Baños publicos en Tokio. The Tokyo Toilet parte 3 y final (por ahora)

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No debiese haber temas que le fueran ajenos a la mano del diseñador, del arquitecto, o del artista, ni siquiera volúmenes o superficies independientemente de su tamaño que pudieran serles extraño o indiferentes.

Estoy pensando en Le Corbusier con su Cabañon de 1954, o el Dymaxion Car el auto diseñado por Buckminster Fuller (1895-1983), un triciclo de 6 metros de largo para 11 pasajeros de 1933 y que Sir Norman Foster se ocupa de mostrárnoslo enseñar por todo el mundo. (13)

Ahora estamos analizando el proyecto de Tokio de los baños, públicos, ejemplos que nos demuestran en su diversidad y riqueza lo que antes decíamos. En ellos, grandes y renombrados arquitectos han dado una respuesta.

Distintas, diferentes, no todas “maravillosas”, pero todas respetuosas del programa.

En la primera parte hemos visto seis proyectos de los arquitectos y diseñadores Tadao Ando (premio Pritzker 1995), Kengo KumaNao TamuraShigeru Ban (premio Pritzker 2013), Takenosuke SakakuraFumihiko Maki (premio Pritzker 1993). http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/

En la segunda parte los cinco trabajos que han construido Masamichi Katayama / WonderwallMarc Newson, Kazoo Sato, Fujimoto Sōsuke, Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX. http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/

En esta tercera parte difundimos los baños de Junko Kobayashi, Toyo Ito (premio Pritzker 2013), Sato Kashiwa y, Tomohito Ushiro,

Kobayashi Junko

Baño público ubicado en Sasazuka Ryokudō (Sasazuka 1-29), inaugurado el 10 de marzo de 2023, bajo las vías del tren de la línea Keiò.

El exterior oxidado, le da una apariencia “que impresiona”, y que quizás no invite a todos a aproximarse al baño, pero cuenta con un fácil acceso en silla de ruedas o coche para bebés.

Los baños para niños están en la parte frontal de la construcción, a la vista de los padres, y tienen grandes cristales que dejan pasar la luz, entre otros detalles que brindan seguridad.

No cabe duda de que es una obra de Kobayashi Junko, presidenta de la Asociación de Baños de Japón, que ha participado en el planeamiento de más de 250 baños públicos.

Su diseño único consiste en cilindros de diferentes alturas y, al levantar la mirada, nos espera una sorpresa: en lugar de encontrarnos con el hormigón de la vía férrea superior, nos sorprende un alero de color amarillo brillante, algo que da a este baño un toque de diversión.

El panel oxidado irá cambiando de color con el paso del tiempo, lo que nos invita a visitarlo varias veces.

Toyo Ito (premio Pritzker 2013)

El Baño se encuentra al pie de una escalera que conduce al santuario de Yoyogi-Hachiman, en el barrio de Shibuya.

El arquitecto japonés Toyo Ito ha denominado a su propuesta de aseo público «Tres Setas».

Su propuesta es el proyecto undécimo baño público de los 17 distribuidos y planeados en el distrito de Shibuya de Tokio.

El baño se divide en tres estructuras cilíndricas rematadas con techos abovedados que crean una forma que recuerda a los hongos que se encuentran en el bosque que rodea el santuario.

La nueva instalación se construyó para reempl azar unos antiguos aseos situados en la parte inferior de un tramo de escaleras que conducen al popular santuario Yoyogi.

Cada pieza individual dispone de un gran espacio para que pueda ser utilizada fácilmente por diferentes tipos de usuarios, desde personas mayores hasta personas con niños, las funcionalidades se redistribuyen entre las piezas de hombres y mujeres, las cubiertas se elevan por encima de las paredes para permitir la entrada directa de luz natural y aire a los aseos.

Toyo Ito comentaba que “…incluso yo, un hombre, no quería usar los aseos públicos, salvo que fuera inevitable”.

El diseño refleja el deseo de crear unos “aseos con una sensación de seguridad que permita a las mujeres usarlos incluso de noche, unos aseos que tenga un diseño discreto y que se pueda usar de manera informal”.
El proyecto de Ito se une a los aseos públicos transparentes de Shigeru Ban, el aseo circular de Tadao Ando, ​​el aseo de Fumihiko Maki con su «techo alegre», los aseos minimalistas de vidrio de Takenosuke Sakakura, o propuestas de diseñadores como Nao Tamura con su inodoro rojo o el inodoro de paredes de hormigón de Masamichi Katayama. Todos estos ejemplos los estamos exponiendo en las 3 partes publicadas en el blog.

Sato Kashiwa

WHITE

El diseñador gráfico Kashiwa Sato ha diseñado un baño cúbico envuelto de lamas de aluminio blanco. Las lamas verticales encierran un pasillo interior.

Está ubicado en la salida oeste de la estación Ebisu, se construyó un enorme cubo blanco, fue inaugurado en julio de 2021, tiene mucho uso, y deben trabajar mucho en su conservación para que continue blanco, sinonimos para el diseñador de pulcritud y seguridad.

Programa infantil

Limpieza baños en el parque

Niños que participaron en un taller de limpieza frente al baño del parque de Ebisu, diseño de Katayama Masamichi, inaugurado en agosto de 2020.

Katayama Masamichi, ha trabajado en Nueva York y Paris y estuvo a cargo del diseño de interiores de la tienda insignia de Uniqlo en Ginza.

Uniqlo en Ginza

El primer baño del proyecto toilete se abrió al publico en agosto de 2020, fue el proyecto de Ban Shiguru con una estructura de paredes de cristales transparentes.

Su enorme difusión por las redes, lo hizo muy conocido y popular.

Shiguru Ban baños transparentes

Tomohito Ushiro

Está en el parque Hiroo Higashi, una zona residencial rodeada de vegetación, de residentes y de visitantes. De día, el color blanco del exterior se roba el protagonismo ya que se destaca entre el concreto, la flora y las plantas que salpican el paisaje.

“Lo diseñé como una obra de arte público”

El director creativo japonés Tomohito Ushiro propone e idea luces pixeladas que bailan y cambian de forma en una miríada de imágenes.

El inodoro se ilumina con 7900 millones de formas, un número que refleja la población mundial estimada, y las luces parpadean en varios patrones.

El brillo pixelado puede imitar los rayos solares que se filtran a través de los árboles durante el día y como la luz de la luna o las luciérnagas errantes por la noche. Ushiro afirma que los usuarios y los transeúntes no verán el mismo patrón dos veces. Quiere encarnar la idea de igualdad diversa. Dice “todos somos iguales en el sentido de que todos somos diferentes”.

El interior y el exterior del baño público tiene un lenguaje que invita a cualquiera a usarlo: pantallas digitales gigantes gamificadas que encienden luces en el exterior, una entrada pintada de blanco cuyo diseño recuerda los baños públicos en las piscinas, y accesorios interiores y baños que firman el clásico vernáculo del Japón de alta tecnología mediante el uso de acero y tonos blancos.

Los vidrios protegen el gigantesco panel de luz detrás del inodoro, la pantalla que se ilumina por la noche y cuando el entorno está lo suficientemente oscuro para que la luz desempeñe su papel. El diseño de Ushiro sigue la versión del techo tradicional japonés de Marc Newson en el Tokyo Toilet que enseñamos en la 2nda entrega. http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/

Ushiro quiere alentar a los visitantes a ver “el inodoro no solo como un servicio público, sino también como un centro de placer cultural”. “Diseñé este inodoro para que fuera como una obra de arte pública que forma parte de la vida diaria y, al mismo tiempo, hace preguntas constantemente al espectador”. “Espero que se convierta en un monumento que continúe cuestionando la importancia de este proyecto».

vista exterior

El panel de luz gigante está instalado detrás del inodoro.

Uno de los dos inodoros universales está equipado con un dispositivo apto para ostomizados.

Notas

13

Sir Norman Foster desarrolló una fiel reproducción del Dymaxon. Solo existía una unidad (de las tres que se fabricaron en 1933) y con la ayuda de más de 2000 fotografias pudo reproducirlo.

Se utilizó aluminio, sobre una estructura de un Ford Tudor de 1934 y un motor V8 de 86 CV de Ford, igual a los originales de Fuller.

Pude verlo expuesto en octubre de 2010 en el Ivorypress Art+Books en Madrid, y en septiembre de 2022 en el Museo Guggenheim de Bilbao en “Motion, Autos, Art, ARchitectura”, comisariada por Foster y organizada en colaboración con la Norman Foster Foundation.

http://onlybook.es/blog/motion-autos-arte-y-arquitectura-by-norman-foster-2nda-parte/

14

José Juan Barba de Metalocus el 1 de agosto de 2021

15

María Anastidas de Metalocus del 21 de septiembre de 2020

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston

Baños publicos en Tokio. The Tokyo Toilet parte 2

The Tokyo Toilet

parte una http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/

continua en http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-3-y-final-por-ahora/

En la primera parte hemos visto los proyectos de los arquitectos y diseñadores Tadao Ando (premio Pritzker 1995), Kengo KumaNao TamuraShigeru Ban (premio Pritzker 2013), Takenosuke SakakuraFumihiko Maki (premio Pritzker 1993) http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/

Ahora veremos los trabajos que han construido Masamichi Katayama / WonderwallMarc Newson, Kazoo Sato, Fujimoto Sōsuke, Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX,

Consideraciones

Además de un buen diseño, se buscó que los baños fueran cómodos y funcionales. La selección y la disposición del equipamiento estuvo a cargo de la empresa de retretes TOTO, mientras que, para el diseño y la construcción, participó Daiwa House. Satō Kashiwa, director de arte, se encargó del diseño de las placas de información y los pictogramas de los baños.

Sasakawa Junpei, director de la Fundación Nippon, señaló que la construcción de los baños representa únicamente el 50 % del éxito del proyecto, la otra mitad depende de que estos sean utilizados. Por esta razón, NIGO (pseudónimo de Tamoaki Nagao), un popular diseñador de moda creó los uniformes para el personal de limpieza.

Se hará cargo del mantenimiento de los baños también junto a la Asociación de Turismo de Shibuya y el ayuntamiento del distrito. Este proyecto busca hacer surgir, de manera natural, la consideración en las personas de dejar un baño limpio para quienes lo usen después, así como que la gente sienta curiosidad de visitar ciertos parques porque hay baños originales.

Los uniformes son elásticos y permiten que la gente que se los pone se mueva libremente. Esta frase (ya me dirán ustedes), es muy japonesa “Con esto, se espera que el personal de limpieza podrá sentirse orgulloso de su labor”.

Masamichi Katayama / Wonderwall (8)

Se encuentra en el parque Ebisu, en Shibuya. Fue inaugurado el18 de agosto de 2020. La fotografías es de Satoshi Nagare

Una instalación que se aleja de los conceptos y elementos arquitectónicos: es un objeto que se coloca casualmente en el parque, como cualquier otro.

En Japón, el origen de los baños es Kawaya.

El concepto Kawaya era una cabaña que se erigía sobre el río Kawa que se remontaba a los tiempos neolíticos de principios del período Jomon (10.000 a 6.000 AEC). (9)

Estas cabañas eran de diseños primitivos y simples, a menudo hechas de tierra endurecida o de trozos de madera unidos entre sí.

El inodoro diseñado por Wonderwall liderado por el diseñador de interiores Masamichi Katayama es la quinta propuesta del barrio de Shibuya que se inauguró el 5 de agosto de 2021.

Tratando de imaginar la apariencia y la atmósfera de los Kawaya primitivos del pasado, Masamichi Katayama propuso un “espacio ambiguo” que es simultáneamente un objeto y un aseo combinando al azar 15 paredes de hormigón. “Los espacios entre las paredes llevan a los usuarios a tres áreas diferentes diseñadas para hombres, mujeres y discapacitados. El diseño crea una relación única en la que se invita a los usuarios a interactuar con la instalación como si estuvieran jugando con un curioso equipo de juegos”.

“Tuvimos en cuenta una instalación que se aleja de los conceptos y elementos arquitectónicos: un objeto que se encuentra en el parque, como si fuera un parque infantil, o bancos o árboles”.

“El diseño crea una relación única en la que se invita a los usuarios a interactuar con la instalación como si estuvieran jugando con una pieza de juego”. 

Tour a los baños

En noviembre de 2022 se llevó a cabo un tour en autobús organizado por la Asociación de Turismo del Distrito de Shibuya. Los participantes pudieron admirarlos, y observar los trabajos de limpieza y disfrutar de un espacio de comunicación. Recibió tan buenas críticas que está planeado efectuarlo de manera regular.

Los pasajeros del autobús pagan 4.950 yenes (aprox 28 €) por visitar nueve aseos distintos, durante 2 horas, entre ellos uno con paredes transparentesque se vuelven opacas cuando los usuarios entran y otro que se maneja mediante comandos de voz.

«Los visitantes pueden ser conducidos por las partes menos visitadas de Shibuya y disfrutar de todo el distrito mientras conocen los baños», dice Yumiko Nishi, responsable de la asociación turística del distrito.

Niños en el taller de limpieza del baño público del parque de Ebisu, foto tomada em octubre de 2022.

Mark Newson (10)

Baño público de Urasandō ubicado en Sendagaya 4-28-1, inaugurado el 20 de enero de 2023. Fotografía de architecturephoto.

Debajo de la autopista metropolitana, cerca del cruce de la avenida Meiji Dōri con la de Kitasandō, apareció un baño muy simple de hormigón. Con un techo de cobre y muros de piedra que se asemejan a los de los templos y santuarios, remite a la arquitectura tradicional de estilo japonés.

El diseño estuvo a cargo de Mark Newson, de Australia. Se trata de un diseñador de productos representativo de nuestros días, que ha trabajado para Louis Vuitton y también participó en el diseño del reloj Apple Watch.

Su interior es monocromático, de color verde azulado, que le da un toque de pulcritud. El techo de cobre será cubierto de una pátina de color verdoso que le da una apariencia desgastada y que irá cambiando de tonalidad con el tiempo. Combinará perfectamente con el verde del interior y seguramente muchos lo visitarán repetidamente para atestiguar su transformación.

Los muros de piedra son impresionantes. El techo de cobre le brinda una honrada curva a la estructura, tal como los techos tradicionales japonenses del estilo minoko.

El verde pastel baña suavemente las paredes de su diseño, lo usa como su color principal, y único color, las direcciones y las señales aparecen claras y visibles y el equipo dentro de la instalación pública es más fácil de ver. “Espero que este inodoro sea tan atractivo y conveniente como las otras atracciones ocultas en Shibuya”, “Aunque el baño está en un lugar concurrido y ultramoderno, quería hacer que esta forma de techo, que a menudo se encuentra en santuarios, templos, salones de té y áreas rurales, subconscientemente se sintiera cómoda y pacífica. La pátina del techo piramidal de cobre permitirá, con el tiempo, que el edificio se mezcle con la ciudad y se convierta en parte del tejido de Tokio”.

Kazoo Sato y Disruption Lab Team

Un baño público “Contactless” activado por la voz.

Satō Kazū frente a los baños del parque Nanagō-dōri, galardonados con el premio IF Design 2023, uno de los tres grandes premios del mundo del diseño.

El diseñador Kazoo Sato y disruption lab team diseñan Hi Toilet, un baño público que funciona a través de comandos de voz, evitando el contacto y mejorando la higiene, enHatagaya, Shibuya-ku.

El concepto de diseño de Hi Toilet es crear una experiencia más higiénica y sencilla, sin necesidad de tocar superficies y con instrucciones guiadas por voz. Esta idea ya existía antes de la llegada del Covid-19, pero la pandemia aceleró el proceso de creación de esta experiencia única para evitar el contacto entre personas.

La inspiración de Kazoo Sato para crear un inodoro totalmente activado por voz surgió después de mucha investigación y búsqueda de información sobre el comportamiento de los usuarios en los distintos baños públicos de Europa y EE. UU. La mayoría de ellos evitan el contacto con las superficies, pulsando la cisterna con el pie o el codo, y abriendo y cerrando la puerta con papel higiénico.

Por todo ello, el equipo creativo pensó en los baños dirigidos por comandos de voz, evitando todo tipo de contacto y mejorando la higiene de los espacios. Los comandos de voz permiten abrir y cerrar la puerta, tirar de la cadena, abrir y cerrar el grifo y poner música.

Es el diseño número12 del proyectoThe Tokyo Toilet.

Fujimoto Sōsuke (11)

Fujimoto Sōsuke, estuvo a cargo del Baño Público de Nishisandō, el último de los 17 que incluye el proyecto, se ha vuelto famoso por ser el diseñador de “Ringu”, el techo grande y el símbolo de la sede principal de la Expo 2025 Osaka, Kansai.

Llama la atención que muchos de los 17 baños son de color blanco.

Fujimoto señala “que este color es fácil de reconocer, al tiempo que da impresión de pulcritud.

Se convierten en un punto brillante dentro de una metrópolis gris”.

Tienen la desventaja que se ensucian fácilmente, por eso es un color difícil de utilizar en los baños públicos. Para este proyecto, se da importancia también al mantenimiento de las instalaciones, por lo que los creadores no tuvieron que ceñirse a reglas que los limitaran y se les permitió que echaran a volar su imaginación.

Los baños de del proyecto The Tokyo Toilet se limpian tres veces al día. Además, cada mes son revisados y se lavan con el método profesional de limpieza húmeda. Por si fuera poco, cada año se da mantenimiento a los exteriores y a la iluminación, entre otros aspectos. Este plan permitió materializar condiciones que normalmente serían adversas, como las paredes y suelos blancos, los cristales que rodean a los baños o la abundante madera natural utilizada en el diseño, además de, por supuesto, mantener la comodidad de las instalaciones.

Considera que los “baños públicos son una fuente comunitaria y eligió los conceptos de “recipiente” y “manantial” para crear un oasis en medio de la metrópoli”.

Su baño está en Nishisandō, Yoyogi 3-27-1, fue inaugurado el 24 de marzo de 2023.

En el frente están los lavabos en una estructura curvada, se pueden usar desde el corredor o desde la acera y los seis grifos con los que cuenta están a diferentes alturas.  El agua corre por la rampa y se dirige al desagüe del centro.

Desde la lejanía este diseño sólido se asemeja a un recipiente blanco. El árbol hainoki, símbolo del baño, le da un toque de ternura.

Es un diseño que toma en cuenta a todas las personas, desde los niños y los ancianos, hasta los peatones que no utilizan los baños.

En un lateral hay un baño multiusos que cuenta con todas las funcionalidades necesarias.

Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX

Un baño que es un espacio comunitario.

Realizó el Baño público de Hatagaya (Hatagaya 3-37-8, inaugurado el 22 de febrero de 2023.

El equipo dirigido por el profesor Miles Pennington del Instituto de Ciencia Industrial de la Universidad de Tokio diseñó no solo un baño, sino un espacio comunitario. Bajo el concepto “With Toilet”, crearon un espacio que se puede aprovechar como sala de espera, área de exposiciones o para tiendas temporales.

En su exterior totalmente blanco se pueden exponer obras de arte o utilizar proyectores para mostrar imágenes. También se pueden extraer los bolardos y colocando las maderas encima se convierten en bancos. Combinando la posición de los 31 bolardos se puede hacer una sala de conferencia o asientos en círculo.

El baño está equipado con cambiador de pañales y de ropa, así como baño para personas ostomizadas (aquellas personas operadas que tienen un orificio en el abdomen para sacar fuera del tubo digestivo o urinario a envases).

Perfect Day. El cuidado

“…los bienes comunes no existen sin una comunidad que los utilice y los cuide…”

Tomo estos pasajes del film Perfect Day.

Cuando el protagonista Hirayama (Yakusho Kōji) cede su espacio vital, sobre todo su cama y su recamara, a su sobrina Niko (Arisa Nakano), tras escaparse de su casa.

Cuidarla es mostrarle el otro mundo que existe, que esta lleno de espacios comunes, la calle, los saunas las lavanderías, el parque, el bosque…

Cruzando el puente en bicicleta, dicen:

“…El mundo está hecho de muchos mundos, algunos están conectados y otros no”.

“Hay un mundo en el que las cosas no se cuidan y sólo se usan; hay otro en el que el mantenimiento es la clave para sostener y reparar el mundo. El cuidado es el puente. E implica, por necesidad, un esfuerzo colectivo…los bienes comunes no existen sin una comunidad que los utilice y los cuide…”

Otros diálogos son con su compañero Takashi (Tokio Emoto), cuando éste último pregunta, “¿de verdad te gusta este trabajo?”, para más adelante, sentenciar: “¿qué pasa con este mundo de mierda?”

Son las dos posiciones planteadas en el film y en la sociedad, Takashi no quiere limpiar la caca, es el reflejo del desgaste de la vida moderna y no se siente responsable de limpiar lo que ensucian los demás, Hirayama por el contrario, acepta su función, asume su rol de cuidar haciéndolo con dignidad.

¿Quién cuida a quien nos cuida?

Cuidar al mundo es mucho más que limpiar baños. Las prácticas de cuidado de Hirayama incluyen: cepillar los pisos, los lavabos y los baños, sí, pero también cuidar a un niño perdido mientras busca a su mamá; explicarle a una desconocida cómo funciona un baño público; compartir sus joyas musicales con las generaciones futuras; cuidar al borracho que se quedó dormido; jugar gato con una persona anónima; esperar afuera mientras alguien pasa por un mal momento; hacerse amigo de quienes no tienen más amigos; saludar y respetar al sin hogar que hace campamento al lado de un baño; celebrar a los niños que juegan inocentes en el parque; recuperar una planta del parque para cuidarla en su propia casa.

Todo lo que hace el personaje es cuidar: sin el cuidado y el mantenimiento ningún espacio tiene valor en sí mismo. (12)

Notas

8

José Juan Barba de Metalocus

9

Las expresiones “de la era común” (e. c.)​ y “antes de la era común” (a. e. c.)​ son designaciones alternativas al empleo de “después de Cristo” (d. C.) y “antes de Cristo.

10

Nació en Sídney, Australia en 1963, Marc Newson ha vivido y trabajado en Sídney, Tokio, París y actualmente reside en el Reino Unido, donde su empresa tiene su sede desde 1997. Sus clientes incluyen empresas como Louis Vuitton, Montblanc, Hermès, Nike, Dom Pérignon, Jaeger-LeCoultre y Ferrari entre otgros.

Además de supervisar su propia empresa, ha ocupado altos cargos en las empresas de los clientes, habiendo sido director creativo de Qantas Airways de 2005 a 2015 y diseñador de proyectos especiales en Apple desde su primera participación en el diseño del ‘Apple Watch’. En 2019, Marc y Sir Jonathan Ive fundaron el colectivo creativo LoveFrom.

Ha sido incluido en la lista de las 100 personas más influyentes de la revista TIME y ha recibido numerosos premios y distinciones. Doctor honorario del Royal College of Art y la Universidad de Sydney, ha ocupado cátedras adjuntas en la Universidad de Sydney y la Universidad Politécnica de Hong Kong, y ha sido designado RDI (Royal Designer for Industry) por la Royal Society of Arts. En 2012, Su Majestad la Reina Isabel II le otorgó CBE (comandante de la Excelentísima Orden del Imperio Británico).

11

Nippon.com una ventana a Japón. 14/04/2023

12

Francisco Paillie Pérez de Arquine. 16 de abril de 2024

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Baños publicos en Tokio. The Tokyo Toilet parte 1

The Tokyo Toilet

El proyecto ofrece una nueva visión de los baños públicos japoneses, erradicando la idea que deben tener mala fama además de ser sucios o malolientes.

Dieron la posibilidad a la creación de 17 diseños realizados por arquitectos japoneses de renombre mundial.

El proyecto The Tokyo Toilet, es un proyecto a cargo de The Nippon Foundation (1) que tiene como objetivo crear baños públicos que favorezcan la inclusividad y la diversidad, tienen que ser usados por todos, independientemente de su género, edad o discapacidad.

El lanzamiento del proyecto fue parte de un esfuerzo para mejorar la ciudad antes de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020.

El barrio de Shibuya tiene por eslogan “una ciudad que convierte la diferencia en su fortaleza”, es un distrito conocido por ser la cuna de tendencias culturales en Japón.

Los invitados han sido arquitectos y diseñadores Tadao Ando, Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban, Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki, que muestro en esta primer parte.

El resto de los profesionales son Masamichi Katayama / Wonderwall, Nigo, Toyo Ito, Kashiwa Sato, Kazoo Sato, Marc Newson, Tomohito Ushiro, Miles Pennington, que mostrare en la proxima entrega.

El proyecto Tokio Toilet ha formado el telón de fondo para la película estrenada en 2023 nominada al Oscar Perfect Days, dirigida por Wim Wenders, que protagoniza el famoso actor japonés Yakusho Kōji.

http://onlybook.es/blog/12621-2/

The Tokyo Toilet, es un programa de la Fundación Nippon destinado a renovar diecisiete baños públicos en Shibuya, por 16 creadores reconocidos, en colaboración con el gobierno de la ciudad de Shibuya. Los inodoros fueron construidos por Daiwa House Industry Co. Ltd., con Toto Ltd. asesorando sobre el equipo y el diseño del inodoro. Además de la construcción, el mantenimiento se llevará a cabo bajo un acuerdo tripartito entre la Fundación Nippon, el gobierno de la ciudad de Shibuya y la Asociación de Turismo de la Ciudad de Shibuya.

En el 2016 el Ministerio del Territorio, Infraestructuras, Transporte y Turismo realizó una encuesta. El 51,7 % respondió que no usaba los baños públicos de los parques, solo el 1,2 % lo hacía. Del entre los que no lo usaban el 68,1 %, dijeron que no dan la impresión de ser higiénico, y que no están lo suficientemente limpios, un  1,4 %, manifestó que su interior y de las áreas aledañas no inspiraban seguridad para usarlos con tranquilidad.

Tadao Ando (2)

Un baño público circular entre los cerezos del parque Jingu-Dori, se llama Amayadori.

Los proyectos, denominados “Tokyo Toiletson” dirigidos por la fundación sin ánimo de lucro Nippon Foundation, serán 17 nuevos aseos públicos construidos en el barrio de Shibuya.

Uno de los barrios mas juveniles y de más vida de Tokio.

Es un baño con vocación de convertirse en un monumento, se inauguró el 7 de septiembre de 2020.

Prueba de ello es la obra del arquitecto japonés Tadao Ando que aterrizó en Tokio. El edificio se compone de un techo circular que sobresale a modo de porche y una pared cilíndrica con aperturas verticales que permiten la entrada de la luz y el viento. Es esta armadura la que custodia discretamente en su interior la principal función del lugar, en una intención de aportar seguridad, comodidad y, belleza.

Dice Tadao Ando de AMAYADORI, que literalmente significa refugiarse de la lluvia.
“Busqué que esta pequeña arquitectura superase los límites de un aseo público para convertirse en un «lugar» en el paisaje urbano que proporcionase un inmenso valor público. Utilizando este razonamiento claro y simple para el concepto de esta estructura, elegí utilizar un plano circular con un techo que se extendía y un “engawa”, que es una franja de borde de piso sin tatami, de madera o bambú, se puede recorrer el baño alrededor de él, se asemeja asi a un porche o un solárium”.

“Para mí era vital hacer un espacio cómodo y seguro. Los visitantes pueden moverse dentro de una pared cilíndrica de persianas verticales para sentir la comodidad del viento y la luz del entorno circundante. La sensación de seguridad se verá reforzada por la circulación libre y centrípeta que pasa al otro lado”.

Kengo Kuma (3)

Su proyecto ha sido el noveno en inaugurarse el 24 de junio de 2021.

Kuma diseñó una “villa de baños” dentro del Parque Nabeshima Shoto, su vegetación excéntrica, lo transforman en un espacio poco convencional para ser sede de baños públicos. Diseñó también el camino para generar una experiencia única y completamente diferente.

El objetivo central de Kuma era disipar la imagen de los baños públicos sucios, oscuros y aterradores. En este caso, pretende que los espacios públicos, además de ser abiertos para todos, sean perfectos para gozar de una experiencia divertida. Justamente, las paredes ecológicas ofrecen una visión un más pública, al tiempo que original.

Se compone de cinco cabañas cubiertas con persianas de madera de cedro con “alas”, se conectan a través de un paseo a lo largo del bosque. Cada uno de los bloques tiene una finalidad distinta que va desde un espacio para niños hasta uno para personas que requieren usar silla de ruedas o bien, muletas.

El objetivo central es proteger a las personas del Coronavirus.

Aseo triangular de Nao Tamura (4)

“¿A medida que entramos en una era de mayor conciencia, ¿cómo puede evolucionar un espacio común como el baño público para adaptarse de manera efectiva a nuestras necesidades infinitamente diversas?”.

La diseñadora japonesa Nao Tamura, residente en Nueva York, ha completado un bloque de baños públicos rojos en una pequeña parcela triangular en el distrito de Shibuya del centro de Tokio.

La estructura roja diseñada por Nao Tamura se inspiró en Origata (5), un método tradicional japonés de envolver regalos, para hacer referencia a la noción de hospitalidad.

 Escribe “…es un símbolo de la entrega de regalos, este motivo encarna el espíritu de hospitalidad hacia los visitantes multinacionales del distrito de Shibuya y transmite mi visión de crear un espacio seguro que envuelva a todos los usuarios”.
“La técnica antigua no es solo una expresión de belleza y etiqueta, sino una de las formas más elevadas de honor y respeto cuando se otorga a quien la recibe”.
“Para replicar la técnica de Origata y los precisos pliegues de papel que la encarnan, elegí placas de acero para crear la estructura y la fachada del exterior”.

El color rojo nos muestra una intervención que es fácil de ver, reconocible y transmite una sensación de urgencia. El área de inodoros está dividido en tres con un baño accesible para sillas de ruedas, un inodoro femenino y un inodoro masculino alineados en una fila en la punta del triángulo.

“Al vivir en Nueva York, he tenido el privilegio de presenciar cómo la comunidad LGBTQ + vive alineada con sus identidades sexuales. Cuando diseñé este baño público para una pequeña parcela triangular en Shibuya, imaginé una sociedad que abraza a la comunidad LGBTQ + y les brinda espacio para vivir su verdad. Me di cuenta de que lo que permite a cada usuario una experiencia cómoda se reduce a la seguridad, la privacidad y la urgencia. Con esto en mente, creé tres espacios separados que redefinen la forma en que un baño público establece el espacio personal”.

Shigeru Ban

El arquitecto japonés Shigeru Ban ha diseñado dos nuevos baños públicos de vidrio, ubicados en el mini parque Yoyogi Fukamachi y el parque comunitario Haru No Ogawa, ambos en el barrio de Shibuya.

Utilizando una nueva tecnología, Shigeru Ban proyectó los inodoros con dos puntos clave en mente: limpieza y seguridad. Según Shigeru Ban, “…hay dos cosas de las que nos preocupamos cuando ingresamos en un aseo público, especialmente aquellos ubicados en parques. La primera es si está limpio por dentro y la segunda es que nadie está esperando secretamente adentro. Utilizando una nueva tecnología, diseñamos las paredes exteriores con vidrio que se vuelve opaco cuando se bloquea. Esto permite a los usuarios verificar la limpieza y si alguien está usando el baño desde el exterior. Por la noche, la instalación ilumina el parque como una hermosa linterna”.
Estos aseos, divididos en tres cubículos donde cada estancia tiene un color que coincide con los tonos que se encuentran en los parques, están compuestos por baños para mujeres, hombres y una instalación accesible.

Takenosuke Sakakura

Andon

“El antiguo baño en Nishihara 1 era poco atractivo y rara vez se usaba. Pensamos que era importante crear una instalación que no sólo cumpla con los requisitos básicos de un baño público, como tener suficientes inodoros para garantizar un tiempo de espera razonable, sino que ofrezca un atractivo único que aliente a más personas a usar las instalaciones. Al construir una instalación que sea luminosa y abierta en el espacio limitado del sitio, esperamos mejorar tanto del baño sino de todo el parque. Esperamos que el baño ilumine el parque si fuera una linterna, creando un espacio público atractivo para los visitantes”.

El módulo tiene tres aseos unisex que iluminaran por la noche para hacer del parque un espacio más acogedor. como un «Andon» / linterna » en el Parque Nishihara Itchome de Tokio.

«Al construir una instalación que sea luminosa y abierta en el espacio limitado del sitio, esperamos mejorar la imagen no solo del baño sino de todo el parque”. Takenosuke Sakakura.

En el exterior, el edificio tiene tres puertas para entrar en tres aseos unisex, dentro de un elemento rectangular regular. En el interior, las paredes están acabadas con vidrio esmerilado, serigrafiado con árboles.

Fue inaugurado el 31 de agosto del 2021.

Takenosuke Sakakura nació en Tokio en 1946. Después de graduarse en el Departamento de Arquitectura de la Universidad de Nihon, se unió al Instituto de Investigación Arquitectónica Sakakura fundado por su padre Junzo Sakakura. Fundó Sakakura International en 1979, rebautizada en 1998 como Sakakura Atelier. Entre sus obras principales está la Gallery Saka, el edificio residencial en Tokyo Midtown y las villas Oiwake Club.

Fumihiko Maki

En el parque de Ebisu Higashi, conocido como el “parque del pulpo”, aparecieron unos baños que parecen un calamar.

Obra del arquitecto ganador del Pritzker Fumihiko Maki. Ha imaginado un baño que recuerda a un calamar, ya que en este parque hay un tobogán en forma de pulpo muy popular entre los niños. El techo elevado de los muros tipo pagoda además de integrar las dos secciones provee de ventilación y luz natural y se integra con los columpios y demás equipamientos del parque. Fukimiko Maki quiso que además de baños tuviera una zona de descanso con bancos que no fuera una mole y se pudiera ver a través de él, por ello diseñó una planta descentralizada.

Dice el arquitecto “El sitio del proyecto, Ebisu East Park, es un parque popular del vecindario que se utiliza como área de juegos para niños y está lleno de exuberante vegetación. Queríamos que esta instalación funcionara no sólo como un baño público, sino como un espacio público que sirve como un pabellón de parque equipado con un área de descanso. Pensando en una variedad de usuarios, desde niños hasta personas que van de camino al trabajo, queríamos crear un espacio seguro y cómodo que utiliza un diseño descentralizado para permitir buenas líneas de visión en toda la instalación. El alegre techo que integra las diferentes secciones promueve la ventilación y la luz natural, creando un ambiente brillante y limpio al tiempo que le da a la instalación una apariencia única similar a los equipos de juegos infantiles”.

Continua parte 2 http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/

Notas

1

Gran parte de las fotografías son de Satoshi Nagare, de la Fundación Nippon.

2

María Ángeles Cano de Condé Nast Traveller.

3

Diana Garrido de AD.

4

José Juan Barba de METALOCUS.

5

Origata, con más de 600 años de historia, es un conjunto de reglas detalladas sobre la manera de envolver obsequios y atarlos con cuerdas para sujetarlos. Este concepto, que se fue legando entre las familias samuráis como una forma de cortesía, se expandió posteriormente a la vida de los japoneses en general

6

María Anastidas de METALOCUS.

7

Isabel Margarejo de AD

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Este arquitecto nonagenario y aún en activo ha imaginado un baño que recuerda a un calamar ya que en este parque hay un...
Dice el arquitecto “El sitio del proyecto, Ebisu East Park, es un parque popular del vecindario que se utiliza como área de juegos para niños y está lleno de exuberante vegetación. Queríamos que esta instalación funcionara no sólo como un baño público, sino como un espacio público que sirve como un pabellón de parque equipado con un área de descanso. Pensando en una variedad de usuarios, desde niños hasta personas que van de camino al trabajo, queríamos crear un espacio seguro y cómodo que utiliza un diseño descentralizado para permitir buenas líneas de visión en toda la instalación. El alegre techo que integra las diferentes secciones promueve la ventilación y la luz natural, creando un ambiente brillante y limpio al tiempo que le da a la instalación una apariencia única similar a los equipos de juegos infantiles”.

Casualidades

Casualidades

La vida tiene casualidades aparentemente inconexas, (lo creo aún no estando seguro de ello), pero un actor entrenado, o una mirada intencionada sabe que los más mínimos actos son (como lo he visto en la arquitectura, y en la música) parte de un todo.

Es así como las partes alimentan el todo y viceversa.

Casualidad 1

Roly (1) me dijo que, en Miami, alguien había dejado abandonado un libro de Kliczkowski Publisher, “Morphosis” (2).

Quizás ese alguien, lo había comprado en Argentina. o en España o en alguno de los otros paises que tambien se vendió.

Amazon no era entonces el de hoy, fue creada en el año 1994, el mismo año en que editamos el libro, ese gigante que entrega libros de cualquier lugar a cualquier otro lugar.

Quizás atravesó el Atlántico antes que Roly lo descubriera en un barrio de Miami y lo trajera a mi casa en un barrio de Madrid, atravesando nuevamente el Atlántico.

Casualidad 2

Roly a la vuelta del tramo que hicimos del Camino de Santiago junto a otros amigos, me dice que quiere regalarme un libro sobre Escher y Bach.

Le pregunto de que año es su edición y me dice de la década del 70, de hace 45 años.

Deduzco que ninguna librería lo tendría aun en stock y miro en Amazon si lo tienen…sí lo tienen, en versión libro de bolsillo.

Decido probar con mi librería preferida Taiga sobre la Avenida Arturo Soria 54, en el barrio de Ciudad Lineal en Madrid.

Llamo y pregunto si lo tienen, digo el titulo “Gödel, Wacher, Bach” y antes de dar el nombre del autor (3), Eduardo que me ha atendido me dice “lo tengo en la mano”. 

Al ir a buscarlo, le preguntamos a Eduardo si no le parece raro tener en la mano un libro editado hace 37 años, cuando lo llame por telefono preguntando por ese libro? La edición que tenía en su mano es de 1987.

Responde que sí, que estaba ordenando un estante y lo tenía en la mano para reubicarlo.

Casualidad 3

En la “Historia de la traducción de GEB al castellano”, página XIX, del libro (ISBN 9788490660690) cuenta que:

“… por esa época telefoneé a mi viejo amigo Francisco Claro, profesor de física en la Universidad Católica de Chile, en Santiago, quien me contó una historia muy entretenida…buscando en avisos del diario, junto a su esposa, habían encontrado un mueble a la venta en un apartamento en algún lugar de Santiago… al ir a la calle se percataron que habían olvidado le dirección exacta de la casa…creyeron recordarla y se dirigieron a la calle y golpearon la puerta de un apartamento y preguntaron si era el lugar correcto”.

“…Resulto no serlo, pero en los breves instantes en que la puerta estuvo abierta, Francisco vio sobre el estante un libro que reconoció y, sin embargo, no reconoció: era Gödel, Escher, Bach, pero su tapa no era la del color correcto.. el dueño del apartamento era un profesor que había conocido a Usabiaga, el traductor, y que lo había ayudado, de alguna manera, mostrándole unos pocos trucos que éste había pasado por alto y sugiriéndole algunas ideas para traducirlos, ¡que loca coincidencia!

«Gödel, Wacher, Bach. Un Eterno y Grácil Bucle», es una obra de arte escrita por un sabio. Versa sobre los misterios del pensamiento e incluye, ella misma, sus propios misterios. Por ello su traducción ha supuesto también una larga, azarosa y laboriosa aventura que el propio autor ha vivido y que relata en un prólogo especialmente escrito para esta versión española.

Su autor es Douglas R. Hofstadter (4) y los traductores Mario Arnaldo Usabiaga Bandizzi y Alejandro López Rousseau.

Notas

1

Rolando Daniel Epstein, alias Rol Ando.

2

Era una pila de 5 o 6 libros frente a la entrada de servicio en el 1101 de la calle 99 en Bay Harbor Islands. “Morphosis estaba al tope de la pila. Era un jueves, que es el día que recojen objetos grandes como muebles, colchones, etc.”

Morphosis, Edificios y Proyectos 1989-1992 se editó con el nombre Kliczkowski Publisher, y las distribuidoras ASPPAN y CP67.

Fue editado originalmente por la editorial RIZZOLI en 1994, el mismo año en que compramos los derechos. Se imprimió en Italia.

CP67 compró los derechos para venderlo en México, Centro y Sud América,

ASPPAN compró los derechos para venderlo en España y Portugal.

«Thom Mayne, director de Morphosis, fue uno de los mas importantes e influyentes profesionales de la generación mas joven de arquitectos de California, Ganador de numerosas distinciones y tema de exhibiciones en todo el mundo, las obras de Mayne, incluyendo aquellos diseños con su antiguo socio Michael Rotodi, abarcan un amplio espectro de tipos de edificios. Este volumen, es una secuela del libro «Morphosis, edificios y Proyectos», de Rizzoli, publicado en 1990…el libro en si mismo representa el inusual metodo de Morphosis de Produccion Arquitectonica, pliegos de apertura y páginas estratificadas de pergamino, hacen eco a su método de generar y remodelar la forma compñletaente a traves de las etapas del diseño y aún mas lla, un proceso del cual deriva el nombre de Morphosis».

«La Introducción es de Richard Weinstein, decano de la facultad de Graduados de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de California, investiga el trabajo de Morphosis, en su contexto social, el complejo e incierto mundo del fin del siglo XX, para discutir el proceso de diseño de Morphosis y colocar la firma dentro de los debates arquitectónicos de la actuaidad».

3

Douglas R. Hofstadter (1945)

4

La Ley de Hofstadter es un refrán que describe la dificultad de estimar el tiempo que llevará completar tareas de gran complejidad. Fue acuñada por Douglas Hofstadter en su libro Gödel, Escher, Bach: un Eterno y Grácil Bucle (1979, Premio Pulitzer en 1980).

La ley afirma «Siempre nos lleva más tiempo de lo esperado, incluso teniendo en cuenta la ley de Hofstadter». Este refrán tuvo su origen, y es frecuentemente citado, dentro del ámbito del desarrollo de software.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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gb Vivian Maier, Thank you for keeping it alive, part four and final

This translation from Spanish (original text) to English is not professional. I have done it with Google, so there will be linguistic errors that I ask you to know how to hide. Many times I have been asked to read my texts in English, and that is why I decided to do it. In addition to your patience, if you see something that I can correct, and wish to notify me of it, I will be happy to do so. In the meantime, with its lights and shadows, here are the lines that I have written. Hugo Kliczkowski Juritz

Finding Vivian Maier

The theatrical release of “Finding Vivian Maier” in the US was on March 28, 2014.

Vivian Maier (1926 – 2009) always carried a Rolleiflex camera around her neck, but jealously hid her photographs from others.

His black and white photographs, mostly from the 1950s and 1960s, are striking images of the architecture and street life of Chicago and New York. He rarely took more than one frame of each image and concentrated on capturing children, women, the elderly, and people on the street. The breadth of Maier’s work also reveals a series of striking self-portraits, as well as prints from his travels to Egypt, Bangkok, Italy, the American Southwest, and elsewhere.

The exhibition “Vivian Maier, Street Photographer” includes more than 100 black and white and color photographs and 8 mm films taken by Maier. The Hamilton Art Gallery is the first Canadian gallery to present the exhibition.

On November 11, 2011, John Maloof presented slides and explained the life and work of Vivian Maier, in New York at the powerHouse Arena at 37 Main Street, DUMBO, Brooklyn. John Maloof spoke about his extraordinary discovery of Vivian Maier’s photography. Along with a Q&A and slideshow, Maloof detailed his experience discovering the extensive work of Vivian Maier and shared his insight into the curious Chicago nanny turned posthumous street photographer phenomenon.

2014. 2 de abril

The event was ahead of the launch of Vivian Maier: Street Photographer.

The Maloof Collection and Merry Karnowsky Gallery (170 S. La Brea Avenue, Los Angeles) presented “Vivian Maier: A Life Discovered” on January 7, 2012.

Its opening was filmed and became part of the documentary by “Vivian Maier. Photographs from the Maloof Collection, featured by Tim Roth.

It chronicles the remarkable discovery by John Maloof in 2007 at an auction house in Chicago.

Maier is recognized as a photographer who is an icon of her vision from the 1940s to the 1970s.

He shot more than 2,000 rolls of film, printed more than 3,000 photographs, and produced more than 150,000 negatives depicting the street life and architecture of New York, Chicago, Los Angeles, and the American Southwest, as well as destinations as far away as Manila, Bangkok, Beijing, Egypt and Italy.

Maier died in 2009 at the age of 83, before the extent of his legacy was fully understood or revealed.

The Maloof collection is comprised of approximately 90% of Vivian Maier’s work, meticulously reconstructed, archived and catalogued.

The collection contains between 100,000 and 150,000 negatives, more than 3,000 vintage prints, hundreds of rolls of film, home movies, audiotape interviews, original Vivian Maier cameras, documents and various other items.

From June 21 to October 20, 2019, Kutxa Kultur space at Tabakalera in San Sebastián. “We intend for him to access the identity that he never had throughout his life and his place in photography. Give her a beautiful story after her death, because she was never recognized for her origin and her status and submitted to her status as a nanny.” “…Maier’s photographic writing can be compared to that of the great photographers of the 20th century, so exhibitions like this aim to do justice to his memory.” “There are aspects in which she was a pioneer, such as her color work, with which she was 15 or 20 years ahead of that of William Eggleston (1939) in the 70s, and with her super 8 films, in which she anticipated the language of John Cassavetes (1929 – 1989) from the 70s and 80s showing the scenes with his own perspective…I think the fact that he was self-taught gave him a freedom of syntax that differentiated him from the rest”.

The exhibition was curated by Anne Morin (Rouen 1973), a graduate of the École Nationale de Photographie d’Arles and the École Supérieure des Beaux-Arts of Montpellier.

“Thank you for keeping me alive”. Sixto Rodriguez

The exhibitions made with material from Vivian Maier have been many, if it makes sense to put some here it is to give the vision of the enormous work that Maloof has done so that Vivian can be present in our lives, perhaps I would never have dreamed or wanted it, but I am I’m sure she would be as surprised as she was delighted, especially because she could have had resources to live her last years with more dignity.

I would have said, like Sixtus, “Thank you for keeping me alive.”

His story reminds me of the story of Sixto Rodríguez (Jesus Sixto Diaz-Rodriguez (Detroit 1942 – 2023), revealed in Malik Bendjelloul’s fantastic 86-minute 2012 Swedish-British documentary “Searching for Sugar Man.”

https://www.rtve.es/play/videos/somos-documentales/searching-sugar-man/6752174

Sixto Rodríguez (so called because he was the sixth child in the family) was a little-known singer who worked singing in bars.

At the end of the 1960s he was contacted by two music producers who convinced him to record an album, “Cold Fact” in 1970, which did not have commercial success, an attempt the following year with a second album “Coming from Reality” in 1971, neither did It had good sales in the United States.

Sixto never knew of his enormous success in South Africa, after the poor sales of his two albums in the US, he left music and dedicated himself to working in construction.

But, oh surprise, he was no longer an outcast, his work was very well received in South Africa, where the lyrics of his songs and the mystery that surrounded the singer transformed him into a very popular figure among the country’s young people.

His album Cold Fact was adopted as a symbol of the fight against apartheid.

His lyrics, several of his songs were banned by the South African Broadcasting Corporation.

South African musicians such as Koos Kombuis (1954), Willem Möller and Johannes Kerkorrel (1960) were inspired by Rodriguez’s message.
Thanks to the efforts of two South African fans (Stephen ‘Sugar’ Segerman and Craig Bartholomew-Strydom) they discover his whereabouts. The documentary narrates the trip that Rodríguez made to South Africa in March 1998, where he played six concerts. After this, the singer continued to live modestly in Detroit and donate all the money raised at the concerts to his family and friends, returning sporadically to the African country to play some concerts.

Fate caused him to be compared to Elvis Presley and the Rolling Stones.

Our singer died at 81 years old.

2022

MK Gallery, Milton Keynes MK9 3QA, United Kingdom

2021

Werkstattgalerie Hermann Noack, Berlin, Germany

Luxembourg Museum, Paris, France

2020

Cascais Cultural Center, Cascais, Portugal

Fabriken Bästekille, Kivik, Sweden

Porto Seguro Cultural Space, São Paulo, Brazil

Art Angle Corporation, Taipei City, Taiwan

Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Amsterdam, Netherlands

FoLa Latin American Photo Library, Buenos Aires, Argentina

Glenbow Museum, Calgary, Canada

The Finnish Museum of Photography, Helsinki, Finland

2019

Museum of Ancient Évêché, Grenoble, France

Meravigli Way, Milan, Italy

Magazzino delle Idee, Trieste, Italy

Kutxa Kultur Artegunea, San Sebastian, SS, Spain

Somerset House, Strand London, United Kingdom

Sofia Art Galleries, Sofia, Bulgaria

Scuderie del Castello Visconteo, Pavia Italy, Italy

Patio Herreriano Museum of Contemporary Spanish Art, Valladolid Spain, Spain

Lumiere Gallery, Atlanta GA, United States

Louisiana Museum of Art and Science, Baton Rouge LA, United States

Les Douches la Galerie, Paris, France

2018

KP Projects, Los Angeles CA, United States
Howard Greenberg Gallery, New York NY, United States

Willy Brandt Haus, Berlin, Germany

Hanks Photo Lab, Mount Vernon New York, United States

70 South Gallery, Morristown New Jersey, United States

Hamilton Art Gallery, Hamilton, Canada

Madelyn Jordon Fine Art, Scarsdale New York, United States

Pallavicini Palace, Bologna BO, Italy

International Photography Hall of Fame, St. Louis MO, United States

2017

KP Projects, Los Angeles CA, United States

The Granary Gallery, Martha’s Vineyard MA, United States

Doge’s Palace of Genoa, Genoa, Italy

Howard Greenberg Gallery, New York NY, United States

The Art Center in Tarnow, Tarnow, Poland

Museo di Roma in Trastevere, Rome, Italy

FoLa Latin American Photo Library, Buenos Aires, Argentina

2016

ILEX Gallery, Rome, Italy

CAMPREDON Art Center, L’Isle-sur-la-Sorgue, France

Les Douches la Galerie, Paris, France

Dell’Arengario Palace, Monza, Italy

Lumiere Gallery, Atlanta GA, United States

Des Moines Art Center, Des Moines IA, United States

Canal Isabel II Foundation, Madrid, Spain

Foto Colectania Foundation, Barcelona, ​​Spain

Arlington Museum of Art, Arlington, Texas, United States of America

Photobastei, Zurich, Switzerland

Kulturhuset Stadsteatern, Sergel Square, Sweden

Dunkers Kulturhus, Helsingborg, Sweden

2015

Valparaiso Cultural Park, Valparaiso, Chile

Merry Karnowsky Gallery, Los Angeles CA, United States
Meravigli Way, Milan, Italy

Photo Beijing, Beijing, China

Las Condes Cultural Center, Santiago, Chile

HarperCollins BookLab, New York NY, United States

MAN Museo D’Arte della Provincia di Nuoro, Nuoro NU, Italy

Sungkok Art Museum, Seoul, South Korea

Sherrick & Paul Gallery, Nashville TN, United States

Museum of Art, Lexington KY, United States

Museum of Image and Sound of São Paulo, São Paulo, Brazil

Bernal Space Gallery, Madrid, Spain

Museum of Art, Pullman WA, United States

Willy Brandt Haus, Berlin, Germany

2014

Fifty One Fine art photography, Antwerp, Belgium

Beetles + Huxley, London, United Kingdom

Lumiere Gallery, Atlanta GA, United States

Les Douches la Galerie, Paris, France

Howard Greenberg Gallery, New York NY, United States

FotoFocus Biennial, Cincinnati OH, United States

Center for Contemporary Photography, Fitzroy Victoria, Australia

Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Amsterdam, Netherlands

Hasselblad Foundation, Gothenburg, Sweden

December 17, 2013 – January 25, 2014

“Vivian Maier: street photographer”

Hasselblad Foundation, Gothenburg, Sweden

Dec 2 to Dec 23, 2013

“Vivian Maier”

Beetles+Huxley, London, United Kingdom

November 17, 2013
Presentation of the film “Looking for Vivian Maier” – US premiere

SVA Theatre, New York NY, United States

November 8 to January 4, 2014

“Vivian Maier: a photographic revelation”

CHÂTEAU DE TOURS, Tours, France

October 16 to December 21, 2013

“Vivian Maier exhibition in Paris”

Les Douches la Galerie, Paris, France

October 6 to December 18, 2013

“Vivian Maier: the lens of a woman”

Brandeis University – Women’s Studies Research Center, Waltham MA, USA

September 4 to October 27, 2013

“Vivian Maier Street Photographer”

Isa Spalding Gallery, Toronto, Canada

April 16 to June 29, 2013

“Vivian Maier + Saúl Leiter”

Fifty One Fine art photography, Antwerp, Belgium

March 11 to April 3, 2013

“Vivian Maier”

Chris Beetles Fine Photographs, London, United Kingdom

October 1 to November 13, 2012

“Vivian Maier: I keep it safe”

Gallery dell’Incisione, Brescia, Italy

September 20 to January 6, 2013

“Vivian Maier”

Hungarian House of Photography, Budapest, Hungary

February 3 to April 22, 2012

“Vivian Maier: discovered”

Monroe Gallery, Santa Fe NM, United States

January 7 to January 28, 2012

“Vivian Maier” – Hosted by Tim Roth

Merry Karnowsky Gallery, Los Angeles CA, United States

October 10, 2011 – December 9, 2011
“Vivian Maier – Photographs from the Maloof Collection”

Howard Greenberg Gallery, New York NY, United States

September 11 to October 9, 2011

“Vivian Maier – Street Photographer”

Noorderlicht Photofestival, Groningen, Netherlands

July 29 to September 16, 2011

“Vivian Maier: a life revealed”

Photofusion Gallery, London, United Kingdom

July 5 to August 5, 2011
“A la recherche de Vivian Maier (In Search of Vivian Maier)”

Gap Library, Gap, France

July 1 to July 24, 2011

“Vivian Maier – A life discovered”

London Street Photography Festival, London, United Kingdom

June 28 to July 3, 2011

“A la recherche de Vivian Maier (In Search of Vivian Maier)”

Saint-Julien-en-Champsaur, Saint-Julien-en-Champsaur, France

January 27 to April 28, 2011

“Twinkle, twinkle, little star.”

Galerie Hilaneh von Kories, Hamburg, Germany

January 7 to April 3, 2011

“Looking for Vivian Maier: Chicago Street Photographer”

Chicago Cultural Center, Chicago IL, United States

November 18 to December 4, 2010

“LOOKING FOR VIVIAN MAIER.”

Apartment 2, Oslo, Norway

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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gb Vivian Maier, Thank you for keeping it alive, part three

This translation from Spanish (original text) to English is not professional. I have done it with Google, so there will be linguistic errors that I ask you to know how to hide. Many times I have been asked to read my texts in English, and that is why I decided to do it. In addition to your patience, if you see something that I can correct, and wish to notify me of it, I will be happy to do so. In the meantime, with its lights and shadows, here are the lines that I have written. Hugo Kliczkowski Juritz

second part http://onlybook.es/blog/gb-vivian-maier-thanks-for-keeping-it-alive-part-two/

1953. Septiembre. NY

It tells the fascinating true story underlying the fascinating life of Vivian Maier.

The nanny photographer, whose work was discovered in a Chicago storage room, captured the world’s imagination with her masterful images and mysterious life. Before she rose posthumously to global fame, she buried her past so deeply that even the families she lived with knew little about her. No one could tell where he was born or raised, if he had parents or siblings, if he enjoyed personal relationships, why he took photographs and why he didn’t share them with others.

Ann Marks, one of the few people to see Vivian’s complete personal records and archive of 140,000 images, chronicles it in “VIVIAN MAIER, DEVELOPED.”

Meticulous research reveals the story of a woman who fled a family with a hidden history of illegitimacy, bigamy, parental rejection, substance abuse, violence and mental illness to live life on her own terms. With a limited ability to reveal feelings and establish relationships, he expressed himself through photography, creating a secret portfolio of images full of emotion, authenticity and humanity. With boundless resilience, she tore down every obstacle in her path, determined to improve her lot and that of others by tirelessly defending the rights of workers, women, Africans, and Native Americans.

She is considered one of the greatest street photographers of the 20th century, along with the likes of Bernice Abbott (1898 – 1991), Lisette Model (1901 – 1983), and Robert Frank (1924 – 2019).

The 368-page book with English text was published by Atria Books/Simon & Schuster, ISBN 9781982166724 in December 2021.

John Maloof, photographs by Vivian Maier. Text by Ann Marks

Street Style

Street photography or street style is a way of telling stories to transmit the experience of everyday life and the vision of the artist through the photos he takes around the world.

Like photojournalism, nothing is staged, posed or planned. It is not based on studio models or lights.

The color work of street photographer Vivian Maier was the subject of an exhibition at the Howard Greenberg Gallery (in New York) held from November 14, 2018 to January 5, 2019. Many of the photographs were exhibited for the first time , to deepen the understanding of her work and her desire to record and present her interpretation of the world around her. “Vivian Maier: The Color Work” dates from the 1950s to the 1980s, captures the street life of Chicago and New York and includes several of her enigmatic self-portraits.

The exhibition has coincided with the publication of Vivian Maier: The Color Work (Harper Design | HarperCollins, November 2018), the first book dedicated to her color images. With a foreword by renowned photographer Joel Meyerowitz (1938) and text by Colin Westerbeck, former curator of photography at the Art Institute of Chicago.

Places of the world

How to read the instructions VM1960W00212-08-MC.

Vivian Maier (VM) 1960 (year) WOO212-08 (catalog) MC (Maloof Collection).

1959. Saigón, Vietnam. VM1959W02685-12-MC
1959. La Esfinge de Giza y la Pirámide de Keops, Egipto. VM1959W04125-08-MC
1956. 22 de agosto. Chicago. VM1956W03431-10-MC
1960. Chicago, Illinois. VM1960W00212-08-MC
Chicago. VM19XXW03132-03-MC
Nueva York. VM19XXW04198-03-MC
Nueva York. VM1954W04201-08-M
1957. Julio. Suburbio Chicago. VM1957W02574-06-MC
1953. Septiembre. NY. VM1953W02853-09-MC
Sin fecha. VM19XXW03074-06-MC
1959. 5 de junio. Tailandia VM1959W02645-03-MC
1959. 5 de junio. Tailandia. VM1959W02645-07-MC
1954.Julio. Nueva York. VM1954W03415-04-MC
1962. 18 de septiembre. VM1962W01125-02-MC
  1. Audrey Hepburn at the premiere of “My Fair Lady” in Chicago at the RKO Palace Theatre. October 23. VM19XXW02129-11-MC

The various cameras of Vivian Maier.

“VIVIAN MAIER LIVING COLOR” exhibition, “VIVIAN MAIER: Color Vivo”, Los Angeles, California, December 1, 2018. (Photo by Harmony Gerber).

Nominations announced for the 87th Academy Awards Beverly Hills, CA on January 15, 2015.

Directors J.J. Abrams and Alfonso Cuarón announce the film “Finding Vivian Maier” as nominated for best documentary at the ceremony, at the AMPAS Samuel Goldwyn Theater. (Photo by Kevin Winter).

Vivian Maier exhibit on September 8, 2014 at the Chicago History Museum on the North Side.(Chris Walker, Chicago Tribune)

A visitor’s legs appear in this Sept. 8, 2014, photo beneath one of Vivian Maier’s photos in the exhibit at the Chicago History Museum on the North Side. (Chris Walker, Chicago Tribune)

A visitor’s legs appear in this Sept. 8, 2014, photo beneath one of Vivian Maier’s photos in the exhibit at the Chicago History Museum on the North Side. (Chris Walker, Chicago Tribune)

1966. 31 de marzo. Chicago

It is perhaps one of the most recognizable facets of his work.

They are present in her work with a certain insistence, with perseverance, she discovers herself in them.

He avoids simple confrontation, his gaze is diverted, interrupted by a reflection, a break, that seems to bounce off something that takes us out of the frame and projects us outside the image, outside itself.

Her shadow, her profile are allusions, her desire to capture her own image is such that even when she portrays other people she reflects herself in some element of the composition, turning her portraits into veiled self-portraits.

Vancouver. Canada

Turin, Italy, February 9, 2022.

Visitors attend the preview of artist Vivian Maier’s Inédita exhibition at the Reali Museum. (Photo by Roberto Serra).

The tour has been conceived as a pleasant walk along a large avenue through which the work of Vivian Maier runs. The visitor will be able to get into her skin, walk like she did and see what her eyes saw.

White, black and gray are the predominant colors in most photography exhibition designs. This is not the case with the exhibition setting, designed by Gabriel Corchero Studio.

The room is full of color, a detail that weaves with the femininity and delicacy of Vivian Maier. Each section is assigned a color that is part of a chromatic progression, in which one of the sections of this exhibition is not included; Precisely the only one that does not need color due to the vast vividness of the tone of its images, the “Color Photographs” section, is located in the vaulted gallery of the room, whose exposed brick walls have been covered with enormous cardboard panels on the that their works are exhibited.

The 9 Super 8 films are distributed and viewed in different spaces of the room, highlighting two large prisms, located in the central area, which house 4 of them. Another of the spaces in the room, where the 13 self-portraits are located, deserves a special mention for the prominence that the reflections acquire, thanks to its octagonal shape and a delicate mirror prism in the center, which give reflections to the self-portraits.

A nod to the practice of the brilliant artist when she photographs herself and used reflective materials to show her figure.

The exhibition catalog with text in English. It was edited by John Maloof, and prefaced by the English writer Geoff Dyer, with images from the exhibition, and others that do not belong to it.

The “Vivian Maier” mural by Eduardo Kobra (1976) is displayed in the Wicker Park neighborhood of Chicago on May 4, 2019. (Photo by Raymond Boyd).

Ends in the fourth part http://onlybook.es/blog/gb-vivian-maier-thank-you-for-keeping-it-alive-part-four-and-final/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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gb Vivian Maier, Thanks for keeping it alive, part two

This translation from Spanish (original text) to English is not professional. I have done it with Google, so there will be linguistic errors that I ask you to know how to hide. Many times I have been asked to read my texts in English, and that is why I decided to do it. In addition to your patience, if you see something that I can correct, and wish to notify me of it, I will be happy to do so. In the meantime, with its lights and shadows, here are the lines that I have written. Hugo Kliczkowski Juritz

His life

The story of Vivian Maier is an unprecedented story, as unusual as it is unexpected.

A photographic legacy that hides an exciting and secret history.

We have mentioned that she worked as a nanny for more than four decades, and in her free time she created a parallel and secret reality in which she took thousands of photographs, recorded urban sounds and filmed in Super 8 and 16 mm; and she did all three things with a mastery and absolute modernity not common in someone who can be considered an amateur photographer.

He managed to open a fascinating window into everyday life in public spaces. She accumulated more than 2,000 rolls of undeveloped film, 5,000 printed photographs and more than 120,000 negatives that, apart from her, practically no one else looked at during her life.

When a large part of his assets, as well as all of his photographic production, were deposited in a furniture storage room, and were subsequently seized and sold, John Maloof (1981) entered the scene, a young student who was looking for photos to document a work that was doing about his neighborhood.

He acquired them at a small auction in Chicago.

Maloof discarded the photographs for this purpose, but revealed a portion of them for the purpose of selling them on the internet.

Allan Sekula (1951 – 2013), a well-known American artist of Polish origin, photographer, writer, filmmaker, photography theorist and critic, contacted him to warn him that those photos were loaded with great talent.

But who was behind the camera?

Maloof’s investigations led him to find out that the author of the snapshots was Vivian Maier, a mysterious woman who had lived between Chicago and New York.

Maier’s legacy has become an extraordinary surprise for experts, who were amazed by photographs endowed with a modernity and quality unusual for the years and circumstances in which they were produced.

These singularities have led Vivian Maier to be compared with masters of the stature of Diane Arbus (1923 – 1972), Robert Frank (1924 – 2019), William Klein (1926 – 2022) or Garry Winogrand (1928 – 1984).

The dramatic thing about this story is that Maier never knew that her secret passion would take her out of anonymity until she became an enigmatic and fascinating figure.

Now we can admire his work, since his photos are the testimony of his contemplation of the world, that «something» furtive from the mind of this mysterious person of whom it seems that there will always remain unknowns.

The impact that Vivian Maier has generated in the world of photography has taken her work to the best galleries in the world and to be published in many books about her work.

Maloof directed the 2013 film “Finding Vivian Maier,” which was nominated for an Oscar in 2014 for “Best Documentary Feature.” Thanks to the investigations and interviews carried out by John Maloof after the photographer’s death.

«For all the meals have been cooked, the plates and cups washed; the children sent to school and thrown out into the world. Nothing remains of all this; everything disappears. No biography, no history, has a word to say about it». A Room of One’s Own, 1929. Virginia Woolf

A walk through her life The work of Vivian Maier (New York, 1926 – Chicago, 2009) tells us a lot about her life, although there are still numerous shadows about her biography.

In 1951, at the age of 25, Maier emigrated permanently to the United States, first to New York and in 1956 to Chicago. Given his precarious economic situation, the Gensburg family, for whom he had worked for almost 17 years, provided him with an apartment to live in until he died in 2009 in complete anonymity. The exhibition begins in the 1950s, the date of emigration to the United States.

The exhibition

It is divided into 6 sections: Childhood, Portraits, Formalisms, Street Scenes, Self-portraits and Color Photographs.

1 Childhood

Vivian Maier/Maloof Collection. Courtesy of the Howard Greenberg Gallery of NY

1955. San Francisco

For Maier, the act of photographing was his way of relating to people. He fixed his gaze on the world, evoking the poetics of daydreams, typical of the child’s world.

This section shows the degree of empathy that Maier had with the children. Childhood is a vitally important constant in his work.

Under this theme we see photographs in which children are the protagonists; whether it be images of children posing individually, playing in a group or staring into the camera.

A multitude of photographs of children accompanied by adults stand out, which suggests that Maier was attracted to photographically studying the bond that existed between the two.

The children she cared for accompanied her on her wanderings, on the long walks through which she discovered thousands of places, people, stories and secrets. Their children also became their models, pretexts to carry out skits, portraits, stories, games…

2 Portraits

This section mainly concentrates a wide variety of photographs of women, the elderly and the homeless. These images are a testimony to his curiosity about everyday life and the traits of the people who caught his attention. While some photographs are obviously snapshots taken secretly, others are the result of a real encounter between Maier as a photographer and her models, who are photographed from the front and at a short distance.

1959. Kochi, India.VM1959W04098-13-MC

It is in the portraits where Maier gets closer to the other. It is appropriate to make a distinction between the portraits of people who belonged to the lower classes – with whom she herself could identify – and the portraits of people with an apparently comfortable life.

1959. 27 de junio. Asia. VM1959W02455-11-MC
1957. Florida. VM1957W02584-04-MC

When observing the portraits of these people, who lived on the margins of the world – with whom Maier felt partly identified – one gets the feeling that they abandon themselves to the image, to photography. They don’t smile, they don’t try to achieve anything with their image beyond simply describing who they are. Simplicity, confusion, austerity and closeness are very present in this genre. Something unusual should be noted in this series of portraits; In some of them, Maier prints his face on those of the people he is photographing. This peculiarity means that his portraits also represent his own person and, ultimately, they can be considered, in addition to portraits, as self-portraits.

Although in the series of popular portraits he reinforces his protagonists by taking these snapshots while respecting a certain distance, in the case of the portraits of upper-class individuals, Maier literally pushes them, or purposely bumps into them, causing them to make a somewhat negative, a reaction that he takes advantage of and captures with a certain irony.

An important part of his portraits feature vagabonds, people abandoned to their fate for whom he felt compassion.

Untitled, c.1950 © Vivian Maier/Maloof Collection, Cortesía Galería Howard Greenberg de NY

New York Public Library, New York, c. 1952 © Vivian Maier/Maloof Collection, Cortesía de la Galería Howard Greenberg de NY

Sometimes she errs on the side of being nosy and “assaults”, in a somewhat impolite way, the private sphere of these people. If we quickly associate the work of Garry Winogrand with the concept of aggressiveness and that of Robert Frank with social criticism, in the field of portraits, we could associate the work of Vivian Maier with daring.

3 Formalisms

It includes a selection of images whose importance lies in the formal features of the elements that appear in the photographs. It perfectly defines Maier’s obsession not so much with the image itself but with the act of photographing. He took images of people, the street, objects, landscapes… Sometimes, it seems that he conceived what he photographed only from a formal point of view, without worrying about the discourse or content of the photographs.

Two of the aspects for which Maier’s work is best recognized are the framing and balance in his photographs; most of them taken head-on, with a certain pragmatism.

The balance lies in the tensions generated by the large axes of the frame, in the arrangement of lines, shapes and volumes, elements to which urban scenes usually lend themselves. He also attaches great importance to what remains “next to” the anecdote, to geometric structures, to the graphic rhythms of architecture, to its textures.

Most of them are images of elements close to the anecdote, whether structures, shapes or geometries, which make up a kind of visual minimalism. We appreciate photographs with a very synthetic description, with large axes that delimit the space. A multitude of lines, shapes and volumes that announce the disappearance of the figure.

These images are the preamble to his color work that began in the sixties.

Sin fecha. VM19XXW00508-12-MC
1953. Nueva York, NY. VM1953W00060-07-MC
1954. Nueva York, NY.VM1954W00009-07-MC
1956. Chicago

4 Escenas de Calle

1954. 8 de octubre. Nueva York, NY
VM1954W02938-01-MC

Another very interesting section, and the most extensive in the exhibition, is called Street Scenes, which includes some of his memorable photographs of the architecture and urban life of New York and Chicago, especially from the 50s and 60s, especially from its most popular neighborhoods.

Although he did not have a limited field of action, he took numerous images of the streets of NY and Chicago, especially in their most popular neighborhoods.

The street was his theater and his images a pretext.

1954. NY.

With his snapshots he extracted the beauty of the ordinary, searching in everyday life for those almost invisible cracks through which he accessed “his world”.

Unknown people, anonymous people, were part of that world. Maier lined up in space with those people; He was looking for his ideal place and his optimal angle.

What he measured with his camera was not the light, it was his distance from the other. “Distance” is the key word in his work.

1950. NY.
1962. Chicago.

It is important to highlight this because it constitutes the basis of their modus operandi. Maier’s relationship with the people who appear in his photographs was inevitably forged through the lens of his camera.

1956. Setiembre. Mujer Armenia discutiendo en el
East 86th Street

In most of the images that are part of this section, their attention is focused on the “other.” This becomes for an instant the main actor – or secondary, as the case may be – of micro events. In his street scenes he did not enter the scene he photographed; He stayed at its threshold, at the limit. Neither too close to interfere, nor too far to be invisible. He simply photographed what he saw; I wasn’t trying to capture anything exceptional, just the little things, the truly important things in the definition of each person or situation: a detail, a gesture, an attitude, an inflection in reality transformed into an anecdote.

.

5 Self-portraits

Sin fecha. Autorretrato.

It is perhaps one of the most recognizable facets of his work.

Self-portraits marked his photographic career. She did an infinite number of them, as many as there were possibilities of discovering who she herself was; something that was proposed with a certain insistence and apparent obsession. This is why this subgenre has its own section within the exhibition (Self-portraits) in which we observe his surprising ability to take advantage of reflections and elements that he found in his daily life to create fantastic compositions in which he incorporated his figure.

Often, in his self-portraits, Maier shied away from simple visual confrontation in favor of a lost, confused look, interrupted by a reflection that distorted his image.

On other occasions, we observe how the profile of his shadow spreads on the ground like a puddle of water and, on other occasions, his face bounces on something and escapes, deviating from the path, from the frame of the image. Here we find a contradiction – or personal struggle – between the concept of escaping and finding oneself, as we have mentioned previously. In any case, and apparently, what she was looking for was to find her place in the world, as she herself expresses in one of the sounds she recorded.

6 color photographs

1977. Noviembre. Chicago.
1959. Chicago

Finally, the Color Photographs section includes the most recent photographs of the artist. Starting in 1965, Maier began to address color photography. This move to color is accompanied by a technical change, since he begins to work with a Leica, much lighter and with the viewfinder located at eye level, very important differences compared to the Rolleiflex that he had used until then. This change reinforces your eye contact with the people you photograph. In this section it is the color spectrum that captures Maier’s attention. Chromatic experimentation is the undisputed protagonist in this section. Explore the characteristics of chromatic language with a certain lightness, developing your own lexicon. He emphasizes the garish details, fixes his gaze on the variegated dissonances of fashion and plays with contrasts. The result is unique, free and even playful images. In them you can see how he has fun with reality through his camera.

In addition to the extremely varied selection of photographs, distributed among the six sections of the exhibition, 9 films in Super8 are included, made between 1965 and 1973.

Through this material you can see how it establishes a very playful and relaxed relationship with the environment, ignoring any technicality. In those films, we see how he moves away, gets closer, surrounds something that his intuition and perception led him to see, until he stops, frames it, and that’s when he makes the decision to capture that specific image. His camera recorded the movement of his eyes, rather than the content it focused on.

Maier’s ability to capture the right frame at the exact moment, with elements of lighting, movement and essence aligned, is revealed in the notable fact that he rarely took more than one image of the same moment in time.

“Why have you never shown anyone your work? Do you agree with what I’m doing?” John Maloof, discoverer of Vivian Maier material. Interview for Lomography Magazine, 2011.

The third part continues at http://onlybook.es/blog/gb-vivian-maier-thank-you-for-keeping-it-alive-part-three/

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gb Vivian Maier, Thanks for keeping it alive, part one

second part http://onlybook.es/blog/vivian-maier-gracias-por-mantenerla-viva-segunda-parte/

This translation from Spanish (original text) to English is not professional. I have done it with Google, so there will be linguistic errors that I ask you to know how to hide. Many times I have been asked to read my texts in English, and that is why I decided to do it. In addition to your patience, if you see something that I can correct, and wish to notify me of it, I will be happy to do so. In the meantime, with its lights and shadows, here are the lines that I have written. Hugo Kliczkowski Juritz

Photo SPAIN exhibition

Canal Foundation, c/Mateo Inurria, 2. Madrid

Curator: Anne Morin, director of di/Chroma photography

June 9 to August 14, 2016.

The Canal Foundation presented “Vivian Maier, Street Photographer”, the first major exhibition of who, after her death, became a world reference in photography.

“He knew how to capture his time in a fraction of a second. He transmitted the beauty of ordinary things, searching for the everyday, in the banal, the imperceptible fissures and the furtive inflections of reality.”

Vivian Maier, one of the most surprising and media characters in contemporary photography, alternated her profession as a nanny with her hidden and great passion: she took more than one hundred thousand photographs that she never showed.

After his death in destitution and artistic anonymity, his archive was found by accident, and since his work saw the light in 2010 he has become one of the greatest world references in “street photography” and a media phenomenon.

For the first time in Madrid, this exhibition takes a global tour of the work of Vivian Maier, thematically addressing her main interests and showing the quality of her vision and the subtlety with which she made the visual language of her time her own.

From a perspective interested in the urban and the formation of life in cities, that is, from an architectural perspective, Vivian’s photographs remind us of the soul that lives where we live.

They are not just streets, they are not just cars, they are not just spaces, but they are everything together and at the same time, the succession of images reflects our life.

In the 1995 film Smoke, by Paul Auster and directed by Wayne Wang, the protagonist Auggie Wren (Harvey Keitel) takes photos from the entrance of his business, which sells smoking items, always facing the same direction, every day he can.

His friend, the novelist Paul Benjamin (William Hurt) visits him and when he sees the photographic album, he tells him

-they are all the same, while turning the pages, why are you doing it he asks

Until suddenly in one of them, instead of seeing walkers, people crossing in one direction or another see their wife.

In reality, he stares at the woman who was his wife, because he had died, I don’t remember what he says, but I can remember that at that moment the protagonist understood, I understood, that, being the same photos, they are not the same.

The time, the people, the memories ourselves, we are not the same.

The critic Carlos Boyero (1953) wrote of the film “…I see it frequently…it helps to survive…”

The image of the river that seems the same, where the water flows permanently, reminds us factually that that river is never the same river, even if it seems that way.

That’s why I was so interested in Vivian Maier’s exhibition, her photographs also help us survive.

Exhibition content.

1957. 9 de enero. Florida
VM1957W03436-09-MC

The exhibition includes a total of 120 photographs, in addition to a selection of contacts, taken between 1950 and 1981, of which 100 black and white images cover the period from 1950 to 1970 and another 20 in color from 1965 to 1981.

In addition to 9 Super 8 films made between 1965 and 1973. This material masterfully takes us on an interesting “walk” through the streets of New York and Chicago in the second half of the 20th century. We discover a story in every corner and a life behind each of the gestures of the protagonists of this exhibition: men, women and children; elderly, homeless and people with a well-off life, workers or simply people who travel on a train. But they all have something in common, something that at a certain moment caught Vivian’s attention to make them part of her world.

His life can easily evoke Churchill’s famous quote, “A riddle, wrapped in a mystery, inside an enigma.”

Vivian Maier (February 1, 1926 – April 21, 2009) was born in New York City in the Bronx neighborhood.

He spent most of his youth in France, his mother was French, born in the High Alps of the Champsaur Valley, near the town of Gap, his father was Austro-Hungarian.

At the beginning of the 20th century, the Maier and Jaussaud families left their respective homelands in search of a better life in the United States. They had met in New York where they married in 1919. In 1920 their first child, Charles, was born, and 6 years later Vivian would come into the world. The “American dream” was not fulfilled for the Maier family, they had to resign themselves to a much more difficult situation than the one they had left behind. Vivian had to live in a family worn down by economic difficulties.

1953. Septiembre. NY

In 1930, when he was only 4 years old, his father abandoned them, guardianship of his brother Charles passed to his paternal grandparents who lived in the Bronx. Maria Jaussaud and her daughter Vivian settled in this same neighborhood, in the house of a friend of her mother, Jeanne Bertrand, also from Champsaur, who had been working as a sculptor and photographer in New York since 1912. She was a renowned portrait painter in 1902. She had been proclaimed by the Boston Globe as one of Connecticut’s best photographers.

Jeanne Bertrand greatly influenced the life of Vivian Maier, although there is not much data that allows us to assess what type of influence she could have exerted on her. The 30s and 40s are quite a blur in Vivian’s life. It is known that he returned and settled with his mother in the Champsaur Valley, and in 1939, at the age of 13, he made one of his sporadic visits to New York with his mother due to litigation with the justice system over issues linked to his brother Charles.

In 1951 she returned permanently, but alone, without her mother.

She traveled on the steamship “De Grass”, and while she lived in New York she worked as a nanny for a family in Southampton.

Brownie Kodak de Vivian Maier

It was in 1949 that while in France, he began taking his first photographs with his mother’s modest and inaccurate Kodak Brownie box camera, a small amateur camera with a single shutter speed, no focus control and no aperture dial. .

Its screen was tiny and its results very poor.

In 1952, he bought a Rolleiflex camera.

When she moved permanently to the North Shore suburbs of Chicago, another family hired her as a nanny for their three children.

He maintained contact with them for the rest of his life.

In 1956, already settled in Chicago, she was able to have a private bathroom and a dark room where she could process her prints and develop her own black and white negatives.

Vivian Maier’s bathroom served as a dark room, some of her cameras. er did
the times of dark room. Right: some of its cameras

At the beginning of the 70s, when the children were older, he had to leave his job, and moved from family to family, his negatives began to accumulate.

He took photos constantly over five decades, leaving behind more than 100,000 negatives, most of them of Chicago and New York.

She documented the world around her through home movies, recordings, and collections, putting together one of the most fascinating windows into American urban life in the second half of the 20th century.

In his free time, he took photos that he jealously hid from the eyes of others. Taking snapshots in the late 1990s, he would leave behind an immense body of work. His passion for documenting extended to a series of homemade documentaries and audio recordings.

Interesting fragments of America, the demolition of historic landmarks to make way for new development, the invisible lives of various groups of people and homeless people, as well as some of Chicago’s most treasured sites, were meticulously cataloged by Vivian.

She was a free spirit, and a proud soul, who when she ran out of resources was saved by three of the children she had cared for earlier in her life. They fondly remembered Maier as a second mother, and they banded together to pay for her apartment and take care of her.

Unbeknownst to them or anyone else, one of the warehouses where Vivan kept his photographs was auctioned off to pay off his late payments.

There were closets full of those negatives that he kept secretly throughout his life, as well as objects that he found, such as art books, newspaper clippings, home movies, or knick-knacks.

Maier’s enormous body of work would come to light when in 2007 his work was discovered at a local second-hand auction house on Chicago’s northwest side. From there, it would eventually impact the entire world and change the life of the man who championed his work and brought him into the public eye, John Maloof.

Currently, Vivian Maier’s work is being archived.

John Maloof is at the center of this project after reconstructing most of the archive, which had previously been dispersed among the various buyers who attended that auction. Now, with approximately 90% of her archive reconstructed, Vivian’s work is part of a revival in interest in the art of street photography.

«Well, I guess nothing is meant to last forever. We have to accommodate other people. It’s a wheel. You get on, you have to go to the end. And then someone has the same chance to go all the way and so on.” Vivian Maier

color photographs

The change to color occurred from 1965 onwards and was accompanied by a practical change, as he began to work with a Leica, with a viewfinder directly at eye level (unlike the Rolleiflex used until then).

In this way, he directly faces eye contact with others and photographs the world in its colored reality.

His color writing is unique and free.

He explores the specificities of color language in his own way, having fun with reality: he highlights striking details, points out the variegated dissonances of fashion and plays with iridescent counterpoints.

Information that John Maloof has shared on the “Vivian Maier” blog

Pictured are John Maloof (1981) and Tim Roth (1961) attending the opening of the “VIVIAN MAIER: LIVING COLOR” Exhibition on December 1, 2018 in Los Angeles. (Photo by Harmony Gerber/Getty Images)

In 1952 he bought his first Rolleiflex camera.

Throughout his career he used Rolleiflex 3.5T, Rolleiflex 3.5F, Rolleiflex 2.8C, Rolleiflex Automat and others.

Later he also used a Leica IIIc, an Ihagee Exakta, a Zeiss Contarex and several other SLR cameras.

I mainly used Kodak Tri-X and Ektachrome films.

Of the 100,000 negatives and slides found, all of them have been digitized into digital contact sheets.

A selection of photographs has been scanned in high resolution, a task that continues.

There are around 700 rolls of Ektachrome 35mm color film that have not yet been processed, they are protected in a refrigerator until they are developed.

Maloof began scanning negatives on an Epson V700, and later with an Imacon 949.

Digital contact sheets were obtained by placing negatives and slides on a light table that was photographed with a Better Light Super 8K-HS scanner.

Colección Maloof

John Maloof is the owner and chief curator of the Maloof Collection.

Howard Greenberg Gallery handles all sales of prints from the Collection. Steve Rifkin of Hank’s Photographic Services makes all gelatin silver prints and Carl Saytor of Luxlab prints all color work.

«John Maloof has come across an unknown artist whose photography is compared to giants, a lonely woman who, in death, is attracting the kind of attention and acclaim she had avoided in life.» Huffington Post

«Maier’s work and biography are starkly moving reminders of how powerfully we all experience our lives, largely in isolation.» – Vanity

«She is now considered a lost master of the form, the Windy City’s own Helen Levitt.» New York Times

1953. Octubre 18. NY
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Let’s save the Parador Ariston from its ruin

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El parador ARISTON, una ruina moderna por HaKj

Vivian Maier, Gracias por mantenerla viva, cuarta parte y final

Finding Vivian Maier

El estreno en cines de “Finding Vivian Maier” en los EEUU fue el 28 de marzo de 2014.

Vivian Maier (1926 – 2009) siempre llevaba una cámara Rolleiflex colgada del cuello, pero ocultaba celosamente sus fotografías a los demás.

Sus fotografías en blanco y negro, en su mayoría de las décadas de 1950 y 1960, son imágenes impactantes de la arquitectura y la vida callejera de Chicago y Nueva York. Rara vez tomó más de un fotograma de cada imagen y se concentró en capturar a niños, mujeres, ancianos y gente de la calle. La amplitud de la obra de Maier también revela una serie de sorprendentes autorretratos, así como grabados de sus viajes a Egipto, Bangkok, Italia, el suroeste de Estados Unidos y otros lugares.

La exposición “Vivian Maier, Street Photographer” incluye más de 100 fotografías en blanco y negro y en color y películas de 8 mm tomadas por Maier. La Galería de Arte de Hamilton es la primera galería canadiense en presentar la exposición.

El 11 de noviembre del 2011 John Maloof presentó diapositivas y explicó la vida y obra de Vivian Maier, en Nueva Yoek en el powerHouse Arena en 37 Main Street, DUMBO, Brooklyn. John Maloof habló sobre su extraordinario descubrimiento de la fotografía de Vivian Maier. Junto con una sesión de preguntas y respuestas y una presentación de diapositivas, Maloof detalló su experiencia al descubrir el extenso trabajo de Vivian Maier y compartió su visión sobre la curiosa niñera de Chicago convertida en un fenómeno fotógrafo callejero póstumo.

El evento fue adelantando el lanzamiento de Vivian Maier: Street Photographer .

2014. 2 de abril

La Colección Maloof y la Galería Merry Karnowsky (170 S. La Brea Avenue, Los Ángeles) presentaron el 7 de enero de 2012 “Vivian Maier: Una vida descubierta”, A Life Discovered.

Su apertura se filmó y pasó a ser parte del documental de “Vivian Maier. Fotografías de la colección Maloof”, presentada por Tim Roth.

Narra el hecho notable del descubrimiento por John Maloof en 2007 en una casa de subastas en Chicago.

A Maier se la reconoce una fotógrafa que es un icono de su visión desde los años 40 hasta los 70.

Tomó más de 2.000 rollos de película, imprimió más de 3.000 fotografías y produjo más de 150.000 negativos que representan la vida callejera y la arquitectura de Nueva York, Chicago, Los Ángeles y el suroeste de Estados Unidos, así como destinos tan lejanos como Manila, Bangkok, Beijing, Egipto e Italia.

Maier murió en 2009 a la edad de 83 años, antes de que se entendiera o revelara completamente el alcance de su legado.

La colección Maloof se compone deaproximadamente el 90% del trabajo de Vivian Maier, meticulosamente reconstruido, archivado y catalogado.

La colección posee entre 100.000 y 150.000 negativos, más de 3.000 copias antiguas, cientos de rollos de película, películas caseras, entrevistas en cintas de audio, cámaras originales de Vivian Maier, documentos y varios otros artículos.

Desde el 21 de junio al 20 de octubre de 2019, espacio Kutxa Kultur en la Tabakalera de San Sebastián. “Pretendemos que acceda a la identidad que nunca tuvo a lo largo de su vida y su lugar en la fotografía. Darle una bella historia después de su muerte, porque nunca fue reconocida por su procedencia y su estatus y se sometió a su condición de nanny”. “… la escritura fotográfica de Maier se puede comparar a la de los grandes fotógrafos del siglo XX así que muestras como esta pretenden hacer justicia a su memoria”. “Hay aspectos en los que fue una pionera como su trabajo en color, con el que se adelanta 15 o 20 años al de William Eggleston (1939) de los 70 y con sus películas de super 8, en las que se anticipa al lenguaje de John Cassavetes (1929 – 1989) de los 70 y los 80 mostrando las escenas con una mirada propia…Creo que el hecho que fuera autodidacta le dio una libertad de sintaxis que la diferenciaba del resto”.

Comisarió la muestra Anne Morin (Rouen 1973), graduada en la École Nationale de Photographie d’Arles y la École Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier.

“Gracias por mantenerme vivo”. Sixto Rodríguez

Las exposiciones realizadas con material de Vivian Maier han sido muchísimas, si tiene sentido poner algunas aquí es para dar la visión del enorme trabajo que Maloof ha hecho para que Vivian pueda estar presente en nuestras vidas, quizás nunca lo hubiera soñado o querido, pero estoy seguro estaría tan sorprendida como encantada, sobre todo porque podría haber tenido unos recursos para vivir con más dignidad sus últimos años.

Hubiera dicho, como Sixto “Gracias por mantenerme viva”.

Su historia me recuerda a la historia de Sixto Rodríguez (Jesus Sixto Diaz-Rodriguez (Detroit 1942 – 2023), dada a conocer en el fantástico documental sueco-británico de 2012 de 86 minutos, realizado por Malik Bendjelloul “Searching for Sugar Man”.

https://www.rtve.es/play/videos/somos-documentales/searching-sugar-man/6752174

Sixto Rodríguez (asi llamado por ser el sexto hijo de la familia) era un cantante que trabajaba cantando en bares, poco conocido.

A fines de los años 1960 fue contactado por dos productores musicales que lo convencieron de grabar un disco, “Cold Fact” en 1970, que no tuvo éxito comercial, intento al año siguiente con un segundo disco “Coming from Reality” de 1971, tampoco tuvo buenas ventas en Estados Unidos.

Sixto nunca supo de su enorme éxito en Sudáfrica, luego de la poca venta de sus dos discos en los EE. UU., dejó la música y se dedicó a trabajar en la construcción.

Pero, Oh sorpresa, dejó de ser un marginado, su trabajo fue muy bien recibido en Sudáfrica, donde las letras de sus canciones y el misterio que rodeaba al cantante lo transformaron en una figura muy popular entre los jóvenes del país.

Su álbum Cold Fact fue adoptado como un símbolo de la lucha contra el apartheid.

Sus letras, varias de sus canciones fueron prohibidas por la South African Broadcasting Corporation.

Músicos sudafricanos como Koos Kombuis (1954)  Willem Möller y Johannes Kerkorrel (1960) se inspiraron en el mensaje de Rodríguez.
Gracias a los esfuerzos de dos fanes sudafricanos (Stephen ‘Sugar’ Segerman y Craig Bartholomew-Strydom) descubren su paradero. En el documental se narra el viaje que hizo Rodríguez a Sudáfrica en marzo de 1998, donde tocó seis conciertos. Tras esto, el cantante siguió viviendo de forma modesta en Detroit y donando todo el dinero recaudado en los conciertos a sus familiares y amigos, regresando de forma esporádica al país africano para tocar algunos conciertos.

El destino hizo que se lo compare con Elvis Presley y con los Rolling Stones.

Nuestro cantante murió a los 81 años,

2022

Galería MK, Milton Keynes MK9 3QA, Reino Unido   

2021

Werkstattgalerie Hermann Noack, Berlín, Alemania

Museo de Luxemburgo, París, Francia

2020

Centro Cultural de Cascais, Cascais, Portugal

Fabriken Bästekille, Kivik, Suecia

Espacio Cultural Porto Seguro, São Paulo, Brasil

Art Angle Corporation, Ciudad de Taipei, Taiwán

Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Ámsterdam, Países Bajos

FoLa Fototeca Latinoamericana, Buenos Aires, Argentina

Museo Glenbow, Calgary, Canadá

El Museo Finlandés de Fotografía, Helsinki, Finlandia

2019

Museo del Antiguo Évêché, Grenoble, Francia

Forma Meravigli, Milán, Italia

Magazzino delle Idee, Trieste, Italia

Kutxa Kultur Artegunea, San Sebastián, SS, España

Somerset House, Strand Londres, Reino Unido

Galerías de arte de Sofía, Sofía, Bulgaria

Scuderie del Castello Visconteo, Pavía Italia, Italia

Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español, Valladolid España, España

Galería Lumiere, Atlanta GA, Estados Unidos

Museo de Arte y Ciencia de Luisiana, Baton Rouge LA, Estados Unidos

Les Douches la Galerie, París, Francia

2018

KP Projects, Los Ángeles CA, Estados Unidos
Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos

Willy Brandt Haus, Berlín, Alemania

Hanks Photo Lab, Mount Vernon Nueva York, Estados Unidos

70 South Gallery, Morristown Nueva Jersey, Estados Unidos

Galería de arte de Hamilton, Hamilton, Canadá

Madelyn Jordon Fine Art, Scarsdale Nueva York, Estados Unidos

Palacio Pallavicini, Bolonia BO, Italia

Salón de la Fama de la Fotografía Internacional, St. Louis MO, Estados Unidos

2017

KP Projects, Los Ángeles CA, Estados Unidos

The Granary Gallery, Martha’s Vineyard MA, Estados Unidos

Palacio Ducal de Génova, Génova, Italia

Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos

El Centro de Arte en Tarnow, Tarnow, Polonia

Museo di Roma en Trastevere, Roma, Italia

FoLa Fototeca Latinoamericana, Buenos Aires, Argentina

2016

Galería ILEX, Roma, Italia

CAMPREDON Centro de arte, L’Isle-sur-la-Sorgue, Francia

Les Douches la Galerie, París, Francia

Palacio Dell’Arengario, Monza, Italia

Galería Lumiere, Atlanta GA, Estados Unidos

Centro de Arte de Des Moines, Des Moines IA, Estados Unidos

Fundación Canal Isabel II, Madrid, España

Fundación Foto Colectania, Barcelona, ​​España

Museo de Arte de Arlington, Arlington, Texas, Estados Unidos

Photobastei, Zúrich, Suiza

Kulturhuset Stadsteatern, Plaza Sergel, Suecia

Dunkers Kulturhus, Helsingborg, Suecia

2015

Parque Cultural de Valparaíso, Valparaíso, Chile

Galería Merry Karnowsky, Los Ángeles CA, Estados Unidos
Forma Meravigli, Milán, Italia

Foto Pekín, Pekín, China

Centro Cultural de las Condes, Santiago, Chile

HarperCollins BookLab, Nueva York NY, Estados Unidos

MAN Museo D’Arte della Provincia di Nuoro, Nuoro NU, Italia

Museo de Arte Sungkok, Seúl, Corea del Sur

Galería Sherrick & Paul, Nashville TN, Estados Unidos

Museo de Arte, Lexington KY, Estados Unidos

Museo de Imagen y Sonido de São Paulo, São Paulo, Brasil

Bernal Espacio Galería, Madrid, España

Museo de Arte, Pullman WA, Estados Unidos

Willy Brandt Haus, Berlín, Alemania

2014

Fifty One Fotografía artística, Amberes, Bélgica

Beetles + Huxley, Londres, Reino Unido

Galería Lumiere, Atlanta GA, Estados Unidos

Les Douches la Galerie, París, Francia

Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos

Bienal FotoFocus, Cincinnati OH, Estados Unidos

Centro de Fotografía Contemporánea, Fitzroy Victoria, Australia

Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Ámsterdam, Países Bajos

Fundación Hasselblad, Gotemburgo, Suecia

17 de diciembre de 2013 – 25 de enero de 2014

“Vivian Maier: fotógrafa callejera”

Fundación Hasselblad, Gotemburgo, Suecia

2 dic al 23 dic 2013

“Vivian Maier”

Beetles+Huxley, Londres, Reino Unido

17 de noviembre de 2013
Presentación de la película “Buscando a Vivian Maier” – Estreno en los EEUU

SVA Theatre, Nueva York NY, Estados Unidos

8 de noviembre al 4 de enero de 2014

“Vivian Maier: una revelación fotográfica”

CHÂTEAU DE TOURS, Tours, Francia

16 de octubre al 21 de diciembre de 2013

“Exposición de Vivian Maier en París”

Les Douches la Galerie, París, Francia

6 de octubre al 18 de diciembre de 2013

“Vivian Maier: la lente de una mujer”

Universidad Brandeis – Centro de Investigación de Estudios de la Mujer, Waltham MA, EEUU

4 de septiembre al 27 de octubre de 2013

“Vivian Maier Fotógrafa callejera”

Galería Isa Spalding, Toronto, Canadá

16 de abril al 29 de junio de 2013

“Vivian Maier + Saúl Leiter”

Fifty One Fotografía artística, Amberes, Bélgica

11 de marzo al 3 de abril de 2013

“Vivian Maier”

Chris Beetles Fine Photographs, Londres, Reino Unido

1 de octubre al 13 de noviembre de 2012

“Vivian Maier: Lo sguardo nascosto”

Galería dell’Incisione, Brescia, Italia

20 de septiembre al 6 de enero de 2013

“Vivian Maier”

Casa Húngara de Fotografía, Budapest, Hungría

3 de febrero al 22 de abril de 2012

“Vivian Maier: descubierta”

Galería Monroe, Santa Fe NM, Estados Unidos

7 de enero al 28 de enero de 2012

“Vivian Maier” – Presentado por Tim Roth

Galería Merry Karnowsky, Los Ángeles CA, Estados Unidos

10 de octubre de 2011 – 9 de diciembre de 2011
“Vivian Maier – Fotografías de la colección Maloof”

Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos

11 de septiembre al 9 de octubre de 2011

“Vivian Maier – Fotógrafa callejera”

Noorderlicht Photofestival, Groningen, Países Bajos

29 de julio al 16 de septiembre de 2011

“Vivian Maier: una vida al descubierto”

Galería Photofusion, Londres, Reino Unido

5 de julio al 5 de agosto de 2011
“A la recherche de Vivian Maier (En busca de Vivian Maier)”

Biblioteca Gap, Gap, Francia

1 de julio al 24 de julio de 2011

“Vivian Maier – Una vida descubierta”

Festival de fotografía callejera de Londres, Londres, Reino Unido

28 de junio al 3 de julio de 2011

“A la recherche de Vivian Maier (En busca de Vivian Maier)”

Saint-Julien-en-Champsaur, Saint-Julien-en-Champsaur , Francia

27 de enero al 28 de abril de 2011

“Brilla brilla pequeña estrella… “Twinkle, twinkle, little star”,

Galerie Hilaneh von Kories, Hamburgo, Alemania

7 enero al 3 abril 2011

“Buscando a Vivian Maier: fotógrafa callejera de Chicago”

Centro Cultural de Chicago, Chicago IL, Estados Unidos

18 de noviembre al 4 de diciembre de 2010

Buscando a Vivian Maier”.

El Apartamento 2, Oslo, Noruega

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Vivian Maier, Gracias por mantenerla viva, tercera parte

ver segunda parte en http://onlybook.es/blog/vivian-maier-gracias-por-mantenerla-viva-segunda-parte/

1953. Septiembre. NY

Narra la fascinante historia real, que esta subyacente en la fascinante vida de Vivian Maier.

La niñera fotógrafa, cuyo trabajo fue descubierto en un trastero de Chicago, capturó la imaginación del mundo con sus imágenes magistrales y su vida misteriosa. Antes de saltar póstumamente a la fama mundial, enterró tan profundamente su pasado que incluso las familias con las que vivía sabían poco sobre ella. Nadie podía contar dónde nació o creció, si tuvo padres o hermanos, si disfrutaba de las relaciones personales, por qué tomaba fotografías y por qué no las compartía con los demás.  

Ann Marks, una de las pocas personas que vio los registros personales completos de Vivian y el archivo de 140.000 imágenes, lo narra en “VIVIAN MAIER, DEVELOPED”.

Una meticulosa investigación revela la historia de una mujer que huyó de una familia con una historia oculta de ilegitimidad, bigamia, rechazo de los padres, abuso de sustancias, violencia y enfermedades mentales para vivir la vida en sus propios términos. Con una capacidad limitada para revelar sentimientos y establecer relaciones, se expresó a través de la fotografía, creando un porfolio secreto de imágenes llenas de emoción, autenticidad y humanidad. Con una resiliencia ilimitada, derribó todos los obstáculos en su camino, decidida a mejorar su suerte y la de los demás defendiendo incansablemente los derechos de los trabajadores, las mujeres, los africanos y los nativos americanos.

Se la considera una de las mejores fotógrafas callejeras del siglo XX, junto con personas como Bernice Abbott (1898 – 1991), Lisette Model (1901 – 1983) y Robert Frank (1924 – 2019).

El libro de 368 páginas y texto en inglés fue editado por Atria Books/Simon & Schuster, ISBN 9781982166724 en diciembre de 2021.

John Maloof, fotografías de Vivian Maier. Texto de Ann Marks

Street Style

La fotografía callejera o street Style, es una manera de contar historias para transmitir la experiencia de la vida cotidiana y la visión del artista mediante las fotos que realiza por el mundo.

Como el fotoperiodismo, nada está escenificado, ni posado ni planeado. No se basa en modelos o luces de estudios.

El trabajo en color de la fotógrafa callejera Vivian Maier fue el tema de la exposición en la Galería Howard Greenberg (en Nueva York) realizada entre el 14 de noviembre de 2018 al 5 de enero de 2019. Muchas de las fotografías se expusieron por primera vez, para profundizar la comprensión de su obra y su afán por registrar y presentar su interpretación del mundo que la rodea. “Vivian Maier: The Color Work” data las décadas de 1950 a 1980, captura la vida callejera de Chicago y Nueva York e incluye varios de sus enigmáticos autorretratos.

La exposición ha coincidido con la publicación de Vivian Maier: The Color Work (Harper Design | HarperCollins, noviembre de 2018), el primer libro dedicado a sus imágenes en color. Con un prólogo del renombrado fotógrafo Joel Meyerowitz (1938) y texto de Colin Westerbeck, ex curador de fotografía del Instituto de Arte de Chicago.

Lugares del Mundo

Forma de leer las indicaciones VM1960W00212-08-MC.

Vivian Maier (VM) 1960 (año) WOO212-08 (catalogo) MC (Maloof Collection).

1959. Saigón, Vietnam. VM1959W02685-12-MC
1959. La Esfinge de Giza y la Pirámide de Keops, Egipto. VM1959W04125-08-MC
1956. 22 de agosto. Chicago. VM1956W03431-10-MC
1960. Chicago, Illinois. VM1960W00212-08-MC
Chicago. VM19XXW03132-03-MC
Nueva York. VM19XXW04198-03-MC
Nueva York. VM1954W04201-08-M
1957. Julio. Suburbio Chicago. VM1957W02574-06-MC
1953. Septiembre. NY. VM1953W02853-09-MC
Sin fecha. VM19XXW03074-06-MC
1959. 5 de junio. Tailandia VM1959W02645-03-MC
1959. 5 de junio. Tailandia. VM1959W02645-07-MC
1954.Julio. Nueva York. VM1954W03415-04-MC
1962. 18 de septiembre. VM1962W01125-02-MC

1963. Audrey Hepburn en el estreno de “My Fair Lady” en Chicago en el RKO Palace Theatre. 23 de octubre. VM19XXW02129-11-MC

Las diversas cámaras de Vivian Maier.

Exposición “VIVIAN MAIER LIVING COLOR”, “VIVIAN MAIER: Color Vivo”, Los Ángeles, California, 1 de diciembre de 2018. (Foto de Harmony Gerber).

Anuncio de las Nominaciones a los 87 premios de la Academia Beverly Hills, CA el 15 de enero de 2015.

Los directores J.J. Abrams y Alfonso Cuarón anuncian la película “Finding Vivian Maier” como nominada al mejor documental en la ceremonia, en el Teatro Samuel Goldwyn de AMPAS. (Foto de Kevin Winter).

Exposición de Vivian Maier el 8 de septiembre de 2014 en el Museo de Historia de Chicago en el North Side.(Chris Walker, Chicago Tribune).

Las piernas de un visitante aparecen en esta fotografía del 8 de septiembre de 2014 debajo de una de las fotos de Vivian Maier en la exposición en el Museo de Historia de Chicago en el North Side.(Chris Walker, Chicago Tribune).

Vivian Maier

“Street photographer”

Retratos

1966. 31 de marzo. Chicago

Es quizás una de las facetas más reconocibles de su trabajo.

Están presentes en su obra con cierta insistencia, con perseverancia, se descubre ella misma en ellos.

Evita la simple confrontación, su mirada se ve desviada, interrumpida por un reflejo, un quiebro, que parece rebotar sobre algo que nos saca del encuadre y nos proyecta fuera de la imagen, fuera de ella misma.

Su sombra, su perfil son alusiones, es tal su afán por captar su propia imagen que incluso cuando retrata a otras personas se refleja ella misma en algún elemento de la composición, convirtiendo sus retratos en velados autorretratos.

Vancouver. Canadá

Turín, Italia, 9 de febrero de 2022.

Los visitantes asisten a la previsualización de la exposición Inédita de la artista Vivian Maier en el Museo Reali. (Foto de Roberto Serra).

El recorrido se ha concebido como un agradable paseo por una gran avenida a través de la cual discurre la obra de Vivian Maier. El visitante podrá meterse en su piel, pasear como lo hacía ella y ver lo que sus ojos veían.

El blanco, el negro y el gris son los colores predominantes en la mayoría de los diseños de las exposiciones de fotografía. No es el caso de la ambientación de la exposición, diseñada por Gabriel Corchero Studio.

La sala está repleta de colorido, detalle que hila con la feminidad y la delicadeza de Vivian Maier. Cada sección tiene asignado un color que forma parte de una progresión cromática, en la cual no está incluida una de las secciones de esta exposición; precisamente la única que no necesita color por la vasta viveza del tono de sus imágenes, la sección “Fotografías a color”, está ubicada en la galería abovedada de la sala, cuyos muros de ladrillo visto han sido recubiertos con enormes paneles de cartón sobre los que se exponen sus obras.

Las 9 películas en Super 8 se reparten y visualizan en diferentes espacios de la sala, destacando dos grandes prismas, ubicados en la zona central, que alojan 4 de ellas. Otro de los espacios de la sala, donde se ubican los 13 autorretratos, merece una mención especial por el protagonismo que adquieren los reflejos, gracias a su forma octogonal y a un delicado prisma de espejos en el centro, que dan reflejos a los autorretratos.

Un guiño a la práctica de la genial artista cuando se fotografía así misma y se valía de materiales reflectantes para mostrar su figura.

El Catálogo de la exposición con texto en inglés. Fue editado por John Maloof, y prologado por el escritor inglés Geoff Dyer, con imágenes de la muestra, y otras que no pertenecen a la misma

El mural “Vivian Maier” de Eduardo Kobra (1976) se exhibe en el barrio de Wicker Park en Chicago, el 4 de mayo de 2019. (Foto de Raymond Boyd).

Finaliza en la cuarta parte http://onlybook.es/blog/wp-admin/post.php?post=14431&action=edit

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Vivian Maier, Gracias por mantenerla viva, segunda parte

primera parte http://onlybook.es/blog/vivian-maier-gracias-por-mantenerla-viva/

Su vida

La historia de Vivian Maier es una historia inédita, tan insólita como inesperada.

Un legado fotográfico que esconde una apasionante y secreta historia.

Hemos comentado que ejerció como niñera durante más de cuatro décadas, y en su tiempo libre creó una realidad paralela y secreta en la que hizo miles de fotografías, grabó sonidos urbanos y rodó en Super 8 y 16 mm; y las tres cosas las hizo con una maestría y una modernidad absoluta no común en alguien que puede considerarse una fotógrafa amateur.

Logró abrir una fascinante ventana a la vida cotidiana en los espacios públicos. Acumuló más de 2.000 rollos de película sin revelar, 5.000 fotografías impresas y más de 120.000 negativos que, aparte de ella, prácticamente nadie más contempló durante su vida.

Cuando gran parte de sus bienes, así como la totalidad de su producción fotográfica, fueron depositados en un trastero guardamuebles, y son posteriormente embargados y vendidos, entra en escena John Maloof (1981), un joven estudiante que buscaba fotos para documentar un trabajo que estaba haciendo sobre su barrio.

Las adquirió, en una pequeña subasta de Chicago.

Maloof descartó las fotografías para este fin, pero reveló una parte de ellas con el propósito de venderlo en internet.

Allan Sekula (1951 – 2013) un conocido artista estadounidense de origen polaco, fotógrafo, escritor, cineasta, teórico y crítico de fotografía, lo contactó para advertirle de que aquellas fotos estaban cargadas de gran talento

Pero ¿quién estaba detrás de la cámara?

Las investigaciones de Maloof le llevaron a averiguar que la autora de las instantáneas era Vivian Maier, una misteriosa mujer que había vivido entre Chicago y Nueva York.

El legado de Maier se ha convertido en una extraordinaria sorpresa para los expertos, quienes quedaron asombrados ante fotografías dotadas de una modernidad y una calidad insólita para los años y las circunstancias en los que fueron producidas.

Estas singularidades han llevado a Vivian Maier a ser comparada con maestros de la talla de Diane Arbus (1923 – 1972), Robert Frank (1924 – 2019), William Klein (1926 – 2022) o Garry Winogrand (1928 – 1984).

Lo dramático de esta historia es que Maier nunca llegó a saber que su secreta pasión, la sacaría del anonimato hasta convertirla en una enigmática y fascinante figura.

Ahora podemos admirar su trabajo, ya que sus fotos son el testimonio de su contemplación del mundo, ese “algo” furtivo de la mente de esta misteriosa persona de la que parece que siempre quedarán incógnitas.

El impacto que Vivian Maier ha generado en el mundo de la fotografía ha llevado su trabajo a las mejores galerías del mundo y a verse publicado en multitud de libros sobre su obra.

Maloof dirigió en 2013 la película “Finding Vivian Maier”, que fue nominada a los Oscar en 2014 a “Mejor largometraje documental”. Gracias a las investigaciones y entrevistas llevadas a cabo por John Maloof tras la muerte de la fotógrafa.

«Porque todas las comidas se han cocinado, los platos y las tazas lavado; los niños enviados a la escuela y arrojados al mundo. Nada queda de todo ello; todo desaparece. Ninguna biografía, ni historia, tiene una palabra que decir acerca de ello». Una habitación propia, 1929. Virginia Woolf

Un paseo por su vida El trabajo de Vivian Maier (Nueva York, 1926 – Chicago, 2009) nos cuenta mucho de su vida, aunque siguen existiendo numerosas sombras acerca de su biografía.

En 1951, a los 25 años, Maier emigró definitivamente a EE. UU., primero a Nueva York y en 1956 a Chicago. Ante su precaria situación económica, la familia Gensburg, para la cual había trabajado durante casi 17 años, le proporcionó un piso donde vivir hasta que murió en 2009 en el más absoluto anonimato. La exposición comienza en los años 50, fecha de emigración a Estados Unidos.

La exposición

Se divide en 6 secciones: Infancia, Retratos, Formalismos, Escenas de calle, Autorretratos y Fotografías a color.

1 Infancia

Vivian Maier/Maloof Collection. Cortesía de la Galería Howard Greenberg de NY

1955. San Francisco

Para Maier el acto de fotografiar era su forma de relacionarse con la gente. Fijaba su mirada sobre el mundo evocando a la poética de las ensoñaciones, propia del mundo infantil.

En esta sección se aprecia el grado de empatía que Maier tenía con los niños. La infancia es una constante de vital importancia en su obra.

Bajo esta temática contemplamos fotografías en las que los niños son los protagonistas; ya sean imágenes de niños posando de forma individual, jugando en grupo o mirando fijamente a la cámara.

Destacan multitud de fotografías de niños acompañados por adultos, lo que hace pensar que a Maier le atraía estudiar fotográficamente el vínculo que existía entre ambos.

Los niños a los que cuidaba la acompañaban en sus merodeos, en los largos paseos a través de los cuales descubría miles de lugares, personas, historias y secretos. Sus niños también se convertían en sus modelos, en pretextos para llevar a cabo escenificaciones, retratos, historias, juegos…

2 Retratos

Este apartado concentra, mayoritariamente, gran variedad de fotografías de mujeres, ancianos e indigentes. Estas imágenes son un testimonio de su curiosidad por la vida cotidiana y rasgos de las personas que llamaban su atención. Mientras que algunas fotografías son, evidentemente, instantáneas tomadas a escondidas, otras son fruto de un encuentro real entre Maier como fotógrafa y sus modelos, que son fotografiados de frente y a poca distancia.

1959. Kochi, India.VM1959W04098-13-MC

Es en los retratos donde Maier se acerca al otro. Resulta oportuno hacer una distinción entre los retratos de personas que pertenecían a las clases más bajas -con las cuales se podría identificar ella misma- y los retratos de personas con una vida aparentemente acomodada.

1959. 27 de junio. Asia. VM1959W02455-11-MC
1957. Florida. VM1957W02584-04-MC

Al observar los retratos de estas personas, que habitaban en los márgenes del mundo -con las que Maier se sentía en parte identificada- da la sensación de que se abandonan a la imagen, a la fotografía. No sonríen, no pretenden conseguir nada con su imagen más allá de, simplemente, describir quiénes son. La sencillez, el desconcierto, la austeridad y la cercanía están muy presentes en este género. Cabe destacar algo insólito en esta serie de retratos; en algunos de ellos Maier imprime su rostro sobre los de las personas que está fotografiando. Esta peculiaridad hace que sus retratos representen también a su propia persona y, en definitiva, puedan considerarse, además de retratos, como autorretratos. Si bien en la serie de retratos populares refuerza a sus protagonistas tomando estas instantáneas respetando una cierta distancia, en el caso de los retratos de individuos de clases altas, Maier les empuja literalmente, o se choca apropósito con ellos, provocando en ellos un gesto algo negativo, reacción que aprovecha y capta con cierta ironía.

Una parte importante de sus retratos los protagonizan vagabundos, personas abandonadas a su suerte por las cuales sentía compasión.

Untitled, c.1950 © Vivian Maier/Maloof Collection, Cortesía Galería Howard Greenberg de NY

New York Public Library, New York, c. 1952 © Vivian Maier/Maloof Collection, Cortesía de la Galería Howard Greenberg de NY

Peca en ocasiones de entrometida y “asalta”, de forma un tanto descortés, la esfera privada de estas personas. Si el trabajo de Garry Winogrand lo asociamos rápidamente con el concepto de agresividad y el de Robert Frank con la crítica social, en el ámbito de los retratos, el trabajo de Vivian Maier lo podríamos asociar con la osadía.

3 Formalismos

Incluye una selección de imágenes cuya importancia radica en los rasgos formales de los elementos que aparecen en las fotografías. Define a la perfección la obsesión de Maier no tanto por la imagen en sí como por el acto de fotografiar. Tomaba imágenes de personas, de la calle, de objetos, de paisajes… En ocasiones, parece que concebía lo que fotografiaba solamente desde un punto de vista formal, sin preocuparse por el discurso o el contenido de las fotografías.

Dos de los aspectos por los que mejor se reconoce el trabajo de Maier son el encuadre y el equilibrio en sus fotografías; la mayoría de ellas tomadas de frente, con cierto pragmatismo.

El equilibrio reside en las tensiones que generan los grandes ejes del encuadre, en la disposición de las líneas, formas y volúmenes, elementos a los que las escenas urbanas suelen prestarse. Concede tambien una gran importancia a lo que queda “al lado” de la anécdota, a estructuras geométricas, a los ritmos gráficos de las arquitecturas, a sus texturas.

La mayoría de ellas son imágenes de elementos próximos a la anécdota, ya sean estructuras, formas o geometrías, las cuales componen una especie de minimalismo visual. Apreciamos fotografías con una descripción muy sintética, con grandes ejes que delimitan el espacio. Multitud de líneas, formas y volúmenes que anuncian la desaparición de la figura.

Estas imágenes son el preámbulo de su trabajo en color que comenzó en los años sesenta.

Sin fecha. VM19XXW00508-12-MC
1953. Nueva York, NY. VM1953W00060-07-MC
1954. Nueva York, NY.VM1954W00009-07-MC
1956. Chicago

4 Escenas de Calle

1954. 8 de octubre. Nueva York, NY
VM1954W02938-01-MC

Otro interesantísimo apartado, y el más extenso de la exposición, es el denominado Escenas de calle, que incluye algunas de sus fotografías memorables de la arquitectura y la vida urbana de Nueva York y Chicago, sobre todo de los años 50 y 60, especialmente de sus barrios más populares.

Aunque no tuviera un terreno acotado de actuación tomó numerosas imágenes den las calles de NY y Chicago, especialmente en sus barrios más populares.

1954. NY.

La calle era su teatro y sus imágenes un pretexto.

Con sus instantáneas extraía la belleza de lo ordinario buscando en lo cotidiano aquellos resquicios casi invisibles a través de los cuales accedía a “su mundo”. Desconocidos, gente anónima, formaban parte de ese mundo. Maier se alineaba en el espacio con aquellas personas; buscaba su sitio idóneo y su ángulo óptimo. Lo que medía con su cámara no era la luz, era su distancia con el otro. “Distancia” es la palabra clave en su trabajo.

1950. NY.
1962. Chicago.

Es importante resaltarlo porque constituye la base de su modus operandi. La relación de Maier con las personas que aparecen en sus fotografías se forjaba, inevitablemente, mediante el objetivo de su cámara. En la mayoría de las imágenes que forman parte de esta sección su atención se centra en el “otro”. Éste se convierte por un instante en el actor principal –o secundario, según el caso- de micro sucesos. En sus escenas callejeras no entraba en el escenario que fotografiaba; se quedaba en su umbral, en el límite. Ni demasiado cerca para interferir, ni demasiado lejos para ser invisible. Simplemente fotografiaba lo que veía; no intentaba captar nada excepcional, solo las pequeñas cosas, las verdaderamente importantes en la definición de cada persona o situación: un detalle, un gesto, una actitud, una inflexión en la realidad transformada en anécdota.

1956. Setiembre. Mujer Armenia discutiendo en el
East 86th Street

.

5 Autorretratos

Sin fecha. Autorretrato.

Es quizás una de las facetas más reconocibles de su trabajo.

Los autorretratos marcaron su trayectoria fotográfica. Realizó infinidad de ellos, tantos como posibilidades de descubrir quién era ella misma; algo que se proponía con cierta insistencia y aparente obsesión. Es por ello por lo que este subgénero tiene una sección propia dentro de la exposición (Autorretratos) en la que observamos su sorprendente habilidad para aprovechar reflejos y elementos que encontraba en su día a día para realizar fantásticas composiciones en las que incorporaba su figura.

A menudo, en sus autorretratos Maier rehuía de la simple confrontación visual en favor de una mirada perdida, confusa, interrumpida por un reflejo que distorsionaba su imagen.

En otras ocasiones, observamos cómo el perfil de su sombra se extiende en el suelo como un charco de agua y, en otras, su rostro rebota sobre algo y se escapa, se desvía del camino, del encuadre de la imagen. Aquí encontramos una contradicción -o lucha personal- entre el concepto de escapar y encontrarse a sí misma, como hemos mencionado anteriormente. En cualquier caso, y al parecer, lo que buscaba era hallar su lugar en el mundo, como ella misma expresa en uno de los sonidos que grabó.

6 fotografías a color

1977. Noviembre. Chicago.
1959. Chicago

Por último, el apartado Fotografías a color incluye las fotografías más recientes de la artista. A partir de 1965, Maier comienza a abordar la fotografía en color. Este paso al color viene acompañado de un cambio técnico, ya que empieza a trabajar con una Leica, mucho más ligera y con el visor situado a la altura de la mirada, diferencias muy importantes respecto a la Rolleiflex que había usado hasta entonces. Este cambio refuerza su contacto visual con las personas que fotografía. En esta sección es el espectro cromático el que capta la atención de Maier. La experimentación cromática es la protagonista indiscutible en esta sección. Explora las características del lenguaje cromático con cierta ligereza, elaborando su propio léxico. Subraya los detalles chillones, fija su mirada en las disonancias abigarradas de la moda y juega con los contrastes. El resultado son imágenes singulares, libres e incluso lúdicas. En ellas se aprecia cómo se divierte con la realidad a través de su cámara.

Además de la variadísima selección de fotografías, repartidas entre las seis secciones de la exposición, se incluye 9 películas en Súper8, realizadas entre 1965 y 1973.

A través de este material se puede constatar cómo establece una relación muy lúdica y desenvuelta con el medio ignorando cualquier tecnicismo. En esas películas, vemos cómo se aleja, se acerca, rodea algo que su intuición y su percepción le llevaban a ver, hasta detenerse, encuadrar, y entonces era cuando tomaba la decisión de captar esa imagen concreta. Su cámara grababa el movimiento de sus ojos, más que el propio contenido que enfocaba.

La capacidad de Maier para capturar el encuadre correcto en el momento exacto, con elementos de iluminación, movimiento y esencia alineados, se revela en el hecho notable de que rara vez tomó más de una imagen del mismo momento en el tiempo.

“¿Por qué nunca le mostraste a nadie tu trabajo? ¿Estás de acuerdo con lo que estoy haciendo?”. John Maloof, descubridor del material de Vivian Maier. Entrevista para Lomography Magazine, 2011.

continua la tercera parte en http://onlybook.es/blog/vivian-maier-gracias-por-mantenerla-viva-tercera-parte/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Vivian Maier, Gracias por mantenerla viva, primera parte

segunda parte http://onlybook.es/blog/vivian-maier-gracias-por-mantenerla-viva-segunda-parte/

Exposición de Photo ESPAÑA

Fundación Canal, c/Mateo Inurria, 2. Madrid

Comisaria: Anne Morin, directora de di/Chroma photography

9 de junio al 14 de agosto de 2016.

La Fundación Canal presentó “Vivian Maier, Street Photographer”, la primera gran exposición de quien, tras su muerte, se convirtió́ en referente mundial de la fotografía.

“Supo captar su tiempo en una fracción de segundo. Transmitió la belleza de las cosas corrientes, buscando lo cotidiano, en lo banal, las fisuras imperceptibles y las inflexiones furtivas de la realidad”.

Vivian Maier, uno de los personajes más sorprendentes y mediáticos de la fotografía contemporánea, alternó su profesión de niñera con su oculta y gran pasión: realizó más de cien mil fotografías que nunca mostró.

Tras su muerte en la indigencia y en el anonimato artístico, su archivo fue encontrado por accidente, y desde que su obra vio la luz en 2010 se ha convertido, en uno de los mayores referentes mundiales de la “fotografía de calle” y en un fenómeno mediático.

Esta exposición por primera vez en Madrid hace un recorrido global por la obra de Vivian Maier, abordando de forma temática sus principales intereses y mostrando la calidad de su mirada y la sutileza con la que hizo suyo el lenguaje visual de su época.

Desde una mirada interesada en lo urbano y en la conformación de la vida en las ciudades, es decir desde una perspectiva arquitectónica, las fotografías de Vivian nos recuerdan el alma que habita donde habitamos.

No son solo calles, no son solo autos, no son solo espacios, sino que es todo junto y al mismo tiempo, la sucesión de imágenes refleja nuestra vida.

En la película Smoke, de 1995, de Paul Auster y dirigida por Wayne Wang, el protagonista Auggie Wren (Harvey Keitel) saca fotos desde el umbral de la entrada de su negocio, de venta de artículos para fumar, siempre en la misma dirección, cada día que puede.

Su amigo, el novelista Paul Benjamín (William Hurt) lo visita y cuando ve el álbum fotográfico, le dice

-son todas iguales, mientras da vuelta las páginas, para que lo haces le pregunta

Hasta que de repente en una de ellas, en lugar de ver paseantes, gente que cruzaba en una u otra dirección ve a su mujer.

En realidad, a la mujer que era su mujer, porque había fallecido, se queda mirándola, no recuerdo que dice, pero puedo recordar que en ese momento entendió el protagonista, entendí yo, que, siendo las mismas fotos, no son las mismas.

El tiempo, las personas, los recuerdos nosotros mismos, no somos los mismos.

El crítico Carlos Boyero (1953), escribió de la película” …la veo con frecuencia…ayuda a sobrevivir…”

La imagen del rio que parece el mismo, donde el agua corre permanentemente, nos recuerda fácticamente que ese rio, nunca es el mismo río, aunque lo parezca.

Por eso me intereso tanto la exposición de Vivian Maier, sus fotografías ayudan tambien a sobrevivir.

Contenido de la exposición.

1957. 9 de enero. Florida
VM1957W03436-09-MC

La muestra incluye un total de 120 fotografías, además de una selección de contactos, realizadas entre 1950 y 1981, de las cuales 100 imágenes en blanco y negro cubren el periodo de 1950 a 1970 y otras 20 a color el de 1965 a 1981.

Además de 9 películas en Súper 8 realizadas entre 1965 y 1973. Este material nos traslada magistralmente a un interesante “paseo” por las calles de Nueva York y Chicago de la segunda mitad del siglo XX. Descubrimos una historia en cada rincón y una vida detrás de cada uno de los gestos de los protagonistas de esta exposición: hombres, mujeres y niños; ancianos, vagabundos y personas con una vida acomodada, trabajadores o simplemente personas que viajan en un tren. Pero todas ellas tienen algo en común, algo que en un momento determinado llamó la atención de Vivian para que formaran parte de su mundo.

Su vida puede evocar fácilmente la famosa cita de Churchill “Un acertijo, envuelto en un misterio, dentro de un enigma”.

Vivian Maier (1 de febrero de 1926 – 21 de abril de 2009) nació en la ciudad de Nueva York en el barrio del Bronx.

Pasó la mayor parte de su juventud en Francia, su madre era francesa, nacida en los Altos Alpes del Valle del Champsaur, cerca de la localidad de Gap, su padre era austrohúngaro.

A principios del siglo XX, las familias Maier y Jaussaud abandonaron sus respectivas patrias en busca de una vida mejor en los Estados Unidos. Se habían conocido en Nueva York donde se casaron en 1919. En 1920 nació su primer hijo, Charles, y 6 años después llegaría al mundo Vivian. El “sueño americano” no se cumplió para la familia Maier, tuvieron que resignarse a una situación bastante más difícil que la que habían dejado atrás. A Vivian le tocó vivir en una familia desgastada por las dificultades económicas.

1953. Septiembre. NY

En 1930, cuando tenía tan solo 4 años, su padre les abandonó, la tutela de su hermano Charles pasó a sus abuelos paternos que vivían en el Bronx. Maria Jaussaud y su hija Vivian se instalaron en este mismo barrio, en la casa de una amiga de la madre Jeanne Bertrand, también procedente de Champsaur, quien ejercía desde 1912 como escultora y fotógrafa en Nueva York, era una retratista de renombre, en 1902 había sido proclamada por el Boston Globe como una de las mejores fotógrafas de Connecticut.

Jeanne Bertrand marcó, y mucho, la vida de Vivian Maier, aunque no hay muchos datos que permitan valorar qué tipo de influencia pudo ejercer sobre ella. Los años 30 y 40 son bastante borrosos en la vida de Vivian. Se sabe que regresó y se instaló junto a su madre en el Valle de Champsaur, y en 1939 con 13 años realiza con su madre una de sus visitas esporádicas a Nueva York por los litigios con la justicia por temas vinculados a su hermano Charles.

En 1951 regresa definitivamente, pero sola, sin su madre.

Viajó en el barco de vapor “De Grass”, y mientras vivió en Nueva York trabajo de niñera para una familia de Southampton.

Brownie Kodak de Vivian Maier

Fue en 1949 que estando en Francia, comenzó a sacar sus primeras fotografías con una modesta e inexacta cámara de caja marca Kodak Brownie de su madre, una pequeña cámara de aficionados con una sola velocidad de obturación, sin control de enfoque y sin dial de apertura.

Su pantalla era diminuta y sus resultados muy pobres.

En 1952, compra una cámara Rolleiflex.

Cuando se muda definitivamente a los suburbios de North Shore de Chicago otra familia la emplearía como niñera para sus tres hijos.

Mantuvo contacto con ellos durante el resto de su vida.

En 1956 ya instalada en Chicago, pudo tener un baño privado y un cuarto oscuro donde procesar sus impresiones y revelar sus propios negativos en blanco y negro.

El baño de Vivian Maier hacía las veces de cuarto oscuro, algunas de sus cámaras. er hacía
las veces de cuarto oscuro. Derecha: algunas de sus cámaras

A comienzos de los 70, cuando los niños ya eran mayores, debió dejar el empleo, y se muda de familia en familia, sus negativos comenzaron a acumularse.

Tomó fotos constantemente a lo largo de cinco décadas, dejando más de 100.000 negativos, la mayoría de ellos sobre Chicago y Nueva York.

Documentó el mundo que la rodeaba a través de películas caseras, grabaciones y colecciones, armando una de las ventanas más fascinantes a la vida urbana estadounidense de la segunda mitad del siglo XX.

En su tiempo libre, tomaba fotos que celosamente escondía de los ojos de los demás. Tomando instantáneas a finales de la década de 1990, dejaría un cuerpo de trabajo inmenso. Su pasión por documentar se extendió a una serie de documentales caseros y grabaciones de audio.

Fragmentos interesantes de Estados Unidos, la demolición de monumentos históricos para dejar lugar a los nuevos desarrollos, las vidas invisibles de varios grupos de personas e indigentes, así como algunos de los sitios más preciados de Chicago, fueron meticulosamente catalogados por Vivian.

Fue un espíritu libre, y un alma orgullosa, que cuando se queda sin recursos fue salvada por tres de los niños que había cuidado anteriormente en su vida. Ellos recordaban con cariño a Maier como una segunda madre, y se unieron para pagar su apartamento y se hicieron cargo de ella.

Sin que ellos ni nadie lo supieran, uno de los almacenes donde Vivan guardaba sus fotografías fue subastado para cancelar sus pagos atrasados.

Había armarios llenos de aquellos negativos que guardó en secreto a lo largo de su vida, además de objetos que encontraba, como libros de arte, recortes de periódicos, películas caseras, o chucherías.

El enorme cuerpo de trabajo de Maier saldría a la luz cuando en 2007 su trabajo fue descubierto en una casa de subastas local de segunda mano en el lado noroeste de Chicago. A partir de ahí, eventualmente impactaría en todo el mundo y cambiaría la vida del hombre que defendió su trabajo y lo llevó al ojo público, John Maloof.

Actualmente, la obra de Vivian Maier está siendo archivada.

John Maloof está en el centro de este proyecto después de reconstruir la mayor parte del archivo, que había sido previamente dispersado entre los diversos compradores que asistieron a esa subasta. Ahora, con aproximadamente el 90% de su archivo reconstruido, el trabajo de Vivian es parte de un renacimiento en el interés por el arte de la fotografía callejera.

«Bueno, supongo que nada está destinado a durar para siempre. Tenemos que dar cabida a otras personas. Es una rueda. Te subes, tienes que ir hasta el final. Y luego alguien tiene la misma oportunidad de llegar hasta el final y así sucesivamente».  Vivian Maier

Fotografías en color

El cambio al color sucede a partir de 1965 y viene acompañado de un cambio práctico, ya que comienza a trabajar con una Leica, con un visor directamente a la altura de la mirada (a diferencia de la Rolleiflex utilizada hasta entonces).

De esta manera, enfrenta directamente el contacto visual con los demás y fotografía el mundo en su realidad coloreada.

Su escritura del color es única y libre.

Explora las especificidades del lenguaje a color de manera propia, divirtiéndose con la realidad: resalta los detalles llamativos, señala las disonancias abigarradas de la moda y juega con contrapuntos tornasolados.

Informaciones que John Maloof ha vertido en el blog “Vivian Maier”

En la foto se ve a John Maloof (1981) y a Tim Roth (1961), quienes asisten a la apertura de la Exposición «VIVIAN MAIER: COLOR VIVO» el 1 de diciembre de 2018 en Los Ángeles. (Foto de Harmony Gerber/Getty Images)

En 1952 compró su primera cámara Rolleiflex.

A lo largo de su carrera utilizó Rolleiflex 3.5T, Rolleiflex 3.5F, Rolleiflex 2.8C, Rolleiflex Automat y otros.

Posteriormente también utilizó una Leica IIIc, una Ihagee Exakta, una Zeiss Contarex y varias otras cámaras SLR.

Principalmente utilizaba películas Kodak Tri-X y Ektachrome.

De los 100.000 negativos y diapositivas encontrados, su totalidad ha sido digitalizado en hojas de contactos digitales.

Se ha escaneado una selección de fotografías en alta resolución, dicha tarea que continua.

Hay alrededor de 700 rollos de película en color Ektachrome de 35 mm que aún no se han procesado, estan protegidas en un frigorífico hasta que se revelen.

Maloof comenzó a escanear negativos en una Epson V700, y luego con una Imacon 949.

Las hojas de contacto digitales se obtuvieron colocando negativos y diapositivas sobre una mesa de luz que se fotografió con un escáner Better Light Super 8K-HS.

Colección Maloof

John Maloof es el propietario y curador jefe de la Colección Maloof.

La Galería Howard Greenberg se encarga de todas las ventas de impresiones de la Colección. Steve Rifkin de Hank’s Photographic Services realiza todas las impresiones en gelatina de plata y Carl Saytor de Luxlab imprime todos los trabajos en color.

«John Maloof se ha topado con una artista desconocida cuya fotografía se compara con los gigantes, una mujer solitaria que, muerta, está atrayendo el tipo de atención y aclamación que había evitado en vida». Correo Huffington

«El trabajo de Maier y su biografía son recordatorios marcadamente conmovedores de cuán poderosamente todos experimentamos nuestras vidas, en gran medida de forma aislada». – Vanity

«Ahora se la considera una maestra perdida de la forma, la propia Helen Levitt de la Ciudad del Viento». New York Times

1953. Octubre 18. NY

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Let’s save the Parador Ariston from its ruin

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La Construcción del Sueño Americano

La Construcción del Sueño Americano

Carmen de la Guardia Herrero

Editorial Síntesis, 2019

La Construcción del Sueño Americano

Estados Unidos 1929 – 2018

Carmen de la Guardia Herrero

Editorial Síntesis, 2019

ISBN: 9788491714156

Colección: Temas de Historia Contemporánea

324 páginas. Encuadernación: Rústica.  Español

Un lúcido texto articulado sobre uno de los ejes vertebradores de la historia de Estados Unidos, la idea del Sueño Americano recorre la historia política, social y cultural de la nación americana desde la génesis del concepto, durante la crisis de 1929, hasta la actualidad.

Desde sus orígenes, esta idea se construye para defender una forma de entender la política, la economía, la sociedad y la cultura estadounidense, frente a una de las presidencias más innovadoras de la historia de Estados Unidos, la de F. D. Roosevelt. Sus soluciones para afrontar la crisis del 29 incrementaron las competencias políticas, económicas y sociales del Estado americano. Muchos estadounidenses se alzaron contra estas medidas y, enarbolando la idea de un sueño americano que hundía sus raíces en la época fundacional, reinventaron la historia de Estados Unidos, ensalzando los valores de la frontera, de la audacia y del individualismo que, según ellos, habían sostenido a Estados Unidos

Exposición en el CCCB

 “Suburbia. La construcción del sueño americano”

Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Montalegre, 5 – 08001 Barcelona. Tel. (+34) 933 064 100

Fax (+34) 933 064 101. info@cccb.org

Desde el 20 marzo al 8 septiembre 2024

La exposición incorpora materiales históricos, fotografías, ilustraciones e instalaciones artísticas de creadores tan destacados como Joel Meyerowitz, Norman Rockwell, Nina Leen, Bill Owens, Todd Hido, Angela Strassheim, Ed Templeton, Gabriele Galimberti, Jessica Chou, Weronicka Gesicka, Gregory Crewdson o Elías León Siminiani.

Otros libros de Carmen de la Guardia Herrero

Moving Women and the United States Crossing the Atlantic

Carmen de la Guardia Herrero

Elena Postigo Castellanos

Universidad Alcalá de Henares (UAH), Madrid, 2016

Las maestras republicanas en el exilio

Carmen de la Guardia Herrero

Los Libros de la Catarata. Madrid, 2020

Historia de Estados Unidos (Serie Historia) Tapa blanda – 12 mayo 2012

Carmen de la Guardia Herrero 

Luis y los elefantitos

Mi padre, nuestro padre, de Guille y mío era especial.

Especial, por cosas que no vienen al caso.

Cuando fue necesario, vital diría yo, comenzamos a vender suscripciones en los pabellones de la facultad de arquitectura, sería el año 1968.

Salimos disparados de nuestro piso de Gelly y Obes y Copérnico, al bario que ahora lo llaman “La Isla”, a Luis le gustaba decir que al garaje se entraba por la calle Luis Agote.

En uno de sus viajes a NY, trajo 2 discos estereofónicos, «Los Plateros» y la «5ta, sinfonía del nuevo mundo de Antonín Dvořák», en aquel entonces era la 5ta, luego paso a ser la 9na.

Luis llevaba a sus atónitos invitados de un parlante a otro (los separaban 9 metros en el amplio living), y les decía, aquí se escucha una parte de la orquesta, los bajos, y aquí, caminando los 9 metros, la otra, los agudos y asi, incansables veces.

Cuando yo lleve el disco de los Bad Boys «Papaumama», y lo escuchaba a todo volumen, Luis, cabreado me decía, como podía escuchar esa porquería, yo lo había buscado en el Club del Disco, en el primer piso de la Avda Santa Fé, un ritual de los sábados al mediodía, donde en unas cabinas podias escuchar si ese era el disco que querías llevar, con ese Papaumama estaba y sigo fascinado.

Luis había construido el edificio, estaba (estábamos) orgullosos, antes yo decía  que de alli salimos disparados a un departamento en la calle Pasteur y Cangallo.

Cuando le cambiaron el nombre a Cangallo por General Domingo Perón, Luis decía que vivía en Pasteur y General Domingo Cangallo.

Ese humor tenía Luis.

Un día apareció con una caja de cientos de llaveritos con un elefante cada uno.

El sistema para vender suscripciones era acercarse a una mesa y poner sobre ella 5 o 6 revistas, Summa, Nuestra Arquitectura, Hogar y Arquitectura, GA, Domus. Architecture d’Au Jourd hui…

Los estudiantes las miraban y se suscribían.

A veces hacia 10 suscripciones en un día, a veces 80.

Tanta venta era un misterio, pero no estaba solo. Llevaba los elefantitos.

Le preguntaba a los y las estudiantes

-que hacen?

-preparamos la entrega.

Entonces Luis le daba un elefantito, el elefantito de la suerte.

Cuando veía alguna embarazada, le aseguraba que le daría suerte al recibir a su bebe.

Luis estaba convencido y convencía.

Quizás alguien lea esto y haya recibido algún elefantito, y se sonría.

Hace pocas semanas en un metro de Barcelona, un marroquí ofrecía llaveros, había varios, yo solo veía el elefantito.

Y a Luis.

ELEMENTAL. Arq. Alejandro Aravena. 2nda parte y final

viene de http://onlybook.es/blog/elemental-arq-alejandro-aravena/

2008/2010. Mirador las Cruces en la ruta del Peregrino. Jalisco. Mexico

La Ruta del Peregrino tiene más de dos siglos de antigüedad, uniendo algunos municipios de Jalisco.

Nace en Ameca se recorren 117 km hasta llegar a Talpa de Allende para arribar a la basílica de Nuestra Señora del Rosario.

Tres millones de personas recorren este camino, ante la falta de infraestructura de apoyo en el 2008 se puso en marcha un proyecto para proporcionar servicios básicos, como alojamientos, observatorios y santuarios a los peregrinos. El estudio del Arquitecto Dellekamp encargó 15 intervenciones s diferentes estudios.

Es un punto de observación en forma de prisma de Hº Aº, apoyada, descansando sobre la ladera, brinda sombra, ventilación cruzada y una panorámica del valle en el punto más alto del camino.

Proyectada de manera que pueda envejecer como un elemento natural sin mantenimiento, evitando altos costes para acceder a ella a repararla. AV 185. Fotos Iwan Baan

2008/2012. Parque Bicentenario de la Infancia. Santigo

Se ubica en la ladera baja del cerro de San Cristóbal, al norte de Santiago, ocupa una superficie de 4 hectáreas, de las que 1.800 metros cuadrados se destinan a zonas de juegos infantiles.

Con una parte del solar en pendiente y otra más llana en su aproximación hacia el tejido urbano, la propuesta usa la inclinación del terreno para resolver el dilema entre diversión y seguridad para los niños.

Entre terrazas planas y taludes suaves discurren 60 toboganes.

El cierre perimetral se diseña como un tubo hueco y amplio en el que los niños se pueden introducir para hacer un recorrido con cambios de cota y 310 metros lineales. El parque ofrece una zona para refrescarse con juegos de agua entre un bosque de esferas, sombra en un jardín arbolado con una colección de casas de madera en las copas de los árboles. (Arquitectura Viva. Fotógrafo Cristóbal Palma). (3)

2009/2013. Viviendas Villa Verde. Constitución

Superficie 5688 m².

El 27 de febrero de 2010 tuvo lugar un movimiento sísmico de 8,8 grados en la escala sismológica de Richter, cuyo epicentro se ubicó en el mar chileno, frente a la costa de la Región de Biobío.

Un fuerte tsunami impactó las costas chilenas como producto del terremoto, destruyendo varias localidades ya devastadas por el sismo.

La ciudad de Constitución fue, entre otras, una de las más afectadas a causa del terremoto y posterior maremoto.

En esta ciudad de 46.000 habitantes las víctimas fatales llegaron a un total de 525 fallecidos.

En total y a lo largo de Chile, se estima que hubo un total de 2 millones de damnificados y unas 500.000 viviendas sufrieron graves daños. Este desastre se proclamó como la peor tragedia natural vivida en Chile desde el terremoto de 1960. (4)

Se puso especial atención al arraigo de la comunidad a través de la participación de los ciudadanos en el proyecto.

“Ideamos una tipología que volvió a aplicar el principio de incrementalidad”.

La empresa forestal Arauco, decidió fomentar el acceso a sus trabajadores de viviendas definitivas en el marco de la política habitacional de Chile, que consiste en un Fondo Solidario de Vivienda I (hasta 600 UF sin deuda, unos 25.000 dólares) y el FSV II (hasta 1000 UF con crédito hipotecario, unos 40.000 dólares). Los recursos disponibles eran superiores a los aplicados para viviendas sociales que ya habiamos realizado, lo que permitiría proyectos más ambiciosos.

Aclara el estudio “El proyecto propone casas en hilera con dos alturas, donde el usuario recibe la mitad del volumen edificable con unos acabados interiores sencillos, pero de calidad. La superficie inicial de cada unidad es de 57 m², pudiendo alcanzar los 85 m² tras la construcción de las extensiones. El aporte fundamental consiste en que se entrega la estructura casi completa para el estado final de las casas (muros medianeros compartidos, cubierta a dos aguas, solera inferior y vigas para el forjado del primer piso), dejando a los habitantes la realización de tan solo un forjado y dos paños verticales exteriores. Además, siguiendo las experiencias positivas de otros proyectos participativos, se convocaron talleres formativos y de consulta sobre la realización de las ampliaciones”.

El Plan estima una demanda de 9.000 unidades a ser implementadas en alrededor de treinta localidades.

“Por tanto, frente a desastres naturales, soluciones naturales. Si se es riguroso con el sentido común se resuelve la pregunta”. Alejandro Aravena en La Ciudad de las Ideas, Puebla, México, 2017.

2010. La nueva sede de la farmacéutica Novartis en Shanghái​

Aravena ha obtenido experiencia de su proyecto para una villa en Ordos, una nueva ciudad en Mongolia Interior, China, fue en el 2008 cuando se le encargó un proyecto que formaría parte de Ordos 100, un ambicioso proyecto arquitectónico de Ai Weiwei y Herzog & de Meuron.

Una casa que se convertiría en una residencia de alto nivel, en una ciudad en desarrollo, (la región tiene enormes depósitos de carbón). Muchas de las villas no se construyeron, la experiencia para el equipo de Aravena fue que “cuando se trabaja en un proyecto lejano en el extranjero, a menudo hay una gran brecha entre el lugar de construcción y la mesa de dibujo”.

En su libro ELEMENTAL, comenta “La lección que aprendimos de Ordos fue que no se iba a seguir ningún tipo de plan, ningún tipo de instrucción organizada en forma de dibujos o especificaciones técnicas”.

En el 2010, le encargan la compañía farmacéutica suiza Novartis en Shanghai.

“Decidimos elegir ladrillos recuperados e interpretaciones poco precisas, en lugar de construir algo perfecto optamos por construir algo poderoso”.

Sus planos formaron parte de su estrategia «más o menos».

En lugar de trabajar con planos, presupuestos y plazos estudiados y acordados, la experiencia de Chile nos había entrenado bien para improvisar y reaccionar ante circunstancias fluidas y contextos llenos de incertidumbres”.

A diferencia de Mies van der Rohe, Aravena no cree que Dios esté en los detalles, sino en la falta de ellos”.

2010/2015. Casa de la Cultura en Constitución

Tiene 829 m2, está sobre la calle Cruz, frente a la plaza de Armas.

Forma parte de los proyectos del Plan de Reconstrucción luego del tsunami de febrero del 2010 (PRES), se ha convertido en un impulsor para el desarrollo de las artes y la cultura.

En su primer año se desarrollaron 120 eventos con una participación de mas de 20 mil participantes, que no ha dejado de crecer desde entonces.

Tiene un pórtico de doble altura formado por una sucesión de grandes costillas de madera.

El interior se fragmenta en varios recintos independientes y flexibles, para eventos y exposiciones.

2011/2014. Centro de Innovación Anacleto Angelini, de la PUC, Campus San Joaquín, Santiago.

calle Vicuña Mackenna 4860, Macul, Región Metropolitan.

Área: 8176 m²

El grupo Angelini, un consorcio empresarial, décimo en importancia económica según la revista Forbes, con un patrimonio de 1500 millones de dólares, donó los fondos para edificar un centro de innovación tecnológica.

Este edificio fue pensado como una respuesta estructural al cambio climático en Santiago de Chile, teniendo como base de cálculo la eficiencia energética en un contexto de aridización.

En vista de la irradiación y sus efectos en espacios interiores, tanto del punto de vista de la reflectancia como de la termicidad en corporativos con revestimientos vítreos, se procedió a invertir la apertura tradicional de un edificio, pasando su diseño a privilegiar los espacios interiores como abiertos, y los espacios exteriores como ejes estructurales, consecuentemente produciendo una fachada de concreto desnudo, y un interior dinámico.

De esta manera se señala la reducción del consumo energético teórico de 120 kW/m2 al año en un edificio estándar de oficinas en Santiago, a 45 kW/m2 por año.

El edificio tiene 11 pisos y 3 niveles subterráneos.

En 2015, el edificio fue galardonado como el diseño del año, por el Design Museum de Londres.

La Universidad de Chicago lo ha considerado como uno de los 30 mejores edificios construidos del siglo XXI.

2012. Conjunto de 150 viviendas y un centro Comunitario de la colonia Lo Barnechea, al norte de Santiago

Cada vivienda tiene 67 metros cuadrados, dos plantas más mansarda, salón comedor, tres dormitorios, cocina y baño, además de la posibilidad de ser ampliadas hacia el interior, según los principios de Elemental.

2012/2014. Constitución Seaside Promenade. Constitución

El proyecto comprende una serie de miradores costeros conectados que van desde la desembocadura del río Maule hasta el Puerto de Maguellines, con el fin de potenciar y poner en valor el patrimonio natural.

Esta costa está caracterizada por enormes conjuntos rocosos con alto valor paisajístico pero que suponen, también, enormes obstáculos para recorrer la zona. El circuito proporciona un zócalo accesible de cinco tramos, asociados a una ciclovía de 4,5 kilómetros, que busca reactivar el turismo local.

Los miradores son elementos de geometría básica que enmarcan las vistas, formados por tres caras de madera y una barandilla de seguridad en el frente que se abre hacia el paisaje.

2014/2018. Casa Ochoquebradas, Etapa 4, Los Vilos

Foto de Cristóbal Palma 

El proyecto del Pabellón “Ocho Quebradas” en los Vilos (Chile) nace de un encargo por parte de la Universidad Finis Terrae dentro del marco de la promoción residencial 8³, donde se realizarán 8 etapas de construcción de ocho casas cada una. El territorio queda delimitado por la costa del océano Pacífico, a la altura del km. 220 de la Ruta 5 Norte; una topografía desértica rocosa y arenosa, y una antigua vía del tren desdibujada por el tiempo y el desuso.

El proyecto (tambien llamado ochoalcubo), está liderado por el emprendedor y apasionado por la arquitectura, Eduardo Godoy, ha comenzado una nueva fase de las 8 etapas que involucran a 8 arquitectos diferentes.

La primera etapa de este verdadero laboratorio de arquitectura tiene lugar en Marbella y se compone de obras de Christian de Groote, Mathias Klotz, Cristián Valdés, José Cruz, Teodoro Fernández, Cecilia Puga, Smiljan Radic, Cristián Undurraga, Felipe Assadi, y Sebastián Irarrázaval.

El promotor ha invitado a ocho arquitectos japoneses Ryue Nishizawa, Kazuyo Sejima, Kengo Kuma, Sou Fujimoto, Unya Ishigami y Atelier Bow-Wow (Yoshiharu Tsukamoto y Momoyo Kaijima) a proyectar una casa de vacaciones en Los Vilos, un agreste entorno natural situado a 250 kilómetros al norte de Santiago de Chile.

Toyo Ito fue la primera figura internacional en ingresar a este proyecto con la construcción de la Casa White O en el 2009 dando inicio a la segunda etapa.

El proyecto de Aravena tiene 250 m2, se distribuyen cuatro habitaciones, una zona de estar-comedor, cocina, aseos y una bodega. El proyecto “da pie a cierto primitivismo, que se expresa en su forma, semejante a la de un dolmen o tótem levantado en el paisaje”. Tiene la lírica de un exquisito dibujo de Piranesi azotado por las olas.

“Como rocas varadas en la playa, tres cuerpos de hormigón armado organizan el programa, estableciendo un diálogo con el paisaje abrupto frente a un violento Océano Pacífico”.

2015. La Cabaña del Escritor. Montricher. Suiza

La Fundación Jan Michalski, denominada también la Maison de l´Ecriture, se encuentra en Montricher, en la localidad de Bois Désert, rodeada de naturaleza en estado puro, frente al lago Geneva y los Alpes suizos.
Los arquitectos Vincent Mangeat y Pierre Wahlen, diseñaron un complejo que comprende diversos edificios que albergan los distintos usos que requería el programa: una residencia para los escritores, un comedor, una sala de estar, una biblioteca, un auditorio y un espacio de exposiciones; todo ello situado bajo la original cubierta de formas orgánicas que unifica y da personalidad al conjunto.

La Fundación cuenta con un grupo de siete módulos residenciales, de varios tamaños y estilos, denominados «treehouses», debido a que se encuentran colgados de la gran cubierta. Un octavo módulo, denominado «the elemental treehouse”, alberga el espacio de cocina y de descanso comunitario para los escritores.

Cada módulo ha sido diseñado por diferentes estudios de arquitectura.

Elemental de Alejandro Aravena), Schaub Zwicky, Atelier Bonnet, Fuhrimann Hächler, Rintala, Eggertssony Studio MK 27, Mangeat y Wahlen & Decosterd.

El auditorio se concibe como un espacio multidisciplinar donde acoger todo tipo de eventos culturales, con una capacidad para 120 espectadores. Fotografías de Leo Fabrizio.

2015. Edificio de oficinas spara Novartis. Shangai. China

2010/2015. Residencia para la Universidad St. Edwards, Austin, Texas

Ganan el concurso para diseñar una residencia que de alojamiento a 300 estudiantes en el campus que la Universidad tiene en las afueras de Austin en Texas. Debía incluir servicios como comedores.

En el zócalo se dan los usos más públicos y las habitaciones en los niveles superiores.

El edificio esta fragmentado en bloques que aumenta el perímetro de la fachada, las habitaciones tienen asi vistas diferentes, luz natural y un alto grado de intimidad en cuanto a visuales.

nte el duro entorno físico y climático, los bloques se envuelven con una piel dura y rugosa por fuera y se abren con superficies continuas de vidrio hacia el núcleo interior resguardado. textos de AV 185 y fotos de Cristóbal Palma.

2024. Sede del BPI en Basilea. The Bank for International Settlements (BIS) 

Elemental con el estudio Nissen Wentzlaff de Suiza.

Ha obtenido el 1er premio Concurso Internacional.

El jurado compuesto por Sacha Menz, Beat Aeberhard, Louisa Hutton, Débora Mesa Molina, Vittorio Magnago Lampugnani, Christophe Girot, Thomas Jordan, Luiz Awazu Pereira da Silva, Monica Ellis, Bertrand Legros y Véronique Neiss, seleccionó este diseño ganador sobre los 10 trabajos presentados.

Intervinieron Bjarke Ingels, David Chipperfield, Dominique Perrault, Foster + Partners, Herzog & de Meuron, Tatiana Bilbao, Mecanoo, Kengo Kuma junto a asociados locales.

Dijo el jurado que «la propuesta ganadora, ofrece una nueva torre en el sitio que busca conectarse y complementarse a la torre existente diseñada por el arquitecto suizo Martin Burckhardt (1921 – 2007),una icónica torre circular de los años 70″.

El jurado no solo apreció este gesto, sino que también destacó «su amplio uso de la madera y su fachada tipo “bosque”.

ELEMENTAL al explicar su proyecto dice:

“Identificamos 5 fuerzas diferentes en las que se basa nuestro proyecto.

Los contextos urbanos (plural). Un desafío particular de este proyecto es que tiene que responder a dos contextos: la torre existente y las torres circundantes

Tiempo: ganarlo y preservarlo. «Una parte significativa del nuevo proyecto se construye sin interrumpir la función actual del banco, maximizando la continuidad de la operación y en consecuencia ganando un tiempo precioso. Se preservan los viejos árboles existentes, cuidando el tiempo ganado que llevan. Su presencia proporciona valiosas áreas al aire libre con sombra«.

Colaboración. «El cambio de paradigma. el énfasis de nuestro diseño se ha desplazado hacia los espacios colectivos y sociales. El plano de planta convencional de una torre se invirtió: el núcleo central típico se dispersa en un perímetro más poroso, liberando el centro para la transparencia y la visibilidad, mejorando la experiencia de encontrarse con otro»s.

Sostenibilidad, híbridos estructurales y espacios al aire libre. «De acuerdo con el concepto de agrupación de pisos, cada tercer piso está hecho de hormigón, lo que permite el uso extensivo de madera estructural en la torre y, por lo tanto, reduce al mínimo la energía embebida».

Carácter. «Nuestra propuesta es responder a la torre con otra forma pura: un cuadrado. El proyecto trata sobre un diálogo clásico entre el círculo y el cuadrado. después de la pandemia, parece que todos tenemos el deseo de volver a la naturaleza. Por eso propusimos un bosque de columnas. Columnas más gruesas trabajando en compresión hacia el centro, dan lugar a elementos más delgados hacia el borde, dando al edificio una sensación natural en un entorno urbano denso».

Un proyecto muy interesante es la Villa Verde en Constitución, Chile (2013). En la página web de ELEMENTAL podemos leer:

La empresa forestal Arauco (enfocada a la sostenibilidad en la utilización de la madera) nos encargó desarrollar un plan para apoyar a sus trabajadores y contratistas a tener acceso a su vivienda definitiva dentro del marco de la política habitacional vigente en Chile. Esto nos permitió por primera vez incursionar en el tramo superior de la política habitacional. Con mayor disponibilidad de recursos, en vez de tomar una de nuestras viviendas más económicas y entregarla más terminada, volvimos a aplicar el principio de incrementalidad, pero con un escenario de crecimiento inicial y final de mayor estándar: de 57m² (superficie inicial de cada unidad) se pueden incrementar las viviendas hasta 85 m²”.

“… estamos tratando de identificar cuál es el problema, al pedirle a la gente que participe, lo que intentamos es imaginar cuál es la pregunta, no cuál es la respuesta. No hay nada peor que responder bien a preguntas incorrectas…” Alejandro Aravena, 13 de enero de 2016 en el Dezeen Magazine, entrevistado por Anna Winston

Acerca de la Residencia de Estudiantes St. Edwards en la Universidad de Austin el Arq Julio Gómez-Perretta de AyE comenta: “…Aravena es un escultor de arquitectura, un creador de formas que busca en la contundente simplicidad de la geometría la belleza de la forma. Parece reflejar a veces la imagen ciclópea de la arquitectura Inca, tallada en roca pura como en el Centro de Innovación de la UC o bien hecha de frágil cristal, como en las Torres Siamesas de la UC…”

 Financial Times

En 2019 el periódico británico Financial Times destacó la casa diseñada por Aravena en Ocho Quebradas (un condominio cercano a Los Vilos) como una de las cuatro mejores casas de Sudamérica. Las otras tres son The Grid House y Quinta da Baroneza, en Sao Paulo, la casa denominada «Patagonia», en Bariloche. La propiedad de 250 metros cuadrados es una vivienda para vacaciones, construida con tres grandes bloques de hormigón que se sostienen mutuamente, tiene una distribución muy bien lograda y ventanales que permiten una vista panorámica al mar. Está tasada en 1,1 millones de dólares.

Publicaciones

Además de varios artículos en revistas especializadas, Aravena es autor de varios libros:

-1999. Aravena, Alejandro. Los hechos de la arquitectura con Fernando Pérez Oyarzún y José Quintanilla.

-2002. El Lugar de la Arquitectura.

-2003. Material de Arquitectura.

Entre las publicaciones sobre su obra se cuentan

-«La monografía Alejandro Aravena, progettare e costruire» publicada por Electa;

-La cuarta edición de «Historia Critica de la Arquitectura Moderna» de Kenneth Frampton.

-«60 Innovators Shaping Our Creative Future» de Thames & Hudson.

así como libros de Phaidon y Taschen.

Sus obras han sido publicadas en Libros y revistas especializadas en más de treinta paises.

Se han presentado exhibiciones sobre su obra en Harvard GSD (2004), la Bienal de San Pablo (2007), la Bienal de Arquitectura de Venecia y la Trienal de Milán (2008), entre otras.

El Colegio de Arquitectos de Chile lo eligió en 2000 como el “Mejor arquitecto menor de 35 años”.

La Fundación Rolex de Suiza lo nominó entre los «25 arquitectos más promisorios del mundo». Los estudiantes de Arquitectura lo eligieron como el “Mejor arquitecto menor de 45 años”.

Algunos de los premios que ha recibido son

-2006. Medalla de Arquitectura Erich Schelling.

-Premio global de arquitectura sustentable.

-2008. León de Plata en la Venice Architecture Biennale.

-2009. Premio Avonni a la Innovación.

-2010. Premio de Diseño Curry Stone.

-Premio Marcus de Arquitectura.

-Título de Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de La Plata.

-2018. Premio Charles Jencks, otorgado por la Royal Institute of British Architect (RIBA).

Premio Pritzker

Jay Arthur Pritzker (Chicago 1922 – 1999) fue un empresario norteamericano que puso en funcionamiento más de 60 compañías multi-industriales. En 1979 se estableció el Premio Pritzker de Arquitectura, que ahora es considerado el más prestigioso honor en el campo.

En 2004, el Pabellón Jay Pritzker, diseñado por el arquitecto Frank Gehry, se completó como parte del Parque del Milenio en el centro de Chicago.

Ha recibido el Premio Pritzker en el 2016, el primer arquitecto chileno en recibirlo, y el cuarto latinoamericano después del mexicano Luis Barragán, y los brasileños Oscar Niemeyer y Paulo Mendes da Rocha.

Ver http://onlybook.es/blog/arquitecto-luis-barragan-casa-ortega-y-barragan-en-df-mexico/

La figura de Alejandro Aravena, sus proyectos, su actitud frente a la arquitectura pasan de todo menos desapercibidos.

Recibe tanto elogios como críticas, a veces más de unos y otros veces más de lo otros.

Tom Pritzker, director ejecutivo y presidente de la Fundación Hyatt que patrocina el premio dijo que “la arquitectura de Aravena da oportunidades económicas a los menos privilegiados, mitiga los efectos de los desastres naturales, reduce el consumo de energía y brinda un espacio público acogedor, es un arquitecto innovador e inspirador…muestra cómo la arquitectura de óptima calidad puede mejorar la vida de las personas”.

De entre sus obras, el jurado destacó especialmente las cinco obras realizadas para la Universidad Católica, su alma mater, entre ellas, las sedes de las facultades de Matemáticas y de Medicina, como asimismo el Centro de Innovación Anacleto Angelini

Se ha comentado críticamente que él mismo formó parte del jurado hasta el año 2015, y que se trata además de la primera vez que se entrega el Pritzker a un director en ejercicio de la Bienal de Arquitectura.

Con sus 48 años es el segundo premiado Pritzker más joven (después de Ryue Nishizawa)

Es interesante leer que Aravena habría sido premiado no por la calidad de su obra construida, sino por su estilo especial de ejercer la arquitectura, convirtiéndolo en un símbolo del compromiso con la arquitectura social (tema tambien controvertido).

Es un cambio de paradigma en los criterios de la decisión de quien merece el Pritzker, de premiar una trayectoria, de obras de toda una vida (una arquitectura como arte) a premiar la relevancia de las propuestas arquitectónicas de un profesional, de una arquitectura activista en los problemas sociales de las grandes urbes.

Notas

Residencia para la Universidad
St. Edwards, Austin

3

AV Monografías 185. Elemental. Alejandro Aravena.

4

TFG “La construcción de Alejandro Aravena” Autor Karim Benchiha Notivol. Director Enrique Cano Suñén. Escuela de Ingeniería y Arquitectura 2017/2018. Universidad de Zaragoza.

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

ELEMENTAL. Arq. Alejandro Aravena. primera parte

Alejandro Aravena Mori (Santiago de Chile 1967) es arquitecto, académico de la Pontificia Universidad Católica de Chile , profesor visitante de la Universidad de Harvard, y Premio Pritzker 2016.

Estudió en el Colegio Alemán, donde sus padres eran profesores, graduandose en 1992 de arquitecto en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Estudios Urbanos de la Pontificia Universidad Católica de Chile, fundada en 1888, de un enorme prestigio, figura primera dentro de las Universidades chilenas, siendo una de las 4 Universidades chilenas incluidas en el Academic Ranking of World Universities.

Durante su formación recibió influencia de algunos profesores y arquitectos como Fernando Alfredo Pérez Oyarzún (1950), que obtuviera el Premio Nacional de Arquitectura, y fue director del Museo Nacional de Bellas Artes.

Tras graduarse como arquitecto se trasladó a Venecia para realizar un postgrado en el Instituto Universitario de Arquitectura, fundado en 1926, entre sus rectores figura entre otros su creador Giovanni Bordiga, Carlo Minelli, Carlo Scarpa, Carlo Aymonino, y desde el 2015 Alberto Ferlenga.

Luego ha seguido cursos de grabado en la Academia de Bellas Artes (Accademia di belle arti di Venezia), fundada en 1756.

Desde 1994 es profesor de la Escuela de Arquitectura en la Universidad Católica de Chile y, desde 2000, es profesor en la Escuela de Graduados en Diseño de Harvard.

Imparte cursos y conferencias en el Colegio de Arquitectos de Cataluña, Archilab 2001 (Orleans), el IUAV (Venecia), el Banco Mundial y el Banco Iberoamericano de Desarrollo (Washington), el Istituto Universitario di Architettura di Venezia, la AA School of Architecture de Londres, fundada en 1847 y la Escuela de Economía de Londres.

Facultad de Matemáticasi

Ha integrado el jurado del premio Pritzker desde el año 2009 al 2015.

Fue elegido en el 2010 International Fellow of the Royal Institute of British Architects.

Desde el 2011 es miembro de la Junta del Programa de Ciudades de la London School of Economics.

Miembro del Consejo Asesor Regional del Centro David Rockefeller de Estudios Latinoamericanos.

Desde el 2013 es miembro de la Junta Directiva de la Fundación Suiza Holcim.

Miembro Fundador de la Sociedad Chilena de Políticas Públicas; y líder del Laboratorio de Diseño de Helsinki para SITRA, el Fondo de Innovación del Gobierno de Finlandia. Fue una de las 100 personalidades que contribuyeron a la Cumbre Mundial Río +20 en 2012.

Facultad de Matemáticas

Ocupa la Cátedra ELEMENTAL Copec de la Universidad Católica de Chile desde 2006. Es autor de “Los Hechos de la Arquitectura” (1999), “El Lugar de la Arquitectura” (2002) y “Material de Arquitectura”, editorial Univ. Católica de Chile. (2003), textos de Mostafavi, Dal Co y Rice, los de Mori, Witte, Steinberg u obras de Serra, Märkli, Lewerentz y Mayer Hermann en el escenario internacional, entre otros, dialogan con entrevistas y obras de arquitectos chilenos. ISBN:9789561407442

“Si algún poder tiene el diseño, ese es el poder de síntesis. Cuanto más complejo es el problema, mayor es la necesidad de simplicidad” Alejandro Aravena

Bienal de Venecia

En el año 2016 fue director de la 15.ª Exhibición Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia.

ELEMENTAL

Su primer contacto con el tema de la vivienda de emergencia, de la escasez de tiempo y recursos fue en su estudio llamado “Otherwise-ness”.

Facultad de Matemáticas

Junto a Andres Iacobelli (Recoleta 1969) y Pablo Allard (1) funda en el 2001 el estudio ELEMENTAL, que dirige desde el 2006.

Junto a sus socios Gonzalo Arteaga, Diego Torres, Víctor Oddó y Juan Ignacio Cerda realiza proyectos sociales de infraestructura, transporte, espacio público y vivienda, en cooperación con la Universidad Católica de Chile y Copec.

ELEMENTAL es una iniciativa internacional para innovar y construir conjuntos de vivienda de muy bajo costo. A la fecha ha realizado más de 2500 viviendas de este tipo y construido obras en Chile, Estados Unidos, México, China y Suiza.

Su obra arquitectónica incluye el diseño y construcción de centros de enseñanza, edificios institucionales, oficinas, plantas de empresas, sedes de servicios públicos, museos, bibliotecas y viviendas. Entre las últimas destacan tanto proyectos de vivienda social de bajo presupuesto, como amplias y cómodas residencias en la ciudad o casas de veraneo en sectores campestres y en balnearios.

A fines de 2005, la Universidad de Harvard realizó una muestra con una amplia retrospectiva de toda su obra como arquitecto.

“El desafío de la arquitectura es salir de la especificidad del problema a la inespecificidad de la pregunta”. Alejandro Aravena. 2016

TED

“…más complejo es el sistema, mayor es la necesidad de simplicidad”

Escuela de Medicina de la UC

Cuando le consultaron hace 10 años, por la construcción de viviendas para 100 familias en Chile, Alejandro Aravena buscó una inspiración inusual: la sabiduría de las favelas y los barrios marginales.

En lugar de construir un gran edificio con unidades pequeñas, construyó mitades de casas flexibles que cada familia podría ampliar. Su charla en TED ha tenido 685.501 visualizaciones.

1998/1999. Facultad de Matemáticas de la Universidad Católica de Chile, Santiago, Proyecto resuelto a base de una estructura en “pliegues” que unifica y da coherencia a una compleja composición arquitectónica.

Las dos estructuras donde funcionaba la Facultad de Matemáticas de la Universidad Católica de Chile en Santiago de los años ´70, se unieron para dar solución a la necesidad de dar lugar al departamento administrativo y de profesores. El hormigón que conforma el edificio contrasta con otros materiales de las fachadas como el vidrio, la madera y el cobre; este último metal fue elegido porque acusa positivamente el paso del tiempo y manifiesta una oxidación noble y oscura. AV 185.  Fotos de  Tadeuz Jalocha.

2001. Colegio Huelquén Montessori. Elemental con Claudio Blanco

Construcción por etapas.

Terreno de 5.000 m2. 1era etapa 750 m2 a construir en 3 meses, un tiempo muy corto que obliga a trabajar casi como una arquitectura de emergencia, y trabajar con elementos que se ensamblan.

2001/2004. Viviendas Quinta Monroy, Iquique. Vivienda Colectiva

La Quinta Monroy era, el último campamento informal del centro de Iquique, una ciudad del desierto chileno a 1.500 kilómetros al norte de Santiago.

Se reemplazó un campamento con malas condiciones de habitabilidad por un programa estatal de 93 viviendas. A pesar del coste del terreno (superior al que tendría en la periferia) se decidió evitar desplazamientos. El presupuesto fue de 7.500 usa por casa, se construye la mitad de la casa y se facilita mediante autoconstrucción su ampliación. Las instalaciones se construyen íntegramente.

2001/2004. Escuela de Medicina de la UC. Santiago

Está ubicada al norte del núcleo urbano céntrico de Santiago, se desarrolla en 3 plantas bajo nivel y siete de altura.

El nivel superior tiene un gran lucernario que facilita su iluminación y arma un claustro interesante.

El edificio se inserta entre las construcciones preexistentes, creando dos grandes patios. Éstos tienen orientaciones opuestas, un carácter diferente y fachadas radicalmente distintas.

Hacia el sur, fachada de vidrio semi reflectante, sobre el que destaca un voladizo señalando la entrada al edificio. Hacia el norte, una doble fachada con una capa exterior de grandes pilastras de ladrillo, y una segunda piel de vidrio.

Entre estas se crea una sombra que protege de la fuerte radiación solar del norte.  (AV monografía 185.  Fotos Roland Halbe, Tadeuz Jalocha Elvira Pérez).

2002/2005. Torres Siamesas Universidad Católica de Chile. Campus San Joaquín, Santiago.

Arquitectos Alfonso Montero, Charles Murray, Ricardo Torrejon, Alejandro Aravena yEmilio De la Cerda.

Las Torres Siamesas fueron diseñadas para la Universidad Católica de Chile. El encargo consistió en una torre de vidrio para alojar el Centro de Innovación Tecnológica de la Universidad. Esto presentó tres problemas para el equipo de proyecto: las computadoras, el vidrio y la torre. El cliente deseaba que el edificio se constituya en ícono de la Universidad.

 “Para este edificio se pensó en las convenciones. Nos pidieron un edificio de vidrio. Los otros edificios de espejos en Santiago tienen una cuenta mensual de aire acondicionado que es inmmoral. Por eso se ideó una estructura poco común para ahorrar en aire acondicionado. Buscamos verdaderas soluciones y, en eso, tuvimos que construir el edificio contra los prejuicios. Y hay gente a la que lo inesperado la irrita».

Se trata de un único edificio que parte del suelo con una volumetría de torre, presentando en la parte superior un quiebre que genera la sensación de dos torres siamesas. El volumen se parte en dos a partir del séptimo piso. Frontalmente, se lee como un único volumen bicéfalo, pero en escorzo se distinguen dos torres verticales que comparten gran parte de su cuerpo.

La superficie era de 5.000 m2 “reducida para una torre, por lo que conseguir una proporción vertical resultaba imposible, aun achicando las plantas”.

El basamento, es accesible mediante rampas, tiene dos plantas de altura y conforma la cubierta de los edificios anexos.

Toma la forma de planos inclinados de madera, creando espacios estancos para relajarse al sol o a la sombra de la torre, según la época del año.

La torre está cubierta por una doble piel, creando una cámara de aire ventilada que funciona como aislante térmico. Se trata de una torre adentro de otra torre, de vidrio por fuera y fibrocemento por dentro.

El edificio tiene nueve pisos, con dos subsuelos y dos construcciones anexas compuestas por primer piso y subsuelo.

Al ser el destino del edificio estudio con computadoras, las salas se mantienen en penumbras para evitar el reflejo de la luz sobre las pantallas.

La placa de la torre se redujo la necesidad de aberturas al mínimo.

El espacio generado entre las dos torres, de nueve alturas, es considerado como una gran circulación pública, a modo de nexo del edificio.

Su frente vidriado (requerimiento del comitente) se resolvió mediante el uso de una doble piel que aprovecha el efecto chimenea o cámara de aire ventilada que genera el espacio abierto entre ambas. Para evitar encerrar el aire caliente contenido entre ambas pieles, se facilitó su salida al exterior por la parte superior del edificio.

La piel exterior de vidrio corriente es muy mala para el control energético, pero excelente para resistir el polvo, la lluvia y el envejecimiento.

Más adentro, el edificio de fibrocemento es muy malo para resistir a la intemperie, pero muy bueno desde el punto de vista térmico. Y entre ambos hay circulación de aire.

Tiene una estructura antisísmica, tanto muros como pilares resistentes son perpendiculares al suelo, la falta de verticalidad de la torre es solo aparente y su forma oblicua se consigue con una estructura metálica apoyada en voladizos de hormigón Armado.

Se uso hormigón armado, fibrocemento y maderas nativas como coigüe y mañío, el basamento se recubrió con durmientes de ferrocarril.

2003/2004. Viviendas sociales. conjunto “Quinta Monroy”, Iquique

Viviendas “expansibles”, Viviendas sociales que crecen.

En el 2003, el gobierno de Chile le encarga dar respuesta habitacional a 100 familias de la ciudad de Iquique, estas familias estaban en forma “ilegal” en terrenos que ocupaban con construcciones precarias. El presupuesto fue de 7.500 usa que debía incluir todos los gastos, terreno, diseño arquitectónico, urbanización, materiales y construcción.

Un bloque (amarillo), completada por sus dueños. Quinta Monroy

Asi surge Quinta Monroy, construida en 2004, la superficie total construida fue de 35 000 m² y trabajaron, además de Aravena, los arquitectos Alfonso Montero, Tomás Cortese, Emilio de la Cerda y Andrés Iacobell y los ingenieros Juan Carlos de la Llera, Mario Álvarez, Tomás Fischer, Alejandro Ampuero, Carl Lüders y José Gajardo.

La propuesta es clara, construir sobre terrenos con buena conexión con los lugares de trabajo, recreación, educación, redes comunitarias y transformar el coste en una inversión, con incremento del valor y no en un bien de consumo que deprecia su valor.

Consta de 93 viviendas de dos pisos, cada una tiene 36 metros cuadrados construidos, el diseño ofrece un área que permite a cada vivienda crecer hacia un lado hasta un máximo de 72 metros cuadrados.

Su diseño arquitectónico, integra la lista de los 25 mejores diseños arquitectónicos del siglo XXI, elaborada por The Guardian.

Con presupuestos escasos la idea de Aravena fue construir “media casa grande” en lugar de una casa pequeña y apostar a la capacidad que tendrán las familias para ir realizando mejoras sucesivas.

Problemas en las viviendas de “Población Elemental”

En el año 2006 encabeza un proyecto de viviendas sociales en la ciudad de Valparaíso en el sector de Playa Ancha en lo que se denominó Población Elemental financiado por el Estado de Chile. El conjunto habitacional no resistió la lluvia por lo que resultaron anegadas 158 casas, 28 casas debieron ser declaradas como inhabitables (2)

2008/2014. Conjunto de 150 viviendas y un centro Comunitario de la colonia Lo Barnechea

La comuna de Lo Barnechea esta al noreste de Santiago, conde hay zonas con casas de lujo, otras con vivienda social y otra con campamentos autoconstruidos.

Estas viviendas, desarrolladas en dos fases, se crearon para realojar a un gran número de familias de dos grandes asentamientos irregulares, creando un conjunto de 363 casas.

El proyecto da prioridad a que las familias puedan permanecer en su zona de residencia habitual, para mantener los beneficios de la cercanía a sus trabajos y escuelas, y no crear riesgos de exclusión social.

La construcción se ordena alrededor de patios colectivos que sirven a un promedio de veinte viviendas, y que constituyen una asociación territorial entre el espacio público y el privado.

Para optimizar el uso de suelo sin hacinamiento, se propone un modelo de casa con desarrollo vertical en tres niveles y posibilidades de ampliación hacia el interior.

Cada vivienda tiene 67 metros cuadrados, dos plantas más mansarda, salón comedor, tres dormitorios, cocina y baño.

Tiene la posibilidad de ser ampliadas hacia el interior, según los principios de Elemental.

2008/2010. Viviendas sociales en Monterrey, 2010. Monterrey. México (proyecto premiado). Vivienda colectiva

Ante los altos precios de la vivienda, el Instituto de la Vivienda del estado mejicano de Nuevo León encarga a Elemental la construcción de  70 residencias en la ciudad de Monterrey, cuya área metropolitana es la tercera más poblada del país.

El conjunto ocupa una manzana rectangular, con una hilera de viviendas en cada frente rodeando un patio, y dejando el espacio de una avenida, otra hilera enfrentada. Del presupuesto, el 80 % se destina a la compra del suelo, y el 20 % a la construcción de las viviendas. Sigue las experiencias de Quinta Montoy y su ampliación es dentro de un espacio libre totalmente cubierto.

Notas

1

Andres Iacobelli asumió como titular de la Subsecretaría de Vivienda y Urbanismo, nombrado por el presidente Sebastián Piñera.

Durante su gestión afrontó la reconstrucción de viviendas para 200 mil familias damnificadas por el terremoto del 27 de febrero de 2010.

En julio de 2011, se hizo pública su renuncia al cargo, la cual se debió a posibles cuestionamientos que realizó la Contraloría General de la República (CGR) por las gestiones que habría realizado para «acelerar el pago de una transacción» de terrenos del abuelo de Paulina Etcheberry, su cónyuge.

El gobierno, a través del ministro del Interior Andrés Chadwick, argumentó que su renuncia se debió a «razones personales». (Diario La Nación. 29 de julio de 2011).

2

Francisco Aravena (23 de junio de 2011). Qué Pasa (Santiago de Chile). “El temporal del fin de semana en Valparaíso dejó a una población entera anegada y a parte de ella inhabitable. Es un proyecto que lleva la rúbrica de la empresa más innovadora y reconocida en el campo de las viviendas sociales en Chile: Elemental”. Tormenta Elemental Revista Qué Pasa (quepasa.cl).

Continúa en http://onlybook.es/blog/elemental-arq-alejandro-aravena-2nda-parte-y-final/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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veo todo lo que ya no se ve (2)

Hace unos dias escribi unas líneas a raíz que un amigo vio unos libros de la colección mini letras de mi editorial.


Hoy, 3 de abril del 2024, vi una pagina que se llama “Libros de Arquitectura y Diseño”.

Tiene mas de 6 mil miembros, yo uno de ellos.

Entre en la `página, convencido que encontraría algun libro mío.

Y asi fué.

Es de Espacio Editora, editorial que compartía con Silvia Wladimirski y Guillermo Kliczkowski.

Lleva el Número 5, lo editgamos en 1979, hace 45 años…..Le preguné Humberto L. la persona que los vendia, cual es el precio y me respondió 6.000 pesos (unos 6 usa).

Cada libro llevaba un número. De viviendas le siguió Viviendas con bóvedas, que era el número 7, y viviendas unifamiliares que llevaba el 10.

Y siempre recordamos el Perspectivas 6, que tiene una historia para contar. No teníamos experiencia, y queríamos que se vieran muy bien los dibujos, y decidimos que tenga un formato que no salía de un modulo de los pliegos y quedaba mucho desperdicio (cuando no usas los pliegos modulados, hay un remanente que no alcanza para sacar mas hojas y hay que tirarlo).

El imprentero nos dijo…

Háganlo más pequeño, asi ahorran en papel y le explicamos que no, que queríamos ese formato.

Sin saber lo de ahorrar papel, hicimos un libro que tiramos mas de 26.000 ejemplares en sucesivas ediciones.

Años mas tarde hicimos otro de Cacho Soler, y ya sabíamos, y lo hicimos más reducido…fracaso de ventas.

Cuando uno no sabe, sabe mucho, y cuando ya cree saber, no sabe tanto (habia puesto la cagas…).

Esta historia la escribi hara unos seis años, asi:

Huellas Perspectivas 6

Paso mucho tiempo y aun hablan de él. Guille habia hecho algunos libros hasta que decidimos a hacerlos juntos y los numeramos.
Muchos años antes, con Silvia Wladimirski haciamos apuntes para el Curso Preparatorio, pero, ya eso fue por el año ´70. Se imprimian con estenciles en la Avda. Independencia, eran los mismos que hacian apuntes para la Facultad de Filosofia y Letras.

A este le tocó el número 6, es decir sabíamos poco de impresión.

Lo que va de 1 a 6
Guille tenía más experiencia y había editado Balance Térmico, sistemas de calefacción y aire acondicionado, uno de los autores era el Ing Di Giacomi. Llevaba el número 1 y como nombre editorial Librería Técnica CP67. Colores verde y naranja.
Se vendieron muchas ediciones de muchos miles de libros cada una.

Pero el Perspectivas 6 era otra cosa
Tapa negra y doble tamaño y el motivo de su tamaño fue debido a una creativa ignorancia.
Diseñamos el libro con los dibujos de Sandro Borghini, Edgardo Minond y Víctor Vega. A pesar de mi memoria relativa por una edad injusta, creo que Víctor Vega ya vivía en Venezuela.
Era muy seguido por todos nosotros el libro de Gordon Cullen con sus grafismos. Toda la facultad hacia sus entregas con el “TOWNSCAPE”.
Entonces quisimos hacer algo distinto y mejor, separándolos por capítulos (axonometrías, aéreas, interiores, etc) pero sobre todo con dibujos de nuestra gente, donde junto a sketch europeos había proyectos argentinos (tendré que hablar en su momento de los viajes de Cova) y repito lo importante fue “el tamaño”.
En otros temas esto es muy debatido en esto no teníamos duda.

Para poder “copiar” los grafismos y los detalles, tendría que ser grande.
Y fue al tamaño que queríamos.
Juntamos los originales y fuimos a la imprenta.
– ¿quién les dijo que eligieran este tamaño?
– nosotros
– porque con este tamaño hay un 40% de desperdicio, se usa una parte y lo que sobra no alcanza para otro libro


– para aprovechar el papel tienen que achicarlo

Lo dejamos grande, tiramos el desperdicio de papel y creo que en varias ediciones hicimos más de 26.000 libros.
Para tiradas de 1.500 y 2.000 ejemplares, el Perspectivas 6 funcionó muy muy bien.

Se hicieron ediciones en tapa dura y en tapa blanda, más fácil y liviano, para transportarlo y abrirlo.
En mercado libre usado y de bordes gastados se ofrece a 220 $
Creo que lo comprare, usado y gastado significa que cumplió su cometido.
Con el nombre de Espacio Editora y el logo de una parte pequeña de un personaje de un dibujo de M.C.Escher, El cubo.

The works of Frank Lloyd Wright, part 4. Romeo and Juliet

Frank Lloyd Wright, other works

This translation from Spanish (original text) to English is not professional. I have done it with Google, so there will be linguistic errors that I ask you to know how to hide. Many times I have been asked to read my texts in English, and that is why I decided to do it. In addition to your patience, if you see something that I can correct, and wish to notify me of it, I will be happy to do so. In the meantime, with its lights and shadows, here are the lines that I have written. Hugo Kliczkowsk

1897 Romeo and Juliet

1906 River Forest Tennis Club

1917 German Warehouses

1952 Anderton Stores

Jane and Ellen Lloyd Jones, Wright’s aunts, founded and ran Hillside Home School, a progressive boarding school in Spring Green, Wisconsin.

Wright, with the help of his mentor Joseph Lyman Silsbee, had designed a Shingle Style structure to remodel the school in 1887.

Today demolished.

1

Ten years later, his aunts commissioned him to design a windmill and a well that would supply water to the school.

Located atop a hill and surrounded by trees, he designs an octagonal tower that embraces and structurally reinforces a taller, narrower, diamond-shaped windmill.

A gesture that, to some, influenced by the name that Wright gave the Mill, evokes Shakespeare lovers.

Responding to his aunts’ wishes that the design conform to that of the other structures on the Hillside Home School site, Wright finished the windmill tower with a shingle siding.

The original shingle siding was removed by Wright in 1938, which he restored with wainscoting and added a small gazebo where he installed a music system facing the valley.

In 1987, 3/4″ plywood and 1/2″ cypress boards were installed.

A new tower replaced the original in 1992. Its foundation continued to be made of stone. It is the same windmill that years later would bring water to his house-school-study, his first Taliesin.

It’s like a tree on top of the hill, one of the few Wright buildings that rivals the top of a hill.

A staircase goes up the drum of the octagon towards the viewpoint, a staircase as Bachelard says that always goes up («The staircase that goes up to an attic always goes up and never goes down, just as the one in a basement always goes down and never goes up» Gaston Bachelard).

The work was originally made of wood, which is why it was highly criticized with the argument that it would fall due to a structural failure.

An ironic Wright would write to her aunts «Romeo and Juliet will last 25 years longer than the Steel Towers in the area… I’m afraid my own aunts will not survive it».

In 1976 it was declared a Historical Monument.

Tom Campbell, the Frank Lloyd Wright Foundation’s Wisconsin Preservation Chief, toured the windmill tower in 2020, and home-filmed the views.

View from the mill https://www.facebook.com/wrighttaliesin/videos/252670155784825

2

The River Forest Tennis Club is at 615 Lathrop Avenue, River Forest, Illinois.

The original building was destroyed in a fire, and Wright, who was a member of the Club, was commissioned in 1906 to design the new building.

Among his collaborators were Charles E. White Jr (1876–1936) and Vernon S. Watson.

I have been lucky enough to visit it, and its length and the color of its wood attract more than any construction around it.

It is not visitable, but…if you insist…

Wright designed a low, elongated single-story structure, clad in boards and battens that emphasize its horizontality.

The bow-shaped ends further exaggerate and enhance its structure.

It has a low hipped roof interrupted by wide, shallow chimneys.

Inside, the spacious meeting room is surrounded by fireplaces on three sides and a continuous band of glass doors overlooking the Club’s tennis courts.

The building was relocated and altered in 1920 after the Cook County Forest Preserve Commission claimed original ownership.

Currently it is still used as a clubhouse by the River Forest Tennis Club.

The River Forest Tennis Club – Home (rftc.org)

3

German Warehouse A.D. (Albert Delvino)

Frank Lloyd Wright was born in Richland Center, Wisconsin, where fifty years later he designed the German AD Warehouse between 1917 and 1921.

Located at 300 South Church Street. Downtown Richland, WI, on the corner of Church and Haseltine Streets.

His website: Adgermanwarehouse.org

Registered in 1974 on the NRHP (Wisconsin National Register of Historic Places), it is the only warehouse designed by Wright, in the same period that he designed the Imperial Hotel in Tokyo and the Midway Gardens in Chicago.

It was designed as a traditional warehouse to «store and sell wholesale products», the space was to include a restaurant, a tea house, commercial spaces, a gift shop and an art gallery for Albert Delvino German (A.D. German Warehouse) in addition from an attached music room.

It is a brick structure crowned by a concrete frieze, which is known as the “Mayan pantheon or temple” derived from the masks of the god of water and rain “Chaac”.

It has used a unique structural concept known as the “Burton Spider-web system”, an example of in-situ concrete construction, sitting on a cork platform that helps with its stability and to absorb impacts.

Wright used concrete slabs, supported by columns that reduce in size as they ascend to the 4th floor.

Construction stopped with the building unfinished in 1921, after spending $125,000 (equivalent to $ 2,082,000 in 2022 dollars), which exceeded the original estimated cost of $30,000 (equivalent to $ 499,500 in 2022 dollars).

It is the only Wright-designed commercial structure still extant from this period.

The plan is to remodel it respecting the Wrightian style. Each floor will have a specific content that will be designed to be a center of attraction that attracts tourism and businessmen as it will have spaces to work, eat and shop.

More ADGWC data. www.adgermanwarehouse.org, at info@adgermanwarehouse.org

Tours are only possible from May to October by appointment. $ 15 per person.

It had an owner, Harvey Glazner, who until his death in 2011 put a store and the Frank Lloyd Wright Museum on the lower floor, which he opened intermittently.

In November 2015, the AD German Warehouse Conservancy (ADGWC) hired Isthmus Architecture, conservation specialists, and in 2017 a conservation plan was drawn up.

4

Anderton Court Stores, Beverly Hills, USA

It’s strange in itself (one would be the strange one there) to walk down Rodeo Drive in Beverly Hills, trying to avoid being hit by a Ferrari 812 GTS, while distractedly looking at various Lamborghinis…

Rodeo Drive is a space with stylized cars parked haphazardly, with people very similar to billionaires with bags that gentle salesmen carry to the trunks, as I say, if that is strange, it is much more strange that it appears there, a small project by Frank Lloyd Wright.

Small, a miniature of a shopping center.

You enter, go up the ramp and encounter diverse establishments, I ventured into a jewelry workshop, looking at everything except the jewelry.

Although it does not have the forcefulness of the Morris Gift from San Francisco, one perceives that the Bugatti Noire envies such architectural harmony.

A small project, created by Wright in 1952, is at 333 N. Rodeo Drive. Beverly Hills, California.

The Anderton Court Shops is one of nine buildings designed by Frank Lloyd Wright in the Los Angeles area, the last he would do in the city.

Nina G. Anderton commissioned the work in December 1951, a project Wright pursued after having designed the VC Morris gift shop in San Francisco while he was designing the Guggenheim Museum in New York.

The building measures 15.24 x 45.72 meters deep, on the glamorous Rodeo Drive street. Its “bell tower” is striking, similar to that of the Marin Civic Center.

Designed for 4 stores on its two floors, the space has now been subdivided and there are 6 stores, three on each side with steps that span half a floor and are offset by the ramp.

An apartment was designed in the Attic that is currently an office. The entrance to the shops is from a winding, angular ramp near the façade. The original façade was light beige with oxidized copper-colored fiberglass trim, it has been painted white with black accents. In general it resembles the original project, although the mast that crowned the central spire has been removed,

Nina Anderton wanted to name it after her friend the couturier Eric Bass, who would run the center, exhibit his creations and live in the Penthouse.

Screenshot

A fight between the two made the desire to name her friend disappear, and she named another friend, herself. The concrete foundations support walls made of “gunite”, a concrete mixture that is injected using high-pressure hoses, achieving a continuous wall, of greater resistance with less thickness and low porosity.

The pillars taper downwards, “chevron stops” have been used on the central spire and the edges of the roofline. The Chevron or Herringbone Pattern is a design motif that we find in “…ancient Hindu temples, in Hopi pottery, in French Art Deco, in hippie ponchos and so on until the beginning of time“. Words by Maxwell Ryan, a blogger outraged in 2012 by the rampant spread of the Chevron pattern, but Wright used it in 1952.

For budget reasons, the copper metal trim was replaced with fiberglass reinforced plastic. It is listed on the National Register of Historic Places.

Our Blog has obtained more than One million readings: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

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El Parador Ariston en la Academia de Arquitectura y Urbanismo

Jornada Virtual. ¿Qué pasa con el Parador Ariston?

para visionar la jornada completa ver https://www.youtube.com/@academiadearquitecturayurb5163

Miércoles 27 de marzo del 2024 a ls 18 hs (Argentina) 22 hs (España)

Textos de la participación del Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz

Buenas tardes, quería agradecer la invitación que me ha realizado la Academia de Arquitectura y Urbanismo, asi como a Nani Arias Incolla, a Carla Brocato, a los panelistas que me acompañan y a las personas que están escuchando esta Jornada.

Espero que este espacio nos permita reflexionar sobre el estado del Parador Ariston y su incierto futuro.

Evitaré hacer una biografía completa de los arquitectos que lo diseñaron, solo hablaré de aquellas circunstancias de sus vidas que tuvieron relación con el edificio, y de algunos momentos que rodearon su construcción, también mencionaré algunas acciones que se han llevado a cabo para conseguir su protección como la declaratoria de Monumento Histórico Nacional, y, sobre todo hablaré lo que para mí es lo más importante, cuáles son las profundas razones que hacen necesaria su preservación y puesta en valor.

Comienzo

Trabajadores del parador en la década de los sesenta, época de esplendor del Ariston

El título de esta charla “¿Qué pasa con el Ariston?”, es un título correcto, aunque viendo en qué estado está desde hace décadas, tambien sería posible preguntarnos. “¿Que nos pasa con el Ariston?”.

Que nos ocurre como profesionales, como parte de una sociedad, que le pasa a esa sociedad y a quienes la dirigen.

La arquitectura es un arte coral, la hacen muchos, la hace la sociedad en su conjunto y muchas veces se enhebra con la biografía de sus arquitectos.

Sería fácil hacer un paralelismo, entre el deterioro del Ariston, y sus causas (por ejemplo, la desidia, el abandono y el desinterés), con lo que le ocurre a la Argentina.

Pero volvamos al Ariston. Una Obra que es una tragedia, al estilo de las tragedias griegas con pinceladas argentinas.

Los personajes, son convocados por el destino, en este caso la Universidad de Buenos Aires.

El escenario es la representación de un paraíso sometido al deseo político de generar un polo turístico.

Es una Obra Moderna, por lo que los espectadores pueden participar, algunos lo han hecho desordenadamente, sin criterio alguno. Tiene varios y variados actos.

En el primero se reúnen los actores principales, y luego de un corto descanso, los espectadores cada vez que pueden, transforman la obra en una instalación, llegando casi al final de su tiempo, a transformarla en una ruina moderna. Y hoy estamos aquí, en una acción más, tratando de evitar que se transforme en una EX Ruina Moderna.

Ya depende de nosotros, el resto de los actores, han hecho lo suyo y asi estamos. Quiero decir asi estamos de mal.

Es una tragedia arquitectónica y urbana. Como toda tragedia, su final definirá el espíritu de su tiempo. Y el nuestro es apostar decididamente por su salvación.

De todos depende recuperar el Parador Ariston. Aun de aquellos, que durante mucho tiempo no lo comprendieron.

El título de la Obra es el de su guion, Parador Ariston

El Argumento es el que paso a contarles

En esta obra, como en casi toda obra, su carácter esta generado por decisiones políticas, como las que tomó el gobierno de Perón y Quijano.

Transcurría el año 1947, cuando se firma la ley de propiedad horizontal, que da un cambio al tejido de la ciudad de Mar del Plata, la oferta de lotes dará lugar con el tiempo a lo que son hoy los barrios del Alfar, San Jacinto, Playa Serena, San Patricio, San Carlos, Costa Azul y Acantilados.

Se pavimenta la ruta 2 y se la prolonga hasta Miramar.

La atmosfera al ser política está representada por el diseño de un slogan “Usted se paga el viaje, el gobierno el hospedaje”. Esto ocurrió en toda la Nación.

Dos años antes, en 1945, la consigna era el mar y la montaña deben ser accesibles a todos los hombres», ese “turismo social” se concreta con la construcción de los 9 hoteles y 19 bungalows que conforman el complejo de Chapadmalal en un predio de 75 hectáreas

En esta obra, el guion no tiene un solo argumento, tiene varios actos, que se mezclan y se combinan, con diferentes tonalidades, a veces de manera perversa. Cada una de ellas retrata a sus actores. Es una época donde la acumulación de población en las ciudades, el uso de nuevos materiales y la figura de la propiedad horizontal se ligan a las ideas del movimiento moderno.

Personajes

En esta Obra, existen personajes principales, secundarios y ambientales.

Los principales intervienen en los comienzos, los secundarios mucho tiempo y los ambientales de vez en cuando. La iniciativa la toma la universidad de Buenos Aires, a propuesta de los arq. Carlos Coire y Eduardo Catalano cuando se decide hacer un curso e invitar a uno de los actores principales, sino al principal, al arquitecto húngaro Marcel Breuer. Tiene 45 años y un extraordinario curriculum.

Siguiendo a la escritora y poetiza Sandra Lorenzano en las líneas de su libro “Herida Fecunda”, preguntémonos que se llevaron del Ariston los que ya no están, aquellos que no vemos.

Si ya no están en el Ariston, es que se han ido con ellos el recuerdo y su memoria, pero quizás sus espíritus querrán que otros regresen.

Entre todos tendremos que hacer eso posible, para que no sea tan cierto e inevitable aquellos versos de Borges que dicen que “Ya somos el olvido que seremos”. Comienza diciendo

Ya somos el olvido que seremos.

El polvo elemental que nos ignora

Y finaliza

Pienso, con esperanza, en aquel hombre

Bajo el indiferente azul del cielo

esta meditación es un consuelo.

Cuando recuperemos el Ariston, volverán las voces, las risas, el grito ahogado, los sentidos tendrán otro sentido, y entonces sabremos que lo hemos hecho bien. La memoria personal, la memoria compartida, se forma de recuerdos, mientras nuestros pasos, debieran avanzar, con nuestros mejores sentimientos, hacia la luz.

Hoy el parador está en penumbras, y lo que sigue no debiese ser la oscuridad, sino la luz que nos haga mejor a todos.

Significado y origen del nombre Ariston

En los escritos, cartas y documentos de sus diseñadores no se logra saber porque lo llamaron Ariston.

Buscando en otras fuentes leí que deriva de Griego Antiguo αριστος (aristos), que significa «lo mejor».

Desde su nombre, ya estamos definiendo esta tragedia arquitectónica, el Parador Ariston, es “lo mejor”.

¿Porque se hizo y para qué?

La construcción contenía un pequeño club de bebidas y de baile, un pequeño centro social para promover la venta de parcelas de un futuro desarrollo inmobiliario. El programa pedía conseguir con un diseño atractivo, atraer a potenciales compradores de terrenos.

Al estar alejado de la playa, con un entorno de dunas altas, requería estar la suficiente altura para ver el océano, fue la razón de los pilotes.

Decía en la invitación a su inauguración, que se realizaría un miércoles 11 de febrero de 1948 a las 22 horas, y agregaba:

Una belleza arquitectónica frente al mar.

Diseñado por uno de los mejores maestros norteamericanos, el arquitecto Marcel Breuer.

Un hermoso salón de paredes de Cristal, con una pista de baile de acero.

Y el marco musical de jazz y tango

Su Diseño

Enlazadas por un largo muro de piedra, las dos alas contienen el club en una punta y los cuartos del personal y servicios en la otra.

Al Club se ingresa por un vestíbulo a nivel de suelo, que servía como área de exhibición y publicidad. Una cómoda escalera caracol conectaba el vestíbulo con el salón del piso superior. En el salón solo se servirían bebidas, por lo que solo requería un bar con un mostrador.

Estructura

Las vigas de la losa del techo han sido invertidas para producir una superficie de techo plano ininterrumpido en el interior.

El concreto empleado contiene agregados de basalto y mica que le otorgan una calidad gris, similar al granito. 

Debido al atraso de las obras Eduardo Catalano decide pasar su luna de miel en Mar del Plata para ir a la obra todos los días. Eso lo contaba a Breuer en una postal, nos enteramos de este y otros cotilleos gracias al archivo digital de Marcel Breuer, de la Universidad de Siracusa.

¿Porque es importante el Parador Ariston?

Así como las acciones inmateriales se recuperan en las historias que se cuentan, cuando son edificios, las historias se construyen de manera más compleja, las que hemos creado y compartido en distintos momentos, son esos edificios los que nos dan pistas de esas historias.

Deberíamos sentirnos orgullosos del Parador Aristón, ya que es parte de nuestra historia, de nuestra historia colectiva.

Su “huella” es parte de nuestra identidad como un valor sustantivo que conforma el patrimonio cultural común, por eso nos duele el estado de abandono al que está sometido.

Debemos cuidarlo y evitar que desaparezca. 

Porque hay un riesgo, cuando desaparecen estas obras, las historias también desaparecen.

Revista Nuestra arquitectura

Marcel Lajos Breuer

Silla Wassily de Breuer

Marcel Lajos Breuer nace en Hungría en 1902 y a los 18 años se traslada a Weimar, para estudiar en la Sttaliches Bauhaus. (escuela estatal).

Fue uno de los 143 alumnos que la Bauhaus contó en su segundo año de vida, fundada y dirigida por Walter A.G. Gropius.

Trabajo en el estudio de Pierre Chareau y ante el llamado de Gropius vuelve años más tarde a la Bauhaus, ya en Dassau (funcionó desde 1925 hasta su clausura en 1933) para dirigir el taller de muebles.

En 1925, con 23 años, dirige el taller de ebanistería, donde diseña sus primeras sillas y mesas de tubo de acero, como la famosa silla Wassily, originalmente llamada B3.

Silla Cesca de Breuer

También diseñó la silla Cesca de 1929, que lleva el nombre de su hija Francesca, es la B32, ambas sillas “clásicas”, se siguen fabricando luego de casi un siglo.

Entre 13 profesores solo figura una mujer, Gunta Stölzl, fue la directora del taller textil, durante 6 años, desde 1925 a 1931.

Sabemos que, en la Bauhaus, las mujeres no pudieron estudiar arquitectura hasta la dirección de Hannes Meyer y fueron relegadas al sector textil.

Walter Gropius defendía que las mujeres no estaban “dotadas para realizar ciertas funciones porque, mientras que los hombres pensaban en tres dimensiones, ellas solo lo hacían en dos… y debían realizar tareas más femeninas”.

En el centro de la foto vemos a Marcel Breuer entre Walter Gropius y Wassily Kandinsky, ambos con sombrero.

La Bauhaus funcionó poco más de 14 años, desde 1919 hasta su clausura en 1933, lo hizo en tres sedes, en Weimar 6 años, entre 1919 y 1925, en Dassau 7 años, desde 1925 a 1932 y en sus últimos estertores en Berlin 1 año, desde 1932 a 1933.

Breuer se gradúa en la Bauhaus en 1924, tiene 22 años y enseña en ella 4 años más, luego se traslada a Berlin, donde pasa los siguientes 3 años. Cuando el clima nazi es irrespirable y peligroso por su condición de judío, su amigo Gropius lo convence de abandonar Alemania. Estan un tiempo en el famoso edificio Isokon Flats, en Hampstead, al norte de Londres, diseño del canadiense Wells Coates.

Casa Gropius en Lincoln

En los primeros años realiza trabajos con su amigo y socio Gropius, como su casa en Lincoln, Massachusetts.

Antes de diseñar el Ariston diseña la casa Geller I en Long Island, Nueva York, y faltarían solo 5 años para hacer la sede de la Unesco en Paris que realiza con Pier Luigi Nervi y Bernard Zehrfuss, la Casa Starkey en Duluth, Minesota y 13 años más para el Centro de Investigación IBM en La Gaude en Francia

Casa Geller I en Long Island
Sede de la Unesco en Paris, junto a Nervi y Zehrfuss
Centro IBM en La Gaude
Actualmente Met Breuer

Esta es la historia contada por Carlos Coire

“Almorzábamos todos los días en un restaurante de Carlos Pellegrini al 600… habíamos recibido con Catalano el encargo de una obra.

Al cruzar nuestras miradas, adivinamos que teníamos el mismo pensamiento, invitar a Breuer a trabajar con nosotros en la obra”.

“Se lo propusimos y aceptó entusiasmado. Le explicamos el tema: Un parador para una playa de Mar del Plata, destinado a confitería por la tarde y boîte con pista de baile por la noche, debía estar funcionando en cuatro meses.

“Se quedó mirando un punto fijo, y luego desplegó una servilleta en la mesa y en ella dibujó el trébol del Ariston, aclarando: Se necesita, un gran perímetro para favorecer las visuales al mar durante el día, y por otra parte lograr que, de noche, las miradas se dirijan a la pista de baile.

“Esa tarde llegamos al Estudio – en realidad un galpón de 15 x 8 en el primer piso de una casa de inquilinato. Breuer ya estaba trabajando…”.

Que hubo en el Ariston

Allí funcionó la discoteca “Maryana” y en los 80 en pleno esplendor surfero fue el turno del café bar “Bruma y Arena”.

y en los años 90, la parrilla “Perico”.

En febrero del 2015 aparece un cartel donde una empresa española, de nombre Calpevillas anuncia su restauración para centro comercial y cultural, y se cerca el lugar.

En ese cartel figura un falso link que nunca funcionó.

Cada emprendimiento iba modificando el edificio con menos arte que respeto.

A partir de 1993, el Parador Aristón inició su deterioro, abandonado a su suerte, es decir a su mala suerte.

Algunas acciones

El 20 de noviembre del 2019 el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación Argentina sancionan la Ley Nº 27.538.

En su Artículo Nº 1 declara Monumento Histórico Nacional en los términos de la Ley Nº 12.665 y en su Artículo Nº 2 declara que la Comisión Nacional de Monumentos, de Lugares y Bienes Históricos dependiente del Ministerio de Cultura de la Nación, instrumentará todo lo atinente para el cumplimiento de la presente ley.

Charla en la Casa sobre el Arroyo.

Parador Ariston, “Identidad Patrimonial en riesgo”.

Fue el Lunes 9 de diciembre de 2019

Participaron

Gustavo Nielsen, Guillermo de Diego y Hugo Kliczkowski

moderó Celina Artigas.

Difusion en periodicos nacionales e internacionales

El Marplatense. 3 de enero de 2019

Diario La Capital de Mar del Plata.
14 de febrero de 2006
Clarin. 6 de setiembre de 2017.
Por Miguel Jurado
La Nación. 12 de junio de 2018
El Marplatense. 3 de enero de 2019
La nación. 3 de septiembre de 2019. Por Dario Palavecino
The New York Times

El 21 de Abril de 2019 el New York Times hizo un suplemento sobre la Bauhaus, el Ariston estuvo muy presente, donde publicaron un texto que me solicitaron sobre el Ariston.

El Tiempo. 8 de mayo de 2022. Por Marcelo Metayer (agencia DIB)
MardelNews. 20 de abril de 2023
Clarín. 28 de mayo de 2023. Por Federico Ladrón de Guevara 
Diario Página 12. 5 de enero de 2024. Por Lucia Requejo

El 5 de agosto del 2017 abrimos una pagina en Change.org. A la fecha (marzo 2024) se recogieron más de 34.370 firmas.

¿Porque son relevantes los arquitectos que diseñaron el Parador ariston?

En Moderna Buenos Aires, del CPAU (Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo) leemos

Eduardo Fernando Catalano (1917-2010)

Otro arquitecto del equipo de proyecto es el Arq Eduardo Catalano.

Se recibe de arquitecto en 1940 en la Universidad de Buenos Aires.

Becado por las Universidades de Pensilvania y Harvard, fue invitado por Henry Kamphoefner, a participar en un grupo muy especial, todos ellos pioneros en el campo de la arquitectura moderna, como Philip Johnson, I. M. Pei, Paul Rudolph, George Matsumoto.

Profesor en el AA, Architectural Association de Londres.

Jefe del departamento de Arquitectura en la Escuela de diseño de la Univ. de Carolina del Norte,

y durante 21 años desde 1956 hasta 1977, Profesor Titular de Arquitectura del MIT (Massachusetts Institute of Technology).

Doctor Honoris causa de la NCSU ((North Carolina State University), por la Univ de Moron y la UBA.

Integró el Instituto de Arq y Urbanismo de Tucumán.

Centro de estudiantes Julius Adams Stratton

Ganó numerosos concursos en Argentina y en los EEUU.

Realizó la Embajada de EE.UU. (en Argentina 1975 y Sudáfrica).

El Centro de estudiantes Julius Adams Stratton del MIT Instituto de Tecnología de Massachusetts en Cambridge (1962).

Entre sus profesores figuraron Walter Gropius y Marcel Breuer. En Raleigh construye la famosa casa Catalano, que fuera elogiada por Wright, que sobre ella escribió: “Es refrescante ver como la idea de refugio es tratado en esta casa de Eduardo Catalano” -sabemos que el amigo Frank Lloyd Wright no era muy afecto a prodigarse en elogios al trabajo de otros arquitectos-.

Adjetivada como la casa de la década, es considerada como uno de los grandes referentes de la arquitectura residencial de mediados del siglo XX.

Una única planta con 4 habitaciones que cubre una gran cubierta en forma de paraboloide hiperbólico de madera, donde 2 de sus vértices están encastrados y los otros 2 en voladizo.

Lamentablemente fue demolida en el 2001, estaba al 1467 de Ridge Road, hoy esa calle lleva el nombre de Catalano Drive. 

En 1956 le otorgan el primer premio del Instituto Americano de Arte.

El tercer arquitecto es Carlos Coire.

Ha contado varias anécdotas, ésta es muy ilustrativa:

“Las autoridades de la Escuela de Arquitectura le pidieron que esbozara un nuevo plan de estudios. Con los arquitectos Agostini y Catalano lo orientábamos en esa tarea, terminado el primer borrador nos preguntó:

-Que docentes se encargarán de aplicarlo?

 Le contestamos:

Los actuales profesores.

Entonces, destruyendo lo realizado agregó

En ese caso, esto no tiene sentido, lo que se necesita es un cambio de mentalidad, lo contrario es echar vino nuevo en otros viejos.

Carlos Coire (1914-2006).

Por su labor docente lo llamaban “maestro de maestros”. 

Decano de la Facultad de Arquitectura de la UBA desde 1958 y 1962, encargó el proyecto y ejecución de la ciudad Universitaria.

Fue Vicedecano y profesor titular de Arquitectura en la Universidad de Morón.

Realizo viviendas unifamiliares y multifamiliares así como emprendimientos privados e industriales,

Homenajes

El edificio que fue el Whitney Museum, ahora lleva su nombre.

Está en la Madison Avenue y 75, lo proyecta Marcel Breuer (junto a H. Smith, M. Irving y R. Gluckman), de 1964, cuando el Whitney se muda al edificio realizado por Renzo Piano, pegado al High Line, vende su edificio al Metropolitan Museo, que en homenaje a Breuer, lo llama Met-Breuer.

Finalizando

FO

Hay una buena noticia, Magalí Marazzo y el equipo que dirigió ha recibido en febrero de 2024 el premio del Fondo Mundial para los Monumentos (siglas en ingles WMF) por la recuperación y puesta en valor de la casa sobre el arroyo de los arq Williams y Galvéz, me ha invitado a presentar al mismo Fondo el Parador Ariston.

Su actividad comenzó en 1996 las propuestas se analizan por el Consejo Internacional de Monumentos y sitios ICOMOS.

Esta charla, se suma a otras acciones contemporáneas como el largometraje documental ARISTON que está editando ahora el director Gerardo Panero.

Una reflexion

He recibido diversos comentarios sobre mis participaciones en la defensa de varios edificios en estado de ruina.

Algunos alentadores y de los otros, sobre todo de autoridades que tenian planes de uso de  los terrenos que ocupan esos edificios vandalizados e incendiados, vaya uno a saber por quienes.

Varios del tipo “como vamos a gastar dinero en recuperar edificios cuando hay chicos que se mueren de hambre”.

Mi respuesta, siempre es

La misma ideologia que hace pasar hambre a los mas necesitados, la que los priva de sanidad, vivienda y educacion es la que los priva tambien de su patrimonio arquiteconico y cultural.

Y agrego

Si cada uno de los 47 millones de habitantes de la Argentina, se preocupara de cuidar una sola cosa, es decir, si cuidaramos decenas de millones de cosas, les aseguro que viviriamos en otra Argentina.

Muchas Gracias

Referncias para ampliar los temas

1 4 de marzo de 2017

El parador ARISTON, una ruina moderna por HaKj

2 2 de junio de 2023

El Parador Ariston en el diario Clarin

3 24 de febrero de 2022

Gustavo Nielsen escribe un cuento sobre el Parador Ariston.

4 5 de noviembre de 2020

Conferencia sociedad de Arquitectos Zona Norte. Palacio Belgrano y Parador Ariston

5 19 de abril de 2919

El Parador Ariston en el New York Times

6 11 de septiembre de 2017

Utopia. El parador Ariston por HaKj

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

veo todo lo que ya no se ve (1)

Un buen amigo me envía esta foto.
Me escribe. “Libros de un gran editor y amigo”.


La vi hará una hora, en Pelayos de la Presa, en la Sierra madrileña, donde hace frio, está desapacible y llueve. Ha llovido toda la semana.
La frase es cariñosa y acepto el “gran editor” sabiendo que Carlos, mi amigo es así de generoso.
La muestro a mi gente, diciéndoles, casi asombrado “pasaron siete años que cerré la editorial y aun están a la venta, en este caso, la librería Book Center de Madrid.
Tuve la suerte de realizar como arquitecto y como editor obras que aun están visibles. Quiero decir que puedo verlas.
Veo el día que vi el terreno o el día que se decidí realizar un proyecto editorial.
Veo las conversaciones. Los acuerdos y desacuerdos, veo todo lo que ya no se ve.
La foto muestra la colección “Miniletras”.
Quería salir de los temas de arquitectura o arte, cocina e infantiles.
Pensaba que tendría mas alcance, mejores accesos en las librerías, pensé muchas cosas.
Recordé que fue difícil dar con una solución a las portadas. No deseaba tener que diseñar 100 portadas (hicimos más de cien títulos) diferentes, deseaba tener una idea general que confirmara una colección y diferenciara los títulos.
Busque diseñadores y no daban con la solución que esperaba.
Lo más difícil se resolvió de la manera mas fácil. Los escritores tienen plumas, bolígrafos, lápices… una fabrica sofisticada de plumas italiana “Delta” me dio los modelos de plumas. Portadas blancas (en una vidriera se ven mejor, llaman mas la atención del lector, del comprador) con plumas puestas verticales inclinadas…


Podría contar muchas anécdotas, como el intercambio epistolar con Eduardo Galeano que pidió amable pero firmemente cambiar la pluma de sofisticado diseño por un pincel, el titulo era y es “El viaje”.

O la tarea impecable e impagable de Marcela Zilberberg y de entrañables agentes literarios como Mercedes Casanovas, Raquel de la Concha o Willi Schavelson.
Entre todos se consiguió la aceptación de grandes editoriales para seleccionar cuentos cortos y darnos derechos de autor de Soledad Puertolas, Eduardo del Llano, Marta Sanz, Manuel Mujica Lainez, Arturo Perez Reverte, Juan José Millas, Mario Benedetti, Federico Garcia Lorca, Javier Marías y así seguía decenas de escritores muy bien encontrados.
Con la foto vi y recordé esa actividad, esa parte de mi vida, que editábamos das tiradas de 22.000 ejemplares. 64 paginas y letra “ grande para leer sin gafas”.
Gracias Carlos, la lluvia ahora es maravillosa.

gb “The works of Frank Lloyd Wright, part 8. His life

Frank Lloyd Wright’s 88th Birthday

June 8, 1955, on Wright’s 88th birthday

This translation from Spanish (original text) to English is not professional. I have done it with Google, so there will be linguistic errors that I ask you to know how to hide. Many times I have been asked to read my texts in English, and that is why I decided to do it. In addition to your patience, if you see something that I can correct, and wish to notify me of it, I will be happy to do so. In the meantime, with its lights and shadows, here are the lines that I have written. Hugo Kliczkowski Juritz

On the side of the photo you can read “Spring Green, Wis. June 8: Wright celebrates his 88th birthday Frank Lloyd Wright, the world-famous architect, posed with his wife Olgivanna (right) and daughter Iovanna, at his 88th birthday celebration. More than 125 guests toasted Wright as he discussed a commission from King Faisal of Iraq to design and plan a cultural center on an island in the Tigris River in Baghdad. He described the order as “a wonderful gift.” The photo was published in the Saturday Evening Post on page 38.

Frank Lloyd Wright’s 90th Birthday

Photography for an article on page. 30 of “Look Magazine”. Published

on September 17, 1957. Photograph by Michael A. Vaccaro

When Wright turns 90 on June 8, 1957, his daughter Iovanna Lloyd Wright (1925 – 2015) dedicates a poem to him, which he gives to him at Christmas.

Partially published in the summer of 1959 after her death, in the newsletter of the Pacific Arts Association, in an article that includes these lines in a message to the editors «I thought you might like to have this poem that our daughter Iovanna wrote for her birthday.» number 90 of his father, but he gave it to him for Christmas. “He enjoyed it and read it frequently to our friends.” Mrs. Frank Lloyd Wright.

To my father (published by Taliesin Fellowship, Taliesin West).

… “Dwellings that grew, In forests, sun and stone, In clods and clay strewn with stars. Time and its aeons, shape after wave, Wave after timeless wave lay reflected, In the pools, the mysterious glades, That spawned within his mind, And drew the spirit of the mountain, And the plain…»

There are 4 unnumbered pages, inside an envelope addressed to “Mrs. Mary Fritz, Spring Green, Wisconsin. The postmark says “Phoenix, May 16, 1959.” The return address: «Taliesin West, Phoenix Arizona“.