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La Escuela de Chicago
“What I have written is intended to be a protest againts the dogma that art in architecture ended with the Renaissance”
“Lo que he escrito pretende ser una protesta contra el dogma de que el arte en la arquitectura terminó con el Renacimiento”. Dankmar Adler. 1896
El período que abarco la llamada Escuela de Chicago podrían establecerse entre 1874 y 1904, el año que fue la finalización de la tienda Schlesinger & Meyer de Louis Sullivan. (1)
El centro de Chicago con la localización de los edificios más característicos de la Escuela de Chicago
.
La numeración está ordenada por fechas de construcción. Los edificios demolidos se representan sin relleno y con la numeración atenuada (2)
1
Arq. William Le Baron Jenney. 1879
Leiter I Building (demolido en 1972)
200-208 W. Monroe Street
El edificio First Leiter o Leiter I, reformado y ampliado en 1888, fue demolido en 1972.
Fue diseñado para su cliente Levi Z. Leiter como Grandes Almacenes.
Tiene varios elementos innovadores de un rascacielos moderno como su altura de 7 pisos, su estructura de hierro, la utilización de materiales ignífugos de terracota y los ascensores.
2
Arq. Burnham & Root.1882-83
Monroe St. (actualmente Exelon Plaza)
Montauk Block (demolido en 1902).
Burnham y Root
3
Arq. Solon S. Beman.1882/83
Adams con Michigan
Pullman Building (demolido en 1958)
4
Arq.William Le Baron Jenney. 1883/85
135 S Lasalle St
Home Insurance Building (demolido en 1929)
Se lo considera el primer rascacielos así como el primero en el mundo construido con estructura de acero.
De 10 pisos y 42 metros de altura, en 1880 se le agregaron 2 plantas más llegando a los 55 metros.
Texto de L. Sullivan. Edificio Monadnock, Chicago, Illinois, 1893
Vista desde Dearborn Street en 2005
…Es mi creencia que en la esencia misma de cada problema, está contenida y sugerida su propia solución. Esto creo que es la ley natural.
Examinemos…detenidamente los elementos, busquemos esa sugerencia contenida, esa esencia del problema…
Las condiciones prácticas son, a grandes rasgos, las siguientes:
Primero, se busca un piso subterráneo que contenga calderas, motores de varios tipos, etc., en resumen, la planta de energía, calefacción, iluminación, etc.
Segundo, una planta baja, así llamada, dedicada a tiendas, bancos, u otros establecimientos que requieran gran superficie, amplio espacio, mucha luz y gran libertad de acceso.
Tercero, un segundo piso de fácil acceso por escaleras, este espacio generalmente en grandes subdivisiones, con la correspondiente liberalidad en el espacio estructural y la extensión del vidrio y la amplitud de las aberturas externas.
Encima de esto, un número indefinido de pisos de oficinas apiladas fila tras fila…
Una oficina similar a una celda en un panal de miel, simplemente un compartimento, nada más.
Quinto y último, en la parte superior de este montón se coloca un espacio o piso que, en cuanto a la vida y utilidad de la estructura, es de naturaleza puramente fisiológica…el ático.
En esto el sistema circulatorio se completa y da su gran giro, ascendiendo y descendiendo. El espacio se llena de tanques, tuberías, válvulas, roldanas…etc. que suplen y complementan la fuerza que origina la planta bajo tierra, en la bodega.
Finalmente, o más bien al principio, debe existir en la planta baja un vano principal o entrada común a todos los ocupantes o clientes del edificio, técnicos, etcétera.
Problema: ¿Cómo impartiremos a este montón estéril, a esta aglomeración cruda, áspera, brutal, a esta exclamación descarnada y fija de lucha eterna, la gracia de esas formas superiores de sensibilidad y cultura que descansan en las pasiones más bajas y feroces? ¿Cómo proclamar desde la vertiginosa altura de esta azotea extraña, moderna, el apacible evangelio del sentimiento, de la belleza, del culto a una vida superior?.
No busco una solución individual o especial, sino lo verdaderamente normal…debe buscarse aquellas condiciones que sean constantes en todos los edificios altos, y eliminarse cualquier variación incidental y accidental.
La “unidad” de las oficinas se basan en una habitación de superficie y altura cómoda…y ésta predetermina la unidad estructural estándar y el tamaño de las aberturas de las ventanas.
Estas unidades estructurales, puramente arbitrarias forman naturalmente la base del desarrollo artístico del exterior.
Los espacios estructurales y las aberturas del primer piso o piso comercial sean los más grandes, los del segundo o cuasi-comercial deben ser de naturaleza similar. Los espacios y aberturas en el ático no tienen importancia, sus ventanas no tienen valor real, ya que la luz puede provenir de la parte superior.
Notas
1
Gerald R. Larson, se formó en la Universidad de Michigan en 1968. M.Arch en 1974. Profesor en la Universidad de Cincinnati desde 1974 a 2016. Actualmente es profesor emérito.
2
Mario Manieri Elia (1996). “Louis Henry Sullivan”. Princeton Architectural Press. Publicado por José Antonio Blasco
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Analizando el constructivismo ruso (movimiento de vanguardia, que organiza los planos y la expresión del volumen) y el deconstructivismo, (el control del desorden en un diseño impredecible y perturbador), es posible detectar que ambos comparten una tendencia y una actitud en común, existe un nexo entre la construcción y la deconstrucción.
El constructivismo nace en 1914, el deconstructivismo en 1980, aunque 66 años las separan, comparten la voluntad de provocar la ruptura con la tradición, entendiendo a ésta como un vínculo con el pasado, y proponiendo o creando un orden “fresco”, dando “nuevos aires” a ambas corrientes
Los viejos conceptos han de ser defenestrados, tratan de crear nuevas formas en el espacio, convencidos sus protagonistas que es la originalidad la que debe primar sobre esos conceptos, que consideran superados por los cambios.
Tanto es así, que el constructivismo influye en distintas áreas del conocimiento, pone nombre al andamiaje necesario para actuar, sienta las bases conceptuales a un crecimiento continuo, dinámico, creativo y reflexivo. Pretende orientar la misión del artista, que no es otra que la de construir en y con el arte.
Constructivismo
Alexander Ródchenko
En el campo del arte y la arquitectura, en la Rusia de 1914 el artista y arquitecto Vladimir Tatlin, (1885 ~1953) funda el constructivismo junto a otro pionero del movimiento también artista y arquitecto El (Eliazar) Lissitzky, (1890 ~1941), posteriormente se le unieron Antón Pevsner, artista (1888 ~1962) y su hermano Naum Gabo, artista y médico (1890 ~1977), Kasimir Malevich, pintor (1878 ~1935) y Alexander Ródchenko, diseñador, fotógrafo (1891 ~1956 ) su esposa Varvara Stepánova, artista (1894 ~1958) así como Laszlo Moholy-Nagy, pintor, fotógrafo (1895 ~1946 ), y profesor en la Bauhaus de Dessau, y su esposa Lucia Moholy ( Lucía Schultz 1894 ~ 1989).
Laszlo Moholy-Nagy
Es Theo van Doesburg (1883 ~1931) -grupo Abstraction/Creation-, quien con su influencia y la del grupo que toma el nombre de la revista fundada por Doesburg y Piet Mondrian ( 1872 ~1944)en Octubre de 1917 “De Stijl” (el estilo), provoca el interés y convoca la participación del pintor y profesor uruguayo Joaquín Torres García (1874 ~1974).
América Invertida. Joaquín Torres García 1943
Joaquín Torres García, Composición constructiva
Un protagonista especial fue Vladimir Tatlin quien diseña y construye su maqueta el Monumento a la III Internacional (1919), una torre que el crítico y ensayista Viktor Shklovski (1893 ~ 1984) definió como una «Torre de Babel construida, de hierro, vidrio y revolución».
Vladimir Tatlin
Claramente se nutre de una ideología y una actitud política con la intención de difundir y crear del constructivismo en el arte, un arte revolucionario.
Algunos artistas y arquitectos generadores y propagadores del constructivismo en el mundo
El ingeniero Vladímir Shújov (1853 ~1939) diseñó en 1920 la torre Shujov o Shábolovka –estructura hiperboloide de 160 metros-,
Oskar Schlemmer pintor y escultor alemán (1888-1943) estuvo vinculado a la Bauhaus de Weimar, Vadim Meller pintor, diseñador y escenógrafo ruso (1884 ~1962) vinculado a “Der Blaue Reiter” grupo expresionista fundado por V. Kandinski y F. Marc que existió desde 1911 a 1913. (El jinete azul, proviene del nombre de un cuadro de 1903 de Kandinsky).(1)
Kandinsky, el jinete azul
Lyubov Popova pintora rusa (1889-1924) asociada al constructivismo, suprematismo y cubo- futurismo), Konstantín Mélnikov arquitecto y pintor ruso (1890-1974) es famosa su residencia de 2 torres cilíndricas con ventanas hexagonales en Moscú de 1929.
Esta casa le dio tanto fama como arquitecto, como la desgracia de su persecución política y profesional por el estanilismo, al ser un modernismo, que se entendía opuesto al que imponía el régimen,
Louis Lozowick pintor y grabador ucraniano/americano (1892 ~1973), Moisei Ginzburg arquitecto y urbanista ruso (1892 ~1946) vinculado al constructivismo y al racionalismo arquitectónico participando de los congresos del CIAM (congresos internacionales de arquitectura moderna) acuña el concepto de «desurbanismo», para limar las distancias existentes entre el campo y la ciudad, como «la ciudad verde» como propuesta anti-urbana. Leo Breuer pintor alemán (1893-1975), Varvara Fiódorovna Stepánova pintora rusa (1894 ~1958) vinculada a A. Rodchenko, V. Kandinski, A. Ekster y L. Popova
Varvara Stepanova Figuras danzando en blanco-1920- oleo sobre tela
Ben Nicholson pintor y escultor inglés (1894 ~1982), Manuel Rendón pintor francés (1894-1982) llevo el constructivismo a Ecuador y países de Latinoamérica, Marcel Janco rumano/israelí (1895 ~1984) fue una de las figuras fundadoras del “Dadaismo” postulando que el caos, el nihilismo. – como crítica a todo lo que los rodeaba – y la irracionalidad cambiarían al mundo haciendo de él un lugar mejor para vivir, Gustav Klutsis fotógrafo y diseñador ruso (1895-1938) quien realizo junto a su esposa y colaboradora Valentina Kuláguina (1902 ~1987) un importante papel en el diseño de la propaganda estanilista, fue un reconocido artista que utilizo el fotomontaje con fines políticos.
A pesar de su tarea política el propio régimen lo condeno a muerte, tarea que desarrolló la KGV luego de un juicio sumarísimo.
Ella Bergmann-Michel artista abstracta y fotógrafa alemana (1896-1971), Tomoyoshi Murayama artista, dramaturgo y productor de teatro japonés (1901~~1977) quien acuña el método «constructivismo consciente» eliminando las fronteras entre el arte y la vida cotidiana, Jocelyn Barbara Hepworth escultora inglesa (1903 ~1975) vinculada entre otros artistas a Naum Gabo. Victor Pasmore pintor y escultor británico (1908-1998), Estuardo Maldonado escultor y pintor ecuatoriano (1930) ha llevado adelante proyectos de integración de la pintura y la escultura a la arquitectura, Theo Constanté (1934- ), Carlos Catasse pintor chileno (1944 ~2010),
Influencias mutuas
Cine dancing Doesburg Strasbourg Café L’Aubette (1928) Théo Van Doesburg con Hans Arp y Sophie
El cubismo ejerce una gran influencia en el constructivismo, a partir del conocimiento que V. Tatlin tiene de las obras de Pablo Picasso (1891 ~1973) y Juan Gris (José Victoriano González-Pérez, 1887 ~1927), así como el futurismo que valora la originalidad, la velocidad y la tecnología, buscando el escándalo.
Éste surge en Milán en 1910 en el manifiesto que realiza Filippo Tommaso Marinetti ideólogo, poeta y editor (1876 ~1944), , también lo hizo el suprematismo (que surge paralelamente al constructivismo, compartiendo ideas al rechazar el arte convencional buscando la sensibilidad a través de la abstracción geométrica), y el dadaísmo (creado en Zürich en el cabaret Voltaire entre 1916 y 1922 por Hugo Ball autor y poeta alemán (1886 ~1927), Jean Arp y Tristan Tzara seudónimo del poeta, escritor y ensayista rumano Samuel Rosenstock (1896 ~1963) quien tuvo amplia influencia en todos los campos de la creación artística, fundiendo vida y arte al incorporar entre otros gestos, acciones provocadoras, esa provocación actuó como aglutinador de un movimiento que podría definirse como “anti-arte”, termino que sin duda agradaría a sus integrantes, que intentaban «escandalizar a la burguesía».
Café de Unie de Jacobus Johannes Pieter Oud Rotterdam 1925
El dadaísmo actúo como piedra fundacional de otros movimientos, como el surrealismo, o el estridentismo, movimiento de vanguardia latinoamericano e interdisciplinario iniciado en 1921 en la Ciudad de México por el poeta Manuel Maples Arce (1900 ~ 1981) y de alguna manera llega hasta el Arte Pop de los años ´60.
En todos estos “ismos”, lo común es el rechazo a lo convencional, creando a partir de la oposición a lo que les precede una idea nueva que permita la creación en libertad, de formas, de elementos, de colores y de luz, sin dogmatismos.
El constructivismo da gran importancia a la técnica y a los pasos que utiliza para conseguir su cometido final, la obra. Su campo de acción es muy amplio ya que puede ubicarse en el espacio, no sólo en forma bidimensional sino interactuar en el, en tres dimensiones, utilizando líneas puras y formas geométricas (arquitectura, escultura y diseño). Estas técnicas les permite a sus creadores difundir ideas, tanto en carteles, como en fotografías, en propaganda o ilustraciones.
Utilizan materiales simples como: madera, metal, cartón, vidrio, y colores fuertes como el rojo, azul, amarillo, negro, blanco y el naranja.
Una anécdota curiosa –y cruel- fue la utilización del término “constructivismo” por Malévich para criticar despectivamente en 1917 los trabajos de Ródchenko.
Rodchenko, danza. composición sin objetivo
Hay una innegable influencia de los trabajos de estos artistas constructivistas en la arquitectura deconstructivista de Zaha Hadid y de la cooperativa de arquitectos Coop Himmerlb(l)au entre otros.
Estos arquitectos hacen de su nombre un juego de palabras Himmelblau significa ‘azul celeste’, yHimmelbau “construcción celeste o celestial).
Ambos estudios participaron en la exposición deconstructivista del MOMA (que mas adelante se explica en detalle).
Manifiesto Realista
Naum Gabo. cabeza Nº 2 1916
Es en 1920 cuando Antoine Pevsner y su hermano Naum Gabo (su nombre real era Naum Neemia Pevsner pero utiliza Gabo para diferenciarse de Antoine) publican el 5 de marzo el “manifiesto Realista” explicitando las ideas del constructivismo, es la primera vez que el termino fue usado, critican el Cubismo y el Futurismo y organizan una exhibición en un kiosco de música en el Bulevar Tverskói en Moscú.
Antón Pevsner
En 1922 Alekséi Gan lo utiliza como título del libro “Constructivism”, influido en parte por el “suprematismo” ( supremacia del sentimiento puro en el arte).
Los artistas tejen lazos y comparten intereses comunes, el líder de los suprematistas es Kasimir Malévich quien crea una sociedad de artistas “Supremus” junto a Liubov Popova, El Lissitzky, Alexander Ródchenko.
Tanto Tatlin como Rodchenko utilizan el constructivismo con una intención “útil” a los fines de la revolución, distinta a la de Kandinsky que en su arte abstracto defiende la estética y la libertad, sin la intencionalidad de emitir un mensaje directo.
Kasimir Malevich, suprematismo
Seis décadas más tarde, a finales de 1980 el llamado deconstructivismo en la arquitectura, crea una fragmentación controlada, que conduce a un formalismo aparentemente espontáneo e improvisado (“aparentemente” porque es producto de un pensamiento y actitud reflexiva). Estamos ante obras que se crean desde el instinto y no tanto por conceptos racionales.
Paralelamente a su necesidad de expresión, buscan y encuentran un gran aliado en el arte y en el diseño gráfico. Ambos les ayudan en la transmisión y comprensión de sus mensajes.
En ambas áreas, las obras y los proyectos, nacen en la “cabeza del artista o del arquitecto”. Este concepto, ha sido expresado en relación a la acción de las abejas que construyen la celda en la colmena a diferencia del arquitecto o el artista que construye su obra primero en su cabeza. (2)
Deconstructivismo “hace referencia a la desarticulación de un pensamiento, más que a su destrucción”.
“…lo característico en la arquitectura es la perfección violada…” (Jacques Derrida)
Deconstructivismo: fragmentación, distorsión, geometría no euclidiana (que no sigue alguno de los parámetros de Euclides), un rol opuesto al modernismo y al posmodernismo, posee un reflexivo discurso propio,
En la búsqueda de dicho discurso y de la mano del arq Peter Eisenmann llegamos al filósofo francés Jacques Derrida (1930 ~ 2004) considerado uno de los pensadores y filósofo contemporáneo más influyente, vinculándose su pensamiento a la deconstrucción y a la realización del filósofo-artista (definido así en la biografía de Benoit Peteers -1956- ).
Derrida adopta el término deconstrucción, ya que “hace referencia a la desarticulación de un pensamiento, más que a su destrucción”.
En la exposición deconstructivista en el MOMA, nace el término Deconstrucción
En 1988 los arquitectos Mark Wigley (profesor en Princeton University) y Phillip Johnson (director del departamento de Arquitectura y Diseño del MOMA) coordinado por Frederieke Taylor organizan la exposición“Deconstructivist Architecture”.
Wigley escribe un ensayo diciendo “que el punto en común de los arquitectos que participaron es comoperturban la manera en que pensamos sobre la forma, construyendo edificios inquietantes que explotaban el potencial desconocido del modernismo¨.
Lista de los arquitectos participantes y de los proyectos expuestos
– Coop Himmelb-l-au (cooperativa de arquitectura creada en 1968) Viena arq. Wolf D. Prix (1942) y Helmut Swiczinksy (1944), Ático en Viena -1985- Hamburg Skyline 1985 edificio de apartamentos en Viena 1986.
– Peter Eisenman estadounidense (1932), Biocentro para la J. W. Goethe Universidad, Frankfurt, concurso 1987
– Frank Gehry canadiense/estadounidense (1929), Casa Gehry, 1977-87 y Residencia familiar ambas en Santa Mónica, 1978.
– Zaha Hadid iraquí/inglesa (1950 ~ 2016), The Peak, concurso Hong Kong, 1983.
– Rem Koolhaas holandés (1944), Rotterdam edificios en torre 1981.
– Daniel Libeskind polaco/estadounidense (1946), City Edge concurso, Berlín, 1987
– Bernard Tschumi suizo/estadounidense (1944), Parque de la Villette, concurso en Paris, 1982, menciona que hoy en día las funciones cambian con usos diversos, museos en antiguas estaciones, bibliotecas en iglesias, entonces ya “la forma no sigue más a la función” que fue el principio funcionalista de la Bauhaus).
Hay referencias adicionales en el deconstructivismo a varios movimientos del siglo XX, la interacción modernismo/postmodernismo, expresionismo, cubismo y el arte contemporáneo.
El intento del deconstructivismo es liberar a la arquitectura de las reglas modernistas, que sus seguidores juzgan constrictivas, como «la forma sigue a la función (“form follows function”) frase acuñada por el arquitecto Louis Sullivan (1856 ~1893) y que a su vez la remite a Marco Vitruvio Polión ( 80,70 AC ~15 AC) en su libro De Architettura, «La pureza de la forma» como principio estético que busca la complejidad de la sencillez. y la «verdad de los materiales» (“truth on materials”) en cuanto a su utilización estructural y estética.
Estas teorías se reflejaron en la revista Oppositions, (publicada en el período 1973-84) editada por el Institute for Architecture and Urban Studies con sede en N York. Y entendieron que sus postulados estaban reflejados en el libro “Complejidad y Contradicción en la arquitectura” (1966) de Robert Venturi.
Si bien Venturi es un posmodernista, los deconstructivistas encuentran sentido a sus propias propuestas funcionales, estructurales y espaciales. Tanto Derrida como Eisenmann presuponen la arquitectura como un lenguaje capaz de comunicar un cierto sentido, y que puede expresarse con la “filosofía del lenguaje”, al debatir y estudiar nociones como el significado, la referencia, el entendimiento, el pensamiento, la comunicación.
La dialéctica conformada por la presencia y la ausencia, es un tema recurrente en la arquitectura de Peter Einsemann ya que el lleno y el vacío, tiene su referente en la construcción y la deconstrucción.
Indudablemente, ambos términos constructivismo / deconstructivismo se complementan al vincular obras, movimientos y una base de desarrollo intelectual, teórico y práctico, Artistas, arquitectos, en un recorrido de poco más de medio siglo.
Lo que no es poco.
Hugo A. Kliczkowski Juritz
Nota
1
Entre el 18 de diciembre de 1911 y el 1 de Enero de 1912 se realizo la primera exposición de El Jinete Azul, en la Galeria Muniquesa Thanhauser donde se expusieron 50 obras de Albert Bloch, David y Vladimir Burliuk, Heinrich Campendfonk, Robert Delauna y Elisabeth Epstein, Eugen von Kahler, Vassily Kandinsky, August Macke, Franz Marc, Gabriele Münter, Jean Bloé Niestlé, Henri Rousseau y Arnold Schönberg.
Kandinsky preparó a los visitantes con el siguiente texto » En esta pequeña exposición no intentamos difundir una forma específica o determinada. Lo que queremos es presentar, a través de las distintas formas aquí representadas, las diferentes maneras mediante las cuales se manifiestan los deseos internos del artista».
2
Maurice Lagueux Departamento de Filosofía Universidad de Montreal, refiere a Karl Marx, en un célebre pasaje del Capital evidenciando la cualidad del hombre». (El Capital, Libro 1, in Marx, 1963, p. 728).
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“La forma es un lenguaje, y ese lenguaje debe sernos inteligible, estamos ansiosos de inteligibilidad y, por lo tanto, de expresión. Parte del desasosiego moderno se debe a la ausencia de expresividad legítima a que nos rodean cosas que ostentan un hermetismo que es la negación de lo que supondría la fraternidad quedamos por supuesta y que naturalmente debería leerse en la obra del hombre en el espacio” Eladio Dieste
Eladio Dieste creador de tecnología. Un maestro del tercer mundo
La forma sigue a la función, mas es menos… muchas teorías al respecto, pero no tantas evidencias de lo que se debe hacer, como y cuando.
La capacidad y el talento de profesionales como Eladio Dieste, señalan un camino, un rumbo, que nos explica, y nos muestra enseñándonos que es posible lo que antes se pensaba que no lo era.
Cuando visite la iglesia de Atlántida, junto a mi amigo Edgardo M. me impacto no solo su espacio, su estructura, el uso de la luz, la sencillez compleja de su resolución.
Es sin duda una de sus mejores obras pero no la única. Su genialidad está en el concepto de sus formas, en un discurso simple y enriquecedor donde el espacio contenido, juega un papel de dialogo con la cascara que lo define. No es anecdótico decir que son soluciones inteligentes, razonables, económicas y de rápida ejecución. No se debería pedir más. Pero hay más.
Produce en el espectador narraciones como las de su amigo Juan Grampone “La experiencia de caminar por encima una bóveda que vibra a cada paso como si fuese un tambor, también es una experiencia intransferible. Las grandes bóvedas autoportantes, voladas, como las de Salto, esas gaviotas de cerámica, son incomprensibles, aun para quien ha estudiado algo de estructuras y de resistencia de materiales. Simplemente no se puede creer lo que se ve. La experiencia de ver una bóveda sin completar, colgada del aire, especialmente cuando esta recién quitado el molde y todavía está húmeda es otra experiencia imborrable. Además posee el encanto de lo fugaz, de aquello que una vez que se complete, dejara de ser así para siempre. Así recuerdo las cascaras del Montevideo Shopping Center cuando la visite invitado por Dieste”
No es común acciones donde convergen el arquitecto, el ingeniero, el constructor, el maestro de obras donde hay una línea del proceso desde el concepto, la ejecución hasta la obra terminada. Su actitud ideológica no es un valor menor en sus valiosos logros profesionales.
Nos advirtió “No veo «modelos» por imitar; veo algo mucho más incitante: un camino y sé que tengo brújula”.
Unos párrafos más adelante he puesto 6 videos de la entrevista que le realizara el arq. Mariano Arana, y que es todo un ejemplo de claridad profesional (y personal). Comencemos:
La vida de Eladio Dieste
“Eladio Dieste, maestro de la Ingeniería” gracias a este libro de Juan Grompone (1939) ingeniero industrial, profesor, informático. escritor uruguayo y amigo de la familia(Nota 2)podemos tener acceso a datos interesantes de su vida.
Eladio Dieste nació en Artigas, R.O. del Uruguay el 10 de diciembre de 1917, falleció a los 82 años en Montevideo el 20 de Julio del 2000. Ingeniero de formación es nombrado arquitecto honorario en reconocimiento a su tarea de diseñador. Encontró apoyo en las obras de Antonio Bonet (Nota 3), (ver Antonio Bonet, Espacio Editora) y las obra de su compatriota Torres García (Nota 4).
Tuvo 11 hijos, y el segundo de ellos Esteban lo describió como “un católico muy ferviente”: “De carácter difícil, varios de sus hijos trabajaron con él, Eduardo (administrador de empresas), Antonio (ingeniero civil). Considerado como perteneciente a la “generación del 45” que se caracterizó por un gran espíritu crítico, y una sólida formación que les permitió siendo docentes transformar los centros de altos estudios en centros académicos de primer nivel.
En los años 30, Uruguay recibió a muchos inmigrantes, a partir del 36 fue la emigración española provocada por la guerra civil, también de judíos que eran perseguidos en Europa, y posteriormente durante la 2nda guerra mundial. De esa época es su relación con la familia de Joaquín Torres García (1874-1949), a quien mencionaba como “un artista de verdadero genio y de gran intuición estética”
En 1934 conoce a Eduardo Díaz Yepe (1910 – 1978) (esposo de Olimpia Torres, hija mayor de Joaquín Torres García) (Nota 5) y en 1961 a su regreso -luego de su prisión durante la guerra civil y estadía en Francia- le encarga el Cristo de la Parroquia del Cristo Obrero de Atlántida.
Olimpia Torres se refirió a la iglesia: “…La Iglesia de Atlántida fue como un hijo también para nosotros, un hijo que fue naciendo poco a poco. Porque si había que llevar ladrillos, él (Eladio Dieste) venía a buscarnos a casa a mi esposo y a mí, y nos llevaba a traer ladrillos”. No fue fácil para Dieste convencer a las monjas que aceptaran considerar al Cristo una obra de arte y religiosa y no lo sacaran de la iglesia, debido a su intenso brillo por estar recubierto con pan de oro.
Es Torres García quien le habla de Antonio Gaudí (especialmente de la Cripta de Santa Coloma, a 19 km de Barcelona)
1era distracción sobre la Cripta de Santa Coloma
Gaudi , Güell y Santa Coloma de Cervelló
Con un interior mágico donde participan el ladrillo visto (seguramente lo que más interesó a Eladio), junto a trozos de cerámica, cristal y la teja catalana. Durante mas de 10 años trabajó Gaudí en este proyecto que le encargara Eusebi Güell (1846-1918) y que terminara en fracaso como proyecto de colonia donde se alojarían sus empleados, al lado de la fábrica que tenía en Santa Coloma.
Del proyecto de una iglesia de 2 niveles y torre de 40 metros, solo se completó la planta baja denominada Cripta (terminada en 1914) y declarada Patrimonio de la Humanidad en 2005.
En Santa Coloma podremos encontrar obras de discípulos de Gaudi, Joan Rubió i Bellver (1870 – 1952) , Francesc Berenguer i Bellvehí (1889 –1952) y Francesc d’Assís Berenguer i Mestres (1866 – 1914).
Volvamos a la vida de Eladio Dieste
Con otro catalán es con quien se enfrenta a la posibilidad de realizar su primera bóveda de ladrillo. Es en 1946 cuando lo llama el arquitecto Antoni Bonet i Castellana (1913-1989) para colaborar en la casa Berlinghieri en Portezuelo (Maldonado). Su propuesta es sencilla, propone hacer trabajar en forma solidaria el ladrillo, el mortero y el hierro pero dándole forma al material para que sea más resistente y eficaz.
De 6 metros de luz, pasa a obras de 10,50 metros, luego a 43 metros de luz en TEM y a 46,50 metros con el Packing Caputto en Salto hasta a cubierta del Pabellón Julio Herrera y Obes en el Puerto de Montevideo] con una luz de 50 metros. En tantas y tantas obras solo hubo 2 accidentes, que no fueron por fallos de esta tecnología, sino por un error constructivo al omitir la empresa constructora poner hierros en la losa de borde, y el otro por fallos en la calidad del cemento suministrado por la cementera. Este último costo la vida de varios operarios.
En el libro de Damian Bayon y Paolo Gasparini (Barcelona 1977) “Panorámica de la arquitectura latino–americana. Eladio Dieste” leemos:
En Estados Unidos [. . .] al ver que el ladrillo iba siendo sustituido, crearon unos institutos para tratar de buscarle una Utilización estructural [. . .] Han hecho con el ladrillo cosas que se hacen mejor con hormigón: vigas de hormigón, losas de hormigón [ . . ] Pero no hay [. . .] una sola experiencia, por ejemplo, de diafragma de ladrillo; cuando el diafragma, o sea la pared portante,es el elemento primitivo del ladrillo [. . .] No hay ni una sola cúpula, una sola bóveda, un solo tanque, un solo silo, todas las cosas para las cuales el ladrillo se presta con un costo muchísimo menor que el hormigón.
Demostró que la cerámica armada permite la construcción de estructuras muy esbeltas, con las que es posible construir luces de hasta 50 metros “siempre que sean elásticamente estables, resistiendo al pandeo, y esto se consigue ondulando la bóveda”
La empresa Dieste y Montañez (Nota 6)(fundada en 1954, hasta el año 2.000 cuando muere E. Dieste) realizo más de 150 construcciones) fue de las primeras en adquirir computadoras. Por todo esto es interesante la evolución del pensamiento de Dieste. Hacia 1980 decía: [. . .] pocas cosas en este mundo son más prodigiosas que la computación. Muchas de las dificultades de cálculo [. . .] han desaparecido, porque no hay sistema de ecuaciones diferenciales, por complejo que sea que resista a la capacidad de resolución de una buena máquina. Pero esta no responde por sí misma, nunca nos dará substancialmente más que lo que le ponemos dentro; o sea que la creación de la forma ´ seguirá siendo el resultado del trabajo de la mente “.
Diseñó maquinas, equipos para el pretensado y encofrados muy delgados, así como muebles: “Esto me divertía bastante”
En la enseñanza Dieste fue un estimado docente de la Facultad de Ingeniería, en la cátedra de Mecánica, incitaba a sus alumnos a pensar más en las leyes fundamentales que en los resultados. Estaba convencido de la importancia de la formación conceptual.
Un ingeniero al que los arquitectos tan dignamente han elogiado al punto de recibir el título de arquitecto honorario.
En 1978 Mariano Arana (1933) le pregunto en forma directa(Nota 7)si se considera arquitecto y la respuesta de Dieste es clara y elocuente:
“No. Para ser arquitecto se necesita una formación académica que no tengo”. Según el propio Dieste: “La Iglesia de Atlántida fue mi Facultad de Arquitectura”
Entrevista del Arq. Mariano Arana el 8 de Octubre de 1990.
Parroquia o Iglesia del Cristo Obrero de Estación Atlántida
En 1952 Alberto Giudice y su mujer Urioste donantes de la Iglesia que tenían en ese lugar una catequesis, le propone construir una bóveda, a pesar que Dieste le pide trabajar con un arquitecto (proponiéndole una lista de posibles arquitectos), este se niega, ambos siguen en contacto permanente, y es entre 1956 y 1957 que finalmente acepta. Trabaja durante 2 años, a pie de obra,
“Recuerdo que en una ocasión me dijo que en una iglesia lo importante era lo que sucedía adentro; que el edificio no importaba. Le conteste que la Iglesia siempre tuvo la sabiduría de rodear lo religioso de una dignidad capaz de expresar visualmente lo sagrado. Finalmente ofrecí construir la Iglesia por el costo de un galpón. [. . .] “La idea del proyecto se me ocurrió de inmediato” (Nota 8).
La obra es publicada en todo el mundo influyendo en muchos profesionales que comenzaron a utilizar el ladrillo, entre ellos José Ignacio Dıaz “Togo Diaz” (1927-2009) en Córdoba, Argentina, quien en sus comienzos colaboro con el arquitecto Antonio Bonet mientras proyectaba la Torre de las Américas en Córdoba; Rogelio Salmona (1929-2007) en Colombia, quien trabajo durante casi 10 años en el Atelier 35 rue de Sèvres de Le Corbusier, autor entre otros proyectos emblemáticos de la casa de Gabriel García Márquez,. Juvenal Baracco (1940) en Perú, entre otros.
Volvemos al ladrillo
El uso del ladrillo, desde los romanos, tiene su lógica constructiva, en bóvedas y cúpulas. Al ser un sistema simple, ya que se pone el ladrillo unido a otro por un mortero se lo utilizó en edificaciones de uso doméstico (aljibes, pozos, dinteles de puerta).
El aporte de la obra de Eladio Dieste es lo que él denominó “cerámica armada” llevado al extremo la creación de superficies curvas a partir de esa nueva tecnología. Le ha permitido diseñar con una máxima liviandad, construcciones abovedadas realizadas con ladrillos, armadura de acero y un mínimo de hormigón.
Nos ha demostrado que es posible resistir las solicitaciones y las cargas gracias a su forma y no a su masa, consiguiendo un importante ahorro de materiales.
Al poder ser construidos sobre un encofrado móvil (por ser muy livianas), factibles de ser prefabricadas y sistematizadas en la repetición de sus componentes, consiguió muchísima aceptación.
Supo cubrir distancias importantes sin apoyos intermedios construyendo grandes espacios con una estudiada utilización de la luz.
Preparando estas líneas asocie su trabajo con el artista californiano James Turell (1943) que crea espacios a partir de la luz, Dieste incorpora la luz al espacio construido. “Mi trabajo es sobre el espacio y la luz que habita en él. Se trata de cómo se puede hacer frente a ese espacio y materializarlo”(Nota 9)
El camino de la cerámica armada está lleno de posibilidades. E.D.
El ladrillo podría considerarse el material prefabricado más antiguo de la humanidad, hemos comprendimos sus enormes posibilidades en la Basílica de Magencio en Roma, (en ruinas), con el record mundial de 25 m de luz, o cuando Filipo Brunelleschi (1377-1446) construye la bóveda de mayor dimensión del mundo en Santa María dei Fiore en Florencia.
Hasta Dieste, la cerámica se había utilizado como elemento siempre comprimido, el incorpora el recurso del pretensado y la utiliza en grandes dimensiones, el acero envainado en las láminas le permite crear espacios de grandes luces.
Eladio Dieste nos menciona las ventajas del ladrillo y de la cerámica estructural:
Elevada resistencia mecánica (1.000 a 1.500 kg/cm2)
Material liviano, mejor adaptabilidad a las deformaciones, buen envejecimiento,
Buen aislamiento térmico y acústico, regulación natural de la humedad, material económico (entre 3 y 4 veces menos que una construcción tradicional)
Crea “LAS BÓVEDAS GAUSAS”
Cuyas formas geométricas, características estructurales, técnica constructiva y economía de materiales responde al hecho de crear la forma siguiendo la directriz del peso propio. El complejo ladrillo-mortero-hierro se comporta como una unidad estructural, el peso produce compresión simple y ésta compresión le permite resistir esfuerzos de flexión.
“No podemos seguir dando por sentado que el arte, la ciencia y la técnica nos han de venir de fuera.
“La cittá non sia altro che una casa grande, E per lo contrario la casa, una città picola”
A.Palladio. Libro II, capítulo 12.
Tengo conmigo 2 libros, uno casi de bolsillo, que he editado, y otro muy importante en tamaño y contenido con el que mi relación es más indirecta.
El más pequeño es de una colección que bautizamos «archipocket», y que componen una serie de arquitectos “clásicos” y otra de arquitectos “modernos”. La editamos entre los años 2002 y 2003. (1)
Ambas colecciones fueron editadas con el mismo criterio, en cuanto a la presentación de cada biografía, y de las obras, redibujamos los planos, y se publicaron las fotografías generales a página entera.
La única diferencia entre arquitectos del siglo XVI y XXI era la foto del arquitecto de contratapa, ya que el interior del libro se diseñó presentando de igual manera las obras de Miguel Ángel o Palladio como las de Jean Nouvell o Alvaro Siza.
Fue una notable experiencia ver lo bien que convivían ambas series, «la buena arquitectura no tiene una fecha de caducidad. Si es buena, en sus comienzos, así continua».
Andrea Palladio (colección archipocket)
Editorial HK (H Kliczkowski)
17,5 cm x 23 cm. 80 páginas a todo color
Tapa dura con sobrecubierta
ISBN 978 84 8943 982 5
Me gusta la introducción al libro Antonio Palladio, de la editorial HK, que escribió Llorenç Bonet, aquí va:
A mediados del siglo XVI, los otrora poderosos comerciantes venecianos son conscientes de que su pequeña república no puede competir con los grandes imperios europeos. Son una clase noble, cosmopolita, que necesita reconvertir sus negocios debido a la crisis que sufre el Mediterráneo ante la pujanza del comercio atlántico.
Este nuevo enfoque pasa por invertir sus fortunas en la terraferma. Hacen de los pantanosos terrenos de la región una tierra apta para el cultivo, y se trasladan de las ciudades a los campos para dirigir personalmente las explotaciones, aunque sin olvidar su pasado noble y sus costumbres urbanas. Esto precisa una arquitectura funcional para la explotación hortícola que a la vez tenga en cuenta que sus dueños no son solo campesinos, sino nobles urbanos. Además ante la delicadeza económica de esta transición, es necesario que estas construcciones puedan edificarse por etapas, en función de la liquidez del propietario.
Es en este contexto donde aparece Andrea di Pietro della Gondola, llamado Palladio por su mentor, Giangiorgio Trissino, el intelectual más destacado de Vicenza, una de las ciudades que rendía tributo a Venecia. Es precisamente este humanista quien descubre al cantero Andrea di Pietro, cuando tiene treinta años, y le proporciona una educación clásica tras apreciar su predisposición a aprender y su inclinación a los estudios de matemática. La formación que recibe Andrea es más la de un técnico con conocimientos humanistas más o menos sólidos que la de un humanista propiamente dicho. Conoce los textos de Vitruvio y de Alberti, pero él es un arquitecto práctico y no un teórico, como, lo demuestra en sus Quatro Libri (Venecia, 1570), donde se interesa más por las soluciones pragmáticas que por los problemas teóricos de la arquitectura….sigue (2)
El otro libro, que mencioné, son palabras mayores, es un hermoso libro sobre la obra del maestro. Tengo una ya larga relación de amistad con su editor Ludwig Konemann y asumí su distribución tanto en España como en varios países de Latinoamérica.
Editado por Konemann y Magnus Edizioni, de Udine, Italia
Su autor es Christoph Ulmer. Como resumen pone en la solapa de portada: “Andrea Palladio, el arquitecto más eminente de todos los tiempos, nunca trabajo guiándose por esquemas rígidos ni reglas fijas. Su estilo personal se caracterizó por una fusión perfecta entre el espíritu de la antigüedad clásica y la tradición veneciana local, aspecto que lo convirtió en un artista único, imitado en todo el mundo durante siglos».
Presenta 13 Palacios, 19 Villas, 8 edificios públicos así como 9 Iglesias y edificios religiosos.
Los diseños, los planos y las fachadas del volumen han sido extraídos de la Obra I QUATTRO LIBRI DELL’ARCHITECTURA y de LE FABBRICHE E I DISEGNI ambos de Andrea Palladio, con textos e ilustraciones de Ottavio Bertotti Scamozzi,
Arquitectura con mayúscula
La arquitectura, algunas veces espontánea, otras basada en las tradiciones tuvo desde sus inicios no solo desarrollos prácticos sino también teóricos. Muchos de ellos han sido refugio y germen intelectual de gran parte de las construcciones que nos rodean hoy en día -algunas para bien, otras no tanto-. Se siguen estudiando, en forma directa o a través de las obras que aquellos tratados y aquellos arquitectos proyectaron y para nuestra suerte construyeron.
Me referiré a varios tratados y también a una obra referencial por su importancia. Los estudios de Vitruvio, Alberti y Palladio y la Villa Rotonda.
Este es mi homenaje a estos enormes personajes, a partir de aquí lo que sigue es una descripción de cada tratado, que han sido claves en la historia de la arquitectura:
1.- Marcus Vitruvio. Los 10 libros de “De aerquitectura”.
Es el tratado sobre arquitectura más antiguo que se conserva de la Antigüedad clásica. (27 AC)
2.- León Battista Alberti. Los 10 libros “De aedificatoria” (1452)
3.- Pellegrino Prisciani.“Spectacula”, sobre el teatro antiguo, uniendo fragmentos de Albertiy de Vitruvio. (1486 y 1502)
4.- Daniele Barbaro y Andrea Palladio. La interpretación del tratado de Vitruvio (1556)
5.- Giacomo Barozzi Vignola. “Regla de los cinco ordenes de la arquitectura” (1562)
6.- Andrea Palladio y Los cuatro libros de la arquitectura “I quattro libri dell’architettura” (1570)
7.- Vicenzo Scamozzi. “La idea de la arquitectura universal” (1615)
Entre ellos, hay uno que tiene una distancia en siglos enorme con respecto a los otros, son los 10 libros de Vitruvio, del siglo 1 AC, casi 16 siglos con respecto a los tratados de Alberti y Palladio.
Impresiona la capacidad teórica y práctica de cada uno de sus actores. Llenos de creatividad, de espíritu de búsqueda, observadores de la realidad tanto de su tiempo como los anteriores, han quedado registradas en forma minuciosa, como si de codificadores se tratase.
Una vez encontrado el hilo conector de todas las sapiencias y el “buen hacer” tuvieron la capacidad y la posibilidad de establecer una normativa para sus seguidores.
La antigüedad fue el modelo a adoptar, fue “la escuela arquitectónica” del renacimiento.
Me han entusiasmado especialmente todas estas obras y tratados por lo que veo de ellas, en la búsqueda posterior de un lenguaje, y de un concepto arquitectónico “moderno”, que muchas veces, solo cambia el lenguaje, diciendo las mismas cosas. La misma narrativa, en un envoltorio “aggiornado” y/o “adaptado”, quizás sea solo un cambio de melodía, o de ritmo.
Villa Capra, “la Villa Rotonda”
Que eran estas villas? Al decir de Stan Neumann y Louise Decelle“Este tipo de villas, inventadas y codificadas por el mismo Palladio, reunía en un numero de diferentes edificios que tenían distintas funciones pero que intentaba fundir en una homogénea y armoniosa unidad. Esta era una nueva ambición arquitectónica, una nueva concepción de belleza”.
De las más de veinte Villas que Palladio proyecto en la región veneciana uno de los edificios más celebres de la historia de la arquitectura es la Villa Rotonda. La coherencia racional de Palladio en cuanto a geometría, longitud y altura, deriva de su gran conocimiento de las obras teóricas de Vitruvio y Alberti. Es en esta villa, donde supo aplicar sus teorías a un edificio concreto, donde aplica su concepción del clasicismo en forma exacta.
En 1565 cuando el sacerdote y conde Paolo Almerico decide regresar a su ciudad natal, encarga a Andrea Palladio el proyecto de su futura casa, una villa sofisticada, un refugio tranquilo de meditación y estudio.
Esta se construyó entre 1567 y 1570 muy cerca pero fuera de los muros de la ciudad de Vicenza, en la cima de una pequeña colina. Palladio contaba con 58 años, era muy conocido y su obra muy reconocida.
La Villa Rotonda, contiene una indudable inspiración en el Panteón de Roma, y se la conoce también con los nombres de quienes fueron sus propietarios, Villa Capra, Los hermanos Capra la recibieron en 1591, y encargaron a Vicenzo Scamozzi (1548 – 1616) completarla con nuevas dependencias. También como Villa Almerico-Capra o Villa Capra-Valmarana (en el siglo XX fue restaurada por la familia Valmarana de Venecia).
Hasta su muerte ocurrida a los 81 años fue su propietario el arq Mario di Valmarana (1929 – 2010), un arquitecto y experto en las obras de Palladio, profesor emérito de arquitectura en la universidad de Virginia desde 1972.
La villa fue la residencia de su familia por más de dos siglos, y su ambición declarada fue preservar la Rotonda para que pueda ser apreciada y maraville a las futuras generaciones.
La villa ha sido incluida en 1994, junto con otros edificios de Vicenza, «ciudad de Palladio”, en el elenco de Patrimonios de la humanidad de la Unesco.
Los Scamozzi agregaron los anexos rústicos externos (la barchessa), separados del cuerpo principal, para el desarrollo de las tareas rurales, no previstos en el proyecto original. El complejo incluye además la capilla familiar, encarga el conde Marcio Capra en 1645 y construida por Girolamo Albanese (1584-1660).
Incluida en su tratado como un palacio, es un edificio cuadrado simétrico inscripto en un círculo perfecto. Palladio utiliza la esfera (definiéndola espiritualmente con atributos divinos de unidad y uniformidad), y el cubo (como referencia a lo terrenal).
En esa época la cúpula era utilizada para las iglesias, pero Palladio la usa en esta casa particular, cubriendo la sala central. El acceso a cada una de sus cuatro fachadas es por amplias escalinatas, que llegan a una galería (o loggia, que es un pasaje con arcos y cubierto) enfatizada por un “pronaos jónico” y un frontón decorado con esculturas que representan a divinidades griegas clásicas y flanqueada a sus costados por una ventana simple. Gira la planta 45 grados respecto a los puntos cardinales, para que las habitaciones principales, tengan un asoleamiento similar.
A diferencia de las demás villas, ésta no tiene dependencias secundarias.
El interior es tan espléndido como el exterior. Las esculturas son obra de Lorenzo Rubini ( 1556 – ?) y Giambattista Albanese (1573 – 1630) la decoración plástica y los cielorrasos son de Agostino Rubini, Ottavio Ridolfi (1582 – 1624), Ruggero Bascapè (? – 1600?), Domenico Fontana (1543-1607) y posiblemente de Alessandro Vittoria (1525-1608) que también trabajo en la biblioteca Marsiana ; los frescos pertenecen a Anselmo Canera (1530? – 1584?), Bernardino India (1528 – 1590) , Alessandro Maganza (1556 – 1640) que decora con frescos el cielorraso semiesférico donde encontramos también alegorías ligadas a la vida religiosa, con representaciones de la Bondad, la Templanza y la Castidad. Y más tarde al francés Ludovico Dorigny (1654 – 1742) autor de la parte inferior de la sala, que ha decorado las paredes con columnatas fingidas en trampantojo y gigantescas figuras de la mitología griega.
La decoración de la villa llevó mucho tiempo, y en algunos casos no se conoce a los artistas y artesanos que trabajaron. El lugar más notable del espacio interno, es sin duda la sala central circular, dotada de balcones, que se desarrolla en toda la altura hasta la cúpula.
La cantidad de frescos genera casi el ambiente de una catedral, no de una residencia campestre. Goethe, quien varias veces visitó la villa, decía que Palladio«había adaptado un templo griego para ser habitado».
La escalinata fue modificada en el siglo XVIII por Ottavio Bertotti (1719 -1790) , Scamozzi la devolvió la forma original y el ático fue subdividido en locales por Francesco Muttoni (1667 – 1747), quien modificó los entrepisos entre los años 1725 y 1740.
Aunque la Rotonda pueda parecer completamente simétrica, existen desviaciones proyectadas para que cada fachada se adaptara al ambiente y la topografía circundante. Existen diferencias en las fachadas, en el tamaño de los escalones, en el muro de contención, etc. De tal modo la asimetría de la arquitectura dialoga con la asimetría del paisaje, para crear una composición en apariencia simétrica. El paisaje ofrece una visión panorámica de árboles, prados y bosques, con la visión de Vicenza en el horizonte.
La influencia de la arquitectura de A. Palladio o arquitectura palladiana fue muy importante como fuente de inspiración para numerosos arquitectos como Vincenzo Scamozzi que proyecta la Villa Pisani entre 15675 y 1578 llamada la Rocca Pisana, obra que lejos de limitarse a imitar al maestro, construye filo-lógicamente una crítica al proyecto de la Rotonda, retornando al modelo del panteón romano.
Podemos menciolnart:
– Lord Burlington (1694-1753) y William Kent (1685-1748) autores de la Chiswick House (Londres, 1725), uno de los más célebres ejemplos de neopalladianismo británico, creación intensamente ecléctica y personal.
– Thomas Jefferson(1743-1826)que realiza su casa en Monticello en Charlottesville (Virginia) así como la sede de la Universidad de Virginia La obra es declarada en 1987 Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.(3). La he visitado, y creo que es mas un reflejo de formas y de un clacisismo veneciano adaptado a las ideas americanas de Jefferson, hubiera querido que me maraville, pero no fue asi.
Comencemos por el principio
Marco Vitruvio Polión. Tratado “De Aerchitectura”
Según Vitruvio, la arquitectura es una imitación de la naturaleza. Como las aves construyen sus nidos, los seres humanos, construyen su vivienda a partir de materiales naturales, construyendo así un refugio contra los elementos.
Marcus Vitruvius Pollio (c. 80-70 a. C.-15 a. C.), fue arquitecto de Julio César y autor del tratado sobre arquitectura “De Aerchitectura” que se conoce como “Los 10 libros de Arquitectura” un tratado escrito en latín y griego antiguo acerca de arquitectura, dedicado al emperador Augusto. (4)
Escrito probablemente entre los años 27 AC y 23 AC, se inspiró en teóricos helenísticos, la obra trata sobre órdenes, materiales, técnicas decorativas, uso de colores, construcciones y distintos tipos de edificios.
En el último libro describió la tecnología romana, y la ingeniería de máquinas para desagües, elevación de agua; (como la rueda hidráulica), acueductos, e instrumentos de medición para uso topográfico, la utilización de calefacción central en edificios explicando que el caldarium debe estar al lado del tepidarium y este seguido del frigidarium; y todo tipo de artefactos bélicos (catapultas, ballestas, tortugas, etc.).
Famoso por afirmar en su libro que ciertos edificios públicos deben exhibir tres cualidades, ser «sólidos, útiles y hermosos».
El florentino Francesco Petrarca (1304 – 1374) fue el gran redescubridor de Vitruvio, con su difusión se sentaron las bases de la arquitectura Renacentista, impreso por primera vez en Roma en 1486, fue conocido y empleado en la Edad Media y permitió a los artistas del Renacimiento, tener el conocimiento de las formas arquitectónicas de la antigüedad greco romana.
Influyó profundamente a los artistas, pensadores y arquitectos, entre ellos León Battista Alberti (1404 – 1472), Leonardo da Vinci (1452 – 1519) y Miguel Ángel (1475 – 1564).
Y lo hicieron en forma armónica, para ello los griegos inventaron los órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio, estudiaron y dieron un sentido de la proporción, que culminó en la comprensión de las proporciones de la mayor obra de arte: el cuerpo humano.
El famoso dibujo del cuerpo humano de Leonardo da Vinci, (que está en la Galleria dell’Accademia, en Venecia) está basado en las indicaciones y proporciones dadas por Vitruvio:
«… tendido el hombre supinamente, y abiertos brazos y piernas, si se pone un pie del compás enel ombligo, y se forma un círculo con el otro, tocará los extremos de pies y manos. Lo mismo… sucederá en un cuadrado; porque si se mide desde las plantas a la coronilla, y se pasa la medida transversalmente a los brazos tendidos se hallará ser la altura igual a la anchura, resultando un cuadrado perfecto» (5)
Está inscrito en el círculo y el cuadrado (los patrones geométricos fundamentales del orden cósmico).Las ilustraciones originales de la obra de Vitruvio no han sobrevivido, por ello Daniele Barbaro utilizo los dibujos que realizó especialmente Andrea Palladio.
Bárbaro explica claramente algunas de las secciones más técnicas y teoriza en la relación existente entre naturaleza y arquitectura.
Los conocimientos teóricos y arqueológicos que toma de Palladio le permitieron enriquecer la obra de Vitruvio. (6)
Ni el talento sin el estudio, ni el estudio sin el talento
pueden formar un buen arquitecto.
Marcus Vitruvius Pollio
Leon Battista Alberti. Los 10 libros de aedificatoria
Leon Battista Alberti (1404 – 1472) fue uno de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento, arquitecto, tratadista, matemático y poeta, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo.
Quizás, el primer teórico del Renacimiento, buscó en las reglas (teóricas y prácticas) su fuente de inspiración para volcarlas en varios tratados como De Statua (1404), De Pictura (1436) (7) y el tratado que más nos interesa: «De re aedificatoria» de 1452
De re ædificatoria
En la ciudad de Roma escribió «De re ædificatoria» en latín, un completo tratado de arquitectura abordando todos los aspectos teóricos y prácticos relativos a la profesión. La obra se publicó en 1485, 13 años después de su muerte.
Está dirigida al gran público con formación humanística y toma como modelo los diez libros de arquitectura de Vitruvio que en aquel momento circulaban en copias manuscritas aún sin corregir.
En el tratado parte siempre del estudio de la antigüedad, basado en las medidas de los monumentos antiguos, para proponer nuevos tipos de edificios modernos, y también edificios nuevos pero inspirados en el estilo antiguo, entre los que se incluían varios edificios de utilidad pública, como las prisiones (a las que trata de humanizar) y los hospitales.
Utiliza el término «concinnitas» que podemos traducir como la justa medida, cuando no sobra ni falta nada. Es el concepto que hace que veamos algo bello y no sepamos porqué.
Nos explica que el arquitecto es el que la inventa y su función es matemática, debe crear y dar proporciones. Sus discipulos hacen las labores de aparejador, que son los que resuelven los problemas a pie de obra.
Una síntesis de sus libros:
Los 3 primeros tratan de la elección del terreno y de los materiales, otros 2 de los distintos tipos de edificios, el 6to. sobre la ornamentación, los siguientes 3 libros acerca de la construcción de iglesias, edificios públicos y privados y el 10 y último libro de la rehabilitación. (8)
“…pero cualquiera no está preparado para desarrollar
la actividad arquitectónica,
hace falta una especial sensibilidad y preparación”
Leon Battista Alberti
Alberti arquitecto
“(…) el que quiera llamarse arquitecto. Deberá ser ingenioso y aplicado; pues ni el talento sin el estudio, ni éste sin aquel, pueden formar un artífice perfecto. Será instruido en las Buenas Letras diestro, en el Dibujo, hábil en la Geometría, inteligente en la Óptica, instruido en la Aritmética, versado en la Historia, Filósofo, Médico, Jurisconsulto, y Astrólogo”
Formado como tal en Roma, en donde entra en contacto con el círculo de artistas en torno a Brunelleschi y Donatello. Se dedicó a la arquitectura los últimos 25 de su vida, hace obras de una enorme sencillez estructural, conjugando economía de medios, belleza y armonía
Al dar proporción a todas sus partes, tanto internas como externas, sus conceptos remiten a los números, a la música y a la geometría. Uno de sus logros más importantes fue la adaptación de elementos clásicos al mundo arquitectónico del Renacimiento.
En la Toscana: la Villa Médicis de Fiesole (atribuida a Michelozzo) es fruto de un proyecto ideado por Alberti con numerosos elementos innovadores que hacen de ella probablemente el primer modelo de residencia suburbana y de jardín totalmente renacentista.
En Rimini: el templo Malatestiano (San Francesco).
En Mantua, La Iglesia de San Sebastián, la Iglesia de San Andrés –el diseño interior está basado en la basílica romana de Majencio- .
En Florencia: la Iglesia de San Pancracio, el palacio de la familia Rucellai asi como la Capilla Rucellai en la iglesia de S. Pancrazio y la fachada de Santa María Novella.
En Ferrara crea la parte trasera del Palacio Municipal y el campanario de la catedral.
En Roma, restauró las iglesias de Santa María la Mayor y Santo Stefano Rotondo.
Muere en 1472 a los 68 años, tras una intensa vida destacando en múltiples disciplinas. En ese momento Leonardo Da Vinci tiene 20 años.
Entra en escena Vicenzo Scamozzi, (nunca mejor dicho, sobre todo por el Teatro Olímpico)
Vicenzo Scamozzi (1548 – 1616) fue un importante arquitecto renacentista, quizás el tercero en la lista que incluye nada menos que a Andrea Palladio y su colega Baldasarre Longhena. (1596/7 – 1682), autor de la Basílica de Santa Maria della Salute. Ésta fue erigida para recordar el fin de la peste que diezmo la población de la ciudad de Venecia en 80.000 personas y en más de 600.000 en todo el territorio de la Serenísima República de Venecia..
Scamozzi arquitecto, estudioso e intelectual de su tiempo reunió una notable biblioteca personal, coleccionando libros de las más diversas disciplinas, desde matemática hasta física. Entre sus obras más destacadas figuran Ca’ Rezzonico.
Scamozzi estudia el tratado de Vitruvio en la interpretación de Daniele Barbaro y Andrea Palladio.
Junto a su padre realiza una serie de palacios y villas.
Escribió en 1615 uno de los más importantes tratados de la época, «La idea de la arquitectura universal», texto básico de los arquitectos de la época y que tuvo enorme difusión en el norte de Europa.
A los 26 años proyecta la Villa Pissani en Lonigo, llamada La Rocca con una tipología de planta central, imitando la Villa Rotonda, utilizando una tipología basada e inspirado en el panteón de Roma el teatro de Sabbioneta, y la Procuraduría nueva en la Plaza de San Marcos,Ya me referire a ella, producto de mi visita a ella.
En 1580, año de su muerte Ansrea Palladio recibe el encargo de realizar el Teatro Olímpico en Vicenza, que debía ser construido dentro de un complejo medieval preexistente, y su objetivo la puesta en escena de comedias clásicas. Es el primer edificio de teatro cubierto con tejado en la historia moderna. Está situado frente al Museo Cívico (Palazzo Chiericati). Inaugurada en 1585 se debe a Palladio el aporte del sentido real de espacio y perspectiva y a Scamozzi las famosas escenas fijas. La platea central, destinada a los nobles, ofrece una ilusión óptica con las calles que parecen perderse en la lejanía.
En el proscenio, un arco triunfal en honor a Hércules tiene el emblema de la ciudad. La parte anterior, representa una plaza y detrás del proscenio se abre la espectacular perspectiva de las cinco vías de Tebas,
Es indudable que la obra de Vincenzo Scamozzi consiguió (cosa muy difícil de decir) superar el proyecto original de Palladio.
El teatro sigue programando obras de teatro y conciertos y en 1994 fue incluido en la lista de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, al igual que otras obras “palladianas” en Vicenza.
“La belleza proviene de la forma y de la correspondencia del todo con las partes. las partes con las partes, y las partes con el todo de modo que el edificio se parezca al cuerpo bien modelado donde cada miembro encaja con los otros y donde cada miembro es necesario para cumplir aquello para lo que fue hecho”
Palladio. Los cuatro libros de la arquitectura (I quattro libri dell’architettura)
Este tratado de arquitectura fue publicado en Venecia en 1570, que en esa época era un importante centro de ediciones, donde habían conseguido desarrollar la tecnología de la ilustración por medio de grabados de madera.
La edición original es de 21 cm x 15 cm con 400 páginas y más de 200 ilustraciones.
Contiene proyectos con los que Palladio quiso que se conociera tanto teórica como prácticamente la simplicidad de la arquitectura clásica, por ello no duda en poner comentarios de Julio César así como mencionar a numerosos artistas e ingenieros de su tiempo,
Trata (y lo consigue) de hacer una comunicación sencilla y directa no solo de su enorme conocimiento del tema sino una traducción válida a los conceptos de Vitruvio.
La técnica utilizada del grabado, le importa mucho a Palladio, ya que le permite poner ejemplos junto a sus observaciones. El tema del grabado inspirará también a Giovanni Battista Piranesi (1720 – 1778), gran admirador de Vitruvio y Palladio.
La teoría de las proporciones armónicas, que vincula arquitectura, matemáticas, música y cosmología le sirve para afirmar que la buena proporción, satisface al ojo y conduce a una construcción más sólida y conveniente.
Contenido
El tratado tiene cuatro secciones llamadas libros.
El primero incluye una dedicatoria y un prólogo común al primero y segundo libros. En este prólogo Palladio indica su elección editorial y educativa. Trata de la caja de herramientas del arquitecto: elección de los materiales, cómo construir, las normas de proporción, elementos arquitectónicos, la forma de organizar estos elementos y de unirlos. Hace mención a la aplicación del sistema estructural basado en el ladrillo (como lógica de edificación) y señala las reglas del proyecto (basada en el aspecto).
El libro segundo contiene varios diseños de Palladio en planta y sección con una descripción específica de cada proyecto. Muestra en ellos, la práctica que surge de aplicar las normas del primer libro.
Los capítulos XIII, XIV y XV tratan de las casas de campo y aunque no lo menciona el autor, es interesante comparar el diseño de estas casas y la descripción de sus jardines con la que describe Erasmo en Le Banquet religieux de (1522) o el diseño de la Villa de los Pisones descubierta en Herculano.
El libro tercero describe cómo construir los edificios públicos, como calles, puentes, plazas. Presenta dos proyectos de Palladio y las reconstrucciones arqueológicas de construcciones antiguas.
Además de a Vitruvio, Palladio cita en este libro a Tácito, Plutarco y Julio César, del que escribe un amplio extracto de los Comentarios a propósito de la construcción del puente sobre el Rin.
Cita, a propósito de los puentes de armadura, a Alessandro Picolino della Mirandola, autor de un tratado sobre la estructura de la construcción naval y toda una autoridad en estas construcciones.
El libro cuarto, con un prólogo cosmológico, trata de los templos construidos por los antiguos y presenta unas reconstrucciones de los restos arqueológicos de Roma.
Se hacen ediciones en italiano, francés, inglés. (9)
El Arq. Iñigo Jones (1573 -1652), es el primer arquitecto ingles en emplear las reglas de proporción y simetría “vitruvianas” en sus edificios, En sus 2 viajes a Italia (1613 y 1614) conoce las obras de Palladio y de Scamozzi e introduce el Clasicismo en la arquitectura inglesa. Le da al tratado de Palladio un uso con un punto de vista más profesional y práctico, que teórico junto a su discípulo John Webb.
Palladio, combinó la cultura con la naturaleza. Hizo una síntesis entre la arquitectura antigua y la cultura de su propio tiempo. “La arquitectura debetambién considerar la búsqueda por congeniar la belleza con la utilidad (como diríamos ahora, forma y función)” esto fue parte de su legado a la posteridad.
Andrea Palladio en buena compañía
Francesco Sansovino (1521-1586) un reconocido escritor italiano manierista consideró a Daniele Barbaro (1514-1570) como uno de los tres mejores arquitectos venecianos, junto con Palladio y su propio padre el arquitecto y escultor renacentista italiano Jacopo d´Antonio Sansovino (1486 – 1570).
JacopoSansovino fue junto a Scamozzi autores de La Biblioteca Marciana, ubicada enfrente del palacio de los Dogos, en la Piazza de San Marcos, es una de las estructuras renacentistas de Venecia más ricamente ornamentadas. En su prefacio de los Quattro Libri, Palladio escribe que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio erigido desde la Antigüedad.
Formado con Rafael e inspirado en Miguel Ángel propuso frente al lenguaje arquitectónico del clasicismo -tradicionalmente asociado con la severidad y la moderación- un lenguaje preciosista en la decoración de superficies, consiguiendo la aprobación de los venecianos.
Este logro abrió sin duda el camino a la arquitectura de Andrea Palladio.
Daniele Matteo Alvise Barbaro. Su fama se debe a su vasta producción en las artes, las letras y las matemáticas. Fue un culto humanista, además de traductor, óptico y cardenal.
Fue amigo y admirador de Torquato Tasso, (1544 – 1595) mecenas de Andrea Palladio.
Su figura es importante en esta historia por varios motivos:
– Realiza en 1556 una traducción al italiano con un extenso comentario sobre los «Diez Libros de Arquitectura” de Vitruvio.
– Heredó junto a su hermano Marco Antonio una finca, en la que Palladio diseño la Villa Barbaro, mitad palacio mitad granja, Completada en 1557. (10)
– Visito Roma junto a Palladio de dónde provino el interés mutuo en los antiguos edificios que vieron allí,
– Juntos decidieron decorar la Villa con frescos de Paolo Veronese quien representó todas las temáticas del Renacimiento italiano: dioses, diosas y musas humanizadas, así como numerosos retratos al óleo de Daniele.
Italia, estaba en pleno renacimiento maduro (término que define «el renacer de las artes» desde la época de Alberti y atribuido a Giorgio Vasari como “Rinascita”) que llega a influir en las artes centroeuropeas, flamencas y alemanas..
Muchas de las biografías de pintores, escultores y arquitectos están en el libro que Vasari publicó. (11).
Mantegna (1431 – 1506), Donato d’Angelo Bramante (1443/4 – 1514), Leonardo da Vinci (1452 – 1519), Miguel Angel Buonarroti (1475 – 1564), Rafael Sanzio, (1483 – 1520), Tiziano (1477/90 – 1576), Baldassarre Peruzzi (1481 – 1536), Antonio Cordiani (1484 – 1546), Jacopo Barozzi de Vignola (1507 – 1573), Giorgio Vasari (1511 – 1574), Paolo Veronese (1528 – 1588), Michelangelo Buonarroti (1475–1564), Baldasarre Longhena (1596/7 – 1682),
Obras y Proyectos de Andrea Palladio
1530-1537 Villa Trissino, Cricoli. 1538 Villa Piovene, Lonedo Lugo di Vicenza. 1538-1542 Villa Godi, Lonedo Lugo di Vicenza. 1540 Palazzo Poiana, Vicenza. 1540-1545 Villa Forni Cerato, Montecchio Precalcino. 1540-1546 Palazzo Civena, Vicenza. 1541 Villa Valmarana, Vigardolo di Monticello Conte Otto. 1544 Villa Pisani, Bagnolo di Lonigo. 1545-1550 Palazzo Thiene, Vicenza. 1545-1555 Villa Poiana, Poiana Maggiore. 1546 Villa Contarini, Piazzola sul Brenta. 1546-1549 Loggia del Palazzo della Ragione «Basílica» Vicenza. 1546-1563 Villa Arnaldi, Meledo di Sarego. 1547 Villa Gazzotti, Bertesina. 1548 Villa Angarano, Bassano del Grappa. 1550 Palazzo Chiericati, Vancimuglio. 1550 Villa Thiene, Quinto Vicentino. 1552 Palazzo Iseppo Porto, Vicenza. 1553-1555 Villa Pisani, Montagnana. 1554-1557 Villa Chiericati, Vancimuglio di Grumolo delle Abbadesse. 1554-1558 Villa Porto, Vivaro di Dueville. 1554-1563 Villa Badoer, Fratta Polesine. 1555 Palazzo Dalla Torre, Verona. 1555-1557 Villa Barbaro, Maser. 1556 Arco Bollani, Udine. 1556 Arcadas de Villa Thiene, Cicogna di Villafranca Padovana. 1556 Palazzo Antonini, Udine. 1557-1558 Villa Repeta, Campiglia dei Berici. 1558 Fachada de San Pietro di Castello, Venecia. 1558 Cúpula de la Catedral de Vicenza, Vicenza. 1559 Casa Cogollo, Vicenza. 1559 Villa Emo, Fanzolo di Vedelago. 1559-1566 Villa Zeno, Donegal di Cessalto. 1560 Claustro de San Giorgio Maggiore, Venecia. 1560 Villa Foscari «La Malcontenta», Malcontenta di Mira. 1560 Villa Saraceno, Finale di Agugliaro. 1560-1562 Refectorio de San Giorgio Maggiore, Venecia. 1560-1565 Villa Caldogno, Caldogno. 1560-1565 Villa Cornaro, Piombino Dese. 1561 Covento della Carità, Venecia. 1563 Portada lateral de la Catedral de Vicenza. 1563-1564 Villa Valmarana, Lisiera di Bolzano. 1564 Palazzo Pretorio, Cividale del Friuli. 1565 Fachada de San Francesco della Vigna. 1565 Iglesia de San Giorgio Maggiore. 1565-1566 Palazzo Valmarana, Vicenza. 1566 Palazzo Schio, Vicenza. 1566-1570 Villa Almerico Capra «La Rotonda», Vicenza. 1567 Arcadas de Villa Trissino, Meledo di Sarego. 1568-1569 Villa Serego, Santa Sofia di Pedemonte. 1569 Puente sobre el Tesina, Torri di Quartesolo. 1569 Puente de Bassano, Bassano del Grappa. 1570-1571 Palazzo Barbarano, Vicenza. 1570-1580 Palazzo Porto-Breganze, Vicenza. 1571 Loggia del Capitaniato, Vicenza. 1572 Palazzo Thiene Bonin Longare, Vicenza. 1572 Villa Porto, Molina di Malo. 1574-1577 Sala del Palazzo Ducale, Venecia. 1576 Capilla Valmarana, Vicenza. 1576-1577 Iglesia del Redentore. 1578 Iglesia de Santa Maria Nova. 1579 Porta Gemona, San Daniele del Friuli. 1579-1580 Tempietto Barbaro, Maser. 1579-1580 Teatro Olimpico, Vicenza. 1581 Iglesia delle Zitelle, Venecia.
Notas
1.- colección archipocket
Arquitectos clásicos: Gustave Alexandre Eiffel, Charles Garnier, Antoni Gaudí, Victor Horta, Charles Mackintosh, Michelangelo, Andrea Palladio, Antonio Sant’Elia, Karl Friedrich Schinkel, Otto Wagner.
Arquitectos modernos: Alvar Alto, Mario Botta, Foster and Partners, Hundertwasser, Rem Koolhaas/OMA, Le Corbusier, Legorreta+Legorreta, Mies van der Rohe, Miralles-Tagliabue EMBT, Jean Nouvel, Renzo Piano, Alvaro Siza, Eduardo Souto De Moura, Tadao Ando.
2.-(continua la excelente introducción de Llorenç Bonet)……. Palladio demuestra una versatilidad sorprendente. Todas sus villas responden a una misma familia arquitectónica: parten de un cuerpo principal cuadrado, sin patio central, casi siempre con las típicas brachese (pórticos para las herramientas del campo) a sus lados, pero adaptadas siempre a las necesidades de cada propietario. Todos los estudios del siglo XX destacan esta faceta singular del arquitecto de Vicenza. Parece que Palladio tiene un esquema mental muy claro de las necesidades de este tipo de edificios, y adapta esta villa ideal al presupuesto, al terreno y a las funciones que ha de desempeñar. Pero no se basa en un idealismo, sino en una idea modular de la arquitectura: construye a partir de piezas distintas, de un repertorio limitado que pueda combinarse de forma infinita. Quizás el elemento más claro de esta formulación sean los accesos principales: todos se originan en la idea del frontón clásico, son parecidos y comparten soluciones, pero no hay ninguno que se repita, siempre se aprecia una evolución.
Sus edificios son, además de prácticos, de una belleza indiscutible, basada muchas veces en la sencillez de sus elementos y en cierta noción de sobriedad. Pero donde más explota estas características es en su etapa en Venecia y en sus proyectos religiosos: San Giorgio Maggiore y el Redentore.
Palladio, se erige como el arquitecto que entiende a la nobleza vicentina, que ha pasado de ser comerciante para establecerse como terrateniente, y construye para ella casas prácticas, cómodas y saludables con materiales económicos. Esta mentalidad presenta similitudes con la de los nobles ingleses y su cultura de los cottages, y también a la de los grandes propietarios norteamericanos, pragmáticos y a la vez amantes de la monumentalidad palladiana y su apariencia clásica. Las características propias de la sociedad anglosajona unida al éxito de los Quatro Libri de Palladio y al hecho de que Venecia fue desde el siglo XVIII un referente para Inglaterra, explican la enorme difusión de las obras de Palladio, el arquitecto más copiado de todos los tiempos.
3.- al respecto escribe en su tratado: CAPíTULO XVI. «De algunos diseños en sitios obligados. Mi designio era tratar solo de las fábricas concluidas, ó por lo menos comenzadas, y en estado de concluirse brevemente: pero conociendo que muchas veces ocurre habernos de acomodar al terreno, porque no siempre se construye en terreno libre, me he persuadido ultimamente no ser ageno de propósito añadir á los diseños arriba dados algunas invenciones mias para varias personas, las quales no se pusieron en execucion por acasos que suceden á menudo. Por lo qual pienso será de mucha utilidad mostrar el modo que tuve en acomodar las piezas, quartos y demas oficinas para proporcionarlas entre sL El sitio pues de la primera invencion LAM. LID. es piramidal La basa de la pirámide viene á ser la principal fachada de la casa; y tiene tres Ordenes de colunas, que son Dórico, Jónico y Corintio. El vestibulo es quadrado. Tiene quatro colunas que sostienen la bóveda, y proporcionan la altura con la anchura. A una y otra parte hay dos salas, largas un quadrado y dos tercios: altas segun el método primero que dimos tratando de la altura de las bóvedas. Al lado de cada una de ellas hay un camarin y escalera para subir á los sobrados. Al cabo del vestíbulo hacia yo dos piezas, cuya longitud era un quadrado y medio: y á su lado dos camarines de la misma proporcion con sus escaterillas para los sobrados. Más adentro hacia la sala, larga un quadrado y dos tercios con colunas iguales á las del vestíbulo. Junto á la sala debia haber una galeria con sus escaleras ehpticas á los lados. Más adelante el corral, y á su lado la cocina. Las piezas del quarto segundo habian de ser altas veinte pies: las. del tercero diez y ocho: pero las dos salas habian de llegar al tejado. Ambas debían tener interiormente balcones en rededor para ver los festines, banquetes y demás divertimientos que se hiciesen en ellas».
6.-https://romher.webs.ull.es/cv/vitruvio.pdf . Del profesor Román Hernández González. Artículo publicado en UNO. Revista de Didáctica de las Matemáticas, Matemáticas: belleza y arte, nº 40, ed. Graó, Julio, agosto, septiembre, Barcelona, 2005, págs. 99-109.
7.-De Pictura (1436) dedicado a Filippo Brunelleschi (1377-1446), aborda el tema del dibujo y de la perspectiva.
Hace una distinción entre la forma presente, la palpable y la aparente, la que aparece ante la vista, que varía según la luz y el lugar.
Los colores fundamentales son el rojo, el azul, el verde y el amarillo. El blanco y el negro no los define como colores, sino como modificación de la luz.
En su libro II habla de la teoría artística, del trazo preciso en el contorno de los cuerpos, de la teoría de las proporciones y la composición y del relieve, del tono y los fondos.
El libro III habla del artista, ya no como artesano (basado en la técnica), sino como intelectual (basado además en las matemáticas y la geometría). Hace una diferencia entre copia (la abundancia de temas presentes en una composición) y variedad (diversidad de formas, temas y colores).
De statua, (1464) sobre las proporciones del cuerpo humano.
Define a la escultura dividiéndola en tres modos según la técnica utilizada. Blandos (tierra y cera) , piedra o metal.
Fija reglas de procedimiento según sea con regla y escuadra o por proporciones, para esto último inventa un aparato “el definitor” que calcula las variables producidas por el movimiento del modelo.
8.- Los 3 primeros libros tratan de la elección del terreno y de los materiales que deben utilizarse y de los cimientos.
I- “Lineamientos” de la zona, el área, la parcela, planificación y sobre muros, cubiertas y huecos. II- “Materiales”
III- “técnica constructiva”
Acerca de los distintos tipos de edificios
IV- “tratado de las obras en general” V- “tratado de obras de tipo social y específicas”
Acerca de la belleza arquitectónica
VI- “Ornamentación”.
Acerca de la construcción de iglesias, edificios públicos y privados.
VII- “tratado del ornato de edificios sagrados” VIII- “tratado del ornato dentro y fuera de las ciudades y los lugares para enterrar o incinerar a los muertos”· IX- “tratado sobre adornos de palacios, casas reales y de principales magistrados, proporciones y reglas” Acerca de la restauración, rehabilitación de edificios (por primera vez un arquitecto se ocupa de la restauración, antes si alguien intervenía en una obra era para destruirla).
X- De los defectos en los edificios cuales pueden ser corregidos y cuáles no”.
9.- Ya en 1554 había recogido la imagen urbana de la roma antigua en su libro “Le Antichità di Roma”.
10.-de la casa Barbaro, escribe en su tratado: LAMINA XXXV. El edificio presente está en Masera, cortijo cercano á Asolo, pueblo del Trevigiano. Es propio del Reverendisimo Monseñor Daniel Barbaro, electo Patriarca de Aquileya, y del magnífico Señor Marco Antonio, su hermano. La parte del edificio que viene un poco hácia delante tiene dos órdenes de piezas. El piso de las de arriba está al igual del de un patio que hay detrás, en el qual hay una fuente cortada en la peña, con muchos adornos de estucos y pinturas, frente á frente de la casa. Dicha fuente forma un pequeño lago que sirve de piscina. Saliendo de allí el agua, corre por la cocina, riega los jardines (que están á diestray siniestra del camino que con suave cuesta conduce á la quinta) y después forma otros dos estanques con abrevaderos al camino público. Parte de aquiel agua á regar la huerta que es extensisima, llena de sabrosisima fruta y poblada de caza. La fachada del quarto del dueño tiene quatro columnas Jónicas; y los capiteles de las angulares hacen cara á dos lados. En el libro de 7 los Templos diré como se construyen estos capiteles.
11.-“Le vite de’ più eccellenti pittori, scultori e architettori”. Obra editada 1550, del pintor y arquitecto italiano Giorgio Vasari que contiene una serie de biografías de los artistas italianos del siglo XVI.
-Palladio. Obra arquitectónica completa. Editorial Taschen (2008) Autores M.Wundram y T.Pape -2004- ISBN 978-3822821077
–Los Cuatro Libros De La Arquitectura. Editorial Fuentes de arte. (2015) Autor A. Palladio,traductoras L.de Aliprandini y A.Martínez Crespo.
-Los cuatro libros de la arquitectura/ The Four Books of Architecture . Editorial Universidad Autónoma metropolitana y Limusa, Noriega editores. (2005). Autor A. Palladio ISBN 978-9681865603.
–Andrea Palladio (colección archipocket) Editorial HK (H Kliczkowski). 2002. Autor Llorenç Bonet. ISBN 978 84 8943 982 5
–Andrea Palladio. Editorial Frechmann Kolon GmbH -Konemann. (2015). Autor Christoph Ulmer. ISBN 978 88 7057 247 6
-Publicado en 2014 Giovanni Giaconi nos presenta el libro Vincenzo Scamozzi (1548-1616), nos brinda el acceso a la vida y obra del Arq. Scamozi.
https://youtu.be/mvegbkwe3_s
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-Primer libro de Vitruvio. Capítulo I. La arquitectura y los arquitectos. Capítulo 2. De que elementos consta la arquitectura.
Capítulo de la serie «Arquitecturas» dedicado a la Villa Barbaro (Villa de Maser) de Andrea Palladio. Además del análisis de la forma en que fue ideada y construida esta obra, en el capítulo se ofrecen algunos detalles del contexto histórico en que surgieron este tipo de «Villas» y se indaga por lo que la obra de Palladio habría legado a las generaciones futuras. Igualmente, se hace mención de las pinturas de Paolo Veronese.
-2013. Andrea Palladio
Algunos de sus trabajos – Basilica de Vicenza, Villa Barbaro (Veronese), Villa Rotonda y el Templo de Maser (Pantheon), Loggia del Capitanio y Palacio Porto Breganze (ambos no terminados), Teatro Olimpico (Scamozzi). Biblioteca de San Marco (Venecia) de Sansovino y San Benedetto (Polirone) de Guilio Romano.
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Historia del High Line de N Y, impresiones de un relator
por Hugo A.Kliczkowski Juritz
En mayo del 2015, el arq. Iván R.S. nos invitó a varios arquitectos entre ellos a Edgardo Minond, a Margarita Descole y a mí a hacer un paseo por Nueva York de toda la tarde. Maravilloso por cierto.
Nos encontramos en el sur de Manhattan en el Battery Park. En un quiosco de helados diseñados por el estudio UNSTUDIO (nota 1) del arquitecto holandés Ben van Berkel (1957), que diseño también los bancos, cuyos respaldos suben y bajan formando unas veces si y otras no una ola.
Lo que quiero comentar de ese paseo de varias horas, fue cuando llegamos a la nueva sede del Whitney Museum (nota 2) diseñado por Renzo Piano (1937) y donde comienza un paso elevado, un paseo peatonal por donde antiguamente circulaban los trenes.
Cansados tras varias horas de caminar, no pude apreciarlo, como merecía.
En marzo de 2016, pude regresar y fui varias veces a dicho paseo, bautizado como High Line, donde escuche el concepto práctico de utilizar la agri-tectura o la arqui-cultura.
Un diseño delicado y lleno de sentido común, cosa no fácil de encontrar en medio de tantas formas y confusiones que nos rodean.
“La Arquitectura no está basada en el hormigón y el acero y los elementos de la tierra. Está basada en el asombro”. Daniel Libeskind
De que se trata
En apenas 2,33 km, se desarrolla una experiencia peatonal de enorme interés urbano. Una rehabilitación de un espacio inspirado en el concepto –que mencione antes- de agri-tectura(una tendencia que fusiona aspectos de la agricultura y la arquitectura).Se construyo entre los años 2004 y 2014.
Frente a la posibilidad de la demolición de este paso elevado, hace 13 años los vecinos Joshua David y Robert Hammond crearon la Asociación amigos de la High Line para darle visos de realidad a la recuperación de esta antigua vía elevada de trenes.
Esta Asociación hace un llamado a un concurso internacional de ideas.
Y lanzan el desafío a proponer ideas audaces, creando visiones inesperadas, singulares, innovadoras.
La respuesta fue enorme, recibieron propuestas de 720 arquitectos, diseñadores, paisajistas, y artistas de 36 países. Luego de una ardua selección que duro 18 meses, a mediados de Octubre del 2004, solo quedaron 4 finalistas.
El Comité directivo compuesto por representantes de la ciudad de Nueva York y Amigos de la High Line otorgaron el 1er. Premio, la realización del proyecto final y las obras al equipo integrado por:
Arquitectos, James Corner Field Operations, Diller Scofidio + Renfro (nota 3)
El resultado es un parque a 9 metros de altura y una extensión de 2.330 metros. (nota 4)
“Dios está en los detalles.” Ludwig Mies Van der Rohe
Esta historia
El paso sobre nivel tenía por objetivo eliminar el peligro real que representaba en 1930 el transporte de mercancías por las calles de Manhattan, tanto por los atascos como por los accidentes en medio de las caóticas calles llenas de carruajes, tranvías y peatones. Por esta línea del ferrocarril (construido entre 1929 y 1934) se repartía leche, carne, materias primas y productos manufacturados en los muelles de carga que poseían los almacenes y fábricas en sus niveles superiores.
El último tren que circuló en High Line lo hizo en 1980 (como dato anecdótico decir que llevaba un cargamento de pavos congelados). La mayor parte del viaducto fue destruido en 1960.
Las vías llegaban hasta una estación que ya no existe en Tribeca, (Es la contracción de las palabras en inglés «Triangle Below Canal street», un barrio en el Lower Manhattan).
Las vías sufrieron entonces el deterioro habitual en la ciudad durante todos esos años, pero el lugar siempre tuvo sus enamorados.
La High Line sale en la primera escena de ‘Manhattan’, justo cuando Woody Allen dice: «Capítulo uno. Él adoraba Nueva York”. -1979- (nota 5).
Los iniciadores del proyecto no lo tenían nada fácil ni el colaborador de revistas David ni el empresario de gafas de sol Hamond, pero contaron con el apoyo de Michael Bloomberg que fue alcalde de Nueva York en el 2001.
Debían evitar el derribo de la parte que aun estaba en pie, eludir todas las presiones de los intereses comerciales y especulativos y recuperarla como espacio público, para uso y disfrute de la comunidad. Tuvieron que convencer a vecinos, arquitectos, personalidades, gente común y defenderlo con un estudio de viabilidad que no dejara dudas sobre las posibilidades de la remodelación y que además aclarara aspectos de la financiación y los beneficios que podría reportar.
Interviene otro personaje Peter Obletz, ex manager de bailarines, consultor de transportes y apasionado de los trenes que compro por 10 dólares toda la estructura (la empresa de ferrocarril al venderlo por ese precio irrisorio se ahorraba el enorme coste de su destrucción). Peter en 1978 vivía debajo del último tramo en la calle 30 y la 11 avenida, él sabia, cuando se subía a los antiguos vagones que restauraba, y de allí al paso elevado de ese rincón del Hudson en la zona del Meat Packing District a 10 metros del suelo de Manhattan, la enorme e inimaginable tranquilidad que allí existía.
Hablamos de un paso abandonado de ferrocarril ubicado en el oeste de la ciudad, que recorre la distancia desde las calles Gansevoort en el West Village (donde actualmente se encuentra el ya mencionado Whitney museum hasta la calle 34 entre las avenidas 10 y 11).
«Uno debe rodearse de objetos de emoción poética» . Roberto Burle Marx
¿Como se consigue esta calidad espacial?
Han conservado la estructura metálica y los railes, creando una plataforma verde donde han diseñado caminos, zonas de descanso, restauración, exposición y quizás más adelante pequeños comercios.
La obra se basa en recrear los antiguos enlaces y líneas férreas, con grandes jardines florales y pequeñas pausas más acotadas. Sobre la estructura metálica del soporte diseñaron una plataforma verde donde se abren caminos con entablonados de material y madera.
Este antiguo ferrocarril elevado atrae más visitantes que la estatua de la Libertad, lo que ya es decir algo, el año pasado fueron 5 millones de visitantes.
“La originalidad consiste en el retorno al origen; así pues, original es aquello que vuelve a la simplicidad de las primeras soluciones” . Antonio Gaudí
Que hay, que habrá alrededor del paseo además de 6 premios Pritzker de arquitectura?
1.-Zaha Hadid, Premio Pritzker de Arquitectura 2004. (1950-2016) – mientras escribía esta nota fallecía Zaha Hadid en forma inesperada- tiene muy avanzado su edificio. 520 West 28th que se inaugurara el año próximo.
Ha construido una instalación denominada “ALLONGE”, entre nosotros una protección peatonal por la posible caída de materiales de construcción sobre el paseo. Ni más ni tampoco menos.
2.- Bjarke Ingels, (1974)
El grupo BIG diseño 2 torres sobre un único podio comercial y hotelero, cuya inauguración se prevé en el 2018. Se llamara 76 11th avenue.
3.- OMA, Arq Rem Koolhaas. Premio Pritzker de Arquitectura 2000. (1944) también diseñará su primer gran proyecto en el High Line de Nueva York
4.- Frank Ghery, Premio Pritzker de Arquitectura 1989. (1929)
En el 2007 construye un edificio de oficinas para el IAC Building ( Inter Active Corporation) en el 555 W de la calle 18th.
5.- Jean Nouvell, Premio Pritzker de Arquitectura 2008. (1945) 100 11th Avenue
6.- Shigeru Ban (1957) Premio Pritzker de Arquitectura 2014. + Dean Maltz Architects, Shutter House 524 W 19th St
7.- Neil M. Denari Architects, (1957) edificio High Line 23. Ya construido.
8.- Tadao Ando, (1941) . Premio Pritzker de Arquitectura 1995. Restaurante japonés “Morimoto” en la 88 10th Ave.
9.- Mateo Thun, (1952) tienda de ropa
10.- Matthew Baird Architects, Greenwich Street Townhouse
Hay además obras de: Handel Architects, Richard Gluckman, SHoP, Selldorf Architects, Future Systems
“Hay que recrear y renovar la nostalgia, volviéndola contemporánea, porque una vez que la arquitectura ha cumplido con las necesidades utilitarias y de funcionamiento, tienen todavía delante de sí otros logros que alcanzar: la belleza y el atractivo de sus soluciones si quiere seguirse contando entre las bellas artes.”. Luis Barragán
Logica aplastante
En el blog “La Urbana arquitectura” (nota 6) de los arquitectos Beatriz Sierra Sobrino, Luis Jarque López, Begoña Martinez Velez y el ingeniero Daniel Salvador Ramos, recuperan algunas consignas -que comparto-y que por su forma de enunciación son fácil de asimilar y de transmitir- :
-La conservación y recuperación del patrimonio.
-El patrimonio que se destruye es irrecuperable.
-La iniciativa popular. Es posible otra forma de hacer ciudad.
-El diseño, la estrategia para la recuperación de este espacio. Sin alardes, simplemente poniendo en valor esa naturaleza que creció espontáneamente durante los años que estuvo abandonado.
-Economía de medios, economía en su mantenimiento.
“La satisfacción de un arquitecto es que sus edificios sean absorbidos por la gente.” . Rafael Moneo
Inauguración por partes:
1era sección:
Se inauguro el 9 de Junio de 2009- el tramo que transcurre desde la calle Gansevoort hasta la calle 20-.
2nda sección:
Fue inaugurada en el 2011 – llega de la calle 20 a la calle 30-,
3era. Y última sección:
Se abrió al público el 21 de setiembre de 2014, recorre desde la calle 31 hasta la calle 34, pasando sobre las locomotoras en reposo de la estación de Pensilvania. (nota 7)
En el año 2015 se abrió un corto empalme que une la 10ª avenida con la calle 30.
Posee actualmente 9 accesos (4 de ellos con ascensor)
El lugar ideal para gastar el tiempo
Es interesante como una pieza de infraestructura urbana se reconvierte en un instrumento post-industrial para disfrute, el ocio, la vida, permitiendo al mismo tiempo el crecimiento de la ciudad.
El peatón toma protagonismo, junto a sus compañeros más deseables como son el cultivo, la naturaleza, la relación íntima y la actividad social, así como el paseo, la distracción, el descanso, el solaz y la recuperación de una particular vista de la ciudad.
Una de las distracciones que nos propone, es un pequeño teatro, con butacas lineales de madera escalonadas que finaliza en un gran ventanal, para poder ver “la circulación de los autos dentro de la ciudad”, cosa lógica si se piensa que ya no se esta en la calle, pero se la puede visualizar.
Es una vista de la ciudad estando dentro de ella. A mí (y a varios centenares de miles) nos ha encantado, y nos quedamos mucho tiempo, sentados, observando.
He escuchado hace poco en una radio en España, un español que decía que extrañaba los cafés de Buenos Aires, donde la gente va a discutir sobre un tema, una película, una obra de teatro, leer un libro, trabajar con el ordenador, o simplemente gastar el tiempo, y que en los cafés modernos en España tenía la sensación que si se quedaba mucho tiempo lo invitarían a irse, ya no era el lugar de gastar el tiempo, sino el lugar de hacer algo y rapidito.
En ese sentido, el High Line es el lugar ideal para “gastar el tiempo”.
Un lugar deseable en el enmarañado escenario urbano de nueva York.
A la perceptible velocidad intrínseca del Hudson River Park, le acompaña una experiencia lineal, escenificada por la lentitud, la distracción, que lo define como a un extraño que al mismo tiempo pertenece a la ciudad. Es un exraño que se comporta como alguien cercano.
Su dinámica, no es una foto fija, es flexible, es cambiante, diferente en cada momento del día, donde se manifiestan aquellos deseos posibles y al mismo tiempo inconclusos. Son la permanente inestabilidad de un escenario mágico. Donde se podría estar solo, en compañía, si eso es lo que se desea.
A diferencia de tantas obras de arquitectura que solo consiguen distinguirse por su presencia, con pretensiones de originalidad, y de grandiosidad, en ese caso lo logra por el recuerdo de lo vivido y con más fuerza por la convivencia con el presente. Una gran lección, sin duda.
“La arquitectura no existe. Existe una obra de arquitectura. ” . Louis Kahn
Como se hizo?
La recuperación tuvo diferentes fases, primero se limpiaron y retiraron algunos elementos de las antiguas estructuras, se saneo, reforzó y modernizo el paseo.
Algunas piezas, como las vías, fueron restauradas y mas tarde volvieron al paseo, para formar “parterres”, es decir jardines formales, a nivel de la superficie. Muchas plantas han crecido libres durante décadas por las semillas que han dejado los pájaros o el viento.
El proceso debía permitir transformar el paseo del High Line en un parque público, se crearon unas planchas lisas y cónicas de cemento, ubicadas encima del Hormigón impermeabilizado, con el suficiente espacio para el paso de conductos eléctricos y de drenaje.
Se construyeron escaleras, ascensores y rampas para sillas de ruedas.
“La vida siempre me pareció más importante que la arquitectura.” . Oscar Niemeyer
Una sugerencia, visitar a Julián Schnabel
Es posible derivar unas calles hasta la 360 West de la calle 11 –entre Washington y West street, en el West Village.
Allí esta la vivienda, estudio y algunos pisos de alquiler del artista Julián Schnabel, que construyo el “palacio Chupi”, en un estilo napolitano, ecléctico, manierista, desarmónico, curioso, fastuoso-artesanal y presuntuoso. (nota 8)
El barrio es una parte del Greenwich Village, con calles empedradas, árboles y paseantes desaliñados a la moda, y turistas y/o “flanèur” (como uno).
«Arte y naturaleza… Se trata, en primer lugar de tachar la naturaleza, de desnaturalizarla, para dominarla mejor y convertirnos, por medio del proceso artístico y del progreso científico, en dueños y posesores de la naturaleza» . (Paul Valéry)
Que se puede hacer?
La asociación amigos del TheHigh Line organizan numerosas actividades culturales y deportivas durante todo el año. Gran parte de ellos se pueden consultar en la agenda de actos en su Web www.thehighline.org
Su atractivo mas importante es el disfrute del paseo al aire libre, el paisaje recuperado, y un entorno verde que creció a lo largo del tiempo entre las vías en desuso a la que se agregaron otras plantaciones mientras el río Hudson en un lateral y los rascacielos en el otro lo acompañan. Su diseño permite proponer y concretar distintas y variadas atracciones (nota 9)
El mobiliario incluye bancos estratégicamente ubicados para poder observar el paisaje, descansar o tomar el sol en cómodas reposeras.
Usos potenciales y posibles de este espacio
– actividades deportivas
– actividades extraescolares
– Carpa para actividades infantiles
– juegos de niños
– módulos para pequeñas empresas (microempresas)
– espacios para co-working
– talleres educativos
– talleres culturales
– eventos comunitarios
– mercadillos y ferias temporales
– puntos de encuentro. Banco o intercambio de tiempos
– conciertos al aire libre o cubiertos bajo carpas
– cine y actividades lúdicas al aire libre
– huertos urbanos, talleres de agricultura
– espacio público y plaza
– actividades culturales y de ocio para la tercera edad
“Trabajé por lo que más necesitan los hombres hoy: el silencio y la paz.” Le Corbusier
Galerias de Arte Contemporáneo, salas de exposiciones, talleres en el denominado Art Gallery District
Alrededor (bajo y sobre el High Line) hay muchas salas y exposiciones.
«Con el tiempo, caerás en la cuenta de que no sólo estás tú cuidando del huerto, sino que el huerto está también cuidando de ti» Ted O’Neal
Premios obtenidos por el High line
2001 Annual Village Award 2003 William H. Whyte Award 2009 Engineering Excellence Award Best New Public Space of 2009 2010 Doris C. Freedman Award 2010 AIA New York Honour Award for Urban Design Winner of the 2010 Life-Enhancer of the Year 2010 Green Roof Leadership Award 2010 Jane Jacobs Medal Award 2010 ASLA Professional Award 2010 NY Council Design Medallion of Honor Award 2012 Urban Open Space Award 2013 Vincent Scully Prize Awards
«Disfrutar de la simple contemplación de un bello paisaje, sentir el viento en el rostro, el olor de la tierra mojada, de las plantas en floración, los colores de las estaciones, los sonidos naturales» Fernando Ballesteros y José Luis Benito
Cuando ir y de que manera llegar
El acceso es gratuito.
Verano: de 7:00 a 23:00 horas Invierno: de 7:00 a 21:00 horas
Metro: Líneas A, C, E (Azul) o L (Gris) hasta la calle 14 y la 8 avenida Buses: Líneas M11, M14 hasta la 9ª Avenida y líneas M23, M34 hasta la 10ª Avenida
El espacio arquitectónico solo cobra vida en correspondencia con la presencia humana que lo percibe. TADAO ANDO
las Vías Verdes o parques urbanos son en muchos casos antiguos recorridos de tren recuperados para uso turístico y deportivo
Recuerdo haber visto este tipo de paseos o pasillos peatonales en antiguas redes de ferrocarril, hace más de 18 años en Paris, cerca de donde vivía mi hija María Sol en la avenida Daumesnil, aquí están:
Paris, Viaducto de las Artes
Creada en 1988 por Philippe Mathieux y Jacques Vergely en el emplazamiento de la antigua línea de ferrocarril que unía desde 1859 la plaza de la Bastille a Varenne-Saint-Maur, la “promenade plantée”, combina espacios de vegetación salvaje, que habían invadido en otra época los accesos de la línea de ferrocarril, con el paisajismo más moderno. Empieza detrás de la Opera Bastille y domina la avenida Daumesnil hasta el jardín de Reuilly.
Un recorrido fuera de lo común de 4,5 km, adornado con una diversidad de tilos, avellanos, plantas trepadoras, rosales etc.
Y otras, como
Baana, el‘Low Line’ de Helsinki.
Un espacio público que se construyo en una antigua línea de trenes
El ferrocarril que desde 1894 conectaba el Puerto Oeste con el centro de Helsinki, se volvió innecesario cuando el puerto se trasladó en 2008 al barrio Vuosaari, en el lado este. Sin embargo, esta pérdida se convirtió en una gran oportunidad para que las autoridades buscaran un nuevo uso para la línea del tren.
Fue así como las vías subterráneas del tren se transformaron y en 2012 se inauguró Baana, un gran parque que tiene una ciclo vía de 1,3 kilómetros de largo, paseos peatonales, canchas deportivas y escaleras adaptadas para ciclistas.
Por tratarse de un parque que está más abajo del nivel de las calles -pero descubierto- se hizo conocido como Low Line, en contraste con el High Line de Nueva York.
Este año, el proyecto fue reconocido con una mención especial por el Premio Europeo del Espacio Público Urbano.
Paris Plantée Promenade,
Un parque de 4,7 kilómetros de extensión que hace 20 años logró recuperar un antiguo viaducto.
Paris, Petite Ceinture,
También conocido como Little Belt Railway, con 162 años de antigüedad, en 1934 dejo de transportar pasajeros y en 1980 carga. Un grupo de ciudadanos creo la Asociación para la Preservación del “Petite Ceinture” y ya tienen 4 propuestas de recuperación. Una de ellas es construir un nuevo parque urbano que cubra todas las vías actualmente inutilizadas, la que cuenta con mayor apoyo de la ciudadanía, o destinar la mitad del ancho para un parque y la otra mitad para trenes. Hasta ahora, las autoridades no han definido cuál impulsarán, pero sí tienen en cuenta que requerirá inversiones importantes.
Lo más importante para mí es entender, fomentar y sobre todo modernizar la cultura de la ciudad, que seamos capaces de entenderla en lo que tiene de interés. Manuel de Solà-Morales
(2) El museo Whitney fue fundado y dirigido en 1918 por la escultora Gertrude Vanderblit Whitney, tarea que a su muerte continuaron su hija Flora y su nieta. El primer edificio se ubico en la calle 75 del Upper East side de Manhattan, diseñado por Marcel Breuer y Hamilton P. Smith (creo que fue vendido a la MET). En el 2014 se mudo al 99 de Gansevoort Street (tiene 18.000 obras) el edificio de 4.600 m2 fue diseñado por el estudio de Renzo Piano, que instalo su oficina de N York a escasos 100 metros del museo.
(9) hay espacios culturales donde se realizan espectáculos temporales. En el verano del 2010 destacó una instalación del artista Stephen Vitiello compuesta por campanas cuyo tañido se escuchó a través muchas calles de New York. Durante la construcción de la segunda fase se instalaron dos obras de arte entre las calles 20th y 30th: “Bodegón con Paisaje” de Sarah Sze entre las calles 20-21 realizada en acero y madera y “Empatía Digital” de Julianne Swartz, obra que utiliza mensajes de audio en los baños, ascensores y fuentes de agua. Asi como la exposición de la suiza Carol Bove o las enormes esculturas del argentino Adrián Villar rojas.
Arq.
Hugo Alberto Kliczkowski Juritz permitido
reproducir parcial o totalmente citando la fuente gracias
más articulos en mis blogs : hugoklico.blogspot.com y onlybook.es/blog
El Arquitecto Robert Mallet-Stevens (1886-1945) la Villa Cavrois y muchos de sus proyectos e ideas.
El Arquitecto Robert Mallet-Stevens (1886-1945) la Villa Cavrois y muchos de sus proyectos e ideas.
por Hugo A. Kliczkowski Juritz
El 11 de Junio de 2015 se rehabilita y abre al público una de las obras maestras del Movimiento Moderno, La villa Cavrois (1929-32) enCroix, al Norte de Francia, casi en Bélgica. (Villa Cavrois: 60, avenue John-Fitzgerald Kennedy. Croix. Tel: 00 33 03 20734712. www.villa-cavrois.fr) había sufrido un abandono total antes de ser comprada por el estado.
Otro dato
Sobre el callejón del doctor Blanche, hay 2 obras de Le Corbusier y de Pierre Jeanneret
la maison La Roche (1923/25) en una de ellas funciona la fundación Le Corbusier.
A pocas calles de este callejón hay una calle que lleva el nombre de Mallet-Stevens, en el distrito XVI de Paris, allí hay cinco mansiones que diseño y construyo, todas cubistas.
Otro dato más
La calle fue inaugurada el 20 de julio de 1927, y admirada como una manifestación del arte arquitectónico moderno, recién a partir de su muerte y como un reconocimiento a su labor de arquitecto, se puso su nombre a dicha calle.
mallet stevens retrato acuarela
Y más
Corría el año 1925 y Robert Mallet-Stevens era uno de los hombres más prestigiosos de Francia, amigo de Le Corbusier, Pierre Chareau y otros enamorados del Estilo Internacional y del movimiento holandés De Stijl.
Finalmente
En esta historia interviene el Palais Stocket del arquitecto Joseph Hoffman y la villa de Wilem Marinus Dudok en Hilversum.
Comencemos:
Robert Mallet-Stevens nace en Paris el 24 de marzo de 1886 y muere el 8 de Febrero de 1945. Acortando su nombre se hizo llamar Rob Mallet-Stevens
Recibe su diploma de arquitecto en 1910 en la Escuela especial de Arquitectura de Paris, comenzó su trabajo dedicándose al diseño de muebles y decorados para el cine, hasta que se volcó totalmente a su quehacer arquitectónico.
Opuesto al eclecticismo de los años `20 y `30, en 1929 participa en la fundación de la UAM (Unión de Artistas Modernos), apoyada por Le Corbusier, Charlotte Perriand y Jean Prouvé. Su objetivo (con un éxito relativo) era promover las tendencias del modernismo y la industrialización en el arte.
Temiendo por su seguridad (su esposa era de religión judía), durante la segunda guerra mundial debió refugiarse del gobierno de Vichy a 640 km al sur de Paris, en Penne-d’Agenais,
Una anécdota
La realidad supera a la ficción, incluso cuando recuerda a una obra de Shakespeare. La villa Cavrois , no sería posible si en 1919 Paul Cavrois no hubiera perdido en la Gran Guerra a su hermano. Y es que pocos meses después decidió casarse con su cuñada, Lucie Vanoutryve, que ya tenía tres hijos. Con él concibió otros cuatro. Andaba el matrimonio corto de espacio cuando Paul, un gran industrial francés dueño de varias fábricas textiles, conoció en París al arquitecto Robert Mallet-Stevens. Corría el año 1925 y Mallet era uno de los hombres más prestigiosos de Francia.
El empresario y el arquitecto se hicieron amigos, y visitaron el Palais Stocket de Joseph Hoffman y la villa de Wilem Marinus Dudok en Hilversum. Con esos dos edificios en la cabeza, proyectaron la gran casa familiar, que se convirtió en el manifiesto teórico de Mallet sobre la arquitectura, el resumen de toda su vida.
Mallet Palacio Stoclet de Hoffmann
Una referencia al Palacio Stocker que inspira la casa Cavrois
El palacio Stoclet es una mansión particular construida por el arquitecto Josef Hoffmann entre 1905 y 1911 en Bruselas (Bélgica) para el banquero y aficionado al arte Adolphe Stoclet.
Considerado la obra maestra de Hoffman, la casa de Stoclet es una de las casas particulares más refinadas y lujosas del siglo XX.
Fue construida en la Avenue de Tervueren/Tervurenlaan de Bruselas, Puede causar asombro que la fachada recubierta de mármol es casi racionalista, mientras su interior contiene obras encargadas a Gustav Klimt en el comedor, cuatro figuras de cobre en lo alto obra del escultor Franz Metzner, y otras artesanías en el interior y exterior del edificio.
Esta integración de arquitectos, artistas y artesanos hacen de él un ejemplo del Jugenstil.
La mansión ya no está ocupada por la familia Stoclet, desde la muerte de la baronesa Anny Stoclet en junio de 2002. Y es en Junio del 2009 que la Unesco lo designa un lugar Patrimonio de la Humanidad. Volvamos al trabajo de Mallet-Stevens
Ha contribuido mucho a la difusión y conocimiento de su trabajo la exposición que sobre su obra completa realizo el Centro Pompidou en Paris desde el 27 de Abril al 29 Agosto de 2005, ya que nos ha permitido reconocer y también rehabilitar y poner en valor sus proyectos, edificios e ideas.
Sus proyectos tienen cada uno características particulares pero nos explica “….fueron, -creadas en un mismo prisma para formar una unidad, pues un cuerpo de arquitectura es uno e indivisible”
En la futura Rue Mallet-Stevens construyo:
– Su casa y su estudio
– el taller de los escultores Joël y Jean Martel (que trabajaron en la decoración interior de las obras y es la única que se conserva original)
– Casa de Mme Reifenberg
– Casa de M y Mme Allatini
– Casa Dreyfus
Explicó durante mucho tiempo la idea y filosofía de su “calle, casas entre jardines” que privilegian el aprovechamiento de la luz y la utilización de cemento armado y piedra.
Agregando que “…la arquitectura es un arte esencialmente geométrico” y estructura sus edificios a partir de un elemento vertical (una escalera, una balustrada).
Es de resaltar que la mayor parte de su obra fue realizada para clientes privados. El único encargo público de toda su carrera fue todo un éxito, la central de bomberos en Paris que también incluye apartamentos para las familias.
De sus obras sobrevive en París la casa y taller construida por el arquitecto para su maestro cristalero Louis Barillet, la única obra de Mallet-Stevens abierta al público, y cuyo mayor atractivo es una estrecha vidriera que ocupa toda la parte superior de la puerta de entrada.
El mobiliario funcional que también diseñó, como una silla de cuero y tubo metálico, es pieza de especial atención de coleccionistas
Un reconocimiento mas es cuando la casa de interiorismo Habitat ha celebrado su 50 aniversario incorporando a su catálogo de diseñadores a Mallet Stevens ( además de Thierry Marx y Sir Terence Conran)
Sus diseños simbolizan la modernidad de una época ya que incorporan una dimensión artística a su visión social, casi un manifiesto de la Bauhaus.
Volvamos a la Villa Cavrois Mallet-Stevens, animado por la confianza de su cliente, proyectó un edificio que seguía las premisas del Movimiento Moderno pero suavizado por la estética de una casa de campo tradicional francesa.
Sus formas fueron simplificadas al máximo, como mandaba el racionalismo utilizo materiales nobles como madera, mármol y otros industriales como el cristal, metal, acero, en una villa geométrica, simple y bella. Modernista y paradigma de síntesis al mismo tiempo. Nos recordaba «El verdadero lujo es vivir en un entorno luminoso, alegre, abierto al exterior, bien calefaccionado, con pocas cosas inútiles y mínimo servicio”.
La fachada, geométrica se materializa con ladrillos amarillos de la zona, y el interior es una combinación de muebles de madera maciza y otros policromadas mas informales.
La casa fue cuartel general de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, pero los Cavrois la recuperaron y vivieron en ella hasta que Lucie, la cuñada-esposa, murió en 1985. Después fue prácticamente abandonada hasta que en el 2009 se compró con dinero público y fue restaurada por el Centre des Monuments Nationaux. Se recuperaron muchos de los muebles originales de coleccionistas particulares para ofrecer una imagen fiel de la villa original.
Si bien debió protegerse del nazismo y dejar su protagonismo en el campo de la arquitectura, hasta ese momento deja una impronta que ha ayudado a construir el pensamiento arquitectónico moderno.
Entre ellas las obras que se mencionan abajo (además de numerosos proyectos no construidos)
Hugo A. Kliczkowski Juritz
Restauration de la villa Cavrois, oeuvre de Robert Mallet-Stevens
Le Centre des monuments nationaux
Algunas de sus Obras
1921-23 Chateau de M. Paul Poiret (Mezy).
1924-25 Villa Paul Poiret de Mézy-sur-Seine, en el departamento deYvelines.
Construida para el modisto Paul Poiret en Mézy en las afueras de París.
1923-28 Villa Noailles en Hyères sobre el mediterráneo cerca de Marsella.
Encargada por el vizconde Charles de Noailles y su esposa Marie-Laure Bischoffsheim, mecenas y amigos de artistas del arte moderno, entre ellos Man Ray que en 1928 filmó allí su primer film surrealista Les Mystères du Château de Dés, también Piet Mondrian y Francis Jourdain cooperaron en su decoración.
Fue creciendo hasta alcanzar en 1933 los 1.800 m2, con piscina, pista de squash y gimnasio y un gran jardín mediterráneo plantado inicialmente por el vizconde Noailles,
Ubicada en el Parc Saint Bernard, 83400 Hyères,, es hoy sede del Centre d’art et d’architecture. Esta inscripta desde 1975 entre los monumentos históricos franceses, donde desde 1996 se realizan exposiciones temporales de arte contemporáneo: artes plásticas, arquitectura, diseño, fotografía o moda
1925 Pabellón en la Exposición de Artes decorativas de Paris
1925-26 Casa de Mme Collinet y la Casa de M. Auger
1927 Garaje Alfa Romeo
1927-28 Casino de Saint Jean de Luz
1928 Café de Brasil (Haussmann, Wagram) en Paris
1928-29 Inmueble Rapport , Paris
1928-29 Casa Gompel, 25, Boulevart Suchet , Paris
1926-34 Residencias particulares de la rue Mallet-Stevens, en particular la situada en el número 10 conocida como Hotel de Jan y Joël Martel en el distrito XVI de París.
1929-32 Villa Cavrois en Croix, departamento de Norte. Cerca de Lille.
1930 Destilería para el gobierno Turco en Estambul
1930 Reforma del Teatro Municipal en Grasse
1931-32 Casa y taller del maestro vidriero Barillet, en el nº 15 del square de Vergennes, París, distrito XV.
1931-32 Casa Trapenard en Sceaux
1936 Cuartel de bomberos en el nº 8 de la rue Mesnil, París, distrito XVI
1937 Pabellón de Tabacs en la Exposition des Arts Et Techniques de Paris
1939 Pabellón de la prensa en Lille
Decorados para Films
1920 – Le secret de Rosette Lambert de Raymond Bernard
1921 – Le Mauvais Garcon de Henri Diamant Berger
1921 – Jettatur de Pierre-Gilles Verber
1922- Triplepatte de Raymond Bernard
1923 – L`Inhumaine de Marcel L´Herbier
1924 – Le Miracle des Loups de Raymond Bernard
1926 – Le Joueur d Echecs de Raymond Bernard
1926 – Le Vertige de Marcel L´Herbier
1927 – Princesse masha de Rene Leprince
1927 – La Sirene des Tropiques de Mario Nalpas y Henry Etivant
Hace un año festejábamos los jóvenes 90 años de Alicia, mi madre, (falleció en febrero de 2022 con 97 años), en un restaurante que esta justo enfrente de unos edificios muy especiales. Alicia, invito a sus amig@s (normalmente junta mas amig@s para sus eventos que yo para los míos), y eran mas de 100 conocidos, amigos, parientes, y, mientras todos cenábamos y brindábamos, yo, cada tanto miraba y volvía a mirar ambas obras.
Cuando Wladimiro Acosta construyó su edificio, mi madre tenía 18 años y yo -5.
Hoy estamos mas grandecitos, y el edificio mas joven. Para ser más exactos los dos edificios están más jóvenes.
Como escribo, no hay uno, sino dos edificios contiguos, difícil no admirarlos y no dejarse tentar por saber algo de ellos.
Están ubicados en Buenos Aires, sobre la avenida Figueroa Alcorta 3020 a pocos metros de la calle Tagle y la Plaza Chile.
Uno de los edificios fue proyectado por el arquitecto Wladimiro Acosta (1900 – 1967), construido entre 1942/3 y el otro es de 1969 del arquitecto Mario Roberto Álvarez (1913/2011), quien en 1981, construye otro mas en esta acera.
Los edificios, forman un dueto urbano, dialogantes en una ciudad donde no se da tan fácilmente esta integración, ya que es mas difícil sumarse y mas fácil querer diferenciarse del contexto inmediato.
Mario Roberto Álvarez se acomoda al patio de Wladimiro y lo amplía, al tiempo que continúa (enfatizando) las líneas de sus balcones y entrepisos.
Wladimiro Acosta, no llegaría a verlos juntos, ya que fallece 2 años antes del comienzo de la obra vecina.
Presentamos a Wladimiro
Wladimiro Acosta. (23 de Junio de 1900, Odesa, Rusia -actual Ucrania – 11 de Julio de 1967, Buenos Aires, Argentina).
Su verdadero nombre era Vladímir Konstantinowsky.
Procedía de una familia Sefardita de nombre Acosta, su abuelo fue ingeniero de los ferrocarriles españoles, y se había trasladado a Rusia.
De su abuelo toma el apellido Acosta a partir de 1928.
Nieto e hijo de ingenieros fue educado en un ambiente de alto nivel económico y cultural, en 1917 egresa de la Escuela de Bellas Artes de Odessa con el título de bachiller y técnico en construcción.
En 1919 parte de su ciudad natal -ocupada por los ingleses y sus aliados – hacia Italia, donde recibe el título de Licenciado en Arquitectura en la Escuela Superior del Instituto de Bellas Artes de Roma. En esta ciudad, entra a trabajar en el estudio de Marcello Piacentini (1881-1960). En 1922 se traslada a Berlín, atraído por el Expresionismo, y en especial por el trabajo de Erich Mendelsohn (1887-1953). Cursa ingeniería y urbanismo en la Escuela Técnica Superior de Charlotenburg y de tecnología del hormigón armado en el Instituto de Tecnología de Mecklemburg.
Recuerda su esposa Telma Reca en 1976 en el libro Vivienda y Clima, que durante su época de estudiante trabaja en las tareas mas dispares como changador, decorador de telas, bailarín, esgrimista, actor y escenógrafo para obras como “Uberteufel” de Herman Essig, El Mercader de Venecia, Macbeth y La Tempestad de Shakespeare.
También ejerce de director de cine (en el film “Fausto” basada en la obra de Goethe) hasta que finalmente logra entrar en estudios de reconocida valía como arquitecto-aprendiz y arquitecto-jefe. En Berlín conoció la obra de Walter Gropius (1883-1969 quien fuera co-fundador en 1919 de la Bauhaus) que influiría notablemente en su trabajo posterior.
Otra influencia y que causara honda impresión fue la Casa Schwob y el texto que Le Corbusier (en aquel momento utilizaba el seudónimo de Julien Caron) describe en la revista L’Esprit Nouveau sobre dicha casa.
Un apunte sobre la Villa Schwob
Ubicada en la Rue du Doubs 167 de La Chaux-de-Fonds, en Suiza, donde nació el maestro de maestros, también conocida como la “Villa Turca”, por su directa inspiración en ciertas villas turcas, fue construida en 1917 para Anatole Schwob, fabricante de los relojes Cyma (en otra ocasión podríamos mencionar la demanda que le hace a Le Corbusier porque los costes de la obra resultaron mas elevados que las estimaciones del arquitecto. (en esto Le Corbusier no fue innovador del tema).
Obra importante por tener el jardín en la azotea y la planta de espacio libre, 2 puntos de los 5 que mas tarde desarrollaría le Corbusier.
La Villa Schwob le dio a Le Corbusier, la oportunidad de experimentar con ideas, como la planta libre, y el orden matemático, que serían perfeccionadas en sus obras posteriores
Le Corbusier diseñó el sistema Dom-Ino en 1914 con la intención de construir viviendas asequibles, que se pudieran construir en masa y con materiales habituales y de bajo coste, y es la Villa Schwob una de las primeras casas en Europa donde Le Corbusier utilizó su sistema Dom-Ino. Este sistema consistía en grandes losas de hormigón apoyadas sobre una serie de columnas delgadas alrededor de los bordes y una escalera que lleva a otros niveles, creando de este modo una planta abierta que hace que el edificio parezca más amplio.
Fin del apunte, continuamos con Wladimiro
En el año 1928 llega a la Argentina, trae consigo las ideas del Movimiento Moderno que son muy cercanas a las corrientes racionalistas.
Se instala en Buenos Aires y trabaja unos meses con el Arq. Alberto Prebisch (1899-1970) autor entre otros proyectos el cine Gran Rex y el emblemático Obelisco de Buenos Aires. Wladimiro necesita expresar una actitud estética casi radical pero ve que su interés en una reforma social será difícil desarrollarla en el estudio de Prebisch, que no pone especial interés en ello, entonces decide partir a Brasil. En 1930 participa en Río de Janeiro del Congreso Panamericano de Arquitectura; y en San Pablo proyecta varias casas, se siente cómodo con los modernistas ya que éstos estaban vinculados a movimientos sociales.
En 1931 regresa a Buenos Aires donde residirá en forma permanente hasta 1947. Brasil le ha permitido estudiar y profundizar en la relación libre volumen/piel, es un descubrimiento “plástico” así como participar aun más en una crítica a la ciudad como “radicalizada y expresionista”, pero es en la Argentina donde realiza sus principales trabajos, más cercanos a las corrientes racionalistas.
En 1932 desarrolla el sistema Helios y pone toda su atención en la relación entre la arquitectura y el clima que será una constante en su obra, así como una apuesta por la prédica social. Representa a los Congresos Internacionales de arquitectura Moderna (CIAM en Argentina y Uruguay -1935-47-) siendo miembro titular del CIAM argentino desde 1949.
En 1935 se casa con Telma Roca.
De 1937 a 1945 realiza junto al Dr. Walter Knoche, estudios sobre bioclimatología y acondicionamiento físico de los edificios.
Wladimiro tuvo muy buenas compañías en la Argentina
Un grupo importante de arquitectos fueron cimentando con su quehacer arquitectónico el desarrollo de una nueva arquitectura en la Argentina, como Walter Moll (1881-1957); Antonio Ubaldo Vilar (1887-1966); Alejandro Bustillo (1889-1982); León Dourge (1890-1968); C. Vilar (1891-¿); Alejandro Virasoro (1892-1978); Eduardo Birabén (1895-1954); Ángel Guido (1896–1960); Alberto Prebisch (1899-1970); Ernesto Vautier (1899–1921); Ernesto Domingo Lacalle Alonso (1893-1948) ; Jorge Kalnay (1884-1957); De Lorenzi: Joselevich; Ernesto Sánchez Lagos (1890-1977); Luís María de la Torre (1890.1975); Jorge Sabaté (1897-1991); Ermete Esteban Félix De Lorenzi (1900-1971); Manuel Civit (1901-1978); Arturo Civit (1903-1975); Alfredo Joselevich (1907-1977); Hugo Pío Armesto (1910-1977) ; Eduardo Casado Sastre (1911-2001); I. Stok ; Héctor C. Morixe; Duggan; Juan Kurchan (1913-1972); Antoni Bonet i Castellana (1913-1989); Jorge Ferrari Hardoy (1914-1976); Julio V. Otaola ; Aníbal Rocca, entre otros muchos.
Facultad de arquitectura de Buenos Aires
En 1957 el decanato de la Facultad de arquitectura de Buenos Aires acepta la propuesta del Centro de Estudiantes para que dirija como profesor titular un taller vertical de composición arquitectónica. El lema de su cátedra era “Hoy y Aquí”. Sus principios y preocupaciones se manifestaron en la elección de temas centrados en necesidades nacionales como la vivienda, el trabajo, la sanidad, la educación.
En la última etapa de su vida se dedicó principalmente a la docencia, tanto como profesor de Diseño Arquitectónico en la Universidad de Buenos Aires como miembro del Consejo directivo de la misma. En su departamento de Extensión Universitaria y por encargo de la Universidad, realiza junto a algunos colaboradores-alumnos (R. Movía, A. Gaite, J. Sánchez Gómez, J. Ladizesky y R. Dunowicz) su último proyecto, fue la Unidad Vecinal de la Isla Maciel.
En 1966 a raíz del golpe despiadado y criminal de Ongania, deja la Universidad.
Muere en actividad en 1967, a causa de una súbita trombosis cerebral.
Asesoramientos, colaboraciones, cursos y conferencias
En 1935 es Asesor del Honorable Concejo Deliberante para el estudio del Código de Edificación.
Colabora en la publicación “ACTUALIDAD”, vocero de intelectuales de la izquierda marxista.
1939/40 es asesor urbanista de la Provincia de Santa Fé.
1944 dicta una conferencia en la Universidad de la República del Uruguay.
1947/8 Asesor del Ministerio de Educación Nacional de Venezuela. Estudios urbanísticos para la ciudad de Caracas.
1948 actúa como asesor del Gobierno de Guatemala. Dicta conferencias en las Universidades de Guatemala, Panamá, Tulane, Sur de California y en Chicago.
1954/7 viaja a los EEUU y dicta cursos y conferencias en las Universidades de Pensilvania, Kansas, Nebraska, Cornell y Harvard. Realiza estudios sobre contaminación ambiental.
1959 viaja a Inglaterra. Dicta cursos y conferencias en la Sociedad de arquitectos de Inglaterra. Conferencias en la Universidad de Chile.
1960 viaja a Alemania y dicta conferencias en la Hochschule für Gestalfung en Ulm.
1967 visita Cuba entusiasmado por los cambios provocados por la revolución.
“Progresista y fracasado y no reaccionario y exitoso”
Fueron docentes en su cátedra reconocidos profesionales como Justo Solsona (1931), Eduardo Polledo, Ernesto Katzenstein (1931-1995) (1) , Carmen Córdoba (1929-2011).
Me pregunto si podría incluirse a Wladimiro en una calificación que hiciera Ernesto Katzenstein de Bereterbide y de Bustillo “Progresista y fracasado y no reaccionario y exitoso”.
Publicó dos libros: «Vivienda y Ciudad. Problemas de Arquitectura Contemporánea» y «Vivienda y Clima»; este último editado póstumamente. En ellos analiza su obra y expone los fundamentos del sistema Helios. Consideraba que el equipamiento no era indivisible de la arquitectura, ya que el hombre al moverse en el espacio, requería soluciones específicas y no en base a estándares, procurando buscar el mejoramiento de las condiciones de habitabilidad convencido que no son otras que el mejoramiento de las condiciones de vida.
El sistema Helios
Desde 1932, Acosta desarrolló un sistema de control climático consistente en crear una serie de terrazas de orientación principalmente norte (mediodía solar en hemisferio sur), protegidas del sol con unas pérgolas o losas viseras, con un ancho y una altura calculados, para permitir la protección del sol en verano y su máximo aprovechamiento en invierno, combinado con parantes verticales, de tal manera que las estancias de la vivienda quedasen protegidas del sol en verano (cuando el sol está más alto), pero recibiesen luz y calor solar en invierno (cuando la trayectoria del sol es más baja).
En el sistema Helios las aperturas se realizaban al norte o al noreste, mientras que las orientaciones de más asoleamiento quedaban protegidas por pérgolas o toldos (oeste y noroeste), creando una masa de aire más fresca y evitando la acumulación de calor en las paredes. Mediante estas técnicas, se buscaba crear un «aura térmica» o un «clima privado» en torno a la vivienda, este sistema tiene muy especialmente en cuenta la relación con el entorno.
Casa de Renta de Figueroa Alcorta 3020 (1942)
En una escala mucho menor que en el edificio para El Hogar Obrero (1941, (concurso privado, junto a los arquitectos Fermín Bereterbide, Alfredo Felice y Juan Carlos Ruiz) y con problemas mas sencillos, Wladimiro conserva “el regreso a la ciudad” como un concepto y diseño de integración urbana. En su libro “Arquitectura y Ciudad” escribe acerca de las plantas de viviendas con soluciones convencionales, “La casa de renta ha dejado, casi, de constituir en Buenos Aires un problema de arquitectura….” y continúa “el contenido arquitectónico de la casa porteña de renta llega a reducirse a un problema de fachada, de revestimiento, de careta. No ofrece ningún interés teórico y, por lo tanto, se le dedica muy poco lugar en este libro”.
Desde este pensamiento Wladimiro ejemplifica en esta obra racionalista la distancia que tiene con sus colegas en cuanto a la manera de resolver el proyecto respetando el lugar y el contexto donde éste debe integrarse. Es en su obra de Figueroa Alcorta, donde recupera la vivienda “como problema de arquitectura”, aun siendo un proyecto único, aislado, propone una nueva actitud.
Retoma la idea-proyecto de la planta en “L” retirando de la línea municipal el cuerpo que aloja las áreas comunes ubicándolas en el centro de la “L”, los balcones las protegen del sol, y tienen doble vistas. Sobre una ancha avenida del barrio residencial de Palermo Chico, en un terreno de 20m de frente orientado hacia el río por 31,35m de fondo que da a un gran parque, dentro de una manzana atípica en la ciudad.
A la amplia avenida dan los dormitorios que también están protegidos por sus balcones salientes. Se crea un gran jardín que es visible desde la calle, y permite la iluminación y ventilación natural de los ambientes.
Este jardín que atraviesa el ancho del terreno, es también un jardín de contrafrente que permite la doble visual de las zonas de estar y la ventilación de las áreas de servicio. El programa se resuelve con una Planta baja con hall de entrada, portería, jardines y acceso a cocheras subterráneas, desde el piso 1º al 8º son plantas tipo con grandes pisos “de categoría” con sus balcones , los piso 9º y 10º son dúplex con terrazas en ambos pisos.
Conceptos y calidad espacial:
– al frente el área privada, al centro el área publica y al contrafrente los servicios.
– orientación noreste (del hemisferio sur) con vistas al Río de la Plata, dando su contrafrente a la Plaza Chile.
– planta libre sobre pilotes
– hall de acceso de gran transparencia resuelto con un volumen curvo vidriado.
– visualización desde la avenida del gran jardín.
– último piso utilizando los recursos del sistema Helios: un remate curvo de gran libertad formal, utilizando la losa visera para las zonas de estar.
– análisis y resolución de la incidencia del sol, ventilación cruzada,
– especial atención a las vistas, una resolución no convencional de vivencias desde y hacia el espacio urbano, integración con la naturaleza,
-materiales, travertino, vidrio, ladrillo a la vista,
Proyectos y Obras
Realizó la mayor parte de su obra en Argentina, durante las décadas de 1930 y 1940, destacando entre sus proyectos las viviendas unifamiliares.
Casa del pintor G.A. Frankfurt A.M.
Vivienda con atelier. Berlín.
Casa 1 y 2 ( para AM Rupenhorn) en Colonia, Berlín (estudio Luckhardt & Anker). En dicho estudio sus trabajos conjuntos se volcaron en el libro “Zur Neuen Wohnform”, (para una nueva forma de vivienda).
Residencias para el periodista R. de P. para el Dr. Walter Treuherz, el Profesor J. K., y el Pintor A.S. todas ellas en San Pablo.
Casa del escritor A.G. Buenos Aires.
Casa en San Fernando. Buenos Aires.
Casa en los alrededores de Buenos Aires.
1934/5. Casa del Dr. J. B. San Isidro.
1934/5. Casa en Villa Urquiza.
Estudios sobre la vivienda mínima y casas colectivas “HELIOS” sobre pilares.
1927/35. Estudios sobre “City-Block”. que es una fusión de los proyectos de la Grossttadt Architektur de Ludwig Hilberseimer (ciudad vertical) y el rascacielos cruciforme de Le Corbusier, con el damero porteño.
Casa Pillado, Bahía Blanca.
1938-42. Hospital Psiquiátrico Dr. Emilio Mira y López en Santa Fe, Leprosario (actual Hospital Protomédico Manuel Rodríguez) en Recreo, Colonia de Alienados (actual Colonia Psiquiátrica Dr. Abelardo Irigoyen Freire) en Oliveros, dentro de la oficina técnica del Estado de la provincia de Santa Fe.
1939. Casa Newman en la calle Melincué 2756 (con el Ing León Tieffenberg) en Villa del Parque, Buenos Aires.
1939. Casa Jan en la Falda, provincia de Córdoba.
1939. Edificio del Centro Cultural Sarmiento, Florencio Varela.
1939. Casa Cóppola-Stern, Ramos Mejía.
1939. Casa Pillado,en Bahía Blanca.
1940. 58 Estaciones Sanitarias rurales, Santa Fe.
1940. Casa Rozim sobre la calle La Pampa, Buenos Aires.
1940. Casa Miramontes, en el valle de Punilla, La Falda, Córdoba.
1940. Casa Reissig en Punta del Este.
1941-50. Edificio Nicolás Repetto para El Hogar Obrero junto a Fermín Bereterbide, Alfredo Felici y Juan Ruiz.
1942. Casa J.M. Calp en Alberdi. Rosario, Santa Fe.
1942. Edificio de departamentos en Av. Figueroa Alcorta 3020 y Tagle, Buenos Aires.
1944. Casa del Ing. Rapaport,en Castelar, Buenos Aires.
1944. Concurso de anteproyectos, Sanatorio España, R.O.del Uruguay.
1947. Escuela unificada de aplicación del Instituto Pedagógico y Liceo experimental en Caracas, Venezuela. Escuelas rurales experimentales.
1950. Residencia Giardino-Nastri. Buenos Aires.
1952. Residencia del Dr. Levinton. Buenos Aires.
1957. Casa de rentas de Arcos y Etcheverria. Buenos Aires.
1959. Casa del Dr. Frondizi en San Carlos de Bariloche, a orillas del lago Gutiérrez, provincia de Río Negro.
1967. Proyecto de Unidad Vecinal de la Isla Maciel, Avellaneda. Buenos Aires.
Dicen de Wladimiro y de su obra
“,,,creo ver en Antonio U. Vilar o en Wladimiro como en Bereterbide y Vautier y en muchos otros de esas y otras épocas mas cercanas un modo callado de pensar y hacer arquitectura…”Lo moderno y lo nacional en nuestra arquitectura: Wladimiro Acosta. Por Juan Molina y Vedia.
“…la clara estructuración del conjunto que se eleva sobre pilotes y permite una completa libertad en el plano del terreno, la superación del ya por entonces repetido tratamiento exterior de revoque blanco y la real comprensión del nuevo sentido del espacio del que se hace gala en la estructuración de la planta (sensible especialmente en la articulación de las zonas de estar) hacen de esta una obra notable en muchos aspectos…”. Arquitectura Argentina Contemporánea”. Por Francisco Bullrich.
“…Todas ellas están formadas doctrina coherente. Son profundamente argentinas, por fuera de toda retórica folklórica. Supo manejar el clima argentino y formular un método para hacer trasmisible su intuición y su captación de ese clima y al mismo tiempo, estaba dotado de una gran ternura humana que canalizaba gracias a las huellas profundas que en él habían dejado la época fanática del descubrimiento de la higiene, la cultura física y el confort“. Homenaje a Wladimiro Acosta por Juan Manuel Borthagaray.
Más que frases como “lo que funciona bien es bello”…(Bruno Taut)
– Bruno Taut (1880/1938) en su libro “Die Neue Baukunst in Europa und Amerika”. (La nueva arquitectura de Europa y América”. Stuttgart 1929.
“Características de la Arquitectura Moderna: La primera exigencia de cada edificio es alcanzar la mejor utilidad posible. Los materiales y el sistema constructivo empleados deben estar completamente subordinados a esta exigencia primaria. La belleza consiste en la relación directa entre edificio y finalidad en el uso racional de los materiales y en la elegancia del sistema constructivo.
La estética de la nueva arquitectura no reconoce ninguna diferencia entre fachada y planta, entre calle o patio, entre delante o detrás. Ningún detalle vale por si mismo, sino como parte necesaria del conjunto. No creemos que algo tenga un aspecto feo y, a pesar de todo, funcione bien.
Lo que funciona bien es bello.
De la misma forma que las partes, en sus relaciones recíprocas, expresan la unidad del edificio, también la casa se relaciona con los edificios que la rodean. La casa es el producto de una disposición colectiva y social. La repetición no debe considerarse como un inconveniente que hay que evitar, sino que, al contrario, constituye el medio más importante de expresión artística. A exigencias uniformes, edificios uniformes. La singularidad queda reservada para las exigencias singulares; es decir sobre todo para los edificios de importancia general y social”.
– Renzo Piano (1937)…la ciudad está hecha sobretodo, de huecos, no solamente hay casas, también hay calles, plazas….
–Eero Saarinen (1910-1961)…creo que la diferencia entre buena y mala arquitectura no estriba en como funciona, sino que va mas allá, esta en función de cuanto inspira al hombre…
Bibliografia
– 1934. setiembre -Revista Nuestra Arquitectura. “Algo sobre vivienda popular”.
– Buenos Aires: 1920-1940: Una modernidad silenciosa, por Gustavo A. Brito e Isolda Maur.
– 1943. Julio. Nuestra Arquitectura.
– 1963. “Arquitectura Argentina contemporánea”. Francisco Bullrich. Ediciones Nueva Visión. Buenos Aires.
– 1967 Agosto. Summa Nº 9. Homenaje a Wladimiro Acosta por Juan Manuel Borthagaray.
– 1986. – IPU: Inventario de patrimonio urbano, Palermo 1866/1960, Buenos Aires, Liliana Aslan y otros.
– 1987. Anales del Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas. N° 25.
– 1994. Buenos Aires. Guía de Arquitectura. Ocho recorridos por la ciudad. Buenos Aires /Sevilla, MCBA/Junta de Andalucía, Alberto Petrina.
– 2004. “El patrimonio del movimiento moderno en Buenos Aires 1929-2004 “Documento de trabajo 121” de la Universidad de Belgrano por Stella Maris Casal y Serianne Worden.
– 2005. Clarín Arquitectura. Berto González Montaner – Vanguardias Argentinas. Obras y movimientos en el siglo XX. Tomo 2: 1930-1950. Buenos Aires.
EAN 978-84-92409-01-3 publicación que acompaña la celebración del VI Congreso Internacional de Historia de la arquitectura moderna española.
“Miradas Cruzadas: Intercambios entre Latinoamérica y España en la Arquitectura española del siglo XX. Pamplona 13/14 de Mayo de 2008. Con prologo de José Manuel Pozo y Jorge Francisco (Pancho) Liernur.
– 2012. Revista Arquis, Universidad de Palermo, Documentos de arquitectura y Urbanismo, Patrimonio moderno 1940-50-60. Dirigido por Gustavo Robinson y Martín Torrado.
– 2014. Mario Roberto Álvarez. Tenacidad y determinación por una arquitectura intemporal. Publicación de la Universidad Blas Ascal (UBP). Arq. Juan de Dios López Pappaterra.
Libros de Wladimiro Acosta
– 1936. Vivienda y ciudad. Problemas de arquitectura contemporánea. Editorial Diseño Editorial –EAN 9789873607233. La edición de 1947 es de Ediciones Anaconda.
– 1976. Vivienda y Clima. Telma Reca, Rubén Movia y Arnoldo Gaite. Editora Diseño Editorial –EAN 978-98-73607-11-0 y Ediciones Nueva Visión. 1984
Escritos sobre Wladimiro Acosta
– 1987. Noviembre. Homenaje realizado en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo UBA- Consideraciones acerca de los fundamentos ideológicos del Sistema helios del catálogo Wladimiro Acosta 1900/1967. Wladimiro Acosta y el expresionismo alemán. Pancho Liernur.
– 2006. Casas-taller anónimas y cartas a Giedion: Wladimiro Acosta.
Revista BLOCK Nº 7. Editada por le Escuela de Arquitectura y estudios Urbanos Universidad Torcuato di Tella (UTDT). Buenos Aires. ISSN 0329-6288. Jorge Tárrago.
– 2008. “Acosta en la ciudad del City-Block a Figueroa Alcorta”. Anahí Ballant.
Bibliografía mencionada en “Moderna Buenos Aires” editada por el CPAU
– Diccionario de Arquitectura en la Argentina. Estilos obras biografías instituciones ciudades. Jorge Francisco Liernur, Fernando Aliata. Editor: Berto González Montaner. Clarín arquitectura, 2004.
– Anales del Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas. 1987, N° 25, p. 93/96.
– Buenos Aires. Guía de Arquitectura. Ocho recorridos por la ciudad.Alberto Petrina, . Buenos Aires/Sevilla, MCBA/Junta de Andalucía, 1994, p. 184.
2010 diciembre 9, reseña del hogar obrero de Wladimiro Acosta video 3d arquitectura, trabajo para la universidad de Buenos Aires
2011 Agosto 18, Universidad Nacional de Rosario. Arquitectos N. Adagio y L. Müller. “Wladimiro Acosta: el arquitecto que hizo vivibles los edificios públicos” del Laboratorio de Historia urbana.
2012 Febrero 6, documento producido por los profesores Luis E, Carranza de la Roger Williams University. the untold story of… Wladimiro Acosta’s helios system
2013 Marzo 18, en el programa de Canal 2 Veo Santa Fe, Cablevision Digital. «Constructores de la Ciudad» dialogamos con el Arq. César Carli, miembro de la Escuela de los Grandes Espejos, ex decano de la FADU-UNL
Notas
1
Editamos el libro «Antonio Bonet, Arqquitectura y Urbanismo en el Río de la Plata y España», cuyos autores son Ernesto Katzenstein, Gustavo Natanson y Hugo Schvartzman, con nuestro sello editorial ESPACIO EDITORA (coordinada por Silvia Wladimirski, GuillermoR. Kliczkowski y Hugo A. Kliczkowski) en febrero de 1985. El diseño fue de un amigo personal de Antonio Bonet y su deseo expreso que lo realizara el Sr. Alfredo Hlito. En los agradecimientos hay muchos amigos, Inés Fernández Moreno, Federico Ortiz, Leonardo Sarsale, Daniel Gurfinkel. En el libro estan los agraecimientos a los fotografos.
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Johann Sebastian Bach, los cambios, la arquitectura
Viaje esperado
A mediados de Octubre de 2015, finalizada la feria del Libro de Frankfurt, tome un tren y luego de un viaje de 4 horas llegue a la estación central de Leipzig, en donde 540 años antes -en 1475- se habían iniciaron en Alemania las ferias del libro. En esa ciudad desde principios del siglo XVI la feria del libro se instalaba cerca de la Iglesia de Santo Thomas, una época en la que la demanda de libros había crecido muchísimo.
El año anterior, había visitado Eisenach viendo la casa museo y los espacios donde nació Juan Sebastian Bach y este año quería conocer cómo era la ciudad donde trabajo durante 27 años, y porque se quedó allí, todos esos años. Intente saber más de cómo era el medio donde se movió Bach, algo más pude saber o pude intuir.
muere en Leipzig, su tumba esta finalmente en la Iglesia de Santo Thomas, rodeada de muros, que durante tantos años escucharon semana a semana la música sacra para la que fue contratado, además de otras tareas pedagógicas y de dirección. Lo primero que hice fue ir a la iglesia de San Nicolás, cercana a mi hotel y luego con una gran expectación a la Iglesia de Santo Thomas, entre ambas hay unos 700 metros.
Johann Sebastian Bach
(21 de marzo de 1685 – 1750 28 de Julio )
En 1723 tiene 38 años y durante los siguientes 27 años hasta su muerte, vive y trabaja en Leipzig.
Debido a su importancia, Leipzig era un centro comercial, cultural y universitario y por muchos motivos comerciales, políticos y culturales considerado de primer orden.
En medio de varias rutas comerciales, donde confluyen 3 ríos -Pleisse, Elster Blanco y Parthe-, era una ciudad comercial que recibía privilegios especiales del imperio y el papado para la celebración regular de ferias comerciales. En la época que llega Bach, Leipzig además de las ferias, es un importante centro comercial y de mercados que atraía entre 6 y 10 mil expositores y visitantes, casi un tercio de su población estable que era de no mas de 35.000 habitantes. En una época de enorme creatividad musical y al mismo tiempo de enfrentamiento entre el músico y las autoridades de la ciudad-estado que tenían el control de la Tomasschule, escuela de la iglesia de Santo Thomás.
La otra fracción era la de los monárquicos, representados por el joven abogado Gottlieb Lange , alcalde de la ciudad. Su tarea musical estuvo inmersa en y entre el enfrentamiento de ambos bandos.
Centro cultural, comercial, financiero
El fin de una época y el comienzo de otra
….la arquitectura, es música congelada. Johann Wolfang von Goethe
En 1409, unos 300 años antes de la llegada de Bach se funda la Universidad, y en 1519, unos 200 años antes, Martín Lutero participaba en las famosas disputas doctrinales de teología.
Pero culturalmente ocurren muchas cosas simultaneamente, cuando llega Bach, nace Cyclopadia (Diccionario Universal de las Ciencias y las Artes) y estamos a 18 años de la edición de la enciclopedia francesa de Denis Diderot y Jean le Rond D´Alembert síntesis por un lado del conocimiento de la época y por el otro un arma política y motivo de numerosos enfrentamientos entre los editores, los redactores y los representantes de los poderes secular y eclesiástico. Es la época de los arquitectos utópicos, revolucionarios o visionarios que sin renunciar a la herencia de la arquitectura clásica se vuelcan a sus formas geométricas como Étoene-Louis Boullée (1728-1799) y Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806).
Es en los años que Bach llega a Leipzig, que nace el famoso aventurero, escritor, diplomático, bibliotecario y agente secreto (además de ser el amante mundialmente conocido) Giacomo Girolamo Casanova. Es una época de grandes cambios, como nunca antes se habían dado, se esta gestando la revolución industrial.
El fin de una época, y el comienzo de otra.
La arquitectura
…Arquitectura es cuestión de armonías, una pura creación del espíritu. Le Corbusier
…La música es arquitectura congelada.(parafraseando a Goethe).Arnold Scöenberg
…La arquitectura y la música son dos artes que caminan de la mano, las dos construyen y crean espacios, estructuras, geometría , texturas o colores . A lo largo de la historia esta relación ha ido evolucionando, avanzando y retrocediendo , mezclándose la una con la otra hasta llegar al punto en que una obra musical puede ser el inicio de la inspiración arquitectónica o un espacio la inspiración de la música. Uxua Echeverría
Bach es la culminación del barroco musical, y esta germinando el neoclasicismo. Este nace a mediados del siglo XVIII y es una reacción contra el estilo barroco, de ornamentación naturalista. Hay una valoración de la sencillez y la claridad de líneas.
Se valora el funcionamiento, cambiando ciertos esquemas de organización espacial y de relación entre espacios abiertos y cerrados, entre vanos y macizos.
Sabemos que Bach, a pesar que le hubiera gustado llegar a Italia, para conocer a Vivaldi, y escuchar las Operas de 1era. mano, nunca lo logró, por ello nunca subió o bajo la escalinata de 135 peldaños que conduce a la Plaza España, (financiada por la casa de los Borbones franceses entre 1721 y 1725) diseñada por Alessandro Specchi y Francesco De Sanctis y que salva de manera magistral el desnivel formado por el Monte Pincio, con esta gran escalinata y sus numerosas terrazas-jardín.
¿Que nos dice el neoclasicismo acerca de la arquitectura? . -Que debiera ser un arte desprovisto de adornos sin sentido y que no busque depender de la subjetividad del arquitecto (o del artista).
Se buscó dar un carácter más científico a las artes, por lo que los artistas debieron ser más técnicos que inventores, e imitadores más que creadores. Este espíritu científico llevó a considerar al arte clásico como un arte progresista, porque estaba desprovisto de adornos (sin sentido) y buscaba la perfección de las leyes inmutables sin depender de las impresiones subjetivas e imperfectas del artista (que es imperfecto por definición).
Ludwig van Beethoven y Frank Lloyd Wright
….Mi padre me enseño que componer una sinfonía que es como construir un edificio. Y vi que compositores y arquitectos Utilizan el mismo pensamiento …para componer o proyectar un edificio Para inspirarme, me sentaba a escuchar a Beethoven El fue también un gran arquitecto Ambos tipos de mente son bastante parecidas porque.. componen y construyen. Dibujan y proyectan. F.Ll.W.
...La arquitectura es una música de piedras y la música, una arquitectura de sonidos. Ludwig van Beethoven
Bach, la ornamentación y el neoclasicismo
Bach representa la cumbre de la ornamentación barroca en un momento donde la crítica aboga por la necesidad de la funcionalidad y la supresión del ornato en los edificios. Francesco Milizia (1725-1798) en Principi di Architettura Civile (1781) extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa. Mientras, en Francia, el abate Marx-Antoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras Essai sur l’Architecture (1752) y Observations sur l’Architecture (1765) la necesidad de crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todo ello para hacer una arquitectura verdadera: nos señalan una arquitectura construida con lógica.
Es a partir de la obra de Diderot Lambert donde se incide en el pensamiento y las costumbres. Y los temas arquitectónicos son aquellos que permitan un mejor vivir, como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc. Es decir obras pensadas para perdurar, conservando un carácter monumental,
¿Cual es el lenguaje arquitectónico que mejor puede expresarlo? No el barroco (como es la música de Bach) el cambio exige poner la mirada en el pasado y la búsqueda de un lenguaje arquitectónico de validez universal. Grecia, Roma, Oriente, Asia menor, Egipto.
Cada cambio necesita de un lenguaje, una forma de expresar que incluya y señale sin duda alguna los cambios de esa época, y es justamente el Neoclasicismo el más representativo y el que entusiasma en aquellos años.
La arquitectura
…La música se desarrolla en el tiempo, la arquitectura también. La arquitectura se desarrolla en el tiempo y en el espacio. Le Corbusier
…La publicación de L´Encyclopédie deja claro que la arquitectura puede ser analizada como una parte o una rama de las artes sociales, ya que influía no solo en el pensamiento y las costumbres de una sociedad.
…En 1725 Lord Burlington diseña la Casa Chiswick , inspirada en la Villa Capra de Andrea Palladio
…En 1738, el arquitecto Fernando Casas diseña la fachada barroca de la catedral de Santiago de Compostela (que comenzó a construirse en 1077).
La arquitectura y la música tienen un idioma común
Establecen relaciones entre si en el significante y significado de sus títulos, nombres y características:
Relación, ritmo, estructura, tema, usos, orden, proporción, segmento, sección, técnica, desarrollo, trama, geometría, la matemáticas, intervalos sonoros o de elementos métricos en el tiempo y el espacio, la noción de sonido como altura, duración, intensidad y timbre.
A. Ramirez, escribe al respecto; …además, las relaciones entre la música y la arquitectura han existido siempre, pues ambas tienen nexos a niveles profundos basados en el concepto de geometría. La geometría no se aplica solo a la matemática, sino a otros campos como el arte. Así “Una obra moral, política o retórica será tanto más bella si ha sido concebida con espíritu geométrico”. Nos señala que la geometría y el orden se reflejan en la arquitectura de un modo peculiar: en las reglas prácticas y la tecnica de aplicación de las proporciones. De este orden y de estas proporciones nos habla también la música…….la geometría era una formulación de la antigua «teoría de la armonía” que fue considerada como “el orden por el que se rige el cosmos; es un orden dinámico: el universo esta en movimiento y es el movimiento de sus astros y de las fuerzas que los mueven el que se ajusta en un todo armónico, y por lo tanto ordenado”.
Le Corbusier, el modulor y Iannis Xenakis
Iannis Xenakis, fue un arquitecto y compositor de ascendencia griega, nacido el 29 de mayo de 1922 en Braila, Rumania; se nacionalizó francés y pasó gran parte de su vida en París, donde murió el 4 de febrero de 2001.
Es reconocido como uno de los compositores más importantes de la música contemporánea. En 1954, con la composición de Metastasis, inició sus experiencias en el campo de la música estocástica (un sistema no determinista, conformada tanto por acciones predecibles como por procesos aleatorios)
Establecido en París, en 1948 ingresó el estudio de Le Corbusier de la calle Sévres, 35 como ingeniero calculista. Fue durante 12 años (hasta 1960) el principal colaborador de Le Corbusier. En esos doce años, enriqueció su música con las teorías sobre el Modulor (que Le Corbusier comenzo a desarrollar en 1945). Participo en los proyectos de las unidades habitacionales de Nantes (1949), Briey-en-Forêt y Berlin-Charlottenburg (1954), los diferentes edificios constitutivos del plan de urbanismo de Chandigarh en India (1951), y el Centro Deportivo y Cultural de Bagdad (1957). En estas obras Xenakis aplicó los mismos procesos compositivos y estéticos que en sus obras musicales de la época. Diseñó además dos importantes obras de la arquitectura del siglo XX: el convento de Santa María de La Tourette (1953), y especialmente el Pabellón Philips de la Exposición Internacional de Bruselas de 1958, basado en las mismas estructuras que su obra orquestal Metastasis de 1953-1954
Conversaciones con Bruce Duffie,
BD: You have to do something different or you do not exist? IX: That is right.
BD: Was this the same when you were designing buildings? IX: Yes. When I was with Le Corbusier I designed buildings that were not too complicated, but he accepted them. For instance, the Monastery of La Tourette. I did all the plans including windows with vertical separations. But he accepted my ideas.
BD: It was his building but you did part of the work? IX: Oh yes.
Más que frases
Le Corbusier…la geometría es la de un cubo y luego cada elemento tiene su propio ritmo y el ritmo de las columnas y las ventanas y los muros….De forma que tienes una sinfonía donce cada instrumento toca su propia melodía de manera de crear una sinfonía en la que tocan juntos,
Mawlana Rumi…la música es el sonido de las puertas del paraíso al abrirse.
David Byrne…(charla que dio en el 2010 en TED, expone el ejemplo de los pájaros): …un pájaro no canta igual cuando está en un árbol que cuando está en el suelo, ni canta igual en un lugar del mundo que en otro; su canto – su mensaje – se adapta al medio que lo contiene.
Alexander Jackson Davis…No soy más que un compositor de arquitectura.
Pitagoras,… “hay geometría en la vibración de las cuerdas, hay música en los espacios entre las esferas”.
Adolf Loos… La arquitectura despierta sentimientos en el hombre. Su tarea es por tanto, hacer esos sentimientos más precisos.
Michael Graves… En cualquier arquitectura hay una igualdad entre la función pragmática y la función simbólica.
Oscar Niemeyer…Busco la sorpresa en mi arquitectura. Un trabajo de arte debería provocar la emoción de lo novedoso.
Yoshio Taniguchi…La arquitectura es básicamente un contenedor de algo. Espero que disfruten no tanto la taza de té, sino el té.
Quincy Jones…Si la arquitectura es música congelada, entonces la música debe ser arquitectura líquida.
Shirley Clarke…El sueño de una música de colores para el ojo o una música tonal para el oído ha sido quizás la utopía estética más generalizada de la historia del arte y compartida por igual por buena parte de las prácticas experimentales de la literatura, la pintura y la música. Esta especie de música visual podría definirse como una forma de arte dinámica, con combinación de materiales musicales y visuales, es “la extensión visual de las notas. Cuando el sonido y la imagen trabajan juntos, los medios trascienden a un nuevo tercer medio” (en BODY Y WEIBEL, 1987).
En una carta a su hermano Daniel del 4 de agosto de 1802, Runge explica que la imagen tenía que ser “… lo mismo que una fuga de música… que queda en una composición como algo entero y se dejan brillar las variaciones a través de ésta, entrando una y otra vez” (Philip Otto Runge en MAUR).
Eugenio Trías…la música tiene el efecto de crear los ambientes organizados en “formas” por la arquitectura, y “esto hermana para siempre a la música con la arquitectura. Ambas intentan dar forma a la materia de ese cerco. Ambas preparan un hábitat a la figuración icónica o a la significación poética o conceptual”.en Lógica del límite, Ediciones Destino, Barcelona, 1991.
Simétrico, que puede transformarse, rotar y mantener su misma apariencia. Bach sigue una misma línea melódica hacia delante y en forma armónica hacia atrás (como el cangrejo).
Douglas Hofstadter (en su libro Gödel, Escher y Bach) lo define como un palíndromo (que se lee igual de izquierda a derecha, como de derecha a izquierda), dice que también se encuentra en el ADN, un bucle que esta en los dibujos de las escaleras de Escher, en las matemáticas de Gödel, en la música de Bach y en la naturaleza.
por HaKj (autorizada su publicación citando la fuente)
Muchas veces he pensado que la música de Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) es la música de Dios (cualquiera sea ese Dios), que Bach transcribió, y que quien la tradujo es el pianista canadiense Glenn Herbert Gould (1932 – 1982).
Escribo esto a finales de Octubre de 2022, he descubierto estas opiniones sobre Gould, que comparto:
sobre arquitectura, Arte, fotografía, diseño por Hugoklico@gmail.com
cio de oficinas para el IAC Building ( Inter Active Corporation) en el 555 W de la calle 18th.
