Palladio+Scamozzi arq. Trissino. El teatro de la vida, parte V

Palladio+Scamozzi arq. el teatro de la vida, parte V

Parte V

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Cuatro Libros de arquitectura

En los “Cuatro libros de arquitectura”, testamento arquitectónico y la herencia que nos legara Andrea, editado en  Venecia en 1570 escribió “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado”.

Ya había realizado para ellos un palacio en Vicenza, en Contro Riale, además de una casa suburbana.

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Cuando se entra en Sarego, nombre actual de Meledo,  y girando a la derecha, nos detiene una puerta reja, y un cartel donde se lee “Villa Trissino. Arch A. Palladio (1540-1547).

Mientras entramos creemos oírlo leer su capítulo XII, de sus libros: “Las casas de la ciudad son realmente de mucho esplendor y comodidad para el gentilhombre, teniendo que vivir en ellas todo el tiempo que le haga falta para la administración de la república y gobierno de las propiedades…y además por el ejercicio que en el campo se suele hacer a pie y a caballo, el cuerpo conservará más fácilmente su salud y vigor….el ánimo se repondrá y tranquilamente podrá dedicarse a los estudios de las letras y a la contemplación… Al elegir el sitio para la casa de campo se deben tener en cuenta todas aquellas consideraciones que se hacen al elegir el sitio en la ciudad, puesto que la ciudad no es más que una casa grande, y por el contrario, la casa una ciudad pequeña”.

El grabado que vemos en su tratado nos da la imagen de una estructura imponente, de varios niveles, el desarrollo de un complejo romano. Llama la atención las dos barchesse con columnas toscanas.

Al no estar terminado, nos pude hacer pensar que fue el desarrollo de una villa grandiosa que “navega” en la orografía ondulante del pueblo de Meledo. Hoy al lado de una iglesia parroquial desde donde se disfruta las vistas desde una colina. Podemos suponer una hipótesis teórica imaginada para un sitio real.

Ludovica, la propietaria y al fondo la 2nda Barchesse

Durante más de 7 años, la familia de Livia Pertile y su marido Antonio Ognisanto recuperaron la barchesse que está al lado del río Guá y que posee una torre, una acción fundamental ya que el complejo estaba reducido a un estado de abandono y su conservación en peligro.

Un día, el hijo de Antonio entra en la cocina de la planta baja donde me alojé, lo saluda, y se va. Antonio, enorme en su aspecto y su afecto, mira el suelo, y comienza a llorar, silencioso, lentamente, tristemente. Su hijo se va a estudiar a Milán, y el allí, en el palacio inconcluso de Palladio, 4 siglos y poco más, Antonio vive su pena. Me acerco, lo abrazo, le digo que sé lo que sucede, lo viví. Ese día, sentado en mi mesa, comenzamos a entendernos en distintos idiomas con un solo sentimiento. El premio, recorrer, los espacios aun no restaurados, la torre, el colmenar, la grandiosidad de lo que pocas veces el hombre puede representar, como lo hizo Bach, como tantos pocos otros.

Antonio me explicó que el techo de la última estancia, bajo la torre la pintó Eliodoro Forbicini (1533-..) de la escuela de Veronese, que sobresalió con sus grotescos. La pintura grotesca, se refiere a lo extraño, misterioso, magnífico, fantástico, horrible….se utiliza como calificativo de formas extrañas, distorsionadas. También a un estilo extravagante. Me dice que son muy admiradas dos habitaciones que realizó en el Palazzo Canova. Esto también nos une.

Todos dicen que la enorme reputación de Andrea Palladio, en sus inicios, y muchos más después de su muerte, se ha basado en su enorme habilidad como diseñador de villas. Éstas fueron necesarias debido a la guerra de la llamada Liga de Cambrai, que provocó una enorme destrucción de casas en los 8 años ((1509-1517) en los que se enfrentaron Francia, los Estados Pontificios y la República de Venecia, a los que se les unieron en forma intermitente España, el Sacro Imperio Romano Germánico, Inglaterra, Escocia, el Ducado de Milán, Florencia, el Ducado de Ferrara y Suiza.

El Papa Julio II crea una liga anti veneciana que llaman la Liga de Cambrai, cuyo objetivo era contener la influencia veneciana en el Norte de Italia. No solo resultaron dañadas las casas, junto a ellas también sufrieron las infraestructuras rurales. La recuperación fue lenta y llega el año 1540, que es cuando crece el mercado urbano de los productos alimenticios y la decisión política de liberar a Venecia y el Véneto, de la dependencia del cereal que provenía del exterior, especialmente el que provenía del peligroso y amenazante imperio otomano. Se invirtió en agricultura y en estructuras, así como en irrigación y drenajes. Los latifundistas invertían y al mismo tiempo crecían tanto sus parcelas como su riqueza.

Existía la necesidad de un nuevo tipo de residencia rural. Algunas pretendían tener un gran palacio en el campo, casi como el de la ciudad, ese fue el caso de la enorme villa da Porto en Thiene, otros tenían la idea de casas o villas más pequeñas para establecer una presencia social y política en el campo y se las adaptó para el reposo, la caza y evitar vivir en las “malsanas ciudades”. No menor era la pretensión de impresionar a vecinos y huéspedes, muchas veces importantes socialmente, y otras económica y políticamente. Palladio dio respuestas a estas necesidades, y de qué manera!

Imagino a Andrea, pensando que debía documentar de entre todas sus obras aquellas que podrían ser un modelo por los siglos de los siglos, de un referente y un festejo a la buena arquitectura. Ese, debió ser su objetivo, y me lo imagino con el mismo empeño, con que 152 años más tarde, en 1722 Johann Sebastián Bach  escribiera el clave bien temperado (templado), para demostrar que otra afinación o temperamento era posible. Se alejaba así de las formas de afinación pitagóricas o las de Aristógenes. Ambos tomaron los elementos preexistentes para crear y producir espacios para una mejor vida. Seguramente alguien dijo, y si no lo dijo, podemos decirlo nosotros:

– Son genios, saben, que deben dejar referentes, claras señales que permitan a los demás seguirlas.

Y estoy seguro que Andrea escribía con ese propósito en sus Cuatro libros de arquitectura, sobre esta villa: “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado. En lo alto de la colina ha de estar la sala, redonda, rodeada por las habitaciones, pero ha de tomar la luz por encima de ellas. En la sala hay algunas medias columnas que sostienen un balcón al que se entra por las habitaciones de arriba…debajo…están las cocinas, los tinelos y demás lugares. Y como cada lado tiene vistas bellísimas, hay cuatro logias, de orden corintio, sobre cuyos frontispicios surge la cúpula de la sala. Las logias, en semicírculo, tienen un aspecto muy grato. Más abajo, y ya casi en lo llano. Están las bodegas, los establos, los graneros, la vivienda del capataz, y otras dependencias para los trabajos de campo. Las columnas de estos pórticos son de orden toscano, junto al arroyo, en los ángulos del patio, hay dos palomares”.

En muchos casos, además de escribir y comentar sus proyectos, los construía.

Buscando quienes eran los integrantes del estudio de Palladio, he dado con Domenico Groppino, arquitecto y proyectista.

En las documentaciones que encontré menciona que colaboró en el proyecto en 1550 y en su construcción entre 1555 y 1584 en la Villa que les encargó construir don Giovanni Chiericati.

Ubicado en Vancimuglio, localidad de Grumolo delle Abbadesse, sobre la calle  Via Nazionale, 1. Giovanni, era hermano de Girolamo, para los cuales Andrea realizó el palacio en la Isola de Vicenza, en esos años. En 1557, un año antes de la muerte de Giovanni, la villa estaba incompleta, recién en 1564. Estaba cubierta, pero le faltaban los áticos y las ventanas.

No se terminó hasta 1574 en que la compra Ludovico Porto. En 1584, para terminarla contrata a Domenico Groppino, más que correcta decisión. Los trabajos del estudio de Palladio, no dejan de asombrar, y podemos pensar que esta villa fue el prototipo de la Villa Rotonda y de la Villa La Malcontenta. De planta cuadrada.

Podría hacer ocurrido que Andrea dijera:

– saben que haré ? (lo arquitectónicamente correcto debería haber sido “Lo que haremos”, pero ya sabemos que Andrea estaba en lo que estaba.

– Hace tiempo que deseo repetir la idea del Panteón.

– en qué sentido?

– añadiendo un pronaos.

– pero siempre nos has dicho que era un elemento arquitectónico que precedía el acceso a un templo o a un lugar de oratoria.

– Si, pero ahora digo que lo será de una villa.

Por lo que ocurrió, es decir que el pronaos se construyó, entiendo que nadie dijo esta boca es mía.

A callar y proyectar.

Nunca antes el pronaos de un templo se había incorporado al diseño de una villa.Se sabe que Andrea en su libro “Los 4 libros de la arquitectura”, da valor a conceptos como tradición, sistematización y belleza en relación a las visiones que existían en ese momento.

Esa tradición la recupera a partir del acercamiento que hace de otros tratadistas como Vitruvio y sobre todo a sus análisis de la arquitectura de la antigua Roma.Debió pensar en la importancia de comprender la historia para poder dar las claves de un nuevo lenguaje arquitectónico. Quizás les recordó a sus colaboradores, lo que escribiera en su libro:

“… y me dediqué a la investigación de las reliquias de los viejos edificios, que han permanecido a pesar del tiempo y de la crueldad de los bárbaros. Y hallándolos dignos de mayor consideración de lo que había pensado, comencé a medir prolijamente y con mucha diligencia cada parte suya. Con lo que vine a ser solícito investigador, no sabiendo distinguir nada, que con razón y bella proporción no fuera hecho”.

Si hubiera estado dando una teórica en cualquier escuela de arquitectura hubiera dicho:

– Doy mucha importancia a la historia como principio de la arquitectura, tanto como se la doy a la tradición clásica y a la formación humanista. Hacer arquitectura no es solo un mero hacer, es hacer la conexión entre arquitectura y filosofía, y entre arquitectura y ética.

Daniele Matteo Alvise Barbaro,

Lo habrían aplaudido, ya no como una formalidad sino como una comprensión de un pensamiento esencial de la arquitectura. Luego Palladio presentaría a su amigo Daniel Bárbaro, que diría:

– El arte pertenece al campo de las verdades “inciertas” mientras que la ciencia pertenece al campo de las verdades “ciertas”. Y ambas, el arte y la ciencia se expresan en la arquitectura.

Miraría a Andrea sonriente, recordándole la importancia de una base aristotélica en cualquiera de sus consideraciones y reflexiones.

Andrea sabía que estudioso de filosofía, matemática y óptica, tenía sólidos conocimientos, había sido traductor y comentarista del tratado “De architectura” de Vitruvio y le estaba agradecido por la encomienda de la Villa Barbaro en Maser alrededor de 1560.

Parte IV

Parte III

Parte II

Parte I

Palladio+Scamozzi arq. El teatro de la vida, parte IV

4ta. parte

Estudio Palladio , Scamozzi arquitectos

Podría pensarse que Andrea no solo había ganado a Sebastiano Serlio el concurso de la basílica, sino que lo logró utilizando un recurso arquitectónico muy utilizado en el Renacimiento y luego en el neoclásico, que consistía en combinar arcos de medio punto con vanos adintelados y que llevaba el nombre de Sebastiano Serlio, es decir, “ventana Serliana”, ya que fue el primero en dar una base teórica a esta forma.

Es una impronta que aparece como arco de triunfo, utilizada en portadas y logias, sus laterales están adintelados y son más bajos.

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capilla de Santa maria del Poppolo

modelo de fachada de Iglesia por
Sebastiano Serlio

Entre tantos y tantos ejemplos, podía verse en la portada del Palacio de Carlos V situado en la colina de la Alhambra en Granada realizada por Pedro Machuca en 1527.

Pero, podríamos también pensar que la fuente de inspiración de Sebastiano podría haber sido la Villa Adriana (125-134 DC) en Tivoli, así como en el templo de Adriano (130 DC en Efeso,Turquía, donde se lo llamaba también “arco Siriaco”. Más tarde es Bramante quien lo utiliza en Sta. María Del Popolo (1507-09) en Roma,

Cuando un admirador de Andrea Palladio como Iñigo Jones lo difunde en Inglaterra, ya lleva el nombre de “arcada Paladiana”. Lord Burlington en el siglo XVIII le añade un arco exterior para recoger los tres huecos.

cuatro libros de la arquitectura

En los “Cuatro libros de arquitectura”, testamento arquitectónico y la herencia que nos legara Andrea, editado en  Venecia en 1570 escribió “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado”.

Ya había realizado para ellos un palacio en Vicenza, en Contro Riale, además de una casa suburbana.

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Cuando se entra en Sarego, nombre actual de Meledo,  y girando a la derecha, nos detiene una puerta reja, y un cartel donde se lee “Villa Trissino. Arch A. Palladio (1540-1547).

Mientras entramos creemos oírlo leer su capítulo XII, de sus libros: “Las casas de la ciudad son realmente de mucho esplendor y comodidad para el gentilhombre, teniendo que vivir en ellas todo el tiempo que le haga falta para la administración de la república y gobierno de las propiedades…y además por el ejercicio que en el campo se suele hacer a pie y a caballo, el cuerpo conservará más fácilmente su salud y vigor….el ánimo se repondrá y tranquilamente podrá dedicarse a los estudios de las letras y a la contemplación… Al elegir el sitio para la casa de campo se deben tener en cuenta todas aquellas consideraciones que se hacen al elegir el sitio en la ciudad, puesto que la ciudad no es más que una casa grande, y por el contrario, la casa una ciudad pequeña”.

El grabado que vemos en su tratado nos da la imagen de una estructura imponente, de varios niveles, el desarrollo de un complejo romano. Llama la atención las dos barchesse con columnas toscanas.

Al no estar terminado, nos pude hacer pensar que fue el desarrollo de una villa grandiosa que “navega” en la orografía ondulante del pueblo de Meledo. Hoy al lado de una iglesia parroquial desde donde se disfruta las vistas desde una colina. Podemos suponer una hipótesis teórica imaginada para un sitio real.

Durante más de 7 años, la familia de Livia Pertile y su marido Antonio Ognisanto recuperaron la barchesse que está al lado del río Guá y que posee una torre, una acción fundamental ya que el complejo estaba reducido a un estado de abandono y su conservación en peligro.

Un día, el hijo de Antonio entra en la cocina de la planta baja donde me alojé, lo saluda, y se va. Antonio, enorme en su aspecto y su afecto, mira el suelo, y comienza a llorar, silencioso, lentamente, tristemente. Su hijo se va a estudiar a Milán, y el allí, en el palacio inconcluso de Palladio, 4 siglos y poco más, Antonio vive su pena. Me acerco, lo abrazo, le digo que sé lo que sucede, lo viví. Ese día, sentado en mi mesa, comenzamos a entendernos en distintos idiomas con un solo sentimiento. El premio, recorrer, los espacios aun no restaurados, la torre, el colmenar, la grandiosidad de lo que pocas veces el hombre puede representar, como lo hizo Bach, como tantos pocos otros.

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Antonio me explicó que el techo de la última estancia, bajo la torre la pintó Eliodoro Forbicini (1533-..) de la escuela de Veronese, que sobresalió con sus grotescos.

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La pintura grotesca, se refiere a lo extraño, misterioso, magnífico, fantástico, horrible….se utiliza como calificativo de formas extrañas, distorsionadas. También a un estilo extravagante. Me dice que son muy admiradas dos habitaciones que realizó en el Palazzo Canova. Esto también nos une.

Todos dicen que la enorme reputación de Andrea Palladio, en sus inicios, y muchos más después de su muerte, se ha basado en su enorme habilidad como diseñador de villas. Éstas fueron necesarias debido a la guerra de la llamada Liga de Cambrai, que provocó una enorme destrucción de casas en los 8 años ((1509-1517) en los que se enfrentaron Francia, los Estados Pontificios y la República de Venecia, a los que se les unieron en forma intermitente España, el Sacro Imperio Romano Germánico, Inglaterra, Escocia, el Ducado de Milán, Florencia, el Ducado de Ferrara y Suiza.

El Papa Julio II crea una liga anti veneciana que llaman la Liga de Cambrai, cuyo objetivo era contener la influencia veneciana en el Norte de Italia.

No solo resultaron dañadas las casas, junto a ellas también sufrieron las infraestructuras rurales. La recuperación fue lenta y llega el año 1540, que es cuando crece el mercado urbano de los productos alimenticios y la decisión política de liberar a Venecia y el Véneto, de la dependencia del cereal que provenía del exterior, especialmente el que provenía del peligroso y amenazante imperio otomano. Se invirtió en agricultura y en estructuras, así como en irrigación y drenajes. Los latifundistas invertían y al mismo tiempo crecían tanto sus parcelas como su riqueza.

Existía la necesidad de un nuevo tipo de residencia rural. Algunas pretendían tener un gran palacio en el campo, casi como el de la ciudad, ese fue el caso de la enorme villa da Porto en Thiene, otros tenían la idea de casas o villas más pequeñas para establecer una presencia social y política en el campo y se las adaptó para el reposo, la caza y evitar vivir en las “malsanas ciudades”. No menor era la pretensión de impresionar a vecinos y huéspedes, muchas veces importantes socialmente, y otras económica y políticamente. Palladio dio respuestas a estas necesidades, y de qué manera!

Imagino a Andrea, pensando que debía documentar de entre todas sus obras aquellas que podrían ser un modelo por los siglos de los siglos, de un referente y un festejo a la buena arquitectura.

Ese, debió ser su objetivo, y me lo imagino con el mismo empeño, con que 152 años más tarde, en 1722 Johann Sebastián Bach  escribiera el clave bien temperado (templado), para demostrar que otra afinación o temperamento era posible. Se alejaba así de las formas de afinación pitagóricas o las de Aristógenes.

Ambos tomaron los elementos preexistentes para crear y producir espacios para una mejor vida.

Seguramente alguien dijo, y si no lo dijo, podemos decirlo nosotros:

– Son genios, saben, que deben dejar referentes, claras señales que permitan a los demás seguirlas.

Y estoy seguro que Andrea escribía con ese propósito en sus Cuatro libros de arquitectura, sobre esta villa: “…la siguiente obra, ha sido comenzada por los condes y hermanos Francesco y Ludovico Trissino, en Meledo, villa de Vicenza. El sitio es bellísimo, porque está en una colina, bañado por un agradable arroyo, y…en medio de una espaciosa llanura, y al lado…un camino bastante frecuentado. En lo alto de la colina ha de estar la sala, redonda, rodeada por las habitaciones, pero ha de tomar la luz por encima de ellas. En la sala hay algunas medias columnas que sostienen un balcón al que se entra por las habitaciones de arriba…debajo…están las cocinas, los tinelos y demás lugares. Y como cada lado tiene vistas bellísimas, hay cuatro logias, de orden corintio, sobre cuyos frontispicios surge la cúpula de la sala. Las logias, en semicírculo, tienen un aspecto muy grato. Más abajo, y ya casi en lo llano. Están las bodegas, los establos, los graneros, la vivienda del capataz, y otras dependencias para los trabajos de campo. Las columnas de estos pórticos son de orden toscano, junto al arroyo, en los ángulos del patio, hay dos palomares”.

En muchos casos, además de escribir y comentar sus proyectos, los construía.

Si desean pueden leer los capítulos anteriores

Parte III

Parte II

Parte I

El Parador Ariston en el New York Times

https://www.nytimes.com/interactive/2019/04/18/arts/design/bauhaus-100-architecture.html

Archivos de Arte Americano, Institución Smithsonian


Bauhaus
A los 100

Por Jade-Snow Joachim , Alex Marshall ,Josephine Sedgwick y Eden Weingart 18 de abril de 2019
 
En abril de 1919, el arquitecto Walter Gropius fundó una de las escuelas de arte y diseño más influyentes de la historia: la Bauhaus. Los estudiantes aprendieron a centrarse en la simplicidad y la funcionalidad. Los profesores preferían los colores primarios y las formas atrevidas. Al ver la escuela como un hervidero de intelectualismo utópico, los nazis forzaron su cierre en 1933, dispersando a los maestros, estudiantes y la estética de Bauhaus en todo el mundo. 

La escuela cambió todo, desde muebles hasta diseño gráfico. Pero el mayor legado de la Bauhaus está en la arquitectura. Aquí es donde se encuentra ese legado en 
Argentina , Nigeria , Israel , Australia , Irak , Estados Unidos e India .

 
MAR DEL PLATA, ARGENTINA
El club ariston
Diseñado por Marcel Breuer y otros, incluido Carlos Coire en 1947.


Mientras estaba en el país impartiendo un seminario en la Universidad de Buenos Aires, a Marcel Breuer se le pidió que ayudara a diseñar un club social para un resort de playa en la costa atlántica de Argentina.
 
Abandonado, el Ariston Club en Mar del Plata, a unas 250 millas al sur de Buenos Aires, fue una vez un próspero salón de baile. Dijo Sol Marinucci de Trimarchi, un grupo que organiza un festival de diseño en ese lugar, donde almorzaba con vista al mar y se divertía por la noche.
 
Hugo Kliczkowski-Juritz, un arquitecto argentino que vive en Madrid, vio el edificio como un niño. Su importancia arquitectónica solo se hizo evidente para él en su vida posterior, mucho después de que el edificio se dividiera y convirtiera en restaurantes, y luego se dejara desocupado.
 
«La universidad invitó a Breuer a hacer un seminario, y Carlos Coire , otro arquitecto, le dijo: ‘¿Por qué no haces un pequeño edificio conmigo para ser un imán para llevar gente a esta área?'», Dijo el Sr. Kliczkowski-Juritz. «Estaban almorzando, y Breuer desdobló su servilleta y dibujó el diseño del trébol de inmediato».
 
El Sr. Kliczkowski-Juritz ahora está liderando una campaña en línea para que el edificio sea declarado monumento histórico y sea restaurado. «La gente me escribe y me dice: ‘¿Por qué haces esto? ¿Por dinero?’ Y yo digo: ‘No, es porque creo que un edificio como este necesita ser reconstruido’. No deberías destruir la historia. Es parte de nuestra identidad”.


Hugo Kliczkowski-Juritz, un arquitecto argentino
«No es el mejor edificio de Breuer, pero es el único en Sudamérica».

Hugo Kliczkowski-Juritz
“Ha habido mucho vandalismo, la gente entra y enciende incendios. El edificio está en forma de trébol y el concreto está allí, pero todas las ventanas, todo lo demás, se destruye”.
 

Marcel Breuer Papers, Centro de Investigación de Colecciones Especiales, Bibliotecas Universitarias de Syracuse.

Marcel Breuer Papers, Centro de Investigación de Colecciones Especiales, Bibliotecas Universitarias de Syracuse.

Hernan Zenteno para The New York Times

Hernan Zenteno para The New York Times

Hernan Zenteno para The New York Times

Arq Fernando Higueras

Exposición e el museo ICO. Madrid

Fernando Higueras nació en Madrid el 26 de noviembre de 1930. Cursó bachillerato en el Colegio Estudio de Madrid, alternándolo con música y pintura. En 1959 se graduó por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Su proyecto fin de carrera se publicó en la revista Nueva Forma de Fullaondo y sus 10 Residencias de Artistas en El Pardo ganaron el accésit del Premio Nacional de Arquitectura.

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Fernando Higueras en el Hotel Las Salinas

Aficionado a la música, a la pintura, a la escultura y a la fotografía, participó desde 1953 en numerosos concursos de las cuatro ramas artísticas logrando a lo largo de su carrera gran número de premios.

En urbanismo y arquitectura consiguió también un sinfín de premios y reconocimientos, entre los más relevantes: la Primera y Segunda Medallas de Arquitectura en la Exposición Nacional de Bellas Artes, 1966; fue invitado como único arquitecto español para el Concurso Internacional Restringido para Edificio de Oficinas para la firma DOM, en Colonia (Alemania), 1980; Primer Premio del Concurso Internacional para el Ministerio de Asuntos Exteriores de Abu Dabi, 1980; invitado a la Bienal de Venecia, 1983. En 1983 fue seleccionado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España para optar al Premio Internacional de Arquitectura Pritzker.

invitado a la Bienal de Venecia, 1983.

En 1983 fue seleccionado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España para optar al Premio Internacional de Arquitectura Pritzker.

«Corona de espinas», Ciudad Universitaria, madrid 1965-1985

En 1969 el Museo de Arte Moderno de Nueva York solicita su proyecto para urbanización de Lanzarote

y en 1998 se concedió al Hotel Las Salinas de Lanzarote (1973) la categoría de Patrimonio Artístico y Cultural de la isla de Lanzarote.

Iglesia de Sta. mría de Caná. Pozuelo. 1995-1999

Hotel Las Salinas, Lanzarote. 1973-1977

En 2002 el Ayuntamiento de Madrid catalogó y protegió otras tres obras suyas: la sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España La Corona de Espinas (1965),

El Colegio Estudio, Aravaca (1962),

Colegio Estudio Aravaca, 1962-64

Viviendas para el Patronato de Casas Militares. Madrid. 1967-75

y la UVA de Hortaleza (1963).

museo López Torres, Tomelloso. 1980-85

Fernando Higueras falleció en Madrid el 30 de enero de 2008.

www.fernandohigueras.org

Todas las imágenes copyright © Fundación Fernando Higueras

Gaudí, la casa Vicens parte 2 y final

pueden leer la primer parte en:

Gaudi, la casa Vicens parte 1

Casa original 

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es foto-de-todo-el-terreno-y-proyecto-de-época.jpg foto de la casa original antes de la ampliación y el terreno completo con las obras demolidas La obra tardó en terminarse cinco años más de lo previsto debido a dificultades económicas del propietario. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es Casa_vicens_09.jpg En 1899 Dolors Giralt, viuda de Vicens, vendió la casa a Antoni Jover i Puig, y luego su propietaria fue Fabiola Jover de Herrero. Gaudi aconsejó muchas veces a la familia Jover sobre algunos detalles y el  mantenimiento de la misma. Debido al desprendimiento de piezas cerámicas de la fachada, Tau cerámicas, realizó las baldosas artesanalmente con técnicas de hace más de 1 siglo. Estas piezas están muy bien realizadas, son del siglo XXI pero se confunden con las realizadas en el siglo XX. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-terraza-y-torre-768x1024.jpg En 1925, la casa fue ampliada y reformada por el arquitecto Joan Bautista Serra de Martínez (1888-1962), con el beneplácito de Gaudí (quien estaba dedicado a las obras de la sagrada familia, y que moriría trágicamente 1 año más tarde). Se construyó un templete en el jardín, con una fuente llamada de Santa Rita, estaba en la esquina con la Avenida Príncipe de Asturias. Fue demolida en 1962. Anteriormente en 1946 se vende esa parte del terreno y las obras que la ocupaban son demolidas, allí se han construido edificios de vivienda. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es a-lateraldesde-jardin-768x1024.jpg
Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-video-plano-detgalle-reja-931x1024.jpg
                detalle de reja
Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-video-caa-1024x501.jpg Utilizando el mismo lenguaje arquitectónico fue ampliada del lado más próxima a la calle Gran de Gràcia con un agregado que alargaba la fachada de la calle Carolines. La casa quedó así convertida en una edificación con cuatro fachadas y ya no quedaba adherida a la medianera del edificio del convento, que fue finalmente derribado. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es calle-1-768x1024.jpg Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es detalle-pared-ladrillo-ceramicos-1.jpg Con la ampliación hubo un gran cambio de uso, ya que paso de ser una vivienda unifamiliar (de veraneo) a casa permanente de 3 familias, esto motivó el derribo de la escalera principal diseñada por Gaudí. En 1927 recibe del ayuntamiento de Barcelona el “premio al mejor edificio”, Serra fue galardonado con el primer premio del concurso anual de edificios artísticos otorgado por el Ayuntamiento. El 24 de Julio de 1969 es declarado “monumento histórico-artístico”, aunque La Generalitat ya la protegía desde los ´80. En el 2005 fue declarada  Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. En mayo de 2017, se anuncia (Europa Press), que la cascada de Gaudi (desaparecida a mediados del siglo XX)  se reconstruirá en el Museo de la aguas de Cornellà. Un proyecto que dirige el arquitecto Josep Vicenç Gómez (1950), experto en la obra de Gaudí.  Daniel Giralt-Miracle (1944), historiador del arte y asesor de la Fundación Agbar, explica que «la cascada, hecha para refrescar el ambiente del jardín de la Casa Vicens, era una obra eminentemente gaudiniana, por el trabajo de los ladrillos, el juego de resistencias, el equilibrio del arco, la reconstrucción se hará con el máximo rigor científico».

“…Todavía no tenemos estudios monográficos o tesis doctorales sobre la luz, el color, la acústica, las texturas el espacio y otros temas que pudiesen surgir de su obra. Es un trabajo que probablemente harán las próximas generaciones”. Luis Gueilburt (1950), fue Director del Centro de Estudios Gaudinianos

La primera casa de Gaudí

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es Casa_vicens_11.jpg Rehabilitada, restaurada y abierta como casa museo. Abrió sus puertas al público el 16 de noviembre de 2017 Es la primera obra de Gaudí en Barcelona, y fue adquirida en el año 2014 por el Grupo Mora Banc, a la familia Herrero Jover. El objetivo del proyecto de rehabilitación (con un coste de cuatro millones y medio de euros), fue dejarla lo más parecida posible a como fue en 1888. La rehabilitación duró casi tres años, el edificio es el octavo en Barcelona catalogado como Patrimonio Mundial de la Unesco

Por otra parte, el aprecio y el conocimiento de Gaudí por los oficios artesanales se debía, en parte, a que la mayoría de oficios de la ciudad trabajaban en la calle convirtiéndola, así, en una prolongación del mismo taller. Es decir, Gaudí creció con el contacto diario del trabajo artesanal –su familia tenía una larga tradición en el oficio de calderero– que, ya como arquitecto, supo aplicar de manera tan genial en una arquitectura llena de modernidad.  Marc Ferrán Vicenç.

“Gaudí tenía 31 años y en esta casa es la primera vez que puede hacer de director de orquesta, y tratar directamente con el cliente”, dice Joan Abellà Barril (1971), director del Museo Casa Vicens.

Video presentación de la casa, en el momento de su inauguración

https://www.facebook.com/LaVanguardia/videos/1698802443516671/

Sin embargo, otras partes y elementos se modificaron e incluso se perdieron, alterando su concepción original. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 1925.-Plano-original-Coincide-con-la-del-rectángulo-amarillo-de-la-foto-actual-de-abajo..-Plano-original-Coincide-con-la-del-rectángulo-amarillo-de-la-foto-actual-de-abajo-1.jpg Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es Archivo-fotográfico-del-Centro-Excursionista-de-cataluña-Imagen-del-edificio-original.jpg En estas imágenes se pueden ver los cambios antes y después de la ampliación, al ampliarse el ancho de la calle Carolines se llevó el límite de la acera hasta la fachada, asimismo se definió los de la avenida Príncipe de Asturias, que cerraba el jardín del otro lado. Se suprimió la palmera del jardín para construir una terraza, la valla original fue reemplazada por la actual forja de hojas de palmito (obra de Llorenç Matamala), idéntica a la de la puerta de acceso. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 1927-rectificación-de-los-límites-de-la-calle-Carolinas-y-de-la-Avenida-Príncipe-de-Asturias-Archivo-Histórico-de-Barcelona.jpg

Sala de Fumadores

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es a-salon-de-fumar-1-763x1024.jpg Las primeras fotografías con que contábamos eran en blanco y negro, sin poder ver los colores originales y con las fotos en color, siempre veíamos la sala de color ocre. Al comenzar a actuar y limpiar hemos descubierto muchos matices de colores: azules, verdes, dorados, etcétera. (5)

….pasar de las fachadas a los interiores, entender su lógica constructiva, entender su replanteamiento de la arquitectura, el uso inteligente de los materiales. Cuando el ladrillo no le basta, busca el basalto o el granito o el ónix. Hace un conjunto de experimentaciones del espacio como los arcos catenaricos o la maqueta estereofunicular. Es otra manera de entender la arquitectura que no es la dibujada sobre el papel sino la que dibuja formas, dibuja espacios, entiende con los ojos y con las manos las formas, esa herencia artesanal que aprende en la casa de su padre el calderero y que perfecciona y consuma en una Escuela Técnica Superior de Arquitectura recién creada que sigue la línea de la Escuela Alemana de la matemática y la ingeniería, y que permite a Gaudí tener ese doble registro como nadie: el de los oficios, de las técnicas que él ha aprendido en su casa y que sabe ejecutar y una capacidad compleja de diseño y de configuración de las formas que será excepcional. Daniel Giralt Miracle. En el año 2002 fue Comisario General del Año Internacional Gaudí

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Libro Gaudi Obras completas

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Daniel Giralt-Miracle,  realizó la introducción “El fenómeno Gaudi” a nuestro libro “Gaudi Obras completas”, editorial H Kliczkowski. Firmó la misma como “Historiador de arte, crítico y Comisario general del año internacional Gaudi, este libro que fue dedicado a S.W. llevaba el ISBN 978-84-89439-91-7, tiene 240 páginas (tapa dura con sobrecubierta), editado en distintas lenguas, español, catalán, inglés, francés, polaco, japonés, italiano, alemán, portugués, holandés, ruso.. En conjunto se editaron más de 400.000 libros, se acordaron varias coediciones con otras editoriales, y obtuvo varios premios editoriales. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es fachada-1.png 1925.- Plano original del proyecto de ampliación presentado por Juan Bautista Sierra. Se puede identificar la parte añadida en rojo en la parte derecha de la imagen. Coincide con la del rectángulo amarillo de la foto actual de abajo. Pero la pérdida más sentida de aquel jardín fue la de la imponente cascada monumental que había en la parte de poniente del jardín, cerca del umbral con el callejón de Sant Gervasi, también hoy desaparecido. La estructura de la cascada era de ladrillo visto con un arco parabólico sobre el que había un paso entre columnas. El agua, almacenada en dos depósitos situados en cada uno de los extremos, caía ofreciendo agradables efectos ruidosos. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es imagenes-compaativas-de-los-cambios-fachada-y-acera-1.jpg

“Hemos encontrado más sorpresas, como la galería exterior, cerrada con vidrio, que estaba abierta. Estamos restaurando la fuente, que tenía una pieza que dibujaba un arco iris… Mil y un detalles que Gaudí nos dejó y que estamos intentando recuperar”. (4)

Aunque Antoni Gaudí, a veinte años de su muerte, ya era considerado en todo el mundo un arquitecto de prestigio, el régimen del momento no solo no protegió el patrimonio arquitectónico de la ciudad, sino que permitió la desaparición en 1946 de esta parte de la casa. La Gran cascada y el jardín, mutilado, no se pueden recuperar.

“Es una lástima. La cascada aún la podríamos reproducir, pero no en el espacio original, porque era una finca que se fue reduciendo hasta el aspecto actual. La casa era de veraneo, y Vicens fue comprando las fincas de los alrededores para hacerla muy grande, pero después se dividió porque allí vivía una familia todo el año. La ciudad se fue apropiando del espacio”. (5)

 Gaudí no proyectaba, Gaudí tenía en su cabeza los edificios terminados, y así los trasladaba a las maquetas, completos, sería más tarde cuando haría los cálculos que le permitieran construirlos. Gaudí poseía una intuición primitiva y en su sentido más noble, animal, el mismo instinto que le dicta a la golondrina el buche exacto de barro que llevará en su pico y la herencia inmemorial que le dirige cómo construir el nido que colgará bajo un balcón, perfectamente adherido, sin desprenderse haga el viento que haga. Ninguno de esos animales ha necesitado leer Entretiens sur l’Architecture de Viollet-le-Duc  para hacer esa exquisita obra. Del mismo modo, Gaudí llevaba en la sangre bastantes generaciones de antepasados caldereros, artesanos que sabían envolver el espacio, creando volúmenes, y por ello su sabiduría también era genética… Ana Mª Férrin (biógrafa de Gaudí).

Un accidente mortal

Hablan los vecinos…. Brutal noticia: La bebé Ramona Domènech i Tarragó, de pocos meses de vida se ahogó accidentalmente en la cascada del jardín –la que actualmente ya no existe-. Ésta noticia apareció publicada en periódicos como, La Vanguardia y La Campana de Gràcia, a finales de 1898. El 26 de Octubre de 1898 en el periódico La Publicidad se describe la finca propiedad de Dolores Giralt, viuda de Manuel Vicens i Montaner, como de un estilo original, “mezcla de todas las arquitecturas que la distingue de los otros edificios”, una casa “casi rodeada de jardines, desierta desde hace algunos años”. Estas crónicas nos permiten saber: que la señora Giralt, viuda del señor Vicens, dejó de habitar en ella después de la muerte de éste y se fue a vivir a la casa del rector de la iglesia de Sant Joan de Gràcia, Francisco Llanas Viñas.

Ha ocurrido que Gaudí es esencialmente visual. La fuerza de Gaudí es la expresividad de la forma, la intensidad del color, la capacidad de hacer una arquitectura diferente que va entre la racionalidad más pragmática de su formación como arquitecto de alto nivel y de esa capacidad artística de determinar espacios, formas, signos y símbolos. Si unimos un arte exacerbado potente y una capacidad técnica y constructiva excepcional, sale este melting pot (crisol de culturas), este binomio, este matrimonio que es Antonio Gaudí. Daniel Giralt Miracle. En el año 2002 fue Comisario General del Año Internacional Gaudí

Manuel Vicens, en su testamento, nombra como tutor legal de su hija adoptiva al mismo Francisco Llanas así como también al escultor Antoni Riba, autor de las dos esculturas que se conservan en el comedor de la Casa Vicens. En las noticias podemos también saber cómo describían a la casa, al jardín y la cascada. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es b-video-foto-cascada-1024x552.jpg Según La Publicidad era una “construcción alta, esbelta, hermosa, oculta casi por la hiedra, que hace desaparecer las líneas de su arquitectura”, Publica La Campana de Gràcia una nota ilustrada con una imagen de la Casa Vicens, en concreto de la fachada sureste, de la calle de les Carolines. , estas  fotografías (de las pocas que se conservan) han permitieron abordar la restauración y rehabilitación de la casa con menores errores de los posibles, debido a la falta de documentación. En ese otoño de 1898 la Casa Vicens fue un tema de conversación recurrente entre el vecindario de Gràcia. Además de comentar el accidente mortal dan opinión de la casa: “la finca desde la calle de Sant Gervasi presenta un aspecto triste, en cambio, vista desde los jardines, ofrece una silueta preciosísima, contemplándose sus atrevidas torres, sus originales arcos, sus galerías, los parterres preciosos, etc.” Dirección:   Está sobre la calle Carolines, 24, en el barrio de Gracia,en Barcelona. Cuando se construyó Gracia era una villa independiente de Barcelona, con un ayuntamiento propio.

Podríamos decir que a las tres cualidades que deben presidir la Arquitectura según Vitrubio, “la Función”, “la Técnica” y “la Forma”, añadió Gaudí además, “la Naturaleza”, con igual relevancia, e incluso anteponiéndola a las otras tres del Arquitecto romano. Para Gaudí, su gran maestro, la Naturaleza, se manifestaba en el mismo árbol que veía a través de la ventana de su estudio, en el L’Obrador de la Sagrada Familia. Josep Ma. Adell.

Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es viven2-1024x687.png Que se puede ver? En una casa de cuatro plantas, con 10 puntos de museografía, un audiovisual, la sala fumador, la galería exterior, la terraza, la biblioteca, el bar y el jardín. Está previsto que la visiten 500 personas al día, 150.000 al año. Calle de les Carolines, 20-26 08012 Barcelona reserves@casavicens.org +34 93 547 59 80 

Horarios

Abril – Septiembre, de lunes a domingo de 10:00 a 20:00 hs. Octubre -Marzo, lunes de 10:00 a 20:00 hs. de martes a domingo de 10:00 a 19:00 h. Autobús: 22, 24, 27, 31,32, 87, 92, V17, N4 Metro: L3 – Lesseps / Fontana FGC: Pl. Molina (L7) y Sant Gervasi (S5, L6)

Frases de Gaudi

“Sólo hay una clase de hombres que tengan derecho a decir tonterías, los tontos”. de la discusión no sale la luz, sino el amor propio”. – “desconfía de los que te adulan, porque detrás de las adulaciones viene el engaño”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es terraza-16-768x1024.jpg – Definía al Arquitecto como “el hombre sintético, que ve las cosas claramente de conjunto antes de que estén hechas, que escoge y une a los elementos en su relación plástica y en la distancia justa; y que tiene que resolver los difíciles problemas artísticos, los mecánicos y los utilitarios”. Sobre los trabajos de Le Corbusier, Gaudi opina críticamente: “he visto una maqueta de este arquitecto y es un montón de paralelepípedos. Parece mucho un muelle de descarga de una estación donde se han metido cajas de embalajes. Algunas de ellas recuerdan mucho  a estantes. Este hombre tiene mentalidad de carpintero”.  Ideas de Gaudí que vertió durante los trabajos de la Sagrada Familia y transcritas por sus discípulos: “La arquitectura es la ordenación de la luz; la escultura es el juego de la luz; la pintura, la reproducción de la luz por el color; que es la descomposición de la luz”. “Mis ideas son de una lógica indiscutible; lo único que me hace dudar es que no hayan sido aplicadas anteriormente, y que tenga que ser yo el primero el hacerlo”. “La originalidad consiste en el retorno al origen; así pues, original es aquello que con sus medios vuelve a la simplicidad de las primeras soluciones”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es terraza-14-768x1024.jpg “Se debe estar ocupado todo el día, intelectualmente y manualmente, caminando y haciendo ejercicio, todo a proporción a las fuerzas que se tienen. Así se duerme toda la noche completa, y esto es el equilibrio, la compensación, la vida”.  “El gran libro, siempre abierto y que conviene esforzarse en leer; es el de la Naturaleza; los demás libros han salido de éste y tienen además las interpretaciones y equívocos de los hombres”. “Para hacer las cosas bien se debe sentir amor por ellas y disponer de la técnica”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es f-ceramicas-3-1024x630.jpg  “El Arquitecto ha de saber aprovecharse de lo que “saben hacer” y de lo que “pueden hacer” los operarios. Se ha de aprovechar la cualidad preeminente de cada uno. Eso es: integrar, sumar todos los esfuerzos y darles la mano cuando se atasquen: así trabajan a gusto y con la seguridad que confiere la plena confianza en el organizador”. “Para la armonía, esto es, el equilibrio, es necesario el contraste; luz y sombra: continuidad y discontinuidad; convexidad y concavidad, etc.”.  “La elegancia es hermana de la pobreza; pero conviene no confundir la pobreza con la miseria”.  “En la iluminación de las iglesias hay el malentendido de los que creen que el exceso de luz favorece. No es así. La luz debe ser la justa; ni mucha ni poca”. Esta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es e-cereamica-924x1024.jpg  “Los paraboloides, hiperboloides y helicoides son superficies regladas, arregladas, puestas en regla, reglamentadas”. “La cualidad esencial de la obra de arte es la armonía; en las obras plásticas nace de la luz, que da relieve, decora”. “Para hacer una cosa se necesita tanto más coraje cuanto menos conocimientos se tengan, pues estas dos cualidades están en razón inversa”. “La arquitectura es la primera arte plástica; la escultura y la pintura necesitan de ella”. “Para que una obra arquitectónica sea bella, es preciso que todos sus elementos tengan la situación, la dimensión, la forma y el color justos”. “A los artistas no se les debe hacer monumentos, puesto que ya lo tienen hecho con sus obras. Para conmemorar actos de heroísmo, abnegación o sacrificio que pronto serían olvidados, puede hacerse un monumento”. -“la belleza – decía – es resplandor de la verdad” “la verdad incorpora la belleza, y no requiere explicación para ser admirada. “nosotros poseemos la imagen, la fantasía viene del fantasma, la fantasía es de la gente del norte, nosotros somos concretos, la imagen es del Mediterráneo, Orestes sabe dónde va, Hamlet divaga perdido”. Anécdotas sobre Gaudí – De su firmeza de carácter recuerdo la anécdota de que recibió el encargo de la decoración de la habitación de una casa noble y que después de terminado se le pidió que la reformara al objeto de que la niña de la casa pudiera tocar el piano, a lo que se negó Gaudí, proponiendo que tocase el violín en vez del piano. (Joan Jordi Bergós) NotasEsta imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es ventana-747x1024.jpg 4 “GAUDÍ ARQUITECTO”.  Colegio de Arquitectos de Madrid. 16 de Abril de 2002. 5 Joan Abellà Barril director de la casa Vicens. El artículo Joan Abella: Amb Casa Vicens volem fer un Gaudí per passejar-lo sense massa pressa” fue publicado en El Periòdic de Andorra el 13 de marzo de 2017.
Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente gracias
más artículos en mis blogs :  hugoklico.blogspot.com onlybook.es/blog

Lina Bo Bardi «tupí or not tupí». primera parte

Lina Bo Bardi
tupí or not tupí. Brasil, 1946-1992

primera parte
Exposición en la Fundación Juan March (1)

La exposición “Tupí or not Tupí”, (la primera vez que se realiza en España) está montada con mucha inteligencia, no solo nos acerca a su obra ayudándonos a comprenderla, sino también el contexto en que ésta se desarrolló. Están expuestos sus trabajos, acompañados por lo que fue su nutriente: la cultura, el folclore y las tradiciones brasileñas.
El catálogo que la acompaña es de una edición muy cuidada con importantes datos, conceptos, fotografías y gráficos, contiene entrevistas a los cinco principales colaboradores de Lina durante los años 80 y 90, Marcelo Ferraz (1955), Marcelo SuzukiAndrá Vainer,Giancarlo Latorraca y Victor Nosek.
En una de mis visitas a la exposición encontré a la arq. Mara Sánchez Llorens, (comisaria invitada) (2) mientras concedía un reportaje, conocemos mucha gente en común, mi hermanoGuillermo Kliczkowski (1951, su editor), Marcelo Camerlo, (director de la colección), Zaida Muxi (1964), y a las conferencistas.Hablamos de Joaquim Guedes (1932-2008), de quien tanto supe por mi querida amigaMarga, por supuesto de Lina y de la exposición.

Le dije que luego de mi viaje a Buenos Aires, había traído unos 15 libros de los editados por mi hermano, entre los que estaba su fantástico “Lina Bo bardi. Objetos y acciones colectivas”.
Muy bien escrito y de una profundidad que no es habitual encontrar en un libro de 314 páginas
Si aún no lo han leído, se los recomiendo especialmente.
Muchos conceptos, datos y referencias (seguro, más de los que debería), son de su libro, a Mara desde aquí pido disculpas y felicito nuevamente.Mara estoy perdonado?Di que sí.


Lina y Pietro


En varias ocasiones regresó a Italia, la última fue en 1975.El motivo que provoca la mudanza del matrimonio a San Pablo fue el encargo de Assis Chateaubriand (1891-1979)(5) de crear un Museo de Arte Moderno en San Pablo, MASP.
Poco tiempo antes, en Noviembre de 1946, coordinan con el Ministerio de Educación y Salud carioca una exposición sobre la “italiana antigua”.
Fue un momento especial donde una creadora excepcional, toma contacto con la realidad cultural brasileña, cuando se funden y confunden es cuando Lina produce una creatividad mágica.Esta creatividad, la realiza junto a varios movimientos, el movimiento moderno brasileño; el del Nordeste brasileño (cercano a lo primitivo) y el emergente arte “Tropicalista”, (movimiento brasileño cercano al Pop Art).Lina con todo ese bagaje riquísimo crea una red de relaciones entre la arquitectura, la artesanía, el arte y la antropología.Su vinculación con la arquitectura y el movimiento  moderno la representa su relación con los arquitectos Oscar Niemeyer (Oscar Ribeiro de Almeida Niemeyer Soares Filho 1907-2012),Lucio Costa (1902-1998) y el paisajista RobertoBurle Marx (1909-1994).

Entusiasmada con su nuevo país de acogida, y con su dinamismo multifacético – arquitecta, museógrafa, diseñadora, escritora, activista cultural y hacedora de exposiciones– se suma a la renovación de las artes en Brasil.

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Hay 2 momentos en los que Lina pasa a tener el reconocimiento que tanto su persona como su trabajo merecen, una es la tesis doctoral que Olivia de Oliveira (1962) publicara en 2006 y la otra es la exposición de la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2010 comisariado porKazuyo Sejima(1956). También sentaron un momento referencial los escritos realizados por la AA de Londres en 2012, así como la monografía de Zeuler R. Lima (7) de 2013, y la muestra en Múnich promovida por Andres Lepik en 2014/5. (8)

“…su arquitectura se entiende siempre desde el principio y de una vez…”André Vainer, 2007

“tupí or not tupí”
El nombre de la exposición “Tupi or not tupí. That is the question” formó parte del eslogan del“Manifiesto antropófago”, todo un ejemplo de apropiación caníbal de la famosa cita del Hamlet de Shakespeare.
El manifiesto fue escrito en 1928 por Oswald de Andrade (1890-1954) poeta, ensayista y dramaturgo brasileño, quien formó el “Grupo dos Cinco” junto a Mário de Andrade (1893-1945), Anita Malfatti (1889-1964), Tarsilia do Amaral (1886-1973) y Menotti Del Picchia(1892-1988).
Si volviera a nacer solo coleccionaría amores, fantasías, emociones y alegrías.Lina Bo Bardi, 1986
Tarsilia do Amaral ilustra el manifiesto, es artista, pintora, dibujante e ilustradora, activista y defensora de los derechos de la mujer y de los trabajadores. Su segundo matrimonio lo forma con Oswald de Andrade (ya mencionado como integrante del Grupo dos Cinco).
Lina entendió el momento en que efervecían las artes en Brasil, y trabajó en una compleja relación entre la modernidad y la tradición, la vanguardia y las costumbres populares, la individualidad del artista moderno y el trabajo colectivo del pueblo.
“…Cada hombre lleva en sí un mundo compuesto por todo aquello que ha visto y amado, adonde continuamente regresa, aun cuando recorra y parezca habitar un mundo extraño…” Lina Bo Bardi

AntropofagiaArte-pro-ser-humano


En los años ´20, la llamada corriente «antropofágia», fue una revolución estética-ideológica.Hablaba de absorber, asimilar, deglutir la cultura europea, podría explicarse como una especie de digestión cultural que a la vez que crea un lenguaje moderno y brasileño, lo va transformando en una identidad nacional.La exposición es en una alta medida una continuidad con la muestra que en el año 2009 la Fundación Juan March dedicó a Tarsila do Amaral, en la que presentó el Brasil de los años veinte y treinta del siglo XX. Lina Bo Bardi compartió las inquietudes sociales de Tarsila y luchó por darles respuesta, pasando a la acción a través de la arquitectura, los objetos y las acciones colectivas que articulan su obra.

Trabaja en el mismo eje de las complejas relaciones entre la modernidad y la tradición, la creación de vanguardia y las costumbres populares, la individualidad del artista moderno y el trabajo colectivo del pueblo.
En 1956, se muda a San Salvador de Bahía para dictar un curso de arquitectura (6), donde vivirá entre los años 1958 y 1964.

La exposición nos muestra a Lina desde tres sitios: São Paulo, Salvador de Bahía y el Nordeste brasileño y «contar» a través de su obra y la de algunos de sus contemporáneos, el panorama artístico y cultural del Brasil de la segunda mitad del siglo XX. (9)

  Tarsila do Amaral.“Abaporu” 1928. Óleo sobre lienzo, 85 x 73 cm. MALBA. Fundación Constantini- Buenos Aires
                                   

“Tupi or  not tupí” es toda una apropiación del Nuevo Mundo de la cita de Shakespeare, Su sueño era dejar nacer una suerte de  «aristocracia del pueblo» (sic), una nueva sociedad conformada por una nueva mirada, un nuevo pueblo, mezcla del europeo, el indio, el negro, y el nativo del nordeste del país.Confiando en un sueño cargado de futuro, Lina se lanzó a la tarea.Se exhiben 348 obras (dibujos, pinturas, fotografías, objetos, esculturas, documentos y artesanías) provenientes de 20 coleccionistas particulares y de 28 instituciones.
Vemos obras de:Max Bill (1908-1994) quienfueraarquitecto, pintor, escultor, diseñador gráfico, tipográfico e industrial, publicista y educador suizo, formado en la Bauhaus de Dessau, expuestas obras de arte indígena y de arte popular, Cicero Dias (1907-2003) pintor modernista brasileño, durante su estancia en Paris, trabó relación de amistad con Pablo Picasso, Paul Éluard (10)  y los surrealistas. Su relación con Picasso le permitió conseguir en 1954 que el Guernica sea expuesto en Brasil.

También de:  Lygia Pape (1927-2004) Influyente y reconocida artista brasileña. Participó en movimientos importantes en Brasil, como el llamado Arte Concreto y el neoconcretismo.  
Lygia Clark (1920-1988) co-fundadora del Movimiento Neoconcreto. Realizó pinturas, esculturas y acciones sensoriales vinculadas al arte y a la psicoterapia. Hélio Oiticica (1937-1980) artista plástico brasileño innovador, reconocido como una figura clave en el desarrollo del arte contemporáneo. (11)
Roberto Burle Marx (1909-1984) artista plástico, y naturalista brasileño, de renombre internacional como arquitecto paisajista. Responsable de los dos kilómetros y medio de la línea que separa la ciudad de Rio de Janeiro de su mar. “La pintura es un medio de dos dimensiones y lo que hizo Burle Marx, fue agregar dos dimensiones más a la pintura, como son la dimensión de la profundidad y el espacio, y la dimensión del tiempo”.Jens Hoffmann (1974).(12)
José Souza Oliveira Filho pintor, diseñador y escultor autodidacta. Tomó su nombre del pueblo donde nació en 1952 “Macaparana”.
 “Es importante reconocer que la preparación de Lina le permitió convivircon nuestra realidad múltiple…el saber europeo enfrente del saber indígena”. Paulo Mendes da Rocha 1992
En el año 1975, el crítico de arte Jose María Azcárate (1919-2001) planteó una panorámica del arte como una película del revés, en una paradoja donde lo más moderno, (el monstruo surrealista de los años ´20) miraba al arte medieval, cargado de simbolismo y realidad.

El siglo XX fue un siglo de creación de procedimientos que querían cambiar lo que tenían, quizá por eso el reciclaje (o reconstrucción) fue una herramienta fundamental. Todo se reutilizó, incluso la tradición. De la mano del surrealismo, aquel reciclaje artístico se convirtió en un escape de la realidad y fue además, una fórmula para ensayar cosas nuevas, para enfrentar, chocar y poner en duda los encuentros resultantes. Este desafío al mundo real fue también una de las estrategias utilizadas por Lina Bo Bardi(13)

«Hemos realizado hasta ahora una especie de recorrido a lo largo del tiempo y a lo largo de las» teorías «de la arquitectura, deteniéndonos en uno de los aspectos y modos de interpretación: el aspecto crítico. La experiencia de enseñar, nos debe hacer asumir, con  los estudiantes, una cierta impaciencia. Esta impaciencia la conocemos muy bien: significa que ya no sentimos la savia que fluye del pasado,que casi constitucionalmente «cortamos las raíces», que el hábito natural deun estudio tranquilo y metódico ya no existe, a pesar de la concienciade una herencia cultural adquirida. Es la impaciencia de aquellosque ya no quieren saber cosas que no producen un resultado pronto,de cosas que no sirven de solución a los problemas de la vida inmediata”.

Lina Bo Bardi, Introducción a “Problemas del método, Contribucióna la enseñanza de la teoría de la arquitectura” (1957)

Lina Bo Bardi en la Casa de Vidrio, Sao Pablo. c 1952.
Foto Chico Alburquerque (colección Instituto Moreira Salles)


DOMUSGio Ponti. Giorgio de ChiricoGio Ponti funda la revista Domus en 1928 y la dirige, hasta que pasa el testigo a Lina, quien había sido su asistente en la VII Trienal de Milán.Lina en los años ´40 comparte un estudio con Giorgio de Chirico (1888-1976) en la calle Gesú, en Milán. El pintor la retrata en 1941.
…al proyectar, era como un niño que juega a hacer ciudades, inventar mundos”. Marcelo Carvalho Ferraz, “Lina, a aquitectura o Brasil”, 2007


Notas1Desde el 5 de octubre de 2018 al 13 de enero de 2019.2Concepto y organización: Fundación Juan March. Equipo curatorial: Fundación Juan March, Manuel Fontán del Junco, Director de Museos y Exposiciones, María Toledo Gutiérrez, Jefe de Proyecto Expositivo.Diseño de montaje: Mara Sánchez Llorens.3Zarparon de Nápoles el 24 de Septiembre de 1946 en el crucero Almirante Jaceraguey. El primer puerto fue Recife, con destino final en Rio de Janeiro.


4Nació en 1900 en La Spezia, afiliado al Partido Nacional Fascista en 1926. En 1933 viaja a la Argentina y Brasil. Entre 1933 y 1936 dirigió la revista de arquitectura “Quadrante” y contó entre otros con la colaboración de Le Corbusier Terragni.5Francisco de Assis Chateaubriand Bandeira deMelo, político, mecenas, empresario y periodista de enorme influencia en Brasil en esas décadas.6“Lina Bo Bardi. Objetos y acciones colectivas”.Mara Sánchez Llorens. Diseño editorial 2015. Director de la colección Arq. Marcelo Camerlo.

7Zeuler R. Lima, es académico, arquitecto, artista, comisario, escritor, y sobre todo humanista. Estudió en la Universidad de San Pablo y se doctoró en la Universidad de Columbia. Autor de la aclamada biografía de Lina Bo Bardi. (Yale University Press, 2013) además de ediciones de libros y revistas. Docente en las Universidades de San Pablo, Grenoble, Columbia, Michigan, Tokyo, Washington,Es curador de exposiciones de arquitectura, está realizando lo que será el próximo espectáculo «Drawn by Hand: Architecture según Lina Bo Bardi» en la Fundación Joan Miró de Barcelona (primavera de 2019). https://zeulerlima.com/.8“La dea stanca” The Tired Goddess. Revista AV Monographs 180 (2015). Arq Luis Fernández-Galiano.9(Extraído del dossier de Prensa realizado por la comisaria Mara Sánchez Llorrens,Manuel Fontán del Junco, y Maria Toledo. Con el apoyo del Instituto Bardi/Casa de Vidrio).                                          

10El nombre real de Paul Éluard (1895-1952)  era Eugène-Émile-Paul Grindel, poeta francés que cultivó el dadaísmo y el surrealismo.11Este artista vanguardista, fue el fundador de “tropicalista”. En 1963 hizo participar a los habitantes de las favelas de Rio de Janeiro, vestidos con capas pintadas. Ha trabajado con diferentes materiales de desecho.12Director adjunto del Museo Judío de New York.13Mara Sánchez Llorrens, ver Revista Europea de Investigación en Arquitectura Nº  10. Universidad Nebrija / Universidad Pontificia de Salamanca / marasanchezllorens@gmail.com.“Lina Bo Bardi y el misterio de lo cotidiano”. REIA #06 / 2016 200 páginas ISSN: 2340–9851 www.reia.es

continua en la 2nda parte 

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Arq. Margarete Schüte-Lihotzky, “Grete”.

Margarete Schüte-Lihotzky, “Grete”

Su esencia fue su compromiso social y político. (1)

En la fundación Juan March, la arquitecta Fuensanta Nieto, concluyó su conferencia, diciendo: “…así como Grete, ayudó con su esfuerzo a las mujeres del siglo XX y XXI, nosotras debemos hacer el esfuerzo de ayudar a las mujeres sometidas para que en éste y el próximo siglo, su vida sea mucho mejor que la de hoy”. (2)

Con una calidad expositiva extraordinaria, acompañada de imágenes y videos, nos adentrarnos en la vida de Margarete Schüte-Lihotzky, conocida como “Grete”.

 Fuensanta Nieto (1957), junto a Enrique Sobejano (1957) forma parte del reconocido estudio de arquitectura: Nieto/Sobejano.

Han recibido más de 15 primeros premios, la medalla Alvar Aalto, el  premio Aga Khan, el Premio Nike de la BDA (Bund Deutscher Architekten) y el Premio Hannes Meyer. Fuensanta es codirectora de la revista Arquitectura (editada por el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid).

Margarete Schüte-Lihotzky. “Grete”

“…la arquitectura no es un estímulo estético, sino un arma eficaz en la lucha de clases”. Hannes Meyer

Grete vivió 103 años, 80 de los cuales los dedicó a su profesión.

Fue la primer mujer arquitecta en Austria.

Conocía a Oskar Kokoschka (1886-1980), trabajo con Adolf Loos, (1870-1933) de él aprendió “la forma de ver la arquitectura”.

Su defensa de la mujer se fue transformando en un activismo político, su interés principal fue la vivienda social y la sistematización y racionalización. Su interés por el equipamiento social no ha sido otro que el interés por ayudar a la mujer, mejorando su posición social.

Su padrino para entrar en 1915 en la Escuela de Artes Aplicadas, fue Gustav Klimt -a pedido de su madre-. Tuvo de profesores a Oskar Strnad (1879-1935), Henrich Tessenow (1876-1950) y Josef Hoffmann (1870-1956).

Su profesor Strnad le enseñó que “..todo milímetro cuenta, es importante y puede modificar la forma en que vivimos”. Sus estudios se desarrollaron mientras duró la 1er. Guerra mundial.

Obtuvo en 1917 el premio Max Mauthner por el “Proyecto para un centro cultural» y en 1919, el premio Lobmeyer por unas viviendas para trabajadores.

En 1918 desaparece el imperio austro-húngaro y nace la república.

Decía que la calidad de las viviendas marca la diferencia entre las clases desfavorecidas y las acomodadas.

En 1920 gana el concurso para la Construcción de pabellones en huertos parcelados en Schafberg, junto al arquitecto paisajista Alois Berger.

Adolf Loss fue director del Ministerio de la vivienda de Viena entre 1920-22,  Grete (en 1921) colaboró con él en el proyecto de la Siedlung Friedensstadt.

Fue profesora de arquitectura en Moscú, China, Estambul y la Habana.

En Berlín proyecta el conjunto de viviendas “Mietskasernen”.

En 1924 contrae la tuberculosis, (su madre no consigue sobrevivir a la enfermedad), es internada en el sanatorio antituberculoso de Grimmenstein. Durante su convalecencia  en 1925 realiza el proyecto de una ciudad-sanitaria y un “mobiliario adaptado”.

                                         Karl Marx Hof

Hizo un pormenorizado análisis de las 65.000 viviendas que se construyen en la Viena Roja. En una época de plena construcción de viviendas el arq. Karl Ehn (1884-1959) hace la Karl Marx Hof 1927/30 (hof = patio). Son 1.400 viviendas para la clase obrera desarrolladas en 1.100 mts, son viviendas de baja densidad (20%) con equipamientos sociales.

En la misma época se realizan otros conjuntos de viviendas, realizados por Behrens (1868-1940), Hoffman, Frank, Strnad y Loos.

Simultáneamente proyecta un refugio para trabajadoras de 192 viviendas.

Grete conoce al urbanista Ernst May (1886-1970). Este se queda muy impresionado de su capacidad y en 1926, ya nombrado concejal de urbanismo, le encarga tareas para la Neue Frankfurt. El lema es “Luz, aire y sol”.

La misión de Grete consistió en aunar ideas sobre la racionalización de la economía doméstica para aplicar a las diversas tipologías de viviendas que se construirían en Fankfurt am Main.

Entre sus primeras mejoras, figura la separación de áreas como la antigua cocina-lavadero.

En la ciudad de Frankfurt am Main. Son 15.000 viviendas, que equivalen al 90 % de las viviendas edificadas en esa ciudad en ese período.

Es  una época de reconstrucción, Alemania queda muy destruida después de la guerra. Entre 1922/24 se realizan grandes construcciones de viviendas.

En 1926 escribe varios artículos en la revista fundada por Ernst May “El nuevo Frankfurt”, como la cocina de Frankfurt, las cocinas para colegios y enseñanza y la vivienda para la mujer trabajadora.

 “…solo cuando la función se haya resuelto, puede comenzar el proyecto” MS-L

“La cocina de Frankfurt”, la Frankfurter Küche

 “Yo no soy una cocina: Si hubiera sabido que todos hablarían solo de ello, no habría construido nunca esa maldita cocina”. MS-L

Su primera cocina llamada de “núcleos húmedos” o “zona de aguas”, es de 2 x 2,05 mts con un pasillo o espacio de trabajo de 95 cm.

En septiembre de 1922 la expone en la «4ta. Exposición Hortícola Vienesa». La patenta aunque no se industrializa,

Ese año recibe la Medalla de Bronce de la ciudad de Viena.

Investigó tres posibilidades:

La cocina-estancia con cocina-lavadero.

La cocina-comedor.

La cocina-trabajo.

Consideraba que si se concentraba las actividades en un  solo espacio se ahorraba energía para la calefacción y se fomentaba la comunicación familiar.

Su idea de cocina-comedor trataba de evitar la segregación de la mujer del resto de la familia. En Weissenhoff en 1926, que diseñó Lilly Reich (1885-1947) expone su “cocina de Frankfurt” de 6,50 m2.

Las mujeres trabajaban en la casa, en el llamado “trabajo doméstico”. Grete no cuestionaba ese trabajo, pero estudio la manera que pudieran hacerlo de una forma más eficiente, al tiempo que deseaba que se éste se reconozca como una profesión.

Para ello estudia la altura de los muebles y su distribución, ahora la mujer  moderna puede trabajar sentada, tiene el almacenamiento de comida a mano, y puede tirar la basura a cubos más cercanos a su tarea.

Con un acceso al agua más fácil y práctico. Estudió recorridos más fáciles, cortos y más eficientes

Incorporó un taburete que puede subir o bajar el asiento.

Le puso un color azul verdoso, en un estudio que realizara llegó a la conclusión que ese color no atrae las moscas.

Realiza cajoneras metálicas, donde no van los insectos de la madera.

Es un proceso de estandarización y de homogenización.

Es la 1era vez que se planteaban esos temas, han pasaron 100 años y se sigue el mismo o similar esquema.

En la exposición la nueva vivienda y su diseño interior la nueva cocina obtuvo su mayor publicidad y conocimiento social.

Feria de Frankfurt de 1929

Su difusión permitió que otros países como Francia incluyeran su modelo de cocina en 260.000 viviendas. Frankfurt en 10.000 hogares, Moscú, etc.

Podría ser comparable a su diseño de cocina (por la sistematización), la “Dymaxon” de Buckmister Fuller (1895-1983).

En 1924 la comunidad vienesa encarga a la Asociación Hortícola Austríaca, construir un gran bloque de viviendas obreras, se ocupan los propios arquitectos de la Asociación  Grete Schüte- Lihotzky y Franz Schuster (1892-1972), junto a ellos los  arquitectos modernos:

Peter Behrens, Josef Frank, Josef Hoffmann, Adolf Loos, Oskar Strnad, Oskar Wlacgh (1881-1963)

En 1926, a raíz de un concurso que realizo (y no ganó), estudio la cocina en los trenes, le interesaba saber cómo en un lugar tan acotado se preparaba comida para 100 personas.

Durante la conferencia Fuensanta pasa un video de la cocina de Grete, la misma que luego se construyó en 10.000 viviendas.

                                    Charlotte Perriand

La arquitecta Charlotte Perriand (1903-1999) también diseña una cocina que luego instala en una unidad habitacional de Le Corbusier. Así como las cocinas de las case study, se puede hacer una visión conjunta de las cocinas de MS-L, Perriand y Case Study.

“..Nunca antes había cocinado, no se cocinar, lo he diseñado como arquitecta…” MS-L

Con la habilidad que su gran humor le permitía, pudo incorporar en proyectos que eran solo accesibles a hombres, sus ideas, y pudo reinventar el equipamiento social.

Entre sus diseños figura una escuela en 1929 para enseñar a cocinar, con una profesora en un lugar central y un semicírculo de estudiantes, con sus mesadas y cocinas.

Desarrolló un equipamiento y programas específicos para mujeres, como un Kindergarten en Praunheim (que no llegó a construirse) pero si el modelo, que fue repetido en otros diseños de viviendas, sus proyectos decía, respondía a las indicaciones de Maria Montessori (1870-1952. (3)

                  Siedlung Römestadt

En 1929, participan Grette y Eugen Kaufmann (1892-1984) del segundo congreso del CIAM. (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna), celebrado en Frankfurt, donde presentan un proyecto para viviendas en hilera. Hay un contencioso entre los estándares mínimos que presentaba  Ernst May (1886-1970) y los de “existencia máxima” de Le Corbusier, en ese congreso.

Cuando se traslada a Moscú con su marido, se hacen cargo de equipos que están proyectando viviendas para 200.000 trabajadoras. Cuando dejan el proyecto en 1933 se trasladan de Rusia a China y Japón.

En China la invitan a quedarse para desarrollar sus proyectos de kindergarten, y su tarea consistió en normalizar el mobiliario de las guarderías.

      Bruno Taut: Onkel-Toms-Hütte, Wilskistrasse, Berlin

Conocen al arq. Bruno Taut (1880-1938) cuando éste estaba exiliado en Japón.

              Grete con Taut y Bruno en Japón

Cuando Taut se traslada a Estambul, llama a Grete y su marido. Grete dará clases de arquitectura durante 2 años.

Siempre fue una activista política, cuando decide unirse al partido comunista deja la seguridad de Estambul, conoce al arquitecto Herbert Eichholzer (1903-1943 ejecutado por los nazis), fundador del grupo antifascista austriaco de Turquía, y junto a él viaja en las Navidades de 1940 a Viena, donde tiene contactos con el jefe de la resistencia.

Ese encuentro la acerca a la muerte cuando es detenida por la Gestapo, y piden para ella ser condenada a muerte, que luego conmutan a 15 años de cárcel.

En Mayo de 1945, con el fin de la guerra  es liberada luego de pasar 4 años y medio presa en el presidio de Aichach en Baviera.

Pero la situación de pos guerra y las dificultades de transporte y traslado no le permiten reencontrarse con su marido, entonces se traslada a Sofía, Bulgaria.

Recién en 1947 pueden  reencontrarse (1900-1968). Se habían casado en 1927 (la pareja se separa en 1951)

En Viena le resulta  muy difícil trabajar debido a su relación con el Partido comunista, al no recibir trabajos, viaja a China y a Cuba.

Ya es una activista política, aunque nunca dejo de serlo ni en su vida pública ni en su profesión.

                                           Grete en su casa

Junto a Lina Loos (Carolina Catharina Obertimpfler 1882-1950), quien fuera la primer mujer de Adolf Loos, crea la Unión de Mujeres Demócratas Austriacas.

Su compromiso con las mujeres y los marginados fue constante.

En sus últimos años de su dilatada, valiente y generosa vida ingreso en la en el Consejo de la Paz y en la Asociación de Campos de Concentración (KZ) y Resistencia.

En 1988, rechazó el prestigioso premio vienés “Titulo de Honor Austríaco de la ciencia y el Arte” al saber que lo recibiría de manos del presidente Kurt Waldheim (1918-2007), que fuera oficial del ejército nazi.

Murió 2 años más tarde, a los 103 años de una vida ejemplar.

Notas

1

Heroínas del espacio.

Mujeres arquitectas en el Movimiento Moderno. Carmen Espegel. 2007 editorial Nobuko. Textos de Arquitectura y Diseño.

Director arq. Marcelo Camerlo.

2

El ciclo de conferencias «Pioneras de la arquitectura», se realizaron en la fundación Juan March, en su sede de Castelló, 77 en Madrid, del 6 al 15 de Noviembre de 2018. «Domesticidad y Poder. Eileen Gray y E.10276» por Beatriz Colomina, arquitecta y profesora en la Universidad de Princeton, EEUU; «Lilly Reich: «El espíritu del material» por Carmen Espegel, arquitecta, estudio Espegel/Fisac y profesora en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid; «Margarete Schütte-Lihotzky» por Fuensanta Nieto, arquitecta, estudio Nieto/Sobejano y profesora en la Universidad europea de Madrid; «Charlotte Perriand: arquitecta del movimiento moderno» por Ängela García de Paredes, arquitecta, estudio Paredes/Pedrosa y profesora en la escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.

3

Maria Tecla Artemisia Montessori, más conocida como María Montessori, fue una educadora, pedagoga, científica, médica, psiquiatra, filósofa, antropóloga, bióloga, psicóloga, feminista y humanista italiana. Fue la primera mujer italiana que se graduó como doctora en Medicina.

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente
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Eileen Gray. la casa E-1027, historia de una excepción

Eileen Gray. La casa E-1027, historia de una excepción

Ayer, 6 de Noviembre de 2018, comenzó el ciclo de conferencias “Pioneras de la Arquitectura”, en la fundación Juan March en su sede de Madrid.

Lleno total.

      

La Arquitecta Beatriz Colomina habló de Eileen Gray (Enniscorthy, Irlanda, 1878-París, 1976), de su casa E.1027 y su relación, amor/odio con Le Corbusier.

Muy interesante el planteo de la exposición, basada en la evidencia de su conflictiva relación arquitectónica y personal con su incomodo vecino. Incómodo por su injerencia y protagonismo, en una casa en la que llegó a pintar -sin que nadie se lo pidiese- 8 murales, y su activismo tenaz en conseguir reunir los fondos para comprar la casa, una vez muerta Eileen, en un momento en que estaba realizando gran cantidad de proyectos, se dedicó a enviar más de 100 cartas a gente de su entorno con tal fin.

Beatriz, la conferencista, dijo que presentaría “la historia de una excepción”. Este tema lo sigue desde hace al menos 25 años, calificó la  historia como“de un culebrón”.

E-1027. la casa y el acantilado

A finales de 1920 la arquitecta y diseñadora Eileen Gray, diseñó y construyó a orillas del mar la Casa E-1027, que se convertiría en un hito de la arquitectura moderna.

    

Construida como residencia de verano, para compartirla con su amante, el arquitecto, crítico y editor rumano Jean Badovici (1893-1956),  quien ayudó en parte al diseño del proyecto.

Porque el nombre E-1027?

                                        Jean Badovici

“E” por Eileen,

“10” por ser la J de Jean la 10 letra del abecedario,

“2” la letra del apellido Badovici y

“7” porque G de Gray es la séptima letra.

La relación entre ambos terminó en 1932, fecha importante en relación al uso de la casa.

  

Le Corbusier, demostró un sentimiento muy particular por la casa, al punto de comprar un terreno del lado este de la E-1027 y construyó su célebre “Le Cabanon”, una pequeña y rústica cabaña prefabricada de un módulo de 3.66 x 3.66 m y de 2.66 m de altura.  Su acceso principal es a través tiene un corredor de 0.70 m de ancho, así como una puerta que da directamente al bar “L´etoile de mer”.

    

 

Iba a trabajar y a descansar, contemplando un paisaje tan maravillosamente bello como tranquilo.

Allí se bañaba, nadaba, incluso cuando sus médicos le aconsejaron que por su problema cardíaco no debería esforzarse, cosa que si hizo Le Corbusier y esforzándose y nadando hacia la puesta de sol aquel dramático viernes 27 de agosto de 1965 hasta encontrarse con la muerte, a la que a pesar de su tozudez no pudo ni vencer ni convencer.

Unos bañistas lo encontraron sin vida.

La E-1027 es una construcción del movimiento moderno donde empleó muchos de los principios de Le Corbusier, pero (y aquí la base del enfrentamiento con él) Gray no consideraba “la casa como una máquina para vivir”, sino como un organismo vivo, una extensión de la experiencia humana.

“ no es una cuestión de simplemente construir hermosos conjuntos de líneas, sino sobre todo, viviendas para las personas”…”las fórmulas no son nada”, , …”la vida es todo”. Eileen Gray

A esta casa no se puede llegar en auto, sino peatonalmente a través de un sendero. Está construida sobre un acantilado.

Eileen, mientras se construía la casa, vivió allí, durante 3 años, donde pudo con exquisitez profesional, hacer un referente de la arquitectura moderna.

La privacidad es uno de los objetivos principales de E-1027.

En el exterior, las ventanas de cielo a piso y abiertas al mar Mediterráneo entregan luz natural y amplias vistas, pero también incluyen persianas y dos franjas de lienzos que protegen al interior de la casa, bloqueando la luz natural y enmarcando la privilegiada vista de la costa.

Después de la muerte de Le Corbusier, toda la zona fue declarada “Espacio Moderno” y considerada área de importancia cultural e histórica, al  mismo tiempo que se reconoce a la E-1027 de Eileen Gray como elemento fundamental del lugar.

En referencia a la E-1027, el reconocimiento al trabajo de Eileen Gray recién llegaría en 1967 con un ensayo escrito por Joseph Rykwert (1926) arquitecto, profesor emérito en la Universidad de Pensilvania y uno de los más destacados historiadores de la arquitectura.

Hasta ese entonces, el mérito había sido adjudicado completamente a Badovici e incluso a Le Corbusier.

 

 

 

“…la arquitectura es el juego magistral, correcto y magnífico de los volumenes bajo la luz del sol.”. Le Corbusier, Vers une architecture, 1923

La sórdida historia de la icónica Casa E-1027 

Eileen y Corbu

Textos extraídos de otras fuentes, entre ellos el artículo publicado en la revista “Metropolis Magazine”.

«Uno debe construir para el ser humano, para que pueda redescubrir en la construcción arquitectónica el placer de la autorrealización en un todo que lo extiende y lo completa«, escribió Gray en un  número de L’Architecture Vivante en 1929

La casa, aun en vida de Eileen, fue abandonada, deteriorandose.

Le Corbusier, aprovechó una de sus ausencias (desde 1937-39) y pintó en sus pulcras, y blancas paredes, 8 murales, lo que enfado y enfrento a ambos arquitectos.

Eileen, con total razón, dijo que se había atentado contra el carácter de la vivienda (su vivienda). Y tildo de “vandalismo”, los  murales realizados.

Después de esto, ya no regreso a la casa, y comenzó el deterioro.

Beatriz Colomina, la conferencista, mencionó la condición bisexual de Eileen,  (no sé qué importancia tiene las preferencias sexuales al hablar del trabajo de una arquitecta)  así como el mal carácter y prepotencia de le Corbusier.

Es muy evidente que le Corbusier, no tenía ningún derecho a pintar sus murales, pero, tenía una relación obsesiva con la casa, y Eileen también con su incomodo vecino.

Cuando éste hizo el Cabanon, Eileen la denominó “Caseta de perro guardián”.

«Incluso los muebles deben perder su individualidad y mezclarse con el conjunto arquitectónico». Eileen Gray

Le Corbusier fue un gran amigo de Badovici, relación clave en este culebrón.

Luego que Gray y Badovici finalizaran su relación en 1932, el arquitecto rumano se quedó con la casa y se alojaba a menudo con su esposa. Contra toda voluntad de GrayLe Corbusier pintó murales dentro de la casa, con la venia de Badovici.

Asimismo, el arquitecto franco-suizo incluso intentó comprar la casa, al  no poder hacerlo, optó por comprar una propiedad cercana donde construyó la pequeña cabaña: la Cabanon de vacances.

La degradación de la E-1027 continuó durante la Segunda Guerra Mundial cuando soldados del ejército nazi practicaron su puntería

 

 

 

 

Muerte simbólica y muertes reales

El 27 de agosto de 1965 el cuerpo de Le Corbusier apareció en esa misma costa, tras morir ahogado mientras nadaba.

En 1980 la arquitecta suiza Marie-Louise Schelbert, entonces propietaria de la E-1027, fue encontrada muerta en su departamento en Zúrich, Suiza. Tres días antes de su muerte, su doctor Peter Kägisecretamente había robado el mobiliario original y lo había rematado en Zúrich.

Cuando Schelbert murió, Kägi heredó la casa y la utilizó para organizar orgías con drogas incluidas.

En 1996 el propio Kägi fue asesinado en la sala de estar.

Deterioro y reconstrucción y rehabilitación

“La casa sufrió las profanaciones de Le Corbusier…” (Bueno, pienso que se exceden un poco, me hubiese encantado que Le Corbusier hubiese profanado mi casa todas las veces que hubiera querido, aunque pienso que no le habría interesado tanto, le interesaba la de Eileen), también las balas del ejército nazi, las orgías con drogas de Peter Kägi y su total abandono.

Le corbuisier y su esposa, en su auto Voisin C7 «Lumineuse» de 1927. actualmente en la fundación Norman Foster en Madrid

En la conferencia Beatriz ironizó, uno cuando quiere pintar busca pintor, y no es al revés.Le Corbusier destrozó la pared al dibujar Tres mujeres que representan a Eileen y Jeanjuntas, a pesar de que no se le «concedió la autorización completa». Le Corbusier dijo “no lo considero como una invasión, sino como un regalo “free of charge”. Del libro «Líneas de batalla» – Beatriz Colomina)

Por su enorme valor arquitectónico Cap Moderne —la organización que se ha dedicado a rehabilitar el edificio para convertirse en destino cultural— ha iniciado una campaña de financiamiento colectivo para continuar con la restauración del edificio.

¡¡Pienso que bueno que sería que con el Parador Ariston ocurriera algo similar, podríamos denominarlo “Moderno Ariston”!!

En 1999, la villa fue comprada por la organización Conservatoire du littoral y desde ese entonces ha pasado por diversas remodelaciones.

En 2014 Cap Moderne pasa a administrar la villa junto a la cabaña de Le Corbusier«Hemos tomado la decisión, que no está de moda en los cursos de conservación, de reconstruir lo que ha sido destruido [y devolverlo] a su estado en 1929», dice Tim Benton, curador de Cap Moderne y profesor de historia del arte especializado en el siglo XX, y agrega: “… hace 12 años, la villa seguía prácticamente en ruinas, y la pared de la sala de estar estaba hecha trizas. Casi todo ha sido, o está, o será reconstruido»,

En su actual campaña Cap Moderne espera reunir 50.000 dólares, junto al compromiso del gobierno francés de igualar las donaciones privadas que reciban. El dinero recolectado se destinará a remodelar el comedor de la villa, incluyendo una mesa de comedor con luz eléctrica incorporada y una tapa de corcho diseñada para proteger los platos y vasos, además de un recipiente de limones especialmente hecho para la villa (los limones Menton fueron alguna vez una especialidad regional). La asociación recreara la silla Non Conformist”,también diseñada por Gray, y una mesa plegable dentro del comedor que se abre convirtiéndose en un bar.

«Si se la considera vacía, esta es una de las 100 casas más importantes de fines del movimiento moderno», dice Benton. «Pero en su interior es uno de los cuatro interiores más importantes del movimiento moderno en todo el mundo. Es por esto que estamos haciendo de nuevo el mobiliario con las mismas herramientas, los mismos materiales y los mismos procesos que los originales»,

 

 

“Maison en bord de mer”

Este video de Ivorypress presenta el proyecto del artista Kasper Akhøj (1976)  titulado Welcome (To The Teknival).

Serie fotográfica tomada por Akhøj entre la primavera de 2009 y el verano de 2017 durante la restauración de la E-1027,

Se basan en una serie de fotografías de Eileen Gray, publicadas por primera vez por Jean Badovici en un número especial de la revista L’Architecture Vivante de 1929, año en que se terminó su villa en Roquebrune-Cap-Martin, en la Costa Azul. Kasper registró la restauración y la resurrección de esta villa moderna, una de las pocas construidas por una arquitecta de la época.

Las fotografías se tomaron durante un período de seis visitas al E-1027 (en 2009, 2010, 2015 y 2017),

https://vimeo.com/288942065

Caracteristicas espaciales y de diseño

Eyleen no ha utilizado la planta libre como esquema.

Sus espacios interiores no se revelan inmediatamente: las habitaciones son espacios a la espera de ser descubiertos. Dado el compacto espacio de la vivienda (130 metros cuadrados) y la amplia cantidad de habitaciones, fue meticulosamente eficiente con el espacio. Tales condiciones llevan a innovadoras soluciones alternativas: los closets se abren para convertirse en muros, el sofá de la sala de estar se convierte en una cama y toda una serie de armarios y otros muebles a medida están encajados o intrínsecamente en sintonía con el resto de la casa.

El mejor ejemplo de esta creatividad es

la Mesa E-1027: diseñada originalmente

para la hermana de Graypara que desayunara en cama sin dejar migas de pan en las sábanas, es una pieza maestra del mobiliario diseñado en el movimiento moderno. La mesa consiste en dos tubos circulares de acero cuya base abierta gira en torno a un pilar, mientras la altura de la mesa se ajusta permitiendo que quede a la altura de la cama.

Muchas de estas fotografías son de Manuel Bougot.


 

Cosas que comentó Beatriz Colomina sobre le Corbusier.

– Le Corbusier, pedía la casa prestada por 1 día y se quedaba meses, junto a su esposa la modelo Yvonne Gallis (1892-1957), con quien estuviera casado desde 1930 hasta la muerte de ella.

                                                              Marguerite Tjader Harris

– no se dijo nada si también llevo allí a su affair “long time” la rica heredera sueco-estadounidense Marguerite Tjader Harris (1901-1986).

Conoció a Marguerite a raíz de hacerle un proyecto, la Villa Harris, cerca de donde construyó una pequeña casa para sus padres a orillas del Lago Lemán. La villa Harris nunca paso la etapa de proyecto, pero a partir del encargo Marguerite Harris y Le Corbusier forjaron una sólida y sentimental amistad que los mantuvo vinculados durante toda la vida.

– Le Corbusier, decía cosas como “dibujar es como ocupar la casa de un extraño”, respecto a pintar sus murales en la casa de Eileen.

– En uno de los dibujos, pinto una cruz esvástica sobre el pecho de la mujer ubicada a la derecha (se ve en las fotos).

   Antes de la restauración, con las balas del ejercito nazi

 

 

 

 

 

 

 

Relaciones políticas e ideológicas de Le Corbusier

En 1934, fue invitado por Benito Mussolini a una conferencia en Roma.

A principio de los ´40, le fue dado a Le Corbusier una posición como urbanista en el gobierno de Vichy  (nazi) para supervisar los diseños de varias ciudades, incluyendo Algeria. Cuando sus planes fueron rechazados, Le Corbusier dejó la vida política.

Le Corbusier tenía un fanatismo con la imagen de Open Hand, construyendo muchas esculturas durante su vida.

Las llamaba un”signo de paz y reconciliación destinado a recibir las riquezas y distribuirlas entre las personas del mundo. Debiese ser el símbolo de nuestra época”. La Open Hand tiene 28 metros y está en Chandigarh.

https://youtu.be/UmcR9jU6SPw

Beatriz Colomina

Nació en Madrid en 1952, Beatriz es arquitecta, historiadora y teórica de la arquitectura. Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona​ donde recibe primero el título de arquitecta y luego el de Doctora en arquitectura.

Ha escrito extensamente sobre cuestiones de la arquitectura y de las instituciones modernas de representación, especialmente sobre medios de comunicación impresos, fotografía, publicidad, cine y televisión. ​ Es autora de numerosos artículos y libros entre ellos:

1988 Architectureproduction​.

1992 Sexuality & Space, Princeton Architectural Press, ​ galardonado con el Premio Internacional del Libro AIA 1993.

1994 Privacy and Publicity. Modern Architecture As Mass Media,​ galardonado con el Premio Internacional del Libro 1995 por el Instituto Americano de Arquitectos.

1996 Battle Lines: E.1027, ensayo publicado en el libro “The sex of architecture”.

2000 Louise Bourgeois: Memory and Architecture.

2007 Domesticity at War.

2008 The World of Madelon Vriesendorp.

2011 Clip, Stamp, Fold: The Radical Architecture of Little Magazines 196X to 197X.

Finalmente

Las 100 cartas enviadas por Le Corbusier para comprar la casa pretendían reunir 30 millones de FF.

                     Croquis Le Corbusier

Carta con dibujos donde se ubicaban todas las construcciones y diciendo que si no se hacía algo se instalaría una casa de citas o un cabaret. Y dice que si bien  ahora el acceso es restringido (como iban a poner un burdel si no se podía acceder???), entonces Le Corbusier lanza una solución futura donde  se podría realizar un acceso más franco, y poder llegar por tren, avión o barco.

Su preocupación se manifiesta claramente en esta frase “si estos “cerdos la compran arruinaran los murales”. No explica a quienes se refiere.

Le Corbusier lleva a Brassai (Gyula Halász 1899-1984) para que fotografíe la casa.

La casa finalmente se vendió por subasta.

En 1999, la villa fue comprada por la organización Conservatoire du littoral y desde ese entonces ha pasado por diversas remodelaciones.

Desde 2014 Cap Moderne administra la villa y la cabaña de Le Corbusier.

La historia completa: https://www.espazium.ch/une-maison-malfame-e-1027

Permitida su reproducción parcial o total citando las fuentes.

Hugo A. Kliczkowski Juritz

Hugoklico@gmail.com

Palladio 5. De Pietro de la Gondola a Palladio.

Palladio 5 

De Pietro de la Gondola a Palladio.

Andrea Palladio  (Padua 1508Maser 1580 trabajaba en la molienda de granos, es a la muerte de su padre cuando aprende el oficio de cortador de piedras.

Giangiorgio Trissino

                    Giangorgio Trissino

En Padua estudió junto a Giovanni Maria Falconetto, no existiendo una escuela donde pudiera estudiar arquitectura y como Giangorgio Trissino ve en él una capacidad (que necesita ser desarrollada) decide transformarse en su protector, su formación será estudiar los clásicos.
Es justamente Giangiorgio quien ¿sugiere? Un cambio de nombre, Andrea di Pietro de la Gondola es bautizado por Trissino como Andrea Palladio.

El apellido Palladio podría venir de Palas Atenea o de un personaje de los poemas de Trissino a quien llamó Palladio y que era experto en arquitectura.
Varias veces viajan juntos a Roma (son 5 viajes, el de 1541, 1545. 1547 hasta 1551). Uno de ellos duró 5 meses.  Su  objetivo era estudiar los clásicos, verlos, oírlos, olfatearlos, medirlos “con la palma de la mano”.

Tomó muchos apuntes, no sólo de las ruinas romanas sino también de las obras de Bramante, algunos de los cuales fueron recogidos en sus “quattro libri dell’Architettura”, obra publicada cuando tenía 62 años, y por la que se le ha relacionado con Leon Battista Alberti.

Nos dice Giulio Carlo Argan (1909-1992), historiador y crítico de arte italiano, fue uno de los mayores eruditos y pensadores del siglo XX. Fue alcalde de Roma desde 1976 a 1979:

..Palladio en Roma… se ve conmocionado por el hecho de que la arquitectura de los antiguos, altamente expresiva de contenidos ideales y y de sentimientos civiles, fuese también técnicamente perfecta, ofreciera una respuesta a las exigencias prácticas y se adaptara admirablemente tanto al lugar como a la función. […] En toda la obra de Palladio aparecen bien claros estos dos momentos: el ideal clásico como suprema imagen de un modo de vida civil perfecto, y la respuesta a una exigencia práctica, el ceñirse a circunstancias específicas de lugar y de hecho como determinaciones de dicho ideal en los casos, siempre distintos, de la vida real.

        Leon Battista Alberti
Leon Battista Alberti

 ¿Porque Trissino quiere que su ciudad tenga un lenguaje clásico renacentista? Desea cambiar el gótico y el barroco que era el símbolo del poder dominante. Busca un ideal de creación más discreto y al

 

mismo tiempo digno y solemne.

La arquitectura era un medio para declarar la fe política y si se construía en estilo gótico, era fiel a Venecia.

                                Vincenzo Scamozzi

 

                                       Miguel Angel

Pero si era clásico seria  fiel a Carlos V (Rey de España y Alemania).

Y es Palladio quien mejor supo asimilar la herencia de las formas clásicas y adaptarlas al momento y a sus necesidades, es la época del Cinquecento. Sus obras, tanto villas como grandes obras públicas han influido en la arquitectura del Neoclasicismo en todo el mundo.

 

El Cinquecento (años 1500), es un período dentro del arte europeo, principalmente Italiano. Su centro fue la roma de los papas. (el Quattrocento tuvo su centro en la Florencia de los Medici).  El encuentro con las formas artísticas de la antigüedad y el mimetismo (o imitación) de la naturaleza, es el Renacimiento del arte.

Como si fuese una escalera, cada peldaño, tiene un nombre y apellido, el alto renacimiento (últimos años del siglo XV y primeras décadas del XVI),

Bajo Renacimiento o también Manierismo, Barroco y el Clasicismo.

                                            Bramante

Los más importantes artistas del Quattrocento y Cinquecento (el listado da escalofríos) fueron:

                                  Tintoretto

                                     El Greco

“Brunelleschi” Filippo di Ser Brunellesco Lapi (1377-1446); “Donatello” Donato di Niccoló di Betto Bardi (1386-1466); “Masaccio” Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai  (1401 – 1428); León Battista Alberti (1404-1472); “Giuliano da Sangallo”Giuliano Giamberti (1443-1516) su protector fue Lorenzo de Médici; “Bramante” Donato di Pascuccio d’Antonio (1444-1514) introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el Alto Renacimiento en Roma; “El Bosco” Cornelis Cort (1450-1516);  Leonardo da Vinci (1452-1519); Nicolás Maquiavelo (1469-1527); Alberto Durero (1471-1528); “ Miguel Ángel”  Michelangelo Buonarroti (1475-1564); Sebastian Serlio (1475-1554); “Giorgione” Giorgio Barbarelli da Castelfranco (1478-1510); “Rafael”  Rafael Sanzio (1483-1520); “Tiziano” Tiziano Vecellio o  Vecelli (1488-1576); “Giulio Romano” Giulio Pippi (1499-1546) alumno de Rafael; Benvenuto Cellini (1500-1571); “Vignola” Jacopo (o Giacomo) Barozzi  (1507-1573); Giorgio Vasari (1511- 1574) a quien se le atribuye haber acuñado el término Renacimiento, está considerado como uno de los primeros historiadores del arte; “Tintoretto” Jacopo Comin  (1518-1594); los Brueghel: Pieter Brueghel el Viejo (c.1525-1569); “Veronese” Paolo                Caliari o Cagliari  (1528-1588); Juan de Herrera de Maliaño (1530-1616); Giordano Bruno (1548-1600); “Lope de Vega”  Lope Félix de Vega Carpio (1562-1635); Pieter Brueghel el Joven (1564-1638); Jan Brueghel el Viejo (1568-1625); Jan Brueghel el Joven (1601-1678); Doménikos Theotokópoulos “El Greco”(1541-1614); Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616); William Shakespeare (1564-1616)

                                        Juan de Herrera

 Además y entre otros:  

Fernando Yáñez de la Almedina (1459-1536); Erasmo de Róterdam (1466-1536); Lucas Cranach el viejo (1472-1553); Nicolás Copérnico (1473-1543);  Baltasar Castiglione (1476-1559); Tomás Moro (1478-1535); Joaquín Patinir (1483-1562); Albrecht Altdorfer (1480-1538); Martín Lutero (1483-1546);“Correggio” Antonio Allegri da Correggio (1489-1534); Pedro Machuca (1490-1550); Bartolomé Ordónez (1490-1520); Alonso Berruguete (1490-1561); Pietro Aretino (1492-1556); Luis Vives (1493-1540); François Rabelais (1494-1553);

                                     Brunelleschi

Diego de Siloé (1495-1563); Hans Holbein el joven (1497-1543); Felipe Melanchton (1497-1560); Juan de Juni (1506-1577); Juan de Juanes (1507-1579); Juan Calvino (1509-1564); Andrés de Vandelvira (1509-1575); Lope de Rueda (1510-1565); Juan Bautista de Toledo (1515-1567); Santa Teresa de Jesús (1515-1582); Gaspar Becerra (1520-1570); Pierre de Ronsard (1524-1585); Fray Luis de León (1527-1591); “Giambologna” Juan Boulogne (1529-1608); Michel de Montaigne (1533-1592);San Juan de la Cruz (1542-1591); Torcuato Tasso (1544-1595); Christopher Marlowe (1564-1593)….

                          El Bosco

A pesar de sus incontables relaciones con clientes muy adinerados Palladio paso muchas penurias económicas.

En esa época, (una costumbre que continúa) los dibujos o ideas no construidas se pagaban muy poco. Las villas estaban muy lejos entre si y la obra se prolongaba en el tiempo.

La obra de la qué mejor cobró  fue la Basilica, era del ayuntamiento y le pagaba a Andrea o a su mujer Allegra Donna cada mes.

Su difusión inglesa estuvo en manos de Iñigo Jones (1573-1652)y el mayor coleccionista de sus dibujos Lord Burlington.

 

                                   La Basilica Palladiana

“…Los palacios urbanos de Palladio… son, sobre todo, casas dignas pero sin fastuosidad, cuyo prestigio urbano se confía más bien a la nobleza de las formas que a la ostentación de la riqueza o del poder; elemento esencial es la fachada, con la que las grandes familias quieren contribuir, casi como se tratara de un deber, al noble aspecto de la ciudad… Muchos de los palacios de Palladio se establecen sobre la vía del Corso: sus fachadas forman las paredes de ésta, entendida como una arquitectura abierta y transitable cuyo techo es el cielo. Cronológicamente, se distribuyen a lo largo de un período de treinta años, y cada fachada presenta una forma propia, una originalísima compaginación de los elementos de la morfología clásica… Concebidas en función de la calle… sus fachadas presentan un primer orden rústico, casi un basamento, y sólo sobre éste, donde el vano de la calle se hace más luminoso, se alzan  los órdenes de columnas y pilastras.(columnas adosadas a la pared)…Compone sus fachadas, preferentemente, con un orden único, gigante, de columnas o pilastras…”

                                                    Palacio Chiericati

Con frecuencia las mismas familias que encargan a Palladio la construcción de su palacio en la ciudad le hacen construir también su villa en el campo: palacio y villa representan dos caras de la misma realidad social. La casa urbana se inserta en una condición espacial dada, la perspectiva de la calle; la villa se inserta en un ambiente paisajístico siempre distinto, abierto a todas direcciones.

                                       Donatello

Con respecto a la calle, el palacio es una fachada, un plano frontal; con respecto al horizonte y al paisaje que la rodea, la villa es un organismo articulado, condicionado por la variedad de los puntos de vista, el carácter del emplazamiento, las pendientes del terreno, etc..Palladio plantea el problema en términos claros: se trata de insertar una forma sólida, una construcción geométrica y volumétrica, en un espacio natural que es distinto en cada ocasión, y de encontrar entre estas dos realidades… una relación de armonía e incluso de perfecta equivalencia… En la mayoría de los casos la fascinación de las villas palladianas consiste, precisamente, en esta concertada variedad de desarrollos temáticos: de la simplicidad de lo rústico a la solemnidad histórico-religiosa del templo, del carácter práctico de los cuerpos secundarios destinados a las necesidades de la hacienda agrícola a la refinadísima elegancia de los cuerpos  centrales destinados a otras funciones sociales….                                                        Giulio Carlo Argan

 

                             Veronesse

Este detalle de se refiere al proyecto de las obras y no a su construcción. Listado del “Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio”, Vicenza

https://web.archive.org/web/20090817191834/http:/www.cisapalladio.org/veneto/index.php?lingua=i&modo=nomi&ordine=alfa

                                               Andrea Palladio

  • 1531: Portal de la iglesia de Santa Maria dei Servi, Vicenza (atribuido)
  • 1534: Villa Trissino a Cricoli, Vicenza (tradicionalmente atribuida, pero probablemente diseñada por Gian Giorgio Trissino)
  • 1537-1542: Villa Godi (para Girolamo, Pietro y Marcantonio Godi), Lonedo di Lugo di Vicenza
  • 1539 circa: Villa Piovene, Lonedo di Lugo di Vicenza, Provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1540-1542 circa: Palazzo Civena, Vicenza
  • 1540 circa-1566 circa: Palazzo Pojana, Vicenza (atribuida)
  • 1542 – Villa Valmarana, Vigardolo di Monticello Conte Otto, Provincia de Vicenza
  • 1542-1556 circa: Palazzo Thiene, Vicenza (probablemente proyecto de Giulio Romano)
  • 1542: Villa Gazzotti (para Taddeo Gazzotti), Bertesina, Vicenza
  • 1542 circa: Villa Caldogno (para Losco Caldogno), Caldogno, Provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1542: Villa Pisani (para Vettore, Marco y Daniele Pisani), Bagnolo di Lonigo, Provincia de Vicenza
  • 1542: Villa Thiene (para Marcantonio y Adriano Thiene), Quinto Vicentino, Provincia de Vicenza (probablemente una reelaboración de un proyecto de Giulio Romano)
  • 1543: Villa Saraceno (para Biagio Saraceno), Finale de Agugliaro, Provincia de Vicenza
  • 1544 circa-1552: Palazzo Porto (para Iseppo De’ Porti), Vicenza
  • 1546-1549: Loggias del Palacio de la Ragione (entonces denominada Basílica Palladiana), Vicenza (completada en 1614 después de la muerte de Palladio)
  • 1546 circa-1563 circa: Villa Pojana (para Bonifacio Pojana), Pojana Maggiore, Provincia de Vicenza
  • 1546 circa: Villa Contarini, Piazzola sul Brenta, Provincia de Padua (atribuida)
  • 1547: Villa Arnaldi (para Vincenzo Arnaldi), Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (inacabada)
  • 1548: Villa Angarano, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (El cuerpo principal de la villa fue reconstruida más adelante por Baldassarre Longhena; el barchesse es parte del original)
  • 1550-1557: Palazzo Chiericati (para Girolamo Chiericati), Vicenza (completado sobre 1680 después de la muerte de Palladio)
  • 1550: Villa Chiericati (para Giovanni Chiericati), Vancimuglio di Grumolo delle Abbadesse, Provincia de Vicenza (completada en 1584 por Domenico Groppino después de la muerte de Palladio)
  • 1552: Villa Cornaro (para Giorgio Cornaro), Piombino Dese, Provincia de Padua
  • 1552 circa: Villa Pisani (para Francesco Pisani), Montagnana, Provincia de Padua
  • 1554-1563: Villa Badoer denominada La Badoera (para Francesco Badoer), Fratta Polesine, Provincia de Rovigo
  • 1554: Villa Porto (para Paolo Porto), Vivaro di Dueville, provincia de Vicenza (atribuida)
  • 1554: Villa Barbaro (para Daniele y Marcantonio Barbaro), Maser, Provincia de Treviso
  • 1554 ?: Villa Zeno (para Marco Zeno), Donegal di Cessalto, Provincia de Treviso
  • 1555 circa: Palazzo Dalla Torre, Verona (solo parcialmente realizada. Una parte fue destruida por una bomba en 1945)
  • 1556: Arco Bollani, Udine
  • 1556 circa: Palazzo Antonini, Udine (alterada por posteriores reformas)
  • 1556: Villa Thiene, Cicogna di Villafranca Padovana (inacabada; solo el barchessa permanece)
  • 1557: Villa Repeta, Campiglia dei Berici (destruido por un incendio, posteriormente reconstruido)
  • 1558: Fachada para la Basílica de San Pietro di Castello, Venecia (completada después de la muerte de Palladio)
  • 1558: Villa Emo (para Leonardo Emo), Fanzolo di Vedelago, Provincia de Treviso
  • 1558: Bóveda para la Catedral de Vicenza, Vicenza (destruida en un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial, posteriormente reconstruida)
  • 1559: Villa Foscari denominada La Malcontenta, Malcontenta di Mira, Provincia de Venecia
  • 1559: Casa Cogollo (para Pietro Cogollo), tradicionalmente conocida como Casa de Palladio, Vicenza
  • 1560-1563 circa: Claustro del ciprés y refettorio del monasterio de San Giorgio Maggiore, Venecia
  • 1560: Convento della Carità, Venecia (sólo el claustro y el atrio, destruido en 1630 en un incendio)
  • 1560: Palazzo Schio (para Bernardo Schio), Vicenza
  • 1563 circa: Puerta lateral para la Catedral de Vicenza
  • 1563 circa: Villa Valmarana, Lisiera di Bolzano Vicentino, Provincia de Vicenza
  • 1564: Fachada de la iglesia de San Francesco della Vigna, Venecia
  • 1564: Palazzo Pretorio, Cividale del Friuli (provincia de Udine) (proyecto atribuido)
  • 1565: Basílica de San Giorgio Maggiore, Venecia (completada entre 1607 y 1611 después de la muerte de Palladio, con una fachada diferente proyectada por Vincenzo Scamozzi)
  • 1565: Teatro en el patio Convento de la Carità, Venecia (destruido por un incendio en 1570)
  • 1565: Palazzo del Capitaniato, Vicenza
  • 1565: Palazzo Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana), Vicenza
  • 1565: Villa Serego (para Marcantonio Serègo), Santa Sofia di Pedemonte (Provincia de Verona)
  • 1565 circa: Villa Forni Cerato (para Girolamo Forni), Montecchio Precalcino, Provincia de Vicenza
  • 1566: Villa Capra, la Rotonda(para Paolo Almerico), Vicenza (completada en 1585 por Vincenzo Scamozzi después de la muerte de Palladio)
  • 1567 circa: Villa Trissino, Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (solo realizada parcialmente)
  • 1568: Puente Vecchio, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (reconstruida en 1748 y después de la Segunda Guerra Mundial)
  • 1569-1575: Palazzo Barbaran da Porto (para Montano Barbarano), Vicenza
  • 1569: Puente en Tesina, Torri di Quartesolo, Provincia de Vicenza (atribuido)
  • 1570: Villa Porto (para Iseppo Porto), Molina di Malo, Provincia de Vicenza
  • 1571: Palacio Porto en la Plaza Castello, Vicenza (sin terminar, completado en 1615 por Vincenzo Scamozzi)
  • 1572 ?: Palazzo Thiene Bonin Longare, Vicenza
  • 1574-1577: Habitaciones en el Palacio Ducal, Venecia
  • 1574: Fachada para Basilica di San Petronio, Bolonia (proyecto)
  • 1576 circa: Capilla Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana) en la iglesia de Santa Corona, Vicenza
  • 1577: Iglesia de Il Redentore, Venecia
  • 1578: Iglesia de Santa Maria Nova, Vicenza (proyecto atribuido, completada en 1590 después de la muerte de Palladio)
  • 1579: Porta Gemona, San Daniele del Friuli, Provincia de Udine
  • 1580: Iglesia de Santa Lucia, Venecia (dibujos para el interior; demolida)
  • 1580: Iglesia (Tempietto Barbaro) de Villa Barbaro, Maser
  • 1580: Teatro Olímpico, Vicenza (completado después de la muerte de Palladio por su hijo Silla y en 1585 por Vincenzo Scamozzi)
  • 1580: Le Zitelle (Venecia)
  • Permitida su reproduccion parcial o total citando la fuente.
  • Hugo Alberto Kñliczkowski Juritz
domingo, 28 de octubre de 2018

La mujer en la Bauhaus. (De) Construyendo el amor. revista Coencuentros.

La Bauhaus ya es una visión lejana del futuro

(De) construyendo el amor.

Jugando con las palabras

Construyendo el (des) amor.

Entrando en tema

De construyendo un cierto amor, y construyendo otros.

Mi apuesta es escribir sobre el amor, sobre su construcción “partiendo de cero” (1) sobre una cierta idea de la creación y de la libertad (…y de cómo crear un mundo).

Y al mismo tiempo del desamor, de la deconstrucción en las relaciones de las parejas y entre mujeres y hombres en la Bauhaus.

Durante sus 14 años de funcionamiento, muchas parejas, formadas antes o durante los años de la Bauhaus, cimentaron las bases y el desarrollo de algo que fue mucho más que una escuela. (Fundada en 1919,  los nazis la cerraron en 1933) (2)

En su contexto, la Bauhaus era algo más que un lugar donde enseñar y aprender, era una comunidad, un movimiento espiritual, un enfoque radical de todas las formas del arte. Arriesgo poco si digo que también era un centro filosófico. (1)

Planteo:

¿Por qué personas vinculadas al arte, al diseño, a la creación, profesionales que decidieron reemprender el conocimiento (como ellos decían “partiendo de cero”), lo limitaron en sus interrelaciones?

¿Por qué su amor a la creación y al diseño, no fue simétrico en el respeto entre hombre y mujeres?

¿Por qué no hubo un reconocimiento, una lealtad al trabajo de las mujeres, y estas muchas veces debieron resignar sus logros, y dejar que fueron los o sus hombres quienes se vieran favorecidos por dicho reconocimiento?

Pero para llegar a esto, debemos comenzar hablando de qué era la Bauhaus y su contexto.

Planteo esta afirmación (que repetiré más adelante) y daré algunos ejemplos:

Las mujeres artistas que enseñaron, estudiaron e hicieron un trabajo pionero en la escuela a menudo se las recuerda en los libros de historia con el apellido de sus maridoso, peor aún, no se las recuerda en absoluto.

Bauhaus

Una visión lejana del futuro (5)

Otti Berger. Tejidos
Otti Berger. Tejidos

El año próximo, se cumplirá el centenario de la fundación de la escuela Bauhaus  (Das Staatliches Bauhaus).

Luego de terminada la primera gran guerra, Alemania necesita salir de su estado de frustración y se plantea recuperar la iniciativa en varios frentes. Por ejemplo, la educación.

Las autoridades de la ciudad de Weimar nombran a Walter Gropius director de dos escuelas de gran prestigio: la Escuela Industrial de Artes y la Escuela de Arte.

Gropius (Walter Adolph Georg Gropius, 1883-1969) decide poner en marcha un plan para fusionarlas y crear un centro de arte y diseño vinculado a la industria y el comercio. Cree que es posible la unidad del arte, la arquitectura y el diseño Tiene 32 años.

Siendo su fundador arquitecto y el significado de Bauhaus “construcción de casas”, es fácil deducir que el programa de la escuela  comenzara con un departamento de arquitectura.

No fue así. Durante varios años, la Bauhaus no enseñó arquitectura.

Pocos como Gropius amaron la arquitectura, alcanzando sus obras un gran nivel profesional que supo transmitirlo como docente.

Entonces, ¿estaría Gropius (de) construyendo su pasión, su amor por la arquitectura?

¿Parece y no es? ¿Es y no parece?

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, “construcción”, y Haus, “casa”; una pareja bien avenida, pero aparentan lo que no son.

Cuando me dijeron el título de la revista Coencuentros, estaba preparando material para unas jornadas que realizaremos en la Universidad de Buenos Aires, referidas a la Bauhaus y su significado.

Simultáneamente, había leído hacía muy poco un libro que lleva por título “Las mujeres de la Bauhaus” (3) y también  releyendo material de la campaña que llevan adelante, “Un día una arquitecta”, en el que cada día presentan a otra profesional.

Rechonchos de Eberhard Schrammen
Rechonchos de Eberhard Schrammen

Relacioné ambos temas, el de la revista Coencuentros y mi interés sobre la Bauhaus.

Existía una pasión común entre docentes y alumnos en la Bauhaus que construían juntos, pero… no compartían los méritos juntos, o al menos no equitativamente.

No es solo un tema de género (que también lo es), sino de cómo construían juntos un tema (el diseño) pero a costa de (de)construir otro (la lealtad al compañero o, más precisamente, a la compañera).

Me iré enterando junto con ustedes, de esta arista del amor, con varios ejemplos para hacer propia la frase de Prosper Mérimée (1803-1870) “de la historia, solo me interesan las anécdotas”.

La escuela fue cerrada, acusada de ser un nido de comunistas, un antro del llamado “arte degenerado” y “subversivo”. Ya en algún folleto de 1922 se la definía como “la catedral del socialismo”, obligando poco tiempo más tarde a Gropius a aclarar que “la Bauhaus no tenía nada que ver con partido político alguno”(2)

Era una época apta para los fundamentalismos, de enorme incertidumbre económica: en octubre de 1928, un dólar costaba 142 millones de marcos.

«Lo que resultaba más apasionante de la Bauhaus era que no había ningún sistema de enseñanza aún establecido.

Esa libertad es, probablemente, algo esencial que todo estudiante debería experimentar». Anni Albers

Preguntas

Empecemos por las preguntas, en ellas muchas veces entendemos más que en las respuestas.

– ¿El amor solo estaba en el trabajo? ¿El trabajo daba alas al amor?

– ¿Mientras construían un proyecto común, (de)construían otro?

– ¿Hubo menos libertad dentro de estas parejas que fuera de ellas?, ¿o eran todas estas relaciones producto de un desamor previsible?

Es compleja, múltiple y diversa la forma en que se construye algo material (o inmaterial), pero es aún más  difícil cuando se lo (de)construye.

¿Hombres que piensan en tres dimensiones y mujeres que lo hacen en dos?

¿Mandato de género?

La Bauhaus fue ideada como un lugar abierto a “cualquier persona de buena reputación sin importar su edad ni su sexo”. Donde no habría “diferencias entre el bello sexo y el sexo fuerte”. Un ideario fantástico para una sociedad que vetaba la entrada de la mujer a ciertos campos del conocimiento, y que la limitaba a enseñanzas impartidas por tutores dentro de los límites de su hogar. Al poder inscribirse libremente en los cursos fue mayor el número de mujeres inscritas que de hombres.

La realidad fue que el sexo fuerte podía acceder al aprendizaje de la arquitectura, metal, pintura y escultura, mientras que el “bello sexo” quedaba arrinconado en otras como la tejeduría.

Paul Klee y Wassily Kandinsky
Paul Klee y Wassily Kandinsky

Gropius opinaba abiertamente que las mujeres no estaban capacitadas física y genéticamente para determinadas artes ya que pensaban en dos dimensiones, frente a sus compañeros masculinos, que sí podían hacerlo en tres.

Cuando se inauguró la escuela de artes de la Bauhaus, solicitaron su ingreso más mujeres que hombres. ¿Cómo es que hemos oído poco hablar de ellas, y si lo hemos oído, solo de algunas? (4)

 “Al igual que la arquitectura de la Bauhaus se convierte en una visión lejana del futuro, los materiales de la Bauhaus siguen siendo tan útiles, táctiles y especiales como eran cuando estas mujeres se propusieron igualar a sus pares masculinos” (5)

¡¡¡La masculina Bauhaus!!!

Las mujeres artistas tuvieron la osadía de querer demostrar su valía en un momento histórico donde los hombres eran el centro de todo y las mujeres estaban relegadas al hogar y la familia. Pensaron que, si las relegaban al telar, en cierta manera, aplacaban su faceta artística, ocupando el lugar que la sociedad reservaba para ellas.

Sillas Barcelona
Sillas Barcelona

Es ejemplar cómo un grupo de mujeres relegadas a una actividad marginal, se convirtieron, gracias a su trabajo y creatividad, en un pilar fundamental de la escuela. El producido en el taller de tejidos fue  relevante en la Bauhaus ya que la mantuvo económicamente hasta su cierre gracias a las patentes de sus diseños que adquiría la industria textil alemana.

En 1995, la Bauhaus-archiv edita el libro “Construcciones y proyectos Bauhaus en Berlín”, de Peter Hahn, donde sólo se muestran los trabajos realizados por estudiantes y profesores de la escuela en el área metropolitana de Berlín, no aparecen planos  ni fotografías de ninguna estudiante. Tan solo se citan las biografías de Lilly Reich y Vera Meyer-Waldeck.

“Demasiadas reglas entorpecen la creatividad”. Johannes Itten (1888-1967)

Algunas de esas parejas y mujeres “Bauhaus”

Gunta Stölzl y Arieh Sharon

Gunta Stölzl
Gunta Stölzl

“Gunta Stölz (1897-1983) fue alumna, profesora, maestra y directora del taller Textil de la Bauhaus. Son famosas sus tapicerías sobre los muebles creados por Marcel Breuer.”

Casada con el estudiante judío Arieh Sharon, fue muy perseguida de todas las formas posibles por estudiantes de la Bauhaus de ideología nazi.

“Frau Sharon ha fracasado completamente en términos educativos, artísticos y organizativos. Stöltz es insegura y desconoce los términos y la técnica… es incapaz de distinguir la lana del algodón”. Este permanente acoso y la pintada de una esvástica en su puerta fueron los motivos de su abandono de la Bauhaus.

Mies expulsó a los estudiantes nazis provocadores (H.vonArend, Ll. Voigt y M. Reichardt) pero el alcade del partido nazi obligó a que estos fueran readmitidos.

Stölz abandonó finalmente la Bauhaus en 1931 para trasladarse a Suiza

La remplaza Anni Albers en su puesto de directora del “Taller de Diseño de Interiores y Tejidos”, luego Otti Berger, hasta que el 5 de enero de 1932, Mies designa a Lilly Reich.

Sila de Marcel Breuer con tapicería de Gunta Stölz (1922)
Sila de Marcel Breuer con tapicería de Gunta Stölz (1922)

Era esencial definir nuestro mundo imaginario, dar forma a nuestras experiencias mediante el material, el ritmo, la proporción, el color y la forma». Gunta Stölz

Lilly Reich y Mies van der Rohe

Zaida Muxi escribe:

“la diseñadora y arquitecta alemana que colaboró con Ludwig Mies van der Rohe, es conocida a raíz de este hecho, pero al mismo tiempo, se desconocen sus aportaciones ya que muchas han sido atribuidas al arquitecto”. (6)

Lilly Reich

Según Albert Pfeiffer, Vicepresidente de Diseño y Dirección de la empresa de muebles Knoll e investigador de la figura de Lilly Reich, no parece casual que el éxito de Mies esté estrechamente relacionado con el periodo en el que duró su relación personal con Reich.

«Se está convirtiendo en más que una coincidencia que la involucración y éxito de Mies en el diseño de exposiciones comience al mismo tiempo que su relación personal con Reich… Mies no ha desarrollado ningún mueble moderno de manera exitosa ni antes ni después de su colaboración con Reich»… dos de las sillas más famosas del mundo son obra de Lilly Reich: la Barcelona y la Brno”.

Lilly Reich conoce en 1926 a Mies van der Rohe, cuando en la última etapa de la Bauhaus se despide a Hans Meyer (y se nombra nuevo director a Mies). (7)

Este conocedor de la valía de Lilly Reich (1885-1947) la nombra directora “Taller de Diseño de Interiores y Tejidos”, (tanto en Dessau como en Berlín). Su colaboración (profesional y sentimental) se prolongará hasta 1938, cuando Mies decide emigrar a los Estados Unidos.

Lilly queda a cargo de la familia de Mies y del estudio, cuidando más de 2000 dibujos que fueron protegidos de los bombardeos en una granja en las afueras de Berlín. Entre ellos, 900 de sus propios dibujos que hoy son archivos del MOMA.

Aunque no estudió formalmente arquitectura, ejerció la profesión y trabajó junto a Mies van der Rohe en  numerosos proyectos.

En septiembre de 1938, Lilly Reich visitó a Mies en EEUU y colaboró en el proyecto del ITT de Chicago. Intentó quedarse, Mies no apoyó esa idea, y debió volver a Alemania en los peores años de la guerra.

Existió una relación afectiva y de trabajo entre Lilly Reich y Mies, paralela a la de éste con su esposa.

“La realidad es un hecho, queramos o no”. Mies van der Rohe

Gertrud Arndt y Alfred Arndt

Gertrud (fotógrafa, 1903-2000) cursó 3 años en la escuela en el área de tejeduría, y fue alumna de Paul Klee y László Moholy-Nagy, aunque su verdadera pasión era la arquitectura.

Se casó con un estudiante que fue luego maestro de la Bauhaus, el arquitecto Alfred Arndt, en 1927.

Dejan Dessau y se trasladan a Probstzella (oeste de Alemania). Poco después tendrían dos hijos y ella abandona su carrera y se dedica de pleno a cuidar de su familia

En 1929, Hanes Meyer invita a Alfred a regresar a la Bauhaus al taller de construcciones, del área de metal, carpintería y pintura.

La familia Arndt regresa a Dessau

Gertrud pone un pequeño laboratorio fotográfico en un baño de su casa.

Con la llegada del profesor Walter Peterhans (1897-1960), la fotografía fue considerada una asignatura. Gertrud quiso apuntarse a su curso.

“no pudo inscribirse y se dedica de pleno a cuidar de su familia.”

En 1932, tras el cierre de la Bauhaus, deben regresar a Probstzella donde Alfred podrá nuevamente trabajar mientras Gertrud se dedica de pleno a cuidar de su familia

Otti Berger

Diseñadora textil (1898-asesinada en Auschwitz, 1944).

En 1926 realiza el Vorkus (curso preparatorio) con Lászlo Mohloy-Nagy (1895-1946) y asiste a las conferencias impartidas por Paul Klee (1879-1940) (que, por lo que he leído, eran conceptualmente muy difíciles de asimilar) y Wassily Kandinsky (1866-1944), graduándose el 22 de noviembre de 1930 en el taller textil.

Durante su tiempo en Dessau, escribió un tratado sobre telas y la metodología de la producción textil que lo guardó Walter Gropius y nunca fue publicado.

Por recomendación de Gunta Stözl asume en 1931 la dirección del taller de tejidos. En 1932, cuando el nuevo director, Mies van der Rohe, confió la dirección del Taller Textil a la diseñadora Lilly ReichBerger se convirtió en su adjunta.

En 1932 deja la Bauhaus para abrir su propio “Atelier for Textiles” en Berlín.

Perseguida por los nazis es ingresada junto a su familia en Auschwitz donde es asesinada en 1944.

“…lo que resultaba más apasionante de la Bauhaus era que no había ningún sistema de enseñanza aún establecido. Y sentías como si dependiese solo de ti.

Anni Albers y Josef Albers,

Su nombre de soltera era Annieliese Fleischmann (1899-1994). Tuvo un talento tan excepcional que llevó el telar y el diseño textil a lo más alto.

Conoce en la escuela a quien sería su marido el pintor Josef Albers (1888 –1976) manteniendo una relación profesional y sentimental durante más de 40 años.

Anni Albers inició su carrera en la Bauhaus con la intención de formarse en pintura, pero la política de la escuela solo le permitió entrar en el taller textil, y en 1931 sustituye a Gunta Stölzl en la dirección de dicho taller.

Para su trabajo de graduación creó un tejido insonoro, reflectante y lavable (hecho principalmente de algodón y celofán). Convirtió sus tejidos y tapices (a los que llamaba colgaduras) en pinturas.

Juntos deben abandonar la Bauhaus, y en 1933 también Alemania.

Invitados por Philip Johnson, arquitecto y comisario del MOMA de Nueva York, parten a los Estados Unidos para ejercer como docentes en la recién inaugurada escuela experimental “Black Mountain College” en Carolina del Norte,

Anni recibe una gran influencia de su profesor Paul Klee que refleja en sus telas: “Observaba lo que él hacía con una línea, un punto o un trazo del pincel, e intenté en cierta medida encontrar mi propia dirección a través de mi propio material y mi propia disciplina artística”, (1968).

De forma más reducida, mencionaré a otras mujeres de la Bauhaus para homenajearlas como reconocimiento a su valor y esfuerzo.

Marianne Brandt

Marianne-Brandt
Marianne-Brandt
Lámpara "KANDEM", 702
Lámpara “KANDEM”, 702

Pintora, escultora, ingeniera, diseñadora industrial y fotógrafa (1893-1983).

Ingresó en la Bauhaus en 1923 y, como a Anni Albers, se le negó el acceso a los talleres de pintura y debió resignarse al taller textil a cargo de Gunta Stölz. Pero su perseverancia le permitió ser aceptada por László Moholy-Nagy en el “Taller de Metales” y terminó sustituyéndolo como directora del taller en 1928, siendo la primera mujer en conseguirlo.

Son famosos sus diseños como su famoso juego de café MT50-55a (1924), ceniceros, la mítica tetera MT49 y la conocidísima lámpara Kandem 702. Sus diseños son un referente de lo mejor producido en la Bauhaus.

Marianne-Brandt. tetera
Marianne-Brandt. tetera

Alma Siedhoff-Buscher

Los juguetes de la Bauhaus

Diseñadora de juguetes (1899-  murió en un bombardeo en Buchschlag en 1944).

Le debemos a Alma el haber tomado en serio el diseño de juguetes “claros, no desconcertantes”, y de “proporciones armónicas dentro de lo posible”. (8)

“Haus am Horn”

Entre el 15 de agosto y el 30 de septiembre de 1923, más de 15.000 personas visitan la exposición “Arte y técnica: una nueva unidad”. La Bauhaus la organiza para mostrar lo que se hacía en la escuela y para conseguir fondos. Se construyó una casa experimental, la “Haus am Horn”. En ella participaron varias mujeres de diferentes talleres, entre ellas Alma Siedhoff-Buscher y Benita Otte, Si buscamos en Internet no encontraremos ni una mención a ellas. En  Wikipedia leemos “…fue diseñada por Georg Muche, un pintor y profesor en la Bauhaus. Otros profesores de la Bauhaus, como Adolf Meyer y Walter Gropius, colaboraron con los aspectos técnicos del diseño de la casa…”

Cuando Benita Otte fue obligada a dejar su cargo en la Bauhaus.

Hermine Luise Scheper- Berkenkamp (Lou), alumna del taller de pintura mural, se casó con su compañero de estudios Hinnerk Scheper (1897-1957).

Él fue profesor de la escuela y ella se dedicó a ayudarle al tiempo que ejercía de pintora e ilustradora de libros para niños. Scheper muere prematuramente en 1957, yLou se hace cargo del estudio y sus obras. Fue responsable del diseño de color del último proyecto de Otto Bartning (un hogar infantil en Berlín), la Filarmónica de Hans Scharoun, el Museo Egipcio, varios edificios de Walter Gropius en los distritos de Berlín: Britz, Buckow y Rudow, así como el edificio del Aeropuerto de Berlín-Tegel.

Lotte Stam-Beese (1903-1988), arquitecta y urbanista, se formó en la Bauhaus entre 1926 y 1929.

Fruto de la tormentosa relación que mantuvo con Hannes Meyer fue el nacimiento de su hijo Peter. El hecho de que Meyer fuera un hombre casado obligó a Lotte a abandonar la Bauhaus, cosa que oficialmente haría “de manera voluntaria”.

Esa relación se mantuvo hasta 1932.

Fue la primera mujer en estudiar arquitectura teniendo de profesores a Hannes Meyer y a Hans Wittwer.

En el estudio Meyer/Wittwer trabajó en grandes proyectos (sanatorio en Harzgerode y un complejo educativo en Bernau (premiado y construido), entre muchos otros.

Marguerite Friedlaender-Wildenhain, ceramista. Alcanzó gran éxito en los EE.UU. con su cerámica “Pond Hall”.

Ilse Fehling, escultora y diseñadora escénica.

Marianne Dicker,

Ilse Fehling, Gertrud Grunow, Florence Henri, Grete Heymann-Loebenstein, Lucia Moholy, Grete Stern, Marta Erps. Kalt Both, Ruth Hollos-Consemüller,

Iguales pero  no tanto:

Bajo la dirección de la joven Gunta Stöltz, se produjeron grandes cambios como la aceptación de Gropius a que las alumnas: “…Tras un último examen… si la candidata está capacitada y siente inclinación a ello… podrá considerarse su incorporación al taller de arquitectura”.

En 1932, una revista alemana manifestaba “La relación entre maestros y alumnos es absolutamente distendida, de igual a igual. No hace falta decir que las mujeres gozan de los mismos derechos en todos los aspectos”. (9). Sin embargo, la realidad era mucho más dura, y dentro de la Bauhaus… la situación interna presentaba muchas contradicciones.

(Tomo esta cita de uno de los libros más exquisitos que hemos distribuido en España y Latinoamérica a través de ASPPAN y Onlybook.  Conocí de cerca la producción del mismo, tanto por mi relación personal y de amistad de más de 27 años con Ludwig Könemann, como con uno de los editores, Peter Feierabend, con quien hemos tenido interesantísimas charlas en varios países de Europa y Latinoamérica. Recuerdo especialmente una en San Pablo. Brasil).

“…durante la crisis económica, a principios de los años ´30… se les pedía a las mujeres que dejaran su trabajo para darles un sitio a los hombres… pero los ataques contra la mujer moderna iban mucho más allá del terreno económico.  (10)

Comencé este artículo escribiendo un juego de palabras, que reitero al final del mismo.

La Bauhaus una visión lejana del futuro

(De) construyendo el amor.

Construyendo el (des) amor.

Notas

Silla BRNO en la casa Farnsworth
Silla BRNO en la casa Farnsworth

1. En el concepto “Bauhausiano”, partir de cero era ni más ni menos que volver a crear el mundo. ¿Quién teme al Bauhaus feroz? Tom Wolfe, prólogo de Oscar Tusquets Blanca. Anagrama.1981

2. Los nazis avanzaban proporcionalmente al avance de la crisis económica que dejara desempleados a más de 6 millones de trabajadores en 1932. Ven a la Bauhaus como generadora de un arte degenerado, un arte bolchevique, judío y anti alemán.

3. “Las mujeres de la Bauhaus: de lo bidimensional al espacio total”. Josenia Hervás y Heras. Tesis doctoral 2014. ETS Arquitectura (UPM) Diseño Editorial. 2015. Librería Técnica CP67

4. Mujeres Bauhaus (“Bauhaus women”) de Ulrike Müller.

5. Jonathan Glancey. Crítico de arte y diseño en el diario británico The Guardian.

7. Ludwig Mies van der Rohe & Lilly Reich. Furniture and Interiors”. Editorial Hatje Cants, Ostfildern 2006. Pag 233

9. “Bauhaus”. Editorial Koenemann. Editores Jeannine Fiedler y Peter Feierabend. Barcelona 2000. Pag. 473/4 cita recogida por Frityz Schiff “Bauhaus Dessau”suplemento ilustrado, 1932 pág. 9

10. “La Alemania de Weimar, presagio y tragedia” Eric D. Weltz. Turner publicaciones SL. Madrid 2009. Pág. 380/1

Hugo A. Kliczkowski Juritz

Arquitecto, ha obtenido varios premios y menciones en concursos nacionales de arquitectura.

Entre ellos el premio DINERS de la Bienal de Buenos Aires.

Antiguo director de Le Monde diplomatique en español.

Fue profesor adjunto de diseño en la Universidad de Bs Aires.

Fue director del programa de radio “urbanidad” en Radio Splendid.

Cofundador de las revistas Ambiente, Espacios CEPA y Casa Internacional

Editor de libros de arte y arquitectura (editorial HK y Asppan). Editó más de 600 libros, traducidos a 14 idiomas, y coeditado más de 300 títulos con importantes grupos editoriales de todo el mundo. Varios de ellos obtuvieron 10 premios editoriales y han sido incluidos en exposiciones.

Hugoklico.blogspot.com

Onlybook.es/blog

Lina bo Bardi

Lina bo Bardi Exposición en su casa de vidrio en San Pablo

desde el 1 de Abril al 2 de Junio de 2018

Exposición «A CASA COMO CASA» –
CASA RESIDÊNCIA E ESTILO DE VIDA DO CASAL BARDI

direccion:
Rua General Almeiro de Moura 200
en Morumbi, San Pablo
Curadora y directora cultural : Sol Camacho.
De Jueves a Sábado horarios 10h15, 11h45, 14h y 15h30
 
Lina muere en 1992, un año mas tarde con el nombre de Lina Bo y P.M. Bardi se consolida en la que fue su casa una propuesta de difusión cultural en Sao Pablo.(ya funcionaba desde 1990).
Esta exposición es el lanzamiento del nombre INSTITUTO BARDI / CASA DE VIDRIO, para celebrar la reconstrucción de la sala de la Casa de Vidrio, lo mas parecida posible a aquella en la que vivieron los últimos años de su vida Lina y Pietro.
Sol Camacho curadora de la exposición explica que se intento recuperar la atmósfera y el estilo de vida de sus habitantes.
Recordemos que Lina y Pietro eran italianos, y que durante 50 años (1951 a 1999) fue el escenario de los intelectuales italianos que debido a la 2nda guerra mundial, escogieron Brasil como su patria.
Sus amigos, artistas, galeristas, políticos colaboraron en ese clima progresista, y hoy sede del Instituto que difunde cultura por medio del arte, el diseño, la arquitectura y el urbanismo.
Esta «su casa», no fue solo un ejercicio de arquitectura de vanguardia, experimentación de los proyectos de vanguardia de Lina, sino que fue el lugar intimo donde ambos trabajaban, escribían, proyectaban edificios. muebles y objetos.

Arq. Paolo Soleri, un profeta en el desierto. por HaKj

Arquitecto Paolo Soleri, un profeta en el desierto

Una arquitectura coherente con la ecología

 El experimento mágico creado en un laboratorio

Hace algunos años, junto mi hermano Guillermo, visitamos “Arcosanti”, una “parada anterior” en nuestro camino para conocer el estudio del arquitecto Frank Lloyd Wright en Taliesin West.

 

Taliesin EAST

Taliesin WEST

Queríamos ver in situ lo que ha planificado para una comunidad Paolo Soleri un arquitecto Italo-americano que por su trabajo podríamos presentarlo además como urbanista, artista, artesano, escultor, escritor y filósofo. Su filosofía era fusionar la ecología en la arquitectura, de una forma urbana compacta e integrada. Podemos hablar de una contraposición entre ésta comunidad compacta que comparte un espacio saludable y placentero y la expansión urbana tradicional que por su dimensión genera un alto consumo de espacio, energía y tiempo.

Consideró que la distancia crea aislamiento, para evitarlo propone eliminar el uso del automóvil, y dedicar la tierra que rodea la ciudad a la agricultura y los viveros.

Si estás en Phoenix en los EEUU, vale la pena hacer 104 km al Norte para ver Arcosanti. Mientras tanto, aquí algunos comentarios.

Vista general de ARCOSANTI

      No lo llaméis utopía, La utopía es el “no lugar”, el ideal inalcanzable. Yo nunca he querido caer en el idealismo irrelevante… “Arcosanti” es un laboratorio urbano y está arraigado en la realidad”. Paolo Soleri

Surge Arcosanti. Un hábitat alternativo al “hiperconsumo”  Www.arcosanti.org 

Nos encontramos con una ciudad experimental y de investigación para 5.000 personas, fundada por el arquitecto Paolo Soleri (Turín, 1919- Scottsdale Arizona, 2013) y su esposa Colly.

Su población actual flotante no llega al centenar, durante el verano se incrementa con “voluntarios y aprendices” que llegan para continuar la construcción de esta ciudad que no parece tener fin.

Su plan, fue realizar un conjunto de arquitectura bioclimática, un experimento como si de un laboratorio se tratase, con un respeto hacia el medio ambiente, que con menos (consumo, deshechos) se consiguiera más (calidad de vida, integración entre sus habitantes y con el lugar). Su proyecto comenzó en 1970, y aun hoy, a 4 años de su muerte (y a 35 de la de Colly), su proyecto sigue creciendo  e interesa a más de 40.000 visitas al año.

Soleri caminando en el desierto

Paolo Soleri se esfuerza durante toda su vida en hacer realidad el proyecto arquitectónico Arcosanti, con la ayuda de 70 estudiantes de varias nacionalidades que entienden que la participación en ésta construcción es una forma de aprender y una forma de vida, quizás una forma de aprender a vivir.

Trabajar, aprender, vivir y jugar, todo esto se hará «en» un mismo techo, la comunidad la integran estudiantes y aprendices que conforman una unidad junto a las “familias” que también viven en Arcosanti.

Una ciudad como un sistema que surge de un proyecto sesudamente planificado, que resulta complejo y simple a la vez.

La Fundación Cosanti, lleva el nombre de una propuesta de aquellas cosas (cosa) que son, y al mismo tiempo se oponen a serlo (Cosa/anti). Es Arcosanti como un híbrido entre un edificio y una ciudad, que pretende ser sostenible sin sobrecargar el medio ambiente.

El proyecto aspira ser un modelo demostrativo que la Arcología es coherente con la ecología.

Es una ciudad hiperdensa, diseñada para elevar al máximo las relaciones humanas, el acceso a servicios de infraestructuras compartidos y al mismo tiempo hacerla rentable. Objetivos hoy en dia muy “declamados” como conservar el agua reduciendo las aguas residuales, minimizando el uso de la energía, materias primas y tierra, reduciendo residuos y la contaminación ambiental, en definitiva una ciudad que establezca un diálogo honesto con el entorno circundante.

Busca en forma real de convertirse en una “alternativa”, a través de un diseño urbano inteligente que facilite la vida humana.

Resumiendo proponía

– una arquitectura antimaterialista

– antiespeculativa

– integradora con el medio ambiente

– favoreciendo la integración del hombre con su ambiente natural.

– facilitando la interrelación de sus habitantes.

Ha tenido 5 fases experimentales:

–          1951. La Fundación educativa Cosanti, sin fines de lucro.

–          En la década de los ´60 Cosanti II,

–          1971. Masa Crítica

–          Entre 1980 y 1985 Valetta Primavera

–          1991 un prototipo de última generación «arcologique»

 «el Homo faber tiene la facultad de hacer, una facultad que depende directamente de la capacidad de manipular y transformar las cosas, por  lo que somos transformadores por naturaleza». PS

 Ubicación

Al Norte de Phoenix, cerca de Cordes Junction, en Arizona 86333 en los EE. UU. Es un experimento urbano, una comunidad que actúa como un laboratorio en constante crecimiento, buscando hacer “más con menos” más integración con el sitio y accesibilidad para sus habitantes con menos (recursos energéticos, contaminación, desperdicio de espacio y materiales).

Voluntarios y aprendices comenzaron esta construcción en 1970. Se materializo en una compleja estructura de 34 niveles., creando un hábitat humano en equilibrio con su entorno. Arcosanti no es solo un proyecto de arquitectura, donde podemos encontrar cualidades espaciales y sociales, sino también un departamento de diseño y construcción de invernaderos para la agricultura ecológica.

Construido con grandes estructuras semiesféricas entre gradas semicirculares, bóvedas y arcos de hormigón. Casas subterráneas con techos abiertos o rodeados de cristal. La energía que necesita la proveen generadores de viento y paneles solares.

Solo ha sido construido un 5 % del proyecto inicial

El arquitecto Paolo Soleri

Se recibe de arquitecto y en 1946 completa su doctorado con los más altos honores en el Politécnico de Turin.

 

Al año siguiente fue a Arizona, y durante 1 año y medio trabajó con el arquitecto Frank Lloyd Wright, tanto en Taliesin West (Arizona) como en Taliesin en Spring Green (Wisconsin)

Las teorías de Wright acerca de lo orgánico y la plasticidad tendrán una profunda influencia en la obra de Soleri.

Durante ese período no solo conoció Taliesin West, también conoció y amó el desierto.

Broadacre City

Hubo un pero que provocó en 1948 su expulsión de Taliesin, Sus conceptos filosóficos acerca de la forma que una ciudad debia ayudar al desarrollo de la vida a sus habitantes, y sus críticas al concepto de desarrollo urbano de F.LL.Wrigh en Broadacre City (proyecto financiado por Edgar Kaufmann) lo enfrentaron a su maestro.

En ese tiempo ganó reconocimiento internacional por el diseño de un puente exhibido en el Museo de Arte Moderno y publicado en el libro “Arquitectura de los Puentes” de Elizabeth Mock.

Vuelve a Italia en 1950 para recorrerla en un bus que es también “casa-estudio”, y en la ciudad de Vietri Sul Mare conoce a una antigua familia de alfareros llamados Sulimene, con los que  acuerda realizar el diseño de la nueva fábrica de cerámica SULIMENE al sur de Nápoles, (declarada Monumento Italiano), una obra orgánica y expresiva. 

De esa época son sus conocimientos de producción de cerámica y bronce, cubiertos con una fina lámina de metal. Sus proyectos se siguen financiando actualmente con la técnica que aprendiera en aquella época y que se utilizan para realizar las campanas de cerámica.

En 1951 construye la sede de la fundación Cosanti en Paradise Valley, Arizona la “Casa de la tierra” donde experimenta con técnicas de fabricación de materiales de arcilla moldeados.

Preside la fundación desde 1955, y al año siguiente, regresa al desierto con su mujer y sus 2 hijas, para dedicarse a la investigación y a la experimentación tanto en el diseño como en la planificación urbana en la “ecoaldea Arcosanti”.

Fue un pionero al reclamar un límite al crecimiento urbano, una arquitectura bioclimática y una amplitud mental abierta a la hora de definir el alcance de la labor de un arquitecto.

Fue un destacado profesor en la facultad de Arquitectura de la universidad Estatal de Arizona.

Arcosanti es su reacción a la dispersión de gente a través del paisaje de los EEUU, lo que Soleri llamó una «ermita planetaria».

Tanto su esposa Colly como él, están enterrados en Arcosanti.

 “No he querido caer nunca en el idealismo irrelevante”“Somos parte de la realidad, y las construcciones deberían ser como organismos vivos, con toda su complejidad, admitiendo sus imperfecciones y evolucionando, siempre evolucionando”.P.S.

 La Arcologia fusiona la arquitectura + ecología

Nos lo explica Paolo Soleri: “En la naturaleza, cuando un organismo evoluciona, aumenta su complejidad y también se convierte en un sistema más compacto o miniaturizado. Del mismo modo una ciudad debe funcionar como un sistema vivo. Arcología, la arquitectura y la ecología como un proceso integral, es capaz de aportar una respuesta positiva a los muchos problemas de la civilización urbana, la población, la contaminación, la energía y el agotamiento de los recursos naturales, la escasez de alimentos y la calidad de vida. La Arcología reconoce la necesidad de la reorganización radical del paisaje urbano en expansión en densas ciudades, integrados en tres dimensiones con el fin de apoyar las complejas actividades que sustentan la cultura humana. La ciudad es el instrumento necesario para la evolución de la humanidad “.

 

Por eso, Arcosanti es la implementación de un concepto arquitectónico de una ciudad utópica, que Soleri denomina “Arcologie”.

Se analiza el clima y su influencia en los cultivos que ayuden a operar Arcosanti de manera autónoma e independiente.

“Solíamos estar más lejos, pero la ciudad sin límites creció hacia nosotros”, ironiza Soleri. «En el último medio siglo, y gracias al automóvil, hemos adoptado el modelo de expansión de los organismos más primarios. Las especies más complejas, como las abejas o las termitas, eligieron vivir hace tiempo en dimensiones compactas. ¿Por qué hemos sido tan estúpidos los humanos?» P.S.

Recorrido

Se llega por un camino de tierra, a 5 minutos de Phoenix.

Alli viven 80 personas, 7 niños y un hombre de 80 años que está desde el comienzo del proyecto.

Con una entrada de 10 usa se hace un tour, se ve un corto sobre Arcosanti y Soleri. Se ven las ½ esferas de HºAº orientadas al sur para captar los rayos del sol, que ayudan a calefaccionar durante la noche.

Otras están orientadas formando un túnel de viento permitiendo que la brisa en verano enfríe los edificios, como un aire acondicionado natural.

Hay un anfiteatro donde se dan conciertos, (centro de artes escénicas Colly Soleri), una biblioteca gimnasio, un bar, una tienda y mercado de productos que se elaboran allí y un complejo  educativo  https://arcosanti.org/

Leyendo a Soleri

Respecto a las dificultades de su creación nos aclara: “Habría sido relativamente fácil vender la idea a un promotor inmobiliario, Pero habría sido también muy fácil desvirtuar la idea y acabar construyendo otro suburbio de Phoenix, concebido de espaldas a la humanidad y al servicio exclusivo del coche”.

Soleri tenía plena conciencia que su obra no la podría terminar en vida, y lamentaba el aspecto perpetuamente inacabado de “Arcosanti”, como si de ruinas mayas de hormigón se tratara. Y aclara al respecto: … “La culpa ha sido mía. Nunca he sido un buen relaciones públicas y sigo considerando a los promotores urbanísticos como la encarnación del diablo.

Lo reconozco: he fallado a la hora de materializar el proyecto. Nunca será como lo soñé, pero espero que el tiempo acabe dándone la razón: la ciudad del futuro será compacta, y los aparcamientos dejarán paso a las huertas urbanas, y no necesitaremos derrochar el tiempo y la energía como hacemos ahora”.

“Las ciudades que hemos construido en el último siglo son una receta para la catástrofe, Lamentablemente, las ciudades que hemos construido en el último medio siglo son una receta para la catástrofe. El sueño americano de una casa y dos coches se está reproduciendo en todo el mundo y está destruyendo el planeta»

 En su manifiesto urbano “La ciudad en la imagen del hombre” dice: «La ciudad debería ser la mejor expresión de la humanidad, el lugar donde trascienden todas nuestras limitaciones. Así ha sido siempre en todas las grandes civilizaciones, desde la Mesopotamia a los romanos… .

 Otros proyectos. no similares.

“Biosfera 2” es el nombre de un ecosistema artificial construido en Oracle, Tucson, Arizona.

Este ecosistema cerrado fue el mayor construido a la fecha (entre 1985 y 2007).

En su interior, una selva de 1900 m², un océano de 850  con un arrecife de coral, un manglar de 450 m², 1300 m² de sabana, un desierto de 1400 m², 2500 m² de tierras cultivables, un hábitat humano con alojamiento y oficinas, e instalaciones técnicas bajo tierra. (Nota 1)

Si el ego de un arquitecto es pequeño está acabado. Si, por el contrario, es enorme, cabe la posibilidad de que haga grandes contribuciones. P.S.

Films

Durante más de 8 años el director Lisa Scafuro, realizó el documental biográfico «La visión de Paolo Soleri: Profeta en el desierto”. Las respuestas de Paolo Soleri a la crisis ambiental, social y económica que pesa sobre el presente y futuro de la humanidad. Equipo: Director y Premio Emmy, Sam Shinn, presentando en las entrevistas a Jean-Michel Cousteau, Paul Goldberger, Eric Lloyd Wright, Steven Holl, Will Wright -creador del juego SimCity- y Morley Safer. Banda Sonora: Andrea Bocelli y Jared Leto de Thirty Seconds To Mars, Música Original: Justin M. Salter. Año 2010, duración 88 minutos. En 2013 fue seleccionado en el Festival de Cine de New Hope.

(tráiler) https://youtu.be/OXb9SoZ5YOI?t=2

 

Facebook : “The Vision Of Paolo Soleri: Prophet In The Desert”

VIDEOS

2 de Octubre de 2010. Soleri Archives. (2009) Fundación Cosanti. Textos de Erin Jeffries. Música de Philip Glass “Sons of the Silent Age”. Orchestra, Dennis Russell Davies. Video realizado por Tomiaki Tamura. https://youtu.be/0iRd41gvhaw

 Arcosanti.  20 de setiembre de 2011 – Vertigo 1871. Música: «Alash» por Vladiswar Nadishana  y “Youl’ por  Ayas Kholazhyk   https://youtu.be/GspJp5Mub1Y

14 de diciembre de 2012 por G. Alex.  Una ciudad para salvar al hombre. 

https://youtu.be/RhwsygLhA6w

2013.  ARCOSANTI, Eco Aldea ecológica de Arizona. autor: ekadantamedialuna. https://greenhousingwelfare.wordpress.com/2013/04/17/arcosanti-eco-aldea-ecologica-de-arizona/

20 de Junio de 2016. Un Video de Kirsten Dirksen.

Entrevista a Soleri en 2.000 describió la ciudad experimental .Aparece la familia Nadia Begin y David Tollas y su hijo Tristan. En 2014 (1 año después de la muerte de Soleri) regrese, Tristan tenía ya 18 años. https://youtu.be/VICOY_CVaHs

FORM Arcosanti 2017 (Official Trailer).                https://youtu.be/cml-TxAD2Os

realizado del 12 al 14 de  Mayo de 2017- Festival FORM Arcosanti. http://experienceform.com

Otros proyectos

1947. Cottage del sole, Taliesin, con Mark Mills
1949-50. Cúpula House, Dome House , Cave Creek, Arizona. Es el primer edificio que construyera Soleri con su amigo Mark Mills para la señora Woods. (inscrita en el Registro Nacional de Lugares Históricos),


1952. Casa studio in Via Madonna dell’Arco, Vietri sul mare – Salerno
1954-56. Fábrica de Cerámica Artistica Solimene, Vietri sul Mare, Via Madonna Degli Angeli 7 (84019) Italia. Adosada a la roca de la montaña, es muy reconocible por su fachada de miles de tubos cilíndricos de ladrillo en colores rojo y verde. La planta sigue las distintas fases de elaboración de los productos cerámicos, modelación en el torno, luego su diseño y decoración y finalmente su cocción. El arquitecto Oscar Pulice dice de su fachada “Una maravilla. El ladrillo como pincel”, y tiene razón.

 

Un excelente video de Franco Di Capua de la fábrica Solimeni https://youtu.be/lFOXomHEZ-w?t=7

1959. Mesa Proyecto Ciudad


1960, Cosanti, Phoenix
1962. Arcosanti, «Ciudad del Futuro», Arizona,
1966-1970. Anfiteatro “Paolo Soleri” de Santa Fe, Nuevo México. Institut of American Indian Arts.

1970. Arcosanti, construcción del primer edificio “I cubi”, en el desierto de Arizona

1971. Il donnone, estatua para el Museo d’Arte de Phoenix.
1980-1985. Valetta primavera.
1981. Casa De Concini, Phoenix.

1994. Asteromo ’94, para el Mei Center of the Art, Japón.
1996. Glendale Community College de Arizona. Anfiteatro para los estudiantes.

Publicaciones

  • 1969 Arcology: the City in the Image of Man. (Arcology La ciudad en la imagen del hombre). Cambridge, MIT Press, (Massachusetts Institute of Technology)
  • 1971 Los Cuadernos de Paolo Soleri. Cambridge, MIT Press,
  • 1973 El puente entre materia y espíritu se está convirtiendo en Materia Espíritu. Nueva York: Anchor / Doubleday,
  • 1981 Fragmentos-Una selección de los Cuadernos de Paolo Soleri; La paradoja Tiger-Paradigma. San Francisco: Harper and Row,
  • 1981 La Semilla Omega: Una Hipótesis escatológico. Nueva York: Anchor / Doubleday,
  • 1984 Espacio para la Paz, Paradise Valley, Arizona. Fundación Cosanti.
  • 1984 Fundición Tierra de Paolo Soleri: Para Escultura, Modelos y Construcción. Salt Lake City: Peregrine Smith,
  • 1986 Tecnología y Cosmogenesis. Nueva York: Paragon
  • 1993 Arcosanti: An Urban Laboratory? Mayer, AZ. El Cosanti Press,
  • 2001 El Urban Ideal: Conversaciones con Paolo Soleri. Editorial Berkeley, CA.
  • 2002 Y Si? Quaderni – Vol. 1, Mayer, AZ. El Cosanti Press,
  • 2003 What If? Collected Writings, 1986-2000, autores Paolo Soleri, Anastasia, Ron, Harry Rand, Editorial Berkeley, CA, (ISBN 13: 9781893163447)

 Premios y Reconocimientos

  • 1963: Medalla de Oro del American Institute of Architects. El AIA le concedió una medalla de oro por su labor de artesano. (Comentario: han  valorado sus cerámicas más que su ideario de ciudad).1981: Medalla de oro en la Bienal Mundial de Arquitectura organizado por la Academia Internacional de Arquitectura en Sofía, Bulgaria
  • 1984: Medalla de Plata para la investigación y la tecnología en la Academia de Arquitectura de París, Francia
  • 1996 Miembro honorario del Instituto Real de Arquitectos Británicos (RIBA)
  • 2000 León de Oro en la Bienal de Arquitectura de Venecia, Italia
  • 2006: Premio Nacional de Diseño por todo su trabajo en el Museo Nacional de Diseño Cooper-Hewitt en Nueva York
  • Recibe las Becas de la Fundación Guggenheim y la Fundación Graham.

Notas

1-      Por tuberías circula la calefacción y el agua fría. Una central de gas natural proporciona energía eléctrica. Tuvo un coste de más de 200 millones de dólares, y se vendió por ¼ de su valor a una promotora de casas residenciales y un hotel turístico. La arquitectura de cristales es ahora responsabilidad de la Universidad de Arizona, lo que garantiza la continuidad de la investigación y preservación arquitectónica.

Arq. Eduardo Le Monnier, un Icono en el puerto de Bs As por HaKj

Un ícono en el Puerto de Buenos Aires. arq Eduardo le Monnier

Como una escultura posada en el río 

por Hugo A. Kliczkowski Juritz

Hubo una época en que los arquitectos de otros países podían fácilmente convalidar sus títulos universitarios y trabajar en una ciudad (y un país) que valoraba enormemente sus proyectos, la burguesía nacional los esperaban para establecer con ellos una conexión de proximidad y así de/mostrar su pertenencia social, adoptando sus valores estético-simbólicos, en la arquitectura y en el mobiliario como signos de refinamiento. (Nota 1)

Entre esos profesionales hubo muchos arquitectos franceses que nos dejaron sus proyectos, como el que capta nuestra atención cuando se entra al puerto, es una silueta sugerente con un lenguaje arquitectónico que nos retrotrae a la secesión Vienesa.

Es el Yatch Club Argentino, del arquitecto Eduardo Le Monnier, ubicado en uno de los accesos a Buenos Aires.

Edouard Stanislas Louis Le Monnier, o simplificándolo como él lo americanizó Eduardo Le Monier, se forma en la Escuela Nacional de Artes Decorativas, una institución que colaboró intensamente en el desarrollo del Art Decó, en los años 20 a 30. (Nota 2)

La escuela poseía (y posee) un enorme prestigio.Entre sus alumnos podemos mencionar al arquitecto Hector Guimard (1867~1942) representante principal del Art Nouveau, Fernand Léger (1881~1955) destacado pintor cubista de la primera mitad del siglo XX, al pintor Francis-Marie Martínez Picabia (1879~1953), y quisiera agregar a Rébecca Dautremer (1971) quien ha estudiado en la misma escuela, aunque un siglo más tarde. Les recomiendo especialmente el maravilloso libro “Pequeño Teatro de Rebecca” (https://youtu.be/1hiJVA5yDHQ ) editado en español por la editorial Edelvives. Su último libro Une bible, de Philippe Lechermeier, editado por Gautier-Languereau en 2014, es una proeza de ilustración.Esta editorial fue fundada en 1859, 14 años antes del nacimiento de Le Monnier.

Le Monnier, nace en Paris en 1873 desde donde se traslada a Brasil, luego a Uruguay (siendo unos de los pioneros en proyectar viviendas en lo que más tarde se llamaría Punta del Este) y llega finalmente en 1896 a Buenos Aires con 23 años.

Cambios en Buenos Aires

Durante la intendencia de Torcuato de Alvear se operan grandes cambios en la ciudad (entre 1880 y 1883 fue Presidente de la Comisión Municipal de la Ciudad de Buenos Aires, y es designado por el presidente Julio Argentino Roca como primer Intendente municipal para el periodo 1883 y 1887), como parte de los cambios se demuelen la vieja recova (construida en 1802 para la venta de carne, verduras y frutas) para conformar la Plaza de Mayo,  también la Aduana, y el primer Teatro Colón.

 

Existe una preocupación por arquitecturizar el espacio público, como urbanísticamente lo hizo el barón Georges-Eugène Haussmann (1809~1891) en Paris en 1852 por encargo de Napoleón III Bonaparte (1808~1873).

En Buenos Aires de la mano del arquitecto Juan Antonio Buschiazzo(1845~1917)  se diseña la Avenida de Mayo, un eje que conectará la casa de gobierno (la casa rosada) con el Congreso de la Nación y que funcionara como un boulevard central este-oeste. El viejo Fuerte de Buenos Aires se convierte en la Casa de Gobierno (con la construcción del arco monumental que une las dos construcciones existentes). Se anexiona a la ciudad las antiguas quintas de Belgrano y Flores, se construyen obras residenciales e institucionales a gran escala, barrios obreros, edificios para la educación y la salud, así como obras portuarias y tranviarias, que cambiarían en forma definitiva la fisonomía de la ciudad de Buenos Aires.

La sociedad argentina está en pleno esplendor, con una creciente producción agropecuaria y aumento de sus exportaciones, una enorme afluencia inmigratoria y una sed de aplicar modelos urbanos y arquitectónicos especialmente franceses (hay una fascinación  por la moda parisina especialmente a partir del reinado de Napoleón III entre 1852 y 1870) siguiendo los cánones dictados por la Ecole de Beaux Arts, donde predominaban criterios esteticistas de la composición arquitectónica (como las normas de la simetría axial, de la fragmentación de las partes y la “composición” del todo).

Lenta pero inexorablemente los conceptos del clasicismo comienzan a teñirse de eclecticismo, mostrando un proceso de “decadencia” que hace que lentamente se abandonen sus anteriores normas rígidas. Lo que permanece es el esfuerzo –no solo arquitectónico- de dar apariencia de “vida europea”, a ciertos sectores sociales en Buenos Aires.

Llegan los franceses!! 

Arquitectos franceses como Pablo (Paul E.) Pater (Dijon 1879~Buenos Aires

1966), u otros como René Sergent (1865~1927) que a pesar de la enorme cantidad de proyectos que realizó nunca estuvo en nuestro país (entre ellos la residencia Bosch –actual embajada americana o el  Palacio Errázuriz, ahora Museo de Arte Decorativo para la que hasta Rodin llegó el encargo de una nunca construida estufa.

La residencia de la familia Paz de 12.000 m2 (actual Círculo militar) fue proyectada por Luis María Sortaris en Francia. Norbert Maillart (y no Maillard como se lo menciona errónea y habitualmente) (1856 ~ ) diseña el Correo Central, el Palacio de Tribunales y el nuevo Colegio Nacional Buenos Aires.

Los espacios públicos que aún hoy admiramos diseñados por (Jules Charles) Carlos Thays (arquitecto, naturalista, paisajista, urbanista, escritor y periodista francés) (Paris 1849~Bs. As. 1934) embellecidas con esculturas de Augusto Rodin(1840~1917) o Antonio Bourdelle (1861~1929).

Las casas de renta y los “petite hotel” toman del lenguaje arquitectónico dominante sus lineamientos para beber de su prestigio, es una manifestación de buen gusto y ascenso social para sus edificios y sus propietarios. En esa época y a raíz de estas obras surgieron excelentes artesanos, escultores, ebanistas para satisfacer la necesidad del estilo “luises” que abarcaba la porcelana, esculturas, cortinados y mobiliario que decoraban las viviendas de la época.

Otros arquitectos franceses que construyeron sus proyectos en ciudades argentinas y que se formaron en la École Spéciale D´architecture, en la École Des Beaux Arts o como Le Monnier en la  École Nationale Des Arts Décoratifs son: Louis Dubois (1867~1916); (Pierre Paul)

Alfred Massué (1860~1923) se identificó con el art nouveau y el eclecticismo anti-academicista como el edificio de Avda Corrientes y Azcuénaga o la torre del mirador Massué de Plaza Lavalle (deformada por el edificio moderno que la contiene); Gastón L. A. Mallet  (Mennecy – Seine -Et-Oise 1875~Bs.As.1964); Albert Ballu (1849~1939) realizó el pabellón argentino en la Exposición Universal de 1889 en Paris, siguiendo la línea de diseño del Crystal Palace de Joseph Paxton, desmontado y luego de múltiples peripecias por su traslado rearmado en Buenos Aires, donde funcionó durante 20 años como Museo de Bellas Artes, hasta 1933 que fue demolido para ampliar la Plaza San Martín; Robert CH. Tiphaine  (Paris 1879~Bs. As.1962); Emile Hugé (Francia 1863~Bs.As.1912); Auguste Huguier (Troyes 1876~Bs As.1957) autor junto a Eduardo Sauze del palacio Estrugamou en Juncal al 783 de Buenos Aires, bautizado por el escritor Eduardo Mallea como el “codo aristocrático de la calle Arroyo);Joseph Gire (1872~1933); Emilio (Émile) Bonnet Coutaret (Thiers 1863~La Plata 1949) en 1885 junto a Pedro Benoit y el arq. Ernesto Mayerrealizan la Catedral de La Plata, fue director de la Academia de Dibujo y Bellas Artes, entre sus alumnos destacaron Emilio Pettoruti y Adolfo TravascioUlric Courtois (Avignon1843 / ); Joseph Antoine Bouvard  (1840~1920) El intendente Carlos de Alvear lo contrataría para proyectar obras públicas y un plan urbanístico para festejar el centenario de la revolución que se haría en Mayo de 1910; Albert Desiré ; André Guilbert(1866~1949); Henry Paul Nenot (1853~1934) diseño el edificio Dreyfus en Avda. Alem 410.

Si observamos sus fechas de fallecimiento, gran parte de ellos ocurrieron en Buenos Aires, donde habían fijado su residencia.

En 1901, Le Monnier revalidó su título francés en la Universidad de Buenos Aires e ingresa en la SCA (Sociedad Central de Arquitectos), 6 años más tarde presidirá la misma (1907~8).

Le Monnier no oculta la influencia de las líneas anticlasicistas de la Secesión, en especial de los arquitectos Wagner, Olbrich y Hoffman. Arriba a un Buenos Aires que en ese momento se dejaba seducir por diferentes corrientes arquitectónicas, las que darían un lenguaje acorde al uso de cada edificio, con el objetivo de darles un sello personal. 

Las instituciones religiosas abrazarían los llamados estilos historicistas, como el neorrománico (una reinterpretación del románico de la edad media, fue Eugène Viollet-le-Duc que lo difundió en Francia a partir de su “Dictionnaire”), el neobizantino o neogótico (integra elementos de la arquitectura bizantina –desarrollado en Constantinopla- junto con elementos vinculados a la arquitectura cristiano-medieval de Europa del este).

Las instituciones del estado como los poderes legislativo y judicial adoptan variantes grecorromanas y para temas más populares, de ocio como sedes deportivas, turísticas y balnearias; ámbitos de vida rural, y mayoritariamente como “casas quinta” suburbanas el pintoresquismo (una arquitectura desprejuiciada, con referencias a la arquitectura anónima, regionalista y folclórica, con materiales rústicos, como una estética sincera sin aditivos extraños)

Irrumpe también el eclecticismo que cobra vida de la combinación en distintos porcentajes de composiciones académicas, su arquitectura se nutre de esa mezcla de géneros arquitectónicos: tantoel art Nouveau (Nota 3)como los movimientos de vanguardia.

Le Monnier adscribe al eclecticismo que no pasará inadvertido y provoca críticas como la que en 1908  bajo el título “Adefecios a granel” se refiere a su obra “como un atentado fenomenal a las leyes del buen gusto”, y define la resolución de la ochava de la esquina de General Perón al 300 como “lo más feo de lo feo”

Por el contrario años más tarde el arquitecto Federico Ortiz define su obra diversa de un “Eclecticismo Abierto”.

Ve a Buenos Aires, “plagada de fachadas Luis XV”, critica la “modernización” que se da por todas partes en “barrios ricos y pobres, en palacios y casuchas” asociando productos “de civilizaciones tan distintas como lo son la azotea y el Luis XV”Buenos Aires no puede “contentarse con sus antiguas fachadas ornamentadas con pilastras rematadas por capiteles mil veces repetidos y caer en una “Luisiada como si hubiese caído una nevada de Luises” – estos son extractos de su artículo “Garnier y la arquitectura Bonaerense”.

Su prestigio crecía tanto por los encargos que recibía como por los reconocimientos a su trabajo, entre ellos el premio Municipal a la mejor fachada (residencia Ginocchio) y 3er premio a la mejor fachada (residencia Egusquiza).
Se desempeñó además como docente en la Academia Nacional de Bellas Artes y en la Escuela de Arquitectura de la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires.

Sus primeras obras en Buenos Aires las realizo asociado al arquitecto Carlos Altgelt (1855 ~1937) (Nota 4). Se enfrentaron en el seno de la SCA (Carlos Altgelt fue uno de los 10 socios fundadores de la SCA) cuando ambos mantuvieron posiciones encontradas, Altgelt criticaría la sumisión por todo lo que proviniera de Paris, y Le Monnier solicitando la exclusión de todo profesional que no estuviera diplomado en la Sociedad Central de Arquitectos. (El primer título de arquitecto se extiende en 1878 y La Sociedad Central de Arquitectos y la Escuela de Arquitectura los otorgan a partir de 1901. (Nota 5)

Tuvo una destacada actuación en edificios en la ciudad de Rosario, como la sucursal local de la Compañía de Ahorro y Seguro “La Bola de Nieve”, donde celebra una esquina con claras reminiscencias a San Pietro del arq Bramante en Roma, al colocar un tambor con columnatas.Le Monnier Realizo más de un centenar de edificios.

Yatch Club Argentino

Historia

El 2 de Julio de 1883 se crea formalmente el Yatch Club Argentino (YCA), una institución próxima a cumplir 134 años, que figura entre los 30 clubes más antiguos del mundo dedicados al yatching.

La primer obra fue realizada por la empresa constructora Erausquin y Sanmartino, con un coste de 57.000 pesos (casi imposible darnos una idea de que magnitud hablamos).

En Septiembre de 1911 el Congreso aprueba el proyecto que concede al club un fondeadero de 30.000 metros cuadrados de superficie, y en Junio de 1914 la concesión para la sede social, El edificio sede central del Yatch Club Argentino es inaugurado el 23 de diciembre de 1915, lo amplia en 1930. En 1995 es remozado y restaurado.

Ubicada en el espigón de la Dársena Norte en el Puerto Nuevo de Buenos Aires. Al más puro lenguaje de la secesión Vienesa, de espaldas a la ciudad y frente al río abierto, el Rio de la Plata, diseña un edificio de formas curvas y lenguaje náutico, el faro (torre asimétrica que remata en una esfera de hierro y vidrio iluminada), una cubierta a modo de mirador sobre el río, la puerta como timón de barco. Le Monnier se permite liberarse de la escuela académica, poniendo como límite solo su espíritu creativo.

Es una obra que anticiparía las arquitecturas de los años 30. Un lenguaje que se enriquece con escalinatas, terrazas torres y contrafuertes, una cubierta en diagonal, distintos cuerpos que componen la volumetría general, la obra se eleva del terreno, aun manifestando un anclaje al mismo, con sus escalinatas y la generosa superficie de sus terrazas.

Declarado Monumento Histórico Nacional en 2001, en 2004 fue galardonado por la Asociación Art Nouveau de Buenos Aires como uno de los Edificios Emblemáticos y Destacados de Buenos Aires. (Nota 6)

Descripción

Con una propuesta innovadora y conceptualmente academicista, propone resoluciones modernistas muy ingeniosas. 

El conjunto es asimétrico, el sector más alto, remata en una torre-faro, donde está ubicado la fachada y el acceso principal que esta frente a la ciudad, y se articula con otro más bajo semicircular y que en forma de hemiciclo se brinda al río,

Su zona social tiene 4 lugares que se usan como comedor, el Salón Principal –con ventanales con arcos de medio punto, y paredes revestidas en madera-, el Salón Grumete -para los más pequeños-, el Salón Copa Atlántico y el Bar, con una barra de madera cóncava -al revés de las barras habituales convexas-.

Cuenta con una gran explanada, con reminiscencias de cubierta de barco, En la parte superior está la biblioteca y tres habitaciones para los jueces de las regatas internacionales que organiza el YCA, con los nombres de tres históricos veleros “Recluta” “Fortuna” y “Fjord III”.

En la segunda intervención del arquitecto entre 1929 y 1930, reemplaza el techo de tejas por una losa de Hormigón Armado de borde redondeado.

Funcionalmente, el cuerpo longitudinal contiene los halles de acceso así como las circulaciones verticales, cocinas y demás servicios. En el cuerpo semicircular se ubican las áreas sociales, bar comedor y terraza con dos escalinatas que permiten acceder a una gran explanada con vistas al rio

En 1991 se realizaron importantes trabajos para apuntalarlo ya que el suelo al ceder provocó la inclinación de la torre faro, se utilizó una compleja técnica de micro pilotajes para reforzar las fundaciones, y anclar mejor el edificio.

 

Videos

https://youtu.be/hiMjybQeQscideo (arquiviajes)

https://youtu.be/4E6V2fKPMPk

Libro

Agosto 2001: Libro-catálogo de 200 páginas “Le Monnier, Arquitectura francesa en la Argentina”, muestra exhibida en el Archivo y Museo Histórico del Banco de la Provincia de Buenos Aires, organizada por el Centro de Documentación de Arquitectura Latinoamericana (CEDODAL), dirigido por el arquitecto Ramón Gutiérrez, con textos entre otros de Julio Cacciatore, Jorge Tartarini, Federico Ortiz, Elisa Radovanovic, Graciela Viñuales y Patricia Mendez.

Trabajo como como dibujante y proyectista en su estudio ubicado en el último piso del pasaje Barolo. El arquitecto Eduardo Le Monnier fallece a los 58 años en Buenos Aires, un 13 de Enero de 1931, dos años más tarde de las conferencias dictadas por otro Suizo francés Le Corbusier.

Principales Obras

Muchas de sus obras (valiosas como la de tantos otros) fueron demolidas (Nota 7)

– 1898  Panadería «La Burdalesa». Paraná nº 861/9, Buenos Aires. Demolida

Vivienda con un comercio en la planta baja, estilo art nouveau. Su fachada estaba revestida en piezas cerámicas vitrificadas, mansarda y buhardilla,

– 1901 edificio de rentas en tres plantas y comercio en planta baja en Cangallo (hoy Tte. Gral. Perón) esquina Esmeralda. Demolido

– 1902 Herrería Artística Motteau, Garay 1272, Buenos Aires. Demolida 

– 1902 Iglesia del Sagrado Corazón de Jesús, en Hurlingham, pcia de Buenos Aires.

– 1902 Iglesia de Nuestra Señora del Carmen, en Ramos Mejía, pcia de Buenos Aires.

– 1902  Iglesia de la Sagrada Familia, en Haedo, pcia de Buenos Aires.

– 1902 Cottage «Tocad», propiedad de Le Monnier en Bella Vista. Actual parte del Club de Regatas de Bella Vista.

– 1903 Casa de Bartolomé Ginocchio. Lima 1642, Buenos Aires. Premio Municipal a la mejor fachada. Demolida

– 1904 Compañía «La Bola de Nieve». Tte. Gral. Juan D. Perón 301, Buenos Aires. Demolida

– 1904 oficinas de la Sociedad de Ahorro Mutuo en Cangallo y 25 de Mayo. Buenos Aires. Demolida

– 1905 Residencia de Féliz Egusquiza. Libertad 1394, Buenos Aires. Resuelta en un  estilo academicista y diseños de vanguardia. Tercer premio municipal de fachada. Demolida

– 1905 Edificio de oficinas para «La Bola de Nieve». Perú 167, Buenos Aires.Demolido

– 1905 Iglesia de la Parroquia San Francisco Solano, en Bella Vista.

– 1906 Casa de huéspedes «La Oriental». Bartolomé Mitre 1840, Buenos Aires.Demolida

– 1906 Compañía «La Bola de Nieve». Córdoba y Laprida, Rosario. Durante muchos años el edificio más alto de la ciudad.

– 1906 Jockey Club. Córdoba y Maipú, Rosario.

– 1907  Residencia de Juan A. Fernández y Rosa de Anchorena. Av. Alvear 1637 y Montevideo,   Actual sede de la Nunciatura Apostólica en Buenos Aires. Con un elegante acceso para carruajes, posee una planta estructurada alrededor de un gran óvalo central resuelto con escalinatas de líneas cóncavas y convexas.

– 1907  Residencia de Carolina Ortega de Benítez. Av. Callao 1807, Buenos Aires.Demolida

– 1907 residencia en Avenida de los Incas 3260. Buenos Aires

– 1908 Casa de Arturo Z. Paz. Santa Fe 1652 a 1662, Buenos Aires (año 1908). Demolida

– 1913 Sede social del Yacht Club Argentino. Dársena Norte de Puerto Madero, Buenos Aires.

– 1916 termina el Jockey Club de Rosario, calles Maipú y Córdoba, Buenos Aires,

– 1925 Banco Argentino Uruguayo. Av. Roque Sáenz Peña 525 esquina San Martín, frente a la Catedral Metropolitana y a la histórica Plaza de Mayo. Monumentales pilastras jónicas se elevan a toda la altura del edificio, en la ochava resalta un cilindro también envuelto en pilastras jónicas coronado con una linterna a 56 metros de altura.
Le Monnier tenía allí su oficina, debajo de los balcones, junto a una serie de figuras griegas hay un rostro de un  señor pelado de bigotes.
Es su rostro observando la Plaza.

– 1927 Edificio de viviendas para «Bencich Hermanos». Av. Córdoba 801 y Esmeralda, Buenos Aires

– 1927 Edificio Miguel Bencich. Av. Roque Sáenz Peña 602, Buenos Aires

– 1927 Edificio de viviendas para «Bencich Hermanos». Suipacha 1399 y Arroyo, Buenos Aires

– 1928 Edificio de la Secretaría de Gabinete de Jefatura de Gabinete de Ministros «Edificio del INAP». Ave. Roque Sáenz Peña 511, Buenos Aires.

– 1929 Edificio de viviendas para «Bencich Hermanos». Tucumán 802 y Esmeralda, Buenos Aires

Notas

1.- Hubo una tensión en la Sociedad central de Arquitectos, entre los que proponían una arquitectura ecléctica, básicamente producida por la mano de los arquitectos europeos y los que entendían que dicha arquitectura se oponía a la búsqueda de una identidad o estilo nacional.  Es con Alejandro Christophersen (Cádiz 1866~Bs. As.1946) que en 1901 se crea la Escuela de arquitectura (en el marco de la Facultad de Ingeniería y de Ciencias Exactas) donde se propone una formación académica con la intención de adecuarse a la realidad del país. En 1906 son mayoría los arquitectos que tenían sus títulos de revalidas de títulos europeos. En 1915 se crea la revista de Arquitectura por el Centro de Estudiantes de arquitectura y desde 1917 es vocero de la SCA con una opinión más política.

2.-  El CEDODAL (Centro de Documentación de Arquitectura Latinoamericana) dirigida por  su fundador el arquitecto Ramón Gutiérrez (1939) realizó en el 2001 una exposición gráfica y fotográfica presentando el libro-catálogo “Le Monnier, arquitectura francesa en la Argentina”, 200 páginas con  ensayos de varios autores, sus épocas en Brasil y Uruguay, Rosario y Buenos Aires. Al final de la publicación figura un catálogo completo de sus obras y proyectos. De su época de estudiante (fue un buen alumno, obtuvo medallas y menciones) figuran cartas que intercambio con dos de sus profesores, Eugène Train (1832~1903) y Charles Genuys (1852~1928).

3.- distintas denominaciones como Art Nouveau en Bélgica y Francia, Floreale en Italia, Liberty en Inglaterra, Jugendstil en Alemania, Modernismo en Cataluña,Escuela de Glasgow y Secesión Vienesa en Viena). 

4.- Le gustaba presentarse como “Carlos Altgelt arquitecto no ingeniero”. Sus alegaciones tratando de definir como distintas ambas profesiones y formaciones fueron muy influyentes y expresadas con gran convicción, sostenía que los ingenieros eran profesionales ajenos al genio artístico, meros usurpadores de la profesión de arquitecto. Para él todo arquitecto podía, mediante algunos estudios de ciencia pura, llegar a ser un buen ingeniero, pero ningún ingeniero podría llegar a ser un arquitecto mediocre sin largos años de aprendizaje artístico, y para que no quedaran dudas, remataba: “… donde empieza el ingeniero, acaba el artista”. Más aún, consideraba que la mala calidad de la arquitectura argentina se debía a que la Sociedad de Arquitectos estaba invadida por ingenieros que hacían de arquitectos.

5.- La SCA se crea el 18 de marzo de 1886, Los socios fundadores fueron: Ernesto Bunge, que había estudiado en Alemania fue el primer presidente de la SCA,  Joaquín Belgrano, Carlos Altgelt, Otto von Arnim, Juan Martín Burgos, Juan Antonio Buscchiazzo, Adolfo Büttner, Julio Dormal, Enrique Joostens y Fernando Moog,

6.- Otros edificios galardonados como edificios emblemáticos además del Yacht Club Argentina (Le Monnier) son el Palacio Barolo (Mario Palanti), la Galería Güemes y Piazzola Tango (Francisco Gianotti), El Ateneo Grand Splendid (Peró y Torres Armengol) y como edificios destacados  la sede del Club Sirio-Libanés (Virasoro), y el Casal de Catalunya (García Núñez).

7.- 2008 Arquitecturas ausentes: Obras  notables demolidas en la ciudad de Buenos Aires (ISBN 9789872443504) CEDODAL y Ediciones El Artenauta. 106 páginas. 80 obras únicas demolidas  Ramón Gutiérrez, Patricia Méndez y Marcelo KohanContenido Fotografía y Arquitectura, una relación bien atemperada / Arq. Patricia Méndez – Arquitecturas ausentes, El imaginario de otra Buenos Aires / Arq. Ramón Gutiérrez – Plaza Mayor y alrededores – Arquitectura institucional, pública y privada – Arquitectura comercial – Arquitectura de las viviendas – Espacios culturales.

 

Arq., Hugo A. Kliczkowski Juritz