Un flaneur entre las obras magistrales de la Universidad de Yale. Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft.
Autor: hugoklico
Arquitecto. Argentino/Español. editor. distribuidor de libros ilustrados
Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 4ta parte
1960 – 1963. Universidad de Yale, New Haven, Estados Unidos.
Beinecke Rare Books Library.
Biblioteca Beinecke de manuscritos y libros raros
Arquitecto Gordon Bunshaft del SOM Skidmore, Owings & Merrill.
Arquitecto Técnico Jaros, Baum & Bolles
Ingeniero estructural Paul Weidlinger
Constructora George A. Fuller Construction Company
Ubicación
Universidad de Yale, New Haven, Estados Unidos
La Biblioteca Beinecke, está dedicada por completo a los libros raros y manuscritos, alberga los principales libros de esta especialidad en la Universidad de Yale, además de servir como centro de investigación para estudiantes, profesores y otros académicos.
La colección de manuscritos raros de Yale comenzó en 1701, cuando diez ministros se reunieron para fundar una universidad en Connecticut Colony. Los libros que donaron fueron los primeros de muchos obsequios que siguieron durante los siguientes tres siglos, incluido el críptico Manuscrito Voynich y una de las veintiuna Biblias originales de Gutenberg que se sabe que existen y se entregó a la universidad en 1926.
Hernán Cortés, Impreso en papel. Núremberg, 1524.
El “Praeclara Ferdina[n]di Cortesi de nova maris oceani Hyspania narratio sacratissimo ac Invictissimo”, (Ilustración de Fernando Cortés sobre nuevos hechos acerca de los mares y el océano), es el mapa más antiguo de la capital azteca, Tenochtitlán, antes de que fuera destruida por Hernán Cortés (1485-1547).
En su apogeo, Tenochtitlán era la ciudad más grande de las Américas precolombinas. Como indica el mapa, la ciudad estaba construida sobre una isla con puentes que la conectaban con el continente. Estaba altamente estructurada y probablemente era más grande que cualquier ciudad europea contemporánea.
Tras aliarse con las comunidades indígenas alrededor de Tenochtitlán, Cortés sitió la ciudad durante más de noventa días, causando una hambruna masiva. Luego ordenó su destrucción, tras lo cual fue reconstruida como una ciudad española. Eventualmente, la isla se convirtió en el centro histórico de la Ciudad de México.
Originalmente, la colección de libros raros se almacenaba en estanterías especiales en Dwight Hall, que sirvió como biblioteca hasta finales del siglo XIX.
En la década de 1930, se trasladó a la Sala de libros raros de la Biblioteca Sterling. A partir de 1963 un obsequio de 3 ex alumnos de Yale, Edwin J. Beinecke, Frederick W. Beinecke y Walter Beinecke, permitió a la universidad construir un edificio de biblioteca especialmente diseñado para su creciente colección.
Su construcción comenzó en 1960 y se terminó en 1963.
Tras su finalización en 1963, la Biblioteca Beinecke recibió el desprecio abierto de los bibliotecarios de Yale. Contra el telón de fondo de los edificios neoclásicos y góticos universitarios existentes, la imponente caja modernista se consideró como una “locura flotante”.
El bibliotecario asistente Donald Wing lo llamó “el sueño de un arquitecto y nuestra futura pesadilla”.
Mientras tanto, el director de la biblioteca marcó zonas del edificio para señalar sus defectos de diseño. Sin embargo, en los más de cincuenta años transcurridos desde la apertura de la biblioteca, estas protestas se han desvanecido y la Biblioteca Beinecke se ha convertido en un elemento célebre del campus de Yale.
La Universidad de Yale, es una institución que tiene un gran impacto en la vida cultural y académica de la comunidad, el centro de la ciudad está compuesto principalmente por edificios universitarios.
La biblioteca está ubicada en The Hewitt University Quadrangle, una plaza de 61x107m, conocida como Beinecke Plaza, rodeada de otros edificios del campus.
El cuadrilátero se creó en 1901 con la construcción de los Edificios del Bicentenario de la universidad y el Woodbridge Hall. Cuando se agregó la biblioteca Beinecke al patio, se crearon pasillos subterráneos privados para conectar el edificio con la Biblioteca Sterling Memorial para que los miembros del personal transporten libros entre los edificios.
Los edificios cercanos presentan una rica diversidad de alturas, formas y escalas. El edificio se amolda a su entorno y tiene una forma rectilínea que hace referencia a la estructura de la trama urbana.
La fachada del edificio es un guiño a la alineación de la ciudad.
Esto permite un enfoque sutil y una capa adicional; que funciona como el borde de la plaza dividiendo el espacio en dos espacios públicos, la calle con un malecón y la plaza.
Concepto
Gordon Bunshaft diseñó Beinecke como una estructura de dos componentes. El componente más grande y más visible es la estructura de 6 pisos sobre el nivel del suelo que es un espacio completamente abierto que contiene una torre interior cerrada con un muro cortina de vidrio y temperatura controlada para albergar libros.
El componente más pequeño es un centro de investigación subterráneo que contiene pilas, espacio para oficinas, aulas, un área de estudio y un patio con jardín diseñado por Isamu Noguchi. El edificio se encuentra en el corazón del campus de Yale y se puede describir como un cubo de mármol gigante en marcado contraste con los edificios circundantes más antiguos que evocan más la tradición de la erudición universitaria.
En el diseño del arquitecto Bunshaft del estudio Skidmore, Owings & Merrill (5) una de las preocupaciones principales fue el control de la luz. Se requería iluminación ambiental suficiente para permitir que el edificio sirviera como lugar de estudio y lectura, sin embargo, la exposición a la luz solar podría dañar los textos cuidadosamente conservados de la colección. El compromiso de Bunshaft fue construir la fachada con paneles de mármol que, con un grosor de aproximadamente 3 cm permitieran que algo de luz se difundiera hacia el interior sin dañar la colección. Desde el exterior, el mármol blanco con vetas grises parece frío e impenetrable, pero desde el interior, la luz del sol hace que la piedra brille con un sorprendente nivel de calidez.
Muchos han descrito la Beinecke como un “joyero”, lo que no sorprende dado el cálido resplandor que emana el mármol iluminado después de que se pone el sol.
Espacios
El edificio rectangular que tiene 40m de largo, 27 de ancho y 15m de alto se levanta como un monolito compacto e independiente internamente dividido en 6 plantas sobre nivel y dos subterráneas. Una hendidura horizontal de aproximadamente 2,7m recorre todo el perímetro del edificio permitiendo que el vestíbulo de entrada quede oculto bajo la caja.
El vestíbulo de entrada, al nivel de la plaza, y al que se accede por medio de una puerta giratoria de vidrio, está acristalado y al entrar revela una amplia sala de exposiciones, La Gran Sala. Dos tramos de escaleras gemelas conectan con el piso de abajo y el balcón de exhibición de la planta superior.
Escondida de forma segura dentro de la carcasa de mármol hay una torre de cristal hermética y acristalada provista de aire acondicionado que nace en el subsuelo y continúa casi hasta el techo de la Gran Sala, con una estructura metálica propia y 6 pisos de altura (uno de ellos subterráneo) llena de pilas de “libros raros”.
Encuadernados en cuero y en algunos casos incluso dorados, hay aproximadamente 180.000 tomos dentro del pozo de vidrio, exhibidos con orgullo, a pesar de que solo son accesibles para el personal de la biblioteca.
En las estanterías subterráneas se almacenan otros aproximadamente 600.000 ejemplares convirtiéndose en uno de los edificios más grandes del mundo dedicado por completo a este tipo de libros.
Los detalles interiores originales eran exuberantes y oscuros: bronce, tapicería de cuero negro, paneles de madera, mesas y escritorios de teca, alfombras y pisos de granito. La remodelación de mediados de la década de 1990 reemplazó gran parte de los elementos textiles con muebles y materiales más contemporáneos.
Niveles subterráneos
El techo del área subterránea sirve como plaza, convirtiéndose en un hito social central en el Campus de Yale.
Debajo de la plaza hay dos niveles. El inferior contiene equipo mecánico y un gran espacio para almacenar libros. En el nivel superior el espacio dedicado a almacenaje es más pequeño, compartido con una sala de catálogos y referencias, una sala de lectura, oficinas para el personal y un patio hundido.
La luz natural ingresa a los niveles del sótano a través de este patio que recuerda a un “scriptorium” del claustro.
El término scriptorium,es literalmente “un lugar para escribir”, se usa habitualmente para referirse a la habitación de los monasterios de la Europa medieval dedicada a la copia de manuscritos por los escribas monásticos. No obstante, múltiples indicios (tanto documentales como arqueológicos) parecen indicar que tales habitaciones fueron muy poco frecuentes; la mayor parte de la escritura monástica se habría realizado en una especie de cubículos que existían en los claustros o en las propias celdas de los monjes.
en 1472) representa al propio autor trabajando, precisamente mientras compila sus Miracles de
España, en los que esta miniatura aparece
Rápidamente hacemos la asociación con la Biblioteca del Philipp Exeter de Louis Kahn, que deja en los laterales del cubo unos espacios con el mismo concepto de los “scriptorium”, son los puestos de lectura de su biblioteca.
Decía Louis Kahn que“La arquitectura proviene de hacer una habitación, ya que quien sabe hacer una habitación sabe hacer una casa, y con ella algo mayor. Sin embargo, saber hacer una habitación es lo primero…”
Los Scriptorium tienen la intimidad que da la protección, muebles acogedores que dan la escala de su espacio.
Como en el que escribe Jean Miélot los “Miracles de España”, o donde estudiaba San Jerónimo según Antonello da Messina.
Biblioteca Británica
El patio cuenta con un jardín de esculturas diseñado por el escultor Isami Noguchi, quien utilizó exclusivamente mármol blanco en deferencia a la geometría de la propia biblioteca. Tres formas esculpidas ocupan el jardín sin plantas: una pirámide que representa la geometría de la tierra y el pasado, un disco que representa el sol y un cubo que se asemeja al azar a través del lanzamiento de dados.
Estructura
La fachada estructural del edificio, 40x27x15m, consta de cerchas Vierendeel que forman un marco cuadriculado autoportante en los cuatro lados y transfieren sus cargas a cuatro columnas de hormigón macizas en cada una de las cuatro esquinas. Estas columnas con forma de pirámide invertida transfieren las cargas a un pilar metálico revestido de granito.
Las cerchas están compuestas por cruces cónicas de acero prefabricadas, recubiertas de granito gris en el exterior y hormigón prefabricado con áridos de granito en el interior. En las bahías, entre las cruces, hay paneles de mármol blanco translúcido que permiten la entrada tenue de la luz diurna en la biblioteca, mientras bloquean el calor y los fuertes rayos del sol.
Este sistema estructural permite que el vestíbulo de la planta baja esté casi completamente acristalado, dando a los que se encuentran en la plaza frente a la biblioteca un vistazo del tesoro escondido dentro de la caja.
Materiales
Seleccionar el material para este edificio presentó una gran pregunta ya que los espacios debían estar bien iluminados para que los visitantes leyeran y estudiaran en ellos, pero la luz también debía ser sutil y no dañar los libros y manuscritos raros. Bunshaft optó por paneles cuadrados de mármol blanco de Vermont con vetas grises y 3cm de espesor colocados en un marco cuadriculado de vigas Vierendeel (3) recubiertas con granito gris claro.
La transparencia de la fachada se compone de dos capas. Uno de ellos es transparente y se utiliza para el volumen masivo que flota sobre la plaza, manteniendo alejados a los intrusos y creando las condiciones climáticas óptimas. El retranqueo de esta capa preserva los libros raros porque la luz directa del sol es incapaz de penetrar. La otra capa es translúcida, un filtro que evita la dañina luz ultravioleta.
El mármol, gracias a sus propiedades naturales, tiene un aspecto variable, lo que hace que el edificio parezca interesante y le da carácter. El elemento translúcido hace del interior un espacio cálido y emocionante, que contrasta con el frío e impactante exterior, haciendo de la experiencia y el recorrido por el edificio una empresa emocional.
En su construcción original también se utilizó bronce, acero y vidrio.
Video
Nota
1
La viga Vierendeel es una viga con forma de celosía ortogonal inventada y patentada por Jules Arthur Vierendeel al que le debe su nombre. Es una estructura de entramado denominadas como de transición, pues permite salvar grandes luces (de 6 a 27 metros dependiendo de la distancia entre verticales). Se emplea en la construcción de puentes (puente Vierendeel) y en el de vigas especiales que deben cruzar grandes vanos en edificios. Suele emplearse en materiales como metal, hormigón o incluso madera (rara ocasión). Se suele colocar como elemento estructural en forma de dintel.
2
José Juan Barba (1964). Arquitecto (1991). Doctor Arquitecto por la ETSA de Madrid “Cum lauden” por su tesis “Invenciones: Nueva York vs. Rem Koolhaas, Bernard Tschumi, Piranesi” (2004).
Premio nacional de terminación de estudios (1991). Funda su estudio en Madrid, 1992. Es crítico de arquitectura y director de la revista METALOCUS desde 1999. Asesor de diferentes ONGs hasta 1997.
Profesor Titular Universidad de Alcalá de Urbanismo, Proyectos, Teoría y Crítica de la Arquitectura, en grado y máster.
Invitado en diferentes universidades (Roma TRE, Politécnico de Milán, UPMF Grenoble, ETSA Madrid, ETSA Barcelona, U. Thesaly Volos, UNAM México, F.A. Montevideo, U. Iberoamericana México, IE School, U.Alicante, U.Europea Madrid, UCJC, Washington, Medellín, ESARQ-U.I.C. Barcelona,…).
Jurados de concursos. Ha publicado varios libros y recibido los premios: – “Pierre Vago” ICAC, Londres 2005. – “Panayioti Mixeli Aeard”, Atenas 2005. – “Santiago Amón” Award, C.O.A.M. Madrid 2000. – FAD Award 07 Arquin-Fad. Barcelona 2007. – World Architecture Festival. Barcelona 2008. – Gran Vía Posible. Madrid 2010. – Reforma de entorno del río Segura. Murcia 2010.
3
Harri Bartoia, con su beca para estudiar en la Cranbrook Academy of Art se encontró por primera vez con Walter Gropius y Edmund N. Bacon. Trabajo para Charles y Ray Eames, con Hans y Florence Knoll, que es cuando realiza la Colección Bertoia para Knoll, entre ellas la Silla Diamond,
4
Bunshaft trabajó con varios arquitectos y diseñadores industriales, hasta que se convirtió en socio de Skidmore, Owings and Merrill en su sede de Nueva York. Era seguidor del Movimiento Moderno, con gran influencia por los arquitectos Mies van der Rohe y Le Corbusier. Entre sus trabajos más conocidos se encuentra la conocida como Lever House de Nueva york, que se construyó para ser la sede principal de la compañía de jabón Lever Brothers. La única vivienda unifamiliar que proyectó fue la Casa Travertino, de 210 m², hecha para su familia.
En 1988 recibió el Premio Pritzker, junto al brasileño Oscar Niemeyer.
5
Skidmore, Owings and Merrill es un estudio de ingeniería y arquitectura estadounidense, conocido por las siglas SOM.
Fundado en Chicago por Louis Skidmore y Nathaniel A. Owings en el año 1936, en 1939 se incorporó John Merrill y Gordon Bunshaft quien fuera el principal disseñador del SOM durante más de 40 años. En 1988 recibió el Premio Pritzker.
Bajo la visión de Bunshaft el SOM se caracterizó desde el principio por sus rascacielos en forma de caja de cristal, un estilo en el que fue pionero. El estudio ha construido los rascacielos más altos de los Estados Unidos, su arquitectura es sobria y elegante, sin adornos innecesarios.
A lo largo de sus más de 65 años de existencia, SOM ha recibido más de 800 premios de arquitectura y diseño. En 1961 recibió el primer premio del Instituto Americano de Arquitectura concedido a un estudio de arquitectura, y lo volvió a ganar en 1996.
En la actualidad, un Comité Ejecutivo integrado por tres mujeres miembros del AIA dirigen la empresa Carrie Byles, Xuan Fu y Laura Ettelman.
El SOM está estructurado como una sociedad, los socios actuales son: Mustafa Abadan, Stephen Apking, William Baker, David Childs, Thomas Behr, Keith Boswell, , Larry Chien, Leo Chow, Brant Coletta, Chris Cooper, Paul Danna, Michael Duncan, Scott Duncan, Philip Enquist, , , TJ Gottesdiener, Gary Haney, Craig Hartman, Kent Jackson, Colin Koop, Brian Lee, Kennet h Lewis, Adam Semel, Jonathan Stein y Douglas Voigt.
Actualmente tiene oficinas en Chicago, Nueva York, San Francisco, Washington, Los Ángeles, Londres, Hong Kong y São Paulo.
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Salvemos al Parador Ariston de su ruina
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Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 3era parte
Eero Saarinen, el Ezra Stiles y el Morse Colleges
Saarinen con su proyecto ha proporcionado una multitud de vistas, y cada vista exterior de los colegios está encerrada en un marco de otros edificios. La ilusión espacial resultante genera una sensación que es al mismo tiempo inmediata y distante.
La compra del terreno que antes ocupaban el Hillhouse High School y el Commercial High School a la ciudad de New Haven fue posible gracias a una subvención de John Hay Whitney, de la promoción de 1926 de Yale, y la construcción del colegio gracias a una subvención de Paul Mellon de la promoción de 1929 de Yale, quien donó las obras que estan exhibidas en el Centro de Arte Británico y la Old Dominion Foundation.
El colegio, ubicado en el Yale College, 55 Whitney Ave., Suite 630, New Haven, está considerado por muchos críticos de arquitectura una obra maestra de la arquitectura americana, construido con mampostería de escombros con edificios y una torre al estilo de las torres toscanas pre góticas como las que todavía existen en la ciudad medieval italiana de San Gimignano. El College se inauguró en septiembre de 1962.
Eero Saarinen, quien, debido a su temprana muerte, no llegó a ver los edificios terminados, acerca de los planos escribió “…Hemos diseñado los edificios de forma poligonal… para ofrecer una diversidad de habitaciones para estudiantes, responder a las necesidades del lugar y dar variedad y secuencia a las experiencias espaciales en los patios. Concebimos estos colegios como ciudadelas de mampostería monolítica y terrosa, edificios en los que predominaran las paredes de mampostería y cuyos interiores de piedra, roble y yeso transmitieran un espíritu de fuerza y simplicidad. Como los métodos artesanales son anacrónicos, encontramos un nuevo método tecnológico para hacer estos muros: son muros de mampostería «modernos» hechos sin albañiles”.
El Ezra Stiles (1) y el Morse Colleges, de Eero Saarinen, fueron diseñado y construido entre 1957 y 1961 en el campus de la Universidad de Yale en New Haven.
Ambos Colleges están ubicados en un sitio complejo con una calle circular al norte y una serie de edificios al sur. La solución de Saarinen fue crear un jardín de forma ovalada frente a la calle circular, a la que dan la mayoría de los dormitorios. Este jardín se abre a un callejón o corredor que conecta el edificio con el cuadrilátero de Humanidades en el sur. Esta solución crea cuatro tipos de espacios abiertos alrededor del edificio: el mencionado jardín oval, dos pequeños jardines privados al este y al oeste (cada uno de ellos para un College diferente), y un jardín al sur que organiza las circulaciones de los edificios adyacentes y las calles peatonales.
El proyecto de Saarinen crea un diálogo material y formal con los edificios del campus, no sólo con los que comparten el bloque sino también con la estética general de la universidad.
El complejo es parcialmente simétrico, continuando con la estética de algunos edificios neogóticos de la universidad y sus dos torres coinciden con las proporciones de la Biblioteca Sterling, el edificio del gimnasio y otras facultades.
Biblioteca Sterling
Conmemorando la coeducación de graduados de las Primeras mujeres Ph.D. de Yale, 1894.
De izquierda a derecha:
Cornelia H.B. Rogers (Lenguas y Literaturas Romances), Sara Bulkley Rogers (Historia), Margaretta Palmer (Matemáticas), Mary Augusta Scott (Inglés), Laura Johnson Wylie (Inglés), Charlotte Fitch Roberts (Química), Elizabeth Deering Hanscom (Inglés) Pintado en 2015 por Brenda Zlamany
Detalles del edificio de Saarinen
Los edificios lucen en sus muros material de hormigón marrón con agregados de piedra en algunas partes, que coincidían con los colores típicos de los edificios adyacentes. Saarinen no pretende competir en altura o con una forma formal exagerada, sino que reinterpreta la tipología de la universidad con un lenguaje contemporáneo.
archivos, Biblioteca de la Universidad de Yale
Los edificios de Ezra Stiles y Morse están dispuestos en forma aproximadamente circular alrededor de patios asimétricos, a los que se abren desde varios niveles. Cuando se ven por primera vez desde el exterior, crean la impresión de que el interior debe ser oscuro y lúgubre, parece no haber suficientes ventanas. Sin embargo, las habitaciones están inundadas de luz y aire. La impresión inicial de oscuridad se debe al hecho de que las ventanas y las paredes no forman los patrones convencionales que se encuentran en estructuras más antiguas. La configuración cambiante de luces y sombras, colores y matices constituye uno de los atributos singulares de este estilo arquitectónico.
En las paredes y en los patios hay una serie de esculturas de hormigón moldeado del escultor siciliano Costantino Nivola (1911 – 1988). No son figurativas e invitan a la interpretación.
Sobre las puertas de entrada y en el comedor hay enormes lámparas de hierro diseñadas por Oliver Andrews (1925 – 1978), un escultor Californiano.
Costantino Nivola se encuentra con Le Corbusier
El encuentro con Le Corbusier en 1946 es para Nivola un momento decisivo en su vida artística. El choque cultural del exilio y de la reubicación en un nuevo entorno lo había descentrado.
En América, el contacto con otros artistas y arquitectos europeos que habían emigrado para escapar de la persecución nazi, le lleva a dudar de su creatividad. Le Corbusier pone fin a estas incertidumbres.
Nivola conoce al maestro del modernismo poco después de la llegada de Le Corbusier a Nueva York como miembro de un equipo internacional de arquitectos encargados del diseño de la nueva sede de las Naciones Unidas, y comienzan una amistad destinada a durar hasta la muerte del arquitecto en 1965.
En el tiempo libre que le queda de las sesiones de diseño para la ONU, Le Corbusier utiliza el taller de Nivola en Nueva York para pintar, y a menudo es huésped en su casa de Long Island. Durante este tiempo, Le Corbusier introduce a Nivola en el arte modernista, enseñándole los principios fundamentales de la forma.
El artista abandona su antiguo estilo figurativo, vivo y elegante, pero todavía bastante tradicional, para iniciar un período de intensa experimentación. Entre 1947 y 1950 realiza pinturas y multitud de dibujos inspirados en el postcubismo, en las pinturas de Le Corbusier y Fernand Léger (1881 – 1955), así como en el surrealismo.
El comedor se caracteriza por sus fuertes verticales de piedra y cristal, que se elevan hasta 9,14 metros de altura en el interior. Tiene un escenario elevado, donde se realizan representaciones teatrales, conciertos, películas, lecturas de poesía y simposios.
Oficina de Stiles
En los archivos de la Biblioteca de la Universidad se encuentran el gabinete de la oficina del presidente Stiles, alli se ven dos sillas de nogal (regalo del benefactor de Yale Stephen V. Harkness), un reloj de pie inglés y el abanico de bodas de su esposa.
Su mecedora favorita (regalo del famoso jugador de futbol americano Malcolm D. Aldrich), dos candelabros de bronce y una mesa basculante.
En la biblioteca diversas cartas y manuscritos de Stiles, su «Plan de una universidad» y «Conferencia inaugural», su diploma de Yale College y libros sobre Yale de la biblioteca del ingeniero George H. Nettleton.
Un paseo https://youtu.be/WiU674cFeGw
El edificio de Ezra Stiles ganó el Premio de Honor de Arquitectura del Instituto Americano de Arquitectos 2013.
El Ezra Stiles College y el Morse College (lleva el nombre de Samuel Morse (5) son dos de los catorce colegios residenciales de la Universidad de Yale.
Arquitectónicamente, es conocido por su falta de ángulos rectos entre las paredes en las áreas de estar. Ambos College comparten muchas instalaciones.
Origen
En su informe sobre el año 1955-56, el presidente de Yale, Alfred Whitney Griswold (1906 – 1963), anunció su intención de agregar al menos un colegio residencial más al sistema Yale. «Tenemos los colegios tan llenos que la vida comunitaria, la disciplina, la educación, incluso la sanidad se está resintiendo”.
En su informe sobre el año 1955-56, el presidente de Yale, Alfred Whitney Griswold (1906 – 1963), anunció su intención de agregar al menos un colegio residencial más al sistema Yale. «Tenemos los colegios tan llenos que la vida comunitaria, la disciplina, la educación, incluso la sanidad se está resintiendo”.
El terreno se consiguió demoliendo la Escuela de Entrenamiento Manual Boardman y la Escuela Secundaria Hillhouse.
La Fundación Old Dominion, dirigida por Paul Mellon en 1929, proporcionó el dinero para construir dos universidades «radicalmente diferentes», lo que aliviaría la creciente presión sobre las universidades más antiguas.
La donación de Mellon de 15 millones de dólares condujo al desarrollo de Morse y su universidad adyacente, Ezra Stiles College.
Diseño
El Morse College (1) es una estructura ecléctica construida en un sitio extraño y angular.
La construcción original del colegio consistía casi en su totalidad en habitaciones individuales, y en un intento moderno de capturar el espíritu de la arquitectura gótica, Saarinen eliminó todos los ángulos rectos de las áreas de estar. (han llamado al diseño una «sátira antimasónica en ladrillo y mortero». Por supuesto, hay ángulos rectos en cada ventana, entre el suelo y las paredes, y entre las paredes y los techos). Ese “no angulo” resultó evidente en dos habitaciones que tenían once paredes, ninguna de las cuales era lo suficientemente larga como para poner la cama y aun así poder abrir la puerta.
Saarinen escribió en una descripción de los planos arquitectónicos: «De alguna manera, la arquitectura tuvo que declararlos como colegios, no como dormitorios, …Hemos hecho los edificios poligonales, sus formas derivan de querer proporcionar la diversidad de habitaciones para estudiantes, para responder a las necesidades del sitio y para dar variedad y secuencia de experiencias espaciales en los patios. Concebimos estos colegios como ciudadelas de mampostería monolítica y terrosa, edificios donde las paredes de mampostería serían dominantes y cuyos interiores de piedra, roble y yeso llevarían a cabo el espíritu de fuerza y simpleza”.
En un artículo de 1959 en el Yale Daily News, Eero Saarinen discutió su diseño para Morse, señalando que «su esfuerzo principal fue crear una arquitectura que reconociera al individuo como tal en lugar de un número entero anónimo en un grupo».
Los ángulos rectos se han reintroducido en la arquitectura del Morse College después de la renovación en 2010.
El colegio ofrece varias comodidades a sus «bocados» (4) residentes. La torre principal de catorce pisos ofrece una vista de todo New Haven. Las áreas comunes de la universidad incluyen air hockey, billar, ping-pong, futbolín y gran televisor.
Un ambiente más tranquilo se encuentra en Ericka’s Room, un espacio lleno de cómodos sofás, con TV y juegos de mesa, su nombre es un homenaje a la alumna Ericka Bishop, quien fue asesinada por un conductor ebrio al comienzo de su tercer año de estudios.
Morse tiene un colegio residencial «gemelo» adyacente llamado Ezra Stiles que es arquitectónicamente similar y fue construido al mismo tiempo. Las dos universidades distintas comparten un comedor, sobre el cual corre un pasillo público hacia el Payne Whitney Gymnasium.
Arquitectónicamente, Morse y Stiles difieren de sus predecesores por tener más espacio privado por estudiante y la relación más baja entre la apertura de luz natural y la superficie de la pared de cualquier otra universidad.
Ambas tienen una arquitectura única que las diferencia de las otras universidades y, a veces, entre sí.
El Morse College fue completamente renovado durante 2009-2010, se actualizaron las instalaciones de la universidad para satisfacer las crecientes necesidades de los estudiantes, al tiempo que conserva el diseño y el estilo de Saarinen.
La renovación ha permitido tener nuevos espacios recreativos subterráneos, que incluyen un teatro, salas de práctica de música, un estudio de tejido, un estudio de grabación, una sala de medios digitales, gimnasio y espacios para danza y actividades aeróbicas. El espacio une Morse con su vecino Ezra Stiles College a través de un patio subterráneo atravesado por un puente peatonal. Los antiguos 1.086 m2 de espacio social compartidos aumentaron a 1.421 m2.
Se actualizaron todas las instalaciones mecánicas y eléctricas, un nuevo techo, nuevas ventanas, seguridad contra incendios y accesibilidad para discapacitados, aire acondicionado en los espacios públicos para facilitar la interacción social, ampliándose y modernizándose la cocina y los comedores.
Los estudiantes de primer año se alojan exclusivamente en el histórico Durfee Hall, construido en 1871, uno de los edificios más antiguos del campus de Yale.
Payne Whitney al fondo
Su arquitectura, asi como la de muchos maestros, no pretende agradar o satisfacer el gusto de todos, la prueba es que algunos lo consideran uno de los «patitos feos» de Yale. El colegio consta de muchas habitaciones individuales y suites, en un intento moderno de capturar el espíritu de la arquitectura gótica.
Como ninguna de las paredes interiores forma ángulos rectos, muchas de las habitaciones del Stiles están equipadas con escritorios y estanterías empotradas. En el pasado, la universidad contaba con un sistema de calefacción en los pisos de piedra, pero los problemas de mantenimiento llevaron a Yale a cambiarlos e instalar radiadores.
La parte trasera de la librería es una de las paredes del patio. En el otoño de 2010, la remodelación del Morse College adyacente dio a los estudiantes de Stiles acceso al Underground Crescent Theater. Las obras en Stiles comenzaron en el verano de 2010 y finalizaron en agosto de 2011. Entre otras cosas, se agregaron suites a la universidad y se restauraron varias luminarias enormes diseñadas por el escultor de la UCLA Oliver Andrews, que pretendían ser versiones abstractas y contemporáneas de «el tipo de cosas que encontrarías en un castillo antiguo».
Durante la Semana de las Artes, la universidad ha incluido el Festival de Cine Estudiantil Stiles, un evento formal que presenta películas de todos los estudiantes de Yale independientemente de su especialidad o afiliación a la universidad residencial.
Notas
1
El nombre del college es en honor a Ezra Stiles, un eminente teólogo, abogado, científico y filósofo estadounidense, que se desempeñó como séptimo presidente de Yale entre 1778 y 1795, pertenecía a la clase de Yale del año 1746.
El historiador Edmund Morgan (1916 – 2013) describe a Ezra Stiles “Aunque llegó a ser el hombre más erudito de su generación en Estados Unidos, siguió interesándose más por lo que no sabía que por lo que sabía. Las nuevas ideas lo llevaron de la infidelidad a la fe, de la lealtad a Gran Bretaña al orgullo por los Estados Unidos, del constitucionalismo conservador a la democracia radical. Nunca dejó de buscar la siguiente idea”.
2
Ada Louise Huxtable (1921 – 2013) fue una escritora y crítica de arquitectura que ubicó al periodismo de arquitectura y diseño urbano de tal manera que generó una amplia conciencia pública sobre el entorno urbano.
En 1970, recibió el primer Premio Pulitzer de Crítica. El crítico de arquitectura Paul Goldberger, ganador en 1984 del Premio Pulitzer de crítica arquitectónica, dijo en 1996: «Antes de Ada Louise Huxtable, la arquitectura no formaba parte del diálogo público».
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Nuestro Blog ha obtenido más de 1.200.000 lecturas.
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Salvemos al Parador Ariston de su ruina
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Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 2nda parte
Estadio de hockey de la Universidad de Yale
Arquitecto Eero Saarinen. 1953 – 1959
Yale (New Haven, Connecticut)
Eero Saarinen un expresionista estructural
Autor Pier Luigi Serraino (2)
“Eero Saarinen 1910-1961. Un expresionista estructural”.
Editorial Taschen. Colonia, 2009
ISBN 978-3-8365-1331-9
ISBN 978-3-8228-2866-3
25 x 31 cm. Cartoné. PP. 98. editor Peter Gössel (3)
Su larga colaboración con Knoll le permitió realizar diseños de muebles que se han hecho famosos como la “silla Grasshopper” y el “sillón Womb”.
Saarinen para Knoll International 1965. Precio 5.488 €
“Sillón Womb”. Precio 10.890 € con apoya pies
Su primera esposa fue Lilian Swann Saarinen desde 1939 a1953, en 1954 hasta su fallecimiento en 1961 estuvo casado con Aline Bernstein Saarinen, una reconocida crítica de arte y arquitectura.
El libro sobre Saarinen está profusamente ilustrado, y narra en detalle su vida y su obra desde sus estudios y primeros pasos hasta sus proyectos referenciales, explora cómo cada uno de sus diseños amplió los límites del paisaje moderno.
«Con el estadio de hockey de Yale, Saarinen inició una nueva etapa en su trayectoria de exploración de formas orgánicas aprovechando las posibilidades del hormigón armado. Esa instalación deportiva, una de sus primeras estructuras suspendidas, cubre un área de 25.90 por 60.90 metros con capacidad para 3.000 espectadores. Su función primaria era albergar partidos de hockey, pero debía ser multiusos.
Saarinen trabajó estrechamente con Fred Severud, el ingeniero estructural del arco del monumento a Thomas Jefferson, que le permitió diseñar una cubierta ligera y ondulante que contrasta con la típica forma de los edificios circundantes.
“… Un arco parabólico de hormigón armado, con curvatura inversa en sus extremos, surca el eje longitudinal. Desde esta especie de columnata vertebral, cables metálicos transversales, de 25 centímetros de diámetro, insertados a intervalos de 1,80 metros, se extienden hasta fijarse en dos vigas, también de hormigón y de perfil similar, a la altura del suelo”.
Su socio fue Kevin Eamonn Roche (Dublín 1922 – 2019 Guilford) (5) arquitecto estadounidense de origen irlandés, en 1982 Roche ganó el Premio Pritzker de arquitectura, el máximo galardón de esta especialidad, comparable al Premio Nobel.
Kevin Roche comenzó a estudiar en 1940 en la Universidad de Dublin. Después de graduarse en 1945, Roche trabajó para Michael Scott en Dublín.
Poco después de la muerte de Saarinen, Kevin Roche, apareció en un documental que conmemoraba el trabajo de Saarinen donde comentaba: «La gran lección que nos da esta obra es sobre la habilidad de Eero para controlar la línea y la forma. Si se forma una línea recta, no hay dirección, pero, si se la tuerce, dicha línea se convierte en una línea dinámica. El gran desafío consiste en controlar ese dinamismo y aplicarlo a la construcción de un edificio».
La audaz geometría de este proyecto repercutiría más tarde en las escultóricas formas de la terminal de TWA en Nueva York.
El escultor Oliver Andrews fue el autor de la iluminación instalada en la parte superior de una de las curvaturas que aumenta el efecto de elevación del cielorraso y señala el emplazamiento de la entrada principal. El estado de hockey se sigue utilizando para su propósito original».
Saarinen fue reconocido por sus diseños de líneas curvadas, especialmente en las cubiertas de sus edificios, con las que conseguía imprimirles una gran ligereza. Se le asocia frecuentemente con la denominada “arquitectura internacional”.
Eero Saarinen
Nació en Kirkkonummi, Finlandia el 20 de agosto de 1910, falleció el 1 de septiembre de 1961 a los 51 años de un tumor cerebral en Ann Arbor, Míchigan.
Estudio en la Académie de la Grande Chaumière y en Yale School of Architecture.
Academia Estadounidense de las Artes y las Letras
Distinciones FAIA y Medalla de Oro de la AIA.
Su madre fue la escultora Louise (Loja) Gesellius, y su padre fue el conocido arquitecto Eliel Saarinen. Sus padres emigraron a los EEUU cuando tenía 13 años.
1947-1948. Museo Brooklyn
Eero Saarinen estudió escultura en la Academia de la Grand Chaumiére de París y posteriormente arquitectura en la Universidad de Yale.
Recibió una beca para viajar a Europa, donde permaneció dos años. A su regreso fue profesor de arquitectura en la Academia de Arte Cranbrook, y en el estudio «Saarinen, Swansen and Associates», encabezada por Eliel Saarinen y Robert Swansen desde finales de 1930 hasta la muerte de Eliel en 1950.
El estudio funcionó en Bloomfield Hills, Míchigan, hasta 1961 que se trasladaron a Hamden, Connecticut.
Recibió por primera vez un importante reconocimiento, mientras aún trabajaba para su padre, por una silla diseñada en 1940 junto con Charles Eames para el concurso «Organic Design in Home Furnishings», por la que fueron premiados.
El 1 de octubre de 1940, el Departamento de Diseño Industrial en el Moma (Museo de Arte Moderno de Nueva York) anunció un concurso de ideas a nivel nacional, cuyos diseño se realizarían través de un esfuerzo de cooperación entre diseñadores, fabricantes y distribuidores.
«Un diseño se puede llamar orgánico si en el objeto pensado como un todo hay una relación armónica entre los elementos individuales en materia de estructura material y su fin”. (8)
La «silla Tulip», como todas las demás sillas Saarinen, fue producida por la compañía de muebles Knoll, fundada por Hans Knoll, quien estaba casado con Florence (Schust) Knoll, una amiga de la familia de Saarinen,
Cuando aún trabajaba para su padre, recibió también el primer premio en el concurso para el diseño del monumento Jefferson National Expansion Memorial, en St. Louis, que no se terminó hasta la década de 1960.
Como curiosidad, podemos comentar que el premio fue enviado erróneamente a su padre.
Durante su larga asociación con Knoll diseñó muchas piezas importantes de mobiliario incluyendo la silla de salón «Grasshopper» y el otomano (1946), la silla y la otomana «Womb» (1948), el sofá «Womb» (1950), y su más famoso grupo «Tulip» o «Pedestal» (1956), que ofrecía sillas de lado y de brazo, comedor, café y mesas laterales, y un taburete. Se llama “otomano” a un asiento bajo o un taburete que suele estar tapizado y acolchado.
Todos sus diseños tuvieron enorme demanda, excepto la silla de salón «Grasshopper», que, aunque estuvo en producción hasta 1965, no tuvo tanto éxito.
Una de las obras más tempranas de Saarinen en recibir la aclamación internacional es la escuela de Crow Island en Winnetka, Illinois (1940).
Escuela de Crow Island
El primer trabajo importante de Saarinen, en colaboración con su padre, fue el centro técnico de General Motors en Warren, Míchigan, que sigue el estilo racionalista del estilo “Miesian”, incorporando el acero y el vidrio, pero con el acento agregado de los paneles en dos tonalidades de azul, fue construido en 1956, Saarinen usaba maquetas, lo que le permitía compartir sus ideas y recoger las aportaciones de otros profesionales.
Debido al éxito del centro, fue invitado por otras grandes corporaciones estadounidenses como John Deere, IBM y CBS para diseñar su nueva sede u otros edificios corporativos importantes. Diseños con ideas racionales que sin embargo en sus interiores incluía dramáticas escaleras mecánicas.
En sus edificios incluía sus muebles como la Serie Pedestal.
En la década de los 50 comenzó a recibir más encargos de las universidades estadounidenses para los diseños de campus y edificios individuales. Estos incluyeron el dormitorio de Noyes en Vassar, Hill College House en la Universidad de Pensilvania, así como una pista de hielo, el Ingalls Rink, Los Colleges Ezra Stiles & Morse en la Universidad de Yale, la maravillosa MIT Chapel y el vecino Kresge Auditorium en el MIT y la escuela de Derecho en la Universidad de Chicago.
Opera de Sídney
Saarinen formó parte del jurado para la construcción de la Ópera de Sídney en 1957 y fue crucial en la selección del diseño ahora internacionalmente conocido de Jørn Utzon (1918 – 2008).
Un primer jurado que no incluyó a Saarinen había descartado el diseño de Utzon en la primera ronda.
Saarinen revisó los diseños descartados, reconoció una calidad en el diseño de Utzon, y lo defendió asegurando la adjudicación del primer premio a Utzon.
Su propio estudio de arquitectura
Después de la muerte de su padre en julio de 1950, Saarinen fundó su propio estudio de arquitectura «Eero Saarinen and Associates«.
Fue el socio principal desde 1950 hasta su muerte ocurrida en 1961.
Con la dirección de Eero Saarinen, el estudio llevó a cabo muchos de sus proyectos, incluyendo el Complejo Holmdel de Bell Labs en Holmdel Township, Nueva Jersey, el Jefferson National Expansion Memorial (incluyendo el Gateway Arch) en San Luis, Misuri, la Casa Miller en Columbus, Indiana, el TWA Flight Center en el aeropuerto internacional Kennedy de Nueva York (junto con Charles J. Parise), la terminal principal del aeropuerto internacional de Dulles cerca de Washington D. C., la nueva terminal del este del aeropuerto de Atenas que abrió en 1967, etc.
Muchos de estos proyectos usan curvas de catenaria en sus diseños estructurales.
Una de las estructuras de hormigón de capa fina más conocidas en América es el Auditorio Kresge (MIT).
Otra estructura de cubierta delgada que creó es la pista Ingalls de Yale, que tiene cables de suspensión conectados a una única columna vertebral de concreto y es apodada «la ballena». Sin duda, su obra más famosa es el TWA Flight Center, que representa la culminación de sus diseños anteriores y demuestra su expresionismo neofuturístico posible gracias a la maravilla técnica de su cubierta de hormigón.
Eero también trabajó con su padre, madre y hermana diseñando elementos del campus de Cranbrook en las colinas de Bloomfield, Míchigan, incluyendo la escuela de Cranbrook, la escuela de Kingswood, la academia de arte de Cranbrook y el Cranbrook Science Institute.
Saarinen se hizo famoso por sus diseños de líneas curvadas, especialmente en las cubiertas de sus edificios, con las que conseguía imprimirles una gran ligereza. Se le asocia frecuentemente con lo que se denomina “arquitectura internacional”.
Fallecióel 1 de septiembre de 1961, a la edad de 51 años mientras se sometía a una operación por un tumor cerebral. Estaba en Ann Arbor, Míchigan mientras supervisaba la realización de un nuevo edificio de música para la escuela de música, del teatro y de la danza de la Universidad de Míchigan. Está enterrado en el cementerio White Chapel Memorial Park, en Troy, Míchigan.
Notas
1
Samuel Morse era el hijo de Jedidiah Morse, quien se opuso a los Illuminati en sus intentos de subvertir la Nueva Inglaterra calvinista.
2
Pierluigi Serraino, es un arquitecto en activo e innovador del diseño que ejerce en el área de la Bahía de San Francisco.
Sus proyectos y textos se han publicado en revistas como Architectural Record, A + U (Japón) y The Architectural Review (Reino Unido). Ha publicado varios libros sobre arquitectura como Modernism Rediscovered (2000), Eero Saarinen (2005), The Creative Architect: Inside the Great Personality Study (2016) y Ezra Stoller: A Photographic History of Modern American Architecture (2019).
3
Peter Gössel dirige una agencia de diseño para museos y exposiciones. Para Taschen ha publicado monografías sobre Julius Shulman, R. M. Schindler, John Lautner y Richard Neutra, y varios títulos en la serie Basic Architecture.
4
La mascota de Morse es la morsa, en francés le morse se traduce como morsa. Un estudiante en Morse es conocido como «Bocado», también el nombre del pequeño café («Mantequilla») en la sala común de Morse.
5
Kevin Roche trabajo en Londres con Maxwell Fry y en los EE. UU. realizó su posgrado con Mies van der Rohe en el Illinois Institute of Technology. A partir de 1950 trabajó como ayudante en el departamento de planificación de Eero Saarinen and Associates en Bloomfield Hills, Míchigan. Fue socio de Saarinen y cuando éste falleció en 1961 se asoció con el ingeniero de estructuras John Dinkeloo, con quien terminó la terminal de TWA en el aeropuerto J. F. Kennedy de NY o el arco de St. Louis.
Entre 1962 y 1983 realizó más de 50 proyectos. Recibió premio honorífico de la Universidad Nacional de Irlanda, y el doctorado en Bellas Artes de la Universidad de Yale, en 1977 recibió la Medalla de Oro de la Academia de Arquitectura, en 1982 ganó el Premio Pritzker de arquitectura, en 1990 la Medalla de Oro de Arquitectura de la Academia Americana de Artes y Letras y en 1993 la medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos.
Obras relevantes: Fábrica de Cummins Engine (Columbus, Indiana), Edificio corporativo Deere and Co. (Moline, Illinois), Edificio corporativo General Foods (Rye, Nueva York), Ampliación del Museo Metropolitano (Nueva York), Oakland Museum of California (California).
Ford Foundation Building (Nueva York), Edificio Nations Bank Plaza (Atlanta), Sede corporativa de Bouyges (París), Hotel Plaza de las Naciones Unidas (Nueva York), Power Center for the Performing Arts, Universidad de Míchigan (Chicago) y el Fine Arts Center, Universidad de Massachusetts (Amherst, Boston), Banco Irwin Union and Trust Company Addition, Edificio College Life Insurance (Indianápolis), Edificio Knights of Columbus (New Haven, Connecticut), Ciudad Financiera del Banco Santander (Madrid) costó 480 millones de euros, incluyó la construcción inicialmente de nueve edificios, 400.000 metros cuadrados y más de 5.000 plazas de aparcamientos.
6
John Mead Howells, FAIA (1868 – 1959) fue un arquitecto estadounidense.
Nacido en Cambridge, Massachusetts, hijo del autor William Dean Howells, obtuvo una licenciatura en la Universidad de Harvard en 1891 y completó estudios de arquitectura allí en 1894 antes de estudiar en la École des Beaux-Arts , en París, donde obtuvo su diploma en 1897.
7
Urbipedia
8
Texto compilado por el arq. Jose Luis Esperon. 31/10/2013.
El concurso fue apoyado por doce famosos grandes almacenes estadounidenses, que se comprometieron a firmar contratos con los fabricantes, una de las bases del concurso era que el diseño sea viable a escala industrial. Los miembros del jurado incluyeron, entre otros a Marcel Breuer y a Alvar Aalto, la silla de madera contrachapada bidimensional se expuso en el MoMA en 1938.
Charles Eames y Eero Saarinen ganaron los dos primeros premios en las seis categorías de muebles.
A partir de julio de 1941, Charles y Ray Eames comenzaron a desarrollar un proceso para el moldeo tridimensional de la madera contrachapada en su apartamento de Los Ángeles.
De acuerdo con las bases del concurso, Haskelite se encargó de la producción de la carcasa, mientras que Heywood Wakefield fue el encargado del revestimiento con una capa fina de goma espuma.
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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Salvemos al Parador Ariston de su ruina
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GB The Works of Frank Lloyd Wright, Part 14. The Robie House
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«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
The Robie House is fundamental to understanding the history of modern architecture
“I do not intend to become the best architect that has ever existed. I intend to be the greatest architect that ever exists.” F. Ll. Wright
“What always happens is what you really believe in; and believing in something makes it happen.” F. Ll. Wright
Philip Johnson (Cleveland 1906 – 2005 New Canaan) called Wright the «greatest architect of the 19th century».
The impact of the design was so great in its time that in 1958 «House and Home» magazine chose it as the best home of the 20th century.
Beginning of the 20th century, Fred C. Robie tests a prototype of an automobile in Chicago.
His grandfather, whose last name was Räbe, was a german emigrant, and his father, who had settled in Chicago after the great fire of 1871, had started the Excelsior Supply Company to distribute sewing machine supplies.
He had begun to sell bicycles, and his dream was to manufacture motorcycles and also cars. He began studying mechanical engineering, but did not finish his degree.
With a loan from his father and at the age of 28 he set out on an industrial adventure.
He is married, has a son, and lives in rooms at the Windermere West Hotel in Hyde Park, a neighborhood south of downtown, near the university. The desire to have a house arose, and the opportunity arose. Some friends, to prevent a store from being built next to their house, bought the plot next door and sold it to the Robies for $13,500 on May 19, 1908.
There are several colleges in the neighborhood.
His wife, Lora Hiereronymus (Pekin, Illinois 1878 – 1947 Springfield) is happy although she misses her college days at Foster Hall, located a few blocks away. She graduated and taught in Springfield, the state capital. He was probably the one who suggested Wright, since Springfield was home to the Dana House (by Susan Lawrence Dana) and he knew of her work that had been published in “House Beautiful” magazine.
The investment reaches $58,500, 1,500 less than they had initially planned to spend. The plot 13,600 to which are added the 35,000 for the project and the execution and 10,000 for the furniture. Updating the figure to 2021 would be about $918,200 dollars.
The builder was H.B.Barbard Co, who began work on April 15, 1909. The Robie family moved in in May 1910, the furniture and other minor items were completed in January 1911.
Five decades later, in a conversation with a journalist, Robie would say that they recommended him for his desire for a modern home:
– I know what you want, one of those damned houses, one of those Wright ones…
With the arrival of horizontal roofs, overhanging eaves, continuous windows and natural materials, a period begins in which we say goodbye to the «neo-gothic», the «neo-colonial» and the rest of the «neos».
The story is very short and sad for Fred, in 1911 his father died, leaving behind a huge debt, to face it, he sold the house, and a year later he got divorced. (1)
Fred C. Robie in his later years stated about the Robie House:
«I think the house is ideal, it is the most ideal place in the world.»
But let’s go back a few months, not many, to 1909, the project is ready and shows how Wright breaks with the traditional succession of rooms. A large room divided by a fireplace marks the birth of the open plan, it proposes many built-in furniture.
The house is resolved into 3 levels made of limestone, brick and wood, the steel is not visible.
The construction begins in 1909, in the middle of the work, Wright scandalizes Chicago by abandoning his family and escaping with the wife of a client, the work is finished by a collaborator of the Hermann V. von Holst studio (Freiburg 1874 – 1955) (2)
In 1910 the Robie family moved into the house.
The last and best of Wright’s prairie houses, the Robie House, seems designed for a plain rather than the narrow corner lot on which it sits in Hyde Park, a suburb of Chicago.
University of Chicago, 5757 Woodlawn Avenue
In the 1900s, Wright developed what would be described as his great first stage, which was characterized by the use of his own architectural language, based mainly on the use of horizontal lines and plants created around the figure of the fireplace.
According to Wright, this horizontality embodied American values, formally bringing the Midwestern prairie into its buildings. This is reflected in the publication of the “Wasmuth Portfolio” in 1910 in Berlin, where Wright attempted to show a style that “manifested and identified the ideals of democracy and the identity of the American people.” Other architect-historians such as Pevner and Giedion preferred to interpret similar ideas in a different key: a machinist conception of modernity; ideals of a new society in search of a conception of architecture. (3)
“We live on the prairie. The meadow has a very characteristic beauty. We must recognize and accentuate this natural beauty, its tranquil expanse. Hence the gently sloping roofs, the small proportions, the peaceful silhouettes, the massive chimneys, the protective overhangs, the low terraces and the advanced walls that limit small gardens.” Frank Lloyd Wright
Without a doubt, its horizontal shape must have seemed at least extravagant to the neighbors. (4)
The engineer, Frederick C. Robie, wanted a house that could be protected from fires, without closed rooms. On the contrary, he wanted an integration of all the spaces in the house. Wright would have greatly influenced that desire.
The location at an angle of the land largely explains its shape, very similar to that of other “Prairie Houses”.
Its shape is similar to that of other Prairie Houses, located at an angle of the land.
It has no clear facades, no exterior walls or traditional windows, nor a main entrance.
It occupies practically the entire plot, the little free space that is left was designed with walls and built-in planters.
A work of horizontal features reinforced by the sills, the window lintels, and the thin bricks with recessed joints.
Wright’s design responded to the compositional method of that time, which consisted of organizing symmetrical shapes and grouping them asymmetrically.
The genesis of the design is an elongated two-story block, which, without being so, appears to be symmetrical. On the south façade, on the first floor, there is a continuous series of carpentry windows that open onto a cantilevered balcony (here the neighbors who saw a ship would be right), which provide shade over similar windows on the ground floor.
A low-slope roof, and enormous overhangs at its ends.
Beyond, at the eastern end of the building, another sloping roof covers the wing dedicated to a garage for 3 cars and the service staff, Frederick Robie, proposed a modern program, he did not want added decoration (like the Victorian houses of the time) , and wanted a playroom for his children.
The land is 842.90 m² and is narrow, so Wright chose a single axiality for the project. The house unfolds into two bodies displaced from each other, thus leaving two large gaps in the site.
The composition of the floor plan is based on two adjacent bars that blend into a central volume, the chimney, around which the rooms connect.
The house is organized into two wings, keeping the public area facing the street and the service area in the innermost part (3).
Wright had been working on the idea of dematerializing the box, he did not want to propose closed and isolated spaces from each other.
http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones/
Design spaces in which each room opened to the others, obtaining visual transparency, with more light and a feeling of spaciousness. He used light material closures and ceilings of different heights, designing by differentiating between “defined spaces” and “separate spaces.”
Wright breaks with the idea of the house as a box containing rooms, which in turn are other isolated boxes.
The space achieved is fluid and transparent. It is the “explosion of the box”, which allows the play of volumes entering and exiting throughout the land.
The volumetry is made up of large terraces and eaves to give a solid and forceful image that is at the same time hollow and light (5). Wright will use this set of terraces and eaves in the Casa de la Cascada.
Ground floor
The access, which through stairs leads to the main floor.
Games and billiards room, and the public area of the house. All of them separated by the chimney.
In the basement at street level there is the boiler and heating machines, laundry room, pantry, cellar and garage for 3 cars. (6)
First level
It is accessed by the central staircase.
Living room and dining room are separated by the fireplace but visually linked.
It is a large, long, low room, very illuminated. There are no walls that could hinder the view to the outside and the entry of light, although the eaves allow privacy to be maintained. On the same floor there is a guest room, the service wing with the kitchen and the service staff’s rooms.
Chimney
It has an important presence in the environment, it is possible to go around it and continuity is perceived through a rectangular opening in its upper part.
Ceiling
It is divided into panels, with different types of lighting, glass globes on each side of the central, higher area and light bulbs hidden behind the wooden gratings in the lower, lateral areas.
At the ends there are triangular spaces, more intimate areas for living and even eating.
The shadow cast by the wide eaves keeps them “hidden”, but at the same time reinforcing the idea that the space extends to the outside.
The covers are supported by two hidden steel beams that run throughout the main block.
Last level
The rooms are located on this level.
Materials
The house is “wrapped” in Roman brick and limestone.
The enormous eaves are supported by a steel structure, two large beams that run longitudinally are anchored above the chimney.
Wright chose to cover the lateral areas of the beams, leaving a higher area in the center, which produces a spatial effect in both environments.
Furniture
All of the furniture in the Robie house was designed by Wright.
The table rests, in the four corners, on four columns with colored glass lamps and containers for floral compositions.
This design was due to a clear idea: the floral compositions and candelabras that are usually placed in the center of the table constitute a visual barrier between the hosts and the guests.
Here, on the contrary, the decoration and lighting are located in the corners, leaving the center of the table completely free.
On November 27, 1963, it was listed as a National Historic Landmark and since October 15, 1966, it has been part of the National Register of Historic Places in the United States.
In 1992, negotiations began for its restoration and work began in 2002.
“The first thing that catches your attention is the immense roof… covered in tiles… and the dense shadow that reigns under the eaves.” Junichiro Tanizaki (Tokyo 1886 – 1965 Yugawara) “In Praise of the Shadow.” (1933)
http://onlybook.es/blog/el-elogio-de-la-sombra-tanizaki/
“Wright uses the resource of light and shadow to accentuate the long proportions of the eaves and low-sloped roofs, as well as to hide the
bobwindows under an earth-shade color in the shape of a keel and whose side ceilings further accentuate the illusion of extension, achieving an interior-exterior transition and thus merging with the controlled environment.” Adolfo Montiel Valentini. (7)
“…art flows from art and stubbornness, as Leonardo da Vinci recommended. Malraux wrote: a poem at a beautiful sunrise is born from another poem at sunrise and not from contemplation of what the sun does, which is always the same.” Carlos Maggi (8)
joins the battle
Notes
1
In December 1911, David Lee Taylor purchased it for $50,000. He is president of an advertising agency, the house is his wife’s Christmas gift.
Ten months after the purchase, Taylor died, and his wife sold it to Marshal Dodge Wilber, treasurer of a collection agency. In his diary, he points out the deficiencies in the heating, as a record, in the first winter they only managed to raise the temperature to 7 degrees.
Wright said several times that he wanted to buy the house in the 1920s, visited it and, as was his habit, rearranged the books and hid trinkets in unexpected places.
In 1926, Wilber sold it to the Chicago Theological Seminary, they were the last tenants, they held out for 14 years.
Three decades later, the clergy wants to demolish it. Wright runs a campaign and saves her.
There is a second demolition attempt in 1957 but in 1958 developer William Zeckendorf purchased it and donated it to the Chicago Theological Seminary.
The following year it was declared by House and Home magazine as the best home of the 20th century.
In 1963 it was designated a national historic landmark and donated to the university.
In 2002 it was restored together with the Wright Foundation.
“Early in life,” Wright wrote, “I had to choose between honest arrogance and hypocritical humility. I chose the first and I have seen no reason to change.”
2
Hermann V. von Holst agreed to take on the responsibility of leading Frank Lloyd Wright’s architectural firm when he left for Europe with Mamah Cheney in 1909.
Wright had tried to get several architects to take responsibility for his studio, both Marion Lucy Mahony (Chicago 1871 – 1961 Ibid) and George Grant Elmslie (Aberdeenshire 1869 – 1952 Chicago) refused.
He eventually arranged for Hermann V. von Holst to supervise the work, along with architects Isabel Roberts (Missouri 1872 – 1955 Orlando) and John Shellette Van Bergen (Oak Park 1885 – 1969 Ibid.), contractually Marion Mahony would control the entire design. architect and her husband, Walter Burley Griffin, everything related to the urban planning aspect.
The output of Wright’s office in the years 1909-1911 were premier works of the Prairie School by the design team headed by Marion Mahony under the auspices of von Holst (who years later was head of the history department of the University of Chicago).
The aforementioned Isabel Roberts was a member of the design team at Oak Park, along with Marion Mahony and five men – Walter Burley Griffin, William Drummond, Francis Barry Byrne, Albert Mc Arthur and George Willis.
Roberts years later formed the Ryan & Roberts studio with Ida Annah Ryan (Waltham 1873 – 1950 Orlando), one of the first studios made up of women.
3
Metalocus
4
Disgusted with the house, the neighbors ridiculed it by comparing it to a steamboat, pointing out that it had no relationship with the architecture that surrounded it.
It was about to be demolished in 1941, there were protests at the university, which was joined by, among others, Mies van der Rohe (Aachen 1886 – 1969 Chicago). In 1957, the University of Chicago Theological Seminary announced its intention to demolish the Robie House to make way for a dormitory. This provoked the anger of Wright, who, at almost 90 years old, appeared in Chicago to defend the value of its architecture and denounce the demolition plan.
Architects and neighbors supported the efforts and complaints to preserve it, as well as all the architectural treasures of the city, among which the Robie house was included. The National Trust for Historic Preservation also joined. Together they managed to prevent it from being demolished in July 1957.
During the process Wright described the house “as the cornerstone of modern architecture.”
Developer William Zeckendorf (Paris 1905 – 1976 New York) purchased the house in 1958, and later transferred it to the University of Chicago.
His studio Webb & Knapp carried out a redefinition of the neighborhood that, ironically, included the demolition of 880 properties, but not the Robie house.
Among his numerous properties were the Chrysker building in NY, the Astor Hotel.
Both Le Corbusier and Wallace Harrison designed buildings for their firm, Architect I. M. Pei designed his first skyscrapers for Zeckendorf, the Mile High Center (now part of the Wells Fargo Center) in downtown Denver and Place Ville Marie in downtown Montreal .
5
Wiki Architecture data and references.
6
EIn their book Garage, the artist Olivia Erlanger and the architect Luis Ortega Govela maintain that the contemporary garage – just another room, joined to the rest by a door – has its antecedent in this home. Until then these rooms were separated, following the model of stables and garages.
7
Antonio Montiel Valentin. Faculty of Architecture (UDELAR) Architecture and Technology.
8
Carlos Alberto Maggi Cleffi (Montevideo 1922 – 2015 Ibid.) was a Uruguayan writer, journalist, lawyer, historian and playwright. Affectionately nicknamed “el Pibe”.
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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Salvemos al Parador Ariston de su ruina
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Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 1a. parte
Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft.
La Universidad privada de Yale, fundada en 1701, es miembro de la selecta Ivy League, a ella pertenecen ocho universidades con reconocida excelencia académica y de las mas prestigiosas del mundo, ellas son Brown, Columbia, Cornell, Dartmouth, Harvvard, Pensilvania, Princeton y Yale. Se encuentra al 302 de la calle York, en New Haven, CT 06511, en los Estados Unidos.
Estuve unas tres semanas en el campus del Middlebry College en el estado de Vermont, de acompañante de una catedrática, y aprovechando su ubicación cercana a Canadá y a varios lagos, realicé varios paseos.
Antes de llegar a Middlebury, fui a Buffalo a ver varias obras de Wright, de Burnham, Sullivan y Louis Kahn.
Ver https://onlybook.es/blog/frank-lloyd-wright-louis-kahn-henry-hobson-richardson-burnham-root-sullivan-adler-machado-silvetti-rem-koolhaas/
Luego de estar en Middlebury, fuimos a casa de unos amigos, Aníbal y Priscila que viven en New Haven, para mi New Haven y visitar la Universidad de Yale son dos cosas que van “en Combo” es decir “inseparables”.
Cada vez que voy a su casa, propongo ir a pasear a Yale y ver sus edificios.
Y todos (que no son arquitectos sino historiadores y filósofos) son muy razonables y acceden.
Aníbal es catedrático de Yale, lo que nos facilita realizar paseos que incluye entrar en zonas que normalmente estan vedadas a los flaneurs.
Tengo una anécdota con él.
Un día de hace dos años, ofreció a Carmen y a mí a pasearnos por el campus de Yale, entramos en sus bibliotecas, museos, College, residencias, oficinas de profesores, aulas, y en alguno de sus 14 edificios de albergues estudiantiles.
Muy amable, Anibal, nos iba contando, y yo dedicado a fotografiar todo, no siempre a su lado, como cuando ante el edificio de Paul Rudolph (1918 – 1997) (1) cruce de acera, y Anibal le dice a Carmen sonriendo.
–Hugo parece estar en Disneylandia
Asi fue, (me justifico ante mi falta de modales), pero quería tener una toma completa de la esquina de una de las escuelas más famosas de arquitectura.
Paul Marvin Rudolph (1918 – 1997) fue decano de la Escuela de arquitectura de Yale durante seis años, Su obra más conocida es el Yale Art and Architecture Building, un edificio de hormigón de diseño absolutamente “brutalista”.
La “arquitectura brutalista” como estilo arquitectónico surgió durante la década de 1950 en el Reino Unido en los proyectos de reconstrucción de la era de la posguerra. Son construcciones minimalistas, que muestran los materiales de construcción utilizados a la vista, desnudos, desprotegidos de ornamentos o decoración alguna.
Utilizan en general el hormigón armado o simple, ladrillo visto sin pintar y usan formas geométricas angulares. Su paleta de colores es monocromática, en ocasiones se le agrega acero, madera y vidrio.
Los arquitectos cuyo trabajo refleja ciertos aspectos del estilo brutalista incluyen a Louis Kahn.
El historiador de arquitectura William Jordy dice que, aunque Kahn era “opuesto a lo que él consideraba la postura muscular de la mayoría del brutalismo», parte de su trabajo seguramente se basó en algunas de las mismas ideas que se enfocaron momentáneamente en la posición brutalista”. (6)
Rudolph que asume como director del departamento de arquitectura en junio de 1957, ante la necesidad de realizar un edificio, sugiere para ello a varios arquitectos, entre ellos a Le Corbusier, y a Louis Kahn, pero es el presidente Griswold de la Corporación de Yale quien decide que sea el mismo Rudolph el que lo diseñe.
No ha habido vez que visite Yale, que no me haya sentido deslumbrado ante sus maravillas.
Barbican Centre
De entre las obras brutalistas a la que he tenido más oportunidades para conocer, está el Barbican Centre de Londres.
Se construyó en 1982, su coste fue de 161 millones de libras, es uno de los más grandes de Europa.
No las tiene todas a su favor, una encuesta de la BBC determinó que «es el edificio más feo de Londres», a mí me parece interesantísimo, como una respuesta (dura eso sí) a las necesidades de Londres).
Alli he escuchado magníficos conciertos de música clásica y tambien contemporánea, representaciones teatrales, proyecciones cinematográficas y exhibiciones de arte. En su sala de conciertos tiene su sede la Orquesta Sinfónica Londres y la Orquesta Sinfónica de la BBC. Pertenece a la “Corporación de la Ciudad de Londres”, que es la tercera fundación de arte del Reino Unido.
Fue proyectado por los arquitectos Chamberlin Powell y Bon, que nunca se autodenominaron explícitamente brutalistas, cosa absurda, porque su obra (por ejemplo, el Barbican) si lo es.
El Barbican es, sin duda, la mayor obra de arquitectura urbana de la Gran Bretaña de posguerra. Se trata de un proyecto brutalista/modernista visionario: su escala es monumental, diseño geométrico de alta densidad con varios niveles y pasarelas elevadas, sus accesos son múltiples.
En resumen, una ciudad sin coches dentro de la City.
Ferias del Libro
Cada año, desde 1988 en que formé las distribuidoras ASPPAN, Onlybook y la editorial HK en Madrid, participé en las ferias del libro más importantes del mundo editorial.
Sus fechas son más o menos inamovibles cada año, estas son del 2024.
-The London Book Fair, desde el 12 al 14 de marzo, casi siempre en el Centro Olympia, Hammersmith Road, Kensington. En su 36 edición, el pais invitado de honor fue Brasil.
-La Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, desde el 25 de abril al 13 de mayo en el Predio Ferial de La Rural. Tiene 2 secciones, una profesional de pocos dias y una popular, es muy concurrida. La ciudad invitada en el 2024 fue Lisboa.
-La Liber, (que se realizan alternadamente entre Madrid y Barcelona) entre el 4 y 6 de octubre. Muy bien ubicada antes de la feria de Frankfurt, la madre de todas las ferias. En su 40 edición, el pais invitado de honor ha sido Colombia.
-La Frankfurter Buchmesse, desde el 16 al 20 de octubre. Ya ha realizado 76 ediciones (debo haber participado en al menos 40 de ellas), está centrada en la compra y venta de derechos, se exhiben libros de todo tipo, condición, formato, idioma y temática. Los primeros dias son solo para profesionales (no entra el público), luego en el fin de semana se abre totalmente. El pais invitado de honor fue Italia.
-La feria que más ha crecido en lengua española, desplazando a la Liber y la de Buenos Aires, es la FIL (Feria Internacional del Libro de Guadalajara), desde finales de noviembre hasta el 8 de diciembre. En el 2024 en su 38 edición el pais invitado de honor fue España.
-La feria de los EEUU. BEA Book Expo America, del 27 al 29 de mayo funciona en el Jacob K. Javits Convention Center de New York. No tengo seguridad que continue después de la feria realizada en el 2020, creo se ha subdividido en varias miniferias.
Su característica era que se hacía cada año en otra ciudad, por ese motivo he podido conocer NY, Boston, Los Angeles, San Francisco, Miami, Nueva Orleans, Chicago, Las Vegas, etc. etc.
Algún año visité la de Paris (desde el 12 al 14 de abril), y la de Tokyo, a la que fui una sola vez, cuando vas a Frankfurt y Guadalajara, ya has estado en todas.
Paseos
Luego de las ferias (donde si se las hace a conciencia, se trabaja mucho) me tomaba unos dias de descanso, visitando lugares y obras de arquitectura que me interesaban, la mayor parte de las veces con mi hermano Guillermo.
He visto muchísimos edificios, y espero poder seguir haciéndolo. Me sucede algo especial, que lo he hablado con amigos arquitectos y lo comparten. Puedo estudiar una obra en sus planos, sus dibujos, sus fotografías, pero es cuando entro en ellas, cuando percibo con mis sentidos su aspecto, sus dimensiones, es decir, cuando me veo relacionado fuera y dentro de ellas, cuando veo su entorno, y cómo encaja (o no) en el puzle urbano, recién en ese momento, puedo comprender la voluntad proyectual con la que la concreto el arquitecto/a.
Luego de la de Londres me encantaba ir al Barbican (ver sus exposiciones y a las 17 hs escuchar jazz gratis con una taza de té, sentado en su alfombra de la 3era planta), o balconeando desde un entrepiso.
O hacer una excursión al Hay- on- Wye, una de las joyas del río Wye, una pequeña ciudad famosa en todo el mundo por sus libros. En coche se llega en 3 horas son 241 km. De una ruta serpenteando entre montañas.
Todo comenzó en 1961, cuando el propietario de la librería Richard Booth´s compró un contenedor lleno de libros de los EE. UU., procedían de bibliotecas que habían cerrado y dejado de atender al público. Esos libros fueron el comienzo de este bonito pueblo.
El río fluye con gracia por su borde noroeste. “Hay”, como la llaman los lugareños, linda con la frontera entre Inglaterra y Gales.
Tiene más librerías que hoteles y restaurantes, 26 librerías para una población de 2000 habitantes, 1 librería cada 77 habitantes. en sus calles hay estanterías con libros que uno puede llevar y poner su precio en una alcancía.
En España la experiencia se llama Urueña
Ver https://onlybook.es/blog/uruena-en-valladolid-un-pueblo-librero-de-aquel-hay-on-wye-este-uruenas/
Yale Center for British Art (Centro de Arte Británico)
Esperaba poder ver el Museo de Louis Kahn, the Yale Center for British Art (el Centro de Arte Británico de Yale) que luego de 8 años de obras de rehabilitación (llevadas a cabo según un proyecto de Knight Architecture LLC.) estaría abierto al público.
Pero, a pesar del anuncio que la apertura seria en abril de 2024, 4 meses más tarde, en agosto, aun no lo estuvo.
Ahora lo anuncian para mediados del año 2025, algunas personas me dijeron que quizás se postergue un poco más, como ya ha ocurrido con otras obras, esperaremos…
Frente a él está la Yale University Art Gallery, que ya visité en el 2022. Fue una visita rápida, estaba con otra gente, y no pude ver su maravillosa escalera triangular, por eso en el 2023, volví a visitarlo.
El edificio de Louis I. Kahn. Centro de Arte Británico de Yale (4)
En 1960 Paul Mellon dona su extensa colección de arte británico, libros raros y material relacionado a la Universidad de Yale, y de esa forma se crea el Museo.
Mellon pide expresamente que no pongan su nombre al museo en su honor, sino que se llamara Centro de Arte Británico de Yale, para alentar a otros a apoyarlo también.
El “Centro de Arte Británico”, fue proyectado por Louis I. Kahn (1901-1974), está situado al otro lado de la calle de su primer encargo la “Galería de Arte de la Universidad de Yale” inaugurado en 1953.
El Centro de Arte Británico es la última obra de Kahn, fue finalizada después de su muerte. Es el primer museo en los Estados Unidos que ha incorporado tiendas en la configuración de su diseño.
El exterior del centro, resuelto en acero mate y vidrio reflectante, confiere una presencia monumental a la zona céntrica de New Haven. Su interior es geométrico, dividido en cuatro plantas está diseñado en torno a dos patios y se compone a partir de una restringida paleta de materiales naturales como el mármol travertino, roble blanco, y lino belga. Kahn logró su objetivo de crear unas galerías íntimas donde una luz natural difusa baña los objetos expuestos, buscó permitir el paso de la luz natural en la medida de lo posible, empleando la iluminación artificial únicamente en días oscuros o por la noche. La iluminación cenital colabora en el cuidado de las obras de arte.
Desde el 2008 al 2016. Anterior proyecto de conservación del edificio
Después de más de una década de investigación sobre la historia del diseño y la construcción del último edificio, la reapertura del centro supone la culminación de un plan de renovación que se hizo en tres fases.
Durante todo el período de rehabilitación, el centro fue cerrado al público.
(2008-2011) la primera fase del trabajo incluyó la rehabilitación de la zona inferior y exterior.
(2011-2013) se repararon las zonas del vestíbulo del “Lecture Hall”.
(2013) estas dos fases se centraron en los espacios interiores del edificio, incluyendo la restauración de las áreas utilizadas por los departamentos de grabados, dibujos, libros raros y manuscritos.
(2015-2016) se mejoraron los espacios públicos, las galerías y el salón de actos. Se realizaron mejoras mecánicas y eléctricas en todo el edificio, asi como mejoras en la protección, los sistemas de seguridad y la accesibilidad
Desde el 2008 al 2016. Descripción del proyecto
El Centro de Arte Británico de Yale, un moderno edificio icónico en New Haven sirve para albergar la extraordinaria donación de Paul Mellon a la Universidad de Yale, fue reabierto al público el 11 de mayo de 2016, después de la finalización de la tercera fase del proyecto de conservación.
El complejo trabajo de conservación fue realizado por Knight Architecture LLC, este ha sido el más complejo de los trabajos de conservación del edificio llevado a cabo en el centro hasta la fecha, comprendiendo toda la estructura, desde la cubierta hasta el sótano. Se han renovado las galerías públicas del Centro, las instalaciones, espacios y servicios, propiciando una oportunidad para re-imaginar y volver a instalar las renombradas colecciones del centro de más de cinco siglos de arte británico.
Knight Architecture LLC. 1140 Chapel Street, Suite 300. New Haven, Connecticut
Se le pidió a Knight Architecture que llevara a cabo una conservación integral de varios años del Centro de Arte Británico de Yale, diseñado por Louis I. Kahn para albergar la extraordinaria donación de Paul Mellon a la Universidad de Yale. Considerado como la obra de arte más grande y compleja del Centro, el edificio ahora se encuentra renovado y equipado para el siglo XXI.
Imágenes de Richard Caspole, YCBA y Elizabeth Felicella, Esto
Proyecto de conservación de edificios 2016
El Centro de Arte Británico de Yale, el icónico edificio moderno construido para albergar la extraordinaria donación de Paul Mellon a la Universidad de Yale, reabrió sus puertas al público el 11 de mayo de 2016, tras la finalización de la tercera fase de un proyecto de conservación del edificio que duró varios años.
Historial del proyecto
Dirigido por Knight Architecture, LLC, este fue el trabajo de conservación de edificios más complejo realizado hasta la fecha en el Centro de Arte Británico de Yale, que abarcó toda la estructura, desde el techo hasta el sótano. Renovó las galerías públicas, los sistemas internos, los espacios y las comodidades del YCBA, y brindó la oportunidad de reimaginar y reinstalar las reconocidas colecciones del museo de más de cinco siglos de arte británico.
Después de más de una década de investigación sobre la historia del diseño y la construcción del edificio final de Louis Kahn, el YCBA completó un plan de conservación de tres fases en 2016. La primera fase de trabajo incluyó la rehabilitación del patio inferior exterior del museo (2008-11) y amplias reparaciones en el vestíbulo adyacente de la sala de conferencias (2011-13). A esto le siguieron dos fases adicionales que abordaron los espacios interiores del edificio: la segunda fase se centró en la renovación de las áreas utilizadas por los departamentos de Grabados y Dibujos y Libros Raros y Manuscritos (2013); la tercera fase incluyó la mejora de los espacios públicos del YCBA (es decir, las galerías y la sala de conferencias), amplias mejoras mecánicas y eléctricas en todo el edificio y mejoras en la protección contra incendios, los sistemas de seguridad y la accesibilidad (2015-16).
Aspectos destacados del proyecto
La Galería Larga se transformó en una galería de enseñanza y estudio, tal como lo había concebido originalmente Jules Prown, el director fundador de la YCBA. Se recuperaron los acabados de manera similar a los que se encuentran en las galerías principales, se mejoró la circulación adyacente a las áreas públicas en el cuarto piso y se eliminaron las paredes de pogo, que anteriormente habían subdividido el espacio, lo que permitió una vista sin obstáculos del espacio de 140 pies de largo que alberga la colección en un espacio de estilo salón de piso a techo.
Sala de seminarios de colecciones
Se creó una nueva Sala de Seminarios de Colecciones a partir de una antigua oficina administrativa en el extremo este de la Galería Larga. Los nuevos paneles de pared de roble blanco de piso a techo incorporan sistemas de exhibición de arte discretos pero flexibles, que permiten a los profesores, estudiantes y académicos visitantes estudiar de cerca los objetos de la colección bajo una luz natural difusa. La sala también cuenta con nuevos muebles y gabinetes de roble blanco personalizados, así como sistemas eléctricos y de telecomunicaciones actualizados.
Galerías
Las galerías públicas de los pisos segundo, tercero y cuarto se renovaron y reconfiguraron para preservar la visión de Louis Kahn de espacios de exhibición íntimos que evocan el entorno doméstico de una casa de campo inglesa. Las paredes exteriores se volvieron a aislar y se trataron contra la corrosión, se reconstruyó el interior de las paredes y las paredes de exhibición se renovaron con nuevo lino belga natural.
Las alfombras sintéticas desgastadas se reemplazaron con alfombras de lana nuevas, se restauraron las molduras de roble blanco existentes y se repararon o reemplazaron algunas baldosas de travertino dañadas. Las particiones móviles de la galería existentes, conocidas como paredes «pogo», se reemplazaron con pogos nuevos, basados en gran medida en el diseño original de Kahn. Se ha introducido en las galerías públicas una versión revitalizada de los asientos modulares originales de la galería Chadwick de la década de 1970, que cuentan con una altura de asiento ergonómicamente correcta y tela hecha de lana británica 100%.
Tribunal de la biblioteca
El patio de la biblioteca, de tres pisos, evoca el espíritu de un gran salón en una casa de campo inglesa y presenta la icónica torre de escaleras cilíndricas. Se encuentra en el corazón del YCBA y conecta las galerías, la biblioteca de referencia y los archivos y la sala de estudio. Los paneles de pared de roble blanco originales y los pisos de madera también se restauraron durante el proyecto de conservación del edificio.
Patio de entrada
Los paneles de pared de roble blanco blanqueados por el sol del patio de entrada de cuatro pisos, el único espacio iluminado desde arriba dentro del YCBA que recibe luz natural sin filtrar, fueron renovados en el lugar y a mano utilizando productos de renovación certificados por Greenguard.
Sala de conferencias
El salón de conferencias, remodelado por primera vez, cuenta con un sistema audiovisual completamente renovado con capacidades de grabación y presentación de última generación, nueva iluminación teatral y de sala y cobertura Wi-Fi mejorada.
Se introdujo una disposición de asientos central, que mejora la capacidad original del salón de conferencias, para acomodar doscientos nuevos asientos fijos y cinco espacios accesibles para sillas de ruedas y personas con discapacidad. Nuevos pasamanos de acero inoxidable y luces LED en los escalones flanquean los pasillos para mayor seguridad. Se reemplazaron alfombras y pisos de madera, por materiales similares a los originales.
Escaleras circulares
La icónica escalera cilíndrica de hormigón ahora cuenta con mejoras en la accesibilidad y las características de seguridad, incluida una altura estandarizada para los escalones, precauciones contra incendios y humo e iluminación de emergencia mejorada.
En el primer piso se agregó una nueva puerta de salida al vestíbulo y se instaló un ascensor accesible en el muelle de carga del YCBA.
Nivel inferior
Mejoras en la accesibilidad al vestíbulo del sótano, nuevos casilleros de almacenamiento de roble blanco y dos baños neutrales en cuanto al género.
Infraestructura
Se realizaron mejoras en la infraestructura del edificio, en los servicios mecánicos, eléctricos, de protección contra incendios, de telecomunicaciones y de seguridad. Mejoras que permitirán satisfacer las necesidades cambiantes del Centro.
Mientras estamos cerrados
Cuando uno se acerca al Centro de Arte Británico hay una nota que pone:
“Se encuentra actualmente cerrado por conservación del edificio, volverá a abrir en la primavera de 2025”. En la web aclara que “una selección de más de veinticinco pinturas de la colección se encuentra en exhibición en la Galería de Arte de la Universidad de Yale. Durante el cierre, el museo mantendrá un sólido programa de exhibiciones y programación en línea y fuera del sitio”.
Premios obtenidos
-2021. Premio Internacional DOCOMOMO al Patrimonio Duradero
A las siguientes obras
-Centro de Arte Británico de Yale, New Haven, EE.UU.
Peter Inskip, Stephen Gee y Knight Arquitectura, 2012 / 2008-2016
Diseño de Louis I. Kahn 1971-1977.
-y la Ópera de Sídney, Sídney, Australia
Alan Croker 2017-2020 Diseño de Jørn Utzon y Hall, Todd y Littlemore 1959-1972. (8)
-2017. Premio de Honor del Instituto de Arquitectura
-2017. Premio a la Excelencia en Diseño Modernista en América de DOCOMOMO Civic
-2016. Premio de honor de Nueva Inglaterra por la preservación histórica y la reutilización adaptativa
Ver https://youtu.be/9Q1uWMP9eF0
Louis I. Kahn desarrolla aquí, las ideas que había explorado en obras como la extensión de la Galería de Arte de la Universidad de Yale, la Biblioteca de la Academia Phillips Exeter, el Instituto Salk de Estudios Biológicos y el Museo de Arte Kimbell.
Ver https://onlybook.es/blog/impresiones-de-un-relator-desde-el-middlebury-college-en-eeuu-6/
El Centro de Arte Británico de Yale en New Haven fue galardonado en 2005 con el prestigioso Premio de los Veinticinco Años del Instituto Americano de Arquitectos.
-2016. Premio del público de AIA New England | 2016
-2017. Premio de Connecticut Trust para la Preservación Histórica
-2017. Premio de honor a la Excelencia en Arquitectura de la Sociedad para la Planificación de Universidades y Colegios por ampliaciones, renovaciones o reutilizaciones adaptativas de edificios
-2016. Premio de honor AIA Connecticut
Associated Builders and Contractors Inc – Premio especial del jurado
Restauración
El Centro y su colección, después de casi cuarenta años desde su apertura en 1977, se enfrentó a serias necesidades de conservación. Amy Meyers, la actual directora, encargó un plan de conservación detallado para el edificio titulado Louis I. Kahn and the Yale Center for British Art: A Conservation Plan.
Cliente Oficina de Instalaciones de la Universidad de Yale, Centro de Arte Británico de Yale
Equipo
-Knight Architecture LLC. George Knight, AIA, Daphne Kalomiris, AIA, Nikolaos Tombras, Megan Milawski, Jeffrey Pollack, AIA, Kyle Dugdale, AIA, Dylan Hayn, Thomas Day, Amrita Raja, Britton Rogers
-Universidad de Yale Oficina de Facilitités (Departamento de Planificación y Gestión de Proyectos)
-Turner Construction Company (contratista general)
-Peter Inskip & Peter Jenkins Architects Limited (Arquitecto de Conservación)
-Wiss, Janney, Elstner Asociados, Inc. (Ingeniero Estructural y Consultor en Conservación de Edificios)
-Michael Morris, Museo Metropolitano de Arte (Conservador de Arquitectura)
-Fuertes Diseñadores Gráficos Chen (Diseño Gráfico)
-Stephen Saitas Designs (Diseñador de exposiciones)
Notas
1
Hubo un tiempo en suspenso, cuando se alisto en la armada, a su regreso se graduó en 1947.
Rudolph estudió arquitectura en la Auburn University, su posgrado lo realizó en la Escuela de graduados de Harvard. Fue alumno de Walter Gropius.
En Sarasota (Florida) hizo un estudio con Ralph Twitchell, y en 1951 arma su propio estudio. Sus proyectos, fueron los exponentes más reconocidos de la escuela de Sarasota.
En 1958, obtuvo el puesto de decano de la Yale School of Architecture y poco después diseñó el Yale Art and Architecture Building. Rudolph permaneció en Yale durante seis años, después de los cuales se dedicó a la práctica privada.
Cuando el edificio sufrió un gran incendio su renovación estuvo a cargo de Gwathmey Siegel & Associates.
Charles Gwathmey (1938 – 2009) fue alumno de Yale Architecture y exalumno de Rudolph. Una referencia de Gwathmey, fue en 1992 con su estudio: Charles Gwathmey y Robert Siegel y Asociados quienes realizaron la ampliación del Guggenheim de N Y.
El arquitecto Charles Gwathmey
Charles Gwathmey adquirió relevancia con poco más de treinta años cuando formó parte, junto a Peter Eisenman, Michael Graves, John Hejduk y Richard Meier, del grupo de jóvenes profesionales reunidos en la exposición ‘Five Architects’ organizada por el MoMA de Nueva York en 1969, y sobre la que se publicó posteriormente el célebre libro con el mismo título.
Profesor en diferentes universidades americanas y fundador junto a Robert Siegel de la firma Gwathmey Siegel & Associates en Nueva York, Charles Gwathmey concibió proyectos como la casa de formas geométricas que construyó para sus padres, ambos artistas, en Long Island (1966) —y que convertiría luego en su residencia y estudio—, la ampliación del Museo Guggenheim de Nueva York (1992), y el Museo de Arte Contemporáneo (MoCA) de North Miami (1995). Recientemente había ampliado la Escuela de Arquitectura y Arte de Yale (2007), construida en 1963 por el que fuera su profesor Paul Rudolph.
2
En el 2012 el Bank of New York Mellon fue el octavo banco más grande de los EEUU, BNY Mellon ha sido clasificado una vez más como el banco más seguro de los EE. UU. según una encuesta reciente de los “50 bancos más seguros del mundo”.
Conocida como BNY Mellon, es una corporación bancaria multinacional estadounidense de servicios financieros constituida el 1 de julio de 2007, como resultado de la fusión del Banco de Nueva York y Mellon Financial Corporation. Es el banco custodio más grande en el mundo, emplea a 51.400 personas en todo el mundo y opera en los sectores principales de servicios financieros.
Es la más antigua corporación bancaria en los Estados Unidos, con orígenes que se remontan a la creación del Banco de Nueva York en 1784 por Alexander Hamilton.
3
Pierluigi Serraino es un arquitecto, caracterizado por su diseño innovador que ejerce en el área de la Bahía de San Francisco. Sus proyectos y textos se han publicado en revistas como Architectural Record, A + U (Japón) y The Architectural Review (Reino Unido). Ha publicado varios libros sobre arquitectura como Modernism Rediscovered (2000), Eero Saarinen (2005), The Creative Architect: Inside the Great Personality Study (2016) y Ezra Stoller: A Photographic History of Modern American Architecture (2019).
4
José Juan Barba (1964). Arquitecto por la ETSA Madrid (1991). Doctor Arquitecto por la ETSA de Madrid, Sobresaliente “Cum lauden” por su tesis “Invenciones: Nueva York vs. Rem Koolhaas”. Textos y fotos de METALOCUS.
5
Samuel Finley Breese Morse (1791 – 1872) fue un inventor y pintor estadounidense. Contribuyó a la invención de un sistema de telégrafo de un solo hilo basado en los telégrafos europeos. Fue uno de los desarrolladores del código Morse en 1837 y ayudó a facilitar el uso comercial de la telegrafía.
6
Jordy William (1972). The Impact of European Modernism in the Mid-twentieth Century. American Buildings and Their Architects 5. New York, Oxford: Oxford University Press. p. 363. ISBN 0-19-504219-0.
7
El parque nacional consta del Arco Gateway, un arco de catenaria invertida de acero, diseñado por Eero Saarinen que mide 192 m de altura y 192 m de ancho, que se ha convertido en el ícono de San Luis; un parque de 36,8 ha a lo largo del río Misisipi en el sitio de los primeros edificios de la ciudad; el Viejo Palacio de Justicia (Old Courthouse), un antiguo palacio de justicia federal y el museo de la expansión hacia el Oeste, de 13 000 m², en el propio Arco Gateway.
El Arco Gateway y sus alrededores fueron un memorial nacional, llamado en 1935 el “Jefferson National Expansion Memorial”, en el 2018 es renominado parque nacional.
8
Ambos proyectos lo tuvieron como protagonista. En 1957 Saarinen estuvo en el jurado para la comisión de la Ópera de Sydney y su presencia fue crucial en la selección del diseño de Jørn Utzon.
Un primer jurado (donde no estaba Saarinen) había descartado el diseño de Utzon en la primera ronda; Saarinen revisó los diseños descartados y reconoció la maestría y genialidad en el diseño de Utzon, garantizando su elección.
Sigue en https://onlybook.es/blog/un-paseo-por-la-universidad-de-yale-paul-rudolph-louis-kahn-eero-saarinen-gordon-bunshaft-2nda-parte/
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Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón doscientas mil lecturas http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
Onlybook.es/blog
Hugoklico.blogspot.com
Salvemos al Parador Ariston de su ruina
Let’s save the Parador Ariston from its ruin
http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/
Mies van der Rohe. Montreal, su única estacion de servicio
La historia de la estación de servicio L’Île-des-Sœurs (1)
Luego de haber visto la gasolinera de Wright en Buffalo, vi la de Mies en Montreal, Canadá.
Ver https://onlybook.es/blog/wright-brenham-sullivan/
En la década de 1950, el proyecto de construcción de la vía marítima del San Lorenzo trajo grandes cambios para las islas de la región de Montreal.
En 1956, la empresa Quebec Home and Mortgage Corporation Limited compró la isla Saint-Paul con el objetivo de desarrollar un importante proyecto inmobiliario.
La compañía Imperial Oil Limited (Esso), asociada al proyecto, se comprometió a construir estaciones de servicio de alta calidad arquitectónica. Para diseñarlas, eligieron al estudio de arquitectura de Mies van der Rohe, con la participación del arquitecto quebequense Paul H. Lapointe. Solo se realizó la estación de servicio ubicada en la calle Berlioz.
© Instituto Goethe de Montreal
Fotos ampliadas del panel (fotos en muy mal estado)
Ludwig Mies van der Rohe.1955/56
MIES en Canadá (2)
Montreal
Mies van der Rohe (1886 – 1969) falleció hace ya poco más de medio siglo y aunque parezca que sus ideas y proyectos han sido ampliamente descritos, analizados, comparados, en incontables publicaciones, aún es posible seguir hablando de él, y más si cabe de sus obras menos conocidas, consideradas “menores” por diferentes circunstancias, ellas completan la visión polifacética de su obra.
En ocasiones, es incluso necesario, y podemos comprender mejor su arquitectura teniendo en cuenta que su preocupación era buscar la perfección a través de la depuración, más que la experimentación constante de forma caprichosa.
Suya es la frase de que “no es necesario, ni posible, inventar cada lunes por la mañana una nueva arquitectura.”.
Proyectos y obras canadienses realizados en la década de los 60 del siglo XX:
-1961. Maqueta del proyecto Mountain Square en Montreal
-1963 – 1969. El Toronto-Dominion Centre en Toronto
-1965 – 1968. El Westmount Square en Montreal
1967 – 1969. Tres edificios de apartamentos en la Île des Sœurs o Nun’s Island de Montreal donde colabora además en la planificación urbana de la isla (1965-1966)
-1967 – 1968. La Estación de Servicio Esso en la Île des Sœurs o Nun’s Island de Montreal
y por último, el proyecto del Dominion Square (1968-1969) también en Montreal
Un total de siete proyectos, dos de los cuales finalmente no se llegaron a construir, y una planificación urbana, todos en Montreal (Quebec) salvo uno de ellos en Toronto.
Mies en Canadá
La estancia de Mies van der Rohe en Montreal coincide con el final de su carrera (muere en 1969), y con la entrada de Montreal en la modernidad con la Expo 67.
Como una de las ciudades más antiguas de Norteamérica, asfixiada en la primera mitad del siglo XX por un liderazgo católico represivo, su madurez como ciudad moderna llegó tarde. (3)
La llegada de Mies a finales de los años 60 representó un período en la historia de Montreal en el que la ciudad podía mirar hacia adelante e imaginar un futuro nuevo y separado de su pasado. Los tres edificios en los que trabajó reflejan nuevas formas de pensar el espacio, donde la experiencia urbana se Re-imaginaba como algo moldeado por la movilidad fácil, la accesibilidad y la imaginación.
Tras abandonar Europa, se instaló en Chicago, donde fue nombrado director de la escuela de arquitectura del Instituto Tecnológico Armour de Chicago (hoy Instituto Tecnológico de Illinois). Diseñó decenas de edificios, muchos de ellos parte del campus que aún se mantiene en pie en Chicago, redefiniendo el perfil de la ciudad. Su popularidad también le permitió diseñar edificios en Houston, Berlín, Toronto y Montreal durante las décadas siguientes.
Phyllis Lambert, quien ayudó a traer a Mies a Montreal después de convencer primero a su padre para que lo contratara para el edificio Seagram de Nueva York, dijo al Gazette que Joe Fujikawa (1922 – 2003) (4) quien trabajó para Mies, fue el arquitecto del proyecto y tuvo la última palabra en el diseño.
En general, y en parte debido a su deteriorada salud, el trabajo de Mies en Montreal se realizó a distancia, se ha llegado a decir que actuó más como consultor que como gerente de proyecto activo.
Sueños de ciudades dentro de ciudades
En Mies van der Rohe: The Built World de Carsten Krohn , contextualizan la construcción del complejo Westmount Square con Habitat 67 de Moshe Safdie y otros arquitectos modernistas que trabajan en Montreal.
Arquitectos como Safdie creían en una mayor movilidad arquitectónica a través de megaestructuras y una «tipología de edificios híbridos» que difumina la línea entre arquitectura y ciudad.
Mies prefería una planta abierta y columnas simples como puntos fijos, creando una plaza peatonal urbanizada y un patio. Westmount Square presentaba un edificio de mediana altura en la superficie como mediación entre la zona más residencial y el concepto más sofisticado de «ciudad dentro de la ciudad».
El espacio indefinido del patio se presta a ser moldeado por las necesidades y deseos del público que lo utiliza. La idea de que el trabajo, las compras y la vida serían accesibles a pie reduce de manera similar el desperdicio y el estrés.
Less is More…Less is Bore…Les is Less, More is More…Less & More…
Desde hace mucho tiempo se ha asociado a Mies con el adagio “menos es más” (algunos incluso le atribuyen el mérito de haber acuñado la frase) (5). Su estilo minimalista apuntaba a reducir y destilar los diseños de edificios a sus formas más simples, centrándose en la función por encima de todo lo demás. Sus mejores diseños eran tan reducidos que no se podía quitar un solo elemento sin que toda la estructura se derrumbara. Ningún muro ni ningún adorno eran superfluos o innecesarios.
El diseñador Óscar Guayabero (1968) reflexiona entorno a la autoría de la que es quizás la frase más icónica del diseño y la arquitectura.
Mies van der Rohe lo confesó en un libro de memorias: “Lo escuché en la oficina de Behrens por primera vez. Tuve que hacer un dibujo para la fachada de una fábrica. No había nada que hacer con esto. Las columnas medían 5,75 metros. Lo recordaré hasta que muera. Le mostré un montón de dibujos de lo que se podía hacer y luego dijo: «Menos es más». Yo no entendí, pero vi que lo decía en serio”.
“Menos es más” (Less is More) es, quizás, la frase más famosa de la historia del diseño y la arquitectura y, sin embargo, a menudo se ha atribuido erróneamente su autoría. Ha pasado a la posteridad como sentencia del arquitecto Mies van der Rohe.
Todo indica que Mies oyó esta frase en el estudio de su mentor y maestro Peter Behrens (1868-1940), donde estuvo como ayudante durante un tiempo, muy al inicio de su carrera. En aquel estudio también pasaron otros tótems de la arquitectura, como Walter Gropius y Le Corbusier, reclutó a Van der Rohe para trabajar en aspectos de la Fábrica de Turbinas AEG en Berlín, entre 1907 y 1910.
Otras teorías sobre el origen de la frase
Se tiene como autor al pintor de la generación del expresionismo abstracto Ad Reinhardt (1913-1967) que en una entrevista dijo “Mientras más cosas contenga, cuanto más ocupada sea la obra de arte, peor será. Más es menos. Menos es más”.
La obra de Reinhardt tiende al reduccionismo casi total, que parece anticipar el minimalismo que surgiría décadas más tarde.
También se le ha asignado la autoría al poeta alemán Christoph Martin Wieland (1733-1813) quien escribió la siguiente sentencia “Und minder ist oft mehr, wie Lessings Prinz uns lehrt”. “Y menos es a menudo más, como nos enseña el príncipe de Lessing”, haciendo referencia a un personaje del poeta alemán Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781).
Sea o no suya, Mies van der Rohe hizo bandera de la frase, sobre todo a partir de la década de los cincuenta, ya instalado en Estados Unidos.
A poco que uno estudie su obra, veremos que de simple no tiene nada, la complejidad de sus edificios, pese a utilizar formas puras y volúmenes compactos, es extrema, ni la simpleza ni la falta de ambición estética son parte de ellas.
“Cada elemento físico ha sido reducida a su esencia irreductible. El interior es transparente sin precedentes… y también sin precedentes ordenada en sí mismo. Todos los de la parafernalia de los tradicionales salones, paredes, puertas, muebles de interior de ajuste, sueltos, fotos en las paredes, incluso objetos personales (han sido prácticamente abolido) en una visión puritana de la simplificación, la existencia trascendental. Mies había logrado finalmente una meta hacia la que había estado marcando su camino durante tres décadas”. Maritz Vandenburg, historiador.
Hay múltiples lecturas posibles a edificios como el Pabellón Alemán de la Exposición Universal de Barcelona del 1929.
-el Seagram de Nueva York 1954/58. (en colaboración con el arq Philip Johnson. (1906 – 2005).
-o la casa Farnsworth. 1948/51.
Pocos años después de que Mies popularizara la famosa frase, el diseñador/inventor/arquitecto/visionario Buckminster Fuller (1895-1983) la personalizó modificándola hasta “Hacer más con menos”. Puede parecer lo mismo, pero hay diferencias sustanciales.
Fuller rehuía los dogmas, como norteamericano pragmático, su visión era mucho más práctica, deudora de la ingeniería. En realidad, a ese proceso le llamó “efemerización” y se trataba de conseguir los máximos resultados con la menor inversión de material y energía.
Es el mismo principio que le llevó a crear el concepto dymaxion, que se define como “la máxima tensión dinámica” que es capaz de soportar una estructura y que hizo posible las cúpulas geodésicas.
Cuando en 1966, el arquitecto estadounidense Robert Venturi (1925- 2018) escribió Complexity and Contradiction in Architecture, el que sería el libro más importante al inicio de la postmodernidad, no solo revisó los clásicos desde la arquitectura griega al Renacimiento, sino que también revisó el paradigma del movimiento moderno, y con él, la frase atribuida a Mies.
Venturi escribió “Doy la bienvenida a los problemas y exploto las incertidumbres. Al abrazar la contradicción tanto como a la complejidad, busco la vitalidad tanto como la validez. Me gustan más los elementos que son híbridos que los “puros”, los comprometedores más que los “limpios”, los distorsionados más que “sin dobleces”, los ambiguos más que los “articulados” …, redundantes más que simples; contradictorios y equívocos más que directos y claros… Estoy por la riqueza de significado más que por la claridad de significado… Una arquitectura válida evoca muchos niveles de significado… sus elementos se hacen legibles y explotables en varias maneras a la vez”.
Ver https://onlybook.es/blog/robert-venturi-denise-scott-brown/
Concluyendo que “Menos es el aburrimiento” (Less is a bore), años más tarde, rectificó y dijo que su crítica no era justa con lo que Mies van der Rohe había aportado a la arquitectura.
“Pero en realidad, yo siempre lo entendí como una crítica a sus seguidores menos inspirados que copiaban los tics formales, más que al sentido primigenio de su trabajo”.
En el diseño gráfico, esa rémora del tardo modernismo se tradujo en fórmulas para diseñadores miedosos donde parecía que si se usaba la Helvetica, se dejaban muchos blancos, se usaban pocas tintas y se hacían bloques de texto como manchas geométricas, el éxito estaba asegurado.
Quizás por eso, un diseñador gráfico como Milton Glaser (1929-2020) también revisitó la frase y en su conocido decálogo apuntó “Al ser hijo del modernismo escuché este mantra toda mi vida: “Menos es más”.
No funciona cuando pensamos en la historia visual del mundo. Si observas una alfombra persa, no puedes decir que menos es más porque te das cuenta de que cada parte de esa alfombra, cada cambio de color, cada cambio de forma es absolutamente esencial para su calidad estética.
No se puede probar de ninguna manera que una alfombra lisa es superior. Lo mismo con el trabajo de Gaudí, las miniaturas persas, el art nouveau y muchas otras cosas. Tengo una máxima alternativa que creo que es más apropiada: “Suficiente es más”.
El concepto “suficiente” es tremendamente ambiguo, algo muy propio de la postmodernidad donde las certezas dejaron paso a la incertidumbre y donde ya no cabían los dogmas de fe.
A pesar de ello, otro diseñador gráfico, Massimo Vignelli (1931-2014) ferviente seguidor del movimiento moderno, aun cuando su trabajo se desarrolló en buena parte dentro del periodo postmoderno, ironizó sobre la evolución del diseño acuñando frases para las décadas de la segunda mitad del siglo XX.
En lo que llamó «Gráfico esquemático de cambios ideológicos y de diseño desde los 60 hasta la actualidad” (Schematic chart of ideological and design changes from the 60s to the present). (6)
Así, según Vignelli, los años 60 se definían con el “Less is More” de Mies; los años 70 con el “Less is a Bore” de Venturi, los años 80 con un maximalista “The more the better” (Cuanto más mejor), los años 90 con un retorno al pragmatismo, expresado con “Less is less, more is more” (Menos es menos, más, es más) y finalmente, los 2000 con un pusilánime “Less & More” (Menos y más).
Una visión del futuro desde el pasado
La Station – Centre intergénérationnel
201 Rue Berlioz
Verdun, Montreal
QC, H3E 1C1
A diferencia de otras obras arquitectónicas de finales de los años 60 que transformaron el aspecto de Montreal, Ludwig Mies va der Rohe está presente, caminar entre sus edificios no da la sensación de estar en el pasado, por lo que uno se pregunta si caminar por ellos a finales de los años 60 no habría sido como caminar por el futuro.
Gasolinera, construcción única, ícono de la Arquitectura Moderna. Fotos de HK
En la l’Île-des-Soeurs de Montreal, Mies realizará también un proyecto único en su carrera desde el punto de vista del programa funcional: una estación de servicio para la empresa Imperial Oil Ltd., hoy en día la Esso Oil Canadá (1967-1968).
La compañía firmó un acuerdo de exclusividad para suministrar combustible a la isla, pero comprometiéndose por contrato a construir un edificio de alta calidad arquitectónica y que a su vez fuera el prototipo de los restantes que iban a equipar la isla. Este compromiso de excelencia arquitectónica propició que Mies fuera designado para el encargo, aunque también fue decisiva la intervención de sus socios Gerry Johnson y Joe Fujikawa, quienes fueron imprescindibles en el trato con la compañía petrolera, y consiguieron que aprobara el proyecto.
Al equipo se unieron Paul H. Lapointe como arquitecto residente de Montreal, que ya había colaborado con la compañía petrolera, y Herb Sherwood, arquitecto de Toronto empleado de la Imperial Oil Ltd., que ayudó a supervisar la obra. El equipamiento está situado en el boulevard principal de la isla, en una zona rehundida y rodeada por un pequeño terraplén, donde originalmente estaba el rótulo de la compañía petrolera. Se trata de una construcción modesta de pequeñas dimensiones, que casi pasa desapercibida, pero que según Bédard: “(…) resume elocuentemente, con una gran economía de medios, los elementos esenciales del pensamiento arquitectónico de este maestro del Movimiento Moderno.”
Las diversas funciones de la estación de servicio, reabastecimiento y mantenimiento de los automóviles se desarrollan debajo de una cubierta plana sostenida por 12 columnas de acero pintadas de negro, como las vigas, que contrasta con el revestimiento metálico interior blanco del techo y los tubos fluorescentes desnudos.
En la zona central se sitúa la isla de servicio alrededor de un quiosco, que es un volumen completamente acristalado, y las seis bombas de suministro diseñadas también por Mies, mientras que en los extremos se disponen dos volúmenes con diferente tratamiento.
Uno de ellos, totalmente acristalado, albergaba la recepción de los clientes, y su disposición, según France Vanlaethem, recuerda “a la planta de la casa Farnsworth. (1946-1950)”.
En cambio, en el otro, más opaco, estaba el taller mecánico, delimitado por dos bloques de servicio con paredes de ladrillo y grandes puertas de garaje acristaladas visibles desde el área de servicio, con una imagen muy similar a la arquitectura del lllinois Institute of Technology (IIT) de Chicago (1943-1958).
No era la primera vez que Mies se enfrentaba a este nuevo uso, ya que entre sus proyectos no realizados figura una estación de servicio en una autovía alemana en 1934.
La solución final se adapta perfectamente al moderno programa funcional, recuerda la escala de los proyectos de viviendas individuales concebidos en las décadas anteriores y responde al principio de una construcción en forma de pabellón.
Sin embargo, la propuesta de Mies va más allá de un simple pabellón exento ya que dispone varios volúmenes independientes bajo un mismo techo de metal, donde además oculta todos los sistemas técnicos, asi unifica y enfatiza la horizontalidad. El proyecto original, tras su construcción, fue modificado varias veces.
Sin embargo, tras el cese de la actividad en 2008 y su catalogación como edificio
patrimonial en 2009 fue cuando el arquitecto canadiense Éric Gauthier, de la firma Architectes FABG, lo convirtió en un centro de actividades para jóvenes y mayores, en el 2011. Ha sido una intervención que ha cambiado por completo el uso original del edificio, pero que ha respetado en gran medida la esencia del proyecto original, sin caer en el rigor mortis de la monumentalización.
Así pues, el edificio ha cumplido una de las posibilidades que el propio Mies incluso contemplaba en alguna conversación, para su arquitectura: que su función o uso pudiera variar con el tiempo: Sin embargo “…si el uso del edificio cambia…por ejemplo, hace un siglo que, por alguna razón, el museo ha pasado a ser… cualquier otra cosa. No vacilaría en hacer una catedral en el interior de mi Centro de Convenciones (Chicago). No veo por qué no. Se puede hacer. Así que un tipo, como el centro de convenciones o el museo, pueden utilizarse también para otros fines…ya no se trata “la forma sigue – o debería seguir – a la función”. De todos modos, tengo ciertas dudas sobre estas afirmaciones. Existía una justificación cuando se dijo, pero no puede establecerse una ley a partir de ahí”.
La gasolinera más bella y famosa del mundo. (5)
Trazos alemanes en Montreal
La gasolinera Esso de Ludwig Mies van der Rohe. © Instituto Goethe de Montreal y © Chicago History Museum
La renovada gasolinera Esso. © instituto Goethe de Montreal
En la Isla de las Monjas, en el río San Lorenzo, al suroeste del centro de la ciudad, no lejos del centro de Montreal, encontramos esta pequeña joya arquitectónica de uno de los arquitectos más importantes del siglo XX: la gasolinera Esso de Ludwig Mies van der Rohe (1886 – 1969).
Tras el cambio de siglo, Mies pasó de ser un apasionado arquitecto autodidacta para convertirse en un icono moderno de la arquitectura y el diseño de muebles, junto con sus colegas Frank Lloyd Wright en Estados Unidos y Le Corbusier en Francia.
Mies adquirió una sólida reputación, en parte gracias a su etapa como último director de la mundialmente famosa escuela Bauhaus, pionera de la arquitectura moderna y el diseño industrial. Sin embargo, la escuela fue cerrada por la fuerza por los nazis en la década de 1930, y Mies se trasladó exiliado a los Estados Unidos.
En su nuevo país de adopción, comenzó su segunda carrera, que le proporcionó fama mundial y renombre internacional en las últimas tres décadas antes de su muerte. Algunas de sus obras más conocidas incluyen:
-el campus universitario del Instituto Tecnológico de Illinois (década de 1940)
-los edificios de apartamentos de Lake Shore Drive 860/880 en Chicago (1950/1951)
-el edificio Seagram en Nueva York (1954-1958) y su última obra, la «Neue Nationalgalerie» en Berlín (1969).
En esta época diseñó la gasolinera de Montreal, sin duda uno de sus proyectos más singulares, pero también un excelente ejemplo del estilo arquitectónico de Mies, que pone al alcance de todos los amantes de la arquitectura la esencia de su teoría y práctica.
En 2011, el estudio de arquitectura de Montreal FABG llevó a cabo unas reformas y restauraciones en la gasolinera, que estaba abandonada y corría el riesgo de quedar en ruinas.
La remodelaron transformándola en un centro comunitario intergeneracional (llamado «maison des générations»), respetando al mismo tiempo los elementos y el concepto del planteamiento general de Mies. Para ello, integraron materiales de construcción que eran nuevos en la época, como el acero, el cemento y el vidrio, con las tecnologías actuales para lograr la mayor calidad arquitectónica y estética posible.
La cubierta en voladizo se apoya sobre doce enormes vigas de acero soldadas, que parecen flotar. Cubre dos estructuras de vidrio que no están conectadas entre sí. La estructura de cristal de un lado era un taller de automóviles y la propia gasolinera (incluida una tienda) estaba al otro lado. Están separados por un pequeño cubo de cristal situado en el centro, que hoy funciona como depósito de llaves para un programa municipal de coches compartidos. La maravillosa simplicidad de la construcción general se ve resaltada por las vigas y pilares de acero barnizados de negro (que contrastan con los paneles esmaltados blancos de la estación) y las franjas geométricas de iluminación fluorescente instaladas bajo el techo.
Película sobre la gasolinera
”Regular or super: views on Mies van der Rohe”. Joseph Hillel, J. Hillel & Patrick Demers. Inglés/Francés, 57′. 2004. Quatre par Quatre Films Inc.
Construida entre 1967 y 1968, la estación de servicio cuenta con tres estructuras, cada una con una función distinta. En los extremos del sitio se encuentra el taller mecánico, hecho de ladrillo, y el área de recepción, formada por paredes de vidrio. La tercera estructura, reservada para la caja, consiste en una caja de vidrio ubicada en el centro del área de distribución de gasolina.
La estación de servicio a lo largo del tiempo
Con los años, la estación experimentó algunos cambios: estandarización de las bombas, transformación del área de recepción en un lavadero de autos y reemplazo del mobiliario original.
El quiosco central también fue pintado de blanco. En 2008, después de 40 años de operación, la estación de servicio cerró sus puertas.
La última obra de Mies no fue la Galería Nacional de Berlin, que no llegó a verla construida, sino esta gasolinera en Montreal para la compañía ESSO. Prácticamente abandonada y en desuso, la comunidad de vecinos de la localidad…decidió transformarla en un centro cívico para mayores, hace ya un tiempo…la rehabilitación llevada a cabo con éxito es la demostración no sólo de que Mies es un arquitecto del siglo pasado, sino que sus obras…siempre acaban siendo museos”. (8)
Cambio de función y vocación
Volviendo a su historia.
Cuando patrimonio y comunidad se encuentran.
El anuncio del cierre generó una movilización en la comunidad, con voces que exigían la preservación de este edificio único. En marzo de 2009, una consulta pública permitió a ciudadanos y profesionales opinar sobre su valor patrimonial y su futuro. En junio del mismo año, la estación y el terreno fueron declarados patrimonio por la ciudad de Montreal.
Simultáneamente, los ancianos y adolescentes de L’Île-des-Sœurs necesitaban nuevas instalaciones. El municipio de Verdun decidió unificar ambas generaciones bajo un mismo techo. Así, nació el proyecto de la Casa Intergeneracional.
Ubicada en la antigua estación de servicio, se comprometieron a realizar las renovaciones necesarias para preservar el edificio y adaptarlo a su nueva función.
Los trabajos de rehabilitación del sitio
Los trabajos en la estación de servicio comenzaron en el otoño de 2009 con un importante proceso de rehabilitación ambiental que duró aproximadamente un año. La compañía petrolera Esso, propietaria del edificio, encargó a la firma Sanexen realizar diversos trabajos de excavación, descontaminación del suelo, relleno y cementado.
Restauración del edificio
La restauración comenzó en marzo de 2011 y duró seis meses. Se llevaron a cabo varias intervenciones importantes para devolverle su aspecto original. Cada pieza se ha numerado, desmontado, realizado los trabajos de reparación y restauración y luego colocada en su lugar de origen.
El 95 % de las piezas han sido recuperadas. Los muros cortina fueron desmontados y restaurados, y se reemplazaron las secciones de vidrio en las puertas del garaje. También se limpió la mampostería de ladrillo y se instalaron nuevos equipos mecánicos en la losa de concreto central del edificio, evocando las antiguas bombas de gasolina.
El interior del edificio también fue restaurado, Los materiales utilizados son compatibles con los originales, la sobriedad de los colores elegidos (negro y blanco) facilitó la integración del edificio.
Además, se mejoró el rendimiento energético del edificio mediante la instalación de un sistema de climatización geotérmica. Los trabajos fueron dirigidos por el municipio de Verdun, con la colaboración de arquitectos, ingenieros y expertos en patrimonio arquitectónico moderno, asegurando el respeto por la integridad del edificio y el espíritu de Mies van der Rohe.
La normativa protege a este edificio como valor patrimonial, tiene por objeto ser una medida protectora con el fin de salvaguardar y ponerlo en valor, además de garantizar que durante el transcurso de las obras no se vea afectado.
Debido a la transparencia del edificio, esta normativa incluye los interiores y exteriores de la estación de servicio.
Ubicación (Wikiarquitectura)
La isla de San Pablo (Ile Saint Paul) es una de las antiguas propiedades agrícolas de la Congregación de Notre-Dame. Adquirida en el siglo XVIII, la isla estuvo habitada por monjas durante 170 años.
Por ello el lugar se llama Lílle des Soeurs. Dice la información en la Gasolinera “A lo largo de los años, la estación de servicio ha sufrido varios cambios, estandarización de los surtidores, transformación de la zona de recepción en lavadero de coches y sustitución del mobiliario original.
Se ha repintado de blanco el kiosco central. En el 2008 después de 40 años de actividad, la gasolinera cerró sus puertas”.
Nombre del proyecto «Reconversión de la estación de servicio de Mies van der Rohe en la l’Île des Soeurs».
Arquitecto Ludwig Mies van der Rohe
Arquitecto reforma FABG Architects, Éric Gauthier
Equipo Marc Paradis, Dominique Potvin, Jaime Lopez, Steve Montpetit
Ingeniero estructural Aecom
Constructora Norgéreq
Promotor Ciudad de Verdun
Año de Construcción 1968, reformado en 2011 – 2012
Ubicación La Île-des-Soeurs (Nun´s Island) , Verdun, Montreal,
Costo 1.4 M $ Canada.
Construida en el estilo internacional clásico, característico de la obra de Mies van der Rohe, esta estación de gasolina fue operada por la compañía Esso hasta su cierre en 2008. Desde entonces, la obra maestra permaneció tapiada y abandonada, con las pintadas inevitables y el desmoronamiento de la pared de ladrillos.
No muy lejana del complejo Westmount Square, en Montreal, también proyecto de Mies que incluía edificios residenciales, de oficinas y locales comerciales, la gasolinera fue encargada a Mies en 1966 por la Imperial Oil, siendo la primera de la isla y el primer diseño de Mies en La Île-des-Soeurs (Nun´s Island en inglés), donde también diseñó 3 edificios de apartamentos. En el su construcción trabajó en colaboración con el arquitecto local Paul H. Lapointe.
La gasolinera diseñada por Mies se encuentra en los suburbios de la isla de Nun (Nun´s Island), en el 201 rue Berlioz, Montreal.
Nun-s Island, oficialmente Île des Soeurs, forma parte del archipiélago de Hochelaga, sobre el río San Lorenzo, al suroeste de Montreal.
Concepto
“…Nuestros objetivos prácticos miden sólo nuestro progreso material. Los valores que profesamos revelan el nivel de nuestra cultura … Debemos dejar claro, paso a paso, que cosas son posibles, es necesario e importante…». Y probablemente Mies ha dado la mejor definición de la arquitectura que se puede encontrar en cualquier lugar: «…La Arquitectura es la voluntad de una época traducida a espacio, vivo, cambiante, nuevo…». Estas teorías, que ha puesto en práctica durante una larga vida útil, ahora han sido traducidas a la probablemente estación de servicio más bella del mundo. (Parte del artículo aparecido en The Montreal Gazette – Sep 20, 1968, con motivo de la inauguración de la Estación de Servicio).
Una vez que la estación de servicio dejó de funcionar se presentaron varios proyectos para la reconversión del espacio y la salvaguarda del valor arquitectónico, entre ellos un mercado de flores propuesto por un miembro de la familia Bronfman, quienes habían contratado a Mies para diseñar el Edificio Seagram.
Pero fue en 2009 cuando la ciudad de Verdún declaró la obra monumento histórico y decidió que se convertiría en una “Maison des générations”
Descripción (9)
La estación de servicio estaba compuesta por dos volúmenes que funcionaron como área de servicio para coches y como punto de venta, entre ambos una isla central con 6 surtidores de gasolina, cuyas bombas y mangueras quedaban ocultas a la vista y una caseta de cristal para el encargado. Los dos volúmenes están conectados por un techo bajo de acero esmaltado en blanco que une la estructura y vuela en los laterales. Las vigas y columnas fueron hechas con planchas de acero soldadas y pintadas de negro, creando un marcado contraste con la cubierta clara en la que se colocaron tubos fluorescentes. En una de las alas se ubicó un área de descanso para los clientes, incluyendo algunas de las sillas de Mies van der Rohe.
La gasolinera de Mies tenía tan poco en común con las llamativas estaciones ya existentes y a cuyos colores chillones se habían acostumbrados los automovilistas, por lo que la compañía tuvo que colocar al frente un gran logotipo para aclarar que era “la oscura escultura” que se encontraba debajo.
Con el paso de los años sus interiores fueron modificados, el mobiliario y los acabados fueron reemplazados y los surtidores eliminados. Cuando la estación de servicio se puso en funcionamiento se convirtió en uno de los mejores ejemplos de arquitectura moderna en Montreal.
A diferencia de las varias islas estrechas que hasta ese momento se utilizaban en las gasolineras, el diseño de Mies consistía en una sola isla cuadrada con expendedores hacia ambos lados y una cabina central de cristal para el operador. En uno de los laterales una gran oficina y tienda con paredes de cristal y en el lado opuesto un garaje con paredes de ladrillos amarillos, puertas de vidrio y acero pintado de negro desde el suelo hasta el techo.
Estructura
La estructura de la gasolinera reposa sobre una base de hormigón que soporta los 12 pilares de acero pintados de negro sobre en los que se apoya una cuadrícula de vigas también de acero sobre la que descansa el largo dosel metálico pintado de blanco que forma la cubierta.
Los pilares fueron realizados con planchas de acero soldadas en las que se apoya el techo metálico plano. El vidrio y el ladrillo son utilizados principalmente en los extremos y en el centro para crear elementos de ensamblaje estructural.
Materiales
Los materiales predominantes en su construcción fueron el acero, el vidrio, el ladrillo amarillo y el hormigón, los únicos colores blanco y negro.
Toda la plaza estaba iluminada por la noche con tubos fluorescentes montados bajo el techo, creando un moderno oasis de luz.
Reconversión. Tareas arquitectónicas
Los trabajos comenzaron con las tareas para descontaminar el suelo.
Maquinaria pesada y cuadrillas comenzaron a cavar para apuntalar fundaciones y reemplazar alcantarillado, drenaje y tuberías de agua, así como los cables eléctricos subterráneos y de comunicaciones.
- La primera tarea arquitectónica fue restaurar meticulosamente la envolvente del edificio. Se desmanteló y reparó la pared cortina de cristal y metal, corroída por el tiempo y la falta de mantenimiento, se restauró la mampostería y se volvió a pintar la estructura.
- La segunda tarea arquitectónica fue desarrollar estrategias para las nuevas necesidades mecánicas y eléctricas que no afectaran la integridad de los valores patrimoniales.
- La tercera tarea fue radicalizar el edificio con las nuevas intervenciones con el fin de destacar sus cualidades inherentes y los valores esenciales que representa. La unidad formal y la sencillez se ven reforzadas por el tono negro en el lateral adolescente y el blanco en el lado de las personas mayores. La cubierta es un dispositivo unificador, que se refuerza mediante el uso de iluminación fluorescente lineal en los espacios interiores, siguiendo el ritmo de la misma.
Concepto
Esta reconversión no tiene ninguna similitud con la restauración de un monumento. Se trata de una interpretación que trata de tocar y comunicar la esencia de una visión artística formulada por otra persona, en respuesta a un mundo que ya no es el mismo.
Espacios
El volumen con más superficie, 278.70m2, fue destinado al grupo “senior”, quienes juegan al bridge, organizan comidas comunales, bailes o invitan a conferenciantes. Para aprovechar mejor el espacio todo el mobiliario es apilable, lo que permite distintas configuraciones.
El grupo más joven ocupa el volumen más pequeño, 92,90m2. Los adolescentes se reúnen allí todos los días a escuchar música, organizar fiestas y eventos bajo la supervisión de los educadores.
Las nuevas salas han sido denominadas “Sala Blanca” y “Sala Negra”, según el color de suelo. La oficina original del encargado, en el centro de la isla intermedia y con mampara de cristal, ha sido restaurada como vitrina donde se exponen algunos bocetos de Mies y la historia del edificio. En el lugar ocupado por los antiguos surtidores de combustible se han ubicado las salidas de los pozos de ventilación.
En una de las esquinas del sitio se ha instalado una bomba de calor geotérmica, cuyos tubos de calefacción se han soterrado e incorporado a los nuevos espacios.
Restauración de una gasolinera de Mies van der Rohe en Canada (5)
Por Les architectes FABG, trascribo su texto del 05/03/2012.
Decir que Mies van der Rohe es un maestro podría parecer una obviedad infantil a estas alturas. Algunos han comentado que el nuevo Mies en este inicio de siglo sería Norman Foster…, sin entrar en ese debate vemos esta cuidadosa recuperación que ha sido realizada por la oficina de arquitectos canadienses «Les architectes FABG».
Texto de la memoria.
Nun’s Island forma parte del archipiélago de Hochelaga situado al suroeste de Montreal. La estación consta de dos volúmenes diferenciados, uno para el servicio de vehículos y otro para la venta, con una isla de surtidores cubierta por un techo bajo de acero que unifica la composición.
Las vigas y columnas están realizadas con placas de acero soldadas y pintadas de negro que contrastan con la cubierta de acero esmaltado en blanco y los tubos fluorescentes sin recubrir. A lo largo de los años, los interiores se han modificado para incorporar un lavado de autos en el lado de ventas, se han reemplazado los acabados, los muebles y equipos empotrados y se han eliminado los surtidores hechos a medida.
Al dejar de funcionar la ciudad de Montreal lo catalogó como edificio patrimonial y convertirlo en un centro de actividades para jóvenes y personas mayores.
El grupo de mayores ocupa el volumen mayor para sus sesenta miembros que juegan al bridge, preparan comidas comunitarias, bailan o escuchan a los conferenciantes.
El grupo más joven ocupa el volumen menor. Los adolescentes se reúnen allí a diario para jugar, escuchar música, organizar fiestas y eventos bajo la supervisión de educadores.
Gasolinera ESSO original de Mies van der Rohe
La primera tarea de rehabilitación fue restaurar meticulosamente la envolvente del edificio desmantelando y reparando el muro cortina corroído, volviendo a colocar el ladrillo y repintando la estructura.
La segunda tarea fue desarrollar estrategias para las nuevas necesidades mecánicas y eléctricas que no afectaran la integridad del edificio.
Elegimos implementar soluciones provenientes del campo de investigación del desarrollo sostenible para lograr este objetivo. Los nuevos pozos geotérmicos bajo el asfalto alrededor del edificio proporcionan la mayor parte de la energía necesaria para operar el edificio, pero también reducen radicalmente el tamaño del equipo y eliminan la necesidad de una torre de enfriamiento en el techo del edificio. Las nuevas bombas de gas de acero inoxidable son, de hecho, dispositivos de entrada y salida de aire conectados mediante conductos subterráneos al sistema HVAC. Sustituyen las lamas que habríamos tenido que instalar en el edificio y esta solución contribuye al preenfriamiento o calentamiento del aire fresco admitido, el efecto pozo canadiense.
La tercera tarea fue enfatizar sus cualidades inherentes y los valores esenciales que encarna. La unidad formal y la simplicidad se realzan al hacer todo negro (espacio de los adolescentes) o blanco (de los mayores). La fuerza del techo como dispositivo unificador se refuerza mediante el uso del mismo ritmo de iluminación fluorescente lineal en los espacios interiores (tubos T-5 sobre atenuadores). La transparencia se aumenta abriendo completamente la vista de un extremo al otro en el eje longitudinal y utilizando vidrio con bajo contenido de hierro.
Notas
1
Santiago de Molina. 2014. “Sospechar de Mies”. Blog Múltiples. Septiembre de 2014
2
Universidad Politécnica de Cartagena. Vincenzina La Spina. 2018/19
3
Thew Main. “Las huellas de Mies van der Rohe en Montreal”. Justine Smith. 31 de enero de 2024
4
Joseph Fujikawa, nacido en 1922 en Los Ángeles, California, trabajó con Mies van der Rohe y se hizo cargo de su oficina después de su muerte.
Comenzó sus estudios de arquitectura en 1940 en la Universidad del Sur de California y terminó su licenciatura en el Instituto Tecnológico de Illinois en 1944. También realizó un máster con Mies van der Rohe en el IIT.
En 1944, Fujikawa comenzó su carrera de arquitectura en la Oficina de Mies van der Rohe. En 1976, algunos años después de la muerte de Mies, el nombre de la firma se cambió a Fujikawa, Conterato, Lohan & Associates. En 1982, Fujikawa se unió a Gerald Johnson y fundó Fujikawa Johnson & Associates. Fujikawa permaneció dedicado al vocabulario miesiano hasta su muerte en Winnetka, Illinois, en 2003.
5 y 7
“Menos es más… más o menos” por Óscar Guayabero. 20 nov 2021. Buckminster Fuller
6
Instituto Goethe de Canadá. Sociedad Mies van der Rohe.
8
Metalocus.
Verlo en https://www.metalocus.es/es/noticias/restauracion-de-una-gasolinera-de-mies-van-der-rohe-en-canada
9
Las fotos las saqué de unos paneles en mal estado (como toda la estación), pero son del año 1969, donde se la ve funcionando como estación de servicio ESSO. Chicago History Museum.
Thew Main. “Las huellas de Mies van der Rohe en Montreal”.
Justine Smith. 31 de enero de 2024
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Frank Lloyd Wright, Louis Kahn, Henry Hobson Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Machado & Silvetti, Rem Koolhaas
Buffalo, Rochester, New Hampshire
Frank Lloyd Wright, Louis Kahn, Henry Hobson Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Machado & Silvetti, Rem Koolhaas
1
Wright, Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Koolhaas. 1st part
2
Wright, Larkin, complejo Darwin Martin, Midway Gardens. 2nda parte
3
Wright, Graycliff la casa de Isabella Martin yWright, Graycliff the home of Isabella Martin and her family. 3rd part
4
Wright, the Heath and Davidson houses, the Fontana Boat House and the Mausoleum of the blue sky. 4th part
5
Rochester, Kahn, First Unitarian Church. Wright Boynton House, Part 5
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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Salvemos al Parador Ariston de su ruina
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GB Rochester, Kahn, First Unitarian Church. Wright Boynton House, Part 5
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Rochester
My architectural itinerary
NY to Buffalo is 479 km
Buffalo to Rochester is 120 km
Rochester to Syracuse is 138 km
Syracuse to Middlebury is 264 km
Total 1.001 km
Before making my trip to Buffalo, I prepared (as I always do) my logbook, which by the way I will have to summarize, because it already has 58 pages.
Not only addresses, but also dates, times, possibility of visiting, etc. They have given me quite a few references from some pages of F.LL.Wright, with many valuable people, who know a lot and like to help.
My big question was whether from Buffalo I go to Toronto (160 km) to see Glenn Gould’s recording room, which apparently is no longer there, and his bronze figure. It seems that they have built a large auditorium, and the recording room is no longer there… (what I want to see is one of his pianos, and on an old tape recorder listen to his Goldberg Variations, which were commissioned from Bach by Count Hermann Carl von Keyserlingk (1696-1764) from Dresden, played slowly (recorded in 1981, the fast one was recorded in 1955).
If I’m not going to Toronto, I’d go to Rochester, although the Wright-designed Boyton House is undergoing renovations. What I already have is the ticket for the Darwin D. Martin house built between 1903 and 1905.
Seer https://onlybook.es/blog/wright-greycliff-la-casa-de-isabella-martin-y-su-familia-3era-parte/
In Buffalo the first thing I’ll see is the gas station at the Pierce Arrow Museum, 263 Michigan Avenue. Designed in 1928 and rebuilt in 2012, commissioned by William Heath for the corner of Cherry and Michigan
See https://onlybook.es/blog/wright-brenham-sullivan/
First Unitarian Church of Rochester
6-42 W. Main St., 20-56 Fitzhugh St., Rochester, New York
My interest in Louis Kahn comes largely from everything that Architect Miguel Angel Roca (1936) has told us about him, both in his chair at the University of Buenos Aires, where I was his adjunct professor for four years, and in countless and enriching personal conversations. I sent my thanks to Miguel from here.
Toledo en septiembre del 2024
«The sun didn’t know how great it was, until it hit the side of a building.» Louis Kahn
220 Winton Road South. Rochester.
1959 – 1969 Kahn expanded it in 1967.
On September 2, 2014, the temple was listed on the National Register of Historic Places.
Its exterior is characterized by deeply broken brick walls that protect the windows from direct sunlight. The complex roof of the sanctuary has light towers at each corner to let in natural light indirectly.
Paul Goldberger, architecture critic and Pulitzer Prize winner, writing in 1982 in The New York Times describing the First Unitarian Church of Rochester, “…is one of “the greatest religious structures of this century, along with the Notre Dame du Haut Chapel.” , the Unity Temple, and the First Church of Christ.”
Notre Dame du Haut. 1950/1955
Kahn y el ser-en-el-mundo
When he mentioned the school as an example of institutions that arise from inspirations, he said, “Schools began with a man who, without knowing that he was a teacher, discussed his ideas with a group of people who did not know that they were students.”
“The street is probably the first human institution, a meeting center without a roof, the school is a space where it is good to learn. The city is the place where institutions meet.”
“Everything an architect does respond first to a human institution before becoming a building.”
Thus, «architecture is based on the general forms of man’s being-in-the-world.» Martin Heidegger (1889 – 1076).
Kahn’s intention was to demonstrate that architecture is the embodiment of the incommensurable.
In this sense, it is incommensurable, although it can be measured as a building “A work is carried out between the imperious sounds of industry (creation) and when the dust settles (when the excitement of creation has passed). The pyramid of echoing silence provides the sun with its shadow.”
The affinity between Kahn’s ideas and the philosophy of the Congregation of the First Unitarian Church was one of the decisive factors in choosing him among six other architects to develop the design of their new building when urban planning regulations forced them to abandon their old one. headquarters of 1859. (1)
The congregation of the First Unitarian Church of Rochester voted in January 1959 to sell their existing building in downtown Rochester, New York, thinking they would be around until July 1961. However, construction weakened the building, forcing them to move in September of 1959.
The former First Unitarian Church building was architecturally significant, as it was designed by Richard Upjohn (1802 – 1878) a prominent 19th century architect and first president of the American Institute of Architects. The church decided to replace it with a building designed «by a prominent 20th century architect, giving the community a notable example of contemporary architecture.»
The search committee, made up of church members who had a background in architecture, decided to focus on prominent architects who had established relatively small offices and who did most of the creative work themselves.
Although Kahn’s own subsequent account of the development process suggests – misleadingly – that it was produced in a fluid and coherent manner, the truth is that the built project – of which both Kahn and the clients were to be very satisfied – was the result of no less than six different versions.
The first tests, carried out by Kahn before knowing the specific site and program, proposed a centralized type scheme, directly inspired by Renaissance churches. This is how the first design emerged, which proposed a large circular worship room enclosed within a square with four towers in the corners.
This approach clearly expressed Kahn’s idea about the composition and form appropriate to the project, but it did not adequately respond to the functional requirements and far exceeded the financial possibilities of the congregation. (2)
The different versions of this project were distorting the original idea without pleasing the clients, who from the beginning had insisted on the separation of the school and the sanctuary into two independent groups.
Kahn, who was resistant to this idea, was willing, however, to rethink the project from scratch and, through a new phase of versions, arrived at a solution that harmonized his clients’ ideas regarding the configuration of a Unitarian temple (to which Wright’s Unity Temple responded much better) with their own questions about the “desire” for the classrooms and premises to be smaller and arranged around the large worship hall.
The satisfaction of the congregation is demonstrated by the fact that, in 1967, they went to Kahn to extend the building, which he resolved by means of a complementary body joined to the main one through a gallery, breaking in part with the homogeneity and the compactness of the original project.
Design process
The history of the design process at the First Unitarian Church, including Kahn’s creation of what he called a form drawing, «is almost a classic in the history and theory of architecture» according to Katrine Lotz, a professor at the School. of Architecture from the Royal Danish Academy of Fine Arts.
He began by creating what he called a form drawing to represent the essence of what he intended to build.
I remember that, in my student days at the University of Buenos Aires, we called it “guiding idea, or simply party idea”, a first idea, with the strength of proposing concepts drawn without having formal or functional prejudices, that drawing, prudently angry, he guided us as we solved the project. (thanks Edgardo).
He drew a square to represent the sanctuary, and around the square he drew concentric circles to indicate an ambulatory, a corridor, and the church school.
In the center he placed a question mark to represent his understanding that, in his words, “the way the unitary activity was carried out was linked to what the Question is. «Eternal question of why anything.»
His approach was to design each building as if it were the first of its kind. August Komendant (1906 – 1992), a structural engineer who worked closely with Kahn, said that during the initial stages of design, Kahn struggled with questions of the type “How would a Unitarian Church be designed? What is unitarian religion? and studied Unitarianism in depth. The result sometimes confounded expectations. When the completed First Unitarian Church was shown at an architectural exhibition in the Soviet Union, the mayor of Leningrad commented that it did not look like a church, Kahn jokingly replied, «That’s why it was chosen for display in the Soviet Union» .
Prior to hiring Kahn, they contacted five architects.
Frank Lloyd Wright expressed little interest, and his proposed fees were high. (Wright died shortly afterward at the age of 91.)
Eero Saarinen had support from the community, but was unable to take the job due to time constraints.
The committee also met with Paul Rudolph, Walter Gropius and Carl Koch.
They spent a day with Louis Kahn in May 1959 and were impressed by his philosophical approach, the atmosphere in his office, the assurance that he would personally be in charge of the design.
Robin B. Williams, writing in Louis I. Kahn: In the Realm of Architecture, “attracted his clients to the high compatibility of his philosophy with unitary ideas.”
Robert McCarter (3), one of Kahn’s biographers, points out parallels between his ideas and those in the Essays of Ralph Waldo Emerson (1803 – 1882) (4), an important figure in Unitarian history.
Kahn, who came from a non-observant Jewish background, was spiritual in a way that has been described as “pan-religious” by Carter Wiseman (5), one of his biographers.
https://es.wikipedia.org/wiki/Primera_Iglesia_Unitaria_de_Rochester_%28edificio%29
“…Its architecture reflected spirituality”
FAIA (abbreviation for Fellow of the American Institute of Architects) David Rineheart (1928 – 2016), who worked for Kahn, explains: “For Lou, every building was a temple. Salk was a temple to science. Dhaka was a temple for the government. Exeter was a temple to learning.” (6)
During the Great Depression, Kahn worked with unions and civic agencies to design affordable housing. He worked as an assistant architect on the Jersey Homesteads, a project to resettle Jewish garment workers from New York City and Philadelphia into a rural kibbutz-like collective that combined agriculture and manufacturing.
During the 1948 presidential election, he worked with the third party campaign of Henry A. Wallace, who was nominated by the Progressive Party.
Kahn gave a philosophical presentation of his ideas at a congregational meeting in June 1959, after which the church commissioned him to design its new building. During that same visit he helped choose the site that would be purchased for the new building.
That year Kahn was chosen to design the Salk Institute, and in 1962 he was selected to design the Jatiyo Sangsad Bhaban in what would become the capital of the new nation of Bangladesh.
The building committee told him that the new building “must support the community at large and must express “the dignity rather than the depravity of man.”
The congregation’s broad approach to the statement of requirements was similar to Kahn’s philosophical approach to his architectural design, which he explained in «Form and Design» an article he wrote while working on this project.
Using the First Unitarian Church of Rochester as an example, he said: “In my opinion, a great building must begin with the immeasurable, it must go through measurable means when it is designed, and in the end it must be immeasurable… But what is immeasurable is the psychic spirit.”
Kahn associated the incommensurable with what he called Form, saying that “Form is not design, nor a figure, nor a dimension. It is not a material thing. Form… characterizes a good harmony of spaces for a certain human activity.»
Form, he said, was not to be understood as an architectural design. He drew a square representing the sanctuary, and around the square he placed concentric circles representing an ambulatory, a corridor, and the church school.
In the center of the square he placed a question mark which, he explained, represented his understanding that “the form of realization of the Unitarian activity was linked to what the “Question” is, the eternal Question of the why of anything.”
Kahn delivered his first design in December 1959, proposing a square building three stories high with four-story towers at each corner.
The sanctuary was a square area in the middle of a large twelve-sided room in the center of the building. The rest of the almost circular room was an ambulatory space that had to be protected from the sanctuary.
«I felt the ambulatory was necessary because the Unitarian Church is made up of people who have had previous beliefs (…) So I drew the ambulatory to respect the fact that what is said or what is felt in a sanctuary is not necessarily something in which that you have to participate. And then you could walk around and feel free to walk away from what is being said.”
Kahn had developed the idea of this type of ambulatory before his work at the First Unitarian Church, and referred to it during a talk in 1957 in the context of a university chapel.
The central hall was to be surmounted by a complex dome and surrounded by a corridor outside its walls that would provide connections to the three-story church school on the building’s periphery.
School students could watch church services “from the open spaces above.”
Prompted by complaints about the cost, which was several times the amount that had been budgeted, he quickly removed a floor from the proposed building.
The committee, however, was also unhappy with other aspects of the design, such as its rigidity and lack of usable classroom space — the irregularly shaped rooms on the periphery created by the placement of a large, almost circular room within a square building. and the possibility of children listening upstairs and people entering and leaving the sanctuary disrupting services.
In February 1960, Helen Williams, chairwoman of the building committee, wrote to him that «we are not at all happy with the present concept you have given us» and a week later she wrote: «We remain firm in the conclusion that we must have a completely new concept.«
Claiming that “Kahn has failed us miserably,” Williams resigned from the building committee.
Kahn agreed to create a new design, much to the relief of the building committee, which feared he would demand payment for work performed and walk away from the commission.
For his new design, Kahn proposed a slightly elongated rather than rigidly square building.
He resisted suggestions to place classrooms in a separate wing to reduce the possibility of rowdy children disrupting services, retaining the concept of surrounding the sanctuary with the church school. Kahn eliminated ambulatory space within the sanctuary walls, but retained the hallway just outside to provide access to the classrooms.
The roof over the sanctuary was one of the last aspects of the design to be completed
One option would have been to cover the sanctuary with a steel structure, but Kahn had decided in the early 1950s that he would no longer use such structures, preferring the more monumental appearance he could achieve with materials such as concrete and brick.
Not completely satisfied with the roof design he had developed, as I have already mentioned, Kahn asked his collaborator August Komendant, a pioneer in the use of prestressed concrete, for suggestions, which allowed him to create lighter and more elegant structures than normal concrete.
Komendant kept the overall design of the roof, but redesigned it as a prestressed concrete folded plate structure that would require support only at its edges, eliminating the need for the solid concrete beams that Kahn had planned to use as support for the roof structure.
Kahn initially planned to bring natural light into the sanctuary through light slits in a series of concrete caps on the roof, but the construction committee estimated that each cap would weigh 33 tons (30,000 kg), creating support problems. The light towers in Kahn’s final design are glazed only on their inner sides, a suggestion that originated in meetings with the committee.
The new design was overwhelmingly approved by the congregation in August 1960. At the dedication of the new building in December 1962, Kahn spoke about the relationship between architecture and religion.
Komendant said: “He told me that in his speech he described the cathedrals, the size and height of which were intended to show the greatness and power of God and the baseness of man, so that men would be frightened and obey His laws. For this church he used atmosphere and beauty to create respect and understanding of God’s goals, goodness and forgiveness.”
https://es.wikipedia.org/wiki/Primera_Iglesia_Unitaria_de_Rochester_%28edificio%29
The exterior of the building is characterized by deeply folded brick walls created by a series of slim, two-story light hoods that help protect the windows from direct sunlight.
The main entrance to the building is not visible to people passing by on the street.
Light towers at each of the sanctuary’s four corners rise above the exterior walls of the building, allowing the shape of the sanctuary to be easy to view from the outside.
Habitable Walls (1)
Kahn, Heidegger. The language of Architecture by Christian Norberg-Schulz
The impression Kahn created “of the sanctuary embedded within the larger building” is similar to the “box within a box” approach he used in several other buildings, notably the Phillips Exeter Academy Library.
Ver https://onlybook.es/blog/impresiones-de-un-relator-desde-el-middlebury-college/
The building echoes the design of the Scottish castles that fascinated Kahn, particularly Comlongon Castle,
Comlongon Castle has a single large room in the center surrounded by 20-foot-thick walls. Those unusually thick walls allowed entire secondary rooms to be carved from their insides, effectively turning them into inhabited walls.
In the case of the First Unitarian Church, the large central hall is the sanctuary, and the «inhabited walls» can be perceived as the two surrounding floors of rooms.
The windows in these rooms are so recessed that they are inconspicuous when viewed from an angle, and the corner spaces of the building are windowless, all of which adds to the perception that the sanctuary is surrounded by massive, sturdy walls.
In Kahn’s words, «the school became the walls surrounding the issue.» The church hired Kahn in 1964 to do an addition, which was completed in 1969.
Its exterior is relatively disjointed, in contrast to the sculpted walls of the original building.
According to scale drawings, the irregularly shaped building measures approximately 240 by 120 feet at its longest and widest points. Approximately 23 meters is from the 1969 extension. Its footprint on the land is 1,384 m².
A low ceiling
Instead of a large entrance at the front of the building that leads directly to the sanctuary, the First Unitarian Church is accessed through a side door that requires a right turn to reach the sanctuary.
The entrance is beneath the low cantilevered choir ceiling, creating a sequence from shadow to light.
“Civilization is measured by the shape of its roof,” Kahn said.
The complex roof of the sanctuary rises above the two stories of the surrounding rooms.
Light towers at the four corners bring indirect natural light to areas that are not normally well lit.
Kahn said: «If you think about it, you realize that you don’t say the same thing in a small room as you do in a big room.»
The cruciform shape Kahn used for the roof is one he had used in previous works, notably the Trenton Jewish Community Center.
The massive roof structure is supported in part by twelve slender columns embedded in the walls of the sanctuary, three columns per wall. Each central column is braced to the columns on each side by horizontal beams. The roof is lower and darker in the center, the opposite of classical church domes that are higher and brighter in the center.
The wall hangings were designed by Kahn and, like the building itself, contain no literal symbolism.
At Kahn’s request, the panels span the entire color spectrum, yet were constructed entirely from one red, one blue, and one yellow thread, with the remaining hues created from blends of those three threads. The panels were designed not only for visual effects, but also to correct a sound problem that was reverberating off the concrete walls.
The main construction materials of the interior are concrete blocks, poured concrete and wood, a combination he used in most of his later projects.
The walls of the sanctuary are 24 inches thick and constructed of concrete blocks, the hollow spaces within the walls serving as ventilation ducts.
Light and Silence
During initial design discussions, Kahn asked Komendant, “What is the most important thing in a church?” and then he himself answered that question by saying “the essence of atmosphere for a church is silence and light. Light and Silence! «
“Silence and Light” later became the name of an essay Kahn wrote in 1968 in which he explained concepts crucial to his philosophy.
Architectural historian Vincent Scully said of the church:
«You can really feel the silence of which he spoke, vibrating as with the presence of divinity, as the cinder block turns silver from the light flooding into it, while the heavy slab , rises above the head».
The editor of his writings, Robert Twombly, said that by silence, Kahn meant «each person’s desire… to create, which for Kahn was the same as being alive.»
Benches with small side windows cantilevered from the exterior walls are placed in classrooms. These spaces create the impression of small rooms carved into the exterior walls and, according to Robert McCarter, continue Kahn’s architectural theme “of the classrooms themselves appearing as rooms embedded within castle-thick walls.”
Monumentality and authenticity
Sarah Williams Goldhagen, author of Louis Kahn’s Situated Modernism, says that Kahn was concerned with the socially corrosive aspects of modern society.”
He believed that “architecture should favor the ethical training of people. “People who are anchored in their community, morally obligated, and psychologically connected to the people around them make better citizens.”
Kahn’s first major essay as sole author, published in 1944, was called Monumentality, a concept he defined as «a spiritual quality inherent in a structure that conveys a sense of its eternity.»
At the First Unitarian Church, Goldhagen says, the column-shaped light rhythms that Kahn sculpted into the façade are among the devices that increase the impression of massiveness and give the building an air of monumentality, he said: «I believe in frank architecture. A building is a struggle, not a miracle, and the architect must recognize this.«
Architecture of Institutions
According to Goldhagen, it was the first building Kahn built that gave “an indication of his mature style.”
Goldhagen says that at the First Unitarian Church, Kahn developed a philosophy for creating architecture for such organizations: «Kahn’s philosophy of the architecture of institutions, developed while designing the First Unitarian Church in Rochester, stipulated that the first and highest duty of the architect was to develop an idealized vision of the ‘way of life’ of an institution and then give shape to that vision, or as he would have put it, Form.”
Kahn made his enthusiasm for the First Unitarian Church evident even before it received final approval from the building committee.
As early as October 1960, at a conference in California, he had chosen it to illustrate a pair of terms, «form» and «design,» that were becoming key principles of his philosophy. He used these words to describe his conception of architecture, and in particular his design procedure, as the translation of the intangible into the real. It was at this time that Kahn mythologized the way the church’s design had evolved, composing an account (accompanied by the now famous diagram) that, since its publication in April 1961, has been seen as the clearest illustration of its design approach.
“Schools began with a man who, without knowing he was a teacher, discussed his ideas with a group of people who did not know they were students.”
Kahn worked on this lecture for several months and published it as an essay titled Form and Design. A colleague described it as the best embodiment of his ideas at the time and said that when people requested examples of Kahn’s publications, he most often sent this essay.
Kahn’s intention was to demonstrate that architecture is the embodiment of the incommensurable.
He used to mention the school as an example of institutions that arise from inspirations “Schools began with a man who, without knowing that he was a teacher, discussed his ideas with a group of people who did not know that they were students.”
“The street is probably the first human institution, a meeting center without a roof, the school is a space where it is good to learn. The city is the place where institutions meet.”
“Everything an architect does responds first to a human institution before becoming a building.” Thus, architecture is based on the general forms of man’s being-in-the-world. Martin Heidegger, 1889 – 1976.
In this sense, it is incommensurable, although it can be measured as a building. “A work is made between the imperious sounds of industry (creation) and. When the dust settles (when the excitement of creation has passed)(…), the pyramid of resonant silence provides the sun with its shadow.”
The 1950s constitute a decisive turning point in the career of Louis I. Kahn, a moment in which his ambition to understand the very origin of architecture led him to propose a series of decisive transformations in the conception of order and space. modern. His intuitions about the autonomous and indivisible condition of the room from the intimate commitment between envelope and structure were intertwined with a simultaneous interest in the processes of growth of the form, partly influenced by key figures of the North American context such as Buckminster Fuller (1895 – 1983). ) or Robert Le Ricolais (1894 – 1977) but above all for his intense collaboration with the architect Anne Tyng (1920 – 2011).
The evolution of the Trenton Jewish Community Center project can be considered a paradigmatic example of this crossroads of interests, naturally assuming the transition from a «cellular» plot with an organic appearance to a tartan scheme with classical connotations. The main objective of the article is to shed new light on the reason for this transition and to do so it proposes the reconstruction of the hypothetical creative process of its author, by redrawing the different versions of the project. The aim is to detect key episodes in decision-making, such as the debate established between Kahn and Colin Rowe (1920 – 1999) following the latter’s visit to Philadelphia, which could have encouraged a radical change in the proposed anatomical model. Louis I. Kahn, Anne Tyng, Colin Rowe, Trenton Jewish Community Center, modern review, growth patterns.
Kahn’s belief in “what the building wants to be,” as he often repeated in his lectures, was strongly conditioned by this Wrightian ideal.
Kahn said: “It is a happy moment when a geometry is found which tends to make spaces naturally, so that the composition geometry in the plan serves to construct, to give light and to make spaces.”
“It is a happy moment when you find a geometry that tends to make spaces naturally, so that the geometry of the plan composition serves to build, give light and make spaces.”
Richard Saul Wurman, editor “What will be has always been: the words of Louis I. Kahn” New York. Access and Rizzoli. 1990, What will be has always been: the words of Louis I. Kahn.
And those of Wright: “There is a life principle expressed in geometry at the center of every Nature-form we see. This integral pattern is abstract, lying within the object we see and that we recognize as concrete form. It is with this abstraction that the architect must find himself at home before Architecture can take place.”
“There is a principle of life expressed in geometry at the center of every form of Nature that we see. This integral pattern is abstract and is found within the object we see and recognize as a concrete form. It is with this abstraction that the architect must become comfortable before Architecture can take place”.
“Frank Lloyd Wright, Collected Writings of Frank Lloyd Wright.” New York: Rizzoli, 1992, vol. I, For the cause of architecture: composition as a method in creation, 259–60.
What does a building want to be?
A rose wants to be a rose
In the discussion of Kahn’s philosophy, his famous question: What does a building want to be? is usually taken as a starting point. This question has a greater scope than the approaches of functionalism. As a matter of principle, functionalism is circumstantial, since it starts from the particular or the general, although it may accept the concepts of typology and morphology.
Kahn’s question, on the other hand, suggests that buildings possess an essence that determines the solution. Thus, his approach represents an inversion of functionalism; the latter starts from the bottom, while Kahn starts from the top.
He emphasizes again and again that there is an order that precedes design. One of his statements begins by saying “Order exists.” This order encompasses all of nature, including human nature.
In his early writings, he used the word form to designate what a thing wants to be; However, he himself must have perceived the danger of misunderstanding, since this term usually has a more limited meaning.
That is why he introduced the term pre-form.
Then he preferred to refer to the field of essences with the word silence. Silence is immeasurable, but it contains the desire to be. Every form has a desire for existence that determines the very nature of things. This desire for existence is satisfied through design, which involves a translation of the internal order into being.
Boynton House in Rochester
The Boynton House was designed in 1908 by Frank Lloyd Wright, it is located at 16 East Blvd, in the city of Rochester, in the state of New York (14610).
No visitors allowed at this time. (August 2024).
Part of Wright’s Prarie Style repertoire of homes, this house was commissioned by Edward Everett Boynton, for him and his teenage daughter Beulah Boynton.
Some of the following photos are courtesy of the Wright Legacy Group.
The first floor has abundant windows, especially in the dining room, with skylights, a strip of skylights and a long window made up of folding modules, which join together to create different levels of lighting.
Next is the living room which features millwork with a similar window configuration on two sides and glass doors leading to a gallery at the northwest end of the home.
Wright was heavily involved in the design process and traveled to Rochester several times to oversee construction.
He also designed much of the furniture, such as the large dining room table, which has a wooden structure that holds the lamps, with a notable design.
We already anticipate the one on the dining room table in the Robie house, completed two years later.
Edward Boynton commissioned Wright to build a total work of art, including the house, landscaping, and furniture.
The site, which stretched across three city lots, gave Wright the space to incorporate a large garden, tennis court, and rectangular reflecting pool, providing the feel of an open prairie.
Boynton had sufficient resources due to his enormous success in his business selling lighting fixtures, he was a partner in CT Ham Manufacturing Co. of Rochester.
But his financial success failed to prevent Boynton’s personal life from being marked by tragedy.
Three of his four children died at a young age, including Bessie, the twin sister of his daughter Beulah.
On April 13, 1900, his wife died. Beulah told Times Union reporter William Ringle, «My father didn’t have any more hobbies than I did.»
When Boynton decided to move from his home at 44 Vick Park B in Rochester he commissioned Frank Lloyd Wright to design what would become the only Wright-designed home in the city.
Beulah Boynton recalled: «My father wanted the architect Claude Bragdon (8) to build our house, because he was captivated by Wright, until he was able to hire Wright.»
Edward Boynton learned of Frank Lloyd Wright through his business partner Warren McArthur, as Wright had designed the McArthur House in the Kenwood district of Chicago in 1892. It was in 1906 that Boynton commissioned Wright to design a house on a spacious property on East Boulevard.
Construction began in 1907 and was completed the following year.
His daughter Beulah Boynton was a teenager when she met Frank Lloyd Wright.
He became very interested and involved in the design and construction of houses.
«I learned to read the specifications. I discovered a mistake in the bricklayers who were placing the chimney.»
Wright, in an unusually fruitful collaboration with 21-year-old Beulah, designed the two-story house to stand sideways on the site in an elongated “T”-shaped plan.
Art glass windows and a large terrace characterize the home, which has suffered numerous structural problems due to Rochester’s harsh winter conditions.
New owners
Kim Bixler is the author of the book “Growing Up in a Frank Lloyd Wright House” and can be seen in the 2012 PBS documentary Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years, as well as in the “Wall Street Journal,” “The Not Too Serious Architecture Hour” and on NPR’s “Here & Now” in celebration of Wright’s 150th birthday.
He graduated from Cornell University in 1991 and New York University.
His family owned the Boynton House from 1977 to 1994.
The book “Growing Up in a Frank Lloyd Wright House” chronicles the joys and pitfalls of owning a house he designed. The house’s tumultuous history is told through interviews with former and current owners. It tells what it is like to live with the curiosity of the public, play hide-and-seek, deal with the usual roof leaks and manage constant renovations.
Restoration
The Boynton House’s current owners, Jane Parker and Francis Cosentino, who purchased it in 2009, have just completed a painstaking two-year restoration project.
The process, which was completed in 2012, was documented by Rochester Public Broadcasting Station in a program titled “Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years.”
It is the only house made by Wright in Rochester, and an example of his Prairie houses. And it is one of the few Wright houses that continues to function as a private residence, as they are generally preserved as public museums.
The restoration was carried out by a local architecture company Bero Architecture, and the landscape design was done by the company PLLC. Bayer Landscape Architecture.
Originally, in 1908 the house stood on three lots, two of which, to the south of the house, were landscaped.
Today the house is on a single urban lot.
The most striking thing about the restoration was returning the spectacular cantilevered roof, common in Wright’s projects. This was because it had been closed shortly after the completion of the house.
The restoration has received congratulations from the Landmark Society (7), its president, Mary Nicosia, and its executive director, Wayne Goodman.
The house has 235 pieces of art glass, many of which are in the dining room.
Notas
1
Living Architecture. First Unitarian Church of Rochester. Architect Louis Kahn.
2
10/03/2013. Kiara. https://proyectoskiara.blogspot.com/2013/03/iglesia-unitaria-de-louis-kahn.html
3
Robert McCarter Architect, teacher and writer, two of his books, “Louis I. Kahn” and “On and By Frank Lloyd Wright”, were finalists for the RIBA (Institute of British Architects) International Book Awards in 2006.
4
Ralph Waldo Emerson (Boston, Massachusetts, 1803 – 1882 Concord, Massachusetts) was a writer, philosopher, and poet. A leader of the Transcendentalism movement in the early 19th century, his teachings contributed to the development of the “New Thought” movement in the middle of the century.
5
Architect, professor and writer, his books include “Louis I. Kahn: Beyond Time and Style”.
A graduate of Yale College, Wiseman earned a master’s degree in architectural history from Columbia University and was a Loeb Fellow in Advanced Environmental Studies at Harvard University’s Graduate School of Design. From 1999 to 2010, he was president of MacDowell Colony, the nation’s oldest retreat for creative artists.
At the Yale School of Architecture, Wiseman teaches seminars on Louis Kahn, writings on architecture, and architectural criticism. He provides editorial support for education and the arts through Writertime Communications, in Weston, Connecticut.
6
Crossed dialogues between Louis I. Kahn, Anne Tyng and Colin Rowe: Guiomar Martín Domínguez. Isabel Rodríguez Martín. December 2018.
7
Landmark Society of Western New York, Inc. Created in 1937, it is one of the oldest and most active historic preservation organizations in the U.S. It is a nonprofit organization dedicated to helping communities preserve and leverage their rich heritage architectural, historical and cultural. The Landmark Society’s service area encompasses nine counties in Western New York, centered on the City of Rochester. They are Orleans, Genesee, Wyoming, Monroe, Livingston, Ontario, Wayne, Yates and Seneca.
The Landmark Society of Western New York is supported by the New York State Council on the Arts, with support from the Governor’s Office and the New York State Legislature.
8
Claude Fayette Bragdon (1866 – 1946) was an American architect, writer and set designer, who enjoyed a great national reputation with works associated with progressive architecture that were linked to Louis Sullivan and Frank Lloyd Wright.
In numerous essays and books, Bragdon argued that only an “organic, nature-based architecture could foster a democratic community in an industrial capitalist society.”
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Frank Lloyd Wright, Louis Kahn, Henry Hobson Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Machado & Silvetti, Rem Koolhaas
Buffalo, Rochester, New Hampshire
Frank Lloyd Wright, Louis Kahn, Henry Hobson Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Machado & Silvetti, Rem Koolhaas
1
Wright, Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Koolhaas. 1era parte
2
Wright, Larkin, complejo Darwin Martin, Midway Gardens. 2nda parte
3
Wright, Graycliff la casa de Isabella Martin y su familia. 3era parte
4
Wright, las casas Heath y Davidson, el Fontana Boat House y el Mausoleum of the blue sky. 4ta parte
5
Rochester, Kahn, Primera Iglesia Unitaria. Wright casa Boynton, 5ta parte
6
Wright, Casa Davidson y Midway Park, 6ta parte
7
Wright, MET, casa Francis y Mary Little, 7ma parte
7a
Machado & Silvetti
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Wright, las casas Heath y Davidson, el Fontana Boat House y el Mausoleum of the blue sky. 4ta parte
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De todas las visitas que he realizado, la de la casa Greycliff de Wright ha sido muy impactante, por el lugar y por la calidad de los diseños en una casa de gran superficie.
Algo ya había visto en el complejo Martin de Buffalo, pero creo que esto es tanto o más impactante aún.
Lo escribo en una sala en la Universidad de Middlebury, donde suelo pasar el mes de agosto, mientras Carmen da sus clases, combino paseos con descanso, que en mi caso es escribir.
Esta semana ha sido movida, he ido a Montreal, donde volví a ver el complejo de Habitat 67 de Moshe Safdie (1938), la cúpula geodésica de Richard Buckminster Fuller (1895 – 1983)
y me decepcione con la ex estación de servicio de Ludwig Mies van der Rohe (1886 – 1969), mal cuidada, sucia y a pesar de que se compró y recuperó para fines vecinales (de hecho, había un grupo de unas 20 mujeres haciendo Pilates), da muchísima pena, lo mal que la tratan.
Me gusto el viaje a Montreal, pero es muy largo, se va despacio y son unos 420 km. Ida y vuelta.
La arquitectura del estado donde estoy, Vermont, el más pequeño de los 50 estados de los EEUU, con unos 660.000 habitantes en total, es muy verde (me rodean las Green Mountain y las Adirondak).
Mucho cultivo, ganado y sobre todo helados (de aquí son los Ben & Jerry´s), los puentes con techo (como los de Madison), mucho tractor y collages de lenguas.
Donde estoy hay mucho prado, y casas de madera de todo tipo, tamaño y color (en general, colores claros y pasteles.
Le pregunto a Glenn, esposo de Patricia, una catedrática del college:
– Glenn el costo de la construcción de casas de madera, es más económicas que una construcción tradicional.?
– Me mira y sonriendo me dice, aquí las casas de madera “son la construcción tradicional”.
Porfolio Wasmuth
Algunos de los diseños más famosos de Wright aparecieron en el Porfolio Wasmuth,
Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-5/. Entre ellos la Casa Darwin Martin, el Edificio Administrativo Larkin y la Casa Edwin H. Cheney.
Casa de William R. Heath
76 Soldiers Place, Elmwood.
“Estudia la naturaleza, ama la naturaleza, mantente cerca de ella. Nunca te fallará”. F. Ll. Wright
La casa fue construida entre 1904/05, en una terraza sobre el nivel de la calle para brindar privacidad adicional a lo largo de Bird Avenue.
Heath era un abogado que había trabajado como gerente y, posteriormente fue nombrado vicepresidente de la Larkin Soap Company.
Darwin D. Martin, otro directivo de Larkin Soap Company, le presentó a Frank Lloyd Wright.
Wright había diseñado y construido previamente el edificio administrativo de Larkin y el complejo residencial para la familia Martin.
El edificio se construyó en un terreno largo y estrecho frente a la rotonda de Soldiers Place y Bird Avenue, lo que le dio un diseño muy distintivo, creando poco espacio para un patio trasero y obligando a la casa a estar cerca. hasta los límites de la parcela.
Wright diseñó la Casa Heath teniendo en cuenta la privacidad elevando los cimientos, colocando las ventanas del primer piso en alto y construyó la terraza de paredes altas frente a Soldiers Circle para que aún hubiera intimidad ante la cercanía de los peatones que pasaban.
La casa de siete habitaciones presenta muchos elementos clásicos del estilo Prairie, como líneas horizontales fuertes, aleros en voladizo, un techo de gran superficie y ventanas con vitraux.
Hoy la residencia es de propiedad privada y no se permiten visitas.
Casa Walter V. Davidson
57 Tillinghast Place. 1908, Parkside East
“El presente es la sombra en constante movimiento que separa el ayer del mañana. En eso reside la esperanza”. F. LL. Wright
En 1906, Walter Davidson se unió a Larkin Company en Buffalo como gerente de publicidad y rápidamente se hizo amigo de Darwin Martin y de William Heath, dos de sus socios gerentes.
Darwin y William ya tenían sus casas terminadas en ese momento, y unos meses después de unirse a Larkin Company, Martin los presentó en una reunión social
Davidson encargó a Wright el diseño de una modesta casa en el distrito histórico de Parkside al este de la ciudad, un barrio planificado en 1908 por Frederick Law Olmsted La casa tenía un presupuesto menor en comparación con las casas Martin y Heath.
La sala de estar tiene dos pisos de altura y cuenta con una espectacular ventana de 4,60 metros llena de vidrio emplomado con forma de diamante, un recurso simple pero audaz, que se repite en muchas de las abundantes ventanas de la casa. Tiene cuatro dormitorios arriba y un antiguo cuarto de servicio en el sótano.
El exterior, que consta de tejados planos y escalonados, y bandas lineales de listones de madera y ventanas de vidrio emplomado, parece estar compuesto por una serie de planos geométricos que se entrecruzan.
Wright integra la naturaleza en la estructura del edificio mediante la inclusión de jardineras bajas que sobresalen del camino de entrada y el porche trasero
Hoy la residencia es de propiedad privada y no se permiten visitas.
Fontana Boat House
Frank Lloyd Wright´s Fontana
1 Rotary Row, Buffalo. NY 14201. Teléfono 1716-362-3140
“El espacio es el aliento del arte”. F.Ll.Wright
.
Esta al lado del Club West Side Rowing.
Wright lo diseña en 1905, y el arquitecto Tony Puttnam lo construye en el 2007, 112 años más tarde.
Diseñado originalmente para el equipo de botes de regata de la Universidad de Wisconsin.
El Boat House Charles y Marie Fontana es la única guardería que realizó Wright,
No es extraño que tenga el nombre de Charles, quien participó en las pruebas de los Juegos Olímpicos de 1948, entrenando en el vecino Club West Side Rowing.
Durante 1905, Wright estaba en el apogeo de sus construcciones estilo Prairie en Buffalo y ciertamente se pueden ver elementos en su diseño Boathouse con grandes voladizos en el techo y vidrio con diseños como en las ventanas del segundo piso. Aunque nunca pudo construirlo durante su vida, Wright estaba tan orgulloso de su diseño que lo incluyó en su Wasmuth Porfolio, siendo la única estructura no construida que se incluyó en él.
Cuenta con algunos de los elementos de diseño clásicos de Wright. Grandes vigas recorren los techos y permiten pasar naturalmente de un espacio a otro. Artefactos de iluminación estilo Arts and Crafts adornan las escaleras y se reflejan en las ventanas del segundo piso.
Después de años recaudando fondos, Tony Puttnam, que fue un aprendiz de Wright desde 1953 a 1957, fue seleccionado para realizar el Fontana Boathouse, que ahora alberga el West Side Rowing Club.
Se alquila para eventos, está ubicado sobre el canal Black Rock de Buffalo, con vistas al río Niágara y al lago Erie.
Mausoleum of the blue sky (Mausoleo del cielo azul)
Cementerio Forest Lawn. 972-990 W Delavan Ave, Buffalo.
Diseñado entre 1925-1928, y construido en el 2004
El monumento fue completado por Anthomy Puttnam (1),un aprendiz muy cercano a Wright que también realizó el Fontana Boat House
El cementerio está abierto de lunes a domingo desde las 8 hs a las 19 hs.
Es muy fácil llegar al cementerio, y tllegaambién irr al Mausoleo, siguiendo el camino se llega a los pocos minutos.
Blue Sky es el único mausoleo que Frank Lloyd Wright diseñó, se cree que fue encargado por Darwin Martin entre 1925 y 1927 y se diseñó para ser construido en Forest Lawn.
Debido a la caída del mercado de valores de 1929, Martin perdió la mayor parte de su fortuna y no pudo seguir adelante con el proyecto.
Ninguna persona de la familia Martin está enterrado aquí.
“A burial faging the open sky the whole could not fail of noble effect. Frank Lloyd Wright. Architect. 1928“
«Un entierro a cielo abierto, no puede dejar de tener un efecto noble. Frank Lloyd Wright. Arquitecto. 1928“
El Mausoleo fue el último de los cuatro proyectos que Darwin D. Martin encargó a Wright; los otros fueron su complejo residencial, el Edificio de Administración Larkin, y Graycliff, su casa de verano.
Anthony Puttnam
Otras obras de Wright que ha intervenido Anthony Puttnam
El diseño fue completado por ya mencionado aprendiz de Wright, Anthony Puttnam.
Quien tambien fue responsable de la finalización póstuma del Centro de Convenciones Monona Terrace de Wright a orillas del lago Monona en Madison, Wisconsin, con importantes cambios, Puttnam ha defendido ambos proyectos contra las acusaciones de que no son auténticos.
Con Guillermo hemos podido verlo (en obras), y como era un domingo “sacamos algunas vallas” y lo visitamos, el anfiteatro tiene unas dimensiones colosales.
Antes de ver el Monnona Terrace, estuvimos en Elkins Park un suburbio de Philadelphia admirando la sinagoga de la Congregación Beth Sholom (Casa de la Paz), al 8231 de Old York Road. Fue la única sinagoga que construyó, se terminó en 1959.
Estoy muy agradecido a mi tía Fory (hermana menor de mi madre Alicia), que pidió que a pesar de que no era horario de visita, me dejaran entrar y admirar.
Notas
1
Anthony Puttnam (1934 – 2017). se había unido con 19 años a la Taliesin Fellowship (1953), antes había cursado estudios en la Universidad de Illinois, donde realizó la carrera de arquitectura y de paisajismo. En 1990 colaboró en la restauración del molino de viento «Romeo y Julieta» que Wright construyera en 1897 en Taliesin.
Fue el autor intelectual de la construcción de Monona Terrace, un proyecto cívico diseñado por Wright en 1938 que se convirtió en un edificio “LEED Plata” bajo la dirección de Tony en 1997. Esta certificación indica que el edificio ha implementado prácticas sostenibles en el uso de la energía, el agua, residuos, sostenibilidad y calidad del aire interior.
Más recientemente, Tony fue asimismo el arquitecto y el planificador de Panda Mountain en Wolong Panda Preserve and Research Center en Sichuan, China. Fue un talentoso fotógrafo, diseñador gráfico, dibujante y profesor muy valorado en la Escuela de Arquitectura de Taliesin, expreso su interés y amor por la naturaleza que rodeaba a Taliesin, desarrollando y enseñando los “patrones de la naturaleza” como fuente de diseño. Su pasión por lo espiritual lo compartió con sus conocimientos de poesía, la filosofía y la arquitectura.
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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Salvemos al Parador Ariston de su ruina
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Wright, MET, casa Francis y Mary Little, 7ma parte
Viene de https://onlybook.es/blog/wright-casa-davidson-y-midway-park-6ta-parte/
The Met Fifth Avenue
1000 Fifth Avenue
New York, NY 10028
Teléfono 212-535-7710
Sala de estar de la casa de Francis W. y Mary Little.
Frank Lloyd Wright 1912–14
Se exhibe en el Met de la 5ta Avenida en la Sala 745
A pesar de sus muchos esfuerzos, la familia Little, Francis W. y Mary no consiguieron un comprador que pudiera dar un uso alternativo a la vivienda. Por ello el Met salvó las partes complejas de la estructura que luego se dividieron entre tres instituciones en forma separada:
- el Museo Metropolitano de Arte,
- el Instituto de Arte de Minneapolis y
- el Museo de Arte de Allentown.
Para mí fue una gran sorpresa, saber que la sala de estar de la casa Little, se puede visitar como si fuese un objeto de arte más (sin duda lo es), expuesta en uno de los más importantes museos del mundo. Está ubicado en la sala americana, cerca de su alucinante cafetería rodeada de luz y esculturas.
El MET fue inaugurado en febrero de 1872, tiene una superficie de 180.000 m2, para dar una idea comparativa de su superficie, el Museo del Prado con sus 41.995 m2, entraría más de 4,5 veces en el Met, fue diseñado por los arquitectos Richard Morris Hunt (3), Calvert Vaux (4), Jacob Wrey Mould (5) y Mc. Kim, Med & White (6)
El MET recibe a más de 7 millones de visitantes al año.
Sala (Room) 745
Cuando se llega la Sala 745 del ala estadounidense, se encuentra la sala de estar de la casa Litlle. Allí se puede bajar unas explicaciones por QR de la maravilla que se está viendo. Transcribo íntegramente lo que he bajado del MET, con sus fotos.
Sobre el acceso a la sala en un cartel se lee “La instalación de la sala Frank Lloyd Wright ha sido posible gracias a la generosidad de Saul P. Steinberg y Reliance Group Holdings Inc,”
Sala de estar de la casa de Francis W. Little, Wayzata, Minnesota. 1912-1914. (1)
Amelia Pecks (7) curadora de artes decorativas estadounidenses y Marica F. Vilcek.
La zona del estar de la casa de Francis W. Little, era el centro de la actividad familiar en una de las casas más grandiosas de Wright diseñada en el estilo de la Escuela de la Pradera.
Construida para el abogado y empresario Francis W. Little y su esposa, Mary, la residencia de verano con vistas al lago Minnetonka encarnaba la visión arquitectónica integral de Wright.
Trabajando en estrecha colaboración con sus clientes, Wright diseñó cada elemento de la casa, incluidos los muebles, las ventanas y los artefactos de iluminación.
Juntos, Wright y los Little crearon un interior expansivo pero acogedor, global en sus influencias, pero profundamente arraigado en el paisaje local.
Historia de la casa
Orígenes de la Escuela de la Pradera.
A principios del siglo XX, Frank Lloyd Wright y otros arquitectos de Chicago, como el mentor de Wright, Louis Sullivan (1856-1924), y sus contemporáneos George
Washington Maher (1864-1926) y George Grant Elmslie (1869-1952), comenzaron a reconsiderar cuales era los supuestos subyacentes que se daban por aceptados sobre la arquitectura doméstica tradicional para diseñar hogares adaptados a las rutinas diarias de las familias estadounidenses modernas.
Derecha: Diseño de Frank Lloyd Wright para «Una casa en un pueblo de la pradera», The Ladies’ Home Journal, febrero de 1901
Mientras que las casas de estilo colonial neoclásico, que entonces eran populares, presentaban diseños simétricos con habitaciones que se abrían a pasillos centrales, los arquitectos de la “Escuela de la Pradera” introdujeron planos abiertos centrados en áreas de reunión comunes con transiciones que fluían de un espacio al siguiente.
Estas casas, diseñadas de adentro hacia afuera, funcionaban como unidades orgánicas.
Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones/
Características de la casa escolar de Prairie
Los arquitectos de la Escuela de la Pradera se inspiraron en las llanuras onduladas del paisaje del Medio Oeste.
Wright y sus contemporáneos imaginaron estructuras bajas que se expandieran por los distintos sitios en respuesta a las características naturales del paisaje. Los techos largos a cuatro aguas, las franjas horizontales de ventanas con vidrios emplomados y los amplios porches reflejaban los horizontes ininterrumpidos de la región y ayudaban a integrar los espacios interiores y los exteriores.
Wright y sus colegas se inclinaron por materiales de construcción mínimamente tratados en colores derivados de la naturaleza para integrar aún más las casas con su entorno.
La casa de los Little en Peoria, Illinois
Los Little contrataron a Wright para que diseñara su casa en Peoria, Illinois, la que se terminó en 1903.
Wright diseñó la casa de ladrillos en el estilo clásico del Prairie Style, los muebles para la casa, así como el garaje y un establo. Un gran porche cubierto se extendía desde el frente de la casa.
La familia vivió en la casa solamente un año, hasta que los problemas financieros los obligaran a venderla. Cuando se fueron, se llevaron algunos de los muebles que Wright había diseñado para ella.
Casa Wayzata, exterior e interior
poco después de su finalización
La familia Little se muda a Minneapolis en 1907 y contacta nuevamente a Wright, para pedirle que diseñe una casa de verano para ellos.
Éste imaginó la nueva casa como una serie de pabellones en gran parte independientes colocados en una disposición cruciforme. La casa se extendía 76,20 metros a lo largo de la orilla del lago Minnetonka, siguiendo los contornos de dos colinas.
Asignó zonas públicas y privadas de acuerdo con la ondulada topografía: la sala de estar estaba encaramada en la cresta de una colina con vistas al lago, los dormitorios estaban un nivel más abajo y las áreas de servicio, como la cocina, estaban ubicadas en la base de la colina.
Espacios habitables
Los visitantes se acercaban a la casa por un sinuoso camino de grava y subían por una escalera monumental hasta la puerta principal.
Al entrar por un vestíbulo pequeño y bajo giraban a la izquierda, así llegaban a la sala de estar de elegantes proporciones, iluminada por franjas de ventanas de vidrio emplomado que bordeaban las dos largas paredes enfrentadas. Los bancos de asientos empotrados, las repisas envolventes y las molduras de roble acentúaban la longitud de la habitación, mientras que una iluminación de vidrio estampado (art glass) recorre casi todo el largo del techo.
Una imponente chimenea compuesta por los mismos ladrillos alargados utilizados en el exterior de la casa cierra el extremo norte de la habitación.
Ventanas
hacia 1914 – 1915
Frank Lloyd Wright es famoso por las complejas (e increíbles) ventanas de vidrio emplomado (art glass) que diseñó para sus casas de la Prairie School.
Para minimizar la división entre el interior y el exterior Wright creó en la sala de estar de la familia Little, una serie simétrica muy elaborada de patrones geométricos abstractos, para las doce ventanas que se alinean a cada lado, repitiendo el motivo en las ventanas del triforio superior y en las puertas de cada extremo.
A pedido de Francis Little, Wright modificó el patrón, reduciendo las áreas de vidrio emplomado en las ventanas, de esta forma la preciada vista de los Little del lago Minnetonka se podía admirar a través de grandes paneles de vidrio liso.
Mesa de grabados diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco. Número de catálogo 1972.60.8.a/b
Wright diseñó esta mesa de grabados como un artículo de stock y utilizó el formato en varias de sus casas.
La familia Little la trajo de su anterior hogar en Peoria.
Exhibieron en ella la gran colección de grabados japoneses de la familia, la mayoría de los cuales compraron a Wright, quien era un apasionado coleccionista y comerciante.
Una o ambas hojas de la versátil mesa se pueden plegar para exhibir grabados grandes y portafolios.
Cuando las hojas están plegadas, se pueden almacenar artículos entre ellas.
Las tapas del «Portafolio Wasmuth» (1910) de los diseños de Wright, un proyecto financiado parcialmente por los Little, se exhiben actualmente sobre la mesa.
Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-5/
Las ventanas de toda la casa mantuvieran un panel central transparente con un borde de un diseño complejo.
La sala de estar de 16,76 metros de largo es uno de los interiores domésticos más espaciosos que Wright diseñó en ese período.
Wright como diseñador de muebles
Wright a menudo diseñaba el mobiliario, y para la ejecución de sus diseños proporcionó planos de detalles, esto lo hizo en muchas de sus casas de la Prairie School, incluidas las dos casas que diseñó para la familia Little.
Para la casa en Wayzata, Wright creó dibujos para una variedad de muebles, como una mesa y los tacos de billar. otras veces aceptaba diseños de otros como los que encargó al fabricante de muebles George Niedecken (1878 – 1945).
Estuche para piano
papel. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, compra,
legado de Emily Crane Chadbourne
Mary Little, que era una talentosa pianista (estudio piano con Franz Liszt), utilizaba la sala de estar como espacio para dar recitales, y la familia se refería al lugar como la «sala de música».
Wright diseñó un estuche de madera decorativo para el piano de Mary que armonizara con el resto del mobiliario de la habitación, pero este no se llegó a construir, probablemente debido a los sobrecostos de todo el proyecto de la casa. El piano que ella utilizaba en la sala tenía un estuche de madera oscura, de estilo rococó tradicional del siglo XIX, adornado con tallas naturalistas.
Lámpara de pie diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco, pergamino, seda. Número de catálogo 1972.60.15
Wright diseñó un conjunto de seis lámparas de pie de roble (1972.60.14-.19) para la casa de verano de la familia Little en el lago Minnetonka.
Las pantallas consisten en marcos hexagonales de roble rellenos de papel pergamino. En un guiño al arte asiático que tanto admiraba, hizo su primer viaje a Japón en 1905, cada lámpara tiene un cordón largo de seda con una borla de estilo chino para encender y apagar la luz eléctrica.
Vase diseño de Frank Lloyd Wright
Cobre. Número de catálogo 1985.212.
Wright diseñó estos “Vase” de cobre a los que llamó «portahojas» y los exhibió en su propia casa en Oak Park, Illinois, así como en varios otros encargos residenciales.
Si bien este par no es el conjunto que poseían la familia Little, su hija Eleanor Stevenson, en una carta al Museo fechada en enero de 1974, describió algunos de los muebles originales de la habitación y dibujó unos como estos, caracterizándolo como «excesivamente alto».
Escribió que la familia tenía un par de ellos colocados «en los huecos de la chimenea».
Sala de estar casa Little
La sala Frank Lloyd Wright fue originalmente la sala de estar de la residencia de verano de Francis W. Little, diseñada y construida entre 1912 y 1914 en Wayzata, Minnesota, un suburbio de Minneapolis. (8)
La sala personifica el concepto de «arquitectura orgánica» de Wright, en la que el edificio, el entorno, el interior y el mobiliario están relacionados. La casa está compuesta por un grupo de pabellones bajos intercalados con jardines y terrazas, que, en planta, irradian desde un «hogar simbólico» central.
Álbum fotográfico
Mesa alta para soportar plantas diseño de Frank Lloyd Wright
Roble blanco. Número de catálogo 1972.60.11/12
En la sala se ven dos soportes para plantas.
Fueron hechos para la casa de Peoria y son idénticos a los que Wright diseñó para Susan Dana en Springfield, Illinois (1902).
Si bien Wright diseñó muebles únicos y empotrados para muchos de sus casas, estos son parte de un conjunto estándar de muebles móviles.
Muchos le servían para incluirlos en muchos de sus encargos de construcciones en el Estilo Prairie.
Colección / Sala Frank Lloyd Wright / Objetos de la casa Little
“La sala de estar no es simplemente un solo volumen cerrado, sino una serie de niveles horizontales rodeados de vidrio, lo que permite la interacción de la luz natural con los tonos ricos y terrosos que Wright empleó en toda la habitación”.
Amelia Peck (6), curadora de artes decorativas estadounidenses. Marica F. Vilcek.
a lo largo de la pared del fondo
Esta sala de estar fue originalmente parte de la residencia de verano de la familia de Francis W. Little, diseñada y construida entre 1912 y 1914 en Wayzata, Minnesota, un suburbio de Minneapolis.
La sala personifica el concepto de «arquitectura orgánica» de Wright, en la que el edificio, su entorno, el interior y el mobiliario están relacionados. La casa está compuesta por un grupo de pabellones bajos intercalados con jardines y terrazas, que, en planta, irradian desde un «hogar simbólico» central.
Esta sala también representa una de las contribuciones más significativas de Wright a la arquitectura moderna: la idea de continuidad espacial. Los techos bajos en voladizo y los diseños geométricos de las ventanas, decoradas con motivos vegetales estilizados, integran visual y espacialmente el interior con el entorno boscoso que rodea el lago Minnetonka.
La sala de estar no es simplemente un espacio cerrado, sino una serie de niveles horizontales rodeados de vidrio que permiten una interacción única entre la luz natural y los tonos ricos y terrosos que Wright utilizó en todo el diseño.
La armonía tonal de la sala se logra a través de la combinación de paredes de yeso ocre, molduras y pisos de roble natural, ladrillos exteriores rojizos en la chimenea y ventanas emplomadas con acabado en cobre galvanizado.
Los muebles de roble, de formas audaces, fueron concebidos como una parte integral de la composición arquitectónica.
El centro de la sala se mantiene despejado, mientras que los espacios formados por los muebles animan el espacio periférico.
La instalación ha buscado mantener la continuidad entre el interior y el exterior, reconstruyendo las fachadas exteriores en los pasillos adyacentes y ofreciendo una vista del Central Park.
La sala contiene muchos accesorios similares a los originales, y otros recuerdan objetos que aparecen en fotografías de la época.
El uso de estampados japoneses y arreglos florales naturales, eran una característica del diseño de Wright.
La casa, que se caracterizaba por su longitud y su baja altura, tenía ventanas que abarcaban toda la fachada que daba al lago, el MET vende réplicas de las ventanas. Cada panel de ventana mide 136,5 cm x 57,8 cm.
Mesa diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco. Número de catálogo 1972.60.3
Frank Lloyd Wright diseñó esta mesa específicamente para la sala de estar de la familia Little en Wayzata, utilizando el mismo roble blanco con acabado claro empleado en las molduras, los artefactos de iluminación y las estanterías de la habitación.
El tablero largo de la mesa parece casi flotar sobre las cuatro patas resistentes, y el bloque central del gabinete parece estar colgado de la parte superior.
En lugar de colocar manijas en las puertas del gabinete, diseñó simples asideros recortados. El efecto general es el de una mesa que es sólida pero liviana, y se integra perfectamente con su entorno.
Mesa diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco. Número de catálogo 1972.60.20
La gran mesa de biblioteca que domina un extremo de la habitación se hizo originalmente para la casa de la familia Little en Peoria, pero ambos extremos de la mesa se extendieron cuando se trasladó a Wayzata para darle su longitud actual de casi 4 metros. Es un mueble práctico, construido con múltiples estantes para colocar libros de diferentes tamaños. Como contrapunto vertical a la superficie baja y extendida de la mesa, se colocó sobre ella una reducción de yeso de la famosa «Victoria alada de Samotracia» del siglo II a. C., una escultura que Wright utilizó en muchos de los interiores de su Prairie School.
Sillón diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco, lana. Número de catálogo 1972.60.4/5/6/7
Este conjunto de cuatro sillones de roble teñido oscuro fue diseñado para la primera casa de familia Little en Peoria, Illinois, fueron luego trasladados a la sala de estar de su nueva casa de verano.
A diferencia del mobiliario posterior de Wright (1912–14) en la habitación, estas sillas incluyen bandas decorativas aplicadas en cada pata, capiteles y bases estilizadas. Los cojines de las sillas están cubiertos con su tela original de lana.
Silla auxiliar diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco, cuero. Número de catálogo 1972.60.9/10.
En el MET se ven dos sillas no se sabe si fueron diseñadas para esta casa o para la casa anterior de la familia Little en Peoria.
Aunque el acabado es el tono más oscuro de las piezas de Peoria, la forma más elegante y menos ornamentada de las sillas puede indicar que son del encargo posterior.
Otras sillas de este mismo diseño se hicieron para la casa Isabel Roberts de Wright de 1908.
En las fotografías de 1942 se ven dos sillas adicionales como estas, pero sin el respaldo de cuero, colocadas junto a la mesa.
Sofá diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco, contrachapado de roble, maderas secundarias y lana. Número de catálogo L.1982.125.
Lámpara diseño de Frank Lloyd Wright
Roble blanco y vidrio. Número de catálogo 1972.60.24.
Lámpara diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco, vidrio. Número de catálogo 1972.60.21/22/23/24.
Está Inspirada en los diseños de linternas japonesas que vio en 1905 en su primer viaje a Japón.
Wright creó estas lámparas de roble y vidrio esmerilado como contrapuntos verticales a las bandas horizontales de las paredes y los bancos que acompañan las ventanas de la habitación, los largos estantes horizontales en el perímetro superior y los bancos bajos incorporados en cada pared de la ventana.
Notas
1
Frank Lloyd Wright Foundation
La Casa de Francis II (Reconstrucción de la sala de estar).
Clientes Francis W. Little y su esposa Mary
Exposición permanente en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
La casa Francis Little House II, fue construida a orillas del lago Minnetonka de Minnesota, tenía una gran superficie que era a la vez compleja,
Su diseño, se la considera como una de las expresiones más ricas de la estética de las praderas de Wright y la última de sus casas de las praderas del Medio Oeste. Fue construida en 1912 y demolida en 1971
2
Héctor Martín Lefuel (1810 – 1880), fue un arquitecto historicista francés del siglo XIX, quien, junto con Charles Garnier, fue uno de los arquitectos más emblemáticos del Segundo Imperio francés. Participó en la terminación del Louvre y varias residencias imperiales.
3
Richard Morris Hunt, (1827 – 1895), estadounidense y francés.
Se formó en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, donde fue alumno de Héctor-Martin Lefuel (1810 – 1880). (2)
Se lo considera el padre de la arquitectura estadounidense. Fue arquitecto y escultor y trabajo para la Universidad de Columbia. Fundó y presidió desde 1888 el AIA American Institute of Architects
Honores
Fue el primer arquitecto de los EE. UU. en recibir la medalla de Oro del RIBA, Royal Institute of British Architects, 1983.
Miembro honorario, Académie française y Caballero de la Legión de Honor, Francia. FAIA (abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto).
Entre sus obras la fachada y el gran salón del Museo Metropolitano de Arte, el pedestal de la Estatua de la Libertad y muchas mansiones de la Quinta Avenida.
Diseñó el New York Tribune Building, considerado por los neoyorquinos como el primer rascacielos.
La residencia más grande de los EE. UU. la Biltmore Estate, es un château, una casa museo histórica, construida para George Washington Vanderbilt II entre 1889 y 1905. 12.568 m2 cubiertos en un solar de 16.622 m2.
4
Calvert Vaux (1824 – 1895). arquitecto y paisajista británico. Diseñó los planos del Central Park de Nueva York junto con Frederick Law Olmsted.
Estudió arquitectura bajo la tutela de Lewis Nockalls Cottingham (1787 – 1847), cuando se trasladó a Nueva York trabajó con el paisajista Andrew Jackson Downing (1815 – 1852)Final del formulario.
5
Jacob Wrey Mould (1825 – 1886) fue un arquitecto, ilustrador, lingüista y músico británico, conocido por sus contribuciones al diseño y la construcción del Central Park de la ciudad de Nueva York. Fue «fundamental» en la introducción del estilo arquitectónico victoriano británico a los Estados Unidos, y fue miembro fundador del Instituto Americano de Arquitectos.
Estudió 2 años la Alhambra con Owen Jones (1809 – 1874) “el maestro de la policromía”. Diseñó decoraciones para La Gran exposición de Londres de 1851 y en 1852 trabajó para el Crystal Palace de Manhattan.
Junto a Calvert Vaux y Frederick Law Olmsted diseño muchos partes (quiosco de música puentes, etc) del Central Park.
Mould también colaboró con Vaux en el diseño del Museo Metropolitano de Arte original y el Museo Americano de Historia Natural. Fue un experto pianista y organista, y empleó su talento en traducir numerosos libretos de ópera extranjera al inglés.
6
McKim, Mead & White fue un estudio de arquitectura que prosperó a comienzos del siglo XX. Los socios fundadores de la empresa fueron Charles Follen McKim (1847–1909), William Rutherford Mead (1846–1928) y Stanford White (1853–1906). Contrataron a muchos otros arquitectos, socios, asociados, diseñadores y dibujantes, que destacarían durante o después de su estancia en la firma.
Entre sus obras la antigua Estación Pensilvania de Manhattan, el Museo Brooklyn, y el campus principal de la Universidad de Columbia. La Biblioteca Pública de Boston, las reformas de la Casa Blanca, y el Museo Nacional de Historia estadounidense entre otros. Construyeron en muchos estados de los EEUU además de Canadá, Cuba e Italia.
Entre tantas y tantas obras, podemos mencionar el Arco de Washington Square, La entrada de la Universidad de Harvard, El Rockefeller Hall de la Universidad Brown, La Casa Museo de George Eastman (que pude visitar impresionado este verano), y el Hotel Nacional en La Habana Cuba. Tanto McKim como White trabajaron para Henry Hobson Richardson, Aplicaron los principios de la arquitectura Beaux Arts.
Smith murió en 1961, y pronto se cambió el nombre de la empresa por el de Steinmann, Cain and White. En 1971 el estudio se convirtió en Walker O. Cain and Associates.
7
Amelia Peck es una reconocida curadora en el Museo Metropolitano de Arte. Ha trabajado como curadora de la colección de arte decorativo americano y es autora de numerosos libros y artículos sobre este tema. Peck ha colaborado en varias exposiciones y publicaciones que podrían haber sido influenciadas o apoyadas por las donaciones de la Fundación Vilcek, o en las que las colecciones asociadas con los Vilcek podrían haber estado involucradas.
Marica F. Vilcek (1937) es una destacada coleccionista de arte y filántropa, conocida por su labor en apoyar las artes y la cultura. Junto a su esposo, Jan Vilcek (1933) han contribuido de manera significativa al museo y a otras instituciones culturales, particularmente a través de la Fundación Vilcek, que promueve las contribuciones de inmigrantes en los Estados Unidos, incluyendo en las artes.
8
Fotografía de Peter Zeray, y delarchivo Stereo-Travel Company
Dibujos arquitectónicos © 2013 Frank Lloyd Wright Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Mientras se la recorre, en la Sala 745 se escucha de Edward MacDowell: Four Little Poems, Op. 32 interpretado por Phillip Sear.
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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Salvemos al Parador Ariston de su ruina
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GB Wright, Larkin, Darwin Martin Complex, Midway Gardens. 2nd part
Buffalo part 2
see part 1 https://onlybook.es/blog/wright-brenham-sullivan/
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
I had an early breakfast and had over 2 hours before my 11am appointment to visit the Martin house.
Darwin Martín was one of the directors of the Larkin company who did the most to help Wright build the company’s administrative building. Over the years they became friends. Since it was early, I went to see where the demolished building was.
Location Larkin Street between Swan and Seneca. Buffalo. On map S 093. (1)
Larkin, or what remains, which is just a 2 meter wall and little more.
From that building that in 1906 amazed by its spaciousness, and services, AA, radiant heating, built-in furniture. etc Now it is a vulgar parking lot, nothing of everything it offered saved it from destruction in 1950.
I translate the panel, the yellow dot at the bottom right indicates that “you are here».
I went up a staircase that I didn’t see any sense in, and a panel with photos that said:
“Photograph courtesy of the Buffalo History Museum Frank Lloyd Wright designed the administration building for the Larkin company beginning in 1903. He was hired to design the structure after Larkin principals William R. Heath and Darwin D. Martin urged company owner, John D. Larkin, to do so. The building housed the offices of the large mail-order company, which began as a soap manufacturer but grew into a more diversified company». (Like an AMAZON today).
“The building’s design is considered one of the most significant structures ever built in North America».
«…since it became the model of modern architecture and the machine age».
“The building articulated its various functions in ways that expressed its internal organization, including its corner stairs and its tall, nostril-like air inlets».
«Placing these amenity functions on the exterior walls of the building allowed a central skylight to flood the work spaces with natural light».
«The ghost fence pillar adjacent to this panel was built on the existing foundation left from the fence surrounding the building and is intended to define the scale of the structure as well as orient the viewer”.
“The structure was largely demolished during 1950, after the company’s failed attempts to shift from the mail-order business to retail establishments, then popularized by automobile-driven consumers».
I translate what is written on the panels
“Frank Lloyd Wright was the architect of this revolutionary building built in 1903″.
«Its skillful design incorporated modern technology developed in the early 20th century».
«Wright used machine-made objects to define the function of the structure and the beauty of its materials».
«This made the Larkin Building one of the first icons of modern architecture, and thus played an important role in the development of the modern world by defining an image for architecture in the machine age».
«Innovative construction methods allowed Wright to synthesize modern technology into a coherent interpretation of the Industrial Revolution..«.
“The structure was demolished in 1950 with the exception of the brick fence pillar (adjacent to this panel) and significant portions of the foundation and basement. The pillar incorporates the main materials of the building’s exterior».
The Darwin Martín House complex
The Darwin Martín House complex was built in 1907, they have an organization with guides to exhibit this work, they offer tours, objects, old photos of daily life there and projections. There is a short tour, limiting the areas to visit (25 usa, students 10 usa) or a longer one of 45 usa, 75 minutes, where you can also see the Barton house and the greenhouse.
I pointed to the one that showed the most.
As usual for me, I mixed up the reservation date, it was for Saturday and I went on Friday, for Wright, this would be just a minor detail.
Martin was a senior executive at Larkin Soap, his house is in a very elegant and well-kept neighborhood, the Parkside district, designed by Frederick Law Olmsted in 1876.
Frederick Law Olmsted
Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) was an architect, landscape designer, journalist and botanist, recognized for designing urban parks such as Central Park and Prospect Park, both in New York.
He designed a system of public parks and parkways in Buffalo, New York; the Niagara Falls Reserve, in Niagara Falls; Mont-Royal Park in Montreal; the Emerald Necklace, in Boston, Massachusetts; Cherokee Park (and parkway system) in Louisville, Kentucky; as well as Jackson Park, Washington Park and Midway Plaisance for the World’s Columbian Exposition in Chicago; part of Detroit Belle Isle Park; the United States Capitol Gardens; and George Washington Vanderbilt II’s building, the Biltmore Estate, in North Carolina.
In Brooklyn, Massachusetts, he designed the campus of Stanford University.
As a journalist he had an active and interesting activity.
In 1850, he traveled to England to visit public gardens, especially those created by Joseph Paxton in Birkenhead Park (2), which led to the publication of an important book in 1852, “Walks and Conversations of an American Farmer in England.”
The New York Daily Times (now the New York Times) commissioned him to study “The Economy and Slaves», for which he made a trip from 1852 to 1857 through the south of the country. His conclusion was that the practice of slavery was not only morally odious, but that it was expensive and economically ineffective.
Olmest married his brother’s widow, Mary Cleveland, in 1859 and adopted his brother’s three children.
The architect Andrew Jackson Downing proposed in his magazine The Horticulturist to develop Central Park, an idea that, due to his tragic and sudden death, could not continue, and in his name Olmsted and Vans carried it forward.
Olmsted and the architect Calvert Vaux won the competition to design it in 1858.
In 1865, the two created Olmsted, Vaux and Company.
When Olmsted returned to New York, together they designed Brooklyn’s Prospect Park from 1865 to 1873, the New York and Milwaukee park system, and the Niagara Reserve at Niagara Falls.Suffering from dementia, Olmsted lived at McLean Hospital, which he had landscaped for several years, and remained there until his death in 1903.
After Olmsted’s death, his sons John Charles Olmsted and Frederick Law Olmsted Jr. continued the work of his company, as the Olmsted Brothers, until 1950.
Tour of the Martin Houses
The Darwin D. Martin House was designed by Frank Lloyd Wright and built between 1903 and 1906.
You can (and should) visit it from Monday to Thursday from 10 am to 3 pm. and from Friday to Sunday from 9:30 am to 3 pm, during the Tour you visit:
–Casa Martin (including the second floor)
-Pergola
-Conservatory
-Carriage House
en octubre de 1904
Distance from Buffalo Exchange Amtrak station. 9 km.
Information is obtained at martinhouse.org
125 Jewett Parkway. Buffalo, NY 14214
Phone 716.856.3858. 877.377.3858. info@martinhouse.org
The City of Buffalo features several of Wright’s legendary masterpieces.
1-Martin Houses. 2-Walter V. Davidson and 3-William R. Heath.
Some houses are maintained as private residences, so it is not possible to visit them.
The Martin house is an almost perfect composition
Elaborate in his designs is 13.600 meters of wood moldings of 110 different designs, some of the molding sets consisting of nine separate pieces.
It is very nice, and I recommend visiting the Parkside neighborhood, where Casa Martín is located.
The Martin complex has different constructions in shapes and surfaces, but they are interconnected, with a long pergola 30.48 meters long.
Wright referred to the Martin House in 1904 as “the most perfect house of its kind in the world, functioning as a domestic symphony, true, vital, comfortable”.
I visited her for just over 2 hours:
1- Martin’s main house
2- the Barton house
3- a greenhouse (it is at the end of the pergola)
4- garage
5- the gardener’s cabin
TThe interior spaces of the historic houses are accessible and, as I have written, they are done in small groups, they are guided tours, you can reserve by calling 877-377-3858 or through the tour calendar.
The grounds, pergola and conservatory are open to the public daily from 9am to 4.30pm.
The Greatbatch Pavilion (Visitor Centre, which operates in a modern pavilion), is open from Wednesday to Monday from 10 a.m. to 4 p.m. to 6:30 a.m., on weekends until 5:30 p.m.
The Martin House Museum Shop is located in the Carriage House, open Wednesday to Monday, 10 a.m. to 4 p.m.
The Statler Café is located on Summit Avenue in the north end, they offer food, snacks and drinks. Wednesday to Monday, 10 a.m. to 4 p.m. Thursday Happy Hour from 4:00 p.m. to 8:00 p.m.
JAM Parkside serves coffee, tea, cakes and toast.
Kostas Restaurant, located on nearby Hertel Avenue, serves breakfast, lunch and dinner daily.
Tour of the Martin House
Buffalo features seven of Wright’s legendary masterpieces.
1- Martin Houses,
2-Walter V. Davidson
3-William R. Heath of Wright
Some houses are maintained as private residences and do not allow visitors.
On the shores of majestic Lake Erie, I took another tour of
4-Graycliff Estate
5-a boathouse,
6-a mausoleum
7-a service station.
For more information: martinhouse.org
The Martin House 125 Jewett Parkway. Buffalo, NY 14214
Administration. address
143 Jewett Parkway. Buffalo, NY 14214
Tel 716.856.3858. 877.377.3858. info@martinhouse.org
Photo tour
In front of the Martin house, passing cars and the lady, “You can’t take photos inside”. Then I asked her if she was a collaborator of the foundation, and if she was proud of her role as a house, and she gestured «because I was a neighbor, I am a real housekeeper».
Darwin D. Martin (1865 – 1935) and Frank Lloyd Wright (1867 – 1959).
The Martin House is the result of an exceptional collaboration between Martin and Wright. Martin was a well-known businessman, while Wright was an architect at the time relatively unknown, outside the architectural circles of Chicago and areas of the American Midwest.
In 1902, Martin invited Wright to Buffalo to evaluate and exchange ideas about the design of the administrative headquarters for his Larkin Company, a group of soap-making and mail-order companies. He was also interested in building a home for his wife. Isabelle and her family, Graycliff House.
Martín did not doubt Wright’s genius and commissioned him both projects, the two most important at Wright’s early age, he was 35 years old. Martín trusted Wright with an unlimited budget, Wright designed a complex where the buildings had a direct relationship with the surrounding landscape. It is the interaction between architecture, design and landscape.
Built in the “Prairie style,” it is a multi-residential estate admired for its six complementary buildings, interior and exterior gardens, and an impressive collection of artistically worked glass and furniture designed by Wright and made by cabinetmakers.
Three homes define the composition of the complex:
Darwin D. Martin 1904/05, his sister Delta Martin and her husband George Barton 1903, and the gardener 1909.
These constructions are linked to a pergola, a greenhouse and the garage, Wright insisted on his concept from “domestic symphony.”
The Martin House is the main one and is characterized by its low profile, cruciform floor plan, spatial opening, pronounced horizontality, play of pillars and overhangs, and a rich palette of materials.
Access, turn to the right parallel to the wall, some bricks leave an important joint in centimeters for ventilation of the lower floors.
Well, the lady «takes care of the house» was not attentive enough.
Leaving the house, towards the pergola hallway.
Full-scale reproduction of the original cast-in-stone sculpture of the Comb Sprite from Midway Gardens.
It was the result of collaboration between Frank Lloyd Wright and Alfonso Inanelli. These sculptures adorned the walls of the enormous Midway Gardens complex in Chicago between 1913 and 1929. The Sprite with a comb weighs 137 kilos.
While viewing the reproductions in the Museum Store in the Carriage House, I have seen a reproduction of the sculptures in Midway Gardens, and I remembered that when an assistant went crazy in August 1914 and burned down Taliesin and then hacked to death the Wright’s partner, Mamah Borthwick, their 2 children and 4 collaborators, Wright was away at the time because he was running Midway Gardens in Chicago. If not, he would surely have been another victim of the crazy murderer. I tell the story in the link…
Midway Gardens
Midway Gardens was a huge entertainment center with indoor and outdoor spaces of 33,445 m2, opened in June 1914 and was intended to function as a brewery and a concert and dance hall in which bands such as the Midway Gardens Orchestra performed.
It occupied the site of the former Sans Souci Amusement Park, at the corner of Cottage Grove Avenue and East 60th Street. in the Hyde Park neighborhood on Chicago’s South Side.
The large area (equivalent to a city block) offered entertainment to a wide variety of people in a German-style meeting place. The gardens included restaurants, lounges, newsstands, cigar stands, and galleries. When Prohibition was passed, the gardens lost some of their entertainment value.
Edward C. Waller Jr. commissioned Frank Lloyd Wright to design and construct the gardens in 1914 (Waller Jr.’s father, Edward Waller, had commissioned an apartment building from Wright, the Waller Apartments, from 1895 located at 2840 – 58 W Walnut Street.
Midway Gardens was designed by architect Frank Lloyd Wright, along with sculptors Richard Bock (1865 – 1949) (3) and Alfonso Iannelli (4) in the famous “leprechaun” sculptures that decorated the facility.
Designed to be a European-style concert garden with space for dining, drinking and performances year-round, Midway Gardens hosted popular artists and entertainers.
Waller was never able to finance the construction and maintenance of Midway Gardens and declared bankruptcy in March 1916.
The modernist architecture of the gardens was based on strict geometric shapes. A large central outdoor area, filled with tables and chairs, was surrounded by a series of three-story buildings with indoor spaces for dancing and other activities, as well as cantilevered balconies with projecting roofs.
The building itself was made of yellow brick and stamped cinder blocks. It featured very intricate ornamentation and many geometric sculptures, which Frank Lloyd Wright called “goblins” and which were designed in collaboration with Alfonso Ianelli. Some of these sculptures were saved from demolition and can be found elsewhere.
It was purchased by the Schoenhofen Brewing Company and renamed “Edelweiss Gardens” (after the brewery’s main beer brand).
Wright, who generally exercised strong creative control over his finished projects, was displeased by the aesthetic changes the new owner made to the gardens saying he had added “undesirable features and that the pride of Midway Gardens had been cheapened to suit a bourgeois taste.”
It closed briefly in 1918 during the war years and then during Prohibition. In 1921 it was sold to EC Dietrich Midway Automobile Tire and Supply Company, and renamed «The Midway Dancing Gardens».
In October 1928, it closed definitively and it was decided to demolish it.
In the administration office there was an advertisement to visit the Westcott House, designed in 1908 by Wright, at 85 South Greenmount Ave. Springfield, OHIO 45505. But it is a 5-hour drive away (almost 600 km), I told myself it will be another time. , not in this.
Then (yes, that’s right. I didn’t have lunch) to the Fontana Boathouse.
Then tour Graycliff House (1926/29), the Martin family holiday home.
As costs skyrocketed 30%, and the time of crisis had already begun, Martin told Wright.
He didn’t want to build the side balcony that joined 2 bedrooms, he didn’t need it. Wright responded.
That maybe he didn’t need it, but the house did. The balcony was built.
And finally I went to the Blue Sky Mausoleum at Forest Lawn Cemetery.
Today I dedicated 8 hours to “friend Frank”, 8 wonderful hours.
Before leaving Buffalo, heading to Rochester, in the early morning I stopped by to see Willia’s housem R. Heath. Esta en el barrio histórico de Elmwood.
It is from 1904/05. A narrow lot facing a busy street and roundabout. Wright built the house on a platform, tall windows and the walls are high enough to guarantee privacy. It has 7 bedrooms, and visitors are not allowed.
The house and the budget were modest compared to the previous ones.
Wright said “space is the breath of art”, it is not just a phrase, what he says is perceived in his works.
Let us remember that both Martin and Heath were managing partners of Larkin. Martin introduced Wright to Mr. Davidson, owner of Larkin.
Notes
1
William Allin Storrer. The Architecture of Frank Lloyd Wright. A complete Catalog. The University of Chicago Press. Chicago and London. 1427 E. 60th Street Chicago, IL 60637. ISBN 0 226 77623 9.
2
Joseph Paxton (1803 – 1865) was an English architect, illustrator, naturalist, landscaper and gardener, known for his realist and impressionist style and for being the author of the Crystal Palace, built to host the first Great Exhibition held in London in 1851. He was self-taught.
3
Bock’s first work for Frank Lloyd Wright was a frieze for the third floor of the Heller House in 1896. In 1898, Wright asked him to create sculptures for Wright’s house in Oak Park. A few years earlier, Bock had created a statue of Wright’s son John.
From 1903 to 1913, Bock worked almost exclusively with Wright on multiple projects, often making architectural sculptures designed by Wright. Wright enlisted Bock’s help after a previous sculptor, Albert Louis Van den Berghen, was not working as planned for a planned sculpture at the Dana-Thomas House.
Charles E. White, Jr. wrote upon Bock’s arrival at the studio: “Richard Bock, sculptor, who has moved to Oak Park, will occupy the studio balcony. He has decided to put himself under Mr. Wright’s criticism for a while, as his ambition is to become solely an architectural sculptor. He will do work for the Larkin building in Buffalo.”
The two became close friends and their families often spent time together. Wright designed a sculpture studio for Bock in River Forest, Illinois, called “The Gnomes.” The two worked together for more than 20 years. He created two sculptures for the entrance to Wright’s office at his home in Oak Park called «The Boulders,» they are still visible from the street outside Wright’s home and studio.
4
Alfonso Iannelli was an Italian-American sculptor, artist, and industrial designer. Based in Chicago for most of his life, architect John Lloyd Wright saw his work and the two became friends. John introduced Iannelli’s work to his father, Frank Lloyd Wright, who invited him to work with him on his Midway Gardens project in 1914.
Iannelli created several of Midway’s Sprite sculptures for Wright. Wright, however, took credit for the pieces, leading to a bitter split and the ultimate demise of their partnership. Reproductions of the Midway Gardens sprites designed by Wright were later added to the Arizona Biltmore Hotel. He also collaborated with Chicago architect Ernest A. Grunsfeld III and Bruce Goff, Purcell and Elmslie, Barry Byrne.
Partnered with his wife, Margaret, they created Iannelli Studios.
See https://onlybook.es/blog/wright-greycliff-la-casa-de-isabella-martin-y-su-familia-3era-parte/
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1st part. Wright, Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Koolhaas.parte. Wright, Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Koolhaas.
2nd part. Wright, Larkin, complejo Darwin Martin, Midway Gardens.
3rd part. Wright, Graycliff la casa de Isabella Martin y su familia.
4th part. Wright, las casas Heath y Davidson, el Fontana Boat House y el Mausoleum of the blue sky.
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3rd part https://onlybook.es/blog/gb-wright-graycliff-the-home-of-isabella-martin-and-her-family-3rd-part/
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Tour of Madrid / NY / Dunmore / Bueffalo / Rochester / Middlebury
See 2 part https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
The flight lasted less than 9 hours.
The immigration process at JFK Airport in New York was quite fast.
I had rented the car from Dollar, and I discovered that it’s a company affiliated with Hertz, and it costs about 35% less.
I planned to drive about 224 km that same day, so the trip wouldn’t be too long the next day. From NY to Buffalo, it’s 480 km. The average speed by car is 50 to 60 km per hour due to the speed limit.
If you don’t want to have to talk to the police, and especially not pay traffic fines, it’s highly recommended to travel between 45 and 55 miles per hour. That’s between 72 and 89 km/h. Very slow.
The next day, I completed the remaining 480 km, which took 8 hours.
From JFK Airport to Buffalo, it’s 479 km.
From Buffalo to Rochester, it’s 120 km.
From Rochester to Syracuse, it’s 138 km.
From Syracuse to Middlebury, it’s 264 km.
Total: 1.001 km, plus the extra distance covered while looking for the construction sites.
Pierce Arrow Museum. Architect Frank Lloyd Wright Service Station
The first thing I did was go to the Pierre Arrow museum where they rebuilt a gas station designed by Frank Lloyd Wright.
It is at 263 Michigan Avenue.
The place has a huge number of bicycles, motorcycles and cars of all types, sizes and years, as well as related objects (helmets, gloves, glasses, visors, t-shirts, jackets, books, etc.).
As for me, the service station was designed in 1928 and rebuilt after its state of ruin in 2012.
It was from the Tydol group, Wright asked for a fee for each station that was built and probably due to economic issues it was not done. Strong stucco colors, copper roof and two copper posts with a Tydol sign between them.
It has 148.65 m² with gravity-fed gasoline tanks and hoses hanging from the ceiling down to car height, with no visible pumps.
Wright believed that since everyone needed to refuel, it was decided to create a space, like an observatory on the second floor, where people could enjoy a drink by a fireplace, creating a place that would foster communication between customers and neighbors while they waited for the service to be completed.
The station was originally designed for the nearby corner of Cherry and Michigan Streets. It was commissioned by William Heath.
They are open from Thursday to Sunday, from 11 a.m. to 4 p.m.
263 MICHIGAN Avenue. Buffalo. Tel 716 853 0084. 20 USD entry fee.
Pierce-Arrow Car Company
In the 1870s, George N. Pierce’s company was known for its specialized craftsmanship, focusing on household items like birdcages and iceboxes.
It evolved to produce innovative bicycles, followed by motorcycles and single-cylinder automobiles. Demand increased, and in 1906, Pierce moved to a 140,000-square-meter factory on Elmwood Avenue, where the Pan-American Exposition had once been held.
On April 26, 1906, construction began on the new Geo. N. Pierce Mfg. facility on the Pan-American grounds.
Pierce-Arrow manufactured luxury automobiles for a wealthy market. Powerful, ornate, artistic, and sophisticated, symbolized wealth and status. Pierce-Arrows were the official vehicle of the White House for presidents from Howard Taft to Franklin D. Roosevelt, and the preferred car of John D. Rockefeller, J. Edgar Hoover, Orville Wright, and Babe Ruth.
Pierce-Arrow was famous for its innovations, such as the fender-mounted headlight designed by Herbert Dawley in 1914. Dawley also designed the iconic hood ornament featuring a helmeted archer.
The company created Travelodge trailers, equipped with gas stoves, iceboxes, water tanks, and dining areas. Pierce-Arrow produced more than 12,500 trucks used in World War I. The company employed over 10,000 men and women in Buffalo and boasted of using more aluminum than any other country in the world in 1915.
Richardson Olastead
I saw the impressive Richardson Olmsted complex, remarkable for its beauty and scale, with medieval architectural inspiration, showing the influence of William Morris and John Ruskin. Today, the Grand Hotel Richardson operates there.
Since it is not possible to see the Marshall Field Store, as it was demolished in 1930, I visited the impressive Ellicott Square (1896) by Burnham & Root and the Prudential (1896) by Louis Sullivan & Dankmar Adler, both inside and out.
Marshall Field’s was located on Franklin Street between Quincy and Adams Streets. It was designed by Henry Hobson Richardson, (1838 – 1886) built in 1887, and demolished around 1930.
Proof of Richardson’s influence and importance in the architecture of the United States is that, of the list drawn up by architects of the ten best buildings in 1885, five were his:
Trinity Church, in 1872/77. located in the Back Bay neighborhood of Boston, Massachusetts.
The 1883 Albany City Hall, at 24 Eagle Street between Corning Place (then Maiden Lane) and Pine Street
Harvard University’s Sever Hall in 1870, is located in Harvard Yard in Cambridge, Massachusetts.
The New York State Capitol, in Albany in 1899, with architects Thomas Fuller and Leopold Eidlitz.
And the 1879/81 Oakes Ames Memorial Hall in North Easton, Massachusetts.
His best-known work, the 1872 Trinity Church in Boston, cemented Richardson’s reputation and provided him with major projects for the rest of his life.
Chicago. Marshall Field Warehouse Building. Henry Richardson
Richardson and his client Marshall Field defined the bases of what was going to be a new architectural typology: the commercial building, which we know as Department Stores, or Wholesale Store.
Called the Marshall FieldWarehouse Building, it was built between 1885 and 1887 and sadly demolished in 1930.
It was on Adams and Franklin streets. Clearly inspired by Italian Renaissance palaces (such as the Palazzo Pitti in Florence), this building was considered the prototype of the new commercial and office building that the architects of the Chicago School would refine and turn into a model that would be exported to the world.
https://onlybook.es/blog/daniel-burnham-y-el-edificio-ellicott-square-en-buffalo/
El Guaranty Building de Louis Sullivan y Dankmar Adler
La descripción completa y sus fotos interiores se pueden ver en este enlace https://onlybook.es/blog/daniel-burnham-y-el-edificio-ellicott-square-en-buffalo/
El Guaranty Building de Louis Sullivan y Dankmar Adler
El Guaranty Building, anteriormente llamado Prudential Building, es uno de los primeros rascacielos de Búfalo.
Designed by Louis Sullivan and Dankmar Adler, it was completed in 1896. It was declared a National Historic Landmark. It is located at 24-34 Church Street.
Internationally recognized as one of the masterpieces of Louis Sullivan, probably one of the most important American architects of the 19th century and recognized as “The Father of Skyscrapers”.
I was able to tour both buildings inside.
I saw Rem Koolhaas’s expansion of the Art Museum from the outside.
I toured the parks designed by Frederick Law Olmsted (1822–1903), the father of landscape architecture, who created, among other works, Central Park and Prospect Park in NY, and Franklin Park in Boston.
Other significant works he completed include the Niagara Falls Reservation in New York; Mount Royal Park in Montreal; the Emerald Necklace in Boston; Cherokee Park (as well as the boulevard system) in Louisville; Jackson Park, Washington Park, and Midway Plaisance for the World’s Columbian Exposition in Chicago; part of Detroit’s Belle Isle Park; the United States Capitol grounds; and George Washington Vanderbilt II’s Biltmore Estate in North Carolina.
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1st part. Wright, Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Koolhaas.
2nd part. Wright, Larkin, complejo Darwin Martin, Midway Gardens.
3erd part. Wright, Greycliff la casa de Isabella Martin y su familia.
4rd part. Wright, las casas Heath y Davidson, el Fontana Boat House y el Mausoleum of the blue sky.
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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Salvemos al Parador Ariston de su ruina
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hugokliczkowski
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GB Wright, Graycliff the home of Isabella Martin and her family. 3rd part
1st part https://onlybook.es/blog/gb-wright-richardson-burnham-root-sullivan-adler-koolhaas-1st-part/
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Graycliff House
On the shores of majestic Lake Erie, a tour of Graycliff Estate includes a visit to the Boat House and Mausoleum.
The house they call “The Jewel of the Lake” is located at 6472 Old Lake Shore Road.
Darwin D. Martin (1865-1935). He was very happy with his home on Jewett Parkway so he and his wife Isabelle R. Martin (1869-1945) decided to commission Wright’s summer home on Lake Erie.
See https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
Isabelle took over, so Wright worked primarily with her on the design and details of the house. Isabelle had poor vision and after her experience with the Jewett house which was naturally dark, she focused the idea of light, open spaces on Greycliff.
The name of the estate comes from the natural gray color of the twenty-meter cliff on which the complex sits.
Graycliff is a complex of three buildings built atop a bluff overlooking Lake Erie. the Isabelle R. Martin House, the Foster House, originally designed as a garage with a chauffeur’s quarters on the upper floor and the boiler room to heat the other two houses.
Wright used native materials, such as cypress hardwood floors, gray cliff schist stone, and shaded stucco, and also created a landscape design for the complex.
The distance between the Martin house and Graycliff is 30 minutes by car (36.20 km) on NY-5 West.
The Martin family lived in two complexes, the one in the city, and the one in Graycliff.
When Wright was hired again, the two had a professional relationship of more than 20 years and were personal friends. The Martins provided financial assistance, among other support, to Wright at a time when his career was taking off.
In the early years of their long relationship, Darwin Martin, as a senior executive of the Larkin Soap Company, was directly involved in the selection of Frank Lloyd Wright as architect of the Larkin Administration Building. Wright also designed homes for other Company executives such as William R. Heath and Walter V. Davidson.
Wright understood that stone was the only true building material and therefore insisted to the Martins that it be used at Graycliff.
Of the complex, the largest building is Isabelle’s house, with spacious balconies, large terraces and large windows that allow you to contemplate nature from inside and through the entire house. On especially clear days you can see the water sprayed by the Falls of Niagara.
Another building is the Foster House, which was originally designed as a garage, with an apartment above to house the driver and his family. After their first summer at the residence, the Martins asked Wright to expand the building, There her daughter Dorothy, her husband James Foster and their children Margaret and Darwin spent many summers at the residence.
The smallest of the buildings in the complex is known as the Heat Cabin. Like the other two buildings, it is constructed of stone, ochre-stucco, and red cedar-colored shingles.
Although the Martin family lost much of their fortune in the Great Depression and was forced to abandon their home in downtown Buffalo in 1937, they retained Graycliff, where they returned every year until 1943.
The property was acquired in 1951 by the Piarists, an order of Catholic religious dedicated to teaching.
The Piarist Fathers, who came from Hungary, established a school on the grounds, as well as an institute for gifted children called Calasancio in honor of the order’s founding father. Although they added two stories to the building, Wright’s original design was left intact. In 1997, the Piarists could not afford to maintain the house and put it up for sale.
The texts that follow are a summary and an interpretation of the (very interesting) visit I made to Graycliff House. We were 10 people with the guide,
I already commented on the close relationship between the Martins and Wright.
The idea arose in 1925, with Martin’s retirement from the Larkin Company, and he wrote to Wright, asking him to design a summer house for his family.
Along with the specifications he sent on May 5, 1926, Martin emphasized Isabelle’s wish for the house to be flooded with light and sun, including the staff quarters. And he informs Frank Lloyd Wright that Isabelle R. Martin, (and not him) will be his client.
Wright’s project included the main house parallel to Lake Erie, a garage staff apartment called the Foster House today, and an irregularly shaped pond in the center of the driveway rotunda circle. The third building, the heating cubicle, is behind the garden wall connecting the Martin house to the Foster house.
The 3.45 hectare lot was purchased on April 19, 1926 from the Dexter Rumsey family (1) for 2,000 usa, about 80,560 usa today. It extended from Lake Shore Road to the bluff overlooking Lake Erie with a width of 250 feet.
Darwin gave his wife this exquisite gift, which became one of the most ambitious summer properties Wright had ever designed.
Access to the house is currently controlled by the Graycliff Conservancy, a non-profit organization that was responsible for restoring the property and saving it from its state of disrepair. The house is listed on the National Register of Historic Places.
Wright used 1.01 hectares of the total 3.45 hectares of land.
The presence of the cliff, about 18.29 meters high, and its surroundings are very important.
Wright’s project maintains visual contact with the lake, the water is very close throughout the design. Lake Erie is seen through the transparency of the house.
The stair tower, bench and walkway have been moved from their location due to erosion among other factors.
The buildings were built using natural materials from the site, the cliff is made up of gray shale which provides the property its name, as Graycliff means gray cliff.
About 8 feet from the top is a layer of Tichenor Limestone that cantilevers from the side of the cliff above Lake Erie.
Wright used overhangs, and the diamond shape in windows and roof lights.
Tichenor limestone has a layer of iron oxide that «bleeds.»
The house’s color palette included the red-orange color of iron oxide (which bleeds naturally from limestone), a material used throughout the house.
The landscape design included Ellen Biddle Shipman, a renowned landscape designer. (2). She was hired to design extensive gardens to collaborate with Wright’s project, known as the «Dean of American Landscape Architects» and one of the creators of Arts & Crafts style gardens.
Their project had to provide shade and protection from the wind, and above all a lot of color, so that each room in the house had its flowers.
There are now four fruit trees that have been planted where the rows of orchards existed.
A reproduction of Wright’s plan drawing for the exterior, this drawing is, as far as we know, the only known exterior plan that Wright made with his own hand, during his long career.
At the original entrance to Graycliff there are stone pillars.
The Martins shared a driveway with their neighbors, the Dexter Rumsey family (2). The aspen-lined driveway leaves Lakeshore Rd, forming a “Y,” one of its branches leading to the Martins’ property.
Graycliff has had only three owners: The Martin family, an order of Roman Catholic priests known as the Piarist Fathers who purchased Graycliff after the Martins died, and finally, The Graycliff Conservancy.
The Martins and their family enjoyed summers from 1928 to 1943. The Piarists, a Catholic teaching order, purchased the property in 1950 from a holding company belonging to Martin’s son. The priests established a boarding school on the property, as well as Calasanctius High School in Buffalo.
They made a number of additions to the property, including the visitor centre, which was their gymnasium, adding a chapel to the south terrace and extending the garage to increase the living space.
The easement for the driveway ended when the Piarist fathers purchased the property.
The priests numbered about 12 with approximately 24 inmates, but the dormitory was reconfigured and could accommodate 48 inmates if necessary.
In 1996, a few remaining elderly priests put the property up for sale, the only serious offer they received was from a builder.
Upon learning of this plan, neighbors from across the community formed The Graycliff Conservancy with the intention of saving Graycliff. They purchased the property, removed the non-historic additions, restored it to its original state and opened it to the public.
For the driveway, Wright specified that a yellow gravel be placed, which would harmonize with the fawn tone of the house, if it was not available, he specified that the shale gravel should be crushed and dyed with iron oxide.
For safety reasons, the driveway rehabilitation used pigmented concrete to match the original color with exposed aggregate to mimic crushed shale. This provides handicap access, snow plow equipment and emergency vehicles.
Rotunda circle in front of the main house
The horizontal plane of the lake surface as well as the horizon line are incorporated into the horizontal levels of the house.
Wright explained that he had added the stone to provide contrast and make the house blend into the site.
Isabelle didn’t want the pond, preferring to have a mound planted with tall trees. Wright persuaded her to accept it as part of Ellen Biddle Shipman’s project.
The pond was removed in the early 1930s, and restored in the early 2000s and completed in 2013 using a mix of original rock and plantings similar to those that existed in 1931, including sedge, water iris and juniper.
Roundabout circle in front of the Foster house
The structure was first created as a garage, with an apartment above it for the driver’s family. The main house is more linear in design compared to the concentric layout of the garage house where the rooms radiate from the living room. This home is more reminiscent of Wright’s Prairie style homes with its wide eaves, cantilevered balconies, and semi-concealed entry.
Originally, the garage doors were directly under the balcony and opened onto the driveway. During the Martins’ first summer, Isabella noticed that from anywhere in the living room or south terrace, the driver could be seen working.
I wanted the garage doors moved to the south end. He had also decided that more storage space and another bedroom were needed, so he enlisted Wright’s help.
Wright designed the addition that begins where there is a setback along the balcony. A bedroom and two terraces were added to the apartment. The garage doors were moved to the south side of the structure and the garden wall was extended.
As the depression deepened, the staff was cut, and the Martins’ daughter Dorothy Martin Foster, her husband James, and their children began using the apartment as a summer residence.
The landscaping in front of the Foster House and garden wall has been planted as it was in 1931, thus restoring plantings with native plants to the designs of Wright and Shipman.
The living room floor had to be restored.
The rust streaks on the stone of the house were an intentional effect, most of the reedstone used is grey, but the Tichenor limestone from this site has a thin layer of iron pyrite on one side which makes it bleed ferrous oxide causing rust stains on the stone.
The Martins expected the house to cost considerably less than Wright’s first estimate of $37,500, but as construction continued, the cost continued to rise. Mr. Martin suggested changes to reduce the cost, for example, since they originally asked for the house to be stucco only, Mr. Martin objected to stone, as well as seeing no reason for a balcony off his room, He claimed that they had only planned an awning, not a garage.
Wright persuaded them that perhaps they didn’t need these features, but the house did, for good architecture.
The balcony and garage extended the house to the outside.
The cantilevers over the sunken gardens are especially important, as they mimic the layer of Tichenor limestone cantilevered over Lake Erie, strongly connecting the house to the site.
The balcony at the west end, outside Mr. Martin’s room, was cantilevered over a sunken garden that Wright designed to be filled with low evergreens, in recent years zinnias and dahlias were the preference of Isabella.
They also serve an important utilitarian function in providing shade inside the home which supports Wright’s concept of passive solar design. The final cost of the house in 1928 was well above Wright’s initial estimate.
Wright wrote to the Martins, on August 15, 1926, that without the balcony and carriage house the house might be comfortable but it would not look comfortable because it would not be suitable for the site.
The final price of the house in 1928 was approximately 49,000 usa (about 902,770 current dollars).
Entrance
When entering the house we have two possibilities, go up the stairs or enter the living room.
The staircase is attractive, the skirting boards descending the wall under an overhang. The balustrade is stepped to maintain the railings.
On the first floor are the bedrooms, both Darwin’s and Isabella’s, as well as a large room that was used by the Fosters while the apartment above the garage was being adapted. Three additional rooms were occupied by Mrs. Martin’s lady-in-waiting, Cora Herrick, a maid, and a cook.
It also contains a sleeping porch that was sometimes used as a guest room.
There are four bathrooms, each tile was hand cut into 9 inch squares. The shower has a terrazzo floor.
Balconies overlook Darwin and Isabella’s rooms.
The floor is wide plank cypress, which is also the floor in the living room and dining room. We will also find the original cypress wood in the entrance and dining rooms. The staircase leading to the bedrooms is made of maple.
Stained stucco covers the interior walls, in a slightly paler tone than that used on the building’s exterior.
At the entrance, the carpentry has metal divisions, which are more expensive than wood, but allow for larger glass panels. The Graycliff corner window was designed without corner support and bid by Hopes Windows of Jamestown.
Martin thought the bid was too high and requested a second estimate from David Lupton of Philadelphia, who inserted a non-structural corner post to standardize the hardware. The price was cut almost in half, when Martin reported his savings to Wright, who declined to comment.
Fallingwater used Hopes Windows to provide the design first proposed in the Graycliff design some nine years later, but never perfected the corner ironwork. The hardware has a waxed bronze finish and the door knobs are octagonal. The hinges allowed a door to be opened flat against a wall.
Stucco has pigment incorporated into the material so it is not necessary to paint it and it is naturally fire retardant.
The living room
Upon entering the living room, we experience Wright’s spatial design concepts of compression and release.
The top shelf compresses the feeling of space, while the release into the light-filled living room provides a feeling of freedom.
See https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones
The use of Tichenor limestone, which was from the base of the cliff, helps link the house to its natural site. The interiors are composed of the same materials as the exteriors: limestone and stucco.
The enormous stone fireplace captures the cozy spirit of the house, it is the gathering place, fireplaces have always been important symbolic elements in Wright’s domestic architecture.
It is where heat originates, the “heart of the home”.
The doors and windows on the south side are not as high as those on the north.
Wright explained to the family that “they are going to be happy to have less glass facing south because of the heat that would be absorbed into the room.”
There is never direct, glaring sunlight in the living room due to the position of the house on the site and the overhangs on the south side of the house.
In one of his letters to the Martin, Wright described the living room “as a part of the terrace, both a part of the outside and a part of the inside.”
I-beams spanning the ceiling rest on pillars within the walls between the windows and doors, supporting the 1st floor hallway, cantilevered over the south terrace and lakeside terrace.
The living room floor is made up of wide reclaimed cypress boards, it has been refinished.
Wright designed several pieces of furniture for Graycliff, primarily a series of wooden tables of different sizes and plant stands.
The willowwood furniture in Graycliff was manufactured by the Yipsilanti Company in Michigan.
The wall sconces are brass and in the bedrooms they are silver over brass, made by Bradley and Hubbard.
Regarding the colors in various cards between Wright and Martin, they decide to choose colors such as burnt orange, gold, salmon, and flame color, as well as green.
In the spring of 1926, Wright writes, “Entering the house would be like putting on your hat and going outside.”
View or Fern Room
It’s easy to understand why Wright referred to this space as the View Room because of the wonderful views of the lake and especially the sunsets over the water from everywhere in the room.
Wright lowers the ceiling of this room to signify a more intimate space, both this room and the dining room were intended for people to sit, read, eat or chat. The larger space of the living room was understood as a gathering space, a social space for a greater number of people.
Create the illusion of an outdoor space inside the house, using the limestone and flagstone used on the exterior, as well as the interior planter that brings plants, nature into the building, instead of an exterior planter.
This room is made up of windows on two sides, and a mirror on the third.
Materials
The shower has a terrazzo floor.
Flush doors with olive knuckle hinges were used,
The hardware has a waxed bronze finish and the door knobs are octagonal.
The hinges allowed a door to be opened flat against a wall.
Stucco has pigment incorporated into the material so it is not necessary to paint it, it is fireproof.
The living room
The use of Tichenor limestone, which was from the base of the cliff, helps link the house to the site.
The room is filled with natural light and the lake breeze provides cross ventilation. The doors open onto fixed windows facing each other, alternating. This allows cross ventilation without large gusts of wind.
The doors and windows on the south side are not as high as those on the north, to avoid heat gains. There is never direct, glaring sunlight in the living room due to the position of the house on the site and the overhangs on the south side of the house, it is light, airy and cool during hot summer days.
Family sun porch
Originally this room was designed as an open porch. During the Martins’ first year of residence, this room was only screened, but they later installed sliding glass windows, the only sash windows in the house that were not designed by Wright.
The moldings are made of cypress and are the only painted ones in the house. They are painted to match the windows.
The wood mullions obstruct the view to a greater degree than the smaller metal mullions we see throughout the house.
The library table is a Wright design. There was also an upright piano, which Mr. Martin had given to Isabelle for their 2nd wedding anniversary.
Dining room
Wright’s design called for a formal dining table to be below the two diamond lights in the highest ceiling.
The stone fireplace in the living room is near the fireplace in the dining room, which has a diamond-shaped hearth.
The porcelain pattern is “Devon” by George Jones & Sons, England.
Butler’s Pantry and Staff Sun Porch
The refrigerator is original from Graycliff. It is a refrigerator, it was modified by the manufacturer so that the refrigeration was provided by electricity. It is a Jewett Servel electric refrigeration refrigerator. Jewett made the case and Servel made the electrical cooling device.
Larkin Soap Company
The Larkin Soap Company, located on Seneca Street in Buffalo, was a company of enormous development, in which Darwin worked for many years.
John Larkin developed a mail order and catalog system that was very profitable, creating a bonus scheme whereby quantity purchases were rewarded with a bonus on merchandise. That promotional idea was created by Elbert Hubbard while he was an employee of his brother-in-law John Larkin. Larkin employed thousands of people and operated until the early 1940s when it closed operations. The Larkin Administration Building, Frank Lloyd Wright’s first commercial work, was demolished in 1950.
A parking lot has occupied the site since then, although some of the other buildings from the original Larkin complex remain.
John Larkin started a company called Buffalo Pottery in 1901 as a way to minimize the cost of producing the best-selling porcelains that accompanied bulk sales of toiletries.
Darwin Martin was one of the company’s directors. In 1950 Buffalo Pottery was called Buffalo China, Oneida bought it in 1983, Buffalo China was bought by Oneida, who sold the premises in 2004 to Niagara Ceramics. It closed in 2014.
See https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
Staff yard and heating cubicle
The heating cubicle houses the oil boiler, underground pipes connected it to the Foster House and the Isabelle Martin House where there were steam radiators. The structure is several feet underground, so it does not obstruct the view from the Foster House balcony.
The roof of the building has an unusual edge, its tiles are trapezoidal, so that when viewed from the edge they form a hexagon. This edge is called braided edge. Due to their deterioration and abandonment all the structures were restored by the Graycliff Conservancy.
The same style of trim used on the heating cubicle was used by Wright at his home in Taliesin, although after the 1925 fire it was not replaced.
A gas boiler in the basement heats the main house and a second boiler in the mechanical room serves to heat the Foster house.
Esplanade
The two retaining walls on its sides start at the stone terrace (at the same level as the interior floor of the hall) and maintain that same level towards the edge of the cliff.
There they once hugged a stone bench. The remains of this bench are what we currently see on the edge of the cliff.
The bench has been restored and moved closer to the house.
Wright had at least two plans for this area that were rejected by Isabella: a terraced space facing the lake and a reflecting pool.
There was a walkway behind the stone bench, it led to a tower of stairs, across a steel and wooden bridge.
It was access to the beach, Isabella told Wright that the flow of people heading to the beach obstructed her view of the lake.
Wright proposed creating a stone bench, people could now walk along a path on the edge of the cliff, go down some stairs, cross behind the bench, and cross the bridge.
The bench would keep them out of Isabella’s sight.
Ellen Biddle Shipman further developed Wright’s plan and added evergreen shrubs and poplars along the retaining walls.
Due to erosion, the walkway, bridge, original bench and tower no longer exist. The tower had not been designed by Wright and due to its state of disrepair it was removed and will not be replaced.
The shape of the esplanade and bench mimic the shape of the living room fireplace.
There is no mention in historical records or correspondence that the Martins owned a boat, but Darwin Foster’s grandson has said that his father, James Foster, had a 10-foot boat covered with a sail, in the Archives from the University at Buffalo there is a photo of James and the children pulling a small boat on a cart in Graycliff’s driveway.
The tennis court
The tennis court was included in the land project.
The concrete is a reddish color. It was pigmented, a technique Wright later used for the floors in some of his Usonian houses. The red pigment makes the concrete similar to the look of a clay court, and also complements the autumn colors of the buildings.
Notes
1
Dexter P. Rumsey (1827 – 1906), a native of Westfield, New York, arrived in Buffalo in 1831. His father and family moved to their new home to establish a tannery to be run by Dexter and his older brother Bronson.
Rumsey was involved in the early years of banking in Buffalo as a director of the Erie County Savings Bank, and he also invested in real estate on the city’s north side. He was president of the exclusive Buffalo Club and a member of the Buffalo Country Club. He was a major supporter of the Buffalo Fresh Air Mission, and one of the original trustees of the Buffalo City Cemetery, formed in 1864, which still manages Forest Lawn Cemetery.
Rumsey was one of the principal organizers of the residential developments who commissioned Frederick Law Olmsted to prepare the Parkside community designs. He also owned a significant tract of land on the south side of The Park. He died on April 5, 1906, and the following month his widow, Susan Fiske Rumsey, and daughter, Grace Rumsey Wilcox, donated 8 acres of land adjacent to Lincoln Parkway and the park’s main entrance to the city. .
It was a welcome addition to Delaware Park as it provided the right-of-way for Rumsey Road, a new street that formed the new southern boundary of Rumsey Woods Park.
2
Ellen Biddle Shipman (1869 – 1950) was a landscape architect known for her formal gardens and lush planting style. Along with Beatrix Farrand and Marian Cruger Coffin, she dictated the style of the era and strongly influenced landscape design as a member of the first generation to enter the predominantly male profession. In 1938, commenting on the male-dominated field in The New York Times, she said, “before women took over the profession, landscape architects did what I call graveyard work.”
Shipman preferred to think of his plant-using career as if he were “painting pictures as an artist.” Little of his work remains today due to the laborious style of his designs, but preserved spaces exist, including the Sarah P. Duke Gardens at Duke University, often cited as one of the most beautiful American college campuses.
During the 40 years she practiced landscape architecture, Shipman only hired graduates of the Lowthorpe School of Landscape Architecture, Gardening and Horticulture for Women. She did it because at that time, women were not given internships in male offices.
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1st part. Wright, Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Koolhaas.
2nd part. Wright, Larkin, Darwin Martin Complex, Midway Gardens.
3rd part. Wright, Graycliff the home of Isabella Martin and her family.
4th part. Wright, the Heath and Davidson houses, the Fontana Boat House and the Mausoleum of the blue sky.
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Casa Walter V. Davidson
57 Tillinghast Place, Buffalo, Nueva York. 1908
Me estaba yendo de Buffalo, rumbo a Rochester (102 km) muy temprano, eran las 5,15 am, y mientras buscaba como salir de la ciudad, me pregunté,
-Te vas a ir, ¿sin pasar por la casa Davidson?
No había ido antes, porque sabía que no aceptan visitas, es una casa particular, de las pocas que no estan en manos de museos u organizaciones.
En mi mvl, pone que saqué las fotos el sabado 27 de julio a las 5,39 de la mañana, estaba relativamente oscuro, el resto lo hice al procesar las fotos.
Era difícil sacar fotos porque había muchos autos estacionados, y a esa hora de la madrugada, no deseaba estar “merodeando” por la casa.
Por experiencia, sé, que, de ciertos lugares, uno se va para no regresar, Buffalo, es uno de ellos, me encantó visitar la ciudad por la cantidad de obras de arquitectura que vi, pero la ciudad, me impacto poco, tienen un río lindísimo, que bordea la frontera con Canadá, donde han hecho una autopista de varias manos de cada lado, o sea que el rio lo ves a 80 km hora, o por algunos túneles que vaya uno a saber dónde estan, esto lo deduje porque vi a algunas personas en bici, y otras pescando, pero ni idea como llegaron donde estaban.
Tampoco me atrajo tanto estar tan cerca de las cataratas del Niágara (33 km), me dije
-con aquellos inolvidables dias que pasaste en las cataratas del Iguazú, ya fue suficiente.
La vuelta por Toronto (está a 160 km), me impedía ir a Rochester, y quería ver el templo unitario de Louis Kahn, asi que aquí está la casa Davidson, desde afuera, muy tempranito.
En 1908 Walter Davidson se unió a Larkin Company de Buffalo como gerente de publicidad, y se hizo amigo de Darwin Martin y William Heath, dos de sus socios gerentes.
Martin y Heath ya tenían sus casas terminadas en ese momento, y unos meses después de unirse a Larkin Company, Martin le presentó en una reunión social a Davidson al arq Wright.
Davidson no dudó en encargar a Wright el diseño de una modesta casa en el distrito histórico Parkside East de la ciudad, un barrio que en 1908 había sido planificado por Frederick Law Olmsted (1822 – 1903). (1)
La casa tenía un presupuesto menor en comparación con las casas de Martin y Heath, Hoy es de propiedad privada y como ya escribí las visitas sin invitación no están permitidas.
La casa Darwin Martin, asi como el edificio Larkin y la casa Edwin Cheney figuran en el Portfolio Wasmuth, entre los diseños más famosos de Wright.
El Fontana Boat House, tambien en Buffalo, a pesar de que no pudo construirlo en vida, también figura en el Porfolio Wasmouth, prueba del orgullo que sentía Wright por el diseño de la guardería de botes.
El exterior, de tejados planos y escalonados, y de bandas lineales de listones de madera y ventanas de vidrio emplomado, parece estar compuesto por una serie de planos geométricos que se entrecruzan. Wright integra la naturaleza en la estructura del edificio mediante la inclusión de jardineras bajas que sobresalen del camino de entrada y el porche trasero.
La casa cuenta con una sala de estar de dos pisos que termina en una espectacular ventana con altos paneles estrechos de vidrio transparente separados por gruesos parteluces (soporte al acristalamiento vertical de una ventana). El patrón alargado en forma de diamante en el vidrio es simple pero audaz. Se traslada a muchas de las otras ventanas de la casa, que son abundantes.
Frank Lloyd Wright (2009)
En la década de 1930, la residencia fue remodelada. Se modernizo y adapto la cocina y se creó una suite principal construida sobre el garaje. Uno de los dormitorios originales se redujo en tamaño y se eliminó un armario para dar paso a un pasillo que conduce a la nueva suite, que consta de un vestidor, un baño y un dormitorio.
La ampliación incorporó las mismas ventanas abatibles de vidrio emplomado en forma de diamante del resto de la casa.
Metropolitan. MET
Midway Gardens (2)
Arquitecto Frank Lloyd Wright
Ubicación Chicago, Illinois. 1913/14.
Alfonso Iannelli (1888-1965) y Frank Lloyd Wright (1867-1959) Sprite Chicago, Illinois, ca. 1914.
Sprite fue originalmente parte de un amplio programa escultórico para los Midway Gardens de Wright en Chicago.
Construido para Edward C. Waller Jr. y Oscar Friedman en 1914, los Gardens fueron diseñados como un centro de entretenimiento.
De carácter fuertemente tectónico, la figura está compuesta por motivos comunes en el ornamento arquitectónico de Wright. La facetación del rostro está estrechamente vinculada al Cubismo, un movimiento que había ganado influencia internacional para 1914.
Hubo discusiones entre Wright y Iannelli acerca de la autoría de los Sprite, que les costó a ambos, dejar una amistad y un trabajo en común de años, finalmente Iannelli fue reconocido por sus diseños de carteles, así como por su escultura arquitectónica y decorativa.
Introducción (4)
Los Jardines Midway de Chicago, inaugurados en 1914, fueron la última construcción estilo pradera de Wright y el comienzo de su siguiente otra etapa de experimentación arquitectónica a través de la ornamentación, etapa que duró cinco años.
Edward C. Waller Jr era propietario de un complejo de ocio, el Sans Souci Amusemente Park, ofreciendo pista de patinaje, un teatro, un casino y un salón de baile. A finales de 1913 Waller le encargó a Wright ampliar el edificio y realizar a pequeña escala, pero de forma estrictamente lujosa una cervecería al aire libre, rodeada por jardines palaciegos.
La arquitectura modernista de los jardines se basaba en formas geométricas estrictas. Una gran área central al aire libre, llena de mesas y sillas, estaba rodeada por una serie de edificios de tres pisos con espacios interiores para bailar entre otras actividades, así como balcones voladizos con techos salientes.
Había jardines en terrazas, piscinas y un pabellón de música y escenario.
El edificio en sí estaba hecho de ladrillo amarillo y bloques de hormigón estampados. Presentaba una ornamentación muy intrincada y muchas esculturas geométricas, a las que Frank Lloyd Wright llamó «duendes» y que fueron diseñadas en colaboración con Alfonso Ianelli. Algunas de estas esculturas se salvaron de la demolición y se pueden encontrar en otros lugares. En consonancia con el estilo de Wright, el edificio también presentaba ventanas en hileras y entradas ocultas, es decir que había que rodear parte del edificio.
El interior también estaba intrincadamente ornamentado y lleno de muebles y accesorios diseñados por Wright, incluidos los servilleteros.
El padre de Waller, Edward Waller Sr., había encargado en 1985 un edificio de apartamentos a Wright, los Waller Apartments). Está ubicado entre el 2840 y el 2858 de West Walnut Street en Chicago. (5)
Midway Gardens era un centro de entretenimiento de lujo tanto interior como exterior destinado a funcionar como cervecería, sala de conciertos y baile en el que actuaban bandas como la Midway Gardens Orchestra. (6)
Max Bendix y la Orquesta Sinfónica Nacional frecuentaban la sección de conciertos porque eran la «banda de la casa». La bailarina de ballet Anna Pavlova también actuó en numerosas ocasiones.
Frank Lloyd Wright trajo artistas populares para cantar, bailar y tocar música, lo que creó un ambiente burgués. Sin embargo, después de que se convirtiera en Edelweiss Gardens, el ambiente de clase alta cambió a uno de vodevil, ragtime y cabaret. A principios de la década de 1920, un joven clarinetista, Benny Goodman, tocó en la banda de la casa.
También era asequible para espectadores sin grandes recursos (en los libros hablan de “gente común”).
La inauguración oficial fue el 27 de junio de 1914.
1914
El hijo de Wright, John Lloyd Wright, realizó la supervisión de la construcción. Paul Mueller estuvo a cargo de su construcción.
Diez días después de que comenzara la Primera Guerra Mundial, el 14 de agosto de 1914, Wright revisando los detalles de los Jardines Midway recibe la noticia sobre el desastre en su casa de Wisconsin.
El cocinero Julian Carlton había prendido fuego a la vivienda de Taliesin y asesinado a su pareja Mamah Bouton Borthwick (1869 – 1914), sus dos hijos de 12 y 4 años y cuatro miembros del equipo de Wright. (7)
Inmediatamente Wright regresa a Wisconsin. Su tragedia personal y la reconstrucción de las viviendas de Taliesin se convirtieron en sus prioridades. Dejó Midway Gardens para ser terminado por los artesanos de confianza y los arquitectos Sullivan y Adler que completaron el proyecto en 1914.
Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-5/
1916
En 1916 Midway Gardens fue vendido a la fábrica de cerveza Edelweiss y rebautizados con en nombre de “Edelweiss Gardens”.
En esa época aún conservaba su carácter y atraía a los clientes.
Se realizaron numerosos cambios en la arquitectura y la decoración, como pintar las “Sprites” y el edificio pasó a ser también jardín, desapareciendo el complejo de ocio.
Estos cambios sumados a la Lay Seca y a los sentimientos anti-alemanes debidos a la Guerra lo llevaron al fracaso.
1921
En 1921 la propiedad fue vendida a los dueños de los neumáticos CE Dietrich Automobile Midway y Supply Company y se convirtió en el “Midway Gardens Dancing”.
Con una amplia remodelación convirtieron el edificio en un salón de baile.
El baile estaba de moda a finales de los años 20 y el jazz y la música swing-danza eran muy populares.
Ubicación
La propiedad donde se construyeron los Midway Gardens, estaba en un lugar muy céntrico, en el Hyde Park, zona de ocio, muy valorada por el público alemán que vivía en la zona.
Está muy cerca del Lago Michigan en el sur de Chicago, concretamente en la esquina suroeste de la avenida Cottage Grove y la calle 60, donde Midway Plaisance se encuentra con Washington Park.
Esos lugares, Washington Park, la Universidad de Chicago y al Midway Plaisance fueron los lugares donde se ubicaron los Pabellones Colombianos en la Feria Mundial de Chicago en 1893.
Ver https://onlybook.es/blog/la-exposicion-mundial-de-chicago-de-1893-la-escuela-de-chicago/
Una manzana completa estaba cerrada por la estructura, mientras que el patio interior, el Summer Garden, un área para comer y bailar estaba abierto. A los lados había arcadas bajas, donde también se comía y bailaba, con un pabellón donde tocaba la banda.
El Winter Garden, en el lado opuesto, cerrado para actividades durante todo el año, tenía cuatro pisos de altura, su superficie cubierta era similar a la del Summer Garden. El primer piso estaba rodeado por tres terrazas. Alrededor del área de la planta principal, la estructura estaba coronada por un jardín en la azotea. La cocina se encontraba en el sótano, más cerca de las áreas a las que servía. Esculturas de Alfonso Iannelli adornaban la obra. Su expresión arquitectónica era excepcional, encerraba el área de la planta principal bloques de concreto y ladrillos decorativos.
Su final
La Prohibición de beber alcohol (8), fue solo uno de los muchos factores que destruyeron el palacio de placer de los Midway Gardens, también la Primera Guerra Mundial hizo que los ingresos cayeran por debajo del punto de equilibrio.
Como hemos comentado solo dos años después de su inauguración, fue adquirido por la compañía cervecera Edelweiss y convertido para satisfacer las necesidades de una clientela poco acostumbrada a su entorno refinado, pero el complejo se degradó en un jardín cervecero común en solo dos años desde su apertura. Finalmente fue demolido en 1929.
Concepto
El concepto fue crear un bar al aire libre con escenario de conciertos para el aficionado al ocio de clase media alta.
En el 1900, cerca de 500.000 inmigrantes alemanes vivían en Chicago, la mayoría eran profesionales capacitados que debieron emigrar debido a la inestabilidad económica y/o política de su país. Como inmigrantes ocupaban reducidas viviendas, desarrollando su vida social con salidas al aire libre, asistiendo a eventos culturales o a los parques de atracciones, siempre en grupos familiares o con sus amigos inmigrantes, recordando sus costumbres, como tomar cerveza en los restaurantes al aire libre, reminiscencia de su patria natal.
Las intenciones de Wright con los jardines era acercar la cultura de la clientela alemana establecida en la zona a la cultura de Chicago y convertir los jardines del Sans Souce en una cervecería al aire libre, en un “concert-garden” donde se combinaran todas las artes, incluyendo conciertos, música clásica, y en los jardines, ocio y restaurantes gourmet.
Con el propósito de lograr sus metas, Wright convenció a Waller de la necesidad de ampliar los fondos para la construcción. Estos fondos fueron obtenidos con la venta de acciones que permitieron construir el proyecto y llevar adelante el establecimiento.
Descripción
Midway Gardens estaban formados por un cuadrilátero de 183 metros de lado. Fue principalmente una instalación de entretenimiento al aire libre, con una gran zona central en diferentes niveles donde se ubicaban distintos puestos de alimentación y un escenario en el frente con una orquesta o actuaciones para que pudieran disfrutar los comensales.
Dos niveles con paredes y arcadas techadas se ubicaban a ambos lados de la zona central abierta de verano. También se realizaban actividades durante el invierno y verano en el interior de las torres, donde se conectaban diferentes secciones en cinco niveles.
Espacios
En el interior del edificio se abría el jardín de invierno. Había un vestíbulo, un casino, una taberna y dos miradores con magníficas vistas, salones privados para banquetes, salas de conciertos, venta de cigarros y periódicos, dos piscinas, pista de baile, balcones en voladizo, vestuarios y grandes terrazas ajardinadas para caminar ya sea bajo techo o al aire libre. La variedad de áreas del complejo contribuía al excelente y sofisticado ambiente de los jardines.
Las terrazas del jardín de invierno estaban cercanas a la pista de baile y los miradores recibían la sombra de los arcos de los cinco porches.
Diseño y materiales
Wright diseñó el edificio y todo lo relacionado con él, incluyendo mesas, platos y demás utensilios. Además de los principios del voladizo, utilizó ladrillo amarillo y bloques reforzados de hormigón gris, con relieves que recuerdan los frisos decorados de las culturas precolombinas de América Central. Estos bloques fueron esculpidos mientras el hormigón estaba mojado. También diseñó el enorme mural geométrico de la pared interior y dos de las 100 esculturas, también de hormigón, llamadas “Sprites”, colocadas en todo el complejo. La mayoría de los “Sprites” miraban hacia abajo, buscando a los clientes.
Sprites
Estas estatuas arquitectónicamente geométricas fueron concebidas en 1914 con el propósito específico de adornar y velar por Midway Gardens.
Las Sprites (o duendes) son adornos alemanes tradicionales. Junto a su diseño conocido, Wright aportó la idea de lo “abstracto” en ellas, con formas más geométricas.
Bajo la supervisión de Wright, Alfonso Iannelli y Richard Bock diseñaron todas las esculturas menos dos diseñadas por el arquitecto y realizadas por el artesano y experto en cemento Ezio Orlandi.
El interior del edificio estaba ricamente decorado con vidrios pintados, diseños de hormigón y luces con extrañas formas. Los ladrillos eran de colores brillantes, combinados con azulejos en las paredes y con alfombras. En cada esquina colgaba una araña, también diseñada por Wright. Midway Gardens era un centro de entretenimiento interior y exterior de 33.445 m2..
Historia
Aunque al principio el negocio iba bien, Waller nunca tuvo fondos suficientes para financiar la construcción y el mantenimiento de Midway Gardens y se declaró en quiebra en marzo de 1916. En ese momento, Midway Gardens fue comprada por Schoenhofen Brewing Company y rebautizada como «Edelweiss Gardens» (en honor a la principal marca de cerveza de la cervecería).
Wright, que generalmente ejercía un fuerte control creativo sobre sus proyectos terminados, estaba disgustado por los cambios estéticos que el nuevo propietario hizo en los jardines. Escribió que Edelweiss había añadido «características desagradables» y que todo el efecto de «los orgullosos Midway Gardens se había abaratado para adaptarse a un gusto burgués cordial». Cordial en boca de Wright cuando desfiguraban sus proyectos era de todo menos cordial.
Edelweiss Gardens continuó durante los años de guerra (cerrando brevemente en 1918) y permaneció abierto como un establecimiento seco durante la Prohibición, entonces como he escrito, los jardines perdieron parte de su valor de entretenimiento.
Notas
1
En Buffalo recorrí los parques diseñados por Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) Padre de la arquitectura paisajista, que hizo entre otras obras el Central Park y el Prospect Park de NY y el Franklin Park de Boston.
Otras obras de enorme trascendencia que realizó fueron la Reserva de las Cataratas del Niágara, Nueva York; el Parque Mont-Royal, Montreal; el Emerald Necklace, en Boston; el Cherokee Park (además del sistema de avenidas) en Louisville; así como el Jackson Park, el Washington Park y el Midway Plaisance para la World’s Columbian Exposition de Chicago; parte del parque de Detroit Belle Isle; los jardines del Capitolio de los Estados Unidos; y el edificio de George Washington Vanderbilt II, el Biltmore Estate, en Carolina del Norte.
2
Ver https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
3
William Allin Storrer. The Architecture of Frank Lloyd Wright. A complete Catalog. The University of Chicago Press. Chicago and London. 1427 E. 60th Street Chicago, IL 60637. ISBN 0 226 77623 9.
4
Textos y fotografías de Wiki Arquitectura.
5
Era un destacado promotor inmobiliario de Chicago tras el incendio de 1871. Waller y Wright colaboraron en los apartamentos “Waller” y “Francisco Terrace” para ejecutar la idea pionera de Waller de subsidiar las viviendas de bajos ingresos.
Cada apartamento fue diseñado con una sala, cámara (dormitorio), comedor, cocina, baño y armarios. Algunos de los edificios más antiguos que se utilizaron para viviendas subsidiadas en Chicago, recibieron el estatus de Sitios históricos por el Chicago Landmark el 2 de marzo de 1994.
6
Wikipedia
7
Escribe Paul Hendrickson “El arquitecto estaba lejos y regresó de manera precipitada…su viaje en tren fue agobiante… el mensaje que le habían pasado era escueto para evitarle males mayores: “Taliesin, consumido por las llamas”. Cuando arribó, completamente enajenado e incrédulo, se sentó delante del piano y comenzó a interpretar a Bach«.
“Las llamas se sofocaron como se pudo, pero las pérdidas fueron muy cuantiosas, entre ellas, una parte de la colección de arte asiático que el artista había comprado. Sin su amante y con su casa dañada, al que llamaba “el bungalow del amor”, Wright tuvo que volver a levantarse. Dicen que ya no fue nunca el mismo, que su carácter se volvió más hosco y que su vida fue bastante más introspectiva. Sufrió trastornos en el sueño y pesadillas frecuentes”.
Fueron asesinados además de Mamah y sus hijos, cuatro colaboradores del estudio otros tres pudieron escapar y pedir ayuda, fueron Billy Weston, David y Fritz.
8
En 1917, el Congreso aprobó una resolución a favor de la enmienda XVIII, a la Constitución de los Estados Unidos, que prohibía la venta, importación, exportación, fabricación y el transporte de bebidas alcohólicas en todo el territorio de Estados Unidos. La ley fue vetada por el presidente Woodrow Wilson, en gran parte debido a razones de carácter técnico, dado que la ley cubría también las prohibiciones durante la guerra. El veto fue anulado por el Congreso el 28 de octubre de 1919, y la ley fue promulgada.
Continua en https://onlybook.es/blog/wright-met-casa-francis-y-mary-little-7ma-parte/
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Rochester, Kahn, Primera Iglesia Unitaria. Wright casa Boynton, 5ta parte
Viene de
Rochester
Desde Buffalo a Rochester son 120 km por la ruta 90 y 490. 1 hs 15
Mi itinerario arquitectónico
NY a Buffalo hay 479 km
Buffalo a Rochester hay 120 km
Rochester a Syracusa hay 138 km
Syracusa a Middlebury hay 264 km
Total 1.001 km
Antes de realizar mi viaje a Buffalo, preparé (como siempre) mi libro de bitácora, que por cierto deberé resumir, porque ya tiene 58 folios.
No solo direcciones, sino tambien fechas, horarios, posibilidad de visita, etc. Me han dado bastantes referencias desde unas páginas de F.LL.Wright, con mucha genta valiosa, que sabe mucho y le gusta ayudar.
Mi gran duda era si desde Buffalo voy a Toronto (160 km) a ver la sala de grabación de Glenn Gould, que aparentemente ya no está y su figura de bronce. Parece que han construido un gran auditorio, y la sala de grabaciones ya no esta….. (lo que yo quiero ver, es uno de sus pianos, y en un antiguo grabador de cinta escuchar sus Variaciones Goldberg, que fueron encargadas a Bach por el conde Hermann Carl von Keyserlingk (1696-1764) de Dresde, tocadas lentamente (grabada en el año 1981, la rápida fue grabada en 1955).
Si no voy a Toronto, iría para Rochester, aunque la casa Boyton diseñada por Wright está de reformas. Lo que ya tengo es el tiquet para la casa Darwin D. Martin construída entre 1903 y 1905.
Ver https://onlybook.es/blog/wright-greycliff-la-casa-de-isabella-martin-y-su-familia-3era-parte/
En Buffalo lo primero que veré es la estación de servicio en el Museo Pierce Arrow, 263 Michigan Avenue. Diseñado en 1928 y reconstruido en 2012, encargado por William Heath para la esquina de Cherry y Michigan
Ver https://onlybook.es/blog/wright-brenham-sullivan/
Primera Iglesia Unitaria de Rochester
6-42 W. Main St., 20-56 Fitzhugh St., Rochester, Nueva York
Mi interés por Louis Kahn proviene en gran parte por todo lo que sobre él nos ha contado el Arq. Miguel Angel Roca (1936) tanto en su cátedra de la Universidad de Buenos Aires, de la que fui durante cuatro años su profesor adjunto, como en innumerables y enriquecedoras charlas personales. Envió desde aquí mi agradecimiento a Miguel.
«El sol no sabía lo grandioso que era, hasta que golpeó el costado de un edificio”. Louis Kahn
220 Winton Road South. Rochester.
1959 – 1969 Kahn lo amplia en 1967.
El 2 de septiembre de 2014, el templo se incluye en el Registro Nacional de Lugares Históricos.
Su exterior se caracteriza por paredes de ladrillo profundamente quebradas que protegen las ventanas de la luz solar directa. El techo complejo del santuario tiene torres de luz en cada esquina para dejar entrar la luz natural en forma indirecta.
Paul Goldberger, crítico de arquitectura y ganador del premio Pulitzer, escribe en 1982 en The New York Times al describir la Primera Iglesia Unitaria de Rochester “…es una de «las mayores estructuras religiosas de este siglo, junto con la capilla Notre Dame du Haut, el Unity Temple y la Primera Iglesia de Cristo”.
Kahn y el ser-en-el-mundo
Cuando mencionaba a la escuela como ejemplo de instituciones que surgen de las inspiraciones decía “Las escuelas empezaron con un hombre que, sin saber que era un profesor, discutía sus ideas con un grupo de personas que no sabían que eran alumnos”.
“La calle es probablemente la primera institución humana, un centro de reunión sin techo, la escuela es un espacio donde es bueno aprender. La ciudad es el lugar donde las instituciones se reúnen”.
“Todo lo que un arquitecto hace responde en primer término a una institución humana antes de convertirse en un edificio”.
Así pues «la arquitectura se funda en las formas generales del ser-en-el-mundo del hombre”. (Martín Heidegger (1889 – 1076).
La intención de Kahn era demostrar que la arquitectura es la encarnación de lo inconmensurable.
En este sentido, es inconmensurable, aunque pueda medirse como edificio “Una obra se realiza entre los sonidos imperiosos de la industria (creación) y cuando el polvo se posa (cuando ya pasa la excitación de la creación). la pirámide de silencio resonante proporciona al sol su sombra”.
La afinidad entre las ideas de Kahn y la filosofía de la Congregación de la Primera Iglesia Unitaria fue uno de los factores decisivos para que lo eligiera entre otros seis arquitectos para desarrollar el diseño de su nuevo edificio cuando las disposiciones urbanísticas les obligaron a abandonar su antigua sede de 1859. (1)
La congregación de la Primera Iglesia Unitaria de Rochester votó en enero de 1959 para vender su edificio existente en el centro de Rochester, Nueva York, pensando que estarían hasta julio de 1961. Sin embargo, las obras debilitaron el edificio, obligándolos a mudarse en septiembre de 1959.
El edificio anterior de la Primera Iglesia Unitaria fue arquitectónicamente significativo, ya que fue diseñado por Richard Upjohn (1802 – 1878) un destacado arquitecto del siglo XIX y primer presidente del Instituto Estadounidense de Arquitectos. La iglesia decidió reemplazarlo con un edificio diseñado «por un destacado arquitecto del siglo XX, dando a la comunidad un ejemplo notable de arquitectura contemporánea».
El comité de búsqueda, formado por miembros de la iglesia que tenían conocimientos de arquitectura, decidió centrarse en arquitectos prominentes que habían establecido oficinas relativamente pequeñas y que hacían la mayor parte del trabajo creativo ellos mismos.
Aunque el relato posterior del propio Kahn sobre el proceso de elaboración sugiere -engañosamente- que este se produjo de una forma fluida y coherente, lo cierto es que el proyecto construido —del que habían de quedar muy satisfechos tanto Kahn como los clientes, fue el resultado nada menos que de seis versiones diferentes.
Los primeros tanteos, realizados por Kahn antes de conocer el solar y el programa concretos, planteaban un esquema de tipo centralizado, inspirado directamente en las iglesias renacentistas. Así surgió el primer diseño, que proponía una gran sala de culto circular encerrada dentro de un cuadrado con cuatro torres en las esquinas.
Este planteamiento expresaba claramente la idea de Kahn sobre la composición y la forma apropiadas al proyecto, pero no respondía adecuadamente a los requerimientos funcionales y superaba ampliamente las posibilidades financieras de la congregación. (2)
Las diferentes versiones de este proyecto fueron desvirtuando la idea originaria sin llegar a complacer a los clientes, quienes desde un primer momento habían insistido en la separación en dos conjuntos independientes de la escuela y el santuario.
Kahn, que se resistía a esta idea, se mostró dispuesto, sin embargo, a replantear el proyecto desde cero y, a través de una nueva fase de versiones, llego a una solución que armonizaba las ideas de sus clientes respecto a la configuración de un templo unitario (a las que respondía mucho mejor el Unity Temple de Wright) con las suyas propias acerca del “deseo” de que las aulas y los locales sean más pequeños y se dispogan en tormo a la gran sala de culto.
La satisfacción de la congregación queda demostrada por el hecho de que, en 1967, acudieran a Kahn para realizar la ampliación del edificio, que el resolvió mediante un cuerpo complementario unido al principal a través de una galería, rompiendo en parte con la homogeneidad y la compacidad del proyecto originario.
Proceso de diseño
La historia del proceso de diseño en la Primera Iglesia Unitaria, incluida la creación de Kahn de lo que llamó un dibujo de forma, «es casi un clásico en la historia y la teoría de la arquitectura» según Katrine Lotz, profesora de la Escuela de Arquitectura de la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca.
Comenzó creando lo que llamó un dibujo de forma para representar la esencia de lo que pretendía construir.
Recuerdo que, en mis tiempos de estudiante en la Universidad de Bs As, lo llamábamos “idea rectora, o simplemente idea de partido”, una primera idea, con la fuerza de proponer conceptos dibujados sin tener prejuicios formales ni funcionales, ese dibujo, prudentemente enchinchado, nos iba guiando a medida que resolvíamos el proyecto. (gracias Edgardo).
Dibujó un cuadrado para representar el santuario, y alrededor del cuadrado trazó círculos concéntricos para indicar un deambulatorio, un corredor y la escuela de la iglesia.
En el centro colocó un signo de interrogación para representar su comprensión de que, en sus palabras, «la forma de realización de la actividad unitaria estaba ligada a lo que es la Pregunta. Pregunta eterna del porqué de cualquier cosa”.
Su enfoque fue diseñar cada edificio como si fuera el primero de su tipo. August Komendant (1906 – 1992) un ingeniero estructural que trabajó en estrecha colaboración con Kahn, : dijo que durante las etapas iniciales de diseño, Kahn luchó con preguntas del tipo «¿Cómo se diseñaría una Iglesia Unitaria? ¿Qué es la religión unitaria?» y estudió el unitarismo a fondo. El resultado a veces confundió las expectativas. Cuando se mostró la Primera Iglesia Unitaria completa en una exposición de arquitectura en la Unión Soviética, el alcalde de Leningrado comentó que no parecía una iglesia, Kahn respondió en broma: «Es por eso por lo que fue elegido para exhibición en la Unión Soviética».
Previamente a la contratación de Kahn, contactaron con cinco arquitectos.
Frank Lloyd Wright expresó poco interés, además su propuesta de honorarios eran elevados. (Wright murió poco después a la edad de 91 años.)
Eero Saarinen tenía apoyo de la comunidad, pero no pudo tomar el trabajo debido a sus limitaciones de tiempo.
El comité también se reunió con Paul Rudolph, Walter Gropius y Carl Koch.
Pasaron un día con Louis Kahn en mayo de 1959 y quedaron impresionados por su enfoque filosófico, la atmósfera en su oficina, la seguridad de que él personalmente estaría a cargo del diseño.
Robin B. Williams, escribiendo en Louis I. Kahn: In the Realm of Architecture, “atrajo a sus clientes por la alta compatibilidad de su filosofía con las ideas unitarias».
Robert McCarter (3), uno de los biógrafos de Kahn, señala paralelos entre sus ideas y las de los Ensayos de Ralph Waldo Emerson (1803 – 1882) (4), figura importante en la historia unitaria.
Kahn, que procedía de un entorno judío no observante, era espiritual de una manera que ha sido descrita como «pan-religiosa» por Carter Wiseman (5) uno de sus biógrafos.
https://es.wikipedia.org/wiki/Primera_Iglesia_Unitaria_de_Rochester_%28edificio%29
“…Su arquitectura reflejaba espiritualidad”
El FAIA (abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects) David Rineheart (1928 – 2016)que trabajaba para Kahn, nos explica: «Para Lou, cada edificio era un templo. Salk era un templo para la ciencia. Daca era un templo para el gobierno. Exeter era un templo para el aprendizaje”. (6)
Durante la Gran Depresión, Kahn trabajó con sindicatos y agencias cívicas para diseñar viviendas económicas. Trabajó como arquitecto asistente en Jersey Homesteads, un proyecto para reasentar a los trabajadores judíos de la confección de la ciudad de Nueva York y Filadelfia en un colectivo rural similar a un kibutz que combinaba agricultura y manufactura.
Durante las elecciones presidenciales de 1948, trabajó con la campaña del tercer partido de Henry A. Wallace, que se postuló por el Partido Progresista.
Kahn hizo una presentación filosófica de sus ideas en una reunión congregacional en junio de 1959, después de lo cual la iglesia le encargó que diseñara su nuevo edificio. Durante esa misma visita ayudó a elegir el sitio que se compraría para el nuevo edificio.
Ese año Kahn fue elegido para diseñar el Instituto Salk, y en 1962 fue seleccionado para diseñar el Jatiyo Sangsad Bhaban en lo que se convertiría en la capital de la nueva nación de Bangladesh.
El comité de construcción le dijo que el nuevo edificio “debe apoyar a la comunidad en general y debe expresar «la dignidad en lugar de la depravación del hombre«.
El enfoque amplio de la congregación para la declaración de requisitos fue similar al enfoque filosófico de Kahn para su diseño arquitectónico, que explicó en “Forma y diseño”, un artículo que escribió mientras trabajaba en este proyecto.
Usando la Primera Iglesia Unitaria de Rochester como ejemplo, dijo: «En mi opinión, un gran edificio debe comenzar con lo inmensurable, debe pasar por medios mensurables cuando se diseña y, al final, debe ser inmensurable… Pero lo que es inconmensurable es el espíritu psíquico”.
Kahn asoció lo inconmensurable con lo que llamó Forma, diciendo que «La forma no es diseño, ni una figura, ni una dimensión. No es una cosa material. Forma… caracteriza una buena armonía de espacios para una determinada actividad del hombre«.
Forma, dijo, no debía entenderse como un diseño arquitectónico. Dibujó un cuadrado que representaba el santuario, y alrededor del cuadrado colocó círculos concéntricos que representaban un deambulatorio, un corredor y la escuela de la iglesia.
En el centro del cuadrado colocó un signo de interrogación que, explicó representaba su entendimiento de que “la forma de realización de la actividad Unitaria estaba ligada a lo que es la “Pregunta”, la Pregunta eterna del porqué de cualquier cosa».
Kahn entregó su primer diseño en diciembre de 1959, proponiendo un edificio cuadrado de tres pisos de altura con torres de cuatro pisos en cada esquina.
El santuario era un área cuadrada en medio de una gran sala de doce lados en el centro del edificio. El resto de la habitación casi circular era un espacio ambulatorio que debía ser protegido del santuario.
«El ambulatorio lo sentí necesario porque la Iglesia Unitaria está formada por personas que han tenido creencias anteriores (…) Entonces dibujé el deambulatorio para respetar el hecho de que lo que se dice o lo que se siente en un santuario no es necesariamente algo en lo que tienes que participar. Y así podrías caminar y sentirte libre de alejarte de lo que se dice”.
Kahn había desarrollado la idea de este tipo de deambulatorio antes de su trabajo en la Primera Iglesia Unitaria, y se refirió a él durante una charla en 1957 en el contexto de una capilla universitaria.
La sala central iba a estar coronada por una cúpula compleja y rodeada por un corredor fuera de sus paredes que proporcionaría conexiones con la escuela de la iglesia de tres pisos en la periferia del edificio.
Los alumnos de la escuela podrían observar los servicios de la iglesia “desde los espacios abiertos arriba”.
Impulsado por las quejas sobre el costo, que era varias veces la cantidad que se había presupuestado, rápidamente eliminó un piso del edificio propuesto. El comité, sin embargo, también estaba descontento con otros aspectos del diseño, como su rigidez y escasez de espacio útil en el aula, las habitaciones de forma irregular en la periferia creadas por la colocación de una gran habitación casi circular dentro de un edificio cuadrado, y la posibilidad de que los niños que escuchan arriba y las personas que entran y salen del santuario interrumpan los servicios.
En febrero de 1960, Helen Williams, presidenta del comité de construcción, le escribió diciéndole que «no estamos nada contentos con el concepto actual que nos ha dado» y una semana después escribió: «Seguimos firmes en la conclusión de que debemos tener un concepto completamente nuevo».
Afirmando que «Kahn nos ha fallado miserablemente”, Williams renunció al comité de construcción.
Kahn accedió a crear un nuevo diseño, para alivio del comité de construcción, que temía que exigiera el pago por el trabajo realizado y se alejara de la comisión.
Para su nuevo diseño, Kahn propuso un edificio ligeramente alargado en lugar de rígidamente cuadrado.
Se resistió a las sugerencias de colocar las aulas en un ala separada para reducir la posibilidad de que los niños alborotadores perturbaran los servicios, conservando el concepto de rodear el santuario con la escuela de la iglesia. Kahn eliminó el espacio ambulatorio dentro de las paredes del santuario, pero retuvo el corredor justo afuera para brindar acceso a las aulas.
El techo sobre el santuario fue uno de los últimos aspectos del diseño que se completó
Una opción habría sido cubrir el santuario con una estructura de acero, pero Kahn había decidido a principios de la década de 1950 que ya no usaría tales estructuras, prefiriendo la apariencia más monumental que podía lograr con materiales como el hormigón y el ladrillo.
No completamente satisfecho con el diseño del techo que había desarrollado, como ya he comentado, Kahn le pidió sugerencias a su colaborador August Komendant, pionero en el uso de hormigón pretensado, que le permitó crear estructuras más ligeras y elegantes que el hormigón normal.
Komendant mantuvo el diseño general del techo, pero lo rediseñó como una estructura de placa plegada de hormigón pretensado que requeriría soporte solo en sus bordes, eliminando la necesidad de las vigas de hormigón macizo que Kahn había planeado usar como soporte para la estructura del tejado.
Kahn inicialmente planeó traer luz natural al santuario a través de rendijas de luz en una serie de tapas de concreto en el techo, pero el comité de construcción calculó que cada tapa pesaría 33 toneladas (30,000 kg), creando problemas de apoyo. Las torres de luz en el diseño final de Kahn están acristaladas solo en sus lados internos, una sugerencia que se originó en reuniones con el comité.
El nuevo diseño fue aprobado abrumadoramente por la congregación en agosto de 1960. En la inauguración del nuevo edificio en diciembre de 1962, Kahn habló sobre la relación entre la arquitectura y la religión.
Komendant dijo: «Me dijo que en su discurso describió las catedrales, cuyo tamaño y altura tenían la intención de mostrar la grandeza y el poder de Dios y la bajeza del hombre, para que los hombres se asustaran y obedecieran Sus leyes. Para esta iglesia usó la atmósfera y la belleza para crear respeto y comprensión de los objetivos, la bondad y el perdón de Dios”.
https://es.wikipedia.org/wiki/Primera_Iglesia_Unitaria_de_Rochester_%28edificio%29
El exterior del edificio se caracteriza por paredes de ladrillo profundamente plegadas creadas por una serie de campanas ligeras delgadas de dos pisos que ayudan a proteger las ventanas de la luz solar directa. La entrada principal del edificio no es visible para las personas que pasan por la calle.
Las torres de luz en cada una de las cuatro esquinas del santuario se elevan por encima de las paredes exteriores del edificio, permitiendo que la forma del santuario sea fácil de visualizar desde el exterior.
Paredes Habitables (1)
Kahn, Heidegger. El lenguaje de la Arquitectura por Christian Norberg-Schulz
La impresión que creó Kahn “del santuario incrustado dentro del edificio más grande” es similar al enfoque de «caja dentro de una caja» que usó en varios otros edificios, en particular en la Biblioteca de la Academia Phillips Exeter.
Ver https://onlybook.es/blog/impresiones-de-un-relator-desde-el-middlebury-college/
El edificio se hace eco del diseño de los castillos escoceses que fascinaron a Kahn, particularmente el castillo de Comlongon,
El castillo de Comlongon tiene una sola habitación grande en el centro rodeada por muros de 6.10 metros de grosor. Esas paredes inusualmente gruesas permitieron tallar habitaciones secundarias enteras desde su interior, convirtiéndolas de hecho en paredes habitadas.
En el caso de la Primera Iglesia Unitaria, la gran sala central es el santuario, y las «paredes habitadas» pueden percibirse como los dos pisos circundantes de salas.
Las ventanas de estas habitaciones están tan empotradas que pasan desapercibidas cuando se ven desde un ángulo, y los espacios de las esquinas del edificio no tienen ventanas, todo lo cual se suma a la percepción de que el santuario está rodeado por paredes macizas y resistentes.
En palabras de Kahn «la escuela se convirtió en los muros que rodeaban la cuestión». La iglesia contrató a Kahn en 1964 para realizar una ampliación, que se completó en 1969.
Su exterior está relativamente desarticulado, en contraste con las paredes esculpidas del edificio original.
Según los dibujos a escala, el edificio de forma irregular mide aproximadamente 70,1 x 35,1 m en sus puntos más largos y más anchos. Aproximadamente 23 mts es de la ampliación de 1969. Su huella sobre el terreno es de 1384 m².
Un techo bajo
En lugar de una gran entrada en el frente del edificio que conduce directamente al santuario, a la Primera Iglesia Unitaria se accede a través de una puerta lateral que requiere un giro a la derecha para llegar al santuario.
La entrada está debajo del techo bajo del coro en voladizo, creando una secuencia desde la sombra a la luz.
«La civilización se mide por la forma de su techo», dijo Kahn.
El techo complejo del santuario se eleva por encima de los dos pisos de las habitaciones circundantes. Las torres de luz en las cuatro esquinas llevan luz natural indirecta a áreas que normalmente no están bien iluminadas.
Kahn dijo: «Si lo piensas, te das cuenta de que no dices lo mismo en una habitación pequeña que en una habitación grande».
La forma cruciforme que usó Kahn para el techo es una que había usado en trabajos anteriores, en particular el Centro Comunitario Judío de Trenton.
La enorme estructura del techo está sostenida en parte por doce esbeltas columnas incrustadas en las paredes del santuario, tres columnas por pared. Cada columna central está arriostrada a las columnas de cada lado por vigas horizontales. El techo es más bajo y oscuro en el centro, lo opuesto a las cúpulas de las iglesias clásicas que son más altas y brillantes en el centro.
Los tapices de las paredes fueron diseñados por Kahn y, al igual que el edificio mismo, no contienen ningún simbolismo literal.
A pedido de Kahn, los paneles abarcan el espectro de colores completo y, sin embargo, se construyeron completamente con un hilo rojo, uno azul y uno amarillo, y los tonos restantes se crearon con mezclas de esos tres hilos. Los paneles fueron diseñados no solo para efectos visuales, sino también para corregir un problema de sonido que reverberaba en las paredes de concreto.
Los principales materiales de construcción del interior son bloques de hormigón, hormigón vertido y madera, una combinación que usó en la mayoría de sus proyectos posteriores.
Los muros del santuario tienen 61 cm de espesor y están construidos con bloques de hormigón, los espacios huecos dentro de las paredes funcionan como conductos de ventilación.
Luz y Silencio
Durante las discusiones iniciales de diseño, Kahn le preguntó a Komendant: «¿Qué es lo más importante en una iglesia?» y luego respondió él mismo a esa pregunta diciendo «la esencia de la atmósfera para una iglesia es el silencio y la luz. ¡Luz y Silencio!»
“Silence and Light” se convirtió más tarde en el nombre de un ensayo que Kahn escribió en 1968 en el que explicaba conceptos cruciales para su filosofía.
El editor de sus escritos, Robert Twombly, dijo que, por silencio, Kahn se refería al «deseo… de cada persona de crear, que para Kahn era lo mismo que estar vivo»
El historiador de arquitectura Vincent Scully dijo de la iglesia: «Realmente puedes sentir el silencio del que habló, vibrando como con la presencia de la divinidad, cuando el bloque de cemento se vuelve plateado por la luz que lo inunda, mientras que la losa pesada, se levanta por encima de la cabeza».
En las aulas se colocan bancos con pequeñas ventanas laterales en voladizos de las paredes exteriores. Estos espacios crean la impresión de pequeñas habitaciones talladas en las paredes exteriores y, según Robert McCarter, continúan con el tema arquitectónico de Kahn “de las aulas mismas que aparecen como habitaciones incrustadas dentro de paredes gruesas como castillos”.
Monumentalidad y autenticidad
Sarah Williams Goldhagen, autora de Louis Kahn’s Situated Modernism, dice que Kahn estaba “preocupado por los aspectos socialmente corrosivos de la sociedad moderna”.
Creía, que “la arquitectura debe favorecer la formación ética de las personas. Las personas que están ancladas en su comunidad, moralmente obligadas y psicológicamente conectadas con las personas que los rodean, son mejores ciudadanos».
El primer ensayo importante de Kahn como único autor, publicado en 1944, se llamó Monumentalidad, un concepto que definió como «una cualidad espiritual inherente a una estructura que transmite la sensación de su eternidad».
En la Primera Iglesia Unitaria, dice Goldhagen, los ritmos de luz en forma de columna que Kahn esculpió en la fachada se encuentran entre los dispositivos que aumentan la impresión de masividad y le dan al edificio un aire de monumentalidad, dijo: «Creo en la arquitectura franca. Un edificio es una lucha, no un milagro, y el arquitecto debe reconocerlo.
Arquitectura de las Instituciones
Según Goldhagen, fue el primer edificio que construyó Kahn que dio “una indicación de su estilo maduro»
Goldhagen dice que en la Primera Iglesia Unitaria Kahn desarrolló una filosofía para crear arquitectura para tales organizaciones: «La filosofía de Kahn de la arquitectura de las instituciones, desarrollada mientras diseñaba la Primera Iglesia Unitaria en Rochester, estipulaba que el primer y más alto deber del arquitecto era desarrollar una visión idealizada de la ‘forma de vida’ de una institución y luego darle forma a esa visión, o como él lo habría dicho, Forma”.
Kahn hizo evidente su entusiasmo por la Primera Iglesia Unitaria incluso antes de que recibiera la aprobación final del comité de construcción. Ya en octubre de 1960, en una conferencia en California, lo había elegido para ilustrar un par de términos, «forma» y «diseño», que se estaban convirtiendo en principios clave de su filosofía. Usó estas palabras para describir su concepción de la arquitectura, y en particular su procedimiento de diseño, como la traducción de lo intangible en lo real. Fue en este momento que Kahn mitificó la forma en que había evolucionado el diseño de la iglesia, componiendo un relato (acompañado por el ahora famoso diagrama) que, desde su publicación en abril de 1961, se ha visto como la ilustración más clara de su enfoque de diseño.
“Las escuelas empezaron con un hombre que, sin saber que era un profesor, discutía sus ideas con un grupo de personas que no sabían que eran alumnos”.
Kahn trabajó en esta conferencia durante varios meses y la publicó como un ensayo titulado Forma y diseño. Un colega lo describió como la mejor encarnación de sus ideas en ese momento y dijo que cuando la gente solicitaba ejemplos de las publicaciones de Kahn, con mayor frecuencia enviaba este ensayo.
La intención de Kahn era demostrar que la arquitectura es la encarnación de lo inconmensurable.
Solía mencionar la escuela como ejemplo de instituciones que surgen de las inspiraciones “Las escuelas empezaron con un hombre que, sin saber que era un profesor, discutía sus ideas con un grupo de personas que no sabían que eran alumnos”.
“La calle es probablemente la primera institución humana, un centro de reunión sin techo, la escuela es un espacio donde es bueno aprender”. La ciudad es el lugar donde las instituciones se reúnen”.
“Todo lo que un arquitecto hace responde en primer término a una institución humana antes de convertirse en un edificio”. Así pues, la arquitectura se funda en las formas generales del ser-en-el-mundo del hombre”. (Martín Heidegger, 1889 – 1976).
En este sentido, es inconmensurable, aunque pueda medirse como edificio. “Una obra se realiza entre los sonidos imperiosos de la industria (creación) y. cuando el polvo se posa (cuando ya pasa la excitación de la creación)(…), la pirámide de silencio resonante proporciona al sol su sombra”.
Los años cincuenta constituyen un punto de inflexión determinante en la carrera de Louis I. Kahn, un momento en el que su ambición por comprender el origen mismo de la arquitectura le llevó a plantear una serie de trasformaciones decisivas en la concepción del orden y el espacio moderno. Sus intuiciones sobre la condición autónoma e indivisible de la estancia desde el íntimo compromiso entre envolvente y estructura se entrelazaron con un interés simultáneo hacia los procesos de crecimiento de la forma, en parte influenciado por figuras clave del contexto norteamericano como Buckminster Fuller (1895 – 1983) o Robert Le Ricolais (1894 – 1977) pero sobre todo por su intensa colaboración con la arquitecta Anne Tyng (1920 – 2011).
La evolución del proyecto del Centro Comunitario Judío de Trenton puede considerarse un ejemplo paradigmático de esta encrucijada de intereses, al asumir con naturalidad la transición de una trama ‘celular’ de aspecto orgánico a un esquema en tartán de connotaciones clásicas. El principal objetivo del artículo es arrojar una nueva luz sobre el porqué de dicha transición y para ello propone la reconstrucción del hipotético proceso creativo de su autor, mediante el redibujado de las diferentes versiones del proyecto. Se busca detectar así episodios clave en la toma de decisiones, como el debate establecido entre Kahn y Colin Rowe (1920 – 1999) a raíz de la visita de este último a Filadelfia, que pudo haber fomentado un cambio radical en el modelo anatómico propuesto. Louis I. Kahn, Anne Tyng, Colin Rowe, Centro Comunitario Judío de Trenton, revisión moderna, patrones de crecimiento.
La creencia de Kahn sobre “lo que el edificio quiere ser”, como repetía a menudo en sus conferencias, estaba fuertemente condicionada por este ideal wrightiano.
Kahn decía: “It is a happy moment when a geometry is found which tends to make spaces naturally, so that the composition geometry in the plan serves to construct, to give light and to make spaces”;
“Es un momento feliz cuando se encuentra una geometría que tiende a hacer espacios de forma natural, de modo que la geometría de la composición en planta sirve para construir, dar luz y hacer espacios”.
Richard Saul Wurman, editor “What will be has always been: the words of Louis I. Kahn” (New York. Acces and Rizzoli. 1990), Lo que será siempre ha sido: las palabras de Louis I. Kahn.
Y las de Wright: “There is a life principle expressed in geometry at the center of every Nature-form we see. This integral pattern is abstract, lying within the object we see and that we recognize as concrete form. It is with this abstraction that the architect must find himself at home before Architecture can take place”.
“Hay un principio de vida expresado en la geometría en el centro de cada forma de la Naturaleza que vemos. Este patrón integral es abstracto y se encuentra dentro del objeto que vemos y que reconocemos como forma concreta. Es con esta abstracción que el arquitecto debe sentirse cómodo antes de que la Arquitectura pueda tener lugar”; “Frank Lloyd Wright, Escritos recopilados de Frank Lloyd Wright”. Nueva York: Rizzoli, 1992, vol. I, Por la causa de la arquitectura: la composición como método en la creación, 259–60.
¿Qué quiere ser un edificio?
Una rosa quiere ser una rosa
En la discusión de la filosofía de Kahn suele tomarse como punto de partida su famosa pregunta ¿Qué quiere ser un edificio?. Esta cuestión tiene un alcance mayor que los planteamientos del funcionalismo. Como cuestión de principio, el funcionalismo es circunstancial, puesto que parte de lo particular o lo general, aunque pueda aceptar los conceptos de tipología y morfología.
La pregunta de Kahn, por el contrario, sugiere que los edificios poseen una esencia que determina la solución. Así pues, su planteamiento supone una inversión del funcionalismo; este último empieza desde abajo, mientras que Kahn lo hace desde arriba.
Subraya una y otra vez que existe un orden que precede al diseño. Una de sus afirmaciones comienza diciendo “El orden existe”. Este orden abarca a toda la naturaleza, incluida la naturaleza humana.
En sus primeros escritos, empleaba la palabra forma para designar lo que una cosa quiere ser; sin embargo, él mismo debió percibir el peligro del equívoco, ya que este término suele tener una significación más limitada
Por ello introdujo el término de pre-forma.
Luego prefirió referirse al campo de las esencias con la palabra silencio. El silencio es inconmensurable, pero encierra el deseo de ser. Toda forma posee un deseo de existencia que determina la propia naturaleza de las cosas. Este deseo de existencia se satisface mediante el diseño, que supone una traducción al ser del orden interno.
Casa Boynton en ROCHESTER
La casa Boynton fue diseñada en 1908 por Frank Lloyd Wright, está ubicada en el 16 East Blvd, en la ciudad de Rochester, en el estado de Nueva York (14610).
No se permiten visitas en este momento. (agosto 2024).
Esta casa forma parte del repertorio de casas de Wright del Prarie Style, fue encargada por Edward Everett Boynton, para él y su hija adolescente Beulah Boynton.
Algunas de las siguientes fotografías son cortesía del Wright Legacy Group.
El primer piso tiene abundantes ventanas, especialmente en el comedor, con tragaluces, una franja de claraboyas y un largo ventanal compuesto de modulos abatibles, que se unen para crear distintos niveles de iluminación.
A continuación está la sala de estar que presenta carpinterías con una configuración similar de ventanas en dos lados y puertas de vidrio que conducen a una galería en el extremo noroeste de la casa.
Wright estuvo muy involucrado en el proceso de diseño y viajó a Rochester varias veces para supervisar la construcción.
También diseñó gran parte del mobiliario, como la gran mesa del comedor, que presenta una estructura de madera que sostienen las lámparas, de un diseño notable.
Ya nos anticipa el de la mesa del comedor de la casa Robie, terminada dos años después.
Edward Boynton encargó a Wright la construcción de una obra de arte total, incluida la casa, el paisajismo y los muebles.
El sitio, que se extendía a lo largo de tres lotes de la ciudad, brindó a Wright el espacio para incorporar un amplio jardín, una cancha de tenis y una piscina reflectante rectangular, brindando la sensación de pradera abierta.
Boynton tenía recursos suficientes debido a su enorme éxito en su actividad de venta de artefactos de iluminación, era socio de CT Ham Manufacturing Co. de Rochester.
Pero su éxito financiero, no logró impedir que la vida personal de Boynton estuviera marcada por la tragedia.
Tres de sus cuatro hijos murieron a una edad temprana, incluida Bessie, la hermana gemela de su hija Beulah.
El 13 de abril de 1900 falleció su esposa. Beulah le dijo al reportero del Times Union William Ringle: «Mi padre no tenía más pasatiempos que yo».
Cuando Boynton decidió mudarse de su casa en 44 Vick Park B en Rochester encargó a Frank Lloyd Wright que diseñara lo que se convertiría en la única casa diseñada por Wright en la ciudad.
Beulah Boynton recordó: «mi padre deseaba que el arq Claude Bragdon (8) construyera nuestra casa, porque estaba cautivado por Wright, hasta que pudo contratar a Wright«.
Edward Boynton se enteró de Frank Lloyd Wright a través de su socio comercial Warren McArthur, ya que Wright había diseñado la Casa McArthur en el distrito Kenwood de Chicago en 1892. Es en 1906 que Boynton encarga a Wright el diseño de una casa en una amplia propiedad en East Boulevard.
La construcción comenzó en 1907 y se completa al año siguiente.
Su hija Beulah Boynton era una adolescente cuando conoció a Frank Lloyd Wright.
Se interesó e involucró mucho en el diseño y construcción de casas. «Aprendí a leer las especificaciones. Descubrí un error en los albañiles que colocaban la chimenea».
Wright, en una colaboración inusualmente fructífera con Beulah, de 21 años, diseñó la casa de dos pisos para que se alzara de lado en el terreno en una planta alargada en forma de “T”. Ventanas de vidrio artístico y una gran terraza caracterizan la casa, que ha sufrido numerosos problemas estructurales debido a las duras condiciones invernales de Rochester.
Nuevos propìetarios
Kim Bixler es la autora del libro “Growing Up in a Frank Lloyd Wright House” y se la puede ver en el documental de PBS del 2012 Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years, así como en el “Wall Street Journal” , “The Not Too Serious Architecture Hour” y en el programa “Here & Now de NPR”, en el marco de la celebración del 150.º cumpleaños de Wright.
Se graduó de la Universidad de Cornell en 1991 y la Universidad de Nueva York.
Su familia fue propietaria de la casa Boynton desde 1977 hasta 1994.
El libro “Crecer en una casa de Frank Lloyd Wright” relata las alegrías y los inconvenientes de ser propietario de una casa diseñada por él. La tumultuosa historia de la casa se cuenta a través de entrevistas con propietarios anteriores y actuales. Narra cómo es convivir con la curiosidad del público, jugar al escondite, lidiar con las habituales goteras del techo y gestionar renovaciones constantes.
Restauración
Los actuales propietarios de la Casa Boynton, Jane Parker y Francis Cosentino, que la compraron en 2009, acaban de completar un minucioso proyecto de restauración, que ha durado dos años.
El proceso, que se completó en 2012, fue documentado por la estación de radiodifusión pública de Rochester en un programa titulado “Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years”.
Es la única casa realizada por Wright en Rochester, y un ejemplo de sus casas de la Pradera. Y es una de las pocas casas de Wright que sigue funcionando como residencia privada, ya que en general se estan conservando como museos públicos.
La restauración, la realizó una empresa de arquitectura local Bero Architecture, y el diseño paisajístico lo hizo la empresa PLLC. Bayer Landscape Architecture.
Originalmente, en 1908 la casa estaba sobre tres lotes, dos de ellos, al sur de la casa estaban parquizados.
Hoy la casa esta sobre un solo lote urbano.
Lo mas llamativo de la restauración, fue devolver el espectacular techo en voladizo, común en los proyectos de Wright. Ello se debió a que había sido cerrado poco tiempo después de la terminación de la casa.
La restauración ha recibido las felicitaciones de Landmark Society (7), de su presidenta, Mary Nicosia y su director ejecutivo Wayne Goodman.
La casa tiene 235 piezas de vidrio artístico, muchos de los cuales están en el comedor.
Notas
1
Arquitectura Viva. Primera iglesia unitaria de Rochester. Arq. Louis Kahn.
2
10/03/2013. Kiara. https://proyectoskiara.blogspot.com/2013/03/iglesia-unitaria-de-louis-kahn.html
3
Robert McCarter Arquitecto, docente y escritor, dos de sus libros “Louis I. Kahn” y “On and By Frank Lloyd Wright”, fueron finalistas de los Premios Internacionales del Libro del RIBA ( Institute of British Architects) de 2006.
4
Ralph Waldo Emerson (Boston, Massachusetts, 1803 – 1882 Concord, Massachusetts) fue escritor, filósofo y poeta. Líder del movimiento del trascendentalismo a principios del siglo XIX, sus enseñanzas contribuyeron al desarrollo del movimiento del “Nuevo Pensamiento”, a mediados del siglo.
5
Arquitecto, catedrático y escritor, entre sus libros figura “Louis I. Kahn: Beyond Time and Style”.
Wiseman, graduado de Yale College, obtuvo una maestría en historia de la arquitectura en la Universidad de Columbia y fue becario Loeb en Estudios Ambientales Avanzados en la Escuela de Posgrado de Diseño de la Universidad de Harvard. De 1999 a 2010, fue presidente de MacDowell Colony, el lugar de retiro para artistas creativos más antiguo del país.
En la Escuela de Arquitectura de Yale, Wiseman imparte seminarios sobre Louis Kahn, escritos sobre arquitectura y crítica arquitectónica. Brinda apoyo editorial para la educación y las artes a través de Writertime Communications, en Weston, Connecticut.
6
Diálogos cruzados entre Louis I. Kahn, Anne Tyng y Colin Rowe: Guiomar Martín Domínguez. Isabel Rodríguez Martín. Diciembre 2018.
7
Landmark Society of Western New York, Inc. Creada en 1937, es una de las organizaciones de preservación histórica más antiguas y activas de EE. UU. Es una organización sin fines de lucro dedicada a ayudar a las comunidades a preservar y aprovechar su rico patrimonio arquitectónico, histórico y cultural. El área de servicio de Landmark Society abarca nueve condados en el oeste de Nueva York, centrados en la ciudad de Rochester. Ellos son Orleans, Genesee, Wyoming, Monroe, Livingston, Ontario, Wayne, Yates y Seneca.
La Landmark Society of Western New York cuenta con el apoyo, del Consejo de las Artes del Estado de Nueva York, con el apoyo de la Oficina del Gobernador y la Legislatura del Estado de Nueva York.
8
Claude Fayette Bragdon (1866 – 1946) fue un arquitecto, escritor y escenógrafo estadounidense, que disfrutó de una gran reputación nacional con trabajos asociados a la arquitectura progresista que se vinculaban a Louis Sullivan y a Frank Lloyd Wright.
En numerosos ensayos y libros, Bragdon argumentaba que sólo una “arquitectura orgánica, basada en la naturaleza podría fomentar una comunidad democrática en una sociedad capitalista industrial”.
Continúa en https://onlybook.es/blog/wright-casa-davidson-y-midway-park-6ta-parte/
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Nuestro Blog ha obtenido más de 1.200.000 lecturas.
http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
Onlybook.es/blog
Hugoklico.blogspot.com
Salvemos al Parador Ariston de su ruina
http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-
GB. Wright: The Heath and Davidson Houses, the Fontana Boat House, and the Mausoleum of the Blue Sky. Part 4
Come from https://onlybook.es/blog/wright-greycliff-la-casa-de-isabella-martin-y-su-familia-3era-parte/
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate and ChatGPT, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
From all the visits I’ve made, the tour of Wright’s Greycliff house has been very impactful, both for the location and the quality of the designs in such a large home
I had already seen the Martin complex in Buffalo, but I believe this one is equally or even more impressive.
I’m writing this in a room at Middlebury College, where I usually spend the month of August while Carmen teaches. I combine walks with relaxation, which for me means writing.
This week has been eventful. I went to Montreal, where I revisited Moshe Safdie’s Habitat 67 complex (1938) and the geodesic dome by Richard Buckminster Fuller (1895–1983).
I was disappointed by the former gas station designed by Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969), which is poorly maintained and dirty. Although it was purchased and restored for community use (there was actually a group of about 20 women doing Pilates), it’s still disheartening to see how badly it’s treated.
I enjoyed the trip to Montreal, but it’s a long one — around 420 km round trip, and slow-going.
The architecture of the state I’m in, Vermont, the smallest of the 50 U.S. states with around 660,000 inhabitants, is very green (I’m surrounded by the Green Mountains, covering about 4,000 square kilometers, and the Adirondacks, about 13,000 square kilometers).
There’s a lot of farming, livestock, and above all, ice cream (this is where Ben & Jerry’s comes from). Covered bridges (like those in Madison), many tractors, and lots of language colleges. Where I am, there are a lot of fields and wooden houses of every type, size, and color (generally in light and pastel tones).
I asked Glenn, husband of Patricia, a professor at the college:
– Glenn, is building wooden houses cheaper than traditional construction?
– He looked at me, smiled, and said, “Here, wooden houses are the traditional construction.
Porfolio Wasmuth
Some of Wright’s most famous designs appeared in the Wasmuth Portfolio (see link https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-5/), including the Darwin Martin House, the Larkin Administration Building, and the Edwin H. Cheney House.
William R. Heath House
76 Soldiers Place, Elmwood.
“Study nature, love nature, stay close to nature. It will never fail you”. F. Ll. Wright
The house was built between 1904-05 on an elevated terrace above street level to provide additional privacy along Bird Avenue.
Heath was a lawyer who worked as a manager and was later appointed vice president of the Larkin Soap Company. Darwin D. Martin, another executive of Larkin Soap, introduced him to Frank Lloyd Wright.
Wright had previously designed and built the Larkin administrative building and the residential complex for the Martin family.
The building was constructed on a long and narrow plot of land facing the Soldiers Place roundabout and Bird Avenue, resulting in a distinctive design with little space for a backyard, forcing the house to be placed close to the plot’s boundaries. Wright designed the Heath House with privacy in mind, elevating the foundation, placing first-floor windows high, and constructing a high-walled terrace facing Soldiers Circle to maintain privacy despite the proximity of passing pedestrians.
The seven-room house features many classic elements of the Prairie Style, such as strong horizontal lines, overhanging eaves, a large roof, and stained glass windows.
Today, the residence is privately owned, and visits are not allowed.
Walter V. Davidson House
57 Tillinghast Place. 1908, Parkside East
“The present is the ever-moving shadow that divides yesterday from tomorrow. In that lies hope” . F. Ll. Wright
In 1906, Walter Davidson joined Larkin Company in Buffalo as an advertising manager and quickly befriended Darwin Martin and William Heath, two of his fellow managers.
By then, Darwin and William already had their homes completed, and a few months
after joining Larkin, Martin introduced Davidson at a social gathering.
Davidson commissioned Wright to design a modest house in the historic Parkside
district east of the city, a neighborhood planned in 1908 by Frederick Law
Olmsted.
The house had a smaller budget compared to the Martin and Heath homes.
The living room is two stories high and features a spectacular 4.6 meter window filled with diamond-shaped leaded glass, a simple but bold design that is repeated in many of the house’s abundant windows. There are four bedrooms upstairs and a former service room in the basement.
The exterior, consisting of flat, stepped roofs and linear bands of wooden slats and leaded glass windows, appears to be composed of a series of intersecting geometric planes.
Wright integrates nature into the building’s structure by including low planter boxes extending from the driveway and the back porch.
Today, the residence is privately owned, and visits are not allowed.
Fontana Boat House
Frank Lloyd Wright’s Fontana. 1 Rotary Row, Buffalo, NY 14201. Phone 1716 – 362 3140.
“Space is the breath of art”. F. Ll. Wright
Next to the West Side Rowing Club, Wright designed it in 1905, and architect Tony Puttnam built it in 2007, 112 years later.
Originally designed for the University of
Wisconsin’s regatta team, the Charles and Marie Fontana Boat House is the only boathouse Wright ever designed. It’s no surprise it bears the name of Charles,
who participated in the 1948 Olympic trials, training at the neighboring West Side Rowing Club.
During 1905, Wright was at the height of his Prairie Style construction in Buffalo, and Prairie elements are certainly visible in the boathouse design, including the large roof overhangs and glass designs like those in the second-floor windows.
Though Wright never built it during his lifetime, he was so proud of the design that he included it in his Wasmuth Portfolio, making it the only unbuilt structure included.
Classic Wright design elements feature prominently: large beams span the ceilings, creating a seamless flow from one space to another. Arts and Crafts-style lighting fixtures adorn the stairways, reflecting in the second-floor windows.
After years of fundraising, Tony Puttnam, a Wright apprentice from 1953 to 1957, was selected to bring the Fontana Boathouse to life, which now houses the West Side Rowing Club.
It is available for event rentals and is located on Buffalo’s Black Rock Canal, overlooking the Niagara River and Lake Erie.
Mausoleum of the Blue Sky
Forest Lawn Cemetery. 972-990 W Delavan Ave, Buffalo
Designed between 1925-1928 and built in 2004, the mausoleum was completed by Anthony Puttnam (1), a close Wright apprentice who also worked on the Fontana Boathouse.
The cemetery is open Monday to Sunday from 8 AM to 7 PM.
It’s easy to reach the mausoleum within a few minutes of entering the cemetery. Blue Sky is the only mausoleum Wright designed, believed to have been commissioned by Darwin Martin between 1925 and 1927, intended to be built at Forest Lawn.
Due to the 1929 stock market crash, Martin lost most of his fortune and could not continue with the project.
No member of the Martin family is buried here.
“A burial facing the open sky — the whole could not fail of noble effect. Frank Lloyd Wright. Architect. 1928.”
The Mausoleum was the last of four projects Darwin D. Martin commissioned from Wright. The others were his residential complex, the Larkin Administration Building, and Graycliff, his summer home.
Anthony Puttnam
Other works of Wright where Anthony Puttnam was involved:
The design was completed by Wright’s aforementioned apprentice, Anthony Puttnam.
He was also responsible for the posthumous completion of Wright’s «Monona Terrace Convention Center» on the shores of Lake Monona in Madison, Wisconsin.
With significant changes, Puttnam defended both projects against accusations that they were not authentic.
My brother Guillermo and I had the opportunity to see it (under construction), and since it was a Sunday, we “moved aside a few barriers” and visited it. The amphitheater is colossal in size.
Before seeing «Monona Terrace», we visited Elkins Park, a suburb of Philadelphia, to admire the «Beth Sholom Synagogue» (House of Peace) at 8231 Old York Road.
It was the only synagogue Wright ever built, completed in 1959.
I am very grateful to my aunt Fory (my mother Alicia’s younger sister), who requested that, despite it being outside of visiting hours, they let me enter and admire it.
NOTES
1
Anthony Puttnam (1934-2017) joined the «Taliesin Fellowship» at the age of 19 (1953), after studying at the University of Illinois, where he pursued a degree in architecture and landscape architecture.
In 1990, he helped restore the «Romeo and Juliet Windmill» that Wright had built in 1897 at Taliesin.
He was the mastermind behind the construction of «Monona Terrace», a civic project designed by Wright in 1938, which became a «LEED Silver» building under Tony’s direction in 1997. This certification indicates that the building implemented sustainable practices in energy, water usage, waste management, sustainability, and indoor air quality.
More recently, Tony also served as the architect and planner for «Panda Mountain» at the Wolong Panda Preserve and Research Center in Sichuan, China.
He was a talented photographer, graphic designer, draftsman, and a highly valued professor at the Taliesin School of Architecture. He expressed his interest and love for the nature surrounding Taliesin, developing and teaching the «patterns of nature» as a source of design. His passion for spirituality was shared along with his knowledge of poetry, philosophy, and architecture.
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Part 1: Wright, Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Koolhaas.
Part 2: Wright, Larkin, Darwin Martin complex, Midway Gardens.
Part 3: Wright, «Graycliff», the house of Isabella Martin and her family.
Part 4: Wright, Heath and Davidson houses, the Fontana Boat House, and the Mausoleum of the Blue Sky.
Continued at https://onlybook.es/blog/rochester-kahn-primera-iglesia-unitaria-wright-casa-boynton-5ta-parte/
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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Salvemos al Parador Ariston de su ruina
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Wright, Graycliff la casa de Isabella Martin y su familia. 3era parte
Casa Graycliff
A orillas del majestuoso lago Erie, un recorrido por Graycliff Estate incluye ir luego a ver la Guardería para botes (Boat House) y el Mausoleo.
La casa a la que llaman “La joya del lago”, está ubicada al 6472 Old Lake Shore Road.
Darwin D. Martin (1865-1935). estaba muy contento con su casa en Jewett Parkway por lo que él y su esposa Isabelle R. Martin (1869-1945) decidieron encargar a Wright su casa de verano en el lago Erie.
Ver https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
Isabelle se ocupó, por lo que Wright trabajó principalmente con ella en el diseño y los detalles de la casa. Isabelle tenía problemas de visión y luego de su experiencia con la casa Jewett que era naturalmente oscura, centró la idea de espacios claros y abiertos en Graycliff.
El nombre de la finca proviene del color gris natural del acantilado de veinte metros sobre el que se asienta el complejo.
Graycliff es un complejo de tres edificios construidos en lo alto de un acantilado con vistas al Lago Erie. la Casa Isabelle R. Martin, la Casa Foster, originalmente diseñada como un garaje con un alojamiento para el chófer en el piso superior y la sala de calderas para calentar las otras dos casas.
Wright uso materiales autóctonos, como pisos de madera de ciprés, piedra de esquisto gris del acantilado y estuco sombreado, también creó un diseño paisajístico para el complejo.
La distancia entre la casa Martin y Graycliff es de 30 min en auto (36,20 km) por la carretera NY-5 West.
La familia Martin vivía en dos complejos, el de la ciudad, y el de Graycliff.
Cuando contrataron nuevamente a Wright, ambos mantenían una relación profesional de mas de 20 años y eran amigos personales. Los Martin prestaron ayuda financiera entre otros apoyos a Wright, en mpomentos en que su carrera estaba despegando.
En los primeros años de su larga relación, Darwin Martin como un alto ejecutivo de la Compañia Larkin Soap, estuvo directamente comprometido en la elección de Frank Lloyd Wright como arquitecto del Edificio de Administración de Larkin. Wright también diseño casas para otros ejecutivos de la Compañía como William R. Heath y Walter V. Davidson.
Wright entendía que la piedra era el único material verdadero para construir y por ello insistió a los Martin para que se usara en Graycliff.
Del conjunto el edificio más grande es la casa de Isabelle, con espaciosos balcones, amplias terrazas y grandes ventanas que permiten contemplar la naturaleza desde dentro y a través de toda la casa. En los días especialmente claros se puede ver el agua que pulverizan las Cataratas del Niagara.
Otro de los edificios es la Casa Foster, que fue diseñada originalmente como garaje, con un apartamento encima para alojar al chofer y su familia. Después de su primer verano en la residencia, los Martin pidieron a Wright que ampliara el edificio, allí su hija Dorothy, su marido James Foster y sus hijos Margaret y Darwin, pasaron muchos veranos en la residencia.
El más pequeño de los edificios del complejo es conocido como la Cabaña Heat. Al igual que los otros dos edificios, está construida con piedra, estuco ocre, y tejas de color cedro rojo.
Aunque la familia Martin perdió gran parte de su fortuna en la Gran Depresión y se vio forzada en 1937 a abandonar su casa en el centro de Búfalo, conservaron Graycliff, donde volvían cada año hasta 1943.
La propiedad fue adquirida en 1951por los Escolapios, una orden de religiosos católicos dedicados a la enseñanza.
Los Padres Escolapios, que provenían de Hungría, establecieron un colegio en los terrenos, así como un instituto para niños dotados llamado Calasancio en honor al padre fundador de la orden. A pesar de que añadieron dos pisos al edificio, el diseño original de Wright quedó intacto. En 1997, los Escolapios no podían hacer frente al mantenimiento de la casa y la pusieron a la venta.
Los textos que siguen son un resumen y una interpretación de la visita (muy interesante) que realice en la Casa Graycliff. Éramos 10 personas con el guía,
Ya comenté de la estrecha relación entre los Martin y Wright.
La idea surge en 1925, con la jubilación de Martin de la Compañía Larkin, y le escribe a Wright, pidiéndole que diseñara una casa de verano para su familia.
Junto a las especificaciones que envió el 5 de mayo de 1926, Martín enfatizó el deseo de Isabelle que la casa se inundara de luz y sol, incluidas las habitaciones del personal. E informa a Frank Lloyd Wright que Isabelle R. Martin, (y no él) será su clienta.
El proyecto de Wright incluía la casa principal paralela al Lago Erie, un apartamento para el personal del garaje llamado hoy la casa Foster, y un estanque de forma irregular en el centro del círculo de la rotonda de la entrada para autos. El tercer edificio, el cubículo de calefacción, está detrás de la pared del jardín que conecta la casa Martin con la casa Foster.
El lote de 3,45 hectáreas fue comprado el 19 de abril de 1926 a la familia Dexter Rumsey (1) por 2.000 usa, unos 80.560 usa actuales. Se extendía desde Lake Shore Road hasta el acantilado con vistas al lago Erie con un ancho de 76,20 metros.
Darwin hace a su mujer este exquisito obsequio, que se constituyó en una de las propiedades de verano más ambiciosas que Wright haya diseñado.
Actualmente el acceso a la casa, la controla Graycliff Conservancy, una organización sin fines de lucro que se ocupó de restaurar la propiedad, y salvarla del estado de deterioro que tenía. La casa figura en el Registro Nacional de Lugares históricos.
Wright utilizó 1,01 hectárea de las 3,45 hectáreas totales del terreno.
Es muy importante la presencia del acantilado, de unos 18,29 metros de altura y su entorno.
El proyecto de Wright mantiene un contacto visual con el lago, el agua está muy cercana a lo largo del diseño. El lago Erie se ve a través de la transparencia de la casa.
La torre de la escalera, el banco y la pasarela se ha cambiado de su sitio debido a la erosión entre otros factores.
Los edificios se construyeron con materiales naturales del lugar, el acantilado se compone de lutita gris que proporciona el nombre a la propiedad, ya que Graycliff significa acantilado gris.
A unos 2,45 metros de la parte superior hay una capa de caliza Tichenor que se eleva en voladizo desde el lado del acantilado sobre el lago Erie.
Wright utilizó voladizos, y la forma de diamante en ventanas y luces de techo.
La caliza Tichenor tiene una capa de óxido de hierro que «sangra».
La paleta de colores de la casa incluyó el color rojo-anaranjado del óxido de hierro (que sangra naturalmente de la caliza), material que se utiliza en toda la casa.
En el diseño del paisaje intervino Ellen Biddle Shipman, una reconocida paisajista. (2). Fue contratada para diseñar extensos jardines que colaboraran con el proyecto de Wright, conocida como la «Decana de las Arquitectas Paisajistas Americanas» y una de las creadoras de los jardines de estilo Arts & Crafts.
Su proyecto debía proporcionar sombra y protección contra el viento, y sobre todo mucho color, para que cada habitación de la casa tuviese sus flores.
Ahora hay cuatro árboles frutales que se han plantado donde existían las hileras de huertos.
Una reproducción del dibujo del plano de Wright para el exterior, este dibujo es, hasta donde sabemos, el único plano de exteriores conocido que Wright realizó con su propia mano, durante su larga carrera.
En la entrada original a Graycliff hay unos pilares de piedra.
Los Martin compartían un camino de entrada con sus vecinos, la familia Dexter Rumsey (2). El camino de entrada, bordeado de álamos, sale de Lakeshore Rd, formando una «Y», una de sus ramas conduce a la propiedad de los Martin.
Graycliff ha tenido sólo tres propietarios: La familia Martin, una orden de sacerdotes católicos romanos conocidos como los padres escolapios que compraron Graycliff después de la muerte de los Martin, y finalmente, The Graycliff Conservancy.
Los Martin y su familia disfrutaron de los veranos desde 1928 hasta 1943. Los escolapios, una orden de enseñanza católica, compraron la propiedad en 1950 a un holding perteneciente al hijo de Martin. Los sacerdotes establecieron un internado en la propiedad, así como la Escuela Secundaria Calasanctius en Buffalo.
Hicieron una serie de adiciones a la propiedad, incluido el centro de visitantes, que era su gimnasio, agregando una capilla a la terraza sur y la extensión del garaje para auentar el espacio habitable.
La servidumbre para el camino de entrada terminó cuando los padres escolapios compraron la propiedad.
Los sacerdotes eran unos 12 con aproximadamente 24 internos, pero el dormitorio se reconfiguró y podía acomodar a 48 internos si era necesario.
En 1996, unos pocos sacerdotes ancianos que quedaban pusieron la propiedad a la venta, la única oferta seria que recibieron fue de un constructor.
Al enterarse de este plan, vecinos de toda la comunidad formaron The Graycliff Conservancy con la intención de salvar a Graycliff. Compraron la propiedad, eliminaron las adiciones no históricas, la restauraron a su estado original y la abrieron al público.
Para el camino de la entrada Wright especificó que se coloque una grava amarilla, que armonizara con el tono leonado de la casa, si no se encontrara, especificó que debería triturarse la grava de esquisto y teñirse con óxido de hierro.
Por razones de seguridad, la rehabilitación del camino de entrada utilizó concreto pigmentado para que coincida con el color original con el agregado expuesto para imitar el esquisto triturado. Esto proporciona acceso para discapacitados, equipo de quitanieves y vehículos de emergencia.
Círculo de la rotonda frente a la casa principal
El plano horizontal de la superficie del lago, así como la línea de horizonte se incorporan en los niveles horizontales de la casa.
Wright explicó que había agregado la piedra para dar contraste y hacer que la casa se integrara en el sitio.
Isabelle no quería el estanque, prefiriendo tener un montículo plantado con árboles altos. Wright la persuadió para que lo aceptara como parte del proyecto de Ellen Biddle Shipman.
El estanque fue eliminado a principios de la década de 1930, y restaurado a principios de la década de 2000 y completada en 2013 utilizando una mezcla de roca original y plantaciones similares a las que existían en 1931, incluyendo juncia, iris de agua y enebros.
Círculo de la rotonda frente a la casa Foster
La estructura se creó por primera vez como un garaje, con un apartamento encima para la familia del chofer. La casa principal es más lineal en diseño en comparación con el diseño concéntrico de la casa de garaje donde las habitaciones irradian desde la sala de estar. Esta casa recuerda más a las casas de estilo Prairie de Wright con sus amplios aleros, balcones en voladizo y entrada semi oculta.
Originalmente, las puertas del garaje estaban directamente debajo del balcón y daban al camino de entrada. Durante el primer verano de los Martin, Isabella notó que, desde cualquier punto de la sala de estar o la terraza sur, se podía ver al chofer trabajando. Quería que las puertas del garaje se trasladaran al extremo sur. También había decidido que se necesitaba más espacio de almacenamiento y otro dormitorio, por lo que pidió la ayuda de Wright.
Wright diseñó la adición que comienza donde hay un retroceso a lo largo del balcón. Un dormitorio y dos terrazas se añadieron al apartamento. Las puertas del garaje se trasladaron al lado sur de la estructura y la pared del jardín se extendió.
A medida que la depresión se profundizó, el personal se recortó, y la hija de los Martin, Dorothy Martin Foster, su esposo James y sus hijos comenzaron a usar el apartamento como residencia de verano.
El paisajismo frente a la Casa Foster y la pared del jardín se ha plantado como estaba en 1931, de esta manera se ha restaurado las plantaciones con plantas nativas según los diseños de Wright y Shipman.
El piso de la sala debió ser restaurado.
Las rayas de óxido en la piedra de la casa fueron un efecto intencionado, la mayor parte de la piedra cañiza utilizada es gris, pero la piedra caliza de Tichenor de este sitio tiene una capa delgada de pirita de hierro en un lado que hace que sangre óxido ferroso provocando en la piedra manchas de óxido.
Los Martin esperaban que la casa costara considerablemente menos que la primera estimación de Wright de 37.500 usa, pero a medida que la construcción continuó, el costo continuó aumentando. El Sr. Martin sugirió cambios para reducir el costo, por ejemplo, dado que originalmente pidieron que la casa fuera solo de estuco, el Sr. Martin se opuso a la piedra, además de no ver ninguna razón para un balcón fuera de su habitación, aducia que solo habían planeado un toldo, no una cochera.
Wright los persuadió de que tal vez no necesitaban estas características, pero la casa sí, para que tuviera una buena arquitectura.
El balcón y la cochera extendieron la casa hacia el exterior.
Los voladizos sobre los jardines hundidos son especialmente importantes, ya que imitan la capa de piedra caliza de Tichenor en voladizo sobre el lago Erie consiguiendo conectar fuertemente la casa con el lugar.
El balcón en el extremo oeste, fuera de la habitación del Sr. Martin, estaba en voladizo sobre un jardín hundido que Wright diseñó para ser llenado con árboles de hoja perenne bajos, en los últimos años se pusieron zinnias y dalias que eran la preferencia de Isabella.
También tienen una importante función utilitaria para proporcionar sombra dentro de la casa que respalda el concepto de Wright de diseño solar pasivo. El costo final de la casa en 1928 estuvo muy por encima de la estimación inicial de Wright.
Wright les escribió a los Martin, el 15 de agosto de 1926, que sin el balcón y la cochera la casa podría ser cómoda pero no se vería cómoda porque no sería adecuada para el sitio.
El precio final de la casa en 1928 fue de aproximadamente 49.000 usa unos 902.770 usa actuales.
Entrada
Al entrar en la casa tenemos dos posibilidades, subir la escalera o entrar en la sala de estar.
La escalera es atractiva, los rodapiés van descendiendo por la pared debajo de un voladizo. La balaustrada esta escalonada para mantener las barandillas.
En la primera planta, están los dormitorios, tanto los de Darwin como de Isabella, además de una gran habitación que fue utilizada por los Foster mientras se adecuaba el apartamento sobre el garaje. Tres habitaciones adicionales fueron ocupadas por la dama de compañía de la Sra. Martin, Cora Herrick, una criada y una cocinera.
También contiene un porche para dormir que a veces se usaba como habitación de invitados.
Hay cuatro baños, cada azulejo se cortó a mano en cuadrados de 22,86 cm. La ducha tiene suelo de terrazo.
Unos balcones dan a las habitaciones de Darwin e Isabella.
El piso es de tablón ancho de ciprés, que también es el piso en la sala de estar y el comedor. La madera de ciprés original la encontraremos también en la entrada y los comedores. La escalera que conduce a los dormitorios es de arce.
El estuco teñido cubre las paredes interiores, en un tono ligeramente más pálido que el utilizado en el exterior del edificio.
En la entrada las carpinterías tienen divisiones de metal, más caras que la madera, pero permite paneles de vidrio más grandes. La ventana de la esquina de Graycliff fue diseñada sin el apoyo de la esquina y ofertada por Hopes Windows de Jamestown.
Martin pensaba que la oferta era demasiado alta y pidió un segundo presupuesto a David Lupton de Filadelfia, quienes insertaron un poste de esquina no estructural para estandarizar el herraje. El precio se redujo casi a la mitad, cuando Martin le informó de sus ahorros a Wright, éste declinó hacer comentarios.
Fallingwater utilizó Hopes Windows para proporcionar el diseño propuesto por primera vez en el diseño de Graycliff unos nueve años después, pero nunca perfeccionó el herraje de la esquina. Los herrajes tienen un acabado de bronce encerado y las perillas de las puertas son octogonales. Las bisagras permitían abrir una puerta plana contra una pared.
El estuco tiene pigmento incorporado en el material por lo que no es necesario pintarlos y es naturalmente ignífugo.
La sala de estar
Al entrar en la sala de estar, experimentamos los conceptos espaciales de diseño de Wright de compresión y liberación.
El estante superior comprime la sensación de espacio, mientras que la liberación en la sala de estar llena de luz proporciona una sensación de libertad.
Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones
El uso de piedra caliza de Tichenor, que era de la base del acantilado, ayuda a vincular la casa con su sitio natural. Los interiores están compuestos de los mismos materiales que los exteriores: piedra caliza y estuco.
La enorme chimenea de piedra captura el espíritu acogedor de la casa, es el lugar de reunión, las chimeneas siempre fueron elementos simbólicos importantes en la arquitectura doméstica de Wright.
Es donde se origina el calor, el «corazón del hogar”.
Las puertas y ventanas en el lado sur no son tan altas como las del norte.
Wright explicó a la familia que “van a estar contentos de tener menos vidrio hacia el sur debido al calor que se absorbería en la habitación”.
Nunca hay luz solar directa y deslumbrante en la sala de estar debido a la posición de la casa en el sitio y los voladizos en el lado sur de la casa.
En una de sus cartas al Martin, Wright describió la sala de estar “como una parte de la terraza, tanto una parte del exterior como una parte del interior”.
Las vigas en I que cruzan el techo descansan en pilares dentro de las paredes entre las ventanas y las puertas, soportando el pasillo del 1° piso, en voladizo sobre la terraza sur y la terraza junto al lago.
El piso de la sala de estar está compuesto por amplias tablas de ciprés recuperadas, ha sido restaurado.
Wright diseñó varios muebles para Graycliff, principalmente una serie de mesas de madera de diferentes tamaños y soportes de plantas.
Los muebles de palo de sauce en Graycliff fueron fabricados por la Compañía Yipsilanti en Michigan.
Los apliques de pared son de latón y en los dormitorios son de plata sobre latón, fabricados por Bradley y Hubbard.
Respecto a los colores en varias cartas entre Wright y Martin, deciden elegir colores como anaranjado quemado, oro, salmón y color de llama, así como el verde.
En la primavera de 1926, Wright escribe «Entrar en la casa sería algo así como ponerse el sombrero y salir al aire libre”.
Habitación de vistas o helechos
Es fácil entender por qué Wright se refirió a este espacio como la sala de vistas debido a la maravillosa vista al lago y especialmente de las puestas de sol sobre el agua desde todos los lugares de la habitación.
Wright baja el techo de esta habitación para señalar un espacio más íntimo, tanto esta habitación como el comedor estaban destinados a que las personas se sentaran, leyeran, comieran o charlaran. El espacio más grande de la sala de estar se entendía como un espacio de reunión, un espacio social para un mayor número de personas.
Crea la ilusión de un espacio exterior dentro de la casa, utilizando la piedra caliza y la losa utilizadas en el exterior, así como el macetero interior que lleva las plantas, la naturaleza al edificio, en lugar de un macetero exterior.
Esta habitación se compone en dos lados por ventanas, y en el tercero por un espejo.
Materiales
La ducha tiene suelo de terrazo.
Se utilizaron puertas enrasadas con bisagras de nudillos de aceituna,
El herraje tiene un acabado de bronce encerado y las perillas de las puertas son octogonales.
Las bisagras permitían abrir una puerta plana contra una pared.
El estuco tiene pigmento incorporado en el material por lo que no es necesario pintarlo, es ignífugo.
La sala de estar
El uso de piedra caliza de Tichenor, que era de la base del acantilado, ayuda a vincular la casa con el lugar.
La habitación está llena de luz natural y la brisa del lago da ventilación cruzada. Las puertas dan a ventanas fijas una frente a la otra, alternandose. Esto permite la ventilación cruzada sin grandes ráfagas de viento.
Las puertas y ventanas en el lado sur no son tan altas como las del norte, para evitar ganancias de calor. Nunca hay luz solar directa y deslumbrante en la sala de estar debido a la posición de la casa en el sitio y los voladizos en el lado sur de la casa, es ligera, aireada y fresca durante los calurosos días de verano.
Porche del sol familiar
Originalmente esta habitación fue diseñada como un porche abierto. Durante el primer año de residencia de los Martin, esta habitación solo tenía mosquiteros, pero luego le instalaron ventanas corredizas de vidrio, las únicas ventanas de hoja de madera que hay en la casa, que no fueron diseñadas por Wright.
Las molduras son de ciprés y son las únicas pintadas en la casa. Se pintan para que coincidan con las ventanas. Los parteluces de madera obstruyen la vista en mayor grado que los parteluces metálicos más pequeños que vemos en toda la casa.
La mesa de biblioteca es un diseño de Wright. También había un piano vertical, que el Sr. Martin le había dado a Isabelle para su 2° aniversario de bodas.
Comedor
El diseño de Wright requería que una mesa de comedor formal estuviera debajo de las dos luces de diamante en el techo más alto.
La piedra de la chimenea de la sala de estar está cerca de la chimenea del comedor, que tiene un hogar en forma de diamante.
El patrón de porcelana es «Devon» de George Jones & Sons, Inglaterra.
Despensa del mayordomo y el porche del sol del personal
El refrigerador es original de Graycliff. Es una nevera, fue modificada por el fabricante para que la refrigeración fuera proporcionada por electricidad. Es una nevera de refrigeración eléctrica Jewett Servel. Jewett fabricó la caja y Servel fabricó el dispositivo de enfriamiento eléctrico.
Larkin Soap Company
The Larkin Soap Company, estaba ubicada en la calle Seneca en Buffalo, fue una empresa de un enorme desarrollo, en la que Darwin trabajó durante muchos años.
John Larkin desarrolló un sistema de venta por correo y catalogo que fue muy rentable, creó un esquema de primas por el cual las compras en cantidad se recompensaban con una bonificación en mercancía. Esa idea promocional la creó Elbert Hubbard mientras era empleado de su cuñado John Larkin. Larkin empleó a miles de personas y funcionó hasta principios de la década de 1940, cuando cerró sus operaciones. El Edificio de Administración Larkin, la primera obra comercial de Frank Lloyd Wright, se demolió en 1950.
Una playa de estacionamiento ha ocupado el sitio desde entonces, aunque algunos de los otros edificios del complejo original de Larkin permanecen.
John Larkin comenzó una compañía llamada Buffalo Pottery en 1901 como una forma de minimizar el costo de producir las porcelanas de gran venta que acompañaban las ventas en cantidades de productos de tocador.
Darwin Martin fue uno de los directores de la compañía. En 1950 Buffalo Pottery se llamó Buffalo China, Oneida la compró en 1983, Buffalo China fue comprada por Oneida, quien vendió en el 2004 el local a Niagara Ceramics. Ésta cerró en el 2014.
Ver https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
Patio del personal y cubículo para la calefacción
El cubículo para la calefacción alberga la caldera de gasoil, tuberías subterráneas lo conectaban con la Foster House y la casa Isabelle Martin donde había radiadores de vapor. La estructura está a varios metros bajo tierra, por lo que no obstruye la vista desde el balcón de Foster House.
El techo de la construcción tiene un borde inusual, sus tejas son trapezoidales, de modo que cuando se ven desde el borde forman un hexágono. Este borde se llama borde trenzado. Debido a su deterioro y abandono todas las estructuras fueron restauradas por Graycliff Conservancy.
El mismo estilo de borde utilizado en el cubículo para la calefacción fue utilizado por Wright en su casa en Taliesin, aunque luego del incendio de 1925 no fue reemplazado.
Una caldera de gas en el sótano calienta la casa principal y una segunda caldera en la sala mecánica sirve para calentar la casa Foster.
Explanada
Las dos paredes de retención en sus lados comienzan en la terraza de piedra (en el mismo nivel que el piso interior del salón) y mantienen ese mismo nivel hacia el borde del acantilado.
Allí alguna vez abrazaron un banco de piedra. Los restos de este banco son los que vemos actualmente al borde del acantilado.
El banco ha sido restaurado y trasladado más cerca de la casa.
Wright tenía al menos dos planes para esta área que fueron rechazados por Isabella un espacio aterrazado en dirección al lago y una piscina reflectante.
Hubo una pasarela detrás del banco de piedra, conducía a una torre de escaleras, a través de un puente de acero y madera.
Era el acceso a la playa, Isabella comentó a Wright que la circulación de personas rumbo a la playa obstruía su vista del lago.
Wright propuso crear un banco de piedra, la gente ahora podía caminar por un sendero en el borde del acantilado, bajar unas escaleras, cruzar detrás del banco, y cruzar el puente.
El banco los mantendría alejados de la vista de Isabella.
Ellen Biddle Shipman desarrolló aún más el plan de Wright y agregó arbustos y álamos de hoja perenne a lo largo de los muros de contención.
Debido a la erosión, la pasarela, el puente, el banco original y la torre ya no existen. La torre no había sido diseñada por Wright y debido a su estado de deterioro fue removida y no será reemplazada.
La forma de la explanada y el banco imitan la forma de la chimenea de la sala de estar.
No hay mención alguna en los registros históricos ni en la correspondencia de que los Martin tuvieran un barco, pero el nieto de Darwin Foster, ha dicho que su padre, James Foster, tenía un bote de 3 metros cubierto con una vela, en los Archivos de la Universidad de Buffalo existe una foto de James y los niños tirando de un pequeño bote en un carrito en el camino de entrada de Graycliff.
La cancha de tenis
La cancha de tenis fue incluida en el proyecto del terreno.
El hormigón es de un color rojizo. Estaba pigmentado, una técnica que el Wright usó más tarde para los pisos en algunas de sus casas Usonian. El pigmento rojo hace que el hormigón sea similar al aspecto de una cancha de arcilla, y también complementa los colores otoñales de los edificios.
Notas
1
Dexter P. Rumsey (1827 – 1906), oriundo de Westfield, Nueva York, llegó a Buffalo en 1831. Su padre y su familia se mudaron a su nuevo hogar para establecer una curtiduría de la que se ocuparía Dexter y su hermano mayor Bronson.
Rumsey participó en los primeros años de la banca en Buffalo como director del Banco de Ahorros del Condado de Erie, también invirtió en bienes raíces en la zona norte de la ciudad. Fue presidente del exclusivo Buffalo Club y miembro del Buffalo Country Club. Fue un importante defensor de la Buffalo Fresh Air Mission, y uno de los fideicomisarios originales del Buffalo City Cemetery, formado en 1864, que todavía gestiona el Forest Lawn Cemetery.
Rumsey fue uno de los principales organizadores de los desarrollos residenciales que encargaron a Frederick Law Olmsted la preparación de los diseños comunitarios de Parkside. También era propietario de una importante extensión de tierra en el lado sur de The Park. Murió el 5 de abril de 1906, y al mes siguiente su viuda, Susan Fiske Rumsey y su hija, Grace Rumsey Wilcox, hicieron una donación a la ciudad de 2,83 Has de la tierra adyacente a Lincoln Parkway y la entrada principal del parque.
Fue una anexion que fue bienvenida en Delaware Park ya que proporcionaba el derecho de paso para Rumsey Road, una nueva calle que formó el nuevo límite sur del parque Rumsey Woods.
2
Ellen Biddle Shipman (1869 – 1950) fue una arquitecta paisajista conocida por sus jardines formales y su estilo de plantación exuberante. Junto con Beatrix Farrand y Marian Cruger Coffin, dictó el estilo de la época e influyó fuertemente en el diseño paisajístico como miembro de la primera generación en ingresar a la profesión predominantemente masculina. En 1938, al comentar sobre el campo dominado por los hombres en The New York Times, dijo: «antes de que las mujeres se apoderaran de la profesión, los arquitectos paisajistas hacían lo que yo llamo trabajo de cementerio».
Shipman prefería considerar su carrera de uso de plantas como si «estuviese pintando cuadros como artista». Poco de su trabajo permanece hoy en día debido al estilo laborioso de sus diseños, pero existen espacios preservados, incluidos los jardines Sarah P. Duke en la Universidad de Duke , a menudo citados como uno de los campus universitarios estadounidenses más hermosos.
Durante los 40 años que ejerció la arquitectura paisajística, Shipman solo contrataba a graduadas de la Escuela Lowthorpe de Arquitectura Paisajística, Jardinería y Horticultura para Mujeres. Lo hacía debido a que en esa época, a las mujeres no se les daban pasantías en oficinas masculinas.
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1era parte. Wright, Richardson, Burnham & Root, Sullivan & Adler, Koolhaas.