricos, capiteles corintios, arcos románicos, ventanales góticos, etc.”

Para László Moholy-Nagy (1895-1940) 

“Toda arquitectura –tanto sus partes funcionales como su articulación espacial- debe ser concebida como unidad. 

Sin esta condición, la arquitectura se convierte en una simple reunión de cuerpos vacíos, que podrá ser técnicamente factible, pero nunca brindara la emocionante experiencia del espacio articulado”. (Nota 3 op.cit. y comentarios 1)

«La arquitectura es una música de piedras y la música, una arquitectura  de sonidos». Ludwig van Beethoven 

3.- EL ESPACIO Y LA VIVIENDA

En una parte de la edad media (siglos X al XIII), no se vivía en las casas, se acampaba en ellas y los muebles eran móviles y portátiles; en la edad media, tampoco existían los restaurantes, los bares y los hoteles. Las casas se llenaban de gente y los espacios “parecían o eran entonces más pequeños.” (Nota 9)

“El sótano era un ámbito sereno, reconciliado, trascendente y sin un solo libro en las paredes o por el suelo. Allí no penetraba la literatura, ni el mal …El sótano era el lugar convivencial y oral, el hábitat de la fidelidad, en donde el tiempo, no siendo eterno porque era un tiempo de humanos, no dejaba de ser, sin embargo, interminable…Se ve que tienes la costumbre de leer varios libros al tiempo que eliges lecturas distintas para las distintas horas del día, para los diversos rincones de tu reducida morada: hay libros destinados a la mesilla de noche, los que encuentran su lugar junto a la butaca, en la cocina, en el cuarto de baño. Entiendo que hay varios libros necesarios.” (Nota 10)

Pero no siempre ha sido así, a lo largo de los siglos, conceptual y materialmente muchas cosas han cambiado, ya que la tecnología y los avances en el ámbito del diseño han modificado sustancialmente la conformación de los espacios y sus características; muros más delgados, ventanas más amplias, equipamiento más ligero y cómodo, o lo que hoy entendemos como comodidad.

El espacio es un vacío, una bolsa de aire que debe ser contenida para definir un límite. Esta precisión coincide con la existencia indispensable de su alrededor, que le otorga identidad. Diseñar espacios es diseñar las posibilidades de la vida, con límites de material. El espacio se define por la forma, la textura, el color, la temperatura, el olor, la luz. También como un vacío, un proceso mental de control sobre la construcción, donde el espacio está en el centro; añadiendo sustracción, construyendo excavación. Se desplaza el centro de la experiencia desde la forma a la vida. A la vanguardia, el espacio: casi autónomo, casi absoluto. Aires Mateus

4.-HousesCasas-Häuser

Adolf Behne (1885-1948) ya nos advertía admonitoriamente “Es tan factible matar a un ser humano con una vivienda como con un hacha”.

No todos, sin embargo, comulgaban con esta idea catastrófica.

Hans Sharum (1893-1972) afirmaba: “El hombre está obligado y vinculado con su espacio correspondiente y con el tiempo cambiante; los crea y al mismo tiempo lo definen a él. Así, el espacio en el que vivimos según su sentido y su esencia no tiene una naturaleza estática sino dinámica”.(Nota 11)

Como colofón de esta introducción, nos remitimos a las fuentes.

El ingeniero Marco Vitruvio (80-70 a.C-15 a.C.) (Marco Voltruvius Pollio), facilitó la difusión del conocimiento de la arquitectura entre un público numeroso, con su obra “Los diez Libros de arquitectura”

-me remito a mi artículo http://onlybook.es/blog/andrea-palladio-los-tratados-de-arquitectura/-.

Allí se nos dice que en toda construcción deben considerarse tres aspectos sin los cuales ningún edificio merecerá ser “alabado”: la utilidad o comodidad, la perpetuidad y la belleza. Y esto porque, como  nos aclararía varios siglos más tarde Palladio “… no podría llamarse perfecta aquella obra que fuera útil pero por poco tiempo; o bien que aunque duradera no fuese cómoda; bien que teniendo ambas cualidades no tuviera ninguna gracia en sí”. (Nota 12)

La edición más famosa del libro de Vitruvio es la ilustrada justamente por Andrea Palladio (Andrea di Pietro della Gondola 1508-1580), quien en 1570 da a la imprenta su propio tratado teórico. “Los Cuatro Libros de Arquitectura”, que incluye grabados de edificios antiguos además de proyectos propios y obras terminadas.

Paladio fue, quizás, el arquitecto más importante de la segunda mitad del siglo XVI ( sin olvidarnos de Filippo Bruneleschi (1377-1446), Leone Battista Alberti (1404-1472) y Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), e influyeron tanto sus obras como sus tratados; entre ellos, no podemos dejar de mencionar las antigüedades de Roma.

En el primero de los cuatro libros de arquitectura se trata de las casas privadas, explica a su benefactor, el conde Giacomo Andanno, que ha escrito las “advertencias necesarias que deben observar todos los claros ingenios que estén deseosos de edificar bien y hermosamente… y para que las obras sean bellas, graciosas y duraderas…” 

Y continúa “…He tomado como maestro a Vitrubio…y he comenzado por las casas privadas, pues nos suministran conocimientos para los edificios públicos, siendo muy verosímil que al principio el hombre viviese solo, y después, viendo la necesidad de la ayuda de los demás para conseguir las cosas que le pudiesen hacer feliz (si alguna felicidad se encuentra aquí abajo), deseara y amara naturalmente la compañía de otros hombres.

Por lo que de muchas casas se formaron aldeas, y después de muchas aldeas las ciudades, y en ella los lugares y los edificios públicos; asimismo porque entre todas las partes de la arquitectura ninguna es más necesaria a los hombres”. (Nota 12 op. cit.)

Debemos recordar que cien años antes era Alberti quien, también inspirado por la obra deVitrubio, había realizado y publicado estudios que contribuyeron a elevar la arquitectura a la categoría de arte, dejando de ser considerada un oficio más.

“Convencidos de que la casa sigue siendo hoy en día un núcleo fundamental de experimentación de nuevas concepciones del espacio“(Fabio di Veroli), presentamos una selección de casas proyectadas por cualificados arquitectos y emplazadas en diferentes lugares.

Son las respuestas de profesionales al reto de dar forma al espacio. Artífices que, como Jorge Oteiza (1908-2003), orquestan la luz en el vacío de las aristas destinadas a ser, -en este caso- a habitar.

Algunos en la orientación que aquí planteamos, otros en una distinta,

¿Es que acaso cabe una sola interpretación de lo que es el espacio?

“…La arquitectura es la elaboración reflexiva de los espacios. Se trata de la creación de espacios que evocan un sentimiento de uso apropiado… Louis I. Kahn

 
       Vista del Panteón desde terrazas cercanas de Roma

¿Que escriben los que escriben sobre el espacio?

El concepto del espacio toma un sentido más amplio, si al interior lo articulamos con el exterior. El vínculo entre el edificio arquitectónico y el exterior crea el espacio urbano es difícil discernir si la ciudad define a los edificios o estos a ella, en cuanto que ambas se realimentan.

Sigfried Giedion (1888-1968) en su libro “El Presente Eterno: los comienzos de la arquitectura” (1964), clasifico en 3 estados la concepción arquitectónica del espacio, y la relación del interior con el exterior.

Primer estado.- Las civilizaciones de la antigüedad (Egipto y Mesopotamia), dieron gran importancia al espacio exterior utilizando para ello grandes volúmenes (monumentos). Los espacios interiores eran como espacios vacíos. (Ejemplos de esta fase son en Estambul las cúpulas de Hagia Sophia –Santa madre Sofía-,; tardo barrocas de Borromini, Guarini, etc.).

Segundo estado.-a partir de la mitad de la época romana. El objetivo principal de la arquitectura es el diseño de los espacios interiores. Desde el Panteón romano hasta el siglo XVIII, el abovedamiento permitió la creación de espacios para el desarrollo religioso y secular. Es la arquitectura romana la que da especial significación a los espacios tanto públicos como privados y su interrelación.

Tercer y último estado.- En los siglos XIX y XX, se alcanza la interrelación de los espacios interiores y exteriores. Tiene elementos de los 2 estados anteriores. Son los romanos los que entienden al espacio como un lenguaje arquitectónico. Busca – a diferencia del mundo helénico- fuera del hombre, buscando un lugar espacial para él. Se expresa diseñando los espacios, y ya a partir de esa expresión define y hace comprender la arquitectura.

La caracterización del espacio. Que mejor ejemplo que El Panteón

El Panteón consagró para siempre en arquitectura esa luz apacible y difusa, elevado a la categoría de mágica en horas del crepúsculo, enfatizando las proporciones. Su belleza espacial es perfectamente percibida, aun sin saber del porqué.

El Panteón (Pan = todos Theon = dioses) templo construido a comienzos del imperio romano y dedicado a todos los dioses. Idea de Agripa (63-12AC) general y político romano.

En el frontón pone (M·AGRIPPA·L·F·COS·TERTIVM·FECIT) “Marco Agripa, hijo de Lucio, cónsul por 3era vez lo hizo”, el 3er consulado indica que es del 27 AC.

 

Fue reconstruido luego de diversos incendios (80 y 110 DC) por Adriano que se cree lo inauguró entre 125 y 128 DC. A ciencia cierta no se sabe quién fue el arquitecto, ya que se supone fue el mismo Adriano o Apolodoro de Damasco (60-130 DC) arquitecto sirio que se lo llamo “el Damasceno”. (Nota 15)

Datos del Panteón

Apolodoro de Damasco

El diámetro de la cúpula es de 43,44 m (150 pies), Es la mayor cúpula de hormigón en masa de la historia. Tiene un pórtico de 8 columnas que da paso a la enorme rotonda de 43,44 mts (150 pies) de diámetro. La altura total es igual al diámetro de la bóveda, por lo que se puede inscribir una esfera completa en el espacio interior (el cilindro tiene una altura igual al radio).

La bóveda está  decorada con casetones que  permiten reducir el peso sin debilitar la cubierta, posee un gran óculo –ojo- de 10 metros de diámetro, única abertura para la iluminación y ventilación del interior cuando se encendían ofrendas. Está apoyada sobre 8 pilares de 6 metros de ancho, calados con nichos.

La cúpula es semiesférica, formada de hormigón con cascotes de tufo y volcánica, posee 5 anillos.

El cambio de material utilizado de hormigón para el primer anillo de la cúpula, hasta piedra pómez para las demás, es para aligerar su peso

Toda su cubierta estaba revestida de bronce, que fue desmontado en 2 etapas, Flavio Valerio Aurelio Constantino (272-337) la llevo para la ciudad que estaba creando Constantinopla (Nota 16) y 1300 años más tarde el arquitecto Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) desmontó lo que quedaba para usarlo en la construcción del Baldaquino de San Pedro, en el Vaticano. Posee 2 puertas de 21 metros de altura revestidas en bronce, que son “puertas originales”, y el solado de mármol fue una reconstrucción del siglo XIX  siguiendo el trazado original.

El suelo es convexo, con varias perforaciones en su perímetro para que el agua de la lluvia que entre por el óculo no inunde el suelo. El efecto sorpresa al cruzar las 2 puertas y entrar al espacio circular debía ser, como lo es hoy, impresionante

Convertido en iglesia cristiana consagrada a Santa María de los Mártires y ya en la Edad Moderna fue sede de la Academia de los Virtuosos de Roma. Alli descansan los restos de Rafael, Vignola y Annibale Carracci así como el rey Víctor Manuel II, su hijo Humberto I y su esposa Margarita. En 1980 el centro histórico de Roma, incluyendo el Panteón, fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Hay una intencionalidad espacial en el uso de columnas, pilastras, cornisas y las hermosas y superfluas columnas corintias  (que nada sostienen) de los vanos de los nichos, que están allí como respeto y continuidad  a la tradición constructiva sobre todo de la dinastía Flavia y sus 27 años de reinado.

El Panteón tiene diseño angélico y no humano. Miguel Angel 

Es el Panteón de Roma –siglo II AC- el que nos hace tomar conciencia del espacio.

Una planta cuadrada abovedada, un espacio único sin aberturas laterales. Ese espacio, podemos caracterizarlo como único, con límites precisos, de planta unitaria, definida, de medidas iguales, centrado y equilibrado, el edificio se conecta al exterior mediante un cuerpo intermedio que finaliza en un pórtico helenístico. Alois Riegl: (1858- 1905) “El espacio del Panteón”.

Es recién con los arquitectos del Quattrocento, cuando se incorpora la lógica de las relaciones espaciales, basados en la armonía, el orden y la simetría.

Es Vitrubio quien expresa la idea arquitectónica de la proporción, y que la armonía en un edificio bello se basaba en las proporciones humanas o en la Naturaleza. (la euritmia definida por Vitruvio que escribe: “Cuando todas las partes importantes del edificio están convenientemente establecidas en proporción mediante la adecuada correlación entre alturas y anchuras, entre anchura y profundidad, y cuando todas estas partes también tienen su lugar en la simetría total del edificio, obtenemos euritmia” ( eu– bello, armónico y ritmia-ritmo.)

Entiende la simetría como cualidad, como proporción de las partes.

“Simetría es la conveniente correspondencia entre los miembros de la obra, y la armonía de cada una de sus partes con el todo: pues así como se halla simetría y proporción entre el codo, pie, palmo, dedo y demás partes del cuerpo humano, sucede lo mismo en la construcción de las obras (Nota 13) haciendo mención a Leonardo. (Nota 14)

Alberti teoriza estos conceptos, recupera la ley de las proporciones de Vitruvio, incorporando los aspectos religiosos y filosóficos, por los que era debido a un orden superior la guía de los principios geométricos.

Videos del Panteón

1.-  https://youtu.be/PFTlZ6mLl50?t=3

2.- https://youtu.be/2P0FUjTmDWs?t=5

3.- https://youtu.be/UzAhpdo4RSI?t=245

4.- https://youtu.be/2Tye02m9UWY música: banda sonora Game of thrones.

Comentarios sobre algunas actores -principales y secundarios- mencionadas en el artículo

1.- László Moholy-Nagy  (1985 – 1946). Fotógrafo y pintor húngaro, a la renuncia de Johannes Itten (1888-1967) como director del curso de metal László se hace cargo de dirigir el curso. Fue profesor y junto a su mujer Lucia (Schulz) Moholy 1894-1989)se convirtió en el precursor de la fotografía Bauhaus.

La edición del octavo volumen de la Bauhaus de su trabajo “Pintura, Fotografía, Film”, aparecida en 1925, es uno de los pilares de la fotografía al establecer una relación entre ella y la pintura. La clasificaría como un medio para dar forma al color (la pintura) y la fotografía un instrumento de fenómeno de la luz.

Durante 8 años (desde 1922 a 1930) trabajo en una serie de planos metálicos perforados (Modulador luz-espacio) con efectos de luces y sombras.Alexander Rodchenko (1891-1956) había trabajado previamente con un modulador en el que sólo se buscaban sombras.

                                                                                                                                            Notas

Nota 1: Nikolaus Pevner (1902 -1983), Breve historia de la arquitectura europea.

Nota 2: Julio Cortázar (1914 – 1984) Paris, ritmos de una ciudad.

Nota 3: László Moholy-Nagy  (1985 – 1946). La nueva visión. Principios básicos del Bauhaus.

Nota 4: Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret-Gris, 1887 – 1965), Precisiones respecto a un estado actual de la arquitectura y el urbanismo.

Nota 5: Italo Calvino (1923 – 1985). Si una noche de invierno un viajero.

Nota 6: Edgar Allan Poe (1809 – 1849). La caída de la casa Usher.

Nota 7: Julio Cortázar, Casa Tomada.

Nota 8: Henning Mankell (1948), Cortafuegos.

Nota 9: Witold Rybczynski (1943), La casa: historia de una idea

Nota 10: Féliz de Azúa (1944), Benet en casa.

Nota 11: Hans Scharoun (1893-1972). Escritos.

Nota 12: Andrea Palladio (1508-1580). Los Cuatro Libros de Arquitectura.

Nota 13: del capítulo II. De que cosas consta la Architectura, libro 1ero. Los 10 libros de la arquitectura de Marco Lucio Vitruvio Polion.

Nota 14: Leonardo en sus notas indicaba una escala “palmos”. Debajo de su dibujo están en “codos”. Cada codo está dividido en seis palmos, y los últimos palmos están divididos en cuatro dedos cada uno. El “hombre de Vitruvio” obra de Leonardo con los brazos extendidos mide exactamente cuatro codos de ancho y también cuatro codos de altura.

La Proporciones del Hombre de Vitruvio

“Vitrubio el arquitecto, dice en su obra sobre arquitectura que la naturaleza distribuye las medidas del cuerpo humano como sigue: que 4 dedos hacen 1 palma, y 4 palmas hacen 1 pie, 6 palmas hacen 1 codo, 4 codos hacen la altura del hombre. Y 4 codos hacen 1 paso, y que 24 palmas hacen un hombre; y estas medidas son las que él usaba en sus edificios.

La longitud de los brazos extendidos de un hombre es igual a su altura. Desde el nacimiento del pelo hasta la punta de la barbilla es la décima parte de la altura de un hombre; desde la punta de la barbilla a la parte superior de la cabeza es un octavo de su estatura; desde la parte superior del pecho al extremo de su cabeza será un sexto de un hombre. Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo. Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte del hombre. La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte de un hombre. Desde el codo a la punta de la mano será la quinta parte del hombre; y desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte del hombre.

Nota 15: Apolodoro fue uno de los grandes arquitectos de Roma, con clara influencia helénica, entre sus obras (sirviendo al emperador Trajano), el Puente de Trajano, los mercados del Quirinal en Roma, las termas de Trajano, el foro de Trajano -con la Basilica Ulpia-, mercado de Trajano. Y la imponente Columna de Trajano de 40 metros de altura y 4 metros de diámetro, completamente tallada donde se narra la historia de la victoria de Trajano contra los Dacios.

Nota 16: Constantino es conocido también por haber refundado la ciudad de Bizancio (actual Estambul, en Turquía), llamándola «Nueva Roma» o Constantinopla (Constantini-polis, la ciudad de Constantino).

Hugo A. Kliczkowski Juritz
permitida su utilizacion citando la fuente
Abril 2018

Suecia, Mälmo , El Turning Torso de Santiago Calatrava

Suecia, Malmo Torre de Calatrava

Apenas llegamos a Mälmo, fuimos a ver la torre.

Sabía visualmente de sus características, pero necesitaba sentir como era ver su dimensión (54 pisos y 190 metros).

Johnny Örback, era en ese momento el director gerente de la cooperativa sueca de viviendas HSB, que fuera fundada en 1923 y es la actual propietaria de la torre. HSB es la mayor cooperativa de Suecia.

Esta torre está basada en una escultura de Santiago Calatravallamada «Twisting Torso» que es la forma en que un ser humano gira sobre sí mismo, realizada en mármol blanco.

Bautizaron «Turning Torso» a esta torre que el arq ing Santiago Calatrava finalmente construyo en Suecia.

Ubicada a 512 Km de Estocolmo en la ciudad de Mälmo, a las orillas del estrecho de Öresund. Se inauguró en Agosto de 2005 con 147 unidades residenciales.

Es extraño ver su torsión, y los elementos estructurales externos. Pero no son excesivos (debo reconocer que fui a verla con un poco de prejuicio por las polémicas que Calatrava ha causado y causa), ni en su cantidad ni su tamaño, hasta diría que me agrado su simplicidad dentro de su complejidad.

Emplazada en una zona nueva, muy cerca del puente/túnel que une Suecia con Dinamarca, es una obra de ingeniería muy compleja que une las ciudades de Mälmo -Suecia- con Copenhague -Dinamarca-.

Toda la zona tiene lugares de esparcimiento como restaurantes, al borde del río un paseo muy bien diseñado donde se circula en bicicleta, se usa para realizar gimnasia, tomar sol, e ir de compras en comercios y galerías, etc.

Alrededor de esta torre muy alta (la más alta de la península escandinava) hay muchas viviendas y comercios, muy bien diseñados y mejor construidos.

Me llamo la atención que ya en ese momento (era 2015) la torre (como la Torre Eiffel en París), era el símbolo de la ciudad y había todo tipo de merchandising con su

imagen.

En agosto de 2015, recibió el premio 10 Year Award del Council on Tall Buildings and Urban Hábitat. ( concedido por el Consejo de Edificios Gran Altura y Hábitat Urbano (CTBUH).

En 2005 obtuvo el primer puesto del Emporis Skyscraper Award.

La película “El socialista, el arquitecto y la torre”  trata, como lo indica la sinopsis de Filmaffinity:

» En 1999 el socialdemócrata Johnny Örbäck, director general de una cooperativa de viviendas en Malmö decide encargar a Santiago Calatrava la construcción de un edificio único en los viejos astilleros de la ciudad, la ‘Turning Torso’, una torre de 190 metros de altura que se retuerce sobre sí misma y que fue nombrada como el «mejor proyecto de edificio residencial del mundo» en Cannes. Los años pasan y el proyecto se retrasa. El presupuesto se excede en casi 85 millones de euros y Johnny Örbäck tiene que soportar la presión de los empresarios y de los ciudadanos de Malmö, que no entienden por qué una cooperativa como la HSB no construye pisos asequibles para la población. El director entra en las vidas de los protagonistas y vive en primera línea sus sueños y frustraciones. Una mirada única al mundo de la arquitectura y sobre qué pasa cuando la visión artística choca con la dura realidad.

Otra:

Hay un CDR editado por la FCA (la Fundación caja de arquitectos de Cataluña) donde se ha filmado todo lo que ha habido alrededor de la torre, que no ha sido poco por los sobrecostes y atrasos.

Creo a pesar de los pesares, y muchas consideraciones, que la torre es una maravilla.

Lina bo Bardi

Lina bo Bardi Exposición en su casa de vidrio en San Pablo

desde el 1 de Abril al 2 de Junio de 2018

Exposición «A CASA COMO CASA» –
CASA RESIDÊNCIA E ESTILO DE VIDA DO CASAL BARDI

direccion:
Rua General Almeiro de Moura 200
en Morumbi, San Pablo
Curadora y directora cultural : Sol Camacho.
De Jueves a Sábado horarios 10h15, 11h45, 14h y 15h30
 
Lina muere en 1992, un año mas tarde con el nombre de Lina Bo y P.M. Bardi se consolida en la que fue su casa una propuesta de difusión cultural en Sao Pablo.(ya funcionaba desde 1990).
Esta exposición es el lanzamiento del nombre INSTITUTO BARDI / CASA DE VIDRIO, para celebrar la reconstrucción de la sala de la Casa de Vidrio, lo mas parecida posible a aquella en la que vivieron los últimos años de su vida Lina y Pietro.
Sol Camacho curadora de la exposición explica que se intento recuperar la atmósfera y el estilo de vida de sus habitantes.
Recordemos que Lina y Pietro eran italianos, y que durante 50 años (1951 a 1999) fue el escenario de los intelectuales italianos que debido a la 2nda guerra mundial, escogieron Brasil como su patria.
Sus amigos, artistas, galeristas, políticos colaboraron en ese clima progresista, y hoy sede del Instituto que difunde cultura por medio del arte, el diseño, la arquitectura y el urbanismo.
Esta «su casa», no fue solo un ejercicio de arquitectura de vanguardia, experimentación de los proyectos de vanguardia de Lina, sino que fue el lugar intimo donde ambos trabajaban, escribían, proyectaban edificios. muebles y objetos.

Japón 4 Kanazawa y Naoshima – Sanaa y Tadao Ando

A raíz del comentario de Antonio Ledesma sobre como  generan los “japoneses” los espacios, y planteado el tema de la transición, recojo la pregunta, a la que luego se sumo Zaida Muxi, todo está en el feis.

En ese diálogo también lo pregunta Pablo Mastandrea..

Yo agrego, «quien esté libre de pecado, que tire el primer concepto….»

 

Con mi amigo, » otro Pablo», y en una de las tantas conversaciones que hemos tenido y tenemos llegamos a la misma pregunta sobre la arquitectura japonesa moderna..

No ya que hacen (que lo vemos) sino desde donde y como lo hacen.

Transición!!

Esto hable con Pablo: «en la arquitectura que vimos de Tadao Ando, Yoshio Taganuchi,  Kengo Kuma y el gran Kenzo Tange, (no vimos nada de Toyo Ito) plantea espacios previos, anteriores al principal».

Estos espacios anticipan, preparan la acción, sin sobresaltos…

Acordamos que la vida hace a la arquitectura y no al revés.

Tiempo!!

Es el tiempo, y no el espacio el que da calidad y sentido a la arquitectura.

Todo es tiempo. Y depende que uso demos a ese tiempo y como lo percibamos.

(Pablo me da un ejemplo futbolístico, si un equipo – sin duda se refiere a River-gana 1 a cero y faltan 2 minutos para el final del juego, que largos que son esos 2 minutos. Tiempo en el espacio (trato de interpretar). El tiempo es recorrido, y es el que da calidad y sentido. No el espacio.

 

Este texto parece lo que es, conceptos telegráficos…sobre la temporalidad y -nuevamente- sobre el sentido.

 

 

 

 

Sana– Sejima Kazuyo y  Ryue Ishikawa

Quienes en el año 2010 obtuvieron el Premio Pritzker de Arquitectura.

Es en el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI, donde el  estudio  Sanaa  (obtuvieron el 1er. premio)-, redefine la institución museo, construido en la ciudad de Kanazawa e inaugurado en 2004.

Respuesta “concentrada” así como dispersa la de Tadao Ando en el Chichu Art Museum (2004) (地中美術館 Chichū Bijutsukan) literalmente “Museo de Arte en la tierra”. y en el Benesse Art Museum (1992)  Ambos en la isla Naoshima.

Otra re-interpretación del concepto Museo, en este caso abierto a la vida. Todos los destinatarios, vecinos y visitantes reconocen ese cambio de paradigma.

 

 

1er recreo

Si por esas cosas de la vida deciden viajar a Japón, para hacer un master de arquitectura y de vida, – recomendaría la isla de Naoshima, en la prefectura de Kagawa.

Dormir en ella, en alguno de los bed & breakfast o la menos probable de conseguir alojamiento en el hotel  Benesse, también de Ando por 500 usa la noche. 

Pero a no preocuparse, no hay nunca lugar, ni siquiera en la parte alta que se llega en monorrail y tiene “seis increíbles habitaciones seis”.

Luego de pasar por la Terminal de Transbordadores de Naoshima, que Sanaa realizó en el 2006, volvemos al museo del siglo XXI.

Partido de Sanaa (Les recuerdo que pertenezco a la etapa pre autoCAD)

Simplificando «el partido» recrea un lugar conocido. Como estar en una ciudad o incluso un centro comercial, pero de exhibición y de arte, bueno, es casi lo mismo. Calles y locales, pasillos y habitaciones, todos lo entendemos. Por aquí se circula, y cuando algo nos llama la atención, entramos a ver.

Ventanas, caladuras por donde se ve gente y lo que ve la gente.

Dos “tapas”, materializadas en círculos de 103 mts de diámetro.  Una abajo y otro arriba.

En el medio de ambas “tapas” y sobresaliendo,  el contenido expuesto en el museo.

Las salas (circulares o cubicas) sobresalen lo necesario de la “tapa superior”.

La altura de la sala afecta solo a esa sala. No a la altura de la circulación.

Todo simple y fácil.

Ciertas salas de acceso libre conviven con salas  a las que solo se puede acceder con entrada.

En el mismo museo, como el gruyere, donde las partes llenas, junto a las vacías dan forma al conjunto

Un conjunto muy claro. (no es «un edificio», equipamientos colectivos como biblioteca, sala de conferencias y sala taller polivalente de uso infantil. Galerías de exposición, museo y esparcimiento alrededor de los pasillos circulares que dan al jardín gracias a enormes paneles de vidrio continuo.

Como obra permanente, el Museo ha comprado e instalado la piscina de nuestro compatriota argentino Leandro Erlich.

2ndo recreo

 

Sanaa ha mejorado notablemente las terminaciones del New Museum (2007) en el Lower East Side de Manhattan.

 

 

Como ponía al comienzo: «quien esté libre de pecado, que tire el primer concepto….»

Se escuchan conceptos.

 

Hugo A Kliczkowxski

Abril 2018

 

Frank Gehry y la Fundación Louis Vuitton, Paris

Fundación Louis Vuitton por Frank Gehry

impresiones de un relator

 por el arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

Esta conversación existió, durante el mes de Julio del 2015 en Madrid.

Los interlocutores fueron un arquitecto al que conozco desde hace muchos años que es una persona muy culta, formada e informada, a quien mantendré con el rango de amigo/arquitecto y otro arquitecto, con menos virtudes y más defectos, yo.

Había ido a París a ver la exposición que sobre Le Corbusier se montó en el Centro Pompidou,  

conmemorando los 50 años de su muerte, una retrospectiva que incluía textos, pinturas, dibujos, esculturas y maquetas. 1;

 

También aproveche para visitar varias obras del Arq. Jean Nouvel (como La fundación Cartier –que me sigue pareciendo interesantísima)

Fundación Cartier de Jean Nouvel

Me acerque al Museo de Quai Branly, (quai tiene la acepción de muelle, y así se llaman muchas de las calles que bordean el río Sena).

No llegue a ver la Philarmónica de París también de Nouvell porque estaba cerrada hasta finales de Agosto por obras. También fui a conocer el Museo de Le Gaite Lyric al lado de la Rue Sebastopol. Al que destine un tiempo y un deseo especial fue al nuevo (inaugurado en Octubre de 2014) museo de la Fundación Louis Vuitton diseñado por el Arq. Frank Gehry, de origen canadiense (1929).

Un aviso que puede servirles: si van a visitarlo, les comento que en el Arco del triunfo cada 15 minutos sale un bus eléctrico, que cobra 1 € cada trayecto.

Le comenté a  mi amigo/arquitecto, que no me había gustado, que me parecía un edificio rodeado de un tu-tú, de un velamen, que además de superfluo, es pretencioso, en definitiva, me había decepcionado.

Había visto personalmente varias obras de Gehry, como su casa –en realidad la remodelación de su cocina- en Santa Mónica en 1977/78, su casa de la Playa, el museo aeronáutico de Los Angeles, El Disney Hall, Fred & Ginger en Praga – el caprichoso edificio danzante invadiendo las aceras-, ya había sentido un poco el sabor amargo en Vitra Design Museum en Weil am Reheim, que me pareció una casa común con un envoltorio muy forzado, para hacerlo “gheriano”, el Neuer Zollhof en Dusseldorf, Alemania (1999); y me extasié muchas veces, en cada visita al Museo Guggenheim en Bilbao. Insistí que la obra en Paris no me había gustado.

Esta obra tiene gran cantidad de espacios que dan a muchísimas terrazas, donde la gente, se dedicaba a sacar fotos del Bois de Boulogne, ya que la obra está en la zona del Jardin d´Ácclimatation, un lugar familiar en la vida de los parisinos, en el barrio XVI.

En un terreno de 19 hectáreas, diseñados por el arquitecto Gabriel Davioud (1824-1881) y el paisajista Jean-Pierre Barillet-Deschamps, (1824-1873) .

Fue inaugurado por Napoleón III en 1860, la parte del Jardín Zoológico de Aclimatación llego a contar con más de 110.000 animales.

La finalidad era crear un espacio con nuevas especies animales y botánicas en Francia. En 1860 se trajeron semillas, bulbos, raíces y animales para ser introducidos en el corazón del Bosque de Boulogne, creando un bello espacio ajardinado.

Algo más complicado ( y doloroso) de comprender fue que entre 1877 y 1912 es decir durante 35 años, se convirtió en el L’Acclimatation Anthropologique, un zoológico humano en donde se presentaban familias enteras de pueblos indígenas, poniendo tras las rejas, a la vista de los visitantes y tratados como animales a indígenas de todo el mundo como Nubios (Egipto y norte de Sudan), Bosquimanos (de 6 países africanos), Zulúes (Sudáfrica y otros países de África), Lapones (península escandinava y Rusia), Kali’nas (Brasil, Guayanas y Norte de Sudamérica), Selknam (Argentina, Chile y tierra del fuego), Mapuches (Sur de Chile y Argentina), entre otros.

La sociedad concesionaria para la Ciudad de París del Jardín de Aclimatación pertenece al Grupo LVMH, siglas de Louis Vuitton Moët Hennessy, este conglomerado dueño de más de 70 marcas de renombre de todo el mundo está presidido por Bernard Arnault, undécimo hombre más rico del mundo y primero de Francia.

En una de las terrazas, vi una pareja que se encontraron con una escalera que debería salvar al menos 2 niveles de altura, y encogiéndose de hombros la encararon (yo tras ellos).

Mi amigo/arquitecto, me contradijo:

Ah, no, es una obra fantástica, me ha parecido estupenda, digna obra de un encargo de Arnault en su carácter de ser el mayor coleccionista de arte moderno de Europa.

En serio, dije yo. ¿Porque?

Deberíamos hablarlo en extenso, pero es una gran obra.

Arnault sabe que no tiene una gran colección de obras de arte, de hecho no tiene ninguna obra artística contemporánea que cueste los 230 millones de euros que ha costado la obra que le ha encargado a Gehry.

Entonces, le pidió a Gehry una gran obra, la más importante de su colección. Y Gehry ha hecho una gran escultura transitable, rodeando a las salas de alas de mariposa (me encanto esto de alas de mariposa, voy a cambiar la mía porque ya no me gusta más lo del tu-tú), tiene 12 velas de vidrio. La mayor tiene 3.000 m2 y está a 25 metros más alta que la terraza.

– En ese sentido llevas toda la razón, había más gente fuera que dentro del edificio.

– Claro, ha construido una montaña, y tú puedes salir de la montaña y caminarla por fuera, y ver el bosque maravilloso, y cuando lo deseas entras a la montaña.

– Bueno, no sé, me estas cambiando los esquemas, sigue le pedí.

Todas son como montañas (no he estado en la Capadocia, en Turquía, donde hay una región, un paisaje montañoso con cuevas o lugares donde entrar).

Pero son lugares puntuales, como esta montaña, entras para ver algo, y luego sales estando en el conjunto.

Se ha hecho con un rigor constructivo enorme, con un cálculo, que evita problemas.

– ¿no se ira volando hasta Avellaneda? (siempre en estas conversaciones difíciles, como desde donde yo partí, trato de agradar con algo que me parece simpático, que no fue el caso).

– No, han hecho una tarea enorme de estudios de varios materiales, acero, madera, cristal,

La idea era que en el año 2009 se inaugurara el museo, para lo cual la ciudad de París, propietaria del parque otorgó el permiso. En 2011 una asociación defensora del Bois de Boulogne consiguió que un juez fallara “que –la obra y su función- alteraría la paz verde del parque”. La ciudad de París apeló este fallo, y el Arq. Jean Nouvel avaló a Frank Gehry diciendo:

“… con sus pequeños y ajustados trajes resulta bastante patético que quieran poner a París en formol…”.

Finalmente la Asamblea Nacional aprobó una ley especial alegando que la Fundación era un interés nacional y que el edificio que se pensaba construir era “una inmensa obra de arte para el mundo entero”, con esta ley se permitió su continuación.

En ese sentido, ya el fallo de la Asamblea Nacional lo menciona no como un edificio sino como una inmensa “Obra de arte”.

Ya he mencionado que la historia del Jardín d´Acclimatation comienza en 1854 de la mano del naturalista Isidoro Goefroy Saint-Hilaire (1805-1861) con el apoyo de Napoleón III, pero a partir de 1990 al Jardín de Aclimatación le resultó imposible competir con los nuevos parques temáticos abiertos en las afueras de París. El espacio fue comprado por el grupo Vuitton que recuperó algunas de sus antiguas piezas como el aviario o el coto rocoso para los ciervos. Con la construcción del edificio diseñado por Gehry se abre un nuevo capítulo en su historia.

La obra

Ya había leído acerca de Velas o líneas continuas, todo controlado por el programa digital CATIA. Un programa creado originalmente para la industria aeronáutica por una compañía francesa y adaptado a los diseños de arquitectura, solo para este proyecto Gehry contó con la ayuda de más de 190.000 archivos digitales. Si lo pensamos como un iceberg (o montaña como mi amigo/arquitecto me dijo)- de los 11.000 m2 construidos 9.000 corresponden al iceberg.

Posee 2 accesos, el de la Avenida M. Gandhi o desde el Jardín, que nos dirigen a un amplio vestíbulo que articula los distintos espacios. El edificio cuenta con 11 galerías.

Un auditorio (en la planta sótano) con capacidad para 360 a 1000 personas, flexibilidad conseguida por un particular sistema automático de configuración de asientos, la gruta y las terrazas, cuenta con salas más pequeñas.

El edificio “interno” tiene 3 volúmenes. Y el “externo” permite exponer obras de arte y maravillarse ante las visitas al entorno.

Dos de las terrazas están cubiertas por las “velas”, y existe otra descubierta.

La lógica constructiva de la fundación es específica para cada bloque con una estructura primaria de hormigón armado con acero y una secundaria de madera y acero revestido con vidrio.

El edificio tiene 46 fachadas acristaladas. Diseñaron un software que permitió calcular el radio de doble curvatura para cada panel de vidrio, lo que garantizaba su continuidad con los paneles adyacentes.

Los revestimientos de los muros del “Iceberg” son placas de Ductal  Blanco fijadas a un marco de aluminio.

Son 19.000 rectángulos de medida equivalentes aunque cada uno tiene una curva propia.

Debería extenderme más, ya que ni he entrado a valorar su espacialidad (que es muy interesante) ni su riqueza visual.

Pero quería compartir estas formas de entender, explicar, o explicarse de la que sin dudas es una obra mayor de arquitectura.

Cuando leí del juicio de los vecinos, me acordé lo que le ocurrió a la Torre Eiffel, y el edicto municipal que permitía su demolición. La Torre Eiffel, un icono de París, existe hoy día, porque por suerte, prevaleció un mirada más allá de lo inmediato.

Voy a volver a re-mirar esta obra de Gehry y les aviso.

Hugo A. Kliczkowski Juritz

7 de Agosto de 2015

Notas

1.-La retrospectiva sobre la vida y obra de Le Corbusier, llevaba por título, «Le Corbusier: Las medidas del Hombre»,  del 29 de abril hasta el 3 de agosto de 2015

 

 

Utopia. El parador Ariston por HaKj

Caminamos en nuestra Utopía para recuperar ¡Nuestra Huella! Recuperando El Parador Ariston.
Obra de los arquitectos Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Carlos Coire.

Utopía

Eduardo Galeano comenta en uno de sus libros que estando en Cartagena de Indias, en la costa Colombiana con el director de cine argentino Fernando Birri, un estudiante le pregunta:

-¿Para qué sirve la utopía?

-y Fernando Birri responde que esa pregunta se la hacia él todos los días.

-¿Para qué sirve la utopía?

-Fíjense ustedes que la utopía para mí está en el horizonte.

Y si está en el horizonte nunca la voy a alcanzar.

Pues si yo camino 10 pasos, la utopía se va a alejar 10 pasos.

Y si camino 20 pasos, la utopía se va a colocar 20 pasos más allá.

Cuanto más lo intente, menos lo conseguiré.

Porque ella, se va alejando a medida que yo me acerco.

O sea, yo sé, que jamás, que nunca la alcanzaré.

Es una buena pregunta, ¿para qué sirve la utopía?

La Utopía sirve para eso, para caminar.

 

Eduardo Galeano

Fernando Birri

 

 

 

 

Recuperar el Ariston. Es también una Utopia?

Poniendo nuestro mejor empeño para salvarlo de su actual estado de abandono, caminamos hacia ese propósito,

Debemos cuidarlo y evitar que desaparezca.  Porque hay un riesgo, cuando desaparecen, las historias también desaparecen. Cuando desaparecen los espacios donde tejimos y construimos historias, nuestras historias también desaparecen con ellos. Las historias se desarrollan en algún lugar y cuando estas historias se relatan hablamos en el espacio y en el tiempo. (Marc Augé)

Nota 1.

Hablamos de nuestra “HUELLA”.

Hay un nexo entre los espacios y nuestras historias. Se alimentan mutuamente. Los espacio efímeros y provisorios producen relaciones efímeras y provisorias, y todo lo efímero y provisorio está destinado a desvanecerse.  Por el contrario, aun hoy, luego de más de 25 de años de estar cerrado, el parador Aristón, sigue despertando historias, pasiones y deseos. No hablamos pues de una arquitectura efímera, en el sentido que es una arquitectura que dura menos que nosotros mismos, sino de una arquitectura con vocación de permanencia que nos sobrevive. Nos relacionamos con el edificio, que es donde transcurren nuestras realidades cotidianas y alimentamos esa relación con nuestras narraciones. Tenemos una relación afectiva con los lugares que habitamos, tambien han condicionado nuestra manera de ser y actuar. (Nota 2)   

Esa es nuestra “Huella”.

La arquitectura es el arte de las superficies que están alrededor del espacio (Brinkman)

Hay una percepción del lugar y del tiempo (Einstein)

El hombre existe en el espacio al dar lugar al espacio (Heidegger)

  Cada período cultural tiene su propia concepción del espacio, pero es preciso cierto tiempo para que la gente lo entienda asi conscientemente. (Lazlo Moholy-Nagy)  

Hay cierta arquitectura que es muy importante conservar, porque ella y sus espacios nos recuerdan a los que nos han precedido, y también a nosotros mismos en otro tiempo. Hay obras que se transforman en iconos de la arquitectura, tienen la fuerza para influir en su entorno físico y cultural. Transforman el lugar en un sitio especial. Como el Parador Aristón.

Así como las acciones inmateriales se recuperan con las historias que se cuentan y escuchamos, cuando son edificios, las historias se construyen de manera  más compleja, son historias que hemos creado entre todos y son los edificios los que nos dan pistas de esas historias, donde hemos vivido y compartido distintos momentos. Como si cultivaramos, cuando se proyecta un edificio, nos apropiamos del sitio. Nota 3

Así construimos Nuestra Huella.

Marcel Breuer

Un edificio para poder vincularse con la cultura a la que pertenece, debe estar inmerso en las realidades, emociones y mitos que forman el imaginario colectivo de una sociedad. Javier Maderuelo. Nota 4

A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”. Peter Blake. Nota 5

Defender el Parador Ariston es asumir la defensa del patrimonio histórico. La propuesta, es hacer pedagogía en la opinión pública para que defienda la arquitectura contemporánea como parte de su patrimonio, a los gobiernos municipales y provinciales para que declaren la protección de obras de alto valor arquitectónico. Al defender nuestro patrimonio, defendemos lo que hemos heredado de nuestros padres (“Patrimonium”). Al conservarlo (es frágil y limitado), establecemos vínculos con un legado que es común a todos. Su enorme valor radica en que ese legado nos vincula al pasado haciéndolo presente.

Esa es nuestra “Huella”.

Eduardo Catalano

Desde el punto de vista espacial, el Movimiento Moderno creó una nueva manera de entender el espacio urbano y doméstico del cual somos herederos. Arq José María Ezquiaga – decano del Colegio de Arquitectos de Madrid (COAM)

Otra manera de presentar al Parador Ariston

En un mágico paisaje, cuando el hombre proyecta, descubre un lugar. Lo diseña, creando un sitio y creando espacios.

El espacio surge de repensar el tiempo (Henry Lefebvre)

El espacio, es el lugar donde son posibles los relatos, de hecho, todo relato es un relato de un viaje, que es nuestra experiencia personal en ese espacio. El relato de nuestras vivencias, nuestras historias, hace el espacio y al contarlo a los demás, define nuestra “huella”. Nota 6

Carlos Coire

Notas

1.  Marc Augé 1935: Estas formas simples se concretan en y debido al tiempo. De hecho, todas las relaciones inscritas en el espacio se inscriben también en su duración, son, por lo tanto, históricas.

2. Marc Augé, se refiere al «no lugar» como lugares transitorios, que no tienen suficiente importancia para ser considerados “lugares”. Un no-lugar puede ser una autopista, una habitación de hotel, una estación de tren, un centro comercial, donde la relación es más superficial, circunstancial, las relaciones son más artificiales que en un “lugar”. Hay espacios que tienen una doble acepción: Aunque un centro comercial pueda ser un lugar de encuentro, de relación y de diversión para gente joven, puede ser un no lugar para gente mayor

3. La clave estaba en un libro del arquitecto austriaco Victor Gruen, El corazón de nuestras ciudades. Gruen intentaba establecer una circunscripción entre aquello que pertenece a la ciudad (de todas las ciudades en general), y aquello que queda excluido: hay sitios de tránsito y sitios de encuentro; sitios donde los itinerarios corren en paralelo y sitios donde tienden a cruzarse; sitios estáticos y sitios dinámicos; sitios donde uno puede encontrarse con personas y sitios donde las personas se transforman en cosas.

4. Javier Maderuelo. LA IDEA DE ESPACIO. En la arquitectura y el arte contemporáneo 1960-1989. Editorial Akal (978-84-460-1261-0). 2008.

5. El historiador Peter Blake, en su libro “The Master Builders” (1976) comenta acerca de las vidas que pueda tener la arquitectura de los grandes maestros, y nos dice que la primer vida de un edificio comienza cuando el edificio se termina y su éxito se juzga dependiendo de si funciona o no, su segunda vida es una o dos generaciones más tarde cuando ya no se recuerda su comportamiento en términos de planificación, presupuesto, comodidad, ya que se lo juzga simplemente como si fuera una obra antigua, aunque el edificio no sea demasiado “bello”. A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”.

6. Es el relato el que transforma el lugar en espacio. (Michel de Certeau -1925/86- filósofo, “Las artes de hacer”)

 

 

La fealdad del espíritu

La fealdad del espiritu

 

El arbolito no es responsable de nada.

No hay que criminalizarlo, no pidió ningún fondo para exponer su belleza.

Nadie cercano, aprendió de él su forma, sutileza, color o textura, ni su escala o su movimiento.

Ni advirtió sus visitantes (pajaritos, otras aves, hasta algún barrilete).

Nadie observó su maravillosa forma de dar sombra y hasta el susurro del viento y el juego de las hojas flotando en el espacio.

El arbolito no tiene culpa alguna.

Ni criminalizarlo, ni juzgarlo, pero si agradecerle que exista para recordarnos que lo bello muchas veces nos permite reconocer la fealdad. Sobre todo la del espíritu.

El parador ARISTON, una ruina moderna por HaKj

El Parador Ariston obra de los arquitectos Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Carlos Coire.

Una “ruina moderna”.

 El historiador Peter Blake, en su libro “The Master Builders” (1976) comenta acerca de las vidas que pueda tener la arquitectura de los grandes maestros, y nos dice que la primer vida de un edificio comienza cuando el edificio se termina y su éxito se juzga dependiendo de si funciona o no, su segunda vida es una o dos generaciones más tarde cuando ya no se recuerda su comportamiento en términos de planificación, presupuesto, comodidad, ya que se lojuzga simplemente como si fuera una obra antigua, aunque el edificio no sea demasiado “bello”. A pesar de los riesgos que se asumen, podemos medir la grandeza de una obra de arte y de su arquitecto, preguntándonos cuánto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”.

Resulta clarificadora y útil la frase de Peter Blake “la grandeza de una obra y de su arquitecto se resume en esas dos cuestiones, cuanto ha influido en sus contemporáneos y cuan visible es la huella que ha dejado en su tiempo”.

Hay obras que se transforman en iconos de la arquitectura, ya que tienen “per se”, la fuerza necesaria para influir en el entorno físico y cultural, sea cercano o lejano.

De pronto, hay lugares donde las personas y sus acciones, los objetos que realizan y construyen transforman el lugar en un sitio especial.

Así como las acciones inmateriales se recuperan con las historias que se cuentan y escuchamos, cuando son edificios, las historias se construyen de manera  más compleja, son historias que hemos creado entre todos y son los edificios los que nos dan pistas de esas historias, donde hemos vivido y compartido distintos momentos.

Hay un edificio, el Parador Aristón, del que podríamos estar orgullosos, ya que es parte de nuestra historia, de nuestra historia colectiva. Su “huella” es parte de nuestra identidad como un valor sustantivo que conforma el patrimonio cultural común, por eso nos duele el estado de abandono al que está sometido.

Debemos cuidarlo y evitar que desaparezca. 

Porque hay un riesgo, cuando desaparecen, las historias también desaparecen.

¿Es un desapego afectivo? ¿Carecemos de la sensibilidad necesaria para valorar su identidad en cuanto generadora y referente de ideas? (Nota 1)

A pesar de estos pesares hay mucha gente interesada en preservarlo, como gratamente he podido descubrir.

Todos ellos saben que tratar de recuperar el Parador Ariston nos califica, (así como dejar que desaparezca nos descalifica).

Comencé este artículo, con la intención de enterarme de esta historia, sobre todo cuando vi su lamentable y calamitoso estado.

Parafraseando al filósofo y escritor francés Blaise Pascal del siglo XVII comento aquello de “escribo un texto largo, porque no tengo tiempo de escribir uno corto”, en él pongo énfasis en lo siguiente:

– es un edificio “emblemático” de la arquitectura moderna

– sus autores también lo son (Nota 2)

– hay muchos información en textos y videos que lo demuestran.

– esa información es nacional y también internacional, debido sobre todo a la participación de los arq. Breuer y Catalano

– muchas personas están interesadas en su puesta en valor

Me sumo a ellos, con este pequeño aporte del tema.

Los grandes edificios que mueven el espíritu siempre han sido extraños.

son únicos, poéticos, productos del corazón.-Arthur Erickson

  • Sus alrededores como el Edificio Alfar

Durante varios años he veraneado con mi familia en el edificio Alfar (en la calle 16 entre la 1 y la 3) cerca del bosque Peralta Ramos y a pocos calles del parador Aristón. Tendría 12 años y no lo recuerdo especialmente, aunque en esa época debió haber estado en su esplendor, hablo de los años ´60.

Si recuerdo que era una zona, muy verde y tranquila que comenzaba a urbanizarse.

El edificio Alfar se había construido con la intención de poner allí un casino, al no conseguirse, vendieron en régimen de propiedad horizontal sus 130 departamentos, no era habitual que segundas viviendas, utilizaran toda la infraestructura de un hotel, fue el primer appart hotel del país.

Inaugurado a finales de 1950, obra del arquitecto de origen checo Carlos Navrátil (1910- 1972) quien se formó en la Facultad de Rosario.

Construyo obras como el Ministerio de agricultura en Santa Fe, los tribunales provinciales de Rosario, el Barrio Alfar y su emblemático edificio. En Santa Fe ocupo la dirección de arquitectura sanitaria, reemplazando al arq. Wladimiro Acosta (1900~1967).

El edificio Alfar junto a un centenar de chalets en lo que era el barrio Faro Punta Mogotes, fue diseñado en un estilo modernista racionalista, que en los años ´30 era típico de Rosario, próximo al estilo internacional y alejado de las construcciones “pintoresquistas” marplatenses.

Una placa de 6 pisos con habitaciones está en el medio del sándwich formado por un basamento abierto y un coronamiento de uso social. Tanto el basamento como el coronamiento ocupan todo el largo y ancho del edificio.

En el Comedor se ubicó un relieve perteneciente al escultor Falcini y un fresco de Juan Carlos Castagnino (1908~1972).

Decoraban el resto del edificio las obras de arte de 36 artistas argentinos contemporáneos, entre ellos Emilio Pettoruti, Héctor Basaldúa, ´Raúl Soldi, Ramón Gómez Cornet, Enrique Policastro, Juan Del Prete, Eugenio Daneri, Antonio Berni, Juan Battle Planas y Norah Borges (seguramente a instancias de Blanca Stábile, historiadora del arte y colaboradora permanente de Jorge Romero Brest en la revista de crítica artística Ver y Estimar -1948~1955- ).

Llamaba la atención en el comedor la escultura en metal de una guitarra, como recuerdo de la inauguración donde toco el quinteto del guitarrista Oscar Alemán.

El mobiliario fue provisto por las conocidas empresas Nordiska Kompaniet (su director Erich Werth explicó que el propósito de crearla fue “dotar al país de una industria que viniese a colaborar con el magnífico empuje de su joven arquitectura” y la empresa Comte (entre otros equipamiento del Hotel Llao Llao de Alejandro Bustillo y el Casino de Mar del Plata, contaban con los trabajos del reconocido diseñador Jean-Michel Frank).

(Nota 3) Barrio Hotel Alfar. Pag 67. Excelente el trabajo de 300 páginas del seminario “Primeros arquitectos modernos en el Cono Sur”, realizado en la ciudad de Rosario del 5 al 7 de Agosto de 2004.

La madre del arte es la arquitectura. Sin la arquitectura de nuestro propio ser no tenemos alma de nuestra propia civilización. Frank Lloyd Wright.
  • Parador Ariston
  • La obra. Parte I

Obra de los arquitectos Marcel Lajos Breuer, en colaboración con los arquitectos Eduardo Catalano y Carlos Coire.

Está situado en el Barrio La Serena, sobre la ruta provincial 11, a 15 km de Mar del Plata, en la provincia de Buenos Aires.

Ícono fiel de la arquitectura moderna en la Argentina, como la casa del Puente (Nota 4) -1945- del arq Amancio Williams (1913-1989), – sobre un lote de 2 hectáreas limitado por las calles Matheu, Funes, Saavedra y Guido;  La Casa del Dr. Curutchet de Le Corbusier (1887-1965) y Amancio Williams, en La Plata;  el edificio «Terraza Palace» -1957-  (Mar del Plata) de Antoni Bonet (1913-1989) –ubicado en el boulevard marítimo Patricio Peralta Ramos 5659-

https://youtu.be/1GTkM0FLp6c  (render realizado por Lucas Pugliese)

La arquitectura despierta sentimientos en el hombre. Su tarea es por tanto, hacer esos sentimientos más precisos. Adolf Loos.
  •  La historia del Parador Ariston

En el año 1947 durante el gobierno del General Juan Domingo Perón y de Quijano, se firma la ley de propiedad horizontal, dando un cambio al tejido de la ciudad de Mar del Plata, se iniciaba la oferta de lotes que diera lugar con el tiempo a lo que son hoy los barrios de Alfar, San Jacinto, Playa Serena, San Patricio, San Carlos, Costa Azul y Acantilados.

Las facilidades de acceso al pavimentarse la ruta 2, la prolongación de 40 km más hacia Miramar, la construcción de aeródromos, puertos, playas así como las urbanizaciones de las ramblas Bristol y Playa Grande y la incorporación de las vacaciones pagas da un gran empuje al turismo.

La consigna del ´45  esel mar y la montaña deben ser accesibles a todos los hombres –ricos y pobresese “turismo social” se concreta con la construcción de los 19 hoteles que conforman el complejo de Chapadmalal.

Es una época donde la acumulación de población en las ciudades, el uso de nuevos materiales y la figura de la propiedad horizontal se ligan a las ideas del movimiento moderno.

revista Nuestra Arquitectura

Tanto el Estado como la capital privado construyen una serie de edificios modernos como Playa Grande -1937- y el Correo Argentino -1950-, las estaciones del ACA del ingeniero Antonio. U. Vilar -1940- , el edificio “redondo” para la Ford “Stantien”  de J. de la María Prince, La Casa del Puente de Amancio Williams  -1943- , el Hotel Hurlinghan de H. Miglierini -1937- , la Confitería o Parador Aristón de Marcel Breuer, Catalano y Coire -1947- ,  Casas de Renta (Luro e Independencia), los cines Ambassador, Ocean Rex y Atlantic, viviendas experimentales de Alejandro Virasoro y a finales de los cincuenta, Antonio Bonet diseña el Terraza Palace y la galería Rivadavia ambas en 1959 y otros interesantes edificios de galería comercial y vivienda en propiedad horizontal. (Nota 3)

En Playa Serena se lotea el Barrio del mismo nombre y es en ese contexto que la facultad de arquitectura encarga el parador Aristón al arq Marcel Breuer como ícono de modernidad.

Allí funcionó la discoteca “Maryana”; el café bar “Bruma y Arena”, y en los años 90, la parrilla “Perico”, a partir de 1993 queda abandonado, a su “suerte o para ser más exactos “a su mala suerte”.

En febrero del 2015 aparece un cartel donde una empresa española www.calpevillas.eu anuncia su restauración para centro comercial y cultural, y se cerca el lugar.

Cada edificio es un prototipo. No hay dos iguales. Helmut Jahn.
  •  El parador Ariston y Le Corbusier.
  • Cinco puntos para una nueva arquitectura

Le Corbusier presenta en 1926 un documento con los fundamentos teóricos para desarrollar un nuevo lenguaje arquitectónico que la tecnología y los nuevos materiales como el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano en grandes dimensiones contribuyeron a materializar..

El parador Aristón respeta 4 de los 5 puntos desarrollados por Le Corbusier, como características de la Nueva Arquitectura:

– PLANTA LIBRE.

Edificio apoyado sobre columnas (pilotis) para liberar la planta baja, consiguiendo la mayor superficie libre al incorporar el paisaje al edificio.   Es una planta elevada de formas curvas con un cerramiento acristalado.

– ESPACIO INTERIOR LIBRE

Debido a la estructura basada en pilares y tabiques. La superficie de la pista de baile es diáfana, con una gran amplitud de espacios donde se visualizan los pilares que la sostienen.

FACHADA LIBRE de elementos estructurales

Permitiendo un diseño sin condicionamientos, Grandes cerramientos y aventanamientos acristalados que estaban cubiertos con cortinas con los colores primarios.

Ventanas corridas en las fachadas para conseguir una profusa iluminación natural en el interior (fenetre en longeur)

El punto referido a la TERRAZA JARDIN, es decir una cubierta plana, sobre la que se sitúa un jardín, está ampliamente compensado por la gran superficie del terreno donde se ubica y relativamente pequeña superficie de la obra.

 

Si crees que no puedes hacer al mundo un mejor lugar con tu trabajo, al menos asegúrate que no lo haces peor. Herman Hertzberger
  • Parador Ariston
  • La Obra, parte II

La propuesta de la realización de un parador- restaurante, destinado a reuniones sociales, baile y cócteles la recibió Marcel Breuer durante su estadía en Buenos Aires. Estaba realizando un curso de 8 semanas (entre agosto y septiembre de 1947) en la Facultad de Arquitectura de la UBA, y fue la Facultad quien encargo y financió la obra.

La “caja de vidrio” de la Planta Baja, contenía el hall de entrada, guardarropa y los servicios.

En la parte posterior en un volumen independiente estaban ubicadas las dependencias de servicio, cinco habitaciones para los camareros, baños, comedor y depósito.

En la primera planta tras las cortinas de colores primarios (rojo, verde y azul) estaba el salón, el bar y sobre un piso machimbrado de madera la pista de baile.

Su construcción

En forma de trébol, con sus superficies curvas para permitir el máximo acristalamiento. Su construcción fue muy rápida durante los meses de Agosto y Setiembre de 1947. Un volumen de Hormigón Armado  sostenido por cuatro pilares. Estructura de losas de doble armadura, con losetas de lava volcánicas que aligeraron las cargas (sistema poco usado en esa época).

  • La arquitectura moderna (Nota 2)

Los medios de difusión estimulaban el nuevo lenguaje ya que modificaba el hábitat en un sentido modernizador, “abandonando las formas del pasado, suprimiendo el ornamento y simplificando el desenvolvimiento de la vida privada”(María Laura Tarchini) “como movimiento que busca fundar una nueva estética que se independice de los cánones heredados, y como tal no sólo comprende al racionalismo sino también el neocolonial, el art nouveau, el art déco, el pintoresquismo; en tanto cada una de ellas a través del tiempo realiza un aporte en pos de una nueva arquitectura”. (Francisco Liernur).

En la Exposición Feria de Mar del Plata (1934-1945) se construyó un espacio denominado American Dancing, quizás un antecedente formal al Ariston. El arquitecto Ramiro Dell´Erba en  “Constelaciones modernas en la noche marplatense” nos advierte “que no piensa que la arquitectura del Parador Aristón se inspirara en el American Dancing de 1934, aunque sí coinciden los arquitectos de ambos proyectos en proponer soluciones modernas de una similar bondad”….”sea por el volumen orgánico suspendido, el acceso vertical central y el amplio perímetro transparente libre son elementos comunes en ambos proyectos”.

“El Dancing de 1934 de forma semi-cilíndrica, se ubicaba elevado sobre pilotis dejando una amplia planta libre de acceso. El plano curvo de su fachada contenía una panorámica ventana corrida, mientras que su fachada recta posterior era ciega”.

1934 (American dancing) y 1947 (Parador Aristón)  idénticas cualidades espaciales.

La arquitectura es la voluntad de una época traducida en espacio.  Ludwig Mies van der Rohe.
  • Parador Ariston
  • Los autores, Arq I
  • Marcel Lajos Breuer

Nació en Hungría (1902- 1981). La Bauhaus funcionó en la ciudad de Weimar desde su fundación el 1 de Abril de 1919 a 1925, Breuer fue uno de los 143 alumnos que la escuela contó en su 2ndo año de vida, dirigida por Walter A.G. Gropius (1883~1969),

Trabajo en el estudio de  Pierre Chareau (1883~1950) y ante el llamado de Gropius vuelve años más tarde a la Bauhaus ubicada ahora en la ciudad de Dassau (funcionó desde 1925 hasta su clausura en 1933)  para dirigir el taller de muebles,  allí diseña sus primeras silla de tubo de acero, y la famosa silla Vassily.

Entre sus profesores podemos mencionar a Johannes Itten (1888~1967), Walter Gropius, Josef Zachmann y a Paul Klee (1879~1940) a quien reconocería como 1 de los 2 profesores que más marcaron su formación.

En 1925, con sólo 23 años, Breuer, siendo director del taller de ebanistería de la Bauhaus, se interesa por la forma en que la fábrica de acero alemana “Mannesmann” había conseguido doblar tubos de acero sin que se rompieran y utilizándola para fabricar distintos objetos, como por ejemplo la bicicleta Adler.

La estudio atentamente, y utilizo esta técnica logrando una revolución en el diseño de muebles al fabricar las primeras sillas y mesas con tubo de acero, lo que sin duda fue su trascendental aportación a la historia del mobiliario.

  • Breuer y la Bauhaus

Bauhaus el rostro del siglo XX por Frank Whitford con material de la Bauhaus Archiv de Berlin, Bauhaus de Dessau y Bauhaus de Weimar.

https://www.youtube.com/watch?v=sriGH51vWTo

La Bauhaus, fue clausurada en 1933, cuando el partido nazi accede al poder. Ese año Breuer se exiló en Inglaterra, y en 1937 en EEUU,

En Harvard da clases en la Universidad junto a Gropius..

Instalado en 1946 en N York proyecta junto a los Arq. Pier Luigi Nervi (1891~1979) y  Bernard Zehrfuss (1911~1996) el nuevo edificio de la Unesco en Paris. (Entre sus obras más destacadas figura el edificio de viviendas De Bijenkorf en Rotterdam (1961); el Centro de Investigación de IBM en La Garde, Francia (1962);  la iglesia de St John’s Abbey en Collegeville, Minnesota (1967) y el Museo Whitney de Arte Americano (Nueva York, 1963-1966), con el arq Hamilton P. Smith.

El Whitney Museum estaba situado en la Avenida Madison con la Calle 75 del Upper East Side de Manhattan, el edificio fue comprado hace unos años por el Metropolitan Museum y ha abierto sus puertas en marzo de 2016, bautizado con el nombre de The Met Breuer.

¿Y donde ha ido el Whitney Museum y su increíble colección? se ha traslado al edificio diseñado por el Arq. Renzo Piano, que está a los pies del High Line de New York  en el número 99 de Gansevoort Street. (Escribí un artículo sobre el High line en http://onlybook.es/blog/historia-del-high-line-de-new-york-impresiones-de-un-relator/)

Marcel Breuer recibe en 1968 la medalla Thomas Jefferson por su contribución como arquitecto al bien común.

El mismo año recibe la medalla de oro de la AIA (American Institute of Architects), es el premio de arquitectura más importante de los EEUU que se otorga en reconocimiento al trabajo e influencia en la teoría y práctica de la arquitectura). En 1995 la recibió también el Arq. argentino César Pelli.

Es muy interesante ver la web del arquitecto Breuer, donde además de sus obras y diseños están escaneadas las cartas que intercambio con el arq. Eduardo Catalano sobre el Parador Aristón. http://breuer.syr.edu/  (nota 5)

  • Extraigo algunas frases del libro de Marcel Breuer: SUN AND SHADOW. (The Philosophy of an Architect. Peter Blake and Alexey Brodovitch)

“El verdadero impacto de cualquier obra reside en su capacidad de unificar ideas contrapuestas, es decir, un punto de vista y su contrario. Y digo ‘unificar’ y no ‘llegar a un compromiso.’ Esto es lo que los españoles dan a entender con una expresión procedente de las corridas de toros: Sol y sombra. […] pero nunca dicen sol o sombra. Para ellos, toda la vida -con sus contrastes, sus tensiones, su agitación y su belleza- está contenida en ese proverbio: sol y sombra.”

“Ni la simplificación excesiva y unilateral ni el compromiso poco afinado ofrecen una solución. La búsqueda de una respuesta clara y firme que satisfaga necesidades y propósitos opuestos es lo que saca a la arquitectura del reino de la abstracción y le da vida, y arte.”

“Está el concepto principal y está el de los detalles; entre ambos exactamente se mueve el diseño del edificio. Sin estos dos principios básicos ni el sentido común, ni la experiencia, ni el gusto ni en trabajo son suficientes.”

“La formación del suelo, los árboles, las rocas -todo ello influirá sobre la forma de la casa, todo ello sugerirá algo sobre el diseño del edificio. Son un punto de partida importante para cualquier construcción. El paisaje podría atravesar el edificio, el edificio podría interceptar el paisaje.”

 Busco la sorpresa en mi arquitectura. Un trabajo de arte debería provocarla emoción de lo novedoso. Oscar Niemeyer

  •  Parador Ariston
  • La Obra. Parte III
  • Estado de abandono

“Vemos que las arquitecturas antiguas producen ruinas y las arquitecturas modernas

producen residuos y restos cochambrosos”.

Francesc Cornadó. (Nota 6)

 

El parador es de propiedad privada, desde 1993 está tapiado y en un  estado de abandono lamentable.

A partir de 1970 los sucesivos inquilinos lo han ido degradando al ampliar en forma rudimentaria y caótica, sin cuidar la calidad espacial del edificio, ni sus materiales.

Una obra que por su singularidad merecería recuperar su valor para que vuelva a formar parte -en condiciones dignas- del acervo arquitectónico y cultural argentino y que no se corra el riesgo posible de su demolición.  (Nota 7)

No está protegido ni figura dentro del listado de bienes patrimoniales de la ciudad de Mar del Plata ya que para ser incluido en dicho listado, se debe analizar si posee los valores históricos, arquitectónicos y ambientales, simbólicos y sociales, como menciona el Consejo Internacional de Monumentos y Sitios ICOMOS y la UNESCO.

Uno de los informes realizado por el Arq. Enrique Madia -de la Consultoría García Madia & Asociados, dedicada a la preservación del patrimonio histórico en Latinoamérica– dice: “Los requisitos(para ser incluido en el listado de bienes patrimoniales) son: que la construcción sea producto de un arquitecto de reconocimiento mundial, en este caso Breuer y Catalano; que pertenezca a un movimiento arquitectónico de trascendencia, aquí se trata del movimiento moderno; y por último, que tenga innovaciones tecnológicas, como el uso del hormigón armado con grandes voladizos y de aventanamientos corridos, entre otros”. (Nota 8)

https://www.facebook.com/groups/57250688796/?fref=ts

Actualmente estudiantes de arquitectura llevan adelante acciones en pos de la recuperación a través de la página de Facebook “Recuperemos el Ariston”.  Fue creada el 17 de marzo de 2009 y cuenta con 888 miembros

https://youtu.be/5SUwvAgCe0M

Estado de soledad y abandono en 2011.

https://youtu.be/0EopIj93BZw

Por Anto Antu el 15 de enero 2012

https://www.facebook.com/photo.php?fbid=946098678758844&set=gm.10154269721148797&type=3&theater

Fotografías de Vicente Claudio Mazzitelli “recuperemos el Ariston”.

Un verdadero gran libro debería ser leído en la juventud, de nuevo en la madurez y una vez más en la vejez, al igual que un buen edificio debería ser visto con la luz de la mañana, por la tarde y con la luz de la luna. Robertson Davies

  • La obsolescencia por desapego.

– Luis Breton Belloso escribe en su tesis del ETSAM sobre la Obsolescencia Afectiva del Parador ARISTON…. (Nota 1).esta es una nueva forma de obsolescencia. El desapego o la desafección que la arquitectura moderna y la sociedad soportan. No existe una conciencia social del significado de estas obras modernas. Ni mucho menos una sensibilidad para apreciar su valor cultural. Su cercanía en el tiempo no ha posibilitado la configuración de una perspectiva histórica que sea capaz de interpretar lo que esta arquitectura representa. Juan Calduch Cervera lo explica en términos de “perdida de carácter”. Y cómo “la arquitectura moderna renunció conscientemente a un mínimo simbolismo en su forma que posibilitara al usuario reconocerse en ella. Según Calduch la arquitectura moderna no supo o no quiso transmitir de modo eficiente sus ideas y propuestas a través de sus formas. Esto, evidentemente, las condena al destierro de cualquier presupuesto público”.

Si un edificio se vuelve arquitectura, es arte. Arne Jacobsen
  • Parador Ariston
  • Los autores, Arq II
  • Eduardo Fernando Catalano (1917-2010)

Becado por la Universidad de Pensilvania y Harvard, fue invitado por el decano fundador Henry L. Kamphoefner, quien reunió un grupo muy especial, que fueron  pioneros en el campo de la arquitectura moderna, como George Matsumoto, Matthew Nowicki . I. M. Pei, Philip Johnson, Paul Rudolph y Eduardo Catalano.Entre sus profesores figuraron Walter Gropius y Marcel Breuer.Dirigió la escuela de diseño de Raleigh –Carolina del Norte- NSCU (North Carolina State University), es en esa ciudad donde construyo la famosa casa Raleigh o Catalano House, que fuera elogiada por Wright, quien escribió: «Es refrescante ver como la idea de refugio es tratado en esta casa de Eduardo Catalano” -sabemos que el amigo Frank no era muy afecto a prodigarse en elogios al trabajo de otros arquitectos-.

Escribe el arq. Eduardo Sacriste en su libro Usonia, editado por la editorial Nobuko:“….Así, para Wright un edificio debe ser algo más que un local para “meterse adentro”. La Obra debe dar la sensación de cobijar. A este respecto, no deja de ser sintomático que Wright, que fuera tan avaro y sarcástico con sus juicios, haya elogiado la casa del arquitecto E. Catalano en Raleigh, Carolina del Norte, señalando su complacencia porque alguien, al menos, hubiera creado una nueva sensación espacial”.Adjetivada como la casa de la década, es considerada como uno de los grandes referentes de la arquitectura residencial de mediados del siglo XX.

Con una única planta que contiene 4 habitacion
es que cubre una gran cubierta en forma de paraboloide hiperbólico de madera,  donde 2 de sus vértices están encastrados y los otros 2 en voladizo.

Lamentablemente fue demolida en el 2001, estaba en 1467 Ridge Road, esta calle lleva hoy el nombre de Catalano Drive. Libro del arq E.Lynch “Fine Thoughts” sobe la Casa Catalano. Una historia sobre una casa (texto en inglés)

http://www.ncmodernist.org/archlynchbook.pdf

Algunos lamentos  http://www.newsobserver.com/entertainment/arts-culture/article65448782.html

  • Intercambo de cartas entre Catalano y Breuer

http://arquitecturaminorista.com/wordpress/?p=811

Durante el transcurso de las obras, y debido a que estas iban lentas Eduardo Catalano decide pasar su luna de miel en Mar del Plata para ir a la obra todos los días a comprobar la estructura. Así se lo contaba a Breuer en una postal.Nos enteramos de este y otros cotilleos gracias al archivo digital de Marcel Breuer, de la Universidad de Siracusa.

Desde 1956 hasta 1977 Catalano fue profesor de arquitectura en el Instituto Tecnológico de Massachusetts. MIT. Algunas de sus obras fueron: Ciudad Universitaria (Plan General 1950) Bs. As. en colaboración con Horacio Caminos (1960) pabellones II y III , Embajada de EE.UU. (en Argentina  1975 y Sudáfrica), la escuela de música Juilliard School de Nueva York con el arq Pietro Belljuchi (1899~1994) y en Cambridge diseñó el Centro de Estudiantes Stratton (1966)  y la torre residencial Eastgate (1967) en el MIT, El palacio de Justicia y Palacio Municipal en Greensboro, así como el Mercado del Plata sobre la Avenida 9 de Julio en Buenos Aires(1947) asociado al Arq. Osar Crivelli (1916~1977) y Jorge Heinzemann, entre otras obras.En el año 2002 regaló a la ciudad de Buenos Aires la escultura metálica denominada “Floralis Genérica” situada en la Plaza de las Naciones Unidas sobre la  Avenida Figueroa Alcorta, Una escultura cinética ambiental que se abre todas las mañanas a las 8 y se cierra al ocaso. Construida en Córdoba, durante 13 meses a un coste de 500.000 dólares.En el 2007 recibió un doctorado honorario de la NCSU.

En el año 2010 se realiza un Homenaje a Eduardo Catalano por AAM -Arquitectos Argentinos en el Mundo-, dirigido por Luis Grossman y Daniel Casoy, Presentan en Expo vivienda.el libro Arquitectos Argentinos Universales, edición bicentenario,

En dicho libro hay dialogo, biografías y obras de los arquitectos Eduardo Catalano, Cesar Pelli, Emilio Ambasz, Eduardo Elkouss, Pfeifer-Zurdo-Di Clerico-Questa y Juan Lucas Young.

Como un homenaje a Eduardo Catalano, fallecido en enero de ese año se realizó una mesa redonda integrada por Juan Manuel Borthagaray, Ricardo Rosso, Oscar Boracchia y los anfitriones, con sus recuerdos y evocaciones del maestro, más un cálido mensaje enviado por Mario Roberto Álvarez, culminó con una grabación del propio Catalano, enviada en ocasión de nombrarlo la Universidad de Morón doctor Honoris Causa, en 2008.

http://saraviacontenidos.blogspot.com.es/2010_06_06_archive.html

Su último legado a Buenos Aires, una pirámide de agua sobre la que se podrán proyectar imágenes, se encuentra en gestión.

La arquitectura es hacer espacio reflexivamente. Louis Kahn
  • Parador Ariston
  • Los autores. Arq III

Carlos Coire (1914-2006). En muchas publicaciones se lo re-bautiza como Eduardo o Francisco Coire, lo que es un error.

Decano de la Facultad de Arquitectura de la UBA desde 1958 y 1962, encargó el proyecto y ejecución de la ciudad Universitaria.

Vicedecano y profesor titular de Arquitectura III y IV en la Universidad de Morón. Realizo viviendas unifamiliares y multifamiliares  así como emprendimientos privados e industriales,

Trabajó con Antonio Bonet (1913~1989), Juan Kurchan (1913~1972), Jorge Vivanco (1912~1987), Marcel Breuer (1902~1981), Eduardo Catalano (1917~2010), Horacio Caminos (1914~1990), Horacio –Hirsz- Rotzait (1915~2006) y Oscar Crivelli (1916~1977), entre otros arquitectos.

En 2005 publicó El hombre y su obra, un libro dedicado a Eduardo Sacriste )1905~1999).

Por su labor docente lo llamaban “maestro de maestros”. 

La arquitectura pertenece a la cultura, no a la civilización. Alvar Aalto

Revista de la SCA (Sociedad Central de Arquitectos)

Boletín SCA.

Julio-agosto de 1981

Número 117, paginas 37/42

Carlos Coire. “Marcel Breuer en Buenos Aires”.

Esta es la historia contada por Carlos Coire.

Almorzábamos todos los días en un restaurante de Carlos Pellegrini al 600. En esos momentos habíamos recibido con Catalano el encargo de una obra, de modo que mientras comíamos, no podíamos evitar hablar de ella, quedando Breuer fuera de la conversación.

En un instante determinado, al cruzar nuestras miradas con Catalano, adivinamos que teníamos el mismo pensamiento: ¿Y si lo invitaramos a Breuer a trabajar con nosotros en la obra?

Se lo propusimos y aceptó entusiasmado. Le explicamos el tema: Un parador para una playa de Mar del Plata, destinado a confitería por la tarde y «boîte» con pista de baile por la noche, y que debía estar funcionando en cuatro meses.

Se quedó mirando un punto fijo, y luego desplegó una servilleta en la mesa y en ella dibujó el trébol del Ariston, aclarando: «Se necesita entonces, un gran perímetro para favorecer las visuales al mar durante el día, y por otra parte lograr que de noche, las miradas se dirijan a la pista de baile».

Ese día el restaurante de Carlos Pellegrini contabilizó una servilleta de menos.

Cuando esa tarde llegamos al Estudio – en realidad era un galpón de 15 x 8 en el primer piso de una casa como de inquilinato que había pertenecido a escenógrafos ilustres -. Breuer ya estaba trabajando acompañado por nuestro dibujante, quien decía que de acuerdo al corte de pelo que usaba, Breuer se peinaba «a la toalla».

Entre ellos se había establecido una viva simpatía y un mutuo entendimiento pese a la infranqueable barrera idiomática.

Cuando nos acercamos a su tablero nos explicó que trabajaba en nuestro proyecto. Esperábamos ver algún croquis de plantas, cortes o fachadas, alguna perspectiva exterior o interior, algo que nos diera la pista general del proyecto. Como no entendíamos nada de lo dibujado, por supuesto, y como corresponde en esos casos, no hicimos ninguna pregunta.

Lo que nos despistaba era la escala empleada. Breuer sin duda se dio cuenta de nuestra situación embarazosa, y para sacarnos de ella, como quien no quiere la cosa nos explica «Este va a ser el encuentro entre los paneles modulares de madera que formando una poligonal, cerrará la planta alta; solucionando los encuentros de éstos con la losa del techo y del piso, faltarán solo pequeños detalles para concretar el proyecto.».

En su último croquis había dibujado unos elementos planos, de chapa de metal o madera para colgar horizontalmente a distintas alturas del techo de la sala en sí, que acentuarían la sensación espacial.

Esta vez si comprendimos rápidamente los dibujos.

Nos costó mucho trabajo encontrar la manera de explicarle que a pesar de no ser puritanos ni tener muchos prejuicios, y de no importarnos un rábano las convenciones , nos parecía inconveniente modificar las formas propuestas, pues podrían acarrear problemas con gente timorata o con algún ente moralizador.

Haciendo un guiño rompió los detalles propuestos.

Ese día nos dimos cuenta de que húngaros y argentinos, tienen el mismo sentido de la picardía.

  • Grupos que desean su puesta en valor (Nota 9)

Hay muchas agrupaciones que tratan de conseguir la recuperación del Aristón como:

Las entidades barriales del sur, El movimiento de murgas, El club social  y deportivo “Defensores del Sur”, El grupo de scouts “Islas Malvinas” y Las Mujeres del Sur. (María Inés Benítez integra desde hace años la sociedad de fomento y es señalada como la precursora de este movimiento de vecinos en defensa del Parador Aristón). La Sociedad de fomento de Alfar. Los Estudiantes de arquitectura crean en Facebook “recuperemos el Ariston”.

Desean protegerlo como Patrimonio arquitectónico

Que sirva para la creación de un espacio cultural para el encuentro de los vecinos del sur.

Donde se puedan desarrollar actividades de la comunidad, exposiciones, orquestas, murgas….

Bruno Taut aludía a los edificios que aspiran a construir en un sentido más elevado, que resumen el “espíritu de la época”, al que todos dirigen su mirada y orienta la voluntad constructiva. Escritos expresionistas, El Croquis Editorial. 1997.

  • Datos

Carta de la revista Architecture d´aujourdhui de la publicación a comienzos del año 1949

http://breuer.syr.edu/xtf/view?docId=mets/2738.mets.xml;query=ariston;brand=breuer

Intercambio de cartas entre Eduardo Catalano y Marcel breuer, y algunas complicaciones de la obra

http://breuer.syr.edu/xtf/search?brand=breuer&collection=breuer&keyword=ariston

“…los nidos de los pájaros…además de ser formalmente perfectos, son estándar, están siempre bien orientados, construidos con una técnica clara y definida, cumplen correctamente su función… Creo que deberíamos volver a las fuentes”.  Eduardo  Sacriste

  •  publicaciones y  videos

1970 fragmento de Santiago Ghigliano, Revista Summa, N° 33, Buenos Aires.

“…el Restaurante Ariston, que se presenta como un volumen curvo definido por una generatriz que se desplaza apoyándose en dos planos paralelos al suelo, con forma de cruz de vértices curvos, sustentado por cuatro columnas que expresan la característica ideológica de la época -la forma sigue a la función- al diferenciar con claridad lo que soporta de lo soportado. Los cerramientos se rigen entonces por esa premisa y cada uno de ellos constituye una composición plana acabada.”

-6 de Marzo de 2010. Diario Página 12. Por Matias Gigli.

https://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/m2/10-1814-2010-03-06.html

-Octubre de 2012. TECNNE. El Ariston sigue en ruinas. Por Marcelo Gardinetti Fotografía: Francisco Villamil

http://tecnne.com/urbanismo/patrimonio/el-ariston-sigue-en-ruinas/ . Octubre 2012

-AD Classics: Ariston Hotel / Marcel Breuer. Autora Bárbara Porada. 1 de Octubre de 2013

http://www.archdaily.com/433397/ad-classics-ariston-hotel-marcel-breuer

Redacción del vespertino digital 0223 de Mar del Plata. www.0223.com.ar

22 de Noviembre de 2014

http://www.0223.com.ar/nota/2014-11-22-otra-movilizacion-para-que-los-escuchen-piden-la-recuperacion-del-ariston

5 de Febrero de 2015

http://www.0223.com.ar/nota/2015-2-5-solicitan-declarar-de-interes-patrimonial-al-parador-ariston

Publicación ISSII por Andrea Germinario 12 Abril de 2016. Análisis y reflexiones en torno a una arquitectura singular-

https://issuu.com/andreagerminario/docs/parador_ariston

Revista digital IECE Nº 2 del 28 diciembre 2016. Autora Andrea Germinario. Tapa y contratapa dedicada al parador Ariston.

https://issuu.com/andreagerminario/docs/r2

La Arq. Flora Manteola cuenta que estudió arquitectura tras haber conocido el Ariston (primeros minutos de la entrevista). CPAU Moderna Buenos Aires.

https://vimeo.com/78766698 

Preservación del patrimonio. La Capital

https://www.flickr.com/photos/ekain/2972617740/in/photostream/

Notas

1 – http://oa.upm.es/35547/7/TESIS_MASTER_Luis_Breton_Belloso_TFM_1314.pdf pag 31 y 32

Tesis fin de Master de Luis Bretón Belloso ETSAM año 2014.

OBSOLESCENCIA AFECTIVA Parador ARISTON, Ruta provincial 11, playa de la Serena, Mar del Plata, Argentina…el parador Ariston fue diseñado por Marcel Breuer junto a los arquitectos locales Carlos Coire y Eduardo Catalano, financiado por la Universidad de Buenos Aires y construido en 1948 con el fin de acoger reuniones sociales, bailes, cócteles, etc. En un lugar despoblado por entones, su innovador diseño en forma de trébol permitía observar el mar y las dunas circundantes. Es uno de los escasos ejemplos, junto con la Casa Curuchet, de obras realizadas en Sudamérica por los “arquitectos estrella” del movimiento moderno. En este caso, tanto la estructura, realizada mediante doble losa de hormigón armado, como los muros cortina que constituían sus cerramientos ya eran soluciones constructivas ampliamente probadas por la industria de la época. Así que no fueron motivos constructivos los que propiciaron su ruina .Desde los años 70 el edificio se ha ido alquilando y realquilando como restaurante y sufrido obras de reforma y ampliaciones que no han respetado la singularidad ni el valor del edificio. Desde 1993 se encuentra abandonado y siendo víctima habitual del saqueo y el vandalismo, sin ninguna protección patrimonial por parte de las autoridades. En el año 2.007 y motivado por una denuncia, se realizó un informe de la situación del parador que firmaba así el arquitecto argentino Enrique Mandía: “…de nuevo la desidia y la irresponsabilidad de todos, la actitud de no decir nada y hacer mucho menos.” “El proceso es siempre el mismo y se origina por el desconocimiento, la ignorancia y el desapego a la historia de la arquitectura moderna.” Esta es una nueva forma de obsolescencia. El desapego o la desafección que la arquitectura moderna y la sociedad soportan. No existe una conciencia social del significado de estas obras modernas. Ni mucho menos una sensibilidad para apreciar su valor cultural. Su cercanía en el tiempo no ha posibilitado la configuración de una perspectiva histórica que sea capaz de interpretar lo que esta arquitectura representa. Juan Calduch Cervera lo explica en términos de “perdida de carácter”. Y cómo la arquitectura moderna renunció conscientemente a un mínimo simbolismo en su forma que posibilitara al usuario reconocerse en ella. Según Calduch la arquitectura moderna no supo o no quiso transmitir de modo eficiente sus ideas y propuestas a través de sus formas. Esto, evidentemente, las condena al destierro de cualquier presupuesto público

2 – La revista Nuestra Arquitectura (publico 523 números entre agosto de 1929 y mayo de 1986), dirigida por Walter Hylton Scott fue un especial escenario para resaltar la arquitectura nacional e internacional, y podemos mencionar a los “primeros modernos” como entre tantos – que  no están aquí mencionados- a los arquitectos León Lamouret (1882~   ); Antonio U. Vilar (1887~1996); Alejandro G. Bustillo 1889~1982); Ernesto Lagos (1890~1977); León Dourge ( 1890~1    ); Luis María de la Torre (1890~1975); Gregorio Sánchez (1891~1944);  Alejandro Virasoro (1892~1978); Rogers, Ernesto Lacalle Alonso (1893~1948); Jorge Kalnay (1894~1957); Fermin H. Bereterbide (1895~1979); Eduardo Birabén (1895~1954): Mario Bidart Malbrán (1896~1979); Alejo Martínez (1897~  ); Alberto Prebisch (1899~1970); Ermete De Lorenzi -primer decano de la FAU de la UBA- (1900~1971); Wladimiro Acosta (1900-1967); Manuel Civit (1901~1978); Arturo  Civit (1903~1975); Salvador Domingo Bertuzzi (1904~ 1975); Julio Vicente Otaola (1901~ ); Eduardo Sacriste (1905~1999); Macedonio O. Ruiz (1906~1987); Francisco Baroni (1906-1987?); Alfredo Joselevich (1907~1997); Alfredo Agostini (1908~1972); Carlos Medieros (1908~1982); Carlos Navrátil (1910~1972); Roberto Croci (1910~1975); Enrico Tedeschi (1910~1978); Santiago Sanchez Elia (1911~1976); Hilario A. Zalba (1912-1995); Jorge Vivanco (1912~1987); Antoni Bonet (1913~1989); Mario Roberto Álvarez (1913~2011); José Le Pera (1913~1990); Amancio Williams (1913~1989); Juan Kurchan (1913~1972); Itala Fulvia Villa (1913~1991); Federico Peralta Ramos (1914~1991); Horacio Vera Barros; Jorge Ferrari Hardoy (1914~1977); Horacio Caminos (1914~1990); Carmen Córdova (1929~2011); German y J. B. Joselevich; Lamarca y Blagovestchensky; Salvador Bertuzzi ; Rosendo Martínez ; Mariano Mansilla Moreno; Rodríguez Remy; Carlos Rébora; Carlos Machiavello; Van Lacke; Croce Mujica ; Squirru; Abel López Chas; José Luis Ocampo; Ventura Mariscotti; Picaso, Fernández Díaz y Funes; Tito y José Michelletti; Mariano Mansilla Moreno y Enrique Tívoli; Agustín Arman y Atilio Todeschini; Enrique Douillet; Daniel Duggan; Anibal Rocca; Calcapina; José Enrique Tívoli; Ploetz y Fisher; Arturo y Francisco Montagna; Carlos de Álzaga; César Fernández Paredes; Carlos Guerra, Eugenio Neyra y Reynaldo Varea; Geza Tauszig; Guerino Carlos Guerra;

Muchos de estos nombres se repiten en esta relación de la cátedra de los arq Alberto Petrina & Sergio López Martínez. – La Arquitectura Moderna en la Argentina y sus diversas vertientes (Art Déco,Funcionalismo, Expresionismo, Estilo Náutico, Neoplasticismo,  International Style):    y se agregan  Estudio Pablo Eugenio Pater (1879~1966) & Alberto Morea (1903~1972);  León Dourge (1890~1969); Jorge Sabaté (1897~1991); Jorge Bunge (1893~1961);  Jaime Guillermo Roca (1899~1970); Ernesto Vautier (1899~1989); Estudio Eduardo Casado Sastre (1911~2001) & Hugo Pio Armesto (1910~1977); Jorge Alberto Le Pera (1913~1990);  Eduardo Catalano (1917~2010); Estudio Frigerio & Álvarez Vicente; Mario A. Cooke; Luciano Chersanaz; Lázaro Goldstein; Isidoro Gurevitz; Luis Graziani; Luis V. Migone;

Interesante trabajo de algunas obras racionalistas y art deco (considerada como la “otra modernidad” en Buenos Aires)

http://www.guevaragallery.com/antiques/es/recommended-art-deco-and-rationalism-tours/

Y este link de “Moderna Buenos Aires”

http://www.modernabuenosaires.org/arquitectos

y en

https://es-es.facebook.com/modernabuenosaires/

Liernur, Jorge Francisco. Arquitectura en la Argentina del siglo XX. La construcción de la modernidad, Buenos Aires, Fondo Nacional de las Artes, 2008.

3 – Texto completo en:  http://rephip.unr.edu.ar/xmlui/bitstream/handle/2133/2641/Primeros%20Modernos.pdf?sequence=1

4 – En el mes de agosto de 2014, en el Museo Casa Sobre el Arroyo/ CASA DEL PUENTE, comienzan las tareas de restauración del Pabellón.

Durante el 2014/15, se logró restaurar el curso del espejo de agua del Arroyo Las Chacras… 120 metros del arroyo que compone parte esencial del conjunto, así como otras tareas de mantenimiento. El 24 de marzo de 2015 inauguró en el «MoMa», Museo de Arte Moderno de Nueva York, la muestra «Latin America in construction» en la que participa la Casa del Puente promoviéndola como uno de los iconos relevantes de la arquitectura del siglo XX en Latinoamérica. En noviembre de 2015 el Museo Casa sobre el Arroyo fue nominado en los Premios Internacionales de la Fundación CICOP …en la categoría «Conservación del Patrimonio Arquitectónico»

5 – https://circarq.wordpress.com/2016/05/20/marcel-breuer-sun-and-shadow/ vida de Marcel Breuer

https://www.youtube.com/watch?v=TtXktyjANhA – autores Zettelmaier y Tran.

https://www.youtube.com/watch?v=8M8190Yt6cI  Marcel Breuer architecture. Música de Vangelis Papathanassious.

6 – http://francesccornado.blogspot.com.es/2015/07/las-ruinas-de-la-arquitectura-moderna.html

7 – Obras maestras perdidas Marel Breuer y el Ariston Club. Febrero 2012. Revista MODern deSIGN. From modernist and contemporary designers.

http://www.moderndesign.org/2012/02/lost-masterpieces.html

Interacciones.org. “El chiringuito argentino de Marcel Breuer”. Por Ariel Guersenzvaig.

https://interacciones.org/2008/01/18/el-chiringuito-de-marcel-breuer/ Interacciones.org  Enero 2008

8 –   El arquitecto Enrique Madia, Consultor en Preservación Histórica y Arquitecturas del siglo XX, manifestó que “en los últimos años nuestro patrimonio cultural construido se va deteriorando y tiende a desaparecer rápidamente (no solamente por el paso del tiempo sino también por el ‘no te metás’ de profesionales y espectadores comunes. De los profesionales la complicidad pasa a los dirigentes políticos a todo nivel con los que comparten ignorancias, desapegos e irresponsabilidades…y lo peor en el fondo es que lo saben…” 

“casualmente en la Ciudad de Mar del Plata, un amigo me decía: ‘Mar del Plata tiene un intendente arquitecto’. La Casa del Puente, que se está deteriorando día a día… inundada por burocracia y no soluciones necesarias e inminentes de salvaguardarla y preservarla como importantísima obra del Modernismo a nivel mundial… otra obra importante del Modernismo se está perdiendo, la obra de la Boite Ariston de Marcel Breuer, Eduardo Catalano y Coire de los años 1946/47″. Ver más comentarios en la Nota 1.

Aparecido en el Boletín de la SCA de 2008: http://socearq.org/index.php/_old/articulos/el_ariston_de_mar_del_plata_con_futuro_incierto.html

28 de Septiembre de 2012. Enrique H. Madia. Revista Habitat.

http://www.revistahabitat.com/noticias/val/246/sec_val/99/patrimonio-el-olvido-y-el-no-te-met%C3%A1s-se-repite.html

9 – es interesante el concepto con el cual en la cátedra de introducción a la arquitectura en la Facultad de Morón se le dan a los alumnos estas premisas

Arq Marcela Kral

El ejercicio…… en esta última etapa del Curso de INTRODUCCIÓN AL DISEÑO es la intervención en una obra de arquitectura emblemática que el Movimiento Moderno produjo en nuestro país: el parador “Ariston”…. diseñada por dos jóvenes arquitectos argentinos, Carlos Coire y Eduardo Catalano, (ambos Profesores Honoris Causa de nuestra Universidad de Morón), conjuntamente con el arquitecto húngaro Marcel Breuer. A él se le atribuye una frase que sintetiza su pensamiento: … “La arquitectura moderna no es un estilo sino una actitud”…

En nuestro país, el Movimiento Moderno se dio en un contexto de gran efervescencia cultural, donde figuras como Victoria Ocampo encabezaban  una revolución que introdujo profundos cambios en las artes…. ese cambio  de pensamiento se reflejara en obras de arquitctura de vanguardia….se constituyó  el  “Grupo Austral….. Con arquitectos de la talla de Antonio Bonet, Kurchan, Ferrari Hardoy, Coire, Catalano y Caminos, entre otros.

…. El “Ariston”, plasmó el pensamiento  revolucionario de la arquitectura moderna en Argentina….pensada para generar un punto de interés……de la que ahora se conoce como Playa Serena. … destinado a confitería bailable; un largo muro direccional construido en piedra de la zona contenía a una pequeña caja vidriada que constituía el acceso principal,…. ese mismo muro relacionaba al edificio con un prisma rectangular donde se albergaban los cuartos del personal de servicio del parador. …..sobre él se recostaba una escalera exterior que llegaba hasta el área más “cerrada” del volumen principal…..el  largo perímetro vidriado de la planta alta permitía dominar el paisaje….excepto en la zona que recibía el sol del oeste, que fue intencionalmente cerrada. Actualmente…….el edificio se encuentra en un total estado de abandono. Sucesivas ocupaciones poco afortunadas han llevado a la mutilación y degradación de esta obra. Resulta bastante difícil de comprender cómo es que la indiferencia de nuestra sociedad permite que se destruyan los símbolos que constituyen la base de nuestra identidad cultural. …surge esta iniciativa….  como forma de sensibilizar a aquellos que tienen el poder de decisión, a los colegios profesionales y a la sociedad en su conjunto…. queremos aportar ideas….es factible recuperar esta obra para las generaciones venideras. … La madurez de una sociedad pasa también por la reflexión y el cuidado de  todos aquellos elementos que nos recuerdan nuestras raíces, y por lo tanto, que construyen nuestra identidad.

Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

el arq. Fermín Bereterbide por HaKj

Arq. Fermín Hilario Bereterbide

«La casa Colectiva de Parque Los Andes»

por Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

 …”La gente siempre querrá saber, lo necesita, dónde está la entrada de su casa, su vereda, su grupo vecino inmediato, querrá confirmarlo en la costumbre cotidiana, y será capaz de aceptar versiones nuevas siempre que éstas sean capaces de cumplir, aunque sea de otra manera, dichas funciones tradicionales. A este manejo de lo socialmente instaurado en la memoria colectiva y los modos de vida no fueron capaces de responder aquellas macro arquitecturas de los 60 y los 70”.  Fermín Bereterbide.bereterbide foto personal

Había una vez en la Argentina

Un país con gobiernos “conservadores” que de estructuras cuasi feudales trataron de cambiar y dinamizar la sociedad, consiguiendo desperezarla.

Por lo que esta historia es parte de una historia mayor, que muchas veces incluye a los que frenaron y destruyeron estas aspiraciones legitimas de las clases más desfavorecidas y en consecuencia las posibilidades de ascenso social.

Esto no ocurrió hace tanto en la Argentina, casi unos milímetros en su historia

En la que el arquitecto Bereterbide gana los 3 concursos

No es una parte menor de esta historia, el hecho que se realizaran 3 concursos de proyectos para la construcción de casas colectivas o viviendas económicas. Y que Fermín Hilario Bereterbide obtuviera el 1er premio en los 3.

El 30 de diciembre de 1924 se hace la Disposición para la Preparación del llamado a Concurso de proyectos

El 22 de septiembre de 1925 se llama a concurso 3 conjuntos en los barrios de Palermo (Dorrego y Luis María Campos) designado con la letra Alfa, Flores Sur (Castañón y Balbastro) designado con la letra Beta y Chacarita (junto al Parque Los Andes ) finalmente designado Gamma, todos con capacidad para albergar 90 o 100 familiasbereterbide planta de conjunto

El 31 de enero de 1926 falla el Jurado otorgándole al Arq. Fermín Bereterbide el 1er premio, siendo el segundo para los arq Ernesto Vautier y Alberto Prebich.

La casa colectiva de Chacarita fue inaugurada el 6 de octubre de 1928

Como ya mencioné en los otros 2 concursos también obtiene el primer premio, siendo el 2ndo premio para  los Arq. Villanueva y Sainz, y en el 3er concurso el 2ndo premio es para los Arq. Bilbao la Vieja y Benz

Estos 2 últimos no pudieron realizarse debido al golpe militar del 6 de setiembre de 1930.

Características

El barrio cerrado ocupa toda una manzana (una hectárea) en la ciudad de Buenos Aires, rodeado por las calles Guzmán, Concepción Arenal, Rodney y Leiva, con 12 edificios rodeados de parques y jardines internos. Sus construcciones, de planta baja y tres pisos, están terminadas con techos de tejas coloniales, a dos aguas. Las espaciosas escaleras son de mármol y en los departamentos las puertas están hechas con madera maciza de roble, los pisos de las habitaciones con pinotea y las baldosas y los herrajes se traen de Francia, un detalle no menor tratándose de la calidad que se quería dar a casas populares.

Cada cuerpo tiene la forma de “T” o de “L”, y están puestos de mane
ra que cada cuerpo no produzca conos de sombra sobre el edificio vecino, aprovechando mejor la luz natural. Todos los 157 departamentos son externos y los ocupan unas 600 personas.

La reglamentación determinaba que cada conjunto deberá tener una capacidad para 90 a 100 familias, en un número de 180 a 200 adultos y de 360 a 400 niños.

Su carrera

“…. La ciudad esta hecha, sobretodo, de huecos, no solo hay casas, también hay calles, plazas….”

Renzo Piano (1937)

Militante socialista nació en Rosario el 14 de Enero de 1895 y muere en Buenos Aires el 9 de septiembre de 1979.

En 1918 a los 22 años obtiene el titulo de arquitecto.

Su preocupación profesional se centró en mejorar la calidad de vida a los más necesitados y por eso sus trabajos siempre tuvieron relación con mejorar  la ciudad, en realizar una arquitectura y un urbanismo justo, ordenado, racionalmente controlado.bereterbide bario los andes

Lejos en lo conceptual de cualquier istmo, se aleja tanto de lo tradicional como de las vanguardias a la pàge.

Profundamente reflexivo, trato de elegir aquellas opciones que no desvirtuaran sus objetivos sociales.

Pero no todo le fue fácil, debido a sus ideas políticas.

Políticamente opuesto al gobierno del GOU y al peronismo, en 1947, en la entrega de premios para el concurso para la Sede de la Secretaría de Aeronáutica, cuyo proyecto ganó una mención, Bereterbide le negó el saludo al presidente Perón, la consecuencia fue su expulsión de las funciones públicas que ocupaba y de la SCA. (Sociedad Central de Arquitectos)2015 Fermin Bereterbide Edificio_nicolás_repetto_1955

Se lo asilo profesionalmente y recluido durante un tiempo en prisión.

Es recién en los años ´80 que su obra es reivindicada y valorada sobre todo por el difícil equilibrio de trabajar aceptando lo existente y al mismo tiempo desde esa aceptación, provocando su transformación.

Con su propuesta del Barrio Parque los Andes Bereterbide planteo una solución para reemplazar los conventillos porteños, plantea una buena alternativa al hacinamiento.

Su proyecto fue parte de las llamadas “casas baratas”, y lo consigue a través de la búsqueda de la “renovación” desde lo sustantivo del proyecto, diseñando espacios y formas que mejoren la vida a sus ocupantes.

Cambia lo esencial en su arquitectura, el programa. Y a partir de este  nuevo programa, encuentra las maneras y las formas de expresarlo y resolverlo. Propone proyectos sobrios, evitando la gran complejidad o los rebuscamientos formales.

Algunos antecedentes

“…..creo que la diferencia entre buena y mala arquitectura no estriba en como funciona, sino que va más allá, esta en función de cuanto inspira al hombre”

Eero Saarinen (1910-1961)

Las conferencias que dio Le Corbusier en Buenos Aires en 1929, dejo una impronta digerida lentamente en la Escuela de Arquitectura y en las mentalidades “modernas” de la época.

Fermín Bereterbide, junto a Alberto Prebich (1899-1970), Ernesto Vautier- (1899, 1989) y otros viajan a Europa invitados por la Asociación amigos el Arte  y toman contacto directo con los movimientos vanguardistas (Tony Garnier entre otros)

De 1929 es también una obra muy interesante el Palacio de los Patos, propiedad de Alfredo Chopitea,  complejo habitacional de 144 apartamentos, obra del arquitecto 2015 fermin Bereerbide BARRIO-CHACARITA-ARQUITECTO-SOCIALISTA-BERETERBIDE_CLAIMA20110418_0045_32francés Henri Aziere (1861-1938) que nunca estuvo en Buenos Aires ya que fue contactado por Chopitea en Francia  y el arq Julio Senillosa (1864-1036, primo segundo de Chopitea) ocupando media hectárea (media manzana) en la calle Ugarteche 3050 en el barrio de Palermo en Buenos Aires) seis cuerpos de seis pisos separados por nueve patios y jardines. Contrariando las normas de la máxima rentabilidad en la ocupación del terreno deja libre 1.400 m2 sobre un total de 4.400 m2.bereterbide barrio jardin de flores

Ya comienzan a perfilarse las influencias entre otras con la llegada a finales de 1927 del arq  Wladimiro Acosta (original de Odessa y formado en Berlin y Roma)

Lógicas influencias

“…..una casa, es un envoltorio….es un envoltorio para las vidas que se viven dentro”.

Hans Scharoum (1893-1972)

Influye en arquitectos como Ernesto Vauiter que en 1947 construye en 1947  junto al Arq. Luis Olezza  el Palacio de los Gansos -70 unidades-  propiedad de  Alfredo Chopitea, obra racionalista ubicada en la Avda Las Heras y Ugarteche en Buenos Aires.

Su postulado son también parte de los principios que fueron claves del movimiento moderno de los CIAM, que se realizan al poco tiempo, ya que la fundación el CIAM es en Suiza en La Sarraz en 1928, y 5 años antes del IV CIAM en donde se publica la carta de Atenas.

Porque piensa que no hay una manera de pensar la arquitectura lejos o separada del urbanismo en 1935 junto a Dourge, Prebisch y Vautier forma parte de un grupo liderado por W. Acosta para organizar un CIAM local, iniciativa que no encontró el eco suficiente para prosperar.

Gobiernos Nacionales

En los años en que se hace la obra gobierna en la Argentina Máximo Marcelo Torcuato de Alvear del la Unión Cívica Radical –UCR- que lo hace desde el 1922-1928 (no es baladí mencionar que su gobierna dura exactamente los 6 años del mandato), que se inaugura cuando comienza la presidencia de Hipólito Yrigoyen, que lo dejan gobernar solamente 2 años, ya que el General José Félix Uriburu, inaugura lamentablemente en la Argentina, los gobiernos de facto que toman el poder ciudadano mediante golpes militares.

Durante esos años es alcalde de la ciudad de Buenos Aires el político y diplomático Carlos Martín Noel, durante su mandato se ensancha la avenida Santa Fe, el Barrio Rawson construido entre 1928 y 1934, por la Comisión Nacional de Casas Baratas.

Desde el año 1923 cuenta con el asesoramiento directo de Jean Claude Nicolás Forestier, paisajista y funcionario de la Municipalidad de París, para la elaboración de un plan para los espacios verdes metropolitanos.

Con total sintonía con los principios del Civic Art (que guía la sumatoria de la arquitectura, los espacios públicos, monumentos, diseño urbano, el paisaje….aunque es mucho mas que la suma de sus partes, ya que el Civic Art ayuda a crear cultura a partir de la interrelación de todos esos elementos. Sus principios se basan en la articulación de los conjuntos habitacionales con los centros cívicos y culturales s

Al damero ya existente le agregan los boulevares, que son avenidas parquizadas, para acceder a los nuevos barrios obreros, vinculando entre si los equipamientos (estadios deportivos, espacios verdes, parques, plazas y patios de juegos).

Comisión Nacional de Casas Baratas

 “ (Bereterbide)..Hizo como pocos arquitectura moderna argentina de alta calidad al servicio de la gente, guiado por sus concepciones socialistas, por criterios que amalgamaron lo bello con lo funcional y por un perfeccionismo que el desarrollo tecnológico estimuló”. Eduardo  Molina y Vedia.

A mediados de la década del `20 un estudio refleja la precariedad de las viviendas ya que el 80 % de las familias obreras vivían en una sola pieza y que el 37 % carecía de agua corriente. Esta situación se complicaba debido al continuo flujo de inmigrantesbereterbide otros prof barrio cafferata en Parque Chacabuco

Para cambiar esta citación el 5 de Octubre de 1915 se promulga la ley 9677 que crea la Comisión Nacional de casas Baratas. Llego a planificar la construcción de 3.000 viviendas durante la presidencia de Victorino de la Plaza

Su acción se desarrolló solo en Buenos Aires construyendo edificios de departamentos y barrios de casas unifamiliares.

En 1921 construye el Barrio Cafferata, conjunto de casas con techo de teja en el barrio de Parque Chacabuco, la gran novedad era la de incorporar dentro de la vivienda el baño y la cocina.

La ley de casas baratas con créditos a bajo interés y mas de 20 años de plazo , se sumo a oras leyes como el descanso dominical, la reglamentación del trabajo de menores y mujeres, protección del salario, accidentes de trabajo,  de jubilación, protección al ahorro, entre otras. En 1943 paso a ser parte de la nueva Secretaría de Trabajo y Previsión, a cargo del coronel Juan Domingo Perón.2015 fermin bereterbide planta de otra obra palacio de los patos

El último proyecto de la CNCB fue la Casa Colectiva Martín Rodríguez en La Boca, repitiendo la tipología de bloques en peine, y sumando un segundo edificio con planta en forma de letra G, encerrando un patio interior. En 1944 la CNCB fue disuelta creándose en su reemplazo la Administración Nacional de Vivienda.

Búsqueda y bibliografía

– “HABITAR LA VIVIENDA SOCIAL EN BUENOS AIRES 1905-2002” Habitar Buenos Aires, las manzanas, los lotes, las casas. Editor y Compilador Juan M. Borthagaray. Ediciones SCA y CPAU. ISBN 978-987-99741-8-6. Pág. 236- 253., Autores: Teresa Boselli y Renée Dunowicz. (2011).

– Diccionario de Arquitectura en la Argentina Estilos obras biografías instituciones ciudades Jorge Francisco Liernur, Fernando Aliata   Editor: Berto González Montaner Clarín arquitectura, (2004).

– Arq- diario de arquitectura Clarín AGEA 2005. Fermín Bereterbide J. Molina y Vedia. Buenos Aires. 1998

– libro Fermín Bereterbide: La construcción de lo imposible. Ediciones Colihue

De Juan Molina y Vedia, Rolando Schere . ISBN 950-581-721-5 (1997)

– Sandro Borghini, Hugo Salama, Justo Solsona. 1930-1950 Arquitectura Moderna en Buenos Aires. Librería Técnica CP67. (1987)

– Tomo a-b. Vanguardias Argentinas. Obras y Movimientos en el siglo XX. Editor: Berto González Montaner.

–  “La vivienda popular”, donde volcó sus ideas sobre arquitectura habitacional, gestión y financiamiento.

Políticamente opuesto al gobierno del GOU y al peronismo. (1959)

Redes sociales: Factbook

https://www.facebook.com/Ferm%C3%ADn-Bereterbide-197089753728949/

Videos

– Filmación aérea Barrio Parque Los Andes (2015)

https://youtu.be/2sjHOzFjFUE

– Bereterbide – Pop Arq / Max Zolkwer (2010)

https://youtu.be/XQKsa5yJHDY

– «El país que no Miramos» – Ivan Grondona: Barrio Parque los Andes (2009)

https://youtu.be/v13FfInXzYk

– Edificio del hogar Policial, Buenos Aires. A demoler? (2009)

https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=jm4IWc2pO44

– Blog Espacios habitados. Arq. Juan  Molina y Vedia (2008)

https://youtu.be/DT1Ou_3K7Zk

– Barrio Parque Los Andes, Ciudad de Buenos Aires, Argentina. Fiesta de la Primavera 2008 con la actuacion de la banda integrada por jovenes del Barrio. (2008)

https://youtu.be/mxRgSJ_48GA

– 80 años no es nada. Musica «Verano Porteño» by Trio Pantango (2007)

https://youtu.be/6Vd5HiINP6U

– Barrio Parque Los Andes 80 aniversario, (2007)

https://www.youtube.com/watch?v=51Irxzd5nos

Selección de proyectos y obras

– 1920 ganó el Concurso para casa colectiva en Flores, organizado por la Unión popular católica

– 1925 ganó los concursos para vivienda colectiva de Los Andes, Flores y Palermo, organizados por la Municipalidad de Buenos Aires

– 1932 realiza un proyecto para la apertura de la Av. Norte-Sur (Av. 9 de Julio) que no fue ejecutado

.  Trabaja junto con Ernesto Vautier en una obra de difusión “qué es el urbanismo”  que culmina en un esbozo de Plan Regulador Regional para Buenos Aires, donde se plantea la necesidad de considerar no solo la ciudad sino la totalidad del Gran Buenos Aires.

– de1937 a 1947 forma parte de la Comisión de Estudio del Código de Edificación, formulando un cuerpo legal que entró en vigencia en 1944 (propone entre otras cosas liberar suelo urbano como espacio verde aumentando la altura).

– 1941 gana el concurso para vivienda colectiva de la Av. Rivadavia 5118, organizado por la Cooperativa El Hogar Obrero, junto con W. Acosta, y A. Felice.

– 1942 Trabajó en los proyectos para el Plan Regulador de Mendoza.

– 1944 proyecto para la reconstrucción de San Juan.

– 1948 construye el edificio de Güemes 4426, CABA,

Arquitecto Luis Barragán -casa Ortega y Barragán en DF México por HaKj

Arquitecto Luis Barragán 1ª parte por Hugo A. Kliczkowski Juritz

Muchas pequeñas cosas, es decir de todo un poco

Dijo Dante Alighieri

“Bien puede ser que lo que llamamos moderno,

no sea sino aquello indigno de perdurar hasta hacerse viejo”.

barragan 14 foto de barragan en el estudio

Así comienza esta historia

Antes de ir a la FIL 2016,  feria del libro de Guadalajara quise visitar nuevamente la casa del Arq. Mexicano Luis Barragán, muchas veces me ocurre que mis ganas no siempre son suficientes, no había lugar en los pequeños grupos a los que  permiten entrar, ni ese día ni en los 3 subsiguientes.

En mi hotel entraron en la Web http://www.casaluisbarragan.org/visitas.html, y me informaron que la visita es previa cita, de Lunes a Viernes en 5 turnos, y llamaron por teléfono, sin conseguirnos lugar.

Fue la Sra. Catalina Corcuera Cabezut, directora desde hace mas de 20 años de la Casa Luis Barragán, con la que tuvimos una excelente charla en la que sin inocencia alguna le explicamos que habíamos editado un número de casas Internacional dedicado al arquitecto Barragán y otro de la colección achipocket dedicado a los arquitectos Legorreta Legorreta (HK) (discípulos y herederos arquitectónicos de Barragán).

Le explicamos que necesitábamos recrear en nuestra memoria la casa y accedió a invitarnos a verla.

Y no solo eso, ya que  nos permitió ver primero los jardines Ortega, contigua a la casa de Barragán, donde habito unos años, en esa casa estaba el premio Pritzker, y a esta casa primigenia en conceptos y experiencias espaciales, y de escala, casi un taller experimental, a ella se refirió Luis Barragán en su discurso al recibir el premio el 3 de Junio de 1980 en Dumbarton Oaks, EEUU, siendo la primera obra del mundo latino premiada  (segundo fue el arquitecto portugués Eduardo Souto de Moura).barragan 7 paso biblioteca casa ortega

Los jardines (sobre terrenos comprados por Barragán) fueron diseñados en 1940, así como la casa.

Sobre la casa Ortega nos dice el arquitecto en 1940”….”Un jardín bello es presencia permanente de la naturaleza, pero la naturaleza reducida a proporción humana y puesta al servicio del hombre, y es el más eficaz refugio contra la agresividad del mundo contemporáneo….”

Casa museo Luis Barragán

Como ya mencioné es una de las obras arquitectónicas contemporáneas de mayor trascendencia en el contexto internacional

La influencia de Luis Barragán en la arquitectura mundial sigue creciendo y su casa, conservada con fidelidad tal como la habitó y tuvo su estudio su autor hasta su muerte en 1988, es uno de los sitios más visitados en la ciudad de México por los arquitectos y los conocedores de arte de todo el mundo. Este museo, que comprende la residencia y el taller arquitectónico de su creador, es propiedad del Gobierno del Estado de Jalisco y de la Fundación de Arquitectura Tapatía Luis Barragán.

Casa-estudio Luis Barraganbarragan 13 acceso escalera casa barragan

Esta en la calle General Francisco Ramírez 12-14, colonia de Tacubaya, México, DF (11840).

Fue construida en 1948, y declarada por la UNESCO en 2004, Patrimonio Mundial,

Es el único inmueble individual en America Latina, y en su declaratoria la UNESCO manifiesta “ Es una obra maestra dentro del desarrollo del movimiento moderno que integra en una nueva síntesis de elementos tradicionales y vernáculos, así como diversas corrientes filosóficas “.

Ocupa dos lotes dentro de la misma calle, contando con una construcción de 1161.5 m2barragan 19 patio casa barragan

La UNESCO incluye en sus categorías de inscripción para declarar a un bien como patrimonio de la humanidad entre otras categorías: “conjuntos y monumentos arquitectónicos y artísticos”. Estos últimos son grupos de construcciones independientes o reunidas con una arquitectura de valor excepcional o con una gran integración con el entorno natural. Precisamente a esta clase de tesoros pertenece la Casa Estudio de Luis Barragán. Se trata de una de las construcciones más interesantes de la Ciudad de México por sus referencias estéticas y planteamientos arquitectónicos. Se trata de una especie de compendio arquitectónico de las principales tendencias estéticas del siglo XX. Consta de planta baja y 2 plantas superiores y nos llama la atención por la selección de los materiales utilizados, los espacios creados y el manejo de una rica paleta de colores.

Considerado Patrimonio moderno, por su creatividad expresión y testimonial en la medida que recibe una herencia, la entiende, la comprende, y ello le permite transmitirla a otras generaciones.

Quien fue Luis Barragan?

(Guadalajara, 9 de marzo de 1902 – ciudad de México, 22 de noviembre de 1988)

barragan 17 titulo ingeniero barragan

Nació en Guadalajara, y se graduó de ingeniero civil (el titulo que se otorgaba en esa época) aunque tempranamente y a raíz de sus viajes se decanto por la arquitectura. Realiza varias obras hasta que en 1936 se traslada a la ciudad de México.

En 1940 adquirió un amplio terreno en la entonces llamada Calzada de los Madereros, donde realizó algunos jardines, vendió la mayor parte de estos jardines reservándose una parte donde construyo su casa.

Desde 1940 al 45 realizo numerosas viviendas y desarrollos y posteriormente  junto a José Alberto Bustamante adquirió una enorme extensión de tierras en Pedregal de San Ángel para la realización de una ambiciosa urbanización-

Jardines

Tanto como a Roberto Burle Marx, los diseños de Barragán necesitan una lectura mas atenta para comprender su lenguaje y con el su significado.barragan 22 jardin casa ortega

En sus viajes influyeron en él los jardines de la Alhambra (y en ellos la sorpresa, la magia y el susurro de sus estanques) y en Francia 2 libros de Ferdinand Bac “Les Colombières” y “Jardins Echantés”.

En 1931 al volver a Europa visita a Bac en su jardín Les Colombières y le desencantó detectar la poca armonía con el espíritu de hoy. Conoció también a Le Corbusier y visito la Villa Savoye (situado en Poissy, en las afueras de Paris, construido en 1929) y el apartamento De Beistegui (diseñado en 1930).

En 1937 conoció a Richard Neutra con quien mantendría una gran amistad y compartiría conceptos sobre el paisaje.

Son muchos los personajes del mundo de la arquitectura y el paisajismo, el arte y la poesía que se relacionaron con él.barragan 21 jardin ortega casa ortega

Nota: guardaba bajo llave en un cajón sus libros secretos, el ya mencionado Jardins Echantés y Les Colombières de F. Bac; B. Godounov de Pouchkine; Les Iles Grecques y el Poema electrónico de Le Corbusier y El Jardín Meridional de Nicolás María Rubio y Tudirí.

 

Que nos dicen de él

– arquitectura autobiográfica (por la enorme cantidad de gestos y guiños que nos llevan a las casas y el rancho de Mazamitla que habito de niño).

– solidez y armonía

– formas geométricas simples

– utilización de la luz en espacios místicos y emotivos.

– muestra el refugio, el escondite que nos libera hacia lo vital y lo necesario

– espacios para una vida ya vivida.

barragan 20 estudio casa barragan

barragan 16 cama casa barragan

Nota: Enfermo de Párkinson, en su cama, bajo un rosario, sus últimas lecturas descansan sobre la más pequeñas de las mesas, Cumbres Borrascosas de Emily Brontë y En la búsqueda de Marcel Proust, de Maurois

La casa Ortega

Una casa “experimental”barragon 3 patio paso por vano madera

Podemos considerar a esta casa germen de lo que luego seria su casa definitiva. Un lugar donde pudo probar las sensaciones de espacios articulados, sugerentes, visiones  recorridos entre muros y árboles, arbustos y césped. Plantas y distancias mas presentidas que percibidas por el impacto visual.barragan 12 desde el jardin casa ortega

Originalmente los jardines se unían por una puerta ahora tapiada dentro del muro que los separa.barragan 10bis 2ndo estar casa ortega

El arquitecto que nos recibió y nos permitió visitarla y fotografiarla es sobrino de la Sra. Ortega la propietaria original.

Conserva mucho mobiliario diseñado por Barragán y por la Diseñadora Clara Porcet y está en un estado mucho más descuidado que la casa museo vecina.

Discurso del Arq. Luis Ramiro Barragán Morfín  en la entrega del Pritzker

(Los premios Pritzker son concedidos desde 1979 por la Fundación Hyatt).

barragan 1 patio casa ortega

Es en su discurso, donde con más facilidad podemos entender el pensamiento y la brújula con la que decidió guiar sus obras.

«Deseo dejar constancia, además, de mi respeto y admiración por el pueblo norteamericano, gran mecenas de las ciencias y de las artes, y que sin encerrarse dentro de los límites de sus fronteras las trascendió para distinguir de manera tan honrosa y generosa, en este caso, a un hijo de México. Tengo plena conciencia, por tanto, que el premio que se me otorga es un acto de reconocimiento de la universalidad de la cultura y en particular de la cultura de mi patria. Pero como nunca nadie se debe todo a sí mismo, sería mezquino no recordar en este momento la colaboración, la ayuda y el estímulo que he recibido a lo largo de mi vida por parte de colegas, dibujantes, fotógrafos, escritores, periodistas y personales amigos que han tenido la bondad de interesarse en mis trabajos.

Quisiera valerme de esta ocasión para presentar ante ustedes algunos pensamientos, algunos recuerdos e impresiones que, en su conjunto, expresen la ideología que sustenta mi trabajo. Y a este respecto ya se anticipó –aunque con excesiva generosidad el señor Jay A. Pritzker (1)  cuando explicó a la prensa que se me había concedido el Premio por considerar que me he dedicado a la arquitectura “como un acto sublime de la imaginación poética”. En mí se premia entonces, a todo aquél que ha sido tocado por la belleza. En proporción alarmante han desaparecido en las publicaciones dedicadas a la arquitectura las palabras belleza, inspiración, embrujo, magia, sortilegio, encantamiento y también las de serenidad, silencio, intimidad y asombro. Todas ellas han encontrado amorosa acogida en mi alma, y si estoy lejos de pretender haberles hecho plena justicia en mi obra, no por eso han dejado de ser mi faro».

Religión y Mito. ¿Cómo comprender el arte y la gloria de su historia sin la espiritualidad religiosa y sin el trasfondo mítico que nos lleva hasta las raíces mismas del fenómeno artístico? Sin lo uno y lo otro no habría pirámides de Egipto y las nuestras mexicanas; no habría templos griegos ni catedrales góticas ni los asombros que nos dejó el renacimiento y la edad barroca; no las danzas rituales de los mal llamados pueblos primitivos ni el inagotable tesoro artístico de la sensibilidad popular de todas las naciones de la Tierra. Sin el afán de Dios nuestro planeta sería un yermo de fealdad. “En el arte de todos los tiempos y de todos los pueblos impera la lógica irracional del mito”, me dijo un día mi amigo Edmundo O’Gorman (2)  y con o sin su permiso me he apropiado sus palabras.

Belleza. La invencible dificultad que siempre han tenido los filósofos en definir la belleza es muestra inequívoca de su inefable misterio. La belleza habla como un oráculo, y el hombre, desde siempre, le ha rendido culto, ya en el tatuaje, ya en la humilde herramienta, ya en los egregios templos y palacios, ya, en fin, hasta en los productos industriales de la más alta tecnología contemporánea. La vida privada de belleza no merece llamarse humana.

Silencio. En mis jardines, en mis casas, siempre he procurado que prive el plácido murmullo del silencio, y en mis fuentes canta el silencio.

Soledad. Sólo en íntima comunión con la soledad puede el hombre hallarse a sí mismo. Es buena compañera, y mi arquitectura no es para quien la tema y la rehúya.

Serenidad. Es el gran y verdadero antídoto contra la angustia y el temor, y hoy, la habitación del hombre debe propiciarla. En mis proyectos y en mis obras no ha sido otro mi constante afán, pero hay que cuidar que no la ahuyente una indiscriminada paleta de colores. Al arquitecto le toca anunciar en su obra el evangelio de la serenidad.

Alegría. ¡Cómo olvidarla! Pienso que una obra alcanza la perfección cuando no excluye la emoción de la alegría, alegría silenciosa y serena disfrutada en soledad.

La muerte. La certeza de nuestra muerte es fuente de vida, y en religiosidad implícita en la obra de arte triunfa la vida sobre la muerte.

Jardines. En el jardín el arquitecto invita a colaborar con el reino vegetal. Un jardín bello es presencia permanente de la naturaleza, pero la naturaleza reducida a proporción humana y puesta al servicio del hombre, y es el más eficaz refugio contra la agresividad del mundo contemporáneo.

“El alma de los jardines”, decía Ferdinand Bac, “alberga la mayor suma de serenidad de que puede disponer el hombre”. Y fue Bac quien despertó en mí el anhelo de la arquitectura de jardín. El decía: “En este pequeño dominio (sus jardines de Les Colombiers) no he hecho otra cosa que unirme a la solidaridad milenaria que la que todos estamos sujetos, que no es sino la ambición de expresar con la materia un sentimiento común a muchos hombres en búsqueda de un vínculo con la naturaleza al crear un lugar de reposo, de placer apacible”. Ya se ve que es condición de un jardín aunar lo poético y lo misterioso con la serenidad de la alegría. No hay mejor expresión de la vulgaridad que un jardín vulgar.

En una vasta extensión de lava al sur de la ciudad de México me propuse, arrobado por la belleza de ese antiguo paisaje volcánico, realizar algunos jardines que humanizaran, sin destruir tan maravilloso espectáculo. Paseando entre las grietas de lava protegido por la sombra de imponentes murallas de roca viva, repentinamente descubrí. ¡Oh sorpresa encantadora!, pequeños secretos valles verdes rodeados y limitados por las más caprichosas, hermosas y fantásticas formaciones de piedra que había esculpido en la roca derretida el soplo de vendavales prehistóricos.

Tan inesperado hallazgo de esos valles me produjo una sensación no desemejante a la que tuve cuando, caminando por un estrecho y oscuro túnel de la Alhambra, se me entregó, sereno, callado y solitario, el hermoso patio de los mirtos de ese antiguo palacio. Contenía lo que debe contener un jardín bien logrado: nada menos que el universo entero. Jamás me ha abandonado tan memorable epifanía y no es casual que desde el primer jardín que realicé en 1941, todos los que le han seguido pretenden con humildad recoger el eco de la inmensa lección de la sabiduría plástica de los moros de España.

Fuentes. Una fuente nos trae paz, alegría y apacible sensualidad alcanza la perfección de su razón de ser cuando por el hechizo de su embrujo, nos transporta, por decirlo así, fuera de este mundo. En la vigilia y en el sueño me ha acompañado a lo largo de mi vida el dulce recuerdo de fuentes maravillosas; las que marcaron para siempre mi niñez: los derramaderos de aguas sobrantes de las presas; los aljibes de las haciendas; los brocales de los pozos en los patios conventuales; las acequias por donde corre largamente el agua; los pequeños manantiales que reflejan las copas de los árboles milenarios; y los viejos acueductos que desde lejanos horizontes traen presurosos el agua a las haciendas con el estruendo de una catarata.

Arquitectura. Mi obra es autobiográfica, como tan certeramente lo señaló Emilio Ambasz (3) en el texto del libro que publicó sobre mi arquitectura el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En mi trabajo subyacen los recuerdos del rancho de mi padre donde pasé años de niñez y adolescencia, y en mi obra siempre alienta intento de transponer al mundo contemporáneo la magia de esas lejanas añoranzas tan colmadas de nostalgia. Han sido par a mí motivo de permanente inspiración las lecciones que encierra la arquitectura popular de la provincia mexicana: sus paredes blanqueadas con cal; la tranquilidad de sus patios y huertas; el colorido de sus calles y el humilde señorío de sus plazas rodeadas de sombreados portales. Y como existe un profundo vínculo entre esas enseñanzas y las de los pueblos del norte de África y de Marruecos, también éstos han marcado con su sello mis trabajos.

Católico que soy, he visitado con reverencia y con frecuencia los monumentales conventos que heredamos de la cultura y religiosidad de nuestros abuelos, los hombres de la colonia, y nunca ha dejado de conmoverme el sentimiento de bienestar y paz que se apodera de mi espíritu al recorrer aquellos hoy deshabitados claustros, celdas y solitarios patios. Cómo quisiera que se reconociera en algunas de mis obras la huella de esas experiencias, como traté de hacerlo en la capilla de las monjas capuchinas sacramentarias en Tlalpan, ciudad de México.

El arte de ver. Es esencial al arquitecto saber ver; quiero decir ver de manera que o se sobreponga el análisis puramente racional. Y con este motivo rindo aquí un homenaje a un gran amigo que con su infalible buen gusto estético fue maestro en ese difícil arte de ver con inocencia. Aludo al pintor Jesús (Chucho) Reyes Ferreira (4) a quien tanto me complace traer ahora la oportunidad de reconocerle públicamente la deuda que contraje con él por sus sabias enseñanzas. Y a este propósito no está fuera de lugar traer a la memoria unos versos de otro gran y querido amigo, el poeta mexicano Carlos Pellicer (5): por la vista el bien y el mal nos llegan. Ojos que nada ven, almas que nada esperan.

La nostalgia. Es conciencia del pasado, pero elevada a potencia poética, y como para el artista su personal pasado es la fuente de donde emanan sus posibilidades creadoras, la nostalgia es el camino para que ese pasado rinda los frutos de que está preñado. El arquitecto no debe, pues, desoír el mandato de las revelaciones nostálgicas, porque sólo con ellas es verdaderamente capaz de llenar con belleza el vacío que le queda a toda obra arquitectónica una vez que ha atendido las exigencias utilitarias del programa. De lo contrario la arquitectura no puede aspirar a seguir contando entre las bellas artes.

Mi socio y amigo el joven arquitecto Raúl Ferrera (6) y el pequeño equipo de nuestro taller comparten conmigo los conceptos que tan rudimentaria e insuficientemente he intentado presentar ante ustedes. Hemos trabajado y seguiremos trabajando animados por la fe en la verdadera estética de esa ideología y con la esperanza de que nuestra labor, dentro de sus muy modestos límites, coopere en la gran tarea de dignificar la vida humana por los senderos de la belleza y contribuya a levantar un dique contra el oleaje de deshumanización y vulgaridad.barragan 15 biblioteca casa barragan

Notas de HaKj

1.- Jay Arthur Pritzker (Chicago 26 de agosto de 1922 – 23 de enero de 1999) fue un empresario norteamericano y organizador de más de 60 compañías multi-industriales. En 1979 se estableció el Premio Pritzker de Arquitectura, que ahora es considerado el más prestigioso honor en el campo. En 2004, el Pabellón Jay Pritzker, diseñado por el arquitecto Frank Gehry, se completó como parte del Parque del Milenio en el centro de Chicago.

2.- Edmundo O’Gorman O’Gorman (Ciudad de México; 24 de noviembre de 1906 – 28 de septiembre de 1995) fue un reconocido historiador mexicano. Nació en Coyoacán. Hijo del ingeniero de minas y pintor irlandés Cecil Crawford O’Gorman y hermano del célebre pintor y arquitecto Juan O’Gorman.

3.- Emilio Ambasz es un arquitecto, profesor y diseñador argentino.

(Resistencia  13 de junio de 1943). Entre 1970 y 1976 curador del MOMA.

4.- (Chucho Reyes) José de Jesús Benjamín Buenaventura de los Reyes y Ferreira (Guadalajara, Jalisco, 17 de octubre de 1880 – Ciudad de México, 5 de agosto de 1977) fue un pintor, coleccionista y anticuario mexicano. En 1957 asesoró la gama cromática original de las Torres de Satélite a Mathias Goeritz y Luis Barragán. En ese último influyó y asesoró en sus características gamas de color.

barragan 6 estar casa ortega

5.- Carlos Pellicer Cámara (San Juan Bautista (hoy Villahermosa), Tabasco, México; 16 de enero de 1897 – Ciudad de México; 16 de febrero de 1977) fue un escritor, poeta, museólogo y político mexicano.. En agosto de 1921, junto con Vicente Lombardo Toledano, Diego Rivera, José Clemente Orozco y Xavier Guerrero entre otros, fundó el Grupo Solidario del Movimiento Obrero. Ese mismo año, su antiguo discípulo, el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez inauguraba el Museo Nacional de Antropología en Ciudad de México. Para su diseño se basó en las indicaciones de Pellicer. Pedro Ramírez Vázquez tuvo la oportunidad de colaborar con su maestro en etapas posteriores del museo regional de Tabasco.

6.- Raúl Ferrera, socio de Barragán, heredó su archivo profesional

Historia de las instituciones que custodian los fondos de archivo de Luis Barragan

barragan 11 vista desde terraza casa ortega

Su casa es el Museo que resguarda los libros que integraron su biblioteca, además de algunas pinturas, fotografías, y los objetos personales de Barragán.

Otras secciones de su archivo profesional la resguardó uno de sus familiares, quien después en 1994 entregó este archivo a la Fundación de Arquitectura en Guadalajara llamada ‘Luis Barragán’ que conserva correspondencia amistosa, amorosa y familiar, testimonios escritos e ilustrados de sus viajes, por mencionar algunos. La Fundación se ubica en una de las Casas de Luis Barragán, a estos documentos se agregaron otros donados por amigos y familiares.

Fundación Barragan de Suiza

barragan 8 biblioteca casa ortega

Institución sin fines de lucro financiada por la empresa suiz Vitra, se localiza en Birsfelden, cerca de Basilea (Basel), Suiza. Se hace cargo del archivo profesional del arquitecto mexicano Luis Barragán y su objetivo es la conservación, estudio y difusión del conocimiento sobre el trabajo de Luis Barragán.
El archivo profesional fue heredado por su socio el Arquitecto Raúl Ferrera, a su muerte, su viuda vendió parte del archivo a una empresa Suiza junto con los derechos de autor.

Resguarda 13, 500 dibujos, 7, 500 fotografías (positivo) 82 paneles fotográficos, 3, 500 negativos, 7, 800 transparencias; 290 publicaciones sobre el trabajo de Barragán, 54 publicaciones coleccionadas por Barragán; 7 expedientes con recortes sobre el trabajo de Barragán (periódicos, revistas, 7 maquetas y varios expedientes con manuscritos, notas, listas, correspondencia. Además resguarda la colección Armando Salas Portugal (1916-1995) fotógrafo que colaboro activamente con Barragán en 1944 cuando éste estaba diseñando El Pedregal de San Ángel
Contacto Barragán Foundation, Klünenfeldstrasse 20, 4127, Birsfelden, Switzerland. Teléfono 41613771665.

 Alguna bibliografía

barragan 5 acceso y sillones casa ortega

– 1937. The New architecture of México, de Esther Born

– 1940. Casa Ortega.

–  1976. The architecture of Luis Barragan. Introducción  de Emilio Ambasz . MoMA  .  ISBN 978-0-87070-233-4.

– 1979. House For Luis Barragan & San ChristobalTapa, GA 48

– 1997. Luis Barragan: Mexico’s Modern Master, 1902-1988 ed Monacceli Press

– 1997. Luis Barragan: Barragan House, Los Clubes and San Cristobal autor Emilio Ambasz – Ada Edita  GA

– 2002. CUATRO Centenarios: Luis Barragán (jardines en silencio); Marcel breuer, Arne Jacobsen, José   Luis Sert. De Darío Álvarez, Universidad de Valladolid y COACYCLE.

– 2009. Escritos y conversaciones – Luis Barragán editorial El Croquis autor Antonio Riggen

– 2009. Luis Barragan: Barragan House, Mexico City, 1947-1948 by Futagawa, Yukio Ada Edita. GA.

– 2011. La casa de Luis Barragán: Un valor universal, autores Alfaro, Garza, Palomar.

– 2013. Luis Barragán (1902-1988) .editorial RM. Prologo del arq. Álvaro Siza autores  Buendía Júlvez, Palomar, Eguiarte.

– 2014. Luis Barragán. Paraisos / Paradises , HK books autor Juan Molina y Vedia

– 2014. LUIS BARRAGAN. Casa estudio.  FCA Nº 21 –con DVD

Premios

barragan 2 patio casa ortega

1976 Premio Nacional de Ciencias y Artes, México.

1980 Premio Pritzker de Arquitectura.

1985. Premio Anual de Arquitectura Jalisco.

1987. Premio América de Arquitectura.

 

 

Sus obras

1979-84.  Faro del Comercio, en colaboración con Raúl Ferrara, Macroplaza en Monterrey, Nuevo León.

1978. Casa Gárate (hoy B. Meyer), en colaboración con Alberto Chauvet.

1976. Casa Gilardi, calle Gral. Antonio León 82, Tacubaya, México, DF.

1969. Puerta de servicio «Los Clubes», Las Arboledas, Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

Plan Maestro de Cano, Tepotzotlán, Estado de México.

1967-1968. Cuadra San Cristóbal. Establos, piscina. Casa, alberca y establos Folke Egerstrom, en colaboración con Andrés Casillas

1967. Lomas Verdes y Capilla, ordenación, en colaboración con Juan Sordo Madaleno.

1963. Los Clubes, ordenación general, Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

1958. Las Arboledas, ordenación general y jardines, Tlalnepantla de Baz y Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

1957. Torres de Ciudad Satélite, (Anillo Periférico Norte) en colaboración con Mathias Goeritz, Ciudad Satélite, México DF.

1955. Jardines del Hotel Pierre Márquez, Acapulco. Guerrero

Casa Antonio Gálvez, (calle Pimentel, 10, Chimalistac San Ángel, México DF.

Plan de Ordenación de Jardines del Bosque (obra no construida), Guadalajara, Jalisco.

1952-1955. Convento de las Capuchinas Sacramentarias del Purísimo Corazón de María, centro de Tlalpan, México DF.

1950. Casa Eduardo Prieto López, Jardines del Pedregal de San Ángel. México DF.

1948. Dos casas (casas muestra) en la Avda. de las Fuentes, 10 (hoy 130), en colaboración con Max Cetto, Jardines del Pedregal de San Ángel, México, DF.

1947. Casa Estudio Luis Barragán, calle General Francisco Ramírez #14, Tacubaya,2 México, DF.

1945-1950. Plan Maestro, accesos, plaza de las Fuentes y tres jardines muestra, Jardines del Pedregal de San Ángel, México, DF.

Cuatro jardines particulares, avenida de los Constituyentes y calle General Francisco Ramírez, Tacubaya, México, D. F.

1944 Tres jardines privados en la Avda. San Jerónimo, Jardines del Pedregal de San Ángel, México, DF.

1941-1943 Casa y jardín en C/General Francisco Ramírez, Tacubaya, México DF.

1940 Casa Eduardo Villaseñor, San Ángel DF.

1937 Casa Pizarro Suárez, Lomas de Chapultepec, México DF.

1936 – 1940 Edificio de apartamentos en colaboración con Max Cetto, calle Río Lerma 147 México DF.

Casa para alquilar, calle Río Guadiana Colonia Cuauhtémoc, México DF.barragan 18 reflejo de HAK

Edificio de apartamentos, Colonia Cuauhtémoc, México DF.

Edificio de apartamentos en colaboración con José Creixell, Colonia Cuauhtémoc, México DF.

Edificio de apartamentos y casa unifamiliar anexa, Av. Río Missisipi en la plaza Melchor Ocampo, Colonia Cuauhtémoc, México, DF.

Edificio de estudios para pintores (en colaboración con el Arq. Max Cetto). Colonia Cuauhtémoc, México DF.

1936 Casa para dos familias, Avenida parque México 141 y 143, Colonia Condesa, México, DF.

Dos casas en Avda. Mazatlán, México DF.

1932 Restauración de casa en colaboración con Juan Palomar, Guadalajara, Jalisco.

1931 Casa de la familia Barragán, (con Juan Palomar y Arias), Chapala, Jalisco.

1929 Casa de Gustavo Cristo, Guadalajara, Jalisco.

Jardín de recreo infantil, Parque de la Revolución, Guadalajara, Jalisco.

Casas de alquiler para Efraín González Luna, actualmente Casa ITESO Clavijero. Guadalajara, Jalisco.

1928 Casas de alquiler para Robles León, Guadalajara, Jalisco.

Casa Harper de Garibi, Guadalajara, Jalisco.

Casa Efraín González Luna, actual Casa ITESO Clavijero, Guadalajara, Jalisco.

Casa de Enrique Aguilar, Guadalajara, Jalisco.

1927-1936 Casa en calle Simón Bolívar, Guadalajara, Jalisco.

Casa José C. Orozco, Guadalajara, Jalisco.barragan 4 comedor casa ortega

Casas para alquilar de Idelfonso Franco, Av. La Paz 2207 y Simón Bolívar 224, Guadalajara, Jalisco.

1927-1933 Casa del Dr. Medina, Guadalajara, Jalisco.

1927 Reforma de la casa Emiliano Robles León, Guadalajara, Jalisco.

 

Arq. Francisco Salamone . El Art Decó en la pampa argentina- una arquitectura cargada de ideología por HaKj

El Art Decó en la pampa argentina- una arquitectura cargada de ideología

El arquitecto Francisco Salamone

por Hugo A. Kliczkowski Juritz

Hace unos años, en un viaje que hice para visitar a mis sobrinos en Sierra de la Ventana, quise ver una obra muy especial, el cementerio del pueblo de Suldangaray, a pocos kilómetros de allí.

Con un taxista simpático, recorrimos esos 9 km.

Pude ver la obra del arq. Francisco Salamone y  me interese por su papel en el panorama arquitectónico bonaerense de la época.

Ese día  vimos el cementerio, con un pórtico extraordinario por su magnitud y complejidad, el edificio de la Municipalidad y la plaza que estaba frente a ella.

Francisco Salamone

salomone fotoArquitecto e Ingeniero, (Leonforte,  en la Catania italiana- 5 de junio de 1897, Buenos Aires 8 de agosto de 1959), siguió los pasos de su padre Salvatore Salamone arquitecto y constructor, recibiéndose primero de maestro mayor de obras en el Otto Krause y luego de Ingeniero y arquitecto en las universidades de La plata y de Córdoba.

También lo fueron sus 3 hermanos.

Entre 1936 y 1940 construyo más de 120 edificios (entre grandes y medianas obras)  en más de 25 municipios de la Provincia de Buenos Aires.

De la mano de quien comienza esta historia?

Con la abstención del radicalismo en plena época de fraude electoral, accede al gobierno de la provincia de Buenos Aires entre 1936 a 1940 el Dr.  Manuel Antonio Justo Pastor Pascual Fresco  ( 1888 – 1971) médico, político y diputado por el conservador Partido Demócrata Nacional. Es un caudillo de Avellaneda cercano al golpista General Uriburu quien el 6 de setiembre de 1930 encabezo el golpe de estado que derroco al gobierno constitucional de Hipólito Yrigoyen estableciendo una dictadura militar, la primera de una serie que se extendería hasta 1983.

Tenía una cierta simpatía con el corporativismo del dictador español Miguel Primo de Rivera, manifestó su disconformidad con la democracia tal como se ejercía en la época, lo que no le impidió tener problemas de conciencia para acceder a la gobernación de la provincia de Buenos aires gracias a la aplicación generalizada del fraude electoral usando fondos públicos para sus actos de campaña y movilizando a sus seguidores en trenes especiales.salomone palacio municipal de Carhue

Apoyaba la eliminación del voto secreto reformando la ley electoral para hacer valer el “voto a la vista o voto cantado”.

Admirador del presidente de los EEUU Franklin Roosvelt, tenía en su despacho bustos de Adolf Hitler y Benito Mussolini. Declaro ilegal al partido comunista. Un hombre cuyas simpatías fascistas lo llevaban a saludar públicamente con el brazo en alto, además de ensalzar sin pudor al Duce

Decide encarar un ambicioso plan de edificaciones en gran parte de los 110 municipios de la provincia con el fin manifiesto de “dignificar el perfil oficial y paisajista de la región”.

Concentró una gran actividad en obras de infraestructura y una política del estado del bienestar creando decenas de obras como hospitales, municipalidades, cementerios, iglesias católicas, escuelas y gran cantidad de caminos y rutas pavimentadas

Durante su mandato el arquitecto Alejandro Bustillo (otorgadas por su hermano el ministro de Obras Públicas José María Bustillo) diseño la urbanización de la playa Bristol en Mar del Plata así como el Casino, el Hotel Provincial, el Municipio y la Gran Rambla en un estilo neoclásico, en esta tarea trabajo mas de 10 años.

Para consolidar la ciudad de Mar del plata como un balneario de masas, se pavimentó su acceso por la ruta Nº 2,

En 1945 ofrece al entonces Coronel Juan Domingo Perón su pequeño partido de tendencias fascistas «Patria, Unión Nacional Argentina» que queda unido al Partido Justicialista.

Dichos de la época

salamone Guamini mataderoUno de ellos dice: “Lo que Fresco dispone lo construye Salamone” aclarando: “No se mueve un ladrillo sin que lo diga Bustillo”

Las obras públicas (edificios y caminos) son el motor fundamental para la reactivación económica, en un país aún azotado por el crac mundial del 29.

Con un lema que en aquel entonces y aun hoy nos dice casi todo: “Dios, Patria y Hogar”.

Méritos y conflictos

A los 23 años, en 1919, gana dos medallas por sus diseños en exposiciones internacionales de Milán y Barcelona.

En 1924, sale segundo en un concurso para el diseño de caratula de la revista de la SCA, ya podemos entender la mala relación entre el arquitecto y la SCA ya que a  pesar de que era tradición publicar todos los trabajos premiados su trabajo no aparece  publicado.

salamone cementerio de AzulEn 1926 denuncia que el ganador para la construcción de la Bolsa de Comercio de Rosario es idéntico o calcado al proyecto del Banco de la República de Uruguay. En ambos casos el jurado era el mismo, el presidente Coni Molina y el arquitecto Christophersen.

Desde ese momento las relaciones con la sociedad Central de Arquitectos, quedan  muy deterioradas, al punto que deja de usar el titulo de arquitecto en sus papeles y presentaciones.

Definición teórica

Sin poder acceder a algún fundamento teórico por parte de Salamone, los estudiosos dan distintas interpretaciones.salamone Saldungaray cementerio

el investigador del Conicet, Dardo Arbide lo reivindica como producto puro del Cubismo Checo.

El arquitecto Mario Sabugo lo bautiza como Futurismo Populista Bonaerense.

Alberto Belucci habla en cambio que sus obras nos derivan en un estilo icnográfico a lo que serian Las Vegas y Disneylandia

 Impacto

La monumentalidad de sus obras (algunas de mas de 30 metros de altura en un panorama edilicio de no mas de entre 3 y 5 metros), causo un fuerte impacto en el desarrollo de esas poblaciones. A veces prestigiándolos a veces empequeñeciéndolas. salamone municipalidad de tornquist

En todo caso tenían un claro objetivo de “progreso” casi prepotente., debemos entender que en la mayoría de los casos la población no llegaba al millar de habitantes como Salliqueló, Urdampilleta, Saldungaray,  Puán, Laprida, Lobería, Cacharí, Carhué o Carlos Pellegrini.

Construyó en otras  mas importantes como Balcarce, Coronel Pringles, Rauch, Alberti, Alem, Tornquist, Alsina, Tres Lomas, Azul, González Chávez, Guaminí, etc

Exagerando bastante podríamos decir que son obras con una remota inspiración con los regímenes fascistas y de nacional socialismo, con una arquitectura espectacular y monumental, cercana a los estilos art decó y futurista italiano, un tanto bizarras con elementos del funcionalismo racionalista, el  expresionismo alemán, el decorativismo francés, neoplasticismo holandés, constructivismo ruso y el clasicismo monumentalista.

Ingredientes de extraña combinación y dudosa catalogación que Salamone pudo materializar en pueblos y ciudades perdidos de la pampa, como ariete de crecimiento y progreso, no siempre conseguido.

 Donde?salamone municipalidad ed Carhue

En ciudades y pueblos apacibles, hechos de hierro y ladrillo, rodeado o entre alambrados y campos, con obras de estilo y diseño inglés ferroviario y con el saber hacer de los albañiles italianos.

Tomando el conocido revoque símil piedra que desde finales del siglo XIX era la firma europea en la arquitectura del país,  Salomone materializada sus obras con el hormigón armado, la llamada piedra líquida, alimentados desde la cercana Olavarría, el agua de la pampa y las armaduras de hierro.

Anécdotas

Juan Forn escritortraductor y asesor literario (argentino 1959), nos cuenta en su artículo publicado en la sección Radar de Pagina 12: ...» Aun así, hay anécdotas legendarias, como la que se cuenta en Laprida, donde el caudillo del pueblo, un tal Martínez, que había llegado a intendente, interceptó al mejor estilo cuatrero el tren que llevaba más al Sur (aparentemente a Bahía Blanca) las piezas desarmadas de lo que sería el enorme frontispicio de la necrópolis local, y a punta de pistola ordenó: “El cementerio se queda acá”.

 

Temas que desarrollo

salamone matadero BalcarcePalacios municipales, oficinas públicas, mercados, escuelas así como portales de parques y cementerios, mataderos, parques y plazas junto a farolas y mobiliario urbano. Ornamentaciones y monumentales Cristos, Diseñó aceras y realizó la decoración y el diseño interior de sus edificios. En el caso del mobiliario se llegó al mimetismo que la silla oficial del intendente de la localidad de Laprida, tenía un respaldo muy alto, tanto como la torre que remataba la Municipalidad, imitándola en mini escala, incomoda pero elocuente.

Sus grandes temas, (cementerios, mataderos y municipios) son ideológicamente comprensibles, es el Municipio el centro de la vida pública y sobre todo política, el corazón de cada pueblo.  A tal punto el municipio debe regir simbólicamente las vidas del pueblo que el arquitecto remata la construcción con una torre que supera en altura hasta el campanario de la iglesia, a la que corona con un inmenso reloj (ya no es la evolución del sol sino el municipio el que da la hora “oficial”) al decir inteligente de Juan Forn «salamone municipalidad de Rauchj Los mataderos o los cementerios no son cualquier símbolo, representan la vida, el trabajo y el definitivo descanso de todos y cada una de las familias en cada uno de los pueblos. Tienen su impronta en sus portales y símbolos, representan la presencia del poder público en lo privado» . Salamone así creyó comprender el mensaje de su mentor Fresco y de su época.

La arquitectura de Salamone nada tenía que ver con el contexto en que se erigió e hizo un uso masivo de la piedra líquida.salamone matadero de coronel Pringles

No es casual, no es inocente, es la convicción política y religiosa individualista reflejada en la obra arquitectónica.
En muchos siempre fue así, y esta no es una excepción. Es una apuesta de permanencia. Su obra mas importante declarada Monumento Arquitectónico Municipal, fue el Palacio Municipal de Carhué, sobre la laguna de Epecuén, inaugurado en 1938, y que combina el art decó, el futurismo italiano y el funcionalismo de la Bauhaus.

Poder político

Estas obras solo fueron posibles por la relación de amistad (no sabemos hasta que punto) con el ya mencionado gobernador Manuel Fresco quien le encarga todas estas obras.

Decenas de partidos agradecen su iniciativa. La obra pública que le encargaran, conforma un legado de decenas de emprendimientos.

No fue su fin el exilio, pero si de sus obras

A fines de 1938 el proyecto Fresco-Salamone tropezó con problemas económicos y políticos. Los bonos que muchas municipalidades colocaban en la Bolsa de Valores para financiar sus obras se desplomaron. A su vez, se desató una interna política entre el gobernador bonaerense y el presidente Ramón Castillo que derivó en la intervención de la provincia en 1940.

El arquitecto vio demoradas sus obras en Tres Arroyos, Pilar, Lobería y Chascomús entre otras.
Salamone siguió trabajando para el gobierno con una empresa de pavimentación de rutas que había montado con su hermano.

Fue acusado de irregularidades en un proceso de licitación, Salamone se exilió en Montevideo.

Los tribunales desestimaron la causa en su contra, el creador de los gigantes de hormigón regresó a Buenos Aires, compró un petit hotel en la calle Uruguay al 1200 y puso una nueva empresa constructora con la que levantó un par de edificios sobrios en la Capital.

Algunas de sus Obras

-CAPITAL FEDERAL

Uno de los pocos salomobe edificio de alvear y ayacuchoedificios en el área privada esta en la capital Federal en la recoleta, en av. Alvear y Ayacucho, frente al Hotel Alvear.

El otro en la calle  Zufriategui, que fue sede de la empresa de pavimentación que tenia con su hermano

 Rauch (Km 273 de la capital Federal)

A tan solo 70 kilómetros de Tandil, se emplaza esta apacible ciudad que aún  respeta la siesta y las tradiciones más arraigadas de la llanura bonaerense.
Realizo el Palacio Municipal, una de sus obras más importantes, rodeada de jardines, decoro su interior. Diseño varias  plazas públicas, con farolas y arcos de su especial diseño personal

-Azul (Km 306)

Construyó el cementerio con su pórtico estilo Art-Decó que no puede dejar de visitarse. La imponencia de las formas y los detalles de las siluetas son de un valor patrimonial tan rico como atractivo. Así como el Cristo y el Oratorio con un gran Ángel de la Muerte custodiando la entrada y la gigantesca sigla RIP realizadas en cemento. Además de la plaza, viviendas y el portal del Parque municipal.

 -Balcarce (Km 406)

En la ciudad donde nació Juan Manuel Fangio, realizo la Escuela Normal 1, glorietas, monumentos y farolas. El palacio municipal, la plaza central y el portal del cementerio tienen su sello. El Matadero se encuentra en muy mal estado de conservación, pero esto le concede un clima de cierto misterio. Una curiosidad es que en su predio funcionó un templo católico, del cual quedan algunos vestigios. El edificio habla de una época de opulencia y mucho trabajo,

– Adolfo Gonzalez Chaves (Km 450) – 

Realizó el Palacio municipal, Mercado y Matadero.

(Gracias a Hugo Stampone por indicarme con su comentario que incluya estas obras).

-Coronel Pringles (Km 534)

Dónde funcionara el antiguo matadero se levanta una sede de oficinas públicas que impactan por su belleza edilicia. En Pringles, el movimiento arquitectónico francés caló hondo, a tal punto que sus edificios son categorizados en el mundo. El viejo matadero se completa en una torre que con crudeza remata en una cuchilla. Se trata de un Monumento Histórico Municipal y es considerado un interesante exponente del Art-Decó.

 -Guaminí (Km 574)

Realizo el Palacio Municipal y el matadero (en donde se filmaron algunas películas que detallo mas abajo)

-Saldungaray (Km 578)

También en la zona de Villa Ventana, esta ciudad tiene múltiples muestras del arte Art-Decó . El Palacio Municipal. plazas, arcadas, edificios públicos y el cementerio dan cuenta de arte en la vía pública.
El portal del camposanto es único en el mundo. Su complejidad habla del valor que le otorgaba el ingeniero a los temas místicos y la trascendencia del hombre donde aparece el Cristo crucificado en un frente circular. Un sitio en muchos sentidos, imperdible.

 -Tornquist (Km 598)

Realizo el Palacio Municipal además de sus plazas con sus farolas, arcadas y el matadero- El cristo es de su diseño

– Carhué (Km 626)

En el partido de Adolfo Alsina, a orillas del lago Epecuén, una salina de más de 10.000 hectáreas, se ubica esta ciudad que es visitada dadas las altas propiedades curativas de este espejo de agua. Realizo el Palacio Municipal y el Matadero. Los visitantes se acercan para fotografiar, y fotografiarse, en este lugar en ruinas que deja entrever la estética Art-decó difundida por Salamone. Grandes letras anuncian lo que fuera un centro de producción de entre los más importantes de la provincia.

Realizo los Palacios Municipales entre otras obras en Puan, Alberti, Laprida, Chillar, Adolfo Gonzales Chaves, Vedia, Pellegrini. etc

LEY PROVINCIAL QUE DECLARA PATRIMONIO BONAERENSE A LA OBRA DE SALAMONEsalomone Balcarce

El 23 de enero de 2002, el Senado y la cámara de Diputados de la provincia de Buenos Aires sanciona La Ley 12.854 que declara Patrimonio Cultural de la Provincia de Buenos Aires a los bienes muebles e inmuebles, cuyos proyectos y ejecuciones de obra fueran realizados por el ingeniero arquitecto Francisco Salamone. En su  Art 4º – convoca a especialistas así como a toda persona o institución, pública o privada, vinculadas al estudio de la obra de Salamone que puedan contribuir a los fines de esta Ley

Films

Septiembre 2017Invación SALAMONE.

Documental de 4 horas de grabación, En una serie por capítulos. Guión y realización de Diego Ávalos y Francisco Larralde.  Investigación histórica del arq. Sergio Di Pietro.  Protagonista el actor Ezequiel Castaño y el escritor Juan Sasturian.  Testimonios de arquitectos, historiadores, autoridades y colaboradores. Publicado por Alejandro Machado

http://francisco-salamone.blogspot.com.es/2017/09/invasion-salamone-el-documental.html

Trailer:
https://vimeo.com/65272140
Capítulo 1:

https://www.youtube.com/watch?v=O1JUpEu3aNw
Capítulo 2:

https://www.youtube.com/watch?v=-pjv4XZ2qeM
Capítulo 3:

https://www.youtube.com/watch?v=ndXl_kbQOb8
Capítulo 4:

https://www.youtube.com/watch?v=3c1QbYX6Uqs
Capítulo 5:

https://www.youtube.com/watch?v=dleOBnvKg9M
Capítulo 6:

https://www.youtube.com/watch?v=SR4M8VybwaM
Capítulo 7:

https://www.youtube.com/watch?v=nLm8LqeZbKQ
Capítulo 8:

https://www.youtube.com/watch?v=gr01LuIxvhk

– el documental “Salamone Superstar”, dirigido por Andrés Tórtola. Reconstruye la figura del arquitecto en base a más de 100 testimonios y material de archivo.

– El film «Las minas del Rey Salamone», del año 2010 Dirección, producción, guión, cámara y montaje de Andrés Tórtola .

Es un proyecto turístico del que participan los municipios de Laprida, Azul, Gonzáles Chávez, Coronel Pringles, Rauch, Guaminí, Balcarce, Tornquist, Adolfo Alsina y Pigüe, junto al equipo de la Secretaría de Turismo de la Provincia de Buenos Aires

https://youtu.be/6UQJOz1cg9A

Serie televisiva “En el camino”

Francisco Salamone 1:

-https://youtu.be/oKA5A3DBcUE

Francisco Salamone 2:

https://youtu.be/e05v97BN17Y

Francisco Salamone 3:

https://youtu.be/oFXEX55cSAs

Francisco Salamone 4:

https://youtu.be/zPIKZKK9bYY

Francisco Salamone 5:

https://youtu.be/BfwyI7dZ1V0

Francisco Salamone 6:

https://youtu.be/CG_w8s3MZ5g

-recorrido de obras

https://youtu.be/SdtDU8Sf30A

Los Caminos de Salamone” https://youtu.be/mTY7IPp9ItA

Documental sobre la vida y la obra de Francisco Salamone.

Un Corto,  no solamente de Pringles, sino también de Pigüé de Diego Stanga y Eugenia Cavallaro,

https://youtu.be/mTY7IPp9ItA

-Film Mundo Salamone

https://youtu.be/zR_8zv00_jw

“Mundo Salamone – Avance” por Ezequiel Hilbert en Vimeo

https://vimeo.com/35355353

Otros

Lanzamiento oficial de Los Caminos de Salamone en FIT

En Facebook:

https://www.facebook.com/InvasionSalamone/

https://www.facebook.com/groups/610779919024154/

muestras, exposiciones y ediciones

– Anuario del Ministerio de relaciones exteriores y culto.  República Argentina

– En el diario (masserista) Convicción una nota del profesor Alberto Belucci en Julio de 1982

– En la revista DAPA , una nota del profesor Alberto Belucci:  “Art deco monumental en las Pampas. El arte Urbano de Francisco Salamone” 1992

– El libro “Reconocimiento Patrimonial de la Provincia de Buenos Aires” dedicado al arq. Francisco Salamone

– La monografía “Una arquitectura de los márgenes: reconsideración de la obra de Francisco Salamone”. firmada por el Sr.  Dardo Arbide, investigador del Conicet.

-durante el mes de diciembre en Coronel Pringles (a 534 Km de la Capital federal), en  su homenaje se organizan las Jornadas Salamone.

– Muestra en la Foto-galería del Teatro General San Martín, de Esteban Pastorino, Junio 2002

– Edición de un catálogo  con texto de los críticos Tom Shaw y  Edward  Shaw, con motivo de la muestra “Salamone, la consagración monumental en las Pampas 1997-2007 «, en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires 2007

– agosto 2009, Primeras Jornadas Salamone organizadas por la Municipalidad de Azul y el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires

-Julio  2015, muestra plástica “Serie SALAMONE de Laura Sendra en el Centro Municipal Sociedad española de Casbas. Proveniente del área de cultura de la Cooperativa Obrera de Bahía Blanca.

salomone matadero de CarhueHasta aquí llegamos, se podría continuar, porque este ejemplo de imagen y cristalización de la obra arquitectónica con su contenido de ideología e intencionalidad urbana no es excepcional y nos serviría perfectamente para aplicarla y comprender mejor otros casos pasados y presentes.

Seguramente mas adelante.

HaKj

noviembre, 2015

El Arquitecto Robert Mallet-Stevens (1886-1945) la Villa Cavrois y muchos de sus proyectos e ideas

 

El arquitecto Robert Mállete-Stevens por HaKj

El 11 de Junio de 2015 se rehabilita y abre al público una de las obras maestras del Movimiento Moderno, La villa Cavrois (1929-32) en Croix, al Norte de Francia, casi casi en Bélgica. (Villa Cavrois: 60, avenue John-Fitzgerald Kennedy. Croix. Tel: 00 33 03 20734712. www.villa-cavrois.fr ) había sufrido un abandono total antes de ser comprada por el estado.

Otro dato

Sobre el callejón del doctor Blanche, hay 2 obras de Le Corbusier y de Pierre Jeanneret , la maison La Roche (1923/25) en una de ellas funciona la fundación Le Corbusier.

A pocas calles de este callejón hay una calle que lleva el nombre de Mallet-Stevens, en el distrito XVI de Paris, allí hay cinco mansiones que diseño y construyo, todas cubistas.

Otro dato más

La calle fue inaugurada el 20 de julio de 1927, y admirada como una manifestación del arte arquitectónico moderno, recién a partir de su muerte y como un reconocimiento a su labor de arquitecto, se puso su nombre a dicha calle.

Y más

Corría el año 1925 y Robert Mallet-Stevens era uno de los hombres más prestigiosos de Francia, amigo de Le Corbusier, Pierre Chareau y otros enamorados del Estilo Internacional y del movimiento holandés De Stijl.

Finalmente

En esta historia interviene el Palais Stocket del arquitecto Joseph Hoffman y la villa de Wilem Marinus Dudok en Hilversum.

Comencemos:mallet stevens retrato acuarela

Robert Mallet-Stevens nace en Paris el 24 de marzo de 1886 y muere el 8 de Febrero de 1945. Acortando su nombre se hizo llamar Rob Mallet-Stevens

Recibe su diploma de arquitecto en 1910 en la Escuela especial de Arquitectura de Paris, comenzó su trabajo dedicándose al diseño de muebles y decorados para el cine, hasta que se volcó totalmente a su quehacer arquitectónico.

Opuesto al eclecticismo de los años `20 y `30, en 1929 participa en la fundación de la UAM (Unión de Artistas Modernos), apoyada por Le Corbusier, Charlotte Perriand y Jean Prouvé. Su objetivo (con un éxito relativo) era promover las tendencias del modernismo y la industrialización en el arte.

Temiendo por su seguridad (su esposa era de religión judía), durante la segunda guerra mundial debió refugiarse del gobierno de Vichy a 640 km al sur de Paris, en Penne-d’Agenais,

Una anécdota

La realidad supera a la ficción, incluso cuando recuerda a una obra de Shakespeare. La villa Cavrois , no sería posible si en 1919 Paul Cavrois no hubiera perdido en la Gran Guerra a su hermano. Y es que pocos meses después decidió casarse con su cuñada, Lucie Vanoutryve, que ya tenía tres hijos. Con él concibió otros cuatro. Andaba el matrimonio corto de espacio cuando Paul, un gran industrial francés dueño de varias fábricas textiles, conoció en París al arquitecto Robert Mallet-Stevens. Corría el año 1925 y Mallet era uno de los hombres más prestigiosos de Francia.

El empresario y el arquitecto se hicieron amigos, y visitaron el Palais Stocket de Joseph Hoffman y la villa de Wilem Marinus Dudok en Hilversum. Con esos dos edificios en la cabeza, proyectaron la gran casa familiar, que se convirtió en el manifiesto teórico de Mallet sobre la arquitectura, el resumen de toda su vida.

Una referencia al Palacio Stocker que inspira la casa Cavrois

El palacio Stoclet es una mansión particular construida por el arquitecto Josef Hoffmann entre 1905 y 1911 en Bruselas (Bélgica) para el banquero y aficionado al arte Adolphe Stoclet. Considerado la obra maestra de Hoffman, la casa de Stoclet es una de las casas particulares más refinadas y lujosas del siglo XX.Mallet Palacio Stoclet de HoffmannFue construida en la Avenue de Tervueren/Tervurenlaan de Bruselas, Puede causar asombro que la fachada recubierta de mármol es casi racionalista, mientras su interior contiene obras encargadas a Gustav Klimt en el comedor, cuatro figuras de cobre en lo alto obra del escultor Franz Metzner, y otras artesanías en el interior y exterior del edificio.

Esta integración de arquitectos, artistas y artesanos hacen de él un ejemplo del Jugenstil.

La mansión ya no está ocupada por la familia Stoclet, desde la muerte de la baronesa Anny Stoclet en junio de 2002. Y es en Junio del 2009 que la Unesco lo designa un lugar Patrimonio de la Humanidad.

Volvamos al trabajo de Mallet-Stevens

Ha contribuido mucho a la difusión y conocimiento de su trabajo la exposición que sobre su obra completa realizo el Centro Pompidou en Paris desde el 27 de Abril al 29 Agosto de 2005, ya que nos ha permitido reconocer y también rehabilitar y poner en valor sus proyectos, edificios e ideas.

Sus proyectos tienen cada uno características particulares pero nos explica “….fueron, -creadas en un mismo prisma para formar una unidad, pues un cuerpo de arquitectura es uno e indivisible”

En la futura Rue Mallet-Stevens construyo:

– Su casa y su estudio

– el taller de los escultores Joël y Jean Martel (que trabajaron en la decoración interior de las obras y es la única que se conserva original)

– Casa de Mme Reifenberg

– Casa de M y Mme Allatini

– Casa Dreyfus

Explicó durante mucho tiempo la idea y filosofía de su “calle, casas entre jardines” que privilegian el aprovechamiento de la luz y la utilización de cemento armado y piedra.

Agregando que “…la arquitectura es un arte esencialmente geométrico” y estructura sus edificios a partir de un elemento vertical (una escalera, una balustrada).

Es de resaltar que la mayor parte de su obra fue realizada para clientes privados. El único encargo público de toda su carrera fue todo un éxito, la central de bomberos en Paris que también incluye apartamentos para las familias.

De sus obras sobrevive en París la casa y taller construida por el arquitecto para su maestro cristalero Louis Barillet, la única obra de Mallet-Stevens abierta al público, y cuyo mayor atractivo es una estrecha vidriera que ocupa toda la parte superior de la puerta de entrada. El mobiliario funcional que también diseñó, como una silla de cuero y tubo metálico, es pieza de especial atención de coleccionistas

Un reconocimiento mas es cuando la casa de interiorismo Habitat ha celebrado su 50 aniversario incorporando a su catálogo de diseñadores a Mallet Stevens ( además de Thierry Marx y Sir Terence Contran)Mallet Stevens Chaise-longue-Mallet-Stevens1

Sus diseños simbolizan la modernidad de una época ya que incorporan una dimensión artística a su visión social, casi un manifiesto de la Bauhaus.

Volvamos a la Villa Cavroismallet stevens fachada villa_cavrois_215231583_620xMallet-Stevens, animado por la confianza de su cliente, proyectó un edificio que seguía las premisas del Movimiento Moderno pero suavizado por la estética de una casa de campo tradicional francesa.

Sus formas fueron simplificadas al máximo, como mandaba el racionalismo utilizo materiales nobles como madera, mármol y otros industriales como el cristal, metal, acero, en una villa geométrica, simple y bella. Modernista y paradigma de síntesis al mismo tiempo. Nos recordaba «El verdadero lujo es vivir en un entorno luminoso, alegre, abierto al exterior, bien calefaccionado, con pocas cosas inútiles y mínimo servicio”.Mallet Stevens villa_cavrois sala

La fachada, geométrica se materializa con ladrillos amarillos de la zona, y el interior es una combinación de muebles de madera maciza y otros policromadas mas informales.Mallet Stevens villa_cavrois_comedor 2

La casa fue cuartel general de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, pero los Cavrois la recuperaron y vivieron en ella hasta que Lucie, la cuñada-esposa, murió en 1985. Después fue prácticamente abandonada hasta que en el 2009 se compró con dinero público y fue restaurada por el Centre des Monuments Nationaux. Se recuperaron muchos de los muebles originales de coleccionistas particulares para ofrecer una imagen fiel de la villa original.

Si bien debió protegerse del nazismo y dejar su protagonismo en el campo de la arquitectura, hasta ese momento deja una impronta que ha ayudado a construir el pensamiento arquitectónico moderno.

Entre ellas las obras que se mencionan abajo (además de numerosos proyectos no construidos)

Hugo A. Kliczkowski Juritz

Algunas de sus Obras

1921-23 Chateau de M. Paul Poiret (Mezy).

1924-25 Villa Paul Poiret de Mézy-sur-Seine, en el departamento de Yvelines.

Construida para el modisto Paul Poiret en Mézy en las afueras de París.

1923-28 Villa Noailles en Hyères sobre el mediterráneo cerca de Marsella.

Encargada por el vizconde Charles de Noailles y su esposa Marie-Laure Bischoffsheim, mecenas y amigos de artistas del arte moderno, entre ellos Man Ray que en 1928 filmó allí su primer film surrealista Les Mystères du Château de Dés, también Piet Mondrian y Francis Jourdain cooperaron en su decoración.

Fue creciendo hasta alcanzar en 1933 los 1.800 m2, con piscina, pista de squash y gimnasio y un gran jardín mediterráneo plantado inicialmente por el vizconde Noailles,

Ubicada en el Parc Saint Bernard, 83400 Hyères,, es hoy sede del Centre d’art et d’architecture. Esta inscripta desde 1975 entre los monumentos históricos franceses, donde desde 1996 se realizan exposiciones temporales de arte contemporáneo: artes plásticas, arquitectura, diseño, fotografía o moda

1925 Pabellón en la Exposición de Artes decorativas de Paris

1925-26 Casa de Mme Collinet y la Casa de M. Auger

1927 Garaje Alfa Romeo

1927-28 Casino de Saint Jean de Luz

1928 Café de Brasil (Haussmann, Wagram) en Paris

1928-29 Inmueble Rapport , Paris

1928-29 Casa Gompel, 25, Boulevart Suchet , Paris

1926-34 Residencias particulares de la rue Mallet-Stevens, en particular la situada en el número 10 conocida como Hotel de Jan y Joël Martel en el distrito XVI de París.

1929-32 Villa Cavrois en Croix, departamento de Norte. Cerca de Lille.

1930 Destilería para el gobierno Turco en Estambul

1930 Reforma del Teatro Municipal en Grasse

1931-32 Casa y taller del maestro vidriero Barillet, en el nº 15 del square de Vergennes, París, distrito XV.

1931-32 Casa Trapenard en Sceaux

1936 Cuartel de bomberos en el nº 8 de la rue Mesnil, París, distrito XVI

1937 Pabellón de Tabacs en la Exposition des Arts Et Techniques de Paris

1939 Pabellón de la prensa en Lille

Decorados para Films

1920 – Le secret de Rosette Lambert de Raymond Bernard

1921 – Le Mauvais Garcon de Henri Diamant Berger

1921 – Jettatur de Pierre-Gilles Verber

1922- Triplepatte de Raymond Bernard

1923 – L`Inhumaine de Marcel L´Herbier

1924 – Le Miracle des Loups de Raymond Bernard.

1926 – Le Joueur d Echecs de Raymond Bernard
1926 – Le Vertige de Marcel L´Herbier
1927 – Princesse masha de Rene Leprince1927 – La Sirene des Tropiques de Mario Nalpas y Henry Etivant

Sketches de Le Corbusier -viaje a Oriente y burdeles de Paris por HaKj

Le Corbusier y sus dibujos por HaKj

Un periodo que va desde 1911 hasta 1965, año de su muerte.

Le Corbusier nace el 6 de Octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds en la Suiza francófona.

En 1911, comienza una etapa que será decisiva en su formación no curricular de arquitecto, viaja y recorre ciudades como Berlín, Praga, Viena, Budapest, Belgrado, Bucarest, Constantinopla, Salónica y Atenas.le corbusier en la actropolis 15 septiembre 2911

Tiene 24 años,  es un viaje revelador donde descubre formas, figuras, contenidos, espacios que vuelca en sus libretas de dibujo.

Junto a su amigo Auguste Klipstein, con poco dinero, comienzan el recorrido desde Mayo a Octubre, y tocan Bohemia, Serbia, Rumanía, Bulgaria y Turquía.

Oriente es todo lo contrario de Europa, este viaje hacia Constantinopla, representa lo contrario de lo que fueron sus trayectos europeos.

Se podría intuir que “este Oriente” esté presente en sus obras en Chandigard, o en Ronchamp o en el convento de La Tourette

La mirada de Le Corbusier, puesta en sus dibujos, le enseñan a ver  de otra forma todo lo que observa.

Y todas esas miradas están en estas libretas de tapa negras (como las que ahora produce Moleskine -pero sin la banda elástica vertical-) de 10 cm de ancho por 17 cm de alto.le corbusier autoretrato

En 1987 la editorial Electa de Milán hace una edición de sus dibujos realizados durante su viaje a Oriente, un facsímil de las mismas, la realiza junto a la Fundación Le Corbusier.

La que tengo en mis manos es de la 1era edición que se realiza en los EEUU en 1988 por la editorial Rizzoli, imprime solamente 500 libros, dentro de una caja con sus lados de color negro y cuya base y tapa es de color amarillo.

Su título “Le Corbusier, Ch. E. Jeanneret. Voyage d´Orient Carnets. Electa- Rizzoli, New York”.

Durante su vida Le Corbusier siempre llevo libretas de notas en los que acumulaba observaciones, cálculos, notas, dibujos de arquitectura, y sketches de trabajos, obras y proyectos.

Para hacer todo este importantísimo material accesible, la fundación le Corbusier autoriza la publicación de 73 sketchbooks realizados desde los años 1911 a 1964. Desde sus 24 años hasta su muerte en 1965.

Su viaje a Oriente comienza en su “carnet V” .

Un dato curioso, su primera página es de 1910 y corresponde a un viaje hecho a Alemania. Podemos pensar que quizás en ese país compro  las libretas.

Como son facsímiles esta hasta el sello del negocio donde las compró , con dificultad se lee un sello que pone KELTZ & Meiners – Berlin – Leipziger strasse 190.le corbusier dibujos 3

Este libro fue publicado por primera vez en 1965 año de su muerte.

Quisiera comentar que tengo en mis manos otra edición en facsímil que se llama “Les voyages d’Allemagne” Carnets  The Monacelli Press y Fondation L.C. primera edición 1994.

Ambas del mismo tamaño y tipo de libretas.

Ya hablaremos de ella.le corbusier dibujos 2

En un film documental acerca de su vida realizado por la Fondation Le Corbusier (1987)  se escucha a Le Corbusier, haciendo un repaso de su desarrollo intelectual y profesional, de sus interesas, proyectos y obras que realizo a lo largo de su vida.) https://youtu.be/NW-ugB10Xd4, (tiene títulos en español y dura unas 2,28 horas interesantísimas)

Nos relata con detalle cómo crece como observador, su  formación (fuera de la academia, como gustaba señalar) y sus escritos.

Estos viajes constituirán una excelente ocasión para descubrir los grandes edificios que se están erigiendo en Europa y le proporcionarán los conocimientos necesarios para dedicarse a la arquitectura. Le gustaba añadir que además de arquitecto era urbanista, poeta, pintor, filósofo y hombre de letras.

Como dudarlo ¡!!

A los 30 años se instala definitivamente en París. Junto al poeta Paul Dermée y el pintor Amedée Ozenfant  (a quien hace su casa-estudio en 1922-1923) y con ellos  funda la revista de vanguardia L’Espirit Nouveaux.

En ella expusieron sus ideas y desarrollaron nuevos conceptos sobre urbanismo, arquitectura y otros campos de la cultura

En el primer ejemplar descubren que deben incluir algún artículo sobre arquitectura, y  es en ese momento donde Edouard Jeanneret tomará el seudónimo Le Corbusier, con el que será más conocido popularmente, para toda su producción de arquitectura, reservando su verdadero nombre para su producción pictórica.

Lo cuenta de esta forma

“…mirando las galeradas del número 1, Ozenfant me dijo:-Hay que incluir algo de arquitectura. Entonces hice algo el sábado de noche, había que entregar el texto el lunes. Escribí tres consejos para arquitectos y dije no los firmo Jeanneret, mi apellido, sino Le Corbusier. Y así nació el maldito le Corbusier, con el artículo y los siguientes, hizo ruido, fue mundial enseguida”.le corbusier dibujos 1

El apellido de su abuelo materno es Lecorbésier, Jeanneret lo transforma en Le Corbusier como una variación humorística ya que evoca a la palabra cuervo,

No solo dibujo o se interesó por la arquitectura.

Hay unos dibujos de esa época, donde ente otras cosas hace dibujos y sketches de sus visitas a los burdeles parisinos,Le Corbusier burdeles 1 a los cuales solía frecuentar, donde además hacia dibujos.Le Corbusier burdeles 5

Al respecto escribe el 12 de Mayo de 1918:

Le Corbusier burdeles 4

“…..Mis intentos son sin forma, decepcionante. Toda mi imaginación está en el trabajo. Quiero una claridad, un brillo, una agudeza que tolera solamente el lápiz, la disciplina,  el ritmo, y la moderación en el uso del color. Y pinto suciedad. Mis mujeres son bestialmente lascivas, calientes.»

Le Corbusier burdeles 3Le Corbusier burdeles 2

Citas de Le Corbusier
» Prefiero dibujar a hablar. Dibujar es más rápido, y deja menos espacio para la mentira.»

» Mi pecado capital es estar sometido a las cosas visuales. Tengo ojos y todo lo visual, el dibujo, la pintura, la escultura, la arquitectura, para mí es igual. Es sinfónica. La arquitectura exige ciertas cualidades del pensamiento del cerebro, o sea la concepción. Las otras cosas también, pero con posibilidades manuales. «

» Siempre me interesó lo creativo, sobre todo, lo que se aplica al hombre y a su medio. Con la pintura pude desarrollar todo eso. Es un medio apasionante y peligroso. «

«Como consumidor de pintura creo que su gran rol es justamente aportar el espacio que puede ser inefable.»

«No tengo diploma y por eso nunca tuve que olvidar lo que estudié. Esa es la pura verdad.»

Los sketches tienen una importancia en el desarrollo de las ideas, no solo para Le Corbusier, sino en todo aquel que pueda utilizarlos como herramienta de diseño.

Su valor es enorme, y no dudo que merece mas consideraciones.

Por ahora esta queda aquí

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente
gracias

más articulos en mis blogs :

hugoklico.blogspot.com     y      onlybook.es/blog










Francisco Javier Sáenz de Oiza y las torres (torre) Blancas (gris)

por Hugo A. Kliczkowski Juritz

Hablemos del arq Francisco Javier Sáenz de Oiza


En la entrada Madrid por la avenida de América, continuación de la A2, autopista que une Madrid con Barcelona, hay un edificio de 21 pisos que posee una especial cualidad,  ya que se lo reconoce como emblemático.

Paradigma 2015 Torres_Blancas foto conjuntode una época, sino de ruptura si de pertenencia a un momento de cambio en la arquitectura española y mundial. Terminado en 1968 por el arq Francisco Javier Sáenz de Oiza y los ingenieros Leonardo Fernandez Troyano Carlos Fernández Casado y Javier Manterola, autores de la fantástica estructura de grandes losas en voladizo que permitieron la centralización de cargas y la ausencia de pilares tradicionales, y la materialización de la idea de2015 torres blancas terrazas en voladizo su proyectista.

Un aporte importantísimo fue el que dio el promotor, cliente y mecenas Don Juan Huarte, que apoyo a la vanguardia española con su empresa Huarte.  Más de 4 décadas mas tarde sus pisos se ofrecen en alquiler de la siguiente manera:

Aviso en el periódico de la época: Preciosa habitacion en piso 250m2 torres blancas

c/ Corazón de Maria Número 2, Prosperidad, Madrid Capital. Se alquila habitación a partir del 1 de Febrero en precioso piso exterior con terraza muy luminosa, Ambiente genial, piso de 250 m2 en excelentes condiciones. Habitación grande con armario  empotrado doble con o sin muebles. Piscina en la azotea. Calefacción central e increíbles vistas. Conserje 24 horas. Metro Cartagena en la puerta y Avenida de América a 2 minutos.

2015 torres blancas salon principalAlgo ocurre con un edifico de casi 50 años, cuando sus propietarios lo califican de GENIAL y precioso.

¿Y que es lo que profesionales y particulares ven en él?

¿La pista nos la da el mismo arquitecto Francisco Saenz de Oiza en su libro Escritos y conversaciones?

«Cuando hice Torres Blancas tuve un único objetivo: molestar a la gente, agredir al paisaje, de tal manera que la gente levantara la cabeza y dijera: ¡Caramba!, pero ¿tanto bien o tanto daño se pueden hacer con la arquitectura?… ¡Sí, señor! ¡Estamos cansados de hacer paisajes grises, ambientes no molestos en los cuales a lo mejor no es penoso vivir pero tampoco es gratificante!»

Desde la estructura (que no se sujeta en pilares sino en rotundos muros portantes que se clavan en el suelo como raíces) hasta los detalles (maravillosos los rodapiés, los pomos, los radiadores) el arquitecto no tuvo miedo a probar.2015 torres blancas piscina ultimo piso

Del restaurante (hoy oficinas) se podían bajar las viandas a cada piso a través de un porta platos equipado con un interfono.Quiso construir un edificio de viviendas de gran altura (tiene 71 metros) , que creciera orgánicamente como un árbol,que  escaleras, ascensores e instalaciones, lo  recorrieran en forma vertical,  como si fueran los vasos leñosos del árbol y con las terrazas curvas agrupadas como si fuesen las hojas de las ramas. Torres Blancas eran en realidad 2 torres, que dicen , como rumor  quizás de mármol blanco, de las que se hizo solo 1 y esta Torre Blanca, es en realidad gris.

Oiza nos decía también… «un árbol que parte desde el suelo» (No sabes si alguien sube o baja) Tan importante es la parte superior como la inferior.

Su hijo Javier Saez de Oiza, ha explicado hace ya tiempo, que el motivo de la no construcción de la segunda  torre no fue económico sino de licencia, pues las autoridades no veían prudente apoyar este tipo de arquitectura, así como que nunca iban a ser de mármol blanco sino de hormigón gris visto.

Blanco fue el nombre que se le dio en homenaje a las pinturas y al purismo de Le Corbusier. 2015 torres blancas porteria

A  Oiza le hacía ilusión pensar que las hormigas llegasen a la espectacular piscina redondeada de la azotea. Al principio de cada clase en la facultad («fue un gran maestro, muy generoso, que contaba todo lo que sabía», explica el hijo) repetía como una letanía la definición de casa de Camilo José Cela (vecino del inmueble): «Fruto del amor del hombre con la Tierra nace la casa, esa tierra ordenada en la que el hombre se guarece cuando la tierra tiembla -cuando pintan bastos- para seguir amándola».

En los sesenta, muchos vecinos eran pilotos (por la cercanía a Barajas), hoy abundan los arquitectos. Y los artistas. Jim Jarmusch, enamorado de sus formas, introdujo al edificio en su último filme, y cuentan que John Malkovich tiene un piso en Torres Blancas. El hijo del arquitecto, ni lo niega ni lo confirma, pero una vez se lo encontró en el ascensor.

Es interesante la vida del arq Francisco Javier Sáenz de Oiza (Cáseda, Navarra, 12 de octubre de 1918 – Madrid, 18 de julio de 2000). Fue un alumno especial, recibiendo el «Premio Aníbal Alvárez» al mejor expediente académico y ese mismo año gana el premio nacional de Arquitectura. Recién acabados sus estudios, en 1947 viaja a los Estados Unidos para ampliar sus conocimientos gracias a la beca “Conde de Cartagena”, concedida por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Regresa a España com2015 torres blancas detalle de escalera intyerioro profesor del Departamento de Instalaciones de la Escuela de Arquitectura de Madrid. En 1968 logra la Cátedra de Proyectos y de 1981 a 1983 es director de la Escuela.  (Nota 1)                                                         Podemos mencionar como un hecho no menor que por su estudio paso entre otros Rafael Moneo (1956-1961) así como los arquitectos  Francisco Alonso, Carlos Ferranz y Juan Daniel Fullaondo. Sáenz de Oiza, que vivió el resto de su vida en el edificio, ganó por él el premio de la Excelencia Europea en 1974.

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Sáez de Oiza definía a la arquitectura como:

– Una actividad artística impulsada por la potencia del creador capaz de despertar emociones.
–  Un juego lúdico en lo que tiene de aventurado el enfrentarse al enigma.
–  y que era aventurarse en lo desconocido, un camino o proceso no recorrido con una actitud ilusionada y fuerte.
– asegurando que sin libertad no hay obra de arte.

De el nos hablan sus obras y sus premios como reconocimiento a una vida dedicada a su pasión,  la arquitectura

Otras obras y  proyectos

– Edificio de viviendas en la calle Fernando el Católico, Madrid, 1949.
– Santuario de Nuestra Señora de Arantzazu (1950-1954), situado en Oñate (Guipúzcoa), edificio religioso, de hormigón, piedra y acero.

– Propuesta de Capilla en el Camino de Santiago, 1954
– Poblado de Entrevías, Madrid, 1956
– Poblado de absorción Fuencarral-A, Madrid, 1955
– Casa Lucas Prieto, Talavera de la Reina (Toledo), 1960
– Cien apartamentos en Ciudad Alcudia, Palma de Mallorca, 1963
– La «casa Arturo Echevarría», Madrid, 1971

– Torre del Banco de Bilbao BBVA, edificio de 107 m de altura con fachada de acero y cristal, ubicado en el complejo financiero y comercial AZCA de Madrid, (1971-1978).

– La «villa Fabriciano», 1987
– Viviendas en la M-30, Madrid, 1986-1989
– Los pabellones del IFEMA (Recinto Ferial Juan Carlos I), Madrid, 1987
– Villa Fabriciano (1987)

– Campus de la Universidad Pública de Navarra situado en la capital de su tierra natal, Pamplona. No esta desarrollado en su totalidad estando pendiente la construcción del Paraninfo. (1987).

– Universidad de Granada (1988)
– Alternativa Concurso estadio de Anoeta, San Sebastián, 1989
– Universidad Pública de Navarra, Pamplona, 1989-1993
– Concurso de Ideas del Palacio de Congresos, Marbella, 1990
– Oficinas de la Hermandad de Arquitectos de Madrid (1990)
– Escuela de Administración Pública de Mérida (1990)
– Ordenación de la Plaza de San Francisco, Palma de Mallorca, 1991
– Pabellón Polideportivo Cubierto, Plasencia, 1991

– Palacio de Festivales de Cantabria, Santander, 1991.
– Segunda solución para el Palacio de Congresos, Marbella, 1992
– Concurso Palacio de la Música y Congresos, Bilbao, 1992

– Torre-Triana, sede administrativa de varias consejerías en la isla

Nota 1

Recojo esta encantadora nota de un alumno de Francisco Javier Sáenz de Oíza, el actual Doctor Arq. José Ramón Hernández Correa. (Diciembre 2014)

El Texto completo lo pueden leer en arquitectamoslocos.blogspot.com.es

–  “Francisco Javier Sáenz de Oíza era un genio. Sí, un genio. En todas las acepciones de la palabra, incluso en la de “tener mucho genio”. Siempre decía cosas ingeniosas, creativas, estimulantes. Era imposible saber qué fértiles asociaciones de ideas iba a hacer, y eso hacía su discurso apasionante.”

–   “A Oíza le gustaba dar cursos sobre “vocabulario arquitectónico” o, mejor dicho, sobre “conceptos básicos sobre los elementos arquitectónicos”. Reflexionar sobre qué era un muro, una cubierta, un hueco, una columna, etc. Lo hacía con un ánimo constructivista, concreto y práctico, como para explicar las bases, pero lo bañaba todo de poesía, de espacio, de creación, de filosofía de la habitación humana.

Oíza adolecía de falta de orden y rigor expositivo….Pero eso no tenía la menor importancia, porque a cada frase te sugería mil ideas y te abría mil caminos, y cada historia que se salía del temario previsto te sumergía en la aventura. Siempre era mucho mejor el destino encontrado que el previsto.”

–  “Una vez, en uno de estos cursos, le propuso a su profesor ayudante Francisco Alonso (el magnífico Pacoalonso) que diera una lección sobre “la puerta”. Paco Alonso se preparó el tema con la dedicación y perseverancia acostumbradas en él, y dio una charla exhaustiva y magistral sobre la puerta: Tipos de puerta (correderas, abatibles, basculantes, pivotantes…); materiales (madera, vidrio, acero, aluminio, piedra…), sistemas, cierres, estilos, etc, etc,……Al terminar, todo el mundo esperaba la felicitación del maestro y, acaso, un par de frases para poner la guinda. Pero no fue así. Oíza se levantó y le dijo a Paco Alonso que se había equivocado completamente. Que la puerta no es la membrana que cierra el hueco, sino el hueco. La puerta es la apertura. La hoja anula la puerta, quiere que el hueco vuelva a ser muro, que deje de ser puerta. La hoja abatible, pivotante, basculante, etc, lucha contra la puerta. La puerta es puerta cuando está abierta. Todo lo demás es no-puerta.”

Nota 2

De sus “escritos y conversaciones” (29-07-2014)

“Un arquitecto cuando tiene verdadera fuerza interior ha de decir con García Lorca, romperé todos los partenones por la noche y los levantaré por la mañana”.

“Yo soy de esa opinión. Claro que me dicen: pero si tiene que vivir de los encargos, con esta manera de pensar tendrá pocos”; y he tenido pocos encargos y no soy bueno, con esto quiero decirle que si yo hubiera sido bueno todavía hubiera tenido menos encargos. En algún momento la sociedad humana tendría que tomar conciencia de que, efectivamente, la masa es la masa y la minoría es la minoría. Punto. Yo no acudo a la masa para operarme del corazón, sino a una minoría que sabe del corazón»

Hugo Kliczkowski Juritz

1 septiembre, 2015

La casa Planells del arquitecto Josep Maria Jujol por HaKj

JUJOL y la casa Planells

por el arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

Casa-Planells-01

Quien ha sido el arquitecto que ha construido esa hermosa casa en Barcelona?

Una pequeña edificación en la esquina de Diagonal con la calle Sicilia.

Casa-Planells-18s

Nos llama la atención, y pensamos que fue una genialidad construir en un solar de solo 80 m2, consiguiendo en duplex ,viviendas de 120 m2, con pisos intermedios, llenos de formas curvas.

Destaca el diseño de la escalera y la barandilla de hierro forjado, la esbelta columna central de la sala principal, los mosaicos con formas de insectos.

casa-planells forjado xxCasa-Planells-colujmna

Al decir de Lluis Permmanyer, en su libro -Un paseo por la Barcelona modernista- “….iba Jujol por libre y cuesta situarlo”

 

casa-planells-escalera

 

El arquitecto es Josep María Jujol i Gibert, nacido a 100 km de Barcelona en Tarragona el 16 de Septiembre de 1879, falleció en Barcelona el 1 de Mayo de 1949. Y el hermoso edificio, es la casa  Planells.

Casa-Planells-baranda

 

Ha trabajado con Antoni Gaudí desde 1906 hasta la muerte de éste , antes con Josep Font  i Guma (1902/4)  y antes con Antoni María Gallissa (1901/2). Cuando conoce a Gaudí, éste tiene 53 años y Jujol 27.

Jujol, ha cursado brillantemente sus estudios de arquitectura, con proyectos y notas que lo destacan, como su desaforada búsqueda del color como “…salsas que se mezclan y cohetes que estallan”casa-planells barandilla duplex

Gaudí le hizo participar en el Park Güell, la casa Batllo, la casa Mila, la Sagrada Familia, la reforma de la catedral de Palma de Mallorca, y las farolas del centenario de Jaume Balmes en Vic.

No solo se dedico a la arquitectura, sino también a la docencia, y como profesor en la Escuela de Arquitectura de Barcelona  maravillo a sus alumnos en su habilidad en el dibujo y la escuela y la vehemencia de sus expresiones orales.

Los estudiantes llamaban a la purpurina “JUJOLINA”, ya que era el dorado sobre negro que mas le gustaba.casa-planels escalerqa mozaicosCuando Gaudí fallece en un accidente en la calle de las Cortes el 7 de Junio de 1926, atropellado por el tranvía, (llamado del disco 30, o de la cruz roja) tiene 74 años y Jujol 47 años.

La Casa Batlló

Jujol participo activamente en la remodelación de la casa Battlo (1904./06) ubicada en el Paseo de Gracia 43, obra originaria  del arquitecto Emilio Sala Cortés.

Esta ubicada en la llamada “MANZANA DE LA DISCORDIA”, porque alberga además de este edificio otras obras de arquitectos modernistas: la casa Amatller, que colinda con la de Gaudí, obra de Josep Puig i Cadafalch; la Casa Lleó Morera, obra de Lluis Domènech i Montaner; la Casa Mulleras, de Enric Sagnier i Villavecchia; y la Casa Josefina Bonet, de Marcel-lià Coquillat.

En esta obra pletórica de inspiración en las formas orgánicas de la naturaleza, Gaudí pone en práctica toda una serie de nuevas soluciones estructurales que ya muestran sus profundos análisis de la geometría reglada. ¿Que aporta Jujol a tanta libertad creativa , de un cierto barroquismo alejado de cualquier premisa clásica o rigidez racionalista?

Jujol aporta su voluntad creativa, joven e impulsiva y Gaudí le permite participar en la fachada, decoración y mobiliario. Jujol ha desarrollado mucho la forma de reutilizar creativamente materiales viejos o de desecho, utilizando una técnica llamada “trencadis”. Volviendo a la casa Planells, de 1924 (18 años más tarde de su intervención en la casa Battlo), fue un encargo del contratista Eveli Planells, con quien Jujol ya había realizado otros edificios. Ha merecido ser catalogada como BIEN DE INTERES LOCAL (BCIL), categoría de protección del patrimonio cultural catalán.

casa-planells ventanal xx

Sin grandes alardes exteriores, arquitectos como Solá-Morales y Carlos Flores lo relacionan con el movimiento expresionismo alemán, por ejemplo con Erich Mendelsohn.

 

 

Hay mucho para hablar de Jujol, sobre todo de una localidad a solo 17 km de Barcelona, San Joan Despí, donde nos impresiona la impronta modernista, no solo de Jujol con su Torre de la Creu o Can Negre (ya les contare de mi excursión a esta localidad) sino de media docena de arquitectos.

Por ahora deleitémosnos con esta pequeña maravilla, la casa Planells.