Fue un arquitecto y diseñador racionalista belga (1896 – 1984). Quizás el mejor arquitecto moderno belga de entreguerras.
Su obra desarrollada durante las décadas de 1920 y 1930, destacó por sus innovaciones formales en el campo de la arquitectura residencial, sus proyectos han sido sin duda un gran aporte al Estilo Internacional.
Maison Lenglet
Estudió en la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas, donde se recibió en 1916.
Luego en la Escuela Industrial de Bruselas, se especializó en todo cuanto se refiere al uso del hormigón armado.
Sus investigaciones se concentraron en los procesos industriales de la construcción, al uso de elementos prefabricados, su estandarización y el estudio del hábitat mínimo.
Desarrolló varios prototipos de elementos prefabricados en hormigón, metal y madera.
En 1917 fue contratado por De Smaele para el diseño y fabricación de elementos estandarizados, que dio lugar a los productos DS y Geba, utilizados en las casas obreras de La Roue en Anderlecht (1922).
En 1920 creó también para Van Hamme unos prototipos de chasis metálicos.
Para Van de Ven diseñó igualmente elementos de mobiliario estandarizado, paredes interiores y sistemas constructivos en madera desmontable.
Tras unos inicios influido por la «Secesión Vienesa»(como su casa de Campo en Auderghem, 1921), evolucionó hacia el racionalismo, como su otra casa en Uccle (1924), de forma cúbica, con una original distribución del espacio interior alrededor de una tubería de calefacción central de su invención.
Dos años más tarde, en 1926, realizó la casa-taller del pintor Lenglet en Uccle, en la avenida Fond’roy un dúplex que denota todavía la influencia de Victor Horta.
El volumen de la casa-taller, se ve perforado por ventanas horizontales que, en un alarde estructural, doblan las esquinas, negando su materialización.
Las carpinterías enrasadas con las fachadas y los perfiles delineando las aristas remarcan el carácter superficial de los cerramientos, suprimiendo sombras arrojadas y líneas de sombra.
En el interior, sobresale el taller a doble altura y de iluminación cenital.
En 1927 introdujo un sistema de construcción basado en delgadas láminas de hormigón armado, que experimentó en la casa de la avenida Brassine en Auderghem. En 1930 patentó un ladrillo de vidrio con refracción normalizada.
Proyectó una vivienda metálica de bajo coste que presentó en la Exposición de Lieja.
En los años 1930 realizó algunas de sus mejores obras:
-Villa para el arquitecto paisajista Jean Canneel en Auderghem (1931), que sustituyó a un proyecto anterior no ejecutado de Le Corbusier ( se demolió en 1970).
-Casa del coleccionista Dotremont en Uccle (1932).
-Villa del doctor Ley en Uccle (1934).
-Edificio de la calle del Ermitage en Ixelles (1935).
-Villa Paquebot en Zoute (1936).
-Conjunto de viviendas en la plaza Coghen de Uccle (1936); casa Berteaux en Uccle (1937).
También continuó con sus investigaciones sobre procesos constructivos: en 1930 presentó en el III Congreso del CIAM celebrado en Bruselas la cocina Cubex, uno de los primeros sistemas de muebles estandarizados superpuestos y yuxtapuestos.
En 1933 ganó el concurso organizado por la Agrupación Belga por el diseño de una casa construida completamente de cemento.
En 1939 ideó dos sistemas constructivos de elementos modulados desmontables en madera, denominados Metrikos y Tecta.
En 1945 diseñó unos bungalows metálicos provisionales ideados para siniestros.
De Koninck fue el único arquitecto belga representado en la exposición Modern Architecture – International Exhibition que se celebró en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York en 1932.
La Maison Lenglet fue incluida en la publicación The International Style: Architecture since 1922, que Henry-Russell Hitchcock y Philip Johnson escribieron como consecuencia de la exposición llevada a cabo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Entre 1942 y 1973 fue profesor en la École Nationale Supérieure d’Architecture et des Arts Visuels (La Cambre) de Bruselas.
Las influencias iniciales recibidas tanto de la arquitectura de Victor Horta como de los diseños de la Secesión Vienesa, darán paso a una etapa de madurez enmarcada en el Movimiento.
En el caso de la Maison Dotremont, al tratarse de una vivienda entre medianeras ubicada en la rue de l’Echevinage, en Uccle (Bruselas), construida entre 1931 y 1932 para un coleccionista de arte, la experimentación se llevó a cabo en el espacio interior, buscando el juego de dobles alturas, niveles diferentes y superficies transparentes, translúcidas y opacas.
La casa fue restaurada en 1979, modificando parcialmente la cocina y los baños.
Una reciente intervención, en el año 2012, llevada a cabo por Atelier d’Architecture du Congrès (dirigido por el arquitecto Frederic Hossey) ha devuelto las estancias a su estado original, restaurando, además, fachadas y carpinterías.
Junto a su arquitectura residencial, cabe destacar el amplio trabajo de Louis Herman de Koninck en el diseño de elementos estandarizados de mobiliario para el hogar, perfilería y estructuras metálicas (bungalow Acia, 1945), particiones interiores y sistemas desmontables de construcción en madera (sistemas Metrikos y Tecta, 1939).
De todos estos diseños, el mobiliario de cocina fue el de mayor repercusión. Las investigaciones desarrolladas entre 1927 y 1929 desembocaron en el modelo CIAMB, presentado en el tercer congreso CIAM, organizado en Bruselas en 1930.
Su comercialización se inicia un año después bajo la marca “Cubex”, distribuida por los establecimientos Van de Ven hasta 1965.
Se trata de un hito de la cocina moderna, puesto que fue uno de los primeros sistemas de muebles estandarizados que podían ser superpuestos y yuxtapuestos, estableciendo el módulo básico de 60 cm.
León Battista Alberti
El palacio Rucellai, se ubica en el 18 de la vía della Vigna Nuova, de Florencia.
Fue construida por Leon Battista Alberti entre el año 1446 y 1451, siguiendo el modelo de palacio renacentista italiano.
Se trata de uno de los edificios más icónicos del Quattrocento, es una obra maestra.
Quizás proyectó este palacio casi como ilustración de su manual “De Re Aedificatoria” de 1452, en donde explica que la arquitectura debe imponerse más por el prestigio de las proporciones que por la demostración de belleza y lujo.
León Battista Alberti. Los 10 libros “De aedificatoria” (1452)
Genova 1404 – 1472 Estados Pontificios, fue uno de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento.
Arquitecto, tratadista, matemático y poeta, también fue criptógrafo, lingüista, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo.
Quizás, el primer teórico del Renacimiento, buscó en las reglas (teóricas y prácticas) su fuente de inspiración para volcarlas en varios tratados como De Statua (1404), De Pictura (1436) y el tratado que más nos interesa: «De re aedificatoria» de 1452.
De re ædificatoria
En la ciudad de Roma escribió «De re ædificatoria» en latín, un completo tratado de arquitectura abordando todos los aspectos teóricos y prácticos relativos a la profesión. La obra se publicó en 1485, 13 años después de su muerte.
Está dirigida al gran público con formación humanística y toma como modelo los diez libros de arquitectura de Vitruvio que en aquel momento circulaban en copias manuscritas aún sin corregir.
En el tratado parte siempre del estudio de la antigüedad, basado en las medidas de los monumentos antiguos, para proponer nuevos tipos de edificios modernos, y también edificios nuevos pero inspirados en el estilo antiguo, entre los que se incluían varios edificios de utilidad pública, como las prisiones (a las que trata de humanizar) y los hospitales.
Utiliza el término «concinnitas» que podemos traducir como la justa medida, cuando no sobra ni falta nada. Es el concepto que hace que veamos algo bello y no sepamos porqué.
Nos explica que «el arquitecto es el que la inventa y su función es matemática, debe crear y dar proporciones». Sus discípulas hacen las labores de aparejador, que son los que resuelven los problemas a pie de obra.
Una síntesis de sus libros:
Los tres primeros tratan de la elección del terreno y de los materiales, otros dos de los distintos tipos de edificios, el sexto sobre la ornamentación, los siguientes tres libros acerca de la construcción de iglesias, edificios públicos y privados y el décimo y último libro de la rehabilitación.
“…pero cualquiera no está preparado para desarrollar la actividad arquitectónica, hace falta una especial sensibilidad y preparación”. Leon Battista Alberti
Alberti arquitecto
“(…) el que quiera llamarse arquitecto. Deberá ser ingenioso y aplicado; pues ni el talento sin el estudio, ni éste sin aquel, pueden formar un artífice perfecto. Será instruido en las Buenas Letras, diestro en el Dibujo, hábil en la Geometría, inteligente en la Óptica, instruido en la Aritmética, versado en la Historia, Filósofo, Médico, Jurisconsulto, y Astrólogo”
Formado como tal en Roma, en donde entra en contacto con el círculo de artistas en torno a Brunelleschi y Donatello. Se dedicó a la arquitectura los últimos 25 de su vida, hace obras de una enorme sencillez estructural, conjugando economía de medios, belleza y armonía
Al dar proporción a todas sus partes, tanto internas como externas, sus conceptos remiten a los números, a la música y a la geometría. Uno de sus logros más importantes fue la adaptación de elementos clásicos al mundo arquitectónico del Renacimiento.
En la Toscana: la Villa Médicis de Fiesole (atribuida a Michelozzo) es fruto de un proyecto ideado por Alberti con numerosos elementos innovadores que hacen de ella probablemente el primer modelo de residencia suburbana y de jardín totalmente renacentista.
En Rimini: el templo Malatestiano (San Francesco).
En Mantua, La Iglesia de San Sebastián, la Iglesia de San Andrés –el diseño interior está basado en la basílica romana de Majencio- .
En Florencia: la Iglesia de San Pancracio, el palacio de la familia Rucellai asi como la Capilla Rucellai en la iglesia de S. Pancrazio y la fachada de Santa María Novella.
En Ferrara crea la parte trasera del Palacio Municipal y el campanario de la catedral.
En Roma, restauró las iglesias de Santa María la Mayor y Santo Stefano Rotondo.
Muere en 1472 a los 68 años, tras una intensa vida destacando en múltiples disciplinas. En ese momento Leonardo Da Vinci tiene 20 años.
“Esos mismos números por los que sucede que el acuerdo de las voces es bienvenido a los oídos, son los mimos números que llenan los ojos y el alma de un placer maravilloso”, De re edificatoria IX. 5
Xilografia tomada de “La patria, geografía de Italia por Gustavo Strafforello, 1893
El palacio sigue perteneciendo a la familia Rucellai.
En los años 1990 ha sido sede del Museo de Historia de la Fotografía Fratelli Alinari.
La fachada con mampostería de arenisca uniforme y plana, está subdividida horizontalmente en tres cuerpos por cornisas y a su vez organizados por pilastras, que se han utilizado para la superposición de órdenes. La planta baja, es de orden toscano. El primer piso (piano nobile) es de tipo jónico muy sobrio, mientras el último piso presenta un orden corintio más vistoso y decorativo.
Los tres ordenes aluden de modo bastante claro en la superposición de órdenes que exhibe el Coliseo de Roma.
La mampostería con conchas se inspira también en la arquitectura romana. Las lesenas o tiras apilastradas (son unas fajas o banda vertical estrecha, que se hacían en bajorrelieve sobre un muro, era semejante a una pilastra, pero sin función sustentante ni base ni capitel) decrecen progresivamente hacia los pisos más altos, proporcionando un efecto de perspectiva.
La parte superior del palacio está rematada por una cornisa, sostenida por ménsulas, detrás de las cuales se halla oculta una logetta (que era una antigua construcción del siglo XV)
Detrás del palacio se encuentra la antigua Iglesia de San Pancrazio en la que hay otra obra maestra de Alberti, el templete del Santo Sepulcro, que hoy alberga el Museo Marino Marini.
Hay cerca dos obras de Alberti, delante la Logia Rucellai y la fachada de la basílica de Santa Maria Novella, por encargo de Giovanni Rucellai.
Tom Wright
Tom Wright (Croydon, Inglaterra 1957) es un arquitecto reconocido por su diseño del lujoso «Hotel Burj Al Arab» en Dubái, Emiratos Árabes Unidos.
Wright trabajó para la compañía consultora británica Atkins en Epsom, pero abandonó la empresa junto con dos directivos más (Hakim Khennouchi y Geku Kuruvilla) para crear el estudio WKK.
Estudió en la Royal Russell School y en el Kingston Polytechnic School of Architecture.
El «Burj Al Arab» tiene una altura de 321 metros, y está situado en el mar, sobre una isla artificial. Algunos creen que esta obra representa también una cruz cristiana pero Wright ha declarado que nunca pasó por su mente tal idea.
Hotel Vela en Barcelona
En el año 2020 he estado unos días en Dubai, para recorrerlo y ver sus mas importantes obras, como el Burj Khalifa la torre mas alta del mundo con sus 828 metros de altura (2004/10) diseño del arq Adrian Smith del SOM, el hotel de Tom Wright el Burj Al Arab, de unas formas que remiten al Hotel Vela al final de la Playa de la Barceloneta en Barcelona, la Urbanización Palmera Jumeirah (2001/08) proyecto de Nakheel Properties de 46 hectáreas que fue la pionera de las urbanizaciones ganadas al Mar Arábigo (2001/08) le siguen las que actualmente se construyen la Palm Jebel Ali y la Palm Deira, aumentando el perímetro de la costa en 520 km con al menos 10 mil habitantes.
Dubai Mall, con una pared del acuario
Como el calor era insoportable (mas de 45 grados), la visite en 2 tours diferentes en buses que parten de su Mall y llegue hasta el Hotel Atlantis que «corona» la palmera.
Un comentario del Dubai Mall (DP Architects) con una superficie de 111 hectáreas que contiene 1.200 tiendas en 6 plantas y un parking con 14.000 plazas en 10 plantas, por tener, además de cientos de tiendas de super lujo, tiene un enorme acuario con enormes cristales que dan a uno de sus pasillos centrales, patinaje sobre hielo (que aquí es imprescindible, sus paradas aisladas donde paran los buses tienen cada una un aire acondicionado), cines, etc. bueno todo lo que se puede hacer con 20 mil millones de dolares.
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Verónica Franco, “reina de las cortesanas”. Musa de pintores y artistas
He leído con sorpresa y admiración la vida de Veronica Franco, impresionado por su duro y difícil entorno, lo comparto:
Su cara era de tez blanca, cabellera rojiza, ojos claros, y formas contundentes, “puttana de lujo”, musa de Tintoretto, ícono de la belleza, culta y refinada e inspiradora de poetas y artistas. Verónica Franco (1546 – 1591 –A-), a los 18 años cansada de las palizas de su marido comienza una camino personal que la lleva en 1566 a ser la “reina de las cortesanas”.
Verónica dijo que estas mujeres tan instruidas como sensuales (y quizás por ello), estaban «condenadas a comer con boca ajena, dormir con ojos ajenos, moverse según los deseos ajenos, corriendo en manifiesto naufragio siempre de las facultades y de la vida». (1)
En 1570 Tintoretto (Jacopo Comin 1518 – 1594 –B–) nos la enseña a sus 24 años como un referente de la libertad, una “cortigiane oneste”, que llega a ser la “reina de las cortesanas” (2), el cuadro más conocido de Verónica, es “Retrato de una dama” (1574).
Dama que descubre su seno, posible retrato de Veronica Franco. Óleo de Jacopo Tintoretti. 1570. Museo del Prado. Madrid
A Tintoretto se le atribuyen los dos únicos retratos que existen de la cortesana (aunque no está verificado que fuera ella la modelo que posó), así como en “Dama que descubre su seno” (1570). Siempre adornada de perlas, era su seña de identidad.
Dice Verónica: “Il mio carissimo amico Tintoretto me pintó con perlas…Te juro que cuando vi mi retrato…me pregunté por un momento si era una pintura o una aparición presentada ante mí por algún truco del diablo. El Maestro Tintoretto se concentra enteramente en métodos de imitación y de superación de la naturaleza…no solo imitando o modelando la figura humana, desnuda o vestida… sino también expresando estados emocionales”(3).
Verónica Franco había nacido en Venecia en 1546, en la Calle dei Franchi, en los confines parroquiales de la Chiesa di Sant´ ´Agnese, su padre era Francesco Maria Franco, un veneciano perteneciente a los «ciudadanos», que hoy llamaríamos clase media, y de Paola Fracassa, una famosa “cortigana onesta” que, al casarse, abandonó su antiguo oficio.
Verónica era la única mujer de 4 hermanos: Girolamo, Orazio y Serafino que tuvo poca suerte al ser capturado por los turcos en 1570.
La muerte temprana de Francesco obligó a Paola a regresar a su antigua y lucrativa profesión. El nombre de Paola fue escrito en el «Catalogo di tutte le principal et piu honorate cortigiane di Venezia» (El catálogo de todas las cortesanas principales y honradas de Venecia) en 1565.
Siempre intentó dar a su hija una vida honorable A tal fin, cuando Verónica sólo contaba dieciséis años, la madre concertó (pagando la dote adecuada) su matrimonio con Paolo Panizza, un médico aficionado al juego y a la bebida que sólo reportó a su joven esposa grandes sufrimientos. (4)
Abandona a su marido, tiene 18 años y está embarazada de su futuro hijo Achille, pero cuyo padre no era Paolo sino un comerciante de Ragusa (Dubrovnik), llamado Jacomo di Baballi, reclama su dote y decide buscar nuevos horizontes en la prostitución. A sus 24 años dio a luz a Enea. Tuvo en total 6 hijos, pero 4 de ellos murieron. (5)
Tras su separación, Verónica regresó junto a su madre, Paola Fracassa, quien acabó por iniciarla en el oficio hasta el punto de que ambas lo ejercieron a la vez.
Así lo demuestra que sus nombres aparezcan en la edición de 1572 de la “Tariffa delle Puttane”, el libro en el que se hallan catalogadas las 215 cortesanas de mayor prestigio de Venecia con sus respectivas tarifas. En este caso, el importe era el mismo para ambas: dos escudos por noche, si bien se dice que, años más tarde, un beso de Verónica se valoraba en quince escudos y en cincuenta una velada completa en su compañía.
Algunas mujeres
Ellas, las meretrices, inspiraban por su belleza a artistas y poetas, cultas y refinadas, amantes del lujo y de los placeres, sabían ser compañeras tanto en la cama como en la mesa.
La belleza del arte renacentista y de sus mujeres, convivía con la lujuria, el carnaval y la peste bubónica.
El poeta Pietro Aretino –C– llego a escribir “…Venus, diosa del amor, se ha convertido en mujer de letras”.
Ellas, las meretrices, seleccionaban astutamente a sus amantes, por su condición de clase social, dinero y cultura.
A comienzos del siglo XVI, el famoso periodista patricio veneciano Marin Seruto, registro 11.654 prostitutas en una ciudad de 100.000 personas.
Venecia era un gran puerto y ciudad comercial a la que concurrían muchos hombres solos, la figura femenina, era un ícono de la concordia familiar, donde una familia patricia adecuada a la época debía tener una hija virgen, una esposa y una madre en la esfera privada. Pero en la vida pública eran las meretrices, y especialmente las cortesanas quienes mantenían el mito social de concordia social y política.
La vida real veneciana, convivió el contraste entre la Virgen María y la diosa afrodita “Venus Anadiomena”. Las leyes trataron de regular la vida y las apariencias de las mujeres patricias y las cortesanas acomodadas.
Las meretrices, debían obedecer reglas estrictas, como la prohibición de usar ropas de seda, oro, plata, joyas preciosas o imitaciones, no podían ingresar a las iglesias durante las celebraciones principales
La distinción entre una meretriz y una prostituta de lujo “meretrice sumptuousa o cortigiane honrada” era enorme, las meretrices estaban bajo las leyes venecianas, y su actividad y desplazamientos regulados, pero las cortesanas honradas nunca recibieron una prohibición del senado en el siglo XVI.
“El nacimieno de Venus” de Sandro Botticelli Temple sobre lienzo. 278.5 x 172,5 cm.Galeria degli Uffizi 1485/6
También había en la práctica una diferencia entre las cortesanas que en general vivían en el esplendor aunque recibiendo una educación limitada, (las mujeres venecianas de esa época tenían prohibido asistir a la escuela –de gramática por ejemplo-), y las cortesanas honestas, que eran privilegiadas, ricas, y se les reconocía su capacidad intelectual, tocaban instrumentos, conocían la literatura griega y romana y se mezclaban con pensadores, escritores y artistas de la época. (6)
Una mujer, si su familia tenía recursos solo podía educarse en su casa con lecciones particulares, por lo que el destino de una doncella pobre, era una unión mediocre o el convento.
Algunas de ellas decidieron el duro trabajo de cortesanas.
Para atraer clientes las cortesanas venecianas acudían al “Ponte delle Tette”(puente de las tetas), mostrando sus piernas y sus pechos a los futuros clientes que pasaban en góndolas, y así conseguir llevarlos al burdel, solo podían pasear los sábados.
El Ponte delle Tette se encontraba en San Cassiano, en la zona llamada Carampane.
En 1421 la ciudad de Venecia decidió transformar en casas cerradas un bloque de casas heredadas en 1318 al mote del último descendiente de la rica familia Rampani, de allí que Ca-Rampani toma su nombre.
Las prostitutas venecianas fueron transferidas a las casas Rampani y el nombre más tarde se convirtió en sinónimo de prostituta.
Se cree que las meretrices mostraban sus pechos para demostrar que eran mujeres y no homosexuales travestidos (ahora con las operaciones de pechos esto no tendría el efecto buscado). La sodomía en el siglo XVI estaba perseguida y castigada, a los sodomitas se los quemaba atados a las columnas de la Piazzetta.
La razón de la ordenanza era alejar a la población masculina de la ola de homosexualidad, tema que se había convertido casi en un problema estatal.
La homosexualidad estaba muy extendida en la Venecia del siglo XVI, tanto que las prostitutas, en 1511, enviaron una súplica al fiscal Antonio Contarini para que hiciera algo al respecto, porque ya no tenían clientes suficientes,
La abundancia de oferta había provocado la crisis económica.
Entre los expedientes de los juicios más famosos, había muchos casos contra homosexuales o por violencia «contra la naturaleza».
Francesco Cercato fue ahorcado por sodomía entre las columnas de la Piazzetta San Marco en 1480, y Francesco Fabrizio, sacerdote y poeta, fue decapitado y quemado en 1545 por su «vicio indescriptible».
El célebre poeta Domenico Venieri, seguidor de Petrarca, y muy amigo de Verónica Franco influyó enormemente en su carrera literaria y patrocinó la publicación de su poemario “Terze Rime” en 1575, que eran poesías sobre su vida, incluyendo aspectos sexuales. Era extraño a la época que una escritora se animara a alejarse de los temas religiosos, y que sumergida en temas seculares, incluyera una temática sexual. Las mujeres debían ser castas y obedientes en la vida real, y en la poesía debían ser reservadas, hermosas sí, pero inalcanzables. Editó también el libro “D´Ardito Cavalier non è Prodezza”.
Otra poetisa cortesana Tulia D´Aragona –D– armó también su propia colección de poemas.
Poetas y poetizas
Representacion de la Prudencia. Pintado por Girolamo di Francesco di Mariotto Macchietti (Florencia 1535 – 1592 Ibid).Cercano al circulo manierista encabezado por Giorgio Vasari.
Hubo más clientes famosos en su cama y en su vida. Uno muy importante fue el ilustre humanista francés Michel Eyquem de Montaigne (1533 – 1592 –E-), creador del género conocido en la edad moderna como “ensayo”.
En 1580 recaló en Venecia, cuenta que el 7 de noviembre, cenó con Verónica y recibió como obsequio un pequeño volumen que ella misma había editado bajo el título de “Lettere familiari e diversi” (Cartas íntimas y variadas), en el cual se recogía su correspondencia con diversos personajes de la época y que hoy constituye un testimonio único de los usos y costumbres de la Serenissima República de Venecia del Cinquecento.
En estas cartas así como en algunos de sus “Capitoli” solicitaba a Domenico Venier y a otros para que contribuyan con sus poemas en las colecciones que estaba trabajando. Parte de esta documentación se conserva en la Biblioteca Nazionale Marciana, maravillosa obra de Jacopo Sansovino –F-.
Video “Verónica Franco, más fuerte que su destino”
Domenico Venier creó “Ca-´Venier”, el lugar más importante en Venecia donde intelectuales, y hombres de letras se reunían, esto ocurría a mediados del XVI, también lo hacían en la “Accademia della fama” hasta 1561, año de su desaparición. Domenico fue mentor de poetas y escritores, incluidas varias mujeres: Moderata Fonte, (Modesta Pozzo 1555-1592, escribió poesía religiosa y romántica Su obra más conocida es el diálogo “Il merito delle donne” -1600- ). Irene di Spilimbergo (pintora y poetiza, estudio con Tiziano, murió muy joven 1540-1559), Gaspara Stampa (poetiza 1523-1554), Tullia d’Aragona, (poeta-cortesana, autora y filósofa (1510-1556), Verónica Gambara (1485-1550).
Buscaron caminos alternativos a las formas poéticas “Petrarcas”, encontrando en el madrigal, la oda, la elegía y en la poesía vernácula sus raíces, no solo de poetas elegiacos clásicos (la elegía, como subgénero de la poesía lírica, es un canto de duelo, son poemas de lamentación, funerarios) sino también trovadores provenzales.
Por entonces, Verónica mantenía relaciones con dos sobrinos de Domenico: Marco y Maffeo.
El primero fue, sin duda, el gran amor de su vida, por lo que Maffeo, al verse desplazado por su hermano, no dudó en dedicar a Verónica unos ofensivos versos que circularon libremente por toda Venecia: «Veronica, ver unica puttana» (Verónica, la única y verdadera puta).
No le faltó capacidad literaria a la “puttana” para lejos de darse por ofendida, lo reto públicamente a un duelo poético del que salió vencedora y que la consagró aún más como poetiza.
La romántica historia de amor entre Verónica y Marco, fue la de unos amantes que podrían dar una de las posibles interpretaciones a sus poemas de amor.
Maffeo Venier escribe estos Versos, seleccionados del Capítulo 16:
«Verónica, la única y verdadera puta«
Franca, astuta, voladora, endeble, flácida,
Apestoso, escuálido, escabroso y el más grande sinvergüenza además,
Quién vive entre Castello, Ghetto y la Aduana.
Una mujer reducida a un monstruo hecho de carne humana,
Yeso, tiza, cartón, cuero y tablero de madera,
Un espeluznante fantasma, un ogro costroso,
Un cocodrilo, un hipogrifo, un avestruz, una yegua de rodillas.
Para cantar de todo lo que te pasa,
Tus defectos, tus fallas,
Tomaría cien conceptos,
Miles de plumas y tinteros,
E innumerables poetas,
La perspectiva de puentes y hospitales”.
Link del film “Más fuerte que su destino” (Dangerous Beauty) 1998. 111 minutos. EEUU.
Direccion Marshall Herskovitz.
Catherine McCormack, Rufus Sewell, Jacqueline Bisset, Oliver Platt, Moira Kelly, Fred Ward, Naomi Watts, Jeroen Krabbé.
Musica George Fenton yFotografía Bojan Bazelli
Verónica, fomentaba las mejores relaciones con sus amistades literarias, y de las otras. Convirtió su hermoso palacio de Santa María Formosa en un ateneo, lugar de reunión de músicos, pintores y nobles y donde, además de gustar de placeres mucho más terrenales, se disfrutaba de conciertos, debates filosóficos y lecturas de poesía y de nuevas obras, así como discusiones filosóficas, y cenas de gala.
Una casa que además de atraer al amor en todas sus formas permitía ser un espacio de reflexión, arte y camaradería. Recibía a nobles, artistas, visitantes de alto rango, incluso a altos prelados, todos aquellos que eran dueños del mundo civil, militar y eclesiástico.
Su gusto poético se acercaba a las elegías de Ovidio (43 a.C.-? –G-), Catulo (87 o 84 a.n.e. – 54 a.n.e. –H-), Propercio (aprox 50 a.n.e. – 15 a.n.e. –I-) y Tíbulo (55 a.n.e. – 19 ó 18 a.n.e. –J-)
Editó “Rime di diversi Eccellentissimi autori nella morte dell´illustre Signore Estor Martinengo Conde de Malpaga”, patrocinado por Francesco Martinengo.
Su tarea fue elegir poetas como Domenico Venier (1517-1582), gran figura de la academia y de gran prestigio literario, Marco Venier, Orsato Giustinian (¿-1464), Bartolomeo Zacco, Celio Magno, Andrea Menichini, Marco Stecchini, El conocido latinista, traductor y literato Orazio Toscanella (1520-1580), Giovanni Scrittore, Valerio Sali, Antonio Cavassico a los que agregó nueve sonetos de su producción poética. Al ser incluida en este grupo para honrar a Estor, se la reconocía al nivel de esos poetas varones insignes.
Giovanni Scrittore escribe:
…Veronica celeste, unica, e vera
Dea tra noi di beltà, di cortesía,
Franca in valor, che indarno altri qui spera,
Benché seguendo lei per dritta via;
Felicemente a la beata spera
Ogni nobile spirito s´invia…
Las “cortigiane oneste” gozaban del privilegio de elegir a sus amantes y Verónica los escogía sistemáticamente en base a su clase social, dinero y cultura, lo que le permitió codearse con los poderes fácticos de la ciudad. No es de extrañar, pues, que en el verano de 1574, cuando Enrique de Valois viajó al Véneto en vísperas de ser coronado rey de Francia, la Señoría de la República veneciana, recurrió a los servicios de la afamada Verónica.
Cuando Enrique de Valois (1551-1589 asesinado –K-) llega a Venecia, ésta acaba de sufrir la derrota que el imperio turco-otomano infligió a la “Serenissima Repubblica” en las islas del Mar Egeo. Enrique ya era rey de Polonia, donde había sido coronado como Henryk Walezy, pero iba a ser un reinado muy breve ya que estaba a punto de ser entronizado como soberano de Francia, al ser el heredero de la casa Valois – Angulema, sería Enrique III.
En la necesidad de congraciarse con el monarca, ya que necesitaban tener protección naval contra los turcos, Venecia declaró once días de celebraciones, organizadas por diversos artistas, entre ellos nuestro amigo Andrea Palladio –L–, el compositor y organista Andrea Gabrieli, (1554/57- 1612 –M-), el pintor Paolo Veronese (1528-1588 ) y el amigo de Verónica, Tintoretto.
A pesar que tradicionalmente se lo representaba como un rey afeminado y amanerado, ya que se lo solía ver rodeado de jóvenes vestidos con trajes estrafalarios, pero varios historiadores lo niegan y lo atribuyen a las propagandas divulgada por la Liga y los Hugonotes, y por cortesanos disconformes con los cambios en las costumbres de la corte.
También se decía de él que era estéril y sexualmente ambiguo, tuvo numerosos amantes, a los cuales paseaba por las calles de París con los labios pintados y vestidos de mujer. Organizó torneos con estos amantes, quienes no se privaban de adoptar poses femeninas durante las justas
III
De Doña Verónica Franca
Esto te escribe tu fiel Franca,
dulce, gentil, su valiente amante;
que, lejos de ti, vive miserable.
…
Ay, lo digo y siempre lo diré nunca
que vivir sin ti es cruel hasta la muerte,
y los placeres son tormentos y problemas para mí.
…
Las rosas frescas, los lirios y las violetas
culo tiene’ el viento de’ mis cálidos suspiros,
y he visto el sol palidecer lastimosamente;
en mover los ojos en giros llorosos
detener los ríos, y el mar depositó el iris
por la dulce misericordia de mis mártires.
…
Ay cuantas veces dicen mis dolores
el aura y el movil se van a escuchar
¡Detén esto y déjalo ir!
…
Inmediatamente después de llegar a la habitación deseada,
Me inclinaré con mis rodillas en el suelo
a mi Apolo en la ciencia y en la apariencia;
y ganado por él en una guerra amorosa,
los seguire de miedo con alma cash
por el camino del valor para que no se equivoque.
Este es mi amante, que pasa a todos los demás
en soportar las tribulaciones, y en la fidelidad
cada otro más fiel detrás de él caduca.
Bueno, te refrescaré del pasado.
problemas, señor, en cuanto a mi poder es,
viniendo a complacerte, a mi bondad,
truncándome el mártir, el deseo a ti.
Fragmentos del libro “Los muertos hablan” de Carlos Bracho e Ignacio Trejo
…. ¿Por qué me recuerda usted una obra de Tintoretto?, – le pregunto, mientras no dejo de admirar su largo collar en banda y el cuello ornamentado con una gargantilla de perlas sobre el opulento escote donde se asoma por un seno, con estudiado descuido, el pezón como pruna erguida en la piel.
…Coincido en la injusta distribución de la alegría en las calles habitadas por huérfanos de prostitutas con dientes podridos y navegantes extenuados.
… En mi familia somos “cittadini originari” desde varios siglos atrás, aunque tenemos escudo de armas, estamos socialmente debajo de los nobles…mi madre me enseño el oficio “di cortigiana onesta”.
…gran diferencia con la “cortigiana di lume”, pobres mujeres de vientres caídos, confinadas a la zona de Rialto y sus luces rojas, o las jóvenes con licencia para estar en los pretiles del “Ponte delle tette”, en el río Terà delle Carampane.
…Una mujer inculta se ofrecería por unas monedas como una libertina de vida alegre, y si fuese comerciante sería igualmente explotada en los mercados. Pero con las enseñanzas de mi madre y mi preparación previa podría convertirme en una “cortigiana onesta”. A mayores lecturas y refinamientos, mejores ingresos y elección de mis distinguidos visitantes…Pero, sobre todo, más libertad y autonomía…Mi madre y yo misma aparecemos en “Il Catalogo du tutte le principali et piú honorate cortigiane di Venetia” con una paga de dos escudos de oro, poco menos que dos ducados…una tarifa baja que pronto se elevó muy por arriba del sueldo de un Capitán de Navío.
Podria compararse con un mal año del Viejo Tintoretto, cuando recibió apenas cien ducados por tres pinturas en la Scuola Grande di San Rocco.
En “Veincinque Capitoli in Terza Rima” está más cerca de Dante que de Petrarca. Los primeros catorce Capitoli (7)presentan a siete poetas masculinos a los que Verónica da respuesta uno a uno.
La forma desafio/respuesta (proposta/risposta) fue muy popular entre los miembros del grupo de Ca´Venier. Dedica la obra aGuglielmo Gonzaga duque de Mantua y Monferrato, un entusiasta de la música sacra, especialmente de Giovanni da Palestrina (1525-1594 –Ñ-).
Explica Verónica, “…escribo en forma de “capitoli”, una forma de verso usada por poetas del siglo XIII, para el debate literario. Está escrito en verso de once sílabas con tres estrofas de rimas entrelazadas…”
Nosotras, las mujeres
Verónica pensó en las mujeres, en plural, y en las mujeres jóvenes pobres y desafortunadas que no podían pagar una dote suficiente para tener un matrimonio “decente”.
Donaría dinero a la Casa delle Zitelle, una institución caritativa para albergar a niñas pobres y solteras, evitado su pérdida de castidad y en consecuencia la pérdida de la posibilidad de matrimonio.
En síntesis, podríamos decir: “Si no eres casta, no te casarás”.
Les dice a las madres pobres que no conviertan a sus hijas en cortesanas, en putas, les escribe:
«…que no destruyan de un solo golpe…almas y reputación junto con la de sus hijas. Ellos hablan de suerte, pero yo les sigo diciendo, no hay nada peor que entregarse a la fortuna que puede traer más dolor que beneficio…Oh, la miserable vida de una cortesana, los peligros, las injusticias, las falsas acusaciones…” (8)
Cuando Verónica dijo, «…las mujeres también tenemos armas y entrenamiento…», no se refería solo a destreza física; ella aludía a la educación de mujeres que no existía de manera sistemática en su época.
No sabemos si tuvo alguna educación formal (existían algunas escuelas especiales para niñas). Probablemente su conocimiento sea un mosaico de las lecciones de sus hermanos, del conocimiento de su madre (como cortesana honrada debe tener algún conocimiento de literatura, griego y latín) y, finalmente, de los recursos en el “Círculo literario Domenico Venier”,
La Italia del “Cinquecento” facilitó un terreno fértil para varias mujeres de todos los ámbitos de la vida que se hicieron conocidas y publicadas como escritoras y poetas.
Siguieron las ideas del humanista del siglo XVI Pietro Bembo –O–, literato italiano que abrazó el italiano sobre el latín y escribió literatura en toscano, veneciano y otros dialectos, gracias a él, muchas mujeres pudieron leer estos textos.
Desarrollado el sistema de impresión, las copias de los mismos textos eran cada vez más accesibles.
Simultáneamente, un grupo cada vez más amplio de humanistas del Renacimiento reconoció a las mujeres como individuos con «las mismas capacidades espirituales y mentales que los hombres y que también pueden sobresalir en sabiduría. Los hombres y las mujeres son de la misma esencia”.
Ludovico Ariosto –P-:
Mujeres sabias, fuertes, verdaderas y castas.
no solo en Grecia y Roma
Pero donde sea que brille el sol, desde el Lejano Oriente
para las Hespérides, han tenido su hogar,
cuyas virtudes y cuyos méritos no se cuestionan.
En cuanto a ellos, los historiadores son tontos:
Autores contemporáneos, llenos de rencor,
La verdad sobre esas mujeres no escribiría.
pero, mujeres, no cesen en esta cuenta
perseverar en las obras que haces bien.
que no desanime la ambición desalentadora,
ni temer que el reconocimiento nunca lo hará
Soy tuyo. Bueno, ninguna inmunidad puede alardear
Del cambio, el mal no es inmutable,
y si en la historia tu página estaba borrosa,
en los tiempos modernos tus méritos serán escuchados”.
El ocaso de una cortesana
La visita de Montaigne marcó un punto de inflexión en la vida de Verónica Franco. Pocos meses después, Rodolfo Vannitelli, preceptor de uno de sus cuatro hijos y, posiblemente, amante despechado, la denunció al Tribunal de la Inquisición Veneciana del Santo Oficio acusándola de falta de celo religioso y prácticas de brujería y hechicería, concretamente de someter y seducir a sus amantes con encantamientos, y comer pollo, huevos y queso en vigilia, y además de tener en su residencia una casa de apuestas.
Rodolfo responde así a la denuncia que Verónica hace contra él por robarle objetos de su dote de su casa con la complicidad de su criada Bortola en Mayo de 1580.
Vannitelli:
«Si esta bruja, esta prostituta pública, enmascarada y engañosa no es castigada, muchas otras comenzarán a hacer lo mismo contra la santa iglesia católica».
Verónica:
Tuve que defenderme de acusaciones vengativas, de comportamiento deshonesto, encantamientos mágicos en mi casa, y que fueron realizados por algunos de mis sirvientes y sus amigos en contra de mi voluntad.
Encarcelada en la prisión de la República, la vista tuvo lugar el día 8 de octubre de 1581 y, aunque las excelentes relaciones de Veronica con los jerarcas de la curia veneciana y de la Señoría le permitieron salir absuelta, este proceso marcó su declive definitivo y la pérdida de la práctica totalidad de sus bienes. Su espléndida vida como una cortesana suntuosa y honrada había terminado, su principal benefactor Domenico Venier murió un año más tarde.
Existen pocos datos sobre los últimos años de la vida de Verónica. Retirada en su mansión, medió ante las autoridades venecianas para crear un asilo donde se acogiese a las cortesanas enfermas o ancianas, y donde se enseñase un oficio a las mujeres que decidieran retirarse de la profesión. Es muy probable que trabajara en nuevas obras literarias que –lamentablemente– no se han conservado.
El rastro de Verónica Franco se pierde definitivamente en 1582 y su nombre sólo vuelve a aparecer en el registro del Magistrato alla Sanità, donde un escueto parte fechado el 22 de julio de 1591 informa de que «la signora Verónica Franco ha fallecido el 20 de Julio, de fiebres a la edad de cuarenta y cinco años».
Con ella desaparecía la edad de oro de las cortesanas venecianas, mujeres fuertes, libres, instruidas y sensuales.
Referencias
“The Honest Courtesan”. La honesta cortesana: Verónica Franco, ciudadana y escritora en la Venecia del siglo XVI. The University of Chicago Press.1992. autora Margaret F. Rosenthal.
En la película “Dangerous Beauty” de 1998, basada en el libro de Rosenthal y dirigida por Marshall Herskovitz, donde Catherine McCormack interpreta a Verónica Franco, se concentra en el período en que participó en el salón literario de Domenico Venier entre los años 1570 y 1582, cuando se publicaron todos sus proyectos literarios, así como el juicio que se le hace por practicar brujería.
En el film aparece solo la denuncia de comportamiento deshonesto y la ingeniosa defensa de Verónica.
Veronica Franco. Diccionario Biográfico de los italianos. Volumen 50 (1998). Autora Floriana Calitti.
“Veronica Franco, Poems and Selected Letters”, editado y traducido por Ann Rosalind Jones y Margaret F. Rosenthal. The University of Chicago Press, 1998.
Revista Renacimiento trimestral. Artículo “Terze Rime” de Verónica Franco: la defensa de la cortesana veneciana de Margaret F. Rosenthal Vol. 42, N ° 2 (verano de 1989), págs. 227-257
Editorial Herodotusc. “Veronica Franco and the ‘Cortigiane Oneste”: Attaining Power through Prostitution in Sixteenth-Century Venice» 2015. Autora Arielle Sison.
Editorial National Geographic. “Veronica Franco, la reina de las cortesanas”. Autora Maria Pilar Queralt
“La Puttana de Venecia”. Emece Editores. Autora Ana María Cabrera.
Notas
1
«Carta 22» en Jones & Rosenthal, p. 39
“Pero no hay un destino brillante para una cortesana. Incluso si el destino fuera completamente favorable y amable con una mujer joven, esta es una vida que siempre resulta ser una miseria. Es algo muy miserable, contrario a la razón humana, someter el cuerpo y el trabajo a una esclavitud aterradora incluso en la que pensar. Hacerse presa de tantos hombres, a riesgo de ser despojado, robado, incluso asesinado, para que un hombre, un día, pueda arrebatarle todo lo que ha adquirido de muchos durante tanto tiempo, junto con muchos otros peligros de lesiones y terribles enfermedades contagiosas; comer con la boca de otro, dormir con los ojos de otro, moverse de acuerdo con la voluntad de otro, obviamente corriendo hacia el naufragio de tu mente y tu cuerpo, ¿Qué mayor miseria? ¿Qué riqueza, qué lujos, qué delicias pueden superar todo esto? Créame”.
2
A él se atribuyen los dos únicos retratos que existen de la cortesana, si bien pudo no haber sido ella quien posó como modelo. En Dama que descubre su seno (1570) y Retrato de dama (1574), se ve a una mujer de formas rotundas, tez blanca, cabellera cobriza, ojos claros y facciones finas, adornada con perlas, seña de identidad de Verónica.
Otra obra para la que pudo haber posado fue Susana y los viejos (1556).
3
Veronica Franco, Cartas familiares a varias personas (1580), editado y traducido por Ann Rosalind Jones y Margaret F. Rosenthal, Verónica Franco: Poems and Selected Letters, The University of Chicago Press, 1998, «Carta 21» en Rosenthal & Jones, p. 37
4
“Sono da famiglia Franca. No somos patricios; nuestros nombres no aparecen en el «Libro d’Oro de Venezia». “Ma siamo cittadini originari”, ciudadanos venecianos de nacimiento. Tenemos nuestro propio escudo de armas familiar, que todos pueden ver «a la entrada de la Calle dei Franchi en la» parocchia «de San Agnese en Venecia». Mi familia, junto con las otras familias «subpatricias», está escrita en el «Libro d’Argente da Venezia». Según el erudito e historiador italiano Guiseppe Tassini, (1827-1899) este escudo de armas todavía existe en el lugar mencionado. Cita de Margaret F. Rosenthal, The Honest Courtesan: Verónica Franco, Ciudadana y Escritora en la Venecia del siglo XVI, The University of Chicago Press, 1992, p. 66
5
Testimonio de Veronica en el juicio de la Inquisición en 1580 según lo relatado por Rosenthal en “The Honest Courtesan”, p. 83.
6
“Veronica Franco, Poems and Selected Letters”, editado y traducido por Ann Rosalind Jones y Margaret F. Rosenthal. The University of Chicago Press, 1998. Introducción: “La cortesana honrada”. Pag 3.
7
El Capitolo es una composición poética del Renacimiento. Eran métricas formas por una serie de tercetos concatenados, cerrados con un verso que rimaba con el segundo del último terceto.
Escribo principalmente en forma de «Capitolo», «una forma de verso usada por poetas provenzales del siglo XIII para el debate literario».
«Capitolo» está escrito en verso de once sílabas y sigue el patrón de tres estrofas de rimas entrelazadas (aba , bcb, cdc, …). La forma de «proposta / risposta» (desafío / respuesta) de usar «Capitolo» fue extremadamente popular entre los miembros de nuestro grupo, el Ca ‘Venier”.
8
Irma B. Jaffe, Shinning Eyes, Cruel Fortune: “The Lives and Loves of Italian Renaissance Women Poet”
Fordham University Press, Nueva York, 2002. «Carta 22», pág. 340
Biografías
A
Verónica Franco, República de Venecia, 25 de marzo de 1546 – Venecia, 21 de julio de 1591, fue una poeta y cortesana italiana en la Venecia del siglo XVI.
B
Tintoretto, cuyo nombre era Jacopo Comin (Venecia, 29 de septiembre de 1518 – 31 de mayo de 1594), fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y representante del estilo manierista.
C
Pietro Aretino (Arezzo, 19 de abril de 1492 – Venecia, 21 de octubre de 1556) fue un poeta, escritor y dramaturgo italiano.
D
Tullia d’Aragona (circa 1510–1556) fue una poetisa italiana, autora y filósofa. Nacida en Roma, vivió en Venecia, Ferrara, Siena, y Florencia. Como su madre no estuvo casada con su presunto padre (el Cardenal Luigi d’Aragona), la vida de Tullia estuvo marcada por el estigma del nacimiento ilegítimo de una madre cortesana, por un lado, y la fama literaria, por el otro.
E
Michel Eyquem de Montaigne (Castillo de Montaigne, Saint-Michel-de-Montaigne, cerca de Burdeos, 28 de febrero de 1533 – ibíd., 13 de septiembre de 1592) fue un filósofo, escritor, humanista y moralista francés del Renacimiento, autor de los Ensayos. Ha sido calificado como el más clásico de los modernos y el más moderno de los clásicos.
F
Jacopo d’Antonio Sansovino (Florencia, 2 de julio de 1486 – Venecia, 27 de noviembre de 1570) fue un arquitecto y escultor renacentista italiano, conocido sobre todo por sus obras alrededor de la Plaza de San Marcos en Venecia. Andrea Palladio, en el Prefacio de sus Quattro Libri, opinaba que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio erigido desde la Antigüedad. La Vita de Sansovino es la única de las escritas por Giorgio Vasari que imprimió separadamente.
G
Publio Ovidio Nasón (Sulmona, 20 de marzo de 43 a. C.-Tomis, 17 d. C.) poeta romano. Sus obras más conocidas son Arte de amar y Las metamorfosis, ambas en verso; la segunda recoge relatos mitológicos procedentes del mundo griego adaptados a la cultura latina de su época; también gozaron de cierta fama las Heroidas, cartas de grandes enamoradas, y sus Tristia, poemas elegíacos en que lamenta su destierro.
H
Cayo o Gayo Valerio Catulo (Verona, actual Italia, h. 87 (u 84) a.n.e. – Roma, h. 57 a.n.e., fue un poeta latino.
I
Sexto Propercio fue un poeta lírico latino, nacido en la Umbría, contemporáneo de Tibulo. Su fecha de nacimiento se sitúa entre los años 54 y 43 a.n.e.
J
Albio Tibulo (54 a.n.e. – 19 a.n.e.) fue un poeta lírico latino.
K
Enrique III de Francia (Fontainebleau, 19 de septiembre de 1551 – Saint Cloud, 2 de agosto de 1589) fue rey de Francia entre 1574 y 1589. Anteriormente rey de Polonia como Enrique de Valois (Henryk Walezy en polaco) de 1573 a 1574.
L
Andrea Palladio (Andrea di Pietro della Góndola (Padua, 1508 – Maser, 1580) fue un importante arquitecto italiano de la República de Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Vicenza, en sus alrededores, y en Venecia. Se le considera el arquitecto que tal vez “mejor supo actualizar la herencia de las formas clásicas con la realidad del Cinquecento”. Sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en la arquitectura del Neoclasicismo.
M
Andrea Gabrieli (ca. 1533 – 30 de agosto de 1585) fue un compositor y organista italiano de finales del Renacimiento. Tío del famoso compositor Giovanni Gabrieli, fue el primer miembro de renombre internacional de la Escuela Veneciana de compositores. Tuvo gran influencia en la difusión del estilo veneciano tanto en Italia como en Alemania.
N
Paolo Caliari o Cagliari (Verona, 1528 – Venecia, 1588), conocido como Paolo Veronese (en España, como El Veronés), fue un pintor italiano, figura central del Manierismo veneciano.
Ñ
Giovanni Pierluigi da Palestrina (Palestrina, 3 de febrero de 1525 – 1594 2 de febrero Roma) fue un compositor italiano renacentista de música sacra y el representante más conocido de la Escuela romana de composición musical del siglo xvi. Tuvo una influencia duradera en el desarrollo de la música eclesiástica y secular en Europa, especialmente en el desarrollo del contrapunto, y su obra se considera la culminación de la polifonía renacentista.
O
Pietro Bembo (Venecia, 20 de mayo de 1470 – 1547 18 de enero Roma) fue un cardenal, humanista, filólogo, escritor, poeta, traductor y erudito italiano.
P
Ludovico Ariosto (Reggio Emilia, 8 de septiembre de 1474 – 1533 6 de Julio Ferrara) fue un poeta italiano, de gran renombre, autor del poema épico Orlando furioso (1516). Escribió para el teatro obras como: Arquilla, Los supuestos, El nigromante, La alcahueta y Los estudiantes, entre otras.
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Entrevista (Nota 1)
XL. ¿Cuál es la conexión entre la arquitectura y los coches?
NF. El automóvil ha transformado el paisaje urbano y rural como ningún otro invento. Su influencia es enorme. Hemos pasado por fases, durante el cambio del siglo XIX al XX el automóvil recató la ciudad. Nueva York o Londres apestaban a caballos muertos, enfermedades…El coche limpió la ciudad. Luego se convirtió en su contaminante, como antes lo fue el caballo. En la primera sala de la exposición vemos que en aquel cambio de siglo ya competían el vehículo eléctrico y el impulsado por petróleo. Hay un automóvil extraordinario que se exhibe, el Porsche Paeton de 1900, que tenía motor eléctrico e inspiró a la NASA para el primer vehículo en la Luna. Ahora estamos entrando en otra era, que probablemente será otra revolución.
XL. ¿Cómo imagina la ciudad del futuro?
NF. La pandemia ha acelerado tendencias que ya existían, como la peatonalización. Probablemente la ciudad del futuro será más verde, más silenciosa, segura y más amable para los peatones.
Jeff Koons . Puppy, 1992. Acero inoxidable, sustrato y plantas en floración
XL. ¿Cuándo acabó el confinamiento, nos lanzamos a la calle?
NF. Sí, pero en paralelo vimos una revolución del espacio público, calles que normalmente estaban congestionadas de coches dieron paso a los peatones, surgieron las terrazas: lo veo en Boston, Londres o New York, os cafés han invadido las calles…
XL. ¿Usted, que está viajando constantemente, como llevó el confinamiento?
NF. ¡Fue un gran lujo!. Dibujé y escribí mucho más…la tecnología nos ha permitido comunicarnos sin viajar…y nos ha hecho más conscientes del valor del cara a cara, del contacto físico…
La escritura es solitaria. Pero diseñar y levantar un edificio es trabajo de equipo: es una labor multidisciplinaria, es un proceso creativo, y ningún zoom puede superar eso. El proceso creativo es crucial para unir a la gente. El lugar más importante en un laboratorio de investigación es el comedor, es el punto de encuentro donde personas de distintas disciplinas se reúnen y cruzan su fertilidad, ahí es donde se consiguen los avances médicos, Los espacios sociales son cruciales….
XL. ¿El teletrabajo va a cambiar las ciudades?
NF. …Las ciudades están gestionadas por la gente que no se puede permitir ese lujo…Un hospital, un cuerpo policial o una central eléctrica, no lo pueden hacer desde casa. El teletrabajo es cosa de una minia proporción de la humanidad, la mayoría no pude permitírselo.
XL. Los coches son un símbolo de estatus…
NF. Es una extensión mecánica de nosotros mismos, igual que lo fue el caballo. El coche nos dio movilidad, lo podemos controlar, dirigir. Como dijo Henry Ford “Si preguntas a la gente lo que quiere, te contestarán que jun caballo más rápido”. Está en nuestro ADN, nos esforzamos por llegar más rápido y más lejos. Pasa con las torres altas, desafiamos la gravedad.
En la sala dedicada a los visionarios, veras imágenes de los primeros años cincuenta que muestran el coche autónomo…El futuro se anticipó hace más de medio siglo. No es difícil imaginar un futuro sin conductores, sin accidentes y sin seguros…
XL la gasolina está muy cara
NF. El coche está históricamente acostumbrado a la escasez de combustible y su encarecimiento…hay vehículos que ocupan menos espacio y consumen menos. ..Ya se ha logrado convertir agua del mar en combustible para aviones, quizás viviremos nuevos tipos de combustión.
…
XL La interferencia del coche está clara en el arte de los futuristas
NF. Y en otras corrientes, como el aerodinamismo, una rama del art déco. Artistas como Umberto Boccioni y Brancusi anticiparon las formas aerodinámicas…en el Jeep militar, se ven los huesos del vehículo, su elemental acabado es de un enorme atractivo estético
XL. ¿Cuál es su coche preferido?
NF. Son muchos. Quizás los muy básicos, como los primeros Porsches. Hay uno de principios de los cincuenta que ni tiene indicador de combustible. Su carrocería es la más bonita de Porsche.
XL ¿Los años cincuenta le parecen una edad dorada?
NF. Puede ser, hay varias…El período post Segunda Guerra Mundial generó una enorme democratización de la movilidad, como el Cinquecento, el dos caballos y el escarabajo.
Bugatti Type 35
XL ¿Se mantiene hoy en día esta conexión entre coches, arte y arquitectura?
NF. No lo creo. En el pasado había muchas expresiones diferentes del automóvil, y eso se relejaba en la pintura y la escultura….hoy es más seguro, más sofisticado, pero carece absolutamente de individualidad. Y se refleja en nuestra sociedad. Quizás ahora hay más uniformidad en los coches y en nuestra sociedad.
La inversión en infraestructuras es inversión en las generaciones futuras…para afrontar el futuro de una manera más optimista…se invierte en educación, en ciudades más limpias y silenciosas, en maneras más rápidas de conectarlas con vías de alta velocidad.
…
XL ¿la sostenibilidad?
NF…la sostenibilidad es una cuestión de inversión en tecnología d formas limpias de propulsión…
XL. ¿Cuál es el objetivo de esta exposición?
NF. Si alguien se va pensando “¡Guau!, algunos de estos automóviles son una forma de arte”, lo hemos conseguido. Y también si ven que el coche eléctrico y el autónomo ya fueron anticipados en el pasado. La ciencia ficción de mi juventud es la realidad de hoy.
Mantengo el optimismo porque veo en los jóvenes inteligencia y ganas, Acabo de dar una charla sobre creatividad a chicos de entre 14 y 18 años, ese público estaba alerta, transmite frescura. Me gusta trabajar con gente joven, me entusiasma el pensamiento joven.
ESCULTURAS
A principios de la década de 1950, Arthur Drexler describió los automóviles como “esculturas vacías con ruedas”. En esta sala hay dos esculturas de los artistas más importantes del mismo periodo: Figura recostada, de Henry Moore, definida por sus suaves curvas; y el colosal móvil de Alexander Calder31 de enero, que destaca por su incesante y grácil movimiento.
Andy Warhol (1928 – 1987). Benz Patent-Motor Car 1886. Serigrafía y Acrílico sobre lienzo.
Cada uno de estos automóviles sobresale por su excelencia técnica —dos de ellos están considerados como los vehículos de serie más rápidos de la carretera—, pero aquí celebramos la belleza de sus fluidas líneas.
Al igual que las grandes obras de arte, el Bugatti Type 57SC Atlantic, el Hispano-Suiza H6B Dubonnet Xenia y el Pegaso Z-102 Cúpula tienen un valor excepcional como ediciones limitadas realizadas para entendidos.
Pese a haber sido producido en serie, también del Bentley R-Type Continental se fabricaron únicamente cerca de 200 ejemplares. Otra analogía entre este trabajo y el del estudio del artista se refleja en las carrocerías de estos automóviles, moldeadas una a una por artesanos que doblegaron el metal de manera manual para configurar sus curvas compuestas.
El Atlantic, creado por Jean Bugatti, estuvo ligado a una familia inmersa en el mundo del arte y la arquitectura durante varias generaciones. Junto al automóvil, se presenta aquí la escultura Pantera al acecho, obra del tío de Jean, el artista Rembrandt Bugatti.
Buckminster Fuller (1895 – 1983) y Starling Burgess (diseñador de yates)
Fabricación 1933-34/2010 (4 unidades). Propietario Foster Family Collection.
Buckminstyr Fuller solo produjo tres Dymaxion Car originales, y afirmó que ninguno de ellos “estaba diseñado para ser solo un automóvil”, sino la “fase terrestre de una máquina voladora sin alas y con dos zancos orientables de propulsión”.
Alexander Calder 31 de enero
Cumplía así su máxima de “hacer más con menos” al superar a las berlinas Ford de la época, que compartían idéntico chasis, motor y transmisión. Era más veloz, consumía menos gasolina y transportaba a un mayor número de personas. Sin embargo, como prototipo tenía problemas de estabilidad a velocidades altas. En 2010, empleando los documentos y planos originales, Norman Foster creó el cuarto Dymaxion en honor a “Bucky”, su amigo, mentor y colaborador desde 1971 hasta su fallecimiento en 1983. Todo en él procede de fuentes históricas originales, excepto la carrocería, que, no obstante, esta construida con los mismos materiales y técnicas utilizadas en la década de 1930.
Bentley R-Type Continental. 1952
Voiture Minimun. 1936
Diseñado por Le Corbusier
The Design Museum
Con su “automóvil mínimo de máxima funcionalidad”, Le Corbusier accedió a un concurso de diseño patrocinado por la Asociación Francesa de Ingenieros Automovilísticos.
Buscaban tener un coche sencillo y de producción en serie que costara 8.000 francos.
La forma sencilla y armoniosa del Voiture Minimum alberga un interior espacioso, con un asiento corrido para tres personas en la parte delantera y un asiento abatible orientado a un lado que podía convertirse en cama de campaña.
Posteriormente Le Corbusier aseguró que su modelo había servido de inspiración para el Citroën 2CV.
1er parte http://onlybook.es/blog/8012-2/
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Nuestro Blog ha obtenido ms de Un millon doscientas mil lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Los textos son del catálogo de la exposición, de la cartelería y de medios de prensa y revistas y páginas web especializadas. La mayor cantidad de fotos son propias, y otras del catálogo.
La exposición Motion. Autos, Art, Architecture vincula la dimensión artística del automóvil, con la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía y el cine.
Comisariado por Norman Foster, Manuel Cirauqui y Lekha Hileman Waitoller, se exhibe entre el 8 de abril y el 18 de septiembre de 2022 en el Museo Guggenheim de Bilbao.
Foster ha prestado 11 automóviles de su colección, Bentley R-Type Contnental de 1953, un Tatra, el Dymaxion de tres ruedas, el Voisin C-7 Lumineuse que conducía Le Corbusier entre ellos.
Se muestra, por ejemplo, cómo el uso del túnel de viento ayudó a dotar al automóvil de una forma aerodinámica, a fin de que pudiera ir más rápido empleando la energía de manera más económica; esta revolución aerodinámica tuvo su eco en las obras del movimiento futurista y de otros artistas de la misma época; y ello también se reflejó, finalmente, en el diseño industrial de todo tipo de productos, desde electrodomésticos hasta locomotoras
Dice el catálogo que “Se han reunido para la ocasión cerca de cuarenta automóviles, una selección de los mejores de cada clase en lo que respecta a su belleza, singularidad, progreso técnico y visión de futuro. Ubicados en el centro de las salas y rodeados de importantes obras de arte y fotografías de arquitectura, muchos de ellos se presentan por vez primera ante un público amplio, pues no habían abandonado nunca las colecciones privadas o instituciones públicas a las que pertenecen”.
Antonio de Guezala. 1889 – 1956. Choque de tranvías en el Arenal, 1922. Óleo sobre lienzo. Colección particular
Bugatti 1936 Typet 57. SC Atlantic, Solo se fabricaron cuatro versiones
“Los coches me fascinan desde pequeño. Nos han transformado como ningún otro invento”. Norman Foster
Más que ningún otro invento, el automóvil ha provocado una transformación radical del paisaje urbano y rural de nuestro planeta y, a su vez, de nuestro estilo de vida.
Al hallarnos en el umbral de una nueva revolución de la energía eléctrica, esta exposición podría contemplarse como un réquiem por los últimos días de la combustión.
Constantin-Brancusi-Le-Poisin-Kasmin-Gallery
Comienzos
Carruaje sin caballos. Marca Benz. Patentado en 1886
Andy Warhol 1928 – 1987. Karl Benz con su ayudante de ventas, Josef Brecht, en el Benz Patent Motor Car (1886) serigrafía y acrílico sobre lienzo. Colección Mercedes-Benz Car Collection, Stutgart/Berlin
Tatra T87. 1948
Esta sala dedicada al nacimiento del automóvil recorre la transición del carruaje sin caballos personalizado a su producción en serie, un proceso que se enmarca en la concepción del movimiento desarrollada a finales del siglo xix bajo la influencia de las nuevas tecnologías de la fotografía y el cine.
La configuración del automóvil evolucionó de su primitivo aspecto anguloso, similar a una caja, a estilizadas formas aerodinámicas, logradas gracias al empleo del túnel de viento.
Estas líneas fluidas fueron anticipadas por el trabajo que artistas y arquitectos realizaron en las primeras décadas del siglo xx, que en el automóvil se convirtieron en el símbolo mismo de la modernidad.
En sus comienzos, el automóvil salvó a la ciudad del hedor, las enfermedades y la contaminación que provocaban los vehículos tirados por caballos.
Sin embargo, en la actual era del cambio climático, se ha convertido en el villano contaminante de las urbes.
Por su parte, la energía eléctrica tuvo también una presencia dominante desde los primeros tiempos del automovilismo.
Se ha incluido en esta exposición un ejemplar del Porsche Phaeton, de 1900, que lleva motores eléctricos en los cubos de las ruedas, un concepto que fue considerado revolucionario cuando se incluyó en el primer vehículo de la NASA que recorrió la superficie de la Luna.
La historia ha cerrado el círculo, pues nos hallamos en el umbral de una nueva revolución en la que la propulsión eléctrica va unida a la “movilidad como servicio” —ejemplificada en las aplicaciones destinadas a viajar o a compartir coche—, a la que se suma la perspectiva de los vehículos autónomos.
2nda parte http://onlybook.es/blog/motion-autos-arte-y-arquitectura-by-norman-foster-2nda-parte/
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Gianotti, arquitecto (Lanzo 1881 – 1967 Buenos Aires) nació en Italia y se nacionalizó argentino.
Representante del estilo del Art Nouveau, realizó obras de un alto nivel arquitectónico en varias ciudades de la Argentina.
Entre sus obras destacan la Galería Güemes y la Confitería del Molino en Buenos Aires, así como el Mercado San Miguel y el Pabellón Centenario en Salta.
Sus últimas obras están identificadas con el racionalismo.
Estudió y se graduó en la Academia de Bellas Artes de Turín con Alfredo Melani (1928 – 1889) a quien llamaría “maestro Melani” tuvo contacto con Camillo Boito (1836 – 1914), Giuseppe Sommaruga (1867 – 1917) y otros intelectuales de su época.
Egresa de la Universidad alrededor de 1904, y el profesor de Tompé (contacto de Melani) le dará la oportunidad junto a su hermano Juan Bautista de estudiar en Bruselas, donde conocerán las obras y las teorías anti academicistas de Victor Horta (1861 – 1947) y Henri van de Velde (1863 – 1957).
Antes de llegar a la Argentina había realizado algunas obras en Milán, varias decoraciones de interiores, especialmente la del Palazzo Casanova, en la Piazza del Duomo, y posiblemente junto a Melani y a su hermano, la construcción de varios pabellones para la Exposición Internacional de Milán de 1906.
En 1909 viajó y se instaló en Buenos Aires «(…) la ciudad está enormemente extendida, tanto como París (…)» y cuya «(…) edilicia existente tendrá que transmutarse en edificios nuevos, modernizarse para poder satisfacer el incontenible progreso del país y la ambición de los porteños de poseer la urbe más grande y bella de Sudamérica.»
Facultad de Ingeniería sobre la Avenida Las Heras en Buenos Aires. Arq Arturo Prins Inarte
Comenzó trabajando como dibujante para el estudio del ingeniero y arquitecto Arturo Prins Inarte(1)(Montevideo 1877 – 1939) autor de la inacabada Facultad de Ingeniería sobre la Avenida Las Herasen Buenos Aires. y el arquitecto Oscar Ranzenhofer (Viena 1877 – 1929 Ibid.)
Luego de armar el Pabellón de Italia proyectado por Gaetano Moretti (Milan 1860 – 1938 Ibid.) para la Exposición Internacional del Centenario (1910) junto a su compatriota Mario Palanti (Milan 1885 – 1978 Ibid.) autor del Palacio Barolo en Buenos Aires y su hermano gemelo el Palacio Salvo en Montevideo (Milan 1885 – 1978 Ibid.) regresó por un tiempo a Italia.
Arquinoticias
Arq. Carlos Sánchez Saravia
-Video archivo 100 años de la Galería Güemes
En 1911 volvió a Buenos Aires e instaló su estudio en la calle Paraná 972 ya independizado y con un gran proyecto, el de la Galería Güemes y posteriormente la Confitería del Molino.
Algunas de sus obras fueron diseñadas en colaboración con el arquitecto José J. Barboni.(2)
Ganó el Primer Premio en el concurso de anteproyectos para el Monumento Nacional a la Bandera en Rosario en 1928; y comenzado la explotación de una cantera de mármol en Córdoba, en 1942.
Obras relevantes
-1912 Edificio de viviendas, Marcelo T. de Alvear 1449
-1914 Mercado Central en Salta y Edificio de viviendas, en Carlos Pellegrini y Arroyo
-1915 Galería General Güemes, Florida 165/ 171
-1916 Confitería del Molino, Avenida Rivadavia y Avenida Callao.
Las aspas colocadas en la torre representan el nombre de la confitería, surgido de la presencia de un antiguo molino en los alrededores a mediados del siglo pasado. Inaugurada en 1860.
Si bien la composición del edificio se ajusta, tanto en plantas como en fachadas, al ordenamiento tradicional, su decoración es novedosa para la época, combinando cerámicas de color en la torre, vitrales, marquesinas de hierro y vidrio y adornos de bronce en las vidrieras y en los interiores de los salones, dando al conjunto, al decir del arquitecto Federico Ortiz Perry (1929 – 2005) “un aire festivo y alegre”.
-1917 Pabellón Circus, Corrientes 480. (DEMOLIDO) y Residencia Dellepiane, Gaspar Campos 861, Vicente López (provincia de Buenos Aires)
-1918 Confitería La París, Libertad y Marcelo T. de Alvear. (DEMOLIDA)
-Hostería «Parque de los Lagos» (actual Museo de Ciencias Naturales) en Salta
-Chalet Usandivaras, Belgrano esquina pasaje Castro, en Salta
-1923 Residencia Brach, Posadas 1064
-1925 Edificio de oficinas propiedad de Ana Ortiz Basualdo de Olazábal, Avenida Presidente Roque Sáenz Peña 647/651
-1926 Edificio de viviendas propiedad de María Testi, Av. Corrientes 914. Edificio de oficinas propiedad de Felisa Ortiz Basualdo de Alvear, Av. Pres. Roque Sáenz Peña 622. Edificio «Andes» propiedad de Arnaldo Arabehety, Av. Corrientes 1300.
-Palacio Italia América, propiedad de la Compañía de Navegación Italia-América, Av. Roque Sáenz Peña 660
-1930 Remodelación de la Estancia de Samuel Ortiz Basualdo en Las Armas (provincia de Buenos Aires)
-1931 Edificio de viviendas, de su propiedad, Avenida Almirante Brown esquina Pinzón
-1932 Edificio Shaffhausen, Reconquista 336
-1936 Remodelación del Gran Hotel Plaza en Mendoza
-1937 Edificio de viviendas, propiedad de Miguel Carrizo, Juncal y Esmeralda.
-1946 Edificio de viviendas, de su propiedad, Avenida del Libertador 5176
-1940 Mercado Monroe, Monroe esquina 11 de Septiembre. (1940)
Florencio de los Ángeles Molina Campos, Buenos Aires 1891 – 1959 Ibid.) fue un dibujante y pintor conocido por sus dibujos costumbristas de la Pampa.
Pintó a sus personajes con un humor melancólico, caracterizándolos con toques entre naif y expresionista.
En 1926 realiza su primera exposición en la Sociedad Rural Argentina.
Su amigo Luis Pastorino, ingeniero en Alpargatas desarrolla en 1930 el primer calendario con 12 obras gauchescas, realizadas por Molina Campos al “gouache”.
Esta técnica fue la evolución de la aguada y la acuarela.
Es en 1437 cuando el renacentista Cennino Cennini lo relaciona con la “aquatia” y luego con el “aguazo”. Joseph Goupy (1689- 1763) en el siglo XVIII lo difunde como “gouache”. Luego es Zuccarelli (1702 – 1788) quien influye en Paul Sandby, (pionero de la acuarela) para que impulse la pintura “a la aguada”.
Molina Campos con Walt Disney
En 1942 Molina Campos es contratado en los estudios Walt Disney como asesor técnico.
Participa entre otros films en “El gaucho volador”, “Goofy se hace gaucho” y en “Bambi”.
Recibe en 1950 el premio Clarin.
«Juanito Laguna» – Antonio Berni. Ser o no ser
Su dibujo, inspirado en el mundo gauchesco refleja la realidad nacional.
Con estilos distintos comparte una temática similar con Pedro Figari (Montevideo 1861 – 1938 Ibid.).
Nos recuerda al pintor, grabador y muralista Antonio Berni (Rosario 1905 – 1981 Buenos Aires) con Juanito Laguna. Uno de los tantos y tantos niños que viven y malviven en barrios marginales.
En el articulo escribo (… A muchos les parecerá extraño que gran parte de sus más de 120 obras, no tengan a más de medio siglo de su muerte (65 años), un lugar acondicionado para exponerlas, donde puedan ser visitadas. Tanto la Fundación Molina Campos que custodia su legado, como su único descendiente vivo su nieto Gonzalo Giménez Molina junto a su madre Hortensia “Pelusa” Molina de la editorial difusora de su obra, ambos titulares de los derechos de autor sobre las obras, se oponen a que sigan en el Museo de Moreno…) continúa
Tadao Ando (Minato-ku, Osaka 13 de septiembre de 1941) adquirió conocimientos de arquitectura de forma autodidacta, leyendo y viajando. Tiene un hermano gemelo, ambos fueron criados por separado.
En su juventud fue boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la arquitectura. Al contrario a la mayoría de los arquitectos de hoy en día, Ando no recibió formación en escuelas de arquitectura. En lugar de ello, su aprendizaje fue autodidáctico y proviene de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa en Kioto y Nara.
Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto.
Museo Lee Ufan de Naoshima
En 1970 se estableció en Osaka con «Tadao Ando Architect & Associates», empresa con la que comenzó su producción, primero de casas y pequeñas construcciones, y luego con edificaciones más importantes. En 1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por su Casa Azuma, en Osaka. Impacta su obra del complejo de viviendas Rokko Housing I, en Kōbe. En 1980 construyó la Casa Koshino en la ciudad de Asiya. Entre sus obras más importantes se encuentran la Capilla sobre el Agua (1985) en Tomanu, Hokkaido, la Iglesia de la Luz, en Ibaraki, Osaka,2 el Museo de los Niños (1990) en Himeji.
Creo espacios interiores cerrados, y no abiertos. Utilizo paredes para definir los límites de estos espacios, y lo hago basándome en criterios humanos, de forma que las personas perciban esos espacios como apropiados y cómodos. Con las paredes rompo también la monotonía habitual de, por ejemplo, los edificios comerciales. Finalmente, las paredes separan el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que está diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás.
Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo. Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz. (3)
He visitado alguna de sus obras como el Pabellón de Japón para la Expo 1992 en Sevilla. 1992, la Casa de seminarios de Vitra en Weil am Rhein en Alemania 1993, El Benesse House Museum en Naoshima, El Benesse House Hotel en Naoshima 1988 – 1995, el Museo de Arte Contemporáneo en Naoshima, Kaawa 1995, el Museo de Arte Chichu en Naoshima, Kagawa 2004, el Complejo comercial Omotesando Hills en Tokio 2005, la Punta della Dogana (aduana ) restauración en Venecia 2009, el Museo Ando en Naoshima 2013, el Centro de visitantes, exposiciones y conferencias, el. Instituto de Arte Clark en Williamstown en Massachusetts 2014. la ampliación del Museo Clark ubicado en Dirección 225 South Street. Williamstown Ma 01267, el link permite leer el articulo sobre esté edificio https://onlybook.es/blog/tadao-ando-ampliacion-del-museo-clark-1a-parte/
Notas
1
Arturo Prins, ingeniero por la Universidad de Buenos Aires con formación en Bellas Artes en París y Roma fue director de uno de los estudios de arquitectura más importantes de la ciudad de Buenos Aires a principios del siglo XX, autor de numerosas obras y proyectos, y ganador de premios y menciones de honor. Participó en asociaciones culturales como miembro y conferencista, a la vez que se desempeñó como profesor en Historia y Teoría en la Escuela de Arquitectura de la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires. Daniela Natalia Fernández Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas “Mario J. Buschiazzo”, Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo. Universidad de Buenos Aires (FADU-UBA). Arturo Prins | Anales del Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas «Mario J. Buschiazzo»
El arquitecto José J. Barboni realizó importantes obras con Francisco Terencio Gianotti (al menos en 4 obras entre 1910 y 1914) y también sobreviven algunas que proyectó individualmente, practicó en muchas obras un Art Nouveau exquisito. Sus herrerías eran una fantasía de metal.
Barboní murió muy joven, a los 24 años. Su obra más importante es la Iglesia Nuestra Señora de la Candelaría, en Bahía Blanca 363. No hay demasiados datos de él, se supone que tendría la nacionalidad argentina como tantos socios de los arquitectos extranjeros que quedaron afuera de la disposición de la Sociedad Central Arquitectos de 1904 para privilegiar a profesionales nativos.
3
Wikipedia
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Nació en San Sebastián en 1948, es un arquitecto y paisajista de la Universidad Católica de Chile, se ha especializado a proyectos de vivienda social, arquitectura universitaria y arquitectura civil.
En 2014 recibió el Premio Nacional de Arquitectura
Teodoro Fernández nació en España en la ciudad de San Sebastián, emigró a Chile cuando era muy pequeño junto a sus padres y hermanos.
Estudia arquitectura en la Pontificia Universidad Católica de Chile de donde egresaría en 1972, luego se traslada a Madrid donde continua sus estudios. Dictó clases como profesor en la Universidad del Desarrollo, Universidad de Concepción, Universidad Ricardo Palma de Lima y la Universidad Nacional de La Plata en Argentina.
Actualmente dicta clases como profesor titular en la Universidad Católica de Chile.
Obras
-Templo del Sagrado Corazón.
-Centro Cultural Estación Mapocho (Santiago)
-Remodelación (Emilio Jecquier -proyecto original- Teodoro Fernández, Montserrat Palmer, Rodrigo Pérez de Arce y Ramón López (remodelación)
-Parque Inés de Suárez (Providencia)
-Parque Bicentenario (Vitacura)
-Patio del Centro de Extensión (Santiago). PUC, Pontificia Universidad Católica de Chile.
-Edificio José Luis del Río Rondanelli PUC (Macul)
-Facultad de Comunicaciones PUC (Santiago)
-Templo del Sagrado Corazón PUC (Macul)
-Scuola Italiana «Vittorio Montiglio» (Las Condes) entre otros
-Cementerio de la Santísima Trinidad de la Recoleta
Actualmente se encuentra trabajando en el proyecto de la nueva Quinta Normal Fuera de Santiago, merece destacarse el Parque Kaukari en la ciudad de Copiapó, dicho Parque se ha convertido en un hito urbano en dicha ciudad
Premios
-2002 “Fermín Vivaceta” Reconocimiento a la Excelencia Académica.
-2008 Premio Internacional Reina Sofia de Patrimonio Cultural por el Centro Cultural Estación Mapocho.
-2013 Gran Medalla AOA.
-2014 Premio Nacional de Arquitectura.
Miembro de Honor del American Institute of Architects (Hon. FAIA), Estados Unidos. (2016)
Publicaciones
“Teodoro Fernández Larrañaga» autor José Rosas Vera. Arquitectos Iberoamericanos Siglo XXI, D.R. Fomento Cultural BANAMEX, A.C. México, 2006.
“Teodoro Fernández: Arquitectura en el paisaje” autor Montserrat Palmer Editorial Arq Chile, 2008.
Julio Agustín Vilamajó Echaniz
Montevideo 1894 – 1948, fue uno de los más reconocidos arquitectos uruguayos.
Hijo del comerciante Ramón Vilamajó, nacido en Perpiñán y de Eustaquia Echaniz oriunda de San Sebastián, su abuelo Josef Agustín Echaniz fue también arquitecto.
En 1915 a los 20 años egresa de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República, donde se formó según las pautas clásicas de L’ École des Beaux-Arts, es una época de transición hacia la arquitectura moderna, fue un alumno sobresaliente en materias de diseño (Proyectos y Composición Decorativa).
En 1916 comienza a trabajar con Horacio Azzarini, con quien realiza la decoración de la sala de actos del Ateneo de Montevideo, trabajo obtenido por concurso, la remodelación del liceo José Enrique Rodó, además de varias viviendas.
Obtienen el segundo premio en los Concursos para la Sede Central del Banco de la República Oriental del Uruguay y para el grupo escolar Felipe Sanguinetti.
Estas primeras obras se caracterizan por un estilo ecléctico, basado en el academicismo renacentista francés: en sus trabajos, se detectan dos rasgos el uso de materiales nobles y con ellos la realización de un trabajo minucioso.
En 1917 comienza a ejercer la docencia en la Facultad de Arquitectura (UdelaR) de la Universidad de la República ganando por concurso el cargo de profesor adjunto de Proyectos de Arquitectura de 1° a 3° año.
En 1920 gana el “Gran Premio” de la Facultad de Arquitectura, versión local del “Grand Prix de Rome” otorgado por L’ École des Beaux-Arts, que consistía en un viaje a Europa. Parte en julio de 1921, en plena reconstrucción luego de terminada la Primera Guerra Mundial, donde permanece hasta diciembre de 1924.
La mayor parte de esos años los vivió entre Francia y España, trabajando en una empresa constructora en París especializada en la producción masiva de viviendas.
JulioVilamajó viaja munido de una gran cultura humanística y admira en el Viejo Continente la arquitectura clásica y renacentista.
En Barcelona queda principalmente admirado por sus ramblas, el Montjuic, y la obra de Gaudí, en Granada con la Alhambra, y el Palacio de Verano de los reyes árabes, el Generalife en donde trata de entender los recursos arquitectónicos árabes que le despiertan tanta curiosidad y admiración. Estando en Andalucía, aprovecha para conocer Marruecos, Argelia y Túnez. Luego visitó Italia y desde allí viaja a Grecia en donde reconoce también su admiración por la cultura helénica.
«Visitar España y no olvidar Grecia. Esto quiere decir que la raza blanca ha de volver al Mediterráneo para seguir siendo. Allí tenemos que volver como peregrinos que retornan a beber el agua misteriosa que nos ha moldeado. Si el tiempo que viene no es un Renacimiento será el fin». Julio Vilamajó.
En 1926 constituye la sociedad Vilamajó, Pucciarelli & Carve, con la cual realiza más de 20 viviendas en la ciudad de Montevideo, llama la atención el minucioso cuidado en la ejecución de los detalles.
Algunas de las más destacadas son el Palacio Santa Lucía, vivienda de apartamentos de Genaro Pucciarelli, la residencia Augusto Pérsico y la residencia Felipe Yriart.
En 1929 retoma la docencia en la Facultad de Arquitectura (UdelaR) de la Universidad de la República como Profesor Adjunto.
Ese mismo año, gana el Primer Premio en el Concurso para el Estadio del Club Atlético Peñarol, un mes después gana el Primer Premio en el Concurso para la construcción de la sucursal Gral. Flores del Banco de la República Oriental del Uruguay y en octubre obtiene el Primer Premio en el Concurso para el Edificio del Centro de Almaceneros Minoristas que comprende apartamentos, locales para oficinas y una sala de cine.
En 1930 se casa con su novia de la adolescencia Mercedes Pulido y construye su vivienda propia en Montevideo, hoy Museo Casa Vilamajó.
«La arquitectura digna de tal nombre no puede ser utilitaria ni ornamental. Todo ademán humano, toda acción humana, es el resultado de una complicada asociación de ideas. … Y el trabajo bien hecho está definido desde tiempo antiguo, como una alianza de lo bello, lo cómodo, lo sólido y lo económico; no hay una necesidad que satisfacer, sino una serie de necesidades que aparecen sucesivamente y en orden jerárquico. Lo lírico es una función humana, al igual que el andar o respirar. No podemos por consiguiente, aceptar la posibilidad de una elección entre una arquitectura utilitaria y una arquitectura puramente ornamental.» J.V.
“Por suerte la naturaleza mantiene dentro nuestro algo de la intuición primitiva. Porque, qué sería del mundo donde todo fuera explicado o tuviera necesidad de una explicación. Detestable, detestable. La magia existe, tiene que existir, para perfumar la vida y por más que la ciencia chance por matar su madre la Magia: no podrá. Siempre habrá magos o genios que se encargarán de que esto no suceda.” J.V.
“El programa a encararse debe dirigirse al hombre, único personaje que debe exaltarse sobre todo en esta era mecánica en que la técnica pura puede aplastarnos. Es necesario ser el apóstol del hombre. Reacción a lo puramente científico. Usted dirá cómo reaccionando puede ser uno interprete de una fisonomía social, que todo lo hace presumir como surgida del cerebro. No hay que olvidarse que el corazón existe, y que él es el único que puede otorgar grandeza a los propósitos. Todos aquellos que se dejen arrastrar por concepciones cerebrales solo harán pequeñas cosas que al poco tiempo no se reconocerán.” J.V.
En 1931 diseña el proyecto para el garaje del Servicio de Urgencia de la Asistencia Pública Nacional, el cual marca una radical ruptura con el pasado artístico de Vilamajó, no solo por lo que significa la supresión de ornamentos independientes de la estructura como medio expresivo del edificio.
Casi simultáneamente, Vilamajó y Debernardis, fabricante de productos para revestimientos, se ocupan de crear un sistema de construcción de viviendas (el Vibro-Econo).
Vilamajó se volcó a la corriente renovadora con sus obras.
En 1936 junto con el escultor Antonio Pena, gana el Primer Premio en el Concurso para el Monumento a la Confraternidad de los Pueblos de la ciudad de Buenos Aires.
La Facultad de Ingeniería de la Universidad de la República, el Mesón de las Cañas, el Ventorrillo de la Buena Vista y el hotel El Mirador de Colonia.
Ese mismo año comienza el proyecto para la construcción de la Facultad de Ingeniería, en Montevideo.
En 1959, Richard Neutra visita Montevideo. Un grupo de arquitectos lo lleva a recorrer la ciudad y parecía que nada lo atraía, hasta que pasando frente a la Facultad de Ingeniería se detuvo para observarla muy detenidamente. Preguntó quién era el autor de la obra y comentó con elogio: “se trata de la obra de un maestro, los japoneses recién ahora están descubriendo el hormigón visto”.
Luego del fallecimiento del maestro de maestros Joseph Carré (1870 – 1941) (1) en 1942, Vilamajó toma los cursos de Proyecto de 4° y 5°años en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República.
-En 1944 recibe el encargo de realizar el proyecto para la construcción del Almacén Anexo a la Confitería La Americana.
-En 1945 es designado como Director General del Plan de Urbanización de Villa Serrana.
-En 1946 construye el Ventorrillo de la Buena Vista en Villa Serrana.
-En 1947 comienza la construcción del Mesón de las Cañas.
El prestigio que había alcanzado a esta altura de su vida hace que, en ese mismo año sea seleccionado para participar como consultante externo en el equipo de proyecto para la Sede de la Organización de las Naciones Unidas en Nueva York. Allí se encuentra, como parte del grupo de diez arquitectos consultantes internacionales elegido por el coordinador del proyecto, el arquitecto estadounidense Wallace Harrison, dentro de los cuales se encontraba Le Corbusier y siendo el brasileño Oscar Niemeyer y Julio Vilamajó los únicos latinoamericanos del grupo.
Le Corbusier defendió el resto de su vida que la elegida fue su propuesta, el nombrado “scheme 23A”. Sin embargo, recién terminado el proyecto para la ONU, cuando el arquitecto Justino Serralta estaba trabajando en el estudio de Le Corbusier, este le expresó con relación a Vilamajó, su profesor en Uruguay: “Ah, gran arquitecto… me hizo la vida imposible con el asunto de las Naciones Unidas, precisamente porque es un gran arquitecto hizo lo imposible para demostrarme que no estaba bien lo que estaba haciendo”. Para Vilamajó el ambiente de rivalidad que se generó en este trabajo en Nueva York fue sumamente nocivo, empeoró sus problemas de hipertensión y volvió a Uruguay ya enfermo cuando terminaron los trabajos del equipo consultor. El Coordinador del Proyecto, Wallace Harrison reconoce el trabajo y los aportes de Vilamajó para este proyecto
En una nota enviada a Vilamajó por el propio Harrison le escribe: “No puedo dejarlo ir de este país sin primero decirle cuánto aprecio personalmente el sacrificio que usted hizo a expensas de su salud, permaneciendo hasta completar los estudios de las Naciones Unidas. Su ayuda en este proyecto ha sido invalorable y ha sido un inmenso placer trabajar en estrecho contacto con usted estos pocos últimos meses”. Luego de la última sesión de trabajo del equipo consultor, Harrison debe seleccionar un equipo de asesores para seguir trabajando que fueron Soilleux, Nowicki, Havlicek, Noskov, y Vilamajó.
Premios
-1920 Gran Premio de la Facultad de Arquitectura, UdelaR.
-1917 Segundo Premio Concurso del Banco de la República Oriental del Uruguay, Sede Central.
-1917 Segundo Premio Concurso para el Grupo Escolar Felipe Sanguinetti.
-1929 Primer Premio Concurso para el Estadio del Club Atlético Peñarol.
-1929 Primer Premio Concurso del Banco de la República Oriental del Uruguay, Sede Gral. Flores.
-1929 Primer Premio Concurso para el Edificio del Centro de Almaceneros Minoristas.
-1936 Primer Premio Concurso del Monumento a la Confraternidad de los Pueblos. Coautor junto con el escultor Antonio Pena.
-1938 Primer Premio Concurso del Edificio para la Administración del Puerto.
-1938 Tercer Premio Concurso del Monumento a los fundadores de la Patria.
Obras y proyectos
En Montevideo
-1916 Remodelación del liceo José Enrique Rodó.
-1917 Proyecto para la Casa Central del Banco de la República Oriental del Uruguay. Obtiene el Segundo Premio.
-1917 Vivienda Noe Thevenet.
-1917 Proyecto Grupo escolar Felipe Sanguinetti. Segundo Premio.
-1918 Vivienda Hector Ellis.
-1919 Vivienda Juan José Castelnuovo y Ebalo Defey.
-1920 Vivienda Luciano Lasserre.
-1925 Viviendas de A. Villard, Francisco Casabó.
-1925 Vivienda Francisco Casabó.
-1926 Edificio de apartamentos Genaro Pucciarelli o “Palacio Santa Lucía”.
-1926 Viviendas de Carmelo de Chiara, Juan Eitzen Augusto Pérsico, Emilia Pfafly, Carlos Piquerez y Alfredo Pérsico.
-1927 Viviendas de Vicente de Carlo y Raúl Costemalle.
-1927 Vivienda y casa de apartamentos Bernardo Aguerre. Vivienda Felipe Yriart.
-1927 Edificio de apartamentos Luis D´Ottone. Vivienda José Martino.
-1928 Vivienda Julio Estol “El remanso”. Atlántida, Canelones, Uruguay. Vivienda Alberto F. Zeballos. Minas, Lavalleja, Uruguay.
En Montevideo
-1928 Vivienda Juan R. Domínguez. Vivienda José Zabala. Vivienda Josefa Lombardo de Cristiani.
-1928 Edificio de apartamentos y comercio Staricco y Fignoni. Edificio de apartamentos y comercio Enriqueta Fleitas de Vignarte.
-1929 Proyecto para el Palacio Municipal. Proyecto para la urbanización frente a la fachada principal del Banco de la República Oriental del Uruguay.
-1929 Edificio de apartamentos, cine y oficinas para el Centro de Almaceneros Minoristas. Viviendas para Genaro Pucciarelli, José Gonda y Manuela Sarachaga.
-1929 Estadio del Club Atlético Peñarol. Proyecto para el local anexo a la proveeduría de la Asistencia Pública Nacional. Banco de la República Oriental del Uruguay, Sede Gral. Flores. Viviendas para Felipe Macellaro, Rosaura de Gómez Cibilis, Alberto Torres, y Francisco Maresca.
-1930 Gimnasio para el Club Atlético Peñarol. Viviendas para Francisco Campolongo, Nicolás Pellegrino y Julio Vilamajó.
-1930 Comercio Zubirí y Cia.
-1931 Garage para la Asistencia Pública Nacional Servicio de Urgencia.
-1931 Proyecto el parque atlético del Club Atlético Peñarol, “Las Acacias”.
-1931 Edificio de apartamentos y comercio Emilio Fontana.
-1931 Edificio de apartamentos y comercio Juan Musante.
-1931 Viviendas de Francisca de Yustende y Hector Pareja Guani.
-1935 Proyecto sistema de construcción Vibro-Econo.
-1936 Vivienda Juan Peirano.
-1936 Edificio de apartamentos, oficinas y comercios Álvaro A. y E. Araujo, “Juncal”.
-1936 Monumento a la Confraternidad Argentino-Uruguayo. Buenos Aires, Argentina.
-1936 Facultad de Ingeniería y Ramas Anexas en Montevideo.
-1937 Viviendas para Julio A. Bauza, Manuel Ortiz, Francisco Milia.
-1937 Lavadero Nacional de Lanas e Industrias Anexas.
-1938 Proyecto Monumento a los fundadores de la Patria. Viviendas Arturo Abella, Nicolás Dodero. Proyecto para el Estadio del Club Nacional de Football.
1939 Arquitecto asesor para el Estadio Cubierto de la C.N.E.F. Casa de comando y sala de máquinas para R.I.O.N.E. Rincón del Bonete.
1941 Club Colonia. Colonia. Villa Salus. Lavalleja. Urbanización de la zona Real de San Carlos. Colonia. Vivienda Miguel Debernardis. Punta del Este, Maldonado. Hotel “El mirador”. Colonia. Zonificación R.I.O.N.E. Rincón del Bonete.
1944 Almacén Anexo a la confitería “La Americana”.
1945 Viviendas R.I.O.N.E. Rincón del Bonete.
1946 Villa Serrana. Lavalleja. Ventorrillo de la buena vista. Lavalleja.
1947 Proyecto para la Fábrica de Conservas “Riomar”. Canelones. Fábrica de elementos de hormigón armado y mosaico. Mesón de las cañas. Lavalleja. Edificio de apartamentos y comercio Pedro Moncaut. Consultor para el edificio Sede de la Organización de las Naciones Unidas en Nueva York. Nueva York. Proyecto para el Parador “La garrafa”. Lavalleja. Asesor para el plan regulador de Paysandú. Paysandú.
Museo Casa Vilamajó
Por iniciativa de la Facultad de Arquitectura (Universidad de la República), en acuerdo con el Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay, en mayo de 2012 abre sus puertas al público el Museo Casa Vilamajó.
Polo de investigación y difusión de la figura y la obra del arquitecto Julio Vilamajó y de la Arquitectura y el Diseño.
Jacopo Barozzi de Vignola
Nacido en la ciudad de Vignola próxima a Módena, fue un destacado arquitecto y tratadista del Renacimiento italiano, se lo considera el arquitecto más importante de Roma en la época manierista.
A Jacopo (oGiacomo Barozzi Vignola, Roma 1 de octubre de 1507 – 1573 7 de Julio Ibid) se lo conoce simplemente como Vignola.
Estudió pintura y arquitectura en Bolonia, iniciando su formación como pintor para luego formarse como arquitecto a través de los estudios que realizó de la antigüedad.
Fue ayudante de Baldassarre Peruzzi (Siena 1481 – 1536 Roma) y recibió la influencia de Leon Battista Alberti (1404 – 1472) y de Antonio da Sangallo el joven (Antonio Cordiani, Florencia 1484 – 1546 Terni).
Su desarrollo profesional fue dentro de la tradición renacentista, llegando a ser el máximo exponente del periodo de transición del renacimiento al Barroco, una época que se la reconoce como manierista.
Tras una primera etapa profesional como arquitecto en Bolonia, a partir de 1530 se establece en Roma. Trabajó en el Vaticano con Peruzzi, y Sangallo el Joven, reconstruyendo algunos monumentos y convirtiéndose en secretario de la Academia Vitruviana.
Fue el arquitecto de los Farnesio y participó en el proyecto de la Villa Julia en 1550 en colaboración con el arquitecto, pintor e historiador Giorgio Vasari (Arezzo 1511 – 1574 Florencia) y Bartolomeo Ammanati (Settignano 1511 – 1592 Florencia).
Villa Farnesio, Caprarola (1559-1573)
Tambien participó en 1559 de la Villa Farnesio en Caprarola (cerca de Viterbo), un edificio de planta pentagonal y patio interior circular, donde creó un conjunto en el que se combina la construcción de edificios con el diseño de jardines.
Fue discípulo de Miguel Ángel (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, Caprese 1475 – 1564 Roma).
Recordemos que Miguel Ángel fue arquitecto, escultor, pintor y poeta del renacimiento, sin duda alguna uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas, pinturas y obras arquitectónicas. Vignola le sucede tras su muerte en las obras de la basílica de San Pedro en Roma, donde agrega las pequeñas cúpulas laterales.
Iglesia del Gesù
Vignola proyectó el nuevo modelo de iglesia inspirado tanto en los ideales de la Contrarreforma como en el espíritu de las nuevas órdenes religiosas. Este modelo fue la iglesia del Gesù, de Roma, el enclave fundamental de los jesuitas, un proyecto que fue adoptado prácticamente por todos los países católicos. La iglesia, es de una sola nave de casi dieciocho metros de luz cubierta por bóveda de cañón sobre pilastras pareadas e iluminada por lunetos abiertos en la propia bóveda. (2). Los lunetos son pequeñas bóvedas con forma de media luna que atraviesan los costados de una bóveda de cañón para introducir iluminación natural al interior del espacio cubierto por ella.
Regla de los cinco ordenes de la arquitectura” (1562)
Escribió el tratado Reglas de los cinco órdenes de la arquitectura. Publicado en 1562, uno de los grandes tratados de arquitectura del siglo XVI, ha sido objeto de traducción a numerosos idiomas y ha constituido un auténtico vademécum para estudiosos y proyectistas de edificios de estilo clásico. Compendia los cinco órdenes arquitectónicos diseccionados en todas sus partes, perfectamente modulados y trazados. Se basa en la obra del arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano Vitrubio(Marco Vitruvio Polión c. 80 o 70 a.C. 15 a.C.) y en las construcciones romanas que estudió.
Como reconocimiento a su importancia e influencia en la cultura, en 1973, sus restos fueron trasladados al Panteón de Agripa, en Roma.
Palacio Boncompagni o Benelli, Vignola (1538-1545)
Villa Giulia, Roma (1550-1555)
Iglesia de San Andrés en via Flaminia, Roma (1552–1554)
Cúpula de la Iglesia de los santos Giacomo y Cristóforo, Isla Bisentina (1562)
Fachada del Palacio de los Bancos, Bolonia (1565-1568)
Iglesia de Santa Ana de los Palafreneros, Ciudad del Vaticano (1570)
Notas
1
En 1899 comienza sus estudios de arquitectura en la École des Beaux-Arts de París, siendo alumno de Jean-Louis Pascal. Se forma en la tradición racionalista de Julien Guadet y Henri Labrouste. Se titula en 1900 y ese mismo año interviene en la Exposición Universal de París.
En 1907, el decano de la Facultad de Matemáticas de Montevideo Eduardo García de Zúñiga decide contratar un docente extranjero para modernizar la enseñanza de la arquitectura; y la elección recae en Carré. Así, desarrolla una amplia labor docente hasta su muerte en 1941.
2
Wikipedia
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Recomiendo leer https://onlybook.es/blog/17295-2/Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 6ta parte, de Tadao Ando a Marcel Breuer
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Richard Meier (Newark, 1934) es un arquitecto y artista abstracto estadounidense, galardonado entre otros con el Premio Pritzker y la Medalla de oro de American Institute of Architects (AIA).
Sus obras se han centrado principalmente en museos, grandes mansiones, templos y oficinas, en los que destaca la luz de sus espacios y el uso del color blanco, en donde los espacios armonizan con la naturaleza circundante.
Miembro
* Academia Estadounidense de las Artes y las Letras.
* Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias.
* Academia de Arquitectura.
Distinciones
* Miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias.
* Premio de Roma (1974).
* Premio Pritzker (1984).
* Medalla de Oro del RIBA (1988).
* Medalla de Oro del AIA (1997).
* Praemium Imperiale (1997).
También le ha sido otorgado el Premium Imperiale de la Japan Art Association.
Entre 1970 y 1976 fue uno de los miembros del grupo de arquitectos conocido como The New York Five, junto a Michael Graves, Peter Eisenman, John Hejduk y Charles Gwathmey.
Poco después de recibir el premio Pritzker, Meier recibió el encargo de diseñar el Centro Getty en Los Ángeles, un gran complejo de edificios.
Otro proyecto importante es la Iglesia del Jubileo, en Roma.
Con motivo de celebrarse el año del Jubileo de 2000, la Santa Sede organizó un concurso internacional para la realización de una nueva parroquia en Tor Tre Teste, en las afueras de Roma.
El proyecto de Meier resultó ganador, después de competir con otros grandes de la arquitectura como Tadao Ando, Santiago Calatrava, Frank Gehry o Peter Eisenmann.
Su museo Macba, en el Raval de Barcelona, contribuyó a mejorar la imagen del barrio.
La Iglesia del Jubileo, en Roma, revitalizó el anodino barrio de Tor Tre Teste.
El uso racional de la geometría, la claridad de los espacios, el soberbio manejo de la luz y el uso del color blanco como símbolo de pureza articulan la obra, así como todo el trabajo de Meier.
A sus 85 años, Richard Meier sigue sorprendiendo con edificios únicos, como la nueva torre residencial de lujo que firma en Taiwán. Ocupando un lugar destacado en el distrito de Xin-Yi, el corazón cultural y financiero de Taipei, la torre de uso público cuenta con 31 plantas. Para esta nueva aventura, el arquitecto ha recurrido a algunos de sus «básicos»: una fachada con una cadencia rítmica, interiores con proporciones sublimes y un exterior blanco que brilla con el sol de Taipei.
El arquitecto norteamericano se mueve también en parámetros de sostenibilidad, e intenta firmar proyectos respetuosos con el medio ambiente.
Eduardo Souto de Moura (Oporto, 1952) es un arquitecto portugués, ganador del premio Pritzker 2011 , con un trabajo estrechamente vinculado al de los también portugueses Álvaro Siza y Fernando Távora, sus mentores.
Como principales rasgos de su arquitectura destacan el rigor y la precisión en las formas, y una profunda sensibilidad hacia el contexto. Como Álvaro Siza, Souto de Moura se preocupa por el entorno físico que rodea a sus obras, así mismo cuida los detalles y la selección de los materiales locales, conjugando el hormigón, piedra, madera y aluminio. Se le suele considerar como un representante del regionalismo crítico (de estilo presentadas por el historiador de la arquitectura Kenneth Frampton).
Ganó el Premio Pritzker -considerado el Nobel de la Arquitectura- con su vocación por diseñar edificios que estén integrados en el entorno. Sus edificios demuestran un interés por el minimalismo y por querer facilitar la vida de las personas que los habitan. De ahí que su concepción de las viviendas unifamiliares de una o dos plantas sea su seña de identidad, así como el cuidado que pone en adaptar la construcción al lugar en el que se halla, reconoce la labor del rquitecto que con «talento, visión y compromiso» contribuye al desarrollo de la humanidad con su obra arquitectónica.
Souto de Moura cree que lo que cambia pueden ser los materiales, los medios y los sistemas de construcción, pero que la idea de una casa es un concepto universal que no ha evolucionado demasiado a lo largo de la historia.
Gaetana Aulenti (Palazzolo dello Stella, Udine, 1927 – Milán 2012) fue una arquitecta, escenógrafa y diseñadora industrial italiana.
Aulenti es conocida por varios proyectos de museos a gran escala en la década de 1980. En 1981 fue elegida para renovar la estación de tren de Orsay en París, originalmente diseñada por Victor Laloux, y convertirla en el Museo de Orsay. El espacio exhibe obras de artistas franceses de 1848 a 1915. Este trabajo dio lugar a encargos como el Pabellón de Italia en la Exposición Universal de Sevilla de 1992, el encargo de crear un espacio para el Museo Nacional de Arte Moderno en el Centro Georges Pompidou de París , la restauración del Palazzo Grassi como museo de arte en Venecia (1985); la conversión de una antigua embajada italiana en Berlín en Academia de Ciencias y la renovación del Palacio Nacional de Montjuïc (Barcelona) como Museo Nacional de Arte de Cataluña (1985). En San Francisco, convirtió la Biblioteca Central de la ciudad en un museo de arte asiático. En 2008 llevó a cabo la restauración del Palacio Branciforte de Palermo. En 2011, Aulenti supervisó la ampliación del aeropuerto de Perugia.
Entendió que para diseñar eficazmente ambientes domésticos era necesario establecer un diálogo con los elementos y cualidades del entorno urbano. De esta manera se podrían generar formas arquitectónicas en las que las esferas pública y privada compartieran su complejidad formal y estilística. Parte de sus archivos se encuentran en el Archivo Internacional de Mujeres en Arquitectura de Virginia Tech.
Ciudad de México 1919 – 2013 Ibid, fue un arquitecto, urbanista, diseñador, escritor, editor y funcionario público mexicano.
Dentro de las obras más representativas en las que trabajó se encuentran el Estadio Azteca de 1962, el Museo de Antropología de México de 1963, el Estadio Cuauhtémoc de la ciudad de Puebla de 1968, la Nueva Basílica de Guadalupe de 1976 y el Palacio Legislativo de San Lázaro de 1977.
Distinciones
* Doctor Honoris Causa por la Universidad Nacional Autónoma de México
* Premio Nacional de Ciencias y Artes
(1973)
Pedro Ramírez Vázquez fue autor de varios proyectos icónicos en México y otras partes del mundo.
Ingresó a la Universidad Nacional Autónoma de México, donde impartió cátedra como profesor.
Fue presidente del Colegio, y de la Sociedad de Arquitectos de México, durante tres periodos consecutivos (1952 a 1958).
En 1968 presidió el Comité Organizador de los Juegos Olímpicos de 1968 que se celebraron en la Ciudad de México, y diseñó su afiche oficial y su emblema.
Fue presidente del Comité Olímpico Mexicano. Recibió el Premio Nacional de Bellas Artes en 1973.
En 1976 el presidente José López Portillo lo designó como secretario de Asentamientos Humanos y Obras Públicas, cargo en el que permaneció los seis años del gobierno; al concluir, continuó en el ejercicio de su profesión. Fue fundador y primer rector de la Universidad Autónoma Metropolitana.
Fue Doctor Honoris Causa por varias universidades como la Universidad Nacional Autónoma de México y la Universidad de Colima. Recibió múltiples premios y distinciones, como el Premio a la Vida y Obra, galardón otorgado por el Premio Obras Cemex que le fue otorgado en 2003.
Falleció el 16 de abril de 2013, la misma fecha en la que cumplió sus 94 años.
Fernando Távora
Fernando Luís Cardoso de Meneses e Tavares de Távora- (Oporto 1923 – 2005 Matosinhos) fue un arquitecto y urbanista portugués, de estilo racionalista.
Se le considera el fundador de la Escuela arquitectónica de Oporto
Distinciones
Comendador de la Orden de Santiago de la Espada
Doctor Honoris Causa por la Universidad de Coímbra
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Oporto, siendo alumno de Carlos João Chambers Ramos (Oporto 1897 – 1969 Lisboa). (1) Se tituló en 1950 con un proyecto de «casa sobre el mar», de inspiración «lecorbusierana».
En 1947 había publicado su primer ensayo «O problema da casa portuguesa».
Su primer trabajo fue como urbanista para la Cámara de Oporto, para la que elaboró los planes de Campo Alegre (1949) y el barrio de Ramalde (1952-1960), inspirados en la Carta de Atenas.
En sus siguientes proyectos sintetizó modernidad y respeto por la tradición del estilo arquitectónico envolvente.
Como en su proyecto para el mercado municipal de Santa Maria da Feira (1953-1959) y en el parque municipal de la Quinta da Conceição en Matosinhos (1953-1960).
En general, en su obra desarrolló un racionalismo regionalizado al estilo de Alvar Aalto o la obra de Le Corbusier en la India: Escuela Primaria do Cedro en Vila Nova de Gaia (1957-1961); casa de Férias en Ofir (1957-1958).
En algunos de sus proyectos urbanísticos, como el plan de la zona central de Aveiro (1962-1965), reinterpretó el tejido urbano original, mientras que en otros, como en diversas intervenciones en Oporto, preservó los sistemas de construcción tradicionales.
Igual respeto por la tradición mostró en la restauración de la casa de la Rua Nova de Guimarães (1985-1987).
Entre sus últimas obras destaca el nuevo edificio de la Asamblea de la República de Portugal (1994-1999), realizado junto con Álvaro Siza Vieira, así como el Museo Municipal de Penafiel (1999-2009), terminado por su hijo José Bernardo Távora.
Fue profesor en la Escuela de Bellas Artes de Oporto y la Universidad de Coímbra.
Fue miembro también de la Organização dos Arquitectos Modernos (ODAM), una asociación de arquitectos de Oporto activa entre 1947 y 1952, así como del grupo análogo Iniciativas Culturais Arte e Técnica (ICAT) de Lisboa, fundado en 1946 , que estuvo activo hasta los años 1950.
En su honor se instituyó en 2005 el «Premio Fernando Távora», otorgado por la Ordem dos Arquitectos.
Luis Barragán
Luis Ramiro Barragán Morfín, Guadalajara 1902 – 1099 Ciudad de México, fue un ingeniero y arquitecto, ganador del premio Pritzker en 1980.
Luis Barragán contó con una interminable lista de colaboradores y amistades, que en distinto grado influyeron en su obra.
Aquellos con quienes tuvo colaboraciones profesionales: Jesús «Chucho» Reyes Ferreira, quien influyera en el uso que Barragán dio al color, en cada obra, Mathias Goeritz, con quien creó las Torres de Satélite, entre otras colaboraciones, y que después se disputarían la autoría principal.
Con Max Cetto crearía diversos edificios, entre ellos la casa muestra del Pedregal, Clara Porset diseñó muchos de los muebles que Barragán utilizaría.
Armando Salas Portugal fue el fotógrafo que popularizaría su obra con sus icónicas imágenes, incluso creando el mito, le decía «…toma la fotografía que haga eterno el momento».
Imortalizó las obras de Ignacio Díaz Morales, José Villagrán García, Miguel Covarrubias y Rosa Rolanda (Covarrubias), Juan Soriano, Edmundo O’Gorman,Gerardo Murillo Dr. Atl, Federico González (Universidad de Sonora), Salvador Novo.
Asi como las de José Clemente Orozco, Diego Rivera y Frida Kahlo, Dolores del Río, María Félix,Miguel Alemán Valdés, John Huston, Louis I. Kahn, Josef Albers, Andy Warhol, Andrés Casillas de Alba, Ricardo Legorreta.
Carlos João Chambers Ramos Nació en Oporto en 1897, estudió en la Escola Superior de Bellas Artes de Lisboa, donde se diplomó en 1920. Formó parte de la primera generación de arquitectos portugueses interesados por la arquitectura moderna de vanguardia practicada por entonces en Europa. Ya sus primeras obras fueron buena muestra de ello: Edificio Havas en Lisboa (1921), Barrio obrero de Olhão (1925), Pabellón de Radiología del Instituto Portugués de Oncología en Lisboa (1927-1933), Liceo Júlio Henriques en Coímbra (1930, con Adelino Nunes y Jorge Segurado).
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(1926/2011) fue un Arquitecto, graduado en la Universidad de Buenos Aires en 1961. Tuvo una activa, prolongada y eficaz actividad en la Sociedad Central de Arquitectos (SCA).
Solo mencionarlo da idea de su dedicación y el cariño que despertó en la matrícula, un servidor incluido.
Presidente durante 12 años entre 1986 y 1998. Vicepresidente 1º en el período 1978-1982; Secretario General 1976-1978 y Tesorero 1974-1976. Desde 1974 integró los Colegios de Jurados y Asesores en Arquitectura y Planeamiento de la SCA, y desde 2004 era miembro del Tribunal de Honor.
Creó el Museo de Arquitectura, en la ex Torre de Agua de Retiro para funcionar como el primer Museo dedicado a la Arquitectura en el país. Fue su Director desde la apertura en 2000, y su Presidente Honorario desde 2008.
Entre 1995 y 2007 fue representante de Graduados en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la U.B.A.
Se desempeñó como Secretario General del Cono Sur de la Federación Panamericana de Asociaciones de Arquitectos (FPAA) 1978-1980; y su Vicepresidente de 1980-1984; Miembro Titular de la Confederación General de Profesionales de la República Argentina (CGP) 1975-1980 y de la Junta de Gobierno de la Confederación Latinoamericana de Profesionales Universitario (CLAPU) 1976-1978; Secretario Permanente de la Federación Argentina de Asociaciones de Arquitectos (FASA, actual FADEA) 1980-1986.
Delegado Titular de la SCA ante la FASA–FADEA 1976-1984; Presidente del Comité Ejecutivo del Tercer Encuentro Regional del Cono Sur FPAA; Presidente del Comité Ejecutivo del Primer Congreso Internacional Interdisciplinario «El hábitat y sus condicionantes», 1978; Miembro del Comité Ejecutivo para el planeamiento Estratégico de Buenos Aires, del Rectorado de la Universidad de Buenos Aires (UBA) 1996-1998; Representante de la SCA en el COPUA y en el Plan Estratégico, GCBA.
Titular del Estudio Keselman, realizó tareas de proyecto y dirección de obras de conjuntos urbanos y de vivienda, obras civiles, y obras industriales.
Propuso y consiguió que los concursos de arquitectura públicos y abiertos, fueran la vía natural para resolver conflictos urbanos, como el caso de Retiro, la Ciudad Judicial, y Puerto Madero, que fue sin duda una de las mayores transformaciones urbanas que se deben a su gestión como presidente de la SCA.
Entre sus Obras y Proyectos destacan: -Barrio de 118 viviendas con urbanización, infraestructura de servicios; Villa Lugano, Bs As Barrio de 60 viviendas con urbanización, infraestructura de servicios; San Justo, Pcia. de Bs As -Barrio de 60 viviendas, infraestructura de servicios; Moreno, Pcia. de Bs As -Barrio de 300 viviendas, Las Heras, Mendoza. -Planta Karatex S.A. San Martín, Pcia. de Bs As -Fábrica Karavell S.A. Morón, Pcia. de Bs As -Planta Sintecrom S.A.I.C. V.Alsina, Pcia. de Bs As -Industrias Químicas del Plata S.A.I.C.I. Munro, Pcia. de Bs As -Centro Internacional de Exposiciones. Tel Aviv, Israel Planta Coventry S.A. Santa Cruz de las Sierras, Bolivia.
Edificio Nahuel Huapi 2709, Bs As Edificio Av. Figueroa Alcorta 3444, Bs As Club Atlético River Plate. Plan director sede Núñez. Edificio Lafinur 3112, Bs As Edificio Santos Dumont 2454, Bs As. Monumento Osvaldo Pugliese. Country Club El Sosiego. Edificio polideportivo y anexos. Ezeiza, Bs As. Edificio Tronador 1455, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Edificio Vuelta de Obligado 1485, Bs As. Edificio Tacuarí 1353, Bs As.
Gracias Julio por tanto y de tanta calidad.
Rodolfo Livingston
Decía nuestro amigo el arq Miguel Jurado en el diario Clarín, en enero del 2018, que Rodolfo Livingston (Buenos Aires 1931 – 2023 Mar de las Pampas) es el «arquitecto que reinventó a los arquitectos».
Lo decía a raíz de una nota con motivo que le fuera concedida en el año 2017 la distinción de “Personalidad destacada de la cultura y la educación de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires”. El subtítulo de la nota ponía “La historia y el pensamiento de un humanista social de la arquitectura”.
Otras distinciones
«Best Practices”, Estambul 1996
“World Habitat Awards”, Bruselas 2002
Escribe Miguel Jurado: “…Desde hace más de 50 años promueve un cambio absoluto en la manera de entender y practicar la profesión. Su idea está sintetizada en la estrategia que bautizó «El Método» y la formación de un nuevo tipo de profesional, el arquitecto de familia”.
Inventor de «El Método», el cual se sostiene en algunas premisas prácticas como cobrar honorarios fijos desde la primera entrevista, no porcentajes sobre el costo de obra, para “bajar gastos y que el ahorrar comience a ser un interés compartido entre arquitecto y cliente”… una casa no es un objeto, es un proceso.. la casa es el escenario de la vida».
Livingston ha hablado a quien quisiera oírlo en programas de Radio Rivadavia, Rock & Pop y La Isla.
En la actualidad, junto a Nidia Marinaro lo hace en FM La Tribu.
Dentro de su obra adquieren importancia las reformas y las viviendas nuevas.
Fue profesor en varias universidades y dictó seminarios de posgrado, ligando siempre la arquitectura con la vida urbana, eje principal de su pensamiento.
Es el creador de la especialidad “Arquitectos de Familia”, un sistema de diseño participativo.
Obras de arquitectura
Ha realizado viviendas nuevas. Reformas de viviendas y empresas. Ha intervenido y encarado su tarea profesional junto a más de 3000 clientes en la Argentina.
Diseñó el Instituto de Astronomía y Física del Espacio. Un edificio Público, en la Ciudad Universitaria de Buenos Aires. Obra nueva (1981)
Realizó en Cuba, un barrio de 124 viviendas y centro comunal. Viviendas para médicos y enfermeras residentes. Círculo infantil. (Baracoa, 1961-1962)
Publicaciones
Ha producido más de 500 artículos y reportajes en revistas especializadas y en publicaciones de interés general.
Fue columnista semanal en “Juventud Rebelde” (Cuba) durante los años 2002 y 2003, en Caras y Caretas, Humor, Pagina/12 y Tiempo Argentino.
Con Nidia Marinaro forma parte de la organización no gubernamental «Propuesta para el Área Metropolitana de Buenos Aires», desde 2013.
Libros
· Arquitectura y Autoritarismo (1ª edición). De la Flor. 1991. (3 ediciones)
· Memorias de un Funcionario (1ª edición). De La Urraca. 1991. (6 ediciones)
· Cuba existe (1ª edición). Tiempo de Ideas. 1992. (7 ediciones)
· Polémicas (1ª edición). De La Urraca. 1994.
· El Método (1ª edición). De La Urraca. 1995.
· Cuba rebelde, el sueño continúa (1ª edición). Kliczkowski Publisher. 1999. 2 ediciones.
· Cirugía de casas. CP 67. 2002. 1ª edición: 06/1990
· Anatomía del sapo y otros asuntos (1ª edición). Astralib Cooperativa Editora. 2002.
· Licencia para opinar (1ª edición). Astralib Cooperativa Editora. 2003.
· Arquitectos de familia (1ª edición). Nobuko. 2006. edición aumentada y corregida de “El Método”, 1995
· Chaco esculpe una ciudad (1ª edición). Polo Rossi. 2008. Escrito junto a Fabriciano Gómez
· Casas de barrio (1ª edición). Nobuko. 2011. Escrito junto a su esposa Nidia Marinaro
· Cirugía de Casas. Nobuko. 2012. (14 ediciones)
Seguramente mi hermano Guillermo podrá contar muchas anécdotas de su larga y cercana relación con Rodolfo Livingston y del aprecio que mutuamente se tenían.
Ruth Alvarado Pflucker
(Lima, 1956) es arquitecta y diseñadora.
Datos mas completos pueden leerse en el artículo de Luciana Rodriguez en el blog “Un día una arquitecta”.
Ruth Alvarado ha ganado diversos premios entre los que destaca el Premio Nacional de Arquitectura “Hexágono de Oro” conseguido en el 2004.
Ingresó en 1975 en la Universidad Ricardo Palma de Lima, siguió sus estudios en la Universidad de Virginia en Charlottesville, EUA, realizó prácticas profesionales en estudios de arquitectura de ambos países.
En 1983 abre su estudio en Lima.
Sus obras ponen de manifiesto la importancia que otorga a la integración de la arquitectura con su contexto.
Para ello crea una arquitectura ecléctica y lúdica, respetando las condiciones propias del entorno, y las señales de una identidad cultural como la arquitectura incaica.
Estudia con precisión los sistemas constructivos locales, sus detalles, así como la composición armónica y funcional de sus proyectos.
Paralelamente a su oficina independiente, trabaja en OB+RA, un despacho donde colabora en conjunto con el arquitecto limeño Oscar Borasino, desde hace más de veinte años.
Compartiendo la visión sobre lo que implica “ser un arquitecto en el Perú”, una actividad marcada por las improntas constantes de la memoria y el lugar.
Entre sus obras conjuntas, sobresalen las de carácter institucional como la Nueva Sede Regional de la Organización Internacional del Trabajo (2004), ganadora del Premio Nacional de Arquitectura Hexágono de Oro, el máximo galardón a nivel nacional otorgado por el Colegio de Arquitectos del Perú.
Alvarado también ha participado en conferencias a nivel internacional en Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá y Europa, como lo hizo en el marco de Mextrópoli 2017, festival internacional de arquitectura y ciudad celebrado en México.
Sus trabajos han sido recopilados en la monografía «Ruth Alvarado, la vocación de una ciudad» (1998), así como en diversos libros y revistas especializadas de Latinoamérica, Europa y Asia.
Es integrante activa de la Comunidad de Diseño del Perú.
Obras
-Iglesia Sagrado Corazón de Jesús.
-Condominio multifamiliar de vivienda en Barranco, 1996.
-Conjunto multifamiliar de vivienda en Chorrillos,1995.
-Edificio Multifamiliar de vivienda en Miraflores,1995.
Viviendas
-Edificio de vivienda en playa La Honda, 1997.
-Edificio de vivienda en Blas Cerdeña, San Isidro, 1997.
-Casa en El Olivar.
-Casa la Quipa, 2013.
-La Casa Roja.
Obras conjuntos
-Nueva Sede Regional de la Organización Internacional del Trabajo, 2004.
-Iglesia del Sagrado Corazón de Jesús, 2008 (junto a Alfredo Benavides y Cynthia Watmough).
-El Jardín de Senderos que se Bifurcan, 2004.
Premios y reconocimientos
-Premio Nacional de Arquitectura “Hexágono de Oro” en el año 2004 por el edificio Sede para Latinoamérica de la OIT.
-Finalista en las Bienales Iberoamericanas 2002, 2004 y 2006.
-Primer premio Celima a la Calidad Arquitectónica (2002-2003).
-Mención Honrosa en la Bienal Internacional de Quito, 2002.
Publicaciones
–“Ruth Alvarado, La vocación de una ciudad”, Menhir Libros, México (1998).
–«OB+RA. Desde el paisaje peruano.» Oscar Borasino y Ruth Alvarado.
“Me gusta pensar que mi obra muestra sentido de pertenencia…y sentido per se”.
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Su trabajo está centrado en hacer propuestas sociales y ambientalistas a través y con una arquitectura humanista.
Tatiana Bilbao Spamer nació en 1972 en la Ciudad de México en el seno de una familia de arquitectos, uno de sus abuelos fue un arquitecto reconocido quien se exilió tras la Guerra Civil. Nieta del que fuera Ministro de la República española, Tomás Bilbao,
Sus padres son físicos matemáticos.
Estudió arquitectura en la Universidad Iberoamericana, graduándose en 1996. En 1998 obtiene mención honorífica por la carrera profesional y además reconocimiento a la mejor tesis del año.
En 1998 se desempeñó como asesora en la Secretaría de Desarrollo Urbano y Vivienda del Gobierno del Distrito Federal. En el 2000, co-fundó la empresa Laboratorio de la Ciudad de México S.C. (LCM), junto con el arquitecto Fernando Romero, la cual duró 4 años hasta que se separaron por cuestiones ideológicas ante la globalización.
Además de realizar diversos proyectos arquitectónicos, LCM era un laboratorio de ideas que trataba de impulsar el conocimiento de la cultura contemporánea en general organizando conferencias, debates y exposiciones tanto de arquitectura como de otras prácticas afines, arte, música, teatro.
Creó un taller de investigación denominado MX.DF, el cual trata de establecer y entender las relaciones que conforman la producción del espacio tanto público como privado en la ciudad de México.
En el 2005, ingresa como profesora de Diseño en la carrera de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Iberoamericana.
Fue asesora en el Ministerio de Desarrollo y Vivienda del Gobierno del Distrito Federal de la Ciudad de México, durante ese periodo forma parte de la Dirección General de Desarrollo del Consejo Asesor para el Desarrollo Urbano de la Ciudad.
Tiene proyectos en China, Francia, Estados Unidos, México, Guatemala, entre otros. Algunos de sus proyectos más representativos se encuentran en el Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa, la sala de exhibiciones de un parque ubicado en Jinhua, China y un prototipo de vivienda social sustentable de 62 m² que tiene la capacidad de duplicarse, con un costo accesible. Fue presentado en la Bienal de Arquitectura de Chicago en 2015.
Reconocimientos por su obra
2012 recibe el Kunstpreis Berlín
2010 fue nombrada como «Voz emergente por la Liga de Arquitectura de Nueva York».
2014 el Premio Global a la Arquitectura Sostenible por la Fundación LOCUS
2017 recibe el Premio de Impacto “Architizer Impact Award” a los Homenajeados por Premios ArchitzierA+,
2019 Marcus Prize Award
2020 el Tau Sigma Delta Gold Medal
La revista Architectural Record la incluyó en su lista de los 10 mejores arquitectos jóvenes del mundo.
En el 2008 fue nombrada profesora invitada en la Universidad Andrés Bello, en Santiago de Chile. Profesora visitante en la Universidad de Rise, Universidad de Columbia, Universidad de Yale, Universidad de Hardvard GSD, la Asociación AA en Londres, la Escuela de Artes Peter Behrens en Alemania entre otras.
En el año 2017 Bilbao fue curadora, en colaboración con Gonzalo Ortega, la exposición «Perspectivas: Tatiana Bilbao Estudio» organizada por el Museo de Arte Contemporáneo (MARCO) de la ciudad de Monterrey, Nuevo León, donde se presentaron sus proyectos producidos en el periodo de 2004 a 2017.
Al año siguiente la exposición se presentó en el Museo Amparo de Puebla.
En el 2019 el Museo Louisiana en Dinamarca presenta una exposición homónima sobre su obra dentro de la serie ‘’The Architect ́s Studio», que pertenece a la segunda edición donde han participado arquitectos de renombre internacional mostrando su trayectoria arquitectónica.
Estudio Tatiana Bilbao
En el 2004, fundó la empresa Tatiana Bilbao S.C.
El primer proyecto realizado en esta oficina fue la Sala de Exposiciones en Jinhua, proyecto encabezado y coordinado por el artista-arquitecto chino Ai Weiwei (Pekín 1957) quien reunió a un equipo de jóvenes arquitectos de diferentes países para desarrollar un parque de gran extensión dividido en pabellones y situado en la costa del río Yiwu, cerca de Shanghái. Bilbao se encargó de diseñar la sala conocida como «Espacio de Exposición».
En 2009 Tatiana Bilbao y David Vaner se asocian.
El Estudio sigue creciendo y en 2017 Juan Pablo Benlliure ocupa el lugar de jefe de taller y se convierte en socio. En el 2020 se asocian Mariano Castillo y Alba Cortés.
Debido a los escasos concursos en México y el otorgamiento de proyectos en forma directa, comienzan a trabajar en China, Estados Unidos y Europa,
A finales del 2019, se empieza la construcción del nuevo Acuario de Mazatlán, el Centro de Investigación del Mar de Cortés, que forma parte del Parque Central de Mazatlán, diseñado por el Estudio.
Premios y reconocimientos
· 2007 Premio Design Vanguard, por la revista Architectural Record, como uno de los 10 despachos jóvenes con mayor proyección.
· 2009 1ª Bienal de Paisaje, Primer Premio, Mejor Proyecto, Jardín Botánico de Culiacán.
· 2009 Best of the Best, Red Dot Award, Casa A en Ordos, Mongolia.
· 2009 Emerging Voices 2010, por la Liga de Arquitectura de Nueva York.
· 2009 Finalista del concurso para el Conjunto de Artes Escénicas del Centro Cultural Universitario, en la Zona Metropolitana de Guadalajara.
· 2010 Obra del Año Premio CEMEX a La Ruta del Peregrino.
· 2010 Empresario Emprendedor Endevor, de la Fundación Endevor.
· 2010 Adquisición de tres de sus proyectos para formar parte del acervo de la Colección de Arquitectura del Centre Georges Pompidou, en París, Francia.
· 2011 Elegida como una de las 30 promesas en los 30, listado donde figuran jóvenes emprendedoras/es de México, publicado por Revista Expansión.
· 2011 Premio al Joven Arquitecto del Año, por el Colegio de Arquitectos CAM-SAM.
· 2012 Premio Kunstpreis Berlin a la carrera, por Akademie der Künste.
· 2014 Premio Global de Arquitectura Sustentable, en París Francia. Premio patrocinado por la Fundación Locus.
· 2017 Architizer Impact Award.
· Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas.
Obras relevantes
· Conjunto Residencial San Miguel Chapultepec, CDMX, México, 2020
· Masterplan y Hotel Valle de Guadalpue, Ensenada, Baja California Norte, México, 2019
· Olive West Masterplan, Olive West, St Louis Missouri, 2018-2019
· Reconstruir México, San Simón, Estado de México, 2017-2018
· Reconstruir México, Ocuilan, Estado de México, México, 2017-2018
· Acuario del Parque Central de Mazatlán, Mazatlán, Sinaloa, México, 2017-2019
· Hunters Point Subestación, San Francisco, California, USA 2016-2019
· Hunters Point Masterplan, San Francisco, California, USA Masterplan, 2016
· ESTOA, Edificio de usos múltiples para la Universidad de Monterrey, 2016-2019
· Casa del Parque, Guadalajara, Jalisco, México, 2014-2018
· Torre en Guatemala, Guatemala, 2015
· Casa Sorteo TEC, Monterrey, México, 2015
· Solo House, Solo, España, 2014-2015
· Museo Nacional Centro de Arte Contemporáneo de Castilla y León- Colección Adrastus, Arévalo, España, 2014-2019
· Prototipo de Vivienda Sustentable, Chipas, México, 2014
· Edificios de vivienda, La Confluence, Lyon, Francia, 2013-2018
· Pabellón Rufino Tamayo, Ciudad de México de 168m2, como parte de la Design Week México, 2013
· Ermita de Tierra Colorada, Ruta del Peregrino, Jalisco, México, 2008-2011
· Casa Ajijic, Lago de Chapala, Jalisco, México, 2009-2010
· Casa Ventura, Monterrey, Nuevo León, México, 2008-2011
· Sala de Exposiciones en Jinhua Architecture Park, Zheijiang, China, 2004-2006
· Funeraria Tangassi en San Luis Potosí, México, 2006-2011
· Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa, México, masterplan, con obras de 35 diferentes artistas.
Una ruina para el futuro
Finalista al Premio de las Américas Mies Crown Hall 2025. «Teníamos el absoluto deseo de querernos encontrar una ruina tomada por la naturaleza. No llegamos con una lista de las especies que habitarían el proyecto. Tampoco pensamos en el número de visitantes. Tampoco había una ruina que se pudiera recuperar. lo que hicimos fue un edificio que estuviera pensado para que la puedan habitar distintos tipos de especies». Tatiana Bilbao
Investigación y Otros Proyectos
· Proyecto de investigación como becaria de la Graham Foundation, Twelve Archaeologies of Mexico City’s Housing at a Crossroads, 2016 – 2019
· Museografía para la Exposición «Los Derechos de la Danza: Alexander Calder», Museo Jumex, Ciudad de México, marzo – junio de 2015
· Museografía para la Exposición «Las Implicaciones de la Imagen», Galería Puebla, Puebla, México, octubre de 2009 – enero de 2010
· Museografía para la Exposición «México expected/unexpected en Maision Roug»e, París, Francia, octubre de 2008 – febrero de 2010
· Museografía para la Exposición «YAG en La Planta», Guadalajara, Jalisco, noviembre de 2007 – marzo de 2008
· Participación en Stonemasonry in Context, workshop conducted by MIT, Cambridge University and ESTAM, B. Mallorca, Summer 2009
Roberto Segre
(Milán 1934 – 2013 Niteroi) fue arquitecto y un relevante historiador, escritor y critico.
Distinciones
Beca Guggenheim
Segre nació en Milán en 1934 y en 1939 escapó junto a su familia a la Argentina, de la dictadura de Benito Mussolini.
En 1960 se graduó en la Facultad de Arquitectura de la UBA, y en 1963, después de un viaje a Europa, llegó a Cuba seducido por la Revolución cubana liderada por Fidel Castro.
Allí comenzó su vida académica, poniéndose a cargo de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de La Habana, cargo que ocuparía durante las siguientes tres décadas.
Se convirtió así en un personaje de la revolución, a la vez que fue formador de varias generaciones de arquitectos e historiadores del arte en La Habana, y en universidades de Latinoamérica y Europa.
En 1994 –algunos dicen que cuando sus convicciones no se alineaban con el rumbo que había tomado el gobierno de Fidel –mas abajo de estas líneas el articulo de Antonio Velez Catrain duda de esa afirmación- decidió dejar Cuba y, con su familia, partió a Brasil donde comenzó una nueva etapa de su vida como investigador y profesor de cursos de posgrado de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Nacional de Río de Janeiro (FAU).
En el año 2007, recibió el título de Doctor Honoris por el Instituto Politécnico de La Habana.
También trabajó como asesor general de la Unesco y, para esta institución, tuvo la responsabilidad de organizar el libro América Latina en su arquitectura (1975)
Cuando fui director de la edición en Español de Le Monde Diplomatique, tuve la oportunidad de encontrarme con Roberto Segre, y acordamos realizar una charla en forma de entrevista. Está publicada (¿alguien sabe donde la tengo?).
Nos encontramos en el departamento de su madre, ya ambos sabíamos que éramos familiares lejanos por los apellidos Segre y Kohan.
Vivía en Cuba y había viajado a Buenos Aires a vender cosas de su herencia para aliviar su situación económica en la isla. Seria el año 1985. Lo recuerdo en una conversación inteligente, activo, estudioso y participante de una revolución que a la par que dignificaba, empobrecía y preocupaba a sus gentes.
Carrera
Segre publicó numerosos libros que constituyen material de estudio en la carrera de arquitectura. Entre ellos se destacan los volúmenes:
* Diez años de arquitectura en Cuba revolucionaria (1970)
* América Latina en su arquitectura (1975)
* Arquitectura y urbanismo de la Revolución cubana (1989)
* América Latina, fin del milenio: raíces y perspectivas de su arquitectura (1991)
* Arquitectura Antillana del Siglo XX (2003)
* Brasil – Jóvenes Arquitectos (2004)
* Guía de la arquitectura contemporánea (2005)
* Geografía y Geometría en América Latina: Naturaleza, AArquitectura y Sociedad (2005)
* Casas Brasileiras (2006)
* Tributo a Oscar Niemeyer (2009)
* Vivienda y ciudad en América Latina. El programa Favela- Bairro en Rio de Janeiro.
Participó en el documental del 2012 titulado Unfinished Spaces, donde afirmaba que aparecía en el relato como «el bad guy» (chico malo) de la historia. La película trata sobre la construcción de la Academia Nacional de Artes de Cuba, y de los avances y retrocesos de la que iba ser un emblema de la nueva era que inauguraba la revolución. Según cuenta el film, Segre se convertiría en el detractor más importante, y la voz que más influyó para que las obras se paralizaran.
Su muerte fue una tragedia
Roberto Segre murió el 10 de marzo de 2013 en Niteroi, Brasil, luego de ser atropellado por una moto cuando salió de su casa para realizar su paseo matinal del domingo. Fue trasladado inmediatamente a un hospital local pero finalmente su cuerpo no pudo con los traumatismos que le causó el accidente. Que pena!!
Homenajes
Como homenaje póstumo la Asociación de Artes Plásticas y la Comisión Cultura, Ciudad y Arquitectura convocaron al panel «In memorian Roberto Segre».
Al poco tiempo de morir, Antonio. Velez Catrain publicó en el periódico español El País un artículo con el titulo “Roberto Segre, un maestro de la crítica arquitectónica”
Aclarando que era uno de los observadores más agudos y documentados de la arquitectura latinoamericana.
Aquí pone en duda que Segre haya dejado Cuba por desavenencias ideológicas.
“En España los arquitectos de mi generación descubrimos a Roberto Segre cuando empezábamos a estudiar la carrera en el primer lustro de los años sesenta gracias a un número íntegramente dedicado a Cuba de los Cuadernos Suma de Nueva Visión. En algún momento, tras muchos años de una gran amistad que se inició en la primavera de 1977 —cuando un grupo de arquitectos españoles organizamos un viaje profesional a Cuba— me confesó que todo su contenido había estado coordinado, gestionado y recopilado por él”.
En algunas notas de las publicadas con motivo de su desaparición he leído que salió de Cuba —donde vivió, fundó y creció su familia desde el año 1963— por desavenencias o desencuentros con el régimen de Castro.
Me cuesta creer que eso sea cierto.
Segre continuaba manteniendo muy viva, nutriéndola continuamente, su relación con la sociedad cubana —la de dentro y la de fuera— difundiendo por todo el globo, en libros, artículos y conferencias, de un modo obligadamente crítico, como corresponde a un historiador, que de verdad lo sea, el proceso del panorama edificado de la Revolución Cubana.
“Su voz era la más autorizada de toda América Latina para quien quiera saber qué pasó, qué pasa y qué podrá pasar por allí en este campo de la cultura”.
Su capacidad —su maestría— en una oratoria impregnada de las dotes de actor, de showman con las que conseguía, además de retener la atención de cualquier auditorio por nutrido que fuese, envolver su erudición, su conocimiento de la obra vista y experimentada en propia carne y su deslumbrante memoria de hechos, fechas y nombres.
La cultura arquitectónica y urbana de América Latina, tiene una gran deuda con este hombre universal, en cuya compañía tuve el privilegio de viajar por casi todas aquellas tierras, compartiendo la pasión por ellas.
(Daimiel 1913 – 2006 Madrid) fue un arquitecto, urbanista y pintor.
Hijo de un farmacéutico, debido a la guerra civil debió interrumpió sus estudios de arquitectura en Madrid y tuvo que estar escondido durante el conflicto en su localidad natal, Daimiel.
En 1942 se titula en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid obteniendo la mayor cualificación, la Matrícula de Honor.
Disconforme con la arquitectura de su tiempo, busca y consigue un estilo personal, en el cual incorporaba originales soluciones estructurales con hormigón pretensado y sus características vigas-hueso.
Desde sus inicios, va rechazando el racionalismo de sus maestros al percibir que en ellos la plástica arquitectónica no responde a las exigencias técnicas y lo que entiende son las necesidades humanas.
Se vio influido por la obra del arquitecto Frank Lloyd Wright, el arquitecto Erik Gunnar Asplund y el organicismo nórdico, experimentado en su viaje en 1949 a Suecia.
Se interesa también por la arquitectura popular, en la que la realidad del paisaje, de las características humanas, históricas y geográficas del lugar se funden con el valor plástico o incluso técnico. Recibió el encargo del Consejo Superior de Investigaciones Científicas para ordenar la zona sur de la Colonia Los Chopos en Madrid. Remodeló el antiguo auditorio de la Residencia de Estudiantes para construir la nueva capilla del CSIC. La decena de años en los que trabaja en torno a las nuevas edificaciones de este organismo supone la transición que modela su lenguaje desde un sobrio clasicismo hasta asimilar la influencia del organicismo.
Con una idea social de la arquitectura y la creación de viviendas para gente sin recursos, el primer concurso al que concurrió fue uno para viviendas mínimas que organizó el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. Lo ganó con un proyecto de viviendas en cadena de superficie mínima y precio muy económico; se hacían por equipos que podían trabajar luego. Las viviendas tenían 21 metros cuadrados y eran muy económicas.
Por otra parte revolucionó en los años 50 el aspecto de las iglesias españolas. Fisac fue uno de los primeros miembros del Opus Dei, al que perteneció durante casi veinte años (desde febrero de 1936 hasta 1955) conociendo y tratando personalmente a su fundador, San Jose María Escriváde Balaguer, con quien cruzó a pie los Pirineos durante la guerra civil española.
El arquitecto Fisac comenta: «…El día que me llamó Mons. Escrivá, fue el 27 de febrero de 1936. Y el día que salí, el 27 de septiembre de 1955″… «Las razones, más que de abandonar, podría decirse, las razones de haber seguido tanto tiempo queriendo desde el primer día, no haber entrado»… «Es evidente que yo actué siempre -comenzando por mi entrada en el Opus Dei, de una forma coactiva, inadmisible. También es verdad que mi entusiasmo y mi deseo de colaboración dieron pie a que me coaccionaran…».
«A Mons. Escrivá le dije las mayores impertinencias que nadie en el Opus Dei le había dicho. Pero todas ellas se referían a Arte y Arquitectura, sobre todo religiosa. Nuestra discrepancia fue tan grande que, durante las obras de la casa central en Roma, Mons. Escrivá me prohibió que me acercara por allí».
«Ni siquiera pude hacerlo por razones profesionales independientes del Opus Dei. Tengo que aceptar, que esas discrepancias, de concepto y, no solo artístico, sino también cultural, influyeron en mi lento alejamiento de los planteamientos, podríamos llamar teológicos y sobre todo de índole sobrenatural del Opus Dei. Conforme el Opus Dei crecía en extensión y poder, a mí se me iba deshaciendo como fenómeno sobrenatural. Al final, la Obra, creció como se esperaba, ya que siempre tuvo vocación universal. Desde los días en que la Obra era más pobre y sencilla, creímos firmemente que llegaría a ser muy importante civil y religiosamente. Pero aquello, terminó por ser una máquina para engendrar poder. Yo no veía que podía llegar a ser el medio cristiano de salvación del mundo”.
Posteriormente a su salida de esa institución religiosa, declaró que siempre se había sentido incómodo en ella, y que su salida le costó quince años de paro.
Cuando el Ayuntamiento de Madrid permitió en 1999 la demolición del emblemático edificio de Laboratorios Jorba, conocido como La Pagoda, ubicado en la autovía de entrada a Madrid desde Zaragoza, se produjo una ruidosa polémica.
Una crueldad innecesaria, el castigo fue el edificio que lo reemplazó
Dese hacia unos años yo vivía a 500 metros de «La Pagoda», era mi recorrido obligado para salir de la A2 rumbo a la Quinta de los Molinos. La miraba un poco asombrado, no dejaba indiferente, altiva, especial, un diseño que siendo único, era a la vez un recordatorio que la uniformidad de diseños no hace a la vida mas interesante. Rumbo a mi casa, dos obras me producían esa sensación, las Torres blancas de Javier Sáenz de Oisa y ésta. La demolieron en el mes de Agosto (pleno verano con poca gente en Madrid) trabajando día y noche y fines de semana, fue una crueldad innecesaria, el castigo fue el edificio que lo reemplazó. Anodino, carente de interés, una mala ocurrencia, con unas pantallas amarillas que lo único que producen era espanto, allí funciona ahora ABC, que pudo poner una pantalla gigante que tapan parcialmente el revestimiento amarillo patito, que recuerda lo que allí había .
Volviendo al relato del arquitecto Fisac:
«No querría presentar una lista detallada de las persecuciones que están demostradas que he padecido. Sólo te diré que cuando se lo conté en Roma al Obispo Maximino Romero de Lema, él me dijo que hablaría de ello con Álvaro Portillo, pues se solía ver con él en una Comisión de la Santa Sede, pero que sería mejor que yo antes, se lo contase directamente a Álvaro. Y así lo hice. Le telefoneé, me dijo que fuera a verle esa misma tarde. Me prometió resolver el asunto y me citó para el día siguiente. Y cuando volví, me explicó que había telefoneado a Florencio Sánchez Bella para que fuera a hablar con él, y que había dado orden de que no se me persiguiera”.
“Siguiendo tu carta, sobre «la pagoda», en la que recuerdas una conferencia que di hablando de que era un proyecto algo superficial en mi trayectoria arquitectónica. Te diré que en el programa de los laboratorios Jorba, el propietario me sugirió que le interesaba también que donde estuviera su despacho, la biblioteca, el bar, etc., hubiera algo que sirviera de anuncio o de reclamo. Esa «pagoda» formaba parte del programa que se me había pedido. Yo pude decir que esa torre era algo superficial, pero no que no le diera importancia. De hecho, arquitectónicamente, se le dio importancia, fuera de España; y esa ha sido la causa de su desaparición: Se veía demasiado, y los nuevos propietarios, no sólo me habían comunicado su idea de conservar «la pagoda», sino que me pidieron permiso para poner «Edificio Miguel Fisac». Y ya se había puesto el cartel con mi nombre sobre ella, cuando a las pocas semanas comenzaron a demolerlo rápidamente. Parece ser que en las oficinas municipales desde el principio, y para entregar los permisos de nueva construcción, exigieron reiteradamente que se derruyera el edificio en toda su totalidad, incluida «la pagoda».
“Con la simple visión de un observador exterior, he podido darme cuenta de que el concepto esencial de espiritualidad propio del Opus Dei. La santificación del trabajo ordinario, ha sido sustituida en la práctica, la Fe por la Piedad. Como he podido comprobar entre otras cosas, al leer el libro de Pilar Urbano, extraordinaria escritora y periodista, que diciendo verdades – no dice todas, por supuesto – deja patente esa preocupación preocupante, de tomar la piedad como pieza esencial que hasta llega a decir el Padre: «me hago garante de la salvación de vuestra alma, si cumples las Normas.» Y refiriéndose a cuando a López Rodó lo hacen Ministro: «Ahora tendrás mucho trabajo, pero si no me cumples las Normas, en lugar de hacer Opus Dei harás Opus diaboli.» ¿Es qué entonces una hora de trabajo ha dejado de ser una hora de oración?”
“Si la destrucción de «La Pagoda» sirve para servir a Dios y al prójimo, ¡bendita sea!»
En 1954, recibió la Medalla de Oro de la Exposición de arquitectura religiosa de Viena por la realización de la iglesia del Seminario de Arcas Reales, de los padres dominicos, en las afueras de Valladolid.
A partir de 1959 inicia su época más inquieta y personal. El material del que se sirve es el hormigón pretensado en forma de piezas huecas que parecen huesos y reúnen las condiciones de una gran ligereza y resistencia.
Goza ya de una independencia gracias a su ya reconocido prestigio profesional.
Vive en su nuevo enclave, su casa, construida en 1957 en el Cerro del Aire (Alcobendas), donde se traslada tras contraer matrimonio en 1957 con la periodista y escritora Ana María Badell Lapetra.
Sus vigas-hueso, que son piezas prefabricadas que consiguen resolver el problema de salvar grandes luces, controlar la iluminación cenital y evacuar las aguas de lluvia, le permitieron yuxtaponer las formas, deconstruir los edificios segregándolos en elementos irregulares con una expresividad minimalista de nuevo cuño, precursora de tendencias del futuro.
Experimentó con soluciones innovadoras: encofrados flexibles con plásticos y cuerdas, para los muros de hormigón, los vidrios sujetos al hormigón con neopreno y la cubierta postensada.
Ejemplos de estas experiencias son los Laboratorios farmacéuticos Made y el Centro de Estudios Hidrográficos, ambos en Madrid.
Tradujo las nuevas exigencias litúrgicas emanadas del Concilio Vaticano II en la personal caligrafía de muros curvos y superficies tensadas que constituyen su principal aportación a la arquitectura religiosa.
Esto puede comprobarse en sus proyectos de iglesias en Escaldes (Andorra), Dominicos (Alcobendas), La Coronación (Vitoria), La Asunción y Santa Ana (Madrid), o Santa Cruz (La Coruña).
Se inclinó hacia un pesimismo proverbial, que le llevó a quejarse en sus últimos años de que “los arquitectos ya no buscan la felicidad de la gente, la sociedad está mal construida y se encamina al abismo”, y propuso una fórmula urbanística para combatir estas tendencias, la ciudad convivencial, en su libro «La molécula urbana».
En Madrid, en el nuevo barrio de Moratalaz, construyó la parroquia de Santa Ana, donde domina el cemento visto que cubre una expresión de espiritualidad que parece trasladarla a las profundidades de una gruta paleocristiana o catacumba. Otra realización destacada es el convento del teologado de dominicos de Alcobendas, muy cerca de Madrid.
La parroquia de la Coronación, en Vitoria, presenta la misma intención de dirigir hacia el altar la atención de los fieles. Una de las características comunes de todos sus edificios es que no guardan ninguna simetría. Los muros están dispuestos en juego de rectas y curvas; las vidrieras monocromas y multicolores, realizan la desnudez de las paredes, donde todo queda envuelto en la más absoluta sobriedad.
Al final de los años sesenta depura aún más su arquitectura, prescinde de su preocupación por lo popular y centra su atención en las posibilidades de los nuevos materiales, en especial el hormigón pre y postensado, ensayando originales sistemas de prefabricación.
El hormigón fue su material predilecto. Una de sus últimas obras fue el polideportivo y piscina cubierta de La Alhóndiga en Getafe (Comunidad de Madrid), donde empleó vigas de 51 metros de longitud, «las más largas de Europa», presumía.
A comienzos de los 70 trabaja en la isla de Fuerteventura en el Hotel Tres Islas, ubicado en el parque natural de las Dunas de Corralejo (municipio de La Oliva).
En 1984 dirigió las obras de restauración y acondicionamiento del sacro convento y castillo de Calatrava la Nueva, en la provincia de Ciudad Real.
En la edición de 1991 de la Feria de Arte Contemporáneo (Arco 91), celebrada en Madrid en el mes de febrero, fue el encargado de las Jornadas de Arquitectura. Muchas de sus soluciones en hormigón pretensado están patentadas en España, Estados Unidos y otros países. De algunas de ellas existen ya fábricas que producen estas piezas prefabricadas. Consultor en el extranjero en diversas ocasiones, entre ellas, para el estudio del Santo Sepulcro de Jerusalén y la reconstrucción de la Catedral de Manila, desarrolló una intensa labor cultural en conferencias y cursillos sobre problemas de arquitectura y urbanismo, en artículos de periódicos, diarios y revistas generales, y en revistas profesionales españolas y extranjeras.
En 1969 estudioso también del urbanismo, en su libro «La molécula urbana» ya mencionado presenta una propuesta rigurosamente original para la ciudad del futuro, que resumió en la fórmula Ciudad convivencial.
Es también autor del libro «Arquitectura popular española y su valor ante la arquitectura del futuro».
-En 1942 recibió el Premio Superior de Arquitectura de Madrid.
-En 1950 obtuvo el Primer Premio en el concurso del COAM para viviendas mínimas.
-En 1954, la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Arte Sacro de Viena.
-En 1994 recibió la Medalla de Oro de la Arquitectura.
-En 1996 –Mayo- presentó en Madrid su primera exposición de pintura, con 60 obras.
-En 1997 la sala de las Arquerías de los Nuevos Ministerios de Madrid acogió una exposición sobre su obra; el mismo año, el 12 de junio, logró el VII Premio Antonio Camuñas de Arquitectura, el más importante que otorga una entidad privada en España en el campo de la arquitectura y que se concede cada dos años.
-En 1999 –Octubre- y coincidiendo con el Día Mundial de la Arquitectura, recibió un homenaje organizado por el Colegio de Arquitectos de Madrid y el Círculo de Bellas Artes, entidad esta que le hizo entrega de la Medalla de Honor.
-En 2003 –Octubre- recibió el Premio Nacional de Arquitectura.
-En enero de 2004 la Universidad Europea de Madrid le inviste Doctor Honoris Causa.
Murió en Madrid el 12 de mayo de 2006 a causa de una embolia, cuando el Colegio de Arquitectos de Ciudad Real acababa de crear una Fundación que se encargara de catalogar todo el legado profesional de Fisac y profundizara en el estudio de su obra, así como en la de la arquitectura moderna española (www.fundacionfisac.com).
-En el año 2007 le fue concedida a título póstumo la Medalla de Oro de Castilla-La Mancha, región de la que era originario.
-Comendador de la Orden de Isabel la Católica
-Comendador de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio
La «Fundación Miguel Fisac» (1) se creó el 22 de noviembre de 2006 cuando el Colegio Oficial de Arquitectos (COA) de Ciudad Real adquirió el archivo documental completo de trabajo de Fisac.
Desde el 2015 la preside Diego Peris Sánchez.
La Fundación tiene su sede en la Demarcación de Ciudad Real del Colegio Oficial de Arquitectos (c/ Carlos López Bustos 3. Ciudad Real) y conserva ordenado y catalogado su legado formado por planos de sus proyectos, Memorias, Fotografías históricas, Correspondencia y Biblioteca.
La arquitectura es, como decía Lao Tse, el aire que queda dentro
A los noventa años resumió en una entrevista en el diario el Mundo el 24 de Octubre de 2003 su idea sobre la arquitectura:
“He llegado a la conclusión de que las soluciones técnicas son las que dan pie a soluciones formales que puedan tener interés, porque, si no, salen unas formas que tienen un origen más literario que el propiamente formal arquitectónico».
«La arquitectura es, como decía Lao Tse, el aire que queda dentro. Ahora lo que nosotros vemos es lo que utilizamos para dejar ese aire dentro. Y eso ya se puede representar gráficamente y es entonces cuando se pueden utilizar las posibilidades de una forma que has impuesto tú. Es lo que yo llamo un «nosequé», qué es esto que ya es, cómo lo coloco lo pongo y lo veo para que lo haga bien, suponiendo tener un conocimiento de la estética que sea lo suficientemente sólido para transmitirlo. Eso es lo que se llama educación del gusto, para lo que hay que ver mucho y estudiar mucho”
«Yo el problema estético me lo planteo el último, cuando otras cosas que son prioritarias se cumplen en el principio del proyecto. Cuando estudié dos años de Exactas, dentro de la carrera de Arquitectura, dábamos Química y hacíamos unos trabajos prácticos: nos daban un frasquito con un elemento y teníamos que seguir una marcha analítica para averiguar qué era. Algo de eso es lo que yo hago cuando me encargan un proyecto de arquitectura: empezar con plantear para qué sirve esto, dónde está -y esto el movimiento moderno lo quiso voluntariamente olvidar-, cómo crearía yo los espacios que me piden en el programa, o sea: cómo construir de la forma más lógica y económica. Con todos esos datos ya concretados, cabe la posibilidad de dibujar algo que pudieran ser los volúmenes que esos espacios han creado».
·-Instituto Bernardo de Balbuena (Valdepeñas)
·-Teatro Miguel Fisac de Castilblanco de los Arroyos (Sevilla)
-Edificio central del CSIC (Madrid)
-Iglesia del Espíritu Santo (Madrid)
-Instituto de Óptica «Daza de Valdés» (Madrid)
-Instituto Cajal y de Microbiología (Madrid)
-Instituto Laboral de Daimiel en Ciudad Real
-Instituto Laboral “Santiago Apóstol” de Almendralejo, Badajoz
-Centro de Formación del Profesorado de la Universidad Complutense de Madrid
-Instituto de Nuestra Señora de la Victoria (Málaga)
-Centro de Estudios Hidrográficos (Madrid)
-Laboratorios Made (Madrid)
-Edificio de viviendas en la calle Doctor Esquerdo (Madrid)
-Edificio de oficinas de Vega (Madrid)
-Iglesia Parroquial de Santa Ana en Moratalaz (Madrid)
· Centro de Cálculo en la Universidad Complutense de Madrid
-Edificio de IBM en el Paseo de la Castellana (Madrid)
-Edificio de Laboratorios JORBA, La Pagoda (Madrid)
-Edificio de la Biblioteca Pública del Estado en Ciudad Real (Paseo del Prado, Ciudad Real), conocida como «Casa de la Cultura»
-Bodegas Garvey (Jerez de la Frontera, Cádiz)
-Residencia de Santo Tómas (Ávila)
-Iglesia Parroquial Nuestra Señora Flor del Carmelo (Madrid)
-Casa Fisac (Sanchinarro, Madrid)
-Teo logado de los Padres Dominicos (Sanchinarro, Madrid)
-1962-1969 – Edificio del Instituto Núñez de Arce (Valladolid)
-Edificio de la Biblioteca Pública del Estado en Cuenca (Glorieta González Palencia, Cuenca)
-Colegio Santa María del Mar (Jesuitas) La Coruña
-Iglesia de Nuestra Señora del Pilar (Canfranc, Huesca)
-Edificio del IES Bernardo de Balbuena (Valdepeñas)
-Edificio de la Embajada de Indonesia (calle Agastia, 65 Madrid)
-Mercado Municipal y Edificio de viviendas en Daimiel, Ciudad Real
-Iglesia de Pumarejo de Tera (Zamora)
-Iglesia del Colegio Apostólico de los Padres Dominicos (Valladolid)
-Colegio de la Asunción Cuestablanca (Sanchinarro, Madrid)
-Instituto de secundaria Ramón Arcas Meca (Lorca, Murcia). Tras el derribo a consecuencia del terremoto de Lorca, solo se conserva parte de la fachada principal.-Iglesia de la Coronación (Vitoria-Gateiz)
-Hotel Tres Islas (La Oliva, Fuerteventura)
-Centro de atención sanitaria Fraternidad-Muprespa Madre de Dios, antiguo Hospital de Día (calle Madre de Dios, 42, Madrid 1913-2006)
Obra escrita
1956 «Centro de Investigaciones Biológicas», Informes de la Construcción (1956), No. 84 y «Centro de Estudios Hidrográficos, en Madrid», Informes de la Construcción
1964 No. 157″. Edición facsímil en: Oteiza, I (2006) «Dos obras de Miguel Fisac publicadas en Informes de la Construcción», Informes de la Construcción (2006) Vol. 58, No. 503: 65-87
1952 “La arquitectura popular española y su valor ante la del futuro”. Madrid: Ateneo. 1952. Reedición 2005. Colegio de Arquitectos de Ciudad Real
1969 “La molécula urbana. Una propuesta para la ciudad del futuro Madrid”, Ediciones y Publicaciones Españolas
2000 “Reflexiones sobre mi muerte”. Madrid, Nueva Utopía
2007 “Carta a mis sobrinos”. Ciudad Real, Colegio de Arquitectos de Ciudad Real. Fundación Miguel Fisac
Documentales
Andrés Rubio: «La delirante historia de la pagoda: Miguel Fisac», Estrenado en el Festival de Arquitectura de Róterdam.
Notas
1
Presidente: Diego Peris Sánchez, Secretario: Javier Navarro Gallego, Representante COACM: Mª Gema Gonzalez Badillo, Representante Demarcacion CR: Federico Pérez Parada.
La Fundación Miguel Fisac se constituyó el 22 de noviembre de 2006 en cumplimiento del compromiso adquirido por el Colegio de Arquitectos de Ciudad Real, con ocasión de la adquisición del archivo documental completo de Miguel Fisac. La adquisición se realizó siendo Presidente de la Demarcación del Colegio Ramón Ruiz Valdepeñas que desde su inicio hasta 2015 fue Presidente de la Fundación. Miguel Fisac Serna desarrolló su carrera profesional fuera de su tierra, con la que mantuvo una actitud crítica, e incluso distante debido a la incomprensión que, según él, se exteriorizaba hacia su obra.
Actualmente los organismos e instituciones que forman el Patronato de la Fundación Miguel Fisac y que aportan el fondo ordinario para el presupuesto anual son: Colegio Oficial de Arquitectos de Castilla-La Mancha, Colegio de Arquitectos de Ciudad Real.
Nació en Concordia en 1941), es una arquitecta y artista plástica, fue socia del arquitecto Clorindo Testa entre los años 1970 y 1990.
Del completo articulo de Florencia Muiño en «Un día/una arquitecta» he tomado datos e imágenes, las que agradezco.
Elena Acquarone se graduó como arquitecta en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires en 1966, complementando su formación con cursos de perfeccionamiento tanto en Argentina como en el exterior.
Trabajó como representante técnica y diseñadora proyectista en obras junto a los arquitectos Clorindo Testa (1923 – 2013) y Héctor Lacarra, entre las que se destacan dos viviendas individuales, una en Vicente López para H. Hirsch y otra en Martínez para la familia Berson (1972); el edificio Rodríguez Peña 2043, Buenos Aires (1978) del cual dice en la memoria descriptiva : “Edificio moderno brutalista con las instalaciones a la vista y todas vigas cinta, ninguna interrupción en los planos horizontales. La idea original era entregarlos sin las divisiones interiores, ningún tabique. La realidad cambió esa idea y se entregaron terminados”.
Arq. Clorindo Manuel José Testa, Héctor César Lacarra y Elena Acquarone. Rodriguez Peña 2043 (1975/78)
Memoria de Arq. Elena Acquarone) y de la casa La Tumbona en Pinamar (1989).
El edificio de viviendas de Rodríguez Peña se implanta en un terreno típico de Buenos Aires de 8,66 x 64,25 y se conforma de dos volúmenes separados por un vacío.
El volumen al frente sobre la línea municipal consiste en una serie de balcones aterrazados casi suspendidos en el aire que van alternándose y generando dobles alturas configurando la fachada del edificio y permitiendo garantizar en todas las unidades una correcta ventilación y luminosidad.
“Edificio moderno brutalista con las instalaciones a la vista y todas vigas cinta, ninguna interrupción en los planos horizontales. La idea original era entregarlos sin las divisiones interiores, ningún tabique. La realidad cambió esa idea y se entregaron terminados. El edificio muestra el enorme conocimiento de una estructura que tenía Clorindo (evidente en el Banco de Londres y la Biblioteca Nacional).”Arq. Elena Acquarone
El volumen posterior contiene los ambientes más privados de los departamentos.
De manera independiente realizó la remodelación del Instituto de estética Colmegna, utilizando materiales acrílicos y aluminio en la fachada y las divisiones interiores, generando espacios fluidos y de amplias visuales gracias a las transparencias y la liviandad de los materiales.
Con respecto a su actividad académica puede mencionarse su participación como delegada titular en el XXI Congreso Internacional de Arquitectos en Madrid (1975).
Casa La Tumbona. 1986/89. Ostende. Pcia de Buenos Aires
«La casa La Tumbona se destaca crudamente como un volumen cúbico erguido sobre patas cónicas de hormigón, al cual se adiciona un volumen lateral accesorio y una terraza-balcón con acceso desde la playa. El volumen principal está rematado… por una suerte de gigantesca escalera cuyos peldaños están constituidos por gajos que surgen de dividir el cuadrado de la planta en ocho triángulos, constituyendo así un recorrido en espiral para gozar del mar y de los bosques». Wikipedia
Clorindo Testa, Elena Acquarone y Zaha Hadid
Fue conferencista en la Architectural Association en Londres (1980). Y como titular de cátedra fue seleccionada en el Concurso Internacional por la Universidad de Amán, Jordania (1983).
Entre 1983 y 1986 participó en la Cátedra de Miguel Ángel Roca, dictó Cátedra en Composición III en FADU-UBA y de Matemática con relación al arte en IUNA.
Como escultora fue seleccionada en 1983 como miembro de la Royal Society of British Sculpture de Londres, y como pintora ha realizado diversas presentaciones individuales y en conjunto, entre las que se destacan la de 1982 en el Covent Garden´s Market de Londres.
En 1986, con motivo de la celebración de la XIV Conferencia Internacional ICOM, le fue encomendada la ejecución del Friso Americanista presentado en la casa Central del Banco de Buenos Aires.
Sus obras forman parte de colecciones privadas tanto en su país como en el extranjero y también fueron incorporadas en los patrimonios de instituciones tales como
Tate Gallery
RoyaI Society of British Sculptors
The Center of Inter American Relations
Museo de Arte de Catanzaro, Fiatal Muveszek Klubja, entre otras
Participa regularmente en Croquiseros Urbanos, iniciativa que registra paisajes urbanos, y expone en galerías y espacios de arte.
Fue arquitecta, archivista e historiadora (Buenos Aires 1933 – 2022 Ibid).
Entrevista
Se graduó en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires en 1958. En ella fue docente en diferentes asignaturas.
Su formación y dedicación fue permanente el tema de la rehabilitación que estudió en 1987 en el Paul Getty Conservation Institute y en el Instituto de Conservación y Restauración en Churubusco, ciudad de México (estudio de antecedentes para la realización del Taller de Restauración de la Pintura Colonial Argentina).
En 1995 obtuvo una Beca de la Fundación Antorchas para estudiar en la Scuola di Restauro de la Universidad de Roma La Sapienza.
Su segundo tema fue la archivística, estudiando en Universidad de Columbia, para proponer en 1990 un modelo para realizar un Archivo de planos de la Ciudad de Buenos Aires.
«Entre 1930 y 1970 tuvo lugar una época de oro para el diseño industrial y de mobiliario en la Argentina. La crisis del ’29 y las políticas nacionales que -dos décadas después- promovieron la sustitución de importaciones, impulsaron el crecimiento de distintas industrias tanto en nuestro país, como en el resto de América Latina. En este contexto, el diseño surge como la oportunidad para agregar valor a los productos que la recién creada industria liviana lanzaba al mercado».Publicada por el Departamento de la Biblioteca FAUD
Estos estudios la llevaron a participar en conferencias internacionales del ICAM, International Confederation of Architectural Museums, en diferentes ciudades.
Nueva York en 1996, Edimburgo en 1998, Río de Janeiro en 2000, Viena en 2002, Venecia en 2004 y París en el 2006.
En los años setenta entabló amistad con el arquitecto Alejandro Bustillo (1889 – 1982), quien le legó en vida su archivo, a partir del cual Martha Levisman realizó una primera exposición en 1982 «Alejandro Bustillo, Arquitecto».
Este archivo dio lugar al Archivo de Arquitectura Contemporánea Argentina (ARCA).
Sobre él ha seguido trabajando, escribiendo artículos, organizando exposiciones y catálogos de las mismas, además de publicar dos libros sobre su obra.
Fue la autora de los tres edificios de la Fundación Antorchas en Buenos Aires.
Realizó el diagnóstico, propuesta de refuncionalización, presupuesto y estudio del equipamiento de la Biblioteca Nacional de la República Argentina en Buenos Aires para su terminación y puesta en marcha.
En 1989 organizó en la FADU la exposición “Homenaje a Le Corbusier, 60 años después”, en la que colaboraron, entre otros Jorge Francisco Liernur (1946), Anahí Ballent (1956) y Pablo Pschepiurca (1953).
Fue directora del Centro ARCA (Asociación Civil para el Archivo de Arquitectura Contemporánea Argentina) entre 1998 y 2002.
Su exposición más reciente fue “Diseño Argentino de Autor: Sillas” que recogía las sillas diseñadas y producidas en Argentina entre 1932 y 1955, expuesta en Fundación PROA en el año 2013.
Publicó un libro sobre los orígenes del diseño industrial moderno en Argentina, donde recoge las historias de los estudios, grupos y empresas que marcaron el diseño moderno de la Argentina.
Publicaciones
Martha Levisman (2007). «Bustillo. Un Proyecto de Arquitectura Nacional». ARCA.
Martha Levisman (2010). «Bustillo en la Patagonia. ARCA».
Martha Levisman (2015). «Diseño y producción de mobiliario argentino : 1930-1970». ARCA.
Referencias
1. Claudia Shmidt (2022). «Adiós a Martha Levisman, guardiana de la obra de Bustillo». Diario Clarín.
2. Zaida Muxí (2015). «Martha Levisman 1933». Un día una arquitecta.
4. Marha Levisman (1990). “Alejandro Bustillo y la Rambla Bristol de Mar del Plata”. Revista del Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo.
5. Jorge Ramos (1993). “Alejandro Bustillo, de la Hélade a la Pampa». Seminario de Crítica (Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas).
6. “La Patagonia que hizo Bustillo”. Página/12. 20 de noviembre de 2010.
7. Martha Levisman (2007). “El hotel Llao Llao”. Summa+
8. Roberto Segre (1991). «América Latina fim de milênio: raízes e perspectivas de sua Arquitetura». São Paulo: Livros Studio Nobel.
9. Martha Levisman (2011). “Diseño Argentino del Siglo XX”. Revista virtual de Red Galería.
10. Martha Levisman (2007). «Bustillo. Un Proyecto de Arquitectura Nacional». ARCA.
11. Cecilia Fiel (2008). “Alejandro Bustillo, un recorrido por la arquitectura y el imaginario argentino”. Clarín.
12. Gustavo Quiroga, (2012). «Diseño y producción de mobiliario argentino. el pasado, un futuro memorable». 90+10.
* Parte de este artículo deriva de la página de «Zaida Muxí (2015), Martha Levisman 1933» del portal Un día | una arquitecta.
Juan O’Gorman
Ciudad de México 1905 – 1982 Ibid) fue un destacado pintor, muralista y arquitecto mexicano.
Distinciones
Premio Nacional de Bellas Artes (1972).
Estudios
O’Gorman nació en el barrio de Santa Catarina, Coyoacán, en la Ciudad de México, fue hijo del pintor irlandés Cecil Crawford O’Gorman y de Encarnación O’Gorman Moreno, y hermano del historiador Edmundo O’Gorman.
En los años veinte, estudió arquitectura en la Academia de San Carlos y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México.
Se convirtió en un arquitecto destacado bajo la influencia de Le Corbusier y ayudó a introducir en México la arquitectura funcionalista. En una etapa posterior, se percibe la influencia de Frank Lloyd Wright y de su arquitectura orgánica. Fue profesor en el Instituto Politécnico Nacional, donde creó la carrera de ingeniero arquitecto.
En la zona de San Ángel, O’Gorman diseñó y construyó en 1931–1932 el «Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo» para ambos artistas.
«Cuando Diego Rivera encargó en 1930 al joven arquitecto Juan O’Gorman (nacido en 1905) una casa-estudio para él y su otra para su esposa, Frida Kahlo, sabía que no era una construcción cualquiera la que resultaría de ese trabajo.
De hecho, se trataría de dos casas destinadas a ocupar un lugar importante en la historia de la arquitectura en México. O’Gorman había dado apenas sus primeros pasos en la arquitectura al hacer una pequeña construcción en el mismo barrio de San Angel Inn, pero la importancia del encargo que el artista más destacado del país acababa de hacerle daría una dimensión muy diferente a su nueva protesta: su calidad de manifiesto sería reforzada por el impulso propagandístico de ser sus propietarios quienes eran. Con estas casas, lo sabía Juan O’Gorman, Diego Rivera y Frida Kahlo, nacía la arquitectura moderna en México». Este texto es un fragmento del ensayo de Víctor Jiménez publicado en la sección Análisis del número 1 de Arquine, otoño de 1997.
En su carrera como arquitecto, trabajó en grandes proyectos tales como el nuevo edificio del Banco de México y diseñó/construyó 26 escuelas primarias en la Ciudad de México.
Museo-Taller Frida Kahlo
En Jardines del Pedregal de San Ángel, edificó, a principios de los años cincuenta, su propia casa, una verdadera obra de arte que, lamentablemente fue demolida, (mas adelante se describe que ocurrió con ella y como le afectó).
Biblioteca Central de la Ciudad Universitaria de la UNAM
Su obra pictórica más celebrada mundialmente, por su creatividad, su técnica constructiva y sus dimensiones, son los murales de cuatro mil metros cuadrados que recubren las cuatro caras del edificio de la Biblioteca Central de la Ciudad Universitaria de la UNAM, obra de Gustavo Saavedra y Juan Martínez.
Estos murales son mosaicos hechos con millones de piedras de colores obtenidas en muchos lugares del país.
El lado norte representa el pasado prehispánico; el sur el colonial; el muro oriente el mundo contemporáneo, y el poniente, la universidad y el México actual.
“Iba a la obra en bicicleta a las 7 de la mañana, llevando mi comida para trabajar durante todo el día, y terminaba generalmente a las 9 ó 10 de la noche. Los domingos y días de fiesta también trabajaba el mismo número de horas para acelerar la terminación del mosaico en el menor tiempo posible».
Como pintor, destacan las obras donde plasmó en espacios públicos pasajes históricos y hechos diversos bajo un estilo particular, como lo hizo en los muros del Museo Nacional de Historia en el Castillo de Chapultepec, en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México con La conquista del aire por el hombre o en el mural «El crédito transforma a México», recién trasladado a la Torre HSBC.
O’Gorman realizó también pintura de caballete. Fue miembro de la Academia de Artes a la cual ingresó en 1971.
Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes en 1972.
Se suicidó el 18 de enero de 1982, luego de estar sumido en una fuerte depresión desde el fallecimiento de Frida Kahlo ocurrido en 1954, el ver arruinada su casa de avenida San Jerónimo, la muerte de su amigo Max Cetto y al darse cuenta de que su hija adoptiva Bunny ya no lo necesitaría.
Existen tres versiones de su suicidio y probablemente las tres sean ciertas; primero realizó una mezcla con las pinturas con las que realizaba sus murales y se la bebió, se colgó de un árbol y posteriormente se dio un disparo con su escopeta en la sien para finalmente caer ahorcado del árbol; con él se extinguía el movimiento del muralismo mexicano del siglo XX.
Meses más tarde fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres de la Ciudad de México.
El dolor por la destrucción de su casa
La familia O’Gorman habitó esta casa durante 16 años, pero en 1969 el artista vendió la propiedad al Lic. Manuel G. Escobedo o a su hija la escultora Helen Escobedo (nunca se específico a quien de los dos) para poder costear los estudios universitarios en Estados Unidos de su hija así como varios padecimientos de salud de su esposa.
Al respecto de su destrucción, Juan O’Gorman declaró en su libro autobiográfico que la única condición que había impuesto a los Escobedo para vender su propiedad era que no se destruyera la casa cueva sin embargo afirmaba desconocer las razones por las que finalmente «fue demolida en su totalidad».
En su momento, el artista plástico Mathias Goeritz y la crítica de arte Ida Rodríguez Prampolini, hicieron público su descontento ante la destrucción de la casa del Pedregal de O’Gorman.
La casa cueva fue la obra cumbre de O’Gorman en la arquitectura así como su último proyecto en esta rama pues su destrucción representó un gran dolor para el artista.
Sus Obras mas representativas son:
* Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
* Casa Cecil O’Gorman
* Biblioteca Central de la UNAM.
* Casa Juan O’Gorman, Av. San Jerónimo, Pedregal de San Ángel 1956.
* «Hidalgo Liberador» del auditorio «Benito Coquet» en el CIESS
* Biblioteca Pública Gertrudis Bocanegra, en Pátzcuaro, Michoacán. México. Mural «Historia de Michoacán» (1942)
* Murales “Canto a la Patria”, “Independencia y Progreso”, y “Los Libertadores” en la Secretaría de Comunicaciones y Transportes (Centro SCOP, 1954)
Referencias
1. “Conmemorado el arquitecto, escultor y muralista mexicano, O’Gorman”. El Informador. 5 de julio de 2009
2. Dirección General de Bibliotecas de la UNAM
3. Testimonio de Juan O’Gorman, tomado de Dirección General de Bibliotecas de la UNAM
4. Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. «Premio Nacional de Ciencias y Artes». Secretaría de Educación Pública
5. «Rotonda de las Personas Ilustres». Segob
Bibliografía
* Ida Rodríguez Prampolini, «Juan O’Gorman, arquitecto y pintor», México, UNAM-Instituto de Investigaciones Estéticas, 1983.
* «La palabra de Juan O’Gorman» (Inv. y coord. documental Ida Rodríguez Prampolini, Olga Sáenz y Elizabeth Fuentes), México, UNAM-Coordinación de Humanidades.
* Alejandro Bosqued Navarro, Alejandro (2015). El sistema de escuelas primarias de Juan O’Gorman, arquitecto : modernidad y eficiencia. Tesis E.T.S.
* Documental Como una pintura nos iremos borrando (México, 1987), dirigido por Alfredo Robert.
* Javier Jerez González. «Juan O’Gorman. Formas de no ser arquitecto» Rita (Revista Indexada de Textos Académicos).
“La mirada atenta a la obra de Matilde Ucelay descubre al menos dos indicios para adentrarse en sus muchas profundidades: la evidente y meticulosa elaboración de sus proyectos y el precioso esmero puesto en su descripción”.
“Sus proyectos se adecuan a los distintos lugares, porque así lo quiere Matilde, es una en la periferia madrileña y otra en tierras de Ávila, una en las Islas Canarias, y otra en el Nuevo Mundo, cuidando sus criaturas”.
“Gran libertad de composición, riqueza de articulaciones, armonía y encuentro con la naturaleza, con la topografía y el paisaje”.
“Sabe articular en sus proyectos lo funcional, lo estructural y lo formal”.
“Las ventanas son constante objeto de mimo en la arquitectura de Matilde. Tiene la libertad de no querer ser moderna a toda costa, ni antigua por necesidad, ajena por otra parte a los dictados académicos”.
“Matilde Ucelay insiste una y otra vez con humildad en la virtud de los jardines para poner en valor la construcción respetando las especies”.
“Si de la arquitectura doméstica pasamos a la industrial, la coherencia que está en la base misma de su obra, nos advierte que sus diferencias lo son de objeto, no de actitud. Sus convicciones son las mismas e idéntica su concepción del oficio”.
“Singular mujer para una clientela singular, en sus proyectos subyace un proyecto de vida”.
“El proyecto que llamamos operativo, nunca es definitivo (como no lo es jamás un jardín). Es el principio de una arquitectura cuya historia comienza”.
“Por eso, es imprescindible que un cuarto proyecto se sume a los anteriores, podemos llamarlo proyecto visual, puesto que la luz entra en escena. Pero es más que eso, ya que no hay sentido humano que no participe en la representación. Será pues preferible que lo llamemos proyecto poético”.
“Y en este cuarto proyecto habremos de reconocer que Matilde Ucelay sale, una vez más airosa. Su obra tiene un encanto poético, en el que no puede negarse al azar alguna intromisión, pero que de ningún modo es producto del azar.”
Casa Bernstein. Puerta de Hierro, Madrid. 1954-1956
Vivienda unifamiliar para Guillermo Bernstein y familia.
El edificio, respondiendo a un programa muy amplio, consta de dos cuerpos, el principal desarrollado en dos plantas y el de servicio en una.
Casa Utray. Somosaguas. Madrid. 1960
Casa Utray, Somosaguas, Madrid
Es una construcción en una sola planta con una superficie de 330 m2. Con un acceso por el Norte, dejando al Sur la mayor zona posible para jardín
Casa Weissenberg. Puerta de Hierro. Madrid 1960
Casa Benítez de Lugo Massieu. Arucas. Las Palmas de Gran Canaria.1963
“El Hall de acceso es protagonista, donde está la amplia escalera que comunica con la 1era planta, comunicado con terrazas cubiertas y semi cubiertas.
Su aspecto exterior es de plantas muy movidas con grandes ventanales y terrazas de acuerdo al clima del lugar.
Se combina la piedra rojiza que se encuentra en la isla, con paramentos encalados, teja curvas, si es posible viejas y madera barnizada”.
Casa Oswald. Chillaron del Rey. Guadalajara, (embalse de Entrepeñas). 1964
Vivienda para María Segovia de Oswald“…el programa es muy amplio, hacia el pantano dos salones, un comedor y dos halls unidos por una galería…al este, un ala de 8 dormitorios de dos camas con sus baños y u office, y hacia el poniente, los servicios.
El patio queda encerrado por sus cuatro lados, con galería cubierta alrededor, y a él llegarán los coches por un gran portalón, en el centro se hará una alberca o estanque para poner plantas acuáticas al nivel del suelo”.
Casa Oswald, Chillarón del Rey, Guadalajara (embalse de Entrepeñas)
Casa Mavroleón.Calas de Guisando. Cebrero. Ávila. 1967-68
“La casa se desarrolla en varios niveles para adecuarse a la topografía, a pesar de ello solo tiene en el interior 13 peldaños. La curva de nivel se resuelve con 3 crujías estrechas y largas, la cubierta coge toda la construcción con una pendiente del 20 % que baja como el terreno.
La columna vertical de la vivienda es el vestíbulo y una escalera, hay 3 grupos de dormitorios, con vistas al lago. Al jardín le he dado la mayor importancia pues por su movimiento es fácil obtener un elemento primordial para la composición general del conjunto”.
En “Conversaciones con la arquitecta Matilde Ucelay” (1912-2008) “Talking with the architect Matilde Ucelay” (1912-2008), Javier Vílchez Luzón, escribe en su Tesis Doctoral leída en la Universidad de Granada:
“Cuando me encontré con su obra en una exposición me impresionó que hubiese tan poca información sobre ella. Una historia del arte sin mujeres es solo el 50 % de la historia”.
“Ucelay no hizo obras de gran envergadura, su trabajo es sencillo, de ámbito privado y apariencia clásica, pero, conceptualmente, tiene ideas, distribuciones y planimetrías muy avanzadas para su tiempo”.
Matilde fue una arquitecta que se sobrepuso a las barreras propias del sistema patriarcal que caracterizó a las primeras décadas de la historia del siglo XX en España y a las barreras políticas impuestas por el franquismo, catastróficas para la cultura y la arquitectura de la época de la dictadura.
Casa Ucelay. Remserburg. Long Island. New York. USA. 1970
“Un condicionamiento fundamental es disfrutar de la puesta de sol y de la mejor vista que es el Poniente, para ello hay que estar más arriba que la construcción colindante.
La piscina está colocada intencionalmente de manera de incorporar al conjunto el terreno situado entre la casa y la plazoleta.
La forma circular se consigue una transición lógica entre la casa, la plaza y la calzada curva, suavizando en cierto modo la forma cúbica de la edificación”.
Casa Romero.Urbanización “El Monte de las encinas”. Boadilla del Monte. Madrid. 1970
“La vivienda se desarrolla en una Planta Baja general que aprovechando el desnivel del terreno, permite hacer una Planta de sótano debajo de ella.
«Se han respetado en lo posible las especies arbóreas existentes”.
Casa Obregón. Urbanización Monte Príncipe. Pozuelo de Alarcón. Madrid. 1972
Vivienda unifamiliar para Jesus Obregon en Monte príncipe. Pozuelo de Alarcón. Madrid
“La construcción se desarrolla en una planta. La piscina y alrededor el jardín que complementa el arbolado existente de encina y pino, característico de la zona”.
Casa Barreiros. El Plantío. Madrid. 1976
Nave para trefilería (manipulación alambres) Drive-Harris Ibérica. Vicalvaro. Madrid. 1960-62
“Los distintos edificios que forman el conjunto, se relacionarán entre sí por una serie de marquesinas que proporcionarán un paso cubierto entre ellos.
«Todos rodeados de espacios libres con calles y parquización”.
Laboratorio Medix. Ctra. De Aragón. Pueblo Nuevo. Madrid. 1961
“… en la fachada a la carretera de Aragón se sitúa la entrada de público y empleados…luego oficinas y sala de espera para el público».
«En el centro con ventilación pero sin luz que es perjudicial, se pondrán los almacenes de productos terminados y de materias primas, y al fondo, una nave para maquinaria ligera…en la primera planta la administración y la dirección…en la 2nda y 3era naves y en la 4ta laboratorios de investigación, comedores y vestuarios y departamento para vigilancia”
Naves Claudio Barcia. San Fernando de henares. Madrid 1974/79. Con José E. Ruiz-Castillo Ucelay
Es una nave-almacén para productos químicos y farmacéuticos en el sector industrial del Plan Parcial II de san Fernando de henares.
La nave es diáfana con un muelle de carga de 24 metros de largo, con una zona en una entreplanta para almacén y expediciones. Alrededor del edificio se diseñó un jardín”.
Reforma y ampliación de un Ático. Vivienda y estudio de Matilde Ucelay. Alcalá 98. Madrid. 1966
“En el único ático existente en la calle Alcalá, propiedad de D. José Ruiz-Castillo, se desearía llevar a cabo con la consiguiente autorización de la copropiedad, una reforma interior de tabiquería y una ampliación del cuerpo avanzado a fachada, por ser el desarrollo lineal actualmente construido inferior al tercio total permitido por la Ordenanza…Se desearía cubrir dos terrazas, tomando 4 metros en cada una…encajando así las obras en la ordenanza correspondiente, sin perjuicio alguno para la fina, que desde el punto de vista estético mejoraría, dada la desproporción evidente del volumen de coronación actual de la esquina”.
“Tampoco lo habría para los copropietarios ni colindantes, ni en última instancia para la ciudad, obteniéndose una considerable mejora de la superficie habitable, que solucionaría un problema hoy día difícil, de encontrar una vivienda de buena calidad y bien situada a precio asequible”.
Laudatorio
Por Antonio Fernández Alba. 2006
Nos reunimos hoy aquí, para rendir homenaje y reconocimiento a la arquitecta Matilde Ucelay, con motivo de la entrega del Premio Nacional de arquitectura 2004, que otorga el Ministerio de Vivienda.
Lo haré, después de lo publicado, de lo narrado por compañeros y amigos, desde la mirada del afecto y, si me permiten, desde un apostrofe sentido y breve hacia el decantado proyecto moral que representa su perfil biográfico.
De Matilde Ucelay, para los estudiantes de arquitectura de la década de los cincuenta del siglo precedente, conocíamos la “epopeya” de haber sido la primer mujer en España que obtenía el título de arquitecto, habiendo ingresado en la Escuela con solo 19 años y concluido su carrera realizando 2 cursos en uno: hecho señalado y público que merecía ser contado con acento épico, sobre todo para quienes sufríamos por entonces, la “tortura controlada” que significaba la selección académica para cursar los estudios superiores de arquitectura.
La orientación de Matilde Ucelay por los conocimientos de esta profesión, nace, creo yo, motivado en el entorno liberal de su familia, abierta y protagonista activa de las corrientes progresistas en la década de los treinta del siglo XX.
Matilde Ucelay, cursa su bachillerato en aquel oasis pedagógico del Instituto Escuela: ingresa como ya he señalado , muy joven en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid; atareada esta institución por entonces, en abrir sus enseñanzas, con cierta cautela, a las nuevas corrientes de las vanguardias plásticas y arquitectónicas del Movimiento Moderno en Arquitectura.
La espacialidad arquitectónica que para la ciudad propugnaban las corrientes racionalistas de la época, apenas llegó a florecer en el entorno de la “razón de la aurora”, que para el pensamiento español anhelaba Maria Zambrano, tampoco sería posible contemplar los frutos de aquella “primavera de Weimar” en la Europa central.
El drama bélico de la contienda civil de 1936 en España, aconteció para Matilde Ucelay en el mismo año que se titulaba como arquitecta; tenía razón Flaubert, el mundo es un infierno, al menos en parte, y lo fue sin duda para esta mujer joven, que de manera precipitada inauguraba un tiempo viciado por espacios de dolor y utopías de tragedia; violencia, ausencia de trabajo y sobre todo una estereotipada nostalgia, porque su incipiente perspectiva profesional y vital, apenas pudo comprobar la época madura de la vendimia.
En el año 1937 contrae matrimonio con José Ruiz-Castillo, regresando al finalizar la guerra civil a Madrid, donde el matrimonio tratará de recuperar su menguado entorno cultural, alrededor de un señalado grupo de amigos y otras actividades, Biblioteca Nueva, Editorial Plenitud…, ecos del pensamiento que subsiste en esa Tebaida forzada, que representó el exilio interior de la postguerra. Teniendo que hacer frente como arquitecta, a una despiadada depuración profesional, que le imponía una multa de 30.000 pesetas, le impedía obtener trabajos de confianza y, ejercer la profesión durante cinco años.
Que duro contraste con aquellos brillantes cursos de la escuela y aquellos proyectos de una arquitectura que inauguraban los nuevos espacios de la ciudad, envueltos en proclamas de más luz, más verde, mejor hábitat para el nuevo hombre industrial, objetivo de la democratización ambiental de toda la sociedad.
Matilde Ucelay, gracias a los buenos amigos y compañeros los arquitectos Aurelio Botella y José María Arrillaga y un modesto estudio-taller, va a poder desarrollar una actividad profesional en torno a la vivienda individual, pequeñas instalaciones culturales, laboratorios y algunas instalaciones industriales, proyectos y obras que recogían la tensión espacial del pensamiento arquitectónico de aquellos años, con un repertorio de formas en transición, características del período de crisis que sufre la arquitectura española de postguerra. Matilde Ucelay no abandona la rica tradición de la arquitectura popular, su composición aditiva y, su lógica y bella razón constructiva: relatos arquitectónicos que se irán extinguiendo en los últimos años de su trabajo profesional.
Me gustaría para terminar estos breves y apretados esbozos, acentuar el valor del apostrofe con el que iniciaba estas palabras. Creo, que sobre las trazas profesionales de la vida de Matilde Ucelay, se eleva un proyecto de exquisita sensibilidad, que enlaza con unos presupuestos morales destinados a sobrevivir en unos tiempos donde apenas se entendía y, se entiende, la intangibilidad ética, la memoria sin respuesta de agravio que recorre su biografía.
Matilde Ucelay, se encuentra ya en esas geografías del testigo que la edad impenitente acota, entre dos infinitos: las embestidas depuradas de la vida y, las dunas de ese inmenso desierto que acontece en los misterios de la memoria.
Premio, en los acantilados del tiempo, sin espacio ya, espacio impostor que fue, por los duros paisajes de unos astros que anunciaron grises epifanías, sin espacio, y casi sin palabras para enunciar la injusticia acumulada de tantos sueños rotos en la curva de la noche.
Matilde Ucelay, ha cruzado su itinerario vital tangente con el rumor del espíritu agresor de su época, época abonada por expresiones y gestos de la razón en el entorno del moderno “epigrama de la incertidumbre”.
Que tendrá este acontecer de reconocimiento, me pregunto, al tener que excavar esos caminos sin retorno, que nos remueve aquella memoria, memoria sideral, que confabula en nosotros tan próximos como apartados recuerdos en una mujer de bien, Matilde Ucelay, como aquí ratificamos.
En representación de Matilde Ucelay Maórtua, su hijo Javier Ruiz-Castillo Ucelay.
Javier Ruiz-Castillo con la abogada Urbanista Pepa Torres
Desgraciadamente, mi madre, de 94 años, no está en condiciones de venir aquí el día de hoy para agradecerles personalmente el gran honor profesional que para ella significa el Premio Nacional de Arquitectura e 2004.
No obstante, querría hacerles partícipe de alguna idea y un mensaje, con los que, si todo va bien, confío que mi madre estaría de acuerdo.
La idea es muy sencilla. Independientemente de cómo lo veamos hoy los demás, mi madre nunca pensó que hacia nada excepcional. Ni cuando estudiaba afanosamente de niña en el Instituto Escuela. Ni cuando curso deprisa y bien los estudios de Arquitectura. Ni cuando, después de la guerra, inició hacia 1940 una carrera profesional que duró 40 años. Ni cundo diseñaba sus obras en un tablero artesanal, ni cuando trataba o discutía con clientes, contratistas o especialistas en todos los ramos de la construcción, todo ello durante 8 o 9 horas al día todos los días laborables d la vida. Esta es la cosa. No es que fuera la primera arquitecta de España en 1936. Es que fue la primera en su género en vivir a tope esta profesión tan bella y tan variada que Vds. Practican. Pero hizo todo eso, diligentemente y con rigor, con cierto éxito, por una sola razón: porque le gustaba, porque amaba apasionadamente la Arquitectura y su ejercicio profesional. Y nada más. Desde su perspectiva, ni epopeya ni exilio interior, ni feminismo avant la lettre, ni nada. Solo el desempeño diario de la profesión que eligió.
Claro, nosotros, los demás, lo vemos de otra manera. Por mi parte, por ejemplo, cuando a mediados de los años 60 comenzó el movimiento feminista contemporáneo, nadie tenía que explicarme que las mujeres pueden trabajar tanto y tan bien como los hombres “incluso en una disciplina técnica”. Ese aspecto de la cuestión (no otros) yo ya lo sabía desde siempre.
Por otro lado, todos Vds., mujeres arquitectas actuales, arquitecto varones también, desde luego, una Comisión de expertos, la autoridad competente y el gran Fernández Alba en sus sentidas palabras anteriores, han encontrado razones varias para honrar a esta mujer de bien, Matilde Ucelay, como hoy ratificamos. Pues bien, sepan Vds., y este es el mensaje a que me refería al principio, que mi madre lo sabe, que se ha enterado perfectamente de lo que han montado, que lo acepta todo graciosa y limpiamente, que se lo agradece desde el respeto y a pasión por la Arquitectura que es lo que Vds. y ella comparen, para siempre, de verdad. En su nombre, en el de su familia y sus amigos, muchas gracias.
3 Reportajes-entrevistas
“Reportaje en una escalera del periodista Felipe Morales”, entrevista del 3 de Julio de 1936. Reportaje de en el periódico La Voz, la describe como “una mujer con una gran personalidad, tímida y que no daba importancia al hecho de ser la primera en concluir los estudios de arquitectura en España”. Morales lo resume en un titular, “Matilde Ucelay no quiere hablar, pero si habla”.
“…. La construcción basada en los atrevimientos de los ángulos y de las rectas tiende a desaparecer. Estas modas importadas principalmente de Francia y Alemania no pueden determinar una modalidad arquitectónica en España. Las nuevas concepciones van a buscar lo que es tradicionalmente español, para nuevas realidades, en que lo moderno se mezcle a lo genuinamente nacional. Pero esto no es para hablarlo así, a la ligera…”
Carmen Castro, periodista y colaboradora de la revista Arquitectura, realiza el reportaje “Matilde Ucelay, Doctor Arquitecto. Primera Española que alcanzó este título profesional”. En esta entrevista aparecen datos interesantes algunos relativos a la discriminación. Ucelay no se siente discriminada en ningún momento en la Escuela de Arquitectura pero sin embargo sí en lo que se refiere a la Hermandad Nacional de Arquitectos.
“Es evidente la necesidad de considerar en iguales condiciones a los profesionales de ambos sexos, en cuanto a deberes y derechos —puesto que todos tributamos el mismo tanto por ciento de nuestras minutas al fondo de la Hermandad— no es fácilmente compresible que todavía se siga manteniendo desigualdad tan manifiesta”
“Ingresé en la Escuela normalmente, en dos años, como se hacía en 1.929/30. Se decía entonces que la Escuela no quería admitir chicas. Nunca fue verdad semejante cosa. Es una leyenda negra y falsa. Fuimos maravillosamente recibidas las pocas chicas que llegaron a la Escuela en mi tiempo, y yo. No gozamos de ningún privilegio, pero sí de consideración…”
Julia SáezAngulo, publicó una entrevista en el diario Semanal Digital el 18 de Octubre de 2004 “Matilde Ucelay critica el traslado del Ayuntamiento de Madrid”.
Desaprueba, el traslado del Ayuntamiento de la capital al Palacio de Comunicaciones “El arquitecto la construyó para Correos y modificarla es desvirtuar la historia. Ahora se rehabilitará el edificio y se destruirá la arquitectura interior, que es tan importante como la fachada. Es una pena. Madrid ha sido demoledor con su arquitectura. Lo mismo pasó cuando se destruyeron los hoteles del Paseo de la Castellana”
En este encuentro se decanta por la obra proyectual y las raíces conceptuales de arquitectos como Jesús Martí Martín,Secundino Zuazo Ugalde, Modesto López Otero, Pedro Muguruza, Antonio Palacios, Alvar Aalto o Le Corbusier. En la entrevista descubre su preferencia por modelos arquitectónicos más clásicos que se apartaban de los elementos del Movimiento Moderno convertidos en mero funcionalismo, habla del Palacio Real, la Puerta de Alcalá o la basílica de San Francisco el Grande, en Madrid.
En “Conversaciones con la arquitecta Matilde Ucelay” (1912-2008), tesis de Javier Vílchez Luzón, dice “Discriminación ninguna. No sé por qué se empeñan ustedes en eso. Nunca fuimos discriminadas en la Escuela de arquitectura. Aún recuerdo como algunos profesores se levantaban si yo entraba en el aula y junto a él el resto de alumnos. Eran unos tiempos diferentes. Incluso adaptaron un baño para mí. Entonces no había servicios para señoritas en la Escuela. Pero llegaron más mujeres a la Escuela de Arquitectura. Yo no fui la única. Ellas tampoco fueron discriminadas por ser mujeres. Yo ingresé en el verano del 29 tras realizar unas duras pruebas de acceso junto a Fernando Chueca entre otros. Una de mis preocupaciones fue quedar bien por eso de ser mujer. Era algo común a todas las que estudiábamos en aquellos años”.
Notas
1
Inés Novella es Master en Arquitectura, Investiga y coordina los proyectos de la Cátedra UNESCO de Políticas de Género en Ciencia, Tecnología e Innovación de la Universidad Politécnica de Madrid.
Investiga sobre políticas de igualdad y género en los campos tecnológicos, y por otro, el diseño arquitectónico y urbano con perspectiva de género.
Ha sido invitada en diferentes universidades españolas y europeas.
Ha asesorado al Ministerio de Fomento en la preparación de una nueva Ley de Vivienda, al Gobierno Vasco en el nuevo Decreto de Habitabilidad, también a la Junta de Extremadura en la nueva Ley de Territorio y a la Junta de Castilla la Mancha.
Ha presentado sus trabajos representando a España en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2018.
Experta consultora para el desarrollo de la Agenda Urbana Valenciana y recientemente he sido invitada por la Academia de Planificación Territorial de Alemania (ARL) para formar parte del Grupo Internacional de Expertas sobre Género y Cambio Climático en el Planeamiento Territorial y Urbano de Europa.
Miembro de la Comisión para la Revisión de la Normativa de habitabilidad, diseño y calidad de la Viviendas de la Generalitat Valenciana.
2
María Elia Gutiérrez Mozo es Arquitecta por la Universidad de Navarra (1992), Doctora en Arquitectura por la Universidad Politécnica de Madrid (1999) y Máster en Gestión del Patrimonio por la Universidad de Alicante, UA, (2010).
Ha ejercido la profesión entre 1992 y 2012, destacando entre sus obras algunos encargos para la Administración pública,
Ha sido miembro de la Comisión Deontológica Profesional del Colegio Oficial de Arquitectos de Castilla La Mancha (1998-01) y Vocal de Cultura de la Junta Directiva de la Demarcación en Albacete (2004-08) y ha sido la Coordinadora de las ediciones de 2006 “Montevideo”, 2008 “Lisboa”, 2010 “Medellín” y hasta marzo de 2012 “Cádiz” de la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo.
Ha participado y publicado desde 2009 en todas las Redes y Jornadas de Investigación en Docencia Universitaria de la UA.
Desde 2013 es la Directora del Secretariado de Desarrollo de Campus del Vicerrectorado de Campus y Tecnología.
Nuestro Blog ha obtenido ms de Un millon de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
La arquitecta Escobedo nació enCiudad de México en 1979.
Su despacho arquitectónico ha realizado edificios como La Tallera en Cuernavaca. intervenciones artísticas como la del Museo El Eco en la Ciudad de México o la del Victoria & Albert de Londres.
Escobedo se licenció como arquitecta y urbanista en la Universidad Iberoamericana e hizo una maestría en Arte, Diseño y Dominio Público en la Graduate School of Design en Harvard.
Desde 2007 ha sido profesora en la Universidad Iberoamericana.
Ha participado como jurado por la Harvard Graduate School of Design, el Boston Architectural College y el Tec de Monterrey Campus Querétaro en México.
Junto con Alejandro Alarcón, fundó en el 2003 el despacho “Perro Rojo”.
Una de las obras importantes y reconocidas es “Casa Negra”, fue diseñada en total libertad, para una sola persona con deseos de vivir rodeada de la naturaleza. La estructura, de blocks (ladrillo grande) montada sobre cuatro tubos, se eleva sobre el terreno, y en su interior, se alojan los servicios. La sensación es la de estar dentro de una gran cámara fotográfica.
Desde 2006 trabaja de manera independiente y equilibrando cada una de sus múltiples facetas proyectuales, que van desde la vivienda mínima, hasta pabellones museográficos e instalaciones.
Siempre propiciando el trabajo colaborativo, ha realizado obras en donde la pureza de los materiales, la explosión del color, las texturas, la expresión diáfana del espacio mismo, coadyuvan en el mencionado proceso de re significación arquitectónica.
Un ejemplo de esto es el Hotel Boca Chica en Acapulco, diseñado junto con José Rojas.
La intervención del patio del Museo Experimental El Eco, creado en los años 1950 por Mathias Goeritz, apostaba a la reconfiguración espacial, para la inauguración Herzog & de Meuron –en un proyecto llamado “Ordos 100 Models” elaborado con Ai Weiwei– la invitaron para diseñar una vivienda para personas habitantes de Mongolia.
Es en 2010 que recibe su primer gran trabajo público, la restauración de La Tallera de Siqueiros.
Este edificio, de invaluable valor simbólico, fue creado en 1965, por David Alfaro Siqueiros, adaptando elementos a las necesidades de su producción pictórica de gran formato. También fue su vivienda durante los últimos nueve años de su vida, en la ciudad de Cuernavaca, muy cerca de la ciudad de México.
El proyecto, sobresale por el cuidado de los recursos y la sustentabilidad, por el uso de la luz matizada a través de celosías, vinculando así dos de los conceptos que han caracterizado su obra, la modernidad paradigmática ambientalista y lo tradicional constructivo mexicano.
“Sabes que no puedes reconocerte tan bien como en un reflejo”
Otro de sus aciertos, fue abrir el patio del museo a una plaza adyacente girando una serie de murales desde su posición original, lográndose un ámbito público que acentúa al espacio museístico.
Esta obra, fue nominada por un grupo de expertos del Museo del Diseño de Londres, como un proyecto innovador.
Después de la creación de una Plaza Cívica en la Trienal de Arquitectura de Lisboa, durante la celebración del Año dual México-UK 2015, Escobedo fue elegida por un jurado de expertos del Museo Victoria & Albert, para realizar una intervención en la fuente del Jardín John Madejsky, en donde conceptualizó el encuentro de dos culturas milenarias a través de un trabajo titulado “Sabes que no puedes reconocerte tan bien como en un reflejo”.
La Serpentine Gallery escogió a Frida Escobedo como la responsable del diseño del pabellón 2018.
Obras
2003 – Casa Negra (en colaboración con Alejandro Alarcón), Ciudad de México
2006 – Restauración del Hotel Boca Chica (en colaboración con José Rojas), Acapulco, México
2008 – Proyecto para Ordos 100
2010 – Pabellón en el Museo Experimental el Eco, Ciudad de México
2012 – Restauración de La Tallera, Cuernavaca
2013 – Plaza Cívica, Lisboa
2015 – Intervención en el Museo Victoria & Albert
Premios y reconocimientos
2004 – Beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México
2009 – Ganadora del Young Architects Forum del Architectural Association de Nueva York
2010 – Beca Marcelo Zambrano
2012 – Trabajo exhibido en el Pabellón Mexicano en la Bienal de Arquitectura de Venecia, en el Mission Cultural Center for the Latino Arts de San Francisco, en el Storefront for Art and Architecture
2012 – Finalista para el programa Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative
2013 – Nominada al Arc Vision Prize for Women
2016 – Premio de Arquitectura Emergente, Architectural Review
Dos de los murales gigantes de Siqueiros, puestos originalmente para ser vistos desde el interior del patio, fueron girados para mostrarse orgullosos a la entrada, mirando hacia el exterior, como dos brazos abiertos que invitan a la gente a pasear al interior.
«Rotar los murales enciende los elementos simbólicos de la sintaxis arquitectónica de la fachada, alterando la relación típica entre la galería y visitantes», explicó Escobedo en una entrevista.
La arquitecta lo llamó «autenticidad»: mostrar los materiales, ya sea crudos o procesados, tal y como son.
La propuesta para este proyecto, que fue inaugurado en 2012, fue elegida mientras Escobedo preparaba su máster en la Universidad de Harvard, donde cursó estudio de arte y diseño.
Su obra difumina las fronteras entre el arte y la arquitectura.
Esta obra también estuvo nominada al Diseño del Año del Museo de Diseño de Londres en 2014 y fue premiada en la IX Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo, celebrada en Rosario, Argentina, en 2014.
La relación entre el estudio de Frida Escobedo con las distintas disciplinas creativas se materializa en cada uno de sus proyectos; hay algunos en donde la exploración y la investigación son más profundos y extensas y otros que son más pragmáticos
El espacio piensa que se genera a partir de procesos como la autoconstrucción, con la forma en la que vemos la ciudad, e incluso por cómo la habitamos después de haber sido diseñada por alguien más.
En su maestría entendió que un espacio puede ser desde una instalación temporal, a un performance; no sólo lo físico sino todo lo que sucede alrededor.
“Pensamos en la arquitectura como algo permanente, pero eso no es cierto. La arquitectura se transforma constantemente en otras cosas”
Para ella,” la academia y la autoconstrucción son vasos que se comunican; procesos que se nutren entre ellos. La arquitectura vernácula toma prestado de las cosas diseñadas y al mismo tiempo los diseñadores, arquitectos y artistas, comunican lo que están observando en el entorno en el que se encuentran”
Frida ha visto la pandemia como una gran enseñanza en términos de espacio y de cómo hacerlos más flexibles; adaptabilidad y resiliencia.
César Augusto Naselli
Nació en Capilla del Monte, Argentina, 1933 – 2015 Córdoba, fue un arquitecto de una importante producción teórica.
Recibió en 2012 el “Premio a la Trayectoria” en la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo por su labor.
Inicia sus estudios de arquitectura en la Universidad Nacional de Córdoba, que culmina en 1965.
En 1971 realiza un curso de Perfeccionamiento en Arquitectura Escolar, en París, Toulouse, Grenoble y Montpellier en Francia.
Se inició en la docencia en 1966 como asistente por concurso en el Área de Historia de la Arquitectura en la Universidad Nacional de Córdoba y en la Universidad Católica de Córdoba.
Dedica su vida a esta actividad alternando entre la enseñanza de Historia, el Patrimonio, la Crítica y el Proyecto Urbano, Arquitectura y Paisaje.
Se desempeñó como Profesor de cursos de grado y posgrado en instituciones de Iberoamérica: Universidad Nacional de Córdoba (Argentina), Universidad Católica de Córdoba (Argentina), Universidad de Mendoza (Argentina), Universidad Nacional de San Juan (Argentina), Universidad de Buenos Aires (Argentina), Universidad Católica de Santa Fe (Argentina), Universidad Nacional de Colombia (Colombia), Universidad Federal de Bahía (Brasil), Universidad Nacional de Asunción (Paraguay), Universidad Politécnica de Catalunya (España).
En 1990 creó el Instituto de Diseño en la Universidad Católica de Córdoba desde el cual realizó una profunda y productiva labor de investigación sobre los Fundamentos del Diseño y de la Creatividad, basados en la filosofía y la ciencia.
Con los contenidos e investigaciones del Instituto de Diseño se conformaron los contenidos iniciales de la Maestría en Diseño de Procesos Innovativos, de la cual fue el Director Honorario. Fue fundamental la labor del arquitecto Naselli en la formación de profesores. La preocupación sobre la enseñanza de la arquitectura, sus herramientas y estrategias fue uno de los ejes centrales de su trayectoria.
En 1996 formó junto a Marina Waisman, Noemí Goytia y María Elena Foglia, el Centro para la Formación de investigadores en Historia, Teoría y Crítica de la Arquitectura, en la Universidad Nacional de Córdoba.
Reconocimientos
En 2010 Doctor Honoris Causa por la Universidad Católica de Córdoba, en 2011 por la Universidad Nacional de San Juan.
EN 202 la Universidad Nacional de Córdoba lo declaró Profesor Emérito.
En 2012 la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo le otorgó el Premio a la Trayectoria que fue compartido con Juan Navarro Baldeweg.
Publicaciones
Su pensamiento crítico ha contribuido a la construcción de una teoría de la arquitectura iberoamericana.
Se difundió en numerosos artículos tanto en revistas nacionales y extranjeras (de Argentina Summarios, 30-60 Cuaderno Latinoamericano de Arquitectura, Summa, Summa +, y Ambiente, revista que fundamos CEPA dirigida por el arq Ruben Pesci y Espacio Editora dirigida por Silvia Wladimirski, Guillermo Kliczkowski y Hugo Kliczkowski. Fue la continuación de la revista Espacios/Cepa, Spazio e Società (Italia), Escala (Colombia), Informes de la Construcción (España)) y de sus libros entre los que citamos:
Marina Waisman, César Naselli (1989). 10 Arquitectos Latinoamericanos. Sevilla: Consejería de Obras Públicas y Transportes, Andalucía. Dirección General de Arquitectura y Vivienda.
Naselli, César (1992).
De ciudades, formas y paisajes. Asunción: Arq. César Naselli, Inés Moisset, Omar Paris, Viviana Colautti, Casio Stevenazzi (2006). Forma urbana. Córdoba: I+P.
La ciudad en transformación. Córdoba: I+P. César Naselli (2013). Inés Moisset, ed. El rol de la innovación creadora. Córdoba: Educc e I+P.
Su obra teórica es vastamente citada y reconocida por sus colegas del campo de la crítica, entre ellos Josep Maria Montaner en su libro “Arquitectura y crítica en Latinoamérica”.
Además de la docencia, la formación de capital humano y la dirección de proyectos de investigación se destaca también su preocupación por la protección del patrimonio arquitectónico de nuestras ciudades, que está en riesgo casi permanente, actuando desde el asesoramiento a entidades públicas, la participación en organismos de defensa, como también desde la crítica desde los medios de comunicación.
Giancarlo Mazzanti
El arquitecto colombiano nació en Barranquilla en el año 1963.
Es conocido por obras como el Parque Biblioteca León de Greiff y la Biblioteca España, ambos en la ciudad de Medellín, a esta última he tenido el placer de conocer en cuanto a su importante localización, pero horrorizado por su estado de abandono y destrucción que han obligado a cerrarlo.
Se formó en la Universidad de Florencia y en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, graduándose en 1987. Realizó un posgrado en Historia, Teoría de la Arquitectura y Diseño Industrial en la Universidad de Florencia.
Es el fundador de “El Equipo Mazzanti”, sus valores sociales centran el interés de su producción arquitectónica.
Su objetivo es que sus proyectos provoquen transformaciones y construyan comunidades. Intenta mejorar la calidad del diseño del entorno y ayudar al concepto de igualdad social. Su trabajo ha ayudado a demostrar que la buena arquitectura puede conducir a nuevas identidades tanto para las ciudades como para sus habitantes.
Ha ganado 15 premios nacionales e internacionales, dictado clases en Harvard, Columbia y Princeton y es el primer arquitecto colombiano en exponer sus obras en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa) y en el Centre Pompidou de Paris.
En 2006 obtuvo el primer premio en la categoría de Diseño Urbano y Paisaje en la X Bienal de Arquitectura Venecia, y en 2008 recibe el galardón a la mejor obra de Arquitectura y Urbanismo en la VI Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo.
Ha proyectado centros de congresos, bibliotecas, colegios, parques, calles peatonales, viviendas unifamiliares y colectivas. Sus trabajos en Bogotá incluyen el restaurante Nazca, los edificios residenciales Habitar 72 + Habitar 74 y algunas guarderías y colegios públicos.
En Medellín ha diseñado la Biblioteca España en el barrio popular Santo Domingo Savio que ganó la Bienal Iberoamericana de arquitectura y que forma parte de la colección del MOMA. está ubicado en el barrio de Santo Domingo Savio, en la comuna 1 al nororiente de Medellín, junto a la estación Santo Domingo Savio.
Lleva el nombre de España, país que ayudó a financiar el proyecto a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo. El barrio Santo Domingo Savio, es uno de los sectores más deprimidos del nororiente de Medellín.
La estructura es simple y se compone de dos partes: la Estructura Externa es una membrana metálica articulada que se auto soporta y arma la piel exterior con paneles ligeros enchapados en pizarra.
La estructura interna es una estructura aporticada de concreto que compone el volumen interno que se dilata de la piel para permitir la entrada de luz cenital.
Cubriendo la fachada exterior se utilizaron lajas de pizarra negra con un 30% de óxido cubriendo las láminas de Superboard.
Los suelos son de piedra y madera. Grandes acrílicos de colores amarillo, verde y rojo, indican y resaltan la función que se despliega dentro de cada uno de los módulos.
Para delimitar las diferentes zonas pedagógicas se han utilizado vidrios laminados con resinas coloreadas en su interior.
Por deficiencias estructurales que presentó desde su apertura y problemas de filtraciones a los que se sumó en 2013 la caída de pedazos de su fachada de losas de piedra negra (su mayor atractivo estético), la biblioteca fue cerrada.
De su llamativo diseño, hoy queda solo el esqueleto. Se han desmontado todas las losas de la fachada, recomendado por un estudio encargado a la Universidad Nacional de Medellín, que exoneró al arquitecto de responsabilidades.
El Parque Biblioteca España fue uno de los primeros parques biblioteca, construidos como parte de los esfuerzos de reconstrucción de la ciudad. Situado en una colina por encima del área urbana, la biblioteca se puede ver a través del Metrocable.
«Lo que habían construido no correspondía a los planos, y dentro del análisis estructural de la fachada no se consideraron las fuerzas de los vientos«, resumió el subsecretario de Planeación de Infraestructura Física de Medellín.
La Alcaldía de Medellín tomó la decisión de intervenir el Parque Biblioteca, un plan que pretendia comenzar el 15 de octubre de 2015 con un plazo de terminación de 16 meses. la realidad es que se demoraron 7 años y comenzó en enero de 2022.
El proyecto contará con tres cajas o edificaciones, el área construida aumentará en un 35 %, con un mayor aprovechamiento del espacio. Para mejorar la estabilidad del terreno, se anuncia un parque ambiental de 10.235 metros cuadrados, estos son datos de la alcaldía de Medellín. Una vez esté terminado, se estima que el nuevo Parque Biblioteca España sea visitado por más de 645.000 personas cada año. Veremos…
Cuando fui a verla en el 2020, con el Dr. Ricardo Sukiassian y el Dr. Roque Cassini recomendado por el Arq Juan Carlos Pergolis (luego de llevarnos a ver varias obras del Arq. Rogelio Salmona, ya que Juan Carlos fue colaborador y amigo de Salmona) seguía cerrada. Tanto desde el metro cable Santo Domingo, mágico y popular teleférico como desde el recorrido por sus calles, hasta la biblioteca, se percibe su deseo de ser un referente cultural, social que da dignidad de sus vecinos. Hay que señalar que en 2013 Medellín fue declarada como la ciudad más innovadora del mundo en el marco del concurso City of the Year organizado por The Wall Street Journal, compitiendo a la par con Nueva York y Tel Aviv.
La capital antioqueña se ha convertido en uno de los epicentros tecnológicos e intelectuales de mayor desarrollo de Colombia. Las infraestructuras integradas a la movilidad junto con intervenciones de alto impacto social han convertido a Medellín en el centro del debate sobre el crecimiento y desarrollo de las ciudades latinoamericanas.
La ciudad apostó por la consolidación urbana a través de espacios públicos de calidad y proyectos de gestión ciudadana, para desarrollar zonas marginales, facilitando la reconstrucción del tejido social.
En la misma ciudad diseñó el Parque Biblioteca León de Greiff, los coliseos para los Juegos Suramericanos, y actualmente construye el nuevo velódromo de la ciudad.
También diseñó el Centro educacional de distrito en Lituania.
El parque Bicentenario se encuentra localizado entre la Carrera 7° y la Carrera 5°, sobre la Calle 26 en Bogotá, consiste en la construcción de una gran plataforma que cubre la calle 26 y que integra de nuevo la zona del MAMBO y la Biblioteca Nacional con el Parque de la Independencia, involucrando el desarrollo de actividades recreativas y culturales dentro de un sistema de franjas, las cuales se componen por diferentes espacios, que se comunican a través de una red de circulaciones peatonales y senderos que van cambiando para convertirse en espacios de permanencia y contemplación.
El mega-colegio Pies Descalzos proyectado para la «Fundación Pies Descalzos», ubicado en la loma del Peye en la ciudad de Cartagena, Colombia, es un proyecto arquitectónico y urbanístico con un gran impacto social consolidado como el motor de cambio para los habitantes de la zona y la ciudad.
El diseño arquitectónico de este proyecto es planteado como la secuencia e interrelación de tres hexágonos, cada uno definido por un perímetro de dos niveles y un patio central de actividades. En ellos es tan importante el perímetro construido, como el espacio vacío interior y la relación con los demás anillos.
El Parque Biblioteca León de Greiff fue construido junto con otros colaboradores en el barrio La Ladera en Medellín.
Fue inaugurado en 2007 para responder a las necesidades de renovación urbana que entrelaza comunas y barrios que se encontraban desarticulados, lleva el nombre del escritor antioqueño León de Greiff.
El modelo posibilita el uso de sus instalaciones comunales como pequeños teatros al aire libre, miradores, plazoletas, y canchas deportivas. El lugar se presenta como un mirador verde y territorio de conexiones entre la parte baja y las zonas altas del barrio. Su programa se compone de un centro comunitario, una biblioteca, un centro cultural y un conector curvo.
Discusión
Mazzanti diseñó la plataforma con la que se busca comunicar el parque de la Independencia con la Biblioteca Nacional y el Museo de Arte Moderno de Bogotá.
El proyecto original era de Rogelio Salmona, el arquitecto de las contiguas Torres del Parque.
La intervención causó un fuerte rechazo por parte de la comunidad, suscitando asimismo artículos críticos de escritores y periodistas bogotanos. A 2013 el proyecto se encuentra detenido por un fallo del Consejo de Estado, el cual acogió una acción popular en defensa del patrimonio y ordenó suspender la construcción dejando parte de la estructura a medio construir. En septiembre de 2013 el Ministerio de Cultura le notificó a la Alcaldía que el proyecto no afecta el patrimonio del parque.
El parque Bicentenario se finalizó sin problemas y en hoy en día es aceptado al que concurren los ciudadanos de la ciudad.
Obras
Escenario deportivo para los Juegos Sudamericanos 2010, Medellín.
– Parque Biblioteca España (Medellín).
-Iglesia Nuestra Señora de la Medalla Milagrosa – Ciudad Salitre, Bogotá
-Jardín Infantil El Porvenir, Bogotá
-Intercambiador Mesón de los Bucaros, Bucaramanga.
-Colegio Flor de Campo, Cartagena.
-Colegio Invemar, Santa Ana.
-Centro de Convenciones Puerta de Oro, Barranquilla.
-Spa Chairama, Bogotá.
-Jardín Infantil Timayui, Santa Marta.
-MegaBiblioteca Distrital, Santa Marta.
-Parque Cultural del Caribe, Barranquilla.
-Plataforma sobre la avenida 26 para prolongar el parque de la Independencia (inconcluso).
-Torres Atrio, proyecto que se construye en el Centro Internacional de Bogotá en Colombia.
-Centro Internacional de Convenciones, Medellín, 2005. junto a Daniel Bonilla.
Miembro Honorario de la AIA – American Institute of Architects Primer colombiano en ser parte de la colección permanente del MOMA en Nueva York Trabajos seleccionados dentro de la colección permanente del Centro Pompidou en Paris.
Es parte de la exposición permanente del Carnegie Museum of Art en Pittsburg. Ganó la Bienal Iberoamericana de arquitectura (mejor proyecto arquitectónico) Lisboa, Portugal, 2008.
Mención International Prize for Sustainable Architecture Fassa Bortolo Eigth Edition, Italia, 2011.
Ganador del American Architecture Prize, por la Ampliación Fundación Santa Fe de Bogotá en la categoría Salud, 2017. Ganador del Premio Global Award for Sustainable Achitecture, Paris, Francia (junto con Steve Baer, Junya Ishigami, Snohetta, Troppo Arch), 2010.
Ganador del American Architeture Prize por el Parque Educativo Marinilla, 2016. Ganador del premio internacional Archdaily’s Building of the Year 2018, para la Fundación Santa Fe Seleccionado dentro del top 10 de Compañías más innovadoras en arquitectura según la revista Fast Company, 2013. (Junto a Foster and Partners (Reino Unido) y BIG – Bjarkle Ingels Group.
Invitación a exponer en The Solomon Guggenheim Museum, Contemplando el vacío, 2010. Ganador Bienal Panamericana de Arquitectura (mejor proyecto arquitectónico) Quito, Ecuador, 2008. Ganador Bienal Colombiana de Arquitectura (Espacio público) 2006. Ganador Premio Lápiz de acero Azul (mejor proyecto arquitectónico) 2008. Ganador Premio Lápiz de acero (mejor proyecto arquitectónico) 2008. Mención de Honor Bienal Colombiana de Arquitectura 2008. Mención de Honor Bienal Colombiana de Arquitectura 2010. Finalista Bienal Iberoamericana de arquitectura 2010. Nominado Premio Lápiz de acero 2000.
Gracias a la amabilidad de Carmen de la Guardia Herrero tengo 2 piezas muy valiosas, una maqueta en papel de la casa Ucelay, que fue construida en Long Island (NY) 1970, y un libro, Matilde Ucelay Maórtua “Una vida en construcción”.
La dirección de la edición del libro estuvo a cargo de Inés Sánchez de Madariaga. El libro de 258 pp, encuadernado en tapa dura, lo editó la Secretaria General Técnica, del Ministerio de Fomento. Los textos son de Antonio Fernández Alba, Elia Gutiérrez Mozo, Javier Ruiz-Castillo Ucelay, José Enrique Ruiz-Castillo Ucelay y de la ya mencionada Inés Sánchez de Madariaga.
Las fotografías son de la familia y de Mariela Apolonio.
En el prólogo Inés Sánchez de Madariaga narra, acerca de las dificultades de escribir sobre una persona que no ha tenido una vida pública (o publicada), y que no ha podido ser por diversas causas, de conocimiento a través de los medios.
Recomiendo leer este prólogo, que incluye este mensaje “…Una familiaridad que me ha hecho acercarme al material, y a la vida y obra de Ucelay, con empatía. Y que, en mi fuero interno, me hace ver este libro conmemorativo sobre Matilde como un libro que también reconoce, indirectamente, a tantas otras mujeres pioneras en su época, a algunas de las cuales he conocido íntimamente en mi familia….ha sido un trabajo exigente”.
Su hermana Margarita cuenta que “Matilde estudiaba mañana y noche. Le costó que le reconociesen el derecho a estudiar…Entre sus profesores hubo quienes se opusieron y quienes no se opusieron…le costó trabajo sacarlo adelante…una mujer no podía, pero era consciente que había marcado un antes y un después…lo consiguió al final”.
Su hijo José Enrique recuerda “A mi madre la veo como un soldado. No se rendía, si hay que hacerlo, se hace…”
Matilde afirmó en una grabación “…Una mujer, mientras que no tenga independencia económica, no tendrá libertad…”
La autora Inés Sánchez de Madariaga
Nació en Madrid en 1963, directora de la cátedra UNESCO de Género en Ciencia, Tecnología e Innovación, y Profesora Titular de Urbanismo, Universidad Politécnica de Madrid. Ha sido becaria Fulbright y Profesora Invitada en Columbia University, London School of Economics, y Escuela de Arquitectura-Bauhaus.
Como miembro del Grupo de Helsinki sobre Género e Investigación de la Comisión Europea, fue responsable del informe Cambio Estructural de las Instituciones Científicas, hoja de ruta de la CE para promover la igualdad de género en la investigación, y jugó un papel clave en las negociaciones para la integración de género en el Programa Marco Europeo Horizonte 2020.
Ha sido Asesora de la Ministra de Vivienda, Subdirectora General de Arquitectura, Directora de la Unidad de Mujeres y Ciencia en el Gabinete de la Ministra de Ciencia. Es miembro de grupos de expertos de alto nivel en la Comisión europea, ONU-Hábitat, UNESCO, Habitat III y ONU-Mujeres. Autora del manual Urbanismo con perspectiva de género, es co-editora de los textos de referencia en Europa sobre género y urbanismo: Fair Shared Cities. The Impact of gender Planning in Europe y el monográfico en Town Planning Review Mainstreaming Gender in the City.
Matilde Ucelay, la formación de una arquitecta en la España de principios del siglo XX.
Por Inés Sánchez de Madariaga
Nació en Madrid en 1912, en una familia ilustrada y burguesa. Su padre estaba vinculado al liberalismo político.
Matilde, era la hija mayor, de sus 3 hermanas, Luz, Margarita y Carmen.
Comenzaron su formación con maestros en la casa, dibujo, francés, alemán, música, luego fueron a la reciente creada Institución Escuela.
En el Instituto Escuela, se enseñaba a razonar en lugar de memorizar, aprendían de la naturaleza, chicos y chicas estudiaban juntos.
Allí, Matilde Ucelay conoció a José Ruiz-Castillo que iba cinco cursos por delante, aunque otra fuente dice que se conocieron a través de “Anfistora”, el grupo teatral fundado por Pura Maórtua.
Su madre, la llevaba todas las semanas a los conciertos de la Orquesta Nacional, fue quien le ayudó a cultivar su fervor por la música.
Su bisabuelo Gregorio Ucelay fue un escribano, progresista, que durante dos décadas fue regidor del Ayuntamiento de Madrid, un héroe de la revolución de 1854.
El reducido círculo cultural, artístico e intelectual del liberalismo español de la época, giraba en torno al Instituto escuela y el Teatro Universitario “La Barraca”, fundado por García Lorca y Ugarte en el marco de la labor cultural del sindicato estudiantil Federación Universitaria Escolar.
José tenía muchos hermanos, Manolo el mayor, amigo de Alberti, Luis, Arturo, escenógrafo, pintor y cineasta, también amigo de Alberti, Miguel, Mari Paz, Menchu e Isabel,
José Ruiz-Castillo padre era un famoso editor, fundador de la Editorial Biblioteca Nueva, y Renacimiento, amigo íntimo de los más importantes intelectuales de la época, Ortega, Baroja, Pérez de Ayala entre otros, su hijo José, esposo de Matilde, lo sucedería al mando de la editorial.
La madre de Matilde,Pura Maórtua fue socia fundadora en 1926 del “Lyceum Club”, una de las primeras asociaciones femeninas españolas, a las que pertenecían Clara Campoamor, Victoria Kent, Matilde Huici, Maria de Maeztu, Ernestina de Champourcin, a las que despectivamente les decían “las maridas”.
A este grupo, se le agregaba muchas extranjeras o con vínculos extranjeros, relacionadas con el Instituto Internacional como María Lejárraga, Carmen Baroja, Asita de Madariaga, Zenobia Camprubí, Isbel Oyarzábal, María Baeza, María Goyri, Mabel Rick, Carmen Monné, Constancia de la Mora, María Teresa León, Concha Méndez.
Sus estatutos fundacionales eran copia del primer Lyceum fundado en Londres en 1904, básicamente prohibían las discusiones políticas y religiosas para garantizar la coexistencia política, este modelo apareció también en Bruselas, París, Berlín Roma o Ámsterdam.
Con Federico García Lorca y Ramón M. del Valle-Inclán
Se organizaban conferencias, exposiciones, obras de teatro, conciertos, cursos de idiomas, de derecho y de teatro. Su sede era un edificio del siglo XVI, la casa de las Siete Chimeneas actual Ministerio de Cultura.
Era una época de abierta discriminación legal contra las mujeres en España, desde el “uxiricidio por honor” (un delito que constituía un total y auténtico privilegio al hombre en defensa de su honor, por lo que podía matar, lesionar a su esposa) art 438 del Código Penal de 1870 que fuera abolido en 1934 y recuperado en 1944, así como las prohibiciones de acceso al empleo remunerado para las mujeres casadas, la patria potestad masculina sobre los hijos, o la prohibición a las casadas de gestionar el propio patrimonio.
En España la asociación dejó de funcionar al inicio de la guerra y en 1939 sus locales fueron incautados por la Sección Femenina de la Falange.
Pura Maórtua fue fundadora de la compañía de teatro independiente “Anfistora”, palabra inventada por García Lorca, quien era un asiduo participante de las cenas que se organizaban.
La Escuela de Arquitectura de Madrid
Fin de curso con compañeros y profesores en la puerta de entrada del nuevo edificio de la Escuela de arquitectura, Ciudad Universitaria, 1936. Se ve a 31 hombres y a 1 mujer Ucelay
En la década de 1960 solo 40 mujeres se titularon en arquitectura en España, 9 de ellas en la Escuela de Barcelona, en los ´70 el 15% eran mujeres, en el 2007 llegaron al 50 %.
Matilde Ucelay ingresó en 1931 en la Escuela de Arquitectura de Madrid, la única existente en el país.
Su director era Modesto López Otero, y entre sus catedráticos figuraban Teodoro de Anasagasti, , Pascual Bravo, Leopoldo Torres Balbás, Luis Vega, Antonio Flórez, Emilio Canosa, y César Cort (tengo el placer de vivir en la urbanización Quinta de los Molinos, de Madrid, urbanización que se construyó en parte de las tierras de la quinta que creara y viviera Cesar Cort al norte de Madrid, mediante un acuerdo con el Ayuntamiento de Madrid de cesión de 25 has, el resto de su Quinta)
Matilde fue la primera en titularse y en ejercer su profesión, Solo otras tres mujeres estudiaban arquitectura Lali Úrcola, Rita Fernández Queimadelos y Cristina Gonzalo Pintor.
Matilde estudiaba junto a su compañero Fernando Chueca Goita y se recibe en Junio de 1936, un año antes de lo que le hubiera correspondido.
En las dos décadas siguientes solo cinco mujeres se titularon en la Escuela de Arquitectura de Madrid, Cruz López Muller en 1945, Juana Ontañón en 1949, Margarita Mendizábal en 1956, María Eugenia Pérez Clemente en 1957 y Elena Arregui Cruz en 1958.
Era una mujer de opiniones de centro izquierda, en aquellos momentos de gran polarización, significaba ser republicana de izquierdas.
“Matilde destacaba y ello generaba odio entre algunos compañeros…algunos debían encontrar que una mujer expresando sus ideas en la Escuela de Arquitectura era algo de por si un poquito ofensivo…Si tenía que ir a un lavabo, no había lavabo para mujeres, entonces tenía que ir el bedel a sacar a todos los hombres del lavabo para que ella pudiera entrar”.
La correspondencia que mantuvo con Felix Candela durante la década de 1950, conservada en el Archivo Candela de la Universidad de Columbia en NY es testimonio de la sincera y profunda relación, en lo personal y en lo profesional.
Comenzada la guerra, en otoño de 1936 se fue a Valencia, donde se casó en 1937 y tuvo a su primer hijo en 1938. Compartió una casa de refugiados con otras dos parejas, Rafael Alberti junto a Teresa León y Arturo Ruiz-Castillo con Rosa Bernis.
Margarita Ucelay dice sobre los primeros meses de la guerra en Madrid:
“En la calle Libertad estaban a tiros todos los días, en la casa corriendo por la terraza. A dos profesores auxiliares los mataron de mala manera…Horrible, repugnante guerra. A mi padre, que era mayor, casi se lo llevan…habían dicho “Pues lo vamos a buscar”, pero no vinieron. A mi padre se le puso la pierna negra y el médico dijo, corre riesgo de coger escorbuto, necesita tomar naranjas, tiene que irse…y se fueron a valencia en otoño. Matilde y Pepe también…con toda la dificultad de buscar naranjas…pero en fin, Valencia era vida. Allí pasamos la guerra”.
Una arquitecta en la vida pública. Madrid años 30
Por Inés Sánchez de Madariaga
A sus 23 años, formó parte de la Junta de Gobierno del Colegio de Arquitectos de Madrid de 1936, llamada “del Frente Popular”. Formada en Agoto de 1936 se constituyó para apoyar al gobierno legítimo de la República frente al golpe de estado militar, era la Secretaria de la Junta presidida por Gabriel Pradal, diputado por Almería.
El 31 de Julio se produce la incautación de los Colegios de Arquitectos de Cataluña y Baleares y el 21 de Agosto el de Madrid, al que pertenecía el 40 % de arquitectos.
Los 29 arquitectos de la Junta fueron acusados de delito de “auxilio a la rebelión” y condenados por el Código de Justicia Militar, por tribunales militares, la causa se inició en el verano de 1939 y se archivó en 1954. Expediente sumarísimo de urgencia Nº 21.679, Auditoria de Guerra de la Primera región Militar Ejército de Ocupación.
Luego fueron “depurados” y sancionados nuevamente en un proceso civil instruido por el Colegio de Arquitectos y por la Dirección General de Arquitectura, creada por el Ministerio de Gobernación. La Junta fue acusada de “Delito de auxilio a la Rebelón” e “Incautación del Período Rojo”.
Luego de su declaración indagatoria del 20 de Agosto ante el juez militar se le impuso prisión domiciliaria y “a presentarse cada vez que fuera llamada ante las autoridades bajo apercibimiento de ser perseguido por quebrantamiento”.
Feliz Candela aparece con una sanción de inhabilitación perpetua para ejercicio público de la profesión y de un año para ejercicio privado más multa de 10 mil pesetas, a Ucelay se le pide Inhabilitación a perpetuidad para ejercicio público de la profesión y de dos años para ejercicio privado, más multa de 30 mil pesetas.
El Tribunal condenó a Ucelay y otros ocho arquitectos a la pena de 8 años y un día de inhabilitación especial para la profesión y responsabilidad civil indeterminada como autores de un delito del 256 del Código Penal Ordinario, absolviendo a otros 4 acusados.
Hubo otros juicios, donde se perseguía la “muerte civil” al inhabilitar profesional de por vida, y recaudatorias con importantes sanciones económicas.
Las cifras de depuraciones de arquitectos en toda España fueron expedientados 1088 arquitectos, con 182 sanciones provisionales, 81 con sanciones definitivas y 101 sin sanción. (Archivo del COAC).
Ucelay era la única mujer entre los 1088 expedientados, fue en los sucesivos juicios endureciéndose la pena, inhabilitación perpetua para cargos públicos, directivos y de confianza, e inhabilitación durante cinco años para el ejercicio privado de la profesión, y multa de 30 mil pesetas. Todas las sanciones al revisarse se redujeron, la única que se incrementó fue la de Ucelay, que recibió un castigo ejemplar por ser mujer.
La “justicia” de los compañeros de profesión fue más severa que la militar.
Pasó la guerra en Valencia, se casó el 11 de enero de 1937 y tuvo a su primer hijo José Enrique. Al finalizar la guerra junto a su esposo regresan a Madrid, menos Margarita que durante la guerra se exilia en Nueva York.
En 1940 la nueva Junta del COAM es presidida por Manuel Valdés Larrañaga, amigo personal de José Antonio Primo de Rivera, fundador del sindicato estudiantil falangista SEU en 1933, posteriormente durante el franquismo fue embajador en varias ocasiones.
Las sanciones impuestas en 1942 por la Dirección General de Arquitectura a 81 arquitectos de toda España, fueron anuladas en el año 2004, durante la Octava legislatura de la democracia instaurada en 1978.
A pie de Obra. La práctica profesional de la primera arquitecta española
Por Inés Sánchez de Madariaga
Visita de obra, ca 1970
“Cuando yo vivía en Chicago mis padres me vinieron a visitar, era un día corriente del invierno de Chicago, todo nevadito y helado…Mi madre estaba suscripta a las revistas profesionales de la época…que leía asiduamente como Domus, atendía al racionalismo contemporáneo con fruición …mantenía conversaciones durante horas con sus amigos arquitectos…tenía opiniones muy formadas”. José Enrique Ruiz-Castillo Ucelay.
Matilde atiende a la esencia de la vanguardia purista corbusierana, líneas nítidas, formas sencillas, eliminación de ornamentación, pureza en el diseño del espacio.
Cubiertas ALA, Iglesia de la Medalla milagrosa, ciudad de México, 1954, Felix Candela con José Luis Benlliure Galán. Foto de Juan Ignacio del Cueto
Mantuvo correspondencia durante los años 50, con Feliz Candela“…Tus trabajos me parecen interesantísimos, y estoy asombrada de lo «escritorazo» que te has hecho, y lo filósofo, desenvolviendo ideas complicadas con una gran claridad, tanto que hasta un profano podría hacerse cargo de ellas. Aquí es una pena lo aferrado que está todo el mundo a lo tradicional, y aunque algunos arquitectos jóvenes quieren hacer pruebas, la gente los ve como locos…algún día se impondrá la arquitectura moderna, y se dejarán de hacer tantas cosas aburridas, que podían haberlas hecho nuestros abuelos”.Matilde a Feliz Candela.
L Óceanogràfic (El Oceanográfico), Ciudad de ls artes y las Ciencias, Valencia
“… un bonito libro de Gaudí que ha salido no hace mucho, con prólogo de nuestro señor Le Corbusier…te lo voy a enviar por correo. El libro es muy bueno y está hecho con gran criterio, en la selección de las fotografías y en su coloración. Desde luego era un tío formidable, tu antepasado Gaudí. Muchas veces he preguntado a libreros si sale algo de Torroja sobre cascarones y nunca encuentro nada. Seguiré con el encargo”. Matilde a Félix, 9 de noviembre de 1959.
Félix Candela envía una carta con abundantes detalles técnicos, como éste con un dibujo a mano alzada, y los cálculos del proyecto del restaurante la jacaranda en Acapulco:
“…como me he pasado el día trabajando sobre esto, estoy tan entusiasmado que no resisto la tentación de hacerte un croquis. Se trata de una hoja de paraboloide con el eje inclinado, pero cortado en el lado del voladizo por un plano que produce una sección hiperbólica.
La ventaja de este borde curvo es que creo que puedo dejarlo sin ningún refuerzo, trasladando todas las fuerzas a los bordes rectos de atrás. Esto significa que se puede dejar el borde curvo sin ninguna nervadura o miembro de borde, ya puedes imaginarte el efecto de este enorme volado de 30 metros, con un ancho de 53 metros y con un espesor de 4 cm en toda la superficie, incluso el borde.
«Lo bueno de emplear paraboloides es que el cálculo es elemental aunque un poco largo, en este caso. Lo más entretenido es que hay que proyectarlo todo sobre un plano perpendicular al eje y encontrar la inclinación de las tangentes a la curva de borde con respecto a dicho plano. Conociendo esto puedo anular los esfuerzos en el borde curvo y encontrar sus valores en los valores rectos y en los puntos del interior».
«En estos último se hallan los valores de los esfuerzos principales y con los esfuerzos resultantes en el borde recto se calcula éste con sus columnas y sus cables de anclaje». Felix a Matilde. 7 de agosto de 1957
Cuando en el verano de 1939 Matilde y José regresaron de Valencia a Madrid, se instalaron en un pequeño ático del edificio Castaño, en la esquina de las calles de Alalá y Goya, donde Matilde instaló su estudio.
El edificio Castaño es una de las pocas obras de arquitectura racionalista de Madrid, proyectado por los arquitectos Jesús Martí y Martín y Miguel Angel García-Lomas Somoano en 1929.
El Ático del edificio Castaño había sido el estudio de arquitectura del Arq. Martí.
Martí, como Candela, Ucelay y Eced habían formado parte de la Junta del Colegio de Arquitectos de Madrid en 1936.
Otro referente racionalista en Madrid con forma de proa de barco, que podría ser el hermano mayor del edificio Castaño, es el edificio Capitol de los arquitectos Luis Martinez-Feduchi y Vicente Eced y Eced en la Plaza del Callao.
El retorno a Madrid de Matilde y su esposo fue muy difícil. Sin dinero, significaba empezar de cero, además de enfrentarse a los procesos militares y la depuración profesional. Juicios interminables, el arresto domiciliario, la retirada del pasaporte, la petición de reclusión de 20 años de cárcel, las condenas sucesivas, las sanciones económicas.
Durante su inhabilitación, Aurelio Botella Enríquez firmó sus proyectos y le enviaba colaboraciones ocasionales.
En 1940 hace su primera obra, para su suegra Paz Basala, un segundo piso en la huerta del Venado, en la Granja de San Ildefonso, en Segovia.
Casa Paz Basala
La prohibición para el ejercicio de cargos directivos, que formalmente no se anuló hasta el año 2004, no se limitaba por cierto a la profesión, era vigilada de cerca y aplicada consistentemente por las autoridades franquistas.
En una entrevista que Carmen Castro le realizaran, declara:
-El secreto de su éxito?
No dejar de luchar hasta resolver los problemas planteados. No dejarse vencer, proponerse vencer las dificultades.
“Por las tardes dibujaba tres o cuatro horas todos los días en el tablero, unos dibujos perfectos hechos a lápiz. El proyecto definía todo, hasta el último detalle, con una minuciosidad que aplicaba a todas sus dimensiones”. El aparejador Carlos Boyer
“Dibujaba con lápiz de Faber Castell, afilando el lápiz…lo dibujaba todo. Un alto nivel de detalle”. José Enrique Ruiz-Castillo Ucelay
Video
Ponencia de la Arq. Valenciana Inés Novella(1), gran conocedora de la biografía de Uceñay, obtenida de INSIGN/A , (Rehabilitación y Arquitectura) 8 de Octubre de 2018
Amigos y clientes
Llevaban una vida social muy activa, en torno a la editorial de los Ruiz-Castillo.
Las tertulias de Ortega, se realizaban con una cena todos los sábados por la noche. En su casa tenía una colección de más de 100 obras, de Solana, Palencia, Zabaleta, Ortega Muñoz, Vázquez Diaz, participaban Duarte y su mujer Montse, Ruiz Castillo y Ucelay, Los Botella, Guinea, tío del pianista Joaquín Achúcarro, Tamames Klindemberg, Carmen Castro y Javier Zubiri.
Buero Vallejo leía todas las obras que publicaba, las veladas duraban hasta las 3 o las 4 de la mañana.
“En mi casa, desde niño y adolescente, Ortega y Gasset, era el principio y fin de todo el pensamiento y las ideas, de todos los valores de mi padre. A la hora de comer, mi padre venía de la tertulia de la revista de Occidente, y contaba lo que Ortega y Gasset había dicho ese día, y los comentarios de los demás, además estaba Valle Inclán hijo, Azorín. Ortega recomendaba a mi abuelo “Don José, en Viena hay jun doctor Freud que va a causar sensación y que trae locas a las mujeres”. José Enrique Ruiz-Castillo Ucelay
También frecuentaban el círculo de amistades del cirujano Plácido Duarte.
Recibía de ocho a diez personas en las que participaban los herederos de Unamuno y Valle Inclán, a tratar los derechos de autor, escritores como Laín Entralgo y Aranguren profesores como José Luis Sampedro, José María Maravall, Carlos Castilla del Pino entre otros.
Para la familia Oswald, un rico industrial con fábrica de plásticos, hizo varias casas. La casa con mansardas es la primera que diseño en 1952, en Puerta de Hierro.
Trabajó algunas veces con su hijo José Enrique, como en la librería Turner de Madrid, en las naves Claudio Barcia o en la Trefilería Driver-Harris.
El último encargo que tuvo, de Isabel Preysler y Miguel Boyer, lo rechazó porque consideró que era demasiado trabajo para ella. Isabel Preysler era amiga de Marta Oswald y quiso una casa como la de Oswald.
Ucelay se jubiló en 1981, cuando la crisis del petróleo.
Reconocimientos
La asociación de arquitectas “La Mujer Construye” le rindió un homenaje en 1998 en Alcalá de Henares.
En el 2003 fue nombrada colegiada de honor por el Colegio de Arquitectos de Madrid, junto a Fernando Chueca Goitia y Ramón Canosa.
En el 2006 participó en el Pabellón español de la Bienal de arquitectura de Venecia “Nosotras las Ciudades”.
En el 2006 el Ministerio de Vivienda le concedió el premio de Arquitectura, que por primera vez se le concedía a una mujer.
Catálogo Seleccionado de Obras
Por Anne Alix le Maigan
La Huerta del Venado. La Granja, Segovia. 1940
Ampliación de la casa familiar de los Ruiz-Castillo en la Granja de San Idelfonso, Segovia. Reforma integral, construcción de un segundo piso. Fotos de Mariela Apolonio
La Huerta del Venado. La Granja, Segovia. 1940
Casa Oswald. Puerta de Hierro. Madrid. 1952
Es una vivienda unifamiliar en dos plantas, la baja articulada en “L” que aloja en su parte más corta el garaje para 5 vehículos y en el largo tiene dos cuerpos de doble altura.
La planta primera tiene en el volumen principal, las dependencias de los padres, y en el secundario, las de los hijos, independientes ambas.
Vivienda unifamiliar para Flia Oswald en Puerta de Hierro. Madrid
Notas
1
Inés Novella es Master en Arquitectura, Investiga y coordina los proyectos de la Cátedra UNESCO de Políticas de Género en Ciencia, Tecnología e Innovación de la Universidad Politécnica de Madrid.
Investiga sobre políticas de igualdad y género en los campos tecnológicos, y por otro, el diseño arquitectónico y urbano con perspectiva de género. Ha sido invitada en diferentes universidades españolas y europeas. Ha asesorado al Ministerio de Fomento en la preparación de una nueva Ley de Vivienda, al Gobierno Vasco en el nuevo Decreto de Habitabilidad, también a la Junta de Extremadura en la nueva Ley de Territorio y a la Junta de Castilla la Mancha.
Ha presentado sus trabajos representando a España en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2018. Experta consultora para el desarrollo de la Agenda Urbana Valenciana y recientemente he sido invitada por la Academia de Planificación Territorial de Alemania (ARL) para
