Fernand Léger, exposición en Madrid

La Fundación Canal ha presentado la exposición “Léger. La búsqueda de un nuevo orden” Fundación Canal

Fundación Canal con The Art Company

Comisaria Lola Durán Ücar

Diseño expositivo Enrique Bonet

Montaje Dime Museos

Diseño Gráfico This Side Up

Iluminación Carlos Alzueta

Transporte SIT

Talleres Mirarte

Visitas guiadas Didark

Visita virtual Ismael Iglesias García

Fernand Léger (1881 – 1955), originario de un pequeño pueblo francés de ámbito rural, vivió un tiempo marcado por los cambios tecnológicos, por las máquinas y las ciudades.

Pronto comprende que el mundo ha cambiado de forma vertiginosa: se hace presente la ciudad con el bullicio, el ruido, la máquina, la velocidad, la confusión… Afrontar el desafío de este caos y tornarlo en belleza, equilibrio y armonía, imponer un orden humano al caos, es el reto que poco a poco, asume el artista.

Léger llega a París, entonces capital de la vanguardia creadora, en 1900. Procede de la tradición impresionista: pinceladas cortas, rápidas y de colores puros, los contornos se difuminan. Los límites se desdibujan y no se rige por las exigencias de la estructura.

Queda impresionado por las luces, las formas en movimiento, los ascensores, los anuncios publicitarios, los colores, las letras vibrando… Descubre la ciudad moderna y lo que conlleva, su mundo visual, la vida colectiva, el movimiento desenfrenado. La ciudad le seduce al tiempo que le aturde.

Fernand Léger, Sin título, 1947. Grabado al aguatinta

Lo afirma con contundencia:

“El mundo visual de una gran ciudad moderna, este enorme espectáculo, está mal orquestado… Consideremos el problema en toda su amplitud, organicemos el espectáculo exterior”.

Pronto considera agotada la vía del impresionismo, entra en contacto con el primer cubismo y, en su camino, se centra en la búsqueda de un lenguaje pictórico, un nuevo orden plástico, basado en una realidad diferente y en la nueva sensibilidad que se ha creado en el hombre del siglo XX. Desdeña el arquetipo de artista aislado en un mundo onírico y, al contrario opta por enfatizar la tecnología y por proclamar que ya nada es lo que era. El cambio se ha impuesto y el artista, con un nuevo arte, debe contarlo.

Léger ha creado un universo propio. Ligado a la tierra y a la naturaleza, a la tradición y, al mismo tiempo, a la modernidad y a la máquina. Un mundo en el que sitúa en el centro al hombre moderno, el hombre de la calle, el que trabaja y el que se divierte, un hombre colorido que vive el espíritu de su tiempo.

Georges Braque. Sin título. 1947.

Grabado al aguatinta y a buril

Las claves de la exposición «Fernand Léger. La búsqueda del nuevo orden» en una visita guiada por Lola Durán Úcar (1965) comisaria de la muestra.

Es  Doctora en Historia del Arte y Cultura Visual por la Universidad Autónoma de Madrid (2015) y Licenciada en Filosofía y Letras por la Universidad de Zaragoza (1989).

Descripción de la exposición

La Fundación Canal al presentar la exposición “Léger. La búsqueda de un nuevo orden”, nos da la oportunidad para profundizar en el lenguaje plástico de uno de los artistas más relevantes de la primera mitad del siglo XX.

Pablo Picasso. Hombre con sombrero, 1947. Grabado al aguafuerte

Se muestra la evolución artística de Léger, partiendo del cubismo, hasta llegar a su característico y vitalista lenguaje, una forma de expresión a través de figuras geométricas y de una concepción del color desligado de la forma, de esa forma Léger da rienda suelta a su revolucionaria interpretación de la realidad.

La exposición se inauguró el 28 abril de 2021 en la sede de la Fundación Canal en Madrid en su Sala Mateo Inurria 2, abierta hasta el 5 de septiembre.

La Fundación la organiza en colaboración con The Art Company, su comisaria es Lola Durán Ücar.

Se muestran 78 grabados, que se articulan en torno a tres series:

-Du cubisme,

-Les Illuminations y

-Cirque

También se exhibe la proyección de “Ballet mécanique”, una película de cine experimental dirigida por Léger en 1924

La muestra es el resultado de la búsqueda de un nuevo lenguaje plástico, genuino e identificable, cuya evolución arranca en las vanguardias y llega hasta mediados del siglo XX.

Fernand Léger (1881 – 1955), originario de Argentan, un pequeño pueblo francés, vivió un tiempo marcado por los cambios tecnológicos, por las máquinas y el crecimiento de las ciudades. El artista, que procede la tradición impresionista, llega en 1900 a París, capital de la vanguardia. Durante su formación pictórica, queda impresionado por la ciudad moderna, sus luces y su movimiento, así como por la obra de Paul Cezanne (1839 – 1906) que le llevará a investigar sobre los volúmenes y las formas geométricas. En el movimiento cubista, Léger destapa una necesidad de cambio a la hora de representar la realidad. El artista se centra en la búsqueda de un lenguaje pictórico personal, busca un nuevo orden plástico que represente lo que ocurre en la ciudad vanguardista, donde el hombre y la máquina conviven.

Marie Laurencin. Estudio femenino. 1947. Grabado al aguafuerte

Las series presentadas en la exposición, pertenecientes a su última etapa artística.

En ellas se puede percibir un universo propio asociado a la naturaleza y a la tradición, al mismo tiempo que a la modernidad y a la máquina, una evolución marcada por las figuras geométricas, la simplicidad de las formas y una original concepción del color.

Du Cubisme (Sobre el Cubismo) 1912 – 1947

Albert Gleizes/Jean Metzinger

Eugène Figuière Èditeurs, 1912 (1ª edición)

Compagnie Française des Arts Graphiques, 1947. Texto exhibido en la muestra.

Léger crea una iconografía y un lenguaje original, de formas y colores que hace que su estilo sea perfectamente identificable, pero hasta llegar a él, recorre un viaje de análisis y asimilación. El propio artista reconoce inicios impresionistas, así como su alejamiento posterior:

“Teníamos forzosamente que salirnos del impresionismo a todo precio, porque nos encerraba en una técnica de pulverización coloreada que conducía a un callejón sin salida”.

Albert Gleizes. Sin título. 147. Grabado a punta seca

Agotada la vía del impresionismo, se trataba ahora de crear un nuevo orden plástico acorde con el espíritu y la técnica de su tiempo. Inspirado por Cézannne, Léger estudia los volúmenes, los analiza para extraer de ellos lo esencial, para posteriormente reconstruir la realidad mediante líneas y formas geométricas. La distorsión cubista de la realidad pintada y su inmediata reorganización iban a fascinarle. El cubismo representó uno de los más claros ejemplos de reivindicación de un lenguaje moderno.

“Sin Cézanne, me pregunto muchas veces lo que sería la pintura actual… Cézanne me ha enseñado a apreciar las formas y los volúmenes, me ha hecho concentrarme sobre el dibujo.

Jean Metzinger. Sin título. 1947. Grabado a punta seca

A partir de ahí he comprendido que el dibujo tiene que ser matemático, sin el menor sentimentalismo”.

“Du Cubisme”, considerado como el primer manifiesto del cubismo, fue publicado en París en 1912.

La obra de Albert Gleizes (1881 – 1953) y de Jean Metzinger (1883 – 1956) se presenta en la exposición Salon de la Section d ´Or en octubre de 1912.

Los autores disertan sobre las reflexiones que dieron origen al movimiento cubista y lo hacen desde el punto de vista del artista no del teórico. Señalan al cubismo como la revolución más importante acaecida en la pintura desde el Renacimiento.

Francis Picabia. Naturaleza muerta. 1947. Grabado a punta seca

Hasta entonces, la pintura o la escultura eran una representación de la realidad, expresada con más o menos fidelidad. A partir de ahora el arte pasa a ser una traducción de esa realidad o su concepto intelectual y no tiene que guardar fidelidad al modelo de partida. Ahí están también algunas de las ideas motoras de Léger, su compromiso con el mundo presente, pero adaptándolas a la modernidad.

En la reedición de 1947 el texto se acompaña de once estampas de Fernand Léger, Pablo Picasso, Jacques Vilon, Francis Picabia, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Juan Gris, Albert Gleizer, Marcel Duchamp, André Derain y George Braque.

Aunque se elaboraron durante la década de los veinte, no se estamparon y publicaron hasta 1947.

Jacques Villon. Composición. 1947. Grabado al aguafuerte

Les Illuminations (Las iluminaciones) 1949.

Textos de Arthur Rimbaud. Litografías de Fernand Léger.

Louis Grousclaude, Éditions des Gaules, 1949

El viaje de Léger hacia la construcción de un lenguaje propio tiene en el movimiento cubista su primer gran hito. El segundo, y no menos importante, sería la experiencia de la guerra. Participa en la I Guerra Mundial como zapador en el cuerpo de ingenieros en labores relacionadas con la artillería.

Esta experiencia le lleva a su etapa mecánica, en la que reflexiona sobre la máquina y sobre el hombre que la maneja y que acaba destruido por ella. En su obra, esto se traduce en la toma de la estructura y los elementos geométricos de la máquina.

Más adelante, Léger aunará estos elementos con la representación del rostro humano, lo que le obliga a utilizar el volumen; las obras, antes dinámicas, pasan a ser estáticas. El propio artista explica su evolución:

“Después del dinamismo del período mecánico he sentido la necesidad del estatismo de los grandes rostros, que he llevado más tarde a mi obra. Antes yo había roto el cuerpo humano y, entonces, me puse a recomponerlo y a buscar de nuevo el rostro. Desde ese momento he utilizado la figura humana; esta se ha desarrollado más tarde lentamente, hacia una imagen más realista, menos esquemática”.

El pobre sueño. Quizás una tarde me espera cuando beba en paz

Esta evolución estilística se manifiesta plenamente en las creaciones de sus últimos años, como es el caso de la serie que nos ocupa en la que Léger ilustra “Les Illuminations”, de Arthur Rimbaud, (Jean Nicolás Arthur Rimbaud 1854 – 1891) una colección de poemas en verso, libre y prosa, compuesta entre 1872 y 1875 y que fue publicada parcialmente en “La Vogue” en la primavera de 1886 y, ya como libro, en octubre del mismo año.

¿Es ella amada? es amada en las primeras horas azules de su voz como flores. Frente a la espléndida extensión donde podíamos sentir el soplo de la enorme y floreciente ciudad. Es demasiado bueno, es demasiado bueno, pero es necesario. Por la pescadora y por el canto del corsario.
Y también que las últimas máscaras estallaran, aún en fiestas nocturnas en el mar puro.

En 1949 Léger hace una selección de estos poemas y realiza una edición con quince litografías y prefacio de Henry Miller “Voici le temps des assassins”, (es el tiempo de los asesinos).

La colección se inicia con un retrato de Rimbaud basado en el realizado por Étienne Carjat (1828 – 1906) en el mes de octubre de 1871, cuando conoció a Paul Verlaine (1844 – 1896).

Estas estampas ejemplifican que Léger ha alcanzado un universo propio en que se aúnan la naturaleza y la tradición con la modernidad y la máquina.

Un mundo en cuyo centro sitúa el hombre moderno, un hombre colorido que vive el espíritu de su tiempo.

Ballet Mécanique (Ballet Mecánico)

1924. Fernand Léger y Dudley Murphy. 16´10´´

Video completo de Le Ballet Mecanique de 1924

Para Léger, la necesidad de ordenamiento se extiende a todos los aspectos de la vida cotidiana, trascendiendo la pintura y llevándolo a otras formas de arte de más amplia difusión y alcance social.

Si nada debe ser ajeno para Léger respecto al mundo que le rodea, tampoco puede ponerle puertas a la creatividad: urbanismo, arquitectura, publicidad… también el cine, al que considera un medio que tiene la capacidad de llegar a todos, a diferencia del teatro, dedicado a un sector más reducido.

En Léger está también la huella del ballet. En los inicios de los años 20 el artista decora los ballets suecos de Rolf de Maré (1888 – 1964) coleccionista de arte sueco y líder de la compañía Ballets Suecos en París durante los años 1920-1925, en 1933 fundó el primer museo del mundo de la danza en París y Jean Borlin  (1893 – 1930) bailarín y coreógrafo sueco,  considerado el sucesor de Vaslav Nijinsky (1889 – 1950) como Skating Rink, de Honegger, y La Creación del mundo, de Darius Milhaud.

Una experiencia reveladora, al tener que combinar pintura y danza o contraponer la movilidad de los bailarines a la inmovilidad de los escenarios.

Léger escribió y dirigió “Ballet Mécanique” junto con el director norteamericano Duddley Murphy. Inicialmente estaba previsto que se sincronizara “mecánicamente” con una partitura del estadounidense George Antheil. Por limitaciones técnicas del momento, la película se estrenó en esta versión muda en 1924, en la Exposición Internacional para la Nueva Técnica del Teatro en Viena. Se considera una de las obras maestras del cine experimental. Léger y Murphy contaron con la colaboración de Man Ray, si bien no aparece en los créditos por decisión propia tras varias desavenencias con los autores.

Ballet Mécanique (Francia 1924, blanco y negro / color, 16´ 18´´ )

Dirección: Fernand Léger, Dudley Murphy

Guion: Fernand Léger, fotografía: Fernand Léger, Dudley Murphy, Man Ray

Música: Georges Antheil.

Charlot, silueta desarticulada, presenta el ballet mecánico.

Una mujer se mece en el columpio del jardín. En un espacio neutro, los objetos estallan: un sombrero de paja, unos números, botellas de vino, un triángulo blanco. Los labios de Kiki brillan, tan grandes como el marco.

Los discos y esferas reflectantes giran y oscilan; la superficie del espejo devuelve la imagen de un hombre de pie y la de otro detrás de la cámara. Motor de péndulo de bolas de árbol de Navidad; cazuelas, moldes para pasteles y otros utensilios de cocina cobran vida con un movimiento giratorio.

Dos ojos en primer plano se abren de par en par, luego los párpados caen; por lo tanto, las pestañas dan como resultado cejas, como antes y viceversa.

En la danza de los objetos emerge la cabeza de un joven, luego, en el más frenético ritmo de botellas, bielas, triángulos / círculos, números, máquina de escribir y hojas de papel, un ojo se muere de asombro, que gira y guiña.

En un parque de diversiones al aire libre, un hombre se resbala, un automóvil corre, un desatascador en acción, una bomba hidráulica gigante a contraluz. Como intermezzo, tres látigos en un número de baile. Una lavandera trepa laboriosamente una escalera con su manojo de ropa sucia, y cuando llega arriba se encuentra de nuevo en el primer escalón: veintiuna veces. Una boca sonríe. Los personajes tipográficos fluctúan, se persiguen, se enmascaran y dan vueltas.

La cabeza de Kiki como la cara de un maniquí, mientras un fantasma la mira. Desfile de batería de cocina grande, piernas de maniquí con liga que realizan un cancán, ojos cerrados de Kiki, tarántulas de botellas de la asamblea. Charlot, la misma forma que el prólogo, se desarma y sus miembros se mueven por sí mismos.

La mujer del columpio, todavía en el jardín, huele una flor.

Tanto en la historia del cine como en la de las artes plásticas-figurativas, generalmente se cree que La roue (La rosa sobre la barandilla) de Abel Gance, o más precisamente la versión presentada en el Salón Annuel de Cinéma en 1923, constituye la inspiración fílmica y plástica del Ballet Mécanique.

Esa versión de la película se “redujo” entonces, por sugerencia del futurista Ricciotto Canudo, a lo que Fernand Léger denominó una «emoción plástica obtenida mediante la proyección simultánea de fragmentos de la imagen a un ritmo acelerado». Canudo estaba obsesionado con el ritmo cinematográfico. En la CASA (Club des Amis du Septième Art, con sede en el Vieux-Colombier) se presentó la nueva versión de La roue en 1924 con el título de “Tableaux modernes de la machine vivante”.

La voluntad de Canudo, de Léger y de todos los artistas integrantes de la CASA fue escapar a la influencia del relato, a cualquier forma dramatúrgica atribuible al teatro o a la literatura melodramática, para imaginar un cine puro, liberado de las ataduras, de la narración y de la empatía que generan los personajes. Sin embargo, es probable que el Ballet Mécanique tenga un origen anterior a La roue.

En 1919, Fernand Léger y Blaise Cendrars tuvieron la idea de un libro, La fin du monde filmée para Ange Notre Dame. Increíble y extravagante título para un libro-objeto, una especie de inmenso flip-book cuyo gran formato permitió a los dos autores experimentar con proporciones espaciales, metamorfosis de formas abstractas y una innovadora mezcla de textos e imágenes.

El Ballet Mécanique refleja el intento de Léger de crear un nuevo tipo de representación atribuyendo una dignidad espectacular al organismo mecánico. Renunciar a cualquier movimiento de cámara por considerarlo inadecuado para subrayar la singularidad de la representación cinematográfica y caracterizar su modernidad. Para él «el mero hecho de proyectar su imagen ya califica al objeto».

Hans Richter interpreta esta transposición del objeto en acontecimiento plástico como la principal aportación de Léger a las vanguardias: «Léger ha liberado por completo al objeto de su sentido racional, anecdótico, simbólico, para construir la película sólo sobre su valor plástico, sin ningún tipo de preocupación por su significado actual”.

Los objetos filmados por Léger, que pertenecen esencialmente a la industria, en realidad se tratan como elementos plásticos solo a través de su representación «en movimiento». La imagen del móvil es el protagonista de la película, mientras que el montaje ya no está al servicio de la lógica narrativa, sino que produce ritmo.

Música en este vídeo

Ballet Pour Instruments Mecanique et Percussion, Roll One

Artista

The New Palais Royale Orchestra & Percussion Ensemble, Maurice P

Album

The Original Ballet Mechanique – George Antheil’s Carnegie Hall

Cirque (Circo)

1950. Tériade, Les Editions Verve.

Litografías

Durante la II Guerra Mundial el artista, en su exilio americano, imparte clases en diferentes universidades, se afilia al Partido comunista, pintas murales…y tan pronto regresa a Francia, impulsado por el pensamiento de crear un arte para todos, se involucra en numerosos proyectos en la esfera pública.

Desarrolla obras sobre temas populares, ocio y esparcimiento, destacando entre ellos el circo.

Para Fernand Léger el circo es una sucesión de formas circulares que nos permite escapar de nuestras estructuras rígidas, de nuestras vidas cuadriculadas.

El circo es el gran espectáculo, el ciclo completo, la metáfora de la vida. Esta es su invitación:

“Id al circo. No hay nada más redondo que el circo. Dejáis vuestros rectángulos, vuestras ventanas geométricas y entráis en el país de los círculos en acción”.

Fases fijas de movilidad bien estudiadas, o una pierna para volver al suelo lentamente después de arriesgar el espacio

El circo fascina a Léger desde niño cuando en Argentan, su pueblo natal, entre acróbatas y payasos, soñaba con un mundo de felicidad.

Es un lugar deslumbrante, lleno de luces, color, música, un mundo de diversión y libertad. A lo largo de su vida, Léger pinta acróbatas, payasos, domadores, malabaristas o caballos, siempre en acción; para el artista es un desafío expresar el frenético movimiento del espectáculo. Además, el circo es igualitario, en su seno la cultura, la música y las artes escénicas están al alcance del gran público. El circo representa la libertad.

“Cirque” est entiérement composé, texte manuscrit et illustrations, de Lthographies originales de Fernand Léger. Ce libre a été réalisé par Fernand Léger avec la collaboration de Tériade et de Marguerite Lang, il a été achevé dímprimer sur les presses de mourlot fréres, le 5 octobre 1950, pour les éditions vrve, Paris.

Le tirage de cet ouvrage comprend deux cent queatr- vingts exemplaires numérotés de 1 a 280 et vingt exemplaires hors-commerce numerotés de 1 a XX. Tous les exemplaires sur velin dárches, sont signés par l´artiste. Exemplaire numéro 120.

“Cirque” está compuesto íntegramente, en texto manuscrito e ilustraciones, de litografías originales de Fernand Léger. Este libro fue realizado por Fernand Léger con la colaboración de Tériade y Marguerite Lang, se terminó de imprimir en las imprentas de Hermanos Mourlot, el 5 de octubre de 1950, para las ediciones Verve, París.

La edición de esta obra incluye doscientos cuarenta ejemplares numerados del 1 al 280 y veinte ejemplares no comerciales numerados del 1 al XX, todos los ejemplares en vitela, firmados por el artista. Copia número 120.

Taller para familias: Léger

La búsqueda de un nuevo orden

Para niños y adolescentes, como aplicar algunas de sus técnicas para plasmar formas, movimiento y colores en los dibujos de una forma entretenida con este taller online para familias.

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Museo Whitney por Marcel Breuer

Proyecto realizado por Arq. Marcel Breuer y Hamilton Smith (1963-66).

Estos comentarios se realizaron en la presentación al consejo de administración del proyecto de diseño del Whitney Museum el 12 de Noviembre de 1963.
En la Argentina el arq. Marcel Beuer junto a los arquitectos argentinos Eduardo Catalano y Carlos Coire proyectaron y construyeron el Parador Ariston.

Nadie lo cuida, y está al borde del desastre, debido al abandono y al  vandalismo. Una joya que a nadie de los que debiera importar conmueve. Para protegerlo hacemos estas acciones: Por favor firmen este petitorio (ya lo han hecho 21.500 personas) https://www.change.org/p/gobierno-de-la-provincia-de-buenos-aires-el-ariston-edificio-de-la-bauhaus-est%C3%A1-en-ruinas-en-la-pcia-de-bs-aires-salv%C3%A9moslo-sos?recruiter=28484170&utm_source=share_petition&utm_medium=copylink&utm_campaign=share_petition

La historia del parador Ariston está en este artículo:

https://hugoklico.blogspot.com/2017/03/el-parador-ariston-una-ruina-moderna.html

El Whitney Museum como Umbral Por Jesús Aparicio Guisado  1

Memoria del arquitecto Marcel Breue2


¿Qué debe ser un museo, un museo en Manhattan? Con seguridad debe funcionar, debe cumplir unos requisitos, pero.¿Cuál es su relación con el paisaje de Nueva York?¿Qué expresa?¿Cuál es su mensaje arquitectónico?

Es más fácil decir primero que es lo que no debe parecer. No debe parecer un negocio o un edificio de oficinas, no debe parecer un lugar luminoso de espectáculo. Su forma y su material deben tener identidad y peso en un vecindario de rascacielos de cincuenta plantas, de puentes kilométricos, en medio de la dinámica jungla de nuestra colorida ciudad. 

Debe ser una unidad independiente y autónoma, expuesta a la historia, y al mismo tiempo debe tener una conexión visual con la calle. Que es la que juzga sobe el lugar de alojamiento para el arte del siglo XX. Debe transformar la vitalidad de la calle en la sinceridad y profundidad del arte.

La idea del proyecto establece un patio hundido de esculturas entre la acera y el edificio, atravesado por encima por el puente de acceso que pone en contacto a los transeúntes con el frente de cristal del vestíbulo y la galería de escultura a la avenida Madison. Mientras, la masiva pirámide del edificio llama la atención sobre el museo y su uso especial, la masa está recubierta con el material más duradero, neutro y sereno: un granito gris cálido, más bien oscuro. La estructura, alzándose sobre el patio de las esculturas,  no interrumpe la luz del día y el sol del oeste, recibiendo al visitante antes de que penetre en el interior del edificio.

El patio hundido y sus esculturas se pueden ver desde la acera y el puente de acceso. Del mismo modo que se ve el vestíbulo y la galería de escultura a través de los muros de vidrio.

Para enfatizar la forma arquitectónica, las fachadas de granito de ambas calles se separan de las medianeras de sus vecinos: un intento de resolver un problema inherente a un edificio en esquina, que de otro modo podría parecer fácilmente la cuarta parte de algo. El proyecto transforma el edificio en una unidad, un elemento, un núcleo, y le permite una dirección hacia la avenida Madison.

La fachada de granito completa, homogénea, extendiéndose a lo largo y ancho hacia la avenida Madison, alcanza desde abajo el jardín bajo rasante con aberturas que crecen por su superficie, con las modulaciones que se producen entre el hueco a Madison y los edificios colindantes, con el peto de granito a lo largo de la acera, y con la estructura de hormigón del puente, todo esto, es para moldear el edificio como una escultura. Sin embargo, una escultura con algunos requisitos funcionales.

1.-Simplicidad y un carácter de fondo en los espacios de la galería donde la atención del visitante se centre en las exposiciones, y flexibilidad de estos espacios. Las soluciones para estas demandas se resuelven mediante grandes espacios de galerías rectangulares y limpias, sin interrupciones de vigas o columnas, divididos por paneles de suelo a techo fácilmente intercambiables; una retícula en el techo permite y promueve ésta movilidad, incluyendo la iluminación; todas las paredes y los paneles son gris claro, el techo de hormigón de un gris relativo, y los suelos fisurados de pizarra de otro gris relativamente oscuro.


2.-La superficie construida que se necesita es aproximadamente seis o siete veces mayor que el solar. Esto hace que sean imposibles espacios de galería con luz cenital, además del hecho de que la luz natural se vería reflejada y coloreada por los otros bloques de apartamentos de enfrente. Ventanas o zonas acristaladas exteriores, molestarían y reducirían el espacio para colgar de la sala.En consecuencia, nuestro edificio tiene ventilación controlada mecánicamente, ya se de color o de frío, e iluminación cambiable y controlada en todos los espacios de la galería. Reconocemos que la iluminación es probablemente el elemento más importante de un museo.Las ventanas han perdido su justificación para existir en este edificio; solo unas pocas han permanecido para establecer contacto con el exterior. Estas escasas aberturas, libres ya de los estrictos requisitos de ventilación e iluminación, pueden tener formas y ser ubicadas de una forma y menos inhibidas; como un contraste arquitectónico a las fuertes trazas principales del edificio.

3.-Parece que los espacios de galerías amplias y abiertas con particiones móviles deben ser cuidados, pues de otra manera la impresión general sería demasiado aséptica, para alejar el carácter de arte. Para evitar este peligro –el peligro de el arte para un museo de arte. Sugerimos para las galerías materiales bastante poco sofisticados, cercanos a la tierra: techos de hormigón texturados y rugosos; suelos de láminas de pizarras; muros cubiertos de lienzo. Además, el diseño incluye un número más pequeño de habitaciones fijas, con decoración y amueblamiento definidos. Pintura y escultura pueden mostrarse en los perímetros interiores de forma similar a una casa o a un lugar de reunión, o una oficina o un edificio público, teatro, restaurante, escuela. El auditorio en el segundo nivel de galería servirá como espacio expositivo


https://youtu.be/k4SBqFgVbm0https://youtu.be/b5E3vedml20

4.-Mientras que la altura media de la galería esd e 12 pies y 9 pulgadas (3,83 metros), la altura de la galería superior es de 17 pies y 6 pulgadas (5,25 metros).Esto se debe al aumento del tamaño de la pintura contemporánea. La galería de la escultura es de doble altura, de acuerdo con los deseos de un buen número de artistas con los que he hablado acerca de esto.

5.-La mayoría de las oficinas y salas de reunión disponen de luz natural, estando conectadas visualmente mediante unos muros de vidrio con terrazas en la azotea. Unos muros exteriores de cierre altos permiten a estas terrazas y oficinas tener una absoluta privacidad y su propia atmósfera de concentración dentro y fuera.

1

Centenarios Barragán, Breuer, Jacobsen, Sert

ISBN 84-8448-201-4

2

Traducido del inglés extraído del libro de Ezra Stoller Whitney Museum of American Art, editado por Princeton Architectural Press, New York.

El café Tortoni de Buenos Aires

El café Tortoni

Debemos aceptar (no sin dolor y tristeza), que es admirable que un espacio de esta superficie en el centro de Buenos Aires, sea respetado.

Motivos sobran, y no son menores su enorme valor histórico y cultural luego de un poco más de siglo y medio.

Sobre todo en una ciudad que no se caracteriza por respetar y conservar los referentes representativos de nuestro pasado inmediato (del anterior ya no hablemos).

El “Tortoni”, por haber sido conservado esta atravesando un excelente momento de fama y popularidad.

Guillermo, mi hermano, editó en 2010 junto a la Universidad de Palermo, el libro del Arq. Mario Roberto Álvarez (1913 – 2011) “Cuadernos de Viajes”.

El libro es el Tomo I, luego, el fallecimiento del arquitecto, suspendió lo que sin duda sería un excelente Tomo II.

Durante la preparación del mismo Guillermo tuvo ocasión de hablar varias veces con Mario Roberto, y me contó que comentando un proyecto banal e intrascendente cercano a su estudio el prestigioso arquitecto le dijo:

-“Que lastima, han perdido la oportunidad de hacer una buena obra de arquitectura”.

Alguna vez leí, que no se debía tirar una obra de arquitectura, si no se hacía al menos algo igual o mejor.

A la arquitectura, como a las amistades y los buenos vinos, es el tiempo el que los mejora, y pueden deleitarnos si sabemos apreciar su esencia.

Cuando visité la Johnson Wax de Frank Lloyd Wright (1867 – 1959) en Racine, y vi los escritorios de trabajo en esa selva de finas columnas bañadas de luz, tenían funcionando, incorporadas  pantallas de ordenador, con teclados y equipos modernos.

Los escritorios eran iguales a cuando fueron diseñados en 1939, su buen diseño, permitió su adecuación a nuevos tiempos.

El “Tortoni” se ha sabido adaptar a los nuevos tiempos, a los turistas, a los habitués y muestra como el edificio de Wright, lo que un buen diseño permite.

El Tortoni, el espíritu de Avenida de Mayo, un puerto de afectos

El café “Tortoni” es el café más antiguo de la Argentina.

Monsieur Jean Touan lo funda en 1858 en la calle Defensa al 200, luego lo traslada a la calle Esmeralda y Rivadavia frente a la Asistencia Pública, donde estuvo 20 años.

Luego a la calle Rivadavia 832, y más tarde a Rivadavia 826.

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Retrato de Curutchet y su esposa
Ana Artcanthurry

En 1862, Celestino Curutchet (1828 – ?  ) de origen vasco-francésse casa con Ana Artcanthurry en Burdeos.

La madre de Ana, su suegra, estaba viviendo en Buenos Aires con su esposo Jean Touan y los entusiasman con sus relatos de Buenos Aires.

La joven pareja se deja seducir por ese Buenos Aires encantador y deciden emigrar a Buenos Aires en 1870.

En 1879 Celestino Curutchet, que vive en los altos del café, compra y se hace cargo del café “Tortoni”.

Cuando el intendente Torcuato de Alvear (1822 – 1890) concibe el proyecto de construcción de un gran boulevard al estilo de los creados por el Barón Haussmann (Georges-Eugène Haussmann 1809 – 1891) en el Paris del XIX, comienzan una serie de importantes intervenciones en Buenos Aires (1), se la llamó Avenida de Mayo inaugurada en 1888

Grabado de Paul Renouard, Cafe tortoni 1889

Luego de la construcción de la Avenida de Mayo, el café “Tortoni” decide construir una nueva entrada sobre ella y en 1893, abre sus puertas en el número 825, es el barrio de Montserrat (2).

Celestino Curutchet le encarga la realización de una nueva fachada al arquitecto Alejandro Christophersen (1866 – 1946).

Recién construida la Avenida de Mayo, se autorizan a colocar mesas y sillas en las veredas. El 20 de octubre de 1849, fue el café “Tortoni” el primero en colocarlas del lado del cordón (bordillo), dejando un espacio entre las mesas y la línea municipal.

El edificio donde está el Tortoni fue realizado para la familia Unzué como residencia familiar sobre una planta baja de comercios.

El Café “Tortoni”, es por definición “el Café de Buenos Aires”. (3)

Su nombre procede del que a fines del XIX era el Café emblemático de Paris.

La aristocracia porteña soñaba con Paris, importaba su estilo, importaba sus productos deseando moldear Buenos Aires a la manera parisina, recreando el espíritu del “Tortoni” francés, meca de famosos, intelectuales y artistas.

Grand Café Tortoni de Paris

Eugene von Guérard. Café Tortoni 1856

Acuarela. Museo Carnavalet – Paris

La popularidad del café alcanzó su punto máximo a mediados de siglo.

Honoré de Balzac​ (1799 – 1850), Stendhal (Henri Beyle 1783 – 1842), René Albert Guy de Maupassant (1850 – 1893) y más tarde Marcel Proust (1871 – 1922) se encuentran entre los escritores que dan testimonio del esplendor del café.

Lugar de encuentro para dandies, intelectuales entre otros habitues.

A los financieros de la capital también les gustaba pasar el rato en el “Tortoni” por la mañana, porque el café estaba ubicado cerca de la Bolsa de Valores.

El estilo del café italiano encarnado en París por “Tortoni” viene del “Florian” de Venecia, el “Gambrinus” en Nápoles, el “Greco” en Roma.

En esos cafés los amanes de la literatura apreciaban redescubrir el espíritu creativo del siglo XIX.

Eugene von Guérard. Café Tortoni 1856

Gaëtan Baldisserd Velloni, fue un veneciano que ofrecía un nuevo tipo de café con el cual extasiaba a la élite parisina, además de aliviar el frío invierno con un chocolate caliente que en esa época era un producto de lujo muy sofisticado, y para compensar, en verano un rico helado italiano.

Lo llamó café “Le Napolitan”, ubicado en la esquina de Boulevard des Italiens y Taitbout, en una París aristocrática y señorial. Todo fue muy duro para él cuando el negocio no funcionó y terminó quitándose la vida.

Su primo Giusseppe Tortoni tomó su lugar, dejó la venta ambulante y se dedicó a difundir los “peziduri”, unas tortas napolitanas de helado moldeado, leche merengada y “cassata”.

En 1798, se instaló en el 22 de la rue Taibout, y lo llamó “Grand Café Tortoni”, de su Musset dan fe los innumerables escritos de quienes lo apreciaban.

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Édouard Manet (1832 – 1883) y Charles Pierre Baudelaire (1821 – 1867) almorzaban en el “Tortoni “, se retrató con galera escribiendo en una de sus mesas.

Lugar de encuentro de políticos, intelectuales, becarios, “dandies” es decir hombres elegantes y refinados, mujeres del mundo y en ocasiones “cocottes” (mujeres que viven de servicios sexuales pagados, toleradas por las autoridades) o “demi-mondaines” (palabra que proviene del Demi-monde, una comedia que Alejandro Dumas Jr. (1824 – 1895) publicara en 1855 “El semimundo es un mundo nebuloso que devuelve una imagen distorsionada del «gran mundo».

La fama del café se acrecentó con las citas de novelistas y viajeros, y la fama de clientes habituales que lo alababan. (4)

¿En que se transformó el Grand café Tortoni?

Cuando cerró sus puertas definitivamente en 1893 parecía el fin.

Más de un siglo después, en el otoño de 2017, dicen que el café “Tortoni” finalmente renació.

Actualmente está en el 45 de la rue de Saintonge, Paris 3.

Abre de martes a sábado de 9 a 19 hs y domingos de 11 a 18 hs.(+331 42 72 28 92).

Ramdane Touhami (1974) y Victoire de Taillac, perfumistas parisinas, han tomado decisiones importantes, como la de hacer una versión doble del “viejo” café.

En la entrada hay un dispensario retro que recuerda a la perfumería florentina Santa Maria Novella, presentando los cosméticos “Buly”.

La cafetería está después de este primer mostrador. 

El telón de fondo es de mármol, carpintería y grandes ramos de flores secas.

Poco y nada del antiguo “Grand Café Tortoni”.

La Peña Literaria

Café contado

En el café funcionó “La Peña”, inaugurada el 25 de Mayo de 1926, fomentó la protección de las artes y las letras hasta su desaparición en 1943.

La idea fue de Quinquela Martín (Benito Juan Martín 1890 – 1977), mientras realizaba un viaje por Francia y tomaba un café en el “Tortoni” de Paris decide ponerla en práctica en Buenos Aires, para que amigos y colegas que disfrutaban de la buena conversación, se pudiesen reunir en un espacio adecuado.

Esta Peña había nacido en el café “La Cosechera” de Perú y Avenida de Mayo, más tarde se trasladó a las mesas del “Tortoni”.

Como con el tiempo el lugar quedó chico, Curutchet ofreció la bodega de vinos para que pudieran estar más cómodos y trasladó la vinería a otro lugar.

Así la sede de “La Peña”, llamada “Agrupación Gente de Artes y Letras”, realizó tareas de difusión cultural mediante conciertos, recitales, conferencias, y debates, se sentaron grandes personalidades, deportistas, intelectuales y artistas argentinos y de todo el mundo.

Cuando cerró, lo recaudado por la venta de los muebles (entre ellos un piano Steinway en el que tocaron Arthur Rubinstein (1887 – 1982), Alejandro Brailowsky (1896 – 1976), Lía Cimaglia Espinosa (1906 – 1998)y Héctor Panizza(1875 – 1967) se compró el granito con el que Luis Perlotti (1890 – 1969) realizó el monumento a Alfonsina Storni en Mar del Plata, además de amueblar el recreo en el Tigre donde muriera Leopoldo Lugones (1874 – 1938)y erigir un monumento a la memoria de Fernando Fader (1882 – 1935) en Mendoza.

Horacio Ferrer, escritor uruguayo, poeta e historiador del tango (Horacio Arturo Ferrer Ezcurra 1933 – 2014) que comandó la Academia del Tango que funcionaba en el primer piso, lo describe sabiamente:

“Para el gran Tortoni, puerto de afectos, pandora de historias, dulce de amores en secreto, arco iris de las artes, mágico de porteñísimo, cabal y misterioso de reflexiones, atorado de ensueños, loco, loco de presagios y nostalgias, refugio, nido, eco, tiento y clavija donde el alma mejor afina sentires y pesares”.

El tango “Viejo Tortoni”

Se me hace que el palco llovizna recuerdos,
que allá en la avenida se asoman, tal vez,
bohemios de antaño y que están volviendo
aquellos baluartes del viejo café.

Tortoni de ahora te habita aquel tiempo.
Historia que vive en tu muda pared.
Y un eco cercano de voces que fueron,
se acoda en las mesas, cordial habitué…

Letra de Héctor Negro (1934 – 2015), música de Eladia Blázquez (1931 – 2005) ​ en versión de Susana Rinaldi (1935)

Los protagonistas de la Peña del Café Tortoni (5)

Cuentan que Quinquela Martín organizaba cenas en las que se vestía de marinero, luego de comer tallarines de colores se entregaba en la sobremesa un tornillo a algún artista invitado.

Se leyó poesía, se estudió el tango en presencia de reconocidos artistas locales y regionales, como la poetisa y escritora Alfonsina Storni (1892 – 1938), el poeta y médico rural Baldomero Fernández Moreno (aprovecho para enviarle un saludo a la también galardonada nieta Inés), al pianista Arthur Rubinstein (1887 – 1982) nacido en Polonia en Lodz, cuya mención me recuerdan la ciudad donde se crió Luis mi padre, Ricardo Viñes, Carlos Gardel, Roberto Arlt, José Ortega y Gasset, Jorge Luis Borges, Florencio Molina Campos, Lisandro de la Torre, Ernesto Palacio, Marcelo Torcuato de Alvear, Eladia Blázquez, Conrado Nalé Roxlo, Antonio Bermúdez Franco, Juan de Dios Filiberto, Carlos Marchal, Juana de Ibarbourou,

Su fama atraía a conocidas figuras, que deseaban descubrirlo por lo que se los solía ver con cierta frecuencia como: Juan Manuel Fangio, Osvaldo Pedro Pugliese, Julio de Caro, Tita Merello, Miguel de Molina, Federico García Lorca,

Tuvo visitantes ocasionales Albert Einstein, Hillary Clinton, Juan Carlos de Borbón, entre otros.

 La Peña de El Escarabajo de Oro (6)

Entre 1962 y 1974, en la parte de atrás del “Tortoni” (actual sala Eladia Blázquez), se reunía cada viernes un grupo de jóvenes escritores en torno a figuras algo mayores como Abelardo Castillo y Humberto “Cacho” Constantini.

Los integrantes más constantes de esa Peña fueron los narradores, como Liliana Heker, Isidoro Blastein, Ricardo Emilio Piglia Renzi, Arnaldo Liberman, Julio de Caro, Miguel Ángel Briante, Vicente Battista, Jorge Di Paola, Ramón Plaza, Horacio Salas.

En esas reuniones en el “Tortoni” se concretaron tres revistas emblemáticas “El grillo de papel”, “El escarabajo de oro” y “El ornitorrinco” que fueron decisivas en la dinámica literaria e intelectual argentina de aquellos años.

Refundación del Tortoni (7)

Roberto Fanego, formó parte del grupo de 20 hombres que trabajaban en el Café, pusieron el dinero para comprarlo formando parte de la sociedad con un 5 % cada uno.

Su historia quedó registrada en las revisas tituladas “los Cuadernos del Café Tortoni”.

“Las luces misteriosas del Tortoni prosiguen alargando los fantasmas bohemios que inventaron ‘un tiempo’ en Buenos Aires”, escribió Cátulo Castillo (Ovidio Cátulo González Castillo,  1906 – 1975) en una visita al café en 1973.

La mesa de Gardel

Carlos Gardel (c.1883 – 1935) cantó dos veces en el café, en una de ellas le ha dedicado un tango al autor italiano Luigi Pirandelo luego que éste diera una conferencia en La Bodega.

Durante un tiempo fue habitué del lugar.

Solía ocupar –según testimonio de Enrique Cadícamo (1900 – 1999) – la mesa del costado derecho junto a la ventana entrando por la avenida Rivadavia, donde podía reunirse con amigos sin ser abordado por sus admiradores. ​

 El Tortoni hoy

Actualmente el propietario del café es el Touring Club Argentino.

La sala «La Bodega», en el subsuelo, es escenario de diferentes artistas de tango y jazz, desde 1978 toca todos los sábados la “Fénix Jazz Band”.

El grupo recibió en 1995 el Premio Konex de Platino como mejor banda de Jazz de la década en la Argentina. En “La Bodega” se realizan presentaciones de libros y concursos de poesía. Tiene además una biblioteca y al fondo, mesas de billar y salones para jugar al dominó y a los dados.

El café conserva la decoración de sus primeros años y la salida por la calle Rivadavia.

El programa de radio “La venganza será terrible”, conducido por el escritor, músico y actor  Alejandro Dolina (1944) se transmitió en vivo desde la bodega del Café “Tortoni” con presencia de público, hasta que por razones de seguridad se ha trasladado al Hotel Bauen.

Antecedentes el Café Izmir (8)

Leopoldo Marechal hace aún más conocido al Café Izmir, al publicarse en 1948 su novela “Adán Buenosayres”, aunque ya era famoso en los años ´30, armó su historia personal alrededor y con “El Tortoni” y el “Izmir”

Fue Jaim Danón, quien lo bautizara “Izmir”, en recuerdo de su ciudad natal. Fue a finales de 1932 en las habitaciones de un inquilinato de la calle Gurruchaga 432/36 barrio de Villa Crespo

Lo continuará Rafael Alboger durante el siguiente cuarto de siglo, quien trabajara de lustrabotas en el Café “Tortoni”, en Avenida de Mayo al 800, luego mozo y más tarde maître, al final de los años ´20 y primeros años del ´30, es decir espectador privilegiado de las manifestaciones culturales de la época.

En el barrio convivían representantes de las tres religiones monoteístas, por lo que algunas disquisiciones teológicas eran frecuentes en el “lzmir”, como las del judío Abraham, el musulmán Abdalla y el cristiano Jabil que defendían sus diferencias sobre el Mesías.

«…el café “lzmir” en su momento era tradición, era una reliquia de Buenos Aires, de Villa Crespo. Ahí se sentaba gente grande de nuestra colectividad, iban camino al templo…a tomar un café, también la colectividad armenia, la griega, la musulmana…no había odios…en paz…en aquel tiempo eran todos respetados y amables”.

El “Izmir” ofrecía un ámbito para la magia, el ensueño y la sensualidad a un público casi exclusivamente machista que lo frecuentaban para acortar la distancia entre la Reina del Plata y sus lejanos pueblos de mar.

Entonces se casaban, la ceremonia religiosa, con ritual sefaradí, se iniciaba generalmente a la vuelta, en el Gran Templo de Camargo 875 y algunos mozos del “lzmir” se convertían en «mozos de boda». Y cuando al templo le faltaban hombres para llegar al número mínimo necesario para los rezos (minyám) al primer lugar al que acudían era al café.

Con los cambios sociales y políticos llegaron al “lzmir” las elementales discusiones entre peronistas y antiperonistas; asimismo, los dirigentes de fútbol de Atlanta y Chacarita (clubes de la zona), llevaron al café algunas de sus agitadas reuniones, sobre todo en los prolegómenos de las elecciones politicas.

Cerró definitivamente sus persianas el 9 de octubre de 2000. El “lzmir” figura entre los 39 cafés citados en el libro “Los cafés de Buenos Aires, publicado por la Comisión de Protección y Promoción de los Cafés, Bares y Billares y Confiterías Notables de la Ciudad de Buenos Aires” y entre los 21 citados como emblemas porteños en “La Guía Total de Buenos Aires” de diciembre 2000

Grupo Martin Fierro o Grupo de Florida y el Grupo Boedo (9)

Ernesto Palacio y Roberto Mariani, deciden, con fines publicitarios, iniciar un “movimiento literario”.

Políticamente hablando uno tomó rumbo a la derecha y el otro derivó a la izquierda. 

Ernesto Palacio argumentaba que en Francia había grupos literarios y entonces, para no ser menos, en Buenos Aires había que hacer lo mismo y que podía servir como publicidad el hecho de que hubiera dos grupos enemigos.

El calificativo de “Florida” correspondió al centro de la ciudad, y el de “Boedo”, al suburbio

El Grupo de Florida estaba cercano a la redacción de la revista literaria Martín Fierro que estaba en Florida y Tucumán, y acostumbraban reunirse en la confitería “La Richmond” ubicado sobre Florida entre Lavalle y Corrientes, y realizar exposiciones en el café “Tortoni”.

El Grupo de Florida (o también Grupo Martín Fierro) fue unagrupamiento informal de artistas de vanguardia de la Argentina.

Coincidían Ricardo Güiraldes, Jorge Luis Borges, Oliverio Girondo, Pablo Rojas Paz, Pelegrina Pastorino, Norah Lange, Conrado Nalé Roxlo, Raquel Forner, Francisco Luis Bernárdez, Norah Borges, Córdova Iturburu, Macedonio Fernández 

El grupo Boedo (10)

Pertenecía al suburbio, recibieron ese nombre porque uno de sus puntos de confluencia era la Editorial Claridad (11) ubicada en calle Boedo 837, y el café “El Japonés” (12) en Boedo 873. La zona era por entonces eje de uno de los barrios obreros de Buenos Aires.

El grupo se caracterizó por su temática social, sus ideas de izquierda y su deseo de vincularse con los sectores populares y en especial con el movimiento obrero.

El escritor Roberto Arlt, en una entrevista, hablaba sobre el Grupo de Boedo, que  «De las nuevas tendencias que están agrupadas bajo el nombre de Florida, me interesan estos escritores: Amado Villar, que creo encierra un poeta exquisito, Bernárdez, Mallea, Mastronardi, Olivari y Alberto Pinetta. «

Sus participantes fueron:

Leónidas Barletta, César Tiempo (Clara Beter), Elías Castelnuovo, Aristóbulo Echegaray, Raúl González Tuñón, Roberto Mariani, Nicolás Olivari, Alberto Pinetta, Gerardo Pisarello, Abel Rodríguez, Gustavo Riccio, Lorenzo Stanchina, César Tiempo, Enrique Amorim, Arístides Gandolfi Herrero, Juan Carlos Mauri, Roberto Arlt, José Arato, Adolfo Bellocq, Guillermo Facio Hebequer, Abraham Regino Vigo, Cátulo Castillo, Homero Manzi, Álvaro Yunque, Juan de Dios Filiberto, Juan Francisco Giacobbe, José González Castillo, Pedro Láurenz, Pedro Mario Maffia, Sebastián Piana.

Además, el café fue conocido por ser asiduamente visitado por los jugadores, hinchas y directivos del club Huracán cuya cancha se encontraba muy próxima.

Que es hoy el Tortoni?

En el diccionario “Tortoni” es un helado a menudo aromatizado con Jerez.

En la actualidad sigue siendo un lugar de difusión cultural y turístico por excelencia, donde se puede pedir habitualmente Chocolate con Churros. 1 riquísima taza de chocolate caliente + 3 exquisitos y crocantes churros rellenos de dulce de leche y/o bañados en chocolate, o una Picada de jamón, queso, salame, cantimpalo, aceituna y mortadela.

El Caffè Florian de Venecia

Notas

1

Entre 1882 y 1885, el conjunto de edificios que reemplazaron al viejo Fuerte de Buenos Aires se convirtieron en la Casa de Gobierno cuando los unió el arco Monumental.

Hacia fines de siglo comenzó la construcción del Congreso de la Nación de 1896/1906 del artq. Vittorio Meano (1860 – 1904) que fue también una parte de la también nueva Avenida de Mayo, produciendo el principal corredor cívico y eje de desarrollo este-oeste de Buenos Aires.

Dos años antes se había terminado el Palacio de Tribunales de 1905/1942 arq. Norbert Maillart (1856 – 1928) y dos años después el Teatro Colón de 1888/1908 diseñado por los Arq. Francesco Tamburini (1846 – 1890),Vittorio Meano (1860 – 1904), Julio Dormal (1846 – 1924).

También se realizaron obras en los alrededores de la Plaza Lavalle; el Palacio de Correos 1906/1910 por el Arq. Norbert Maillart (1856 – 1928); el edificio de Aguas Corrientes de 1887/1894 diseñado por el Arq. Olaf Boye (1864 – 1993) y el Ing. Carlos Nyström. Así como las escuelas Petronila Rodríguez.

2

www.arcondebuenosaires.com.ar

3

https://cafecontado.com/

De Carlos Cantini y Diego Ruiz (museólogo y cronista callejero) mandinga.ruiz@gmail.com

Publicado en el periódico Desde Boedo, Año XII, Nº 131, junio de 2013

Nos cuenta:

Otros cafés de la época, como elCafé de Monserrat en la calle Buen Orden 152 (actual Bernardo de Irigoyen 292), que perduró hasta fin de siglo.

Café De las Cuatro Naciones de Perú y Alsina, fundado en 1836 por José Badaracco y que desapareció al demolerse el antiguo Mercado del Centro que abarcaba la manzana de Alsina, Perú, Moreno y Chacabuco.

Confitería del Águila, fundada por el Vicente Costa en 1852 en Florida 102 (actual 178–180) esquina Perón.

Le sucede Jerónimo Canale, quien construyó un edificio de lujo para recepciones y luego sus hermanos Ángel, Agustín y Santiago, quien a principios del siglo XX muda la confitería a Callao y Santa Fe.

Confitería del Gas, de 1857 en Suipacha y Rivadavia. Su nombre seguramente proviene de los faroles de Gas que reemplazaban a los de aceite eran un orgullo porteño. Un lugar selecto que rivalizaba con la confitería Del Molino a la hora del té con masas suizas.

El Bar La Helvética, fundado en 1860 en Corrientes 502, por Poirier y Morini. Su cercanía del diario La Nación, lo convirtió en sucursal de la redacción.

Concurría además del General Mitre, Rubén Darío, durante su estadía en Buenos Aires desde 1893 a 1898, concurría la vida literaria e intelectual del Buenos Aires de fin de siglo, Roberto J. Payró, Emilio Becher, Bartolito Mitre, José de Maturana, Joaquín de Vedia, Charles de Soussens, José Ingenieros entre tantos otros.

Otro de los establecimientos preferidos por la sociedad porteña de fines del siglo XIX fue el café y restaurante La Sonámbula, en la esquina sureste de Hipólito Yrigoyen y Defensa. Allí había construido la compañía de seguros La Previsora un edificio para sus oficinas al que, por razones económicas, destinó en parte para el Hotel de Londres.

El edificio, diseñado por el arquitecto Pedro Coni en estilo academicista, tenía una importante cúpula en símil piedra que coronaba un grupo alegórico, creación del escultor italiano Luis Trinchero (1862 – 1944) y los coloridos toldos de los niveles bajos le conferían una atractiva vista a la esquina. No se sabe de qué nacionalidad era el dueño o los dueños, pero todo le hace suponer un origen itálico porque si bien el hotel era “de Londres”, el curioso nombre de La sonámbula sólo lo remite a la famosa ópera de Vincenzo Bellini… y no nos olvidemos que Plaza de Mayo por medio se encontraba todavía el viejo Teatro de Colón.

Al hotel y a la confitería se los llevó puestos el “progreso” en la década de 1940, cuando el estado nacional expropió o adquirió todos los lotes de la manzana –salvo el del antiguo Congreso Nacional de Yrigoyen y Balcarce– para construir el Banco Hipotecario. Quedó como recuerdo un tango de Pascual Cardarópoli, titulado precisamente La sonámbula, que Pacho Maglio grabó en el sello Columbia allá por 1912 o 1913, en solo de bandoneón. Pero la relación del naciente tango con los cafés de Buenos Aires… será otro callejeo.

 

Muy interesante el trabajo del arq. Alberto Petrina (hola Alberto) “Patrimonio Arquitectónico Argentino, Tomo II, Parte 1 (1880-1920)  

4

De la rue Taitbut se trasladó al 45 de la rue Saintonge, 75003, en el otoño europeo del año 2017.

El “Grand Café Tortoni”, es una reconstrucción llena de recuerdos y de elegancia, de la pátina que la vistieron con su presencia tantos artistas y autores, donde atienden de martes a domingo de 9,30 a 19 hs, metro République (líneas 3, 5, 8, 9,11).

5

El pianista español Ricardo Viñes (1875 – 1943) amigo de Maurice RavelClaude Debussy y Manuel de Falla y profesor entre otros de Enrique Granados.

El cantante, compositor y actor Carlos Gardel (c.1883 – 1935.

El novelista, cuentista, dramaturgo, periodista e inventor Roberto Arlt (1900 – 1942).

Leopoldo Marechal, autor de Adán Buenosayres frecuentaría, como parte de la generación martinfierrista, «La Peña del Tortoni», y luego también el café de la calle Gurruchaga, que lo inspiraría para la narración de algunas de las bellas páginas de su primera novela.

El filósofo y ensayista español situado en el movimiento del “novecentismo” José Ortega y Gasset (1883 – 1955).

El escritor, poeta y ensayista Jorge Luis Borges (Jorge Francisco Isidoro Luis Borges (1899 – 1986).

El dibujante y pintor Florencio Molina Campos (1891 – 1959) conocido por sus dibujos costumbristas.

El abogado, escritor y dirigente político Lisandro de la Torre (1868 – 1938).

El escritor, abogado, periodista y docente Ernesto Palacio (1900 – 1979).

El presidente de la Nación Argentina y abogado Máximo Marcelo Torcuato de Alvear Pacheco (1868 – 1942).

El pianista, director y compositor de tangos Osvaldo Pedro Pugliese (1905 – 1995).

El 5 veces campeón de automovilismo Juan Manuel Fangio (1911 – 1995).

El físico Albert Einstein (1879 – 1955).

El violinista, director de orquesta y compositor de tango Julio de Caro (1899 – 1980).

La cantante de tango y milonga y actriz Tita Merello (Laura Ana Merello 1904 – 2002).

El cantante de copla español Miguel de Molina (Miguel Frías de Molina 1908 – 1993).

La política diplomática, escritora y conferencista Hillary Clinton (Hillary Diane Rodham Clinton 1947).

La cantante y compositora Eladia Blázquez (1931 – 2005).

El poeta, dramaturgo y prosista español Federico García Lorca (1898 – 1936).

El rey de España Juan Carlos de Borbón (1938).

El poeta, escritor, periodista, dramaturgo y humorista Conrado Nalé Roxlo.

El caricaturista, artista plástico e ilustrador Antonio Bermúdez Franco.

El compositor y músico Juan de Dios Filiberto (1885 – 1964), el autor de “Setenta balcones y ninguna flor”.

La poetisa uruguaya Juana de Ibarbourou (Fernández Morales 1892 – 1979).

6

El escritor Abelardo Castillo (1935 – 2017).

El escritor Humberto Cacho Costantini (1924 – 1987).

La novelista y ensayista Liliana Heker (1943).

El escritor Isidoro Blastein (1933 – 2004).

El escritor, crítico literario y guionista Emilio Piglia Renzi (1941 – 2017).

El psicoanalista y escritor Arnaldo Liberman (1933) a quien tuve el privilegio de conocer y participar en su casa en los encuentros que realizaban en Madrid junto a otras personas muy valiosas desde el punto de vista intelectual y humano, entre las que se encontraba mi querido Dr. Hugo Bleichman (   – 2020).

El violinista, director de orquesta y compositor de tango Julio de Caro, (1899 – 1980),

El escritor, periodista y guionista Miguel Ángel Briante (1944 – 1995).

El escritor y guionista Vicente Battista (1940).

El poeta, ensayista e historiador Horacio Salas (1938 – 2020).

7

Martín Auzmendi, cronista y poeta, autor de “Cócteles en el camino”, crónica íntima de un viaje por ciudades, bares y barras.

Datos tomados de su artículo “Paris en Avenida de Mayo “La historia del Café Tortoni y de una Buenos Aires que ya no existe”. 27 de Abril de 2015

8

Carlos Szwarcer. Publicado en: «Todo es Historia». Nº 422. Setiembre de 2002.

9

El novelista y poeta Ricardo Güiraldes (1886 – 1927).

El poeta Oliverio Girondo (Octavio José Oliverio Girondo 1891 – 1967).

El ensayista, poeta, cronista y escritor Pablo Rojas Paz (1896 – 1956).

La reportera, editora de moda, traductora y educadora italiana Pelegrina Pastorino “Pele” (1902 – 1988).

El poeta, dramaturgo, novelista y ensayista autor de Adán Buenosayres Leopoldo Marechal (1900 – 1970).

El docente, abogado, periodista y escritor Ernesto Palacio (1900 -1970).

El poeta, escritor, periodista, guionista, libretista, dramaturgo y humorista Conrado Nalé Roxlo  (1909 – 1971).

La pintora, escultora y profesora de dibujo Raquel Forner (1902 – 1988).

El poeta y diplomático Francisco Luis Bernárdez (1900 – 1978).

La poeta, artista plástica y crítica de arte Norah Borges (Leonor Fanny Borges 1901 – 1998), hermana de Jorge Luis Borges, la llamaba Norah y escribía En todos nuestros juegos era ella siempre el caudillo, yo el rezagado, el tímido, el sumiso. Ella subía a la azotea, trepaba a los árboles y a los cerros yo la seguía con menos entusiasmo que miedo”.

El periodista y poeta Córdova Iturburu “Policho” (Cayetano Policinio Córdova Iturburu (1902 – 1977) miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes.

El escritor, abogado y filósofo Macedonio Fernández (1874 – 1952).

10

El escritor, periodista y dramaturgo Leónidas Barletta (1902 – 1975).

El escritor, periodista, editor y guionista César Tiempo, (Israel Zeitlin (1906 – 1980) se presentó como Clara Beter.

El poeta, ensayista y periodista uruguayo Elías Castelnuovo (1893 -1982).

El poeta Aristóbulo Echegaray (1904 – 1986).

El poeta y periodista Raúl González Tuñón “El pichón de Buenos Aires” (1895 – 1974).

El poeta, escritor de “Cuentos de Oficina” y periodista Roberto Mariani (1893 – 1946).

El escritor, traductor y poeta Nicolás Olivari (1900 – 1966).

El escritor, poeta y periodista Alberto Pinetta (1906 – 1971).

El poeta, escritor, periodista y docente Gerardo Pisarello (1898 – 1986).

El escritor, periodista y poeta Abel Rodríguez (1893 – 1961).

El poeta Gustavo Riccio (1900 – 1927) “Para empezar a ser bueno es necesario sentir como si fueran de uno las penas de los otros”.

El escritor Lorenzo Stanchina (1900-1987) fundador del grupo Boedo.

El periodista, autor, guionista, escritor y actor César Tiempo (Israel Zeitlin 1906 – 1980).

El escritor, dramaturgo, poeta, novelista, guionista cinematográfico uruguayo Enrique Amorim (1900 – 1960).

Escritor, cuentista, dramaturgo, historiador, ensayista, poeta Arístides Gandolfi Herrero “Álvaro Yunque” (1889 – 1982).

Juan Carlos Mauri, https://es.slideshare.net/caceresvictoria/juan-carlos-mauri-y-el-virus-de-la-literatura-una-retrospectiva

El novelista, cuentista, dramaturgo, periodista e inventor argentino Roberto Arlt (1900 – 1942) es a veces incluido en el Grupo Boedo (incluso él mismo lo hace en una entrevista).

El pintor José Arato (1893 – 1929) ilustró el libro “Los pobres” de Leônidas Barletta.

El pintor, grabador, docente y xilógrafo Adolfo Bellocq (1899 – 1972).

El pintor, grabador y litógrafo uruguayo Guillermo Facio Hebequer (1889 – 1935).

El pintor uruguayo Abraham Regino Vigo (1893 – 1957), realizó grabados, aguafuertes y xilografías basados en la temática social, como la serie La Quema

El poeta y compositor de tango Cátulo Castillo (Ovidio Cátulo González Castillo 1906 – 1975).

El poeta, político, guionista, periodista, director de cine y autor de tangos y milongas famosas Homero Manzi (Homero Nicolás Manzione 1907 – 1951).

El poeta, escritor, cuentista, historiador, ensayista Álvaro Yunque (Arístides Gandolfi Herrero 1889 – 1982).

El novelista, cuentista, dramaturgo, periodista e inventor Roberto Arlt (Roberto Emilio Godofredo Arlt (1900 – 1942).

El compositor y músico autor de Caminito (1926), Quejas de Bandoneón, Malevaje (1928) Juan de Dios Filiberto “Filiberto” (1885 – 1964).

El musicólogo, compositor, director, dramaturgo, poeta, filósofo, regisseur, científico y profesor de música Juan Francisco Giacobbe (1907 – 1990).

El dramaturgo, director de teatro, libretista de cine y letrista de tango José González Castillo (1885 – 1937).

El bandoneonista, director y compositor Pedro Láurenz (1902 – 1972).

El bandoneonista, director, compositor y docente Pedro Mario Maffia (1899 – 1967).

El músico, compositor, director de orquesta y pianista Sebastián Piana (1903 – 1994).

11

La Cooperativa Editorial Claridad fue fundada el 30 de enero de 1922 por el periodista, político y empresario español Antonio Zamora (1896 – 1976).

Decía “una editorial no debía ser una empresa comercial, sino una especie de universidad popular”.

El nombre elegido se inspiró en el movimiento intelectual francés “Clarité”, vinculado a Henri Barbusse (1873 – 1935).  

En sus comienzos estaban en la calle Boedo 837 y debido a ello el grupo literario vinculado a la editorial durante la década de 1920 fue llamado ‘El grupo de Boedo’, grupo muy destacado en la historia literaria argentina por la cantidad de escritores y artistas notables que lo conformaban.

Algunas de sus publicaciones fueron: La revista Los pensadores, la revista Claridad y la colección Los nuevos.

La editorial Claridad fue considerada uno de los más importantes emprendimientos culturales durante la primera mitad del siglo xx en Argentina.

Cárcel de mujeres de Angélica Mendoza, editado por Claridad, Biblioteca Feminaria (1933).

Esquema sexual de Humberto Salvador, editado por Claridad, Biblioteca Científica (1934?).

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Entre 1920 y 1940 se instalaron más de 40 cafés o bares japoneses en Buenos Aires, práctica que se extendió a lo largo de la Argentina.

Motokichi Yamagata, partió de su Kagoshima natal en 1908 rumbo a San Pablo, pero las promesas incumplidas lo convencieron de ir a la Argentina.

En 1920 Motokichi Yamagata (paso a ser Yamakata en Argentina) y sus otros hermanos abrieron dos cafés en Buenos Aires, uno en Cerrito y Lavalle, y otro la avenida Boedo 873

Estaba cerca de la Editorial Claridad, allí se reunía el Grupo Boedo constituido por artistas de vanguardia de la década del 20, conocidos por su preocupación social.

La Junta de Estudios Históricos del barrio de Boedo homenajeó al café “El Japonés” con una placa conmemorativa que fue descubierta el 22 de noviembre de 2013, en Boedo 873.

En 1935 un periodista del diario Crítica, lo describía así:

“…el cronista llegó con su rabioso cansancio a cuestas y descansó en sus sillas de Viena…La humeante taza de café con leche y el pan con manteca servidos por Murata. El café Japonés tiene algo de ciudad y de campo. La asiduidad del Juez de Paz…a cuyo alrededor mariposean los que tienen hambre y sed de favores…”

Roberto Arlt en su novela «Los siete locos» menciona al café de Cerrito y Lavalle, en la sección «El Odio«:

(Erdosain)…Al poner una mano en el bolsillo encontró que tenía un puñado de billetes y entonces entró en el bar Japonés. Cocheros y rufianes hacían rueda en torno de las mesas. Un negro con cuello palomita y alpargatas negras se arrancaba los parásitos del sobaco, y tres “polacos” polacos, con gruesos anillos de oro en los dedos, en su jerigonza, trataban de prostíbulos y alcahuetas. En otro rincón varios choferes de taxímetros jugaban a los naipes. El negro que se despiojaba miraba en derredor…Erdosain, pidió café, apoyó la frente en la mano y se quedó mirando el mármol”.

Georgia O´Keeffe. 2nda parte y final

1era parte http://onlybook.es/blog/georgia-okeeffe-1era-parte/

Primeras visitas a Nuevo México

En el verano de 1929, O´Keeffe viajó al norte de Nuevo México, una experiencia que cambiaría su vida para siempre.

El majestuoso paisaje, la fuerte presencia de la cultura nativa americana y el pasado como territorio hispano de la región inspiraron un nuevo giro en su arte, como también lo hicieron los huesos de animales muertos que encontraba durante sus largos paseos.

Paisaje de Black Mesa, Nuevo México. Desde la casa de Marie II, 1930. Óleo sobre lienzo. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe, donación de The Burnett Foundation

O´Keeffe coleccionó las calaveras, huesos y cuernos que encontró durante sus caminatas por el desierto de Nuevo México. Tras los meses de verano y antes de volver a Nueva York, los metió en un barril y los envió a la ciudad para poder, aun estando lejos, seguir pintando ese árido territorio.

Los restos óseos encarnaban para la artista los ciclos de muerte y renovación vital que se repiten sin cesar en la naturaleza.

En esta obra una calavera flota sobre las montañas, como una declaración sobre la resistencia, la trascendencia y lo eterno.

«He recogido flores allí donde las he encontrado. He recogido conchas y rocas y trozos de madera. Cuando en el desierto encontré los hermosos huesos blancos, los recogí y me los llevé a casa también».

Cabeza de carnero, malva real blanca. Colinas Nuevo México, 1935. Óleo sobre lienzo. Brooklyn Museum, Nueva York, legado de Edith y Milton Lowenthal

«Quería pintar el desierto y no sabía cómo…, así que me traje a casa los huesos blanqueados como símbolos del desierto. Me parecen tan bellos como cualquier otro objeto…«

Cuando llegué a Nuevo México supe que era mío. En cuanto lo vi supe que era mi tierra. Nunca había visto nada parecido, pero encajaba conmigo exactamente”. 1977

Pueblo de Taos, 1929/1934. Óleo sobre lienzo. Eiteljorg Museum of American Indians and Western Art, Indianápolis

Kachinas (5)


Interesantes son sus encantadoras Kachinas, espíritus ancestrales indígenas que mediaban entre los dioses y el hombre. Muñecos de madera pintada de los indios Hopi y Zuñi, del suroeste de los Estados Unidos, que se utilizaban para enseñar a los niños. Entre 1931 y 1945, realizó diecisiete dibujos y pinturas de las «muñecas kachina».

O’keffee poseía varias kachinas, a las que llamaba «gente menuda». Las pintó a lo largo de los años teinta y cuarenta.

De la mano de Tony Luhan indigena hopi y marido de su amiga Mabel Dodge, conoció lugares y culturas indias, quedando fascinada por las danzas ceremoniales.

La Kachina de Paul, 1931. Óleo sobre lienzo. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe, donación de The Georgia O´Keeffe.

Kokopelli, 1942. Óleo sobre tabla. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe, donación de The Georgia O´Keeffe.

Kachina, 1938. Óleo sobre lienzo. San Francisco, donación de la Hamilton-Wells Collection

La Kachina de Paul, se la regaló su amigo el fotógrafo Paul Strand, quien también visitó los pueblos fantasmas del viejo Oeste. Es amarilla con los ojos diferentes, es una de las primeras que pintó, de ella comentó: «la pequeña kachina con su graciosa pluma chata en la cabeza y los ojos saltones, tiene una curiosa quietud viva».

Campanario de iglesia, 1930. Óleo sobre lienzo. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe, donación de The Burnett Foundation

Durante su primera estancia en Nuevo México, O´Keeffe asistió a varias danzas ceremoniales nativas. Las describía así en una carta

“Todas y cada una de sus fibras parecían restallar como el fuego, y como lo disfrutaba. Casi me muero, y no era solo la danza, era el aspecto humano, la trasformación y el placer que había en ella…”

En su cuadro “Gris, azul y negro. Circulo rosa” la artista recurrió a su lenguaje menos figurativo para trasladar las fuertes impresiones que sintió durante esta experiencia.

Las formas centrales, a las que alude el título recuerdan el tocado de los “hopi”, y las espirales de color circundantes amplifican el movimiento sugerido de la danza y los ritmos del universo.

Gris, azul y negro. Circulo rosa

«Tocas y cada una de sus fibras parecían restallar como el fuego, y cómo lo disfrutaba. Casi me muero, y no era solo la danza, era el aspecto humano, la transformación y el placer que había en ella…»

La influencia de Alfred Stieglitz (3)

Leticia Fernández-Fontecha (poeta e historiadora 1985)


O’Keeffe mandó algunos de estos dibujos a su amiga Anita Pollitzer (1894 – 1975), una fotógrafa estadounidense y famosa sufragista que vivía en Nueva York. La carta de O’Keeffe insistía en que no mostrase los dibujos a nadie, pero Pollitzer debió de determinar que la originalidad del trabajo era más importante que la petición de confidencialidad de su amiga, y días después fue a presentarle el trabajo al fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz (1864 – 1946).

Tras estudiar los dibujos, el fotógrafo pronunció la frase que dio título al libro de Pollitzer (A Woman on Paper): “¡Finalmente, una mujer en papel!”. El resto es historia: O’Keeffe viajó a Nueva York, primero ofendida y después fascinada por el interés del fotógrafo.

Stieglitz se divorció y expuso y promovió el trabajo de O’Keeffe durante el resto de su vida. Una de esas muestras exhibía las flores de la artista junto con las fotografías íntimas que Stieglitz había tomado de la pintora desnuda, provocando que la crítica y generaciones posteriores infirieran una relación entre la forma femenina y los pétalos de la flor.

Stieglitz le abrió a Georgia O’Keeffe las puertas del mundo del arte neoyorkino, pero desempeñó un papel controvertido en su carrera, tanto por la imagen que proyectó de ella como por la interpretación de su imaginario. Esta relación fue un arma de doble filo: ganó parte de su fama gracias al apoyo de su marido, pero su obra estuvo siempre sujeta a interpretaciones basadas en poco más que la proyección del fotógrafo.

Colinas grises. 1941. Óleo sobre lienzo. Indianápolis Museum of Art at Newfields, Indianápolis. Donación
de Mr. Y Mrs. James W, Fesler

A lo largo de su carrera, en la que O’Keeffe experimentó con distintos estilos de expresión, Stieglitz mantuvo la opinión de que sus cuadros eran, según cuenta Bárbara Lynes (1942) en “O’Keeffe, Stieglitz and the Critics, 1916-1929”, “dominantemente emocionales y expresivamente enlazados a su sexualidad”.

Es una interpretación que O’Keeffe negó de por vida, llegó a decir que los que veían sexualidad en sus pinturas estaban proyectando sus propias preocupaciones.

En los escritos personales de la artista apenas hay referencias al ámbito de la sexualidad. De hecho, afirmaba que la inspiración de sus cuadros eran aquellos aspectos de la naturaleza que sobrepasaban su entendimiento. Quería entender el mundo tratando de darle forma. Esta desconexión entre intención y recepción de su obra se pone de manifiesto en declaraciones como esta, que recoge el catálogo de la muestra de la Tate: “Odio las flores. Las pinto porque son más baratas que las modelos y no se mueven”.

«Cuando llegué a Nuevo México: encontré lo mío. En cuanto lo vi: ese era mi país. Nunca antes había visto algo así, pero encajaba perfectamente conmigo».

Troncos oscuros, 1946. Óleo sobre lienzo. Brooklyn Museum, Nueva York, legado de Georgia O´Keeffe

Explorando Nuevo México

Durante las décadas de 1930 y 1940, O´Keeffe pasó casi cada verano en Nueva México. Con su coche, reconvertido en taller con ruedas, la artista exploró la espectacular orografía de la zona. Entre todos los enclaves que recorrió, destacan dos que bautizó con los nombres de White Place y Black Place.

Los huesos de animales aparecieron de nuevo en una serie de pinturas en las que las pelvis son las protagonistas. A pesar del carácter metafísico de muchos de estos paisajes, O´Keeffe siempre negó que estas obras tuvieran relación con el surrealismo.

Pelvis con la distancia, 1943. Óleo sobre lienzo. Indianápolis Museum of Art at Newfields,
Indianápolis. Donación de Anne Marmon Greenleaf

«los agujeros de los huesos, lo que veía a través de ellos… Eran especialmente maravillosos contra el azul, ese azul que siempre estará ahí como lo está ahora que toda la destrucción del hombre ha terminado«

Sin título (Black Place), 1944/5. Grafito sobre papel. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe

O´Keeffe descubrió las colinas que ella misma bautizó como Black Place en 1937, durante un viaje a las Bisti Badlands en la Nación Navajo. Le fascinaron de tal manera que organizó acampadas de varios días en este árido lugar para poder pintarlo. El resultado es una serie de obras que muestran la escarpada hendidura que separa las dos colinas en composiciones cada vez más abstractas. Desde la ventana de su dormitorio.

O´Keeffe podía ver la carretera que aparece en esta pintura.

El dibujo Sin título (Black Place) permite reconstruir su meticuloso proceso creativo. En él, la artista no solo define con precisión las líneas maestras de la composición, sino que además introduce números que son la referencia de los colores que aplicará después sobre el lienzo. Antes de enfrentarse a la obra definitiva, O’Keeffe ya había decidido hasta el más mínimo detalle.

Georgia O’Keeffe, entre tierras baldías

Por María Pérez de Arenaza, “On the 50 road” (4)

Georgia O´Keeffe expone su primera muestra en solitario en 1917, en la neoyorquina Galería 291 de la Quinta Avenida, creada y gestionada por el fotógrafo Alfred Stieglitz.

La galería en cuestión era el centro neurálgico del arte del momento, allí se iba a conocer y a comprar las vanguardias europeas. Stieglitz fue quien introdujo la obra de Picasso en Estados Unidos. Y fue, además, la primera galería que trató la fotografía como una forma de expresión artística. O´Keeffe, siendo estudiante en Nueva York, visitó varias veces 291 fascinada por el lugar y por el personaje que la dirigía, el gran marchante de arte contemporáneo con quien no se atrevía a cruzar palabra.

Esa primera exposición, que Stieglitz organizó sin el permiso de la artista, desencadenó el comienzo de una vida que le llevaría a convertirse en la Madre del Modernismo Americano y en uno de los grandes iconos del s. XX.

O´Keeffe abandonó el academicismo inicial y encontró su camino creativo a raíz de la lectura de Compositionde Arthur Wesley Dow, cuya forma radical de ver el arte fue su referente. Cuando por fin comienza a estar satisfecha de su obra, decide enviar una muestra a su amiga la fotógrafa y sufragista Anita Pollitzer, quien se toma la libertad de llevárselos Stieglitz.

Alfred Stieglitz, Georgia O´Keeffe, 1919

Entra en la galería, se dirige a Stieglitz y le dice:

-Mr. Stieglitz would you like to see what I have under my arm?

-I would. Come in the background.

I went in with your feelings and your emotions tied up and show them to a giant of a man. It was a long while till his lips opened.

-Finally a woman on paper. He said.

Seducido por la fuerza de su obra, Stieglitz decide montar una exposición sin molestarse en contactar con la autora de los lienzos, lo que provocó que O´Keeffe reuniese el coraje suficiente para escribirle y preguntarle por qué le había gustado su obra. Fue el comienzo de una relación epistolar intensa y apasionada, que les llevó a compartir la vida juntos.

O´Keeffe por entonces vivía en Texas y allí empieza a experimentar con la abstracción, un estilo que apenas se trabajaba en EE.UU.

Stieglitz le anima a que se traslade a Nueva York para formarse y forjarse una carrera como artista. Se instala en la ciudad y el interés que compartieron entre sí les llevó a vivir un gran amor. La artista se convierte en musa del fotógrafo y paralelamente va generando obra que fluctúa entre la abstracción, flores exuberantes y su interpretación figurativa de la ciudad de Nueva York.

Consigue el reconocimiento desde muy pronto,pero también tuvo que enfrentarse a una época de duras críticas a raíz  de una serie de desnudos sexualmente explícitos que le hizo Alfred Stieglitz y que por entonces influyó muy negativamente en las interpretaciones de su obra abstracta, a la que se le tildó de sexual, contra su intención.

En 1929 pasa su primer verano en Nuevo México y sin buscarlo, encuentra allí su hogar, su lugar en el mundo donde se siente a gusto consigo misma. Fascinada por aquel paisaje aprende a conducir y comienza a explorar la zona. Encuentra una construcción en adobe casi deshecha en lo alto de una colina, junto al pueblo de Abiquiu al norte de Santa Fe. La hacienda abandonada le entró por los ojos como un flechazo, y decide hacerse con ella, asunto que le costó más de una década.

Mientras lo gestionaba, aventurándose por los alrededores, se adentra en Ghost Ranch, un rancho que pertenecía al filántropo y fundador del Arizona-Sonora Desert Museum Arthur Pack.

Alfred Stieglitz, Georgia O´Keeffe “Manos y Senos”, 1919

Galería Nacional de Arte, Editorial Calloway, 1983

Allí descubre otra pequeña casa de adobe rodeada por un desierto de barrancos con vistas al cerro Pedernal, una de sus paisajes más pintados. Compra la casa en 1940 y la convierte en su segunda residencia. Vuelve cada verano desde Nueva York (Stieglitz nunca la acompañó) a pintar esos paisajes de tierras baldías, cuando el calor, la luz y los colores eran más potentes. En 1949, tras la muerte de Stieglitz, deja Nueva York definitivamente y se instala en Ghost Ranch.

“No puedo vivir como me gustaría, no puedo ir a donde quiero, no puedo hacer lo que me apetece, ni siquiera puedo decir lo que pienso. Así que he decidido que sería muy tonta si al menos no pintase como quiero”

En ese paisaje virgen, solitario, árido y monumental, abierto a un cielo inmenso, Georgia renace como artista y como persona, hasta adquirir la categoría de icono. Se envuelve en un halo de llanera solitaria absorbida por el paisaje: “he pintado este paisaje tanto, que ya es mío. Lo he observado tanto”, dice.

Fueron muchos los fotógrafos que  iban a visitarla para retratar a su musa en aquel lugar tan suyo. Entre ellos Ansel Adams, John Loengard y Todd Webb, con quien se fue, con 74 años, de expedición en una balsa siguiendo el curso del río Colorado.

Observa, pasea, se adentra en las montañas, y pinta lo que ve y siente hasta el final de sus días.

Muere en 1986 a los 98 años. Cuando le preguntan, en un documental, si sigue paseando (con su edad avanzada) por aquellos barrancos, ella mira fijamente a la cámara y contesta “¿No lo harías tú? ¿No los recorrerías tú si vivieses aquí?”

Hoy las dos casas, que más amó la pintora, pertenecen a Georgia O´Keeffe Museum.

Documental realizado en 2017, por Lisa Immordino Vreeland para M2M.tv.

Entrevista donde la productora y gran contadora de historias Perry Miller Adato (1920 – 2018), otro personaje en sí, narra cómo le animaron a realizar un documental sobre la artista viva norteamericana más famosa del momento, para el programa de tv The Women in Art

“Hay algo inexplicable en la naturaleza que me hace sentir que el mundo es mucho más grande que mi capacidad de comprenderlo – intentar entenderlo tratando de plasmarlo. Encontrar la sensación de infinito en la línea del horizonte o simplemente en la próxima colina”

Escribió a O´Keeffe instándole a que fuera ella quien hablase por primera vez sobre sí misma y sobre su obra, que fuera ella quien contase su propia historia. Le mandó la carta a Nuevo México, sin gran fe en conseguir una respuesta, y al cabo de seis meses recibió su confirmación. O´Keeffe por entonces estaba preparando un libro sobre su obra, contaba con 87 años, y le comentó a Perry Miller Adato que no le interesaba formar parte de la serie The Women in Art.

Renegaba del término “mujer artista, Los hombres me consideran la mejor pintora… pero yo creo que soy uno de los mejores pintores”, decía.

El documental “Georgia O’Keeffe” se presentó en 1977 en la National Gallery of Art, en Washington, coincidiendo con el 90 cumpleaños de la artista.

Perry Miller Adato habla sobre el documental que realizó y produjo sobre Georgia O´Keeffe para el programa Women in Art en 1977.

Georgia O’Keeffe a Life in Art, 2003.

Cortometraje realizado por Perry Miller Adato para el Georgia O´Keeffe Museum en Santa Fe.

Desde la ventana de su dormitorio, O´Keeffe podía ver la carretera que aparece en esta pintura. Es una vista que contemplaba todos los días y aquí parece estar pintada sobre la nieve del duro invierno mexicano. Su arco ondulado y estilizado recuerda las cuidadas formas de la caligrafía japonesa en una minimalista composición en la que solo el título indica el tema.

Esta carretera fue la conexión de O´Keeffe con el mundo y parece aludir a los numerosos viajes que la artista realizó por todo el planeta durante el último tercio de su larga vida.

Carretera en invierno I, 1963. Óleo sobre lienzo. National Gallery or Art. Washington

Viajes por el mundo

En 1945 O´Keeffe adquirió una hacienda en ruinas en el pequeño pueblo de Abiquiú y cuatro años después se trasladó a Nuevo México definitivamente. Su nueva casa, en especial una de las puertas del patio, aparece en mucha de sus obras.

Desde comienzos de la década de 1950, la artista alternó su vida rural con una serie de viajes internacionales que la llevaron a recorrer todos los continentes, las numerosas horas de vuelo le hicieron cambiar de nuevo de perspectiva. Asombrada con la belleza del mundo visto desde las alturas, realizó unas obras que parecen entroncar con su obra abstracta temprana.

En el patio III, 1948. Óleo sobre lienzo.
Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe

“Esta puerta es la razón por la que compré esta casa”. 1963

Patio con nube, 1956. Óleo sobre lienzo. Milwaukee Art Museum, Milwaukee

«Tenía en la cabeza colores claros y nítidos, pero un día mientras miraba la madera marrón quemada de la cabaña pensé: Puedo pintar uno de esos cuadros de colores lúgubres que pintan los hombres»

Durante su extensa carrera, O´Keefe realizó series que le permitieron elaborar un mismo motivo desde diversas perspectivas. El patio de su nueva casa en Abiquiú fue un tema recurrente desde 1946 hasta 1960.

O´Keeffe fijó obsesivamente si atención en una de las puertas en un proceso en el que los detalles se reducen a lo esencial.

Sobrias y llenas de luz, estas pinturas parecen anticipar el estilo minimalista del arte estadounidense de los años sesenta.

Puerta negra con rojo, 1954. Óleo sobre lienzo. Chrysler Museum of Art. Norfolk

«A menudo nos alejábamos del pueblo al atardecer. No había carreteras asfaltadas  ni vallas, ni árboles; parecía el mar, pero era una tierra muy amplia. El lucero de la tarde estaba en lo alto del cielo del atardecer cuando todavía era de día. Esa estrella vespertina me fascinaba…Solo tenía que caminar con ella hacia la nada y hacia el amplio espacio del crepúsculo»

Carretera al rancho, 1964. Óleo sobre lienzo.
Myron Kunin Collection of American Art, Mineápolis

“Es espectacular cuando uno se alza sobre el mundo en el que ha estado viviendo… El mundo absolutamente simplificado bello y bien delineado en esquemas, como simplificarán y ordenarán esta época nuestra el tiempo y la historia”

Escritas en el avión, estas palabras explican la fascinación que O´Keeffe sintió al volar. Durante sus viajes en avión, la artista tomaba apuntes en pequeños trozos de papel que luego dieron lugar a una serie de carboncillos. Tras los dibujos surgían los óleos. A pesar de que parecen representar el curso sinuoso de los ríos, los títulos indican que las composiciones pueden entenderse como puras abstracciones.

Dibujo IX, 1959. Carboncillo sobre papel. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe

“el maravilloso y enorme cielo; me dan ganas de respirar tan profundamente que parece que me voy a romper. Es tan grande que necesito salir”

Alfred Stieglitz, Georgia O´Keeffe. Galeria Nacional de Arte,
Ed Galloway, 1983
Ansel Adams. Georgia O´Keeffe pintando en su coche en Ghost Ranch, Nuevo México, 1937

Desde 1920 utilizó los mismos colores el rojo de alizarina, el blanco de plomo, el blanco de cinc, el verde de cromo, el azul cerúleo, el azul cobalto, el amarillo de cadmio, el rojo de plomo, los rojos de óxido de hierro y los ocres.

 Nadie puede ver una pintura de O’Keeffe sin ser afectado profundamente. Así se inicia la mística y así continúa”. Anselm Adams

Foto de Laura Gilpin. El estudio de Georgia O´Keeffe en Abiquiú con
vistas al valle de Chama, 1960

Inició su formación artística, junto con sus hermanas Anita e Ida, con una acuarelista local, Sara Mann.

La rigidez en la enseñanza la desmotivo al punto de decir que nadie le “había enseñado a pintar a su manera”.

Entre 1905 y 1907 estudió en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, luego en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York.

En 1908 con su obra “Conejo muerto con el crisol de cobre”, ganó un premio que le permitió gozar de una beca y asistir a la Escuela de Verano al aire libre de la Liga en Lake George, Nueva York.

Alfred Stieglitz, Georgia O´Keeffe, 1921. Galeria Nacional de Arte,
Ed Galloway, 1983

La enfermedad de su madre es el motivo por el que la familia se traslada a Charlottesville en el estado de Virginia, donde retoma sus estudios.

A partir de 1912 da clases de arte en Canvon y Amarillo, en Texas, y en la Universidad de Columbia desde 1915.

Sus obras abstractas al carboncillo la convirtieron en una de las artistas estadounidenses pioneras en explorar la abstracción. Obras llenas de originalidad y modernidad.

«Decidí que iba a hacer dibujos e iba a empezar con carboncillo y no iba a usar ningún color hasta que pudiera hacer lo que quería hacer con carboncillo o pintura negra»

Alfred Stieglitz, Georgia O´Keeffe. “Manos contra dibujo con formas redondas”, 1919

En sus dibujos en blanco y negro se nota la influencia del fotógrafo y pintor Arthur Wesley Dow (que incorporó la estética y técnica del arte oriental); y los escritos de Wasili Kandinsky, su libro «De lo espiritual en el arte», fue su libro de cabecera

«Sentí resonar en mi espíritu lo que para Kandinsky era la pintura…”el principio de la necesidad interior”. John Loengard

Paseo nocturno Ghost Ranch, 1966

El Taller

Tras sus numerosos viajes, e infinitos paseos Georgia O´Keeffe entraba en su estudio, donde trabajaba en soledad. Allí, alejada de otras miradas, continuaba su trabajo pictórico.

Desde sus años de estudiante a comienzos del siglo XX, desarrollo un método artístico al que fue fiel a lo largo de una carrera que duró más de seis décadas. Metódica, constante, rigurosa, y técnicamente cualificada, revela en sus obras un plan deliberado y cuidadosamente ejecutado para comunicar una experiencia visual sin ambigüedades.

Hay pocos detalles involuntarios o incluso espontáneos. Las formas, los colores, las texturas, los fondos sin pintar, incluso las dimensiones o las proporciones entre la altura y anchura de sus cuadros están cuidadosamente calculados.

Al igual que Friedrich Nietzsche, que aseguraba que para escribir se necesitaba la intervención de los pies, en referencia a la necesidad de andar para que el pensamiento fluyera, O’Keeffe caminaba para pintar después.

Durante aquellas horas que pasaba en l naturaleza, la artista además recolectaba aquello que encontraba en su camino, como las piedras del río, después las llevaba a su taller, donde se convertían en tema de sus obras. Tras ser plasmadas en el lienzo, estos trofeos pasaban a formar parte de una particular colección con la que decoró sus sucesivos talleres y casas donde vivió.

“La pintura es quizás un híbrido moderno: una fusión del color cubista, las líneas de fuerza del precisionismo y el lenguaje de la lente fotográfica»

En el año 1937 la empresaria de cosmética Elizabeth Arden le encargó un cuadro con la representación de la flor de estramonio para decorar el gimnasio de su salón de belleza de Nueva York.

“Estramonio” es la obra más cotizada de la historia del arte pintada por una mujer, ya que fue vendida en el año 2014 por la Casa de Subastas Sotheby’s alcanzando la cifra de 44,4 millones de dólares.

 «Cuando era pequeña…cogía una concha… y me la ponía cerca de la oreja. Me habían dicho que lo que se oía era el sonido del mar«. «Lo inexplicable de la naturaleza es que me hace sentir que el mundo es inabarcable, más allá de mi comprensión y para entenderlo trato de darle forma a través de mis pinceles. Busco encontrar la sensación de infinito  en la línea del horizonte o justo sobre la siguiente colina»

En 1962 fue nombrada nº 50 de la Academia Americana de Artes y Letras, y en 1966 es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias. Entre otros importantes premios fue condecorada con la Medalla Presidencial de la Libertad, el más alto honor otorgado a los ciudadanos americanos.

En 1984 se trasladó a santa Fe, muriendo el 6 de marzo de 1986, a la edad de 98 años.

«Cuando pienso en la muerte, solo lamento que no podré volver a ver este hermoso país, a menos que los indios estén en lo cierto y mi espíritu siga vagando por aquí cuando yo ya me haya ido…»


De acuerdo a sus deseos fue incinerada y sus cenizas esparcidas en la cima de la montaña Pedernal.

«Es mi montaña privada, me pertenece, Dios me dijo que si la pintaba suficiente, podía quedármela. He estado absolutamente aterrorizada cada momento de mi vida. Pero nunca he dejado que eso me impidiese realizar ni una sola de las cosas que quería hacer»

Notas

1

Coincidiendo con la exposición dedicada a Georgia O’Keeffe, el museo ha organizado seis conferencias.

Tres de las sesiones corren a cargo de los especialistas estadounidenses Cody Hartley (director del Museo Georgia O’Keeffe de Santa Fe), Roxana Robinson (biógrafa de la artista) y Wanda Corn (historiadora de arte y cultura estadounidense).

En las otras tres, Marta Ruiz del Árbol (comisaria de la exposición), Clara Marcellán (comisaria técnica) y Susana Pérez y Marta Palao (restauradoras), todas ellas del equipo del Museo Thyssen, exponen sus investigaciones sobre O’Keeffe

26 de mayo

El vasto y asombroso mundo de Georgia O’Keeffe
Cody Hartley, director del Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe, Nuevo México

2 de junio

Georgia O’Keeffe: Una vida de artista
Roxana Robinson, escritora y autora de la principal biografía sobre la artista

9 de junio

Georgia O’Keeffe a través de las obras de las colecciones Thyssen-Bornemisza.
Susana Pérez y Marta Palao, responsable de Restauración.

16 de junio

Una mujer sobre papel (fotográfico).

Clara Marcellán, comisaria técnica de la exposición y conservadora de Pintura Moderna

23 de junio

Wanderlust y creatividad en O’Keeffe
Marta Ruiz del Árbol, comisaria de la exposición y conservadora de Pintura Moderna

30 de junio

Arte, ropa y decoración en Georgia O’Keeffe
Wanda Corn, profesora emérita de Stanford y comisaria de la exposición Georgia O’Keeffe: Living Modern

2

-Los textos de este artículo están tomados de las referencias que acompañan la exposición.

-Del catálogo de Georgia O’keeffe. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

-Museo Nacional Thyssen-Bornemisza: https://www.museothyssen.org/

– Museo de Georgia O’keeffe en Santa Fe: https://www.okeeffemuseum.org/about-georgia-okeeffe/.

– Video de la Inauguración de la exposición: https://www.youtube.com/watch?v=TI3jDOq6kUQ

-Vídeo de la comisaria de la exposición Marta Ruíz del Árbol, conservadora de pintura moderna del Museo: https://www.youtube.com/watch?v=Oc6wzrRrHf4

-La edición Wright/O´Keeffe de la editorial H Kliczkowski, Colección “Duetos”.

3

Ahora. Periódico semanal independiente de política, economía y cultura

Nº 43. 22/07/2016

https://www.ahorasemanal.es/georgia-o%E2%80%99keeffe-la-mujer-que-sustituyo-a-las-modelos-por-flores

4

Georgia O’Keeffe, entre tierras baldías

Por María Pérez de Arenaza, “On the 50 road”

12/4/2018 https://onthe50road.com/georgia-okeeffe-entre-tierras-baldias/

5

El viaje de la libélula. Guadalupe Ferrández Sancho

https://www.elviajedelalibelula.com/single-post/georgia-o-keefe-la-gran-artista-moderna-americana-retrospectiva-museo-thyssen-bornemisza-madrid

Georgia O´Keeffe. 1era parte

Exposición temporal a través de las obras de las colecciones Thyssen-Bornemisza

Georgia O’Keeffe https://youtu.be/GuzopQg8veE

Cursos y Conferencias (1)

La exposición es un recorrido completo por la trayectoria artística de O’Keeffe, desde las obras de la década de 1910 con las que se convirtió en una pionera de la abstracción, pasando por sus famosas flores o sus vistas de Nueva York -gracias a las que fue encumbrada como una de las principales figuras de la modernidad de su país-, hasta las pinturas de Nuevo México, fruto de su fascinación con el paisaje y la mezcla de culturas.

Georgia O’Keeffe ha sido organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el Centre Pompidou y la Fondation Beyeler con la colaboración del Georgia O’Keeffe Museum de Santa Fe, Nuevo México.

Después de Madrid, la muestra viaja a París y Basilea.

Georgia O´Keeffe (2)

Ansel Adams, Georgia O´Keeffe en Osemite, 1938

La exposición Georgia O´Keeffe en el Thyssen-Bornemisza reúne 90 obras que muestran la larga y prolífica carrera de una de las máximas representantes de las corrientes de vanguardia del siglo XX en Estados Unidos.

Treinta y cinco obras provienen del Museo de Georgia O’Keeffe de Santa Fe (Nuevo México), el Estado donde la artista vivió la mayor parte de su vida; cinco del mismo museo Thyssen, fechadas entre 1921 y 1957, y el resto de otros museos y colecciones privadas

Georgia O´Keeffe (1187 – 1986), fue una artista viajera que, cuando llegaba a su destino lo exploraba con el ritmo pausado del caminante.

Su infinita curiosidad e interés por lo desconocido hicieron que, a lo largo de su extensa vida nunca dejara de viajar, por estados Unidos primero y por todos los continentes en el último tercio de su vida. Sus cambios de escenario, y las caminatas por la naturaleza, son el origen de toda su creación.

El recorrido por las salas, que combina el orden cronológico con la agrupación temática, permite descubrir la profunda conexión con los lugares que visitó y su empatía con la naturaleza.

Sus obras muestran el mundo encerrado en los pequeños objetos que recogía durante sus paseos: flores, conchas o huesos que amplía y depura en sucesivos estudios y series. Su lenguaje preciso remite a veces con exactitud a la realidad visible, mientras que en otras ocasiones parece alejarse del objeto de inspiración para convertirse en una armoniosa combinación abstracta de formas y colores.

Foto de Todd Webb. El estudio de Georgia O´Keeffe en Ghost Ranch, Nuevo México, 1962
Foto de Todd Webb. El estudio de Georgia O´Keeffe en Ghost Ranch, Nuevo México, 1963

Carolina del Sur y Texas

Obra temprana

Estudió en el Art Institute of Chicago y en el Art Students League de Nueva York, pero fueron las enseñanzas de Arthur Wesley Dow (1857 – 1922) fuertemente marcadas por los principios compositivos del arte japonés, las que la alentaron a realizar un arte que, basado en la naturaleza, tendiera a la abstracción.

En 1915 mientras trabajaba como profesora de arte en Carolina del Sur y Texas, inició su propio camino con unas obras abstractas en las que evocaba el ritmo de la naturaleza.

Tan solo un año después, cuando se expusieron en 1916, deslumbró a la élite cultural de Nueva York y a partir de entonces se convirtió en una de las principales representantes de la modernidad de su país.

Líneas negras, 1916 Acuarela sobre papel. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Burnett Foundation
Abstracción temprana, 1915. Carboncillo sobre papel. Milwaukee Art Museum, Milwaukee. Donación de la Jane Bradley Pettit Foundation y The Georgia O´Keeffe Foundation

Aunque es reconocida por su dominio del color, comenzó su carrera artística con unas obras en las que renunció a él premeditadamente. Esta decisión ayuda a comprender la importancia que el dibujo tuvo en su proceso creativo.

Serie I. N1 4, 1918. Óleo sobre cartón. Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, Munich. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

Durante su etapa en Carolina del Sur pero especialmente en Texas, sintió una fuerte conexión con el entorno que se reflejó en sus acuarelas. De intenso colorido, estas obras muestran su predilección por los horizontes infinitos. También de esa época es una serie de desnudos femeninos cuyos tonos parecen dialogar con sus paisajes.

Serie Desnudos, IX, 1917. Acuarela sobre papel. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación The Georgia O´Keeffe Foundation

Nueva York / Abstracciones

En 1918, se instaló en Nueva York para dedicarse por completo a la pintura. Las composiciones orgánicas de esta época la convirtieron en una pionera de la abstracción pictórica. En ocasiones se interesó por crear un equivalente visual a la música mientras que en otras reflexionó sobre su intensa experiencia en el paisaje texano.

También pintó sus primeras abstracciones florales.

Cuando se expusieron en Manhattan a comienzos de la década de 1920, provocaron lecturas psicoanalíticas por parte de ciertos críticos y despertaron debates sobre la importancia del género de la artista en relación a su trabajo.

Montaña rosa y azul. . Acuarela sobre papel. Donación de The Burnett Foundation. Y de The Georgia O´Keeffe Foundation

“Nadie mira una flor, de verdad, son tan pequeñas… No tenemos tiempo, y para mirarlas se necesita tiempo, al igual que para tener un amigo necesitamos tiempo. Si pudiese pintar la flor exactamente como la veo, nadie vería lo que yo veo, ya que la pintaría pequeña, porque la flor es pequeña. Así que me dije a mi misma: pintaré lo que veo, lo que la flor es para mí, pero la pintaré grande y la gente se sorprenderá cuando destine tiempo a mirarla. Haré que hasta los neoyorquinos más ocupados se tomen un tiempo para mirar lo que yo veo en las flores. He conseguido que te tomes un tiempo para ver lo que yo he visto pero, cuando te tomas ese tiempo para observar realmente mi flor, le adjudicas tus propias asociaciones sobre las flores, y escribes sobre mi flor como si yo pensase y viese lo que tú piensas y ves en la flor, pero yo no lo veo.”

Serie I. Formas de flores blancas y azules, 1919. Óleo sobre tabla. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation
Serie I. Nº 8, 1919. Óleo sobre lienzo. Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, Munich. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Burnett Foundation
Abstracción oscura, 1924. Óleo sobre lienzo. Saint Louis Art Museum, San Luis. Donación de Charles E. y Mary Merrill

“Pinté desde las llanuras I y Raya roja y naranja en Nueva York unos meses después de dejar aquel amplio mundo (texano), años más tarde volví a pintarlo en dos ocasiones. El mugido de las reses en los establos llamando a sus terneros noche y día es un sonido que siempre me ha perseguido. Tenía un ritmo regular como las viejas canciones de los penitentes repitiendo los mismos ritmos una y otra vez todo el día y toda la noche. Sonaba fuerte y descarnado bajo las estrellas en ese campo amplio y desierto”. 1976

Serie I. Desde las llanuras, 1919. Óleo sobre lienzo. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe
Desde las llanuras II, 1954. Óleo sobre lienzo. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Nueva York / Lake George

Desde finales de la década de 1910, O´Keeffe dividió su tiempo entre la ciudad y el campo. Su pintura reflejó este contraste entre inviernos y primaveras en Manhattan y los veranos y otoños en Lake George, un enclave natural al norte del estado de Nueva York.

Instalada en un moderno rascacielos, la artista quiso pintar la gran ciudad, que se erigía en la década de 1920 como el tema moderno por antonomasia.

Las vistas que realizó de Manhattan son obras excepcionales dentro de su trayectoria, ya que generalmente estuvo volcada en representar la naturaleza.

En paralelo, también retrató esa otra América rural que descubría durante sus retiros en el campo. Entre sus motivos favoritos aparecieron los graneros, que le recordaban a su infancia en una granja de Wisconsin.

Los graneros, Lake George, 1926. Óleo sobre lienzo. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe
Establos, 1932. Óleo sobre lienzo. Detroit Institute of Arts, Detroit,
donación de Robert H. Tannahill
El castaño. Gris, 1924. Óleo sobre lienzo, Myron Kunín Collection of american Art. Mineápolis

«No se puede pintar Nueva York tal como es, sino tal como uno lo siente»

Sin título (Noche en la ciudad), década de 1970. Óleo sobre lienzo. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

En 1925 se mudó a Shelton, un rascacielos recién construido. Parece que fue por esas fechas cuando decidió comenzar a retratar Manhattan. Sin embargo, cando pintó Calle de Nueva York con luna, primera obra de la serie, la artista descendió de su atalaya moderna para, siguiendo su imperturbable rutina diaria, caminar por las calles de la Gran Manzana en busca de motivos pictóricos.

Durante sus paseos, O´Keeffe tomaba apuntes, como lo atestigua el boceto del edificio Chrysler en su cuaderno Pelican. En ocasiones, sus bocetos reflejan al detalle la composición final e indican incluso los colores que posteriormente pensaba aplicar sobre el lienzo.

Sin título (edificio Chrysler), cuaderno Pelican I, 1932. Grafito sobre papel. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation
Sin título (calle de Nueva York con luna), 1925. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

Colección  “duetos” de la editorial HK

Portada de la coedición de Harper Collins design Internacional, 1a edición de marzo 2005, inglés, 98 páginas. ISBN 006054202

En el año 2003, decidimos en la editorial H Kliczkowski, hacer una colección que llamamos “duetos”, que incluirían un pintor(a) y un arquitecto(a).

La idea era “partir el libro en 3”, al comienzo, describir las obras del arquitecto(a) y al final del artista.

Y en el medio la relación, directa o indirecta entre ambos.

Editamos varios, Gaudi/Dalí, Sert/Miró, Wagner/Klimt…y Wright/O´Keeffe, tuvo mucho éxito y vendimos los derechos de edición a la editorial americana Harper Collins.

La Coordinación editorial la hicieron Llorenç Bonet y mi hija María sol Kliczkowski.

Frank Lloyd Wright / Georgia O´Keeffe

Alfred Stieglitz. Georgia O´Keeffe, 1920-1922

En la presentación, ponía:

Georgia O´Keeffe y Frank Lloyd Wright son dos pioneros norteamericanos del arte y la cultura. Ambos fueron reconocidos aún en vida como genios y precursores del arte norteamericano, referentes ineludibles para las generaciones futuras.

Los dos fueron conscientes de que su obra pese a que formaba parte de la cultura occidental, representaba a su vez una escisión respecto a la tradición europea y la consolidación de un arte norteamericano estrechamente relacionado con su territorio y sus paisajes.

Fascinados por las culturas orientales, nunca quisieron inscribirse dentro de una corriente o movimiento de vanguardia que implicase abandonar su individualidad, un rasgo siempre presente en la cultura de Estados Unidos.

Otra característica que les une, a pesar de la diferencia de edad, es que ambos emprendieron un viaje vital de norte a sur y de este a oeste, dentro de su propio país, un periplo que formó parte intrínseca de los mitos modernos norteamericanos.

El cine, el gran medio artístico del siglo XX, ha relatado estas migraciones hasta la saciedad, desde los “westerns” hasta las “roads movies” y se ha considerado  la llamada conquista del Oeste como parte de la mitología contemporánea.

El traslado de la costa atlántica a la costa pacífica significó una decisión crucial para los dos artistas, que cambiaría incluso su manera de vivir y de relacionarse con el entorno.

En el caso de Wright, el clima de Wisconsin empezó a ser demasiado duro para su delicada salud, y por ese motivo a mediados de la década de los treinta se trasladó a Taliesin West, lugar de su última residencia.

También en esa misma década, O´Keeffe empezó a pasar cada vez más tiempo en Nueva México –en el mismo desierto en que trabajaba Wright– donde se trasladaría a vivir definitivamente en 1946.

Casa en Nuevo México de Georgia O´Keeffe

Este recorrido desde el Wisconsin natal de los dos artistas hasta el desierto de Nuevo México y Arizona respectivamente, está lleno de innumerables viajes, sobre todo dentro del territorio nacional, pero también –especialmente Wright– por otros paises del mundo.

Estados Unidos ha sido durante el siglo XX una potencia militar decisiva en la evolución política de todo el mundo. Pero aparte de la importancia económica y militar, se ha erigido en un rico referente cultural, especialmente a partir de la segunda mitad de siglo.

Frank Lloyd Wright y Georgia O´Keeffe son dos precursores dentro del mundo artístico norteamericano, los primeros en crear un lenguaje cada vez más personal e independiente de otros paises. La literatura norteamericana era una realidad consolidada ya a mediados del siglo XIX, sin embargo, la arquitectura y la pintura aún dependían de Europa.

Wright/O´Keeffe encarnan a los primeros artistas que crearon y emprendieron una carrera en solitario al margen de Europa, y siguieron sus intereses y motivaciones personales, sin necesidad de copiar las corrientes artísticas que triunfaban en aquellas épocas en el viejo continente.

Cajas de pinceles. Georgia O´Keeffe Museum of Art, Santa Fe

O´Keeffe no realizaba cambios significativos durante el proceso de elaboración de sus obras. Para lograr mayor precisión de los trazos en sus pinturas, solía utilizar pinceles planos.

Formas orgánicas

Naturaleza y abstracción

Ambos afirmaron a lo largo de su carrera que su obra debía mucho al estudio de los objetos naturales, y que una de las mejores fuentes de inspiración era la observación directa de la naturaleza.

Esta línea de trabajo no les llevó a crear una copia del mundo, sino que, al haber interiorizado la realidad, pudieron crear un mundo totalmente personal, que derivo muchas veces hacia formas abstractas.

El Mito del Oeste

Vivir en el desierto

El East River visto desde el Hotel Shelton. Óleo sobre lienzo. The Metropolitan Museum of Art. Nueva York. Alfred Stieglitz Collection, legado de Georgia O´Keeffe

“La mayoría de la gente en la ciudad corre de un lado a otro y no tiene tiempo para mirar una flor. Quiero que la vean, quieran o no” . 1993

“He recogido flores allí donde las he encontrado. He recogido conchas y rocas y trozos de madera. Cuando en el desierto encontré los hermosos  huesos blancos, los recogí y me los llevé a casa también”. 1976

La flor de calicó blanca, 1931. Óleo sobre lienzo. Whitney Museum of American Art, Nueva York
Hojas de otoño, Lake George N.Y. 1924. Óleo sobre lienzo.
Columbus Museum of Art, Columbus
Hojas oscuras y lavanda, 1931. Óleo sobre lienzo. Colección del New México Museum of Art, Santa Fé

La obra de O´Keeffe osciló siempre entre figuración y abstracción y un buen ejemplo de ello es “Abstracción Negra”. A pesar de su apariencia no figurativa la artista explicó posteriormente que este lienzo representa sus últimas impresiones visuales antes de dormirse por el efecto de la anestesia para una intervención quirúrgica.

Sus trabajos estuvieron siempre entre la figuración y la abstracción, un claro ejemplo es “Abstracción negra”, que plasma lo que sintió al ser operada de un tumor benigno en el seno, en el verano de 1927 en el Hospital Monte Sinaí de Nueva York.

«Estaba en una camilla en una habitación grande, dos enfermeras se cernían sobre mí, una claraboya muy grande sobre mí. Había decidido estar consciente el mayor tiempo posible. Escuché al doctor lavarse las manos. La claraboya comenzó a girar y lentamente se hizo más y más pequeño en un espacio negro. Levanté mi brazo derecho por encima y lo dejé caer. Cuando la claraboya se convirtió en un pequeño punto blanco en una habitación negra, levanté mi brazo izquierdo sobre mi cabeza. Cuando comenzó a caer y el punto blanco se hizo muy pequeño, me fui «.

Semanas más tarde su experiencia se convirtió en esta obra, en la que ha utilizado tonalidades negras y grises. El negro utilizado es suave y aterciopelado.

Abstracción Negra, 1927 (y la sombra de Hugo). Óleo sobre lienzo.
The Metropolitan Museum of Art. Nueva York. Alfred Stieglitz Collection
Narcisos amarillos Nº 3, 1936. Óleo sobre lienzo. Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City.
Bebe and Crosby Kemper Collection
Extramonio. Flor blanca Nº 1, 1932. Óleo sobre lienzo. Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville

«Todo el mundo establece muchas asociaciones con una flor… Pero rara vez se toma el tiempo necesario para ver realmente una flor. He pintado lo que cada flor significa para mi y las he pintado suficientemente grandes para que otros vean lo que yo veo…»

Abedul blanco, 1925. Óleo sobre lienzo. Amon Carter Museum of American art,
Fort Worth. Donación de Ruth Carter Stevenson.

continúa http://onlybook.es/blog/georgia-okeeffe-2nda-parte-y-final/

Notas

1

Coincidiendo con la exposición dedicada a Georgia O’Keeffe, el museo ha organizado seis conferencias.

Tres de las sesiones corren a cargo de los especialistas estadounidenses Cody Hartley (director del Museo Georgia O’Keeffe de Santa Fe), Roxana Robinson (biógrafa de la artista) y Wanda Corn (historiadora de arte y cultura estadounidense).

En las otras tres, Marta Ruiz del Árbol (comisaria de la exposición), Clara Marcellán (comisaria técnica) y Susana Pérez y Marta Palao (restauradoras), todas ellas del equipo del Museo Thyssen, exponen sus investigaciones sobre O’Keeffe

26 de mayo

El vasto y asombroso mundo de Georgia O’Keeffe
Cody Hartley, director del Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe, Nuevo México

2 de junio

Georgia O’Keeffe: Una vida de artista
Roxana Robinson, escritora y autora de la principal biografía sobre la artista

9 de junio

Georgia O’Keeffe a través de las obras de las colecciones Thyssen-Bornemisza.
Susana Pérez y Marta Palao, responsable de Restauración.

16 de junio

Una mujer sobre papel (fotográfico).

Clara Marcellán, comisaria técnica de la exposición y conservadora de Pintura Moderna

23 de junio

Wanderlust y creatividad en O’Keeffe
Marta Ruiz del Árbol, comisaria de la exposición y conservadora de Pintura Moderna

30 de junio

Arte, ropa y decoración en Georgia O’Keeffe
Wanda Corn, profesora emérita de Stanford y comisaria de la exposición Georgia O’Keeffe: Living Modern

2

-Los textos de este artículo están tomados de los textos que acompañan la exposición.

-Del catálogo de Georgia O’keeffe. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

-Museo Nacional Thyssen-Bornemisza: https://www.museothyssen.org/

– Museo de Georgia O’keeffe en Santa Fe: https://www.okeeffemuseum.org/about-georgia-okeeffe/.

– Video de la Inauguración de la exposición: https://www.youtube.com/watch?v=TI3jDOq6kUQ

-Vídeo de la comisaria de la exposición Marta Ruíz del Árbol, conservadora de pintura moderna del Museo: https://www.youtube.com/watch?v=Oc6wzrRrHf4

-La edición Wright/O´Keeffe de la editorial H Kliczkowski, Colección “Duetos”.

Georgia O´Keeffe en el Thyssen-Bornemisza

ver completa la 1er parte en

Georgia O´Keeffe. 1era parte

Exposición temporal. Del 20 de abril al 8 de agosto de 2021

Georgia O’Keeffe a través de las obras de las colecciones Thyssen-Bornemisza

https://youtu.be/GuzopQg8veE

Cursos y conferencias (1) 

La exposición es un recorrido completo por la trayectoria artística de O’Keeffe, desde las obras de la década de 1910 con las que se convirtió en una pionera de la abstracción, pasando por sus famosas flores o sus vistas de Nueva York -gracias a las que fue encumbrada como una de las principales figuras de la modernidad de su país-, hasta las pinturas de Nuevo México, fruto de su fascinación con el paisaje y la mezcla de culturas de este remoto territorio.

Georgia O´Keeffe (2)

La exposición Georgia O´Keeffe reúne 90 obras que muestran la larga y prolífica carrera de una de las máximas representantes de las corrientes de vanguardia del siglo XX en Estados Unidos.

Georgia O´Keeffe (1187 – 1986), fue una artista viajera que, cuando llegaba a su destino lo exploraba con el ritmo pausado del caminante.

Su infinita curiosidad e interés por lo desconocido hicieron que, a lo largo de su extensa vida nunca dejara de viajar, por estados Unidos primero y por todos los continentes en el último tercio de su vida. Sus cambios de escenario, y las caminatas por la naturaleza, son el origen de toda su creación.

El recorrido por las salas, que combina el orden cronológico con la agrupación temática, permite descubrir la profunda conexión con los lugares que visitó y su empatía con la naturaleza. A su vez, las obras de O´Keefe muestran el mundo encerrado en los pequeños objetos que recogía durante sus paseos: flores, conchas o huesos que amplía y depura en sucesivos estudios y series. Su lenguaje preciso remite a veces con exactitud a la realidad visible, mientras que en otras ocasiones parece alejarse del objeto de inspiración para convertirse en una armoniosa combinación abstracta de formas y colores.

Ansel Adams. Georgia O´Keeffe en Osemite, 1938

Carolina del Sur y Texas:

Obra temprana

Georgia O’Keefe estudió en el Art Institute of Chicgo y en el Art Students League de Nueva York, pero fueron las enseñanzas de Arthur Wesley Dow (1857 – 1922) fuertemente marcadas por los principios compositivos del arte japonés, las que la alentaron a realizar un arte que, basado en la naturaleza, tendiera a la abstracción.

En 1915 mientras trabajaba como profesora de arte en Carolina del Sur y Texas, inició su propio camino con unas obras abstractas en las que evocaba el ritmo de la naturaleza.

Tan solo un año después, cuando se expusieron en 1916, deslumbró a la élite cultural de Nueva York y a partir de entonces se convirtió en una de las principales representantes de la modernidad de su país.

Líneas negras, 1916, Acuarela sobre papel

Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe, Donación de The Burnett Foundation

Abstracción temprana, 1915, Carboncillo sobre papel

Milwaukee Art Museum, Milwaukee, Donación de la Jane Bradley Pettit Foundation

y de The Georgia O´Keeffe Foundation

Aunque es reconocida por su dominio del color, comenzó su carrera artística con unas obras en las que renunció a él premeditadamente. Esta decisión ayuda a comprender la importancia que el dibujo tuvo en su proceso creativo.

Serie I. N1 4, 1918, Óleo sobre cartón

Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, Munich, Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

La imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 5-desnudo-867x1024.jpg

Durante su etapa en Carolina del Sur pero especialmente en Texas, sintió una fuerte conexión con el entorno que se reflejó en sus acuarelas. De intenso colorido, estas obras muestran su predilección por los horizontes infinitos. También de esa época es una serie de desnudos femeninos cuyos tonos parecen dialogar con sus paisajes.

Serie Desnudos, IX, 1917, Acuarela sobre papel. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe, Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

La imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 6-montana-rosa-y-azul-1024x843.jpg

Montaña rosa y azul. Acuarela sobre papel.

Donación de The Burnett Foundation,

Y de The Georgia O´Keeffe Foundation

Nueva York: Abstracciones

En 1918, se instaló en Nueva York para dedicarse por completo a la pintura. Las composiciones orgánicas de esta época la convirtieron en una pionera de la abstracción pictórica. En ocasiones se interesó por crear un equivalente visual a la música mientras que en otras reflexionó sobre su intensa experiencia en el paisaje texano.

También pintó sus primeras abstracciones florales. Cuando se expusieron en Manhattan a comienzos de la década de 1920, provocaron lecturas psicoanalíticas por parte de ciertos críticos y despertaron debates sobre la importancia del género de la artista en relación a su trabajo.

Serie I. Formas de flores blancas y azules, 1919

Óleo sobre tabla

Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe, Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

La imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es 8-oleo--828x1024.jpg

Serie I. Nº 8, 1919

Óleo sobre lienzo

Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, Munich

Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe, Donación de The Burnett Foundation

Abstracción oscura, 1924

Óleo sobre lienzo

Saint Louis Art Museum, San Luis. Donación de Charles E. y Mary Merrill

“Pinté desde las llanuras I y Raya roja y naranja en Nueva York uso meses después de dejar aquel amplio mundo (texano). Y años más tarde volví a pintarlo en dos ocasiones. El mugido de las reses en los establos llamando a sus terneros noche y día es un sonido que siempre me ha perseguido. Tenía un ritmo regular como las viejas canciones de los penitentes repitiendo los mismos ritmos una y otra vez todo el día y toda la noche. Sonaba fuerte y descarnado bajo las estrellas en ese campo amplio y desierto”. Georgia O´Keeffe, 1976.

Serie I. Desde las llanuras, 1919

Óleo sobre lienzo

Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe

Desde las llanuras II, 1954

Óleo sobre lienzo

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Nueva York/Lake George

Desde finales de la década de 1910, O´Keeffe dividió su tiempo entre la ciudad y el campo. Su pintura reflejó este contraste entre los inviernos y primaveras en manhattan y los veranos y otoños en Lake George, un enclave natural al norte del estado de nueva York. Instalada en un moderno rascacielos, la artista quiso pintar la gran ciudad, que se erigía en la década de 1920 como el tema moderno por antonomasia. Las vistas que realizó de manhattan son obras excepcionales dentro de su trayectoria, ya que generalmente estuvo volcada en representar la naturaleza.

En paralelo, también retrató esa otra América rural que descubría durante sus retiros en el campo. Entre sus motivos favoritos aparecieron los graneros, que le recordaban a su infancia en una granja de Wisconsin.

Los graneros, Lake George, 1926

Óleo sobre lienzo

Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe

Establos, 1932

Óleo sobre lienzo

Detroit Institute of Arts, Detroit, donación de Robert H. Tannahill

El castaño. Gris, 1924

Óleo sobre lienzo

Myron Kunín Collection of american Art. Mineápolis

Sin título (Noche en la ciudad). Década de 1970

Óleo sobre lienzo

Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

Sin título (edificio Chrysler), cuaderno Pelican I,1932

Grafito sobre papel

Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

En 1925 se mudó a Shelton, un rascacielos recién construido. Parece que fue por esas fechas cuando decidió comenzar a retratar Manhattan. Sin embargo, cando pintó Calle de Nueva York con luna, primera obra de la serie, la artista descendió de su atalaya moderna para, siguiendo su imperturbable rutina diaria, caminar por las calles de la Gran Manzana en busca de motivos pictóricos.

Durante sus paseos, O´Keeffe tomaba apuntes, como lo atestigua el boceto del edificio Chrysler en el cuaderno Pelican.

En ocasiones, sus bocetos reflejan al detalle la composición final e indican incluso los colores que posteriormente pensaba aplicar sobre el lienzo.

Sin título (calle de Nueva York con luna), 1925. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

Colección  “duetos” de la editorial HK

En el año 2003, decidimos en la editorial H Kliczkowski, hacer una colección que llamamos duetos, que incluirían un pintor(a) y un arquitecto(a).

La idea era “partir el libro en 3 partes, al comienzo, describir las obras del arquitecto(a) y al final del artista.

Y en el medio la relación, directa o indirecta entre ambos.

Editamos varios, Gaudi/Dalí, Sert/Miró, Wagner/Klimt…y Wright/O´Keeffe. Tuvo mucho éxito y vendimos los derechos de edición a la editorial americana Harper Collins.

La Coordinación editorial la hicieron Llorenç Bonet y mi hija María sol Kliczkowski.

En la presentación, ponía:

Frank Lloyd Wright / Georgia O´Keeffe

Georgia O´Keeffe y Frank Lloyd Wright son dos pioneros norteamericanos del arte y la cultura. Ambos fueron reconocidos aún en vida como genios y precursores del arte norteamericano, referentes ineludibles para las generaciones futuras.

Los dos fueron conscientes de que su obra pese a que formaba parte de la cultura occidental, representaba a su vez una escisión respecto a la tradición europea y la consolidación de un arte norteamericano estrechamente relacionado con su territorio y sus paisajes. Fascinados por las culturas orientales, nunca quisieron inscribirse dentro de una corriente o movimiento de vanguardia que implicase abandonar su individualidad, un rasgo siempre presente en la cultura de Estados Unidos.

Otra característica que les une, a pesar de la diferencia de edad, es que ambos emprendieron un viaje vital de norte a sur y de este a oeste, dentro de su propio país, un periplo que formó parte intrínseca de los mitos modernos norteamericanos. El cine, el gran medio artístico del siglo XX, ha relatado estas migraciones hasta la saciedad, desde los “weasterns” hasta las “roads movies” y se ha considerado  la llamada conquista del Oeste como parte de la mitología contemporánea.

El traslado de la costa atlántica a la costa pacífica significó una decisión crucial para los dos artistas, que cambiaría incluso su manera de vivir y de relacionarse con el entorno.

En el caso de Wright, el clima de Wisconsin empezó a ser demasiado duro para su delicada salud, y por ese motivo a mediados de la década de los treinta se trasladó a Taliesin West, lugar de su última residencia. También en esa misma década,

O´Keeffe empezó a pasar cada vez más tiempo en Nueva México –en el mismo desierto en que trabajaba Wright- donde se trasladaría a vivir definitivamente en 1946.

Casa en Nuevo México de Georgia O´´´’Keeffe

Este recorrido desde el Wisconsin natal de los dos artistas hasta el desierto de Nuevo México y Arizona respectivamente, está lleno de innumerables viajes, sobre todo dentro del territorio nacional, pero también –preferentemente Wright- por otros paises del mundo.

Estados Unidos ha sido durante el siglo XX una potencia militar decisiva en la evolución política de todo el mundo. Pero aparte de la importancia económica y militar, se ha erigido en un rico referente cultural, especialmente a partir de la segunda mitad de siglo. Frank Lloyd Wright y Georgia O´Keeffe son dos precursores dentro del mundo artístico norteamericano, los primeros en crear un lenguaje cada vez más personal e independiente de otros paises. La literatura norteamericana era una realidad consolidada ya a mediados del siglo XIX, sin embargo, la arquitectura y la pintura aún dependían de Europa.

Wright/O´Keeffe encarnan a los primeros artistas que crearon y emprendieron una carrera en solitario al margen de Europa, y siguieron sus intereses y motivaciones personales, sin necesidad de copiar las corrientes artísticas que triunfaban en aquellas épocas en el viejo continente.

Formas orgánicas

Naturaleza y abstracción

Ambos afirmaron a lo largo de su carrera que su obra debía mucho al estudio de los objetos naturales, y que una de las mejores fuentes de inspiración era la observación directa de la naturaleza.

Esta línea de trabajo no les llevó a crear una copia del mundo, sino que, al haber interiorizado la realidad, pudieron crear un mundo totalmente personal, que derivo muchas veces hacia formas abstractas.

El Mito del Oeste

Vivir en el desierto

El East River visto desde el Hotel Shelton, Oleo sobre lienzo, The Metropolitan Museum of art. Nueva York, Alfred Stieglitz Collection, legado de Georgia O´Keeffe

“La mayoría de la gente en la ciudad corre de un lado a otro y no tiene tiempo para mirar una flor. Quiero que la vean, quieran o no” Georgia O´Keeffe, 1993

“He recogido flores allí donde las he encontrado. He recogido conchas y rocas y trozos de madera. Cuando en el desierto encontré los hermosos  huesos blancos, los recogí y me los llevé a casa también”. Georgia O´Keeffe, 1976

La flor de calicó blanca, 1931, Óleo sobre lienzo. Whitney Museum of American Art, Nueva York

Hojas de otoño, Lake George N.Y. 1924. Óleo sobre lienzo

Columbus Museum of Art, Columbus

Hojas oscuras y lavanda, 1931. Óleo sobre lienzo. Colección del New México Museum of Art, Santa Fé

La obra de O´Keeffe osciló siempre entre figuración y abstracción y un buen ejemplo de ello es “Abstracción Negra”. A pesar de su apariencia no figurativa la artista explicó posteriormente que este lienzo representa sus últimas impresiones visuales antes de dormirse por el efecto de la anestesia para una intervención quirúrgica.

Abstracción Negra, 1927. Óleo sobre lienzo. The Metropolitan Museum of Art. Nueva York. Alfred Stieglitz Collection
Narcisos amarillos Nº 3, 1936. Óleo sobre lienzo. Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City. Bebe and Crosby Kemper Collection
Extramonio. Flor blanca Nº 1, 1932. Óleo sobre lienzo. Crystal Bridges Museum of american Art, Bentonville
Abedul blanco, 1925. Óleo sobre lienzo. Amon Carter Museum of American art, Fort Worth. Donación de Ruth Carter Stevenson

Notas

1

Coincidiendo con la exposición dedicada a Georgia O’Keeffe, el museo ha organizado seis conferencias.

Tres de las sesiones corren a cargo de los especialistas estadounidenses Cody Hartley (director del Museo Georgia O’Keeffe de Santa Fe), Roxana Robinson (biógrafa de la artista) y Wanda Corn (historiadora de arte y cultura estadounidense).

En las otras tres, Marta Ruiz del Árbol (comisaria de la exposición), Clara Marcellán (comisaria técnica) y Susana Pérez y Marta Palao (restauradoras), todas ellas del equipo del Museo Thyssen, exponen sus investigaciones sobre O’Keeffe

26 de mayo

El vasto y asombroso mundo de Georgia O’Keeffe
Cody Hartley, director del Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe, Nuevo México

2 de junio

Georgia O’Keeffe: Una vida de artista
Roxana Robinson, escritora y autora de la principal biografía sobre la artista

9 de junio

Georgia O’Keeffe a través de las obras de las colecciones Thyssen-Bornemisza.
Susana Pérez y Marta Palao, responsable de Restauración y restauradora. 

16 de junio

Una mujer sobre papel (fotográfico).

Clara Marcellán, comisaria técnica de la exposición y conservadora de Pintura Moderna

23 de junio

Wanderlust y creatividad en O’Keeffe
Marta Ruiz del Árbol, comisaria de la exposición y conservadora de Pintura Moderna

30 de junio

Arte, ropa y decoración en Georgia O’Keeffe
Wanda Corn, profesora emérita de Stanford y comisaria de la exposición Georgia O’Keeffe: Living Modern

2

Los textos de este artículo son los que acompañan la exposición.

Georgia O’Keeffe ha sido organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el Centre Pompidou y la Fondation Beyeler con la colaboración del Georgia O’Keeffe Museum de Santa Fe, Nuevo México. Después de Madrid, la muestra viaja a París y Basilea.

A pesar del virus, el mundo existe y no está en paréntesis III

Primera parte: http://onlybook.es/blog/a-pesar-del-virus-el-mundo-que-existe-no-esta-en-parentesis/

Segunda parte: http://onlybook.es/blog/a-pesar-del-virus-el-mundo-existe-y-no-esta-en-parentesis-ii/

El agujero Azul en Belice

Se encuentra en la costa de Belice, cerca del centro del arrecife del mismo nombre, y del centro del arrecife Lighthouse, que es un atolón a 100 km de la costa continental y la ciudad de Belice.

Los que están en la Península de Yucatán se los conoce como “cenotes”.
El agujero Azul en Belice es circular de 300 metros de ancho y 123 metros de profundidad
Hace 12.000 años, en la última Edad de Hielo, el mar subió, las cavernas se inundaron, la cubierta de las cavernas se desmoronaron y se formó esta sima que es la pasión de buceadores, donde encuentran muchas especies marinas. Entre ellas los meros gigantes que pueden alcanzar los 2,7 metros de largo y 400 kilos, los tiburones nodriza o tiburón gato que llega a medir 4 metros de largo , los tiburones de arrecife del Caribe y el de Punta negra, el tiburón toro.
El mas llamativo es el tiburón cabeza de martillo, su característica es la particular forma de la cabeza en forma de T, con los ojos y los orificios nasales situados en los extremos de la cabeza, gracias a lo cual el movimiento de cabeza de lado a lado al nadar recorre con la vista todo a su alrededor e incluso lo que queda a sus espaldas. Detecta sangre a una distancia de un kilómetro y medio.
El agujero azul es parte de la Barrera del Arecife de Belice, Patrimonio de la Humanidad (Unesco).

Son una serie de arrecifes de coral de 300 km de longitud, destino preferido de los turistas, y de vital importancia para su industria pesquera
Se calcula que empezó a formarse hace unos 500 millones de años antes que existiera el hombre.
Es famoso el atolón coralino llamado “el Ojo”.
Sus corales son de variados colores como el verde, blanco, rosado, rojo, violeta hasta negro.
En 1842 Charles Darwin (1809 – 1882) la describió como la mas importante de las indias Orientales
Como muchos paraísos del planeta el arrecife está amenazado por la contaminación oceánica, el turismo incontrolado, el tráfico marítimo y la pesca, así como el calentamiento global y el incremento de la temperatura del océano lo que hizo que en el 2009 el Comité de la Unesco decidida incluirlo en la lista de Patrimonio de la Humanidad en peligro.
El sitio se hizo famoso por Jacques-Yves Cousteau (buceador francés 1910 – 1997 ), quien realizó una primera inmersión en 1960 y declaró este lugar como uno de los diez mejores sitios de buceo en el mundo. En 1971, Cousteau llevó su barco, el Calypso, al agujero para trazar sus profundidades.

MITOS Y LEYENDAS DE BELICE

El Gran Agujero Azul de Bélice
El mito del gran agujero azul de Belice comenzó a ser conocido alrededor de la década de 1960 debido a la gran paranoia con los OVNIS, desde ese momento comenzaron a circular la mayor cantidad de versiones distintas acerca de avistamientos de ovnis, historias de extraterrestres, abducciones y otros fenómenos paranormales relacionados con visitantes de otros planetas, el mito decía que el gran agujero azul de Belice no era natural ni se debía a algún fenómeno climatológico extraño, sino que era artificial y fue creado por alguna clase de raza extraterrestre con el fin de utilizar dicho agujero submarino como una especie de guarida o bien un lugar para estacionar sus naves espaciales y platillos voladores. (No se cuantas de estas personas son hoy antivacunas).

Más cerca de estas fechas se habían aumentado los rumores acerca de avistamientos de ovnis y el lugar se llenaba de curiosos que buscaban encontrar evidencia extraterrestre por su propia cuenta, intentando capturar en fotos o video el momento en que una nave extraterrestre entrara o saliera del agujero. Pero todo esto quedo en la imaginación colectiva y nunca se pudieron obtener pruebas que fundamenten las “teorías ovnis”, no fue hasta hace realmente poco tiempo cuando los científicos pudieron constatar que el gran agujero de Belice no era obra de extraterrestres, pero tampoco de humanos, sino que realmente era un fenómeno natural.

Cuevas o capillas de Mármol en Chile


El agua crea maravillas, como las Cuevas o Capillas de Mármol.
Están a orillas del Lago General Carrera, ubicado en la Región de Aysén en la Patagonia, es el más grande de Chile y el segundo de Sudamérica después del lago Titicaca. Su profundidad máxima es de aproximadamente 600 metros.

Es compartido por Chile y Argentina, cuando continúan en la Argentina toman el nombre de Lago Buenos Aires, en la provincia de Santa Cruz
El lago se formó debió al deshielo de un glaciar y está rodeado por la Cordillera de los Andes, su clima es fio e inhóspito, a pesar de lo cual en sus orillas existen algunos pueblos y aldeas. Tiene una superficie de 1.850 km2, con una longitud de 200 km, está a 350 metros de altitud.

Las rocas calizas, al ser sometidas a elevadas temperaturas y presiones se transforman en una roca metamórfica (que ha sufrido transformaciones), es lo que denominamos mármol.
Para llegar a las cuevas desde Coyhaique, se debe recorrer la carretera Austral, (tiene 1.240 km comienza en Puerto Montt y termina en Villa O´Higgins) hasta el pueblo de Puerto Río Tranquilo en el lado occidental del Lago Carrera. El camino es de extraordinaria belleza, se cruza el Parque Nacional Cerro Castillo, desde Coyhaique el trayecto dura unas 5 horas por caminos de ripio y asfalto.
Se las visita en pequeñas lanchas de hasta 5 ocupantes que parten desde Puerto Tranquilo.
Para llegar en auto desde la Argentina hay que tomar la ruta 40 hasta la localidad de Perito Moreno y luego la ruta 43 que bordea el lago General Carrera hasta la localidad de Los Antiguos, el paso fronterizo hacia Chile.
Una hermosura que podemos ver aquí:
https://youtu.be/AK-6PEY2X2g

Y ya que estamos, una leyenda:

Cuenta la leyenda; que hace muchos, pero muchos años atrás, cuando el hermoso poblado de Puerto Tranquilo era apenas un destello luminoso caído desde el cielo, los habitantes terrenales eran perfectamente capaz de convivir en plena armonía con todos los mágicos seres que habitaban en las profundidades del Lago General Carrera.
Cuentan los lugareños que una noche de invierno, un pescador de estrellas fugaces avistó la estrella más hermosa jamás vista hasta entonces y ésta se dirigía directamente hacía el Lago. Sin pensarlo, el pescador, desató amarras del embarcadero y fue en su captura.
La estrella al contacto con las gélidas aguas del Lago, desató tal destello de luminiscencia, que todos los habitantes de Puerto Tranquilo coinciden en que esa noche fue la más luminosa jamás vista.
El pescador fue el único en ver como la estrella multicolor caída desde el cielo formaba un gran halo de luz transformando todo su recorrido en duro y colorido mármol. Toda la pendiente hasta ahora rocosa, en fracción de segundos se había convertido en mármol.
El pescador, embelesado por aquel espectáculo se lanzó al mar para intentar descifrar el mágico y maravilloso momento que acababa de presenciar. Al llegar a las profundidades del Lago, una estrella de mil colores iluminaba todo el fondo del lago en un festín de colores jamás inventados.
Al pescador se le aceleró el pulso, su corazón parecía explotar de éxtasis cuando la miró a los ojos. Ella, se le acercó y le dijo;
-Puerto tranquilo, era el lugar elegido para que convivieran la tierra, las aguas y ahora el cielo.
Sin embargo, debía pasar una dura prueba: Durante un año el pescador debía construir una capilla en el duro mármol y una senda que serviría de conexión entre el cielo y la tierra. Una vez pasado ese año, se abrirían los portales para conectar los tres espacios.
365 días estuvo el pescador tallando en el frío mármol, día tras día, noche tras noche sin descanso, con la única ilusión de conquistar el amor de la estrella.
Cuando se cumplió el plazo, cavernas de colorido mármol se entrelazaban en perfecta armonía impidiendo definir claramente dónde empezaba el cielo y donde terminaban las aguas. Espejos turquesas reflejaban los astros y éstos a su vez devolvían la imagen de habitantes del lago.

  • Has completado la tarea, dijo la estrella. No has construido sólo una capilla, sino además la más perfecta catedral y tomando al pescador de la mano no pudo contener sus lágrimas ante el imponente espectáculo.
    Las lágrimas fueron rodando por sus mejillas elevándose hacía los cielos y fueron formando racimos de feliz llanto que algunos hoy llaman estalactitas.
    Aquella misma noche, por el corazón de una de las capillas, que hasta el día de hoy se puede visitar, la estrella y el pescador se unieron para siempre.
    Cuentan los viejos pobladores, que hoy miles de peregrinos llegan hasta las capillas de mármol a la espera de poder encontrar en alguna de las cavernas, el portal que puede conducirlos a ésta conjunción.
    Si sabes buscar con el alma, podrás percibir a los habitantes del cielo y las aguas que se dirigen por los túneles a alguno de los cientos de pórticos. Miles de enamorados, llegan año tras año para atravesar el corazón de la Catedral, porque si las almas están destinadas la una a la otra al cabo de un año permanecerán juntas… por siempre.
    Es una leyenda claro, digo por lo de permanecer juntas…por siempre.

Choquequirao, la hermana sagrada de Machu Pichu

Existe la llamada “hermana sagrada” de Machu Pichu, por sus semejanzas estructurales y arquitectónicas.

Choquequirao (del quechua chugi –oro- y kíraw –cuna) “Cuna de oro”, son los restos de una ciudad inca situada en las estribaciones del pico nevado Salcantay, para referenciar a los espíritus que habitan los cerros, se lo denominaba “Señor salvaje que produce aludes”.

Está en la provincia de La Convención, departamento de Cuzco. Se eleva a 6.264 msnm.

Hay edificios y terrazas en diferentes niveles, la cima fue nivelada y cercada con piedras para formar una plataforma de 150 m2., se extiende por 3 cerros.

El imperio Inca tenía su centro en Cuzco, consideraba a sus gobernantes descendientes y sucesores de Manco Cápac, fundador mitológico, héroe que introdujo la vida civilizada y creo una legitimidad del régimen político incaico.

Fue el primer gobernador y fundador de la cultura inca en Cuzco a comienzos del siglo XIII. No se sabe si existió o no.

La vía terrestre es la única forma de alcanzar la ciudadela de Choquequirao, una ruta es

Cusco-Urbamba-Ollantaytambo-Huayopata-Santa María (200 km), la carretera Santa María-Santa Teresa (17 km), por trocha  Santa Teresa-Sahuayaco-Totora-Yanama (70 km). Luego vía peatonal desde Yanama-Maizal (6 horas), Maizal-Río Blanco-Ruinas de Pinchaunuyoc (8 horas), Pinchaunuyoc-Choquequirao (6 horas).​

El viaje ida y vuelta puede necesitar 4 o 5 días. Alternativamente se puede partir de Abancay y recorrer 42 km por la carretera rumbo a Cuzco, para desviarse hacia Cachora, se debe realizar una caminata cuesta arriba de unos 27 km, cuyo recorrido alcanza los dos días de duración.

En la “época Inca” 1438 a 1534, fue un centro cultural y religioso y usado como control del acceso desde la selva a centros como Pisac y Machu Pichu, así como entre la selva amazónica y la ciudad imperial de Cuzco, es decir costa, sierra y selva.

En la “época de transición”, desde 1534 hasta 1572, fue un bastión de resistencia y refugio luego que Manco Inca ordenara abandonar Cuzco, ya que en 1535 estaba sitiada por los españoles, fue en este lugar (y en todo el valle de Vilcabamba) donde Manco Inca y los demás Incas de la región de Vilcabamba resistieron a los españoles, hasta la captura y ejecución de Túpac Amaru I en 1572, (1545 – 1572).

En quechua Tupac Amaru significa “serpiente resplandeciente”, hijo de Manco Inca, fue hecho sacerdote y guardián del cuerpo de su padre.

Bergen

Bergen es la segunda ciudad más grande de Noruega, tiene unos 300.000 habitantes, conocida como la puerta de entrada a los fiordos noruegos, es el mayor puerto de cruceros turísticos de Europa (en época de Covid, no sé yo…)

Los fiordos son una estrecha entrada costera de mar, seguramente fue un valle excavado o tallado por la acción de los glaciares, que al congelarse crearon fracturas creando valles sumergidos en forma de “U”.

Los más profundos son el fiordo Messier en Chile con 1.270 metros de profundidad, y el fiordo de Sogn en Noruega que tiene 1.308 metros.

El rey Olav Kyrre (1050 – 1093) fundó la ciudad de Bergen en 1070, situada en la costa sudoeste de Noruega, cerca del Mar del Norte, en un valle formado por un grupo de montañas conocido colectivamente como de syv fjell  “las siete montañas”, El primero en nombrar “las siete montañas”, inspirándose en las siete colinas de Roma, fue el dramaturgo, historiador y ensayista danés de la Ilustración, considerado padre de la literatura danesa y noruega Ludvig Holberg barón de Holberg (1684 – 1754).

No todas pueden ser alegrías, en 1349 llegó la Peste Negra, introducida en Noruega por la tripulación de un barco inglés que atracó en Bergen.

Como estamos en pandemia, y hay muchos “terraplanistas”, podemos recordar que la muerte negra (peste negra), del siglo XV, tuvo su punto álgido entre 1347 y 1353, podría haber provocado la muerte de entre un 30 % (80 millones) y un 60 % (200 millones) de personas en Eurasia y Africa del Norte.

Durante el siglo XV la ciudad fue atacada varias veces por los piratas, quienes en 1429 queman el castillo y gran parte de la ciudad.

En 1665, el puerto fue escenario de la sangrienta batalla de Vågen, entre barcos ingleses por un lado y barcos neerlandeses con el apoyo del gobierno de la ciudad por el otro

Siguiendo el catálogo de desgracias, en 1916, parte de la ciudad fue destruida por un devastador incendio.

Durante la Segunda Guerra Mundial la ciudad fue ocupada por los alemanes el 9 de abril de 1940, tras una breve lucha entre los barcos alemanes y la artillería costera noruega.

Como no podía ser de otra manera también sufrió el bombardeo de las fuerzas aliadas, con el objetivo de dañar las instalaciones navales alemanas del puerto

El nombre de Bergen proviene de las palabras Bergvin y Bjǫrgvin. “Berg” (montaña) y “Vin” (pradera), Bergen es pues “El prado en las montañas”.

La parte antigua tiene una serie de viejas casas de madera medievales, reconstruídas a principios del XVIII.  

Leyendas terroríficas en Bergen.

1

Una de ellas cuenta que el espíritu de Anne Pedersdotter anda suelto por la calles de la ciudad aterrorizando a todo aquel que se cruce en su camino. Anne era una rica viuda que fue acusada der llevar a cabo en su casa magia negra y brujería y de haber asesinado a niños de la ciudad. Los habitantes la acusaron cruelmente sin creer en su inocencia y fue quemada viva en 1590, es la bruja más famosa del país

2

El hotel Union Øye, situado cerca de Geiranger, en pleno corazón de los fiordos noruegos, es desde su inauguración en 1891 uno de los hoteles de madera más famosos Durante una de las visitas del Emperador Guillermo II una hermosa joven se suicidó tras conocer que su amado se había quitado la vida tras negarle su esposa el divorcio. Dicen que aún pueden oírse sus llantos en la habitación azul, una habitación tan popular que se hacen reservas con un año de antelación (no hay duda que como especie nos tenemos que extinguir).

3

Sunniva era la hija de un rey de Irlanda, conocido por su generosidad y riqueza. Cuando un hombre pagano de baja moral, la pidió en matrimonio al invadió el reino.En lugar de someterse Sunniva decidió escapar del país con su gente a bordo de tres barcos sin vela, timón ni remos, con un rumbo desconocido.

Las embarcaciones derivaron hacia la costa occidental de Noruega. Una parte de la tripulación se dirigió a la isla Kinn, pero la mayor parte, junto con Sunniva, desembarcaron en la isla Selja y se establecieron en una cueva. La población autóctona desconfió de los forasteros y tras acusarlos de robar sus ovejas, decidieron matarlos. Se armaron con espadas y antorchas, pero no pudieron cumplir su propósito porque una tormenta se lo impidió.

El rey Håkon Sigurdsson, entonces gobernante de Noruega, envió soldados para matar a Sunniva y su gente, pero Dios cubrió la entrada de la cueva con grandes rocas. Cuando el rey Olaf Tryggvason visitó la isla de Selja, encontró huesos perfumados en la cueva.

Ordenó la construcción de un templo en ese lugar, y los restos de Sunniva colocados en un cofre.

Varias leyendas cristianas de Irlanda muestran similitud con la de Sunniva: mujeres valientes que son perseguidas por enemigos paganos.

El Embalse de San Juan en Madrid

El Embalse de San Juan está en extremo suroeste de la Comunidad de Madrid, y al sureste de Ávila, construido en 1955, tiene una altura máxima de 78 metros.

Recoge las aguas del río Alberche afluente del Tajo y del Cofio. Su objetivo, es llevar agua a la ciudad de Toledo.

Está a 72 km de Madrid se accede por la M-501 la “carretera de los Pantanos”. Tiene una superficie de 650 has, bajo las aguas del embalse hay sumergidos un puente medieval de 126 metros con 8 arcos, una ermita y varios molinos.

Lo bordean cuatro municipios, cada uno tiene lugares muy interesantes para visitar, aquí un listado:

San Martín de Valdeiglesias con 8.300 habitantes.

La Iglesia de San Martín Obispo es de estilo renacentista – herreriano (estilo también llamado manierismo clasicista, que se desarrolló durante el reinado de Felipe II “el prudente” 1527 – 1598). Diseñada por Pedro de Tolosa (1525 – 1583), que fue aparejador del Arq. Juan de Herrera (1530 – 1595) durante la construcción del monasterio de San Lorenzo de el Escorial. La construcción del monasterio dio origen al estilo y lo desarrolló el Arq. Juan de Herrera tras la muerte del autor del primer arquitecto  Juan Bautista de Toledo (1515 – 1567). El Castillo de la Coracera, de finales del siglo XV, tiene una fachada renacentista en el patio de armas con un cuerpo adosado a la torre del homenaje, asi se llamaba al torreón que era una estructura central, la más alta de los castillos medievales. Se han rodado varios films: Solo para tus ojos de la saga de James Bond, La ardilla roja (1993) de Julio Medem y El oro de Moscú de Jesús Bonilla.

El Tiemblo, pertenece a la provincia de Ávila, con 4.300 habitantes.

Forma parte de la Reserva Natural del Valle de Iruelas, declarada ZEPA (Zona de Especial Protección para las Aves).

En la reserva se encuentra El Castañar de El Tiemblo, bosque de castaños, con su famoso ejemplar centenario.

El conjunto escultórico de los Toros de Guisando es un conjunto de cuatro esculturas zoomorfas de la Edad del Hierro (siglos IV y III a.D.) de origen vetón. Al referirnos a los “Vetones”, hablamos de pobladores prerromanos de cultura celta, caracterizados por su carácter tanto guerrero como ganadero. Cercano, está el monasterio de los Jerónimos del siglo XV (en ruinas luego del incendio de 1979) y la Iglesia parroquial de Nuestra Señora de la Asunción del siglo XV.

Cebreros, en Ávila, con 3.300 habitantes.

Destaca la Iglesia Santiago Apóstol, de 1550 diseño del arquitecto Alonso de Covarrubias (1488 – 1570) que continuó Pedro de Tolosa, de estilo herreriano.

-La Iglesia Vieja o de Santiago (actualmente Museo Adolfo Suárez y la Transición) del siglo XIV, de estilo gótico isabelino.

-Puente de Valsordo y de Santa Justa, dentro de la antigua calzada romana, sobre el río Alberche, de 1272. Construido sobre un puente romano. Aún se conserva una pequeña parte de la calzada romana, formaría parte de la Vía Sur Oriental y es parte de la Cañada Real Leonesa oriental, usado para la ganadería trashumante.

-Palacio de El Quexigal, construido entre 1577 y 1593 por el Arq. Juan de Herrera, A lo largo de su historia, varios reyes pasaron por este palacio, como Alfonso XI, Felipe II, Felipe IV, Carlos II y Carlos IV. En 1956 sufre un feroz incendio.

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Pelayos de la Presa, tiene 2500 habitantes, que se quintuplica en el verano por la atracción del embalse de San Juan y sus playas.

Se encuentran las ruinas del Monasterio de Pelayos, siglo XII, de la orden cisterciense, su orden del “Ciste” tiene su see central en la localidad romana Cistercium, cercana a Dijon, en Francia.

La orden cisterciense fue protagonista en la historia religiosa del siglo xii. Su influencia hizo progresar al cristianismo, la civilización y el desarrollo de la producción de las tierras. Hacia el 1200 su influencia decayó, por sus desmedidas exigencias en la venta de cursos de agua y explotación de tierras.

Palacio de Ardacher Papakan en Irán

Las ruinas de esta antigua fortaleza, están ubicadas en las laderas de la montaña Dezh Dokhtar, cuya traducción es “el castillo de la doncella”. Es el palacio de Ardacher Pāpakan (Atash-kadeh) construido en el 224 d. C. por el rey Ardacher I del Imperio sasánida –persa- es importante mencionarlo porque fue el último estado iraní previo a la conquista musulmana. Se encuentra a dos kilómetros al norte de la antigua ciudad de Gor Adesheer (Gloria al rey Ardasher). Está en la actual Irán, que era la antigua Persia, y cuyo nombre histórico fue Pars.

En 2028, la UNESCO ha incluido a la fortaleza como parte del “Paisaje arqueológico sasánida de la región del Fars”.

La arqueóloga y novelista francesa Jane Dieulafoy (1851 – 1916) visitó el sitio con su esposo, Marcel-Auguste Dieulafoy, y lo describió en su obra “La Perse, la Chaldée et la Susiane”. 

El escritor y viajero inglés Robert Byron (1905 – 1941) la conoció en 1934 y escribió sobre su visita en “The Road to Oxiana“. Consideraba que “edificios como la Basílica de San Pedro (1506 – 1626) y el Taj Mahal (1631 – 1654) no habrían podido existir sin las trompas y las pechinas”. Las “trompas” son elementos estructural que permite la transición de dos trazados geométricos distintos, como apoyar una bóveda esférica sobre una base cuadrada, esto sucede frecuentemente en las esquinas, usado en la arquitectura románica y gótica, pudieron de esta forma construir cúpulas y tambores.

El palacio incluye un “Iwan” de 18 m de altura, que es un gran porche bajo un arco, cerrado por muros en 3 de sus 4 lados, se encuentra en la entrada al palacio, está colapsado parcialmente.

Mitología Iraní

Homa es una famosa criatura mitológica Iraní y un símbolo en el arte persa.

Muchos de sus símbolos están en la parte superior de las columnas en Persépolis,

Actualmente es el símbolo de la aerolínea nacional “Iran air”.

Las leyendas iraníes dicen que se usaba el Homa para elegir reyes, la cabeza de la persona en la que se posaba se convertía en el rey de Persia.

Esta es la razón por la que las plumas que decoraban los turbantes de los reyes eran plumaje del pájaro real Homa.

La leyenda dice que el pájaro Homa nunca descansa, viviendo su vida entera volando invisiblemente sobre la tierra y nunca descendiendo hasta el suelo —en algunas leyendas, no tiene patas.

​El novelista y poeta Herman Melville (1819 – 1891) alude a este pájaro en Moby-Dick. Al comienzo del capítulo titulado «The Tail», el narrador habla de “el pájaro que nunca se apea”.

El monte Lempuyang en Bali

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Sobre la ladera del monte Lempuyang en Bali a 600 metros de altura, se encuentra el templo hindú Balinés “Pura Penataran Agung Lempuyang”.

Los grupos de templos se consideran parte del Sad Kahyangan Jagad, o los «seis santuarios del mundo», los seis lugares de culto más sagrados de Bali, de acuerdo a sus creencias son los puntos fundamentales de la isla y están destinados a proporcionar equilibrio espiritual a Bali.

Toda la montaña Lempuyang se dividió en tres secciones que corresponden a la cosmología balinesa, la base de la montaña se conoce como Sang Ananta Bhoga y corresponde al monte de Brahma, es en el hinduismo el dios creador del universo; la parte media de la montaña se conoce como Sang Naga Basukih y corresponde a monte de Vishnu, mientras que la cima de la montaña se conoce como Sang Naga Taksaka y se considera como monte de Shiva.

Brahma es miembro de la “Trimurti”, de las “tres formas”, que es una tríada que lo incluye a Branma como dios creador, a Vishnú como dios preservador y a Shiva como dios destructor.

La leyenda maldita

Existe una leyenda que condena a los novios que viajan a Bali a separarse.

Esta “maldición”, condiciona a los asiáticos a viajar solamente con amigos (no enrollados) y evitar visitar el templo de “Tanah Lot” donde la maldición es aún mayor.

El misticismo y la magia impregnan la isla de los dioses.

Una de las supersticiones es la de esquivar la ofendas de flores que invaden los lugares sagrados, se sabe que si se las pisa se despierta el enfado de los dioses.

No está claro si esta maldición es en toda la isla o solo en el templo, sobre todo al atardecer, que es cuando las parejas están condenadas a separarse.

Tampoco se sabe (y hay muchas discusiones al respecto) si hay diferencias entre haber pasado o no antes por el altar.

La leyenda de las rupturas es realmente una clásica historia de amor, de un príncipe y una princesa de la casta hinduista Brahman, que viajaron desde la vecina Java hasta el famoso templo de Tanah Lot “el templo del desamor”.

Ante una maravillosa puesta de sol que inundaba de amarillos y naranjas el templo, intimaron por primera vez. Tras el acontecimiento, el príncipe decidió abandonar a la princesa negándose a casarse con ella. La princesa, desolada y avergonzada, lanzó una maldición sobre todas las parejas que visitaran Bali sin estar casadas.

A 100 metros de la costa suroeste de Bali, el ‘templo de la Tierra en el Mar’ se yergue entre rocas que son cercadas por las olas cuando la marea sube.

Tanah Lot fue construido en el siglo XVI por un sacerdote como ofrenda a los espíritus del mar.

Y aquí viene el problema, porque al ponerse el sol, cuando el sol colorea de  naranja y amarillo, cuando mar y cielo juegan al arco iris, es cuando el templo dibuja una sombra sobre sobre el mar.

Una imagen imprescindible pero cargada de maldición.

Dicen, y como ponerlo en duda, que para librarse de la ruptura hay que ser consciente que las expectativas son responsables de muchos desengaños, que no solo arruinan noviazgos, sino también viajes y demás placeres.

Y agregaría, a veces salvan de otras maldiciones peores.

Desierto de Atacama en Chile

Colores blancos, azules y amarillos, cubren por largos períodos el desierto de Atacama en Chile.

Con una superficie de 105.000 km2, está considerado como el lugar no polar más árido de la Tierra, sin embargo cada cinco o siete años, en los meses de septiembre (que es cuando alcanza su máximo esplendor) a noviembre, cambia su aspecto arenisco por una alfombra de flores malvas.

Sin embargo los mas secos del planeta son los valles de McMurdo, ubicados en la tierra de Victoria en la Antártida, no poseen nieve ni hielo, son 4800 km2, causados por los vientos catabálticos de 320 km/hora que a su paso causan la evaporación de todo tipo de humedad, agua, hielo y nieve

​Volviendo al desierto de Atacama tiene una longitud de casi 1600 km y un ancho máximo de 180 km, está delimitado por el océano Pacífico al oeste y por la cordillera de los Andes al este.

Es el “lugar con mayor radiación solar del planeta”, superando los siete kilovatios hora por metro cuadrado, por eso es el “lugar con mayor potencial de energía solar del planeta”.

El Desierto Florido está compuesto por muchos tipos de flores, muchas de los cuales son endémicas, por lo que se prohíbe llevarse flores del lugar o circular por zonas no permitidas.

Sus nombres son los bellísimos Lirios, las Maovillas, las Coronillas de Fraile y los cartuchos amarillos, además de Pata de Guanaco, Garra de León, Flor del Copao, Añañuca amarilla, Azulillo, Flor de Cactus blanca, Celestina, Suspiro del Campo,  Oreja de Zorro, Añañuca naranja, entre muchas otras.

Estas flores crecen gracias al fenómeno de “El niño” el cual desvía corrientes de agua formando nubes de arena que recorren Atacama rociando gotas de vida todos los rincones por dónde pasa.

Sin entrar en grandes detalles técnicos, hay varios efectos que producen el desierto.

En su pasado, hace tres millones de años, fue un lecho marino, el llamado efecto Föhn, provoca que las  nubes descarguen sus precipitaciones en una sola cara de la montaña, durante su ascenso vertical, al superar la Cordillera, las nubes ya  no tienen más agua, y se bloquean las precipitaciones.

Se le suman los llamados “anticiclones del Pacífico”, que al crear sistemas de alta presión, desplazan a las tormentas, y las “Corrientes de Humboldt”, que transporta agua fría desde la Antártida, reduce la evaporación, y produce aire frio que inmovilizado impide la formación de nubes de lluvia. 

Finalmente la cordillera de los Andes, en el norte forma una planicie volcánica elevada que se conoce como “Altiplano”, que impide el ingreso a Chile tormentas cargadas de la humedad que provienen del Amazonas.

Es un fenómeno dinámico en el espacio y en el tiempo, siempre cambiante, siempre distinto en su hermosura.

La leyenda de los volcanes, una leyenda de dos y de mas

Ente los volcanes Laskar y Likan Kavur, dos volcanes sagrados y entendidos por la mitología local como divinidades masculinas, hay una superficie plana en la que parece faltar algo. Es la montaña Kimal, una divinidad femenina.

La leyenda cuenta que entre Kimal y Laskar existía una relación romántica, aunque debido a la distancia que los separa, la relación era un tanto difícil y se estaba enfriando. Likan Kavr, más cercano a Kimal, comenzó a cortejarla hasta que surgió el amor entre ambos.

Laskar que estaba al tanto de lo que ocurría, decidió intervenir. La furia le invadió y quiso vengarse del lascivo Likan Kavur, destrozándolo, pero Jurikes, otro volcán de la zona y (todo hay que decirlo) era un romántico declarado, se interpuso en entre la ira de Likan Kavur y Laskar, llevándose la peor parte. El impacto le voló la cabeza, por eso Jurikes es una montaña con la cima plana.

Pacha Mama, la Madre Naturaleza, se vio obligada a resolver el conflicto. Su decisión fue la de apartar a Kimal del lado de Likan Kavir y trasladarla algunos kilómetros más allá. Separó así a la joven pareja, dejando ese hueco vacío en el terreno.

Pero el amor es irrefrenable y cada solsticio de primavera, el sol, se compadece de los amantes y permite que la sombra de Kimal toque la falda de su amado Likan Kabur.

Cuadernos de sketches. Moleskine

Durante muchos siglos, los cuadernos o libros de bocetos, han recogido el pensamiento reflexivo y creativo de sus portadores.

Imágenes, grafismos, ilustraciones,  textos, un registro visual de lo que se quiere decir lo que se quiere expresar, lo que interesa del mundo que nos rodea, del mundo que observamos nosotros y muchísimos artistas.

Hay una marca muy conocida que los produce, los cuadernos y libretas Moleskine.

En su publicidad dicen que reseñan la historia de una leyenda, y pone que es “el cuaderno negro, nacido de una gran tradición, que acompaña la creatividad y la imaginación”.

Son los herederos del legendario cuaderno utilizado por artistas e intelectuales de los últimos siglos, como Vincent van Gogh, Pablo Picasso, Ernest Hemingway, Alan Lee , Francisco de Goya, Claude Monet, Edward Hopper, Frida Kahlo, Leonardo Da Vinci, Andy Warhol, Bruce Chatwin, entre muchísimos otros.

Un simple rectángulo negro, con los bordes redondeados, un cierre elástico para sujetar las páginas y un bolsillo interior.

Moleskine es un objeto anónimo, esencial, fue producido durante más de un siglo por una pequeña encuadernadora francesa que abastecía a las papelerías de Paris, donde eran adquiridos por personajes de la vanguardia artística y literaria internacional.

Formato de bolsillo, guardó bocetos, apuntes, historias e ideas con la pretensión (o quizás no) que un día se convertirán en imágenes, algunas famosas o en páginas de libros amados.

Estos cuadernos eran los preferidos del novelista y escritor y narrador de viajes Bruce Chatwin, los llamó “Moleskine”.

En su libro “Los trazos de la canción” narra la historia del pequeño cuaderno negro, hasta que en 1986, el fabricante, una pequeña empresa familiar en la Rue de l´Ancienne Comédie, de la ciudad de Tours en Francia, cerró el negocio, ya que consideró que “Le vrai Moleskine nést plus”. Allí solía comprarlos.

Recién en 1997, otra pequeña editorial de Milán vuelve a producirlos.

Ya muy popular se transforma en compañero de viajes, para registrar la realidad, captar los detalles, volcándolos al papel.

Sobre los cuadernos de viaje a Oriente y los dibujos de los burdeles que hizo Le Corbusier, escribí este artículo

http://onlybook.es/blog/sketches-de-le-corbusier-viaje-a-oriente-y-burdeles-de-paris/

En la Universidad de Harvard, en el Fogg Art Museum, se exponen libros de bocetos, han sido clasificados entre los que han sido pensados para la observación y los creativos o de “invención”.

El Fogg Art Museum abrió sus puertas en 1896, y es el más antiguo de Harvard (se suma a los otros museos de arte de la Universidad, como el “Busch-Reisinger” y el “Arthur M. Sackler”), originalmente diseñado por los arquitectos de Coolidge, Shepley, Bulfinch y Abbott, en el 2008 el arquitecto Renzo Piano (1937) hace un gran proyecto de renovación, conectando los tres museos con un recubrimiento de vidrio, se inauguró en el 2014.

Cada año, por el mes de octubre visitaba la feria del libro de Frankfurt (la Buchmesse), y pasaba por el stand de Moleskine, porque en varias vitrinas, tenían los originales de arquitectos y diseñadores, si había suerte, sacaban alguno, y con guantes blancos, y con la solemnidad del que muestra un original a cuidar, pasaban sus páginas, recuerdo uno de Zaha Hadid (1950 – 2016) y otra de Norman Foster (1935) . Podía hacer estas cosas, porque el director de ese momento, me conocía de cuando vendió a la librería los derechos de un libro de diseño, que editó Guillermo.

– Tengo en mi casa (y no me lo pidan), los facsímiles de “Les voyages d´Allemagne. Carnets de Le Corbusier (Ch. E. Jeanneret), editados por Monacelli Press y la Fundación Le Corbusier. En una caja conteniendo 4 “carnets”, y el 5to es una transcripción al inglés. Me lo vendió Monacelli en Frankfurt.

-Los facsímiles de “Voyage d´Orient” editado por Electa y Rizzoli. Carnets 1, 2,3, 4,5-6 y el 6to es la transcripción al francés, dentro de una caja negra con bordes amarillos. Lo compre en NY (estaba con el arquitecto Jorge do Porto, que por algún motivo no se tentó).

-Una libreta de Walter Gropius (1883 – 1969) “Del  Modernismo a la Modernidad”. Edición de arquitectos de Cádiz. Responsable de la publicación el primer decano del Colegio de Arquitectos de Cádiz el arq. Julio Malo de Molina. (Fallecido este año por Covid) He escrito la fecha de compra de las dos libretas 2/2002.

-Una libreta de Alvaro Siza “Un viaje de estudios”. Edición de arquitectos de Cádiz.

-Una libreta “roja” de la casa Malaparte (aunque lo discuta Malaparte es obra del arq Francesco Venecia) Malaparte era Curzio Erich Suckert (1898 – 1957), que eligió el seudónimo Malaparte, “porque Napoleón se llamaba Bonaparte y terminó mal”

Los 3 en cajas de excelente diseño.

https://aprender.ead.unb.br/pluginfile.php/398560/mod_resource/content/1/Casa.Malaparte.-.Francesco.Venezia.%28spanish-italian%29.%5Bscanned.by.Fechin%5D.pdf

-Un abultado libro de 365 sketches de Steven Hall (1947) donde explica que se aleja de sus obsesivos bocetos en blanco y negro de 1977, para presentar estas acuarelas en color. La editorial es Lars Müller Publishers.

Este libro y otras maravillas las compraba en una pequeña librería con 2 entrepisos, a 200 metros del Museo de Arte Moderno de planta triangular que hizo en 1991 el arquitecto Hans Hollein (1934 – 2014).

En la ciudad de Frankfurt am Main, muy cerca del centro reconstruido “Römer”.

La última vez que fui, ya no estaba, había un negocio de venta de objetos turísticos.

Tampoco estaba la escultura sobre la pared de entrada al Museo de un pene con sus testículos en bronce. Ya nada es lo que era.

Cavernas de Ghoufi en Argelia

En Argelia, hay un lugar con casas talladas en rocas sedimentarias y preexistentes del cañon de Ghoufi.

Lo que se conoce como Ghoufi, Rhoufi,o balcones y cañon de Ghoufi, es un asentamiento histórico en el pueblo de T´kout en Argelia,

Su nombre es de origen libio y designa a un pueblo o a un castillo fortificado que está construido en una colina, en bereber significa “La Perla”.

El cañon o balcón de Ghoufi da a un Oasis, es un desfiladero de entre 500 y 1200 metros, y ha sido tallado por el arroyo Oued Abiod, su fuente está a 2000 metros de altura y luego de cruzar varias gargantas se pierde en las arenas del Sahara.

La vegetación en el fondo del desfiladero es típica de los oasis, un caso único en la región, con un gran palmeral y pueblos ahora abandonados.

Las Ruinas se encuentran entre las montañas Abiod Vallery y el macizo de Aurés (conocidas por los romanos que las llamaban Aurasius mons).

Son “viviendas cuevas”, casas talladas en las rocas y areniscas que tienen cuatro siglos de antigüedad y fueron habitadas hasta la década de los 70.

La historia popular nos cuenta que entre 1917 y 1921, un rebelde llamado Ug Zelmad (o Ben Zelmat) se levantó contra la administración francesa y sus colaboradores locales.

Al comienzo fue considerado un mafioso de los Aurés, luego para la sociedad campesina fue un “vigilante con un espíritu caballeresco”.

Tan famoso que las canciones de las mujeres cuentan sus hazañas.

En estos pequeños pueblos, como Ghassira, hay casas trogloditas, cavernas excavadas sobre acantilados o grutas naturales, donde su población vivía prácticamente en un mundo subterráneo.

Han sido construidas en los bordes o sobre los flancos del cañón.

Las casas que se aferran a la pendiente de las gargantas se llaman dechras y las construidas al borde del oued las llaman mechtas.

En 2007, la película Mascarades de Lyes Salem fue rodada en el cañón de Ghoufi.

Loucham (tatuaje), es una obra de teatro emitida por el canal estatal Algérie dedicada a los canteros de T’kout y las numerosas víctimas de la silicosis, (enfermedad respiratoria producida por el polvo en los pulmones), fue realizada por Mahii Eddin Bouzid y el teatro regional de Batna.

En el 2002 Argelia las ha incluido entre lasnominaciones a la Lista del Patrimonio de la Humanidad. Ghoufi está incluido como parte del Parc des Aurès en De la UNESCO.

Cuentos bereberes

Los relatos bereber, son relatos acerca de sueños que conducen a o que permiten localizar tesoros escondidos.

Muy conocido es el cuento “El tesoro en casa”, cuyo argumento  resumido sería la historia de un hombre que sueña que si va a una ciudad distante encontrará un tesoro escondido en cierto puente, al no encontrar ningún tesoro, cuenta su sueño a otro hombre que dice que él también ha soñado con un tesoro que está en un lugar cuya descripción resulta coincidir con la casa del primero. Cuando éste regresa a su casa, encuentra el tesoro.

Los cuentos y relatos tradicionales bereberes tienen la particularidad de estar protagonizados por un personaje astuto y tramposo, acostumbrado a salirse siempre con la suya, y que recibe en ellos el nombre de Djehá.

Es la encarnación bereber de un tipo folclórico muy conocido y celebrado en numerosos países de cultura musulmana -desde Marruecos hasta Turquía-, donde recibe nombres muy variados aunque siempre parecidos entre sí (Djehá, Yohá, Yehá, Yuhhá, Yufá, Nasreddin Hoçá, etc.)

Este personaje ha sido detectada incluso en lugares y tradiciones que no son musulmanes en la actualidad, aunque tuvieran en el pasado contactos estrechos con la cultura islámica: como en el repertorio oral de Sicilia, o de las comunidades de judíos sefardíes del Oriente mediterráneo,

Hundertwasser en Viena

Friedensreich Hundertwasser (se autodenominaba «Friedensreich Regentag Dunkelbunt Hundertwasser») 1928 – 2000 fue un artista difícil de encasillar, que se dedicó a la pintura, a la escultura, y en mi personal interés, a la arquitectura.

Hace unos años con mi hermano Guillermo fuimos a ver algunas de sus obras a Viena que describo en este link

https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios.html

Creo que fue un Constructor de espacios dispensadores de felicidad.

Es conocida su frase:

”Cuando uno está soñando solo, es sólo un sueño. Cuando muchos sueñan juntos, es el principio de una nueva realidad“. 

Sus obras fueron un manifiesto en contra de la arquitectura racional, la ortogonalidad y los espacios “inhumanos”, rechazaba la línea recta, usando los colores en las formas orgánicas. Pensaba que la miseria humana era el resultado de una arquitectura que construía espacios monótonos, estériles y repetitivos. Entendía la individualidad como una apuesta a la vida.

Le hubiera gustado presentarse como pintor, escultor, arquitecto (ejerció brillantemente como tal sin título académico), urbanista, diseñador gráfico, de fachadas, banderas, vestidos, gráfico y de estampillas.

“Algunas personas dicen que las casas consisten en paredes. Yo digo que las casas consisten en ventanas. El que vive en una casa debe tener derecho a asomarse a su ventana y a diseñar como le apetezca todo el trozo de muro exterior que pueda alcanzar con el brazo.

Así será evidente para todo el mundo desde la lejanía, que allí vive una persona (…) Nuestras casas están enfermas desde que existen planificadores urbanos dogmáticos y arquitectos de ideas fijas. 

La Casa Hundertwasser (en alemán: Hundertwasserhaus) es un conjunto residencial municipal ubicado en las calles Kegelgasse 34-38 y Löwengasse 41-43 (distrito nº 3 de Viena)
Combina pisos y fachadas ondulantes, aberturas irregulares, y un gran colorido y vegetación.

No se adapta a las normas y clichés convencionales de la arquitectura. Es un viaje por la tierra de la arquitectura creativa.

La Hundertawasserhaus es hoy una visita obligada en Viena.

Escribi 3 partes, aquí las otras:

2nda parte

https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios_27.html

3era parte

https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios_28.html

Puente romano de la via Augusta. Córdoba

Aulo Hircio, historiador de Julio César, escribe que cuando éste llega a la ciudad tras la batalla de Munda, tuvo que atravesar el río creando un paso temporal con piedras.

Hircio era amigo personal del dictador y cónsul Julio César y sobre todo un hábil negociador.

Esta batalla fue importante porque su consecuencia directa fue que Julio César consiguió el poder absoluto en Roma. Fue la segunda guerra civil de la República Romana entre las legiones de Cayo Julio César (100 a.C. – 44 a.C.) y el pompeyano Cneo Pompeyo el Joven (75 a.C. – 45 a.C).

Por esta narración, sabemos que no había puente, quizás fuera construido en tiempos del primer emperador Augusto (27 a.C.-14 d. C.), cuando Córduba adquiere el título de Colonia Patricia.

Este título lo recibe tras las reformas administrativas impuestas. Córdubva fue entonces la capital de la provincia Bética de la Hispania romana.

Los romanos llamaban Bética a una de las provincias romanas en la península Ibérica (Hispania), el nombre lo tomaron del río Betis (actual Guadalquivir).

En esa época la capital fue Corduba (Córdoba), luego durante el período visigodo (desde mediados del V a comienzos del VIII), la capital pasó a ser Hispalis (Sevilla).

El puente tiene 331 metros de largo, quedan 16 arcos de los 17 originales.

Fue uno de los más importantes medios de entrada desde la zona sur de la península, probablemente la Vía Augusta (que iba desde Roma hasta Cádiz) pasaba por él.

La Vía Augusta con sus 1.500 km fue la calzada romana más larga de Hispania, durante su recorrido serpenteaba el Mediterráneo.

Es una de las vías más estudiadas, conocida y transitada, su historia está en los llamados Vasos Apolinares, estos 4 vasos de plata, tienen grabados en sus lados, los nombres y las distancias entre las distintas vías que llevaban a Roma, estos vasos son la fuente geográfica e histórica excepcional de la Via Augusta.

En el centro del puente se encuentra el triunfo del San Rafael, el más antiguo de los Triunfos, que data de 1651, obra del escultor Bernabé Gómez del Río.

En tiempos más recientes, el Puente Romano se convirtió en el acceso a la ciudad para los viajeros que acudían desde el sur de la misma, por lo que se ubicó en la puerta del Puente el fielato sur de la ciudad (oficina a la entrada de las poblaciones en la cual se pagaban los derechos de consumo).

Desde el 2004 es un puente peatonal.

En el 2002 fue escenario de la película Carmen.

Ese año Pedro Almodóvar grabaría en el Puente romano su película Hable con ella.

En el  2014 se utilizó para grabar algunas escenas para la quinta temporada de la serie Juego de tronos, sirviendo como escenario para el puente de Volantis.

En 2019 apareció en el videoclip “La gitana” de la cantante India Martínez.

http://onlybook.es/blog/a-pesar-del-virus-el-mundo-existe-y-no-esta-en-parentesis-iii/

Bótanico Carlos Thays de Buenos Aires

Un día de primavera, caminaba intentando imitar a un “flaneur”, es decir vagabundeaba sin rumbo fijo por Buenos Aires.
Cerca del botánico me cruce con “Bucho” Baliero (Horacio Raimundo Baliero 1927 – 2004).

Bucho era de esas personas, que cuando te topabas con él, (y él quería) ese encuentro te hacía participe de una narrativa genial, de aquellas que hacen que dentro de uno nada quede igual, y que muchas cosas cambien.

Me preguntó, que hacía, intuyendo que algo me propondría, dije rápidamente, nada, no hacía nada, solo paseaba.
Me invitó a ir con él al Botánico que más que justificadamente lleva el nombre de Carlos Thays (1849 – 1934), y tiene una superficie de 7 hectáreas en el centro de Buenos Aires.
Entramos, paseamos y mientras hablábamos de -no me acuerdo que-, se dirigió a un lugar y me indico un banco de madera para sentarnos.
Frente a nosotros había un pequeño invernadero.
Me explicó, que fue premiado y exhibido en la Exposición Universal de Paris de 1889, un regalo que nos hicieron, me dijo, agregando que llegó en 1897 a Buenos Aires.
Lo admiramos juntos, y recuerdo dijo:
-Que gracia tiene saber que creció y convivió con la Torre Eiffel, en la exposición Internacional.

Mucho, pero mucho después, hice lo mismo con mi querido amigo y ex socio Gustavo Natanson, antes de ir a su estudio, que queda muy cerca.
Me mostró un grupo escultórico, que yo había mirado muchas veces sin ver. El conjunto escultórico “Saturnalia” de E. Biondi.
Quisiera comentar que Ernesto Biondi (1855 – 1917) fue un escultor italiano que ganó el gran Premio en la exposición Universal de Paris por su monumento al primer presidente de la República de Chile) y que la obra que admirábamos “Saturnalia” es una de sus principales obras.

http://onlybook.es/blog/carnaval-de-venecia-preambulo/

XUL SOLAR en Buenos Aires

Imprescindible Xul Solar

Museo Xul Solar

Laprida 1212, Ciudad de Buenos Aires

– ¿Cuál es tu “Nacihora”? , habría preguntado Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari.

(Xul Solar), que conocía el panlengua y el neo-criollo, entre otras razones por haberlos inventado sabía perfectamente que ese dato era indispensable para confeccionar una carta Astral.

Le estaban preguntando, ¿cuál es “la hora de tu nacimiento”?.

– “Nacihora”.

Era una persona excéntrica, original y culta, estudiosa y autodidacta, versado en astrología, ciencias ocultas, idiomas y mitologías. Experto en la confección de cartas astrales.

El proyecto Fachada Delta es la remodelación que el artista propuso para su casa del Tigre

Escribió de él Jorge Luis Borges:

“Xul era el hombre más capaz de amistad que he conocido. Creo que le debo quizás las mejores horas de mi vida, leyendo y discutiendo, y sobre todo, dejándome enseñar por él”. “Pienso en primer término en mi padre. También, en personas famosas que conocí,…quiero nombrar…a Macedonio Fernández y quizás más que ningún otro a Alejandro Xul Solar.”

Más información:

Primera parte

http://onlybook.es/blog/la-magia-de-xul-solar-por-hakj-parte-1/

Segunda parte

http://onlybook.es/blog/la-magia-de-xul-solar-parte-2-continuacion-por-hakj/

La Acrópolis. Grecia

¿Hacemos un paseo por la Acrópolis?


La palabra Acrópolis proviene del griego “ἄκρος” que significa “cima”, y polis “πόλις” significa “ciudad”.
Era la parte más alta de una ciudad, no solo de las “polis” griegas, sino también romanas y de otras civilizaciones.

Por su altura tenían una situación privilegiada, las Acrópolis solían albergar templos y edificios emblemáticos, en los que se reunían las personalidades de la ciudad donde se celebraban actos importantes.
También fue un lugar seguro para los ciudadanos, ya que se podían refugiar en ella.
La más conocida es la Acrópolis de Atenas, que incluye el Partenón, construido sobre una fortaleza micénica (XII a.C), que fue la primera civilización avanzada de la Grecia continental.
Construido en honor a la diosa protectora de Atenas, llamada “Atenea Pártenos”, era la diosa de la guerra, de la civilización, la sabiduría y la estrategia, además de las ciencias y de la justicia. Fue una de los doce dioses olímpicos.


Fue realizada por el más famoso de los escultores de la antigua Grecia “Fidias” (500 a.C. – 431 a.C.), que tuvo un gran protector en Pericles.
Es un templo octóstilo (de 8 columnas), de mármol blanco y cubierto de tejas de mármol, construido entre los 447 y 432 a.C.
Se entra en la Acrópolis por la puerta de los Propileos, a su derecha está el Templo de Atenea Niké, que es de orden jónico y está en un torreón dominando la subida a la Acrópolis.
Este templo conmemora la victoria sobre los persas en la batalla de Salamina (480 a.C.), lo realizó el Arq. Calícrates, que también colaboró en el Partenón junto al Arq. Ictino.
En su interior había una imagen de Atenea personificada como la diosa alada Niké, (diosa de las victorias navales) a las que le cortaron las alas para que no pudiera abandonar la ciudad, de allí Niké Áptera (sin alas).
Hoy no existe, pero había una gran estatua de bronce de Palas Atenea y de “Erecteo”.el rey de Atenas e hijo de Pandion I.
A la izquierda y al final de la Acrópolis está el Erecteión, un templo griego de orden jónico, atribuido al arquitecto Menesicles.
En la ladera sur de la Acrópolis se encuentran los restos de otros edificios, entre los que destaca un teatro al aire libre llamado Teatro de Dioniso, donde estrenaron sus obras el poeta trágico Sófocles (496 – 406 a.C.) el comediógrafo Aristófanes (444 – 385 a.C.) y el dramaturgo Esquilo (456 – 455 a.C.).
La mayoría de los grandes templos fueron reconstruidos durante el gobierno del influyente abogado, magistrado, general, político y orador ateniense Pericles (495 – 429 a.C.).
Era la edad dorada de Atenas.
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Khajuraho. India

Khajuraho es una pequeña localidad situada en el estado de Madhya Pradesh en la India.

Desde 1806 los templos están considerados por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad.

El nombre de la ciudad proviene de la palabra Kajur («palmera datilera»), Khayurajo fue la capital religiosa de los Chandella, una dinastía que gobernó esta parte de la India entre los siglos X y XII.

Para acceder un aeropuerto conecta Khajuraho con varias ciudades de la India

Entre el 950 y el 1050 se construyeron alrededor de 85 templos, de los que quedan 22 en buen estado de conservación. Tanto su interior como su exterior están tallados con excelentes esculturas en actitudes sensuales y de sexo explícito.

Ocupa 21 km2 amurallados, tiene 8 puertas flanqueadas por dos palmeras cada una.

Es un famoso sitio turístico y arqueológico conocido por sus templos esculpidos dedicados a los patriarcas como:

“Shiva” una de las principales deidades del hinduismo, los shaivitas la adoran como el dios supremo.

“Vishnu” «El Omnipresente» sus admiradores lo llaman con 1000 nombres distintos como un acto de devoción, y por último “Jaina”.

El shaivismo es junto al vaishnavismo y el shaktismo, una de las tres formas principales del hinduismo moderno.

Al estar lejos del Ganges, en una zona poco habitual para la construcción de templos, por ello no fueron destruidos por el imperio mogol musulmán, que fue un poderoso estado turco islámico que existió entre los siglos XVI y XIX. En su apogeo abarcó los territorios que actualmente corresponden a la India, Pakistán y Bangladés asi como zonas de Afganistán, Nepal, Bután y este de Irán.

Los templos en esa época fueron abandonados y cubiertos por la vegetación, hasta que los descubrió en 1838 entre la jungla el ingeniero británico T. S. Burt.

Fueron construidos con arenisca dura de río.

Los templos se dividen en tres complejos, de los cuales el occidental es el más grande y más conocido, que contiene el magnífico templo Shaivita Kandariya Mahadeva  (c. 1000), una aglomeración de porches y torretas de 31 metros de altura

Es seguramente el templo más erótico del mundo, sorprende por las figuras teniendo relaciones sexuales, que son recreadas con todo lujo de detalles entre hombres, mujeres e incluso animales.

Xuanhua. China

Xuanhua es una ciudad muy antigua, fue históricamente la puerta de entrada a Beijing, de la que se encuentra a 180 km.

Era estratégicamente muy importante, tenía una gran guarnición cerca, fue el cuartel general de la guarnición de los soldados en el Área Militar Xuanda-Shanxi, una de las tres gobernaciones militares de la Gran Muralla en la dinastía Ming. 

Se la llamó oficialmente Gran Ming fue la penúltima dinastía de China (1368 – 1644).

Algunos historiadores describen a los Ming como “una de las mayores eras de gobierno disciplinado y estabilidad social de la historia humana”.​

Xuanhua tiene un conjunto de murallas de la ciudad construidas en la dinastía Ming que todavía están parcialmente intactas.

Su poder le permitía dominar Xuanfu Zhen, Datong Zhen y Shanxi Zhen a lo largo de la Gran Muralla.

Actualmente viven 175.000 personas.

Como no puedo decir, que la leyenda de los amantes mariposas es de Xuanhua, porque entre otras razones, no lo es, dire que es una hermosa leyenda y yatá:

Los amantes mariposa o Liang Zhu es una leyenda china que habla del trágico amor de dos jóvenes, Liang Shanbo y Zhu Yintai.

Traduciendo podrían ser Romeo y Julieta, pero en chino.

La leyenda es posterior a la dinastía Tang (desde 618 a 907 d.C,  fue el segundo imperio más grande y duradero en la región después del Imperio Han). 

Zhu Yingtai, una joven de Shangyu, Zhejiang, se ve obligada a disfrazarse de hombre para poder estudiar en Hangzhou. Este pequeño engaño se debe a que las mujeres no podían acceder a este tipo de estudios.

Durante el viaje tiene un encuentro casual con un joven llamado Liang Shanbo que también se disponía a continuar sus estudios en Hangzhou. Este recorrido  termina uniéndolos, así pues, durante los próximos 3 años se convierten en inseparables compañeros de clase.

La relación entre ambos se estrecha tanto que cuando se separan, Zhu se ofrece para arreglar un matrimonio entre una ficticia hermana de 16 años. El motivo podría ser que Zhu ya estaba por aquel entonces enamorada y quería que Liang la conociera en su faceta de mujer. Cuando Liang viaja a casa de Zhu, descubre con asombro que es en realidad una mujer, enamorándose perdidamente de ella y comprobando que lo que sentía por su ”compañero” no era amistad, era amor.

Desgraciadamente Zhu está comprometida con Ma Wencai, un hombre con el que sus padres habían concertado una boda desde hacía tiempo, pero al que ella no ama en absoluto. Liang se deprime tantísimo que termina muriendo de amor mientras desempeñaba tareas de magistrado del contado.

El día del enlace llega, y Zhu se prepara para unirse a esa persona por la que no siente nada. Su corazón está triste por la trágica muerte de Liang pero no le queda otra alternativa. Justo cuando la boda va a celebrarse, un remolino de viento impide que el cortejo nupcial escolte a Zhu más allá de la tumba de Liang.

Zhu escapa corriendo de la procesión para presentar sus respetos a Liang. En ese momento, sucede algo que deja a los presentes de piedra, la tumba del joven se abre repentinamente dejando entrar a Zhu con él. Tras esto, una pareja de mariposas sale de la misma. Se trata de Zhu y Liang que ya jamás volverán a separarse y disfrutarán de su amor eternamente en forma de mariposas.

Y colorín, colorado, chin, pam pum

Palacio de Quinta da Regaleira. Sintra

A menos de 25 km de Lisboa, una torre invertida impresionante se introduce 27 metros bajo tierra.

Se encuentra en Sintra en el Palacio de Quinta da Regaleira, una construcción del XVIII.

Un acaudalado y extraño personaje, nacido en Rio de Janeiro, Antonio Augusto Carvalho Monteiro (1848 – 1920) en 1892 remodeló el palacio, rodeado de 4 Has

Lo llamaban “Monteiro el millonario”, amplio la fortuna familiar comerciando con café y piedras preciosas

Construyó una serie de edificios que representan el esoterismo y la alquimia, diseñadas por el arquitecto italiano Luigi Manini, en el “pastiche” mezcló estilos románicos, góticos, y el renacimiento italiano con el neo manuelismo portugués.

Prácticamente finalizado en 1910, todo está abigarrado de detalles, que hacen referencia a la masonería, los rosacruces, la alquimia y los templarios.

Entre ellos llama la atención un pozo iniciático cuyo, cuyo simbolismo entrelaza directamente con los templarios (una de las más poderosas orden monástica militar católica de la Edad Media, cuyo propósito era proteger la vida de los cristianos que peregrinaban a Jerusalén)  y con ‘La Divina Comedia’ de Dante Alighieri (1265 – 1321).

Es una torre construida de manera inversa a lo habitual, ya que comienza en el nivel del suelo y se adentra en el fondo de la tierra.

Cuenta connueve pisos que, según los estudiosos, se corresponden con los nueve niveles que aparecen reflejados en el infierno de Dante.

En la parte más baja del pozo, en mármol, aparece una rosa de los vientos sobre una cruz templaríay a lo largo de la escalera aparecen 23 nichos, que no están dispuestos al azar: de hecho, se agrupan en tres conjuntos de 17, 1 y 5 tumbas,en referencia a 1715, fecha en la que fue levantada esta construcción

Una vez ahí, era el momento de ir subiendo piso a piso, para lo que había que subir los 15 escalones que separan cada uno de los nueve descansillos, como una especie de metáfora: salir de lo más profundo de la tierra para ascender a la luz, en clara referencia a la masonería.

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Manatí. Puerto Rico

El municipio de Manatí está al norte de la isla de Puerto Rico.

Hay varias playas con piscinas naturales, Mar Chiquita es una de las más populares, a solo 45 minutos de la capital San Juan.

A lo largo de los acantilados, una abertura permite que las aguas del Atlántico cree esta piscina. Es una pequeña playa rodeada por rocas que sirven de rompeolas. En el medio de estas rocas hay una cavidad por donde la marea entra y forma una onda en forma de U dentro de la playa. Su arena es gruesa y tiene una gran cantidad de caracoles. Difícil para nadar debido a sus fuertes corrientes y piedras.

La leyenda dice que una hermosa mujer puertorriqueña solía caminar cerca del borde del acantilado. Un día, mientras caminaba, un terremoto la hizo resbalar y caer al océano. Milagrosamente, parte del acantilado se rompe, la corriente que comenzó a fluir entre las rocas la empujó de regreso a la orilla, salvándole la vida. 

El agua es cristalina, con fascinantes tonos de verde esmeralda y azul turquesa.

Constantemente renovada con cada ola que empuja desde el océano a través del canal. La profundidad y la claridad del agua cambian con las condiciones climáticas y las estaciones. 

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La Catedral de Justo. Mejorada del Campo

La catedral de Justo es una construcción de proporciones comparables a una gran catedral cristiana.

Está en Mejorada del campo a 20 km de Madrid, una iniciativa de Justo Gallego Martínez (1925), que tras ser expulsado del monasterio cisterciense de santa María de Huerta en Soria (por estar enfermo de tuberculosis).

Cuando se produce su curación, como promesa a dios y a la Virgen, construye sobre un terreno de labranza de la familia, su propia catedral.

Lleva más de 50 años construyendo una obra sin planos ni proyecto oficial, no tiene formación anterior de constructor ni diseñador, aunque debe haber aprendido más con esta experiencia, que si se hubiera tenido estudios formales.

Sus vecinos la conocen como “la catedral de Justo”.

En 2005, una campaña publicitaria de la bebida Aquarios, difundió la obra internacionalmente, y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), mostró fotos de la catedral en una de sus exposiciones 2003-2004. https://www.moma.org/calendar/exhibitions/4797)

El terreno tiene 4.740 m2, mide 35 metros de altura, cuenta con cripta, claustro, escalinata, arcadas, escaleras de caracol, construida con materiales donados, en general de desecho por constructoras y de una fábrica de ladrillo cercana.

Para las columnas ha utilizado bidones de gasolina viejos como moldes, para los pilares botes de plástico rellenados de hormigón liviano con grava y como polea una rueda de bicicleta.

Es un templo de planta basilical clásica de tres naves, la central más ancha que las otras, todas cubiertas por bóveda de medio cañón.

En la parte central de la catedral, se alza la cúpula sobre pechinas. La cubierta fue realizada con chapas superpuestas, al igual que la bóveda de medio cañón de la nave.

Los murales fueron hechos por el pintor Carlos Romano Silveira (1985).

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La 9 de Julio y La Preferida

Buenos días

Se la llamó 9 de Julio como homenaje a la Declaración  de Independencia de la Argentina en 1816.

Es una de las arterias principales de Buenos Aires, con sus 140 metros de ancho recorre unos 3 km enlazando las terminales ferroviarias de los barrios de Retiro y Constitución.

Tiene 2 colectoras que son las calles Bernardo de Irigoyen (Gobernador de la Pcia de Bs As, Senador y Ministro) y Carlos Pellegrini (undécimo presidente de la Argentina) hacia el norte y las calles Cerrito y Lima hacia el Sur.

En el cruce con la avda. Corrientes, y donde estaba la iglesia dedicada a San Nicolás de Bari, se yergue el obelisco, monumento histórico, construido en 1936 con motivo del cuarto centenario de la primera fundación de Buenos Aires por Pedro de Mendoza.

La diseñó el Arq. Alberto Prebisch (1899 – 1970), que fue luego entre l962 y 1963 fue Intendente de la Ciudad de Buenos Aires. También autor del Teatro Gran Rex, vecino del Obelisco.

El proyecto fue duramente cuestionado, desde objeciones legales hasta estéticas, ya que en el mismo emplazamiento se pensaba construir un monumento a los próceres San Martín o a Belgrano.

Prebisch dijo de su diseño: “Se adoptó esta simple y honesta forma geométrica porque es la forma de los obeliscos tradicionales… Se le llamó Obelisco porque había que llamarlo de alguna manera. Yo reivindico para mí el derecho de llamarle de un modo más general y genérico como Monumento”.

Todo comienza cuando en 1889 el Intendente Francisco Seebe, plantea la necesidad de realizar una arteria que atravesara la ciudad de ciudad de norte a sur.

En 1912 se aprobó ley Nacional 8.855 para expropiar las primeras manzanas.

En 1919 se integraron al plan las diagonales Norte y Sur y la configuración en sus extremos de dos focos monumentales.

Carlos María Della Paolera, le da un gran impulso, el objetivo son los festejos de los 400 años de la primera fundación en 1536.

Para ello, en 1932, el arquitecto Fermín H. Beretervide, realiza un proyecto para la futura avenida Norte-Sud, con una vía central de 33 m de ancho bajo nivel (tránsito rápido, sin cruces), flanqueada por dos calzadas laterales a nivel y una franja continua de edificios de igual altura (8 pisos) que servirían para albergar a los centros cívicos de la ciudad.

En 1933 Carlos María Della Paolera, planea expropiar la totalidad de las manzanas (110 m de ancho), es el proyecto de una “Avenida Parque”.

Luego de muchas interrupciones, durante la intendencia de Osvaldo Cacciatore

Militar golpista que gobernó de facto la ciudad desde 1976 a 1982, comienza una época de demoliciones masivas en la zona de Plaza Constitución.

Mi familia, tenía una librería, “La Preferida”, bajo la vivienda del presidente Hipólito Yrigoyen (1852 – 1933) Cuando las turbas violentaron su casa particular e incendiaron su mobiliario, tirándolo a la calle, se quemó parte de la librería.

Mis bisabuelos Cecilia Gottlieb y Samuel Kohan llegaron de Rusia a Carlos Casares, hasta que se instalaron en Buenos Aires.

En 1897 pusieron una librería en el barrio de Constitución, sobre la calle Brasil 1045 (tuvieron durante muchísimos años 2 osos negros a cada lado de la entrada), la llamaron La Preferida. Mi bisabuela Cecilia, se ocupaba de la Imprenta y mi bisabuelo el (colorado) Samuel de la editorial.

Su pariente Alberto Gerchunoff escribió “Los gauchos Judío”, fue profesor universitario y editor de numerosos diarios y revistas. De él dijo Borges:

“Fue un indiscutible escritor, pero el estilo de su fama trasciende la de un hombre de letras. Sin proponérselo y quizá sin saberlo, encarnó un tipo más antiguo: el de aquellos maestros que veían en la palabra escrita un mero sucedáneo de la oral, no un objeto sagrado”.

En la época de retirar los paquetes con los libros escolares de la librería, hacían cola en la acera, y entraban de a 5 personas, cuando salían otro tanto.

Allí trabajaron mi madre Alicia Juritz (hola mamá, el 25 de agosto cumplís 96 años), y mis tías Marta y Fory.

La Preferida, fue uno de los primeros locales en tener una vidriera con cristal, lo habitual era tener cortina de metal o madera y cuando éstas se abrían, se entraba directamente al local.

Cuando ampliaron la 9 de Julio, demolieron la librería que se mudó a Brasil y Tacuarí. La familia vivía muy cerca en la calle General Hornos 11, en un 1er piso.

En esa casa, tuve la fortuna de escuchar una conferencia de Jorge Luis Borges, me enviaron con otros alumnos del colegio Carlos Pellegrini, y al llegar, la anfitriona, que sabía que yo iba, me recibió, contándome historias de su relación con mi bisabuelo. 

Muchas de estas historias las recuperé gracias a la excelente memoria de mí querida prima Silvia Gottlieb y a mi hermano Guillermo.

Un último recuerdo, mi abuela Matilde Kohan, conducía su auto (mi abuelo Alfredo Juritz no sabía conducir), el de Matilde (licenciada en matemáticas) era uno de los pocos registros de mujeres que había en la Argentina. Estamos a fines del XIX. El padre de Matilde, le “permitió”, estudiar y graduarse, con el compromiso de no ejercer.

Quizás sea un mito familiar, pero fue una mujer culta y activa que nunca ejerció de matemáticas.

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El Principio de «El Principito»

Antoine de Saint- Exupery

El piloto narra sus ensoñaciones, de un pequeño príncipe que habitando un planeta pequeñísimo también habita el inmenso universo de su imaginación.

«Todas las personas mayores han comenzado por ser niños, aunque pocas lo recuerden. Prólogo de El Principito

Escribe  Alvaro Abós (1)

“Cuando decidí contar la vida de Antoine de Saint-Exupéry de los 16 meses que vivió en la Argentina, comprobé que ninguna de las muchas biografías que se le han dedicado, acertaba a descifrar lo siguiente… fue aquí cuando llegó a un momento de la vida que no todos alcanzamos”.

“El momento en el que alguien descubre la verdad sobre sí mismo y adquiere su auténtica identidad, descubre al amor de su vida y de su destino”

En la Argentina, Saint-Exupéry supo que sería hombre, piloto, escritor y amante”.

Antoine de Saint- Exupery

Esta historia podría comenzar cuando la empresa Aeroposta Argentina, creada en 1927 y de capital francés, decide instalar su sede en Buenos Aires.

Era filial de la Compañía General Aeropostale (germen de lo que luego sería Air France), una empresa de aviación pionera que operó desde 1918 hasta 1933. Su primer nombre fue  Société des lignes Latécoère, o simplemente “La Linea”.

Marcel Blatche instala Aeropostale en la localidad de Pacheco, años más tarde cuando se transforma en Air France, sería su jefe de escalas.

Transportaba correspondencia y paquetería desde Argentina hacia Santiago de Chile y Asunción del Paraguay, para dichas rutas tenía contratados a pilotos franceses y argentinos.

Al decidir ampliar sus rutas, contrata a Antoine de Saint-Exupéry como director técnico y encargado de organizar una nueva ruta al sur que ligara Buenos Aires con Río Gallegos, haría escalas en Bahía Blanca, San Antonio Oeste, Comodoro Rivadavia y Puerto Santa Cruz.

El Principito llega a la Argentina

Escribe a su amigo, el piloto argentino Rufino Luro Cambaceres (1895 – 1970)“…Cuántos y cuántos recuerdos del trabajo común. Los viajes al Sud, la construcción de “La Línea”, los vientos de Comodoro Rivadavia, las fatigas, las inquietudes y las alegrías que he compartido con usted… Me encontraba en la Argentina como en mi propio país. Me sentía un poco vuestro hermano y pensaba vivir largo tiempo en medio de vuestra juventud tan generosa…”

Era 1931, cuando Rufino Luro Cambaceres dirigía Aeroposta Argentina.

Es el año que Rufino realiza otra proeza, aterriza en Ushuaia haciendo escala en Rio Grande.

Saint-Exupéry llega a la Argentina para hacerse cargo de su trabajo el 12 de octubre de 1929, permanece en la Argentina 16 meses, hasta el 1º de febrero de 1931, y vive en el departamento 605 de la Galería Güemes, sobre la calle Florida.

En las rutas argentinas de Aeroposta, descollaron tres aviadores que figuran con honores en la historia de la aviación francesa:

Jean Mermoz (1901 – 1936)

Henri Guillaumet (1902 – 1940) y

Antoine de Saint-Exupéry (1900 – 1944)

Los tres murieron en accidentes aéreos.

El vuelo inaugural de Bahía Blanca a Comodoro Rivadavia, lo realizan Saint Exupéry con Mermoz en un monoplano Late 25 y 28. En su flota también utilizaban aviones Laté 24 sin cabina.

Aerolíneas Argentinas

En mayo de 1949 se crea Aerolíneas Argentinas, al fusionarse Aeroposta Argentina con las empresas Aviación del Litoral Fluvial Argentino, Flota Aérea Mercante Argentina y Sociedad Mixta Zonas Oeste y Norte.

En su etapa en la Argentina, Saint-Exupéry va a desafiar su pasado familiar, es hijo de un vizconde, su familia, aunque ha perdido recursos y “está venida a menos”, tiene un linaje que se remonta a la Edad Media.

Fue el tercero de cinco hijos, tuvo tres hermanas y un hermano, quien falleció a los 15 años de fiebre reumática. Antoine le acompañó en su lecho de muerte; su impresión de este suceso fue plasmada en el final de «El Principito».

Siempre mantuvo un vínculo indestructible, y a veces conflictivo con su madre.

En una de sus cartas, a las que nunca pondría fecha, le pide que en los sobres no ponga la palabra “Conde” antes de su nombre”.

Se dedica a sus pasiones, piloto y escritor, conoció apasionadamente la Argentina y escribió que “…los meses que he pasado en la Argentina habían sido los mejores de su vida”.

Sus amigos lo definían como un hombre alto, grueso, casi calvo, de andar bamboleante, se podría decir que era poco agraciado. De nariz respingona y ojos saltones, de frente amplia y cierto aspecto de melancolía, tenía algo infantil en el rostro.

Rufino Luro Cambaceres, piloto y gran amigo de Saint-Exupéry, lo retrató: «…ancho de espaldas, sus brazos colgando a lo largo del cuerpo, con un caminar cuya marcha se hacía ondulante, semejaba el caminar de un oso».

Sin ser misógino, no tenía mucho éxito en el campo amoroso, y le aguardaba en Buenos Aires una larga soledad afectiva, sólo aliviada por ciertas relaciones profesionales, a las que tenía fácil acceso pues le pagaba muy bien la compañía aérea para la que trabajaba.

Accidente de Henry Guillaumet

La odisea andina de Guillaumet inspiró al autor de «El Principito» en su libro «Tierra de hombres», tema que fue llevada al cine por Jean Jacques Annaud (1943) en «Alas de Coraje».

Henri Guillaumet, que como mencioné era un héroe de la aviación francesa, unía Francia con América del Sur.

En 1927, Guillaumet había sido seleccionado para trabajar en el servicio postal que unía a Mendoza con Santiago de Chile. Solamente en 3 años, entre 1927 y 1931 cruzó los Andes en casi 400 ocasiones.

Fue muy amigo de Antoine de Saint-Exupéry, por entonces jefe de tránsito de la compañía.

El 13 de junio de 1930, el piloto partió de Santiago en su biplano Potez 25 F-AJDZ.  Sobrevolando la cordillera, fue sorprendido por una tormenta de nieve a la altura del volcán Maipo que lo obligó a realizar un aterrizaje forzoso cerca de las congeladas aguas de la Laguna del Diamante, en la provincia de Mendoza.

Durante seis días, con las pocas provisiones que llevaba a bordo, Guillaumet caminó sin rumbo, hasta que fue encontrado por un labrador.
Los diarios de la época dedicaron una gran cobertura a la búsqueda del aviador, en ella participó el propio Saint Exupéry junto con los grupos de rescate.

Guillaumet murió diez años más tarde, en 1940, en un combate aéreo sobre el Mediterráneo, durante la Segunda Guerra Mundial, como veremos le sucedió seguramente a Saint-Exupéry.

“Entre mi hijo y yo la Luna”

La historia de Henri Guillaumet  me hacer recordar cuando nos propuso el artista, pintor, escultor y diseñador uruguayo Carlos Paéz Vilaró (1923 – 2014) hacer un libro de la búsqueda de su hijo Carlos Miguel Páez Vilaró (1953) en la Cordillera.

En Octubre de 1972, los rugbiers del Colegio Old Christians de Montevideo, durante su gira deportiva a Chile tuvieron un accidente, al estrellarse su avión en la Cordillera de los Andes.

Solo sobrevivieron 16 de los 45 pasajeros, cuando los descubrieron habían pasado 3 meses del accidente.

Aquella tragedia ocurrió en Malargüe, también en Mendoza, a unos 150 kilómetros del lugar donde sobrevivió Guillemaut.

Al conocer la noticia, Páez Vilaró se trasladó al lugar de la tragedia y se sumó al operativo de búsqueda y rescate organizado por el gobierno chileno.

Luego de ocho días de rastreos infructuosos, se dio por muertos a los accidentados.

Páez Vilaró no se dio por vencido: en una época de grandes tensiones políticas en Chile reclutó a voluntarios, consultó a videntes y rabdomantes y se internó en las montañas en la búsqueda desesperada de su hijo.

El libro tuvo el título de “Entre mi hijo y yo la Luna”, Carlos, nos comentaba que cuando veía la luna, sabía que era la misma que veía su hijo, de quien estaba seguro, estaba con vida.

En uno de nuestros tantos encuentros en Casa Pueblo en Punta del Este, Uruguay, le propusimos que incluyera sus hermosos dibujos en cada capítulo del libro.

Carlos accedió, el libro tuvo gran aceptación y  muchas re ediciones.

Fui con Carlos Paéz Vilaró a presentar el libro a Chile, donde se hicieron (como esperábamos), muchas entrevistas televisivas y en medios de prensa.

Recuerdo la de Mario Luis Kreutzberger Blumenfeld (Don Francisco 1940), en un programa de TV famoso, “Sábados Gigantes”.

El libro lo editamos con el sello “Espacio Editora” con Silvia Wladimirski y Guillermo Kliczkowski.

Años más tarde, a pedido de Paéz Vilaró, le cedimos los derechos del libro a título gratuito, y pudo hacer acuerdos en varios idiomas, con Planeta entre otras editoriales.

La vida de Antoine

Antoine de Saint-Exupéry (Antoine Marie Jean-Baptiste Roger Conde de Saint-Exupéry), nació en Lyon el 29 de Junio de 1900 y falleció a los 44 años cerca de Marsella sobre el Mar Mediterráneo un 31 de Julio de 1944.

Huérfano de padre desde los 4 años, se crió en el entorno femenino de una familia aristocrática, con su madre, que trabajaba de enfermera y su tía, vivían en el castillo de sus abuelos maternos en Saint-Maurice-de-Remens. Se educó en las escuelas jesuitas de Villefranche, luego durante la Primera Guerra Mundial, estudió en el Colegio Marianista de Friburgo (1915-1917), por ser Suiza un país neutral.

Al no aprobar el ingreso en la Universidad se matricula en Arquitectura en la Escuela de Bellas Artes. Al poco tiempo abandona Arquitectura, cuando es rechazado en la Escuela Naval, decide a los 21 años ser piloto. Cumplió el servicio militar en las Fuerzas Aéreas francesas en 1921 (2º Regimiento de Aviación de Estrasburgo), al quedar enrolado en el cuerpo de mecánicos se debe pagar sus propias clases de vuelo. Finalmente se diploma de piloto civil.

Lo destinan como subteniente al Grupo de Caza del 33º Regimiento de Aviación.

En un grave accidente se fractura el cráneo y, presionado por la familia de su entonces prometida Louise de Vilmorin, dejó la aviación dedicándose a oficios menos peligrosos, de tipo burocrático, e iniciándose en el periodismo. Es entonces cuando descubre una nueva pasión: la escritura, y comienza con sus primeros poemas y cuentos. Fue piloto de “La Linea”, una empresa que transportaba correo entre Toulouse, Barcelona, Málaga, Tetuán, Sahara Español, hasta las antiguas colonias francesas, que más tarde serían Senegal,

El Grupo Latécoère, tenía su sede en Toulouse, y fue fundada en 1917 por un pionero de la aeronáutica Pierre-Georges Latécoère (1883 – 1943).

Era famosa por sus hidroaviones como el Latécoère 631 de seis motores.

Conocía la ruta Toulouse – Dakar, y sus circunstancias ya que en varias ocasiones debió negociar con fuerzas marroquíes que habían tomado a aviadores como prisioneros.

Por dicha labor, el gobierno francés le condecoró con “La Medalla de la Legión de Honor”.

A finales de 1927.fue destinado como jefe de escala en Cabo Juby, que por entonces estaba bajo administración española.

Está localizado en el noroeste de la costa atlántica de Africa, al sur de Marruecos, frente a las Islas Canarias.

Le Corbusier y Saint-Exupéry

Es conocida la foto, en una fiesta a bordo del barco “Lutetia”, ella de muñeca rusa y el de indígena.

La noche del 12 de octubre de 1929, Le Corbusier y Antoine de Saint Exupéry coincidieron y durmieron bajo el mismo techo del  lujoso hotel Majestic, en la Avenida de Mayo 1302.

A finales de 1920 la asociación “Amigos del Arte”, recibe a Le Corbusier. Tanto la escritora y mecenas  Victoria Ocampo (Ramona Victoria Epifanía Rufina Ocampo 1890 – 1979) como la vanguardia porteña, esperaban que con sus conferencias diera una perspectiva a lo que consideraban un Buenos Aires sin futuro.

Soñaban con que Le Corbusier diera a luz una nueva Buenos Aires, que salvara a la Fenicia ciudad convirtiéndola en un Olimpo moderno.

Si alguna duda habría, (tema muy comentado), era cual habría podido ser la relación que mantuvieron Le Corbusier y la cantante y bailarina Josephine Baker “la Venus negra” (Freda Josephine McDonald 1906 – 1975).

La gira de conferencias de Le Corbusier incluyó Montevideo, Buenos Aires y Rio de Janeiro.

Tanto Josephine Baker como Victoria Ocampo le encargaron el diseño de sus casas, ninguna de ellas se realizó, los planos de las viviendas se conservan en la Fundación le Corbusier.

Frases

Metáforas, que son en parte mitad sueño y mitad vigilia, Parte de nuestros pensamientos se alinean con lo que en aquellos momentos nos dijo El Principito

No se ve bien sino con el corazón, lo esencial es invisible a los ojos

Todas las personas mayores fueron al principio niños, aunque pocas de ellas lo recuerdan.


Fue el tiempo que pasaste con tu rosa lo que la hizo tan importante.


No era más que un zorro semejante a cien mil otros. Pero yo le hice mi amigo y ahora es único en el mundo.


Para los vanidosos todos los demás hombres son admiradores.

Los hombres ocupan muy poco lugar sobre la Tierra. Las personas mayores no les creerán, seguramente, pues siempre se imaginan que ocupan mucho sitio.


Cuando el misterio es demasiado impresionante, es imposible desobedecer

Me pregunto si las estrellas se iluminan con el fin de que algún día, cada uno pueda encontrar la suya.


Caminando en línea recta no puede uno llegar muy lejos.

Lo que hace bello al desierto es que en algún lugar esconde un pozo.


Tendré que soportar dos o tres orugas si quiero conocer a las mariposas.

Es mucho más difícil juzgarse uno mismo que juzgar a los demás. Si logras juzgarte correctamente serás un verdadero sabio.

Las personas mayores nunca son capaces de comprender las cosas por sí mismas, y es muy aburrido para los niños tener que darles una y otra vez explicaciones.

Su carrera literaria

En su primer relato en 1926  “El aviador”, narra sus recuerdos junto a sus apuntes de vuelo, especialmente sus épicas primeras entregas del correo aéreo al hemisferio sur desde Francia a través de España, Marruecos y Mauritania, a Dakar.

Cuando en 1928 se trasladó a Sudamérica, ya había comenzado su carrera literaria,

En 1929 publicó “Correo del Sur” (Courrier Sud), bajo el sello de Ediciones Gallimard, una editorial con excelentes obras de grandes escritores, y con un prestigio creciente desde su creación en 1919.

En diciembre de 1930, con “Vuelo de noche” (Vol de Nuit), obtiene el premio Femina, por la revista del mismo nombre creada por Pierre Lafitte.

Este premio literario francés, fue creado en 1904 como contraposición al Premio Goncourt. Un jurado exclusivamente femenino, le otorga el premio, había sido entregado en 24 oportunidades, él recibe el premio número 25.

La trama, quizás premonitoria, es la del piloto Fabien que afronta una tormenta en la Argentina. Rivière, su jefe, medita en su oficina, mientras la esposa de Fabien está muy intranquila y desea saber sobre su marido.

La historia de éste héroe, tuvo un enorme éxito de ventas, más de 6 millones de ejemplares en todo el mundo.

En 1939 se edita “Tierra de hombres”, en 1942 “Piloto de guerra”, en 1943 “El Principito” y en 1948 en forma póstuma sus cuadernos de nota en “Ciudadela”.

Conoce a Consuelo Suncín (la incorpora como “La Rosa” en su cuento)

Saint-Exupéry, era soltero y ganaba mucho dinero, llevaba una vida entre divertida y aventurera, haciendo base en el Teatro-Dancing Tabarís, y el Royal Pigall de la Avda Corrientes 825 entre otros lugares de ocio nocturno en Buenos Aires..

Invitado a escuchar una conferencia organizada por los Amigos del arte en la Galería Van Riel de la calle Florida conoció a Consuelo.

Consuelo Suncín-Sandoval Zeceña, nació en El Salvador (1901 – 1979), fue escritora y artista. Ricardo Cárdenas su primer marido, fallece en un accidente de ferrocarril.

A los 22 años va a México donde inicia estudios de Derecho que abandona para seguir Periodismo.

Vive en Francia, donde conoce al diplomático, escritor y periodista guatemalteco Enrique Gómez Carrillo (1873 – 1927), quien escribió alrededor de 80 libros de diversos géneros, especialmente crónicas internacionales. A los 11 meses de la boda, Gómez Carrillo fallece a causa de un derrame cerebral.

Es el año 1927, dueña de una gran fortuna, decide a sus 25 años, afincarse en Buenos Aires, donde obtiene la nacionalidad argentina.

Antoine, se había radicado en Concordia, pues había sido nombrado director de la empresa Aeroposta Argentina, es en uno de sus viajes a Buenos Aires, que conoce a Consuelo.

Consuelo estaba en Buenos Aires para cobrar los sueldos que le adeudaban a su esposo. Había sido amigo personal del presidente Hipólito Yrigoyen (1852 – 1933), quien lo había nombrado Cónsul Argentino en París.

A partir de aquí, la nota romántica, amorosa y divertida… Al verla, Antoine se enamoró, y esa misma noche la invitó a volar, por lo que fueron al aeropuerto de Pacheco y (dicen) que montaron en el Laté 24 que tenía 2 asientos, para el piloto y el copiloto.

Sobrevolando el río de la Plata le dijo:

-O usted me da un beso o nos estrellamos los dos… (Creo dadas las circunstancias y mi apego a la vida , hasta yo le hubiese dado un beso).

Y el aviador, ya embriagado acelerando continuó

–Quiero casarme con usted. O me da el sí o nos hundiremos en el río.

Esa noche terminó en el departamento de la Galería Güemes. (Ya aquí sé que hubiera hecho yo, porque antes de ir al departamento, ya había aterrizado…)

Fue un amor apasionado, juntos se peleaban y separados se añoraban, tuvieron otras parejas, pero para volver a juntarse. El la retrató en “El principito”,  Consuelo es “La Rosa”, con la que dialoga el protagonista.

“Los escritores tramposos crean personajes perfectos: exageradamente felices y heroicos, o exageradamente desdichados y vapuleados. Escriben historias para un teatro de marionetas. Creen que los personajes les pertenecen, pero los personajes solo pertenecen a la propia historia». A «Cielo Abierto».

Volviendo a Antoine

Época de turbulencias financieras, el crack de la Bolsa neoyorquina de fines de 1929 llevó a pique, entre otras tantas compañías a Aeropostale.

A partir de 1931, la progresiva bancarrota de la Aéropostale puso término a uno de los capítulos más épicos de los pioneros de la aviación, aunque todavía se extenderían sus hazañas hasta la revolución aeronáutica provocada por la Segunda Guerra Mundial. ​

A partir de 1932, y dadas las dificultades de su empresa, Saint-Exupéry se consagró al periodismo y a escribir.

Antoine y Consuelo dejaron el Río de la Plata y viajaron a París donde sí contrajeron matrimonio. Luego fueron a Nueva York.

“La verdad está sobrevalorada. Es triste. Tal vez deberíamos inventar algo que sea mejor que la verdad”. Antoine de Saint-Exupéry

Reportero

“…Es bueno haber tenido un amigo, incluso si uno va a morir”

Hace varios reportajes, en 1934 sobre la Indochina Francesa  (hoy Vietnam), en 1935 sobre Moscú; en 1936 sobre España, previo al inicio de la Guerra Civil. Sin embargo, no abandona su pasión, y continua como piloto de pruebas, participando en algunos “raids” o intentos de récords, que en ocasiones se saldaron con graves accidentes, como el ocurrido en la zona del Sahara vecina a Egipto el 30 de diciembre de 1935.

A instancias de su amigo Jean Mermoz, decidió superar el récord de volar en el menor tiempo posible desde París a Saigón (hoy Ho Chi Minh en Vietnam), haciendo escalas, con el fin de obtener una prima de 150.000 francos. Junto con su navegante y mecánico André Prévot y a los mandos de un Caudron C.630 Simoun 7041 con matrícula F-ANRY, despegó el 29 de diciembre de 1935 a las 07.07 horas desde el aeropuerto parisino de Le Bourget.

Volaban sobre un robusto y moderno monoplano de cuatro plazas, diseñado por el magnífico ingeniero Marcel Riffard para cumplir funciones de transporte ligero y postal, de construcción metálica y tren de aterrizaje fijo.

Características del Caudron. Un motor lineal de 6 cilindros invertidos en línea Renault Bengali 6Q-09, refrigerado por líquido, de 220 hp al despegue. Velocidad Máxima: 300 km/h.  Techo de servicio: 6.000 m. Alcance Máximo: 1.500 km. Envergadura: 10,4 m. Longitud: 9,10 m. Altura: 2,3 m. Pesos: Vacío: 755 kg. Máximo al despegue: 1.380 kg. Carga Útil: 150 Kg.

Luego de la escala en Marsella, el avión, pintado de crema y rojo, aterriza en Bengasi para repostar combustible, despegando al poco tiempo en dirección a El Cairo.

Después de tres horas y 30 minutos y tras haber recorrido 3.700 kilómetros en total, el Caudron se encuentra a 2.000 metros de altura con un amplio frente nuboso con fuertes turbulencias. Temiendo desorientarse y calculando que el Delta del Nilo se encontraba cerca, Saint-Exupéry decide descender de 1.000 muy rápidamente a 500 metros… El desierto no aporta ninguna información y las nubes impiden ver las estrellas para recuperar las referencias visuales… El altímetro indica 300 metros… De pronto, a las 02.35 horas, el Simoun, a 270 kilómetros por hora, colisiona parcialmente con una duna que se elevaba oculta en medio de la inmensidad del desierto de Libia. Milagrosamente el avión cayó con cierta suavidad y sin partirse…

Ambos estaban golpeados pero enteros. Alrededor del avión averiado había solo arena y vientos. Tenían algo de agua, alguna fruta y algo de vino.

Ambos experimentaron alucinaciones visuales y auditivas. Para el tercer día estaban tan deshidratados que dejaron de sudar, al cuarto día un beduino montado en un camello los salvó.

El accidente le sirvió como inspiración para su libro “Tierra de Hombres”, publicado en febrero de 1939, libro que ganó varios premios y fue elogiado por la crítica,

Este episodio en el desierto, aparece como “punto de partida” de El Principito.

Saint Exupery o Saint-Ex como lo llamaban en sus frases

“He comprometido mi cuerpo en la aventura”.

“Apoyó la nuca en el cuero del asiento y comenzó esa profunda meditación del vuelo en la que se saborea una esperanza inexplicable”.

“Habíamos luchado, habíamos sufrido, habíamos atravesado tierras sin límites, habíamos amado a algunas mujeres, jugado algunas veces a cara y cruz con la muerte”.

“Una tierra vestida de sol, la alfombra clara de los prados, la luna de los bosques, el velo fruncido del mar”.

“Desde allá arriba, abajo cada casa encendía su estrella”.

“Yo busqué en la mujer el regalo que podía dar. Pero eres distinto según las estaciones, y los días y los vientos”.

“Nadie llegará nunca al conocimiento de una sola alma de hombre; hay el secreto de cada uno, un paisaje interior de llanuras invioladas, de quebradas de silencio, de pesadas montañas, de jardines secretos”.

“No me dejéis tan triste. Escribidme enseguida, decidme que El Principito ha vuelto…”.

«Sólo los niños saben realmente lo que buscan. Dedican su tiempo a su juguete o a una muñeca que viene a ser lo más importante para ellos. Si se lo quitan, lloran…»

El Principito

«La madurez del hombre es haber vuelto a encontrar la seriedad con que jugaba cuando era niño” . Friedrich Nietzsche (1844 – 1960)

Muere un hombre, a la par que nace el mito

Transcurría 1940, vive exiliado en Nueva York, frente al Central Park. Sus libros “Tierra de los hombres”, y “Piloto de Guerra”, traducidos al inglés, son éxitos de venta.

Consuelo lo acompaña a Nueva York, conviven, pero su relación ya no es la misma de antes, aunque para ellos, lo importante era estar juntos. Mientras escribe un tratado sobre sus impresiones acerca de la vida, la muerte, el destino. Su título fué “Ciudadela”.

También escribe “El Principito” durante su estancia de 27 meses en los EEUU, allí escribió más de la mitad de los apuntes que conforman el libro.

Pero no podía ser feliz, sumergido en la crisis de pensar que no se enfrentaba al invasor nazi que había ocupado su patria, desde la capitulación del mariscal Philippe Pétain  (1856 – 1951) que transformó al gobierno de Francia y parte de su ciudadanía en un régimen colaboracionista con el nazismo.

Era un vendedor de píldoras perfeccionadas que calman la sed. Se toma una por semana y no se siente más la necesidad de beber. – ¿Por qué vendes esto? -Dijo el principito. – Es una gran economía de tiempo – replicó el comerciante. –

Los expertos han hecho cálculos. Se ahorran cincuenta y tres minutos por semana. – ¿Qué se hace con estos cincuenta tres minutos? – ¡Se hace lo que cada uno quiera!

-Yo, -dijo el principito – si tuviera cincuenta y tres minutos para gastar,

caminaría lentamente hacia una fuente”. El Principito

En los Estados Unidos trató de involucrar a la opinión pública americana para actuar contra Hitler. Su casa en el exilio se convierte en punto de encuentro de los intelectuales franceses expatriados y de algunos españoles como Salvador Dalí (Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,​ marqués de Dalí de Púbol  1904 – 1989) o Joan Miró (1893 – 1983).

Finalmente se embarca hacia Argelia, e intenta alistarse en la aviación aliada para participar en alguna misión de guerra, tenía 44 años, y un cuerpo frágil, debido a las fracturas de sus accidentes.

Había una norma que impedía los vuelos bélicos a mayores de 30 años, por lo que no le permitían pilotear los Lightning P 38 cuyos pilotos tenían entre 23 y 24 años. Su insistencia, y la ayuda de sus contactos (se comenta que pudiese ser Dwight Eisenhower (1890 – 1969) quien le diera un permiso especial), pudo volar desde la base de Borgo (Córcega) en vuelos de reconocimiento sobre territorio francés.

Sus lesiones ocasionadas por sus choques anteriores le complicaban movimientos como el de ponerse por sí mismo su traje de vuelo, necesitaba ayuda.

En las primeras misiones tuvo algunos inconvenientes y destrozó una nave en el aterrizaje. Estuvo ocho meses en tierra. Hasta que en julio de 1944 otra vez le permitieron subir nuevamente a un avión.

Un mes y medio antes, se había producido el desembarco de los Aliados en Normandía, era el día D y por esos días, las fuerzas francesas, inglesas y norteamericanas hacían pie en el sur de Italia desde el norte africano. Eran horas que daban un giro a la guerra.

El siguiente desembarco estaba planificado en La Provenza.

Se le encomendó sobrevolar la zona, a gran altitud, para inspeccionar, fotografiar y detectar el estado y el modo de las defensas alemanas.

El 31 de Julio de 1944, el comandante Antoine de Saint-Exupéry realiza su sexta y la que sería su última misión. Su objetivo es ayudar en la preparación del desembarco en Provenza, son las 8,45 de la mañana, sale a bordo del avión Lightning P38, despegando de Borgom en la isla de Córcega.

No regresó, cuando aún le quedaba combustible para más de una hora de vuelo, su nave desapareció de los radares.

Cayó al Mediterráneo, no se sabe si alcanzado por un caza nazi o debido a un fallo mecánico. Piloteaba su deseado Lightning P38.

Cuatro semanas más tarde París fue liberada. 

Antes de despegar había dejado escrito en su mesa de trabajo:
«Si me derriban no extrañaré nada. El hormiguero del futuro me asusta y odio su virtud robótica. Yo nací para jardinero. Me despido, Antoine de Saint-Exupéry».

29 de Octubre de 1998. Las Últimas Noticias (Santiago, Chile)

En 1998 el patrón de un barco pesquero marsellés, Jean-Claude Bianco, y su asistente, el marinero Habib Benhamor, encontraron, atrapada en las redes que estaban recogiendo cerca de Niza, la pulsera de plata con su identificación que Saint-Exupéry llevaba en la muñeca, casi 60 años antes.

Oxidada por la larga permanencia en el agua, la pieza conservaba sin embargo todavía grabado el nombre de su dueño, el de su esposa Consuelo Suncín, y los datos de la editorial en Nueva York (Reynal and Hitchcock inc. 3864thave. NY City USA), quienes publicaran por primera vezEl Principito.

En el 2004 se rescataron restos de un fuselaje que podrían haber sido del avión que pilotaba Saint-Exupéry. Sin certezas, y con dudas se reconocieron los restos aéreos como de su avión, el lugar donde se encuentran los restos del avión son la costa de Calanques y la isla de Riou al sur de Francia, frente a Marsella.

El buzo Luc Varnell llegó al lugar donde se hallaban los restos.

Sobre un panel de la caja del turbo-compresor, los investigadores descubrieron una serie de cuatro cifras aisladas y grabadas manualmente: 2734, seguidas por la letra «L», que significa “left”.

Se trata, según el informe, del número de fabricación que el constructor de aviones Lockheed inscribía en sus aviones en su cadena de montaje. Este número civil correspondía, a la matrícula militar 42-68223. El avión de Saint-Exupéry.

Los restos del avión se encuentran en el Museo del Aire y del Espacio, en Le Bourget, afueras de París, en un sitio dedicado al escritor / aviador.

Teorías

Dadas su popularidad, y el hecho que desapareciera del radar y no se encontraran restos hasta muchos años después, produjeron muchas especulaciones y versiones.

Una sostenía que el piloto se desvaneció al comando del avión por la falta de oxígeno y que eso produjo el final. De esa teoría se aferró Hugo Pratt (1927 – 1995) para imaginar los últimos instantes de Saint-Exupéry en el que fue su comic final: “Saint-Exupéry, el último vuelo” (80 páginas editorial Norma).

Pratt hace que en esos minutos el aviador haga un repaso de su vida y hasta dialogue con El Principito, sería una versión “poética” de la muerte de Saint-Exupéry, en lugar de desvanecerse, tiene alucinaciones, mientras  dos aviones de  la Luftwaffe le persiguen para darle caza.

Otras versiones afirmaban que averiado su avión por un ataque alemán, realizó un aterrizaje de emergencia y fue apresado y muerto en tierra por soldados nazis.

Otra teoría, que fue la que más adeptos tuvo con el correr de los años, indicaba que, divisado mientras cumplía con sus tareas de inspección, el avión de Saint-Exupéry fue derribado por un piloto enemigo y se precipitó en el mar. 

Algunos dijeron que se había suicidado y que voluntariamente impactó el Lightning P38 contra el mar.

El Principito (4) nació en Nueva York

¿Qué tiene esa historia de un niño que se le aparece a un aviador caído en un desierto y le cuenta historias poéticas, sutiles y al mismo tiempo llenas de sentido? ¿Es un mero cuento infantil o, al decir del filósofo Martin Heidegger (1889 – 1976) es uno de los libros más profundos que se han escrito nunca?

Cuando escribía a su editor americano, solía hacer dibujos en el borde de sus cartas. Éste le pidió que escribiera un cuento infantil que incluyera sus dibujos.

Era el año 1943, dibujando un niño rubio en trazos de acuarela, completó el cuento al que llamó El Principito, Le Petit Prince.

Las ilustraciones de El Principito fueron realizadas por Saint-Exupéry.

El autor nunca se consideró un buen dibujante, algo de lo que se burla El Piloto al inicio de la obra.

La editorial Reynal & Hitchcook de Nueva York, saca la primera edición, Saint-Exupéry entrega el original de su obra en francés, y lo traduce al inglés Katherine Woods. A la semana, el 6 de Abril de 1943 sale una edición en francés.

La traducción de Woods sería la versión estándar en inglés durante 52 años hasta que Penguin publica una nueva versión en 1995. Cinco años después, la versión de Richard Howard se convertiría en el nuevo estándar en inglés. Cuando acaba la guerra y Francia es liberada de la ocupación alemana, sale en 1946 una edición deEditions Gallimard (2)

La primera traducción al español la hizo el político y escritor bonaerense Bonifacio del Carril (1911 – 1994) (3), la editó Emecé Ediciones de Argentina en 1951, a partir de la cual siguieron otras muchas. España saca su primera edición en 1965, y dos años más tarde, en 1967, vio la luz la célebre traducción que de ella hizo el poeta José Hierro.

Le siguieron las ediciones de 1968 en Colombia y Cuba, 1980 en Uruguay, 1981 en Chile, 1985 en Perú, y 1986 en Venezuela…

Quizás es la obra literaria más vendido de la historia, más de 200 millones de ejemplares, traducida a más de 250 idiomas o dialectos, disputa ese título junto a “Historia de Dos Ciudades” de Charles Dickens (1812 – 1870).

Entre esos 250 idiomas también fue traducido al manchego, andaluz, valenciano, braille, coreano, latín, aymara (Pririnsipi Wawa), quechua, guaraní (Principe-í), dialectos africanos…

Más datos de El Principito

Las aventuras del aviador perdido en el desierto parten de un hecho autobiográfico, la aparición de un Pequeño Príncipe, seguramente un producto de sus personales y mágicas alucinaciones.

En las conversaciones con el Principito, único habitante del asteroide B-612, Saint-Exupéry narra su propia idea de la estupidez humana frente a la sabiduría de los niños.

Personajes

El Piloto, es el personaje central, es sin dudas el autor.

El Zorro, el animal que acompaña al Principito en su viaje, se inspira en los zorros del desierto que Saint-Exupéry conoció en sus vuelos como piloto por el norte de Africa.

La Rosa, está inspirada en su esposa Consuelo.

El planeta donde se encuentra “La Rosa”, está rodeado por tres volcanes. Es El  Salvador, la tierra de Consuelo.

Las aventuras de El Principito, se basaron en un joven Saint-Exupéry, y se inspiraron en el hijo del aviador Charles Lindbergh (1902 – 1974). Éste vivía cerca del piloto francés con quien había establecido una buena relación.

Los Baobabs, árboles que destrozan planetas con sus raíces, señalan al nazismo y su pretensión de dominar al mundo.

Sus originales

En diciembre de 2018, luego de la muerte de un empresario inmobiliario, Bruno Stefanini (1924 – 2018), de Zúrich, se descubrieron los bocetos originales de El Principito que estaban en una vieja construcción al norte del país.

Los dibujos encontrados están hechos en papel de correo aéreo con tinta china y acuarela. 

El coleccionista, dejó a sus 94 años, el material que había comprado en una subasta hacía más de 35 años en 1986 en Bevaix.

Propietario de una de las mayores colecciones de arte de Suiza, creó en 1980 la Fundación Winterthur para gestionar su patrimonio.

Las anotaciones y dibujos estaban conservados dentro de una carpeta de cartón y «están en muy buen estado», dijo Elisabeth Grossmann, conservadora de la Fundación para el Arte, la Cultura y la Historia de Winterthur.

Se encontraban entre una enorme cantidad de obras de arte (menciona miles). «Otras obras, estaban en peor estado”.

La carpeta contenía tres dibujos vinculados a El Principito -el Bebedor en su planeta, la Boa que digiere a un elefante acompañado de notas manuscritas, el Principito y el Zorro- así como un poema ilustrado con un pequeño dibujo y una carta de amor dirigida a su mujer Consuelo.

Otros dibujos originales de Saint-Exupéry están en la Morgan Library de Nueva York, el destino al que irán los bocetos que se encontraron.

Silvia Hamilton, musa y amante

“Necesito senos en los que beber amor”,

Christine Nelson, comisaria de la exposición celebrada en el 2014 en la Morgan Library escribe en el catálogo de la muestra: «Pocos saben que esta gran obra de la literatura francesa, de la literatura universal, nació en Nueva York. El Principito es realmente una historia de Nueva York». A las siete de la mañana de un día primaveral de 1943 Antoine de Saint-Exupéry visita a su amante Silvia Hamilton, en su departamento en Park Avenue.

Se presenta con su uniforme militar, deja Nueva York para unirse a las fuerzas aliadas en Argel.  Le da un manuscrito de su libro con un texto dedicado a ella que dice: «Me voy y me gustaría tener algo maravilloso que darte, pero esto es todo lo que tengo» . Se lo entrega junto a los dibujos originales de El Principito, escrito en parte en esa casa e inspirado en sus habitantes.

Silvia había pronunciado frases que diría el zorro en la ficción y su perro había hecho de modelo para los dibujos de la oveja. El hijo de Silvia, Stephen (que luego sería juez federal), fue el primer niño que leyó El Principito.

El material expuesto fue vendido por Silvia Hamilton en 1968 al museo, incluido el único dibujo que guardó para su nieto: el borrador de una de las escenas más tristes, cuando el protagonista contempla 44 veces seguidas la puesta de sol moviendo la silla en su pequeño planeta solitario. A finales de 1940 Saint-Exupéry llega a Nueva York desde Lisboa huyendo de la invasión alemana a Francia, planeaba estar unas pocas semanas, pero se quedó más de dos años. Intentó, sin conseguirlo, aprender inglés.

Tenía poca relación con la comunidad francesa, dividida por lo que ocurría en Francia, su relación con Consuelo lo atormentaba, especialmente debido a sus escapadas nocturnas. Le ayudó recibir un premio literario nada más llegar y los ánimos de Elizabeth Reynal y Peggy Hitchcock, esposas de sus futuros editores, para comenzar a escribir su libro más famoso.

Como le encantaba hacer dibujos en los márgenes de sus libros y de sus cartas, repetía la figura de un niño que se le parecía, con poco pelo y pajarita.

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“Saint-Exupéry”, Norma Editorial 2020. Guion de Pierre-Roland Saint-Dizier y dibujos de Cédric Fernandez

El matrimonio Reynal, le sugirió convertirlo en un héroe, en un libro infantil. Compró un cuaderno de papel de calco y unas acuarelas en una librería de la Octava Avenida y desarrolló la historia en diferentes lugares, en el rascacielos del Central Park West donde vivió, en la mansión que alquiló en Long Island un verano, en el estudio de un amigo en la calle 52 y en el apartamento de Silvia.

«Tenía fama de distraído, pero era un artista meticuloso«, cuenta Christine Nelson, trabajaba sin parar, llamaba de madrugada a amigos en París o en California para leerles los últimos párrafos escritos.

Escribía y revisaba rodeado de pilas de papeles, siempre con una taza de café o té al lado y con un pitillo en la boca. Sus originales muestran manchas de café y dibujos con quemadura de cigarrillo. Cuando dejó Nueva York, Saint-Exupéry se llevó un ejemplar de El Principito en francés que enseñaba a menudo a sus compañeros de guerra en Argel, lo prestaba con la condición de que se lo devolvieran en 24 horas y les pedía comentarios. 

Tenía siempre el libro en mente y reclamaba información a su editorial neoyorquina.

En otoño de 1943, recibió las buenas críticas y los primeros datos de ventas: 30.000 ejemplares en inglés y 7.000 en francés, le parecieron unas cifras modestas.

Quería publicar su libro en Francia, pero no vivió suficiente para verlo. 

Sin terminar. “Saint-Exupéry”, Norma Editorial 2020. Guion de Pierre-Roland Saint-Dizier y dibujos de Cédric Fernandez

Videos

1 Publicidad Aerolíneas Argentinas – Saint Exupery 1 – «Despegue» «Aterrizaje» «Vuelo Nocturno»

2 Publicidad Aerolíneas Argentinas – Saint-Exupéry 2 – «Despegue» «Aterrizaje» «Vuelo Nocturno»

3 Publicidad Aerolíneas Argentinas – Saint Exupéry 3 – Despegue» «Aterrizaje» «Vuelo Nocturno»

4 El último vuelo de Saint Exupéry. 1 mar 2017

5 Conferencia sobre el inolvidable piloto y escritor Antoine de Saint-Exupéry ofrecida por la Fundación Infante de Orleans el 5/4/2020. El ponente es Darío Pozo, ingeniero informático, piloto privado y voluntario de la Fundación.

6 Segunda parte del 12/4/2020, que retoma la historia donde quedó al final de la primera sesión. El ponente es Darío Pozo.

7 «Oasis» es un documental de 50 minutos de duración sobre el paso de Antoine de Sant Exupéry por Concordia, Entre Rios, Argentina.

8 Las ruinas del Castillo San Carlos, un hito de la ciudad de Concordia.

Las dos historias del lugar, su etapa de olvido, abandono. El vandalismo y la posterior puesta en valor.

Notas

1

“Mira la catedral que habitas”. Alvaro Abós (1941) Editado por Sudamericana. Titulé mi libro con una frase que me había impresionado, tomada de su Piloto de guerra: “Mira la catedral que habitas”. Es decir, no olvides nunca que la vida tiene algo de sublime.

2

Diario el Mundo.  “Horas sin Ocio”, Ricard Bellveser. 27 agosto 2018

3

Bonifacio del Carril, durante el autodenominado «Proceso de Reorganización Nacional» (instaurado en Argentina luego del golpe cívico-militar de 1976) participó en diversas actividades organizadas por el gobierno para mejorar su imagen en el exterior. Lo hizo como presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes.

4

La astronomía le ha rendido varios homenajes a El Principito:

– Un asteroide descubierto en 1975 fue nombrado “2578 Saint-Exupéry”, en su honor.
– Un asteroide descubierto en 1993 fue nombrado **46610 Bésixdouze**. Que traducido al español, sería B-seis-doce, en honor al asteroide B-612, donde vivía el Principito.
– La “Fundación B612”. Se encarga de rastrear asteroides que puedan significar una amenaza a la Tierra.
-En 2003, la luna de un asteroide recibió el nombre de “Petit-Prince”

La Casa Chorizo en Argentina y Uruguay

Las Casas Chorizo
Las llamadas “casa chorizo” o “casa patio”, son tipologías habituales en los barrios de Buenos Aires y Montevideo, aunque en menor cantidad también hay en otras ciudades y pueblos en el interior de Argentina y Uruguay.

Debido a esta disposición, se los llamaba chorizo porque los ambientes están unidos uno tras otro, como los chorizos en una ristra.


Responden al trazado en damero, que fue un “trazado hipodámico”, un planteo urbanístico que utiliza calles rectilíneas que al cruzarse en ángulo recto conforma manzanas cuadradas o rectangulares, fue el estilo predilecto de construcción residencial, apta para los terrenos estrechos y profundos entre medianeras.
Su nombre “hipodámico”, proviene Hipodamo de Mileto (“Hippodamos” 498 – 408 a.C.) considerado el padre del urbanismo. Fue un arquitecto griego, planificador urbanístico, matemático, meteorólogo y filósofo, lo cual parece increíble hoy en día, pero lo era menos en el siglo V que vivió, eran los albores de la época clásica de la Antigua Grecia.
Hace muchos años, era una de mis tareas como arquitecto, comprarlas, ponerlas en valor para darles nueva vida. Recuerdo una en especial en la calle El Salvador que me encanta aun hoy.

La casa chorizo tuvo su origen es la casa romana, surge de “partir” verticalmente su planta y transformar un patio central, en un patio lateral contra el muro de la partición, se desarrolló en las últimas décadas del siglo XIX y primeras del XX.
El acceso a la vivienda se da a través de un zaguán, un elemento de paso cubierto similar a un vestíbulo, que cuenta con una puerta cancel.
El vestíbulo sirve como distribuidor a los ambientes principales, quedando generalmente separado del patio por una gran mampara en forma de vitreaux.
En el interior tiene uno o dos patios laterales e interiores de forma rectangular a los que rodean las habitaciones, que están en hilera y conectadas entre sí. Una galería techada provee sombra y resguardo de la lluvia en la entrada de las habitaciones.
Las fachadas se las construía con un revoque “piedra parís” o “símil piedra”, que imitaba la piedra natural que se utilizaba en las construcciones en Francia. Los constructores italianos que llegaron al Rio de la Plata lo utilizaron y dieron con sus colores grises y ocres, una armonía de una paleta de colores de una integración, que más quisieran las construcciones modernas conseguir.

Es una tentación decir más cosas acerca de las viviendas en la antigua Roma
Eran de cinco tipos:

-“domus”, vivienda urbana para clases adineradas 

-“insulae”, viviendas urbanas modesta, de varios pisos en general de alquiler

-“villae” construcciones en el campo

– “casae” o viviendas primitivas

-y las más humildes, las de los esclavos y clases bajas.

Las Domus eran las viviendas de las familias de más alto nivel económico, cuyo padre de familia (Pater Familias) llevaba el título de dominus, era un ciudadano independiente, ejercía la autoridad de la casa, solo podía ser un hombre nunca una mujer.
El Pater Familias tenía varias potestades, la “dominica potestas” que ejercía sobre los esclavos, la “patria potestas”, sobre la esposa; el “manus” sobre la nuera; el “dominus”, sobre los bienes familiares; el “mancipium”, sobre el resto de las personas.
Dejo aquí un link de como se diseñaba una ciudad en aquella época:
http://onlybook.es/blog/fundacion-de-una-ciudad-romana-ex-novo-nueva-planta/

Saint Jean Pied de Port,

Saint-Jean-Pied-De-Port.

Une capitale en Bass Navarre – Una capital en la Baja Navarra-.

Casi siempre me pregunto, en forma reiterativa, porque los turistas, los viajeros, los «Flaneur», casi siempre vamos a las zonas antiguas de las ciudades, de los pueblos, porque dejamos de lado los centros comerciales y las nuevas ofertas urbanas, para recorrer lo que muchas veces no son más que museos al aire libre de aquello que fue, y de lo que se hizo o hicimos con aquello que fue.

La frase de J.P. Sartre «Lo importante no es lo que han hecho de nosotros, sino lo que hacemos con lo que han hecho de nosotros», podría ser focalizada no solo en lo que hicieron de nosotros, sino lo que hicieron de los lugares donde nacimos, donde jugamos, donde nos educamos, donde establecimos los vínculos que nos definen como seres que vivimos en comunidad. 

Ya importa poco, si no eres «de ese lugar», porque si no eres de ese lugar, de donde eres?, de que lugar?. Del lugar donde has nacido, donde te has criado, donde te has educado, donde has sentado raíces o donde has viajado, donde has comido, de donde te has enamorado, de donde han nacido y crecido tus hijos.
Yo, en ese sentido soy de Buenos Aires, de partes del Uruguay, de partes de Chile y Argentina, De México, de Madrid y de partes de España, de ciudades de Europa, de ciudades de América del Norte, de Asia, de Oriente, donde en muchos lugares tengo  gente querida, o recuerdos imborrables. 
Siento y quiero ser de todos y cada uno de ellos, y de los lugares que descubriré.

Un gran arquitecto titular de una catedra donde yo era su adjunto un día me dijo, que el podía viajar por todo el mundo (enseñaba en ciertas escuelas de los EEUU y en Paris), porque era como una cometa, pero el cordel estaba fijado en su valle de Calamuchita, donde vivía.
Esa referencia de pertenencia, era lo que le permitía salir e ir, porque tenia un lugar donde volver.
Un lugar donde volver, y muchos desde donde ir.

Terrazas a distintos niveles

Centro Botin circulaciones entre salas del auditorio  y las de la  exposición

Desde hace tiempo, eso hago, salgo y regreso, y vuelco en este blog, algunas de esas salidas.

Fue una época difícil, la del confinamiento, la del confinavirus al decir de una amiga, este confinavirus, nos demostró que ni sabíamos donde íbamos, ni a que velocidad ni que los tiempos iban a ser los de uno, sino los de las sociedades donde pertenecemos.

Entiendo, que hasta que no haya una vacuna eficaz para todos, esto continuará.

En mi primer salida fui a Cantabria, y vi básicamente en Santander el Centro Botín del arq. Renzo Piano (1937)  , regresé en Bilbao a ver el Gugenheim del arq. Frank Owen Gehry (1929) (no fui a visitar la Alhóndiga Bilbao (Azkuna Zentroa) de Philippe Patrick Starck (1949), y luego con muchas ganas pasé al mundo medieval.

Quise ver como vivieron nuestros antepasados, en el medioevo y si estaban preservados.

Volviendo sobre las huellas del pasado


Atrapa su historia, su arquitectura, su vida, y a mi en especial me atrapa vivir su escala, la escala que tienen, dice mucho, dice de su población, porque en general vivían pocas miles de almas, de sus usos, de los lugares de encuentros y desencuentros. 
Casas y convivencias para el encuentro, prisiones y torturas para el desencuentro, donde el amor y la brutalidad convivían, casi sin molestarse.
Ciudades que debían defenderse, de quienes deseaban conquistarlas, ciudades que se proveían de sus alimentos frescos, materiales de construcción, fabricación de armas, utensilios de labranza y vestimentas. Cuando uno ve una armería, se puede imaginar situaciones similares, hace poco mas de 14 siglos.

He extraído los textos del «Mapa del pueblo», que entregan en la oficina de turismo.
www.pyrenees-basques.com.

Sain Jean de Luz, es un pueblito situado en los Pirineos Atlánticos, muy cuidado, desde el que luego me traslade a Saint Jean Pie de Port, un pueblo encantador.

Según cuenta la leyenda, la ciudad fue creada en el año 716 por el rey de Pamplona Carlos Ximenez…No obstante hubo que esperar el fin del siglo XII para que se reconozca oficialmente el nombre de San Juan del Pie de Portus como capital de las tierras de Ultrapuertos, en un documento firmado por el rey Sancho VII el Fuerte, rey de Navarra.

Saint-Jean-Pied-de-Port debe su nombre a su situación geográfica, al pie de los “puertos” pirenaicos (portus en latín) y a sus protecciones sucesivas, primero San Juan el Evangelista, y después san Juan el Bautista. Una etapa histórica en el Camino de los “Montes Pirenaicos”. A la vez plaza fuerte ciudad-frontera y cruce comercial  al pie del Pirineo, Saint-Jean-Pied-de-Port es una etapa histórica en una de las rutas más antiguas de Europa entre Francia y España. Los puertos de Arnostéguy (1236 mts), Bentarte (1334 mts), Lepoeder (1440 mts) o Ibañeta (1057 mts ( siempre fueron considerados como los pasos “fáciles” de la cordillera. A lo largo de los siglos en esta “tierra de alturas”, las rutas de los “puertos de Cize” fueron sucesivamente caminos de trashumancia, vía romana, itinerarios de invasión, caminos de peregrinación hacia Compostela, ruta militar. Hasta ser hoy un lugar de excursiones sumamente interesante.

El Gres Rosa del Arradoy
El Arradoy es un importante cerro que domina la ciudad, ya en el s. XIII, los edificios de la ciudad extraían de él espléndidas piedras de gres rosa, ligeramente violáceo…Un material estético y cálido que constituye los muros de la iglesia Notre-Dame-du-Bout-du-Pont, las murallas, numerosas casas…en la calle de la ciudadela, en algunas fachadas, alternan las piedras rosas y blancas produciendo así un bello efecto de escaque.

La Puerta de EspañaHacia los montes pirenaicos

Hoy aún, por la mañana temprano, los adoquines de la calle de España suenan con los pasos de los peregrinos. Con el mismo valor que en la edad media, los peregrinos después de una noche de descanso, abandonan la ciudad para, por fin, cruzar a los temidos Pirineos…La etapa siguiente es la de Roncesvalles, en España se accede, por la ruta “moderna” de 1884, que lleva al puerto de Roncesvalles (1057 mts) por el puerto de Valcarlos, o bien por la “ruta de las Cimas”. 
Antes de ser el itinerario preferido de los peregrinos, -menos nevado que el de Somport- esta ruta histórica fue, desde la antigüedad, un eje comercial de mayor importancia entre Oriente y Occidente. Única vía accesible para los enganches, también la cogían los pastores y sus rebaños, las legiones romanas, el ejército de Carlos Magno yendo a atacar a los Sarraacenos, las tropas de Fernando el católico y Carlos Quinto a la conquista del reino de Navarra y ulteriormente, los soldados de Napoleón, que le pusieron el nombre de “ruta Napoleón” o ruta de la artillería.

En esta zona hay numerosos vestigios como crómlechs (proviene del francés cromlech, es un monumento megalítico formado por piedras o menhires introducidos en el suelo y que adoptan una forma circular similar a un muro o elíptica, cercando un terreno.) , restos de viviendas, túmulos, dólmenes, trofeo romano de Urkulu, reductos que son pruebas de la antigua presencia del hombre. 

Los puertos de Cize evocados en la “Chanson de Roland” (El cantar de Roland).El más antiguo de los cantares de gesta franceses, escrito a finales del siglo XI, también es el primer cantar del peregrino de Santiago de Compostela. En él, cabalgan por la vía sagrada los héroes más populares: Roland le Preux, (Roland el Valiente), sobrino de Caralos magno, Olivier le Sage (Olivier el Sabio)…En él se evoca la batalla de Roncesvalles y las leyendas que la rodean.
La Leyenda de Santiago de Compostela

¿Quién fue Santiago?. ¿Por qué tantos peregrinos rumbo a Santiago de Compostela ya en el año mil?…Santiago llamado el Mayor, fue uno de los primeros apóstoles de Cristo. 
Cuenta la leyenda que murió decapitado en Jerusalén en el año 44 de nuestra era, por orden del rey Herodes Agreippa, opuesto a la iglesia naciente. 
Según cuenta la leyenda, dos discípulos llevaron sus restos en una barca de piedra hasta las costas gallegas donde, en el s.IX, un ermitaño guiado por una estrella descubrió su sepultura.

El culto de las reliquias, muy importante en aquella época, confirió rápidamente al lugar su vocación como importante lugar de peregrinación, al igual que Jerusalén y Roma…campus Stellae (el “campo de la estrella”) se convirtió en Santiago de Compostela.

 A finales del s. XI, la ciudad, en los confines de las tierras, se dotó de una iglesia románica que debería convertirse en una de las catedrales góticas más imponentes de Europa.
Una etapa histórica en el Camino de los “Montes Pirenaicos”

A la vez plaza fuerte ciudad-frontera y cruce comercial.

Al pie del Pirineo, Saint-Jean-Pied-de-Port es una etapa histórica en una de las rutas más antiguas de Europa entre Francia y España.

Los puertos de Arnostéguy (1236 mts), Bentarte (1334 mts), Lepoeder (1440 mts) o Ibañeta (1057 mts (siempre fueron considerados como los pasos “fáciles” de la cordillera. A lo largo de los siglos en esta “tierra de alturas”, las rutas de los “puertos de Cize” fueron sucesivamente caminos de trashumancia, vía romana, itinerarios de invasión, caminos de peregrinación hacia Compostela, ruta militar. 

Hasta ser hoy un lugar de excursiones muy visitadas.

Un vino típico de esta tierra: el Irouleguy

En los siglos XIV y XV, los canónigos de Roncesvalles ya producían el Iroulegy. 
El viñedo cubre 120 hectáreas y abarca unos veinte municipios. 
Este típico vino vasco, tinto o rosado, obtuvo una Aoc en 1970.


La tradición de la sidra

En el país vasco, durante tiempo, los viñedos lindaron con los manzanos. 
La sidra fue mencionada en 1084, en un documento firmado por el rey de Navarra sancho el Mayor.
El siglo XVI, la sidra se consideraba como “alimento principal”…mucho más barata que el vino, el cual se solía reservar para los momentos excepcionales. La gente de la oficina de turismo, recomiendan visitar las sidrerías, y probarlo.

Puerta de Navarra
Acceso al mercado y a los tenderetes


En la edad media, Saint-Jean-Pied-de-Port asentó su vocación de punto de encuentro comercial del país de Cize y de las tierras de Ultrapuertos. ¡Se puede imaginar la afluencia y el ruido de los días de mercado cerca de la puerta de Navarra! Comerciantes ambulantes, campesinos, artesanos, pastores…invadían la pequeña plaza y el capitel (la “plaza del rey”). 
Los carros sobrecargados pasaban difícilmente por la puerta de ojiva…, aún se ven las huellas de los ejes de las ruedas en los adoquines…las personas que entraban en Saint-Jean-Pied-de-Port, tenían que abonar un derecho de entrada. 
Para eso estaba el recaudador de impuestos, encargado por el rey de cobrar los peajes y las tasas sobre las mercaderías vendidas.
 Este opulento mercado medieval también atraía a los peregrinos que iban rumbo a Santiago de Compostela. Muchos eran los que pasaban la noche en las hostelerías de la ciudad antes de la etapa de Roncesvalles.

Los Tenderetes
Almadreñeros, zapateros, tejedores, sastres, sombrereros, herreros, curtidores, carniceros, charcuteros, guarnicioneros, cerrajeros o barberos…aún se pueden ver las huellas de estos gremios en los d
inteles.
Las riquezas locales
Las manufacturas y los comercios de la lana, las curtiembres a las orillas del río Nive, las explotaciones forestales del bosque de Iraty, la crianza de cerdos y la fabricación del jamón: las canteras de gres rosa, los productos de los pastores como quesos y lana, la sal, los cereales, la viña…Una muralla, cuatro puertas
Rodeada por una muralla, se acede a la antigua ciudad de Saint-Jean-Pied-de-Port por cuatro puertas: la Puerta de Navarra o Puerta del mercado, la Puerta de Francia, la Puerta Notre Dame (Nuestra señora) y la Puerta Santiago. Las fortificaciones de  Saint-Jean-Pied-de-Port y el Castillo Real constituyen un conjunto defensivo de gran importancia, para el rey de Navarra, constituía una plaza estratégica y una posición avanzada destinada a proteger su reino y su capital, Pamplona, contra sus potentes vecinos, principalmente, el rey de Inglaterra, dueño del cercano Labourd.

Detrás de la Iglesia Notre-Dame-du-Bout-du-Pont, una escalera lleva a la ciudadela por el camino de la ronda, siguiendo las huellas de la guarnición.
Franquear el Rio Nive
En el siglo XIV, un puente de madera, que se levantaba en caso de peligro, unía ambas partes de la ciudad. Auténtico enlace entre la ciudad alta y la baja, solucionaba el problema del paso del río Nive, que tanto preocupaba a los primeros peregrinos. 
En el siglo XI, no existía puente, solo un vado probablemente situado en el barrio de Ugange, donde los recaudadores de peaje, que no siempre eran honrados, ayudaban a los peregrinos a pasar a la orto orilla.En jun primer tiempo en madera, el actual puente de Eyheraberry, llamado “Puente Romano” fue construido en piedra alrededor de 1720.
Desde su fundación a finales del siglo XII, por iniciativa del rey de Navarra, Sint-jean se convirtió en la ciudad clave del reino en sus tierras de la parte Norte de los Pirineos.
Idealmente situada al pie de los Puertos de Cize y a lo largo de la gran vía que cruza los Pirineos por Roncesvalles, Saint Jean Pied de Port abrazó un destino radiante de Plaza Fuerte, ciudad de guarnición, centro comercial y etapa importante en la peregrinación hacia Santiago de Compostela.
Ubicada en la confluencia de los dos ríos Nive y en el cruce de las carreteras que recorren todo el País Vasco (está a 10 minutos de la frontera española, a 40 minutos de Bayona, 1h 15 de Pamplona y a 1h 30 de Pau).

Casa Manzart

Esta casa, construída a principios del siglo XVIII, perteneció a un comerciante de lana, David de Fourré. Su hermosa y armoniosa fachada, simétrica y regular, le da un encanto especial.

Las buhardillas (mansardas) que coronan el tejado le dieron ese nombre, desde 1935, lo ocupa el ayuntamiento.

Casa Arcanzola

Es una de las mas antiguas, aparece como de 1510.
Su fachada con entramado de tablas de madera alterna con ladrillos dispuestos en espigas.
En 1531 nació el Beato Juan de Mayorga, jesuita martirizado frente a las costas de Canarias por un corsario calvinista. 
Una pequeña cruz blanca sobre una de las vigas recuerda al mártir.

La Puerta Notre-Dame, lugar de cita de los peregrinos
La entrada del hospital, dedicada a recibir a los peregrinos, se encontraba fuera de la Puerta Notre-Dame. 
Un paso abovedado arriba de la calle y de la puerta permitía la comunicación entre la iglesia y el hospital. 

Empotrados a ambos lados del muro se encuentran unos bancos de piedra que era donde los peregrinos más pobres solían esperar la apertura del establecimiento caritativo y la distribución de las raciones alimentarias.

Se encuentra frente al viejo puente que cruza el rio Nive y el barrio de la calle España. Encimo de la torre-puerta están las estatuas de San Juan Bautista y de la virgen con el niño.


Calle de España

En la Edad Media no estaba fortificada. 
Este barrio de vocación económica acogía a los artesanos de la ciudad, como lo demuestran algunos dinteles en los que se indica el oficio del amo de la casa.
En el número 9 de la calle, una inscripción revela el coste muy elevado de trigo en 1789, época en la que su precio era una gran preocupación.
Calle de la Ciudadela
Al igual que en la Edad Media, todas las casas se agrupan alrededor de esta calle empinada.
La piedra rosa de la comarca proviene del monte Arradoy y suele adornar las fachadas. Las piedras saledizas, los entramados y los anchos aleros de vigas esculpidas caracterizan la arquitectura de las casas de esta calle.
Los dinteles son testimonios del pasado, con sus inscripciones, sus dibujos geométricos y sus símbolos religiosos. 

La Puerta Notre DameAcceso al barrio de España
La puerta Notre-Dame es la puerta mejor conservada de las que dan acceso a Saint-Jean-Pied-de-Port, aún lleva las huellas de sus pesados batientes de clavos y de su grada original.Por ella, se accede al “barrio de España”, la “ciudad nueva” medieval, que, en los siglos XVII y XVIII, pronto se desarrolló fuera de las murallas. 
Una vez pasado el puente, más allá del río Nive, la calle de España era entonces un opulento barrió de comerciantes y artesanos.
Los tenderetes de los zapateros, los tejedores y los joyeros, los picapedreros, los artesanos chocolateros…atraían a los transeúntes de todo el país de Cize. 
A mediados del siglo XVIII, la ciudad cuenta con 64 maestros artesanos y 36 obreros. En la misma época, la ciudadela abrigaba una guarnición de más de 500 hombres.

 Iglesia Notre-dame du Bout du Pont
Después de la catedral de Bayona, es el edificio mas importante del País Vasco Francés.
La tradición atribuye su construcción al rey de Navarra, Sancho el Fuerte, en conmemoración de la victoria sobre los Moros en Las Navas de Tolosa en 1212.
Las primeras bases de piedras, grabadas con marcas discretas dejadas por los canteros, podrían remontarnos a aquella iglesia primitiva a principios del siglo XIII.
La majestuosa fachada de piedra rosa esta decorada de un pórtico gótico de columnitas y capiteles tallados.
El interior, con una amplia nave, dos lados y dos plantas de tribunas edificadas en el siglo XIX, presenta un conjunto de pilares y columnas.
A ambos lados del coro poligonal, dos triángulos curvilíneos recibieron vidrieras representando los escudos de la ciudad y el de Navarra.
Su órgano recién restaurado es un Cavaillé Coll.

Magníficos dinteles
En ambas partes de la Puerta Notre-Dame, en la calle de la ciudadela y la calle de España, se admiran los dinteles que dominaban las puertas. 
Dan importantes indicaciones con respecto a la fecha de construcción o de rehabilitación de la casa, el nombre del dueño y su oficio.


San Juan de Pie de Puerto Una ciudad medieval en el corazón del Pais Vasco

 Rehabilitado en el 2012, la casa que existía en este lugar, es de alguna manera la historia urbanística de la ciudad. La casa edificada en el siglo XVII, fue destruida por un incendio, solo quedan unos pocos vestigios, como jun dintel con el nombre de su propietario y la fecha 1655, piedras de gran tamaño así como el fregadero en la pared del fondo. 

Los incendios eran una plaga importante, porque en esta ciudad, con casas con paredes medianeras, el fuego se propagaba rápidamente. 
Para evitarlo se adoptaron diferentes normas, como la construcción de casas mayoritariamente de piedra, y también la instalación de callejuelas, con empedrado, que permitían a las aguas de lluvia que caían de los tejados, derramarse y correr sobre ellas, facilitando la corriente de aire entre las casas. 

 Frontón Municipal 
Juego de pelota vasca y bodas. En este recinto se realizan juegos de pelota y espectáculos, incluyendo la boda vasca 1900. Para la boda se organiza un desfile de unas 250 personas que comienzan en la estación y cruzan la ciudad hasta el frontón. A veces las novias llevaban un vestido negro”. 

En el camino a la Ciudadela
Hay un mirador desde la ciudadela hacia el valle y las montañas que la rodean.
Hay cerca un puente levadizo que lleva al Pabellón de los Gobernadores, que está coronado por un leve pináculo. Por debajo del puente, se puede seguir un camino de ronda interior de 269 escalones. Sale a la Puerta de la Garita, apoyada contra el ábside de la iglesia a orillas del rio Nive.



Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritzpermitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente
gracias
más articulos en mis blogs :

hugoklico.blogspot.com
y
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A pesar del virus, el mundo existe y no está en paréntesis II

Primera parte: http://onlybook.es/blog/a-pesar-del-virus-el-mundo-que-existe-no-esta-en-parentesis/

CUDILLERO. Asturias

Viven casi 5000 habitantes en lo que muchos consideran uno de los pueblos más bonitos de España.

Cudillero es un puerto pesquero, su nombre de pixueto(a (del asturiano pixuetu) sirve para diferenciar a quienes han vivió de la pesca (pix = pez, uetus = actividad) de los habitantes que se dedican a actividades agrícolas o ganaderas.

Aquellos que se dedican a actividades comerciales, se los denomina caizos/as.

El camino de Santiago penetra en Cudillero tras atravesar el río Aguilar y, por El Pitu y la Concha de Artedo, atraviesa Soto de Luiña, Sierra de Las Palancas hasta el Concejo de Valdés.

Para los que se decidan, un listado de obras arquitectónicas:

1-La capilla del Humilladero es Gótica (el estilo artístico comprendido entre el Románico y el Renacimiento) está muy reformada.De planta cuadrada con contrafuertes y bóveda de ojivas. Su retablo es del siglo XVI.

2-La iglesia de San Pedro: es Gótica del siglo XVI. Su estructura es de nave única con bóveda de crucería y ábside semicircular.

3-La iglesia de San Martín de Luiña: del siglo XVIII, de planta de cruz latina con tres naves.

4-La iglesia de Santa María de Soto de Luiña, declarado Monumento Histórico Artístico, su estructura es de nave única, doble crucero y cabecera semicircular.

5-La casa rectoral, junto a la iglesia es Monumento Histórico Artístico, de planta rectangular y dos pisos de mampostería con enmarques de piedra. Su cornisa tiene triglifos y metopas.

6-La Quinta de Selgas: del siglo XIX. Un palacio ajardinado de 9 has  construida entre 1880 y 1895 por los hermanos Selgas Albuerne, su jardín es una mezcla francesa y pintoresca.

Ezequiel, Empresario, financiero y coleccionista (1828 – 1909).

Fortunato, empresario, historiador, escritor y mecenas (1838 – 1921)

El palacio es de planta rectangular de dos pisos.

Posee pinturas importantes como el primer cuadro de Goya que se conoce (Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes), una Asunción de la Virgen de El Greco, ejemplos de Luis de MoralesLuca Giordano y Corrado Giaquinto.

Salto del Agrio. Patagonia Argentina

Para acceder a este lugar increíble de la Patagonia argentina, en el corazón del Parque Provincial Copahue recomienda la gente que sabe, ir sin apuros, llevar el equipo de mate y quedarse contemplando en silencio cómo cae el agua. 

Se necesita tiempo porque los ojos no pueden explicar lo que ven: un gigantesco salto de agua cae al vacío desde aproximadamente 60 metros de altura y estalla en una pequeña laguna que la espera debajo.
La estela de agua y un sonido estremecedor, es un estallido de sensaciones que nos invadirán.

Se trata del Salto del Agrio, una caída de agua ubicada en la provincia de Neuquén, a unos 18 kilómetros de distancia de Caviahue.

Lo que llama la atención del salto es su forma y el colorido del paisaje, un salto cae a una laguna rodeada de paredes de piedra de tonos ocres, anaranjados, rojos, amarillos y verdes.

Este arcoíris es producto de la composición de los minerales que arrastra el agua, como hierro y azufre, y la formación es resultado de la antigua actividad volcánica de la zona. 

El río que da origen a esta cascada es el río Agrio, que nace en el volcán Copahue y en su curso genera distintos y hermosos saltos de agua.

Desde Caviahue el viaje es de aproximadamente 10 kilómetros. Las araucarias y el río Agrio, con algunas de sus múltiples cascadas, acompañan el recorrido hasta el final, cuando el camino de ripio termina junto a una pequeña montaña de piedra.

El salto, que según cuentan los mapuches que habitan la zona fue siempre un lugar de culto, es custodiado por un grupo de araucarias que junto al volcán Copahue le agregan color a este paraíso.

Orvieto, Pozzo di San Patrizio. Italia

Buenos días

En el centro de la península italiana se encuentra Orvieto (Umbría).

Un lugar fascinante, con lomas cubiertas de viñedos y arboladas, junto al curso del río Paglia.

Sobre una colina de roca volcánica de medio centenar de metros de altura, ubicada junto al paso de dos afluentes del río Tiber, que fuera ocupado desde la prehistoria, con registro arqueológico del período etrusco (siglo VIII a.C.), se encuentra una montaña excavada con laberintos, pasadizos y grutas, una auténtica fortaleza, una ciudad subterránea..

En la Edad Media se realizaron pozos y acueductos que traían agua y por medio de canalizaciones subterráneas era distribuía, a una población que vivía en forma permanente.

Restaurado en buena parte, hoy es posible visitar el Pozzo di San Patrizio, antes llamado Pozo della Roca o Pozo de la Fortaleza, haciendo referencia al cercano castillo de Albornoz.

El nombre de Pozzo di San Patrizio se lo dieron unos monjes basándose en un poema del siglo XII titulado “L’Espurgatoire Saint Patriz” (El purgatorio de San Patricio), una traducción de la poetisa francesa Marie de France de la obra “Tractatus de Purgatorio Sancti Patricii” del fraile cisterciense inglés Henry De Saltrey.

Los versos contaban la bajada al Purgatorio del caballero irlandés Owein a través de una cueva, un argumento que es una versión adaptada de una vieja leyenda cristiana en la que el propio Jesús concedía a San Patricio (patrón de Irlanda)  una profunda cueva para que pudiera retirarse a hacer oración y enseñar a los irlandeses paganos, la palabra de Dios “las llamas del Infierno desde la entrada,  los pecadores bajaban por allí y salían purificados”.

Rápidamente se transformó en un lugar de peregrinación, hasta que quizás por pasiones alejadas de la vida espiritual, el papa Alejandro VI en 1497 ordenó su cierre y la demolición de todo el complejo levantado alrededor.

La amenaza de las tropas imperiales de Carlos V en su marcha sobre Roma, obligó al Sumo Pontífice del momento, Clemente VII a exiliarse de la Ciudad eterna y refugiarse en Orvieto.

Entonces encarga al arquitecto Antonio da Sangallo, el Joven a realizar una obra de ingeniería, adecuando lo que hasta ese momento era un pozo natural, para proveerse de agua en un hipotético asedio.

Antes de ser terminado el Papa y el Emperador firmaron la paz.

Esta obra maestra del arquitecto Sangallo el Joven, tiene 63 metros de profundidad y 13 de anchura, se caracteriza por el sistema de dos rampas helicoidales de un solo sentido que le sirven de acceso y lo envuelven de arriba abajo y viceversa, de manera que una servía para que los usuarios (o sus animales de carga) descendieran con cubas vacías y la otra para volver al exterior con ellas llenas del líquido elemento, garantizando un suministro continuo, tiene 248 escalones cada una.

Las paredes de este cilindro gigantesco tienen 72 grandes ventanas, que proporcionan iluminación natural, parece un edificio que se mira a sí mismo.

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El Gran Bazar de Estambul. Turquía

Buenos días

El Gran Bazar (kapañocarsi) de Estambul, es uno de los bazares más grandes y antiguos del mundo lleno de olores, colores y sabores.

Estambul, llamada antes Constantinopla y antes Bizancio, ha sido uno de los principales centros de comercio del mundo.

En el Centro de la ciudad vieja, ocupa 45.000 m2, tiene 64 avenidas y calles, con 4000 tiendas, lo visitan una media de 300 mil  personas por día.

El acceso es a través de 22 puertas, trabajan 20.000 personas.

Cubre diversas áreas de negocios joyería, orfebrería, antigüedades, artesanías, especias, alfombras, librerías, tiendas de sombreros, disfraces, especias, tés, dulces típicos, lámparas y el famoso “Nazar” u ojo turco, un amuleto muy buscado, para protegerse del mal de ojo y recibir buena suerte.…

Tiene dos lugares de almacenamiento de productos, uno de ellos de 1464 fue construido por orden de Mehmed II, en 1864 debido al terremoto, muchas zonas fueron reconstruidas.

La caída de Constantinopla en manos de los turcos otomanos puso fin al último vestigio del Imperio romano de Oriente y según algunos historiadores, marcó también el fin de la Edad Media en Europa.

Después de su conquista  (29 de Mayo de 1453), el sultán Mehmed II construyó bazares cubiertos (Bedesten).

Dentro hay todo tipo de dependencias como enfermería, correos, seguridad, entidades bancarias, oficinas de hacienda, fuentes, escuela, tumbas y mezquitas, teterías, restaurantes, Hamam (baño turco). Es una ciudad dentro de una ciudad.

Abre todos los días de 9:00 a 19:00, cierra los domingos.

El Gran bazar está en el centro de Estambul, entre las mezquitas de Nuruosmaniy y Beyazit II en la calle de Divanyolu.

En una de sus puertas de entrada habilitadas, la puerta de Bayazit, que tiene grabado el monograma del Sultán Apdülmecid, se encuentra la siguiente inscripción: “Dios quiere a aquel que hace negocios”.

www.grandbazaaristanbul.org/

Opera de Manaos. Brasil

En la segunda mitad del siglo XIX a la ciudad de Manaos llegó la Fiebre del Caucho.

Manaos, “el corazón del Amazonas”, hoy tiene 2 millones de habitantes.

El germen de su desarrollo fue el caucho y su puerto fluvial.

Gracias a la extracción de caucho, muy solicitada y apreciada por la industria europea y estadounidense, se acumularon enormes fortunas en la ciudad que la convirtió en una de las ciudades más ricas del mundo.

Por eso no fue tan extraña la decisión de realizar una Ópera.

En plena Belle Époque, en 1884 se designó al arquitecto italiano Celestial Sacardim, para realizar un edificio en estilo Neo Renacentista (bajo cuyo paraguas se han designado a muchos estilos historicistas del XIX).

Todo le fue provisto, muebles y telas «Luis XV» de París, los mármoles de la gran escalera, las estatuas y columnas de Carrara, las tejas  y los azulejos de colores de  Alsacia (la espectacular cúpula está recubierta con 36 000 azulejos que representan los colores de la bandera de Brasil), treinta y dos candelabros, entre los cuales el enorme en Hall de acceso fueron fabricados especialmente en Murano, las paredes de acero en Inglaterra, los espejos de Bohemia,  es  muy especial la cortina pintada que representa alegóricamente el encuentro de las aguas del Río Negro y el Amazonas, los ríos de Manaus.

Arquitectos, constructores, pintores y escultores fueron traídos de Europa, La decoración interior fue confiada a Crispim do Amaral, con la excepción del Hall, que fue decorado por el arquitecto italiano Domenico de Angelis.

El teatro fue inaugurado el 31 de diciembre de 1896, y la primera actuación fue la Gioconda de Ponchielli. La sala con 701 asientos, estaba llena.

En ese momento, se tardaba 8 días de navegación fluvial desde Belén para transportar los equipos, vestuarios, accesorios y personas

El Teatro Amazonas se hizo famoso por aparecer en la película Fitzcarraldo de Werner Herzog. Al comienzo de la película, el amante de la música Brian Sweeney Fitzgerald llamado «Fitzcarraldo» intenta entrar para escuchar Ernani di Verdi, cantado por Enrico Caruso, pero solo puede ver el interior.

El mito dice que fue construido para que Caruso lo inaugurara, no lo hizo, ni nunca llegó a cantar allí, he leído que Caruso temía que la humedad y ciertos insectos pudieran afectar su salud, en definitiva nunca fue, Otro que la calles de alrededor fueron asfaltadas con caucho, para que no hubiese ruido.

Sin embargo, las “vacas gordas” acabaron enseguida. Con la invención y popularización del caucho artificial a principios del siglo XX, las grandes fortunas entraron en declive, y hasta el siglo XXI no se volvió a representar Ópera tras un parón de 90 años.

A pesar de ello, el teatro no fue abandonado, y fue restaurado en tres ocasiones: 1929, 1974 y entre 1988 y 1990.

Hoy en día, el Teatro Amazonas sigue siendo el principal hito arquitectónico de Manaos. Es la sede de un festival anual de cine, y desde hace unos años alberga una orquesta sinfónica (39 de los 54 miembros de la orquesta provienen de Bulgaria, Bielorrusia y Rusia) y ha vuelto a representar Óperas.

La resurrección del teatro no está exenta de polémicas, para su mantenimiento requiere un enorme presupuesto, en una ciudad donde existe una elevada tasa de pobreza y analfabetismo.

Oasis

Existen varios desiertos, pero el Sahara es el desierto cálido más grande del mundo.

Tercero con sus 9,4 millones de km2, detrás de la Antártida y el Ártico, una superficie casi tan grande como China o los EEUU.

Alguna de sus dunas llegan a alcanzar los 193 metros de altura (como 60 pisos de un edificio).

Llegar a un Oasis, es llegar a un paraje donde hay agua y vegetación en medio de los arenales.

La poca agua de lluvia, se almacena bajo las capas de arena a mucha profundidad, y al ascender crea pequeñas lagunas circulares o alargadas.

Dijo Antoine de Saint Exupéry en el El Principito que lo que embellece al desierto es que esconde en alguna parte un pozo de agua.

Agregaría que la salida de la luna o el amanecer son inolvidables, por supuesto sobre camellos.

En otros desiertos están estos oasis memorables

1 El oasis y el lago de la Luna Creciente (Crescent Lake), a unos 6 kilómetros al sur de la ciudad de Dunhuang (China), formado por un manantial en el desierto del Gobi.

2 En el desierto del Sahara, en Libia, se encuentra el oasis Gaberoun, es posible nadar en sus aguas saladas, uno de los famosos lagos de Ubari que se extienden por la región de Fezzan

3 En Omán, los cauces de los ríos crean  Wadi Bani Khalid, con sus gargantas rocosas y aguas turquesas 

4 El oasis de Huacachina en Perú, a cinco kilómetros de la ciudad de Ica, la vegetación que rodea su laguna lo convierte en un vergel en medio del desierto costero del país. Famoso por el poder curativo de sus aguas.

5 El oasis de Siwa se encuentra en una de las regiones más recónditas de Egipto. Cerca las ruinas del templo del Oráculo de Amón, una necrópolis romana, la terma natural conocida como el Baño de Cleopatra y la fortaleza medieval. 

6 En China está una ciudad oasis. Situada en la región de Sinkiang, al borde de la depresión de Turfán, formando parte de la Ruta de la Seda. Para hacerla única están las ruinas de Jiaohe, las cuevas de Bezeklik y las Montañas en Llamas.

7 El Parque Nacional de los Lençóis Maranhenses está formado por manglares, marismas y dunas, avanzan hasta 25 kilómetros hacia el interior. Llueve casi 300 veces más de lo que lo hace en el Sáhara, y se crean innumerables extensiones de agua cristalina.

8 El desierto Badain Jaran (el desierto de los lagos misteriosos), entre las regiones de Gansu, Ningxia y Mongolia interior, existen diversos oasis.

Con sus 144 lagos permanentes, tanto de agua dulce como de agua salada, y sus inmensas dunas que llegan a los 500 metros de altura.

9 En la impresionante garganta del cañón del Colca, en Perú, se encuentra el Oasis de la región de Sangalle. A 1900 msnm, Para llegar hay que realizar una dura caminata de unas tres horas desde Cabanaconde, se cruzan los pueblos de San Miguel, San Juan, Malata y Coshñirhua, todos al borde del cañón.

10 El oasis más importante de Arabia Saudita es la ciudad de Al-Hasa es el oasis más grande del mundo habitado desde época prehistórica cuenta en la actualidad con dos universidades, dos escuelas internacionales y aeropuerto, en una región que destaca por su producción petrolífera.

Las Casas Chorizo. Buenos Aires

Las llamadas “casa chorizo” o “casa patio”, son tipologías habituales en los barrios de Buenos Aires y Montevideo, aunque en menor cantidad también hay en otras ciudades y pueblos en el interior de Argentina y Uruguay.

Debido a esta disposición, se los llamaba chorizo porque los ambientes están unidos uno tras otro, como los chorizos en una ristra.

Responden al trazado en damero, que fue un “trazado hipodámico”, un planteo urbanístico que utiliza calles rectilíneas que al cruzarse en ángulo recto conforma manzanas cuadradas o rectangulares, fue el estilo predilecto de construcción residencial, apta para los terrenos estrechos y profundos entre medianeras.

Su nombre “hipodámico”, proviene  Hipodamo de Mileto (“Hippodamos” 498 – 408 a.C.) considerado el padre del urbanismo. Fue un arquitecto griego, planificador urbanístico, matemático, meteorólogo y filósofo, lo cual parece increíble hoy en día, pero lo era menos en el siglo V que vivió, eran los albores de la época clásica de la Antigua Grecia.

Hace muchos años, era una de mis tareas como arquitecto, comprarlas, ponerlas en valor para darles nueva vida. Recuerdo una en especial en la calle El Salvador que me encanta aun hoy. La casa chorizo tuvo su origen es la casa romana, surge de “partir” verticalmente su planta y transformar un patio central, en un patio lateral contra el muro de la partición, se desarrolló en las últimas décadas del siglo XIX y primeras del XX.

El acceso a la vivienda se da a través de un zaguán, un elemento de paso cubierto similar a un vestíbulo, que cuenta con una puerta cancel.

El vestíbulo sirve como distribuidor a los ambientes principales, quedando generalmente separado del patio por una gran mampara en forma de vitreaux.

En el interior tiene uno o dos patios laterales e interiores de forma rectangular a los que rodean las habitaciones, que están en hilera y conectadas entre sí. Una galería techada provee sombra y resguardo de la lluvia en la entrada de las habitaciones.

Las fachadas se las construía con un revoque “piedra parís” o “símil piedra”, que imitaba la piedra natural que se utilizaba en las construcciones en Francia. Los constructores italianos que llegaron al Rio de la Plata lo utilizaron y dieron con sus colores grises y ocres, una armonía de una paleta de colores de una integración, que más quisieran las construcciones modernas conseguir.

Es una tentación decir más cosas acerca de las viviendas en la antigua Roma

Eran de cinco tipos: 

-“domus”, vivienda urbana para clases adineradas 

-“insulae”, viviendas urbanas modesta, de varios pisos en general de alquiler

-“villae” construcciones en el campo

– “casae” o viviendas primitivas

-y las más humildes, las de los esclavos y clases bajas.

Las Domus eran las viviendas de las familias de más alto nivel económico, cuyo padre de familia (Pater Familias) llevaba el título de dominus, era un ciudadano independiente,  ejercía la autoridad de la casa, solo podía ser un hombre nunca una mujer.

El Pater Familias tenía varias potestades, la “dominica potestas” que ejercía sobre los esclavos, la “patria potestas”, sobre la esposa; el “manus” sobre la nuera; el “dominus”, sobre los bienes familiares; el “mancipium”, sobre el resto de las personas.

Dejo aquí un link de como se diseñaba una ciudad en aquella época:

http://onlybook.es/blog/fundacion-de-una-ciudad-romana-ex-novo-nueva-planta/

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Valle de la Muerte. California

Buenos días

El parque nacional del Valle de la muerte (Death Valley National Park), creado en 1933 está al este de Sierra Nevada en California, y una pequeña parte en Nevada.

Su superficie es de 13.518 km2.

El punto más bajo del Valle, conocido como Badwater está a 85,5 metros por debajo del nivel del mar, mientras que el Monte Whitney está a más de 4.400 msnm.

Está separado del océano Pacífico por cinco cadenas de montañas que secan por completo las entradas de aire oceánico portadoras de humedad. El Valle de la Muerte es uno de los lugares más calurosos de la Tierra. En 1913 se alcanzó el récord de 56,7 °C en la zona de Badwater.

Su suelo, es rico en minerales como el bórax que una empresa lo utilizaba en la elaboración de jabones. Se transportaba en grandes carros tirados por grupos de 18 mulas y 3 caballos, la famosa marca del jabón era Twenty Mule Team.

Cuatro culturas amerindias distintas (pobladores originarios de América) vivieron en la zona en los últimos 10 mil años. Los Nevares Spring (cazadores y recolectores, cuando aún había lagos), los Mesquite Flat, los Saratoga Spring (que dejaron misteriosas marcas en las rocas del Valle), y los Timbisha (algunas de sus familias aun viven en el parque).

La fauna es muy variada: se pueden encontrar 51 especies autóctonas de mamíferos, 307 especies de pájaros, 36 especies de reptiles, tres de anfibios y dos de peces (en la zona de Salt Creek y en Cottonwood Marsh). También coyotes, zorros, linces, pumas y ciervos mulos.

Tiene varios lugares de interés como

-Las Dunas de arena, utilizado por Hollywood, como Star Wars.

-Zabriskie Point tiene formaciones geológicas multicolores. Fue una de las zonas en las que se realizaron explotaciones de bórax. El director de cine Michelangelo Antonioni realizó en 1970 una película con este mismo nombre.

-Artist’s Palette llamativa por la diversidad de colores de sus rocas que provienen de la oxidación de los metales: el color rojo y el amarillo provienen de las sales de hierro; el verde de la descomposición de la mica; y el púrpura del manganeso.

-Badwater es una zona de suelo salino de color blanco provocado por los cristales de sal.

-Charcoal Kilns («hornos de carbón») se construyeron en 1867 para transformar los piñones en carbón que más tarde se utilizaban como combustible en las minas del valle. Fueron restaurados en 1971 por un grupo de navajos.

-Dante’s View , a 1.700 msnm con vistas panorámicas.

-Devil’s Golf Course o «campo de golf del diablo» los hoyos confieren al lugar un aspecto extraño y fantasmal.

Racetrack Playa es un lago seco estacional famoso por sus «piedras rodantes», grandes rocas que se desplazan por la acción de fuerzas naturales

Se dice que se mueven hasta 8 kilómetros por hora, pero, si nadie las vio moverse, porque se dice???

Campanario de Cremona

Buenos días


La catedral de Cremona, tiene una torre campanario, el Torrazzo de Cremona.
Por sus 502 escalones se llega a sus 112 metros de altura, es el tercer campanario mas alto construido en ladrillo, luego de la iglesia de San Martín de Landshut, en Baviera (Alemania), y de la Iglesia de Nuestra Señora de Brujas (Bélgica).

Excavaciones arqueológicas demuestran que se construyó sobre estructuras anteriores, un cementerio y estructuras romanas.
La construcción comenzó en el siglo XIII y se hizo en 4 etapas, la última es la aguja de mármol, de 1309.
En su cuarto piso está el reloj astronómico, de 8 metros, desarrollado por Francesco y Giovan Battista Divizioli (padre e hijo) desde 1583 hasta 1588.
El reloj muestra el cielo con las constelaciones zodiacales atravesadas por el movimiento del Sol y de la Luna.
El Torrazzo tiene 7 campanas afinadas en “LA mayor”, todas fundidas en 1744 por el fundidor milanés Bartolomeo Bozzio.
Existe además una octava campana, llamada “campana de las horas” y fundida en 1581, que emite notas en “RE bemol”.

Las Yungas en Bolivia


Las Yungas es una región en Bolivia, al noreste de la ciudad de La Paz.
Oficialmente llamada ciudad de Nuestra Señora de La Paz o “Chuquiago Marka” en aimara, es la capital de Bolivia, donde habitan 940.000 habitantes.
Las Yungas es una zona húmeda, con nieblas constantes y precipitaciones abundantes.
Está en la bajada de cordillera oriental de los Andes hacia la cuenca Amazónica.
Tiene gran cantidad de especies animales y vegetales, se trabaja en terrazas (tacanas o bancales) donde se cultiva coca, café, caña de azúcar, cacao, bananas, papayas, lacayotes, lúcumas, amaranto, achupallas o bromelias, maíz.


A su población mixta se la llama “yungueños”, que tiene orígenes en los descendientes de los esclavos africanos, que eran llevados a trabajar en las mineras del Alto Perú durante el período colonial español y luego establecidos en los cálidos y perhúmedos valles al este de la región andina boliviana.
Es en esas regiones tropicales de los Yungas, donde se formó el Movimiento Cultural Negro.
Eran las llamadas “mitas”, un sistema de trabajo obligatorio utilizado en la Región Andina, tanto en la época incaica, como en la anterior a la conquista española de América. La mita proveía al Estado de la energía indispensable para construir y conservar caminos y puentes. Era un sistema de trabajo a favor del Estado que implicaba la construcción de centros administrativos, templos, acueductos, casas, puentes.


Casa del siglo XIII en Severac Le Chateau. Francia

Es una de las casas más antiguas de Severac Le Chateau.

La casa de Jeanne, está sobre la actual Rue de Belvezet Nº 10, esquina Pasaje del Hospicio, fue construida a finales del siglo XIII, tiene muros con entramado de madera.

La planta baja es más pequeña que las otras plantas porque en aquel entonces se pagaban impuestos solo en la planta baja, los habitantes hacían entonces plantas bajas con pisos más grandes.

El poder económico de Jeanne lo demuestra lo demuestra el hecho que está hecha de piedra.

Desde la prehistoria el montículo de Sévérac ha sido habitado, tiene 817 metros de altura y se ve todo el valle hasta desde donde nace el Río Aveyron.

Fue el asentamiento de una fortaleza romana, quienes dejaron una fuente que muestra una vez más su maestría en la canalización de agua.

Su castillo data del siglo X, Muérdago I de Sévérac hizo construir un castillo feudal en el montículo. El pueblo se desarrolló, como era habitual en la época debajo del castillo, protegido por su alta muralla y un foso y al que se accedía a través de cuatro puertas, con gradas y puentes levadizos, su casco histórico del pueblo, tiene estrechos y empedrados callejones, con casas de piedra y de madera. Actualmente es posible acceder al pueblo a través de dos de esas puertas, atravesando la muralla la “Puerta de Latazou” y la “Puerta de Peyrou”. También muy bien conservada, está la casa de los Cónsules, el mercado cubierto llamado Sestayral, la iglesia de Saint-Saveur, el molino Calsade del siglo XI y la Place de la Fontaine, allí está la fuente abovedada romana y desde la que parten las principales calles de Sévérac le Château.

El Nilo. Egipto

El Nilo es el mayor río de África que con sus 6.650 km recorre diez paises: Burundi, Ruanda, Tanzania, Uganda, Kenia, República Democrática del Congo, Sudán del Sur, Sudán, Egipto y Etiopía hasta desaguar creando el gran delta del Nilo, sobre el que están las ciudades de El Cairo y Alejandría.

Después del Amazonas es el 2ndo más largo del  mundo.

El nombre Nilo proviene de la denominación árabe NIL, y éste a su vez del griego Neilos, o sea “El Río”.

Leyenda del Faraón Dyoser y la crecida del Nilo

El Nilo siempre fue la principal fuente de agua dulce y vida del territorio del Imperio egipcio, cualquier alteración que causara una falta de agua suponía un gran peligro, y por otro lado las crecidas del río eran recibidas como una bendición

En cierta época el Nilo no poseyó agua suficiente para regar los campos, esto duró siete años.

Había hambre y desesperación, el pueblo de Egipto sufría graves penurias.

Los hombres se debilitaban, los ancianos fallecían, los niños lloraban de hambre y muchas personas se transformaron en ladrones por el poco alimento que existía.

El Faraón Dyoser, profundamente preocupado, consultó con su consejero el Gran Imhotep para encontrar una solución.

Éste luego de acudir al templo del dios de la sabiduría Thot e investigar los libros sagrados, le dijo al Faraón que el nacimiento del Nilo se encontraba entre dos cavernas en forma de dos pechos, en la Isla Elefantina, de donde salía el Sol para conferir vida a la humanidad.

Las cavernas estaban custodiadas por el dios Khnemu, el cual retenía con sus pies la salida del agua del Nilo.

El Faraón decidió acudir a la isla y rezó e imploró al dios, sin obtener respuesta, hasta que finalmente se quedó dormido, durante su sueño, el dios se le apareció y le preguntó por el motivo de su aflicción.

El Faraón le indicó su temor para con su pueblo y la falta de agua y comida, a lo que el dios indicó estar enfadado debido a la falta de construcción y reparación de templos a pesar de los numerosos dones y materiales que él le proporcionaba. Al prometer El Faraón que construiría un templo en la misma isla , el dios Khnemu decidió abrir la puerta a las aguas del río, el cual dormía en forma de serpiente bajo sus sandalias. Y luego el dios le prometió al Rey que súbitamente el Nilo se crecería en su caudal como todos los años y que la sequía se acabaría, finalmente el bien llegaría a la tierra.

Al despertar, el faraón pudo observar que las aguas del río habían subido su caudal, además de que a sus pies reposaba una tabla con una oración al dios Khnemu, el dios del Nilo. La tabla sería puesta en el templo que prometió construir.

El Partenón y Columnas Dóricas. Grecia

Buenos días

La palabra Acrópolis proviene del griego, “akros” cima y “polis” ciudad,  hace referencia a la parte más alta de una ciudad, otra acepción sería «la ciudad de los vivos».

El conjunto monumental de la Acrópolis se levantó en el siglo V a.C. sobre las ruinas que dejaron las guerras contra los Persas, sus impulsores fueron el estadista Pericles (¿ – 429 a,C.) y su protegido el escultor y arquitecto Fidias (480 a.C. – 430 a. C.),

La principal construcción de la Acrópolis es el Partenón, un templo consagrado a Atenea Pártenos, la protectora de Atenas.

Los arquitectos Ictino Calícrates lo construyeron entre 447 y 432 a.C. y eligieron mármol blanco y lo cubrieron con tejas de mármol de Paros,

Para su diseño siguieron el modelo de fachada octástila (con un frente  de ocho columnas, que no era lo habitual).

Una genialidad, que sucintamente explicado es hacer que la curvatura del entablamento (las piezas que están sobre las columnas) y la desigualdad en los intercolumnios crearan un equilibrio y una armonía visuales, consiguiendo disimular las dimensiones reales del edificio.

La perspectiva da la sensación, al fugar sus líneas que es más pequeño atrás que adelante, ellos “corrigen” ese efecto de la perspectiva con su diseño.

Sus columnas están dentro del orden dórico.

Acerca del  orden dórico

Teoría Egipcia:

Los reyes egipcios de la tercera dinastía (2.900 a.C), cuando decidieron utilizar la piedra, conocían bien el uso de la madera, no así las cualidades de la piedra y su resistencia.

Para evitar derrumbes, utilizaron formas estructurales y constructivas del pasado, por eso muchos techos de piedra de templos como la pirámide de Joser están tallados en altorrelieves imitando troncos, y sus paredes interiores con diseños que parecen juncos entretejidos.

Creían que con esta imitación, imitaban también su cualidad estructural.

Según la tradición griega

Doro, hijo de Eleno y de la Ninfa Orseida, reina de toda la Acaya (asi se designaba a toda la Grecia habitada por los aqueos) y del Peloponeso, hizo construir un templo a Juno en la ciudad de Argos. Este templo tuvo las columnas de un estilo “dórico”.

Al crear sus colonias, que denominaron Jonia en honor a su jefe Ion, construyeron un templo a Apolo.

Decidieron las proporciones del templo relacionandolas con el cuerpo humano.

La huella de un pie, era la sexta parte del cuerpo humano, y dieron a la columna 6 veces el grueso de su “imoscapo” (diámetro inferior del fuste de una columna).

Al construir un templo dedicado a Diana, quisieron hacerla más esbelta, y en lugar de 6, usaron 8 veces su diámetro. Hicieron la base a modo de calzado y trazaron estrías a lo lardo del fuste de la columna, imitando los pliegues de la túnica de las mujeres.

Posteriormente los arquitectos pudieron afinar la columna dórica aumentando la relación de 8 veces.

Parque Nacional de los Lagos de Plitvice. Croacia

Buenos días

Está en Croacia, es el Parque Nacional de los Lagos de Plitvice.

En este paraje, conocido como la región de Lika, existe este paraíso terrenal, agua color turquesa, lagos, cascadas, manantiales.

Declarada en 1979, Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Del total de su superficie, de 30 mil has, 22 mil de ellas están cubiertas de bosques, en su centro 16 lagos a diferente altura, entre el más alto y el más bajo hay una diferencia de 134 metros, se comunican por medio de 92 cataratas y cascadas. Rodeado por hayas, abetos y pinos, crecen en un microclima ideal. La corriente de agua arrastra musgo y minerales que forman barreras de travertino, un tipo de roca muy dura formando saltos de agua. Se puede visitar el parque a pie por senderos y puentes o en barcas,

Habitan osos, lobos, 126 especies de aves como águilas, búhos, linces, también gato montés, el urogallo.

La mejor forma de ir es desde Split, 3 horas ½ en autobús o 4 hs ½ en tren, también desde Zadar (90 km) o Rijeka, ambos con aeropuerto. Es una buena opción antes de ir a visitar Dubrovnik.

Aunque el parque nacional se encuentra a 90 kilómetros de Zadar y a otros tantos de Rijeka -ambas ciudades con aeropuerto-, el turismo extranjero suele optar por viajar a la capital, Zagreb, y sobre todo, a Dubrovnik,

Tradición popular

Este paraíso nació gracias a un hada de Velebit, una criatura mística, dulce y suave con poderes mágicos, que vivía en una parte de sus montañas misteriosas, y creo esta joya. La leyenda dice que hace muchos años, en la región de Plitvice ocurrió jun gran desastre natural. Una sequía que duró mucho, al punto que la lluvia existía solo en la memoria de los habitantes más viejos. Los animales y las plantas morían de sed, las rocas se rompían de dolor, y el único manantial del agua potable, el río Negro se convirtió en polvo.

La gente dirigía su mirada hacia el cielo, implorando por lluvia, pero el sol continuaba castigando la tierra agrietada. Parecía que nadie iba a salvarse.

Un día, la Reina Negra y su escolta, salió de su castillo de hadas, hacia la región de Plitvice.

Al ver la desolación, decidió ayudar a sus gentes tan tristes. Consiguió atraer vientos fuertes y truenos ensordecedores, hasta que una inmensidad de gotas comenzó a caer sobre la región de Plitvice.

Sus habitantes nunca se olvidaron de la bondad de la Reina Negra y construyeron un Castillo en la colina encima del lago más grande de Plitvice, desde donde se podía disfrutar la belleza y la sinfonía de las cascadas.

Reloj Astronómico de Praga

Buenos días.

La leyenda cuenta que el reloj y calendario del Ayuntamiento de Praga fue diseñado y realizado por el relojero Jan Růže, conocido como el Maestro Hanus.

Las autoridades de Praga, le pidieron a finales del siglo XV, que construyera un reloj que superara a todos los existentes.

Junto a su ayudante Ondrej Ondrehov, realizó un mecanismo que daba muchísima información, colgado de la fachada sur de la torre del Ayuntamiento de la Ciudad Vieja, todos los paseantes podían admirar la belleza de las matemáticas, astronomía y la física.

Los Gobernantes y Consejeros de Praga estaban orgullosos de un reloj único en todo el mundo, un trabajo impecable e irrepetible… a menos que el propio Maestro superara su propia obra, convencidos que era un peligro porque “conocía perfectamente los secretos de su creación”, idearon un plan e invitaron al maestro al Ayuntamiento para cancelar la deuda de aquella maravilla, pero en lugar de pagarle, lo ataron y con una espada incandescente al rojo vivo, lo dejaron ciego.

El Maestro quedó inconsciente, cuando despertó escuchaba las voces de su ayudante y su asistenta. Dolorido, comprendió que su obra había despertado las envidias y lo peor del ser humano. Así, con las pocas fuerzas que le quedaban, pidió que le dejaran tocar aquel mecanismo que tanto le había costado inventar, pero que jamás podría volver a ver.

Emocionados por sus palabras los Concejales de la Ciudad Vieja, le permitieron acceder a la sala del mecanismo, y allí el Maestro Hanus ejecutó su venganza. Introdujo su mano en el mecanismo, y consiguió llegar a una palanca de la que fuertemente tiró. En aquel momento el Reloj comenzó a pararse hasta que las ruedas dentadas silenciaron su tic-tac. A la vez que se paró el reloj, se paró el corazón del Maestro Hanus. Dicen que el reloj estuvo sin funcionar durante muchos años, ya que corría el rumor, de que no sería hasta que se olvidara el atroz crimen de las autoridades checas, que no volvería a funcionar uno de los emblemas y símbolos de la Ciudad de Praga.

Datos:

Los tres principales componentes del reloj son:

– El cuadrante astronómico, que además de indicar las 24 horas del día, representa las posiciones del sol y de la luna en el cielo, además de otros detalles astronómicos.

-Las figuras animadas que incluyen «El paseo de los Apóstoles», un mecanismo de relojería que muestra, cuando el reloj da las horas, las figuras de los doce Apóstoles.

-El calendario circular con medallones que representan los meses del año. 

Las cuatro figuras que flanquean el reloj son cuatro alegorias:

-La Vanidad representada por un hombre que sostiene un espejo.

-La Avaricia representada por un comerciante con su bolsa.

-La Muerte representada por un esqueleto con un reloj de arena.

-La Lujuria representada por un príncipe turco con su mandolina.

Los que hemos tenido el privilegio de verlo y oído, recordamos que al final del “show”, mirando de frente, a la derecha, un esqueleto sale de su escondite, baila tocando una campana con su brazo derecho y se escucha un sonido, una especie de pitido largo. Es inolvidable.

Flatiron. NY

Buenos días

Nació como edificio Fuller, (George A. Fuller fué el fundador de la empresa constructora que financió la obra y había fallecido 2 años antes) era el segundo edificio más alto de Nueva York cuando se inauguró en 1902, el más antiguo, el Park Row Building de 1899 fue diseñado por Robert Henderson Robertson (1849 – 1919).

De estilo Beaux Arts, de los arquitectos Daniel Hudson Burnham (1846 – 1912) y John Wellborn Root (1850 – 1891), el estudio Burnham and Root funcionó durante 18 años, formaron parte de la Escuela de Chicago.

La Escuela de Chicago, famosa mundialmente, se la conoce también como “estilo comercial”, se desarrolló en la década de 1880 a 1890. Fueron los primeros en promover las nuevas tecnologías de construcción utilizando el acero, su estética influyó en movimientos posteriores como el modernismo europeo.

El Flatiron tenía más sofisticaciones de diseño, especialmente en su parte superior, propuestas por los arquitectos, que no fueron construidas.

Burnham fue un gran arquitecto y urbanista, creó el Plan de Chicago, que se lo conoce como el Plan Burnham, su planteo permitió el futuro urbano y paisajístico de Chicago y ha sido modelo e inspiración para industriales, políticos, urbanistas y académicos de todo el mundo.

Haciendo una referencia a las columnas clásicas griegas, está dividido horizontalmente en 3 partes. Se utilizo estructura de acero, tiene 87 metros de altura y 22 pisos. Está en una manzana triangular, limitada por la calle 2, la Quinta avenida y Broadway.

Rápidamente se hizo popular, convencidos que con una ráfaga fuerte de viento, lo derribaría.

Pasó a llamarse popularmente The Flatiron, por su parecido con las planchas de esa época.

Su forma aerodinámica provocaba corrientes de aire, que levantaba las faldas de las mujeres, por lo que los mirones se ponían a lo largo de la acera para ver el espectáculo. La policía, los expulsaba de la calle 23.

Aparece en películas como Hitch, El Espanta Tiburones, Spider Man, Armageddon, Me enamoré de una bruja de 1958, donde es memorable el beso que Kim Novak da a James Stewart en la terraza del Flatiron. Forma parte de varios videojuegos.

JACARANDA. Buenos Aires

Buenos días

El Jacarandá (Jacaranda Mimosifolia) anuncia en Buenos Aires la llegada de la primavera. Son originales del Gran Chaco (que abarca partes de Bolivia, Paraguay y norte de Argentina).

Femenino en Guatemala y México “la Jacaranda”, y masculino en Argentina y Uruguay “el Jacarandá”, en guaraní significa “buena fragancia”. Estos árboles deben recibir la luz del sol para crecer, no necesitan mucha agua, se adaptan a cualquier tipo de piso y sus raíces son de tamaño mediano. Son los que más CO2 absorben. Su llegada a Buenos Aires fue a finales del siglo XIX, de la mano del paisajista francés Carlos Thays (1849 – 1934), que lo eligió por “su amigable relación con el paisaje urbano”, también introdujo el lapacho y la tipa. Hay entre 11 y 15 mil árboles de Jacarandá. Colaboró en la ampliación y el diseñó de los  Bosques de Palermo.

En México CDMX el jardinero japonés Tatsugoro Matsumoto jardinero del emperador de Tokio, fue invitado por el presidente Porfirio Díaz a realizar trabajos en el Castillo de Chapultepec y alrededores.

Años más tarde otro presidente Pascual Ortiz Rubio le encargó que sembrara las calles de la ciudad.

Iluminan y dan color a la primavera sevillana, alcanzando su punto máximo en Mayo.

Seguramente provino de las regiones que en su momento formaron parte de la corona española.

En la misma época florecen en el sur de California.

Los introdujo la botánica dedicada a la arquitectura paisajista  Kate Sessions (1857 – 1934) en 1892, transformando las 13 has del “Parque Balboa”.

Leyenda del Jacarandá

Cuando los españoles comenzaron a poblar la ciudad de Corrientes, con sus familias, vino entre ellas la hermosa joven Pilar de 16 años, tez blanca y hermosos ojos azules. En las reducciones donde enseñaban los jesuitas estaba Mbareté, un trabajador fornido de veinte años.

Ambos discretamente, y sabiendo que los padres de Pilar no lo,permitirían, se enamoraron. Mbareté aprendió español para poder expresarle su amor, y le  propuso fugarse a una choza que había construido para ambos.

El padre de Pilar, junto a un grupo de españoles los descubrió y al intentar matar a Mbareté, Pilar se interpuso y cayó muerta, un segundo tiro mató a Mbareté.

Al día siguiente los cuerpos ya no estaban, en su lugar había un hermoso árbol de tronco duro y resistente, cubierto de flores azul oscuro que se mezclaban suavemente con la brisa. Alguien, allá arriba, había sentido misericordia de los enamorados y había convertido a Mbareté en ese impetuoso y corpulento árbol, y los bellos ojos de su hija Pilar lo miraban desde todas y cada una de las azules flores del jacarandá.

Astipalea. Grecia

Buenos días

Astipalea está en el mar Egeo, es una de las 12 islas principales del archipiélago del Dodecaneso. Su nombre medieval era Estampalia.

Tiene 1300 habitantes, 18 km de largo, 13 km de ancho y una superficie de 95 km2. Su ciudad principal es Astipalea. Desde el Pireo y otras islas se llega por ferry, tiene conexiones aéreas dese Atenas. La isla está formada por dos masas de roca unidas en el centro por un istmo.

En la mitología griega. Astipalea fue una mujer seducida por Poseidón en la forma de un leopardo marino alado con cola. El poeta romano Ovidio (Publio Ovidio Nasón 43 a.C. – 17 d.C.) la menciona como una de las islas sujetas a Minos (Creta). Formó parte de la Liga de Delos, un grupo político-militar liderado por Atenas y que incluía muchas ciudades-estado, su sede era la isla de Delos. En el 105 a. C. los romanos firmaron una alianza con Astipalea por sus buenos puertos y su posición central que constituía una base estratégica contra los piratas.

Durante el Imperio romano fue una ciudad libre. Luego fue dominada por la familia veneciana Querini-Estampalia. Y después por los Otomanos. Luego volvió a ser veneciana, luego italiana y después de la segunda guerra mundial Griega.

Leyenda

En la antigüedad clásica las muertes acaecidas durante una competición, al igual que en los entrenamientos, no se consideraban delito, pero los atletas supervivientes debían realizar unos actos de purificación según las leyes de Delfos. Esto les ocurrió a Diognetos de Creta cuyo oponente en el boxeo, Heracles, resultó muerto en 488 a. C., o a Telémaco que en 484 a. C. rompió el cuello a su rival al realizar una presa de estrangulamiento en la lucha olímpica.

En cambio, el boxeador Cleomedes de Astipalea fue descalificado debido a su juego sucio por los jueces en los Juegos Olímpicos de 492 a. C. tras la muerte de su rival Ico de Epidauro. Cuenta la leyenda, que enloqueció y de vuelta a su ciudad natal, de rabia, dio un puñetazo a una columna que sujetaba el techo de una escuela que se derrumbó sobre 60 niños. Sus conciudadanos le persiguieron para apedrearlo, pero su cuerpo se desvaneció misteriosamente y poco después surgió un culto en torno al boxeador desmaterializado.

Real Gabinete Portugués de Lectura. Rio de Janeiro

Buenos días

El Real Gabinete Portugués de Lectura 1880 – 1887 es una biblioteca y centro cultural ubicado en Rio de Janeiro.

Sus 350 mil ejemplares (entre ellos libros impresos de los siglos XVI y XVII y manuscritos originales), están protegidos en un salón de lectura fastuosamente ornamentado. En un estilo neomanuelino, que fue una corriente historicista dentro de la arquitectura y las artes decorativas portuguesas. Esto ocurrió entre mediados del siglo XIX y principios del XX. El nombre manuelino, está ligado a la producción artística del reinado en Portugal de Manuel I de Portugal (1469 – 1521), al que llamaban “el afortunado” por sus grandes logros, entre ellos, no menor, el descubrimiento de la ruta Atlántica hacia las Indias por el cabo de Buena Esperanza y el descubrimiento de Brasil.

Fue introducido por quien diera nombre a la silla 39 de la Academia Brasileña de Letras, el historiador Francisco Adolfo de Varnhagen,Vizconde de Porto (1816 – 1878).

Basilacata. italia

Buenos días

Basilicata es una región al sur de Italia, un mosaico aterciopelado de campos, colinas, mesetas y pueblos. 

Los  “Oscans” estaban entre las primeras tribus que ocuparon las tierras altas de Basilicata, y lo llamaron Akere, hasta que el poeta latino Horacio (Quinto Horacio Flaco 65 a.C. – 8 a.C.) lo menciona como Acherontia (“lugar alto”).

Horacio que amaba esta tierra, fue un poeta reflexivo, que trató en su poesía el goce de la juventud (Carpe Diem) y el elogio de una vida retirada (Beatus Ille).

En la zona existen dos pueblos perdidos y misteriosos, pueblos de leyenda, Pietragalla y Acerenza, en la provincia de Potenza. En Pietragalla viven 4500 habitantes, en 65 km2. Está a 416 m sobre el nivel del mar, a 310 km de Roma, rodeada por tres colinas. En su origen existía un centro indígena desde la edad del hierro, aunque el actual burgo es del siglo X. En 1269 perteneció al señor feudal Menfridi. En 1381 a Lorenzo Anzaloris. En 1480 a los Zurlo.

Hasta que en 1653 Francesco Melazzi, Barón de Bisceglie lo compra por 200 ducados.

La otra ciudad es Acerenza , una de las aldeas más bellas de Italia.

Encaramada en una meseta, a 833 m sobre el nivel del mar, se la conoce como la ciudad Catedral por su impresionante Catedral, fue construida sobre un templo pagano y una iglesia romana.

Desde el casco antiguo, se sube por calles tranquilas donde se mezclan viviendas con talleres y tiendas.

Detrás de la Catedral hay un mirador que domina campos y pueblos. Es como una manta aterciopelada de patchwork que cambia de color según la temporada.

La vida en el sur de Italia todavía se desarrolla fuera de las casas y en las calles, los ancianos y los niños encuentran, es su patio de recreo, donde se charla, unos juegan a las cartas, otros corren y se divierten.

Son mañanas a veces tardes lentas, valiosas, como diría el poeta Horacio.

Canal du Centre. Bélgica

El Canal du Centre es un canal de navegación en Bélgica que junto a otros canales une los cursos del río Mosa con el río Escalda, conectando así el lago artificial Gran Large, cerca de Nimy con el Canal Bruselas-Charteroi cerca de Seneffe.

Tiene en total 21 km de longitud.

En un sector llega a elevarse 66 metros durante una distancia de 7.000 metros, mediante cuatro elevadores hidráulicos que datan de 1888 a 1917, fueron diseñados por el Ingeniero Edwin Clark (1814 – 1894).

La idea de un canal que conectara Mosa y El Escalda, fue un tema durante siglos, pero la diferencia total de altura de los 96 metros de todo el canal, requería 32 exclusas, lo que no era factible.

Fue Clark el que propuso elevadores o ascensores en su lugar.

El primer elevador lo inauguró el rey Leopoldo II en Junio de 1888 y los otros tres en 1919.

El antiguo canal podía soportar barcos de hasta 350 toneladas.

En 2002, el canal fue ampliado con una nueva sección que soporta tráfico de barcos de hasta 1350 toneladas.

MOSTAR

Mostar es la ciudad más importante de Bosnia-Herzegovina, está sobre el río Neretva.

Su historia está unida a la historia de su puente, Stari Most (Puente Viejo) que durante siglos unió a musulmanes (bosniaks) y católicos (bosnios croatas).

Cuando estalló la guerra de Bosnia, los bosniaks musulmanes y los bosnios croatas lucharon juntos contra los bosnios serbios, minoría de religión ortodoxa.

Cuando los expulsaron, los vencedores se enfrentaron entre sí.

El Stari Most, puente de piedra de 1566, símbolo de convivencia pacífica y armónica entre oriente y occidente durante siglos, fue bombardeado por la milicia croata (HVO) el 9 de noviembre de 1993 a las 10,15 am.

Tenía 29 metros de altura, obra de Mimar Hajruddin, con diseño de Mimar Sinan, quien fuera arquitecto de grandes mezquitas en Estambul.

El río Neretva se tiñó de rojo, rojo sangre, rojo por el contacto del  mineral de las piedras del viejo puente. Ya no vivirían más “musulmanes o católicos”, sino “vivos o muertos”.

20 años más tarde, ha sido reconstruido, con las mismas piedras rescatadas del fondo del río, uniendo la ciudad que tiene una joya por centro, con artesanos, mezquitas y paseantes comiendo cevapi (plato nacional en base a carne picada a la parrilla) y tomando cerveza.

Sus calles está llena de recuerdos y cicatrices, sus muros acribillados, techos destrozados, edificios abandonados…. cicatrices de guerra.

Están reconstruyendo la ciudad y el trágico dolor del recuerdo de un pasado reciente, teñido de rojo, con la vista puesta en el puente que es la visión de un arcoíris.

Isla de Bled

La Isla de Bled, es una pequeña isla en medio del lago del mismo nombre.

La isla tiene 0,82 has, sus primeros edificios son del sigloVII a.C. está en la región de Carniola, al noroeste de Eslovenia.

La región de Carniola, está alrededor de la capital Liubliana.

Eslovenia fue un antiguo ducado de la casa de Austria, y hasta 1918 perteneció al Imperio Austrohúngaro, tras la 1era guerra mundial, formó parte del reino de los Serbios, Croatas y Eslovenos, después de la 2nda guerra mundial se integró en Yugoslavia, hasta que se independizó en 1991.

En la isla se encuentra la iglesia barroca de María, declarada en 1999 monumento cultural de Eslovenia.

La Alhambra

Hay momentos que la mezcla de diversas maravillas producen ésta hermosura.

La Alhambra es un complejo monumental construido sobre una ciudad palatina andalusí, en Granada.

Al-Ándalus es el nombre que en la edad Media dieron los musulmanes a la Península Ibérica, dominada por éstos entre 711 y 1492.

Para los autores árabes medievales, el término de al-Ándalus designaba la totalidad de las zonas conquistadas por tropas árabe-musulmanas en territorios actualmente pertenecientes a España, Portugal, Francia, Andorra y Gibraltar.

Lo conforman un conjunto de antiguos palacios, jardines y fortaleza para alojar al emir y la corte del Reino Nazarí.

Fundado por el noble Mohamed-Ben-Nazar, también conocido como Emirato o Sultanato de Granada con capital en Granada.

Etimológicamente, Alhambra en árabe es “al-Ḥamrā” la Roja, procedente del nombre completo “al-Qal’a al-hamra” es decir castillo rojo.

Atrás majestuosa está la Sierra Nevada, que pertenece a las Cordilleras Béticas, con sus 3.479 metros en el macizo montañoso más alto de Europa occidental después de los Alpes. En 1986 la Unesco lo declara Reserva de la Biosfera. En sus faldas se encuentra la estación de esquí Sierra Nevada, maravillosa, doy fe de ello.

Multnomah Falls

Multnomah Falls es la catarata más alta de Oregón con sus 189 metros.

Están formadas por dos cascadas alimentadas por la montaña Alerce, que comienzan misteriosamente escondidas en escarpadas paredes rocosas.

Se parecen a las cataratas de un cuento de hadas gracias al puente Benson, que se extiende por la parte superior de lo que son las cataratas inferiores, con vistas espectaculares de ambas.

Hay especies que no son comunes de ver en otros lugares del mundo, tiene lavas basálticas de casi 1,6 km, y las cascadas grandiosas de la garganta del río Columbia. Una reserva natural excepcional.

Esta cerca de la ciudad de Portland, al Noroeste de los EEUU junto a los ríos Columbia y Willamette, que tiene 650.000 habitantes, fue nombrada “la ciudad verde”, y es conocida por su centro de arte, cultura y comercio ya que es el hogar de muchos artistas y creadores.

El Museo de Arte de Portland es una de las 25 mayores pinacotecas de los Estados Unidos, con una superficie de 22.000 m², fue fundado en 1892,

Su colección permanente está formada por más de 40.000 obras de arte, entre ellas Oreja de buey de Vincent van Gogh y varios cuadros de la serie Nenúfares de Claude Monet. Además de arte nativo americano, arte contemporáneo, arte asiático, tiene esculturas al aire libre.

El Arco del Tiempo

El Arco del Tiempo es un arco de piedra natural de 180 metros de altura. Ubicado en el cañón del río la Venta en la ciudad de Ocozocoautla (en español significa “medieval”) de Espinosa en el estado de Chiapas.

El cañón es una barranca de 80 km de largo con paredes de hasta 400 metros de altura, donde hay cuevas y cascadas.

CUZCO

Cuzco (Qusqu en quechua) es la puerta de entrada a Machu Picchu, está ubicado en la vertiente oriental de la Cordillera de los Andes, en la cuenca del río Huatanay.

Figura en la Constitución del Perú, como su capital histórica, tiene 450.000 habitantes.

Fue la capital del Imperio Inca y una de las ciudades más importantes del Virreinato del Perú.

El Imperio fue el más extenso de la América Precolombina.

Su esplendor ocurrió entre los siglos XV y XVI y a ese período se le conoce como “incanato”.

Abarcó tres millones de km2, entre el Océano Pacífico al oeste y la selva amazónica al este, desde el Río Ancasmayo (Colombia) al norte hasta el río Maule (Chile) al sur y Tucumán (Argentina) al sureste.

Tiene barrios hermosísimos, su centro Histórico (con su Plaza de Armas), San Blas (lugar de artesanos donde está el Museo-Taller de Hilario Mendívil), San Pedro (con su estación de trenes para viajar a Aguas Calientes y el arco de triunfo de santa Clara), el barrio antiguo de Santa clara en la parte más alta de la ciudad (hermosa su calle Conquista, la vía por la que Francisco Pizarro y sus tropas entraron en la ciudad), y San Cristóbal, el barrio desde el que se observa la ciudad y hasta el nevado Ausangate.

En la foto el Arco y Mirador de Santa Ana, antiguo barrio de Carmencca  destruido en el terremoto de 1950, fue restaurado junto al Puente Rosario.

MADAGASCAR

La República de Madagascar (Repoblikan’i Madagasikara en malgache, que es la lengua nacional de malayo-polinesia), es un país insular en el Océano Índico, frente a la costa sureste del continente africano.

Se compone de una gran isla, que es la más grande de África, y la cuarta más grande del mundo, tiene 588.000 km2 con 20 millones de habitantes; la tercera es Borneo con 748.000 km2 y 19,7 millones de habitantes; la segunda es Nueva Guinea con 786.000 km2 y la habitan 9.5 millones de personas y la más grande es Groenlandia con 2,1 millones de km2 y una población de 57.000 personas.

Madagascar era el nombre que los portugueses dieron a la isla en 1502, Su nombre latino derivaba de Madeigascar que era el nombre de una isla-reino africana que Marco Polo 1254 – 1324) menciona en su libro (finales del siglo XIII).

Marco Polo era un mercader y viajero italiano, famoso por sus relatos sobre sus viajes a Asia Oriental, que fueran escritos por Rustichello de Pisa (¿- 1322), durante el tiempo en que estuvo encarcelado junto a Marco Polo, en 1298 durante la guerra entre Venecia y Génova.

Lo publicaron juntos con el nombre Il Milione “El Millón”, conocido también como Los viajes de Marco Polo.

Aunque los historiadores discrepan sobre si realizó efectivamente los viajes que se le atribuyen, sobre todo a Mongolia y China, la realidad es que el relato de sus viajes, inspiró, entre otros, a Cristóbal Colón (1451? – 1506) que poseía un ejemplar del libro cuidadosamente anotado.

Reseñas anteriores

1era parte

A pesar del virus, el mundo existe y no está en paréntesis I

El famoso adagio de Albinoni no era tan, tan adagio de Albinoni

El famoso Adagio de Albinoni no era tan, tan Adagio de Albinoni.

Adagio en Sol Menor (1958). Russian Philharmonic Orchestra, director Roberto Molinelli, International House of Music

En una época donde hay un  esfuerzo por el protagonismo, por el yo, antes que por el  nosotros, resulta difícil comprender a Remo Giazotto.

Quizás esta sea la historia que existió entre Remo Giazotto y Tomaso Albinoni, acerca del famoso Adagio en sol menor, mundialmente conocido como el Adagio de Albinoni, a pesar que entre ambos hay más de 2 siglos de distancia, exactamente 239 años.

Remo Giazotto, nació en Roma en 1910 y murió en 1998, fue un musicólogo reconocido por su trabajo de clasificar y catalogar las obras completas de Tomaso Albinoni.

Tomaso Giovanni Albinoni nació en Venecia en 1671 y murió en ella en 1751, a los 79 años, debido a su diabetes. Fue un compositor de ópera.

Célebre en su época por sus quizás más de 80 obras, de las que 23 se han perdido durante el bombardeo y destrucción de la Biblioteca Estatal de Dresde durante la segunda guerra mundial, a pesar de ello, actualmente se le conoce más por su música instrumental, como sus conciertos para oboe, pero especialmente por su célebre Adagio, que como veremos, no fue tan, tan de él, sin el saberlo.

El adagio se le atribuye a Remo Giazotto.

Giazotto tuvo un intenso trabajo como crítico musical en la “Rivista Musicale Italiana” (critico desde 1932 y editor desde 1945/49), también como coeditor de la “Nuova Rivista Musicale Italiana” desde 1967.

Desde 1957 a 1969 fue profesor de Historia de la Música en la Universidad de Florencia y en 1962 fue nombrado miembro de la “Accademia Nazionale di Santa Cecilia”.

Ésta Academia fue fundada en el año 1585 a partir del documento o bula papal “Ratione congruit”, emitida por el Papa Sixto V (1521 – 1590).

Invocaba a dos santos importantes en la historia de la música: al papa Gregorio Magno (540 – 604), que diera nombre al canto gregoriano, cuyos orígenes comienzan en la práctica musical de la sinagoga judía y las primeras comunidades cristianas, y a Cecilia de Roma ( ? – 230) patrona de la música, de los poetas y de los ciegos.

Una referencia importante es que la primera sede de la Congregación de músicos de Roma estuvo entre 1585 y 1622 en la iglesia de Santa María de los Mártires, que conocemos como el Panteón de Roma, encargado por Marco Agripa durante el gobierno de Augusto y terminado por el emperador Adriano, alrededor del año 116 d.C.

Albinoni era hijo de Antonio Albinoni (1634 – 1709), un rico comerciante de papel en Venecia. Durante su formación musical estudió violín y canto.

Muy relacionado, en 1694 dedico su Opus 1 al cardenal Pietro Ottoboni (1667 – 1740) quien era sobrino-nieto del papa Alejandro VIII (1610 – 1691).

Ottoboni era un mecenas de otros compositores en Roma, como Arcangelo Corelli (1653 – 1713), Alessandro Scarlatti (1660 – 1725) y Georg Friedrich Haendel (1685 – 1759).

Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista por Fernando Carlo, duque de Mantua, pues le dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2. Nos suena su nombre, al ser el duque de Mantua un personaje de la ópera Rigoletto de Giuseppe Verdi (1813 – 1901).

Su música instrumental atrajo la atención de Johann Sebastián Bach (1685 – 1750) quien escribió al menos dos fugas sobre temas de Albinoni y utilizó constantemente sus bajos como ejercicios de armonía para sus alumnos.

Giazotto escribió las biografías de Tomaso Albinoni y Antonio Vivaldi (1678 – 1741), entre otros compositores.

Asimismo fue director de los programas de música de cámara para la RAI (Radio Audizioni Italiane), llegando a dirigir los programas internacionales en 1966.

Giazotto prefiere dar fama al Adagio y no a él como compositor

Publicó la obra llamada “Adagio de Albinoni” diciendo que había transcrito un fragmento de un manuscrito de Albinoni que encontró en la Biblioteca Estatal de Dresde, poco después de la Segunda Guerra Mundial.

Giazotto llegó a afirmar que había hecho el arreglo de la obra, pero que no la había compuesto.

De haberla creado él sería su única composición, pero se sabe que es una obra enteramente original de su autoría.

El fragmento supuestamente encontrado disponía solo del pentagrama del bajo y de seis compases de la melodía.

Giazotto compuso el famoso Adagio en 1945 y fue publicado por primera vez en 1958.

El editor Ricordi dijo como argumento de venta, que Giazotto se había basado en unos fragmentos que pudo rescatar en las ruinas de la Biblioteca de Dresde.

En esos fragmentos originales, apenas se apreciaba el bajo continuo y seis compases de la melodía de un movimiento lento de una sonata a trío para cuerdas y órgano de Tomaso Albinoni.

Se desmintió la autoría de Albinoni

Sin embargo, nunca ha sido encontrada una prueba seria de la existencia de tales fragmentos; por el contrario la “Staatsbibliothek Dresden” ha desmentido formalmente tenerlas en su colección de partituras.

En la partitura que tengo en mi poder, editada por G. Ricordi & C. s.p.a Milano pone:

“Advertencia, El Adagio en Sol menor (G menor) para cuerdas y órgano fue compuesto por Remo Giazotto sobre los apuntes temáticos y un bajo cifrado de Tomaso Albinoni…”

El Adagio ha sido trascripto para otros instrumentos, aumentando su difusión.

Se lo utilizó en bandas sonoras de películas como la australiana Gallipoli (1981) dirigida por Peter Weir, asi como en programas de televisión y en múltiples anuncios comerciales.

En el álbum del grupo The Doors “An American Prayer”, también Jim Morrison ha recitado poesías con un arreglo musical adaptado del Adagiotocado en el fondo de “Feast of Friends”.

La obra de Yngwie Malmsteen “Icarus Dream Suite Op. 4” se inspira y se basa principalmente en el Adagio. 

Wolf Hoffmann realizó una versión en estilo “metal neoclásico”.

Muchos cantantes populares la han utilizado como base para sus baladas,

¿Y en arquitectura, como andamos por casa?

En la arquitectura, se recuerda que los autores del Centro Pompidou de Paris, fueron 2 arquitectos, Renzo Piano y Richard Rogers.

Pero hubo un tercer arquitecto, del estudio que ganara el famoso concurso de los años 1970/71, el arquitecto Gianfranco Franchini (1938 – 2009).

En la foto que se ve a los autores, es el único que mira la maqueta del proyecto y no a los objetivos de la cámara que los retrata. Presta atención a su obra, no a su fama.

Relaciono su actitud con la de Remo Giazotto.

Gianfranco Franchini, luego del éxito internacional del proyecto Centre Pompidou, se ha concentrado en desarrollar proyectos culturales y arquitectónicos de pequeña escala.

Muchos en Italia, como la Biblioteca Cívica Internacional de Bordighera, la Biblioteca de Chieri, la Biblioteca Cívica «Lagorio» de Imperia o el Castillo de Mackenzie, asi como el Museo de Historia Judía de Génova. 

Entre finales de 1996 y marzo de 1997 estudió, diseñó y creó la instalación de la exposición «Van Dyck en Génova. Gran pintura y coleccionismo» celebrada en el Palazzo Ducale de Génova.

Mas

En mi blog hugoklico.blogspot.com ya había escrito acerca del rol de las mujeres, proyectando y al mismo tiempo siendo invisibles en el papel protagónico de sus diseños.

https://hugoklico.blogspot.com/2018/07/la-mujer-en-la-bauhaus-de-construyendo.html

En el caso de Remo Giazotto, ha sido su decisión personal frente a su obra, como escribí al comienzo, difícil de entender en un mundo lleno de ruidos sordos, falsos protagonismos y vergonzosas veleidades..

En el caso de Gianfranco Franchini, la desaparición de una autoría compartida del Centro Georges Pompidou es extraña, un desconocimiento alimentado por el silencio de sus dos famosos socios.

Las mujeres creadoras, ha sido una constante en la historia, invisibilidades sus nombres, por el contrario sus aportes geniales y únicos, acompañan nuestras vidas.

Sus aportes han sido tan valiosos, que “sus” hombres los han presentado como propios, adueñándose de lo ajeno.

Por eso, la actitud de Giazotto, llama tanto la atención.

El edificio Isokon. Lawn Road

El edificio Isokon

Lawn Road – Isokon Flats

Situado en Lawn Road, en Hampstead, en el norte de Londres NW3, detrás de la estación de metro Belsize Park.

Fue (refugio) y vivienda entre otros de Walter GropiusMarcel Breuer,László Moholy-NagySybil Moholy-NagyJames StirlingAgatha Christie,……Diseñado por el arquitecto Wells Coates, 1932-1934,  (de origen canadiense), el ISOKON fue su primer edificio, concebido como un experimento social y arquitectónico cuyo objetivo consistía en hacer posible un sistema de vida urbano y moderno. El edificio originalmente incluía 24 estudios, ocho apartamentos de una habitación, otras habitaciones para el servicio, una cocina y un amplio garaje. Los Pritchard vivían en un ático de un dormitorio en la parte superior, sus dos hijos, Jeremy y Jonathan, vivían al lado, en un estudio. Proyectado para 32 deptartamentos, cando se desarma el ISOBAR se hicieron 4 pisos más. En total 36.

El mismo año de la gran depresión (29 de Octubre de 1929) el arquitecto Wells Coates comenzó los trabajos para Jack y Molly Pritchard y comenzaron este proyecto. La exhibición de “British Industrial Art” en Dorland Hall de 1933 les dio la necesaria publicidad para un edificio singular. El edificio se inauguró el 9 de julio de 1934 como un experimento de vida urbana minimalista. La mayoría de los pisos tenían cocinas muy pequeñas, ya que había una gran cocina común para la preparación de las comidas, conectada a los pisos residenciales a través de un montaplatos . Los servicios, incluidos el lavado de ropa y el calzado, se realizaban dentro del edificio. Como Jack Pritchard fue director de marketing 1926/36) de la empresa de madera Venesta, este material se utilizó en forma intensiva.

El Isokon era un lugar que muchos artistas famosos, arquitectos, escritores e intelectuales llamaban hogar, algunos durante algunos meses, otros durante años, Jack Pritchard llevaba registros de los inquilinos hasta que vendió el edificio en 1972.Una de sus primeras residentes fue la escritora Agatha Christie, lo comparaba con un gran trasatlántico y decía “se trata de un edificio al que adoro, no sólo por la probidad de su arquitectura, sino también por su promesa de una vida más libre”. Vivieron entre otros:

1934/37 el crítico de arte Adrian Stokes

1934/37 el escritor Nicholas Monsarrat

1934/37 el arquitecto Walter Gropius y su esposa la escritora Ise Gropius

1935/37 El arquitecto Marcel Breuer1935 

László Moholy-Nagy y su esposa la crítica de arte y arquitectura Sybil Moholy-Nagy

1934/72 los promotores del edificio Jack y Molly Pritchard , vivieron 40 años hasta la venta del edificio.
1936/40 el físico y autor Henry John James Braddick

1937 el chef Philip Harben

1940/41 el arquitecto y diseñador Egon Riss

1940/41 la arquitecta Diana Rowntree y su esposo el pintor Kenneth Rowntree

1941/47 la escritora Agatha Christie

1960/62 el arquitecto Sir James Frazer Stirling 

1961 el arquitecto, historiador, crítico y profesor Alan Colquhoun

Querido señor Pritchard  

Me gustaría decirle cuanto sentimos dejar nuestro lindo piso. Hemos estado muy cómodos aquí,  todos han sido muy amables. Queremos agradecer a todo el personal por su amable atención. Nos gustó mucho mirar por las ventanas donde solo vemos árboles, lo cual es muy calmo y tranquilizador, especialmente en Londres. Nuestros mejores deseos a ustedes de nosotros. sinceramente L.Moholy Nagy
También el arquitecto Arthur Korn, el escritor Adrian Stokes entre otros.
La cocina común se convirtió en el restaurante Isobar en 1937, con un diseño de Marcel Breuer y FRS Yorke.
Los pisos y particularmente el bar se hicieron famosos y fueron un centro para la vida intelectual en el norte de Londres.
Asistían regularmente 
Henry  Moore -escultor-Barbara Hepworth  -artista y escultora-Ben Nicholson -pintor abstracto- entre tantos otros

El edificio tuvo varios propietarios y en determinado momento le fue cambiado el nombre por el de Isokon Flats. Hoy en día es un edificio protegido en el que se ha tratado de mantener el aspecto original a la vez que se ha actualizado para que cumpla las exigencias vigentes.

En 1969, el edificio se vendió a la revista New Statesman y el Isobar fue convertido en pisos. 
En 1972, el edificio se vendió al Camden London Borough Council y se fue deteriorando gradualmente hasta la década de 1990, en que fue abandonado y quedó en la ruina durante varios años. 
En 2003 el edificio fue reformado con mucho esmero por Avanti arquitectos, para el Notting Hill Housing Association y ahora está ocupado bajo un esquema de copropiedad.
La remodelación también ha creado una galería pública en el antiguo garaje para contar la historia del edificio, la historia de sus famosos y notables residentes así como los muebles de Isokon .

El bloque ha sido galardonado con el grado I , ubicándolo entre los edificios históricos con mayor importancia arquitectónica en el Reino Unido.
Video del isokon
https://youtu.be/1zUvGsBGyrE

Carlo Scarpa 8. Su propio cuerpo

Venecia 2 de junio de 1906 – 1978 28 de noviembre Sendai

Este será el 8vo y último capítulo de una historia que queda abierta. Porque es la historia de la arquitectura misma.

Cuando el aporte es continuo, ocurre como en otros campos de la expresión y de la cultura, como sucede en la música con 7 notas y sus semitonos.

12 sonidos, que arman una escala.

Que facilitan frases de un «discurso infinito»,

No son solo notas, porque el ritmo, la melodía y la armonía, arman un mensaje, un discurso, un espacio donde los sonidos y los silencios tienen su protagonismo.

Iba a continuar mencionando los llenos y vacíos, pero en un artículo que escribí hace tiempo sobre el universo de la música y la arquitectura lo hacía con la mayor amplitud de la que soy capaz…para no repetirme dejo el link

El arquitecto Carlo Scarpa, es uno de los pilares de ese discurso que nos/me tiene atrapados desde siempre.

Carlo Scarpa, me ha acompañado estos últimos meses de confinamiento, agradezco haber podido descubrir alguno de sus recursos proyectuales, sin duda hay más, pero será mas adelante, y espero que como todos, vacunados y si fuese posible mejorados.

Scarpa era zurdo y, en mi opinión, esto le obligó a explicar algunas de sus elecciones, consideraba al cuerpo como un código de transcripción de la experiencia, nunca ha considerado el espacio isotrópico, siempre lo ha considerado anisotrópico, con diferentes cualidades para cada dirección: arriba, abajo, izquierda, derecha… Era un reflejo que venía de él mismo y de su conocimiento de la arquitectura antigua.

Scarpa entendió claramente la correspondencia entre una arquitectura y las sensaciones que puede provocar en quien la vive a través de su propio cuerpo. 

Por ejemplo, Scarpa fija la altura del ojo con la que el observador percibe la arquitectura en 1,65 metros: la guía para fijar las pinturas de “Querini Stampalia” se coloca a la altura de los ojos y crea una perspectiva plana, ni ascendente ni descendiente, a diferencia, por ejemplo, de lo que ocurre en “San Girolamo di Dürer“ donde la perspectiva desde abajo exalta al santo pero eleva el horizonte de la visión.

«quien es arquitecto no es buen escenógrafo y quien
es escenógrafo no es buen arquitecto».

Tal vez ya lo dije, que Scarpa tenía una forma particular de la yema del dedo que terminaba en una gota (estoy orgulloso de tenerlo así también), una forma que le permitía reconocer materiales incluso sin tocarlos, desde la distancia. Scarpa difícilmente habría sido traicionado por un material falso para este tipo de sensibilidad extra corporal.

En diseño y arquitectura, no le gustaban ciertos artificios…el pabellón Esprit Nouveau de Le Corbusier parece flotar suspendido del suelo; en la versión que se hizo en Bolonia las estructuras inferiores están pintadas de negro, quizás Scarpa no las hubiera pintado así, en todo caso, habría utilizado materiales de colores naturalmente oscuros.

Creo que Scarpa compartió la crítica de Palladio a Paolo Veronese por el trompe l’oeil y los frescos de la Villa Maser, porque la escenografía y la arquitectura son cosas diferentes. A menudo me repetía: «quien es arquitecto no es buen escenógrafo y quien es escenógrafo no es buen arquitecto».

Esta sinceridad material no debe entenderse en un sentido absoluto, recuerdo que cuando hablamos de la puerta de entrada del edificio Contrà del Quartiere en Vicenza, me dijo que quería pulir la madera con chorro de arena y cuando observé que sería un proceso a lo Disney, una antiguedad falsa, me respondió: «Hago lo que quiero, si me gusta así debe salir bien”

El problema de hacer una arquitectura duradera siempre le ha fascinado, en determinadas obras, como en la tienda de Olivetti, predijo el envejecimiento en términos de valor añadido.

En otros casos sufrió algunos errores…se quejó de haber confundido el puente térmico de la ventana que da luz cenital a la habitación de Castelvecchio con los hallazgos de los orfebres lombardos: se había formado condensación en el interior del perfil de hierro que había arruinado el mármol verde. 

Si se mira la nueva Galería de Arte Moderno de Mies van der Rohe en Berlín, que se presenta como el mejor tecnólogo en arquitectura moderna, hay desastres que restaurar debido a errores debidos a puentes térmicos o uso incorrecto de materiales.

A raíz que Tobia pidió usar acero inoxidable dentro de la armadura de la escalera de Businaro, pienso que quizás Scarpa también lo habría usado en el cementerio de Brion si hubiera estado disponible en ese momento. El cementerio ahora se ve muy afectado por problemas de cobertura de armadura de hierro.

Museo Castelvecchio
Ventana Museo Canova

Clientes

Los clientes tenían una especie de fascinación hacia Scarpa….El caso más afortunado es sin duda el de Aldo Businaro (Villa Palazzetto), que muy pocas veces planteó objeciones, en parte porque había elegido todas las intervenciones con costos razonables y en parte porque estaba dispuesto a gastar algo más de lo esperado. 

El cliente que lo seguía, sabía que tenía que aceptar ciertas decisiones, Scarpa rara vez habría aprobado algo sin compartirlo; pero, si había un error siempre trataba de corregirlo o absorberlo en la obra transformándolo en un hecho expresivo. En el cementerio de Brion se dejaron cuatro o cinco errores de este tipo y terminaron convirtiéndose en curiosidades que aún hoy suscitan asombro. 

Este es el discurso del triángulo que también citó Wright: “… se necesitan al menos tres patas, un arquitecto, un cliente y un empresario; no necesariamente tienen que ser todos genios, pero debe haber cooperación entre ellos, una pata más aguanta mejor y una pata menos hace que todo se caiga”.

La obra

Scarpa no tenía coche, por eso lo acompañaba al cementerio de Brion o lo llevaba algún artesano o los herreros Zanon o Eugenio de Luigi.

Para la obra de la Tumba Brion, todas las tardes, alrededor de las seis, Bratti venía a Asolo para que explicara o volviera a explicar las cosas que debería haber hecho (Scarpa solía dibujar muchas partes en el mismo dibujo, lo que dificultaba la lectura). 

Decía: “Me hace un schisetto, esto me basta, lo necesito para mañana”. 

Creo que el profesor no siempre fue consciente del nivel cultural de las personas que tenía enfrente ni de la estima que él mismo les reservaba: sentía el deber de explicarles las razones que lo habían llevado a una determinada elección, le preocupaba que su razonamiento no fuera compartido por aquellos que realizarían el trabajo.

Complejo tumba Brion en obras

Por ejemplo, le preocupaba cómo se desarmaban los encofrados porque en algunos casos había socavaduras, había fundiciones que si se desarmaban mal se podían destruir; le preocupaba que el dibujo en proyección ortogonal también fuera legible en tres dimensiones, por lo que añadia bocetos para facilitar la lectura.

La obra se explicaba a veces con encuentros nocturnos con Bratti, otras en la obra con dibujos con carboncillo sobre grandes hojas de papel de envolver color marrón claro.

Los trabajadores reconocían en Scarpa los méritos de una absoluta coherencia y la actitud de ecompartir los problemas. Había armonía y respeto mutuo.

Cuando los hermanos Zanon decían «no se puede hacer» o «se puede hacer pero no somos capaces», buscaba una forma de modificar la pieza. Tenía que haber continuidad entre las opciones de diseño y los métodos ejecutivos. 

Creo que trabajaba con alegría, especialmente cuando tuvo la oportunidad de trabajar con personas que eran una extensión de él mismo, como los artesanos, que tal vez se molestaban si se les informaba a la noche de una nueva idea pero al mismo tiempo tenían la satisfacción de involucrarse.

Título de Arquitecto

OL: ¿Este tipo de inadecuación estaba también relacionado con no tener un título en arquitectura? Como sabemos, se había graduado de la Academia de Bellas Artes y tenía el título de profesor de diseño arquitectónico.

GP: Scarpa siempre ha tratado de estar dentro de la legalidad, y por cierto tuvo el deseo que su hijo Tobia Scarpa obtuviera un título que lo protegerá en el ejercicio de su profesión. 

OL Como decía Zevi, en un mundo burocrático como el nuestro es extraño que Carlo Scarpa haya recibido finalmente el reconocimiento público con su elección como decano de la Facultad de Arquitectura de Venecia.

GP: Scarpa fue nombrado decano porque no había acuerdo sobre a quién más elegir. Luego, cuando llegaron a un acuerdo, enviaron a Carlo Aymonino y para darle el lugar alguien le dijo a Scarpa «O hay una renuncia o tenemos la Universidad ocupada».

No creo que la Universidad pueda presumir de haberle otorgado un reconocimiento que solo sirvió para asegurar una figura de transición a la presidencia del Instituto; al contrario, creo que Scarpa habría aceptado gustosamente un título honorífico, que le habría aliviado de muchos inconvenientes y que en cambio llegó póstumamente.

OL Es un asunto complejo, desde 1956 intentaron darle un título honorífico…

GP Su mayor acusador fue el arquitecto Leomberto Della Toffola, cuyo socio -al parecer- había sido asistente de Scarpa pero no particularmente valorado por él. 

En esa ocasión, la única institución que ha mostrado signos de inteligencia y clarividencia, fue el Poder Judicial, que luego de estudiar el tema, liberó a Scarpa de la vergüenza del abuso de la profesión. .

Colaboración de Guido Pietropoli en el estudio

OL Hablando de los proyectos en los que colaboraste, ¿cómo fue tu relación con Scarpa, y con el hecho de que muchos de ellos no se concretaron?

GP En el caso de Brion, honestamente no entendí mucho sobre hacia dónde se dirigía el proyecto, lo comprendí diez años después. 

Probablemente estaba mirando a Scarpa a través de filtros. 

En algunos casos dije “pero esto no es un detalle de Scarpa” sin darme cuenta de que el suyo era un lenguaje en evolución y que podía tener resultados distintos a los que yo ya conocía. 

La razón que me impulsó a trabajar con Scarpa fue aprender un oficio; pero en mi ingenuidad, en mi provincialismo, pensé que esta profesión era un repertorio de formas y soluciones. Solo después, al profundizar en la creación de una obra, te das cuenta de que las opciones pueden ser completamente diferentes.

Muchas obras no se realizaron por hechos contingentes como que un cliente se diera cuenta de que no tenía los medios económicos para continuar.

Si pensamos en la Banca Antoniana di Monselice, por ejemplo, cuanto más miro ese proyecto, más me doy cuenta de que, más allá de la fascinación formal, muchas opciones fueron también excelentes soluciones racionales a problemas concretos: el levantamiento del edificio, los tragaluces, la fachada La parte trasera sin terminar pertenecía a una importante elección urbana.

Las intuiciones de Scarpa a veces fascinaban a los demás, conseguía el entusiasmo de quienes lo seguían. 

Después de un tiempo creo que muchas cosas no se han hecho por la falta de atrevimiento de los clientes, de sus colaboradores, y muchas era el propio Scarpa que sentía que no podía empujar el proyecto más allá de cierto umbral si otros no lo compartían y soñaban con él, renunciaba a seguir adelante, pensando que no había llegado aún el momento de su idea.

OL Dos excepcionales encargos privados se remontan a esos años, la Villa Palazzetto para su amigo Businaro y la hermosa casa Ottolenghi. En este último caso, ¿Scarpa ha encontrado un cliente colaborativo?

GP Para hablar de la Villa Ottolenghi, necesitaríamos tener a mi amigo Pino Tommasi, que empezó a trabajar con Scarpa para esta casa. 

Detalle Pabellón de la meditación.
Tumba Brion


Cuando Scarpa murió, intentamos con él completar el edificio que estaba en un estado de construcción muy avanzado. Creo que el verdadero cliente era Bepi Mazzariol, que le encargara la Fundación Querini Stampalia, amigo de Carlo Ottolenghi, presidente del Ospedali Civili Riuniti de Venecia.

Casa Ottolenghi

Ottolenghi compró un terreno sobre Bardolino, cerca del cementerio, donde ya existía una pequeña casa quería construír una Villa más grande para su hijo y su familia.

El hijo de Ottolenghi trabajaba en Verona pero no quería vivir en la ciudad. El área edificable del lote era modesta, por lo que, para lograr un volumen decente, parte del edificio tenía que ser subterráneo. La casa es una explosión de triángulos, de planos inclinados, debió tener ocho columnas (de Otto-lenghi) que luego se convirtieron en nueve.

La contemporaneidad con Il Palazzetto lleva a sobrestimar la similitud formal entre el techo de la casa Ottolenghi y el patio de la Villa de Businaro, pero por los estudios que realicé y también para la exposición que se realizó en el Centro Carlo Scarpa puedo decir que las opciones compositivas y los valores simbólicos que subyacen en el Palazzetto y la Villa Ottolenghi son muy diferentes, aunque los materiales y el lenguaje en ambos casos sean similares. 

En el caso de Villa Ottolenghi diría una frase que podría parecer inapropiada o irreverete, “hay algo en sus formas quebradas que me recuerda el sufrimiento de los judíos”. 

Carlo Scarpa, además de querer rescatar el volumen de una construcción subterránea, no habría construido la casa de esa manera para otro cliente. 

Un hecho que presencié personalmente fué que las facturas de la casa, también fueron diferentes a lo que esperaba Ottolenghi.

Referente a las columnas, se encuentran en la iglesia de Bardolino pero también en ciertas casas de Frank Lloyd Wright que Scarpa conocía. Referente a la memoria selectiva de Scarpa, no era un archivo simplemente, creaba un producto coherente dentro de un discurso poético y expresivo para cumplir con el deseo de la imagen que  quiere darle al cliente. Durante el proyecto, la casa Ottolenghi sufrió varios cambios.

Relación con Aldo Businaro

OL La exposición que ha comisariado aquí, “Scarpa e Il Palazzetto”. Una rapsodia arquitectónica. ¿Puedes contarnos sobre este proyecto?

GP Son muchas las implicaciones, la primera es mi amistad con Aldo Businaro, hablo de los años 1969-1970, fue el representante del mueble de importantes industrias del mueble, digamos de la cuna del estilo italiano. (Cassina, B&B, etc.). 

En los años setenta, te puede parecer extraño, había muy pocas tiendas de diseño, ya fueran italianas o suecas, en Padua, Vicenza o Rovigo. Los pioneros de esta visión en el Véneto fueron Renata Bonfanti y ciertos ceramistas.

Por consejo de Businaro Cassina con gran visión comprar los derechos de los muebles de Le Corbusier y otros grandes arquitectos y diseñadores.

Estuvo muy cerca de Dino Gavina, sin duda el hombre más ingobernable pero también el más ingenioso del diseño italiano de ese período, el primero en producir los muebles de Marcel Breuer. 

Conocí a Aldo Businaro en la tienda de muebles de un amigo en Rovigo; entre sus muchas cualidades tenía la de entablar amistad de inmediato y con cualquiera. 

Empezamos hablando de la silla Tripolina , un objeto que es más arquitectónico que de diseño, que se cierra como un paraguas gracias a un mecanismo muy ingenioso y que por eso fue utilizado por los militares italianos en África: la estaba comprando allí en Rovigo, mientras Businaro me decía que había traído una versión de hierro y madera de América del Sur. Luego la discusión se trasladó al Palazzetto que había comenzado a restaurar con Tobia Scarpa. 

“…desde los primitivos, hasta el siglo XVI, las arquitecturas eran igualmente nobles para los pintores bastaría fijarse en los fondos que hacían para sus cuadros…”.Conferencia del 20 de febrero de 1975

El Palazzetto es un edificio cúbico del siglo XVII en la llanura de Monselice, que Aldo Businaro compró a sus hermanos a su regreso de América del Sur; fue él mismo quien intuyó que se podía vivir modernamente en un entorno histórico y que éste podía integrarse razonablemente con nuevas piezas como un rompecabezas. Aldo lo llamó «rapsodia» porque combinaba fragmentos poéticos de diferentes autores. En la práctica, Aldo se enamoró del Palazzetto por cómo era pero también por cómo imaginaba que podría llegar a ser, por lo que decidió restaurarlo con Tobia, a quien ya conocía, que diseñó la gran chimenea entre otras cosas.

También contrato otros arquitectos amigos, como Glennie Collin de estricta observancia corbuseriana que diseñó el ático: dado que Aldo albergaba a muchas personas, Creo que quería crear una especie de cámara de descompresión para quienes, por ejemplo, llegaban al Palazzetto desde Nueva York y necesitaban un entorno de transición antes de abordar el Veneto.

“…el gótico veneciano no siempre debemos referirlo a una sola forma. En Venecia el gótico es la representación del gusto de una época, de una moda…Pero Venecia surge como un manantial natural y absolutamente bizantino: en sus estructuras, y en las formas que están dispuestas de sus partes…”. Conferencia de Scarpa del 30 de enero de 1975

Definí el Palazzetto como «el Estado de Businaro» porque es un lugar limitado, un recinto insospechado desde fuera. En el Palazzetto Scarpa hizo un trabajo muy hábil y puntual de remendar y resaltar ciertas partes, ademas de obras nuevas como el berceau. El granero estaba revestido de madera negra; luego está el piso de trilla que hasta hace poco yo mismo interpreté como una variante del techo de la casa Ottolenghi pero que en cambio, estudiando la secuencia de dibujos que condujo a la solución final, es algo diferente.

El proyecto tuvo fases muy diferentes, Aldo conoció a Scarpa durante un viaje a Japón que hicieron gracias a Tobia, quien había sido invitado allí junto a otros diseñadores.

Allí nació un amor muy profundo y continuo…Uno puede imaginar lo que vio Businaro en Scarpa, y viceversa: Aldo era un formidable compañero de viaje y un cliente que nunca decía que no.

Se divirtieron los dos: Businaro llevó a Scarpa a los baños termales de Chianciano.

El viaje que hicieron a Madrid fue memorable, creo que en 1978. La anécdota es bastante divertida, Businaro pidió prestado un Rolls-Royce a un amigo suyo, Scarpa vivía entonces en la Villa dei Nani, en Vicenza, en ese momento Losey estaba filmando el Don Giovanni y el profesor siempre estaban en la ventana esperando poder captar algún momento interesante del rodaje. En medio de un bullicio de cantantes y extras, Businaro llegó y estacionó; cuando Scarpa vio ese coche caro exclamó: «Varda ‘sti porçei de registi» (..estos directores), sin imaginarse que era su coche. Cuando Businaro le abrió la puerta, el profesor tenía muchos pergaminos, los dibujos que se necesitaban para la exposición de Madrid; abrió los brazos y soltó todo lo que tenía y dijo «No subo a un Rolls ni siquiera con un alfiler».

Hice viajes con ellos, como a Viena cuando dio su famosa conferencia en la Academia de Bellas Artes. Cuando Scarpa debía dar una conferencia en un ambiente que no conocía, se aterrorizaba, lo ayudaron unos vasos de Sturm.

Viena era su patria cultural, por lo que se sentía honrado por la importancia que le reservaban pero también muy preocupado; todos los chicos que asistieron a la lección conocían bien sus trabajos, se sorprendió de ser tan conocido en el extranjero.

La escalera del Palazzetto

OL La Villa Palazzetto se enriqueció con un elemento adicional, una escalera en la fachada que fue diseñada por Carlo Scarpa y luego construida por Tobia Scarpa. ¿Puedes contarnos sobre esta intervención, el significado que tiene respecto a la obra?

GP La historia se remonta aproximadamente a septiembre de 2000, cuando se inauguró la exposición sobre Carlo Scarpa en el Museo Castelvecchio y en Vicenza, que considero el más importante de los últimos años. 

Personalmente, no tengo recuerdos particularmente significativos de la exposición en la Gallerie dell’Accademia, mientras que la de Verona y Vicenza creo que tuvo un enfoque interesante e innovador. Aparte de esto, en esa ocasión hubo un acercamiento entre la familia Businaro y Tobia Scarpa quien estuvo presente en la inauguración. Aldo vivía, moriría seis años después, el miembro más activo de la familia en la conservación de esta obra fue su hijo Ferdinando Businaro, junto con su hermano Federico. 

Ferdinando sabía que su padre siempre había querido crear esta escalera exterior, una conexión directa con el piso noble que ya había sido trabajado por Carlo Scarpa con Aldo Businaro. 

En la exposición que está en Treviso, se puede ver las «arcadas» de Scarpa tratando de resolver el problema de la escalera en la fachada, que siempre se aborda en relación con el patio. Scarpa primero diseña una escalera inclinada, luego finalmente llega a la única solución posible pero que por diversas razones permanece sin realizar.

Con motivo de la exposición del año 2000, Ferdinando inicia el ataque a pesar de que sabe que Tobia nunca antes había aceptado completar la obra de su padre.

No era sencillo, cuando acepté ayudar a Pino Tommasi a completar la Villa Ottolenghi, algunos me acusaron de presuntuoso, estaba aterrorizado, sabía que reconocerían todo lo malo como mío y todo lo correcto como de Carlo Scarpa, sin embargo, me pareció estúpido que fuera completado por otras personas. 

El hecho es que Tobia no quiso continuar el proyecto del teatro Carlo Felice u otras obras por razones más que justificadas. Desde que Carlo Scarpa entró en escena, las relaciones de Tobia con Aldo Businaro se habían enfriado pero a partir de ese septiembre de 2000 se acercaron y finalmente Tobia accedió a encarar la escalera.

Lo revisó y modificó en algunas partes junto a un formidable ingeniero estructural,  Giandomenico Cocco. 

“…El arte moderno nos ha permitido ver algunos fenómenos de la materia con nuevos ojos…”.Carlo Scarpa

El Palazzetto tiene una cualidad bastante singular, es hermoso y siempre parece completo, no parece requerir más modificaciones o adiciones; si se estudian las fotos antes de una intervención y se piensa que «está bien», y luego ve las siguientes descubre que está aún mejor. 

El funcionamiento de la escalera es justo y correcto; los ligeros cambios que hizo Tobías, como la jardinera al pie de la escalera, están justificados por su autoridad como diseñador.

El resultado es interesante, por otro lado, la historia del arte y la arquitectura está llena de obras en proceso, que fueron luego completadas por otros.

Exposiciones de Carlo Scarpa

OL Has colaborado en dos de sus exposiciones individuales, una en Londres y la otra en la Domus Conestabilis de Vicenza. ¿Qué significó para él mostrar sus obras?

GP La exposición de Londres precede a la exposición en la Domus Conestabilis, donde se exhibieron más o menos las mismas fotografías.

En el caso de Londres Scarpa no montó nada porque encontró el espacio ya organizado; en Vicenza en cambio se encargó de acondicionar el espacio que se le había puesto a su disposición.

En Londres estuvimos en la Heinz Gallery en Portman Square, un espacio de exhibición del RIBA financiado por el Sr. Heinz que conocimos en Italia.

La sala se encuentra dentro del edificio James Adam y tiene aproximadamente 8 x 8 metros con grandes vitrinas de vidrio en tres paredes y un espacio central.

Un lugar muy refinado, diseñado por Stefan Buzas y Alan Irvine específicamente para albergar exposiciones temporales. Scarpa ya había sido expuesta en RIBA en una exposición anterior llamada “Grandes dibujos de la colección” (del que tengo un pequeño catálogo) y estaba muy orgulloso porque los dibujos seleccionados por el comisario incluían obras de Andrea Palladio, Christopher Wren, Inigo Jones, hasta Le Corbusier. Scarpa, por tanto, conocía este lugar, le gustaba; además, su amistad con Stefan Buzas y Alan Irvine era muy similar a la sociedad con Aldo Businaro.

En Londres ya había realizado, como decorador, la exposición de frescos florentinos.

Cuando le mencioné a Scarpa que había conocido en Londres durante el verano a ambos, automáticamente me eligió como trait d’union.entre Londres y Vicenza.

Luego de un primer momento de entusiasmo, Scarpa tuvo muchas dudas.

Inglaterra vivía un período de austeridad por lo que nos encontramos trabajando con generadores eléctricos porque después de cierta hora cortaban la electricidad a los lugares públicos.

“…como hombres de nuestro tiempo hemos rescatado muchas cosas tanto moral como socialmente … Pero como arquitectos aún no hemos rescatado la forma de las cosas humildes y sencillas …” .Carlo Scarpa

Scarpa no podía decidirse, coleccionaba los materiales gráficos pero lo que decidía hoy lo cambiaba mañana.

Finalmente se decidió por una exposición de dibujos y fotografías (dos vitrinas de fotografías y una de dibujos) para la que hizo que Paolo Monti (1908 – 1982) le enviara las copias maestras; cuando llegaron empezó a recortar las fotografías, redimensionándolas según la diagonal, no respetó ningún formato preciso.

Eligió fotografías de Ferruccio Leiss (1892 – 1968) y de otros fotógrafos y comenzó a componer y volver a montar los escaparates de forma obsesiva. Si por la noche estaba feliz, a la mañana siguiente tiraba todo, mientras tanto, desde Londres recibía continuas e insistentes solicitudes para enviar el material para imprimir el catálogo.

Desesperado, puse todas las fotografías en una caja de bombones del mismo tamaño que las impresiones y las envié a Londres.

De Londres llegó un fino catálogo amarillo con el ensayo de Cantacuzino; el mensaje adjunto decía «este es el catálogo, ahora ven con el material».

El catálogo obligó a Scarpa a tomar una decisión, se dio cuenta de que ya no podía posponer las cosas y mandó imprimir las fotos en papel de aluminio.

Cuando lo acompañé a Londres, al llegar al aeropuerto, Alan Irvine preguntó: «Qué bueno que hayas llegado, pero ¿también tienes las fotos?».

A pesar de su escepticismo, las teníamos.

El RIBA estaba tan convencido de que no se haría, que casi no había organizado nada, pero se trataba de una exposición muy sencilla.

Se propuso repetir la exposición en Vicenza, donde Scarpa añadió muchos más dibujos que los que había en Londres. En la inauguración, la Sra. Heinz se me acercó y me preguntó «¿Scarpa sigue vivo?».

Pasamos unos días deambulando por Londres de la mano de Buzas e Irvine, que entre otras cosas me hicieron visitar el Museo de Soane, ahora es muy famoso pero en ese momento era una rareza absoluta, nadie lo sabía.

(Aclaración de HK, uno de los lugares que siempre recomiendo visitar en Londres, es el Museo de sir John Soane (1792 – 1824) arquitecto de entre otros edificios del Banco de Inglaterra. Es una casa-museo, domicilio y estudio del famoso arquitecto neoclásico del siglo XIX. Famoso por la riqueza de sus colecciones y una peculiar estética pos-moderna pero de 1800. Está ubicado en el distrito de Holborn en el centro de Londres, en 13 Lincoln´s Inn fields – miércoles a domingo de 10 a 17 hs)

https://www.revistaad.es/decoracion/articulos/sir-john-soane-casa-museo-alberto-campo-baeza/20828)

Fotografía de Gianni Berengo Gardin

Fundación Querini
Museo Soane


No visite el Museo de John Soane (1753 – 1837) con Scarpa, quizás él ya había estado allí. Si tuvimos muchas conversaciones sobre Soane.

Creo que Scarpa envidiaba, en el sentido positivo del término, el estatus de Soane, su posición profesional, social y económica de gran prestigio, su figura de gran coleccionista. 

No podía envidiar su historia familiar porque lo que sucedió entre Soane y sus hijos ciertamente no es algo deseable (Nota de HK: a partir de 1806 la vida de Soane entra en una etapa complicada en la que se suceden varios problemas en el ámbito familiar, donde se hace casi imposible el entendimiento con sus dos hijos a partir de 1808.

El golpe de gracia se lo dará la muerte de su esposa en 1815.

A Soane le interesaba mucho la transfiguración de espacios a través de la luz y el uso de espejos. Para pasar del ala doméstica a la arquitectónica-anticuaria se pasa por una puerta con el busto de Andrea Palladio, nos dice que para entrar en la arquitectura no se le puede ignorar; es una forma simbólica y analógica de explicar las cosas que probablemente también fascinó a Scarpa.

Soane era notoriamente un francmasón encargado de la cultura simbólica, ejercía una función didáctica tanto a través de su colección como a través del establecimiento de la sala de ejercicios de los estudiantes. Creo que Soane presagiaba una posible destrucción de la arquitectura a través de una nueva arquitectura.

Llamé «El Arca de Vitruvio» a su colección de testimonios, moldes de yeso y artefactos.

OL ¿Scarpa ha coleccionado algo alguna vez?

GP Tenía una especie de “Wunderkammer” (cuartos o gabinetes donde los nobles coleccionaban objetos exóticos de todo el mundo), vitrinas en las que coleccionaba objetos de muy poco valor material: piedras, conchas, telas, cosas que nunca fueron ostentosamente caras. En esos armarios Scarpa también tenía títeres, teatros, objetos que recordaban su infancia y su increíble ingenuidad, también fue un gran amante de las hojas y los cuchillos. 

Tambien tenía piezas de gran valor, me mostró una especie de batidor japonés para mezclar té verde. En Japón, el mismo objeto, hecho del mismo material, bambú por ejemplo, puede tener valores muy distintos según el grado de experiencia de quien lo haya realizado; Creo que el emperador es el único que puede tener dos conchas que se pueden atornillar y que vienen de las antípodas; el tortiglione del primero y el femenino del otro son aparentemente normales pero el sentido de los dos es contrario a lo que se encuentra comúnmente, no recuerdo en que sentido giran si a la derecha o a la izquierda. Más allá de esto, su mayor activo consistió en libros.

Universidad de Venecia

El apellido Scarpa no tiene nada que ver con el calzado, viene de “scarpello”. el propio Scarpa dijo que en ciertas temporadas había siete mil canteros en Venecia: se podía escuchar el tintineo continuo de sus cinceles que transformaba la ciudad en una ciudad musical.

La Universidad de Venecia, en su busqueda de edificios en los que poner sus facultades, había comprado a unas monjas el convento contiguo a la iglesia de San Sebastiano, la fábrica Scarpagnino con los lienzos de Paolo Veronese.

El convento habia sido arrasado por Napoleon y solo la sacristía sobrevivió.

La Facultad de Letras y Filosofía presidida por Giuseppe Mazzariol (Bepi 1922 – 1989), que tenía su Instituto de Historia del Arte en el último piso de la parte gótica, propuso a Feliciano Benvenuti (1916 – 1999) rector de la Universidad, asignar la tarea a Scarpa.

Scarpa no estaba muy entusiasmado porque los edificios preexistentes eran de una calidad muy modesta, incluso deprimente aunque el edificio gótico si era bastante interesante.

Resumiendo, se mantuvo la entrada desde el “campiello di San Sebastiano”, donde Scarpa diseñó la nueva fachada, que tras su muerte sería objeto de feroces críticas por parte del historiador y político Vittorio Sgarbi (1952). 

En el patio, propuso un nuevo edificio con otro patio, creando un camino externo y un patio posterior, luego organizó las plantas bajas de los edificios más profundos de manera diferente; pero el problema principal era diseñar un nodo de escalera que conectara niveles muy  diferentes enre sí.

Hay muchos dibujos que pertenecen al diseño de la escalera cilíndrica. 

Scarpa dijo que sería negra. Probablemente influido por alguna obra de Louis Kahn, una escalera de dos tramos con descansos en un sector circular que habría permitido la distribución a varias alturas. 

La parte gótica, a la derecha del cuerpo cilíndrico de la escalera fue objeto de una restauración más o menos conservadora.

Los dibujos de San Sebastián se expusieron con el mismo sistema adoptado para el Hospital de Le Corbusier: en las copias heliográficas coloreadas se «engraparon» las transparencias dibujadas en tinta, hojas de papel diáfano que suavizaban los colores. Si miras atentamente la hoja, te das cuenta de que el dibujo es a mano alzada, que para Scarpa era bastante inédito. Al ser un proyecto tosco, aceptó que lo dibujaríamos con la técnica que llamamos tremblotante –temblando-, y que había aprendido en el llamado “atelier de Le Corbusier”, en realidad fue en el estudio de Guillermo Jullian de la Fuente, (1931 – 2008) el arquitecto chileno que había colaborado en el proyecto del Hospital de Venecia. 

(Nota de HK Guillermo Jullian de la Fuente viajó en 1958 a Europa a conocer de primera mano la arquitectura de Le Corbusier, a quien admiraba, y con quien soñaba colaborar en su atelier de París. Después de recorrer las principales obras del arquitecto suizo, le escribió una carta solicitándole trabajo en su oficina. Le Corbusier lo acogió como ayudante en 1959, y desde ahí en adelante comenzó a asumir distintas responsabilidades, hasta hacerse cargo del desarrollo de diversos proyectos, como el Carpenter Center para las Artes Visuales, de la Universidad de Harvard, el Museo del Conocimiento en Chandigarh, o el edificio de laboratorios de Olivetti, en Milán, entre otros)

La escalera cilíndrica se revistió de manera negra, sería la conexión con la parte gótica, que era un almacén del siglo XIX, era la única parte preexistente del convento con columnas toscanas con bóvedas de crucería, Scarpa decidió ampliarla para construir la biblioteca.

La perspectiva se dibujo en Vicenza poco antes de partir hacia Venecia, en las primeras horas antes del amanecer cuando, como diría Paul Valéry (1871 – 1945) «Venus también se transforma en un documento»; sirvió para presentar al cliente la primera hipótesis del proyecto

Nos esperaba Bepi Mazzariol con el director Treves y otras personas, llegamos una hora tarde con los dibujos hechos esa misma noche. 

Más allá de estas anécdotas, resulta interesante la elección de Scarpa de mostrar la sacristía, el cuerpo exterior de la nave de la iglesia, el ábside y el campanario, únicos elementos originales, como si estuvieran detrás de un muro de paso. Esta idea del silo de libros salvó la parte más importante y permitió una visión no tan alejada de lo que podría haber sido históricamente.

El dibujo es muy bonito, dibujado por Scarpa sobre papel amarillo de Louis Kahn: está hecho con carboncillo y lápices calcáreos y en menor medida con pasteles de colores; está firmado y es uno de sus diseños más famosos. Probablemente a lo largo del tiempo haya sufrido un cierto deterioro, ya sea porque se exhibió en la exposición de la Gallerie dell’Accademia donde las láminas se comprimieron entre dos capas de metacrilato, o por la descomposición natural del material.

Dijo Scarpa “El proyecto merece ser estudiado en sus distintas fases, fue muy esforzado conseguirlo, la experiencia debería enseñarme a no aceptar más obras dedicadas a los santos mártires…”

 Las complicaciones comenzaron con Scarpa en vida y continuaron después de su muerte. Lo único que se hizo pero que no sé si se mantendrá como está es el portal. Con un Rolleiflex tomé pequeñas fotografías en formato 6 x 6 que atestiguan el estado de la fachada antes de que interviniera Scarpa: había una fachada falsa que se apoyaba en la iglesia de San Sebastiano con un pobre zócalo en losas de piedra de Istria; lo único significativo, aparte de la supuesta singularidad de los marcos de las ventanas, era el santuario del santo mártir… Scarpa decidió modificar la fachada que «odiaba», un término que usó para referirse a algo insoportablemente falso.

Se hicieron algunas pruebas en copias fotostáticas, xerocopias en las que a Scarpa le gustaba trabajar. 

Durante el proceso de trabajo para la Facultad de Arquitectura de Venecia, se realizaron al menos tres o cuatro proyectos para el portal de San Sebastiano. El logrado es el segundo para el que habíamos obtenido minuciosamente la aprobación de la comisión de salvaguardia. Posteriormente Scarpa lamentó esta elección, que ya no le satisfacía y trabajó en variantes en las que se salvó una ventana que daba al canal y se redujo el número de vallados.

En cualquier caso, la idea es muy simple: una placa con una abertura semicircular, un trazo de compás en el que se inserta el edículo del santo, unas losas de piedra de Istria perforadas en correspondencia con las ventanas de las que el coronamiento, portal con una serie de marcos de formas aparentemente brionescas. Es una especie de puerta gemela cuyo paso a la izquierda está tapiada por una placa de piel de piedra de Istria; en él, como en la tienda Olivetti, se insertó una placa de bronce con letras de plomo con el nombre de la Facultad.

Banca Popolare di Verona

La losa de piedra tosca esconde una puerta corredera de metal, vidrio y madera, que diseñé tras la desaparición del profesor y desde la que se verían los dos patios siguientes. El portal tiene molduras dentadas pero de forma diferente a las de Brion; las de San Sebastián recuerdan más a la Banca Popolare; aquí los escalones no están a 45 grados (como en Brion, donde los dientes son como una escalera que se puede caminar en una dirección u otra indiferentemente) sino a 30-60 grados, con una subida igual a aproximadamente la mitad de la pisada, por lo que el resultado formal y simbólico es completamente diferente. La placa de piedra se aleja de la fachada de Scarpagnino, que se consideraba el único objeto original digno de ser conservado.

Después de la muerte de Scarpa, me encargaron llevar a cabo este segundo proyecto porque la Universidad no tenía ganas de presentar el tercero que Scarpa no había tenido tiempo de presentar para ser aprobado. Lo mismo sucedió con la IUAV de que había un tercer proyecto, más justo, pero se realizó el segundo.

Para San Sebastiano fuimos acusados ​​ferozmente por el activo arquitecto Leomberto Dalla Toffola de haber destruido una fachada original; en el Correr encontré documentos en los que se mostraba que esa fachada, en esa forma, no existía cincuenta años antes, y pude rechazar a los detractores.

El 15 de agosto de 1979 salió a la luz un artículo muy violento de Vittorio Sgarbi, le respondí en privado, mostrándole que la fachada era falsa.

OL En su opinión, ¿Cuál será el destino de las obras de Carlo Scarpa?

GP Es difícil contestar, son obras tan frágiles: el color de un yeso puede cambiar, a veces se puede rehacer pero no con la misma calidad que entonces.

En diciembre de 1978, un mes después de la muerte de Scarpa, fui a Palermo con Tobia Scarpay Philippe Duboy y nos sorprendió el estado de conservación del Palazzo Abatellis: la pared detrás del busto de Laurana había sido repintada en Ducotone verde, esto es suficiente para comprometer una excelente configuración. Lo malo es que aquellos que nunca antes han visto ese muro lo aprecian de todos modos, así que te arriesgas a quedarte con un falso. Las obras de Scarpa, como cualquier arquitecto, son como niños, tienen una vida independiente de quienes las crearon y si se encuentran con personas cariñosas que saben cómo conservarlas las conservarán, de lo contrario morirán; también es una prueba del nivel cultural que una sociedad es capaz de expresar. Es difícil entender cuánto una obra, incluso mortificada, logra transferir la calidad original.

Casa Borgo (1974-1979)

Para realizar  el pavimento exterior de la  casa Borgo, en Vicenza, Carlo Scarpa, usa un ladrillo perforado colocado mostrando su tabla y por tanto sus perforaciones, para la unión entre ladrillos y para tapar los agujeros del mismo usa un mortero con cemento blanco. El edificio se apoya sobre una  estructura de vigas pintadas de color rojo, muy elaborada en su unión con los pilares. Bajo las vigas y en continuidad con el ancho del pilar se coloca en el pavimento una linea de granito que va cortando la continuidad del suelo de ladrillo.

Casa Ottolenghi (1975)

Fragmento del pavimento de terrazo de la casa Ottolenghi realizada por Carlo Scarpa.

suelo de terrazo de cemento con inserciones hechas de ladrillos cocidos antiguos de color amarillo y rojo que están dispuestos de tal manera que generan una línea de fractura asociada a su disposición.

Fototeca de Carlo Scarpa

Es un proyecto del Centro Internacional de Estudios Arquitectónicos Andrea Palladio, promovido y financiado por la Región de Véneto desde 2003, como parte de las iniciativas del Comité de Estudio Conjunto para el conocimiento y promoción del patrimonio cultural vinculado a Carlo Scarpa y su presencia en el Véneto.

La Fototeca Carlo Scarpa es un sistema de conocimiento iconográfico en proceso de recopilación y puesta a disposición en la web de la documentación visual de la obra construida por el arquitecto, para su investigación, conservación y puesta en valor. 

Documenta las condiciones originales y los procesos constructivos, las transformaciones a lo largo del tiempo y su estado actual, documentado por una campaña fotográfica sistemática, realizada entre 2004-2006 sobre las obras fotografiadas en esa fecha.

La Fototeca Carlo Scarpa es una herramienta para el estudio de la obra de Carlo Scarpa, un valioso patrimonio iconográfico para estudios específicos y distintas iniciativas (publicaciones, exposiciones, seminarios).

fototeca@cisapalladio.org

Publicado el 21 de febrero de 2013 de AaC

El Alambre Estudio
C/ Sol, 86 Bajo · 41003 · Sevilla
arquitectura@contrapelo.es

Siempre ha sido así: pensaba un cuadro y ya lo consideraba hecho.
El resto era trabajo.

Realizar una obra pensada y por ello ya concluida, era como distanciarse de ella: distanciarse de su conocimiento inmediato.
Sé bien que existe otro grado de conocimiento que es precisamente el del hacer. Se conoce lo que se hace, sólo mientras se hace.
Es un conocimiento profundo y complejo, pero es distinto de la chispa, o mejor, de la serie de chispas que es pensarla.
¿Pero cómo acercar dos momentos sin que uno se diluya demasiado en el otro?
A mí se me ha hecho natural ir deprisa.

NOTARGIACOMO

Se dice que Frank Lloyd Wright se jactaba de haber sido capaz en una ocasión de concebir en su mente todo un proyecto, del primer al último detalle, hasta el punto de ser capaz de construirlo sin haber hecho uso del papel.

Este gesto de genio se encuadra en la tormentosa relación del arquitecto con su instrumento de trabajo por antonomasia, el plano. El papel —la pantalla— constituye el plano sobre el que se plasma la realidad deseada, un escorzo del futuro previsto, de la cosa deseada. Pero el entendimiento entre actor y acto no tiene por qué ser lineal. Muchas veces el plano responde al dibujante, como hacía la Casa Baensch con Hans Scharoun (1893 – 1972) un proyecto que establece un auténtico diálogo con el arquitecto y le pide cambios, a modo de ente con sus propias necesidades: dar más preeminencia a esta sala por aquí, conseguir esas vistas al jardín por allá… Una historia que cuenta el paso de la casa como caja al estallido del habitar y que podemos leer en las distintas etapas fijadas en los bocetos preliminares.

Otro admirador de Wright, Carlo Scarpa, hacía del dibujo pensamiento plasmando en él todo su mundo interior de obsesiones. Dibujo sobre dibujo, bosquejaba cada detalle del proyecto: cada piedra, cada conducto, cada encuentro, cada hueco venía pensado, es decir, al pensarse se dibujaba, pedía su propia resolución, su propia forma y carácter, ése y no otro. Una forma de trabajar agotadora y a contracorriente con su tiempo.

En general, de la observación de la forma de trabajo de todos los grandes arquitectos de los últimos siglos, podría inferirse que existe un modo distinto de afrontar el plano para cada uno de ellos. Tal es la naturaleza personal de este instrumento.

Para algunos, la irrupción del plano en la proyectación arquitectónica significa el comienzo de la arquitectura en propiedad. La capacidad de prever con exactitud qué y cómo va a construirse significaría un salto cualitativo gigantesco ubicado temporalmente en el Renacimiento. Al igual que el ser humano se distingue del animal por su capacidad de previsión -un rasgo genuino de inteligencia-, el arquitecto humanista se distinguiría del maestro de obras medieval por la naturaleza de su trabajo. No obstante, visto desde ese punto de vista el plano vendría a significar una escisión de la correspondencia natural entre obrero y obra, separando el trabajo manual del intelectual. Para que exista la arquitectura en sentido moderno, debe hacerlo separada del objeto de sus atenciones; de ahí se entiende mejor que su historia sea la de la búsqueda desesperada de este compañero perdido, la historia de una ausencia.

La fanfarronería de Wright escondería entonces, en un plano muy sutil, un secreto anhelo de venganza del intelecto: pasando por encima al plano, se daría el feliz reencuentro de lo físico con lo inmaterial. Algo que resulta demasiado bueno para ser verdad.

Carlo Scarpa un veneciano sin miedo al Aqqua Alta. Scarpa egresó de la Real Academia de Bellas Artes de Venecia en la especialidad de Dibujo Arquitectónico. Debía presentar un examen adicional para tener licencia de arquitecto, pero no lo hizo. De allí que uno de los mejores arquitectos de Venecia haya tenido varias veces que enfrentar acusaciones de ejercicio ilegal y se vio obligado a asociarse con graduados para desarrollar su genial obra.

Galería de la Accademia

Pabellón Venezuela

Los trabajos de Scarpa se caracterizan por la combinación de materiales y técnicas diversas, entre lo moderno y lo artesanal. Asimismo entreveró su propia raíz cultural, la italiana, con la del extremo Oriente del mundo, el Japón.

El peso de la arquitectura antigua fue determinante en su obra. Estudió a fondo la historia de los lugares donde desplegó su trabajo. Por ello fue muy solicitado para restauraciones y remodelaciones. Sin embargo, también fue un creador de nuevos proyectos.

Para conocer su legado, en Venecia es necesario hacer un largo recorrido que incluya la sede la universidad veneciana, la Galería de la Accademia y la tienda Olivetti de la plaza de San Marcos.

En cuanto a recintos feriales, realizó los pabellones de Italia y de Venezuela, en la década de los 50.

Los conocedores profundos de su aporte recomiendan no dejar por fuera el palacio Querini Stampalia, considerado uno de sus proyectos más genuinamente venecianos porque combina un puente, requisito indispensable de cualquier inmueble en este entorno semisumergido; el agua, omnipresente elemento en la ciudad; un portego, que es un tipo de sala de recibo muy típico de los edificios de una importante época histórica (la Serenísima República de Venecia); y la peculiar luz de este rincón ribereño del mar Adriático.

Empecinadamente detallista, el gran arquitecto hizo del agua su gran aliada. Entra al palacio desde el canal y recorre todo el inmueble a través de pequeños canales funcionando también como espejo.

Los críticos afirman que con la restauración del Querini Stampalia,  Scarpa demostró que no le temía al Aqqua Alta, uno de los grandes miedos de los arquitectos y constructores que han trabajado en Venecia.

Notas

http://mediateca.palladiomuseum.org/scarpa/web/opere_scheda.php?valo=i_6_179

Transcripción de la conferencia de Carlo Scarpa en Madrid en 1978

Mille cipressi

Para la tumba de Brion, podría haber propuesto plantar mil cipreses: mil cipreses son un gran parque natural y un evento natural, en el futuro, habría logrado un resultado mejor que mi arquitectura. Pero como siempre pasa al final de un trabajo, pensé: «¡Dios mío, lo tengo todo mal!».

Tumba de Carlo Scarpa. Diseño de su hijo Tobia

Sin embargo, es probable que el que construyó las pirámides no lo pensara… No tenemos certezas – todo es cuestionable, tanto que hay una gran confusión en la arquitectura, mientras que en el pasado, por ejemplo, las arquitecturas de Cataluña eran similares a las de Francia, Provenza, Italia, Sicilia. Ese mundo hablaba un idioma muy similar.

Respecto al proyecto Brion, la primera idea que se me ocurrió: era necesario entrar en el antiguo cementerio, por la tradicional avenida de cipreses que existe en todos los cementerios italianos, y montar una especie de quiosco. Había muchas tumbas de campo feas y santuarios funerarios; así que de repente decidí que debería haber un elemento de perspectiva de interrupción en el tanque de agua. Me gusta mucho el agua, quizás porque soy veneciano…

Dibujé el curso de agua, que nace de cierto punto, y, al sol, dispuse los dos sarcófagos que deben contener los cuerpos de su esposa y el Sr. Brion… La pared inclinada tiene un pequeño abertura oculta. Los que están adentro pueden mirar hacia afuera y ver el campo, mientras que los que están afuera no pueden ver adentro. De esta forma se crea un lugar cerrado. Inmediatamente planté los cipreses, tan pronto como comenzaron las obras…

En la capilla de los familiares, actualmente solo hay una tumba real, mientras que los otros muertos son recordados por piedras colocadas en el suelo.

Me di cuenta de que tenía que estudiar una solución para el parterre debajo de la capilla, porque el suelo sigue siendo árido – siempre hay que definirlo todo – pero el material no es el adecuado, tomaría la piedra del Escorial. En verano es muy bonito; las golondrinas vuelan…

Este es el único trabajo que voy a ver de buen grado, porque me parece que he ganado un sentido del campo, como querían los Brion. Todos van allí con mucho cariño; Los niños juegan, los perros corren: todos los cementerios deberían construirse así y, de hecho, yo había creado uno para Módena que era bastante interesante.

He adoptado algunos trucos. Necesitaba algo de luz y pensé todo en un módulo de 5,5 cm.

Esta razón, que parece una tontería, es en cambio muy rica en posibilidades expresivas y de movimiento… Medí todo con los números 11 y 5.5. Como todo surge de una multiplicación, todo vuelve y cada medida es exacta. Algunos podrían argumentar que las medidas son exactas incluso usando un módulo de 1 centímetro; esto no es cierto, porque 50 por 2 es 100, mientras que 55 por 2 es 110, y con otro 55 es 165, ya no 150, y duplicar es 220 y luego 330, 440. De esa manera puedo dividir las partes, y nunca tendré 150 sino 154. Muchos usan las trazas del regulador o la sección áurea.

El mío es un módulo muy simple que puede permitir el movimiento: el centímetro es árido, mientras que en mi caso obtienes informes. En otras ocasiones, de hecho, me ha resultado muy agradable trabajar con el sistema de medida inglés, que está lleno de posibilidades. Recuerdo que, con motivo de la instalación de la exposición de dibujos de Mendelsohn en San Francisco, mientras dibujaba mis secciones, había un técnico que parecía un leñador y que usaba medidas en pulgadas. Sus medidas correspondían solo en parte a las que yo había tomado, y luego tuve que aceptar las suyas, porque así él veía la materia prima, la madera cortada según las secciones establecidas… (En el pequeño templo de la tumba de Brion) hay pequeñas ventanas que iluminan el altar, y encima hay una cúpula de madera con una ventana que se abre eléctricamente.

En el suelo hay una piedra y luego unas ventanas para iluminar el altar.

Originalmente quería que el vidrio fuera transparente, luego intenté usar alabastro y luego el mármol rosa de Portugal, que filtra una hermosa luz todo el día. El altar está hecho de bronce (fue un accidente de trabajo). Querían hacerlo en hormigón armado, con la adición de un aditivo americano llamado Mc Master, ya que había descubierto que si se echa el hormigón sobre una superficie muy brillante, el material queda brillante. Sin embargo, dado que estos aditivos tienen una base de hierro, cuando lo echamos parecía un pastel, infame. Luego destruí todo. Pero, en mi opinión, el diseño ahora esta bien. Entonces utilicé una lámina de bronce de silicio y lo llené todo con hormigón armado para evitar que resonara. El yeso pintado es lo que hago a menudo, usando pegamento y yeso, para que la mezcla forme una masilla.

Cuando está hecho, se trata con una herramienta adecuada, y se vuelve brillante y suave como la seda. Ahora está un poco estropeado porque no se calienta; la condensación hace que se manche. Alguien dijo: «¡Qué bonito! Parece un Tapiès… pero no es cierto». Son lesiones que ocurren por no pensar en las cosas. Debería haber usado un material diferente, pero ese resultado solo podría lograrse con ese material.

La puerta Mondrian estaba hecha de hierro; quien lo mira puede ver el centelleo de las luces y, por la mañana, el sol hace que las paredes se iluminen de manera diferente. No sé si los jóvenes sienten estas cosas, pero no importa: si la arquitectura es buena, quien la escucha y la mira siente los beneficios sin darse cuenta. El medio ambiente educa críticamente. El crítico, en cambio, es el que descubre la verdad de las cosas… Una vez Le Corbusier le dijo a un alumno: «Lo medito, trato de pensarlo constantemente». Ahora tengo un proyecto en mente para una tienda en Venecia, para un cliente muy rico. Como no puedo tocar nada, tengo que hacer una piel, un forro, pero ¿cuál es el más adecuado en ese lugar? …

No he hecho muchos trabajos desde cero. He organizado museos y realizado exposiciones, siempre operando en un contexto. Cuando se requiere el contexto, quizás, un trabajo se vuelve más fácil. Consideremos el caso de la tienda Olivetti. La tienda constaba de un frente y, tras una pared, había otra habitación. Era necesario subir las escaleras; había espacios forzados, un pilar central, dos ventanas – ¿dónde poner la escalera? Decidí ponerlo donde estaba ganando grosor. También tuve que violentar cosas; poniéndolo en el lugar más difícil, podía tirarlo, y estaba interesado en tirarlo. De esta manera, pude captar mejor la longitud. Al darnos cuenta del problema, comenzamos a trabajar: la escalera es bastante hermosa, son bloques de mármol yuxtapuestos…


Las cosas me vienen lentamente, si hay un punto de partida. La conclusión debe encontrar razones racionales, ineludibles, que sin embargo no tienen nada que ver con el racionalismo y el funcionalismo. Es una escalera muy cara. Pero Olivetti podía permitírselo “para el rey, se puede hacer un palacio real”… Y luego el tema fue: «Una tarjeta de visita en la Piazza San Marco». No cualquier tienda.

Le pregunté al cliente: «¿Qué quieres? ¿Tengo que hacer algunas oficinas?. «No, no… una tarjeta de visita»… quiero confesar: me gustaría que un crítico descubriese en mis obras ciertas intenciones que siempre he tenido. Es decir, un deseo enorme de estar dentro de la tradición, pero sin hacer capiteles ni columnas, porque ya no se pueden hacer. Ni siquiera un dios inventaría hoy una “base attica”.

 Eso solo es hermoso, todos los demás son escoria; incluso los de Palladio, en este sentido, son inmundicias. Al tratar con columnas y entablamentos, solo Grecia ha alcanzado el pináculo del orgullo. Sólo en el Partenón las formas viven como música… En Castelvecchio, todo era falso… Se podía acceder al Museo por arriba y por abajo, por delante y por detrás. Yo, en cambio, dije: al museo se accede por una sola entrada, haces un recorrido total, subes a los pisos superiores, vuelves a bajar y sales por donde entraste. Es un problema «racional»: los acomodadores cuestan dinero, por lo que resultó mejor. Puse un poco de agua y dos grandes setos; Decidí adoptar unos valores ascendentes, para romper la simetría antinatural: el gótico lo requería y el gótico, especialmente el veneciano, no es muy simétrico. Aquí había que hacer otra cosa, pero luego me cansé… sí, porque nunca termino mis obras…

Si hay piezas originales hay que conservarlas; cualquier otra intervención debe diseñarse y pensarse de una manera nueva. No podemos decir: «Yo hago lo moderno, pongo acero y cristales»; la madera puede funcionar mejor, o una cosa modesta puede ser más adecuada. ¿Cómo puedes decir ciertas cosas si no eres educado? educado, como dice Foscolo, «a las historias», es decir, a un vasto conocimiento? si no hay educación en el pasado?

Videos del Centro Carlo Scarpa 

contacto@carloscarpa.es

Fototeca Carlo Scarpa

www.cisapalladio.org

www.flickr.com

-Carlo Scarpa Testimonios

Documental de la TV italiana sobre Carlo Scarpa

-Fragmento del Dvd «Hortus Conclusus. Carlo Scarpa e la Querini Stampalia» de Riccardo De Cal. Con entrevista a Tobia o Scarpa.

Carlo Scarpa. Fondazione Querini Stampalia by Pietro Sava

Una hora con Carlo Scarpa 1971, de Maurizio Cascavilla
La Tumba Brion – Entrevista a Carlo Scarpa

Ultimo Sogno – Parte 1

Ultimo Sogno – Parte 2 

Ultimo Sogno – Parte 3

Retrato de CARLO SCARPA entrevista con Aldo Businaro.

10 minutes in Brion Cementery. Skitchis. 2006

Más artículos en mis blogs:

hugoklico.blogspot.com

y
onlybook.es/blog

Carlo Scarpa 7. “El desequilibrio equilibrado”

Las herramientas para experimentar, procesar y verificar las ideas de diseño

Venecia 2 de junio de 1906 – 1978 28 de noviembre Sendai

¿Cuáles son las herramientas para experimentar, para procesar?…quizás aquellas que pudieran verificar ideas, inventos, creaciones?

Muchas veces estamos tentados de copiar a los que admiramos, a ésta actitud se le dice irónicamente “hacerle un homenaje” al personaje en cuestión, miramos el taller (reconstruído) de Constantin Brancusi (1876 – 1957), cuando damos la espalda al Centro Pompidou, y pensamos que cosas “podríamos hacer allí, si se nos permitiese estar allí…

O el Taller de Joan Miró (1893 – 1983) construido en Palma de Mallorca entre 1953 y 1957 por el arquitecto José Luis Sert López (1902 – 1983), y nos pasa lo mismo.

Aún pecamos de ingenuos, al aspirar encontrar en los elementos, en los caminos, algunos datos que nos permita ser como….

Malas noticias, dicen que “Ningún viento es favorable si no sabes a dónde quieres ir”, y agregan, “Nada es más inútil, que ir rápido en la dirección equivocada”.

Es decir ni las circunstancias ni la improvisación.

Como en tantas otras cosas, en la arquitectura no hay atajos.

Por eso Scarpa, atrapa y tanto….

Teatro

Imaginó que uno iba al teatro para ver las actuaciones pero al mismo tiempo para ser visto, para conocer gente, por lo que abordó el tema de cómo el público podía mostrarse; pensó un teatro como un sistema que facilitaba las interacciones sociales, las relaciones públicas.

Esto ya lo habíamos visto en la Ópera de París, de Charles Garnier (1825 – 1898), donde el acceso y sus magníficas escaleras comienzan el espectáculo de aquellos que van a ver para ser vistos, en un estilo monumental neobarroco muy ornamentado, que Garnier llamó “estilo Napoleón III”.

Ópera de Paris, hall

Desde el punto de vista de la distribución y dado los limites espaciales del teatro a refaccionar, Carlo Scarpa se enfrentaba a 2 problemas principales, el de las escaleras de seguridad, que necesariamente debe ser un cierto número, un cierto ancho, etc., y el de las escaleras de conexión entre los diferentes foyeres.

Por esta razón, algunos espacios fueron diseñados como el proscenio de los propios espectadores, tanto en la sala principal como en el vestíbulo, que se encontraban en diferentes niveles y se podían recorrer en ambas direcciones

Scarpa a menudo inventaba también algunas formas muy particulares de mover las puertas, sus puertas son muy especiales.

A Carlo Scarpa le interesaban los cartones para dibujar y los plásticos, no los hacía él, los hacia yo (Guido Pietropoli) junto a otros colaboradores.

También se interesaba en trabajar modelos de plástico de balsa, teníamos un fotógrafo Diego Birelli que realizaba hermosas fotografías de las maquetas. Las maquetas y las fotografías se utilizaron para trabajar, no para mostrar el proyecto al cliente, eran herramientas para experimentar, procesar y verificar las ideas de diseño

Detalles

Las ventanas removibles de la tienda Gavina en Bolonia son muy interesantes porque el vidrio no es tan fijo como se haría normalmente, tiene soportes con cilindros que van y vienen y un fieltro contra el cual se apoya.

El sistema fue colocar el vidrio, ajustar la presión correcta y bloquear el tornillo para que todo se pueda quitar. Todos estos elementos se encuentran en los detalles de las puertas, en las bisagras, etc. Carlo Scarpa siempre trabaja con el criterio de «desequilibrio equilibrado», lo que resulta muy intrigante.

Teatro Vicenza y Teatro de Génova

Para el Teatro de Génova siempre ha jugado con la idea de la gran sala en dos círculos uno para la parte inferior cerca del proscenio y otro para la parte superior.

Lo vemos en muchos de sus dibujos, es un tema recurrente, que encontramos con muchas variaciones.

En el caso del teatro Vicenza lo vemos en la parte circular inferior, girando alrededor de su diámetro y paralelo a la línea del proscenio. Es uno de los temas interesantes del proyecto y se deriva de sus reflexiones sobre la sala de Génova.

La extraña cobertura del teatro en Vicenza, creo que fue un invento muy rápido: en algún momento fue necesario entregar el proyecto…Carlo Scarpa con las entregas siempre ha tenido problemas.

Un hermoso proyecto que Scarpa podría haber conseguido si se las hubiera arreglado para entregar la documentación a tiempo, fue el Pueblo Olivetti, que luego hizo el arquitecto Luis Fiori. Creo que incluso para la entrega del proyecto para Vicenza hubo problemas pero se resolvieron muy, muy rápidamente.

En el teatro de Vicenza, la reflexión principal (que para mí es la más interesante), se refiere a la sala. En Génova, Scarpa tuvo que garantizar una capacidad de 1800 asientos.

Se midieron todos los elementos para poder hacer todos esos pequeños círculos y, sobre todo, para hacerlos congruentes arquitectónicamente.

Esto también se aplica al teatro de abajo, el más pequeño, el número de asientos también fue muy problemático, una de las mayores contribuciones de Scarpa fue su capacidad para diseñar edificios que respondan al contexto, y en particular al contexto más difícil de enfrentar para los arquitectos modernos, que es lo urbano, lo histórico-monumental.

El contexto del teatro de Génova era más problemático porque existía el edificio Barabino preexistente que, después de haber sido bombardeado, tuvo que ser reconstruido. El teatro Barabino no tenía equipo de escenario actualizado como el que los genoveses requerían, por lo que no podríamos limitarnos a una simple reconstrucción filológica.

En este sentido, Scarpa interviene con una habilidad extraordinaria: trae un proyecto cívico, un proyecto que encaja perfectamente en la ciudad que lo solicita. Así que responde muy bien a las necesidades del contexto

En el caso de Vicenza, sin embargo, el contexto era bastante simple y no planteaba problemas particulares. Era un jardín entre la ciudad histórica y la estación de tren, un contexto mucho menos exigente que en Possagno, Bolonia o Verona.

El proyecto de Vicenza tiene relaciones con un contexto simple, de alguna manera elemental…la interacción con el contexto no es el tema principal de este proyecto. Lo más interesante es el tema de la sala.

La arquitectura no solo debía ser visual, sino que debía incluir sonidos, olores y experiencia táctil. Scarpa concibió la arquitectura como multisensorial

Como dije, para Carlo Scarpa la relación con el contexto, y con la situación climática es muy importante.

A menudo presento la casa Veritti como una casa solar porque tiene una ventana de dos pisos orientada al sur, una pared muy protectora hacia el norte…Scarpa era muy sensible a estos «personajes ambientales» y solía decir que la arquitectura no solo debía ser visual, sino que debía incluir sonidos, olores y experiencia táctil. Scarpa concibió la arquitectura como multisensorial.

Fue una gran enseñanza para mí, de hecho, luego desarrollé estos problemas, no tanto en el sentido funcional de reducir el consumo de energía, lo que también es importante, sino para ofrecer a la arquitectura una calidad a menudo olvidada debido a una acentuación visual excesiva.

Scarpa imaginó que uno iba al teatro para ver las actuaciones pero al mismo tiempo para ser visto, para conocer gente, y luego abordó el tema de cómo el público podía mostrarse; pensó en el teatro como un sistema que facilitaba las interacciones sociales, las relaciones públicas.

Por esta razón, algunos espacios fueron diseñados como el proscenio de los propios espectadores, tanto en la sala principal como en el vestíbulo, que se encontraba en diferentes niveles y se podía recorrer en ambas direcciones.

Scarpa a menudo inventaba también algunas formas muy particulares de mover las puertas, Deberíamos estudiar dar una charla sobre la arquitectura cinética que aún no está muy estudiada. Algunas de estas puertas las he publicado en un artículo.

Lo importante, y lo repetía a menudo a los estudiantes, era: primero, reconocer la potencialidad de una idea para saber cómo «parar», segundo, tener la capacidad de elaborar esta idea.

Decía”…se necesita la capacidad crítica para reconocer ideas interesantes desde el punto de vista arquitectónico, y luego se necesita la capacidad compositiva para elaborar estas ideas para que se conviertan en arquitectura”.

Estructura. Desequilibrio equilibrado. Estabilidad dinámica

El uso de círculos de dos centros es característico de su forma de proceder, en el sentido de que Scarpa a menudo usa parejas.

Por ejemplo, si tiene que soportar una cosa, en lugar de colocar dos apoyos y apoyarlo directamente, pone un soporte excéntrico que lo haría caer y luego un segundo, diferente, para equilibrar la falla producida por el primero. También se puede ver en la entrada del IUAV, que está apoyada por una rueda excéntrica y, por lo tanto, tiende a caerse: sin embargo, hay una segunda rueda que corre sobre un riel y endereza la primera.

Esto también ocurre en muchos soportes de obras de arte: en Castelvecchio, en la Galleria di Palermo y en otros museos.

En la escalera de la sala de exposiciones Olivetti, el escalón gira sobre un pivote; luego Scarpa agrega un tornillo para que puedas nivelarlo.

El plano no es horizontal, pero se puede ajustar, por lo tanto, se puede volver a la horizontalidad perfecta, como un instrumento de medición científico, en lugar de apoyarlo tan recto como cualquier otra persona, Scarpa lo pone desequilibrado y luego inserta algo para que recupere el equilibrio.

En mi opinión, este trabajo en parejas y en «desequilibrio equilibrado«, es muy intrigante, muy sutil, es un elemento muy importante en los reflejos de Scarpa y se encuentra en su arquitectura, pero también en sus esculturas, por ejemplo en la Subasta, que tiene varios tipos de equilibrio. Producía una «estabilidad dinámica»

Modelos para experimentar, procesar y verificar

A Scarpa le interesaba trabajar los modelos en plástico, menos los modelos en cartón o plásticos de balsa, que los hacia yo u otros colaboradores.

Los modelos y las fotografías, que realizaba Diego Birello, se utilizaban para trabajar, no para mostrar el proyecto al cliente, eran herramientas para experimentar, procesar y verificar las ideas de diseño.

Siempre consideraba los diferentes elementos arquitectónicos como el arranque del suelo, la coronación, el ático y el cuerpo intermedio, como en la arquitectura clásica.  En su modernidad, Scarpa nunca ha transgredido estos principios que eran absolutamente fundamentales para él.

En sus dibujos vemos personas, porque Scarpa daba así sentido (y escala) al tamaño del edificio.

Voces sobre Carlo Scarpa: Guido Pietropoli

Palladio Museum

Guido Pietropoli

Treviso, Centro Carlo Scarpa 

Entrevista de Orietta Lanzarini 

20 de Abril de 2009

Principales obras citadas

  • IUAV (1964-1970)
  • Complejo monumental Brion en  San Vito d’Altivole (Treviso) (1969-1978)
  • Villa Il Palazzetto, Monselice (Padova) (1971-1978)
  • Instalación “Carlo Scarpa” en el Heinz Galería – RIBA (Londres 27/2 al 12/4 de 1974)
  • Casa Ottolenghi, Bardolino, Verona (1974-1978)
  • Portal de la Facultad de Letras y Filosofía. Universidad Ca´Foscari en San Sebastiano, Venecia (1976-1978)
  •  

Extracto de la video entrevista. Texto integral

http://mediateca.palladiomuseum.org/s…

1970 en Monselice, Carlo Scarpa con Guido Pietropoli y un colaborador

Resumen

Conocí a Carlo Scarpa cuando me matriculé en arquitectura en la IUAV en el año 1964/65, donde estuve hasta 1970, asistí a sus clases, especialmente sobre Frank Lloyd Wright cuando regresó de los EEUU.

Yo estudiaba con Mario Botta (1943) con los hermanos Petrilli, todos seguíamos a Le Corbusier (1887 – 1965) quien en abril de 1965 vino a Venecia para presentar su proyecto del hospital.

Cuando vi en la Plaza de San Marco la tienda Olivetti, podría repetir lo que dijo Carlo Scarpa sobre Wright “…me llevó como una ola”.

También podría decir que Carlo Scarpa era el profesor más antiprofesional de la Facultad.

Logo Olivetti

…Fue un educador, un gurú, una persona que amaba a sus alumnos por la frescura y también por la ingenuidad de sus pensamientos; estaba dotado para enseñar, tenía una gran facilidad para explicar y mostrar cosas, en lugar de demostrarlas. Rara vez citó hechos o teorías recientes; dibujó y cuando corrigió un trabajo se puso a la altura de los estudiantes. 

Sus conferencias eran muy divertidas, no hubo manto académico. Una frase que solía repetir era «Disculpa si te interrumpo, te miro y tú me distraes porque miro con mis ojos, no miro con mi cerebro como lo hace Tafuri», una forma de decir que para él la lección no podía separarse de la experiencia de la audiencia. 

Las primeras lecciones que seguí, fueron aquellas memorables sobre Wright, trajo sus diapositivas y contó todo, incluso la incomodidad de dormir en la cama de Wright y el deseo de irse lo antes posible para no ser influenciado -aún más-.

En la IUAV tenía excelentes relaciones con algunas personas como Bruno Zevi (1918 – 2000) o Franco Albini (1905 – 1977).

IUAV

…Las relaciones de edad también habían cambiado, los que lo frecuentaban eran bastante más jóvenes que él: Carandente, Mazzariol y otros.

Luego estaban los amigos del extranjero, como Stefan Buzas (1915 – 2008) y Alan Irvine, gente que Scarpa amaba; y nuevas personas como Aldo Businaro y Peter Noever (1941), director del Museo de Artes Aplicadas de Viena, que lo querían mucho y venían a visitarlo.

Video que contiene un breve coloquio con Aldo Businaro.

Carlo Scarpa con Aldo Businaro

…para poder graduarme con él, le dije “que estaba dispuesto a limpiar los pisos del estudio solo para verlo trabajar”, respondió: «Sube y hablemos de ello». 

Le propuse una tesis sobre un nuevo edificio residencial en la ciudad amurallada de Monselice, él aceptó y desde entonces fui muchas veces a Asolo.

Luego Carlo Sarpa se mudó a Vicenza porque lo habían desalojado de ese apartamento, que era muy lindo, Federico Motterle (1936) le había encontrado un lugar para hospedarse en la Villa dei Nani de Vicenza.

…nada más llegar a su estudio, me planteó el problema del vidrio de la Capilla del Cementerio Brion que quería insertar en las paredes de tal forma que no se viera el marco de la ventana. 

Los mosaicos de vidrio sirven de remate o bien marcan una línea horizontal en algunos casos.

Detalle Muro Tumba Brion

Detalle Muro Tumba Brion

Estudié una hendidura para insertar el vidrio por un lado, deslizarlo y entrar completamente en la carcasa y luego bloquearlo…

…A veces solía ​​pasar medio día sin hacer nada porque Scarpa no sabía planificar bien su trabajo ni estaba acostumbrado a pedir ayuda a los demás…estaba acostumbrado a hacerlo todo solo. A veces pasaba las tardes mirando sus proyectos, observando los dibujos originales de Wright para la casa Masieri o la mesa Doge.

En el papel el lápiz fluye y el pensamiento gira

…el dibujo fue sin duda la principal herramienta utilizada por Scarpa

Aunque aparentemente lo usó de una manera absolutamente tradicional, creo que anticipó muchas técnicas que pertenecen a la computadora en la actualidad.

De Scarpa aprendí el placer de dibujar…estábamos acostumbrados al papel de calco.

El uso que hizo Scarpa del cartón y otros tipos de papel, en cambio, me dio un placer que también fue físico; en el papel usó el lápiz, que fluye y el pensamiento gira…Con Scarpa dibujaba mucho esbozando: tenía rollos de papel fino, primero el sueco blanco -Vangshir- y luego, cuando Louis Kahn le dio unos rollos, el amarillo (papel de calco canario), que también se utilizó para los dibujos finales (se consideraba una buena tarjeta aunque solo fuera porque Kahn se la había dado). 

Scarpa dibujaba sin cesar, sus pensamientos siempre estaban ilustrados con bocetos. 

…la idea que surge, la idea que se abandona, la idea que se fija y luego se reelabora.

A menudo el nacimiento de un pensamiento, sus posteriores modificaciones, vueltas, etc. se pueden reconstruir a partir de la secuencia de papeles tisú y luego a partir de la transcripción del dibujo en un papel más pesado. 

Son las imágenes fijas de una película: desde la velocidad y la técnica de un boceto entendemos la idea que surge, la idea que se abandona, la idea que se fija y luego se reelabora. 

En este sentido podríamos hablar de una técnica de dibujo por capas, que es la que ahora se utiliza normalmente en el dibujo por ordenador y que permite «activar» o «desactivar» determinadas capas. 

Me enseñó un análisis de la arquitectura superponiendo o adelgazando capas, y eso fue extraordinariamente formativo, profundo.

Los dibujos finales en transparencias de la noche, florecieron misteriosamente luego…por la noche: al día siguiente los vimos sobre la mesa y nos asombramos porque, si siempre hubo un momento en el que el proceso compositivo fue claro, también hubo otro en el que te preguntabas «¿cómo pasó de esa solución a esta?»; en algunos casos las citas, las referencias a un determinado recuerdo eran reconocibles, en otros casos había un vacío.

Sé que en la mañana revisó la humedad de la habitación, probó el lápiz para ver si fluía, trató de entender si el día sería favorable para su «danza cósmica”… creo que tenía una hipersensibilidad que le permitía captar cosas que nosotros no percibimos; cuestiones que aparentemente eran marginales. 

Lo recuerdo pensando en la elección de la dirección de una escalera de caracol, nos decía que la rotación en una u otra dirección tiene un significado diferente, “cada elección que haces tiene un significado simbólico y sagrado”.

capítulos anteriores:v

A pesar del virus, el mundo existe y no está en paréntesis I

Montañas de sal, Bastak en Irán.

Hace millones de años, el Golfo Pérsico era una superficie de agua que ocupaba parte de la Península Arábiga e Irán. Al evaporarse el agua dejó grandes cantidades de sal que se fue juntando con los sedientos que las lluvias llevaron de las montañas. En la montaña Namakdan hay una cueva de sal de 6.4 km con glaciares, manantiales y valles salinos.

Caño Cristales

Es un río de Colombia (se llaman caños a los ríos de menor longitud y anchura) que está ubicado en la sierra de la Macarena. Se lo llama “rio de los dioses”, “de los siete colores”, en su fondo se reproducen plantas acuáticas que a la exposición del sol cambian sus colores del verde al rojo intenso. Rojo, amarillo, verde (por las plantas), negro (del agua que baja de la selva), blanco por la espuma y azul por el reflejo del cielo. Participa de tres ecosistemas ricos en diversidad de flora y fauna: cordillera de los Andes, Llanos Orientales y selva Amazónica. «En cada brecha los nuevos gérmenes apresuran las gestaciones».

Las Auroras Boreales

Entre finales de septiembre y finales de marzo, en el norte de Noruega oscurece a primera hora de la tarde y no hay luz hasta media mañana. En esa época cuando podremos admirar las “mágicas luces del norte”, las auroras boreales. Se producen tras una colisión de partículas de alta carga eléctrica, procedentes del sol, que penetran en la atmósfera terrestre.

Aparecen por la noche, cuando el cielo está oscuro, un ballet de luz celestial que baila por el cielo nocturno, con una paleta de colores que van del verde, al rosa o el morado.

En días despejados, se pueden ver estos hermosos colores de la puesta de sol en el sur, y en el cielo en el norte aparece la llamada hora azul, justo antes de anochecer.

Entonces, los paisajes se tiñen de un color azul brillante.

Ponte Vecchio

Sobre el río Arno, en Florencia, hay un famoso puente medieval, el Ponte Vecchio.
El puente se sostiene sobre tres arcos, el principal de 30 metros de luz y los otros dos de 27 metros.
Se cree que el primer puente fue construido en madera por los romanos en el 150 a.C, y luego de sucesivos puentes, se realiza el actual en piedra entre 1335 y 1345.
Giorgio Vasari (1511 – 1574) en su obra “Vidas” atribuye su diseño al arquitecto y pintor Taddeo Gaddi (1300 – 1366), éste fue alumno de Giotto (Giotto di Bondone c. 1267 – 1337).
Es posible que el término “bancarrota” se originara en este puente, cuando un vendedor no podía pagar sus deudas, su mesa o puesto para la venta, era rota por los soldados. Sin una mesa el comerciante no podía vender sus mercancías.
Si se mira atentamente el puente, tiene en su parte superior un pasadizo o galería con ventanas, sirvieron para conectar el Palazzo Vecchio (sede del poder político, que está en la plaza de la Signoria) con el Palazzo Pitti (residencia de la familia Medici), el Gran Duque Cosimo I de Medici encargó en 1565 a Giorgio Vasari que construyera el famoso Corredor Vasariano.
La idea de una galería elevada fue motivada por las exigencias del Gran Duque para moverse libremente desde su residencia al palacio de gobierno, en una ciudad en la cual ya no era tan apreciado, después de la abolición de la República de Florencia, y se la relaciona con la boda de su hijo Francisco con Juana de Habsburgo-Jagellón.

El Mercado de Carnes de Ponte Vecchio fue trasladado para evitar que el Gran Duque lo oliera al pasar, y su lugar fue ocupado por orfebrerías que todavía se encuentran allí.
En el medio del Ponte Vecchio el Corredor Vasariano se caracteriza por tener unas ventanas panorámicas con vistas al Arno y de la ciudad en dirección al Ponte Santa Trinitá, Fue Benito Mussolini quien ordenó reemplazar las pequeñas ventanas de la construcción original (se ven en la foto).

Casa sobre el Arroyo

La Casa sobre el Arroyo, como la bautizaron los arquitectos Amancio Willians (1913 – 1989) y Delfina Gálvez de Williams (1913 – 2014) o la Casa del puente, como lo hizo la cultura popular, está en Mar del Plata, y tiene un ángel de la guarda, Magali Potter.

Construida entre 1943 y 1946, esta casa de 9 x 27 metros, es un referente de la arquitectura del movimiento moderno del siglo XX, fue la casa de la familia del músico y compositor Alberto Williams. Fue en esta casa, un puente que besa las dos orillas del arroyo Las Chacras, en una síntesis de puente, terraza, galería donde los arquitectos Gustavo Nielsen, Guillermo de Diego, y yo, dimos una entrevista pública en uno de los intentos de salvar al Parador Ariston, que culminó con la declaración de Patrimonio Histórico Nacional (ley 12665) y su segura próxima puesta en valor, porque los ángeles existen y “gustan de la arquitectura”.

Amancio Williams fue el colaborador y director de Obra de la casa del Dr. Curutchet diseñada por Le Corbusier, y que está en la ciudad de La Plata.

Palacio de Obras Sanitarias de Buenos Aires

Una envolvente genial de terracota de una de las mayores estructuras de hierro fundido del continente.
Declarado Monumento Histórico Nacional en 1989.
El Palacio de Aguas Corrientes “Ing. Guillermo Villanueva” de Buenos Aires, fue construido para alojar los tanques de suministro de agua de una ciudad en pleno crecimiento de finales del siglo XIX (1887-1894).
Fue diseñado por el arq. Noruego Olaf Boye quien trabajó con arq. como Juan Antonio Buschiazzo, Adolfo Buttner o Carlos Altgelt (dirección de Carlos Nyströner).

De estilo ecléctico, ocupa una manzana en el barrio de Balvanera.
El cólera (1867), la tifoidea (1869), y la fiebre amarilla de 1871 que mató a 14 mil de los 178 mil habitantes de Buenos Aires mostraron la necesidad de resolver las deficiencias del sistema de agua potable.
12 tanques contienen 72 millones de litros de agua.
Algunos materiales fueron realizados en San Isidro, Pcia de Bs As, pero su gran mayoría fueron importados de Bélgica, Inglaterra y Francia. Solo la fachada tiene 300 mil piezas numeradas para facilitar su ensamblaje.
Se pueden visitar las plantas de tratamiento, tiene una biblioteca y un museo, la entrada es gratuita.

Ronda

Ronda pertenece a Andalucía, a 100 km de Málaga. Tiene 34.000 habitantes. Ronda tiene su origen en la Arunda romana, a partir de los asentamientos ibéricos existentes, estuvieron los visigodos y los musulmanes. Tiene un emplazamiento que ha facilitado siempre la defensa de la ciudad. La meseta donde se asienta a 723 metros de altura, está cortada por un profundo tajo por el que transcurre el rio Guadalevín.

Buenos Dias. La villa Quijano, conocida popularmente como “El Capricho”, es un edificio modernista de 720 m2 situado en la localidad de Comillas en Cantabria.

El Capricho

Proyectado por Antoni Gaudi, fue construido entre 1883 y 1885 bajo la dirección de su ayudante Cristóbal Cascante. Fue un encargo del “indiano” Máximo Diaz de Quijano.

“Indiano” era la denominación coloquial del emigrante español en América que retornaba enriquecido, una tipología social que desde el siglo de oro se había fijado como un tópico literario.

Los indianos, eran líderes locales en la época del caciquismo (finales del XIX y comienzos del XX, grandes contingentes de regiones con fácil salida al mar como Galicia Asturias Cantabria, el País Vasco, Cataluña y Canarias iba a  ”hacer las Américas”, emigraban en busca de familiares ya instalados para enriquecerse en paises como Argentina, Brasil, Cuba, Uruguay o Venezuela.

A sus regresos, mostraban sus éxitos construyendo mansiones, era la evidencia de su riqueza

Es una etapa orientalista de Gaudí (1883 – 1888) periodo en el que se interesó y realizo obras de marcado gusto oriental, inspiradas en el arte de la India, Persia y Japón, le intereso especialmente el arte islámico y su interpretación hispánica del mudéjar y nazarí.

Luego de la guerra civil El Capricho sufrió abandonos, en 1977 se vende al empresario Antonio Diaz que lo restaura y en 1988 lo convierte en restaurante, luego en 1992 el grupo japonés MIDO development lo adquiere en el 2009 y lo convierte en museo. Llega a manos de Gaudí por estas relaciones, Máximo Diaz de Quijano y Fernández de San Juan (1838 – 1885), fue un indiano enriquecido en Cuba, abogado, carlista y aficionado a la música y la botánica, concuñado de Antonio Lopez y Lopez, marqués de Comillas, suegro del empresario catalán Eusebi Guell, el principal mecenas de Gaudí

Quirós, principado de Asturias

Es una localidad del concejo de Quirós en el Principado de Asturias. . En el Concejo hay 63 pueblos. Sobre unos altos hornos de fundición del siglo XIX se hizo el Museo Etnográfico, Donde se muestra la forma de vida de los campesinos, y sus cambios de vida debido a la minería. Y como eran los oficios del madreñero, que es quien realiza los calzados de madera, necesarios por el clima húmedo y lluvioso de Asturias e idóneos para los caminos embarrados y los campos mojados; además de los cesteros, carpinteros o maderistas. Su arquitectura al igual que la de otros pueblos incluye el hórreo, fuente, lavadero, abrevadero y siempre una escuela.

El Mont Saint Michel

Es un islote rocoso del estuario del rio Couesnon en la Normandía francesa. 2 veces al día la marea sube hasta 14 metros de altura y rodeándolo, lo convierte en isla. Tiene 3.97 km2. La Abadía se construye en la Edad Media, y es terminada en 1228 en estilo normando.

Patones de Arriba

Es un mágico y encantador pueblo de la Sierra Norte  solo 60 km de Madrid, como era de esperar tiene sus calles empedradas y sus casas de pizarra negra.

Un lugar para perderse como un paseante sin destino fijo, como el “Flaneur” del poeta Charles Baudelaire (1821 – 1867), que en sus escritos literarios dice que puede serlo el “observador apasionado”. O como un sonámbulo viviendo un sueño tan real como aquel francés que se auto tituló Rey de Patones de Arriba, siguiendo la tradición de los sarracenos.

Dicen las crónicas, que gracias a esta dinastía, Patones de Arriba consiguió resistir la ocupación de los musulmanes.

La montaña de Ai Petri

Situada en Rusia y este puente colgante en la península de Crimea, separa en dos el municipio de Yalta. Tiene la enorme ventaja para decidir no ir nunca en la vida, que es uno de los lugares mas ventosos de la península, durante 125 días al año. Pero quizas habría que ir, ya que tiene un río en su fondo que fluye por huecos . Según la leyenda, cualquier persona que se bañe en esos huecos puede volverse más joven.

Sendero West Rim

El famoso sendero West Rim está cerca de Lava Point. Aquí se realizan increíbles caminatas, por los parques nacionales en el sur de Utah: Zion y Bryce Canyon. En general se sale de Las Vegas, y sus caminatas demandas días enteros atravesando paraísos. Caminatas largas y duras, con vistas impresionantes de montañas, cañones y bosques. Con ascensos desafiantes que incluyen nieve en medio del calor del verano.

La Capadocia



Es una región semiárida en Turquía central a una hora de avión de Estambul. Allí están las casas de la edad de bronce que sus habitantes (trogloditas) esculpieron en las paredes de los valles y fueron usadas por los primeros cristianos . Formada por valles y caprichosas rocas cónicas existen misteriosas ciudades subterráneas (un total de 36) DERINKUYU es la más grande con 20.000 habitantes.

Estación de Canfranc

Una estación de tren abandonada, el lugar de arribo al que nadie arriba, del cual nadie parte, es un no lugar cargado de recuerdos. A 88 Km de Huesca.
Es la estación internacional de Canfranc entre Francia (Pau) y España (Jaca), a través del túnel de Somport (construido en 1914) fue un edificio esplendoroso, con varias influencias arquitectónicas, que fue concebido como gran escaparate de España ante los visitantes extranjeros.
Construida en 1904 para desarrollar el transporte transpirenaico, su tamaño es comparable a la de la estación de Saint-Lazare en París. Llamaba la atención su edificio de pasajeros, en tres volúmenes y con grandes ventanales, pilastras clásicas y trabajo en madera del gusto art dèco de la época.
Las compañías Midi Francés y Norte de España presentaron el proyecto de la estación internacional entre 1909-1910, empezándose a construir en 1915, tras la Primera Guerra Mundial, y finalizándose en 1925, inaugurada por el rey Alfonso XIII, su momento de esplendor fue en los años 30.
Cerró la primera vez en 1936 durante la Guerra Civil española, pero fue reabierta en 1940. Y se cierra entre 1945 y 1949 por desacuerdos políticos con el gobierno francés.

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Durante ese periodo de guerra y postguerra, fue escenario de apasionantes historias de espías.
En 1970, el descarrilamiento de un tren de carga provocó la demolición del puente Estanguet y el fin del tráfico internacional. La estación se cerró y se convirtió en una estación fantasma.
Se la puede visitar acompañados de un guía. www.canfranc.es o llamando al Tel. 974 373 141

Oslo, capital de Noruega

En 1624 se la llamó Christiania, en 1897 Kristiania. En 2018 vivían 680.000 habitantes. Tiene 144 km2. En invierno -7 y en verano +20. Arq. Moderna: el Opera & Ballet Noruego del estudio Snohetta; Museo Astrup Fearnley del arq Renzo Piano; Barcode formado por 12 edificios del estudio MVRDV; Oficina Equinor del estudio A-lab; Puente peatonal Akrobaten de L2 architects; Holmenkollen Nat. Ski Arena de JDS architects; Biblioteca Pública de Oslo del arq Nils Riersen.

Parque de Hitachi. Japón

Está al norte de Tokio, en la región de Kantó. Tiene 190 hectáreas donde florecen flores azules y tulipanes. Son fascinantes los Arbustos Rojos. Allí se celebra el Festival de Rock.

China

Cañón del Sumidero

Este cañón con un acantilado de mas de 1.300 metros de altura está sobre el cauce del río Grijalva, que recorre los estados de
Chiapas y Tabasco para desembocar en el Golfo de México. A este parque Nacional se puede llegar en lancha desde la ciudad de Chiapa de Corzo o en auto o autobús hasta el complejo eco-turístico frente a la presa Chicoasen.

TIBET



El Tibet es una región situada al Noroeste del Himalaya. Es la región más alta de la tierra, 4.900 metros de altitud media, con el Monte Everst (8.850 metros).

Su capital tradicional es Lhasa. El Palacio de Potala y Norbulingka fueron las residencias del Dalài Lama.

Brittany. Francia

Hassan Fathy. El futuro a través del pasado.

Hassan Fathy

A contracorriente

“en otro tiempo, había una belleza innata en todo lo que nos rodeaba, éramos nosotros mismos”

El futuro a través del pasado

Hassan Fathy. Dibujo para la casa Hamdi Seif Al-Nasr, El Fayum, 1944

La exposición está abierta desde el 21 de enero hasta el 16 de Mayo de 2021, en la Casa Árabe, enfrente del Parque del Retiro en Madrid. Alcalá, 62.

Créditos

Comisario José Tono Martínez

Coordinación Nuria Medina

Diseño de sala María Fernández Hernández y Juan García Millán

Diseño de gráfica de exposición Lorena López de Benito

Revisión términos de arquitectura en árabe Jose Miguel Puerta Vílchez

Catálogo de la exposición Ediciones Asimétricas y Casa Ärabe

Modelización 3D de maquetas Fabricio Santos, Fab de Fab

En varias frases que leí en la exposición, figura el calificativo de barato, que yo he cambiado por económico, porque pienso que el precio no es una clasificación en la arquitectura. Quizás otras clasificaciones, como popular, del lugar, tengan la misma intención.

Comentando la arquitectura de Hassan Fathy, mencioné que lo que caracteriza a la arquitectura, no es su valor por m2, sino su utilización social.

Que sea cara o barata, no la hace más justificable o le asigna un plus, si lo es que haya incorporado al destinatario de sus obras en sus diseños.

Me ha interesado, sobre todo que sea una arquitectura respetuosa del lugar, de sus gentes, de sus posibilidades reales, sin que aparezca una interpretación de ellas, sino, que es un aporte cultural, el aporte cultural de Hassan Fathy.

Si entendemos la arquitectura como un lenguaje complejo y sutil, valoraremos especialmente el vocabulario arquitectónico de Fathy.

“El futuro a través del pasado”.

Decía En otro tiempo, había una belleza innata en todo lo que nos rodeaba: éramos nosotros mismos”.

Mejor que tratar de explicarlo, será compartirlo.

Allá vamos,

El arquitecto egipcio Hassan Fathy (Alejandría 1900 – 1989 El Cairo) fue uno de los fundadores de la construcción sostenible, y vernácula (en el sentido de la recuperación de las técnicas y artes tradicionales).

Estudio y fue profesor en la Universidad de el Cairo, en 1980 obtuvo el Premio Balzan (desde 1961 lo otorga la Fundación Fundación Internacional Balzan a científicos y artistas de todo el mundo que destacan por sus contribuciones en los campos de las Ciencias y las Artes. ​ Entre los galardonados se encuentran Paul Hindemith, György Ligeti, Jorge Luis Borges y Karlheinz Böhm).

y el premio Right Livelihood (conocido como Premio Nobel Alternativo se entrega desde 1980 gracias al filántropo Jakob von Uexkull, ​ y se presenta anualmente en el Parlamento Sueco, el 9 de diciembre, para homenajear y apoyar a aquellas personas que «trabajan en la búsqueda y aplicación de soluciones para los cambios más urgentes que necesita el mundo actual». Un jurado internacional decide el premio en ámbitos como protección medioambiental, derechos humanos, desarrollo sostenible, salud, educación, paz).

En el curso de su larga carrera concito un creciente reconocimiento a trilingüe profesor-ingeniero-arquitecto, músico aficionado, dramaturgo, inventor.

Diseñó cerca de 160 proyectos independientes, desde los modestos refugios de campo al planeamiento completo de comunidades con servicios de policía, bomberos y médicos, con mercados, escuelas y teatros, con espacios para el culto y el ocio, incluyendo otros como el servicio de lavandería, hornos y pozos que algunos urbanistas menos en sintonía con lo social llamarían lugares de trabajo.

1980

La exposición, exhibe planos, maquetas y fotografías de obras emblemáticas de Hassan Fathy, así como de su vocabulario arquitectónico.

Con especial atención se presenta el proyecto de New Gourna en Luxor (1945 – 1949)  que le dio reconocimiento mundial. Se trata de un ejemplo de planeamiento urbano integral, hoy protegido por el World Monuments Fund y UNESCO. 

La exposición también presenta algunos libros importantes que ilustran su trabajo como el conocido Architecture for the Poor: An Experiment in Rural Egypt, procedentes de los fondos de la Biblioteca Islámica de la AECID.

Su obra ha dejado una gran impronta en arquitectos y artistas contemporáneos, también presentes en la exposición.

Fathy se fijó en las propiedades milenarias del adobe, arcillas y arenas secadas al sol y mezcladas con paja, material constructivo disponible y barato, con altas capacidades de aislamiento térmico. Esta tradición milenaria ha sido fundamental en el desierto, donde se producen fuertes contrastes de temperatura entre el día y la noche, y donde la abundancia de arena implica accesibilidad de materiales y economía de recursos.

Hassan Fathy, erudito, pintor, poeta y pensador fue un intelectual que vivió los momentos más importantes del Egipto del siglo XX. Se opuso a la idea neocolonialista que pretendía homogeneizar la cultura egipcia según un esquema internacionalista. Con su filosofía constructiva volvió a las raíces, a mirar las enseñanzas del campesino tradicional, del “fellah”, o a las tradiciones nubias del sur donde se seguían construyendo cúpulas, arcos y bóvedas inclinadas, sin armazón, como se hacía desde tiempo inmemorial.

Durante la II guerra mundial, y más tarde trató a intelectuales como Naghib Mahfuz

El premio Nobel egipcio, o al artista Hamed Said, para quién construyó su estudio en ladrillos de adobe, la casa Toub Al Akhdar en Marg. Ambos pertenecieron al gruo de artistas y pintores del llamado grupo de los riends of Arts and Life.

Todos fueron pioneros de la educación social y del contexto, y hacían prácticas de sus enseñanzas con sus estudiantes, animando a éstos a trabajar y convivir con los campesinos o con los artistas locales, también defendió la artesanía y los viejos oficios.

La defensa de la artesanía y de los viejos oficios, halla lugar de excepción en su obra teatral en cuatro actos “El Cuento de la Celosía” de 1942.

Diseñó la villa de Nuevo Gourna entre 1945 y 1948, haciendo antropología, incorporando a su diseño un tratado de usos y costumbres de los habitantes de aquel pueblo que había vivido del expolio de las tumbas del Valle de los Reyes..

Los retos planteados por Fathy (plasmados en el conocido ensayo Architecture for the Poor: An Experiment in Rural Egypt), se adelantaron, en dos generaciones, a inquietudes que desarrollarían autores internacionales como el chileno Alejandro Aravena (1967) el burkinés Francis Kéré (1965) o la francesa Anne Lacaton (1955), incorporando la visión del destinatario en los diseños.

Fathy lo explicó en su libro Gourna, a tale of two villages de 1969, título original del famoso Architecture for the Poor: An Experiment in Rural Egypt, publicado por la University of Chicago Press, en 1973.

La exposición, dedicada in memoriam al arquitecto Luis Maldonado Ramos (1957 – 2017) y que reconoce la inmensa labor investigadora de James Steele, expone planos, maquetas y fotografías de obras emblemáticas, así como su vocabulario arquitectónico.

Una exhibición que da cuenta de esos principios de arraigo y sostenibilidad que determinaron su obra.

Entre sus más de 160 proyectos cobra protagonismo especial, el New Gourna de Luxor, que desarrolló en la segunda mitad de la década de los cuarenta y que hoy consideramos ejemplo de planteamiento urbano integral, hasta el punto de ser protegido por el “World Monuments Fund” y la “UNESCO”.

Falleció el 29 de noviembre de 1989, en su mansión otomana del viejo Cairo.

Su historia, poco conocida en España,  merece ser contada.

Antes de que las cátedras de arquitectura analizaran materiales apropiados a la sostenibilidad, Hassan Fathy, nacido en Alejandría en 1900 y figura clave de la disciplina en Egipto, ya estudió las cualidades del nada contemporáneo adobe (arcillas y arenas secadas al sol y mezcladas con paja) en cuanto recurso constructivo económicos, fácilmente disponible en amplias zonas del planeta y con muy beneficiosas propiedades como aislante térmico.

Especialmente en el desierto, dada la diferencia de temperaturas entre día y noche, su uso cuenta con una extensa tradición.

Reticula muro

Hassan Fathy. Nuevo Gourna, 1948

De espíritu tan místico como ilustrado, Fathy siempre valoró la historia pasada de la arquitectura y su imbricación en distintos países y climas, se opuso, por tanto, a las tendencias neocolonialistas que pretendían homogeneizar también los rasgos constructivos internacionalmente.

Mezquita

Se esforzó en dirigir su mirada a las raíces, en su caso a las propias de la cultura nubia del sur, con sus cúpulas, arcos y bóvedas inclinadas, sin armazón, presentes en la región desde hace siglos.

Durante la II Guerra Mundial, se codeó con intelectuales y artistas del colectivo Friends of Art and Life, del que formaron parte el escritor Naghib Mahfuz (1911 – 2006) o Hamed Said, para quien Fathy (también pintor, poeta y pensador) diseñó un estudio elaborado justamente con ladrillos de adobe: la casa Toub Al Akhdar de Marg.

Casa Casaroni, 1980

No hay que olvidar que Fathy inició su trayectoria cuando su país acababa de independizarse del Reino Unido y se gestaba un movimiento político y cultural que pretendía la autoafirmación y también alcanzar una modernidad desde cánones propios: la Nahda.

Ya consolidada su labor, entre 1957 y 1962 colaboraría con el arquitecto y urbanista Constantino A. Doxiadis (1913 – 1975), fundador del Centro Ateniense de Ekística, la llamada ciencia del hábitat, y en 1976 fundó el Instituto Internacional de Tecnología Apropiada.

Entre los galardones que recibió hasta su muerte, en 1989, se encuentra el Aga Khan de Arquitectura o el Right Livelihood Award.

Sidi Krier, 1971

Nuevo Gourna

El pueblo de Nueva Gourna, en Luxor, fue encargado a Hassan Fathy por el Departamento de Antigüedades de Egipto en 1945. El objetivo del proyecto era utilizar materiales y técnicas locales para reubicar el Viejo Gourna, una comunidad de arqueólogos aficionados que había surgido cerca de los sitios antiguos, y así, reducir los daños y el saqueo en los sitios faraónicos cercanos y, a la vez, facilitar el desarrollo del turismo.

Solo una parte de la meta fue realizada: algunas complicaciones políticas y financieras, así como la oposición de los residentes a la reubicación del sitio impidieron su realización completa.

Aunque se haya perdido casi el 40% de los edificios originales, Nueva Gourna sigue siendo un asentamiento vivo, con viviendas e instalaciones públicas a disposición de sus habitantes.

Desde 2010, Nueva Gourna fue incorporado en el World Heritage Watch.

Por esta razón la UNESCO y el World Monuments Fund unieron sus fuerzas: la UNESCO estudió los edificios, mientras que el equipo del WMF entrevistó a más de un tercio de los 174 hogares de Nueva Gourna, analizando sus condiciones, identificando los cambios en el entorno y examinando el uso del espacio y las adaptaciones de los edificios a lo largo del tiempo.

El WMF creó una evaluación de la comunidad para integrar las preocupaciones sociales y económicas en la planificación y la toma de decisiones sobre el futuro de la aldea y su conservación.

Es posible consultar esta evaluación en un informe sobre la aldea de New Gourna, publicado en el sitio web del WMF: wmf.org/project/new-gourna-village

Fathy trabajó en este poblado, desde postulados ecológicos, por encargo del Departamento de Antigüedades egipcio, sirviéndose de materiales y técnicas locales (y del análisis de los usos y costumbres de los habitantes de la zona, que se mantenían del expolio de las tumbas del Valle de los Reyes) para reubicar el Viejo Gourna, una comunidad de arqueólogos aficionados que pretendía paliar justamente saqueos y daños en los yacimientos faraónicos y también velar por el buen desarrollo del incipiente turismo.

Solo parte de los propósitos de Fathy pudieron llevarse a cabo, debido a complicaciones políticas y financieras y a la oposición de parte de la población a la reubicación; además, se ha perdido casi la mitad de los edificios originales. Hasta hace unos años, Nueva Gourna continuaba siendo un asentamiento vivo y con historia en curso, con viviendas e instalaciones públicas a disposición de sus habitantes, pero la revolución de 1911 frenó su restauración y hoy se encuentra en decadencia, difuminándose en la periferia de Luxor, dominada por el hormigón.

Fathy esperaba que esa nueva ciudad, que contaba con teatro al aire libre, mercado cubierto, mezquita, escuelas y almacenamiento de agua potable, se convirtiera en un lugar con un sistema de vida sostenible, mirando al futuro, sin depender del expolio que mencionamos antes.

Alzado con Malkaf Abdullah Nassief house jeddah

Su fuente de inspiración fueron los pueblos de adobe de esta zona, los asentamientos beduinos, los templos romanos y las aldeas nubias de Asuán, a orillas del Nilo; sus técnicas antiguas evitaban el uso de soportes costosos de madera y el empleo de técnicas sostenibles de enfriamiento de aire y agua.

New Baris

En la década de los sesenta se descubrieron reservas acuíferas subterráneas en el oasis de Kharga y a Fathy le encargaron la construcción de New Baris, otro pueblo levantado con ladrillos de adobe que debía transformarse en una comunidad sostenible que creciera y exportase frutas y verduras del desierto.

Para lograr almacenar esos productos tan perecederos en el nuevo asentamiento, el arquitecto ideó un sistema con pozos de ventilación y torres secundarias que acelerase la circulación de aire, haciendo descender las temperaturas externas más de quince grados. También New Baris quedó inacabado, en 1967 a causa de la guerra.

En la exposición se exhiben documentos relativos a

  • las casas Hamid Said 1942.
  • Hamdi Seif al-Nasr de El Fayum, 19424-45.
  • Poblado de Nuevo Gourna, Luxor, 1946-48.
  • Mezquita de Lulu at al-Sahara, El Cairo, 1950.
  • Apartamento de Shahira Mehrez, El Cairo, 1967.
  • Costa Norte Sidi Krier y Casa Fathy, 1971.
  • Casa Casaroni, Shabramant, 1980.
  • Sa Bassa Blanca, Alcudia, Mallorca, 1978-80.
  • Villa Dar al-Islam, Albiquiu, Nuevo México, 1980-86.
  • Selección de la obra pictórica de Hassan Fathy, gouaches e imágenes de su apartamento en la Mansión Ali Effendi Labib, del viejo Cairo.

Tres aportaciones complementan la exposición. Un panel centrado en la arquitectura de tierra en la península Ibérica, con tipologías de técnicas, y obras de estudios contemporáneos, coordinado por Fernando Vegas, Camilla Mileto y Valentina Cristini; la instalación dedicada a Fathy por la artista inglesa Hannah Collins.

Apartamentos en el Cairo

No sólo Aravena, Kéré o Lacaton han sido los únicos en dejarse influir por el legado de Fathy: en “Haré una canción y la cantaré en un teatro, rodeada de un aire nocturno” Hannah Collins (1956) dedicó a Nueva Gourna un conjunto de fotografías montadas en secuencia y proyectadas como un filme, junto a otras tomadas en grandes formatos, fue presentada en la sede SF Moma, san francisco (2019-20) y en el año 2019 en la Galería Joan Prats de Barcelona, asi como en la Fundación Tàpies.

Ahora se expone en la Casa Árabe, no solo supone un tributo al arquitecto, sino también un deseo de contribuir a la consolidación de un urbanismo sostenible, económico y que mejore la vida de quienes más lo necesitan, como Fathy se esmeró en conseguirlo.

Casa Andrioli

El título de su propuesta tiene un porqué: el teatro al aire libre que el arquitecto quiso poner en marcha en Nueva Gourna y que no sería un escenario al uso, sino enraizado, como sus construcciones, en las tradiciones populares: donde los habitantes de esta aldea podrían cantar y recitar allí cuando quisieran.

Casa Hassan Fathy. Sidi Krier . Ca. 1971. Escala 1/75
3D Model Khaled Alay AlDeem

Casa Andrioli

La exhibición se complementa con gouaches de Fathy, con imágenes de su apartamento en el viejo Cairo, la Mansión Ali Effendi Labib; un panel centrado en la arquitectura de tierra en la Península Ibérica, con tipologías de técnicas y obras de estudios contemporáneos y una obra del artista Chant Avedissian (1951) discípulo de Hassan Fathy, que ha cedido para la ocasión la Galería Sabrina Amrani.

Exposición Hassan Fathy 2

Se trata de un vídeo en el que este creador egipcio, de origen armenio, filmó a los gatos del arquitecto en su casa (hay que recordar que estos animales en el antiguo Egipto eran símbolo de protección y belleza).

Hassan Fathy’s New Gourna
En «Hassan Fathy: a contracorriente»
Video cortesía del World Monument Fund (06:52 min)

Sistemas de ventilación natural

Esta exposición ha sido posible gracias al apoyo de las siguientes instituciones:

Aga Khan Trust for Culture Library (Ginebra, Suiza), Regional Architecture Collections, Rare Books and Special Collections Library of American University (El Cairo, Egipto), Instituto Egipcio de Estudios Islámicos (Madrid), Embajada de la República de Egipto en España, Galeria Joan Prats (Barcelona), Galería Sabrina Amrani (Madrid), Faculty of Architecture of Budapest University of Technology and Economics (Hungría), Biblioteca Islámica de la AECID (Madrid), Embajada de Suiza para España y Andorra, Al Jazeera Documentary Channel (Doha, Qatar), Fábrica de Fabricantes (Madrid), Constantinos A. & Emma Doxiadis Foundation (Atenas, Grecia), Arq. Khaled Alay AlDeen, 3D Model Sidi Krier, World Monument Fund.

Edificio de las escuelas Aguirre

Ubicadas en el número 62 de la calle Alcalá, las Escuelas Aguirre surgieron como iniciativa del filántropo don Lucas Aguirre y Juárez, con cuyo legado fueron creadas en 1886. Es un bello edificio de estilo neomudéjar diseñado por el arquitecto Emilio Rodríguez Ayuso (1846 – 1891) coautor también de la antigua plaza de toros.

El edificio fue levantado en 1884 y tres años más tarde el mismo arquitecto se encargó de realizar la verja y el jardín.
En marzo de 2008, el Ayuntamiento de Madrid, tras un trabajo de remodelación moderna de sus espacios interiores, cedió a Casa Árabe el edificio, que es desde entonces la sede de la institución en Madrid.

Contacto

Teléfono+34 91 563 30 66

Fax+34 91 563 06 94

Emailinfo@casaarabe.es

Texto explicativo al comienzo de la exposición:

Conocido mundialmente como el arquitecto de los pobres, es una de las figuras más apasionantes de la historia de la arquitectura contemporánea, es uno de los fundadores de la arquitectura sostenible, afincada en las tradiciones locales, vernáculas.

Nació en un Egipto bajo dominio británico, en el seno de una familia culta y liberal. Su padre Ahmed, juez, le inculcó el respeto por los desfavorecidos, por los fellah, los campesinos. Su madre, Del Bassand, con antepasados tucos, le enseñó a amar la naturaleza y el campo.

Vivió su juventud como joven arquitecto al calor de la independencia de Egipto (1922) e influido por el movimiento político y cultural de la modernidad árabe conocido como Nahda o renacimiento, que venía dándose como reacción a la dominación colonial europea y otomana.

Se opuso durante toda su vida a la homogeneización de los paisajes urbanos y con su particular filosofía constructiva, llego a diseñar más de 160 proyectos. El que le dará fama mundial fue la Villa Nuevo Gourna, en Luxor oeste (1946), ejemplo de planeamiento urbano integral y cuestionado en su ejecución, hoy protegido por el World Monuments Fund y UNESCO.

Entre 1957 y 1962 Fathy colaboró con Constantino A. Doxiados, fundador del Centro Ateniense de Ekística, la ciencia del Hábitat. En 1976, fundó el Instituto Internacional de Tecnología Apropiada. A lo largo de su carrera recibió numerosos premios, como el prestigioso Aga Khan de Arquitectura (1980) o el Right Livelihood Award, conocido como el Nobel alternativo de Suecia.

Hassan Fathy, erudito, pintor, poeta, pensador, con sus captadores de aire, su preocupación por la orientación de los edificios y de su empleo de técnicas perdidas, oficios y materiales vernáculos, como el arte de la celosía, o el uso del adobe, y sus proyectos de empoderamiento del campesinado y del mundo cooperativo y comunal, fue un adelantado de su tiempo.

Su obra ha dejado una gran impronta en arqitectos, aquí mostramos un panel de arquitectura del barro en España, y obra de artistas contemporáneos como Hannah Collins, cuya contribución “Haré una canción …” es un testimonio de esta admiración, o de Chant Avedissian, presente con una puerta Nubia.

Falleció el 29 de Noviembre de 1989, en su mansión otomana del viejo Cairo, Fathy resume una trayectoria de honestidad, que reclama del arquitecto un diseño holístico al servicio de las personas. Su historia merece ser contada.

José Tono Martinez, Comisario

Las acuarelas y los gouaches de Hassan fathy presentan dibujos planos, sin perspectivas efectistas, que recuerdan a Paul Klee y Xul Solar y la pintura faraónica. Así presenta sus edificios de manera comprensible al cliente.

Para Hassan Bey, “diseñar es disfrutar”. Obras de los años 1937 y 1945, sobe papiro, tela y papel, estudios para la Villa al-Razik, Hamdl Seif al-Nase, Llago Qarum, Nuevo Gourna, una perspectiva axonométrica no identificada, y una conversación entre faraones.

Hannah Collins.

I will make up a song (Desert entrance 2) 2018.

Impresión sobre gelatina de plata 120 x 154 cm

Casa Hassan Fathy. Sidi Krier. Ca. 1971. Escala 1/75.
3D Model Khaled Alay AlDeem

Dar al-Islam, Nuevo México

I will make up a song and sing it in a theatre with night air above my head.

Haré una canción y la cantaré en un teatro, rodeada de un aire nocturno.

I will make a song (Hand and sail). 2018
Impresión sobre gelatina de plata. 100 x 130 cm

Hannah Collins

Entre 1946 y 1954, el arquitecto Hazan Fathy diseñó y construyó Nuevo Gourna, introduciendo principios ecológicos en la arquitectura de adobe de Oriente Próximo, con el deseo de que las poblaciones rurales del norte de África pudieran disponer de viviendas sostenibles, agua potable, escuelas y ayudas para desarrollar su cultura.

Gourna era un asentamiento situado en Tebas, en la orilla izquierda del Alto Nilo, sobre unas tumbas antiguas, donde los habitantes vivían del expolio de sus contenidos. Fathy recibió el encargo de construir Nueva Gourna, lugar en el que la gente de Gourna sería reubicada en contra de su voluntad. Fathy tenía la esperanza de que la nueva ciudad, que contaba con un teatro al aire libre, un mercado cubierto, una mezquita, escuelas y almacenamiento de agua potable, se convirtiera en un lugar con un sistema de vida sostenible, con la mirada puesta en el futuro, sin depender del expolio del pasado. En cambio, el nuevo asentamiento nunca fue aceptado por los residentes quienes se sintieron forzados a adaptarse a un nuevo tipo de vida impuesto.

Las fuentes de inspiración para la nueva ciudad provenían de los pueblos de adobe de la zona, de los asentamientos beduinos, de templos romanos y de las aldeas nubias de Asuán, a orillas del Nilo. Apropiarse de antiguas técnicas nubias y romanas, liberaba al constructor de los costosos soportes de madera, construyendo en cambio techos de ladrillos de adobe e introduciendo técnicas de enfriamiento de aire y agua.

Durante la década de los sesenta se descubrieron reservas subterráneas de agua en el oasis de Kharga, a tres horas de camino por el inhóspito desierto desde Luxor. En este oasis, a Fathy le encargaron la construcción de Nuevo Baris, otro pueblo de ladrillo de adobe que debía convertiste en una comunidad sostenible que creciera y exportara frutas y verduras del desierto. Para conseguir almacenar estos productos tan perecederos e el nuevo asentamiento, Fathy ideó un sistema con pozos de ventilación y torres secundarias para acelerar la circulación de aire, haciendo bajar las temperaturas externas más de quince grados. Nuevo Baris quedó inacabado pues su construcción se detuvo debido a la guerra en 1967.

Por otro lado, la restauración de Nuevo Gourna se detuvo tras la revolución de 2011. La ciudad está desapareciendo lentamente en la decadente periferia de hormigón de Luxor, donde las construcciones son al menos diez grados más calientes en verano y diez grados más frías en invierno.

A medida que la necesidad de repensar el rápido uso de los recursos disponibles deviene cada vez más urgente, las experiencias de Nuevo Gourna y Nuevo Baris nos dan esperanza y optimismo, convirtiéndose en una visión para el futuro y abriendo la posibilidad de encontrar nuevos caminos a seguir.

Este trabajo fue realizado en colaboración con Duncan Bellamy, quién creó la banda sonara que lo acompaña-
Hannah Collins, febrero 2018

Casa Hamdi Seif al-Nasr
El Fayum, 1944/45


Situada en el Lago Qarún, y diseñada para un político influyente. La casa se construyó en torno a un gran patio central, que al final quedó abierto para disfrutar de las vistas. La cas se apoya en vigas de madera, con una cúpula de adobe sobre la que está el gran salón. Se ven exteriores y planos, así como secciones y alzados.

Mezquita de LuLuát al-Sahara. (Perla del Sahara). 1950

En los años 40, el terrateniente Hafez Afifi-Pasha emprendió un ambicioso programa para desarrollar las instalaciones de una granja con todos sus servicios sociales. Se construyeron nuevas viviendas para los trabajadores, talleres, refugios para animales y torres de almacenamiento de granos y palomas, así como un hospital y una clínica. Se pidió a Hassan Fathy que diseñara seis unidades de vivienda adicionales y una nueva mezquita construida con piedra caliza y cuatro croquis que muestran el proceso de su trabajo.

Apartamento de Shahira Mehrez.

El Cairo, 1967/70

Descripción / Biografía

Pensado para la coleccionista y diseñadora Shahira Mehrez, este apartamento ocupa el sexto piso de un edificio de apartamentos en la zona residencial y comercial de Dokki, en Giza, el Cairo, el reto fue reformar y reconstruir dentro de una disposición dada de columnas estructurales y servicios. El apartamento tiene un vestíbulo, una gran sala de estar con cúpula que conecta con un patio y zonas anexas. Completan el conjunto chimeneas, una fuente y las celosías que permiten sutiles cambios de luz.

Sa Bassa Blanca

Alcudia, Mallorca, 1978/1980

Residencia de dos artistas franco-británicos, la casa se inspira en la idea de ribat o monasterio de frontera. Fathy respetó la orientación de los vientos de la costa para aprovecharse del cambiante embat. Los interiores de la casa fueron enriquecidos con materiales procedentes de anticuarios de diversas partes de España, azulejos, ladrillos, artesonados, puertas, etc., creando un ecléctico conjunto de reminiscencias andalusíes y mudéjares. Fathy hizo que las celosías fueran realizadas in situ por el artesano Al-Nagar, llegando de Egipto. Es el único edificio de Fathy en España, hoy parte del museo Sa Bassa Blanca.

Casa Casaroni

Giza-Harraniya, Saqqara Road, Shabramant, 1980

Construida en piedra, la casa tiene vistas a las pirámides de Giza y uno de los jardines más amplios diseñados por Fathy.


Vikka dar al-Islam

Albiquiu, Nuevo México, 1980-86

A 70 km de Santa Fe, Nuevo México, para la fundación y comunidad Dar Al Islam como casa de retiro y escuela para americanos musulmanes. El plan maestro de la comunidad fue creado por Fathy, así como el edificio principal, y la mezquita. Posteriormente se le agregaron residencias para estudiantes y una madraza.

Poblado de Nuevo Gourna

Luxor, 1946-49

Situado al oeste de Luxor, en el valle de los Reyes, este poblado fue diseñado por encargo del departamento de Antigüedades del gobierno Egipcio, que deseaba alejar de la zona lo que había sido un asentamiento tradicional de campesinos y ladrones de tumbas.

Mezquita de Nuevo Gourna ca. 1946. Escala 1/200

El experimento social que supuso la construcción de esta villa fue un fracaso en el momento de su concepción y edificación (entre 1943 y 1946), aunque ese mismo fracaso cimentó su éxito 30 años después. La mejor descripción de la teoría de planificación y de la estrategia de implementación del Nuevo Gourna se encuentra en el libro que escribió Hassan Fathy, “Arquitectura para los pobres”.

La construcción del pueblo comenzó con los edificios públicos (la mezquita, el khan o zona de recepción de mercaderes, el mercado, el ayuntamiento, el teatro, la sala de exposiciones de artesanía y la escuela de niños) y terminó con las viviendas.

Plano del conjunto urbano

Sistema constructivo vernáculo NUBIA

Adobe

Al-Tub

Ladrillo secado al sol, no cocido en el horno, hecho con una mezcla de arcilla, arena y paja, para mejorar su resistencia. Es el elemento básico de todo el sistema constructivo.

Muro de carga

Yidár min al-tub

Forma los cerramientos verticales y es, también. El soporte de arcos, bóvedas y cúpulas.

Nicho

Kuncha

Rebaje en los muros. Los nichos tienen múltiples usos según lo que alojen: camas, armarios, alacenas, sofás, camas, ventanas, puertas…

Arco de medio punto

Qaws nisf da´írí

Arco con perfil de media circunferencia. Soporta eficazmente presiones y cargas. De origen caldeo, los romanos lo expandieron por todo el mundo.

Bóveda de cañón

Qabu nisf wastáni

Surge del arco de medio punto, aunque se construye volteada y sin armazón. Cubre el espacio y tiene sentido horizontal y longitudinal.

Cúpula

Qubba

Una semiesfera que cubre un espacio cuadrado y define un eje vertical que pasa por su centro.

Sitio Localización País
Villa Abd al-Razik Beni Mazar Egipto
Casa Akil Sami Dahshur Egipto
Residencia de Al-Bakliya Kafr al-Hima Egipto
Villa Al-Beyli Beyla Egipto
Villa Al-Harini Giza Egipto
Imprenta Al-Kachkacin El Cairo Egipto
Centro turístico de Al-Mashrabiya Giza Egipto
Casa Al-Nagar Alcudia España
Casa Al-Sabah Ciudad de Kuwait Kuwait
Casa Alaa al-din Mustafa Idfu Egipto
Alexandria Resthouse Asuán Egipto
Apartamento Ali Bey Fathy El Cairo Egipto
Casa Alpha Bianca Alcudia España
Casa Andrioli Fayum Egipto
Vivienda árabe para refugiados Gaza Palestina
Casa de reposo Baume-Marpent Kharga Egipto
Beit ar-Rihan Ciudad de
Kuwait
Kuwait
Casino Bosphore El Cairo Egipto
Casa Carr Atenas Grecia
Casa Casaroni Shabramant Egipto
Fábrica de cerámica Qena Egipto
Hospital de Niños Siwa Egipto
Resthouse Compañía Chilena de Nitratos Safaga Egipto
Centro cooperativo Kharga Egipto
Centro Cultural, Garagus Qena Egipto
Pueblo de Dar al-Islam Abiquiu EEUU
Vivienda Dariya Dariyah Arabia Saudita
Casa Eid Zagazig Egipto
Escuela de tarifas Tarifas Egipto
Villa Farid-Bey Al Shalqan Egipto
Granja empresarial Fayum Fayum Egipto
Casa Riad Fouad Shabramant Egipto
Villa Garvice El Cairo Egipto
Maternidad de Giza Giza Egipto
Casa Hamdi Seif al-Nasr Fayum Egipto
Casa Hamed Saïd El-Marg Egipto
Pueblo Tejedor Harraniya Giza Egipto
Casa Hasan Rashad Tanta Egipto
Casa Hassan Fathy Sidi Krier Egipto
Mausoleo de Hassanein El Cairo Egipto
Villa Hassenein El Cairo Egipto
Casa Hatem Sadeq Giza Egipto
Villa Hayat El Cairo Egipto
Instituto Sup. de Artes Populares Asuán Egipto
Villa Hishmat El Cairo Egipto
Villa Husni Omar Giza Egipto
Casa de campo IFAO Luxor Egipto
Programa de Vivienda de Irak Al-Musayyib Irak
Villa Ismaïl Abdel-Razeq Abou-Gerg Egipto
Vivienda dúplex Jeddah Jeddah Arabia Saudita
Casa Kallini Samalut Egipto
Casa Khalil al-Talhuni Shuna Jordán
Quiosco La Giardinara El Cairo Egipto
Lulu’at al-Sahara Giza Egipto
Centro Cultural de Luxor Luxor Egipto
Maaruf Muhammad. Vivienda El Cairo Egipto
Viviendas y tiendas Madkur El Cairo Egipto
Villa Malek El Cairo Egipto
Menia Village El Minya Egipto
Villa Mohammed Fathy Giza Egipto
Casa Monastirli Giza Egipto
Mezquita Tanta Egipto
Mezquita Trípoli Líbano
Mezquita, centro de conferencias Jartum Sudán
Villa Muhammad Musa Imbaba Egipto
Casa de Murad Ghaleb Giza Egipto
Casa Murad Greiss Shabramant Egipto
Residencia Mutaleb Nafisah Riad Arabia Saudita
Mausoleo de Nasser El Cairo Egipto
Casa Nassif Jeddah Arabia Saudita
New Baris Village Kharga Egipto
Nueva Villa Turística Gourna New Gourna Egipto
New Gourna Village New Gourna Egipto
Pueblo del Festival del Nilo Luxor Egipto
Desarrollo de la costa norte Sidi Krier Egipto
Casa de descanso. Cia. petrolera Ras Gharib Egipto
Casa Polk Álamo temblón EEUU
Casa del sacerdote Qena Egipto
Casa del Príncipe Sadruddin Aga Khan Asuán Egipto
Villa Princess Shahnaz Luxor Egipto
Hotel Rebat Kharga Egipto
Casa Roshdi Saïd El Cairo Egipto
Mezquita de Roxbury Bostón EEUU
Villa Sada al-Bariya El Cairo Egipto
Sadat Resthouse Garf Hoseyn Egipto
Villa Said al-Bakri El Cairo Egipto
Apartamento Shahira Mehrez El Cairo Egipto
Villa Shri Zahir Ahmed Hyderabad India
Villa Siddiq Giza Egipto
Centro social El Cairo Egipto
Remodelación de Sohar Sohar Omán
Casa Stopplaere Luxor Egipto
Centro de conferencias de Sudán, Mezquita Jartum Sudán
Suq al-Silah El Cairo Egipto
Villa Taher al-Omari Bey Fayum Egipto
Casa de reposo Takla Pasha Kafr al-Hima Egipto
Escuela Primaria Talka Talkha Egipto
Residencia Tilawi El Kharga Egipto
Casa Tusun Abu Gabal Giza Egipto
Villa para Aziza Hanem Hassanein El Cairo Egipto
Villa para el Emb. de Nigeria Niamey Níger
Casa VIP Tabuk Arabia Saudita
Pueblo de Wadi Zarga Wadi Zarga Túnez
Mezquita Wehda, Centro Islámico El Cairo Egipto
Villa Zaki El Cairo Egipto

Más artículos en mis blogs:

hugoklico.blogspot.com

y
onlybook.es/blog

Arquitecto Hugo A. Kliczkowski Juritz

Experimentacion del ladrillo. Minimo Común Arquitectura

Oficinas Nordeste, ampliación

Arch Daily. curadora Clara Ott

Arquitectos: Mínimo Común Arquitectura

Fotografías Federico Cairoli

Ciudad Mariano Roque Alonso. República del Paraguay

Área 182 m². Año 2018

Memoria de los arquitectos

Pliegues, cubos y láminas de ladrillos se combinan en este edificio de oficinas, transformando la experimentación constructiva en un juego. 

En la ciudad de Mariano Roque Alonso, en las inmediaciones de Asunción, Paraguay, Mínimo Común Arquitectura completó un edificio de oficinas en el que el juego y el desafío de la gravedad se combinan en una profunda experimentación en el uso del ladrillo.

El edificio se envuelve en superficies que varían su diseño.

Éstas trabajan en conjunto para definir la disposición estructural del edificio y crear un juego de sombras y luces en las fachadas, ocupa un lote extenso que encaja en un tejido urbano de densidad media, dejando al descubierto una única fachada a la calle. 

Los árboles que existían antes del proyecto se mantuvieron e incorporaron al proyecto, con la excepción del árbol del frente de la calle. 

El edificio, de hecho, se aleja del límite de la propiedad y recibe al visitante a través de una primera superficie de ladrillo, una pantalla con una estructura de elementos verticales y horizontales, rellena de planos inclinados.

La superficie total de 180 m2 son compartidos son compartidos por una empresa que se ocupa de la agricultura y la ganadería, y un espacio de coworking. El techo es de una sola pendiente, con la parte más baja reservada para el espacio de trabajo compartido y la parte de doble altura utilizada para el negocio agrícola.

La posición y el ancho de las aberturas permiten una iluminación y ventilación efectivas en todo la superficie. Se puede acceder a la parte posterior del lote desde ambos pisos del primer edificio que contiene un segundo volumen, también utilizado como espacio de trabajo. La superficie de este pabellón es un metro más baja que el nivel de la calle, mientras que la cubierta del jardín se ubica en un nivel intermedio, entre las dos plantas que dan a la calle.



ver también http://onlybook.es/blog/crecer-desde-la-tierra-curuguaty-paraguay/

Crecer desde la tierra. Curuguaty. Paraguay

Arch Daily. curadora Clara Ott

Edificio de Oficinas Curuguaty. Paraguay

Arquitectos: Mínimo Común Arquitectura

Área: 240 m²

Año: 2021

Fotografías de Daniel Ojeda

Memoria de los arquitectos

Proyecto de edificio de oficinas ubicado en Curuguaty, a 350 km de la capital del Paraguay, Asunción, en una zona agrícola y ganadera. El dilema es cómo construir en medio de la nada. Los procesos están ordenados en cinco ideas, que reflejan la intención del proyecto.

1. El suelo: Primero, el territorio tenía que ser controlado de manera sutil. Una línea imaginaria en el paisaje permitió observar lo que sucedía en el entorno, protegiéndonos de otros animales e insectos al mismo tiempo que los protegíamos. Se creó una plataforma para permitirnos elevarnos a 1,5 metros del suelo.

2. La Cubierta: Una vez que se logró el control sobre el territorio, se necesitaba proyectar una sombra. Esta es la primera condición necesaria en un clima donde los 45 grados centígrados son una situación cotidiana.

Una sombra que cobija la propia construcción, dirige los vientos y recoge las aguas, dando cobijo a los trabajadores en su propio proceso constructivo, y luego salvaguardando la interacción de los usuarios.

Una vez que se entendió la importancia de la sombra, se buscó una forma de lograrla de una manera ligera y económica. Se descubrió que los alambres son un elemento muy eficiente.

La catenaria nos sonreía.

La estructura funcionaría como un diagrama de momentos flectores, los perfiles IPN en los extremos funcionarían solo en compresión y las cuerdas de tracción proporcionarían 45 metros de luz con la sencillez de una traza en el aire.

3. Materialidad: No había muchas opciones de materiales a la hora de construir las oficinas. Fueron construidos completamente de tierra, fabricando cada ladrillo en el sitio, con el uso de una prensa. Solo se transportaron al sitio los materiales que no pudieron ser dañados en el camino, como hierro, cuerda y cemento. El resto lo proporcionó la tierra.

4. La sombrilla: protegerse del sol y proporcionar privacidad a las oficinas era una necesidad imperiosa. El paisaje se entiende de forma diferente desde el interior en la proximidad a los muros. Desde el horizonte, la vida cotidiana dentro de estos muros transparentes se pierde en las sombras.

Esta sombrilla fue construida con el mismo material que las paredes, de tierra, pero esta vez sin cemento. Esto nos permitió borrarlo con agua, dejando solo las líneas de mortero, como sucedería con el paso del tiempo. Una vez más, la tierra fue devuelta al suelo. A la vida.

5. Agua: Aprovechando la curva de la catenaria, se recoge el agua de lluvia, permitiendo su reutilización. Se bombea hasta el punto más alto de las placas y luego se distribuye, enfriando así todo el techo, en un circuito constante de microclima generando frío y humedad para humanos y plantas que con el paso del tiempo acabarán apoderándose de todo el proyecto.

Esta breve descripción, sincera y sin mucho preámbulo es nuestra declaración de intenciones y amor al mundo, escrita en piedra o ladrillos o mejor dicho, escrita en tierra.

Galería de proyectos

ver también

Libros, para arquitectos, Christopher Alexander

Libros, recomendaciones para arquitectos y demás seres humanos

A Pattern Language: Towns, Buildings, Construction


Autores: Christopher Alexander, Sara IshikawaMurray Silverstein.

Textos en inglés. ISBN-13: 978-0195019193

Cada desafío de diseño representa un problema a resolver. Christopher Alexander propone una catalogación de los tipos de problemas (que denomina desafíos de diseño) y analiza qué hay detrás de cada caso, describiéndola en su esencia y proponiendo una solución estándar.


Sobre Christopher Alexander

El arquitecto Christopher Alexander (1936) es reconocido por sus diseños en los edificios que ha construido principalmente en California, Japón y México.
Partiendo de la premisa de que los las personas que usaban los espacios arquitectónicos saben más que los arquitectos sobre el tipo de edificios que necesitan, creó y validó (junto a Sarah Ishikawa y Murray Silverstein) el término «lenguaje de patrónes», un método estructurado que pone la arquitectura al alcance de personas no especializadas, que popularizó en su libro «A Pattern Language».
Alexander es reconocido como el padre del movimiento «pattern language» (1966) en ciencias de la computación, y por sus contribuciones a la arquitectura fue electo miembro de la American Academy of Arts and Sciences.
Durante más de 50 años, ha desafiado al establishment arquitectónico, lo que ha resultado muchas veces incómodo ya que ponía a los seres humanos en el centro del diseño.
Ha sabido combinar la formación científica de primer nivel, la investigación arquitectónica, la observación y las pruebas de los usuarios en proyectos de construcción, y un conjunto radical de ideas profundamente influyentes que se han extendido mucho más allá del ámbito de la arquitectura.

Autor de una serie de obras innovadoras, que incluyen «El Lenguaje de Patrones en ciudades, edificios, construcciones» y «The Timeless Way of Building».

Continúa en su trabajo y lo vuelca en títulos como «The Nature of Order» y en «An Essay on the Art of Building and the Nature of the Universe». En ellos incorpora más de 30 años de investigación, estudio, enseñanza y construcción. Comentándolos, Laura Miller, crítica del New York Times comenta: «el tipo de libro con el que cada lector serio debería leer de vez en cuando, un tratado grandioso, desafiante que lo alienta a desarmar la forma en que se piensa para volver a comenzar». Alexander nació en Viena y creció en Oxford y Chichester. En 1954 recibe la beca del Trinity College, Cambridge, en Química y Física, luego se licenció en matemáticas en la Universidad de Cambridge (1956), y en arquitectura (1958).

En 1963, recibió su doctorado en arquitectura en Harvard, el suyo fue el primer doctorado en arquitectura otorgado en esta Universidad.

En 1961 fue elegido miembro de la sociedad de becarios de la Universidad de Harvard. Durante el mismo período trabajó en el MIT en teoría del transporte y en informática, y en Harvard en ciencias cognitivas. Sus ideas han sido pioneras y muy influyentes. Tuvo como maestro a Serge Chermayeff (1900- 1996) y colaboró con él en algunas de sus obras.

Desde 1963, Alexander fue profesor de arquitectura en la Universidad de California, Berkeley, donde enseñó por espacio de 38 años.
Ocupó varios cargos hasta el año 2001, desde 1965 a 1966 fue profesor de investigación en humanidades; en 1967 fundó y dirigió el Center for Environmental Structure (Centro de Estructura Ambiental), y desde 1970 se lo designó profesor de arquitectura, convirtiéndose en profesor emérito en 2001.
Durante la misma época, trabajó en el MIT (en Teoría de la Transportación y Ciencias de la Computación).

Publicó cientos de artículos y docenas de libros, construyó más de 200 edificios en todo el mundo.
Alexander está reconocido como el padre del movimiento del lenguaje de patrones (pattern) en ciencias de la computación, donde ha conseguido importantes innovaciones y nuevos tipos de programación orientada a objetos. Recibió la primera medalla por investigación otorgada por el Instituto Americano de Arquitectos (AIA).
En 1996 fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias por sus contribuciones a la arquitectura, incluido su trabajo innovador sobre la manera que el entorno construido afecta la vida de las personas.

Contribuciones teóricas a la arquitectura

Aboga por una arquitectura en íntima fusión con la Naturaleza y formula su teoría del pattern language (lenguaje de patrónes), la cual ofrece una serie de fórmulas para que, a tenor de las propias necesidades individuales o culturales, cada miembro o grupo humano pueda construir su propia vivienda o conjunto habitable sin necesidad de arquitectos.

En su propuesta, éstos actuarían únicamente como una ayuda para la construcción.

Alexander afirma que el modo intemporal de construir es el que la gente ha usado durante miles de años, al construir sus propios edificios, dando lugar a poblaciones muy armónicas y bellas. Por eso, «partiendo de la base de que la vida es una realidad dinámico-temporal», prevé la permanente renovación del lenguaje de patrones, a fin de adaptarlos a las nuevas exigencias arquitectónicas de las futuras generaciones».​ Ha calificado a la Arquitectura Moderna, con su control detallado y definido del proceso de construcción, como «ridícula, estrecha e inhumana, una psicosis pasajera en la historia de la creación del hombre».​

Un Lenguaje de Patrones

U

Profundizó su teoría del lenguaje de patrón en su libro A Pattern Language: Towns, Buildings, Construction, en el que describía un sistema práctico de arquitectura. La inspiración del libro fueron las ciudades medievales: atractivas y armoniosas.

Según los autores, tienen esas cualidades porque fueron construidas según regulaciones locales que requerían ciertas características, pero que permitían al arquitecto adaptarlas a situaciones particulares. En el libro se suministran reglas e imágenes, y se recomienda que las decisiones sobre la construcción del edificio se tomen de acuerdo al ambiente preciso del proyecto. En él se describen métodos exactos para construir diseños prácticos, seguros y atractivos a cualquier escala, desde regiones enteras hasta la simple perilla de una puerta. Un aspecto notable del libro es que el sistema arquitectónico mostrado consiste únicamente de patrones clásicos probados en el mundo real y reseñados por múltiples arquitectos por su practicidad y belleza. Este método fue adoptado por la Universidad de Oregón, como es descripto en el libro The Oregon Experiment, y hasta el día de hoy lo utiliza como método de planificación oficial. También ha sido adoptado en parte por varias ciudades como un código de construcción.

Pattern

Christopher Alexander da la siguiente definición de patrón“Cada patrón describe un problema que ocurre una y otra vez en nuestro entorno, para describir después el núcleo de la solución a ese problema, de tal manera que esa solución pueda ser usada más de un millón de veces sin hacerlo ni siquiera dos veces de la misma forma”. Propone, así, un paradigma para la arquitectura basado en tres conceptos: la cualidad, la puerta y el camino.     

La Cualidad (la Cualidad Sin Nombre): la esencia de todas las cosas vivas y útiles que nos hacen sentir vivos, nos da satisfacción y mejora la condición humana.·         

La Puerta: el mecanismo que nos permite alcanzar la calidad. Se manifiesta como un lenguaje común de patrones. La puerta es el conducto hacia la calidad.        

El Camino (El Camino Eterno): siguiendo el camino, se puede atravesar la puerta para llegar a la calidad.         

15 Principios de Christopher Alexander

La obra de Alexander «Nature of Order», se caracteriza por una cualidad especial que él llamaba «la cualidad sin nombre», a la que después llamó «totalidad». Esta cualidad se relaciona con los seres humanos e induce sentimientos de pertenencia al lugar y a la estructura, se encuentra en la mayoría de los edificios históricos y espacios urbanos, y es precisamente lo que Alexander intenta capturar en sus sofisticadas teorías matemáticas de diseño.

Estas 15 propiedades estructurales identificadas son bastante recurrentes y determinan el carácter de los sistemas vivos (información de Wikipedia):

Niveles de Escala: se refiere a la forma en que percibimos el tamaño de un elemento o espacio en relación con otras formas a su alrededor. Es la relación de los elementos más pequeños que determina el carácter y el grado de la vida del conjunto. Lo que se puede aplicar a nivel micro, se puede aplicar a nivel macro y es importante que los saltos entre diferentes escalas no sean demasiado grandes o demasiado pequeños.        

Centros Fuertes: en lugar de la visión tradicional de una geometría aislada en el espacio, un verdadero centro se define no sólo por su cohesión interna, sino por su relación con el contexto. Un centro fuerte sólo puede ocurrir cuando otros centros lo están intensificando, es decir, de algo importante fluye todo lo demás.        

Límites: la articulación de una forma depende en gran medida de cómo sus superficies se definen y se encuentran en los bordes. Es una división, ya sea física o simbólica, que marca una separación entre lo que es posible realizar y lo que no lo es.

Repetición Alternada: repetición de elementos recurrentes en una composición según su proximidad a la otra, y por las características visuales que comparten. Los elementos no tienen por qué ser perfectamente idénticos para agruparse de manera repetitiva, deben compartir simplemente un rasgo común.      

Espacio positivo: se refiere a espacio en forma. Cuando un elemento se produce en el espacio, el elemento no sólo existe con su propia forma, sino que también actúa para definir la forma del espacio alrededor de ella. Para que algo sea conjunto, tanto el elemento en sí y el espacio que lo rodea debe comprometerse el uno al otro, cada uno debe intensificar a la otra parte.        

Buena Forma: la principal característica de identificación de la forma como resultado de la configuración específica de las superficies y los bordes. Una buena forma que ocurre cuando las superficies y los bordes de una forma tienen fuertes centros en cada parte de sí mismos, que sea placentero y claro.

Simetrías Locales: distribución equilibrada de formas equivalentes o espacios alrededor de una línea o punto común. Se puede organizar elementos en la arquitectura de dos maneras: toda una organización puede hacerse simétrica, o una condición simétrica pueden ocurrir en sólo una parte del edificio. Al último caso se refiere como la simetría local.

Entrelazado Profundo: fortalece los centros de ambos lados, que se intensifican por el nuevo centro formado entre los dos.        

Contrastes: es la diferencia entre opuestos que da a luz a algo. El contraste es lo que a menudo da a otros principios de su grado de la vida. El contraste fortalece centros por lo que cada uno es una entidad más profunda de sí mismo, y lo que da un significado más profundo a ambos.        

Variación Gradual: las cosas se organizan y varían en tamaño, espacio, intensidad y carácter. Una cualidad cambia lentamente, no de golpe, y es a través del espacio como se convierte en otro.

Asperosidad:  es la forma extraña, el espaciado irregular, el cambio en el patrón en la esquina. La percepción humana está acostumbrada a la regularidad y la perfección de producción masiva, un objeto con rugosidad es a menudo más preciso, puesto que se trata de acerca y de prestar atención a lo que más importa, dejando de lado lo que importa menos.       

Ecos: todos los diversos elementos de los que están hechos los centros más grandes tienen una cierta similitud de carácter.        

Vacío: los objetos o elementos que tienen la mayor profundidad, generan un área de profunda calma y de quietud. Un vacío delimitado y contrastado por centros intensos alrededor de ella, ofrece una calma, aliviando zumbidos y fortaleciendo el centro.        

Calma Interior: los seres vivos tienden a tener una simplicidad especial. Lo que hace a su simplicidad es la eliminación de los agentes sin sentido de un elemento, lo que a menudo distrae y confunde su verdadera naturaleza. Cuando se hace esto, un objeto está en un estado de calma interior.       

No Separación: es el grado de conexión que tiene un elemento con todo lo que está a su alrededor.


“…La ciudad se entiende aquí como una arquitectura, y ésta, a su vez, como construcción de la ciudad en el tiempo”

miércoles, 27 de mayo de 2020

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente
graciasmás articulos en mis blogs :

hugoklico.blogspot.com
yonlybook.es/blog

LA SERPENTINE Gallery (Zaha Hadid). Historia de sus pabellones. 1a parte

Puedes leer la 1er parte en el link:https://hugoklico.blogspot.com/2020/05/la-serpentine-gallery-historia-de-sus.html


Puedes leer la 2nda parte en el link:https://hugoklico.blogspot.com/2020/05/la-serpentine-gallery-historia-de-sus_12.html


Puedes leer la 3era parte en el link:https://hugoklico.blogspot.com/2020/05/la-serpentine-gallery-historia-de-sus_20.html


LA SERPENTINE Gallery. Londres 
Historia

La Galería de Arte Serpentine Gallery, está situada en los Kensington Gardens, en Hyde Park, Londres.Se inauguró en 1970, en el edificio de una antigua casa de té de 1934 situada junto al lago Serpentine, del que recibe su nombre.En 1991, Julia Peyton-Jones fue nombrada directora. En 2006, Hans Ulrich Obrist fue nombrado codirector de Exposiciones y Programas y Director Internacional de Proyectos.


continua la 2nda parte en el link:

https://hugoklico.blogspot.com/2020/05/la-serpentine-gallery-historia-de-sus_12.html

Cada año, desde el 2000 en verano la Serpentine Gallery selecciona a un equipo de arquitectos de renombre internacional para diseñar un pabellón en los jard