La Medalla de Oro del AIA es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA).
La otorga “el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura”.
AIA
Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto
En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.
En 2014 fue entregada por primera vez a una mujer, Julia Morgan a título póstumo. La medalla de 2016 fue otorgada por primera vez a una pareja después del cambio de estatutos de la organización del 2013 en la que abrió esta posibilidad.
Aclaración, el título FAIA, abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, es un título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto. Dicho honor distingue a arquitectos que han hecho contribuciones significativas a la profesión de arquitectura. Menos del 2% de los cerca de 72.000 arquitectos estadounidenses forman parte del College of Fellows
1969 William Wilson Wurster (1895–1973), Estados Unidos
El arquitecto William Wilson Wurster (Stockton 1895 – 1973 Berkeley) se graduó en la Universidad de California en 1919 (algunas fuentes mencionan 1922), fue profesor de arquitectura en la Universidad de California, Berkeley, y en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, fue conocido por sus diseños residenciales en California.
En 1922 viajó a Europa y pasó un año estudiando la arquitectura de Francia, Italia y España. A finales de la década de 1920, Wurster ya había comenzado a alejarse de su formación en arquitectura, mas comprometido con la arquitectura vernácula y la influencia del clima y el lugar. Trabaja en el estudio de William Adams Delano y Chester Holmes Aldrich.
En 1924 abre su estudio en Berkeley en California. Entre 1927 y 1942 Wurster diseñó más de doscientas casas. La estructura, los materiales y el aspecto de las casas quedaban supeditadas a la forma de vivirlas.
En sus proyectos la naturaleza, el aire fresco, la luz natural y la economía son partes de la construcción.
Conoció y fue amigo de Alvar Aalto, conoce a su futura esposa Catalina Bauer (1905 – 1964) en la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard, compartiendo clases del urbanista socialista alemán Martin Wagner (1885 – 1957). Catalina era una especialista en planificación urbana, en 1934 publicó el libro Vivienda Moderna (Modern Housing).
En 1944 James Killian, vicepresidente del Instituto de Tecnología de Massachusetts, lo nombra director de la Escuela de Arquitectura y Urbanismo del MIT.
En 1945 su estudio se convirte en Wurster Wurster, Bernardi y Emmons. En 1949 regresó a California como decano de la Escuela de Arquitectura en Berkeley, Wurster jugó un papel importante en la evolución de la enseñanza de la arquitectura en los años 1940 y 1950 y sentó las bases para nuevos enfoques de la formación de arquitectos, paisajistas y urbanistas.
Obras relevantes: Casa de playa Clark, Aptos (1937); Plaza Ghirardelli (1964); CASBS(1954); Calle California 555 (1969).
Casa de playa Clark
La Plaza Ghirardelli es una plaza pública emblemática en el Distrito de la Marina de San Francisco, California.
Una parte de la zona fue incluida en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 1982 como Pioneer Woolen Mills y D. Ghirardelli Company. Llegó a contar con más de 40 tiendas especializadas y restaurantes, algunas de ellas todavía ocupan la plaza.
Calle California 555
El Centro de Estudios Avanzados en Ciencias del Comportamiento (CASBS) es un laboratorio de investigación interdisciplinario de la Universidad de Stanford, ubicado en 75 Alta Rd, Stanford, California.
Calle California 555 (1969), antes era el Banco de América Central, San Francisco junto con Skidmore, Owingsand Merrill y Benardi and Emmons.
1970 Buckminster Fuller (1895–1983), Estados Unidos
Si existe una imagen verdaderamente elocuente para describir a Richard Buckminster Fuller, sin duda, es la que el pintor Boris Artzybasheff (1899-1965) realizó para la portada de la revista Time del 10 de enero de 1964.
Se puede ver como la cabeza de este inventor, ingeniero, poeta y arquitecto se encuentra facetada en cientos de triángulos, formando algo que no es sino una cúpula geodésica, como las que le hicieron famoso en todo el mundo.
Richard Buckminster «Bucky» Fuller (Milton 1895 – 1983 Los Angeles) fue un diseñador, arquitecto e inventor, profesor en la Universidad del Sur de Illinois Carbondale y un prolífico escritor,
Documentó escrupulosamente su vida, filosofía e ideas en un diario y en veintiocho libros..
En 1949 erigió la primera cúpula geodésica del mundo que podía sostener su propio peso sin límite. Era una cúpula de 4,2 metros de diámetro construida con tubos de aluminio y una cubierta de vinilo en forma de icosaedro. Para probar su diseño, Buckminster y muchos estudiantes que habían ayudado en su construcción se colgaron de la estructura ante los atónitos espectadores. El gobierno estadounidense reconoció la importancia del invento y le contrató para hacer pequeñas cúpulas para el ejército. En pocos años había miles de estas cúpulas en todo el mundo.
Fuller obtuvo 28 patentes y muchos doctorados honoríficos.
Acuñó la palabra Dymaxion (abreviación de Dynamic Maximum Tension) para referirse a su filosofía de obtener lo máximo de cada material. Esta palabra le sirvió como marca que empleó en muchas de sus invenciones, como la casa Dymaxion, el mapa Dymaxion o el coche Dymaxion.
Obras relevantes: Casa Dymaxion (1930); Cúpula de la casa Fuller-Hewlett (1960). Biosphere de Montreal (1967).
La casa Dymaxion
Fue una vivienda futurista. La palabra «Dymaxion», combina las palabras dinámico, máximo y tensión.
En 1920 Fuller deseaba construir una vivienda autónoma unifamiliar sostenible “la máquina viviente del futuro”. Aunque nunca se construyó, el diseño del Dymaxion aparece con visión de futuro, ejemplar en su autosuficiencia, podría haber sido producida en masa, luego envasada y enviada a todo el mundo. (1)
Casa Cúpula en Carbondale, Illinois. R. B. Fuller, 1960.
Un trabajo de investigación produce una de las cúpulas mas personales que construyera Fuller.
Construye la que fue su casa en Carbondale, en ella vivió durante toda la década de los años sesenta del pasado siglo.
El Dymaxion Car
El vehículo contaba con un eje delantero con dos ruedas y uno trasero con un solo neumático que albergaba la dirección del coche, podía girar 180º utilizando su eje trasero, llevaba un motor trasero V8 Ford que le aportaba 86 CV de potencia.
Su consumo se calculaba en 7,8 L/100km, unas cifras realmente buenas para la época, estaba destinado a llevar a 11 pasajeros. Por aerodinámica y bajo peso alcanzaba una velocidad punta de más de 100 km/h.
El Dymaxion Car (4to prototipo) formó parte de la muestra”Bucky Fuller & Spaceship Earth”, en el espacio Ivorypress Art + Books de Madrid el 9 de setiembre del 2011.
Alli se presentó el libro “Dymaxion Car Buckminster Fuller” de la editorial Ivorypress, estuvo Norman Foster, la hija de Buckminster Fuller, Allegra Fuller Snyder, presidenta del Comité directivo del Buckminster Fuller Institut; el arquitecto Thomas Zung socio de Fuller, y el arquitecto y catedrático Luis Fernández-Galiano.
Fui a ver la muestra de los inventos de Buckminster Fuller, muchos de sus dibujos maquetas y el famos Dymaxion “en persona”. La segunda vez que vi el Dymaxion fue en la exposicion “Motion” realizada en el Museo Guggenheim de Bilbao en abril de 2022. (2)
Reportaje completo en la revista Metropolis «Norman Foster y el coche Dymaxion» realizada por Martin C. Pedersen.
Pederson dirige el sitio web de arquitectura y diseño Common Edge (commonedge.org), vive en Nueva Orleans.
-¿Qué te inspiró a recrear el famoso coche Dymaxion de Bucky?
Bucky nunca está lejos de mis pensamientos. Colaboramos en proyectos durante los últimos doce años de su vida. Cuando me concedieron la medalla de oro del Royal Guild en Londres, dio la charla… y luego se fue a Estados Unidos, a ver a su esposa Ann, que estaba en fase terminal, en el hospital. Al llegar, sufrió un ataque cardíaco fatal junto a su cama y ella murió treinta y seis horas después…
Era amigo de Henry Ford, lo que le aseguraba que conseguiría piezas de Ford al 30 por ciento de su coste real. Cogió el motor V8 de cabeza plana, las ruedas, el volante, la transmisión y le dio un giro de 180 grados.
-Al recrear el nuevo automóvil, ¿dónde trazó la línea entre ejecutar fielmente los planos y dibujos originales y realizar mejoras en ellos?
El coche nº 4 no es una réplica del nº 3, pero sí replicamos el motor, el encendido Studebaker, las ruedas y el volante Ford. Lo único que no es completamente auténtico y original es el freno de mano.
-Hace unos años vi el Dymaxion que sobrevivió en la exposición Whitney. El interior estaba muy deteriorado. Tu equipo debe haber hecho un gran trabajo de investigación para recrear el interior.
Sí, increíble. Afortunadamente, conocemos bien a la gente de Stanford, donde está el archivo. Y las personas que elegimos para realizar el trabajo de restauración también eran extraordinariamente increíbles en la investigación… elaboramos un libro sobre el coche… una pequeña, diminuta punta del iceberg de todo el material que generamos.
-Necesitaron dos años para completarlo. ¿Cuánto costó el proyecto?
Prefiero no hablar de eso. La respuesta verdadera es que costó un ojo de la cara y mucho dinero…
-¿Cuál es la relevancia del automóvil para el mundo automovilístico actual?
…, el Dymaxion fue el clásico vehículo de transporte de pasajeros antes de su tiempo… Hay una película antigua en la que Bucky hace piruetas con el coche alrededor de un policía.
-¿Cómo es el viaje aerodinámicamente?
No es blando, pero tiene una amortiguación increíble. Es más como un barco. Por supuesto, fue diseñado en colaboración con Sterling Burgess, el diseñador del yate ganador de la Copa del América. …
-¿Podría alcanzar cómodamente los 100 km/h por hora?
… Hicimos una serie de estudios y desarrollamos una película hermosa. La mostramos como parte de nuestra exposición Bucky en Madrid. Es bastante divertida. El Dymaxion sale de un garaje de los años 30 en Nueva York y pasa por delante de todos estos coches viejos. Pasa por delante del edificio Hearst, que por supuesto todavía era relativamente nuevo, luego cruza el río y entra en un túnel. Sale por el otro lado en la Nueva York actual…
-Es interesante cómo tú, Nicholas Grimshaw y Richard Rogers se sintieron atraídos por Bucky durante vuestra formación.
Fue su filosofía, su optimismo, su creencia en una tecnología limpia y amigable que permitiría a las especies sobrevivir si utilizaban su inteligencia… Pero nunca soñé que unos años más tarde Bucky terminaría contactándome para colaborar con él en proyectos y que se convertiría en una relación tan estrecha.
-Has hablado de Bucky con audiencias más jóvenes. ¿Sus ideas conectan con ellos?
Creo que realmente tienen eco, habilitó a una generación. No es una exageración decir que desencadenó el movimiento verde….sin duda el movimiento ambientalista tiene sus raíces en Bucky. Ha sido mucho más comprendido en Europa. No sé qué piensa usted, pero no creo que haya sido comprendido realmente en Estados Unidos.
La Biosphère de Montreal fue el antiguo pabellón de los Estados Unidos de la Expo 67 en Montreal, ahora convertido es un Museo, dedicado al agua y al medio ambiente.
Su concepción, obra de Richard Buckminster Fuller está situada en la île Sainte-Hélène.
En 1976, un incendio consumió el revestimiento de polímero.
La estructura, construida en acero, permaneció intacta, es todo lo que queda del antiguo pabellón.
El museo fue inaugurado en 1995.
La he visitado.
La Biosphère, está muy próxima al conjunto de los arquitectos Moshe Safdie y Rabines, Hábitat 67.
En la misma ciudad donde esta la estación de servicio de Mies van Der Rohe
Louis Isadore Kahn (Itze-Leib Schmuilowsky) nació en la isla estonia de Saaremaa.
Murió el 17 de marzo de 1974 de un ataque al corazón en los servicios de la estación de Pennsylvania de Nueva York, acababa de regresar de un viaje de trabajo en la India, a pesar de tener tres familias, nadie reclamó su cadáver durante tres dias, no llevaba sus documentos con él.
Louis Kahn en su oficina, circa 1960. Foto del Archivo de Arquitectura de la Universidad de Pennsylvania, Philadelphia
Cuando tenia tan solotres años, mientras se cocinaba cous en la estufa, cautivado por la luz, corrió el recipiente, y las llamas lo alcanzaron y le quemaron la cara y las palmas de las manos, fue su “marca de fábrica”, se sabe que en el colegio, los chicos se burlaban de él, y lo llamaban “scarface”.
En 1920, ganó una beca para la Universidad de Pensilvania, en 1924 se recibió de arquitecto.
Trabajó en el estudio de William H. Hoffman y Paul Henon Jr. , y en el de John Molitor, donde llegó a ser jefe de proyectos del plan regulador de Filadelfia.
Abre en 1935 su propio estudio y paralelamente desde 1947 hasta 1957 se dedica a la crítica del diseño y a la docencia en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, a partir de 1957 hasta su muerte en 1974 fue profesor de Arquitectura en la Escuela de Diseño en la Universidad de Pennsylvannia, entre sus alumnos figuraban Moshe Safdie y Robert Venturi.
Kahn tuvo tres mujeres diferentes, su esposa Esther Israelí, su compañera de trabajo Anne Tyng, y Harriet Pattison.
En 1930, se casó con Ester Israelí, con quien diez años después tendría una hija, Sue.
Se relacionó sentimentalmente con una arquitecta joven que trabajaba en su estudio, Anne Tyng, con quien tendría a su hija Alex.
Años después, en 1959, llegaría a su vida la paisajista Harriet Pattison, la madre de Nathaniel. Se conocieron de casualidad en una fiesta de Filadelfia, Louis tenía casi 60 y Harriet 32.
Me ha encantado saber que cuando sus amigos lo visitaban se acercaban a su piano y le pedían que tocara obras, especialmente Mozart y Bach.
Desde Ahmedabad, India –un destino al que Kahn fue muchas veces-, le escribió las últimas líneas a su hijo “Tu padre no se siente como un héroe conquistador. Espero algún día poder enseñarte a ser mejor hombre del que yo fui”.
Mi blog es mi memoria externa, mi libreta de viaje
Creo haber escrito muchas veces que mi blog, es mi diario, mi libreta de apuntes, por eso, cuando escribo acerca de los edificios que visito, tambien comento el contexto de esas visitas, esto me permite recordar, es lo que estoy haciendo ahora.
Louis Kahn
Supe mas de Louis Kahn, por mi querido amigo el arq Miguel Angel Roca, oi mucho de Kahn ya que nos veiamos semanalmente cuando fui su profesor adjunto de su catedra en Diseño 2 y 3 en la Universidad de Buenos Aires.
Miguel, hizo su tesis con Kahn. Hace poco me dijo mientras paseabamos por Toledo, casi no hablaba con él, era un dios, y para un joven era dificil, acercarse mas de lo imprescindible.
Supe de Kahn, cuando con Guillermo fuimos a La Jolla a ver el increible Instituto Salk, el arq Pablo Bransburg, que vivia allí nos guió, fuimos a ver varias obras de arquitectura, el Instituto Salk (1959/1965) lo visitamos completo, con su esposa Perla pasamos unos dias inolvidables, mientras comiamos unos mariscos tambien inolvidables.
Supe mas de Kahn cuando vi el documental “Mi arquitecto: el viaje de un hijo” (2003), nominado al Oscar ese año.Durante casi dos horas, recorre la vida y obra de su padre, al cual, como Kahn tenía dos familias simultáneas, cada una con hijos, lo veía poco. (3)
Supe mas de Kahn, al visitar su biblioteca Phillips Exeter Academy en New Hampshire (1965/1972) y su monumento en NY de las cuatro libertades, en la isla East River, un monumento al presidente Franklin D. Roosvelt. (4) Gracias Minond por decirme que podia llegar en telesferico.
Supe de Kahn cuando admiré en la Universidad de Yale su Galería de Arte, New Haven (1951/1953), a peassr de mis deseos no pude entrar, (porque aun no se inauguró su rehabilitación), al Yale Center for British Art (1969/1974).
Supe mas de Kahn cuando vi este año (2024) su “Primera Iglesia y Escuela Unitaria” en Rochester(1959/1969).
“Una obra de arte no es algo vivo, pero te hace sentir vivo. Una obra de arte es lo que nos enseña que la naturaleza puede reunir a los hombres”.
“La arquitectura debe contener la medida del tiempo. Veinte o cincuenta años después de ser construida… sólo entonces podrás medirla. Es tan perfecta que, en el momento en que se realiza, su apariencia podrá diluirse, y probablemente lo haga, pero la espiritualidad permanecerá, y así entenderás la prueba del tiempo”. (5)
El escultor y diseñador Isamu Noguchi (1904/1988) se refirió a él como «un filósofo entre arquitectos».
National Assembly Building in Dhaka -Bangladesh – Louis Kahn 1962-83-Raymond Meier
En Bangladesh, sobre un espejo de agua, se duplican los volúmenes del edificio de la Asamblea y el complejo de gobierno en la capital Dakha (1964/1983).
Mereció recibir el premo Aga Khan de Arquitectura.
El complejo incluye: el edificio de la Asamblea Nacional, la plaza norte (6.040 m2), la plaza sur (20.720 m2), hoteles para los miembros del parlamento, ministros y secretarias, salas sociales y edificios comunes, todos ellos conectados por calles y vías peatonales y rodeados de jardines y lagos.
Se construyó a mano, cientos de trabajadores llevando cestos de concreto sobre sus cabezas, escalando andamios de bambú. Se tardó casi 20 años en terminarlo, fue inaugurado en 1983, nueve años después de la muerte de Kahn. Por dentro, su belleza es tan fascinante como por fuera.
El proyecto más ambicioso de Kahn se realizó en uno de los países más pobres del mundo, sin certeza de su terminación, finalmente se pudo realizar.
Instituto Salk de Estudios Biológicos
Es un complejo de laboratorios situados en La Jolla, en California, sin duda, es una referencia mundial en el mundo de la biología.
Louis Kahn lo construyó entre 1959 y 1965 a pedido del Dr. Jonas Edward Salk (1914 – 1995), inventor de la vacuna contra la poliomielitis, Salk colaboró durante los diferentes procesos de los laboratorios.
El conjunto está compuesto por dos bloques separados por una plaza seca, la componen los laboratorios, estudios, bibliotecas y oficinas.
Está situado cerca de unos acantilados de la costa de La Jolla, a pocos kilómetros al norte de San Diego.
La condición de Salk fuera que diez investigadores privados con sus respectivos equipos, todos muy cercanos a Salk pudiesen funcionar con total comodidad.
Hubo varios planteos, hasta que se decidió por la tercer propuesta, los laboratorios se distribuyeron en dos bloques separados por una plaza.
La estructura ideada por Kahn y diseñadas por el ingeniero también estonio August Eduard Komendant (1906 – 1992), es de hormigón vertido, su característica es ser flexible para resistir los terremotos que hay en California.
Komendant era pionero en el campo del hormigón pretensado, se conocieron cuando coincidieron como profesores en la Universidad de Pennsylvania.
A Komendant le llamaba la atención la dedicación que Kahn otorgaba a la Universidad, a pesar de su complicada situación económica y la presión de los plazos que tenía en su estudio. Kahn siempre estaba alegre y animado en sus clases. Cuando le preguntó cómo era capaz de conseguirlo, éste le respondió:
“Cuando estoy con mis alumnos y les enseño arquitectura, soy feliz y me olvido de todo lo demás”. (6)
En un principio, Kahn pensó la plaza central con árboles y vegetación, pero prefirió encargar el diseño del jardín al arquitecto mexicano Luis Barragán (1902-1988).
Al ver Barragan las fachadas de hormigón no dudó en poner en toda la plaza un suelo de travertino del mismo color que el edificio, diciendo que “el suelo sería la quinta fachada”, solo hay una hilera de árboles en la entrada principal de los laboratorios.
En el centro de la plaza y atravesándola, Kahn diseñó un canalillo de agua que, dirigiéndose hacia el mar, culmina en una fuente de gran tamaño situada en una terraza ubicada en el lado sur y dos o tres metros más baja que la plaza. En ella hay unas escaleras y unos bancos de travertino.
Desde esta terraza se puede contemplar el océano Pacífico.
La madera de los estudios es teca, ésta necesita restauracion cada cierto tiempo al ser sensible a las inclemencias medioambientales. (7)
Norman Foster ha prestado 11 automóviles de su colección, Bentley R-Type Contnental de 1953, un Tatra, el Dymaxion de tres ruedas, el Voisin C-7 Lumineuse que conducía Le Corbusier entre ellos.
Comisariado por Norman Foster, Manuel Cirauqui y Lekha Hileman Waitoller, se exhibió entre el 8 de abril y el 18 de septiembre de 2022 en el Museo Guggenheim de Bilbao.
3
Nathaniel Kahn rastreó el sentido de su existencia en la obra de su padre, Louis Isadore Kahn, en su documental “Mi arquitecto: el viaje de un hijo” (2003).
Recorre la vida y obra de Louis Kahn, se proyectó en el Design Museum de Londres, como parte de la muestra Louis Kahn, el poder de la arquitectura, en el 2014. La exhibición incluyó maquetas, dibujos, fotografías y otras películas. Se exhibió un modelo de cuatro metros de altura del proyecto City Tower para Philadelphia (1952-57).
4
En memoria a su conocido “Discurso de las 4 Libertades” (Four Freedom Speech), Libertad de expresión, de culto, de vivir sin penuria y de vivir sin miedo.
5
En el último capítulo del libro 18 años con el arquitecto Louis I. Kahn, el ingeniero August Komendant recuerda los años en los que ambos coincidieron como profesores en la Universidad de Pennsylvania.
6
Natalia Iscaro. Publicado en el número 50 de Revista 90+10.
7
Luis Antonio Gutiérrez & Marta Rodríguez -Grupo PFC-
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Constructor de espacios dispensadores de felicidad.
En uno de nuestros descansos “post-Feria del libro de Frankfurt”, fui junto a mi hermano Guillermo a Viena, para ver alguna de las obras de Hundertwasser.
Paseamos y vimos con mucho tiempo y detalle la “Hundertwasserhaus”un maravilloso conjunto de viviendas sociales que en 1977 el alcalde Leopold Gratz le ofrece realizar.
Pudimos ver el uso de tejados con vegetación y ese concepto maravilloso de “árboles inquilinos” en las fachadas.
Aún me “duele”, no haber podido ir a visitar la planta de tratamiento de residuos, así como tengo pendiente la Waldspirale… (Complejo residencial en Darmstadt, Alemania).
En 1998 en Nueva Zelanda
Luego de ver –a conciencia- las casas y tomar un café en el bar de la esquina del edificio, fuimos a una librería que estaba enfrente, la dueña nos contó que había conocido a Hundertwasser, que le gustaba conversar y era muy simpático, solía mirar libros y a veces elegía alguno que le interesaba y otras le hacía algún encargo.
Nos repitió que le gustaba hablar con la gente y era muy amable.
Es interesante conocer las costumbres o actitudes de “normalidad” de aquellos personajes especiales y en ciertos casos excepcionales. Me lo imaginaba, caminando con ropa de colores, saludando a sus vecinos, y haciendo sus compras cotidianas.
Luego fuimos al Museo Hundertwasser (Kunst Haus Wien), que está a pocas calles de la Hundertwasserhaus junto al canal del Danubio, llamado el primer “museo verde” de Viena.
Allí las obras pictóricas de Hundertwasser conviven con exposiciones temporales de fotografías.
Está en la calle Untere Weißgerberstraße 13, (+43-1-712 04 91) info@kunsthauswien.com. Abre todos los días de 10 a 18 hs.
Frases de Fiedensreich-Hundertwasser:
”Cuando uno está soñando solo, es sólo un sueño. Cuando muchos sueñan juntos, es el principio de una nueva realidad“. Friedensreich Hundertwasser
Pudimos ver el uso de tejados con vegetación y ese concepto maravilloso de “árboles inquilinos” en las fachadas.
La línea recta conduce a la caída de la humanidad.
El arte por el arte es una aberración, la arquitectura por la arquitectura es un crimen.
El que vive en una casa debe tener derecho a asomarse a su ventana y a diseñar como le guste todo el trozo de muro exterior que pueda alcanzar con el brazo, así será evidente para todo el mundo desde la lejanía que allí vive una persona.
Nos asfixiamos en las ciudades a causa de la contaminación atmosférica y la falta de oxígeno. La vegetación que nos permite vivir y respirar está siendo destruida sistemáticamente. Nuestra existencia está perdiendo dignidad. Pasamos por delante de fachadas grises y estériles, sin darnos cuenta que estamos condenados a vivir en celdas de una cárcel.
“Retrato de mi madre”. pastel sobre papel (62 x 43 cm) Viena 1948
Si queremos sobrevivir, todos tenemos que actuar. Cada uno de nosotros debe diseñar su propio ambiente. No puedes quedarte esperando a que las autoridades te concedan el permiso. Los muros exteriores te pertenecen tanto como tu ropa y el interior de tu casa. Cualquier diseño personal es mejor que la estéril muerte.
Tienes derecho a diseñar a tu gusto tus ventanas y los muros exteriores hasta lo que alcance tu brazo. Hay que ignorar los reglamentos que prohíben o restringen este derecho. Es tu deber ayudar a la vegetación a conseguir sus derechos con todos los medios a tu alcance.
La naturaleza debe crecer libremente donde cae la lluvia y la nieve, lo que está blanco en invierno, debe ser verde en verano. Todo lo que se extiende en horizontal bajo el cielo, pertenece a la naturaleza, en las carreteras y los tejados deben plantarse árboles. Hay que conseguir que se pueda respirar de nuevo el aire del bosque en la ciudad. La relación entre el hombre y el árbol tiene que adquirir proporciones religiosas. Así, la gente entenderá por fin la frase- la línea recta es atea.
“La producción de basura debería ser un delito criminal. Los productores de residuos, las indusr4ías de embalajes, las causantes de los residuos, es decir todos nosotros, deberíamos ser castigados severamente para así acabar radicalmente con la producción de residuos”.
Se transforma en médico, especialista en el “rediseño” de las viviendas enfermas.“…A los trabajadores me limito a darles instrucciones de conjunto. Nada de reglas, escuadras, ni niveles de agua. Saben que pueden dar libre curso a su instinto y saben que yo lo apruebo… Todos los que han trabajado para mí guardan un recuerdo lleno de respeto y nostalgia… Hoy los sindicatos han sustituido a las cofradías. Sólo hablan de salarios y de jornadas laborales, pero casi nada de formación profesional. Lo que intento promover entre mis obreros es la capacidad de innovar por medio del libre ejercicio de su creatividad. ¿Cómo podría la cerámica de mis paredes y mis columnas alcanzar semejante esplendor y diversidad, sin la libre iniciativa de mis albañiles y de mis enlosadores?”.
Sus obras fueron un manifiesto en contra de la arquitectura racional, la ortogonalidad y los espacios “inhumanos”, rechazaba la línea recta, usando los colores en las formas orgánicas. Pensaba que la miseria humana era el resultado de una arquitectura que construía espacios monótonos, estériles y repetitivos. Entendía la individualidad como una apuesta a la vida.
Armonía con la naturaleza, manifiestos construidos
Su obra es una ideología y un compromiso ecológico, fue un activo militante del respeto a las leyes de la naturaleza y la preservación del hábitat natural. Escribió artículos y dió conferencias en favor de la protección de la naturaleza, el rescate de los océanos, y la defensa de las ballenas, y la selva tropical.
Su visión del mundo se centraba en la letra “e” de “espiral”, consideraba que cada persona, desde su propio “ser”, se rodea de capas “de significación”, y ellas determinan su relación con el universo.
Sus nombres
Huntderwasser cambiará de nombre varias veces como un ritual. “… Yo tengo muchos nombres y soy muchas personas…hay tantas cosas que hacer que me gustaría ser diez Hundertwasser para hacer diez veces más cosas. Como eso no puede ser al menos puedo tener muchos nombres”.
Nació como Friedrich Stowasser
Se auto bendijo como Friedensreich Regentag Dunkelbunt Hundertwasser
Se lo conoce como Friedensreich Hundertwasser,
Sto en checo significa cien o Hundert en alemán. Por eso, Stowasser o Hundertwasser. Friedensreich puede entenderse como «lugar de paz» o «Reino de la paz”. Regentag que se traduce como «Día lluvioso». Dunkelbuntque se traduce como «Oscuro, multicoloreado».
De acuerdo a estas explicaciones su nombre Friedensreich Hundertwasser significa, «Reino de la Paz con Cientos de Aguas».
En algunas pinturas aparece su firma como 百水 (hyaku-sui), la traducción al japonés de su apellido.
Aún me “duele”, no haber podido ir a visitar la planta de tratamiento de residuos, así como tengo pendiente la Waldspirale… (Complejo residencial en Darmstadt, Alemania).
Su vida
Nació en Viena, Austria el 15 de diciembre de 1928 y falleció en el Reino Unido el 19 de febrero de 2000 a los 71 años. Su madre era judía y su padre (que murió a los pocos meses de su nacimiento) protestante.
Su infancia transcurrió en un ambiente de extrema pobreza y bajo el clima asfixiante del nazismo, ello motivo que su madre decidiera bautizarlo para salvarlo y lo alistó en las juventudes hitlerianas.
En la escuela (en sus primeras etapas de educación -1936- asiste a clases en el colegio Montessori de Viena), usaba el brazalete amarillo obligatorio con la estrella de David de judío y en su casa el brazalete nazi que usaba cuando a medianoche irrumpían de inspección nocturna en su casa donde vivieron escondidos en el sótano hasta 1944. Cuando terminó la guerra estaba en un estado grave de desnutrición y fue enviado al campo a vivir, pero el resto de su familia fue delatada y asesinada por los nazis.
En 1948 asistió a clases de pintura en la Akademie der Bildenden Künste, que, que abandonó a los pocos meses por encontrarla aburrida, no le incentivaban sus contenidos.
En esa época visitó las exposiciones de Egon Schiele (1890-1918) en la Albertina y de Walter Kaampmann (1887-1945) que lo influyeron notablemente. Admira también a Gustav Klimt (1862-1918), los grabados de Katsushika Hokusai (1760-1849) y el arte japonés, los colores de Paul Klee (1879-1940) y los paisajes y la las naturalezas pintadas por Henri Rousseau (1844-1910).
Le hubiera gustado presentarse como pintor (influyente con su “shock en el arte pictórico”), escultor, arquitecto (ejerció brillantemente como tal sin título académico), urbanista, diseñador gráfico, de fachadas, banderas, vestidos, gráfico y de estampillas.
Como teórico desarrollo una filosofía del ambientalismo.
Sus trabajos (total o parcialmente), han sido utilizados para elaborar banderas, sellos, monedas, posters, escuelas, iglesias, lavabos públicos y se ha usado de modelo en Nueva Zelanda en el diseño de edificios. En 1983 dibuja un proyecto de bandera para Nueva Zelanda (Koru).(1)
Fue un nómade, vivió en Italia, y luego junto a tres amigos franceses –pintores- viajó a Sicilia haciendo auto-stop. Vivió en París durante 7 años en casa de una familia. Luego viaja a Marruecos, Túnez, norte de África, Austria. Estos viajes, que hacia sin dinero, los financiaba creando obras que entregaba a cambio de alojamiento.
En 1950 se traslada a Paris para continuar sus estudios, que decide nuevamente abandonar para continuar su derrotero por el mundo.
En 1952 realiza su primera exposición individual en el Kunstverein de Viena y 2 años más tarde en el Studio Paul Facchetti de Paris.
Es su bandera más famosa. “La ley de la naturaleza es la ley del arte, la del juego aleatorio de la creatividad espontánea. Los detalles más espectaculares de la belleza de la naturaleza se nos presentan con total gratuituidad ¿Para qué sirven los preciosos dibujos sobre las alas de las mariposas o sobre las plumas del pavo real?”.
“…La belleza es siempre funcional. Es la base de todos los logros tecnológicos de la ecología. La prueba es la siguiente: estoy convencido de que las alas de las mariposas, ampliamente desplegadas al sol, son recolectores de energía que actúan a la manera de paneles fotovoltaicos de la energía solar, e incluso de forma más eficaz, gracias a la belleza del diseño que engalanan las mariposas y que contrasta con el rigor geométrico de los paneles colectores industriales”.
Diseñó sellos para las islas de cabo verde, así como para la administración postal de Ginebra. Su sello de 1,20 francos suizos para las Naciones Unidas, obtiene en 1984 el premio al sello más bello y la medalla de oro del Presidente italiano Sandro Pertini.
“…El sello debe vivir su destino… un auténtico sello debe sentir la lengua del expedidor cuando humedece la cola… el sello debe conocer el interior oscuro del buzón. El sello debe soportar el franqueo de correos. El sello debe sentir la mano del cartero cuando entrega la carta al destinatario… El sello sólo es auténtico cuando se ha enviado en una carta, si no, no ha viajado jamás… Este precioso fragmento de arte alcanza a todo el mundo como regalo que viene de lejos. El sello debe ser testigo de la cultura, de la belleza y del genio creador del hombre”.
Su diseño, Características e influencias
Creaba sus propios colores con materiales que encontraba: ladrillos, tierra, carbón…y los aplicaba en capas muy finas, de esa forma intensificaba el color consiguiendo más profundidad.
Planteó un rechazo a las líneas rectas, a la que llegó a denominar la “herramienta del diablo”, utilizó colores brillantes, formas orgánicas, fomento un diálogo entre los seres humanos y la naturaleza estimulando el individualismo.
“La utilización ciega, cobarde y estúpida de la línea geométrica recta, ha convertido nuestras ciudades en baldíos desolados desde el punto de vista estético, espiritual y ecológico…la línea recta y sus derivados son úlceras cancerosas que envenenan por igual, la planificación urbana y la salud física…me niego a construir casas que puedan dañar a la naturaleza y a las personas”.
“… A los trabajadores me limito a darles instrucciones de conjunto. Nada de reglas, escuadras, ni niveles de agua. Saben que pueden dar libre curso a su instinto y saben que yo lo apruebo…Hoy los sindicatos han sustituido a las cofradías. Solo hablan de salarios y de jornadas laborales, pero casi nada de formación profesional. Lo que intento promover entre mis obreros es la capacidad de innovar por medio del libre ejercicio de su creatividad. ¿Cómo podría la cerámica de mis paredes y mis columnas alcanzar semejante esplendor y diversidad, sin la libre iniciativa de mis albañiles y de mis enlosadores?”.
Puede vinculárselo al “Biomorfismo”, movimiento artístico del siglo XX. Este término (utilizado por primera vez en 1936 por Alfred Barr –1902-1981- ), se centra en poner el interés en la vida natural, utilizando formas orgánicas. (en un artículo de la Tate Modern vincula a éste movimiento a artistas como Joan Miró (1893-1983), Jean Arp (1886-1966), Henry Moore (1898-1986), Barbara Hepworth (1903-1975), Yves Tanguy (1900-1955) y Roberto Matta (1911-2002).
Pintura
Podía pintar en cualquier lugar, en su casa o en la de amigos, en la carretera, en un café, un restaurante, en la naturaleza, viajara en tren o en aviones. No tenía un estudio, y el lienzo no se extendía necesariamente sobre un caballete, podía ser sobre cualquier superficie.
Cuando estaba en el camino, podía suceder que doblara el papel, pintando solo en la parte visible de su trabajo.
Durante sus viajes, dejaba sus pinturas inconclusas para retomarlas a su regreso.
Hundertwasser hizo sus pinturas de muchas formas, pintó con acuarelas, al óleo, al temple, al huevo, con lacas brillantes y utilizó tierra. Mezcló distintos materiales, exponiéndolos uno al lado del otro, para que contrastaran no solo en su color sino también en su textura. El «chasis» de sus pinturas lo hacía él mismo, y casi siempre estiraba su propio lienzo, enmarcándolo.
Experimentó muchas técnicas e inventó nuevas. Pintó en diferentes tipos de papel, prefiriendo los papeles de envoltura usados, que a menudo montaba en varios soportes, como tableros de fibra de madera, cáñamo o lino.
Pintó en materiales encontrados, por ejemplo, en piezas de madera contrachapada, que encajó, como se muestra en el trabajo 904 Pellestrina Wood, o en una centralita, como en 816 Switch Board.
Casi invariablemente, Hundertwasser anotó en el frente o reverso de sus pinturas dónde y la fecha en que las pintó, así como la información técnica sobre el trabajo.
“ El color…un mundo de colores, es siempre sinónimo de paraíso. Un mundo gris o monocromático es siempre sinónimo de purgatorio o de infierno”.
“ …un buen cuadro está lleno de magia. Te hace sentir feliz, te hace reír o llorar, pone las cosas en marcha. Debe ser como una flor, como un árbol. Debe ser como la naturaleza. Es algo que se añora, cuando no está”.
Wieland Schmied (1929-2014), historiador y crítico de arte austríaco, curador, erudito literario y escritor, escribe acerca de la pintura de Hundertwasser:
“…Una parte importante del efecto de la pintura de Hundertwasser es el color, utiliza los colores de manera instintiva, sin asociarlos con un simbolismo definido de su propio invento. Prefiere los colores intensos y radiantes y le encanta colocar colores complementarios uno junto al otro para enfatizar el doble movimiento de la espiral, por ejemplo”.
La espiral es el símbolo de la vida y la muerte
Los espirales aparecen en sus obras a partir de 1953, inspirado en un documental “Imágenes de la locura” en la que enfermos esquizofrénicos de un hospital de Paris aparecen dibujando y pintando espirales. Aparece la “casa espiral”, una vivienda ecológica que reduce la contaminación y que aparece repetidamente en sus obras.
Esta espiral se encuentra en ese punto donde la materia inanimada se transforma en vida.
Estoy convencido de que el acto de creación tuvo lugar en forma de espiral. Toda nuestra vida procede en espirales.
Nuestra tierra describe un curso en espiral. Nos movemos en círculos, pero nunca volvemos al mismo punto. El círculo no está cerrado. Solo pasamos muchas veces por el mismo barrio. Es característico de una espiral que parece ser un círculo pero no está cerrada.
1982. Con un traje reversible, diseñado por él mismo para una colaboración con ‘Vogue’, París
La verdadera espiral no es geométrica sino vegetativa, se vuelve más delgada y gruesa y fluye alrededor de los obstáculos que están en su camino.
La espiral muestra la vida y la muerte en ambas direcciones. Comenzando desde el centro, el infinito pequeño de la espiral significa nacimiento y crecimiento, pero al crecer más y más, la espiral se diluye en el espacio infinito y desaparece como olas que desaparecen en las aguas tranquilas.
Por el contrario, si la espiral se condensa desde el espacio exterior, la vida comienza desde lo infinito a lo grande, la espiral se vuelve cada vez más poderosa y se concentra en lo infinitamente pequeño que el hombre no puede medir porque está más allá de su concepción y que lo llama muerte.
La espiral crece y muere como una planta; las líneas de la espiral, como un río serpenteante, siguen las leyes del crecimiento de una planta. Sigue su propio curso. De esta manera la espiral no se equivoca.
Notas
1
El koru (en lenguaje Maori, es hablado en el este de la Polinesia) es una forma de espiral basada en la aparición de una nueva fronda del helecho plateado desplegable, simboliza nueva vida, crecimiento, fuerza y paz. Su forma «transmite la idea de movimiento perpetuo», mientras que la bobina interna «sugiere regresar al punto de origen». Wikipedia.
Kenzo Tange (Sakai 1913 – 2005 Tokio) fue un arquitecto y urbanista vinculado vinculado a distintos movimientos arquitectonicos, al Moderno, al Metabolista y al Neo-futurismo.
En 1987 recibe el premio Pritzker.
Obras relevantes: Catedral de Santa María (1961/64 y 2007); Estadio Olímpico(1964); Shizuoka Newspaper and Broadcasting Corporation(1966/1967); Ayuntamiento de Tokio(1988/1991).
En el año 1994, viaje a Tokio para visitar a mis proveedores, GA (Global Architecture) de la editorial ADA EDITA; A+U (Architecture & Urbanism), y JA (Japan Architecture) las dos últimas de la editorial Shinkenchiku-sha Co.
El Ceo de GA, me fue a recibir al hotel, ya que el aeropuerto esta a 60 km de la ciudad y me trajo unas manzanas, tres exactamente.
En la revista GA las maravillosas fotografias las realizaba Yukio Futagawa, su hijo Tatsuo se ocupaba de la comercialización y la distribuidora la coordinaba Kawahara.
En su sede, pude ver como sacaban fotos de una maqueta, con algo que se asemejaba a una maquina de fotos descontracturada, separada en partes. Casi 2 horas para una foto, de la portada.
Ayuntamiento de Tokio en Shinjuku, Tokio
Al dia siguiente el director de A+U, Yasuhirto Teramarsu me llevó a recorrer la ciudad en metro, (con las ventajas de un metro excelente), fuimos a pasear a Shinjuku (que significa nueva posada), es uno de los barrios mas importantes administrativos y comerciales.
Vimos el edificio del Ayuntamiento, dificil comprender unas oficinas de casi 200 mil m2. El complejo consta de tres rascacielos, cada uno de los cuales ocupa una manzana. Sustituyó al antiguo Ayuntamiento de Tokio en Yūrakuchō, construido en 1957 tambien por Kenzo Tange, en la antigua ubicación del Ayuntamiento de Tokio, donde está ahora el Foro Internacional de Tokio.
La Catedral de Santa María
Ubicada en 3-15-16 Sekiguchi, Bunkyo-ku en Tokio.
La Catedral de Santa María
Para descubrirla es necesario subir una pequeña loma, dando un paseo por las llamadas “mesetillas de Bunkyo”, que se distingue por sus cinco mesetas y varios valles, al noroeste de Shinjuku. Está rodeado por una espesa vegetación, al entrar (es necesario buscarla) uno queda asombrado por el clima de recogimiento que crea su planteo de contrastes, de luces y sombras.
El edificio original de madera de estilo gótico de 1899 fue destruido durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, como gran parte de la capital. Tange gana el concurso que le permite en 1961 su reconstrucción, planteando un proyecto muy diferente del original.
Décadas mas tarde en el 2007 se realiza una restauración, Taisei Construction Co. y Tange Associates, en un trabajo conjunto realizan una gran tarea, cambian las partes afectadas por el óxido y el desgaste del tiempo, principalmente el techo.
La catedral tiene una planta de cruz latina a través de la cual se abren ocho muros con forma de parábola hiperbólica. Estos muros crean cuatro grandes vidrieras que dejan pasar la luz natural formando una cruz de luz.
Presenta un enorme contraste entre la luz natural y su interior realizado en hormigón.
El efecto de la luz solar sobre la superficie exterior va cambiando según la hora del día y la inclinación de los rayos del sol. La puerta de madera de acceso al interior se encuentra entre dos grandes muros revestidos, que dan forma a una de las cuatro grandes vidrieras del edificio.
Video donde se muestra desde diferentes ángulos la fachada de la Catedral de Santa María revestida de aluminio galvanizado y marcos de acero inoxidable ferrítico tipo 445J1 (1) con un acabado en relieve grabado.
Shizuoka Newspaper and Broadcasting Corporation
Ginza 8-3-7, Barrio Chuo en Tokio
En 1966 la Shizuoka Newspaper and Broadcasting Corporation encarga al arquitecto japonés Kenzo Tange la construcción de su sede en el distrito de Ginza.
Se trata del primer proyecto en el que logra unir sus conceptos de arquitectura espacial y de planeamiento urbano (ya figura en su Plan de Tokio de 1960).
También se trata de la primera realización de las ideas metabolistas de Kenzo Tange, inspiradas en el crecimiento orgánico y desarrolladas en los años cincuenta.
Un recuerdo… en el 2018, como suelo hacer, deje mi movil sobre el asiento del taxi, que me llevó hasta la puerta de la Shizouka, apenas baje me di cuenta, pero era tarde. Ni siquiera tenia el tiket, cosa que hubiera sido bueno hacer, pero no lo hice.
En el movil tenia todo lo del viaje, mails, hoteles, direcciones…. desesperado entré al edificio, y como pude (en realidad como no pude) le explique al recepcionista lo que me habia sucedido, no hablabamos ninguna lengua común. Bajaron dos personas de la empresa, me trajeron una silla, y una coca cola, me dijeron que me tranquilice. Hablaban inglés.
Llamaron a ls empresas de Taxis de Tokio y les dieron el datos de mi viaje, hora y lugar. Quedaron en averiguar. Al rato, me dijeron que ubicaron el coche, pero que el chofer estaba en un viaje y no podia hablar, me pidieron que fuera a mi hotel.
Al llegar al hotel, la recepcionista me dijo que el taxista venia con mi movil. Cuando lo vi, lo abrace y quise darle una propina, no la aceptó, me dijo que yo era un cliente, y el me daba ese servicio. Tomamos algo juntos, que alegria me dió.
Dicen que “los japoneses” no se tocan, yo al mejor estilo criollo, lo abrace y percibi que lo entendia, la recepcionista viendo mi entusiasmo, tambien sonreía.
La lista de sus obras es muy importante, podria señalar One Raffles Place, anteriormente Overseas Union Bank Centre o OUB Centre(1988); las Torres Shinjuku Park(1990/1994); el Bank of Shanghai Headquarters (2002/2005);elMode Gakuen Cocoon Tower (2006/2008) entre muchas otras.
Interior del Gimnasio Nacional Yoyogi
“La Arquitectura es la creación de una forma especial de comprensión de la realidad. Se trabaja y transforma la realidad a través de la construcción de un importante objeto de uso. La forma artística de este objeto, por otro lado, tiene la doble cualidad de servir de espejo y enriquecerlo. Esta comprensión de la realidad que tiene lugar a través de la creación de la arquitectura exige que tanto la anatomía de la misma, como su estructura sustancial y espiritual, sea comprendida como un todo”.Kenzo Tange.
1967Wallace Harrison (1895–1981), Estados Unidos
Wallace Kirkman Harrison (1895 – 1981) comenzó su carrera profesional en el estudio de Corbett, Harrison & MacMurray, participando en la construcción del Rockefeller Center. Su trabajo es conocido por la ejecución de grandes proyectos públicos en Nueva York y el norte del estado, muchos de ellos como asesor de Nelson Rockefeller.
Obras relevantes: 1211 Avenue of the Americas (1971/1973);Metropolitan Opera House(1963/66);
El edificio formaba parte de la ”expansión tardía” del Rockefeller Center, se los conoce como los edificios XYZ.
Sus planos fueron dibujados por primera vez en 1963 por el “arquitecto de la familia Rockefeller” Wallace Harrison, del estudio dearquitectura Harrison & Abramovitz.(2)
Susletras tienen relación con la altura de cada torre, de mas alta a mas baja.
1251 Avenue of the Americas es el edificio X, el más alto con 229 m y 54 pisos, fue terminado en 1971. La empresaEsso (rebautizada como Exxon) se instalaría en la torre.
1221 Avenue of the Americas es el edificio Y tiene 205 metros con 51 pisos, completada en 1973. La editorial McGraw-Hill la ocupó.
1211 Avenue of the Americas, es el edificio Z de 180 metros y 45 pisos. La empresa Celanese la ocupó en 1973.
El pedido requería que cada torre incluyese una plaza frente a ellos, siguiendo los lineamientos del Centro Lincoln Center for the Performing arts en el Upper West Side. (3)
Las plazas frontales serían grandes espacios de reunión, desde 1916 la Ley de Zonificación permitia compensar la superficie de las plazas con mas espacio para las oficinas de cada edificio.
La Ópera Metropolitana de Nueva York (Metropolitan Opera House, Metropolitan o Met) es una compañía, teatro de ópera, y de música clásica, ubicado en el 30 Lincoln Center Plaza. Es uno de los más importantes de la ópera mundial, ofrece mas de 220 representaciones de Ópera. Su capacidad es de 3.800 espectadores.
Ver video de GoandseeTV https://youtu.be/afvJ9dbPoVY
La Sede de las Naciones Unidas fue construida en Nueva York entre 1949 y 1950 junto al East River, en 69 mil metros cuadrados de tierra compradas por Nelson Rockefeller al principal constructor neoyorquino de la época, William Zeckendorf en ocho millones y medio de dólares.
La familia Rockefeller había ofrecido unos terrenos que tenian en Kykuit, pero fue rechazada al considerarse que estaba alejada de Manhattan.
La selección del Arquitecto
El arquitecto norteamericano Wallace Harrison fue nombrado director de planificación y los diferentes gobiernos miembros nombraron al consejo asesor en diseño.
El proceso no fue fácil ni rápido, pero finalmente lo conformaron Oscar Niemeyer (1907 – 2012) de Brasil; Julio Villamajo (1894 – 1948) de Uruguay; N.D. Bassov (1922 – 2001) de la Unión Soviética; Gaston Brunfaut (1894 – 1974) de Bélgica; Ernest Cormier (1885 – 1980) de Canadá; Le Corbusier (1887 – 1965) de Francia; Liang Ssu-cheng (1901 – 1972) de China; Sven Markelius (1889 – 1972) de Suecia; Howard Robertson (1903 – 1961) del Reino Unido; y G.A. Soilleux (Australia).
Cada arquitecto presentó al menos una propuesta sobre la cual luego se trabajaría en conjunto. El comité estudió más de 50 propuestas antes de escoger la ganadora.
Además de los 39 pisos sobre el nivel del suelo dedicados a alojar las oficinas de los distintos países el complejo cuenta con tres plantas subterráneas que comunican la torre de la secretaria con el edificio de conferencias.
1968Marcel Breuer (1902–1981), Hungría
Marcel Lajos Breuer fue un arquitecto, profesor, y diseñador de mobiliario e industrial húngaro de origen judío. Uno de los principales maestros del Movimiento Moderno que mostró un gran interés por la construcción modular y las formas sencillas.
Obras relevantes Silla B3, más conocida como Silla Wassily, (1925/1926); Casa Gropius, Lincoln, Massachusetts (1937/1938); Parador Ariston, Mar de Plata, Argentina (1946-1947); Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York (1966);
La silla Wassily o Modelo B3, fue diseñada por Breuer mientras era director del taller de ebanistería en la Bauhaus de Dessau.
A pesar de la creencia popular, la silla no fue diseñada para el pintor no-objetivista Wassily Kandinsky, quien fue también docente en la Bauhaus. Sin embargo, Kandinsky había admirado el diseño, y Breuer fabricó un duplicado para la oficina personal de Kandinsky. La silla llegó a conocerse como «Wassily» decenios más tarde, cuando fue re-editada por un fabricante italiano Gavina que había conocido la anecdótica conexión con Kandinsky en el curso de sus investigaciones sobre los orígenes de la silla.
El diseño de la silla fue especialmente revolucionario para la época, por su uso de tubos de acero y su método de fabricación, que copiaba el sistema de fabricación de los tubos de las bicicletas. La estructura original era de acero niquelado, posteriormente cromado, y doblado. El asiento y el respaldo era de cuero, lona o tela.
La foto del sillón B46 de acero y madera (1928/1930) de Breuer la he tomado en Noviembre del 2024 en la exposición “Tiempos Inciertos. Alemania entre guerras” en la Caixa Forum de Madrid.
Detrás estaba expuesto el Taburete B8 de acero y fibra textil sintética (1928/1930) y la mesa B12 de acero y madera (1928/1930). Todos diseños de Breuer.
Casa Gropius
Arquitectos Walter Gropius y Marcel Breuer
Ubicada en 68 Baker Bridge Road, Lincoln, Massachusetts.
Videos
Casa Gropius. Método sustractivo. Ziiar Matt
Video producida por Pinky Chan, Shirley Liew, Lim Hui Sim, Gab Liew, Tan Shing Yeou. 1 sept 2014.
Fue (refugio) y vivienda entre otros de Walter Gropius, Marcel Breuer, László Moholy-Nagy, Sybil Moholy-Nagy, James Stirling, Agatha Christie entre muchos otros famosos,
En 1937 Gropius llega a la ciudad de Lincoln, en Estados Unidos con su familia y la compañía de algunos muebles que se habían fabricado en la Bauhaus. Debido a su condición de inmigrante recibió facilidades económicas para establecerse, proyectó su casa con influencias directas de la arquitectura de Nueva Inglaterra en colaboración de Marcel Breuer.
En 1969 a la muerte de Gropius, su mujer cedió la propiedad a la Sociedad para la Conservación de Antiguedades Históricas de Nueva Inglaterra, en 1974, pero siguió viviendo en la casa hasta su muerte en 1983. Dos años después de su muerte, se abrió como Casa Museo Histórico.
Mi relacion con esta obra lleva muchos años, que incluyeron conocer gente fantástica que desea que se recupere este patrimonio argentino, obra del arq Marcel Breuer.
El link de mas arriba lo realice a comienzos de marzo del 2017. Ha tenido a la fecha mas de 14 mil visualizaciones, y ha motivado muchas publicaiones (incluida la del New York Times del 21 de abril de 2019) que repercutió en otros medios), conferencias (como la que realizamos en la casa sobre el Arroyo (4) de Amancio Williams (Buenos Aires 1913 – 1090 Ibid.) y Delfina GálvezBunge (Buenos Aires 1913 – 2014), que consiguió sea declarado Monumento Historico Nacional.
Hemos realizado muchas conferencias en Argentina, Perú y Guatemala y reportajes en medios de difusión.
Está situado en el barrio La Serena en Mar del Plata, diseño de Marcel Breuer junto a Eduardo Catalano (Buenos Aires 1917 – 2010 Boston) y Francisco Coire, fue financiado por la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Bs As. Construído en 1948, en tan solo 60 días.
Un largo muro rectilíneo construido en piedra de la zona contenía a una pequeña caja vidriada que constituía el acceso principal, con el apoyo de sanitarios y guardarropa. Ese mismo muro vinculaba al edificio con un prisma rectangular donde se albergaban los cuartos del personal de servicio del parador.
Sobre la pared se recostaba una escalera exterior que llegaba hasta el área más “cerrada” del volumen principal, donde se ubicaba la zona de barra.
Como era el deseo proyectual del trebol, el largo perímetro vidriado de la planta alta permitía dominar el paisaje, excepto en la zona que recibía el sol del oeste, que fue intencionalmente cerrada con el diseño de la carpintería.
La estructuras fue realizada mediante losas de doble armadura, vigas invetidas y material de lava volcánica que permite mostrar unas líneas gráciles que aún hoy asombran.
Las losetas de lava volcánica, fue un material de poco uso para la época.
Agrego un hermoso cuento que escribió mi amigo y arquitecto Gustavo Nielsen, aqui está (gracias Gus)
El edificio está diseñado como un zigurat de granito invertido que se retranquea en sus niveles inferiores como un gesto que a la vez sugiere distanciamiento y atracción a su interior. (5) El Museo Whitney de Arte Americano, actual MET Breuer, es una joya a contracorriente de la arquitectura de Nueva York. Breuer optó por el contraste y el diálogo de contrarios, su bloque compacto, ensimismado, casi ciego, genera curiosidad por lo que encierra.
Frente a la esbeltez apabullante de los rascacielos que lo rodean, el edificio que creó Breuer para el anterior Museo Whitney se alza como bloque tectónico y silencioso que invita a una mirada reposada sobre el arte. En la fachada lateral, nos sorprenden pequeñas ventanas de abertura oblicuas.
«Quería transformar la vitalidad de la calle en la profundidad del arte”. Marcel Breuer
Notas
1
El acero inoxidable Tipo 441 es un acero inoxidable ferrítico, de buena resistencia a altas temperaturas. Su forma en en láminas, cuando se lo estabilizan con niobo y titanio proporciona buena ductilidad ante la soldadura y resistencia a la corrosión
2
El estudio Harrison & Abramovitz estuvo activo activo desde 1941 hasta 1976.
3
El Upper West Side es un barrio del distrito de Manhattan, entre el Central Park y el río Hudson al norte de la Calle 59 Oeste.
4
La conferencia “Identidad Patrimonial en riesgo”, realizada el 9 de diciembre de 2019 por los arquitectos Hugo Kliczkowski, Gustavo Nielsen y Guillermo de Diego. Moderaba Calina Artigas y Fernando Martín.
5
David Quesada Redactor jefe de Arquitectura y Diseño, agosto del 2020.
Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».
Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.
1962Eero Saarinen (1910–1961), Finlandia/EEUU
Obras relevantes: El David S. Ingalls Rink es una pista de hockey sobre hielo, conocido como la ballena (1953/1958); CBS Building (1961/1965); Arco Gateway (1963/1965).
Frente del Ingalls Rink desde la calle Sachem Street, New Haven, Connecticut
Ver nota sobre la Universidad de Yale y obras de Eero Saarinen: https://onlybook.es/blog/un-paseo-por-la-universidad-de-yale-paul-rudolph-louis-kahn-eero-saarinen-gordon-bunshaft-7a-parte-y-final/
Al rascacielos CBS, la llaman también “La Roca Negra”, ubicado en el Midtown de Manhattanl, al 51 de la calle 52 West, esquina Avenida de las Américas (6ta Av). Tiene 38 plantas con una superficie de 81.000 metros cuadrados.
El Arco Gateway, o la Puerta hacia el Oeste, es la parte más importante del Monumento a la Expansión Nacional de Jefferson (expansión hacia el oeste de los EEUU) ubicada en San Luis, Misuri. Cuenta con 200 metros de altura máxima, lo que lo convierte en el monumento accesible más alto hecho por el hombre en los Estados Unidos, una estructura arquitectónica con forma de arco catenario aplastado.
El arquitecto y diseñador Alvar Aalto (Hugo Alvar Henrik Aalto, Kuortane, Ostrobotnia del Sur 1898 – 1976 Helsinki), formó parte del Movimiento Moderno.
Participó en los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna).
En Espacio, tiempo y arquitectura, publicado en 1949, el historiador SigfriedGiedion Giedion (1888 – 1968) sitúa a Aalto al nivel de los grandes como Le Corbusier, Mies van der Rohe, WalterGropius y Frank Lloyd Wright, y como uno de los impulsores del Movimiento Moderno.
El movimiento moderno, estilo internacional o racionalismo, se desarrolló entre 1925 y 1965, sin duda es la principal tendencia arquiectónica de la primera mitad del siglo XX.
Cada tres o cinco años, en su honor desde 1967 se concede la “Medalla Alvar Aalto”, que otorga el Museo finlandés de Arquitectura y la Asociación Finlandesa de Arquitectos (SAFA).
La ceremonia se desarrolla en el Centro Alvar Aalto Symposium de la ciudad de Jyväskylä, lugar de nacimiento de Alvar Aalto. (1)
“Todo lo que es superfluo se vuelve feo con el tiempo”,Alvar Aalto un arquitecto funcionalista y orgánico.
Aalto visita España en 1951 (Barcelona, Madrid, Palma, Granada), su llegada fue el detonante para la creación del Grupo R (que se reconocía en el GATCPAC y el CIAM y reunía a arquitectos como Antoni de Moragas, Josep Antoni Coderch, Joaquim Gili, Josep Maria Sostres, Manuel Valls, Oriol Bohigas, Josep Martorell), y para el “Manifiesto de la Alhambra”, que quería recuperar las propuestas del Movimiento Moderno.
Obras relevantes: La Villa Mairea (1938); La Universidad Politécnica de Helsinki (1949/1969); El ayuntamiento de Säynätsalo (1950/1952).
La Villa Mairea es una casa de veraneo construida en Noormarkku en Finlandia por los arquitectos Alvar Aalto y Aino Aalto.
La Universidad Politécnica de Helsinki está ubicada en Otakaari 1, distrito de Otaniemi, en la parte este de Espoo en Finlandia.
Ayuntamiento de Säynätsalo. El edificio que ocupa actualmente es una de sus obras más importantes.
La obra es exquisita, y muy bien resuelta, “esa escalera” que conduce al patio distribuidor deja a uno admirado, en ese viaje vi tambien su Casa Experimental, construída en la costa occidental de la isla de Muuratsalo en el lago Päijänne en Finlandia (1952/1953) proyecto de Elissa y Alvar Aalto.
Hasta 1994 fue la residencia de verano, una casa-oficina, actualmente el Museo Aalto está a cargo de la casa, y permite visitarla.
En el primer piso de la csa, en una habitación, en una biblioteca con algunos libros, vi (no puedo evitar emocionarme, ni dejar de mencionarlo) nuestro libro de la colección Archipocket dedicado a Alvar Aalto. (editorial H Kliczkowski del 1 de enero de 2002) con textos en español, luego vendimos a la editorial alemana teNeues los derechos para otras 4 lenguas, alemán, inglés, francés e italiano.
Encontraron el sitio para la casa cuando viajaron a la isla mientras el Ayuntamiento de Säynätsalo estaba en construcción. Compraron la isla que por entonces estaba deshabitada con el objetivo de aislarse. El único modo de llegar era en barco y para ello Alvar Aalto construyó uno. La torre de la iglesia de Muurame diseñada por el arquitecto entre 1926 y 1929 se puede ver a lo lejos.
La casa se ubica frente a la playa en el linde del bosque de pinos que tiene la isla. Está protegida por el sur de una pequeña cordillera. Aalto utiliza esta particularidad del terreno, creando entre la cordillera y los pequeños pabellones, un espacio de trabajo, la interacción entre el terreno y el volumen principal es también importante.
El prisma cuadrado del que se compone la casa es recortado por el terreno y la cubierta a dos aguas. El desnivel del emplazamiento permite situar, bajo el nivel de la casa, debajo del salón, un pequeño refugio para embarcaciones. El volumen, agujereado por oeste y sur (que son las mejores orientaciones en Finlandia), tiene una presencia importante cuando se sube por el embarcadero.
Aalto quiso empezar una nueva vida en Muuratsalo, y sin duda se valió de la calificación “experimental” como pretexto para construir el refugio anhelado, el “paraíso terrenal”, escapando de su pasado a bordo del bote diseñado por el mismo al que llamó “Nemo Propheta in Patria”, y que, al igual que la casa, el bosque, el lago o las rocas, es parte de la arquitectura.
En el bote, Aalto vivió la experiencia reconfortante de la partida y de la llegada, “recorriendo la travesía de lo técnico a lo humano para rencontrarse en el paisaje y la naturaleza”.
“Cada casa, cada producto digno del arte de construir, aspira a ser una prueba de que queremos edificar el paraíso terrenal para los hombres”. Alvar Aalto
“En Muuratsalo, la arquitectura empieza en el lugar, quizás incluso antes, en la elección del propio lugar. Aalto escoge una isla desierta a la que sólo era posible acceder en bote cruzando el lago Päijänne. Un lugar alejado e inaccesible en el que poder desarrollar sus ideas con absoluta libertad. En Muuratsalo lo esencial es que la arquitectura está en la naturaleza y ésta, a su vez, forma parte de la arquitectura. Cada roca, cada árbol, el cielo, el lago, son también la arquitectura”.
Aalto, al igual que Le Corbusier, siempre se sintió atraído por el mundo clásico de la antigua Grecia, y tras su viaje de 1952 por España, Italia y Marruecos, decidió construir en el frio clima nórdico una modesta “casa patio”, “sin duda producto de la fascinación al observar la riqueza de los espacios intermedios. En la casa de Muuratsalo, como en la casa mediterránea, el patio es el centro del hogar y del habitar, es la habitación donde observar el cielo y meditar, el espacio fundamental en torno al que se articulan los demás; y en su centro un lugar para el cuidado del fuego, símbolo de continuidad”.
“A escasos metros de la casa, entre los árboles, hoy el bote permanece varado dentro de un cofre de listones de madera. Contemplándolo rodeado de tanta belleza uno se pregunta si no es tiempo de considerar alternativas a esta arquitectura nuevamente globalizada que parece perderse a medio camino entre la tecnología, la máscara y el artificio. Quizá todos deberíamos algún día poseer un bote como el de Muuratsalo, en el que poder despojarnos de lo superfluo, y escapar de lo intrascendente, para con ello siquiera poder aspirar alguna vez a “edificar el paraíso terrenal para los hombres”. Arquitectos J.L. Saez y F. Vigueras. El bote de Muuratsalo – despuntes
Rafael Moneo (1937), con motivo de la muerte de Aalto en 1976 publica en un artículo: “Aalto hablaba poco de arquitectura: dejaba que aquella hablase por sí misma….. Alvar Aalto no necesitó otros manifiestos que sus obras. Y, eso sí, sus obras eran (al menos así pienso que pueden ser entendidas) auténticos programas, furiosos ataques contra las arquitecturas académicas, contra cualquier forma que fuese de ortodoxia, contra la norma: Aalto parecía disfrutar con aquella continua negación de la forma que son sobre obras… lo protegía el sabio empleo de los materiales, el control de las sensaciones, el dominio de los espacios y de la luz, el conocimiento de las necesidades y del uso”. (Artículo: “Rey muerto sin Rey puesto”, publicado en el núm. 13-14 de la revista Arquitecturas bis).
1964 Pier Luigi Nervi (1891–1979), Italia
El ingeniero Pier Luigi Nervi estudió en la Escuela de Ingeniería civil de la Universidad de Bolonia graduandose en 1913. Ejerció la docencia en la Universidad de Roma entre 1946 y 1961. Era y es reconocido por su brillantez como ingeniero estructural y su novedoso uso del hormigón armado, es uno de los máximos exponentes del movimiento de arquitectura racionalista de los años veinte y treinta del siglo XX.
Obras relevantes: El Palazzetto dello Sport (1956/1957); Tour de la Bourse en Montreal (1964); Catedral de Santa María de la Asunción de San Francisco (California 1967) en colaboración con Pietro Belluschi FAIA(1899 – 1994).
El Palazzetto dello Sport o Pala Tiziano es un edificio multifuncional, principalmente utilizado para deportes, está en el distrito Flaminio en Roma.
Diseñado en 1956 por el arquitecto Annibale Vitellozzi (1902 – 1990) y el ingeniero Pier Luigi Nervi, se construyó para los XVII Juegos Olímpicos de Roma. La renovación realizada en el 2023, devolvió el edificio a su estado original.
Tour de la bourse y métro Square Victoria
La Tour de la Bourse es un rascacielos de 48 plantas situado en Montreal, en la intersección de Victoria Square y la Rue Saint-Jacques en el Quartier international de Montréal. Está conectada subterráneamente con la estación de metro de Square-Victoria.
Interior de la Catedral de Santa María de la Asunción
La catedral es una cruz cubierta en una base cuadrada. Ocho paraboloides hiperbólicos de concreto hacen la transición del cuadrado a la cruz, elevado a una altura de aproximadamente 58 metros. Algunos objetos de arte están suspendidos sobre el altar, como la escultura cinética de Richard Lippold (1915 – 2002) que aparece suspendido por hilos de oro.
Notas
1
Lista de galardonados con la Medalla Alvar Aalto
1967Alvar Aalto (1898 – 1976) Finlandia
1973Hakon Ahlberg (18891 . 1984) Suecia
1978James Stirling (1926 – 1992) Reino Unido
1982Jørn Utzon (1918 – 2008) Dinamarca
1985Tadao Ando (1941) Japón
1988Álvaro Siza (1933) Portugal
1992Glenn Murcutt (1936) Australia
1998Steven Holl (1947) Estados Unidos
2003 Rogelio Salmona (1927 – 2007) Colombia
2009Tegnestuen Vandkunsten (estudio formado en 1970) Dinamarca
2012 Paulo David (1959) Portugal
2015Fuensanta Nieto (1957) y Enrique Sobejano (1957) España
Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».
Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.
1959Walter Adolph Georg Gropius (1883–1969), Alemania
Fue arquitecto, urbanista y diseñador fundador de la Escuela de la Bauhaus.
Walter Gropius comenzó su carrera como arquitecto bajo la dirección de Peter Behrens (1868 – 1940). (1)
Se unió al movimiento modernista de la Deutscher Werkbund (2) , y en 1911 logró una obra maestra con la Fábrica Fagus (3) junto Adolf Meyer. (4)
Obras relevantes: Fábrica Fagus (1911/1925); El campus de la Bauhaus en Dessau (1925/1926); el edificio Pan Am (1960/1963)
Fábrica Fagus
Concurso para el Chicago Tribune (1922)
El campus de la Bauhaus en Dessau. “La forma sigue a la función”
Su último edificio, el edificio Pan Am, Nueva York (1958-1963), actual Met Life
En 1919, tras la Primera Guerra Mundial, se hizo cargo de la Escuela de Artes Aplicadas de Weimar, a la que rebautizó Bauhaus. Introdujo una nueva forma de enseñar el arte y la técnica. (5)
Diseñó para la escuela los famosos edificios de la Bauhaus en Dessau (Sajonia-Anhalt). En 1926 dejó su cargo de director de la Bauhaus y continuó su trabajo como arquitecto, la situación política y la falta de encargos le llevó a emigrar al Reino Unido, entre 1934 y 1937 Gropius vivió en las afueras de Londres, en el edificio Isokon (1932/1934) diseñado por el arquitecto Wells Coates,(1895 – 1958).
Hay un tema que no debe ser soslayado, Gropius no permitió que las mujeres estudiaran arquitectura, aún en contra de las leyes de la República de Weimar que establecían la educación universal.
A las mujeres solo se les permitía participar en los talleres textiles o de cerámica.
1960Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969), Alemania
Fue alumno de Peter Behrens.
Junto a Walter Gropius, Frank Lloyd Wright y Le Corbusier se lo reconoce como uno de los pioneros de la arquitectura moderna.
Fue el último director de la Bauhaus, cuando el nazismo, que se oponía frontalmente a la modernidad, que era lo que la escuela representaba (su mérito entre otros peores y criminales fue acuñar el término Arte Degenerado).
Mies emigra a los estados Unidos, y pasa a dirigir la escuela de arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago.
Pabellon aleman, con la reproducción en bronce “Amanecer” de Georg Kolbe
Casa Farnsworth
S. R. Crown Hall
El Seagram Building
Obras relevantes: El pabellón de Alemania, junto a Lilly Reich, fue el edificio de representación de Alemania en la Exposición internacional de Barcelona (1929); Casa Farnsworth(1946/1951);S. R. Crown Hall (1956) sede de la Facultad de Arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago, Illinois, halagada como «el Partenón del siglo XX; El Seagram Building (1958) ubicado en el 375 de Park Av. entre la 52 y la 53 en el centro de Manhattan). Torre de oficinas proyectada por Ludwig Mies van der Rohe junto a Philip Johnson (1906 – 2005) y la ingeniería de Severud Associates;
1961Le Corbusier – Charles Edouard Jeanneret-Gris – (1887–1965), Suiza
Fue arquitecto, pintor, escritor, urbanista, fotógrafo, dibujante, artista textil, artista visual y diseñador
Obras relevantes: Capilla Notre Dame du Haut (1950/1955); Villa Savoye (1929); Unité d’Habitation; La Ville Radieuse (1947/1952).
Le Corbusier (I) Fundación Caja de Arquitectos
La capilla de Notre Dame du Haut en Ronchamp, Francia, se la conoce como Ronchamp, oficia el culto católico.
La Villa Savoye, conserva el apellido de su primer propietario, está situado en Poissy, a una hora a las afueras de París, es un suburbio con largas calles de casas unifamiliares con jardín.
El predio domina el valle del Sena en la Rue de Villiers.
Es sin duda el paradigma de la Arquitectura Internacional y de la referencial arquitectura del siglo XX, junto a la Casa Farnsworth (1945/1951) de Ludwig Mies van der Rohe; la Casa de la Cascada (1936/1938) de Frank Lloyd Wright; la Casa Sobre el Arroyo (1943/46) de Amancio Willams y Delfina Gálvez y la Villa Mairea (1937/1939) de Alvar Aalto y Aino Marsio.
Ver Sketches https://onlybook.es/blog/sketches-de-le-corbusier-viaje-a-oriente-y-burdeles-de-paris/
La Casa Farnsworth de Ludwig Mies van der Rohe
La Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright
Casa Sobre el Arroyo de Amancio Willams y Delfina Gálvez
La Villa Mairea de Alvar Aalto y Aino Marsio
Le Corbusier la consideró un prototipo tipológico para sus futuras construcciones en serie, ya en 1927 había planteado los Cinco Puntos para una nueva Arquitectura que desarrolla en ésta obra.
-La Villa Savoye se levanta, aislada del suelo sobre un sistema de pilotes.
–Planta libre, conseguida mediante la separación entre columnas de carga y paredes subdivisorias del espacio.
–Fachada libre, al perder el muro su función sustentante, no hay fachada principal y carece de elementos decorativos.
–La cubierta plana es transformada en jardín, sustituyendo el tejado y recuperando la zona de suelo cubierta por el bosque.
–La ventana longitudinal permite que el espacio natural, el espacio exterior, se integre con el espacio artificial, el interior, a la vez que uniformiza la entrada de luz.
Sus dueños la habitaron por un corto espacio de tiempo, en 1940 tras la invasión alemana fue abandonada, bombardeada e incendiada. En 1963 la Villa Savoye fue declarada patrimonio arquitectónico por parte del gobierno francés que la restauró. Actualmente funciona como una “casa-museo” dedicada a la vida y las obras de Le Corbusier. La conserva la sociedad pública Monuments of France.
La Unité d’Habitation, o «Unidad de Habitación’, es el nombre de un concepto de tipología residencial del movimiento moderno desarrollado por Le Corbusier, con la colaboración del arquitecto y pintor portugués Nadir Afonso Rodríguez (1920 – 2013) (GOSE) (6), quien fuera pionero de la abstracción geométrica.
El concepto fue la base de varios conjuntos de viviendas diseñados por él en toda Europa, No todo le resulto fácil, Le Corbusier fue muy crítico en la falta de calidad general en Berlin, ya que los arquitectos no habían aplicado ninguna de sus detalladas instrucciones en los interiores y en la estructura exterior.
Cité Radieuse
El primer y más famoso de estos edificios, conocido como Cité Radieuse (ciudad radiante) e incluso La Maison du Fada («La casa del loco»), ubicada en Marsella, Francia.
El edificio supone uno de los trabajos más famosos de Le Corbusier, siendo enormemente influyente y a menudo citado como fenómeno inspirador de la filosofía y estilo arquitectónico brutalista.
El edificio de Marsella, desarrollado junto con los diseñadores de Le Corbusier Shadrac Woods (1923 – 1973) y George Candilis (1913 – 1995) es un prisma rectangular de 130 m de longitud y 56 m de altura, elevado del suelo mediante grandes pilotis de hormigón. Sus 337 apartamentos en forma de dúplex se distribuyen en doce plantas. El edificio también incorpora tiendas, equipamientos deportivos, educativos y sanitarios, y un hotel. El volumen se remata con una cubierta plana transitable concebida como una terraza comunitaria, adornada con chimeneas de ventilación que adoptan formas escultóricas, y que alberga una pista de atletismo y un estanque de poca profundidad.
En el interior, los pasillos atraviesan el centro del eje longitudinal cada tercer piso del edificio, dando acceso al nivel de entrada de los dúplex, que se extienden de una fachada a la otra en el piso superior e inferior de cada pasillo, los mismos rematan en un balcón Brise soleil.
A diferencia de muchos de los diseños posteriores inspirados en el edificio de Marsella que carecen de las generosas proporciones del original, así como de sus instalaciones comunitarias y zonas verdes, la Unité es muy popular entre sus residentes, actualmente la habitan principalmente profesionales de clase media.
El edificio se construyó en béton brut (hormigón visto), pues en la escasez de la posguerra, el diseño en estructura metálica previsto inicialmente resultó ser demasiado costoso.
Cuando escribi la nota sobre la casa E-1027 de Eileen Gray y los enfrentamientos que tuvo con Le Corbusier, descubrí un hecho no muy difundido, como el símbolo nazi en uno de los murales.
El enfrentamiento se debió a que Le Corbusier pinto ocho murales con la complicidad del ex esposo de Eileen, Jean Badovici.
En uno de ellos, pintó una cruz gamada. Jean Badovici (1893 – 1956) era arquitecto, crítico y editor rumano, había colaborado en parte en el diseño de la casa.
Esto ya lo había escuchado en la conferencia que dio la arquitecta Beatriz Colomina en la Fundación Juan March en Madrid. En ella habló de Eileen Gray (Enniscorthy, Irlanda 1878 – 1976 Paris) de su casa E-1027 (7) y su relación, amor/odio con Le Corbusier.
En uno de los murales, pintó una cruz esvástica sobre el pecho de la mujer ubicada a la derecha (se ve en las fotos).
Sin ninguna intención especial, comparto los datos e informaciones que conozco, asi como las Relaciones políticas e ideológicas de Le Corbusier.
En 1934, fue invitado por Benito Mussolini (1883 – ejecutado en 1945 ) a una conferencia en Roma.
A principio de los ´40, le fue dado a Le Corbusier el cargo de urbanista en el gobierno nazi de Vichy, dirigido por el general Henri Philippe Benoni Omer Pétain (1856 – 1951) para supervisar los diseños de varias ciudades, incluyendo Algeria. Cuando sus planes fueron rechazados, Le Corbusier dejó la vida política junto al régimen de Vichy, que permitió la deportación de cientos de miles de judíos y gitanos a los campos de exterminio nazis.
Le Corbusier, verdades incómodas
Cuando se festejó el 50 aniversario de la muerte de Le Corbusier, las evidencias sobre sus relaciones con el régimen nazi de Vichy, empañaron el evento, Francia vive obsesionada con la mancha de su pasado colaboracionista.
Le Corbusier convivió con el régimen más de 18 meses, quizás por oportunista, quizás por ingenuo o probablemente por simpatizante.
Curiosamente en lugar de reconocer la nacionalidad francesa de Charles-Edouard Jeanneret obtenida en 1930, en los festejos que antes mencioné se referían a él como “el arquitecto suizo”. Lo narra el periodista de “Telérama” Xavier de Jarcy (1965) en su libro “Le Corbusier, un fascisme français” Le Corbusier, un fascismo francés. (8)
Desde el 29 de abril al 3 de agosto del 2015, el Centro Pompidou realizó una increíble retrospectiva centrada en “La medida del hombre”. Muestra que tuve el privilegio de visitar.
Ocupaba todas las salas expositivas del Pompidou con más de 300 piezas entre dibujos, maquetas, fotografías, películas, cartas, etc.
Ver El Modulor https://onlybook.es/blog/el-modulor-de-le-corbusier/
Su amistad con personajes como George Valois, (fundador de Le Faisceau, el primer partido fascista francés, que desapareció en 1928), asi como el doctor Pierre Winter o el ingeniero François de Pierrefeu, eugenistas. Tenían en común que eran miembros de la derecha más reaccionaria de Francia, todo ésto ya había sido documentado, destapando de este modo su faceta más oscura, asi como su admiración por Mussolini o su antisemitismo.
La Fundación Le Corbusier, ha publicado las cartas a su madre de 1940 donde le escribe “…estamos en las manos de un vencedor y su actitud podría ser aplastante. Si el trato es sincero, Hitler podría coronar su vida con una obra grandiosa: el ordenamiento de Europa…”. Narran estas convicciones libros como “Un Corbusier” de François Chaslin o “Le Corbusier, une froide vision du monde” (Le Corbusier, una fría visión del mundo), de Marc Perelman
Sus defensores, sin embargo, también son legión. “Entre sus amigos se contaban comunistas como el pintor Fernand Léger«.
-“…frecuentó a personalidades fascistas. Pero de ahí a decir que era un arquitecto de esa ideología es ir demasiado lejos…’
-“…Uno de estos libros no solo arremete contra Le Corbusier sino contra el Movimiento Moderno en general, dice cosas absurdas como que todas las vanguardias son modernistas y por lo tanto totalitarias”, menciona el filósofo Frédéric Migayrou.
Y agrega “…Se le puede hacer un proceso moral, pero confundir su visón global con un proceso totalitario no tiene sentido. Él busca un concepto, una visión total del hombre a partir de esa idea de percepción interna”, señala Migayrou, quien adelanta que el año que viene (se refiere al 2015) el Centro Pompidou busca celebrar un gran coloquio sobre el urbanismo de los años 30 a Vichy (1940-44). “Le Corbusier no va a ser exculpado. Frecuentó a personalidades fascistas. Pero de ahí a decir que era un arquitecto de esa ideología es ir demasiado lejos. Hay que situarlo en su contexto histórico…”.
Es verdad que el arquitecto nunca dejó a nadie indiferente. “Siempre molestó”, admite Michel Richard, ex director de la Fundación Le Corbusier (9), instalada en un edificio del barrio XVI de París, “…la gente está francamente a su favor, o abiertamente en contra. Hay excesos en ambos bandos…”.
En el funeral de 1965, Georges-André Malraux, ministro de Charles de Gaulle no escatimó palabras de elogio: “…Le Corbusier ha conocido grandes rivales […] Pero ningún otro ha representado con tanta fuerza la revolución de la arquitectura, porque ninguno ha sido durante tanto tiempo y tan copiosamente insultado”. Así habló el intelectual gaullista que luchó en la Guerra Civil Española contra el fascismo que defendía el arquitecto suizo en la misma época.
«El escritor y político André Malraux pronuncia el discurso en su funeral, ¿creen que Malraux no conocía esa correspondencia, que estaba todo escondido?”, defiende Frédéric Migayrou, comisario de la retrospectiva del Pompidou junto a Olivier Cinqualbre.
Su correspondencia
“La derrota de las armas me parece la milagrosa victoria de Francia”, escribe Le Corbusier a su madre en el verano de 1940, a los pocos meses de la derrota militar de Francia ante las tropas hitlerianas.
En su correspondencia privada, da rienda suelta a declaraciones antisemitas “El dinero y los judíos, que son en parte responsables (de la derrota) más la masonería francesa… todos recibirán el justo castigo. Estas vergonzosas fortalezas serán desmanteladas. Lo dominaban todo”.
Durante la ocupación nazi, Le Corbusier reconocía que, “los judíos lo estaban pasando mal”, pero enseguida añadía que, “su ciega sed de dinero había podrido el país”.Xavier de Jarcy recoge en su libroque mientras que su primo, Pierre Jeanneret, entra rápidamente en la Resistencia, el arquitecto se instala en Vichy a partir de enero de 1941. “Fue una elección libre”,” no una imposición», asegura el periodista.
Deseos de colaborar
“Le Corbusier no llega a Vichy por casualidad, junto a sus amigos, considera que el momento tan esperado ha llegado. Desde hace quince años esperan poder llevar a cabo el programa definido en las revistas Plans y Prélude,“La revolución que querían llevar a cabo pasaba esencialmente por el urbanismo, por materializar una ideología basada en un retorno a los valores patriarcales, como el trabajo y la familia”. Explica Xavier de Jarcy.
Y agrega “cuando el mariscal Pétain llega al poder, “es evidente que Le Corbusier tiene deseos de colaborar”. Pero el régimen de Vichy no necesariamente está interesado en su visión de la arquitectura. “Pétain tiene sus propias ideas, que no siempre coinciden con las de Le Corbusier”, puntualiza el periodista, quien establece una clara diferencia entre el arquitecto suizo y los colaboracionistas que delataban a quienes se oponían al nuevo régimen. “Hubo gente mucho peor que Le Corbusier, quien nunca colaboró con la Alemania nazi”.
Las opiniones de Le Corbusier han sido variables a lo largo del tiempo
En la década de 1920, cofundó y contribuyó con artículos sobre urbanismo en las revistas fascistas Plans, Prélude y L’Homme Réel.
También escribió artículos a favor del antisemitismo nazi para esas revistas, así como «editoriales de odio».
Entre 1925 y 1928, Le Corbusier, como ya hemos mencionado, tenía conexiones con Le Faisceau, un partido fascista francés de corta duración dirigido por Georges Valois, más tarde, Valois se convirtió en antifascista.
Le Corbusier conocía a otro ex miembro de Faisceau, Hubert Lagardelle, un exlíder sindicalista que se había sentido descontento con la izquierda política. En 1934, después de que Lagardelle hubiera obtenido un puesto en la embajada francesa en Roma, arregló que Le Corbusier diera una conferencia sobre arquitectura siendo invitado por Benito Mussolini. Lagardelle más tarde fue ministro de trabajo en el Régimen de Vichy.
Albert Speer y Leni Riefenstahl, la estética nazi
Le Corbusier buscó encargos del régimen de Vichy, particularmente en el rediseño de Marsella después de que su población judía hubiera sido eliminada por la fuerza, pero no tuvo éxito, y el único galardón que recibió fue la pertenencia a un comité que estudiaba el urbanismo.
No veo como los deseos de Le Corbusier hubieran podido ser cumplidos, el régimen tenía su propia estética, que no era la del racionalismo, lo demostró con la persecución y cierre de la Bauhaus en 1933.
La estética del partido tenía un artífice, se llamaba Albert Speer (Berthold Konrad Hermann Albert Speer1905 – 1981), arquitecto que se había afiliado al Partido Nazi entre 1930 y 1931, y formaba parte de las SA.
A la muerte del arquitecto favorito de Hitler, Paul LudwigTroost (1878 – 1934)Speer lo reemplazó como arquitecto jefe del partido y fue nombrado dirigente de la Oficina Principal de la Construcción, trabajando en el equipo de Rudolf Hess.
Tribuna del Campo Zeppelín (campo de desfiles) de Núremberg, diseñada por Speer. Fotografía de 2012
En 1937 Hitler lo nombró inspector general de edificios de Berlín, fue el responsable del Departamento Central de Reasentamiento, que desalojó a propietrios judíos de sus hogares.
En febrero de 1942, Speer fue designado ministro de Armamento y Producción de Guerra del Reich. Formó parte del círculo más cercano de Hitler, por ello fue condenado en los juicios de Núremberg y sentenciado a veinte años de prisión.
En esa línea estética podemos mencionar a Leni Riefenstah (Helene Bertha Amelie Riefenstah 1902 – 2003) actriz, cineasta y fotógrafa, considerada como una de las figuras más controvertidas de la historia del cine: sus críticos han catalogado su trabajo como propaganda del nacional socialismo, otros la han defendído diciendo que “fue una cineasta innovadora y creativa, cuyas obras fueron explotadas con fines propagandisticos por el Tercer Reich”.
De una forma u otra fue famosa por sus importantes películas de propaganda a favor del partido nacionalsocialista.
En una reunión con su líder, Adolf Hitler, fue elegida para rodar las películas del partido, esta promesa se materializó cuando los nazis llegaron al poder.
Detenida y juzgada al finalizar la guerra, fue definida como “compañera de ruta” (Mitläufer) y no fue asociada con los crímenes de guerra de los nazis. Siempre negó haber estado al tanto del Holocausto y ganó cerca de cincuenta casos de difamación en los tribunales. Póstumamente fue elogiada por el conjunto de sus obras.
El biólogo, médico, investigador, eugenista y escritor Alexis Carrel (Marie Joseph Auguste Carrel-Billiard 1873 – 1944) nombró a Le Corbusier para el Departamento de Bio-Sociología de la Fundación para el Estudio de Problemas Humanos, un instituto que ha promovido políticas eugenésicas bajo el régimen de Vichy. Carrel habia sido galardonado con el Premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1912.
En 1904 Galton definía su concepto de eugenesia como “la ciencia que trata sobre todas las influencias que mejoran las cualidades innatas de una raza, y también con aquellas que las desarrollan hasta la mayor ventaja”.
Se suman los motivos para acusar a Le Corbusier de antisemitismo, y también de menospreciar a la población musulmana de Argelia, que en ese entonces era parte de Francia.
Tras la Liberación, Le Corbusier salió ileso. “La depuración solo se ocupó de los casos más graves”, recuerda de Jarcy, quien admite desde las primeras páginas de su libro que “ser fascista no impide tener talento”, citando otro ejemplo controvertido: el del escritor Louis Ferdinand Auguste Destouches (1894 – 1961) que fue héroe de guerra en la Primera Guerra Mundial y traidor colaboracionista y panfletario antisemita en el transcurso de la Segunda.
Notas
1
Fue quien acuñó la frase «Menos es Más» atribuida erróneamente a Mies van der Rohe (1886 – 1969) que era su ayudante.
2
La Deutscher Werkbund (DWB) fue una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich por el arquitecto, escritor y diplomático Hermann Muthesius (1861 – 1927).
3
Adolf Meyer (1881 – 1929). Fue profesor en la Bauhaus (1919-1925). En 1926 fue nombrado arquitecto municipal de Fráncfort del Meno donde realizó la mayor parte de sus obras. Sus obras más reconocidas fueron las realizadas junto a Walter Gropius, como la Fábrica Fagus y en el Teatro Municipal de Jena (1922-1923).
4
La Fábrica Fagus-Werk era una fábrica de hormas de botas y zapatos en Alfeld an der Leine, situada en la Baja Sajonia, Alemania, un ejemplo referencial de arquitectura moderna temprana debido a la influencia que este edificio tuvo sobre el desarrollo de la arquitectura del movimiento moderno.
En el año 2011, la fábrica Fagus fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. «El papel de los muros se restringió a ser meras cortinas estiradas entre las columnas erguidas en la estructura para preservar de la lluvia, el frío y el ruido».Walter Gropius, «The New Architecture and the Bauhaus», London, 1937.
El propietario Carl Benscheidt quería una estructura radical que expresara la ruptura con el pasado de la compañía, diseñada por Walter Gropius y Adolf Meyer entre 1911 y 1913, ciertos añadidos y sus interiores se completaron en 1925.
5
Como director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst (Escuela Superior de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola escuela que combinara los objetivos académicos de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura. En 1919, Walter Gropius funda una escuela de diseño, arte y arquitectura en Weimar, a la que llamó Staatliches Bauhaus.
6
Nadir Afonso trabajó con Le Corbusier y Oscar Niemeyer. Designado GOSE “Gran oficial de la Orden de Santiago de la Espada”.
Una condecoración portuguesa, que premia el mérito literario, científico y artístico (Antiga, Nobilíssima e Esclarecida Ordem Militar de Sant’Iago da Espada, do Mérito Científico, Literário e Artístico).
La orden tiene su origen en la Orden de Santiago fundada en 1170, por Pedro Fernández de Castro y Fernando II de León, rey de León (1157-1188).
7
¿Como se conforma el nombre E-1027?
“E” por Eileen
“10” por ser la J de Jean la 10 letra del abecedario
“2” la letra del apellido Badovici y
“7” porque G de Gray es la séptima letra.
8
Minuciosamente documentado a través de la propia correspondencia de Le Corbusier, Xavier de Jarcy observa en las formas un vehículo para sus ideas totalitarias, con el hormigón, la estandarización, el orden racional, la regularidad geométrica, la pureza y la intervención en las ciudades como maquinaria para producir “el hombre nuevo”.
Esta visión se materializa en las “unidades de habitación”, como la Cité Radieuse de Marsella, o la de Rezé, a las afueras de Nantes, enormes bloques de viviendas concebidos como ciudades verticales con apartamentos prácticos e higiénicos, y dotados de servicios como guardería, instalaciones deportivas o jardines.
9
La Fundación Le Corbusier, situada en los números 8 y 10 de la plaza del Doctor Blanche, en el Distrito 16º de París, es una fundación privada, creada en 1967, que promueve y defiende la obra del arquitecto Le Corbusier y que conserva numerosos archivos. Es la heredera universal de la totalidad de sus bienes, mobiliarios e inmobiliarios, de acuerdo con su deseo expresado en 1949 y oficializado en 1960. Conserva la mayor parte de sus dibujos, estudios y planos originales de Le Corbusier, realizados principalmente en colaboración con Pierre Jeanneret de 1922 a 1940, así como una importante colección de archivos escritos y fotográficos.
La Medalla de Oro del AIA es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA).
La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».
La Octagon House se convirtió en la sede del American Institute of Architects (AIA) el 1 de enero de 1899.
La Octagon House está en Washington, D.C., fue construida entre 1789 y 1800, propiedad del Instituto Americano de Arquitectos, originalmente perteneció al coronel John Tayloe.
Después de que la Casa Blanca fuera quemada por los britanicos en la guerra de 1812, (la guerra anglo-estadounidense de 1812), el Octagon se convirtió en el hogar temporal del presidente James Madison y su esposa Dolley, (Madison fue el 4to. Presidente de los EEUU -desde 1809 a 1817-).
Durante la Guerra Civil fue un hospital improvisado. Madison usó la habitación circular encima de la entrada como estudio, y allí firmó el Tratado de Gante que acabó con la Guerra de 1812 que enfrentó a los Estados Unidos contra el Reino Unido y sus colonias canadienses.
The Octagon House, fue diseñada por el médico, inventor, pintor y arquitecto William Thornton (1759 – 1828) responsable entre otras obras del Capitolio de los Estados Unidos.
La casa se construyó para la fmailia del coronel John Tayloe, propietario de las plantaciones de Mt. Airy, éstas eran las más ricas de Virginia, a 150 kilómetros al sur de Washington. Aparentemente la casa se construyó siguiendo los consejos de George Washington, tiene tres pisos, se uso lo que en aquella época era un nuevo ladrillo con el tradicional estilo georgiano.
Los materiales de construcción, madera, hierro, ladrillos y otras piedras se produjeron en los Estados Unidos, pero la piedra Coade (un tipo de piedra cerámica inglesa), las cocinas, los elementos decorativos y los muebles fueron traídos desde Inglaterra.
Ha habido cambios, hoy, es la Fundación Americana de la Arquitectura la dueña de Octagon House, y la AIA ha movido su sede a un edificio más grande detrás del original. Se ha llevado a cabo un extenso trabajo de rehabilitación en la casa desde 1996, tratando de retornar al esplendor inicial del edificio.
AIA
La AIA, es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses.
Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto
En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.
En 2014 fue entregada por primera vez a una mujer, Julia Morgan a título póstumo. La medalla de 2016 fue otorgada por primera vez a una pareja después del cambio de estatutos de la organización del 2013 en la que abrió esta posibilidad.
Aclaración, el título FAIA, abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, es un título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto. Dicho honor distingue a arquitectos que han hecho contribuciones significativas a la profesión de arquitectura. Menos del 2% de los cerca de 72.000 arquitectos estadounidenses forman parte del College of Fellows.
Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».
Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.
1955 Willem Marinus Dudok (1884–1974), Paises Bajos
Fué ingeniero, arquitecto, urbanista, diseñador y oficial militar.
Muchos de sus edificios (como el Ayuntamiento de 1931) eran asimétricos y de una rotundidad geométrica, sus finos voladizos estaban inspiradas en la arquitectura de Frank Lloyd Wright, muy en boga por la publicación de su obra en los Países Bajos.
Ayuntamiento ; Hilversum (1928-1931); Monumento en Afsluitdijk, Países Bajos (1933) ; Cité Universitaire , Collège néerlandais París, Francia (1939) donde varios edificios de la CIUP han sido diseñadas por arquitectos como como Le Corbusier, Heydar Ghiai y Claude Parent.
Era arquitecto, urbanista y escritor, uno de los principales promotores del movimiento Garden City en los Estados Unidos. Estableció su estudio de planificación y arquitectura en la ciudad de Nueva York en 1919, después de estudiar en la Universidad de Columbia y la École des Beaux-Arts de París.
En 1923, Stein cofundó la Regional Planning Association of America (RPAA), que se ocupó de importantes cuestiones de planificación, como la vivienda social asequible, los efectos de la suburbanización y la conservación de la naturaleza.
-Planes para Radburn (Nueva Jersey); Sunnyside Gardens (Nueva York) ; Greenbelt (Maryland) y Village Green (Los Ángeles).
Un diagrama que muestra la estructura de red de calles de Radburn y su jerarquía. Sendas peatonales separadas corren a través de los espacios verdes entre los callejones sin salida y a través de la espina verde central. Nota: el área sombreada no se construyó.
Vista aérea de Radburn, Nueva Jersey. Documentos de Clarence Stein / Colecciones digitales de la biblioteca de la Universidad de Cornell
En Radburn, se experimenta con la separación de los sistemas viarios, para que el peatón y el vehículo nunca se crucen, su acercamiento es a traves de espacios intermedios, que se formalizan en calles en “cul de sac”. A su vez, las zonas verdes de cada supermanzana se comunican entre sí mediante pasos subterráneos permitiendo caminar por toda la ciudad sin la interferencia de los vehículos.
Esta manera de organización se determina mediante el concepto de “supermanzana” residencial.
1957Louis Skidmore (1897–1962), EEUU
Willis Tower, conocida como la Torre Sears en Chicago (1970/1973)
Realizó sus prácticas profesionales en Cram & Ferguson, un estudio importante de Boston que diseñó edificios en estilo gótico. Estudió en el Boston Architectural Club.
El haber podido ganar un premio en el BAC, le abrió las puertas para ingresar al MIT, luego estudió en el Instituto de Massachusetts de Tecnología (MIT) hasta el año 1924.
Socio fundador del SOM, integrado por Skidmore y Nathaniel A. Owings que cofundaron la empresa en 1936. John O. Merrill se convirtió en el tercer socio en 1939.
John Hancock Center
«Skid era un chico muy tranquilo, muy brillante y lo bastante mañoso para conseguir trabajo, pero muy agradable y, si se tomaba algunas copas, era muy cordial. Nunca fue mezquino. No pudo haber sido más agradable conmigo y con los cuatro socios con los que crecimos. Skid era el hombre que tuvo la perspicacia de encontrar gente. Skid consiguió los primeros cuatro socios.» – Gordon Bunshaft
A lo largo de sus más de 65 años de existencia, SOM ha recibido más de 800 premios de arquitectura y diseño. En 1961 recibió el primer premio del Instituto Americano de Arquitectura concedido a un estudio de arquitectura, y lo volvió a ganar en 1996.
Actualmente dispone de oficinas en Chicago, Nueva York, San Francisco, Washington, Los Ángeles, Londres, Hong Kong y São Pablo
Arquitecto Bruce Graham (1925 – 2010) del SOM y Fazlur Rahman Khan (1929 – 1982) ingeniero estructural.
World Trade Center (2006/2024)
Acerca de sus intervenciones en Londres escribió “Diseñamos nuestros edificios para los habitantes y para aquellos que los ven desde la calle. Intentamos diseñar edificios que sean parte de Londres, no como una imitación de estilos de época, sino como una invención”.
Fue construido en 1965 – 1970, remodelado en 1995, está ubicado al 875 N. Michigan Ave, diseñado por Bruce Graham (1925 – 2010) del SOM, y Fazlur Rahman Khan (1929 – 1982).
Proyecto de David Childs del SOM, junto a Daniel Libeskind. Childs es conocido por haber diseñado el Burj Khalifa (junto a Tom Wright (1957), y la Torre Willis.
Biblioteca Beinecke de Manuscritos y Libros Raros. 1960/1963 Arq Gordon Bunshaft (1909 – 1990) del SOM.
1957 Ralph Thomas WalkerFAIA(1889–1973 (3), EEUU
Formó parte del estudio McKenzie, Voorhees, Gmelin, nombre que se fue modificando a medida que cambiaba la constitucion del estudio.
Verizon Building (antes Barclay-Vesey) en New York City. 1922/1926
Walker fue denominado «El único otro arquitecto honesto en América» por Frank Lloyd Wright, quienes conocemos la personalidad de Wright entendemos quien es el OTRO arquitecto.
Fue denominado «Arquitecto del Siglo» por el The New York Times cuando recibió la Medalla de Oro del AIA.
Escribió “El rascacielos es la única forma de vivir en esta era de máquinas. Es una expresión y reflejo de la época”. Acerca delrol de los arquitectos. “…el arquitecto del futuro será un psicólogo, porque es importante para el arquitecto diseñar una casa para las personas que sea mentalmente confortable, algo tan necesario como que sea físicamente confortable”.
A raiz de su diseño para el edificio Barclay-Vesey (1922-1926), encargado por la New York Telephone en 1921, (ahora Verizon Building), se le atribuye ser el primer rascacielos en aplicar la ley de Zonificación de 1916 (Nueva York) como premisa de diseño. Está ubicado en el 140 de West Street en Nueva York.
El 1 Wall Street (antes el Irving Trust), 1928-31
Walker se convirtió en un diseñador líder.
Inspirado por los dibujos teóricos de Hugh Ferriss (1889 – 1967) (1) exhibidos en 1922 (2), Walker creó una enorme torre asimétrica apartada de su base.
El diseño abrió el camino para una generación de rascacielos construidos utilizando el principio de retroceso.
Como resultado del éxito de sus diseños, Walker se convirtió en socio de la firma y su nombre se cambió a Voorhees, Gmelin & Walker en 1926.
New Jersey Bell Headquarters Building (1929
El 1 Wall Street, originalmente el Irving Trust Company Building, luego el Bank of New York Building y BNY Mellon Building, es un rascacielos situado en Manhattan, diseñado en estilo art déco, mide 199 m de altura y consta de dos secciones.
El edificio original de 50 pisos fue diseñado por Ralph Thomas Walker de la firma Voorhees, Gmelin & Walker y construido entre 1929 y 1931, el anexo de 36 pisos fue diseñado por la firma sucesora Voorhees, Walker Smith & Haines y construido entre 1963 y 1965.
Después de completar el edificio Barclay-Vesey, diseñó varios edificios utilizando su combinación de alturas asimétricas y torres con adornos art déco, incluida la sede del Ejército de Salvación (1929-30) en la calle West 14th Street, el Irving Trust Bank en el 1 Wall Street (1928-31), y varios edificios en Nueva York y en otras ciudades del estado como Syracuse, Rochester y New Jersey el Bell Headquarters Building.
Durante la década de 1930, a medida que disminuía el influjo del art déco, Walker se involucró en la planificación de laExposición Universal de Chicago (1933).
Y también en la llamada “Exposición General de segunda categoría de Nueva York”, inaugurada desde el 30 de abril al 31 de octubre de 1939, y reabierta desde el 11 de mayo al 27 de octubre de 1940.
Su eslogan fue «Construyendo el mundo del futuro», 45 millones de personas visitaron sus 500 hectáreas.
El diseñador de la muestra fue Henry Dreyfuss (1904 – 1972), y los arquitectos del centro temático fueron Jacques Fouilhoux y Wallace Kirkman Harrison (1895 – 1981) éste último participó en el diseño del Rockefeller Centre, conglomerado de 19 edificios comerciales.
1958 John Wellborn Root (1850–1891), EEUU
Fue uno de los fundadores de la llamada Escuela de Chicago. Formó el influyente estudio Burnham & Root.
Dos de sus edificios han sido designados Monumentos Históricos Nacionales, el Rookery y el Reliance, otros han sido designados Monumentos Históricos de Chicago y figuran en el Registro Nacional de Lugares Históricos.
En 1958, recibió póstumamente la Medalla de Oro del AIA.
El Rookery Building es un edificio histórico situado en el 209 South LaSalle Street en el Loop de Chicago. Completado en 1888 según el diseño de John Wellborn Root & Daniel Burnham , es uno de sus diseños más importantes, allí estuvieron durante un tiempo sus oficinas. El edificio tiene 55 m de altura y doce plantas, y se considera el rascacielos más antiguo de Chicago.
Escalera central de la Edificio Rookery en el condado de Cook, Chicago
Frank Lloyd Wright era un joven arquitecto en 1886 que trabaja como asistente de Adler &Sullivan.
Al desligarse del estudio de Sullivan en 1893, Wright ocupa unas oficinas en el edificio Rookery entre los años 1898 y 1899. En 1905 recibe el encargo de rediseñar el vestíbulo del edificio Rookery.
Reunificó la entrada con un estilo de la pradera (Prairie Style) realizando un diseño moderno abierto y pleno de luz. Las dos escaleras curvas ornamentadas que unen el primer piso con el segundo se convierten en parte del conjunto del vestíbulo. Wright eliminó gran parte de la terracota y el hierro de la escalera central y los balcones reemplazandolos con patrones geométricos en las barandillas de las escaleras Oriel, éstas se caracterizan por su estructura que se extiende hacia afuera de la pared, creando un espacio adicional ya menudo un efecto visual impactante, un estilo común en arquitecturas góticas y renacentistas.
La intervención más significativa de Wright fue la adición del mármol blanco con adornos estilo persa. Los recubrimientos y decorados de mármol añaden al vestíbulo una sensación de lujo, cambiando así el antiguo interior con decorados en acero. También encerró las columnas de hierro con mármol blanco. La reforma edificio Rookery sería el único trabajo de Wright en cualquier edificio del paisaje urbano de la ciudad.
Cuando se remodelo el edificio en 1989, el edificio recuperó su diseño original.
El Edificio Reliance en Chicago en septiembre de 2015
El sótano y la primera planta fueron diseñadas por John Root de la firma Burnham & Root en 1890, y el resto del edificio fue completado por Charles B. Atwood (1849 – 1895) en 1895.
Está situado en el 1 W. Washington Street en el Loop en Chicago. Fue el primer rascacielos con grandes ventanas de vidrio que componen la mayoría de la fachada, presagiando una característica que sería dominante en el siglo XX.
Propuso innovaciones arquitectónicas como la base «flotante», una losa de hormigón armado que proporcionó el peso del edificio con una plataforma sólida sobre el suelo notoriamente pantanoso de Chicago .
Su diseño es de una cimentación de rejilla “una cimentación en la que los rieles de hierro y las vigas estructurales se combinan en un patrón entrecruzado y se recubren en hormigón para soportar el inmenso peso del edificio sin piedras de cimentación pesadas. Esta construcción es particularmente útil cuando las cargas estructurales son altas en comparación con la capacidad portante natural del suelo”.
Notas
1
„The problem for us is this: how can we in the “Machine Age” conserve human values?“ . El problema para nosotros es este: ¿cómo podemos conservar los valores humanos en la “era de las máquinas”?. Hugh Ferriss
Se desconoce el año exacto en que comenzó a publicarse la serie de “las Carceri” de Giambattista Piranesi (1720 – 1778), pero existe la certeza de que salió a la luz poco antes de 1750. Se trataba de un conjunto de grabados de tema arquitectónico fantástico, que mostraba espacios colosales, oscuros y laberínticos, a modo de “prisiones” sin puertas, simbólicas e imposibles. La serie de “las Carceri” se convertiría con el paso del tiempo en uno de los lugares imaginarios más visitados de la cultura moderna, y en una fuente de inspiración inagotable para pintores y arquitectos.
Hugh Ferriss (1889-1967) ha sido sin duda alguna el Piranesi del siglo XX, y ha dejado una huella profunda e insustituible en el imaginario arquitectónico moderno, aun cuando su influencia aún no ha sido reconocida con la amplitud y entusiasmo que se merece. Nacido en St. Louis, se graduó como arquitecto en 1911 en la Washington University, no ejerció nunca como tal o no lo hizo de la manera esperada. A través de su profesión de visualizador y dibujante (renderer) de proyectos y edificios creados por otros arquitectos se convirtió de manera subrepticia en un auténtico visionario, desarrollando un estilo tan sugerente y original que sus servicios fueron solicitados en seguida por una gran cantidad de profesionales: entre sus clientes habituales se contaban los arquitectos y urbanistas más renombrados de Estados Unidos además de numerosos publicistas y las empresas más poderosas relacionadas con la construcción. “La Metrópolis sublime de Hugh Ferris. Actualidad de un modelo visionario”. Teatro Marittimo N2. Marzo 2012. David Rivera
2
La metrópolis del mañana de Hugh Ferriss
Ferriss se vio implicado en la elaboración de diversas propuestas arquitectónicas y urbanas regionales de gran alcance, que quedan ejemplificadas por sus numerosas colaboraciones con Raymond Hood (1881 – 1934) coautor con John Mead Howellsdel edificio neogótico de la Tribune Tower en Chicago y Harvey Wiley Corbett (1873 – 1954) y sobre todo por la revolucionaria serie de dibujos explicativos con los que ilustró las posibles consecuencias estéticas y compositivas de la Zoning Law de 1916 (una serie de propuestas experimentales de 1922 con las que Ferriss probablemente dio nacimiento al característico “estilo escalonado. Teatro Marittimo N2. Marzo 2012. David Rivera
3
Walker se suicidó en 1973, usando una bala de plata que él mismo había forjado.
Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».
Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.
1947 Gottlieb Eliel Saarinen (1873–1950), Finlandia
Eliel y Eero Saarinen
Obras relevantes: Estación Central de Trenes de Helsinki (1919); Museo Nacional de Finlandia (1905/1910); Sala de música Kleinhans (1938/1940).
Estación central de trenes de Helsinki
El Museo Nacional de Finlandia de estilo romántico nacionalista finlandés
Sala de música Kleinhans, Eliel y Eero Saarinen, y los arquitectos locales FJ y WA Kidd, Stanley McCandless
1948Charles Donagh Maginnis FAIA (1867–1955), Irlanda y los EEUU
Maginnis se convirtió en un destacado defensor de la arquitectura gótica y en un escritor y orador elocuente sobre «cual debe ser el papel de la arquitectura en la sociedad«. Su trabajo pionero influyó y fue influenciado por su colega gótico Ralph Adams Cram. Recibe un importante encargo, construir 20 edificios del Boston College denominado «Oxford en América».
Los archivos de Charles D. Maginnis y los archivos de Maginnis & Walsh se encuentran en la Biblioteca Burns de Libros Raros y Colecciones Especiales del Boston College. La colección Maginnis & Walsh de la Biblioteca Pública de Boston contiene obras del estudio de arquitectura de 1913 a 1952.
Obras relevantes: Basílica del Santuario Nacional de la Inmaculada Concepción (1920/1961); Iglesia de San Juan Evangelista en Cambridge (1891) capacidad 10.000 (6.000 en la Gran Iglesia Superior; 4.000 en la Iglesia de la Cripta); Seminario Maryknoll en Cupertino (1926).
La Basílica del Santuario Nacional de la Inmaculada Concepción es una gran basílica católica ubicado en Washington, DC, al 400 de la Av. Michigan NE. El santuario es la iglesia católica romana más grande de EE. UU., y una de las más grandes del mundo, su estilo es Renacimiento Bizantino y Románico.
Puertas de bronce de la Catedral de San Patricio, Nueva York, Nueva York, 1949
1949Frank Lloyd Wright (1867–1959), EEUU
Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-8-su-vida/
Obras relevantes: Frederick C. Robie House en Chicago (1910); Residencia Kaufmann o Fallingwater sobre el río Bear Run, en Fayette, Pensilvania (1936/1939); Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York (1943/1959).
Edificio Rockery, obra de Daniel Burnham y John Wellborn Root, Planta Baja y 1er piso remodelado por F. LLoyd Wright
Tuvo tres interveniones, la primera, realizada entre 1905 y 1907, cuando se le encarga a Frank Lloyd Wright remodelar los espacios interiores. Wright cubrie los elaborados acabados de hierro forjado de Root con superficies de mármol de Carrara blanco tallado, de esa forma Wright adecua el edificio al estatus de la época . Otros de sus cambios fue simplificar las herrerías y añadir sus características jardineras y apliques luminosos.
La segunda renovación, se completa el 24 de agosto de 1931 por el antiguo ayudante de Wright, William Drummond, quien modernizó muchos elementos interiores, incluidos los ascensores, y añadió elementos del estilo de la época al edificio, como detalles de estilo art déco.La tercera renovación, en 1992, devolvió al edificio su esplendor original, reabriendo el techo del patio después de que fuera cubierto para protegerlo.
1950Leslie Patrick Abercrombie (1879–1957), EEUU
En 1920 se asoció con los arquitectos Philip Lockwood y FC Saxon, el estudio se llamó Lockwood Abercrombie and Saxon, firma que hoy en día actua en Chester como Lovelock Mitchell, una de las firmas de arquitectura más antiguas del mundo.
Obras relevantes: Replanificó las ciudades de Plymouth, Hull, Bath, Edimburgo y Bournemouth, entre otras, además del Londres posterior a la Segunda Guerra Mundial; Rediseñó Hong Kong y en 1956 Haile Selassie le encargó que elaborara planos para la capital de Etiopía, Adís Abeba.
Metropolitan Green Belt (M.G.B.). Green Belt de Londres ó Plan para el Gran Londres. 1944
1951 Bernard Ralph Maybeck (1862–1957), EEUU
Maybeck en Noviembre de 1919
Maybeck se sentía igualmente cómodo diseñando obras en diferentes estilos.
Como el American Craftsman , Mission Revival , Gothic revival , Arts and Crafts y Beaux-Arts.
Creía que cada problema arquitectónico requería el desarrollo de una solución completamente nueva.
Obras relevantes: Primera Iglesia de Cristo Científico en Berkeley, California (1910); El Parsons Memorial Lodge (1915) en el Parque Nacional de Yosemite; Concesionario de automóviles Earle C. Anthony Packard, Avenida Van Ness, Ellis en San Francisco; Associated Charities of San Francisco (1928).
Primera Iglesia de Cristo Científico
Parsons Memorial Lodge
Concesionario de automóviles Earle C. Anthony Packard
1952 Auguste Perret (1874–1954), Francia
Fue un gran arquitecto, profesor, diseñador y urbanista, junto con el Arq. Tony Garnier (1869 – 1948) fue el arquitecto más representativo e innovador del nuevo clasicismo francés que apareció en París a comienzos del siglo XX.
Profesor de Le Corbusier, Jean Renaudie, René Iché y Patroklos Karantinos.
Es considerado como el padre del hormigón, fue el primero en utilizarlo como elemento constructivo y estructural, además de elemento ornamental que presenta en ocasiones desnudo al exterior en algunas de sus obras.
Obras relevantes: Iglesia de Nuestra Señora de Le Raincy, 83 Avenue de la Résistance (1922/1923); Centro reconstruido de El Havre, 133 hectáreas declarado patrimonio mundial de la humanidd por la Unesco en el 2005 “un ejemplo excepcional de la arquitectura y del urbanismo posterior a la guerra»; Teatro de los Campos Elíseos con Henry van de Velde junto al escultor Antoine Bourdelle (1913).
Interior de Nuestra Señora de Le Raincy
Centro reconstruido de El Havre
Teatro de los Campos Elíseos
1953William Adams Delano FAIA (1874–1960), EEUU
William Adams Delano en 1943, por el artista Gordon Hope Grant. National Academy of Design, New York.
Se formó en la Universidad de Columbia, en la Universidad de Yale y como posgrado en la Columbia Graduate School of Architecture, Planning and Preservation
Obras relevantes: Castillo Oheka (1919); Complejo William Jefferson Clinton Federal Building (1934) junto al Arq. Chester Holmes Aldrich; Terminales en los Aeropuertos de La Guardia y Miami; Terminal Aérea Marítima del Aeropuerto La Guardia, servicio de hidroaviones trasatlánticos de Pan American Airways (1939).
El nombre «Oheka» es un acrónimo, usa las primeras letras del nombre de su creador, Otto Hermann Kahn. Construida entre 1914 y 1919, es la casa privada más grande de Nueva York y la segunda más grande de los Estados Unidos, con 127 habitaciones y 10.126 m². Actualmente es un hotel con 32 habitaciones y suites.
Terminal Aérea Marítima del Aeropuerto La Guardia
Complejo William Jefferson Clinton Federal Building
Galería de Arte de la Universidad de Yale. Arq Louis Kahn
“La Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale estaba en medio de un trastorno pedagógico cuando Louis Kahn se unió a la facultad en 1947. Con el arquitecto de rascacielos George Howe como decano y modernistas como Kahn, Philip Johnson y Josef Albers como profesores, los años de la posguerra en Yale fueron tendencia lejos del linaje Beaux-Arts de la escuela hacia la vanguardia”. (1)
“Terminado en 1953, el edificio de la Galería de Arte de la Universidad de Yale de Louis Kahn proporcionaría un espacio flexible de galería, aula y oficina para una escuela de arquitectura cambiante”.
“Kahn y su colaboradora, Anne Tyng, se habían inspirado en las formas geométricas de Buckminster Fuller”.
“Tyng estudió con Fuller en la Universidad de Pensilvania mientras que Kahn había mantenido correspondencia mientras enseñaba en Yale”.
Fue con las icónicas estructuras geométricas de Fuller en mente que ambos crearon el elemento más innovador de la Galería de Arte de Yale: el techo de losa tetraédrica de hormigón”.
“Henry A. Pfisterer, el ingeniero estructural del edificio lo explica:
«se sujetó un elemento plano continuo a los vértices de tetraedros equiláteros huecos, de base abierta, unidos en los vértices de los triángulos en el plano inferior.
En la práctica, el sistema de tetraedros tridimensionales era lo suficientemente fuerte como para soportar el espacio abierto, sin columna”.
Kahn lo diseño de manera que los elementos del edificio pueden ser tanto escultóricos como estructurales.
“El hueco de la escalera central ocupa un cilindro hueco de hormigón…en el techo un triángulo ornamental de hormigón está rodeado en su circunferencia por un anillo de ventanas…encerradas dentro del cilindro, la escalera forma triángulos. Kahn afirmaba que las escaleras «están diseñadas para que las personas quieran usarlas…esperaba que los visitantes y estudiantes se involucraran con el edificio”
“Los materiales utilizados en los muros cortina de vidrio de la galería resultaron poco prácticos…las ventanas capturaban la condensación y estropearon la fachada de Kahn.
Una restauración realizada en 2006 por Ennead Architects (antes Polshek Partnership) utilizó materiales modernos para reemplazar las ventanas…y un control climático actualizado”.
El crítico de arquitectura Paul Goldberger (1950), graduado en 1972 en la Universidad de Yale, donde estudió historia de la arquitectura con Vincent Scully, con un doctorado (honorario) de la New York School Interior Design, comenta una impresión compartida por muchos estudiantes que frecuentaban el espacio de Kahn:
“…su belleza no emerge a primera vista, sino que llega solo después del tiempo que se pasa dentro de ella…”.
Piet Mondrian, holandés, 1872-1944
Composición con amarillo, azul, negro y azul claro. Óleo sobre lienzo. 1929
Fox Trot B, con negro, rojo, azul y amarillo. Óleo sobre lienzo. 1929
Donación de la colección Société Anonyme
Gerrit Rietveld, diseñador, holandés, 1888-1964
Gerard van de Groenekan, fabricante holandés, 1904-1994
Silla Berlín. Diseñada en Utrecht, 1923, fabricada después de 1924, contrachapado, tilo y fresno con pintura. Donación de Alexander Brooke. 1960
Gerrit Rietveld pertenecía a De Stijl (“el estilo”, en neerlandés), un grupo de artistas y arquitectos europeos que buscaban reflejar en su trabajo el espíritu progresista e internacional cada vez más predominante en la década de 1920. En 1923, Rietveld incluyó sus diseños de muebles en Espacio-Color-Composición, una sala modelo para una exposición en Berlín. A partir de estos diseños, su aprendiz Gerard van de Groenekan fabricó posteriormente esta silla “Berlín”. La silla es una expresión del neoplasticismo, un estilo derivado de la creencia de que la abstracción geométrica y tonal forja una relación armoniosa entre el individuo y el mundo moderno. Al diseñar una silla que privilegiaba esta postura artística sobre los contornos del cuerpo humano, Rietveld creó una visión idealizada de la vida moderna, más que una silla cómoda.
Harry Holtzman. Estadounidense, 1912-1987
Volumen Lateral #2. Óleo y témpera sobre gasa o muselina, montada en Masonite. 1940
Retrato de Mondrian au caballero. Impresión en plata. 25 cm x 20 cm.
Harry Holtzman (1912 – 1987) conoció a Piet Mondrian en 1934 en París, y ese encuentro se convirtió en una amistad artística.
Holtzman ayudó al artista holandés a emigrar a los Estados Unidos y a establecerse en Nueva York, más tarde se convertiría en el único heredero y albacea del patrimonio de Mondrian.
Holtzman fue influenciado por el neoplasticismo de Mondrian, un término acuñado por el artista holandés para describir un arte ideal que utiliza solo los elementos más básicos de la pintura: color, línea y forma.
Holtzman adoptó en su propio trabajo un lenguaje formal similar, basado en líneas verticales y horizontales que dividían la superficie, limitándose a los colores primarios. Sin embargo, se apartó de su mentor al crear obras escultóricas, como Volumen Lateral #2, en las que fijaba una composición pintada, basada en los principios neoplasticistas, a un soporte, convirtiéndola en un objeto tridimensional, en 1936 ayudó a fundar los American Abstract Artists para promover su comprensión.
Donación del artista a la Colección Société Anonyme
Joan Miró, español (1893 – 1983). Jeune fille s’évadant. (Chica escapando). Bronce con pintura. 1968. Colección de Charles B. Benenson, 1933
El Anatsui. Ghanés, activo en Nigeria, nacido en 1944 Tela de mujer de sociedad (Oro). 2006. Tapas de botellas de licor de aluminio y alambre de cobre. Donación de Thomas Jaffe, 1971, en honor a Robert Farris Thompson, 1955.
Escuela de arquitectura en Yale. Arq Paul Rudolph
El Rudolph Hall, conocido como Yale Art and Architecture Building o A & A Building, es uno de los primeros y más conocidos ejemplos de arquitectura brutalista en los Estados Unidos.
Alberga la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, donde antiguamente también se alojaba la Escuela de Arte.
Diseñado por el arquitecto PaulRudolph (1918 – 1991) fue terminado en 1963, el complejo edificio contiene más de treinta niveles en sus siete pisos, realizados en hormigón armado abujardado y nervado.
Su diseño es una clara influencia del edificio de la administración Larkin de Frank Lloyd Wright, en Búfalo y edificios de Le Corbusier.
El edificio, fue elogiado ampliamente por críticos y académicos, y recibió varios premios como el Premio de Honor del American Institute of Architects (AIA).
Ada Louise Huxtable(2), crítica de arquitectura de The New York Times lo llamó «un espectacular tour de force«, pero con el tiempo, la reacción ha sido más negativa, Nicolas Pevsner (1902 – 1982) lamentó “la opresiva monumentalidad de la estructura”.
Un gran incendio en la noche del 14 de junio de 1969 causó grandes daños, durante las reparaciones, se hicieron muchos cambios al diseño original de Rudolph, aunque se ha especulado que el incendio fue intencionado, este origen no ha sido probado.
La apreciación de la estructura ha aumentado en los últimos años, Yale invirtió 126 millones de dólares para la renovación del edificio. La Escuela de Arte se mudó a su propio edificio y el edificio se ha ampliado y renovado con la intención de restaurarlo al diseño originalmente previsto por Rudolph.
Con ese objetivo se restauró el ático en la azotea, se adecentó la sala de estudiantes que estaba desmantelada y se volvieron a colocar puentes (conexiones) que habían sido destruidos uniendo un nuevo departamento de Historia del Arte.
Los trabajos fueron realizados por Gwathmey Siegel & Associates Architects. Prudente y sabia decisión ya que Charles Gwathmey (1938 – 2009) fue alumno de Yale Architecture y exalumno de Rudolph.
“Eero Saarinen”. Revista Nacional de Arquitectura. Madrid. Número 35, noviembre de 1961.
“Ha muerto a los cincuenta y un años, en plena juventud de arquitecto, insaciable en su afán de ensayar todo, de probar todos los sistemas y soluciones, de inventar sin miedo a las consecuencias”.
Eero Saarinen con la maqueta del Arco “Gateway” y sillas “Útero, Modelo Nº 70” de 1947
“No fue la autocrítica su virtud característica, por lo que no tuvo ese freno paralizador que ha anulado a otros demasiado reflexivos”.
La alegría de crear -libremente- la alegría de las cosas nuevas fue la nota común de sus obras tal como en ocasión de su muerte, se ve reflejada en las revistas de arquitectura donde se han publicado sus trabajos.
Eliel y Eero Saarinen
Era finlandés, hijo del también famoso Eliel Saarinen, quien en 1922 con motivo del concurso para la construcción del “Chicago Tribune” (3) se trasladó con su familia. Obtiene el segundo premio y en 1923 decide quedarse en los EE. UU.
John Mead Howells y Raymond Hood. 1er premio
Se presentaron al concurso 260 anteproyectos de todo el mundo, el primer lugar fue otorgado a los arquitectos John Mead Howells(4) y Raymond Hood, un edificio neogótico que se termina en 1925, su silueta ha llegado a ser la silueta típica de Chicago, merito que tienen pocas obras de arquitectura, no solo las mejores, sino las más enraizadas en el aprecio de los vecinos.
Adolf Loos quiso imaginar esta gran columna de dimensiones épicas revestida en mármol negro pulido
Eliel Saarinen recibió 20 000 dólares (unos 374.757,14 dólares actuales) por el segundo lugar; su diseño nunca se construyó, pero su torre retranqueada influyó en muchos proyectos posteriores.
Eero como buen finlandés, nunca mostró esa frialdad y contención que parecen típicas nórdicas, su arquitectura exuberante, extrovertida, casi como si fuera la de un maestro barroco.
Charles Eames y Eero Saarinen
Charles Eames y Eero Saarinen con una estructura de tracción ligera diseñada para la exposición de la facultad de 1939 en la Academia de Arte Studio de Cranbrook. Foto de Richard G. Askew
Nunca sintió esos “complejos” de los arquitectos contemporáneos que huyen de la monumentalidad clásica del siglo XIX, ni de realizar edificios imponentes y simétricos. Como en su Embajada de Londres, obra expuesta a las críticas que hoy suelen sufrir edificios de este género. Algo parecido hizo en Oslo, y en ambos casos se aplicó con su habitual entusiasmo a componer fachadas en bajo relieve, como hubiera hecho cualquier arquitecto del Renacimiento o del Barroco cuando proyectaba la fachada de un palacio.
Solo un plano con salientes más o menos abultados; más bien a la manera de Borromini, (menos a la manera de Brunelleschi).
Lo espacial, en cambio, era su preocupación en los grandes aeropuertos; en ellos la composición es básicamente tridimensional, nunca fue fácil expresarlo bien en planos. Esto vale tanto si se trata de una cubierta colgada, la del aeropuerto de Dulles, en Washington, como si es un conjunto abovedado, en ldlewild (TWA), «el gran pájaro», o el animal prehistórico que forma la cubierta del Hockey de Yale.
Dejó su huella en todos los campos de la arquitectura, en 1962 la AIA lo premió con la Medalla de Oro. (5)
Son famosos sus laboratorios, el último es el conocido de la IBM, en Yorktown Hights, cerca de Nueva york, toma relevancia su característica forma curva.
Hizo obras muy interesantes, como sus universidades, muchas de metal y cristal, excepto el curioso intento de medievalismo romántico, un gran castillo de macizos muros en Yale en 1959.
El gran centro técnico de la General Motors es ya conocido como una de las cumbres de su carrera, asi como sus tareas como uno de los arquitectos del Lincoln Center de Nueva York.
Rascacielos, oficinas, viviendas, etc., en tanta variedad hizo común tener un particular enfoque de cada problema. Uno de sus proyectos más notables es el de un vestíbulo rodante, como un salón sobre ruedas, para enlazar en los aeropuertos el vestíbulo normal con las cabinas de los aviones. Últimamente estaba realizando estudios de bóvedas y cubiertas colgadas, investigando toda clase de formas tridimensionales. Su taller, según las fotografías que se han publicado, se estaba pareciendo al que dejó Gaudí a su muerte. Entusiasta con un peculiar método de trabajo usaba la técnica pero sin dejarse dominar por ésta, dejó escrito “..la arquitectura no es simplemente cumplir la necesidad humana de cobijarse, sino también satisfacer la creencia humana en la nobleza de su existencia sobre la tierra”.Eero Saarinen. Revista Nacional de Arquitectura.
Quien fue Paul Mellon
Detrás de todas estas obras de arquitectura en Yale (entre otras, hay un empresario, inversionista, criador de caballos de carreras pura sangre y filántropo, me refiero a Paul Mellon (1907 – 1999)
Aunque parezca mentira, mucho lo ha ayudado ser el heredero de una de las mayores fortunas empresariales de Estados Unidos, derivada del Banco Mellon creado por su abuelo Thomas Mellon, su padre Andrew W. Mellon (que fuera Secretario del Tesoro de 1921 a 1932 y embajador de los Estados Unidos entre 1932 a 1933.) y su tío Richard B. Mellon.
En 1957, cuando Fortune preparó su primera lista de los estadounidenses más ricos, estimó que Paul Mellon, su hermana Ailsa MellonBruce y sus primos Sarah Mellon y Richard King Mellon, se encontraban entre las ocho personas más ricas de los Estados Unidos, con fortunas de entre 400 y 500 millones de dólares cada una (entre 4.300 y 7.600 millones de dólares de hoy). (6)
La autobiografía de Mellon “Reflections in a Silver Spoon”, se publicó en 1992.
Primeros años y educación
Se graduó en 1925 en Wallingford, y en las Universidades de Yale y Cambridge.
Sus donaciones hicieron posible la creación de
-La Biblioteca Forbes-Mellon del Clare College, inaugurado en 1986,
-La Universidad de Cambridge,
-El Centro de Artes Mellon y el Centro de Ciencias Mellon (ahora Icahn),
-El Choate Rosemary Hall, en Wallingford, Connecticut,
-Los colegios residenciales Ezra Stiles y Morse, y el Centro de Arte Británico en Yale
En 1938, recibió una maestría en el Clare College de Cambridge, en 1974 la Orden del Imperio Británico (K.B.E.), en 1985 la Medalla Nacional de las Artes, y en 1997 la Medalla Nacional de Humanidades.
Colección de arte
Vista aérea del edificio oeste de la Galería Nacional de Arte, completado en 1941
La Galería Nacional de Arte (National Gallery of Art NGA) se fundó en 1937 gracias al apoyo inicial de Andrew W. Mellon.
Aportó 15 millones de dólares para la construcción del edificio y una donación de obras de arte compuesta de 126 pinturas y 26 esculturas.
Para esa donación fue fundamental su compra de 21 cuadros del Hermitage de San Petersburgo (Jan van Eyck, Rafael,Tiziano…) que el gobierno soviético vendió para obtener divisas. Otro magnate de la época, Samuel H. Kress, contribuyó a la colección inicial de arte italiano con 375 pinturas y 18 esculturas.
Otra aportación fue la realizada por John Russell Pope y la colección de 115 pinturas de su padre.
Años mas tarde encargó al arquitecto Ieoh Ming Pei (1917 – 2019) la construcción del edificio este, inaugurado en 1978, y junto a su hermana y su esposa, donaron mas de mil obras a la Galería Nacional, muchas de ellas obras maestras francesas y estadounidenses.
El ala Este de la Galería Nacional es la más cercana al Capitolio. Cuenta con dos galerías en torre con iluminación natural, y una terraza que el arquitecto conceptual Perry Chin compara “con un jardín zen”, a pesar de no ser un arquitecto muy conocido, Chin fue íntimo colaborador de Ieoh Ming Pei (Cantón 1917 – 2019 Manhattan).
En 1978 la National Gallery recurrió a Pei para actualizar el edificio, y éste recomendó a Chin, quien asesoró a la National Gallery en la dotación de nuevos sistemas de calefacción, refrigeración, seguridad y protección contra incendios.
La terraza contiene una escultura de un gallo azul cobalto de Katharina Fritsch (Essen 1956).
El ala este del museo tiene más de 500 obras de arte, incluidas obras de Alexander Calder, Barbara Kruger, Jasper Johns, Pablo Picasso, Mark Rothko entre muchos más.
Galeria Este
Fue un gran coleccionista de arte, su equipo contaba con el aporte del historiador de arte inglés Basil Taylor.
Su colección recibió ademas el asesoramiento del marchante de arte John Baskett, el período desde 1960 a 1969, fue el de mayor colaboración y formación de la colección entre ellos.
Las principales secretarias de Mellon, fueron Ethel Orendorff y Beverley Carter. Otras personas relevantes fueron Willis Van Devanter, bibliotecario de Mellon; Leslie Cheek, curador en el Museo de Bellas Artes de Virginia, y varios asociados de la National Gallery of Art Agnew’s y Colnaghi. La colección de Mellon fue catalogada por Dudley Snelgrove (otro asesor y curador de grabados y dibujos británicos) y Judy Egerton. Toda esta enorme organización de especialistas en arte ha participado activamente en el Museo de Bellas Artes de Virginia en Richmond, y en Choate Rosemary Hall.
Fundaciones filantrópicas
Mellon crea en 1941 la Fundación Old Dominion y en 1945 la Fundación Bollingen que ha publicado más de 100 libros. Cuando sus activos se fusionaron con los de la Fundación Avalon de su hermana Ailsa se crea la Fundación Andrew W. Mellon.
Cuando desea llevar la arquitectura moderna a Yale, la concreta con la creación de dos nuevos colegios residenciales de pregrado, Ezra Stiles College y Morse College, ambos diseñadas por Eero Saarinen, y el Centro de Arte Británico diseñado por Louis Kahn.
Universidad de Cambridge
Desarrolló su gran amor por Inglaterra y su cultura mientras estudiaba en el Clare College de 1929 a 1931. En 1999, Paul Mellon legó 8 millones de dólares a la Universidad de Cambridge en Inglaterra para el Museo Fitzwilliam. También fue un importante benefactor del Clare College y del Clare Hall, fundada en 1966, ambas en Cambridge en Inglaterra.
«He sido un aficionado en todas las etapas de mi vida; un poeta aficionado, un erudito aficionado, un jinete aficionado, un granjero aficionado, un soldado aficionado, un conocedor aficionado del arte, un editor aficionado y un ejecutivo de museo aficionado. La raíz de la palabra «aficionado» es la palabra latina para (mencionar) amor, puedo decir honestamente que he disfrutado muchísimo de todos los papeles que he interpretado».Paul Mellon de su autobiografía Reflexiones en una cuchara de plata. (Reflections in a Silver Spoon).
Notas
1
Arch daily. Escrito por Ella Comberg.
2
Ada Louise Huxtable (1921 – 2013) fue una escritora y crítica de arquitectura que ubicó al periodismo de arquitectura y diseño urbano de tal manera que generó una amplia conciencia pública sobre el entorno urbano. En 1970, recibió el primer Premio Pulitzer de Crítica. El crítico de arquitectura Paul Goldberger, ganador en 1984 del Premio Pulitzer de crítica arquitectónica, dijo en 1996: “Antes de Ada Louise Huxtable, la arquitectura no formaba parte del diálogo público”.
3
En 1922 el periódico Chicago Tribune convocó a un concurso para su nueva sede en la metrópoli norteamericana. Las pretensiones de la nueva construcción no eran precisamente modestas. Según las condiciones de la convocatoria debía ser uno de los más bellos edificios del mundo y, obviamente, tenía que ser un rascacielos.
4
El arquitecto John Mead Howells, FAIA (1868 – 1959) nació en Cambridge, Massachusetts, hijo del autor William Dean Howells, obtuvo una licenciatura en la Universidad de Harvard en 1891 y completó estudios de arquitectura allí en 1894 antes de estudiar en la École des Beaux-Arts , en París, donde obtuvo su diploma en 1897.
El arquitecto Raymond Mathewson Hood (1881 – 1934) realizó sus trabajos en el estilo art decó a principios y mediados del siglo XX. Nació en Pawtucket, Rhode Island, estudió en la Universidad Brown, el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), y la École des Beaux-Arts en París. En esta última conoció a John Mead Howells, con quien formó un estudio.
Hood trabajó frecuentemente con el escultor arquitectónico Rene Paul Chambellan (1893 – 1955) para crear las esculturas de sus edificios y para hacer modelos de plastilina de sus proyectos. Hood murió a los 53 años.
Atlas en el Rockefeller Center es una impresionante escultura de bronce Art Déco de Rene Paul Chambellan y Lee Lawrie. Con una altura de 4,26 mts., representa al titán Atlas sosteniendo los cielos sobre sus hombros.
5
La Medalla de Oro del AIA es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA) otorgado «por el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento de un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura». Lista de ganadores de la Medalla de Oro del AIA: ver https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos/
6
En el 2012 el Bank of New York Mellon fue el octavo banco más grande de los EEUU, BNY Mellon ha sido clasificado una vez más como el banco más seguro de los EE. UU. según una encuesta reciente de los “50 bancos más seguros del mundo”.
Conocida como BNY Mellon, es una corporación bancaria multinacional estadounidense de servicios financieros constituida el 1 de julio de 2007, como resultado de la fusión del Banco de Nueva York y Mellon Financial Corporation. Es el banco custodio más grande en el mundo, emplea a 51.400 personas en todo el mundo y opera en los sectores principales de servicios financieros. Es la más antigua corporación bancaria en los Estados Unidos, con orígenes que se remontan a la creación del Banco de Nueva York en 1784 por Alexander Hamilton.
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La Medalla de Oro del AIA es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA).
La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».
La Octagon House se convirtió en la sede del American Institute of Architects (AIA) el 1 de enero de 1899.
La Octagon House está en Washington, D.C., fue construida entre 1789 y 1800, propiedad del Instituto Americano de Arquitectos, originalmente perteneció al coronel John Tayloe.
Después de que la Casa Blanca fuera quemada por los britanicos en la guerra de 1812, (la guerra anglo-estadounidense de 1812), el Octagon se convirtió en el hogar temporal del presidente James Madison y su esposa Dolley, (Madison fue el 4to. Presidente de los EEUU -desde 1809 a 1817-).
Durante la Guerra Civil fue un hospital improvisado. Madison usó la habitación circular encima de la entrada como estudio, y allí firmó el Tratado de Gante que acabó con la Guerra de 1812 que enfrentó a los Estados Unidos contra el Reino Unido y sus colonias canadienses. (1)
The Octagon House, fue diseñada por el médico, inventor, pintor y arquitecto William Thornton (1759 – 1828) responsable entre otras obras del Capitolio de los Estados Unidos.
La casa se construyó para la fmailia del coronel John Tayloe, propietario de las plantaciones de Mt. Airy, éstas eran las más ricas de Virginia, a 150 kilómetros al sur de Washington. Aparentemente la casa se construyó siguiendo los consejos de George Washington, tiene tres pisos, se uso lo que en aquella época era un nuevo ladrillo con el tradicional estilo georgiano.
Los materiales de construcción, madera, hierro, ladrillos y otras piedras se produjeron en los Estados Unidos, pero la piedra Coade (un tipo de piedra cerámica inglesa), las cocinas, los elementos decorativos y los muebles fueron traídos desde Inglaterra.
Ha habido cambios, hoy, es la Fundación Americana de la Arquitectura la dueña de Octagon House, y la AIA ha movido su sede a un edificio más grande detrás del original. Se ha llevado a cabo un extenso trabajo de rehabilitación en la casa desde 1996, tratando de retornar al esplendor inicial del edificio.
AIA
Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto
En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.
En 2014 fue entregada por primera vez a una mujer, Julia Morgan a título póstumo. La medalla de 2016 fue otorgada por primera vez a una pareja después del cambio de estatutos de la organización del 2013 en la que abrió esta posibilidad.
Aclaración, el título FAIA, abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, es un título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto. Dicho honor distingue a arquitectos que han hecho contribuciones significativas a la profesión de arquitectura. Menos del 2% de los cerca de 72.000 arquitectos estadounidenses forman parte del College of Fellows.
Lista de ganadores de la Medalla de Oro del AIA
1907Sir Aston Webb (1849 – 1930), Reino Unido
Sir Aston Webb, reproducción en semitonos de Fred Roe (1864 – 1947) 25,5 cm x 19,0 cm
Obras relevantes: Entrada principal del Victoria and Albert Museum (1891/1909); Los nuevos edificios del Christ’s Hospital en Horsham, Sussex (1893-1902); Rediseño de la Fachada principal del Palacio de Buckingham (1913).
Palacio de Buckingham
Los nuevos edificios del Christ’s Hospital en Horsham, Sussex
1909Charles Follen McKim FAIA (1847–1909), EEUU
Estudio Arquitectos McKim, Mead & White
Obras relevantes: La Biblioteca Pública de Boston (1887); El campus Morningside Heights de la Universidad de Columbia (1893); la New York Penn Station (1904/1910).
La Biblioteca Pública de Boston
La New York Penn Station
1911George Browne PostFAIA (1837–1913), EEUU
En vida, llegó a ser referido como «el decano de los arquitectos estadounidenses» y «el padre del edificio alto en Nueva York».
Obras relevantes: Sociedad Histórica de Brooklyn, Nueva York (1878/1881); Edificio nº 4 de la Bolsa de Valores de Nueva York (1903); Capitolio del estado de Wisconsin, Madison (1917); Ademas e encargos privados como Biltmore, The Breakers y Marble House.
Bolsa de Valores de Nueva York
Capitolio del estado de Wisconsin, Madison
1914 Jean Louis Pascal (1837–1920), Francia
Obras relevantes: Sala Oval, Biblioteca Nacional de Francia (1897/1932); Cementerio Père Lachaise; Escuela de Medicina y Farmacia, Victory Square, Burdeos (1888).
Sala Oval, Biblioteca Nacional de Francia
Escuela de Medicina y Farmacia, Victory Square, Burdeos
1922Víctor-Alexandre-Frédéric Laloux (1850 – 1937), Francia
Rerato de Victor Laloux por Jim Purcell (1940 – 2013) 21 x 27 cm. Museo d`Orsay
Obras relevantes: La antigua estación de Orsay (1898 – 1914); La basílica de Saint-Martin de Tours (1886 -1924); La estación de Tours; Ayuntamiento de Roubaix (1907-1911), con esculturas arquitectónicas de Cordonnier.
La antigua estación de Orsay
Ayuntamiento de Roubaix
1923 Henry Bacon (1866–1924), EEUU
Trabajó en el estudio de McKim, Mead & White (AIA 1909)
Obras relevantes: Grandes almacenes Halle Brothers, Cleveland (1910 – 1914); Lincoln Memorial, Washington (1912 – 1922); Union Square Savings Bank, Nueva York (1918).
Grandes almacenes Halle Brothers, Cleveland
Lincoln Memorial, Washington
1925Bertram Grosvenor Goodhue (1869–1924), EEUU
Bertram Grosvenor Goodhue, artista desconocido. (Print Collector/Getty Images)
Colaboraron en su arquitectura neogótica y neocolonial español varios artistas y artesanos, como el escultor Lee Lawrie y el muralista Hildreth Meire.
Obras relevantes: Iglesia de Santo Tomás, Nueva York (1909); Finca El Fureidis en Montecito; California (1906); Edificio central de la Biblioteca Pública de Los Ángeles (1924).
Iglesia de Santo Tomás, Nueva York
Finca El Fureidis en Montecito, California
1925 SirEdwin Landseer Lutyens (1869–1944), Reino Unido
Obras relevantes: Catedral Metropolitana de Liverpool (1933); Casa Hyderabad (1926/1928); Palacio Presidencial Nueva Delhi -Rashtrapati Bhavan- (1929/31).
Palacio Presidencial Nueva Delhi -Rashtrapati Bhavan
Catedral Metropolitana de Liverpool
1927Howard Van Doren Shaw (1869–1926), EEUU
Obras relevantes: Plaza del Mercado (1916); Edificio de la imprenta Lakeside (1901); Ragdale (1897).
El edificio de la imprenta Lakeside
Casa Ragdale, Lake Forest, Illinois, planos de trabajo
1929Milton Bennett Medary (1874–1929), EEUU
Trabajó en el estudio Zantzinger, Borie y Medary desde 1910 hasta su muerte
Obras relevantes: Capilla Memorial de Washington (1921), interior; Edificio de la Fidelity Mutual Life Insurance Company en Filadelfia (1926/1928); Torre de canto de Bok (1927/1929), Lake Wales, Florida; El edificio Ruth and Raymond G. Perelman , (era el edificio de la Fidelity Mutual Life Insurance Company), es un anexo del Museo de Arte de Filadelfia.
Torre de canto de Bok
El edificio Ruth and Raymond G. incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos
1933Ragnar Östberg (1866–1945), Suecia
Obras relevantes: El Ayuntamiento de Estocolmo (1909/1923) inspirado en la arquitectura sueca del siglo XVI integrando armoniosamente, formas clásicas, medievales y románticas; Aschanska villan, Umeå (1906); Puente Nacional Riksbron (1930).
El ayuntamiento de Estocolmo
Aschanska villan, Umeå (foto de 1916)
1938Paul Philippe Cret (1876–1945), Francia, EEUU
Obras relevantes: Detroit Institute of Arts (1885); Folger Shakespeare Library (1932); Edificio principal, Universidad de Texas, Austin (1934/1937); Cincinnati Union Terminal en Ohio (1933).
Obras relevantes: Auditorio de Chicago (1889); Wainwright Building, St. Louis (1890); Guaranty Building (anteriormente Prudential Building) Buffalo (1894); National Farmer’s Security Bank, Owatonna, Minnesota (1908).
Auditorium de Chicago
Guaranty Building (antiguamente Prudential Building)
La Guerra de 1812 o la guerra anglo-estadounidense se desarrolló entre 1812 y 1815. Incluyó a los aborígenes nativos de varias tribus en el contexto de la supervivencia indígena ante la conquista del territorio por uno u otro de los demás bandos.
Los enfrentamientos se dieron por tierra y por mar. La guerra tuvo lugar en momentos en que el Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda soportaban un gran esfuerzo de guerra contra la Francia Napoleónica
Sus medidas son altura 80 cm, ancho 50 cm y profundidad 56 cm, su base es de aluminio, el marco de fibra de vidrio y los cojines de cuero o tela.
En colores marco blanco, cojín rojo (cojín variable).
La silla Tulipán fue diseñada por Eero Saarinen entre los años 1955 y 1956 para la compañía Knoll de Nueva York. Los diseños se titularon inicialmente «Grupo de pedestal» antes de que Saarinen y Knoll se decidieran por la «silla Tulipán», que sonaba más orgánica, lo que reflejaba su inspiración en la naturaleza.
Fue diseñada principalmente como una silla para combinar con la mesa de comedor complementaria. La silla tiene las líneas suaves del modernismo y fue experimental al utilizarse materiales no habituales. Una silla que muchos consideraron de la «Era Espacial» por su uso futurista de curvas y materiales artificiales no tradicionales.
Fila de atrás Eero Saarinen, Lily Swann Saarinen y Florence Schust Knoll. Fila del medio Eliel Saarinen, Loja Saarinen y Hans Knoll. Eric Saarinen sentado en un caballito de madera, Documentos de la familia Saarinen. Archivos Cranbrook
Diseño y construcción
«El apoyo de sillas y mesas en un interior típico crea un mundo feo, confuso e inquieto. Quería limpiar el tugurio de piernas. Quería que la silla volviera a ser una sola cosa«. Saarinen
Esta frase o deseo de Saarinen resalta un deseo de orden y simplicidad, de regresar a la esencia de lo que representa una silla: un lugar para sentarse, no un objeto disperso y abrumador.
Saarinen esperaba producir la silla como una unidad de una sola pieza hecha completamente de fibra de vidrio, pero este material no podía soportar la base y los prototipos eran propensos a romperse, como resultado, la base de la silla tulipán es de aluminio fundido con un acabado recubierto de rilsan (1) a juego con la carcasa superior, dando la apariencia de una sola unidad. La carcasa superior es de fibra de vidrio moldeada, con un acabado reforzado con plástico.
El cojín de espuma tapizado es desenfundable con cierre de velcro.
En 1960 se concedió a Saarinen la patente de la silla Tulipán, que ha merecido los siguientes premios
1969. Premio del Museo de Arte Moderno.
1969. Premio Federal de Diseño Industrial.
1962. Premio Design Center Stuttgart.
Proyecto Cybersyn
En 1971, en Chile se utilizó una forma modificada de la silla Tulipán en el diseño del Proyecto Cybersyn. El nombre del proyecto en inglés (‘Cybersyn’) es un acrónimo de las palabras ‘cybernetics’ y ‘synergy’.
Otros proyectos de Eero Saarinen
1956-1961. IBM’s Thomas J. Watson Research Center. Yorktown Heights, New York
El Centro de Investigación Thomas J. Watson en Yorktown Heights, Nueva York, es la sede mundial de IBM Research, la organización de investigación industrial más grande del mundo. La instalación, terminada en 1961, alberga a más de 1500 científicos, ingenieros y diseñadores que se ocupan del futuro del mundo de la informática.
Los visitantes se alojan en el Think Lab de IBM, que alberga varios sistemas IBM Quantum, así como una supercomputadora experimental nativa de la nube optimizada para IA.
1956-1958. El Campus Tecnológico IBM, Rocherter Minnesota.
Fue realizada por Eero Saarinen con sus asociados Smith, Hinchman & Grylls y los ingenieros Johnson, Drake & Piper, Inc.
La instalación es compartida por varias empresas.
Saarinen recubrió la estructura con paneles azules de diferentes tonos inspirado tanto en el cielo de Minnesota como en el nombre del primer ocupante, Big Blue, lo más probable es que fuera esto último.
El sitio fue rebautizado en el 2018 como Rochester Technology Campus.
El CEO de IBM, Thomas J. Watson Jr., eligió el sitio, la primera piedra se colocó a mediados de 1956, la primera etapa fue de 53.500 m2, y luego de su ampliación llegó a la impresionante superficie de 290.000 m2 el equivalente de 29 canchas de futbol. Llegó a tener 8 mil empleados, en el 2017 esa cifra bajó a 2.800.
La planta, que se encuentra cerca de la autopista 52 en la parte noroeste de Rochester, fue reconocida en 1990 por el Museo Nacional de la Construcción como una de las contribuciones significativas de IBM al entorno construido de los Estados Unidos, junto con la sede de IBM en la ciudad de Nueva York y el edificio de IBM en Atlanta, Georgia.
1953 – 1957. Memorial de la Guerra, Milwaukee
En 1888, Frederick Layton fundó la Asociación de Arte de Milwaukee, (llamada luego Instituto de Arte de Milwaukee).
En 1957, la Galería de Arte Layton trasladó su colección junto a la del Instituto de Arte de Milwaukee, al War Memorial Center, diseñado por Eero Saarinen.
En 1975 se hizo una ampliación diseñada por David Kahler.
Y en el 2001 el arquitecto Santiago Calatrava diseñó el Pabellón Quadracci, dando además de más espacio, un edificio ícono para la ciudad.
Alberga más de 30.000 obras, en 1980 pasó a llamarse Museo de Arte de Milwaukee.
Se encuentra en el 700 N. Art Museum Drive, a orillas del lago Michigan, en el estado de Wisconsin.
1958. Hill College House en la Universidad de Pennsylvania
Está ubicada al3333 Walnut Street, es una de las residencias más grandes de la Universidad de Pensilvania.
1958. La Casa Emma Hartman Noyes en Vassar College
Es una residencia para 156 estudiantes ubicada en el Vassar College en Poughkeepsie, Nueva York.
Es uno de los tres edificios modernos encargados por Sarah Gibson Blanding, la primera presidenta de la Universidad.
Saarinen estaba casado con Aline Bernstein Saarinen, graduada del Vassar College, quien tenía una relación personal con la directora del Departamento de Arte, Agnes Claflin. Ësta conociendo las capacidades proyectuales de Eero, lo recomendó para construir la residencia.
Finalizada en 1958, es la última residencia de estudiantes que se construyó en el campus e invoca el estilo gótico y tradicional del campus. El espacio interior más memorable es una sala de estar circular hundida originalmente llamada «Passion Pit», que ahora se conoce como “Jetsons” Lounge.
El plan maestro de Saarinen proponía encerrar Noyes Circle, una zona verde histórica que se usaba normalmente para hacer ejercicio, con dos edificios residenciales en forma de medialuna de los que solo se construyó uno, indudablemente influyo en ello que el costo del edificio fue el doble del costo estimado del proyecto.
Mientras Cesar Pelli estaba en Vassar College después de que le encargaran el diseño del “Centro de Arte Frances Lehman Loeb” (terminado en 1993), recomendó a Frances Fergusson, presidenta de la escuela, un arquitecto de Minneapolis llamado Leonard Parker (1938) para que se encargara del proyecto de restauración. Éste había trabajado anteriormente con Saarinen en su oficina de Bloomfield Hills.
Parker encontró un libro de 1956 en los archivos de Saarinen que documentaba las telas, los acabados y los materiales originales, asi se pudo colocar los muebles nuevos dónde estaban previstos originalmente.
1958-1962. Aeropuerto Internacional Dulles, Chantilly, Virginia
Debido al crecimiento de la aviación en 1950, el presidente Eisenhower eligió la pequeña ciudad de Willard para construir un segundo aeropuerto.
Está a 42 km al oeste de Washington DC en Chantilly, su nombre es un homenaje a John Foster Dulles secretario de Estado durante la presidencia de Eisenhower.
Con una superficie de 4.700 has, puede recibir a 23 millones de pasajeros al día con 125 destinos.
Contrataron a Saarinen para que diseñara un edificio tan “bello como la naturaleza de un vuelo”. No lo hizo solo, Kevin Roche participó activamente en el proyecto.
Desde la rampa, los pasajeros pasan por el área de venta de billetes hasta el lado de la pista, donde encontrarán puertas que los llevan a la sala móvil, ésta se asemeja a una especie de autobús gigante de lujo capaz de transportar hasta noventa personas desde la terminal hasta su avión. Esa inclusión fue una revolución en el movimiento dentro del aeropuerto, eliminando enorme cantidad de puertas.
Se realizaron ampliaciones en ambos extremos, duplicando la longitud de la estructura.
Este aeropuerto ha aparecido en muchas películas ambientadas en Washington, como la película de 1964 “Siete días en mayo”, “Duro de matar 2”, “Más duro de matar”, “El paquete”, “Aeropuerto”, “Las fuerzas de la naturaleza”, “Expediente X” y “Red de mentiras”. (2)
En 1958, Charles y Ray Eames crearon esta película para explicar el nuevo aeropuerto de Washington (Aeropuerto Internacional de Dulles), proyecto que había sido diseñando por su amigo Eero Saarinen.
El vídeo trataba de justificar de una forma muy gráfica e intuitiva la propuesta circulatoria y programática del nuevo aeropuerto: los pasajeros una vez que pasaban el control de seguridad llegaban a la parte trasera del edificio donde les esperaba la nueva “sala de espera móvil”, un vehículo de grandes dimensiones que transportaba a los pasajeros desde la terminal hasta la entrada de los aviones.
Eero Saarinen no diseñó personalmente esta nueva sala móvil, lo hizo un consultor que olaboró durante el proceso de desarrollo del aeropuerto. Las sucesivas transformaciones y ampliaciones del aeropuerto son las responsables que la nueva sala de espera móvil haya caído prácticamente en desuso ya que se ha construido un tren subterráneo que conecta la terminal original con las nuevas estaciones satélites
1958-1962. Ezra Stiles y Samuel Morse Colleges, Universidad de Yale
1960. Embajada de EE. UU, en Londres
Fue el primer edificio construido con el fin de ser una embajada en Gran Bretaña.
Más de 50 años después, el proyecto de Saarinen, situado cerca de la plaza de Grosvenor, se convertirá en un hotel.
David Chipperfield (1953) será quien lleve a cabo el proyecto sobre la base de Saarinen, quien curiosamente trabajó en la construcción mientras estaba diseñando la terminal del aeropuerto JFK de Nueva York, que también acaba de convertirse en un hotel.
Museo del remo en Henley-on-Thames
El estudio de Chipperfield, artífice del Neues Museum de Berlín, el Museo fluvial y del remo en Henley-on-Thames, uno de sus proyectos más premiados, del Pabellón de la Copa América en Valencia.
Pabellón de la Copa América en Valencia
o de Casa de vacaciones en la localidad gallega de Corrubedo.
Se impuso al estudio de Norman Foster en la construcción de este hotel de lujo, que, en sus nueve plantas, tendrá 137 habitaciones, con cinco restaurantes, seis tiendas, un spa y un salón de baile.
1961/1964. El edificio CBS, también conocido como Black Rock y 51W52, es una torre de 38 pisos y 150 metros de altura en el 51 West 52nd Street en el Midtown de Manhattan.
El primer y único rascacielos diseñado por Eero Saarinen en Nueva York, ha sido renovado por Vocon Architects y MdeAS Architects. Es la sede de la cadena de radiodifusión CBS. El edificio diseñado por Eero Saarinen, se refirió al edificio como la «declaración de rascacielos más simple de Nueva York». Los espacios interiores y el mobiliario fueron diseñados por Saarinen, y por Florence Knoll Bassett.
El edificio también fue la sede de CBS Records (más tarde Sony Music Entertainment) antes de principios de la década de 1990.
1938 / 2001. Aeropuerto Internacional Ellinikon. Construido en 1938, fue cerrado en 2001.
El Aeropuerto Internacional Ellinikon, construido en 1938, se llamó originalmente Aeródromo de Kalamaki. Durante la ocupación alemana de Grecia en 1941, se utilizó como base aérea de la Luftwaffe.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el gobierno griego permitió a los Estados Unidos utilizar el aeropuerto hasta 1993.
Estaba considerado como uno de los aeropuertos más difíciles y arriesgados del mundo debido a las características naturales de la región, una pista corta y pequeña en una estrecha franja de tierra plana entre el mar Egeo y las montañas que rodean la cuenca del Ática, particularmente el monte Hymmetus.
Tras su cierre el 28 de marzo de 2001, fue reemplazado por el nuevo Aeropuerto Internacional de Atenas Eleftherios Venizelos.
El antiguo aeropuerto estaba ubicado a 7 kilómetros al sur de Atenas, su nombre provenia de la aldea de Elliniko.
Su capacidad era de 11 millones de pasajeros al año, aunque en su utimo año de funcionamiento atendio a 13,5 millones.
Una gran parte del sitio se convirtió en un estadio e instalaciones deportivas para los Juegos Olímpicos de 2004. El antiguo aeropuerto es ahora el sitio de un importante desarrollo para la costa de Atenas. Fue muy criticada la demolición de edificios históricos bien conservados de la década de los años 30.
Abril de 1973. Terminal del aeropuerto de Atenas. Ellinikon
En el 2020, comenzó la construcción del Parque Metropolitano Hellenikon, un complejo que consta de casas de lujo, hoteles, casino, la torre Inspire Athens, puerto deportivo, tiendas y oficinas, se estima que se terminará entre el 2025 y el 2026.
El aeropuerto está rodeado por playas al oeste, por el Club de Golf de Glyfada al sur, por el límite municipal de Elliniko-Glyfada y por una zona residencial. El centro de radar de Atenas sigue estando ubicado en Elliniko. El aeropuerto tenía dos terminales: la Terminal Oeste para Olympic Airways y la Terminal Este para todas las demás aerolíneas, éste último fue diseñado entre 1960 y 1969 por Saarinen.
Parque Metropolitano Hellenikon
En 2005, los arquitectos David Serero , Elena Fernández y el arquitecto paisajista Philippe Coignet ganaron el concurso patrocinado por la UIA (Union Interncional de Arquitetos) el Ministerio de Medio Ambiente de Grecia y la Organización para la Planificación y la Protección del Medio Ambiente de Atenas (ORSA).
Se presentaron más de 300 equipos de arquitectos para diseñar un parque metropolitano en el antiguo emplazamiento del aeropuerto Ellinikon. El proyecto fue desarrollado en 2006 y 2007.
1951–1964. Edificio Earl V. Moore, Universidad de Michigan. Casa de la Música
Ubicación Ann Arbor, Estado de Míchigan, dirección: 1100 Baits Ave. Eero Saarinen y asociados. (3)
“Nuestra arquitectura es demasiado humilde».
«Debería ser más orgullosa, más agresiva, mucho mas rica y más grande que la que vemos hoy”. Eero Saarinen
Modernismo: raíces en Michigan
Los arquitectos Eero Saarinen y Minoru Yamasaki (1912 – 1986) diseñaron edificios que definieron una era.
Este edificio fue el más destacado del campus norte, rodeado de colinas boscosas que se reflejaban en un estanque, un edificio en perfecta armonía con su entorno.
Tanto las paredes exteriores como las interiores son de ladrillo. Las aulas y los estudios de sonido del nivel principal emplean una losa que parece flotar sobre fibra de vidrio, una losa-soporte de hormigón estructural, que insonoriza los estudios.
Al norte hay un ala de dos pisos para aulas y salas de ensayo, al sur están la biblioteca, las salas de ensayo y recitales. Las ventanas estrechas enteras sin divisiones contrastan con los patrones horizontales del ladrillo.
Eero Saarinen y sus colaboradores realizaron el Masterplan del Campus Norte, de la Universidad de Michigan, asi como el edificio Earl V. Moor que es la actual Biblioteca de la Escuela de Música.
1957 1962. Edificio Bell Laboratorios.Holmdel en Nueva Jersey.
“El futuro ocupaba constantemente la imaginación de Saarinen que creía que lo que traería el mañana sería decidido por un grupo privilegiado de individuos, investigadores comprometidos en proyectos destinados a producir cambios en la sociedad. Para él, los laboratorios eran los santuarios de los elegidos. «Deberíamos observar esos laboratorios para hacernos una idea de que vendrá… Allí las personas se concentran sobre ciertas ideas que, de hecho, podrían resultar interesantes para todos nosotros». Pierluigi Serraino.
1963-1967. Arco Gateway, St. Louis, Misuri
El Jefferson National Expansion Memorial (Gateway Arch, 1964) en San Luis, es un arco en acero inoxidable de 192 m de altura en su punto más alto de la catenaria. Ha recibido numerosos premios.
Yale University Press (31 octubre 2006) Publicado en asociación con el Instituto Cultural Finlandés de Nueva York, el Museo Nacional de la Construcción de Washington, D.C. y el Museo de Arquitectura Finlandesa.
464 pp en tapa blanda. 23 cm x 29,70 cm x 3,25 cm
Texto en inglés. ISBN 978-0300122374. “Eero Saarinen: Dando forma al futuro”. Autores Donald Albrecht y Eeva-Liisa Pelkonen. Vida y obra de Eero Saarinen, uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.
Desde las bóvedas de hormigón de la terminal TWA en el aeropuerto JFK hasta el Arco Gateway en St. Louis, Sus diseños icónicos capturaron las aspiraciones y los valores de los Estados Unidos de mediados del siglo XX. incluido el Centro Técnico de GM, el Aeropuerto Internacional Dulles y la sede de John Deere.
Este es el primer libro sobre Saarinen que incorpora importantes investigaciones y materiales de los archivos recientemente disponibles de su oficina, e incluye el portafolio más completo de sus proyectos hasta la fecha: un estudio cronológico de más de 100 obras construidas y no construidas, fotografías inéditas, planos y dibujos de trabajo.
Exposiciones: 2006 Kunsthalle Helsinki, Finlandia. 2007. Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño, Oslo. 2007 CIVA, Centro Internacional de Urbanismo, Arquitectura y Paisaje, Bruselas. 2008 Museo Nacional de la Construcción, Washington, D.C..2007/2008 Academia de Arte Cranbrook, Bloomfield Hills, Michigan. 2009 Museo de Arte Mildred Lane Kemper, Universidad de Washington, St. Louis. 2009 Instituto de Arte de Minneapolis y Centro de Artes Walker. 2010 Galería de arte de la Universidad de Yale y Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut.
1963 1964. Centro John Deere, Moline, Illinois
Es un complejo de cuatro edificios en un predio de 570 hectáreas en One John Deere Place, Moline, Illinois. Es la sede corporativa de la empresa de maquinaria agrícola pesada John Deere. Se inauguró el 20 de abril de 1964. Saarinen murió antes de que se completara su construcción, ocurrió a solo cuatro días después de firmar el contrato para los edificios más nuevos.
El proyecto fue terminado por el arquitecto Kevin Roche, participó en las decisiones el presidente de Deere & Company, William Hewitt, utilizando acero resistente a la intemperie COR-TEN, una de las primeras aplicaciones arquitectónicas del material, que le dio al edificio un aspecto terroso a medida que se oxidaba y envejecía
En celebración del Bicentenario de Illinois 2018, la sede mundial de John Deere fue seleccionada como uno de los “200 Grandes Lugares” por el Instituto Americano de Arquitectos componente de Illinois (AIA Illinois).
Las oficinas permiten el trabajo de 900 empleados y su auditorio tiene capacidad para 350 personas. El diseño del campus lo realizó Hideo Sasaki (1919 – 2000). El diseño recibió el premio ASLA Classic Award en 1991 por su «entorno corporativo arquetípico».
1964. Iglesia North Christian, Columbus. Indiana
1965. El Teatro Vivian Beaumont. en el Teatro Lincoln Center en Nueva York
Es el lugar más septentrional y occidental de Broadway y está ubicado dentro del Lincoln Center, un complejo de artes escénicas en el Upper West Side.
Su capacidad es de 1080 espectadores.
Diseñado por Eero Saarinen, junto al diseñador escénico de Broadway Jo Mielziner.
El Teatro Vivian Beaumont y el Teatro Mitzi Newhouse diseñados por el Eero Saarinen, sondos teatros diferentes, el Teatro Vivian Beaumont a nivel de plaza y el Teatro Mitzi Newhouse a nivel de calle.
Se inauguró el 21 de octubre de 1965.
Nota
1
Producida a partir de aceite de ricino, la resina Rilsan es un polímero de alto rendimiento de origen 100% renovable, se ha utilizado durante mas de 70 años como sinónimo de alto rendimiento y durabilidad.
Fue hijo de Eliel Saarinen y uno de los arquitectos más destacados de mediados del siglo XX, comenzó su labor a partir de las estructuras rectilíneas en acero y cristal del International Style, para evolucionar hacia las formas más libres de construcción en hormigón que habían iniciado Pier Luigi Nervi, Le Corbusier y otros arquitectos de principios del siglo XX. Sus edificios universitarios, oficinas centrales, terminales de aeropuertos y embajadas tienen en común su arriesgado diseño y gran tamaño.
Se graduó en la Escuela de Arquitectura de Yale en 1934, y entró a formar parte del estudio de su padre. A partir de 1940 diseñó muebles con Charles Eames, diseños elegantes en plástico y madera laminada, diseños que han sido muy imitados. Entre ellos la famosa silla “Tulipa”.
Su mayor encargo fue el centro de la General Motors (1948-1957) en Warren, un recinto con 5 pabellones en los que las masas rectangulares contrastan con cilindros y cúpulas. El complejo refleja la influencia de Ludwig Mies van der Rohe y Albert Kahn.
Saarinen incluyó ladrillos teñidos en varios colores y escaleras de fantasía diseñó espacios ilimitados; en la década de 1950 produjo varias estructuras cubiertas con cúpulas espectaculares, como el auditorio Kresge, en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (1955) y el Ingalls Hockey Rink (1959, Yale).
Alcanzó la máxima brillantez en la terminal de la compañía aérea TWA, en el aeropuerto internacional Kennedy, de Nueva York, en 1962. En sus planos para el Aeropuerto Internacional de Dulles, acabado en 1963, introducía el nuevo concepto de sala de embarque, que cubría con un tejado de losas de hormigón suspendidas por cables. Prefería construir edificios institucionales, su único rascacielos, el de la CBS, acabado en 1965, fue el primero en Nueva York realizado en hormigón armado. Murió muy joven en Ann Arbor, Michigan, el 1 de septiembre de 1961, a título póstumo recibió la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos, que recogió su viuda, Aline B. Saarinen, crítica de arte.
Obras referenciales de Eero Saarinen
1935. El Teatro Sueco
Situado en Helsinki, en la plaza Erottaja al final de Esplanadi. Fue el primer escenario nacional de Finlandia.
Esta obra se realizó en 3 etapas distintas, 1860,1866 y 1935.
El arquitecto que realizó la obra en 1860 fue Georg Theodor Chiewitz (1815 – 1862).
La obra de 1866 la realizó el Arq. Nikolaj Benois (1813 – 1898).
La obra de 1935 fueron los arquitectos Eero Saarinen y Jarl Eklund (1876 – 1962).
1938-1940. Kleinhans Music Hall, Buffalo, New York. junto a Eliel Saarinen
Sala de conciertos que alberga la Orquesta Filarmónica de Buffalo y otras organizaciones musicales locales.
Su donante Edward L. Kleinhans dio el nombre a la sala. En 1964, en la sala de conciertos dio un discurso Robert F. Kennedy, quien se postulaba para ser elegido senador demócrata en representación de Nueva York, frente a una audiencia de 6.000 personas, y en 1967, el Dr. Martin Luther King, Jr. dio un discurso titulado «El futuro de la integración».
El edificio presenta dos curvas parabólicas opuestas, que forman las paredes en la parte trasera del auditorio principal más grande y la sala más pequeña, con el auditorio principal en forma de triángulo con lados y un vértice curvo en la parte trasera del edificio.
El exterior del edificio está revestido de ladrillo pulido con paneles de piedra caliza en las marquesinas, que enmarcan las puertas de entrada
Es uno de los primeros diseños más audaces de Eliel y Eero Saarinen.
El 1989 fue declarado Monumento Histórico Nacional.
Las Case Study Houses fueron experimentos de arquitectura residencial estadounidense patrocinados por la revista Arts & Architecture, que fueron encargados a los principales arquitectos de la época, entre ellos Richard Neutra (1892 – 1970), Raphael Soriano (1904 – 1988), Craig Ellwood (1922 – 1992), Charles (1907 – 1978)y Ray Eames (1912 – 1988), Pierre Koenig (1925 – 2004), Eero Saarinen (1910 – 1961), Archibal Quincy Jones (1913 – 1979), Edward Killingsworth (1917 – 2004), Rodney Walker (1910 – 2986) y Ralph Rapson (1914 – 1008).
En la búsqueda de modelos de casas baratas y eficientes para resolver el boom de la vivienda residencial en los Estados Unidos causado por el final de la Segunda Guerra Mundial y el regreso de millones de soldados.
El programa funcionó de forma intermitente desde 1945 hasta 1966. Las primeras seis casas se construyeron en 1948 y atrajeron a más de 350.000 visitantes. No se construyeron todos los 36 diseños, la mayoría se hicieron en Los Ángeles, uno en San Rafael en el norte de California, y otro en Phoenix, Arizona
Varias de las casas aparecieron en la revista en icónicas fotografías en blanco y negro del fotógrafo de arquitectura Julius Shulman (1910 – 2009).
1949-1956. Centro Técnico de General Motors, Warren, Township al norte de Detroit. Michigan.
El Tech Center fue el primer gran proyecto independiente de Eero Saarinen después de dejar la empresa de su padre.
Fue el paso imprescindible para su éxito posterior.
Colaboró con consultores de diseño y artistas, incluidos Alexander Girard (1907 – 1993) y los diseñadores de la Cranbrook School Harry Bertoia (1915 – 1978), Maija Grotell (1899 – 1973) y Florence Knoll (1917 – 2019).
«Donde el hoy se encuentra con el mañana»
Su diseño integra la arquitectura, la planificación, el diseño civil, el interiorismo, las bellas artes y la arquitectura paisajística que la realiza Thomas Church (1960).
Las obras de arte incluyen obras de Harry Bertoia, Alexander Calder (1898 – 1976) la fuente en el extremo norte del estanque reflectante principal, Antoine Pevsner (1884 – 1962) escultura, El vuelo del pájaro, también conocido como pájaro en vuelo, en el extremo sur del mismo estanque, y pinturas de Charles Sheeler (1883 – 1965) y Jimmy Ernst (1920 – 1984).
GM adquirió un terreno con más de tres millones de metros cuadrados (300 hectáreas) y contrato a los arquitectos a Saarinen y Swanson. En 1945 fue el mayor proyecto arquitectónico de los EE. UU y supuso una revolución en el campo de la arquitectura industrial. No hubo limite al presupuesto, pasando de los 60 millones iniciales a los 100 millones de dólares. La construcción se inició en 1949 y su inauguración en 1956 fue cubierta por una difusión periodística sin precedentes, contando con un discurso televisado del presidente Eisenhower para toda la nación y con la presencia en Warren de estrellas del Hollywood de la época. El plan maestro original del campus, estaba compuesto por veinticinco edificios repartidos en grandes espacios abiertos y avenidas lineales. El Centro Técnico de General Motors fue distribuido alrededor de un lago de 9 hectáreas que contenía cuatro islas, al estilo del diseño de Mies Van de Rohe para el campus del Instituto de Tecnología de Chicago. Cinco complejos de edificios rodean el lago, uno en cada extremo y tres sobre su lado oriental. Los edificios son bajos, con estructuras de tres pisos y amplios ventanales con vistas a los parques. https://youtu.be/lpgkJf6p47o
En el 2000 fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos y en el 2014 fue designado Monumento Histórico Nacional.
North Campus, University of Michigan, Ann Arbor, Michigan
North Campus, University of Michigan, Ann Arbor, Michigan
Este campus se construyó fuera de los límites de la ciudad, en una gran parcela de 3,2 km2, que en 1922 había comprado la universidad.
Su arquitectura es de líneas más modernistas que la mayoría de los edificios del campus que son clásico o gótico colonial. Eero Saarinen, desde su sede en Birminghal en Michigan creo uno de los primeros planes maestros para el Morte y diseño varios edificios en la década del 50 incluido el edificio de la Escuela de Música Earl V. Moore.
La mayoría de los espacios de enseñanza de la escuela, las oficinas de la facultad y la biblioteca de música se encuentran en el edificio Earl V. Moore. Este edificio lleva el nombre de un antiguo decano de la escuela, y fue diseñado en un estilo moderno de mediados de siglo por el Saarinen.
Recibe el encargo de diseñar el plan maestro para el Campus Norte de la Universidad de Michigan, el diseño del edificio de la escuela de música (que ahora es el Edificio Earl V. Moore).
El plan original requería un edificio en forma de L y una sala de conciertos circular. Terminado en 1964, el resultado fue un pabellón de cinco niveles con alas flanqueantes. Saarinen imaginó un edificio en armonía con la naturaleza, por lo que diseñó el edificio para que se construyera en una colina con vistas a un estanque. La estructura de hormigón revestida de ladrillo tiene ventanas verticales estrechas que contrastan con los patrones horizontales de ladrillo, que se cree que representan los colores alternos de las teclas del piano. El color ladrillo se conoce como «Cranbrook Buff» por su referencia al “color de los edificios en el campus de la Comunidad Educativa de Cranbrook. El estilo de este edificio ha influido en casi toda la construcción posterior del Campus Norte”.
“El edificio original contenía 2 salas de ensayo/conciertos, 45 estudios de enseñanza de interpretación, 18 aulas, 40 oficinas, una gran biblioteca, 120 salas de ensayo, incluidas 12 salas de práctica de órgano, y otras instalaciones especiales para la práctica de piano, arpa, clavicémbalo y percusión. La construcción de este edificio permitió el primer aumento en la matrícula desde 1946”.
Durante la construcción del edificio, Saarinen fue diagnosticado con un tumor cerebral, pero pudo ver el progreso del edificio desde su habitación en el Hospital Universitario.
Según el informe financiero presentado por el presidenteHarlan Hatcher a la Junta de Regentes en 1966, la Universidad de Michigan tenía la segunda escuela académica de música en los Estados Unidos, después de la Escuela de Música de la Universidad de Indiana. El campus de Ann Arbor y la División Universitaria del Campamento Nacional de Música en Interlochen inscribieron la sesión de música de verano más grande de los Estados Unidos.
El Campus Norte es sede de la Facultad de Ingeniería, la Escuela de Arte y Diseño Stamps, la Facultad de Arquitectura y Urbanismo Taubman y la Escuela de Música, Teatro y Danza (SMTD).
Cuenta Mari Reyes-Toidze guía del Campus. Menciona lo hermoso que es el campus de Ann Arbor …” Hay tantas cosas en el Campus Norte que los estudiantes que frecuentan el campus pasan por alto, por lo que estoy aquí para arrojar algo de luz sobre las partes únicas que quizás aún no hayas visto o de las que no hayas oído habla” …”En cualquier época del año, el Campus Norte tiene vistas increíbles. Es inigualable caminar alrededor del edificio SMTD y subir a los edificios residenciales. Durante la caminata de 30 minutos de los senderos, te acompañan pájaros y animales que deambulan por alli. Los árboles cubren el camino”. Luego de jugar con el columpio que esta junto a la torre del reloj se llega al Pierpont Commons, un edificio que tiene una galería de arte, sillones de masajes en el sótano y muchos buenos lugares para comer alternativos al comedor de Bursley”.
Ideal para estudiar es la Biblioteca Duderstadt (“The Dude”) y el edificio de Arte y Arquitectura.
The Dude, es una enorme biblioteca de tres pisos, un gran sótano (oscuro sin ventanas) una cafetería en el 3ndo piso, y con áreas para sentarse al aire libre o a cubierto, ideal para estudiar y trabajar, con iluminación natural “que ofrece a muchos estudiantes un hogar lejos del hogar y una zona aislada y segura con muchas joyas ocultas”.
Renovación
Torre Lurie
El Campus Norte es el más contiguo, construido independientemente de la ciudad en una gran parcela de tierras de cultivo, de aproximadamente 3,2 km2, que la universidad compró en 1952.
Es más nuevo que el Campus Central y, por lo tanto, tiene una arquitectura más modernista, mientras que la mayoría de los edificios del Campus Central son de estilo clásico o gótico colegial. Eero Saarinen, creó uno de los primeros planes maestros para el Campus Norte y diseñó varios de sus edificios en la década de 1950, incluido el edificio de la Escuela de Música Earl V. Moore.
Los campus Norte y Central tienen campanarios únicos que reflejan los estilos arquitectónicos predominantes de su entorno. Cada uno de los campanarios alberga un gran carillón, 2 de los 57 que hay en todo el mundo. La torre del Campus Norte se llama Torre Lurie. La residencia más grande de la Universidad de Michigan, Bursley Hall, es parte del Campus Norte.
El campo de golf de la Universidad de Michigan fue diseñado por el arquitecto escocés Alister MacKenzie (1870 – 1934) e inaugurado en 1931. Fue quien diseñó el Augusta National Golf Club en Georgia, sede del Torneo de Maestros.
La revista Sports Illustrated en 2006, dice que tiene uno de «los mejores hoyos jamás diseñados por el arquitecto.
1953-1957. Casa Miller, Columbus, Indiana. Eero Saarinen. Propietario el industrial, y filántropo J. Irwin Miller y su familia.
1953-1958. Estadio de Hockey David S. Ingalls, Universidad de Yale (restaurado)
1953-1958. Seminario Teológico Concordia, Fort Wayne, Indiana
Concordia Senior College era una universidad de artes liberales ubicada en Fort Wayne, Indiana, y afiliada a la Iglesia Luterana Sínodo de Misuri (LCMS), fundada en el año 1957, cerró en 1977.
Eero Saarinen, creó una serie de edificios con techo a dos aguas para la escuela teológica, dispuestos como un pequeño pueblo alrededor de un lago y todos orientados en la misma dirección. En el centro del campus se encuentra la Capilla Kramer, de sección triangular, donde los ladrillos con forma de diamante están iluminados por la luz natural que se filtra desde sus bordes.
El campus sufrió daños cuando un tornado lo azotó en 2001, pero la mayoría de los edificios de Saarinen resultaron ilesos.
En 1955, Eero Saarinen fue contratado para desarrollar un segundo plan maestro, que condujo a la construcción de edificios tanto al norte como al sur de Midway, incluido el Laird Bell Law Quadrangle, una serie de edificios de arte; un edificio diseñado por Ludwig Mies van der Rohe para la Escuela de Administración de Servicios Sociales de la universidad, un edificio que se convertirá en el hogar de la Escuela Harris de Políticas Públicas de Edward Durrell Stone, y la Biblioteca Regenstein , el edificio más grande del campus con una estructura brutalista diseñada por Walter Netsch del SOM la firma de Chicago Skidmore, Owings & Merril.
1959. Embajada de los EEUU en Oslo
La impactante y monocromática embajada de Estados Unidos en Oslo, fue uno de los tres únicos edificios construidos en Europa por Eero Saarinen.
Las vallas, bolardos y guardias armados como muestras de preocupaciones por la seguridad son todo lo contrario de la intención original, dice Jonas Norsted, del estudio de arquitectura Atelier Oslo, que trabajó junto con otra firma con sede en Oslo, Lund Hagem, en la restauración y ampliación del edificio.
1960. La Facultad de Derecho en la Universidad de Chicago.
Arq. Eero Saarinen & Associates. ubicación 1111 E. 60th St. Chicago, Illinois
Desde que comenzó su construcción en la década de 1950, la Facultad de Derecho de la Universidad de Chicago ha atraído la atención de importantes figuras públicas.
El complejo de Eero Saarinen ha sido elogiado como el mayor logro de la arquitectura moderna. Las alas largas y bajas de las aulas y la administración del edificio están en consonancia con el interés modernista por la horizontalidad y el espacio entrelazado.
Fotografía de Tom Rossiter
Saarinen utilizó la misma piedra caliza de Indiana que en sus hermanos góticos. La fuente y las plantas cercanas, obra del arquitecto paisajista Dan Kiley, suavizaron las líneas.
La rehabilitación y renovación de 2008 recibió el Premio de Preservación para la Rehabilitación de la Fundación Richard H. Driehaus.
1953-1962. Terminal de la TWA. Aeropuerto J. F. Kennedy en Nueva York
Fue el máximo ícono de la era del jet, la TWA, pero los aviones dejaron obsoleto el TWA Flight Center.
El edificio parece pequeño, es pintoresco, nunca dejó de ser un vestíbulo. El edificio principal tiene dos puertas de salida, una añadida por Roche-Dinkeloo a finales de los años sesenta, ambas demolidas.
Al abaratarse el alojamiento y los viajes, el edificio dejo de ser funcional y se cerró en el 2001. El glamour del dinero, los recursos y las necesidades, son parte de su signo de identidad, el mismo que tiene el Metro de Moscú. Es una emoción estética en el fantástico espejismo de lujo de Saarinen.
“Es uno de los iconos más famosos de la modernidad de mediados del siglo XX, la terminal de la TWA, cuidadosamente restaurado durante los últimos seis años, está catalogado en el Registro Nacional de Lugares Históricos de EE. UU”.
“Una de las últimas veces que tuve la oportunidad de pasar por la terminal de la TWA fue en 1998 camino de LA, había perdido el vuelo después de estar esperando en una interminable cola y de haber llegado al aeropuerto desde Manhattan en el tranquilo Subway, recorriendo toda la ciudad de madrugada desde mi hotel en la 109. La azafata que me atendió fue extremadamente amable (ahora las líneas Lowcost, entre sus recortes para abaratar también han reducido la amabilidad) y pude coger el siguiente vuelo para Los Ángeles. Después regresaría y volvería a pasar por ella, siempre mirando de reojo, pensando que aquella era un sitio especial, pero creyendo que era atemporal”. José Juan Barba (2)
Permaneció abierto al público durante cuatro décadas hasta que se consideró poco práctico, de acuerdo con las medidas de seguridad del 2002.
Declarado monumento histórico de la ciudad de Nueva York en 1994, desde el 2005 es Lugar Histórico inscripto en el Registro Nacional de EE.UU.
Mientras que la nueva terminal JetBlue, T5 del aeropuerto JFK de Nueva York, diseñada por Gensler, rodea parcialmente la terminal de Saarinen y se situa al lado del Centro de Vuelo, el edificio principal original permanece vacío.
La Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey había abierto un proyecto de desarrollo inmobiliario y promotores de hoteles en el año 2011, que por suerte y por la enorme cantidad de reprobaciones que recibió no llegó a concretarse.
La Autoridad Portuaria ha anunciado planes para la restauración y ha retomado el proceso para solicitar de nuevo ofertas a promotores. Antes de revelar las perspectivas del proyecto, ha dedicado una cifra estimada de 20 millones de dólares en diferentes reformas iniciales. Entre las adiciones posibles se pueden incluir torres de hotel, un restaurante y una sala de estar El coste estimado anual actual por mantener la terminal vacía, entre seguridad y gastos operativos, se estima que es de 2 millones de dólares.
1954. Auditorio Kresge, Massachusetts Institute of Technology, MIT Cambridge.
ubicado en 48 Massachusetts Avenue. El edificio de Eero Saarinen lleva el nombre de su principal financiador, Sebastian S. Kresge, fundador de S. S. Kresge Stores (antecesor de Kmart) y la Fundación Kresge.
Saarinen diseñó el Auditorio Kresge en conjunto con la cercana Capilla MIT; los dos edificios están separados por un espacio verde llamado Kresge Oval. el conjunto es reconocido como uno de los mejores ejemplos de arquitectura moderna de mediados de siglo en los Estados Unidos.
El auditorio se define por una elegante estructura delgada de hormigón armado, un octavo de esfera que se eleva a una altura de 15 m, y cortada por muros de cortina de vidrio transparente para que llegue a la tierra en solo tres puntos.
La tecnología de hormigón de cáscara fina fue innovadora para la época, la cúpula es proporcionalmente más delgada que una cáscara de huevo.
La cúpula es muy liviana, y está revestida de cobre, originalmente estaba cubierto con piedra orastone lisa y brillante que se reemplazó con láminas de plomo unidas con alambres de acero inoxidable.
Al encontrarse en 1980 grietas en la estructura, el cobre reemplazó al plomo, y las paredes ahora soportan parte de la carga del techo.
Una sala de conciertos con capacidad para 1.226 personas, y en un nivel inferior alberga un pequeño teatro con capacidad para 177 personas, además de dos salas de ensayo, camerinos, oficinas, baños y salones.
La sala de conciertos tiene un órgano acústico de tubos Holtkamp, cuyos tubos resuenan visualmente como una secuencia de elementos verticales de diferentes alturas.
Todos los asientos de la sala de conciertos tienen una vista sin obstáculos, ya que no hay soportes interiores para soportar la cúpula superior.
Junto a los arquitectos acústicos Bolt, Beranek y Newman, Saarinen empleó «nubes» acústicas colgantes que absorben y dirigen el sonido, en lugar de un techo de yeso tradicional, además contienen luces, altavoces y la ventilación.
Mientras se está de pie a ambos lados del vestíbulo de entrada de Kresge, se puede escuchar claramente a las personas del otro lado hablando en una voz tan baja como un susurro. Este llamado efecto de galería susurrante es producido por la forma geométrica curvada y las superficies duras del techo.
1955. Capilla Kresge, M.I.T., Cambridge
En el diseño de la capilla para el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), Eero Saarinen se aleja de las formas fluidas y dinámicas que suelen caracterizar sus diseños para adentrarse en una tipología diferente, un simple volumen cilíndrico cuya cualidad compleja y mística se encuentra en su interior, en una capilla no confesional.
En mi paseo por el campus del MIT, una de las obras que deseaba visitar era la capilla Kresge y el Auditorium Kresge.
La vi apenas el bus entro por la Avenida Massachusetts, dejando atras el río Charles, y cruzando la calle Amherst, en el campus de la universidad de Cambridge.
La vi enfrente de nuestra dirección, en un parque, a la izquierda de la escultura “Alchemist “del español Jaume Plensa (1955) y alli estaba ella.
Para entrar hay que rodearla, entramos, y dentro de ella, todo se hizo penumbra mágica, abrazado por las paredes onduladas de ladrillo a la vista y con los caireles cayendo desde el techo.
Esta escultura de metal, realizada por Harry Bertoria (1915 – 1978) (3) cuelga de la claraboya y brilla con la luz del sol, reflejándola en todo el interior de la capilla y sobre el altar de mármol blanco.
La cascada de luz se mueve constantemente, redefiniéndose, y redefiniendo aquello que ilumina.
Eric Saarinen hizo una película sobre su padre, Eero Saarinen, que le ayudó a purgar su amargura. Ahora se enfrenta a su abuelo, Eliel Saarinen, diseñador de Cranbrook.
Extracto de la película: «El salón móvil de Eero Saarinen, el concepto del «pasajero al avión», permite su revolucionario diseño del aeropuerto de Dulles».
Extracto de la película: Eero Saarinen explica su diseño del centro técnico de General Motors (Warren, Mich.), Un punto de referencia histórico:
Extracto de la película: Eero y Eliel Saarinen compiten por el diseño del monumento de St. Louis.
Notas
1
Un carillón es un instrumento de percusión afinada que se toca con un teclado y consta de al menos 23 campanas. Las campanas están fundidas en bronce, colgadas en suspensión fija y afinadas en orden cromático para que puedan sonar armoniosamente juntas.
Se golpean con badajos conectados a un teclado de bastones de madera que se tocan con las manos y pedales que se tocan con los pies. A menudo alojados en campanarios, los carillones suelen ser propiedad de iglesias, universidades o municipios.
1960 – 1963. Universidad de Yale, New Haven, Estados Unidos.
Beinecke Rare Books Library.
Biblioteca Beinecke de manuscritos y libros raros
Arquitecto Gordon Bunshaft del SOM Skidmore, Owings & Merrill.
Arquitecto Técnico Jaros, Baum & Bolles
Ingeniero estructural Paul Weidlinger
Constructora George A. Fuller Construction Company
Ubicación
Universidad de Yale, New Haven, Estados Unidos
La Biblioteca Beinecke, está dedicada por completo a los libros raros y manuscritos, alberga los principales libros de esta especialidad en la Universidad de Yale, además de servir como centro de investigación para estudiantes, profesores y otros académicos.
Biblia de Gutemberg
La colección de manuscritos raros de Yale comenzó en 1701, cuando diez ministros se reunieron para fundar una universidad en Connecticut Colony. Los libros que donaron fueron los primeros de muchos obsequios que siguieron durante los siguientes tres siglos, incluido el críptico Manuscrito Voynich y una de las veintiuna Biblias originales de Gutenberg que se sabe que existen y se entregó a la universidad en 1926.
Hernán Cortés, Impreso en papel. Núremberg, 1524.
Mapa azteca de Tenochtitlán
El “Praeclara Ferdina[n]di Cortesi de nova maris oceani Hyspania narratio sacratissimo ac Invictissimo”, (Ilustración de Fernando Cortés sobre nuevos hechos acerca de los mares y el océano), es el mapa más antiguo de la capital azteca, Tenochtitlán, antes de que fuera destruida por Hernán Cortés (1485-1547).
En su apogeo, Tenochtitlán era la ciudad más grande de las Américas precolombinas. Como indica el mapa, la ciudad estaba construida sobre una isla con puentes que la conectaban con el continente. Estaba altamente estructurada y probablemente era más grande que cualquier ciudad europea contemporánea.
Tras aliarse con las comunidades indígenas alrededor de Tenochtitlán, Cortés sitió la ciudad durante más de noventa días, causando una hambruna masiva. Luego ordenó su destrucción, tras lo cual fue reconstruida como una ciudad española. Eventualmente, la isla se convirtió en el centro histórico de la Ciudad de México.
Originalmente, la colección de libros raros se almacenaba en estanterías especiales en Dwight Hall, que sirvió como biblioteca hasta finales del siglo XIX.
En la década de 1930, se trasladó a la Sala de libros raros de la Biblioteca Sterling. A partir de 1963 un obsequio de 3 ex alumnos de Yale, Edwin J. Beinecke, Frederick W. Beinecke y Walter Beinecke, permitió a la universidad construir un edificio de biblioteca especialmente diseñado para su creciente colección.
Su construcción comenzó en 1960 y se terminó en 1963.
Tras su finalización en 1963, la Biblioteca Beinecke recibió el desprecio abierto de los bibliotecarios de Yale. Contra el telón de fondo de los edificios neoclásicos y góticos universitarios existentes, la imponente caja modernista se consideró como una “locura flotante”.
El bibliotecario asistente Donald Wing lo llamó “el sueño de un arquitecto y nuestra futura pesadilla”.
Mientras tanto, el director de la biblioteca marcó zonas del edificio para señalar sus defectos de diseño. Sin embargo, en los más de cincuenta años transcurridos desde la apertura de la biblioteca, estas protestas se han desvanecido y la Biblioteca Beinecke se ha convertido en un elemento célebre del campus de Yale.
La Universidad de Yale, es una institución que tiene un gran impacto en la vida cultural y académica de la comunidad, el centro de la ciudad está compuesto principalmente por edificios universitarios.
La biblioteca está ubicada en The Hewitt University Quadrangle, una plaza de 61x107m, conocida como Beinecke Plaza, rodeada de otros edificios del campus.
El cuadrilátero se creó en 1901 con la construcción de los Edificios del Bicentenario de la universidad y el Woodbridge Hall. Cuando se agregó la biblioteca Beinecke al patio, se crearon pasillos subterráneos privados para conectar el edificio con la Biblioteca Sterling Memorial para que los miembros del personal transporten libros entre los edificios.
Los edificios cercanos presentan una rica diversidad de alturas, formas y escalas. El edificio se amolda a su entorno y tiene una forma rectilínea que hace referencia a la estructura de la trama urbana.
La fachada del edificio es un guiño a la alineación de la ciudad.
Esto permite un enfoque sutil y una capa adicional; que funciona como el borde de la plaza dividiendo el espacio en dos espacios públicos, la calle con un malecón y la plaza.
Concepto
Gordon Bunshaft diseñó Beinecke como una estructura de dos componentes. El componente más grande y más visible es la estructura de 6 pisos sobre el nivel del suelo que es un espacio completamente abierto que contiene una torre interior cerrada con un muro cortina de vidrio y temperatura controlada para albergar libros.
El componente más pequeño es un centro de investigación subterráneo que contiene pilas, espacio para oficinas, aulas, un área de estudio y un patio con jardín diseñado por Isamu Noguchi. El edificio se encuentra en el corazón del campus de Yale y se puede describir como un cubo de mármol gigante en marcado contraste con los edificios circundantes más antiguos que evocan más la tradición de la erudición universitaria.
En el diseño del arquitecto Bunshaft del estudio Skidmore, Owings & Merrill (5) una de las preocupaciones principales fue el control de la luz. Se requería iluminación ambiental suficiente para permitir que el edificio sirviera como lugar de estudio y lectura, sin embargo, la exposición a la luz solar podría dañar los textos cuidadosamente conservados de la colección. El compromiso de Bunshaft fue construir la fachada con paneles de mármol que, con un grosor de aproximadamente 3 cm permitieran que algo de luz se difundiera hacia el interior sin dañar la colección. Desde el exterior, el mármol blanco con vetas grises parece frío e impenetrable, pero desde el interior, la luz del sol hace que la piedra brille con un sorprendente nivel de calidez.
Muchos han descrito la Beinecke como un “joyero”, lo que no sorprende dado el cálido resplandor que emana el mármol iluminado después de que se pone el sol.
Espacios
El edificio rectangular que tiene 40m de largo, 27 de ancho y 15m de alto se levanta como un monolito compacto e independiente internamente dividido en 6 plantas sobre nivel y dos subterráneas. Una hendidura horizontal de aproximadamente 2,7m recorre todo el perímetro del edificio permitiendo que el vestíbulo de entrada quede oculto bajo la caja.
El vestíbulo de entrada, al nivel de la plaza, y al que se accede por medio de una puerta giratoria de vidrio, está acristalado y al entrar revela una amplia sala de exposiciones, La Gran Sala. Dos tramos de escaleras gemelas conectan con el piso de abajo y el balcón de exhibición de la planta superior.
Escondida de forma segura dentro de la carcasa de mármol hay una torre de cristal hermética y acristalada provista de aire acondicionado que nace en el subsuelo y continúa casi hasta el techo de la Gran Sala, con una estructura metálica propia y 6 pisos de altura (uno de ellos subterráneo) llena de pilas de “libros raros”.
Encuadernados en cuero y en algunos casos incluso dorados, hay aproximadamente 180.000 tomos dentro del pozo de vidrio, exhibidos con orgullo, a pesar de que solo son accesibles para el personal de la biblioteca.
En las estanterías subterráneas se almacenan otros aproximadamente 600.000 ejemplares convirtiéndose en uno de los edificios más grandes del mundo dedicado por completo a este tipo de libros.
Los detalles interiores originales eran exuberantes y oscuros: bronce, tapicería de cuero negro, paneles de madera, mesas y escritorios de teca, alfombras y pisos de granito. La remodelación de mediados de la década de 1990 reemplazó gran parte de los elementos textiles con muebles y materiales más contemporáneos.
Niveles subterráneos
El techo del área subterránea sirve como plaza, convirtiéndose en un hito social central en el Campus de Yale.
Debajo de la plaza hay dos niveles. El inferior contiene equipo mecánico y un gran espacio para almacenar libros. En el nivel superior el espacio dedicado a almacenaje es más pequeño, compartido con una sala de catálogos y referencias, una sala de lectura, oficinas para el personal y un patio hundido.
La luz natural ingresa a los niveles del sótano a través de este patio que recuerda a un “scriptorium” del claustro.
El término scriptorium,es literalmente “un lugar para escribir”, se usa habitualmente para referirse a la habitación de los monasterios de la Europa medieval dedicada a la copia de manuscritos por los escribas monásticos. No obstante, múltiples indicios (tanto documentales como arqueológicos) parecen indicar que tales habitaciones fueron muy poco frecuentes; la mayor parte de la escritura monástica se habría realizado en una especie de cubículos que existían en los claustros o en las propias celdas de los monjes.
Esta miniatura del siglo XV de Jean Miélot (muerto en 1472) representa al propio autor trabajando, precisamente mientras compila sus Miracles de España, en los que esta miniatura aparece
Rápidamente hacemos la asociación con la Biblioteca del Philipp Exeter de Louis Kahn, que deja en los laterales del cubo unos espacios con el mismo concepto de los “scriptorium”, son los puestos de lectura de su biblioteca.
Decía Louis Kahn que“La arquitectura proviene de hacer una habitación, ya que quien sabe hacer una habitación sabe hacer una casa, y con ella algo mayor. Sin embargo, saber hacer una habitación es lo primero…”
Los Scriptorium tienen la intimidad que da la protección, muebles acogedores que dan la escala de su espacio.
Como en el que escribe Jean Miélot los “Miracles de España”, o donde estudiaba San Jerónimo según Antonello da Messina.
San Mateo c. 1420, en un “despacho o scriptorium idealizado”. Biblioteca Británica
El patio cuenta con un jardín de esculturas diseñado por el escultor Isami Noguchi, quien utilizó exclusivamente mármol blanco en deferencia a la geometría de la propia biblioteca. Tres formas esculpidas ocupan el jardín sin plantas: una pirámide que representa la geometría de la tierra y el pasado, un disco que representa el sol y un cubo que se asemeja al azar a través del lanzamiento de dados.
Estructura
La fachada estructural del edificio, 40x27x15m, consta de cerchas Vierendeel que forman un marco cuadriculado autoportante en los cuatro lados y transfieren sus cargas a cuatro columnas de hormigón macizas en cada una de las cuatro esquinas. Estas columnas con forma de pirámide invertida transfieren las cargas a un pilar metálico revestido de granito.
Las cerchas están compuestas por cruces cónicas de acero prefabricadas, recubiertas de granito gris en el exterior y hormigón prefabricado con áridos de granito en el interior. En las bahías, entre las cruces, hay paneles de mármol blanco translúcido que permiten la entrada tenue de la luz diurna en la biblioteca, mientras bloquean el calor y los fuertes rayos del sol.
Este sistema estructural permite que el vestíbulo de la planta baja esté casi completamente acristalado, dando a los que se encuentran en la plaza frente a la biblioteca un vistazo del tesoro escondido dentro de la caja.
Materiales
Seleccionar el material para este edificio presentó una gran pregunta ya que los espacios debían estar bien iluminados para que los visitantes leyeran y estudiaran en ellos, pero la luz también debía ser sutil y no dañar los libros y manuscritos raros. Bunshaft optó por paneles cuadrados de mármol blanco de Vermont con vetas grises y 3cm de espesor colocados en un marco cuadriculado de vigas Vierendeel (3) recubiertas con granito gris claro.
La transparencia de la fachada se compone de dos capas. Uno de ellos es transparente y se utiliza para el volumen masivo que flota sobre la plaza, manteniendo alejados a los intrusos y creando las condiciones climáticas óptimas. El retranqueo de esta capa preserva los libros raros porque la luz directa del sol es incapaz de penetrar. La otra capa es translúcida, un filtro que evita la dañina luz ultravioleta.
El mármol, gracias a sus propiedades naturales, tiene un aspecto variable, lo que hace que el edificio parezca interesante y le da carácter. El elemento translúcido hace del interior un espacio cálido y emocionante, que contrasta con el frío e impactante exterior, haciendo de la experiencia y el recorrido por el edificio una empresa emocional.
En su construcción original también se utilizó bronce, acero y vidrio.
Video
Nota
1
La viga Vierendeel es una viga con forma de celosía ortogonal inventada y patentada por Jules Arthur Vierendeel al que le debe su nombre. Es una estructura de entramado denominadas como de transición, pues permite salvar grandes luces (de 6 a 27 metros dependiendo de la distancia entre verticales). Se emplea en la construcción de puentes (puente Vierendeel) y en el de vigas especiales que deben cruzar grandes vanos en edificios. Suele emplearse en materiales como metal, hormigón o incluso madera (rara ocasión). Se suele colocar como elemento estructural en forma de dintel.
2
José Juan Barba (1964). Arquitecto (1991). Doctor Arquitecto por la ETSA de Madrid “Cum lauden” por su tesis “Invenciones: Nueva York vs. Rem Koolhaas, Bernard Tschumi, Piranesi” (2004).
Premio nacional de terminación de estudios (1991). Funda su estudio en Madrid, 1992. Es crítico de arquitectura y director de la revista METALOCUS desde 1999. Asesor de diferentes ONGs hasta 1997. Profesor Titular Universidad de Alcalá de Urbanismo, Proyectos, Teoría y Crítica de la Arquitectura, en grado y máster.
Invitado en diferentes universidades (Roma TRE, Politécnico de Milán, UPMF Grenoble, ETSA Madrid, ETSA Barcelona, U. Thesaly Volos, UNAM México, F.A. Montevideo, U. Iberoamericana México, IE School, U.Alicante, U.Europea Madrid, UCJC, Washington, Medellín, ESARQ-U.I.C. Barcelona,…). Jurados de concursos. Ha publicado varios libros y recibido los premios: – “Pierre Vago” ICAC, Londres 2005. – “Panayioti Mixeli Aeard”, Atenas 2005. – “Santiago Amón” Award, C.O.A.M. Madrid 2000. – FAD Award 07 Arquin-Fad. Barcelona 2007. – World Architecture Festival. Barcelona 2008. – Gran Vía Posible. Madrid 2010. – Reforma de entorno del río Segura. Murcia 2010.
3
Harri Bartoia, con su beca para estudiar en la Cranbrook Academy of Art se encontró por primera vez con Walter Gropiusy Edmund N. Bacon. Trabajo para Charles y Ray Eames, con Hans y Florence Knoll, que es cuando realiza la Colección Bertoia para Knoll, entre ellas la Silla Diamond,
4
Bunshaft trabajó con varios arquitectos y diseñadores industriales, hasta que se convirtió en socio de Skidmore, Owings and Merrill en su sede de Nueva York. Era seguidor del Movimiento Moderno, con gran influencia por los arquitectos Mies van der Rohe y Le Corbusier. Entre sus trabajos más conocidos se encuentra la conocida como Lever House de Nueva york, que se construyó para ser la sede principal de la compañía de jabón Lever Brothers. La única vivienda unifamiliar que proyectó fue la Casa Travertino, de 210 m², hecha para su familia.
En 1988 recibió el Premio Pritzker, junto al brasileño Oscar Niemeyer.
5
Skidmore, Owings and Merrill es un estudio de ingeniería y arquitectura estadounidense, conocido por las siglas SOM.
Fundado en Chicago por Louis Skidmore y Nathaniel A. Owings en el año 1936, en 1939 se incorporó John Merrill y Gordon Bunshaft quien fuera el principal disseñador del SOM durante más de 40 años. En 1988 recibió el Premio Pritzker.
Bajo la visión de Bunshaft el SOM se caracterizó desde el principio por sus rascacielos en forma de caja de cristal, un estilo en el que fue pionero. El estudio ha construido los rascacielos más altos de los Estados Unidos, su arquitectura es sobria y elegante, sin adornos innecesarios.
Lever House, 390 Park Avenue, Manhattan
A lo largo de sus más de 65 años de existencia, SOM ha recibido más de 800 premios de arquitectura y diseño. En 1961 recibió el primer premio del Instituto Americano de Arquitectura concedido a un estudio de arquitectura, y lo volvió a ganar en 1996.
En la actualidad, un Comité Ejecutivo integrado por tres mujeres miembros del AIA dirigen la empresa Carrie Byles, Xuan Fu y Laura Ettelman.
El SOM está estructurado como una sociedad, los socios actuales son: Mustafa Abadan, Stephen Apking, William Baker, David Childs, Thomas Behr, Keith Boswell, , Larry Chien, Leo Chow, Brant Coletta, Chris Cooper, Paul Danna, Michael Duncan, Scott Duncan, Philip Enquist, , , TJ Gottesdiener, Gary Haney, Craig Hartman, Kent Jackson, Colin Koop, Brian Lee, Kennet h Lewis, Adam Semel, Jonathan Stein y Douglas Voigt.
Actualmente tiene oficinas en Chicago, Nueva York, San Francisco, Washington, Los Ángeles, Londres, Hong Kong y São Paulo.
Saarinen con su proyecto ha proporcionado una multitud de vistas, y cada vista exterior de los colegios está encerrada en un marco de otros edificios. La ilusión espacial resultante genera una sensación que es al mismo tiempo inmediata y distante.
La compra del terreno que antes ocupaban el Hillhouse High School y el Commercial High School a la ciudad de New Haven fue posible gracias a una subvención de John Hay Whitney, de la promoción de 1926 de Yale, y la construcción del colegio gracias a una subvención de Paul Mellon de la promoción de 1929 de Yale, quien donó las obras que estan exhibidas en el Centro de Arte Británico y la Old Dominion Foundation.
El colegio, ubicado en el Yale College, 55 Whitney Ave., Suite 630, New Haven, está considerado por muchos críticos de arquitectura una obra maestra de la arquitectura americana, construido con mampostería de escombros con edificios y una torre al estilo de las torres toscanas pre góticas como las que todavía existen en la ciudad medieval italiana de San Gimignano. El College se inauguró en septiembre de 1962.
Eero Saarinen, quien, debido a su temprana muerte, no llegó a ver los edificios terminados, acerca de los planos escribió “…Hemos diseñado los edificios de forma poligonal… para ofrecer una diversidad de habitaciones para estudiantes, responder a las necesidades del lugar y dar variedad y secuencia a las experiencias espaciales en los patios. Concebimos estos colegios como ciudadelas de mampostería monolítica y terrosa, edificios en los que predominaran las paredes de mampostería y cuyos interiores de piedra, roble y yeso transmitieran un espíritu de fuerza y simplicidad. Como los métodos artesanales son anacrónicos, encontramos un nuevo método tecnológico para hacer estos muros: son muros de mampostería «modernos» hechos sin albañiles”.
El Ezra Stiles (1)y el Morse Colleges, de Eero Saarinen, fueron diseñado y construido entre 1957 y 1961 en el campus de la Universidad de Yale en New Haven.
Ambos Colleges están ubicados en un sitio complejo con una calle circular al norte y una serie de edificios al sur. La solución de Saarinen fue crear un jardín de forma ovalada frente a la calle circular, a la que dan la mayoría de los dormitorios. Este jardín se abre a un callejón o corredor que conecta el edificio con el cuadrilátero de Humanidades en el sur. Esta solución crea cuatro tipos de espacios abiertos alrededor del edificio: el mencionado jardín oval, dos pequeños jardines privados al este y al oeste (cada uno de ellos para un College diferente), y un jardín al sur que organiza las circulaciones de los edificios adyacentes y las calles peatonales.
Plano del sitio. Colección Eero Saarinen (MS 593). Manuscritos y archivos, Biblioteca de la Universidad de Yale
El proyecto de Saarinen crea un diálogo material y formal con los edificios del campus, no sólo con los que comparten el bloque sino también con la estética general de la universidad.
El complejo es parcialmente simétrico, continuando con la estética de algunos edificios neogóticos de la universidad y sus dos torres coinciden con las proporciones de la Biblioteca Sterling, el edificio del gimnasio y otras facultades.
Biblioteca Sterling
Conmemorando la coeducación de graduados de las Primeras mujeres Ph.D. de Yale, 1894.
De izquierda a derecha:
Cornelia H.B. Rogers (Lenguas y Literaturas Romances), Sara Bulkley Rogers (Historia), Margaretta Palmer (Matemáticas), Mary Augusta Scott (Inglés), Laura Johnson Wylie (Inglés), Charlotte Fitch Roberts (Química), Elizabeth Deering Hanscom (Inglés) Pintado en 2015 por Brenda Zlamany
Detalles del edificio de Saarinen
Los edificios lucen en sus muros material de hormigón marrón con agregados de piedra en algunas partes, que coincidían con los colores típicos de los edificios adyacentes. Saarinen no pretende competir en altura o con una forma formal exagerada, sino que reinterpreta la tipología de la universidad con un lenguaje contemporáneo.
Maqueta del sitio. Colección Eero Saarinen. Manuscritos y archivos, Biblioteca de la Universidad de Yale
Boceto. Fuente: Colección Eero Saarinen. Manuscritos y archivos, Biblioteca de la Universidad de Yale
Los edificios de Ezra Stiles y Morse están dispuestos en forma aproximadamente circular alrededor de patios asimétricos, a los que se abren desde varios niveles. Cuando se ven por primera vez desde el exterior, crean la impresión de que el interior debe ser oscuro y lúgubre, parece no haber suficientes ventanas. Sin embargo, las habitaciones están inundadas de luz y aire. La impresión inicial de oscuridad se debe al hecho de que las ventanas y las paredes no forman los patrones convencionales que se encuentran en estructuras más antiguas. La configuración cambiante de luces y sombras, colores y matices constituye uno de los atributos singulares de este estilo arquitectónico.
En las paredes y en los patios hay una serie de esculturas de hormigón moldeado del escultor siciliano Costantino Nivola (1911 – 1988). No son figurativas e invitan a la interpretación.
Sobre las puertas de entrada y en el comedor hay enormes lámparas de hierro diseñadas por Oliver Andrews (1925 – 1978), un escultor Californiano.
Costantino Nivola se encuentra con Le Corbusier
El encuentro con Le Corbusier en 1946 es para Nivola un momento decisivo en su vida artística. El choque cultural del exilio y de la reubicación en un nuevo entorno lo había descentrado.
En América, el contacto con otros artistas y arquitectos europeos que habían emigrado para escapar de la persecución nazi, le lleva a dudar de su creatividad. Le Corbusier pone fin a estas incertidumbres.
Nivola conoce al maestro del modernismo poco después de la llegada de Le Corbusier a Nueva York como miembro de un equipo internacional de arquitectos encargados del diseño de la nueva sede de las Naciones Unidas, y comienzan una amistad destinada a durar hasta la muerte del arquitecto en 1965.
En el tiempo libre que le queda de las sesiones de diseño para la ONU, Le Corbusier utiliza el taller de Nivola en Nueva York para pintar, y a menudo es huésped en su casa de Long Island. Durante este tiempo, Le Corbusier introduce a Nivola en el arte modernista, enseñándole los principios fundamentales de la forma.
El artista abandona su antiguo estilo figurativo, vivo y elegante, pero todavía bastante tradicional, para iniciar un período de intensa experimentación. Entre 1947 y 1950 realiza pinturas y multitud de dibujos inspirados en el postcubismo, en las pinturas de Le Corbusier y Fernand Léger (1881 – 1955), así como en el surrealismo.
El comedor se caracteriza por sus fuertes verticales de piedra y cristal, que se elevan hasta 9,14 metros de altura en el interior. Tiene un escenario elevado, donde se realizan representaciones teatrales, conciertos, películas, lecturas de poesía y simposios.
Oficina de Stiles
En los archivos de la Biblioteca de la Universidad se encuentran el gabinete de la oficina del presidente Stiles, alli se ven dos sillas de nogal (regalo del benefactor de Yale Stephen V. Harkness), un reloj de pie inglés y el abanico de bodas de su esposa.
Su mecedora favorita (regalo del famoso jugador de futbol americano Malcolm D. Aldrich), dos candelabros de bronce y una mesa basculante.
En la biblioteca diversas cartas y manuscritos de Stiles, su «Plan de una universidad» y «Conferencia inaugural», su diploma de Yale College y libros sobre Yale de la biblioteca del ingeniero George H. Nettleton.
El edificio de Ezra Stiles ganó el Premio de Honor de Arquitectura del Instituto Americano de Arquitectos 2013.
El Ezra Stiles College y el Morse College (lleva el nombre de Samuel Morse(5) son dos de los catorce colegios residenciales de la Universidad de Yale.
Arquitectónicamente, es conocido por su falta de ángulos rectos entre las paredes en las áreas de estar. Ambos College comparten muchas instalaciones.
Origen
Patio del Colegio Morse
En su informe sobre el año 1955-56, el presidente de Yale, Alfred Whitney Griswold (1906 – 1963), anunció su intención de agregar al menos un colegio residencial más al sistema Yale. «Tenemos los colegios tan llenos que la vida comunitaria, la disciplina, la educación, incluso la sanidad se está resintiendo”.
En su informe sobre el año 1955-56, el presidente de Yale, Alfred Whitney Griswold (1906 – 1963), anunció su intención de agregar al menos un colegio residencial más al sistema Yale. «Tenemos los colegios tan llenos que la vida comunitaria, la disciplina, la educación, incluso la sanidad se está resintiendo”.
Alfred Whitney Griswold
El terreno se consiguió demoliendo la Escuela de Entrenamiento Manual Boardman y la Escuela Secundaria Hillhouse.
La Fundación Old Dominion, dirigida por Paul Mellon en 1929, proporcionó el dinero para construir dos universidades «radicalmente diferentes», lo que aliviaría la creciente presión sobre las universidades más antiguas.
La donación de Mellon de 15 millones de dólares condujo al desarrollo de Morse y su universidad adyacente, Ezra Stiles College.
Diseño
El Morse College (1) es una estructura ecléctica construida en un sitio extraño y angular.
La construcción original del colegio consistía casi en su totalidad en habitaciones individuales, y en un intento moderno de capturar el espíritu de la arquitectura gótica, Saarinen eliminó todos los ángulos rectos de las áreas de estar. (han llamado al diseño una «sátira antimasónica en ladrillo y mortero». Por supuesto, hay ángulos rectos en cada ventana, entre el suelo y las paredes, y entre las paredes y los techos). Ese “no angulo” resultó evidente en dos habitaciones que tenían once paredes, ninguna de las cuales era lo suficientemente larga como para poner la cama y aun así poder abrir la puerta.
Saarinen escribió en una descripción de los planos arquitectónicos: «De alguna manera, la arquitectura tuvo que declararlos como colegios, no como dormitorios, …Hemos hecho los edificios poligonales, sus formas derivan de querer proporcionar la diversidad de habitaciones para estudiantes, para responder a las necesidades del sitio y para dar variedad y secuencia de experiencias espaciales en los patios. Concebimos estos colegios como ciudadelas de mampostería monolítica y terrosa, edificios donde las paredes de mampostería serían dominantes y cuyos interiores de piedra, roble y yeso llevarían a cabo el espíritu de fuerza y simpleza”.
En un artículo de 1959 en el Yale Daily News, Eero Saarinen discutió su diseño para Morse, señalando que «su esfuerzo principal fue crear una arquitectura que reconociera al individuo como tal en lugar de un número entero anónimo en un grupo».
Los ángulos rectos se han reintroducido en la arquitectura del Morse College después de la renovación en 2010.
El colegio ofrece varias comodidades a sus «bocados» (4) residentes. La torre principal de catorce pisos ofrece una vista de todo New Haven. Las áreas comunes de la universidad incluyen air hockey, billar, ping-pong, futbolín y gran televisor.
Un ambiente más tranquilo se encuentra en Ericka’s Room, un espacio lleno de cómodos sofás, con TV y juegos de mesa, su nombre es un homenaje a la alumna Ericka Bishop, quien fue asesinada por un conductor ebrio al comienzo de su tercer año de estudios.
Morse tiene un colegio residencial «gemelo» adyacente llamado Ezra Stiles que es arquitectónicamente similar y fue construido al mismo tiempo. Las dos universidades distintas comparten un comedor, sobre el cual corre un pasillo público hacia el Payne Whitney Gymnasium.
Arquitectónicamente, Morse y Stiles difieren de sus predecesores por tener más espacio privado por estudiante y la relación más baja entre la apertura de luz natural y la superficie de la pared de cualquier otra universidad.
Ambas tienen una arquitectura única que las diferencia de las otras universidades y, a veces, entre sí.
El Morse College fue completamente renovado durante 2009-2010, se actualizaron las instalaciones de la universidad para satisfacer las crecientes necesidades de los estudiantes, al tiempo que conserva el diseño y el estilo de Saarinen.
La renovación ha permitido tener nuevos espacios recreativos subterráneos, que incluyen un teatro, salas de práctica de música, un estudio de tejido, un estudio de grabación, una sala de medios digitales, gimnasio y espacios para danza y actividades aeróbicas. El espacio une Morse con su vecino Ezra Stiles College a través de un patio subterráneo atravesado por un puente peatonal. Los antiguos 1.086 m2 de espacio social compartidos aumentaron a 1.421 m2.
Se actualizaron todas las instalaciones mecánicas y eléctricas, un nuevo techo, nuevas ventanas, seguridad contra incendios y accesibilidad para discapacitados, aire acondicionado en los espacios públicos para facilitar la interacción social, ampliándose y modernizándose la cocina y los comedores.
Los estudiantes de primer año se alojan exclusivamente en el histórico Durfee Hall, construido en 1871, uno de los edificios más antiguos del campus de Yale.
Patio de la universidad, con el Gimnasio Payne Whitney al fondo
Su arquitectura, asi como la de muchos maestros, no pretende agradar o satisfacer el gusto de todos, la prueba es que algunos lo consideran uno de los «patitos feos» de Yale. El colegio consta de muchas habitaciones individuales y suites, en un intento moderno de capturar el espíritu de la arquitectura gótica.
Como ninguna de las paredes interiores forma ángulos rectos, muchas de las habitaciones del Stiles están equipadas con escritorios y estanterías empotradas. En el pasado, la universidad contaba con un sistema de calefacción en los pisos de piedra, pero los problemas de mantenimiento llevaron a Yale a cambiarlos e instalar radiadores.
La parte trasera de la librería es una de las paredes del patio. En el otoño de 2010, la remodelación del Morse College adyacente dio a los estudiantes de Stiles acceso al Underground Crescent Theater. Las obras en Stiles comenzaron en el verano de 2010 y finalizaron en agosto de 2011. Entre otras cosas, se agregaron suites a la universidad y se restauraron varias luminarias enormes diseñadas por el escultor de la UCLA Oliver Andrews, que pretendían ser versiones abstractas y contemporáneas de «el tipo de cosas que encontrarías en un castillo antiguo».
Durante la Semana de las Artes, la universidad ha incluido el Festival de Cine Estudiantil Stiles, un evento formal que presenta películas de todos los estudiantes de Yale independientemente de su especialidad o afiliación a la universidad residencial.
Notas
1
El nombre del college es en honor a Ezra Stiles, un eminente teólogo, abogado, científico y filósofo estadounidense, que se desempeñó como séptimo presidente de Yale entre 1778 y 1795, pertenecía a la clase de Yale del año 1746.
El historiador Edmund Morgan (1916 – 2013) describe a Ezra Stiles “Aunque llegó a ser el hombre más erudito de su generación en Estados Unidos, siguió interesándose más por lo que no sabía que por lo que sabía. Las nuevas ideas lo llevaron de la infidelidad a la fe, de la lealtad a Gran Bretaña al orgullo por los Estados Unidos, del constitucionalismo conservador a la democracia radical. Nunca dejó de buscar la siguiente idea”.
2
Ada Louise Huxtable (1921 – 2013) fue una escritora y crítica de arquitectura que ubicó al periodismo de arquitectura y diseño urbano de tal manera que generó una amplia conciencia pública sobre el entorno urbano.
En 1970, recibió el primer Premio Pulitzer de Crítica. El crítico de arquitectura Paul Goldberger, ganador en 1984 del Premio Pulitzer de crítica arquitectónica, dijo en 1996: «Antes de Ada Louise Huxtable, la arquitectura no formaba parte del diálogo público».
“Eero Saarinen 1910-1961. Un expresionista estructural”.
Editorial Taschen. Colonia, 2009
ISBN 978-3-8365-1331-9
ISBN 978-3-8228-2866-3
25 x 31 cm. Cartoné. PP. 98. editor Peter Gössel(3)
Su larga colaboración con Knoll le permitió realizar diseños de muebles que se han hecho famosos como la “silla Grasshopper” y el “sillón Womb”.
Saarinen para Knoll International 1965. Precio 5.488 €
“Sillón Womb”. Precio 10.890 € con apoya pies
Su primera esposa fue Lilian Swann Saarinen desde 1939 a1953, en 1954 hasta su fallecimiento en 1961 estuvo casado con Aline Bernstein Saarinen, una reconocida crítica de arte y arquitectura.
El libro sobre Saarinen está profusamente ilustrado, y narra en detalle su vida y su obra desde sus estudios y primeros pasos hasta sus proyectos referenciales, explora cómo cada uno de sus diseños amplió los límites del paisaje moderno.
«Con el estadio de hockey de Yale, Saarinen inició una nueva etapa en su trayectoria de exploración de formas orgánicas aprovechando las posibilidades del hormigón armado. Esa instalación deportiva, una de sus primeras estructuras suspendidas, cubre un área de 25.90 por 60.90 metros con capacidad para 3.000 espectadores. Su función primaria era albergar partidos de hockey, pero debía ser multiusos.
Saarinen trabajó estrechamente con Fred Severud, el ingeniero estructural del arco del monumento a Thomas Jefferson, que le permitió diseñar una cubierta ligera y ondulante que contrasta con la típica forma de los edificios circundantes.
“… Un arco parabólico de hormigón armado, con curvatura inversa en sus extremos, surca el eje longitudinal. Desde esta especie de columnata vertebral, cables metálicos transversales, de 25 centímetros de diámetro, insertados a intervalos de 1,80 metros, se extienden hasta fijarse en dos vigas, también de hormigón y de perfil similar, a la altura del suelo”.
Su socio fue Kevin Eamonn Roche (Dublín 1922 – 2019 Guilford) (5) arquitecto estadounidense de origen irlandés, en 1982 Roche ganó el Premio Pritzker de arquitectura, el máximo galardón de esta especialidad, comparable al Premio Nobel.
Kevin Roche comenzó a estudiar en 1940 en la Universidad de Dublin. Después de graduarse en 1945, Roche trabajó para Michael Scott en Dublín.
Poco después de la muerte de Saarinen,Kevin Roche, apareció en un documental que conmemoraba el trabajo de Saarinen donde comentaba: «La gran lección que nos da esta obra es sobre la habilidad de Eero para controlar la línea y la forma. Si se forma una línea recta, no hay dirección, pero, si se la tuerce, dicha línea se convierte en una línea dinámica. El gran desafío consiste en controlar ese dinamismo y aplicarlo a la construcción de un edificio».
La audaz geometría de este proyecto repercutiría más tarde en las escultóricas formas de la terminal de TWA en Nueva York.
El escultor Oliver Andrews fue el autor de la iluminación instalada en la parte superior de una de las curvaturas que aumenta el efecto de elevación del cielorraso y señala el emplazamiento de la entrada principal. El estado de hockey se sigue utilizando para su propósito original».
Saarinen fue reconocido por sus diseños de líneas curvadas, especialmente en las cubiertas de sus edificios, con las que conseguía imprimirles una gran ligereza. Se le asocia frecuentemente con la denominada “arquitectura internacional”.
Eero Saarinen
Nació en Kirkkonummi, Finlandia el 20 de agosto de 1910, falleció el 1 de septiembre de 1961 a los 51 años de un tumor cerebral en Ann Arbor, Míchigan.
Estudio en la Académie de la Grande Chaumière y en Yale School of Architecture.
Academia Estadounidense de las Artes y las Letras
Distinciones FAIA y Medalla de Oro de la AIA.
Su madre fue la escultora Louise (Loja) Gesellius, y su padre fue el conocido arquitecto Eliel Saarinen. Sus padres emigraron a los EEUU cuando tenía 13 años.
Silla Útero, Modelo N.º 70, diseñada en 1947-1948. Museo Brooklyn
Eero Saarinen estudió escultura en la Academia de la Grand Chaumiére de París y posteriormente arquitectura en la Universidad de Yale.
Recibió una beca para viajar a Europa, donde permaneció dos años. A su regreso fue profesor de arquitectura en la Academia de Arte Cranbrook, y en el estudio «Saarinen, Swansen and Associates», encabezada por Eliel Saarinen y Robert Swansen desde finales de 1930 hasta la muerte de Eliel en 1950.
El estudio funcionó en Bloomfield Hills, Míchigan, hasta 1961 que se trasladaron a Hamden, Connecticut.
Recibió por primera vez un importante reconocimiento, mientras aún trabajaba para su padre, por una silla diseñada en 1940 junto con Charles Eames para el concurso «Organic Design in Home Furnishings», por la que fueron premiados.
El 1 de octubre de 1940, el Departamento de Diseño Industrial en el Moma (Museo de Arte Moderno de Nueva York) anunció un concurso de ideas a nivel nacional, cuyos diseño se realizarían través de un esfuerzo de cooperación entre diseñadores, fabricantes y distribuidores.
«Un diseño se puede llamar orgánico si en el objeto pensado como un todo hay una relación armónica entre los elementos individuales en materia de estructura material y su fin”. (8)
La «silla Tulip», como todas las demás sillas Saarinen, fue producida por la compañía de muebles Knoll, fundada por Hans Knoll, quien estaba casado con Florence (Schust) Knoll, una amiga de la familia de Saarinen,
Cuando aún trabajaba para su padre, recibió también el primer premio en el concurso para el diseño del monumento Jefferson National Expansion Memorial, en St. Louis, que no se terminó hasta la década de 1960.
Como curiosidad, podemos comentar que el premio fue enviado erróneamente a su padre.
Durante su larga asociación con Knoll diseñó muchas piezas importantes de mobiliario incluyendo la silla de salón «Grasshopper» y el otomano (1946), la silla y la otomana «Womb» (1948), el sofá «Womb» (1950), y su más famoso grupo «Tulip» o «Pedestal» (1956), que ofrecía sillas de lado y de brazo, comedor, café y mesas laterales, y un taburete. Se llama “otomano” a un asiento bajo o un taburete que suele estar tapizado y acolchado.
Serie Tulipan, en Viadurini 1.746 €
Todos sus diseños tuvieron enorme demanda, excepto la silla de salón «Grasshopper», que, aunque estuvo en producción hasta 1965, no tuvo tanto éxito.
Una de las obras más tempranas de Saarinen en recibir la aclamación internacional es la escuela de Crow Island en Winnetka, Illinois (1940).
Escuela de Crow Island
El primer trabajo importante de Saarinen, en colaboración con su padre, fue el centro técnico de General Motors en Warren, Míchigan, que sigue el estilo racionalista del estilo “Miesian”, incorporando el acero y el vidrio, pero con el acento agregado de los paneles en dos tonalidades de azul, fue construido en 1956, Saarinen usaba maquetas, lo que le permitía compartir sus ideas y recoger las aportaciones de otros profesionales.
Debido al éxito del centro, fue invitado por otras grandes corporaciones estadounidenses como John Deere, IBM y CBS para diseñar su nueva sede u otros edificios corporativos importantes. Diseños con ideas racionales que sin embargo en sus interiores incluía dramáticas escaleras mecánicas.
En sus edificios incluía sus muebles como la Serie Pedestal.
En la década de los 50 comenzó a recibir más encargos de las universidades estadounidenses para los diseños de campus y edificios individuales. Estos incluyeron el dormitorio de Noyes en Vassar, Hill College House en la Universidad de Pensilvania, así como una pista de hielo, el Ingalls Rink, Los Colleges Ezra Stiles & Morse en la Universidad de Yale, la maravillosa MIT Chapel y el vecino Kresge Auditorium en el MIT y la escuela de Derecho en la Universidad de Chicago.
Opera de Sídney
Jørn Utzon, al fondo la ópera de Sídney
Saarinen formó parte del jurado para la construcción de la Ópera de Sídney en 1957 y fue crucial en la selección del diseño ahora internacionalmente conocido de Jørn Utzon (1918 – 2008).
Un primer jurado que no incluyó a Saarinen había descartado el diseño de Utzon en la primera ronda.
Saarinen revisó los diseños descartados, reconoció una calidad en el diseño de Utzon, y lo defendió asegurando la adjudicación del primer premio a Utzon.
Su propio estudio de arquitectura
Después de la muerte de su padre en julio de 1950, Saarinen fundó su propio estudio de arquitectura «Eero Saarinen and Associates«.
Fue el socio principal desde 1950 hasta su muerte ocurrida en 1961.
Con la dirección de Eero Saarinen, el estudio llevó a cabo muchos de sus proyectos, incluyendo el Complejo Holmdel de Bell Labs en Holmdel Township, Nueva Jersey, el Jefferson National Expansion Memorial (incluyendo el Gateway Arch) en San Luis, Misuri, la Casa Miller en Columbus, Indiana, el TWA Flight Center en el aeropuerto internacional Kennedy de Nueva York (junto con Charles J. Parise), la terminal principal del aeropuerto internacional de Dulles cerca de Washington D. C., la nueva terminal del este del aeropuerto de Atenas que abrió en 1967, etc.
Muchos de estos proyectos usan curvas de catenaria en sus diseños estructurales.
Una de las estructuras de hormigón de capa fina más conocidas en América es el Auditorio Kresge (MIT).
Otra estructura de cubierta delgada que creó es la pista Ingalls de Yale, que tiene cables de suspensión conectados a una única columna vertebral de concreto y es apodada «la ballena». Sin duda, su obra más famosa es el TWA Flight Center, que representa la culminación de sus diseños anteriores y demuestra su expresionismo neofuturístico posible gracias a la maravilla técnica de su cubierta de hormigón.
Eero también trabajó con su padre, madre y hermana diseñando elementos del campus de Cranbrook en las colinas de Bloomfield, Míchigan, incluyendo la escuela de Cranbrook, la escuela de Kingswood, la academia de arte de Cranbrook y el Cranbrook Science Institute.
Saarinen se hizo famoso por sus diseños de líneas curvadas, especialmente en las cubiertas de sus edificios, con las que conseguía imprimirles una gran ligereza. Se le asocia frecuentemente con lo que se denomina “arquitectura internacional”.
Fallecióel 1 de septiembre de 1961, a la edad de 51 años mientras se sometía a una operación por un tumor cerebral. Estaba en Ann Arbor, Míchigan mientras supervisaba la realización de un nuevo edificio de música para la escuela de música, del teatro y de la danza de la Universidad de Míchigan. Está enterrado en el cementerio White Chapel Memorial Park, en Troy, Míchigan.
Notas
1
Samuel Morse era el hijo de Jedidiah Morse, quien se opuso a los Illuminati en sus intentos de subvertir la Nueva Inglaterra calvinista.
2
Pierluigi Serraino, es un arquitecto en activo e innovador del diseño que ejerce en el área de la Bahía de San Francisco.
Sus proyectos y textos se han publicado en revistas como Architectural Record, A + U (Japón) y The Architectural Review (Reino Unido). Ha publicado varios libros sobre arquitectura como Modernism Rediscovered (2000), Eero Saarinen (2005), The Creative Architect: Inside the Great Personality Study (2016) y Ezra Stoller: A Photographic History of Modern American Architecture (2019).
3
Peter Gössel dirige una agencia de diseño para museos y exposiciones. Para Taschen ha publicado monografías sobre Julius Shulman, R. M. Schindler, John Lautner y Richard Neutra, y varios títulos en la serie Basic Architecture.
4
La mascota de Morse es la morsa, en francés le morse se traduce como morsa. Un estudiante en Morse es conocido como «Bocado», también el nombre del pequeño café («Mantequilla») en la sala común de Morse.
5
Kevin Roche trabajo en Londres con Maxwell Fry y en los EE. UU. realizó su posgrado con Mies van der Rohe en el Illinois Institute of Technology. A partir de 1950 trabajó como ayudante en el departamento de planificación de Eero Saarinen and Associates en Bloomfield Hills, Míchigan. Fue socio de Saarinen y cuando éste falleció en 1961 se asoció con el ingeniero de estructuras John Dinkeloo, con quien terminó la terminal de TWA en el aeropuerto J. F. Kennedy de NY o el arco de St. Louis.
Entre 1962 y 1983 realizó más de 50 proyectos. Recibió premio honorífico de la Universidad Nacional de Irlanda, y el doctorado en Bellas Artes de la Universidad de Yale, en 1977 recibió la Medalla de Oro de la Academia de Arquitectura, en 1982 ganó el Premio Pritzker de arquitectura, en 1990 la Medalla de Oro de Arquitectura de la Academia Americana de Artes y Letras y en 1993 la medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos.
Obras relevantes: Fábrica de Cummins Engine (Columbus, Indiana), Edificio corporativo Deere and Co. (Moline, Illinois), Edificio corporativo General Foods (Rye, Nueva York), Ampliación del Museo Metropolitano (Nueva York), Oakland Museum of California (California).
Ford Foundation Building (Nueva York), Edificio Nations Bank Plaza (Atlanta), Sede corporativa de Bouyges (París), Hotel Plaza de las Naciones Unidas (Nueva York), Power Center for the Performing Arts, Universidad de Míchigan (Chicago) y el Fine Arts Center, Universidad de Massachusetts (Amherst, Boston), Banco Irwin Union and Trust Company Addition, Edificio College Life Insurance (Indianápolis), Edificio Knights of Columbus (New Haven, Connecticut), Ciudad Financiera del Banco Santander (Madrid) costó 480 millones de euros, incluyó la construcción inicialmente de nueve edificios, 400.000 metros cuadrados y más de 5.000 plazas de aparcamientos.
6
John Mead Howells, FAIA (1868 – 1959) fue un arquitecto estadounidense.
Nacido en Cambridge, Massachusetts, hijo del autor William Dean Howells, obtuvo una licenciatura en la Universidad de Harvard en 1891 y completó estudios de arquitectura allí en 1894 antes de estudiar en la École des Beaux-Arts , en París, donde obtuvo su diploma en 1897.
7
Urbipedia
8
Texto compilado por el arq. Jose Luis Esperon. 31/10/2013.
El concurso fue apoyado por doce famosos grandes almacenes estadounidenses, que se comprometieron a firmar contratos con los fabricantes, una de las bases del concurso era que el diseño sea viable a escala industrial. Los miembros del jurado incluyeron, entre otros a Marcel Breuer y a Alvar Aalto, la silla de madera contrachapada bidimensional se expuso en el MoMA en 1938. Charles Eames y Eero Saarinen ganaron los dos primeros premios en las seis categorías de muebles.
A partir de julio de 1941, Charles y Ray Eames comenzaron a desarrollar un proceso para el moldeo tridimensional de la madera contrachapada en su apartamento de Los Ángeles.
De acuerdo con las bases del concurso, Haskelite se encargó de la producción de la carcasa, mientras que Heywood Wakefield fue el encargado del revestimiento con una capa fina de goma espuma.
See previous http://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-13-su-influencia-e-influenciados-en-sudamerica/
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Exterior view, August 18, 1963. Photograph by Cervin Robinson. United States Library of Congress
The Robie House is fundamental to understanding the history of modern architecture
“I do not intend to become the best architect that has ever existed. I intend to be the greatest architect that ever exists.”F. Ll. Wright
“What always happens is what you really believe in; and believing in something makes it happen.”F. Ll. Wright
Philip Johnson (Cleveland 1906 – 2005 New Canaan) called Wright the «greatest architect of the 19th century».
The impact of the design was so great in its time that in 1958 «House and Home» magazine chose it as the best home of the 20th century.
Beginning of the 20th century, Fred C. Robie tests a prototype of an automobile in Chicago.
His grandfather, whose last name was Räbe, was a german emigrant, and his father, who had settled in Chicago after the great fire of 1871, had started the Excelsior Supply Company to distribute sewing machine supplies.
He had begun to sell bicycles, and his dream was to manufacture motorcycles and also cars. He began studying mechanical engineering, but did not finish his degree.
With a loan from his father and at the age of 28 he set out on an industrial adventure.
He is married, has a son, and lives in rooms at the Windermere West Hotel in Hyde Park, a neighborhood south of downtown, near the university. The desire to have a house arose, and the opportunity arose. Some friends, to prevent a store from being built next to their house, bought the plot next door and sold it to the Robies for $13,500 on May 19, 1908.
There are several colleges in the neighborhood.
His wife, Lora Hiereronymus (Pekin, Illinois 1878 – 1947 Springfield) is happy although she misses her college days at Foster Hall, located a few blocks away. She graduated and taught in Springfield, the state capital. He was probably the one who suggested Wright, since Springfield was home to the Dana House (by Susan Lawrence Dana) and he knew of her work that had been published in “House Beautiful” magazine.
The investment reaches $58,500, 1,500 less than they had initially planned to spend. The plot 13,600 to which are added the 35,000 for the project and the execution and 10,000 for the furniture. Updating the figure to 2021 would be about $918,200 dollars.
The builder was H.B.Barbard Co, who began work on April 15, 1909. The Robie family moved in in May 1910, the furniture and other minor items were completed in January 1911.
Illustrations made by Paczek
Five decades later, in a conversation with a journalist, Robie would say that they recommended him for his desire for a modern home:
– I know what you want, one of those damned houses, one of those Wright ones…
With the arrival of horizontal roofs, overhanging eaves, continuous windows and natural materials, a period begins in which we say goodbye to the «neo-gothic», the «neo-colonial» and the rest of the «neos».
The story is very short and sad for Fred, in 1911 his father died, leaving behind a huge debt, to face it, he sold the house, and a year later he got divorced. (1)
Fred C. Robie in his later years stated about the Robie House:
«I think the house is ideal, it is the most ideal place in the world.»
But let’s go back a few months, not many, to 1909, the project is ready and shows how Wright breaks with the traditional succession of rooms. A large room divided by a fireplace marks the birth of the open plan, it proposes many built-in furniture.
The house is resolved into 3 levels made of limestone, brick and wood, the steel is not visible.
The construction begins in 1909, in the middle of the work, Wright scandalizes Chicago by abandoning his family and escaping with the wife of a client, the work is finished by a collaborator of the Hermann V. von Holst studio (Freiburg 1874 – 1955) (2)
In 1910 the Robie family moved into the house.
The last and best of Wright’s prairie houses, the Robie House, seems designed for a plain rather than the narrow corner lot on which it sits in Hyde Park, a suburb of Chicago.
Built on a corner of the Hyde Park neighborhood, near the University of Chicago, 5757 Woodlawn Avenue
In the 1900s, Wright developed what would be described as his great first stage, which was characterized by the use of his own architectural language, based mainly on the use of horizontal lines and plants created around the figure of the fireplace.
According to Wright, this horizontality embodied American values, formally bringing the Midwestern prairie into its buildings. This is reflected in the publication of the “Wasmuth Portfolio” in 1910 in Berlin, where Wright attempted to show a style that “manifested and identified the ideals of democracy and the identity of the American people.” Other architect-historians such as Pevner and Giedion preferred to interpret similar ideas in a different key: a machinist conception of modernity; ideals of a new society in search of a conception of architecture. (3)
“We live on the prairie. The meadow has a very characteristic beauty. We must recognize and accentuate this natural beauty, its tranquil expanse. Hence the gently sloping roofs, the small proportions, the peaceful silhouettes, the massive chimneys, the protective overhangs, the low terraces and the advanced walls that limit small gardens.”Frank Lloyd Wright
Without a doubt, its horizontal shape must have seemed at least extravagant to the neighbors. (4)
The engineer, Frederick C. Robie, wanted a house that could be protected from fires, without closed rooms. On the contrary, he wanted an integration of all the spaces in the house. Wright would have greatly influenced that desire.
The location at an angle of the land largely explains its shape, very similar to that of other “Prairie Houses”.
Its shape is similar to that of other Prairie Houses, located at an angle of the land.
It has no clear facades, no exterior walls or traditional windows, nor a main entrance.
It occupies practically the entire plot, the little free space that is left was designed with walls and built-in planters.
A work of horizontal features reinforced by the sills, the window lintels, and the thin bricks with recessed joints.
Wright’s design responded to the compositional method of that time, which consisted of organizing symmetrical shapes and grouping them asymmetrically.
The genesis of the design is an elongated two-story block, which, without being so, appears to be symmetrical. On the south façade, on the first floor, there is a continuous series of carpentry windows that open onto a cantilevered balcony (here the neighbors who saw a ship would be right), which provide shade over similar windows on the ground floor.
A low-slope roof, and enormous overhangs at its ends.
Beyond, at the eastern end of the building, another sloping roof covers the wing dedicated to a garage for 3 cars and the service staff, Frederick Robie, proposed a modern program, he did not want added decoration (like the Victorian houses of the time) , and wanted a playroom for his children.
The land is 842.90 m² and is narrow, so Wright chose a single axiality for the project. The house unfolds into two bodies displaced from each other, thus leaving two large gaps in the site.
The composition of the floor plan is based on two adjacent bars that blend into a central volume, the chimney, around which the rooms connect.
The house is organized into two wings, keeping the public area facing the street and the service area in the innermost part (3).
Wright had been working on the idea of dematerializing the box, he did not want to propose closed and isolated spaces from each other.
Design spaces in which each room opened to the others, obtaining visual transparency, with more light and a feeling of spaciousness. He used light material closures and ceilings of different heights, designing by differentiating between “defined spaces” and “separate spaces.”
Wright breaks with the idea of the house as a box containing rooms, which in turn are other isolated boxes.
The space achieved is fluid and transparent. It is the “explosion of the box”, which allows the play of volumes entering and exiting throughout the land.
The volumetry is made up of large terraces and eaves to give a solid and forceful image that is at the same time hollow and light (5). Wright will use this set of terraces and eaves in the Casa de la Cascada.
Ground floor
The access, which through stairs leads to the main floor.
Games and billiards room, and the public area of the house. All of them separated by the chimney.
In the basement at street level there is the boiler and heating machines, laundry room, pantry, cellar and garage for 3 cars. (6)
First level
It is accessed by the central staircase.
Living room and dining room are separated by the fireplace but visually linked.
It is a large, long, low room, very illuminated. There are no walls that could hinder the view to the outside and the entry of light, although the eaves allow privacy to be maintained. On the same floor there is a guest room, the service wing with the kitchen and the service staff’s rooms.
Chimney
It has an important presence in the environment, it is possible to go around it and continuity is perceived through a rectangular opening in its upper part.
Ceiling
It is divided into panels, with different types of lighting, glass globes on each side of the central, higher area and light bulbs hidden behind the wooden gratings in the lower, lateral areas.
At the ends there are triangular spaces, more intimate areas for living and even eating.
The shadow cast by the wide eaves keeps them “hidden”, but at the same time reinforcing the idea that the space extends to the outside.
The covers are supported by two hidden steel beams that run throughout the main block.
Last level
The rooms are located on this level.
Materials
The house is “wrapped” in Roman brick and limestone.
The enormous eaves are supported by a steel structure, two large beams that run longitudinally are anchored above the chimney.
Wright chose to cover the lateral areas of the beams, leaving a higher area in the center, which produces a spatial effect in both environments.
Furniture
All of the furniture in the Robie house was designed by Wright.
The table rests, in the four corners, on four columns with colored glass lamps and containers for floral compositions.
This design was due to a clear idea: the floral compositions and candelabras that are usually placed in the center of the table constitute a visual barrier between the hosts and the guests.
Here, on the contrary, the decoration and lighting are located in the corners, leaving the center of the table completely free.
On November 27, 1963, it was listed as a National Historic Landmark and since October 15, 1966, it has been part of the National Register of Historic Places in the United States.
In 1992, negotiations began for its restoration and work began in 2002.
“The first thing that catches your attention is the immense roof… covered in tiles… and the dense shadow that reigns under the eaves.”Junichiro Tanizaki (Tokyo 1886 – 1965 Yugawara) “In Praise of the Shadow.” (1933)
“Wright uses the resource of light and shadow to accentuate the long proportions of the eaves and low-sloped roofs, as well as to hide the bobwindows under an earth-shade color in the shape of a keel and whose side ceilings further accentuate the illusion of extension, achieving an interior-exterior transition and thus merging with the controlled environment.”Adolfo Montiel Valentini. (7)
“…art flows from art and stubbornness, as Leonardo da Vinci recommended. Malraux wrote: a poem at a beautiful sunrise is born from another poem at sunrise and not from contemplation of what the sun does, which is always the same.” Carlos Maggi(8)
Raging out the Robie house? Wright joins the battle
Notes
1
In December 1911, David Lee Taylor purchased it for $50,000. He is president of an advertising agency, the house is his wife’s Christmas gift.
Ten months after the purchase, Taylor died, and his wife sold it to Marshal Dodge Wilber, treasurer of a collection agency. In his diary, he points out the deficiencies in the heating, as a record, in the first winter they only managed to raise the temperature to 7 degrees.
Wright said several times that he wanted to buy the house in the 1920s, visited it and, as was his habit, rearranged the books and hid trinkets in unexpected places.
In 1926, Wilber sold it to the Chicago Theological Seminary, they were the last tenants, they held out for 14 years.
Three decades later, the clergy wants to demolish it. Wright runs a campaign and saves her.
There is a second demolition attempt in 1957 but in 1958 developer William Zeckendorf purchased it and donated it to the Chicago Theological Seminary.
The following year it was declared by House and Home magazine as the best home of the 20th century.
In 1963 it was designated a national historic landmark and donated to the university.
In 2002 it was restored together with the Wright Foundation.
“Early in life,” Wright wrote, “I had to choose between honest arrogance and hypocritical humility. I chose the first and I have seen no reason to change.”
2
Hermann V. von Holst agreed to take on the responsibility of leading Frank Lloyd Wright’s architectural firm when he left for Europe with Mamah Cheney in 1909.
Wright had tried to get several architects to take responsibility for his studio, both Marion Lucy Mahony (Chicago 1871 – 1961 Ibid) and George Grant Elmslie (Aberdeenshire 1869 – 1952 Chicago) refused.
He eventually arranged for Hermann V. von Holst to supervise the work, along with architects Isabel Roberts (Missouri 1872 – 1955 Orlando) and John Shellette Van Bergen (Oak Park 1885 – 1969 Ibid.), contractually Marion Mahony would control the entire design. architect and her husband, Walter Burley Griffin, everything related to the urban planning aspect.
The output of Wright’s office in the years 1909-1911 were premier works of the Prairie School by the design team headed by Marion Mahony under the auspices of von Holst (who years later was head of the history department of the University of Chicago).
The aforementioned Isabel Roberts was a member of the design team at Oak Park, along with Marion Mahony and five men – Walter Burley Griffin, William Drummond, Francis Barry Byrne, Albert Mc Arthur and George Willis.
Roberts years later formed the Ryan & Roberts studio with Ida Annah Ryan (Waltham 1873 – 1950 Orlando), one of the first studios made up of women.
3
Metalocus
4
Disgusted with the house, the neighbors ridiculed it by comparing it to a steamboat, pointing out that it had no relationship with the architecture that surrounded it.
It was about to be demolished in 1941, there were protests at the university, which was joined by, among others, Mies van der Rohe (Aachen 1886 – 1969 Chicago). In 1957, the University of Chicago Theological Seminary announced its intention to demolish the Robie House to make way for a dormitory. This provoked the anger of Wright, who, at almost 90 years old, appeared in Chicago to defend the value of its architecture and denounce the demolition plan.
Architects and neighbors supported the efforts and complaints to preserve it, as well as all the architectural treasures of the city, among which the Robie house was included. The National Trust for Historic Preservation also joined. Together they managed to prevent it from being demolished in July 1957.
During the process Wright described the house “as the cornerstone of modern architecture.”
Developer William Zeckendorf (Paris 1905 – 1976 New York) purchased the house in 1958, and later transferred it to the University of Chicago.
His studio Webb & Knapp carried out a redefinition of the neighborhood that, ironically, included the demolition of 880 properties, but not the Robie house.
Among his numerous properties were the Chrysker building in NY, the Astor Hotel.
Both Le Corbusier and Wallace Harrison designed buildings for their firm, Architect I. M. Pei designed his first skyscrapers for Zeckendorf, the Mile High Center (now part of the Wells Fargo Center) in downtown Denver and Place Ville Marie in downtown Montreal .
5
Wiki Architecture data and references.
6
EIn their book Garage, the artist Olivia Erlanger and the architect Luis Ortega Govela maintain that the contemporary garage – just another room, joined to the rest by a door – has its antecedent in this home. Until then these rooms were separated, following the model of stables and garages.
7
Antonio Montiel Valentin. Faculty of Architecture (UDELAR) Architecture and Technology.
8
Carlos Alberto Maggi Cleffi (Montevideo 1922 – 2015 Ibid.) was a Uruguayan writer, journalist, lawyer, historian and playwright. Affectionately nicknamed “el Pibe”.
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Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft.
La Universidad privada de Yale, fundada en 1701, es miembro de la selecta Ivy League, a ella pertenecen ocho universidades con reconocida excelencia académica y de las mas prestigiosas del mundo, ellas son Brown, Columbia, Cornell, Dartmouth, Harvvard, Pensilvania, Princeton y Yale. Se encuentra al 302 de la calle York, en New Haven, CT 06511, en los Estados Unidos.
Estuve unas tres semanas en el campus del Middlebry College en el estado de Vermont, de acompañante de una catedrática, y aprovechando su ubicación cercana a Canadá y a varios lagos, realicé varios paseos.
Antes de llegar a Middlebury, fui a Buffalo a ver varias obras de Wright, de Burnham, Sullivan y Louis Kahn.
Ver https://onlybook.es/blog/frank-lloyd-wright-louis-kahn-henry-hobson-richardson-burnham-root-sullivan-adler-machado-silvetti-rem-koolhaas/
Luego de estar en Middlebury, fuimos a casa de unos amigos, Aníbal y Priscila que viven en New Haven, para mi New Haven y visitar la Universidad de Yale son dos cosas que van “en Combo” es decir “inseparables”.
Cada vez que voy a su casa, propongo ir a pasear a Yale y ver sus edificios.
Y todos (que no son arquitectos sino historiadores y filósofos) son muy razonables y acceden.
Aníbal es catedrático de Yale, lo que nos facilita realizar paseos que incluye entrar en zonas que normalmente estan vedadas a los flaneurs.
Tengo una anécdota con él.
Un día de hace dos años, ofreció a Carmen y a mí a pasearnos por el campus de Yale, entramos en sus bibliotecas, museos, College, residencias, oficinas de profesores, aulas, y en alguno de sus 14 edificios de albergues estudiantiles.
Muy amable, Anibal, nos iba contando, y yo dedicado a fotografiar todo, no siempre a su lado, como cuando ante el edificio de Paul Rudolph (1918 – 1997) (1) cruce de acera, y Anibal le dice a Carmen sonriendo.
–Hugo parece estar en Disneylandia
Asi fue, (me justifico ante mi falta de modales), pero quería tener una toma completa de la esquina de una de las escuelas más famosas de arquitectura.
Paul Marvin Rudolph (1918 – 1997) fue decano de la Escuela de arquitectura de Yale durante seis años, Su obra más conocida es el Yale Art and Architecture Building, un edificio de hormigón de diseño absolutamente “brutalista”.
La “arquitectura brutalista” como estilo arquitectónico surgió durante la década de 1950 en el Reino Unido en los proyectos de reconstrucción de la era de la posguerra. Son construcciones minimalistas, que muestran los materiales de construcción utilizados a la vista, desnudos, desprotegidos de ornamentos o decoración alguna.
Banco de Londres y America el Sud, hoy Banco Hipotecario. Proyecto del estudio SEPRA, arquitectos: Santiago Sánchez Elía, Federico Peralta Ramos y Alfredo Agostini asociado con el arquitecto Clorindo Testa
Utilizan en general el hormigón armado o simple, ladrillo visto sin pintar y usan formas geométricas angulares. Su paleta de colores es monocromática, en ocasiones se le agrega acero, madera y vidrio.
Montreal Haboitat 67. Arquitecto Moshe Safdie
Los arquitectos cuyo trabajo refleja ciertos aspectos del estilo brutalista incluyen a Louis Kahn.
El historiador de arquitectura William Jordy dice que, aunque Kahn era “opuesto a lo que él consideraba la postura muscular de la mayoría del brutalismo», parte de su trabajo seguramente se basó en algunas de las mismas ideas que se enfocaron momentáneamente en la posición brutalista”. (6)
Rudolph que asume como director del departamento de arquitectura en junio de 1957, ante la necesidad de realizar un edificio, sugiere para ello a varios arquitectos, entre ellos a Le Corbusier, y a Louis Kahn, pero es el presidente Griswold de la Corporación de Yale quien decide que sea el mismo Rudolph el que lo diseñe.
No ha habido vez que visite Yale, que no me haya sentido deslumbrado ante sus maravillas.
Barbican Centre
De entre las obras brutalistas a la que he tenido más oportunidades para conocer, está el Barbican Centre de Londres.
Se construyó en 1982, su coste fue de 161 millones de libras, es uno de los más grandes de Europa.
No las tiene todas a su favor, una encuesta de la BBC determinó que «es el edificio más feo de Londres», a mí me parece interesantísimo, como una respuesta (dura eso sí) a las necesidades de Londres).
Alli he escuchado magníficos conciertos de música clásica y tambien contemporánea, representaciones teatrales, proyecciones cinematográficas y exhibiciones de arte. En su sala de conciertos tiene su sede la Orquesta Sinfónica Londres y la Orquesta Sinfónica de la BBC. Pertenece a la “Corporación de la Ciudad de Londres”, que es la tercera fundación de arte del Reino Unido.
Fue proyectado por los arquitectos Chamberlin Powell y Bon, que nunca se autodenominaron explícitamente brutalistas, cosa absurda, porque su obra (por ejemplo, el Barbican) si lo es.
El Barbican es, sin duda, la mayor obra de arquitectura urbana de la Gran Bretaña de posguerra. Se trata de un proyecto brutalista/modernista visionario: su escala es monumental, diseño geométrico de alta densidad con varios niveles y pasarelas elevadas, sus accesos son múltiples.
En resumen, una ciudad sin coches dentro de la City.
Ferias del Libro
Cada año, desde 1988 en que formé las distribuidoras ASPPAN, Onlybook y la editorial HK en Madrid, participé en las ferias del libro más importantes del mundo editorial.
Sus fechas son más o menos inamovibles cada año, estas son del 2024.
Stand de Asppan, Onlybook y H Kliczkowski
-The London Book Fair, desde el 12 al 14 de marzo, casi siempre en el Centro Olympia, Hammersmith Road, Kensington. En su 36 edición, el pais invitado de honor fue Brasil.
-La Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, desde el 25 de abril al 13 de mayo en el Predio Ferial de La Rural. Tiene 2 secciones, una profesional de pocos dias y una popular, es muy concurrida. La ciudad invitada en el 2024 fue Lisboa.
-La Liber, (que se realizan alternadamente entre Madrid y Barcelona) entre el 4 y 6 de octubre. Muy bien ubicada antes de la feria de Frankfurt, la madre de todas las ferias. En su 40 edición, el pais invitado de honor ha sido Colombia.
-La Frankfurter Buchmesse, desde el 16 al 20 de octubre. Ya ha realizado 76 ediciones (debo haber participado en al menos 40 de ellas), está centrada en la compra y venta de derechos, se exhiben libros de todo tipo, condición, formato, idioma y temática. Los primeros dias son solo para profesionales (no entra el público), luego en el fin de semana se abre totalmente. El pais invitado de honor fue Italia.
-La feria que más ha crecido en lengua española, desplazando a la Liber y la de Buenos Aires, es la FIL (Feria Internacional del Libro de Guadalajara), desde finales de noviembre hasta el 8 de diciembre. En el 2024 en su 38 edición el pais invitado de honor fue España.
-La feria de los EEUU. BEA Book Expo America, del 27 al 29 de mayo funciona en el Jacob K. Javits Convention Center de New York. No tengo seguridad que continue después de la feria realizada en el 2020, creo se ha subdividido en varias miniferias.
Su característica era que se hacía cada año en otra ciudad, por ese motivo he podido conocer NY, Boston, Los Angeles, San Francisco, Miami, Nueva Orleans, Chicago, Las Vegas, etc. etc.
Algún año visité la de Paris (desde el 12 al 14 de abril), y la de Tokyo, a la que fui una sola vez, cuando vas a Frankfurt y Guadalajara, ya has estado en todas.
Paseos
Luego de las ferias (donde si se las hace a conciencia, se trabaja mucho) me tomaba unos dias de descanso, visitando lugares y obras de arquitectura que me interesaban, la mayor parte de las veces con mi hermano Guillermo.
He visto muchísimos edificios, y espero poder seguir haciéndolo. Me sucede algo especial, que lo he hablado con amigos arquitectos y lo comparten. Puedo estudiar una obra en sus planos, sus dibujos, sus fotografías, pero es cuando entro en ellas, cuando percibo con mis sentidos su aspecto, sus dimensiones, es decir, cuando me veo relacionado fuera y dentro de ellas, cuando veo su entorno, y cómo encaja (o no) en el puzle urbano, recién en ese momento, puedo comprender la voluntad proyectual con la que la concreto el arquitecto/a.
Luego de la de Londres me encantaba ir al Barbican (ver sus exposiciones y a las 17 hs escuchar jazz gratis con una taza de té, sentado en su alfombra de la 3era planta), o balconeando desde un entrepiso.
O hacer una excursión al Hay- on- Wye, una de las joyas del río Wye, una pequeña ciudad famosa en todo el mundo por sus libros. En coche se llega en 3 horas son 241 km. De una ruta serpenteando entre montañas.
Todo comenzó en 1961, cuando el propietario de la librería Richard Booth´s compró un contenedor lleno de libros de los EE. UU., procedían de bibliotecas que habían cerrado y dejado de atender al público. Esos libros fueron el comienzo de este bonito pueblo.
El río fluye con gracia por su borde noroeste. “Hay”, como la llaman los lugareños, linda con la frontera entre Inglaterra y Gales.
Tiene más librerías que hoteles y restaurantes, 26 librerías para una población de 2000 habitantes, 1 librería cada 77 habitantes. en sus calles hay estanterías con libros que uno puede llevar y poner su precio en una alcancía.
En España la experiencia se llama Urueña
Ver https://onlybook.es/blog/uruena-en-valladolid-un-pueblo-librero-de-aquel-hay-on-wye-este-uruenas/
Escuela de arquitectura. 180 York Street, New Haven
Yale Center for British Art (Centro de Arte Británico)
Esperaba poder ver el Museo de Louis Kahn, the Yale Center for British Art (el Centro de Arte Británico de Yale) que luego de 8 años de obras de rehabilitación (llevadas a cabo según un proyecto de Knight Architecture LLC.) estaría abierto al público.
Pero, a pesar del anuncio que la apertura seria en abril de 2024, 4 meses más tarde, en agosto, aun no lo estuvo.
Ahora lo anuncian para mediados del año 2025, algunas personas me dijeron que quizás se postergue un poco más, como ya ha ocurrido con otras obras, esperaremos…
Frente a él está la Yale University Art Gallery, que ya visité en el 2022. Fue una visita rápida, estaba con otra gente, y no pude ver su maravillosa escalera triangular, por eso en el 2023, volví a visitarlo.
El edificio de Louis I. Kahn. Centro de Arte Británico de Yale (4)
En 1960 Paul Mellon dona su extensa colección de arte británico, libros raros y material relacionado a la Universidad de Yale, y de esa forma se crea el Museo.
Mellon pide expresamente que no pongan su nombre al museo en su honor, sino que se llamara Centro de Arte Británico de Yale, para alentar a otros a apoyarlo también.
El “Centro de Arte Británico”, fue proyectado por Louis I. Kahn (1901-1974), está situado al otro lado de la calle de su primer encargo la “Galería de Arte de la Universidad de Yale” inaugurado en 1953.
El Centro de Arte Británico es la última obra de Kahn, fue finalizada después de su muerte. Es el primer museo en los Estados Unidos que ha incorporado tiendas en la configuración de su diseño.
El exterior del centro, resuelto en acero mate y vidrio reflectante, confiere una presencia monumental a la zona céntrica de New Haven. Su interior es geométrico, dividido en cuatro plantas está diseñado en torno a dos patios y se compone a partir de una restringida paleta de materiales naturales como el mármol travertino, roble blanco, y lino belga. Kahn logró su objetivo de crear unas galerías íntimas donde una luz natural difusa baña los objetos expuestos, buscó permitir el paso de la luz natural en la medida de lo posible, empleando la iluminación artificial únicamente en días oscuros o por la noche. La iluminación cenital colabora en el cuidado de las obras de arte.
Desde el 2008 al 2016. Anterior proyecto de conservación del edificio
Después de más de una década de investigación sobre la historia del diseño y la construcción del último edificio, la reapertura del centro supone la culminación de un plan de renovación que se hizo en tres fases.
Durante todo el período de rehabilitación, el centro fue cerrado al público.
(2008-2011) la primera fase del trabajo incluyó la rehabilitación de la zona inferior y exterior.
(2011-2013) se repararon las zonas del vestíbulo del “Lecture Hall”.
(2013) estas dos fases se centraron en los espacios interiores del edificio, incluyendo la restauración de las áreas utilizadas por los departamentos de grabados, dibujos, libros raros y manuscritos.
(2015-2016) se mejoraron los espacios públicos, las galerías y el salón de actos. Se realizaron mejoras mecánicas y eléctricas en todo el edificio, asi como mejoras en la protección, los sistemas de seguridad y la accesibilidad
Desde el 2008 al 2016. Descripción del proyecto
El Centro de Arte Británico de Yale, un moderno edificio icónico en New Haven sirve para albergar la extraordinaria donación de Paul Mellon a la Universidad de Yale, fue reabierto al público el 11 de mayo de 2016, después de la finalización de la tercera fase del proyecto de conservación.
El complejo trabajo de conservación fue realizado por Knight Architecture LLC, este ha sido el más complejo de los trabajos de conservación del edificio llevado a cabo en el centro hasta la fecha, comprendiendo toda la estructura, desde la cubierta hasta el sótano. Se han renovado las galerías públicas del Centro, las instalaciones, espacios y servicios, propiciando una oportunidad para re-imaginar y volver a instalar las renombradas colecciones del centro de más de cinco siglos de arte británico.
Knight Architecture LLC. 1140 Chapel Street, Suite 300. New Haven, Connecticut
Se le pidió a Knight Architecture que llevara a cabo una conservación integral de varios años del Centro de Arte Británico de Yale, diseñado por Louis I. Kahn para albergar la extraordinaria donación de Paul Mellon a la Universidad de Yale. Considerado como la obra de arte más grande y compleja del Centro, el edificio ahora se encuentra renovado y equipado para el siglo XXI.
Imágenes de Richard Caspole, YCBA y Elizabeth Felicella, Esto
Proyecto de conservación de edificios 2016
El Centro de Arte Británico de Yale, el icónico edificio moderno construido para albergar la extraordinaria donación de Paul Mellon a la Universidad de Yale, reabrió sus puertas al público el 11 de mayo de 2016, tras la finalización de la tercera fase de un proyecto de conservación del edificio que duró varios años.
Historial del proyecto
Dirigido por Knight Architecture, LLC, este fue el trabajo de conservación de edificios más complejo realizado hasta la fecha en el Centro de Arte Británico de Yale, que abarcó toda la estructura, desde el techo hasta el sótano. Renovó las galerías públicas, los sistemas internos, los espacios y las comodidades del YCBA, y brindó la oportunidad de reimaginar y reinstalar las reconocidas colecciones del museo de más de cinco siglos de arte británico.
Después de más de una década de investigación sobre la historia del diseño y la construcción del edificio final de Louis Kahn, el YCBA completó un plan de conservación de tres fases en 2016. La primera fase de trabajo incluyó la rehabilitación del patio inferior exterior del museo (2008-11) y amplias reparaciones en el vestíbulo adyacente de la sala de conferencias (2011-13). A esto le siguieron dos fases adicionales que abordaron los espacios interiores del edificio: la segunda fase se centró en la renovación de las áreas utilizadas por los departamentos de Grabados y Dibujos y Libros Raros y Manuscritos (2013); la tercera fase incluyó la mejora de los espacios públicos del YCBA (es decir, las galerías y la sala de conferencias), amplias mejoras mecánicas y eléctricas en todo el edificio y mejoras en la protección contra incendios, los sistemas de seguridad y la accesibilidad (2015-16).
Aspectos destacados del proyecto
La Galería Larga se transformó en una galería de enseñanza y estudio, tal como lo había concebido originalmente Jules Prown, el director fundador de la YCBA. Se recuperaron los acabados de manera similar a los que se encuentran en las galerías principales, se mejoró la circulación adyacente a las áreas públicas en el cuarto piso y se eliminaron las paredes de pogo, que anteriormente habían subdividido el espacio, lo que permitió una vista sin obstáculos del espacio de 140 pies de largo que alberga la colección en un espacio de estilo salón de piso a techo.
Sala de seminarios de colecciones
Se creó una nueva Sala de Seminarios de Colecciones a partir de una antigua oficina administrativa en el extremo este de la Galería Larga. Los nuevos paneles de pared de roble blanco de piso a techo incorporan sistemas de exhibición de arte discretos pero flexibles, que permiten a los profesores, estudiantes y académicos visitantes estudiar de cerca los objetos de la colección bajo una luz natural difusa. La sala también cuenta con nuevos muebles y gabinetes de roble blanco personalizados, así como sistemas eléctricos y de telecomunicaciones actualizados.
Galerías
Las galerías públicas de los pisos segundo, tercero y cuarto se renovaron y reconfiguraron para preservar la visión de Louis Kahn de espacios de exhibición íntimos que evocan el entorno doméstico de una casa de campo inglesa. Las paredes exteriores se volvieron a aislar y se trataron contra la corrosión, se reconstruyó el interior de las paredes y las paredes de exhibición se renovaron con nuevo lino belga natural.
Las alfombras sintéticas desgastadas se reemplazaron con alfombras de lana nuevas, se restauraron las molduras de roble blanco existentes y se repararon o reemplazaron algunas baldosas de travertino dañadas. Las particiones móviles de la galería existentes, conocidas como paredes «pogo», se reemplazaron con pogos nuevos, basados en gran medida en el diseño original de Kahn. Se ha introducido en las galerías públicas una versión revitalizada de los asientos modulares originales de la galería Chadwick de la década de 1970, que cuentan con una altura de asiento ergonómicamente correcta y tela hecha de lana británica 100%.
Tribunal de la biblioteca
El patio de la biblioteca, de tres pisos, evoca el espíritu de un gran salón en una casa de campo inglesa y presenta la icónica torre de escaleras cilíndricas. Se encuentra en el corazón del YCBA y conecta las galerías, la biblioteca de referencia y los archivos y la sala de estudio. Los paneles de pared de roble blanco originales y los pisos de madera también se restauraron durante el proyecto de conservación del edificio.
Patio de entrada
Los paneles de pared de roble blanco blanqueados por el sol del patio de entrada de cuatro pisos, el único espacio iluminado desde arriba dentro del YCBA que recibe luz natural sin filtrar, fueron renovados en el lugar y a mano utilizando productos de renovación certificados por Greenguard.
Sala de conferencias
El salón de conferencias, remodelado por primera vez, cuenta con un sistema audiovisual completamente renovado con capacidades de grabación y presentación de última generación, nueva iluminación teatral y de sala y cobertura Wi-Fi mejorada.
Se introdujo una disposición de asientos central, que mejora la capacidad original del salón de conferencias, para acomodar doscientos nuevos asientos fijos y cinco espacios accesibles para sillas de ruedas y personas con discapacidad. Nuevos pasamanos de acero inoxidable y luces LED en los escalones flanquean los pasillos para mayor seguridad. Se reemplazaron alfombras y pisos de madera, por materiales similares a los originales.
Escaleras circulares
La icónica escalera cilíndrica de hormigón ahora cuenta con mejoras en la accesibilidad y las características de seguridad, incluida una altura estandarizada para los escalones, precauciones contra incendios y humo e iluminación de emergencia mejorada.
En el primer piso se agregó una nueva puerta de salida al vestíbulo y se instaló un ascensor accesible en el muelle de carga del YCBA.
Nivel inferior
Mejoras en la accesibilidad al vestíbulo del sótano, nuevos casilleros de almacenamiento de roble blanco y dos baños neutrales en cuanto al género.
Infraestructura
Se realizaron mejoras en la infraestructura del edificio, en los servicios mecánicos,eléctricos, de protección contra incendios, de telecomunicaciones y de seguridad. Mejoras que permitirán satisfacer las necesidades cambiantes del Centro.
Mientras estamos cerrados
Cuando uno se acerca al Centro de Arte Británico hay una nota que pone:
“Se encuentra actualmente cerrado por conservación del edificio, volverá a abrir en la primavera de 2025”. En la web aclara que “una selección de más de veinticinco pinturas de la colección se encuentra en exhibición en la Galería de Arte de la Universidad de Yale. Durante el cierre, el museo mantendrá un sólido programa de exhibiciones y programación en línea y fuera del sitio”.
-Centro de Arte Británico de Yale, New Haven, EE.UU. Peter Inskip, Stephen Gee y Knight Arquitectura, 2012 / 2008-2016 Diseño de Louis I. Kahn 1971-1977.
-y la Ópera de Sídney, Sídney, Australia Alan Croker 2017-2020 Diseño de Jørn Utzon y Hall, Todd y Littlemore 1959-1972. (8)
Louis I. Kahn desarrolla aquí, las ideas que había explorado en obras como la extensión de la Galería de Arte de la Universidad de Yale, la Biblioteca de la Academia Phillips Exeter, el Instituto Salk de Estudios Biológicos y el Museo de Arte Kimbell.
El Centro de Arte Británico de Yale en New Haven fue galardonado en 2005 con el prestigioso Premio de los Veinticinco Años del Instituto Americano de Arquitectos.
-2016. Premio del público de AIA New England | 2016
-2017. Premio de Connecticut Trust para la Preservación Histórica
-2017. Premio de honor a la Excelencia en Arquitectura de la Sociedad para la Planificación de Universidades y Colegios por ampliaciones, renovaciones o reutilizaciones adaptativas de edificios
Associated Builders and Contractors Inc – Premio especial del jurado
Restauración
El Centro y su colección, después de casi cuarenta años desde su apertura en 1977, se enfrentó a serias necesidades de conservación. Amy Meyers, la actual directora, encargó un plan de conservación detallado para el edificio titulado Louis I. Kahn and the Yale Center for British Art: A Conservation Plan.
Cliente Oficina de Instalaciones de la Universidad de Yale, Centro de Arte Británico de Yale
-Stephen Saitas Designs (Diseñador de exposiciones)
Notas
1
Hubo un tiempo en suspenso, cuando se alisto en la armada, a su regreso se graduó en 1947.
Rudolph estudió arquitectura en la Auburn University, su posgrado lo realizó en la Escuela de graduados de Harvard. Fue alumno de Walter Gropius.
En Sarasota (Florida) hizo un estudio con Ralph Twitchell, y en 1951 arma su propio estudio. Sus proyectos, fueron los exponentes más reconocidos de la escuela de Sarasota.
En 1958, obtuvo el puesto de decano de la Yale School of Architecture y poco después diseñó el Yale Art and Architecture Building. Rudolph permaneció en Yale durante seis años, después de los cuales se dedicó a la práctica privada.
Cuando el edificio sufrió un gran incendio su renovación estuvo a cargo de Gwathmey Siegel & Associates.
Charles Gwathmey (1938 – 2009) fue alumno de Yale Architecture y exalumno de Rudolph. Una referencia de Gwathmey, fue en 1992 con su estudio: Charles Gwathmey y Robert Siegel y Asociados quienes realizaron la ampliación del Guggenheim de N Y.
El arquitecto Charles Gwathmey
Charles Gwathmey adquirió relevancia con poco más de treinta años cuando formó parte, junto a Peter Eisenman, Michael Graves, John Hejduk y Richard Meier, del grupo de jóvenes profesionales reunidos en la exposición ‘Five Architects’ organizada por el MoMA de Nueva York en 1969, y sobre la que se publicó posteriormente el célebre libro con el mismo título.
Profesor en diferentes universidades americanas y fundador junto a Robert Siegel de la firma Gwathmey Siegel & Associates en Nueva York, Charles Gwathmey concibió proyectos como la casa de formas geométricas que construyó para sus padres, ambos artistas, en Long Island (1966) —y que convertiría luego en su residencia y estudio—, la ampliación del Museo Guggenheim de Nueva York (1992), y el Museo de Arte Contemporáneo (MoCA) de North Miami (1995). Recientemente había ampliado la Escuela de Arquitectura y Arte de Yale (2007), construida en 1963 por el que fuera su profesor Paul Rudolph.
2
En el 2012 el Bank of New York Mellon fue el octavo banco más grande de los EEUU, BNY Mellon ha sido clasificado una vez más como el banco más seguro de los EE. UU. según una encuesta reciente de los “50 bancos más seguros del mundo”.
Conocida como BNY Mellon, es una corporación bancaria multinacional estadounidense de servicios financieros constituida el 1 de julio de 2007, como resultado de la fusión del Banco de Nueva York y Mellon Financial Corporation. Es el banco custodio más grande en el mundo, emplea a 51.400 personas en todo el mundo y opera en los sectores principales de servicios financieros.
Es la más antigua corporación bancaria en los Estados Unidos, con orígenes que se remontan a la creación del Banco de Nueva York en 1784 por Alexander Hamilton.
3
Pierluigi Serraino es un arquitecto, caracterizado por su diseño innovador que ejerce en el área de la Bahía de San Francisco. Sus proyectos y textos se han publicado en revistas como Architectural Record, A + U (Japón) y The Architectural Review (Reino Unido). Ha publicado varios libros sobre arquitectura como Modernism Rediscovered (2000), Eero Saarinen (2005), The Creative Architect: Inside the Great Personality Study (2016) y Ezra Stoller: A Photographic History of Modern American Architecture (2019).
4
José Juan Barba (1964). Arquitecto por la ETSA Madrid (1991). Doctor Arquitecto por la ETSA de Madrid, Sobresaliente “Cum lauden” por su tesis “Invenciones: Nueva York vs. Rem Koolhaas”. Textos y fotos de METALOCUS.
5
Samuel Finley Breese Morse (1791 – 1872) fue un inventor y pintor estadounidense. Contribuyó a la invención de un sistema de telégrafo de un solo hilo basado en los telégrafos europeos. Fue uno de los desarrolladores del código Morse en 1837 y ayudó a facilitar el uso comercial de la telegrafía.
6
Jordy William (1972). The Impact of European Modernism in the Mid-twentieth Century. American Buildings and Their Architects 5. New York, Oxford: Oxford University Press. p. 363. ISBN 0-19-504219-0.
7
El parque nacional consta del Arco Gateway, un arco de catenaria invertida de acero, diseñado por Eero Saarinen que mide 192 m de altura y 192 m de ancho, que se ha convertido en el ícono de San Luis; un parque de 36,8 ha a lo largo del río Misisipi en el sitio de los primeros edificios de la ciudad; el Viejo Palacio de Justicia (Old Courthouse), un antiguo palacio de justicia federal y el museo de la expansión hacia el Oeste, de 13 000 m², en el propio Arco Gateway.
El Arco Gateway y sus alrededores fueron un memorial nacional, llamado en 1935 el “Jefferson National Expansion Memorial”, en el 2018 es renominado parque nacional.
8
Ambos proyectos lo tuvieron como protagonista. En 1957 Saarinen estuvo en el jurado para la comisión de la Ópera de Sydney y su presencia fue crucial en la selección del diseño de Jørn Utzon.
Un primer jurado (donde no estaba Saarinen) había descartado el diseño de Utzon en la primera ronda; Saarinen revisó los diseños descartados y reconoció la maestría y genialidad en el diseño de Utzon, garantizando su elección.
Sigue en https://onlybook.es/blog/un-paseo-por-la-universidad-de-yale-paul-rudolph-louis-kahn-eero-saarinen-gordon-bunshaft-2nda-parte/
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Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón doscientas mil lecturas http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
En la década de 1950, el proyecto de construcción de la vía marítima del San Lorenzo trajo grandes cambios para las islas de la región de Montreal.
En 1956, la empresa Quebec Home and Mortgage Corporation Limited compró la isla Saint-Paul con el objetivo de desarrollar un importante proyecto inmobiliario.
La compañía Imperial Oil Limited (Esso), asociada al proyecto, se comprometió a construir estaciones de servicio de alta calidad arquitectónica. Para diseñarlas, eligieron al estudio de arquitectura de Mies van der Rohe, con la participación del arquitecto quebequense Paul H. Lapointe. Solo se realizó la estación de servicio ubicada en la calle Berlioz.
Skyline de Downtown Montreal visto desde el Monte Royal
yuntamiento de Montreal, frente a la Plaza Jacques-Cartier. estilo segundo imperio (Napoleon III), 1878, arquitecto Henri-Maurice Perrault
Antes del incendio de 1922
Mies van der Rohe (1886 – 1969) falleció hace ya poco más de medio siglo y aunque parezca que sus ideas y proyectos han sido ampliamente descritos, analizados, comparados, en incontables publicaciones, aún es posible seguir hablando de él, y más si cabe de sus obras menos conocidas, consideradas “menores” por diferentes circunstancias, ellas completan la visión polifacética de su obra.
En ocasiones, es incluso necesario, y podemos comprender mejor su arquitectura teniendo en cuenta que su preocupación era buscar la perfección a través de la depuración, más que la experimentación constante de forma caprichosa.
Suya es la frase de que “no es necesario, ni posible, inventar cada lunes por la mañana una nueva arquitectura.”.
Proyectos y obras canadienses realizados en la década de los 60 del siglo XX:
-1961. Maqueta del proyecto Mountain Square en Montreal
-1963 – 1969. El Toronto-Dominion Centre en Toronto
-1965 – 1968. El Westmount Square en Montreal
1967 – 1969. Tres edificios de apartamentos en la Île des Sœurs o Nun’s Island de Montreal donde colabora además en la planificación urbana de la isla (1965-1966)
-1967 – 1968. La Estación de Servicio Esso en la Île des Sœurs o Nun’s Island de Montreal
y por último, el proyecto del Dominion Square (1968-1969) también en Montreal
Un total de siete proyectos, dos de los cuales finalmente no se llegaron a construir, y una planificación urbana, todos en Montreal (Quebec) salvo uno de ellos en Toronto.
Mies en Canadá
La estancia de Mies van der Rohe en Montreal coincide con el final de su carrera (muere en 1969), y con la entrada de Montreal en la modernidad con la Expo 67.
Como una de las ciudades más antiguas de Norteamérica, asfixiada en la primera mitad del siglo XX por un liderazgo católico represivo, su madurez como ciudad moderna llegó tarde. (3)
La llegada de Mies a finales de los años 60 representó un período en la historia de Montreal en el que la ciudad podía mirar hacia adelante e imaginar un futuro nuevo y separado de su pasado. Los tres edificios en los que trabajó reflejan nuevas formas de pensar el espacio, donde la experiencia urbana se Re-imaginaba como algo moldeado por la movilidad fácil, la accesibilidad y la imaginación.
Tras abandonar Europa, se instaló en Chicago, donde fue nombrado director de la escuela de arquitectura del Instituto Tecnológico Armour de Chicago (hoy Instituto Tecnológico de Illinois). Diseñó decenas de edificios, muchos de ellos parte del campus que aún se mantiene en pie en Chicago, redefiniendo el perfil de la ciudad. Su popularidad también le permitió diseñar edificios en Houston, Berlín, Toronto y Montreal durante las décadas siguientes.
Phyllis Lambert, quien ayudó a traer a Mies a Montreal después de convencer primero a su padre para que lo contratara para el edificio Seagram de Nueva York, dijo al Gazette que Joe Fujikawa (1922 – 2003) (4) quien trabajó para Mies, fue el arquitecto del proyecto y tuvo la última palabra en el diseño.
En general, y en parte debido a su deteriorada salud, el trabajo de Mies en Montreal se realizó a distancia, se ha llegado a decir que actuó más como consultor que como gerente de proyecto activo.
Sueños de ciudades dentro de ciudades
En Mies van der Rohe: The Built World de Carsten Krohn , contextualizan la construcción del complejo Westmount Square con Habitat 67 de Moshe Safdie y otros arquitectos modernistas que trabajan en Montreal.
Arquitectos como Safdie creían en una mayor movilidad arquitectónica a través de megaestructuras y una «tipología de edificios híbridos» que difumina la línea entre arquitectura y ciudad.
Mies prefería una planta abierta y columnas simples como puntos fijos, creando una plaza peatonal urbanizada y un patio. Westmount Square presentaba un edificio de mediana altura en la superficie como mediación entre la zona más residencial y el concepto más sofisticado de «ciudad dentro de la ciudad».
El espacio indefinido del patio se presta a ser moldeado por las necesidades y deseos del público que lo utiliza. La idea de que el trabajo, las compras y la vida serían accesibles a pie reduce de manera similar el desperdicio y el estrés.
Less is More…Less is Bore…Les is Less, More is More…Less & More…
Desde hace mucho tiempo se ha asociado a Mies con el adagio “menos es más” (algunos incluso le atribuyen el mérito de haber acuñado la frase) (5). Su estilo minimalista apuntaba a reducir y destilar los diseños de edificios a sus formas más simples, centrándose en la función por encima de todo lo demás. Sus mejores diseños eran tan reducidos que no se podía quitar un solo elemento sin que toda la estructura se derrumbara. Ningún muro ni ningún adorno eran superfluos o innecesarios.
El diseñador Óscar Guayabero (1968) reflexiona entorno a la autoría de la que es quizás la frase más icónica del diseño y la arquitectura.
Mies van der Rohe lo confesó en un libro de memorias: “Lo escuché en la oficina de Behrens por primera vez. Tuve que hacer un dibujo para la fachada de una fábrica. No había nada que hacer con esto. Las columnas medían 5,75 metros. Lo recordaré hasta que muera. Le mostré un montón de dibujos de lo que se podía hacer y luego dijo: «Menos es más». Yo no entendí, pero vi que lo decía en serio”.
“Menos es más” (Less is More) es, quizás, la frase más famosa de la historia del diseño y la arquitectura y, sin embargo, a menudo se ha atribuido erróneamente su autoría. Ha pasado a la posteridad como sentencia del arquitecto Mies van der Rohe.
Todo indica que Mies oyó esta frase en el estudio de su mentor y maestro Peter Behrens (1868-1940), donde estuvo como ayudante durante un tiempo, muy al inicio de su carrera. En aquel estudio también pasaron otros tótems de la arquitectura, como Walter Gropius y Le Corbusier, reclutó a Van der Rohe para trabajar en aspectos de la Fábrica de Turbinas AEG en Berlín, entre 1907 y 1910.
Peter Behrens
Otras teorías sobre el origen de la frase
Se tiene como autor al pintor de la generación del expresionismo abstracto Ad Reinhardt (1913-1967) que en una entrevista dijo “Mientras más cosas contenga, cuanto más ocupada sea la obra de arte, peor será. Más es menos. Menos es más”.
La obra de Reinhardt tiende al reduccionismo casi total, que parece anticipar el minimalismo que surgiría décadas más tarde.
También se le ha asignado la autoría al poeta alemán Christoph Martin Wieland (1733-1813) quien escribió la siguiente sentencia “Und minder ist oft mehr, wie Lessings Prinz uns lehrt”. “Y menos es a menudo más, como nos enseña el príncipe de Lessing”, haciendo referencia a un personaje del poeta alemán Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781).
Sea o no suya, Mies van der Rohe hizo bandera de la frase, sobre todo a partir de la década de los cincuenta, ya instalado en Estados Unidos.
A poco que uno estudie su obra, veremos que de simple no tiene nada, la complejidad de sus edificios, pese a utilizar formas puras y volúmenes compactos, es extrema, ni la simpleza ni la falta de ambición estética son parte de ellas.
“Cada elemento físico ha sido reducida a su esencia irreductible. El interior es transparente sin precedentes… y también sin precedentes ordenada en sí mismo. Todos los de la parafernalia de los tradicionales salones, paredes, puertas, muebles de interior de ajuste, sueltos, fotos en las paredes, incluso objetos personales (han sido prácticamente abolido) en una visión puritana de la simplificación, la existencia trascendental. Mies había logrado finalmente una meta hacia la que había estado marcando su camino durante tres décadas”. Maritz Vandenburg, historiador.
Hay múltiples lecturas posibles a edificios como el Pabellón Alemán de la Exposición Universal de Barcelona del 1929.
-el Seagram de Nueva York 1954/58. (en colaboración con el arq Philip Johnson. (1906 – 2005).
-o la casa Farnsworth. 1948/51.
Pocos años después de que Mies popularizara la famosa frase, el diseñador/inventor/arquitecto/visionario Buckminster Fuller (1895-1983) la personalizó modificándola hasta “Hacer más con menos”. Puede parecer lo mismo, pero hay diferencias sustanciales.
Fuller rehuía los dogmas, como norteamericano pragmático, su visión era mucho más práctica, deudora de la ingeniería. En realidad, a ese proceso le llamó “efemerización” y se trataba de conseguir los máximos resultados con la menor inversión de material y energía.
Es el mismo principio que le llevó a crear el concepto dymaxion, que se define como “la máxima tensión dinámica” que es capaz de soportar una estructura y que hizo posible las cúpulas geodésicas.
Cuando en 1966, el arquitecto estadounidense Robert Venturi (1925- 2018) escribió Complexity and Contradiction in Architecture, el que sería el libro más importante al inicio de la postmodernidad, no solo revisó los clásicos desde la arquitectura griega al Renacimiento, sino que también revisó el paradigma del movimiento moderno, y con él, la frase atribuida a Mies.
Robert Venturi y Denise Scott Brown
Venturi escribió “Doy la bienvenida a los problemas y exploto las incertidumbres. Al abrazar la contradicción tanto como a la complejidad, busco la vitalidad tanto como la validez. Me gustan más los elementos que son híbridos que los “puros”, los comprometedores más que los “limpios”, los distorsionados más que “sin dobleces”, los ambiguos más que los “articulados” …, redundantes más que simples; contradictorios y equívocos más que directos y claros… Estoy por la riqueza de significado más que por la claridad de significado… Una arquitectura válida evoca muchos niveles de significado… sus elementos se hacen legibles y explotables en varias maneras a la vez”.
Concluyendo que “Menos es el aburrimiento” (Less is a bore), años más tarde, rectificó y dijo que su crítica no era justa con lo que Mies van der Rohe había aportado a la arquitectura.
“Pero en realidad, yo siempre lo entendí como una crítica a sus seguidores menos inspirados que copiaban los tics formales, más que al sentido primigenio de su trabajo”.
En el diseño gráfico, esa rémora del tardo modernismo se tradujo en fórmulas para diseñadores miedosos donde parecía que si se usaba la Helvetica, se dejaban muchos blancos, se usaban pocas tintas y se hacían bloques de texto como manchas geométricas, el éxito estaba asegurado.
Quizás por eso, un diseñador gráfico como Milton Glaser (1929-2020) también revisitó la frase y en su conocido decálogo apuntó “Al ser hijo del modernismo escuché este mantra toda mi vida: “Menos es más”.
Milton Glaser
No funciona cuando pensamos en la historia visual del mundo. Si observas una alfombra persa, no puedes decir que menos es más porque te das cuenta de que cada parte de esa alfombra, cada cambio de color, cada cambio de forma es absolutamente esencial para su calidad estética.
No se puede probar de ninguna manera que una alfombra lisa es superior. Lo mismo con el trabajo de Gaudí, las miniaturas persas, el art nouveau y muchas otras cosas. Tengo una máxima alternativa que creo que es más apropiada: “Suficiente es más”.
Massimo Vignelli
El concepto “suficiente” es tremendamente ambiguo, algo muy propio de la postmodernidad donde las certezas dejaron paso a la incertidumbre y donde ya no cabían los dogmas de fe.
A pesar de ello, otro diseñador gráfico, Massimo Vignelli (1931-2014) ferviente seguidor del movimiento moderno, aun cuando su trabajo se desarrolló en buena parte dentro del periodo postmoderno, ironizó sobre la evolución del diseño acuñando frases para las décadas de la segunda mitad del siglo XX.
En lo que llamó «Gráfico esquemático de cambios ideológicos y de diseño desde los 60 hasta la actualidad” (Schematic chart of ideological and design changes from the 60s to the present). (6)
Ludwig Mies van der Rohe, Sillón Barcelona. Foto: Knoll
Así, según Vignelli, los años 60 se definían con el “Less is More” de Mies; los años 70 con el “Less is a Bore” de Venturi, los años 80 con un maximalista “The more the better” (Cuanto más mejor), los años 90 con un retorno al pragmatismo, expresado con “Less is less, more is more” (Menos es menos, más, es más) y finalmente, los 2000 con un pusilánime “Less & More” (Menos y más).
Una visión del futuro desde el pasado
La Station – Centre intergénérationnel 201 Rue Berlioz Verdun, Montreal QC, H3E 1C1
A diferencia de otras obras arquitectónicas de finales de los años 60 que transformaron el aspecto de Montreal, Ludwig Mies va der Rohe está presente, caminar entre sus edificios no da la sensación de estar en el pasado, por lo que uno se pregunta si caminar por ellos a finales de los años 60 no habría sido como caminar por el futuro.
Gasolinera, construcción única, ícono de la Arquitectura Moderna. Fotos de HK
En la l’Île-des-Soeurs de Montreal, Mies realizará también un proyecto único en su carrera desde el punto de vista del programa funcional: una estación de servicio para la empresa Imperial Oil Ltd., hoy en día la Esso Oil Canadá (1967-1968).
La compañía firmó un acuerdo de exclusividad para suministrar combustible a la isla, pero comprometiéndose por contrato a construir un edificio de alta calidad arquitectónica y que a su vez fuera el prototipo de los restantes que iban a equipar la isla. Este compromiso de excelencia arquitectónica propició que Mies fuera designado para el encargo, aunque también fue decisiva la intervención de sus socios Gerry Johnson y Joe Fujikawa, quienes fueron imprescindibles en el trato con la compañía petrolera, y consiguieron que aprobara el proyecto.
Al equipo se unieron Paul H. Lapointe como arquitecto residente de Montreal, que ya había colaborado con la compañía petrolera, y Herb Sherwood, arquitecto de Toronto empleado de la Imperial Oil Ltd., que ayudó a supervisar la obra. El equipamiento está situado en el boulevard principal de la isla, en una zona rehundida y rodeada por un pequeño terraplén, donde originalmente estaba el rótulo de la compañía petrolera. Se trata de una construcción modesta de pequeñas dimensiones, que casi pasa desapercibida, pero que según Bédard: “(…) resume elocuentemente, con una gran economía de medios, los elementos esenciales del pensamiento arquitectónico de este maestro del Movimiento Moderno.”
Las diversas funciones de la estación de servicio, reabastecimiento y mantenimiento de los automóviles se desarrollan debajo de una cubierta plana sostenida por 12 columnas de acero pintadas de negro, como las vigas, que contrasta con el revestimiento metálico interior blanco del techo y los tubos fluorescentes desnudos.
En la zona central se sitúa la isla de servicio alrededor de un quiosco, que es un volumen completamente acristalado, y las seis bombas de suministro diseñadas también por Mies, mientras que en los extremos se disponen dos volúmenes con diferente tratamiento.
Uno de ellos, totalmente acristalado, albergaba la recepción de los clientes, y su disposición, según France Vanlaethem, recuerda “a la planta de la casa Farnsworth. (1946-1950)”.
En cambio, en el otro, más opaco, estaba el taller mecánico, delimitado por dos bloques de servicio con paredes de ladrillo y grandes puertas de garaje acristaladas visibles desde el área de servicio, con una imagen muy similar a la arquitectura del lllinois Institute of Technology (IIT) de Chicago (1943-1958).
No era la primera vez que Mies se enfrentaba a este nuevo uso, ya que entre sus proyectos no realizados figura una estación de servicio en una autovía alemana en 1934.
La solución final se adapta perfectamente al moderno programa funcional, recuerda la escala de los proyectos de viviendas individuales concebidos en las décadas anteriores y responde al principio de una construcción en forma de pabellón.
Sin embargo, la propuesta de Mies va más allá de un simple pabellón exento ya que dispone varios volúmenes independientes bajo un mismo techo de metal, donde además oculta todos los sistemas técnicos, asi unifica y enfatiza la horizontalidad. El proyecto original, tras su construcción, fue modificado varias veces.
Sin embargo, tras el cese de la actividad en 2008 y su catalogación como edificio
patrimonial en 2009 fue cuando el arquitecto canadiense Éric Gauthier, de la firma Architectes FABG, lo convirtió en un centro de actividades para jóvenes y mayores, en el 2011. Ha sido una intervención que ha cambiado por completo el uso original del edificio, pero que ha respetado en gran medida la esencia del proyecto original, sin caer en el rigor mortis de la monumentalización.
Así pues, el edificio ha cumplido una de las posibilidades que el propio Mies incluso contemplaba en alguna conversación, para su arquitectura: que su función o uso pudiera variar con el tiempo: Sin embargo “…si el uso del edificio cambia…por ejemplo, hace un siglo que, por alguna razón, el museo ha pasado a ser… cualquier otra cosa. No vacilaría en hacer una catedral en el interior de mi Centro de Convenciones (Chicago). No veo por qué no. Se puede hacer. Así que un tipo, como el centro de convenciones o el museo, pueden utilizarse también para otros fines…ya no se trata “la forma sigue – o debería seguir – a la función”. De todos modos, tengo ciertas dudas sobre estas afirmaciones. Existía una justificación cuando se dijo, pero no puede establecerse una ley a partir de ahí”.
En la Isla de las Monjas, en el río San Lorenzo, al suroeste del centro de la ciudad, no lejos del centro de Montreal, encontramos esta pequeña joya arquitectónica de uno de los arquitectos más importantes del siglo XX: la gasolinera Esso de Ludwig Mies van der Rohe (1886 – 1969).
Tras el cambio de siglo, Mies pasó de ser un apasionado arquitecto autodidacta para convertirse en un icono moderno de la arquitectura y el diseño de muebles, junto con sus colegas Frank Lloyd Wright en Estados Unidos y Le Corbusier en Francia.
Mies adquirió una sólida reputación, en parte gracias a su etapa como último director de la mundialmente famosa escuela Bauhaus, pionera de la arquitectura moderna y el diseño industrial. Sin embargo, la escuela fue cerrada por la fuerza por los nazis en la década de 1930, y Mies se trasladó exiliado a los Estados Unidos.
En su nuevo país de adopción, comenzó su segunda carrera, que le proporcionó fama mundial y renombre internacional en las últimas tres décadas antes de su muerte. Algunas de sus obras más conocidas incluyen:
-el campus universitario del Instituto Tecnológico de Illinois (década de 1940)
-los edificios de apartamentos de Lake Shore Drive 860/880 en Chicago (1950/1951)
-el edificio Seagram en Nueva York (1954-1958) y su última obra, la «Neue Nationalgalerie» en Berlín (1969).
En esta época diseñó la gasolinera de Montreal, sin duda uno de sus proyectos más singulares, pero también un excelente ejemplo del estilo arquitectónico de Mies, que pone al alcance de todos los amantes de la arquitectura la esencia de su teoría y práctica. En 2011, el estudio de arquitectura de Montreal FABG llevó a cabo unas reformas y restauraciones en la gasolinera, que estaba abandonada y corría el riesgo de quedar en ruinas.
La remodelaron transformándola en un centro comunitario intergeneracional (llamado «maison des générations»), respetando al mismo tiempo los elementos y el concepto del planteamiento general de Mies. Para ello, integraron materiales de construcción que eran nuevos en la época, como el acero, el cemento y el vidrio, con las tecnologías actuales para lograr la mayor calidad arquitectónica y estética posible.
La cubierta en voladizo se apoya sobre doce enormes vigas de acero soldadas, que parecen flotar. Cubre dos estructuras de vidrio que no están conectadas entre sí. La estructura de cristal de un lado era un taller de automóviles y la propia gasolinera (incluida una tienda) estaba al otro lado. Están separados por un pequeño cubo de cristal situado en el centro, que hoy funciona como depósito de llaves para un programa municipal de coches compartidos. La maravillosa simplicidad de la construcción general se ve resaltada por las vigas y pilares de acero barnizados de negro (que contrastan con los paneles esmaltados blancos de la estación) y las franjas geométricas de iluminación fluorescente instaladas bajo el techo.
Película sobre la gasolinera ”Regular or super: views on Mies van der Rohe”. Joseph Hillel, J. Hillel & Patrick Demers. Inglés/Francés, 57′. 2004. Quatre par Quatre Films Inc.
Construida entre 1967 y 1968, la estación de servicio cuenta con tres estructuras, cada una con una función distinta. En los extremos del sitio se encuentra el taller mecánico, hecho de ladrillo, y el área de recepción, formada por paredes de vidrio. La tercera estructura, reservada para la caja, consiste en una caja de vidrio ubicada en el centro del área de distribución de gasolina.
La estación de servicio a lo largo del tiempo
Con los años, la estación experimentó algunos cambios: estandarización de las bombas, transformación del área de recepción en un lavadero de autos y reemplazo del mobiliario original.
El quiosco central también fue pintado de blanco. En 2008, después de 40 años de operación, la estación de servicio cerró sus puertas.
La última obra de Mies no fue la Galería Nacional de Berlin, que no llegó a verla construida, sino esta gasolinera en Montreal para la compañía ESSO. Prácticamente abandonada y en desuso, la comunidad de vecinos de la localidad…decidió transformarla en un centro cívico para mayores, hace ya un tiempo…la rehabilitación llevada a cabo con éxito es la demostración no sólo de que Mies es un arquitecto del siglo pasado, sino que sus obras…siempre acaban siendo museos”. (8)
Cambio de función y vocación
Volviendo a su historia.
Cuando patrimonio y comunidad se encuentran.
El anuncio del cierre generó una movilización en la comunidad, con voces que exigían la preservación de este edificio único. En marzo de 2009, una consulta pública permitió a ciudadanos y profesionales opinar sobre su valor patrimonial y su futuro. En junio del mismo año, la estación y el terreno fueron declarados patrimonio por la ciudad de Montreal.
Simultáneamente, los ancianos y adolescentes de L’Île-des-Sœurs necesitaban nuevas instalaciones. El municipio de Verdun decidió unificar ambas generaciones bajo un mismo techo. Así, nació el proyecto de la Casa Intergeneracional.
Ubicada en la antigua estación de servicio, se comprometieron a realizar las renovaciones necesarias para preservar el edificio y adaptarlo a su nueva función.
Los trabajos de rehabilitación del sitio
Los trabajos en la estación de servicio comenzaron en el otoño de 2009 con un importante proceso de rehabilitación ambiental que duró aproximadamente un año. La compañía petrolera Esso, propietaria del edificio, encargó a la firma Sanexen realizar diversos trabajos de excavación, descontaminación del suelo, relleno y cementado.
Restauración del edificio
Mies van der Rohe, 860–880 Lake Shore Drive Apartment Buildings, Chicago, 1949/51, under construction
La restauración comenzó en marzo de 2011 y duró seis meses. Se llevaron a cabo varias intervenciones importantes para devolverle su aspecto original. Cada pieza se ha numerado, desmontado, realizado los trabajos de reparación y restauración y luego colocada en su lugar de origen.
El 95 % de las piezas han sido recuperadas. Los muros cortina fueron desmontados y restaurados, y se reemplazaron las secciones de vidrio en las puertas del garaje. También se limpió la mampostería de ladrillo y se instalaron nuevos equipos mecánicos en la losa de concreto central del edificio, evocando las antiguas bombas de gasolina.
El interior del edificio también fue restaurado, Los materiales utilizados son compatibles con los originales, la sobriedad de los colores elegidos (negro y blanco) facilitó la integración del edificio.
Además, se mejoró el rendimiento energético del edificio mediante la instalación de un sistema de climatización geotérmica. Los trabajos fueron dirigidos por el municipio de Verdun, con la colaboración de arquitectos, ingenieros y expertos en patrimonio arquitectónico moderno, asegurando el respeto por la integridad del edificio y el espíritu de Mies van der Rohe.
La normativa protege a este edificio como valor patrimonial, tiene por objeto ser una medida protectora con el fin de salvaguardar y ponerlo en valor, además de garantizar que durante el transcurso de las obras no se vea afectado.
Debido a la transparencia del edificio, esta normativa incluye los interiores y exteriores de la estación de servicio.
Ubicación (Wikiarquitectura)
La isla de San Pablo (Ile Saint Paul) es una de las antiguas propiedades agrícolas de la Congregación de Notre-Dame. Adquirida en el siglo XVIII, la isla estuvo habitada por monjas durante 170 años.
Por ello el lugar se llama Lílle des Soeurs. Dice la información en la Gasolinera “A lo largo de los años, la estación de servicio ha sufrido varios cambios, estandarización de los surtidores, transformación de la zona de recepción en lavadero de coches y sustitución del mobiliario original.
Se ha repintado de blanco el kiosco central. En el 2008 después de 40 años de actividad, la gasolinera cerró sus puertas”.
Nombre del proyecto «Reconversión de la estación de servicio de Mies van der Rohe en la l’Île des Soeurs».
ArquitectoLudwig Mies van der Rohe
Arquitecto reformaFABG Architects, Éric Gauthier
Equipo Marc Paradis, Dominique Potvin, Jaime Lopez, Steve Montpetit
Construida en el estilo internacional clásico, característico de la obra de Mies van der Rohe, esta estación de gasolina fue operada por la compañía Esso hasta su cierre en 2008. Desde entonces, la obra maestra permaneció tapiada y abandonada, con las pintadas inevitables y el desmoronamiento de la pared de ladrillos.
No muy lejana del complejo Westmount Square, en Montreal, también proyecto de Mies que incluía edificios residenciales, de oficinas y locales comerciales, la gasolinera fue encargada a Mies en 1966 por la Imperial Oil, siendo la primera de la isla y el primer diseño de Mies en La Île-des-Soeurs (Nun´s Island en inglés), donde también diseñó 3 edificios de apartamentos. En el su construcción trabajó en colaboración con el arquitecto local Paul H. Lapointe.
La gasolinera diseñada por Mies se encuentra en los suburbios de la isla de Nun (Nun´s Island), en el 201 rue Berlioz, Montreal.
Nun-s Island, oficialmente Île des Soeurs, forma parte del archipiélago de Hochelaga, sobre el río San Lorenzo, al suroeste de Montreal.
Concepto
“…Nuestros objetivos prácticos miden sólo nuestro progreso material. Los valores que profesamos revelan el nivel de nuestra cultura … Debemos dejar claro, paso a paso, que cosas son posibles, es necesario e importante…». Y probablemente Mies ha dado la mejor definición de la arquitectura que se puede encontrar en cualquier lugar: «…La Arquitectura es la voluntad de una época traducida a espacio, vivo, cambiante, nuevo…». Estas teorías, que ha puesto en práctica durante una larga vida útil, ahora han sido traducidas a la probablemente estación de servicio más bella del mundo. (Parte del artículo aparecido en The Montreal Gazette – Sep 20, 1968, con motivo de la inauguración de la Estación de Servicio).
Una vez que la estación de servicio dejó de funcionar se presentaron varios proyectos para la reconversión del espacio y la salvaguarda del valor arquitectónico, entre ellos un mercado de flores propuesto por un miembro de la familia Bronfman, quienes habían contratado a Mies para diseñar el Edificio Seagram.
Pero fue en 2009 cuando la ciudad de Verdún declaró la obra monumento histórico y decidió que se convertiría en una “Maison des générations”
Descripción (9)
La estación de servicio estaba compuesta por dos volúmenes que funcionaron como área de servicio para coches y como punto de venta, entre ambos una isla central con 6 surtidores de gasolina, cuyas bombas y mangueras quedaban ocultas a la vista y una caseta de cristal para el encargado. Los dos volúmenes están conectados por un techo bajo de acero esmaltado en blanco que une la estructura y vuela en los laterales. Las vigas y columnas fueron hechas con planchas de acero soldadas y pintadas de negro, creando un marcado contraste con la cubierta clara en la que se colocaron tubos fluorescentes. En una de las alas se ubicó un área de descanso para los clientes, incluyendo algunas de las sillas de Mies van der Rohe.
La gasolinera de Mies tenía tan poco en común con las llamativas estaciones ya existentes y a cuyos colores chillones se habían acostumbrados los automovilistas, por lo que la compañía tuvo que colocar al frente un gran logotipo para aclarar que era “la oscura escultura” que se encontraba debajo.
Con el paso de los años sus interiores fueron modificados, el mobiliario y los acabados fueron reemplazados y los surtidores eliminados. Cuando la estación de servicio se puso en funcionamiento se convirtió en uno de los mejores ejemplos de arquitectura moderna en Montreal.
A diferencia de las varias islas estrechas que hasta ese momento se utilizaban en las gasolineras, el diseño de Mies consistía en una sola isla cuadrada con expendedores hacia ambos lados y una cabina central de cristal para el operador. En uno de los laterales una gran oficina y tienda con paredes de cristal y en el lado opuesto un garaje con paredes de ladrillos amarillos, puertas de vidrio y acero pintado de negro desde el suelo hasta el techo.
Estructura
La estructura de la gasolinera reposa sobre una base de hormigón que soporta los 12 pilares de acero pintados de negro sobre en los que se apoya una cuadrícula de vigas también de acero sobre la que descansa el largo dosel metálico pintado de blanco que forma la cubierta.
Los pilares fueron realizados con planchas de acero soldadas en las que se apoya el techo metálico plano. El vidrio y el ladrillo son utilizados principalmente en los extremos y en el centro para crear elementos de ensamblaje estructural.
Materiales
Los materiales predominantes en su construcción fueron el acero, el vidrio, el ladrillo amarillo y el hormigón, los únicos colores blanco y negro.
Toda la plaza estaba iluminada por la noche con tubos fluorescentes montados bajo el techo, creando un moderno oasis de luz.
Reconversión. Tareas arquitectónicas
Los trabajos comenzaron con las tareas para descontaminar el suelo.
Maquinaria pesada y cuadrillas comenzaron a cavar para apuntalar fundaciones y reemplazar alcantarillado, drenaje y tuberías de agua, así como los cables eléctricos subterráneos y de comunicaciones.
La primera tarea arquitectónica fue restaurar meticulosamente la envolvente del edificio. Se desmanteló y reparó la pared cortina de cristal y metal, corroída por el tiempo y la falta de mantenimiento, se restauró la mampostería y se volvió a pintar la estructura.
La segunda tarea arquitectónica fue desarrollar estrategias para las nuevas necesidades mecánicas y eléctricas que no afectaran la integridad de los valores patrimoniales.
La tercera tarea fue radicalizar el edificio con las nuevas intervenciones con el fin de destacar sus cualidades inherentes y los valores esenciales que representa. La unidad formal y la sencillez se ven reforzadas por el tono negro en el lateral adolescente y el blanco en el lado de las personas mayores. La cubierta es un dispositivo unificador, que se refuerza mediante el uso de iluminación fluorescente lineal en los espacios interiores, siguiendo el ritmo de la misma.
Concepto
Planta
Esta reconversión no tiene ninguna similitud con la restauración de un monumento. Se trata de una interpretación que trata de tocar y comunicar la esencia de una visión artística formulada por otra persona, en respuesta a un mundo que ya no es el mismo.
Espacios
El volumen con más superficie, 278.70m2, fue destinado al grupo “senior”, quienes juegan al bridge, organizan comidas comunales, bailes o invitan a conferenciantes. Para aprovechar mejor el espacio todo el mobiliario es apilable, lo que permite distintas configuraciones.
El grupo más joven ocupa el volumen más pequeño, 92,90m2. Los adolescentes se reúnen allí todos los días a escuchar música, organizar fiestas y eventos bajo la supervisión de los educadores.
Las nuevas salas han sido denominadas “Sala Blanca” y “Sala Negra”, según el color de suelo. La oficina original del encargado, en el centro de la isla intermedia y con mampara de cristal, ha sido restaurada como vitrina donde se exponen algunos bocetos de Mies y la historia del edificio. En el lugar ocupado por los antiguos surtidores de combustible se han ubicado las salidas de los pozos de ventilación.
En una de las esquinas del sitio se ha instalado una bomba de calor geotérmica, cuyos tubos de calefacción se han soterrado e incorporado a los nuevos espacios.
Restauración de una gasolinera de Mies van der Rohe en Canada (5)
Por Les architectes FABG, trascribo su texto del 05/03/2012.
Decir que Mies van der Rohe es un maestro podría parecer una obviedad infantil a estas alturas. Algunos han comentado que el nuevo Mies en este inicio de siglo sería Norman Foster…, sin entrar en ese debate vemos esta cuidadosa recuperación que ha sido realizada por la oficina de arquitectos canadienses «Les architectes FABG».
Texto de la memoria.
Nun’s Island forma parte del archipiélago de Hochelaga situado al suroeste de Montreal. La estación consta de dos volúmenes diferenciados, uno para el servicio de vehículos y otro para la venta, con una isla de surtidores cubierta por un techo bajo de acero que unifica la composición.
Las vigas y columnas están realizadas con placas de acero soldadas y pintadas de negro que contrastan con la cubierta de acero esmaltado en blanco y los tubos fluorescentes sin recubrir. A lo largo de los años, los interiores se han modificado para incorporar un lavado de autos en el lado de ventas, se han reemplazado los acabados, los muebles y equipos empotrados y se han eliminado los surtidores hechos a medida.
Al dejar de funcionar la ciudad de Montreal lo catalogó como edificio patrimonial y convertirlo en un centro de actividades para jóvenes y personas mayores.
El grupo de mayores ocupa el volumen mayor para sus sesenta miembros que juegan al bridge, preparan comidas comunitarias, bailan o escuchan a los conferenciantes.
El grupo más joven ocupa el volumen menor. Los adolescentes se reúnen allí a diario para jugar, escuchar música, organizar fiestas y eventos bajo la supervisión de educadores.
Gasolinera ESSO original de Mies van der Rohe
La primera tarea de rehabilitación fue restaurar meticulosamente la envolvente del edificio desmantelando y reparando el muro cortina corroído, volviendo a colocar el ladrillo y repintando la estructura.
La segunda tarea fue desarrollar estrategias para las nuevas necesidades mecánicas y eléctricas que no afectaran la integridad del edificio.
Elegimos implementar soluciones provenientes del campo de investigación del desarrollo sostenible para lograr este objetivo. Los nuevos pozos geotérmicos bajo el asfalto alrededor del edificio proporcionan la mayor parte de la energía necesaria para operar el edificio, pero también reducen radicalmente el tamaño del equipo y eliminan la necesidad de una torre de enfriamiento en el techo del edificio. Las nuevas bombas de gas de acero inoxidable son, de hecho, dispositivos de entrada y salida de aire conectados mediante conductos subterráneos al sistema HVAC. Sustituyen las lamas que habríamos tenido que instalar en el edificio y esta solución contribuye al preenfriamiento o calentamiento del aire fresco admitido, el efecto pozo canadiense.
La tercera tarea fue enfatizar sus cualidades inherentes y los valores esenciales que encarna. La unidad formal y la simplicidad se realzan al hacer todo negro (espacio de los adolescentes) o blanco (de los mayores). La fuerza del techo como dispositivo unificador se refuerza mediante el uso del mismo ritmo de iluminación fluorescente lineal en los espacios interiores (tubos T-5 sobre atenuadores). La transparencia se aumenta abriendo completamente la vista de un extremo al otro en el eje longitudinal y utilizando vidrio con bajo contenido de hierro.
Notas
Edith Farnsworth
1
Santiago de Molina. 2014. “Sospechar de Mies”. Blog Múltiples. Septiembre de 2014
2
Universidad Politécnica de Cartagena. Vincenzina La Spina. 2018/19
3
Thew Main. “Las huellas de Mies van der Rohe en Montreal”. Justine Smith. 31 de enero de 2024
4
Joseph Fujikawa, nacido en 1922 en Los Ángeles, California, trabajó con Mies van der Rohe y se hizo cargo de su oficina después de su muerte.
Comenzó sus estudios de arquitectura en 1940 en la Universidad del Sur de California y terminó su licenciatura en el Instituto Tecnológico de Illinois en 1944. También realizó un máster con Mies van der Rohe en el IIT.
En 1944, Fujikawa comenzó su carrera de arquitectura en la Oficina de Mies van der Rohe. En 1976, algunos años después de la muerte de Mies, el nombre de la firma se cambió a Fujikawa, Conterato, Lohan & Associates. En 1982, Fujikawa se unió a Gerald Johnson y fundó Fujikawa Johnson & Associates. Fujikawa permaneció dedicado al vocabulario miesiano hasta su muerte en Winnetka, Illinois, en 2003.
5 y 7
“Menos es más… más o menos” por Óscar Guayabero. 20 nov 2021. Buckminster Fuller
6
Instituto Goethe de Canadá. Sociedad Mies van der Rohe.
Las fotos las saqué de unos paneles en mal estado (como toda la estación), pero son del año 1969, donde se la ve funcionando como estación de servicio ESSO. Chicago History Museum.
Thew Main. “Las huellas de Mies van der Rohe en Montreal”.
Justine Smith. 31 de enero de 2024
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón doscientas mil lecturas http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Rochester
From Buffalo to Rochester it is 120 km on Route 90 and 490. 1 hour 15
My architectural itinerary
NY to Buffalo is 479 km
Buffalo to Rochester is 120 km
Rochester to Syracuse is 138 km
Syracuse to Middlebury is 264 km
Total 1.001 km
Before making my trip to Buffalo, I prepared (as I always do) my logbook, which by the way I will have to summarize, because it already has 58 pages.
Not only addresses, but also dates, times, possibility of visiting, etc. They have given me quite a few references from some pages of F.LL.Wright, with many valuable people, who know a lot and like to help.
My big question was whether from Buffalo I go to Toronto (160 km) to see Glenn Gould’s recording room, which apparently is no longer there, and his bronze figure. It seems that they have built a large auditorium, and the recording room is no longer there… (what I want to see is one of his pianos, and on an old tape recorder listen to his Goldberg Variations, which were commissioned from Bach by Count Hermann Carl von Keyserlingk (1696-1764) from Dresden, played slowly (recorded in 1981, the fast one was recorded in 1955).
If I’m not going to Toronto, I’d go to Rochester, although the Wright-designed Boyton House is undergoing renovations. What I already have is the ticket for the Darwin D. Martin house built between 1903 and 1905.
In Buffalo the first thing I’ll see is the gas station at the Pierce Arrow Museum, 263 Michigan Avenue. Designed in 1928 and rebuilt in 2012, commissioned by William Heath for the corner of Cherry and Michigan
See https://onlybook.es/blog/wright-brenham-sullivan/
First Unitarian Church of Rochester
6-42 W. Main St., 20-56 Fitzhugh St., Rochester, New York
My interest in Louis Kahn comes largely from everything that Architect Miguel Angel Roca (1936) has told us about him, both in his chair at the University of Buenos Aires, where I was his adjunct professor for four years, and in countless and enriching personal conversations. I sent my thanks to Miguel from here.
Miguel Ángel Roca, mi nieto Mauro y yo en Toledo en septiembre del 2024
«The sun didn’t know how great it was, until it hit the side of a building.» Louis Kahn
220 Winton Road South. Rochester.
1959 – 1969 Kahn expanded it in 1967.
On September 2, 2014, the temple was listed on the National Register of Historic Places.
Its exterior is characterized by deeply broken brick walls that protect the windows from direct sunlight. The complex roof of the sanctuary has light towers at each corner to let in natural light indirectly.
Paul Goldberger, architecture critic and Pulitzer Prize winner, writing in 1982 in The New York Times describing the First Unitarian Church of Rochester, “…is one of “the greatest religious structures of this century, along with the Notre Dame du Haut Chapel.” , the Unity Temple, and the First Church of Christ.”
Architect Le Corbusier. The chapel of Notre Dame du Haut. 1950/1955
Arq. Frank Lloyd Wright. 1905/1908
Arq. Bernard Ralph Maybeck 1910
Kahn y el ser-en-el-mundo
When he mentioned the school as an example of institutions that arise from inspirations, he said, “Schools began with a man who, without knowing that he was a teacher, discussed his ideas with a group of people who did not know that they were students.”
“The street is probably the first human institution, a meeting center without a roof, the school is a space where it is good to learn. The city is the place where institutions meet.”
“Everything an architect does respond first to a human institution before becoming a building.”
Thus, «architecture is based on the general forms of man’s being-in-the-world.»Martin Heidegger (1889 – 1076).
Kahn’s intention was to demonstrate that architecture is the embodiment of the incommensurable.
In this sense, it is incommensurable, although it can be measured as a building “A work is carried out between the imperious sounds of industry (creation) and when the dust settles (when the excitement of creation has passed). The pyramid of echoing silence provides the sun with its shadow.”
The affinity between Kahn’s ideas and the philosophy of the Congregation of the First Unitarian Church was one of the decisive factors in choosing him among six other architects to develop the design of their new building when urban planning regulations forced them to abandon their old one. headquarters of 1859. (1)
The congregation of the First Unitarian Church of Rochester voted in January 1959 to sell their existing building in downtown Rochester, New York, thinking they would be around until July 1961. However, construction weakened the building, forcing them to move in September of 1959.
The former First Unitarian Church building was architecturally significant, as it was designed by Richard Upjohn (1802 – 1878) a prominent 19th century architect and first president of the American Institute of Architects. The church decided to replace it with a building designed «by a prominent 20th century architect, giving the community a notable example of contemporary architecture.»
The search committee, made up of church members who had a background in architecture, decided to focus on prominent architects who had established relatively small offices and who did most of the creative work themselves.
Although Kahn’s own subsequent account of the development process suggests – misleadingly – that it was produced in a fluid and coherent manner, the truth is that the built project – of which both Kahn and the clients were to be very satisfied – was the result of no less than six different versions.
The first tests, carried out by Kahn before knowing the specific site and program, proposed a centralized type scheme, directly inspired by Renaissance churches. This is how the first design emerged, which proposed a large circular worship room enclosed within a square with four towers in the corners.
This approach clearly expressed Kahn’s idea about the composition and form appropriate to the project, but it did not adequately respond to the functional requirements and far exceeded the financial possibilities of the congregation. (2)
The different versions of this project were distorting the original idea without pleasing the clients, who from the beginning had insisted on the separation of the school and the sanctuary into two independent groups.
Kahn, who was resistant to this idea, was willing, however, to rethink the project from scratch and, through a new phase of versions, arrived at a solution that harmonized his clients’ ideas regarding the configuration of a Unitarian temple (to which Wright’s Unity Temple responded much better) with their own questions about the “desire” for the classrooms and premises to be smaller and arranged around the large worship hall.
The satisfaction of the congregation is demonstrated by the fact that, in 1967, they went to Kahn to extend the building, which he resolved by means of a complementary body joined to the main one through a gallery, breaking in part with the homogeneity and the compactness of the original project.
Design process
The history of the design process at the First Unitarian Church, including Kahn’s creation of what he called a form drawing, «is almost a classic in the history and theory of architecture» according to Katrine Lotz, a professor at the School. of Architecture from the Royal Danish Academy of Fine Arts.
He began by creating what he called a form drawing to represent the essence of what he intended to build.
I remember that, in my student days at the University of Buenos Aires, we called it “guiding idea, or simply party idea”, a first idea, with the strength of proposing concepts drawn without having formal or functional prejudices, that drawing, prudently angry, he guided us as we solved the project. (thanks Edgardo).
He drew a square to represent the sanctuary, and around the square he drew concentric circles to indicate an ambulatory, a corridor, and the church school.
In the center he placed a question mark to represent his understanding that, in his words, “the way the unitary activity was carried out was linked to what the Question is. «Eternal question of why anything.»
His approach was to design each building as if it were the first of its kind. August Komendant (1906 – 1992), a structural engineer who worked closely with Kahn, said that during the initial stages of design, Kahn struggled with questions of the type “How would a Unitarian Church be designed? What is unitarian religion? and studied Unitarianism in depth. The result sometimes confounded expectations. When the completed First Unitarian Church was shown at an architectural exhibition in the Soviet Union, the mayor of Leningrad commented that it did not look like a church, Kahn jokingly replied, «That’s why it was chosen for display in the Soviet Union» .
Prior to hiring Kahn, they contacted five architects.
Frank Lloyd Wright expressed little interest, and his proposed fees were high. (Wright died shortly afterward at the age of 91.)
Eero Saarinen had support from the community, but was unable to take the job due to time constraints.
The committee also met with Paul Rudolph, Walter Gropius and Carl Koch.
They spent a day with Louis Kahn in May 1959 and were impressed by his philosophical approach, the atmosphere in his office, the assurance that he would personally be in charge of the design.
Robin B. Williams, writing in Louis I. Kahn: In the Realm of Architecture, “attracted his clients to the high compatibility of his philosophy with unitary ideas.”
Robert McCarter (3), one of Kahn’s biographers, points out parallels between his ideas and those in the Essays of Ralph Waldo Emerson (1803 – 1882) (4), an important figure in Unitarian history.
Kahn, who came from a non-observant Jewish background, was spiritual in a way that has been described as “pan-religious” by Carter Wiseman(5), one of his biographers.
FAIA (abbreviation for Fellow of the American Institute of Architects) David Rineheart (1928 – 2016), who worked for Kahn, explains: “For Lou, every building was a temple. Salk was a temple to science. Dhaka was a temple for the government. Exeter was a temple to learning.”(6)
During the Great Depression, Kahn worked with unions and civic agencies to design affordable housing. He worked as an assistant architect on the Jersey Homesteads, a project to resettle Jewish garment workers from New York City and Philadelphia into a rural kibbutz-like collective that combined agriculture and manufacturing.
During the 1948 presidential election, he worked with the third party campaign of Henry A. Wallace, who was nominated by the Progressive Party.
Kahn gave a philosophical presentation of his ideas at a congregational meeting in June 1959, after which the church commissioned him to design its new building. During that same visit he helped choose the site that would be purchased for the new building.
That year Kahn was chosen to design the Salk Institute, and in 1962 he was selected to design the Jatiyo Sangsad Bhaban in what would become the capital of the new nation of Bangladesh.
Shrine of the First Unitarian Church of Rochester
The building committee told him that the new building “must support the community at large and must express “the dignity rather than the depravity of man.”
The congregation’s broad approach to the statement of requirements was similar to Kahn’s philosophical approach to his architectural design, which he explained in «Form and Design» an article he wrote while working on this project.
Using the First Unitarian Church of Rochester as an example, he said: “In my opinion, a great building must begin with the immeasurable, it must go through measurable means when it is designed, and in the end it must be immeasurable… But what is immeasurable is the psychic spirit.”
Kahn associated the incommensurable with what he called Form, saying that “Form is not design, nor a figure, nor a dimension. It is not a material thing. Form… characterizes a good harmony of spaces for a certain human activity.»
Form, he said, was not to be understood as an architectural design. He drew a square representing the sanctuary, and around the square he placed concentric circles representing an ambulatory, a corridor, and the church school.
In the center of the square he placed a question mark which, he explained, represented his understanding that “the form of realization of the Unitarian activity was linked to what the “Question” is, the eternal Question of the why of anything.”
Kahn delivered his first design in December 1959, proposing a square building three stories high with four-story towers at each corner.
The sanctuary was a square area in the middle of a large twelve-sided room in the center of the building. The rest of the almost circular room was an ambulatory space that had to be protected from the sanctuary.
«I felt the ambulatory was necessary because the Unitarian Church is made up of people who have had previous beliefs (…) So I drew the ambulatory to respect the fact that what is said or what is felt in a sanctuary is not necessarily something in which that you have to participate. And then you could walk around and feel free to walk away from what is being said.”
Kahn had developed the idea of this type of ambulatory before his work at the First Unitarian Church, and referred to it during a talk in 1957 in the context of a university chapel.
The central hall was to be surmounted by a complex dome and surrounded by a corridor outside its walls that would provide connections to the three-story church school on the building’s periphery.
School students could watch church services “from the open spaces above.”
Prompted by complaints about the cost, which was several times the amount that had been budgeted, he quickly removed a floor from the proposed building.
The committee, however, was also unhappy with other aspects of the design, such as its rigidity and lack of usable classroom space — the irregularly shaped rooms on the periphery created by the placement of a large, almost circular room within a square building. and the possibility of children listening upstairs and people entering and leaving the sanctuary disrupting services.
In February 1960, Helen Williams, chairwoman of the building committee, wrote to him that «we are not at all happy with the present concept you have given us» and a week later she wrote: «We remain firm in the conclusion that we must have a completely new concept.«
Claiming that “Kahn has failed us miserably,” Williams resigned from the building committee.
Kahn agreed to create a new design, much to the relief of the building committee, which feared he would demand payment for work performed and walk away from the commission.
For his new design, Kahn proposed a slightly elongated rather than rigidly square building.
He resisted suggestions to place classrooms in a separate wing to reduce the possibility of rowdy children disrupting services, retaining the concept of surrounding the sanctuary with the church school. Kahn eliminated ambulatory space within the sanctuary walls, but retained the hallway just outside to provide access to the classrooms.
The roof over the sanctuary was one of the last aspects of the design to be completed
One option would have been to cover the sanctuary with a steel structure, but Kahn had decided in the early 1950s that he would no longer use such structures, preferring the more monumental appearance he could achieve with materials such as concrete and brick.
Not completely satisfied with the roof design he had developed, as I have already mentioned, Kahn asked his collaborator August Komendant, a pioneer in the use of prestressed concrete, for suggestions, which allowed him to create lighter and more elegant structures than normal concrete.
Komendant kept the overall design of the roof, but redesigned it as a prestressed concrete folded plate structure that would require support only at its edges, eliminating the need for the solid concrete beams that Kahn had planned to use as support for the roof structure.
Kahn initially planned to bring natural light into the sanctuary through light slits in a series of concrete caps on the roof, but the construction committee estimated that each cap would weigh 33 tons (30,000 kg), creating support problems. The light towers in Kahn’s final design are glazed only on their inner sides, a suggestion that originated in meetings with the committee.
The new design was overwhelmingly approved by the congregation in August 1960. At the dedication of the new building in December 1962, Kahn spoke about the relationship between architecture and religion.
Komendant said: “He told me that in his speech he described the cathedrals, the size and height of which were intended to show the greatness and power of God and the baseness of man, so that men would be frightened and obey His laws. For this church he used atmosphere and beauty to create respect and understanding of God’s goals, goodness and forgiveness.”
The exterior of the building is characterized by deeply folded brick walls created by a series of slim, two-story light hoods that help protect the windows from direct sunlight.
The main entrance to the building is not visible to people passing by on the street.
Light towers at each of the sanctuary’s four corners rise above the exterior walls of the building, allowing the shape of the sanctuary to be easy to view from the outside.
Habitable Walls (1)
Kahn, Heidegger. The language of Architecture by Christian Norberg-Schulz
The impression Kahn created “of the sanctuary embedded within the larger building” is similar to the “box within a box” approach he used in several other buildings, notably the Phillips Exeter Academy Library.
The building echoes the design of the Scottish castles that fascinated Kahn, particularly Comlongon Castle,
Comlongon Castle has a single large room in the center surrounded by 20-foot-thick walls. Those unusually thick walls allowed entire secondary rooms to be carved from their insides, effectively turning them into inhabited walls.
In the case of the First Unitarian Church, the large central hall is the sanctuary, and the «inhabited walls» can be perceived as the two surrounding floors of rooms.
The windows in these rooms are so recessed that they are inconspicuous when viewed from an angle, and the corner spaces of the building are windowless, all of which adds to the perception that the sanctuary is surrounded by massive, sturdy walls.
In Kahn’s words, «the school became the walls surrounding the issue.» The church hired Kahn in 1964 to do an addition, which was completed in 1969.
Its exterior is relatively disjointed, in contrast to the sculpted walls of the original building.
According to scale drawings, the irregularly shaped building measures approximately 240 by 120 feet at its longest and widest points. Approximately 23 meters is from the 1969 extension. Its footprint on the land is 1,384 m².
A low ceiling
Instead of a large entrance at the front of the building that leads directly to the sanctuary, the First Unitarian Church is accessed through a side door that requires a right turn to reach the sanctuary.
The entrance is beneath the low cantilevered choir ceiling, creating a sequence from shadow to light.
“Civilization is measured by the shape of its roof,”Kahn said.
The complex roof of the sanctuary rises above the two stories of the surrounding rooms.
Light towers at the four corners bring indirect natural light to areas that are not normally well lit.
Kahn said: «If you think about it, you realize that you don’t say the same thing in a small room as you do in a big room.»
The cruciform shape Kahn used for the roof is one he had used in previous works, notably the Trenton Jewish Community Center.
The massive roof structure is supported in part by twelve slender columns embedded in the walls of the sanctuary, three columns per wall. Each central column is braced to the columns on each side by horizontal beams. The roof is lower and darker in the center, the opposite of classical church domes that are higher and brighter in the center.
The wall hangings were designed by Kahn and, like the building itself, contain no literal symbolism.
At Kahn’s request, the panels span the entire color spectrum, yet were constructed entirely from one red, one blue, and one yellow thread, with the remaining hues created from blends of those three threads. The panels were designed not only for visual effects, but also to correct a sound problem that was reverberating off the concrete walls.
The main construction materials of the interior are concrete blocks, poured concrete and wood, a combination he used in most of his later projects.
The walls of the sanctuary are 24 inches thick and constructed of concrete blocks, the hollow spaces within the walls serving as ventilation ducts.
Light and Silence
During initial design discussions, Kahn asked Komendant, “What is the most important thing in a church?” and then he himself answered that question by saying “the essence of atmosphere for a church is silence and light. Light and Silence! «
“Silence and Light” later became the name of an essay Kahn wrote in 1968 in which he explained concepts crucial to his philosophy.
Architectural historian Vincent Scully said of the church:
«You can really feel the silence of which he spoke, vibrating as with the presence of divinity, as the cinder block turns silver from the light flooding into it, while the heavy slab , rises above the head».
The editor of his writings, Robert Twombly, said that by silence, Kahn meant «each person’s desire… to create, which for Kahn was the same as being alive.»
Exterior and interior views of the ground floor projections with benches
Benches with small side windows cantilevered from the exterior walls are placed in classrooms. These spaces create the impression of small rooms carved into the exterior walls and, according to Robert McCarter, continue Kahn’s architectural theme “of the classrooms themselves appearing as rooms embedded within castle-thick walls.”
Monumentality and authenticity
Sarah Williams Goldhagen, author of Louis Kahn’s Situated Modernism, says that Kahn was concerned with the socially corrosive aspects of modern society.”
He believed that “architecture should favor the ethical training of people. “People who are anchored in their community, morally obligated, and psychologically connected to the people around them make better citizens.”
Kahn’s first major essay as sole author, published in 1944, was called Monumentality, a concept he defined as «a spiritual quality inherent in a structure that conveys a sense of its eternity.»
At the First Unitarian Church, Goldhagen says, the column-shaped light rhythms that Kahn sculpted into the façade are among the devices that increase the impression of massiveness and give the building an air of monumentality, he said: «I believe in frank architecture. A building is a struggle, not a miracle, and the architect must recognize this.«
Architecture of Institutions
According to Goldhagen, it was the first building Kahn built that gave “an indication of his mature style.”
Goldhagen says that at the First Unitarian Church, Kahn developed a philosophy for creating architecture for such organizations: «Kahn’s philosophy of the architecture of institutions, developed while designing the First Unitarian Church in Rochester, stipulated that the first and highest duty of the architect was to develop an idealized vision of the ‘way of life’ of an institution and then give shape to that vision, or as he would have put it, Form.”
Kahn made his enthusiasm for the First Unitarian Church evident even before it received final approval from the building committee.
As early as October 1960, at a conference in California, he had chosen it to illustrate a pair of terms, «form» and «design,» that were becoming key principles of his philosophy. He used these words to describe his conception of architecture, and in particular his design procedure, as the translation of the intangible into the real. It was at this time that Kahn mythologized the way the church’s design had evolved, composing an account (accompanied by the now famous diagram) that, since its publication in April 1961, has been seen as the clearest illustration of its design approach.
“Schools began with a man who, without knowing he was a teacher, discussed his ideas with a group of people who did not know they were students.”
Kahn worked on this lecture for several months and published it as an essay titled Form and Design. A colleague described it as the best embodiment of his ideas at the time and said that when people requested examples of Kahn’s publications, he most often sent this essay.
Kahn’s intention was to demonstrate that architecture is the embodiment of the incommensurable.
He used to mention the school as an example of institutions that arise from inspirations “Schools began with a man who, without knowing that he was a teacher, discussed his ideas with a group of people who did not know that they were students.”
“The street is probably the first human institution, a meeting center without a roof, the school is a space where it is good to learn. The city is the place where institutions meet.”
“Everything an architect does responds first to a human institution before becoming a building.” Thus, architecture is based on the general forms of man’s being-in-the-world. Martin Heidegger, 1889 – 1976.
In this sense, it is incommensurable, although it can be measured as a building. “A work is made between the imperious sounds of industry (creation) and. When the dust settles (when the excitement of creation has passed)(…), the pyramid of resonant silence provides the sun with its shadow.”
The 1950s constitute a decisive turning point in the career of Louis I. Kahn, a moment in which his ambition to understand the very origin of architecture led him to propose a series of decisive transformations in the conception of order and space. modern. His intuitions about the autonomous and indivisible condition of the room from the intimate commitment between envelope and structure were intertwined with a simultaneous interest in the processes of growth of the form, partly influenced by key figures of the North American context such as Buckminster Fuller (1895 – 1983). ) or Robert Le Ricolais (1894 – 1977) but above all for his intense collaboration with the architect Anne Tyng (1920 – 2011).
The evolution of the Trenton Jewish Community Center project can be considered a paradigmatic example of this crossroads of interests, naturally assuming the transition from a «cellular» plot with an organic appearance to a tartan scheme with classical connotations. The main objective of the article is to shed new light on the reason for this transition and to do so it proposes the reconstruction of the hypothetical creative process of its author, by redrawing the different versions of the project. The aim is to detect key episodes in decision-making, such as the debate established between Kahn and Colin Rowe (1920 – 1999) following the latter’s visit to Philadelphia, which could have encouraged a radical change in the proposed anatomical model. Louis I. Kahn, Anne Tyng, Colin Rowe, Trenton Jewish Community Center, modern review, growth patterns.
Kahn’s belief in “what the building wants to be,” as he often repeated in his lectures, was strongly conditioned by this Wrightian ideal.
Kahn said: “It is a happy moment when a geometry is found which tends to make spaces naturally, so that the composition geometry in the plan serves to construct, to give light and to make spaces.”
“It is a happy moment when you find a geometry that tends to make spaces naturally, so that the geometry of the plan composition serves to build, give light and make spaces.”
Richard Saul Wurman, editor “What will be has always been: the words of Louis I. Kahn” New York. Access and Rizzoli. 1990, What will be has always been: the words of Louis I. Kahn.
And those of Wright: “There is a life principle expressed in geometry at the center of every Nature-form we see. This integral pattern is abstract, lying within the object we see and that we recognize as concrete form. It is with this abstraction that the architect must find himself at home before Architecture can take place.”
“There is a principle of life expressed in geometry at the center of every form of Nature that we see. This integral pattern is abstract and is found within the object we see and recognize as a concrete form. It is with this abstraction that the architect must become comfortable before Architecture can take place”.
“Frank Lloyd Wright, Collected Writings of Frank Lloyd Wright.” New York: Rizzoli, 1992, vol. I, For the cause of architecture: composition as a method in creation, 259–60.
What does a building want to be?
A rose wants to be a rose
In the discussion of Kahn’s philosophy, his famous question: What does a building want to be? is usually taken as a starting point. This question has a greater scope than the approaches of functionalism. As a matter of principle, functionalism is circumstantial, since it starts from the particular or the general, although it may accept the concepts of typology and morphology.
Kahn’s question, on the other hand, suggests that buildings possess an essence that determines the solution. Thus, his approach represents an inversion of functionalism; the latter starts from the bottom, while Kahn starts from the top.
He emphasizes again and again that there is an order that precedes design. One of his statements begins by saying “Order exists.” This order encompasses all of nature, including human nature.
In his early writings, he used the word form to designate what a thing wants to be; However, he himself must have perceived the danger of misunderstanding, since this term usually has a more limited meaning.
That is why he introduced the term pre-form.
Then he preferred to refer to the field of essences with the word silence. Silence is immeasurable, but it contains the desire to be. Every form has a desire for existence that determines the very nature of things. This desire for existence is satisfied through design, which involves a translation of the internal order into being.
Boynton House in Rochester
The Boynton House was designed in 1908 by Frank Lloyd Wright, it is located at 16 East Blvd, in the city of Rochester, in the state of New York (14610).
No visitors allowed at this time. (August 2024).
Part of Wright’s Prarie Style repertoire of homes, this house was commissioned by Edward Everett Boynton, for him and his teenage daughter Beulah Boynton.
Some of the following photos are courtesy of the Wright Legacy Group.
The first floor has abundant windows, especially in the dining room, with skylights, a strip of skylights and a long window made up of folding modules, which join together to create different levels of lighting.
Next is the living room which features millwork with a similar window configuration on two sides and glass doors leading to a gallery at the northwest end of the home.
Wright was heavily involved in the design process and traveled to Rochester several times to oversee construction.
He also designed much of the furniture, such as the large dining room table, which has a wooden structure that holds the lamps, with a notable design.
We already anticipate the one on the dining room table in the Robie house, completed two years later.
Edward Boynton commissioned Wright to build a total work of art, including the house, landscaping, and furniture.
The site, which stretched across three city lots, gave Wright the space to incorporate a large garden, tennis court, and rectangular reflecting pool, providing the feel of an open prairie.
Boynton had sufficient resources due to his enormous success in his business selling lighting fixtures, he was a partner in CT Ham Manufacturing Co. of Rochester.
But his financial success failed to prevent Boynton’s personal life from being marked by tragedy.
Three of his four children died at a young age, including Bessie, the twin sister of his daughter Beulah.
On April 13, 1900, his wife died. Beulah told Times Union reporter William Ringle, «My father didn’t have any more hobbies than I did.»
When Boynton decided to move from his home at 44 Vick Park B in Rochester he commissioned Frank Lloyd Wright to design what would become the only Wright-designed home in the city.
Beulah Boynton recalled: «My father wanted the architect Claude Bragdon (8) to build our house, because he was captivated by Wright, until he was able to hire Wright.»
Edward Boynton learned of Frank Lloyd Wright through his business partner Warren McArthur, as Wright had designed the McArthur House in the Kenwood district of Chicago in 1892. It was in 1906 that Boynton commissioned Wright to design a house on a spacious property on East Boulevard.
Construction began in 1907 and was completed the following year.
His daughter Beulah Boynton was a teenager when she met Frank Lloyd Wright.
He became very interested and involved in the design and construction of houses.
«I learned to read the specifications. I discovered a mistake in the bricklayers who were placing the chimney.»
Wright, in an unusually fruitful collaboration with 21-year-old Beulah, designed the two-story house to stand sideways on the site in an elongated “T”-shaped plan.
Art glass windows and a large terrace characterize the home, which has suffered numerous structural problems due to Rochester’s harsh winter conditions.
New owners
Kim Bixler is the author of the book “Growing Up in a Frank Lloyd Wright House” and can be seen in the 2012 PBS documentary Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years, as well as in the “Wall Street Journal,” “The Not Too Serious Architecture Hour” and on NPR’s “Here & Now” in celebration of Wright’s 150th birthday.
He graduated from Cornell University in 1991 and New York University.
His family owned the Boynton House from 1977 to 1994.
The book “Growing Up in a Frank Lloyd Wright House” chronicles the joys and pitfalls of owning a house he designed. The house’s tumultuous history is told through interviews with former and current owners. It tells what it is like to live with the curiosity of the public, play hide-and-seek, deal with the usual roof leaks and manage constant renovations.
Restoration
The Boynton House’s current owners, Jane Parker and Francis Cosentino, who purchased it in 2009, have just completed a painstaking two-year restoration project.
The process, which was completed in 2012, was documented by Rochester Public Broadcasting Station in a program titled “Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years.”
It is the only house made by Wright in Rochester, and an example of his Prairie houses. And it is one of the few Wright houses that continues to function as a private residence, as they are generally preserved as public museums.
The restoration was carried out by a local architecture company Bero Architecture, and the landscape design was done by the company PLLC. Bayer Landscape Architecture.
Originally, in 1908 the house stood on three lots, two of which, to the south of the house, were landscaped.
Today the house is on a single urban lot.
The most striking thing about the restoration was returning the spectacular cantilevered roof, common in Wright’s projects. This was because it had been closed shortly after the completion of the house.
The restoration has received congratulations from the Landmark Society (7), its president, Mary Nicosia, and its executive director, Wayne Goodman.
The house has 235 pieces of art glass, many of which are in the dining room.
Notas
1
Living Architecture. First Unitarian Church of Rochester. Architect Louis Kahn.
Robert McCarter Architect, teacher and writer, two of his books, “Louis I. Kahn” and “On and By Frank Lloyd Wright”, were finalists for the RIBA (Institute of British Architects) International Book Awards in 2006.
4
Ralph Waldo Emerson (Boston, Massachusetts, 1803 – 1882 Concord, Massachusetts) was a writer, philosopher, and poet. A leader of the Transcendentalism movement in the early 19th century, his teachings contributed to the development of the “New Thought” movement in the middle of the century.
5
Architect, professor and writer, his books include “Louis I. Kahn: Beyond Time and Style”.
A graduate of Yale College, Wiseman earned a master’s degree in architectural history from Columbia University and was a Loeb Fellow in Advanced Environmental Studies at Harvard University’s Graduate School of Design. From 1999 to 2010, he was president of MacDowell Colony, the nation’s oldest retreat for creative artists.
At the Yale School of Architecture, Wiseman teaches seminars on Louis Kahn, writings on architecture, and architectural criticism. He provides editorial support for education and the arts through Writertime Communications, in Weston, Connecticut.
6
Crossed dialogues between Louis I. Kahn, Anne Tyng and Colin Rowe: Guiomar Martín Domínguez. Isabel Rodríguez Martín. December 2018.
7
Landmark Society of Western New York, Inc. Created in 1937, it is one of the oldest and most active historic preservation organizations in the U.S. It is a nonprofit organization dedicated to helping communities preserve and leverage their rich heritage architectural, historical and cultural. The Landmark Society’s service area encompasses nine counties in Western New York, centered on the City of Rochester. They are Orleans, Genesee, Wyoming, Monroe, Livingston, Ontario, Wayne, Yates and Seneca.
The Landmark Society of Western New York is supported by the New York State Council on the Arts, with support from the Governor’s Office and the New York State Legislature.
8
Claude Fayette Bragdon (1866 – 1946) was an American architect, writer and set designer, who enjoyed a great national reputation with works associated with progressive architecture that were linked to Louis Sullivan and Frank Lloyd Wright.
In numerous essays and books, Bragdon argued that only an “organic, nature-based architecture could foster a democratic community in an industrial capitalist society.”
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De todas las visitas que he realizado, la de la casa Greycliff de Wright ha sido muy impactante, por el lugar y por la calidad de los diseños en una casa de gran superficie.
Algo ya había visto en el complejo Martin de Buffalo, pero creo que esto es tanto o más impactante aún.
Lo escribo en una sala en la Universidad de Middlebury, donde suelo pasar el mes de agosto, mientras Carmen da sus clases, combino paseos con descanso, que en mi caso es escribir.
Esta semana ha sido movida, he ido a Montreal, donde volví a ver el complejo de Habitat 67 de Moshe Safdie (1938), la cúpula geodésica de Richard Buckminster Fuller (1895 – 1983)
y me decepcione con la ex estación de servicio de LudwigMies van der Rohe (1886 – 1969), mal cuidada, sucia y a pesar de que se compró y recuperó para fines vecinales (de hecho, había un grupo de unas 20 mujeres haciendo Pilates), da muchísima pena, lo mal que la tratan.
Me gusto el viaje a Montreal, pero es muy largo, se va despacio y son unos 420 km. Ida y vuelta.
La arquitectura del estado donde estoy, Vermont, el más pequeño de los 50 estados de los EEUU, con unos 660.000 habitantes en total, es muy verde (me rodean las Green Mountain y las Adirondak).
Mucho cultivo, ganado y sobre todo helados (de aquí son los Ben & Jerry´s), los puentes con techo (como los de Madison), mucho tractor y collages de lenguas.
Donde estoy hay mucho prado, y casas de madera de todo tipo, tamaño y color (en general, colores claros y pasteles.
Le pregunto a Glenn, esposo de Patricia, una catedrática del college:
– Glenn el costo de la construcción de casas de madera, es más económicas que una construcción tradicional.?
– Me mira y sonriendo me dice, aquí las casas de madera “son la construcción tradicional”.
Porfolio Wasmuth
Algunos de los diseños más famosos de Wright aparecieron en el Porfolio Wasmuth,
“Estudia la naturaleza, ama la naturaleza, mantente cerca de ella. Nunca te fallará”. F. Ll. Wright
La casa fue construida entre 1904/05, en una terraza sobre el nivel de la calle para brindar privacidad adicional a lo largo de Bird Avenue.
Heath era un abogado que había trabajado como gerente y, posteriormente fue nombrado vicepresidente de la Larkin Soap Company.
Darwin D. Martin, otro directivo de Larkin Soap Company, le presentó a Frank Lloyd Wright.
Wright había diseñado y construido previamente el edificio administrativo de Larkin y el complejo residencial para la familia Martin.
El edificio se construyó en un terreno largo y estrecho frente a la rotonda de Soldiers Place y Bird Avenue, lo que le dio un diseño muy distintivo, creando poco espacio para un patio trasero y obligando a la casa a estar cerca. hasta los límites de la parcela.
Wright diseñó la Casa Heath teniendo en cuenta la privacidad elevando los cimientos, colocando las ventanas del primer piso en alto y construyó la terraza de paredes altas frente a Soldiers Circle para que aún hubiera intimidad ante la cercanía de los peatones que pasaban.
La casa de siete habitaciones presenta muchos elementos clásicos del estilo Prairie, como líneas horizontales fuertes, aleros en voladizo, un techo de gran superficie y ventanas con vitraux.
Hoy la residencia es de propiedad privada y no se permiten visitas.
Casa Walter V. Davidson
57 Tillinghast Place. 1908, Parkside East
“El presente es la sombra en constante movimiento que separa el ayer del mañana. En eso reside la esperanza”.F. LL. Wright
En 1906, Walter Davidson se unió a Larkin Company en Buffalo como gerente de publicidad y rápidamente se hizo amigo de Darwin Martin y de William Heath, dos de sus socios gerentes.
Darwin y William ya tenían sus casas terminadas en ese momento, y unos meses después de unirse a Larkin Company, Martin los presentó en una reunión social
Davidson encargó a Wright el diseño de una modesta casa en el distrito histórico de Parkside al este de la ciudad, un barrio planificado en 1908 por Frederick Law Olmsted La casa tenía un presupuesto menor en comparación con las casas Martin y Heath.
La sala de estar tiene dos pisos de altura y cuenta con una espectacular ventana de 4,60 metros llena de vidrio emplomado con forma de diamante, un recurso simple pero audaz, que se repite en muchas de las abundantes ventanas de la casa. Tiene cuatro dormitorios arriba y un antiguo cuarto de servicio en el sótano.
El exterior, que consta de tejados planos y escalonados, y bandas lineales de listones de madera y ventanas de vidrio emplomado, parece estar compuesto por una serie de planos geométricos que se entrecruzan.
Wright integra la naturaleza en la estructura del edificio mediante la inclusión de jardineras bajas que sobresalen del camino de entrada y el porche trasero
Hoy la residencia es de propiedad privada y no se permiten visitas.
Fontana Boat House
Frank Lloyd Wright´s Fontana
1 Rotary Row, Buffalo. NY 14201. Teléfono 1716-362-3140
“El espacio es el aliento del arte”. F.Ll.Wright
.
Esta al lado del Club West Side Rowing.
Wright lo diseña en 1905, y el arquitecto Tony Puttnam lo construye en el 2007, 112 años más tarde.
Diseñado originalmente para el equipo de botes de regata de la Universidad de Wisconsin.
El Boat House Charles y Marie Fontana es la única guardería que realizó Wright,
No es extraño que tenga el nombre de Charles, quien participó en las pruebas de los Juegos Olímpicos de 1948, entrenando en el vecino Club West Side Rowing.
Durante 1905, Wright estaba en el apogeo de sus construcciones estilo Prairie en Buffalo y ciertamente se pueden ver elementos en su diseño Boathouse con grandes voladizos en el techo y vidrio con diseños como en las ventanas del segundo piso. Aunque nunca pudo construirlo durante su vida, Wright estaba tan orgulloso de su diseño que lo incluyó en su Wasmuth Porfolio, siendo la única estructura no construida que se incluyó en él.
Cuenta con algunos de los elementos de diseño clásicos de Wright. Grandes vigas recorren los techos y permiten pasar naturalmente de un espacio a otro. Artefactos de iluminación estilo Arts and Crafts adornan las escaleras y se reflejan en las ventanas del segundo piso.
Después de años recaudando fondos, Tony Puttnam, que fue un aprendiz de Wright desde 1953 a 1957, fue seleccionado para realizar el Fontana Boathouse, que ahora alberga el West Side Rowing Club.
Se alquila para eventos, está ubicado sobre el canal Black Rock de Buffalo, con vistas al río Niágara y al lago Erie.
Mausoleum of the blue sky (Mausoleo del cielo azul)
Cementerio Forest Lawn. 972-990 W Delavan Ave, Buffalo.
Diseñado entre 1925-1928, y construido en el 2004
El monumento fue completado por Anthomy Puttnam (1),un aprendiz muy cercano a Wright que también realizó el Fontana Boat House
El cementerio está abierto de lunes a domingo desde las 8 hs a las 19 hs.
Es muy fácil llegar al cementerio, y tllegaambién irr al Mausoleo, siguiendo el camino se llega a los pocos minutos.
Blue Sky es el único mausoleo que Frank Lloyd Wright diseñó, se cree que fue encargado por Darwin Martin entre 1925 y 1927 y se diseñó para ser construido en Forest Lawn.
Debido a la caída del mercado de valores de 1929, Martin perdió la mayor parte de su fortuna y no pudo seguir adelante con el proyecto.
Ninguna persona de la familia Martin está enterrado aquí.
“A burial faging the open sky the whole could not fail of noble effect. Frank Lloyd Wright. Architect. 1928“
«Un entierro a cielo abierto, no puede dejar de tener un efecto noble. Frank Lloyd Wright. Arquitecto. 1928“
El Mausoleo fue el último de los cuatro proyectos que Darwin D. Martin encargó a Wright; los otros fueron su complejo residencial, el Edificio de Administración Larkin, y Graycliff, su casa de verano.
Anthony Puttnam
Otras obras de Wright que ha intervenido Anthony Puttnam
El diseño fue completado por ya mencionado aprendiz de Wright, Anthony Puttnam.
Quien tambien fue responsable de la finalización póstuma del Centro de Convenciones Monona Terrace de Wright a orillas del lago Monona en Madison, Wisconsin, con importantes cambios, Puttnam ha defendido ambos proyectos contra las acusaciones de que no son auténticos.
Con Guillermo hemos podido verlo (en obras), y como era un domingo “sacamos algunas vallas” y lo visitamos, el anfiteatro tiene unas dimensiones colosales.
Antes de ver el Monnona Terrace, estuvimos en Elkins Park un suburbio de Philadelphia admirando la sinagoga de la Congregación Beth Sholom (Casa de la Paz), al 8231 de Old York Road. Fue la única sinagoga que construyó, se terminó en 1959.
Estoy muy agradecido a mi tía Fory (hermana menor de mi madre Alicia), que pidió que a pesar de que no era horario de visita, me dejaran entrar y admirar.
Notas
1
Anthony Puttnam (1934 – 2017). se había unido con 19 años a la Taliesin Fellowship (1953), antes había cursado estudios en la Universidad de Illinois, donde realizó la carrera de arquitectura y de paisajismo. En 1990 colaboró en la restauración del molino de viento «Romeo y Julieta» que Wright construyera en 1897 en Taliesin.
Fue el autor intelectual de la construcción de Monona Terrace, un proyecto cívico diseñado por Wright en 1938 que se convirtió en un edificio “LEED Plata” bajo la dirección de Tony en 1997. Esta certificación indica que el edificio ha implementado prácticas sostenibles en el uso de la energía, el agua, residuos, sostenibilidad y calidad del aire interior.
Más recientemente, Tony fue asimismo el arquitecto y el planificador de Panda Mountain en Wolong Panda Preserve and Research Center en Sichuan, China. Fue un talentoso fotógrafo, diseñador gráfico, dibujante y profesor muy valorado en la Escuela de Arquitectura de Taliesin, expreso su interés y amor por la naturaleza que rodeaba a Taliesin, desarrollando y enseñando los “patrones de la naturaleza” como fuente de diseño. Su pasión por lo espiritual lo compartió con sus conocimientos de poesía, la filosofía y la arquitectura.
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Sala de estar de la casa de Francis W. y Mary Little.
Frank Lloyd Wright 1912–14
Se exhibe en el Met de la 5ta Avenida en la Sala 745
A pesar de sus muchos esfuerzos, la familia Little, Francis W. y Mary no consiguieron un comprador que pudiera dar un uso alternativo a la vivienda. Por ello el Met salvó las partes complejas de la estructura que luego se dividieron entre tres instituciones en forma separada:
el Museo Metropolitano de Arte,
el Instituto de Arte de Minneapolis y
el Museo de Arte de Allentown.
Para mí fue una gran sorpresa, saber que la sala de estar de la casa Little, se puede visitar como si fuese un objeto de arte más (sin duda lo es), expuesta en uno de los más importantes museos del mundo. Está ubicado en la sala americana, cerca de su alucinante cafetería rodeada de luz y esculturas.
El MET fue inaugurado en febrero de 1872, tiene una superficie de 180.000 m2, para dar una idea comparativa de su superficie, el Museo del Prado con sus 41.995 m2, entraría más de 4,5 veces en el Met, fue diseñado por los arquitectos Richard Morris Hunt (3), Calvert Vaux (4),Jacob Wrey Mould(5) y Mc. Kim, Med & White(6)
El MET recibe a más de 7 millones de visitantes al año.
Sala (Room) 745
Cuando se llega la Sala 745 del ala estadounidense, se encuentra la sala de estar de la casa Litlle. Allí se puede bajar unas explicaciones por QR de la maravilla que se está viendo. Transcribo íntegramente lo que he bajado del MET, con sus fotos.
Sobre el acceso a la sala en un cartel se lee “La instalación de la sala Frank Lloyd Wright ha sido posible gracias a la generosidad de Saul P. Steinberg y Reliance Group Holdings Inc,”
Sala de estar de la casa de Francis W. Little, Wayzata, Minnesota. 1912-1914. (1)
Amelia Pecks (7) curadora de artes decorativas estadounidenses y Marica F. Vilcek.
La zona del estar de la casa de Francis W. Little, era el centro de la actividad familiar en una de las casas más grandiosas de Wright diseñada en el estilo de la Escuela de la Pradera.
Construida para el abogado y empresario Francis W. Little y su esposa, Mary, la residencia de verano con vistas al lago Minnetonka encarnaba la visión arquitectónica integral de Wright.
Trabajando en estrecha colaboración con sus clientes, Wright diseñó cada elemento de la casa, incluidos los muebles, las ventanas y los artefactos de iluminación.
Juntos, Wright y los Little crearon un interior expansivo pero acogedor, global en sus influencias, pero profundamente arraigado en el paisaje local.
Historia de la casa
Orígenes de la Escuela de la Pradera. A principios del siglo XX, Frank Lloyd Wright y otros arquitectos de Chicago, como el mentor de Wright, Louis Sullivan (1856-1924), y sus contemporáneos George
Washington Maher (1864-1926) y George Grant Elmslie (1869-1952), comenzaron a reconsiderar cuales era los supuestos subyacentes que se daban por aceptados sobre la arquitectura doméstica tradicional para diseñar hogares adaptados a las rutinas diarias de las familias estadounidenses modernas.
Izquierda: Planos de Sears, Roebuck and Company para una típica casade estilo neocolonial, alrededor de 1920 Derecha: Diseño de Frank Lloyd Wright para «Una casa en un pueblo de la pradera», The Ladies’ Home Journal, febrero de 1901
Mientras que las casas de estilo colonial neoclásico, que entonces eran populares, presentaban diseños simétricos con habitaciones que se abrían a pasillos centrales, los arquitectos de la “Escuela de la Pradera” introdujeron planos abiertos centrados en áreas de reunión comunes con transiciones que fluían de un espacio al siguiente.
Estas casas, diseñadas de adentro hacia afuera, funcionaban como unidades orgánicas.
La casa de Frederick C. Robie, Chicago, Illinois, 1909-1910
Los arquitectos de la Escuela de la Pradera se inspiraron en las llanuras onduladas del paisaje del Medio Oeste.
Wright y sus contemporáneos imaginaron estructuras bajas que se expandieran por los distintos sitios en respuesta a las características naturales del paisaje. Los techos largos a cuatro aguas, las franjas horizontales de ventanas con vidrios emplomados y los amplios porches reflejaban los horizontes ininterrumpidos de la región y ayudaban a integrar los espacios interiores y los exteriores.
Wright y sus colegas se inclinaron por materiales de construcción mínimamente tratados en colores derivados de la naturaleza para integrar aún más las casas con su entorno.
La casa de los Little en Peoria, Illinois
La primera casa de los Little, diseñada por Wright, Peoria, Illinois, 1902 – 1903
Los Little contrataron a Wright para que diseñara su casa en Peoria, Illinois, la que se terminó en 1903.
Wright diseñó la casa de ladrillos en el estilo clásico del Prairie Style, los muebles para la casa, así como el garaje y un establo. Un gran porche cubierto se extendía desde el frente de la casa.
La familia vivió en la casa solamente un año, hasta que los problemas financieros los obligaran a venderla. Cuando se fueron, se llevaron algunos de los muebles que Wright había diseñado para ella.
Casa Wayzata, exterior e interior
Exterior de la casa de los Little en Wayzata, Minnesota, poco después de su finalización
La familia Little se muda a Minneapolis en 1907 y contacta nuevamente a Wright, para pedirle que diseñe una casa de verano para ellos.
Éste imaginó la nueva casa como una serie de pabellones en gran parte independientes colocados en una disposición cruciforme. La casa se extendía 76,20 metros a lo largo de la orilla del lago Minnetonka, siguiendo los contornos de dos colinas.
Asignó zonas públicas y privadas de acuerdo con la ondulada topografía: la sala de estar estaba encaramada en la cresta de una colina con vistas al lago, los dormitorios estaban un nivel más abajo y las áreas de servicio, como la cocina, estaban ubicadas en la base de la colina.
Espacios habitables
Aproximación a la casa, ca. 1914-15
Los visitantes se acercaban a la casa por un sinuoso camino de grava y subían por una escalera monumental hasta la puerta principal.
Al entrar por un vestíbulo pequeño y bajo giraban a la izquierda, así llegaban a la sala de estar de elegantes proporciones, iluminada por franjas de ventanas de vidrio emplomado que bordeaban las dos largas paredes enfrentadas. Los bancos de asientos empotrados, las repisas envolventes y las molduras de roble acentúaban la longitud de la habitación, mientras que una iluminación de vidrio estampado (art glass) recorre casi todo el largo del techo.
Una imponente chimenea compuesta por los mismos ladrillos alargados utilizados en el exterior de la casa cierra el extremo norte de la habitación.
Ventanas
Ventanas de la sala de estar con vistas al lago Minnetonka, hacia 1914 – 1915
Frank Lloyd Wright es famoso por las complejas (e increíbles) ventanas de vidrio emplomado (art glass) que diseñó para sus casas de la Prairie School.
Para minimizar la división entre el interior y el exterior Wright creó en la sala de estar de la familia Little, una serie simétrica muy elaborada de patrones geométricos abstractos, para las doce ventanas que se alinean a cada lado, repitiendo el motivo en las ventanas del triforio superior y en las puertas de cada extremo.
A pedido de Francis Little, Wright modificó el patrón, reduciendo las áreas de vidrio emplomado en las ventanas, de esta forma la preciada vista de los Little del lago Minnetonka se podía admirar a través de grandes paneles de vidrio liso.
Mesa de grabados diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco. Número de catálogo 1972.60.8.a/b
Wright diseñó esta mesa de grabados como un artículo de stock y utilizó el formato en varias de sus casas.
La familia Little la trajo de su anterior hogar en Peoria.
Exhibieron en ella la gran colección de grabados japoneses de la familia, la mayoría de los cuales compraron a Wright, quien era un apasionado coleccionista y comerciante.
Una o ambas hojas de la versátil mesa se pueden plegar para exhibir grabados grandes y portafolios.
Cuando las hojas están plegadas, se pueden almacenar artículos entre ellas.
Las tapas del «Portafolio Wasmuth» (1910) de los diseños de Wright, un proyecto financiado parcialmente por los Little, se exhiben actualmente sobre la mesa.
Las ventanas de toda la casa mantuvieran un panel central transparente con un borde de un diseño complejo.
La sala de estar de 16,76 metros de largo es uno de los interiores domésticos más espaciosos que Wright diseñó en ese período.
Wright como diseñador de muebles
Frank Lloyd Wright Mesa de billar y pasamanos de la escalera del comedor, ca. 1908-1914. Grafito y lápiz de color sobre papel. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, compra, legado de Emily Crane Chadbourne, 1972
Wright a menudo diseñaba el mobiliario, y para la ejecución de sus diseños proporcionó planos de detalles, esto lo hizo en muchas de sus casas de la Prairie School, incluidas las dos casas que diseñó para la familia Little.
Para la casa en Wayzata, Wright creó dibujos para una variedad de muebles, como una mesa y los tacos de billar. otras veces aceptaba diseños de otros como los que encargó al fabricante de muebles George Niedecken (1878 – 1945).
Estuche para piano
Biombo para piano, ca. 1908-1914. Grafito y lápiz de color sobre papel. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, compra, legado de Emily Crane Chadbourne
Mary Little, que era una talentosa pianista (estudio piano con Franz Liszt), utilizaba la sala de estar como espacio para dar recitales, y la familia se refería al lugar como la «sala de música».
Wright diseñó un estuche de madera decorativo para el piano de Mary que armonizara con el resto del mobiliario de la habitación, pero este no se llegó a construir, probablemente debido a los sobrecostos de todo el proyecto de la casa. El piano que ella utilizaba en la sala tenía un estuche de madera oscura, de estilo rococó tradicional del siglo XIX, adornado con tallas naturalistas.
Lámpara de pie diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco, pergamino, seda. Número de catálogo 1972.60.15
Wright diseñó un conjunto de seis lámparas de pie de roble (1972.60.14-.19) para la casa de verano de la familia Little en el lago Minnetonka.
Las pantallas consisten en marcos hexagonales de roble rellenos de papel pergamino. En un guiño al arte asiático que tanto admiraba, hizo su primer viaje a Japón en 1905, cada lámpara tiene un cordón largo de seda con una borla de estilo chino para encender y apagar la luz eléctrica.
Vase diseño de Frank Lloyd Wright
Cobre. Número de catálogo 1985.212.
Wright diseñó estos “Vase” de cobre a los que llamó «portahojas» y los exhibió en su propia casa en Oak Park, Illinois, así como en varios otros encargos residenciales.
Si bien este par no es el conjunto que poseían la familia Little, su hija Eleanor Stevenson, en una carta al Museo fechada en enero de 1974, describió algunos de los muebles originales de la habitación y dibujó unos como estos, caracterizándolo como «excesivamente alto».
Escribió que la familia tenía un par de ellos colocados «en los huecos de la chimenea».
Sala de estar casa Little
La sala Frank Lloyd Wright fue originalmente la sala de estar de la residencia de verano de Francis W. Little, diseñada y construida entre 1912 y 1914 en Wayzata, Minnesota, un suburbio de Minneapolis. (8)
La sala personifica el concepto de «arquitectura orgánica» de Wright, en la que el edificio, el entorno, el interior y el mobiliario están relacionados. La casa está compuesta por un grupo de pabellones bajos intercalados con jardines y terrazas, que, en planta, irradian desde un «hogar simbólico» central.
Álbum fotográfico
Mesa alta para soportar plantas diseño de Frank Lloyd Wright
Roble blanco. Número de catálogo 1972.60.11/12
En la sala se ven dos soportes para plantas.
Fueron hechos para la casa de Peoria y son idénticos a los que Wright diseñó para Susan Dana en Springfield, Illinois (1902).
Si bien Wright diseñó muebles únicos y empotrados para muchos de sus casas, estos son parte de un conjunto estándar de muebles móviles.
Muchos le servían para incluirlos en muchos de sus encargos de construcciones en el Estilo Prairie.
Colección / Sala Frank Lloyd Wright / Objetos de la casa Little
“La sala de estar no es simplemente un solo volumen cerrado, sino una serie de niveles horizontales rodeados de vidrio, lo que permite la interacción de la luz natural con los tonos ricos y terrosos que Wright empleó en toda la habitación”.
Amelia Peck(6), curadora de artes decorativas estadounidenses. Marica F. Vilcek.
Una vista de la sala de estar que muestra la chimenea a lo largo de la pared del fondo
Esta sala de estar fue originalmente parte de la residencia de verano de la familia de Francis W. Little, diseñada y construida entre 1912 y 1914 en Wayzata, Minnesota, un suburbio de Minneapolis.
La sala personifica el concepto de «arquitectura orgánica» de Wright, en la que el edificio, su entorno, el interior y el mobiliario están relacionados. La casa está compuesta por un grupo de pabellones bajos intercalados con jardines y terrazas, que, en planta, irradian desde un «hogar simbólico» central.
Esta sala también representa una de las contribuciones más significativas de Wright a la arquitectura moderna: la idea de continuidad espacial. Los techos bajos en voladizo y los diseños geométricos de las ventanas, decoradas con motivos vegetales estilizados, integran visual y espacialmente el interior con el entorno boscoso que rodea el lago Minnetonka.
La sala de estar no es simplemente un espacio cerrado, sino una serie de niveles horizontales rodeados de vidrio que permiten una interacción única entre la luz natural y los tonos ricos y terrosos que Wright utilizó en todo el diseño.
La armonía tonal de la sala se logra a través de la combinación de paredes de yeso ocre, molduras y pisos de roble natural, ladrillos exteriores rojizos en la chimenea y ventanas emplomadas con acabado en cobre galvanizado.
Los muebles de roble, de formas audaces, fueron concebidos como una parte integral de la composición arquitectónica.
El centro de la sala se mantiene despejado, mientras que los espacios formados por los muebles animan el espacio periférico.
La instalación ha buscado mantener la continuidad entre el interior y el exterior, reconstruyendo las fachadas exteriores en los pasillos adyacentes y ofreciendo una vista del Central Park.
La sala contiene muchos accesorios similares a los originales, y otros recuerdan objetos que aparecen en fotografías de la época.
El uso de estampados japoneses y arreglos florales naturales, eran una característica del diseño de Wright.
La casa, que se caracterizaba por su longitud y su baja altura, tenía ventanas que abarcaban toda la fachada que daba al lago, el MET vende réplicas de las ventanas. Cada panel de ventana mide 136,5 cm x 57,8 cm.
Mesa diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco. Número de catálogo 1972.60.3
Frank Lloyd Wright diseñó esta mesa específicamente para la sala de estar de la familia Little en Wayzata, utilizando el mismo roble blanco con acabado claro empleado en las molduras, los artefactos de iluminación y las estanterías de la habitación.
El tablero largo de la mesa parece casi flotar sobre las cuatro patas resistentes, y el bloque central del gabinete parece estar colgado de la parte superior.
En lugar de colocar manijas en las puertas del gabinete, diseñó simples asideros recortados. El efecto general es el de una mesa que es sólida pero liviana, y se integra perfectamente con su entorno.
Mesa diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco. Número de catálogo 1972.60.20
La gran mesa de biblioteca que domina un extremo de la habitación se hizo originalmente para la casa de la familia Little en Peoria, pero ambos extremos de la mesa se extendieron cuando se trasladó a Wayzata para darle su longitud actual de casi 4 metros. Es un mueble práctico, construido con múltiples estantes para colocar libros de diferentes tamaños. Como contrapunto vertical a la superficie baja y extendida de la mesa, se colocó sobre ella una reducción de yeso de la famosa «Victoria alada de Samotracia» del siglo II a. C., una escultura que Wright utilizó en muchos de los interiores de su Prairie School.
Sillón diseño Frank Lloyd Wright Roble blanco, lana. Número de catálogo 1972.60.4/5/6/7
Este conjunto de cuatro sillones de roble teñido oscuro fue diseñado para la primera casa de familia Little en Peoria, Illinois, fueron luego trasladados a la sala de estar de su nueva casa de verano.
A diferencia del mobiliario posterior de Wright (1912–14) en la habitación, estas sillas incluyen bandas decorativas aplicadas en cada pata, capiteles y bases estilizadas. Los cojines de las sillas están cubiertos con su tela original de lana.
Silla auxiliar diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco, cuero. Número de catálogo 1972.60.9/10.
En el MET se ven dos sillas no se sabe si fueron diseñadas para esta casa o para la casa anterior de la familia Little en Peoria.
Aunque el acabado es el tono más oscuro de las piezas de Peoria, la forma más elegante y menos ornamentada de las sillas puede indicar que son del encargo posterior.
Otras sillas de este mismo diseño se hicieron para la casa Isabel Roberts de Wright de 1908.
En las fotografías de 1942 se ven dos sillas adicionales como estas, pero sin el respaldo de cuero, colocadas junto a la mesa.
Sofá diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco, contrachapado de roble, maderas secundarias y lana. Número de catálogo L.1982.125.
Lámpara diseño de Frank Lloyd Wright
Roble blanco y vidrio. Número de catálogo 1972.60.24.
Lámpara diseño Frank Lloyd Wright
Roble blanco, vidrio. Número de catálogo 1972.60.21/22/23/24.
Está Inspirada en los diseños de linternas japonesas que vio en 1905 en su primer viaje a Japón.
Wright creó estas lámparas de roble y vidrio esmerilado como contrapuntos verticales a las bandas horizontales de las paredes y los bancos que acompañan las ventanas de la habitación, los largos estantes horizontales en el perímetro superior y los bancos bajos incorporados en cada pared de la ventana.
Notas
1
Frank Lloyd Wright Foundation
La Casa de Francis II (Reconstrucción de la sala de estar).
Clientes Francis W. Little y su esposa Mary
Exposición permanente en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
La casa Francis Little House II, fue construida a orillas del lago Minnetonka de Minnesota, tenía una gran superficie que era a la vez compleja,
Su diseño, se la considera como una de las expresiones más ricas de la estética de las praderas de Wright y la última de sus casas de las praderas del Medio Oeste. Fue construida en 1912 y demolida en 1971
2
Héctor Martín Lefuel (1810 – 1880), fue un arquitecto historicista francés del siglo XIX, quien, junto con Charles Garnier, fue uno de los arquitectos más emblemáticos del Segundo Imperio francés. Participó en la terminación del Louvre y varias residencias imperiales.
3
Richard Morris Hunt, (1827 – 1895), estadounidense y francés.
Se formó en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, donde fue alumno de Héctor-Martin Lefuel (1810 – 1880). (2)
Se lo considera el padre de la arquitectura estadounidense. Fue arquitecto y escultor y trabajo para la Universidad de Columbia. Fundó y presidió desde 1888 el AIA American Institute of Architects
Honores
Fue el primer arquitecto de los EE. UU. en recibir la medalla de Oro del RIBA, Royal Institute of British Architects, 1983.
Entre sus obras la fachada y el gran salón del Museo Metropolitano de Arte, el pedestal de la Estatua de la Libertad y muchas mansiones de la Quinta Avenida.
Diseñó el New York Tribune Building, considerado por los neoyorquinos como el primer rascacielos.
La residencia más grande de los EE. UU. la Biltmore Estate, es un château, una casa museo histórica, construida para George Washington Vanderbilt II entre 1889 y 1905. 12.568 m2 cubiertos en un solar de 16.622 m2.
4
Calvert Vaux (1824 – 1895). arquitecto y paisajista británico. Diseñó los planos del Central Park de Nueva York junto con Frederick Law Olmsted.
Estudió arquitectura bajo la tutela de Lewis Nockalls Cottingham (1787 – 1847), cuando se trasladó a Nueva York trabajó con el paisajista Andrew Jackson Downing (1815 – 1852)Final del formulario.
5
Jacob Wrey Mould (1825 – 1886) fue un arquitecto, ilustrador, lingüista y músico británico, conocido por sus contribuciones al diseño y la construcción del Central Park de la ciudad de Nueva York. Fue «fundamental» en la introducción del estilo arquitectónico victoriano británico a los Estados Unidos, y fue miembro fundador del Instituto Americano de Arquitectos.
Dibujo de una lámpara de Mould
Estudió 2 años la Alhambra con Owen Jones (1809 – 1874) “el maestro de la policromía”. Diseñó decoraciones para La Gran exposición de Londres de 1851 y en 1852 trabajó para el Crystal Palace de Manhattan.
Junto a Calvert Vaux y Frederick Law Olmsted diseño muchos partes (quiosco de música puentes, etc) del Central Park.
Mould también colaboró con Vaux en el diseño del Museo Metropolitano de Arte original y el Museo Americano de Historia Natural. Fue un experto pianista y organista, y empleó su talento en traducir numerosos libretos de ópera extranjera al inglés.
6
McKim, Mead & White fue un estudio de arquitectura que prosperó a comienzos del siglo XX. Los socios fundadores de la empresa fueron Charles Follen McKim (1847–1909), William Rutherford Mead (1846–1928) y Stanford White (1853–1906). Contrataron a muchos otros arquitectos, socios, asociados, diseñadores y dibujantes, que destacarían durante o después de su estancia en la firma.
Entre sus obras la antigua Estación Pensilvania de Manhattan, el Museo Brooklyn, y el campus principal de la Universidad de Columbia. La Biblioteca Pública de Boston, las reformas de la Casa Blanca, y el Museo Nacional de Historia estadounidense entre otros. Construyeron en muchos estados de los EEUU además de Canadá, Cuba e Italia.
Entre tantas y tantas obras, podemos mencionar el Arco de Washington Square, La entrada de la Universidad de Harvard, El Rockefeller Hall de la Universidad Brown, La Casa Museo de George Eastman (que pude visitar impresionado este verano), y el Hotel Nacional en La Habana Cuba. Tanto McKim como White trabajaron para Henry Hobson Richardson, Aplicaron los principios de la arquitectura Beaux Arts.
Smith murió en 1961, y pronto se cambió el nombre de la empresa por el de Steinmann, Cain and White. En 1971 el estudio se convirtió en Walker O. Cain and Associates.
7
Amelia Peck es una reconocida curadora en el Museo Metropolitano de Arte. Ha trabajado como curadora de la colección de arte decorativo americano y es autora de numerosos libros y artículos sobre este tema. Peck ha colaborado en varias exposiciones y publicaciones que podrían haber sido influenciadas o apoyadas por las donaciones de la Fundación Vilcek, o en las que las colecciones asociadas con los Vilcek podrían haber estado involucradas.
Marica F. Vilcek (1937) es una destacada coleccionista de arte y filántropa, conocida por su labor en apoyar las artes y la cultura. Junto a su esposo, Jan Vilcek (1933) han contribuido de manera significativa al museo y a otras instituciones culturales, particularmente a través de la Fundación Vilcek, que promueve las contribuciones de inmigrantes en los Estados Unidos, incluyendo en las artes.
8
Fotografía de Peter Zeray, y delarchivo Stereo-Travel Company
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
I had an early breakfast and had over 2 hours before my 11am appointment to visit the Martin house.
Darwin Martín was one of the directors of the Larkin company who did the most to help Wright build the company’s administrative building. Over the years they became friends. Since it was early, I went to see where the demolished building was.
Location Larkin Street between Swan and Seneca. Buffalo. On map S 093. (1)
Larkin, or what remains, which is just a 2 meter wall and little more.
From that building that in 1906 amazed by its spaciousness, and services, AA, radiant heating, built-in furniture. etc Now it is a vulgar parking lot, nothing of everything it offered saved it from destruction in 1950.
I translate the panel, the yellow dot at the bottom right indicates that “you are here».
I went up a staircase that I didn’t see any sense in, and a panel with photos that said:
“Photograph courtesy of the Buffalo History Museum Frank Lloyd Wright designed the administration building for the Larkin company beginning in 1903. He was hired to design the structure after Larkin principals William R. Heath and Darwin D. Martin urged company owner, John D. Larkin, to do so. The building housed the offices of the large mail-order company, which began as a soap manufacturer but grew into a more diversified company». (Like an AMAZON today).
“The building’s design is considered one of the most significant structures ever built in North America».
«…since it became the model of modern architecture and the machine age».
“The building articulated its various functions in ways that expressed its internal organization, including its corner stairs and its tall, nostril-like air inlets».
«Placing these amenity functions on the exterior walls of the building allowed a central skylight to flood the work spaces with natural light».
«The ghost fence pillar adjacent to this panel was built on the existing foundation left from the fence surrounding the building and is intended to define the scale of the structure as well as orient the viewer”.
“The structure was largely demolished during 1950, after the company’s failed attempts to shift from the mail-order business to retail establishments, then popularized by automobile-driven consumers».
I translate what is written on the panels
“Frank Lloyd Wright was the architect of this revolutionary building built in 1903″.
«Its skillful design incorporated modern technology developed in the early 20th century».
«Wright used machine-made objects to define the function of the structure and the beauty of its materials».
«This made the Larkin Building one of the first icons of modern architecture, and thus played an important role in the development of the modern world by defining an image for architecture in the machine age».
«Innovative construction methods allowed Wright to synthesize modern technology into a coherent interpretation of the Industrial Revolution..«.
“The structure was demolished in 1950 with the exception of the brick fence pillar (adjacent to this panel) and significant portions of the foundation and basement. The pillar incorporates the main materials of the building’s exterior».
Frank Lloyd Wright contemplating an image of the demolition of the Larkin at an exhibition in 1953 in New York
The Darwin Martín House complex
The Darwin Martín House complex was built in 1907, they have an organization with guides to exhibit this work, they offer tours, objects, old photos of daily life there and projections. There is a short tour, limiting the areas to visit (25 usa, students 10 usa) or a longer one of 45 usa, 75 minutes, where you can also see the Barton house and the greenhouse.
I pointed to the one that showed the most.
As usual for me, I mixed up the reservation date, it was for Saturday and I went on Friday, for Wright, this would be just a minor detail.
Martin was a senior executive at Larkin Soap, his house is in a very elegant and well-kept neighborhood, the Parkside district, designed by Frederick Law Olmsted in 1876.
Frederick Law Olmsted
Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) was an architect, landscape designer, journalist and botanist, recognized for designing urban parks such as Central Park and Prospect Park, both in New York.
He designed a system of public parks and parkways in Buffalo, New York; the Niagara Falls Reserve, in Niagara Falls; Mont-Royal Park in Montreal; the Emerald Necklace, in Boston, Massachusetts; Cherokee Park (and parkway system) in Louisville, Kentucky; as well as Jackson Park, Washington Park and Midway Plaisance for the World’s Columbian Exposition in Chicago; part of Detroit Belle Isle Park; the United States Capitol Gardens; and George Washington Vanderbilt II’s building, the Biltmore Estate, in North Carolina.
In Brooklyn, Massachusetts, he designed the campus of Stanford University.
As a journalist he had an active and interesting activity.
In 1850, he traveled to England to visit public gardens, especially those created by Joseph Paxton in Birkenhead Park (2), which led to the publication of an important book in 1852, “Walks and Conversations of an American Farmer in England.”
The New York Daily Times (now the New York Times) commissioned him to study “The Economy and Slaves», for which he made a trip from 1852 to 1857 through the south of the country. His conclusion was that the practice of slavery was not only morally odious, but that it was expensive and economically ineffective.
Olmest married his brother’s widow, Mary Cleveland, in 1859 and adopted his brother’s three children.
The architect Andrew Jackson Downing proposed in his magazine The Horticulturist to develop Central Park, an idea that, due to his tragic and sudden death, could not continue, and in his name Olmsted and Vans carried it forward.
Olmsted and the architect Calvert Vaux won the competition to design it in 1858.
In 1865, the two created Olmsted, Vaux and Company.
When Olmsted returned to New York, together they designed Brooklyn’s Prospect Park from 1865 to 1873, the New York and Milwaukee park system, and the Niagara Reserve at Niagara Falls.Suffering from dementia, Olmsted lived at McLean Hospital, which he had landscaped for several years, and remained there until his death in 1903.
After Olmsted’s death, his sons John Charles Olmsted and Frederick Law Olmsted Jr. continued the work of his company, as the Olmsted Brothers, until 1950.
Tour of the Martin Houses
The Darwin D. Martin House was designed by Frank Lloyd Wright and built between 1903 and 1906.
You can (and should) visit it from Monday to Thursday from 10 am to 3 pm. and from Friday to Sunday from 9:30 am to 3 pm, during the Tour you visit:
–Casa Martin (including the second floor)
-Pergola
-Conservatory
-Carriage House
Equipo de la empresa constructora de la Casa Martin en octubre de 1904
Distance from Buffalo Exchange Amtrak station. 9 km.
The City of Buffalo features several of Wright’s legendary masterpieces.
1-Martin Houses. 2-Walter V. Davidson and 3-William R. Heath.
Some houses are maintained as private residences, so it is not possible to visit them.
Gardener’s Cottage
The Martin house is an almost perfect composition
Elaborate in his designs is 13.600 meters of wood moldings of 110 different designs, some of the molding sets consisting of nine separate pieces.
It is very nice, and I recommend visiting the Parkside neighborhood, where Casa Martín is located.
The Martin complex has different constructions in shapes and surfaces, but they are interconnected, with a long pergola 30.48 meters long.
Wright referred to the Martin House in 1904 as “the most perfect house of its kind in the world, functioning as a domestic symphony, true, vital, comfortable”.
I visited her for just over 2 hours:
1- Martin’s main house
2- the Barton house
3- a greenhouse (it is at the end of the pergola)
4- garage
5- the gardener’s cabin
TThe interior spaces of the historic houses are accessible and, as I have written, they are done in small groups, they are guided tours, you can reserve by calling 877-377-3858 or through the tour calendar.
The grounds, pergola and conservatory are open to the public daily from 9am to 4.30pm.
The Greatbatch Pavilion (Visitor Centre, which operates in a modern pavilion), is open from Wednesday to Monday from 10 a.m. to 4 p.m. to 6:30 a.m., on weekends until 5:30 p.m.
The Martin House Museum Shop is located in the Carriage House, open Wednesday to Monday, 10 a.m. to 4 p.m.
The Statler Café is located on Summit Avenue in the north end, they offer food, snacks and drinks. Wednesday to Monday, 10 a.m. to 4 p.m. Thursday Happy Hour from 4:00 p.m. to 8:00 p.m.
JAM Parkside serves coffee, tea, cakes and toast.
Kostas Restaurant, located on nearby Hertel Avenue, serves breakfast, lunch and dinner daily.
Tour of the Martin House
Buffalo features seven of Wright’s legendary masterpieces.
1- Martin Houses,
2-Walter V. Davidson
3-William R. Heath of Wright
Some houses are maintained as private residences and do not allow visitors.
On the shores of majestic Lake Erie, I took another tour of
4-Graycliff Estate
5-a boathouse,
6-a mausoleum
7-a service station.
For more information: martinhouse.org
The Martin House 125 Jewett Parkway. Buffalo, NY 14214
Administration. address
143 Jewett Parkway. Buffalo, NY 14214 Tel 716.856.3858. 877.377.3858. info@martinhouse.org
Photo tour
In front of the Martin house, passing cars and the lady, “You can’t take photos inside”. Then I asked her if she was a collaborator of the foundation, and if she was proud of her role as a house, and she gestured «because I was a neighbor, I am a real housekeeper».
They both respected each other, in a friendship that lasted many years.
Darwin D. Martin (1865 – 1935) and Frank Lloyd Wright (1867 – 1959).
The Martin House is the result of an exceptional collaboration between Martin and Wright. Martin was a well-known businessman, while Wright was an architect at the time relatively unknown, outside the architectural circles of Chicago and areas of the American Midwest.
In 1902, Martin invited Wright to Buffalo to evaluate and exchange ideas about the design of the administrative headquarters for his Larkin Company, a group of soap-making and mail-order companies. He was also interested in building a home for his wife. Isabelle and her family, Graycliff House.
Martín did not doubt Wright’s genius and commissioned him both projects, the two most important at Wright’s early age, he was 35 years old. Martín trusted Wright with an unlimited budget, Wright designed a complex where the buildings had a direct relationship with the surrounding landscape. It is the interaction between architecture, design and landscape.
Built in the “Prairie style,” it is a multi-residential estate admired for its six complementary buildings, interior and exterior gardens, and an impressive collection of artistically worked glass and furniture designed by Wright and made by cabinetmakers.
Three homes define the composition of the complex:
Darwin D. Martin 1904/05, his sister Delta Martin and her husband George Barton 1903, and the gardener 1909.
These constructions are linked to a pergola, a greenhouse and the garage, Wright insisted on his concept from “domestic symphony.”
The Martin House is the main one and is characterized by its low profile, cruciform floor plan, spatial opening, pronounced horizontality, play of pillars and overhangs, and a rich palette of materials.
Access, turn to the right parallel to the wall, some bricks leave an important joint in centimeters for ventilation of the lower floors.
Well, the lady «takes care of the house» was not attentive enough.
Leaving the house, towards the pergola hallway.
House entrance view from the pergola hallway
Pergola hallway
Barton House
Full-scale reproduction of the original cast-in-stone sculpture of the Comb Sprite from Midway Gardens.
It was the result of collaboration between Frank Lloyd Wright and Alfonso Inanelli. These sculptures adorned the walls of the enormous Midway Gardens complex in Chicago between 1913 and 1929. The Sprite with a comb weighs 137 kilos.
While viewing the reproductions in the Museum Store in the Carriage House, I have seen a reproduction of the sculptures in Midway Gardens, and I remembered that when an assistant went crazy in August 1914 and burned down Taliesin and then hacked to death the Wright’s partner, Mamah Borthwick, their 2 children and 4 collaborators, Wright was away at the time because he was running Midway Gardens in Chicago. If not, he would surely have been another victim of the crazy murderer. I tell the story in the link…
Midway Gardens was a huge entertainment center with indoor and outdoor spaces of 33,445 m2, opened in June 1914 and was intended to function as a brewery and a concert and dance hall in which bands such as the Midway Gardens Orchestra performed.
It occupied the site of the former Sans Souci Amusement Park, at the corner of Cottage Grove Avenue and East 60th Street. in the Hyde Park neighborhood on Chicago’s South Side.
The large area (equivalent to a city block) offered entertainment to a wide variety of people in a German-style meeting place. The gardens included restaurants, lounges, newsstands, cigar stands, and galleries. When Prohibition was passed, the gardens lost some of their entertainment value.
Edward C. Waller Jr. commissioned Frank Lloyd Wright to design and construct the gardens in 1914 (Waller Jr.’s father, Edward Waller, had commissioned an apartment building from Wright, the Waller Apartments, from 1895 located at 2840 – 58 W Walnut Street.
Waller Apartments
Midway Gardens was designed by architect Frank Lloyd Wright, along with sculptors Richard Bock (1865 – 1949) (3) and Alfonso Iannelli(4) in the famous “leprechaun” sculptures that decorated the facility.
Designed to be a European-style concert garden with space for dining, drinking and performances year-round, Midway Gardens hosted popular artists and entertainers.
Waller was never able to finance the construction and maintenance of Midway Gardens and declared bankruptcy in March 1916.
The modernist architecture of the gardens was based on strict geometric shapes. A large central outdoor area, filled with tables and chairs, was surrounded by a series of three-story buildings with indoor spaces for dancing and other activities, as well as cantilevered balconies with projecting roofs.
The building itself was made of yellow brick and stamped cinder blocks. It featured very intricate ornamentation and many geometric sculptures, which Frank Lloyd Wright called “goblins” and which were designed in collaboration with Alfonso Ianelli. Some of these sculptures were saved from demolition and can be found elsewhere.
It was purchased by the Schoenhofen Brewing Company and renamed “Edelweiss Gardens” (after the brewery’s main beer brand).
Wright, who generally exercised strong creative control over his finished projects, was displeased by the aesthetic changes the new owner made to the gardens saying he had added “undesirable features and that the pride of Midway Gardens had been cheapened to suit a bourgeois taste.”
It closed briefly in 1918 during the war years and then during Prohibition. In 1921 it was sold to EC Dietrich Midway Automobile Tire and Supply Company, and renamed «The Midway Dancing Gardens».
In October 1928, it closed definitively and it was decided to demolish it.
Westcott House
In the administration office there was an advertisement to visit the Westcott House, designed in 1908 by Wright, at 85 South Greenmount Ave. Springfield, OHIO 45505. But it is a 5-hour drive away (almost 600 km), I told myself it will be another time. , not in this.
Then (yes, that’s right. I didn’t have lunch) to the Fontana Boathouse.
Then tour Graycliff House (1926/29), the Martin family holiday home.
As costs skyrocketed 30%, and the time of crisis had already begun, Martin told Wright.
He didn’t want to build the side balcony that joined 2 bedrooms, he didn’t need it. Wright responded.
That maybe he didn’t need it, but the house did. The balcony was built.
And finally I went to the Blue Sky Mausoleum at Forest Lawn Cemetery.
Today I dedicated 8 hours to “friend Frank”, 8 wonderful hours.
Before leaving Buffalo, heading to Rochester, in the early morning I stopped by to see Willia’s housem R. Heath. Esta en el barrio histórico de Elmwood.
It is from 1904/05. A narrow lot facing a busy street and roundabout. Wright built the house on a platform, tall windows and the walls are high enough to guarantee privacy. It has 7 bedrooms, and visitors are not allowed.
The house and the budget were modest compared to the previous ones.
Wright said “space is the breath of art”, it is not just a phrase, what he says is perceived in his works.
Let us remember that both Martin and Heath were managing partners of Larkin. Martin introduced Wright to Mr. Davidson, owner of Larkin.
Notes
1
William Allin Storrer. The Architecture of Frank Lloyd Wright. A complete Catalog. The University of Chicago Press. Chicago and London. 1427 E. 60th Street Chicago, IL 60637. ISBN 0 226 77623 9.
2
Joseph Paxton (1803 – 1865) was an English architect, illustrator, naturalist, landscaper and gardener, known for his realist and impressionist style and for being the author of the Crystal Palace, built to host the first Great Exhibition held in London in 1851. He was self-taught.
3
Bock’s first work for Frank Lloyd Wright was a frieze for the third floor of the Heller House in 1896. In 1898, Wright asked him to create sculptures for Wright’s house in Oak Park. A few years earlier, Bock had created a statue of Wright’s son John.
From 1903 to 1913, Bock worked almost exclusively with Wright on multiple projects, often making architectural sculptures designed by Wright. Wright enlisted Bock’s help after a previous sculptor, Albert Louis Van den Berghen, was not working as planned for a planned sculpture at the Dana-Thomas House.
Charles E. White, Jr. wrote upon Bock’s arrival at the studio: “Richard Bock, sculptor, who has moved to Oak Park, will occupy the studio balcony. He has decided to put himself under Mr. Wright’s criticism for a while, as his ambition is to become solely an architectural sculptor. He will do work for the Larkin building in Buffalo.”
The two became close friends and their families often spent time together. Wright designed a sculpture studio for Bock in River Forest, Illinois, called “The Gnomes.” The two worked together for more than 20 years. He created two sculptures for the entrance to Wright’s office at his home in Oak Park called «The Boulders,» they are still visible from the street outside Wright’s home and studio.
4
Alfonso Iannelli was an Italian-American sculptor, artist, and industrial designer. Based in Chicago for most of his life, architect John Lloyd Wright saw his work and the two became friends. John introduced Iannelli’s work to his father, Frank Lloyd Wright, who invited him to work with him on his Midway Gardens project in 1914.
Iannelli created several of Midway’s Sprite sculptures for Wright.Wright, however, took credit for the pieces, leading to a bitter split and the ultimate demise of their partnership. Reproductions of the Midway Gardens sprites designed by Wright were later added to the Arizona Biltmore Hotel. He also collaborated with Chicago architect Ernest A. Grunsfeld III and Bruce Goff, Purcell and Elmslie, Barry Byrne.
Partnered with his wife, Margaret, they created Iannelli Studios.
Architect. Argentinian/Spanish. editor. illustrated book distributor See all hugoklico posts Published on August 9, 2024 Author hugoklico Categories Art Edit
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«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Tour of Madrid / NY / Dunmore / Bueffalo / Rochester / Middlebury
See 2 part https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
The flight lasted less than 9 hours.
The immigration process at JFK Airport in New York was quite fast.
I had rented the car from Dollar, and I discovered that it’s a company affiliated with Hertz, and it costs about 35% less.
I planned to drive about 224 km that same day, so the trip wouldn’t be too long the next day. From NY to Buffalo, it’s 480 km. The average speed by car is 50 to 60 km per hour due to the speed limit.
If you don’t want to have to talk to the police, and especially not pay traffic fines, it’s highly recommended to travel between 45 and 55 miles per hour. That’s between 72 and 89 km/h. Very slow.
The next day, I completed the remaining 480 km, which took 8 hours.
From JFK Airport to Buffalo, it’s 479 km.
From Buffalo to Rochester, it’s 120 km.
From Rochester to Syracuse, it’s 138 km.
From Syracuse to Middlebury, it’s 264 km.
Total: 1.001 km, plus the extra distance covered while looking for the construction sites.
Pierce Arrow Museum. Architect Frank Lloyd Wright Service Station
The first thing I did was go to the Pierre Arrow museum where they rebuilt a gas station designed by Frank Lloyd Wright.
It is at 263 Michigan Avenue.
The place has a huge number of bicycles, motorcycles and cars of all types, sizes and years, as well as related objects (helmets, gloves, glasses, visors, t-shirts, jackets, books, etc.).
As for me, the service station was designed in 1928 and rebuilt after its state of ruin in 2012.
It was from the Tydol group, Wright asked for a fee for each station that was built and probably due to economic issues it was not done. Strong stucco colors, copper roof and two copper posts with a Tydol sign between them.
It has 148.65 m² with gravity-fed gasoline tanks and hoses hanging from the ceiling down to car height, with no visible pumps.
Wright believed that since everyone needed to refuel, it was decided to create a space, like an observatory on the second floor, where people could enjoy a drink by a fireplace, creating a place that would foster communication between customers and neighbors while they waited for the service to be completed.
The station was originally designed for the nearby corner of Cherry and Michigan Streets. It was commissioned by William Heath.
They are open from Thursday to Sunday, from 11 a.m. to 4 p.m.
In the 1870s, George N. Pierce’s company was known for its specialized craftsmanship, focusing on household items like birdcages and iceboxes.
It evolved to produce innovative bicycles, followed by motorcycles and single-cylinder automobiles. Demand increased, and in 1906, Pierce moved to a 140,000-square-meter factory on Elmwood Avenue, where the Pan-American Exposition had once been held.
On April 26, 1906, construction began on the new Geo. N. Pierce Mfg. facility on the Pan-American grounds.
Pierce-Arrow manufactured luxury automobiles for a wealthy market. Powerful, ornate, artistic, and sophisticated, symbolized wealth and status. Pierce-Arrows were the official vehicle of the White House for presidents from Howard Taft to Franklin D. Roosevelt, and the preferred car of John D. Rockefeller, J. Edgar Hoover,Orville Wright, and Babe Ruth.
Pierce-Arrow was famous for its innovations, such as the fender-mounted headlight designed by Herbert Dawley in 1914. Dawley also designed the iconic hood ornament featuring a helmeted archer.
The company created Travelodge trailers, equipped with gas stoves, iceboxes, water tanks, and dining areas. Pierce-Arrow produced more than 12,500 trucks used in World War I. The company employed over 10,000 men and women in Buffalo and boasted of using more aluminum than any other country in the world in 1915.
Richardson Olastead
I saw the impressive Richardson Olmsted complex, remarkable for its beauty and scale, with medieval architectural inspiration, showing the influence of William Morris and John Ruskin. Today, the Grand Hotel Richardson operates there.
Since it is not possible to see the Marshall Field Store, as it was demolished in 1930, I visited the impressive Ellicott Square (1896) by Burnham & Root and the Prudential (1896) by Louis Sullivan & Dankmar Adler, both inside and out.
View circa 1890 of Marshall Field’s wholesale store
Marshall Field’s was located on Franklin Street between Quincy and Adams Streets. It was designed by Henry Hobson Richardson, (1838 – 1886) built in 1887, and demolished around 1930.
Howard Library aka Taylor Library, New Orleans (1886-1889)
Proof of Richardson’s influence and importance in the architecture of the United States is that, of the list drawn up by architects of the ten best buildings in 1885, five were his:
Trinity Church, in 1872/77. located in the Back Bay neighborhood of Boston, Massachusetts.
The 1883 Albany City Hall, at 24 Eagle Street between Corning Place (then Maiden Lane) and Pine Street
Harvard University’s Sever Hall in 1870, is located in Harvard Yard in Cambridge, Massachusetts.
The New York State Capitol, in Albany in 1899, with architects Thomas Fuller and Leopold Eidlitz.
And the 1879/81 Oakes Ames Memorial Hall in North Easton, Massachusetts.
His best-known work, the 1872 Trinity Church in Boston, cemented Richardson’s reputation and provided him with major projects for the rest of his life.
Chicago. Marshall Field Warehouse Building. Henry Richardson
Chicago. Marshall Field Warehouse Building. Henry Richardson
Richardson and his client Marshall Field defined the bases of what was going to be a new architectural typology: the commercial building, which we know as Department Stores, or Wholesale Store.
Called the Marshall FieldWarehouse Building, it was built between 1885 and 1887 and sadly demolished in 1930.
It was on Adams and Franklin streets. Clearly inspired by Italian Renaissance palaces (such as the Palazzo Pitti in Florence), this building was considered the prototype of the new commercial and office building that the architects of the Chicago School would refine and turn into a model that would be exported to the world.
El Guaranty Building de Louis Sullivan y Dankmar Adler
La descripción completa y sus fotos interiores se pueden ver en este enlace https://onlybook.es/blog/daniel-burnham-y-el-edificio-ellicott-square-en-buffalo/
El Guaranty Building de Louis Sullivan y Dankmar Adler
El Guaranty Building, anteriormente llamado Prudential Building, es uno de los primeros rascacielos de Búfalo.
Designed by Louis Sullivan and Dankmar Adler, it was completed in 1896. It was declared a National Historic Landmark. It is located at 24-34 Church Street.
Internationally recognized as one of the masterpieces of Louis Sullivan, probably one of the most important American architects of the 19th century and recognized as “The Father of Skyscrapers”.
I was able to tour both buildings inside.
I saw Rem Koolhaas’s expansion of the Art Museum from the outside.
I toured the parks designed by Frederick Law Olmsted (1822–1903), the father of landscape architecture, who created, among other works, Central Park and Prospect Park in NY, and Franklin Park in Boston.
Other significant works he completed include the Niagara Falls Reservation in New York; Mount Royal Park in Montreal; the Emerald Necklace in Boston; Cherokee Park (as well as the boulevard system) in Louisville; Jackson Park, Washington Park, and Midway Plaisance for the World’s Columbian Exposition in Chicago; part of Detroit’s Belle Isle Park; the United States Capitol grounds; and George Washington Vanderbilt II’s Biltmore Estate in North Carolina.
Architect. Argentine/Spanish. editor. illustrated book distributor See all hugoklico posts Published on August 5, 2024 AuthorhugoklicoCategoriesArtEdit
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Graycliff House
On the shores of majestic Lake Erie, a tour of Graycliff Estate includes a visit to the Boat House and Mausoleum.
The house they call “The Jewel of the Lake” is located at 6472 Old Lake Shore Road.
Darwin D. Martin (1865-1935). He was very happy with his home on Jewett Parkway so he and his wife Isabelle R. Martin (1869-1945) decided to commission Wright’s summer home on Lake Erie.
See https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
Isabelle took over, so Wright worked primarily with her on the design and details of the house. Isabelle had poor vision and after her experience with the Jewett house which was naturally dark, she focused the idea of light, open spaces on Greycliff.
The name of the estate comes from the natural gray color of the twenty-meter cliff on which the complex sits.
Graycliff is a complex of three buildings built atop a bluff overlooking Lake Erie. the Isabelle R. Martin House, the Foster House, originally designed as a garage with a chauffeur’s quarters on the upper floor and the boiler room to heat the other two houses.
Wright used native materials, such as cypress hardwood floors, gray cliff schist stone, and shaded stucco, and also created a landscape design for the complex.
The distance between the Martin house and Graycliff is 30 minutes by car (36.20 km) on NY-5 West.
The Martin family lived in two complexes, the one in the city, and the one in Graycliff.
When Wright was hired again, the two had a professional relationship of more than 20 years and were personal friends. The Martins provided financial assistance, among other support, to Wright at a time when his career was taking off.
In the early years of their long relationship, Darwin Martin, as a senior executive of the Larkin Soap Company, was directly involved in the selection of Frank Lloyd Wright as architect of the Larkin Administration Building. Wright also designed homes for other Company executives such as William R. Heath and Walter V. Davidson.
Wright understood that stone was the only true building material and therefore insisted to the Martins that it be used at Graycliff.
Of the complex, the largest building is Isabelle’s house, with spacious balconies, large terraces and large windows that allow you to contemplate nature from inside and through the entire house. On especially clear days you can see the water sprayed by the Falls of Niagara.
Another building is the Foster House, which was originally designed as a garage, with an apartment above to house the driver and his family. After their first summer at the residence, the Martins asked Wright to expand the building, There her daughter Dorothy, her husband James Foster and their children Margaret and Darwin spent many summers at the residence.
The smallest of the buildings in the complex is known as the Heat Cabin. Like the other two buildings, it is constructed of stone, ochre-stucco, and red cedar-colored shingles.
Although the Martin family lost much of their fortune in the Great Depression and was forced to abandon their home in downtown Buffalo in 1937, they retained Graycliff, where they returned every year until 1943.
The property was acquired in 1951 by the Piarists, an order of Catholic religious dedicated to teaching.
The Piarist Fathers, who came from Hungary, established a school on the grounds, as well as an institute for gifted children called Calasancio in honor of the order’s founding father. Although they added two stories to the building, Wright’s original design was left intact. In 1997, the Piarists could not afford to maintain the house and put it up for sale.
The texts that follow are a summary and an interpretation of the (very interesting) visit I made to Graycliff House. We were 10 people with the guide,
I already commented on the close relationship between the Martins and Wright.
The idea arose in 1925, with Martin’s retirement from the Larkin Company, and he wrote to Wright, asking him to design a summer house for his family.
Along with the specifications he sent on May 5, 1926, Martin emphasized Isabelle’s wish for the house to be flooded with light and sun, including the staff quarters. And he informs Frank Lloyd Wright that Isabelle R. Martin, (and not him) will be his client.
Wright’s project included the main house parallel to Lake Erie, a garage staff apartment called the Foster House today, and an irregularly shaped pond in the center of the driveway rotunda circle. The third building, the heating cubicle, is behind the garden wall connecting the Martin house to the Foster house.
The 3.45 hectare lot was purchased on April 19, 1926 from the Dexter Rumsey family (1) for 2,000 usa, about 80,560 usa today. It extended from Lake Shore Road to the bluff overlooking Lake Erie with a width of 250 feet.
Darwin gave his wife this exquisite gift, which became one of the most ambitious summer properties Wright had ever designed.
Access to the house is currently controlled by the Graycliff Conservancy, a non-profit organization that was responsible for restoring the property and saving it from its state of disrepair. The house is listed on the National Register of Historic Places.
Wright used 1.01 hectares of the total 3.45 hectares of land.
The presence of the cliff, about 18.29 meters high, and its surroundings are very important.
Wright’s project maintains visual contact with the lake, the water is very close throughout the design. Lake Erie is seen through the transparency of the house.
The stair tower, bench and walkway have been moved from their location due to erosion among other factors.
The buildings were built using natural materials from the site, the cliff is made up of gray shale which provides the property its name, as Graycliff means gray cliff.
About 8 feet from the top is a layer of Tichenor Limestone that cantilevers from the side of the cliff above Lake Erie.
Wright used overhangs, and the diamond shape in windows and roof lights.
Tichenor limestone has a layer of iron oxide that «bleeds.»
The house’s color palette included the red-orange color of iron oxide (which bleeds naturally from limestone), a material used throughout the house.
The landscape design included Ellen Biddle Shipman, a renowned landscape designer. (2). She was hired to design extensive gardens to collaborate with Wright’s project, known as the «Dean of American Landscape Architects» and one of the creators of Arts & Crafts style gardens.
Their project had to provide shade and protection from the wind, and above all a lot of color, so that each room in the house had its flowers.
There are now four fruit trees that have been planted where the rows of orchards existed.
A reproduction of Wright’s plan drawing for the exterior, this drawing is, as far as we know, the only known exterior plan that Wright made with his own hand, during his long career.
At the original entrance to Graycliff there are stone pillars.
The Martins shared a driveway with their neighbors, the Dexter Rumsey family (2). The aspen-lined driveway leaves Lakeshore Rd, forming a “Y,” one of its branches leading to the Martins’ property.
Graycliff has had only three owners: The Martin family, an order of Roman Catholic priests known as the Piarist Fathers who purchased Graycliff after the Martins died, and finally, The Graycliff Conservancy.
The Martins and their family enjoyed summers from 1928 to 1943. The Piarists, a Catholic teaching order, purchased the property in 1950 from a holding company belonging to Martin’s son. The priests established a boarding school on the property, as well as Calasanctius High School in Buffalo.
They made a number of additions to the property, including the visitor centre, which was their gymnasium, adding a chapel to the south terrace and extending the garage to increase the living space.
The easement for the driveway ended when the Piarist fathers purchased the property.
The priests numbered about 12 with approximately 24 inmates, but the dormitory was reconfigured and could accommodate 48 inmates if necessary.
In 1996, a few remaining elderly priests put the property up for sale, the only serious offer they received was from a builder.
Upon learning of this plan, neighbors from across the community formed The Graycliff Conservancy with the intention of saving Graycliff. They purchased the property, removed the non-historic additions, restored it to its original state and opened it to the public.
For the driveway, Wright specified that a yellow gravel be placed, which would harmonize with the fawn tone of the house, if it was not available, he specified that the shale gravel should be crushed and dyed with iron oxide.
For safety reasons, the driveway rehabilitation used pigmented concrete to match the original color with exposed aggregate to mimic crushed shale. This provides handicap access, snow plow equipment and emergency vehicles.
Rotunda circle in front of the main house
The horizontal plane of the lake surface as well as the horizon line are incorporated into the horizontal levels of the house.
Wright explained that he had added the stone to provide contrast and make the house blend into the site.
Isabelle didn’t want the pond, preferring to have a mound planted with tall trees. Wright persuaded her to accept it as part of Ellen Biddle Shipman’s project.
The pond was removed in the early 1930s, and restored in the early 2000s and completed in 2013 using a mix of original rock and plantings similar to those that existed in 1931, including sedge, water iris and juniper.
Roundabout circle in front of the Foster house
The structure was first created as a garage, with an apartment above it for the driver’s family. The main house is more linear in design compared to the concentric layout of the garage house where the rooms radiate from the living room. This home is more reminiscent of Wright’s Prairie style homes with its wide eaves, cantilevered balconies, and semi-concealed entry.
Originally, the garage doors were directly under the balcony and opened onto the driveway. During the Martins’ first summer, Isabella noticed that from anywhere in the living room or south terrace, the driver could be seen working.
I wanted the garage doors moved to the south end. He had also decided that more storage space and another bedroom were needed, so he enlisted Wright’s help.
Wright designed the addition that begins where there is a setback along the balcony. A bedroom and two terraces were added to the apartment. The garage doors were moved to the south side of the structure and the garden wall was extended.
As the depression deepened, the staff was cut, and the Martins’ daughter Dorothy Martin Foster, her husband James, and their children began using the apartment as a summer residence.
The landscaping in front of the Foster House and garden wall has been planted as it was in 1931, thus restoring plantings with native plants to the designs of Wright and Shipman.
The living room floor had to be restored.
The rust streaks on the stone of the house were an intentional effect, most of the reedstone used is grey, but the Tichenor limestone from this site has a thin layer of iron pyrite on one side which makes it bleed ferrous oxide causing rust stains on the stone.
The Martins expected the house to cost considerably less than Wright’s first estimate of $37,500, but as construction continued, the cost continued to rise. Mr. Martin suggested changes to reduce the cost, for example, since they originally asked for the house to be stucco only, Mr. Martin objected to stone, as well as seeing no reason for a balcony off his room, He claimed that they had only planned an awning, not a garage.
Wright persuaded them that perhaps they didn’t need these features, but the house did, for good architecture.
The balcony and garage extended the house to the outside.
The cantilevers over the sunken gardens are especially important, as they mimic the layer of Tichenor limestone cantilevered over Lake Erie, strongly connecting the house to the site.
The balcony at the west end, outside Mr. Martin’s room, was cantilevered over a sunken garden that Wright designed to be filled with low evergreens, in recent years zinnias and dahlias were the preference of Isabella.
They also serve an important utilitarian function in providing shade inside the home which supports Wright’s concept of passive solar design. The final cost of the house in 1928 was well above Wright’s initial estimate.
Wright wrote to the Martins, on August 15, 1926, that without the balcony and carriage house the house might be comfortable but it would not look comfortable because it would not be suitable for the site.
The final price of the house in 1928 was approximately 49,000 usa (about 902,770 current dollars).
Entrance
When entering the house we have two possibilities, go up the stairs or enter the living room.
The staircase is attractive, the skirting boards descending the wall under an overhang. The balustrade is stepped to maintain the railings.
On the first floor are the bedrooms, both Darwin’s and Isabella’s, as well as a large room that was used by the Fosters while the apartment above the garage was being adapted. Three additional rooms were occupied by Mrs. Martin’s lady-in-waiting, Cora Herrick, a maid, and a cook.
It also contains a sleeping porch that was sometimes used as a guest room.
There are four bathrooms, each tile was hand cut into 9 inch squares. The shower has a terrazzo floor.
Balconies overlook Darwin and Isabella’s rooms.
The floor is wide plank cypress, which is also the floor in the living room and dining room. We will also find the original cypress wood in the entrance and dining rooms. The staircase leading to the bedrooms is made of maple.
Stained stucco covers the interior walls, in a slightly paler tone than that used on the building’s exterior.
At the entrance, the carpentry has metal divisions, which are more expensive than wood, but allow for larger glass panels. The Graycliff corner window was designed without corner support and bid by Hopes Windows of Jamestown.
Martin thought the bid was too high and requested a second estimate from David Lupton of Philadelphia, who inserted a non-structural corner post to standardize the hardware. The price was cut almost in half, when Martin reported his savings to Wright, who declined to comment.
Fallingwater used Hopes Windows to provide the design first proposed in the Graycliff design some nine years later, but never perfected the corner ironwork. The hardware has a waxed bronze finish and the door knobs are octagonal. The hinges allowed a door to be opened flat against a wall.
Stucco has pigment incorporated into the material so it is not necessary to paint it and it is naturally fire retardant.
The living room
Upon entering the living room, we experience Wright’s spatial design concepts of compression and release.
The top shelf compresses the feeling of space, while the release into the light-filled living room provides a feeling of freedom.
See https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones
The use of Tichenor limestone, which was from the base of the cliff, helps link the house to its natural site. The interiors are composed of the same materials as the exteriors: limestone and stucco.
The enormous stone fireplace captures the cozy spirit of the house, it is the gathering place, fireplaces have always been important symbolic elements in Wright’s domestic architecture.
It is where heat originates, the “heart of the home”.
The doors and windows on the south side are not as high as those on the north.
Wright explained to the family that “they are going to be happy to have less glass facing south because of the heat that would be absorbed into the room.”
There is never direct, glaring sunlight in the living room due to the position of the house on the site and the overhangs on the south side of the house.
In one of his letters to the Martin, Wright described the living room “as a part of the terrace, both a part of the outside and a part of the inside.”
I-beams spanning the ceiling rest on pillars within the walls between the windows and doors, supporting the 1st floor hallway, cantilevered over the south terrace and lakeside terrace.
The living room floor is made up of wide reclaimed cypress boards, it has been refinished.
Wright designed several pieces of furniture for Graycliff, primarily a series of wooden tables of different sizes and plant stands.
The willowwood furniture in Graycliff was manufactured by the Yipsilanti Company in Michigan.
The wall sconces are brass and in the bedrooms they are silver over brass, made by Bradley and Hubbard.
Regarding the colors in various cards between Wright and Martin, they decide to choose colors such as burnt orange, gold, salmon, and flame color, as well as green.
In the spring of 1926, Wright writes, “Entering the house would be like putting on your hat and going outside.”
View or Fern Room
It’s easy to understand why Wright referred to this space as the View Room because of the wonderful views of the lake and especially the sunsets over the water from everywhere in the room.
Wright lowers the ceiling of this room to signify a more intimate space, both this room and the dining room were intended for people to sit, read, eat or chat. The larger space of the living room was understood as a gathering space, a social space for a greater number of people.
Create the illusion of an outdoor space inside the house, using the limestone and flagstone used on the exterior, as well as the interior planter that brings plants, nature into the building, instead of an exterior planter.
This room is made up of windows on two sides, and a mirror on the third.
Materials
The shower has a terrazzo floor.
Flush doors with olive knuckle hinges were used,
The hardware has a waxed bronze finish and the door knobs are octagonal.
The hinges allowed a door to be opened flat against a wall.
Stucco has pigment incorporated into the material so it is not necessary to paint it, it is fireproof.
The living room
The use of Tichenor limestone, which was from the base of the cliff, helps link the house to the site.
The room is filled with natural light and the lake breeze provides cross ventilation. The doors open onto fixed windows facing each other, alternating. This allows cross ventilation without large gusts of wind.
The doors and windows on the south side are not as high as those on the north, to avoid heat gains. There is never direct, glaring sunlight in the living room due to the position of the house on the site and the overhangs on the south side of the house, it is light, airy and cool during hot summer days.
Family sun porch
Originally this room was designed as an open porch. During the Martins’ first year of residence, this room was only screened, but they later installed sliding glass windows, the only sash windows in the house that were not designed by Wright.
The moldings are made of cypress and are the only painted ones in the house. They are painted to match the windows.
The wood mullions obstruct the view to a greater degree than the smaller metal mullions we see throughout the house.
The library table is a Wright design. There was also an upright piano, which Mr. Martin had given to Isabelle for their 2nd wedding anniversary.
Dining room
Wright’s design called for a formal dining table to be below the two diamond lights in the highest ceiling.
The stone fireplace in the living room is near the fireplace in the dining room, which has a diamond-shaped hearth.
The porcelain pattern is “Devon” by George Jones & Sons, England.
Butler’s Pantry and Staff Sun Porch
The refrigerator is original from Graycliff. It is a refrigerator, it was modified by the manufacturer so that the refrigeration was provided by electricity. It is a Jewett Servel electric refrigeration refrigerator. Jewett made the case and Servel made the electrical cooling device.
Larkin Soap Company
The Larkin Soap Company, located on Seneca Street in Buffalo, was a company of enormous development, in which Darwin worked for many years.
John Larkin developed a mail order and catalog system that was very profitable, creating a bonus scheme whereby quantity purchases were rewarded with a bonus on merchandise. That promotional idea was created by Elbert Hubbard while he was an employee of his brother-in-law John Larkin. Larkin employed thousands of people and operated until the early 1940s when it closed operations. The Larkin Administration Building, Frank Lloyd Wright’s first commercial work, was demolished in 1950.
A parking lot has occupied the site since then, although some of the other buildings from the original Larkin complex remain.
John Larkin started a company called Buffalo Pottery in 1901 as a way to minimize the cost of producing the best-selling porcelains that accompanied bulk sales of toiletries.
Darwin Martin was one of the company’s directors. In 1950 Buffalo Pottery was called Buffalo China, Oneida bought it in 1983, Buffalo China was bought by Oneida, who sold the premises in 2004 to Niagara Ceramics. It closed in 2014.
The heating cubicle houses the oil boiler, underground pipes connected it to the Foster House and the Isabelle Martin House where there were steam radiators. The structure is several feet underground, so it does not obstruct the view from the Foster House balcony.
The roof of the building has an unusual edge, its tiles are trapezoidal, so that when viewed from the edge they form a hexagon. This edge is called braided edge. Due to their deterioration and abandonment all the structures were restored by the Graycliff Conservancy.
The same style of trim used on the heating cubicle was used by Wright at his home in Taliesin, although after the 1925 fire it was not replaced.
A gas boiler in the basement heats the main house and a second boiler in the mechanical room serves to heat the Foster house.
Esplanade
The two retaining walls on its sides start at the stone terrace (at the same level as the interior floor of the hall) and maintain that same level towards the edge of the cliff.
There they once hugged a stone bench. The remains of this bench are what we currently see on the edge of the cliff.
The bench has been restored and moved closer to the house.
Wright had at least two plans for this area that were rejected by Isabella: a terraced space facing the lake and a reflecting pool.
There was a walkway behind the stone bench, it led to a tower of stairs, across a steel and wooden bridge.
It was access to the beach, Isabella told Wright that the flow of people heading to the beach obstructed her view of the lake.
Wright proposed creating a stone bench, people could now walk along a path on the edge of the cliff, go down some stairs, cross behind the bench, and cross the bridge.
The bench would keep them out of Isabella’s sight.
Ellen Biddle Shipman further developed Wright’s plan and added evergreen shrubs and poplars along the retaining walls.
Due to erosion, the walkway, bridge, original bench and tower no longer exist. The tower had not been designed by Wright and due to its state of disrepair it was removed and will not be replaced.
The shape of the esplanade and bench mimic the shape of the living room fireplace.
There is no mention in historical records or correspondence that the Martins owned a boat, but Darwin Foster’s grandson has said that his father, James Foster, had a 10-foot boat covered with a sail, in the Archives from the University at Buffalo there is a photo of James and the children pulling a small boat on a cart in Graycliff’s driveway.
The tennis court
The tennis court was included in the land project.
The concrete is a reddish color. It was pigmented, a technique Wright later used for the floors in some of his Usonian houses. The red pigment makes the concrete similar to the look of a clay court, and also complements the autumn colors of the buildings.
Notes
1
Dexter P. Rumsey (1827 – 1906), a native of Westfield, New York, arrived in Buffalo in 1831. His father and family moved to their new home to establish a tannery to be run by Dexter and his older brother Bronson.
Rumsey was involved in the early years of banking in Buffalo as a director of the Erie County Savings Bank, and he also invested in real estate on the city’s north side. He was president of the exclusive Buffalo Club and a member of the Buffalo Country Club. He was a major supporter of the Buffalo Fresh Air Mission, and one of the original trustees of the Buffalo City Cemetery, formed in 1864, which still manages Forest Lawn Cemetery.
Rumsey was one of the principal organizers of the residential developments who commissioned Frederick Law Olmsted to prepare the Parkside community designs. He also owned a significant tract of land on the south side of The Park. He died on April 5, 1906, and the following month his widow, Susan Fiske Rumsey, and daughter, Grace Rumsey Wilcox, donated 8 acres of land adjacent to Lincoln Parkway and the park’s main entrance to the city. .
It was a welcome addition to Delaware Park as it provided the right-of-way for Rumsey Road, a new street that formed the new southern boundary of Rumsey Woods Park.
2
Ellen Biddle Shipman (1869 – 1950) was a landscape architect known for her formal gardens and lush planting style. Along with Beatrix Farrand and Marian Cruger Coffin, she dictated the style of the era and strongly influenced landscape design as a member of the first generation to enter the predominantly male profession. In 1938, commenting on the male-dominated field in The New York Times, she said, “before women took over the profession, landscape architects did what I call graveyard work.”
Shipman preferred to think of his plant-using career as if he were “painting pictures as an artist.” Little of his work remains today due to the laborious style of his designs, but preserved spaces exist, including the Sarah P. Duke Gardens at Duke University, often cited as one of the most beautiful American college campuses.
During the 40 years she practiced landscape architecture, Shipman only hired graduates of the Lowthorpe School of Landscape Architecture, Gardening and Horticulture for Women. She did it because at that time, women were not given internships in male offices.
57 Tillinghast Place, Buffalo, Nueva York. 1908 Me estaba yendo de Buffalo, rumbo a Rochester (102 km) muy temprano, eran las 5,15 am, y mientras buscaba como salir de la ciudad, me pregunté,
-Te vas a ir, ¿sin pasar por la casa Davidson?
No había ido antes, porque sabía que no aceptan visitas, es una casa particular, de las pocas que no estan en manos de museos u organizaciones.
En mi mvl, pone que saqué las fotos el sabado 27 de julio a las 5,39 de la mañana, estaba relativamente oscuro, el resto lo hice al procesar las fotos.
Era difícil sacar fotos porque había muchos autos estacionados, y a esa hora de la madrugada, no deseaba estar “merodeando” por la casa.
Por experiencia, sé, que, de ciertos lugares, uno se va para no regresar, Buffalo, es uno de ellos, me encantó visitar la ciudad por la cantidad de obras de arquitectura que vi, pero la ciudad, me impacto poco, tienen un río lindísimo, que bordea la frontera con Canadá, donde han hecho una autopista de varias manos de cada lado, o sea que el rio lo ves a 80 km hora, o por algunos túneles que vaya uno a saber dónde estan, esto lo deduje porque vi a algunas personas en bici, y otras pescando, pero ni idea como llegaron donde estaban.
Tampoco me atrajo tanto estar tan cerca de las cataratas del Niágara (33 km), me dije
-con aquellos inolvidables dias que pasaste en las cataratas del Iguazú, ya fue suficiente.
La vuelta por Toronto (está a 160 km), me impedía ir a Rochester, y quería ver el templo unitario de Louis Kahn, asi que aquí está la casa Davidson, desde afuera, muy tempranito.
En 1908 Walter Davidson se unió a Larkin Company de Buffalo como gerente de publicidad, y se hizo amigo de Darwin Martin y William Heath, dos de sus socios gerentes.
Martin y Heath ya tenían sus casas terminadas en ese momento, y unos meses después de unirse a Larkin Company, Martin le presentó en una reunión social a Davidson al arq Wright.
Davidson no dudó en encargar a Wright el diseño de una modesta casa en el distrito histórico Parkside East de la ciudad, un barrio que en 1908 había sido planificado por Frederick Law Olmsted (1822 – 1903). (1)
La casa tenía un presupuesto menor en comparación con las casas de Martin y Heath, Hoy es de propiedad privada y como ya escribí las visitas sin invitación no están permitidas.
Una lámina del Portfolio Wasmuth, de la casa Dana-Thomas
La casa Darwin Martin, asi como el edificio Larkin y la casa Edwin Cheney figuran en el Portfolio Wasmuth, entre los diseños más famosos de Wright.
El Fontana Boat House, tambien en Buffalo, a pesar de que no pudo construirlo en vida, también figura en el Porfolio Wasmouth, prueba del orgullo que sentía Wright por el diseño de la guardería de botes.
El exterior, de tejados planos y escalonados, y de bandas lineales de listones de madera y ventanas de vidrio emplomado, parece estar compuesto por una serie de planos geométricos que se entrecruzan. Wright integra la naturaleza en la estructura del edificio mediante la inclusión de jardineras bajas que sobresalen del camino de entrada y el porche trasero.
La casa cuenta con una sala de estar de dos pisos que termina en una espectacular ventana con altos paneles estrechos de vidrio transparente separados por gruesos parteluces (soporte al acristalamiento vertical de una ventana). El patrón alargado en forma de diamante en el vidrio es simple pero audaz. Se traslada a muchas de las otras ventanas de la casa, que son abundantes.
En la década de 1930, la residencia fue remodelada. Se modernizo y adapto la cocina y se creó una suite principal construida sobre el garaje. Uno de los dormitorios originales se redujo en tamaño y se eliminó un armario para dar paso a un pasillo que conduce a la nueva suite, que consta de un vestidor, un baño y un dormitorio.
La ampliación incorporó las mismas ventanas abatibles de vidrio emplomado en forma de diamante del resto de la casa.
Metropolitan. MET
Midway Gardens (2)
Arquitecto Frank Lloyd Wright
Ubicación Chicago, Illinois. 1913/14.
Ubicación Cottage Grove en la calle 60. Chicago. Debajo de todo en el mapa S 180. (3)
Concreto pintado Donación del Sr. y la Sra. John T. Steele, 1979
Alfonso Iannelli (1888-1965) y Frank Lloyd Wright (1867-1959) Sprite Chicago, Illinois, ca. 1914.
Sprite fue originalmente parte de un amplio programa escultórico para los Midway Gardens de Wright en Chicago.
Construido para Edward C. Waller Jr. y Oscar Friedman en 1914, los Gardens fueron diseñados como un centro de entretenimiento.
De carácter fuertemente tectónico, la figura está compuesta por motivos comunes en el ornamento arquitectónico de Wright. La facetación del rostro está estrechamente vinculada al Cubismo, un movimiento que había ganado influencia internacional para 1914.
Hubo discusiones entre Wright y Iannelli acerca de la autoría de los Sprite, que les costó a ambos, dejar una amistad y un trabajo en común de años, finalmente Iannelli fue reconocido por sus diseños de carteles, así como por su escultura arquitectónica y decorativa.
Introducción (4)
Los Jardines Midway de Chicago, inaugurados en 1914, fueron la última construcción estilo pradera de Wright y el comienzo de su siguiente otra etapa de experimentación arquitectónica a través de la ornamentación, etapa que duró cinco años.
Edward C. Waller Jr era propietario de un complejo de ocio, el Sans Souci Amusemente Park, ofreciendo pista de patinaje, un teatro, un casino y un salón de baile. A finales de 1913 Waller le encargó a Wright ampliar el edificio y realizar a pequeña escala, pero de forma estrictamente lujosa una cervecería al aire libre, rodeada por jardines palaciegos.
La arquitectura modernista de los jardines se basaba en formas geométricas estrictas. Una gran área central al aire libre, llena de mesas y sillas, estaba rodeada por una serie de edificios de tres pisos con espacios interiores para bailar entre otras actividades, así como balcones voladizos con techos salientes.
Había jardines en terrazas, piscinas y un pabellón de música y escenario.
El edificio en sí estaba hecho de ladrillo amarillo y bloques de hormigón estampados. Presentaba una ornamentación muy intrincada y muchas esculturas geométricas, a las que Frank Lloyd Wright llamó «duendes» y que fueron diseñadas en colaboración con Alfonso Ianelli. Algunas de estas esculturas se salvaron de la demolición y se pueden encontrar en otros lugares. En consonancia con el estilo de Wright, el edificio también presentaba ventanas en hileras y entradas ocultas, es decir que había que rodear parte del edificio.
El interior también estaba intrincadamente ornamentado y lleno de muebles y accesorios diseñados por Wright, incluidos los servilleteros.
El padre de Waller, Edward Waller Sr., había encargado en 1985 un edificio de apartamentos a Wright, los Waller Apartments). Está ubicado entre el 2840 y el 2858 de West Walnut Street en Chicago. (5)
Midway Gardens era un centro de entretenimiento de lujo tanto interior como exterior destinado a funcionar como cervecería, sala de conciertos y baile en el que actuaban bandas como la Midway Gardens Orchestra. (6)
Max Bendix y la Orquesta Sinfónica Nacional frecuentaban la sección de conciertos porque eran la «banda de la casa». La bailarina de ballet Anna Pavlova también actuó en numerosas ocasiones.
Frank Lloyd Wright trajo artistas populares para cantar, bailar y tocar música, lo que creó un ambiente burgués. Sin embargo, después de que se convirtiera en Edelweiss Gardens, el ambiente de clase alta cambió a uno de vodevil, ragtime y cabaret. A principios de la década de 1920, un joven clarinetista, Benny Goodman, tocó en la banda de la casa.
También era asequible para espectadores sin grandes recursos (en los libros hablan de “gente común”).
La inauguración oficial fue el 27 de junio de 1914.
1914
El hijo de Wright, John Lloyd Wright, realizó la supervisión de la construcción. Paul Mueller estuvo a cargo de su construcción.
Diez días después de que comenzara la Primera Guerra Mundial, el 14 de agosto de 1914, Wright revisando los detalles de los Jardines Midway recibe la noticia sobre el desastre en su casa de Wisconsin.
El cocinero Julian Carlton había prendido fuego a la vivienda de Taliesin y asesinado a su pareja Mamah Bouton Borthwick (1869 – 1914), sus dos hijos de 12 y 4 años y cuatro miembros del equipo de Wright. (7)
Inmediatamente Wright regresa a Wisconsin. Su tragedia personal y la reconstrucción de las viviendas de Taliesin se convirtieron en sus prioridades. Dejó Midway Gardens para ser terminado por los artesanos de confianza y los arquitectos Sullivan y Adler que completaron el proyecto en 1914.
En 1916 Midway Gardens fue vendido a la fábrica de cerveza Edelweiss y rebautizados con en nombre de “Edelweiss Gardens”.
En esa época aún conservaba su carácter y atraía a los clientes.
Se realizaron numerosos cambios en la arquitectura y la decoración, como pintar las “Sprites” y el edificio pasó a ser también jardín, desapareciendo el complejo de ocio.
Estos cambios sumados a la Lay Seca y a los sentimientos anti-alemanes debidos a la Guerra lo llevaron al fracaso.
1921
En 1921 la propiedad fue vendida a los dueños de los neumáticos CE Dietrich Automobile Midway y Supply Company y se convirtió en el “Midway Gardens Dancing”.
Con una amplia remodelación convirtieron el edificio en un salón de baile.
El baile estaba de moda a finales de los años 20 y el jazz y la música swing-danza eran muy populares.
Ubicación
La propiedad donde se construyeron los Midway Gardens, estaba en un lugar muy céntrico, en el Hyde Park, zona de ocio, muy valorada por el público alemán que vivía en la zona.
Está muy cerca del Lago Michigan en el sur de Chicago, concretamente en la esquina suroeste de la avenida Cottage Grove y la calle 60, donde Midway Plaisance se encuentra con Washington Park.
Esos lugares, Washington Park, la Universidad de Chicago y al Midway Plaisance fueron los lugares donde se ubicaron los Pabellones Colombianos en la Feria Mundial de Chicago en 1893.
Una manzana completa estaba cerrada por la estructura, mientras que el patio interior, el Summer Garden, un área para comer y bailar estaba abierto. A los lados había arcadas bajas, donde también se comía y bailaba, con un pabellón donde tocaba la banda.
El Winter Garden, en el lado opuesto, cerrado para actividades durante todo el año, tenía cuatro pisos de altura, su superficie cubierta era similar a la del Summer Garden. El primer piso estaba rodeado por tres terrazas. Alrededor del área de la planta principal, la estructura estaba coronada por un jardín en la azotea. La cocina se encontraba en el sótano, más cerca de las áreas a las que servía. Esculturas de Alfonso Iannelli adornaban la obra. Su expresión arquitectónica era excepcional, encerraba el área de la planta principal bloques de concreto y ladrillos decorativos.
Su final
La Prohibición de beber alcohol (8), fue solo uno de los muchos factores que destruyeron el palacio de placer de los Midway Gardens, también la Primera Guerra Mundial hizo que los ingresos cayeran por debajo del punto de equilibrio.
Como hemos comentado solo dos años después de su inauguración, fue adquirido por la compañía cervecera Edelweiss y convertido para satisfacer las necesidades de una clientela poco acostumbrada a su entorno refinado, pero el complejo se degradó en un jardín cervecero común en solo dos años desde su apertura. Finalmente fue demolido en 1929.
Concepto
El concepto fue crear un bar al aire libre con escenario de conciertos para el aficionado al ocio de clase media alta.
En el 1900, cerca de 500.000 inmigrantes alemanes vivían en Chicago, la mayoría eran profesionales capacitados que debieron emigrar debido a la inestabilidad económica y/o política de su país. Como inmigrantes ocupaban reducidas viviendas, desarrollando su vida social con salidas al aire libre, asistiendo a eventos culturales o a los parques de atracciones, siempre en grupos familiares o con sus amigos inmigrantes, recordando sus costumbres, como tomar cerveza en los restaurantes al aire libre, reminiscencia de su patria natal.
Las intenciones de Wright con los jardines era acercar la cultura de la clientela alemana establecida en la zona a la cultura de Chicago y convertir los jardines del Sans Souce en una cervecería al aire libre, en un “concert-garden” donde se combinaran todas las artes, incluyendo conciertos, música clásica, y en los jardines, ocio y restaurantes gourmet. Con el propósito de lograr sus metas, Wright convenció a Waller de la necesidad de ampliar los fondos para la construcción. Estos fondos fueron obtenidos con la venta de acciones que permitieron construir el proyecto y llevar adelante el establecimiento.
Descripción
Midway Gardens estaban formados por un cuadrilátero de 183 metros de lado. Fue principalmente una instalación de entretenimiento al aire libre, con una gran zona central en diferentes niveles donde se ubicaban distintos puestos de alimentación y un escenario en el frente con una orquesta o actuaciones para que pudieran disfrutar los comensales.
Dos niveles con paredes y arcadas techadas se ubicaban a ambos lados de la zona central abierta de verano. También se realizaban actividades durante el invierno y verano en el interior de las torres, donde se conectaban diferentes secciones en cinco niveles.
Espacios
En el interior del edificio se abría el jardín de invierno. Había un vestíbulo, un casino, una taberna y dos miradores con magníficas vistas, salones privados para banquetes, salas de conciertos, venta de cigarros y periódicos, dos piscinas, pista de baile, balcones en voladizo, vestuarios y grandes terrazas ajardinadas para caminar ya sea bajo techo o al aire libre. La variedad de áreas del complejo contribuía al excelente y sofisticado ambiente de los jardines.
Las terrazas del jardín de invierno estaban cercanas a la pista de baile y los miradores recibían la sombra de los arcos de los cinco porches.
Diseño y materiales
Wright diseñó el edificio y todo lo relacionado con él, incluyendo mesas, platos y demás utensilios. Además de los principios del voladizo, utilizó ladrillo amarillo y bloques reforzados de hormigón gris, con relieves que recuerdan los frisos decorados de las culturas precolombinas de América Central. Estos bloques fueron esculpidos mientras el hormigón estaba mojado. También diseñó el enorme mural geométrico de la pared interior y dos de las 100 esculturas, también de hormigón, llamadas “Sprites”, colocadas en todo el complejo. La mayoría de los “Sprites” miraban hacia abajo, buscando a los clientes.
Sprites
Estas estatuas arquitectónicamente geométricas fueron concebidas en 1914 con el propósito específico de adornar y velar por Midway Gardens.
Las Sprites (o duendes) son adornos alemanes tradicionales. Junto a su diseño conocido, Wright aportó la idea de lo “abstracto” en ellas, con formas más geométricas.
Bajo la supervisión de Wright, Alfonso Iannelli y Richard Bock diseñaron todas las esculturas menos dos diseñadas por el arquitecto y realizadas por el artesano y experto en cemento Ezio Orlandi.
El interior del edificio estaba ricamente decorado con vidrios pintados, diseños de hormigón y luces con extrañas formas. Los ladrillos eran de colores brillantes, combinados con azulejos en las paredes y con alfombras. En cada esquina colgaba una araña, también diseñada por Wright. Midway Gardens era un centro de entretenimiento interior y exterior de 33.445 m2..
Historia
Aunque al principio el negocio iba bien, Waller nunca tuvo fondos suficientes para financiar la construcción y el mantenimiento de Midway Gardens y se declaró en quiebra en marzo de 1916. En ese momento, Midway Gardens fue comprada por Schoenhofen Brewing Company y rebautizada como «Edelweiss Gardens» (en honor a la principal marca de cerveza de la cervecería).
Wright, que generalmente ejercía un fuerte control creativo sobre sus proyectos terminados, estaba disgustado por los cambios estéticos que el nuevo propietario hizo en los jardines. Escribió que Edelweiss había añadido «características desagradables» y que todo el efecto de «los orgullosos Midway Gardens se había abaratado para adaptarse a un gusto burgués cordial». Cordial en boca de Wright cuando desfiguraban sus proyectos era de todo menos cordial.
Edelweiss Gardens continuó durante los años de guerra (cerrando brevemente en 1918) y permaneció abierto como un establecimiento seco durante la Prohibición, entonces como he escrito, los jardines perdieron parte de su valor de entretenimiento.
Notas
1
En Buffalo recorrí los parques diseñados por Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) Padre de la arquitectura paisajista, que hizo entre otras obras el Central Park y el Prospect Park de NY y el Franklin Park de Boston.
Otras obras de enorme trascendencia que realizó fueron la Reserva de las Cataratas del Niágara, Nueva York; el Parque Mont-Royal, Montreal; el Emerald Necklace, en Boston; el Cherokee Park (además del sistema de avenidas) en Louisville; así como el Jackson Park, el Washington Park y el Midway Plaisance para la World’s Columbian Exposition de Chicago; parte del parque de Detroit Belle Isle; los jardines del Capitolio de los Estados Unidos; y el edificio de George Washington Vanderbilt II, el Biltmore Estate, en Carolina del Norte.
William Allin Storrer. The Architecture of Frank Lloyd Wright. A complete Catalog. The University of Chicago Press. Chicago and London. 1427 E. 60th Street Chicago, IL 60637. ISBN 0 226 77623 9.
4
Textos y fotografías de Wiki Arquitectura.
5
Era un destacado promotor inmobiliario de Chicago tras el incendio de 1871. Waller y Wright colaboraron en los apartamentos “Waller” y “Francisco Terrace” para ejecutar la idea pionera de Waller de subsidiar las viviendas de bajos ingresos.
Cada apartamento fue diseñado con una sala, cámara (dormitorio), comedor, cocina, baño y armarios. Algunos de los edificios más antiguos que se utilizaron para viviendas subsidiadas en Chicago, recibieron el estatus de Sitios históricos por el Chicago Landmark el 2 de marzo de 1994.
6
Wikipedia
7
Escribe Paul Hendrickson“El arquitecto estaba lejos y regresó de manera precipitada…su viaje en tren fue agobiante… el mensaje que le habían pasado era escueto para evitarle males mayores: “Taliesin, consumido por las llamas”.Cuando arribó, completamente enajenado e incrédulo, se sentó delante del piano y comenzó a interpretar a Bach«.
“Las llamas se sofocaron como se pudo, pero las pérdidas fueron muy cuantiosas, entre ellas, una parte de la colección de arte asiático que el artista había comprado. Sin su amante y con su casa dañada, al que llamaba “el bungalow del amor”, Wright tuvo que volver a levantarse. Dicen que ya no fue nunca el mismo, que su carácter se volvió más hosco y que su vida fue bastante más introspectiva. Sufrió trastornos en el sueño y pesadillas frecuentes”.
Fueron asesinados además de Mamah y sus hijos, cuatro colaboradores del estudio otros tres pudieron escapar y pedir ayuda, fueron Billy Weston, David y Fritz.
8
En 1917, el Congreso aprobó una resolución a favor de la enmienda XVIII, a la Constitución de los Estados Unidos, que prohibía la venta, importación, exportación, fabricación y el transporte de bebidas alcohólicas en todo el territorio de Estados Unidos. La ley fue vetada por el presidente Woodrow Wilson, en gran parte debido a razones de carácter técnico, dado que la ley cubría también las prohibiciones durante la guerra. El veto fue anulado por el Congreso el 28 de octubre de 1919, y la ley fue promulgada.
Desde Buffalo a Rochester son 120 km por la ruta 90 y 490. 1 hs 15
Mi itinerario arquitectónico
NY a Buffalo hay 479 km
Buffalo a Rochester hay 120 km
Rochester a Syracusa hay 138 km
Syracusa a Middlebury hay 264 km
Total 1.001 km
Antes de realizar mi viaje a Buffalo, preparé (como siempre) mi libro de bitácora, que por cierto deberé resumir, porque ya tiene 58 folios.
No solo direcciones, sino tambien fechas, horarios, posibilidad de visita, etc. Me han dado bastantes referencias desde unas páginas de F.LL.Wright, con mucha genta valiosa, que sabe mucho y le gusta ayudar.
Mi gran duda era si desde Buffalo voy a Toronto (160 km) a ver la sala de grabación de Glenn Gould, que aparentemente ya no está y su figura de bronce. Parece que han construido un gran auditorio, y la sala de grabaciones ya no esta….. (lo que yo quiero ver, es uno de sus pianos, y en un antiguo grabador de cinta escuchar sus Variaciones Goldberg, que fueron encargadas a Bach por el conde Hermann Carl von Keyserlingk (1696-1764) de Dresde, tocadas lentamente (grabada en el año 1981, la rápida fue grabada en 1955).
Si no voy a Toronto, iría para Rochester, aunque la casa Boyton diseñada por Wright está de reformas. Lo que ya tengo es el tiquet para la casa Darwin D. Martin construída entre 1903 y 1905.
En Buffalo lo primero que veré es la estación de servicio en el Museo Pierce Arrow, 263 Michigan Avenue. Diseñado en 1928 y reconstruido en 2012, encargado por William Heath para la esquina de Cherry y Michigan
Mi interés por Louis Kahn proviene en gran parte por todo lo que sobre él nos ha contado el Arq. Miguel Angel Roca (1936) tanto en su cátedra de la Universidad de Buenos Aires, de la que fui durante cuatro años su profesor adjunto, como en innumerables y enriquecedoras charlas personales. Envió desde aquí mi agradecimiento a Miguel.
«El sol no sabía lo grandioso que era, hasta que golpeó el costado de un edificio”.Louis Kahn
220 Winton Road South. Rochester.
1959 – 1969 Kahn lo amplia en 1967.
El 2 de septiembre de 2014, el templo se incluye en el Registro Nacional de Lugares Históricos.
Su exterior se caracteriza por paredes de ladrillo profundamente quebradas que protegen las ventanas de la luz solar directa. El techo complejo del santuario tiene torres de luz en cada esquina para dejar entrar la luz natural en forma indirecta.
Paul Goldberger, crítico de arquitectura y ganador del premio Pulitzer, escribe en 1982 en The New York Times al describir la Primera Iglesia Unitaria de Rochester “…es una de «las mayores estructuras religiosas de este siglo, junto con la capilla Notre Dame du Haut, el Unity Temple y la Primera Iglesia de Cristo”.
Arq. Le Corbusier. La capilla de Notre Dame du Haut. 1950/1955
Arq. Frank Lloyd Wright. 1905/1908
Arq. Bernard Ralph Maybeck 1910
Kahn y el ser-en-el-mundo
Cuando mencionaba a la escuela como ejemplo de instituciones que surgen de las inspiraciones decía “Las escuelas empezaron con un hombre que, sin saber que era un profesor, discutía sus ideas con un grupo de personas que no sabían que eran alumnos”.
“La calle es probablemente la primera institución humana, un centro de reunión sin techo, la escuela es un espacio donde es bueno aprender. La ciudad es el lugar donde las instituciones se reúnen”.
“Todo lo que un arquitecto hace responde en primer término a una institución humana antes de convertirse en un edificio”.
Así pues «la arquitectura se funda en las formas generales del ser-en-el-mundo del hombre”. (MartínHeidegger (1889 – 1076).
La intención de Kahn era demostrar que la arquitectura es la encarnación de lo inconmensurable.
En este sentido, es inconmensurable, aunque pueda medirse como edificio “Una obra se realiza entre los sonidos imperiosos de la industria (creación) y cuando el polvo se posa (cuando ya pasa la excitación de la creación). la pirámide de silencio resonante proporciona al sol su sombra”.
La afinidad entre las ideas de Kahn y la filosofía de la Congregación de la Primera Iglesia Unitaria fue uno de los factores decisivos para que lo eligiera entre otros seis arquitectos para desarrollar el diseño de su nuevo edificio cuando las disposiciones urbanísticas les obligaron a abandonar su antigua sede de 1859. (1)
La congregación de la Primera Iglesia Unitaria de Rochester votó en enero de 1959 para vender su edificio existente en el centro de Rochester, Nueva York, pensando que estarían hasta julio de 1961. Sin embargo, las obras debilitaron el edificio, obligándolos a mudarse en septiembre de 1959.
El edificio anterior de la Primera Iglesia Unitaria fue arquitectónicamente significativo, ya que fue diseñado por Richard Upjohn (1802 – 1878) un destacado arquitecto del siglo XIX y primer presidente del Instituto Estadounidense de Arquitectos. La iglesia decidió reemplazarlo con un edificio diseñado «por un destacado arquitecto del siglo XX, dando a la comunidad un ejemplo notable de arquitectura contemporánea».
El comité de búsqueda, formado por miembros de la iglesia que tenían conocimientos de arquitectura, decidió centrarse en arquitectos prominentes que habían establecido oficinas relativamente pequeñas y que hacían la mayor parte del trabajo creativo ellos mismos.
Aunque el relato posterior del propio Kahn sobre el proceso de elaboración sugiere -engañosamente- que este se produjo de una forma fluida y coherente, lo cierto es que el proyecto construido —del que habían de quedar muy satisfechos tanto Kahn como los clientes, fue el resultado nada menos que de seis versiones diferentes.
Los primeros tanteos, realizados por Kahn antes de conocer el solar y el programa concretos, planteaban un esquema de tipo centralizado, inspirado directamente en las iglesias renacentistas. Así surgió el primer diseño, que proponía una gran sala de culto circular encerrada dentro de un cuadrado con cuatro torres en las esquinas.
Este planteamiento expresaba claramente la idea de Kahn sobre la composición y la forma apropiadas al proyecto, pero no respondía adecuadamente a los requerimientos funcionales y superaba ampliamente las posibilidades financieras de la congregación. (2)
Las diferentes versiones de este proyecto fueron desvirtuando la idea originaria sin llegar a complacer a los clientes, quienes desde un primer momento habían insistido en la separación en dos conjuntos independientes de la escuela y el santuario.
Kahn, que se resistía a esta idea, se mostró dispuesto, sin embargo, a replantear el proyecto desde cero y, a través de una nueva fase de versiones, llego a una solución que armonizaba las ideas de sus clientes respecto a la configuración de un templo unitario (a las que respondía mucho mejor el Unity Temple de Wright) con las suyas propias acerca del “deseo” de que las aulas y los locales sean más pequeños y se dispogan en tormo a la gran sala de culto.
La satisfacción de la congregación queda demostrada por el hecho de que, en 1967, acudieran a Kahn para realizar la ampliación del edificio, que el resolvió mediante un cuerpo complementario unido al principal a través de una galería, rompiendo en parte con la homogeneidad y la compacidad del proyecto originario.
Proceso de diseño
La historia del proceso de diseño en la Primera Iglesia Unitaria, incluida la creación de Kahn de lo que llamó un dibujo de forma, «es casi un clásico en la historia y la teoría de la arquitectura» según Katrine Lotz, profesora de la Escuela de Arquitectura de la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca.
Comenzó creando lo que llamó un dibujo de forma para representar la esencia de lo que pretendía construir.
Recuerdo que, en mis tiempos de estudiante en la Universidad de Bs As, lo llamábamos “idea rectora, o simplemente idea de partido”, una primera idea, con la fuerza de proponer conceptos dibujados sin tener prejuicios formales ni funcionales, ese dibujo, prudentemente enchinchado, nos iba guiando a medida que resolvíamos el proyecto. (gracias Edgardo).
Dibujó un cuadrado para representar el santuario, y alrededor del cuadrado trazó círculos concéntricos para indicar un deambulatorio, un corredor y la escuela de la iglesia.
En el centro colocó un signo de interrogación para representar su comprensión de que, en sus palabras, «la forma de realización de la actividad unitaria estaba ligada a lo que es la Pregunta. Pregunta eterna del porqué de cualquier cosa”.
Su enfoque fue diseñar cada edificio como si fuera el primero de su tipo. August Komendant (1906 – 1992) un ingeniero estructural que trabajó en estrecha colaboración con Kahn, : dijo que durante las etapas iniciales de diseño, Kahn luchó con preguntas del tipo «¿Cómo se diseñaría una Iglesia Unitaria? ¿Qué es la religión unitaria?» y estudió el unitarismo a fondo.El resultado a veces confundió las expectativas. Cuando se mostró la Primera Iglesia Unitaria completa en una exposición de arquitectura en la Unión Soviética, el alcalde de Leningrado comentó que no parecía una iglesia, Kahn respondió en broma: «Es por eso por lo que fue elegido para exhibición en la Unión Soviética».
Previamente a la contratación de Kahn, contactaron con cinco arquitectos.
Frank Lloyd Wright expresó poco interés, además su propuesta de honorarios eran elevados. (Wright murió poco después a la edad de 91 años.)
Eero Saarinen tenía apoyo de la comunidad, pero no pudo tomar el trabajo debido a sus limitaciones de tiempo.
El comité también se reunió con Paul Rudolph, Walter Gropius y Carl Koch.
Pasaron un día con Louis Kahn en mayo de 1959 y quedaron impresionados por su enfoque filosófico, la atmósfera en su oficina, la seguridad de que él personalmente estaría a cargo del diseño.
Robin B. Williams, escribiendo en Louis I. Kahn: In the Realm of Architecture, “atrajo a sus clientes por la alta compatibilidad de su filosofía con las ideas unitarias».
Robert McCarter (3), uno de los biógrafos de Kahn, señala paralelos entre sus ideas y las de los Ensayos de Ralph Waldo Emerson (1803 – 1882)(4), figura importante en la historia unitaria.
Kahn, que procedía de un entorno judío no observante, era espiritual de una manera que ha sido descrita como «pan-religiosa» por Carter Wiseman(5) uno de sus biógrafos.
El FAIA (abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects) David Rineheart (1928 – 2016)que trabajaba para Kahn, nos explica: «Para Lou, cada edificio era un templo. Salk era un templo para la ciencia. Daca era un templo para el gobierno. Exeter era un templo para el aprendizaje”. (6)
Durante la Gran Depresión, Kahn trabajó con sindicatos y agencias cívicas para diseñar viviendas económicas. Trabajó como arquitecto asistente en Jersey Homesteads, un proyecto para reasentar a los trabajadores judíos de la confección de la ciudad de Nueva York y Filadelfia en un colectivo rural similar a un kibutz que combinaba agricultura y manufactura.
Durante las elecciones presidenciales de 1948, trabajó con la campaña del tercer partido de Henry A. Wallace, que se postuló por el Partido Progresista.
Kahn hizo una presentación filosófica de sus ideas en una reunión congregacional en junio de 1959, después de lo cual la iglesia le encargó que diseñara su nuevo edificio. Durante esa misma visita ayudó a elegir el sitio que se compraría para el nuevo edificio.
Ese año Kahn fue elegido para diseñar el Instituto Salk, y en 1962 fue seleccionado para diseñar el Jatiyo Sangsad Bhaban en lo que se convertiría en la capital de la nueva nación de Bangladesh.
Santuario de la Primera Iglesia Unitaria de Rochester
El comité de construcción le dijo que el nuevo edificio “debe apoyar a la comunidad en general y debe expresar «la dignidad en lugar de la depravación del hombre«.
El enfoque amplio de la congregación para la declaración de requisitos fue similar al enfoque filosófico de Kahn para su diseño arquitectónico, que explicó en “Forma y diseño”, un artículo que escribió mientras trabajaba en este proyecto.
Usando la Primera Iglesia Unitaria de Rochester como ejemplo, dijo: «En mi opinión, un gran edificio debe comenzar con lo inmensurable, debe pasar por medios mensurables cuando se diseña y, al final, debe ser inmensurable… Pero lo que es inconmensurable es el espíritu psíquico”.
Kahn asoció lo inconmensurable con lo que llamó Forma, diciendo que «La forma no es diseño, ni una figura, ni una dimensión. No es una cosa material. Forma… caracteriza una buena armonía de espacios para una determinada actividad del hombre«.
Forma, dijo, no debía entenderse como un diseño arquitectónico. Dibujó un cuadrado que representaba el santuario, y alrededor del cuadrado colocó círculos concéntricos que representaban un deambulatorio, un corredor y la escuela de la iglesia.
En el centro del cuadrado colocó un signo de interrogación que, explicó representaba su entendimiento de que “la forma de realización de la actividad Unitaria estaba ligada a lo que es la “Pregunta”, la Pregunta eterna del porqué de cualquier cosa».
Kahn entregó su primer diseño en diciembre de 1959, proponiendo un edificio cuadrado de tres pisos de altura con torres de cuatro pisos en cada esquina.
El santuario era un área cuadrada en medio de una gran sala de doce lados en el centro del edificio. El resto de la habitación casi circular era un espacio ambulatorio que debía ser protegido del santuario.
«El ambulatorio lo sentí necesario porque la Iglesia Unitaria está formada por personas que han tenido creencias anteriores (…) Entonces dibujé el deambulatorio para respetar el hecho de que lo que se dice o lo que se siente en un santuario no es necesariamente algo en lo que tienes que participar. Y así podrías caminar y sentirte libre de alejarte de lo que se dice”.
Kahn había desarrollado la idea de este tipo de deambulatorio antes de su trabajo en la Primera Iglesia Unitaria, y se refirió a él durante una charla en 1957 en el contexto de una capilla universitaria.
La sala central iba a estar coronada por una cúpula compleja y rodeada por un corredor fuera de sus paredes que proporcionaría conexiones con la escuela de la iglesia de tres pisos en la periferia del edificio.
Los alumnos de la escuela podrían observar los servicios de la iglesia “desde los espacios abiertos arriba”.
Impulsado por las quejas sobre el costo, que era varias veces la cantidad que se había presupuestado, rápidamente eliminó un piso del edificio propuesto. El comité, sin embargo, también estaba descontento con otros aspectos del diseño, como su rigidez y escasez de espacio útil en el aula, las habitaciones de forma irregular en la periferia creadas por la colocación de una gran habitación casi circular dentro de un edificio cuadrado, y la posibilidad de que los niños que escuchan arriba y las personas que entran y salen del santuario interrumpan los servicios.
En febrero de 1960, Helen Williams, presidenta del comité de construcción, le escribió diciéndole que «no estamos nada contentos con el concepto actual que nos ha dado» y una semana después escribió: «Seguimos firmes en la conclusión de que debemos tener un concepto completamente nuevo».
Afirmando que «Kahn nos ha fallado miserablemente”, Williams renunció al comité de construcción.
Kahn accedió a crear un nuevo diseño, para alivio del comité de construcción, que temía que exigiera el pago por el trabajo realizado y se alejara de la comisión.
Para su nuevo diseño, Kahn propuso un edificio ligeramente alargado en lugar de rígidamente cuadrado.
Se resistió a las sugerencias de colocar las aulas en un ala separada para reducir la posibilidad de que los niños alborotadores perturbaran los servicios, conservando el concepto de rodear el santuario con la escuela de la iglesia.Kahn eliminó el espacio ambulatorio dentro de las paredes del santuario, pero retuvo el corredor justo afuera para brindar acceso a las aulas.
El techo sobre el santuario fue uno de los últimos aspectos del diseño que se completó
Una opción habría sido cubrir el santuario con una estructura de acero, pero Kahn había decidido a principios de la década de 1950 que ya no usaría tales estructuras, prefiriendo la apariencia más monumental que podía lograr con materiales como el hormigón y el ladrillo.
No completamente satisfecho con el diseño del techo que había desarrollado, como ya he comentado, Kahn le pidió sugerencias a su colaborador August Komendant, pionero en el uso de hormigón pretensado, que le permitó crear estructuras más ligeras y elegantes que el hormigón normal.
Komendant mantuvo el diseño general del techo, pero lo rediseñó como una estructura de placa plegada de hormigón pretensado que requeriría soporte solo en sus bordes, eliminando la necesidad de las vigas de hormigón macizo que Kahn había planeado usar como soporte para la estructura del tejado.
Kahn inicialmente planeó traer luz natural al santuario a través de rendijas de luz en una serie de tapas de concreto en el techo, pero el comité de construcción calculó que cada tapa pesaría 33 toneladas (30,000 kg), creando problemas de apoyo. Las torres de luz en el diseño final de Kahn están acristaladas solo en sus lados internos, una sugerencia que se originó en reuniones con el comité.
El nuevo diseño fue aprobado abrumadoramente por la congregación en agosto de 1960. En la inauguración del nuevo edificio en diciembre de 1962, Kahn habló sobre la relación entre la arquitectura y la religión.
Komendant dijo: «Me dijo que en su discurso describió las catedrales, cuyo tamaño y altura tenían la intención de mostrar la grandeza y el poder de Dios y la bajeza del hombre, para que los hombres se asustaran y obedecieran Sus leyes. Para esta iglesia usó la atmósfera y la belleza para crear respeto y comprensión de los objetivos, la bondad y el perdón de Dios”.
El exterior del edificio se caracteriza por paredes de ladrillo profundamente plegadas creadas por una serie de campanas ligeras delgadas de dos pisos que ayudan a proteger las ventanas de la luz solar directa. La entrada principal del edificio no es visible para las personas que pasan por la calle.
Las torres de luz en cada una de las cuatro esquinas del santuario se elevan por encima de las paredes exteriores del edificio, permitiendo que la forma del santuario sea fácil de visualizar desde el exterior.
Paredes Habitables (1)
Kahn, Heidegger. El lenguaje de la Arquitectura por Christian Norberg-Schulz
La impresión que creó Kahn “del santuario incrustado dentro del edificio más grande” es similar al enfoque de «caja dentro de una caja» que usó en varios otros edificios, en particular en la Biblioteca de la Academia Phillips Exeter.
El edificio se hace eco del diseño de los castillos escoceses que fascinaron a Kahn, particularmente el castillo de Comlongon,
El castillo de Comlongon tiene una sola habitación grande en el centro rodeada por muros de 6.10 metros de grosor. Esas paredes inusualmente gruesas permitieron tallar habitaciones secundarias enteras desde su interior, convirtiéndolas de hecho en paredes habitadas.
En el caso de la Primera Iglesia Unitaria, la gran sala central es el santuario, y las «paredes habitadas» pueden percibirse como los dos pisos circundantes de salas.
Las ventanas de estas habitaciones están tan empotradas que pasan desapercibidas cuando se ven desde un ángulo, y los espacios de las esquinas del edificio no tienen ventanas, todo lo cual se suma a la percepción de que el santuario está rodeado por paredes macizas y resistentes.
En palabras de Kahn «la escuela se convirtió en los muros que rodeaban la cuestión». La iglesia contrató a Kahn en 1964 para realizar una ampliación, que se completó en 1969.
Su exterior está relativamente desarticulado, en contraste con las paredes esculpidas del edificio original.
Según los dibujos a escala, el edificio de forma irregular mide aproximadamente 70,1 x 35,1 m en sus puntos más largos y más anchos. Aproximadamente 23 mts es de la ampliación de 1969. Su huella sobre el terreno es de 1384 m².
Un techo bajo
En lugar de una gran entrada en el frente del edificio que conduce directamente al santuario, a la Primera Iglesia Unitaria se accede a través de una puerta lateral que requiere un giro a la derecha para llegar al santuario.
La entrada está debajo del techo bajo del coro en voladizo, creando una secuencia desde la sombra a la luz.
«La civilización se mide por la forma de su techo», dijo Kahn.
El techo complejo del santuario se eleva por encima de los dos pisos de las habitaciones circundantes. Las torresde luz en las cuatro esquinas llevan luz natural indirecta a áreas que normalmente no están bien iluminadas.
Kahn dijo: «Si lo piensas, te das cuenta de que no dices lo mismo en una habitación pequeña que en una habitación grande».
La forma cruciforme que usó Kahn para el techo es una que había usado en trabajos anteriores, en particular el Centro Comunitario Judío de Trenton.
La enorme estructura del techo está sostenida en parte por doce esbeltas columnas incrustadas en las paredes del santuario, tres columnas por pared. Cada columna central está arriostrada a las columnas de cada lado por vigas horizontales. El techo es más bajo y oscuro en el centro, lo opuesto a las cúpulas de las iglesias clásicas que son más altas y brillantes en el centro.
Los tapices de las paredes fueron diseñados por Kahn y, al igual que el edificio mismo, no contienen ningún simbolismo literal.
A pedido de Kahn, los paneles abarcan el espectro de colores completo y, sin embargo, se construyeron completamente con un hilo rojo, uno azul y uno amarillo, y los tonos restantes se crearon con mezclas de esos tres hilos. Los paneles fueron diseñados no solo para efectos visuales, sino también para corregir un problema de sonido que reverberaba en las paredes de concreto.
Los principales materiales de construcción del interior son bloques de hormigón, hormigón vertido y madera, una combinación que usó en la mayoría de sus proyectos posteriores.
Los muros del santuario tienen 61 cm de espesor y están construidos con bloques de hormigón, los espacios huecos dentro de las paredes funcionan como conductos de ventilación.
Luz y Silencio
Durante las discusiones iniciales de diseño, Kahn le preguntó a Komendant: «¿Qué es lo más importante en una iglesia?» y luego respondió él mismo a esa pregunta diciendo «la esencia de la atmósfera para una iglesia es el silencio y la luz. ¡Luz y Silencio!»
“Silence and Light” se convirtió más tarde en el nombre de un ensayo que Kahn escribió en 1968 en el que explicaba conceptos cruciales para su filosofía.
El editor de sus escritos, Robert Twombly, dijo que, por silencio, Kahn se refería al «deseo… de cada persona de crear, que para Kahn era lo mismo que estar vivo»
El historiador de arquitectura Vincent Scully dijo de la iglesia: «Realmente puedes sentir el silencio del que habló, vibrando como con la presencia de la divinidad, cuando el bloque de cemento se vuelve plateado por la luz que lo inunda, mientras que la losa pesada, se levanta por encima de la cabeza».
Vistas exterior e interior de las proyecciones de la planta baja con bancos
En las aulas se colocan bancos con pequeñas ventanas laterales en voladizos de las paredes exteriores. Estos espacios crean la impresión de pequeñas habitaciones talladas en las paredes exteriores y, según Robert McCarter, continúan con el tema arquitectónico de Kahn“de las aulas mismas que aparecen como habitaciones incrustadas dentro de paredes gruesas como castillos”.
Monumentalidad y autenticidad
Sarah Williams Goldhagen, autora de Louis Kahn’s Situated Modernism, dice que Kahn estaba “preocupado por los aspectos socialmente corrosivos de la sociedad moderna”.
Creía, que “la arquitectura debe favorecer la formación ética de las personas. Las personas que están ancladas en su comunidad, moralmente obligadas y psicológicamente conectadas con las personas que los rodean, son mejores ciudadanos».
El primer ensayo importante de Kahn como único autor, publicado en 1944, se llamó Monumentalidad, un concepto que definió como «una cualidad espiritual inherente a una estructura que transmite la sensación de su eternidad».
En la Primera Iglesia Unitaria, dice Goldhagen, los ritmos de luz en forma de columna que Kahn esculpió en la fachada se encuentran entre los dispositivos que aumentan la impresión de masividad y le dan al edificio un aire de monumentalidad, dijo: «Creo en la arquitectura franca. Un edificio es una lucha, no un milagro, y el arquitecto debe reconocerlo.
Arquitectura de las Instituciones
Según Goldhagen, fue el primer edificio que construyó Kahn que dio “una indicación de su estilo maduro»
Goldhagen dice que en la Primera Iglesia Unitaria Kahn desarrolló una filosofía para crear arquitectura para tales organizaciones: «La filosofía de Kahn de la arquitectura de las instituciones, desarrollada mientras diseñaba la Primera Iglesia Unitaria en Rochester, estipulaba que el primer y más alto deber del arquitecto era desarrollar una visión idealizada de la ‘forma de vida’ de una institución y luego darle forma a esa visión, o como él lo habría dicho, Forma”.
Kahn hizo evidente su entusiasmo por la Primera Iglesia Unitaria incluso antes de que recibiera la aprobación final del comité de construcción. Ya en octubre de 1960, en una conferencia en California, lo había elegido para ilustrar un par de términos, «forma» y «diseño», que se estaban convirtiendo en principios clave de su filosofía. Usó estas palabras para describir su concepción de la arquitectura, y en particular su procedimiento de diseño, como la traducción de lo intangible en lo real. Fue en este momento que Kahn mitificó la forma en que había evolucionado el diseño de la iglesia, componiendo un relato (acompañado por el ahora famoso diagrama) que, desde su publicación en abril de 1961, se ha visto como la ilustración más clara de su enfoque de diseño.
“Las escuelas empezaron con un hombre que, sin saber que era un profesor, discutía sus ideas con un grupo de personas que no sabían que eran alumnos”.
Kahn trabajó en esta conferencia durante varios meses y la publicó como un ensayo titulado Forma y diseño. Un colega lo describió como la mejor encarnación de sus ideas en ese momento y dijo que cuando la gente solicitaba ejemplos de las publicaciones de Kahn, con mayor frecuencia enviaba este ensayo.
La intención de Kahn era demostrar que la arquitectura es la encarnación de lo inconmensurable.
Solía mencionar la escuela como ejemplo de instituciones que surgen de las inspiraciones “Las escuelas empezaron con un hombre que, sin saber que era un profesor, discutía sus ideas con un grupo de personas que no sabían que eran alumnos”.
“La calle es probablemente la primera institución humana, un centro de reunión sin techo, la escuela es un espacio donde es bueno aprender”. La ciudad es el lugar donde las instituciones se reúnen”.
“Todo lo que un arquitecto hace responde en primer término a una institución humana antes de convertirse en un edificio”. Así pues, la arquitectura se funda en las formas generales del ser-en-el-mundo del hombre”. (MartínHeidegger, 1889 – 1976).
En este sentido, es inconmensurable, aunque pueda medirse como edificio. “Una obra se realiza entre los sonidos imperiosos de la industria (creación) y. cuando el polvo se posa (cuando ya pasa la excitación de la creación)(…), la pirámide de silencio resonante proporciona al sol su sombra”.
Los años cincuenta constituyen un punto de inflexión determinante en la carrera de Louis I. Kahn, un momento en el que su ambición por comprender el origen mismo de la arquitectura le llevó a plantear una serie de trasformaciones decisivas en la concepción del orden y el espacio moderno. Sus intuiciones sobre la condición autónoma e indivisible de la estancia desde el íntimo compromiso entre envolvente y estructura se entrelazaron con un interés simultáneo hacia los procesos de crecimiento de la forma, en parte influenciado por figuras clave del contexto norteamericano como Buckminster Fuller (1895 – 1983) o Robert Le Ricolais (1894 – 1977) pero sobre todo por su intensa colaboración con la arquitecta Anne Tyng (1920 – 2011).
La evolución del proyecto del Centro Comunitario Judío de Trenton puede considerarse un ejemplo paradigmático de esta encrucijada de intereses, al asumir con naturalidad la transición de una trama ‘celular’ de aspecto orgánico a un esquema en tartán de connotaciones clásicas. El principal objetivo del artículo es arrojar una nueva luz sobre el porqué de dicha transición y para ello propone la reconstrucción del hipotético proceso creativo de su autor, mediante el redibujado de las diferentes versiones del proyecto. Se busca detectar así episodios clave en la toma de decisiones, como el debate establecido entre Kahn y Colin Rowe (1920 – 1999) a raíz de la visita de este último a Filadelfia, que pudo haber fomentado un cambio radical en el modelo anatómico propuesto. Louis I. Kahn, Anne Tyng, Colin Rowe, Centro Comunitario Judío de Trenton, revisión moderna, patrones de crecimiento.
La creencia de Kahn sobre “lo que el edificio quiere ser”, como repetía a menudo en sus conferencias, estaba fuertemente condicionada por este ideal wrightiano.
Kahn decía: “It is a happy moment when a geometry is found which tends to make spaces naturally, so that the composition geometry in the plan serves to construct, to give light and to make spaces”;
“Es un momento feliz cuando se encuentra una geometría que tiende a hacer espacios de forma natural, de modo que la geometría de la composición en planta sirve para construir, dar luz y hacer espacios”.
Richard Saul Wurman, editor “What will be has always been: the words of Louis I. Kahn” (New York. Acces and Rizzoli. 1990), Lo que será siempre ha sido: las palabras de Louis I. Kahn.
Y las de Wright: “There is a life principle expressed in geometry at the center of every Nature-form we see. This integral pattern is abstract, lying within the object we see and that we recognize as concrete form. It is with this abstraction that the architect must find himself at home before Architecture can take place”.
“Hay un principio de vida expresado en la geometría en el centro de cada forma de la Naturaleza que vemos. Este patrón integral es abstracto y se encuentra dentro del objeto que vemos y que reconocemos como forma concreta. Es con esta abstracción que el arquitecto debe sentirse cómodo antes de que la Arquitectura pueda tener lugar”; “Frank Lloyd Wright, Escritos recopilados de Frank Lloyd Wright”. Nueva York: Rizzoli, 1992, vol. I, Por la causa de la arquitectura: la composición como método en la creación, 259–60.
¿Qué quiere ser un edificio?
Una rosa quiere ser una rosa
En la discusión de la filosofía de Kahn suele tomarse como punto de partida su famosa pregunta ¿Qué quiere ser un edificio?. Esta cuestión tiene un alcance mayor que los planteamientos del funcionalismo. Como cuestión de principio, el funcionalismo es circunstancial, puesto que parte de lo particular o lo general, aunque pueda aceptar los conceptos de tipología y morfología.
La pregunta de Kahn, por el contrario, sugiere que los edificios poseen una esencia que determina la solución. Así pues, su planteamiento supone una inversión del funcionalismo; este último empieza desde abajo, mientras que Kahn lo hace desde arriba.
Subraya una y otra vez que existe un orden que precede al diseño. Una de sus afirmaciones comienza diciendo “El orden existe”. Este orden abarca a toda la naturaleza, incluida la naturaleza humana.
En sus primeros escritos, empleaba la palabra forma para designar lo que una cosa quiere ser; sin embargo, él mismo debió percibir el peligro del equívoco, ya que este término suele tener una significación más limitada
Por ello introdujo el término de pre-forma.
Luego prefirió referirse al campo de las esencias con la palabra silencio. El silencio es inconmensurable, pero encierra el deseo de ser. Toda forma posee un deseo de existencia que determina la propia naturaleza de las cosas. Este deseo de existencia se satisface mediante el diseño, que supone una traducción al ser del orden interno.
Casa Boynton en ROCHESTER
La casa Boynton fue diseñada en 1908 por Frank Lloyd Wright, está ubicada en el 16 East Blvd, en la ciudad de Rochester, en el estado de Nueva York (14610).
No se permiten visitas en este momento. (agosto 2024).
Esta casa forma parte del repertorio de casas de Wright del Prarie Style, fue encargada por Edward Everett Boynton, para él y su hija adolescente Beulah Boynton.
Algunas de las siguientes fotografías son cortesía del Wright Legacy Group.
El primer piso tiene abundantes ventanas, especialmente en el comedor, con tragaluces, una franja de claraboyas y un largo ventanal compuesto de modulos abatibles, que se unen para crear distintos niveles de iluminación.
A continuación está la sala de estar que presenta carpinterías con una configuración similar de ventanas en dos lados y puertas de vidrio que conducen a una galería en el extremo noroeste de la casa.
Wright estuvo muy involucrado en el proceso de diseño y viajó a Rochester varias veces para supervisar la construcción.
También diseñó gran parte del mobiliario, como la gran mesa del comedor, que presenta una estructura de madera que sostienen las lámparas, de un diseño notable.
Ya nos anticipa el de la mesa del comedor de la casa Robie, terminada dos años después.
Edward Boynton encargó a Wright la construcción de una obra de arte total, incluida la casa, el paisajismo y los muebles.
El sitio, que se extendía a lo largo de tres lotes de la ciudad, brindó a Wright el espacio para incorporar un amplio jardín, una cancha de tenis y una piscina reflectante rectangular, brindando la sensación de pradera abierta.
Boynton tenía recursos suficientes debido a su enorme éxito en su actividad de venta de artefactos de iluminación, era socio de CT Ham Manufacturing Co. de Rochester.
Pero su éxito financiero, no logró impedir que la vida personal de Boynton estuviera marcada por la tragedia.
Tres de sus cuatro hijos murieron a una edad temprana, incluida Bessie, la hermana gemela de su hija Beulah.
El 13 de abril de 1900 falleció su esposa. Beulah le dijo al reportero del Times Union William Ringle: «Mi padre no tenía más pasatiempos que yo».
Cuando Boynton decidió mudarse de su casa en 44 Vick Park B en Rochester encargó a Frank Lloyd Wright que diseñara lo que se convertiría en la única casa diseñada por Wright en la ciudad.
Beulah Boynton recordó: «mi padre deseaba que el arq Claude Bragdon (8) construyera nuestra casa, porque estaba cautivado por Wright, hasta que pudo contratar a Wright«.
Edward Boynton se enteró de Frank Lloyd Wright a través de su socio comercial Warren McArthur, ya que Wright había diseñado la Casa McArthur en el distrito Kenwood de Chicago en 1892. Es en 1906 que Boynton encarga a Wright el diseño de una casa en una amplia propiedad en East Boulevard.
La construcción comenzó en 1907 y se completa al año siguiente.
Su hija Beulah Boynton era una adolescente cuando conoció a Frank Lloyd Wright.
Se interesó e involucró mucho en el diseño y construcción de casas. «Aprendí a leer las especificaciones. Descubrí un error en los albañiles que colocaban la chimenea».
Wright, en una colaboración inusualmente fructífera con Beulah, de 21 años, diseñó la casa de dos pisos para que se alzara de lado en el terreno en una planta alargada en forma de “T”. Ventanas de vidrio artístico y una gran terraza caracterizan la casa, que ha sufrido numerosos problemas estructurales debido a las duras condiciones invernales de Rochester.
Nuevos propìetarios
Kim Bixler es la autora del libro “Growing Up in a Frank Lloyd Wright House” y se la puede ver en el documental de PBS del 2012 Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years, así como en el “Wall Street Journal” , “The Not Too Serious Architecture Hour” y en el programa “Here & Now de NPR”, en el marco de la celebración del 150.º cumpleaños de Wright.
Se graduó de la Universidad de Cornell en 1991 y la Universidad de Nueva York.
Su familia fue propietaria de la casa Boynton desde 1977 hasta 1994.
El libro “Crecer en una casa de Frank Lloyd Wright” relata las alegrías y los inconvenientes de ser propietario de una casa diseñada por él. La tumultuosa historia de la casa se cuenta a través de entrevistas con propietarios anteriores y actuales. Narra cómo es convivir con la curiosidad del público, jugar al escondite, lidiar con las habituales goteras del techo y gestionar renovaciones constantes.
Restauración
Los actuales propietarios de la Casa Boynton, Jane Parker y Francis Cosentino, que la compraron en 2009, acaban de completar un minucioso proyecto de restauración, que ha durado dos años.
El proceso, que se completó en 2012, fue documentado por la estación de radiodifusión pública de Rochester en un programa titulado “Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years”.
Es la única casa realizada por Wright en Rochester, y un ejemplo de sus casas de la Pradera. Y es una de las pocas casas de Wright que sigue funcionando como residencia privada, ya que en general se estan conservando como museos públicos.
La restauración, la realizó una empresa de arquitectura local Bero Architecture, y el diseño paisajístico lo hizo la empresa PLLC. Bayer Landscape Architecture.
Originalmente, en 1908 la casa estaba sobre tres lotes, dos de ellos, al sur de la casa estaban parquizados.
Hoy la casa esta sobre un solo lote urbano.
Lo mas llamativo de la restauración, fue devolver el espectacular techo en voladizo, común en los proyectos de Wright. Ello se debió a que había sido cerrado poco tiempo después de la terminación de la casa.
La restauración ha recibido las felicitaciones de Landmark Society (7), de su presidenta, Mary Nicosia y su director ejecutivo Wayne Goodman.
La casa tiene 235 piezas de vidrio artístico, muchos de los cuales están en el comedor.
Notas
1
Arquitectura Viva. Primera iglesia unitaria de Rochester. Arq. Louis Kahn.
Robert McCarter Arquitecto, docente y escritor, dos de sus libros “Louis I. Kahn” y “On and By Frank Lloyd Wright”, fueron finalistas de los Premios Internacionales del Libro del RIBA ( Institute of British Architects) de 2006.
4
Ralph Waldo Emerson (Boston, Massachusetts, 1803 – 1882 Concord, Massachusetts) fue escritor, filósofo y poeta. Líder del movimiento del trascendentalismo a principios del siglo XIX, sus enseñanzas contribuyeron al desarrollo del movimiento del “Nuevo Pensamiento”, a mediados del siglo.
5
Arquitecto, catedrático y escritor, entre sus libros figura “Louis I. Kahn: Beyond Time and Style”.
Wiseman, graduado de Yale College, obtuvo una maestría en historia de la arquitectura en la Universidad de Columbia y fue becario Loeb en Estudios Ambientales Avanzados en la Escuela de Posgrado de Diseño de la Universidad de Harvard. De 1999 a 2010, fue presidente de MacDowell Colony, el lugar de retiro para artistas creativos más antiguo del país.
En la Escuela de Arquitectura de Yale, Wiseman imparte seminarios sobre Louis Kahn, escritos sobre arquitectura y crítica arquitectónica. Brinda apoyo editorial para la educación y las artes a través de Writertime Communications, en Weston, Connecticut.
6
Diálogos cruzados entre Louis I. Kahn, Anne Tyng y Colin Rowe: Guiomar Martín Domínguez. Isabel Rodríguez Martín. Diciembre 2018.
7
Landmark Society of Western New York, Inc. Creada en 1937, es una de las organizaciones de preservación histórica más antiguas y activas de EE. UU. Es una organización sin fines de lucro dedicada a ayudar a las comunidades a preservar y aprovechar su rico patrimonio arquitectónico, histórico y cultural. El área de servicio de Landmark Society abarca nueve condados en el oeste de Nueva York, centrados en la ciudad de Rochester. Ellos son Orleans, Genesee, Wyoming, Monroe, Livingston, Ontario, Wayne, Yates y Seneca.
La Landmark Society of Western New York cuenta con el apoyo, del Consejo de las Artes del Estado de Nueva York, con el apoyo de la Oficina del Gobernador y la Legislatura del Estado de Nueva York.
8
Claude Fayette Bragdon (1866 – 1946) fue un arquitecto, escritor y escenógrafo estadounidense, que disfrutó de una gran reputación nacional con trabajos asociados a la arquitectura progresista que se vinculaban a Louis Sullivan y a Frank Lloyd Wright.
En numerosos ensayos y libros, Bragdon argumentaba que sólo una “arquitectura orgánica, basada en la naturaleza podría fomentar una comunidad democrática en una sociedad capitalista industrial”.
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate and ChatGPT, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
From all the visits I’ve made, the tour of Wright’s Greycliff house has been very impactful, both for the location and the quality of the designs in such a large home
I had already seen the Martin complex in Buffalo, but I believe this one is equally or even more impressive.
I’m writing this in a room at Middlebury College, where I usually spend the month of August while Carmen teaches. I combine walks with relaxation, which for me means writing.
This week has been eventful. I went to Montreal, where I revisited Moshe Safdie’s Habitat 67 complex (1938) and the geodesic dome by Richard Buckminster Fuller (1895–1983).
I was disappointed by the former gas station designed by Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969), which is poorly maintained and dirty. Although it was purchased and restored for community use (there was actually a group of about 20 women doing Pilates), it’s still disheartening to see how badly it’s treated.
I enjoyed the trip to Montreal, but it’s a long one — around 420 km round trip, and slow-going.
The architecture of the state I’m in, Vermont, the smallest of the 50 U.S. states with around 660,000 inhabitants, is very green (I’m surrounded by the Green Mountains, covering about 4,000 square kilometers, and the Adirondacks, about 13,000 square kilometers).
There’s a lot of farming, livestock, and above all, ice cream (this is where Ben & Jerry’s comes from). Covered bridges (like those in Madison), many tractors, and lots of language colleges. Where I am, there are a lot of fields and wooden houses of every type, size, and color (generally in light and pastel tones).
I asked Glenn, husband of Patricia, a professor at the college:
– Glenn, is building wooden houses cheaper than traditional construction?
– He looked at me, smiled, and said, “Here, wooden houses are the traditional construction.
Porfolio Wasmuth
Some of Wright’s most famous designs appeared in the Wasmuth Portfolio (see link https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-5/), including the Darwin Martin House, the Larkin Administration Building, and the Edwin H. Cheney House.
William R. Heath House
76 Soldiers Place, Elmwood.
“Study nature, love nature, stay close to nature. It will never fail you”. F. Ll. Wright
The house was built between 1904-05 on an elevated terrace above street level to provide additional privacy along Bird Avenue.
Heath was a lawyer who worked as a manager and was later appointed vice president of the Larkin Soap Company. Darwin D. Martin, another executive of Larkin Soap, introduced him to Frank Lloyd Wright.
Wright had previously designed and built the Larkin administrative building and the residential complex for the Martin family.
The building was constructed on a long and narrow plot of land facing the Soldiers Place roundabout and Bird Avenue, resulting in a distinctive design with little space for a backyard, forcing the house to be placed close to the plot’s boundaries. Wright designed the Heath House with privacy in mind, elevating the foundation, placing first-floor windows high, and constructing a high-walled terrace facing Soldiers Circle to maintain privacy despite the proximity of passing pedestrians.
The seven-room house features many classic elements of the Prairie Style, such as strong horizontal lines, overhanging eaves, a large roof, and stained glass windows.
Today, the residence is privately owned, and visits are not allowed.
Walter V. Davidson House
57 Tillinghast Place. 1908, Parkside East
“The present is the ever-moving shadow that divides yesterday from tomorrow. In that lies hope” . F. Ll. Wright
In 1906, Walter Davidson joined Larkin Company in Buffalo as an advertising manager and quickly befriended Darwin Martin and William Heath, two of his fellow managers.
By then, Darwin and William already had their homes completed, and a few months after joining Larkin, Martin introduced Davidson at a social gathering. Davidson commissioned Wright to design a modest house in the historic Parkside district east of the city, a neighborhood planned in 1908 by Frederick Law Olmsted.
The house had a smaller budget compared to the Martin and Heath homes.
The living room is two stories high and features a spectacular 4.6 meter window filled with diamond-shaped leaded glass, a simple but bold design that is repeated in many of the house’s abundant windows. There are four bedrooms upstairs and a former service room in the basement.
The exterior, consisting of flat, stepped roofs and linear bands of wooden slats and leaded glass windows, appears to be composed of a series of intersecting geometric planes.
Wright integrates nature into the building’s structure by including low planter boxes extending from the driveway and the back porch.
Today, the residence is privately owned, and visits are not allowed.
Fontana Boat House
Frank Lloyd Wright’s Fontana. 1 Rotary Row, Buffalo, NY 14201. Phone 1716 – 362 3140. “Space is the breath of art”. F. Ll. Wright
Next to the West Side Rowing Club, Wright designed it in 1905, and architect Tony Puttnam built it in 2007, 112 years later.
Originally designed for the University of Wisconsin’s regatta team, the Charles and Marie Fontana Boat House is the only boathouse Wright ever designed. It’s no surprise it bears the name of Charles, who participated in the 1948 Olympic trials, training at the neighboring West Side Rowing Club.
During 1905, Wright was at the height of his Prairie Style construction in Buffalo, and Prairie elements are certainly visible in the boathouse design, including the large roof overhangs and glass designs like those in the second-floor windows.
Though Wright never built it during his lifetime, he was so proud of the design that he included it in his Wasmuth Portfolio, making it the only unbuilt structure included.
Classic Wright design elements feature prominently: large beams span the ceilings, creating a seamless flow from one space to another. Arts and Crafts-style lighting fixtures adorn the stairways, reflecting in the second-floor windows.
After years of fundraising, Tony Puttnam, a Wright apprentice from 1953 to 1957, was selected to bring the Fontana Boathouse to life, which now houses the West Side Rowing Club.
It is available for event rentals and is located on Buffalo’s Black Rock Canal, overlooking the Niagara River and Lake Erie.
Mausoleum of the Blue Sky
Forest Lawn Cemetery. 972-990 W Delavan Ave, Buffalo
Designed between 1925-1928 and built in 2004, the mausoleum was completed by Anthony Puttnam(1), a close Wright apprentice who also worked on the Fontana Boathouse.
The cemetery is open Monday to Sunday from 8 AM to 7 PM.
It’s easy to reach the mausoleum within a few minutes of entering the cemetery. Blue Sky is the only mausoleum Wright designed, believed to have been commissioned by Darwin Martin between 1925 and 1927, intended to be built at Forest Lawn.
Due to the 1929 stock market crash, Martin lost most of his fortune and could not continue with the project.
No member of the Martin family is buried here.
“A burial facing the open sky — the whole could not fail of noble effect. Frank Lloyd Wright. Architect. 1928.”
The Mausoleum was the last of four projects Darwin D. Martin commissioned from Wright. The others were his residential complex, the Larkin Administration Building, and Graycliff, his summer home.
Anthony Puttnam
Other works of Wright where Anthony Puttnam was involved:
The design was completed by Wright’s aforementioned apprentice, Anthony Puttnam.
He was also responsible for the posthumous completion of Wright’s «Monona Terrace Convention Center» on the shores of Lake Monona in Madison, Wisconsin.
With significant changes, Puttnam defended both projects against accusations that they were not authentic.
My brother Guillermo and I had the opportunity to see it (under construction), and since it was a Sunday, we “moved aside a few barriers” and visited it. The amphitheater is colossal in size.
Before seeing «Monona Terrace», we visited Elkins Park, a suburb of Philadelphia, to admire the «Beth Sholom Synagogue» (House of Peace) at 8231 Old York Road.
It was the only synagogue Wright ever built, completed in 1959.
I am very grateful to my aunt Fory (my mother Alicia’s younger sister), who requested that, despite it being outside of visiting hours, they let me enter and admire it.
NOTES
1
Anthony Puttnam (1934-2017) joined the «Taliesin Fellowship» at the age of 19 (1953), after studying at the University of Illinois, where he pursued a degree in architecture and landscape architecture.
In 1990, he helped restore the «Romeo and Juliet Windmill» that Wright had built in 1897 at Taliesin.
He was the mastermind behind the construction of «Monona Terrace», a civic project designed by Wright in 1938, which became a «LEED Silver» building under Tony’s direction in 1997. This certification indicates that the building implemented sustainable practices in energy, water usage, waste management, sustainability, and indoor air quality.
More recently, Tony also served as the architect and planner for «Panda Mountain» at the Wolong Panda Preserve and Research Center in Sichuan, China.
He was a talented photographer, graphic designer, draftsman, and a highly valued professor at the Taliesin School of Architecture. He expressed his interest and love for the nature surrounding Taliesin, developing and teaching the «patterns of nature» as a source of design. His passion for spirituality was shared along with his knowledge of poetry, philosophy, and architecture.
A orillas del majestuoso lago Erie, un recorrido por Graycliff Estate incluye ir luego a ver la Guardería para botes (Boat House) y el Mausoleo.
La casa a la que llaman “La joya del lago”, está ubicada al 6472 Old Lake Shore Road.
Darwin D. Martin (1865-1935). estaba muy contento con su casa en Jewett Parkway por lo que él y su esposa Isabelle R. Martin (1869-1945) decidieron encargar a Wright su casa de verano en el lago Erie.
Ver https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
Isabelle se ocupó, por lo que Wright trabajó principalmente con ella en el diseño y los detalles de la casa. Isabelle tenía problemas de visión y luego de su experiencia con la casa Jewett que era naturalmente oscura, centró la idea de espacios claros y abiertos en Graycliff.
El nombre de la finca proviene del color gris natural del acantilado de veinte metros sobre el que se asienta el complejo.
Graycliff es un complejo de tres edificios construidos en lo alto de un acantilado con vistas al Lago Erie. la Casa Isabelle R. Martin, la Casa Foster, originalmente diseñada como un garaje con un alojamiento para el chófer en el piso superior y la sala de calderas para calentar las otras dos casas.
Wright uso materiales autóctonos, como pisos de madera de ciprés, piedra de esquisto gris del acantilado y estuco sombreado, también creó un diseño paisajístico para el complejo.
La distancia entre la casa Martin y Graycliff es de 30 min en auto (36,20 km) por la carretera NY-5 West.
La familia Martin vivía en dos complejos, el de la ciudad, y el de Graycliff.
Cuando contrataron nuevamente a Wright, ambos mantenían una relación profesional de mas de 20 años y eran amigos personales. Los Martin prestaron ayuda financiera entre otros apoyos a Wright, en mpomentos en que sucarrera estaba despegando.
En los primeros años de su larga relación, Darwin Martin como un alto ejecutivo de la Compañia Larkin Soap, estuvo directamente comprometido en la elección de Frank Lloyd Wright como arquitecto del Edificio de Administración de Larkin. Wright también diseño casas para otros ejecutivos de la Compañía como William R. Heath y Walter V. Davidson.
Wright entendía que la piedra era el único material verdadero para construir y por ello insistió a los Martin para que se usara en Graycliff.
Del conjunto el edificio más grande es la casa de Isabelle, con espaciosos balcones, amplias terrazas y grandes ventanas que permiten contemplar la naturaleza desde dentro y a través de toda la casa. En los días especialmente claros se puede ver el agua que pulverizan las Cataratas del Niagara.
Otro de los edificios es la Casa Foster, que fue diseñada originalmente como garaje, con un apartamento encima para alojar al chofer y su familia. Después de su primer verano en la residencia, los Martin pidieron a Wright que ampliara el edificio, allí su hija Dorothy, su marido James Foster y sus hijos Margaret y Darwin, pasaron muchos veranos en la residencia.
El más pequeño de los edificios del complejo es conocido como la Cabaña Heat. Al igual que los otros dos edificios, está construida con piedra, estuco ocre, y tejas de color cedro rojo.
Aunque la familia Martin perdió gran parte de su fortuna en la Gran Depresión y se vio forzada en 1937 a abandonar su casa en el centro de Búfalo, conservaron Graycliff, donde volvían cada año hasta 1943.
La propiedad fue adquirida en 1951por los Escolapios, una orden de religiosos católicos dedicados a la enseñanza.
Los Padres Escolapios, que provenían de Hungría, establecieron un colegio en los terrenos, así como un instituto para niños dotados llamado Calasancio en honor al padre fundador de la orden. A pesar de que añadieron dos pisos al edificio, el diseño original de Wright quedó intacto. En 1997, los Escolapios no podían hacer frente al mantenimiento de la casa y la pusieron a la venta.
Los textos que siguen son un resumen y una interpretación de la visita (muy interesante) que realice en la Casa Graycliff. Éramos 10 personas con el guía,
Ya comenté de la estrecha relación entre los Martin y Wright.
La idea surge en 1925, con la jubilación de Martin de la Compañía Larkin, y le escribe a Wright, pidiéndole que diseñara una casa de verano para su familia.
Junto a las especificaciones que envió el 5 de mayo de 1926, Martín enfatizó el deseo de Isabelle que la casa se inundara de luz y sol, incluidas las habitaciones del personal. E informa a Frank Lloyd Wright que Isabelle R. Martin, (y no él) será su clienta.
El proyecto de Wright incluía la casa principal paralela al Lago Erie, un apartamento para el personal del garaje llamado hoy la casa Foster, y un estanque de forma irregular en el centro del círculo de la rotonda de la entrada para autos. El tercer edificio, el cubículo de calefacción, está detrás de la pared del jardín que conecta la casa Martin con la casa Foster.
El lote de 3,45 hectáreas fue comprado el 19 de abril de 1926 a la familia Dexter Rumsey(1) por 2.000 usa, unos 80.560 usa actuales. Se extendía desde Lake Shore Road hasta el acantilado con vistas al lago Erie con un ancho de 76,20 metros.
Darwin hace a su mujer este exquisito obsequio, que se constituyó en una de las propiedades de verano más ambiciosas que Wright haya diseñado.
Actualmente el acceso a la casa, la controla Graycliff Conservancy, una organización sin fines de lucro que se ocupó de restaurar la propiedad, y salvarla del estado de deterioro que tenía. La casa figura en el Registro Nacional de Lugares históricos.
Wright utilizó 1,01 hectárea de las 3,45 hectáreas totales del terreno.
Es muy importante la presencia del acantilado, de unos 18,29 metros de altura y su entorno.
El proyecto de Wright mantiene un contacto visual con el lago, el agua está muy cercana a lo largo del diseño. El lago Erie se ve a través de la transparencia de la casa.
La torre de la escalera, el banco y la pasarela se ha cambiado de su sitio debido a la erosión entre otros factores.
Los edificios se construyeron con materiales naturales del lugar, el acantilado se compone de lutita gris que proporciona el nombre a la propiedad, ya que Graycliff significa acantilado gris.
A unos 2,45 metros de la parte superior hay una capa de caliza Tichenor que se eleva en voladizo desde el lado del acantilado sobre el lago Erie.
Wright utilizó voladizos, y la forma de diamante en ventanas y luces de techo.
La caliza Tichenor tiene una capa de óxido de hierro que «sangra».
La paleta de colores de la casa incluyó el color rojo-anaranjado del óxido de hierro (que sangra naturalmente de la caliza), material que se utiliza en toda la casa.
En el diseño del paisaje intervino Ellen Biddle Shipman, una reconocida paisajista. (2). Fue contratada para diseñar extensos jardines que colaboraran con el proyecto de Wright, conocida como la «Decana de las Arquitectas Paisajistas Americanas» y una de las creadoras de los jardines de estilo Arts & Crafts.
Su proyecto debía proporcionar sombra y protección contra el viento, y sobre todo mucho color, para que cada habitación de la casa tuviese sus flores.
Ahora hay cuatro árboles frutales que se han plantado donde existían las hileras de huertos.
Una reproducción del dibujo del plano de Wright para el exterior, este dibujo es, hasta donde sabemos, el único plano de exteriores conocido que Wright realizó con su propia mano, durante su larga carrera.
En la entrada original a Graycliff hay unos pilares de piedra.
Los Martin compartían un camino de entrada con sus vecinos, la familia DexterRumsey (2). El camino de entrada, bordeado de álamos, sale de Lakeshore Rd, formando una «Y», una de sus ramas conduce a la propiedad de los Martin.
Graycliff ha tenido sólo tres propietarios: La familia Martin, una orden de sacerdotes católicos romanos conocidos como los padres escolapios que compraron Graycliff después de la muerte de los Martin, y finalmente, The Graycliff Conservancy.
Los Martin y su familia disfrutaron de los veranos desde 1928 hasta 1943. Los escolapios, una orden de enseñanza católica, compraron la propiedad en 1950 a un holding perteneciente al hijo de Martin. Los sacerdotes establecieron un internado en la propiedad, así como la Escuela Secundaria Calasanctius en Buffalo.
Hicieron una serie de adiciones a la propiedad, incluido el centro de visitantes, que era su gimnasio, agregando una capilla a la terraza sur y la extensión del garaje para auentar el espacio habitable.
La servidumbre para el camino de entrada terminó cuando los padres escolapios compraron la propiedad.
Los sacerdotes eran unos 12 con aproximadamente 24 internos, pero el dormitorio se reconfiguró y podía acomodar a 48 internos si era necesario.
En 1996, unos pocos sacerdotes ancianos que quedaban pusieron la propiedad a la venta, la única oferta seria que recibieron fue de un constructor.
Al enterarse de este plan, vecinos de toda la comunidad formaron The Graycliff Conservancy con la intención de salvar a Graycliff. Compraron la propiedad, eliminaron las adiciones no históricas, la restauraron a su estado original y la abrieron al público.
Para el camino de la entrada Wright especificó que se coloque una grava amarilla, que armonizara con el tono leonado de la casa, si no se encontrara, especificó que debería triturarse la grava de esquisto y teñirse con óxido de hierro.
Por razones de seguridad, la rehabilitación del camino de entrada utilizó concreto pigmentado para que coincida con el color original con el agregado expuesto para imitar el esquisto triturado. Esto proporciona acceso para discapacitados, equipo de quitanieves y vehículos de emergencia.
Círculo de la rotonda frente a la casa principal
El plano horizontal de la superficie del lago, así como la línea de horizonte se incorporan en los niveles horizontales de la casa.
Wright explicó que había agregado la piedra para dar contraste y hacer que la casa se integrara en el sitio.
Isabelle no quería el estanque, prefiriendo tener un montículo plantado con árboles altos. Wright la persuadió para que lo aceptara como parte del proyecto de Ellen Biddle Shipman.
El estanque fue eliminado a principios de la década de 1930, y restaurado a principios de la década de 2000 y completada en 2013 utilizando una mezcla de roca original y plantaciones similares a las que existían en 1931, incluyendo juncia, iris de agua y enebros.
Círculo de la rotonda frente a la casa Foster
La estructura se creó por primera vez como un garaje, con un apartamento encima para la familia del chofer. La casa principal es más lineal en diseño en comparación con el diseño concéntrico de la casa de garaje donde las habitaciones irradian desde la sala de estar. Esta casa recuerda más a las casas de estilo Prairie de Wright con sus amplios aleros, balcones en voladizo y entrada semi oculta.
Originalmente, las puertas del garaje estaban directamente debajo del balcón y daban al camino de entrada. Durante el primer verano de los Martin, Isabella notó que, desde cualquier punto de la sala de estar o la terraza sur, se podía ver al chofer trabajando. Quería que las puertas del garaje se trasladaran al extremo sur. También había decidido que se necesitaba más espacio de almacenamiento y otro dormitorio, por lo que pidió la ayuda de Wright.
Wright diseñó la adición que comienza donde hay un retroceso a lo largo del balcón. Un dormitorio y dos terrazas se añadieron al apartamento. Las puertas del garaje se trasladaron al lado sur de la estructura y la pared del jardín se extendió.
A medida que la depresión se profundizó, el personal se recortó, y la hija de los Martin, Dorothy Martin Foster, su esposo James y sus hijos comenzaron a usar el apartamento como residencia de verano.
El paisajismo frente a la Casa Foster y la pared del jardín se ha plantado como estaba en 1931, de esta manera se ha restaurado las plantaciones con plantas nativas según los diseños de Wright y Shipman.
El piso de la sala debió ser restaurado.
Las rayas de óxido en la piedra de la casa fueron un efecto intencionado, la mayor parte de la piedra cañiza utilizada es gris, pero la piedra caliza de Tichenor de este sitio tiene una capa delgada de pirita de hierro en un lado que hace que sangre óxido ferroso provocando en la piedra manchas de óxido.
Los Martin esperaban que la casa costara considerablemente menos que la primera estimación de Wright de 37.500 usa, pero a medida que la construcción continuó, el costo continuó aumentando. El Sr. Martin sugirió cambios para reducir el costo, por ejemplo, dado que originalmente pidieron que la casa fuera solo de estuco, el Sr. Martin se opuso a la piedra, además de no ver ninguna razón para un balcón fuera de su habitación, aducia que solo habían planeado un toldo, no una cochera.
Wright los persuadió de que tal vez no necesitaban estas características, pero la casa sí, para que tuviera una buena arquitectura.
El balcón y la cochera extendieron la casa hacia el exterior.
Los voladizos sobre los jardines hundidos son especialmente importantes, ya que imitan la capa de piedra caliza de Tichenor en voladizo sobre el lago Erie consiguiendo conectar fuertemente la casa con el lugar.
El balcón en el extremo oeste, fuera de la habitación del Sr. Martin, estaba en voladizo sobre un jardín hundido que Wright diseñó para ser llenado con árboles de hoja perenne bajos, en los últimos años se pusieron zinnias y dalias que eran la preferencia de Isabella.
También tienen una importante función utilitaria para proporcionar sombra dentro de la casa que respalda el concepto de Wright de diseño solar pasivo. El costo final de la casa en 1928 estuvo muy por encima de la estimación inicial de Wright.
Wright les escribió a los Martin, el 15 de agosto de 1926, que sin el balcón y la cochera la casa podría ser cómoda pero no se vería cómoda porque no sería adecuada para el sitio.
El precio final de la casa en 1928 fue de aproximadamente 49.000 usa unos 902.770 usa actuales.
Entrada
Al entrar en la casa tenemos dos posibilidades, subir la escalera o entrar en la sala de estar.
La escalera es atractiva, los rodapiés van descendiendo por la pared debajo de un voladizo. La balaustrada esta escalonada para mantener las barandillas.
En la primera planta, están los dormitorios, tanto los de Darwin como de Isabella, además de una gran habitación que fue utilizada por los Foster mientras se adecuaba el apartamento sobre el garaje. Tres habitaciones adicionales fueron ocupadas por la dama de compañía de la Sra. Martin, Cora Herrick, una criada y una cocinera.
También contiene un porche para dormir que a veces se usaba como habitación de invitados.
Hay cuatro baños, cada azulejo se cortó a mano en cuadrados de 22,86 cm. La ducha tiene suelo de terrazo.
Unos balcones dan a las habitaciones de Darwin e Isabella.
El piso es de tablón ancho de ciprés, que también es el piso en la sala de estar y el comedor. La madera de ciprés original la encontraremos también en la entrada y los comedores. La escalera que conduce a los dormitorios es de arce.
El estuco teñido cubre las paredes interiores, en un tono ligeramente más pálido que el utilizado en el exterior del edificio.
En la entrada las carpinterías tienen divisiones de metal, más caras que la madera, pero permite paneles de vidrio más grandes. La ventana de la esquina de Graycliff fue diseñada sin el apoyo de la esquina y ofertada por Hopes Windows de Jamestown.
Martin pensaba que la oferta era demasiado alta y pidió un segundo presupuesto a David Lupton de Filadelfia, quienes insertaron un poste de esquina no estructural para estandarizar el herraje. El precio se redujo casi a la mitad, cuando Martin le informó de sus ahorros a Wright, éste declinó hacer comentarios.
Fallingwater utilizó Hopes Windows para proporcionar el diseño propuesto por primera vez en el diseño de Graycliff unos nueve años después, pero nunca perfeccionó el herraje de la esquina. Los herrajes tienen un acabado de bronce encerado y las perillas de las puertas son octogonales. Las bisagras permitían abrir una puerta plana contra una pared.
El estuco tiene pigmento incorporado en el material por lo que no es necesario pintarlos y es naturalmente ignífugo.
La sala de estar
Al entrar en la sala de estar, experimentamos los conceptos espaciales de diseño de Wright de compresión y liberación.
El estante superior comprime la sensación de espacio, mientras que la liberación en la sala de estar llena de luz proporciona una sensación de libertad.
Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones
El uso de piedra caliza de Tichenor, que era de la base del acantilado, ayuda a vincular la casa con su sitio natural. Los interiores están compuestos de los mismos materiales que los exteriores: piedra caliza y estuco.
La enorme chimenea de piedra captura el espíritu acogedor de la casa, es el lugar de reunión, las chimeneas siempre fueron elementos simbólicos importantes en la arquitectura doméstica de Wright.
Es donde se origina el calor, el «corazón del hogar”.
Las puertas y ventanas en el lado sur no son tan altas como las del norte.
Wright explicó a la familia que “van a estar contentos de tener menos vidrio hacia el sur debido al calor que se absorbería en la habitación”.
Nunca hay luz solar directa y deslumbrante en la sala de estar debido a la posición de la casa en el sitio y los voladizos en el lado sur de la casa.
En una de sus cartas al Martin, Wright describió la sala de estar “como una parte de la terraza, tanto una parte del exterior como una parte del interior”.
Las vigas en I que cruzan el techo descansan en pilares dentro de las paredes entre las ventanas y las puertas, soportando el pasillo del 1° piso, en voladizo sobre la terraza sur y la terraza junto al lago.
El piso de la sala de estar está compuesto por amplias tablas de ciprés recuperadas, ha sido restaurado.
Wright diseñó varios muebles para Graycliff, principalmente una serie de mesas de madera de diferentes tamaños y soportes de plantas.
Los muebles de palo de sauce en Graycliff fueron fabricados por la Compañía Yipsilanti en Michigan.
Los apliques de pared son de latón y en los dormitorios son de plata sobre latón, fabricados por Bradley y Hubbard.
Respecto a los colores en varias cartas entre Wright y Martin, deciden elegir colores como anaranjado quemado, oro, salmón y color de llama, así como el verde.
En la primavera de 1926, Wright escribe «Entrar en la casa sería algo así como ponerse el sombrero y salir al aire libre”.
Habitación de vistas o helechos
Es fácil entender por qué Wright se refirió a este espacio como la sala de vistas debido a la maravillosa vista al lago y especialmente de las puestas de sol sobre el agua desde todos los lugares de la habitación.
Wright baja el techo de esta habitación para señalar un espacio más íntimo, tanto esta habitación como el comedor estaban destinados a que las personas se sentaran, leyeran, comieran o charlaran. El espacio más grande de la sala de estar se entendía como un espacio de reunión, un espacio social para un mayor número de personas.
Crea la ilusión de un espacio exterior dentro de la casa, utilizando la piedra caliza y la losa utilizadas en el exterior, así como el macetero interior que lleva las plantas, la naturaleza al edificio, en lugar de un macetero exterior.
Esta habitación se compone en dos lados por ventanas, y en el tercero por un espejo.
Materiales
La ducha tiene suelo de terrazo.
Se utilizaron puertas enrasadas con bisagras de nudillos de aceituna,
El herraje tiene un acabado de bronce encerado y las perillas de las puertas son octogonales.
Las bisagras permitían abrir una puerta plana contra una pared.
El estuco tiene pigmento incorporado en el material por lo que no es necesario pintarlo, es ignífugo.
La sala de estar
El uso de piedra caliza de Tichenor, que era de la base del acantilado, ayuda a vincular la casa con el lugar.
La habitación está llena de luz natural y la brisa del lago da ventilación cruzada. Las puertas dan a ventanas fijas una frente a la otra, alternandose. Esto permite la ventilación cruzada sin grandes ráfagas de viento.
Las puertas y ventanas en el lado sur no son tan altas como las del norte, para evitar ganancias de calor. Nunca hay luz solar directa y deslumbrante en la sala de estar debido a la posición de la casa en el sitio y los voladizos en el lado sur de la casa, es ligera, aireada y fresca durante los calurosos días de verano.
Porche del sol familiar
Originalmente esta habitación fue diseñada como un porche abierto. Durante el primer año de residencia de los Martin, esta habitación solo tenía mosquiteros, pero luego le instalaron ventanas corredizas de vidrio, las únicas ventanas de hoja de madera que hay en la casa, que no fueron diseñadas por Wright.
Las molduras son de ciprés y son las únicas pintadas en la casa. Se pintan para que coincidan con las ventanas. Los parteluces de madera obstruyen la vista en mayor grado que los parteluces metálicos más pequeños que vemos en toda la casa.
La mesa de biblioteca es un diseño de Wright. También había un piano vertical, que el Sr. Martin le había dado a Isabelle para su 2° aniversario de bodas.
Comedor
El diseño de Wright requería que una mesa de comedor formal estuviera debajo de las dos luces de diamante en el techo más alto.
La piedra de la chimenea de la sala de estar está cerca de la chimenea del comedor, que tiene un hogar en forma de diamante.
El patrón de porcelana es «Devon» de George Jones & Sons, Inglaterra.
Despensa del mayordomo y el porche del sol del personal
El refrigerador es original de Graycliff. Es una nevera, fue modificada por el fabricante para que la refrigeración fuera proporcionada por electricidad. Es una nevera de refrigeración eléctrica Jewett Servel. Jewett fabricó la caja y Servel fabricó el dispositivo de enfriamiento eléctrico.
Larkin Soap Company
The Larkin Soap Company, estaba ubicada en la calle Seneca en Buffalo, fue una empresa de un enorme desarrollo, en la que Darwin trabajó durante muchos años.
John Larkin desarrolló un sistema de venta por correo y catalogo que fue muy rentable, creó un esquema de primas por el cual las compras en cantidad se recompensaban con una bonificación en mercancía. Esa idea promocional la creó Elbert Hubbard mientras era empleado de su cuñado John Larkin. Larkin empleó a miles de personas y funcionó hasta principios de la década de 1940, cuando cerró sus operaciones. El Edificio de Administración Larkin, la primera obra comercial de Frank Lloyd Wright, se demolió en 1950.
Una playa de estacionamiento ha ocupado el sitio desde entonces, aunque algunos de los otros edificios del complejo original de Larkin permanecen.
John Larkin comenzó una compañía llamada Buffalo Pottery en 1901 como una forma de minimizar el costo de producir las porcelanas de gran venta que acompañaban las ventas en cantidades de productos de tocador.
Darwin Martin fue uno de los directores de la compañía. En 1950 Buffalo Pottery se llamó Buffalo China, Oneida la compró en 1983, Buffalo China fue comprada por Oneida, quien vendió en el 2004 el local a Niagara Ceramics. Ésta cerró en el 2014.
El cubículo para la calefacción alberga la caldera de gasoil, tuberías subterráneas lo conectaban con la Foster House y la casa Isabelle Martin donde había radiadores de vapor. La estructura está a varios metros bajo tierra, por lo que no obstruye la vista desde el balcón de Foster House.
El techo de la construcción tiene un borde inusual, sus tejas son trapezoidales, de modo que cuando se ven desde el borde forman un hexágono. Este borde se llama borde trenzado. Debido a su deterioro y abandono todas las estructuras fueron restauradas por Graycliff Conservancy.
El mismo estilo de borde utilizado en el cubículo para la calefacción fue utilizado por Wright en su casa en Taliesin, aunque luego del incendio de 1925 no fue reemplazado.
Una caldera de gas en el sótano calienta la casa principal y una segunda caldera en la sala mecánica sirve para calentar la casa Foster.
Explanada
Las dos paredes de retención en sus lados comienzan en la terraza de piedra (en el mismo nivel que el piso interior del salón) y mantienen ese mismo nivel hacia el borde del acantilado.
Allí alguna vez abrazaron un banco de piedra. Los restos de este banco son los que vemos actualmente al borde del acantilado.
El banco ha sido restaurado y trasladado más cerca de la casa.
Wright tenía al menos dos planes para esta área que fueron rechazados por Isabella un espacio aterrazado en dirección al lago y una piscina reflectante.
Hubo una pasarela detrás del banco de piedra, conducía a una torre de escaleras, a través de un puente de acero y madera.
Era el acceso a la playa, Isabella comentó a Wright que la circulación de personas rumbo a la playa obstruía su vista del lago.
Wright propuso crear un banco de piedra, la gente ahora podía caminar por un sendero en el borde del acantilado, bajar unas escaleras, cruzar detrás del banco, y cruzar el puente.
El banco los mantendría alejados de la vista de Isabella.
Ellen Biddle Shipman desarrolló aún más el plan de Wright y agregó arbustos y álamos de hoja perenne a lo largo de los muros de contención.
Debido a la erosión, la pasarela, el puente, el banco original y la torre ya no existen. La torre no había sido diseñada por Wright y debido a su estado de deterioro fue removida y no será reemplazada.
La forma de la explanada y el banco imitan la forma de la chimenea de la sala de estar.
No hay mención alguna en los registros históricos ni en la correspondencia de que los Martin tuvieran un barco, pero el nieto de Darwin Foster, ha dicho que su padre, James Foster, tenía un bote de 3 metros cubierto con una vela, en los Archivos de la Universidad de Buffalo existe una foto de James y los niños tirando de un pequeño bote en un carrito en el camino de entrada de Graycliff.
La cancha de tenis
La cancha de tenis fue incluida en el proyecto del terreno.
El hormigón es de un color rojizo. Estaba pigmentado, una técnica que el Wright usó más tarde para los pisos en algunas de sus casas Usonian. El pigmento rojo hace que el hormigón sea similar al aspecto de una cancha de arcilla, y también complementa los colores otoñales de los edificios.
Notas
1
Dexter P. Rumsey (1827 – 1906), oriundo de Westfield, Nueva York, llegó a Buffalo en 1831. Su padre y su familia se mudaron a su nuevo hogar para establecer una curtiduría de la que se ocuparía Dexter y su hermano mayor Bronson.
Rumsey participó en los primeros años de la banca en Buffalo como director del Banco de Ahorros del Condado de Erie, también invirtió en bienes raíces en la zona norte de la ciudad. Fue presidente del exclusivo Buffalo Club y miembro del Buffalo Country Club. Fue un importante defensor de la Buffalo Fresh Air Mission, y uno de los fideicomisarios originales del Buffalo City Cemetery, formado en 1864, que todavía gestiona el Forest Lawn Cemetery.
Rumsey fue uno de los principales organizadores de los desarrollos residenciales que encargaron a Frederick Law Olmsted la preparación de los diseños comunitarios de Parkside. También era propietario de una importante extensión de tierra en el lado sur de The Park. Murió el 5 de abril de 1906, y al mes siguiente su viuda, Susan Fiske Rumsey y su hija, Grace Rumsey Wilcox, hicieron una donación a la ciudad de 2,83 Has de la tierra adyacente a Lincoln Parkway y la entrada principal del parque.
Fue una anexion que fue bienvenida en Delaware Park ya que proporcionaba el derecho de paso para Rumsey Road, una nueva calle que formó el nuevo límite sur del parque Rumsey Woods.
2
Ellen Biddle Shipman (1869 – 1950) fue una arquitecta paisajista conocida por sus jardines formales y su estilo de plantación exuberante. Junto con Beatrix Farrand y Marian Cruger Coffin, dictó el estilo de la época e influyó fuertemente en el diseño paisajístico como miembro de la primera generación en ingresar a la profesión predominantemente masculina. En 1938, al comentar sobre el campo dominado por los hombres en The New York Times, dijo: «antes de que las mujeres se apoderaran de la profesión, los arquitectos paisajistas hacían lo que yo llamo trabajo de cementerio».
Shipman prefería considerar su carrera de uso de plantas como si «estuviese pintando cuadros como artista». Poco de su trabajo permanece hoy en día debido al estilo laborioso de sus diseños, pero existen espacios preservados, incluidos los jardines Sarah P. Duke en la Universidad de Duke , a menudo citados como uno de los campus universitarios estadounidenses más hermosos.
Durante los 40 años que ejerció la arquitectura paisajística, Shipman solo contrataba a graduadas de la Escuela Lowthorpe de Arquitectura Paisajística, Jardinería y Horticultura para Mujeres. Lo hacía debido a que en esa época, a las mujeres no se les daban pasantías en oficinas masculinas.
Desayuné temprano y tenía más de 2 horas antes de mi cita de las 11 para visitar la casa Martin.
Darwin Martín fue uno de los directores de la empresa Larkin que más hizo para que Wright hiciera el edificio administrativo de la empresa, con los años se transformaron en amigos. Como era temprano, fui a ver dónde estaba el edificio demolido.
Ubicación calle Larkin entre Swan y Seneca. Buffalo. En el mapa S 093. (1)
Larkin, o lo que queda, que es solo un muro de 2 metros y poco más.
De aquel edificio que en 1906 asombró por su espacialidad, y servicios, AA, calefacción radiante, muebles empotrados. etc. ahora es una vulgar playa de estacionamiento, nada de todo lo que ofrecía, le salvo de la destrucción en 1950.
Traduzco el panel, el punto amarillo abajo a la derecha indica que “usted está aquí”.
Subi por una escalera que no le encontré sentido, y un panel con fotos que ponía:
“Fotografía cortesía del Museo de Historia de Búfalo Frank Lloyd Wright diseñó el edificio administrativo para la compañía Larkin a partir de 1903. Fue contratado para diseñar la estructura después de que los directivos de Larkin, William R. Heath y Darwin D. Martin, instaran al propietario de la compañía, John D. Larkin, a hacerlo. El edificio albergaba las oficinas de la gran empresa de pedidos por correo, que comenzó como un fabricante de jabón, pero creció hasta convertirse en una empresa más diversificada”. (Como un AMAZON en la actualidad).
“El diseño del edificio se considera una de las estructuras más significativas jamás construidas en América del Norte».
«…ya que se convirtió en el modelo de la arquitectura moderna y la era de la máquina “.
“El edificio articulaba sus diversas funciones de manera que expresaban su organización interna, incluyendo sus escaleras en las esquinas y sus entradas de aire altas, parecidas a las fosas nasales.
La colocación de estas funciones de servicio en las paredes exteriores del edificio permitió que un tragaluz central inundara los espacios de trabajo con luz natural”.
“La estructura fue demolida en gran parte durante 1950, después de los intentos fallidos de la compañía por cambiar del negocio de pedidos por correo a establecimientos minoristas, entonces popularizados por los consumidores impulsados por automóviles.
El pilar de la cerca fantasma adyacente a este panel fue construido sobre los cimientos existentes que quedaron de la cerca que rodeaba el edificio y está destinado a definir la escala de la estructura, así como a orientar al espectador”.
Traduzco lo escrito en los paneles
“Frank Lloyd Wright fue el arquitecto de este edificio revolucionario construido en 1903.
Su hábil diseño incorporó tecnología moderna desarrollada a principios del siglo XX.
Wright utilizó objetos fabricados a máquina para definir la función de la estructura y la belleza de sus materiales.
Esto convirtió al Edificio Larkin en uno de los primeros íconos de la arquitectura moderna, y así jugó un papel importante en el desarrollo del mundo moderno al definir una imagen para la arquitectura en la era de las máquinas.
Métodos de construcción innovadores permitieron a Wright sintetizar la tecnología moderna en una interpretación coherente de la Revolución Industrial”.
“La estructura fue demolida en 1950 con la excepción del pilar de la cerca de ladrillo (adyacente a este panel) y porciones importantes de los cimientos y el sótano. El pilar incorpora los materiales principales del exterior del edificio”.
Frank Lloyd Wright contemplando una imagen de la demolición del Larkin en una exposición en 1953 en Nueva York
El complejo de la Casa Darwin Martín
El complejo de la Casa Darwin Martín se construyó en 1907, tienen una organización con guías para exhibir esta obra, ofrecen tours, objetos, fotos antiguas de la vida cotidiana allí y proyecciones. Hay un tour corto, limitando las zonas a visitar (25 usa, estudiantes 10 usa) o uno más extenso de 45 usa, de 75 minutos, donde se ve también la casa Barton, y el invernadero.
Me apunte al que más mostraba.
Como ya es habitual en mi, confundi la fecha de la reserva, era para el sábado y fui el viernes, para Wright, esto sería solo un detalle menor.
Martin era un alto ejecutivo de Larkin Soap, su casa está en un barrio muy elegante y cuidado, el distrito Parkside, que diseño Frederick Law Olmsted en 1876.
Frederick Law Olmsted
Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) fue un arquitecto, paisajista, periodista y botánico, reconocido por diseñar parques urbanos como el Central Park y el Prospect Park, ambos de Nueva York.
Diseñó un sistema de parques públicos y avenidas en Buffalo, Nueva York; la Reserva de las Cataratas del Niágara, en Niagara Falls; el Parque Mont-Royal en Montreal; el Emerald Necklace, en Boston, Massachusetts; el Cherokee Park (y el sistema de avenidas) en Louisville, Kentucky; así como el Jackson Park, el Washington Park y el Midway Plaisance para la Exposición Mundial Colombina en Chicago; parte del parque de Detroit Belle Isle; los jardines del Capitolio de los Estados Unidos; y el edificio de George Washington Vanderbilt II, el Biltmore Estate, en Carolina del Norte.
En Brookline, Massachusetts, diseñó el campus de la Universidad de Stanford.
Como periodista tuvo una activa e interesante actividad.
En 1850, viajó a Inglaterra para visitar jardines públicos, especialmente los realizados por Joseph Paxton en el Birkenhead Park (2) que motivo la publicación de un importante libro en 1852 “Paseos y Conversaciones de un agricultor americano en Inglaterra”.
El New York Daily Times (actual New York Times), le encargó un estudio sobre “La economía y los esclavos”, para lo cual realizó un viaje desde 1852 a 1857 por el sur del país. Su conclusión fue que la práctica de esclavitud era, no sólo moralmente odiosa, sino que era cara y económicamente ineficaz.
Olmest se casó con la viuda de su hermano, Mary Cleveland en 1859 y adoptó a los tres hijos de su hermano.
El arquitecto Andrew Jackson Downing propuso en su revista The Horticulturist desarrollar el Central Park, idea que, debido a su trágica y repentina muerte no pudo continuar, y en su nombre Olmsted y Vans lo llevaron adelante
Olmsted y el arquitecto Calvert Vaux, ganaron en 1858 el concurso para diseñarlo.
En 1865, ambos crearon Olmsted, Vaux and Company.
Cuando Olmsted volvió a Nueva York, juntos diseñaron el Prospect Park de Brooklyn, desde 1865 hasta 1873, el sistema de parque de Nueva York y Milwaukee asi como la Reserva del Niágara, en las Cataratas del Niágara.
Con problemas de demencia, Olmsted vivió en el Hospital McLean, que él mismo había ajardinado durante varios años, y permaneció allí hasta su muerte en 1903.
Después de la muerte de Olmsted, sus hijos John Charles Olmsted y Frederick Law Olmsted Jr. continuaron el trabajo de su compañía, como los Hermanos Olmsted, hasta 1950.
Recorrido por las Casas Martin
La Casa Darwin D. Martin fue diseñada por Frank Lloyd Wright y construida entre 1903 y 1906.
Se la puede (y debe) visitar de lunes a jueves desde las 10 am a las 15 hs. y de viernes a domingo de 9:30 am a 15 hs, durante el Tour se visita:
-Casa Martin (incluido el segundo piso)
-Pérgola
-Conservatorio
-Casa de carruajes
Equipo de la empresa constructora de la Casa Martin en octubre de 1904
Distancia desde la estación Buffalo Exchange Amtrak. 9 km
La ciudad de Buffalo cuenta varias obras maestras legendarias de Wright.
1-Casas Martin. 2-Walter V. Davidson y 3-William R. Heath.
Algunas casas son mantenidas como residencias privadas, por lo que no es posible visitarlas.
Cabaña del jardinero
La casa Martin es una composición casi perfecta
Elaborada en sus diseños tiene 13.600 metros de molduras de madera de 110 distintos diseños diferentes, algunos de los conjuntos de molduras constan de nueve piezas separadas.
Es muy agradable, y les recomiendo visitar el barrio de Parkside, donde se ubica la Casa Martín.
El conjunto Martin tiene construcciones distintas en formas y superficies, pero están interconectadas, con una larga pérgola de 30,48 metros de largo.
Wright se refirió a la Casa Martin en 1904 como “la casa más perfecta de su tipo en el mundo, que funciona como una sinfonía doméstica, verdadera, vital, cómoda”
La visité durante algo más de 2 horas:
1- la casa principal de Martin
2- la casa Barton
3- un invernadero (esta al final de la pérgola)
4- cochera
5- la cabaña del jardinero
Los espacios interiores de las casas históricas son accesibles y como he escrito se hacen en grupos no muy numerosos, son las visitas guiadas, se puede reservar en el telefono l 877-377-3858 o a través del calendario de recorridos.
Los terrenos, la pérgola y el conservatorio están abiertos al público todos los días de 9 a 16,30 hs.
El Pabellón Greatbatch (Centro de Visitantes,que funciona en un pabellón moderno), atiende de miércoles a lunes de 10 a.m. a 6,30 hs, los fines de semana hasta las 17:30 horas.
La tienda del Museo Martin House se encuentra en la Casa de Carruajes, abierta de miércoles a lunes, de 10.00 a 16,00 hs.
El Statler Café está ubicado en Summit Avenue en el extremo norte, ofrecen comida, bocadillos y bebidas. De miércoles a lunes, de 10 a.m. a 16 hs. Happy Hour de jueves de 16 hs a 20 hs
El JAM Parkside sirve café, té, pasteles y tostadas.
El restaurante Kostas, situado en la cercana avenida Hertel, sirve desayunos y almuerzos y cena todos los días.
Recorrido por la Casa Martin
Buffalo cuenta con siete de las obras maestras legendarias de Wright.
1- Casas Martin,
2-Walter V. Davidson
3-William R. Heath de Wright
Alguna casa esta mantenida como residencia privada y no admiten visitas.
A orillas del majestuoso lago Erie, hice otro recorrido por
La Casa Martin 125 Jewett Parkway. Búfalo, NY 14214
Administración. dirección
143 Jewett Parkway. Buffalo, NY 14214 Tel 716.856.3858. 877.377.3858. info@martinhouse.org
Recorrido fotográfico
Frente de la casa Martin, paso de autos y la señora “No se pueden sacar fotos adentro”. Después le pegunte si era cooperante de la fundación, y si estaba orgullosa de su función de casa, yes gesticuló “porque era vecina, I am una auténtica cuida casa”.
Ambos se respetaban mutuamente, en una relación de amistad que duró muchísimos años
Darwin D. Martin (1865 – 1935) y Frank Lloyd Wright (1867 – 1959).
La Casa Martín es el resultado de una colaboración excepcional entre Martin y Wright. Martin fue un empresario muy reconocido, mientras que Wright era un arquitecto en ese momento relativamente desconocido, fuera de los círculos arquitectónicos de Chicago y zonas del Medio Oeste americano.
En 1902, Martín invitó a Wright a Buffalo para evaluar e intercambiar ideas acerca del diseño de la sede administrativa para su empresa Larkin Company, un conjunto de empresas que fabricaban jabón y enviaban pedidos por correo, Además estaba interesado en construir un hogar para su esposa Isabelle y su familia, la casa Graycliff.
Martín no dudaba del genio de Wright y le encargó ambos proyectos, los dos más importantes a esa temprana edad de Wright, tenía 35 años. Martín confió en Wright con un presupuesto ilimitado, Wright diseño un complejo donde los edificios tuvieran una directa relación con el paisaje circundante. Es la interacción entre arquitectura, diseño y paisaje.
Construída en el “estilo Prairie”, es una finca multi-residencial admirada por sus seis edificios complementarios, jardines interiores y exteriores, y una impresionante colección de vidrio artísticamente trabajado y un mobiliario diseñado por Wright, y realizado por ebanistas.
Tres viviendas definen la composición del conjunto Darwin D. Martin 1904/05, su hermana Delta Martin y su esposo George Barton 1903, y el jardinero 1909. Estas construcciones están vinculadas a una pérgola, un invernadero y la cochera, Wright insistía en su concepto de “sinfonía doméstica”.
La Casa Martin, es la principal y se caracteriza por su perfil bajo, planta cruciforme, apertura espacial, una pronunciada horizontalidad, juego de pilares y voladizos, y una paleta rica de materiales.
Acceso, se gira a la derecha paralelo a la pared, algunos ladrillos dejan una junta importante en centímetros para la ventilación de los pisos inferiores.
Bueno la señora «cuida casa», no estaba suficientemente atenta.
Saliendo de la casa, hacia el pasillo pérgola
Vista entrada casa desde el pasillo pérgola
Pasillo pérgola
Casa Barton
Reproducción a escala real de la escultura original fundida en piedra reconstituida del Sprite con peine de Midway Gardens.
Fue el resultado de la colaboración entre Frank Lloyd Wright y Alfonso Inanelli. Estas esculturas adornaron las paredes del enorme complejo Midway Gardens en Chicago entre 1913 y 1929. El Sprite con peine pesa 137 kilos.
Al ver las reproducciones en La tienda del Museo que se encuentra en la Casa de Carruajes, he visto una reproducción de las esculturas del Midway Gardens, y recordé que cuando un asistente enloqueció en agosto de 1914 e incendió Taliesin para luego asesinar a hachazos a la pareja de Wright,Mamah Borthwick, a sus 2 hijos y a 4 colaboradores, Wright no estaba en ese momento porque estaba dirigiendo los Midway Gardens en Chicago. Si no, seguramente hubiera sido una víctima más del loco asesino. La historia la cuento en el link…
Midway Gardens fue un centro de entretenimiento enorme con espacios interioriores y exteriores de 33.445 m2, inaugurado en junio de 1914 estaba destinado a funcionar como cervecería y sala de conciertos y baile en el que actuaban bandas como la Midway Gardens Orchestra.
Ocupaba el sitio del antiguo parque de atracciones Sans Souci, en la esquina de la avenida Cottage Grove y la calle East 60th. en el barrio de Hyde Park en el South Side de Chicago.
La gran superficie (equivalente a una manzana de la ciudad) ofrecía entretenimiento a una amplia variedad de personas en un lugar de reunión de estilo alemán. Los jardines incluían restaurantes, salones, puestos de periódicos y de puros y galerías. Cuando se aprobó la Prohibición de beber, los jardines perdieron parte de su valor de entretenimiento.
Edward C. Waller Jr. encargó a Frank Lloyd Wright el diseño y la construcción de los jardines en 1914 (el padre de Waller Jr. ,Edward Waller había encargado un edificio de apartamentos a Wright, los Waller Apartments, de 1895 ubicados al 2840 – 58 W Walnut Street.
Waller Apartments
El Midway Gardens fue diseñado por el arquitecto Frank Lloyd Wright , junto a los escultores Richard Bock (1865 – 1949) (3) y Alfonso Iannelli(4) en las famosas esculturas de «duendes» que decoraban la instalación.
Diseñado para ser un jardín de conciertos de estilo europeo con espacio para comer, beber y realizar actuaciones durante todo el año, Midway Gardens recibió a artistas y animadores populares.
Waller nunca pudo financiar la construcción y el mantenimiento de Midway Gardens y se declaró en quiebra en marzo de 1916.
La arquitectura modernista de los jardines se basaba en formas geométricas estrictas. Una gran zona central al aire libre, llena de mesas y sillas, estaba rodeada por una serie de edificios de tres pisos con espacios interiores para bailar y otras actividades, así como balcones voladizos con techos salientes.
El edificio en sí estaba hecho de ladrillo amarillo y bloques de hormigón estampados. Presentaba una ornamentación muy intrincada y muchas esculturas geométricas, a las que Frank Lloyd Wright llamó «duendes» y que fueron diseñadas en colaboración con Alfonso Ianelli. Algunas de estas esculturas se salvaron de la demolición y se pueden encontrar en otros lugares.
Lo compró la Schoenhofen Brewing Company y rebautizada como «Edelweiss Gardens» (en honor a la principal marca de cerveza de la cervecería).
Wright, que generalmente ejercía un fuerte control creativo sobre sus proyectos terminados, estaba disgustado por los cambios estéticos que el nuevo propietario hizo en los jardines diciendo que había añadido “características indeseables y que el orgullo de los Midway Gardens se había abaratado para adaptarse a un gusto burgués”.
Cerro brevemente en 1918 durante los años de guerra y luego durante la ley seca, En 1921 se vende a laa EC Dietrich Midway Automobile Tire and Supply Company, y se rebautizó como «The Midway Dancing Gardens.
En octubre de 1928, se cierra definitivamente y se decide su demolición.
casa Westcott
En la oficina de administración había una publicidad para visitar la casa Westcott, diseñada en 1908 por Wright, en 85 South Greenmount Ave. Springfield, OHIO 45505. Pero esta a 5 horas de auto (casi 600 km), me dije será en otra oportunidad, no en está.
Luego (si, así es. no almorcé) al Fontana Boathouse.
Luego recorrer la casa Graycliff (1926/29) la casa de vacaciones de la familia Martin.
Como los costos se dispararon un 30%, y la época de la crisis ya habia comenzado, Martin le dijo a Wright
Que no quería hacer el balcón lateral que unía 2 dormitorios, que no lo necesitaba. Wright le respondió
Que quizás él no lo necesitaba, pero la casa sí. El balcón se construyó.
Y finalmente fui al Mausoleo blue Sky en el cementerio Forest Lawn.
Hoy he dedicado 8 hs al “amigo Frank”, 8 horas maravillosas.
Antes de salir de Buffalo, rumbo a Rochester, a la madrugada pase a ver la casa de William R. Heath. Esta en el barrio histórico de Elmwood.
Es de 1904/05. Un lote angosto que da a una calle y a una rotonda concurrida. Wright construyó la casa sobre una plataforma, ventanas altas y los muros tienen una altura que le garantizan privacidad. Tiene 7 dormitorios, y no permiten visitas.
La casa y el presupuesto fueron modestos en relación a las anteriores.
Wright decía “el espacio es el aliento del arte”, no es solo una frase, lo que dice se percibe en sus obras.
Recordemos que tanto Martin, como Heath eran socios gerentes de Larkin. Martin le presento a Wright al Sr. Davidson, dueño de Larkin.
Notas
1
William Allin Storrer. The Architecture of Frank Lloyd Wright. A complete Catalog. The University of Chicago Press. Chicago and London. 1427 E. 60th Street Chicago, IL 60637. ISBN 0 226 77623 9.
2
Joseph Paxton (1803 – 1865) fue un arquitecto, ilustrador, naturalista, paisajista y jardinero inglés, conocido por su estilo realista e impresionista y por ser autor del Crystal Palace, construido para ser sede de la primera Gran Exposición celebrada en Londres en 1851. Fue un autodidacta.
3
El primer trabajo de Bock para Frank Lloyd Wright fue un friso para el tercer piso de la Casa Heller en 1896. En 1898, Wright le pidió que creara esculturas para la casa de Wright en Oak Park. Unos años antes, Bock había creado una estatua de John, el hijo de Wright.
De 1903 a 1913, Bock trabajó casi exclusivamente con Wright en múltiples proyectos, a menudo haciendo esculturas arquitectónicas diseñadas por Wright. Wright solicitó la ayuda de Bock después de que un escultor anterior, Albert Louis Van den Berghen, no estaba trabajando como estaba planeado para una escultura planeada en la Casa Dana-Thomas.
Charles E. White, Jr. escribió a la llegada de Bock al estudio: “Richard Bock, escultor, que se ha trasladado a Oak Park, ocupará el balcón del estudio. Ha decidido ponerse bajo la crítica del Sr. Wright durante un tiempo, ya que su ambición es convertirse únicamente en un escultor arquitectónico. Hará trabajos para el edificio Larkin en Buffalo”.
Los dos se convirtieron en amigos cercanos y sus familias a menudo pasaban tiempo juntos. Wright diseñó un estudio de escultura para Bock en River Forest, Illinois, llamado «Los Gnomos». Los dos trabajaron juntos durante más de 20 años. creó dos esculturas para la entrada de la oficina de Wright en su casa en Oak Park llamadas «The Boulders», todavía son visibles desde la calle fuera de la casa y también estudio de Wright.
4
Alfonso Iannelli fue un escultor, artista y diseñador industrial italoamericano. Radicado en Chicago durante la mayor parte de su vida, el arquitecto John Lloyd Wright vio su trabajo y los dos se hicieron amigos. John presentó el trabajo de Iannelli a su padre, Frank Lloyd Wright, quien lo invita a trabajar con él en su proyecto Midway Gardens en 1914.
Iannelli creó varias de las esculturas de Sprite de Midway para Wright. Wright, sin embargo, se atribuyó el mérito de las piezas, lo que llevó a una amarga división y a la desaparición definitiva de su asociación. Posteriormente se agregaron reproducciones de los sprites de Midway Gardens diseñados por Wright al Hotel Arizona Biltmore. También colaboró con el arquitecto de Chicago Ernest A. Grunsfeld III y Bruce Goff, Purcell y Elmslie, Barry Byrne.
Asociado con su esposa Margaret crearon Iannelli Studios.
Y el trámite de migraciones en el aeropuerto de NY JFK, fue bastante rápido.
Había alquilado el auto en la empresa Dollar, y descubrí que es una empresa vinculada a Hertz, y cuesta un 35% menos que ésta.
Calcule hacer unos 224 km ese mismo día, para que no se hiciera tan largo al día siguiente. Desde NY a Buffalo son 480 km. La media en auto son 50 a 60 km hora x el límite de velocidad.
Si uno no desea tener que hablar con la policía, y sobre todo no pagar multas de transito, es más que recomendable viajar entre 45 y 55 millas. Entre 72 y 89 km/hora.
Muy lento.
Al día siguiente hice los 480 km restantes, fueron 8 horas.
Aeropuerto JFK a Buffalo hay 479 km
Buffalo a Rochester hay 120 km.
Rochester a Syracusa hay 138 km
Syracusa a Middlebury hay 264 km
Total 1.001 km, mas los recorridos buscando las obras.
Museo Pierce Arrow. Estación de Servicio del Arq Frank Lloyd Wright
Lo primero que hice fue ir al museo Pierre Arrow donde reconstruyeron una estación de servicio diseñada por Frank Lloyd Wright.
Está al 263 de la avenida Michigan.
El lugar tiene una enorme cantidad de bicicletas, motos y autos de todo tipo, tamaño y año además de objetos relacionados (cascos, guantes, gafas, viseras, camisetas, camperas, libros etc.).
Yo a lo mío, la estación de servicio fue diseñado en 1928 y reconstruida después de su estado de ruina en el 2012.
Era del grupo Tydol, Wright pidió unos honorarios por cada estación que se construya y seguramente por temas económicos no se hicieron. Fuertes colores de estuco, techo de cobre y dos postes de cobre con un letrero Tydol entre ellos.
Tiene 148,65 m2 con tanques de gasolina alimentados por gravedad y mangueras colgando del techo hasta la altura de los autos. sin surtidores a la vista.
Wright opinaba que como todos necesitaban repostar, se decide hacer un espacio, como un observatorio en el segundo piso para tomar alguna bebida, con una chimenea, y asi crear el lugar que permitiera la comunicación entre clientes y vecinos, que esperaban se completara el servicio.
La estación fue originalmente diseñada para la cercana esquina de las calles Cherry y Michigan. Encargado por William Heath.
Abren de jueves a domingo desde las 11 a las 16 hs.
263 MICHIGAN Avenue. Buffalo. Tel 716 853 0084
20 usa entrada.
Cia de autos Pierce – Arrow
En la década de 1870, la empresa de George N. Pierce era conocida por su artesanía especializada, dedicada a artículos para el hogar, como jaulas para pájaros y hieleras.
Evolucionó hasta poder producir bicicletas innovadoras, luego motocicletas y automóviles mono-cilíndricos. La demanda aumentó y, en 1906, Pierce se mudó a una fábrica de 140 000 metros cuadrados en Elmwood Avenue, allí donde alguna vez fue el sitio de la Exposición Panamericana.
El 26 de abril de 1906 se inició la construcción de la nueva Geo. N. Pierce Mfg. en el predio de las instalaciones de Pan-American.
Pierce-Arrow fabricaba automóviles de lujo para un mercado adinerado. Autos potentes, ornamentados, artísticos y sofisticados, los Pierce-Arrows simbolizaban riqueza y estatus. Fueron el vehículo oficial de la Casa Blanca para los presidentes, desde Howard Taft hasta Franklin D. Roosevelt, y el automóvil preferido de John D. Rockefeller, J. Edgar Hoover, Orville Wright y Babe Ruth.
Pierce-Arrow era famosa por sus innovaciones, como la luz de guardabarros diseñada por Herbert Dawley en 1914. También diseñó el emblemático adorno del capó con el arquero con casco.
La empresa creó los remolques Travelodge, equipados con estufas de gas, hieleras, tanques de agua y comedores. La empresa produjo más de 12.500 camiones que se usaron en la Primera Guerra Mundial. Empleaba más de 10.000 hombres y mujeres en Buffalo, y se jactaba de haber utilizado más aluminio que cualquier otro país del mundo en 1915.
Richardson Olastead
Vi el impresionante (en belleza y volumen) complejo Richardson Olastead, con inspiración de arquitectura medieval, se nota la influencia de William Morris y John Ruskin. Hoy funciona allí el Gran Hotel Richardson.
Como no es posible ver el Marshall Fiels Store ya que fue demolido en 1930, visite por fuera y por dentro el impresionante Ellicott Square (1896) de Burnham & Root y el Prudential (1896) de Louis Sullivan &Dankmar Adler.
Vista alrededor de 1890 de la tienda mayorista Marshall Field’s
Marshall Field’s estaba ubicada en la calle Franklin entre las calles Quincy y Adams. Fue diseñada por Henry Hobson Richardson, (1838 – 1886) construida en 1887, y demolida alrededor de 1930.
Biblioteca Howard aka Taylor Library, New Orleans (1886-1889)
La prueba de la influencia e importancia de Richardson en la arquitectura de los Estados Unidos es que, de la lista elaborada por arquitectos de cuáles eran los diez mejores edificios en 1885, cinco eran suyos:
La Trinity Church, en 1872/77. ubicada en el barrio de Back Bay de Boston, Massachusetts.
El Albany City Hall de 1883, en el número 24 de Eagle Street entre Corning Place (entonces Maiden Lane) y Pine Street
El Sever Hall de la Universidad de Harvard en 1870, Se encuentra en Harvard Yard en Cambridge, Massachusetts.
El New York State Capitol, en Albany en 1899, con los arquitectos Thomas Fuller y Leopold Eidlitz.
y el Oakes Ames Memorial Hall de 1879/81 en North Easton, Massachusetts.
Su obra más conocida, la Trinity Church de 1872 en Boston consolidó la reputación de Richardson y le proporcionó grandes proyectos durante el resto de su vida.
Chicago. Marshall Field Warehouse Building. Henry Richardson
Chicago. Marshall Field Warehouse Building. Henry Richardson
Richardson y su cliente Marshall Field definieron las bases de lo que iba a ser una nueva tipología arquitectónica: el edificio comercial, que conocemos como Grandes Almacenes, o en inglés Wholesale Store.
Llamado Marshall FieldWarehouse Building, fue construido entre 1885 y 1887 y lamentablemente demolido en 1930.
Estaba sobre las calles Adams y Franklin. Claramente inspirado en los palacios renacentistas italianos (como el Palazzo Pitti de Florencia) este edificio se consideró el prototipo del nuevo edificio comercial y de oficinas que los arquitectos de la Escuela de Chicago depurarán y convertirán en un modelo que se exportará al mundo.
La descripción completa y sus fotos interiores se pueden ver en este enlace https://onlybook.es/blog/daniel-burnham-y-el-edificio-ellicott-square-en-buffalo/
El Guaranty Building de Louis Sullivan y Dankmar Adler
La descripción completa y sus fotos interiores se pueden ver en este enlace https://onlybook.es/blog/daniel-burnham-y-el-edificio-ellicott-square-en-buffalo/
El Guaranty Building de Louis Sullivan y Dankmar Adler
El Guaranty Building, anteriormente llamado Prudential Building, es uno de los primeros rascacielos de Búfalo.
Diseñado por Louis Sullivan y Dankmar Adler, se completó en 1896. Fue declarado Hito Histórico Nacional. Está ubicado en el 24-34 de la calle Church.
Reconocido internacionalmente como una de las obras maestras de Louis Sullivan, probablemente uno de los arquitectos americanos más importantes del siglo 19 y reconocido como “El padre de los rascacielos”.
Ambos edificios pude recorrerlos por dentro.
Vi por fuera la ampliación de Rem Koolhaas del Museo de Arte.
Recorrí los parques diseñados por Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) Padre de la arquitectura paisajista, que hizo entre otras obras el Central Park y el Prospect Park de NY y el Franklin Park de Boston.
Otras obras de enorme trascendencia que realizó fueron la Reserva de las Cataratas del Niágara, Nueva York; el Parque Mont-Royal, Montreal; el Emerald Necklace, en Boston; el Cherokee Park (además del sistema de avenidas) en Louisville; así como el Jackson Park, el Washington Park y el Midway Plaisance para la World’s Columbian Exposition de Chicago; parte del parque de Detroit Belle Isle; los jardines del Capitolio de los Estados Unidos; y el edificio de George Washington Vanderbilt II, el Biltmore Estate, en Carolina del Norte.
Arq. Rodolfo Machado y Jorge Silvetti forman en 1985 el estudio Machado & Silvetti con sede en Boston.
Ambos nacieron en la Argentina y se licenciaron en la Universidad Nacional de Buenos Aires, seguida de una maestría en Arquitectura en la Universidad de California, Berkeley.
Después de su estancia en California, se mudaron al este para enseñar y ocupar puestos de liderazgo en la Escuela de Diseño de Rhode Island y la Escuela de Diseño de Posgrado de la Universidad de Harvard.
Es relevante su influencia en la teoría y la práctica de la arquitectura.
Sus escritos sobre arquitectura son una parte reconocida del espíritu arquitectónico de los años 70, 80 y 90.
En 2021 donaron sus inmensos archivos de dibujos, modelos y registros a la Biblioteca Loeb de la GSD (The Graduate School of Design) de Harvard.
Estudio
Machado & Silvetti
Desde septiembre del 2013, Jeffry Burchand es asociado del estudio.
Desde septiembre del 2017, Selee Kim y Sophia Zelov son asociadas del estudio
Desde febrero del 2020, S. Austin Ward es asociado del estudio.
Centro de Artes Visuales para Familias Negras 22 de julio de 2013. La World-Architects.com ha incluido el Centro de Artes Visuales para Familias Negras del Dartmouth College en New Hampshire en su artículo 50×50. En el realiza una mirada estado por estado de la arquitectura en los Estados Unidos.
El Centro de Artes Visuales, realizado en 2012, es un edificio para los departamentos de Arte de Estudio y Cine y Medios de la Universidad de Dartmouth.
Su programa incluye espacios de producción y edición de películas, escultura, grabado, fotografía, arquitectura, pintura, dibujo y estudios para estudiantes de último año.
“A través de nuestros dibujos y modelos, hemos desarrollado un enfoque de diseño único que enfatiza la materialidad y la artesanía. La reciente exposición retrospectiva “Realismo sin precedentes” mostró el compromiso de larga data de Jorge y Rodolfo con el arte del dibujo arquitectónico y demostró la importancia de la representación en nuestra práctica”. Jeffry Burchard
En la convergencia de los departamentos se encuentra un nuevo programa de Humanidades Digitales que tratará de fomentar la relación de los medios y campos de estudio nuevos y tradicionales.
El Centro de Artes Visuales ha creado distintos espacios para permitir la interacción de la población de la Universidad (estudiantes y profesores), y de la ciudad de Hanover.
La planta baja tiene una entrada secundaria que permite llegar a la galería de estudiantes y profesores, que ql ser totalmente vidriada permite compartir la producción artística con los transeúntes.
“Ponemos en práctica nuestra filosofía de diseño con un enfoque integral que descubre la cultura única de cada proyecto, traduce estas características en conceptos claros y desarrolla y ejecuta el diseño con el compromiso sostenido de todas las personas involucradas”. Jeffry Burchard
Por su ubicación privilegiada es también una nueva entrada al campus, tiene 9.755 m2, ofrece una plaza con césped en su contacto con el Auditorio Spaulding en el Centro Hopkins.
El nuevo Centro de Artes Visuales está diseñado para lograr una calificación LEED Gold y utiliza las siguientes características para cumplir con este objetivo: super aislamiento de las paredes perimetrales, recolección de agua de lluvia e iluminación natural optimizada de los estudios del nivel superior. (1)
Distinciones Rodolfo Machado y Jorge Silvetti fueron reconocidos como los destinatarios del Premio de Honor de la Sociedad de Arquitectura de Boston de este año 2021.
El director, Jeffry Burchard, ha sido honrado por el AIA con el premio Young Architects Award 2020.
Jorge Silvetti aparece en la revista Architect como el destinatario individual del Medallón Topacio AIA/ACSA 2018 para Educación Arquitectónica.
El AIA Nueva Inglaterra le otorga en 2017 a Machado Silvetti un Premio de Honor por el Centro de Estudios de Arte Asiático en el Museo de Arte Ringling.
AIA Nueva Inglaterra le entrega en 2016 a Machado Silvetti el «Premio de Honor a la Excelencia en Arquitectura».
Ganadores del primer Premio de Arquitectura de la historia de la Academia Americana de las Artes y las Letras por “proyectos audazmente concebidos y brillantemente ejecutados” y por estar “inflexiblemente dedicados a visualizar una arquitectura significativa del ámbito público”.
La actividad docente que ambos desempeñan en la Escuela de Diseño de la Universidad Harvard, cuyo departamento de Arquitectura dirige Silvetti, y los premios obtenidos por la dupla en diversos concursos internacionales tanto en los Estados Unidos como en Europa han terminado por consolidar la evolución de un estudio que, sin desarrollar grandes obras desde el punto de vista de la superficie, ni atándose a modelos estilísticos, logró consolidarse en el universo del diseño mundial.
NOTAS
1
La Certificación LEED (Leadership in Energy and Environmental Design) es un sistema de calificación internacionalmente reconocido y utilizado en todo el mundo para evaluar y certificar la sostenibilidad de edificios y proyectos. Creado por el US Green Building Council (USGBC), el sistema LEED establece estándares rigurosos para el diseño, construcción y operación de edificios sostenibles.
Algunas de las características más importantes incluyen:
–Enfoque Integral: LEED considera múltiples aspectos de la sostenibilidad, como la eficiencia energética, el uso de materiales sostenibles, la calidad del aire interior, la gestión del agua y el diseño orientado a la comunidad.
–Sistema de Puntaje: Los proyectos obtienen puntos en cada categoría, y la suma de estos puntos determina el nivel de certificación (Certified, Silver, Gold o Platinum).
-Enfoque en la Eficiencia Energética: Los edificios certificados LEED están diseñados para utilizar menos energía y reducir las emisiones de gases de efecto invernadero.
–Enfoque en la Salud y el Bienestar: La calidad del aire interior, la iluminación natural y otros factores que afectan la salud y el bienestar de los ocupantes son considerados en el proceso de certificación.
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El edificio Ellicott Square fue terminado en 1896, y comprado por Ellicott Development CO..
Una empresa de gestión, y desarrollo de propiedades inmobiliarias.
Fue fundada en 1973 y la dirige William Paladino, la empresa está radicada en Buffalo.
El complejo de oficinas fue diseñada por los arquitectos Daniel Hudson Burnham(1) y Charles Bowler Atwood(2).
El edificio Ellicott Square debe su nombre a Joseph Ellicott (1760 – 1826) el político, planificador y topógrafo del entonces pueblo de Buffalo.
Al adquirir el edificio, la empresa tomo su nombre, (Ellicott,Development CO).
Edificio Ellicott Square en Buffalo
Era el edificio de oficinas más grande del mundo, en el funcionaron la Edisonia Hall y el Teatro Vitascope. (3)
Fue diseñado por Charles Atwood de D. H. Burnham & Company y se completó en mayo de 1896.
El vestíbulo sigue siendo un lugar de reunión favorito para manifestaciones políticas, bodas y funciones sociales. En 1984 se utilizó para escenas de hoteles en la película” El Mejor”.
Con 10 pisos de altura, y capacidad para soportar 10 pisos más, y con 41.500 m², fue el edificio de oficinas más grande del mundo por su superficie.
Construido en estilo renacentista italiano, el exterior del Ellicott Square está hecho de granito, hierro y terracota con un revestimiento de ladrillo gris perla.
El majestuoso patio interior contiene un piso de mosaico de mármol diseñado por William Winthrop Kent (1860 – 1955) y James A. Johnson (1865 – 1939).
Las 23 millones de piezas de mármol fueron importadas de Italia. Los dibujos del mosaico representan símbolos solares de civilizaciones de todo el mundo.
El patio interior se asemeja al del Rookery Building en Chicago. (4)
Edificio Rookery, con las modificaciones y la escalera diseño de Frank Lloyd Wright
Estuve visitando esta maravilla a finales de Julio del 2024, y vi mesas en el hall que son atendidas por dos bares/restaurantes, y recorriendo los locales he visto una peluquería de hombres, además de tiendas de servicios.
Cuando me decidi a entrar, un señor que controlaba el acceso, me señaló un cuaderno y me pidió para acceder que pusiera mi nombre y donde iba. Como no iba a poner Flaneur o amante de los espacios geniales, miré el renglón superior y habían escrito 114, por lo que puse 216 y me dejó pasar. Estamos en Julio, mes de vacaciones y eran las 18 hs, no habia gente trabajando en las oficinas, si vi personal de limpieza.
Una casi rigurosa historia de su vida. (4)
Daniel Hudson Burnham FAIA, fue un arquitecto y urbanista defensor del movimiento Beaux-Arts, pudo haber sido «la persona de poder más exitoso que jamás haya producido la profesión arquitectónica estadounidense». Siendo reconocido como un exitoso arquitecto de Chicago, fue seleccionado como Director de Obras para la Exposición Mundial Colombina de 1892–93, conocida coloquialmente como «La Ciudad Blanca».
Tuvo un papel destacado en la creación de planes maestros para el desarrollo de varias ciudades, incluido el Plan de Chicago y los planes para Manila, Baguio y el centro de Washington, D.C.
También diseñó varios edificios famosos, incluidos varios rascacielos notables en Chicago, el edificio Flatiron de forma triangular en la ciudad de Nueva York, Union Station en Washington D.C., los grandes almacenes Selfridges de Londres y Merchants Exchange de San Francisco.
Aunque es más conocido por sus rascacielos, la planificación urbana y por la Ciudad Blanca, casi un tercio de la producción total de Burnham, es decir 1,37 millones de metros cuadrados, fueron edificios compra y venta de productos.
1.Primeros años
Hogar infantil de Burnham en Henderson, Nueva York
Burnham nació en Henderson, Nueva York, hijo de Elizabeth Keith (Weeks) y Edwin Arnold Burnham.
Fue criado en las enseñanzas de Swedenborgian, también llamada La Nueva Iglesia, que inculcó en él la fuerte creencia de que «el hombre debe esforzarse por estar al servicio de los demás».
A la edad de ocho años, Burnham debe mudarse a Chicago donde su padre estableció allí un exitoso negocio mayorista de drogas.
Burnham no era un buen estudiante, pero era bueno dibujando. A los 18 años se mudó al este del país para recibir clases de tutores privados con el fin de aprobar los exámenes de admisión de Harvard y Yale, y reprobó ambos aparentemente debido a un caso grave de ansiedad ante los exámenes.
En 1867, cuando tenía 21 años, regresó a Chicago e ingresó como aprendiz de dibujante con William LeBaron Jenney (1832 – 1907) del estudio de arquitectura Loring & Jenney. LeBaron Jenney fue un antiguo alumno de la École Centrale des Arts et Manufactures (École centrale Paris), entre los años 1853 y 1856.
Quería convertirse en «el mejor arquitecto de la ciudad o del país», pero antes intentó en vano con unos amigos extraer oro en Nevada (1869), fracaso en su intento de ser elegido legislador por el estado de Nevada, quebrado económicamente y resignado regresó a Chicago para trabajar con el arquitecto L. G. Laurean.
Cuando el Gran Incendio de Chicago golpeó la ciudad en octubre de 1871, parecía que los arquitectos tendrían un trabajo interminable, pero Burnham optó por volver la espalda a esa oportunidad y probó primero vender ventanas de vidrio, pero fracasó y luego probó ser farmacéutico, tarea que abandonó.
A los 26 años, Burnham se mudó a las oficinas de Chicago de Carter, Drake and Wight, (no es Wright), donde conoció al que sería su futuro socio John Wellborn Root, que tenía 21 años, cuatro años menos que Burnham.
Ambos se hicieron amigos y abrieron un estudio de arquitectura en 1873.
Burnham se mantuvo fiel a este estudio, y juntos lo convirtieron en una empresa muy exitosa.
Su primer encargo importante provino de John B. Sherman, el superintendente del enorme Union Stock Yards en Chicago, que proporcionaba el sustento, directa o indirectamente, a una quinta parte de la población de la ciudad.
Sherman los contrató para el diseño de una mansión en Prairie Avenue en la calle 21 entre las mansiones de los otros barones comerciantes de Chicago. Root hizo el diseño inicial y Burnham lo perfeccionó supervisando la construcción. En la obra conoció a la hija de Sherman, Margaret, se casaron en 1876 luego de un breve noviazgo.
Como era previsible Sherman encargó otros proyectos a Burnham and Root, incluido Stone Gate, un portal de entrada a los corrales de ganado que se convirtió en un hito de Chicago.
Union Stock Yard Gate, Chicago (1879)
En 1881, les encargaron construir el edificio Montauk, en ese momento era el edificio más alto de Chicago.
Para resolver el problema del suelo arenoso saturado de agua y el lecho rocoso de la ciudad existente hasta 38 m por debajo de la superficie, Root ideó un plan para excavar hasta un ‘hardpan’, es sobre esta capa de arcilla donde se colocó una plataforma de hormigón de 61 cm de espesor recubierta con rieles de acero colocados en ángulo recto para formar una «parrilla» de celosía, que luego se rellenó con cemento Portland.
El edificio Montauk c.1886
Esta «base flotante» era un lecho rocoso creado artificialmente sobre el cual se podía construir el edificio.
Cuando estuvo terminado era tan alto en comparación con los edificios existentes que desafiaba una descripción fácil, el nombre «rascacielos» fue acuñado para describirlo.
Thomas Talmadge, arquitecto y crítico de arquitectura, dijo sobre el edificio: «Lo que Chartres fue para la catedral gótica, Montauk Block fue para los edificios comerciales en altura».
Edificio del Templo Masónico en Chicago
Burnham y Root continuaron construyendo más de los primeros rascacielos estadounidenses, como el Masonic Temple Building en Chicago.
Con 21 pisos y 93 metros de altura, fue el edificio mas alto de su tiempo fue demolido en 1939.
Ambos eran artistas y arquitectos talentosos, y en el estudio se complementaban a la perfección.
Root tenía la habilidad de concebir diseños elegantes y podía ver casi de inmediato la totalidad de la estructura necesaria. Burnham, por su lado se destacó en atraer clientes y supervisar la construcción de los diseños de Root. Se tenían un mutuo respeto.
El edificio Rookery en Chicago, (1886)
Burnham quería que sus empleados estuvieran contentos: instaló un gimnasio en la oficina, dio lecciones de esgrima y permitió que los empleados jugaran balonmano a la hora del almuerzo.
Root, pianista y organista, daba recitales de piano en la oficina en un piano alquilado. Paul Starrett (1866 – 1957) quien se unió a la oficina en 1888, dijo: «La oficina estaba llena de trabajo, pero el espíritu del lugar era deliciosamente libre, sencillo y humano en comparación con otras oficinas en las que había trabajado».
El estudio tuvo muchos éxitos, y también varios contratiempos. Uno de sus proyectos el Grannis Block en el que se encontraba su oficina, se incendió en 1885, lo que obligó a trasladarse al último piso de The Rookery, otro de sus diseños.
En 1888, un hotel que habían diseñado en Kansas City, Missouri, se derrumbó durante la construcción, matando a un hombre e hiriendo a varios más.
Auditorium de Chicago de Sullivan & Adler
En la investigación del forense, el diseño del edificio fue objeto de críticas. La publicidad negativa sacudió y deprimió a Burnham. Luego, en un nuevo revés, Burnham y Root tampoco lograron ganar la comisión para el diseño del gigantesco edificio del Auditorio, que fue en cambio a sus rivales, Adler & Sullivan.
El Auditorium de Chicago es un edificio con un enfoque distintivo en la ornamentación y el diseño estructural. Ideado por Louis Sullivan en 1887, el complejo integra oficinas comerciales, salas de teatro y un hotel. Construido en hormigón y con una doble capa de estructura metálica, el Auditorium muestra la influencia de las ideas de Henry Richardson (1838 – 1886) amplias galerías, largos corredores y un diseño imponente.
El 15 de enero de 1891, mientras la firma estaba inmersa en reuniones para el diseño de la Exposición Colombina Mundial, Root murió después de tres días de neumonía.
Como solo tenía 41 años, su muerte sorprendió tanto a la sociedad de Burnham como a Chicago. Después de su muerte, la firma de Burnham & Root, que había tenido un tremendo éxito en la producción de edificios modernos como parte de la Escuela de Arquitectura de Chicago, pasó a llamarse D.H. Burnham & Compañía.
Una vez que superaron el duro momento, el estudio continuó con sus éxitos y Burnham amplió su alcance al diseño urbano.
Exposición Colombina Mundial
Corte de Honor y Gran Cuenca — Exposición Colombina
Burnham y Root habían aceptado la responsabilidad de supervisar el diseño y la construcción de la Exposición Colombina Mundial en el entonces desolado Jackson Park de Chicago en la orilla sur del lago.
El edificio agrícola por la noche (1893)
La feria mundial más grande hasta esa fecha (1893), celebraba el 400 aniversario del famoso viaje de Cristóbal Colón.
Después de la repentina e inesperada muerte de Root, un equipo de distinguidos arquitectos y paisajistas estadounidenses, incluidos Burnham, Frederick Law Olmsted, Charles McKim, Richard M. Hunt, George B. Post, Henry Van Brunt y Louis Sullivan, cambiaron radicalmente sus conceptos arquitectónicos.
Se decantan por un estilo moderno y colorido ante un estilo de Renacimiento clásico. Para garantizar el éxito del proyecto, Burnham trasladó su residencia personal a una sede de madera, llamada «the shanty» en el floreciente recinto ferial para supervisar la construcción, que enfrentó enormes obstáculos financieros y logísticos incluido el pánico financiero mundial en un marco de tiempo extremadamente ajustado.
Considerado el primer ejemplo de un documento de planificación integral en la nación, el recinto ferial presentaba grandes bulevares, fachadas de edificios clásicos y exuberantes jardines. A menudo llamada la «Ciudad Blanca» popularizó la arquitectura neoclásica en un estilo Beaux-Arts monumental pero racional. Como resultado de la popularidad de la feria, se dijo que los arquitectos de los EE. UU. se vieron inundados con solicitudes de clientes para incorporar elementos similares en sus diseños.
El control del diseño y la construcción de la feria fue motivo de disputa entre varias entidades, particularmente la Comisión Nacional que estaba encabezada por su director general George R. Davis, y la Exposition Company, que estaba formada por los principales comerciantes de la ciudad, dirigidos por Lyman Gage, que había recaudado el dinero necesario que permitiría cumplir con los plazos de su inauguración.
Después de un gran accidente que destruyó uno de los principales edificios de la feria, Burnham toma el control de la construcción, distribuyendo un memorando a todos los jefes de departamento de la feria que decía: «He asumido el control personal del trabajo activo dentro de los terrenos de la Exposición Colombina Mundial … De ahora en adelante, y hasta nuevo aviso, me reportarás y recibirás órdenes exclusivamente de mí”.
Después de la inauguración de la feria, Olmsted, quien diseñó el recinto ferial, dijo que Burnham con “su habilidad y tacto aseguró el buen resultado de la Feria».
«Burnham rechazó la sugerencia de que Root había sido en gran parte responsable del diseño de la feria y escribió después:
“Lo que se hizo hasta el momento de su muerte fue la sugerencia más débil de un plan… que ha sido construida gradualmente por unas pocas personas, amigos cercanos a él y sobre todo mujeres, que después de la Feria quisieron identificar su memoria con la Feria”.
La reputación de Burnham mejoró considerablemente por el éxito y la belleza de la Feria, ejemplo de ello es que tanto Harvard como Yale le otorgaron títulos académicos de postgrado, para pasar página al hecho de haberlo reprobado en sus exámenes de ingreso en su juventud.
La percepción común mientras Root estaba vivo era que él era el artista arquitectónico y Burnham se había encargado de la parte comercial de la firma; La muerte de Root, si bien fue devastador para Burnham en lo personal, le permitió desarrollarse como arquitecto de una manera que no lo había hecho hasta ese momento.
Edificio Flatiron (1901)
En 1901, Burnham diseñó el edificio Flatiron en la ciudad de Nueva York, una estructura pionera que utiliza un esqueleto interno de acero que le dio integridad estructural y no ser portantes los muros exteriores de mampostería.
Esto permitió que el edificio se elevara hasta los 22 pisos.
El diseño era el de un palacio renacentista vertical estilo Beaux-Arts, dividido como una columna clásica, con su base, su fuste y capitel.
Otros diseños posteriores a la feria de Burnham incluyeron el Land Title Building (1897) en Filadelfia.
Land Title Building (1897) en Filadelfia
Fue el Wanamaker´s Department Store (1902-1911) donde lueo se instaló Macy’s.
Espacialmente despertaba gran interes al estar construido alrededor de un patio central.
La ampliación de Wanamaker’s Annex (en 1904 y en 1907 – 1910), en la ciudad de Nueva York, fue un edificio de 19 pisos, con un volumen edificado tan grande que era comparable al del Empire State Building.
Tambien construyeron los grandes almacenes neoclásicos Gimbels (1908-1912) en NY, (actualmente el centro comercial Manhattan Mall, con una fachada completamente nueva).
Podemos tambien mencionar el impresionante Observatorio Art Deco Mount Wilson en las colinas sobre Pasadena, en California.
Y en 1912, el último edificio importante diseñado por Burnham, considerado como uno de los mejores ejemplos de arquitectura Beaux Art en Boston.
Los grandes almacenes Filene’s (William Filene and Sons).
Éstos se ampliaron en 1929, convirtiendo toda la manzana alrededor de las calles Washington, Summer, Hawley y Franklin en una tienda de venta por departamentos.
Filipinas
En 1904, Burnham aceptó un encargo del gobernador general de Filipinas William Howard Taft.
Plan de Burnham para Manila
Rediseñó Manila y planificó la construcción de una capital de verano en Baguio.
Debido al estatus de Filipinas, Burnham pudo realizar su proyecto sin tener que obtener la aprobación local. Al designar al arquitecto principal William E. Parsons, Burnham pudo controlar el proyecto desde el continente.
Título de la primera edición
La planificación urbana y el Plan de Chicago
Iniciado en 1906 y publicado en 1909, Burnham y su coautor Edward H. Bennett prepararon un Plan de Chicago que establecía planes para el futuro de la ciudad.
Fue el primer plan integral para el crecimiento controlado de una ciudad estadounidense y una consecuencia del movimiento City Beautiful. El plan incluía propuestas ambiciosas para la orilla del lago y el río, afirmando que todos los ciudadanos deben estar a poca distancia de un parque. Esta acción fue patrocinada por el Club Comercial de Chicago, Burnham donó sus servicios con la esperanza de promover su proyecto.
Basándose en los planos y diseños conceptuales de la Feria Mundial para la orilla sur del lago, Burnham deseaba visualizar Chicago como un “París en la pradera”.
El nuevo telón de fondo urbano de Chicago se formó con las construcciones de las grandes obras públicas, las fuentes y los bulevares de inspiración francesa, que irradiaban desde el palacio municipal central con cúpula.
Este plan se anticipaba a la necesidad de controlar en el futuro su crecimiento urbano y continuar influyendo en el desarrollo de Chicago, sobre todo después de la muerte de Burnham.
Planes en ciudades adicionales
Plan de Burnham y Bennett para San Francisco
Los proyectos de planificación urbana de Burnham no se detuvieron en Chicago, ya había contribuido previamente a planes para ciudades como Cleveland (1903), San Francisco (1905), Manila (1905) y Baguio en Filipinas, cuyos detalles aparecen en la publicación del Plan de Chicago.
No fue posible para Burnham concretar sus diseños.
Sus planos para el rediseño de San Francisco se entregaron a la Junta de Supervisores en septiembre de 1905, pero en la prisa por reconstruir la ciudad después del terremoto y los incendios de 1906, fueron finalmente ignorados.
En Filipinas, el Plan de Burnham para Manila nunca se materializó debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, así como la reubicación de la capital en otra ciudad después de la guerra.
Sin embargo, algunos componentes del plan se concretaron, incluida la carretera costera que se convirtió en Dewey Boulevard (ahora conocido como Roxas Boulevard) y los diversos edificios gubernamentales neoclásicos alrededor de Luneta Park, que se asemejan mucho a una versión en miniatura de Washington, D.C.
Washinton
Burnham dió forma al Plan McMillan de 1901 que condujo a la finalización del diseño general del National Mall. La Comisión Senatorial de Parques, llamada Comisión McMillan por ser diriida por el Senador de Michigan James McMillan, reunió a Burnham y a tres de sus colegas de la Exposición Colombina, el arquitecto Charles Follen McKim, el arquitecto paisajista Frederick Law Olmsted Jr. y el escultor Augustus Saint -Gaudens.
Union Station en Washington, D.C., (1908)
El plan preveía la extensión del Mall más allá del Monumento a Washington, con un nuevo Monumento a Lincoln que se llamó “Jefferson Memorial”. Este plan permitió la recuperación de terrenos delpantano y del Río Potomac así como la reubicación de una estación de ferrocarril existente, que fue reemplazada por el diseño de Burnham para Union Station.
En 1910 Burnham fue nombrado primer presidente de la Comisión de Bellas Artes de los Estados Unidos, sirvió en la comisión hasta su muerte en 1912.
Influencia
Después de la Feria Burnham se convirtió en uno de los defensores más destacados del país del movimiento Beaux-Arts, así como del renacimiento de la arquitectura neoclásica.
Gran parte del trabajo de Burhham se basó en el estilo clásico de Grecia y Roma.
En su autobiografía de 1924, Louis Sullivan, uno de los principales arquitectos de la Escuela de Chicago, que tuvo una relación difícil con Burnham, lo criticó por lo que Sullivan consideraba “su falta de expresión original debida a su dependencia del clasicismo”.
Afirmaba Sullivan que «el daño causado por la Feria Mundial durará medio siglo a partir de su fecha, si no más», era un sentimiento bordeado de amargura, ya que las empresas estadounidenses de principios del siglo XX habían demostrado una fuerte preferencia por el estilo arquitectónico de Burnham sobre el de Sullivan.
Burnham c.early 1900s
El mantra de Burnham que era la esencia de su espíritu era «no hagas planes pequeños, no tienen magia para conmover la sangre de los hombres y probablemente no se darían cuenta por sí mismos, por lo que piensa en grande».
Fue considerado un arquitecto influyente en los Estados Unidos a principios del siglo XX. Ocupó muchos cargos durante su vida, incluida la presidencia del Instituto Americano de Arquitectos.
Bajo su tutela otros arquitectos notables comenzaron sus carreras, como Joseph W. McCarthy. Varios de sus descendientes han trabajado como arquitectos y planificadores influyentes en los Estados Unidos, incluido su hijo, Daniel Burnham Jr., y sus nietos Burnham Kelly y Margaret Burnham Geddes.
Vida privada
Se casó con Margaret Sherman, la hija de su primer cliente importante, John B. Sherman, el 20 de enero de 1876. Se conocieron durante la construcción de la casa de su padre.
Durante su noviazgo, el hermano mayor de Burnham provocó un escándalo acusado de haber falsificado cheques, entonces ofreció romper el compromiso por una cuestión de honor. Sherman rechazó la oferta «Hay una oveja negra en cada familia». Sin embargo, se mostró cauteloso con su yerno, ya que parecía ser muy adicto a la bebida.
Permanecieron casados por el resto de su vida. Tuvieron cinco hijos, dos hijas y tres hijos, incluido Daniel Burnham Jr., nacido en febrero de 1886, arquitecto y urbanista como su padre. Trabajaron juntos hasta 1917. Se desempeñó como director de Obras Públicas para la Feria Mundial de Chicago de 1933-34, conocida como el ‘Siglo del Progreso’.
La familia Burnham vivió en Chicago hasta 1886, cuando se mudaron a una casa de campo con 16 habitaciones en el lago Michigan, en el suburbio de Evanston. Sentía que Chicago se estaba volviendo más sucio y peligroso a medida que aumentaba su población. Explicaba que «Lo hizo porque ya no soportaba tener a sus hijos en las calles de Chicago…» Cuando Burnham se mudó a «the shantya» en Jackson Park para supervisar la construcción de la Feria, su esposa Margaret y sus hijos permanecieron en Evanston.
Creencias
Burnham escribió: «Hasta nuestro tiempo, no se ha practicado una economía estricta en el uso de los recursos naturales, pero debe serlo de ahora en adelante a menos que seamos lo suficientemente inmorales como para perjudicar las condiciones en las que nuestros hijos deban vivir».
Creía que el automóvil sería un factor ambiental positivo, ya que el fin del transporte a caballo traería «un verdadero paso en la civilización … Sin humo, sin gases, sin camadas de caballos, tu aire y calles serán limpias y puras. Esto significa, ¿no es así, que la salud y el ánimo de los hombres serán mejores?”
Como muchos hombres de su tiempo, también mostró interés por lo sobrenatural, diciendo «Si pudiera tomarme el tiempo, creo que podría probar la continuación de la vida más allá de la tumba, razonando desde la necesidad, filosóficamente hablando, de una creencia en un poder absoluto y universal.»
Muerte
La lápida de Daniel Burnham en Graceland Cemetery, Chicago
A sus cincuenta años, su salud comenzó a decaer. Desarrolló colitis y en 1909 le diagnosticaron diabetes, que afectó su sistema circulatorio y le provocó una infección en el pie que continuaría por el resto de su vida.
El 14 de abril de 1912, Burnham y su esposa estaban a bordo del RMS Olympic de White Star Line, viajando a Europa para recorrer Heidelberg, Alemania. Cuando intentó enviar un telegrama a su amigo Frank Millet que viajaba en la dirección opuesta, de Europa a los Estados Unidos, en el RMS Titanic, se enteró de que el barco se había hundido en un accidente y Millet no sobrevivió.
Burnham murió 47 días después de colitis complicada por su diabetes e intoxicación alimentaria.
En el momento de su muerte, D.H. Burnham and Co. era el estudio de arquitectura más grande del mundo. Incluso el legendario arquitecto Frank Lloyd Wright, aunque muy crítico con las influencias europeas de las Bellas Artes de Burnham, lo admiraba como hombre y lo elogió, diciendo: «Burnham… hizo un uso magistral de los métodos y los hombres de su tiempo…[Como] un entusiasta promotor de grandes empresas de construcción …su poderosa personalidad era suprema».
Su estudio continuó hasta el 2006 como Graham, Anderson, Probst & White. Fue enterrado en el cementerio Graceland de Chicago.
Memoriales
Se lo ha homenajeado poniendo su niombre a Burnham Park y Daniel Burnham Court en Chicago, Burnham Park en Baguio en Filipinas, Daniel Burnham Court en San Francisco (anteriormente Hemlock Street entre Van Ness Avenue y Franklin Street), el anual Daniel Burnham Award for a Comprehensive Plan (administrado por la American Planning Association), y el Burnham Memorial Competition que se llevó a cabo en 2009 para crear un monumento a Burnham y su Plan de Chicago. Las colecciones de documentos, fotografías y otros materiales de archivo personales y profesionales de Burnham se encuentran en Ryerson & Bibliotecas Burnham en el Instituto de Arte de Chicago.
El edificio Reliance en Chicago, que fue diseñado por Burnham y Root, ahora es el Hotel Burnham, aunque Root fue el arquitecto principal antes de su muerte en 1891.
Un vestíbulo del Reliance Building tras la restauración de 1999
Obras destacadas
Edificio de Confianza (1890-1895)
Pennsylvania Union Station (1900-1902)
Gilbert M. Simmons Memorial Library, Kenosha, Wisconsin (1900)
770 Broadway, Nueva York (1904, ampliación 1907-1910)
Union Station, El Paso, Texas (1905-1906)
Chicago
Union Stock Yard Gate (1879)
Union Station (1881)
Edificio Montauk (1882-1883)
Kent House (1883)
Edificio de Confianza (1890-1895)
Monadnock Building (northern half 1891)
Edificio Marshall Field y Company (actualmente Macy’s 1891-1892)
Boyce Building, on the National Register of Historic Places (1915)
Cincinnati
Union Savings Bank and Trust Building (más tarde el quinto edificio de confianza de la Tercera Unión, el edificio Bartlett y ahora el Renaissance Hotel, 1901)
Edificio Tri-State (1902)
Primer edificio del Banco Nacional (más tarde el Edificio Clopay y ahora el Cuarto Centro Walnut, 1904)
Cuarto Edificio del Banco Nacional (1904)
Detroit
Edificio Majestic (1896, demolido 1962)
Edificio Ford (1907-1908)
Edificio Dime (1912)
Indianápolis
Indianapolis Traction Terminal (1903, demolido 1972)
Edificio Barnes y Thornburg (antes Edificio del Banco Nacional de Merchants), (1912)
Nueva York
Edificio Flatiron (1901)
Wanamaker’s Annex, full-city-block department store (1904, addition: 1907–1910)
Gimbels Department Store (1908-1912)
Filadelfia
Land Title Building (1897)
John Wanamaker’s Department Store (ahora albergando un Macy’s y oficinas, 1902-1911)
Pittsburgh
Union Trust Building (1898, 337 Fourth Avenue – no la estructura de 1917 del mismo nombre en Grant Street)
Pennsylvania Union Station (1900-1902)
Frick Building (1902)
McCreery Department Store (actualmente oficinas – 300 Sexta Avenue Building, 1904)
Edificio Highland (1910, 121 South Highland Avenue)
Henry W. Oliver Building (1910)
San Francisco
Merchants Exchange Building (1904)
El edificio Mills (1892, restauración y expansión: 1907-1909)
Washington, D.C.
Union Station (1908)
Postal Square Building (1911-1914)
Columbus Fountain (1912)
Otros
Keokuk Union Depot, Keokuk, Iowa (1891)
Pearsons Hall of Science, Beloit, Wisconsin (1892-1893)
Edificio Ellicott Square, Buffalo, Nueva York (1896)
Columbus Union Station, Columbus, Ohio (1897)
Edificio Wyandotte, Columbus, Ohio (1897-1898)
Gilbert M. Simmons Memorial Library, Kenosha, Wisconsin (1900)
Edificio Continental Trust Company, Baltimore (1901, esquina sureste South Calvert y East Baltimore Streets, dañado durante el Gran Fuego de Baltimore de febrero de 1904, pero al inspeccionar el exterior de acero y albañilería se consideró solido; el interior dañado fue posteriormente reconstruido)
Primer Edificio del Banco Nacional (ahora Edificio Fayette), Uniontown, Pennsylvania (1902)
Cleveland Mall con Arnold Brunner y John Carrère, Cleveland (1903)
Union Station, El Paso, Texas (1905-1906)
El Edificio Fleming, Des Moines, Iowa (1907)
Yazoo & Mississippi Valley Railroad station, Vicksburg, Mississippi (1907)
Duluth Centro Cívico Distrito Histórico, Duluth, Minnesota, (1908-1909, cuatro edificios)
Selfridge & Co. Department Store, Oxford Street, Londres (1909)
Edificio del Banco Nacional de Miners, Wilkes-Barre, Pennsylvania (1911, ahora Centro Financiero del Banco Ciudadano)
Terminal Arcade, Terre Haute, Indiana (1911)
Filene’s Department Store, Boston (1912)
Starks Building, Louisville, Kentucky (1912)
Segundo edificio del Banco Nacional, Toledo, Ohio (1913, ahora Riverfront Apartments)
El Granada, California (plan maestro de ciudades)
Primer edificio del Banco Nacional, Milwaukee
Joliet Public Library, Joliet, Illinois (1903)
Estación de tren Kenilworth, Kenilworth, Illinois
Observatorio de Mount Wilson, Pasadena, California
Filipinas
Planificación de la ciudad para Manila
Planificación de la ciudad para Baguio
Edificio Provincial Capitolio en Bacolod, Negros Occidental
Pangasinan Provincial Capitol
Burnham Park
Otros
“No hay planes pequeños”. Daniel Burnham y la Ciudad Americana es el primer largometraje documental sobre el arquitecto y planificador urbano Daniel Hudson Burnham, producido por el Taller Archimedia. La distribución nacional en 2009 coincidió con la celebración centenaria del Plan de Chicago de Daniel Burnham y Edward Bennett.
“El Diablo en la Ciudad Blanca”, un libro de no ficción de Erik Larson, entrelaza los verdaderos cuentos de dos hombres: H.H. Holmes, un asesino en serie famoso por su «hotel asesino» en Chicago, y Daniel Burnham.
En el juego de rol Armados desconocidos James K. McGowan, el verdadero rey de Chicago, cita a Daniel Burnham y lo considera como un paragón del misterioso y mágico pasado de la Ciudad Viento.
En el episodio «Legendaddy» de TV sitcom Cómo meto a tu madre, el personaje Ted, que es profesor de arquitectura, describe a Burnham como un «cameleón arquitectónico».
En el episodio «Household» de Hulu original El cuento de la sierva, a Daniel Burnham se menciona indirectamente y sólo se llama Hereje por la razón por la que el gobierno de Galaad demolió y sustituyó Washington, D.C.’s Union Station.
En la versión de Joffrey Ballet El Nutcracker, coreografiado por Christopher Wheeldon, Daniel Burnham, es el personaje de Drosselmeyer del ballet.
Notas
1
(Datos de Urbipedia).
Daniel Hudson Burnham (1846 – 1912) un reconocido exponente de la escuela de Chicago, experimentó las nuevas técnicas constructivas en hierro.
Al no ser aceptado en Yale y en Harvard, se formó como arquitecto junto a Le Baron Jenney.
Edificio Rookery, Chicago, (1886)
Conoció a John Wellborn Root en el estudio de Frank Lloyd Wright en Chicago con quien formaría en 1873 el estudio Burnham & Root.
Fueron dos de los arquitectos más destacados de la Escuela de Chicago (junto a Le Baron Jenney, Sullivan y Richardson), fundada tras el incendio de esta ciudad en 1881.
Aunque al principio proyectaron algunas residencias, posteriormente se dedicaron a la construcción de grandes edificios, rascacielos de gran masa y buscando siempre la verticalidad para lograr edificios cada vez más altos.
Edificio Monadnock, Chicago (1891-1893)
Su primer edificio importante es el Rookery (1886). Es un gran almacén en el que destaca la utilización de un hierro más industrializado y la escalera (de hierro), con decoración también férrica.
El primer edificio en altura que construyen es el Monadock (1891), un edificio de dieciséis pisos con muros exteriores portantes de ladrillos.
Todo el tratamiento exterior es de ladrillo, destacando las ventanas plegadas que se despegan del muro como grandes columnas para dar mayor resistencia y captar mayor cantidad de luz.
Son las llamadas ventanas Chicago.
Luego del Hotel Grate Northern, realizan su obra más importante, el Edificio Capitol o Templo Mesónico, que con sus 22 pisos fue el edificio más alto del mundo
Edificio del Templo Masónico, Chicago (1891-1892)
Compuesto de manera tradicional, está formado por una serie de plantas bajas a modo de zócalo, con numerosas ventanas.
El cuerpo central dispone de las llamadas ventanas Chicago rematadas superiormente con un arco. La coronación del edificio se hace a través de un conjunto de plantas que dan la sensación de edificio historicista.
Tras él, realizaron el edificio más famoso del estudio, el Reliance Building.
Por primera vez aparece la estructura metálica al exterior.
Con una decoración bastante sencilla, este edificio se basa en la idea de apilar plantas horizontales buscando crecer en altura.
Reliance Building. 1890 – 1895
Está situado en el 1 W. Washington Street en el área comunitaria Loop de Chicago.
El sótano y la primera planta fueron diseñadas por John Root en 1890, y el resto del edificio fue completado por Charles B. Atwood en 1895, ambos del estudio de Daniel Hudson Burnham.
Fue el primer rascacielos con grandes ventanas de vidrio que componen gran parte de la fachada, presagiando una característica que sería dominante en el siglo xx.
El Reliance Building forma parte del Distrito Comercial Histórico del Loop, un conjunto de más de cien edificios que reflejan el crecimiento de las calles State y Wabash como el centro comercial de Chicago.
Edificio Flatiron, Nueva York (1901)
El edificio se deterioró desde la década de 1940, y fue restaurado a finales de la década de 1990.
Desde 1999, en el edificio funciona el Hotel Burnham, con 122 habitaciones, y el Atwood Cafe.
2
Bowler (1849 – 1895) estudió en la Escuela Científica Lawrence de la Universidad de Harvard. se formó en la oficina de Ware & Van Brunt en Boston, era reconocido como buen diseñador y dibujante.
Diseño varios edificios para la Exposición Colombina de Chicago, como la estación terminal y el edificio de Bellas Artes, que aún permanece en su lugar original, hoy es el Museo de Ciencia e Industria,
Como miembro del equipo de Daniel Burnham, realizó el edificio Reliance y el edificio Marshall Field and Company.
Edificio Reliance
Secuencia de fachadas de tiendas en la esquina de las calles North State y Washington, interrumpidas por las secuelas del Gran Incendio de Chicago de 1871
3
Edisonia Hall era un nombre genérico para las salas de exposiciones en las que se exhibían los diversos inventos de la empresa de Thomas Alva Edison , entre ellos el fonógrafo, el vitascopio, el kinetoscopio entre otros aparatos similares.
El Edisonia Hall, inaugurado por Mitchell Mark y Moe Mark el 19 de octubre de 1896, albergó el Teatro Vitascope, el primer cine dedicado solo a proyectar películas. La mayor parte fueron películas fue de Lumiere Films. En su primer año más de 200.000 personas lo visitaron para cine en una gran pantalla.
4
El Rookery Building es un edificio histórico situado en el 209 South LaSalle Street en el Loop de Chicago, que es un es un área comunitaria del distrito financiero de Chicago, está la sede del gobierno de Chicago y del condado de Cook, zona de teatros y tiendas. Completado en 1888 según el diseño de John Wellborn Root y Daniel Burnham, es uno de sus edificios más importantes, y albergó durante un tiempo su estudio de arquitectura. El edificio tiene 55 m de altura y doce plantas, y se considera el rascacielos más antiguo de Chicago. Tiene un estilo característico con muros de carga exteriores y una estructura de acero interior, que representó una transición entre las formas de construcción tradicionales y las modernas. El vestíbulo fue remodelado en 1905 por Frank Lloyd Wright.
5
Datos obtenidos de academia-lab.com/enciclopedia, de Urbipedia.
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A Pietro de la Góndola, le gustaba caminar por Venecia, antes de llamarse Andrea Palladio, cuando lo hacía por Vicenza.
Vicenza era una de las ciudades más antiguas del Véneto, probablemente fundada alrededor del siglo VI AC, por los Euganeos una población local que luego de refugiarse en los valles alpinos, no ha dejado registros relevantes. Como ocurrió con prácticamente todo el Mediterráneo los romanos la ocuparon 3 siglos más tarde. Su economía no cambió durante siglos, trabajaban la tierra, la ganadería y una producción textil, basada en la industria de la lana.
Giangorgio Trissino
Pietro de la Gongola estudió en Padua junto al arquitecto y pintor Giovanni Maria Falconetto (1468 – 1535), allí no existía una escuela donde pudiera estudiar arquitectura, pero fue un protector, como era frecuente en la época, llamado Giangorgio Trissino (1478 – 1550)(1), quien detecta en él una especial capacidad, que necesita ser desarrollada.
Ya transformado en su protector, decide que su formación será básicamente estudiar a los clásicos. Es justamente Giangorgio quien, como era habitual en esa época, sugiere un cambio de nombre, Andrea di Pietro de la Góndola es bautizado por Trissino como Andrea Palladio. El apellido Palladio podría venir de Palas Atenea o de un personaje de los poemas de Trissino que denominó Palladio, era experto en arquitectura. Decir estudios clásicos, es decir Roma, adonde viajan varias veces juntos, son 5 viajes, Andrea tiene 33 años, Giangorgio 63 cuando realizan el primero, el segundo en 1541, luego 1545. 1547 hasta 1551.
Uno de ellos duró 5 meses. El objetivo de estudiar los clásicos era comprenderlos en su esencia, verlos, oírlos, olfatearlos, medirlos “con la palma de la mano”. Una nueva estética para una Vicenza que, de acuerdo con el pensamiento de Giangorgio deberíoa diferenciarse de la estética de “La Serenísima”.
Era normal pues que, siendo Venecia la sede de un príncipe reinante, fuese llamada Serenissima. El título ya se utilizaba mientras Venecia estuvo bajo la influencia bizantina, que lo ostentaban los príncipes en Bizancio, pero, en la ciudad, cobró importancia tras independizarse de Constantinopla. Procuraban vivir una Pax Serenísima.
El Panteon
El Panteón sería el modelo y el concepto por seguir. Tomó muchos apuntes, no sólo de las ruinas romanas sino también de las obras de Bramante (C. 1443 ó 1444 – 1513), llamado también Donato di Pascuccio d’Antonio algunos de los cuales fueron recogidos en sus “quattro libri dell’Architettura”, obra publicada cuando tenía 62 años, y por la que se le ha relacionado con Leon Battista Alberti (1404 – 1472).
Sección del Panteón en los equinoccios, mostrando la caída de la luz del sol del mediodía
Descubren que en el diseño del Panteón no se dejó nada librado al azar. El todo y sus partes definen un sentido, fueron a descubrirlo y a aprender el porque de ese sentido, de las proporciones del edificio, de su orientación, del estilo de su ornamentación que es una sutil y fascinante decoración. La esfera, el óculo, elemento central define a este faro cósmico diseñado para conectar el mundo terrestre con la morada de los dioses celestes.
El Panteón de Agripa, o Panteón de Roma, es una de las obras maestras de la arquitectura presentes en la capital italiana además de ser el edificio mejor conservado de la antigua Roma.
La construcción del Panteón se realizó en el tiempo de Adriano, en el año 126 d.C. Recibe el nombre de Agripa por haber sido construido donde anteriormente, en el año 27 a.C, se encontraba el Panteón de Agripa destruido por un incendio en el año 80 d.C. Durante los inicios del siglo VII el edificio fue donado al Papa Bonifacio IV quien lo transformó en una iglesia conservándose por ello hasta hoy en día en perfecto estado.
La fachada rectangular, oculta una enorme cúpula con un diámetro mayor al de la Basílica de San Pedro. Está compuesta por 16 columnas de granito de 14 metros de altura, sobre las que se lee la inscripción «M.AGRIPPA.L.F.COS.TERTIVM.FECIT», que significa «Marco Agrippa, hijo de Lucio, cónsul por tercera vez, lo construyó«.
El Panteón, es una perfecta síntesis de armonía e inteligencia constructiva y nadie se atrevió a realizar una obra similar sino hasta el Renacimiento, catorce siglos más tarde. Miguel Ángel se refirió al Panteón como el edificio que tenía «un diseño angélico y no humano».
En la actualidad, este edificio aun conserva su pavimento original de mármol y en las capillas interiores, donde antiguamente se encontraban las estatuas de las divinidades, hoy se encuentran capillas con numerosas obras de arte. Desde el período del Renacimiento, el Panteón ha sido utilizado como sede de la Academia de los Virtuosos de Roma sirviendo de sepulcro a grandes italianos como Rafael de Urbino y los reyes Vittorio Emanuele II, su hijo Umberto I y su esposa Margherita.
La cúpula tiene un diámetro de 43,44 mts, igual a su altura interior de piso a techo, pesa 4.535 toneladas, y lo realizaron sin armadura de acero en su interior. Para aligerar el peso de la enorme semiesfera se optó por cambiar el travertino (la piedra con la que se ha construido prácticamente toda Roma) por una mezcla de piedra pómez y tufo –piedras volcánicas muy porosas- y estrechar el grosor de los muros según se asciende (5,9 metros en la base y sólo 1,5 en el borde del óculo) para luego cubrir el exterior con un hormigón a base de cenizas volcánicas.
Apolodoro de Damasco utilizó el diseño y las técnicas de construcción para hacer más fuerte el cilindro sin necesidad de construir grandes contrafuertes en el exterior (como en los grandes edificios bizantinos como Santa Sofía). La solución fue hacer siete ábsides interiores que crean una superficie con aristas que ayuden a repartir el peso en puntos específicos del suelo. Para hacer los muros alternó ladrillo (creando un esqueleto de arcos y contra arcos que van repartiendo el peso de la cúpula) y hormigón para crear un tambor sólido pero delicado.
El Óculo tiene un diámerto de 9 metros, está permanentemente abierto para dejar pasar la luz y el agua de lluvia, por ello el pavimento de la sala circular es ligeramente curvo, unos 30 cm para conducir la lluvia hacia los canales de desague que estan en todo su perimetro, la forma especial del Óculo crea una corriente de aire ascendente que desmaterializa el agua de lluvia, durante las tormentas copiosas entra un rocio que se filtra por los 22 pequeños agujeros que hay en el suelo.
La cúpula da sentido al edificio y su planta circular es su mayor desafío. Para aligerar el peso de la enorme semiesfera se optó por cambiar el travertino (la piedra con la que se ha construido prácticamente toda Roma) por una mezcla de piedra pómez y tufo –piedras volcánicas muy porosas- y estrechar el grosor de los muros según se asciende (5,9 metros en la base y sólo 1,5 en el borde del óculo) para luego cubrir el exterior con un hormigón a base de cenizas volcánicas. Apolodoro de Damasco utilizó el diseño y las técnicas de construcción para hacer más fuerte el cilindro sin necesidad de construir grandes contrafuertes en el exterior (como sucede, por ejemplo, en los grandes edificios bizantinos como Santa Sofía). La solución fue hacer ábsides interiores que crean una superficie con aristas que ayuda a repartir el peso en puntos específicos del suelo. Para hacer los muros alternó ladrillo (creando un esqueleto de arcos y contra arcos que van repartiendo el peso de la cúpula) y hormigón para crear un tambor sólido y al tiempo ligro y armónico.
La orientación del edificio es una muestra de la pericia romana a la hora de diseñar con sentido simbólico. La puerta del edificio se orienta hacia el norte y el Óculo está especialmente diseñado para que la luz solar entre en el edificio e ilumine el suelo en los equinoccios de Primavera y Otoño. El haz de luz solar del medio día ilumina la entrada cada 21 de abril, día de la fundación de Roma, recorriendo el suelo del templo hasta que lo deja el 20 de agosto. Luego habita en las alturas de la cúpula hasta la llegada de una nueva Primavera.
El Panteon ámbito divino pra recibir a los diosoes, se reconstruye en el mismo lugar en el que en el año 27 d.C. se encontraba el anterior Panteon erigido por Marco Agrippa, debido a que en el 80 d.C. un incendio lo destruyó. Su reconstrución se realizó en tiempos de Adriano en el 126 d,C, Fue donado al Papa Bonifacio IV que lo transformó en Iglesia, una motivo impotante con el cuidado que ha facilirado estar mas de 20 siglos despues en un excelente estado. Aun cuando el Panteón es un monumento histórico, sigue siendo en la actualidad una iglesia en la cual se celebran misas y especialmente matrimonios.
El Panteón está dedicado a los siete dioses celestes de la mitología romana: el Sol; la Luna; Marte; Mercurio; Venus, Júpiter y Saturno.
Una arquitectura de película (2)
Villa Saraceno
El director de cine Giacomo Gatti(3) comenzó hace 6 años, el rodaje de un documental dedicado a Andrea di Pietro della Gondola, que denominó “Arquitecto Vicentino”.
Es en Vicenza donde Palladio construyó 23 monumentos (palacios, edificios civiles y religiosos) y 16 villas en el territorio provincial.
Rescata el llamado “Palladianismo”, difundido en Europa gracias al arq ingles Iñigo Jones (1573 – 1652) y Thomas Jefferson (1743 – 1826) tercer presidente de los Estados Unidos.
Iñigo Jones fue respetado por emplear las reglas de proporción y simetrías difundidas enciclopédicamente por Vitruvio.
Castillo de Nereworth. 1722/25. Arq. Colen Campbell. Kent. Reino Unido
Reconocidas son sus obras Banqueting House en Whitehall, el diseño de la plaza del Covent Garden. Tuvo gran influencia en los arquitectos del siglo XVIII difundiendo el “palladianismo inglés”.
Podemos agregar que hubo ejemplos referenciales como el castillo de Mereworth en el condado de Kent (1723/25) así como la obra de Lord Burlington (1694-1720) con Chiswick House en Londres.
Recuerdo haber escuchado que era “grande para usar de llavero, y muy pequeña para vivir”. Esta en las afueras de Londres cerca de la autopista para salir de la ciudad.
Chiswick House 1727-29
El punto de salida lo marca la escena que reúne en la Villa Saraceno a los “palladianos” actuales, propietarios y residentes de las villas (como los condes Antonio Foscari y Nicoló Valmarana y Cristian Malinverni), expertos, estudiosos y restauradores en un fructífero diálogo durante un banquete, tratando de captar al máximo el universo antiguo y moderno de Palladio.
El film de Gatti consigue explorar el impacto del arquitecto, el estreno fue el 20 de mayo de 2019 en Italia. El cineasta adopta un enfoque itinerante y no lineal, la película de 97 minutos, Palladio: The Power of Architecture, presenta a personas como el historiador y político Lionello Puppi (1931 – 2018), el arquitecto y escritor Kenneth Frampton (1930), el artista George Saumarez Smith o al arquitecto Peter Eisenman (1932) que reflexionan sobre su influencia histórica y su papel en la imaginación arquitectónica mundial.
La película se filmó en Estados Unidos y Europa, con estudiantes y académicos de Yale y Columbia, mientras hablan se intercalan imágenes de la Villa Foscari (La Malcontenta), Villa Capra (La Rotonda) entre otros lugares de Italia.
Palladio fue declarado “el Padre de la arquitectura estadounidense” por el Congreso en el 2010. La Rotonda fue inspiradora de la Villa de Monticello (residencia de Jefferson), una Villa que pude recorrer y de la Universidad de Virginia.
Motovum
He visitado la Villa Foscari, que tan bellamente muestra su mejor cara al canal Brenta.
Fui luego de una Feria del libro de Frankfurt junto al grupo de editores “Motovum” (4), del cual era miembro permanente desde el 2002.
En el 2012, magicamente consiguieron la invitación para que podamos visitar la Malcontenta.
El grupo lleva el nombre de la ciudad Croata Motovum, ésta quedó, en muchos sentidos marcada por la dominación veneciana.
Encuentro de verano en Dresden en el 2006 – estoy agachado a la derecha al lado de un niño, con chaqueta azul-
Pude saber que allí se encuentra el León de San Marcos, el más antiguo de todos, al que llaman León de Venecia, una antigua escultura en bronce de un león alado que está situada en la Plaza de San Marcos en Venecia, desde el siglo XII, es su símbolo.
Tenía unos hermosos robledales, de los que ahora solo quedan menos de 10 hectáreas, ya que la tala masiva para abastecer de madera a Venecia y construír las viviendas sobre pilotes, fue una perdida ecológica, inmensa.
Es propiedad de la familia Foscari, perteneciendo actualmente al arquitecto Conde Antonio Foscari Widmann Rezzonico, responsable de la reciente restauración de la villa, y uno de los arquitectos responsables de la restauración del Palacio Grassi en Venecia.
La Villa Foscari, llamada “La Malcontenta”, es una villa del siglo XVI realizada por Andrea Palladio. Se encuentra en el municipio italiano de Mira, cerca de Venecia. Según la leyenda, el nombre de La Malcontenta se debe a la noble dama Isabel Delfín, esposa de Nicolás Foscari, fue confinada a la villa porque, se alegaba que no cumplía su deber conyugal, y en los salones del patriciado culpaban del hecho a un presunto amorío de la aristócrata con el Dogo de Venecia. Otra leyenda dice que en 1431 ya se llamaba asi, para recordar el descontento de los habitantes de Padua y Piove di Sacco por la construcción del Naviglio del Brenta. Éste era un canal que une la ciudad de Padua con Trento pasando por Bassano del Grappa (donde está el increíble puente de madera de Palladio que he visitado y menciono más adelante).
Antiguo puente de madera que cruza el río Brenta, documentado el original porel cronista medieval Gerardo Mauricio (c. 1173/76 – 1237) el puente actual es un diseño de Andrea Palladio de 1569.
El puente preexistente de 1209 al 1569 era una estructura de madera sobre pilotes cubierto, via de comunicación entre Bassano y Vicenza. El dibujo es el puente que aparece en el libro III de los Cuatro libros de la arquitectura es de 1570.
Hay muchos dibujos de obras de Palladio realizados por Ottavio Bertotti Scamozzi.(5)
En 1567 una inundacion del río Brenta destruyó el histórico puente existente. Requerido Palladio, presentó un puente de piedra con tres arcos siguiendo el modelo de los antiguos puentes romanos, que fue rechazado por el Concejo de la ciudad, su segundo proyecto fue un puente de madera que rememoraba la estructura del anterior, aunque renovada en sus soluciones tecnicas y estructuralres. La cubierta esta soportada por columnas toscanas.
La Rotonda
A La Rotonda la visite en octubre del 2018, en mi viaje a Vicenza de 10 dias, de la mano imprescindible de mi guía Chiara Pesavento (se las recomiendo especialmente chiara.pesavento77@gmail.com). Me hace anticipar el viaje, comenzar buscando información, leyendo pero mucho preguntando, no todos los dias se pueden visitar obras, y una planificación es imprescindibles, asi como recorridos que permitan unir direcciónes cercanas.
En mi cuaderno de viaje de mas de 70 páginas escribi el 12 de octubre de 2018: “…Una hora 50 separa el mundo del modernismo catalán de finales del XIX y principios del XX, de los años del renacimiento (período de transición entre la edad media y los inicios de la edad moderna o entre el descubrimiento de America en 1492 y la revolución francesa en 1789, otros mencionan la caída de Constantinopla en 1453 o la invención de la imprenta en 1440 con Johannes Gutenberg, bueno por ahí andará).
Hacia 1519 muere Leonardo da Vinci, y en 1564 Miguel Angel Buonarroti, faltaba aun un siglo y medio para que la música tonal de Johann SebastianBach (1685 – 1750) reemplazara a la de Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 – 1594).
“Una adhesión a una cultura que reinterpretó la arquitectura romana antigua, Andrea di Pietro, no fue sino a sus 30 años, que junto a su benefactor e ideólogo el noble Giangiorgio Trissino quien imaginó las bases de una nueva arquitectura, es decir una arquitectura de una calidad increíble.
No copió, no trasladó, reinterpretó y propuso un nuevo orden, un lenguaje que la sociedad de la época asumió”.
En ese viaje, estudié y señalé 45 obras de Palladio y otros arquitectos para ver, de las que visitamos unas 25.
Puede escuchar un concierto en el Teatro Olímpico, primer teatro techado del mundo, y el maravilloso escenario de calles fugadas como si de Tebas se tratase.
Villa Sarracedo
Fuimos a ver de los arquitectos Ottavio Bertotti Scamozzi (1719 – 1790) y Francesco Muttoni (1669 – 1747) su Villa Capra en Saracedo, donde “según dicen”, han mejorado la Rotonda (Villa Almerico, Villa Capra o Villa Capra-Valmarana).
No lo vi así, 3 integrantes de la familia propietaria, te vendían las entradas, y prácticamente solos la recorrimos durante un par de horas. En el tímpano pone Horativs Clavdius Capra (Horacio Claudio Capra) se refiere al Conde “para gloria de él y su familia”.
El Conde Capra vendió el pueblo y la villa a Giuseppe Bassani en 1850, familiar por tercera generación de Bruno Fortunato, el actual propietario. La Villa Capra, esta sobre la via Villa Capra, 39, luego de un cerco de madera, se llega a la villa por una avenida, que va subiendo. Está en Cavallino, comuna de Sarcedo, a 22 km de Vicenza, unos 31 minutos conduciendo (¡¡ponen muchas multas en Italia por la velocidad, pague varias, ojo!!, y te llegan o las paga la compañía del alquiler del auto y te las cargan.
La formación intelectual de Palladio, no solo se debió a su mecenas, y a los viajes que realizó, del cardenal FedericoCornaro y de Bárbaro recibió lecciones sobre la antigüedad a través de las traducciones de Vitruvio (c. 80 o 70 a.C. – c. 15 a.C.)o Marco Vitruvio Polión y sus tratados.
Palladio realiza a Federico Cornaro en el Municipio de Piombo, a 30 km de Venecia, una Villa renacentista que lleva el nombre de Villa Cornaro. Se comenzó en 1553, posee un extraordinario pronaos de doble orden (pórtico y logia central). (6)
Las opiniones de Palladio forman parte de su tratado “Los Cuatro Libros”, que tienen su base en las mediciones y registros de la arquitectura de la antigüedad. Ello le permitió evitar una imitación, sino materializar una continuidad. Incorpora su obra descrita y analizada, la que constituye un cuerpo teórico que parte de la práctica. (7)
Y quien era Giangorgio Trissino? pertenecía a una familia noble, poderosa e influyente, desde joven realizó tareas diplomáticas al servicio de 3 papas León X, Clemente VII y Paulo III. Viajó por toda Italia, además de Dinamarca y Alemania.y estudió griego en Milán, filosofía en Ferrara. Sus maestros fueron Demetrio Calcocondilas (8)(1423 – 1511) yNiccolò da Lonigo (1428 – 1514).
Villa Badoer. Via Giovanni Taso,3. En Fratta Polesine, valle del río PO en el Veneto. 1556/1563. Palladio la construye para el magnífico Señor Francesco Badoer
Tanto Calcondilas como Lonigo supieron inculcarle un amor profundo a los clásicos grecolatinos y en especial por la lengua griega.
En sus paseos, Andrea atravesaba la Piazza dei Signori, donde estaba el viejo Palazzo della Ragione, construido en el siglo XV, en cuyo segundo piso estaba el gobierno de la ciudad, e iba de compras a la zona comercial de la planta baja, con grandes ofertas de libros, sedas, joyas y objetos textiles.
Los X libros de la arquitectura de Marco Polión Vitruvio, traducido y comentado por monseñor Daniele Barbaro elegido patriarca de Aquileggia. con ilustraciones de Andrea Palladio y otras atribuidas a Giuseppe Salviati (1520 – 1575). Fue editado por Francesco Marcolini da Forli (1500 – 1559), y publicado en Venecia en 1556. Está impreso con ilustraciones xilográficas. 37,6 x 28,2 x 3,1 cm.
Años más tarde y a raíz de un derrumbe parcial de la Basílica, que estaba en un edificio gótico medieval, se llamó a concurso, como indicaba la costumbre, para que los mejores arquitectos hicieran sus propuestas.
Se presentaron arquitectos de reconocida fama como Sebastiano Serlio (1475 – c. 1554) o Jacopo d’Antonio Sansovino (1486 – 1570).
Se impuso la propuesta de Palladio, proponiendo una Logia del Palacio della Raggione, proponía agregar al edificio una basílica, entendida al modo romano, un lugar de reunión y lonja de negocios, al que agregó un pórtico clásico en la fachada principal que da la Piazza delle Erbe, envolviendo todo en “un cascarón” de mármol blanco”.
Se le pidió un modelo de madera, el cual estuvo expuesto para recibir la aprobación pública, durante tres años. El 1550 se empezó la obra. Palladio en su “Tratado”, dice: “La basílica de Vicenza fue construida según mi fantasía y de acuerdo con mis dibujos. Es original por su disposición y formas graciosas”. En una segunda piel o fachada utilizó un recurso muy novedoso, no utilizado por el mundo clásico, la “ventana palladiana, ventana serlina o ventana véneta”.
Adosando al lateral de cada arco, una pequeña ventana rectangular que enfatiza el espacio central, ocupado por un arco, a la manera de los arcos de triunfo.
Este elemento arquitectónico sería utilizado en todo el mundo, especialmente España, América e Inglaterra además de sus territorios de influencia.
El piso bajo de la Basílica está rodeado de una severa columnata dórica. El principal ya es de orden jónico. En los intercolumnios hay arcos contenidos por columnas menores.
Notas
1
Gian Giorgio Trissino dal Vello d’Oro (Vicenza 1478 – 1550 Roma) fue un poeta, humanista, dramaturgo, filólogo y diplomático del Renacimiento italiano. Propugnó tanto en su famosa Poética de 1529, como en su práctica literaria (su “tragedia Sofonisba” de 1524) seguir las tres unidades aristotélicas: la vuelta a los modelos formales clásicos grecolatinos en temas, estilo, lenguaje y géneros literarios.
2
Datos y referencias de. Descubrir el arte, por Carmen del Vando Blanco 8 de abril de 2018. The Architects newspaper, por Drew Zelba 17 de mayo 2019
3
El documental, dirigido por Giacomo Gatti (autor también de Miguel Ángel, el corazón y la piedra), pone pie en la región del Véneto, cuna de Palladio, y en las Villas que proyectara para las prestigiosas familias del siglo XVI, Palacio Chieracati, Teatro Olímpico, Basílica Palladiana, La Rotonda, Villa Saraceno, Villa Caldogno y Villa Godi Malinverni.
Gatti continúa en Roma con el Panteón que tanto inspiró a Palladio hasta tal punto que su cúpula de hormigón artesonado (hemisférica), llegó a ser un elemento característico de las villas palladianas.
La filmación finaliza en los Estados Unidos, con Wall Street y la Casa Blanca, construidas siguiendo la estela de Palladio hace cuatrocientos cincuenta años.
4
Motovum Group Association (MGA) fundada en 1977 es una comunidad mundial de editores y especialistas en libros, entre ellos fotografos, traductores, diseñadores, comprometidos en fomentar la cooperación y el entendimiento internacional mediante el intercambio de ideas e información. La ciudad de Motovum, en Croacia, fundada en 983 por Otto II en el centro de la Península de Istria fue bastión del Sacro Imperio Romano. Su campanario fue construido en el siglo XIII, un ejemplo de arquitectura colonial veneciana.
Antiguo Castro Romano, o «castrum», que era como los romanos llamaban a los poblados o a las fortificaciones, que en la cima de una colina estaba rodeada de una muralla circular. Motovun tuvo su mayor expansión bajo la dominación veneciana; sus murallas circulares a dos alturas con torres y puertas se construyeron entre los siglos XIV y XVII. Pero, como en toda Istria, las epidemias de peste causaron grandes estragos. Para evitar el contagio, el Senado veneciano puso diez personas para montar la guardia en la ciudadela y autorizo al alcalde a dormir fuera de los muros del pueblo. Las tres partes de la ciudad están conectadas por un sistema de fortificaciones internas y externas con torres y puertas de la ciudad con elementos de estilos románico, gótico y renacentista, construido entre los siglos 14 y 17. Con el MGA, he viajado a la India, Venecia, Dresden, Jaranilla de la Vega, Chioggia, Placencia, entre otros, donde hemos organizado conferencias, visitas a lugare especialmente interesantes para los editores, y realizado acuerdos de coedición
5
Vincenzo Scamozzi, el célebre arquitecto que más de un siglo antes, en 1616 había concertado un legado para permitir a un joven de Vicenza estudiar arquitectura siempre que llevara su apellido. Apoyado por el marqués Capra, Bertotti obtuvo el legado en una fecha que sería antes de 1761.
Traigo este texto de Francesco Milizia
“…Vincenzo Scamozzi, arquitecto de primera, al no tener parientes cercanos, dispuso de su patrimonio de tal manera que cualquiera de su patria que alcanzara la mayor excelencia en Arquitectura pudiera disfrutarlo de por vida, con la obligación de asumirlo. el apellido del benefactor…OttavioBertotti, se convirtió en Scamozzi a juicio de los albaceas, los marqueses Capra…. Pero Vicenzo Scamozzi nunca hubiera esperado que su beneficiario OttavioBertotti Scamozzi… se hiciera famoso celebrando aún más la gloria de Palladio”.
“… OttavioBertotti Scamozzi, después de examinar, comparar y medir exactamente las obras de Palladio, separándolas de las atribuidas a otros les dio una edición magnífica, que honra a los artistas de Vicenza y de toda Italia”.
“Memorias de arquitectos antiguos y modernos”, Imprenta Real, 1781.
6
Dirección Via Roma 104 – Piombino Dese (PD). Iniciada en 1552 y finalizada 1553. Visitas en verano sábado de 15:30 a 18:00 hs. Grupos reserva previa en el Caffe Palladio 049 9365017.
7
Taller UNO, Facultad de arquitectura y Urbanismo. UNLP. La Plata Argentina Arq. Pablo Szelagowski, Pablo Remes Lenicov, María Luisa Sagués.
8
Renacimiento nórdico es un término de la historiografía del arte utilizado para clasificar y describir el Renacimiento europeo al norte de los Alpes, fuera de Italia y con exclusión del renacimiento español.
9
La empresa Magnitudofilm ha realizado los documentales dedicados a Caravaggio, El alma y la sangre y a Bernini y al proyecto cinematográfico “Palladio, el poder de una arquitectura”.
Personajes. Por orden de aparición
– Pietro de la Góndola (Andrea Palladio)
– Giovanni Maria Falconetto. Arquitecto y pintor (Verona, 1458 – 1535 Padua)
– Gian Giorgio Trissino dal Vello d’Oro (Vicenza, 8 de julio de 1478 – 1550 del 8 diciembre Roma,) fue un poeta, humanista, dramaturgo, filólogo y diplomático del Renacimiento italiano.
– Donato di Pascuccio d’Antonio o Donato di Angelo di Antonio, conocido como Bramante (Fermignano c.1443/1444 – 1514 Roma), pintor y arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el “Alto Renacimiento” en Roma. Su obra más famosa fue el planeamiento de la Basílica de San Pedro.
– Leon Battista Alberti (Génova 18 de febrero de 1404 – 1472 del 25 de abril Roma) fue arquitecto, secretario personal (abreviador apostólico) de tres papas (Eugenio IV, Nicolás V y Pío II), humanista, tratadista, matemático y poeta italiano. También fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Sin duda uno de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento.
– Vitruvio o Marco Vitruvio Polión (c. 80 ó 70 – 15 a. C.) fue un arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano del siglo i a. C. Fue arquitecto de Julio César durante su juventud y al retirarse del servicio, entró en la arquitectura civil, siendo de este periodo su única obra conocida, la basílica de Fanum (Italia). Es el autor del tratado más antiguo sobre arquitectura que se conserva y el único de la Antigüedad clásica, De Architectura, en diez libros (probablemente escrito entre los años 27 a. C. y 23 a. C.). Inspirada en teóricos helenísticos –se refiere expresamente a inventos del gran Ctesibio–, la obra trata sobre órdenes, materiales, técnicas decorativas, construcción, tipos de edificios, hidráulica, colores, mecánica y gnomónica (Libro IX).
– Demetrio Calcocondilas Chalkokondyles o Calcocondilo (Atenas agosto de 1423 . 1511 9 de enero de 1511 en Milan) fue un escritor, profesor y gramático griego. Contribuyó al Renacimiento de la literatura griega en Italia. Fue el autor de Erotemata (1493), una celebrada gramática griega, y produjo las primeras ediciones impresas de las obras de Homero (1488) y de Isócrates (1493).
– Niccolò da Lonigo o Leoniceno o afrancesado como Nicolas Léonicène (Lonigo, Vicenza en el Véneto 1428 – 1524 el 5 de junio en Ferrara) fue un célebre médico, helenista, humanista, linguista y botánico italiano. Discípulo del humanista Ognibene Bonisoli (1412 – 1474), con quien aprendió griego. Se graduó en Medicina en la Universidad de Padua en 1453, enseñó filosofía natural y aplicó la filología científica a los textos clásicos, latinos y griegos. El filósofo y teólogo considerado como uno de los más grandes eruditos del Renacimiento Nórdico (8) Erasmo de Roterdam (1466 – 1536) admiró su erudición.
– Erasmo de Róterdam (en neerlandés: Desiderius Erasmus van Rotterdam), (Róterdam o Gouda 28 de octubre de 1466 – 1536 el 12 de julio en Basilea). fue un filósofo humanista, filólogo y teólogo cristiano neerlandés, considerado como uno de los más grandes eruditos del Renacimiento nórdico.
– Daniele Matteo Alvise Barbaro (Venecia 8 de febrero 1514 – 1570 13 de abril Ibid.). Patriarca católico llegó a ser cardenal, humanista. estudioso de filosofía, matemática y óptica.
Conocido como traductor y comentarista del tratado De architectura de Vitruvio y por el tratado de La pratica della perspettiva.
Realizó estudios sobre la perspectiva y su aplicación en la cámara oscura. Hombre culto y de amplios intereses, fue amigo de Andrea Palladio, Torquato Tasso (1544 – 1595) y Pietro Bembo. Encargó a Palladio la Villa Barbaro, en Maser, y a Paolo Veronese (1528 – 1588) numerosas obras, incluyendo dos de sus retratos.
– Paolo Caliari o Cagliari, tambien conocido como Paolo Veronese (Verona 1528 – 1588 Venecia). Hijo de un picapedrero, su nombre lo toma de su ciudad natal, Verona. Pintor, es una figura central del Manierismo veneciano. Son especialmente famosos sus grandes cuadros de fiestas bíblicas, repletos de figuras, pintados para los refectorios de monasterios de Venecia y Verona, y también fue el principal pintor veneciano de techos. La mayoría de estas obras permanecen in situ, o al menos en Venecia, y su representación en la mayoría de los museos se compone principalmente de obras más pequeñas, como retratos. Muchos de los más grandes artistas se cuentan entre sus admiradores, Rubens, Watteau, Tiepolo, Delacroix, y Renoir».
– Torquato Tasso (Sorrento, Nápoles, 11 de marzo de 1544 – 1595 25 de abril Roma). Poeta italiano de la época de la Contrarreforma, conocido por su extenso poema épico Jerusalén liberada, ambientado en el asedio de Jerusalén durante la Primera Cruzada, así como por la locura que le aquejó en sus últimos años. Considerado uno de los cuatro grandes poetas de Italia.
– Sebastiano Serlio (Bolonia, 6 de septiembre de 1475 – c. 1554 Fontainebleau) fue un arquitecto manierista italiano que formó parte del equipo que construyó el palacio de Fontainebleau. Ayudó a clasificar los órdenes clásicos de la arquitectura gracias a su tratado “Tutte l’opere d’architettura et prospettiva”, una de las obras teóricas fundamentales de la arquitectura durante la Edad Moderna.
– Jacopo d’Antonio Sansovino (Florencia 2 de julio de 1486 – 1570 27 de noviembre en Venecia). Arquitecto y escultor renacentista, conocido por sus obras en la Plaza de San Marcos en Venecia. Andrea Palladio, en el Prefacio de sus Quattro Libri, opinaba que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio erigido desde la Antigüedad. La Vita de Sansovino es la única de las escritas por Giorgio Vasari que imprimió separadamente.
– Ottavio Bertotti Scamozzi (Vicenza 1719 – 1790 Ibid.), recibe el legado de Vicenzo Scamozi y su apellido, son famosos por su alta calidad los dibujos de las obras de Palladio. Autor del libro “Le fabbriche e i disegni di Andrea Palladio”.
– Marco Vipsanio Agripa (c.63 a.C – 12 a,C,) fue un importgante general y político romano. Amigo íntimo, colaborador, general y encargado de los asuntos militares de Octavio, el futuro emperador César Augusto. Agripa fue el responsable de muchos de los éxitos militares de aquél. Tuvo a su cargo las reparaciones y mejoras de Roma, el acueducto conocido como Aqua Marcia, y las canalizaciones para abastecer a la ciudad. En el 33 a.C. fue elegido edil, reparo calles, limpio e incementó la Cloaca Máxima, realizó jardines, pórticos y termas, una de las cuales lleva su nombre, Las Termas de Agripa. Augusto encantado con las obras dijo «me he encontrado una ciudad de ladrillo y he dejado una de marmol». he aqui su gran reconocimiento a Agripa.
– Publio Elio Adriano (Itálica o Roma 24 de enero de 76 – 138 10 de julio Bayas). Quiza nació en la ciudad de Hispania Baetica, actual termino municipal de Santiponce en Sevilla, España. Durante su reinado fue conocido como «Imperator Caesar Divi Traiani filius Traianus Hadrianus Augustus, y Divus Hadrianus«. Emperador del Imperio Romano desde el 117 al 138, Culto se destacó por su aficción a la filosofia estoica y epicúrea. Trajano lo prefirio como heredero, le concedió la mano de Pompeya Plotina, ésta junto a Lucio Licino Sura fueron determinantes en su ascenso al trono, en agosto del año 117. Ilustre militar, experto en asuntos bélicos, exccelente administrador y reformador del sistema financiero por conquistas, defensa de las fronteras, mejora de las relaciones diplomaticas con otras naciones paa crear zonas de influencias. Fomento politicas de tolerancia, especialmente los cristianos, mejorando las relaciones con Grecia, y normalizó la situación de los esclavos que eran torturados o asesinados ante un delito contra el dominus, bien de la persona que era propietaria y tenía el derecho sobre una cosa corpórea, con pleno poder sobre ella.
–Apolodoro de Damasco (Damsco c. 60 – 133) fue uno de los más grandes arquitecto e ingeniero de la Antigua Roma de origen sirio-romano (ascendencia griega), conocido con los sobrenombres el Damasceno y el Mecánico. Diseñó monumentales obras para el emperador Trajano, como el Puente de Trajano sobre el río Danubio en el año 104. los mercados del Quirinal en Roma, las Termas y el Foro de Trajano, que incluye la basílica Ulpia, el mercado de Trajano, además de puertos, arcos triunfales y otras obras públicas. Una de sus obras más conocidas es la imponente columna de Trajano, estructura de treinta metros de altura y cuatro metros de diámetro, completamente tallada, que narra la historia de la victoria de Trajano en la guerra contra los dacios.
La columna se inauguró en el año 113. Construida en mármol, en la cúspide se encontraba una estatua en hierro de Trajano. Algunos señalan que se trataba de un águila, símbolo de Roma, pero actualmente muestra una estatua de san Pedro. Se le atribuye el panteón de Agripa, una de las pocas muestras de arquitectura de la Antigua Roma cuya estructura todavía se conserva en buen estado.
–Iñigo Jones (Londres 1573 – 1652 Ibid) arquitecto inglés. al ser nombrado «surveyor» del príncipe de Gales, pasó al servicio de lord Arundel. Entre sus obras mas importantes podemos mencionar Queen’s House de Greenwich (1616-1618 y 1629-1635), la capilla de Somerset House (1638), destruida en 1775, la Queen’s Chapel de Saint James Palace (1623-1627) donde utiliza motivos serlianos, el Castle Ashly y su obra maestra, la Banqueting House de Whitehall (1619-1622) donde se relaciona directamente con Palladio, Jones pretendía que la obra pareciera un trozo de la antigua Roma trasladado a Whitehall, lo ha conseguido.
Banqueting House de Whitehall
Con Inigo Jones, comienza una influencia en el arte de Inglaterra durante más de dos siglos. Junto con Christopher Wren, Inigo Jones fue el arquitecto que configuró la arquitectura británica del siglo XVII. sus propuestas de un clasicismo diferente hace apartar el gótico tardío que perdura en el arte inglés en las primeras décadas del siglo XVII y del modelo del barroco italiano. Con un gran conocimeinto introdujo las fórmulas del Renacimiento italiano, en especial las derivadas de Palladio, en la arquitectura inglesa. Realiza un primer viaje a Italia alrededor de 1596, años mas tarde en el 1613 vuelve a Italia con el grupo del coleccionista Arundel. Se quedan 1 año para estudiar la obra de Andrea Palladio, conocer su tratado –Los cuatro libros de arquitectura (1570)- y observar las ruinas romanas.
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En los últimos años he escrito ocho capítulos acerca de la arquitectura del Arq. Carlo Scarpa, sus pensamientos y teorías.
Creo que tiene la entidad de un libro, tiene conceptos de lo que mejor he podido documentarme, leyendo, estudiando y visitando alguna de sus obras.
Pero la gran cantidad de visitas que estos capítulos originaron en el blog, más de 137.077 lecturas, me llevan a decidir no editarlo en papel y ponerlo a vuestra disposición, con mucho cariño, tanto como el que he dedicado a escribirlo.
Los sonidos de Andrea Palladio (deje el bosquejo con una L, me parece mas inocente dejarlo asi, sin corregir la doble l. no tan inocente escribirlo mal).
Un no libro sobre Andrea Palladio
En los últimos años he escrito catorce capítulos acerca de la arquitectura del Arq. Andrea Palladio y sus pensamientos y teorías.
Creo que tiene la entidad de un libro, tiene conceptos de lo que mejor he podido documentarme, leyendo, estudiando y visitando gran parte de sus obras.
Pero la gran cantidad de visitas que estos capítulos originaron en el blog, más de 129.376 lecturas, me llevan a decidir no editarlo en papel y ponerlo a vuestra disposición, con mucho cariño, tanto como el que he dedicado a escribirlo.
Onlybook.es/blog
Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz
Andrea Palladio. Los tratados de arquitectura. 12 junio 2016
Puede interesarte este tema, por lo que te envío una sugerencia de Hugo K: Andrea Palladio. Los Tratados de Arquitectura. https://onlybook.es/blog/andrea-palladio-los-tratados-de-arquitectura/
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Hotel Ronda Nuevo. Calle Ruedo Doña Elvira 29400 Ronda
Distancia desde Ronda a Zahara de la Sierra 37 km
Setenil de las Bodegas
Uno de los pueblos blancos cerca de Ronda, gran parte de sus casas han sido construidas bajo una roca saliente.Es un pueblo pequeño, se recorre en una mañana.
Caminar por la famosa Calle Cuevas del Sol donde se sitúan algunos bares y restaurantes ya sea para comer o solo tapear.
Grazalema
En el punto más alto de la Sierra de Grazalema se encuentra un pequeño pueblo de casas blancas, con estrechas calles y una vista inigualable. Su casco histórico ha sido reconocido como Conjunto Histórico.
La lista de rincones que se pueden visitar
La Iglesia de Nuestra Señora de la Aurora, la Parroquia de la Encarnación y el Puerto de las Palomas.
Distancia desde Zahara de la Sierra a Arcos de la Frontera 45 km.
Arcos de la Frontera
Arcos de la Frontera
1 dia
Parador de Arcos de la Frontera
Distancia desde Arcos de la Frontera a Cádiz 65 km
Cádiz
2 o 3 dias
Distancia desde Cádiz a Sevilla 120 km
Sevilla
2 dias
Distancia desde Sevilla a Córdoba 134 km
Córdoba
1 dia
Distancia desde Córdoba a Madrid 410 km.
Enjoy
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A todos estos lugares se puede ir en auto, taxi, buses, trenes, por agencias de turismo.
Lugares cercanos
1
Patones de arriba (Interés 10/10)
A 68 km de Madrid por la A-1 (1 hora)
En 1555 Patones de Arriba ya existía, tenía 7 vecinos, y era dependiente de Uceda. Hubo reyes del pueblo hasta 1750, que se pidió que empezara a haber alcalde, los reyes eran hereditarios.
Arquitectura negra: Patones de Arriba ofrece una de las muestras más representativas de arquitectura negra de la Comunidad de Madrid.
Mediante esta denominación se conoce un tipo de arquitectura rural que emplea como elemento constructivo principal la pizarra, roca muy abundante en la zona.
Casi todos los edificios de Patones de Arriba están levantados con este material, incluso las construcciones y reconstrucciones llevadas a cabo en las últimas décadas del siglo XX.
Video
Reservar para quedarse a almorzar, las especialidades son el cordero y el cochinillo.
Domingo muy concurrido, dificil aparcar cerca.
2
Chinchon(7/10)
A 44 km de Madrid. 45 minutos
Chinchón es un municipio que se encuentra en el sureste de la Comunidad de Madrid, en la comarca de Las Vegas.
El municipio tiene una superficie de 115,9 km² y cuenta con una población de 5240 habitantes En 1974 su casco histórico, con una notable Plaza Mayor, fue declarado Conjunto Histórico-Artístico.
Meson Cuevas del Vino
Llegar en auto o en transporte publico:
Línea 337: Madrid (Conde de Casal) – Chinchón – Valdelaguna
Línea 416: Valdemoro (Hospital) – San Martín de la Vega – Titulcia – Colmenar de Oreja.
Línea 430: Aranjuez – Villarejo de Salvanés
Hasta 1480, momento en que se convierte en señorío concedido a los marqueses de Moya, Andrés Cabrera y Beatriz de Bobadilla, este territorio rendía cuentas a los concejos y arzobispados de Segovia y Toledo.
En esta época, y en reconocimiento de los marqueses al apoyo militar a la causa de Isabel en su lucha por el trono de Castilla, fueron concedidos 1200 vasallos y un extenso territorio al sur de la jurisdicción de Segovia que incluía el término de Chinchón. Fue entonces cuando se construyó el castillo de Chinchón, de estilo renacentista.
3
Toledo(10/10)
A 72,3 km de Madrid. 1 hora)
Toledo es una antigua ciudad ubicada en una colina sobre las llanuras de Castilla-La Mancha, en España central. Es la capital de la región y es conocida por los monumentos medievales árabes, judíos y cristianos en su ciudad antigua amurallada. También fue la antigua casa del pintor manierista El Greco (1541 – 1614). La Puerta de Bisagra, de estilo morisco, y la Puerta del Sol, de estilo mudéjar, llevan al barrio antiguo, donde la Plaza de Zocodover es un animado lugar de reunión.
La Catedral gótica de Toledo domina el horizonte de la ciudad y cuenta con la compleja obra «El Transparente» de Narciso Tomé en el altar, frescos de Juan de Borgoña y obras de Goya y El Greco. La Casa-Museo de El Greco tiene su propia colección de obras del artista, mientras que el monasterio gótico San Juan de Los Reyes del siglo XV tiene abundantes adornos de arte de fines del período medieval. La mezquita de Cristo de la Luz se construyó en el año 999, y la sinagoga de El Tránsito del siglo XIV alberga el Museo Sefardí. Fuera de sus murallas, la fortaleza de Alcázar tiene un patio de estilo italiano, almenas y un museo militar, y el puente romano de Alcántara cruza el río Tajo.
Perderse (literalmente) por sus calles.
En verano hace MUCHOOOOO calor. Llevar y beber mucha agua.
Tiene muchas subidas, es hermosa, pero en sus subidas y bajadas esta “la penitencia”. Hay desde una de las entradas unas escaleras mecánicas para subir arriba de todo.
4
Segovia (8/10)
A 96,7 km de Madrid A6 y AP61
Mesón Candido
El acueducto de Segovia es un acueducto romano que llevaba aguas a la ciudad española de Segovia. Su construcción data de principios del siglo II d. C., a finales del reinado del emperador Trajano o principios del de Adriano.
Comer cochinillo en el restaurante Dionisio Duque, fundado en 1895. sobre la calle real, a pocos pasos del Acueducto, o en Mesón Cándido (lo atiende la tercera generación), pedir mesa con ventana que de al Acueducto, esta pegado a él.
5
El Escorial (8/10)
A 62,5 km de Madrid. 1h10 por A-6
El Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial es un complejo que incluye un palacio real, una basílica, un panteón, una biblioteca , un colegio y un monasterio. Se encuentra en la localidad española de San Lorenzo de El Escorial, en la Comunidad de Madrid, y fue construido entre 1563 y 1584.
Recorrerlo caminando.
Ver:
Se lo conoce también como Monasterio de San Lorenzo El Real, o sencillamente, El Escorial
Dirección: Av Juan de Borbón y Battemberg, s/n, 28200 San Lorenzo de El Escorial, Madrid
Teléfono: 918 90 50 11
Arquitecto: Juan Bautista de Toledo. , fue ideado en la segunda mitad del siglo xvi por el rey Felipe II, tambien intervinieron posteriormente Juan de Herrera, Juan de Minjares, Giovanni Battista CastelloEl Bergamasco y Francisco de Mora.
La Casita del Infante, o «de Arriba» fue construida por el arquitecto neoclásico Juan de Villanueva entre 1771 y 1773 como casa de campo para el infante don Gabriel de Borbón (1752-1788), hijo predilecto del rey Carlos III y hermano de Carlos IV.
La Casita del Principe, o Casita de Abajo es una de las residencias de la familia real española. Es un edificio del siglo XVIII, en 1931 fue declarada Bien de Inerés Cultural. Fue construída como pabellón de recreo para uso de Carlos IV, por entonces Príncipe de Asturias, fue realizada en dos fases constructivas.
La primera fase, entre octubre de 1771 y 1773, y la segunda entre octubre de 1781 y diciembre de 1784 que se termina el ala oeste, con el salón y la pieza ovalada.
Silla de Felipe II es un conjunto de plataformas escalonadas labrados en granito. Según la tradición, sirvió de observatorio a Felipe II durante la construcción del monasterio de El Escorial. No obstante, las teorías más verosímiles apuntan a que se trata de un nemeton o altar de sacrificios de origen vetón, palabra que del latin significa «los saqueadrores», época prerromana, siglo V a.C.
Real Club de Golf La Herreria
Golf y monasterio
Se puede comer y tiene una hermosa vista de El Escorial.
Museo Cocheras del Rey, Calle del Rey, 41, 28200 San Lorenzo de El Escorial, Madrid.
sábados de 11 a 14 y 15 a 19, domingos de 11 a 14 y de 15 a 18 hs. cerrado de Lunes a Viernes.
También
Alcalá de Henares
A 50 km 34,3 km
Alcalá de Henares es una ciudad situada al nordeste de Madrid. Es conocida por la Universidad de Alcalá, que se encuentra en edificios del casco antiguo que datan del siglo XVI. Entre ellos destaca el paraninfo, un salón con un elaborado techo de estilo mudéjar, donde el rey de España entrega el premio Cervantes de literatura todos los años. Cerca de allí se encuentra el Museo Casa Natal de Cervantes, donde vivió el famoso autor de El Quijote.
Avila
A 114 km de Madrid. 1h23 por A6 y AP6
Ávila está al oeste de Madrid
Punto de encuentro al patrimonio, a la historia, al arte, a la religión, a la cultura, a lo místico, a la naturaleza, a las fiestas y a la gastronomía.
La ciudad vive su época dorada en el s. XVI, siendo centro de lo místico y espiritual, se va del gótico al renacimiento y del manierismo al barroco.
Lo mas importante:
La Muralla de Ávila. medieval. Su perímetro es de 2516 m, tiene 2500 merlones, 87 torreones, 9 puertas y un par de porteras. Es el recinto amurallado mejor conservado de todo el mundo.
Se la puede recorrer en una buena extensión con vistas maravillosas
Y La Catedral. Es la primera catedral de estilo gótico de España. La misma se levantó en los restos de una anterior
Además se puede ver:
La Basílica de San Vicente. Construida a extramuros, según la tradición. La basílica es un buen ejemplar del románico en Ávila. Fue hecha con granito caleño.
El Real Monasterio de Santo Tomás. Construido durante el mecenazgo de Hernando Núñez de Arnalte, de 1482-1493. Posteriormente, los Reyes Católicos ordenan construir un palacio alrededor del claustro oriental.
El Convento y el Museo de Santa Teresa.
El Monasterio de la Encarnación. Fundado en 1478 en el interior del recinto amurallado.
La Casa de los Deanes. Es una casa señorial de estilo renacentista que data del s. XVI. Fue la residencia del Deán de la catedral.
La Iglesia de Santo Tomé El Viejo. Edificio religioso del s. XII construido en granito caleño. Se destaca su decoración que combina lo figurativo, lo vegetal y lo geométrico.
El Palacio de los Superunda. El edificio es de estilo renacentista, construido alrededor de 1580 por Pedro Ochoa Aguirre.
La Iglesia de San Pedro. Se encuentra en la plaza del Mercado Grande, con cierta similitud a la basílica de San Vicente.
El Convento de San José. Convento caracterizado por su sencillez y austeridad.
Los Cuatro Postes. Así se le conoce popularmente a la pequeña ermita de San Sebastián. Se encuentra al lado izquierdo del río Adaja, en las afueras de la ciudad. El nómbrelo recibe por las monolíticas columnas de orden dórico que están unidas por un arquitrabe.
Ciudad Real
En Madrid ciudad
– Recomiendo un tour con los buses, descansas mirando y va a los lugares donde uno quiere visitar, y te llevan, subís y bajas)
– Pasear y vagar sin rumbo fijo, como un Flâneur, al decir del filósofo Walter Benjamin (1892 – 1940) a partir de una poesía de Charles Baudelaire (1821 – 1867) y dibujos de mi buen amigo Edgardo Minond, por el Madrid de los Austrias, de los Borbones.
– EL RASTRO. Ir el domingo. Van junto y alrededor tuyo muchos “cacos”, cuidar MUCHO las mochilas billeteras, etc).
– Pasear por la “remodelada” Gran Vía.
– Entrar en la estación de Atocha y ver su jardín tropical, es gratis entrar. Lo diseño el Arq. Rafael Moneo (el mismo del Museo Thyssen Bornemisza (entre otros como el Museo de Mérida, etc.).
– Plaza Mayor ( para mí, luego o junto con la de Bruselas, una de las mas hermosas) y saliendo por unas de sus puertas el mercado de San Miguel
– Pasear por el parque del Retiro, al final de la calle Serrano, los domingos hay mucho cantante y espectáculos circenses callejeros. Visitar el Palacio de Cristal.
– Caminar por el Paseo del Prado. Empezando por Plaza Cibeles, a la izquierda El Correo, luego El Prado, Thyssen Bornemisza, Caixa Forum, finalizar en el reina Sofía y Atocha
– Compras por calle Serrano y si te da el cuero por la avenida Ortega y Gasset
– Ver el Palacio de CORREOS, del Arq. Antonio Palacios Ramilo (1874-1945), y adelante la fuente de las Cibeles (donde cuando Messi lo deja, festeja el real Madrid)
– barrios de Chueca, Lavapiés (cerca del Reina Sofía), Malasaña
Pasear por el parque de Madrid Río (se puede alquilar una bici normal o eléctrica).
Palacio de Correos. Cibeles
Y al lado el MATADERO. el antiguo matadero y mercado municipal de ganados.
En la Plaza de Legazpi está el metro, y buses.
Ver que actividades tienen, hay 2 teatros, cine de autor y exposiciones, restaurantes.
Esta pegado al enorme parque Madrid Rio, alquilan bicicletas asistidas y normales para recorrerlo.
Tiene 121 hectáreas, muy bien diseñado, ajardinado, cuidado y visitado, su coste (la autopista M 30 con cientos de miles de autos circulando en trinchera, enterrada), su coste fue de siete mil millones de euros.
Ver los 2 puentes hechos por Daniel Canogar (1964), sobre el rio (si así se lo quiere llamar a ese hilo de agua) Manzanares.
“Constelaciones» es una instalación pública permanente realizada sobre los techos abovedados de dos nuevos puentes peatonales que cruzan el río Manzanares.
En su conjunto reunen más de 6.5 millones de teselas.
Las teselas son piezas de forma cúbica, hechas de rocas calcáreas, vidrios o cerámicas, muy cuidadas y elaboradas, de distintos tamaños, el artista las arma como un rompecabezas, distribuyendolas por forma y color, fijándolas con un aglomerante de la serie MIKRA.
Estos 2 colosales murales representan fotográficamente a vecinos de los dos barrios que los puentes unen. Estos vecinos han sido fotografiados para que aparenten estar flotando en el aire.
La obra remite a la representación ingrávida de la figura humana en frescos y mosaicos sacros del pasado.
Los pixeles de las fotografías tomadas por el artista se transformaron en las teselas de estos murales, confluyendo de esta forma técnicas antiguas con procesos contemporáneos.
Puente de Arganzuela (2008-2011). Puente Pasarela
En Madrid Rio, está la pasarela más moderna sobre el Manzanares: el Puente Monumental de Arganzuela.
Puente sobre el Manzanares. Madrid Rio
Puenete peatonal, diseñado por el arquitecto francés Dominique Perrault (1953). Se constyruyó en el 2011 y tiene toques futuristas. Su doble espiral de metal en forma de tirabuzón con dos brazos, cubiertos por una malla metálica que brilla durante el día y se ilumina por las noches mediante farolas que recrean pájaros y mariposas, hacen de este puente no sólo el más original sino uno de los iconos arquitectónicos de Madrid.
Dominique Perrault, es profesor en la Escuela Politécnica Federal de Lausanne, miembro del Consejo científico del Atelier Internacional del Gran París desde 2012. Ganó en 1989 el primer premio de la Biblioteca Nacional de Francia, autor del velódromo y de la piscina olímpica de Berlín, de la ampliación del Tribunal de Justicia de la Unión Europea en Luxemburgo, del Centro Olímpico de Tenis en Madrid, del campus de la Universidad femenina Ewha en Seúl y de la torre Fukoku en Osaka.
Se ocupa de rehabilitación patrimonial, como el hipódromo de Longchamp en París, el pabellón Dufour en el Palacio de Versalles o la de la Oficina de Correos del Louvre en París. En el 2014 ha inaugurado la torre más alta de Viena, icono del nuevo barrio de negocios de la capital austriaca, así como el Gran Teatro de Cordeliers en Albi en Francia.
Madrid Rio
Dentro de un paseo de cinco kilómetros, los que separan el Puente de la Reina Victoria del espacio cultural de Matadero, se descubren rincones y, cinco puentes monumentales. Puente de la reina Victoria,construido en arco entre 1908 y 1909 con toques modernistas y barandilla de hierro enfrente de la Ermita de San Antonio de la Florida, para ver los frescos que Goya pintó en su interior a finales del siglo XVIII y la tumba donde está enterrado, la entrada es gratuita.
Puerta del Rey y el monumental puente del mismo nombre, una pasarela peatonal de 1816 que comunica el Campo del Moro (los jardines del Palacio Real) con una de las entradas a la Casa de Campo. Allí está el Palacio de los Vargas, edificio renacentista de 1519 (hoy de propiedad municipal), la fuente monumental y una zona de viveros y huertas con un mirador.
El Puente de Segovia, el más antiguo de la capital de 1574, en época de Felipe II. Obra del arquitecto mayor Juan de Herrera (1530-1597), autor del Monasterio de El Escorial. Compuesto por nueve ojos en arco de medio punto y sillares de granito, tiene 172 metros. con 75 arcos simples, 44 arcos dobles, seguidos de cuatro arcos simples, 167 arcos en total.
En la otra orilla se puede ver la pequeña Ermita de la Virgen del Puerto de 1716. Ya dentro de Madrid Río, y transitando zonas arboladas se llega, algo más de dos kilómetros después, al impresionante Puente Toledo (peatonal), de estilo barroco churrigueresco construido entre los años 1718 y 1732 con nueve ojos de medio punto con sillares de granito. Tras cruzar el Puente de la Reina, construido en arco entre 1908 y 1909 con toques modernistas y barandilla de hierro, se llega al paseo peatonal de la Ribera del Manzanares.
Museos
Del Prado
Paseo del Prado, s/n, 28014 Madrid
Ampliación realizada por el arq. Rafael Moneo (1937) y actualmente realiza otra ampliación (gano elconcurso de 2016) de 5.700 m2 el Arq. Norman Foster (1935) y Carlos Rubio Carvajal (1950).
La reforma es sobre un edificio existente «el Salón de Reinos» que junto con el Casón del Buen Retiro, son los úñltimos vestigios que quedan del Palacio Real del Buen Retiro, construído entre 1633 y 1639.
Se realizó bajo el reinado de Felipe IV, sobre el proyecto del arq Giovanni Battista Crescenzi (1577 – 1635).
Horarios de Lunes a Sabado de 10 a 20 hs. Domingos de 10 a 19 hs.
Museo Nacional Reina Sofia
Calle de Santa Isabel, 52, 28012 Madrid
Ampliación arq. Jean Nouvell.
Lunes a sábado de 10 a 21 hs. (martes cerrado) domingo de 10 a 19 hs.
La entrada es gratuita los lunes, miércoles, jueves, viernes y sábado de 19h a 21h y los domingos entre las 13:30 horas y las 19 horas
El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza es una pinacoteca de maestros antiguos y modernos
Paseo del Prado, 8, 28014 Madrid
Martes a domingo de 10 a 19 hs. Lunes de 12 a 16 hs.
Caixa Fórum
Arq. Herzog & de Meuron (reforma 2002)
La sede de CaixaForum Madrid es un antiguo edificio de tipo fabril, la antigua Central eléctrica del Mediodía de 1900 a nombre del empresario José Batle.
Con fachadas de ladrillo, se hallaba encajonado entre calles estrechas.
La fachada lateral de un bloque anexo quedaba al descubierto, y fue embellecida mediante un espectacular tapiz vegetal, conformado por cientos de plantas que se mantienen vivas mediante un sistema de riego oculto, creación de Patrick Blanc en 2008.
Escuelas Pías de San Fernando (Sede UNED)
Calle de Tribulete, 14. Madrid. a 10 minutos andando desde el Museo Reina Sofia por el encantador barrio de Lavapies, recorrer la calle argumosa, llena de bares y restauranes. Lunes a Viernes de 9,15 a 21,45 hs. sábados y domingos cerrado.
Se conserva parcialmente en ruinas, fue el primer colegio que hubo en Madrid de la orden de los Escolapios.
Fundado en 1729, el colegio tenía como objeto la educación de niños pobres.
Construida entre 1763 y 1791 por el hermano Gabriel Escribano y destruida durante los primeros días de la Guerra Civil, en 1936.
El edificio fue totalmente reformado como sede de la UNED, dotándose de una gran biblioteca, auditorios, salones de actos…y revitalizando culturalmente el castizo barrio de Lavapiés.
El edificio diseñado por José Ignacio Linazasoro (1947) se desarrolla en las ruinas de la iglesia de las antiguas Escuelas Pías de San Fernando, destruida durante la Guerra Civil, y en el solar adyacente. La intervención se plantea como una actuación urbana reordenando la Plaza de Agustín Lara y creando un aparcamiento bajo ésta. El edificio alberga un Aulario Universitario que ocupa el solar vacío, y una Biblioteca situada en las ruinas.
Ermita de San Antonio de la Florida
Gta. de San Antonio de la Florida, 5, Moncloa – Aravaca, Madrid.
Una ermita situada en el distrito de Moncloa-Aravaca que alberga, magníficas obras de Francisco de Goya pintadas a finales del siglo XVIII.
Fue declarada Monumento Nacional en el año 1905 para su correcta conservación.
Allí está la tumba de Francisco de Goya desde 1919.
Museo Lazaro Galdiano
Av. Serrano 122.
El Museo Lázaro Galdiano, en Madrid, es un museo estatal de origen privado, que alberga una amplia y heterogénea colección, formada con interés enciclopédico hacia todas las artes y técnicas. Este excepcional conjunto, constituido por más de 12 600 piezas, fue reunido por el coleccionista y editor José Lázaro Galdiano (1862 – 1947) quien al morir lo lega al Estado español junto con su residencia madrileña, la sede de su editorial La España Moderna y una biblioteca de 20 000 volúmenes.
Tras crearse la Fundación Lázaro Galdiano y adaptarse como museo la antigua residencia del donante (Parque Florido, en el barrio de Salamanca de Madrid), la colección se presentó al público el 27 de enero de 1951
Entre sus obras de arte más valiosas destaca el conjunto de pinturas, dibujos y grabados de Goya, con piezas mundialmente conocidas como El aquelarre o Las brujas, encargadas por los duques de Osuna (1797-1798). El Bosco, Lucas Cranach el Viejo, El Greco, Murillo, Zurbarán, Claudio Coello, Luis Paret o Federico de Madrazo, así como una miniatura en pergamino de Giulio Clovio y dos bronces de Giambologna. Pero posiblemente la obra más singular del museo es la pintura sobre tabla El Salvador joven, realizada en el taller de Leonardo da Vinci a partir de un diseño perdido del maestro.
El Museo Sorolla es un Museo Nacional español ubicado en un palacete del Paseo del General Martínez Campos, emplazamiento que serviría de taller y vivienda a Joaquín Sorolla y Bastida (1863 – 1923) junto a su mujer y tres hijos.
Dirección: Paseo del General Martínez Campos, 37, 28010 Madrid
Inaugurado el 11 de junio de 1932.
Lunes cerrado. Martes a sábado de 9,30 a 20 hs y los domingos de 10 a 15 hs.
La iglesia de San Antonio de los Alemanes, se ubica en la esquina de las calles Puebla y corredera baja de San Pablo.
Estilo barroco madrileño, diseñada por Pedro Sanchez. está enteramente pintada al fresco, tanto la cúpula elipsoidal que lo cubre como la unidad de ésta con las paredes. Es impresionante ver la decoración pictórica que cubre toda la superficie interior del edificio.
El interior de la iglesia es un perfecto ejemplo de ilusionismo barroco, en el que la pintura al fresco se une a la arquitectura y las esculturas de los retablos para crear un efecto de lujo, movimiento y colorido.
Tiene frescos de Luca Giordano (1634 – 1705) y Francisco Ricci (1614 – 1685). Giordano fue pintor de la corte y trabajo en el Palacio Real y el Palacio del Buen retiro. Ricci vino a Madrid a tranajar en el Monasterio del Escorial. Tambien intervino Juan Carreño de Miranda(1614 – 1685),
Su construcción comenzó con la aprobación del proyecto arquitectónico en 1624 durante el reinado de Felipe IV (1621-1640) y no finalizaría hasta inicios del siglo XVIII. Cerca de la Plaza Mayor. Metro estación Callao (L3 y L5), estación Gran Via L1 y L5 y Estación Noviciado L2, L3 y L10. Lunes a Sábado de 10,30 a 14 hs.
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Puede interesarte este tema, por lo que te envío una sugerencia de Hugo K: Florencio Molina Campos.
Asppan y Onlybook asi como H Kliczkowski, obtienen varios premios editoriales en 2002 el “Best Selection from Japan Library Association); 2003 (100 años premios FAD), Integrante de la exposición itinerante 100 % Disseny Catalá; 2004 (Selección en la XXI Salón del Libro Infantil en Lleida ); Selección en la semana del Libro Infantil y Juvenil;2004 ( Selección premios Daniel Gil de diseño editorial categoría ilustración/fotografía); 2005 1er premio Best Wine history book; 1er premio Sapain and rest of the world; 1er premio Best wine Literature Book; 2005 Gourmand World Cookbook awards 2005, etc.
La Norman Foster Foundation ha presentado el primer Máster en Ciudades Sostenibles desarrollado en colaboración con la UAM (Universidad Autónoma de Madrid). Información pública y publicada del Master.
El objetivo del Máster UAM-NFF ‘On Sustainable Cities’ es formar a estudiantes de diferentes disciplinas en el “desarrollo sostenible de las ciudades” a través de distintas estrategias de futuro.
En el primer año académico serán las ciudades europeas de Atenas, San Marino y Bilbao; extendiéndose, en años posteriores, a ciudades de otros continentes.
La presentación ha girado en torno a ideas y estrategias para afrontar los desafíos a los que se enfrentan las ciudades, y ha tratado temas como la arquitectura, la política y el cambio climático. Estuvieron presentes la rectora Amaya Mendikoetxea y la vicerrectora de Estudios de Posgrado de la UAM Isabel Alonso.
El Máster UAM-NFF On Sustainable Cities, cuyo programa académico comenzó en enero del 2024, formará a treinta estudiantes de posgrado procedentes de los cinco continentes interesados en liderar las ciudades del futuro. Los estudiantes tienen una diversidad de procedencia, formación, antecedentes y perspectivas.
El programa combina la enseñanza impartida por académicos y profesionales, la experiencia real en el campo de trabajo y el contacto directo con los equipos que gobiernan las ciudades colaboradoras en el programa.
El Máster de un año de duración, ofrece al estudiante un laboratorio tecnológico de vanguardia dotado con herramientas avanzadas de análisis de datos, predicción, visualización, inteligencia artificial, realidad virtual y realidad aumentada, esenciales en esta especialidad donde la tecnología juega un papel crucial para el análisis y predicción de diferentes variables en la evolución y sostenibilidad de las ciudades.
El Programa en Ciudades Sostenibles utiliza el uso de criterios objetivos para evaluar el rendimiento urbano y promover iniciativas que mejoren la calidad de vida mientras se reduce la huella de carbono.
Para su diseño, se han integrado diferentes indicadores, incluyendo los Objetivos de Desarrollo Sostenible de las Naciones Unidas, en la que Norman Foster ostenta el cargo de advocate of the Forum of Mayors y en donde la Norman Foster Foundation es Centro de Excelencia.
Inauguración del Norman Foster Institute
El programa ideado para la presentación del Máster ha tenido como moderador a Tim Stonor (1968). (1)
En la primera sesión se han presentado y debatido ponencias por parte de Norman Foster. (2)
Kent Larson(3)
Kent Larson
Edgar Pieterse (1968). (4)
Edgar Pieterse
Y Dava Newman (5)
El programa continuó con otras ponencias y debates a cargo de representantes de las tres ciudades que son objeto de estudio dentro del máster.
“La mayoría de los científicos coinciden en que el ritmo acelerado del cambio climático exige que no solo diseñemos entornos neutros en carbono, sino entornos negativos en carbono, cada vez está más claro que serán necesarias medidas mucho más agresivas para evitar que la temperatura media del planeta aumente menos de dos grados centígrados, punto a partir del cual todas las especies del planeta estarán sometidas a un riesgo extremo”. Vishaan Chakrabarti.
y Beatriz Corredor (1968). (11)
También intervinieron Glyn Richards. (12)
Y Bret Stephens, periodista, editor, y columnista en The New York Times.
Bret Stephens
Tras el evento de la mañana, la Norman Foster Foundation presentó el primer debate público del Norman Foster Institute, Cities Beyond Earth.
Sirvió para analizar la relación entre las colonias espaciales y la sostenibilidad de las ciudades de la Tierra.
Máster de Formación Permanente en Ciudades Sostenibles
En un mundo en el que la urbanización exponencial se enfrenta, más que nunca, a grandes dilemas ambientales, sociales y económicos, la importancia de las políticas sostenibles cobra un peso sin precedentes. Los gobiernos, organizaciones y ciudadanos deben adoptar un enfoque sistemático y eficaz para abordar estas cuestiones.
El Máster de formación permanente en Ciudades Sostenibles, está diseñado para ayudar a los líderes de las ciudades del futuro a adquirir los conocimientos y herramientas de implementación de políticas sostenibles que puedan mejorar la calidad de vida en las ciudades. Combina la enseñanza impartida por académicos y profesionales, la experiencia real en el campo de trabajo y el contacto directo con los equipos que gobiernan las ciudades colaboradoras en el máster.
Notas
1
Miembro del Advisory Board Norman Foster Foundation Madrid y director de Space Syntax de Londres.
2
Presidente de la Norman Foster Foundation y co-director del Norman Foster Institute Madrid, advocate of the United Nations Forum of Mayors, fundador y presidente de Foster + Partners.
3
Co-director del Norman Foster Institute, miembro del Advisory Board de la Norman Foster Foundation Madrid, director de City Science Group del Massachusetts Institute of Technology (MIT) Media Lab.
4
Rector del Norman Foster Institute, director y fundador de African Centre for Cities (ACC) de la University of Cape Town, Ciudad del Cabo, Sudáfrica.
5
Decana honoraria del Norman Foster Institute, director del Massachusetts Institute of Technology (MIT) Media Lab, Cambridge.
6
Presidente de la Agencia de Desarrollo de Atenas.
7
Área de Euskera, Atención y Participación Ciudadana, Agenda 2030 e Internacional, Bilbao.
8
Ministro de Territorio, Medio Ambiente, Agricultura y Protección Civil, San Marino, Italia.
9
Miembro del Academic Council, Norman Foster Institute, director ejecutivo de ELEMENTAL; ELEMENTAL Copec Chair, Universidad Católica de Chile, presidente del Jurado del Premio Pritzker de Arquitectura, Chicago y miembro del Advisory Board, Norman Foster Foundation Madrid.
10
Miembro del Academic Council, Norman Foster Institute, honorary trustee de la Norman Foster Foundation Madrid y fundador y director creativo de Practice for Architecture and Urbanism (PAU), Nueva York.
11
Miembro del Norman Foster Institute Academic Council, presidenta de Redeia y ex ministra de Vivienda de España.
12
Director de Sostenibilidad de Bupa, que se centró en el desarrollo de acciones enfocadas en la salud para el diseño de las ciudades del futuro, no sólo para promover el bienestar de las poblaciones urbanas, sino también para hacer frente a la crisis climática.
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Cada cierto tiempo, alguna red social, sea Threads, Instagram, X o Facebook, me envia fotos que yo habia publicado hace tiempo, a veces hace años.
Y dan gratas sorpresas, no siempre las recuerdo.
Como estas fotos que saque el 14 de junio del 2019 en Buenos Aires, en la Librería Feria del Libro, en la Avenida santa Fé 2475, donde exhibian libros de la editorial H Kliczkowski.
Algunos de los libros que se ven en la foto:
-Piero Della Francesca
Autor Michael, Michel
Traduccion Pia Minchot Ballarin
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en febrero del 2003. 80 páginas.
Texto en español. 23 x 16 cm. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-84-96137-59-2
Editado en febrero del 2003. 82 páginas. Texto en español. 23 x 16 cm. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 8496048438
Colección Memorias
La colección Memoria presenta una selección de monografías sobre clásicos retomados con un nuevo enfoque por conocidos críticos y articulistas. Un amplio abanico de temas que forman parte de nuestra memoria cultural y que abarcan títulos que van desde las vanguardias hasta las más recientes investigaciones arqueológicas. Presentada en un fabuloso formato y repleta de fotografías a todo color. Reunidos en torno a Ettore Sottsass, gran maestro del diseño italiano de la posguerra, los jóvenes creadores del grupo Menphis restablecieron el desafío del color y la decoración. Casa del Libro. España
De la misma colección: Del Egipto de Keiichi Tahara, Man Ray, Klimt y la moda, El espíritu Dada, Bauhaus, Memphis, Klimt y la moda, El taller de Miró, Bauhaus, Picasso y sus objetos, Los tesoros de Egipto, Giacometti, Brancusi y la fotografía, Le Corbusier, Oscar Neimeyer, Picabia, etc..
-Eileen Gray
Autora François Baudot
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en febrero del 2003. 82 páginas, texto en español. 23 x 16 cm. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 9788496137622
Eileen Gray, dedicada a la búsqueda de una estética a la vez moderna, funcional y deleitosamente sofisticada. Se conoció su celebridad en los años veinte gracias al inesperado uso que hizo de la técnica japonesa de la laca.
-Hijos y Famosos. Siguiendo sus pasos
Autora Birgit Krols
Edición en español Joan Espasa Rodríguez
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en 2011. 144 páginas con texto en español. 25 x 33 cm.. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-84-96592-94-0
Algunos de los libros que se ven en la foto:
-Mini watch bible. Solo relojes
Autor Philippe de Baeck
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado enero 2008. 432 páginas. Edición bilingüe en español e inglés. Encuadernado en Tapa dura. ISBN-13 : 978-8496592766
Relojes caros, de caballero, de señora, relojes sofisticados, es el material con el que este libro constituye a través de sus 432 páginas y sus fantásticas fotografías a todo color un libro de referencia que muestra los relojes más destacados del mundo.
-Demasiado joven para morir. Iconos del siglo XX que movieron generaciones.
Autora Birgit Krolse
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en 2010. 144 páginas. Edición bilingüe en español y portugués. Encuadernado en Tapa dura. Fotografías en color y ByN. ISBN: 978-84-96592-82-7
-Harley Davidson. El centenario de una leenda /100th anniversary of a Legend
Autor Juan Carlos Montes, Paco Asensio, Fotos Miguel Tres (Books Factory Studio)
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado enero 2003. 21 x 13 cm. 207 páginas. Edición bilingüe español e inglés. Encuadernado en Tapa rigida acolchada. ISBN-13: 978-84-96137-23-3
Sinopsis «…William Harley y los hermanos Davidson crearon hace cien años un mito que ha crecido con el paso del tiempo y que únicamente puede ser comprendido en toda su esencia si se ha sentido alguna vez el gran latido del bicilíndrico americano. Harley-Davidson es mucho más que una moto. En realidad, quien adquiere una Harley no compra un vehículo, sino una filosofía, una imagen de marca cuyo valor añadido se ha forjado a lo largo de cien años, More than a machine, algo más que una máquina…». Casa del libro
Algunos de los libros que se ven en la foto:
–Cícladas. 3000 años a.C.
Autor Bérénice Geoffroy-Schneiter
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado noviembre 2003. 23 x16 cm. 80 páginas. Edición en español .
Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN-13: 978-84-96137-60-8
CÍCLADAS, es presentado oscilando entre el simple guijarro y verdaderas estatuas cercanas a la grandeza natural; estos enigmáticos “ídolos” tallados en un mármol translúcido y resplandeciente nos fascinan más allá de los siglos. Casa del Libro
-Fernando Alonso
Autores varios
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado diciembre 2010. 21 x 13 cm. 80 páginas. Edición en español .
Encuadernado en Tapa blanda. ISBN 978-84-96592-92-6
Sinopsis Cientos de fotos de toda la trayectoria del bicampeón del mundo en la Fórmula 1, desde Minardi a Ferrari. Casa del libro
– MAXIMALISM = MAXIMALISMO
Autor Aurora Cuito Ricard
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado febrero 2003. 21 x 21 cm. 98 páginas. Edición bilingüe español/ingles
Encuadernado en Tapa blanda. ISBN 978-84-96048-50-8
Esta nueva sensibilidad, que nos hemos atrevido a llamar maximalismo, agrupa las intenciones de los diseñadores que están construyendo una nueva modernidad compleja y ecléctica. Como ocurre con toda corriente estética que nace con fuerza, el maximalismo ha sacudido todas las disciplinas e incluso ha servido para que éstas se hayan combinado y hayan dado lugar a nuevas materias multidisciplinarias.
– GAUDI, DALI
ANTONI GAUDI/SALVADOR DALI. Serie Duetos
Autor Llorenç Bonet Delgado
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado octubre 2002. 22 x 17 cm. 80 páginas. Edición texto en español. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-89439-37-5
Una gran obra. un pintor y un arquitecto. Un gran libro en pequeño formato. con fotografías, planos, secciones, memorias descriptivas. Todas las obras con su plano de ubicación y datos técnicos y referenciales. Incluye una cronología de obras desde 1868 a 1968. Amazon
Sinopsis.Presentamos los 10 trabajos más relevantes de Antoni Gaudí y de Salvador Dalí. También un análisis comparativo que descubre la obra de estos dos genios, capaces de transformar la técnica pictórica y la arquitectónica en algo más. Este libro es uno y también tres. Uno sobre trabajos del arquitecto Antoni Gaudí, otro sobre las obras de Salvador Dalí y un tercero sobre la interacción entre ambos. La Casa del Libro
-Antonio Saint´ Elia
Autor Llorenç Bonet Delgado
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado febrero 2003. 22 x 17 cm. 80 páginas. Edición español. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-96137-00-4
+ CASAS HOUSES, HÄUSER
Autor Alejandro Bahamon Rios, Jane Wintle y Susanne Engler
Traductora Susannejtr Engler
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado abril 2006. 30 x 27 cm. 432 páginas. Edición trilingüe, español, ingles alemán. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-96304-62-8
La vivienda, célula madre de las ciudades, es el elemento clave para el análisis de sus cambios. Los cuatro apartados en que se subdivide este libro -casas, áticos, apartamentos y lofts-, ilustran las variadas soluciones que se adoptan hoy en día. Contiene entrevistas y biografías detalladas de los autores de los proyectos. Cada vivienda se describe con fotografías y planos muy detallados y de alta calidad.
-La Magia de los Pequeños Espacios
Magic of Small Spaces (English, French and Spanish Edition)
Autor Lucrecia Alvarez, Cristina Paredes, Francesc Zamora
Traductora Susannejtr Engler
Editores Oscar y Paco Asensio y Hugo Kliczkowski
Coeditores Silverback Books
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en el 2007. 21 x 21 cm. 420 páginas. Edición trilingüe, español, ingles y francés. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-1-59637-243-6
Organizada por su superficie, sus metros cuadrados. Cada vivienda se muestra con un plano de su planta y una fotografía del interior que ilustra cómo maximizar el espacio disponible. Incluyendo ideas inteligentes para almacenamiento, muebles y componentes integrados. Los espacios de este libro son impecables en términos de estética y cada uno ofrece una solución original a los problemas que surgen por la falta de espacio en tantas viviendas nuevas hoy en día. Los lectores se van con un excelente sentido de cómo convertir un lugar pequeño en un hogar funcional. GetTextBooks
-Antonio Gaudí
Autor Lucrecia Alvarez, Cristina Paredes, Francesc Zamora
Traductora Susannejtr Engler
Editores Oscar y Paco Asensio y Hugo Kliczkowski
Coeditores Silverback Books
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en el 2003. 24 x 30 cm. 240 páginas. Edición en mas de 12 lenguas, español, catalán, frances, aleman, polaco, chino, frances, portugues, inglés, japones, etc. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-96241-53-4
Fecha de construcción: 1908-1916 Fotógrafo: Fere Planells «No es cuestión de querer ser original, porque el propio estilo surge de dentro y sale a la luz de forma espontánea». La Colonia Güell es una de las obras más originales e interesantes de Gaudí, aunque el proyecto nunca se completó. Gaudí tuvo vía libre para diseñar el proyecto… cripta con pórtico y capilla Reixac s/n, Sa Fecha de construcción: 1900-1909 Fotógrafos: Miquel Tres y Joana Furio Bellesguard
–LOS BEATLES, INEDITO
Autor Hugh Fielder
Traductor Joan Espasa Rodriguez
Editores Hugo Kliczkowski
Coeditores Getty Images
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en el 2011. 21 x 21 cm. 200 páginas. Edición en español. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-84-96592-93-3
En menos de 10 años, de banda escolar al acontecimiento de mayor éxito, el más aclamado e influyente de la música popular. Su formación. La «Beatlemanía», el fin con los años de la separación, sus fans, su vida privada y semi pública. Con más de 150 fotografías y textos explicativos, se puede realizar un recorrido por la carrera del mejor grupo del pop de todos los tiempos.
Puede interesarte este tema, por lo que te envío esta sugerencia de Hugo K: Arq Fernando Higueras http://onlybook.es/blog/arq-fernando-higueras/
Cuando, en 1971, los arquitectos Robert Venturi y Denise Scott Brown invitaron al mundo a disfrutar de la iconografía pop de Las Vegas, la capital del juego tenía poco más de 270.000 habitantes.
Se calcula que en 2025 sobrepasará los tres millones.
La creciente huella que va dejando el imparable urbanismo disperso en el vasto territorio estadounidense se aprecia mejor desde el cielo. Así, Benjamin Grant, que dirige el proyecto Overview, presenta una serie de planos aéreos que permiten apreciar las muy diversas formas de la suburbanización: desde suburbios clásicos como Llewelyn Park o Levittown, ahora completamente rodeados de sprawl, hasta sofisticadas urbanizaciones de Florida que dejan caleidoscópicas formas geométricas inscritas sobre la Tierra.
Desde las enormes autopistas que canalizan el tráfico diario de los viajeros (commuters) hasta los grandes centros comerciales en vías de desaparición, pasando por enormes parques empresariales o una mega iglesia como la New Birth Missionary Baptist Church, en Georgia, muy importante para la comunidad afroamericana, que puede llegar a acoger hasta 12.000 feligreses por semana.
La dispersión llega a casa
La conformación de Suburbia como hecho cultural en Cataluña es una realidad que las narrativas sobre el proceso de urbanización catalán han ignorado históricamente, demasiado centradas en el crecimiento de las grandes ciudades y en la diferenciación ideológica entre una Cataluña urbana, barcelonesa, y una Cataluña «interior», cuna de lo que todavía hoy denominamos «campo».
La Cataluña suburbana que hoy observamos desde el parabrisas del automóvil o desde la ventanilla del avión muestra como en muchos territorios los crecimientos urbanos ya no se corresponden con la conocida metáfora de la ciudad «en mancha de aceite»
En realidad, un conjunto inabarcable de manchas de aceite se ha acabado esparciendo, dando lugar a una misma realidad, repetida y clonada en todas partes: la urbanización regional dispersa.
Esta dispersión de la urbanización que nos resulta hoy tan cotidiana se desarrolló de la mano de la motorización de la sociedad a partir de la segunda mitad de siglo pasado y envuelta en un discurso cultural muy heterogéneo, donde la propaganda ideológica de la “American Way of Life”, efervescente en aquella época y representada fielmente por la casa unifamiliar prefabricada norteamericana, se mezcla con tradiciones locales derivadas de la crítica seminal a la ciudad industrial, concentrada y densa, desde las visiones pastorales que idealizaban la vida rural, divulgadas y consumidas popularmente con expresiones como “la caseta i l’hortet” (1).
El camino recorrido desde aquellas primeras apuestas suburbanas hasta la actual urbanización regional dispersa no es homogéneo y presenta recovecos inesperados que hacen de la Suburbia catalana un universo urbano todavía por descubrir.
Las Torres de Fin de Semana
Primeras urbanizaciones en la era del “600”
La primera gran ola suburbana en Cataluña corresponde a la construcción de urbanizaciones de segunda residencia entre la década de 1960 y mediados de la década siguiente.
En un contexto caracterizado por el desarrollismo y los crecimientos poblacionales concentrados en las grandes ciudades se produjo esta inesperada multiplicación de los hábitats residenciales de baja densidad -las torres de fin de semana-, siempre en entornos dispersos próximos a unas ciudades compactas cada vez más densas, subrayando así la dualidad ciudad-campo. Unos entornos suburbanos de primera generación que siempre ofrecían el contacto con la naturaleza o la vivencia del mundo agrícola, pero ¡eso sí!, siempre cerca de Barcelona.
Una síntesis feliz intensivamente amplificada por los anuncios y la publicidad.
Propaganda en las Ferias de Muestras
Las ferias de muestras eran un magnífico escaparate internacional donde cada país mostraba sus productos e innovaciones.
XXIII Feria Internacional de Muestras de Barcelona. 1955. pabellón de los EE. UU.
En 1955, Estados Unidos participó en la XXIII Feria de Barcelona, el mismo año en el que España entró a formar parte de la ONU abandonando lentamente su ostracismo. En el exterior del pabellón norteamericano se montó una casa unifamiliar prefabricada con su parcela de césped y un coche en el garaje.
XXIV Feria Internacional de Muestras de Barcelona. 1956. pabellón de los EE. UU.
En el interior había un Ford Thunderbird descapotable (el mismo modelo que tenía Marylin Monroe) y otros productos comerciales e industriales. En los dos años siguientes, EE. UU. también participó y el público se maravilló con los donuts, los trajes femeninos, las cocinas con electrodomésticos y, también, la moderna arquitectura de los pabellones americanos.
XXV Feria Internacional de Muestras de Barcelona. 1957. pabellón de los EE. UU.
El objeto de la ciudad jardín es una colonización interior basada en la descentralización de la industria y su traslación al campo a fin de hacer más sana y más barata la vida urbana, beneficiando además a la agricultura vecina con las ventajas sociales de la ciudad y las mayores facilidades para la venta de sus productos”. Arquitecto y Urbanista Cebrià de Montoliu (1873 – 1923)
La explosión del adosado
Una urbanización regional dispersa
Si la construcción de urbanizaciones se había producido sobre todo ocupando espacios situados alrededor de la ciudad central, a partir de finales de la década de 1980 el fenómeno suburbano alcanzó una escala regional nunca antes conocida.
Muchas urbanizaciones se convirtieron en primeras residencias.
Y se produjo la construcción masiva de viviendas unifamiliares cada vez más alejadas y por todas partes alrededor de las ciudades intermedias.
Maqueta de la Urbanización “Can Vallmajó”. Dosrius, 2008. Colección Particular
En la costa, en la montaña, en el campo y entre ciudades, un nuevo producto inmobiliario, la casa adosada, lideró este proceso de urbanización sin precedentes que también multiplicó los centros comerciales, las salas multicines y los polígonos industriales.
Un universo suburbano clonado por todas partes que representa una de las versiones más crudas de la ur/banalización.
Christopher Willan, Entrada Norte de Vic, Centro Comercial Via Sabadel, 2023
Urbanalización del paisaje
La urbanización dispersa no supone únicamente la multiplicación de un mismo paisaje residencial, repetido y especializado, en el territorio, sino que las diferentes esferas de la vida urbana relacionadas con cuestiones como la movilidad o el consumo resultan igualmente estandarizadas.
Christopher Willan, Espacio Comercial Via Sabadell, 2023
La experiencia urbana, que debería ser única y de un lugar, acaba amputada de contenidos diferenciales y se muestra, de forma omnipresente, igual por todas partes, intercambiable en cualquier lugar. Ya sea al conducir el automóvil o al comprar en una gran superficie comercial, los paisajes del consumo metropolitano muestran claramente el alcance de este copiar y pegar de la forma y las funciones urbanas.
Una urbanización independiente del territorio e indiferente respecto al lugar a la que podemos denominar, más bien, ur/banalización.
La Cataluña Suburbana
Hoy y Mañana
Anatomía de un territorio por reconocer
No deja de ser paradójico que la urbanización dispersa, que hunde sus primeras raíces ideológicas en la crítica a la crisis ambiental causada por el crecimiento sin freno de la ciudad industrial de finales de siglo XIX, sea hoy la responsable de todo un abanico de impactos ambientales que aún resultan más lesivos para el territorio: el consumo exagerado de terreno y agua, la fragmentación de los espacios abiertos o las emisiones derivadas de una movilidad siempre en automóvil certifican el verdadero peaje ecológico de Suburbia en un momento en el que los nuevos riesgos que plantea el cambio climático aconsejarían un tipo de urbanización muy diferente.
Blanca Munt, Alerta Mira-sol, 2019-2023. Composiciones fotográficas y pictogramas. Cortesía de la artista
Al mismo tiempo, a los peligros ambientales hay que añadir unos espacios públicos empobrecidos y simplificados, reducidos a las necesidades propias de la vialidad y del vehículo privado. Una sociedad minimizada, no exenta de problemáticas como el aislamiento social y la paranoia inducidas por la repetición del monocultivo residencial y por la ausencia de la diversidad de funciones e intereses que acostumbran a definir la ciudad y la vida urbana.
Alerta Mira-Sol, 2019 – 2023. En 2019, la fotógrafa Blanca Munt participó en un chat vecinal creado para vigilar su barrio y alentar de posibles robos en domicilios.
Lo que en un principio se presentó como una eficaz herramienta vecinal pronto se convirtió en fuente de conjeturas, suspicacias y paranoia. La aparentemente tranquila convivencia en un barrio de calles luminosas y viviendas estandarizadas se desmorona, no solo por la existencia real de robos, sino básicamente por la disgregación absoluta de la idea de comunidad cuando se prioriza la seguridad individual. Con el proyecto Alerta Mira-sol, la artista nos propone una inquietante reflexión acerca de la tensión entre el privilegio de vivir en un lugar apacible y la constante sensación de amenaza latente como parte de la actual cultura del miedo.
Exposición “La Construcción del sueño americano”
Dirección del proyecto
Jordi Costa
Comisario
Philipp Engel
Asesor
Francesc Muñoz
Seguimiento y producción del proyecto
Mónica Ibáñez
Coordinación, Investigación
Eva Gimeno y Miquel Nogués. Marian Boadas, Anissia Libera Fontana y Roberta Tenci
Diseño del montaje expositivo
Iñaki Baquero e Iñigo Azpiazu (BOPBAA) y Marta LLinàs
Diseño Gráfica
Marta Linàs (Estudio Canó)
Comunicación
Wó Studio
Coordinación de montaje
Alex Papalini y Mario Corea
Montaje Industrial
Croquis
Producción Gráfica
Nogales Barcelona
Entre otros…..
Producción de CCCB, Diputació Barcelona, Ajuntament de Barcelona, Ministerio de Cultura de España. Barcelona Capital Cultural y Científica.
Notas
1
Expresión popularizada por Francesc Macià (1859-1933), primer presidente de la Generalidad de Cataluña (1931-1933) durante la Segunda República, como cristalización de su ideario o proyecto político: “que todo el mundo pudiera disfrutar de una casa y uno pequeño terreno en propiedad, evocando una situación de idílico bienestar y progreso”.
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A partir de los años noventa, en medio de una creciente preocupación medioambiental, surgieron movimientos como el Nuevo Urbanismo o el Crecimiento Inteligente para los que Suburbia se convirtió en un laboratorio de ideas para su reciclaje o reformulación urbanística con propuestas de zonas residenciales de uso más diverso y menos disperso, pensadas para disminuir la dependencia del automóvil y fomentar los desplazamientos a pie o en bicicleta.
Seaside, en Florida, sigue siendo una de las puntas de lanza del Nuevo Urbanismo, mientras que Huntington Beach, al sur de Los Ángeles, un antiguo suburbio de la era de los tranvías fundado en 1909 por el magnate Henry Huntington -propietario de la Pacific Electric Railway-, se ha convertido en meca para surfistas. Ahí se respira una atmósfera de hedonismo hipster que empapa la obra de Ed y Deanna Templeton, una pareja de artistas autodidactas del ambiente skater que han recopilado sus fotografías en un libro titulado “Contemporary suburbium”. El sueño americano de última generación.
Seaside, el Nuevo Urbanismo
Andrés Duany y Elizabeth Plater-Zyberk Plano de la ciudad de Seaside. 1983 The Seaside Research portal en la University of Notre Dame
Seaside, diseñado en los años noventa por los arquitectos Elizabeth Plater-Zyberk y Andrés Duany (la firma DPZ), que se inspiraron en los suburbios anteriores a la llegada del automóvil como Llewellyn Park o Riverside, se convirtió en el buque insignia del Nuevo Urbanismo.
Aunque solo es accesible por carretera, Seaside fomenta paradójicamente los desplazamientos a pie o en bicicleta. Para mantener su estatus, la comunidad se rige por estrictas normas estéticas.
The Seaside Code- Plan regulador. 2012. Reproducción Planta de Zonificación de la ciudad de Seaside. 1983. The Seaside Research portal en la University of Notre Dame
Que fuese escogida por Peter Weir como decorado para “El show de Truman” (1998), donde Jim Carrey es el protagonista, sin saberlo, de un programa de telerrealidad, encierra una crítica a esos mecanismos de control. Pero, gracias al dinero ganado como localización, se construyó una escuela.
Huntington Beach
Resistencia hipster
Ed Templeton (1972) descubrió de adolescente a los Dead Kennedys, a Larry Clark y la subcultura del skate. Había llegado hasta Huntington Beach con su madre a los ocho años. Pese a que, como campeón de skate, viajó por todo el mundo y que este suburbio del sur de Los Ángeles está cada vez más lleno de partidarios de Trump, antivacunas y xenofobia, sigue viviendo allí con su mujer, la también artista multidisciplinar Deanna Templeton, porque la arquitectura y la atmósfera del lugar continúan inspirándolo y porque todavía queda margen para el estilo de vida contemplativo de un fotógrafo, pintor y diseñador gráfico que ha basado toda su obra en su hábitat natural, el condado de Orange.
Mondo Suburbia
En el Seattle grunge de 1990, los artistas Jim Blanchard y Michael Dowers, que no tardarían en entrar a trabajar en el prestigioso sello Fantagraphics, convocaron a 26 astros del cómic underground estadounidense para que dieran su visión de la Suburbia de sus padres, un paisaje con todos sus atributos -el césped, la barbacoa, el chico de los periódicos, las armas…-.
Ed Templeton. Man Waters Lawn. Suburbia.2014. Acrílico. Coleccion Privada Washington DC
Pero extrema y muy irreverentemente satirizado, evidenciando que la imagen mental, aparentemente inalterable, de los barrios residenciales impolutos había empezado a desmoronarse.
Peter Bagge (1957), estrella local y uno de los convocados, emprendería ese mismo año su famosa serie ”Odio” con el mismo alter ego que había protagonizado su infancia suburbana en “Mundo idiota”, Buddy Bradley.
En las ruinas del suburbio
Estados Unidos de Amazon 265 centros de distribución de Amazon
A medida que Amazon amplía su imperio, los grandes centros comerciales van quedando en ruinas a la espera de ser reciclados en espacios más diversificados o en almacenes de la misma compañía que monopoliza el comercio en línea.
Si, en los cincuenta, los llamados malls sustituyeron a la tradicional calle mayor y privatizaron el espacio público en la periferia de las ciudades, convirtiéndose en el principal punto de encuentro para las familias, su desaparición deja pocas alternativas para la socialización más allá de las redes sociales del mundo virtual. Al mismo tiem-po, ni el comercio en línea ni el relativo auge del teletrabajo logran todavía disminuir el tráfico automovilístico, ni tampoco el dispendio energético de la vida en la ciudad dispersa, que sigue ganando terreno bajo la amenaza permanente de un desastre medioambiental.
A finales de 2018, el número de locales vacíos en los centros comerciales alcanzó cotas que no se veían desde la Gran Recesión. Una sola empresa de grandes almacenes, Macy’s, había despedido a más de 50.000 empleados desde 2008. Y Wall Street auguraba que lo peor estaba por llegar: a principios de 2018, el valor de mercado de Amazon era mayor que la suma de Walmart, Costco, T. J. Maxx, Target, Ross, Best Buy, Ulta Beauty, Kohl’s, Nordstrom, Macy’s, Bed Bath & Beyond, Saks/Lord & Taylor, Dillard’s, JCPenney y Sears (…) dice Alec McGillis. Estados Unidos de Amazon (2022)
“No son las tiendas las que mueren -señaló el profesor de ciencias económicas Scott Galloway-, sino la clase media y, a su vez, los negocios que prestan servicio a una población y a unos barrios que han vivido tiempos mejores.»
La cara oculta de Nueva Jersey
Aunque vive en Nueva York, Todd Solondz (1959) ha rodado toda su filmografía, desde Welcome to the Dollhouse (1995) a Wiener Dog (2016), en la Nueva Jersey suburbana que le vio crecer, donde sus personajes evolucionan y cambian de rostro de película en película.
Es el cineasta de Suburbia por excelencia, célebre por mostrar el lado oscuro de personalidades tan aparentemente respetables como el psiquiatra y padre de familia Bill Maplewood, en realidad un criminal pedófilo interpretado por Dylan Baker en Happiness (1998).
Maplewood es, de hecho, el nombre de una de esas zonas residenciales tan familiares para Solondz, como Livingston, que también da nombre a la familia de “Storytelling” (2001).
Jaylen Brown, el atleta negro que asusta al negocio por «preguntar demasiado»
La estrella de los Boston Celtics impacta dentro y fuera de la cancha.
Por Jeremías Batagelj (Página12. 14 de junio de 2024)
Brown es el jugador diferente para los Celtics en estas finales de la NBA. Pero siempre fue un distinto en un ambiente en el que pensar, muchas veces, está mal visto. Su historia de vida -marcada por la (falsa) dicotomía entre atletismo y educación- el racismo en Boston y las controversias por ser amigo de sus amigos.
Brown. Los flashes y el pospartido. Imagen AFP
“Es inteligente. Quizás demasiado”. Así definían varios ejecutivos de la NBA, en la previa del Draft de 2016, a Jaylen Brown, actual alero de los Boston Celtics. Pero ese textual estaba lejos de ser un elogio. Es que para los ojeadores y varios general managers, el IQ que tenía ese prospecto podría ser un problema. “Puede preguntar mucho sobre el negocio o perder la pasión”, hipotetizaban en off the récords a los medios locales.
Brown juega en la mejor liga del mundo, y ha liderado una protesta pacífica contra el gatillo fácil en EE. UU, sin alejarse del básquet, es el jugador clave paa su equipo, Los Celtics, en una serie contra los Dallas Mavericks.
Educación o atletismo
En el otoño del 2015, en un aula de Berkelely, California, el reconocido profesor Derek Van Rheenen da inicio a una de sus clases de posgrado sobre estudios culturales. Hay casi 300 personas mirándolo, la mayoría egresados universitarios que rondan los 25-30 años. Pero, entre ellos, sobresale un jovencito de 18 años de dos metros de altura, una enorme espalda y brazos de boxeador.
Se preguntan ¿qué hace un adolescente en una materia para licenciados y magisters?
Utilizó su beca universitaria, el joven Jaylen se movió entre autores que indagaban entre el racismo, la pobreza, la desigualdad y la injusticia social. Criado por su madre soltera Mechalle, profesora universitaria, quien lo convenció que convivieran en él, el llenar estadios, y capitanear el equipo de ajedrez de su colegio. Su padre fue exboxeador y campeón del mundo.
Hace poco tiempo le preguntaron, en Harvard, por la dicotomía entre inteligencia y atletismo: con qué se identificaba más. “Para ser honesto, nunca le doy a nadie una respuesta directa porque odio la dicotomía. Odio el hecho de que tenga que ser uno u otro. Odio el hecho de que no hay posibilidad para ambos»,
Boston y racismo, un puente que Brown prefiere quemar
Brown en el Draft (1) con Adam Silver
Brown fue seleccionado con el pick 3 del Draft de 2016 para los Celtics.
Boston, no es un destino más, la historia de sus habitantes blancos con los atletas negros no es fácil. Es una clara cultura católica, con raíces en su inmigración irlandesa, sus ciudadanos son conservadores, a pesar de estar rodeada por universidades “progrs” como Harvard o el MIT. Los Celtas juegan al nivel de los Lakers.
En los 60, cuando se iba de gira al regresar su casa estaba vandalizada por ser una persona, un atleta negro que peleaba por los derechos civiles.
James Lebron denunció los ataques racistas que sufre cada vez que juega de visitante en el TD Garden de Boston,
Sabiendo que hay mucho por hacer, Brown creo el “Programa Bridge”, que asesora a jóvenes negros que sean estudiantes de secundaria de Boston y estén interesados en seguir carreras en programas STEM, un acrónimo para englobar los estudios en ciencia, tecnología, ingeniería y matemática.
Brown eligió Berkeley, por ser donde se organizaron los Panteras Negras, donde Martin Luther King Jr habló frente a una multitud de estudiantes, allí militó Shareef Abdur-Rahim un exNBA.
Brown encabezó las protestas teas la muerte de George Floyd (2) en Georgia.
“No importa que tan alto seas y qué tan bien jueges, el básquet es lo que haces, no todo lo que quieres. Se te mide por la huella que dejas en el mundo. Y para verdaderamente dejar una huella hay que hacer lo correcto y denunciar lo incorrecto”, Dice que ese es el mantra de su madre.
No exento de escándalos, quizás enormes errores, como su relación con el rapero Ye -antes conocido como Kayne West– cuando el artista lanzó su marca Donda Sports. Su reacción fue a destiempo al alejarse de la escuela o secta creada por Ye, cuando el músico entró en un espiral de racismo -llamó a la esclavitud «una elección»-, antisemitismo y agresiones a Kim Kardashian, su exmujer y madre de sus hijos.
Es figura principal, y convierte como superestrellas de la calidad de jugadores como Tatum, recibió el premio MVP, otorgado al jugador cuya contribución al equipo es mayor entre sus compañeros de equipo. Michael Jordan es el jugador que ha ganado más veces el MVP de las finales NBA, con 6 trofeos.
Brown, es el jugador que asustó al negocio por ser inteligente, quizás demasiado.
Catástrofes en miniatura
Desde pequeño, Thomas Doyle (1976) se sintió atraído por los dioramas de los museos a los que lo llevaba su madre.
Estaba condenado a convertirse en un escultor de bonsáis apocalípticos que flirtea constantemente con el modelismo, tomando prestados sus materiales, para construir miniaturas (a escala 1:43 o incluso más reducidas) en las que, de manera tan hiperbólica como obsesiva y recurrente, los vecinos de tranquilas zonas residenciales se enfrentan a hecatombes naturales en forma de gigantescos derrumbamientos de tierras.
Toda una metáfora de la amenaza de desastre ecológico que pesa sobre Suburbia desde siempre, aunque solo se haya tomado conciencia de ello en las últimas décadas.
Atlanta, La meca negra
“Viviendo en los suburbios del sur de Atlanta era fácil olvidarse de los blancos. Los blancos son como las crías de paloma: son reales y existen, pero rara vez se piensa en ellas”, escribió la afroamericana Z. Z. Paker en un relato titulado “Brownies” publicado en 2003.
Apenas un lustro después, la fotógrafa Sheila Pree Bright (1967) agrupó en un libro titulado “Suburbia” sus trabajos realizados en casas de clase media alta en la periferia de Atlanta para colmar un vacío, ya que hasta entonces la minoría racial a la que pertenece no había sido representada en el barrio. Para evidenciar esa ausencia de representación optó por no mostrar a los habitantes de las casas, dejando tan solo algunas pistas sobre sus orígenes.
Notas
1
El draft es el proceso utilizado en los Estados Unidos, Canadá, Australia y México para asignar determinados jugadores a equipos deportivos. Los equipos se turnan en la selección de entre un grupo de jugadores que son los elegibles.
2
La muerte de George Floyd ocurrió el 25 de mayo de 2020 en el vecindario de Powderhorn, en la ciudad de Mineápolis, como resultado de la brutalidad policial del oficial Derek Chauvin, quien lo mató de asfixia al presionar con su rodilla el cuello de Floyd contra el pavimento durante 8 minutos y 46 segundos. En pocos días, el hecho generó una oleada de indignación y protestas a lo largo del país en contra de la brutalidad policial, racismo, la xenofobia y los abusos hacia ciudadanos afro estadounidenses. Las protestas se extendieron a otras ciudades del mundo.
(Carolina del Norte) en 2008 Alberto Ortega (Sevilla, 1976) ha centrado única y exclusivamente su ingente obra de pintura al óleo en ambivalentes escenas nocturnas de las calles de los barrios residenciales, entre los años cincuenta y la actualidad. Intrigado por el influjo de Suburbia en el cine, la literatura y las artes visuales, Ortega ha fabricado su propia narrativa suburbana a partir de casas, automóviles y personajes en miniatura que dispone como modelos a su gusto para tener un control total de la puesta en escena, la iluminación y la composición de todos los elementos.
Y este vuelve a ser el caso, una vez más, de dos cuadros presentados por primera vez en esta exposición.
Alberto Ortega. Annunciation. 2023. Óleo sobre Aluminio
Gregory Crewdson. Sin título, Oasis. 2004. Copia cromogénica. IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno
Protegidos por la SegundaEnmienda
Desde el 12 de diciembre de 1791, la Segunda Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos de América garantiza el derecho a poseer y llevar armas.
Nada puede alterar este derecho fundamental.
En 2023, en la mitad de los 50 estados se puede llevar un arma sin licencia ni control alguno. Hay más de un arma (legal) por habitante.
Gabriele Galimberti Impresión digital sobre PVC. 2021
En medio de esta realidad, el fotógrafo italiano Gabriele Galimberti (1977) retrató a auténticos y muy orgullosos coleccionistas de armas de todas las razas, edades y clases sociales.
A lo largo y ancho de Estados Unidos.
Para ellos, «lo único que puede parar a un mal tipo con un arma es un buen tipo con un arma».
Vestigios
No es fácil fotografiar a los muertos.
Angela Strassheim empieza por localizar una vivienda en a que se haya cometido un asesinato doméstico y, a continuación, negocia el acceso con quienes viven en ella actualmente.
Gabriele Galimberti. Torrell Jasper.a.k.a. Black Rambo. 2021. Brandon Brown (35 años) con Ashtan (5) y Carson (3). 2021
Una vez dentro, ella y un ayudante se encierran durante horas prácticamente a oscuras mientras ella toma largas exposiciones del ADN de la sangre de las víctimas, que se hace visible gracias a un producto químico denominado Blue Star. Por último, un proceso de posproducción establece las tonalidades para revelar finalmente restos de luchas y vidas perdidas.
Ocultos a simple vista, los muertos permanecen en los pequeños apartamentos y casas modernas en los que su sangre salpicó paredes y suelos, en las mismas habitaciones donde rieron y amaron.
Sacados a la luz en estas fotografías, el mundo de los muertos y el de los vivos son tan inseparables como los actos de rabia y amor que allí se produjeron.
Cada escena resucita las pasiones contradictorias que cohabitan en el espacio doméstico y luego las derrumba en un único encuentro fotográfico que no puede resolver sus propias contradicciones ni las nuestras. Cual heridas abiertas, los espacios domésticos de Strassheim se niegan a cicatrizar, se niegan a seguir adelante, se niegan a cambiar su historia de una vez por todas ante la violencia.
Atrapados en estos espacios, los espectros de sangre de Strassheim no gimen ni rechinan de dientes. Tan solo tienen un poder: permanecer.
Permanecen después de que los suelos se hayan limpiado con los disolventes más fuertes conocidos por el ser humano. Permanecen después de que se hayan pintado las paredes.
Permanecen, se les recuerde o no. Angela Strassheim da testimonio de su incesante presencia. Juntos transforman el ADN imborrable y la luz pasajera en oscuros memoriales de traición y desesperación.
Una vez dentro, no hay salida: el ADN de su sangre se convierte lentamente en el ADN de nuestra sangre, inscrito en paredes y suelos familiares, vestigios de la violencia que terminó con sus vidas, que ahora y siempre atormenta a las nuestras. Vince Leo
El infiero de las MCmansions
La atrofia del sueño americano
El lado insaciable de la cultura del éxito alcanzó la cumbre de su expresión arquitectónica en las casas unifamiliares de construcción barata y gran ornamentación que más tarde se conocerían como «McMansions» y que surgieron en los primeros años de la era Reagan.
El tamaño medio de las viviendas unifamiliares en Estados Unidos ha seguido creciendo: de 74 m2 en 1950 a 195 m2 en 1990 y 230 m2 en los últimos años.
Perseguir el sueño americano implica mudarse a una casa cada vez mayor, hasta llegar a las McMansions que, en su apogeo en la década de 2000, ¿llegaron a alcanzar superficies construidas de más de 1.500 m2?.
Weronika Gesicka. Sin título de la serie Trazos. 2015/2017. Impresión digital sobre papel baritado
En su página web McMansionHell, la crítica de arquitectura Kate Wagner analiza el aspecto de estas viviendas y comenta en un tono hilarante los aspectos más llamativos, que pueden interpretarse únicamente como una desesperada e ilusa demostración de estatus.
Weronika Gesicka.Sin título 52 de la serie Trazos. 2015/2017 Impresión digital sobre papel baritado
¿Post Suburbia?
Hace más de treinta años que Suburbia está sentenciada a muerte: los apóstoles del Nuevo Urbanismo, que pretendían transformarla en un modelo más sostenible, alertaban de que el petróleo estaba a punto de acabarse.
Pero hoy en día, ocho de cada diez estadounidenses viven dispersados, las viviendas unifamiliares siguen representando el 75% de las zonas residenciales, solo un 6,8% de la población vive en áreas urbanizadas con distancias salvables a pie y en el 98,8% del suelo estadounidense sigue siendo ilegal convertir las áreas residenciales en zonas de uso mixto, lo cual sería necesario para reducir los desplazamientos. Las diferencias socioeconómicas se han extremado en la periferia sin fin de las ciudades americanas.
Weronika Gesicka. Sin título 14 de la serie Trazos. 2015/2017. Impresión digital sobre papel baritado
Suburbia es más abierta, aunque también más desigual. Pese a todo esto, la feliz postal de los años cincuenta continúa anclada muy profundamente en el imaginario popular y colectivo como si el tiempo no le hubiera pasado por encima.
En la campaña de las elecciones de 2020, el entonces presidente Donald Trump se erigió en guardián del “suburban lifestyle dream” y se dirigió a las” suburban housewifes” para asegurarles que iba a protegerlas de la “invasión” de residentes con bajos ingresos que podrían devaluar sus propiedades y convertir el sueño en una distopía.
Trump no contaba con que la mayoría de las mujeres que son madres trabajan fuera de casa. Tampoco con que los suburbios se habían diversificado y ya no eran tan tradicionalmente conservadores. Un fallo de cálculo que muy probablemente le costó la Casa Blanca.
Postales distorsionadas de los años cincuenta
Los bancos de imágenes están llenos de estampas felices de la era Eisenhower.
Documentan los más diversos aspectos de la vida suburbana: niñas jugando con su hula-hoop, mujeres cocinando, maridos regresando a casa o familias enteras mirando la televisión. ¿Pero son reales o más bien se trata de actores recreando situaciones cotidianas con fines publicitarios? La fotógrafa polaca Weronika Gesicka (1984) se hizo la pregunta y concluyó que, de cualquier forma, habían quedado suspendidas entre la realidad y la ficción, cual cliché congelado como ideal de políticos ultraconservadores.
Y manipuló decenas de ellas con un simple Photoshop evidenciando el absurdo y elevándolas a una dimensión completamente surrealista que contrarresta e invalida la nostalgia interesada en propagar un ideal ficticio.
El nuevo Melting Pot
La era de la diversidad
En 2044, Estados Unidos será un país de minorías.
Los blancos perderán su hegemonía mayoritaria en favor de la suma de hispanos, afroamericanos, asiáticos y otras minorías.
Los barrios residenciales ya dejaron de percibirse como un paisaje completamente blanco a partir de los años ochenta, momento en el que la llamada white flight (migra-ción blanca) alzaba de nuevo el vuelo hacia suburbios más alejados (exurbs) huyendo de las minorías, sobre todo de los afroamericanos, que se aventuraban en el supuesto paraíso de vallas blancas que les había sido históricamente vetado.
Ferguson, suburbio de Saint Louis célebre por la muerte de Michael Brown(1) en 2014, había sido completamente WASP (acrónimo en inglés de blanco, anglosajón y protestante), pero cambió de color a medida que los afroamericanos de clase media se quedaron a vivir con los blancos más pobres. Al mismo tiempo, también se han desa-rollado prósperas comunidades con mayoría asiática, como la emblemática Monterey Park, conocida como el «Beverly Hills chino» a partir de los años ochenta, o los suburbios afroamericanos de Atlanta, «la Meca Negra del Sur», que obtuvieron una reivindicativa visibilidad gracias a los trabajos de las fotógrafas Jessica Chou y SheilaPree Bright.
Carmen de la Guardia Herrero analiza, a través de las vidas de dos de las mujeres más interesantes de la generación que comenzó su edad adulta en los años veinte y treinta del siglo XX, Victoria Kent (1892 – 1987)y Louise Crane (1913 – 1997), el poder de una red de amigas y los enormes logros conseguidos gracias al apoyo y cariño entre todas ellas.
Además, se asoma a la vida de estas dos emblemáticas mujeres en una de las ciudades más cosmopolitas del mundo; el Nueva York donde creció la filántropa americana y editora Louise Crane y al que se exilió la abogada, política republicana y editora Victoria Kent terminada la Guerra Civil, después de refugiarse en Francia y México. En la década de los cincuenta, Victoria y Louise iniciaron su relación afectiva, mientras el franquismo condenaba al olvido la trayectoria de todas las modernas españolas; años en los que las niñas que crecían y estudiaban en España fueron educadas con ejemplos equivocados, que debían conducirlas a los espacios de sometimiento y silencio deseados por la dictadura.
Carmen de la Guardia Herrero es Catedrática del Departamento de Historia Contemporánea de la Universidad Autónoma de Madrid y Directora asociada del programa graduado de la School of Spanish del Middlebury College.
Editado en febrero de 2016 por Silex Ediciones. 328 pp. ISBN 8477376182.
Neighbours (Norman McLaren,1952)
Suburbia. La construcción del sueño americano nos sumerge en el imaginario de la idílica casa familiar de los barrios residenciales y muestra cómo este estilo de vida ha sido vendido y promovido a través de la ficción y la industria del entretenimiento.
La exposición retrocede a los orígenes de los barrios residenciales a principios del siglo XIX, explicando su desarrollo masivo en los años cincuenta y repasando el contexto económico, político y social que hizo posible su expansión imparable por todos los Estados Unidos. También explora cómo este modelo idílico se ha exportado por el mundo, poniendo especial énfasis en su influencia en la formación de los suburbios de Cataluña.
Catálogo de la empresa Aladdin de venta de casas por correo
A propósito de la exposición, proponemos una selección de cinco películas del catálogo del Archivo Xcèntric que revisan la vida familiar en los suburbios a través del cine de reapropiación, la animación y las películas caseras.
Neighbours, Norman McLaren, Canadá, 1952, 8’
La vida apacible de dos vecinos es interrumpida por la aparición de una flor en la frontera entre sus respectivos terrenos. La discusión por la propiedad de la flor desemboca en una pelea en stop-motion que se lleva por delante el vecindario, evidenciando la barbarie contenida en el supuesto orden de la propiedad privada.
Home Stories, Matthias Müller, Alemania, 1990, 6’
Matthias Müller se apropia de metraje de películas del Hollywood clásico para montar una pieza que pone de manifiesto la codificación mediante el cine de la apariencia, los gestos y los miedos del ama de casa norteamericana, aislada en su mansión suburbial.
Pièce touchée, Martin Arnold, Austria, 1989, 15’
Mediante la repetición y el cambio de velocidad, Martin Arnold manipula el montaje de una escena arquetípica, la llegada del marido a casa después de la jornada laboral. El resultado es una coreografía hipnótica que desnaturaliza los gestos cotidianos para hacer emerger su naturaleza mecánica.
Schmeerguntz, Gunvor Nelson, Estados Unidos, 1965, 15’
Un flujo de imágenes publicitarias —mujeres e interiores de revista; mujeres positivas y alegres; madres y esposas ejemplares, perfectamente arregladas, durante las labores de la casa— discurre sin interrupción, aunque en el mismo se mezclen imágenes que las cuestionan, al sugerir que el trabajo del hogar y la maternidad no son tan fáciles ni agradables; que los electrodomésticos pueden estropearse y necesitar arreglo, que las tuberías pueden atascarse y requerir fontanería.
Yard Work is HardWork, Jodie Mack, Estados Unidos, 2008, 28’
Jodie Mack propone una parábola musical sobre el amor en los tiempos de las hipotecas subprime. La protagonista hace todo los que se espera de ella: enamorarse, casarse, tener hijos y, evidentemente, hipotecarse. La película está formada por un collage animado con los retazos de las revistas que, justamente, promocionan este estilo de vida: las revistas de moda, de viajes, de interiorismo y los anuncios clasificados de los periódicos. Una romcom satírica acechada por la crisis financiera de 2008.
CCCB mirador
Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Montalegre 5 (080019 Barcelona 93 306 4100 www.cccb.org
Una excelente noticia. El CCCB abre al público la Sala Mirador, el espacio más emblemático del Centro. Situada en la 5ta. Planta,
Horario de 11 a 20 hs. La entrada es gratuita.
A través de la fachada de Cristal se puede contemplar Barcelona desde una perspectiva diferente, el mar, el Raval y el barrio Gótico, Montjuic, el Tibidabo y la torre de Collserola.
El Raval es un barrio de Barcelona multicultural donde el 60,94 % de la población (29 441 de las 48 263 personas ha nacido en el extranjero). Datos estadísticos de los barrios Ayuntamiento de Barcelona. 2024.
Ubicado en el distrito de Ciudad Vieja, nacido de la ampliación de las murallas medievales de la ciudad, probable existieron asentamientos anteriores.
Delimitado por la avenida del Paralelo con el barrio del Pueblo Seco, por las rondas de San Pablo y San Antonio con el barrio de San Antonio, y por la calle de Pelayo y La Rambla con el Barrio Gótico.
El distrito de Ciudad Vieja (Ciutat Vella) es uno de los diez distritos en que se divide administrativamente la ciudad de Barcelona.
Comprende todo su centro histórico, con una extensión de 4,37 km² y una población de 104 507 habitantes (INE 2010).
También es conocida la calle de la Cera, con una gran e histórica comunidad de etnia gitana.
Su nombre proviene de los ríos de cera formados por las numerosas velas colocadas ante la virgen de esa calle, para protegerse de la peste.
De esta comunidad surgió la rumba catalana.
Popularmente conocido como el Barrio Chino de Barcelona, denominación acuñada por el periodista Paco Madrid (1900 – 1952) en un artículo publicado en el semanario El Escándalo.
Los habitantes del barrio de esta época inspiraron a artistas como Pablo Picasso (1881 – 1973) durante el período de su obra denominado período azul.
El Barrio Gótico (Gótico levantino o Gótico mediterráneo) es el núcleo de los cuatro barrios que forman el distrito de la Ciudad Vieja de Barcelona. Alli se encuentra la judería.
En el Barrio Gótico se encuentra la Basílica de la Merced construyó entre 1765 y 1775, por el arquitecto catalán José Mas Dordal (1808 -? ), la Casa de la Pia Almoina también conocida como la Canonja.
Están los Barrios de la Mercé, de la Ribera, el Palacio Real Menor.
La Plazuela de Manuel Ribé (Se creó a consecuencia de la destrucción que provocaron las bombas de los aviones italianos durante la Guerra civil española).
ISBN 84-412-2768-3. Ajuntament de Barcelona (2007)
La Plaza del Rey, en el Distrito de Ciutat Vella. La Plaza esta rodeada de edificios góticos y renacentistas.
La Torre de Collserola es una torre de telecomunicaciones situada en el Cerro de la Villana (a 445,5 metros sobre el nivel del mar).
Fue construida en 1990/92 con motivo de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Tiene un mirador público en su piso 10. La torre tiene 288,4 metros, diseñada por el Arq. Norman Foster (1935), la ingeniería Arup y los ingenieros de caminos Julio Martínez Calzón (1938 – 2022) y Manuel Julià Vilardell.
Nota
1
La muerte de Michael Brown de 18 años se produjo el 9 de agosto de 2014. Fue abatido a tiros cuando, bajo sospecha de asalto, agresión y robo.
Wilson, un agente de policía de Ferguson, dijo que se produjo un altercado cuando Brown lo atacó en su vehículo policial para tomar la pistola de servicio de Wilson. La lucha continuó hasta que se disparó la pistola.
Johnson, un amigo que acompañaba a Brown, dijo que Wilson inició una confrontación agarrando a Brown por el cuello a través de la ventana de la patrulla de Wilson, amenazándolo y luego disparándole.
El incidente desencadenó una serie de reacciones en la zona metropolitana de San Luis y también a nivel nacional, incluyendo manifestaciones pacíficas, 16 protestas, enfrentamientos violentos de la población negra con la policía, varias formas de manifestaciones sociales 17 y la demanda popular de una investigación de los hechos.
El 11 de agosto el FBI abrió una investigación del tiroteo, y al día siguiente el presidente de los Estados Unidos Barack Obama hizo una declaración pública de condolencias a la familia de Brown, disponiendo recursos federales para la realización de las investigaciones.
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“Cada ama de casa de los suburbios luchaba sola contra ello. Mientras hacía la camas, iba a la compra, combinaba el material de las fundas, comía bocadillos de mantequilla de cacahuete con sus hijos, hacia de chofer de Cub Scouts y Brownies o se acostaba junto a su marido por la noche, temía hacerse incluso a si misma la pregunta silenciosa: ¿esto es todo?.”
Betty Friedan. La mística de la femeneidad. 1963
Reinas del Hogar
La esfera de la mujer
En los años cincuenta, toda una generación de mujeres que había tenido acceso a estudios universitarios se encontró atrapada en casa suburbanas a kilómetros del centro, rodeada de un variadisimo ejército de electrodomésticos comercializados y publicitadis durante el frenesí consumista de posguerra, un período de bonanza económica.
“En La mística de la femeneidad” (1963), ensayo premiado con el Pulitzer y con ventas iniciales de mas de un millon de ejemplares, la activista feminista Betty Friedan (1921-2006) identificó este sentimiento de frustación como “el problema que no tiene nombre”, que se manifestaba con síntoma tan graves como ansiedad, neurosis, insomnio, alcoholismo o incluso suicidio, Apenas una década despues, Ira Levi (1929 . 2007), autor de la muy urbana “La Semilla del diablo”, logro otro bestseller con “Las poseidas de Stepford”, una mordaz distopía en la que las amas de casa de un privilegiado suburbio de Connecticut habían sido sustituidas por réplicas robóticas para conseguir la sumision absoluta, una metáfora tan brutal como certera.
Estos productos forman parte de la colección privada de Alfaro Hofmann:
Philco Corporation.Televisor Safari H-2010. Portatil. 1959. Radio 49-501. “Boomerang”. 1949
Tocadiscos RCA Victor GBY 4B HMV His Master´s Voice. 1955
Tostadora 5147. Samson United Corporation c. 1948 Harry L. Laylon Metal, plastico y baquelita.
Televisor Predicta Philco. c. 1940
Lavadora II. Hery Dreyfuss. Hoover-Hogel / Manufacturas Eléctricas, S.A. Con licencia americana. 1953 Aspiradora Constellation 862. Casper J. Miller Hoover. 1952
Frigorifico Philco A-752 Advance Design Henry Dreyfuss Philco Corporation. 1946
Mesa de cocina y cuatro sillas. 1950 – 1960. Colección particular
El Color del Paraiso
Solo para blancos
La litografía “Nuevos niños en el vecindario” de 1967 de Norman Rockwell. Museo Norman Rockwell
A su regreso de la Segunda Guerra Mundial, los afroamericanos no tuvieron derecho a los préstamos hipotecarios de los que se beneficiaron sus compañeros de armas blancos. Ni los promotores inmobiliarios, ni los propios vecinos, preocupados por el valor de sus propiedades, les abrieron las puertas de su exclusivo paraíso residencial. Quedaron hacinados en atestados guetos urbanos que además quedaban expicitamente señalados para prevenir cualquier tipo de inversión, publica o privada.
Con la excusa de la “renovacion urbana”, desatada con la construcción de autopistas, muchs de esos barrios fueron destruídos. El derecho a una vivienda digna fue una de las claves de la lucha por los derechos civiles de los años sesenta; en 1968 apenas una semana despues del asesinato de Martin Luther King (1929 – 1968), la Cámara de reprsentantes aprobó la Fair Housing Act, una ley firmada por el presidente Lyndon Johnson (1908 – 1973) para acabar con la discriminación en el alquiler o venta de bienes inmuebles por cuestiones de raza, religión u orígenes nacionales.
Los derechos civiles según Rockwell
Foto H Kliczkowski Juritz
El ilustrador norteamericano mas popular del siglo XX, Norman Rockwell (1894 – 1978), había dibujado con la mayor ternura el día a día de la clase media a lo largo de más de 300 portadas para The Saturday evening Post.
Cuando ya habia cumplido 70 años, dio un giro radical a su carrera y se implicó en la lucha por los derechos civiles de la comunidad afroamericana a través de sus trabajos para la revista Look.
Despues de retratar el primer día de escuela de la pequeña Ruby Bridges (1) en 1964, mostró la llegada de un grupo de niños afroamericanos a Park Forest en 1967, ilustrando un reportaje -titulado con un hoy incorrecto “Negro in the Suburbs”- dentro de un monográfico especial Suburbia.
En agosto del 2023, tuve el enorme placer de visitar el maravilloso, encantador y enorme Museo Norman Rockwell, en Stockbridge, Massachusetts.
Foto H Kliczkowski Juritz
Fue fundado en 1969 en el lugar donde Rockwell vivió sus últimos 25 años. Inaugurado en 1993, el edificio fue diseñado por el ganador del Premio Driheaus 2011 (2), el arquitecto Robert Stern.
Robert Arthur Morton Stern (1939) radicado en Nueva York, es socio fundador del estudio Robert AM Stern Architects, también conocido como RAMSA.
Desde 1998 a 2016 fue Decano de la Escuela de Arquitectura de Yale.
Imposible visitarlo solo una vez, pasé alli toda la tarde, además de las 574 obras de arte originales de Rockwell, el museo alberga sus archivos, una colección de más de 100.000 artículos, fotografías, cartas de fans entre otros documentos.
Foto H Kliczkowski Juritz
Foto H Kliczkowski Juritz
Norman Rockwell
Norman Percevel Rockwell fue un ilustrador, fotógrafo y pintor estadounidense célebre por sus imágenes llenas de ironía y humor.
A los 14 años descubre que su verdadera vocación es la ilustración, y asiste a las clases de arte de la Chase School en Manhattan. A los quince años, abandona los estudios para ir a la National Academy School, donde hacía copias de vaciados en yeso.
En 1910, con 16 años Rockwell se trasladó a la Art Students League, sus maestros fueron George Bridgman y Thomas Fogarty.
En 1916, con 22 años es ilustrador oficil del Saturday Evening Post, una revista de actualidad y sociedad, lo hace durante 47 años.
Foto H Kliczkowski Juritz
Admirado e imitado, hizo publicidad para McDonald’s o Coca-cola, cereales, chicles, neumáticos, etc.
En su libro “Mis aventuras como ilustrador”, menciona los rabajos de su amigo Joseph Christian Leyendecker como inspiracion e influencia.
Representó las actitudes del caracter de los niños, corriendo, burlándose de otros, tomando el desayuno, yendo a la escuela o jugando al baseball. Dedicó un cuadro en 1942 de carácter publicitario «Démosle suficiente y a tiempo», un llamamiento público para apoyar a los soldados. o «La lealtad del Boy Scout». Libertad
De esta convulsa época destaca su serie de «Libertad», formada por varios cuadros:
«Libertad de la necesidad», de 1943, que representa a una familia reunida en torno a una mesa el día de Acción de Gracias.
«Libertad de expresión», del mismo año.
«Libertad del miedo» y por último.
«Libertad de culto», considerada por muchos su obra maestra, plena en emoción, detalles y solemnidad.
Ya en la década de los 50 y 60, Rockwell volvió a sus temas amables y tiernos, representando imágenes navideñas, familias reunidas, viajes familiares en automóvil, interiores de tiendas o barberías, heladerías con niños, e incluso hizo algunas obras repletas de ironía, como «El entendido», de 1962, donde representó a un hombre de espaldas observando con pose afectada un cuadro perteneciente al Expresionismo abstracto, propio de pintores como Pollock, por los que Rockwell se sentía atraído.
Norman Rockwell Libertad de expresión. 1943. 116 x 90 cm
Mientras Rockwell pensaba en implementar su idea, en una reunión del consejo de la ciudad, uno de sus vecinos habló y, a pesar de que nadie estuvo de acuerdo con él, se le dio la oportunidad de hablar. ¡Rockwell se dio cuenta de que era exactamente lo que necesitaba! «De repente recordé cómo Jim Edgerton se puso de pie en la reunión del consejo de la ciudad y dijo algo que no agradó a los presentes. Pero se le dio la oportunidad de hablar. Nadie le dijo que se callara. Oh Dios, pensé. Aquí lo tienes. Libertad de expresión. Ilustraré las Cuatro Libertades usando a mis vecinos de Vermont como modelos «. (4)
Comenzó el trabajo, con una tensión increíble, trabajó como un poseso durante muchos meses. Rockwell invitó a los residentes de Vermont a su estudio. Un amigo del artista recordó que trataba a sus modelos como invitados de honor y dijo que el éxito de sus cuadros dependía de ellos: “Si tus modelos sienten que eres su amigo, no el jefe, si les haces sentir que son importantes para el éxito de tus cuadros, te ayudarán en todos los sentidos. Después de terminar su trabajo, entregó a todos un sobre sellado con un cheque.
A mediados de los 60 y principios de los 70, Rockwell recupera su punto mordaz y crítico con la sociedad: los cambios políticos que entonces sufrió norteamérica, entre ellos los de la integración de los negros, la lacra del racismo y la investidura del presidente Kennedy, fueron tomados e interpretados por Rockwell, quien siempre abogó por la multiculturalidad, la integración y sobre todo, la defensa del débil y el apoyo a los negros perseguidos o insultados: de este período destacan obras impactantes como «El problema con el que convivimos todos», de 1964, donde representa con delicada intensidad a una niña negra que tiene que ir escoltada a la escuela, víctima de los insultos y agresiones de otros ciudadanos; o el magnífico lienzo «La regla de oro», de 1961, donde queda patente su pasión por la defensa de los derechos humanos, su religiosidad y su respeto a todas las razas.
Un reportero en las afueras
Bill Owens (1938), las conradicciones de la clase media
Bill Owens. Suburbia (New and improved) FotoFolio US. Nueva York. 1999
Bill Owens. Suburbia Straight Arrow Books. 1973
Publicado en 1972, el hoy icónico libro “Suburbia” recogía 127 fotografías en blanco y negro de la zona residencial californiana donde todavía vive su autor, el entonces reportero Bill Owens, que se dedicó a inmortalizar a sus vecinos y amigos para plantear una panorámica de la vida suburbana. Owens, que habia cubierto las protestas contra la guerra de Vietnam o el traumático concierto de Altamont (3) se encontró viviendo con su familia en un pasiaje amigable en el que detectó sutiles contradicciones que decidió catalogar creando una obra a medio camino entre los “nuevos documentalistas” de los años sesenta, como Diane Arbus (1923 – 1971) o Garry Winogrand (1928 – 1945), y las lecturas irónicas mas conceptuales y polsmodernas que estaban por venir.
Bille Owens
“En nuestra casa, la sala de estar esta situada en la parte de atrás, de manera que por la noche nos sentamos delante del garaje y vemos pasar el tráfico”.
Gelatina de Plata. 1972. Archivo de Bill Owens en Milano
En 2007, esta vez a todo color, volvió a retratar los alrededores de Hayward, en el mismo condado de Alameda, recogiendo las fotografías en una antología introducida por el relato de la siempre ácida A. M. Homes (1961) Un premio para cada jugador (del libro Dias Temibles), en el que una familia se divide la lista de la compra y sus miembros compiten entre si dentro de un gigantesco centro comercial.
Bill Owens. Cars A completely American Reality True North Editions. Bellingham. 2021
Bill Owens.Sin título (familia remolcando una lancha) Gelatina de Plata. 1972.Archivo de Bill Owens en Milan
Howard Sochurek. Nikita Serguéievich Jrushov y Richar M. Nixon en la exposicion Nacional Americana celebrada en Moscu en agosto de 1959. Colección de Life
Una Sociedad Adúltera
En 1968, John Updike (1932-2009), como antes lo fue su admirado John Cheever, también llegó a ser portada de Time, pero no tanto por su prestigio literario como por el lucrativo escándalo causado por su novela “Parejas”, en la que narraba la utopía erótica de los vecinos de Tarbox, ficticio suburbio de Nueva Inglaterra, basada en el intercambio de parejas.
Ese mismo año se estrenó “Suburban Roulette” (1968), película de serie B sobre otra comunidad de swingers.
No era casualidad ya que, por lo menos desde la publicación de “The Split-Level Trap “(1961), el llamado “informe Kinsey de los suburbios”, los barrios residenciales empezaron a imaginarse como un entorno amoral habitado por jóvenes parejas consideradas como promiscuas en infinidad de novelas pulp.
Orrie Hitt, Sexurbia County, Beacon Books, Nueva York 1960.
Richard E. Gordon, Katherine K. Gordon y Max Gunther, The Split-Level Trap, Bernard Geis Associates, Nueva York 1960.
Dean Hudson, Passion Suburb, Midnight reader, 1962.
Jay Carr, Suburban Lovers, Monarch Books, Nueva York 1962.
John Conway, Love in Suburbia. They Spiced their Lives with Other Men’s Wives, Monarch Books, Nueva York 1964.
Matthew Bradley, Adultery in Suburbia, Gold Star Books, The New International Library, Derby, Connecticut 1964.
La Pesadilla Residencial
Splitnik, La casa como Propaganda
Y la noche se hizo en Suburbia, lo que había sido un sueño devino en pesadilla. La idea de un lugar seguro, saludable y alegre se contaminó progresivamente de miedos, terrores y paranoias.
Se corrieron cerrojos y se instalaron alarmas. Al fin y al cabo, en la tradición gótica americana, la casa, a menudo encantada, siempre había sido una fuente de horror: el mal anidaba dentro, enterrado entre los secretos familiares.
Con la aparición de las viviendas en serie se consolidó un nuevo subgénero, denominado “gótico suburbano”, que empezó a manifestarse tanto en la literatura como en el cine.
A diferencia del gótico tradicional, en este nuevo paisaje la residencia familiar ya no estaba anclada en ningún territorio determinado, como antaño en Nueva Inglaterra, sino que, con su valla blanca y su césped verde, podía estar en cualquier parte del país. Y el mal venía de fuera, amenazaba con invadir el hogar, incluso con devaluarlo. También podía ser el vecino de al lado, tan amable con su cortadora de césped. Bajo la apariencia de reluciente normalidad, los suburbios americanos siempre esconden grietas por las que se cuela el terror.
Atomurbia
Refugios en elpatio trasero
En la geografía de la dispersión interviene el miedo atómico. “Atomurbia” es el nombre que se dio a un proyecto delirante que apareció en las páginas de Life ya en 1947, ante la posibilidad de una guerra atómica, la solución del sociologo William Ogburn (1886 – 1959) consistía en dispersar a la totalidad de la población estaounidense por toda la geografia del pais, reubicando a 20 milones de pesonas con un coste de 5 billones de dolares al cambio actual. Nadie se lo tomó demasiado en serio. Pero el 6 de Octubre de 1961, cuando el presidente J.F.Kennedy (1917 – 1963) hizo un llamamiento para que las familias pudieran protegerse de un posible ataque nuclear, la demanda de refugios económicos “hagalo usted mismo” se disparó. Aunque su efectivid resulta hoy de lo mas cuestionable, miles de sótanos y patios traseros se acndicionaron para poder resistir un ataque nuclear. La cifra es incalculable porque no requerían permiso y solían construirse en secreto para no tener que compartir el restringido espacio con los vecinos.
Disturbia
Nuevo gótico americano
Ya en 1960, la pareja de psicólogos de Nueva Jersey Richard y Katherine Gordon, en su libro “The Split-Level Trap”, acuñaron la palabra Disturbia para recopilar las ansiedades de los habitantes del suburbio, unos temores que tanto la ficción como la vida cotidiana se han encargado de ir ampliando a lo largo de las últimas décadas.
El concepto de una casa en medio de la noche, donde la oscuridad circundante ya representa una amenaza, se ha convertido en algo más que un motivo recurrente para infinidad de fotógrafos y artistas americanos. Es casi una obsesión. El miedo a la invasión del hogar, a la visita de algún asesino en serie o de meros ladrones, combinada con el aislamiento suburbano, explica en parte la desmedida pasión por las armas de fuego de los americanos, protegidos por la Segunda Enmienda. A la creciente sensación de inseguridad contribuye también el deterioro de un paisaje periférico que desde la crisis de 2008 tiene un nivel de pobreza más elevado que los centros urbanos gentrificados.
La América insomne
Las fotografías del siempre oscuro
Gregory Crewdson (1962) realiza grandes producciones cinematográficas reducidas a un solo plano, elaboradas puestas en escena -incluso con efectos especiales como nieve artificial- que nos devuelven un testimonio sonámbulo de la pesadilla americana.
Esto resulta particularmente cierto en la serie “Dream House” -rodada- por así decirlo en la casa intacta de una persona fallecida en las afueras de Rutland (Vermont) con participación de estrellas del cine tan conocidas como Tilda Swinton, Gwyneth Paltrow, William H. Macy, Dylan Baker, Julianne Moore o Philip Seymour Hoffman, cuya presencia evidencia aún más la atmósfera irreal de esta serie de enigmáticas escenas situadas entre lo cotidiano y lo desconcertante.
Gabriele Galimberti. Katie (41 años). Central Texas. 2021 Impresión digital sobre PVC
Angela Strassheim retrata las ‘McMansions’ en ‘Left Behind’ (2005)
Norman Mailer
An American Dream.
The Dial Press. Nuva York. 1965
Phyllis McGinley
A Sort Walk from the Station
Dibujos de Roberta Macdonald
The Viking Press. Nueva York.1951
John McPartland
No Down Payment
Simon & Schuster. Nueva York. 1957
Rick Moody
The Ice Storm
Abacus. G Bretaña. 1994
Tom Perrota
Election. 1988
Penguin Random House Company. Nueva York
Little Children
St. Martin Press. Nueva York. 2004
Thomas Pynchon
The Cryinf of LOT 49
Lippincott Company. Filadelfia-Nueva York.1966
John Updike
A month of Sundays. 1975
Rabbit is Rich. 1981
Rabbit Redux. 1988
S. 1988
Rabbit at Rest. 1990
Rabbit, Run. 1994
In the Beauty of the Lillies. 1996
Alfred A. Knopf. Nueva York.
Sloam Wilson
The Man in the Gray Flannel Suit.
Simon & Schuster. Nueva York. 1955
Peter Wyden
Suburbia´s Coddled Kids
Ilustraciones de F.B. Modell
Doubleday & Co. Inc. Nueva York. 1962
Richard Yates
Revolutionary road
Methuen, Londres. 2001
Notas
1
“El problema con el que todos vivimos” es una pintura de 1964 de Norman Rockwell que se considera una imagen icónica del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos. Representa a Ruby Bridges (1954) una niña afroamericana de seis años, de camino a la escuela primaria William Frantz, una escuela pública exclusivamente para blancos, el 14 de noviembre de 1960, durante la crisis de desegregación escolar de Nueva Orleans.
Debido a las amenazas de violencia contra ella, está escoltada por cuatro alguaciles adjuntos de Estados Unidos, la pintura está enmarcada de modo que las cabezas de los mariscales queden recortadas a la altura de los hombros, lo que convierte a Bridges en la única persona completamente visible.
En la pared detrás de ella están escritos el insulto racial » nigger » y las letras » KKK «; También se ve un tomate aplastado y salpicado arrojado contra la pared. Los manifestantes blancos no son visibles, ya que el espectador mira la escena desde su punto de vista.La pintura es óleo sobre lienzo y mide 91 cm de alto por 150 cm de ancho.
2
Habían pasado 50 años de la tragedia de Altamont, el concierto de los Rolling Stones que terminó en sangre y muerte.
El joven Meredith Hunter, con su traje verde y su pelo afro, segundos antes de la tragedia. Captura del documental Gimme Shelter.
El 6 de noviembre de 1969 se organizó -mal y en poco tiempo- un festival que pretendía ser el Woodstock de la Costa Oeste. Los encargados de la seguridad fueron Los Ángeles del Infierno, una banda de motoqueros con un historial de violencia irracional, delitos, racismo y machismo. Cuando Mick Jagger estaba en el escenario, comenzó el horror.
Se respiraba un clima de alegría y esperanza. La alineación del festival era impecable: Santana, Flying Burrito Brothers, Jefferson Airplane, Crosby, Stills, Nash and Young, Grateful Dead y los Rolling Stones. Hubo dos víctimas fatales tras ser atropelladas y uno por sobredosis. Cuatro muertos en unas pocas horas, Meredith Hunter, afrodescendiente de 18 años (1951 – 1969), que había sido golpeado por uno de los Ángeles, éste luego fue hasta su auto a buscar un arma, y le disparó asesinándolo.
Notas
1
“El problema con el que todos vivimos” es una pintura de 1964 de Norman Rockwell que se considera una imagen icónica del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos. Representa a Ruby Bridges (1954) una niña afroamericana de seis años, de camino a la escuela primaria William Frantz, una escuela pública exclusivamente para blancos, el 14 de noviembre de 1960, durante la crisis de desegregación escolar de Nueva Orleans.
Debido a las amenazas de violencia contra ella, está escoltada por cuatro alguaciles adjuntos de Estados Unidos, la pintura está enmarcada de modo que las cabezas de los mariscales queden recortadas a la altura de los hombros, lo que convierte a Bridges en la única persona completamente visible.
En la pared detrás de ella están escritos el insulto racial » nigger » y las letras » KKK «; También se ve un tomate aplastado y salpicado arrojado contra la pared. Los manifestantes blancos no son visibles, ya que el espectador mira la escena desde su punto de vista.La pintura es óleo sobre lienzo y mide 91 cm de alto por 150 cm de ancho.
2
El Premio de Arquitectura Driehaus , denominado en su totalidad Premio Richard H. Driehaus de la Universidad de Notre Dame , es un premio mundial en el campo de la arquitectura clásica y tradicional contemporánea . El Premio Driehaus fue concebido como una alternativa al Premio Pritzker, predominantemente modernista.
3
Habían pasado 50 años de la tragedia de Altamont, el concierto de los Rolling Stones que terminó en sangre y muerte.
El joven Meredith Hunter, con su traje verde y su pelo afro, segundos antes de la tragedia. Captura del documental Gimme Shelter
El 6 de noviembre de 1969 se organizó -mal y en poco tiempo- un festival que pretendía ser el Woodstock de la Costa Oeste. Los encargados de la seguridad fueron Los Ángeles del Infierno, una banda de motoqueros con un historial de violencia irracional, delitos, racismo y machismo. Cuando Mick Jagger estaba en el escenario, comenzó el horror.
Se respiraba un clima de alegría y esperanza. La alineación del festival era impecable: Santana, Flying Burrito Brothers, Jefferson Airplane, Crosby, Stills, Nash and Young, Grateful Dead y los Rolling Stones. Hubo dos víctimas fatales tras ser atropelladas y uno por sobredosis. Cuatro muertos en unas pocas horas, Meredith Hunter, afrodescendiente de 18 años (1951 – 1969), que había sido golpeado por uno de los Ángeles, éste luego fue hasta su auto a buscar un arma, y le disparó asesinándolo.
“Suburbia». La construcción del sueño americano” presenta obras de destacados creadores que, desde diversos puntos de vista, nos ayudan a contemplar de forma crítica el famoso estilo de vida americano:
Alice Brazzit (1986), Jessica Chou, Gregory Crewdson, Thomas Doyle, Gerard Freixes, Rodrigo Fresán, Gabriele Galimberti, Weronika Gesicka, Benjamin Grant, Todd Hido, Joel Meyerowitz (1938), Matthias Müller, Blanca Munt, Alberto Ortega, Bill Owens, Norman Rockwell (1894 – 1978), Sheila Pree Bright (1967), León Siminiani, Todd Solondz, Amy Stein, Greg Stimac, Angela Strassheim (1969), Deborah Stratman, Ed & Deanna Templeton, Kate Wagner, Peter Wells (1812 – 1995), Christopher Willan entre muchos otros.
Vista interior de ‘Suburbia. La construcción del sueño americano’ por Alice Brazzit
El imperio del motor
Las autopistas de la libertad
Automóvil Ford modelo T Touring. 1923. Museo de la Ciencia y de la Técnica de Cataluña
El triunfo del Ford T, del que se vendieron más de 15 millones entre 1908 y 1927, transformó el país.
Para permitirle circular, el gobierno federal se lanzó a la construcción de carreteras, decretada mediante la Federal Aid Road de 1916, cuya aprobación coincidió con las primeras leyes de zonificación que compartimentaban la ciudad en distintas áreas según su uso (comercial, industrial, residencial).
La constitucionalidad de esta segmentación fue ratificada por el tribunal Supremo en 1926.
Distinguiendo entre zonas exclusivamente reservadas a casas familiares y otras para edificios de pisos, considerados textualmente “meros parásitos”.
Norman Bel Geddes. Coche aerodinámico N 9 y Motor Car N 8 c. 1932. Metal y acetato de celulosa. Universidad de Texas en Austin
Era el inicio de un proceso de suburbanización al servicio del automóvil.
En 1942 se formó un grupo de presión integrado por 240 miembros del sector automovilístico, tanto privado como público, conocido como The Road Gang, que culminó su labor de presión con la Federal Aid Highway Act (1956) impulsada por el presidente Dwight D. Eisenhower (1890 – 1969) y que ha sido la mayor obra pública realizada en la historia de los Estados Unidos, una red de autopistas interestatales de 78.465 kilómetros con sus gasolineras, restaurantes de carretera, moteles baratos y barrios residenciales
Norman Bel Geddes. Autobús GM99. Autobús Transcontinental. Autobús Motor N 24 y Autobús aerodinámico N 24. C. 1939. Universidad de Texas en Austin
Futurama. C. 1935-40. New York World´s Fair 1939-1940 records. Biblioteca Pública de Nueva York
Las supermanzanas de Radburn
En un mundo que ya giraba alrededor del automóvil, Henry Wright (conocido por sus contribuciones a la evolución de las comunidades residenciales planificadas.
Colaboró con figuras de renombre como Lewis Mumford) y Clarence Stein (1882 – 1975) pusieron en práctica el concepto de la supermanzana de Radburn en Nueva Jersey, una comunidad planificada para que automóviles y peatones nunca llegaran a cruzarse.
En 1928 se vendió como “La Ciudad de la Era del Motor”. Pero debido al crack del 29, no llegaron a construirse más que dos supermanzanas (se pensaron para 25 mil habitantes y cuentan con poco más de 3 mil) situadas a ambos lados de la arteria principal e interconectadas por túneles y puentes.
El garaje era la entrada a casas situadas en calles sin salida, que serían típicas de Suburbia, pero la parte de atrás daba a un gran parque comunitario con zona infantil e instalaciones deportivas.
Radburn, niños jugando en el parque y vista aérea. Rockefeller Archive Center
En Buenos Aires se construían complejos para gente de bajos recursos, que hoy son ocupadas, por clases acomodadas, tal la calidad de vida que se desarrolla ayer. Fueron tres concursos en septiembre de 1925.
Ver http://onlybook.es/blog/el-arq-fermin-bereterbide-por-hugo-a-kliczkowski-juritz/
El boom de Suburbia
El regreso de los soldados que combatieron en la Segunda Guerra Mundial, ansiosos por construir una familia en las casas de sus sueños, motivó la proliferación de los primeros suburbios masivos a los que tuvieron acceso gracias a la generosa financiación de la Asociación de Veteranos.
Asi, el baby-boom, que sumó 29 millones de habitantes en Estados Unidos en una década, ya no se produjo en pisos urbanos de alquiler, sino en once millones de viviendas unifamiliares que podían venir con toda clase de electrodomésticos incorporados presididos por un flamante televisor en el que los nuevos suburbanitas contemplaban versiones idealizadas de sí mismos y de los que vendrían a engrosar sus filas.
Norman Rockwell. El regreso a casa de los Marines. Cubierta del The Saturday Evening Post. 13 de octubre de 1945. Museo Norman Rockwell
Eran todos muy parecidos entre sí: misma edad, mismo color de piel, misma experiencia bélica, mismas hipotecas y la misma sensación de desarraigo y de empezar de cero. Todos los medios se hicieron eco del fenómeno y tanto el cine como la literatura reflejaron aquel paisaje estandarizado en el que las mujeres esperaban a sus maridos con una copa en la mano, los niños se desplazaban en bicicleta y todos celebraban alegres barbacoas los domingos.
Publicidad de General Electric. “Una promesa”. 1945. Colección particular. Barcelona
Promociones Masivas
Edificación en serie
Los distintos Levittown de la Costa Este, Lakewood en la Oeste y Park Forest en el área de Chicago fueron las “comunidades planificadas” más importantes y más ampliamente publicitadas de todas las creadas para acoger a las nuevas familias de los soldados que regresaron de la guerra.
William Levitt llegó a construir 30 viviendas unifamiliares por día en 1948, trabajaba con piezas manufacturadas, como las casas prefabricadas,.
Aplicaban las técnicas del trabajo en cadena heredadas del fordismo.
William Whyte. The Organization Man. Editorial Simon & Schuster. Nueva York. 1956. Colección particular. Barcelona
La oferta era imbatible: por el precio de un piso de alquiler en la ciudad, una casa con Jardin en propiedad a 30 años y sin intereses para los veteranos.
Lakewood se desarrolló más lentamente, pero llegó a ser el mayor suburbio de la posguerra con 17,5 mil pequeñas parcelas que cobijaron a 80 mil personas
Mientras que Park Forest se distinguió como el suburbio modelo para los que habían cambiado el uniforme de soldado por el traje gris de oficinista.
Club de Campo Hacoaj Tigre
Un interés no menor al escribir en mi blog es el de hacerlo como si fuese un libro de bitácora, para encontrar en él, trozos, partes de mi vida, con otros y en ciertos momentos conmigo…
Escribiendo sobre Suburbia, y al buscar antecedentes urbanos, recordé el Concurso del Club Hacoaj-Tigre de Buenos Aires, donde sacamos el primer premio, año 1990.
Está ubicado en la Av. Santa María (Ruta 27) Nº 4002, Rincón de Milberg, Tigre.
Lo proyectamos y construimos totalmente, El enorme movimiento de tierras, la diagramación y planimetría general de lotes, Golf, Club social y deportivo, entradas, etc.
En la foto los arquitectos Pablo Sztulwark, Gustavo Natanson, Hugo A. Kliczkowski Juritz, Edgardo Minond y Víctor Papo (en el concurso participó el arq Horacio Grinberg)
El enorme Country Club de 37 hectáreas, con un golf de 18 hoyos, planteaba (y por eso ganamos) que todos los lotes tuviesen igual situación, dando el frente al golf y el acceso por el contrafrente. En total 350 lotes de 1.000 m2 cada uno, todos con vistas al Campo de Golf, y las mejores actividades e instalaciones deportivas, sociales y culturales.
Debido a la magnitud del terreno y la situación de inundación del Tigre en épocas de sudestada, se debió rellenarlo.
Dada la magnitud de millones de metro cúbicos de relleno, se compró una cantera y durante un año, miles de camiones transportaban la tierra para subir el nivel topográfico.
Time, 3 de julio de 1959. William Levitt “a la venta una nueva forma de vida”. Colección particular. Barcelona
Cuando fue portada de Time, en Julio de 1950, William Levitt (1907 – 1994) ya era el mayor constructor de estados Unidos: “Somos la General Motors del sector inmobiliario”, declaró. Y ni siquiera había terminado el primero de la media docena de suburbios que desarrolló, el Levittown de Long Island, con capacidad para unos 60 mil habitantes. Al principio, las casas modelo Cape Cod o Ranch eran de alquiler, pero la ayuda gubernamental a través de la Federal House Administration hizo que saliera mas a cuenta venderlas. En el momento de mayor producción, gracias a un sistema de equipos especializados que se iban relevando, la firma Levitt & son levantaba una casa cada quince minutos. Todas estaban equipadas con un flameante televisor marca Admiral.
Vista aérea de Levittown, un suburbio de 1949
a Abraham, William y Alfred Levitt, Fundadores de Levittown. b folleto de casas ranch modelo c Anuncio del modelo cape Cod, Newsday. 18 de julio de 1947. d tomando pedidos para comprar casas en Levittown, 1949 e folleto de Ranch Models (reverso), 1950 f Modelos de casas Cape Cod, 1947-8 Biblioteca Pública de Levittown
Ogle Winston Link. NW 1103-Hot Shot East Bound en Laeger en West Virginia. 1956. Gelatina de plata. Museo de fotografía contemporánea del Columbia College de Chicago
La suburbanización de la Imaginación
El boom editorial, cinematográfico y televisivo
El radical cambio del modo de vida americano ejerció un profundo impacto en la cultura. En la pequeña pantalla parpadeaban familias modelo que protagonizaban cómicas situaciones de la vida cotidiana suburbana y los grandes estudios no tardaron en acomodar decorados de calles residenciales que todavía son el escenario de un sinfín de películas y series. Al mismo tiempo, las estanterías de las librerías se llenaron de toda clase de obras relacionadas con Suburbia: si Babbit, el clásico de Sinclair Lewis (1885-1951), había asentado el modelo de hombre de clase media en los años veinte, a partir de los años cincuenta cada vez fueron mas numerosos los escritores que ambientaron sus obras en casa con ventanas panorámicas situadas en tranquilas calles sin salida. Era lo lógico, hasta celebridades literarias como Jon Cheever (1912-1982) y John Updike (1032-2009), que habían forjado su fama en las páginas de The New Yorker, también se habían trasladado a la periferia para educar a sus hijos lejos de la ciudad.
John Barth
The Development
First Mariner Books edition. 2010
Frederick Barthelme
Natural Selection
Viking, Penguin Book. Nueva York. 1990
Ann Beattie
Secrets and Surprises. 1978
What Was Mine. 1991
Random House. Nueva York.
Raymond Carver
Cathedral
Alfred A. Knopf. Nueva York 1983
Raymond Carver
Where I´m Calling From
New and Selected Stories
The Atlantic Monthly Press. Nueva York. 1988
Auguste Comte Spectorsky
The Exurbanites
Dibujos de Robert Osborn.
J.B.Lippincott Company. Filadelfia. 1955
Don Delillo
White Noise
Penguin Books. Nueva York. 1986
Joan Didion
The White Albun
Simon & Schuster. Nueva York.1979
Bret Easton Ellis
Lunar Park
Picada. Londres. 2005
Jeffrey Eugenides
The Virgin Suicides
Farrar, Straus and Giroux, Nueva York. 1933
Richard Ford
Independence Day
Alfred A. Knopf. Nueva York.1995
Richard Ford
The Sportswriter
Flamingo. Londres. 1986
Paula Fox
Desperate Characters
Hartcourt, Brace & World. Nueva York. 1970
Jonathan Franzen
The Correections
Farrar, Straus and Giroux, Nueva York. 2001
Eric Hodgins
Mr. Blandings Builds His Dream House
Ilustraciones William Steig
Simon & Schuster. 1946
A.M. Homes
The Safety of Objects
W.W.Norton & Company. Nueva York. 1990
A.M. Homes
Music for Torching
Rob Weisbach Books. Nueva York. 1999
Shirley Jackson
The Haunting of Hill House
Viking Press. Nueva York. 1959
Gish Jen
Typical American
Plume Penguin Books. Nueva York. 1992
John Keats
The Crack in the Picture Window
Houghton Miffli. 1956
Jean Kerr
Please don´t eat the Daisies
Doubleday & Cia, Inc. Garden City. Nueva York. 1957
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CCCB, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, del 20 de marzo al 8 de septiembre de 2024.
El momento en que la televisión sustituyó al fuego del hogar.
Foto de H Kliczkowski
Foto de H Kliczkowski
Comisariado por Philipp Engel
Asesor Francesc Muñoz
Textos y fotos de la exposición y del catálogo editado en el 2024 por el CCCB y la Dirección de Comunicación de la Diputación de Barcelona. Tiene 208 páginas, 17 x 24 cm, 150 imágenes entre B/N y color. ISBN 978-84-19091-89-5 (castellano – english).
Análisis del fenómeno suburbano americano o ¿por qué las ciudades americanas se han desarrollado de manera tan radicalmente opuesta a las nuestras, desplegando una periferia de barrios residenciales y apenas vida en el centro? Y ¿cómo se ha vivido y se vive en Suburbia? ¿Cómo lo ha retratado el cine, la literatura, la fotografía? ¿Qué movimientos sociales acompañan al fenómeno suburbano?
“Suburbia. La construcción del sueño americano” nos sumerge en el imaginario de la casa familiar idílica y muestra cómo se ha vendido y potenciado este estilo de vida desde la ficción y la industria del entretenimiento. La exposición se remonta a los orígenes de los barrios residenciales a principios del siglo XIX, explica cómo se desarrollaron masivamente en los años cincuenta y repasa el contexto económico, político y social que hizo posible su imparable expansión por todos los Estados Unidos.
En un momento en el que cada vez son más numerosas las familias que persiguen su propia versión del sueño en la periferia de las ciudades, resulta pertinente analizar las contradicciones de un modelo urbanístico cuya razón de ser fue la segregación social, étnica o de género.
El sueño de vivir en una casa con piscina sigue muy vivo en la actualidad y se ha exportado en todo el mundo. La exposición muestra el impacto de este modelo altamente insostenible, basado en continuos desplazamientos en automóvil, con ejemplos de urbanizaciones que han surgido en torno a Barcelona o Madrid.
A través de abundante material histórico, documentales de época, fotografías, pinturas, películas y series, novelas y revistas, obras de arte u objetos cotidianos, la exposición nos sitúa en el paraíso mental del suburbio y nos invita a replantearnos el valor de la ciudad y el espacio público hoy.
La exposición pone en valor las contradicciones de este modelo, exitosamente exportado por todo el mundo, aunque se trata de un modo de vida insostenible, basado en continuos desplazamientos en automóvil, y en un gran dispendio energético.
Es posible que sea precisamente esa ambivalencia, entre la utopía y la distopía, lo que hace que Suburbia sea tan magnética para la mirada artística.
Suburbia siempre acaba emergiendo como un paisaje fascinante.
¿Quién no ha deseado alguna vez el sueño americano? Una casa grande con jardín, piscina y un par de coches en el garaje. Un sitio tranquilo y seguro para vivir en familia, cerca de la naturaleza y con un vecindario amistoso. La exposición recorre la historia cultural de este ideal de vida reproducido hasta la saciedad en la televisión, la publicidad o el cine y analiza la vigencia y los aspectos más controvertidos de este modelo urbanístico.
Suburbia es tanto una imagen mental como un paisaje mutante.
Y si resulta tan fascinante es precisamente por ese carácter doble, ambiguo, incluso paradójico, entre ficción y realidad. Por un lado, están esas zonas exclusivamente residenciales, formadas por casas unifamiliares en propiedad rodeadas de césped inmaculado, con un par de automóviles dormitando en el garaje, e idealmente una piscina en el patio de atrás…Suburbia nació y se desarrolló entre la ciudad y el campo, con “las ventajas del campo y las comodidades de la ciudad”…el eterno mantra promocional suburbano…”si es que no son las incomodidades del campo combinadas con lo peor de la ciudad”.
…Tan contaminante como insostenible, un suburbio de Nueva Jersey contamina más que todo Lower Manhattan.
En Europa las ciudades han sido tradicionalmente densas y centralizadas, a la inversa de las norteamericanas…pero, desde que la palabra gentrificación se puso de moda en Europa, a raíz de la mutación de los centros históricos en hoteles-boutique (o en parques temáticos) …han ido empujando a familias a vivir su propia versión del Sueño Americano en las urbanizaciones que proliferan en todas las periferias urbanas.
…Eisenhower, el baby boom, y la era dorada de la clase media..esa es la Suburbia que más ha calado en el imaginario colectivo.
…La televisión nunca ha dejado de crear deseo suburbano, y las risas enlatadas de las sitcoms son como las sonrisas congeladas de los cincuenta: ya no se sabe muy bien de dónde vienen.
…La tendencia de asentamientos totalmente artificiales se generalizó por todo el país…como LLewellyn Park en Nueva Jersey, un suburbio de los llamados pintorescos, con mansiones diseminadas por un armonioso parque de inspiración inglesa, fundado por un magnate farmacéutico, Lewellyn Haskell, fans de los asentamientos Shaker en su juventud…rodeada por muros y con entrada vigilada, Llewelyn Park prefigura las “comunidades cerradas” que proliferan hoy por toda América desde Estados Unidos a los countries de Buenos Aires. (mas adelante mostrado en detalle).
…La Utopía burguesa “sufrió el castigo de la popularidad”, según comentó maliciosamente el sociólogo e historiador Lewis Mumford (1895 – 1990)…El anti sueño sería ser expulsado del paraíso, acabar en la ruina como Ned Merril de “El nadador”, encarnado por Burt Lancaster en el vine, un relato que empieza como una divertida apuesta y acaba como una auténtica pesadilla. De piscina en piscina. Merril atraviesa Bullet Park hasta llegar a su casa…vacía y abandonada.
El sueño de una casa rodeada de un pedazo de tierra sigue muy vivo. Posiblemente sea el sueño más potente que jamás hemos tenido.
La Construcción del “sueño americano”
El estilo de vida americano ha recurrido a contundentes argumentos de venta para imponer su ideal urbanístico.
Las ventajas del campo con las comodidades de la ciudad: ¡el lugar ideal para ver crecer a los niños!. Verde, tranquilo, silencioso y seguro.
Joel Meyerowitz. Land. Provincetown, 1976. Impresión con pigmento
Desde los años noventa, la mayoría de los estadounidenses vive en esa masa de urbanismo disperso, tambien conocida como sprawl, que no deja de expandirse.
No importa que se trate de un sistema basado en continuos desplazamientos en automóvil ni que Estados Unidos sea el segundo país más contaminante del mundo después de China.
Paisaje ferroviario mundial. Swain & Leis. Chicago circa 1882. Currier & Ives. Paisaje ferroviario norteamericano. Trenes expresos saliendo de la estación. Nueva York, 1874. Biblioteca del Congreso.
Tampoco que haya sido objeto de numerosas críticas por tratase de un meditado proceso de compartimentación urbanística en grupos socioeconómicamente homogéneos que fomenta la desigualdad y protege el privilegio. El sueño americano es poderoso y no ha perdido ni un ápice de su atractivo, y menos después de la pandemia.
Durante décadas, todos estos barrios residenciales omnipresentes en el cine y en la televisión, asi como en la publicidad y la literatura, entre otras manifestaciones culturales y artísticas, nos parecían tan fascinantes como ajenos. Formaban una ciudad radicalmente opuesta a las nuestras, históricamente densas y concentradas.
Pero cada vez son mas numerosas las familias europeas que se ven obligadas a perseguir su propia versión del sueño en las urbanizaciones de la periferia. Esta historia cultural del modelo disperso de la ciudad americana pretende reflejar las contradicciones y ambigüedades -lo mejor y lo peor al mismo tiempo- de un no-lugar que ha fascinado a tantos creadores de la más diversa índole.
La planificación de un sueño
Los primeros colonos ya soñaban con una casa y un pedazo de tierra cuando cruzaron el Atlántico a bordo del Mayflower rumbo al Nuevo Mundo.
Norman Rockwell. Calendario. Tender Years:Mowing the Lawn, 1957 (Años tiernos: cortar el césped). Museo Norman Rockwell
Pero fue a partir de principios del siglo XIX cuando, paralelamente a la conquista del Oeste, surgió una nueva forma de colonización inspirada por el mito de la América Pastoral. Aprovechando las sucesivas revoluciones de la movilidad, que permitían cubrir desplazamientos diarios antes inasumibles, distintas capas de la sociedad fueron ocupando progresivamente el territorio que rodeaba las grandes urbes, entre el campo y la ciudad. Tal y como reflejan las obras del pintor Carl Rakeman (1878 – 1965), que dedicó su vida artística a la oficina de Carreteras Públicas (BPR), primero llegó el ferrocarril a vapor, luego vino el tranvía eléctrico, más tarde el automóvil y finalmente el país quedo, poco a poco, totalmente transformado por una red de autopistas interestatales.
Cada uno de estos medios de transporte dio lugar a “comunidades planificadas” completamente distintas en cuanto a urbanismo, arquitectura y situación geográfica siempre alrededor de las principales vías de comunicación movilizando en cada paso a una clase social distinta, A la alianza de promotores y compañías de transporte que, desde un principio, fue clave para la expansión suburbana, se sumó, a partir de principios del siglo XX, el propio gobierno federal. La idea, tal y como la sintetizó el presidente F. D. Roosevelt en 1942, consistía en que “un país de propietarios de personas que poseen una participación real en su propia tierra es inconquistable”.
Peter Wells. Hombre con cortadora de césped. Tinta sobre papel. Museo Norman Rockwell
Las primeras comunidades cerradas
Llewellyn Park, una comunidad cerrada con acceso vigilado fundada en 1852 por Llewellyn Haskell, un empresario farmacéutico, fue diseñada por A.J. David (1803 – 1892), discípulo de A.J.Dowing, que aportó su estilo pintoresco de calles curvas, en ruptura con la cuadrícula de las ciudades, y la idea de un parque comunitario.
Frederick Law Olmsted y Calvert Vaux. Plan general de Riverside. 1869. Museo Histórico de Riverside, Illinois
El mismo estilo fue llevado a una escala mayor por Calvert Vaux(3) y Frederick Law Olmstead (1822 – 1903), que acababan de diseñar el Central park de Nueva York y crearon en 1869 la comunidad de Riverside en Illinois, que tenía su propia estación de ferrocarril. Tuxedo Park, fundada en 1886 y más dispersa, se creó alrededor de un exclusivo club de campo que reunía a la jet set de Nueva York, alli se popularizó el esmoquin.
Los Angeles sobre raíles
La ciudad más poblada de California, paradigma de ciudad pensada para el automóvil, llegó a disponer de la red de tranvías mas extensa no solo de Estados unidos, dino del mundo.
Al contrario que en Europa, los magnates del tranvía, como Henry E. Huntington (1850 – 1927), podían comprar y vender terrenos a su antojo, llegando a amasar inmensas fortunas. Pero la progresiva popularización del automóvil y el consiguiente fenómeno de la dispersión urbanística hicieron que el tranvía cayera en desuso porque no podía llegar a todas partes. Los grandes de la industria del motor, encabezados por General Motors, fueron acusados de conspirar para acelerar su caída comprando líneas de tranvía para desguazarlas y reemplazarlas por autobuses, aunque eso nunca quedó legalmente demostrado.
Mapa de la red de tranvías de Los Ángeles. Travel and Hotel Bureau, 1906. Biblioteca del Congreso
La democratización del sueño
Casas para todos
La llegada del tranvía permitió a clases mas modestas -incluso a la clase obrera- el acceso a zonas exclusivamente residenciales diseñadas a la medida de sus posibilidades. Así aparecieron las primeras series de casas más o menos parejas y las prefabricadas que se vendían por correo. En contraste con los mas alejados y estilizados suburbios pintorescos de la utopía burguesa, los “suburbios del tranvía”, se desarrollaban alrededor de estas líneas de transporte y prolongaban la organización cuadriculada de las ciudades. El lobby de los promotores inmobiliarios fue ganando importancia y la casa unifamiliar acabó convertida en un asunto de estado: después de la campaña “Own your Own Home”, lanzada por el departamento de trabajo en 1917, no por casualidad el año de la Revolución rusa, el futuro presidente Herbert Hoover escribió que “mantener un alto porcentaje de propietarios individuales” era una prioridad para el país. Así se produjo un gran boom inmobiliario, en los años veinte, una burbuja que pudo ser el preludio de la Gran Depresión.
El paraíso de la clase obrera
“El mayor promotor inmobiliario del mundo”, así se anunciaba samuel E. Gross (1843 – 1913), que también era un maestro de la publicidad. En sus folletos, cuidadosamente diseñados e ilustrados, siempre enfocados a la clase obrera, anunciaba que, en una década, había construido y vendido 7 mil casas, vendido hasta 30 mil parcelas y construido hasta 16 suburbios de Chicago. Abogado y político, hizo campaña por la jornada de 8 horas para que sus clientes pudieran ir y volver de la fábrica cada día. Tambien escribió una obra de teatro, The Mercant Princ of Cornville (1896), y denunció a Edmond Rostand de robarle la célebre escena del balcón, ganó el juicio y Cyrano de Bergerac no pudo representarse en Estados Unidos durante años.
Catálogo anual ilustrado. S.E.Gross. Subdivisiones de ciudades y poblaciones suburbanas destacadas, c. 1891. Museo Histórico de Chicago
John Vachon. Transito en el North Shore Boulevard de Chicago a las 5 de la tarde. 1941. Biblioteca del Congreso
La palabra viene del latín -sub+urbe- y conceptualmente engloba todos los suburbios. Suburbio sigue teniendo un significado distinto, según la RAE está siempre en la periferia de las ciudades, corresponde a una zona deprimida, del extrarradio, ese paisaje postindustrial, antes obrero, ahora precario, en el que se erigen grandes edificios-colmena, que nunca constituyeron un sueño aspiracional para el resto de la sociedad. Philipp Engel.
2
“Suburbia, el país de los suburbios es lo que pensé la primera vez que oí esa palabra, a través de la melancólica voz de Neil Tennant…El cantante de Pet Shop Boys comentó que le había parecido “una buena idea escribir una canción sobre Suburbia y sobre como es esta en realidad, “violenta, decadente y desastrosa”.Philipp Engel.
3
Estudió arquitectura bajo la tutela del arquitecto británico Lewis Nockalls Cottingham (1787 – 1847),pionero en el estudio de la arquitectura gótica medieval.
Más tarde se trasladó a Nueva York y se puso al servicio del paisajista Andrew Jackson Downing (1815 – 1852), quien fuera editor de la revista The Horticulturist magazine (1846–52), se lo considera uno de los fundadores de la arquitectura paisajista.
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Esta es una plaza autogestionada y sin ánimo de lucro.
Frente a este hermoso edificio en la esquina de la calle del Doctor Fourquet y Mallorca de Madrid, encontramos la entrada a un lugar muy especial.
A la altura del número 24 de la Calle Doctor Fourquet Nº 24, en el barrio de Lavapiés, hay un oasis de paz, donde no llega el bullicio de la ciudad, que merece ser visitado.
Es una plaza, un parque infantil, un espacio para dar y recibir cursos prácticos de cerámica, para almorzar y también descansar.
En un cartel en su entrada, se lee “Esta es una plaza, es un jardín compartido creado en un solar cedido por el ayuntamiento para la participación ciudadana» e invitan “Puedes participar en la Asamblea y Grupos de Trabajo”.
Proponen visitas, aceptan propuestas y realizan eventos.
Advierten que no se permiten actividades lucrativas.
Hay una inscripción que pone
Si en los jardines que habita
Me impiden ver a mi dueño
En los jardines del sueño
Nos daremos una cita
Umar Aḥmad ibn Muḥammad ibn Aḥmad ibn Sulaymān ibn Darrāğ al-Qasṭallī (958-1030).
Un poeta hispanoárabe de origen bereber, nacido en el Algarve.
El solar estaba vacio, y durante décadas abandonado.
Los vecinos de a poco, lo van condicionando y transformando en un espacio multiusos.
El Ayuntamiento de Madrid, en el año 2010, lo entrega como concesión.
Su historia es:
«Esta es una plaza» se «crea» en un solar vacío e inutilizado durante tres décadas, hasta que los vecinos idean un proyecto para convertirlo en espacio multiusos, intercultural e intergeneracional, que pueda ser utilizado por aquel que lo necesite, siempre y cuando lo cuide.
La concesión por parte del Ayuntamiento de Madrid llega en 2010 y, desde entonces, se han construido mesas para trabajos de jardinería y bricolaje; se ha plantado toda una colección de cactus, entre otras especies, y se han instalado varios columpios, además de haber reservado un lugar a modo de anfiteatro para actividades culturales.
Aparte de ser autogestionada y sin ánimo de lucro, esta «plaza» destaca porque no tiene papeleras, ya que cada debe ocuparse de la basura que pueda generar, es un espacio totalmente libre de humos.
«Esta es una Plaza» pretende ser un lugar de encuentro entre distintos grupos de la ciudad; sea que vengan a descansar, a celebrar un cumpleaños infantil o a recitar poesía. Se trata de compartir el espacio y las actividades para crear así un clima de convivencia y poder desconectar del lío de la ciudad durante un tiempo.
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Marion Mahony, the architect who together with Walter Griffin designed Canberra.
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Marion Mahony (1871 – 1961) was the first woman to practice as an architect in Illinois, she trained at MIT (Massachusetts Institute of Technology), she was one of Frank Lloyd Wright’s most loyal collaborators and the designer who, together with her husband Walter Burley Griffin, planned the new capital of Australia, Canberra, until its golden years in the mid-twentieth century. (1)
Famous for her love-hate relationship with Wright, she was, however, the woman who drew the characteristic drawings of his buildings and projects.
The lithographs of the Wasmuth portfolio (1910), which made Wright so famous, were designed and made by Marion. His delicate watercolors, influenced by Japanese painting, are one of his greatest legacies.
Mahony was born in Chicago, after the terrible fire that destroyed the city, his family had to move to the countryside. It was the so-called Great Rebuilding of the city by architects such as Louis Sullivan who encouraged him to study that profession.
Her father, a journalist of Irish origin, died when Marion was a child. She inherited the character of her mother, a member of the Chicago Women’s Club, was a school principal and a strong fighter for women’s rights.
She was the second woman to graduate from the Massachusetts Institute of Technology and the first to practice as an architect.
After a year-long trip to Europe, he returned to work with Dwigh Heald Perkins (1867–1941), his mother’s cousin.
Perkins shared the studio with Wright, who hired her, with Marion being her first employee. Together they explored and performed Prairie Style throughout Illinois. Marion drew them and made the sketches that we all know.
I had with Wright some confrontations, due to the competition that the character of both produced. Barry Byrne, a member of the studio, said that «When they were together there were sprakles»… «When Marion showed up you knew it was going to be a fun day.»
Marion was close friends with Catherine, Kitty, Wright’s wife.
Catherine Wright, Frank’s wife, is seated in front of the camera, while Marion Mahony is in profile, in Oak Park, Illinois, ca. 1895 and 1897. (Photo by Frank Lloyd Wright Preservation Trust/Getty Images)
They worked together for 15 years, accompanying him in 1895 when Wright created his studio in Oak Park, where Marion was one of the main designers being responsible for many of the furniture, murals, stained glass, light fixtures and the design of the mosaics of the houses that were projected.
He created the image of the drawings in the studio, which identify Wright’s early period.
The composition and technique were influenced by Japanese prints.
When Wright left (fleeing) to Europe with Mamah he proposed to Marion that she take charge of the study and the works that were in progress, Marion did not accept.
She was highly critical of Wright’s neglect of Kitty and commented critically that «Wright created very little, he spent his time claiming things for himself and sweeping away others».
Then Wright proposed him to his associate at Steinway Hall, Herman Von Holst (1874 – 1955) to take the work, Holst needed someone with clear design concepts, he needed Marion, he and Wright knew it, so he proposed to work with him, Marion accepted, taking charge of finishing the work in progress.
There is enough documented information, it is possible to discover his hand and his name on the stamps in drawings and plans.
Steinway Hall
Steinway Hall was an 11-story building designed by Dwight Heald Perkins (1867-1941) and opened in 1896.
Like this theatre/offices, many others were built around the world by the manufacturing company Steinway & Sons, where they exhibited their prestigious pianos.
From the winter of 1896-97, the 11th floor of the building housed the offices of a group of architects.
Among them were its author Dwight Heald Perkins, Robert C. Spencer (1864 – 1953), Frank Lloyd Wright and Myron Hubbard Hunt (1868 – 1952).
Frank L. Wright and the «Architects of Steinway Hall: A Study of Collaboration»
Paperback – 20 July 2021. Author: Stuart Cohen
The book «Frank L. Wright and the Architects of Steinway Hall» analyzes the period between Wright’s arrival in Chicago in 1887 (remember that he worked in the studio of Louis H. Sullivan until 1888, then he partnered with Cecil Corwin (1860 – 1941) and they created a studio in the Schiller Building in downtown Chicago in 1893, until the dissolution of the company he moved to the Steinway Hall office in 1897. Wright would maintain an office there until 1908.
It also narrates the brief period in which numerous young and talented architects shared that space, and tries to evaluate how they collaborated on projects and in the creation of an architectural theory that would decisively influence the development of world architecture.
The office was actually a shared loft that allowed for the creation of shared ideas, similar designs and above all a «circle of creative architects», many of them friends, who elaborated the theories that would guide their designs.
Active architects of Chicago Architectural Steinway Hall converged there, such as Webster Tomlinson, Irving Pond (1857 – 1939) and Allen Bartlitt Pond (1858 – 1929), Adamo Boari (1863 – 1928), Walter Burley Griffin (1876 – 1937) and Birch Long (1876 – 1937).
“The Eighteen”
Wright would call «The Eighteen» that group of architects who met to eat and discuss common issues. Above all, debates about the art and history of architecture, that, guided by a theory, architecture could be created by teams, and not isolated facts of loose geniuses.
The group was joined by other architects who did not work on the building such as Arthur Dean and George Robinson Dean (1864 – 1919), Hugh Garden (1873 – 1961), Arthur Heun, Alfred Hoyt Granger (1867 – 1939), Richard Ernest Schmidt (1865 – 1958) who years later would work for Howard Van Doren Shaw, Louis Sullivan and Frank Lloyd Wright, Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926).
Architects who flourished after the great fire of 1871 in Chicago and the «World’s Columbian Exposition» fair held in 1893.
Architects close to the term «Prairie School», a term coined by the Canadian historian H. Allen Brooks (1925 – 2010), responsible for the 32-volume edition of the monumental The Le Corbusier Archive.
The directories studied indicate that from 1897 to 1910, up to fifty different architects rented space in the building.
The so-called Chicago School included names such as Barry Byrne (1883 – 1967), William E. Drummond (1876 – 1948), George G. Elmslie (1869 – 1952), Hugh Garden, Marion Mahony Griffin, Birch Burdette Long, George W. Maher (1864 – 1926), George C. Nimmons (1865 – 1947), William Purcell, Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926), and Robert C. J. R. Spence (1864 – 1953).
«… The meadow has a beauty of its own and we should recognize it by accentuating this natural beauty, its calm level… Planes parallel to the earth make the building belong to the land. I see the very line of the horizon as the authentic line of human life, indicative of freedom… The horizontal line is the line of the domestic«. Frank Lloyd Wright 1910/11.
Wright contemplates working in his Hillside studio in Taliesin, circa 1940 (photo by Marvin Koner of Getty Images)
In Wright’s studio, Marion had met her husband in 1911.
Walter Burley Griffin, who was five years younger than Marion.
While a collaborator with Wright, the two had a bad and difficult relationship, so Griffin left the studio in 1906.
Griffin had an excellent character, his friends said that he could put out the fire that emanated from Marion, the couple formed a studio, which had a lot of work, between 1899 and 1914, the Chicago studio created more than 130 designs between buildings, urban plans and landscaping. Half of them were built in the states of Illinois, Iowa, Michigan and Wisconsin.
In 1912 they entered together in the competition for the planning of the city of Canberra, the new capital of Australia. With Griffin’s enormous experience and Marion’s incomparable prints, they won it and moved to that part of the world in 1914.
History has not been fair when it comes to recognizing (as it did so many professionals) his real participation in the project.
After winning the Canberra contest, and the cover lavished on them by the prestigious newspaper The New York Times, Wright and Griffin did not speak to each other again, Wright referred to him as a cartoonist. Wright«was ungenerous in lavishing himself on the merits of others.»
Walter Griffin y Marion Mahony en Castlecrag, Sydney en julio de 1930
Marion decides to dedicate herself in life and soul to making her husband Griffin a great architect. In her memoirs she writes «I became his useful slave (…), I lost myself in him and that seemed very satisfying to me».
Although only a small part of the plan was realized, they decided to stay, the book «Marion Mahony Griffin: Drawing the form of Nature», is the result of her botanical drawings and illustrations in Tanzania.
They settled in New South Wales, building the residential neighbourhood of Castlecrag, Marion directed and designed the scenery for the local theatre.
«Marion Mahony Reconsidered» by David Van Zanten (1943).
It was published by The University of Chicago Press, ISBN 9780226850818. 192 pp, 69 illustrations (65 in B/W).
The book sheds light on many personal and professional aspects of Marion, who has finally begun to receive the recognition she deserves for her contributions to the field of early twentieth-century architecture. She did not have it easy, marginalized by the enormous shadow of Wright and her husband Walter Burley Friffin.
It shows us Marion’s personal journey from the suburbs of Chicago to Wright’s right-hand woman and her bohemian life with her husband in Australia, defines her as a «talented, complex and enigmatic» modern architect.
Mahony approaches the relationship with Wright with sadness «He created very little, spent his time claiming things for himself and leaving others aside.»
Largely recognized for her exquisite presentation drawings for both Wright and her husband, Walter Burley Griffin, she was a designer whose independent and highly original work attracted attention at a time when architectural drawing and graphic illustration were becoming integral to the design process.
The book examines new research on Mahony’s life and paints a vivid portrait of the place of a woman who stands out among the most renowned American architects.
The included essays cover Mahony’s origins in the suburbs of Chicago, through her years as Wright’s right-hand man and her bohemian life with her husband in Australia, whose new capital, Canberra, she helped plan until her golden years in the mid-twentieth century.
Filled with richly detailed analyses of Mahony’s works and including and populated by an international cast of characters, «Marion Mahony Reconsidered» greatly expands our knowledge of this talented, complex, and enigmatic modern architect.
Although the Griffin Mahony are not as well known in the rest of the world, they are an institution in Australia, where they are revered.
Its nucleus was a cultured circle, made up of many progressive professionals.
His cousin, the architect Dwight Herald Perkins, author among other buildings of the Steinway Hall, who details in this article, the sum as a draftsman in his studio.
This studio was on the 11th floor of Steinway Hall, where Wright works.
In 1985 he began working in Oak Park, in Wright’s studio, that relationship lasted 14 years.
After her marriage, Mahony went to work at Griffin’s law firm. A multi-home development designed by Griffin and Mahony, Rock Crest – Rock Glen in Mason City, Iowa, is seen as their most spectacular American design development of the decade and remains the largest collection of prairirie-style homes surrounding a natural setting.
Returning to his intense and interesting life
Without a doubt, Marion Mahony Griffin (1871-1961) should appear with her own name in modern urban history. However, this has not been the case. It was not until the celebration of the 100th anniversary of the Canberra project competition that her name appeared on an equal footing with her husband’s. In 2013, Marion Mahony Griffin’s co-authorship of the city’s project was recognised in the exhibition The Dream of a Century: The Griffins in Australia’s Capital.
The second woman to graduate as an architect from MIT in 1894, she belonged to a social environment of a wide and diverse circle of progressive women and men (labor reformers, voters, civic activists, and high-society women’s clubs), which facilitated her entry into the world of work. In 1902 he received his first commission stemming from these relationships, the Reverend James Blake Vila, a Unitarian reformer, poet and playwright, commissioned him to design the new All Saints Church in Evanston.
Marion Mahony began her professional practice, as a cartoonist, in the studio of her cousin Dwight Perkins. This kinship relationship was important, since, for many women, even if they had studied, professional practice was inaccessible since the incorporation of women was not well received.
In 1895 he began working in Frank Lloyd Wright’s studio in Oak Park, and for 14 years he was one of the most important people in it. So much so that when Wright left for Japan, in 1909, he offered her to be the one to take charge of the studio. She declined the proposal, but agreed to work in the studio of Herman von Holst, who continued the studio’s works. and it was Marion who took charge of finishing the work that had been started, as stated in the stamps of the drawings and plans.
At Oak Park, Marion Mahony was one of the main designers, being responsible for many of the furniture, murals, stained glass, lighting and mosaics of the houses that were projected. He created the image of the studio’s drawings, which were instrumental in the identification and uniqueness of the first Wright.
The style of his drawings was influenced by Japanese prints both in composition and technique. (2)
In Wright’s studio she met her future husband, Walter Burley Griffin. Together they formed their studio and in 1911 they entered the competition for the new capital of Australia, Canberra.
Marion Mahony and her husband Walter Burley Griffin in Canberrra
In 1914 they moved to Australia to develop the project, history has forgotten the name of Marion Mahony when the project of this city is mentioned. The drawings undoubtedly bore his stamp and it can be said that his participation in the project was extremely important. But as has happened with many wives of architects, she decided to step aside so that the figure of the husband could stand out, in that way (and they were not wrong), they avoided social and professional reluctance to recognize the good work of professional women.
in which the creativity of humanity and the non-destruction of nature are sought.
In 1937 Walter Griffin died in India. She continued to work, and upon her return to the United States she developed three unrealized urban projects, the World Fellowship Center in Conway in 1942 commissioned by Lola M. Lloyd (1875 – 1944) (Co-founder with Jane Addams (1860 – 1935) of the Women’s International League for Peace and Freedom).
The second commission, in 1943, was the village of Rosary Cristals, near Burne, also owned by Lola Lloyd, and was related to Marion Mahony’s interest in single taxes and the anthroposophical vision. And a final urban project for the South Side of Chicago in 1947. All of them recognize his concern and interest in environmental design and his ability to solve human design problems both in detail and on a large scale. (3)
“… the book has one main purpose, to correct Marion’s absence from history by raising new questions, focusing on achievements that cannot be denied and beginning to fill some of the gaps and absences in her story… it is an academic achievement for the history of architecture…».Jane Clarke, historian.
“… An architect and graphic artist extraordinaire, Marion Mahony was a force of nature… marginalized as an «assistant» or «talented draftsman» for Wright and for Griffin… it is not possible to amplify her achievements by diminishing those of her husband… Perhaps it’s a dangerous book for those who believe that Wright invented everything that emanated from his Oak Park studio… It was undoubtedly part of the genesis of modern architecture in the United States.»Christopher Vernon, University of Western Australia.
Return to Chicago and the end
In 1937, while building a university library in Lucknow, India, Walter died of peritonitis. Mahony returned, first to Australia, but finally, in 1939, to Chicago, where she spent her last 24 years at her sister’s house, a school principal. She never wanted to talk about herself or her work as an architect, but about her husband.
He did draw a beautiful mural at his sister’s school, the George Armstrong Elementary School in the city, and became interested in the anthroposophy of Rudolf Steiner (the one of Waldorf education), to which he dedicated a good part of his last decades. (4)
Murió demente, no sin antes dejar escrita su biografía en un libro que se puede consultar online en el Art Institute of Chicago: The magic of America.
Notas
1
By Itziar Narro. July 12, 2020. AD
2
Dr. Arq. Zaida Muxí, One day an architect. March 25, 2015
Archdaily. Marion Mahony Griffin: an architecture in tune with nature and the creativity of humanity.
4
In the early twentieth century he founded an esoteric spiritual movement, anthroposophy, with roots in German idealist philosophy and theosophy. His teachings are influenced by Christian Gnosticism, Many of his ideas are pseudoscientific, he was also a supporter of pseudohistory.
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Marion Mahony, la arquitecta que junto a Walter Griffin diseñó Canberra.
Marion Mahony (1871 – 1961) fue la primera mujer que ejerció como arquitecta en Illinois, se formó en el MIT (Instituto Tecnológico de Massachusetts), fue una de las más fieles colaboradoras de Frank Lloyd Wrigth y la proyectista que, junto a su marido Walter Burley Griffin, planificó la nueva capital de Australia, Canberra, hasta sus años dorados a mediados del siglo XX. (1)
Famosa por su relación de amor-odio con Wright fue, sin embargo, la mujer que dibujó los características dibujos de sus edificios y proyectos.
Las litografías del Wasmuth porfolio (1910), que tanta fama le dieron a Wright, las diseñó y realizó Marion. Sus acuarelas delicadas, influidas por la pintura japonesa, son uno de sus mayores legados.
Mahony nació en Chicago, después del terrible incendio que destruyó la ciudad, su familia debió mudarse al campo. Fue el llamado Great Rebuilding (la gran reconstrucción) de la ciudad a cargo de arquitectos como Louis Sullivan le animaron a estudiar esa profesión.
Su padre, un periodista de origen irlandés murió cuando Marion era una niña. Heredó el carácter de su madre, miembro del Chicago Women’s Club, fue directora de un colegio y firme luchadora por los derechos de las mujeres.
Fue la segunda mujer en graduarse en el Massachusetts Institute of Technology y la primera en ejercer como arquitecta.
Luego de un viaje de un año por Europa, regreso para trabajar con Dwigh Heald Perkins (1867 – 1941) primo de su madre.
Perkins compartía el estudio con Wright, que la contrata, siendo Marion su primera empleada. Juntos exploraron y realizaron las Casas de la Pradera (Prairie Style) en todo Illinois. Marion las dibujo y realizó los bocetos que todos conocemos.
Tenia con Wright algunos enfrentamientos, debidos a la competencia que el carácter de ambos producía. Barry Byrne, integrante del estudio, decía que «Cuando estaban junto había sprakles (destellos)»… «Cuando aparecía Marion sabías que iba a ser un día divertido».
Marion era amiga íntima de Catherine, Kitty, la mujer de Wright.
Catherine Wright, esposa de Frank está sentada frente a la cámara, mientras Marion Mahony está de perfil, en Oak Park, Illinois, aprox 1895 y 1897. (Foto de Frank Lloyd Wright Preservation Trust/Getty Images)
Trabajaron juntos 15 años, lo acompaño en 1895 cuando Wright crea su estudio en Oak Park, allí Marion fue una de las principales diseñadoras siendo responsable de muchos de los muebles, murales, vitreaux, artefactos de iluminación y el diseño de los mosaicos de las casas que se proyectaban.
Creó la imagen de los dibujos del estudio, que identifican la primera época de Wright.
La composición y la técnica estaban influenciadas por las estampas japonesas.
Cuando Wright se va (huyendo) a Europa con Mamah le propuso a Marion que se encargara del estudio y de las obras que estaban en ejecución, Marion, no aceptó.
Fue muy crítica con el abandono que Wright hiciera de Kitty comentó críticamente que “Wright creó muy poco, se pasaba el tiempo reclamando cosas para sí mismo y barriendo otras»,
Entonces Wright lo propuso a su asociado de Steinway Hall, Herman Von Holst (1874 – 1955) para que tomara los trabajos, Holst necesita a alguien con claros conceptos de diseño, necesitaba a Marion, él y Wright lo sabían, por lo que le propone trabajar con él, Marion acepta, haciéndose cargo de terminar los trabajos en proceso.
Hay suficiente información documentada, es posible descubrir su mano y su nombre en los sellos en dibujos y planos.
Steinway Hall
Steinway Hall era un edificio de 11 pisos diseñado por Dwight Heald Perkins (1867- 1941) e inaugurado en 1896.
Como este teatro/oficinas, se construyeron muchos otros en todo el mundo por la empresa fabricantes Steinway & Sons, donde exhibían sus prestigiosos pianos.
A partir del invierno de 1896-97, el piso 11 del edificio albergó las oficinas de un grupo de arquitectos.
Entre ellos su autor Dwight Heald Perkins, Robert C. Spencer (1864 – 1953), Frank Lloyd Wright y Myron Hubbard Hunt (1868 – 1952).
Frank L. Wright and the Architects of Steinway Hall: A Study of Collaboration
Tapa blanda – 20 Julio 2021. Autor Stuart Cohen
El libro “Frank L. Wright and the Architects of Steinway Hall” analiza el período entre la llegada de Wright a Chicago en 1887 (recordemos que trabajó en el estudio de Louis H. Sullivan hasta 1888, luego se asocia a Cecil Corwin (1860 – 1941) y crean un estudio en el edificio Schiller en el centro de Chicago en 1893, hasta que disuelta la sociedad se traslada a la oficina de Steinway Hall en 1897. Wright mantendría una oficina allí hasta 1908.
Tambien narra el breve periodo en que numerosos jóvenes y talentosos arquitectos compartieron ese espacio, y trata de evaluar como colaboraron en proyectos y en la creación de una teoría arquitectónica que influiría decididamente en el desarrollo de la arquitectura mundial.
La oficina, era en realidad un loft compartido que permitió crear ideas compartidas, diseños similares y sobre todo un “circulo de arquitectos creativos”, muchos de ellos amigos, que elaboraban las teorías que guiaría sus diseños.
Alli convergían arquitectos activos del Chicago Architectural Steinway Hall como Webster Tomlinson, Irving Pond (1857 – 1939) y Allen Bartlitt Pond (1858 – 1929), Adamo Boari (1863 – 1928), Walter Burley Griffin (1876 – 1937) y Birch Long (1876 – 1937).
“The Eighteen”
Wright denominaría “The Eighteen” a ese grupo de arquitectos que se reunía para comer y discutir temas en común. Sobre todo, debates sobre el arte y la historia de la arquitectura, que, guiados por una teoría, la arquitectura podía ser creada por equipos, y no hechos aislados de genios sueltos.
Al grupo se le sumaron otros arquitectos que no trabajaban en el edificio como Arthur Dean y George Robinson Dean (1864 – 1919), Hugh Garden (1873 – 1961), Arthur Heun , Alfred Hoyt Granger (1867 – 1939), Richard Ernest Schmidt (1865 – 1958) quien años más tarde trabajaría para Howard Van Doren Shaw, Louis Sullivan y Frank Lloyd Wright,Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926).
Arquitectos que florecieron tras el gran incendio de 1871 en Chicago y la feria de la “World’s Columbian Exposition” celebrada en 1893.
Arquitectos cercanos al término “Prairie School”, término acuñado por el historiador canadiense H. Allen Brooks (1925 – 2010), responsable de la edición en 32 volúmenes del monumental The Le Corbusier Archive.
Los directorios estudiados, indican que desde 1897 hasta 1910, hasta cincuenta arquitectos diferentes alquilaron espacio en el edificio.
La llamada Escuela de Chicago incluía nombres como Barry Byrne (1883 – 1967), William E. Drummond (1876 – 1948), George G. Elmslie (1869 – 1952), Hugh Jardín, Marion Mahony Griffin, Abedul Burdette Long, George W. Maher (1864 – 1926), George C. Nimmons (1865 – 1947), Guillermo Purcell, Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926) y Robert C. JR Spence (1864 – 1953).
‘… La pradera tiene una belleza propia y deberíamos reconocerla acentuando esta belleza natural, su sosegado nivel… Planos paralelos a la tierra hacen que el edificio pertenezca al terreno. Veo la línea misma del horizonte como la auténtica línea de la vida humana, indicadora de la libertad… La línea horizontal es la línea de lo doméstico’. Frank Lloyd Wright 1910/11.
Wright contempla trabajando en su estudio de Hillside en Taliesin, alrededor de 1940 (foto de Marvin Koner del Getty Images)
En el estudio de Wright, Marion había conocido a quien en 1911 sería su marido.
Walter Burley Griffin, que era cinco años menor que Marion.
Mientras fue colaborador de Wright, ambos tuvieron una mala y difícil relacion, por lo que Griffin deja el estudio en 1906.
Griffin tenía un excelente carácter, sus amigos decían que podría aplacar el fuego que emanaba de Marion, el matrimonio forma un estudio, que tiene mucho trabajo, entre 1899 y 1914, el estudio de Chicago crea más de 130 diseños entre edificios, planes urbanos y paisajismo. La mitad de ellos se construyeron en los estados de Illinois, Iowa, Michigan y Wisconsin.
En 1912 se presentan juntos al concurso de la planificación de la ciudad de Canberra, la nueva capital de Australia. Con la enorme experiencia de Griffin y las inigualables láminas de Marion lo ganan y se trasladan en 1914 a esa parte del mundo.
La historia no ha sido justa a la hora de reconocer (como a tantas profesionales) su real participación en el proyecto.
Luego de ganar el concurso de Canberra, y la portada que les prodigó el prestigioso periódico The New York Times, Wright y Griffin no volvieron a hablarse, Wright se refería a él como un dibujante. Wright “era poco generoso a la hora de prodigarse ante los méritos de otros”.
Walter Griffin y Marion Mahony en Castlecrag, Sydney en julio de 1930
Marion decide dedicarse en vida y alma a conseguir que su marido Griffin sea un gran arquitecto. En sus memorias escribe «Me convertí en su esclava útil (…), me perdí en él y eso me pareció muy satisfactorio»,
A pesar de que se realizó solo una pequeña parte del plan, decidieron quedarse, el libro “Marion Mahony Griffin: Drawing the form of Nature”, es el resultado de sus dibujos e ilustraciones botánicas en Tanzania.
Se instalaron en New South Wales, construyendo el barrio residencial de Castlecrag, Marion dirigió y diseñó la escenografía del teatro local.
«Marion Mahony Reconsidered» de David Van Zanten (1943).
Fue editado por The University of Chicago Press, ISBN 9780226850818. 192 pp, 69 ilustraciones (65 en b/n).
El libro esclarece muchos aspectos personales y profesionales de Marion, quienfinalmente ha comenzado a recibir el reconocimiento que merece por sus contribuciones al campo de la arquitectura de principios del siglo XX. No lo tuvo fácil, marginada por la enorme sombra de Wright y de su marido Walter Burley Friffin.
Nos muestra el viaje personal que realiza Marion desde los suburbios de Chicago, a ser la mano derecha de Wright y su vida bohemia junto a su marido en Australia, la define como una “talentosa, compleja y enigmática” arquitecta moderna.
Mahony aborda la relación con Wright con tristeza «Creó muy poco, pasó su tiempo reclamando cosas para sí mismo y dejando a los demás a un lado».
Reconocida en gran medida por sus exquisitos dibujos de presentación tanto para Wright como para su marido, Walter Burley Griffin, fue una diseñadora cuyo trabajo independiente y muy original atrajo la atención en un momento en el que el dibujo arquitectónico y la ilustración gráfica se estaban volviendo parte integral del proceso de diseño.
El libro examina nuevas investigaciones sobre la vida de Mahony y pinta un vívido retrato del lugar de una mujer que destaca entre los arquitectos estadounidenses más reconocidos.
Los ensayos incluidos recorren desde los orígenes de Mahony en los suburbios de Chicago, a través de sus años como mano derecha de Wright y su vida bohemia con su marido en Australia, cuya nueva capital, Canberra, ayudó a planificar hasta sus años dorados en mediados del siglo XX.
Lleno de análisis ricamente detallados de las obras de Mahony e incluyendo y poblado por un elenco internacional de personajes, “Marion Mahony Reconsidered” amplía enormemente nuestro conocimiento sobre este talentoso, complejo y enigmático arquitecto moderno.
Aunque los Griffin Mahony no sean tan conocidos en el resto del mundo, sí son una institución en Australia, donde son venerados.
Su núcleo era un circulo culto, conformado por muchos profesionales progresistas, su primo, el arquitecto Dwight Herald Perkins, autor entre otros edificios del Steinway Hall, que detalle en este artículo,la suma como dibujante en su estudio. Dicho estudio estaba en el piso 11 del Steinway Hall, donde trabaja Wright.
En 1985 comienza a trabajar en Oak Park, en el estudio de Wright, esa relación duró 14 años.
Tras su matrimonio, Mahony pasó a trabajar en el bufete de Griffin. Una urbanización con varias casas diseñadas por Griffin y Mahony, Rock Crest – Rock Glen en Mason City, Iowa, se ve como su desarrollo de diseño estadounidense más espectacular de la década y sigue siendo la mayor colección de casas de estilo pradera que rodean un entorno natural.
Volviendo a su intensa e interesane vida
Sin duda alguna Marion Mahony Griffin (1871-1961) debería aparecer con nombre propio en la historia urbanística moderna. Sin embargo, no ha sido así. Ha habido que esperar hasta la celebración de los 100 años del concurso del proyecto de Canberra para que su nombre apareciera en igualdad de condiciones que el de su marido. En el año 2013 se ha reconocido la co-autoría de Marion Mahony Griffin en el proyecto de la ciudad en la exposición The Dream of a Century: The Griffins in Australia’s Capital.
Fue la segunda mujer graduada de arquitecta en el MIT en 1894, perteneció a un entorno social de un amplio y diverso círculo de mujeres y hombres progresistas (reformistas laborales, votantes, activistas cívicos y clubes de mujeres de la alta sociedad), lo que facilitó su ingreso al mundo laboral. En 1902 recibió su primer encargo derivado de esas relaciones, el reverendo James Blake Vila, reformador unitario, poeta y dramaturgo le encargó el diseño de la nueva iglesia de Todos los Santos en Evanston.
Marion Mahony comenzó su práctica profesional, como dibujante, en el estudio de su primo Dwight Perkins. Esta relación de parentesco fue importante, ya que, para muchas mujeres, aunque hubieran estudiado la práctica profesional era inaccesible ya que la incorporación de las mujeres no era bien recibida.
En 1895 comenzó a trabajar en el estudio de Frank Lloyd Wright en Oak Park, y durante 14 años fue una de las personas más importantes del mismo. Tanto fue así que cuando Wright se fue a Japón, en 1909, le ofreció que ella fuera quien se hiciera cargo del estudio. Ella declinó la proposición, pero aceptó trabajar en el estudio de Herman von Holst, quien continuó las obras del estudio, y fue Marion quien se hizo cargo de terminar los trabajos que habían quedado empezados, tal como consta en los sellos de los dibujos y planos.
En Oak Park Marion Mahony fue una de las principales diseñadoras siendo responsable de muchos de los muebles, murales, vidrieras, luminarias y mosaicos de las casas que se proyectaban. Creó la imagen de los dibujos del estudio, que fueron fundamentales para la identificación y singularidad del primer Wright. El estilo de sus dibujos estaba influenciado por las estampas japonesas tanto en composición como en la técnica. (2)
En el estudio de Wright conoció a quien sería su marido, Walter Burley Griffin. Forman juntos su estudio y en 1911 se presentan al concurso para nueva capital de Australia, Canberra.
Marion Mahony y su esposo Walter Burley Griffin en Camberrra
En 1914 se mudaron a Australia para desarrollar el proyecto, la historia ha olvidado el nombre de Marion Mahony cuando se menciona el proyecto de esta ciudad. Los dibujos llevaban sin duda su sello y se puede afirmar que en el proyecto su participación fue sumamente importante. Pero como ha pasado con muchas esposas de arquitectos, ella decidió hacerse a un lado para que despuntara la figura del marido, de esa manera (y no estaban erradas), evitaban la reticencia social y profesional para reconocer el buen trabajo de las mujeres profesionales.
La influencia entre Griffin y Mahony, fue mutua. El interés de él por el paisaje y por una arquitectura en sintonía con la naturaleza, fue plenamente asumida por Marion Mahony. Ambos compartían la idea que de una civilización ideal en que cada persona viviera en casas que estuvieran en sintonía con la naturaleza y las personas, esta posición les llevó, especialmente a ella, a involucrarse en la sociedad Antroposófica, en la que se busca la creatividad de la humanidad y la no destrucción de la naturaleza.
En 1937 muere Walter Griffin en India. Ella continúa trabajando, y a su regreso a Estados Unidos desarrolla tres proyectos urbanos no realizados, el World Fellowship Center en Conway en 1942 encargado por Lola M. Lloyd (1875 – 1944) (Cofundadora con Jane Addams (1860 – 1935) de la Liga Internacional de Mujeres por la Paz y la Libertad).
El segundo encargo, en 1943, fue el pueblo de Rosary Cristals, cerca de Burne, también de Lola Lloyd, y se relacionaba con el interés de Marion Mahony en los impuestos únicos y en la visión antroposófica. Y un último proyecto urbano para el Sur de Chicago en 1947. En todos ellos se reconoce su preocupación e interés por el diseño del medioambiente y su habilidad por resolver problemas humanos de diseño tanto en el detalle como en la gran escala. (3)
“…el libro tiene un propósito principal, corregir la ausencia de Marion de la historia plantando nuevas preguntas, enfocándose en logros que no pueden ser negados y comenzando a llenar alguno de los vacíos y ausencias en su historia…es un logro académico para la historia de la arquitectura…”.Jane Clarke, historiadora.
“…Una arquitecta y extraordinaria artista gráfica, Marion Mahony fue una fuerza de la naturaleza…marginada como una “ayudante” o “talentosa dibujante” para Wright y para Griffin…no es posible amplificar sus logros disminuyendo los de su esposo…Quizás sea un libro peligroso para quienes creen que Wright inventó todo lo que emanaba de su estudio de Oak Park…Fue sin duda, fue parte de la génesis de la arquitectura moderna en Estados Unidos”.Christopher Vernon, Universidad de Australia Occidental.
Vuelta a Chicago y el final
En 1937, mientras construía una biblioteca universitaria en Lucknow, India, Walter murió de peritonitis. Mahony volvió, primero a Australia, pero finalmente, en el 39, a Chicago, donde pasó sus últimos 24 años en casa de su hermana, directora de un colegio. Nunca quiso hablar de sí misma ni de su trabajo como arquitecta, sino de su marido.
Sí dibujó un precioso mural en la escuela de su hermana, el George Armstrong Elementary School de la ciudad, y se interesó por la antroposofía de Rudolf Steiner (el de la educación Waldorf), a la que dedicó buena parte de sus últimas décadas. (4)
Murió demente, no sin antes dejar escrita su biografía en un libro que se puede consultar online en el Art Institute of Chicago: The magic of America.
Notas
1
Por Itziar Narro. 12 de julio de 2020. AD
2
Dra. Arq. Zaida Muxí, Un día una arquitecta. 25 de marzo de 2015
Archdaily. Marion Mahony Griffin: una arquitectura en sintonía con la naturaleza y la creatividad de la humanidad.
4
A principios del siglo xx fundó un movimiento espiritual esotérico, la antroposofía, con raíces en la filosofía idealista alemana y la teosofía. Sus enseñanzas están influidas por el gnosticismo cristiano, Muchas de sus ideas son pseudocientíficas, también era partidario de la pseudohistoria.
Las anteriores estan en http://onlybook.es/blog/casualidades/
Iba caminando por la avenida Alcalá y veo dos bolsas al lado de un contenedor de la basura sobre la acera, una con unos libros encuadernados con algún plástico de un azul intenso y en la otra unas partituras.
Una de ellas Sonatas para piano de Haydn, de Edición Ibérica N.º 131. Volumen 1 (10 sonatas). Editorial Boileau de Barcelona. Reimpresión del 2003.
Dentro del libro un ticket de la librería Mundimusical de la calle Espejo 4 de Madrid.
La compraron el 4 de mayo de 2009 por 3.30 € (en esa época era obligatorio indicar su equivalencia en pesetas, pone 549 pesetas).
No tiene ninguna escritura ni digitalización, entiendo que nunca se estudiaron.
El otro, es de J.S. Bach Inventionen und Sinfonien. BWV 772-801
Wiener Urtext Edition. Johann Sebastian Bach (Eisenach 1685 – 1750 Leipzig).
Dentro encuentro un ticket de Mundimusica, fue comprada el 19 de abril de 2011 por 12.70 € (2.113 pesetas).
BWV significa Bach-Werke-Verzeichnis, es el catálogo de las obras de Bach.
Urtext significa “texto original”, las editoriales utilizan el termino para calificar sus productos.
Bach nace el mismo año que Georg Friedrich Händel (y que Domenico Scarlatti), seguramente no sea una casualidad ese hecho común de Bach yHandel.
Muchas invenciones de Bach las conozco y las toco en el piano, como las invenciones 1 BWV 772 (con su versión 772 a), la 3 BWV 774, la 4 BWV 775.
La 8 BWV 779, la estudiaba de muy chico, quizás antes de mis 12 años.
La notación musical de Bach es hermosísima, de una armonía no solo musical, sino estética.
Recordé mi viaje a Eisenach, para caminar por las calles que caminó Bach, su pueblo y su casa natal, creo fui muy temprano a visitarla, hasta que me dijeron que cerrarían, alli compré para mí y para mi profe Gualli unos facsímiles de su hermosa escritura.
En la casa donde paso sus primeros diez años, se conserva el manuscrito de su “Cantata BXV 72 Alles Nur Nach Gottes Willen, asi como el violoncello Piccolo para el que seguramente escribió su “Suite N1 6 BWV 1012”.
El facsímil que compré pone Johann Sebastián Bach (1685 – 1750). Pasión según San Mateo BWV 244. Inicio del coro de apertura. (de la gran editorial) Doblinger.
Un par de años más tarde luego de la feria del libro de Frankfurt, viaje a Leipzig, para ver la ciudad donde vivió, trabajó y está enterrado Bach.
Luego que Georg Phillipp Telemann renunciara al puesto en Leipzig y se trasladara a Hamburgo, Bach fue nombrado en 1723, Bach Thomaskantor y director musical de las principales iglesias de la ciudad, San Nicolás (Nikolaikirche) y San Pablo (Paulinerkirche), la iglesia de la Universidad.
Parte de esto y más cosas, escribi en http://onlybook.es/blog/johann-sebastian-bach-los-cambios-la-arquitectura-por-hakj/
Fue en la cafetería Zimmermann, donde Bach trabajó entre 1732 y 1741.
En 1735 compuso e interpretó la famosa Cantata del café, BWV 211, seguramente también se estrenaron alli las cantatas profanas y otras instrumentales que escribió para Augusto III de Polonia y II de Sajonia, como la «Cantata BWV 205a “Blast Larmen, Ihr Feinde», la «Cantata BWV 206 ‘Schleight, Splielende Wellen» o la «Cantata BWV 207a ‘Auf, Schmetternde Tone».
Su dueño Gottfried Zimmermann, desde 1720 alojó el Collegium Musicum, que fundara Georg Philipp Telemann como estudiante de derecho en 1702 y posteriormente fue dirigido por Bach entre 1729 y 1739. Para 1723, era una cafetería ampliamente conocida en Leipzig y el centro de reunión de la clase media local.
Estaba ubicaba en la plaza del mercado (Marktplatz) en la elegante calle Catalina (Katharinenstrasse). Zimmermann no cobró cuota alguna al Collegium Musicum por ser la sede de sus conciertos, ni cobraba tarifa al público, con que los gastos de Zimmermann estaban cubiertos por la venta de cafés.
Los conciertos finalizaron con su muerte en 1741.
Recibo el 26 de mayo de 2024 este WhatsApp de Vicky P.:
– “Fui a la casa de una amiga y le digo “que hermoso libro”, lo empiezo a mirar y cuando miro la editorial era tuyo, no lo podía creer. Precioso, tus libros están por todos lados”.
Les cuento datos sobre el libro, su autor es Xavier Girard. “Matisse 1917 – 1954”. Tiene 80 páginas con encuadernación de tapa dura y sobrecubierta, de 16 x 22 cm. Compre los derechos en español a la editorial inglesa Carlton y lo edité en setiembre del 2003, ISBN 978-8496137905.
Girard ha escrito otros libros como: “La Bauhaus”, “French Riviera – Living well was the best revenge”, “Louise Bourgeois, Face to Face”, “Matisse, Une Splendeur Inouie”, “Annees Fitzgerald”, “Les – La Côte d’Azur 1920-1930”, “French Riviera in the 1920 s”.
Un buen amigo me envía esta foto.
Me escribe “Libros de un gran editor y amigo”. La vi hará una hora, en Pelayos de la Presa, en la Sierra madrileña, donde hace frio, está desapacible y llueve. Ha llovido toda la semana. La frase es cariñosa y acepto el “gran editor” sabiendo que Carlos M, mi amigo es así de generoso. La muestro a mi gente, diciéndoles, casi asombrado “pasaron siete años que cerré la editorial y aun están a la venta, en este caso, la librería Book Center de Madrid». Tuve la suerte de realizar como arquitecto y como editor obras que aun están visibles. Quiero decir que puedo verlas. Veo el día que vi el terreno o el día que se decidí realizar un proyecto editorial. Veo las conversaciones. Los acuerdos y desacuerdos, veo todo lo que ya no se ve. La foto muestra la colección “Miniletras”. Quería salir de los temas de arquitectura o arte, cocina e infantiles. Pensaba que tendría mas alcance, mejores accesos en las librerías, pensé muchas cosas. Recordé que fue difícil dar con una solución a las portadas. No deseaba tener que diseñar 100 portadas (hicimos más de cien títulos) diferentes, deseaba tener una idea general que confirmara una colección y diferenciara los títulos. Busque diseñadores y no daban con la solución que esperaba. Lo más difícil se resolvió de la manera mas fácil. Los escritores tienen plumas, bolígrafos, lápices… una fabrica sofisticada de plumas italiana “Delta” me dio los modelos de plumas. Portadas blancas (en una vidriera se ven mejor, llaman mas la atención del lector, del comprador) con plumas puestas verticales inclinadas… Podría contar muchas anécdotas, como el intercambio epistolar con Eduardo Galeano que pidió amable pero firmemente cambiar la pluma de sofisticado diseño por un pincel, el titulo era y es “El viaje”. O la aceptación de grandes editoriales para seleccionar cuentos cortos, de Soledad Puertolas, Eduardo del Llano, Marta Sanz, Manuel Mujica Lainez, Arturo Perez Reverte, Juan José Millas, Mario Benedetti, Federico Garcia Lorca, Javier Marías y así seguía decenas de escritores muy bien encontrados.
Que fue posible gracias a agentes literarios como Mercedes Casanovas, Raquel de la Concha o Guillermo Schavelzon. Recuerdo con emoción cuando Guillermo abrió una habitación de su oficina en Barcelona y me mostró todos los escritos, borradores y maquina de escribir de Mario Benedetti, de quien era en ese momento el albacea o el «guardian» de su archivo..
O de mis amigos cubanos Armando Fernandez y Alina Castellanos que me permitieron llegar a publicar a Leonardo Padura, entre otros grandes.
Y ya puestos a recordar a su hija Adriana Fernandez Castellanos (y para mi de la familia), que se fue a Polonia a estudiar con el gran director de cine Andrzej Wajda, sin saber una palabra de polaco, y como llegó a hacer en el 2017 su documental Dos Islas, maravillosa y premiado documental.
En el 2008 habia realizdo el corto «El pez de la torre nada en el asfalto» y «El Vedado». Con la foto vi y recordé esa actividad, esa parte de mi vida. Gracias Carlos, la lluvia ahora es maravillosa.
Mi querido sobrino Nicolas K. , me escribe que se va «el jueves a Uruguay a trabajar». El0 de mayo me dice que esta en el Sofitel d Carrasco, que esa zona de Montevideo es hermosa.
Y me envia esta foto, y le pregunto, donde la sacaste? y me responde «En la casa donde estoy filmando».
Lo recuerdo muy bien, lo editamos en abril del 2005, le puse el título fascinado por los colores de las ropas, los complementos, los ingredientes. y un subtítulo Un viaje culinario a traves de Sudafrica. Sus autores Lannice Snyman y Andrzej Sawa.
La traducción la hizo Elena María Feito, del equipo de traductores de ASPPAN. los textos en castellano, con 223 páginas a todo color, tapa dura con sobrecubierta, 24 cm x 31 cm. Su ISBN 9788496304635.
La Libreria Casa del Libro escribió «Una fórmula exquisita, recetas, historias, paisajes, tradiciones milenarias de Sudáfrica. Mas de 250 recetas, desde las más rústicas a las más elaboradas, desde las mas suaves a las mas especiadas. Procedentes de los mejores restaurantes africanos, incluye delicias caseras transmitidas de madre a hijo durante generaciones».
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Desde el 7 de junio al 27 de octubre, el 23 pabellón temporal de la Serpentine Gallery, abre sus puertas al público en los Kensington Gardens de Londres.
Fue diseñada por el coreano Minsuk Cho (1966) de Mass Studies.
Está radicado en Seúl, la construcción está inspirada en la arquitectura vernácula en madera de su país.
Denominado Archipelagic Void, el pabellón presenta una estrella de cinco puntas, organizadas alrededor de un vacío central, para albergar diferentes usos de manera independiente.
Goldman Sachs apoya estos proyectos anuales, y este es el décimo año consecutivo que sucede.
Las cubiertas de los brazos irregulares, varían en tamaño, forma y altura, están conectadas por un anillo circular de acero, situado sobre el patio central. Apoyados en pedestales de hormigón, los cinco módulos contienen al Auditorio, que está coronado por un techo inclinado y aberturas laterales, revestidas de policarbonato de tonos rosados.
Ubicada al norte del Pabellón se encuentra la Biblioteca de libros no leídos, una iniciativa artística de Heman Chong y la archivera Renée Staal.
Concebido como una obra de arte que funciona como una biblioteca de referencia «viva», cada libro ha sido donado por su anterior propietario para formar un acervo de conocimiento común.
Los visitantes pueden contribuir y enviar un libro no leído que tengan en su poder a una colección creciente.
Al hacer accesibles estos títulos, La «Biblioteca de Libros No Leídos» funciona como un gesto colectivo, abordando nociones de acceso y distribución.
La Galería, contiene una instalación sonora que reproduce música del compositor Jang Young-Gyu; la Play Tower es una estructura piramidal provista de una red naranja que invita a jugar a los visitantes, posee una Casa de té.
“Nos sentimos honrados y agradecidos de presentar Archipelagic Void.Para realizar el Pabellón, comenzamos preguntando qué se puede descubrir y agregar al sitio Serpentine, que ya ha presentado más de veinte iteraciones históricas en el centro del parque, con un plantel de grandes arquitectos y artistas Para abordar este nuevo capítulo de manera diferente, en lugar de verlo como una carta blanca, aceptamos el desafío de considerar los muchos elementos periféricos existentes mientras exploramos el centro como un vacío. el Serpentine Pavilion. Al invertir el centro como un vacío, alejamos nuestro enfoque arquitectónico del centro construido del pasado, facilitando nuevas posibilidades y narrativas”.Minsuk Cho, Arquitecto, Mass Studies.
El último Pabellón Serpentine había sido proyectado por la arquitecta franco-libanesa Lina Ghotmeh proponiendo un espacio de encuentro.
En la edición de 2022, el artista Theaster Gates en 2022 creó un espacio tranquilo para la contemplación, y en ediciones anteriores nos mostraron proyectos de Counterspace Studio en 2021, de Francis Kéré en 2017, de Bjarke Ingels en 2016 o de Rem Koolhaas, en 2006.
Archipelagic Void de Mass Studies se compone de un vacío único en el centro rodeado por una serie de estructuras más pequeñas y adaptables ubicadas en su periferia. El proyecto hace referencia al madang o patio abierto que se encuentra en las casas tradicionales coreanas.
Alrededor del vacío, cada estructura de este pabellón multifacético se concibe como una “máquina de contenidos”.
Cada una con un nombre y propósito distintos, incluyendo la Galería, la Biblioteca, el Auditorio, la Casa de Té y la Torre de Juegos.
Ensambladas, las piezas se convierten en diez espacios que rodean el vacío: creando cinco espacios cubiertos distintos y cinco áreas intermedias abiertas que se integran con el parque circundante y las actividades del Pabellón.
Programa Como entrada principal al Pabellón, la Galería alberga una instalación de sonido de seis canales creada por el músico y compositor Jang Young-Gyu, que presenta The Willow en el verano y Moonlight en el otoño.
Inspirándose en el entorno que rodea el Pabellón, Jang incorpora sonidos de la naturaleza y las actividades humanas grabados en los Jardines de Kensington con música vocal e instrumentos tradicionales coreanos. Los tonos y melodías distintivos trazan el cambio de estaciones. La pieza responde al paisaje en constante transformación del Parque.
En un guiño a la historia del edificio Serpentine, la Casa de Té estará ubicada al este del Pabellón. Diseñado por James Gray West, el edificio Serpentine South fue inaugurado en 1934 y originalmente funcionó como una casa de té hasta principios de la década de 1960, antes de reabrir sus puertas como galería de arte en 1970. Al oeste, se encuentra el Auditorio, la estructura más grande de las cinco “islas”.
Con bancos integrados en sus paredes interiores, el espacio permite reuniones públicas y contará con un programa de actuaciones y charlas.
El Serpentine Pavilion 2024 también se convertirá en una plataforma para Serpentine’s Park Nights, la plataforma interdisciplinaria anual para encuentros en vivo en música, poesía, performance y danza en la que los artistas crearán nuevas obras específicas para un sitio.
Park Nights de este año presentará un espectáculo de danza de la coreógrafa Eun-Me Ahn y su compañía el viernes 28 y sábado 29 de junio y una velada de poesía que reunirá a los poetas de renombre internacional Don Mee Choi y Denise Riley e invitados el viernes 19. Julio.
Jujuy Argentina
En julio del 2024, Serpentine Arts Technologies organizará un día de eventos que explorarán la relación entre tecnología, propiedad y ecología. Se invitará a los visitantes a convertirse en administradores de una obra de arte colectiva iniciada por Tomás Saraceno y sus colaboradores, las comunidades de Salinas Grandes en Jujuy, Argentina.
Titulado Fairclouds, este proyecto único construye conexiones entre los ciclos del agua, la información y la vida. Al comprar una licencia de propiedad común parcial y convertirse en parte de una red internacional de administradores, el público apoyará el trabajo de las comunidades indígenas en Argentina. El proyecto es parte de una colaboración continua entre Serpentine Arts Technologies, RadicalxChange y Aerocene Foundation.
Notas
1
Textos y fotos de AV, Arquitectura viva y de Metalocus.
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
No debiese haber temas que le fueran ajenos a la mano del diseñador, del arquitecto, o del artista, ni siquiera volúmenes o superficies independientemente de su tamaño que pudieran serles extraño o indiferentes.
Estoy pensando en Le Corbusier con su Cabañon de 1954, o el Dymaxion Car el auto diseñado por Buckminster Fuller (1895-1983), un triciclo de 6 metros de largo para 11 pasajeros de 1933 y que Sir Norman Foster se ocupa de mostrárnoslo enseñar por todo el mundo. (13)
Ahora estamos analizando el proyecto de Tokio de los baños, públicos, ejemplos que nos demuestran en su diversidad y riqueza lo que antes decíamos. En ellos, grandes y renombrados arquitectos han dado una respuesta.
Distintas, diferentes, no todas “maravillosas”, pero todas respetuosas del programa.
En la primera parte hemos visto seis proyectos de los arquitectos y diseñadores Tadao Ando (premio Pritzker 1995),Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban (premio Pritzker 2013), Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki (premio Pritzker 1993). http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/
En la segunda parte los cinco trabajos que han construido Masamichi Katayama / Wonderwall, Marc Newson, Kazoo Sato, Fujimoto Sōsuke,Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX. http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/
En esta tercera parte difundimos los baños deJunko Kobayashi, Toyo Ito (premio Pritzker 2013), Sato Kashiwa y, Tomohito Ushiro,
Kobayashi Junko
Baño público ubicado en Sasazuka Ryokudō (Sasazuka 1-29), inaugurado el 10 de marzo de 2023, bajo las vías del tren de la línea Keiò.
El exterior oxidado, le da una apariencia “que impresiona”, y que quizás no invite a todos a aproximarse al baño, pero cuenta con un fácil acceso en silla de ruedas o coche para bebés.
Los baños para niños están en la parte frontal de la construcción, a la vista de los padres, y tienen grandes cristales que dejan pasar la luz, entre otros detalles que brindan seguridad.
No cabe duda de que es una obra de Kobayashi Junko, presidenta de la Asociación de Baños de Japón, que ha participado en el planeamiento de más de 250 baños públicos.
Su diseño único consiste en cilindros de diferentes alturas y, al levantar la mirada, nos espera una sorpresa: en lugar de encontrarnos con el hormigón de la vía férrea superior, nos sorprende un alero de color amarillo brillante, algo que da a este baño un toque de diversión.
El panel oxidado irá cambiando de color con el paso del tiempo, lo que nos invita a visitarlo varias veces.
Toyo Ito (premio Pritzker 2013)
El Baño se encuentra al pie de una escalera que conduce al santuario de Yoyogi-Hachiman, en el barrio de Shibuya.
El arquitecto japonés Toyo Ito ha denominado a su propuesta de aseo público «Tres Setas».
Su propuesta es el proyecto undécimo baño público de los 17 distribuidos y planeados en el distrito de Shibuya de Tokio.
El baño se divide en tres estructuras cilíndricas rematadas con techos abovedados que crean una forma que recuerda a los hongos que se encuentran en el bosque que rodea el santuario.
La nueva instalación se construyó para reempl azar unos antiguos aseos situados en la parte inferior de un tramo de escaleras que conducen al popular santuario Yoyogi.
Cada pieza individual dispone de un gran espacio para que pueda ser utilizada fácilmente por diferentes tipos de usuarios, desde personas mayores hasta personas con niños, las funcionalidades se redistribuyen entre las piezas de hombres y mujeres, las cubiertas se elevan por encima de las paredes para permitir la entrada directa de luz natural y aire a los aseos.
Toyo Ito comentaba que “…incluso yo, un hombre, no quería usar los aseos públicos, salvo que fuera inevitable”.
El diseño refleja el deseo de crear unos “aseos con una sensación de seguridad que permita a las mujeres usarlos incluso de noche,unos aseos que tenga un diseño discreto y que se pueda usar de manera informal”. El proyecto de Ito se une a los aseos públicos transparentes de Shigeru Ban, el aseo circular de Tadao Ando, el aseo de Fumihiko Maki con su «techo alegre», los aseos minimalistas de vidrio de Takenosuke Sakakura, o propuestas de diseñadores como Nao Tamura con su inodoro rojo o el inodoro de paredes de hormigón de Masamichi Katayama. Todos estos ejemplos los estamos exponiendo en las 3 partes publicadas en el blog.
Sato Kashiwa
WHITE
El diseñador gráfico Kashiwa Sato ha diseñado un baño cúbico envuelto de lamas de aluminio blanco. Las lamas verticales encierran un pasillo interior.
Está ubicado en la salida oeste de la estación Ebisu, se construyó un enorme cubo blanco, fue inaugurado en julio de 2021, tiene mucho uso, y deben trabajar mucho en su conservación para que continue blanco, sinonimos para el diseñador de pulcritud y seguridad.
Programa infantil
Limpieza baños en el parque
Niños que participaron en un taller de limpieza frente al baño del parque de Ebisu, diseño de Katayama Masamichi, inaugurado en agosto de 2020.
Katayama Masamichi, ha trabajado en Nueva York y Paris y estuvo a cargo del diseño de interiores de la tienda insignia de Uniqlo en Ginza.
Uniqlo en Ginza
El primer baño del proyecto toilete se abrió al publico en agosto de 2020, fue el proyecto de Ban Shiguru con una estructura de paredes de cristales transparentes.
Su enorme difusión por las redes, lo hizo muy conocido y popular.
Shiguru Ban baños transparentes
Tomohito Ushiro
Está en el parque Hiroo Higashi, una zona residencial rodeada de vegetación, de residentes y de visitantes. De día, el color blanco del exterior se roba el protagonismo ya que se destaca entre el concreto, la flora y las plantas que salpican el paisaje.
“Lo diseñé como una obra de arte público”
El director creativo japonés Tomohito Ushiro propone e idea luces pixeladas que bailan y cambian de forma en una miríada de imágenes.
El inodoro se ilumina con 7900 millones de formas, un número que refleja la población mundial estimada, y las luces parpadean en varios patrones.
El brillo pixelado puede imitar los rayos solares que se filtran a través de los árboles durante el día y como la luz de la luna o las luciérnagas errantes por la noche. Ushiro afirma que los usuarios y los transeúntes no verán el mismo patrón dos veces. Quiere encarnar la idea de igualdad diversa. Dice “todos somos iguales en el sentido de que todos somos diferentes”.
El interior y el exterior del baño público tiene un lenguaje que invita a cualquiera a usarlo: pantallas digitales gigantes gamificadas que encienden luces en el exterior, una entrada pintada de blanco cuyo diseño recuerda los baños públicos en las piscinas, y accesorios interiores y baños que firman el clásico vernáculo del Japón de alta tecnología mediante el uso de acero y tonos blancos.
Los vidrios protegen el gigantesco panel de luz detrás del inodoro, la pantalla que se ilumina por la noche y cuando el entorno está lo suficientemente oscuro para que la luz desempeñe su papel. El diseño de Ushiro sigue la versión del techo tradicional japonés de Marc Newson en el Tokyo Toilet que enseñamos en la 2nda entrega. http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/
Ushiro quiere alentar a los visitantes a ver “el inodoro no solo como un servicio público, sino también como un centro de placer cultural”. “Diseñé este inodoro para que fuera como una obra de arte pública que forma parte de la vida diaria y, al mismo tiempo, hace preguntas constantemente al espectador”. “Espero que se convierta en un monumento que continúe cuestionando la importancia de este proyecto».
vista exterior
El panel de luz gigante está instalado detrás del inodoro.
Uno de los dos inodoros universales está equipado con un dispositivo apto para ostomizados.
Notas
13
Sir Norman Foster desarrolló una fiel reproducción del Dymaxon. Solo existía una unidad (de las tres que se fabricaron en 1933) y con la ayuda de más de 2000 fotografias pudo reproducirlo.
Se utilizó aluminio, sobre una estructura de un Ford Tudor de 1934 y un motor V8 de 86 CV de Ford, igual a los originales de Fuller.
Pude verlo expuesto en octubre de 2010 en el Ivorypress Art+Books en Madrid, y en septiembre de 2022 en el Museo Guggenheim de Bilbao en “Motion, Autos, Art, ARchitectura”, comisariada por Foster y organizada en colaboración con la Norman Foster Foundation.
En la primera parte hemos visto los proyectos de los arquitectos y diseñadores Tadao Ando (premio Pritzker 1995),Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban (premio Pritzker 2013), Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki (premio Pritzker 1993) http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/
Ahora veremos los trabajos que han construido Masamichi Katayama / Wonderwall, Marc Newson, Kazoo Sato, Fujimoto Sōsuke,Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX,
Consideraciones
Además de un buen diseño, se buscó que los baños fueran cómodos y funcionales. La selección y la disposición del equipamiento estuvo a cargo de la empresa de retretes TOTO, mientras que, para el diseño y la construcción, participó Daiwa House. Satō Kashiwa, director de arte, se encargó del diseño de las placas de información y los pictogramas de los baños.
Sasakawa Junpei, director de la Fundación Nippon, señaló que la construcción de los baños representa únicamente el 50 % del éxito del proyecto, la otra mitad depende de que estos sean utilizados. Por esta razón, NIGO (pseudónimo de Tamoaki Nagao), un popular diseñador de moda creó los uniformes para el personal de limpieza.
Se hará cargo del mantenimiento de los baños también junto a la Asociación de Turismo de Shibuya y el ayuntamiento del distrito. Este proyecto busca hacer surgir, de manera natural, la consideración en las personas de dejar un baño limpio para quienes lo usen después, así como que la gente sienta curiosidad de visitar ciertos parques porque hay baños originales.
Los uniformes son elásticos y permiten que la gente que se los pone se mueva libremente. Esta frase (ya me dirán ustedes), es muy japonesa “Con esto, se espera que el personal de limpieza podrá sentirse orgulloso de su labor”.
Masamichi Katayama / Wonderwall(8)
Se encuentra en el parque Ebisu, en Shibuya. Fue inaugurado el18 de agosto de 2020. La fotografías es de Satoshi Nagare
Una instalación que se aleja de los conceptos y elementos arquitectónicos: es un objeto que se coloca casualmente en el parque, como cualquier otro.
En Japón, el origen de los baños es Kawaya.
El concepto Kawaya era una cabaña que se erigía sobre el río Kawa que se remontaba a los tiempos neolíticos de principios del período Jomon (10.000 a 6.000 AEC). (9)
Estas cabañas eran de diseños primitivos y simples, a menudo hechas de tierra endurecida o de trozos de madera unidos entre sí.
El inodoro diseñado por Wonderwall liderado por el diseñador de interiores Masamichi Katayama es la quinta propuesta del barrio de Shibuya que se inauguró el 5 de agosto de 2021.
Tratando de imaginar la apariencia y la atmósfera de los Kawaya primitivos del pasado, Masamichi Katayama propuso un “espacio ambiguo” que es simultáneamente un objeto y un aseo combinando al azar 15 paredes de hormigón. “Los espacios entre las paredes llevan a los usuarios a tres áreas diferentes diseñadas para hombres, mujeres y discapacitados. El diseño crea una relación única en la que se invita a los usuarios a interactuar con la instalación como si estuvieran jugando con un curioso equipo de juegos”.
“Tuvimos en cuenta una instalación que se aleja de los conceptos y elementos arquitectónicos: un objeto que se encuentra en el parque, como si fuera un parque infantil, o bancos o árboles”.
“El diseño crea una relación única en la que se invita a los usuarios a interactuar con la instalación como si estuvieran jugando con una pieza de juego”.
Tour a los baños
En noviembre de 2022 se llevó a cabo un tour en autobús organizado por la Asociación de Turismo del Distrito de Shibuya. Los participantes pudieron admirarlos, y observar los trabajos de limpieza y disfrutar de un espacio de comunicación. Recibió tan buenas críticas que está planeado efectuarlo de manera regular.
Los pasajeros del autobús pagan 4.950 yenes (aprox 28 €) por visitar nueve aseos distintos, durante 2 horas, entre ellos uno con paredes transparentesque se vuelven opacas cuando los usuarios entran y otro que se maneja mediante comandos de voz.
«Los visitantes pueden ser conducidos por las partes menos visitadas de Shibuya y disfrutar de todo el distrito mientras conocen los baños», dice Yumiko Nishi, responsable de la asociación turística del distrito.
Niños en el taller de limpieza del baño público del parque de Ebisu, foto tomada em octubre de 2022.
Mark Newson(10)
Baño público de Urasandō ubicado en Sendagaya 4-28-1, inaugurado el 20 de enero de 2023. Fotografía de architecturephoto.
Debajo de la autopista metropolitana, cerca del cruce de la avenida Meiji Dōri con la de Kitasandō, apareció un baño muy simple de hormigón. Con un techo de cobre y muros de piedra que se asemejan a los de los templos y santuarios, remite a la arquitectura tradicional de estilo japonés.
El diseño estuvo a cargo de Mark Newson, de Australia. Se trata de un diseñador de productos representativo de nuestros días, que ha trabajado para Louis Vuitton y también participó en el diseño del reloj Apple Watch.
Su interior es monocromático, de color verde azulado, que le da un toque de pulcritud. El techo de cobre será cubierto de una pátina de color verdoso que le da una apariencia desgastada y que irá cambiando de tonalidad con el tiempo. Combinará perfectamente con el verde del interior y seguramente muchos lo visitarán repetidamente para atestiguar su transformación.
Los muros de piedra son impresionantes. El techo de cobre le brinda una honrada curva a la estructura, tal como los techos tradicionales japonenses del estilo minoko.
El verde pastel baña suavemente las paredes de su diseño, lo usa como su color principal, y único color, las direcciones y las señales aparecen claras y visibles y el equipo dentro de la instalación pública es más fácil de ver. “Espero que este inodoro sea tan atractivo y conveniente como las otras atracciones ocultas en Shibuya”, “Aunque el baño está en un lugar concurrido y ultramoderno, quería hacer que esta forma de techo, que a menudo se encuentra en santuarios, templos, salones de té y áreas rurales, subconscientemente se sintiera cómoda y pacífica. La pátina del techo piramidal de cobre permitirá, con el tiempo, que el edificio se mezcle con la ciudad y se convierta en parte del tejido de Tokio”.
Kazoo Sato y Disruption Lab Team
Un baño público “Contactless” activado por la voz.
Satō Kazū frente a los baños del parque Nanagō-dōri, galardonados con el premio IF Design 2023, uno de los tres grandes premios del mundo del diseño.
El diseñador Kazoo Sato y disruption lab team diseñan Hi Toilet, un baño público que funciona a través de comandos de voz, evitando el contacto y mejorando la higiene, enHatagaya, Shibuya-ku.
El concepto de diseño de Hi Toilet es crear una experiencia más higiénica y sencilla, sin necesidad de tocar superficies y con instrucciones guiadas por voz. Esta idea ya existía antes de la llegada del Covid-19, pero la pandemia aceleró el proceso de creación de esta experiencia única para evitar el contacto entre personas.
La inspiración de Kazoo Sato para crear un inodoro totalmente activado por voz surgió después de mucha investigación y búsqueda de información sobre el comportamiento de los usuarios en los distintos baños públicos de Europa y EE. UU. La mayoría de ellos evitan el contacto con las superficies, pulsando la cisterna con el pie o el codo, y abriendo y cerrando la puerta con papel higiénico.
Por todo ello, el equipo creativo pensó en los baños dirigidos por comandos de voz, evitando todo tipo de contacto y mejorando la higiene de los espacios. Los comandos de voz permiten abrir y cerrar la puerta, tirar de la cadena, abrir y cerrar el grifo y poner música.
Es el diseño número12 del proyectoThe Tokyo Toilet.
Fujimoto Sōsuke(11)
Fujimoto Sōsuke, estuvo a cargo del Baño Público de Nishisandō, el último de los 17 que incluye el proyecto, se ha vuelto famoso por ser el diseñador de “Ringu”, el techo grande y el símbolo de la sede principal de la Expo 2025 Osaka, Kansai.
Llama la atención que muchos de los 17 baños son de color blanco.
Fujimoto señala “que este color es fácil de reconocer, al tiempo que da impresión de pulcritud.
Se convierten en un punto brillante dentro de una metrópolis gris”.
Tienen la desventaja que se ensucian fácilmente, por eso es un color difícil de utilizar en los baños públicos. Para este proyecto, se da importancia también al mantenimiento de las instalaciones, por lo que los creadores no tuvieron que ceñirse a reglas que los limitaran y se les permitió que echaran a volar su imaginación.
Los baños de del proyecto The Tokyo Toilet se limpian tres veces al día. Además, cada mes son revisados y se lavan con el método profesional de limpieza húmeda. Por si fuera poco, cada año se da mantenimiento a los exteriores y a la iluminación, entre otros aspectos. Este plan permitió materializar condiciones que normalmente serían adversas, como las paredes y suelos blancos, los cristales que rodean a los baños o la abundante madera natural utilizada en el diseño, además de, por supuesto, mantener la comodidad de las instalaciones.
Considera que los “baños públicos son una fuente comunitaria y eligió los conceptos de “recipiente” y “manantial” para crear un oasis en medio de la metrópoli”.
Su baño está en Nishisandō, Yoyogi 3-27-1, fue inaugurado el 24 de marzo de 2023.
En el frente están los lavabos en una estructura curvada, se pueden usar desde el corredor o desde la acera y los seis grifos con los que cuenta están a diferentes alturas. El agua corre por la rampa y se dirige al desagüe del centro.
Desde la lejanía este diseño sólido se asemeja a un recipiente blanco. El árbol hainoki, símbolo del baño, le da un toque de ternura.
Es un diseño que toma en cuenta a todas las personas, desde los niños y los ancianos, hasta los peatones que no utilizan los baños.
En un lateral hay un baño multiusos que cuenta con todas las funcionalidades necesarias.
Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX
Un baño que es un espacio comunitario.
Realizó el Baño público de Hatagaya (Hatagaya 3-37-8, inaugurado el 22 de febrero de 2023.
El equipo dirigido por el profesor Miles Pennington del Instituto de Ciencia Industrial de la Universidad de Tokio diseñó no solo un baño, sino un espacio comunitario. Bajo el concepto “With Toilet”, crearon un espacio que se puede aprovechar como sala de espera, área de exposiciones o para tiendas temporales.
En su exterior totalmente blanco se pueden exponer obras de arte o utilizar proyectores para mostrar imágenes. También se pueden extraer los bolardos y colocando las maderas encima se convierten en bancos. Combinando la posición de los 31 bolardos se puede hacer una sala de conferencia o asientos en círculo.
El baño está equipado con cambiador de pañales y de ropa, así como baño para personas ostomizadas (aquellas personas operadas que tienen un orificio en el abdomen para sacar fuera del tubo digestivo o urinario a envases).
Perfect Day. El cuidado
“…los bienes comunes no existen sin una comunidad que los utilice y los cuide…”
Tomo estos pasajes del film Perfect Day.
Cuando el protagonista Hirayama (Yakusho Kōji)cede su espacio vital, sobre todo su cama y su recamara, a su sobrina Niko (Arisa Nakano), tras escaparse de su casa.
Cuidarla es mostrarle el otro mundo que existe, que esta lleno de espacios comunes, la calle, los saunas las lavanderías, el parque, el bosque…
Cruzando el puente en bicicleta, dicen:
“…El mundo está hecho de muchos mundos, algunos están conectados y otros no”.
“Hay un mundo en el que las cosas no se cuidan y sólo se usan; hay otro en el que el mantenimiento es la clave para sostener y reparar el mundo. El cuidado es el puente. E implica, por necesidad, un esfuerzo colectivo…los bienes comunes no existen sin una comunidad que los utilice y los cuide…”
Otros diálogos son con su compañero Takashi (Tokio Emoto), cuando éste último pregunta, “¿de verdad te gusta este trabajo?”, para más adelante, sentenciar: “¿qué pasa con este mundo de mierda?”
Son las dos posiciones planteadas en el film y en la sociedad, Takashi no quiere limpiar la caca, es el reflejo del desgaste de la vida moderna y no se siente responsable de limpiar lo que ensucian los demás, Hirayama por el contrario, acepta su función, asume su rol de cuidar haciéndolo con dignidad.
¿Quién cuida a quien nos cuida?
Cuidar al mundo es mucho más que limpiar baños. Las prácticas de cuidado de Hirayama incluyen: cepillar los pisos, los lavabos y los baños, sí, pero también cuidar a un niño perdido mientras busca a su mamá; explicarle a una desconocida cómo funciona un baño público; compartir sus joyas musicales con las generaciones futuras; cuidar al borracho que se quedó dormido; jugar gato con una persona anónima; esperar afuera mientras alguien pasa por un mal momento; hacerse amigo de quienes no tienen más amigos; saludar y respetar al sin hogar que hace campamento al lado de un baño; celebrar a los niños que juegan inocentes en el parque; recuperar una planta del parque para cuidarla en su propia casa.
Todo lo que hace el personaje es cuidar: sin el cuidado y el mantenimiento ningún espacio tiene valor en sí mismo. (12)
Notas
8
José Juan Barba de Metalocus
9
Las expresiones “de la era común” (e. c.) y “antes de la era común” (a. e. c.) son designaciones alternativas al empleo de “después de Cristo” (d. C.) y “antes de Cristo.
10
Nació en Sídney, Australia en 1963, Marc Newson ha vivido y trabajado en Sídney, Tokio, París y actualmente reside en el Reino Unido, donde su empresa tiene su sede desde 1997. Sus clientes incluyen empresas como Louis Vuitton, Montblanc, Hermès, Nike, Dom Pérignon, Jaeger-LeCoultre y Ferrari entre otgros.
Además de supervisar su propia empresa, ha ocupado altos cargos en las empresas de los clientes, habiendo sido director creativo de Qantas Airways de 2005 a 2015 y diseñador de proyectos especiales en Apple desde su primera participación en el diseño del ‘Apple Watch’. En 2019, Marc y Sir Jonathan Ive fundaron el colectivo creativo LoveFrom.
Ha sido incluido en la lista de las 100 personas más influyentes de la revista TIME y ha recibido numerosos premios y distinciones. Doctor honorario del Royal College of Art y la Universidad de Sydney, ha ocupado cátedras adjuntas en la Universidad de Sydney y la Universidad Politécnica de Hong Kong, y ha sido designado RDI (Royal Designer for Industry) por la Royal Society of Arts. En 2012, Su Majestad la Reina Isabel II le otorgó CBE (comandante de la Excelentísima Orden del Imperio Británico).
11
Nippon.com una ventana a Japón. 14/04/2023
12
Francisco Paillie Pérez de Arquine. 16 de abril de 2024
Puede interesarte este tema, por lo que te envio esta sugerencia de Hugo K: Eladio Dieste «El señor de los ladrillos» http://onlybook.es/blog/eladio-dieste-el-senor-de-los-ladrillos-por-hakj/
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El proyecto ofrece una nueva visión de los baños públicos japoneses, erradicando la idea que deben tener mala fama además de ser sucios o malolientes.
Dieron la posibilidad a la creación de 17 diseños realizados por arquitectos japoneses de renombre mundial.
El proyecto The Tokyo Toilet, es un proyecto a cargo de The Nippon Foundation (1) que tiene como objetivo crear baños públicos que favorezcan la inclusividad y la diversidad, tienen que ser usados por todos, independientemente de su género, edad o discapacidad.
El lanzamiento del proyecto fue parte de un esfuerzo para mejorar la ciudad antes de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020.
El barrio de Shibuya tiene por eslogan “una ciudad que convierte la diferencia en su fortaleza”, es un distrito conocido por ser la cuna de tendencias culturales en Japón.
Los invitados han sido arquitectos y diseñadores Tadao Ando, Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban, Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki, que muestro en esta primer parte.
El resto de los profesionales son Masamichi Katayama / Wonderwall, Nigo, Toyo Ito, Kashiwa Sato, Kazoo Sato, Marc Newson, Tomohito Ushiro, Miles Pennington, que mostrare en la proxima entrega.
El proyecto Tokio Toilet ha formado el telón de fondo para la película estrenada en 2023 nominada al Oscar Perfect Days, dirigida por Wim Wenders, que protagoniza el famoso actor japonés Yakusho Kōji.
The Tokyo Toilet, es un programa de la Fundación Nippon destinado a renovar diecisiete baños públicos en Shibuya, por 16 creadores reconocidos, en colaboración con el gobierno de la ciudad de Shibuya. Los inodoros fueron construidos por Daiwa House Industry Co. Ltd., con Toto Ltd. asesorando sobre el equipo y el diseño del inodoro. Además de la construcción, el mantenimiento se llevará a cabo bajo un acuerdo tripartito entre la Fundación Nippon, el gobierno de la ciudad de Shibuya y la Asociación de Turismo de la Ciudad de Shibuya.
En el 2016 el Ministerio del Territorio, Infraestructuras, Transporte y Turismo realizó una encuesta. El 51,7 % respondió que no usaba los baños públicos de los parques, solo el 1,2 % lo hacía. Del entre los que no lo usaban el 68,1 %, dijeron que no dan la impresión de ser higiénico, y que no están lo suficientemente limpios, un 1,4 %, manifestó que su interior y de las áreas aledañas no inspiraban seguridad para usarlos con tranquilidad.
Tadao Ando (2)
Un baño público circular entre los cerezos del parque Jingu-Dori, se llama Amayadori.
Los proyectos, denominados “Tokyo Toiletson” dirigidos por la fundación sin ánimo de lucro Nippon Foundation, serán 17 nuevos aseos públicos construidos en el barrio de Shibuya.
Uno de los barrios mas juveniles y de más vida de Tokio.
Es un baño con vocación de convertirse en un monumento, se inauguró el 7 de septiembre de 2020.
Prueba de ello es la obra del arquitecto japonés Tadao Ando que aterrizó en Tokio. El edificio se compone de un techo circular que sobresale a modo de porche y una pared cilíndrica con aperturas verticales que permiten la entrada de la luz y el viento. Es esta armadura la que custodia discretamente en su interior la principal función del lugar, en una intención de aportar seguridad, comodidad y, belleza.
Dice Tadao Ando de AMAYADORI, que literalmente significa refugiarse de la lluvia. “Busqué que esta pequeña arquitectura superase los límites de un aseo público para convertirse en un «lugar» en el paisaje urbano que proporcionase un inmenso valor público. Utilizando este razonamiento claro y simple para el concepto de esta estructura, elegí utilizar un plano circular con un techo que se extendía y un “engawa”, que es una franja de borde de piso sin tatami, de madera o bambú, se puede recorrer el baño alrededor de él, se asemeja asi a un porche o un solárium”.
“Para mí era vital hacer un espacio cómodo y seguro. Los visitantes pueden moverse dentro de una pared cilíndrica de persianas verticales para sentir la comodidad del viento y la luz del entorno circundante. La sensación de seguridad se verá reforzada por la circulación libre y centrípeta que pasa al otro lado”.
Kengo Kuma (3)
Su proyecto ha sido el noveno en inaugurarse el 24 de junio de 2021.
Kuma diseñó una “villa de baños” dentro del Parque Nabeshima Shoto, su vegetación excéntrica, lo transforman en un espacio poco convencional para ser sede de baños públicos. Diseñó también el camino para generar una experiencia única y completamente diferente.
El objetivo central de Kuma era disipar la imagen de los baños públicos sucios, oscuros y aterradores. En este caso, pretende que los espacios públicos, además de ser abiertos para todos, sean perfectos para gozar de una experiencia divertida. Justamente, las paredes ecológicas ofrecen una visión un más pública, al tiempo que original.
Se compone de cinco cabañas cubiertas con persianas de madera de cedro con “alas”, se conectan a través de un paseo a lo largo del bosque. Cada uno de los bloques tiene una finalidad distinta que va desde un espacio para niños hasta uno para personas que requieren usar silla de ruedas o bien, muletas.
El objetivo central es proteger a las personas del Coronavirus.
Aseo triangular de Nao Tamura (4)
“¿A medida que entramos en una era de mayor conciencia, ¿cómo puede evolucionar un espacio común como el baño público para adaptarse de manera efectiva a nuestras necesidades infinitamente diversas?”.
La diseñadora japonesa Nao Tamura, residente en Nueva York, ha completado un bloque de baños públicos rojos en una pequeña parcela triangular en el distrito de Shibuya del centro de Tokio.
La estructura roja diseñada por Nao Tamura se inspiró en Origata (5), un método tradicional japonés de envolver regalos, para hacer referencia a la noción de hospitalidad.
Escribe “…es un símbolo de la entrega de regalos, este motivo encarna el espíritu de hospitalidad hacia los visitantes multinacionales del distrito de Shibuya y transmite mi visión de crear un espacio seguro que envuelva a todos los usuarios”. “La técnica antigua no es solo una expresión de belleza y etiqueta, sino una de las formas más elevadas de honor y respeto cuando se otorga a quien la recibe”. “Para replicar la técnica de Origata y los precisos pliegues de papel que la encarnan, elegí placas de acero para crear la estructura y la fachada del exterior”.
El color rojo nos muestra una intervención que es fácil de ver, reconocible y transmite una sensación de urgencia. El área de inodoros está dividido en tres con un baño accesible para sillas de ruedas, un inodoro femenino y un inodoro masculino alineados en una fila en la punta del triángulo.
“Al vivir en Nueva York, he tenido el privilegio de presenciar cómo la comunidad LGBTQ + vive alineada con sus identidades sexuales. Cuando diseñé este baño público para una pequeña parcela triangular en Shibuya, imaginé una sociedad que abraza a la comunidad LGBTQ + y les brinda espacio para vivir su verdad. Me di cuenta de que lo que permite a cada usuario una experiencia cómoda se reduce a la seguridad, la privacidad y la urgencia. Con esto en mente, creé tres espacios separados que redefinen la forma en que un baño público establece el espacio personal”.
Shigeru Ban
El arquitecto japonés Shigeru Ban ha diseñado dos nuevos baños públicos de vidrio, ubicados en el mini parque Yoyogi Fukamachi y el parque comunitario Haru No Ogawa, ambos en el barrio de Shibuya.
Utilizando una nueva tecnología, Shigeru Ban proyectó los inodoros con dos puntos clave en mente: limpieza y seguridad. Según Shigeru Ban, “…hay dos cosas de las que nos preocupamos cuando ingresamos en un aseo público, especialmente aquellos ubicados en parques. La primera es si está limpio por dentro y la segunda es que nadie está esperando secretamente adentro. Utilizando una nueva tecnología, diseñamos las paredes exteriores con vidrio que se vuelve opaco cuando se bloquea. Esto permite a los usuarios verificar la limpieza y si alguien está usando el baño desde el exterior. Por la noche, la instalación ilumina el parque como una hermosa linterna”. Estos aseos, divididos en tres cubículos donde cada estancia tiene un color que coincide con los tonos que se encuentran en los parques, están compuestos por baños para mujeres, hombres y una instalación accesible.
Takenosuke Sakakura
Andon
“El antiguo baño en Nishihara 1 era poco atractivo y rara vez se usaba. Pensamos que era importante crear una instalación que no sólo cumpla con los requisitos básicos de un baño público, como tener suficientes inodoros para garantizar un tiempo de espera razonable, sino que ofrezca un atractivo único que aliente a más personas a usar las instalaciones. Al construir una instalación que sea luminosa y abierta en el espacio limitado del sitio, esperamos mejorar tanto del baño sino de todo el parque. Esperamos que el baño ilumine el parque si fuera una linterna, creando un espacio público atractivo para los visitantes”.
El módulo tiene tres aseos unisex que iluminaran por la noche para hacer del parque un espacio más acogedor. como un «Andon» / linterna » en el Parque Nishihara Itchome de Tokio.
«Al construir una instalación que sea luminosa y abierta en el espacio limitado del sitio, esperamos mejorar la imagen no solo del baño sino de todo el parque”. Takenosuke Sakakura.
En el exterior, el edificio tiene tres puertas para entrar en tres aseos unisex, dentro de un elemento rectangular regular. En el interior, las paredes están acabadas con vidrio esmerilado, serigrafiado con árboles.
Fue inaugurado el 31 de agosto del 2021.
Takenosuke Sakakura nació en Tokio en 1946. Después de graduarse en el Departamento de Arquitectura de la Universidad de Nihon, se unió al Instituto de Investigación Arquitectónica Sakakura fundado por su padre Junzo Sakakura. Fundó Sakakura International en 1979, rebautizada en 1998 como Sakakura Atelier. Entre sus obras principales está la Gallery Saka, el edificio residencial en Tokyo Midtown y las villas Oiwake Club.
Fumihiko Maki
En el parque de Ebisu Higashi, conocido como el “parque del pulpo”, aparecieron unos baños que parecen un calamar.
Obra del arquitecto ganador del Pritzker Fumihiko Maki. Ha imaginado un baño que recuerda a un calamar, ya que en este parque hay un tobogán en forma de pulpo muy popular entre los niños. El techo elevado de los muros tipo pagoda además de integrar las dos secciones provee de ventilación y luz natural y se integra con los columpios y demás equipamientos del parque. Fukimiko Maki quiso que además de baños tuviera una zona de descanso con bancos que no fuera una mole y se pudiera ver a través de él, por ello diseñó una planta descentralizada.
Dice el arquitecto “El sitio del proyecto, Ebisu East Park, es un parque popular del vecindario que se utiliza como área de juegos para niños y está lleno de exuberante vegetación. Queríamos que esta instalación funcionara no sólo como un baño público, sino como un espacio público que sirve como un pabellón de parque equipado con un área de descanso. Pensando en una variedad de usuarios, desde niños hasta personas que van de camino al trabajo, queríamos crear un espacio seguro y cómodo que utiliza un diseño descentralizado para permitir buenas líneas de visión en toda la instalación. El alegre techo que integra las diferentes secciones promueve la ventilación y la luz natural, creando un ambiente brillante y limpio al tiempo que le da a la instalación una apariencia única similar a los equipos de juegos infantiles”.
Gran parte de las fotografías son de Satoshi Nagare, de la Fundación Nippon.
2
María Ángeles Cano de Condé Nast Traveller.
3
Diana Garrido de AD.
4
José Juan Barba de METALOCUS.
5
Origata, con más de 600 años de historia, es un conjunto de reglas detalladas sobre la manera de envolver obsequios y atarlos con cuerdas para sujetarlos. Este concepto, que se fue legando entre las familias samuráis como una forma de cortesía, se expandió posteriormente a la vida de los japoneses en general
6
María Anastidas de METALOCUS.
7
Isabel Margarejo de AD
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La vida tiene casualidades aparentemente inconexas, (lo creo aún no estando seguro de ello), pero un actor entrenado, o una mirada intencionada sabe que los más mínimos actos son (como lo he visto en la arquitectura, y en la música) parte de un todo.
Es así como las partes alimentan el todo y viceversa.
Casualidad 1
Roly(1) me dijo que, en Miami, alguien había dejado abandonado un libro de Kliczkowski Publisher, “Morphosis” (2).
Quizás ese alguien, lo había comprado en Argentina. o en España o en alguno de los otros paises que tambien se vendió.
Amazon no era entonces el de hoy, fue creada en el año 1994, el mismo año en que editamos el libro, ese gigante que entrega libros de cualquier lugar a cualquier otro lugar.
Quizás atravesó el Atlántico antes que Roly lo descubriera en un barrio de Miami y lo trajera a mi casa en un barrio de Madrid, atravesando nuevamente el Atlántico.
Casualidad 2
Roly a la vuelta del tramo que hicimos del Camino de Santiago junto a otros amigos, me dice que quiere regalarme un libro sobre Escher y Bach.
Le pregunto de que año es su edición y me dice de la década del 70, de hace 45 años.
Deduzco que ninguna librería lo tendría aun en stock y miro en Amazon si lo tienen…sí lo tienen, en versión libro de bolsillo.
Decido probar con mi librería preferida Taiga sobre la Avenida Arturo Soria 54, en el barrio de Ciudad Lineal en Madrid.
Llamo y pregunto si lo tienen, digo el titulo “Gödel, Wacher, Bach” y antes de dar el nombre del autor (3), Eduardo que me ha atendido me dice “lo tengo en la mano”.
Al ir a buscarlo, le preguntamos a Eduardo si no le parece raro tener en la mano un libro editado hace 37 años, cuando lo llame por telefono preguntando por ese libro? La edición que tenía en su mano es de 1987.
Responde que sí, que estaba ordenando un estante y lo tenía en la mano para reubicarlo.
Casualidad 3
En la “Historia de la traducción de GEB al castellano”, página XIX, del libro (ISBN 9788490660690) cuenta que:
“… por esa época telefoneé a mi viejo amigo Francisco Claro, profesor de física en la Universidad Católica de Chile, en Santiago, quien me contó una historia muy entretenida…buscando en avisos del diario, junto a su esposa, habían encontrado un mueble a la venta en un apartamento en algún lugar de Santiago… al ir a la calle se percataron que habían olvidado le dirección exacta de la casa…creyeron recordarla y se dirigieron a la calle y golpearon la puerta de un apartamento y preguntaron si era el lugar correcto”.
“…Resulto no serlo, pero en los breves instantes en que la puerta estuvo abierta, Francisco vio sobre el estante un libro que reconoció y, sin embargo, no reconoció: era Gödel, Escher, Bach, pero su tapa no era la del color correcto.. el dueño del apartamento era un profesor que había conocido a Usabiaga, el traductor, y que lo había ayudado, de alguna manera, mostrándole unos pocos trucos que éste había pasado por alto y sugiriéndole algunas ideas para traducirlos, ¡que loca coincidencia!
«Gödel, Wacher, Bach. Un Eterno y Grácil Bucle», es una obra de arte escrita por un sabio. Versa sobre los misterios del pensamiento e incluye, ella misma, sus propios misterios. Por ello su traducción ha supuesto también una larga, azarosa y laboriosa aventura que el propio autor ha vivido y que relata en un prólogo especialmente escrito para esta versión española.
Su autor es Douglas R. Hofstadter(4) y los traductores Mario Arnaldo Usabiaga Bandizzi y Alejandro López Rousseau.
Notas
1
Rolando Daniel Epstein, alias Rol Ando.
2
Era una pila de 5 o 6 libros frente a la entrada de servicio en el 1101 de la calle 99 en Bay Harbor Islands. “Morphosis estaba al tope de la pila. Era un jueves, que es el día que recojen objetos grandes como muebles, colchones, etc.”
Morphosis, Edificios y Proyectos 1989-1992 se editó con el nombre Kliczkowski Publisher, y las distribuidoras ASPPAN y CP67.
Fue editado originalmente por la editorial RIZZOLI en 1994, el mismo año en que compramos los derechos. Se imprimió en Italia.
CP67 compró los derechos para venderlo en México, Centro y Sud América,
ASPPAN compró los derechos para venderlo en España y Portugal.
«Thom Mayne, director de Morphosis, fue uno de los mas importantes e influyentes profesionales de la generación mas joven de arquitectos de California, Ganador de numerosas distinciones y tema de exhibiciones en todoel mundo, las obras de Mayne, incluyendo aquellos diseños con su antiguo socio Michael Rotodi, abarcan un amplio espectro de tipos de edificios. Este volumen, es una secuela del libro «Morphosis, edificios y Proyectos», de Rizzoli, publicado en 1990…el libro en si mismo representa el inusual metodo de Morphosis de Produccion Arquitectonica, pliegos de apertura y páginas estratificadas de pergamino, hacen eco a su método de generar y remodelar la forma compñletaente a traves de las etapas del diseño y aún mas lla, un proceso del cual deriva el nombre de Morphosis».
«La Introducción es de Richard Weinstein, decano de la facultad de Graduados de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de California, investiga el trabajo de Morphosis, en su contexto social, el complejo e incierto mundo del fin del siglo XX, para discutir el proceso de diseño de Morphosis y colocar la firma dentro de los debates arquitectónicos de la actuaidad».
3
Douglas R. Hofstadter (1945)
4
La Ley de Hofstadter es un refrán que describe la dificultad de estimar el tiempo que llevará completar tareas de gran complejidad. Fue acuñada por Douglas Hofstadter en su libro Gödel, Escher, Bach: un Eterno y Grácil Bucle (1979, Premio Pulitzer en 1980).
La ley afirma «Siempre nos lleva más tiempo de lo esperado, incluso teniendo en cuenta la ley de Hofstadter». Este refrán tuvo su origen, y es frecuentemente citado, dentro del ámbito del desarrollo de software.
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