Lo mismo me ocurrió cuando viajamos con mi hermano Guillermo a Taliesin West a ver la casa taller estudio de Frank Lloyd Wright en Phoenix, en pleno desierto.
Desde Los Ángeles, dejamos el Cañón del Colorado sin visitarlo, teníamos en mente, ver Taliesin, y lo único que nos distrajo fueron los cactus enormes que veíamos, esos “iguales a los de las revistas mejicanas”.
Luego de dejar Palm Spring, a 150 km de Los Ángeles (una zona de canchas de golf, verdes, verdísimas en pleno desierto….), y cuando se cumplieron unas 6 horas de auto, para hacer los 600 km, dimos con Taliesin.
Guillermo entró, yo me quede en el umbral mirando, no me atrevía a entrar, necesitaba asimilar el momento.
Exactamente igual que ante el Teatro Olímpico, y que días más tarde me ocurrió con la Rotonda.
El Teatro Olímpico fue la obra cumbre de Andrea Palladio, y también su última obra.
Scamozzi (personaje clave en muchas obras de Palladio, era 40 años más joven que su maestro), fue quien diseñó y realizó, las 7 calles de Tebas, se construyeron para el espectáculo de inauguración. Casi 5 siglos más tarde están intactas.
La perspectiva falsa se dramatiza al ser inclinado suelo, techo y paredes. Sus fachadas son de madera. Todo fugado con Trampantojos.
Esculturas de piedra y otras de hierro con relleno de trapos, papel mache y estuco (más livianos).
Se inauguró el 3 de marzo de 1585, con la puesta en escena de Edipo rey, escrita por Sófocles.
Esta decisión de Scamozzi, es un recuerdo a Homero y Hesidoto cuando nombra a la ciudad de Tebas, como la ciudad de las 7 puertas. También se llamaba de las 100 puertas por los pilones que estaban delante de los Templos.
Tebas, una de las ciudades con más leyendas y más importante en la mitología, se encuentra a solo 48 km de Atenas.
La mitología dice del drama personal de Edipo, rey de Tebas, que como predijo el oráculo, mató a su padre y se casó con su madre, si bien no era consciente de quienes eran en realidad. Cuando Tiresias, el adivino, desveló el verdadero origen de Edipo, y el parricidio e incesto, su madre Yocasta se ahorco en su palacio, y Edipo con un alfiler del vestido de su madre y esposa se sacó los ojos.
Se accede por 2 salas, Odeo y Antiodeo, decorada con frescos de Francesco Maffei, con un friso monocromo (1595) y divinidades y figuras alegóricas (1637).
El interior imita la ambientación al aire libre de los teatros clásicos, pero éste está cubierto.
Caben 470 espectadores en una cávea semielíptica de trece gradas, que está coronada con una exedra con columnatas.
Se dice que entre las esculturas está representado Palladio enseñando el proyecto del Teatro, que se la enseña a Leonardo Valmarana (hijo de Alvise Valmarana, que hiciera el palacio que lleva su nombre). Uno vestido con túnicas romanas, el otro con una capa.
Tiene un escenario rectangular desde cuyos accesos se desarrollan siete escenarios de madera en perspectiva.
El proscenio está dividido en tres niveles, el inferior con un arco triunfal central “porta regia”, y dos aperturas laterales más pequeñas “hospitalia”. El segundo nivel posee nichos con estatuas de académicos y el tercero hay una serie de paneles rectangulares “metopa” decorada con bajorrelieves de los trabajos de Hércules
Es en este teatro, donde se materializa la admiración del sueño humanístico de revivir el arte de la antigüedad.
No hubo más representaciones que la inaugural del 3 y otra más el 5 de marzo de 1585 (carnaval), estamos en pleno proceso de la reforma católica para frenar el avance del protestantismo, el concilio de Trento se reunió entre 1545 y 1563, y fueron sus dogmas las que hicieron que se cerrara por siglos y solo se celebraban eventos.
El miedo a que los actores pudieran tener algún tipo de dialogo con los espectadores correspondió a algunas de sus leyes como la de “La revitalización de la meditación y la oración, así como el control de las pasiones de los individuos”.
Pude saber que 2 de los hijos de Palladio mueren en 1572. Horacio de muerte natural, Leonidas asesina al esposo de su amante y los parientes de éste se vengan asesinándolo a él.
Esto influyo en que Palladio no pudiera ocuparse de la obra del Capitanio. Se ocupó Scamozzi. Esta cerca de otra obra de Palladio, la Basílica (el nombre no refiere a ningún edificio religioso sino laico).
He visto y recorrido el Palacio Chiericati, el museo Palladio (dentro del Palacio Barbarano) la tumba de Valmarana , y por fuera la casa Cogollo (privada) 8 horas intensas, además de cansado e impresionado, me convenzo que su genialidad en crear un lenguaje arquitectónico comprendido por generaciones durante 5 siglos es una evidencia de su capacidad de comprender y ser comprendido.
Mañana más, villa La Rotonda (Almerico Capra), Villa Caldogno y Villa Godi Malinverni.
Difícil estar ante una obra perfecta sin emocionarse.
Las variaciones Goldberg (según explica el biógrafo de Bach, Johann Nikolaus Forkel (1749 – 1818), en la biografía de Bach que publicó en 1802), fueron encargadas a Bach por el conde Hermann Carl von Keyserlingk (1696-1764) de Dresde. Debía ser instrumental para que Bach consiguiera el nombramiento de «Compositor de la corte de Sajonia«.
De esa manera el clavicordista de su corte, Johann Gottlieb Goldberg (1727-1756), que era un destacado alumno de Bach, pudiera entretener con ellas durante las noches de insomnio que padecía el conde.
El conde Keyserlingk recompensó de forma generosa a Bach con una copa de oro que contenía un centenar de “Luises de oro”, el equivalente a 500 táleros, casi el sueldo de un año como “Kantor de la Thomaskirche” de la misma ciudad de Dresde.
Así lo cuenta Forkel:
“En lo que respecta a esta obra debemos agradecer la instigación del anterior embajador ruso ante la corte electora de Sajonia, el conde Keyserlingk, quien frecuentemente paraba en Leipzig y trajo consigo al antes mencionado Goldberg, para que recibiera instrucción musical de Bach«.
El conde estaba frecuentemente enfermo y pasaba noches de insomnio. En tales ocasiones, Goldberg, quien vivía en su casa, debía pasar la noche en la antecámara, para tocar para él durante su insomnio. … En cuanto el conde mencionó en presencia de Bach que le gustaría tener algunas piezas para teclado para Goldberg, que debían ser de tal suavidad y de algún modo vivaz que le animaran un poco durante sus noches sin dormir.
Bach entendió que la mejor forma de cumplir con este deseo era mediante variaciones, la escritura de las cuales ya había considerado una tarea ingrata debido a la reiteración de fundamentos armónicos.
Pero dado que para aquel tiempo todas sus obras eran ya obras de arte modélicas, así también salieron las variaciones de su mano. De hecho produjo una sola obra de este tipo. A partir de entonces, el conde se refirió siempre a ellas como sus variaciones. Nunca se cansaba de ellas, y durante mucho tiempo, las noches de insomnio pedía:
-Querido Goldberg, toca alguna de mis variaciones.
Bach posiblemente no fue nunca tan bien recompensado por sus obras como lo fue por ésta.
Como ya comentgamos el conde le regaló una copa de oro llena de 100 “Louis d’or”, en cualquier caso, aunque la recompensa hubiera sido mil veces mayor, su valor artístico no hubiera llegado a ser pagado.
Forkel escribió la autobiografía en 1802, más de 60 años después, y su exactitud ha sido puesta en duda. La falta de dedicatoria en la primera página de la obra hace también dudoso que existiera el encargo.
La edad de Goldberg en la época de la publicación de la obra (14 años) ha sido citada también a veces como un motivo para poner en duda las afirmaciones de Forkel, a pesar de que debe decirse que Goldberg era conocido como un competente clavecinista y lector de música a primera vista.
En un reciente libro, el musicólogo, autor, clavecinista y organista Peter Williams (1937 – 2016), considerado uno de los principales estudiosos sobre el órgano, y sobre la vida y la obra de Johann Sebastian Bach sostiene que la historia que cuenta Forkel es completamente falsa.
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Quiero agradecer a la cátedra del arquitecto Mario Boscoboinik y a todos ustedes que están visionando esta charla por zoom (2).
Esa charla-conferencia la he dado el día Jueves 30 de Setiembre de 2021 por zoom a las 19 hs de Argentina / 24 hs de España. Esta grabada en el link: HUGO KLICZKOWSKI JURITZ en PLAN B – YouTube
Les hablo desde el futuro, ya que aquí estoy comenzando el viernes.
Esta creo que será una charla difícil para mí.
No se trata de presentar a un arquitecto que siempre ayuda con su buen hacer, ni de un estilo arquitectónico donde uno se apoya en los buenos ejemplos.
Es muy difícil señalar que es lo que diferencia un buen de un mal proyecto.
Esta charla es un intento de hacer algo que siempre desee hacer y nunca le puse palabras como ahora lo estoy haciendo.
Siempre pensé, que es sumamente difícil tratar de entender que diferencia una buena de una mala obra, que separa la arquitectura de la construcción, en definitiva ¿porque entendemos que existen obras relevantes y otras intrascendentes?
Es un intento para poder saber si es posible conceptualizarlo para luego normalizarlo, es decir que los códigos no solo digan el coeficiente de iluminación o la altura de un ambiente, sino que puedan decirnos que se debe y que no se debe construir o hacer en el campo de la arquitectura.
Desde hace unos años, con mi hermano Guillermo, grabamos unos videos, donde con un poco de acidez y bastante humor, mostramos obras que por diversos motivos, nos hacen sonreír.
Aceptamos, porque es habitual y estamos acostumbrados a criticar una película, una obra de teatro, un libro, pero menos, muchísimo menos una obra de arquitectura.
Sobre todo cuando no es de un prócer de la arquitectura, cuando es uno como nosotros, de cierta mediocridad.
No somos, ni seremos, ni sería lógico pretender ser como Palladio, como Le Corbusier, como Wright ni como Foster, sin embargo, emprendemos proyectos, tratando de aportar algo, de dar con aquellas notas que hagan de nuestro proyecto una melodía razonable, no necesariamente una genialidad.
Por eso es difícil, porque uno al criticar, se critica, al señalar, se señala, y no siempre es fácil.
Pensé esto que les comento al elegir las fotografías, lo pensaré ahora con ustedes y seguramente después.
No se cuánta agua hay (vacía sé que no está) pero igual me tiro a la pileta
“Perlitas en la Arquitectura”
Hace poco tiempo puse estas fotos en la página que hemos hecho con mi hermano Guillermo, y que bautizamos con el nombre de “Perlitas y más en la arquitectura”, un poco para reírnos, y otro poco para no llorar.
Una de esas fotos la saqué este verano europeo, en la avenida que va desde Cabo de Palos a La Manga del Mar Menor en Murcia,
El Arq Norberto Feal, escribió el siguiente comentario
No es ironía. Pregunto en serio, ¿Cuál es el problema de esta arquitectura? No parece romper con la escala del sitio. ¿Es el lenguaje, el estilo el problema?, y si así fuese, ¿Debería serlo?
Le respondí
Es la avenida que conecta la Manga del Mar Menor con Cabo de Palos en Murcia.
Un recorrido de vanidades, veleidades y poco más. Donde el “todo vale” muestra que también “nada vale”.
Creo que todo no es arquitectura, en todo caso son construcciones, ironías revocadas, caprichos formales pintados. No son un problema, sino muchos problemas juntos y pocas soluciones.
Cuando yo estudiaba había un libro que planteaba muchísimos problemas, y las respuestas estaban al final del libro. Su autor era un tal Estrada. Era el “Manual de Estrada”. Cuando algo o alguien era muy complicado decíamos “tiene más problemas que el manual de Estrada”.
Pero esta avenida, éste manual de formas no tiene al final, ninguna solución al tema de resolver seriamente la vivienda temporal. Y el conjunto no termina de cuajar, es algo más que un problema. Es la esencia misma de lo banal y ahí sí está el problema, “en su enunciado”.
«Punto de Fuga«
Cuando vi este edificio en Madrid, sobre la M30 (es el nombre de la autovía de circunvalación que rodea Madrid) pensé que sin duda aquí viviría el que invento el punto de fuga.
Alguien comentó:
– Que tenía poca gracia, que era un palomar, que podía haber copiado a Le Corbusier en las Unidades habitación cuando liberaba las Planta Bajas.
Yo añadiría que Le Corbusier puso en las fachadas todo lo que aquí falta, entre otras cosas planteaba plantas intermedias de servicio que daban respuesta a las necesidades de sus residentes y otorgaba cierta autonomía de funcionamiento en relación con el exterior.
Marsella
Hago referencia a los edificios que se los conoce también como Cité Radieuse, la de Marsella es de 1945, Rezé (cerca de Nantes) en 1955, Berlin en 1957, Firminy en 1963 y Briey-en-Forêt en 1965.
En el 2006 se terminó la construcción de su última obra la iglesia de Saint-Pierre,
Berlin
Le Corbusier desde los años 20, es decir 25 años antes de construirlos, estaba reflexionando sobre la vivienda colectiva, en los fenómenos urbanos, en la distribución y circulación, su respuesta es una respuesta de concentración urbana.
Le Corbusier desde los años 20, es decir 25 años antes de construirlos, estaba reflexionando sobre la vivienda colectiva, en los fenómenos urbanos, en la distribución y circulación, su respuesta es una respuesta de concentración urbana.
La ´conclusión, es que no siempre los proyectos deben ser una ocurrencia, sería deseable que sean producto de una larga reflexión.
Le Corbusier no planteo solamente una propuesta para intentar paliar la falta de viviendas en la posguerra, sino que propuso una innovación conceptual y de diseño.
Un rápido comentario sobre Firminy ubicado a 73 km de Lyon.
El lugar es la 2nda mayor concentración de obras de Le Corbusier después de Chandigarh en la India.
La casa de la Cultura (1961/65)
La Unidad de Habitación (1965/67)
La iglesia de Saint Pierre (1973/2006) terminado 41 años después de su muerte.
El estadio (1966/69) continuado por dos colaboradores André Wogenscky (1916 – 2004) y Fernand Gardiner.
1965/68) construida por André Wogenscky
«La ciudad»
Dijo Alvaro Siza, “saber de Arquitectura, es saber lo que hicieron los otros arquitectos”
Me contó mi hermano Guillermo, también arquitecto, que mientras diseñaba el libro Cuadernos de Viajes del Arq. Mario Roberto Álvarez (1913 – 2011) éste le comento:
– Mario en el camino a su estudio vi una obra muy mala en una esquina.
Y Mario Roberto Álvarez le respondió
-Qué pena, ese profesional perdió la oportunidad de hacer una buena obra.
Por eso, muchas veces no pienso al ver una obra, como un hecho aislado, aunque quizás lo sea para algunos constructores, para algunos inversores o quizás para algunos de sus habitantes.
Porque no cabe duda que la ciudad se construye con esas partes. El que vive en una parte de la ciudad, también vive en las otras partes de esa misma ciudad. Siempre vivimos en, dentro y fuera de espacios arquitectónicos que conforman ciudades.
Nacemos en un hospital, vivimos en una casa, nos educamos en un jardín de infantes, en escuelas o quizás en universidades, vamos al super, a bibliotecas, al cine, nos curamos en hospitales, esperamos el transporte en paradas y estaciones de transporte, nos encontramos en bares y restaurantes, bailamos en discotecas… El hábitat no es un hecho menor, que se construye con ocurrencias.
La arquitectura (que queremos sea una arquitectura con mayúsculas) merece reflexión y sobre todo conocimientos.
Este es el borde de una parcela con la acera en la localidad de Cardedeu en Cataluña.
La foto mereció varios comentarios.
-Que era una arquitectura hostil
-Que siempre se puede diseñar para arruinarle la vida a la gente
Incluso alguien esbozó una justificación:
-Pareciera tener la intención diseñar para que no lo usen con patinetas. Cuando le pasan con patinetas a los bancos, rompen todos los cantos y aparte la gente no se sienta por miedo a ser golpeados.
Y lo contrario a justificarlo:
–Si es un espacio público, desaprovechan una superficie que puede servir de banco, además del trabajo que tuvieron que hacer para construirlo. No me parece.
«Festejar la esquina«
El arquitecto Miguel Ángel Roca, del que soy amigo y fui su profesor adjunto durante los primeros años en que los militares por las presiones sociales debieron permitir el ingreso de cátedras democráticas.
Roca nos decía que había que “festejar la esquina”. Cuando veo obras como esta que está en Mar del Plata, pienso que poco festejo u homenaje hicieron a la esquina.
La esquina, cada esquina, de alguna manera, reproduce el instante en que el Cardo y el Decumano se encuentran. Previsto por los augures romanos cuando planteaba los auspicios al fundar una nueva ciudad.
Es el Cardo con dirección norte sur y el Decumano con dirección este oeste que indica la salida y puesta del sol.
Al Cardo principal lo llamaban “Cardo Maximus” y al Decumano principal “Decumano Maximus”.
En la intersección del «Cardo Maximus» con el «Decumano Maximus» se construía el foro (que en los comienzos estaba como su nombre lo indica fuera –foro- del casco urbano), hasta que finalmente se integró en el trazado de la ciudad.
A partir de la edad Media fue en ese encuentro donde se instaló el área del mercado, que luego se reemplazó por la plaza. Fue la base del damero que por ordenanzas de Felipe II constituyó la base de las 40.000 ciudades fundadas por los españoles.
Por lo que “homenajear la esquina”, no es una mera frase, es una responsabilidad proyectual.
Estas fotos me las proporcionó Mario Boscoboinik.
La importancia de llamarse esquina
En la ciudad de Granollers en Cataluña, creo que al estudio que construyo este edificio no fue a trabajar el que ¨hace las fachadas¨ y el cadete lo dejo “Chiche-chiche bombón”.
Cuando la publiqué, provocó algunos comentarios de miembros del grupo Perlitas y más en la arquitectura, como:
-es de catálogo
-se ahorraron los arquitectos y contrataron directo a una empresa constructora
No creo que haya sido un capricho o un despropósito, pienso que hubo una intencionalidad, y que se hizo un estudio de la fachada, de cómo resolverla.
Comienza con un balcón corrido y cierra el edificio con una tapa.
En el medio, es cierto que se distrajeron, pero creo sinceramente, que esta fachada se elaboró, con este pobre resultado.
Es la esquina de una manzana, merecía mejor suerte.
Esta otra esquina también:
Propongo hacer un primer descanso
Es una imagen que seleccioné como “La seguridad en la obra I”.
Trampantojo o trompe – l`oeil
El poder visual de lo urbano, consigue lo que muchas veces no consiguen las enredaderas, y es llenar la “ciudad de ciudad”, poder devolver a los vecinos lo que una medianera gris, fría y de enormes proporciones les había quitado.
O sea que no sólo se construye en 3 dimensiones, sino simulándolas pintando en 2 dimensiones.
En español se lo llama trampantojo, en francés trompe- l`oeil, es una trampa o ilusión.
Una técnica pictórica muy antigua que engaña la vista jugando con las perspectivas, los planos, las sombras y otros efectos.
Consigue una realidad ficticia, una sustitución de la realidad.
Ya lo usó Donato Bramante (1476 – 1482) en el ábside fingido de Santa María Presso San Satiro, o Andrea Mantegna (1431 – 1506), Govanni Belini, (1430 – 1516) o Miguel Angel (1475 – 1564) en la bóveda de la capilla sixtina.
Plinio el Viejo (23 – 79) y MarcoVitruvio (80 a.C.- 15 a.C.) ya escriben sobre la pintura griega que engaña al ojo.
Famosos son los “engaños” del teatro Olímpico de Andrea Palladio (1508 – 1580) y Vicenzo Scamozzi (1548 – 1616) con la falsa perspectiva del escenario que reproducía las 7 calles de Tebas al inaugurarse con “Edipo de Tebas” o los frescos de Paolo Veronese (1528 – 1588)en la Villa Barbaro , la Scala Regia que une el Palacio Apostólico con la basilica de San Pedro, con recursos visuales de ilusionismo realizados por Gianlorenzo Bernini (1598 – 1680), la Galeria Spada de Francesco Borromini (1599 – 1667).
O la escalera Potemkin en la ciudad de Odessa, diseñada por el arquitecto Francesco Boffo (1796 – 1867) entre 1837 y 1841, salva 27 metros en 142 metros de longitud, tiene 10 descansos y 192 escalones, muchos diferentes.
En su parte baja tienen 21,7 cm y en la alta 13,4 cm, creando una perspectiva forzada y da una ilusión óptica (nos recuerda la escalera que diseñara Amancio Williams (1913 – 1989) y Delfina Galvez Bunge (1913 – 2014) en la Casa sobre el Arroyo en Mar del Plata). Desde abajo se ven solamente los escalones y no los descansos, desde arriba se ven los descansos y no los escalones.
Es a partir del descubrimiento de las leyes de la perspectiva (regula albertiana), en la Florencia del humanismo del 400, que se impulsó su uso.
Lo que hace en realidad, es superar los límites arquitectónicos reales, que es una violación de la regla albertiana de representación pictórica, como por ejemplo utilizar más de un punto de fuga.
Algunos ejemplos:
Frescos de la Casa del aristócrata Marco Lucrezio Frontone en Pompeya.
Su casa era una casa señorial de 460 metros cuadrados, tenía las pinturas más exquisitas de la ciudad.
El lujo no solo lo daban los materiales de su construcción, sino las refinadas pinturas al fresco, algunos del 35 y 45 d.C.
Iglesia de Santa María Presso San Sátiro en Milán, la nave central y el falso coro de Donato Bramante (1444 – 1514)
Frescos de la Villa Barbaro de Andrea Palladio, realizadas por el Veronés, alrededor de 1560.
2ndo descanso
El cuidado del detalle y sus consecuencias
Biólogos urbanos
Decían les Luthiers, que en lugar de hacer una persona un monólogo, deberían hacer entre 2 personas un biólogo.
Aquí ejemplos de biólogos urbanos
Sagunto, España
Cuando construir es un arte
El escritor Gustave Flauvert (1821 – 1880) autor de la célebre “Madame Bouvary” dijo que “Dios está en los detalles”, frase que medio siglo más tarde inmortalizara Mies van der Rohe (1886 – 1969).
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Tercer descanso “La innovación en la obra”
La precariedad en la arquitectura tuvo también un principio precario
Los alumnos desde antes de 1971 en Buenos Aires estudiábamos en edificios provisorios y precarios.
La facultad de arquitectura, no tuvo sede propia hasta 1971, aunque se creó 70 años antes en 1901 con el nombre de “Escuela de Arquitectura”, formaba parte de la Facultad de ciencias Exactas, Físicas y Naturales..
Mi ingreso en la facultad en el año 1967 (de aquí viene el nombre de la librería Técnica CP67) fue en los pabellones de Avda. Libertador. Esos pabellones de arcos de madera laminada habían sido parte de la exposición del sesquicentenario, inaugurada el 25 de mayo de 1960, que finalizo con más pena que gloria, dejando como huella el puente de Figueroa Alcorta.
Puente que diseñaron los Arquitectos Arq. César Janello, Silvio Grichener y el Ingeniero Atilio Gallo.
Pero en 1974, durante el gobierno de Isabel Perón, fue demolido para construir el Altar de la Patria, que nunca se construyó. El puente que ahora vemos se reconstruyó en 1978 a 500 metros de su ubicación original.
En los pabellones se iba a realizar una exposición dedicada al estado de Israel. Un atentado la destruyó.
La facultad de arquitectura tuvo otra sede provisoria en un edificio de 1861 sobre la calle Perú 222, en la llamada Manzana de las Luces, en la sala donde funcionó la Legislatura tomé clases teóricas.
En el último piso estaban los talleres de diseño, en un lugar con ventanas inmensas sin calefacción que cariñosamente llamábamos “Siberia”.
Allí funcionaron parte de Ciencias Exactas y Naturales e Ingeniería. Recordemos que el nombre de Manzana de las Luces es una manzana histórica de Buenos Aires donde están el Colegio Nacional Buenos Aires, La iglesia de San Ignacio, y el que comento que fue el antiguo edificio de la Universidad de Buenos Aires.
En 1960 fuimos a una facultad en obras, en la Ciudad Universitaria, también provisoria, ya que era el Pabellón 2, que sería luego la sede de la facultad de Ciencias Exactas.
Lo provisorio se expresaba claramente en el hecho de entrar por una escalera de madera exterior que permitía acceder al 1er piso desde el parking. Era ideal para que se destruyan las entregas de maquetas en invierno cuando había mucha lluvia y mucho viento helado que venía del rio. Con buen tiempo recuerdo unos estudiantes que llevaron la entrega en una lancha, que como pudieron amarraron a las piedras de la costa.
Recién en 1971, la facultad de arquitectura se instala definitivamente en el Pabellón Tres. El edificio tiene 69.000 m2 en un prisma rectangular de 150 x 74 metros. El conjunto fue resultado de un concurso internacional de antecedentes, del que resultaron ganadores:
Arq. Eduardo Catalano (que junto a Carlos Coire y a Marcel Breuer hicieron el Parador Ariston). Arq. Horacio Caminos. Arq. Eduardo Sacriste. Arq. Carlos M. Picarel. Ing. Atilio Gallo (que junto al Arq. César Janello ySilvio Grichener) hicieron el puente peatonal cercano a la facultad de derecho. Y el Ing. Federico Camba.
Preparando esta charla, Mario me decía que para él, los arquitectos nos manejábamos con las formas como si fuera un juego «Tetrix». Muchas piezas distintas aparecen y uno trata de uniformizarlas en una única figura, interesante reflexión.
Cuarto descanso. “La seguridad en la Obra II”
Copias u homenajes con formas diversas
Eugène Viollet le Duc (1814 – 1879) fue un arquitecto, arqueólogo y escritor francés, famoso por sus restauraciones e interpretaciones de edificios medievales. Consideraba que la arquitectura o el arte de construir edificios constaban de 2 partes igualmente importantes, la teoría y la práctica. La teoría abarca el arte, las reglas heredadas de las tradiciones y de la ciencia y la práctica, que era la adecuación de la teoría a los materiales, el clima y las necesidades de cada caso.
Algunas veces algunos ahorran camino copiando. Pero si copian, deberían hacerlo bien.
La capilla de Nuestra señora de Haut, Ronchamp de Le Corbusier
El arquitecto Howard Ragatt (1951) de la firma Ashton Raggatt McDougall diseñó el edificio para AIATSIS. Es una copia de la Villa Savoye de 1920 de Le Corbusier.
El edificio costó u$a 13,7 millones.
Ayuntamiento en la ciudad de Cartagena en Murcia
Una joya en Buenos Aires
Aunque la belleza está en el ojo del que mira , el diario británico “The Telegraph” seleccionó los 30 edificios más feos del mundo, entre ellos están:
La embajada de Rusia en La Habana. Arq Aleksandr Rochegov, barrio de Miramar. Comenzada en 1978 y terminada 9 años más tarde.
La Biblioteca Nacional de Belarús en Minsk, de 22 plantas, diseñada por Mihail Vinogradov y Viktor Kramarenko, inaugurada en 2006. Tiene 8 caras triangulares y 18 cuadradas, es lo que se llama un auténtico “Rombicubóctaedro”.
El edificio elefante en bankok, tailandia. fue diseñado por Sumet Jmsai (1939) completado en 1997.
Al noroeste de China, el edificio de oficinas Fang Yuan Building en Shenyang. China. Diseñado por CY Lee (1938). Una moneda china antigua con recortes cuadrados (2001).
El edificio “Renmin Ribao”, en Pekín, de 2013, es la nueva sede del “Diario del Pueblo”. Es obra del arquitecto Zhou Qi. Este periódico es el órgano del Partido Comunista de China. Loa ciudadanos ponen normalmente apodos a los edificios llamativos, como”Nido de pájaro” al Estadio Olímpico de Pierre Herzog & Pierre de Meuron. A éste edificio de 30 pisos lo llaman “Pene Grande”.
Hotel «Grand Lisboa» en Macau, arq. Dennis Lau & Ng Chun Man Architectos & ingenieros. 2007.
El hotel Ryugyong de 105 plantas en Pyongyang, Corea del Norte. Diseñado por Baikdoosan Arquitectos. La construcción comenzó en 1987, tuvo una interrupción de 16 años entre 1992 y 2008). Se terminó en 2011, pero aún no se lo ha habilitado. Puede tener entre 3500 y 7000 habitaciones, dependiendo la decisión final de que usos se le dará.
Biblioteca Nacional de Pristina, Kosovo de 1982. Arquitecto croata Andrija Mutnjakovic (1929).
La biblioteca Geisel de 1970, de la Universidad de California, en San Diego. Diseñada por William Pereira (1909 – 1985). Alberga más de 7 millones de libros. Descripta como un nexo fascinante entre brutalismo y futurismo, aparece en el logo de UC San Diego y se ha convertido en el edificio más reconocible y admirado del campus. Similar a lo que sucedió con la torre Eiffel que se aprobó un edicto para su demolición luego de la expo de 1889, y ahora es el símbolo de Paris.
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5to descanso. “La Obra”
Haya Paz
Los arquitectos muchas veces tenemos algunos más y muchísimos menos. Mi consejo es que no se peleen con sus colegas, ya sabrán porque al final de estas historias arquitectónicas.
El 29 de enero de 1993, la comisión que se encargaba de gestionar la reforma del Reichstag anunció los tres ganadores del concurso, a saber: Norman Foster (1935), el holandés Pi de Bruijn (1942) y nuestro conocido Santiago Calatrava (1951).
El 22 de abril de 1993 la comisión realizó un sorprendente comunicado en el que instaba a los tres finalistas a que repensaran sus diseños para hacerlos más baratos sin especificar cuánto, como quien dice “vete pintando la habitación que luego te digo el color”.
Así, De Bruijn y Calatrava retocaron ligeramente sus trabajos, principalmente cambiando materiales y dimensiones, pero Foster corrigió su diseño a fondo: dejó el dosel gigante que cubría el edificio y sobre la cámara del Parlamento colocó una discreta cubierta traslúcida que optimizaría la iluminación y ventilación natural y ganó, esta vez en solitario, el concurso.
Se dijeron de todo menos bonito. Calatrava dijo de Foster
“Foster presentó un proyecto absurdo y estrafalario que, en cuatro fases posteriores, reformó como el mío”.
“Foster es un hombre temible, un arquitecto mediocre”.
Foster respondió “No hay ningún parecido con la cúpula tradicional propuesta por Calatrava o por la multitud de arquitectos que antes que él crearon cúpulas de tipo tradicional con cubiertas de cristal”.
Calatrava no se reprimió y calificó a Foster de “arquitecto-prostituto”.
Foster utilizando su flema británica respondió públicamente con mucha paciencia, bastante indiferencia y no entró en el terreno personal, para que pienso yo, si ya había ganado.
Luego del fantástico proyecto de Frank Ghery (1929) del Museo Guggenheim, llegó el también excelente puente Zubizuri de Santiago Calatrava de 1997.
Una estructura liviana sostenida en sus extremos por sus rampas y escaleras. Realmente una belleza, pero con problemas serios de funcionamiento. Por algún motivo desconocido Calatrava, puso placas de vidrio por donde la gente debe caminar. El movimiento del puente y la dilatación de la estructura de acero, rompen las piezas de vidrio. Que además son todas diferentes entre sí.
En épocas de lluvias, los peatones se resbalan y se caen. Entonces las autoridades debieron poner una alfombra encima. Ya tenemos el primer enfrentamiento, autoridades de Bilbao vs Calatrava. Uno podría pensar que no hay demasiados días de lluvia en Bilbao, pero si hay, llueve 124 días al año, es decir llueve 1 de cada 3 días.
El puente comunica las orillas del rio Nervión.
Para complicar el panorama Arata Isozaki (1931) fue invitado a construir 2 torres gemelas de 23 pisos cada una llamadas “Isozaki Atea” que significa “Entrada Isozaki”, esa fue la propuesta, crear una nueva entrada al ensanche de Bilbao.
Como existe un gran desnivel entre las orillas del río y la alameda de Mazarredo, donde están las torres, para comunicar ambas y salvar la diferencia de altura al bueno de Isozaki se le ocurrió diseñar una pasarela que apoyó en el puente del bueno de Calatrava.
Calatrava demandó al ayuntamiento por “derechos de autor”. Pero a esa altura del partido, las autoridades de Bilbao estaban cansados de Calatrava y a finales de 2007, el juez se desestima la demanda de Calatrava argumentando que “los derechos de propiedad intelectual del arquitecto deben ceder ante la utilidad pública de la pasarela diseñada y construida por el arquitecto japonés Arata Isozaki”.
Si desean ver más cosas de Calatrava, les recomiendo la página ·”Calarava te la clava”·
7 años más tarde Isozaki se enfrenta a Zaha Hadid (1950 – 2016) por el proyecto del Estadio Olímpico de Tokio de 2020, con capacidad para 80.000 personas.
Isozaki de 83 años dijo que el proyecto era un error monumental. Que estaba sorprendido por la falta de dinamismo, que era una «una tortuga que espera que Japón se hunda para poder escapar».
“Si se construye será una desgracia para las generaciones futuras y Tokio tendrá que cargar con un gigantesco elefante blanco”.
Toyo Ito (1941), Sou Fujimoto(1971), Kengo Kuma (1954) y Riken Yamamoto (1945) criticaron la obra por su escala y el costo. Al final, la presión fue tanta que el comité organizador decidió cancelar el proyecto y encargar otro a toda prisa. El proyecto lo realizo Kengo Kuma,
Quiero dedicar un homenaje a los estadios de Tokio de 1964, proyectado por Kenzo Tange (1913 – 2005).
Borromini versus Bernini
Francesco Borromini (1599 – 1667) trabajó en las obras de la Basílica de San Pedro y luego fue asistente de Gian Lorenzo Bernini (1598 – 1680)en la ampliación y refacción de la fachada del Palazzo Barberini.
A los pocos años ambos, se enfrentan, y se estableció una enemistad que duraría toda sus vidas. Borromini al conseguir la confianza del papa Inocencio X, desplaza a Bernini como arquitecto principal de Roma, aunque con el siguiente papa Alejandro VII, la confianza es desplazada a Bernini.
Borromini, termina sus días con una fuerte depresión, quema sus escritos y diseños y el autor de San Carlo delle Quattro Fontane, Sant Ivo allá Sapienza y el Oratorio dei Fillipini, y una influencia para arquitectos de la importancia de Guarino Guarini (1624 – 1683) y sus sucesores se suicida, dejándose caer sobre su espada, que lo atraviesa. (Deja este episodio, claramente detallado en un escrito el día anterior a su muerte que fue el día 3 de Agosto de 1667, tenía 68 años.
Y aquí el consejo, por vuestra salud
Existe una leyenda, que es importante que la compartamos y la pensemos juntos.
En el río Tiber en Roma hay una isla, la isla Taberina, que los romanos en el siglo I le dieron forma de barca, del lado Este, está el Ponte Fabricio, el más antiguo mejor conservado del mundo romano, y del oeste otro puente, llamado Cestio.
El Ponte Fabricio, fue un encargo del Tribuno Lucio Fabricio. El puente mide 62 metros y tiene 5,5 metros de ancho. Un dibujo de Giovanni Battista Piranesi (1720 – 1778) de 1756 nos lo muestra.
Algunos arquitectos lo llaman el Puente De Las Cuatro Cabezas.
Cuenta la leyenda que alrededor de 1580, cuando el Ponte Fabricio, que está del lado donde se encuentra el Gueto y la Sinagoga, fue parcialmente restaurado, con tal fin el Papa contrató a cuatro arquitectos diferentes para encargarse del proyecto.
Pero los hombres argumentaron en forma encontrada, no se ponían de acuerdo discutieron y se pelearon hasta que llegaron a las manos, complicando y entorpeciendo la obra.
Cuando terminaron su trabajo (no antes), el Vaticano los condenó a la muerte decapitándolos en el sitio del puente.
Pero, el Papa, que también tenía su parte bondadosa, construyó un pequeño monumento, que está en la parte alta del puente, con cuatro cabezas, la de los arquitectos, claro.
Dijo que lo hizo para rendir homenaje a su trabajo (y creo que también como advertencia, todo hay que decirlo), más claro, no nos lo puede enseñar la historia.
Perlitas y más en la arquitectura. Si consideramos que de los errores también se aprende, con ojo sagaz y mucho humor, Hugo identifica obras que pueden enseñarnos mucho. En su biografía destaca que es arquitecto, librero y editor. Dirigió “Le Monde Diplomatique” en español y el programa radial «Urbanidad, una forma diferente de vivir la ciudad» con Felito Iglesias y Mario Sabugo por radio Splendid. En esta presentación para el taller Plan B de la FADU UBA nos dará su visión acerca del límite entre arquitectura y construcción. A no perdérsela!
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Esa charla-conferencia la he dado el día Jueves 30 de Setiembre de 2021 por zoom a las 19 hs de argentina /24 hs de España.
Andrea Palladio. Villa Cornaro, 1560-1565 Piombino Dese
La Villa Cornaro, es una villa del siglo XVI, a de 30 kilómetros de Venecia. Fue diseñada por el arquitecto italiano Andrea Palladio, y declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.
El destinatario era Giorgio Cornaro, hijo menor de una rica familia veneciana
Villa Pisani en Montagnana
Junto con la relativamente contemporánea Villa Pisani en Montagnana, la Villa realizada en Piombino lo fue para otro importante patricio veneciano, Giorgio Cornaro.
Estas obras marcan un cambio de escala en el prestigio de Palladio, cuyos encargos hasta entonces eran esencialmente vicentinos.
La Villa se empezó a construir en marzo del año 1553, y en abril del año siguiente el edificio, aunque incompleto, estaba ya habitado, lo hace con su nueva esposa Elena, en junio del mismo año toma posesión formal de la Villa, o mejor decir de la obra, para esta fecha se había realizado sólo el bloque central, pero no las alas ni tampoco el segundo orden de la logia.
La fachada norte tiene un pórtico-logia central que es un lugar habitable fuera del sol y abierto a las frescas brisas. Este extraordinario pronaos sobresaliente con doble orden refleja la solución palladiana de lo logia del Palacio Chiericati en Vicenza, acabada en los mismos años, con el taponamiento lateral para dar rigidez a la estructura, como en el Pórtico de Octavia en Roma.
La doble logia en la fachada es frecuente en la edificación gótica de la laguna, tratándose de una adaptación o «traducción al estilo latino» de los términos tradicionales venecianos.
A esto se destinan los dos emprendimientos constructivos posteriores, en 1569 y 1588, la segunda llevada a cabo por Vicenzo Scamozzi (1548 – 1616) probablemente responsable también de la implicación de Camilo Mariani (1556 – 1611) en la realización de las estatuas del salón.
Vicenzo Scamozzi, fue el arquitecto que participó activamente en las obras en vida de Andrea Palladio y luego de su muerte, lo hizo activamente en el Teatro Olímpico, que se comenzó a construir en 1580, el año de la muerte de Palladio.
Suyo es su aporte del escenario, donde se recrean «en perspectiva», como un trampantojo las Siete calles de Tebas, Scamozzi se basó en jun dibujo poco acabado en sus detalles que habia realizado Andrea.
Recordemos que el Teatro Olímpico se inaugura con la obra Edipo de Tebas, luego de sus primeras representaciones, las autoridades no aceptaron se siguieran visionando obras de teatro por lo que pudiera decirse en escena (control político).
Es interesante la historia del teatro, tuve la inmensa fortuna de estar durante la celebración de un concierto, por supuesto no recuerdo que tocaron, porque mire durante 2 horas cada cetímetro cuadrado de esa maravilla, que fue el primer teatro cubierto de la historia de la arquitectura, los anteriores, eran todos descubiertos.
Vicente Scamozzi (1548 – 1616) trabajó además de con Andrea Palladio, con Jacopo d’Antonio Sansovino (1486 – 1570) e intervino en algunas obras con Mauro Codussi (1440 – 1504) y Giuseppe Sardi (1624 – 1699).
El interior de la Villa Cornaro tiene frescos del siglo XVIII obra de Mattia Bortoloni.
A través de la publicación de sus ilustración en la obra de Palladio «Los cuatro libros de arquitectura», Villa Cornaro se convirtió en un modelo para las Villas por todo el mundo, particularmente en Inglaterra y las colonias en América del Norte.
Thomas Jefferson se vio influido por Villa Cornaro en el diseño de Monticello.
Recordemos que Jefferson fué el 3er presidente de los EEUU desde 1801 hasta 1809, y está considerado padre de la Nación por haber sido el principal autor de la declaración de Independencia de 1776.
La Villa es actualmente propiedad de Carl y Sally Gable, de Atlanta, Georgia, quienes la adquirieron al Dr. Richard H. Rush de Fort Myers, Florida, en 1989.
El Dr. Rush había comprado la Villa Cornaro en 1969 a una organización gubernamental italiana dedicada a conservar los monumentos nacionales de Italia en el Véneto (L’Ente Per Le Ville Venete). A lo largo de veinte años, él y su esposa Julia restauraron la villa y la decoraron con antigüedades, no todo como debería ser, pero lo hicieron, preservandola del abandono.
Villa Cornaro aparece en Guide to Historic Homes «In Search of Palladio», Una producción de seis horas dividida en tres partes dirigida por Bob Vila en el estudio de A&E Network. Se pueden conseguir por por 70 usa, (Amazon, videos) se editaron el 25 de Julio de 2001.
Representa uno de los más destacados ejemplos de una Villa renacentista. La Villa Pisani y la Villa Cornaro están unidas en más de un aspecto, en coincidencia cronológica y por el alto estatus de sus comitentes.
De hecho, también la Villa Cornaro tiene una estructura y una decoración muy similares a un palacio y es más una casa de campo que una Villa: aislada respecto a la explotación agrícola y otras dependencias, su posición prominente sobre la vía pública remarca su carácter ambivalente. Además, las chimeneas presentes en todas las estancias prueban un uso permanente y no sólo estival, no es casualidad que una estructura similar será copiada pocos años después para el Palacio «suburbano» de Floriano Antonini en Udine.
Al Palacio de Floriano Antonini se lo conoce también como Palazzo Palladio o Palazzo Antonini-Maseri. Su actual propietario es la Universidad de Udine.
Tienen más cosas en común, en «Los cuatro libros de la arquitectura» de 1574 en la sección que Palladio dedica a los palacios ubicados en áreas agrícolas y a otros en situación ambivalentes, al ser de estadía permanente y mas urbanos.
Asi se ven la Villa Pisani en Montagnana, la Villa Cornro en Piombino, el Palacio Antonini (ambivalente al ser una villa suburbana), Tenían jardines como el Palazzo Chiericati o el Palazzo Civena.
Ambas Villas, la Pisani y la Cornaro, se organizan en torno a un gran ambiente (llamado salón) con cuatro columnas libres centrales. ambas conectan sus plantas con dos escaleras gemelas que conducen a las habitaciones los cónyuges Cornaro. Las habitaciones de los huéspedes están en la planta inferior.
«El espacio interior es una organización armoniosa de los planos de plantas estrictamente simétricas en las que Palladio insistía, sin excepción. Las habitaciones de proporciones relacionadas entre sí, compuestas de cuadrados y rectángulos áureos, quedan a los lados de una perspectiva axial central que se extiende diáfana a través de la casa» como señaló Rudolph Wittkower, «trasladando las escaleras secundarias a las alas que se proyectan y llenando los espacios de las esquinas con escaleras principales ovales pareadas, espacio que fue dejado para un salón central que es tan ancho como los pórticos; este núcleo central forma un rectángulo en el que hay 3 x 2 repeticiones de un elegante módulo estándar».
Puede interesarte este tema, por lo que te envío esta sugerencia de Hugo K: Exposicion SUBURBIA 5ta parte, en el CCCB de Barcelona. http://onlybook.es/blog/suburbia-5ta-parte/
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Se considera a Giorgio Vasari (1511 – 1574) como el primer historiador del arte italiano.
Acuñó el término Renacimiento (rinascita) en su enciclopedia, señalando ese período como la renovación (renacimiento) de las artes y las ciencias.
El Renacimiento fue un amplio movimiento cultural que nació en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI.
Gracias a que Vasari incluye a Brunelleschi en su obra “Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos 1542–1550” (Vite de’ più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a’ tempi nostri) sabemos que Brunelleschi fue arquitecto, escultor y orfebre, un hombre que se nutrió y engrandeció el Renacimiento Italiano.
El Renacimiento tuvo en Florencia su epicentro, fue la “Nueva Roma” que se engrandeció culturalmente en torno a la familia de los Medici, quienes entre otros, también protegieron a Bruneleschi, y uno de sus protectores y amigo fue Cosme de Medici (1388 – 1464).
Desde Florencia se lanzó la concepción del hombre con su mundo, recuperando los valores originales de la cultura grecolatina, luego de 3 siglos de dogmatismo medieval, un estilo al que se lo llamó primero “Bárbaro y después Gótico”.
Si seguimos indagando sobre el nombre Renacimiento, veremos que en el siglo XIX lo recupera el escritor y erudito francés Jules Michelet (1798 – 1874), lo hace en su obra “Renaissance et Réforme”, publicada en 1855.
Ese nombre lo utiliza para denominar un período histórico desde el descubrimiento de América hasta Galileo Galilei (1564 – 1642).
La Cúpula de la Catedral de Florencia
Volviendo a Filippo Brunelleschi (Filippo di Ser Brunellesco Lapi 1377 – 1446), vemos cuales fueron sus contemporáneos, con quienes compartía los saberes, por ejemplo Lorenzo Ghiberti (nacido como Lorenzo di Bartolo 1378 – 1455) escultor, orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano del “Quattrocento”. Su enorme fama provenía de su ejecución de las puertas de bronce del baptisterio de Florencia, que Miguel Ángel (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni 1475 – 1564) llamó “La Puerta del Paraíso».
Otro contemporáneo de Brunelleschi fue Leon Battista Alberti (1404 – 1472) arquitecto, matemático, tratadista, poeta, lingüista, filósofo, músico, representa en sí mismo como humanista polifacético la esencia humana del renacimiento.
Brunelleschi también destacó, pero fue famoso, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia llamada “Il Duomo”.
Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarlo a la invención de la “perspectiva cónica”, una representación muy real, resultado de ver un objeto a través de su proyección sobre un plano que pasa por un punto, lo utilizaron entre otros Leonardo da Vinci (1452 – 1519) y Piero della Francesca (1415 – 1492).
La Catedral y la Cúpula de Santa María del Fiore
Mirando y tomando de ejemplo el Panteón de Roma (como se hace aún hoy), varias ciudades quisieron construir una catedral emblemática.
Y quisieron construir una cúpula grandiosa, entendían la cúpula como una bóveda construida sobre plantas circulares, poligonales o elípticas, desde la antigüedad representaban la bóveda del cielo, denotaba autoridad.
En 1296 Arnolfo di Cambio comenzó a levantar la nueva catedral de Florencia, y tras su muerte la continuó y modificó Andrea Pizano.
Es en 1315 cuando se termina el tambor que soportaría la cúpula, medía 13 metros de alto, su diámetro externo era de 54,80 y el interno de 45.40 metros.
Pero faltaba la cúpula, porque nadie sabía cómo ejecutarla.
Su historia
En 1401, con 23 años Bruneleschi fue finalista junto a Lorenzo Ghiberti (1378 – 1455) por las puertas del Baptisterio de Florencia, al perder Bruneleschi se sintió tan decepcionado que se retiró a Roma.
En 1418, los cónsules del gremio de tejedores de lana anunciaron que sufragarían el coste de construir una cúpula que evitara que la lluvia y el sol entraban en la catedral gótica inacabada. No se había cubierto porque debía edificarse a 55 metros de altura, y con las técnicas conocidas del medioevo, era imposible colocar cimbra de madera en una cúpula tan alta y ancha, no era técnicamente factible.
Luego de 17 años Bruneleschi y Ghiberti vuelven a enfrentarse,
Había que inventar un sistema nuevo, entonces es cuando Brunelleschi anunció que sabía cómo utilizar un sistema que permitiría cerrar la cúpula a medida que se ascendía.
Trabajar sin andamiaje en el suelo, era una noticia importantísima por el gran ahorro de madera y de mano de obra.
Es famosa la anécdota, de Bruneleschi, que para protegerlo no deseaba decir como era su invento, pero debe decir algo a Medici.
Bruneleschi le da un huevo, y le pide que lo deje en píe, pero ponga como se lo ponga el huevo se caía, es entonces cuando Bruneleschi lo aprieta contra la mesa y rompe una parte del huevo, que así se sostiene sobre los bordes nuevos que crea la rotura.
Ese era su invento, su genial invención.
Es en 1418 que se le encarga a Brunelleschi el cierre del Duomo.
Durante 5 años colabora su gran rival Ghiberti, pero luego continuara solo como director de obras.
Como siempre, un invento, es la concatenación de varios inventos.
-Un montacargas tirado por bueyes (no por hombres).
-La marcha inversa para descender el montacargas cambiando los engranajes
-Colocación de ladrillos en forma de “espina de pez”, primero los ladrillos verticales y luego los horizontales uniendo los 8 muros del tambor.
-Ocho espigones o castillos de ladrillos en las aristas del octógono y otros dos en cada paño formaban el armazón que se iba tramando horizontalmente a medida que se avanzaba en altura.
El gran secreto de Bruneleschi fue que a pesar de “parecer” una cúpula de 8 lados, un octógono, la construcción es de una “espiral continua” y eso lo permitió el concepto genial de espina de pez, son varias partes que están vinculadas entre sí.
El peso enorme de la cúpula se distribuye a través de los muros, en forma solidaria.
Una cúpula semiesférica en el interior y apuntada en el exterior, que está coronada por una linterna que ilumina el interior, sin dejar un óculo como en el Panteón Romano. Esa linterna o “cupulín” se colocaba sobre la linterna de otra cúpula mayor.
Los nervios blancos de la cúpula llevan al punto de fuga en el centro del cupulín y contrastan con el ladrillo rojo, creando la policromía
Su cúpula, una genialidad, dominó todo el paisaje urbano de Florencia.
“Tal y como quiso Bruneleschi, cubre con su sombra toda Florencia”
El 25 de marzo de 1436, día de la Anunciación, el papa Eugenio IV consagró la cúpula de la catedral de Florencia, de la iglesia más grandiosa y bella de la Toscana.
Fue concluida 56 años antes del descubrimiento de América. Diez años más tarde, en 1446, se puso la piedra angular de la linterna de mármol que Brunelleschi diseñó para coronar su obra maestra.
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