“Eero Saarinen 1910-1961. Un expresionista estructural”.
Editorial Taschen. Colonia, 2009
ISBN 978-3-8365-1331-9
ISBN 978-3-8228-2866-3
25 x 31 cm. Cartoné. PP. 98. editor Peter Gössel(3)
Su larga colaboración con Knoll le permitió realizar diseños de muebles que se han hecho famosos como la “silla Grasshopper” y el “sillón Womb”.
Saarinen para Knoll International 1965. Precio 5.488 €
“Sillón Womb”. Precio 10.890 € con apoya pies
Su primera esposa fue Lilian Swann Saarinen desde 1939 a1953, en 1954 hasta su fallecimiento en 1961 estuvo casado con Aline Bernstein Saarinen, una reconocida crítica de arte y arquitectura.
El libro sobre Saarinen está profusamente ilustrado, y narra en detalle su vida y su obra desde sus estudios y primeros pasos hasta sus proyectos referenciales, explora cómo cada uno de sus diseños amplió los límites del paisaje moderno.
«Con el estadio de hockey de Yale, Saarinen inició una nueva etapa en su trayectoria de exploración de formas orgánicas aprovechando las posibilidades del hormigón armado. Esa instalación deportiva, una de sus primeras estructuras suspendidas, cubre un área de 25.90 por 60.90 metros con capacidad para 3.000 espectadores. Su función primaria era albergar partidos de hockey, pero debía ser multiusos.
Saarinen trabajó estrechamente con Fred Severud, el ingeniero estructural del arco del monumento a Thomas Jefferson, que le permitió diseñar una cubierta ligera y ondulante que contrasta con la típica forma de los edificios circundantes.
“… Un arco parabólico de hormigón armado, con curvatura inversa en sus extremos, surca el eje longitudinal. Desde esta especie de columnata vertebral, cables metálicos transversales, de 25 centímetros de diámetro, insertados a intervalos de 1,80 metros, se extienden hasta fijarse en dos vigas, también de hormigón y de perfil similar, a la altura del suelo”.
Su socio fue Kevin Eamonn Roche (Dublín 1922 – 2019 Guilford) (5) arquitecto estadounidense de origen irlandés, en 1982 Roche ganó el Premio Pritzker de arquitectura, el máximo galardón de esta especialidad, comparable al Premio Nobel.
Kevin Roche comenzó a estudiar en 1940 en la Universidad de Dublin. Después de graduarse en 1945, Roche trabajó para Michael Scott en Dublín.
Poco después de la muerte de Saarinen,Kevin Roche, apareció en un documental que conmemoraba el trabajo de Saarinen donde comentaba: «La gran lección que nos da esta obra es sobre la habilidad de Eero para controlar la línea y la forma. Si se forma una línea recta, no hay dirección, pero, si se la tuerce, dicha línea se convierte en una línea dinámica. El gran desafío consiste en controlar ese dinamismo y aplicarlo a la construcción de un edificio».
La audaz geometría de este proyecto repercutiría más tarde en las escultóricas formas de la terminal de TWA en Nueva York.
El escultor Oliver Andrews fue el autor de la iluminación instalada en la parte superior de una de las curvaturas que aumenta el efecto de elevación del cielorraso y señala el emplazamiento de la entrada principal. El estado de hockey se sigue utilizando para su propósito original».
Saarinen fue reconocido por sus diseños de líneas curvadas, especialmente en las cubiertas de sus edificios, con las que conseguía imprimirles una gran ligereza. Se le asocia frecuentemente con la denominada “arquitectura internacional”.
Eero Saarinen
Nació en Kirkkonummi, Finlandia el 20 de agosto de 1910, falleció el 1 de septiembre de 1961 a los 51 años de un tumor cerebral en Ann Arbor, Míchigan.
Estudio en la Académie de la Grande Chaumière y en Yale School of Architecture.
Academia Estadounidense de las Artes y las Letras
Distinciones FAIA y Medalla de Oro de la AIA.
Su madre fue la escultora Louise (Loja) Gesellius, y su padre fue el conocido arquitecto Eliel Saarinen. Sus padres emigraron a los EEUU cuando tenía 13 años.
Silla Útero, Modelo N.º 70, diseñada en 1947-1948. Museo Brooklyn
Eero Saarinen estudió escultura en la Academia de la Grand Chaumiére de París y posteriormente arquitectura en la Universidad de Yale.
Recibió una beca para viajar a Europa, donde permaneció dos años. A su regreso fue profesor de arquitectura en la Academia de Arte Cranbrook, y en el estudio «Saarinen, Swansen and Associates», encabezada por Eliel Saarinen y Robert Swansen desde finales de 1930 hasta la muerte de Eliel en 1950.
El estudio funcionó en Bloomfield Hills, Míchigan, hasta 1961 que se trasladaron a Hamden, Connecticut.
Recibió por primera vez un importante reconocimiento, mientras aún trabajaba para su padre, por una silla diseñada en 1940 junto con Charles Eames para el concurso «Organic Design in Home Furnishings», por la que fueron premiados.
El 1 de octubre de 1940, el Departamento de Diseño Industrial en el Moma (Museo de Arte Moderno de Nueva York) anunció un concurso de ideas a nivel nacional, cuyos diseño se realizarían través de un esfuerzo de cooperación entre diseñadores, fabricantes y distribuidores.
«Un diseño se puede llamar orgánico si en el objeto pensado como un todo hay una relación armónica entre los elementos individuales en materia de estructura material y su fin”. (8)
La «silla Tulip», como todas las demás sillas Saarinen, fue producida por la compañía de muebles Knoll, fundada por Hans Knoll, quien estaba casado con Florence (Schust) Knoll, una amiga de la familia de Saarinen,
Cuando aún trabajaba para su padre, recibió también el primer premio en el concurso para el diseño del monumento Jefferson National Expansion Memorial, en St. Louis, que no se terminó hasta la década de 1960.
Como curiosidad, podemos comentar que el premio fue enviado erróneamente a su padre.
Durante su larga asociación con Knoll diseñó muchas piezas importantes de mobiliario incluyendo la silla de salón «Grasshopper» y el otomano (1946), la silla y la otomana «Womb» (1948), el sofá «Womb» (1950), y su más famoso grupo «Tulip» o «Pedestal» (1956), que ofrecía sillas de lado y de brazo, comedor, café y mesas laterales, y un taburete. Se llama “otomano” a un asiento bajo o un taburete que suele estar tapizado y acolchado.
Serie Tulipan, en Viadurini 1.746 €
Todos sus diseños tuvieron enorme demanda, excepto la silla de salón «Grasshopper», que, aunque estuvo en producción hasta 1965, no tuvo tanto éxito.
Una de las obras más tempranas de Saarinen en recibir la aclamación internacional es la escuela de Crow Island en Winnetka, Illinois (1940).
Escuela de Crow Island
El primer trabajo importante de Saarinen, en colaboración con su padre, fue el centro técnico de General Motors en Warren, Míchigan, que sigue el estilo racionalista del estilo “Miesian”, incorporando el acero y el vidrio, pero con el acento agregado de los paneles en dos tonalidades de azul, fue construido en 1956, Saarinen usaba maquetas, lo que le permitía compartir sus ideas y recoger las aportaciones de otros profesionales.
Debido al éxito del centro, fue invitado por otras grandes corporaciones estadounidenses como John Deere, IBM y CBS para diseñar su nueva sede u otros edificios corporativos importantes. Diseños con ideas racionales que sin embargo en sus interiores incluía dramáticas escaleras mecánicas.
En sus edificios incluía sus muebles como la Serie Pedestal.
En la década de los 50 comenzó a recibir más encargos de las universidades estadounidenses para los diseños de campus y edificios individuales. Estos incluyeron el dormitorio de Noyes en Vassar, Hill College House en la Universidad de Pensilvania, así como una pista de hielo, el Ingalls Rink, Los Colleges Ezra Stiles & Morse en la Universidad de Yale, la maravillosa MIT Chapel y el vecino Kresge Auditorium en el MIT y la escuela de Derecho en la Universidad de Chicago.
Opera de Sídney
Jørn Utzon, al fondo la ópera de Sídney
Saarinen formó parte del jurado para la construcción de la Ópera de Sídney en 1957 y fue crucial en la selección del diseño ahora internacionalmente conocido de Jørn Utzon (1918 – 2008).
Un primer jurado que no incluyó a Saarinen había descartado el diseño de Utzon en la primera ronda.
Saarinen revisó los diseños descartados, reconoció una calidad en el diseño de Utzon, y lo defendió asegurando la adjudicación del primer premio a Utzon.
Su propio estudio de arquitectura
Después de la muerte de su padre en julio de 1950, Saarinen fundó su propio estudio de arquitectura «Eero Saarinen and Associates«.
Fue el socio principal desde 1950 hasta su muerte ocurrida en 1961.
Con la dirección de Eero Saarinen, el estudio llevó a cabo muchos de sus proyectos, incluyendo el Complejo Holmdel de Bell Labs en Holmdel Township, Nueva Jersey, el Jefferson National Expansion Memorial (incluyendo el Gateway Arch) en San Luis, Misuri, la Casa Miller en Columbus, Indiana, el TWA Flight Center en el aeropuerto internacional Kennedy de Nueva York (junto con Charles J. Parise), la terminal principal del aeropuerto internacional de Dulles cerca de Washington D. C., la nueva terminal del este del aeropuerto de Atenas que abrió en 1967, etc.
Muchos de estos proyectos usan curvas de catenaria en sus diseños estructurales.
Una de las estructuras de hormigón de capa fina más conocidas en América es el Auditorio Kresge (MIT).
Otra estructura de cubierta delgada que creó es la pista Ingalls de Yale, que tiene cables de suspensión conectados a una única columna vertebral de concreto y es apodada «la ballena». Sin duda, su obra más famosa es el TWA Flight Center, que representa la culminación de sus diseños anteriores y demuestra su expresionismo neofuturístico posible gracias a la maravilla técnica de su cubierta de hormigón.
Eero también trabajó con su padre, madre y hermana diseñando elementos del campus de Cranbrook en las colinas de Bloomfield, Míchigan, incluyendo la escuela de Cranbrook, la escuela de Kingswood, la academia de arte de Cranbrook y el Cranbrook Science Institute.
Saarinen se hizo famoso por sus diseños de líneas curvadas, especialmente en las cubiertas de sus edificios, con las que conseguía imprimirles una gran ligereza. Se le asocia frecuentemente con lo que se denomina “arquitectura internacional”.
Fallecióel 1 de septiembre de 1961, a la edad de 51 años mientras se sometía a una operación por un tumor cerebral. Estaba en Ann Arbor, Míchigan mientras supervisaba la realización de un nuevo edificio de música para la escuela de música, del teatro y de la danza de la Universidad de Míchigan. Está enterrado en el cementerio White Chapel Memorial Park, en Troy, Míchigan.
Notas
1
Samuel Morse era el hijo de Jedidiah Morse, quien se opuso a los Illuminati en sus intentos de subvertir la Nueva Inglaterra calvinista.
2
Pierluigi Serraino, es un arquitecto en activo e innovador del diseño que ejerce en el área de la Bahía de San Francisco.
Sus proyectos y textos se han publicado en revistas como Architectural Record, A + U (Japón) y The Architectural Review (Reino Unido). Ha publicado varios libros sobre arquitectura como Modernism Rediscovered (2000), Eero Saarinen (2005), The Creative Architect: Inside the Great Personality Study (2016) y Ezra Stoller: A Photographic History of Modern American Architecture (2019).
3
Peter Gössel dirige una agencia de diseño para museos y exposiciones. Para Taschen ha publicado monografías sobre Julius Shulman, R. M. Schindler, John Lautner y Richard Neutra, y varios títulos en la serie Basic Architecture.
4
La mascota de Morse es la morsa, en francés le morse se traduce como morsa. Un estudiante en Morse es conocido como «Bocado», también el nombre del pequeño café («Mantequilla») en la sala común de Morse.
5
Kevin Roche trabajo en Londres con Maxwell Fry y en los EE. UU. realizó su posgrado con Mies van der Rohe en el Illinois Institute of Technology. A partir de 1950 trabajó como ayudante en el departamento de planificación de Eero Saarinen and Associates en Bloomfield Hills, Míchigan. Fue socio de Saarinen y cuando éste falleció en 1961 se asoció con el ingeniero de estructuras John Dinkeloo, con quien terminó la terminal de TWA en el aeropuerto J. F. Kennedy de NY o el arco de St. Louis.
Entre 1962 y 1983 realizó más de 50 proyectos. Recibió premio honorífico de la Universidad Nacional de Irlanda, y el doctorado en Bellas Artes de la Universidad de Yale, en 1977 recibió la Medalla de Oro de la Academia de Arquitectura, en 1982 ganó el Premio Pritzker de arquitectura, en 1990 la Medalla de Oro de Arquitectura de la Academia Americana de Artes y Letras y en 1993 la medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos.
Obras relevantes: Fábrica de Cummins Engine (Columbus, Indiana), Edificio corporativo Deere and Co. (Moline, Illinois), Edificio corporativo General Foods (Rye, Nueva York), Ampliación del Museo Metropolitano (Nueva York), Oakland Museum of California (California).
Ford Foundation Building (Nueva York), Edificio Nations Bank Plaza (Atlanta), Sede corporativa de Bouyges (París), Hotel Plaza de las Naciones Unidas (Nueva York), Power Center for the Performing Arts, Universidad de Míchigan (Chicago) y el Fine Arts Center, Universidad de Massachusetts (Amherst, Boston), Banco Irwin Union and Trust Company Addition, Edificio College Life Insurance (Indianápolis), Edificio Knights of Columbus (New Haven, Connecticut), Ciudad Financiera del Banco Santander (Madrid) costó 480 millones de euros, incluyó la construcción inicialmente de nueve edificios, 400.000 metros cuadrados y más de 5.000 plazas de aparcamientos.
6
John Mead Howells, FAIA (1868 – 1959) fue un arquitecto estadounidense.
Nacido en Cambridge, Massachusetts, hijo del autor William Dean Howells, obtuvo una licenciatura en la Universidad de Harvard en 1891 y completó estudios de arquitectura allí en 1894 antes de estudiar en la École des Beaux-Arts , en París, donde obtuvo su diploma en 1897.
7
Urbipedia
8
Texto compilado por el arq. Jose Luis Esperon. 31/10/2013.
El concurso fue apoyado por doce famosos grandes almacenes estadounidenses, que se comprometieron a firmar contratos con los fabricantes, una de las bases del concurso era que el diseño sea viable a escala industrial. Los miembros del jurado incluyeron, entre otros a Marcel Breuer y a Alvar Aalto, la silla de madera contrachapada bidimensional se expuso en el MoMA en 1938. Charles Eames y Eero Saarinen ganaron los dos primeros premios en las seis categorías de muebles.
A partir de julio de 1941, Charles y Ray Eames comenzaron a desarrollar un proceso para el moldeo tridimensional de la madera contrachapada en su apartamento de Los Ángeles.
De acuerdo con las bases del concurso, Haskelite se encargó de la producción de la carcasa, mientras que Heywood Wakefield fue el encargado del revestimiento con una capa fina de goma espuma.
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«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Exterior view, August 18, 1963. Photograph by Cervin Robinson. United States Library of Congress
The Robie House is fundamental to understanding the history of modern architecture
“I do not intend to become the best architect that has ever existed. I intend to be the greatest architect that ever exists.”F. Ll. Wright
“What always happens is what you really believe in; and believing in something makes it happen.”F. Ll. Wright
Philip Johnson (Cleveland 1906 – 2005 New Canaan) called Wright the «greatest architect of the 19th century».
The impact of the design was so great in its time that in 1958 «House and Home» magazine chose it as the best home of the 20th century.
Beginning of the 20th century, Fred C. Robie tests a prototype of an automobile in Chicago.
His grandfather, whose last name was Räbe, was a german emigrant, and his father, who had settled in Chicago after the great fire of 1871, had started the Excelsior Supply Company to distribute sewing machine supplies.
He had begun to sell bicycles, and his dream was to manufacture motorcycles and also cars. He began studying mechanical engineering, but did not finish his degree.
With a loan from his father and at the age of 28 he set out on an industrial adventure.
He is married, has a son, and lives in rooms at the Windermere West Hotel in Hyde Park, a neighborhood south of downtown, near the university. The desire to have a house arose, and the opportunity arose. Some friends, to prevent a store from being built next to their house, bought the plot next door and sold it to the Robies for $13,500 on May 19, 1908.
There are several colleges in the neighborhood.
His wife, Lora Hiereronymus (Pekin, Illinois 1878 – 1947 Springfield) is happy although she misses her college days at Foster Hall, located a few blocks away. She graduated and taught in Springfield, the state capital. He was probably the one who suggested Wright, since Springfield was home to the Dana House (by Susan Lawrence Dana) and he knew of her work that had been published in “House Beautiful” magazine.
The investment reaches $58,500, 1,500 less than they had initially planned to spend. The plot 13,600 to which are added the 35,000 for the project and the execution and 10,000 for the furniture. Updating the figure to 2021 would be about $918,200 dollars.
The builder was H.B.Barbard Co, who began work on April 15, 1909. The Robie family moved in in May 1910, the furniture and other minor items were completed in January 1911.
Illustrations made by Paczek
Five decades later, in a conversation with a journalist, Robie would say that they recommended him for his desire for a modern home:
– I know what you want, one of those damned houses, one of those Wright ones…
With the arrival of horizontal roofs, overhanging eaves, continuous windows and natural materials, a period begins in which we say goodbye to the «neo-gothic», the «neo-colonial» and the rest of the «neos».
The story is very short and sad for Fred, in 1911 his father died, leaving behind a huge debt, to face it, he sold the house, and a year later he got divorced. (1)
Fred C. Robie in his later years stated about the Robie House:
«I think the house is ideal, it is the most ideal place in the world.»
But let’s go back a few months, not many, to 1909, the project is ready and shows how Wright breaks with the traditional succession of rooms. A large room divided by a fireplace marks the birth of the open plan, it proposes many built-in furniture.
The house is resolved into 3 levels made of limestone, brick and wood, the steel is not visible.
The construction begins in 1909, in the middle of the work, Wright scandalizes Chicago by abandoning his family and escaping with the wife of a client, the work is finished by a collaborator of the Hermann V. von Holst studio (Freiburg 1874 – 1955) (2)
In 1910 the Robie family moved into the house.
The last and best of Wright’s prairie houses, the Robie House, seems designed for a plain rather than the narrow corner lot on which it sits in Hyde Park, a suburb of Chicago.
Built on a corner of the Hyde Park neighborhood, near the University of Chicago, 5757 Woodlawn Avenue
In the 1900s, Wright developed what would be described as his great first stage, which was characterized by the use of his own architectural language, based mainly on the use of horizontal lines and plants created around the figure of the fireplace.
According to Wright, this horizontality embodied American values, formally bringing the Midwestern prairie into its buildings. This is reflected in the publication of the “Wasmuth Portfolio” in 1910 in Berlin, where Wright attempted to show a style that “manifested and identified the ideals of democracy and the identity of the American people.” Other architect-historians such as Pevner and Giedion preferred to interpret similar ideas in a different key: a machinist conception of modernity; ideals of a new society in search of a conception of architecture. (3)
“We live on the prairie. The meadow has a very characteristic beauty. We must recognize and accentuate this natural beauty, its tranquil expanse. Hence the gently sloping roofs, the small proportions, the peaceful silhouettes, the massive chimneys, the protective overhangs, the low terraces and the advanced walls that limit small gardens.”Frank Lloyd Wright
Without a doubt, its horizontal shape must have seemed at least extravagant to the neighbors. (4)
The engineer, Frederick C. Robie, wanted a house that could be protected from fires, without closed rooms. On the contrary, he wanted an integration of all the spaces in the house. Wright would have greatly influenced that desire.
The location at an angle of the land largely explains its shape, very similar to that of other “Prairie Houses”.
Its shape is similar to that of other Prairie Houses, located at an angle of the land.
It has no clear facades, no exterior walls or traditional windows, nor a main entrance.
It occupies practically the entire plot, the little free space that is left was designed with walls and built-in planters.
A work of horizontal features reinforced by the sills, the window lintels, and the thin bricks with recessed joints.
Wright’s design responded to the compositional method of that time, which consisted of organizing symmetrical shapes and grouping them asymmetrically.
The genesis of the design is an elongated two-story block, which, without being so, appears to be symmetrical. On the south façade, on the first floor, there is a continuous series of carpentry windows that open onto a cantilevered balcony (here the neighbors who saw a ship would be right), which provide shade over similar windows on the ground floor.
A low-slope roof, and enormous overhangs at its ends.
Beyond, at the eastern end of the building, another sloping roof covers the wing dedicated to a garage for 3 cars and the service staff, Frederick Robie, proposed a modern program, he did not want added decoration (like the Victorian houses of the time) , and wanted a playroom for his children.
The land is 842.90 m² and is narrow, so Wright chose a single axiality for the project. The house unfolds into two bodies displaced from each other, thus leaving two large gaps in the site.
The composition of the floor plan is based on two adjacent bars that blend into a central volume, the chimney, around which the rooms connect.
The house is organized into two wings, keeping the public area facing the street and the service area in the innermost part (3).
Wright had been working on the idea of dematerializing the box, he did not want to propose closed and isolated spaces from each other.
Design spaces in which each room opened to the others, obtaining visual transparency, with more light and a feeling of spaciousness. He used light material closures and ceilings of different heights, designing by differentiating between “defined spaces” and “separate spaces.”
Wright breaks with the idea of the house as a box containing rooms, which in turn are other isolated boxes.
The space achieved is fluid and transparent. It is the “explosion of the box”, which allows the play of volumes entering and exiting throughout the land.
The volumetry is made up of large terraces and eaves to give a solid and forceful image that is at the same time hollow and light (5). Wright will use this set of terraces and eaves in the Casa de la Cascada.
Ground floor
The access, which through stairs leads to the main floor.
Games and billiards room, and the public area of the house. All of them separated by the chimney.
In the basement at street level there is the boiler and heating machines, laundry room, pantry, cellar and garage for 3 cars. (6)
First level
It is accessed by the central staircase.
Living room and dining room are separated by the fireplace but visually linked.
It is a large, long, low room, very illuminated. There are no walls that could hinder the view to the outside and the entry of light, although the eaves allow privacy to be maintained. On the same floor there is a guest room, the service wing with the kitchen and the service staff’s rooms.
Chimney
It has an important presence in the environment, it is possible to go around it and continuity is perceived through a rectangular opening in its upper part.
Ceiling
It is divided into panels, with different types of lighting, glass globes on each side of the central, higher area and light bulbs hidden behind the wooden gratings in the lower, lateral areas.
At the ends there are triangular spaces, more intimate areas for living and even eating.
The shadow cast by the wide eaves keeps them “hidden”, but at the same time reinforcing the idea that the space extends to the outside.
The covers are supported by two hidden steel beams that run throughout the main block.
Last level
The rooms are located on this level.
Materials
The house is “wrapped” in Roman brick and limestone.
The enormous eaves are supported by a steel structure, two large beams that run longitudinally are anchored above the chimney.
Wright chose to cover the lateral areas of the beams, leaving a higher area in the center, which produces a spatial effect in both environments.
Furniture
All of the furniture in the Robie house was designed by Wright.
The table rests, in the four corners, on four columns with colored glass lamps and containers for floral compositions.
This design was due to a clear idea: the floral compositions and candelabras that are usually placed in the center of the table constitute a visual barrier between the hosts and the guests.
Here, on the contrary, the decoration and lighting are located in the corners, leaving the center of the table completely free.
On November 27, 1963, it was listed as a National Historic Landmark and since October 15, 1966, it has been part of the National Register of Historic Places in the United States.
In 1992, negotiations began for its restoration and work began in 2002.
“The first thing that catches your attention is the immense roof… covered in tiles… and the dense shadow that reigns under the eaves.”Junichiro Tanizaki (Tokyo 1886 – 1965 Yugawara) “In Praise of the Shadow.” (1933)
“Wright uses the resource of light and shadow to accentuate the long proportions of the eaves and low-sloped roofs, as well as to hide the bobwindows under an earth-shade color in the shape of a keel and whose side ceilings further accentuate the illusion of extension, achieving an interior-exterior transition and thus merging with the controlled environment.”Adolfo Montiel Valentini. (7)
“…art flows from art and stubbornness, as Leonardo da Vinci recommended. Malraux wrote: a poem at a beautiful sunrise is born from another poem at sunrise and not from contemplation of what the sun does, which is always the same.” Carlos Maggi(8)
Raging out the Robie house? Wright joins the battle
Notes
1
In December 1911, David Lee Taylor purchased it for $50,000. He is president of an advertising agency, the house is his wife’s Christmas gift.
Ten months after the purchase, Taylor died, and his wife sold it to Marshal Dodge Wilber, treasurer of a collection agency. In his diary, he points out the deficiencies in the heating, as a record, in the first winter they only managed to raise the temperature to 7 degrees.
Wright said several times that he wanted to buy the house in the 1920s, visited it and, as was his habit, rearranged the books and hid trinkets in unexpected places.
In 1926, Wilber sold it to the Chicago Theological Seminary, they were the last tenants, they held out for 14 years.
Three decades later, the clergy wants to demolish it. Wright runs a campaign and saves her.
There is a second demolition attempt in 1957 but in 1958 developer William Zeckendorf purchased it and donated it to the Chicago Theological Seminary.
The following year it was declared by House and Home magazine as the best home of the 20th century.
In 1963 it was designated a national historic landmark and donated to the university.
In 2002 it was restored together with the Wright Foundation.
“Early in life,” Wright wrote, “I had to choose between honest arrogance and hypocritical humility. I chose the first and I have seen no reason to change.”
2
Hermann V. von Holst agreed to take on the responsibility of leading Frank Lloyd Wright’s architectural firm when he left for Europe with Mamah Cheney in 1909.
Wright had tried to get several architects to take responsibility for his studio, both Marion Lucy Mahony (Chicago 1871 – 1961 Ibid) and George Grant Elmslie (Aberdeenshire 1869 – 1952 Chicago) refused.
He eventually arranged for Hermann V. von Holst to supervise the work, along with architects Isabel Roberts (Missouri 1872 – 1955 Orlando) and John Shellette Van Bergen (Oak Park 1885 – 1969 Ibid.), contractually Marion Mahony would control the entire design. architect and her husband, Walter Burley Griffin, everything related to the urban planning aspect.
The output of Wright’s office in the years 1909-1911 were premier works of the Prairie School by the design team headed by Marion Mahony under the auspices of von Holst (who years later was head of the history department of the University of Chicago).
The aforementioned Isabel Roberts was a member of the design team at Oak Park, along with Marion Mahony and five men – Walter Burley Griffin, William Drummond, Francis Barry Byrne, Albert Mc Arthur and George Willis.
Roberts years later formed the Ryan & Roberts studio with Ida Annah Ryan (Waltham 1873 – 1950 Orlando), one of the first studios made up of women.
3
Metalocus
4
Disgusted with the house, the neighbors ridiculed it by comparing it to a steamboat, pointing out that it had no relationship with the architecture that surrounded it.
It was about to be demolished in 1941, there were protests at the university, which was joined by, among others, Mies van der Rohe (Aachen 1886 – 1969 Chicago). In 1957, the University of Chicago Theological Seminary announced its intention to demolish the Robie House to make way for a dormitory. This provoked the anger of Wright, who, at almost 90 years old, appeared in Chicago to defend the value of its architecture and denounce the demolition plan.
Architects and neighbors supported the efforts and complaints to preserve it, as well as all the architectural treasures of the city, among which the Robie house was included. The National Trust for Historic Preservation also joined. Together they managed to prevent it from being demolished in July 1957.
During the process Wright described the house “as the cornerstone of modern architecture.”
Developer William Zeckendorf (Paris 1905 – 1976 New York) purchased the house in 1958, and later transferred it to the University of Chicago.
His studio Webb & Knapp carried out a redefinition of the neighborhood that, ironically, included the demolition of 880 properties, but not the Robie house.
Among his numerous properties were the Chrysker building in NY, the Astor Hotel.
Both Le Corbusier and Wallace Harrison designed buildings for their firm, Architect I. M. Pei designed his first skyscrapers for Zeckendorf, the Mile High Center (now part of the Wells Fargo Center) in downtown Denver and Place Ville Marie in downtown Montreal .
5
Wiki Architecture data and references.
6
EIn their book Garage, the artist Olivia Erlanger and the architect Luis Ortega Govela maintain that the contemporary garage – just another room, joined to the rest by a door – has its antecedent in this home. Until then these rooms were separated, following the model of stables and garages.
7
Antonio Montiel Valentin. Faculty of Architecture (UDELAR) Architecture and Technology.
8
Carlos Alberto Maggi Cleffi (Montevideo 1922 – 2015 Ibid.) was a Uruguayan writer, journalist, lawyer, historian and playwright. Affectionately nicknamed “el Pibe”.
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Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft.
La Universidad privada de Yale, fundada en 1701, es miembro de la selecta Ivy League, a ella pertenecen ocho universidades con reconocida excelencia académica y de las mas prestigiosas del mundo, ellas son Brown, Columbia, Cornell, Dartmouth, Harvvard, Pensilvania, Princeton y Yale. Se encuentra al 302 de la calle York, en New Haven, CT 06511, en los Estados Unidos.
Estuve unas tres semanas en el campus del Middlebry College en el estado de Vermont, de acompañante de una catedrática, y aprovechando su ubicación cercana a Canadá y a varios lagos, realicé varios paseos.
Antes de llegar a Middlebury, fui a Buffalo a ver varias obras de Wright, de Burnham, Sullivan y Louis Kahn.
Ver https://onlybook.es/blog/frank-lloyd-wright-louis-kahn-henry-hobson-richardson-burnham-root-sullivan-adler-machado-silvetti-rem-koolhaas/
Luego de estar en Middlebury, fuimos a casa de unos amigos, Aníbal y Priscila que viven en New Haven, para mi New Haven y visitar la Universidad de Yale son dos cosas que van “en Combo” es decir “inseparables”. Cada vez que voy a su casa, propongo ir a pasear a Yale y ver sus edificios. Y todos (que no son arquitectos sino historiadores y filósofos) son muy razonables y acceden.
Aníbal es catedrático de Yale, lo que nos facilita realizar paseos que incluye entrar en zonas que normalmente estan vedadas a los flaneurs.
Tengo una anécdota con él.
Un día de hace dos años, ofreció a Carmen y a mí a pasearnos por el campus de Yale, entramos en sus bibliotecas, museos, College, residencias, oficinas de profesores, aulas, y en alguno de sus 14 edificios de albergues estudiantiles.
Muy amable, Anibal, nos iba contando, y yo dedicado a fotografiar todo, no siempre a su lado, como cuando ante el edificio de Paul Rudolph (1918 – 1997) (1) cruce de acera, y Anibal le dice a Carmen sonriendo.
–Hugo parece estar en Disneylandia
Asi fue, (me justifico ante mi falta de modales), pero quería tener una toma completa de la esquina de una de las escuelas más famosas de arquitectura.
Paul Marvin Rudolph (1918 – 1997) fue decano de la Escuela de arquitectura de Yale durante seis años, Su obra más conocida es el Yale Art and Architecture Building, un edificio de hormigón de diseño absolutamente “brutalista”.
La “arquitectura brutalista” como estilo arquitectónico surgió durante la década de 1950 en el Reino Unido en los proyectos de reconstrucción de la era de la posguerra. Son construcciones minimalistas, que muestran los materiales de construcción utilizados a la vista, desnudos, desprotegidos de ornamentos o decoración alguna.
Banco de Londres y America el Sud, hoy Banco Hipotecario. Proyecto del estudio SEPRA, arquitectos: Santiago Sánchez Elía, Federico Peralta Ramos y Alfredo Agostini asociado con el arquitecto Clorindo Testa
Utilizan en general el hormigón armado o simple, ladrillo visto sin pintar y usan formas geométricas angulares. Su paleta de colores es monocromática, en ocasiones se le agrega acero, madera y vidrio.
Montreal Haboitat 67. Arquitecto Moshe Safdie
Los arquitectos cuyo trabajo refleja ciertos aspectos del estilo brutalista incluyen a Louis Kahn.
El historiador de arquitectura William Jordy dice que, aunque Kahn era “opuesto a lo que él consideraba la postura muscular de la mayoría del brutalismo», parte de su trabajo seguramente se basó en algunas de las mismas ideas que se enfocaron momentáneamente en la posición brutalista”. (6)
Rudolph que asume como director del departamento de arquitectura en junio de 1957, ante la necesidad de realizar un edificio, sugiere para ello a varios arquitectos, entre ellos a Le Corbusier, y a Louis Kahn, pero es el presidente Griswold de la Corporación de Yale quien decide que sea el mismo Rudolph el que lo diseñe.
No ha habido vez que visite Yale, que no me haya sentido deslumbrado ante sus maravillas.
Barbican Centre
De entre las obras brutalistas a la que he tenido más oportunidades para conocer, está el Barbican Centre de Londres. Se construyó en 1982, su coste fue de 161 millones de libras, es uno de los más grandes de Europa.
No las tiene todas a su favor, una encuesta de la BBC determinó que «es el edificio más feo de Londres», a mí me parece interesantísimo, como una respuesta (dura eso sí) a las necesidades de Londres.
Alli he escuchado magníficos conciertos de música clásica y tambien contemporánea, representaciones teatrales, proyecciones cinematográficas y exhibiciones de arte. En su sala de conciertos tiene su sede la Orquesta Sinfónica Londres y la Orquesta Sinfónica de la BBC. Pertenece a la “Corporación de la Ciudad de Londres”, que es la tercera fundación de arte del Reino Unido.
Fue proyectado por los arquitectos Chamberlin Powell y Bon, que nunca se autodenominaron explícitamente brutalistas, cosa absurda, porque su obra (por ejemplo, el Barbican) si lo es.
El Barbican es, sin duda, la mayor obra de arquitectura urbana de la Gran Bretaña de posguerra. Se trata de un proyecto brutalista/modernista visionario: su escala es monumental, diseño geométrico de alta densidad con varios niveles y pasarelas elevadas, sus accesos son múltiples. En resumen, una ciudad sin coches dentro de la City.
Ferias del Libro
Cada año, desde 1988 en que formé las distribuidoras ASPPAN, Onlybook y la editorial HK en Madrid, participé en las ferias del libro más importantes del mundo editorial.
Sus fechas son más o menos inamovibles cada año, estas son del 2024.
Stand de Asppan, Onlybook y H Kliczkowski
-The London Book Fair, desde el 12 al 14 de marzo, casi siempre en el Centro Olympia, Hammersmith Road, Kensington. En su 36 edición, el pais invitado de honor fue Brasil.
-La Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, desde el 25 de abril al 13 de mayo en el Predio Ferial de La Rural. Tiene 2 secciones, una profesional de pocos dias y una popular, es muy concurrida. La ciudad invitada en el 2024 fue Lisboa.
-La Liber, (que se realizan alternadamente entre Madrid y Barcelona) entre el 4 y 6 de octubre. Muy bien ubicada antes de la feria de Frankfurt, la madre de todas las ferias. En su 40 edición, el pais invitado de honor ha sido Colombia.
-La Frankfurter Buchmesse, desde el 16 al 20 de octubre. Ya ha realizado 76 ediciones (debo haber participado en al menos 40 de ellas), está centrada en la compra y venta de derechos, se exhiben libros de todo tipo, condición, formato, idioma y temática. Los primeros dias son solo para profesionales (no entra el público), luego en el fin de semana se abre totalmente. El pais invitado de honor fue Italia.
-La feria que más ha crecido en lengua española, desplazando a la Liber y la de Buenos Aires, es la FIL (Feria Internacional del Libro de Guadalajara), desde finales de noviembre hasta el 8 de diciembre. En el 2024 en su 38 edición el pais invitado de honor fue España.
-La Feria de los EEUU. BEA Book Expo America, del 27 al 29 de mayo funciona en el Jacob K. Javits Convention Center de New York. No tengo seguridad que continue después de la feria realizada en el 2020, creo se ha subdividido en varias miniferias.
Su característica era que se hacía cada año en otra ciudad, por ese motivo he podido conocer Nueva York, Boston, Los Angeles, San Francisco, Miami, Nueva Orleans, Chicago, Las Vegas, etc. etc.
Algún año visité la de Paris (desde el 12 al 14 de abril), y la de Tokyo, a la que fui una sola vez, cuando vas a Frankfurt y Guadalajara, ya has estado en todas.
Paseos
Luego de las ferias (donde si se las hace a conciencia, se trabaja mucho) me tomaba unos dias de descanso, visitando lugares y obras de arquitectura que me interesaban, la mayor parte de las veces con mi hermano Guillermo.
He visto muchísimos edificios, y espero poder seguir haciéndolo. Me sucede algo especial, que lo he hablado con amigos arquitectos y lo comparten. Puedo estudiar una obra en sus planos, sus dibujos, sus fotografías, pero es cuando entro en ellas, cuando percibo con mis sentidos su aspecto, sus dimensiones, es decir, cuando me veo relacionado fuera y dentro de ellas, cuando veo su entorno, y cómo encaja (o no) en el puzle urbano, recién en ese momento, puedo comprender la voluntad proyectual con la que la concreto el arquitecto/a.
Luego de la de Londres me encantaba ir al Barbican (ver sus exposiciones y a las 17 hs escuchar jazz gratis con una taza de té, sentado en su alfombra de la 3era planta), o balconeando desde un entrepiso.
O hacer una excursión al Hay- on- Wye, una de las joyas del río Wye, una pequeña ciudad famosa en todo el mundo por sus libros. En coche se llega en 3 horas son 241 km. De una ruta serpenteando entre montañas.
Todo comenzó en 1961, cuando el propietario de la librería Richard Booth´s compró un contenedor lleno de libros de los EE. UU., procedían de bibliotecas que habían cerrado y dejado de atender al público. Esos libros fueron el comienzo de este bonito pueblo.
El río fluye con gracia por su borde noroeste. “Hay”, como la llaman los lugareños, linda con la frontera entre Inglaterra y Gales.
Tiene más librerías que hoteles y restaurantes, 26 librerías para una población de 2000 habitantes, 1 librería cada 77 habitantes. en sus calles hay estanterías con libros que uno puede llevar y poner su precio en una alcancía.
En España la experiencia se llama Urueña
Ver https://onlybook.es/blog/uruena-en-valladolid-un-pueblo-librero-de-aquel-hay-on-wye-este-uruenas/
Escuela de arquitectura. 180 York Street, New Haven
Yale Center for British Art (Centro de Arte Británico)
Esperaba poder ver el Museo de Louis Kahn, the Yale Center for British Art (el Centro de Arte Británico de Yale) que luego de 8 años de obras de rehabilitación (llevadas a cabo según un proyecto de Knight Architecture LLC.) estaría abierto al público.
Pero, a pesar del anuncio que la apertura seria en abril de 2024, 4 meses más tarde, en agosto, aun no lo estuvo. Ahora lo anuncian para mediados del año 2025, algunas personas me dijeron que quizás se postergue un poco más, como ya ha ocurrido con otras obras, esperaremos…
Frente a él está la Yale University Art Gallery, que ya visité en el 2022. Fue una visita rápida, estaba con otra gente, y no pude ver su maravillosa escalera triangular, por eso en el 2023, volví a visitarlo.
El edificio de Louis I. Kahn. Centro de Arte Británico de Yale (4)
En 1960 Paul Mellon dona su extensa colección de arte británico, libros raros y material relacionado a la Universidad de Yale, y de esa forma se crea el Museo.
Mellon pide expresamente que no pongan su nombre al museo en su honor, sino que se llamara Centro de Arte Británico de Yale, para alentar a otros a apoyarlo también. El “Centro de Arte Británico”, fue proyectado por Louis I. Kahn (1901-1974), está situado al otro lado de la calle de su primer encargo la “Galería de Arte de la Universidad de Yale” inaugurado en 1953.
El Centro de Arte Británico es la última obra de Kahn, fue finalizada después de su muerte. Es el primer museo en los Estados Unidos que ha incorporado tiendas en la configuración de su diseño.
El exterior del centro, resuelto en acero mate y vidrio reflectante, confiere una presencia monumental a la zona céntrica de New Haven. Su interior es geométrico, dividido en cuatro plantas está diseñado en torno a dos patios y se compone a partir de una restringida paleta de materiales naturales como el mármol travertino, roble blanco, y lino belga. Kahn logró su objetivo de crear unas galerías íntimas donde una luz natural difusa baña los objetos expuestos, buscó permitir el paso de la luz natural en la medida de lo posible, empleando la iluminación artificial únicamente en días oscuros o por la noche. La iluminación cenital colabora en el cuidado de las obras de arte.
Desde el 2008 al 2016. Anterior proyecto de conservación del edificio
Después de más de una década de investigación sobre la historia del diseño y la construcción del último edificio, la reapertura del centro supone la culminación de un plan de renovación que se hizo en tres fases.
Durante todo el período de rehabilitación, el centro fue cerrado al público.
(2008-2011) la primera fase del trabajo incluyó la rehabilitación de la zona inferior y exterior.
(2011-2013) se repararon las zonas del vestíbulo del “Lecture Hall”.
(2013) estas dos fases se centraron en los espacios interiores del edificio, incluyendo la restauración de las áreas utilizadas por los departamentos de grabados, dibujos, libros raros y manuscritos.
(2015-2016) se mejoraron los espacios públicos, las galerías y el salón de actos. Se realizaron mejoras mecánicas y eléctricas en todo el edificio, asi como mejoras en la protección, los sistemas de seguridad y la accesibilidad
Desde el 2008 al 2016. Descripción del proyecto
El Centro de Arte Británico de Yale, un moderno edificio icónico en New Haven sirve para albergar la extraordinaria donación de Paul Mellon a la Universidad de Yale, fue reabierto al público el 11 de mayo de 2016, después de la finalización de la tercera fase del proyecto de conservación.
El complejo trabajo de conservación fue realizado por Knight Architecture LLC, este ha sido el más complejo de los trabajos de conservación del edificio llevado a cabo en el centro hasta la fecha, comprendiendo toda la estructura, desde la cubierta hasta el sótano. Se han renovado las galerías públicas del Centro, las instalaciones, espacios y servicios, propiciando una oportunidad para re-imaginar y volver a instalar las renombradas colecciones del centro de más de cinco siglos de arte británico.
Knight Architecture LLC. 1140 Chapel Street, Suite 300. New Haven, Connecticut
Se le pidió a Knight Architecture que llevara a cabo una conservación integral de varios años del Centro de Arte Británico de Yale, diseñado por Louis I. Kahn para albergar la extraordinaria donación de Paul Mellon a la Universidad de Yale. Considerado como la obra de arte más grande y compleja del Centro, el edificio ahora se encuentra renovado y equipado para el siglo XXI.
Proyecto de conservación de edificios 2016
Imágenes de Richard Caspole, YCBA y Elizabeth Felicella
El Centro de Arte Británico de Yale, el icónico edificio moderno construido para albergar la extraordinaria donación de Paul Mellon a la Universidad de Yale, reabrió sus puertas al público el 11 de mayo de 2016, tras la finalización de la tercera fase de un proyecto de conservación del edificio que duró varios años.
Historial del proyecto
Dirigido por Knight Architecture, LLC, este fue el trabajo de conservación de edificios más complejo realizado hasta la fecha en el Centro de Arte Británico de Yale, que abarcó toda la estructura, desde el techo hasta el sótano. Renovó las galerías públicas, los sistemas internos, los espacios y las comodidades del YCBA, y brindó la oportunidad de reimaginar y reinstalar las reconocidas colecciones del museo de más de cinco siglos de arte británico.
Después de más de una década de investigación sobre la historia del diseño y la construcción del edificio final de Louis Kahn, el YCBA completó un plan de conservación de tres fases en 2016. La primera fase de trabajo incluyó la rehabilitación del patio inferior exterior del museo (2008-11) y amplias reparaciones en el vestíbulo adyacente de la sala de conferencias (2011-13). A esto le siguieron dos fases adicionales que abordaron los espacios interiores del edificio: la segunda fase se centró en la renovación de las áreas utilizadas por los departamentos de Grabados y Dibujos y Libros Raros y Manuscritos (2013); la tercera fase incluyó la mejora de los espacios públicos del YCBA (es decir, las galerías y la sala de conferencias), amplias mejoras mecánicas y eléctricas en todo el edificio y mejoras en la protección contra incendios, los sistemas de seguridad y la accesibilidad (2015-16).
Aspectos destacados del proyecto
La Galería Larga se transformó en una galería de enseñanza y estudio, tal como lo había concebido originalmente Jules Prown, el director fundador de la YCBA. Se recuperaron los acabados de manera similar a los que se encuentran en las galerías principales, se mejoró la circulación adyacente a las áreas públicas en el cuarto piso y se eliminaron las paredes de pogo, que anteriormente habían subdividido el espacio, lo que permitió una vista sin obstáculos del espacio de 140 pies de largo que alberga la colección en un espacio de estilo salón de piso a techo.
Sala de seminarios de colecciones
Se creó una nueva Sala de Seminarios de Colecciones a partir de una antigua oficina administrativa en el extremo este de la Galería Larga. Los nuevos paneles de pared de roble blanco de piso a techo incorporan sistemas de exhibición de arte discretos pero flexibles, que permiten a los profesores, estudiantes y académicos visitantes estudiar de cerca los objetos de la colección bajo una luz natural difusa. La sala también cuenta con nuevos muebles y gabinetes de roble blanco personalizados, así como sistemas eléctricos y de telecomunicaciones actualizados.
Galerías
Las galerías públicas de los pisos segundo, tercero y cuarto se renovaron y reconfiguraron para preservar la visión de Louis Kahn de espacios de exhibición íntimos que evocan el entorno doméstico de una casa de campo inglesa. Las paredes exteriores se volvieron a aislar y se trataron contra la corrosión, se reconstruyó el interior de las paredes y las paredes de exhibición se renovaron con nuevo lino belga natural.
Las alfombras sintéticas desgastadas se reemplazaron con alfombras de lana nuevas, se restauraron las molduras de roble blanco existentes y se repararon o reemplazaron algunas baldosas de travertino dañadas. Las particiones móviles de la galería existentes, conocidas como paredes «pogo», se reemplazaron con pogos nuevos, basados en gran medida en el diseño original de Kahn. Se ha introducido en las galerías públicas una versión revitalizada de los asientos modulares originales de la galería Chadwick de la década de 1970, que cuentan con una altura de asiento ergonómicamente correcta y tela hecha de lana británica 100%.
Tribunal de la biblioteca
El patio de la biblioteca, de tres pisos, evoca el espíritu de un gran salón en una casa de campo inglesa y presenta la icónica torre de escaleras cilíndricas. Se encuentra en el corazón del YCBA y conecta las galerías, la biblioteca de referencia y los archivos y la sala de estudio. Los paneles de pared de roble blanco originales y los pisos de madera también se restauraron durante el proyecto de conservación del edificio.
Patio de entrada
Los paneles de pared de roble blanco blanqueados por el sol del patio de entrada de cuatro pisos, el único espacio iluminado desde arriba dentro del YCBA que recibe luz natural sin filtrar, fueron renovados en el lugar y a mano utilizando productos de renovación certificados por Greenguard.
Sala de conferencias
El salón de conferencias, remodelado por primera vez, cuenta con un sistema audiovisual completamente renovado con capacidades de grabación y presentación de última generación, nueva iluminación teatral y de sala y cobertura Wi-Fi mejorada.
Se introdujo una disposición de asientos central, que mejora la capacidad original del salón de conferencias, para acomodar doscientos nuevos asientos fijos y cinco espacios accesibles para sillas de ruedas y personas con discapacidad. Nuevos pasamanos de acero inoxidable y luces LED en los escalones flanquean los pasillos para mayor seguridad. Se reemplazaron alfombras y pisos de madera, por materiales similares a los originales.
Escaleras circulares
La icónica escalera cilíndrica de hormigón ahora cuenta con mejoras en la accesibilidad y las características de seguridad, incluida una altura estandarizada para los escalones, precauciones contra incendios y humo e iluminación de emergencia mejorada. En el primer piso se agregó una nueva puerta de salida al vestíbulo y se instaló un ascensor accesible en el muelle de carga del YCBA.
Nivel inferior
Mejoras en la accesibilidad al vestíbulo del sótano, nuevos casilleros de almacenamiento de roble blanco y dos baños neutrales en cuanto al género.
Infraestructura
Se realizaron mejoras en la infraestructura del edificio, en los servicios mecánicos,eléctricos, de protección contra incendios, de telecomunicaciones y de seguridad. Mejoras que permitirán satisfacer las necesidades cambiantes del Centro.
Mientras estamos cerrados
Cuando uno se acerca al Centro de Arte Británico hay una nota que pone:
“Se encuentra actualmente cerrado por conservación del edificio, volverá a abrir en la primavera de 2025”. En la web aclara que “una selección de más de veinticinco pinturas de la colección se encuentra en exhibición en la Galería de Arte de la Universidad de Yale. Durante el cierre, el museo mantendrá un sólido programa de exhibiciones y programación en línea y fuera del sitio”.
-Centro de Arte Británico de Yale, New Haven, EE.UU. Peter Inskip, Stephen Gee y Knight Arquitectura, 2012 / 2008-2016 Diseño de Louis I. Kahn 1971-1977.
-y la Ópera de Sídney, Sídney, Australia Alan Croker 2017-2020 Diseño de Jørn Utzon y Hall, Todd y Littlemore 1959-1972. (8)
Louis I. Kahn desarrolla aquí, las ideas que había explorado en obras como la extensión de la Galería de Arte de la Universidad de Yale, la Biblioteca de la Academia Phillips Exeter, el Instituto Salk de Estudios Biológicos y el Museo de Arte Kimbell.
El Centro de Arte Británico de Yale en New Haven fue galardonado en 2005 con el prestigioso Premio de los Veinticinco Años del Instituto Americano de Arquitectos.
-2016. Premio del público de AIA New England | 2016
-2017. Premio de Connecticut Trust para la Preservación Histórica
-2017. Premio de honor a la Excelencia en Arquitectura de la Sociedad para la Planificación de Universidades y Colegios por ampliaciones, renovaciones o reutilizaciones adaptativas de edificios
Associated Builders and Contractors Inc – Premio especial del jurado
Restauración
El Centro y su colección, después de casi cuarenta años desde su apertura en 1977, se enfrentó a serias necesidades de conservación. Amy Meyers, la actual directora, encargó un plan de conservación detallado para el edificio titulado Louis I. Kahn and the Yale Center for British Art: A Conservation Plan.
Cliente Oficina de Instalaciones de la Universidad de Yale, Centro de Arte Británico de Yale
-Stephen Saitas Designs (Diseñador de exposiciones)
Notas
1
Hubo un tiempo en suspenso, cuando se alisto en la armada, a su regreso se graduó en 1947.
Rudolph estudió arquitectura en la Auburn University, su posgrado lo realizó en la Escuela de graduados de Harvard. Fue alumno de Walter Gropius.
En Sarasota (Florida) hizo un estudio con Ralph Twitchell, y en 1951 arma su propio estudio. Sus proyectos, fueron los exponentes más reconocidos de la escuela de Sarasota.
En 1958, obtuvo el puesto de decano de la Yale School of Architecture y poco después diseñó el Yale Art and Architecture Building. Rudolph permaneció en Yale durante seis años, después de los cuales se dedicó a la práctica privada. Cuando el edificio sufrió un gran incendio su renovación estuvo a cargo de Gwathmey Siegel & Associates.
Charles Gwathmey (1938 – 2009) fue alumno de Yale Architecture y exalumno de Rudolph. Una referencia de Gwathmey, fue en 1992 con su estudio: Charles Gwathmey y Robert Siegel y Asociados quienes realizaron la ampliación del Guggenheim de N Y.
El arquitecto Charles Gwathmey
Charles Gwathmey adquirió relevancia con poco más de treinta años cuando formó parte, junto a Peter Eisenman, Michael Graves, John Hejduk y Richard Meier, del grupo de jóvenes profesionales reunidos en la exposición «Five Architects» organizada por el MoMA de Nueva York en 1969, y sobre la que se publicó posteriormente el célebre libro con el mismo título.
Profesor en diferentes universidades americanas y fundador junto a Robert Siegel de la firma Gwathmey Siegel & Associates en Nueva York, Charles Gwathmey concibió proyectos como la casa de formas geométricas que construyó para sus padres, ambos artistas, en Long Island (1966) —y que convertiría luego en su residencia y estudio—, la ampliación del Museo Guggenheim de Nueva York (1992), y el Museo de Arte Contemporáneo (MoCA) de North Miami (1995). Recientemente había ampliado la Escuela de Arquitectura y Arte de Yale (2007), construida en 1963 por el que fuera su profesor Paul Rudolph.
2
En el 2012 el Bank of New York Mellon fue el octavo banco más grande de los EEUU, BNY Mellon ha sido clasificado una vez más como el banco más seguro de los EE. UU. según una encuesta reciente de los “50 bancos más seguros del mundo”.
Conocida como BNY Mellon, es una corporación bancaria multinacional estadounidense de servicios financieros constituida el 1 de julio de 2007, como resultado de la fusión del Banco de Nueva York y Mellon Financial Corporation. Es el banco custodio más grande en el mundo, emplea a 51.400 personas en todo el mundo y opera en los sectores principales de servicios financieros.
Es la más antigua corporación bancaria en los Estados Unidos, con orígenes que se remontan a la creación del Banco de Nueva York en 1784 por Alexander Hamilton.
3
Pierluigi Serraino es un arquitecto, caracterizado por su diseño innovador que ejerce en el área de la Bahía de San Francisco. Sus proyectos y textos se han publicado en revistas como Architectural Record, A + U (Japón) y The Architectural Review (Reino Unido). Ha publicado varios libros sobre arquitectura como Modernism Rediscovered (2000), Eero Saarinen (2005), The Creative Architect: Inside the Great Personality Study (2016) y Ezra Stoller: A Photographic History of Modern American Architecture (2019).
4
José Juan Barba (1964). Arquitecto por la ETSA Madrid (1991). Doctor Arquitecto por la ETSA de Madrid, Sobresaliente “Cum lauden” por su tesis “Invenciones: Nueva York vs. Rem Koolhaas”. Textos y fotos de METALOCUS.
5
Samuel Finley Breese Morse (1791 – 1872) fue un inventor y pintor estadounidense. Contribuyó a la invención de un sistema de telégrafo de un solo hilo basado en los telégrafos europeos. Fue uno de los desarrolladores del código Morse en 1837 y ayudó a facilitar el uso comercial de la telegrafía.
6
Jordy William (1972). The Impact of European Modernism in the Mid-twentieth Century. American Buildings and Their Architects 5. New York, Oxford: Oxford University Press. p. 363. ISBN 0-19-504219-0.
7
El parque nacional consta del Arco Gateway, un arco de catenaria invertida de acero, diseñado por Eero Saarinen que mide 192 m de altura y 192 m de ancho, que se ha convertido en el ícono de San Luis; un parque de 36,8 ha a lo largo del río Misisipi en el sitio de los primeros edificios de la ciudad; el Viejo Palacio de Justicia (Old Courthouse), un antiguo palacio de justicia federal y el museo de la expansión hacia el Oeste, de 13 000 m², en el propio Arco Gateway.
El Arco Gateway y sus alrededores fueron un memorial nacional, llamado en 1935 el “Jefferson National Expansion Memorial”, en el 2018 es renominado parque nacional.
8
Ambos proyectos lo tuvieron como protagonista. En 1957 Saarinen estuvo en el jurado para la comisión de la Ópera de Sydney y su presencia fue crucial en la selección del diseño de Jørn Utzon.
Un primer jurado (donde no estaba Saarinen) había descartado el diseño de Utzon en la primera ronda; Saarinen revisó los diseños descartados y reconoció la maestría y genialidad en el diseño de Utzon, garantizando su elección.
Sigue en https://onlybook.es/blog/un-paseo-por-la-universidad-de-yale-paul-rudolph-louis-kahn-eero-saarinen-gordon-bunshaft-2nda-parte/
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Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
En la década de 1950, el proyecto de construcción de la vía marítima del San Lorenzo trajo grandes cambios para las islas de la región de Montreal.
En 1956, la empresa Quebec Home and Mortgage Corporation Limited compró la isla Saint-Paul con el objetivo de desarrollar un importante proyecto inmobiliario.
La compañía Imperial Oil Limited (Esso), asociada al proyecto, se comprometió a construir estaciones de servicio de alta calidad arquitectónica. Para diseñarlas, eligieron al estudio de arquitectura de Mies van der Rohe, con la participación del arquitecto quebequense Paul H. Lapointe. Solo se realizó la estación de servicio ubicada en la calle Berlioz.
Panel informativo sobre la gasolinera Esso. Instituto Goethe de Montreal
Fotos ampliadas del panel (fotos en muy mal estado)
Skyline de Downtown Montreal visto desde el Monte Royal
Ayuntamiento de Montreal, frente a la Plaza Jacques-Cartier. estilo segundo imperio (Napoleon III), 1878, arquitecto Henri-Maurice Perrault
Antes del incendio de 1922
Mies van der Rohe (1886 – 1969) falleció hace ya poco más de medio siglo y aunque parezca que sus ideas y proyectos han sido ampliamente descritos, analizados, comparados, en incontables publicaciones, aún es posible seguir hablando de él, y más si cabe de sus obras menos conocidas, consideradas “menores” por diferentes circunstancias, ellas completan la visión polifacética de su obra.
En ocasiones, es incluso necesario, y podemos comprender mejor su arquitectura teniendo en cuenta que su preocupación era buscar la perfección a través de la depuración, más que la experimentación constante de forma caprichosa.
Suya es la frase de que “no es necesario, ni posible, inventar cada lunes por la mañana una nueva arquitectura.”.
Proyectos y obras canadienses realizados en la década de los 60 del siglo XX:
-1961. Maqueta del proyecto Mountain Square en Montreal
-1963 – 1969. El Toronto-Dominion Centre en Toronto
-1965 – 1968. El Westmount Square en Montreal
1967 – 1969. Tres edificios de apartamentos en la Île des Sœurs o Nun’s Island de Montreal donde colabora además en la planificación urbana de la isla (1965-1966)
-1967 – 1968. La Estación de Servicio Esso en la Île des Sœurs o Nun’s Island de Montreal
y por último, el proyecto del Dominion Square (1968-1969) también en Montreal. Un total de siete proyectos, dos de los cuales finalmente no se llegaron a construir, y una planificación urbana, todos en Montreal (Quebec) salvo uno de ellos en Toronto.
Mies en Canadá
La estancia de Mies van der Rohe en Montreal coincide con el final de su carrera (muere en 1969), y con la entrada de Montreal en la modernidad con la Expo 67.
Como una de las ciudades más antiguas del Norte de América, asfixiada en la primera mitad del siglo XX por un liderazgo católico represivo, su madurez como ciudad moderna llegó tarde. (3)
La llegada de Mies a finales de los años 60 representó un período en la historia de Montreal en el que la ciudad podía mirar hacia adelante e imaginar un futuro nuevo y separado de su pasado. Los tres edificios en los que trabajó reflejan nuevas formas de pensar el espacio, donde la experiencia urbana se Re-imaginaba como algo moldeado por la movilidad fácil, la accesibilidad y la imaginación.
Tras abandonar Europa, se instaló en Chicago, donde fue nombrado director de la escuela de arquitectura del Instituto Tecnológico Armour de Chicago (hoy Instituto Tecnológico de Illinois). Diseñó decenas de edificios, muchos de ellos parte del campus que aún se mantiene en pie en Chicago, redefiniendo el perfil de la ciudad. Su popularidad también le permitió diseñar edificios en Houston, Berlín, Toronto y Montreal durante las décadas siguientes.
Phyllis Lambert, quien ayudó a traer a Mies a Montreal después de convencer primero a su padre para que lo contratara para el edificio Seagram de Nueva York, dijo al Gazette que Joe Fujikawa (1922 – 2003) (4) quien trabajó para Mies, fue el arquitecto del proyecto y tuvo la última palabra en el diseño.
En general, y en parte debido a su deteriorada salud, el trabajo de Mies en Montreal se realizó a distancia, se ha llegado a decir que actuó más como consultor que como gerente de proyecto activo.
Sueños de ciudades dentro de ciudades
En Mies van der Rohe: The Built World de Carsten Krohn , contextualizan la construcción del complejo Westmount Square con Habitat 67 de Moshe Safdie y otros arquitectos modernistas que trabajan en Montreal.
Arquitectos como Safdie creían en una mayor movilidad arquitectónica a través de megaestructuras y una «tipología de edificios híbridos» que difumina la línea entre arquitectura y ciudad.
Mies prefería una planta abierta y columnas simples como puntos fijos, creando una plaza peatonal urbanizada y un patio. Westmount Square presentaba un edificio de mediana altura en la superficie como mediación entre la zona más residencial y el concepto más sofisticado de «ciudad dentro de la ciudad».
El espacio indefinido del patio se presta a ser moldeado por las necesidades y deseos del público que lo utiliza. La idea de que el trabajo, las compras y la vida serían accesibles a pie reduce de manera similar el desperdicio y el estrés.
Less is More…Less is Bore…Les is Less, More is More…Less & More…
Desde hace mucho tiempo se ha asociado a Mies con el adagio “menos es más” (algunos incluso le atribuyen el mérito de haber acuñado la frase) (5). Su estilo minimalista apuntaba a reducir y destilar los diseños de edificios a sus formas más simples, centrándose en la función por encima de todo lo demás. Sus mejores diseños eran tan reducidos que no se podía quitar un solo elemento sin que toda la estructura se derrumbara. Ningún muro ni ningún adorno eran superfluos o innecesarios.
El diseñador Óscar Guayabero (1968) reflexiona entorno a la autoría de la que es quizás la frase más icónica del diseño y la arquitectura.
Mies van der Rohe lo confesó en un libro de memorias: “Lo escuché en la oficina de Behrens por primera vez. Tuve que hacer un dibujo para la fachada de una fábrica. No había nada que hacer con esto. Las columnas medían 5,75 metros. Lo recordaré hasta que muera. Le mostré un montón de dibujos de lo que se podía hacer y luego dijo: «Menos es más». Yo no entendí, pero vi que lo decía en serio”.
“Menos es más” (Less is More) es, quizás, la frase más famosa de la historia del diseño y la arquitectura y, sin embargo, a menudo se ha atribuido erróneamente su autoría. Ha pasado a la posteridad como sentencia del arquitecto Mies van der Rohe.
Todo indica que Mies oyó esta frase en el estudio de su mentor y maestro Peter Behrens (1868-1940), donde estuvo como ayudante durante un tiempo, muy al inicio de su carrera. En aquel estudio también pasaron otros tótems de la arquitectura, como Walter Gropius y Le Corbusier, reclutó a Van der Rohe para trabajar en aspectos de la Fábrica de Turbinas AEG en Berlín, entre 1907 y 1910.
Otras teorías sobre el origen de la frase
Peter Behrens
Se tiene como autor al pintor de la generación del expresionismo abstracto Ad Reinhardt (1913-1967) que en una entrevista dijo “Mientras más cosas contenga, cuanto más ocupada sea la obra de arte, peor será. Más es menos. Menos es más”.
La obra de Reinhardt tiende al reduccionismo casi total, que parece anticipar el minimalismo que surgiría décadas más tarde.
También se le ha asignado la autoría al poeta alemán Christoph Martin Wieland (1733-1813) quien escribió la siguiente sentencia “Und minder ist oft mehr, wie Lessings Prinz uns lehrt”. “Y menos es a menudo más, como nos enseña el príncipe de Lessing”, haciendo referencia a un personaje del poeta alemán Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781).
Sea o no suya, Mies van der Rohe hizo bandera de la frase, sobre todo a partir de la década de los cincuenta, ya instalado en Estados Unidos.
A poco que uno estudie su obra, veremos que de simple no tiene nada, la complejidad de sus edificios, pese a utilizar formas puras y volúmenes compactos, es extrema, ni la simpleza ni la falta de ambición estética son parte de ellas.
“Cada elemento físico ha sido reducida a su esencia irreductible. El interior es transparente sin precedentes… y también sin precedentes ordenada en sí mismo. Todos los de la parafernalia de los tradicionales salones, paredes, puertas, muebles de interior de ajuste, sueltos, fotos en las paredes, incluso objetos personales (han sido prácticamente abolido) en una visión puritana de la simplificación, la existencia trascendental. Mies había logrado finalmente una meta hacia la que había estado marcando su camino durante tres décadas”. Maritz Vandenburg, historiador.
Hay múltiples lecturas posibles a edificios como el Pabellón Alemán de la Exposición Universal de Barcelona del 1929.
-El Seagram de Nueva York 1954/58. (en colaboración con el arq Philip Johnson (1906 – 2005).
-o la casa Farnsworth. 1948/51.
Pocos años después de que Mies popularizara la famosa frase, el diseñador/inventor/arquitecto/visionario Buckminster Fuller (1895-1983) la personalizó modificándola hasta “Hacer más con menos”. Puede parecer lo mismo, pero hay diferencias sustanciales.
Fuller rehuía los dogmas, como norteamericano pragmático, su visión era mucho más práctica, deudora de la ingeniería. En realidad, a ese proceso le llamó “efemerización” y se trataba de conseguir los máximos resultados con la menor inversión de material y energía.
Es el mismo principio que le llevó a crear el concepto dymaxion, que se define como “la máxima tensión dinámica” que es capaz de soportar una estructura y que hizo posible las cúpulas geodésicas.
Cuando en 1966, el arquitecto estadounidense Robert Venturi (1925- 2018) escribió Complexity and Contradiction in Architecture, el que sería el libro más importante al inicio de la postmodernidad, no solo revisó los clásicos desde la arquitectura griega al Renacimiento, sino que también revisó el paradigma del movimiento moderno, y con él, la frase atribuida a Mies.
Robert Venturi y Denise Scott Brown
Venturi escribió “Doy la bienvenida a los problemas y exploto las incertidumbres. Al abrazar la contradicción tanto como a la complejidad, busco la vitalidad tanto como la validez. Me gustan más los elementos que son híbridos que los “puros”, los comprometedores más que los “limpios”, los distorsionados más que “sin dobleces”, los ambiguos más que los “articulados” …, redundantes más que simples; contradictorios y equívocos más que directos y claros… Estoy por la riqueza de significado más que por la claridad de significado… Una arquitectura válida evoca muchos niveles de significado… sus elementos se hacen legibles y explotables en varias maneras a la vez”.
Concluyendo que “Menos es el aburrimiento” (Less is a bore), años más tarde, rectificó y dijo que su crítica no era justa con lo que Mies van der Rohe había aportado a la arquitectura.
“Pero en realidad, yo siempre lo entendí como una crítica a sus seguidores menos inspirados que copiaban los tics formales, más que al sentido primigenio de su trabajo”.
En el diseño gráfico, esa rémora del tardo modernismo se tradujo en fórmulas para diseñadores miedosos donde parecía que si se usaba la Helvetica, se dejaban muchos blancos, se usaban pocas tintas y se hacían bloques de texto como manchas geométricas, el éxito estaba asegurado.
Quizás por eso, un diseñador gráfico como Milton Glaser (1929-2020) también revisitó la frase y en su conocido decálogo apuntó “Al ser hijo del modernismo escuché este mantra toda mi vida: “Menos es más”.
Milton Glaser
No funciona cuando pensamos en la historia visual del mundo. Si observas una alfombra persa, no puedes decir que menos es más porque te das cuenta de que cada parte de esa alfombra, cada cambio de color, cada cambio de forma es absolutamente esencial para su calidad estética.
No se puede probar de ninguna manera que una alfombra lisa es superior. Lo mismo con el trabajo de Gaudí, las miniaturas persas, el art nouveau y muchas otras cosas. Tengo una máxima alternativa que creo que es más apropiada: “Suficiente es más”.
Massimo Vignelli
El concepto “suficiente” es tremendamente ambiguo, algo muy propio de la postmodernidad donde las certezas dejaron paso a la incertidumbre y donde ya no cabían los dogmas de fe.
A pesar de ello, otro diseñador gráfico, Massimo Vignelli (1931-2014) ferviente seguidor del movimiento moderno, aun cuando su trabajo se desarrolló en buena parte dentro del periodo postmoderno, ironizó sobre la evolución del diseño acuñando frases para las décadas de la segunda mitad del siglo XX.
En lo que llamó «Gráfico esquemático de cambios ideológicos y de diseño desde los 60 hasta la actualidad” (Schematic chart of ideological and design changes from the 60s to the present). (6)
Ludwig Mies van der Rohe, Sillón Barcelona. Foto: Knoll
Así, según Vignelli, los años 60 se definían con el “Less is More” de Mies; los años 70 con el “Less is a Bore” de Venturi, los años 80 con un maximalista “The more the better” (Cuanto más mejor), los años 90 con un retorno al pragmatismo, expresado con “Less is less, more is more” (Menos es menos, más, es más) y finalmente, los 2000 con un pusilánime “Less & More” (Menos y más).
Una visión del futuro desde el pasado
La Station – Centre intergénérationnel 201 Rue Berlioz Verdun, Montreal QC, H3E 1C1
A diferencia de otras obras arquitectónicas de finales de los años 60 que transformaron el aspecto de Montreal, Ludwig Mies va der Rohe está presente, caminar entre sus edificios no da la sensación de estar en el pasado, por lo que uno se pregunta si caminar por ellos a finales de los años 60 no habría sido como caminar por el futuro.
Gasolinera, construcción única, ícono de la Arquitectura Moderna. Fotos de HK
En la l’Île-des-Soeurs de Montreal, Mies realizará también un proyecto único en su carrera desde el punto de vista del programa funcional: una estación de servicio para la empresa Imperial Oil Ltd., hoy en día la Esso Oil Canadá (1967-1968).
La compañía firmó un acuerdo de exclusividad para suministrar combustible a la isla, pero comprometiéndose por contrato a construir un edificio de alta calidad arquitectónica y que a su vez fuera el prototipo de los restantes que iban a equipar la isla. Este compromiso de excelencia arquitectónica propició que Mies fuera designado para el encargo, aunque también fue decisiva la intervención de sus socios Gerry Johnson y Joe Fujikawa, quienes fueron imprescindibles en el trato con la compañía petrolera, y consiguieron que aprobara el proyecto.
Al equipo se unieron Paul H. Lapointe como arquitecto residente de Montreal, que ya había colaborado con la compañía petrolera, y Herb Sherwood, arquitecto de Toronto empleado de la Imperial Oil Ltd., que ayudó a supervisar la obra. El equipamiento está situado en el boulevard principal de la isla, en una zona rehundida y rodeada por un pequeño terraplén, donde originalmente estaba el rótulo de la compañía petrolera. Se trata de una construcción modesta de pequeñas dimensiones, que casi pasa desapercibida, pero que según Bédard: “(…) resume elocuentemente, con una gran economía de medios, los elementos esenciales del pensamiento arquitectónico de este maestro del Movimiento Moderno.”
Las diversas funciones de la estación de servicio, reabastecimiento y mantenimiento de los automóviles se desarrollan debajo de una cubierta plana sostenida por 12 columnas de acero pintadas de negro, como las vigas, que contrasta con el revestimiento metálico interior blanco del techo y los tubos fluorescentes desnudos.
En la zona central se sitúa la isla de servicio alrededor de un quiosco, que es un volumen completamente acristalado, y las seis bombas de suministro diseñadas también por Mies, mientras que en los extremos se disponen dos volúmenes con diferente tratamiento.
Uno de ellos, totalmente acristalado, albergaba la recepción de los clientes, y su disposición, según France Vanlaethem, recuerda “a la planta de la casa Farnsworth. (1946-1950)”.
En cambio, en el otro, más opaco, estaba el taller mecánico, delimitado por dos bloques de servicio con paredes de ladrillo y grandes puertas de garaje acristaladas visibles desde el área de servicio, con una imagen muy similar a la arquitectura del lllinois Institute of Technology (IIT) de Chicago (1943-1958).
No era la primera vez que Mies se enfrentaba a este nuevo uso, ya que entre sus proyectos no realizados figura una estación de servicio en una autovía alemana en 1934.
La solución final se adapta perfectamente al moderno programa funcional, recuerda la escala de los proyectos de viviendas individuales concebidos en las décadas anteriores y responde al principio de una construcción en forma de pabellón.
Sin embargo, la propuesta de Mies va más allá de un simple pabellón exento ya que dispone varios volúmenes independientes bajo un mismo techo de metal, donde además oculta todos los sistemas técnicos, asi unifica y enfatiza la horizontalidad. El proyecto original, tras su construcción, fue modificado varias veces.
Sin embargo, tras el cese de la actividad en 2008 y su catalogación como edificio patrimonial en 2009 fue cuando el arquitecto canadiense Éric Gauthier, de la firma Architectes FABG, lo convirtió en un centro de actividades para jóvenes y mayores, en el 2011. Ha sido una intervención que ha cambiado por completo el uso original del edificio, pero que ha respetado en gran medida la esencia del proyecto original, sin caer en el rigor mortis de la monumentalización.
Así pues, el edificio ha cumplido una de las posibilidades que el propio Mies incluso contemplaba en alguna conversación, para su arquitectura: que su función o uso pudiera variar con el tiempo: Sin embargo “…si el uso del edificio cambia…por ejemplo, hace un siglo que, por alguna razón, el museo ha pasado a ser… cualquier otra cosa. No vacilaría en hacer una catedral en el interior de mi Centro de Convenciones (Chicago). No veo por qué no. Se puede hacer. Así que un tipo, como el centro de convenciones o el museo, pueden utilizarse también para otros fines…ya no se trata “la forma sigue – o debería seguir – a la función”. De todos modos, tengo ciertas dudas sobre estas afirmaciones. Existía una justificación cuando se dijo, pero no puede establecerse una ley a partir de ahí”.
La gasolinera Esso de Ludwig Mies van der Rohe. Instituto Goethe de Montreal y Chicago History Museum
La renovada gasolinera Esso. Instituto Goethe de Montreal
En la Isla de las Monjas, en el río San Lorenzo, al suroeste del centro de la ciudad, no lejos del centro de Montreal, encontramos esta pequeña joya arquitectónica de uno de los arquitectos más importantes del siglo XX: la gasolinera Esso de Ludwig Mies van der Rohe (1886 – 1969).
Tras el cambio de siglo, Mies pasó de ser un apasionado arquitecto autodidacta para convertirse en un icono moderno de la arquitectura y el diseño de muebles, junto con sus colegas Frank Lloyd Wright en Estados Unidos y Le Corbusier en Francia.
Mies adquirió una sólida reputación, en parte gracias a su etapa como último director de la mundialmente famosa escuela Bauhaus, pionera de la arquitectura moderna y el diseño industrial. Sin embargo, la escuela fue cerrada por la fuerza por los nazis en la década de 1930, y Mies se trasladó exiliado a los Estados Unidos.
En su nuevo país de adopción, comenzó su segunda carrera, que le proporcionó fama mundial y renombre internacional en las últimas tres décadas antes de su muerte. Algunas de sus obras más conocidas incluyen:
-El campus universitario del Instituto Tecnológico de Illinois (década de 1940)
-Los edificios de apartamentos de Lake Shore Drive 860/880 en Chicago (1950/1951)
-El edificio Seagram en Nueva York (1954-1958) y su última obra, la «Neue Nationalgalerie» en Berlín (1969)
En esta época diseñó la gasolinera de Montreal, sin duda uno de sus proyectos más singulares, pero también un excelente ejemplo del estilo arquitectónico de Mies, que pone al alcance de todos los amantes de la arquitectura la esencia de su teoría y práctica. En 2011, el estudio de arquitectura de Montreal FABG llevó a cabo unas reformas y restauraciones en la gasolinera, que estaba abandonada y corría el riesgo de quedar en ruinas.
La remodelaron transformándola en un centro comunitario intergeneracional (llamado «maison des générations»), respetando al mismo tiempo los elementos y el concepto del planteamiento general de Mies. Para ello, integraron materiales de construcción que eran nuevos en la época, como el acero, el cemento y el vidrio, con las tecnologías actuales para lograr la mayor calidad arquitectónica y estética posible.
La cubierta en voladizo se apoya sobre doce enormes vigas de acero soldadas, que parecen flotar. Cubre dos estructuras de vidrio que no están conectadas entre sí. La estructura de cristal de un lado era un taller de automóviles y la propia gasolinera (incluida una tienda) estaba al otro lado. Están separados por un pequeño cubo de cristal situado en el centro, que hoy funciona como depósito de llaves para un programa municipal de coches compartidos. La maravillosa simplicidad de la construcción general se ve resaltada por las vigas y pilares de acero barnizados de negro (que contrastan con los paneles esmaltados blancos de la estación) y las franjas geométricas de iluminación fluorescente instaladas bajo el techo.
Película sobre la gasolinera ”Regular or super: views on Mies van der Rohe”. Joseph Hillel, J. Hillel & Patrick Demers. Inglés/Francés, 57′. 2004. Quatre par Quatre Films Inc.
Construida entre 1967 y 1968, la estación de servicio cuenta con tres estructuras, cada una con una función distinta. En los extremos del sitio se encuentra el taller mecánico, hecho de ladrillo, y el área de recepción, formada por paredes de vidrio. La tercera estructura, reservada para la caja, consiste en una caja de vidrio ubicada en el centro del área de distribución de gasolina.
La estación de servicio a lo largo del tiempo
Con los años, la estación experimentó algunos cambios: estandarización de las bombas, transformación del área de recepción en un lavadero de autos y reemplazo del mobiliario original.
El quiosco central también fue pintado de blanco. En 2008, después de 40 años de operación, la estación de servicio cerró sus puertas.
La última obra de Mies no fue la Galería Nacional de Berlin, que no llegó a verla construida, sino esta gasolinera en Montreal para la compañía ESSO. Prácticamente abandonada y en desuso, la comunidad de vecinos de la localidad…decidió transformarla en un centro cívico para mayores, hace ya un tiempo…la rehabilitación llevada a cabo con éxito es la demostración no sólo de que Mies es un arquitecto del siglo pasado, sino que sus obras…siempre acaban siendo museos”. (8)
Cambio de función y vocación
Volviendo a su historia.
Cuando patrimonio y comunidad se encuentran.
El anuncio del cierre generó una movilización en la comunidad, con voces que exigían la preservación de este edificio único. En marzo de 2009, una consulta pública permitió a ciudadanos y profesionales opinar sobre su valor patrimonial y su futuro. En junio del mismo año, la estación y el terreno fueron declarados patrimonio por la ciudad de Montreal.
Simultáneamente, los ancianos y adolescentes de L’Île-des-Sœurs necesitaban nuevas instalaciones. El municipio de Verdun decidió unificar ambas generaciones bajo un mismo techo. Así, nació el proyecto de la Casa Intergeneracional.
Ubicada en la antigua estación de servicio, se comprometieron a realizar las renovaciones necesarias para preservar el edificio y adaptarlo a su nueva función.
Los trabajos de rehabilitación del sitio
Los trabajos en la estación de servicio comenzaron en el otoño de 2009 con un importante proceso de rehabilitación ambiental que duró aproximadamente un año. La compañía petrolera Esso, propietaria del edificio, encargó a la firma Sanexen realizar diversos trabajos de excavación, descontaminación del suelo, relleno y cementado.
Restauración del edificio
Mies van der Rohe, 860–880 Lake Shore Drive Apartment Buildings, Chicago, 1949/51, under construction
La restauración comenzó en marzo de 2011 y duró seis meses. Se llevaron a cabo varias intervenciones importantes para devolverle su aspecto original. Cada pieza se ha numerado, desmontado, realizado los trabajos de reparación y restauración y luego colocada en su lugar de origen.
El 95 % de las piezas han sido recuperadas. Los muros cortina fueron desmontados y restaurados, y se reemplazaron las secciones de vidrio en las puertas del garaje. También se limpió la mampostería de ladrillo y se instalaron nuevos equipos mecánicos en la losa de concreto central del edificio, evocando las antiguas bombas de gasolina.
El interior del edificio también fue restaurado, Los materiales utilizados son compatibles con los originales, la sobriedad de los colores elegidos (negro y blanco) facilitó la integración del edificio.
Además, se mejoró el rendimiento energético del edificio mediante la instalación de un sistema de climatización geotérmica. Los trabajos fueron dirigidos por el municipio de Verdun, con la colaboración de arquitectos, ingenieros y expertos en patrimonio arquitectónico moderno, asegurando el respeto por la integridad del edificio y el espíritu de Mies van der Rohe.
La normativa protege a este edificio como valor patrimonial, tiene por objeto ser una medida protectora con el fin de salvaguardar y ponerlo en valor, además de garantizar que durante el transcurso de las obras no se vea afectado.
Debido a la transparencia del edificio, esta normativa incluye los interiores y exteriores de la estación de servicio.
Ubicación (Wikiarquitectura)
La isla de San Pablo (Ile Saint Paul) es una de las antiguas propiedades agrícolas de la Congregación de Notre-Dame. Adquirida en el siglo XVIII, la isla estuvo habitada por monjas durante 170 años.
Por ello el lugar se llama Lílle des Soeurs. Dice la información en la Gasolinera “A lo largo de los años, la estación de servicio ha sufrido varios cambios, estandarización de los surtidores, transformación de la zona de recepción en lavadero de coches y sustitución del mobiliario original.
Se ha repintado de blanco el kiosco central. En el 2008 después de 40 años de actividad, la gasolinera cerró sus puertas”.
Nombre del proyecto «Reconversión de la estación de servicio de Mies van der Rohe en la l’Île des Soeurs».
ArquitectoLudwig Mies van der Rohe
Arquitecto reformaFABG Architects, Éric Gauthier
Equipo Marc Paradis, Dominique Potvin, Jaime Lopez, Steve Montpetit
Construida en el estilo internacional clásico, característico de la obra de Mies van der Rohe, esta estación de gasolina fue operada por la compañía Esso hasta su cierre en 2008. Desde entonces, la obra maestra permaneció tapiada y abandonada, con las pintadas inevitables y el desmoronamiento de la pared de ladrillos.
No muy lejana del complejo Westmount Square, en Montreal, también proyecto de Mies que incluía edificios residenciales, de oficinas y locales comerciales, la gasolinera fue encargada a Mies en 1966 por la Imperial Oil, siendo la primera de la isla y el primer diseño de Mies en La Île-des-Soeurs (Nun´s Island en inglés), donde también diseñó 3 edificios de apartamentos. En el su construcción trabajó en colaboración con el arquitecto local Paul H. Lapointe.
La gasolinera diseñada por Mies se encuentra en los suburbios de la isla de Nun (Nun´s Island), en el 201 rue Berlioz, Montreal.
Nun-s Island, oficialmente Île des Soeurs, forma parte del archipiélago de Hochelaga, sobre el río San Lorenzo, al suroeste de Montreal.
Concepto
“…Nuestros objetivos prácticos miden sólo nuestro progreso material. Los valores que profesamos revelan el nivel de nuestra cultura … Debemos dejar claro, paso a paso, que cosas son posibles, es necesario e importante…». Y probablemente Mies ha dado la mejor definición de la arquitectura que se puede encontrar en cualquier lugar: «…La Arquitectura es la voluntad de una época traducida a espacio, vivo, cambiante, nuevo…». Estas teorías, que ha puesto en práctica durante una larga vida útil, ahora han sido traducidas a la probablemente estación de servicio más bella del mundo. (Parte del artículo aparecido en The Montreal Gazette – Sep 20, 1968, con motivo de la inauguración de la Estación de Servicio).
Una vez que la estación de servicio dejó de funcionar se presentaron varios proyectos para la reconversión del espacio y la salvaguarda del valor arquitectónico, entre ellos un mercado de flores propuesto por un miembro de la familia Bronfman, quienes habían contratado a Mies para diseñar el Edificio Seagram.
Pero fue en 2009 cuando la ciudad de Verdún declaró la obra monumento histórico y decidió que se convertiría en una “Maison des générations”
Descripción (9)
La estación de servicio estaba compuesta por dos volúmenes que funcionaron como área de servicio para coches y como punto de venta, entre ambos una isla central con 6 surtidores de gasolina, cuyas bombas y mangueras quedaban ocultas a la vista y una caseta de cristal para el encargado. Los dos volúmenes están conectados por un techo bajo de acero esmaltado en blanco que une la estructura y vuela en los laterales. Las vigas y columnas fueron hechas con planchas de acero soldadas y pintadas de negro, creando un marcado contraste con la cubierta clara en la que se colocaron tubos fluorescentes. En una de las alas se ubicó un área de descanso para los clientes, incluyendo algunas de las sillas de Mies van der Rohe.
La gasolinera de Mies tenía tan poco en común con las llamativas estaciones ya existentes y a cuyos colores chillones se habían acostumbrados los automovilistas, por lo que la compañía tuvo que colocar al frente un gran logotipo para aclarar que era “la oscura escultura” que se encontraba debajo.
Con el paso de los años sus interiores fueron modificados, el mobiliario y los acabados fueron reemplazados y los surtidores eliminados. Cuando la estación de servicio se puso en funcionamiento se convirtió en uno de los mejores ejemplos de arquitectura moderna en Montreal.
A diferencia de las varias islas estrechas que hasta ese momento se utilizaban en las gasolineras, el diseño de Mies consistía en una sola isla cuadrada con expendedores hacia ambos lados y una cabina central de cristal para el operador. En uno de los laterales una gran oficina y tienda con paredes de cristal y en el lado opuesto un garaje con paredes de ladrillos amarillos, puertas de vidrio y acero pintado de negro desde el suelo hasta el techo.
Estructura
La estructura de la gasolinera reposa sobre una base de hormigón que soporta los 12 pilares de acero pintados de negro sobre en los que se apoya una cuadrícula de vigas también de acero sobre la que descansa el largo dosel metálico pintado de blanco que forma la cubierta.
Los pilares fueron realizados con planchas de acero soldadas en las que se apoya el techo metálico plano. El vidrio y el ladrillo son utilizados principalmente en los extremos y en el centro para crear elementos de ensamblaje estructural.
Materiales
Los materiales predominantes en su construcción fueron el acero, el vidrio, el ladrillo amarillo y el hormigón, los únicos colores blanco y negro.
Toda la plaza estaba iluminada por la noche con tubos fluorescentes montados bajo el techo, creando un moderno oasis de luz.
Reconversión. Tareas arquitectónicas
Los trabajos comenzaron con las tareas para descontaminar el suelo.
Maquinaria pesada y cuadrillas comenzaron a cavar para apuntalar fundaciones y reemplazar alcantarillado, drenaje y tuberías de agua, así como los cables eléctricos subterráneos y de comunicaciones.
La primera tarea arquitectónica fue restaurar meticulosamente la envolvente del edificio. Se desmanteló y reparó la pared cortina de cristal y metal, corroída por el tiempo y la falta de mantenimiento, se restauró la mampostería y se volvió a pintar la estructura.
La segunda tarea arquitectónica fue desarrollar estrategias para las nuevas necesidades mecánicas y eléctricas que no afectaran la integridad de los valores patrimoniales.
La tercera tarea fue radicalizar el edificio con las nuevas intervenciones con el fin de destacar sus cualidades inherentes y los valores esenciales que representa. La unidad formal y la sencillez se ven reforzadas por el tono negro en el lateral adolescente y el blanco en el lado de las personas mayores. La cubierta es un dispositivo unificador, que se refuerza mediante el uso de iluminación fluorescente lineal en los espacios interiores, siguiendo el ritmo de la misma.
Concepto
Planta
Esta reconversión no tiene ninguna similitud con la restauración de un monumento. Se trata de una interpretación que trata de tocar y comunicar la esencia de una visión artística formulada por otra persona, en respuesta a un mundo que ya no es el mismo.
Espacios
El volumen con más superficie, 278.70m2, fue destinado al grupo “senior”, quienes juegan al bridge, organizan comidas comunales, bailes o invitan a conferenciantes. Para aprovechar mejor el espacio todo el mobiliario es apilable, lo que permite distintas configuraciones.
El grupo más joven ocupa el volumen más pequeño, 92,90m2. Los adolescentes se reúnen allí todos los días a escuchar música, organizar fiestas y eventos bajo la supervisión de los educadores.
Las nuevas salas han sido denominadas “Sala Blanca” y “Sala Negra”, según el color de suelo. La oficina original del encargado, en el centro de la isla intermedia y con mampara de cristal, ha sido restaurada como vitrina donde se exponen algunos bocetos de Mies y la historia del edificio. En el lugar ocupado por los antiguos surtidores de combustible se han ubicado las salidas de los pozos de ventilación.
En una de las esquinas del sitio se ha instalado una bomba de calor geotérmica, cuyos tubos de calefacción se han soterrado e incorporado a los nuevos espacios.
Restauración de una gasolinera de Mies van der Rohe en Canada (5)
Por Les architectes FABG, trascribo su texto del 05/03/2012.
Decir que Mies van der Rohe es un maestro podría parecer una obviedad infantil a estas alturas. Algunos han comentado que el nuevo Mies en este inicio de siglo sería Norman Foster…, sin entrar en ese debate vemos esta cuidadosa recuperación que ha sido realizada por la oficina de arquitectos canadienses «Les architectes FABG».
Texto de la memoria
Nun’s Island forma parte del archipiélago de Hochelaga situado al suroeste de Montreal. La estación consta de dos volúmenes diferenciados, uno para el servicio de vehículos y otro para la venta, con una isla de surtidores cubierta por un techo bajo de acero que unifica la composición.
Las vigas y columnas están realizadas con placas de acero soldadas y pintadas de negro que contrastan con la cubierta de acero esmaltado en blanco y los tubos fluorescentes sin recubrir. A lo largo de los años, los interiores se han modificado para incorporar un lavado de autos en el lado de ventas, se han reemplazado los acabados, los muebles y equipos empotrados y se han eliminado los surtidores hechos a medida.
Al dejar de funcionar la ciudad de Montreal lo catalogó como edificio patrimonial y convertirlo en un centro de actividades para jóvenes y personas mayores.
El grupo de mayores ocupa el volumen mayor para sus sesenta miembros que juegan al bridge, preparan comidas comunitarias, bailan o escuchan a los conferenciantes.
El grupo más joven ocupa el volumen menor. Los adolescentes se reúnen allí a diario para jugar, escuchar música, organizar fiestas y eventos bajo la supervisión de educadores.
Gasolinera ESSO original de Mies van der Rohe
La primera tarea de rehabilitación fue restaurar meticulosamente la envolvente del edificio desmantelando y reparando el muro cortina corroído, volviendo a colocar el ladrillo y repintando la estructura.
La segunda tarea fue desarrollar estrategias para las nuevas necesidades mecánicas y eléctricas que no afectaran la integridad del edificio.
Elegimos implementar soluciones provenientes del campo de investigación del desarrollo sostenible para lograr este objetivo. Los nuevos pozos geotérmicos bajo el asfalto alrededor del edificio proporcionan la mayor parte de la energía necesaria para operar el edificio, pero también reducen radicalmente el tamaño del equipo y eliminan la necesidad de una torre de enfriamiento en el techo del edificio. Las nuevas bombas de gas de acero inoxidable son, de hecho, dispositivos de entrada y salida de aire conectados mediante conductos subterráneos al sistema HVAC. Sustituyen las lamas que habríamos tenido que instalar en el edificio y esta solución contribuye al preenfriamiento o calentamiento del aire fresco admitido, el efecto pozo canadiense.
La tercera tarea fue enfatizar sus cualidades inherentes y los valores esenciales que encarna. La unidad formal y la simplicidad se realzan al hacer todo negro (espacio de los adolescentes) o blanco (de los mayores). La fuerza del techo como dispositivo unificador se refuerza mediante el uso del mismo ritmo de iluminación fluorescente lineal en los espacios interiores (tubos T-5 sobre atenuadores). La transparencia se aumenta abriendo completamente la vista de un extremo al otro en el eje longitudinal y utilizando vidrio con bajo contenido de hierro.
Notas
Edith Farnsworth
1
Santiago de Molina. 2014. “Sospechar de Mies”. Blog Múltiples. Septiembre de 2014
2
Universidad Politécnica de Cartagena. Vincenzina La Spina. 2018/19
3
Thew Main. “Las huellas de Mies van der Rohe en Montreal”. Justine Smith. 31 de enero de 2024
4
Joseph Fujikawa, nacido en 1922 en Los Ángeles, California, trabajó con Mies van der Rohe y se hizo cargo de su oficina después de su muerte.
Comenzó sus estudios de arquitectura en 1940 en la Universidad del Sur de California y terminó su licenciatura en el Instituto Tecnológico de Illinois en 1944. También realizó un máster con Mies van der Rohe en el IIT.
En 1944, Fujikawa comenzó su carrera de arquitectura en la Oficina de Mies van der Rohe. En 1976, algunos años después de la muerte de Mies, el nombre de la firma se cambió a Fujikawa, Conterato, Lohan & Associates. En 1982, Fujikawa se unió a Gerald Johnson y fundó Fujikawa Johnson & Associates. Fujikawa permaneció dedicado al vocabulario miesiano hasta su muerte en Winnetka, Illinois, en 2003.
5 y 7
“Menos es más… más o menos” por Óscar Guayabero. 20 nov 2021. Buckminster Fuller
6
Instituto Goethe de Canadá. Sociedad Mies van der Rohe.
Las fotos las saqué de unos paneles en mal estado (como toda la estación), pero son del año 1969, donde se la ve funcionando como estación de servicio ESSO. Chicago History Museum.
Thew Main. “Las huellas de Mies van der Rohe en Montreal”.
Justine Smith. 31 de enero de 2024
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«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Rochester
From Buffalo to Rochester it is 120 km on Route 90 and 490. 1 hour 15
My architectural itinerary
NY to Buffalo is 479 km
Buffalo to Rochester is 120 km
Rochester to Syracuse is 138 km
Syracuse to Middlebury is 264 km
Total 1.001 km
Before making my trip to Buffalo, I prepared (as I always do) my logbook, which by the way I will have to summarize, because it already has 58 pages.
Not only addresses, but also dates, times, possibility of visiting, etc. They have given me quite a few references from some pages of F.LL.Wright, with many valuable people, who know a lot and like to help.
My big question was whether from Buffalo I go to Toronto (160 km) to see Glenn Gould’s recording room, which apparently is no longer there, and his bronze figure. It seems that they have built a large auditorium, and the recording room is no longer there… (what I want to see is one of his pianos, and on an old tape recorder listen to his Goldberg Variations, which were commissioned from Bach by Count Hermann Carl von Keyserlingk (1696-1764) from Dresden, played slowly (recorded in 1981, the fast one was recorded in 1955).
If I’m not going to Toronto, I’d go to Rochester, although the Wright-designed Boyton House is undergoing renovations. What I already have is the ticket for the Darwin D. Martin house built between 1903 and 1905.
In Buffalo the first thing I’ll see is the gas station at the Pierce Arrow Museum, 263 Michigan Avenue. Designed in 1928 and rebuilt in 2012, commissioned by William Heath for the corner of Cherry and Michigan
See https://onlybook.es/blog/wright-brenham-sullivan/
First Unitarian Church of Rochester
6-42 W. Main St., 20-56 Fitzhugh St., Rochester, New York
My interest in Louis Kahn comes largely from everything that Architect Miguel Angel Roca (1936) has told us about him, both in his chair at the University of Buenos Aires, where I was his adjunct professor for four years, and in countless and enriching personal conversations. I sent my thanks to Miguel from here.
Miguel Ángel Roca, mi nieto Mauro y yo en Toledo en septiembre del 2024
«The sun didn’t know how great it was, until it hit the side of a building.» Louis Kahn
220 Winton Road South. Rochester.
1959 – 1969 Kahn expanded it in 1967.
On September 2, 2014, the temple was listed on the National Register of Historic Places.
Its exterior is characterized by deeply broken brick walls that protect the windows from direct sunlight. The complex roof of the sanctuary has light towers at each corner to let in natural light indirectly.
Paul Goldberger, architecture critic and Pulitzer Prize winner, writing in 1982 in The New York Times describing the First Unitarian Church of Rochester, “…is one of “the greatest religious structures of this century, along with the Notre Dame du Haut Chapel.” , the Unity Temple, and the First Church of Christ.”
Architect Le Corbusier. The chapel of Notre Dame du Haut. 1950/1955
Arq. Frank Lloyd Wright. 1905/1908
Arq. Bernard Ralph Maybeck 1910
Kahn y el ser-en-el-mundo
When he mentioned the school as an example of institutions that arise from inspirations, he said, “Schools began with a man who, without knowing that he was a teacher, discussed his ideas with a group of people who did not know that they were students.”
“The street is probably the first human institution, a meeting center without a roof, the school is a space where it is good to learn. The city is the place where institutions meet.”
“Everything an architect does respond first to a human institution before becoming a building.”
Thus, «architecture is based on the general forms of man’s being-in-the-world.»Martin Heidegger (1889 – 1076).
Kahn’s intention was to demonstrate that architecture is the embodiment of the incommensurable.
In this sense, it is incommensurable, although it can be measured as a building “A work is carried out between the imperious sounds of industry (creation) and when the dust settles (when the excitement of creation has passed). The pyramid of echoing silence provides the sun with its shadow.”
The affinity between Kahn’s ideas and the philosophy of the Congregation of the First Unitarian Church was one of the decisive factors in choosing him among six other architects to develop the design of their new building when urban planning regulations forced them to abandon their old one. headquarters of 1859. (1)
The congregation of the First Unitarian Church of Rochester voted in January 1959 to sell their existing building in downtown Rochester, New York, thinking they would be around until July 1961. However, construction weakened the building, forcing them to move in September of 1959.
The former First Unitarian Church building was architecturally significant, as it was designed by Richard Upjohn (1802 – 1878) a prominent 19th century architect and first president of the American Institute of Architects. The church decided to replace it with a building designed «by a prominent 20th century architect, giving the community a notable example of contemporary architecture.»
The search committee, made up of church members who had a background in architecture, decided to focus on prominent architects who had established relatively small offices and who did most of the creative work themselves.
Although Kahn’s own subsequent account of the development process suggests – misleadingly – that it was produced in a fluid and coherent manner, the truth is that the built project – of which both Kahn and the clients were to be very satisfied – was the result of no less than six different versions.
The first tests, carried out by Kahn before knowing the specific site and program, proposed a centralized type scheme, directly inspired by Renaissance churches. This is how the first design emerged, which proposed a large circular worship room enclosed within a square with four towers in the corners.
This approach clearly expressed Kahn’s idea about the composition and form appropriate to the project, but it did not adequately respond to the functional requirements and far exceeded the financial possibilities of the congregation. (2)
The different versions of this project were distorting the original idea without pleasing the clients, who from the beginning had insisted on the separation of the school and the sanctuary into two independent groups.
Kahn, who was resistant to this idea, was willing, however, to rethink the project from scratch and, through a new phase of versions, arrived at a solution that harmonized his clients’ ideas regarding the configuration of a Unitarian temple (to which Wright’s Unity Temple responded much better) with their own questions about the “desire” for the classrooms and premises to be smaller and arranged around the large worship hall.
The satisfaction of the congregation is demonstrated by the fact that, in 1967, they went to Kahn to extend the building, which he resolved by means of a complementary body joined to the main one through a gallery, breaking in part with the homogeneity and the compactness of the original project.
Design process
The history of the design process at the First Unitarian Church, including Kahn’s creation of what he called a form drawing, «is almost a classic in the history and theory of architecture» according to Katrine Lotz, a professor at the School. of Architecture from the Royal Danish Academy of Fine Arts.
He began by creating what he called a form drawing to represent the essence of what he intended to build.
I remember that, in my student days at the University of Buenos Aires, we called it “guiding idea, or simply party idea”, a first idea, with the strength of proposing concepts drawn without having formal or functional prejudices, that drawing, prudently angry, he guided us as we solved the project. (thanks Edgardo).
He drew a square to represent the sanctuary, and around the square he drew concentric circles to indicate an ambulatory, a corridor, and the church school.
In the center he placed a question mark to represent his understanding that, in his words, “the way the unitary activity was carried out was linked to what the Question is. «Eternal question of why anything.»
His approach was to design each building as if it were the first of its kind. August Komendant (1906 – 1992), a structural engineer who worked closely with Kahn, said that during the initial stages of design, Kahn struggled with questions of the type “How would a Unitarian Church be designed? What is unitarian religion? and studied Unitarianism in depth. The result sometimes confounded expectations. When the completed First Unitarian Church was shown at an architectural exhibition in the Soviet Union, the mayor of Leningrad commented that it did not look like a church, Kahn jokingly replied, «That’s why it was chosen for display in the Soviet Union» .
Prior to hiring Kahn, they contacted five architects.
Frank Lloyd Wright expressed little interest, and his proposed fees were high. (Wright died shortly afterward at the age of 91.)
Eero Saarinen had support from the community, but was unable to take the job due to time constraints.
The committee also met with Paul Rudolph, Walter Gropius and Carl Koch.
They spent a day with Louis Kahn in May 1959 and were impressed by his philosophical approach, the atmosphere in his office, the assurance that he would personally be in charge of the design.
Robin B. Williams, writing in Louis I. Kahn: In the Realm of Architecture, “attracted his clients to the high compatibility of his philosophy with unitary ideas.”
Robert McCarter (3), one of Kahn’s biographers, points out parallels between his ideas and those in the Essays of Ralph Waldo Emerson (1803 – 1882) (4), an important figure in Unitarian history.
Kahn, who came from a non-observant Jewish background, was spiritual in a way that has been described as “pan-religious” by Carter Wiseman(5), one of his biographers.
FAIA (abbreviation for Fellow of the American Institute of Architects) David Rineheart (1928 – 2016), who worked for Kahn, explains: “For Lou, every building was a temple. Salk was a temple to science. Dhaka was a temple for the government. Exeter was a temple to learning.”(6)
During the Great Depression, Kahn worked with unions and civic agencies to design affordable housing. He worked as an assistant architect on the Jersey Homesteads, a project to resettle Jewish garment workers from New York City and Philadelphia into a rural kibbutz-like collective that combined agriculture and manufacturing.
During the 1948 presidential election, he worked with the third party campaign of Henry A. Wallace, who was nominated by the Progressive Party.
Kahn gave a philosophical presentation of his ideas at a congregational meeting in June 1959, after which the church commissioned him to design its new building. During that same visit he helped choose the site that would be purchased for the new building.
That year Kahn was chosen to design the Salk Institute, and in 1962 he was selected to design the Jatiyo Sangsad Bhaban in what would become the capital of the new nation of Bangladesh.
Shrine of the First Unitarian Church of Rochester
The building committee told him that the new building “must support the community at large and must express “the dignity rather than the depravity of man.”
The congregation’s broad approach to the statement of requirements was similar to Kahn’s philosophical approach to his architectural design, which he explained in «Form and Design» an article he wrote while working on this project.
Using the First Unitarian Church of Rochester as an example, he said: “In my opinion, a great building must begin with the immeasurable, it must go through measurable means when it is designed, and in the end it must be immeasurable… But what is immeasurable is the psychic spirit.”
Kahn associated the incommensurable with what he called Form, saying that “Form is not design, nor a figure, nor a dimension. It is not a material thing. Form… characterizes a good harmony of spaces for a certain human activity.»
Form, he said, was not to be understood as an architectural design. He drew a square representing the sanctuary, and around the square he placed concentric circles representing an ambulatory, a corridor, and the church school.
In the center of the square he placed a question mark which, he explained, represented his understanding that “the form of realization of the Unitarian activity was linked to what the “Question” is, the eternal Question of the why of anything.”
Kahn delivered his first design in December 1959, proposing a square building three stories high with four-story towers at each corner.
The sanctuary was a square area in the middle of a large twelve-sided room in the center of the building. The rest of the almost circular room was an ambulatory space that had to be protected from the sanctuary.
«I felt the ambulatory was necessary because the Unitarian Church is made up of people who have had previous beliefs (…) So I drew the ambulatory to respect the fact that what is said or what is felt in a sanctuary is not necessarily something in which that you have to participate. And then you could walk around and feel free to walk away from what is being said.”
Kahn had developed the idea of this type of ambulatory before his work at the First Unitarian Church, and referred to it during a talk in 1957 in the context of a university chapel.
The central hall was to be surmounted by a complex dome and surrounded by a corridor outside its walls that would provide connections to the three-story church school on the building’s periphery.
School students could watch church services “from the open spaces above.”
Prompted by complaints about the cost, which was several times the amount that had been budgeted, he quickly removed a floor from the proposed building.
The committee, however, was also unhappy with other aspects of the design, such as its rigidity and lack of usable classroom space — the irregularly shaped rooms on the periphery created by the placement of a large, almost circular room within a square building. and the possibility of children listening upstairs and people entering and leaving the sanctuary disrupting services.
In February 1960, Helen Williams, chairwoman of the building committee, wrote to him that «we are not at all happy with the present concept you have given us» and a week later she wrote: «We remain firm in the conclusion that we must have a completely new concept.«
Claiming that “Kahn has failed us miserably,” Williams resigned from the building committee.
Kahn agreed to create a new design, much to the relief of the building committee, which feared he would demand payment for work performed and walk away from the commission.
For his new design, Kahn proposed a slightly elongated rather than rigidly square building.
He resisted suggestions to place classrooms in a separate wing to reduce the possibility of rowdy children disrupting services, retaining the concept of surrounding the sanctuary with the church school. Kahn eliminated ambulatory space within the sanctuary walls, but retained the hallway just outside to provide access to the classrooms.
The roof over the sanctuary was one of the last aspects of the design to be completed
One option would have been to cover the sanctuary with a steel structure, but Kahn had decided in the early 1950s that he would no longer use such structures, preferring the more monumental appearance he could achieve with materials such as concrete and brick.
Not completely satisfied with the roof design he had developed, as I have already mentioned, Kahn asked his collaborator August Komendant, a pioneer in the use of prestressed concrete, for suggestions, which allowed him to create lighter and more elegant structures than normal concrete.
Komendant kept the overall design of the roof, but redesigned it as a prestressed concrete folded plate structure that would require support only at its edges, eliminating the need for the solid concrete beams that Kahn had planned to use as support for the roof structure.
Kahn initially planned to bring natural light into the sanctuary through light slits in a series of concrete caps on the roof, but the construction committee estimated that each cap would weigh 33 tons (30,000 kg), creating support problems. The light towers in Kahn’s final design are glazed only on their inner sides, a suggestion that originated in meetings with the committee.
The new design was overwhelmingly approved by the congregation in August 1960. At the dedication of the new building in December 1962, Kahn spoke about the relationship between architecture and religion.
Komendant said: “He told me that in his speech he described the cathedrals, the size and height of which were intended to show the greatness and power of God and the baseness of man, so that men would be frightened and obey His laws. For this church he used atmosphere and beauty to create respect and understanding of God’s goals, goodness and forgiveness.”
The exterior of the building is characterized by deeply folded brick walls created by a series of slim, two-story light hoods that help protect the windows from direct sunlight.
The main entrance to the building is not visible to people passing by on the street.
Light towers at each of the sanctuary’s four corners rise above the exterior walls of the building, allowing the shape of the sanctuary to be easy to view from the outside.
Habitable Walls (1)
Kahn, Heidegger. The language of Architecture by Christian Norberg-Schulz
The impression Kahn created “of the sanctuary embedded within the larger building” is similar to the “box within a box” approach he used in several other buildings, notably the Phillips Exeter Academy Library.
The building echoes the design of the Scottish castles that fascinated Kahn, particularly Comlongon Castle,
Comlongon Castle has a single large room in the center surrounded by 20-foot-thick walls. Those unusually thick walls allowed entire secondary rooms to be carved from their insides, effectively turning them into inhabited walls.
In the case of the First Unitarian Church, the large central hall is the sanctuary, and the «inhabited walls» can be perceived as the two surrounding floors of rooms.
The windows in these rooms are so recessed that they are inconspicuous when viewed from an angle, and the corner spaces of the building are windowless, all of which adds to the perception that the sanctuary is surrounded by massive, sturdy walls.
In Kahn’s words, «the school became the walls surrounding the issue.» The church hired Kahn in 1964 to do an addition, which was completed in 1969.
Its exterior is relatively disjointed, in contrast to the sculpted walls of the original building.
According to scale drawings, the irregularly shaped building measures approximately 240 by 120 feet at its longest and widest points. Approximately 23 meters is from the 1969 extension. Its footprint on the land is 1,384 m².
A low ceiling
Instead of a large entrance at the front of the building that leads directly to the sanctuary, the First Unitarian Church is accessed through a side door that requires a right turn to reach the sanctuary.
The entrance is beneath the low cantilevered choir ceiling, creating a sequence from shadow to light.
“Civilization is measured by the shape of its roof,”Kahn said.
The complex roof of the sanctuary rises above the two stories of the surrounding rooms.
Light towers at the four corners bring indirect natural light to areas that are not normally well lit.
Kahn said: «If you think about it, you realize that you don’t say the same thing in a small room as you do in a big room.»
The cruciform shape Kahn used for the roof is one he had used in previous works, notably the Trenton Jewish Community Center.
The massive roof structure is supported in part by twelve slender columns embedded in the walls of the sanctuary, three columns per wall. Each central column is braced to the columns on each side by horizontal beams. The roof is lower and darker in the center, the opposite of classical church domes that are higher and brighter in the center.
The wall hangings were designed by Kahn and, like the building itself, contain no literal symbolism.
At Kahn’s request, the panels span the entire color spectrum, yet were constructed entirely from one red, one blue, and one yellow thread, with the remaining hues created from blends of those three threads. The panels were designed not only for visual effects, but also to correct a sound problem that was reverberating off the concrete walls.
The main construction materials of the interior are concrete blocks, poured concrete and wood, a combination he used in most of his later projects.
The walls of the sanctuary are 24 inches thick and constructed of concrete blocks, the hollow spaces within the walls serving as ventilation ducts.
Light and Silence
During initial design discussions, Kahn asked Komendant, “What is the most important thing in a church?” and then he himself answered that question by saying “the essence of atmosphere for a church is silence and light. Light and Silence! «
“Silence and Light” later became the name of an essay Kahn wrote in 1968 in which he explained concepts crucial to his philosophy.
Architectural historian Vincent Scully said of the church:
«You can really feel the silence of which he spoke, vibrating as with the presence of divinity, as the cinder block turns silver from the light flooding into it, while the heavy slab , rises above the head».
The editor of his writings, Robert Twombly, said that by silence, Kahn meant «each person’s desire… to create, which for Kahn was the same as being alive.»
Exterior and interior views of the ground floor projections with benches
Benches with small side windows cantilevered from the exterior walls are placed in classrooms. These spaces create the impression of small rooms carved into the exterior walls and, according to Robert McCarter, continue Kahn’s architectural theme “of the classrooms themselves appearing as rooms embedded within castle-thick walls.”
Monumentality and authenticity
Sarah Williams Goldhagen, author of Louis Kahn’s Situated Modernism, says that Kahn was concerned with the socially corrosive aspects of modern society.”
He believed that “architecture should favor the ethical training of people. “People who are anchored in their community, morally obligated, and psychologically connected to the people around them make better citizens.”
Kahn’s first major essay as sole author, published in 1944, was called Monumentality, a concept he defined as «a spiritual quality inherent in a structure that conveys a sense of its eternity.»
At the First Unitarian Church, Goldhagen says, the column-shaped light rhythms that Kahn sculpted into the façade are among the devices that increase the impression of massiveness and give the building an air of monumentality, he said: «I believe in frank architecture. A building is a struggle, not a miracle, and the architect must recognize this.«
Architecture of Institutions
According to Goldhagen, it was the first building Kahn built that gave “an indication of his mature style.”
Goldhagen says that at the First Unitarian Church, Kahn developed a philosophy for creating architecture for such organizations: «Kahn’s philosophy of the architecture of institutions, developed while designing the First Unitarian Church in Rochester, stipulated that the first and highest duty of the architect was to develop an idealized vision of the ‘way of life’ of an institution and then give shape to that vision, or as he would have put it, Form.”
Kahn made his enthusiasm for the First Unitarian Church evident even before it received final approval from the building committee.
As early as October 1960, at a conference in California, he had chosen it to illustrate a pair of terms, «form» and «design,» that were becoming key principles of his philosophy. He used these words to describe his conception of architecture, and in particular his design procedure, as the translation of the intangible into the real. It was at this time that Kahn mythologized the way the church’s design had evolved, composing an account (accompanied by the now famous diagram) that, since its publication in April 1961, has been seen as the clearest illustration of its design approach.
“Schools began with a man who, without knowing he was a teacher, discussed his ideas with a group of people who did not know they were students.”
Kahn worked on this lecture for several months and published it as an essay titled Form and Design. A colleague described it as the best embodiment of his ideas at the time and said that when people requested examples of Kahn’s publications, he most often sent this essay.
Kahn’s intention was to demonstrate that architecture is the embodiment of the incommensurable.
He used to mention the school as an example of institutions that arise from inspirations “Schools began with a man who, without knowing that he was a teacher, discussed his ideas with a group of people who did not know that they were students.”
“The street is probably the first human institution, a meeting center without a roof, the school is a space where it is good to learn. The city is the place where institutions meet.”
“Everything an architect does responds first to a human institution before becoming a building.” Thus, architecture is based on the general forms of man’s being-in-the-world. Martin Heidegger, 1889 – 1976.
In this sense, it is incommensurable, although it can be measured as a building. “A work is made between the imperious sounds of industry (creation) and. When the dust settles (when the excitement of creation has passed)(…), the pyramid of resonant silence provides the sun with its shadow.”
The 1950s constitute a decisive turning point in the career of Louis I. Kahn, a moment in which his ambition to understand the very origin of architecture led him to propose a series of decisive transformations in the conception of order and space. modern. His intuitions about the autonomous and indivisible condition of the room from the intimate commitment between envelope and structure were intertwined with a simultaneous interest in the processes of growth of the form, partly influenced by key figures of the North American context such as Buckminster Fuller (1895 – 1983). ) or Robert Le Ricolais (1894 – 1977) but above all for his intense collaboration with the architect Anne Tyng (1920 – 2011).
The evolution of the Trenton Jewish Community Center project can be considered a paradigmatic example of this crossroads of interests, naturally assuming the transition from a «cellular» plot with an organic appearance to a tartan scheme with classical connotations. The main objective of the article is to shed new light on the reason for this transition and to do so it proposes the reconstruction of the hypothetical creative process of its author, by redrawing the different versions of the project. The aim is to detect key episodes in decision-making, such as the debate established between Kahn and Colin Rowe (1920 – 1999) following the latter’s visit to Philadelphia, which could have encouraged a radical change in the proposed anatomical model. Louis I. Kahn, Anne Tyng, Colin Rowe, Trenton Jewish Community Center, modern review, growth patterns.
Kahn’s belief in “what the building wants to be,” as he often repeated in his lectures, was strongly conditioned by this Wrightian ideal.
Kahn said: “It is a happy moment when a geometry is found which tends to make spaces naturally, so that the composition geometry in the plan serves to construct, to give light and to make spaces.”
“It is a happy moment when you find a geometry that tends to make spaces naturally, so that the geometry of the plan composition serves to build, give light and make spaces.”
Richard Saul Wurman, editor “What will be has always been: the words of Louis I. Kahn” New York. Access and Rizzoli. 1990, What will be has always been: the words of Louis I. Kahn.
And those of Wright: “There is a life principle expressed in geometry at the center of every Nature-form we see. This integral pattern is abstract, lying within the object we see and that we recognize as concrete form. It is with this abstraction that the architect must find himself at home before Architecture can take place.”
“There is a principle of life expressed in geometry at the center of every form of Nature that we see. This integral pattern is abstract and is found within the object we see and recognize as a concrete form. It is with this abstraction that the architect must become comfortable before Architecture can take place”.
“Frank Lloyd Wright, Collected Writings of Frank Lloyd Wright.” New York: Rizzoli, 1992, vol. I, For the cause of architecture: composition as a method in creation, 259–60.
What does a building want to be?
A rose wants to be a rose
In the discussion of Kahn’s philosophy, his famous question: What does a building want to be? is usually taken as a starting point. This question has a greater scope than the approaches of functionalism. As a matter of principle, functionalism is circumstantial, since it starts from the particular or the general, although it may accept the concepts of typology and morphology.
Kahn’s question, on the other hand, suggests that buildings possess an essence that determines the solution. Thus, his approach represents an inversion of functionalism; the latter starts from the bottom, while Kahn starts from the top.
He emphasizes again and again that there is an order that precedes design. One of his statements begins by saying “Order exists.” This order encompasses all of nature, including human nature.
In his early writings, he used the word form to designate what a thing wants to be; However, he himself must have perceived the danger of misunderstanding, since this term usually has a more limited meaning.
That is why he introduced the term pre-form.
Then he preferred to refer to the field of essences with the word silence. Silence is immeasurable, but it contains the desire to be. Every form has a desire for existence that determines the very nature of things. This desire for existence is satisfied through design, which involves a translation of the internal order into being.
Boynton House in Rochester
The Boynton House was designed in 1908 by Frank Lloyd Wright, it is located at 16 East Blvd, in the city of Rochester, in the state of New York (14610).
No visitors allowed at this time. (August 2024).
Part of Wright’s Prarie Style repertoire of homes, this house was commissioned by Edward Everett Boynton, for him and his teenage daughter Beulah Boynton.
Some of the following photos are courtesy of the Wright Legacy Group.
The first floor has abundant windows, especially in the dining room, with skylights, a strip of skylights and a long window made up of folding modules, which join together to create different levels of lighting.
Next is the living room which features millwork with a similar window configuration on two sides and glass doors leading to a gallery at the northwest end of the home.
Wright was heavily involved in the design process and traveled to Rochester several times to oversee construction.
He also designed much of the furniture, such as the large dining room table, which has a wooden structure that holds the lamps, with a notable design.
We already anticipate the one on the dining room table in the Robie house, completed two years later.
Edward Boynton commissioned Wright to build a total work of art, including the house, landscaping, and furniture.
The site, which stretched across three city lots, gave Wright the space to incorporate a large garden, tennis court, and rectangular reflecting pool, providing the feel of an open prairie.
Boynton had sufficient resources due to his enormous success in his business selling lighting fixtures, he was a partner in CT Ham Manufacturing Co. of Rochester.
But his financial success failed to prevent Boynton’s personal life from being marked by tragedy.
Three of his four children died at a young age, including Bessie, the twin sister of his daughter Beulah.
On April 13, 1900, his wife died. Beulah told Times Union reporter William Ringle, «My father didn’t have any more hobbies than I did.»
When Boynton decided to move from his home at 44 Vick Park B in Rochester he commissioned Frank Lloyd Wright to design what would become the only Wright-designed home in the city.
Beulah Boynton recalled: «My father wanted the architect Claude Bragdon (8) to build our house, because he was captivated by Wright, until he was able to hire Wright.»
Edward Boynton learned of Frank Lloyd Wright through his business partner Warren McArthur, as Wright had designed the McArthur House in the Kenwood district of Chicago in 1892. It was in 1906 that Boynton commissioned Wright to design a house on a spacious property on East Boulevard.
Construction began in 1907 and was completed the following year.
His daughter Beulah Boynton was a teenager when she met Frank Lloyd Wright.
He became very interested and involved in the design and construction of houses.
«I learned to read the specifications. I discovered a mistake in the bricklayers who were placing the chimney.»
Wright, in an unusually fruitful collaboration with 21-year-old Beulah, designed the two-story house to stand sideways on the site in an elongated “T”-shaped plan.
Art glass windows and a large terrace characterize the home, which has suffered numerous structural problems due to Rochester’s harsh winter conditions.
New owners
Kim Bixler is the author of the book “Growing Up in a Frank Lloyd Wright House” and can be seen in the 2012 PBS documentary Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years, as well as in the “Wall Street Journal,” “The Not Too Serious Architecture Hour” and on NPR’s “Here & Now” in celebration of Wright’s 150th birthday.
He graduated from Cornell University in 1991 and New York University.
His family owned the Boynton House from 1977 to 1994.
The book “Growing Up in a Frank Lloyd Wright House” chronicles the joys and pitfalls of owning a house he designed. The house’s tumultuous history is told through interviews with former and current owners. It tells what it is like to live with the curiosity of the public, play hide-and-seek, deal with the usual roof leaks and manage constant renovations.
Restoration
The Boynton House’s current owners, Jane Parker and Francis Cosentino, who purchased it in 2009, have just completed a painstaking two-year restoration project.
The process, which was completed in 2012, was documented by Rochester Public Broadcasting Station in a program titled “Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years.”
It is the only house made by Wright in Rochester, and an example of his Prairie houses. And it is one of the few Wright houses that continues to function as a private residence, as they are generally preserved as public museums.
The restoration was carried out by a local architecture company Bero Architecture, and the landscape design was done by the company PLLC. Bayer Landscape Architecture.
Originally, in 1908 the house stood on three lots, two of which, to the south of the house, were landscaped.
Today the house is on a single urban lot.
The most striking thing about the restoration was returning the spectacular cantilevered roof, common in Wright’s projects. This was because it had been closed shortly after the completion of the house.
The restoration has received congratulations from the Landmark Society (7), its president, Mary Nicosia, and its executive director, Wayne Goodman.
The house has 235 pieces of art glass, many of which are in the dining room.
Notas
1
Living Architecture. First Unitarian Church of Rochester. Architect Louis Kahn.
Robert McCarter Architect, teacher and writer, two of his books, “Louis I. Kahn” and “On and By Frank Lloyd Wright”, were finalists for the RIBA (Institute of British Architects) International Book Awards in 2006.
4
Ralph Waldo Emerson (Boston, Massachusetts, 1803 – 1882 Concord, Massachusetts) was a writer, philosopher, and poet. A leader of the Transcendentalism movement in the early 19th century, his teachings contributed to the development of the “New Thought” movement in the middle of the century.
5
Architect, professor and writer, his books include “Louis I. Kahn: Beyond Time and Style”.
A graduate of Yale College, Wiseman earned a master’s degree in architectural history from Columbia University and was a Loeb Fellow in Advanced Environmental Studies at Harvard University’s Graduate School of Design. From 1999 to 2010, he was president of MacDowell Colony, the nation’s oldest retreat for creative artists.
At the Yale School of Architecture, Wiseman teaches seminars on Louis Kahn, writings on architecture, and architectural criticism. He provides editorial support for education and the arts through Writertime Communications, in Weston, Connecticut.
6
Crossed dialogues between Louis I. Kahn, Anne Tyng and Colin Rowe: Guiomar Martín Domínguez. Isabel Rodríguez Martín. December 2018.
7
Landmark Society of Western New York, Inc. Created in 1937, it is one of the oldest and most active historic preservation organizations in the U.S. It is a nonprofit organization dedicated to helping communities preserve and leverage their rich heritage architectural, historical and cultural. The Landmark Society’s service area encompasses nine counties in Western New York, centered on the City of Rochester. They are Orleans, Genesee, Wyoming, Monroe, Livingston, Ontario, Wayne, Yates and Seneca.
The Landmark Society of Western New York is supported by the New York State Council on the Arts, with support from the Governor’s Office and the New York State Legislature.
8
Claude Fayette Bragdon (1866 – 1946) was an American architect, writer and set designer, who enjoyed a great national reputation with works associated with progressive architecture that were linked to Louis Sullivan and Frank Lloyd Wright.
In numerous essays and books, Bragdon argued that only an “organic, nature-based architecture could foster a democratic community in an industrial capitalist society.”
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De todas las visitas que he realizado, la de la casa Greycliff de Wright ha sido muy impactante, por el lugar y por la calidad de los diseños en una casa de gran superficie.
Algo ya había visto en el complejo Martin de Buffalo, pero creo que esto es tanto o más impactante aún.
Lo escribo en una sala en la Universidad de Middlebury, donde suelo pasar el mes de agosto, mientras Carmen da sus clases, combino paseos con descanso, que en mi caso es escribir.
Esta semana ha sido movida, he ido a Montreal, donde volví a ver el complejo de Habitat 67 de Moshe Safdie (1938), la cúpula geodésica de Richard Buckminster Fuller (1895 – 1983).
y me decepcioné con la ex estación de servicio de LudwigMies van der Rohe (1886 – 1969), mal cuidada, sucia (pintura ennegrecida y descascarada) y a pesar de que se compró y recuperó para fines vecinales (de hecho, había un grupo de unas 20 mujeres haciendo Pilates), da muchísima pena, lo mal que la tratan.
Me gusto el viaje a Montreal, aunque es muy largo, se va despacio y son unos 420 km. Ida y vuelta.
La arquitectura del estado donde estoy, Vermont, el más pequeño de los 50 estados de los EEUU, con unos 660.000 habitantes en total, es muy verde (me rodean las Green Mountain y las Adirondak).
Mucho cultivo, ganado y sobre todo helados (de aquí son los Ben & Jerry´s), los puentes con techo (como los de Madison), mucho tractor y collages de gente hablando distintas lenguas. Donde estoy hay mucho prado, y casas de madera de todo tipo, tamaño y color (en general, colores claros y pasteles).
Le pregunto a Glenn, esposo de Patricia, una catedrática del college:
– Glenn el costo de la construcción de casas de madera, es más económicas que una construcción tradicional.?
– Me mira y sonriendo me dice, aquí las casas de madera “son la construcción tradicional”.
Porfolio Wasmuth
Algunos de los diseños más famosos de Wright aparecieron en el Porfolio Wasmuth,
“Estudia la naturaleza, ama la naturaleza, manténte cerca de ella. Nunca te fallará”. F. Ll. Wright
La casa fue construida entre 1904/05, en una terraza sobre el nivel de la calle para brindar privacidad adicional a lo largo de Bird Avenue. Heath era un abogado que había trabajado como gerente y, posteriormente fue nombrado vicepresidente de la Larkin Soap Company.
Darwin D. Martin, otro directivo de Larkin Soap Company, le presentó a Frank Lloyd Wright.
Wright había diseñado y construido previamente el edificio administrativo de Larkin y el complejo residencial para la familia Martin.
El edificio se construyó en un terreno largo y estrecho frente a la rotonda de Soldiers Place y Bird Avenue, lo que le dio un diseño muy distintivo, creando poco espacio para un patio trasero y obligando a la casa a estar cerca. hasta los límites de la parcela.
Wright diseñó la Casa Heath teniendo en cuenta la privacidad elevando los cimientos, colocando las ventanas del primer piso en alto y construyó la terraza de paredes altas frente a Soldiers Circle para que aún hubiera intimidad ante la cercanía de los peatones que pasaban.
La casa de siete habitaciones presenta muchos elementos clásicos del «estilo Prairie», como líneas horizontales fuertes, aleros en voladizo, un techo de gran superficie y ventanas con vitraux.
Hoy la residencia es de propiedad privada y no permiten visitas.
Casa Walter V. Davidson
57 Tillinghast Place. 1908, Parkside East
“El presente es la sombra en constante movimiento que separa el ayer del mañana. En eso reside la esperanza”.F. LL. Wright
En 1906, Walter Davidson se unió a Larkin Company en Buffalo como gerente de publicidad y rápidamente se hizo amigo de Darwin Martin y de William Heath, dos de sus socios gerentes.
Darwin y William ya tenían sus casas terminadas en ese momento, y unos meses después de unirse a Larkin Company, Martin los presentó en una reunión social. Davidson encargó a Wright el diseño de una modesta casa en el distrito histórico de Parkside al este de la ciudad, un barrio planificado en 1908 por Frederick Law Olmsted La casa tenía un presupuesto menor en comparación con las casas Martin y Heath.
La sala de estar tiene dos pisos de altura y cuenta con una espectacular ventana de 4,60 metros llena de vidrio emplomado con forma de diamante, un recurso simple pero audaz, que se repite en muchas de las abundantes ventanas de la casa. Tiene cuatro dormitorios arriba y un antiguo cuarto de servicio en el sótano.
El exterior, que consta de tejados planos y escalonados, y bandas lineales de listones de madera y ventanas de vidrio emplomado, parece estar compuesto por una serie de planos geométricos que se entrecruzan.
Wright integra la naturaleza en la estructura del edificio mediante la inclusión de jardineras bajas que sobresalen del camino de entrada y el porche trasero. Hoy la residencia es de propiedad privada y no se permiten visitas.
Fontana Boat House
Frank Lloyd Wright´s Fontana
1 Rotary Row, Buffalo. NY 14201. Teléfono 1716-362-3140
“El espacio es el aliento del arte”. F.Ll.Wright
Esta al lado del Club West Side Rowing.
Wright lo diseña en 1905, y el arquitecto Tony Puttnam lo construye en el 2007, 112 años más tarde.
Diseñado originalmente para el equipo de botes de regata de la Universidad de Wisconsin.
El Boat House Charles y Marie Fontana es la única guardería que realizó Wright,
No es extraño que tenga el nombre de Charles, quien participó en las pruebas de los Juegos Olímpicos de 1948, entrenando en el vecino Club West Side Rowing.
Durante 1905, Wright estaba en el apogeo de sus construcciones estilo Prairie en Buffalo y ciertamente se pueden ver elementos en su diseño Boathouse con grandes voladizos en el techo y vidrio con diseños como en las ventanas del segundo piso. Aunque nunca pudo construirlo durante su vida, Wright estaba tan orgulloso de su diseño que lo incluyó en su Wasmuth Porfolio, siendo la única estructura no construida que se incluyó en él.
Cuenta con algunos de los elementos de diseño clásicos de Wright. Grandes vigas recorren los techos y permiten pasar naturalmente de un espacio a otro. Artefactos de iluminación estilo Arts and Crafts adornan las escaleras y se reflejan en las ventanas del segundo piso.
Después de años recaudando fondos, Tony Puttnam, que fue un aprendiz de Wright desde 1953 a 1957, fue seleccionado para realizar el Fontana Boathouse, que ahora alberga el West Side Rowing Club.
Se alquila para eventos, está ubicado sobre el canal Black Rock de Buffalo, con vistas al río Niágara y al lago Erie.
Mausoleum of the blue sky (Mausoleo del cielo azul)
Cementerio Forest Lawn. 972-990 W Delavan Ave, Buffalo.
Diseñado entre 1925-1928, y construido en el 2004
El monumento fue completado por Anthomy Puttnam (1),un aprendiz muy cercano a Wright que también realizó el Fontana Boat House
El cementerio está abierto de lunes a domingo desde las 8 hs a las 19 hs.
Es muy fácil llegar al cementerio, y también ir al Mausoleo, siguiendo el camino se llega a los pocos minutos.
Blue Sky es el único mausoleo que Frank Lloyd Wright diseñó, se cree que fue encargado por Darwin Martin entre 1925 y 1927 y se diseñó para ser construido en Forest Lawn.
Debido a la caída del mercado de valores en el año 1929, Martin perdió la mayor parte de su fortuna y no pudo seguir adelante con el proyecto.
Ninguna persona de la familia Martin está enterrado aquí.
“A burial faging the open sky the whole could not fail of noble effect. Frank Lloyd Wright. Architect. 1928“
«Un entierro a cielo abierto, no puede dejar de tener un efecto noble. Frank Lloyd Wright. Arquitecto. 1928“
El Mausoleo fue el último de los cuatro proyectos que Darwin D. Martin encargó a Wright; los otros fueron su complejo residencial, el Edificio de Administración Larkin, y Graycliff, su casa de verano.
Anthony Puttnam
Otras obras de Wright en las que ha intervenido Anthony Puttnam
El diseño fue completado por ya mencionado aprendiz de Wright, Anthony Puttnam. el mismo que tambien fue responsable de la finalización póstuma del Centro de Convenciones Monona Terrace de Wright a orillas del lago Monona en Madison, Wisconsin, con importantes cambios, Puttnam ha defendido ambos proyectos contra las acusaciones de que no son auténticos.
Con mi hermano Guillermo hemos podido verlo (en obras), y como era un domingo “sacamos algunas vallas” y lo visitamos, el anfiteatro tiene unas dimensiones colosales.
Antes de ver el Monnona Terrace, estuvimos en Elkins Park un suburbio de Philadelphia admirando la sinagoga de la Congregación Beth Sholom (Casa de la Paz), al 8231 de Old York Road. Fue la única sinagoga que construyó, se terminó en 1959.
Estoy muy agradecido a mi tía Fory (hermana menor de mi madre Alicia), que pidió que a pesar de que no era horario de visita, me dejaran entrar y admirar, cosa que hicimos juntos.
Notas
1
Anthony Puttnam (1934 – 2017). se había unido con 19 años a la Taliesin Fellowship (1953), antes había cursado estudios en la Universidad de Illinois, donde realizó la carrera de arquitectura y de paisajismo. En 1990 colaboró en la restauración del molino de viento «Romeo y Julieta» que Wright construyera en 1897 en Taliesin.
Fue el autor intelectual de la construcción de Monona Terrace, un proyecto cívico diseñado por Wright en 1938 que se convirtió en un edificio “LEED Plata” bajo la dirección de Tony en 1997. Esta certificación indica que el edificio ha implementado prácticas sostenibles en el uso de la energía, el agua, residuos, sostenibilidad y calidad del aire interior.
Más recientemente, Tony fue asimismo el arquitecto y el planificador de Panda Mountain en Wolong Panda Preserve and Research Center en Sichuan, China. Fue un talentoso fotógrafo, diseñador gráfico, dibujante y profesor muy valorado en la Escuela de Arquitectura de Taliesin, expreso su interés y amor por la naturaleza que rodeaba a Taliesin, desarrollando y enseñando los “patrones de la naturaleza” como fuente de diseño. Su pasión por lo espiritual lo compartió con sus conocimientos de poesía, la filosofía y la arquitectura.
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Living room of the home of Francis W. and Mary Little.
Frank Lloyd Wright 1912–14
It is on display at the Met on 5th Avenue in Room 745.
Despite their many efforts, the Little family, Francis W. and Mary were unable to find a buyer who could give the home an alternative use. For this reason, the Met saved the complex parts of the structure that were later divided between three institutions separately:
-The Metropolitan Museum of Art,
-The Minneapolis Institute of Art and
-The Allentown Museum of Art.
For me it was a great surprise to know that the living room of the Little house can be visited as if it were just another art object (it undoubtedly is), exhibited in one of the most important museums of the world. It is located in the American room, near its amazing cafeteria surrounded by light and sculptures.
The MET was inaugurated in February 1872, it has a surface area of 180,000 m2, to give a comparative idea of its surface, the Prado Museum with its 41,995 m2, would fit more than 4.5 times in the Met, it was designed by the architects Richard Morris Hunt (3), Calvert Vaux(4), Jacob Wrey Mold (5) and Mc. Kim, Med & White (6).
The MET welcomes more than 7 million visitors a year.
Room 745
When you reach Room 745 of the American wing, you will find the living room of the Litlle house. There you can download some QR explanations of the wonder you are seeing. I fully transcribe what I have downloaded from the MET, with its photos.
Above the entrance to the room, a sign reads “The installation of the Frank Lloyd Wright Room has been made possible thanks to the generosity of Saul P. Steinberg and Reliance Group Holdings Inc,”
Living room of the Francis W. Little house, Wayzata, Minnesota. 1912-1914. (1)
Amelia Pecks (7) Curator of American Decorative Arts and Marica F. Vilcek.
The living room of Francis W. Little’s home was the center of family activity in one of Wright’s grandest homes designed in the Prairie School style.
Built for lawyer and businessman Francis W. Little and his wife, Mary, the summer residence overlooking Lake Minnetonka embodied Wright’s comprehensive architectural vision.
Working closely with his clients, Wright designed every element of the home, including the furniture, windows, and light fixtures.
Together, Wright and the Littles created an expansive yet welcoming interior, global in its influences, yet deeply rooted in the local landscape.
History of the house
Origins of the Prairie School. In the early 20th century Frank Lloyd Wright and other Chicago architects, such as Wright’s mentor Louis Sullivan (1856-1924), and his contemporaries George.
Washington Maher (1864-1926) and George Grant Elmslie (1869-1952) began to reconsider the underlying assumptions about traditional domestic architecture to design homes adapted to the daily routines of modern American families.
While the then-popular Neoclassical Colonial-style homes featured symmetrical designs with rooms opening onto central hallways, “Prairie School” architects introduced open floor plans centered on common gathering areas with transitions that flowed from one space to the next.
These houses, designed from the inside out, functioned as organic units.
See https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones/
Prairie School House Features
While the then-popular Neoclassical Colonial-style homes featured symmetrical designs with rooms opening onto central hallways, “Prairie School” architects introduced open floor plans centered on common gathering areas with transitions that flowed from one space to the next.
These houses, designed from the inside out, functioned as organic units.
See https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones/
Exterior of the Littles’ home in Wayzata, Minnesota, shortly after completion
The Little family moved to Minneapolis in 1907 and contacted Wright again, asking him to design a summer house for them.
He envisioned the new house as a series of largely independent pavilions placed in a cruciform arrangement. The house stretched 250 feet along the shore of Lake Minnetonka, following the contours of two hills.
He assigned public and private zones according to the undulating topography: the living room was perched on the crest of a hill overlooking the lake, the bedrooms were one level below, and service areas, such as the kitchen, were located at the base of the hill.
Living spaces
Approach to the house, ca. 1914-15
Visitors approached the house along a winding gravel path and climbed a monumental staircase to the front door.
Entering through a small, low hall, they turned left, entering the elegantly proportioned living room, illuminated by strips of leaded glass windows that bordered the two long facing walls. Built-in bench seating, wraparound shelves, and oak molding accentuated the length of the room, while art glass lighting runs almost the entire length of the ceiling.
An imposing chimney composed of the same elongated bricks used on the exterior of the house closes the north end of the room.
Windows
Living room windows overlooking Lake Minnetonka, circa 1914 – 1915
Frank Lloyd Wright is famous for the intricate (and incredible) art glass windows he designed for his Prairie School houses.
To minimize the division between inside and outside, Wright created in the Little family’s living room an elaborately symmetrical series of abstract geometric patterns for the twelve windows that line each side, repeating the motif in the clerestory windows above and in the doors at each end.
At the request of Francis Little, Wright modified the pattern, reducing the areas of leaded glass in the windows, so the Littles’ prized view of Lake Minnetonka could be admired through large panels of smooth glass.
Frank Lloyd Wright design engraving table
White oak. Catalog number 1972.60.8.a/b
Wright designed this engraving table as a stock item and used the format in several of his homes.
The Little family brought her from their former home in Peoria.
They displayed the family’s large collection of Japanese prints, most of which they purchased from Wright, who was a passionate collector and dealer.
One or both leaves of the versatile table can be folded to display large prints and portfolios.
When the sheets are folded, items can be stored between them.
The covers of the «Wasmuth Portfolio» (1910) of Wright’s designs, a project partially funded by the Littles, are currently displayed on the table.
Windows throughout the house maintained a transparent central panel with a border of an intricate design.
La sala de estar de 16,76 metros de largo es uno de los interiores domésticos más espaciosos que Wright diseñó en ese período.
Wright as a furniture designer
Frank Lloyd Wright Pool Table and Dining Room Stair Railing, ca. 1908-1914. Graphite and colored pencil on paper. The Metropolitan Museum of Art, New York, purchase, bequest of Emily Crane Chadbourne, 1972
Wright often designed the furniture, and for the execution of his designs he provided detailed drawings; this he did for many of his Prairie School houses, including the two houses he designed for the Little family.
For the house in Wayzata, Wright created drawings for a variety of furniture, including a table and pool cues. other times he accepted designs from others, such as those he commissioned from the furniture maker George Niedecken (1878 – 1945).
Piano case
Piano screen, ca. 1908-1914. Graphite and colored pencil on paper. The Metropolitan Museum of Art, New York, purchase, bequest of Emily Crane Chadbourne
Mary Little, who was a talented pianist (she studied piano with Franz Liszt), used the living room as a recital space, and the family referred to the place as the «music room.»
Wright designed a decorative wooden case for Mary’s piano that would harmonize with the rest of the furniture in the room, but this was never built, probably due to the cost overruns of the entire house project. The piano she used in the living room had a dark wooden case, in a traditional 19th century Rococo style, adorned with naturalistic carvings.
Frank Lloyd Wright design floor lamp
White oak, parchment, silk. Catalog number 1972.60.15
Wright designed a set of six oak floor lamps (1972.60.14-.19) for the Little family summer home on Lake Minnetonka.
The shades consist of hexagonal oak frames filled with parchment paper.
In a nod to the Asian art he so admired—he made his first trip to Japan in 1905—each lamp has a long silk cord with a Chinese-style tassel to turn the electric light on and off.
«Vase» design by Frank Lloyd Wright
Copper. Catalog number 1985.212.
Wright designed these copper “Vases” which he called “leaf holders” and displayed them in his own home in Oak Park, Illinois, as well as in several other residential commissions.
While this pair is not the set owned by the Little family, their daughter Eleanor Stevenson, in a letter to the Museum dated January 1974, described some of the original furniture in the room and drew some like these, characterizing it as «excessively tall.»
He wrote that the family had a couple of them placed «in the chimney recesses.»
Little house living room
The Frank Lloyd Wright Room was originally the living room of Francis W. Little’s summer residence, designed and built between 1912 and 1914 in Wayzata, Minnesota, a suburb of Minneapolis. (8)
The room embodies Wright’s concept of «organic architecture», in which the building, environment, interior and furnishings are related. The house is composed of a group of low pavilions interspersed with gardens and terraces, which, in plan, radiate from a central «symbolic home.»
Photo album
High table to support plants designed by Frank Lloyd Wright
White oak. Catalog number 1972.60.11/12
In the room you can see two plant stands.
They were made for the Peoria house and are identical to those Wright designed for Susan Dana in Springfield, Illinois (1902).
While Wright designed unique, built-in furniture for many of his homes, these are part of a standard set of movable furniture.
Many were useful for him to include in many of his construction commissions in the Prairie Style.
Collection Frank Lloyd Wright Room . Objects from the Little House
“The living room is not simply a single closed volume, but a series of horizontal levels surrounded by glass, allowing natural light to interact with the rich, earthy tones that Wright employed throughout the room.”
Amelia Peck (6), curator of American decorative arts. Marica F. Vilcek.
A view of the living room showing the fireplace along the back wall
This living room was originally part of Francis W. Little’s family summer residence, designed and built between 1912 and 1914 in Wayzata, Minnesota, a suburb of Minneapolis.
The room embodies Wright’s concept of «organic architecture», in which the building, its surroundings, the interior and the furniture are related. The house is composed of a group of low pavilions interspersed with gardens and terraces, which, in plan, radiate from a central «symbolic home.»
This room also represents one of Wright’s most significant contributions to modern architecture: the idea of spatial continuity. Low cantilevered ceilings and geometric window designs, decorated with stylized plant motifs, visually and spatially integrate the interior with the wooded environment surrounding Lake Minnetonka. The image has an empty ALT attribute; its file name is 50-2.png
The living room is not simply an enclosed space, but a series of horizontal levels surrounded by glass that allow for a unique interplay between natural light and the rich, earthy tones Wright used throughout the design.
The tonal harmony of the room is achieved through the combination of ocher plaster walls, natural oak moldings and floors, reddish exterior bricks on the fireplace and leaded windows with a galvanized copper finish.
The boldly shaped oak furniture was conceived as an integral part of the architectural composition.
The center of the room is kept clear, while the spaces formed by the furniture enliven the peripheral space.
The installation has sought to maintain continuity between the interior and exterior, reconstructing the exterior facades in the adjacent hallways and offering a view of Central Park.
The room contains many accessories similar to the originals, and others recall objects that appear in photographs of the time.
The use of Japanese prints and natural floral arrangements were a feature of Wright’s design.
The house, which was characterized by its length and low height, had windows that spanned the entire façade facing the lake; the MET sells replicas of the windows. Each window panel measures 136.5cm x 57.8cm.
Frank Lloyd Wright design table
White oak. Catalog number 1972.60.3
Frank Lloyd Wright designed this table specifically for the Little family’s living room in Wayzata, using the same light-finished white oak used in the room’s moldings, light fixtures, and shelving.
The long tabletop appears to almost float on the four sturdy legs, and the center block of the cabinet appears to be hanging from the top.
Instead of putting handles on the cabinet doors, he designed simple cut-out handles. The overall effect is of a table that is solid yet lightweight, and blends seamlessly into its surroundings.
Frank Lloyd Wright design table
White oak. Catalog number 1972.60.20
The large library table that dominates one end of the room was originally made for the Little family home in Peoria, but both ends of the table were extended when it was moved to Wayzata to give it its current length of nearly 14 feet. It is a practical piece of furniture, built with multiple shelves to place books of different sizes. As a vertical counterpoint to the low, extended surface of the table, a plaster reduction of the famous «Winged Victory of Samothrace» from the 2nd century BC was placed on it. C., a sculpture that Wright used in many of the interiors of his Prairie School.
Frank Lloyd Wright design armchair White oak, wool. Catalog number 1972.60.4/5/6/7
This set of four dark stained oak armchairs was designed for the Little family’s first home in Peoria, Illinois, they were then moved to the living room of their new summer home.
Unlike Wright’s later furniture (1912–14) in the room, these chairs include applied decorative bands on each leg, capitals, and stylized bases. The chair cushions are covered with their original wool fabric.
Frank Lloyd Wright design side chair
White oak, leather. Catalog number 1972.60.9/10.
In the MET you can see two chairs, it is not known if they were designed for this house or for the Little family’s previous house in Peoria.
Although the finish is the darker shade of the Peoria pieces, the more elegant and less ornate shape of the chairs may indicate that they are from the later commission.
Other chairs of this same design were made for Wright’s 1908 Isabel Roberts House.
In the 1942 photographs you can see two additional chairs like these, but without the leather backrest, placed next to the table.
Frank Lloyd Wright design sofa
White oak, oak plywood, secondary woods and wool. Catalog number L.1982.125.
Lamp designed by Frank Lloyd Wright
White oak and glass. Catalog number 1972.60.24.
It is inspired by the designs of Japanese lanterns that he saw in 1905 on his first trip to Japan.
Wright created these oak and frosted glass lamps as vertical counterpoints to the horizontal bands of the walls and benches that accompany the room’s windows, the long horizontal shelves on the upper perimeter, and the low benches incorporated into each window wall.
Notes
1
Frank Lloyd Wright Foundation
The House of Francis II (Reconstruction of the living room).
Clients Francis W. Little and his wife Mary
Permanent exhibition at the Metropolitan Museum of Art in New York. The Francis Little House II, built on the shores of Minnesota’s Lake Minnetonka, had a large footprint that was both complex and complex in design. It is considered one of the richest expressions of Wright’s prairie aesthetic and the last of his Midwestern prairie houses. It was built in 1912 and demolished in 1971
2
Héctor Martín Lefuel (1810 – 1880), was a French historicist architect of the 19th century, who, along with Charles Garnier, was one of the most emblematic architects of the French Second Empire. He participated in the completion of the Louvre and several imperial residences.
3
Richard Morris Hunt (1827 – 1895), American and French.
He trained at the National School of Fine Arts in Paris, where he was a student of Héctor-Martin Lefuel (1810 – 1880). (2)
He is considered the father of American architecture. He was an architect and sculptor and worked for Columbia University. He founded and presided over the AIA American Institute of Architects since 1888.
Honors
He was the first US architect to receive the RIBA Gold Medal, Royal Institute of British Architects, 1983.
Honorary member, Académie française and Knight of the Legion of Honor, France.
Among his works are the facade and great hall of the Metropolitan Museum of Art, the pedestal of the Statue of Liberty, and many mansions on Fifth Avenue.
He designed the New York Tribune Building, considered by New Yorkers to be the first skyscraper.
The largest residence in the US, the Biltmore Estate, is a château, a historic house museum, built for George Washington Vanderbilt II between 1889 and 1905. 12,568 m2 covered on a 16,622 m2 plot.
4
Calvert Vaux (1824 – 1895). British architect and landscape designer. He designed the plans for New York’s Central Park together with Frederick Law Olmsted.
He studied architecture under the tutelage of Lewis Nockalls Cottingham (1787 – 1847), when he moved to New York he worked with the landscape painter Andrew Jackson Downing (1815 – 1852) End of form.
5
Jacob Wrey Mold (1825 – 1886) was a British architect, illustrator, linguist, and musician, known for his contributions to the design and construction of New York City’s Central Park. He was «instrumental» in introducing the British Victorian architectural style to the United States, and was a founding member of the American Institute of Architects.
Dibujo de una lámpara de Mould
He studied the Alhambra for 2 years with Owen Jones (1809 – 1874), “the master of polychromy”. He designed decorations for The Great Exhibition in London of 1851 and in 1852 he worked for the Crystal Palace in Manhattan.
Together with Calvert Vaux and Frederick Law Olmsted he designed many parts (bandstand, bridges, etc.) of Central Park.
Mold also collaborated with Vaux on the design of the original Metropolitan Museum of Art and the American Museum of Natural History. He was an expert pianist and organist, and used his talents to translate numerous foreign opera librettos into English.
6
McKim, Mead & White was an architectural firm that thrived in the early 20th century. The company’s founding partners were Charles Follen McKim (1847–1909), William Rutherford Mead (1846–1928), and Stanford White (1853–1906). They hired many other architects, partners, associates, designers and draftsmen, who would stand out during or after their stay at the firm.
Among his works are the old Pennsylvania Station in Manhattan, the Brooklyn Museum, and the main campus of Columbia University. The Boston Public Library, the White House renovations, and the National Museum of American History among others. They built in many US states as well as Canada, Cuba and Italy.
Among so many works, we can mention the Washington Square Arch, the entrance to Harvard University, Rockefeller Hall at Brown University, George Eastman’s House Museum (which I was impressed to visit this summer), and the National Hotel in Havana Cuba. Both McKim and White worked for Henry Hobson Richardson, They applied the principles of Beaux Arts architecture.
Smith died in 1961, and the company’s name was soon changed to Steinmann, Cain and White. In 1971 the firm became Walker O. Cain and Associates.
7
Amelia Peck is a renowned curator at the Metropolitan Museum of Art. She has worked as curator of the collection of American decorative art and is the author of numerous books and articles on this topic. Peck has collaborated on several exhibitions and publications that may have been influenced or supported by donations from the Vilcek Foundation, or in which collections associated with the Vilceks may have been involved.
Marica F. Vilcek (1937) is a prominent art collector and philanthropist, known for her work supporting arts and culture. Together with her husband, Jan Vilcek (1933), they have contributed significantly to the museum and other cultural institutions, particularly through the Vilcek Foundation, which promotes the contributions of immigrants to the United States, including in the arts.
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
I had an early breakfast and had over 2 hours before my 11am appointment to visit the Martin house.
Darwin Martín was one of the directors of the Larkin company who did the most to help Wright build the company’s administrative building. Over the years they became friends. Since it was early, I went to see where the demolished building was.
Location Larkin Street between Swan and Seneca. Buffalo. On map S 093. (1)
Larkin, or what remains, which is just a 2 meter wall and little more.
From that building that in 1906 amazed by its spaciousness, and services, AA, radiant heating, built-in furniture. etc Now it is a vulgar parking lot, nothing of everything it offered saved it from destruction in 1950.
I translate the panel, the yellow dot at the bottom right indicates that “you are here».
I went up a staircase that I didn’t see any sense in, and a panel with photos that said:
“Photograph courtesy of the Buffalo History Museum Frank Lloyd Wright designed the administration building for the Larkin company beginning in 1903. He was hired to design the structure after Larkin principals William R. Heath and Darwin D. Martin urged company owner, John D. Larkin, to do so. The building housed the offices of the large mail-order company, which began as a soap manufacturer but grew into a more diversified company». (Like an AMAZON today).
“The building’s design is considered one of the most significant structures ever built in North America».
«…since it became the model of modern architecture and the machine age».
“The building articulated its various functions in ways that expressed its internal organization, including its corner stairs and its tall, nostril-like air inlets».
«Placing these amenity functions on the exterior walls of the building allowed a central skylight to flood the work spaces with natural light».
«The ghost fence pillar adjacent to this panel was built on the existing foundation left from the fence surrounding the building and is intended to define the scale of the structure as well as orient the viewer”.
“The structure was largely demolished during 1950, after the company’s failed attempts to shift from the mail-order business to retail establishments, then popularized by automobile-driven consumers».
I translate what is written on the panels
“Frank Lloyd Wright was the architect of this revolutionary building built in 1903″.
«Its skillful design incorporated modern technology developed in the early 20th century».
«Wright used machine-made objects to define the function of the structure and the beauty of its materials».
«This made the Larkin Building one of the first icons of modern architecture, and thus played an important role in the development of the modern world by defining an image for architecture in the machine age».
«Innovative construction methods allowed Wright to synthesize modern technology into a coherent interpretation of the Industrial Revolution..«.
“The structure was demolished in 1950 with the exception of the brick fence pillar (adjacent to this panel) and significant portions of the foundation and basement. The pillar incorporates the main materials of the building’s exterior».
Frank Lloyd Wright contemplating an image of the demolition of the Larkin at an exhibition in 1953 in New York
The Darwin Martín House complex
The Darwin Martín House complex was built in 1907, they have an organization with guides to exhibit this work, they offer tours, objects, old photos of daily life there and projections. There is a short tour, limiting the areas to visit (25 usa, students 10 usa) or a longer one of 45 usa, 75 minutes, where you can also see the Barton house and the greenhouse.
I pointed to the one that showed the most.
As usual for me, I mixed up the reservation date, it was for Saturday and I went on Friday, for Wright, this would be just a minor detail.
Martin was a senior executive at Larkin Soap, his house is in a very elegant and well-kept neighborhood, the Parkside district, designed by Frederick Law Olmsted in 1876.
Frederick Law Olmsted
Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) was an architect, landscape designer, journalist and botanist, recognized for designing urban parks such as Central Park and Prospect Park, both in New York.
He designed a system of public parks and parkways in Buffalo, New York; the Niagara Falls Reserve, in Niagara Falls; Mont-Royal Park in Montreal; the Emerald Necklace, in Boston, Massachusetts; Cherokee Park (and parkway system) in Louisville, Kentucky; as well as Jackson Park, Washington Park and Midway Plaisance for the World’s Columbian Exposition in Chicago; part of Detroit Belle Isle Park; the United States Capitol Gardens; and George Washington Vanderbilt II’s building, the Biltmore Estate, in North Carolina.
In Brooklyn, Massachusetts, he designed the campus of Stanford University.
As a journalist he had an active and interesting activity.
In 1850, he traveled to England to visit public gardens, especially those created by Joseph Paxton in Birkenhead Park (2), which led to the publication of an important book in 1852, “Walks and Conversations of an American Farmer in England.”
The New York Daily Times (now the New York Times) commissioned him to study “The Economy and Slaves», for which he made a trip from 1852 to 1857 through the south of the country. His conclusion was that the practice of slavery was not only morally odious, but that it was expensive and economically ineffective.
Olmest married his brother’s widow, Mary Cleveland, in 1859 and adopted his brother’s three children.
The architect Andrew Jackson Downing proposed in his magazine The Horticulturist to develop Central Park, an idea that, due to his tragic and sudden death, could not continue, and in his name Olmsted and Vans carried it forward.
Olmsted and the architect Calvert Vaux won the competition to design it in 1858.
In 1865, the two created Olmsted, Vaux and Company.
When Olmsted returned to New York, together they designed Brooklyn’s Prospect Park from 1865 to 1873, the New York and Milwaukee park system, and the Niagara Reserve at Niagara Falls.Suffering from dementia, Olmsted lived at McLean Hospital, which he had landscaped for several years, and remained there until his death in 1903.
After Olmsted’s death, his sons John Charles Olmsted and Frederick Law Olmsted Jr. continued the work of his company, as the Olmsted Brothers, until 1950.
Tour of the Martin Houses
The Darwin D. Martin House was designed by Frank Lloyd Wright and built between 1903 and 1906.
You can (and should) visit it from Monday to Thursday from 10 am to 3 pm. and from Friday to Sunday from 9:30 am to 3 pm, during the Tour you visit:
–Casa Martin (including the second floor)
-Pergola
-Conservatory
-Carriage House
Equipo de la empresa constructora de la Casa Martin en octubre de 1904
Distance from Buffalo Exchange Amtrak station. 9 km.
The City of Buffalo features several of Wright’s legendary masterpieces.
1-Martin Houses. 2-Walter V. Davidson and 3-William R. Heath.
Some houses are maintained as private residences, so it is not possible to visit them.
Gardener’s Cottage
The Martin house is an almost perfect composition
Elaborate in his designs is 13.600 meters of wood moldings of 110 different designs, some of the molding sets consisting of nine separate pieces.
It is very nice, and I recommend visiting the Parkside neighborhood, where Casa Martín is located.
The Martin complex has different constructions in shapes and surfaces, but they are interconnected, with a long pergola 30.48 meters long.
Wright referred to the Martin House in 1904 as “the most perfect house of its kind in the world, functioning as a domestic symphony, true, vital, comfortable”.
I visited her for just over 2 hours:
1- Martin’s main house
2- the Barton house
3- a greenhouse (it is at the end of the pergola)
4- garage
5- the gardener’s cabin
TThe interior spaces of the historic houses are accessible and, as I have written, they are done in small groups, they are guided tours, you can reserve by calling 877-377-3858 or through the tour calendar.
The grounds, pergola and conservatory are open to the public daily from 9am to 4.30pm.
The Greatbatch Pavilion (Visitor Centre, which operates in a modern pavilion), is open from Wednesday to Monday from 10 a.m. to 4 p.m. to 6:30 a.m., on weekends until 5:30 p.m.
The Martin House Museum Shop is located in the Carriage House, open Wednesday to Monday, 10 a.m. to 4 p.m.
The Statler Café is located on Summit Avenue in the north end, they offer food, snacks and drinks. Wednesday to Monday, 10 a.m. to 4 p.m. Thursday Happy Hour from 4:00 p.m. to 8:00 p.m.
JAM Parkside serves coffee, tea, cakes and toast.
Kostas Restaurant, located on nearby Hertel Avenue, serves breakfast, lunch and dinner daily.
Tour of the Martin House
Buffalo features seven of Wright’s legendary masterpieces.
1- Martin Houses,
2-Walter V. Davidson
3-William R. Heath of Wright
Some houses are maintained as private residences and do not allow visitors.
On the shores of majestic Lake Erie, I took another tour of
4-Graycliff Estate
5-a boathouse,
6-a mausoleum
7-a service station.
For more information: martinhouse.org
The Martin House 125 Jewett Parkway. Buffalo, NY 14214
Administration. address
143 Jewett Parkway. Buffalo, NY 14214 Tel 716.856.3858. 877.377.3858. info@martinhouse.org
Photo tour
In front of the Martin house, passing cars and the lady, “You can’t take photos inside”. Then I asked her if she was a collaborator of the foundation, and if she was proud of her role as a house, and she gestured «because I was a neighbor, I am a real housekeeper».
They both respected each other, in a friendship that lasted many years.
Darwin D. Martin (1865 – 1935) and Frank Lloyd Wright (1867 – 1959).
The Martin House is the result of an exceptional collaboration between Martin and Wright. Martin was a well-known businessman, while Wright was an architect at the time relatively unknown, outside the architectural circles of Chicago and areas of the American Midwest.
In 1902, Martin invited Wright to Buffalo to evaluate and exchange ideas about the design of the administrative headquarters for his Larkin Company, a group of soap-making and mail-order companies. He was also interested in building a home for his wife. Isabelle and her family, Graycliff House.
Martín did not doubt Wright’s genius and commissioned him both projects, the two most important at Wright’s early age, he was 35 years old. Martín trusted Wright with an unlimited budget, Wright designed a complex where the buildings had a direct relationship with the surrounding landscape. It is the interaction between architecture, design and landscape.
Built in the “Prairie style,” it is a multi-residential estate admired for its six complementary buildings, interior and exterior gardens, and an impressive collection of artistically worked glass and furniture designed by Wright and made by cabinetmakers.
Three homes define the composition of the complex:
Darwin D. Martin 1904/05, his sister Delta Martin and her husband George Barton 1903, and the gardener 1909.
These constructions are linked to a pergola, a greenhouse and the garage, Wright insisted on his concept from “domestic symphony.”
The Martin House is the main one and is characterized by its low profile, cruciform floor plan, spatial opening, pronounced horizontality, play of pillars and overhangs, and a rich palette of materials.
Access, turn to the right parallel to the wall, some bricks leave an important joint in centimeters for ventilation of the lower floors.
Well, the lady «takes care of the house» was not attentive enough.
Leaving the house, towards the pergola hallway.
House entrance view from the pergola hallway
Pergola hallway
Barton House
Full-scale reproduction of the original cast-in-stone sculpture of the Comb Sprite from Midway Gardens.
It was the result of collaboration between Frank Lloyd Wright and Alfonso Inanelli. These sculptures adorned the walls of the enormous Midway Gardens complex in Chicago between 1913 and 1929. The Sprite with a comb weighs 137 kilos.
While viewing the reproductions in the Museum Store in the Carriage House, I have seen a reproduction of the sculptures in Midway Gardens, and I remembered that when an assistant went crazy in August 1914 and burned down Taliesin and then hacked to death the Wright’s partner, Mamah Borthwick, their 2 children and 4 collaborators, Wright was away at the time because he was running Midway Gardens in Chicago. If not, he would surely have been another victim of the crazy murderer. I tell the story in the link…
Midway Gardens was a huge entertainment center with indoor and outdoor spaces of 33,445 m2, opened in June 1914 and was intended to function as a brewery and a concert and dance hall in which bands such as the Midway Gardens Orchestra performed.
It occupied the site of the former Sans Souci Amusement Park, at the corner of Cottage Grove Avenue and East 60th Street. in the Hyde Park neighborhood on Chicago’s South Side.
The large area (equivalent to a city block) offered entertainment to a wide variety of people in a German-style meeting place. The gardens included restaurants, lounges, newsstands, cigar stands, and galleries. When Prohibition was passed, the gardens lost some of their entertainment value.
Edward C. Waller Jr. commissioned Frank Lloyd Wright to design and construct the gardens in 1914 (Waller Jr.’s father, Edward Waller, had commissioned an apartment building from Wright, the Waller Apartments, from 1895 located at 2840 – 58 W Walnut Street.
Waller Apartments
Midway Gardens was designed by architect Frank Lloyd Wright, along with sculptors Richard Bock (1865 – 1949) (3) and Alfonso Iannelli(4) in the famous “leprechaun” sculptures that decorated the facility.
Designed to be a European-style concert garden with space for dining, drinking and performances year-round, Midway Gardens hosted popular artists and entertainers.
Waller was never able to finance the construction and maintenance of Midway Gardens and declared bankruptcy in March 1916.
The modernist architecture of the gardens was based on strict geometric shapes. A large central outdoor area, filled with tables and chairs, was surrounded by a series of three-story buildings with indoor spaces for dancing and other activities, as well as cantilevered balconies with projecting roofs.
The building itself was made of yellow brick and stamped cinder blocks. It featured very intricate ornamentation and many geometric sculptures, which Frank Lloyd Wright called “goblins” and which were designed in collaboration with Alfonso Ianelli. Some of these sculptures were saved from demolition and can be found elsewhere.
It was purchased by the Schoenhofen Brewing Company and renamed “Edelweiss Gardens” (after the brewery’s main beer brand).
Wright, who generally exercised strong creative control over his finished projects, was displeased by the aesthetic changes the new owner made to the gardens saying he had added “undesirable features and that the pride of Midway Gardens had been cheapened to suit a bourgeois taste.”
It closed briefly in 1918 during the war years and then during Prohibition. In 1921 it was sold to EC Dietrich Midway Automobile Tire and Supply Company, and renamed «The Midway Dancing Gardens».
In October 1928, it closed definitively and it was decided to demolish it.
Westcott House
In the administration office there was an advertisement to visit the Westcott House, designed in 1908 by Wright, at 85 South Greenmount Ave. Springfield, OHIO 45505. But it is a 5-hour drive away (almost 600 km), I told myself it will be another time. , not in this.
Then (yes, that’s right. I didn’t have lunch) to the Fontana Boathouse.
Then tour Graycliff House (1926/29), the Martin family holiday home.
As costs skyrocketed 30%, and the time of crisis had already begun, Martin told Wright.
He didn’t want to build the side balcony that joined 2 bedrooms, he didn’t need it. Wright responded.
That maybe he didn’t need it, but the house did. The balcony was built.
And finally I went to the Blue Sky Mausoleum at Forest Lawn Cemetery.
Today I dedicated 8 hours to “friend Frank”, 8 wonderful hours.
Before leaving Buffalo, heading to Rochester, in the early morning I stopped by to see Willia’s housem R. Heath. Esta en el barrio histórico de Elmwood.
It is from 1904/05. A narrow lot facing a busy street and roundabout. Wright built the house on a platform, tall windows and the walls are high enough to guarantee privacy. It has 7 bedrooms, and visitors are not allowed.
The house and the budget were modest compared to the previous ones.
Wright said “space is the breath of art”, it is not just a phrase, what he says is perceived in his works.
Let us remember that both Martin and Heath were managing partners of Larkin. Martin introduced Wright to Mr. Davidson, owner of Larkin.
Notes
1
William Allin Storrer. The Architecture of Frank Lloyd Wright. A complete Catalog. The University of Chicago Press. Chicago and London. 1427 E. 60th Street Chicago, IL 60637. ISBN 0 226 77623 9.
2
Joseph Paxton (1803 – 1865) was an English architect, illustrator, naturalist, landscaper and gardener, known for his realist and impressionist style and for being the author of the Crystal Palace, built to host the first Great Exhibition held in London in 1851. He was self-taught.
3
Bock’s first work for Frank Lloyd Wright was a frieze for the third floor of the Heller House in 1896. In 1898, Wright asked him to create sculptures for Wright’s house in Oak Park. A few years earlier, Bock had created a statue of Wright’s son John.
From 1903 to 1913, Bock worked almost exclusively with Wright on multiple projects, often making architectural sculptures designed by Wright. Wright enlisted Bock’s help after a previous sculptor, Albert Louis Van den Berghen, was not working as planned for a planned sculpture at the Dana-Thomas House.
Charles E. White, Jr. wrote upon Bock’s arrival at the studio: “Richard Bock, sculptor, who has moved to Oak Park, will occupy the studio balcony. He has decided to put himself under Mr. Wright’s criticism for a while, as his ambition is to become solely an architectural sculptor. He will do work for the Larkin building in Buffalo.”
The two became close friends and their families often spent time together. Wright designed a sculpture studio for Bock in River Forest, Illinois, called “The Gnomes.” The two worked together for more than 20 years. He created two sculptures for the entrance to Wright’s office at his home in Oak Park called «The Boulders,» they are still visible from the street outside Wright’s home and studio.
4
Alfonso Iannelli was an Italian-American sculptor, artist, and industrial designer. Based in Chicago for most of his life, architect John Lloyd Wright saw his work and the two became friends. John introduced Iannelli’s work to his father, Frank Lloyd Wright, who invited him to work with him on his Midway Gardens project in 1914.
Iannelli created several of Midway’s Sprite sculptures for Wright.Wright, however, took credit for the pieces, leading to a bitter split and the ultimate demise of their partnership. Reproductions of the Midway Gardens sprites designed by Wright were later added to the Arizona Biltmore Hotel. He also collaborated with Chicago architect Ernest A. Grunsfeld III and Bruce Goff, Purcell and Elmslie, Barry Byrne.
Partnered with his wife, Margaret, they created Iannelli Studios.
Architect. Argentinian/Spanish. editor. illustrated book distributor See all hugoklico posts Published on August 9, 2024 Author hugoklico Categories Art Edit
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«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Tour of Madrid / NY / Dunmore / Bueffalo / Rochester / Middlebury
See 2 part https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
The flight lasted less than 9 hours.
The immigration process at JFK Airport in New York was quite fast.
I had rented the car from Dollar, and I discovered that it’s a company affiliated with Hertz, and it costs about 35% less.
I planned to drive about 224 km that same day, so the trip wouldn’t be too long the next day. From NY to Buffalo, it’s 480 km. The average speed by car is 50 to 60 km per hour due to the speed limit.
If you don’t want to have to talk to the police, and especially not pay traffic fines, it’s highly recommended to travel between 45 and 55 miles per hour. That’s between 72 and 89 km/h. Very slow.
The next day, I completed the remaining 480 km, which took 8 hours.
From JFK Airport to Buffalo, it’s 479 km.
From Buffalo to Rochester, it’s 120 km.
From Rochester to Syracuse, it’s 138 km.
From Syracuse to Middlebury, it’s 264 km.
Total: 1.001 km, plus the extra distance covered while looking for the construction sites.
Pierce Arrow Museum. Architect Frank Lloyd Wright Service Station
The first thing I did was go to the Pierre Arrow museum where they rebuilt a gas station designed by Frank Lloyd Wright.
It is at 263 Michigan Avenue.
The place has a huge number of bicycles, motorcycles and cars of all types, sizes and years, as well as related objects (helmets, gloves, glasses, visors, t-shirts, jackets, books, etc.).
As for me, the service station was designed in 1928 and rebuilt after its state of ruin in 2012.
It was from the Tydol group, Wright asked for a fee for each station that was built and probably due to economic issues it was not done. Strong stucco colors, copper roof and two copper posts with a Tydol sign between them.
It has 148.65 m² with gravity-fed gasoline tanks and hoses hanging from the ceiling down to car height, with no visible pumps.
Wright believed that since everyone needed to refuel, it was decided to create a space, like an observatory on the second floor, where people could enjoy a drink by a fireplace, creating a place that would foster communication between customers and neighbors while they waited for the service to be completed.
The station was originally designed for the nearby corner of Cherry and Michigan Streets. It was commissioned by William Heath.
They are open from Thursday to Sunday, from 11 a.m. to 4 p.m.
In the 1870s, George N. Pierce’s company was known for its specialized craftsmanship, focusing on household items like birdcages and iceboxes.
It evolved to produce innovative bicycles, followed by motorcycles and single-cylinder automobiles. Demand increased, and in 1906, Pierce moved to a 140,000-square-meter factory on Elmwood Avenue, where the Pan-American Exposition had once been held.
On April 26, 1906, construction began on the new Geo. N. Pierce Mfg. facility on the Pan-American grounds.
Pierce-Arrow manufactured luxury automobiles for a wealthy market. Powerful, ornate, artistic, and sophisticated, symbolized wealth and status. Pierce-Arrows were the official vehicle of the White House for presidents from Howard Taft to Franklin D. Roosevelt, and the preferred car of John D. Rockefeller, J. Edgar Hoover,Orville Wright, and Babe Ruth.
Pierce-Arrow was famous for its innovations, such as the fender-mounted headlight designed by Herbert Dawley in 1914. Dawley also designed the iconic hood ornament featuring a helmeted archer.
The company created Travelodge trailers, equipped with gas stoves, iceboxes, water tanks, and dining areas. Pierce-Arrow produced more than 12,500 trucks used in World War I. The company employed over 10,000 men and women in Buffalo and boasted of using more aluminum than any other country in the world in 1915.
Richardson Olastead
I saw the impressive Richardson Olmsted complex, remarkable for its beauty and scale, with medieval architectural inspiration, showing the influence of William Morris and John Ruskin. Today, the Grand Hotel Richardson operates there.
Since it is not possible to see the Marshall Field Store, as it was demolished in 1930, I visited the impressive Ellicott Square (1896) by Burnham & Root and the Prudential (1896) by Louis Sullivan & Dankmar Adler, both inside and out.
View circa 1890 of Marshall Field’s wholesale store
Marshall Field’s was located on Franklin Street between Quincy and Adams Streets. It was designed by Henry Hobson Richardson, (1838 – 1886) built in 1887, and demolished around 1930.
Howard Library aka Taylor Library, New Orleans (1886-1889)
Proof of Richardson’s influence and importance in the architecture of the United States is that, of the list drawn up by architects of the ten best buildings in 1885, five were his:
Trinity Church, in 1872/77. located in the Back Bay neighborhood of Boston, Massachusetts.
The 1883 Albany City Hall, at 24 Eagle Street between Corning Place (then Maiden Lane) and Pine Street
Harvard University’s Sever Hall in 1870, is located in Harvard Yard in Cambridge, Massachusetts.
The New York State Capitol, in Albany in 1899, with architects Thomas Fuller and Leopold Eidlitz.
And the 1879/81 Oakes Ames Memorial Hall in North Easton, Massachusetts.
His best-known work, the 1872 Trinity Church in Boston, cemented Richardson’s reputation and provided him with major projects for the rest of his life.
Chicago. Marshall Field Warehouse Building. Henry Richardson
Chicago. Marshall Field Warehouse Building. Henry Richardson
Richardson and his client Marshall Field defined the bases of what was going to be a new architectural typology: the commercial building, which we know as Department Stores, or Wholesale Store.
Called the Marshall FieldWarehouse Building, it was built between 1885 and 1887 and sadly demolished in 1930.
It was on Adams and Franklin streets. Clearly inspired by Italian Renaissance palaces (such as the Palazzo Pitti in Florence), this building was considered the prototype of the new commercial and office building that the architects of the Chicago School would refine and turn into a model that would be exported to the world.
El Guaranty Building de Louis Sullivan y Dankmar Adler
La descripción completa y sus fotos interiores se pueden ver en este enlace https://onlybook.es/blog/daniel-burnham-y-el-edificio-ellicott-square-en-buffalo/
El Guaranty Building de Louis Sullivan y Dankmar Adler
El Guaranty Building, anteriormente llamado Prudential Building, es uno de los primeros rascacielos de Búfalo.
Designed by Louis Sullivan and Dankmar Adler, it was completed in 1896. It was declared a National Historic Landmark. It is located at 24-34 Church Street.
Internationally recognized as one of the masterpieces of Louis Sullivan, probably one of the most important American architects of the 19th century and recognized as “The Father of Skyscrapers”.
I was able to tour both buildings inside.
I saw Rem Koolhaas’s expansion of the Art Museum from the outside.
I toured the parks designed by Frederick Law Olmsted (1822–1903), the father of landscape architecture, who created, among other works, Central Park and Prospect Park in NY, and Franklin Park in Boston.
Other significant works he completed include the Niagara Falls Reservation in New York; Mount Royal Park in Montreal; the Emerald Necklace in Boston; Cherokee Park (as well as the boulevard system) in Louisville; Jackson Park, Washington Park, and Midway Plaisance for the World’s Columbian Exposition in Chicago; part of Detroit’s Belle Isle Park; the United States Capitol grounds; and George Washington Vanderbilt II’s Biltmore Estate in North Carolina.
Architect. Argentine/Spanish. editor. illustrated book distributor See all hugoklico posts Published on August 5, 2024 AuthorhugoklicoCategoriesArtEdit
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Graycliff House
On the shores of majestic Lake Erie, a tour of Graycliff Estate includes a visit to the Boat House and Mausoleum.
The house they call “The Jewel of the Lake” is located at 6472 Old Lake Shore Road.
Darwin D. Martin (1865-1935). He was very happy with his home on Jewett Parkway so he and his wife Isabelle R. Martin (1869-1945) decided to commission Wright’s summer home on Lake Erie.
See https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
Isabelle took over, so Wright worked primarily with her on the design and details of the house. Isabelle had poor vision and after her experience with the Jewett house which was naturally dark, she focused the idea of light, open spaces on Greycliff.
The name of the estate comes from the natural gray color of the twenty-meter cliff on which the complex sits.
Graycliff is a complex of three buildings built atop a bluff overlooking Lake Erie. the Isabelle R. Martin House, the Foster House, originally designed as a garage with a chauffeur’s quarters on the upper floor and the boiler room to heat the other two houses.
Wright used native materials, such as cypress hardwood floors, Gray Cliff schist stone, and shaded stucco, and also created a landscape design for the complex.
The distance between the Martin house and Graycliff is 30 minutes by car (36.20 km) on NY-5 West.
The Martin family lived in two complexes, the one in the city, and the one in Graycliff.
When Wright was hired again, the two had a professional relationship of more than 20 years and were personal friends. The Martins provided financial assistance, among other support, to Wright at a time when his career was taking off.
In the early years of their long relationship, Darwin Martin, as a senior executive of the Larkin Soap Company, was directly involved in the selection of Frank Lloyd Wright as architect of the Larkin Administration Building. Wright also designed homes for other Company executives such as William R. Heath and Walter V. Davidson.
Wright understood that stone was the only true building material and therefore insisted to the Martins that it be used at Graycliff.
Of the complex, the largest building is Isabelle’s house, with spacious balconies, large terraces and large windows that allow you to contemplate nature from inside and through the entire house. On especially clear days you can see the water sprayed by the Falls of Niagara.
Another building is the Foster House, which was originally designed as a garage, with an apartment above to house the driver and his family. After their first summer at the residence, the Martins asked Wright to expand the building, There her daughter Dorothy, her husband James Foster and their children Margaret and Darwin spent many summers at the residence.
The smallest of the buildings in the complex is known as the Heat Cabin. Like the other two buildings, it is constructed of stone, ochre-stucco, and red cedar-colored shingles.
Although the Martin family lost much of their fortune in the Great Depression and was forced to abandon their home in downtown Buffalo in 1937, they retained Graycliff, where they returned every year until 1943.
The property was acquired in 1951 by the Piarists, an order of Catholic religious dedicated to teaching.
The Piarist Fathers, who came from Hungary, established a school on the grounds, as well as an institute for gifted children called Calasancio in honor of the order’s founding father. Although they added two stories to the building, Wright’s original design was left intact. In 1997, the Piarists could not afford to maintain the house and put it up for sale.
The texts that follow are a summary and an interpretation of the (very interesting) visit I made to Graycliff House. We were 10 people with the guide, I already commented on the close relationship between the Martins and Wright.
The idea arose in 1925, with Martin’s retirement from the Larkin Company, and he wrote to Wright, asking him to design a summer house for his family.
Along with the specifications he sent on May 5, 1926, Martin emphasized Isabelle’s wish for the house to be flooded with light and sun, including the staff quarters. And he informs Frank Lloyd Wright that Isabelle R. Martin, (and not him) will be his client.
Wright’s project included the main house parallel to Lake Erie, a garage staff apartment called the Foster House today, and an irregularly shaped pond in the center of the driveway rotunda circle. The third building, the heating cubicle, is behind the garden wall connecting the Martin house to the Foster house.
The 3.45 hectare lot was purchased on April 19, 1926 from the Dexter Rumsey family (1) for 2,000 usa, about 80,560 usa today. It extended from Lake Shore Road to the bluff overlooking Lake Erie with a width of 250 feet.
Darwin gave his wife this exquisite gift, which became one of the most ambitious summer properties Wright had ever designed.
Access to the house is currently controlled by the Graycliff Conservancy, a non-profit organization that was responsible for restoring the property and saving it from its state of disrepair. The house is listed on the National Register of Historic Places.
Wright used 1.01 hectares of the total 3.45 hectares of land.
The presence of the cliff, about 18.29 meters high, and its surroundings are very important.
Wright’s project maintains visual contact with the lake, the water is very close throughout the design. Lake Erie is seen through the transparency of the house. The stair tower, bench and walkway have been moved from their location due to erosion among other factors.
The buildings were built using natural materials from the site, the cliff is made up of gray shale which provides the property its name, as Graycliff means Gray Cliff.
About 8 feet from the top is a layer of Tichenor Limestone that cantilevers from the side of the cliff above Lake Erie.
Wright used overhangs, and the diamond shape in windows and roof lights. Tichenor limestone has a layer of iron oxide that «bleeds.»
The house’s color palette included the red-orange color of iron oxide (which bleeds naturally from limestone), a material used throughout the house.
The landscape design included Ellen Biddle Shipman, a renowned landscape designer (2). She was hired to design extensive gardens to collaborate with Wright’s project, known as the «Dean of American Landscape Architects» and one of the creators of Arts & Crafts style gardens.
Their project had to provide shade and protection from the wind, and above all a lot of color, so that each room in the house had its flowers.
There are now four fruit trees that have been planted where the rows of orchards existed.
A reproduction of Wright’s plan drawing for the exterior, this drawing is, as far as we know, the only known exterior plan that Wright made with his own hand, during his long career. At the original entrance to Graycliff there are stone pillars.
The Martins shared a driveway with their neighbors, the Dexter Rumsey family (2). The aspen-lined driveway leaves Lakeshore Rd, forming a “Y,” one of its branches leading to the Martins’ property.
Graycliff has had only three owners: The Martin family, an order of Roman Catholic priests known as the Piarist Fathers who purchased Graycliff after the Martins died, and finally, The Graycliff Conservancy.
The Martins and their family enjoyed summers from 1928 to 1943. The Piarists, a Catholic teaching order, purchased the property in 1950 from a holding company belonging to Martin’s son. The priests established a boarding school on the property, as well as Calasanctius High School in Buffalo.
They made a number of additions to the property, including the visitor centre, which was their gymnasium, adding a chapel to the south terrace and extending the garage to increase the living space.
The easement for the driveway ended when the Piarist fathers purchased the property.
The priests numbered about 12 with approximately 24 inmates, but the dormitory was reconfigured and could accommodate 48 inmates if necessary.
In 1996, a few remaining elderly priests put the property up for sale, the only serious offer they received was from a builder.
Upon learning of this plan, neighbors from across the community formed The Graycliff Conservancy with the intention of saving Graycliff. They purchased the property, removed the non-historic additions, restored it to its original state and opened it to the public.
For the driveway, Wright specified that a yellow gravel be placed, which would harmonize with the fawn tone of the house, if it was not available, he specified that the shale gravel should be crushed and dyed with iron oxide.
For safety reasons, the driveway rehabilitation used pigmented concrete to match the original color with exposed aggregate to mimic crushed shale. This provides handicap access, snow plow equipment and emergency vehicles.
Rotunda circle in front of the main house
The horizontal plane of the lake surface as well as the horizon line are incorporated into the horizontal levels of the house.
Wright explained that he had added the stone to provide contrast and make the house blend into the site.
Isabelle didn’t want the pond, preferring to have a mound planted with tall trees. Wright persuaded her to accept it as part of Ellen Biddle Shipman’s project.
The pond was removed in the early 1930s, and restored in the early 2000s and completed in 2013 using a mix of original rock and plantings similar to those that existed in 1931, including sedge, water iris and juniper.
Roundabout circle in front of the Foster house
The structure was first created as a garage, with an apartment above it for the driver’s family. The main house is more linear in design compared to the concentric layout of the garage house where the rooms radiate from the living room. This home is more reminiscent of Wright’s Prairie style homes with its wide eaves, cantilevered balconies, and semi-concealed entry.
Originally, the garage doors were directly under the balcony and opened onto the driveway. During the Martins’ first summer, Isabella noticed that from anywhere in the living room or south terrace, the driver could be seen working.
I wanted the garage doors moved to the south end. He had also decided that more storage space and another bedroom were needed, so he enlisted Wright’s help.
Wright designed the addition that begins where there is a setback along the balcony. A bedroom and two terraces were added to the apartment. The garage doors were moved to the south side of the structure and the garden wall was extended.
As the depression deepened, the staff was cut, and the Martins’ daughter Dorothy Martin Foster, her husband James, and their children began using the apartment as a summer residence.
The landscaping in front of the Foster House and garden wall has been planted as it was in 1931, thus restoring plantings with native plants to the designs of Wright and Shipman.
The living room floor had to be restored.
The rust streaks on the stone of the house were an intentional effect, most of the reedstone used is grey, but the Tichenor limestone from this site has a thin layer of iron pyrite on one side which makes it bleed ferrous oxide causing rust stains on the stone.
The Martins expected the house to cost considerably less than Wright’s first estimate of $37,500, but as construction continued, the cost continued to rise. Mr. Martin suggested changes to reduce the cost, for example, since they originally asked for the house to be stucco only, Mr. Martin objected to stone, as well as seeing no reason for a balcony off his room, He claimed that they had only planned an awning, not a garage.
Wright persuaded them that perhaps they didn’t need these features, but the house did, for good architecture.
The balcony and garage extended the house to the outside.
The cantilevers over the sunken gardens are especially important, as they mimic the layer of Tichenor limestone cantilevered over Lake Erie, strongly connecting the house to the site.
The balcony at the west end, outside Mr. Martin’s room, was cantilevered over a sunken garden that Wright designed to be filled with low evergreens, in recent years zinnias and dahlias were the preference of Isabella.
They also serve an important utilitarian function in providing shade inside the home which supports Wright’s concept of passive solar design. The final cost of the house in 1928 was well above Wright’s initial estimate.
Wright wrote to the Martins, on August 15, 1926, that without the balcony and carriage house the house might be comfortable but it would not look comfortable because it would not be suitable for the site.
The final price of the house in 1928 was approximately 49,000 usa (about 902.770 current dollars).
Entrance
When entering the house we have two possibilities, go up the stairs or enter the living room.
The staircase is attractive, the skirting boards descending the wall under an overhang. The balustrade is stepped to maintain the railings.
On the first floor are the bedrooms, both Darwin’s and Isabella’s, as well as a large room that was used by the Fosters while the apartment above the garage was being adapted. Three additional rooms were occupied by Mrs. Martin’s lady-in-waiting, Cora Herrick, a maid, and a cook.
It also contains a sleeping porch that was sometimes used as a guest room. There are four bathrooms, each tile was hand cut into 9 inch squares. The shower has a terrazzo floor.
Balconies overlook Darwin and Isabella’s rooms.
The floor is wide plank cypress, which is also the floor in the living room and dining room. We will also find the original cypress wood in the entrance and dining rooms. The staircase leading to the bedrooms is made of maple.
Stained stucco covers the interior walls, in a slightly paler tone than that used on the building’s exterior.
At the entrance, the carpentry has metal divisions, which are more expensive than wood, but allow for larger glass panels. The Graycliff corner window was designed without corner support and bid by Hopes Windows of Jamestown.
Martin thought the bid was too high and requested a second estimate from David Lupton of Philadelphia, who inserted a non-structural corner post to standardize the hardware. The price was cut almost in half, when Martin reported his savings to Wright, who declined to comment.
Fallingwater used Hopes Windows to provide the design first proposed in the Graycliff design some nine years later, but never perfected the corner ironwork. The hardware has a waxed bronze finish and the door knobs are octagonal. The hinges allowed a door to be opened flat against a wall.
Stucco has pigment incorporated into the material so it is not necessary to paint it and it is naturally fire retardant.
The living room
Upon entering the living room, we experience Wright’s spatial design concepts of compression and release.
The top shelf compresses the feeling of space, while the release into the light-filled living room provides a feeling of freedom.
See https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones
The use of Tichenor limestone, which was from the base of the cliff, helps link the house to its natural site. The interiors are composed of the same materials as the exteriors: limestone and stucco.
The enormous stone fireplace captures the cozy spirit of the house, it is the gathering place, fireplaces have always been important symbolic elements in Wright’s domestic architecture.
It is where heat originates, the “heart of the home”.
The doors and windows on the south side are not as high as those on the north.
Wright explained to the family that “they are going to be happy to have less glass facing south because of the heat that would be absorbed into the room.”
There is never direct, glaring sunlight in the living room due to the position of the house on the site and the overhangs on the south side of the house.
In one of his letters to the Martin, Wright described the living room “as a part of the terrace, both a part of the outside and a part of the inside.”
I-beams spanning the ceiling rest on pillars within the walls between the windows and doors, supporting the 1st floor hallway, cantilevered over the south terrace and lakeside terrace.
The living room floor is made up of wide reclaimed cypress boards, it has been refinished.
Wright designed several pieces of furniture for Graycliff, primarily a series of wooden tables of different sizes and plant stands.
The willowwood furniture in Graycliff was manufactured by the Yipsilanti Company in Michigan.
The wall sconces are brass and in the bedrooms they are silver over brass, made by Bradley and Hubbard.
Regarding the colors in various cards between Wright and Martin, they decide to choose colors such as burnt orange, gold, salmon, and flame color, as well as green.
In the spring of 1926, Wright writes, “Entering the house would be like putting on your hat and going outside.”
View or Fern Room
It’s easy to understand why Wright referred to this space as the View Room because of the wonderful views of the lake and especially the sunsets over the water from everywhere in the room.
Wright lowers the ceiling of this room to signify a more intimate space, both this room and the dining room were intended for people to sit, read, eat or chat. The larger space of the living room was understood as a gathering space, a social space for a greater number of people.
Create the illusion of an outdoor space inside the house, using the limestone and flagstone used on the exterior, as well as the interior planter that brings plants, nature into the building, instead of an exterior planter.
This room is made up of windows on two sides, and a mirror on the third.
Materials
The shower has a terrazzo floor.
Flush doors with olive knuckle hinges were used,
The hardware has a waxed bronze finish and the door knobs are octagonal.
The hinges allowed a door to be opened flat against a wall.
Stucco has pigment incorporated into the material so it is not necessary to paint it, it is fireproof.
The living room
The use of Tichenor limestone, which was from the base of the cliff, helps link the house to the site.
The room is filled with natural light and the lake breeze provides cross ventilation. The doors open onto fixed windows facing each other, alternating. This allows cross ventilation without large gusts of wind.
The doors and windows on the south side are not as high as those on the north, to avoid heat gains. There is never direct, glaring sunlight in the living room due to the position of the house on the site and the overhangs on the south side of the house, it is light, airy and cool during hot summer days.
Family sun porch
Originally this room was designed as an open porch. During the Martins’ first year of residence, this room was only screened, but they later installed sliding glass windows, the only sash windows in the house that were not designed by Wright.
The moldings are made of cypress and are the only painted ones in the house. They are painted to match the windows.
The wood mullions obstruct the view to a greater degree than the smaller metal mullions we see throughout the house.
The library table is a Wright design. There was also an upright piano, which Mr. Martin had given to Isabelle for their 2nd wedding anniversary.
Dining room
Wright’s design called for a formal dining table to be below the two diamond lights in the highest ceiling.
The stone fireplace in the living room is near the fireplace in the dining room, which has a diamond-shaped hearth.
The porcelain pattern is “Devon” by George Jones & Sons, England.
Butler’s Pantry and Staff Sun Porch
The refrigerator is original from Graycliff. It is a refrigerator, it was modified by the manufacturer so that the refrigeration was provided by electricity. It is a Jewett Servel electric refrigeration refrigerator. Jewett made the case and Servel made the electrical cooling device.
Larkin Soap Company
The Larkin Soap Company, located on Seneca Street in Buffalo, was a company of enormous development, in which Darwin worked for many years.
John Larkin developed a mail order and catalog system that was very profitable, creating a bonus scheme whereby quantity purchases were rewarded with a bonus on merchandise. That promotional idea was created by Elbert Hubbard while he was an employee of his brother-in-law John Larkin. Larkin employed thousands of people and operated until the early 1940s when it closed operations. The Larkin Administration Building, Frank Lloyd Wright’s first commercial work, was demolished in 1950.
A parking lot has occupied the site since then, although some of the other buildings from the original Larkin complex remain.
John Larkin started a company called Buffalo Pottery in 1901 as a way to minimize the cost of producing the best-selling porcelains that accompanied bulk sales of toiletries.
Darwin Martin was one of the company’s directors. In 1950 Buffalo Pottery was called Buffalo China, Oneida bought it in 1983, Buffalo China was bought by Oneida, who sold the premises in 2004 to Niagara Ceramics. It closed in 2014.
The heating cubicle houses the oil boiler, underground pipes connected it to the Foster House and the Isabelle Martin House where there were steam radiators. The structure is several feet underground, so it does not obstruct the view from the Foster House balcony.
The roof of the building has an unusual edge, its tiles are trapezoidal, so that when viewed from the edge they form a hexagon. This edge is called braided edge. Due to their deterioration and abandonment all the structures were restored by the Graycliff Conservancy.
The same style of trim used on the heating cubicle was used by Wright at his home in Taliesin, although after the 1925 fire it was not replaced.
A gas boiler in the basement heats the main house and a second boiler in the mechanical room serves to heat the Foster house.
Esplanade
The two retaining walls on its sides start at the stone terrace (at the same level as the interior floor of the hall) and maintain that same level towards the edge of the cliff.
There they once hugged a stone bench. The remains of this bench are what we currently see on the edge of the cliff.
The bench has been restored and moved closer to the house.
Wright had at least two plans for this area that were rejected by Isabella: a terraced space facing the lake and a reflecting pool.
There was a walkway behind the stone bench, it led to a tower of stairs, across a steel and wooden bridge.
It was access to the beach, Isabella told Wright that the flow of people heading to the beach obstructed her view of the lake.
Wright proposed creating a stone bench, people could now walk along a path on the edge of the cliff, go down some stairs, cross behind the bench, and cross the bridge.
The bench would keep them out of Isabella’s sight.
Ellen Biddle Shipman further developed Wright’s plan and added evergreen shrubs and poplars along the retaining walls.
Due to erosion, the walkway, bridge, original bench and tower no longer exist. The tower had not been designed by Wright and due to its state of disrepair it was removed and will not be replaced.
The shape of the esplanade and bench mimic the shape of the living room fireplace.
There is no mention in historical records or correspondence that the Martins owned a boat, but Darwin Foster’s grandson has said that his father, James Foster, had a 10-foot boat covered with a sail, in the Archives from the University at Buffalo there is a photo of James and the children pulling a small boat on a cart in Graycliff’s driveway.
The tennis court
The tennis court was included in the land project.
The concrete is a reddish color. It was pigmented, a technique Wright later used for the floors in some of his Usonian houses. The red pigment makes the concrete similar to the look of a clay court, and also complements the autumn colors of the buildings.
Notes
1
Dexter P. Rumsey (1827 – 1906), a native of Westfield, New York, arrived in Buffalo in 1831. His father and family moved to their new home to establish a tannery to be run by Dexter and his older brother Bronson.
Rumsey was involved in the early years of banking in Buffalo as a director of the Erie County Savings Bank, and he also invested in real estate on the city’s north side. He was president of the exclusive Buffalo Club and a member of the Buffalo Country Club. He was a major supporter of the Buffalo Fresh Air Mission, and one of the original trustees of the Buffalo City Cemetery, formed in 1864, which still manages Forest Lawn Cemetery.
Rumsey was one of the principal organizers of the residential developments who commissioned Frederick Law Olmsted to prepare the Parkside community designs. He also owned a significant tract of land on the south side of The Park. He died on April 5, 1906, and the following month his widow, Susan Fiske Rumsey, and daughter, Grace Rumsey Wilcox, donated 8 acres of land adjacent to Lincoln Parkway and the park’s main entrance to the city. .
It was a welcome addition to Delaware Park as it provided the right-of-way for Rumsey Road, a new street that formed the new southern boundary of Rumsey Woods Park.
2
Ellen Biddle Shipman (1869 – 1950) was a landscape architect known for her formal gardens and lush planting style. Along with Beatrix Farrand and Marian Cruger Coffin, she dictated the style of the era and strongly influenced landscape design as a member of the first generation to enter the predominantly male profession. In 1938, commenting on the male-dominated field in The New York Times, she said, “before women took over the profession, landscape architects did what I call graveyard work.”
Shipman preferred to think of his plant-using career as if he were “painting pictures as an artist.” Little of his work remains today due to the laborious style of his designs, but preserved spaces exist, including the Sarah P. Duke Gardens at Duke University, often cited as one of the most beautiful American college campuses.
During the 40 years she practiced landscape architecture, Shipman only hired graduates of the Lowthorpe School of Landscape Architecture, Gardening and Horticulture for Women. She did it because at that time, women were not given internships in male offices.
Architect. Argentine/Spanish. editor. illustrated book distributor See all hugoklico posts Published on August 13, 2024 Author hugoklico Categories ArtEdit
57 Tillinghast Place, Buffalo, Nueva York. 1908 Me estaba yendo de Buffalo, rumbo a Rochester (102 km) muy temprano, eran las 5,15 am, y mientras buscaba como salir de la ciudad, me pregunté,
-Te vas a ir, ¿sin pasar por la casa Davidson?
No había ido antes, porque sabía que no aceptan visitas, es una casa particular, de las pocas que no estan en manos de museos u organizaciones.
En mi mvl, pone que saqué las fotos el sabado 27 de julio a las 5,39 de la mañana, estaba relativamente oscuro, el resto lo hice al procesar las fotos.
Era difícil sacar fotos porque había muchos autos estacionados, y a esa hora de la madrugada, no deseaba estar “merodeando” por la casa.
Por experiencia, sé, que, de ciertos lugares, uno se va para no regresar, Buffalo, es uno de ellos, me encantó visitar la ciudad por la cantidad de obras de arquitectura que vi, pero la ciudad, me impacto poco, tienen un río lindísimo, que bordea la frontera con Canadá, donde han hecho una autopista de varias manos de cada lado, o sea que el rio lo ves a 80 km hora, o por algunos túneles que vaya uno a saber dónde estan, esto lo deduje porque vi a algunas personas en bici, y otras pescando, pero ni idea como llegaron donde estaban.
Tampoco me atrajo tanto estar tan cerca de las cataratas del Niágara (33 km), me dije
-con aquellos inolvidables dias que pasaste en las cataratas del Iguazú, ya fue suficiente.
La vuelta por Toronto (está a 160 km), me impedía ir a Rochester, y quería ver el templo unitario de Louis Kahn, asi que aquí está la casa Davidson, desde afuera, muy tempranito.
En 1908 Walter Davidson se unió a Larkin Company de Buffalo como gerente de publicidad, y se hizo amigo de Darwin Martin y William Heath, dos de sus socios gerentes.
Martin y Heath ya tenían sus casas terminadas en ese momento, y unos meses después de unirse a Larkin Company, Martin le presentó en una reunión social a Davidson al arq Wright.
Davidson no dudó en encargar a Wright el diseño de una modesta casa en el distrito histórico Parkside East de la ciudad, un barrio que en 1908 había sido planificado por Frederick Law Olmsted (1822 – 1903). (1)
La casa tenía un presupuesto menor en comparación con las casas de Martin y Heath, Hoy es de propiedad privada y como ya escribí las visitas sin invitación no están permitidas.
Una lámina del Portfolio Wasmuth, de la casa Dana-Thomas
La casa Darwin Martin, asi como el edificio Larkin y la casa Edwin Cheney figuran en el Portfolio Wasmuth, entre los diseños más famosos de Wright.
El Fontana Boat House, tambien en Buffalo, a pesar de que no pudo construirlo en vida, también figura en el Porfolio Wasmouth, prueba del orgullo que sentía Wright por el diseño de la guardería de botes.
El exterior, de tejados planos y escalonados, y de bandas lineales de listones de madera y ventanas de vidrio emplomado, parece estar compuesto por una serie de planos geométricos que se entrecruzan. Wright integra la naturaleza en la estructura del edificio mediante la inclusión de jardineras bajas que sobresalen del camino de entrada y el porche trasero.
La casa cuenta con una sala de estar de dos pisos que termina en una espectacular ventana con altos paneles estrechos de vidrio transparente separados por gruesos parteluces (soporte al acristalamiento vertical de una ventana). El patrón alargado en forma de diamante en el vidrio es simple pero audaz. Se traslada a muchas de las otras ventanas de la casa, que son abundantes.
En la década de 1930, la residencia fue remodelada. Se modernizo y adapto la cocina y se creó una suite principal construida sobre el garaje. Uno de los dormitorios originales se redujo en tamaño y se eliminó un armario para dar paso a un pasillo que conduce a la nueva suite, que consta de un vestidor, un baño y un dormitorio.
La ampliación incorporó las mismas ventanas abatibles de vidrio emplomado en forma de diamante del resto de la casa.
Metropolitan. MET
Midway Gardens (2)
Arquitecto Frank Lloyd Wright
Ubicación Chicago, Illinois. 1913/14.
Ubicación Cottage Grove en la calle 60. Chicago. Debajo de todo en el mapa S 180. (3)
Concreto pintado Donación del Sr. y la Sra. John T. Steele, 1979
Alfonso Iannelli (1888-1965) y Frank Lloyd Wright (1867-1959) Sprite Chicago, Illinois, ca. 1914.
Sprite fue originalmente parte de un amplio programa escultórico para los Midway Gardens de Wright en Chicago.
Construido para Edward C. Waller Jr. y Oscar Friedman en 1914, los Gardens fueron diseñados como un centro de entretenimiento.
De carácter fuertemente tectónico, la figura está compuesta por motivos comunes en el ornamento arquitectónico de Wright. La facetación del rostro está estrechamente vinculada al Cubismo, un movimiento que había ganado influencia internacional para 1914.
Hubo discusiones entre Wright y Iannelli acerca de la autoría de los Sprite, que les costó a ambos, dejar una amistad y un trabajo en común de años, finalmente Iannelli fue reconocido por sus diseños de carteles, así como por su escultura arquitectónica y decorativa.
Introducción (4)
Los Jardines Midway de Chicago, inaugurados en 1914, fueron la última construcción estilo pradera de Wright y el comienzo de su siguiente otra etapa de experimentación arquitectónica a través de la ornamentación, etapa que duró cinco años.
Edward C. Waller Jr era propietario de un complejo de ocio, el Sans Souci Amusemente Park, ofreciendo pista de patinaje, un teatro, un casino y un salón de baile. A finales de 1913 Waller le encargó a Wright ampliar el edificio y realizar a pequeña escala, pero de forma estrictamente lujosa una cervecería al aire libre, rodeada por jardines palaciegos.
La arquitectura modernista de los jardines se basaba en formas geométricas estrictas. Una gran área central al aire libre, llena de mesas y sillas, estaba rodeada por una serie de edificios de tres pisos con espacios interiores para bailar entre otras actividades, así como balcones voladizos con techos salientes.
Había jardines en terrazas, piscinas y un pabellón de música y escenario.
El edificio en sí estaba hecho de ladrillo amarillo y bloques de hormigón estampados. Presentaba una ornamentación muy intrincada y muchas esculturas geométricas, a las que Frank Lloyd Wright llamó «duendes» y que fueron diseñadas en colaboración con Alfonso Ianelli. Algunas de estas esculturas se salvaron de la demolición y se pueden encontrar en otros lugares. En consonancia con el estilo de Wright, el edificio también presentaba ventanas en hileras y entradas ocultas, es decir que había que rodear parte del edificio.
El interior también estaba intrincadamente ornamentado y lleno de muebles y accesorios diseñados por Wright, incluidos los servilleteros.
El padre de Waller, Edward Waller Sr., había encargado en 1985 un edificio de apartamentos a Wright, los Waller Apartments). Está ubicado entre el 2840 y el 2858 de West Walnut Street en Chicago. (5)
Midway Gardens era un centro de entretenimiento de lujo tanto interior como exterior destinado a funcionar como cervecería, sala de conciertos y baile en el que actuaban bandas como la Midway Gardens Orchestra. (6)
Max Bendix y la Orquesta Sinfónica Nacional frecuentaban la sección de conciertos porque eran la «banda de la casa». La bailarina de ballet Anna Pavlova también actuó en numerosas ocasiones.
Frank Lloyd Wright trajo artistas populares para cantar, bailar y tocar música, lo que creó un ambiente burgués. Sin embargo, después de que se convirtiera en Edelweiss Gardens, el ambiente de clase alta cambió a uno de vodevil, ragtime y cabaret. A principios de la década de 1920, un joven clarinetista, Benny Goodman, tocó en la banda de la casa.
También era asequible para espectadores sin grandes recursos (en los libros hablan de “gente común”).
La inauguración oficial fue el 27 de junio de 1914.
1914
El hijo de Wright, John Lloyd Wright, realizó la supervisión de la construcción. Paul Mueller estuvo a cargo de su construcción.
Diez días después de que comenzara la Primera Guerra Mundial, el 14 de agosto de 1914, Wright revisando los detalles de los Jardines Midway recibe la noticia sobre el desastre en su casa de Wisconsin.
El cocinero Julian Carlton había prendido fuego a la vivienda de Taliesin y asesinado a su pareja Mamah Bouton Borthwick (1869 – 1914), sus dos hijos de 12 y 4 años y cuatro miembros del equipo de Wright. (7)
Inmediatamente Wright regresa a Wisconsin. Su tragedia personal y la reconstrucción de las viviendas de Taliesin se convirtieron en sus prioridades. Dejó Midway Gardens para ser terminado por los artesanos de confianza y los arquitectos Sullivan y Adler que completaron el proyecto en 1914.
En 1916 Midway Gardens fue vendido a la fábrica de cerveza Edelweiss y rebautizados con en nombre de “Edelweiss Gardens”.
En esa época aún conservaba su carácter y atraía a los clientes.
Se realizaron numerosos cambios en la arquitectura y la decoración, como pintar las “Sprites” y el edificio pasó a ser también jardín, desapareciendo el complejo de ocio.
Estos cambios sumados a la Lay Seca y a los sentimientos anti-alemanes debidos a la Guerra lo llevaron al fracaso.
1921
En 1921 la propiedad fue vendida a los dueños de los neumáticos CE Dietrich Automobile Midway y Supply Company y se convirtió en el “Midway Gardens Dancing”.
Con una amplia remodelación convirtieron el edificio en un salón de baile.
El baile estaba de moda a finales de los años 20 y el jazz y la música swing-danza eran muy populares.
Ubicación
La propiedad donde se construyeron los Midway Gardens, estaba en un lugar muy céntrico, en el Hyde Park, zona de ocio, muy valorada por el público alemán que vivía en la zona.
Está muy cerca del Lago Michigan en el sur de Chicago, concretamente en la esquina suroeste de la avenida Cottage Grove y la calle 60, donde Midway Plaisance se encuentra con Washington Park.
Esos lugares, Washington Park, la Universidad de Chicago y al Midway Plaisance fueron los lugares donde se ubicaron los Pabellones Colombianos en la Feria Mundial de Chicago en 1893.
Una manzana completa estaba cerrada por la estructura, mientras que el patio interior, el Summer Garden, un área para comer y bailar estaba abierto. A los lados había arcadas bajas, donde también se comía y bailaba, con un pabellón donde tocaba la banda.
El Winter Garden, en el lado opuesto, cerrado para actividades durante todo el año, tenía cuatro pisos de altura, su superficie cubierta era similar a la del Summer Garden. El primer piso estaba rodeado por tres terrazas. Alrededor del área de la planta principal, la estructura estaba coronada por un jardín en la azotea. La cocina se encontraba en el sótano, más cerca de las áreas a las que servía. Esculturas de Alfonso Iannelli adornaban la obra. Su expresión arquitectónica era excepcional, encerraba el área de la planta principal bloques de concreto y ladrillos decorativos.
Su final
La Prohibición de beber alcohol (8), fue solo uno de los muchos factores que destruyeron el palacio de placer de los Midway Gardens, también la Primera Guerra Mundial hizo que los ingresos cayeran por debajo del punto de equilibrio.
Como hemos comentado solo dos años después de su inauguración, fue adquirido por la compañía cervecera Edelweiss y convertido para satisfacer las necesidades de una clientela poco acostumbrada a su entorno refinado, pero el complejo se degradó en un jardín cervecero común en solo dos años desde su apertura. Finalmente fue demolido en 1929.
Concepto
El concepto fue crear un bar al aire libre con escenario de conciertos para el aficionado al ocio de clase media alta.
En el 1900, cerca de 500.000 inmigrantes alemanes vivían en Chicago, la mayoría eran profesionales capacitados que debieron emigrar debido a la inestabilidad económica y/o política de su país. Como inmigrantes ocupaban reducidas viviendas, desarrollando su vida social con salidas al aire libre, asistiendo a eventos culturales o a los parques de atracciones, siempre en grupos familiares o con sus amigos inmigrantes, recordando sus costumbres, como tomar cerveza en los restaurantes al aire libre, reminiscencia de su patria natal.
Las intenciones de Wright con los jardines era acercar la cultura de la clientela alemana establecida en la zona a la cultura de Chicago y convertir los jardines del Sans Souce en una cervecería al aire libre, en un “concert-garden” donde se combinaran todas las artes, incluyendo conciertos, música clásica, y en los jardines, ocio y restaurantes gourmet. Con el propósito de lograr sus metas, Wright convenció a Waller de la necesidad de ampliar los fondos para la construcción. Estos fondos fueron obtenidos con la venta de acciones que permitieron construir el proyecto y llevar adelante el establecimiento.
Descripción
Midway Gardens estaban formados por un cuadrilátero de 183 metros de lado. Fue principalmente una instalación de entretenimiento al aire libre, con una gran zona central en diferentes niveles donde se ubicaban distintos puestos de alimentación y un escenario en el frente con una orquesta o actuaciones para que pudieran disfrutar los comensales.
Dos niveles con paredes y arcadas techadas se ubicaban a ambos lados de la zona central abierta de verano. También se realizaban actividades durante el invierno y verano en el interior de las torres, donde se conectaban diferentes secciones en cinco niveles.
Espacios
En el interior del edificio se abría el jardín de invierno. Había un vestíbulo, un casino, una taberna y dos miradores con magníficas vistas, salones privados para banquetes, salas de conciertos, venta de cigarros y periódicos, dos piscinas, pista de baile, balcones en voladizo, vestuarios y grandes terrazas ajardinadas para caminar ya sea bajo techo o al aire libre. La variedad de áreas del complejo contribuía al excelente y sofisticado ambiente de los jardines.
Las terrazas del jardín de invierno estaban cercanas a la pista de baile y los miradores recibían la sombra de los arcos de los cinco porches.
Diseño y materiales
Wright diseñó el edificio y todo lo relacionado con él, incluyendo mesas, platos y demás utensilios. Además de los principios del voladizo, utilizó ladrillo amarillo y bloques reforzados de hormigón gris, con relieves que recuerdan los frisos decorados de las culturas precolombinas de América Central. Estos bloques fueron esculpidos mientras el hormigón estaba mojado. También diseñó el enorme mural geométrico de la pared interior y dos de las 100 esculturas, también de hormigón, llamadas “Sprites”, colocadas en todo el complejo. La mayoría de los “Sprites” miraban hacia abajo, buscando a los clientes.
Sprites
Estas estatuas arquitectónicamente geométricas fueron concebidas en 1914 con el propósito específico de adornar y velar por Midway Gardens.
Las Sprites (o duendes) son adornos alemanes tradicionales. Junto a su diseño conocido, Wright aportó la idea de lo “abstracto” en ellas, con formas más geométricas.
Bajo la supervisión de Wright, Alfonso Iannelli y Richard Bock diseñaron todas las esculturas menos dos diseñadas por el arquitecto y realizadas por el artesano y experto en cemento Ezio Orlandi.
El interior del edificio estaba ricamente decorado con vidrios pintados, diseños de hormigón y luces con extrañas formas. Los ladrillos eran de colores brillantes, combinados con azulejos en las paredes y con alfombras. En cada esquina colgaba una araña, también diseñada por Wright. Midway Gardens era un centro de entretenimiento interior y exterior de 33.445 m2..
Historia
Aunque al principio el negocio iba bien, Waller nunca tuvo fondos suficientes para financiar la construcción y el mantenimiento de Midway Gardens y se declaró en quiebra en marzo de 1916. En ese momento, Midway Gardens fue comprada por Schoenhofen Brewing Company y rebautizada como «Edelweiss Gardens» (en honor a la principal marca de cerveza de la cervecería).
Wright, que generalmente ejercía un fuerte control creativo sobre sus proyectos terminados, estaba disgustado por los cambios estéticos que el nuevo propietario hizo en los jardines. Escribió que Edelweiss había añadido «características desagradables» y que todo el efecto de «los orgullosos Midway Gardens se había abaratado para adaptarse a un gusto burgués cordial». Cordial en boca de Wright cuando desfiguraban sus proyectos era de todo menos cordial.
Edelweiss Gardens continuó durante los años de guerra (cerrando brevemente en 1918) y permaneció abierto como un establecimiento seco durante la Prohibición, entonces como he escrito, los jardines perdieron parte de su valor de entretenimiento.
Notas
1
En Buffalo recorrí los parques diseñados por Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) Padre de la arquitectura paisajista, que hizo entre otras obras el Central Park y el Prospect Park de NY y el Franklin Park de Boston.
Otras obras de enorme trascendencia que realizó fueron la Reserva de las Cataratas del Niágara, Nueva York; el Parque Mont-Royal, Montreal; el Emerald Necklace, en Boston; el Cherokee Park (además del sistema de avenidas) en Louisville; así como el Jackson Park, el Washington Park y el Midway Plaisance para la World’s Columbian Exposition de Chicago; parte del parque de Detroit Belle Isle; los jardines del Capitolio de los Estados Unidos; y el edificio de George Washington Vanderbilt II, el Biltmore Estate, en Carolina del Norte.
William Allin Storrer. The Architecture of Frank Lloyd Wright. A complete Catalog. The University of Chicago Press. Chicago and London. 1427 E. 60th Street Chicago, IL 60637. ISBN 0 226 77623 9.
4
Textos y fotografías de Wiki Arquitectura.
5
Era un destacado promotor inmobiliario de Chicago tras el incendio de 1871. Waller y Wright colaboraron en los apartamentos “Waller” y “Francisco Terrace” para ejecutar la idea pionera de Waller de subsidiar las viviendas de bajos ingresos.
Cada apartamento fue diseñado con una sala, cámara (dormitorio), comedor, cocina, baño y armarios. Algunos de los edificios más antiguos que se utilizaron para viviendas subsidiadas en Chicago, recibieron el estatus de Sitios históricos por el Chicago Landmark el 2 de marzo de 1994.
6
Wikipedia
7
Escribe Paul Hendrickson“El arquitecto estaba lejos y regresó de manera precipitada…su viaje en tren fue agobiante… el mensaje que le habían pasado era escueto para evitarle males mayores: “Taliesin, consumido por las llamas”.Cuando arribó, completamente enajenado e incrédulo, se sentó delante del piano y comenzó a interpretar a Bach«.
“Las llamas se sofocaron como se pudo, pero las pérdidas fueron muy cuantiosas, entre ellas, una parte de la colección de arte asiático que el artista había comprado. Sin su amante y con su casa dañada, al que llamaba “el bungalow del amor”, Wright tuvo que volver a levantarse. Dicen que ya no fue nunca el mismo, que su carácter se volvió más hosco y que su vida fue bastante más introspectiva. Sufrió trastornos en el sueño y pesadillas frecuentes”.
Fueron asesinados además de Mamah y sus hijos, cuatro colaboradores del estudio otros tres pudieron escapar y pedir ayuda, fueron Billy Weston, David y Fritz.
8
En 1917, el Congreso aprobó una resolución a favor de la enmienda XVIII, a la Constitución de los Estados Unidos, que prohibía la venta, importación, exportación, fabricación y el transporte de bebidas alcohólicas en todo el territorio de Estados Unidos. La ley fue vetada por el presidente Woodrow Wilson, en gran parte debido a razones de carácter técnico, dado que la ley cubría también las prohibiciones durante la guerra. El veto fue anulado por el Congreso el 28 de octubre de 1919, y la ley fue promulgada.
Desde Buffalo a Rochester son 120 km por la ruta 90 y 490. 1 hs 15
Mi itinerario arquitectónico
NY a Buffalo hay 479 km
Buffalo a Rochester hay 120 km
Rochester a Syracusa hay 138 km
Syracusa a Middlebury hay 264 km
Total 1.001 km
Antes de realizar mi viaje a Buffalo, preparé (como siempre) mi libro de bitácora, que por cierto deberé resumir, porque ya tiene 58 folios.
No solo direcciones, sino tambien fechas, horarios, posibilidad de visita, etc. Me han dado bastantes referencias desde unas páginas de F.LL.Wright, con mucha genta valiosa, que sabe mucho y le gusta ayudar.
Mi gran duda era si desde Buffalo voy a Toronto (160 km) a ver la sala de grabación de Glenn Gould, que aparentemente ya no está y su figura de bronce. Parece que han construido un gran auditorio, y la sala de grabaciones ya no esta….. (lo que yo quiero ver, es uno de sus pianos, y en un antiguo grabador de cinta escuchar sus Variaciones Goldberg, que fueron encargadas a Bach por el conde Hermann Carl von Keyserlingk (1696-1764) de Dresde, tocadas lentamente (grabada en el año 1981, la rápida fue grabada en 1955).
Si no voy a Toronto, iría para Rochester, aunque la casa Boyton diseñada por Wright está de reformas. Lo que ya tengo es el tiquet para la casa Darwin D. Martin construída entre 1903 y 1905.
En Buffalo lo primero que veré es la estación de servicio en el Museo Pierce Arrow, 263 Michigan Avenue. Diseñado en 1928 y reconstruido en 2012, encargado por William Heath para la esquina de Cherry y Michigan
Mi interés por Louis Kahn proviene en gran parte por todo lo que sobre él nos ha contado el Arq. Miguel Angel Roca (1936) tanto en su cátedra de la Universidad de Buenos Aires, de la que fui durante cuatro años su profesor adjunto, como en innumerables y enriquecedoras charlas personales. Envió desde aquí mi agradecimiento a Miguel.
«El sol no sabía lo grandioso que era, hasta que golpeó el costado de un edificio”.Louis Kahn
220 Winton Road South. Rochester.
1959 – 1969 Kahn lo amplia en 1967.
El 2 de septiembre de 2014, el templo se incluye en el Registro Nacional de Lugares Históricos.
Su exterior se caracteriza por paredes de ladrillo profundamente quebradas que protegen las ventanas de la luz solar directa. El techo complejo del santuario tiene torres de luz en cada esquina para dejar entrar la luz natural en forma indirecta.
Paul Goldberger, crítico de arquitectura y ganador del premio Pulitzer, escribe en 1982 en The New York Times al describir la Primera Iglesia Unitaria de Rochester “…es una de «las mayores estructuras religiosas de este siglo, junto con la capilla Notre Dame du Haut, el Unity Temple y la Primera Iglesia de Cristo”.
Arq. Le Corbusier. La capilla de Notre Dame du Haut. 1950/1955
Arq. Frank Lloyd Wright. 1905/1908
Arq. Bernard Ralph Maybeck 1910
Kahn y el ser-en-el-mundo
Cuando mencionaba a la escuela como ejemplo de instituciones que surgen de las inspiraciones decía “Las escuelas empezaron con un hombre que, sin saber que era un profesor, discutía sus ideas con un grupo de personas que no sabían que eran alumnos”.
“La calle es probablemente la primera institución humana, un centro de reunión sin techo, la escuela es un espacio donde es bueno aprender. La ciudad es el lugar donde las instituciones se reúnen”.
“Todo lo que un arquitecto hace responde en primer término a una institución humana antes de convertirse en un edificio”.
Así pues «la arquitectura se funda en las formas generales del ser-en-el-mundo del hombre”. (MartínHeidegger (1889 – 1076).
La intención de Kahn era demostrar que la arquitectura es la encarnación de lo inconmensurable.
En este sentido, es inconmensurable, aunque pueda medirse como edificio “Una obra se realiza entre los sonidos imperiosos de la industria (creación) y cuando el polvo se posa (cuando ya pasa la excitación de la creación). la pirámide de silencio resonante proporciona al sol su sombra”.
La afinidad entre las ideas de Kahn y la filosofía de la Congregación de la Primera Iglesia Unitaria fue uno de los factores decisivos para que lo eligiera entre otros seis arquitectos para desarrollar el diseño de su nuevo edificio cuando las disposiciones urbanísticas les obligaron a abandonar su antigua sede de 1859. (1)
La congregación de la Primera Iglesia Unitaria de Rochester votó en enero de 1959 para vender su edificio existente en el centro de Rochester, Nueva York, pensando que estarían hasta julio de 1961. Sin embargo, las obras debilitaron el edificio, obligándolos a mudarse en septiembre de 1959.
El edificio anterior de la Primera Iglesia Unitaria fue arquitectónicamente significativo, ya que fue diseñado por Richard Upjohn (1802 – 1878) un destacado arquitecto del siglo XIX y primer presidente del Instituto Estadounidense de Arquitectos. La iglesia decidió reemplazarlo con un edificio diseñado «por un destacado arquitecto del siglo XX, dando a la comunidad un ejemplo notable de arquitectura contemporánea».
El comité de búsqueda, formado por miembros de la iglesia que tenían conocimientos de arquitectura, decidió centrarse en arquitectos prominentes que habían establecido oficinas relativamente pequeñas y que hacían la mayor parte del trabajo creativo ellos mismos.
Aunque el relato posterior del propio Kahn sobre el proceso de elaboración sugiere -engañosamente- que este se produjo de una forma fluida y coherente, lo cierto es que el proyecto construido —del que habían de quedar muy satisfechos tanto Kahn como los clientes, fue el resultado nada menos que de seis versiones diferentes.
Los primeros tanteos, realizados por Kahn antes de conocer el solar y el programa concretos, planteaban un esquema de tipo centralizado, inspirado directamente en las iglesias renacentistas. Así surgió el primer diseño, que proponía una gran sala de culto circular encerrada dentro de un cuadrado con cuatro torres en las esquinas.
Este planteamiento expresaba claramente la idea de Kahn sobre la composición y la forma apropiadas al proyecto, pero no respondía adecuadamente a los requerimientos funcionales y superaba ampliamente las posibilidades financieras de la congregación. (2)
Las diferentes versiones de este proyecto fueron desvirtuando la idea originaria sin llegar a complacer a los clientes, quienes desde un primer momento habían insistido en la separación en dos conjuntos independientes de la escuela y el santuario.
Kahn, que se resistía a esta idea, se mostró dispuesto, sin embargo, a replantear el proyecto desde cero y, a través de una nueva fase de versiones, llego a una solución que armonizaba las ideas de sus clientes respecto a la configuración de un templo unitario (a las que respondía mucho mejor el Unity Temple de Wright) con las suyas propias acerca del “deseo” de que las aulas y los locales sean más pequeños y se dispogan en tormo a la gran sala de culto.
La satisfacción de la congregación queda demostrada por el hecho de que, en 1967, acudieran a Kahn para realizar la ampliación del edificio, que el resolvió mediante un cuerpo complementario unido al principal a través de una galería, rompiendo en parte con la homogeneidad y la compacidad del proyecto originario.
Proceso de diseño
La historia del proceso de diseño en la Primera Iglesia Unitaria, incluida la creación de Kahn de lo que llamó un dibujo de forma, «es casi un clásico en la historia y la teoría de la arquitectura» según Katrine Lotz, profesora de la Escuela de Arquitectura de la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca.
Comenzó creando lo que llamó un dibujo de forma para representar la esencia de lo que pretendía construir.
Recuerdo que, en mis tiempos de estudiante en la Universidad de Bs As, lo llamábamos “idea rectora, o simplemente idea de partido”, una primera idea, con la fuerza de proponer conceptos dibujados sin tener prejuicios formales ni funcionales, ese dibujo, prudentemente enchinchado, nos iba guiando a medida que resolvíamos el proyecto. (gracias Edgardo).
Dibujó un cuadrado para representar el santuario, y alrededor del cuadrado trazó círculos concéntricos para indicar un deambulatorio, un corredor y la escuela de la iglesia.
En el centro colocó un signo de interrogación para representar su comprensión de que, en sus palabras, «la forma de realización de la actividad unitaria estaba ligada a lo que es la Pregunta. Pregunta eterna del porqué de cualquier cosa”.
Su enfoque fue diseñar cada edificio como si fuera el primero de su tipo. August Komendant (1906 – 1992) un ingeniero estructural que trabajó en estrecha colaboración con Kahn, : dijo que durante las etapas iniciales de diseño, Kahn luchó con preguntas del tipo «¿Cómo se diseñaría una Iglesia Unitaria? ¿Qué es la religión unitaria?» y estudió el unitarismo a fondo.El resultado a veces confundió las expectativas. Cuando se mostró la Primera Iglesia Unitaria completa en una exposición de arquitectura en la Unión Soviética, el alcalde de Leningrado comentó que no parecía una iglesia, Kahn respondió en broma: «Es por eso por lo que fue elegido para exhibición en la Unión Soviética».
Previamente a la contratación de Kahn, contactaron con cinco arquitectos.
Frank Lloyd Wright expresó poco interés, además su propuesta de honorarios eran elevados. (Wright murió poco después a la edad de 91 años.)
Eero Saarinen tenía apoyo de la comunidad, pero no pudo tomar el trabajo debido a sus limitaciones de tiempo.
El comité también se reunió con Paul Rudolph, Walter Gropius y Carl Koch.
Pasaron un día con Louis Kahn en mayo de 1959 y quedaron impresionados por su enfoque filosófico, la atmósfera en su oficina, la seguridad de que él personalmente estaría a cargo del diseño.
Robin B. Williams, escribiendo en Louis I. Kahn: In the Realm of Architecture, “atrajo a sus clientes por la alta compatibilidad de su filosofía con las ideas unitarias».
Robert McCarter (3), uno de los biógrafos de Kahn, señala paralelos entre sus ideas y las de los Ensayos de Ralph Waldo Emerson (1803 – 1882)(4), figura importante en la historia unitaria.
Kahn, que procedía de un entorno judío no observante, era espiritual de una manera que ha sido descrita como «pan-religiosa» por Carter Wiseman(5) uno de sus biógrafos.
El FAIA (abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects) David Rineheart (1928 – 2016)que trabajaba para Kahn, nos explica: «Para Lou, cada edificio era un templo. Salk era un templo para la ciencia. Daca era un templo para el gobierno. Exeter era un templo para el aprendizaje”. (6)
Durante la Gran Depresión, Kahn trabajó con sindicatos y agencias cívicas para diseñar viviendas económicas. Trabajó como arquitecto asistente en Jersey Homesteads, un proyecto para reasentar a los trabajadores judíos de la confección de la ciudad de Nueva York y Filadelfia en un colectivo rural similar a un kibutz que combinaba agricultura y manufactura.
Durante las elecciones presidenciales de 1948, trabajó con la campaña del tercer partido de Henry A. Wallace, que se postuló por el Partido Progresista.
Kahn hizo una presentación filosófica de sus ideas en una reunión congregacional en junio de 1959, después de lo cual la iglesia le encargó que diseñara su nuevo edificio. Durante esa misma visita ayudó a elegir el sitio que se compraría para el nuevo edificio.
Ese año Kahn fue elegido para diseñar el Instituto Salk, y en 1962 fue seleccionado para diseñar el Jatiyo Sangsad Bhaban en lo que se convertiría en la capital de la nueva nación de Bangladesh.
Santuario de la Primera Iglesia Unitaria de Rochester
El comité de construcción le dijo que el nuevo edificio “debe apoyar a la comunidad en general y debe expresar «la dignidad en lugar de la depravación del hombre«.
El enfoque amplio de la congregación para la declaración de requisitos fue similar al enfoque filosófico de Kahn para su diseño arquitectónico, que explicó en “Forma y diseño”, un artículo que escribió mientras trabajaba en este proyecto.
Usando la Primera Iglesia Unitaria de Rochester como ejemplo, dijo: «En mi opinión, un gran edificio debe comenzar con lo inmensurable, debe pasar por medios mensurables cuando se diseña y, al final, debe ser inmensurable… Pero lo que es inconmensurable es el espíritu psíquico”.
Kahn asoció lo inconmensurable con lo que llamó Forma, diciendo que «La forma no es diseño, ni una figura, ni una dimensión. No es una cosa material. Forma… caracteriza una buena armonía de espacios para una determinada actividad del hombre«.
Forma, dijo, no debía entenderse como un diseño arquitectónico. Dibujó un cuadrado que representaba el santuario, y alrededor del cuadrado colocó círculos concéntricos que representaban un deambulatorio, un corredor y la escuela de la iglesia.
En el centro del cuadrado colocó un signo de interrogación que, explicó representaba su entendimiento de que “la forma de realización de la actividad Unitaria estaba ligada a lo que es la “Pregunta”, la Pregunta eterna del porqué de cualquier cosa».
Kahn entregó su primer diseño en diciembre de 1959, proponiendo un edificio cuadrado de tres pisos de altura con torres de cuatro pisos en cada esquina.
El santuario era un área cuadrada en medio de una gran sala de doce lados en el centro del edificio. El resto de la habitación casi circular era un espacio ambulatorio que debía ser protegido del santuario.
«El ambulatorio lo sentí necesario porque la Iglesia Unitaria está formada por personas que han tenido creencias anteriores (…) Entonces dibujé el deambulatorio para respetar el hecho de que lo que se dice o lo que se siente en un santuario no es necesariamente algo en lo que tienes que participar. Y así podrías caminar y sentirte libre de alejarte de lo que se dice”.
Kahn había desarrollado la idea de este tipo de deambulatorio antes de su trabajo en la Primera Iglesia Unitaria, y se refirió a él durante una charla en 1957 en el contexto de una capilla universitaria.
La sala central iba a estar coronada por una cúpula compleja y rodeada por un corredor fuera de sus paredes que proporcionaría conexiones con la escuela de la iglesia de tres pisos en la periferia del edificio.
Los alumnos de la escuela podrían observar los servicios de la iglesia “desde los espacios abiertos arriba”.
Impulsado por las quejas sobre el costo, que era varias veces la cantidad que se había presupuestado, rápidamente eliminó un piso del edificio propuesto. El comité, sin embargo, también estaba descontento con otros aspectos del diseño, como su rigidez y escasez de espacio útil en el aula, las habitaciones de forma irregular en la periferia creadas por la colocación de una gran habitación casi circular dentro de un edificio cuadrado, y la posibilidad de que los niños que escuchan arriba y las personas que entran y salen del santuario interrumpan los servicios.
En febrero de 1960, Helen Williams, presidenta del comité de construcción, le escribió diciéndole que «no estamos nada contentos con el concepto actual que nos ha dado» y una semana después escribió: «Seguimos firmes en la conclusión de que debemos tener un concepto completamente nuevo».
Afirmando que «Kahn nos ha fallado miserablemente”, Williams renunció al comité de construcción.
Kahn accedió a crear un nuevo diseño, para alivio del comité de construcción, que temía que exigiera el pago por el trabajo realizado y se alejara de la comisión.
Para su nuevo diseño, Kahn propuso un edificio ligeramente alargado en lugar de rígidamente cuadrado.
Se resistió a las sugerencias de colocar las aulas en un ala separada para reducir la posibilidad de que los niños alborotadores perturbaran los servicios, conservando el concepto de rodear el santuario con la escuela de la iglesia.Kahn eliminó el espacio ambulatorio dentro de las paredes del santuario, pero retuvo el corredor justo afuera para brindar acceso a las aulas.
El techo sobre el santuario fue uno de los últimos aspectos del diseño que se completó
Una opción habría sido cubrir el santuario con una estructura de acero, pero Kahn había decidido a principios de la década de 1950 que ya no usaría tales estructuras, prefiriendo la apariencia más monumental que podía lograr con materiales como el hormigón y el ladrillo.
No completamente satisfecho con el diseño del techo que había desarrollado, como ya he comentado, Kahn le pidió sugerencias a su colaborador August Komendant, pionero en el uso de hormigón pretensado, que le permitó crear estructuras más ligeras y elegantes que el hormigón normal.
Komendant mantuvo el diseño general del techo, pero lo rediseñó como una estructura de placa plegada de hormigón pretensado que requeriría soporte solo en sus bordes, eliminando la necesidad de las vigas de hormigón macizo que Kahn había planeado usar como soporte para la estructura del tejado.
Kahn inicialmente planeó traer luz natural al santuario a través de rendijas de luz en una serie de tapas de concreto en el techo, pero el comité de construcción calculó que cada tapa pesaría 33 toneladas (30,000 kg), creando problemas de apoyo. Las torres de luz en el diseño final de Kahn están acristaladas solo en sus lados internos, una sugerencia que se originó en reuniones con el comité.
El nuevo diseño fue aprobado abrumadoramente por la congregación en agosto de 1960. En la inauguración del nuevo edificio en diciembre de 1962, Kahn habló sobre la relación entre la arquitectura y la religión.
Komendant dijo: «Me dijo que en su discurso describió las catedrales, cuyo tamaño y altura tenían la intención de mostrar la grandeza y el poder de Dios y la bajeza del hombre, para que los hombres se asustaran y obedecieran Sus leyes. Para esta iglesia usó la atmósfera y la belleza para crear respeto y comprensión de los objetivos, la bondad y el perdón de Dios”.
El exterior del edificio se caracteriza por paredes de ladrillo profundamente plegadas creadas por una serie de campanas ligeras delgadas de dos pisos que ayudan a proteger las ventanas de la luz solar directa. La entrada principal del edificio no es visible para las personas que pasan por la calle.
Las torres de luz en cada una de las cuatro esquinas del santuario se elevan por encima de las paredes exteriores del edificio, permitiendo que la forma del santuario sea fácil de visualizar desde el exterior.
Paredes Habitables (1)
Kahn, Heidegger. El lenguaje de la Arquitectura por Christian Norberg-Schulz
La impresión que creó Kahn “del santuario incrustado dentro del edificio más grande” es similar al enfoque de «caja dentro de una caja» que usó en varios otros edificios, en particular en la Biblioteca de la Academia Phillips Exeter.
El edificio se hace eco del diseño de los castillos escoceses que fascinaron a Kahn, particularmente el castillo de Comlongon,
El castillo de Comlongon tiene una sola habitación grande en el centro rodeada por muros de 6.10 metros de grosor. Esas paredes inusualmente gruesas permitieron tallar habitaciones secundarias enteras desde su interior, convirtiéndolas de hecho en paredes habitadas.
En el caso de la Primera Iglesia Unitaria, la gran sala central es el santuario, y las «paredes habitadas» pueden percibirse como los dos pisos circundantes de salas.
Las ventanas de estas habitaciones están tan empotradas que pasan desapercibidas cuando se ven desde un ángulo, y los espacios de las esquinas del edificio no tienen ventanas, todo lo cual se suma a la percepción de que el santuario está rodeado por paredes macizas y resistentes.
En palabras de Kahn «la escuela se convirtió en los muros que rodeaban la cuestión». La iglesia contrató a Kahn en 1964 para realizar una ampliación, que se completó en 1969.
Su exterior está relativamente desarticulado, en contraste con las paredes esculpidas del edificio original.
Según los dibujos a escala, el edificio de forma irregular mide aproximadamente 70,1 x 35,1 m en sus puntos más largos y más anchos. Aproximadamente 23 mts es de la ampliación de 1969. Su huella sobre el terreno es de 1384 m².
Un techo bajo
En lugar de una gran entrada en el frente del edificio que conduce directamente al santuario, a la Primera Iglesia Unitaria se accede a través de una puerta lateral que requiere un giro a la derecha para llegar al santuario.
La entrada está debajo del techo bajo del coro en voladizo, creando una secuencia desde la sombra a la luz.
«La civilización se mide por la forma de su techo», dijo Kahn.
El techo complejo del santuario se eleva por encima de los dos pisos de las habitaciones circundantes. Las torresde luz en las cuatro esquinas llevan luz natural indirecta a áreas que normalmente no están bien iluminadas.
Kahn dijo: «Si lo piensas, te das cuenta de que no dices lo mismo en una habitación pequeña que en una habitación grande».
La forma cruciforme que usó Kahn para el techo es una que había usado en trabajos anteriores, en particular el Centro Comunitario Judío de Trenton.
La enorme estructura del techo está sostenida en parte por doce esbeltas columnas incrustadas en las paredes del santuario, tres columnas por pared. Cada columna central está arriostrada a las columnas de cada lado por vigas horizontales. El techo es más bajo y oscuro en el centro, lo opuesto a las cúpulas de las iglesias clásicas que son más altas y brillantes en el centro.
Los tapices de las paredes fueron diseñados por Kahn y, al igual que el edificio mismo, no contienen ningún simbolismo literal.
A pedido de Kahn, los paneles abarcan el espectro de colores completo y, sin embargo, se construyeron completamente con un hilo rojo, uno azul y uno amarillo, y los tonos restantes se crearon con mezclas de esos tres hilos. Los paneles fueron diseñados no solo para efectos visuales, sino también para corregir un problema de sonido que reverberaba en las paredes de concreto.
Los principales materiales de construcción del interior son bloques de hormigón, hormigón vertido y madera, una combinación que usó en la mayoría de sus proyectos posteriores.
Los muros del santuario tienen 61 cm de espesor y están construidos con bloques de hormigón, los espacios huecos dentro de las paredes funcionan como conductos de ventilación.
Luz y Silencio
Durante las discusiones iniciales de diseño, Kahn le preguntó a Komendant: «¿Qué es lo más importante en una iglesia?» y luego respondió él mismo a esa pregunta diciendo «la esencia de la atmósfera para una iglesia es el silencio y la luz. ¡Luz y Silencio!»
“Silence and Light” se convirtió más tarde en el nombre de un ensayo que Kahn escribió en 1968 en el que explicaba conceptos cruciales para su filosofía.
El editor de sus escritos, Robert Twombly, dijo que, por silencio, Kahn se refería al «deseo… de cada persona de crear, que para Kahn era lo mismo que estar vivo»
El historiador de arquitectura Vincent Scully dijo de la iglesia: «Realmente puedes sentir el silencio del que habló, vibrando como con la presencia de la divinidad, cuando el bloque de cemento se vuelve plateado por la luz que lo inunda, mientras que la losa pesada, se levanta por encima de la cabeza».
Vistas exterior e interior de las proyecciones de la planta baja con bancos
En las aulas se colocan bancos con pequeñas ventanas laterales en voladizos de las paredes exteriores. Estos espacios crean la impresión de pequeñas habitaciones talladas en las paredes exteriores y, según Robert McCarter, continúan con el tema arquitectónico de Kahn“de las aulas mismas que aparecen como habitaciones incrustadas dentro de paredes gruesas como castillos”.
Monumentalidad y autenticidad
Sarah Williams Goldhagen, autora de Louis Kahn’s Situated Modernism, dice que Kahn estaba “preocupado por los aspectos socialmente corrosivos de la sociedad moderna”.
Creía, que “la arquitectura debe favorecer la formación ética de las personas. Las personas que están ancladas en su comunidad, moralmente obligadas y psicológicamente conectadas con las personas que los rodean, son mejores ciudadanos».
El primer ensayo importante de Kahn como único autor, publicado en 1944, se llamó Monumentalidad, un concepto que definió como «una cualidad espiritual inherente a una estructura que transmite la sensación de su eternidad».
En la Primera Iglesia Unitaria, dice Goldhagen, los ritmos de luz en forma de columna que Kahn esculpió en la fachada se encuentran entre los dispositivos que aumentan la impresión de masividad y le dan al edificio un aire de monumentalidad, dijo: «Creo en la arquitectura franca. Un edificio es una lucha, no un milagro, y el arquitecto debe reconocerlo.
Arquitectura de las Instituciones
Según Goldhagen, fue el primer edificio que construyó Kahn que dio “una indicación de su estilo maduro»
Goldhagen dice que en la Primera Iglesia Unitaria Kahn desarrolló una filosofía para crear arquitectura para tales organizaciones: «La filosofía de Kahn de la arquitectura de las instituciones, desarrollada mientras diseñaba la Primera Iglesia Unitaria en Rochester, estipulaba que el primer y más alto deber del arquitecto era desarrollar una visión idealizada de la ‘forma de vida’ de una institución y luego darle forma a esa visión, o como él lo habría dicho, Forma”.
Kahn hizo evidente su entusiasmo por la Primera Iglesia Unitaria incluso antes de que recibiera la aprobación final del comité de construcción. Ya en octubre de 1960, en una conferencia en California, lo había elegido para ilustrar un par de términos, «forma» y «diseño», que se estaban convirtiendo en principios clave de su filosofía. Usó estas palabras para describir su concepción de la arquitectura, y en particular su procedimiento de diseño, como la traducción de lo intangible en lo real. Fue en este momento que Kahn mitificó la forma en que había evolucionado el diseño de la iglesia, componiendo un relato (acompañado por el ahora famoso diagrama) que, desde su publicación en abril de 1961, se ha visto como la ilustración más clara de su enfoque de diseño.
“Las escuelas empezaron con un hombre que, sin saber que era un profesor, discutía sus ideas con un grupo de personas que no sabían que eran alumnos”.
Kahn trabajó en esta conferencia durante varios meses y la publicó como un ensayo titulado Forma y diseño. Un colega lo describió como la mejor encarnación de sus ideas en ese momento y dijo que cuando la gente solicitaba ejemplos de las publicaciones de Kahn, con mayor frecuencia enviaba este ensayo.
La intención de Kahn era demostrar que la arquitectura es la encarnación de lo inconmensurable.
Solía mencionar la escuela como ejemplo de instituciones que surgen de las inspiraciones “Las escuelas empezaron con un hombre que, sin saber que era un profesor, discutía sus ideas con un grupo de personas que no sabían que eran alumnos”.
“La calle es probablemente la primera institución humana, un centro de reunión sin techo, la escuela es un espacio donde es bueno aprender”. La ciudad es el lugar donde las instituciones se reúnen”.
“Todo lo que un arquitecto hace responde en primer término a una institución humana antes de convertirse en un edificio”. Así pues, la arquitectura se funda en las formas generales del ser-en-el-mundo del hombre”. (MartínHeidegger, 1889 – 1976).
En este sentido, es inconmensurable, aunque pueda medirse como edificio. “Una obra se realiza entre los sonidos imperiosos de la industria (creación) y. cuando el polvo se posa (cuando ya pasa la excitación de la creación)(…), la pirámide de silencio resonante proporciona al sol su sombra”.
Los años cincuenta constituyen un punto de inflexión determinante en la carrera de Louis I. Kahn, un momento en el que su ambición por comprender el origen mismo de la arquitectura le llevó a plantear una serie de trasformaciones decisivas en la concepción del orden y el espacio moderno. Sus intuiciones sobre la condición autónoma e indivisible de la estancia desde el íntimo compromiso entre envolvente y estructura se entrelazaron con un interés simultáneo hacia los procesos de crecimiento de la forma, en parte influenciado por figuras clave del contexto norteamericano como Buckminster Fuller (1895 – 1983) o Robert Le Ricolais (1894 – 1977) pero sobre todo por su intensa colaboración con la arquitecta Anne Tyng (1920 – 2011).
La evolución del proyecto del Centro Comunitario Judío de Trenton puede considerarse un ejemplo paradigmático de esta encrucijada de intereses, al asumir con naturalidad la transición de una trama ‘celular’ de aspecto orgánico a un esquema en tartán de connotaciones clásicas. El principal objetivo del artículo es arrojar una nueva luz sobre el porqué de dicha transición y para ello propone la reconstrucción del hipotético proceso creativo de su autor, mediante el redibujado de las diferentes versiones del proyecto. Se busca detectar así episodios clave en la toma de decisiones, como el debate establecido entre Kahn y Colin Rowe (1920 – 1999) a raíz de la visita de este último a Filadelfia, que pudo haber fomentado un cambio radical en el modelo anatómico propuesto. Louis I. Kahn, Anne Tyng, Colin Rowe, Centro Comunitario Judío de Trenton, revisión moderna, patrones de crecimiento.
La creencia de Kahn sobre “lo que el edificio quiere ser”, como repetía a menudo en sus conferencias, estaba fuertemente condicionada por este ideal wrightiano.
Kahn decía: “It is a happy moment when a geometry is found which tends to make spaces naturally, so that the composition geometry in the plan serves to construct, to give light and to make spaces”;
“Es un momento feliz cuando se encuentra una geometría que tiende a hacer espacios de forma natural, de modo que la geometría de la composición en planta sirve para construir, dar luz y hacer espacios”.
Richard Saul Wurman, editor “What will be has always been: the words of Louis I. Kahn” (New York. Acces and Rizzoli. 1990), Lo que será siempre ha sido: las palabras de Louis I. Kahn.
Y las de Wright: “There is a life principle expressed in geometry at the center of every Nature-form we see. This integral pattern is abstract, lying within the object we see and that we recognize as concrete form. It is with this abstraction that the architect must find himself at home before Architecture can take place”.
“Hay un principio de vida expresado en la geometría en el centro de cada forma de la Naturaleza que vemos. Este patrón integral es abstracto y se encuentra dentro del objeto que vemos y que reconocemos como forma concreta. Es con esta abstracción que el arquitecto debe sentirse cómodo antes de que la Arquitectura pueda tener lugar”; “Frank Lloyd Wright, Escritos recopilados de Frank Lloyd Wright”. Nueva York: Rizzoli, 1992, vol. I, Por la causa de la arquitectura: la composición como método en la creación, 259–60.
¿Qué quiere ser un edificio?
Una rosa quiere ser una rosa
En la discusión de la filosofía de Kahn suele tomarse como punto de partida su famosa pregunta ¿Qué quiere ser un edificio?. Esta cuestión tiene un alcance mayor que los planteamientos del funcionalismo. Como cuestión de principio, el funcionalismo es circunstancial, puesto que parte de lo particular o lo general, aunque pueda aceptar los conceptos de tipología y morfología.
La pregunta de Kahn, por el contrario, sugiere que los edificios poseen una esencia que determina la solución. Así pues, su planteamiento supone una inversión del funcionalismo; este último empieza desde abajo, mientras que Kahn lo hace desde arriba.
Subraya una y otra vez que existe un orden que precede al diseño. Una de sus afirmaciones comienza diciendo “El orden existe”. Este orden abarca a toda la naturaleza, incluida la naturaleza humana.
En sus primeros escritos, empleaba la palabra forma para designar lo que una cosa quiere ser; sin embargo, él mismo debió percibir el peligro del equívoco, ya que este término suele tener una significación más limitada
Por ello introdujo el término de pre-forma.
Luego prefirió referirse al campo de las esencias con la palabra silencio. El silencio es inconmensurable, pero encierra el deseo de ser. Toda forma posee un deseo de existencia que determina la propia naturaleza de las cosas. Este deseo de existencia se satisface mediante el diseño, que supone una traducción al ser del orden interno.
Casa Boynton en ROCHESTER
La casa Boynton fue diseñada en 1908 por Frank Lloyd Wright, está ubicada en el 16 East Blvd, en la ciudad de Rochester, en el estado de Nueva York (14610).
No se permiten visitas en este momento. (agosto 2024).
Esta casa forma parte del repertorio de casas de Wright del Prarie Style, fue encargada por Edward Everett Boynton, para él y su hija adolescente Beulah Boynton.
Algunas de las siguientes fotografías son cortesía del Wright Legacy Group.
El primer piso tiene abundantes ventanas, especialmente en el comedor, con tragaluces, una franja de claraboyas y un largo ventanal compuesto de modulos abatibles, que se unen para crear distintos niveles de iluminación.
A continuación está la sala de estar que presenta carpinterías con una configuración similar de ventanas en dos lados y puertas de vidrio que conducen a una galería en el extremo noroeste de la casa.
Wright estuvo muy involucrado en el proceso de diseño y viajó a Rochester varias veces para supervisar la construcción.
También diseñó gran parte del mobiliario, como la gran mesa del comedor, que presenta una estructura de madera que sostienen las lámparas, de un diseño notable.
Ya nos anticipa el de la mesa del comedor de la casa Robie, terminada dos años después.
Edward Boynton encargó a Wright la construcción de una obra de arte total, incluida la casa, el paisajismo y los muebles.
El sitio, que se extendía a lo largo de tres lotes de la ciudad, brindó a Wright el espacio para incorporar un amplio jardín, una cancha de tenis y una piscina reflectante rectangular, brindando la sensación de pradera abierta.
Boynton tenía recursos suficientes debido a su enorme éxito en su actividad de venta de artefactos de iluminación, era socio de CT Ham Manufacturing Co. de Rochester.
Pero su éxito financiero, no logró impedir que la vida personal de Boynton estuviera marcada por la tragedia.
Tres de sus cuatro hijos murieron a una edad temprana, incluida Bessie, la hermana gemela de su hija Beulah.
El 13 de abril de 1900 falleció su esposa. Beulah le dijo al reportero del Times Union William Ringle: «Mi padre no tenía más pasatiempos que yo».
Cuando Boynton decidió mudarse de su casa en 44 Vick Park B en Rochester encargó a Frank Lloyd Wright que diseñara lo que se convertiría en la única casa diseñada por Wright en la ciudad.
Beulah Boynton recordó: «mi padre deseaba que el arq Claude Bragdon (8) construyera nuestra casa, porque estaba cautivado por Wright, hasta que pudo contratar a Wright«.
Edward Boynton se enteró de Frank Lloyd Wright a través de su socio comercial Warren McArthur, ya que Wright había diseñado la Casa McArthur en el distrito Kenwood de Chicago en 1892. Es en 1906 que Boynton encarga a Wright el diseño de una casa en una amplia propiedad en East Boulevard.
La construcción comenzó en 1907 y se completa al año siguiente.
Su hija Beulah Boynton era una adolescente cuando conoció a Frank Lloyd Wright.
Se interesó e involucró mucho en el diseño y construcción de casas. «Aprendí a leer las especificaciones. Descubrí un error en los albañiles que colocaban la chimenea».
Wright, en una colaboración inusualmente fructífera con Beulah, de 21 años, diseñó la casa de dos pisos para que se alzara de lado en el terreno en una planta alargada en forma de “T”. Ventanas de vidrio artístico y una gran terraza caracterizan la casa, que ha sufrido numerosos problemas estructurales debido a las duras condiciones invernales de Rochester.
Nuevos propìetarios
Kim Bixler es la autora del libro “Growing Up in a Frank Lloyd Wright House” y se la puede ver en el documental de PBS del 2012 Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years, así como en el “Wall Street Journal” , “The Not Too Serious Architecture Hour” y en el programa “Here & Now de NPR”, en el marco de la celebración del 150.º cumpleaños de Wright.
Se graduó de la Universidad de Cornell en 1991 y la Universidad de Nueva York.
Su familia fue propietaria de la casa Boynton desde 1977 hasta 1994.
El libro “Crecer en una casa de Frank Lloyd Wright” relata las alegrías y los inconvenientes de ser propietario de una casa diseñada por él. La tumultuosa historia de la casa se cuenta a través de entrevistas con propietarios anteriores y actuales. Narra cómo es convivir con la curiosidad del público, jugar al escondite, lidiar con las habituales goteras del techo y gestionar renovaciones constantes.
Restauración
Los actuales propietarios de la Casa Boynton, Jane Parker y Francis Cosentino, que la compraron en 2009, acaban de completar un minucioso proyecto de restauración, que ha durado dos años.
El proceso, que se completó en 2012, fue documentado por la estación de radiodifusión pública de Rochester en un programa titulado “Frank Lloyd Wright’s Boynton House: The Next Hundred Years”.
Es la única casa realizada por Wright en Rochester, y un ejemplo de sus casas de la Pradera. Y es una de las pocas casas de Wright que sigue funcionando como residencia privada, ya que en general se estan conservando como museos públicos.
La restauración, la realizó una empresa de arquitectura local Bero Architecture, y el diseño paisajístico lo hizo la empresa PLLC. Bayer Landscape Architecture.
Originalmente, en 1908 la casa estaba sobre tres lotes, dos de ellos, al sur de la casa estaban parquizados.
Hoy la casa esta sobre un solo lote urbano.
Lo mas llamativo de la restauración, fue devolver el espectacular techo en voladizo, común en los proyectos de Wright. Ello se debió a que había sido cerrado poco tiempo después de la terminación de la casa.
La restauración ha recibido las felicitaciones de Landmark Society (7), de su presidenta, Mary Nicosia y su director ejecutivo Wayne Goodman.
La casa tiene 235 piezas de vidrio artístico, muchos de los cuales están en el comedor.
Notas
1
Arquitectura Viva. Primera iglesia unitaria de Rochester. Arq. Louis Kahn.
Robert McCarter Arquitecto, docente y escritor, dos de sus libros “Louis I. Kahn” y “On and By Frank Lloyd Wright”, fueron finalistas de los Premios Internacionales del Libro del RIBA ( Institute of British Architects) de 2006.
4
Ralph Waldo Emerson (Boston, Massachusetts, 1803 – 1882 Concord, Massachusetts) fue escritor, filósofo y poeta. Líder del movimiento del trascendentalismo a principios del siglo XIX, sus enseñanzas contribuyeron al desarrollo del movimiento del “Nuevo Pensamiento”, a mediados del siglo.
5
Arquitecto, catedrático y escritor, entre sus libros figura “Louis I. Kahn: Beyond Time and Style”.
Wiseman, graduado de Yale College, obtuvo una maestría en historia de la arquitectura en la Universidad de Columbia y fue becario Loeb en Estudios Ambientales Avanzados en la Escuela de Posgrado de Diseño de la Universidad de Harvard. De 1999 a 2010, fue presidente de MacDowell Colony, el lugar de retiro para artistas creativos más antiguo del país.
En la Escuela de Arquitectura de Yale, Wiseman imparte seminarios sobre Louis Kahn, escritos sobre arquitectura y crítica arquitectónica. Brinda apoyo editorial para la educación y las artes a través de Writertime Communications, en Weston, Connecticut.
6
Diálogos cruzados entre Louis I. Kahn, Anne Tyng y Colin Rowe: Guiomar Martín Domínguez. Isabel Rodríguez Martín. Diciembre 2018.
7
Landmark Society of Western New York, Inc. Creada en 1937, es una de las organizaciones de preservación histórica más antiguas y activas de EE. UU. Es una organización sin fines de lucro dedicada a ayudar a las comunidades a preservar y aprovechar su rico patrimonio arquitectónico, histórico y cultural. El área de servicio de Landmark Society abarca nueve condados en el oeste de Nueva York, centrados en la ciudad de Rochester. Ellos son Orleans, Genesee, Wyoming, Monroe, Livingston, Ontario, Wayne, Yates y Seneca.
La Landmark Society of Western New York cuenta con el apoyo, del Consejo de las Artes del Estado de Nueva York, con el apoyo de la Oficina del Gobernador y la Legislatura del Estado de Nueva York.
8
Claude Fayette Bragdon (1866 – 1946) fue un arquitecto, escritor y escenógrafo estadounidense, que disfrutó de una gran reputación nacional con trabajos asociados a la arquitectura progresista que se vinculaban a Louis Sullivan y a Frank Lloyd Wright.
En numerosos ensayos y libros, Bragdon argumentaba que sólo una “arquitectura orgánica, basada en la naturaleza podría fomentar una comunidad democrática en una sociedad capitalista industrial”.
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate and ChatGPT, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
From all the visits I’ve made, the tour of Wright’s Greycliff house has been very impactful, both for the location and the quality of the designs in such a large home
I had already seen the Martin complex in Buffalo, but I believe this one is equally or even more impressive.
I’m writing this in a room at Middlebury College, where I usually spend the month of August while Carmen teaches. I combine walks with relaxation, which for me means writing.
This week has been eventful. I went to Montreal, where I revisited Moshe Safdie’s Habitat 67 complex (1938) and the geodesic dome by Richard Buckminster Fuller (1895–1983).
I was disappointed by the former gas station designed by Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969), which is poorly maintained and dirty. Although it was purchased and restored for community use (there was actually a group of about 20 women doing Pilates), it’s still disheartening to see how badly it’s treated.
I enjoyed the trip to Montreal, but it’s a long one — around 420 km round trip, and slow-going.
The architecture of the state I’m in, Vermont, the smallest of the 50 U.S. states with around 660,000 inhabitants, is very green (I’m surrounded by the Green Mountains, covering about 4,000 square kilometers, and the Adirondacks, about 13,000 square kilometers).
There’s a lot of farming, livestock, and above all, ice cream (this is where Ben & Jerry’s comes from). Covered bridges (like those in Madison), many tractors, and lots of language colleges. Where I am, there are a lot of fields and wooden houses of every type, size, and color (generally in light and pastel tones).
I asked Glenn, husband of Patricia, a professor at the college:
– Glenn, is building wooden houses cheaper than traditional construction?
– He looked at me, smiled, and said, “Here, wooden houses are the traditional construction.
Porfolio Wasmuth
Some of Wright’s most famous designs appeared in the Wasmuth Portfolio (see link https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-5/), including the Darwin Martin House, the Larkin Administration Building, and the Edwin H. Cheney House.
William R. Heath House
76 Soldiers Place, Elmwood.
“Study nature, love nature, stay close to nature. It will never fail you”. F. Ll. Wright
The house was built between 1904-05 on an elevated terrace above street level to provide additional privacy along Bird Avenue.
Heath was a lawyer who worked as a manager and was later appointed vice president of the Larkin Soap Company. Darwin D. Martin, another executive of Larkin Soap, introduced him to Frank Lloyd Wright.
Wright had previously designed and built the Larkin administrative building and the residential complex for the Martin family.
The building was constructed on a long and narrow plot of land facing the Soldiers Place roundabout and Bird Avenue, resulting in a distinctive design with little space for a backyard, forcing the house to be placed close to the plot’s boundaries. Wright designed the Heath House with privacy in mind, elevating the foundation, placing first-floor windows high, and constructing a high-walled terrace facing Soldiers Circle to maintain privacy despite the proximity of passing pedestrians.
The seven-room house features many classic elements of the Prairie Style, such as strong horizontal lines, overhanging eaves, a large roof, and stained glass windows.
Today, the residence is privately owned, and visits are not allowed.
Walter V. Davidson House
57 Tillinghast Place. 1908, Parkside East
“The present is the ever-moving shadow that divides yesterday from tomorrow. In that lies hope” . F. Ll. Wright
In 1906, Walter Davidson joined Larkin Company in Buffalo as an advertising manager and quickly befriended Darwin Martin and William Heath, two of his fellow managers.
By then, Darwin and William already had their homes completed, and a few months after joining Larkin, Martin introduced Davidson at a social gathering. Davidson commissioned Wright to design a modest house in the historic Parkside district east of the city, a neighborhood planned in 1908 by Frederick Law Olmsted.
The house had a smaller budget compared to the Martin and Heath homes.
The living room is two stories high and features a spectacular 4.6 meter window filled with diamond-shaped leaded glass, a simple but bold design that is repeated in many of the house’s abundant windows. There are four bedrooms upstairs and a former service room in the basement.
The exterior, consisting of flat, stepped roofs and linear bands of wooden slats and leaded glass windows, appears to be composed of a series of intersecting geometric planes.
Wright integrates nature into the building’s structure by including low planter boxes extending from the driveway and the back porch.
Today, the residence is privately owned, and visits are not allowed.
Fontana Boat House
Frank Lloyd Wright’s Fontana. 1 Rotary Row, Buffalo, NY 14201. Phone 1716 – 362 3140. “Space is the breath of art”. F. Ll. Wright
Next to the West Side Rowing Club, Wright designed it in 1905, and architect Tony Puttnam built it in 2007, 112 years later.
Originally designed for the University of Wisconsin’s regatta team, the Charles and Marie Fontana Boat House is the only boathouse Wright ever designed. It’s no surprise it bears the name of Charles, who participated in the 1948 Olympic trials, training at the neighboring West Side Rowing Club.
During 1905, Wright was at the height of his Prairie Style construction in Buffalo, and Prairie elements are certainly visible in the boathouse design, including the large roof overhangs and glass designs like those in the second-floor windows.
Though Wright never built it during his lifetime, he was so proud of the design that he included it in his Wasmuth Portfolio, making it the only unbuilt structure included.
Classic Wright design elements feature prominently: large beams span the ceilings, creating a seamless flow from one space to another. Arts and Crafts-style lighting fixtures adorn the stairways, reflecting in the second-floor windows.
After years of fundraising, Tony Puttnam, a Wright apprentice from 1953 to 1957, was selected to bring the Fontana Boathouse to life, which now houses the West Side Rowing Club.
It is available for event rentals and is located on Buffalo’s Black Rock Canal, overlooking the Niagara River and Lake Erie.
Mausoleum of the Blue Sky
Forest Lawn Cemetery. 972-990 W Delavan Ave, Buffalo
Designed between 1925-1928 and built in 2004, the mausoleum was completed by Anthony Puttnam(1), a close Wright apprentice who also worked on the Fontana Boathouse.
The cemetery is open Monday to Sunday from 8 AM to 7 PM.
It’s easy to reach the mausoleum within a few minutes of entering the cemetery. Blue Sky is the only mausoleum Wright designed, believed to have been commissioned by Darwin Martin between 1925 and 1927, intended to be built at Forest Lawn.
Due to the 1929 stock market crash, Martin lost most of his fortune and could not continue with the project.
No member of the Martin family is buried here.
“A burial facing the open sky — the whole could not fail of noble effect. Frank Lloyd Wright. Architect. 1928.”
The Mausoleum was the last of four projects Darwin D. Martin commissioned from Wright. The others were his residential complex, the Larkin Administration Building, and Graycliff, his summer home.
Anthony Puttnam
Other works of Wright where Anthony Puttnam was involved:
The design was completed by Wright’s aforementioned apprentice, Anthony Puttnam.
He was also responsible for the posthumous completion of Wright’s «Monona Terrace Convention Center» on the shores of Lake Monona in Madison, Wisconsin.
With significant changes, Puttnam defended both projects against accusations that they were not authentic.
My brother Guillermo and I had the opportunity to see it (under construction), and since it was a Sunday, we “moved aside a few barriers” and visited it. The amphitheater is colossal in size.
Before seeing «Monona Terrace», we visited Elkins Park, a suburb of Philadelphia, to admire the «Beth Sholom Synagogue» (House of Peace) at 8231 Old York Road.
It was the only synagogue Wright ever built, completed in 1959.
I am very grateful to my aunt Fory (my mother Alicia’s younger sister), who requested that, despite it being outside of visiting hours, they let me enter and admire it.
NOTES
1
Anthony Puttnam (1934-2017) joined the «Taliesin Fellowship» at the age of 19 (1953), after studying at the University of Illinois, where he pursued a degree in architecture and landscape architecture.
In 1990, he helped restore the «Romeo and Juliet Windmill» that Wright had built in 1897 at Taliesin.
He was the mastermind behind the construction of «Monona Terrace», a civic project designed by Wright in 1938, which became a «LEED Silver» building under Tony’s direction in 1997. This certification indicates that the building implemented sustainable practices in energy, water usage, waste management, sustainability, and indoor air quality.
More recently, Tony also served as the architect and planner for «Panda Mountain» at the Wolong Panda Preserve and Research Center in Sichuan, China.
He was a talented photographer, graphic designer, draftsman, and a highly valued professor at the Taliesin School of Architecture. He expressed his interest and love for the nature surrounding Taliesin, developing and teaching the «patterns of nature» as a source of design. His passion for spirituality was shared along with his knowledge of poetry, philosophy, and architecture.
Fotos del catálogo de la casa Graycliff, de José Luis Colmenares y tomadas en el lugar por HKliczkowski.
A orillas del majestuoso lago Erie, un recorrido por Graycliff Estate incluye ir luego a ver la Guardería para botes (Boat House) y el Mausoleo.
La casa a la que llaman “La joya del lago”, está ubicada al 6472 de Old Lake Shore Road.
Darwin D. Martin (1865-1935). estaba muy contento con su casa en Jewett Parkway por lo que él y su esposa Isabelle R. Martin (1869-1945) decidieron encargar a Wright su casa de verano en el lago Erie.
Ver https://onlybook.es/blog/wright-larkin-complejo-darwin-martin-midway-gardens/
Isabelle se ocupó, por lo que Wright trabajó principalmente con ella en el diseño y los detalles de la casa. Isabelle tenía problemas de visión y luego de su experiencia con la casa Jewett que era naturalmente oscura, centró la idea de espacios claros y abiertos en Graycliff.
El nombre de la finca proviene del color gris natural del acantilado de veinte metros sobre el que se asienta el complejo.
Foto de época
Graycliff es un complejo de tres edificios construidos en lo alto de un acantilado con vistas al Lago Erie. la Casa Isabelle R. Martin, la Casa Foster, originalmente diseñada como un garaje con un alojamiento para el chófer en el piso superior y la sala de calderas para calentar las otras dos casas.
Wright uso materiales autóctonos, como pisos de madera de ciprés, piedra de esquisto gris del acantilado y estuco sombreado, también creó un diseño paisajístico para el complejo.
La distancia entre la casa Martin y Graycliff es de 30 min en auto (36,20 km) por la carretera NY-5 West.
La familia Martin vivía en dos complejos, el de la ciudad, y el de Graycliff.
Cuando contrataron nuevamente a Wright, ambos mantenían una relación profesional de mas de 20 años y eran amigos personales. Los Martin prestaron ayuda financiera entre otros apoyos a Wright, en mpomentos en que sucarrera estaba despegando.
En los primeros años de su larga relación, Darwin Martin como un alto ejecutivo de la Compañia Larkin Soap, estuvo directamente comprometido en la elección de Frank Lloyd Wright como arquitecto del Edificio de Administración de Larkin. Wright también diseño casas para otros ejecutivos de la Compañía como William R. Heath y Walter V. Davidson.
Wright entendía que la piedra era el único material verdadero para construir y por ello insistió a los Martin para que se usara en Graycliff.
Del conjunto, el edificio más grande es la casa de Isabelle, con espaciosos balcones, amplias terrazas y grandes ventanas que permiten contemplar la naturaleza desde dentro y a través de toda la casa. En los días especialmente claros se puede ver el agua que pulverizan las Cataratas del Niagara.
Otro de los edificios es la Casa Foster, que fue diseñada originalmente como garaje, con un apartamento encima para alojar al chofer y su familia. Después de su primer verano en la residencia, los Martin pidieron a Wright que ampliara el edificio, allí su hija Dorothy, su marido James Foster y sus hijos Margaret y Darwin, pasaron muchos veranos en la residencia.
El más pequeño de los edificios del complejo es conocido como la Cabaña Heat. Al igual que los otros dos edificios, está construida con piedra, estuco ocre, y tejas de color cedro rojo.
Aunque la familia Martin perdió gran parte de su fortuna en la Gran Depresión y se vio forzada en 1937 a abandonar su casa en el centro de Búfalo, conservaron Graycliff, donde volvían cada año hasta 1943.
La propiedad fue adquirida en 1951por los Escolapios, una orden de religiosos católicos dedicados a la enseñanza.
Los Padres Escolapios, que provenían de Hungría, establecieron un colegio en los terrenos, así como un instituto para niños dotados llamado Calasancio en honor al padre fundador de la orden.
A pesar de que añadieron dos pisos al edificio, el diseño original de Wright quedó intacto. En 1997, los Escolapios no podían hacer frente al mantenimiento de la casa y la pusieron a la venta.
Los textos que siguen son un resumen y una interpretación de la visita (muy interesante) que realice en la Casa Graycliff. Éramos 10 personas con el guía,
Ya comenté de la estrecha relación entre los Martin y Wright.
La idea surge en 1925, con la jubilación de Martin de la Compañía Larkin, y le escribe a Wright, pidiéndole que diseñara una casa de verano para su familia.
Junto a las especificaciones que envió el 5 de mayo de 1926, Martín enfatizó el deseo de Isabelle que la casa se inundara de luz y sol, incluidas las habitaciones del personal. E informa a Frank Lloyd Wright que Isabelle R. Martin, (y no él) será su clienta.
El proyecto de Wright incluía la casa principal paralela al Lago Erie, un apartamento para el personal del garaje llamado hoy la casa Foster, y un estanque de forma irregular en el centro del círculo de la rotonda de la entrada para autos. El tercer edificio, el cubículo de calefacción, está detrás de la pared del jardín que conecta la casa Martin con la casa Foster.
El lote de 3,45 hectáreas fue comprado el 19 de abril de 1926 a la familia Dexter Rumsey(1) por 2.000 usa, unos 80.560 usa actuales. Se extendía desde Lake Shore Road hasta el acantilado con vistas al lago Erie con un ancho de 76,20 metros.
Darwin hace a su mujer este exquisito obsequio, que se constituyó en una de las propiedades de verano más ambiciosas que Wright haya diseñado.
Actualmente el acceso a la casa, la controla Graycliff Conservancy, una organización sin fines de lucro que se ocupó de restaurar la propiedad, y salvarla del estado de deterioro que tenía. La casa figura en el Registro Nacional de Lugares históricos.
Wright utilizó 1,01 hectárea de las 3,45 hectáreas totales del terreno.
Es muy importante la presencia del acantilado, de unos 18,29 metros de altura y su entorno.
El proyecto de Wright mantiene un contacto visual con el lago, el agua está muy cercana a lo largo del diseño. El lago Erie se ve a través de la transparencia de la casa.
La torre de la escalera, el banco y la pasarela se ha cambiado de su sitio debido a la erosión entre otros factores.
Los edificios se construyeron con materiales naturales del lugar, el acantilado se compone de lutita gris que proporciona el nombre a la propiedad, ya que Graycliff significa acantilado gris.
A unos 2,45 metros de la parte superior hay una capa de caliza Tichenor que se eleva en voladizo desde el lado del acantilado sobre el lago Erie.
Wright utilizó voladizos, y la forma de diamante en ventanas y luces de techo.
La caliza Tichenor tiene una capa de óxido de hierro que «sangra». La paleta de colores de la casa incluyó el color rojo-anaranjado del óxido de hierro (que sangra naturalmente de la caliza), material que se utiliza en toda la casa.
En el diseño del paisaje intervino Ellen Biddle Shipman, una reconocida paisajista. (2). Fue contratada para diseñar extensos jardines que colaboraran con el proyecto de Wright, conocida como la «Decana de las Arquitectas Paisajistas Americanas» y una de las creadoras de los jardines de estilo Arts & Crafts.
Su proyecto debía proporcionar sombra y protección contra el viento, y sobre todo mucho color, para que cada habitación de la casa tuviese sus flores.
Ahora hay cuatro árboles frutales que se han plantado donde existían las hileras de huertos.
Una reproducción del dibujo del plano de Wright para el exterior, este dibujo es, hasta donde sabemos, el único plano de exteriores conocido que Wright realizó con su propia mano, durante su larga carrera.
En la entrada original a Graycliff hay unos pilares de piedra.
Los Martin compartían un camino de entrada con sus vecinos, la familia DexterRumsey (2). El camino de entrada, bordeado de álamos, sale de Lakeshore Rd, formando una «Y», una de sus ramas conduce a la propiedad de los Martin.
Graycliff ha tenido sólo tres propietarios: La familia Martin, luego una orden de sacerdotes católicos romanos conocidos como los padres escolapios que compraron Graycliff después de la muerte de los Martin, y finalmente, The Graycliff Conservancy.
Los Martin y su familia disfrutaron de los veranos desde 1928 hasta 1943. Los escolapios, una orden de enseñanza católica, compraron la propiedad en 1950 a un holding perteneciente al hijo de Martin. Los sacerdotes establecieron un internado en la propiedad, así como la Escuela Secundaria Calasanctius en Buffalo.
Hicieron una serie de adiciones a la propiedad, incluido el centro de visitantes, que era su gimnasio, agregando una capilla a la terraza sur y la extensión del garaje para auentar el espacio habitable.
La servidumbre para el camino de entrada terminó cuando los padres escolapios compraron la propiedad.
Los sacerdotes eran unos 12 con aproximadamente 24 internos, pero el dormitorio se reconfiguró y podía acomodar a 48 internos si era necesario.
En 1996, unos pocos sacerdotes ancianos que quedaban pusieron la propiedad a la venta, la única oferta seria que recibieron fue de un constructor.
Al enterarse de este plan, vecinos de toda la comunidad formaron The Graycliff Conservancy con la intención de salvar a Graycliff, compraron la propiedad, eliminaron las adiciones no históricas, la restauraron a su estado original y la abrieron al público.
Para el camino de la entrada Wright especificó que se coloque una grava amarilla, que armonizara con el tono leonado de la casa, si no se encontrara, especificó que debería triturarse la grava de esquisto y teñirse con óxido de hierro.
Por razones de seguridad, la rehabilitación del camino de entrada utilizó concreto pigmentado para que coincida con el color original con el agregado expuesto para imitar el esquisto triturado. Esto proporciona acceso para discapacitados, equipo de quitanieves y vehículos de emergencia.
Círculo de la rotonda frente a la casa principal
El plano horizontal de la superficie del lago, así como la línea de horizonte se incorporan en los niveles horizontales de la casa.
Wright explicó que había agregado la piedra para dar contraste y hacer que la casa se integrara en el sitio. Isabelle no quería el estanque, prefiriendo tener un montículo plantado con árboles altos. Wright la persuadió para que lo aceptara como parte del proyecto de Ellen Biddle Shipman.
El estanque fue eliminado a principios de la década de 1930, y restaurado a principios de la década de 2000 y completada en 2013 utilizando una mezcla de roca original y plantaciones similares a las que existían en 1931, incluyendo juncia, iris de agua y enebros.
Círculo de la rotonda frente a la casa Foster
La estructura se creó por primera vez como un garaje, con un apartamento encima para la familia del chofer.
La casa principal es más lineal en diseño en comparación con el diseño concéntrico de la casa de garaje donde las habitaciones irradian desde la sala de estar. Esta casa recuerda más a las casas de estilo Prairie de Wright con sus amplios aleros, balcones en voladizo y entrada semi oculta.
Originalmente, las puertas del garaje estaban directamente debajo del balcón y daban al camino de entrada. Durante el primer verano de los Martin, Isabella notó que, desde cualquier punto de la sala de estar o la terraza sur, se podía ver al chofer trabajando. Quería que las puertas del garaje se trasladaran al extremo sur.
También había decidido que se necesitaba más espacio de almacenamiento y otro dormitorio, por lo que pidió la ayuda de Wright.
Wright diseñó la adición que comienza donde hay un retroceso a lo largo del balcón. Un dormitorio y dos terrazas se añadieron al apartamento. Las puertas del garaje se trasladaron al lado sur de la estructura y la pared del jardín se extendió.
A medida que la depresión se profundizó, el personal se recortó, y la hija de los Martin, Dorothy Martin Foster, su esposo James y sus hijos comenzaron a usar el apartamento como residencia de verano.
El paisajismo frente a la Casa Foster y la pared del jardín se ha plantado como estaba en 1931, de esta manera se ha restaurado las plantaciones con plantas nativas según los diseños de Wright y Shipman.
El piso de la sala debió ser restaurado.
Las rayas de óxido en la piedra de la casa fueron un efecto intencionado, la mayor parte de la piedra cañiza utilizada es gris, pero la piedra caliza de Tichenor de este sitio tiene una capa delgada de pirita de hierro en un lado que hace que sangre óxido ferroso provocando en la piedra manchas de óxido.
Los Martin esperaban que la casa costara considerablemente menos que la primera estimación de Wright de 37.500 usa, pero a medida que la construcción continuó, el costo continuó aumentando.
Salida desde el estar, chimenea, comedor a la terraza que da al jardín de acceso
El Sr. Martin sugirió cambios para reducir el costo, por ejemplo, dado que originalmente pidieron que la casa fuera solo de estuco, el Sr. Martin se opuso a la piedra, además de no ver ninguna razón para un balcón fuera de su habitación, aducia que solo habían planeado un toldo, no una cochera.
Pasillo que da acceso a los dormitoriosy conecta con las escaleras
Wright los persuadió de que tal vez no necesitaban estas características, pero la casa sí, para que tuviera una buena arquitectura.
El balcón y la cochera extendieron la casa hacia el exterior.
Los voladizos sobre los jardines hundidos son especialmente importantes, ya que imitan la capa de piedra caliza de Tichenor en voladizo sobre el lago Erie consiguiendo conectar fuertemente la casa con el lugar.
El balcón en el extremo oeste, fuera de la habitación del Sr. Martin, estaba en voladizo sobre un jardín hundido que Wright diseñó para ser llenado con árboles de hoja perenne bajos, en los últimos años se pusieron zinnias y dalias que eran la preferencia de Isabella.
También tienen una importante función utilitaria para proporcionar sombra dentro de la casa que respalda el concepto de Wright de diseño solar pasivo. El costo final de la casa en 1928 estuvo muy por encima de la estimación inicial de Wright.
Wright les escribió a los Martin, el 15 de agosto de 1926, que sin el balcón y la cochera la casa podría ser cómoda pero no se vería cómoda porque no sería adecuada para el sitio. El precio final de la casa en 1928 fue de aproximadamente 49.000 usa unos 902.770 usa actuales.
Entrada
Al entrar en la casa tenemos dos posibilidades, subir la escalera o entrar en la sala de estar.
La escalera es atractiva, los rodapiés van descendiendo por la pared debajo de un voladizo. La balaustrada esta escalonada para mantener las barandillas.
En la primera planta, están los dormitorios, tanto los de Darwin como de Isabella, además de una gran habitación que fue utilizada por los Foster mientras se adecuaba el apartamento sobre el garaje. Tres habitaciones adicionales fueron ocupadas por la dama de compañía de la Sra. Martin, Cora Herrick, una criada y una cocinera.
También contiene un porche para dormir que a veces se usaba como habitación de invitados.
Hay cuatro baños, cada azulejo se cortó a mano en cuadrados de 22,86 cm. La ducha tiene suelo de terrazo.
Escalera principal, con su sorprendente rodapies lateral
Unos balcones dan a las habitaciones de Darwin e Isabella.
El piso es de tablón ancho de ciprés, que también es el piso en la sala de estar y el comedor. La madera de ciprés original la encontraremos también en la entrada y los comedores. La escalera que conduce a los dormitorios es de arce.
El estuco teñido cubre las paredes interiores, en un tono ligeramente más pálido que el utilizado en el exterior del edificio.
En la entrada las carpinterías tienen divisiones de metal, más caras que la madera, pero permite paneles de vidrio más grandes. La ventana de la esquina de Graycliff fue diseñada sin el apoyo de la esquina y ofertada por Hopes Windows de Jamestown.
Martin pensaba que la oferta era demasiado alta y pidió un segundo presupuesto a David Lupton de Filadelfia, quienes insertaron un poste de esquina no estructural para estandarizar el herraje. El precio se redujo casi a la mitad, cuando Martin le informó de sus ahorros a Wright, éste declinó hacer comentarios.
Fallingwater utilizó Hopes Windows para proporcionar el diseño propuesto por primera vez en el diseño de Graycliff unos nueve años después, pero nunca perfeccionó el herraje de la esquina. Los herrajes tienen un acabado de bronce encerado y las perillas de las puertas son octogonales. Las bisagras permitían abrir una puerta plana contra una pared.
El estuco tiene pigmento incorporado en el material por lo que no es necesario pintarlos y es naturalmente ignífugo.
La sala de estar
Al entrar en la sala de estar, experimentamos los conceptos espaciales de diseño de Wright de compresión y liberación.
El estante superior comprime la sensación de espacio, mientras que la liberación en la sala de estar llena de luz proporciona una sensación de libertad.
Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-10-wright-pensaba-en-3-dimensiones
El uso de piedra caliza de Tichenor, que era de la base del acantilado, ayuda a vincular la casa con su sitio natural.
Los interiores están compuestos de los mismos materiales que los exteriores: piedra caliza y estuco.
La enorme chimenea de piedra captura el espíritu acogedor de la casa, es el lugar de reunión, las chimeneas siempre fueron elementos simbólicos importantes en la arquitectura doméstica de Wright.
Es donde se origina el calor, el «corazón del hogar”.
Las puertas y ventanas en el lado sur no son tan altas como las del norte.
Wright explicó a la familia que “van a estar contentos de tener menos vidrio hacia el sur debido al calor que se absorbería en la habitación”.
Vista desde la terraza que da a el estar, chimenea y comedor
Nunca hay luz solar directa y deslumbrante en la sala de estar debido a la posición de la casa en el sitio y los voladizos en el lado sur de la casa.
En una de sus cartas al Martin, Wright describió la sala de estar “como una parte de la terraza, tanto una parte del exterior como una parte del interior”.
Las vigas en «I» que cruzan el techo descansan en pilares dentro de las paredes entre las ventanas y las puertas, soportando el pasillo del 1° piso, en voladizo sobre la terraza sur y la terraza junto al lago.
El piso de la sala de estar está compuesto por amplias tablas de ciprés recuperadas, ha sido restaurado.
Wright diseñó varios muebles para Graycliff, principalmente una serie de mesas de madera de diferentes tamaños y soportes de plantas.
Los muebles de palo de sauce en Graycliff fueron fabricados por la Compañía Yipsilanti en Michigan.
Los apliques de pared son de latón y en los dormitorios son de plata sobre latón, fabricados por Bradley y Hubbard.
Respecto a los colores en varias cartas entre Wright y Martin, deciden elegir colores como anaranjado quemado, oro, salmón y color de llama, así como el verde.
En la primavera de 1926, Wright escribe «Entrar en la casa sería algo así como ponerse el sombrero y salir al aire libre”.
Habitación de vistas o helechos
Es fácil entender por qué Wright se refirió a este espacio como la sala de vistas debido a la maravillosa vista al lago y especialmente de las puestas de sol sobre el agua desde todos los lugares de la habitación.
Wright baja el techo de esta habitación para señalar un espacio más íntimo, tanto esta habitación como el comedor estaban destinados a que las personas se sentaran, leyeran, comieran o charlaran. El espacio más grande de la sala de estar se entendía como un espacio de reunión, un espacio social para un mayor número de personas.
Crea la ilusión de un espacio exterior dentro de la casa, utilizando la piedra caliza y la losa utilizadas en el exterior, así como el macetero interior que lleva las plantas, la naturaleza al edificio, en lugar de un macetero exterior.
Esta habitación se compone en dos lados por ventanas, y en el tercero por un espejo.
Materiales
La ducha tiene suelo de terrazo.
Se utilizaron puertas enrasadas con bisagras de nudillos de aceituna,
El herraje tiene un acabado de bronce encerado y las perillas de las puertas son octogonales.
Las bisagras permitían abrir una puerta plana contra una pared.
El estuco tiene pigmento incorporado en el material por lo que no es necesario pintarlo, es ignífugo.
La sala de estar
El uso de piedra caliza de Tichenor, que era de la base del acantilado, ayuda a vincular la casa con el lugar.
La habitación está llena de luz natural y la brisa del lago da ventilación cruzada. Las puertas dan a ventanas fijas una frente a la otra, alternandose. Esto permite la ventilación cruzada sin grandes ráfagas de viento.
Las puertas y ventanas en el lado sur no son tan altas como las del norte, para evitar ganancias de calor. Nunca hay luz solar directa y deslumbrante en la sala de estar debido a la posición de la casa en el sitio y los voladizos en el lado sur de la casa, es ligera, aireada y fresca durante los calurosos días de verano.
Porche del sol familiar
Originalmente esta habitación fue diseñada como un porche abierto. Durante el primer año de residencia de los Martin, esta habitación solo tenía mosquiteros, pero luego le instalaron ventanas corredizas de vidrio, las únicas ventanas de hoja de madera que hay en la casa, que no fueron diseñadas por Wright.
Las molduras son de ciprés y son las únicas pintadas en la casa. Se pintan para que coincidan con las ventanas. Los parteluces de madera obstruyen la vista en mayor grado que los parteluces metálicos más pequeños que vemos en toda la casa.
La mesa de biblioteca es un diseño de Wright. También había un piano vertical, que el Sr. Martin le había dado a Isabelle para su 2° aniversario de bodas.
Comedor
El diseño de Wright requería que una mesa de comedor formal estuviera debajo de las dos luces de diamante en el techo más alto.
La piedra de la chimenea de la sala de estar está cerca de la chimenea del comedor, que tiene un hogar en forma de diamante.
El patrón de porcelana es «Devon» de George Jones & Sons, Inglaterra.
Despensa del mayordomo y el porche del sol del personal
El refrigerador es original de Graycliff. Es una nevera, fue modificada por el fabricante para que la refrigeración fuera proporcionada por electricidad. Es una nevera de refrigeración eléctrica Jewett Servel. Jewett fabricó la caja y Servel fabricó el dispositivo de enfriamiento eléctrico.
Larkin Soap Company
The Larkin Soap Company, estaba ubicada en la calle Seneca en Buffalo, fue una empresa de un enorme desarrollo, en la que Darwin trabajó durante muchos años.
John Larkin desarrolló un sistema de venta por correo y catalogo que fue muy rentable, creó un esquema de primas por el cual las compras en cantidad se recompensaban con una bonificación en mercancía. Esa idea promocional la creó Elbert Hubbard mientras era empleado de su cuñado John Larkin. Larkin empleó a miles de personas y funcionó hasta principios de la década de 1940, cuando cerró sus operaciones. El Edificio de Administración Larkin, la primera obra comercial de Frank Lloyd Wright, se demolió en 1950.
Una playa de estacionamiento ha ocupado el sitio desde entonces, aunque algunos de los otros edificios del complejo original de Larkin permanecen.
John Larkin comenzó una compañía llamada Buffalo Pottery en 1901 como una forma de minimizar el costo de producir las porcelanas de gran venta que acompañaban las ventas en cantidades de productos de tocador.
Darwin Martin fue uno de los directores de la compañía. En 1950 Buffalo Pottery se llamó Buffalo China, Oneida la compró en 1983, Buffalo China fue comprada por Oneida, quien vendió en el 2004 el local a Niagara Ceramics. Ésta cerró en el 2014.
El cubículo para la calefacción alberga la caldera de gasoil, tuberías subterráneas lo conectaban con la Foster House y la casa Isabelle Martin donde había radiadores de vapor. La estructura está a varios metros bajo tierra, por lo que no obstruye la vista desde el balcón de Foster House.
El techo de la construcción tiene un borde inusual, sus tejas son trapezoidales, de modo que cuando se ven desde el borde forman un hexágono. Este borde se llama borde trenzado. Debido a su deterioro y abandono todas las estructuras fueron restauradas por Graycliff Conservancy.
El mismo estilo de borde utilizado en el cubículo para la calefacción fue utilizado por Wright en su casa en Taliesin, aunque luego del incendio de 1925 no fue reemplazado.
Una caldera de gas en el sótano calienta la casa principal y una segunda caldera en la sala mecánica sirve para calentar la casa Foster.
Explanada
Las dos paredes de retención en sus lados comienzan en la terraza de piedra (en el mismo nivel que el piso interior del salón) y mantienen ese mismo nivel hacia el borde del acantilado.
Allí alguna vez abrazaron un banco de piedra. Los restos de este banco son los que vemos actualmente al borde del acantilado.
El banco ha sido restaurado y trasladado más cerca de la casa.
Wright tenía al menos dos planes para esta área que fueron rechazados por Isabella un espacio aterrazado en dirección al lago y una piscina reflectante.
Hubo una pasarela detrás del banco de piedra, conducía a una torre de escaleras, a través de un puente de acero y madera.
Era el acceso a la playa, Isabella comentó a Wright que la circulación de personas rumbo a la playa obstruía su vista del lago.
Wright propuso crear un banco de piedra, la gente ahora podía caminar por un sendero en el borde del acantilado, bajar unas escaleras, cruzar detrás del banco, y cruzar el puente.
El banco los mantendría alejados de la vista de Isabella.
Ellen Biddle Shipman desarrolló aún más el plan de Wright y agregó arbustos y álamos de hoja perenne a lo largo de los muros de contención.
Debido a la erosión, la pasarela, el puente, el banco original y la torre ya no existen. La torre no había sido diseñada por Wright y debido a su estado de deterioro fue removida y no será reemplazada. La forma de la explanada y el banco imitan la forma de la chimenea de la sala de estar.
No hay mención alguna en los registros históricos ni en la correspondencia de que los Martin tuvieran un barco, pero el nieto de Darwin Foster, ha dicho que su padre, James Foster, tenía un bote de 3 metros cubierto con una vela, en los Archivos de la Universidad de Buffalo existe una foto de James y los niños tirando de un pequeño bote en un carrito en el camino de entrada de Graycliff.
La cancha de tenis
La cancha de tenis fue incluida en el proyecto del terreno.
El hormigón es de un color rojizo. Estaba pigmentado, una técnica que el Wright usó más tarde para los pisos en algunas de sus casas Usonian. El pigmento rojo hace que el hormigón sea similar al aspecto de una cancha de arcilla, y también complementa los colores otoñales de los edificios.
Notas
1
Dexter P. Rumsey (1827 – 1906), oriundo de Westfield, Nueva York, llegó a Buffalo en 1831. Su padre y su familia se mudaron a su nuevo hogar para establecer una curtiduría de la que se ocuparía Dexter y su hermano mayor Bronson.
Rumsey participó en los primeros años de la banca en Buffalo como director del Banco de Ahorros del Condado de Erie, también invirtió en bienes raíces en la zona norte de la ciudad. Fue presidente del exclusivo Buffalo Club y miembro del Buffalo Country Club. Fue un importante defensor de la Buffalo Fresh Air Mission, y uno de los fideicomisarios originales del Buffalo City Cemetery, formado en 1864, que todavía gestiona el Forest Lawn Cemetery.
Rumsey fue uno de los principales organizadores de los desarrollos residenciales que encargaron a Frederick Law Olmsted la preparación de los diseños comunitarios de Parkside. También era propietario de una importante extensión de tierra en el lado sur de The Park. Murió el 5 de abril de 1906, y al mes siguiente su viuda, Susan Fiske Rumsey y su hija, Grace Rumsey Wilcox, hicieron una donación a la ciudad de 2,83 Has de la tierra adyacente a Lincoln Parkway y la entrada principal del parque.
Fue una anexion que fue bienvenida en Delaware Park ya que proporcionaba el derecho de paso para Rumsey Road, una nueva calle que formó el nuevo límite sur del parque Rumsey Woods.
2
Ellen Biddle Shipman (1869 – 1950) fue una arquitecta paisajista conocida por sus jardines formales y su estilo de plantación exuberante. Junto con Beatrix Farrand y Marian Cruger Coffin, dictó el estilo de la época e influyó fuertemente en el diseño paisajístico como miembro de la primera generación en ingresar a la profesión predominantemente masculina. En 1938, al comentar sobre el campo dominado por los hombres en The New York Times, dijo: «antes de que las mujeres se apoderaran de la profesión, los arquitectos paisajistas hacían lo que yo llamo trabajo de cementerio».
Shipman prefería considerar su carrera de uso de plantas como si «estuviese pintando cuadros como artista». Poco de su trabajo permanece hoy en día debido al estilo laborioso de sus diseños, pero existen espacios preservados, incluidos los jardines Sarah P. Duke en la Universidad de Duke , a menudo citados como uno de los campus universitarios estadounidenses más hermosos.
Durante los 40 años que ejerció la arquitectura paisajística, Shipman solo contrataba a graduadas de la Escuela Lowthorpe de Arquitectura Paisajística, Jardinería y Horticultura para Mujeres. Lo hacía debido a que en esa época, a las mujeres no se les daban pasantías en oficinas masculinas.
Un proyecto no construído de 1949 del Arq. Frank Lloyd Wright. Casa Harry G. John, Jr. (Oconomowoc, Wisconsin). Modelo en 3d: Larnie Higgins Renders: Hugo A Avila Software: Sketchup and Twinmotion 2024.
Desayuné temprano y tenía más de 2 horas antes de mi cita de las 11 para visitar la casa Martin.
Darwin Martín fue uno de los directores de la empresa Larkin que más hizo para que Wright hiciera el edificio administrativo de la empresa, con los años se transformaron en amigos. Como era temprano, fui a ver dónde estaba el edificio demolido.
Ubicación calle Larkin entre Swan y Seneca en Buffalo. En el mapa S 093. (1)
De aquel edificio que en 1906 asombró por su espacialidad, y servicios, AA, calefacción radiante, muebles empotrados. etc. ahora es una vulgar playa de estacionamiento, nada de todo lo que ofrecía, le salvo de la destrucción en 1950.
Larkin, o lo que queda, que es solo un muro de 2 metros y poco más
Traduzco el panel, el punto amarillo abajo a la derecha indica que “usted está aquí”.
Subi por una escalera que no le encontré sentido, y un panel con fotos que ponía:
“Fotografía cortesía del Museo de Historia de Búfalo Frank Lloyd Wright diseñó el edificio administrativo para la compañía Larkin a partir de 1903. Fue contratado para diseñar la estructura después de que los directivos de Larkin, William R. Heath y Darwin D. Martin, instaran al propietario de la compañía, John D. Larkin, a hacerlo. El edificio albergaba las oficinas de la gran empresa de pedidos por correo, que comenzó como un fabricante de jabón, pero creció hasta convertirse en una empresa más diversificada”. (Una empresa similar a lo que es AMAZON en la actualidad).
“El diseño del edificio se considera una de las estructuras más significativas jamás construidas en América del Norte».
«…ya que se convirtió en el modelo de la arquitectura moderna y la era de la máquina “.
“El edificio articulaba sus diversas funciones de manera que expresaban su organización interna, incluyendo sus escaleras en las esquinas y sus entradas de aire altas, parecidas a las fosas nasales.
La colocación de estas funciones de servicio en las paredes exteriores del edificio permitió que un tragaluz central inundara los espacios de trabajo con luz natural”.
“La estructura fue demolida en gran parte durante 1950, después de los intentos fallidos de la compañía por cambiar del negocio de pedidos por correo a establecimientos minoristas, entonces popularizados por los consumidores impulsados por automóviles.
El pilar de la cerca fantasma adyacente a este panel fue construido sobre los cimientos existentes que quedaron de la cerca que rodeaba el edificio y está destinado a definir la escala de la estructura, así como a orientar al espectador”.
Traduzco lo escrito en los paneles
“Frank Lloyd Wright fue el arquitecto de este edificio revolucionario construido en 1903.
Su hábil diseño incorporó tecnología moderna desarrollada a principios del siglo XX.
Wright utilizó objetos fabricados a máquina para definir la función de la estructura y la belleza de sus materiales.
Esto convirtió al Edificio Larkin en uno de los primeros íconos de la arquitectura moderna, y así jugó un papel importante en el desarrollo del mundo moderno al definir una imagen para la arquitectura en la era de las máquinas.
Métodos de construcción innovadores permitieron a Wright sintetizar la tecnología moderna en una interpretación coherente de la Revolución Industrial”.
“La estructura fue demolida en 1950 con la excepción del pilar de la cerca de ladrillo (adyacente a este panel) y porciones importantes de los cimientos y el sótano. El pilar incorpora los materiales principales del exterior del edificio”.
Frank Lloyd Wright contemplando una imagen de la demolición del Larkin en una exposición en 1953 en Nueva York
El complejo de la Casa Darwin Martín
El complejo de la Casa Darwin Martín se construyó en 1907, tienen una organización con guías para exhibir esta obra, ofrecen tours, objetos, fotos antiguas de la vida cotidiana allí y proyecciones. Hay un tour corto, limitando las zonas a visitar (25 usa, estudiantes 10 usa) o uno más extenso de 45 usa, de 75 minutos, donde se ve también la casa Barton, y el invernadero.
Me apunte al que más mostraba.
Como ya es habitual en mi, confundi la fecha de la reserva, era para el sábado y fui el viernes, para Wright, esto sería solo un detalle menor.
Martin era un alto ejecutivo de Larkin Soap, su casa está en un barrio muy elegante y cuidado, el distrito Parkside, que diseño Frederick Law Olmsted en 1876.
Frederick Law Olmsted
Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) fue un arquitecto, paisajista, periodista y botánico, reconocido por diseñar parques urbanos como el Central Park y el Prospect Park, ambos de Nueva York.
Diseñó un sistema de parques públicos y avenidas en Buffalo, Nueva York; la Reserva de las Cataratas del Niágara, en Niagara Falls; el Parque Mont-Royal en Montreal; el Emerald Necklace, en Boston, Massachusetts; el Cherokee Park (y el sistema de avenidas) en Louisville, Kentucky; así como el Jackson Park, el Washington Park y el Midway Plaisance para la Exposición Mundial Colombina en Chicago; parte del parque de Detroit Belle Isle; los jardines del Capitolio de los Estados Unidos; y el edificio de George Washington Vanderbilt II, el Biltmore Estate, en Carolina del Norte.
En Brookline, Massachusetts, diseñó el campus de la Universidad de Stanford.
Como periodista tuvo una activa e interesante actividad.
En 1850, viajó a Inglaterra para visitar jardines públicos, especialmente los realizados por Joseph Paxton en el Birkenhead Park (2) que motivo la publicación de un importante libro en 1852 “Paseos y Conversaciones de un agricultor americano en Inglaterra”.
El New York Daily Times (actual New York Times), le encargó un estudio sobre “La economía y los esclavos”, para lo cual realizó un viaje desde 1852 a 1857 por el sur del país. Su conclusión fue que la práctica de esclavitud era, no sólo moralmente odiosa, sino que era cara y económicamente ineficaz.
Olmest se casó con la viuda de su hermano, Mary Cleveland en 1859 y adoptó a los tres hijos de su hermano.
El arquitecto Andrew Jackson Downing propuso en su revista The Horticulturist desarrollar el Central Park, idea que, debido a su trágica y repentina muerte no pudo continuar, y en su nombre Olmsted y Vans lo llevaron adelante
Olmsted y el arquitecto Calvert Vaux, ganaron en 1858 el concurso para diseñarlo. En 1865, ambos crearon Olmsted, Vaux and Company.
Cuando Olmsted volvió a Nueva York, juntos diseñaron el Prospect Park de Brooklyn, desde 1865 hasta 1873, el sistema de parque de Nueva York y Milwaukee asi como la Reserva del Niágara, en las Cataratas del Niágara.
Con problemas de demencia, Olmsted vivió en el Hospital McLean, que él mismo había ajardinado durante varios años, y permaneció allí hasta su muerte en 1903.
Después de la muerte de Olmsted, sus hijos John Charles Olmsted y Frederick Law Olmsted Jr. continuaron el trabajo de su compañía, como los Hermanos Olmsted, hasta 1950.
Recorrido por las Casas Martin
La Casa Darwin D. Martin fue diseñada por Frank Lloyd Wright y construida entre 1903 y 1906.
Se la puede (y debe) visitar de lunes a jueves desde las 10 am a las 15 hs. y de viernes a domingo de 9:30 am a 15 hs, durante el Tour se visita:
-Casa Martin (incluido el segundo piso)
-Pérgola
-Conservatorio
-Casa de carruajes
Equipo de la empresa constructora de la Casa Martin en octubre de 1904
Distancia desde la estación Buffalo Exchange Amtrak, 9 km
La ciudad de Buffalo cuenta varias obras maestras legendarias de Wright.
1- Casas Martin. 2- Walter V. Davidson y 3- William R. Heath.
Algunas casas son mantenidas como residencias privadas, por lo que no es posible visitarlas.
La casa Martin es una composición casi perfecta
Elaborada en sus diseños tiene 13.600 metros de molduras de madera de 110 distintos diseños diferentes, algunos de los conjuntos de molduras constan de nueve piezas separadas.
Es muy agradable, y les recomiendo visitar el barrio de Parkside, donde se ubica la Casa Martín.
El conjunto Martin tiene construcciones distintas en formas y superficies, pero están interconectadas, con una larga pérgola de 30,48 metros de largo.
Wright se refirió a la Casa Martin en 1904 como “la casa más perfecta de su tipo en el mundo, que funciona como una sinfonía doméstica, verdadera, vital, cómoda”
La visité durante algo más de 2 horas:
1- la casa principal de Martin
2- la casa Barton
3- un invernadero (esta al final de la pérgola)
4- cochera
5- la cabaña del jardinero
Los espacios interiores de las casas históricas son accesibles y como he escrito se hacen en grupos no muy numerosos, son las visitas guiadas, se puede reservar en el telefono l 877-377-3858 o a través del calendario de recorridos.
Los terrenos, la pérgola y el conservatorio están abiertos al público todos los días de 9 a 16,30 hs.
El Pabellón Greatbatch (Centro de Visitantes,que funciona en un pabellón moderno), atiende de miércoles a lunes de 10 a.m. a 6,30 hs, los fines de semana hasta las 17:30 horas.
La tienda del Museo Martin House se encuentra en la Casa de Carruajes, abierta de miércoles a lunes, de 10.00 a 16,00 hs.
El Statler Café está ubicado en Summit Avenue en el extremo norte, ofrecen comida, bocadillos y bebidas. De miércoles a lunes, de 10 a.m. a 16 hs. Happy Hour de jueves de 16 hs a 20 hs. El JAM Parkside sirve café, té, pasteles y tostadas. El restaurante Kostas, situado en la cercana avenida Hertel, sirve desayunos y almuerzos y cena todos los días.
Recorrido por la Casa Martin
Buffalo cuenta con siete de las obras maestras legendarias de Wright.
1- Casas Martin,
2-Walter V. Davidson
3-William R. Heath de Wright
Alguna casa esta mantenida como residencia privada y no admiten visitas.
A orillas del majestuoso lago Erie, hice otro recorrido por
La Casa Martin 125 Jewett Parkway. Búfalo, NY (14214)
Administración. dirección 143 Jewett Parkway. Buffalo, NY 14214 Tel 716.856.3858. 877.377.3858. info@martinhouse.org
Recorrido fotográfico
Frente de la casa Martin, paso de autos y la señora “No se pueden sacar fotos adentro”. Después le pegunte si era cooperante de la fundación, y si estaba orgullosa de su función de casa, yes gesticuló “porque era vecina, I am una auténtica cuida casa”.
Ambos se respetaban mutuamente, en una relación de amistad que duró muchísimos años
Darwin D. Martin (1865 – 1935) y Frank Lloyd Wright (1867 – 1959).
La Casa Martín es el resultado de una colaboración excepcional entre Martin y Wright. Martin fue un empresario muy reconocido, mientras que Wright era un arquitecto en ese momento relativamente desconocido, fuera de los círculos arquitectónicos de Chicago y zonas del Medio Oeste americano.
En 1902, Martín invitó a Wright a Buffalo para evaluar e intercambiar ideas acerca del diseño de la sede administrativa para su empresa Larkin Company, un conjunto de empresas que fabricaban jabón y enviaban pedidos por correo, Además estaba interesado en construir un hogar para su esposa Isabelle y su familia, la casa Graycliff.
Martín no dudaba del genio de Wright y le encargó ambos proyectos, los dos más importantes a esa temprana edad de Wright, tenía 35 años. Martín confió en Wright con un presupuesto ilimitado, Wright diseño un complejo donde los edificios tuvieran una directa relación con el paisaje circundante. Es la interacción entre arquitectura, diseño y paisaje.
Construída en el “estilo Prairie”, es una finca multi-residencial admirada por sus seis edificios complementarios, jardines interiores y exteriores, y una impresionante colección de vidrio artísticamente trabajado y un mobiliario diseñado por Wright, y realizado por ebanistas.
Tres viviendas definen la composición del conjunto Darwin D. Martin 1904/05, su hermana Delta Martin y su esposo George Barton 1903, y el jardinero 1909. Estas construcciones están vinculadas a una pérgola, un invernadero y la cochera, Wright insistía en su concepto de “sinfonía doméstica”.
La Casa Martin, es la principal y se caracteriza por su perfil bajo, planta cruciforme, apertura espacial, una pronunciada horizontalidad, juego de pilares y voladizos, y una paleta rica de materiales.
Acceso, se gira a la derecha paralelo a la pared, algunos ladrillos dejan una junta importante en centímetros para la ventilación de los pisos inferiores.
Bueno la señora «cuida casa», no estaba suficientemente atenta y tenia un control laxo….
Saliendo de la casa, hacia el pasillo pérgola (fotos permitidas).
Pasillo pérgola
Casa Barton
Reproducción a escala real de la escultura original fundida en piedra reconstituida del Sprite con peine de Midway Gardens.
Fue el resultado de la colaboración entre Frank Lloyd Wright y Alfonso Inanelli. Estas esculturas adornaron las paredes del enorme complejo Midway Gardens en Chicago entre 1913 y 1929. El Sprite con peine pesa 137 kilos.
Al ver las reproducciones en La tienda del Museo que se encuentra en la Casa de Carruajes, he visto una reproducción de las esculturas del Midway Gardens, y recordé que cuando un asistente enloqueció en agosto de 1914 e incendió Taliesin para luego asesinar a hachazos a la pareja de Wright,Mamah Borthwick, a sus 2 hijos y a 4 colaboradores, Wright no estaba en ese momento porque estaba dirigiendo los Midway Gardens en Chicago. Si no, seguramente hubiera sido una víctima más del loco asesino. La historia la cuento en el link…
Midway Gardens fue un centro de entretenimiento enorme con espacios interioriores y exteriores de 33.445 m2, inaugurado en junio de 1914 estaba destinado a funcionar como cervecería y sala de conciertos y baile en el que actuaban bandas como la Midway Gardens Orchestra.
Ocupaba el sitio del antiguo parque de atracciones Sans Souci, en la esquina de la avenida Cottage Grove y la calle East 60th. en el barrio de Hyde Park en el South Side de Chicago.
La gran superficie (equivalente a una manzana de la ciudad) ofrecía entretenimiento a una amplia variedad de personas en un lugar de reunión de estilo alemán. Los jardines incluían restaurantes, salones, puestos de periódicos y de puros y galerías. Cuando se aprobó la Prohibición de beber, los jardines perdieron parte de su valor de entretenimiento.
Edward C. Waller Jr. encargó a Frank Lloyd Wright el diseño y la construcción de los jardines en 1914 (el padre de Waller Jr. ,Edward Waller había encargado un edificio de apartamentos a Wright, los Waller Apartments, de 1895 ubicados al 2840 – 58 W Walnut Street.
Waller Apartments
El Midway Gardens fue diseñado por el arquitecto Frank Lloyd Wright , junto a los escultores Richard Bock (1865 – 1949) (3) y Alfonso Iannelli(4) en las famosas esculturas de «duendes» que decoraban la instalación.
Diseñado para ser un jardín de conciertos de estilo europeo con espacio para comer, beber y realizar actuaciones durante todo el año, Midway Gardens recibió a artistas y animadores populares.
Waller nunca pudo financiar la construcción y el mantenimiento de Midway Gardens y se declaró en quiebra en marzo de 1916.
La arquitectura modernista de los jardines se basaba en formas geométricas estrictas. Una gran zona central al aire libre, llena de mesas y sillas, estaba rodeada por una serie de edificios de tres pisos con espacios interiores para bailar y otras actividades, así como balcones voladizos con techos salientes.
El edificio en sí estaba hecho de ladrillo amarillo y bloques de hormigón estampados. Presentaba una ornamentación muy intrincada y muchas esculturas geométricas, a las que Frank Lloyd Wright llamó «duendes» y que fueron diseñadas en colaboración con Alfonso Ianelli. Algunas de estas esculturas se salvaron de la demolición y se pueden encontrar en otros lugares.
Lo compró la Schoenhofen Brewing Company y rebautizada como «Edelweiss Gardens» (en honor a la principal marca de cerveza de la cervecería).
Wright, que generalmente ejercía un fuerte control creativo sobre sus proyectos terminados, estaba disgustado por los cambios estéticos que el nuevo propietario hizo en los jardines diciendo que había añadido “características indeseables y que el orgullo de los Midway Gardens se había abaratado para adaptarse a un gusto burgués”.
Cerro brevemente en 1918 durante los años de guerra y luego durante la ley seca, En 1921 se vende a la EC Dietrich Midway Automobile Tire and Supply Company, y se rebautizó como «The Midway Dancing Gardens.
En octubre de 1928, se cierra definitivamente y se decide su demolición.
Casa Westcott
En la oficina de administración había una publicidad para visitar la casa Westcott, diseñada en 1908 por Wright, en 85 South Greenmount Ave. Springfield, OHIO (45505). Pero esta a 5 horas de auto (casi 600 km), me dije será en otra oportunidad, no en está.
Luego (si, así es. no almorcé) al Fontana Boathouse.
Luego recorrer la casa Graycliff (1926/29) la casa de vacaciones de la familia Martin. Como los costos se dispararon un 30%, y la época de la crisis ya habia comenzado, Martin le dijo a Wright:
Que no quería hacer el balcón lateral que unía 2 dormitorios, que no lo necesitaba. Wright le respondió
Y finalmente fui al Mausoleo blue Sky en el cementerio Forest Lawn.
Hoy he dedicado 8 hs al “amigo Frank”, 8 horas maravillosas.
Antes de salir de Buffalo, rumbo a Rochester, a la madrugada pase a ver la casa de William R. Heath. Esta en el barrio histórico de Elmwood.
Es de 1904/05. Un lote angosto que da a una calle y a una rotonda concurrida. Wright construyó la casa sobre una plataforma, ventanas altas y los muros tienen una altura que le garantizan privacidad. Tiene 7 dormitorios, y no permiten visitas.
La casa y el presupuesto fueron modestos en relación a las anteriores.
Wright decía “el espacio es el aliento del arte”, no es solo una frase, lo que dice se percibe en sus obras.
Recordemos que tanto Martin, como Heath eran socios gerentes de Larkin. Martin le presento a Wright al Sr. Davidson, dueño de Larkin.
Notas
1
William Allin Storrer. The Architecture of Frank Lloyd Wright. A complete Catalog. The University of Chicago Press. Chicago and London. 1427 E. 60th Street Chicago, IL 60637. ISBN 0 226 77623 9.
2
Joseph Paxton (1803 – 1865) fue un arquitecto, ilustrador, naturalista, paisajista y jardinero inglés, conocido por su estilo realista e impresionista y por ser autor del Crystal Palace, construido para ser sede de la primera Gran Exposición celebrada en Londres en 1851. Fue un autodidacta.
3
El primer trabajo de Bock para Frank Lloyd Wright fue un friso para el tercer piso de la Casa Heller en 1896. En 1898, Wright le pidió que creara esculturas para la casa de Wright en Oak Park. Unos años antes, Bock había creado una estatua de John, el hijo de Wright.
De 1903 a 1913, Bock trabajó casi exclusivamente con Wright en múltiples proyectos, a menudo haciendo esculturas arquitectónicas diseñadas por Wright. Wright solicitó la ayuda de Bock después de que un escultor anterior, Albert Louis Van den Berghen, no estaba trabajando como estaba planeado para una escultura planeada en la Casa Dana-Thomas.
Charles E. White, Jr. escribió a la llegada de Bock al estudio: “Richard Bock, escultor, que se ha trasladado a Oak Park, ocupará el balcón del estudio. Ha decidido ponerse bajo la crítica del Sr. Wright durante un tiempo, ya que su ambición es convertirse únicamente en un escultor arquitectónico. Hará trabajos para el edificio Larkin en Buffalo”.
Los dos se convirtieron en amigos cercanos y sus familias a menudo pasaban tiempo juntos. Wright diseñó un estudio de escultura para Bock en River Forest, Illinois, llamado «Los Gnomos». Los dos trabajaron juntos durante más de 20 años. creó dos esculturas para la entrada de la oficina de Wright en su casa en Oak Park llamadas «The Boulders», todavía son visibles desde la calle fuera de la casa y también estudio de Wright.
4
Alfonso Iannelli fue un escultor, artista y diseñador industrial italoamericano. Radicado en Chicago durante la mayor parte de su vida, el arquitecto John Lloyd Wright vio su trabajo y los dos se hicieron amigos. John presentó el trabajo de Iannelli a su padre, Frank Lloyd Wright, quien lo invita a trabajar con él en su proyecto Midway Gardens en 1914.
Iannelli creó varias de las esculturas de Sprite de Midway para Wright. Wright, sin embargo, se atribuyó el mérito de las piezas, lo que llevó a una amarga división y a la desaparición definitiva de su asociación. Posteriormente se agregaron reproducciones de los sprites de Midway Gardens diseñados por Wright al Hotel Arizona Biltmore. También colaboró con el arquitecto de Chicago Ernest A. Grunsfeld III y Bruce Goff, Purcell y Elmslie, Barry Byrne.
Asociado con su esposa Margaret crearon Iannelli Studios.
Y el trámite de migraciones en el aeropuerto de NY JFK, fue bastante rápido.
Había alquilado el auto en la empresa Dollar, y descubrí que es una empresa vinculada a Hertz, y cuesta un 35% menos que ésta.
Calcule hacer unos 224 km ese mismo día, para que no se hiciera tan largo al día siguiente. Desde NY a Buffalo son 480 km. La media en auto son 50 a 60 km hora x el límite de velocidad.
Si uno no desea tener que hablar con la policía, y sobre todo no pagar multas de transito, es más que recomendable viajar entre 45 y 55 millas. Entre 72 y 89 km/hora.
Muy lento.
Al día siguiente hice los 480 km restantes, fueron 8 horas.
Aeropuerto JFK a Buffalo hay 479 km
Buffalo a Rochester hay 120 km.
Rochester a Syracusa hay 138 km
Syracusa a Middlebury hay 264 km
Total 1.001 km, mas los recorridos buscando las obras.
Museo Pierce Arrow. Estación de Servicio del Arq Frank Lloyd Wright
Lo primero que hice fue ir al museo Pierre Arrow donde reconstruyeron una estación de servicio diseñada por Frank Lloyd Wright.
Está al 263 de la avenida Michigan.
El lugar tiene una enorme cantidad de bicicletas, motos y autos de todo tipo, tamaño y año además de objetos relacionados (cascos, guantes, gafas, viseras, camisetas, camperas, libros etc.).
Yo a lo mío, la estación de servicio fue diseñado en 1928 y reconstruida después de su estado de ruina en el 2012.
Era del grupo Tydol, Wright pidió unos honorarios por cada estación que se construya y seguramente por temas económicos no se hicieron. Fuertes colores de estuco, techo de cobre y dos postes de cobre con un letrero Tydol entre ellos.
Tiene 148,65 m2 con tanques de gasolina alimentados por gravedad y mangueras colgando del techo hasta la altura de los autos. sin surtidores a la vista.
Wright opinaba que como todos necesitaban repostar, se decide hacer un espacio, como un observatorio en el segundo piso para tomar alguna bebida, con una chimenea, y asi crear el lugar que permitiera la comunicación entre clientes y vecinos, que esperaban se completara el servicio.
La estación fue originalmente diseñada para la cercana esquina de las calles Cherry y Michigan. Encargado por William Heath.
Abren de jueves a domingo desde las 11 a las 16 hs.
263 MICHIGAN Avenue. Buffalo. Tel 716 853 0084
20 usa entrada.
Cia de autos Pierce – Arrow
En la década de 1870, la empresa de George N. Pierce era conocida por su artesanía especializada, dedicada a artículos para el hogar, como jaulas para pájaros y hieleras.
Evolucionó hasta poder producir bicicletas innovadoras, luego motocicletas y automóviles mono-cilíndricos. La demanda aumentó y, en 1906, Pierce se mudó a una fábrica de 140 000 metros cuadrados en Elmwood Avenue, allí donde alguna vez fue el sitio de la Exposición Panamericana.
El 26 de abril de 1906 se inició la construcción de la nueva Geo. N. Pierce Mfg. en el predio de las instalaciones de Pan-American.
Pierce-Arrow fabricaba automóviles de lujo para un mercado adinerado. Autos potentes, ornamentados, artísticos y sofisticados, los Pierce-Arrows simbolizaban riqueza y estatus. Fueron el vehículo oficial de la Casa Blanca para los presidentes, desde Howard Taft hasta Franklin D. Roosevelt, y el automóvil preferido de John D. Rockefeller, J. Edgar Hoover, Orville Wright y Babe Ruth.
Pierce-Arrow era famosa por sus innovaciones, como la luz de guardabarros diseñada por Herbert Dawley en 1914. También diseñó el emblemático adorno del capó con el arquero con casco.
La empresa creó los remolques Travelodge, equipados con estufas de gas, hieleras, tanques de agua y comedores. La empresa produjo más de 12.500 camiones que se usaron en la Primera Guerra Mundial. Empleaba más de 10.000 hombres y mujeres en Buffalo, y se jactaba de haber utilizado más aluminio que cualquier otro país del mundo en 1915.
Richardson Olastead
Vi el impresionante (en belleza y volumen) complejo Richardson Olastead, con inspiración de arquitectura medieval, se nota la influencia de William Morris y John Ruskin. Hoy funciona allí el Gran Hotel Richardson.
Como no es posible ver el Marshall Fiels Store ya que fue demolido en 1930, visite por fuera y por dentro el impresionante Ellicott Square (1896) de Burnham & Root y el Prudential (1896) de Louis Sullivan &Dankmar Adler.
Vista alrededor de 1890 de la tienda mayorista Marshall Field’s
Marshall Field’s estaba ubicada en la calle Franklin entre las calles Quincy y Adams. Fue diseñada por Henry Hobson Richardson, (1838 – 1886) construida en 1887, y demolida alrededor de 1930.
Biblioteca Howard aka Taylor Library, New Orleans (1886-1889)
La prueba de la influencia e importancia de Richardson en la arquitectura de los Estados Unidos es que, de la lista elaborada por arquitectos de cuáles eran los diez mejores edificios en 1885, cinco eran suyos:
La Trinity Church, en 1872/77. ubicada en el barrio de Back Bay de Boston, Massachusetts.
El Albany City Hall de 1883, en el número 24 de Eagle Street entre Corning Place (entonces Maiden Lane) y Pine Street
El Sever Hall de la Universidad de Harvard en 1870, Se encuentra en Harvard Yard en Cambridge, Massachusetts.
El New York State Capitol, en Albany en 1899, con los arquitectos Thomas Fuller y Leopold Eidlitz.
y el Oakes Ames Memorial Hall de 1879/81 en North Easton, Massachusetts.
Su obra más conocida, la Trinity Church de 1872 en Boston consolidó la reputación de Richardson y le proporcionó grandes proyectos durante el resto de su vida.
Chicago. Marshall Field Warehouse Building. Henry Richardson
Chicago. Marshall Field Warehouse Building. Henry Richardson
Richardson y su cliente Marshall Field definieron las bases de lo que iba a ser una nueva tipología arquitectónica: el edificio comercial, que conocemos como Grandes Almacenes, o en inglés Wholesale Store.
Llamado Marshall FieldWarehouse Building, fue construido entre 1885 y 1887 y lamentablemente demolido en 1930.
Estaba sobre las calles Adams y Franklin. Claramente inspirado en los palacios renacentistas italianos (como el Palazzo Pitti de Florencia) este edificio se consideró el prototipo del nuevo edificio comercial y de oficinas que los arquitectos de la Escuela de Chicago depurarán y convertirán en un modelo que se exportará al mundo.
La descripción completa y sus fotos interiores se pueden ver en este enlace https://onlybook.es/blog/daniel-burnham-y-el-edificio-ellicott-square-en-buffalo/
El Guaranty Building de Louis Sullivan y Dankmar Adler
La descripción completa y sus fotos interiores se pueden ver en este enlace https://onlybook.es/blog/daniel-burnham-y-el-edificio-ellicott-square-en-buffalo/
El Guaranty Building de Louis Sullivan y Dankmar Adler
El Guaranty Building, anteriormente llamado Prudential Building, es uno de los primeros rascacielos de Búfalo.
Diseñado por Louis Sullivan y Dankmar Adler, se completó en 1896. Fue declarado Hito Histórico Nacional. Está ubicado en el 24-34 de la calle Church.
Reconocido internacionalmente como una de las obras maestras de Louis Sullivan, probablemente uno de los arquitectos americanos más importantes del siglo 19 y reconocido como “El padre de los rascacielos”.
Ambos edificios pude recorrerlos por dentro.
Vi por fuera la ampliación de Rem Koolhaas del Museo de Arte.
Recorrí los parques diseñados por Frederick Law Olmsted (1822 – 1903) Padre de la arquitectura paisajista, que hizo entre otras obras el Central Park y el Prospect Park de NY y el Franklin Park de Boston.
Otras obras de enorme trascendencia que realizó fueron la Reserva de las Cataratas del Niágara, Nueva York; el Parque Mont-Royal, Montreal; el Emerald Necklace, en Boston; el Cherokee Park (además del sistema de avenidas) en Louisville; así como el Jackson Park, el Washington Park y el Midway Plaisance para la World’s Columbian Exposition de Chicago; parte del parque de Detroit Belle Isle; los jardines del Capitolio de los Estados Unidos; y el edificio de George Washington Vanderbilt II, el Biltmore Estate, en Carolina del Norte.
Arq. Rodolfo Machado y Jorge Silvetti forman en 1985 el estudio Machado & Silvetti con sede en Boston.
Ambos nacieron en la Argentina y se licenciaron en la Universidad Nacional de Buenos Aires, seguida de una maestría en Arquitectura en la Universidad de California, Berkeley.
Después de su estancia en California, se mudaron al este para enseñar y ocupar puestos de liderazgo en la Escuela de Diseño de Rhode Island y la Escuela de Diseño de Posgrado de la Universidad de Harvard.
Es relevante su influencia en la teoría y la práctica de la arquitectura.
Sus escritos sobre arquitectura son una parte reconocida del espíritu arquitectónico de los años 70, 80 y 90.
En 2021 donaron sus inmensos archivos de dibujos, modelos y registros a la Biblioteca Loeb de la GSD (The Graduate School of Design) de Harvard.
Estudio
Machado & Silvetti
Desde septiembre del 2013, Jeffry Burchand es asociado del estudio.
Desde septiembre del 2017, Selee Kim y Sophia Zelov son asociadas del estudio
Desde febrero del 2020, S. Austin Ward es asociado del estudio.
Centro de Artes Visuales para Familias Negras 22 de julio de 2013. La World-Architects.com ha incluido el Centro de Artes Visuales para Familias Negras del Dartmouth College en New Hampshire en su artículo 50×50. En el realiza una mirada estado por estado de la arquitectura en los Estados Unidos.
El Centro de Artes Visuales, realizado en 2012, es un edificio para los departamentos de Arte de Estudio y Cine y Medios de la Universidad de Dartmouth.
Su programa incluye espacios de producción y edición de películas, escultura, grabado, fotografía, arquitectura, pintura, dibujo y estudios para estudiantes de último año.
“A través de nuestros dibujos y modelos, hemos desarrollado un enfoque de diseño único que enfatiza la materialidad y la artesanía. La reciente exposición retrospectiva “Realismo sin precedentes” mostró el compromiso de larga data de Jorge y Rodolfo con el arte del dibujo arquitectónico y demostró la importancia de la representación en nuestra práctica”. Jeffry Burchard
En la convergencia de los departamentos se encuentra un nuevo programa de Humanidades Digitales que tratará de fomentar la relación de los medios y campos de estudio nuevos y tradicionales.
El Centro de Artes Visuales ha creado distintos espacios para permitir la interacción de la población de la Universidad (estudiantes y profesores), y de la ciudad de Hanover.
La planta baja tiene una entrada secundaria que permite llegar a la galería de estudiantes y profesores, que ql ser totalmente vidriada permite compartir la producción artística con los transeúntes.
“Ponemos en práctica nuestra filosofía de diseño con un enfoque integral que descubre la cultura única de cada proyecto, traduce estas características en conceptos claros y desarrolla y ejecuta el diseño con el compromiso sostenido de todas las personas involucradas”. Jeffry Burchard
Por su ubicación privilegiada es también una nueva entrada al campus, tiene 9.755 m2, ofrece una plaza con césped en su contacto con el Auditorio Spaulding en el Centro Hopkins.
El nuevo Centro de Artes Visuales está diseñado para lograr una calificación LEED Gold y utiliza las siguientes características para cumplir con este objetivo: super aislamiento de las paredes perimetrales, recolección de agua de lluvia e iluminación natural optimizada de los estudios del nivel superior. (1)
Distinciones Rodolfo Machado y Jorge Silvetti fueron reconocidos como los destinatarios del Premio de Honor de la Sociedad de Arquitectura de Boston de este año 2021.
El director, Jeffry Burchard, ha sido honrado por el AIA con el premio Young Architects Award 2020.
Jorge Silvetti aparece en la revista Architect como el destinatario individual del Medallón Topacio AIA/ACSA 2018 para Educación Arquitectónica.
El AIA Nueva Inglaterra le otorga en 2017 a Machado Silvetti un Premio de Honor por el Centro de Estudios de Arte Asiático en el Museo de Arte Ringling.
AIA Nueva Inglaterra le entrega en 2016 a Machado Silvetti el «Premio de Honor a la Excelencia en Arquitectura».
Ganadores del primer Premio de Arquitectura de la historia de la Academia Americana de las Artes y las Letras por “proyectos audazmente concebidos y brillantemente ejecutados” y por estar “inflexiblemente dedicados a visualizar una arquitectura significativa del ámbito público”.
La actividad docente que ambos desempeñan en la Escuela de Diseño de la Universidad Harvard, cuyo departamento de Arquitectura dirige Silvetti, y los premios obtenidos por la dupla en diversos concursos internacionales tanto en los Estados Unidos como en Europa han terminado por consolidar la evolución de un estudio que, sin desarrollar grandes obras desde el punto de vista de la superficie, ni atándose a modelos estilísticos, logró consolidarse en el universo del diseño mundial.
NOTAS
1
La Certificación LEED (Leadership in Energy and Environmental Design) es un sistema de calificación internacionalmente reconocido y utilizado en todo el mundo para evaluar y certificar la sostenibilidad de edificios y proyectos. Creado por el US Green Building Council (USGBC), el sistema LEED establece estándares rigurosos para el diseño, construcción y operación de edificios sostenibles.
Algunas de las características más importantes incluyen:
–Enfoque Integral: LEED considera múltiples aspectos de la sostenibilidad, como la eficiencia energética, el uso de materiales sostenibles, la calidad del aire interior, la gestión del agua y el diseño orientado a la comunidad.
–Sistema de Puntaje: Los proyectos obtienen puntos en cada categoría, y la suma de estos puntos determina el nivel de certificación (Certified, Silver, Gold o Platinum).
-Enfoque en la Eficiencia Energética: Los edificios certificados LEED están diseñados para utilizar menos energía y reducir las emisiones de gases de efecto invernadero.
–Enfoque en la Salud y el Bienestar: La calidad del aire interior, la iluminación natural y otros factores que afectan la salud y el bienestar de los ocupantes son considerados en el proceso de certificación.
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El edificio Ellicott Square fue terminado en 1896, y comprado por Ellicott Development CO..
Una empresa de gestión, y desarrollo de propiedades inmobiliarias.
Fue fundada en 1973 y la dirige William Paladino, la empresa está radicada en Buffalo.
El complejo de oficinas fue diseñada por los arquitectos Daniel Hudson Burnham(1) y Charles Bowler Atwood(2).
El edificio Ellicott Square debe su nombre a Joseph Ellicott (1760 – 1826) el político, planificador y topógrafo del entonces pueblo de Buffalo.
Al adquirir el edificio, la empresa tomo su nombre, (Ellicott,Development CO).
Edificio Ellicott Square en Buffalo
Era el edificio de oficinas más grande del mundo, en el funcionaron la Edisonia Hall y el Teatro Vitascope. (3)
Fue diseñado por Charles Atwood de D. H. Burnham & Company y se completó en mayo de 1896.
El vestíbulo sigue siendo un lugar de reunión favorito para manifestaciones políticas, bodas y funciones sociales. En 1984 se utilizó para escenas de hoteles en la película” El Mejor”.
Con 10 pisos de altura, y capacidad para soportar 10 pisos más, y con 41.500 m², fue el edificio de oficinas más grande del mundo por su superficie.
Construido en estilo renacentista italiano, el exterior del Ellicott Square está hecho de granito, hierro y terracota con un revestimiento de ladrillo gris perla.
El majestuoso patio interior contiene un piso de mosaico de mármol diseñado por William Winthrop Kent (1860 – 1955) y James A. Johnson (1865 – 1939).
Las 23 millones de piezas de mármol fueron importadas de Italia. Los dibujos del mosaico representan símbolos solares de civilizaciones de todo el mundo.
El patio interior se asemeja al del Rookery Building en Chicago. (4)
Edificio Rookery, con las modificaciones y la escalera diseño de Frank Lloyd Wright
Estuve visitando esta maravilla a finales de Julio del 2024, y vi mesas en el hall que son atendidas por dos bares/restaurantes, y recorriendo los locales he visto una peluquería de hombres, además de tiendas de servicios.
Cuando me decidi a entrar, un señor que controlaba el acceso, me señaló un cuaderno y me pidió para acceder que pusiera mi nombre y donde iba. Como no iba a poner Flaneur o amante de los espacios geniales, miré el renglón superior y habían escrito 114, por lo que puse 216 y me dejó pasar. Estamos en Julio, mes de vacaciones y eran las 18 hs, no habia gente trabajando en las oficinas, si vi personal de limpieza.
Una casi rigurosa historia de su vida. (4)
Daniel Hudson Burnham FAIA, fue un arquitecto y urbanista defensor del movimiento Beaux-Arts, pudo haber sido «la persona de poder más exitoso que jamás haya producido la profesión arquitectónica estadounidense». Siendo reconocido como un exitoso arquitecto de Chicago, fue seleccionado como Director de Obras para la Exposición Mundial Colombina de 1892–93, conocida coloquialmente como «La Ciudad Blanca».
Tuvo un papel destacado en la creación de planes maestros para el desarrollo de varias ciudades, incluido el Plan de Chicago y los planes para Manila, Baguio y el centro de Washington, D.C.
También diseñó varios edificios famosos, incluidos varios rascacielos notables en Chicago, el edificio Flatiron de forma triangular en la ciudad de Nueva York, Union Station en Washington D.C., los grandes almacenes Selfridges de Londres y Merchants Exchange de San Francisco.
Aunque es más conocido por sus rascacielos, la planificación urbana y por la Ciudad Blanca, casi un tercio de la producción total de Burnham, es decir 1,37 millones de metros cuadrados, fueron edificios compra y venta de productos.
1.Primeros años
Hogar infantil de Burnham en Henderson, Nueva York
Burnham nació en Henderson, Nueva York, hijo de Elizabeth Keith (Weeks) y Edwin Arnold Burnham.
Fue criado en las enseñanzas de Swedenborgian, también llamada La Nueva Iglesia, que inculcó en él la fuerte creencia de que «el hombre debe esforzarse por estar al servicio de los demás».
A la edad de ocho años, Burnham debe mudarse a Chicago donde su padre estableció allí un exitoso negocio mayorista de drogas.
Burnham no era un buen estudiante, pero era bueno dibujando. A los 18 años se mudó al este del país para recibir clases de tutores privados con el fin de aprobar los exámenes de admisión de Harvard y Yale, y reprobó ambos aparentemente debido a un caso grave de ansiedad ante los exámenes.
En 1867, cuando tenía 21 años, regresó a Chicago e ingresó como aprendiz de dibujante con William LeBaron Jenney (1832 – 1907) del estudio de arquitectura Loring & Jenney. LeBaron Jenney fue un antiguo alumno de la École Centrale des Arts et Manufactures (École centrale Paris), entre los años 1853 y 1856.
Quería convertirse en «el mejor arquitecto de la ciudad o del país», pero antes intentó en vano con unos amigos extraer oro en Nevada (1869), fracaso en su intento de ser elegido legislador por el estado de Nevada, quebrado económicamente y resignado regresó a Chicago para trabajar con el arquitecto L. G. Laurean.
Cuando el Gran Incendio de Chicago golpeó la ciudad en octubre de 1871, parecía que los arquitectos tendrían un trabajo interminable, pero Burnham optó por volver la espalda a esa oportunidad y probó primero vender ventanas de vidrio, pero fracasó y luego probó ser farmacéutico, tarea que abandonó.
A los 26 años, Burnham se mudó a las oficinas de Chicago de Carter, Drake and Wight, (no es Wright), donde conoció al que sería su futuro socio John Wellborn Root, que tenía 21 años, cuatro años menos que Burnham.
Ambos se hicieron amigos y abrieron un estudio de arquitectura en 1873.
Burnham se mantuvo fiel a este estudio, y juntos lo convirtieron en una empresa muy exitosa.
Su primer encargo importante provino de John B. Sherman, el superintendente del enorme Union Stock Yards en Chicago, que proporcionaba el sustento, directa o indirectamente, a una quinta parte de la población de la ciudad.
Sherman los contrató para el diseño de una mansión en Prairie Avenue en la calle 21 entre las mansiones de los otros barones comerciantes de Chicago. Root hizo el diseño inicial y Burnham lo perfeccionó supervisando la construcción. En la obra conoció a la hija de Sherman, Margaret, se casaron en 1876 luego de un breve noviazgo.
Como era previsible Sherman encargó otros proyectos a Burnham and Root, incluido Stone Gate, un portal de entrada a los corrales de ganado que se convirtió en un hito de Chicago.
Union Stock Yard Gate, Chicago (1879)
En 1881, les encargaron construir el edificio Montauk, en ese momento era el edificio más alto de Chicago.
Para resolver el problema del suelo arenoso saturado de agua y el lecho rocoso de la ciudad existente hasta 38 m por debajo de la superficie, Root ideó un plan para excavar hasta un ‘hardpan’, es sobre esta capa de arcilla donde se colocó una plataforma de hormigón de 61 cm de espesor recubierta con rieles de acero colocados en ángulo recto para formar una «parrilla» de celosía, que luego se rellenó con cemento Portland.
El edificio Montauk c.1886
Esta «base flotante» era un lecho rocoso creado artificialmente sobre el cual se podía construir el edificio.
Cuando estuvo terminado era tan alto en comparación con los edificios existentes que desafiaba una descripción fácil, el nombre «rascacielos» fue acuñado para describirlo.
Thomas Talmadge, arquitecto y crítico de arquitectura, dijo sobre el edificio: «Lo que Chartres fue para la catedral gótica, Montauk Block fue para los edificios comerciales en altura».
Edificio del Templo Masónico en Chicago
Burnham y Root continuaron construyendo más de los primeros rascacielos estadounidenses, como el Masonic Temple Building en Chicago.
Con 21 pisos y 93 metros de altura, fue el edificio mas alto de su tiempo fue demolido en 1939.
Ambos eran artistas y arquitectos talentosos, y en el estudio se complementaban a la perfección.
Root tenía la habilidad de concebir diseños elegantes y podía ver casi de inmediato la totalidad de la estructura necesaria. Burnham, por su lado se destacó en atraer clientes y supervisar la construcción de los diseños de Root. Se tenían un mutuo respeto.
El edificio Rookery en Chicago, (1886)
Burnham quería que sus empleados estuvieran contentos: instaló un gimnasio en la oficina, dio lecciones de esgrima y permitió que los empleados jugaran balonmano a la hora del almuerzo.
Root, pianista y organista, daba recitales de piano en la oficina en un piano alquilado. Paul Starrett (1866 – 1957) quien se unió a la oficina en 1888, dijo: «La oficina estaba llena de trabajo, pero el espíritu del lugar era deliciosamente libre, sencillo y humano en comparación con otras oficinas en las que había trabajado».
El estudio tuvo muchos éxitos, y también varios contratiempos. Uno de sus proyectos el Grannis Block en el que se encontraba su oficina, se incendió en 1885, lo que obligó a trasladarse al último piso de The Rookery, otro de sus diseños.
En 1888, un hotel que habían diseñado en Kansas City, Missouri, se derrumbó durante la construcción, matando a un hombre e hiriendo a varios más.
Auditorium de Chicago de Sullivan & Adler
En la investigación del forense, el diseño del edificio fue objeto de críticas. La publicidad negativa sacudió y deprimió a Burnham. Luego, en un nuevo revés, Burnham y Root tampoco lograron ganar la comisión para el diseño del gigantesco edificio del Auditorio, que fue en cambio a sus rivales, Adler & Sullivan.
El Auditorium de Chicago es un edificio con un enfoque distintivo en la ornamentación y el diseño estructural. Ideado por Louis Sullivan en 1887, el complejo integra oficinas comerciales, salas de teatro y un hotel. Construido en hormigón y con una doble capa de estructura metálica, el Auditorium muestra la influencia de las ideas de Henry Richardson (1838 – 1886) amplias galerías, largos corredores y un diseño imponente.
El 15 de enero de 1891, mientras la firma estaba inmersa en reuniones para el diseño de la Exposición Colombina Mundial, Root murió después de tres días de neumonía.
Como solo tenía 41 años, su muerte sorprendió tanto a la sociedad de Burnham como a Chicago. Después de su muerte, la firma de Burnham & Root, que había tenido un tremendo éxito en la producción de edificios modernos como parte de la Escuela de Arquitectura de Chicago, pasó a llamarse D.H. Burnham & Compañía.
Una vez que superaron el duro momento, el estudio continuó con sus éxitos y Burnham amplió su alcance al diseño urbano.
Exposición Colombina Mundial
Corte de Honor y Gran Cuenca — Exposición Colombina
Burnham y Root habían aceptado la responsabilidad de supervisar el diseño y la construcción de la Exposición Colombina Mundial en el entonces desolado Jackson Park de Chicago en la orilla sur del lago.
El edificio agrícola por la noche (1893)
La feria mundial más grande hasta esa fecha (1893), celebraba el 400 aniversario del famoso viaje de Cristóbal Colón.
Después de la repentina e inesperada muerte de Root, un equipo de distinguidos arquitectos y paisajistas estadounidenses, incluidos Burnham, Frederick Law Olmsted, Charles McKim, Richard M. Hunt, George B. Post, Henry Van Brunt y Louis Sullivan, cambiaron radicalmente sus conceptos arquitectónicos.
Se decantan por un estilo moderno y colorido ante un estilo de Renacimiento clásico. Para garantizar el éxito del proyecto, Burnham trasladó su residencia personal a una sede de madera, llamada «the shanty» en el floreciente recinto ferial para supervisar la construcción, que enfrentó enormes obstáculos financieros y logísticos incluido el pánico financiero mundial en un marco de tiempo extremadamente ajustado.
Considerado el primer ejemplo de un documento de planificación integral en la nación, el recinto ferial presentaba grandes bulevares, fachadas de edificios clásicos y exuberantes jardines. A menudo llamada la «Ciudad Blanca» popularizó la arquitectura neoclásica en un estilo Beaux-Arts monumental pero racional. Como resultado de la popularidad de la feria, se dijo que los arquitectos de los EE. UU. se vieron inundados con solicitudes de clientes para incorporar elementos similares en sus diseños.
El control del diseño y la construcción de la feria fue motivo de disputa entre varias entidades, particularmente la Comisión Nacional que estaba encabezada por su director general George R. Davis, y la Exposition Company, que estaba formada por los principales comerciantes de la ciudad, dirigidos por Lyman Gage, que había recaudado el dinero necesario que permitiría cumplir con los plazos de su inauguración.
Después de un gran accidente que destruyó uno de los principales edificios de la feria, Burnham toma el control de la construcción, distribuyendo un memorando a todos los jefes de departamento de la feria que decía: «He asumido el control personal del trabajo activo dentro de los terrenos de la Exposición Colombina Mundial … De ahora en adelante, y hasta nuevo aviso, me reportarás y recibirás órdenes exclusivamente de mí”.
Después de la inauguración de la feria, Olmsted, quien diseñó el recinto ferial, dijo que Burnham con “su habilidad y tacto aseguró el buen resultado de la Feria».
«Burnham rechazó la sugerencia de que Root había sido en gran parte responsable del diseño de la feria y escribió después:
“Lo que se hizo hasta el momento de su muerte fue la sugerencia más débil de un plan… que ha sido construida gradualmente por unas pocas personas, amigos cercanos a él y sobre todo mujeres, que después de la Feria quisieron identificar su memoria con la Feria”.
La reputación de Burnham mejoró considerablemente por el éxito y la belleza de la Feria, ejemplo de ello es que tanto Harvard como Yale le otorgaron títulos académicos de postgrado, para pasar página al hecho de haberlo reprobado en sus exámenes de ingreso en su juventud.
La percepción común mientras Root estaba vivo era que él era el artista arquitectónico y Burnham se había encargado de la parte comercial de la firma; La muerte de Root, si bien fue devastador para Burnham en lo personal, le permitió desarrollarse como arquitecto de una manera que no lo había hecho hasta ese momento.
Edificio Flatiron (1901)
En 1901, Burnham diseñó el edificio Flatiron en la ciudad de Nueva York, una estructura pionera que utiliza un esqueleto interno de acero que le dio integridad estructural y no ser portantes los muros exteriores de mampostería.
Esto permitió que el edificio se elevara hasta los 22 pisos.
El diseño era el de un palacio renacentista vertical estilo Beaux-Arts, dividido como una columna clásica, con su base, su fuste y capitel.
Otros diseños posteriores a la feria de Burnham incluyeron el Land Title Building (1897) en Filadelfia.
Land Title Building (1897) en Filadelfia
Fue el Wanamaker´s Department Store (1902-1911) donde lueo se instaló Macy’s.
Espacialmente despertaba gran interes al estar construido alrededor de un patio central.
La ampliación de Wanamaker’s Annex (en 1904 y en 1907 – 1910), en la ciudad de Nueva York, fue un edificio de 19 pisos, con un volumen edificado tan grande que era comparable al del Empire State Building.
Tambien construyeron los grandes almacenes neoclásicos Gimbels (1908-1912) en NY, (actualmente el centro comercial Manhattan Mall, con una fachada completamente nueva).
Podemos tambien mencionar el impresionante Observatorio Art Deco Mount Wilson en las colinas sobre Pasadena, en California.
Y en 1912, el último edificio importante diseñado por Burnham, considerado como uno de los mejores ejemplos de arquitectura Beaux Art en Boston.
Los grandes almacenes Filene’s (William Filene and Sons).
Éstos se ampliaron en 1929, convirtiendo toda la manzana alrededor de las calles Washington, Summer, Hawley y Franklin en una tienda de venta por departamentos.
Filipinas
En 1904, Burnham aceptó un encargo del gobernador general de Filipinas William Howard Taft.
Plan de Burnham para Manila
Rediseñó Manila y planificó la construcción de una capital de verano en Baguio.
Debido al estatus de Filipinas, Burnham pudo realizar su proyecto sin tener que obtener la aprobación local. Al designar al arquitecto principal William E. Parsons, Burnham pudo controlar el proyecto desde el continente.
Título de la primera edición
La planificación urbana y el Plan de Chicago
Iniciado en 1906 y publicado en 1909, Burnham y su coautor Edward H. Bennett prepararon un Plan de Chicago que establecía planes para el futuro de la ciudad.
Fue el primer plan integral para el crecimiento controlado de una ciudad estadounidense y una consecuencia del movimiento City Beautiful. El plan incluía propuestas ambiciosas para la orilla del lago y el río, afirmando que todos los ciudadanos deben estar a poca distancia de un parque. Esta acción fue patrocinada por el Club Comercial de Chicago, Burnham donó sus servicios con la esperanza de promover su proyecto.
Basándose en los planos y diseños conceptuales de la Feria Mundial para la orilla sur del lago, Burnham deseaba visualizar Chicago como un “París en la pradera”.
El nuevo telón de fondo urbano de Chicago se formó con las construcciones de las grandes obras públicas, las fuentes y los bulevares de inspiración francesa, que irradiaban desde el palacio municipal central con cúpula.
Este plan se anticipaba a la necesidad de controlar en el futuro su crecimiento urbano y continuar influyendo en el desarrollo de Chicago, sobre todo después de la muerte de Burnham.
Planes en ciudades adicionales
Plan de Burnham y Bennett para San Francisco
Los proyectos de planificación urbana de Burnham no se detuvieron en Chicago, ya había contribuido previamente a planes para ciudades como Cleveland (1903), San Francisco (1905), Manila (1905) y Baguio en Filipinas, cuyos detalles aparecen en la publicación del Plan de Chicago.
No fue posible para Burnham concretar sus diseños.
Sus planos para el rediseño de San Francisco se entregaron a la Junta de Supervisores en septiembre de 1905, pero en la prisa por reconstruir la ciudad después del terremoto y los incendios de 1906, fueron finalmente ignorados.
En Filipinas, el Plan de Burnham para Manila nunca se materializó debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, así como la reubicación de la capital en otra ciudad después de la guerra.
Sin embargo, algunos componentes del plan se concretaron, incluida la carretera costera que se convirtió en Dewey Boulevard (ahora conocido como Roxas Boulevard) y los diversos edificios gubernamentales neoclásicos alrededor de Luneta Park, que se asemejan mucho a una versión en miniatura de Washington, D.C.
Washinton
Burnham dió forma al Plan McMillan de 1901 que condujo a la finalización del diseño general del National Mall. La Comisión Senatorial de Parques, llamada Comisión McMillan por ser diriida por el Senador de Michigan James McMillan, reunió a Burnham y a tres de sus colegas de la Exposición Colombina, el arquitecto Charles Follen McKim, el arquitecto paisajista Frederick Law Olmsted Jr. y el escultor Augustus Saint -Gaudens.
Union Station en Washington, D.C., (1908)
El plan preveía la extensión del Mall más allá del Monumento a Washington, con un nuevo Monumento a Lincoln que se llamó “Jefferson Memorial”. Este plan permitió la recuperación de terrenos delpantano y del Río Potomac así como la reubicación de una estación de ferrocarril existente, que fue reemplazada por el diseño de Burnham para Union Station.
En 1910 Burnham fue nombrado primer presidente de la Comisión de Bellas Artes de los Estados Unidos, sirvió en la comisión hasta su muerte en 1912.
Influencia
Después de la Feria Burnham se convirtió en uno de los defensores más destacados del país del movimiento Beaux-Arts, así como del renacimiento de la arquitectura neoclásica.
Gran parte del trabajo de Burhham se basó en el estilo clásico de Grecia y Roma.
En su autobiografía de 1924, Louis Sullivan, uno de los principales arquitectos de la Escuela de Chicago, que tuvo una relación difícil con Burnham, lo criticó por lo que Sullivan consideraba “su falta de expresión original debida a su dependencia del clasicismo”.
Afirmaba Sullivan que «el daño causado por la Feria Mundial durará medio siglo a partir de su fecha, si no más», era un sentimiento bordeado de amargura, ya que las empresas estadounidenses de principios del siglo XX habían demostrado una fuerte preferencia por el estilo arquitectónico de Burnham sobre el de Sullivan.
Burnham c.early 1900s
El mantra de Burnham que era la esencia de su espíritu era «no hagas planes pequeños, no tienen magia para conmover la sangre de los hombres y probablemente no se darían cuenta por sí mismos, por lo que piensa en grande».
Fue considerado un arquitecto influyente en los Estados Unidos a principios del siglo XX. Ocupó muchos cargos durante su vida, incluida la presidencia del Instituto Americano de Arquitectos.
Bajo su tutela otros arquitectos notables comenzaron sus carreras, como Joseph W. McCarthy. Varios de sus descendientes han trabajado como arquitectos y planificadores influyentes en los Estados Unidos, incluido su hijo, Daniel Burnham Jr., y sus nietos Burnham Kelly y Margaret Burnham Geddes.
Vida privada
Se casó con Margaret Sherman, la hija de su primer cliente importante, John B. Sherman, el 20 de enero de 1876. Se conocieron durante la construcción de la casa de su padre.
Durante su noviazgo, el hermano mayor de Burnham provocó un escándalo acusado de haber falsificado cheques, entonces ofreció romper el compromiso por una cuestión de honor. Sherman rechazó la oferta «Hay una oveja negra en cada familia». Sin embargo, se mostró cauteloso con su yerno, ya que parecía ser muy adicto a la bebida.
Permanecieron casados por el resto de su vida. Tuvieron cinco hijos, dos hijas y tres hijos, incluido Daniel Burnham Jr., nacido en febrero de 1886, arquitecto y urbanista como su padre. Trabajaron juntos hasta 1917. Se desempeñó como director de Obras Públicas para la Feria Mundial de Chicago de 1933-34, conocida como el ‘Siglo del Progreso’.
La familia Burnham vivió en Chicago hasta 1886, cuando se mudaron a una casa de campo con 16 habitaciones en el lago Michigan, en el suburbio de Evanston. Sentía que Chicago se estaba volviendo más sucio y peligroso a medida que aumentaba su población. Explicaba que «Lo hizo porque ya no soportaba tener a sus hijos en las calles de Chicago…» Cuando Burnham se mudó a «the shantya» en Jackson Park para supervisar la construcción de la Feria, su esposa Margaret y sus hijos permanecieron en Evanston.
Creencias
Burnham escribió: «Hasta nuestro tiempo, no se ha practicado una economía estricta en el uso de los recursos naturales, pero debe serlo de ahora en adelante a menos que seamos lo suficientemente inmorales como para perjudicar las condiciones en las que nuestros hijos deban vivir».
Creía que el automóvil sería un factor ambiental positivo, ya que el fin del transporte a caballo traería «un verdadero paso en la civilización … Sin humo, sin gases, sin camadas de caballos, tu aire y calles serán limpias y puras. Esto significa, ¿no es así, que la salud y el ánimo de los hombres serán mejores?”
Como muchos hombres de su tiempo, también mostró interés por lo sobrenatural, diciendo «Si pudiera tomarme el tiempo, creo que podría probar la continuación de la vida más allá de la tumba, razonando desde la necesidad, filosóficamente hablando, de una creencia en un poder absoluto y universal.»
Muerte
La lápida de Daniel Burnham en Graceland Cemetery, Chicago
A sus cincuenta años, su salud comenzó a decaer. Desarrolló colitis y en 1909 le diagnosticaron diabetes, que afectó su sistema circulatorio y le provocó una infección en el pie que continuaría por el resto de su vida.
El 14 de abril de 1912, Burnham y su esposa estaban a bordo del RMS Olympic de White Star Line, viajando a Europa para recorrer Heidelberg, Alemania. Cuando intentó enviar un telegrama a su amigo Frank Millet que viajaba en la dirección opuesta, de Europa a los Estados Unidos, en el RMS Titanic, se enteró de que el barco se había hundido en un accidente y Millet no sobrevivió.
Burnham murió 47 días después de colitis complicada por su diabetes e intoxicación alimentaria.
En el momento de su muerte, D.H. Burnham and Co. era el estudio de arquitectura más grande del mundo. Incluso el legendario arquitecto Frank Lloyd Wright, aunque muy crítico con las influencias europeas de las Bellas Artes de Burnham, lo admiraba como hombre y lo elogió, diciendo: «Burnham… hizo un uso magistral de los métodos y los hombres de su tiempo…[Como] un entusiasta promotor de grandes empresas de construcción …su poderosa personalidad era suprema».
Su estudio continuó hasta el 2006 como Graham, Anderson, Probst & White. Fue enterrado en el cementerio Graceland de Chicago.
Memoriales
Se lo ha homenajeado poniendo su niombre a Burnham Park y Daniel Burnham Court en Chicago, Burnham Park en Baguio en Filipinas, Daniel Burnham Court en San Francisco (anteriormente Hemlock Street entre Van Ness Avenue y Franklin Street), el anual Daniel Burnham Award for a Comprehensive Plan (administrado por la American Planning Association), y el Burnham Memorial Competition que se llevó a cabo en 2009 para crear un monumento a Burnham y su Plan de Chicago. Las colecciones de documentos, fotografías y otros materiales de archivo personales y profesionales de Burnham se encuentran en Ryerson & Bibliotecas Burnham en el Instituto de Arte de Chicago.
El edificio Reliance en Chicago, que fue diseñado por Burnham y Root, ahora es el Hotel Burnham, aunque Root fue el arquitecto principal antes de su muerte en 1891.
Un vestíbulo del Reliance Building tras la restauración de 1999
Obras destacadas
Edificio de Confianza (1890-1895)
Pennsylvania Union Station (1900-1902)
Gilbert M. Simmons Memorial Library, Kenosha, Wisconsin (1900)
770 Broadway, Nueva York (1904, ampliación 1907-1910)
Union Station, El Paso, Texas (1905-1906)
Chicago
Union Stock Yard Gate (1879)
Union Station (1881)
Edificio Montauk (1882-1883)
Kent House (1883)
Edificio de Confianza (1890-1895)
Monadnock Building (northern half 1891)
Edificio Marshall Field y Company (actualmente Macy’s 1891-1892)
Boyce Building, on the National Register of Historic Places (1915)
Cincinnati
Union Savings Bank and Trust Building (más tarde el quinto edificio de confianza de la Tercera Unión, el edificio Bartlett y ahora el Renaissance Hotel, 1901)
Edificio Tri-State (1902)
Primer edificio del Banco Nacional (más tarde el Edificio Clopay y ahora el Cuarto Centro Walnut, 1904)
Cuarto Edificio del Banco Nacional (1904)
Detroit
Edificio Majestic (1896, demolido 1962)
Edificio Ford (1907-1908)
Edificio Dime (1912)
Indianápolis
Indianapolis Traction Terminal (1903, demolido 1972)
Edificio Barnes y Thornburg (antes Edificio del Banco Nacional de Merchants), (1912)
Nueva York
Edificio Flatiron (1901)
Wanamaker’s Annex, full-city-block department store (1904, addition: 1907–1910)
Gimbels Department Store (1908-1912)
Filadelfia
Land Title Building (1897)
John Wanamaker’s Department Store (ahora albergando un Macy’s y oficinas, 1902-1911)
Pittsburgh
Union Trust Building (1898, 337 Fourth Avenue – no la estructura de 1917 del mismo nombre en Grant Street)
Pennsylvania Union Station (1900-1902)
Frick Building (1902)
McCreery Department Store (actualmente oficinas – 300 Sexta Avenue Building, 1904)
Edificio Highland (1910, 121 South Highland Avenue)
Henry W. Oliver Building (1910)
San Francisco
Merchants Exchange Building (1904)
El edificio Mills (1892, restauración y expansión: 1907-1909)
Washington, D.C.
Union Station (1908)
Postal Square Building (1911-1914)
Columbus Fountain (1912)
Otros
Keokuk Union Depot, Keokuk, Iowa (1891)
Pearsons Hall of Science, Beloit, Wisconsin (1892-1893)
Edificio Ellicott Square, Buffalo, Nueva York (1896)
Columbus Union Station, Columbus, Ohio (1897)
Edificio Wyandotte, Columbus, Ohio (1897-1898)
Gilbert M. Simmons Memorial Library, Kenosha, Wisconsin (1900)
Edificio Continental Trust Company, Baltimore (1901, esquina sureste South Calvert y East Baltimore Streets, dañado durante el Gran Fuego de Baltimore de febrero de 1904, pero al inspeccionar el exterior de acero y albañilería se consideró solido; el interior dañado fue posteriormente reconstruido)
Primer Edificio del Banco Nacional (ahora Edificio Fayette), Uniontown, Pennsylvania (1902)
Cleveland Mall con Arnold Brunner y John Carrère, Cleveland (1903)
Union Station, El Paso, Texas (1905-1906)
El Edificio Fleming, Des Moines, Iowa (1907)
Yazoo & Mississippi Valley Railroad station, Vicksburg, Mississippi (1907)
Duluth Centro Cívico Distrito Histórico, Duluth, Minnesota, (1908-1909, cuatro edificios)
Selfridge & Co. Department Store, Oxford Street, Londres (1909)
Edificio del Banco Nacional de Miners, Wilkes-Barre, Pennsylvania (1911, ahora Centro Financiero del Banco Ciudadano)
Terminal Arcade, Terre Haute, Indiana (1911)
Filene’s Department Store, Boston (1912)
Starks Building, Louisville, Kentucky (1912)
Segundo edificio del Banco Nacional, Toledo, Ohio (1913, ahora Riverfront Apartments)
El Granada, California (plan maestro de ciudades)
Primer edificio del Banco Nacional, Milwaukee
Joliet Public Library, Joliet, Illinois (1903)
Estación de tren Kenilworth, Kenilworth, Illinois
Observatorio de Mount Wilson, Pasadena, California
Filipinas
Planificación de la ciudad para Manila
Planificación de la ciudad para Baguio
Edificio Provincial Capitolio en Bacolod, Negros Occidental
Pangasinan Provincial Capitol
Burnham Park
Otros
“No hay planes pequeños”. Daniel Burnham y la Ciudad Americana es el primer largometraje documental sobre el arquitecto y planificador urbano Daniel Hudson Burnham, producido por el Taller Archimedia. La distribución nacional en 2009 coincidió con la celebración centenaria del Plan de Chicago de Daniel Burnham y Edward Bennett.
“El Diablo en la Ciudad Blanca”, un libro de no ficción de Erik Larson, entrelaza los verdaderos cuentos de dos hombres: H.H. Holmes, un asesino en serie famoso por su «hotel asesino» en Chicago, y Daniel Burnham.
En el juego de rol Armados desconocidos James K. McGowan, el verdadero rey de Chicago, cita a Daniel Burnham y lo considera como un paragón del misterioso y mágico pasado de la Ciudad Viento.
En el episodio «Legendaddy» de TV sitcom Cómo meto a tu madre, el personaje Ted, que es profesor de arquitectura, describe a Burnham como un «cameleón arquitectónico».
En el episodio «Household» de Hulu original El cuento de la sierva, a Daniel Burnham se menciona indirectamente y sólo se llama Hereje por la razón por la que el gobierno de Galaad demolió y sustituyó Washington, D.C.’s Union Station.
En la versión de Joffrey Ballet El Nutcracker, coreografiado por Christopher Wheeldon, Daniel Burnham, es el personaje de Drosselmeyer del ballet.
Notas
1
(Datos de Urbipedia).
Daniel Hudson Burnham (1846 – 1912) un reconocido exponente de la escuela de Chicago, experimentó las nuevas técnicas constructivas en hierro.
Al no ser aceptado en Yale y en Harvard, se formó como arquitecto junto a Le Baron Jenney.
Edificio Rookery, Chicago, (1886)
Conoció a John Wellborn Root en el estudio de Frank Lloyd Wright en Chicago con quien formaría en 1873 el estudio Burnham & Root.
Fueron dos de los arquitectos más destacados de la Escuela de Chicago (junto a Le Baron Jenney, Sullivan y Richardson), fundada tras el incendio de esta ciudad en 1881.
Aunque al principio proyectaron algunas residencias, posteriormente se dedicaron a la construcción de grandes edificios, rascacielos de gran masa y buscando siempre la verticalidad para lograr edificios cada vez más altos.
Edificio Monadnock, Chicago (1891-1893)
Su primer edificio importante es el Rookery (1886). Es un gran almacén en el que destaca la utilización de un hierro más industrializado y la escalera (de hierro), con decoración también férrica.
El primer edificio en altura que construyen es el Monadock (1891), un edificio de dieciséis pisos con muros exteriores portantes de ladrillos.
Todo el tratamiento exterior es de ladrillo, destacando las ventanas plegadas que se despegan del muro como grandes columnas para dar mayor resistencia y captar mayor cantidad de luz.
Son las llamadas ventanas Chicago.
Luego del Hotel Grate Northern, realizan su obra más importante, el Edificio Capitol o Templo Mesónico, que con sus 22 pisos fue el edificio más alto del mundo
Edificio del Templo Masónico, Chicago (1891-1892)
Compuesto de manera tradicional, está formado por una serie de plantas bajas a modo de zócalo, con numerosas ventanas.
El cuerpo central dispone de las llamadas ventanas Chicago rematadas superiormente con un arco. La coronación del edificio se hace a través de un conjunto de plantas que dan la sensación de edificio historicista.
Tras él, realizaron el edificio más famoso del estudio, el Reliance Building.
Por primera vez aparece la estructura metálica al exterior.
Con una decoración bastante sencilla, este edificio se basa en la idea de apilar plantas horizontales buscando crecer en altura.
Reliance Building. 1890 – 1895
Está situado en el 1 W. Washington Street en el área comunitaria Loop de Chicago.
El sótano y la primera planta fueron diseñadas por John Root en 1890, y el resto del edificio fue completado por Charles B. Atwood en 1895, ambos del estudio de Daniel Hudson Burnham.
Fue el primer rascacielos con grandes ventanas de vidrio que componen gran parte de la fachada, presagiando una característica que sería dominante en el siglo xx.
El Reliance Building forma parte del Distrito Comercial Histórico del Loop, un conjunto de más de cien edificios que reflejan el crecimiento de las calles State y Wabash como el centro comercial de Chicago.
Edificio Flatiron, Nueva York (1901)
El edificio se deterioró desde la década de 1940, y fue restaurado a finales de la década de 1990.
Desde 1999, en el edificio funciona el Hotel Burnham, con 122 habitaciones, y el Atwood Cafe.
2
Bowler (1849 – 1895) estudió en la Escuela Científica Lawrence de la Universidad de Harvard. se formó en la oficina de Ware & Van Brunt en Boston, era reconocido como buen diseñador y dibujante.
Diseño varios edificios para la Exposición Colombina de Chicago, como la estación terminal y el edificio de Bellas Artes, que aún permanece en su lugar original, hoy es el Museo de Ciencia e Industria,
Como miembro del equipo de Daniel Burnham, realizó el edificio Reliance y el edificio Marshall Field and Company.
Edificio Reliance
Secuencia de fachadas de tiendas en la esquina de las calles North State y Washington, interrumpidas por las secuelas del Gran Incendio de Chicago de 1871
3
Edisonia Hall era un nombre genérico para las salas de exposiciones en las que se exhibían los diversos inventos de la empresa de Thomas Alva Edison , entre ellos el fonógrafo, el vitascopio, el kinetoscopio entre otros aparatos similares.
El Edisonia Hall, inaugurado por Mitchell Mark y Moe Mark el 19 de octubre de 1896, albergó el Teatro Vitascope, el primer cine dedicado solo a proyectar películas. La mayor parte fueron películas fue de Lumiere Films. En su primer año más de 200.000 personas lo visitaron para cine en una gran pantalla.
4
El Rookery Building es un edificio histórico situado en el 209 South LaSalle Street en el Loop de Chicago, que es un es un área comunitaria del distrito financiero de Chicago, está la sede del gobierno de Chicago y del condado de Cook, zona de teatros y tiendas. Completado en 1888 según el diseño de John Wellborn Root y Daniel Burnham, es uno de sus edificios más importantes, y albergó durante un tiempo su estudio de arquitectura. El edificio tiene 55 m de altura y doce plantas, y se considera el rascacielos más antiguo de Chicago. Tiene un estilo característico con muros de carga exteriores y una estructura de acero interior, que representó una transición entre las formas de construcción tradicionales y las modernas. El vestíbulo fue remodelado en 1905 por Frank Lloyd Wright.
5
Datos obtenidos de academia-lab.com/enciclopedia, de Urbipedia.
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A Pietro de la Góndola, le gustaba caminar por Venecia, antes de llamarse Andrea Palladio, cuando lo hacía por Vicenza.
Vicenza era una de las ciudades más antiguas del Véneto, probablemente fundada alrededor del siglo VI AC, por los Euganeos una población local que luego de refugiarse en los valles alpinos, no ha dejado registros relevantes. Como ocurrió con prácticamente todo el Mediterráneo los romanos la ocuparon 3 siglos más tarde. Su economía no cambió durante siglos, trabajaban la tierra, la ganadería y una producción textil, basada en la industria de la lana.
Giangorgio Trissino
Pietro de la Gongola estudió en Padua junto al arquitecto y pintor Giovanni Maria Falconetto (1468 – 1535), allí no existía una escuela donde pudiera estudiar arquitectura, pero fue un protector, como era frecuente en la época, llamado Giangorgio Trissino (1478 – 1550)(1), quien detecta en él una especial capacidad, que necesita ser desarrollada.
Ya transformado en su protector, decide que su formación será básicamente estudiar a los clásicos. Es justamente Giangorgio quien, como era habitual en esa época, sugiere un cambio de nombre, Andrea di Pietro de la Góndola es bautizado por Trissino como Andrea Palladio. El apellido Palladio podría venir de Palas Atenea o de un personaje de los poemas de Trissino que denominó Palladio, era experto en arquitectura. Decir estudios clásicos, es decir Roma, adonde viajan varias veces juntos, son 5 viajes, Andrea tiene 33 años, Giangorgio 63 cuando realizan el primero, el segundo en 1541, luego 1545. 1547 hasta 1551.
Uno de ellos duró 5 meses. El objetivo de estudiar los clásicos era comprenderlos en su esencia, verlos, oírlos, olfatearlos, medirlos “con la palma de la mano”. Una nueva estética para una Vicenza que, de acuerdo con el pensamiento de Giangorgio deberíoa diferenciarse de la estética de “La Serenísima”.
Era normal pues que, siendo Venecia la sede de un príncipe reinante, fuese llamada Serenissima. El título ya se utilizaba mientras Venecia estuvo bajo la influencia bizantina, que lo ostentaban los príncipes en Bizancio, pero, en la ciudad, cobró importancia tras independizarse de Constantinopla. Procuraban vivir una Pax Serenísima.
El Panteon
El Panteón sería el modelo y el concepto por seguir. Tomó muchos apuntes, no sólo de las ruinas romanas sino también de las obras de Bramante (C. 1443 ó 1444 – 1513), llamado también Donato di Pascuccio d’Antonio algunos de los cuales fueron recogidos en sus “quattro libri dell’Architettura”, obra publicada cuando tenía 62 años, y por la que se le ha relacionado con Leon Battista Alberti (1404 – 1472).
Sección del Panteón en los equinoccios, mostrando la caída de la luz del sol del mediodía
Descubren que en el diseño del Panteón no se dejó nada librado al azar. El todo y sus partes definen un sentido, fueron a descubrirlo y a aprender el porque de ese sentido, de las proporciones del edificio, de su orientación, del estilo de su ornamentación que es una sutil y fascinante decoración. La esfera, el óculo, elemento central define a este faro cósmico diseñado para conectar el mundo terrestre con la morada de los dioses celestes.
El Panteón de Agripa, o Panteón de Roma, es una de las obras maestras de la arquitectura presentes en la capital italiana además de ser el edificio mejor conservado de la antigua Roma.
La construcción del Panteón se realizó en el tiempo de Adriano, en el año 126 d.C. Recibe el nombre de Agripa por haber sido construido donde anteriormente, en el año 27 a.C, se encontraba el Panteón de Agripa destruido por un incendio en el año 80 d.C. Durante los inicios del siglo VII el edificio fue donado al Papa Bonifacio IV quien lo transformó en una iglesia conservándose por ello hasta hoy en día en perfecto estado.
La fachada rectangular, oculta una enorme cúpula con un diámetro mayor al de la Basílica de San Pedro. Está compuesta por 16 columnas de granito de 14 metros de altura, sobre las que se lee la inscripción «M.AGRIPPA.L.F.COS.TERTIVM.FECIT», que significa «Marco Agrippa, hijo de Lucio, cónsul por tercera vez, lo construyó«.
El Panteón, es una perfecta síntesis de armonía e inteligencia constructiva y nadie se atrevió a realizar una obra similar sino hasta el Renacimiento, catorce siglos más tarde. Miguel Ángel se refirió al Panteón como el edificio que tenía «un diseño angélico y no humano».
En la actualidad, este edificio aun conserva su pavimento original de mármol y en las capillas interiores, donde antiguamente se encontraban las estatuas de las divinidades, hoy se encuentran capillas con numerosas obras de arte. Desde el período del Renacimiento, el Panteón ha sido utilizado como sede de la Academia de los Virtuosos de Roma sirviendo de sepulcro a grandes italianos como Rafael de Urbino y los reyes Vittorio Emanuele II, su hijo Umberto I y su esposa Margherita.
La cúpula tiene un diámetro de 43,44 mts, igual a su altura interior de piso a techo, pesa 4.535 toneladas, y lo realizaron sin armadura de acero en su interior. Para aligerar el peso de la enorme semiesfera se optó por cambiar el travertino (la piedra con la que se ha construido prácticamente toda Roma) por una mezcla de piedra pómez y tufo –piedras volcánicas muy porosas- y estrechar el grosor de los muros según se asciende (5,9 metros en la base y sólo 1,5 en el borde del óculo) para luego cubrir el exterior con un hormigón a base de cenizas volcánicas.
Apolodoro de Damasco utilizó el diseño y las técnicas de construcción para hacer más fuerte el cilindro sin necesidad de construir grandes contrafuertes en el exterior (como en los grandes edificios bizantinos como Santa Sofía). La solución fue hacer siete ábsides interiores que crean una superficie con aristas que ayuden a repartir el peso en puntos específicos del suelo. Para hacer los muros alternó ladrillo (creando un esqueleto de arcos y contra arcos que van repartiendo el peso de la cúpula) y hormigón para crear un tambor sólido pero delicado.
El Óculo tiene un diámerto de 9 metros, está permanentemente abierto para dejar pasar la luz y el agua de lluvia, por ello el pavimento de la sala circular es ligeramente curvo, unos 30 cm para conducir la lluvia hacia los canales de desague que estan en todo su perimetro, la forma especial del Óculo crea una corriente de aire ascendente que desmaterializa el agua de lluvia, durante las tormentas copiosas entra un rocio que se filtra por los 22 pequeños agujeros que hay en el suelo.
La cúpula da sentido al edificio y su planta circular es su mayor desafío. Para aligerar el peso de la enorme semiesfera se optó por cambiar el travertino (la piedra con la que se ha construido prácticamente toda Roma) por una mezcla de piedra pómez y tufo –piedras volcánicas muy porosas- y estrechar el grosor de los muros según se asciende (5,9 metros en la base y sólo 1,5 en el borde del óculo) para luego cubrir el exterior con un hormigón a base de cenizas volcánicas. Apolodoro de Damasco utilizó el diseño y las técnicas de construcción para hacer más fuerte el cilindro sin necesidad de construir grandes contrafuertes en el exterior (como sucede, por ejemplo, en los grandes edificios bizantinos como Santa Sofía). La solución fue hacer ábsides interiores que crean una superficie con aristas que ayuda a repartir el peso en puntos específicos del suelo. Para hacer los muros alternó ladrillo (creando un esqueleto de arcos y contra arcos que van repartiendo el peso de la cúpula) y hormigón para crear un tambor sólido y al tiempo ligro y armónico.
La orientación del edificio es una muestra de la pericia romana a la hora de diseñar con sentido simbólico. La puerta del edificio se orienta hacia el norte y el Óculo está especialmente diseñado para que la luz solar entre en el edificio e ilumine el suelo en los equinoccios de Primavera y Otoño. El haz de luz solar del medio día ilumina la entrada cada 21 de abril, día de la fundación de Roma, recorriendo el suelo del templo hasta que lo deja el 20 de agosto. Luego habita en las alturas de la cúpula hasta la llegada de una nueva Primavera.
El Panteon ámbito divino pra recibir a los diosoes, se reconstruye en el mismo lugar en el que en el año 27 d.C. se encontraba el anterior Panteon erigido por Marco Agrippa, debido a que en el 80 d.C. un incendio lo destruyó. Su reconstrución se realizó en tiempos de Adriano en el 126 d,C, Fue donado al Papa Bonifacio IV que lo transformó en Iglesia, una motivo impotante con el cuidado que ha facilirado estar mas de 20 siglos despues en un excelente estado. Aun cuando el Panteón es un monumento histórico, sigue siendo en la actualidad una iglesia en la cual se celebran misas y especialmente matrimonios.
El Panteón está dedicado a los siete dioses celestes de la mitología romana: el Sol; la Luna; Marte; Mercurio; Venus, Júpiter y Saturno.
Una arquitectura de película (2)
Villa Saraceno
El director de cine Giacomo Gatti(3) comenzó hace 6 años, el rodaje de un documental dedicado a Andrea di Pietro della Gondola, que denominó “Arquitecto Vicentino”.
Es en Vicenza donde Palladio construyó 23 monumentos (palacios, edificios civiles y religiosos) y 16 villas en el territorio provincial.
Rescata el llamado “Palladianismo”, difundido en Europa gracias al arq ingles Iñigo Jones (1573 – 1652) y Thomas Jefferson (1743 – 1826) tercer presidente de los Estados Unidos.
Iñigo Jones fue respetado por emplear las reglas de proporción y simetrías difundidas enciclopédicamente por Vitruvio.
Castillo de Nereworth. 1722/25. Arq. Colen Campbell. Kent. Reino Unido
Reconocidas son sus obras Banqueting House en Whitehall, el diseño de la plaza del Covent Garden. Tuvo gran influencia en los arquitectos del siglo XVIII difundiendo el “palladianismo inglés”.
Podemos agregar que hubo ejemplos referenciales como el castillo de Mereworth en el condado de Kent (1723/25) así como la obra de Lord Burlington (1694-1720) con Chiswick House en Londres.
Recuerdo haber escuchado que era “grande para usar de llavero, y muy pequeña para vivir”. Esta en las afueras de Londres cerca de la autopista para salir de la ciudad.
Chiswick House 1727-29
El punto de salida lo marca la escena que reúne en la Villa Saraceno a los “palladianos” actuales, propietarios y residentes de las villas (como los condes Antonio Foscari y Nicoló Valmarana y Cristian Malinverni), expertos, estudiosos y restauradores en un fructífero diálogo durante un banquete, tratando de captar al máximo el universo antiguo y moderno de Palladio.
El film de Gatti consigue explorar el impacto del arquitecto, el estreno fue el 20 de mayo de 2019 en Italia. El cineasta adopta un enfoque itinerante y no lineal, la película de 97 minutos, Palladio: The Power of Architecture, presenta a personas como el historiador y político Lionello Puppi (1931 – 2018), el arquitecto y escritor Kenneth Frampton (1930), el artista George Saumarez Smith o al arquitecto Peter Eisenman (1932) que reflexionan sobre su influencia histórica y su papel en la imaginación arquitectónica mundial.
La película se filmó en Estados Unidos y Europa, con estudiantes y académicos de Yale y Columbia, mientras hablan se intercalan imágenes de la Villa Foscari (La Malcontenta), Villa Capra (La Rotonda) entre otros lugares de Italia.
Palladio fue declarado “el Padre de la arquitectura estadounidense” por el Congreso en el 2010. La Rotonda fue inspiradora de la Villa de Monticello (residencia de Jefferson), una Villa que pude recorrer y de la Universidad de Virginia.
Motovum
He visitado la Villa Foscari, que tan bellamente muestra su mejor cara al canal Brenta.
Fui luego de una Feria del libro de Frankfurt junto al grupo de editores “Motovum” (4), del cual era miembro permanente desde el 2002.
En el 2012, magicamente consiguieron la invitación para que podamos visitar la Malcontenta.
El grupo lleva el nombre de la ciudad Croata Motovum, ésta quedó, en muchos sentidos marcada por la dominación veneciana.
Encuentro de verano en Dresden en el 2006 – estoy agachado a la derecha al lado de un niño, con chaqueta azul-
Pude saber que allí se encuentra el León de San Marcos, el más antiguo de todos, al que llaman León de Venecia, una antigua escultura en bronce de un león alado que está situada en la Plaza de San Marcos en Venecia, desde el siglo XII, es su símbolo.
Tenía unos hermosos robledales, de los que ahora solo quedan menos de 10 hectáreas, ya que la tala masiva para abastecer de madera a Venecia y construír las viviendas sobre pilotes, fue una perdida ecológica, inmensa.
Es propiedad de la familia Foscari, perteneciendo actualmente al arquitecto Conde Antonio Foscari Widmann Rezzonico, responsable de la reciente restauración de la villa, y uno de los arquitectos responsables de la restauración del Palacio Grassi en Venecia.
La Villa Foscari, llamada “La Malcontenta”, es una villa del siglo XVI realizada por Andrea Palladio. Se encuentra en el municipio italiano de Mira, cerca de Venecia. Según la leyenda, el nombre de La Malcontenta se debe a la noble dama Isabel Delfín, esposa de Nicolás Foscari, fue confinada a la villa porque, se alegaba que no cumplía su deber conyugal, y en los salones del patriciado culpaban del hecho a un presunto amorío de la aristócrata con el Dogo de Venecia. Otra leyenda dice que en 1431 ya se llamaba asi, para recordar el descontento de los habitantes de Padua y Piove di Sacco por la construcción del Naviglio del Brenta. Éste era un canal que une la ciudad de Padua con Trento pasando por Bassano del Grappa (donde está el increíble puente de madera de Palladio que he visitado y menciono más adelante).
Antiguo puente de madera que cruza el río Brenta, documentado el original porel cronista medieval Gerardo Mauricio (c. 1173/76 – 1237) el puente actual es un diseño de Andrea Palladio de 1569.
El puente preexistente de 1209 al 1569 era una estructura de madera sobre pilotes cubierto, via de comunicación entre Bassano y Vicenza. El dibujo es el puente que aparece en el libro III de los Cuatro libros de la arquitectura es de 1570.
Hay muchos dibujos de obras de Palladio realizados por Ottavio Bertotti Scamozzi.(5)
En 1567 una inundacion del río Brenta destruyó el histórico puente existente. Requerido Palladio, presentó un puente de piedra con tres arcos siguiendo el modelo de los antiguos puentes romanos, que fue rechazado por el Concejo de la ciudad, su segundo proyecto fue un puente de madera que rememoraba la estructura del anterior, aunque renovada en sus soluciones tecnicas y estructuralres. La cubierta esta soportada por columnas toscanas.
La Rotonda
A La Rotonda la visite en octubre del 2018, en mi viaje a Vicenza de 10 dias, de la mano imprescindible de mi guía Chiara Pesavento (se las recomiendo especialmente chiara.pesavento77@gmail.com). Me hace anticipar el viaje, comenzar buscando información, leyendo pero mucho preguntando, no todos los dias se pueden visitar obras, y una planificación es imprescindibles, asi como recorridos que permitan unir direcciónes cercanas.
En mi cuaderno de viaje de mas de 70 páginas escribi el 12 de octubre de 2018: “…Una hora 50 separa el mundo del modernismo catalán de finales del XIX y principios del XX, de los años del renacimiento (período de transición entre la edad media y los inicios de la edad moderna o entre el descubrimiento de America en 1492 y la revolución francesa en 1789, otros mencionan la caída de Constantinopla en 1453 o la invención de la imprenta en 1440 con Johannes Gutenberg, bueno por ahí andará).
Hacia 1519 muere Leonardo da Vinci, y en 1564 Miguel Angel Buonarroti, faltaba aun un siglo y medio para que la música tonal de Johann SebastianBach (1685 – 1750) reemplazara a la de Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 – 1594).
“Una adhesión a una cultura que reinterpretó la arquitectura romana antigua, Andrea di Pietro, no fue sino a sus 30 años, que junto a su benefactor e ideólogo el noble Giangiorgio Trissino quien imaginó las bases de una nueva arquitectura, es decir una arquitectura de una calidad increíble.
No copió, no trasladó, reinterpretó y propuso un nuevo orden, un lenguaje que la sociedad de la época asumió”.
En ese viaje, estudié y señalé 45 obras de Palladio y otros arquitectos para ver, de las que visitamos unas 25.
Puede escuchar un concierto en el Teatro Olímpico, primer teatro techado del mundo, y el maravilloso escenario de calles fugadas como si de Tebas se tratase.
Villa Sarracedo
Fuimos a ver de los arquitectos Ottavio Bertotti Scamozzi (1719 – 1790) y Francesco Muttoni (1669 – 1747) su Villa Capra en Saracedo, donde “según dicen”, han mejorado la Rotonda (Villa Almerico, Villa Capra o Villa Capra-Valmarana).
No lo vi así, 3 integrantes de la familia propietaria, te vendían las entradas, y prácticamente solos la recorrimos durante un par de horas. En el tímpano pone Horativs Clavdius Capra (Horacio Claudio Capra) se refiere al Conde “para gloria de él y su familia”.
El Conde Capra vendió el pueblo y la villa a Giuseppe Bassani en 1850, familiar por tercera generación de Bruno Fortunato, el actual propietario. La Villa Capra, esta sobre la via Villa Capra, 39, luego de un cerco de madera, se llega a la villa por una avenida, que va subiendo. Está en Cavallino, comuna de Sarcedo, a 22 km de Vicenza, unos 31 minutos conduciendo (¡¡ponen muchas multas en Italia por la velocidad, pague varias, ojo!!, y te llegan o las paga la compañía del alquiler del auto y te las cargan.
La formación intelectual de Palladio, no solo se debió a su mecenas, y a los viajes que realizó, del cardenal FedericoCornaro y de Bárbaro recibió lecciones sobre la antigüedad a través de las traducciones de Vitruvio (c. 80 o 70 a.C. – c. 15 a.C.)o Marco Vitruvio Polión y sus tratados.
Palladio realiza a Federico Cornaro en el Municipio de Piombo, a 30 km de Venecia, una Villa renacentista que lleva el nombre de Villa Cornaro. Se comenzó en 1553, posee un extraordinario pronaos de doble orden (pórtico y logia central). (6)
Las opiniones de Palladio forman parte de su tratado “Los Cuatro Libros”, que tienen su base en las mediciones y registros de la arquitectura de la antigüedad. Ello le permitió evitar una imitación, sino materializar una continuidad. Incorpora su obra descrita y analizada, la que constituye un cuerpo teórico que parte de la práctica. (7)
Y quien era Giangorgio Trissino? pertenecía a una familia noble, poderosa e influyente, desde joven realizó tareas diplomáticas al servicio de 3 papas León X, Clemente VII y Paulo III. Viajó por toda Italia, además de Dinamarca y Alemania.y estudió griego en Milán, filosofía en Ferrara. Sus maestros fueron Demetrio Calcocondilas (8)(1423 – 1511) yNiccolò da Lonigo (1428 – 1514).
Villa Badoer. Via Giovanni Taso,3. En Fratta Polesine, valle del río PO en el Veneto. 1556/1563. Palladio la construye para el magnífico Señor Francesco Badoer
Tanto Calcondilas como Lonigo supieron inculcarle un amor profundo a los clásicos grecolatinos y en especial por la lengua griega.
En sus paseos, Andrea atravesaba la Piazza dei Signori, donde estaba el viejo Palazzo della Ragione, construido en el siglo XV, en cuyo segundo piso estaba el gobierno de la ciudad, e iba de compras a la zona comercial de la planta baja, con grandes ofertas de libros, sedas, joyas y objetos textiles.
Los X libros de la arquitectura de Marco Polión Vitruvio, traducido y comentado por monseñor Daniele Barbaro elegido patriarca de Aquileggia. con ilustraciones de Andrea Palladio y otras atribuidas a Giuseppe Salviati (1520 – 1575). Fue editado por Francesco Marcolini da Forli (1500 – 1559), y publicado en Venecia en 1556. Está impreso con ilustraciones xilográficas. 37,6 x 28,2 x 3,1 cm.
Años más tarde y a raíz de un derrumbe parcial de la Basílica, que estaba en un edificio gótico medieval, se llamó a concurso, como indicaba la costumbre, para que los mejores arquitectos hicieran sus propuestas.
Se presentaron arquitectos de reconocida fama como Sebastiano Serlio (1475 – c. 1554) o Jacopo d’Antonio Sansovino (1486 – 1570).
Se impuso la propuesta de Palladio, proponiendo una Logia del Palacio della Raggione, proponía agregar al edificio una basílica, entendida al modo romano, un lugar de reunión y lonja de negocios, al que agregó un pórtico clásico en la fachada principal que da la Piazza delle Erbe, envolviendo todo en “un cascarón” de mármol blanco”.
Se le pidió un modelo de madera, el cual estuvo expuesto para recibir la aprobación pública, durante tres años. El 1550 se empezó la obra. Palladio en su “Tratado”, dice: “La basílica de Vicenza fue construida según mi fantasía y de acuerdo con mis dibujos. Es original por su disposición y formas graciosas”. En una segunda piel o fachada utilizó un recurso muy novedoso, no utilizado por el mundo clásico, la “ventana palladiana, ventana serlina o ventana véneta”.
Adosando al lateral de cada arco, una pequeña ventana rectangular que enfatiza el espacio central, ocupado por un arco, a la manera de los arcos de triunfo.
Este elemento arquitectónico sería utilizado en todo el mundo, especialmente España, América e Inglaterra además de sus territorios de influencia.
El piso bajo de la Basílica está rodeado de una severa columnata dórica. El principal ya es de orden jónico. En los intercolumnios hay arcos contenidos por columnas menores.
Notas
1
Gian Giorgio Trissino dal Vello d’Oro (Vicenza 1478 – 1550 Roma) fue un poeta, humanista, dramaturgo, filólogo y diplomático del Renacimiento italiano. Propugnó tanto en su famosa Poética de 1529, como en su práctica literaria (su “tragedia Sofonisba” de 1524) seguir las tres unidades aristotélicas: la vuelta a los modelos formales clásicos grecolatinos en temas, estilo, lenguaje y géneros literarios.
2
Datos y referencias de. Descubrir el arte, por Carmen del Vando Blanco 8 de abril de 2018. The Architects newspaper, por Drew Zelba 17 de mayo 2019
3
El documental, dirigido por Giacomo Gatti (autor también de Miguel Ángel, el corazón y la piedra), pone pie en la región del Véneto, cuna de Palladio, y en las Villas que proyectara para las prestigiosas familias del siglo XVI, Palacio Chieracati, Teatro Olímpico, Basílica Palladiana, La Rotonda, Villa Saraceno, Villa Caldogno y Villa Godi Malinverni.
Gatti continúa en Roma con el Panteón que tanto inspiró a Palladio hasta tal punto que su cúpula de hormigón artesonado (hemisférica), llegó a ser un elemento característico de las villas palladianas.
La filmación finaliza en los Estados Unidos, con Wall Street y la Casa Blanca, construidas siguiendo la estela de Palladio hace cuatrocientos cincuenta años.
4
Motovum Group Association (MGA) fundada en 1977 es una comunidad mundial de editores y especialistas en libros, entre ellos fotografos, traductores, diseñadores, comprometidos en fomentar la cooperación y el entendimiento internacional mediante el intercambio de ideas e información. La ciudad de Motovum, en Croacia, fundada en 983 por Otto II en el centro de la Península de Istria fue bastión del Sacro Imperio Romano. Su campanario fue construido en el siglo XIII, un ejemplo de arquitectura colonial veneciana.
Antiguo Castro Romano, o «castrum», que era como los romanos llamaban a los poblados o a las fortificaciones, que en la cima de una colina estaba rodeada de una muralla circular. Motovun tuvo su mayor expansión bajo la dominación veneciana; sus murallas circulares a dos alturas con torres y puertas se construyeron entre los siglos XIV y XVII. Pero, como en toda Istria, las epidemias de peste causaron grandes estragos. Para evitar el contagio, el Senado veneciano puso diez personas para montar la guardia en la ciudadela y autorizo al alcalde a dormir fuera de los muros del pueblo. Las tres partes de la ciudad están conectadas por un sistema de fortificaciones internas y externas con torres y puertas de la ciudad con elementos de estilos románico, gótico y renacentista, construido entre los siglos 14 y 17. Con el MGA, he viajado a la India, Venecia, Dresden, Jaranilla de la Vega, Chioggia, Placencia, entre otros, donde hemos organizado conferencias, visitas a lugare especialmente interesantes para los editores, y realizado acuerdos de coedición
5
Vincenzo Scamozzi, el célebre arquitecto que más de un siglo antes, en 1616 había concertado un legado para permitir a un joven de Vicenza estudiar arquitectura siempre que llevara su apellido. Apoyado por el marqués Capra, Bertotti obtuvo el legado en una fecha que sería antes de 1761.
Traigo este texto de Francesco Milizia
“…Vincenzo Scamozzi, arquitecto de primera, al no tener parientes cercanos, dispuso de su patrimonio de tal manera que cualquiera de su patria que alcanzara la mayor excelencia en Arquitectura pudiera disfrutarlo de por vida, con la obligación de asumirlo. el apellido del benefactor…OttavioBertotti, se convirtió en Scamozzi a juicio de los albaceas, los marqueses Capra…. Pero Vicenzo Scamozzi nunca hubiera esperado que su beneficiario OttavioBertotti Scamozzi… se hiciera famoso celebrando aún más la gloria de Palladio”.
“… OttavioBertotti Scamozzi, después de examinar, comparar y medir exactamente las obras de Palladio, separándolas de las atribuidas a otros les dio una edición magnífica, que honra a los artistas de Vicenza y de toda Italia”.
“Memorias de arquitectos antiguos y modernos”, Imprenta Real, 1781.
6
Dirección Via Roma 104 – Piombino Dese (PD). Iniciada en 1552 y finalizada 1553. Visitas en verano sábado de 15:30 a 18:00 hs. Grupos reserva previa en el Caffe Palladio 049 9365017.
7
Taller UNO, Facultad de arquitectura y Urbanismo. UNLP. La Plata Argentina Arq. Pablo Szelagowski, Pablo Remes Lenicov, María Luisa Sagués.
8
Renacimiento nórdico es un término de la historiografía del arte utilizado para clasificar y describir el Renacimiento europeo al norte de los Alpes, fuera de Italia y con exclusión del renacimiento español.
9
La empresa Magnitudofilm ha realizado los documentales dedicados a Caravaggio, El alma y la sangre y a Bernini y al proyecto cinematográfico “Palladio, el poder de una arquitectura”.
Personajes. Por orden de aparición
– Pietro de la Góndola (Andrea Palladio)
– Giovanni Maria Falconetto. Arquitecto y pintor (Verona, 1458 – 1535 Padua)
– Gian Giorgio Trissino dal Vello d’Oro (Vicenza, 8 de julio de 1478 – 1550 del 8 diciembre Roma,) fue un poeta, humanista, dramaturgo, filólogo y diplomático del Renacimiento italiano.
– Donato di Pascuccio d’Antonio o Donato di Angelo di Antonio, conocido como Bramante (Fermignano c.1443/1444 – 1514 Roma), pintor y arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el “Alto Renacimiento” en Roma. Su obra más famosa fue el planeamiento de la Basílica de San Pedro.
– Leon Battista Alberti (Génova 18 de febrero de 1404 – 1472 del 25 de abril Roma) fue arquitecto, secretario personal (abreviador apostólico) de tres papas (Eugenio IV, Nicolás V y Pío II), humanista, tratadista, matemático y poeta italiano. También fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Sin duda uno de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento.
– Vitruvio o Marco Vitruvio Polión (c. 80 ó 70 – 15 a. C.) fue un arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano del siglo i a. C. Fue arquitecto de Julio César durante su juventud y al retirarse del servicio, entró en la arquitectura civil, siendo de este periodo su única obra conocida, la basílica de Fanum (Italia). Es el autor del tratado más antiguo sobre arquitectura que se conserva y el único de la Antigüedad clásica, De Architectura, en diez libros (probablemente escrito entre los años 27 a. C. y 23 a. C.). Inspirada en teóricos helenísticos –se refiere expresamente a inventos del gran Ctesibio–, la obra trata sobre órdenes, materiales, técnicas decorativas, construcción, tipos de edificios, hidráulica, colores, mecánica y gnomónica (Libro IX).
– Demetrio Calcocondilas Chalkokondyles o Calcocondilo (Atenas agosto de 1423 . 1511 9 de enero de 1511 en Milan) fue un escritor, profesor y gramático griego. Contribuyó al Renacimiento de la literatura griega en Italia. Fue el autor de Erotemata (1493), una celebrada gramática griega, y produjo las primeras ediciones impresas de las obras de Homero (1488) y de Isócrates (1493).
– Niccolò da Lonigo o Leoniceno o afrancesado como Nicolas Léonicène (Lonigo, Vicenza en el Véneto 1428 – 1524 el 5 de junio en Ferrara) fue un célebre médico, helenista, humanista, linguista y botánico italiano. Discípulo del humanista Ognibene Bonisoli (1412 – 1474), con quien aprendió griego. Se graduó en Medicina en la Universidad de Padua en 1453, enseñó filosofía natural y aplicó la filología científica a los textos clásicos, latinos y griegos. El filósofo y teólogo considerado como uno de los más grandes eruditos del Renacimiento Nórdico (8) Erasmo de Roterdam (1466 – 1536) admiró su erudición.
– Erasmo de Róterdam (en neerlandés: Desiderius Erasmus van Rotterdam), (Róterdam o Gouda 28 de octubre de 1466 – 1536 el 12 de julio en Basilea). fue un filósofo humanista, filólogo y teólogo cristiano neerlandés, considerado como uno de los más grandes eruditos del Renacimiento nórdico.
– Daniele Matteo Alvise Barbaro (Venecia 8 de febrero 1514 – 1570 13 de abril Ibid.). Patriarca católico llegó a ser cardenal, humanista. estudioso de filosofía, matemática y óptica.
Conocido como traductor y comentarista del tratado De architectura de Vitruvio y por el tratado de La pratica della perspettiva.
Realizó estudios sobre la perspectiva y su aplicación en la cámara oscura. Hombre culto y de amplios intereses, fue amigo de Andrea Palladio, Torquato Tasso (1544 – 1595) y Pietro Bembo. Encargó a Palladio la Villa Barbaro, en Maser, y a Paolo Veronese (1528 – 1588) numerosas obras, incluyendo dos de sus retratos.
– Paolo Caliari o Cagliari, tambien conocido como Paolo Veronese (Verona 1528 – 1588 Venecia). Hijo de un picapedrero, su nombre lo toma de su ciudad natal, Verona. Pintor, es una figura central del Manierismo veneciano. Son especialmente famosos sus grandes cuadros de fiestas bíblicas, repletos de figuras, pintados para los refectorios de monasterios de Venecia y Verona, y también fue el principal pintor veneciano de techos. La mayoría de estas obras permanecen in situ, o al menos en Venecia, y su representación en la mayoría de los museos se compone principalmente de obras más pequeñas, como retratos. Muchos de los más grandes artistas se cuentan entre sus admiradores, Rubens, Watteau, Tiepolo, Delacroix, y Renoir».
– Torquato Tasso (Sorrento, Nápoles, 11 de marzo de 1544 – 1595 25 de abril Roma). Poeta italiano de la época de la Contrarreforma, conocido por su extenso poema épico Jerusalén liberada, ambientado en el asedio de Jerusalén durante la Primera Cruzada, así como por la locura que le aquejó en sus últimos años. Considerado uno de los cuatro grandes poetas de Italia.
– Sebastiano Serlio (Bolonia, 6 de septiembre de 1475 – c. 1554 Fontainebleau) fue un arquitecto manierista italiano que formó parte del equipo que construyó el palacio de Fontainebleau. Ayudó a clasificar los órdenes clásicos de la arquitectura gracias a su tratado “Tutte l’opere d’architettura et prospettiva”, una de las obras teóricas fundamentales de la arquitectura durante la Edad Moderna.
– Jacopo d’Antonio Sansovino (Florencia 2 de julio de 1486 – 1570 27 de noviembre en Venecia). Arquitecto y escultor renacentista, conocido por sus obras en la Plaza de San Marcos en Venecia. Andrea Palladio, en el Prefacio de sus Quattro Libri, opinaba que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio erigido desde la Antigüedad. La Vita de Sansovino es la única de las escritas por Giorgio Vasari que imprimió separadamente.
– Ottavio Bertotti Scamozzi (Vicenza 1719 – 1790 Ibid.), recibe el legado de Vicenzo Scamozi y su apellido, son famosos por su alta calidad los dibujos de las obras de Palladio. Autor del libro “Le fabbriche e i disegni di Andrea Palladio”.
– Marco Vipsanio Agripa (c.63 a.C – 12 a,C,) fue un importgante general y político romano. Amigo íntimo, colaborador, general y encargado de los asuntos militares de Octavio, el futuro emperador César Augusto. Agripa fue el responsable de muchos de los éxitos militares de aquél. Tuvo a su cargo las reparaciones y mejoras de Roma, el acueducto conocido como Aqua Marcia, y las canalizaciones para abastecer a la ciudad. En el 33 a.C. fue elegido edil, reparo calles, limpio e incementó la Cloaca Máxima, realizó jardines, pórticos y termas, una de las cuales lleva su nombre, Las Termas de Agripa. Augusto encantado con las obras dijo «me he encontrado una ciudad de ladrillo y he dejado una de marmol». he aqui su gran reconocimiento a Agripa.
– Publio Elio Adriano (Itálica o Roma 24 de enero de 76 – 138 10 de julio Bayas). Quiza nació en la ciudad de Hispania Baetica, actual termino municipal de Santiponce en Sevilla, España. Durante su reinado fue conocido como «Imperator Caesar Divi Traiani filius Traianus Hadrianus Augustus, y Divus Hadrianus«. Emperador del Imperio Romano desde el 117 al 138, Culto se destacó por su aficción a la filosofia estoica y epicúrea. Trajano lo prefirio como heredero, le concedió la mano de Pompeya Plotina, ésta junto a Lucio Licino Sura fueron determinantes en su ascenso al trono, en agosto del año 117. Ilustre militar, experto en asuntos bélicos, exccelente administrador y reformador del sistema financiero por conquistas, defensa de las fronteras, mejora de las relaciones diplomaticas con otras naciones paa crear zonas de influencias. Fomento politicas de tolerancia, especialmente los cristianos, mejorando las relaciones con Grecia, y normalizó la situación de los esclavos que eran torturados o asesinados ante un delito contra el dominus, bien de la persona que era propietaria y tenía el derecho sobre una cosa corpórea, con pleno poder sobre ella.
–Apolodoro de Damasco (Damsco c. 60 – 133) fue uno de los más grandes arquitecto e ingeniero de la Antigua Roma de origen sirio-romano (ascendencia griega), conocido con los sobrenombres el Damasceno y el Mecánico. Diseñó monumentales obras para el emperador Trajano, como el Puente de Trajano sobre el río Danubio en el año 104. los mercados del Quirinal en Roma, las Termas y el Foro de Trajano, que incluye la basílica Ulpia, el mercado de Trajano, además de puertos, arcos triunfales y otras obras públicas. Una de sus obras más conocidas es la imponente columna de Trajano, estructura de treinta metros de altura y cuatro metros de diámetro, completamente tallada, que narra la historia de la victoria de Trajano en la guerra contra los dacios.
La columna se inauguró en el año 113. Construida en mármol, en la cúspide se encontraba una estatua en hierro de Trajano. Algunos señalan que se trataba de un águila, símbolo de Roma, pero actualmente muestra una estatua de san Pedro. Se le atribuye el panteón de Agripa, una de las pocas muestras de arquitectura de la Antigua Roma cuya estructura todavía se conserva en buen estado.
–Iñigo Jones (Londres 1573 – 1652 Ibid) arquitecto inglés. al ser nombrado «surveyor» del príncipe de Gales, pasó al servicio de lord Arundel. Entre sus obras mas importantes podemos mencionar Queen’s House de Greenwich (1616-1618 y 1629-1635), la capilla de Somerset House (1638), destruida en 1775, la Queen’s Chapel de Saint James Palace (1623-1627) donde utiliza motivos serlianos, el Castle Ashly y su obra maestra, la Banqueting House de Whitehall (1619-1622) donde se relaciona directamente con Palladio, Jones pretendía que la obra pareciera un trozo de la antigua Roma trasladado a Whitehall, lo ha conseguido.
Banqueting House de Whitehall
Con Inigo Jones, comienza una influencia en el arte de Inglaterra durante más de dos siglos. Junto con Christopher Wren, Inigo Jones fue el arquitecto que configuró la arquitectura británica del siglo XVII. sus propuestas de un clasicismo diferente hace apartar el gótico tardío que perdura en el arte inglés en las primeras décadas del siglo XVII y del modelo del barroco italiano. Con un gran conocimeinto introdujo las fórmulas del Renacimiento italiano, en especial las derivadas de Palladio, en la arquitectura inglesa. Realiza un primer viaje a Italia alrededor de 1596, años mas tarde en el 1613 vuelve a Italia con el grupo del coleccionista Arundel. Se quedan 1 año para estudiar la obra de Andrea Palladio, conocer su tratado –Los cuatro libros de arquitectura (1570)- y observar las ruinas romanas.
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En los últimos años he escrito ocho capítulos acerca de la arquitectura del Arq. Carlo Scarpa, sus pensamientos y teorías.
Creo que tiene la entidad de un libro, tiene conceptos de lo que mejor he podido documentarme, leyendo, estudiando y visitando alguna de sus obras.
Pero la gran cantidad de visitas que estos capítulos originaron en el blog, más de 137.077 lecturas, me llevan a decidir no editarlo en papel y ponerlo a vuestra disposición, con mucho cariño, tanto como el que he dedicado a escribirlo.
Los sonidos de Andrea Palladio (deje el bosquejo con una L, me parece mas inocente dejarlo asi, sin corregir la doble l. no tan inocente escribirlo mal).
Un no libro sobre Andrea Palladio
En los últimos años he escrito catorce capítulos acerca de la arquitectura del Arq. Andrea Palladio y sus pensamientos y teorías.
Creo que tiene la entidad de un libro, tiene conceptos de lo que mejor he podido documentarme, leyendo, estudiando y visitando gran parte de sus obras.
Pero la gran cantidad de visitas que estos capítulos originaron en el blog, más de 129.376 lecturas, me llevan a decidir no editarlo en papel y ponerlo a vuestra disposición, con mucho cariño, tanto como el que he dedicado a escribirlo.
Onlybook.es/blog
Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz
Andrea Palladio. Los tratados de arquitectura. 12 junio 2016
Puede interesarte este tema, por lo que te envío una sugerencia de Hugo K: Andrea Palladio. Los Tratados de Arquitectura. https://onlybook.es/blog/andrea-palladio-los-tratados-de-arquitectura/
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Hotel Ronda Nuevo. Calle Ruedo Doña Elvira 29400 Ronda
Distancia desde Ronda a Zahara de la Sierra 37 km
Setenil de las Bodegas
Uno de los pueblos blancos cerca de Ronda, gran parte de sus casas han sido construidas bajo una roca saliente.Es un pueblo pequeño, se recorre en una mañana.
Caminar por la famosa Calle Cuevas del Sol donde se sitúan algunos bares y restaurantes ya sea para comer o solo tapear.
Grazalema
En el punto más alto de la Sierra de Grazalema se encuentra un pequeño pueblo de casas blancas, con estrechas calles y una vista inigualable. Su casco histórico ha sido reconocido como Conjunto Histórico.
La lista de rincones que se pueden visitar
La Iglesia de Nuestra Señora de la Aurora, la Parroquia de la Encarnación y el Puerto de las Palomas.
Distancia desde Zahara de la Sierra a Arcos de la Frontera 45 km.
Arcos de la Frontera
Arcos de la Frontera
1 dia
Parador de Arcos de la Frontera
Distancia desde Arcos de la Frontera a Cádiz 65 km
Cádiz
2 o 3 dias
Distancia desde Cádiz a Sevilla 120 km
Sevilla
2 dias
Distancia desde Sevilla a Córdoba 134 km
Córdoba
1 dia
Distancia desde Córdoba a Madrid 410 km.
Enjoy
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A todos estos lugares se puede ir en auto, taxi, buses, trenes, por agencias de turismo.
Lugares cercanos
1
Patones de arriba (Interés 10/10)
A 68 km de Madrid por la A-1 (1 hora)
En 1555 Patones de Arriba ya existía, tenía 7 vecinos, y era dependiente de Uceda. Hubo reyes del pueblo hasta 1750, que se pidió que empezara a haber alcalde, los reyes eran hereditarios.
Arquitectura negra: Patones de Arriba ofrece una de las muestras más representativas de arquitectura negra de la Comunidad de Madrid.
Mediante esta denominación se conoce un tipo de arquitectura rural que emplea como elemento constructivo principal la pizarra, roca muy abundante en la zona.
Casi todos los edificios de Patones de Arriba están levantados con este material, incluso las construcciones y reconstrucciones llevadas a cabo en las últimas décadas del siglo XX.
Video
Reservar para quedarse a almorzar, las especialidades son el cordero y el cochinillo.
Domingo muy concurrido, dificil aparcar cerca.
2
Chinchon(7/10)
A 44 km de Madrid. 45 minutos
Chinchón es un municipio que se encuentra en el sureste de la Comunidad de Madrid, en la comarca de Las Vegas.
El municipio tiene una superficie de 115,9 km² y cuenta con una población de 5240 habitantes En 1974 su casco histórico, con una notable Plaza Mayor, fue declarado Conjunto Histórico-Artístico.
Meson Cuevas del Vino
Llegar en auto o en transporte publico:
Línea 337: Madrid (Conde de Casal) – Chinchón – Valdelaguna
Línea 416: Valdemoro (Hospital) – San Martín de la Vega – Titulcia – Colmenar de Oreja.
Línea 430: Aranjuez – Villarejo de Salvanés
Hasta 1480, momento en que se convierte en señorío concedido a los marqueses de Moya, Andrés Cabrera y Beatriz de Bobadilla, este territorio rendía cuentas a los concejos y arzobispados de Segovia y Toledo.
En esta época, y en reconocimiento de los marqueses al apoyo militar a la causa de Isabel en su lucha por el trono de Castilla, fueron concedidos 1200 vasallos y un extenso territorio al sur de la jurisdicción de Segovia que incluía el término de Chinchón. Fue entonces cuando se construyó el castillo de Chinchón, de estilo renacentista.
3
Toledo(10/10)
A 72,3 km de Madrid. 1 hora)
Toledo es una antigua ciudad ubicada en una colina sobre las llanuras de Castilla-La Mancha, en España central. Es la capital de la región y es conocida por los monumentos medievales árabes, judíos y cristianos en su ciudad antigua amurallada. También fue la antigua casa del pintor manierista El Greco (1541 – 1614). La Puerta de Bisagra, de estilo morisco, y la Puerta del Sol, de estilo mudéjar, llevan al barrio antiguo, donde la Plaza de Zocodover es un animado lugar de reunión.
La Catedral gótica de Toledo domina el horizonte de la ciudad y cuenta con la compleja obra «El Transparente» de Narciso Tomé en el altar, frescos de Juan de Borgoña y obras de Goya y El Greco. La Casa-Museo de El Greco tiene su propia colección de obras del artista, mientras que el monasterio gótico San Juan de Los Reyes del siglo XV tiene abundantes adornos de arte de fines del período medieval. La mezquita de Cristo de la Luz se construyó en el año 999, y la sinagoga de El Tránsito del siglo XIV alberga el Museo Sefardí. Fuera de sus murallas, la fortaleza de Alcázar tiene un patio de estilo italiano, almenas y un museo militar, y el puente romano de Alcántara cruza el río Tajo.
Perderse (literalmente) por sus calles.
En verano hace MUCHOOOOO calor. Llevar y beber mucha agua.
Tiene muchas subidas, es hermosa, pero en sus subidas y bajadas esta “la penitencia”. Hay desde una de las entradas unas escaleras mecánicas para subir arriba de todo.
4
Segovia (8/10)
A 96,7 km de Madrid A6 y AP61
Mesón Candido
El acueducto de Segovia es un acueducto romano que llevaba aguas a la ciudad española de Segovia. Su construcción data de principios del siglo II d. C., a finales del reinado del emperador Trajano o principios del de Adriano.
Comer cochinillo en el restaurante Dionisio Duque, fundado en 1895. sobre la calle real, a pocos pasos del Acueducto, o en Mesón Cándido (lo atiende la tercera generación), pedir mesa con ventana que de al Acueducto, esta pegado a él.
5
El Escorial (8/10)
A 62,5 km de Madrid. 1h10 por A-6
El Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial es un complejo que incluye un palacio real, una basílica, un panteón, una biblioteca , un colegio y un monasterio. Se encuentra en la localidad española de San Lorenzo de El Escorial, en la Comunidad de Madrid, y fue construido entre 1563 y 1584.
Recorrerlo caminando.
Ver:
Se lo conoce también como Monasterio de San Lorenzo El Real, o sencillamente, El Escorial
Dirección: Av Juan de Borbón y Battemberg, s/n, 28200 San Lorenzo de El Escorial, Madrid
Teléfono: 918 90 50 11
Arquitecto: Juan Bautista de Toledo. , fue ideado en la segunda mitad del siglo xvi por el rey Felipe II, tambien intervinieron posteriormente Juan de Herrera, Juan de Minjares, Giovanni Battista CastelloEl Bergamasco y Francisco de Mora.
La Casita del Infante, o «de Arriba» fue construida por el arquitecto neoclásico Juan de Villanueva entre 1771 y 1773 como casa de campo para el infante don Gabriel de Borbón (1752-1788), hijo predilecto del rey Carlos III y hermano de Carlos IV.
La Casita del Principe, o Casita de Abajo es una de las residencias de la familia real española. Es un edificio del siglo XVIII, en 1931 fue declarada Bien de Inerés Cultural. Fue construída como pabellón de recreo para uso de Carlos IV, por entonces Príncipe de Asturias, fue realizada en dos fases constructivas.
La primera fase, entre octubre de 1771 y 1773, y la segunda entre octubre de 1781 y diciembre de 1784 que se termina el ala oeste, con el salón y la pieza ovalada.
Silla de Felipe II es un conjunto de plataformas escalonadas labrados en granito. Según la tradición, sirvió de observatorio a Felipe II durante la construcción del monasterio de El Escorial. No obstante, las teorías más verosímiles apuntan a que se trata de un nemeton o altar de sacrificios de origen vetón, palabra que del latin significa «los saqueadrores», época prerromana, siglo V a.C.
Real Club de Golf La Herreria
Golf y monasterio
Se puede comer y tiene una hermosa vista de El Escorial.
Museo Cocheras del Rey, Calle del Rey, 41, 28200 San Lorenzo de El Escorial, Madrid.
sábados de 11 a 14 y 15 a 19, domingos de 11 a 14 y de 15 a 18 hs. cerrado de Lunes a Viernes.
También
Alcalá de Henares
A 50 km 34,3 km
Alcalá de Henares es una ciudad situada al nordeste de Madrid. Es conocida por la Universidad de Alcalá, que se encuentra en edificios del casco antiguo que datan del siglo XVI. Entre ellos destaca el paraninfo, un salón con un elaborado techo de estilo mudéjar, donde el rey de España entrega el premio Cervantes de literatura todos los años. Cerca de allí se encuentra el Museo Casa Natal de Cervantes, donde vivió el famoso autor de El Quijote.
Avila
A 114 km de Madrid. 1h23 por A6 y AP6
Ávila está al oeste de Madrid
Punto de encuentro al patrimonio, a la historia, al arte, a la religión, a la cultura, a lo místico, a la naturaleza, a las fiestas y a la gastronomía.
La ciudad vive su época dorada en el s. XVI, siendo centro de lo místico y espiritual, se va del gótico al renacimiento y del manierismo al barroco.
Lo mas importante:
La Muralla de Ávila. medieval. Su perímetro es de 2516 m, tiene 2500 merlones, 87 torreones, 9 puertas y un par de porteras. Es el recinto amurallado mejor conservado de todo el mundo.
Se la puede recorrer en una buena extensión con vistas maravillosas
Y La Catedral. Es la primera catedral de estilo gótico de España. La misma se levantó en los restos de una anterior
Además se puede ver:
La Basílica de San Vicente. Construida a extramuros, según la tradición. La basílica es un buen ejemplar del románico en Ávila. Fue hecha con granito caleño.
El Real Monasterio de Santo Tomás. Construido durante el mecenazgo de Hernando Núñez de Arnalte, de 1482-1493. Posteriormente, los Reyes Católicos ordenan construir un palacio alrededor del claustro oriental.
El Convento y el Museo de Santa Teresa.
El Monasterio de la Encarnación. Fundado en 1478 en el interior del recinto amurallado.
La Casa de los Deanes. Es una casa señorial de estilo renacentista que data del s. XVI. Fue la residencia del Deán de la catedral.
La Iglesia de Santo Tomé El Viejo. Edificio religioso del s. XII construido en granito caleño. Se destaca su decoración que combina lo figurativo, lo vegetal y lo geométrico.
El Palacio de los Superunda. El edificio es de estilo renacentista, construido alrededor de 1580 por Pedro Ochoa Aguirre.
La Iglesia de San Pedro. Se encuentra en la plaza del Mercado Grande, con cierta similitud a la basílica de San Vicente.
El Convento de San José. Convento caracterizado por su sencillez y austeridad.
Los Cuatro Postes. Así se le conoce popularmente a la pequeña ermita de San Sebastián. Se encuentra al lado izquierdo del río Adaja, en las afueras de la ciudad. El nómbrelo recibe por las monolíticas columnas de orden dórico que están unidas por un arquitrabe.
Ciudad Real
En Madrid ciudad
– Recomiendo un tour con los buses, descansas mirando y va a los lugares donde uno quiere visitar, y te llevan, subís y bajas)
– Pasear y vagar sin rumbo fijo, como un Flâneur, al decir del filósofo Walter Benjamin (1892 – 1940) a partir de una poesía de Charles Baudelaire (1821 – 1867) y dibujos de mi buen amigo Edgardo Minond, por el Madrid de los Austrias, de los Borbones.
– EL RASTRO. Ir el domingo. Van junto y alrededor tuyo muchos “cacos”, cuidar MUCHO las mochilas billeteras, etc).
– Pasear por la “remodelada” Gran Vía.
– Entrar en la estación de Atocha y ver su jardín tropical, es gratis entrar. Lo diseño el Arq. Rafael Moneo (el mismo del Museo Thyssen Bornemisza (entre otros como el Museo de Mérida, etc.).
– Plaza Mayor ( para mí, luego o junto con la de Bruselas, una de las mas hermosas) y saliendo por unas de sus puertas el mercado de San Miguel
– Pasear por el parque del Retiro, al final de la calle Serrano, los domingos hay mucho cantante y espectáculos circenses callejeros. Visitar el Palacio de Cristal.
– Caminar por el Paseo del Prado. Empezando por Plaza Cibeles, a la izquierda El Correo, luego El Prado, Thyssen Bornemisza, Caixa Forum, finalizar en el reina Sofía y Atocha
– Compras por calle Serrano y si te da el cuero por la avenida Ortega y Gasset
– Ver el Palacio de CORREOS, del Arq. Antonio Palacios Ramilo (1874-1945), y adelante la fuente de las Cibeles (donde cuando Messi lo deja, festeja el real Madrid)
– barrios de Chueca, Lavapiés (cerca del Reina Sofía), Malasaña
Pasear por el parque de Madrid Río (se puede alquilar una bici normal o eléctrica).
Palacio de Correos. Cibeles
Y al lado el MATADERO. el antiguo matadero y mercado municipal de ganados.
En la Plaza de Legazpi está el metro, y buses.
Ver que actividades tienen, hay 2 teatros, cine de autor y exposiciones, restaurantes.
Esta pegado al enorme parque Madrid Rio, alquilan bicicletas asistidas y normales para recorrerlo.
Tiene 121 hectáreas, muy bien diseñado, ajardinado, cuidado y visitado, su coste (la autopista M 30 con cientos de miles de autos circulando en trinchera, enterrada), su coste fue de siete mil millones de euros.
Ver los 2 puentes hechos por Daniel Canogar (1964), sobre el rio (si así se lo quiere llamar a ese hilo de agua) Manzanares.
“Constelaciones» es una instalación pública permanente realizada sobre los techos abovedados de dos nuevos puentes peatonales que cruzan el río Manzanares.
En su conjunto reunen más de 6.5 millones de teselas.
Las teselas son piezas de forma cúbica, hechas de rocas calcáreas, vidrios o cerámicas, muy cuidadas y elaboradas, de distintos tamaños, el artista las arma como un rompecabezas, distribuyendolas por forma y color, fijándolas con un aglomerante de la serie MIKRA.
Estos 2 colosales murales representan fotográficamente a vecinos de los dos barrios que los puentes unen. Estos vecinos han sido fotografiados para que aparenten estar flotando en el aire.
La obra remite a la representación ingrávida de la figura humana en frescos y mosaicos sacros del pasado.
Los pixeles de las fotografías tomadas por el artista se transformaron en las teselas de estos murales, confluyendo de esta forma técnicas antiguas con procesos contemporáneos.
Puente de Arganzuela (2008-2011). Puente Pasarela
En Madrid Rio, está la pasarela más moderna sobre el Manzanares: el Puente Monumental de Arganzuela.
Puente sobre el Manzanares. Madrid Rio
Puenete peatonal, diseñado por el arquitecto francés Dominique Perrault (1953). Se constyruyó en el 2011 y tiene toques futuristas. Su doble espiral de metal en forma de tirabuzón con dos brazos, cubiertos por una malla metálica que brilla durante el día y se ilumina por las noches mediante farolas que recrean pájaros y mariposas, hacen de este puente no sólo el más original sino uno de los iconos arquitectónicos de Madrid.
Dominique Perrault, es profesor en la Escuela Politécnica Federal de Lausanne, miembro del Consejo científico del Atelier Internacional del Gran París desde 2012. Ganó en 1989 el primer premio de la Biblioteca Nacional de Francia, autor del velódromo y de la piscina olímpica de Berlín, de la ampliación del Tribunal de Justicia de la Unión Europea en Luxemburgo, del Centro Olímpico de Tenis en Madrid, del campus de la Universidad femenina Ewha en Seúl y de la torre Fukoku en Osaka.
Se ocupa de rehabilitación patrimonial, como el hipódromo de Longchamp en París, el pabellón Dufour en el Palacio de Versalles o la de la Oficina de Correos del Louvre en París. En el 2014 ha inaugurado la torre más alta de Viena, icono del nuevo barrio de negocios de la capital austriaca, así como el Gran Teatro de Cordeliers en Albi en Francia.
Madrid Rio
Dentro de un paseo de cinco kilómetros, los que separan el Puente de la Reina Victoria del espacio cultural de Matadero, se descubren rincones y, cinco puentes monumentales. Puente de la reina Victoria,construido en arco entre 1908 y 1909 con toques modernistas y barandilla de hierro enfrente de la Ermita de San Antonio de la Florida, para ver los frescos que Goya pintó en su interior a finales del siglo XVIII y la tumba donde está enterrado, la entrada es gratuita.
Puerta del Rey y el monumental puente del mismo nombre, una pasarela peatonal de 1816 que comunica el Campo del Moro (los jardines del Palacio Real) con una de las entradas a la Casa de Campo. Allí está el Palacio de los Vargas, edificio renacentista de 1519 (hoy de propiedad municipal), la fuente monumental y una zona de viveros y huertas con un mirador.
El Puente de Segovia, el más antiguo de la capital de 1574, en época de Felipe II. Obra del arquitecto mayor Juan de Herrera (1530-1597), autor del Monasterio de El Escorial. Compuesto por nueve ojos en arco de medio punto y sillares de granito, tiene 172 metros. con 75 arcos simples, 44 arcos dobles, seguidos de cuatro arcos simples, 167 arcos en total.
En la otra orilla se puede ver la pequeña Ermita de la Virgen del Puerto de 1716. Ya dentro de Madrid Río, y transitando zonas arboladas se llega, algo más de dos kilómetros después, al impresionante Puente Toledo (peatonal), de estilo barroco churrigueresco construido entre los años 1718 y 1732 con nueve ojos de medio punto con sillares de granito. Tras cruzar el Puente de la Reina, construido en arco entre 1908 y 1909 con toques modernistas y barandilla de hierro, se llega al paseo peatonal de la Ribera del Manzanares.
Museos
Del Prado
Paseo del Prado, s/n, 28014 Madrid
Ampliación realizada por el arq. Rafael Moneo (1937) y actualmente realiza otra ampliación (gano elconcurso de 2016) de 5.700 m2 el Arq. Norman Foster (1935) y Carlos Rubio Carvajal (1950).
La reforma es sobre un edificio existente «el Salón de Reinos» que junto con el Casón del Buen Retiro, son los úñltimos vestigios que quedan del Palacio Real del Buen Retiro, construído entre 1633 y 1639.
Se realizó bajo el reinado de Felipe IV, sobre el proyecto del arq Giovanni Battista Crescenzi (1577 – 1635).
Horarios de Lunes a Sabado de 10 a 20 hs. Domingos de 10 a 19 hs.
Museo Nacional Reina Sofia
Calle de Santa Isabel, 52, 28012 Madrid
Ampliación arq. Jean Nouvell.
Lunes a sábado de 10 a 21 hs. (martes cerrado) domingo de 10 a 19 hs.
La entrada es gratuita los lunes, miércoles, jueves, viernes y sábado de 19h a 21h y los domingos entre las 13:30 horas y las 19 horas
El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza es una pinacoteca de maestros antiguos y modernos
Paseo del Prado, 8, 28014 Madrid
Martes a domingo de 10 a 19 hs. Lunes de 12 a 16 hs.
Caixa Fórum
Arq. Herzog & de Meuron (reforma 2002)
La sede de CaixaForum Madrid es un antiguo edificio de tipo fabril, la antigua Central eléctrica del Mediodía de 1900 a nombre del empresario José Batle.
Con fachadas de ladrillo, se hallaba encajonado entre calles estrechas.
La fachada lateral de un bloque anexo quedaba al descubierto, y fue embellecida mediante un espectacular tapiz vegetal, conformado por cientos de plantas que se mantienen vivas mediante un sistema de riego oculto, creación de Patrick Blanc en 2008.
Escuelas Pías de San Fernando (Sede UNED)
Calle de Tribulete, 14. Madrid. a 10 minutos andando desde el Museo Reina Sofia por el encantador barrio de Lavapies, recorrer la calle argumosa, llena de bares y restauranes. Lunes a Viernes de 9,15 a 21,45 hs. sábados y domingos cerrado.
Se conserva parcialmente en ruinas, fue el primer colegio que hubo en Madrid de la orden de los Escolapios.
Fundado en 1729, el colegio tenía como objeto la educación de niños pobres.
Construida entre 1763 y 1791 por el hermano Gabriel Escribano y destruida durante los primeros días de la Guerra Civil, en 1936.
El edificio fue totalmente reformado como sede de la UNED, dotándose de una gran biblioteca, auditorios, salones de actos…y revitalizando culturalmente el castizo barrio de Lavapiés.
El edificio diseñado por José Ignacio Linazasoro (1947) se desarrolla en las ruinas de la iglesia de las antiguas Escuelas Pías de San Fernando, destruida durante la Guerra Civil, y en el solar adyacente. La intervención se plantea como una actuación urbana reordenando la Plaza de Agustín Lara y creando un aparcamiento bajo ésta. El edificio alberga un Aulario Universitario que ocupa el solar vacío, y una Biblioteca situada en las ruinas.
Ermita de San Antonio de la Florida
Gta. de San Antonio de la Florida, 5, Moncloa – Aravaca, Madrid.
Una ermita situada en el distrito de Moncloa-Aravaca que alberga, magníficas obras de Francisco de Goya pintadas a finales del siglo XVIII.
Fue declarada Monumento Nacional en el año 1905 para su correcta conservación.
Allí está la tumba de Francisco de Goya desde 1919.
Museo Lazaro Galdiano
Av. Serrano 122.
El Museo Lázaro Galdiano, en Madrid, es un museo estatal de origen privado, que alberga una amplia y heterogénea colección, formada con interés enciclopédico hacia todas las artes y técnicas. Este excepcional conjunto, constituido por más de 12 600 piezas, fue reunido por el coleccionista y editor José Lázaro Galdiano (1862 – 1947) quien al morir lo lega al Estado español junto con su residencia madrileña, la sede de su editorial La España Moderna y una biblioteca de 20 000 volúmenes.
Tras crearse la Fundación Lázaro Galdiano y adaptarse como museo la antigua residencia del donante (Parque Florido, en el barrio de Salamanca de Madrid), la colección se presentó al público el 27 de enero de 1951
Entre sus obras de arte más valiosas destaca el conjunto de pinturas, dibujos y grabados de Goya, con piezas mundialmente conocidas como El aquelarre o Las brujas, encargadas por los duques de Osuna (1797-1798). El Bosco, Lucas Cranach el Viejo, El Greco, Murillo, Zurbarán, Claudio Coello, Luis Paret o Federico de Madrazo, así como una miniatura en pergamino de Giulio Clovio y dos bronces de Giambologna. Pero posiblemente la obra más singular del museo es la pintura sobre tabla El Salvador joven, realizada en el taller de Leonardo da Vinci a partir de un diseño perdido del maestro.
El Museo Sorolla es un Museo Nacional español ubicado en un palacete del Paseo del General Martínez Campos, emplazamiento que serviría de taller y vivienda a Joaquín Sorolla y Bastida (1863 – 1923) junto a su mujer y tres hijos.
Dirección: Paseo del General Martínez Campos, 37, 28010 Madrid
Inaugurado el 11 de junio de 1932.
Lunes cerrado. Martes a sábado de 9,30 a 20 hs y los domingos de 10 a 15 hs.
La iglesia de San Antonio de los Alemanes, se ubica en la esquina de las calles Puebla y corredera baja de San Pablo.
Estilo barroco madrileño, diseñada por Pedro Sanchez. está enteramente pintada al fresco, tanto la cúpula elipsoidal que lo cubre como la unidad de ésta con las paredes. Es impresionante ver la decoración pictórica que cubre toda la superficie interior del edificio.
El interior de la iglesia es un perfecto ejemplo de ilusionismo barroco, en el que la pintura al fresco se une a la arquitectura y las esculturas de los retablos para crear un efecto de lujo, movimiento y colorido.
Tiene frescos de Luca Giordano (1634 – 1705) y Francisco Ricci (1614 – 1685). Giordano fue pintor de la corte y trabajo en el Palacio Real y el Palacio del Buen retiro. Ricci vino a Madrid a tranajar en el Monasterio del Escorial. Tambien intervino Juan Carreño de Miranda(1614 – 1685),
Su construcción comenzó con la aprobación del proyecto arquitectónico en 1624 durante el reinado de Felipe IV (1621-1640) y no finalizaría hasta inicios del siglo XVIII. Cerca de la Plaza Mayor. Metro estación Callao (L3 y L5), estación Gran Via L1 y L5 y Estación Noviciado L2, L3 y L10. Lunes a Sábado de 10,30 a 14 hs.
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Puede interesarte este tema, por lo que te envío una sugerencia de Hugo K: Florencio Molina Campos.
Asppan y Onlybook asi como H Kliczkowski, obtienen varios premios editoriales en 2002 el “Best Selection from Japan Library Association); 2003 (100 años premios FAD), Integrante de la exposición itinerante 100 % Disseny Catalá; 2004 (Selección en la XXI Salón del Libro Infantil en Lleida ); Selección en la semana del Libro Infantil y Juvenil;2004 ( Selección premios Daniel Gil de diseño editorial categoría ilustración/fotografía); 2005 1er premio Best Wine history book; 1er premio Sapain and rest of the world; 1er premio Best wine Literature Book; 2005 Gourmand World Cookbook awards 2005, etc.
La Norman Foster Foundation ha presentado el primer Máster en Ciudades Sostenibles desarrollado en colaboración con la UAM (Universidad Autónoma de Madrid). Información pública y publicada del Master.
El objetivo del Máster UAM-NFF ‘On Sustainable Cities’ es formar a estudiantes de diferentes disciplinas en el “desarrollo sostenible de las ciudades” a través de distintas estrategias de futuro.
En el primer año académico serán las ciudades europeas de Atenas, San Marino y Bilbao; extendiéndose, en años posteriores, a ciudades de otros continentes.
La presentación ha girado en torno a ideas y estrategias para afrontar los desafíos a los que se enfrentan las ciudades, y ha tratado temas como la arquitectura, la política y el cambio climático. Estuvieron presentes la rectora Amaya Mendikoetxea y la vicerrectora de Estudios de Posgrado de la UAM Isabel Alonso.
El Máster UAM-NFF On Sustainable Cities, cuyo programa académico comenzó en enero del 2024, formará a treinta estudiantes de posgrado procedentes de los cinco continentes interesados en liderar las ciudades del futuro. Los estudiantes tienen una diversidad de procedencia, formación, antecedentes y perspectivas.
El programa combina la enseñanza impartida por académicos y profesionales, la experiencia real en el campo de trabajo y el contacto directo con los equipos que gobiernan las ciudades colaboradoras en el programa.
El Máster de un año de duración, ofrece al estudiante un laboratorio tecnológico de vanguardia dotado con herramientas avanzadas de análisis de datos, predicción, visualización, inteligencia artificial, realidad virtual y realidad aumentada, esenciales en esta especialidad donde la tecnología juega un papel crucial para el análisis y predicción de diferentes variables en la evolución y sostenibilidad de las ciudades.
El Programa en Ciudades Sostenibles utiliza el uso de criterios objetivos para evaluar el rendimiento urbano y promover iniciativas que mejoren la calidad de vida mientras se reduce la huella de carbono.
Para su diseño, se han integrado diferentes indicadores, incluyendo los Objetivos de Desarrollo Sostenible de las Naciones Unidas, en la que Norman Foster ostenta el cargo de advocate of the Forum of Mayors y en donde la Norman Foster Foundation es Centro de Excelencia.
Inauguración del Norman Foster Institute
El programa ideado para la presentación del Máster ha tenido como moderador a Tim Stonor (1968). (1)
En la primera sesión se han presentado y debatido ponencias por parte de Norman Foster. (2)
Kent Larson(3)
Kent Larson
Edgar Pieterse (1968). (4)
Edgar Pieterse
Y Dava Newman (5)
El programa continuó con otras ponencias y debates a cargo de representantes de las tres ciudades que son objeto de estudio dentro del máster.
“La mayoría de los científicos coinciden en que el ritmo acelerado del cambio climático exige que no solo diseñemos entornos neutros en carbono, sino entornos negativos en carbono, cada vez está más claro que serán necesarias medidas mucho más agresivas para evitar que la temperatura media del planeta aumente menos de dos grados centígrados, punto a partir del cual todas las especies del planeta estarán sometidas a un riesgo extremo”. Vishaan Chakrabarti.
y Beatriz Corredor (1968). (11)
También intervinieron Glyn Richards. (12)
Y Bret Stephens, periodista, editor, y columnista en The New York Times.
Bret Stephens
Tras el evento de la mañana, la Norman Foster Foundation presentó el primer debate público del Norman Foster Institute, Cities Beyond Earth.
Sirvió para analizar la relación entre las colonias espaciales y la sostenibilidad de las ciudades de la Tierra.
Máster de Formación Permanente en Ciudades Sostenibles
En un mundo en el que la urbanización exponencial se enfrenta, más que nunca, a grandes dilemas ambientales, sociales y económicos, la importancia de las políticas sostenibles cobra un peso sin precedentes. Los gobiernos, organizaciones y ciudadanos deben adoptar un enfoque sistemático y eficaz para abordar estas cuestiones.
El Máster de formación permanente en Ciudades Sostenibles, está diseñado para ayudar a los líderes de las ciudades del futuro a adquirir los conocimientos y herramientas de implementación de políticas sostenibles que puedan mejorar la calidad de vida en las ciudades. Combina la enseñanza impartida por académicos y profesionales, la experiencia real en el campo de trabajo y el contacto directo con los equipos que gobiernan las ciudades colaboradoras en el máster.
Notas
1
Miembro del Advisory Board Norman Foster Foundation Madrid y director de Space Syntax de Londres.
2
Presidente de la Norman Foster Foundation y co-director del Norman Foster Institute Madrid, advocate of the United Nations Forum of Mayors, fundador y presidente de Foster + Partners.
3
Co-director del Norman Foster Institute, miembro del Advisory Board de la Norman Foster Foundation Madrid, director de City Science Group del Massachusetts Institute of Technology (MIT) Media Lab.
4
Rector del Norman Foster Institute, director y fundador de African Centre for Cities (ACC) de la University of Cape Town, Ciudad del Cabo, Sudáfrica.
5
Decana honoraria del Norman Foster Institute, director del Massachusetts Institute of Technology (MIT) Media Lab, Cambridge.
6
Presidente de la Agencia de Desarrollo de Atenas.
7
Área de Euskera, Atención y Participación Ciudadana, Agenda 2030 e Internacional, Bilbao.
8
Ministro de Territorio, Medio Ambiente, Agricultura y Protección Civil, San Marino, Italia.
9
Miembro del Academic Council, Norman Foster Institute, director ejecutivo de ELEMENTAL; ELEMENTAL Copec Chair, Universidad Católica de Chile, presidente del Jurado del Premio Pritzker de Arquitectura, Chicago y miembro del Advisory Board, Norman Foster Foundation Madrid.
10
Miembro del Academic Council, Norman Foster Institute, honorary trustee de la Norman Foster Foundation Madrid y fundador y director creativo de Practice for Architecture and Urbanism (PAU), Nueva York.
11
Miembro del Norman Foster Institute Academic Council, presidenta de Redeia y ex ministra de Vivienda de España.
12
Director de Sostenibilidad de Bupa, que se centró en el desarrollo de acciones enfocadas en la salud para el diseño de las ciudades del futuro, no sólo para promover el bienestar de las poblaciones urbanas, sino también para hacer frente a la crisis climática.
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Cada cierto tiempo, alguna red social, sea Threads, Instagram, X o Facebook, me envia fotos que yo habia publicado hace tiempo, a veces hace años.
Y dan gratas sorpresas, no siempre las recuerdo.
Como estas fotos que saque el 14 de junio del 2019 en Buenos Aires, en la Librería Feria del Libro, en la Avenida santa Fé 2475, donde exhibian libros de la editorial H Kliczkowski.
Algunos de los libros que se ven en la foto:
-Piero Della Francesca
Autor Michael, Michel
Traduccion Pia Minchot Ballarin
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en febrero del 2003. 80 páginas.
Texto en español. 23 x 16 cm. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-84-96137-59-2
Editado en febrero del 2003. 82 páginas. Texto en español. 23 x 16 cm. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 8496048438
Colección Memorias
La colección Memoria presenta una selección de monografías sobre clásicos retomados con un nuevo enfoque por conocidos críticos y articulistas. Un amplio abanico de temas que forman parte de nuestra memoria cultural y que abarcan títulos que van desde las vanguardias hasta las más recientes investigaciones arqueológicas. Presentada en un fabuloso formato y repleta de fotografías a todo color. Reunidos en torno a Ettore Sottsass, gran maestro del diseño italiano de la posguerra, los jóvenes creadores del grupo Menphis restablecieron el desafío del color y la decoración. Casa del Libro. España
De la misma colección: Del Egipto de Keiichi Tahara, Man Ray, Klimt y la moda, El espíritu Dada, Bauhaus, Memphis, Klimt y la moda, El taller de Miró, Bauhaus, Picasso y sus objetos, Los tesoros de Egipto, Giacometti, Brancusi y la fotografía, Le Corbusier, Oscar Neimeyer, Picabia, etc..
-Eileen Gray
Autora François Baudot
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en febrero del 2003. 82 páginas, texto en español. 23 x 16 cm. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 9788496137622
Eileen Gray, dedicada a la búsqueda de una estética a la vez moderna, funcional y deleitosamente sofisticada. Se conoció su celebridad en los años veinte gracias al inesperado uso que hizo de la técnica japonesa de la laca.
-Hijos y Famosos. Siguiendo sus pasos
Autora Birgit Krols
Edición en español Joan Espasa Rodríguez
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en 2011. 144 páginas con texto en español. 25 x 33 cm.. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-84-96592-94-0
Algunos de los libros que se ven en la foto:
-Mini watch bible. Solo relojes
Autor Philippe de Baeck
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado enero 2008. 432 páginas. Edición bilingüe en español e inglés. Encuadernado en Tapa dura. ISBN-13 : 978-8496592766
Relojes caros, de caballero, de señora, relojes sofisticados, es el material con el que este libro constituye a través de sus 432 páginas y sus fantásticas fotografías a todo color un libro de referencia que muestra los relojes más destacados del mundo.
-Demasiado joven para morir. Iconos del siglo XX que movieron generaciones.
Autora Birgit Krolse
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en 2010. 144 páginas. Edición bilingüe en español y portugués. Encuadernado en Tapa dura. Fotografías en color y ByN. ISBN: 978-84-96592-82-7
-Harley Davidson. El centenario de una leenda /100th anniversary of a Legend
Autor Juan Carlos Montes, Paco Asensio, Fotos Miguel Tres (Books Factory Studio)
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado enero 2003. 21 x 13 cm. 207 páginas. Edición bilingüe español e inglés. Encuadernado en Tapa rigida acolchada. ISBN-13: 978-84-96137-23-3
Sinopsis «…William Harley y los hermanos Davidson crearon hace cien años un mito que ha crecido con el paso del tiempo y que únicamente puede ser comprendido en toda su esencia si se ha sentido alguna vez el gran latido del bicilíndrico americano. Harley-Davidson es mucho más que una moto. En realidad, quien adquiere una Harley no compra un vehículo, sino una filosofía, una imagen de marca cuyo valor añadido se ha forjado a lo largo de cien años, More than a machine, algo más que una máquina…». Casa del libro
Algunos de los libros que se ven en la foto:
–Cícladas. 3000 años a.C.
Autor Bérénice Geoffroy-Schneiter
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado noviembre 2003. 23 x16 cm. 80 páginas. Edición en español .
Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN-13: 978-84-96137-60-8
CÍCLADAS, es presentado oscilando entre el simple guijarro y verdaderas estatuas cercanas a la grandeza natural; estos enigmáticos “ídolos” tallados en un mármol translúcido y resplandeciente nos fascinan más allá de los siglos. Casa del Libro
-Fernando Alonso
Autores varios
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado diciembre 2010. 21 x 13 cm. 80 páginas. Edición en español .
Encuadernado en Tapa blanda. ISBN 978-84-96592-92-6
Sinopsis Cientos de fotos de toda la trayectoria del bicampeón del mundo en la Fórmula 1, desde Minardi a Ferrari. Casa del libro
– MAXIMALISM = MAXIMALISMO
Autor Aurora Cuito Ricard
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado febrero 2003. 21 x 21 cm. 98 páginas. Edición bilingüe español/ingles
Encuadernado en Tapa blanda. ISBN 978-84-96048-50-8
Esta nueva sensibilidad, que nos hemos atrevido a llamar maximalismo, agrupa las intenciones de los diseñadores que están construyendo una nueva modernidad compleja y ecléctica. Como ocurre con toda corriente estética que nace con fuerza, el maximalismo ha sacudido todas las disciplinas e incluso ha servido para que éstas se hayan combinado y hayan dado lugar a nuevas materias multidisciplinarias.
– GAUDI, DALI
ANTONI GAUDI/SALVADOR DALI. Serie Duetos
Autor Llorenç Bonet Delgado
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado octubre 2002. 22 x 17 cm. 80 páginas. Edición texto en español. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-89439-37-5
Una gran obra. un pintor y un arquitecto. Un gran libro en pequeño formato. con fotografías, planos, secciones, memorias descriptivas. Todas las obras con su plano de ubicación y datos técnicos y referenciales. Incluye una cronología de obras desde 1868 a 1968. Amazon
Sinopsis.Presentamos los 10 trabajos más relevantes de Antoni Gaudí y de Salvador Dalí. También un análisis comparativo que descubre la obra de estos dos genios, capaces de transformar la técnica pictórica y la arquitectónica en algo más. Este libro es uno y también tres. Uno sobre trabajos del arquitecto Antoni Gaudí, otro sobre las obras de Salvador Dalí y un tercero sobre la interacción entre ambos. La Casa del Libro
-Antonio Saint´ Elia
Autor Llorenç Bonet Delgado
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado febrero 2003. 22 x 17 cm. 80 páginas. Edición español. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-96137-00-4
+ CASAS HOUSES, HÄUSER
Autor Alejandro Bahamon Rios, Jane Wintle y Susanne Engler
Traductora Susannejtr Engler
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado abril 2006. 30 x 27 cm. 432 páginas. Edición trilingüe, español, ingles alemán. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-96304-62-8
La vivienda, célula madre de las ciudades, es el elemento clave para el análisis de sus cambios. Los cuatro apartados en que se subdivide este libro -casas, áticos, apartamentos y lofts-, ilustran las variadas soluciones que se adoptan hoy en día. Contiene entrevistas y biografías detalladas de los autores de los proyectos. Cada vivienda se describe con fotografías y planos muy detallados y de alta calidad.
-La Magia de los Pequeños Espacios
Magic of Small Spaces (English, French and Spanish Edition)
Autor Lucrecia Alvarez, Cristina Paredes, Francesc Zamora
Traductora Susannejtr Engler
Editores Oscar y Paco Asensio y Hugo Kliczkowski
Coeditores Silverback Books
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en el 2007. 21 x 21 cm. 420 páginas. Edición trilingüe, español, ingles y francés. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-1-59637-243-6
Organizada por su superficie, sus metros cuadrados. Cada vivienda se muestra con un plano de su planta y una fotografía del interior que ilustra cómo maximizar el espacio disponible. Incluyendo ideas inteligentes para almacenamiento, muebles y componentes integrados. Los espacios de este libro son impecables en términos de estética y cada uno ofrece una solución original a los problemas que surgen por la falta de espacio en tantas viviendas nuevas hoy en día. Los lectores se van con un excelente sentido de cómo convertir un lugar pequeño en un hogar funcional. GetTextBooks
-Antonio Gaudí
Autor Lucrecia Alvarez, Cristina Paredes, Francesc Zamora
Traductora Susannejtr Engler
Editores Oscar y Paco Asensio y Hugo Kliczkowski
Coeditores Silverback Books
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en el 2003. 24 x 30 cm. 240 páginas. Edición en mas de 12 lenguas, español, catalán, frances, aleman, polaco, chino, frances, portugues, inglés, japones, etc. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-96241-53-4
Fecha de construcción: 1908-1916 Fotógrafo: Fere Planells «No es cuestión de querer ser original, porque el propio estilo surge de dentro y sale a la luz de forma espontánea». La Colonia Güell es una de las obras más originales e interesantes de Gaudí, aunque el proyecto nunca se completó. Gaudí tuvo vía libre para diseñar el proyecto… cripta con pórtico y capilla Reixac s/n, Sa Fecha de construcción: 1900-1909 Fotógrafos: Miquel Tres y Joana Furio Bellesguard
–LOS BEATLES, INEDITO
Autor Hugh Fielder
Traductor Joan Espasa Rodriguez
Editores Hugo Kliczkowski
Coeditores Getty Images
Editorial H Kliczkowski
Distribuidora A.Asppan S.L.
Editado en el 2011. 21 x 21 cm. 200 páginas. Edición en español. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-84-96592-93-3
En menos de 10 años, de banda escolar al acontecimiento de mayor éxito, el más aclamado e influyente de la música popular. Su formación. La «Beatlemanía», el fin con los años de la separación, sus fans, su vida privada y semi pública. Con más de 150 fotografías y textos explicativos, se puede realizar un recorrido por la carrera del mejor grupo del pop de todos los tiempos.
Puede interesarte este tema, por lo que te envío esta sugerencia de Hugo K: Arq Fernando Higueras http://onlybook.es/blog/arq-fernando-higueras/
Cuando, en 1971, los arquitectos Robert Venturi y Denise Scott Brown invitaron al mundo a disfrutar de la iconografía pop de Las Vegas, la capital del juego tenía poco más de 270.000 habitantes.
Se calcula que en 2025 sobrepasará los tres millones.
La creciente huella que va dejando el imparable urbanismo disperso en el vasto territorio estadounidense se aprecia mejor desde el cielo. Así, Benjamin Grant, que dirige el proyecto Overview, presenta una serie de planos aéreos que permiten apreciar las muy diversas formas de la suburbanización: desde suburbios clásicos como Llewelyn Park o Levittown, ahora completamente rodeados de sprawl, hasta sofisticadas urbanizaciones de Florida que dejan caleidoscópicas formas geométricas inscritas sobre la Tierra.
Desde las enormes autopistas que canalizan el tráfico diario de los viajeros (commuters) hasta los grandes centros comerciales en vías de desaparición, pasando por enormes parques empresariales o una mega iglesia como la New Birth Missionary Baptist Church, en Georgia, muy importante para la comunidad afroamericana, que puede llegar a acoger hasta 12.000 feligreses por semana.
La dispersión llega a casa
La conformación de Suburbia como hecho cultural en Cataluña es una realidad que las narrativas sobre el proceso de urbanización catalán han ignorado históricamente, demasiado centradas en el crecimiento de las grandes ciudades y en la diferenciación ideológica entre una Cataluña urbana, barcelonesa, y una Cataluña «interior», cuna de lo que todavía hoy denominamos «campo».
La Cataluña suburbana que hoy observamos desde el parabrisas del automóvil o desde la ventanilla del avión muestra como en muchos territorios los crecimientos urbanos ya no se corresponden con la conocida metáfora de la ciudad «en mancha de aceite»
En realidad, un conjunto inabarcable de manchas de aceite se ha acabado esparciendo, dando lugar a una misma realidad, repetida y clonada en todas partes: la urbanización regional dispersa.
Esta dispersión de la urbanización que nos resulta hoy tan cotidiana se desarrolló de la mano de la motorización de la sociedad a partir de la segunda mitad de siglo pasado y envuelta en un discurso cultural muy heterogéneo, donde la propaganda ideológica de la “American Way of Life”, efervescente en aquella época y representada fielmente por la casa unifamiliar prefabricada norteamericana, se mezcla con tradiciones locales derivadas de la crítica seminal a la ciudad industrial, concentrada y densa, desde las visiones pastorales que idealizaban la vida rural, divulgadas y consumidas popularmente con expresiones como “la caseta i l’hortet” (1).
El camino recorrido desde aquellas primeras apuestas suburbanas hasta la actual urbanización regional dispersa no es homogéneo y presenta recovecos inesperados que hacen de la Suburbia catalana un universo urbano todavía por descubrir.
Las Torres de Fin de Semana
Primeras urbanizaciones en la era del “600”
La primera gran ola suburbana en Cataluña corresponde a la construcción de urbanizaciones de segunda residencia entre la década de 1960 y mediados de la década siguiente.
En un contexto caracterizado por el desarrollismo y los crecimientos poblacionales concentrados en las grandes ciudades se produjo esta inesperada multiplicación de los hábitats residenciales de baja densidad -las torres de fin de semana-, siempre en entornos dispersos próximos a unas ciudades compactas cada vez más densas, subrayando así la dualidad ciudad-campo. Unos entornos suburbanos de primera generación que siempre ofrecían el contacto con la naturaleza o la vivencia del mundo agrícola, pero ¡eso sí!, siempre cerca de Barcelona.
Una síntesis feliz intensivamente amplificada por los anuncios y la publicidad.
Propaganda en las Ferias de Muestras
Las ferias de muestras eran un magnífico escaparate internacional donde cada país mostraba sus productos e innovaciones.
XXIII Feria Internacional de Muestras de Barcelona. 1955. pabellón de los EE. UU.
En 1955, Estados Unidos participó en la XXIII Feria de Barcelona, el mismo año en el que España entró a formar parte de la ONU abandonando lentamente su ostracismo. En el exterior del pabellón norteamericano se montó una casa unifamiliar prefabricada con su parcela de césped y un coche en el garaje.
XXIV Feria Internacional de Muestras de Barcelona. 1956. pabellón de los EE. UU.
En el interior había un Ford Thunderbird descapotable (el mismo modelo que tenía Marylin Monroe) y otros productos comerciales e industriales. En los dos años siguientes, EE. UU. también participó y el público se maravilló con los donuts, los trajes femeninos, las cocinas con electrodomésticos y, también, la moderna arquitectura de los pabellones americanos.
XXV Feria Internacional de Muestras de Barcelona. 1957. pabellón de los EE. UU.
El objeto de la ciudad jardín es una colonización interior basada en la descentralización de la industria y su traslación al campo a fin de hacer más sana y más barata la vida urbana, beneficiando además a la agricultura vecina con las ventajas sociales de la ciudad y las mayores facilidades para la venta de sus productos”. Arquitecto y Urbanista Cebrià de Montoliu (1873 – 1923)
La explosión del adosado
Una urbanización regional dispersa
Si la construcción de urbanizaciones se había producido sobre todo ocupando espacios situados alrededor de la ciudad central, a partir de finales de la década de 1980 el fenómeno suburbano alcanzó una escala regional nunca antes conocida.
Muchas urbanizaciones se convirtieron en primeras residencias.
Y se produjo la construcción masiva de viviendas unifamiliares cada vez más alejadas y por todas partes alrededor de las ciudades intermedias.
Maqueta de la Urbanización “Can Vallmajó”. Dosrius, 2008. Colección Particular
En la costa, en la montaña, en el campo y entre ciudades, un nuevo producto inmobiliario, la casa adosada, lideró este proceso de urbanización sin precedentes que también multiplicó los centros comerciales, las salas multicines y los polígonos industriales.
Un universo suburbano clonado por todas partes que representa una de las versiones más crudas de la ur/banalización.
Christopher Willan, Entrada Norte de Vic, Centro Comercial Via Sabadel, 2023
Urbanalización del paisaje
La urbanización dispersa no supone únicamente la multiplicación de un mismo paisaje residencial, repetido y especializado, en el territorio, sino que las diferentes esferas de la vida urbana relacionadas con cuestiones como la movilidad o el consumo resultan igualmente estandarizadas.
Christopher Willan, Espacio Comercial Via Sabadell, 2023
La experiencia urbana, que debería ser única y de un lugar, acaba amputada de contenidos diferenciales y se muestra, de forma omnipresente, igual por todas partes, intercambiable en cualquier lugar. Ya sea al conducir el automóvil o al comprar en una gran superficie comercial, los paisajes del consumo metropolitano muestran claramente el alcance de este copiar y pegar de la forma y las funciones urbanas.
Una urbanización independiente del territorio e indiferente respecto al lugar a la que podemos denominar, más bien, ur/banalización.
La Cataluña Suburbana
Hoy y Mañana
Anatomía de un territorio por reconocer
No deja de ser paradójico que la urbanización dispersa, que hunde sus primeras raíces ideológicas en la crítica a la crisis ambiental causada por el crecimiento sin freno de la ciudad industrial de finales de siglo XIX, sea hoy la responsable de todo un abanico de impactos ambientales que aún resultan más lesivos para el territorio: el consumo exagerado de terreno y agua, la fragmentación de los espacios abiertos o las emisiones derivadas de una movilidad siempre en automóvil certifican el verdadero peaje ecológico de Suburbia en un momento en el que los nuevos riesgos que plantea el cambio climático aconsejarían un tipo de urbanización muy diferente.
Blanca Munt, Alerta Mira-sol, 2019-2023. Composiciones fotográficas y pictogramas. Cortesía de la artista
Al mismo tiempo, a los peligros ambientales hay que añadir unos espacios públicos empobrecidos y simplificados, reducidos a las necesidades propias de la vialidad y del vehículo privado. Una sociedad minimizada, no exenta de problemáticas como el aislamiento social y la paranoia inducidas por la repetición del monocultivo residencial y por la ausencia de la diversidad de funciones e intereses que acostumbran a definir la ciudad y la vida urbana.
Alerta Mira-Sol, 2019 – 2023. En 2019, la fotógrafa Blanca Munt participó en un chat vecinal creado para vigilar su barrio y alentar de posibles robos en domicilios.
Lo que en un principio se presentó como una eficaz herramienta vecinal pronto se convirtió en fuente de conjeturas, suspicacias y paranoia. La aparentemente tranquila convivencia en un barrio de calles luminosas y viviendas estandarizadas se desmorona, no solo por la existencia real de robos, sino básicamente por la disgregación absoluta de la idea de comunidad cuando se prioriza la seguridad individual. Con el proyecto Alerta Mira-sol, la artista nos propone una inquietante reflexión acerca de la tensión entre el privilegio de vivir en un lugar apacible y la constante sensación de amenaza latente como parte de la actual cultura del miedo.
Exposición “La Construcción del sueño americano”
Dirección del proyecto
Jordi Costa
Comisario
Philipp Engel
Asesor
Francesc Muñoz
Seguimiento y producción del proyecto
Mónica Ibáñez
Coordinación, Investigación
Eva Gimeno y Miquel Nogués. Marian Boadas, Anissia Libera Fontana y Roberta Tenci
Diseño del montaje expositivo
Iñaki Baquero e Iñigo Azpiazu (BOPBAA) y Marta LLinàs
Diseño Gráfica
Marta Linàs (Estudio Canó)
Comunicación
Wó Studio
Coordinación de montaje
Alex Papalini y Mario Corea
Montaje Industrial
Croquis
Producción Gráfica
Nogales Barcelona
Entre otros…..
Producción de CCCB, Diputació Barcelona, Ajuntament de Barcelona, Ministerio de Cultura de España. Barcelona Capital Cultural y Científica.
Notas
1
Expresión popularizada por Francesc Macià (1859-1933), primer presidente de la Generalidad de Cataluña (1931-1933) durante la Segunda República, como cristalización de su ideario o proyecto político: “que todo el mundo pudiera disfrutar de una casa y uno pequeño terreno en propiedad, evocando una situación de idílico bienestar y progreso”.
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A partir de los años noventa, en medio de una creciente preocupación medioambiental, surgieron movimientos como el Nuevo Urbanismo o el Crecimiento Inteligente para los que Suburbia se convirtió en un laboratorio de ideas para su reciclaje o reformulación urbanística con propuestas de zonas residenciales de uso más diverso y menos disperso, pensadas para disminuir la dependencia del automóvil y fomentar los desplazamientos a pie o en bicicleta.
Seaside, en Florida, sigue siendo una de las puntas de lanza del Nuevo Urbanismo, mientras que Huntington Beach, al sur de Los Ángeles, un antiguo suburbio de la era de los tranvías fundado en 1909 por el magnate Henry Huntington -propietario de la Pacific Electric Railway-, se ha convertido en meca para surfistas. Ahí se respira una atmósfera de hedonismo hipster que empapa la obra de Ed y Deanna Templeton, una pareja de artistas autodidactas del ambiente skater que han recopilado sus fotografías en un libro titulado “Contemporary suburbium”. El sueño americano de última generación.
Seaside, el Nuevo Urbanismo
Andrés Duany y Elizabeth Plater-Zyberk Plano de la ciudad de Seaside. 1983 The Seaside Research portal en la University of Notre Dame
Seaside, diseñado en los años noventa por los arquitectos Elizabeth Plater-Zyberk y Andrés Duany (la firma DPZ), que se inspiraron en los suburbios anteriores a la llegada del automóvil como Llewellyn Park o Riverside, se convirtió en el buque insignia del Nuevo Urbanismo.
Aunque solo es accesible por carretera, Seaside fomenta paradójicamente los desplazamientos a pie o en bicicleta. Para mantener su estatus, la comunidad se rige por estrictas normas estéticas.
The Seaside Code- Plan regulador. 2012. Reproducción Planta de Zonificación de la ciudad de Seaside. 1983. The Seaside Research portal en la University of Notre Dame
Que fuese escogida por Peter Weir como decorado para “El show de Truman” (1998), donde Jim Carrey es el protagonista, sin saberlo, de un programa de telerrealidad, encierra una crítica a esos mecanismos de control. Pero, gracias al dinero ganado como localización, se construyó una escuela.
Huntington Beach
Resistencia hipster
Ed Templeton (1972) descubrió de adolescente a los Dead Kennedys, a Larry Clark y la subcultura del skate. Había llegado hasta Huntington Beach con su madre a los ocho años. Pese a que, como campeón de skate, viajó por todo el mundo y que este suburbio del sur de Los Ángeles está cada vez más lleno de partidarios de Trump, antivacunas y xenofobia, sigue viviendo allí con su mujer, la también artista multidisciplinar Deanna Templeton, porque la arquitectura y la atmósfera del lugar continúan inspirándolo y porque todavía queda margen para el estilo de vida contemplativo de un fotógrafo, pintor y diseñador gráfico que ha basado toda su obra en su hábitat natural, el condado de Orange.
Mondo Suburbia
En el Seattle grunge de 1990, los artistas Jim Blanchard y Michael Dowers, que no tardarían en entrar a trabajar en el prestigioso sello Fantagraphics, convocaron a 26 astros del cómic underground estadounidense para que dieran su visión de la Suburbia de sus padres, un paisaje con todos sus atributos -el césped, la barbacoa, el chico de los periódicos, las armas…-.
Ed Templeton. Man Waters Lawn. Suburbia.2014. Acrílico. Coleccion Privada Washington DC
Pero extrema y muy irreverentemente satirizado, evidenciando que la imagen mental, aparentemente inalterable, de los barrios residenciales impolutos había empezado a desmoronarse.
Peter Bagge (1957), estrella local y uno de los convocados, emprendería ese mismo año su famosa serie ”Odio” con el mismo alter ego que había protagonizado su infancia suburbana en “Mundo idiota”, Buddy Bradley.
En las ruinas del suburbio
Estados Unidos de Amazon 265 centros de distribución de Amazon
A medida que Amazon amplía su imperio, los grandes centros comerciales van quedando en ruinas a la espera de ser reciclados en espacios más diversificados o en almacenes de la misma compañía que monopoliza el comercio en línea.
Si, en los cincuenta, los llamados malls sustituyeron a la tradicional calle mayor y privatizaron el espacio público en la periferia de las ciudades, convirtiéndose en el principal punto de encuentro para las familias, su desaparición deja pocas alternativas para la socialización más allá de las redes sociales del mundo virtual. Al mismo tiem-po, ni el comercio en línea ni el relativo auge del teletrabajo logran todavía disminuir el tráfico automovilístico, ni tampoco el dispendio energético de la vida en la ciudad dispersa, que sigue ganando terreno bajo la amenaza permanente de un desastre medioambiental.
A finales de 2018, el número de locales vacíos en los centros comerciales alcanzó cotas que no se veían desde la Gran Recesión. Una sola empresa de grandes almacenes, Macy’s, había despedido a más de 50.000 empleados desde 2008. Y Wall Street auguraba que lo peor estaba por llegar: a principios de 2018, el valor de mercado de Amazon era mayor que la suma de Walmart, Costco, T. J. Maxx, Target, Ross, Best Buy, Ulta Beauty, Kohl’s, Nordstrom, Macy’s, Bed Bath & Beyond, Saks/Lord & Taylor, Dillard’s, JCPenney y Sears (…) dice Alec McGillis. Estados Unidos de Amazon (2022)
“No son las tiendas las que mueren -señaló el profesor de ciencias económicas Scott Galloway-, sino la clase media y, a su vez, los negocios que prestan servicio a una población y a unos barrios que han vivido tiempos mejores.»
La cara oculta de Nueva Jersey
Aunque vive en Nueva York, Todd Solondz (1959) ha rodado toda su filmografía, desde Welcome to the Dollhouse (1995) a Wiener Dog (2016), en la Nueva Jersey suburbana que le vio crecer, donde sus personajes evolucionan y cambian de rostro de película en película.
Es el cineasta de Suburbia por excelencia, célebre por mostrar el lado oscuro de personalidades tan aparentemente respetables como el psiquiatra y padre de familia Bill Maplewood, en realidad un criminal pedófilo interpretado por Dylan Baker en Happiness (1998).
Maplewood es, de hecho, el nombre de una de esas zonas residenciales tan familiares para Solondz, como Livingston, que también da nombre a la familia de “Storytelling” (2001).
Jaylen Brown, el atleta negro que asusta al negocio por «preguntar demasiado»
La estrella de los Boston Celtics impacta dentro y fuera de la cancha.
Por Jeremías Batagelj (Página12. 14 de junio de 2024)
Brown es el jugador diferente para los Celtics en estas finales de la NBA. Pero siempre fue un distinto en un ambiente en el que pensar, muchas veces, está mal visto. Su historia de vida -marcada por la (falsa) dicotomía entre atletismo y educación- el racismo en Boston y las controversias por ser amigo de sus amigos.
Brown. Los flashes y el pospartido. Imagen AFP
“Es inteligente. Quizás demasiado”. Así definían varios ejecutivos de la NBA, en la previa del Draft de 2016, a Jaylen Brown, actual alero de los Boston Celtics. Pero ese textual estaba lejos de ser un elogio. Es que para los ojeadores y varios general managers, el IQ que tenía ese prospecto podría ser un problema. “Puede preguntar mucho sobre el negocio o perder la pasión”, hipotetizaban en off the récords a los medios locales.
Brown juega en la mejor liga del mundo, y ha liderado una protesta pacífica contra el gatillo fácil en EE. UU, sin alejarse del básquet, es el jugador clave paa su equipo, Los Celtics, en una serie contra los Dallas Mavericks.
Educación o atletismo
En el otoño del 2015, en un aula de Berkelely, California, el reconocido profesor Derek Van Rheenen da inicio a una de sus clases de posgrado sobre estudios culturales. Hay casi 300 personas mirándolo, la mayoría egresados universitarios que rondan los 25-30 años. Pero, entre ellos, sobresale un jovencito de 18 años de dos metros de altura, una enorme espalda y brazos de boxeador.
Se preguntan ¿qué hace un adolescente en una materia para licenciados y magisters?
Utilizó su beca universitaria, el joven Jaylen se movió entre autores que indagaban entre el racismo, la pobreza, la desigualdad y la injusticia social. Criado por su madre soltera Mechalle, profesora universitaria, quien lo convenció que convivieran en él, el llenar estadios, y capitanear el equipo de ajedrez de su colegio. Su padre fue exboxeador y campeón del mundo.
Hace poco tiempo le preguntaron, en Harvard, por la dicotomía entre inteligencia y atletismo: con qué se identificaba más. “Para ser honesto, nunca le doy a nadie una respuesta directa porque odio la dicotomía. Odio el hecho de que tenga que ser uno u otro. Odio el hecho de que no hay posibilidad para ambos»,
Boston y racismo, un puente que Brown prefiere quemar
Brown en el Draft (1) con Adam Silver
Brown fue seleccionado con el pick 3 del Draft de 2016 para los Celtics.
Boston, no es un destino más, la historia de sus habitantes blancos con los atletas negros no es fácil. Es una clara cultura católica, con raíces en su inmigración irlandesa, sus ciudadanos son conservadores, a pesar de estar rodeada por universidades “progrs” como Harvard o el MIT. Los Celtas juegan al nivel de los Lakers.
En los 60, cuando se iba de gira al regresar su casa estaba vandalizada por ser una persona, un atleta negro que peleaba por los derechos civiles.
James Lebron denunció los ataques racistas que sufre cada vez que juega de visitante en el TD Garden de Boston,
Sabiendo que hay mucho por hacer, Brown creo el “Programa Bridge”, que asesora a jóvenes negros que sean estudiantes de secundaria de Boston y estén interesados en seguir carreras en programas STEM, un acrónimo para englobar los estudios en ciencia, tecnología, ingeniería y matemática.
Brown eligió Berkeley, por ser donde se organizaron los Panteras Negras, donde Martin Luther King Jr habló frente a una multitud de estudiantes, allí militó Shareef Abdur-Rahim un exNBA.
Brown encabezó las protestas teas la muerte de George Floyd (2) en Georgia.
“No importa que tan alto seas y qué tan bien jueges, el básquet es lo que haces, no todo lo que quieres. Se te mide por la huella que dejas en el mundo. Y para verdaderamente dejar una huella hay que hacer lo correcto y denunciar lo incorrecto”, Dice que ese es el mantra de su madre.
No exento de escándalos, quizás enormes errores, como su relación con el rapero Ye -antes conocido como Kayne West– cuando el artista lanzó su marca Donda Sports. Su reacción fue a destiempo al alejarse de la escuela o secta creada por Ye, cuando el músico entró en un espiral de racismo -llamó a la esclavitud «una elección»-, antisemitismo y agresiones a Kim Kardashian, su exmujer y madre de sus hijos.
Es figura principal, y convierte como superestrellas de la calidad de jugadores como Tatum, recibió el premio MVP, otorgado al jugador cuya contribución al equipo es mayor entre sus compañeros de equipo. Michael Jordan es el jugador que ha ganado más veces el MVP de las finales NBA, con 6 trofeos.
Brown, es el jugador que asustó al negocio por ser inteligente, quizás demasiado.
Catástrofes en miniatura
Desde pequeño, Thomas Doyle (1976) se sintió atraído por los dioramas de los museos a los que lo llevaba su madre.
Estaba condenado a convertirse en un escultor de bonsáis apocalípticos que flirtea constantemente con el modelismo, tomando prestados sus materiales, para construir miniaturas (a escala 1:43 o incluso más reducidas) en las que, de manera tan hiperbólica como obsesiva y recurrente, los vecinos de tranquilas zonas residenciales se enfrentan a hecatombes naturales en forma de gigantescos derrumbamientos de tierras.
Toda una metáfora de la amenaza de desastre ecológico que pesa sobre Suburbia desde siempre, aunque solo se haya tomado conciencia de ello en las últimas décadas.
Atlanta, La meca negra
“Viviendo en los suburbios del sur de Atlanta era fácil olvidarse de los blancos. Los blancos son como las crías de paloma: son reales y existen, pero rara vez se piensa en ellas”, escribió la afroamericana Z. Z. Paker en un relato titulado “Brownies” publicado en 2003.
Apenas un lustro después, la fotógrafa Sheila Pree Bright (1967) agrupó en un libro titulado “Suburbia” sus trabajos realizados en casas de clase media alta en la periferia de Atlanta para colmar un vacío, ya que hasta entonces la minoría racial a la que pertenece no había sido representada en el barrio. Para evidenciar esa ausencia de representación optó por no mostrar a los habitantes de las casas, dejando tan solo algunas pistas sobre sus orígenes.
Notas
1
El draft es el proceso utilizado en los Estados Unidos, Canadá, Australia y México para asignar determinados jugadores a equipos deportivos. Los equipos se turnan en la selección de entre un grupo de jugadores que son los elegibles.
2
La muerte de George Floyd ocurrió el 25 de mayo de 2020 en el vecindario de Powderhorn, en la ciudad de Mineápolis, como resultado de la brutalidad policial del oficial Derek Chauvin, quien lo mató de asfixia al presionar con su rodilla el cuello de Floyd contra el pavimento durante 8 minutos y 46 segundos. En pocos días, el hecho generó una oleada de indignación y protestas a lo largo del país en contra de la brutalidad policial, racismo, la xenofobia y los abusos hacia ciudadanos afro estadounidenses. Las protestas se extendieron a otras ciudades del mundo.
(Carolina del Norte) en 2008 Alberto Ortega (Sevilla, 1976) ha centrado única y exclusivamente su ingente obra de pintura al óleo en ambivalentes escenas nocturnas de las calles de los barrios residenciales, entre los años cincuenta y la actualidad. Intrigado por el influjo de Suburbia en el cine, la literatura y las artes visuales, Ortega ha fabricado su propia narrativa suburbana a partir de casas, automóviles y personajes en miniatura que dispone como modelos a su gusto para tener un control total de la puesta en escena, la iluminación y la composición de todos los elementos.
Y este vuelve a ser el caso, una vez más, de dos cuadros presentados por primera vez en esta exposición.
Alberto Ortega. Annunciation. 2023. Óleo sobre Aluminio
Gregory Crewdson. Sin título, Oasis. 2004. Copia cromogénica. IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno
Protegidos por la SegundaEnmienda
Desde el 12 de diciembre de 1791, la Segunda Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos de América garantiza el derecho a poseer y llevar armas.
Nada puede alterar este derecho fundamental.
En 2023, en la mitad de los 50 estados se puede llevar un arma sin licencia ni control alguno. Hay más de un arma (legal) por habitante.
Gabriele Galimberti Impresión digital sobre PVC. 2021
En medio de esta realidad, el fotógrafo italiano Gabriele Galimberti (1977) retrató a auténticos y muy orgullosos coleccionistas de armas de todas las razas, edades y clases sociales.
A lo largo y ancho de Estados Unidos.
Para ellos, «lo único que puede parar a un mal tipo con un arma es un buen tipo con un arma».
Vestigios
No es fácil fotografiar a los muertos.
Angela Strassheim empieza por localizar una vivienda en a que se haya cometido un asesinato doméstico y, a continuación, negocia el acceso con quienes viven en ella actualmente.
Gabriele Galimberti. Torrell Jasper.a.k.a. Black Rambo. 2021. Brandon Brown (35 años) con Ashtan (5) y Carson (3). 2021
Una vez dentro, ella y un ayudante se encierran durante horas prácticamente a oscuras mientras ella toma largas exposiciones del ADN de la sangre de las víctimas, que se hace visible gracias a un producto químico denominado Blue Star. Por último, un proceso de posproducción establece las tonalidades para revelar finalmente restos de luchas y vidas perdidas.
Ocultos a simple vista, los muertos permanecen en los pequeños apartamentos y casas modernas en los que su sangre salpicó paredes y suelos, en las mismas habitaciones donde rieron y amaron.
Sacados a la luz en estas fotografías, el mundo de los muertos y el de los vivos son tan inseparables como los actos de rabia y amor que allí se produjeron.
Cada escena resucita las pasiones contradictorias que cohabitan en el espacio doméstico y luego las derrumba en un único encuentro fotográfico que no puede resolver sus propias contradicciones ni las nuestras. Cual heridas abiertas, los espacios domésticos de Strassheim se niegan a cicatrizar, se niegan a seguir adelante, se niegan a cambiar su historia de una vez por todas ante la violencia.
Atrapados en estos espacios, los espectros de sangre de Strassheim no gimen ni rechinan de dientes. Tan solo tienen un poder: permanecer.
Permanecen después de que los suelos se hayan limpiado con los disolventes más fuertes conocidos por el ser humano. Permanecen después de que se hayan pintado las paredes.
Permanecen, se les recuerde o no. Angela Strassheim da testimonio de su incesante presencia. Juntos transforman el ADN imborrable y la luz pasajera en oscuros memoriales de traición y desesperación.
Una vez dentro, no hay salida: el ADN de su sangre se convierte lentamente en el ADN de nuestra sangre, inscrito en paredes y suelos familiares, vestigios de la violencia que terminó con sus vidas, que ahora y siempre atormenta a las nuestras. Vince Leo
El infiero de las MCmansions
La atrofia del sueño americano
El lado insaciable de la cultura del éxito alcanzó la cumbre de su expresión arquitectónica en las casas unifamiliares de construcción barata y gran ornamentación que más tarde se conocerían como «McMansions» y que surgieron en los primeros años de la era Reagan.
El tamaño medio de las viviendas unifamiliares en Estados Unidos ha seguido creciendo: de 74 m2 en 1950 a 195 m2 en 1990 y 230 m2 en los últimos años.
Perseguir el sueño americano implica mudarse a una casa cada vez mayor, hasta llegar a las McMansions que, en su apogeo en la década de 2000, ¿llegaron a alcanzar superficies construidas de más de 1.500 m2?.
Weronika Gesicka. Sin título de la serie Trazos. 2015/2017. Impresión digital sobre papel baritado
En su página web McMansionHell, la crítica de arquitectura Kate Wagner analiza el aspecto de estas viviendas y comenta en un tono hilarante los aspectos más llamativos, que pueden interpretarse únicamente como una desesperada e ilusa demostración de estatus.
Weronika Gesicka.Sin título 52 de la serie Trazos. 2015/2017 Impresión digital sobre papel baritado
¿Post Suburbia?
Hace más de treinta años que Suburbia está sentenciada a muerte: los apóstoles del Nuevo Urbanismo, que pretendían transformarla en un modelo más sostenible, alertaban de que el petróleo estaba a punto de acabarse.
Pero hoy en día, ocho de cada diez estadounidenses viven dispersados, las viviendas unifamiliares siguen representando el 75% de las zonas residenciales, solo un 6,8% de la población vive en áreas urbanizadas con distancias salvables a pie y en el 98,8% del suelo estadounidense sigue siendo ilegal convertir las áreas residenciales en zonas de uso mixto, lo cual sería necesario para reducir los desplazamientos. Las diferencias socioeconómicas se han extremado en la periferia sin fin de las ciudades americanas.
Weronika Gesicka. Sin título 14 de la serie Trazos. 2015/2017. Impresión digital sobre papel baritado
Suburbia es más abierta, aunque también más desigual. Pese a todo esto, la feliz postal de los años cincuenta continúa anclada muy profundamente en el imaginario popular y colectivo como si el tiempo no le hubiera pasado por encima.
En la campaña de las elecciones de 2020, el entonces presidente Donald Trump se erigió en guardián del “suburban lifestyle dream” y se dirigió a las” suburban housewifes” para asegurarles que iba a protegerlas de la “invasión” de residentes con bajos ingresos que podrían devaluar sus propiedades y convertir el sueño en una distopía.
Trump no contaba con que la mayoría de las mujeres que son madres trabajan fuera de casa. Tampoco con que los suburbios se habían diversificado y ya no eran tan tradicionalmente conservadores. Un fallo de cálculo que muy probablemente le costó la Casa Blanca.
Postales distorsionadas de los años cincuenta
Los bancos de imágenes están llenos de estampas felices de la era Eisenhower.
Documentan los más diversos aspectos de la vida suburbana: niñas jugando con su hula-hoop, mujeres cocinando, maridos regresando a casa o familias enteras mirando la televisión. ¿Pero son reales o más bien se trata de actores recreando situaciones cotidianas con fines publicitarios? La fotógrafa polaca Weronika Gesicka (1984) se hizo la pregunta y concluyó que, de cualquier forma, habían quedado suspendidas entre la realidad y la ficción, cual cliché congelado como ideal de políticos ultraconservadores.
Y manipuló decenas de ellas con un simple Photoshop evidenciando el absurdo y elevándolas a una dimensión completamente surrealista que contrarresta e invalida la nostalgia interesada en propagar un ideal ficticio.
El nuevo Melting Pot
La era de la diversidad
En 2044, Estados Unidos será un país de minorías.
Los blancos perderán su hegemonía mayoritaria en favor de la suma de hispanos, afroamericanos, asiáticos y otras minorías.
Los barrios residenciales ya dejaron de percibirse como un paisaje completamente blanco a partir de los años ochenta, momento en el que la llamada white flight (migra-ción blanca) alzaba de nuevo el vuelo hacia suburbios más alejados (exurbs) huyendo de las minorías, sobre todo de los afroamericanos, que se aventuraban en el supuesto paraíso de vallas blancas que les había sido históricamente vetado.
Ferguson, suburbio de Saint Louis célebre por la muerte de Michael Brown(1) en 2014, había sido completamente WASP (acrónimo en inglés de blanco, anglosajón y protestante), pero cambió de color a medida que los afroamericanos de clase media se quedaron a vivir con los blancos más pobres. Al mismo tiempo, también se han desa-rollado prósperas comunidades con mayoría asiática, como la emblemática Monterey Park, conocida como el «Beverly Hills chino» a partir de los años ochenta, o los suburbios afroamericanos de Atlanta, «la Meca Negra del Sur», que obtuvieron una reivindicativa visibilidad gracias a los trabajos de las fotógrafas Jessica Chou y SheilaPree Bright.
Carmen de la Guardia Herrero analiza, a través de las vidas de dos de las mujeres más interesantes de la generación que comenzó su edad adulta en los años veinte y treinta del siglo XX, Victoria Kent (1892 – 1987)y Louise Crane (1913 – 1997), el poder de una red de amigas y los enormes logros conseguidos gracias al apoyo y cariño entre todas ellas.
Además, se asoma a la vida de estas dos emblemáticas mujeres en una de las ciudades más cosmopolitas del mundo; el Nueva York donde creció la filántropa americana y editora Louise Crane y al que se exilió la abogada, política republicana y editora Victoria Kent terminada la Guerra Civil, después de refugiarse en Francia y México. En la década de los cincuenta, Victoria y Louise iniciaron su relación afectiva, mientras el franquismo condenaba al olvido la trayectoria de todas las modernas españolas; años en los que las niñas que crecían y estudiaban en España fueron educadas con ejemplos equivocados, que debían conducirlas a los espacios de sometimiento y silencio deseados por la dictadura.
Carmen de la Guardia Herrero es Catedrática del Departamento de Historia Contemporánea de la Universidad Autónoma de Madrid y Directora asociada del programa graduado de la School of Spanish del Middlebury College.
Editado en febrero de 2016 por Silex Ediciones. 328 pp. ISBN 8477376182.
Neighbours (Norman McLaren,1952)
Suburbia. La construcción del sueño americano nos sumerge en el imaginario de la idílica casa familiar de los barrios residenciales y muestra cómo este estilo de vida ha sido vendido y promovido a través de la ficción y la industria del entretenimiento.
La exposición retrocede a los orígenes de los barrios residenciales a principios del siglo XIX, explicando su desarrollo masivo en los años cincuenta y repasando el contexto económico, político y social que hizo posible su expansión imparable por todos los Estados Unidos. También explora cómo este modelo idílico se ha exportado por el mundo, poniendo especial énfasis en su influencia en la formación de los suburbios de Cataluña.
Catálogo de la empresa Aladdin de venta de casas por correo
A propósito de la exposición, proponemos una selección de cinco películas del catálogo del Archivo Xcèntric que revisan la vida familiar en los suburbios a través del cine de reapropiación, la animación y las películas caseras.
Neighbours, Norman McLaren, Canadá, 1952, 8’
La vida apacible de dos vecinos es interrumpida por la aparición de una flor en la frontera entre sus respectivos terrenos. La discusión por la propiedad de la flor desemboca en una pelea en stop-motion que se lleva por delante el vecindario, evidenciando la barbarie contenida en el supuesto orden de la propiedad privada.
Home Stories, Matthias Müller, Alemania, 1990, 6’
Matthias Müller se apropia de metraje de películas del Hollywood clásico para montar una pieza que pone de manifiesto la codificación mediante el cine de la apariencia, los gestos y los miedos del ama de casa norteamericana, aislada en su mansión suburbial.
Pièce touchée, Martin Arnold, Austria, 1989, 15’
Mediante la repetición y el cambio de velocidad, Martin Arnold manipula el montaje de una escena arquetípica, la llegada del marido a casa después de la jornada laboral. El resultado es una coreografía hipnótica que desnaturaliza los gestos cotidianos para hacer emerger su naturaleza mecánica.
Schmeerguntz, Gunvor Nelson, Estados Unidos, 1965, 15’
Un flujo de imágenes publicitarias —mujeres e interiores de revista; mujeres positivas y alegres; madres y esposas ejemplares, perfectamente arregladas, durante las labores de la casa— discurre sin interrupción, aunque en el mismo se mezclen imágenes que las cuestionan, al sugerir que el trabajo del hogar y la maternidad no son tan fáciles ni agradables; que los electrodomésticos pueden estropearse y necesitar arreglo, que las tuberías pueden atascarse y requerir fontanería.
Yard Work is HardWork, Jodie Mack, Estados Unidos, 2008, 28’
Jodie Mack propone una parábola musical sobre el amor en los tiempos de las hipotecas subprime. La protagonista hace todo los que se espera de ella: enamorarse, casarse, tener hijos y, evidentemente, hipotecarse. La película está formada por un collage animado con los retazos de las revistas que, justamente, promocionan este estilo de vida: las revistas de moda, de viajes, de interiorismo y los anuncios clasificados de los periódicos. Una romcom satírica acechada por la crisis financiera de 2008.
CCCB mirador
Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Montalegre 5 (080019 Barcelona 93 306 4100 www.cccb.org
Una excelente noticia. El CCCB abre al público la Sala Mirador, el espacio más emblemático del Centro. Situada en la 5ta. Planta,
Horario de 11 a 20 hs. La entrada es gratuita.
A través de la fachada de Cristal se puede contemplar Barcelona desde una perspectiva diferente, el mar, el Raval y el barrio Gótico, Montjuic, el Tibidabo y la torre de Collserola.
El Raval es un barrio de Barcelona multicultural donde el 60,94 % de la población (29 441 de las 48 263 personas ha nacido en el extranjero). Datos estadísticos de los barrios Ayuntamiento de Barcelona. 2024.
Ubicado en el distrito de Ciudad Vieja, nacido de la ampliación de las murallas medievales de la ciudad, probable existieron asentamientos anteriores.
Delimitado por la avenida del Paralelo con el barrio del Pueblo Seco, por las rondas de San Pablo y San Antonio con el barrio de San Antonio, y por la calle de Pelayo y La Rambla con el Barrio Gótico.
El distrito de Ciudad Vieja (Ciutat Vella) es uno de los diez distritos en que se divide administrativamente la ciudad de Barcelona.
Comprende todo su centro histórico, con una extensión de 4,37 km² y una población de 104 507 habitantes (INE 2010).
También es conocida la calle de la Cera, con una gran e histórica comunidad de etnia gitana.
Su nombre proviene de los ríos de cera formados por las numerosas velas colocadas ante la virgen de esa calle, para protegerse de la peste.
De esta comunidad surgió la rumba catalana.
Popularmente conocido como el Barrio Chino de Barcelona, denominación acuñada por el periodista Paco Madrid (1900 – 1952) en un artículo publicado en el semanario El Escándalo.
Los habitantes del barrio de esta época inspiraron a artistas como Pablo Picasso (1881 – 1973) durante el período de su obra denominado período azul.
El Barrio Gótico (Gótico levantino o Gótico mediterráneo) es el núcleo de los cuatro barrios que forman el distrito de la Ciudad Vieja de Barcelona. Alli se encuentra la judería.
En el Barrio Gótico se encuentra la Basílica de la Merced construyó entre 1765 y 1775, por el arquitecto catalán José Mas Dordal (1808 -? ), la Casa de la Pia Almoina también conocida como la Canonja.
Están los Barrios de la Mercé, de la Ribera, el Palacio Real Menor.
La Plazuela de Manuel Ribé (Se creó a consecuencia de la destrucción que provocaron las bombas de los aviones italianos durante la Guerra civil española).
ISBN 84-412-2768-3. Ajuntament de Barcelona (2007)
La Plaza del Rey, en el Distrito de Ciutat Vella. La Plaza esta rodeada de edificios góticos y renacentistas.
La Torre de Collserola es una torre de telecomunicaciones situada en el Cerro de la Villana (a 445,5 metros sobre el nivel del mar).
Fue construida en 1990/92 con motivo de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Tiene un mirador público en su piso 10. La torre tiene 288,4 metros, diseñada por el Arq. Norman Foster (1935), la ingeniería Arup y los ingenieros de caminos Julio Martínez Calzón (1938 – 2022) y Manuel Julià Vilardell.
Nota
1
La muerte de Michael Brown de 18 años se produjo el 9 de agosto de 2014. Fue abatido a tiros cuando, bajo sospecha de asalto, agresión y robo.
Wilson, un agente de policía de Ferguson, dijo que se produjo un altercado cuando Brown lo atacó en su vehículo policial para tomar la pistola de servicio de Wilson. La lucha continuó hasta que se disparó la pistola.
Johnson, un amigo que acompañaba a Brown, dijo que Wilson inició una confrontación agarrando a Brown por el cuello a través de la ventana de la patrulla de Wilson, amenazándolo y luego disparándole.
El incidente desencadenó una serie de reacciones en la zona metropolitana de San Luis y también a nivel nacional, incluyendo manifestaciones pacíficas, 16 protestas, enfrentamientos violentos de la población negra con la policía, varias formas de manifestaciones sociales 17 y la demanda popular de una investigación de los hechos.
El 11 de agosto el FBI abrió una investigación del tiroteo, y al día siguiente el presidente de los Estados Unidos Barack Obama hizo una declaración pública de condolencias a la familia de Brown, disponiendo recursos federales para la realización de las investigaciones.
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“Cada ama de casa de los suburbios luchaba sola contra ello. Mientras hacía la camas, iba a la compra, combinaba el material de las fundas, comía bocadillos de mantequilla de cacahuete con sus hijos, hacia de chofer de Cub Scouts y Brownies o se acostaba junto a su marido por la noche, temía hacerse incluso a si misma la pregunta silenciosa: ¿esto es todo?.”
Betty Friedan. La mística de la femeneidad. 1963
Reinas del Hogar
La esfera de la mujer
En los años cincuenta, toda una generación de mujeres que había tenido acceso a estudios universitarios se encontró atrapada en casa suburbanas a kilómetros del centro, rodeada de un variadisimo ejército de electrodomésticos comercializados y publicitadis durante el frenesí consumista de posguerra, un período de bonanza económica.
“En La mística de la femeneidad” (1963), ensayo premiado con el Pulitzer y con ventas iniciales de mas de un millon de ejemplares, la activista feminista Betty Friedan (1921-2006) identificó este sentimiento de frustación como “el problema que no tiene nombre”, que se manifestaba con síntoma tan graves como ansiedad, neurosis, insomnio, alcoholismo o incluso suicidio, Apenas una década despues, Ira Levi (1929 . 2007), autor de la muy urbana “La Semilla del diablo”, logro otro bestseller con “Las poseidas de Stepford”, una mordaz distopía en la que las amas de casa de un privilegiado suburbio de Connecticut habían sido sustituidas por réplicas robóticas para conseguir la sumision absoluta, una metáfora tan brutal como certera.
Estos productos forman parte de la colección privada de Alfaro Hofmann:
Philco Corporation.Televisor Safari H-2010. Portatil. 1959. Radio 49-501. “Boomerang”. 1949
Tocadiscos RCA Victor GBY 4B HMV His Master´s Voice. 1955
Tostadora 5147. Samson United Corporation c. 1948 Harry L. Laylon Metal, plastico y baquelita.
Televisor Predicta Philco. c. 1940
Lavadora II. Hery Dreyfuss. Hoover-Hogel / Manufacturas Eléctricas, S.A. Con licencia americana. 1953 Aspiradora Constellation 862. Casper J. Miller Hoover. 1952
Frigorifico Philco A-752 Advance Design Henry Dreyfuss Philco Corporation. 1946
Mesa de cocina y cuatro sillas. 1950 – 1960. Colección particular
El Color del Paraiso
Solo para blancos
La litografía “Nuevos niños en el vecindario” de 1967 de Norman Rockwell. Museo Norman Rockwell
A su regreso de la Segunda Guerra Mundial, los afroamericanos no tuvieron derecho a los préstamos hipotecarios de los que se beneficiaron sus compañeros de armas blancos. Ni los promotores inmobiliarios, ni los propios vecinos, preocupados por el valor de sus propiedades, les abrieron las puertas de su exclusivo paraíso residencial. Quedaron hacinados en atestados guetos urbanos que además quedaban expicitamente señalados para prevenir cualquier tipo de inversión, publica o privada.
Con la excusa de la “renovacion urbana”, desatada con la construcción de autopistas, muchs de esos barrios fueron destruídos. El derecho a una vivienda digna fue una de las claves de la lucha por los derechos civiles de los años sesenta; en 1968 apenas una semana despues del asesinato de Martin Luther King (1929 – 1968), la Cámara de reprsentantes aprobó la Fair Housing Act, una ley firmada por el presidente Lyndon Johnson (1908 – 1973) para acabar con la discriminación en el alquiler o venta de bienes inmuebles por cuestiones de raza, religión u orígenes nacionales.
Los derechos civiles según Rockwell
Foto H Kliczkowski Juritz
El ilustrador norteamericano mas popular del siglo XX, Norman Rockwell (1894 – 1978), había dibujado con la mayor ternura el día a día de la clase media a lo largo de más de 300 portadas para The Saturday evening Post.
Cuando ya habia cumplido 70 años, dio un giro radical a su carrera y se implicó en la lucha por los derechos civiles de la comunidad afroamericana a través de sus trabajos para la revista Look.
Despues de retratar el primer día de escuela de la pequeña Ruby Bridges (1) en 1964, mostró la llegada de un grupo de niños afroamericanos a Park Forest en 1967, ilustrando un reportaje -titulado con un hoy incorrecto “Negro in the Suburbs”- dentro de un monográfico especial Suburbia.
En agosto del 2023, tuve el enorme placer de visitar el maravilloso, encantador y enorme Museo Norman Rockwell, en Stockbridge, Massachusetts.
Foto H Kliczkowski Juritz
Fue fundado en 1969 en el lugar donde Rockwell vivió sus últimos 25 años. Inaugurado en 1993, el edificio fue diseñado por el ganador del Premio Driheaus 2011 (2), el arquitecto Robert Stern.
Robert Arthur Morton Stern (1939) radicado en Nueva York, es socio fundador del estudio Robert AM Stern Architects, también conocido como RAMSA.
Desde 1998 a 2016 fue Decano de la Escuela de Arquitectura de Yale.
Imposible visitarlo solo una vez, pasé alli toda la tarde, además de las 574 obras de arte originales de Rockwell, el museo alberga sus archivos, una colección de más de 100.000 artículos, fotografías, cartas de fans entre otros documentos.
Foto H Kliczkowski Juritz
Foto H Kliczkowski Juritz
Norman Rockwell
Norman Percevel Rockwell fue un ilustrador, fotógrafo y pintor estadounidense célebre por sus imágenes llenas de ironía y humor.
A los 14 años descubre que su verdadera vocación es la ilustración, y asiste a las clases de arte de la Chase School en Manhattan. A los quince años, abandona los estudios para ir a la National Academy School, donde hacía copias de vaciados en yeso.
En 1910, con 16 años Rockwell se trasladó a la Art Students League, sus maestros fueron George Bridgman y Thomas Fogarty.
En 1916, con 22 años es ilustrador oficil del Saturday Evening Post, una revista de actualidad y sociedad, lo hace durante 47 años.
Foto H Kliczkowski Juritz
Admirado e imitado, hizo publicidad para McDonald’s o Coca-cola, cereales, chicles, neumáticos, etc.
En su libro “Mis aventuras como ilustrador”, menciona los rabajos de su amigo Joseph Christian Leyendecker como inspiracion e influencia.
Representó las actitudes del caracter de los niños, corriendo, burlándose de otros, tomando el desayuno, yendo a la escuela o jugando al baseball. Dedicó un cuadro en 1942 de carácter publicitario «Démosle suficiente y a tiempo», un llamamiento público para apoyar a los soldados. o «La lealtad del Boy Scout». Libertad
De esta convulsa época destaca su serie de «Libertad», formada por varios cuadros:
«Libertad de la necesidad», de 1943, que representa a una familia reunida en torno a una mesa el día de Acción de Gracias.
«Libertad de expresión», del mismo año.
«Libertad del miedo» y por último.
«Libertad de culto», considerada por muchos su obra maestra, plena en emoción, detalles y solemnidad.
Ya en la década de los 50 y 60, Rockwell volvió a sus temas amables y tiernos, representando imágenes navideñas, familias reunidas, viajes familiares en automóvil, interiores de tiendas o barberías, heladerías con niños, e incluso hizo algunas obras repletas de ironía, como «El entendido», de 1962, donde representó a un hombre de espaldas observando con pose afectada un cuadro perteneciente al Expresionismo abstracto, propio de pintores como Pollock, por los que Rockwell se sentía atraído.
Norman Rockwell Libertad de expresión. 1943. 116 x 90 cm
Mientras Rockwell pensaba en implementar su idea, en una reunión del consejo de la ciudad, uno de sus vecinos habló y, a pesar de que nadie estuvo de acuerdo con él, se le dio la oportunidad de hablar. ¡Rockwell se dio cuenta de que era exactamente lo que necesitaba! «De repente recordé cómo Jim Edgerton se puso de pie en la reunión del consejo de la ciudad y dijo algo que no agradó a los presentes. Pero se le dio la oportunidad de hablar. Nadie le dijo que se callara. Oh Dios, pensé. Aquí lo tienes. Libertad de expresión. Ilustraré las Cuatro Libertades usando a mis vecinos de Vermont como modelos «. (4)
Comenzó el trabajo, con una tensión increíble, trabajó como un poseso durante muchos meses. Rockwell invitó a los residentes de Vermont a su estudio. Un amigo del artista recordó que trataba a sus modelos como invitados de honor y dijo que el éxito de sus cuadros dependía de ellos: “Si tus modelos sienten que eres su amigo, no el jefe, si les haces sentir que son importantes para el éxito de tus cuadros, te ayudarán en todos los sentidos. Después de terminar su trabajo, entregó a todos un sobre sellado con un cheque.
A mediados de los 60 y principios de los 70, Rockwell recupera su punto mordaz y crítico con la sociedad: los cambios políticos que entonces sufrió norteamérica, entre ellos los de la integración de los negros, la lacra del racismo y la investidura del presidente Kennedy, fueron tomados e interpretados por Rockwell, quien siempre abogó por la multiculturalidad, la integración y sobre todo, la defensa del débil y el apoyo a los negros perseguidos o insultados: de este período destacan obras impactantes como «El problema con el que convivimos todos», de 1964, donde representa con delicada intensidad a una niña negra que tiene que ir escoltada a la escuela, víctima de los insultos y agresiones de otros ciudadanos; o el magnífico lienzo «La regla de oro», de 1961, donde queda patente su pasión por la defensa de los derechos humanos, su religiosidad y su respeto a todas las razas.
Un reportero en las afueras
Bill Owens (1938), las conradicciones de la clase media
Bill Owens. Suburbia (New and improved) FotoFolio US. Nueva York. 1999
Bill Owens. Suburbia Straight Arrow Books. 1973
Publicado en 1972, el hoy icónico libro “Suburbia” recogía 127 fotografías en blanco y negro de la zona residencial californiana donde todavía vive su autor, el entonces reportero Bill Owens, que se dedicó a inmortalizar a sus vecinos y amigos para plantear una panorámica de la vida suburbana. Owens, que habia cubierto las protestas contra la guerra de Vietnam o el traumático concierto de Altamont (3) se encontró viviendo con su familia en un pasiaje amigable en el que detectó sutiles contradicciones que decidió catalogar creando una obra a medio camino entre los “nuevos documentalistas” de los años sesenta, como Diane Arbus (1923 – 1971) o Garry Winogrand (1928 – 1945), y las lecturas irónicas mas conceptuales y polsmodernas que estaban por venir.
Bille Owens
“En nuestra casa, la sala de estar esta situada en la parte de atrás, de manera que por la noche nos sentamos delante del garaje y vemos pasar el tráfico”.
Gelatina de Plata. 1972. Archivo de Bill Owens en Milano
En 2007, esta vez a todo color, volvió a retratar los alrededores de Hayward, en el mismo condado de Alameda, recogiendo las fotografías en una antología introducida por el relato de la siempre ácida A. M. Homes (1961) Un premio para cada jugador (del libro Dias Temibles), en el que una familia se divide la lista de la compra y sus miembros compiten entre si dentro de un gigantesco centro comercial.
Bill Owens. Cars A completely American Reality True North Editions. Bellingham. 2021
Bill Owens.Sin título (familia remolcando una lancha) Gelatina de Plata. 1972.Archivo de Bill Owens en Milan
Howard Sochurek. Nikita Serguéievich Jrushov y Richar M. Nixon en la exposicion Nacional Americana celebrada en Moscu en agosto de 1959. Colección de Life
Una Sociedad Adúltera
En 1968, John Updike (1932-2009), como antes lo fue su admirado John Cheever, también llegó a ser portada de Time, pero no tanto por su prestigio literario como por el lucrativo escándalo causado por su novela “Parejas”, en la que narraba la utopía erótica de los vecinos de Tarbox, ficticio suburbio de Nueva Inglaterra, basada en el intercambio de parejas.
Ese mismo año se estrenó “Suburban Roulette” (1968), película de serie B sobre otra comunidad de swingers.
No era casualidad ya que, por lo menos desde la publicación de “The Split-Level Trap “(1961), el llamado “informe Kinsey de los suburbios”, los barrios residenciales empezaron a imaginarse como un entorno amoral habitado por jóvenes parejas consideradas como promiscuas en infinidad de novelas pulp.
Orrie Hitt, Sexurbia County, Beacon Books, Nueva York 1960.
Richard E. Gordon, Katherine K. Gordon y Max Gunther, The Split-Level Trap, Bernard Geis Associates, Nueva York 1960.
Dean Hudson, Passion Suburb, Midnight reader, 1962.
Jay Carr, Suburban Lovers, Monarch Books, Nueva York 1962.
John Conway, Love in Suburbia. They Spiced their Lives with Other Men’s Wives, Monarch Books, Nueva York 1964.
Matthew Bradley, Adultery in Suburbia, Gold Star Books, The New International Library, Derby, Connecticut 1964.
La Pesadilla Residencial
Splitnik, La casa como Propaganda
Y la noche se hizo en Suburbia, lo que había sido un sueño devino en pesadilla. La idea de un lugar seguro, saludable y alegre se contaminó progresivamente de miedos, terrores y paranoias.
Se corrieron cerrojos y se instalaron alarmas. Al fin y al cabo, en la tradición gótica americana, la casa, a menudo encantada, siempre había sido una fuente de horror: el mal anidaba dentro, enterrado entre los secretos familiares.
Con la aparición de las viviendas en serie se consolidó un nuevo subgénero, denominado “gótico suburbano”, que empezó a manifestarse tanto en la literatura como en el cine.
A diferencia del gótico tradicional, en este nuevo paisaje la residencia familiar ya no estaba anclada en ningún territorio determinado, como antaño en Nueva Inglaterra, sino que, con su valla blanca y su césped verde, podía estar en cualquier parte del país. Y el mal venía de fuera, amenazaba con invadir el hogar, incluso con devaluarlo. También podía ser el vecino de al lado, tan amable con su cortadora de césped. Bajo la apariencia de reluciente normalidad, los suburbios americanos siempre esconden grietas por las que se cuela el terror.
Atomurbia
Refugios en elpatio trasero
En la geografía de la dispersión interviene el miedo atómico. “Atomurbia” es el nombre que se dio a un proyecto delirante que apareció en las páginas de Life ya en 1947, ante la posibilidad de una guerra atómica, la solución del sociologo William Ogburn (1886 – 1959) consistía en dispersar a la totalidad de la población estaounidense por toda la geografia del pais, reubicando a 20 milones de pesonas con un coste de 5 billones de dolares al cambio actual. Nadie se lo tomó demasiado en serio. Pero el 6 de Octubre de 1961, cuando el presidente J.F.Kennedy (1917 – 1963) hizo un llamamiento para que las familias pudieran protegerse de un posible ataque nuclear, la demanda de refugios económicos “hagalo usted mismo” se disparó. Aunque su efectivid resulta hoy de lo mas cuestionable, miles de sótanos y patios traseros se acndicionaron para poder resistir un ataque nuclear. La cifra es incalculable porque no requerían permiso y solían construirse en secreto para no tener que compartir el restringido espacio con los vecinos.
Disturbia
Nuevo gótico americano
Ya en 1960, la pareja de psicólogos de Nueva Jersey Richard y Katherine Gordon, en su libro “The Split-Level Trap”, acuñaron la palabra Disturbia para recopilar las ansiedades de los habitantes del suburbio, unos temores que tanto la ficción como la vida cotidiana se han encargado de ir ampliando a lo largo de las últimas décadas.
El concepto de una casa en medio de la noche, donde la oscuridad circundante ya representa una amenaza, se ha convertido en algo más que un motivo recurrente para infinidad de fotógrafos y artistas americanos. Es casi una obsesión. El miedo a la invasión del hogar, a la visita de algún asesino en serie o de meros ladrones, combinada con el aislamiento suburbano, explica en parte la desmedida pasión por las armas de fuego de los americanos, protegidos por la Segunda Enmienda. A la creciente sensación de inseguridad contribuye también el deterioro de un paisaje periférico que desde la crisis de 2008 tiene un nivel de pobreza más elevado que los centros urbanos gentrificados.
La América insomne
Las fotografías del siempre oscuro
Gregory Crewdson (1962) realiza grandes producciones cinematográficas reducidas a un solo plano, elaboradas puestas en escena -incluso con efectos especiales como nieve artificial- que nos devuelven un testimonio sonámbulo de la pesadilla americana.
Esto resulta particularmente cierto en la serie “Dream House” -rodada- por así decirlo en la casa intacta de una persona fallecida en las afueras de Rutland (Vermont) con participación de estrellas del cine tan conocidas como Tilda Swinton, Gwyneth Paltrow, William H. Macy, Dylan Baker, Julianne Moore o Philip Seymour Hoffman, cuya presencia evidencia aún más la atmósfera irreal de esta serie de enigmáticas escenas situadas entre lo cotidiano y lo desconcertante.
Gabriele Galimberti. Katie (41 años). Central Texas. 2021 Impresión digital sobre PVC
Angela Strassheim retrata las ‘McMansions’ en ‘Left Behind’ (2005)
Norman Mailer
An American Dream.
The Dial Press. Nuva York. 1965
Phyllis McGinley
A Sort Walk from the Station
Dibujos de Roberta Macdonald
The Viking Press. Nueva York.1951
John McPartland
No Down Payment
Simon & Schuster. Nueva York. 1957
Rick Moody
The Ice Storm
Abacus. G Bretaña. 1994
Tom Perrota
Election. 1988
Penguin Random House Company. Nueva York
Little Children
St. Martin Press. Nueva York. 2004
Thomas Pynchon
The Cryinf of LOT 49
Lippincott Company. Filadelfia-Nueva York.1966
John Updike
A month of Sundays. 1975
Rabbit is Rich. 1981
Rabbit Redux. 1988
S. 1988
Rabbit at Rest. 1990
Rabbit, Run. 1994
In the Beauty of the Lillies. 1996
Alfred A. Knopf. Nueva York.
Sloam Wilson
The Man in the Gray Flannel Suit.
Simon & Schuster. Nueva York. 1955
Peter Wyden
Suburbia´s Coddled Kids
Ilustraciones de F.B. Modell
Doubleday & Co. Inc. Nueva York. 1962
Richard Yates
Revolutionary road
Methuen, Londres. 2001
Notas
1
“El problema con el que todos vivimos” es una pintura de 1964 de Norman Rockwell que se considera una imagen icónica del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos. Representa a Ruby Bridges (1954) una niña afroamericana de seis años, de camino a la escuela primaria William Frantz, una escuela pública exclusivamente para blancos, el 14 de noviembre de 1960, durante la crisis de desegregación escolar de Nueva Orleans.
Debido a las amenazas de violencia contra ella, está escoltada por cuatro alguaciles adjuntos de Estados Unidos, la pintura está enmarcada de modo que las cabezas de los mariscales queden recortadas a la altura de los hombros, lo que convierte a Bridges en la única persona completamente visible.
En la pared detrás de ella están escritos el insulto racial » nigger » y las letras » KKK «; También se ve un tomate aplastado y salpicado arrojado contra la pared. Los manifestantes blancos no son visibles, ya que el espectador mira la escena desde su punto de vista.La pintura es óleo sobre lienzo y mide 91 cm de alto por 150 cm de ancho.
2
Habían pasado 50 años de la tragedia de Altamont, el concierto de los Rolling Stones que terminó en sangre y muerte.
El joven Meredith Hunter, con su traje verde y su pelo afro, segundos antes de la tragedia. Captura del documental Gimme Shelter.
El 6 de noviembre de 1969 se organizó -mal y en poco tiempo- un festival que pretendía ser el Woodstock de la Costa Oeste. Los encargados de la seguridad fueron Los Ángeles del Infierno, una banda de motoqueros con un historial de violencia irracional, delitos, racismo y machismo. Cuando Mick Jagger estaba en el escenario, comenzó el horror.
Se respiraba un clima de alegría y esperanza. La alineación del festival era impecable: Santana, Flying Burrito Brothers, Jefferson Airplane, Crosby, Stills, Nash and Young, Grateful Dead y los Rolling Stones. Hubo dos víctimas fatales tras ser atropelladas y uno por sobredosis. Cuatro muertos en unas pocas horas, Meredith Hunter, afrodescendiente de 18 años (1951 – 1969), que había sido golpeado por uno de los Ángeles, éste luego fue hasta su auto a buscar un arma, y le disparó asesinándolo.
Notas
1
“El problema con el que todos vivimos” es una pintura de 1964 de Norman Rockwell que se considera una imagen icónica del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos. Representa a Ruby Bridges (1954) una niña afroamericana de seis años, de camino a la escuela primaria William Frantz, una escuela pública exclusivamente para blancos, el 14 de noviembre de 1960, durante la crisis de desegregación escolar de Nueva Orleans.
Debido a las amenazas de violencia contra ella, está escoltada por cuatro alguaciles adjuntos de Estados Unidos, la pintura está enmarcada de modo que las cabezas de los mariscales queden recortadas a la altura de los hombros, lo que convierte a Bridges en la única persona completamente visible.
En la pared detrás de ella están escritos el insulto racial » nigger » y las letras » KKK «; También se ve un tomate aplastado y salpicado arrojado contra la pared. Los manifestantes blancos no son visibles, ya que el espectador mira la escena desde su punto de vista.La pintura es óleo sobre lienzo y mide 91 cm de alto por 150 cm de ancho.
2
El Premio de Arquitectura Driehaus , denominado en su totalidad Premio Richard H. Driehaus de la Universidad de Notre Dame , es un premio mundial en el campo de la arquitectura clásica y tradicional contemporánea . El Premio Driehaus fue concebido como una alternativa al Premio Pritzker, predominantemente modernista.
3
Habían pasado 50 años de la tragedia de Altamont, el concierto de los Rolling Stones que terminó en sangre y muerte.
El joven Meredith Hunter, con su traje verde y su pelo afro, segundos antes de la tragedia. Captura del documental Gimme Shelter
El 6 de noviembre de 1969 se organizó -mal y en poco tiempo- un festival que pretendía ser el Woodstock de la Costa Oeste. Los encargados de la seguridad fueron Los Ángeles del Infierno, una banda de motoqueros con un historial de violencia irracional, delitos, racismo y machismo. Cuando Mick Jagger estaba en el escenario, comenzó el horror.
Se respiraba un clima de alegría y esperanza. La alineación del festival era impecable: Santana, Flying Burrito Brothers, Jefferson Airplane, Crosby, Stills, Nash and Young, Grateful Dead y los Rolling Stones. Hubo dos víctimas fatales tras ser atropelladas y uno por sobredosis. Cuatro muertos en unas pocas horas, Meredith Hunter, afrodescendiente de 18 años (1951 – 1969), que había sido golpeado por uno de los Ángeles, éste luego fue hasta su auto a buscar un arma, y le disparó asesinándolo.
“Suburbia». La construcción del sueño americano” presenta obras de destacados creadores que, desde diversos puntos de vista, nos ayudan a contemplar de forma crítica el famoso estilo de vida americano:
Alice Brazzit (1986), Jessica Chou, Gregory Crewdson, Thomas Doyle, Gerard Freixes, Rodrigo Fresán, Gabriele Galimberti, Weronika Gesicka, Benjamin Grant, Todd Hido, Joel Meyerowitz (1938), Matthias Müller, Blanca Munt, Alberto Ortega, Bill Owens, Norman Rockwell (1894 – 1978), Sheila Pree Bright (1967), León Siminiani, Todd Solondz, Amy Stein, Greg Stimac, Angela Strassheim (1969), Deborah Stratman, Ed & Deanna Templeton, Kate Wagner, Peter Wells (1812 – 1995), Christopher Willan entre muchos otros.
Vista interior de ‘Suburbia. La construcción del sueño americano’ por Alice Brazzit
El imperio del motor
Las autopistas de la libertad
Automóvil Ford modelo T Touring. 1923. Museo de la Ciencia y de la Técnica de Cataluña
El triunfo del Ford T, del que se vendieron más de 15 millones entre 1908 y 1927, transformó el país.
Para permitirle circular, el gobierno federal se lanzó a la construcción de carreteras, decretada mediante la Federal Aid Road de 1916, cuya aprobación coincidió con las primeras leyes de zonificación que compartimentaban la ciudad en distintas áreas según su uso (comercial, industrial, residencial).
La constitucionalidad de esta segmentación fue ratificada por el tribunal Supremo en 1926.
Distinguiendo entre zonas exclusivamente reservadas a casas familiares y otras para edificios de pisos, considerados textualmente “meros parásitos”.
Norman Bel Geddes. Coche aerodinámico N 9 y Motor Car N 8 c. 1932. Metal y acetato de celulosa. Universidad de Texas en Austin
Era el inicio de un proceso de suburbanización al servicio del automóvil.
En 1942 se formó un grupo de presión integrado por 240 miembros del sector automovilístico, tanto privado como público, conocido como The Road Gang, que culminó su labor de presión con la Federal Aid Highway Act (1956) impulsada por el presidente Dwight D. Eisenhower (1890 – 1969) y que ha sido la mayor obra pública realizada en la historia de los Estados Unidos, una red de autopistas interestatales de 78.465 kilómetros con sus gasolineras, restaurantes de carretera, moteles baratos y barrios residenciales
Norman Bel Geddes. Autobús GM99. Autobús Transcontinental. Autobús Motor N 24 y Autobús aerodinámico N 24. C. 1939. Universidad de Texas en Austin
Futurama. C. 1935-40. New York World´s Fair 1939-1940 records. Biblioteca Pública de Nueva York
Las supermanzanas de Radburn
En un mundo que ya giraba alrededor del automóvil, Henry Wright (conocido por sus contribuciones a la evolución de las comunidades residenciales planificadas.
Colaboró con figuras de renombre como Lewis Mumford) y Clarence Stein (1882 – 1975) pusieron en práctica el concepto de la supermanzana de Radburn en Nueva Jersey, una comunidad planificada para que automóviles y peatones nunca llegaran a cruzarse.
En 1928 se vendió como “La Ciudad de la Era del Motor”. Pero debido al crack del 29, no llegaron a construirse más que dos supermanzanas (se pensaron para 25 mil habitantes y cuentan con poco más de 3 mil) situadas a ambos lados de la arteria principal e interconectadas por túneles y puentes.
El garaje era la entrada a casas situadas en calles sin salida, que serían típicas de Suburbia, pero la parte de atrás daba a un gran parque comunitario con zona infantil e instalaciones deportivas.
Radburn, niños jugando en el parque y vista aérea. Rockefeller Archive Center
En Buenos Aires se construían complejos para gente de bajos recursos, que hoy son ocupadas, por clases acomodadas, tal la calidad de vida que se desarrolla ayer. Fueron tres concursos en septiembre de 1925.
Ver http://onlybook.es/blog/el-arq-fermin-bereterbide-por-hugo-a-kliczkowski-juritz/
El boom de Suburbia
El regreso de los soldados que combatieron en la Segunda Guerra Mundial, ansiosos por construir una familia en las casas de sus sueños, motivó la proliferación de los primeros suburbios masivos a los que tuvieron acceso gracias a la generosa financiación de la Asociación de Veteranos.
Asi, el baby-boom, que sumó 29 millones de habitantes en Estados Unidos en una década, ya no se produjo en pisos urbanos de alquiler, sino en once millones de viviendas unifamiliares que podían venir con toda clase de electrodomésticos incorporados presididos por un flamante televisor en el que los nuevos suburbanitas contemplaban versiones idealizadas de sí mismos y de los que vendrían a engrosar sus filas.
Norman Rockwell. El regreso a casa de los Marines. Cubierta del The Saturday Evening Post. 13 de octubre de 1945. Museo Norman Rockwell
Eran todos muy parecidos entre sí: misma edad, mismo color de piel, misma experiencia bélica, mismas hipotecas y la misma sensación de desarraigo y de empezar de cero. Todos los medios se hicieron eco del fenómeno y tanto el cine como la literatura reflejaron aquel paisaje estandarizado en el que las mujeres esperaban a sus maridos con una copa en la mano, los niños se desplazaban en bicicleta y todos celebraban alegres barbacoas los domingos.
Publicidad de General Electric. “Una promesa”. 1945. Colección particular. Barcelona
Promociones Masivas
Edificación en serie
Los distintos Levittown de la Costa Este, Lakewood en la Oeste y Park Forest en el área de Chicago fueron las “comunidades planificadas” más importantes y más ampliamente publicitadas de todas las creadas para acoger a las nuevas familias de los soldados que regresaron de la guerra.
William Levitt llegó a construir 30 viviendas unifamiliares por día en 1948, trabajaba con piezas manufacturadas, como las casas prefabricadas,.
Aplicaban las técnicas del trabajo en cadena heredadas del fordismo.
William Whyte. The Organization Man. Editorial Simon & Schuster. Nueva York. 1956. Colección particular. Barcelona
La oferta era imbatible: por el precio de un piso de alquiler en la ciudad, una casa con Jardin en propiedad a 30 años y sin intereses para los veteranos.
Lakewood se desarrolló más lentamente, pero llegó a ser el mayor suburbio de la posguerra con 17,5 mil pequeñas parcelas que cobijaron a 80 mil personas
Mientras que Park Forest se distinguió como el suburbio modelo para los que habían cambiado el uniforme de soldado por el traje gris de oficinista.
Club de Campo Hacoaj Tigre
Un interés no menor al escribir en mi blog es el de hacerlo como si fuese un libro de bitácora, para encontrar en él, trozos, partes de mi vida, con otros y en ciertos momentos conmigo…
Escribiendo sobre Suburbia, y al buscar antecedentes urbanos, recordé el Concurso del Club Hacoaj-Tigre de Buenos Aires, donde sacamos el primer premio, año 1990.
Está ubicado en la Av. Santa María (Ruta 27) Nº 4002, Rincón de Milberg, Tigre.
Lo proyectamos y construimos totalmente, El enorme movimiento de tierras, la diagramación y planimetría general de lotes, Golf, Club social y deportivo, entradas, etc.
En la foto los arquitectos Pablo Sztulwark, Gustavo Natanson, Hugo A. Kliczkowski Juritz, Edgardo Minond y Víctor Papo (en el concurso participó el arq Horacio Grinberg)
El enorme Country Club de 37 hectáreas, con un golf de 18 hoyos, planteaba (y por eso ganamos) que todos los lotes tuviesen igual situación, dando el frente al golf y el acceso por el contrafrente. En total 350 lotes de 1.000 m2 cada uno, todos con vistas al Campo de Golf, y las mejores actividades e instalaciones deportivas, sociales y culturales.
Debido a la magnitud del terreno y la situación de inundación del Tigre en épocas de sudestada, se debió rellenarlo.
Dada la magnitud de millones de metro cúbicos de relleno, se compró una cantera y durante un año, miles de camiones transportaban la tierra para subir el nivel topográfico.
Time, 3 de julio de 1959. William Levitt “a la venta una nueva forma de vida”. Colección particular. Barcelona
Cuando fue portada de Time, en Julio de 1950, William Levitt (1907 – 1994) ya era el mayor constructor de estados Unidos: “Somos la General Motors del sector inmobiliario”, declaró. Y ni siquiera había terminado el primero de la media docena de suburbios que desarrolló, el Levittown de Long Island, con capacidad para unos 60 mil habitantes. Al principio, las casas modelo Cape Cod o Ranch eran de alquiler, pero la ayuda gubernamental a través de la Federal House Administration hizo que saliera mas a cuenta venderlas. En el momento de mayor producción, gracias a un sistema de equipos especializados que se iban relevando, la firma Levitt & son levantaba una casa cada quince minutos. Todas estaban equipadas con un flameante televisor marca Admiral.
Vista aérea de Levittown, un suburbio de 1949
a Abraham, William y Alfred Levitt, Fundadores de Levittown. b folleto de casas ranch modelo c Anuncio del modelo cape Cod, Newsday. 18 de julio de 1947. d tomando pedidos para comprar casas en Levittown, 1949 e folleto de Ranch Models (reverso), 1950 f Modelos de casas Cape Cod, 1947-8 Biblioteca Pública de Levittown
Ogle Winston Link. NW 1103-Hot Shot East Bound en Laeger en West Virginia. 1956. Gelatina de plata. Museo de fotografía contemporánea del Columbia College de Chicago
La suburbanización de la Imaginación
El boom editorial, cinematográfico y televisivo
El radical cambio del modo de vida americano ejerció un profundo impacto en la cultura. En la pequeña pantalla parpadeaban familias modelo que protagonizaban cómicas situaciones de la vida cotidiana suburbana y los grandes estudios no tardaron en acomodar decorados de calles residenciales que todavía son el escenario de un sinfín de películas y series. Al mismo tiempo, las estanterías de las librerías se llenaron de toda clase de obras relacionadas con Suburbia: si Babbit, el clásico de Sinclair Lewis (1885-1951), había asentado el modelo de hombre de clase media en los años veinte, a partir de los años cincuenta cada vez fueron mas numerosos los escritores que ambientaron sus obras en casa con ventanas panorámicas situadas en tranquilas calles sin salida. Era lo lógico, hasta celebridades literarias como Jon Cheever (1912-1982) y John Updike (1032-2009), que habían forjado su fama en las páginas de The New Yorker, también se habían trasladado a la periferia para educar a sus hijos lejos de la ciudad.
John Barth
The Development
First Mariner Books edition. 2010
Frederick Barthelme
Natural Selection
Viking, Penguin Book. Nueva York. 1990
Ann Beattie
Secrets and Surprises. 1978
What Was Mine. 1991
Random House. Nueva York.
Raymond Carver
Cathedral
Alfred A. Knopf. Nueva York 1983
Raymond Carver
Where I´m Calling From
New and Selected Stories
The Atlantic Monthly Press. Nueva York. 1988
Auguste Comte Spectorsky
The Exurbanites
Dibujos de Robert Osborn.
J.B.Lippincott Company. Filadelfia. 1955
Don Delillo
White Noise
Penguin Books. Nueva York. 1986
Joan Didion
The White Albun
Simon & Schuster. Nueva York.1979
Bret Easton Ellis
Lunar Park
Picada. Londres. 2005
Jeffrey Eugenides
The Virgin Suicides
Farrar, Straus and Giroux, Nueva York. 1933
Richard Ford
Independence Day
Alfred A. Knopf. Nueva York.1995
Richard Ford
The Sportswriter
Flamingo. Londres. 1986
Paula Fox
Desperate Characters
Hartcourt, Brace & World. Nueva York. 1970
Jonathan Franzen
The Correections
Farrar, Straus and Giroux, Nueva York. 2001
Eric Hodgins
Mr. Blandings Builds His Dream House
Ilustraciones William Steig
Simon & Schuster. 1946
A.M. Homes
The Safety of Objects
W.W.Norton & Company. Nueva York. 1990
A.M. Homes
Music for Torching
Rob Weisbach Books. Nueva York. 1999
Shirley Jackson
The Haunting of Hill House
Viking Press. Nueva York. 1959
Gish Jen
Typical American
Plume Penguin Books. Nueva York. 1992
John Keats
The Crack in the Picture Window
Houghton Miffli. 1956
Jean Kerr
Please don´t eat the Daisies
Doubleday & Cia, Inc. Garden City. Nueva York. 1957
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CCCB, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, del 20 de marzo al 8 de septiembre de 2024.
El momento en que la televisión sustituyó al fuego del hogar.
Foto de H Kliczkowski
Foto de H Kliczkowski
Comisariado por Philipp Engel
Asesor Francesc Muñoz
Textos y fotos de la exposición y del catálogo editado en el 2024 por el CCCB y la Dirección de Comunicación de la Diputación de Barcelona. Tiene 208 páginas, 17 x 24 cm, 150 imágenes entre B/N y color. ISBN 978-84-19091-89-5 (castellano – english).
Análisis del fenómeno suburbano americano o ¿por qué las ciudades americanas se han desarrollado de manera tan radicalmente opuesta a las nuestras, desplegando una periferia de barrios residenciales y apenas vida en el centro? Y ¿cómo se ha vivido y se vive en Suburbia? ¿Cómo lo ha retratado el cine, la literatura, la fotografía? ¿Qué movimientos sociales acompañan al fenómeno suburbano?
“Suburbia. La construcción del sueño americano” nos sumerge en el imaginario de la casa familiar idílica y muestra cómo se ha vendido y potenciado este estilo de vida desde la ficción y la industria del entretenimiento. La exposición se remonta a los orígenes de los barrios residenciales a principios del siglo XIX, explica cómo se desarrollaron masivamente en los años cincuenta y repasa el contexto económico, político y social que hizo posible su imparable expansión por todos los Estados Unidos.
En un momento en el que cada vez son más numerosas las familias que persiguen su propia versión del sueño en la periferia de las ciudades, resulta pertinente analizar las contradicciones de un modelo urbanístico cuya razón de ser fue la segregación social, étnica o de género.
El sueño de vivir en una casa con piscina sigue muy vivo en la actualidad y se ha exportado en todo el mundo. La exposición muestra el impacto de este modelo altamente insostenible, basado en continuos desplazamientos en automóvil, con ejemplos de urbanizaciones que han surgido en torno a Barcelona o Madrid.
A través de abundante material histórico, documentales de época, fotografías, pinturas, películas y series, novelas y revistas, obras de arte u objetos cotidianos, la exposición nos sitúa en el paraíso mental del suburbio y nos invita a replantearnos el valor de la ciudad y el espacio público hoy.
La exposición pone en valor las contradicciones de este modelo, exitosamente exportado por todo el mundo, aunque se trata de un modo de vida insostenible, basado en continuos desplazamientos en automóvil, y en un gran dispendio energético.
Es posible que sea precisamente esa ambivalencia, entre la utopía y la distopía, lo que hace que Suburbia sea tan magnética para la mirada artística.
Suburbia siempre acaba emergiendo como un paisaje fascinante.
¿Quién no ha deseado alguna vez el sueño americano? Una casa grande con jardín, piscina y un par de coches en el garaje. Un sitio tranquilo y seguro para vivir en familia, cerca de la naturaleza y con un vecindario amistoso. La exposición recorre la historia cultural de este ideal de vida reproducido hasta la saciedad en la televisión, la publicidad o el cine y analiza la vigencia y los aspectos más controvertidos de este modelo urbanístico.
Suburbia es tanto una imagen mental como un paisaje mutante.
Y si resulta tan fascinante es precisamente por ese carácter doble, ambiguo, incluso paradójico, entre ficción y realidad. Por un lado, están esas zonas exclusivamente residenciales, formadas por casas unifamiliares en propiedad rodeadas de césped inmaculado, con un par de automóviles dormitando en el garaje, e idealmente una piscina en el patio de atrás…Suburbia nació y se desarrolló entre la ciudad y el campo, con “las ventajas del campo y las comodidades de la ciudad”…el eterno mantra promocional suburbano…”si es que no son las incomodidades del campo combinadas con lo peor de la ciudad”.
…Tan contaminante como insostenible, un suburbio de Nueva Jersey contamina más que todo Lower Manhattan.
En Europa las ciudades han sido tradicionalmente densas y centralizadas, a la inversa de las norteamericanas…pero, desde que la palabra gentrificación se puso de moda en Europa, a raíz de la mutación de los centros históricos en hoteles-boutique (o en parques temáticos) …han ido empujando a familias a vivir su propia versión del Sueño Americano en las urbanizaciones que proliferan en todas las periferias urbanas.
…Eisenhower, el baby boom, y la era dorada de la clase media..esa es la Suburbia que más ha calado en el imaginario colectivo.
…La televisión nunca ha dejado de crear deseo suburbano, y las risas enlatadas de las sitcoms son como las sonrisas congeladas de los cincuenta: ya no se sabe muy bien de dónde vienen.
…La tendencia de asentamientos totalmente artificiales se generalizó por todo el país…como LLewellyn Park en Nueva Jersey, un suburbio de los llamados pintorescos, con mansiones diseminadas por un armonioso parque de inspiración inglesa, fundado por un magnate farmacéutico, Lewellyn Haskell, fans de los asentamientos Shaker en su juventud…rodeada por muros y con entrada vigilada, Llewelyn Park prefigura las “comunidades cerradas” que proliferan hoy por toda América desde Estados Unidos a los countries de Buenos Aires. (mas adelante mostrado en detalle).
…La Utopía burguesa “sufrió el castigo de la popularidad”, según comentó maliciosamente el sociólogo e historiador Lewis Mumford (1895 – 1990)…El anti sueño sería ser expulsado del paraíso, acabar en la ruina como Ned Merril de “El nadador”, encarnado por Burt Lancaster en el vine, un relato que empieza como una divertida apuesta y acaba como una auténtica pesadilla. De piscina en piscina. Merril atraviesa Bullet Park hasta llegar a su casa…vacía y abandonada.
El sueño de una casa rodeada de un pedazo de tierra sigue muy vivo. Posiblemente sea el sueño más potente que jamás hemos tenido.
La Construcción del “sueño americano”
El estilo de vida americano ha recurrido a contundentes argumentos de venta para imponer su ideal urbanístico.
Las ventajas del campo con las comodidades de la ciudad: ¡el lugar ideal para ver crecer a los niños!. Verde, tranquilo, silencioso y seguro.
Joel Meyerowitz. Land. Provincetown, 1976. Impresión con pigmento
Desde los años noventa, la mayoría de los estadounidenses vive en esa masa de urbanismo disperso, tambien conocida como sprawl, que no deja de expandirse.
No importa que se trate de un sistema basado en continuos desplazamientos en automóvil ni que Estados Unidos sea el segundo país más contaminante del mundo después de China.
Paisaje ferroviario mundial. Swain & Leis. Chicago circa 1882. Currier & Ives. Paisaje ferroviario norteamericano. Trenes expresos saliendo de la estación. Nueva York, 1874. Biblioteca del Congreso.
Tampoco que haya sido objeto de numerosas críticas por tratase de un meditado proceso de compartimentación urbanística en grupos socioeconómicamente homogéneos que fomenta la desigualdad y protege el privilegio. El sueño americano es poderoso y no ha perdido ni un ápice de su atractivo, y menos después de la pandemia.
Durante décadas, todos estos barrios residenciales omnipresentes en el cine y en la televisión, asi como en la publicidad y la literatura, entre otras manifestaciones culturales y artísticas, nos parecían tan fascinantes como ajenos. Formaban una ciudad radicalmente opuesta a las nuestras, históricamente densas y concentradas.
Pero cada vez son mas numerosas las familias europeas que se ven obligadas a perseguir su propia versión del sueño en las urbanizaciones de la periferia. Esta historia cultural del modelo disperso de la ciudad americana pretende reflejar las contradicciones y ambigüedades -lo mejor y lo peor al mismo tiempo- de un no-lugar que ha fascinado a tantos creadores de la más diversa índole.
La planificación de un sueño
Los primeros colonos ya soñaban con una casa y un pedazo de tierra cuando cruzaron el Atlántico a bordo del Mayflower rumbo al Nuevo Mundo.
Norman Rockwell. Calendario. Tender Years:Mowing the Lawn, 1957 (Años tiernos: cortar el césped). Museo Norman Rockwell
Pero fue a partir de principios del siglo XIX cuando, paralelamente a la conquista del Oeste, surgió una nueva forma de colonización inspirada por el mito de la América Pastoral. Aprovechando las sucesivas revoluciones de la movilidad, que permitían cubrir desplazamientos diarios antes inasumibles, distintas capas de la sociedad fueron ocupando progresivamente el territorio que rodeaba las grandes urbes, entre el campo y la ciudad. Tal y como reflejan las obras del pintor Carl Rakeman (1878 – 1965), que dedicó su vida artística a la oficina de Carreteras Públicas (BPR), primero llegó el ferrocarril a vapor, luego vino el tranvía eléctrico, más tarde el automóvil y finalmente el país quedo, poco a poco, totalmente transformado por una red de autopistas interestatales.
Cada uno de estos medios de transporte dio lugar a “comunidades planificadas” completamente distintas en cuanto a urbanismo, arquitectura y situación geográfica siempre alrededor de las principales vías de comunicación movilizando en cada paso a una clase social distinta, A la alianza de promotores y compañías de transporte que, desde un principio, fue clave para la expansión suburbana, se sumó, a partir de principios del siglo XX, el propio gobierno federal. La idea, tal y como la sintetizó el presidente F. D. Roosevelt en 1942, consistía en que “un país de propietarios de personas que poseen una participación real en su propia tierra es inconquistable”.
Peter Wells. Hombre con cortadora de césped. Tinta sobre papel. Museo Norman Rockwell
Las primeras comunidades cerradas
Llewellyn Park, una comunidad cerrada con acceso vigilado fundada en 1852 por Llewellyn Haskell, un empresario farmacéutico, fue diseñada por A.J. David (1803 – 1892), discípulo de A.J.Dowing, que aportó su estilo pintoresco de calles curvas, en ruptura con la cuadrícula de las ciudades, y la idea de un parque comunitario.
Frederick Law Olmsted y Calvert Vaux. Plan general de Riverside. 1869. Museo Histórico de Riverside, Illinois
El mismo estilo fue llevado a una escala mayor por Calvert Vaux(3) y Frederick Law Olmstead (1822 – 1903), que acababan de diseñar el Central park de Nueva York y crearon en 1869 la comunidad de Riverside en Illinois, que tenía su propia estación de ferrocarril. Tuxedo Park, fundada en 1886 y más dispersa, se creó alrededor de un exclusivo club de campo que reunía a la jet set de Nueva York, alli se popularizó el esmoquin.
Los Angeles sobre raíles
La ciudad más poblada de California, paradigma de ciudad pensada para el automóvil, llegó a disponer de la red de tranvías mas extensa no solo de Estados unidos, dino del mundo.
Al contrario que en Europa, los magnates del tranvía, como Henry E. Huntington (1850 – 1927), podían comprar y vender terrenos a su antojo, llegando a amasar inmensas fortunas. Pero la progresiva popularización del automóvil y el consiguiente fenómeno de la dispersión urbanística hicieron que el tranvía cayera en desuso porque no podía llegar a todas partes. Los grandes de la industria del motor, encabezados por General Motors, fueron acusados de conspirar para acelerar su caída comprando líneas de tranvía para desguazarlas y reemplazarlas por autobuses, aunque eso nunca quedó legalmente demostrado.
Mapa de la red de tranvías de Los Ángeles. Travel and Hotel Bureau, 1906. Biblioteca del Congreso
La democratización del sueño
Casas para todos
La llegada del tranvía permitió a clases mas modestas -incluso a la clase obrera- el acceso a zonas exclusivamente residenciales diseñadas a la medida de sus posibilidades. Así aparecieron las primeras series de casas más o menos parejas y las prefabricadas que se vendían por correo. En contraste con los mas alejados y estilizados suburbios pintorescos de la utopía burguesa, los “suburbios del tranvía”, se desarrollaban alrededor de estas líneas de transporte y prolongaban la organización cuadriculada de las ciudades. El lobby de los promotores inmobiliarios fue ganando importancia y la casa unifamiliar acabó convertida en un asunto de estado: después de la campaña “Own your Own Home”, lanzada por el departamento de trabajo en 1917, no por casualidad el año de la Revolución rusa, el futuro presidente Herbert Hoover escribió que “mantener un alto porcentaje de propietarios individuales” era una prioridad para el país. Así se produjo un gran boom inmobiliario, en los años veinte, una burbuja que pudo ser el preludio de la Gran Depresión.
El paraíso de la clase obrera
“El mayor promotor inmobiliario del mundo”, así se anunciaba samuel E. Gross (1843 – 1913), que también era un maestro de la publicidad. En sus folletos, cuidadosamente diseñados e ilustrados, siempre enfocados a la clase obrera, anunciaba que, en una década, había construido y vendido 7 mil casas, vendido hasta 30 mil parcelas y construido hasta 16 suburbios de Chicago. Abogado y político, hizo campaña por la jornada de 8 horas para que sus clientes pudieran ir y volver de la fábrica cada día. Tambien escribió una obra de teatro, The Mercant Princ of Cornville (1896), y denunció a Edmond Rostand de robarle la célebre escena del balcón, ganó el juicio y Cyrano de Bergerac no pudo representarse en Estados Unidos durante años.
Catálogo anual ilustrado. S.E.Gross. Subdivisiones de ciudades y poblaciones suburbanas destacadas, c. 1891. Museo Histórico de Chicago
John Vachon. Transito en el North Shore Boulevard de Chicago a las 5 de la tarde. 1941. Biblioteca del Congreso
La palabra viene del latín -sub+urbe- y conceptualmente engloba todos los suburbios. Suburbio sigue teniendo un significado distinto, según la RAE está siempre en la periferia de las ciudades, corresponde a una zona deprimida, del extrarradio, ese paisaje postindustrial, antes obrero, ahora precario, en el que se erigen grandes edificios-colmena, que nunca constituyeron un sueño aspiracional para el resto de la sociedad. Philipp Engel.
2
“Suburbia, el país de los suburbios es lo que pensé la primera vez que oí esa palabra, a través de la melancólica voz de Neil Tennant…El cantante de Pet Shop Boys comentó que le había parecido “una buena idea escribir una canción sobre Suburbia y sobre como es esta en realidad, “violenta, decadente y desastrosa”.Philipp Engel.
3
Estudió arquitectura bajo la tutela del arquitecto británico Lewis Nockalls Cottingham (1787 – 1847),pionero en el estudio de la arquitectura gótica medieval.
Más tarde se trasladó a Nueva York y se puso al servicio del paisajista Andrew Jackson Downing (1815 – 1852), quien fuera editor de la revista The Horticulturist magazine (1846–52), se lo considera uno de los fundadores de la arquitectura paisajista.
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Esta es una plaza autogestionada y sin ánimo de lucro.
Frente a este hermoso edificio en la esquina de la calle del Doctor Fourquet y Mallorca de Madrid, encontramos la entrada a un lugar muy especial.
A la altura del número 24 de la Calle Doctor Fourquet Nº 24, en el barrio de Lavapiés, hay un oasis de paz, donde no llega el bullicio de la ciudad, que merece ser visitado.
Es una plaza, un parque infantil, un espacio para dar y recibir cursos prácticos de cerámica, para almorzar y también descansar.
En un cartel en su entrada, se lee “Esta es una plaza, es un jardín compartido creado en un solar cedido por el ayuntamiento para la participación ciudadana» e invitan “Puedes participar en la Asamblea y Grupos de Trabajo”.
Proponen visitas, aceptan propuestas y realizan eventos.
Advierten que no se permiten actividades lucrativas.
Hay una inscripción que pone
Si en los jardines que habita
Me impiden ver a mi dueño
En los jardines del sueño
Nos daremos una cita
Umar Aḥmad ibn Muḥammad ibn Aḥmad ibn Sulaymān ibn Darrāğ al-Qasṭallī (958-1030).
Un poeta hispanoárabe de origen bereber, nacido en el Algarve.
El solar estaba vacio, y durante décadas abandonado.
Los vecinos de a poco, lo van condicionando y transformando en un espacio multiusos.
El Ayuntamiento de Madrid, en el año 2010, lo entrega como concesión.
Su historia es:
«Esta es una plaza» se «crea» en un solar vacío e inutilizado durante tres décadas, hasta que los vecinos idean un proyecto para convertirlo en espacio multiusos, intercultural e intergeneracional, que pueda ser utilizado por aquel que lo necesite, siempre y cuando lo cuide.
La concesión por parte del Ayuntamiento de Madrid llega en 2010 y, desde entonces, se han construido mesas para trabajos de jardinería y bricolaje; se ha plantado toda una colección de cactus, entre otras especies, y se han instalado varios columpios, además de haber reservado un lugar a modo de anfiteatro para actividades culturales.
Aparte de ser autogestionada y sin ánimo de lucro, esta «plaza» destaca porque no tiene papeleras, ya que cada debe ocuparse de la basura que pueda generar, es un espacio totalmente libre de humos.
«Esta es una Plaza» pretende ser un lugar de encuentro entre distintos grupos de la ciudad; sea que vengan a descansar, a celebrar un cumpleaños infantil o a recitar poesía. Se trata de compartir el espacio y las actividades para crear así un clima de convivencia y poder desconectar del lío de la ciudad durante un tiempo.
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Marion Mahony, the architect who together with Walter Griffin designed Canberra.
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Marion Mahony (1871 – 1961) was the first woman to practice as an architect in Illinois, she trained at MIT (Massachusetts Institute of Technology), she was one of Frank Lloyd Wright’s most loyal collaborators and the designer who, together with her husband Walter Burley Griffin, planned the new capital of Australia, Canberra, until its golden years in the mid-twentieth century. (1)
Famous for her love-hate relationship with Wright, she was, however, the woman who drew the characteristic drawings of his buildings and projects.
The lithographs of the Wasmuth portfolio (1910), which made Wright so famous, were designed and made by Marion. His delicate watercolors, influenced by Japanese painting, are one of his greatest legacies.
Mahony was born in Chicago, after the terrible fire that destroyed the city, his family had to move to the countryside. It was the so-called Great Rebuilding of the city by architects such as Louis Sullivan who encouraged him to study that profession.
Her father, a journalist of Irish origin, died when Marion was a child. She inherited the character of her mother, a member of the Chicago Women’s Club, was a school principal and a strong fighter for women’s rights.
She was the second woman to graduate from the Massachusetts Institute of Technology and the first to practice as an architect.
After a year-long trip to Europe, he returned to work with Dwigh Heald Perkins (1867–1941), his mother’s cousin.
Perkins shared the studio with Wright, who hired her, with Marion being her first employee. Together they explored and performed Prairie Style throughout Illinois. Marion drew them and made the sketches that we all know.
I had with Wright some confrontations, due to the competition that the character of both produced. Barry Byrne, a member of the studio, said that «When they were together there were sprakles»… «When Marion showed up you knew it was going to be a fun day.»
Marion was close friends with Catherine, Kitty, Wright’s wife.
Catherine Wright, Frank’s wife, is seated in front of the camera, while Marion Mahony is in profile, in Oak Park, Illinois, ca. 1895 and 1897. (Photo by Frank Lloyd Wright Preservation Trust/Getty Images)
They worked together for 15 years, accompanying him in 1895 when Wright created his studio in Oak Park, where Marion was one of the main designers being responsible for many of the furniture, murals, stained glass, light fixtures and the design of the mosaics of the houses that were projected.
He created the image of the drawings in the studio, which identify Wright’s early period.
The composition and technique were influenced by Japanese prints.
When Wright left (fleeing) to Europe with Mamah he proposed to Marion that she take charge of the study and the works that were in progress, Marion did not accept.
She was highly critical of Wright’s neglect of Kitty and commented critically that «Wright created very little, he spent his time claiming things for himself and sweeping away others».
Then Wright proposed him to his associate at Steinway Hall, Herman Von Holst (1874 – 1955) to take the work, Holst needed someone with clear design concepts, he needed Marion, he and Wright knew it, so he proposed to work with him, Marion accepted, taking charge of finishing the work in progress.
There is enough documented information, it is possible to discover his hand and his name on the stamps in drawings and plans.
Steinway Hall
Steinway Hall was an 11-story building designed by Dwight Heald Perkins (1867-1941) and opened in 1896.
Like this theatre/offices, many others were built around the world by the manufacturing company Steinway & Sons, where they exhibited their prestigious pianos.
From the winter of 1896-97, the 11th floor of the building housed the offices of a group of architects.
Among them were its author Dwight Heald Perkins, Robert C. Spencer (1864 – 1953), Frank Lloyd Wright and Myron Hubbard Hunt (1868 – 1952).
Frank L. Wright and the «Architects of Steinway Hall: A Study of Collaboration»
Paperback – 20 July 2021. Author: Stuart Cohen
The book «Frank L. Wright and the Architects of Steinway Hall» analyzes the period between Wright’s arrival in Chicago in 1887 (remember that he worked in the studio of Louis H. Sullivan until 1888, then he partnered with Cecil Corwin (1860 – 1941) and they created a studio in the Schiller Building in downtown Chicago in 1893, until the dissolution of the company he moved to the Steinway Hall office in 1897. Wright would maintain an office there until 1908.
It also narrates the brief period in which numerous young and talented architects shared that space, and tries to evaluate how they collaborated on projects and in the creation of an architectural theory that would decisively influence the development of world architecture.
The office was actually a shared loft that allowed for the creation of shared ideas, similar designs and above all a «circle of creative architects», many of them friends, who elaborated the theories that would guide their designs.
Active architects of Chicago Architectural Steinway Hall converged there, such as Webster Tomlinson, Irving Pond (1857 – 1939) and Allen Bartlitt Pond (1858 – 1929), Adamo Boari (1863 – 1928), Walter Burley Griffin (1876 – 1937) and Birch Long (1876 – 1937).
“The Eighteen”
Wright would call «The Eighteen» that group of architects who met to eat and discuss common issues. Above all, debates about the art and history of architecture, that, guided by a theory, architecture could be created by teams, and not isolated facts of loose geniuses.
The group was joined by other architects who did not work on the building such as Arthur Dean and George Robinson Dean (1864 – 1919), Hugh Garden (1873 – 1961), Arthur Heun, Alfred Hoyt Granger (1867 – 1939), Richard Ernest Schmidt (1865 – 1958) who years later would work for Howard Van Doren Shaw, Louis Sullivan and Frank Lloyd Wright, Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926).
Architects who flourished after the great fire of 1871 in Chicago and the «World’s Columbian Exposition» fair held in 1893.
Architects close to the term «Prairie School», a term coined by the Canadian historian H. Allen Brooks (1925 – 2010), responsible for the 32-volume edition of the monumental The Le Corbusier Archive.
The directories studied indicate that from 1897 to 1910, up to fifty different architects rented space in the building.
The so-called Chicago School included names such as Barry Byrne (1883 – 1967), William E. Drummond (1876 – 1948), George G. Elmslie (1869 – 1952), Hugh Garden, Marion Mahony Griffin, Birch Burdette Long, George W. Maher (1864 – 1926), George C. Nimmons (1865 – 1947), William Purcell, Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926), and Robert C. J. R. Spence (1864 – 1953).
«… The meadow has a beauty of its own and we should recognize it by accentuating this natural beauty, its calm level… Planes parallel to the earth make the building belong to the land. I see the very line of the horizon as the authentic line of human life, indicative of freedom… The horizontal line is the line of the domestic«. Frank Lloyd Wright 1910/11.
Wright contemplates working in his Hillside studio in Taliesin, circa 1940 (photo by Marvin Koner of Getty Images)
In Wright’s studio, Marion had met her husband in 1911.
Walter Burley Griffin, who was five years younger than Marion.
While a collaborator with Wright, the two had a bad and difficult relationship, so Griffin left the studio in 1906.
Griffin had an excellent character, his friends said that he could put out the fire that emanated from Marion, the couple formed a studio, which had a lot of work, between 1899 and 1914, the Chicago studio created more than 130 designs between buildings, urban plans and landscaping. Half of them were built in the states of Illinois, Iowa, Michigan and Wisconsin.
In 1912 they entered together in the competition for the planning of the city of Canberra, the new capital of Australia. With Griffin’s enormous experience and Marion’s incomparable prints, they won it and moved to that part of the world in 1914.
History has not been fair when it comes to recognizing (as it did so many professionals) his real participation in the project.
After winning the Canberra contest, and the cover lavished on them by the prestigious newspaper The New York Times, Wright and Griffin did not speak to each other again, Wright referred to him as a cartoonist. Wright«was ungenerous in lavishing himself on the merits of others.»
Walter Griffin y Marion Mahony en Castlecrag, Sydney en julio de 1930
Marion decides to dedicate herself in life and soul to making her husband Griffin a great architect. In her memoirs she writes «I became his useful slave (…), I lost myself in him and that seemed very satisfying to me».
Although only a small part of the plan was realized, they decided to stay, the book «Marion Mahony Griffin: Drawing the form of Nature», is the result of her botanical drawings and illustrations in Tanzania.
They settled in New South Wales, building the residential neighbourhood of Castlecrag, Marion directed and designed the scenery for the local theatre.
«Marion Mahony Reconsidered» by David Van Zanten (1943).
It was published by The University of Chicago Press, ISBN 9780226850818. 192 pp, 69 illustrations (65 in B/W).
The book sheds light on many personal and professional aspects of Marion, who has finally begun to receive the recognition she deserves for her contributions to the field of early twentieth-century architecture. She did not have it easy, marginalized by the enormous shadow of Wright and her husband Walter Burley Friffin.
It shows us Marion’s personal journey from the suburbs of Chicago to Wright’s right-hand woman and her bohemian life with her husband in Australia, defines her as a «talented, complex and enigmatic» modern architect.
Mahony approaches the relationship with Wright with sadness «He created very little, spent his time claiming things for himself and leaving others aside.»
Largely recognized for her exquisite presentation drawings for both Wright and her husband, Walter Burley Griffin, she was a designer whose independent and highly original work attracted attention at a time when architectural drawing and graphic illustration were becoming integral to the design process.
The book examines new research on Mahony’s life and paints a vivid portrait of the place of a woman who stands out among the most renowned American architects.
The included essays cover Mahony’s origins in the suburbs of Chicago, through her years as Wright’s right-hand man and her bohemian life with her husband in Australia, whose new capital, Canberra, she helped plan until her golden years in the mid-twentieth century.
Filled with richly detailed analyses of Mahony’s works and including and populated by an international cast of characters, «Marion Mahony Reconsidered» greatly expands our knowledge of this talented, complex, and enigmatic modern architect.
Although the Griffin Mahony are not as well known in the rest of the world, they are an institution in Australia, where they are revered.
Its nucleus was a cultured circle, made up of many progressive professionals.
His cousin, the architect Dwight Herald Perkins, author among other buildings of the Steinway Hall, who details in this article, the sum as a draftsman in his studio.
This studio was on the 11th floor of Steinway Hall, where Wright works.
In 1985 he began working in Oak Park, in Wright’s studio, that relationship lasted 14 years.
After her marriage, Mahony went to work at Griffin’s law firm. A multi-home development designed by Griffin and Mahony, Rock Crest – Rock Glen in Mason City, Iowa, is seen as their most spectacular American design development of the decade and remains the largest collection of prairirie-style homes surrounding a natural setting.
Returning to his intense and interesting life
Without a doubt, Marion Mahony Griffin (1871-1961) should appear with her own name in modern urban history. However, this has not been the case. It was not until the celebration of the 100th anniversary of the Canberra project competition that her name appeared on an equal footing with her husband’s. In 2013, Marion Mahony Griffin’s co-authorship of the city’s project was recognised in the exhibition The Dream of a Century: The Griffins in Australia’s Capital.
The second woman to graduate as an architect from MIT in 1894, she belonged to a social environment of a wide and diverse circle of progressive women and men (labor reformers, voters, civic activists, and high-society women’s clubs), which facilitated her entry into the world of work. In 1902 he received his first commission stemming from these relationships, the Reverend James Blake Vila, a Unitarian reformer, poet and playwright, commissioned him to design the new All Saints Church in Evanston.
Marion Mahony began her professional practice, as a cartoonist, in the studio of her cousin Dwight Perkins. This kinship relationship was important, since, for many women, even if they had studied, professional practice was inaccessible since the incorporation of women was not well received.
In 1895 he began working in Frank Lloyd Wright’s studio in Oak Park, and for 14 years he was one of the most important people in it. So much so that when Wright left for Japan, in 1909, he offered her to be the one to take charge of the studio. She declined the proposal, but agreed to work in the studio of Herman von Holst, who continued the studio’s works. and it was Marion who took charge of finishing the work that had been started, as stated in the stamps of the drawings and plans.
At Oak Park, Marion Mahony was one of the main designers, being responsible for many of the furniture, murals, stained glass, lighting and mosaics of the houses that were projected. He created the image of the studio’s drawings, which were instrumental in the identification and uniqueness of the first Wright.
The style of his drawings was influenced by Japanese prints both in composition and technique. (2)
In Wright’s studio she met her future husband, Walter Burley Griffin. Together they formed their studio and in 1911 they entered the competition for the new capital of Australia, Canberra.
Marion Mahony and her husband Walter Burley Griffin in Canberrra
In 1914 they moved to Australia to develop the project, history has forgotten the name of Marion Mahony when the project of this city is mentioned. The drawings undoubtedly bore his stamp and it can be said that his participation in the project was extremely important. But as has happened with many wives of architects, she decided to step aside so that the figure of the husband could stand out, in that way (and they were not wrong), they avoided social and professional reluctance to recognize the good work of professional women.
in which the creativity of humanity and the non-destruction of nature are sought.
In 1937 Walter Griffin died in India. She continued to work, and upon her return to the United States she developed three unrealized urban projects, the World Fellowship Center in Conway in 1942 commissioned by Lola M. Lloyd (1875 – 1944) (Co-founder with Jane Addams (1860 – 1935) of the Women’s International League for Peace and Freedom).
The second commission, in 1943, was the village of Rosary Cristals, near Burne, also owned by Lola Lloyd, and was related to Marion Mahony’s interest in single taxes and the anthroposophical vision. And a final urban project for the South Side of Chicago in 1947. All of them recognize his concern and interest in environmental design and his ability to solve human design problems both in detail and on a large scale. (3)
“… the book has one main purpose, to correct Marion’s absence from history by raising new questions, focusing on achievements that cannot be denied and beginning to fill some of the gaps and absences in her story… it is an academic achievement for the history of architecture…».Jane Clarke, historian.
“… An architect and graphic artist extraordinaire, Marion Mahony was a force of nature… marginalized as an «assistant» or «talented draftsman» for Wright and for Griffin… it is not possible to amplify her achievements by diminishing those of her husband… Perhaps it’s a dangerous book for those who believe that Wright invented everything that emanated from his Oak Park studio… It was undoubtedly part of the genesis of modern architecture in the United States.»Christopher Vernon, University of Western Australia.
Return to Chicago and the end
In 1937, while building a university library in Lucknow, India, Walter died of peritonitis. Mahony returned, first to Australia, but finally, in 1939, to Chicago, where she spent her last 24 years at her sister’s house, a school principal. She never wanted to talk about herself or her work as an architect, but about her husband.
He did draw a beautiful mural at his sister’s school, the George Armstrong Elementary School in the city, and became interested in the anthroposophy of Rudolf Steiner (the one of Waldorf education), to which he dedicated a good part of his last decades. (4)
Murió demente, no sin antes dejar escrita su biografía en un libro que se puede consultar online en el Art Institute of Chicago: The magic of America.
Notas
1
By Itziar Narro. July 12, 2020. AD
2
Dr. Arq. Zaida Muxí, One day an architect. March 25, 2015
Archdaily. Marion Mahony Griffin: an architecture in tune with nature and the creativity of humanity.
4
In the early twentieth century he founded an esoteric spiritual movement, anthroposophy, with roots in German idealist philosophy and theosophy. His teachings are influenced by Christian Gnosticism, Many of his ideas are pseudoscientific, he was also a supporter of pseudohistory.
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Marion Mahony, la arquitecta que junto a Walter Griffin diseñó Canberra.
Marion Mahony (1871 – 1961) fue la primera mujer que ejerció como arquitecta en Illinois, se formó en el MIT (Instituto Tecnológico de Massachusetts), fue una de las más fieles colaboradoras de Frank Lloyd Wrigth y la proyectista que, junto a su marido Walter Burley Griffin, planificó la nueva capital de Australia, Canberra, hasta sus años dorados a mediados del siglo XX. (1)
Famosa por su relación de amor-odio con Wright fue, sin embargo, la mujer que dibujó los características dibujos de sus edificios y proyectos.
Las litografías del Wasmuth porfolio (1910), que tanta fama le dieron a Wright, las diseñó y realizó Marion. Sus acuarelas delicadas, influidas por la pintura japonesa, son uno de sus mayores legados.
Mahony nació en Chicago, después del terrible incendio que destruyó la ciudad, su familia debió mudarse al campo. Fue el llamado Great Rebuilding (la gran reconstrucción) de la ciudad a cargo de arquitectos como Louis Sullivan le animaron a estudiar esa profesión.
Su padre, un periodista de origen irlandés murió cuando Marion era una niña. Heredó el carácter de su madre, miembro del Chicago Women’s Club, fue directora de un colegio y firme luchadora por los derechos de las mujeres.
Fue la segunda mujer en graduarse en el Massachusetts Institute of Technology y la primera en ejercer como arquitecta.
Luego de un viaje de un año por Europa, regreso para trabajar con Dwigh Heald Perkins (1867 – 1941) primo de su madre.
Perkins compartía el estudio con Wright, que la contrata, siendo Marion su primera empleada. Juntos exploraron y realizaron las Casas de la Pradera (Prairie Style) en todo Illinois. Marion las dibujo y realizó los bocetos que todos conocemos.
Tenia con Wright algunos enfrentamientos, debidos a la competencia que el carácter de ambos producía. Barry Byrne, integrante del estudio, decía que «Cuando estaban junto había sprakles (destellos)»… «Cuando aparecía Marion sabías que iba a ser un día divertido».
Marion era amiga íntima de Catherine, Kitty, la mujer de Wright.
Catherine Wright, esposa de Frank está sentada frente a la cámara, mientras Marion Mahony está de perfil, en Oak Park, Illinois, aprox 1895 y 1897. (Foto de Frank Lloyd Wright Preservation Trust/Getty Images)
Trabajaron juntos 15 años, lo acompaño en 1895 cuando Wright crea su estudio en Oak Park, allí Marion fue una de las principales diseñadoras siendo responsable de muchos de los muebles, murales, vitreaux, artefactos de iluminación y el diseño de los mosaicos de las casas que se proyectaban.
Creó la imagen de los dibujos del estudio, que identifican la primera época de Wright.
La composición y la técnica estaban influenciadas por las estampas japonesas.
Cuando Wright se va (huyendo) a Europa con Mamah le propuso a Marion que se encargara del estudio y de las obras que estaban en ejecución, Marion, no aceptó.
Años ´50, fotografia de Ezra Stoller
Fue muy crítica con el abandono que Wright hiciera de Kitty comentó críticamente que “Wright creó muy poco, se pasaba el tiempo reclamando cosas para sí mismo y barriendo otras»,
Entonces Wright lo propuso a su asociado de Steinway Hall, Herman Von Holst (1874 – 1955) para que tomara los trabajos, Holst necesita a alguien con claros conceptos de diseño, necesitaba a Marion, él y Wright lo sabían, por lo que le propone trabajar con él, Marion acepta, haciéndose cargo de terminar los trabajos en proceso.
Hay suficiente información documentada, es posible descubrir su mano y su nombre en los sellos en dibujos y planos.
Steinway Hall
Steinway Hall era un edificio de 11 pisos diseñado por Dwight Heald Perkins (1867- 1941) e inaugurado en 1896.
Como este teatro/oficinas, se construyeron muchos otros en todo el mundo por la empresa fabricantes Steinway & Sons, donde exhibían sus prestigiosos pianos.
A partir del invierno de 1896-97, el piso 11 del edificio albergó las oficinas de un grupo de arquitectos.
Entre ellos su autor Dwight Heald Perkins, Robert C. Spencer (1864 – 1953), Frank Lloyd Wright y Myron Hubbard Hunt (1868 – 1952).
Frank L. Wright and the Architects of Steinway Hall: A Study of Collaboration
Tapa blanda – 20 Julio 2021. Autor Stuart Cohen
El libro “Frank L. Wright and the Architects of Steinway Hall” analiza el período entre la llegada de Wright a Chicago en 1887 (recordemos que trabajó en el estudio de Louis H. Sullivan hasta 1888, luego se asocia a Cecil Corwin (1860 – 1941) y crean un estudio en el edificio Schiller en el centro de Chicago en 1893, hasta que disuelta la sociedad se traslada a la oficina de Steinway Hall en 1897. Wright mantendría una oficina allí hasta 1908.
Tambien narra el breve periodo en que numerosos jóvenes y talentosos arquitectos compartieron ese espacio, y trata de evaluar como colaboraron en proyectos y en la creación de una teoría arquitectónica que influiría decididamente en el desarrollo de la arquitectura mundial.
La oficina, era en realidad un loft compartido que permitió crear ideas compartidas, diseños similares y sobre todo un “circulo de arquitectos creativos”, muchos de ellos amigos, que elaboraban las teorías que guiaría sus diseños.
Alli convergían arquitectos activos del Chicago Architectural Steinway Hall como Webster Tomlinson, Irving Pond (1857 – 1939) y Allen Bartlitt Pond (1858 – 1929), Adamo Boari (1863 – 1928), Walter Burley Griffin (1876 – 1937) y Birch Long (1876 – 1937).
“The Eighteen”
Wright denominaría “The Eighteen” a ese grupo de arquitectos que se reunía para comer y discutir temas en común. Sobre todo, debates sobre el arte y la historia de la arquitectura, que, guiados por una teoría, la arquitectura podía ser creada por equipos, y no hechos aislados de genios sueltos.
Al grupo se le sumaron otros arquitectos que no trabajaban en el edificio como Arthur Dean y George Robinson Dean (1864 – 1919), Hugh Garden (1873 – 1961), Arthur Heun , Alfred Hoyt Granger (1867 – 1939), Richard Ernest Schmidt (1865 – 1958) quien años más tarde trabajaría para Howard Van Doren Shaw, Louis Sullivan y Frank Lloyd Wright,Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926).
Arquitectos que florecieron tras el gran incendio de 1871 en Chicago y la feria de la “World’s Columbian Exposition” celebrada en 1893.
Arquitectos cercanos al término “Prairie School”, término acuñado por el historiador canadiense H. Allen Brooks (1925 – 2010), responsable de la edición en 32 volúmenes del monumental The Le Corbusier Archive.
Los directorios estudiados, indican que desde 1897 hasta 1910, hasta cincuenta arquitectos diferentes alquilaron espacio en el edificio.
La llamada Escuela de Chicago incluía nombres como Barry Byrne (1883 – 1967), William E. Drummond (1876 – 1948), George G. Elmslie (1869 – 1952), Hugh Jardín, Marion Mahony Griffin, Abedul Burdette Long, George W. Maher (1864 – 1926), George C. Nimmons (1865 – 1947), Guillermo Purcell, Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926) y Robert C. JR Spence (1864 – 1953).
‘… La pradera tiene una belleza propia y deberíamos reconocerla acentuando esta belleza natural, su sosegado nivel… Planos paralelos a la tierra hacen que el edificio pertenezca al terreno. Veo la línea misma del horizonte como la auténtica línea de la vida humana, indicadora de la libertad… La línea horizontal es la línea de lo doméstico’. Frank Lloyd Wright 1910/11.
Wright contempla trabajando en su estudio de Hillside en Taliesin, alrededor de 1940 (foto de Marvin Koner del Getty Images)
En el estudio de Wright, Marion había conocido a quien en 1911 sería su marido.
Walter Burley Griffin, que era cinco años menor que Marion.
Mientras fue colaborador de Wright, ambos tuvieron una mala y difícil relacion, por lo que Griffin deja el estudio en 1906.
Griffin tenía un excelente carácter, sus amigos decían que podría aplacar el fuego que emanaba de Marion, el matrimonio forma un estudio, que tiene mucho trabajo, entre 1899 y 1914, el estudio de Chicago crea más de 130 diseños entre edificios, planes urbanos y paisajismo. La mitad de ellos se construyeron en los estados de Illinois, Iowa, Michigan y Wisconsin.
En 1912 se presentan juntos al concurso de la planificación de la ciudad de Canberra, la nueva capital de Australia. Con la enorme experiencia de Griffin y las inigualables láminas de Marion lo ganan y se trasladan en 1914 a esa parte del mundo.
La historia no ha sido justa a la hora de reconocer (como a tantas profesionales) su real participación en el proyecto.
Luego de ganar el concurso de Canberra, y la portada que les prodigó el prestigioso periódico The New York Times, Wright y Griffin no volvieron a hablarse, Wright se refería a él como un dibujante. Wright “era poco generoso a la hora de prodigarse ante los méritos de otros”.
Walter Griffin y Marion Mahony en Castlecrag, Sydney en julio de 1930
Marion decide dedicarse en vida y alma a conseguir que su marido Griffin sea un gran arquitecto. En sus memorias escribe «Me convertí en su esclava útil (…), me perdí en él y eso me pareció muy satisfactorio»,
A pesar de que se realizó solo una pequeña parte del plan, decidieron quedarse, el libro “Marion Mahony Griffin: Drawing the form of Nature”, es el resultado de sus dibujos e ilustraciones botánicas en Tanzania.
Se instalaron en New South Wales, construyendo el barrio residencial de Castlecrag, Marion dirigió y diseñó la escenografía del teatro local.
«Marion Mahony Reconsidered» de David Van Zanten (1943).
Fue editado por The University of Chicago Press, ISBN 9780226850818. 192 pp, 69 ilustraciones (65 en b/n).
El libro esclarece muchos aspectos personales y profesionales de Marion, quienfinalmente ha comenzado a recibir el reconocimiento que merece por sus contribuciones al campo de la arquitectura de principios del siglo XX. No lo tuvo fácil, marginada por la enorme sombra de Wright y de su marido Walter Burley Friffin.
Nos muestra el viaje personal que realiza Marion desde los suburbios de Chicago, a ser la mano derecha de Wright y su vida bohemia junto a su marido en Australia, la define como una “talentosa, compleja y enigmática” arquitecta moderna.
Mahony aborda la relación con Wright con tristeza «Creó muy poco, pasó su tiempo reclamando cosas para sí mismo y dejando a los demás a un lado».
Reconocida en gran medida por sus exquisitos dibujos de presentación tanto para Wright como para su marido, Walter Burley Griffin, fue una diseñadora cuyo trabajo independiente y muy original atrajo la atención en un momento en el que el dibujo arquitectónico y la ilustración gráfica se estaban volviendo parte integral del proceso de diseño.
El libro examina nuevas investigaciones sobre la vida de Mahony y pinta un vívido retrato del lugar de una mujer que destaca entre los arquitectos estadounidenses más reconocidos.
Los ensayos incluidos recorren desde los orígenes de Mahony en los suburbios de Chicago, a través de sus años como mano derecha de Wright y su vida bohemia con su marido en Australia, cuya nueva capital, Canberra, ayudó a planificar hasta sus años dorados en mediados del siglo XX.
Lleno de análisis ricamente detallados de las obras de Mahony e incluyendo y poblado por un elenco internacional de personajes, “Marion Mahony Reconsidered” amplía enormemente nuestro conocimiento sobre este talentoso, complejo y enigmático arquitecto moderno.
Aunque los Griffin Mahony no sean tan conocidos en el resto del mundo, sí son una institución en Australia, donde son venerados.
Su núcleo era un circulo culto, conformado por muchos profesionales progresistas, su primo, el arquitecto Dwight Herald Perkins, autor entre otros edificios del Steinway Hall, que detalle en este artículo,la suma como dibujante en su estudio. Dicho estudio estaba en el piso 11 del Steinway Hall, donde trabaja Wright.
En 1985 comienza a trabajar en Oak Park, en el estudio de Wright, esa relación duró 14 años.
Tras su matrimonio, Mahony pasó a trabajar en el bufete de Griffin. Una urbanización con varias casas diseñadas por Griffin y Mahony, Rock Crest – Rock Glen en Mason City, Iowa, se ve como su desarrollo de diseño estadounidense más espectacular de la década y sigue siendo la mayor colección de casas de estilo pradera que rodean un entorno natural.
Volviendo a su intensa e interesane vida
Sin duda alguna Marion Mahony Griffin (1871-1961) debería aparecer con nombre propio en la historia urbanística moderna. Sin embargo, no ha sido así. Ha habido que esperar hasta la celebración de los 100 años del concurso del proyecto de Canberra para que su nombre apareciera en igualdad de condiciones que el de su marido. En el año 2013 se ha reconocido la co-autoría de Marion Mahony Griffin en el proyecto de la ciudad en la exposición The Dream of a Century: The Griffins in Australia’s Capital.
Fue la segunda mujer graduada de arquitecta en el MIT en 1894, perteneció a un entorno social de un amplio y diverso círculo de mujeres y hombres progresistas (reformistas laborales, votantes, activistas cívicos y clubes de mujeres de la alta sociedad), lo que facilitó su ingreso al mundo laboral. En 1902 recibió su primer encargo derivado de esas relaciones, el reverendo James Blake Vila, reformador unitario, poeta y dramaturgo le encargó el diseño de la nueva iglesia de Todos los Santos en Evanston.
Marion Mahony comenzó su práctica profesional, como dibujante, en el estudio de su primo Dwight Perkins. Esta relación de parentesco fue importante, ya que, para muchas mujeres, aunque hubieran estudiado la práctica profesional era inaccesible ya que la incorporación de las mujeres no era bien recibida.
En 1895 comenzó a trabajar en el estudio de Frank Lloyd Wright en Oak Park, y durante 14 años fue una de las personas más importantes del mismo. Tanto fue así que cuando Wright se fue a Japón, en 1909, le ofreció que ella fuera quien se hiciera cargo del estudio. Ella declinó la proposición, pero aceptó trabajar en el estudio de Herman von Holst, quien continuó las obras del estudio, y fue Marion quien se hizo cargo de terminar los trabajos que habían quedado empezados, tal como consta en los sellos de los dibujos y planos.
En Oak Park Marion Mahony fue una de las principales diseñadoras siendo responsable de muchos de los muebles, murales, vidrieras, luminarias y mosaicos de las casas que se proyectaban. Creó la imagen de los dibujos del estudio, que fueron fundamentales para la identificación y singularidad del primer Wright. El estilo de sus dibujos estaba influenciado por las estampas japonesas tanto en composición como en la técnica. (2)
En el estudio de Wright conoció a quien sería su marido, Walter Burley Griffin. Forman juntos su estudio y en 1911 se presentan al concurso para nueva capital de Australia, Canberra.
Marion Mahony y su esposo Walter Burley Griffin en Camberrra
En 1914 se mudaron a Australia para desarrollar el proyecto, la historia ha olvidado el nombre de Marion Mahony cuando se menciona el proyecto de esta ciudad. Los dibujos llevaban sin duda su sello y se puede afirmar que en el proyecto su participación fue sumamente importante. Pero como ha pasado con muchas esposas de arquitectos, ella decidió hacerse a un lado para que despuntara la figura del marido, de esa manera (y no estaban erradas), evitaban la reticencia social y profesional para reconocer el buen trabajo de las mujeres profesionales.
La influencia entre Griffin y Mahony, fue mutua. El interés de él por el paisaje y por una arquitectura en sintonía con la naturaleza, fue plenamente asumida por Marion Mahony. Ambos compartían la idea que de una civilización ideal en que cada persona viviera en casas que estuvieran en sintonía con la naturaleza y las personas, esta posición les llevó, especialmente a ella, a involucrarse en la sociedad Antroposófica, en la que se busca la creatividad de la humanidad y la no destrucción de la naturaleza.
En 1937 muere Walter Griffin en India. Ella continúa trabajando, y a su regreso a Estados Unidos desarrolla tres proyectos urbanos no realizados, el World Fellowship Center en Conway en 1942 encargado por Lola M. Lloyd (1875 – 1944) (Cofundadora con Jane Addams (1860 – 1935) de la Liga Internacional de Mujeres por la Paz y la Libertad).
El segundo encargo, en 1943, fue el pueblo de Rosary Cristals, cerca de Burne, también de Lola Lloyd, y se relacionaba con el interés de Marion Mahony en los impuestos únicos y en la visión antroposófica. Y un último proyecto urbano para el Sur de Chicago en 1947. En todos ellos se reconoce su preocupación e interés por el diseño del medioambiente y su habilidad por resolver problemas humanos de diseño tanto en el detalle como en la gran escala. (3)
“…el libro tiene un propósito principal, corregir la ausencia de Marion de la historia plantando nuevas preguntas, enfocándose en logros que no pueden ser negados y comenzando a llenar alguno de los vacíos y ausencias en su historia…es un logro académico para la historia de la arquitectura…”.Jane Clarke, historiadora.
“…Una arquitecta y extraordinaria artista gráfica, Marion Mahony fue una fuerza de la naturaleza…marginada como una “ayudante” o “talentosa dibujante” para Wright y para Griffin…no es posible amplificar sus logros disminuyendo los de su esposo…Quizás sea un libro peligroso para quienes creen que Wright inventó todo lo que emanaba de su estudio de Oak Park…Fue sin duda, fue parte de la génesis de la arquitectura moderna en Estados Unidos”.Christopher Vernon, Universidad de Australia Occidental.
Vuelta a Chicago y el final
En 1937, mientras construía una biblioteca universitaria en Lucknow, India, Walter murió de peritonitis. Mahony volvió, primero a Australia, pero finalmente, en el 39, a Chicago, donde pasó sus últimos 24 años en casa de su hermana, directora de un colegio. Nunca quiso hablar de sí misma ni de su trabajo como arquitecta, sino de su marido.
Sí dibujó un precioso mural en la escuela de su hermana, el George Armstrong Elementary School de la ciudad, y se interesó por la antroposofía de Rudolf Steiner (el de la educación Waldorf), a la que dedicó buena parte de sus últimas décadas. (4)
Murió demente, no sin antes dejar escrita su biografía en un libro que se puede consultar online en el Art Institute of Chicago: The magic of America.
Notas
1
Por Itziar Narro. 12 de julio de 2020. AD
2
Dra. Arq. Zaida Muxí, Un día una arquitecta. 25 de marzo de 2015
Archdaily. Marion Mahony Griffin: una arquitectura en sintonía con la naturaleza y la creatividad de la humanidad.
4
A principios del siglo xx fundó un movimiento espiritual esotérico, la antroposofía, con raíces en la filosofía idealista alemana y la teosofía. Sus enseñanzas están influidas por el gnosticismo cristiano, Muchas de sus ideas son pseudocientíficas, también era partidario de la pseudohistoria.
Las anteriores están en http://onlybook.es/blog/casualidades/
Hoy, 14 de enero de 2025, salí temprano a pasear las perritas.
En Madrid hoy hacía -3 grados. Fuimos a dar vuelta la manzana (a ver si encontrábamos un iceberg) y en una vidriera algo me llamó la atención, caminaba en la avenida Ortega Y Gasset 77.
Era una clínica dental y sobre una pequeña mesita estaba el libro, mi libro «Drac Cuentanos del Modernismo» que ilustraron magistralmente los arquitectos Edgardo y Miguel Minond.
Un libro con fotos del modernismo y dibujadas sobre las fotos una historia de unos niños que recorren Barcelona acompañadas del Drac de Gaudi en el Parque Guell. Una colección muy cuidada con tapa acolchada. Editada con mucho amor, que recibió muchos premios.
Iba caminando por la avenida Alcalá y veo dos bolsas al lado de un contenedor de la basura sobre la acera, una con unos libros encuadernados con algún plástico de un azul intenso y en la otra unas partituras.
2. Caminando cerca de casa, yendo a la Avenida Alcalá, vi dos libros , uno de ellos, Sonatas para piano de Haydn, de Edición Ibérica N.º 131. Volumen 1 (10 sonatas). Editorial Boileau de Barcelona. Reimpresión del 2003.
Dentro del libro un ticket de la librería Mundi musical de la calle Espejo 4 de Madrid.
La compraron el 4 de mayo de 2009 por 3.30 € (en esa época era obligatorio indicar su equivalencia en pesetas, pone 549 pesetas).
No tiene ninguna escritura ni digitalización, entiendo que nunca se estudiaron.
El otro, es de J.S. Bach Inventionen und Sinfonien. BWV 772-801
Wiener Urtext Edition. Johann Sebastian Bach (Eisenach 1685 – 1750 Leipzig).
Dentro encuentro un ticket de Mundi musica, fue comprada el 19 de abril de 2011 por 12.70 € (2.113 pesetas).
BWV significa Bach-Werke-Verzeichnis, es el catálogo de las obras de Bach.
Urtext significa “texto original”, las editoriales utilizan el termino para calificar sus productos.
Bach nace el mismo año que Georg Friedrich Händel (y que Domenico Scarlatti), seguramente no sea una casualidad ese hecho común de Bach yHandel.
Muchas invenciones de Bach las conozco y las toco en el piano, como las invenciones 1 BWV 772 (con su versión 772 a), la 3 BWV 774, la 4 BWV 775. La 8 BWV 779, la estudiaba de muy chico, quizás antes de mis 12 años. La notación musical de Bach es hermosísima, de una armonía no solo musical, sino estética.
Recordé mi viaje a Eisenach, para caminar por las calles que caminó Bach, su pueblo y su casa natal, creo fui muy temprano a visitarla, hasta que me dijeron que cerrarían, alli compré para mí y para mi profe Gualli unos facsímiles de su hermosa escritura.
En la casa donde paso sus primeros diez años, se conserva el manuscrito de su “Cantata BXV 72 Alles Nur Nach Gottes Willen, asi como el violoncello Piccolo para el que seguramente escribió su “Suite N1 6 BWV 1012”.
El facsímil que compré pone Johann Sebastián Bach (1685 – 1750). Pasión según San Mateo BWV 244. Inicio del coro de apertura. (de la gran editorial) Doblinger.
Un par de años más tarde luego de la feria del libro de Frankfurt, viaje a Leipzig, para ver la ciudad donde vivió, trabajó y está enterrado Bach.
Luego que Georg Phillipp Telemann renunciara al puesto en Leipzig y se trasladara a Hamburgo, Bach fue nombrado en 1723, Bach Thomaskantor y director musical de las principales iglesias de la ciudad, San Nicolás (Nikolaikirche) y San Pablo (Paulinerkirche), la iglesia de la Universidad.
Parte de esto y más cosas, escribi en http://onlybook.es/blog/johann-sebastian-bach-los-cambios-la-arquitectura-por-hakj/
Fue en la cafetería Zimmermann, donde Bach trabajó entre 1732 y 1741.
En 1735 compuso e interpretó la famosa Cantata del café, BWV 211, seguramente también se estrenaron alli las cantatas profanas y otras instrumentales que escribió para Augusto III de Polonia y II de Sajonia, como la «Cantata BWV 205a “Blast Larmen, Ihr Feinde», la «Cantata BWV 206 ‘Schleight, Splielende Wellen» o la «Cantata BWV 207a ‘Auf, Schmetternde Tone».
Su dueño Gottfried Zimmermann, desde 1720 alojó el Collegium Musicum, que fundara Georg Philipp Telemann como estudiante de derecho en 1702 y posteriormente fue dirigido por Bach entre 1729 y 1739. Para 1723, era una cafetería ampliamente conocida en Leipzig y el centro de reunión de la clase media local.
Estaba ubicaba en la plaza del mercado (Marktplatz) en la elegante calle Catalina (Katharinenstrasse). Zimmermann no cobró cuota alguna al Collegium Musicum por ser la sede de sus conciertos, ni cobraba tarifa al público, con que los gastos de Zimmermann estaban cubiertos por la venta de cafés.
Los conciertos finalizaron con su muerte en 1741.
3. Recibo el 26 de mayo de 2024 este WhatsApp de Vicky P.:
– “Fui a la casa de una amiga y le digo “que hermoso libro”, lo empiezo a mirar y cuando miro la editorial era tuyo, no lo podía creer. Precioso, tus libros están por todos lados”.
Les cuento datos sobre el libro, su autor es Xavier Girard. “Matisse 1917 – 1954”. Tiene 80 páginas con encuadernación de tapa dura y sobrecubierta, de 16 x 22 cm. Compre los derechos en español a la editorial inglesa Carlton y lo edité en setiembre del 2003, ISBN 978-8496137905.
Girard ha escrito otros libros como: “La Bauhaus”, “French Riviera – Living well was the best revenge”, “Louise Bourgeois, Face to Face”, “Matisse, Une Splendeur Inouie”, “Annees Fitzgerald”, “Les – La Côte d’Azur 1920-1930”, “French Riviera in the 1920 s”.
Un buen amigo me envía esta foto.
Me escribe “Libros de un gran editor y amigo”. La vi hará una hora, en Pelayos de la Presa, en la Sierra madrileña, donde hace frio, está desapacible y llueve. Ha llovido toda la semana. La frase es cariñosa y acepto el “gran editor” sabiendo que Carlos M, mi amigo es así de generoso. La muestro a mi gente, diciéndoles, casi asombrado “pasaron siete años que cerré la editorial y aun están a la venta, en este caso, la librería Book Center de Madrid». Tuve la suerte de realizar como arquitecto y como editor obras que aun están visibles. Quiero decir que puedo verlas. Veo el día que vi el terreno o el día que se decidí realizar un proyecto editorial. Veo las conversaciones. Los acuerdos y desacuerdos, veo todo lo que ya no se ve. La foto muestra la colección “Miniletras”. Quería salir de los temas de arquitectura o arte, cocina e infantiles. Pensaba que tendría mas alcance, mejores accesos en las librerías, pensé muchas cosas. Recordé que fue difícil dar con una solución a las portadas. No deseaba tener que diseñar 100 portadas (hicimos más de cien títulos) diferentes, deseaba tener una idea general que confirmara una colección y diferenciara los títulos. Busque diseñadores y no daban con la solución que esperaba. Lo más difícil se resolvió de la manera mas fácil. Los escritores tienen plumas, bolígrafos, lápices… una fabrica sofisticada de plumas italiana “Delta” me dio los modelos de plumas. Portadas blancas (en una vidriera se ven mejor, llaman mas la atención del lector, del comprador) con plumas puestas verticales inclinadas… Podría contar muchas anécdotas, como el intercambio epistolar con Eduardo Galeano que pidió amable pero firmemente cambiar la pluma de sofisticado diseño por un pincel, el titulo era y es “El viaje”. O la aceptación de grandes editoriales para seleccionar cuentos cortos, de Soledad Puertolas, Eduardo del Llano, Marta Sanz, Manuel Mujica Lainez, Arturo Perez Reverte, Juan José Millas, Mario Benedetti, Federico Garcia Lorca, Javier Marías y así seguía decenas de escritores muy bien encontrados.
Que fue posible gracias a agentes literarios como Mercedes Casanovas, Raquel de la Concha o Guillermo Schavelzon. Recuerdo con emoción cuando Guillermo abrió una habitación de su oficina en Barcelona y me mostró todos los escritos, borradores y maquina de escribir de Mario Benedetti, de quien era en ese momento el albacea o el «guardian» de su archivo..
O de mis amigos cubanos Armando Fernandez y Alina Castellanos que me permitieron llegar a publicar a Leonardo Padura, entre otros grandes.
Y ya puestos a recordar a su hija Adriana Fernandez Castellanos (y para mi de la familia), que se fue a Polonia a estudiar con el gran director de cine Andrzej Wajda, sin saber una palabra de polaco, y como llegó a hacer en el 2017 su documental Dos Islas, maravillosa y premiado documental.
En el 2008 habia realizdo el corto «El pez de la torre nada en el asfalto» y «El Vedado». Con la foto vi y recordé esa actividad, esa parte de mi vida. Gracias Carlos, la lluvia ahora es maravillosa.
4. Mi querido sobrino Nicolas K. , me escribe que se va «el jueves a Uruguay a trabajar». El0 de mayo me dice que esta en el Sofitel d Carrasco, que esa zona de Montevideo es hermosa.
Y me envia esta foto, y le pregunto, donde la sacaste? y me responde «En la casa donde estoy filmando».
Lo recuerdo muy bien, lo editamos en abril del 2005, le puse el título fascinado por los colores de las ropas, los complementos, los ingredientes. y un subtítulo Un viaje culinario a traves de Sudafrica. Sus autores Lannice Snyman y Andrzej Sawa.
La traducción la hizo Elena María Feito, del equipo de traductores de ASPPAN. los textos en castellano, con 223 páginas a todo color, tapa dura con sobrecubierta, 24 cm x 31 cm. Su ISBN 9788496304635.
La Libreria Casa del Libro escribió «Una fórmula exquisita, recetas, historias, paisajes, tradiciones milenarias de Sudáfrica. Mas de 250 recetas, desde las más rústicas a las más elaboradas, desde las mas suaves a las mas especiadas. Procedentes de los mejores restaurantes africanos, incluye delicias caseras transmitidas de madre a hijo durante generaciones».
Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Desde el 7 de junio al 27 de octubre, el 23 pabellón temporal de la Serpentine Gallery, abre sus puertas al público en los Kensington Gardens de Londres.
Fue diseñada por el coreano Minsuk Cho (1966) de Mass Studies.
Está radicado en Seúl, la construcción está inspirada en la arquitectura vernácula en madera de su país.
Denominado Archipelagic Void, el pabellón presenta una estrella de cinco puntas, organizadas alrededor de un vacío central, para albergar diferentes usos de manera independiente.
Goldman Sachs apoya estos proyectos anuales, y este es el décimo año consecutivo que sucede.
Las cubiertas de los brazos irregulares, varían en tamaño, forma y altura, están conectadas por un anillo circular de acero, situado sobre el patio central. Apoyados en pedestales de hormigón, los cinco módulos contienen al Auditorio, que está coronado por un techo inclinado y aberturas laterales, revestidas de policarbonato de tonos rosados.
Ubicada al norte del Pabellón se encuentra la Biblioteca de libros no leídos, una iniciativa artística de Heman Chong y la archivera Renée Staal.
Concebido como una obra de arte que funciona como una biblioteca de referencia «viva», cada libro ha sido donado por su anterior propietario para formar un acervo de conocimiento común.
Los visitantes pueden contribuir y enviar un libro no leído que tengan en su poder a una colección creciente.
Al hacer accesibles estos títulos, La «Biblioteca de Libros No Leídos» funciona como un gesto colectivo, abordando nociones de acceso y distribución.
La Galería, contiene una instalación sonora que reproduce música del compositor Jang Young-Gyu; la Play Tower es una estructura piramidal provista de una red naranja que invita a jugar a los visitantes, posee una Casa de té.
“Nos sentimos honrados y agradecidos de presentar Archipelagic Void.Para realizar el Pabellón, comenzamos preguntando qué se puede descubrir y agregar al sitio Serpentine, que ya ha presentado más de veinte iteraciones históricas en el centro del parque, con un plantel de grandes arquitectos y artistas Para abordar este nuevo capítulo de manera diferente, en lugar de verlo como una carta blanca, aceptamos el desafío de considerar los muchos elementos periféricos existentes mientras exploramos el centro como un vacío. el Serpentine Pavilion. Al invertir el centro como un vacío, alejamos nuestro enfoque arquitectónico del centro construido del pasado, facilitando nuevas posibilidades y narrativas”.Minsuk Cho, Arquitecto, Mass Studies.
El último Pabellón Serpentine había sido proyectado por la arquitecta franco-libanesa Lina Ghotmeh proponiendo un espacio de encuentro.
En la edición de 2022, el artista Theaster Gates en 2022 creó un espacio tranquilo para la contemplación, y en ediciones anteriores nos mostraron proyectos de Counterspace Studio en 2021, de Francis Kéré en 2017, de Bjarke Ingels en 2016 o de Rem Koolhaas, en 2006.
Archipelagic Void de Mass Studies se compone de un vacío único en el centro rodeado por una serie de estructuras más pequeñas y adaptables ubicadas en su periferia. El proyecto hace referencia al madang o patio abierto que se encuentra en las casas tradicionales coreanas.
Alrededor del vacío, cada estructura de este pabellón multifacético se concibe como una “máquina de contenidos”.
Cada una con un nombre y propósito distintos, incluyendo la Galería, la Biblioteca, el Auditorio, la Casa de Té y la Torre de Juegos.
Ensambladas, las piezas se convierten en diez espacios que rodean el vacío: creando cinco espacios cubiertos distintos y cinco áreas intermedias abiertas que se integran con el parque circundante y las actividades del Pabellón.
Programa Como entrada principal al Pabellón, la Galería alberga una instalación de sonido de seis canales creada por el músico y compositor Jang Young-Gyu, que presenta The Willow en el verano y Moonlight en el otoño.
Inspirándose en el entorno que rodea el Pabellón, Jang incorpora sonidos de la naturaleza y las actividades humanas grabados en los Jardines de Kensington con música vocal e instrumentos tradicionales coreanos. Los tonos y melodías distintivos trazan el cambio de estaciones. La pieza responde al paisaje en constante transformación del Parque.
En un guiño a la historia del edificio Serpentine, la Casa de Té estará ubicada al este del Pabellón. Diseñado por James Gray West, el edificio Serpentine South fue inaugurado en 1934 y originalmente funcionó como una casa de té hasta principios de la década de 1960, antes de reabrir sus puertas como galería de arte en 1970. Al oeste, se encuentra el Auditorio, la estructura más grande de las cinco “islas”.
Con bancos integrados en sus paredes interiores, el espacio permite reuniones públicas y contará con un programa de actuaciones y charlas.
El Serpentine Pavilion 2024 también se convertirá en una plataforma para Serpentine’s Park Nights, la plataforma interdisciplinaria anual para encuentros en vivo en música, poesía, performance y danza en la que los artistas crearán nuevas obras específicas para un sitio.
Park Nights de este año presentará un espectáculo de danza de la coreógrafa Eun-Me Ahn y su compañía el viernes 28 y sábado 29 de junio y una velada de poesía que reunirá a los poetas de renombre internacional Don Mee Choi y Denise Riley e invitados el viernes 19. Julio.
Jujuy Argentina
En julio del 2024, Serpentine Arts Technologies organizará un día de eventos que explorarán la relación entre tecnología, propiedad y ecología. Se invitará a los visitantes a convertirse en administradores de una obra de arte colectiva iniciada por Tomás Saraceno y sus colaboradores, las comunidades de Salinas Grandes en Jujuy, Argentina.
Titulado Fairclouds, este proyecto único construye conexiones entre los ciclos del agua, la información y la vida. Al comprar una licencia de propiedad común parcial y convertirse en parte de una red internacional de administradores, el público apoyará el trabajo de las comunidades indígenas en Argentina. El proyecto es parte de una colaboración continua entre Serpentine Arts Technologies, RadicalxChange y Aerocene Foundation.
Notas
1
Textos y fotos de AV, Arquitectura viva y de Metalocus.
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
No debiese haber temas que le fueran ajenos a la mano del diseñador, del arquitecto, o del artista, ni siquiera volúmenes o superficies independientemente de su tamaño que pudieran serles extraño o indiferentes.
Estoy pensando en Le Corbusier con su Cabañon de 1954, o el Dymaxion Car el auto diseñado por Buckminster Fuller (1895-1983), un triciclo de 6 metros de largo para 11 pasajeros de 1933 y que Sir Norman Foster se ocupa de mostrárnoslo enseñar por todo el mundo. (13)
Ahora estamos analizando el proyecto de Tokio de los baños, públicos, ejemplos que nos demuestran en su diversidad y riqueza lo que antes decíamos. En ellos, grandes y renombrados arquitectos han dado una respuesta.
Distintas, diferentes, no todas “maravillosas”, pero todas respetuosas del programa.
En la primera parte hemos visto seis proyectos de los arquitectos y diseñadores Tadao Ando (premio Pritzker 1995),Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban (premio Pritzker 2013), Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki (premio Pritzker 1993). http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/
En la segunda parte los cinco trabajos que han construido Masamichi Katayama / Wonderwall, Marc Newson, Kazoo Sato, Fujimoto Sōsuke,Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX. http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/
En esta tercera parte difundimos los baños deJunko Kobayashi, Toyo Ito (premio Pritzker 2013), Sato Kashiwa y, Tomohito Ushiro,
Kobayashi Junko
Baño público ubicado en Sasazuka Ryokudō (Sasazuka 1-29), inaugurado el 10 de marzo de 2023, bajo las vías del tren de la línea Keiò.
El exterior oxidado, le da una apariencia “que impresiona”, y que quizás no invite a todos a aproximarse al baño, pero cuenta con un fácil acceso en silla de ruedas o coche para bebés.
Los baños para niños están en la parte frontal de la construcción, a la vista de los padres, y tienen grandes cristales que dejan pasar la luz, entre otros detalles que brindan seguridad.
No cabe duda de que es una obra de Kobayashi Junko, presidenta de la Asociación de Baños de Japón, que ha participado en el planeamiento de más de 250 baños públicos.
Su diseño único consiste en cilindros de diferentes alturas y, al levantar la mirada, nos espera una sorpresa: en lugar de encontrarnos con el hormigón de la vía férrea superior, nos sorprende un alero de color amarillo brillante, algo que da a este baño un toque de diversión.
El panel oxidado irá cambiando de color con el paso del tiempo, lo que nos invita a visitarlo varias veces.
Toyo Ito (premio Pritzker 2013)
El Baño se encuentra al pie de una escalera que conduce al santuario de Yoyogi-Hachiman, en el barrio de Shibuya.
El arquitecto japonés Toyo Ito ha denominado a su propuesta de aseo público «Tres Setas».
Su propuesta es el proyecto undécimo baño público de los 17 distribuidos y planeados en el distrito de Shibuya de Tokio.
El baño se divide en tres estructuras cilíndricas rematadas con techos abovedados que crean una forma que recuerda a los hongos que se encuentran en el bosque que rodea el santuario.
La nueva instalación se construyó para reempl azar unos antiguos aseos situados en la parte inferior de un tramo de escaleras que conducen al popular santuario Yoyogi.
Cada pieza individual dispone de un gran espacio para que pueda ser utilizada fácilmente por diferentes tipos de usuarios, desde personas mayores hasta personas con niños, las funcionalidades se redistribuyen entre las piezas de hombres y mujeres, las cubiertas se elevan por encima de las paredes para permitir la entrada directa de luz natural y aire a los aseos.
Toyo Ito comentaba que “…incluso yo, un hombre, no quería usar los aseos públicos, salvo que fuera inevitable”.
El diseño refleja el deseo de crear unos “aseos con una sensación de seguridad que permita a las mujeres usarlos incluso de noche,unos aseos que tenga un diseño discreto y que se pueda usar de manera informal”. El proyecto de Ito se une a los aseos públicos transparentes de Shigeru Ban, el aseo circular de Tadao Ando, el aseo de Fumihiko Maki con su «techo alegre», los aseos minimalistas de vidrio de Takenosuke Sakakura, o propuestas de diseñadores como Nao Tamura con su inodoro rojo o el inodoro de paredes de hormigón de Masamichi Katayama. Todos estos ejemplos los estamos exponiendo en las 3 partes publicadas en el blog.
Sato Kashiwa
WHITE
El diseñador gráfico Kashiwa Sato ha diseñado un baño cúbico envuelto de lamas de aluminio blanco. Las lamas verticales encierran un pasillo interior.
Está ubicado en la salida oeste de la estación Ebisu, se construyó un enorme cubo blanco, fue inaugurado en julio de 2021, tiene mucho uso, y deben trabajar mucho en su conservación para que continue blanco, sinonimos para el diseñador de pulcritud y seguridad.
Programa infantil
Limpieza baños en el parque
Niños que participaron en un taller de limpieza frente al baño del parque de Ebisu, diseño de Katayama Masamichi, inaugurado en agosto de 2020.
Katayama Masamichi, ha trabajado en Nueva York y Paris y estuvo a cargo del diseño de interiores de la tienda insignia de Uniqlo en Ginza.
Uniqlo en Ginza
El primer baño del proyecto toilete se abrió al publico en agosto de 2020, fue el proyecto de Ban Shiguru con una estructura de paredes de cristales transparentes.
Su enorme difusión por las redes, lo hizo muy conocido y popular.
Shiguru Ban baños transparentes
Tomohito Ushiro
Está en el parque Hiroo Higashi, una zona residencial rodeada de vegetación, de residentes y de visitantes. De día, el color blanco del exterior se roba el protagonismo ya que se destaca entre el concreto, la flora y las plantas que salpican el paisaje.
“Lo diseñé como una obra de arte público”
El director creativo japonés Tomohito Ushiro propone e idea luces pixeladas que bailan y cambian de forma en una miríada de imágenes.
El inodoro se ilumina con 7900 millones de formas, un número que refleja la población mundial estimada, y las luces parpadean en varios patrones.
El brillo pixelado puede imitar los rayos solares que se filtran a través de los árboles durante el día y como la luz de la luna o las luciérnagas errantes por la noche. Ushiro afirma que los usuarios y los transeúntes no verán el mismo patrón dos veces. Quiere encarnar la idea de igualdad diversa. Dice “todos somos iguales en el sentido de que todos somos diferentes”.
El interior y el exterior del baño público tiene un lenguaje que invita a cualquiera a usarlo: pantallas digitales gigantes gamificadas que encienden luces en el exterior, una entrada pintada de blanco cuyo diseño recuerda los baños públicos en las piscinas, y accesorios interiores y baños que firman el clásico vernáculo del Japón de alta tecnología mediante el uso de acero y tonos blancos.
Los vidrios protegen el gigantesco panel de luz detrás del inodoro, la pantalla que se ilumina por la noche y cuando el entorno está lo suficientemente oscuro para que la luz desempeñe su papel. El diseño de Ushiro sigue la versión del techo tradicional japonés de Marc Newson en el Tokyo Toilet que enseñamos en la 2nda entrega. http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/
Ushiro quiere alentar a los visitantes a ver “el inodoro no solo como un servicio público, sino también como un centro de placer cultural”. “Diseñé este inodoro para que fuera como una obra de arte pública que forma parte de la vida diaria y, al mismo tiempo, hace preguntas constantemente al espectador”. “Espero que se convierta en un monumento que continúe cuestionando la importancia de este proyecto».
vista exterior
El panel de luz gigante está instalado detrás del inodoro.
Uno de los dos inodoros universales está equipado con un dispositivo apto para ostomizados.
Notas
13
Sir Norman Foster desarrolló una fiel reproducción del Dymaxon. Solo existía una unidad (de las tres que se fabricaron en 1933) y con la ayuda de más de 2000 fotografias pudo reproducirlo.
Se utilizó aluminio, sobre una estructura de un Ford Tudor de 1934 y un motor V8 de 86 CV de Ford, igual a los originales de Fuller.
Pude verlo expuesto en octubre de 2010 en el Ivorypress Art+Books en Madrid, y en septiembre de 2022 en el Museo Guggenheim de Bilbao en “Motion, Autos, Art, ARchitectura”, comisariada por Foster y organizada en colaboración con la Norman Foster Foundation.
En la primera parte hemos visto los proyectos de los arquitectos y diseñadores Tadao Ando (premio Pritzker 1995),Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban (premio Pritzker 2013), Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki (premio Pritzker 1993) http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/
Ahora veremos los trabajos que han construido Masamichi Katayama / Wonderwall, Marc Newson, Kazoo Sato, Fujimoto Sōsuke,Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX,
Consideraciones
Además de un buen diseño, se buscó que los baños fueran cómodos y funcionales. La selección y la disposición del equipamiento estuvo a cargo de la empresa de retretes TOTO, mientras que, para el diseño y la construcción, participó Daiwa House. Satō Kashiwa, director de arte, se encargó del diseño de las placas de información y los pictogramas de los baños.
Sasakawa Junpei, director de la Fundación Nippon, señaló que la construcción de los baños representa únicamente el 50 % del éxito del proyecto, la otra mitad depende de que estos sean utilizados. Por esta razón, NIGO (pseudónimo de Tamoaki Nagao), un popular diseñador de moda creó los uniformes para el personal de limpieza.
Se hará cargo del mantenimiento de los baños también junto a la Asociación de Turismo de Shibuya y el ayuntamiento del distrito. Este proyecto busca hacer surgir, de manera natural, la consideración en las personas de dejar un baño limpio para quienes lo usen después, así como que la gente sienta curiosidad de visitar ciertos parques porque hay baños originales.
Los uniformes son elásticos y permiten que la gente que se los pone se mueva libremente. Esta frase (ya me dirán ustedes), es muy japonesa “Con esto, se espera que el personal de limpieza podrá sentirse orgulloso de su labor”.
Masamichi Katayama / Wonderwall(8)
Se encuentra en el parque Ebisu, en Shibuya. Fue inaugurado el18 de agosto de 2020. La fotografías es de Satoshi Nagare
Una instalación que se aleja de los conceptos y elementos arquitectónicos: es un objeto que se coloca casualmente en el parque, como cualquier otro.
En Japón, el origen de los baños es Kawaya.
El concepto Kawaya era una cabaña que se erigía sobre el río Kawa que se remontaba a los tiempos neolíticos de principios del período Jomon (10.000 a 6.000 AEC). (9)
Estas cabañas eran de diseños primitivos y simples, a menudo hechas de tierra endurecida o de trozos de madera unidos entre sí.
El inodoro diseñado por Wonderwall liderado por el diseñador de interiores Masamichi Katayama es la quinta propuesta del barrio de Shibuya que se inauguró el 5 de agosto de 2021.
Tratando de imaginar la apariencia y la atmósfera de los Kawaya primitivos del pasado, Masamichi Katayama propuso un “espacio ambiguo” que es simultáneamente un objeto y un aseo combinando al azar 15 paredes de hormigón. “Los espacios entre las paredes llevan a los usuarios a tres áreas diferentes diseñadas para hombres, mujeres y discapacitados. El diseño crea una relación única en la que se invita a los usuarios a interactuar con la instalación como si estuvieran jugando con un curioso equipo de juegos”.
“Tuvimos en cuenta una instalación que se aleja de los conceptos y elementos arquitectónicos: un objeto que se encuentra en el parque, como si fuera un parque infantil, o bancos o árboles”.
“El diseño crea una relación única en la que se invita a los usuarios a interactuar con la instalación como si estuvieran jugando con una pieza de juego”.
Tour a los baños
En noviembre de 2022 se llevó a cabo un tour en autobús organizado por la Asociación de Turismo del Distrito de Shibuya. Los participantes pudieron admirarlos, y observar los trabajos de limpieza y disfrutar de un espacio de comunicación. Recibió tan buenas críticas que está planeado efectuarlo de manera regular.
Los pasajeros del autobús pagan 4.950 yenes (aprox 28 €) por visitar nueve aseos distintos, durante 2 horas, entre ellos uno con paredes transparentesque se vuelven opacas cuando los usuarios entran y otro que se maneja mediante comandos de voz.
«Los visitantes pueden ser conducidos por las partes menos visitadas de Shibuya y disfrutar de todo el distrito mientras conocen los baños», dice Yumiko Nishi, responsable de la asociación turística del distrito.
Niños en el taller de limpieza del baño público del parque de Ebisu, foto tomada em octubre de 2022.
Mark Newson(10)
Baño público de Urasandō ubicado en Sendagaya 4-28-1, inaugurado el 20 de enero de 2023. Fotografía de architecturephoto.
Debajo de la autopista metropolitana, cerca del cruce de la avenida Meiji Dōri con la de Kitasandō, apareció un baño muy simple de hormigón. Con un techo de cobre y muros de piedra que se asemejan a los de los templos y santuarios, remite a la arquitectura tradicional de estilo japonés.
El diseño estuvo a cargo de Mark Newson, de Australia. Se trata de un diseñador de productos representativo de nuestros días, que ha trabajado para Louis Vuitton y también participó en el diseño del reloj Apple Watch.
Su interior es monocromático, de color verde azulado, que le da un toque de pulcritud. El techo de cobre será cubierto de una pátina de color verdoso que le da una apariencia desgastada y que irá cambiando de tonalidad con el tiempo. Combinará perfectamente con el verde del interior y seguramente muchos lo visitarán repetidamente para atestiguar su transformación.
Los muros de piedra son impresionantes. El techo de cobre le brinda una honrada curva a la estructura, tal como los techos tradicionales japonenses del estilo minoko.
El verde pastel baña suavemente las paredes de su diseño, lo usa como su color principal, y único color, las direcciones y las señales aparecen claras y visibles y el equipo dentro de la instalación pública es más fácil de ver. “Espero que este inodoro sea tan atractivo y conveniente como las otras atracciones ocultas en Shibuya”, “Aunque el baño está en un lugar concurrido y ultramoderno, quería hacer que esta forma de techo, que a menudo se encuentra en santuarios, templos, salones de té y áreas rurales, subconscientemente se sintiera cómoda y pacífica. La pátina del techo piramidal de cobre permitirá, con el tiempo, que el edificio se mezcle con la ciudad y se convierta en parte del tejido de Tokio”.
Kazoo Sato y Disruption Lab Team
Un baño público “Contactless” activado por la voz.
Satō Kazū frente a los baños del parque Nanagō-dōri, galardonados con el premio IF Design 2023, uno de los tres grandes premios del mundo del diseño.
El diseñador Kazoo Sato y disruption lab team diseñan Hi Toilet, un baño público que funciona a través de comandos de voz, evitando el contacto y mejorando la higiene, enHatagaya, Shibuya-ku.
El concepto de diseño de Hi Toilet es crear una experiencia más higiénica y sencilla, sin necesidad de tocar superficies y con instrucciones guiadas por voz. Esta idea ya existía antes de la llegada del Covid-19, pero la pandemia aceleró el proceso de creación de esta experiencia única para evitar el contacto entre personas.
La inspiración de Kazoo Sato para crear un inodoro totalmente activado por voz surgió después de mucha investigación y búsqueda de información sobre el comportamiento de los usuarios en los distintos baños públicos de Europa y EE. UU. La mayoría de ellos evitan el contacto con las superficies, pulsando la cisterna con el pie o el codo, y abriendo y cerrando la puerta con papel higiénico.
Por todo ello, el equipo creativo pensó en los baños dirigidos por comandos de voz, evitando todo tipo de contacto y mejorando la higiene de los espacios. Los comandos de voz permiten abrir y cerrar la puerta, tirar de la cadena, abrir y cerrar el grifo y poner música.
Es el diseño número12 del proyectoThe Tokyo Toilet.
Fujimoto Sōsuke(11)
Fujimoto Sōsuke, estuvo a cargo del Baño Público de Nishisandō, el último de los 17 que incluye el proyecto, se ha vuelto famoso por ser el diseñador de “Ringu”, el techo grande y el símbolo de la sede principal de la Expo 2025 Osaka, Kansai.
Llama la atención que muchos de los 17 baños son de color blanco.
Fujimoto señala “que este color es fácil de reconocer, al tiempo que da impresión de pulcritud.
Se convierten en un punto brillante dentro de una metrópolis gris”.
Tienen la desventaja que se ensucian fácilmente, por eso es un color difícil de utilizar en los baños públicos. Para este proyecto, se da importancia también al mantenimiento de las instalaciones, por lo que los creadores no tuvieron que ceñirse a reglas que los limitaran y se les permitió que echaran a volar su imaginación.
Los baños de del proyecto The Tokyo Toilet se limpian tres veces al día. Además, cada mes son revisados y se lavan con el método profesional de limpieza húmeda. Por si fuera poco, cada año se da mantenimiento a los exteriores y a la iluminación, entre otros aspectos. Este plan permitió materializar condiciones que normalmente serían adversas, como las paredes y suelos blancos, los cristales que rodean a los baños o la abundante madera natural utilizada en el diseño, además de, por supuesto, mantener la comodidad de las instalaciones.
Considera que los “baños públicos son una fuente comunitaria y eligió los conceptos de “recipiente” y “manantial” para crear un oasis en medio de la metrópoli”.
Su baño está en Nishisandō, Yoyogi 3-27-1, fue inaugurado el 24 de marzo de 2023.
En el frente están los lavabos en una estructura curvada, se pueden usar desde el corredor o desde la acera y los seis grifos con los que cuenta están a diferentes alturas. El agua corre por la rampa y se dirige al desagüe del centro.
Desde la lejanía este diseño sólido se asemeja a un recipiente blanco. El árbol hainoki, símbolo del baño, le da un toque de ternura.
Es un diseño que toma en cuenta a todas las personas, desde los niños y los ancianos, hasta los peatones que no utilizan los baños.
En un lateral hay un baño multiusos que cuenta con todas las funcionalidades necesarias.
Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX
Un baño que es un espacio comunitario.
Realizó el Baño público de Hatagaya (Hatagaya 3-37-8, inaugurado el 22 de febrero de 2023.
El equipo dirigido por el profesor Miles Pennington del Instituto de Ciencia Industrial de la Universidad de Tokio diseñó no solo un baño, sino un espacio comunitario. Bajo el concepto “With Toilet”, crearon un espacio que se puede aprovechar como sala de espera, área de exposiciones o para tiendas temporales.
En su exterior totalmente blanco se pueden exponer obras de arte o utilizar proyectores para mostrar imágenes. También se pueden extraer los bolardos y colocando las maderas encima se convierten en bancos. Combinando la posición de los 31 bolardos se puede hacer una sala de conferencia o asientos en círculo.
El baño está equipado con cambiador de pañales y de ropa, así como baño para personas ostomizadas (aquellas personas operadas que tienen un orificio en el abdomen para sacar fuera del tubo digestivo o urinario a envases).
Perfect Day. El cuidado
“…los bienes comunes no existen sin una comunidad que los utilice y los cuide…”
Tomo estos pasajes del film Perfect Day.
Cuando el protagonista Hirayama (Yakusho Kōji)cede su espacio vital, sobre todo su cama y su recamara, a su sobrina Niko (Arisa Nakano), tras escaparse de su casa.
Cuidarla es mostrarle el otro mundo que existe, que esta lleno de espacios comunes, la calle, los saunas las lavanderías, el parque, el bosque…
Cruzando el puente en bicicleta, dicen:
“…El mundo está hecho de muchos mundos, algunos están conectados y otros no”.
“Hay un mundo en el que las cosas no se cuidan y sólo se usan; hay otro en el que el mantenimiento es la clave para sostener y reparar el mundo. El cuidado es el puente. E implica, por necesidad, un esfuerzo colectivo…los bienes comunes no existen sin una comunidad que los utilice y los cuide…”
Otros diálogos son con su compañero Takashi (Tokio Emoto), cuando éste último pregunta, “¿de verdad te gusta este trabajo?”, para más adelante, sentenciar: “¿qué pasa con este mundo de mierda?”
Son las dos posiciones planteadas en el film y en la sociedad, Takashi no quiere limpiar la caca, es el reflejo del desgaste de la vida moderna y no se siente responsable de limpiar lo que ensucian los demás, Hirayama por el contrario, acepta su función, asume su rol de cuidar haciéndolo con dignidad.
¿Quién cuida a quien nos cuida?
Cuidar al mundo es mucho más que limpiar baños. Las prácticas de cuidado de Hirayama incluyen: cepillar los pisos, los lavabos y los baños, sí, pero también cuidar a un niño perdido mientras busca a su mamá; explicarle a una desconocida cómo funciona un baño público; compartir sus joyas musicales con las generaciones futuras; cuidar al borracho que se quedó dormido; jugar gato con una persona anónima; esperar afuera mientras alguien pasa por un mal momento; hacerse amigo de quienes no tienen más amigos; saludar y respetar al sin hogar que hace campamento al lado de un baño; celebrar a los niños que juegan inocentes en el parque; recuperar una planta del parque para cuidarla en su propia casa.
Todo lo que hace el personaje es cuidar: sin el cuidado y el mantenimiento ningún espacio tiene valor en sí mismo. (12)
Notas
8
José Juan Barba de Metalocus
9
Las expresiones “de la era común” (e. c.) y “antes de la era común” (a. e. c.) son designaciones alternativas al empleo de “después de Cristo” (d. C.) y “antes de Cristo.
10
Nació en Sídney, Australia en 1963, Marc Newson ha vivido y trabajado en Sídney, Tokio, París y actualmente reside en el Reino Unido, donde su empresa tiene su sede desde 1997. Sus clientes incluyen empresas como Louis Vuitton, Montblanc, Hermès, Nike, Dom Pérignon, Jaeger-LeCoultre y Ferrari entre otgros.
Además de supervisar su propia empresa, ha ocupado altos cargos en las empresas de los clientes, habiendo sido director creativo de Qantas Airways de 2005 a 2015 y diseñador de proyectos especiales en Apple desde su primera participación en el diseño del ‘Apple Watch’. En 2019, Marc y Sir Jonathan Ive fundaron el colectivo creativo LoveFrom.
Ha sido incluido en la lista de las 100 personas más influyentes de la revista TIME y ha recibido numerosos premios y distinciones. Doctor honorario del Royal College of Art y la Universidad de Sydney, ha ocupado cátedras adjuntas en la Universidad de Sydney y la Universidad Politécnica de Hong Kong, y ha sido designado RDI (Royal Designer for Industry) por la Royal Society of Arts. En 2012, Su Majestad la Reina Isabel II le otorgó CBE (comandante de la Excelentísima Orden del Imperio Británico).
11
Nippon.com una ventana a Japón. 14/04/2023
12
Francisco Paillie Pérez de Arquine. 16 de abril de 2024
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«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors, which I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, so I decided to make an attempt. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. Here are the lines I have written in the meantime, with all their imperfections».Hugo Kliczkowski Juritz
The project offers a new vision of Japanese public bathrooms, eradicating the idea that they must have a bad reputation in addition to being dirty or smelly.
They gave the possibility of creating 17 designs made by world-renowned Japanese architects.
The Tokyo Toilet project is a project run by The Nippon Foundation (1) that aims to create public toilets that favor inclusivity and diversity, they must be used by everyone, regardless of their gender, age or disability.
The launch of the project was part of an effort to improve the city ahead of the 2020 Tokyo Olympics.
The Shibuya neighborhood has the slogan “a city that turns difference into its strength”, it is a district known for being the cradle of cultural trends in Japan.
The guests have been architects and designers Tadao Ando, Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban, Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki, which I show in this first part.
The rest of the professionals are Masamichi Katayama / Wonderwall, Nigo, Toyo Ito, Kashiwa Sato, Kazoo Sato, Marc Newson, Tomohito Ushiro, Miles Pennington, which I will show in the next installment.
The Tokio Toilet project has formed the backdrop for the 2023 Oscar-nominated film Perfect Days, directed by Wim Wenders, starring famous Japanese actor Yakusho Kōji.
http://onlybook.es/blog/12621-2/
The Tokyo Toilet is a Nippon Foundation program aimed at renovating seventeen public toilets in Shibuya, by 16 renowned creators, in collaboration with the Shibuya city government. The toilets were built by Daiwa House Industry Co. Ltd., with Toto Ltd. advising on the equipment and design of the toilet. In addition to construction, maintenance will be carried out under a tripartite agreement between the Nippon Foundation, the Shibuya city government and the Shibuya City Tourism Association.
In 2016 the Ministry of Territory, Infrastructure, Transport and Tourism carried out a survey. 51.7% responded that they did not use the public bathrooms in the parks, only 1.2% did. Of those who did not use it, 68.1% said that it does not give the impression of being hygienic, and that it is not clean enough, 1.4% said that its interior and surrounding areas did not inspire security for use them with peace of mind.
Tadao Ando (2)
A circular public bath among the cherry trees in Jingu-Dori Park is called Amayadori.
The projects, called “Tokyo Toiletson” led by the non-profit Nippon Foundation, will see 17 new public toilets built in the Shibuya neighborhood.
One of the most youthful and lively neighborhoods in Tokyo.
It is a bathroom with the vocation to become a monument, it was inaugurated on September 7, 2020.
Proof of this is the work of the Japanese architect Tadao Ando who landed in Tokyo. The building consists of a circular roof that protrudes like a porch and a cylindrical wall with vertical openings that allow light and wind to enter. It is this armor that discreetly guards the main function of the place inside, in an intention to provide security, comfort and beauty.
Says Tadao Ando of AMAYADORI, which literally means shelter from the rain. “I wanted this small architecture to go beyond the limits of a public toilet to become a «place» in the urban landscape that provided immense public value. Using this clear and simple reasoning for the concept of this structure, I chose to use a circular plan with an extending roof and an “engawa”, which is a strip of floor edge without tatami, made of wood or bamboo, you can go around the bathroom around it, thus resembling a porch or a solarium.”
“For me it was vital to make a comfortable and safe space. Visitors can move within a cylindrical wall of vertical louvers to feel the comfort of wind and light from the surrounding environment. The feeling of security will be reinforced by the free and centripetal circulation that passes to the other side.”
Kengo Kuma (3)
His project was the ninth to open on June 24, 2021.
Kuma designed a “bath village” within Nabeshima Shoto Park, its eccentric vegetation transforming it into an unconventional space to host public baths. He also designed the path to generate a unique and completely different experience.
Kuma’s central goal was to dispel the image of dirty, dark and scary public toilets. In this case, it aims for public spaces, in addition to being open to everyone, to be perfect for enjoying a fun experience. Precisely, ecological walls offer a more public, as well as original, vision.
It is made up of five cabins covered with cedar wood shutters with “wings”, connected by a walk along the forest. Each of the blocks has a different purpose that ranges from a space for children to one for people who need to use a wheelchair or crutches.
The central objective is to protect people from Coronavirus.
Nao Tamura’s triangular toilet (4)
“As we enter an era of greater awareness, how can a common space like the public bathroom evolve to effectively accommodate our infinitely diverse needs?”
New York-based Japanese designer Nao Tamura has completed a block of red public toilets on a small triangular plot in central Tokyo’s Shibuya district.
The red structure designed by Nao Tamura was inspired by Origata (5), a traditional Japanese method of gift wrapping, to reference the notion of hospitality.
He writes “…is a symbol of gift-giving, this motif embodies the spirit of hospitality towards multinational visitors to the Shibuya district and conveys my vision of creating a safe space that envelops all users.” “Ancient technique is not only an expression of beauty and etiquette, but one of the highest forms of honor and respect when bestowed upon the recipient.” “To replicate the Origata technique and the precise folds of paper that embody it, I chose steel plates to create the structure and facade of the exterior.”
The color red shows us an intervention that is easy to see, recognizable and conveys a sense of urgency. The toilet area is divided into three with a wheelchair accessible toilet, a female toilet and a male toilet lined up in a row at the tip of the triangle.
“Living in New York, I have had the privilege of witnessing how the LGBTQ+ community lives in alignment with their sexual identities. When I designed this public toilet for a small triangular plot in Shibuya, I imagined a society that embraces the LGBTQ+ community and gives them space to live their truth. I realized that what allows each user a comfortable experience comes down to security, privacy, and urgency. With this in mind, I created three separate spaces that redefine the way a public bathroom establishes personal space.”
Shigeru Ban
Japanese architect Shigeru Ban has designed two new glass public toilets, located in the Yoyogi Fukamachi Mini Park and the Haru No Ogawa Community Park, both in the Shibuya neighborhood.
Using new technology, Shigeru Ban designed the toilets with two key points in mind: cleanliness and safety. According to Shigeru Ban, “…there are two things we worry about when we enter a public toilet, especially those located in parks. The first is whether it is clean inside and the second is that no one is secretly waiting inside. Using new technology, we designed the exterior walls with glass that becomes opaque when blocked. This allows users to check cleanliness and whether anyone is using the bathroom from the outside. At night, the installation illuminates the park like a beautiful lantern.” These toilets, divided into three cubicles where each room has a color that matches the tones found in the parks, are made up of bathrooms for women, men and an accessible facility.
Takenosuke Sakakura
Andon = flashlight
“The old bathroom at Nishihara 1 was unattractive and rarely used. We thought it was important to create a facility that not only meets the basic requirements of a public toilet, such as having enough toilets to ensure a reasonable wait time, but offers a unique appeal that encourages more people to use the facilities. By building a facility that is bright and open in the limited space of the site, we hope to improve not only the bathroom but also the entire park. “We hope the bathroom will illuminate the park like a lantern, creating an attractive public space for visitors.”
The module has three unisex toilets that will light up at night to make the park a more welcoming space. as an «Andon»/lantern» in Tokyo’s Nishihara Itchome Park.
«By building a facility that is bright and open in the limited space of the site, we hope to improve the image not only of the bathroom but of the entire park.» Takenosuke Sakakura.
On the outside, the building has three doors to enter three unisex toilets, within a regular rectangular element. Inside, the walls are finished with frosted glass, silk-screened with trees.
It was inaugurated on August 31, 2021.
Takenosuke Sakakura was born in Tokyo in 1946. After graduating from the Department of Architecture at Nihon University, he joined the Sakakura Architectural Research Institute founded by his father Junzo Sakakura. He founded Sakakura International in 1979, renamed in 1998 as Sakakura Atelier. Among his main works are the Gallery Saka, the residential building in Tokyo Midtown and the Oiwake Club villas.
Fumihiko Maki
In the Ebisu Higashi park, known as the “octopus park,” toilets that look like a squid appeared.
Work of the Pritzker-winning architect Fumihiko Maki. He has imagined a bath reminiscent of a squid, since in this park there is an octopus-shaped slide that is very popular with children. The high roof of the pagoda-type walls, in addition to integrating the two sections, provides ventilation and natural light and integrates with the swings and other park equipment. Fukimiko Maki wanted in addition to bathrooms to have a rest area with benches that was not a mass and could be seen through, so she designed a decentralized floor plan. The image has an empty ALT attribute; its file name is 12-2.png
Says the architect “The project site, Ebisu East Park, is a popular neighborhood park that is used as a children’s play area and is filled with lush greenery. We wanted this facility to function not only as a public toilet, but as a public space that serves as a park pavilion equipped with a seating area. With a variety of users in mind, from children to people on their way to work, we wanted to create a safe and comfortable space that uses a decentralized design to allow good sight lines throughout the facility. The cheerful roof that integrates the different sections promotes ventilation and natural light, creating a bright and clean environment while giving the facility a unique appearance similar to children’s playground equipment.”
Continue part 2 http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/
Notes
1
Gran parte de las fotografías son de Satoshi Nagare, de la Fundación Nippon.
2
María Ángeles Cano de Condé Nast Traveller.
3
Diana Garrido de AD.
4
José Juan Barba de METALOCUS.
5
Origata, con más de 600 años de historia, es un conjunto de reglas detalladas sobre la manera de envolver obsequios y atarlos con cuerdas para sujetarlos. Este concepto, que se fue legando entre las familias samuráis como una forma de cortesía, se expandió posteriormente a la vida de los japoneses en general
6
María Anastidas de METALOCUS.
7
Isabel Margarejo de AD
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La vida tiene casualidades aparentemente inconexas, (lo creo aún no estando seguro de ello), pero un actor entrenado, o una mirada intencionada sabe que los más mínimos actos son (como lo he visto en la arquitectura, y en la música) parte de un todo.
Es así como las partes alimentan el todo y viceversa.
Casualidad 1
Roly(1) me dijo que, en Miami, alguien había dejado abandonado un libro de Kliczkowski Publisher, “Morphosis” (2).
Quizás ese alguien, lo había comprado en Argentina. o en España o en alguno de los otros paises que tambien se vendió.
Amazon no era entonces el de hoy, fue creada en el año 1994, el mismo año en que editamos el libro, ese gigante que entrega libros de cualquier lugar a cualquier otro lugar.
Quizás atravesó el Atlántico antes que Roly lo descubriera en un barrio de Miami y lo trajera a mi casa en un barrio de Madrid, atravesando nuevamente el Atlántico.
Casualidad 2
Roly a la vuelta del tramo que hicimos del Camino de Santiago junto a otros amigos, me dice que quiere regalarme un libro sobre Escher y Bach.
Le pregunto de que año es su edición y me dice de la década del 70, de hace 45 años.
Deduzco que ninguna librería lo tendría aun en stock y miro en Amazon si lo tienen…sí lo tienen, en versión libro de bolsillo.
Decido probar con mi librería preferida Taiga sobre la Avenida Arturo Soria 54, en el barrio de Ciudad Lineal en Madrid.
Llamo y pregunto si lo tienen, digo el titulo “Gödel, Wacher, Bach” y antes de dar el nombre del autor (3), Eduardo que me ha atendido me dice “lo tengo en la mano”.
Al ir a buscarlo, le preguntamos a Eduardo si no le parece raro tener en la mano un libro editado hace 37 años, cuando lo llame por telefono preguntando por ese libro? La edición que tenía en su mano es de 1987.
Responde que sí, que estaba ordenando un estante y lo tenía en la mano para reubicarlo.
Casualidad 3
En la “Historia de la traducción de GEB al castellano”, página XIX, del libro (ISBN 9788490660690) cuenta que:
“… por esa época telefoneé a mi viejo amigo Francisco Claro, profesor de física en la Universidad Católica de Chile, en Santiago, quien me contó una historia muy entretenida…buscando en avisos del diario, junto a su esposa, habían encontrado un mueble a la venta en un apartamento en algún lugar de Santiago… al ir a la calle se percataron que habían olvidado le dirección exacta de la casa…creyeron recordarla y se dirigieron a la calle y golpearon la puerta de un apartamento y preguntaron si era el lugar correcto”.
“…Resulto no serlo, pero en los breves instantes en que la puerta estuvo abierta, Francisco vio sobre el estante un libro que reconoció y, sin embargo, no reconoció: era Gödel, Escher, Bach, pero su tapa no era la del color correcto.. el dueño del apartamento era un profesor que había conocido a Usabiaga, el traductor, y que lo había ayudado, de alguna manera, mostrándole unos pocos trucos que éste había pasado por alto y sugiriéndole algunas ideas para traducirlos, ¡que loca coincidencia!
«Gödel, Wacher, Bach. Un Eterno y Grácil Bucle», es una obra de arte escrita por un sabio. Versa sobre los misterios del pensamiento e incluye, ella misma, sus propios misterios. Por ello su traducción ha supuesto también una larga, azarosa y laboriosa aventura que el propio autor ha vivido y que relata en un prólogo especialmente escrito para esta versión española.
Su autor es Douglas R. Hofstadter(4) y los traductores Mario Arnaldo Usabiaga Bandizzi y Alejandro López Rousseau.
Notas
1
Rolando Daniel Epstein, alias Rol Ando.
2
Era una pila de 5 o 6 libros frente a la entrada de servicio en el 1101 de la calle 99 en Bay Harbor Islands. “Morphosis estaba al tope de la pila. Era un jueves, que es el día que recojen objetos grandes como muebles, colchones, etc.”
Morphosis, Edificios y Proyectos 1989-1992 se editó con el nombre Kliczkowski Publisher, y las distribuidoras ASPPAN y CP67.
Fue editado originalmente por la editorial RIZZOLI en 1994, el mismo año en que compramos los derechos. Se imprimió en Italia.
CP67 compró los derechos para venderlo en México, Centro y Sud América,
ASPPAN compró los derechos para venderlo en España y Portugal.
«Thom Mayne, director de Morphosis, fue uno de los mas importantes e influyentes profesionales de la generación mas joven de arquitectos de California, Ganador de numerosas distinciones y tema de exhibiciones en todoel mundo, las obras de Mayne, incluyendo aquellos diseños con su antiguo socio Michael Rotodi, abarcan un amplio espectro de tipos de edificios. Este volumen, es una secuela del libro «Morphosis, edificios y Proyectos», de Rizzoli, publicado en 1990…el libro en si mismo representa el inusual metodo de Morphosis de Produccion Arquitectonica, pliegos de apertura y páginas estratificadas de pergamino, hacen eco a su método de generar y remodelar la forma compñletaente a traves de las etapas del diseño y aún mas lla, un proceso del cual deriva el nombre de Morphosis».
«La Introducción es de Richard Weinstein, decano de la facultad de Graduados de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de California, investiga el trabajo de Morphosis, en su contexto social, el complejo e incierto mundo del fin del siglo XX, para discutir el proceso de diseño de Morphosis y colocar la firma dentro de los debates arquitectónicos de la actuaidad».
3
Douglas R. Hofstadter (1945)
4
La Ley de Hofstadter es un refrán que describe la dificultad de estimar el tiempo que llevará completar tareas de gran complejidad. Fue acuñada por Douglas Hofstadter en su libro Gödel, Escher, Bach: un Eterno y Grácil Bucle (1979, Premio Pulitzer en 1980).
La ley afirma «Siempre nos lleva más tiempo de lo esperado, incluso teniendo en cuenta la ley de Hofstadter». Este refrán tuvo su origen, y es frecuentemente citado, dentro del ámbito del desarrollo de software.
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Finding Vivian Maier
The theatrical release of “Finding Vivian Maier” in the US was on March 28, 2014.
Vivian Maier (1926 – 2009) always carried a Rolleiflex camera around her neck, but jealously hid her photographs from others.
His black and white photographs, mostly from the 1950s and 1960s, are striking images of the architecture and street life of Chicago and New York. He rarely took more than one frame of each image and concentrated on capturing children, women, the elderly, and people on the street. The breadth of Maier’s work also reveals a series of striking self-portraits, as well as prints from his travels to Egypt, Bangkok, Italy, the American Southwest, and elsewhere.
The exhibition “Vivian Maier, Street Photographer” includes more than 100 black and white and color photographs and 8 mm films taken by Maier. The Hamilton Art Gallery is the first Canadian gallery to present the exhibition.
On November 11, 2011, John Maloof presented slides and explained the life and work of Vivian Maier, in New York at the powerHouse Arena at 37 Main Street, DUMBO, Brooklyn. John Maloof spoke about his extraordinary discovery of Vivian Maier’s photography. Along with a Q&A and slideshow, Maloof detailed his experience discovering the extensive work of Vivian Maier and shared his insight into the curious Chicago nanny turned posthumous street photographer phenomenon.
2014. 2 de abril
The event was ahead of the launch of Vivian Maier: Street Photographer.
The Maloof Collection and Merry Karnowsky Gallery (170 S. La Brea Avenue, Los Angeles) presented “Vivian Maier: A Life Discovered” on January 7, 2012.
Its opening was filmed and became part of the documentary by “Vivian Maier. Photographs from the Maloof Collection, featured by Tim Roth.
It chronicles the remarkable discovery by John Maloof in 2007 at an auction house in Chicago.
Maier is recognized as a photographer who is an icon of her vision from the 1940s to the 1970s.
He shot more than 2,000 rolls of film, printed more than 3,000 photographs, and produced more than 150,000 negatives depicting the street life and architecture of New York, Chicago, Los Angeles, and the American Southwest, as well as destinations as far away as Manila, Bangkok, Beijing, Egypt and Italy.
Maier died in 2009 at the age of 83, before the extent of his legacy was fully understood or revealed.
The Maloof collection is comprised of approximately 90% of Vivian Maier’s work, meticulously reconstructed, archived and catalogued.
The collection contains between 100,000 and 150,000 negatives, more than 3,000 vintage prints, hundreds of rolls of film, home movies, audiotape interviews, original Vivian Maier cameras, documents and various other items.
From June 21 to October 20, 2019, Kutxa Kultur space at Tabakalera in San Sebastián. “We intend for him to access the identity that he never had throughout his life and his place in photography. Give her a beautiful story after her death, because she was never recognized for her origin and her status and submitted to her status as a nanny.” “…Maier’s photographic writing can be compared to that of the great photographers of the 20th century, so exhibitions like this aim to do justice to his memory.” “There are aspects in which she was a pioneer, such as her color work, with which she was 15 or 20 years ahead of that of William Eggleston (1939) in the 70s, and with her super 8 films, in which she anticipated the language of John Cassavetes (1929 – 1989) from the 70s and 80s showing the scenes with his own perspective…I think the fact that he was self-taught gave him a freedom of syntax that differentiated him from the rest”.
The exhibition was curated by Anne Morin (Rouen 1973), a graduate of the École Nationale de Photographie d’Arles and the École Supérieure des Beaux-Arts of Montpellier.
“Thank you for keeping me alive”.Sixto Rodriguez
The exhibitions made with material from Vivian Maier have been many, if it makes sense to put some here it is to give the vision of the enormous work that Maloof has done so that Vivian can be present in our lives, perhaps I would never have dreamed or wanted it, but I am I’m sure she would be as surprised as she was delighted, especially because she could have had resources to live her last years with more dignity.
I would have said, like Sixtus, “Thank you for keeping me alive.”
His story reminds me of the story of Sixto Rodríguez (Jesus Sixto Diaz-Rodriguez (Detroit 1942 – 2023), revealed in Malik Bendjelloul’s fantastic 86-minute 2012 Swedish-British documentary “Searching for Sugar Man.”
Sixto Rodríguez (so called because he was the sixth child in the family) was a little-known singer who worked singing in bars.
At the end of the 1960s he was contacted by two music producers who convinced him to record an album, “Cold Fact” in 1970, which did not have commercial success, an attempt the following year with a second album “Coming from Reality” in 1971, neither did It had good sales in the United States.
Sixto never knew of his enormous success in South Africa, after the poor sales of his two albums in the US, he left music and dedicated himself to working in construction.
But, oh surprise, he was no longer an outcast, his work was very well received in South Africa, where the lyrics of his songs and the mystery that surrounded the singer transformed him into a very popular figure among the country’s young people.
His album Cold Fact was adopted as a symbol of the fight against apartheid.
His lyrics, several of his songs were banned by the South African Broadcasting Corporation.
South African musicians such as Koos Kombuis (1954), Willem Möller and Johannes Kerkorrel (1960) were inspired by Rodriguez’s message. Thanks to the efforts of two South African fans (Stephen ‘Sugar’ Segerman and Craig Bartholomew-Strydom) they discover his whereabouts. The documentary narrates the trip that Rodríguez made to South Africa in March 1998, where he played six concerts. After this, the singer continued to live modestly in Detroit and donate all the money raised at the concerts to his family and friends, returning sporadically to the African country to play some concerts.
Fate caused him to be compared to Elvis Presley and the Rolling Stones.
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written«. Hugo Kliczkowski Juritz
second parthttp://onlybook.es/blog/gb-vivian-maier-thanks-for-keeping-it-alive-part-two/
1953. Septiembre. NY
It tells the fascinating true story underlying the fascinating life of Vivian Maier.
The nanny photographer, whose work was discovered in a Chicago storage room, captured the world’s imagination with her masterful images and mysterious life. Before she rose posthumously to global fame, she buried her past so deeply that even the families she lived with knew little about her. No one could tell where he was born or raised, if he had parents or siblings, if he enjoyed personal relationships, why he took photographs and why he didn’t share them with others.
Ann Marks, one of the few people to see Vivian’s complete personal records and archive of 140,000 images, chronicles it in “VIVIAN MAIER, DEVELOPED.”
Meticulous research reveals the story of a woman who fled a family with a hidden history of illegitimacy, bigamy, parental rejection, substance abuse, violence and mental illness to live life on her own terms. With a limited ability to reveal feelings and establish relationships, he expressed himself through photography, creating a secret portfolio of images full of emotion, authenticity and humanity. With boundless resilience, she tore down every obstacle in her path, determined to improve her lot and that of others by tirelessly defending the rights of workers, women, Africans, and Native Americans.
She is considered one of the greatest street photographers of the 20th century, along with the likes of Bernice Abbott (1898 – 1991), Lisette Model (1901 – 1983), and Robert Frank (1924 – 2019).
The 368-page book with English text was published by Atria Books/Simon & Schuster, ISBN 9781982166724 in December 2021.
John Maloof, photographs by Vivian Maier. Text by Ann Marks
Street Style
Street photography or street style is a way of telling stories to transmit the experience of everyday life and the vision of the artist through the photos he takes around the world.
Like photojournalism, nothing is staged, posed or planned. It is not based on studio models or lights.
The color work of street photographer Vivian Maier was the subject of an exhibition at the Howard Greenberg Gallery (in New York) held from November 14, 2018 to January 5, 2019. Many of the photographs were exhibited for the first time , to deepen the understanding of her work and her desire to record and present her interpretation of the world around her. “Vivian Maier: The Color Work” dates from the 1950s to the 1980s, captures the street life of Chicago and New York and includes several of her enigmatic self-portraits.
The exhibition has coincided with the publication of Vivian Maier: The Color Work (Harper Design | HarperCollins, November 2018), the first book dedicated to her color images. With a foreword by renowned photographer Joel Meyerowitz (1938) and text by Colin Westerbeck, former curator of photography at the Art Institute of Chicago.
Places of the world
How to read the instructions VM1960W00212-08-MC.
Vivian Maier (VM) 1960 (year) WOO212-08 (catalog) MC (Maloof Collection).
1959. Saigón, Vietnam. VM1959W02685-12-MC
1959. La Esfinge de Giza y la Pirámide de Keops, Egipto. VM1959W04125-08-MC
1956. 22 de agosto. Chicago. VM1956W03431-10-MC
1960. Chicago, Illinois. VM1960W00212-08-MC
Chicago. VM19XXW03132-03-MC
Nueva York. VM19XXW04198-03-MC
Nueva York. VM1954W04201-08-M
1957. Julio. Suburbio Chicago. VM1957W02574-06-MC
1953. Septiembre. NY. VM1953W02853-09-MC
Sin fecha. VM19XXW03074-06-MC
1959. 5 de junio. Tailandia VM1959W02645-03-MC
1959. 5 de junio. Tailandia. VM1959W02645-07-MC
1954.Julio. Nueva York. VM1954W03415-04-MC
1962. 18 de septiembre. VM1962W01125-02-MC
Audrey Hepburn at the premiere of “My Fair Lady” in Chicago at the RKO Palace Theatre. October 23. VM19XXW02129-11-MC
The various cameras of Vivian Maier.
“VIVIAN MAIER LIVING COLOR” exhibition, “VIVIAN MAIER: Color Vivo”, Los Angeles, California, December 1, 2018. (Photo by Harmony Gerber).
Nominations announced for the 87th Academy Awards Beverly Hills, CA on January 15, 2015.
Directors J.J. Abrams and Alfonso Cuarón announce the film “Finding Vivian Maier” as nominated for best documentary at the ceremony, at the AMPAS Samuel Goldwyn Theater. (Photo by Kevin Winter).
Vivian Maier exhibit on September 8, 2014 at the Chicago History Museum on the North Side.(Chris Walker, Chicago Tribune)
A visitor’s legs appear in this Sept. 8, 2014, photo beneath one of Vivian Maier’s photos in the exhibit at the Chicago History Museum on the North Side. (Chris Walker, Chicago Tribune)
A visitor’s legs appear in this Sept. 8, 2014, photo beneath one of Vivian Maier’s photos in the exhibit at the Chicago History Museum on the North Side. (Chris Walker, Chicago Tribune)
1966. 31 de marzo. Chicago
It is perhaps one of the most recognizable facets of his work.
They are present in her work with a certain insistence, with perseverance, she discovers herself in them.
He avoids simple confrontation, his gaze is diverted, interrupted by a reflection, a break, that seems to bounce off something that takes us out of the frame and projects us outside the image, outside itself.
Her shadow, her profile are allusions, her desire to capture her own image is such that even when she portrays other people she reflects herself in some element of the composition, turning her portraits into veiled self-portraits.
Vancouver. Canada
Turin, Italy, February 9, 2022.
Visitors attend the preview of artist Vivian Maier’s Inédita exhibition at the Reali Museum. (Photo by Roberto Serra).
The tour has been conceived as a pleasant walk along a large avenue through which the work of Vivian Maier runs. The visitor will be able to get into her skin, walk like she did and see what her eyes saw.
White, black and gray are the predominant colors in most photography exhibition designs. This is not the case with the exhibition setting, designed by Gabriel Corchero Studio.
The room is full of color, a detail that weaves with the femininity and delicacy of Vivian Maier. Each section is assigned a color that is part of a chromatic progression, in which one of the sections of this exhibition is not included; Precisely the only one that does not need color due to the vast vividness of the tone of its images, the “Color Photographs” section, is located in the vaulted gallery of the room, whose exposed brick walls have been covered with enormous cardboard panels on the that their works are exhibited.
The 9 Super 8 films are distributed and viewed in different spaces of the room, highlighting two large prisms, located in the central area, which house 4 of them. Another of the spaces in the room, where the 13 self-portraits are located, deserves a special mention for the prominence that the reflections acquire, thanks to its octagonal shape and a delicate mirror prism in the center, which give reflections to the self-portraits.
A nod to the practice of the brilliant artist when she photographs herself and used reflective materials to show her figure.
The exhibition catalog with text in English. It was edited by John Maloof, and prefaced by the English writer Geoff Dyer, with images from the exhibition, and others that do not belong to it.
The “Vivian Maier” mural by Eduardo Kobra (1976) is displayed in the Wicker Park neighborhood of Chicago on May 4, 2019. (Photo by Raymond Boyd).
Ends in the fourth part http://onlybook.es/blog/gb-vivian-maier-thank-you-for-keeping-it-alive-part-four-and-final/
Our Blog has obtained more than One Million readings: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
His life
The story of Vivian Maier is an unprecedented story, as unusual as it is unexpected.
A photographic legacy that hides an exciting and secret history.
We have mentioned that she worked as a nanny for more than four decades, and in her free time she created a parallel and secret reality in which she took thousands of photographs, recorded urban sounds and filmed in Super 8 and 16 mm; and she did all three things with a mastery and absolute modernity not common in someone who can be considered an amateur photographer.
He managed to open a fascinating window into everyday life in public spaces. She accumulated more than 2,000 rolls of undeveloped film, 5,000 printed photographs and more than 120,000 negatives that, apart from her, practically no one else looked at during her life.
When a large part of his assets, as well as all of his photographic production, were deposited in a furniture storage room, and were subsequently seized and sold, John Maloof (1981) entered the scene, a young student who was looking for photos to document a work that was doing about his neighborhood.
He acquired them at a small auction in Chicago.
Maloof discarded the photographs for this purpose, but revealed a portion of them for the purpose of selling them on the internet.
Allan Sekula (1951 – 2013), a well-known American artist of Polish origin, photographer, writer, filmmaker, photography theorist and critic, contacted him to warn him that those photos were loaded with great talent.
But who was behind the camera?
Maloof’s investigations led him to find out that the author of the snapshots was Vivian Maier, a mysterious woman who had lived between Chicago and New York.
Maier’s legacy has become an extraordinary surprise for experts, who were amazed by photographs endowed with a modernity and quality unusual for the years and circumstances in which they were produced.
These singularities have led Vivian Maier to be compared with masters of the stature of Diane Arbus (1923 – 1972), Robert Frank (1924 – 2019), William Klein (1926 – 2022) or Garry Winogrand (1928 – 1984).
The dramatic thing about this story is that Maier never knew that her secret passion would take her out of anonymity until she became an enigmatic and fascinating figure.
Now we can admire his work, since his photos are the testimony of his contemplation of the world, that «something» furtive from the mind of this mysterious person of whom it seems that there will always remain unknowns.
The impact that Vivian Maier has generated in the world of photography has taken her work to the best galleries in the world and to be published in many books about her work.
Maloof directed the 2013 film “Finding Vivian Maier,” which was nominated for an Oscar in 2014 for “Best Documentary Feature.” Thanks to the investigations and interviews carried out by John Maloof after the photographer’s death.
«For all the meals have been cooked, the plates and cups washed; the children sent to school and thrown out into the world. Nothing remains of all this; everything disappears. No biography, no history, has a word to say about it». A Room of One’s Own, 1929. Virginia Woolf
A walk through her life The work of Vivian Maier (New York, 1926 – Chicago, 2009) tells us a lot about her life, although there are still numerous shadows about her biography.
In 1951, at the age of 25, Maier emigrated permanently to the United States, first to New York and in 1956 to Chicago. Given his precarious economic situation, the Gensburg family, for whom he had worked for almost 17 years, provided him with an apartment to live in until he died in 2009 in complete anonymity. The exhibition begins in the 1950s, the date of emigration to the United States.
The exhibition
It is divided into 6 sections: Childhood, Portraits, Formalisms, Street Scenes, Self-portraits and Color Photographs.
1 Childhood
Vivian Maier/Maloof Collection. Courtesy of the Howard Greenberg Gallery of NY
1955. San Francisco
For Maier, the act of photographing was his way of relating to people. He fixed his gaze on the world, evoking the poetics of daydreams, typical of the child’s world.
This section shows the degree of empathy that Maier had with the children. Childhood is a vitally important constant in his work.
Under this theme we see photographs in which children are the protagonists; whether it be images of children posing individually, playing in a group or staring into the camera.
A multitude of photographs of children accompanied by adults stand out, which suggests that Maier was attracted to photographically studying the bond that existed between the two.
The children she cared for accompanied her on her wanderings, on the long walks through which she discovered thousands of places, people, stories and secrets. Their children also became their models, pretexts to carry out skits, portraits, stories, games…
2 Portraits
This section mainly concentrates a wide variety of photographs of women, the elderly and the homeless. These images are a testimony to his curiosity about everyday life and the traits of the people who caught his attention. While some photographs are obviously snapshots taken secretly, others are the result of a real encounter between Maier as a photographer and her models, who are photographed from the front and at a short distance.
1959. Kochi, India.VM1959W04098-13-MC
It is in the portraits where Maier gets closer to the other. It is appropriate to make a distinction between the portraits of people who belonged to the lower classes – with whom she herself could identify – and the portraits of people with an apparently comfortable life.
1959. 27 de junio. Asia. VM1959W02455-11-MC
1957. Florida. VM1957W02584-04-MC
When observing the portraits of these people, who lived on the margins of the world – with whom Maier felt partly identified – one gets the feeling that they abandon themselves to the image, to photography. They don’t smile, they don’t try to achieve anything with their image beyond simply describing who they are. Simplicity, confusion, austerity and closeness are very present in this genre. Something unusual should be noted in this series of portraits; In some of them, Maier prints his face on those of the people he is photographing. This peculiarity means that his portraits also represent his own person and, ultimately, they can be considered, in addition to portraits, as self-portraits.
Although in the series of popular portraits he reinforces his protagonists by taking these snapshots while respecting a certain distance, in the case of the portraits of upper-class individuals, Maier literally pushes them, or purposely bumps into them, causing them to make a somewhat negative, a reaction that he takes advantage of and captures with a certain irony.
An important part of his portraits feature vagabonds, people abandoned to their fate for whom he felt compassion.
Sometimes she errs on the side of being nosy and “assaults”, in a somewhat impolite way, the private sphere of these people. If we quickly associate the work of Garry Winogrand with the concept of aggressiveness and that of Robert Frank with social criticism, in the field of portraits, we could associate the work of Vivian Maier with daring.
3 Formalisms
It includes a selection of images whose importance lies in the formal features of the elements that appear in the photographs. It perfectly defines Maier’s obsession not so much with the image itself but with the act of photographing. He took images of people, the street, objects, landscapes… Sometimes, it seems that he conceived what he photographed only from a formal point of view, without worrying about the discourse or content of the photographs.
Two of the aspects for which Maier’s work is best recognized are the framing and balance in his photographs; most of them taken head-on, with a certain pragmatism.
The balance lies in the tensions generated by the large axes of the frame, in the arrangement of lines, shapes and volumes, elements to which urban scenes usually lend themselves. He also attaches great importance to what remains “next to” the anecdote, to geometric structures, to the graphic rhythms of architecture, to its textures.
Most of them are images of elements close to the anecdote, whether structures, shapes or geometries, which make up a kind of visual minimalism. We appreciate photographs with a very synthetic description, with large axes that delimit the space. A multitude of lines, shapes and volumes that announce the disappearance of the figure.
These images are the preamble to his color work that began in the sixties.
Sin fecha. VM19XXW00508-12-MC
1953. Nueva York, NY. VM1953W00060-07-MC
1954. Nueva York, NY.VM1954W00009-07-MC
1956. Chicago
4 Escenas de Calle
1954. 8 de octubre. Nueva York, NY VM1954W02938-01-MC
Another very interesting section, and the most extensive in the exhibition, is called Street Scenes, which includes some of his memorable photographs of the architecture and urban life of New York and Chicago, especially from the 50s and 60s, especially from its most popular neighborhoods.
Although he did not have a limited field of action, he took numerous images of the streets of NY and Chicago, especially in their most popular neighborhoods.
The street was his theater and his images a pretext.
1954. NY.
With his snapshots he extracted the beauty of the ordinary, searching in everyday life for those almost invisible cracks through which he accessed “his world”.
Unknown people, anonymous people, were part of that world. Maier lined up in space with those people; He was looking for his ideal place and his optimal angle.
What he measured with his camera was not the light, it was his distance from the other. “Distance” is the key word in his work.
1950. NY.
1962. Chicago.
It is important to highlight this because it constitutes the basis of their modus operandi. Maier’s relationship with the people who appear in his photographs was inevitably forged through the lens of his camera.
1956. Setiembre. Mujer Armenia discutiendo en el East 86th Street
In most of the images that are part of this section, their attention is focused on the “other.” This becomes for an instant the main actor – or secondary, as the case may be – of micro events. In his street scenes he did not enter the scene he photographed; He stayed at its threshold, at the limit. Neither too close to interfere, nor too far to be invisible. He simply photographed what he saw; I wasn’t trying to capture anything exceptional, just the little things, the truly important things in the definition of each person or situation: a detail, a gesture, an attitude, an inflection in reality transformed into an anecdote.
.
5 Self-portraits
Sin fecha. Autorretrato.
It is perhaps one of the most recognizable facets of his work.
Self-portraits marked his photographic career. She did an infinite number of them, as many as there were possibilities of discovering who she herself was; something that was proposed with a certain insistence and apparent obsession. This is why this subgenre has its own section within the exhibition (Self-portraits) in which we observe his surprising ability to take advantage of reflections and elements that he found in his daily life to create fantastic compositions in which he incorporated his figure.
Often, in his self-portraits, Maier shied away from simple visual confrontation in favor of a lost, confused look, interrupted by a reflection that distorted his image.
On other occasions, we observe how the profile of his shadow spreads on the ground like a puddle of water and, on other occasions, his face bounces on something and escapes, deviating from the path, from the frame of the image. Here we find a contradiction – or personal struggle – between the concept of escaping and finding oneself, as we have mentioned previously. In any case, and apparently, what she was looking for was to find her place in the world, as she herself expresses in one of the sounds she recorded.
6 color photographs
1977. Noviembre. Chicago.
1959. Chicago
Finally, the Color Photographs section includes the most recent photographs of the artist. Starting in 1965, Maier began to address color photography. This move to color is accompanied by a technical change, since he begins to work with a Leica, much lighter and with the viewfinder located at eye level, very important differences compared to the Rolleiflex that he had used until then. This change reinforces your eye contact with the people you photograph. In this section it is the color spectrum that captures Maier’s attention. Chromatic experimentation is the undisputed protagonist in this section. Explore the characteristics of chromatic language with a certain lightness, developing your own lexicon. He emphasizes the garish details, fixes his gaze on the variegated dissonances of fashion and plays with contrasts. The result is unique, free and even playful images. In them you can see how he has fun with reality through his camera.
In addition to the extremely varied selection of photographs, distributed among the six sections of the exhibition, 9 films in Super8 are included, made between 1965 and 1973.
Through this material you can see how it establishes a very playful and relaxed relationship with the environment, ignoring any technicality. In those films, we see how he moves away, gets closer, surrounds something that his intuition and perception led him to see, until he stops, frames it, and that’s when he makes the decision to capture that specific image. His camera recorded the movement of his eyes, rather than the content it focused on.
Maier’s ability to capture the right frame at the exact moment, with elements of lighting, movement and essence aligned, is revealed in the notable fact that he rarely took more than one image of the same moment in time.
“Why have you never shown anyone your work? Do you agree with what I’m doing?” John Maloof, discoverer of Vivian Maier material. Interview for Lomography Magazine, 2011.
second part http://onlybook.es/blog/vivian-maier-gracias-por-mantenerla-viva-segunda-parte/
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
Photo SPAIN exhibition
Canal Foundation, c/Mateo Inurria, 2. Madrid
Curator: Anne Morin, director of di/Chroma photography
June 9 to August 14, 2016.
The Canal Foundation presented “Vivian Maier, Street Photographer”, the first major exhibition of who, after her death, became a world reference in photography.
“He knew how to capture his time in a fraction of a second. He transmitted the beauty of ordinary things, searching for the everyday, in the banal, the imperceptible fissures and the furtive inflections of reality.”
Vivian Maier, one of the most surprising and media characters in contemporary photography, alternated her profession as a nanny with her hidden and great passion: she took more than one hundred thousand photographs that she never showed.
After his death in destitution and artistic anonymity, his archive was found by accident, and since his work saw the light in 2010 he has become one of the greatest world references in “street photography” and a media phenomenon.
For the first time in Madrid, this exhibition takes a global tour of the work of Vivian Maier, thematically addressing her main interests and showing the quality of her vision and the subtlety with which she made the visual language of her time her own.
From a perspective interested in the urban and the formation of life in cities, that is, from an architectural perspective, Vivian’s photographs remind us of the soul that lives where we live.
They are not just streets, they are not just cars, they are not just spaces, but they are everything together and at the same time, the succession of images reflects our life.
In the 1995 film Smoke, by Paul Auster and directed by Wayne Wang, the protagonist Auggie Wren (Harvey Keitel) takes photos from the entrance of his business, which sells smoking items, always facing the same direction, every day he can.
His friend, the novelist Paul Benjamin (William Hurt) visits him and when he sees the photographic album, he tells him
-they are all the same, while turning the pages, why are you doing it he asks
Until suddenly in one of them, instead of seeing walkers, people crossing in one direction or another see their wife.
In reality, he stares at the woman who was his wife, because he had died, I don’t remember what he says, but I can remember that at that moment the protagonist understood, I understood, that, being the same photos, they are not the same.
The time, the people, the memories ourselves, we are not the same.
The critic Carlos Boyero (1953) wrote of the film “…I see it frequently…it helps to survive…”
The image of the river that seems the same, where the water flows permanently, reminds us factually that that river is never the same river, even if it seems that way.
That’s why I was so interested in Vivian Maier’s exhibition, her photographs also help us survive.
Exhibition content.
1957. 9 de enero. Florida VM1957W03436-09-MC
The exhibition includes a total of 120 photographs, in addition to a selection of contacts, taken between 1950 and 1981, of which 100 black and white images cover the period from 1950 to 1970 and another 20 in color from 1965 to 1981.
In addition to 9 Super 8 films made between 1965 and 1973. This material masterfully takes us on an interesting “walk” through the streets of New York and Chicago in the second half of the 20th century. We discover a story in every corner and a life behind each of the gestures of the protagonists of this exhibition: men, women and children; elderly, homeless and people with a well-off life, workers or simply people who travel on a train. But they all have something in common, something that at a certain moment caught Vivian’s attention to make them part of her world.
His life can easily evoke Churchill’s famous quote, “A riddle, wrapped in a mystery, inside an enigma.”
Vivian Maier (February 1, 1926 – April 21, 2009) was born in New York City in the Bronx neighborhood.
He spent most of his youth in France, his mother was French, born in the High Alps of the Champsaur Valley, near the town of Gap, his father was Austro-Hungarian.
At the beginning of the 20th century, the Maier and Jaussaud families left their respective homelands in search of a better life in the United States. They had met in New York where they married in 1919. In 1920 their first child, Charles, was born, and 6 years later Vivian would come into the world. The “American dream” was not fulfilled for the Maier family, they had to resign themselves to a much more difficult situation than the one they had left behind. Vivian had to live in a family worn down by economic difficulties.
1953. Septiembre. NY
In 1930, when he was only 4 years old, his father abandoned them, guardianship of his brother Charles passed to his paternal grandparents who lived in the Bronx. Maria Jaussaud and her daughter Vivian settled in this same neighborhood, in the house of a friend of her mother, Jeanne Bertrand, also from Champsaur, who had been working as a sculptor and photographer in New York since 1912. She was a renowned portrait painter in 1902. She had been proclaimed by the Boston Globe as one of Connecticut’s best photographers.
Jeanne Bertrand greatly influenced the life of Vivian Maier, although there is not much data that allows us to assess what type of influence she could have exerted on her. The 30s and 40s are quite a blur in Vivian’s life. It is known that he returned and settled with his mother in the Champsaur Valley, and in 1939, at the age of 13, he made one of his sporadic visits to New York with his mother due to litigation with the justice system over issues linked to his brother Charles.
In 1951 she returned permanently, but alone, without her mother.
She traveled on the steamship “De Grass”, and while she lived in New York she worked as a nanny for a family in Southampton.
Brownie Kodak de Vivian Maier
It was in 1949 that while in France, he began taking his first photographs with his mother’s modest and inaccurate Kodak Brownie box camera, a small amateur camera with a single shutter speed, no focus control and no aperture dial. .
Its screen was tiny and its results very poor.
In 1952, he bought a Rolleiflex camera.
When she moved permanently to the North Shore suburbs of Chicago, another family hired her as a nanny for their three children.
He maintained contact with them for the rest of his life.
In 1956, already settled in Chicago, she was able to have a private bathroom and a dark room where she could process her prints and develop her own black and white negatives.
Vivian Maier’s bathroom served as a dark room, some of her cameras. er did the times of dark room. Right: some of its cameras
At the beginning of the 70s, when the children were older, he had to leave his job, and moved from family to family, his negatives began to accumulate.
He took photos constantly over five decades, leaving behind more than 100,000 negatives, most of them of Chicago and New York.
She documented the world around her through home movies, recordings, and collections, putting together one of the most fascinating windows into American urban life in the second half of the 20th century.
In his free time, he took photos that he jealously hid from the eyes of others. Taking snapshots in the late 1990s, he would leave behind an immense body of work. His passion for documenting extended to a series of homemade documentaries and audio recordings.
Interesting fragments of America, the demolition of historic landmarks to make way for new development, the invisible lives of various groups of people and homeless people, as well as some of Chicago’s most treasured sites, were meticulously cataloged by Vivian.
She was a free spirit, and a proud soul, who when she ran out of resources was saved by three of the children she had cared for earlier in her life. They fondly remembered Maier as a second mother, and they banded together to pay for her apartment and take care of her.
Unbeknownst to them or anyone else, one of the warehouses where Vivan kept his photographs was auctioned off to pay off his late payments.
There were closets full of those negatives that he kept secretly throughout his life, as well as objects that he found, such as art books, newspaper clippings, home movies, or knick-knacks.
Maier’s enormous body of work would come to light when in 2007 his work was discovered at a local second-hand auction house on Chicago’s northwest side. From there, it would eventually impact the entire world and change the life of the man who championed his work and brought him into the public eye, John Maloof.
Currently, Vivian Maier’s work is being archived.
John Maloof is at the center of this project after reconstructing most of the archive, which had previously been dispersed among the various buyers who attended that auction. Now, with approximately 90% of her archive reconstructed, Vivian’s work is part of a revival in interest in the art of street photography.
«Well, I guess nothing is meant to last forever. We have to accommodate other people. It’s a wheel. You get on, you have to go to the end. And then someone has the same chance to go all the way and so on.” Vivian Maier
color photographs
The change to color occurred from 1965 onwards and was accompanied by a practical change, as he began to work with a Leica, with a viewfinder directly at eye level (unlike the Rolleiflex used until then).
In this way, he directly faces eye contact with others and photographs the world in its colored reality.
His color writing is unique and free.
He explores the specificities of color language in his own way, having fun with reality: he highlights striking details, points out the variegated dissonances of fashion and plays with iridescent counterpoints.
Information that John Maloof has shared on the “Vivian Maier” blog
Pictured are John Maloof (1981) and Tim Roth (1961) attending the opening of the “VIVIAN MAIER: LIVING COLOR” Exhibition on December 1, 2018 in Los Angeles. (Photo by Harmony Gerber/Getty Images)
In 1952 he bought his first Rolleiflex camera.
Throughout his career he used Rolleiflex 3.5T, Rolleiflex 3.5F, Rolleiflex 2.8C, Rolleiflex Automat and others.
Later he also used a Leica IIIc, an Ihagee Exakta, a Zeiss Contarex and several other SLR cameras.
I mainly used Kodak Tri-X and Ektachrome films.
Of the 100,000 negatives and slides found, all of them have been digitized into digital contact sheets.
A selection of photographs has been scanned in high resolution, a task that continues.
There are around 700 rolls of Ektachrome 35mm color film that have not yet been processed, they are protected in a refrigerator until they are developed.
Maloof began scanning negatives on an Epson V700, and later with an Imacon 949.
Digital contact sheets were obtained by placing negatives and slides on a light table that was photographed with a Better Light Super 8K-HS scanner.
Colección Maloof
John Maloof is the owner and chief curator of the Maloof Collection.
Howard Greenberg Gallery handles all sales of prints from the Collection. Steve Rifkin of Hank’s Photographic Services makes all gelatin silver prints and Carl Saytor of Luxlab prints all color work.
«John Maloof has come across an unknown artist whose photography is compared to giants, a lonely woman who, in death, is attracting the kind of attention and acclaim she had avoided in life.» Huffington Post
«Maier’s work and biography are starkly moving reminders of how powerfully we all experience our lives, largely in isolation.» – Vanity
«She is now considered a lost master of the form, the Windy City’s own Helen Levitt.» New York Times
El estreno en cines de “Finding Vivian Maier” en los EEUU fue el 28 de marzo de 2014.
Vivian Maier (1926 – 2009) siempre llevaba una cámara Rolleiflex colgada del cuello, pero ocultaba celosamente sus fotografías a los demás.
Sus fotografías en blanco y negro, en su mayoría de las décadas de 1950 y 1960, son imágenes impactantes de la arquitectura y la vida callejera de Chicago y Nueva York. Rara vez tomó más de un fotograma de cada imagen y se concentró en capturar a niños, mujeres, ancianos y gente de la calle. La amplitud de la obra de Maier también revela una serie de sorprendentes autorretratos, así como grabados de sus viajes a Egipto, Bangkok, Italia, el suroeste de Estados Unidos y otros lugares.
La exposición “Vivian Maier, Street Photographer” incluye más de 100 fotografías en blanco y negro y en color y películas de 8 mm tomadas por Maier. La Galería de Arte de Hamilton es la primera galería canadiense en presentar la exposición.
El 11 de noviembre del 2011 John Maloof presentó diapositivas y explicó la vida y obra de Vivian Maier, en Nueva Yoek en el powerHouse Arena en 37 Main Street, DUMBO, Brooklyn. John Maloof habló sobre su extraordinario descubrimiento de la fotografía de Vivian Maier. Junto con una sesión de preguntas y respuestas y una presentación de diapositivas, Maloof detalló su experiencia al descubrir el extenso trabajo de Vivian Maier y compartió su visión sobre la curiosa niñera de Chicago convertida en un fenómeno fotógrafo callejero póstumo.
El evento fue adelantando el lanzamiento de Vivian Maier: Street Photographer .
2014. 2 de abril
La Colección Maloof y la Galería Merry Karnowsky (170 S. La Brea Avenue, Los Ángeles) presentaron el 7 de enero de 2012 “Vivian Maier: Una vida descubierta”, A Life Discovered.
Su apertura se filmó y pasó a ser parte del documental de “Vivian Maier. Fotografías de la colección Maloof”, presentada por Tim Roth.
Narra el hecho notable del descubrimiento por John Maloof en 2007 en una casa de subastas en Chicago.
A Maier se la reconoce una fotógrafa que es un icono de su visión desde los años 40 hasta los 70.
Tomó más de 2.000 rollos de película, imprimió más de 3.000 fotografías y produjo más de 150.000 negativos que representan la vida callejera y la arquitectura de Nueva York, Chicago, Los Ángeles y el suroeste de Estados Unidos, así como destinos tan lejanos como Manila, Bangkok, Beijing, Egipto e Italia.
Maier murió en 2009 a la edad de 83 años, antes de que se entendiera o revelara completamente el alcance de su legado.
La colección Maloof se compone deaproximadamente el 90% del trabajo de Vivian Maier, meticulosamente reconstruido, archivado y catalogado.
La colección posee entre 100.000 y 150.000 negativos, más de 3.000 copias antiguas, cientos de rollos de película, películas caseras, entrevistas en cintas de audio, cámaras originales de Vivian Maier, documentos y varios otros artículos.
Desde el 21 de junio al 20 de octubre de 2019, espacio Kutxa Kultur en la Tabakalera de San Sebastián. “Pretendemos que acceda a la identidad que nunca tuvo a lo largo de su vida y su lugar en la fotografía. Darle una bella historia después de su muerte, porque nunca fue reconocida por su procedencia y su estatus y se sometió a su condición de nanny”.“… la escritura fotográfica de Maier se puede comparar a la de los grandes fotógrafos del siglo XX así que muestras como esta pretenden hacer justicia a su memoria”. “Hay aspectos en los que fue una pionera como su trabajo en color, con el que se adelanta 15 o 20 años al de William Eggleston (1939) de los 70 y con sus películas de super 8, en las que se anticipa al lenguaje de John Cassavetes (1929 – 1989) de los 70 y los 80 mostrando las escenas con una mirada propia…Creo que el hecho que fuera autodidacta le dio una libertad de sintaxis que la diferenciaba del resto”.
Comisarió la muestra Anne Morin(Rouen 1973), graduada en la École Nationale de Photographie d’Arles y la École Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier.
“Gracias por mantenerme vivo”. Sixto Rodríguez
Las exposiciones realizadas con material de Vivian Maier han sido muchísimas, si tiene sentido poner algunas aquí es para dar la visión del enorme trabajo que Maloof ha hecho para que Vivian pueda estar presente en nuestras vidas, quizás nunca lo hubiera soñado o querido, pero estoy seguro estaría tan sorprendida como encantada, sobre todo porque podría haber tenido unos recursos para vivir con más dignidad sus últimos años.
Hubiera dicho, como Sixto“Gracias por mantenerme viva”.
Su historia me recuerda a la historia de Sixto Rodríguez (Jesus Sixto Diaz-Rodriguez (Detroit 1942 – 2023), dada a conocer en el fantástico documental sueco-británico de 2012 de 86 minutos, realizado por Malik Bendjelloul “Searching for Sugar Man”.
Sixto Rodríguez (asi llamado por ser el sexto hijo de la familia) era un cantante que trabajaba cantando en bares, poco conocido.
A fines de los años 1960 fue contactado por dos productores musicales que lo convencieron de grabar un disco, “Cold Fact” en 1970, que no tuvo éxito comercial, intento al año siguiente con un segundo disco “Coming from Reality” de 1971, tampoco tuvo buenas ventas en Estados Unidos.
Sixto nunca supo de su enorme éxito en Sudáfrica, luego de la poca venta de sus dos discos en los EE. UU., dejó la música y se dedicó a trabajar en la construcción.
Pero, Oh sorpresa, dejó de ser un marginado, su trabajo fue muy bien recibido en Sudáfrica, donde las letras de sus canciones y el misterio que rodeaba al cantante lo transformaron en una figura muy popular entre los jóvenes del país.
Su álbum Cold Fact fue adoptado como un símbolo de la lucha contra el apartheid.
Sus letras, varias de sus canciones fueron prohibidas por la South African Broadcasting Corporation.
Músicos sudafricanos como Koos Kombuis (1954) Willem Möller y Johannes Kerkorrel (1960) se inspiraron en el mensaje de Rodríguez. Gracias a los esfuerzos de dos fanes sudafricanos (Stephen ‘Sugar’ Segerman y Craig Bartholomew-Strydom) descubren su paradero. En el documental se narra el viaje que hizo Rodríguez a Sudáfrica en marzo de 1998, donde tocó seis conciertos. Tras esto, el cantante siguió viviendo de forma modesta en Detroit y donando todo el dinero recaudado en los conciertos a sus familiares y amigos, regresando de forma esporádica al país africano para tocar algunos conciertos.
El destino hizo que se lo compare con Elvis Presley y con los Rolling Stones.
Nuestro cantante murió a los 81 años,
2022
Galería MK, Milton Keynes MK9 3QA, Reino Unido
2021
Werkstattgalerie Hermann Noack, Berlín, Alemania
Museo de Luxemburgo, París, Francia
2020
Centro Cultural de Cascais, Cascais, Portugal
Fabriken Bästekille, Kivik, Suecia
Espacio Cultural Porto Seguro, São Paulo, Brasil
Art Angle Corporation, Ciudad de Taipei, Taiwán
Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Ámsterdam, Países Bajos
FoLa Fototeca Latinoamericana, Buenos Aires, Argentina
Museo Glenbow, Calgary, Canadá
El Museo Finlandés de Fotografía, Helsinki, Finlandia
2019
Museo del Antiguo Évêché, Grenoble, Francia
Forma Meravigli, Milán, Italia
Magazzino delle Idee, Trieste, Italia
Kutxa Kultur Artegunea, San Sebastián, SS, España
Somerset House, Strand Londres, Reino Unido
Galerías de arte de Sofía, Sofía, Bulgaria
Scuderie del Castello Visconteo, Pavía Italia, Italia
Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español, Valladolid España, España
Galería Lumiere, Atlanta GA, Estados Unidos
Museo de Arte y Ciencia de Luisiana, Baton Rouge LA, Estados Unidos
Les Douches la Galerie, París, Francia
2018
KP Projects, Los Ángeles CA, Estados Unidos Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos
Willy Brandt Haus, Berlín, Alemania
Hanks Photo Lab, Mount Vernon Nueva York, Estados Unidos
70 South Gallery, Morristown Nueva Jersey, Estados Unidos
Galería de arte de Hamilton, Hamilton, Canadá
Madelyn Jordon Fine Art, Scarsdale Nueva York, Estados Unidos
Palacio Pallavicini, Bolonia BO, Italia
Salón de la Fama de la Fotografía Internacional, St. Louis MO, Estados Unidos
2017
KP Projects, Los Ángeles CA, Estados Unidos
The Granary Gallery, Martha’s Vineyard MA, Estados Unidos
Palacio Ducal de Génova, Génova, Italia
Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos
El Centro de Arte en Tarnow, Tarnow, Polonia
Museo di Roma en Trastevere, Roma, Italia
FoLa Fototeca Latinoamericana, Buenos Aires, Argentina
2016
Galería ILEX, Roma, Italia
CAMPREDON Centro de arte, L’Isle-sur-la-Sorgue, Francia
Les Douches la Galerie, París, Francia
Palacio Dell’Arengario, Monza, Italia
Galería Lumiere, Atlanta GA, Estados Unidos
Centro de Arte de Des Moines, Des Moines IA, Estados Unidos
Fundación Canal Isabel II, Madrid, España
Fundación Foto Colectania, Barcelona, España
Museo de Arte de Arlington, Arlington, Texas, Estados Unidos
Photobastei, Zúrich, Suiza
Kulturhuset Stadsteatern, Plaza Sergel, Suecia
Dunkers Kulturhus, Helsingborg, Suecia
2015
Parque Cultural de Valparaíso, Valparaíso, Chile
Galería Merry Karnowsky, Los Ángeles CA, Estados Unidos Forma Meravigli, Milán, Italia
Foto Pekín, Pekín, China
Centro Cultural de las Condes, Santiago, Chile
HarperCollins BookLab, Nueva York NY, Estados Unidos
MAN Museo D’Arte della Provincia di Nuoro, Nuoro NU, Italia
Museo de Arte Sungkok, Seúl, Corea del Sur
Galería Sherrick & Paul, Nashville TN, Estados Unidos
Museo de Arte, Lexington KY, Estados Unidos
Museo de Imagen y Sonido de São Paulo, São Paulo, Brasil
Bernal Espacio Galería, Madrid, España
Museo de Arte, Pullman WA, Estados Unidos
Willy Brandt Haus, Berlín, Alemania
2014
Fifty One Fotografía artística, Amberes, Bélgica
Beetles + Huxley, Londres, Reino Unido
Galería Lumiere, Atlanta GA, Estados Unidos
Les Douches la Galerie, París, Francia
Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos
Bienal FotoFocus, Cincinnati OH, Estados Unidos
Centro de Fotografía Contemporánea, Fitzroy Victoria, Australia
Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Ámsterdam, Países Bajos
Fundación Hasselblad, Gotemburgo, Suecia
17 de diciembre de 2013 – 25 de enero de 2014
“Vivian Maier: fotógrafa callejera”
Fundación Hasselblad, Gotemburgo, Suecia
2 dic al 23 dic 2013
“Vivian Maier”
Beetles+Huxley, Londres, Reino Unido
17 de noviembre de 2013 Presentación de la película “Buscando a Vivian Maier” – Estreno en los EEUU
SVA Theatre, Nueva York NY, Estados Unidos
8 de noviembre al 4 de enero de 2014
“Vivian Maier: una revelación fotográfica”
CHÂTEAU DE TOURS, Tours, Francia
16 de octubre al 21 de diciembre de 2013
“Exposición de Vivian Maier en París”
Les Douches la Galerie, París, Francia
6 de octubre al 18 de diciembre de 2013
“Vivian Maier: la lente de una mujer”
Universidad Brandeis – Centro de Investigación de Estudios de la Mujer, Waltham MA, EEUU
4 de septiembre al 27 de octubre de 2013
“Vivian Maier Fotógrafa callejera”
Galería Isa Spalding, Toronto, Canadá
16 de abril al 29 de junio de 2013
“Vivian Maier + Saúl Leiter”
Fifty One Fotografía artística, Amberes, Bélgica
11 de marzo al 3 de abril de 2013
“Vivian Maier”
Chris Beetles Fine Photographs, Londres, Reino Unido
1 de octubre al 13 de noviembre de 2012
“Vivian Maier: Lo sguardo nascosto”
Galería dell’Incisione, Brescia, Italia
20 de septiembre al 6 de enero de 2013
“Vivian Maier”
Casa Húngara de Fotografía, Budapest, Hungría
3 de febrero al 22 de abril de 2012
“Vivian Maier: descubierta”
Galería Monroe, Santa Fe NM, Estados Unidos
7 de enero al 28 de enero de 2012
“Vivian Maier” – Presentado por Tim Roth
Galería Merry Karnowsky, Los Ángeles CA, Estados Unidos
10 de octubre de 2011 – 9 de diciembre de 2011 “Vivian Maier – Fotografías de la colección Maloof”
Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos
11 de septiembre al 9 de octubre de 2011
“Vivian Maier – Fotógrafa callejera”
Noorderlicht Photofestival, Groningen, Países Bajos
29 de julio al 16 de septiembre de 2011
“Vivian Maier: una vida al descubierto”
Galería Photofusion, Londres, Reino Unido
5 de julio al 5 de agosto de 2011 “A la recherche de Vivian Maier (En busca de Vivian Maier)”
Biblioteca Gap, Gap, Francia
1 de julio al 24 de julio de 2011
“Vivian Maier – Una vida descubierta”
Festival de fotografía callejera de Londres, Londres, Reino Unido
28 de junio al 3 de julio de 2011
“A la recherche de Vivian Maier (En busca de Vivian Maier)”
Saint-Julien-en-Champsaur, Saint-Julien-en-Champsaur , Francia
27 de enero al 28 de abril de 2011
“Brilla brilla pequeña estrella… “Twinkle, twinkle, little star”,
Galerie Hilaneh von Kories, Hamburgo, Alemania
7 enero al 3 abril 2011
“Buscando a Vivian Maier: fotógrafa callejera de Chicago”
Centro Cultural de Chicago, Chicago IL, Estados Unidos
18 de noviembre al 4 de diciembre de 2010
“Buscando a Vivian Maier”.
El Apartamento 2, Oslo, Noruega
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
ver segunda parte en http://onlybook.es/blog/vivian-maier-gracias-por-mantenerla-viva-segunda-parte/
1953. Septiembre. NY
Narra la fascinante historia real, que esta subyacente en la fascinante vida de Vivian Maier.
La niñera fotógrafa, cuyo trabajo fue descubierto en un trastero de Chicago, capturó la imaginación del mundo con sus imágenes magistrales y su vida misteriosa. Antes de saltar póstumamente a la fama mundial, enterró tan profundamente su pasado que incluso las familias con las que vivía sabían poco sobre ella. Nadie podía contar dónde nació o creció, si tuvo padres o hermanos, si disfrutaba de las relaciones personales, por qué tomaba fotografías y por qué no las compartía con los demás.
Ann Marks, una de las pocas personas que vio los registros personales completos de Vivian y el archivo de 140.000 imágenes, lo narra en “VIVIAN MAIER, DEVELOPED”.
Una meticulosa investigación revela la historia de una mujer que huyó de una familia con una historia oculta de ilegitimidad, bigamia, rechazo de los padres, abuso de sustancias, violencia y enfermedades mentales para vivir la vida en sus propios términos. Con una capacidad limitada para revelar sentimientos y establecer relaciones, se expresó a través de la fotografía, creando un porfolio secreto de imágenes llenas de emoción, autenticidad y humanidad. Con una resiliencia ilimitada, derribó todos los obstáculos en su camino, decidida a mejorar su suerte y la de los demás defendiendo incansablemente los derechos de los trabajadores, las mujeres, los africanos y los nativos americanos.
Se la considera una de las mejores fotógrafas callejeras del siglo XX, junto con personas como Bernice Abbott (1898 – 1991), Lisette Model (1901 – 1983) y Robert Frank (1924 – 2019).
El libro de 368 páginas y texto en inglés fue editado por Atria Books/Simon & Schuster, ISBN 9781982166724 en diciembre de 2021.
John Maloof, fotografías de Vivian Maier. Texto de Ann Marks
Street Style
La fotografía callejera o street Style, es una manera de contar historias para transmitir la experiencia de la vida cotidiana y la visión del artista mediante las fotos que realiza por el mundo.
Como el fotoperiodismo, nada está escenificado, ni posado ni planeado. No se basa en modelos o luces de estudios.
El trabajo en color de la fotógrafa callejera Vivian Maier fue el tema de la exposición en la Galería Howard Greenberg (en Nueva York) realizada entre el 14 de noviembre de 2018 al 5 de enero de 2019. Muchas de las fotografías se expusieron por primera vez, para profundizar la comprensión de su obra y su afán por registrar y presentar su interpretación del mundo que la rodea. “Vivian Maier: The Color Work” data las décadas de 1950 a 1980, captura la vida callejera de Chicago y Nueva York e incluye varios de sus enigmáticos autorretratos.
La exposición ha coincidido con la publicación de Vivian Maier: The Color Work (Harper Design | HarperCollins, noviembre de 2018), el primer libro dedicado a sus imágenes en color. Con un prólogo del renombrado fotógrafo Joel Meyerowitz (1938) y texto de Colin Westerbeck, ex curador de fotografía del Instituto de Arte de Chicago.
Lugares del Mundo
Forma de leer las indicaciones VM1960W00212-08-MC.
Vivian Maier (VM) 1960 (año) WOO212-08 (catalogo) MC (Maloof Collection).
1959. Saigón, Vietnam. VM1959W02685-12-MC
1959. La Esfinge de Giza y la Pirámide de Keops, Egipto. VM1959W04125-08-MC
1956. 22 de agosto. Chicago. VM1956W03431-10-MC
1960. Chicago, Illinois. VM1960W00212-08-MC
Chicago. VM19XXW03132-03-MC
Nueva York. VM19XXW04198-03-MC
Nueva York. VM1954W04201-08-M
1957. Julio. Suburbio Chicago. VM1957W02574-06-MC
1953. Septiembre. NY. VM1953W02853-09-MC
Sin fecha. VM19XXW03074-06-MC
1959. 5 de junio. Tailandia VM1959W02645-03-MC
1959. 5 de junio. Tailandia. VM1959W02645-07-MC
1954.Julio. Nueva York. VM1954W03415-04-MC
1962. 18 de septiembre. VM1962W01125-02-MC
1963. Audrey Hepburn en el estreno de “My Fair Lady” en Chicago en el RKO Palace Theatre. 23 de octubre. VM19XXW02129-11-MC
Las diversas cámaras de Vivian Maier.
Exposición “VIVIAN MAIER LIVING COLOR”, “VIVIAN MAIER: Color Vivo”, Los Ángeles, California, 1 de diciembre de 2018. (Foto de Harmony Gerber).
Anuncio de las Nominaciones a los 87 premios de la Academia Beverly Hills, CA el 15 de enero de 2015.
Los directores J.J. Abrams y Alfonso Cuarón anuncian la película “Finding Vivian Maier” como nominada al mejor documental en la ceremonia, en el Teatro Samuel Goldwyn de AMPAS. (Foto de Kevin Winter).
Exposición de Vivian Maier el 8 de septiembre de 2014 en el Museo de Historia de Chicago en el North Side.(Chris Walker, Chicago Tribune).
Las piernas de un visitante aparecen en esta fotografía del 8 de septiembre de 2014 debajo de una de las fotos de Vivian Maier en la exposición en el Museo de Historia de Chicago en el North Side.(Chris Walker, Chicago Tribune).
Vivian Maier
“Street photographer”
Retratos
1966. 31 de marzo. Chicago
Es quizás una de las facetas más reconocibles de su trabajo.
Están presentes en su obra con cierta insistencia, con perseverancia, se descubre ella misma en ellos.
Evita la simple confrontación, su mirada se ve desviada, interrumpida por un reflejo, un quiebro, que parece rebotar sobre algo que nos saca del encuadre y nos proyecta fuera de la imagen, fuera de ella misma.
Su sombra, su perfil son alusiones, es tal su afán por captar su propia imagen que incluso cuando retrata a otras personas se refleja ella misma en algún elemento de la composición, convirtiendo sus retratos en velados autorretratos.
Vancouver. Canadá
Turín, Italia, 9 de febrero de 2022.
Los visitantes asisten a la previsualización de la exposición Inédita de la artista Vivian Maier en el Museo Reali. (Foto de Roberto Serra).
El recorrido se ha concebido como un agradable paseo por una gran avenida a través de la cual discurre la obra de Vivian Maier. El visitante podrá meterse en su piel, pasear como lo hacía ella y ver lo que sus ojos veían.
El blanco, el negro y el gris son los colores predominantes en la mayoría de los diseños de las exposiciones de fotografía. No es el caso de la ambientación de la exposición, diseñada por Gabriel Corchero Studio.
La sala está repleta de colorido, detalle que hila con la feminidad y la delicadeza de Vivian Maier. Cada sección tiene asignado un color que forma parte de una progresión cromática, en la cual no está incluida una de las secciones de esta exposición; precisamente la única que no necesita color por la vasta viveza del tono de sus imágenes, la sección “Fotografías a color”, está ubicada en la galería abovedada de la sala, cuyos muros de ladrillo visto han sido recubiertos con enormes paneles de cartón sobre los que se exponen sus obras.
Las 9 películas en Super 8 se reparten y visualizan en diferentes espacios de la sala, destacando dos grandes prismas, ubicados en la zona central, que alojan 4 de ellas. Otro de los espacios de la sala, donde se ubican los 13 autorretratos, merece una mención especial por el protagonismo que adquieren los reflejos, gracias a su forma octogonal y a un delicado prisma de espejos en el centro, que dan reflejos a los autorretratos.
Un guiño a la práctica de la genial artista cuando se fotografía así misma y se valía de materiales reflectantes para mostrar su figura.
El Catálogo de la exposición con texto en inglés. Fue editado por John Maloof, y prologado por el escritor inglés Geoff Dyer, con imágenes de la muestra, y otras que no pertenecen a la misma
El mural “Vivian Maier” de Eduardo Kobra (1976) se exhibe en el barrio de Wicker Park en Chicago, el 4 de mayo de 2019. (Foto de Raymond Boyd).
La historia de Vivian Maier es una historia inédita, tan insólita como inesperada.
Un legado fotográfico que esconde una apasionante y secreta historia.
Hemos comentado que ejerció como niñera durante más de cuatro décadas, y en su tiempo libre creó una realidad paralela y secreta en la que hizo miles de fotografías, grabó sonidos urbanos y rodó en Super 8 y 16 mm; y las tres cosas las hizo con una maestría y una modernidad absoluta no común en alguien que puede considerarse una fotógrafa amateur.
Logró abrir una fascinante ventana a la vida cotidiana en los espacios públicos. Acumuló más de 2.000 rollos de película sin revelar, 5.000 fotografías impresas y más de 120.000 negativos que, aparte de ella, prácticamente nadie más contempló durante su vida.
Cuando gran parte de sus bienes, así como la totalidad de su producción fotográfica, fueron depositados en un trastero guardamuebles, y son posteriormente embargados y vendidos, entra en escena John Maloof (1981), un joven estudiante que buscaba fotos para documentar un trabajo que estaba haciendo sobre su barrio.
Las adquirió, en una pequeña subasta de Chicago.
Maloof descartó las fotografías para este fin, pero reveló una parte de ellas con el propósito de venderlo en internet.
Allan Sekula (1951 – 2013) un conocido artista estadounidense de origen polaco, fotógrafo, escritor, cineasta, teórico y crítico de fotografía, lo contactó para advertirle de que aquellas fotos estaban cargadas de gran talento
Pero ¿quién estaba detrás de la cámara?
Las investigaciones de Maloof le llevaron a averiguar que la autora de las instantáneas era Vivian Maier, una misteriosa mujer que había vivido entre Chicago y Nueva York.
El legado de Maier se ha convertido en una extraordinaria sorpresa para los expertos, quienes quedaron asombrados ante fotografías dotadas de una modernidad y una calidad insólita para los años y las circunstancias en los que fueron producidas.
Estas singularidades han llevado a Vivian Maier a ser comparada con maestros de la talla de Diane Arbus (1923 – 1972), Robert Frank (1924 – 2019), William Klein (1926 – 2022) o Garry Winogrand (1928 – 1984).
Lo dramático de esta historia es que Maier nunca llegó a saber que su secreta pasión, la sacaría del anonimato hasta convertirla en una enigmática y fascinante figura.
Ahora podemos admirar su trabajo, ya que sus fotos son el testimonio de su contemplación del mundo, ese “algo” furtivo de la mente de esta misteriosa persona de la que parece que siempre quedarán incógnitas.
El impacto que Vivian Maier ha generado en el mundo de la fotografía ha llevado su trabajo a las mejores galerías del mundo y a verse publicado en multitud de libros sobre su obra.
Maloof dirigió en 2013 la película “Finding Vivian Maier”, que fue nominada a los Oscar en 2014 a “Mejor largometraje documental”. Gracias a las investigaciones y entrevistas llevadas a cabo por John Maloof tras la muerte de la fotógrafa.
«Porque todas las comidas se han cocinado, los platos y las tazas lavado; los niños enviados a la escuela y arrojados al mundo. Nada queda de todo ello; todo desaparece. Ninguna biografía, ni historia, tiene una palabra que decir acerca de ello». Una habitación propia, 1929. Virginia Woolf
Un paseo por su vida El trabajo de Vivian Maier (Nueva York, 1926 – Chicago, 2009) nos cuenta mucho de su vida, aunque siguen existiendo numerosas sombras acerca de su biografía.
En 1951, a los 25 años, Maier emigró definitivamente a EE. UU., primero a Nueva York y en 1956 a Chicago. Ante su precaria situación económica, la familia Gensburg, para la cual había trabajado durante casi 17 años, le proporcionó un piso donde vivir hasta que murió en 2009 en el más absoluto anonimato. La exposición comienza en los años 50, fecha de emigración a Estados Unidos.
La exposición
Se divide en 6 secciones: Infancia, Retratos, Formalismos, Escenas de calle, Autorretratos y Fotografías a color.
1 Infancia
Vivian Maier/Maloof Collection. Cortesía de la Galería Howard Greenberg de NY
1955. San Francisco
Para Maier el acto de fotografiar era su forma de relacionarse con la gente. Fijaba su mirada sobre el mundo evocando a la poética de las ensoñaciones, propia del mundo infantil.
En esta sección se aprecia el grado de empatía que Maier tenía con los niños. La infancia es una constante de vital importancia en su obra.
Bajo esta temática contemplamos fotografías en las que los niños son los protagonistas; ya sean imágenes de niños posando de forma individual, jugando en grupo o mirando fijamente a la cámara.
Destacan multitud de fotografías de niños acompañados por adultos, lo que hace pensar que a Maier le atraía estudiar fotográficamente el vínculo que existía entre ambos.
Los niños a los que cuidaba la acompañaban en sus merodeos, en los largos paseos a través de los cuales descubría miles de lugares, personas, historias y secretos. Sus niños también se convertían en sus modelos, en pretextos para llevar a cabo escenificaciones, retratos, historias, juegos…
2 Retratos
Este apartado concentra, mayoritariamente, gran variedad de fotografías de mujeres, ancianos e indigentes. Estas imágenes son un testimonio de su curiosidad por la vida cotidiana y rasgos de las personas que llamaban su atención. Mientras que algunas fotografías son, evidentemente, instantáneas tomadas a escondidas, otras son fruto de un encuentro real entre Maier como fotógrafa y sus modelos, que son fotografiados de frente y a poca distancia.
1959. Kochi, India.VM1959W04098-13-MC
Es en los retratos donde Maier se acerca al otro. Resulta oportuno hacer una distinción entre los retratos de personas que pertenecían a las clases más bajas -con las cuales se podría identificar ella misma- y los retratos de personas con una vida aparentemente acomodada.
1959. 27 de junio. Asia. VM1959W02455-11-MC
1957. Florida. VM1957W02584-04-MC
Al observar los retratos de estas personas, que habitaban en los márgenes del mundo -con las que Maier se sentía en parte identificada- da la sensación de que se abandonan a la imagen, a la fotografía. No sonríen, no pretenden conseguir nada con su imagen más allá de, simplemente, describir quiénes son. La sencillez, el desconcierto, la austeridad y la cercanía están muy presentes en este género. Cabe destacar algo insólito en esta serie de retratos; en algunos de ellos Maier imprime su rostro sobre los de las personas que está fotografiando. Esta peculiaridad hace que sus retratos representen también a su propia persona y, en definitiva, puedan considerarse, además de retratos, como autorretratos. Si bien en la serie de retratos populares refuerza a sus protagonistas tomando estas instantáneas respetando una cierta distancia, en el caso de los retratos de individuos de clases altas, Maier les empuja literalmente, o se choca apropósito con ellos, provocando en ellos un gesto algo negativo, reacción que aprovecha y capta con cierta ironía.
Una parte importante de sus retratos los protagonizan vagabundos, personas abandonadas a su suerte por las cuales sentía compasión.
Peca en ocasiones de entrometida y “asalta”, de forma un tanto descortés, la esfera privada de estas personas. Si el trabajo de Garry Winogrand lo asociamos rápidamente con el concepto de agresividad y el de Robert Frank con la crítica social, en el ámbito de los retratos, el trabajo de Vivian Maier lo podríamos asociar con la osadía.
3 Formalismos
Incluye una selección de imágenes cuya importancia radica en los rasgos formales de los elementos que aparecen en las fotografías. Define a la perfección la obsesión de Maier no tanto por la imagen en sí como por el acto de fotografiar. Tomaba imágenes de personas, de la calle, de objetos, de paisajes… En ocasiones, parece que concebía lo que fotografiaba solamente desde un punto de vista formal, sin preocuparse por el discurso o el contenido de las fotografías.
Dos de los aspectos por los que mejor se reconoce el trabajo de Maier son el encuadre y el equilibrio en sus fotografías; la mayoría de ellas tomadas de frente, con cierto pragmatismo.
El equilibrio reside en las tensiones que generan los grandes ejes del encuadre, en la disposición de las líneas, formas y volúmenes, elementos a los que las escenas urbanas suelen prestarse. Concede tambien una gran importancia a lo que queda “al lado” de la anécdota, a estructuras geométricas, a los ritmos gráficos de las arquitecturas, a sus texturas.
La mayoría de ellas son imágenes de elementos próximos a la anécdota, ya sean estructuras, formas o geometrías, las cuales componen una especie de minimalismo visual. Apreciamos fotografías con una descripción muy sintética, con grandes ejes que delimitan el espacio. Multitud de líneas, formas y volúmenes que anuncian la desaparición de la figura.
Estas imágenes son el preámbulo de su trabajo en color que comenzó en los años sesenta.
Sin fecha. VM19XXW00508-12-MC
1953. Nueva York, NY. VM1953W00060-07-MC
1954. Nueva York, NY.VM1954W00009-07-MC
1956. Chicago
4 Escenas de Calle
1954. 8 de octubre. Nueva York, NY VM1954W02938-01-MC
Otro interesantísimo apartado, y el más extenso de la exposición, es el denominado Escenas de calle, que incluye algunas de sus fotografías memorables de la arquitectura y la vida urbana de Nueva York y Chicago, sobre todo de los años 50 y 60, especialmente de sus barrios más populares.
Aunque no tuviera un terreno acotado de actuación tomó numerosas imágenes den las calles de NY y Chicago, especialmente en sus barrios más populares.
1954. NY.
La calle era su teatro y sus imágenes un pretexto.
Con sus instantáneas extraía la belleza de lo ordinario buscando en lo cotidiano aquellos resquicios casi invisibles a través de los cuales accedía a “su mundo”. Desconocidos, gente anónima, formaban parte de ese mundo. Maier se alineaba en el espacio con aquellas personas; buscaba su sitio idóneo y su ángulo óptimo. Lo que medía con su cámara no era la luz, era su distancia con el otro. “Distancia” es la palabra clave en su trabajo.
1950. NY.
1962. Chicago.
Es importante resaltarlo porque constituye la base de su modus operandi. La relación de Maier con las personas que aparecen en sus fotografías se forjaba, inevitablemente, mediante el objetivo de su cámara. En la mayoría de las imágenes que forman parte de esta sección su atención se centra en el “otro”. Éste se convierte por un instante en el actor principal –o secundario, según el caso- de micro sucesos. En sus escenas callejeras no entraba en el escenario que fotografiaba; se quedaba en su umbral, en el límite. Ni demasiado cerca para interferir, ni demasiado lejos para ser invisible. Simplemente fotografiaba lo que veía; no intentaba captar nada excepcional, solo las pequeñas cosas, las verdaderamente importantes en la definición de cada persona o situación: un detalle, un gesto, una actitud, una inflexión en la realidad transformada en anécdota.
1956. Setiembre. Mujer Armenia discutiendo en el East 86th Street
.
5 Autorretratos
Sin fecha. Autorretrato.
Es quizás una de las facetas más reconocibles de su trabajo.
Los autorretratos marcaron su trayectoria fotográfica. Realizó infinidad de ellos, tantos como posibilidades de descubrir quién era ella misma; algo que se proponía con cierta insistencia y aparente obsesión. Es por ello por lo que este subgénero tiene una sección propia dentro de la exposición (Autorretratos) en la que observamos su sorprendente habilidad para aprovechar reflejos y elementos que encontraba en su día a día para realizar fantásticas composiciones en las que incorporaba su figura.
A menudo, en sus autorretratos Maier rehuía de la simple confrontación visual en favor de una mirada perdida, confusa, interrumpida por un reflejo que distorsionaba su imagen.
En otras ocasiones, observamos cómo el perfil de su sombra se extiende en el suelo como un charco de agua y, en otras, su rostro rebota sobre algo y se escapa, se desvía del camino, del encuadre de la imagen. Aquí encontramos una contradicción -o lucha personal- entre el concepto de escapar y encontrarse a sí misma, como hemos mencionado anteriormente. En cualquier caso, y al parecer, lo que buscaba era hallar su lugar en el mundo, como ella misma expresa en uno de los sonidos que grabó.
6 fotografías a color
1977. Noviembre. Chicago.
1959. Chicago
Por último, el apartado Fotografías a color incluye las fotografías más recientes de la artista. A partir de 1965, Maier comienza a abordar la fotografía en color. Este paso al color viene acompañado de un cambio técnico, ya que empieza a trabajar con una Leica, mucho más ligera y con el visor situado a la altura de la mirada, diferencias muy importantes respecto a la Rolleiflex que había usado hasta entonces. Este cambio refuerza su contacto visual con las personas que fotografía. En esta sección es el espectro cromático el que capta la atención de Maier. La experimentación cromática es la protagonista indiscutible en esta sección. Explora las características del lenguaje cromático con cierta ligereza, elaborando su propio léxico. Subraya los detalles chillones, fija su mirada en las disonancias abigarradas de la moda y juega con los contrastes. El resultado son imágenes singulares, libres e incluso lúdicas. En ellas se aprecia cómo se divierte con la realidad a través de su cámara.
Además de la variadísima selección de fotografías, repartidas entre las seis secciones de la exposición, se incluye 9 películas en Súper8, realizadas entre 1965 y 1973.
A través de este material se puede constatar cómo establece una relación muy lúdica y desenvuelta con el medio ignorando cualquier tecnicismo. En esas películas, vemos cómo se aleja, se acerca, rodea algo que su intuición y su percepción le llevaban a ver, hasta detenerse, encuadrar, y entonces era cuando tomaba la decisión de captar esa imagen concreta. Su cámara grababa el movimiento de sus ojos, más que el propio contenido que enfocaba.
La capacidad de Maier para capturar el encuadre correcto en el momento exacto, con elementos de iluminación, movimiento y esencia alineados, se revela en el hecho notable de que rara vez tomó más de una imagen del mismo momento en el tiempo.
“¿Por qué nunca le mostraste a nadie tu trabajo? ¿Estás de acuerdo con lo que estoy haciendo?”.John Maloof, descubridor del material de Vivian Maier. Entrevista para Lomography Magazine, 2011.
Comisaria: Anne Morin, directora de di/Chroma photography
9 de junio al 14 de agosto de 2016.
La Fundación Canal presentó “Vivian Maier, Street Photographer”, la primera gran exposición de quien, tras su muerte, se convirtió́ en referente mundial de la fotografía.
“Supo captar su tiempo en una fracción de segundo. Transmitió la belleza de las cosas corrientes, buscando lo cotidiano, en lo banal, las fisuras imperceptibles y las inflexiones furtivas de la realidad”.
Vivian Maier, uno de los personajes más sorprendentes y mediáticos de la fotografía contemporánea, alternó su profesión de niñera con su oculta y gran pasión: realizó más de cien mil fotografías que nunca mostró.
Tras su muerte en la indigencia y en el anonimato artístico, su archivo fue encontrado por accidente, y desde que su obra vio la luz en 2010 se ha convertido, en uno de los mayores referentes mundiales de la “fotografía de calle” y en un fenómeno mediático.
Esta exposición por primera vez en Madrid hace un recorrido global por la obra de Vivian Maier, abordando de forma temática sus principales intereses y mostrando la calidad de su mirada y la sutileza con la que hizo suyo el lenguaje visual de su época.
Desde una mirada interesada en lo urbano y en la conformación de la vida en las ciudades, es decir desde una perspectiva arquitectónica, las fotografías de Vivian nos recuerdan el alma que habita donde habitamos.
No son solo calles, no son solo autos, no son solo espacios, sino que es todo junto y al mismo tiempo, la sucesión de imágenes refleja nuestra vida.
En la película Smoke, de 1995, de Paul Auster y dirigida por Wayne Wang, el protagonista Auggie Wren (Harvey Keitel) saca fotos desde el umbral de la entrada de su negocio, de venta de artículos para fumar, siempre en la misma dirección, cada día que puede.
Su amigo, el novelista Paul Benjamín (William Hurt) lo visita y cuando ve el álbum fotográfico, le dice
-son todas iguales, mientras da vuelta las páginas, para que lo haces le pregunta
Hasta que de repente en una de ellas, en lugar de ver paseantes, gente que cruzaba en una u otra dirección ve a su mujer.
En realidad, a la mujer que era su mujer, porque había fallecido, se queda mirándola, no recuerdo que dice, pero puedo recordar que en ese momento entendió el protagonista, entendí yo, que, siendo las mismas fotos, no son las mismas.
El tiempo, las personas, los recuerdos nosotros mismos, no somos los mismos.
El crítico Carlos Boyero (1953), escribió de la película” …la veo con frecuencia…ayuda a sobrevivir…”
La imagen del rio que parece el mismo, donde el agua corre permanentemente, nos recuerda fácticamente que ese rio, nunca es el mismo río, aunque lo parezca.
Por eso me intereso tanto la exposición de Vivian Maier, sus fotografías ayudan tambien a sobrevivir.
Contenido de la exposición.
1957. 9 de enero. Florida VM1957W03436-09-MC
La muestra incluye un total de 120 fotografías, además de una selección de contactos, realizadas entre 1950 y 1981, de las cuales 100 imágenes en blanco y negro cubren el periodo de 1950 a 1970 y otras 20 a color el de 1965 a 1981.
Además de 9 películas en Súper 8 realizadas entre 1965 y 1973. Este material nos traslada magistralmente a un interesante “paseo” por las calles de Nueva York y Chicago de la segunda mitad del siglo XX. Descubrimos una historia en cada rincón y una vida detrás de cada uno de los gestos de los protagonistas de esta exposición: hombres, mujeres y niños; ancianos, vagabundos y personas con una vida acomodada, trabajadores o simplemente personas que viajan en un tren. Pero todas ellas tienen algo en común, algo que en un momento determinado llamó la atención de Vivian para que formaran parte de su mundo.
Su vida puede evocar fácilmente la famosa cita de Churchill“Un acertijo, envuelto en un misterio, dentro de un enigma”.
Vivian Maier (1 de febrero de 1926 – 21 de abril de 2009) nació en la ciudad de Nueva York en el barrio del Bronx.
Pasó la mayor parte de su juventud en Francia, su madre era francesa, nacida en los Altos Alpes del Valle del Champsaur, cerca de la localidad de Gap, su padre era austrohúngaro.
A principios del siglo XX, las familias Maier y Jaussaud abandonaron sus respectivas patrias en busca de una vida mejor en los Estados Unidos. Se habían conocido en Nueva York donde se casaron en 1919. En 1920 nació su primer hijo, Charles, y 6 años después llegaría al mundo Vivian. El “sueño americano” no se cumplió para la familia Maier, tuvieron que resignarse a una situación bastante más difícil que la que habían dejado atrás. A Vivian le tocó vivir en una familia desgastada por las dificultades económicas.
1953. Septiembre. NY
En 1930, cuando tenía tan solo 4 años, su padre les abandonó, la tutela de su hermano Charles pasó a sus abuelos paternos que vivían en el Bronx. Maria Jaussaud y su hija Vivian se instalaron en este mismo barrio, en la casa de una amiga de la madre Jeanne Bertrand, también procedente de Champsaur, quien ejercía desde 1912 como escultora y fotógrafa en Nueva York, era una retratista de renombre, en 1902 había sido proclamada por el Boston Globe como una de las mejores fotógrafas de Connecticut.
Jeanne Bertrand marcó, y mucho, la vida de Vivian Maier, aunque no hay muchos datos que permitan valorar qué tipo de influencia pudo ejercer sobre ella. Los años 30 y 40 son bastante borrosos en la vida de Vivian. Se sabe que regresó y se instaló junto a su madre en el Valle de Champsaur, y en 1939 con 13 años realiza con su madre una de sus visitas esporádicas a Nueva York por los litigios con la justicia por temas vinculados a su hermano Charles.
En 1951 regresa definitivamente, pero sola, sin su madre.
Viajó en el barco de vapor “De Grass”, y mientras vivió en Nueva York trabajo de niñera para una familia de Southampton.
Brownie Kodak de Vivian Maier
Fue en 1949 que estando en Francia, comenzó a sacar sus primeras fotografías con una modesta e inexacta cámara de caja marca Kodak Brownie de su madre, una pequeña cámara de aficionados con una sola velocidad de obturación, sin control de enfoque y sin dial de apertura.
Su pantalla era diminuta y sus resultados muy pobres.
En 1952, compra una cámara Rolleiflex.
Cuando se muda definitivamente a los suburbios de North Shore de Chicago otra familia la emplearía como niñera para sus tres hijos.
Mantuvo contacto con ellos durante el resto de su vida.
En 1956 ya instalada en Chicago, pudo tener un baño privado y un cuarto oscuro donde procesar sus impresiones y revelar sus propios negativos en blanco y negro.
El baño de Vivian Maier hacía las veces de cuarto oscuro, algunas de sus cámaras. er hacía las veces de cuarto oscuro. Derecha: algunas de sus cámaras
A comienzos de los 70, cuando los niños ya eran mayores, debió dejar el empleo, y se muda de familia en familia, sus negativos comenzaron a acumularse.
Tomó fotos constantemente a lo largo de cinco décadas, dejando más de 100.000 negativos, la mayoría de ellos sobre Chicago y Nueva York.
Documentó el mundo que la rodeaba a través de películas caseras, grabaciones y colecciones, armando una de las ventanas más fascinantes a la vida urbana estadounidense de la segunda mitad del siglo XX.
En su tiempo libre, tomaba fotos que celosamente escondía de los ojos de los demás. Tomando instantáneas a finales de la década de 1990, dejaría un cuerpo de trabajo inmenso. Su pasión por documentar se extendió a una serie de documentales caseros y grabaciones de audio.
Fragmentos interesantes de Estados Unidos, la demolición de monumentos históricos para dejar lugar a los nuevos desarrollos, las vidas invisibles de varios grupos de personas e indigentes, así como algunos de los sitios más preciados de Chicago, fueron meticulosamente catalogados por Vivian.
Fue un espíritu libre, y un alma orgullosa, que cuando se queda sin recursos fue salvada por tres de los niños que había cuidado anteriormente en su vida. Ellos recordaban con cariño a Maier como una segunda madre, y se unieron para pagar su apartamento y se hicieron cargo de ella.
Sin que ellos ni nadie lo supieran, uno de los almacenes donde Vivan guardaba sus fotografías fue subastado para cancelar sus pagos atrasados.
Había armarios llenos de aquellos negativos que guardó en secreto a lo largo de su vida, además de objetos que encontraba, como libros de arte, recortes de periódicos, películas caseras, o chucherías.
El enorme cuerpo de trabajo de Maier saldría a la luz cuando en 2007 su trabajo fue descubierto en una casa de subastas local de segunda mano en el lado noroeste de Chicago. A partir de ahí, eventualmente impactaría en todo el mundo y cambiaría la vida del hombre que defendió su trabajo y lo llevó al ojo público, John Maloof.
Actualmente, la obra de Vivian Maier está siendo archivada.
John Maloof está en el centro de este proyecto después de reconstruir la mayor parte del archivo, que había sido previamente dispersado entre los diversos compradores que asistieron a esa subasta. Ahora, con aproximadamente el 90% de su archivo reconstruido, el trabajo de Vivian es parte de un renacimiento en el interés por el arte de la fotografía callejera.
«Bueno, supongo que nada está destinado a durar para siempre. Tenemos que dar cabida a otras personas. Es una rueda. Te subes, tienes que ir hasta el final. Y luego alguien tiene la misma oportunidad de llegar hasta el final y así sucesivamente».Vivian Maier
Fotografías en color
El cambio al color sucede a partir de 1965 y viene acompañado de un cambio práctico, ya que comienza a trabajar con una Leica, con un visor directamente a la altura de la mirada (a diferencia de la Rolleiflex utilizada hasta entonces).
De esta manera, enfrenta directamente el contacto visual con los demás y fotografía el mundo en su realidad coloreada.
Su escritura del color es única y libre.
Explora las especificidades del lenguaje a color de manera propia, divirtiéndose con la realidad: resalta los detalles llamativos, señala las disonancias abigarradas de la moda y juega con contrapuntos tornasolados.
Informaciones que John Maloof ha vertido en el blog “Vivian Maier”
En la foto se ve a John Maloof (1981) y a Tim Roth (1961), quienes asisten a la apertura de la Exposición «VIVIAN MAIER: COLOR VIVO» el 1 de diciembre de 2018 en Los Ángeles. (Foto de Harmony Gerber/Getty Images)
En 1952 compró su primera cámara Rolleiflex.
A lo largo de su carrera utilizó Rolleiflex 3.5T, Rolleiflex 3.5F, Rolleiflex 2.8C, Rolleiflex Automat y otros.
Posteriormente también utilizó una Leica IIIc, una Ihagee Exakta, una Zeiss Contarex y varias otras cámaras SLR.
Principalmente utilizaba películas Kodak Tri-X y Ektachrome.
De los 100.000 negativos y diapositivas encontrados, su totalidad ha sido digitalizado en hojas de contactos digitales.
Se ha escaneado una selección de fotografías en alta resolución, dicha tarea que continua.
Hay alrededor de 700 rollos de película en color Ektachrome de 35 mm que aún no se han procesado, estan protegidas en un frigorífico hasta que se revelen.
Maloof comenzó a escanear negativos en una Epson V700, y luego con una Imacon 949.
Las hojas de contacto digitales se obtuvieron colocando negativos y diapositivas sobre una mesa de luz que se fotografió con un escáner Better Light Super 8K-HS.
Colección Maloof
John Maloof es el propietario y curador jefe de la Colección Maloof.
La Galería Howard Greenberg se encarga de todas las ventas de impresiones de la Colección. Steve Rifkin de Hank’s Photographic Services realiza todas las impresiones en gelatina de plata y Carl Saytor de Luxlab imprime todos los trabajos en color.
«John Maloof se ha topado con una artista desconocida cuya fotografía se compara con los gigantes, una mujer solitaria que, muerta, está atrayendo el tipo de atención y aclamación que había evitado en vida». Correo Huffington
«El trabajo de Maier y su biografía son recordatorios marcadamente conmovedores de cuán poderosamente todos experimentamos nuestras vidas, en gran medida de forma aislada». – Vanity
«Ahora se la considera una maestra perdida de la forma, la propia Helen Levitt de la Ciudad del Viento». New York Times
Un lúcido texto articulado sobre uno de los ejes vertebradores de la historia de Estados Unidos, la idea del Sueño Americano recorre la historia política, social y cultural de la nación americana desde la génesis del concepto, durante la crisis de 1929, hasta la actualidad.
Desde sus orígenes, esta idea se construye para defender una forma de entender la política, la economía, la sociedad y la cultura estadounidense, frente a una de las presidencias más innovadoras de la historia de Estados Unidos, la de F. D. Roosevelt. Sus soluciones para afrontar la crisis del 29 incrementaron las competencias políticas, económicas y sociales del Estado americano. Muchos estadounidenses se alzaron contra estas medidas y, enarbolando la idea de un sueño americano que hundía sus raíces en la época fundacional, reinventaron la historia de Estados Unidos, ensalzando los valores de la frontera, de la audacia y del individualismo que, según ellos, habían sostenido a Estados Unidos
Exposición en el CCCB
“Suburbia. La construcción del sueño americano”
Centre de Cultura Contemporània de Barcelona Montalegre, 5 – 08001 Barcelona. Tel. (+34) 933 064 100
La exposición incorpora materiales históricos, fotografías, ilustraciones e instalaciones artísticas de creadores tan destacados como Joel Meyerowitz, Norman Rockwell, Nina Leen, Bill Owens, Todd Hido, Angela Strassheim, Ed Templeton, Gabriele Galimberti, Jessica Chou, Weronicka Gesicka, Gregory Crewdson o Elías León Siminiani.
Otros libros de Carmen de la Guardia Herrero
Moving Women and the United States Crossing the Atlantic
Carmen de la Guardia Herrero
Elena Postigo Castellanos
Universidad Alcalá de Henares (UAH), Madrid, 2016
Las maestras republicanas en el exilio
Carmen de la Guardia Herrero
Los Libros de la Catarata. Madrid, 2020
Historia de Estados Unidos (Serie Historia) Tapa blanda – 12 mayo 2012
Mi padre, nuestro padre, de Guille y mío era especial.
Especial, por cosas que no vienen al caso.
Cuando fue necesario, vital diría yo, comenzamos a vender suscripciones en los pabellones de la facultad de arquitectura, sería el año 1968.
Salimos disparados de nuestro piso de Gelly y Obes y Copérnico, al bario que ahora lo llaman “La Isla”, a Luis le gustaba decir que al garaje se entraba por la calle Luis Agote.
En uno de sus viajes a NY, trajo 2 discos estereofónicos, «Los Plateros» y la «5ta, sinfonía del nuevo mundo de Antonín Dvořák», en aquel entonces era la 5ta, luego paso a ser la 9na.
Luis llevaba a sus atónitos invitados de un parlante a otro (los separaban 9 metros en el amplio living), y les decía, aquí se escucha una parte de la orquesta, los bajos, y aquí, caminando los 9 metros, la otra, los agudos y asi, incansables veces.
Cuando yo lleve el disco de los Bad Boys «Papaumama», y lo escuchaba a todo volumen, Luis, cabreado me decía, como podía escuchar esa porquería, yo lo había buscado en el Club del Disco, en el primer piso de la Avda Santa Fé, un ritual de los sábados al mediodía, donde en unas cabinas podias escuchar si ese era el disco que querías llevar, con ese Papaumama estaba y sigo fascinado.
Luis había construido el edificio, estaba (estábamos) orgullosos, antes yo decía que de alli salimos disparados a un departamento en la calle Pasteur y Cangallo.
Cuando le cambiaron el nombre a Cangallo por General Domingo Perón, Luis decía que vivía en Pasteur y General Domingo Cangallo.
Ese humor tenía Luis.
Un día apareció con una caja de cientos de llaveritos con un elefante cada uno.
El sistema para vender suscripciones era acercarse a una mesa y poner sobre ella 5 o 6 revistas, Summa, Nuestra Arquitectura, Hogar y Arquitectura, GA, Domus. Architecture d’Au Jourd hui…
Los estudiantes las miraban y se suscribían.
A veces hacia 10 suscripciones en un día, a veces 80.
Tanta venta era un misterio, pero no estaba solo. Llevaba los elefantitos.
Le preguntaba a los y las estudiantes
-que hacen?
-preparamos la entrega.
Entonces Luis le daba un elefantito, el elefantito de la suerte.
Cuando veía alguna embarazada, le aseguraba que le daría suerte al recibir a su bebe.
Luis estaba convencido y convencía.
Quizás alguien lea esto y haya recibido algún elefantito, y se sonría.
Hace pocas semanas en un metro de Barcelona, un marroquí ofrecía llaveros, había varios, yo solo veía el elefantito.
2008/2010. Mirador las Cruces en la ruta del Peregrino. Jalisco. Mexico
La Ruta del Peregrino tiene más de dos siglos de antigüedad, uniendo algunos municipios de Jalisco.
Nace en Ameca se recorren 117 km hasta llegar a Talpa de Allende para arribar a la basílica de Nuestra Señora del Rosario.
Tres millones de personas recorren este camino, ante la falta de infraestructura de apoyo en el 2008 se puso en marcha un proyecto para proporcionar servicios básicos, como alojamientos, observatorios y santuarios a los peregrinos. El estudio del Arquitecto Dellekamp encargó 15 intervenciones s diferentes estudios.
Es un punto de observación en forma de prisma de Hº Aº, apoyada, descansando sobre la ladera, brinda sombra, ventilación cruzada y una panorámica del valle en el punto más alto del camino.
Proyectada de manera que pueda envejecer como un elemento natural sin mantenimiento, evitando altos costes para acceder a ella a repararla. AV 185. Fotos Iwan Baan.
2008/2012. Parque Bicentenario de la Infancia. Santigo
Se ubica en la ladera baja del cerro de San Cristóbal, al norte de Santiago, ocupa una superficie de 4 hectáreas, de las que 1.800 metros cuadrados se destinan a zonas de juegos infantiles.
Con una parte del solar en pendiente y otra más llana en su aproximación hacia el tejido urbano, la propuesta usa la inclinación del terreno para resolver el dilema entre diversión y seguridad para los niños.
Entre terrazas planas y taludes suaves discurren 60 toboganes.
El cierre perimetral se diseña como un tubo hueco y amplio en el que los niños se pueden introducir para hacer un recorrido con cambios de cota y 310 metros lineales. El parque ofrece una zona para refrescarse con juegos de agua entre un bosque de esferas, sombra en un jardín arbolado con una colección de casas de madera en las copas de los árboles. (Arquitectura Viva. Fotógrafo Cristóbal Palma). (3)
2009/2013. Viviendas Villa Verde. Constitución
Superficie 5688 m².
El 27 de febrero de 2010 tuvo lugar un movimiento sísmico de 8,8 grados en la escala sismológica de Richter, cuyo epicentro se ubicó en el mar chileno, frente a la costa de la Región de Biobío.
Un fuerte tsunami impactó las costas chilenas como producto del terremoto, destruyendo varias localidades ya devastadas por el sismo.
La ciudad de Constitución fue, entre otras, una de las más afectadas a causa del terremoto y posterior maremoto.
En esta ciudad de 46.000 habitantes las víctimas fatales llegaron a un total de 525 fallecidos.
En total y a lo largo de Chile, se estima que hubo un total de 2 millones de damnificados y unas 500.000 viviendas sufrieron graves daños. Este desastre se proclamó como la peor tragedia natural vivida en Chile desde el terremoto de 1960. (4)
Se puso especial atención al arraigo de la comunidad a través de la participación de los ciudadanos en el proyecto.
“Ideamos una tipología que volvió a aplicar el principio de incrementalidad”.
La empresa forestal Arauco, decidió fomentar el acceso a sus trabajadores de viviendas definitivas en el marco de la política habitacional de Chile, que consiste en un Fondo Solidario de Vivienda I (hasta 600 UF sin deuda, unos 25.000 dólares) y el FSV II (hasta 1000 UF con crédito hipotecario, unos 40.000 dólares). Los recursos disponibles eran superiores a los aplicados para viviendas sociales que ya habiamos realizado, lo que permitiría proyectos más ambiciosos.
Aclara el estudio “El proyecto propone casas en hilera con dos alturas, donde el usuario recibe la mitad del volumen edificable con unos acabados interiores sencillos, pero de calidad. La superficie inicial de cada unidad es de 57 m², pudiendo alcanzar los 85 m² tras la construcción de las extensiones. El aporte fundamental consiste en que se entrega la estructura casi completa para el estado final de las casas (muros medianeros compartidos, cubierta a dos aguas, solera inferior y vigas para el forjado del primer piso), dejando a los habitantes la realización de tan solo un forjado y dos paños verticales exteriores. Además, siguiendo las experiencias positivas de otros proyectos participativos, se convocaron talleres formativos y de consulta sobre la realización de las ampliaciones”.
El Plan estima una demanda de 9.000 unidades a ser implementadas en alrededor de treinta localidades.
“Por tanto, frente a desastres naturales, soluciones naturales. Si se es riguroso con el sentido común se resuelve la pregunta”.Alejandro Aravena en La Ciudad de las Ideas, Puebla, México, 2017.
2010. La nueva sede de la farmacéutica Novartis en Shanghái
Aravena ha obtenido experiencia de su proyecto para una villa en Ordos, una nueva ciudad en Mongolia Interior, China, fue en el 2008 cuando se le encargó un proyecto que formaría parte de Ordos 100, un ambicioso proyecto arquitectónico de Ai Weiwei y Herzog & de Meuron.
Una casa que se convertiría en una residencia de alto nivel, en una ciudad en desarrollo, (la región tiene enormes depósitos de carbón). Muchas de las villas no se construyeron, la experiencia para el equipo de Aravena fue que “cuando se trabaja en un proyecto lejano en el extranjero, a menudo hay una gran brecha entre el lugar de construcción y la mesa de dibujo”.
En su libro ELEMENTAL, comenta “La lección que aprendimos de Ordos fue que no se iba a seguir ningún tipo de plan, ningún tipo de instrucción organizada en forma de dibujos o especificaciones técnicas”.
En el 2010, le encargan la compañía farmacéutica suiza Novartis en Shanghai.
“Decidimos elegir ladrillos recuperados e interpretaciones poco precisas, en lugar de construir algo perfecto optamos por construir algo poderoso”.
Sus planos formaron parte de su estrategia «más o menos».
En lugar de trabajar con planos, presupuestos y plazos estudiados y acordados, la experiencia de Chile nos había entrenado bien para improvisar y reaccionar ante circunstancias fluidas y contextos llenos de incertidumbres”.
A diferencia de Mies van der Rohe, “Aravena no cree que Dios esté en los detalles, sino en la falta de ellos”.
2010/2015. Casa de la Cultura en Constitución
Tiene 829 m2, está sobre la calle Cruz, frente a la plaza de Armas.
Forma parte de los proyectos del Plan de Reconstrucción luego del tsunami de febrero del 2010 (PRES), se ha convertido en un impulsor para el desarrollo de las artes y la cultura.
En su primer año se desarrollaron 120 eventos con una participación de mas de 20 mil participantes, que no ha dejado de crecer desde entonces.
Tiene un pórtico de doble altura formado por una sucesión de grandes costillas de madera.
El interior se fragmenta en varios recintos independientes y flexibles, para eventos y exposiciones.
2011/2014. Centro de Innovación Anacleto Angelini, de la PUC, Campus San Joaquín, Santiago.
calle Vicuña Mackenna 4860, Macul, Región Metropolitan.
Área: 8176 m²
El grupo Angelini, un consorcio empresarial, décimo en importancia económica según la revista Forbes, con un patrimonio de 1500 millones de dólares, donó los fondos para edificar un centro de innovación tecnológica.
Este edificio fue pensado como una respuesta estructural al cambio climático en Santiago de Chile, teniendo como base de cálculo la eficiencia energética en un contexto de aridización.
En vista de la irradiación y sus efectos en espacios interiores, tanto del punto de vista de la reflectancia como de la termicidad en corporativos con revestimientos vítreos, se procedió a invertir la apertura tradicional de un edificio, pasando su diseño a privilegiar los espacios interiores como abiertos, y los espacios exteriores como ejes estructurales, consecuentemente produciendo una fachada de concreto desnudo, y un interior dinámico.
De esta manera se señala la reducción del consumo energético teórico de 120 kW/m2 al año en un edificio estándar de oficinas en Santiago, a 45 kW/m2 por año.
El edificio tiene 11 pisos y 3 niveles subterráneos.
En 2015, el edificio fue galardonado como el diseño del año, por el Design Museum de Londres.
La Universidad de Chicago lo ha considerado como uno de los 30 mejores edificios construidos del siglo XXI.
2012. Conjunto de 150 viviendas y un centro Comunitario de la colonia Lo Barnechea, al norte de Santiago
Cada vivienda tiene 67 metros cuadrados, dos plantas más mansarda, salón comedor, tres dormitorios, cocina y baño, además de la posibilidad de ser ampliadas hacia el interior, según los principios de Elemental.
El proyecto comprende una serie de miradores costeros conectados que van desde la desembocadura del río Maule hasta el Puerto de Maguellines, con el fin de potenciar y poner en valor el patrimonio natural.
Esta costa está caracterizada por enormes conjuntos rocosos con alto valor paisajístico pero que suponen, también, enormes obstáculos para recorrer la zona. El circuito proporciona un zócalo accesible de cinco tramos, asociados a una ciclovía de 4,5 kilómetros, que busca reactivar el turismo local.
Los miradores son elementos de geometría básica que enmarcan las vistas, formados por tres caras de madera y una barandilla de seguridad en el frente que se abre hacia el paisaje.
2014/2018. Casa Ochoquebradas, Etapa 4, Los Vilos
Foto de Cristóbal Palma
El proyecto del Pabellón “Ocho Quebradas” en los Vilos (Chile) nace de un encargo por parte de la Universidad Finis Terrae dentro del marco de la promoción residencial 8³, donde se realizarán 8 etapas de construcción de ocho casas cada una. El territorio queda delimitado por la costa del océano Pacífico, a la altura del km. 220 de la Ruta 5 Norte; una topografía desértica rocosa y arenosa, y una antigua vía del tren desdibujada por el tiempo y el desuso.
El proyecto (tambien llamado ochoalcubo), está liderado por el emprendedor y apasionado por la arquitectura, Eduardo Godoy, ha comenzado una nueva fase de las 8 etapas que involucran a 8 arquitectos diferentes.
La primera etapa de este verdadero laboratorio de arquitectura tiene lugar en Marbella y se compone de obras de Christian de Groote, Mathias Klotz, Cristián Valdés, José Cruz, Teodoro Fernández, Cecilia Puga, Smiljan Radic, Cristián Undurraga, Felipe Assadi, y Sebastián Irarrázaval.
El promotor ha invitado a ocho arquitectos japoneses Ryue Nishizawa, Kazuyo Sejima, Kengo Kuma, Sou Fujimoto, Unya Ishigami y Atelier Bow-Wow (Yoshiharu Tsukamoto y Momoyo Kaijima) a proyectar una casa de vacaciones en Los Vilos, un agreste entorno natural situado a 250 kilómetros al norte de Santiago de Chile.
Toyo Ito fue la primera figura internacional en ingresar a este proyecto con la construcción de la Casa White O en el 2009 dando inicio a la segunda etapa.
El proyecto de Aravena tiene 250 m2, se distribuyen cuatro habitaciones, una zona de estar-comedor, cocina, aseos y una bodega. El proyecto “da pie a cierto primitivismo, que se expresa en su forma, semejante a la de un dolmen o tótem levantado en el paisaje”. Tiene la lírica de un exquisito dibujo de Piranesi azotado por las olas.
“Como rocas varadas en la playa, tres cuerpos de hormigón armado organizan el programa, estableciendo un diálogo con el paisaje abrupto frente a un violento Océano Pacífico”.
2015. La Cabaña del Escritor. Montricher. Suiza
La Fundación Jan Michalski, denominada también la Maison de l´Ecriture, se encuentra en Montricher, en la localidad de Bois Désert, rodeada de naturaleza en estado puro, frente al lago Geneva y los Alpes suizos. Los arquitectos Vincent Mangeat y Pierre Wahlen, diseñaron un complejo que comprende diversos edificios que albergan los distintos usos que requería el programa: una residencia para los escritores, un comedor, una sala de estar, una biblioteca, un auditorio y un espacio de exposiciones; todo ello situado bajo la original cubierta de formas orgánicas que unifica y da personalidad al conjunto.
La Fundación cuenta con un grupo de siete módulos residenciales, de varios tamaños y estilos, denominados «treehouses», debido a que se encuentran colgados de la gran cubierta. Un octavo módulo, denominado «the elemental treehouse”, alberga el espacio de cocina y de descanso comunitario para los escritores.
Cada módulo ha sido diseñado por diferentes estudios de arquitectura.
Elemental de Alejandro Aravena), Schaub Zwicky, Atelier Bonnet, Fuhrimann Hächler, Rintala, Eggertssony Studio MK 27, Mangeat y Wahlen & Decosterd.
El auditorio se concibe como un espacio multidisciplinar donde acoger todo tipo de eventos culturales, con una capacidad para 120 espectadores. Fotografías de Leo Fabrizio.
2015. Edificio de oficinas spara Novartis. Shangai. China
2010/2015. Residencia para la Universidad St. Edwards, Austin, Texas
Ganan el concurso para diseñar una residencia que de alojamiento a 300 estudiantes en el campus que la Universidad tiene en las afueras de Austin en Texas. Debía incluir servicios como comedores.
En el zócalo se dan los usos más públicos y las habitaciones en los niveles superiores.
El edificio esta fragmentado en bloques que aumenta el perímetro de la fachada, las habitaciones tienen asi vistas diferentes, luz natural y un alto grado de intimidad en cuanto a visuales.
nte el duro entorno físico y climático, los bloques se envuelven con una piel dura y rugosa por fuera y se abren con superficies continuas de vidrio hacia el núcleo interior resguardado. textos de AV 185 y fotos de Cristóbal Palma.
2024. Sede del BPI en Basilea. The Bank for International Settlements (BIS)
Elemental con el estudio Nissen Wentzlaff de Suiza.
Ha obtenido el 1er premio Concurso Internacional.
El jurado compuesto por Sacha Menz, Beat Aeberhard, Louisa Hutton, Débora Mesa Molina, Vittorio Magnago Lampugnani, Christophe Girot, Thomas Jordan, Luiz Awazu Pereira da Silva, Monica Ellis, Bertrand Legros y Véronique Neiss, seleccionó este diseño ganador sobre los 10 trabajos presentados.
Intervinieron Bjarke Ingels, David Chipperfield, Dominique Perrault, Foster + Partners, Herzog & de Meuron, Tatiana Bilbao, Mecanoo, Kengo Kuma junto a asociados locales.
Dijo el jurado que «la propuesta ganadora, ofrece una nueva torre en el sitio que busca conectarse y complementarse a la torre existente diseñada por el arquitecto suizo Martin Burckhardt (1921 – 2007),una icónica torre circular de los años 70″.
El jurado no solo apreció este gesto, sino que también destacó «su amplio uso de la madera y su fachada tipo “bosque”.
ELEMENTAL al explicar su proyecto dice:
“Identificamos 5 fuerzas diferentes en las que se basa nuestro proyecto.
Los contextos urbanos (plural).Un desafío particular de este proyecto es que tiene que responder a dos contextos: la torre existente y las torres circundantes
Tiempo: ganarlo y preservarlo. «Una parte significativa del nuevo proyecto se construye sin interrumpir la función actual del banco, maximizando la continuidad de la operación y en consecuencia ganando un tiempo precioso. Se preservan los viejos árboles existentes, cuidando el tiempo ganado que llevan. Su presencia proporciona valiosas áreas al aire libre con sombra«.
Colaboración. «El cambio de paradigma. el énfasis de nuestro diseño se ha desplazado hacia los espacios colectivos y sociales. El plano de planta convencional de una torre se invirtió: el núcleo central típico se dispersa en un perímetro más poroso, liberando el centro para la transparencia y la visibilidad, mejorando la experiencia de encontrarse con otro»s.
Sostenibilidad, híbridos estructurales y espacios al aire libre.«De acuerdo con el concepto de agrupación de pisos, cada tercer piso está hecho de hormigón, lo que permite el uso extensivo de madera estructural en la torre y, por lo tanto, reduce al mínimo la energía embebida».
Carácter. «Nuestra propuesta es responder a la torre con otra forma pura: un cuadrado. El proyecto trata sobre un diálogo clásico entre el círculo y el cuadrado. después de la pandemia, parece que todos tenemos el deseo de volver a la naturaleza. Por eso propusimos un bosque de columnas. Columnas más gruesas trabajando en compresión hacia el centro, dan lugar a elementos más delgados hacia el borde, dando al edificio una sensación natural en un entorno urbano denso».
Un proyecto muy interesante es la Villa Verde en Constitución, Chile (2013). En la página web de ELEMENTAL podemos leer:
“La empresa forestal Arauco (enfocada a la sostenibilidad en la utilización de la madera) nos encargó desarrollar un plan para apoyar a sus trabajadores y contratistas a tener acceso a su vivienda definitiva dentro del marco de la política habitacional vigente en Chile. Esto nos permitió por primera vez incursionar en el tramo superior de la política habitacional. Con mayor disponibilidad de recursos, en vez de tomar una de nuestras viviendas más económicas y entregarla más terminada, volvimos a aplicar el principio de incrementalidad, pero con un escenario de crecimiento inicial y final de mayor estándar: de 57m² (superficie inicial de cada unidad) se pueden incrementar las viviendas hasta 85 m²”.
“… estamos tratando de identificar cuál es el problema, al pedirle a la gente que participe, lo que intentamos es imaginar cuál es la pregunta, no cuál es la respuesta. No hay nada peor que responder bien a preguntas incorrectas…” Alejandro Aravena, 13 de enero de 2016 en el Dezeen Magazine, entrevistado porAnna Winston
Acerca de la Residencia de Estudiantes St. Edwards en la Universidad de Austin el Arq Julio Gómez-Perretta de AyE comenta: “…Aravena es un escultor de arquitectura, un creador de formas que busca en la contundente simplicidad de la geometría la belleza de la forma. Parece reflejar a veces la imagen ciclópea de la arquitectura Inca, tallada en roca pura como en el Centro de Innovación de la UC o bien hecha de frágil cristal, como en las Torres Siamesas de la UC…”
Financial Times
En 2019 el periódico británico Financial Times destacó la casa diseñada por Aravena en Ocho Quebradas (un condominio cercano a Los Vilos) como una de las cuatro mejores casas de Sudamérica. Las otras tres son The Grid House y Quinta da Baroneza, en Sao Paulo, la casa denominada «Patagonia», en Bariloche. La propiedad de 250 metros cuadrados es una vivienda para vacaciones, construida con tres grandes bloques de hormigón que se sostienen mutuamente, tiene una distribución muy bien lograda y ventanales que permiten una vista panorámica al mar. Está tasada en 1,1 millones de dólares.
Publicaciones
Además de varios artículos en revistas especializadas, Aravena es autor de varios libros:
-1999. Aravena, Alejandro. Los hechos de la arquitectura con Fernando Pérez Oyarzún y José Quintanilla.
-2002. El Lugar de la Arquitectura.
-2003. Material de Arquitectura.
Entre las publicaciones sobre su obra se cuentan
-«La monografía Alejandro Aravena, progettare e costruire» publicada por Electa;
-La cuarta edición de «Historia Critica de la Arquitectura Moderna» de Kenneth Frampton.
-«60 Innovators Shaping Our Creative Future» de Thames & Hudson.
así como libros de Phaidon y Taschen.
Sus obras han sido publicadas en Libros y revistas especializadas en más de treinta paises.
Se han presentado exhibiciones sobre su obra en Harvard GSD (2004), la Bienal de San Pablo (2007), la Bienal de Arquitectura de Venecia y la Trienal de Milán (2008), entre otras.
El Colegio de Arquitectos de Chile lo eligió en 2000 como el “Mejor arquitecto menor de 35 años”.
La Fundación Rolex de Suiza lo nominó entre los «25 arquitectos más promisorios del mundo». Los estudiantes de Arquitectura lo eligieron como el “Mejor arquitecto menor de 45 años”.
Algunos de los premios que ha recibido son
-2006. Medalla de Arquitectura Erich Schelling.
-Premio global de arquitectura sustentable.
-2008. León de Plata en la Venice Architecture Biennale.
-2009. Premio Avonni a la Innovación.
-2010. Premio de Diseño Curry Stone.
-Premio Marcus de Arquitectura.
-Título de Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de La Plata.
-2018. Premio Charles Jencks, otorgado por la Royal Institute of British Architect (RIBA).
Premio Pritzker
Jay Arthur Pritzker (Chicago 1922 – 1999) fue un empresario norteamericano que puso en funcionamiento más de 60 compañías multi-industriales. En 1979 se estableció el Premio Pritzker de Arquitectura, que ahora es considerado el más prestigioso honor en el campo.
En 2004, el Pabellón Jay Pritzker, diseñado por el arquitecto Frank Gehry, se completó como parte del Parque del Milenio en el centro de Chicago.
Ha recibido el Premio Pritzker en el 2016, el primer arquitecto chileno en recibirlo, y el cuarto latinoamericano después del mexicano Luis Barragán, y los brasileños Oscar Niemeyer y Paulo Mendes da Rocha.
Ver http://onlybook.es/blog/arquitecto-luis-barragan-casa-ortega-y-barragan-en-df-mexico/
La figura de Alejandro Aravena, sus proyectos, su actitud frente a la arquitectura pasan de todo menos desapercibidos.
Recibe tanto elogios como críticas, a veces más de unos y otros veces más de lo otros.
Tom Pritzker, director ejecutivo y presidente de la Fundación Hyatt que patrocina el premio dijo que “la arquitectura de Aravena da oportunidades económicas a los menos privilegiados, mitiga los efectos de los desastres naturales, reduce el consumo de energía y brinda un espacio público acogedor, es un arquitecto innovador e inspirador…muestra cómo la arquitectura de óptima calidad puede mejorar la vida de las personas”.
De entre sus obras, el jurado destacó especialmente las cinco obras realizadas para la Universidad Católica, su alma mater, entre ellas, las sedes de las facultades de Matemáticas y de Medicina, como asimismo el Centro de Innovación Anacleto Angelini
Se ha comentado críticamente que él mismo formó parte del jurado hasta el año 2015, y que se trata además de la primera vez que se entrega el Pritzker a un director en ejercicio de la Bienal de Arquitectura.
Con sus 48 años es el segundo premiado Pritzker más joven (después de Ryue Nishizawa)
Es interesante leer que Aravena habría sido premiado no por la calidad de su obra construida, sino por su estilo especial de ejercer la arquitectura, convirtiéndolo en un símbolo del compromiso con la arquitectura social (tema tambien controvertido).
Es un cambio de paradigma en los criterios de la decisión de quien merece el Pritzker, de premiar una trayectoria, de obras de toda una vida (una arquitectura como arte) a premiar la relevancia de las propuestas arquitectónicas de un profesional, de una arquitectura activista en los problemas sociales de las grandes urbes.
Notas
Residencia para la Universidad St. Edwards, Austin
3
AV Monografías 185. Elemental. Alejandro Aravena.
4
TFG “La construcción de Alejandro Aravena” Autor Karim Benchiha Notivol. Director Enrique Cano Suñén. Escuela de Ingeniería y Arquitectura 2017/2018. Universidad de Zaragoza.
Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Alejandro Aravena Mori (Santiago de Chile 1967) es arquitecto, académico de la Pontificia Universidad Católica de Chile , profesor visitante de la Universidad de Harvard, y Premio Pritzker 2016.
Estudió en el Colegio Alemán, donde sus padres eran profesores, graduandose en 1992 de arquitecto en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Estudios Urbanos de la Pontificia Universidad Católica de Chile, fundada en 1888, de un enorme prestigio, figura primera dentro de las Universidades chilenas, siendo una de las 4 Universidades chilenas incluidas en el Academic Ranking of World Universities.
Durante su formación recibió influencia de algunos profesores y arquitectos como Fernando Alfredo Pérez Oyarzún (1950), que obtuviera el Premio Nacional de Arquitectura, y fue director del Museo Nacional de Bellas Artes.
Tras graduarse como arquitecto se trasladó a Venecia para realizar un postgrado en el Instituto Universitario de Arquitectura, fundado en 1926, entre sus rectores figura entre otros su creador Giovanni Bordiga, Carlo Minelli, Carlo Scarpa, Carlo Aymonino, y desde el 2015 Alberto Ferlenga.
Luego ha seguido cursos de grabado en la Academia de Bellas Artes (Accademia di belle arti di Venezia), fundada en 1756.
Desde 1994 es profesor de la Escuela de Arquitectura en la Universidad Católica de Chile y, desde 2000, es profesor en la Escuela de Graduados en Diseño de Harvard.
Imparte cursos y conferencias en el Colegio de Arquitectos de Cataluña, Archilab 2001 (Orleans), el IUAV (Venecia), el Banco Mundial y el Banco Iberoamericano de Desarrollo (Washington), el Istituto Universitario di Architettura di Venezia, la AA School of Architecture de Londres, fundada en 1847 y la Escuela de Economía de Londres.
Facultad de Matemáticasi
Ha integrado el jurado del premio Pritzker desde el año 2009 al 2015.
Fue elegido en el 2010 International Fellow of the Royal Institute of British Architects.
Desde el 2011 es miembro de la Junta del Programa de Ciudades de la London School of Economics.
Miembro del Consejo Asesor Regional del Centro David Rockefeller de Estudios Latinoamericanos.
Desde el 2013 es miembro de la Junta Directiva de la Fundación Suiza Holcim.
Miembro Fundador de la Sociedad Chilena de Políticas Públicas; y líder del Laboratorio de Diseño de Helsinki para SITRA, el Fondo de Innovación del Gobierno de Finlandia. Fue una de las 100 personalidades que contribuyeron a la Cumbre Mundial Río +20 en 2012.
Facultad de Matemáticas
Ocupa la Cátedra ELEMENTAL Copec de la Universidad Católica de Chile desde 2006. Es autor de “Los Hechos de la Arquitectura” (1999), “El Lugar de la Arquitectura” (2002) y “Material de Arquitectura”, editorial Univ. Católica de Chile. (2003), textos de Mostafavi, Dal Co y Rice, los de Mori, Witte, Steinberg u obras de Serra, Märkli, Lewerentz y Mayer Hermann en el escenario internacional, entre otros, dialogan con entrevistas y obras de arquitectos chilenos. ISBN:9789561407442
“Si algún poder tiene el diseño, ese es el poder de síntesis. Cuanto más complejo es el problema, mayor es la necesidad de simplicidad”Alejandro Aravena
Bienal de Venecia
En el año 2016 fue director de la 15.ª Exhibición Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia.
ELEMENTAL
Su primer contacto con el tema de la vivienda de emergencia, de la escasez de tiempo y recursos fue en su estudio llamado “Otherwise-ness”.
Facultad de Matemáticas
Junto a Andres Iacobelli (Recoleta 1969) y Pablo Allard(1) funda en el 2001 el estudio ELEMENTAL, que dirige desde el 2006.
Junto a sus socios Gonzalo Arteaga, Diego Torres, Víctor Oddó y Juan Ignacio Cerda realiza proyectos sociales de infraestructura, transporte, espacio público y vivienda, en cooperación con la Universidad Católica de Chile y Copec.
ELEMENTAL es una iniciativa internacional para innovar y construir conjuntos de vivienda de muy bajo costo. A la fecha ha realizado más de 2500 viviendas de este tipo y construido obras en Chile, Estados Unidos, México, China y Suiza.
Su obra arquitectónica incluye el diseño y construcción de centros de enseñanza, edificios institucionales, oficinas, plantas de empresas, sedes de servicios públicos, museos, bibliotecas y viviendas. Entre las últimas destacan tanto proyectos de vivienda social de bajo presupuesto, como amplias y cómodas residencias en la ciudad o casas de veraneo en sectores campestres y en balnearios.
A fines de 2005, la Universidad de Harvard realizó una muestra con una amplia retrospectiva de toda su obra como arquitecto.
“El desafío de la arquitectura es salir de la especificidad del problema a la inespecificidad de la pregunta”.Alejandro Aravena. 2016
TED
“…más complejo es el sistema, mayor es la necesidad de simplicidad”
Escuela de Medicina de la UC
Cuando le consultaron hace 10 años, por la construcción de viviendas para 100 familias en Chile, Alejandro Aravena buscó una inspiración inusual: la sabiduría de las favelas y los barrios marginales.
En lugar de construir un gran edificio con unidades pequeñas, construyó mitades de casas flexibles que cada familia podría ampliar. Su charla en TED ha tenido 685.501 visualizaciones.
1998/1999. Facultad de Matemáticas de la Universidad Católica de Chile, Santiago, Proyecto resuelto a base de una estructura en “pliegues” que unifica y da coherencia a una compleja composición arquitectónica.
Las dos estructuras donde funcionaba la Facultad de Matemáticas de la Universidad Católica de Chile en Santiago de los años ´70, se unieron para dar solución a la necesidad de dar lugar al departamento administrativo y de profesores. El hormigón que conforma el edificio contrasta con otros materiales de las fachadas como el vidrio, la madera y el cobre; este último metal fue elegido porque acusa positivamente el paso del tiempo y manifiesta una oxidación noble y oscura. AV 185. Fotos de Tadeuz Jalocha.
2001. Colegio Huelquén Montessori. Elemental con Claudio Blanco
Construcción por etapas.
Terreno de 5.000 m2. 1era etapa 750 m2 a construir en 3 meses, un tiempo muy corto que obliga a trabajar casi como una arquitectura de emergencia, y trabajar con elementos que se ensamblan.
La Quinta Monroy era, el último campamento informal del centro de Iquique, una ciudad del desierto chileno a 1.500 kilómetros al norte de Santiago.
Se reemplazó un campamento con malas condiciones de habitabilidad por un programa estatal de 93 viviendas. A pesar del coste del terreno (superior al que tendría en la periferia) se decidió evitar desplazamientos. El presupuesto fue de 7.500 usa por casa, se construye la mitad de la casa y se facilita mediante autoconstrucción su ampliación. Las instalaciones se construyen íntegramente.
2001/2004. Escuela de Medicina de la UC. Santiago
Está ubicada al norte del núcleo urbano céntrico de Santiago, se desarrolla en 3 plantas bajo nivel y siete de altura.
El nivel superior tiene un gran lucernario que facilita su iluminación y arma un claustro interesante.
El edificio se inserta entre las construcciones preexistentes, creando dos grandes patios. Éstos tienen orientaciones opuestas, un carácter diferente y fachadas radicalmente distintas.
Hacia el sur, fachada de vidrio semi reflectante, sobre el que destaca un voladizo señalando la entrada al edificio. Hacia el norte, una doble fachada con una capa exterior de grandes pilastras de ladrillo, y una segunda piel de vidrio.
Entre estas se crea una sombra que protege de la fuerte radiación solar del norte. (AV monografía 185. Fotos Roland Halbe, Tadeuz Jalocha y Elvira Pérez).
2002/2005. Torres Siamesas Universidad Católica de Chile. Campus San Joaquín, Santiago.
Arquitectos Alfonso Montero, Charles Murray, Ricardo Torrejon, Alejandro Aravena yEmilio De la Cerda.
Las Torres Siamesas fueron diseñadas para la Universidad Católica de Chile. El encargo consistió en una torre de vidrio para alojar el Centro de Innovación Tecnológica de la Universidad. Esto presentó tres problemas para el equipo de proyecto: las computadoras, el vidrio y la torre. El cliente deseaba que el edificio se constituya en ícono de la Universidad.
“Para este edificio se pensó en las convenciones. Nos pidieron un edificio de vidrio. Los otros edificios de espejos en Santiago tienen una cuenta mensual de aire acondicionado que es inmmoral. Por eso se ideó una estructura poco común para ahorrar en aire acondicionado. Buscamos verdaderas soluciones y, en eso, tuvimos que construir el edificio contra los prejuicios. Y hay gente a la que lo inesperado la irrita».
Se trata de un único edificio que parte del suelo con una volumetría de torre, presentando en la parte superior un quiebre que genera la sensación de dos torres siamesas. El volumen se parte en dos a partir del séptimo piso. Frontalmente, se lee como un único volumen bicéfalo, pero en escorzo se distinguen dos torres verticales que comparten gran parte de su cuerpo.
La superficie era de 5.000 m2 “reducida para una torre, por lo que conseguir una proporción vertical resultaba imposible, aun achicando las plantas”.
El basamento, es accesible mediante rampas, tiene dos plantas de altura y conforma la cubierta de los edificios anexos.
Toma la forma de planos inclinados de madera, creando espacios estancos para relajarse al sol o a la sombra de la torre, según la época del año.
La torre está cubierta por una doble piel, creando una cámara de aire ventilada que funciona como aislante térmico. Se trata de una torre adentro de otra torre, de vidrio por fuera y fibrocemento por dentro.
El edificio tiene nueve pisos, con dos subsuelos y dos construcciones anexas compuestas por primer piso y subsuelo.
Al ser el destino del edificio estudio con computadoras, las salas se mantienen en penumbras para evitar el reflejo de la luz sobre las pantallas.
La placa de la torre se redujo la necesidad de aberturas al mínimo.
El espacio generado entre las dos torres, de nueve alturas, es considerado como una gran circulación pública, a modo de nexo del edificio.
Su frente vidriado (requerimiento del comitente) se resolvió mediante el uso de una doble piel que aprovecha el efecto chimenea o cámara de aire ventilada que genera el espacio abierto entre ambas. Para evitar encerrar el aire caliente contenido entre ambas pieles, se facilitó su salida al exterior por la parte superior del edificio.
La piel exterior de vidrio corriente es muy mala para el control energético, pero excelente para resistir el polvo, la lluvia y el envejecimiento.
Más adentro, el edificio de fibrocemento es muy malo para resistir a la intemperie, pero muy bueno desde el punto de vista térmico. Y entre ambos hay circulación de aire.
Tiene una estructura antisísmica, tanto muros como pilares resistentes son perpendiculares al suelo, la falta de verticalidad de la torre es solo aparente y su forma oblicua se consigue con una estructura metálica apoyada en voladizos de hormigón Armado.
Se uso hormigón armado, fibrocemento y maderas nativas como coigüe y mañío, el basamento se recubrió con durmientes de ferrocarril.
2003/2004. Viviendas sociales. conjunto “Quinta Monroy”, Iquique
Viviendas “expansibles”, Viviendas sociales que crecen.
En el 2003, el gobierno de Chile le encarga dar respuesta habitacional a 100 familias de la ciudad de Iquique, estas familias estaban en forma “ilegal” en terrenos que ocupaban con construcciones precarias. El presupuesto fue de 7.500 usa que debía incluir todos los gastos, terreno, diseño arquitectónico, urbanización, materiales y construcción.
Un bloque (amarillo), completada por sus dueños. Quinta Monroy
Asi surge Quinta Monroy, construida en 2004, la superficie total construida fue de 35 000 m² y trabajaron, además de Aravena, los arquitectos Alfonso Montero, Tomás Cortese, Emilio de la Cerda y Andrés Iacobell y los ingenieros Juan Carlos de la Llera, Mario Álvarez, Tomás Fischer, Alejandro Ampuero, Carl Lüders y José Gajardo.
La propuesta es clara, construir sobre terrenos con buena conexión con los lugares de trabajo, recreación, educación, redes comunitarias y transformar el coste en una inversión, con incremento del valor y no en un bien de consumo que deprecia su valor.
Consta de 93 viviendas de dos pisos, cada una tiene 36 metros cuadrados construidos, el diseño ofrece un área que permite a cada vivienda crecer hacia un lado hasta un máximo de 72 metros cuadrados.
Su diseño arquitectónico, integra la lista de los 25 mejores diseños arquitectónicos del siglo XXI, elaborada por The Guardian.
Con presupuestos escasos la idea de Aravena fue construir “media casa grande” en lugar de una casa pequeña y apostar a la capacidad que tendrán las familias para ir realizando mejoras sucesivas.
Problemas en las viviendas de “Población Elemental”
En el año 2006 encabeza un proyecto de viviendas sociales en la ciudad de Valparaíso en el sector de Playa Ancha en lo que se denominó Población Elemental financiado por el Estado de Chile. El conjunto habitacional no resistió la lluvia por lo que resultaron anegadas 158 casas, 28 casas debieron ser declaradas como inhabitables (2)
2008/2014. Conjunto de 150 viviendas y un centro Comunitario de la colonia Lo Barnechea
La comuna de Lo Barnechea esta al noreste de Santiago, conde hay zonas con casas de lujo, otras con vivienda social y otra con campamentos autoconstruidos.
Estas viviendas, desarrolladas en dos fases, se crearon para realojar a un gran número de familias de dos grandes asentamientos irregulares, creando un conjunto de 363 casas.
El proyecto da prioridad a que las familias puedan permanecer en su zona de residencia habitual, para mantener los beneficios de la cercanía a sus trabajos y escuelas, y no crear riesgos de exclusión social.
La construcción se ordena alrededor de patios colectivos que sirven a un promedio de veinte viviendas, y que constituyen una asociación territorial entre el espacio público y el privado.
Para optimizar el uso de suelo sin hacinamiento, se propone un modelo de casa con desarrollo vertical en tres niveles y posibilidades de ampliación hacia el interior.
Cada vivienda tiene 67 metros cuadrados, dos plantas más mansarda, salón comedor, tres dormitorios, cocina y baño.
Tiene la posibilidad de ser ampliadas hacia el interior, según los principios de Elemental.
Ante los altos precios de la vivienda, el Instituto de la Vivienda del estado mejicano de Nuevo León encarga a Elemental la construcción de 70 residencias en la ciudad de Monterrey, cuya área metropolitana es la tercera más poblada del país.
El conjunto ocupa una manzana rectangular, con una hilera de viviendas en cada frente rodeando un patio, y dejando el espacio de una avenida, otra hilera enfrentada. Del presupuesto, el 80 % se destina a la compra del suelo, y el 20 % a la construcción de las viviendas. Sigue las experiencias de Quinta Montoy y su ampliación es dentro de un espacio libre totalmente cubierto.
Notas
1
Andres Iacobelli asumió como titular de la Subsecretaría de Vivienda y Urbanismo, nombrado por el presidente Sebastián Piñera.
Durante su gestión afrontó la reconstrucción de viviendas para 200 mil familias damnificadas por el terremoto del 27 de febrero de 2010.
En julio de 2011, se hizo pública su renuncia al cargo, la cual se debió a posibles cuestionamientos que realizó la Contraloría General de la República (CGR) por las gestiones que habría realizado para «acelerar el pago de una transacción» de terrenos del abuelo de Paulina Etcheberry, su cónyuge.
El gobierno, a través del ministro del Interior Andrés Chadwick, argumentó que su renuncia se debió a «razones personales». (Diario La Nación. 29 de julio de 2011).
2
Francisco Aravena (23 de junio de 2011). Qué Pasa (Santiago de Chile). “El temporal del fin de semana en Valparaíso dejó a una población entera anegada y a parte de ella inhabitable. Es un proyecto que lleva la rúbrica de la empresa más innovadora y reconocida en el campo de las viviendas sociales en Chile: Elemental”. Tormenta Elemental Revista Qué Pasa (quepasa.cl).
Puede interesarte este tema, por lo que te envío una sugerencia de Hugo K: La Torre Malmo de S. Calatrava. https://onlybook.es/blog/suecia-malmo-el-turning-torso-de-santiago-calatrava/
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Hace unos dias escribi unas líneas a raíz que un amigo vio unos libros de la colección mini letras de mi editorial.
Hoy, 3 de abril del 2024, vi una pagina que se llama “Libros de Arquitectura y Diseño”.
Tiene mas de 6 mil miembros, yo uno de ellos.
Entre en la `página, convencido que encontraría algun libro mío.
Y asi fué.
Es de Espacio Editora, editorial que compartía con Silvia Wladimirski y Guillermo Kliczkowski.
Lleva el Número 5, lo editgamos en 1979, hace 45 años…..Le preguné Humberto L. la persona que los vendia, cual es el precio y me respondió 6.000 pesos (unos 6 usa).
Cada libro llevaba un número. De viviendas le siguió Viviendas con bóvedas, que era el número 7, y viviendas unifamiliares que llevaba el 10.
Y siempre recordamos el Perspectivas 6, que tiene una historia para contar. No teníamos experiencia, y queríamos que se vieran muy bien los dibujos, y decidimos que tenga un formato que no salía de un modulo de los pliegos y quedaba mucho desperdicio (cuando no usas los pliegos modulados, hay un remanente que no alcanza para sacar mas hojas y hay que tirarlo).
El imprentero nos dijo…
– Háganlo más pequeño, asi ahorran en papel y le explicamos que no, que queríamos ese formato.
Sin saber lo de ahorrar papel, hicimos un libro que tiramos mas de 26.000 ejemplares en sucesivas ediciones.
Años mas tarde hicimos otro de Cacho Soler, y ya sabíamos, y lo hicimos más reducido…fracaso de ventas.
Cuando uno no sabe, sabe mucho, y cuando ya cree saber, no sabe tanto (habia puesto la cagas…).
Esta historia la escribi hara unos seis años, asi:
Huellas Perspectivas 6
Paso mucho tiempo y aun hablan de él. Guille habia hecho algunos libros hasta que decidimos a hacerlos juntos y los numeramos. Muchos años antes, con SilviaWladimirski haciamos apuntes para el Curso Preparatorio, pero, ya eso fue por el año ´70. Se imprimian con estenciles en la Avda. Independencia, eran los mismos que hacian apuntes para la Facultad de Filosofia y Letras.
A este le tocó el número 6, es decir sabíamos poco de impresión.
Lo que va de 1 a 6 Guille tenía más experiencia y había editado Balance Térmico, sistemas de calefacción y aire acondicionado, uno de los autores era el Ing Di Giacomi. Llevaba el número 1 y como nombre editorial Librería Técnica CP67. Colores verde y naranja. Se vendieron muchas ediciones de muchos miles de libros cada una.
Pero el Perspectivas 6 era otra cosa Tapa negra y doble tamaño y el motivo de su tamaño fue debido a una creativa ignorancia. Diseñamos el libro con los dibujos de Sandro Borghini, Edgardo Minond y Víctor Vega. A pesar de mi memoria relativa por una edad injusta, creo que Víctor Vega ya vivía en Venezuela. Era muy seguido por todos nosotros el libro de Gordon Cullen con sus grafismos. Toda la facultad hacia sus entregas con el “TOWNSCAPE”. Entonces quisimos hacer algo distinto y mejor, separándolos por capítulos (axonometrías, aéreas, interiores, etc) pero sobre todo con dibujos de nuestra gente, donde junto a sketch europeos había proyectos argentinos (tendré que hablar en su momento de los viajes de Cova) y repito lo importante fue “el tamaño”. En otros temas esto es muy debatido en esto no teníamos duda.
Para poder “copiar” los grafismos y los detalles, tendría que ser grande. Y fue al tamaño que queríamos. Juntamos los originales y fuimos a la imprenta. – ¿quién les dijo que eligieran este tamaño? – nosotros – porque con este tamaño hay un 40% de desperdicio, se usa una parte y lo que sobra no alcanza para otro libro – – – para aprovechar el papel tienen que achicarlo
Lo dejamos grande, tiramos el desperdicio de papel y creo que en varias ediciones hicimos más de 26.000 libros. Para tiradas de 1.500 y 2.000 ejemplares, el Perspectivas 6 funcionó muy muy bien.
Se hicieron ediciones en tapa dura y en tapa blanda, más fácil y liviano, para transportarlo y abrirlo. En mercado libre usado y de bordes gastados se ofrece a 220 $ Creo que lo comprare, usado y gastado significa que cumplió su cometido. Con el nombre de Espacio Editora y el logo de una parte pequeña de un personaje de un dibujo de M.C.Escher, El cubo.
«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz
1897 Romeo and Juliet
1906 River Forest Tennis Club
1917 German Warehouses
1952 Anderton Stores
Jane and Ellen Lloyd Jones, Wright’s aunts, founded and ran Hillside Home School, a progressive boarding school in Spring Green, Wisconsin.
Wright, with the help of his mentor Joseph Lyman Silsbee, had designed a Shingle Style structure to remodel the school in 1887.
Today demolished.
1
Ten years later, his aunts commissioned him to design a windmill and a well that would supply water to the school.
Located atop a hill and surrounded by trees, he designs an octagonal tower that embraces and structurally reinforces a taller, narrower, diamond-shaped windmill.
A gesture that, to some, influenced by the name that Wright gave the Mill, evokes Shakespeare lovers.
Responding to his aunts’ wishes that the design conform to that of the other structures on the Hillside Home School site, Wright finished the windmill tower with a shingle siding.
The original shingle siding was removed by Wright in 1938, which he restored with wainscoting and added a small gazebo where he installed a music system facing the valley.
In 1987, 3/4″ plywood and 1/2″ cypress boards were installed.
A new tower replaced the original in 1992. Its foundation continued to be made of stone. It is the same windmill that years later would bring water to his house-school-study, his first Taliesin.
It’s like a tree on top of the hill, one of the few Wright buildings that rivals the top of a hill.
A staircase goes up the drum of the octagon towards the viewpoint, a staircase as Bachelard says that always goes up («The staircase that goes up to an attic always goes up and never goes down, just as the one in a basement always goes down and never goes up»Gaston Bachelard).
The work was originally made of wood, which is why it was highly criticized with the argument that it would fall due to a structural failure.
An ironic Wright would write to her aunts «Romeo and Juliet will last 25 years longer than the Steel Towers in the area… I’m afraid my own aunts will not survive it».
In 1976 it was declared a Historical Monument.
Tom Campbell, the Frank Lloyd Wright Foundation’s Wisconsin Preservation Chief, toured the windmill tower in 2020, and home-filmed the views.
View from the mill https://www.facebook.com/wrighttaliesin/videos/252670155784825
2
The River Forest Tennis Club is at 615 Lathrop Avenue, River Forest, Illinois.
The original building was destroyed in a fire, and Wright, who was a member of the Club, was commissioned in 1906 to design the new building.
Among his collaborators were Charles E. White Jr (1876–1936) and Vernon S. Watson.
I have been lucky enough to visit it, and its length and the color of its wood attract more than any construction around it.
It is not visitable, but…if you insist…
Wright designed a low, elongated single-story structure, clad in boards and battens that emphasize its horizontality.
The bow-shaped ends further exaggerate and enhance its structure.
It has a low hipped roof interrupted by wide, shallow chimneys.
Inside, the spacious meeting room is surrounded by fireplaces on three sides and a continuous band of glass doors overlooking the Club’s tennis courts.
The building was relocated and altered in 1920 after the Cook County Forest Preserve Commission claimed original ownership.
Currently it is still used as a clubhouse by the River Forest Tennis Club.
The River Forest Tennis Club – Home (rftc.org)
3
German Warehouse A.D. (Albert Delvino)
Frank Lloyd Wright was born in Richland Center, Wisconsin, where fifty years later he designed the German AD Warehouse between 1917 and 1921.
Located at 300 South Church Street. Downtown Richland, WI, on the corner of Church and Haseltine Streets.
His website: Adgermanwarehouse.org
Registered in 1974 on the NRHP (Wisconsin National Register of Historic Places), it is the only warehouse designed by Wright, in the same period that he designed the Imperial Hotel in Tokyo and the Midway Gardens in Chicago.
It was designed as a traditional warehouse to «store and sell wholesale products», the space was to include a restaurant, a tea house, commercial spaces, a gift shop and an art gallery for Albert Delvino German (A.D. German Warehouse) in addition from an attached music room.
It is a brick structure crowned by a concrete frieze, which is known as the “Mayan pantheon or temple” derived from the masks of the god of water and rain “Chaac”.
It has used a unique structural concept known as the “Burton Spider-web system”, an example of in-situ concrete construction, sitting on a cork platform that helps with its stability and to absorb impacts.
Wright used concrete slabs, supported by columns that reduce in size as they ascend to the 4th floor.
Construction stopped with the building unfinished in 1921, after spending $125,000 (equivalent to $ 2,082,000 in 2022 dollars), which exceeded the original estimated cost of $30,000 (equivalent to $ 499,500 in 2022 dollars).
It is the only Wright-designed commercial structure still extant from this period.
The plan is to remodel it respecting the Wrightian style. Each floor will have a specific content that will be designed to be a center of attraction that attracts tourism and businessmen as it will have spaces to work, eat and shop.
More ADGWC data. www.adgermanwarehouse.org, at info@adgermanwarehouse.org
Tours are only possible from May to October by appointment. $ 15 per person.
It had an owner, Harvey Glazner, who until his death in 2011 put a store and the Frank Lloyd Wright Museum on the lower floor, which he opened intermittently.
In November 2015, the AD German Warehouse Conservancy (ADGWC) hired Isthmus Architecture, conservation specialists, and in 2017 a conservation plan was drawn up.
4
Anderton Court Stores, Beverly Hills, USA
It’s strange in itself (one would be the strange one there) to walk down Rodeo Drive in Beverly Hills, trying to avoid being hit by a Ferrari 812 GTS, while distractedly looking at various Lamborghinis…
Rodeo Drive is a space with stylized cars parked haphazardly, with people very similar to billionaires with bags that gentle salesmen carry to the trunks, as I say, if that is strange, it is much more strange that it appears there, a small project by Frank Lloyd Wright.
Small, a miniature of a shopping center.
You enter, go up the ramp and encounter diverse establishments, I ventured into a jewelry workshop, looking at everything except the jewelry.
Although it does not have the forcefulness of the Morris Gift from San Francisco, one perceives that the Bugatti Noire envies such architectural harmony.
A small project, created by Wright in 1952, is at 333 N. Rodeo Drive. Beverly Hills, California.
The Anderton Court Shops is one of nine buildings designed by Frank Lloyd Wright in the Los Angeles area, the last he would do in the city.
Nina G. Anderton commissioned the work in December 1951, a project Wright pursued after having designed the VC Morris gift shop in San Francisco while he was designing the Guggenheim Museum in New York.
The building measures 15.24 x 45.72 meters deep, on the glamorous Rodeo Drive street. Its “bell tower” is striking, similar to that of the Marin Civic Center.
Designed for 4 stores on its two floors, the space has now been subdivided and there are 6 stores, three on each side with steps that span half a floor and are offset by the ramp.
An apartment was designed in the Attic that is currently an office. The entrance to the shops is from a winding, angular ramp near the façade. The original façade was light beige with oxidized copper-colored fiberglass trim, it has been painted white with black accents. In general it resembles the original project, although the mast that crowned the central spire has been removed,
Nina Anderton wanted to name it after her friend the couturier Eric Bass, who would run the center, exhibit his creations and live in the Penthouse.
Screenshot
A fight between the two made the desire to name her friend disappear, and she named another friend, herself. The concrete foundations support walls made of “gunite”, a concrete mixture that is injected using high-pressure hoses, achieving a continuous wall, of greater resistance with less thickness and low porosity.
The pillars taper downwards, “chevron stops” have been used on the central spire and the edges of the roofline. The Chevron or Herringbone Pattern is a design motif that we find in “…ancient Hindu temples, in Hopi pottery, in French Art Deco, in hippie ponchos and so on until the beginning of time“. Words by Maxwell Ryan, a blogger outraged in 2012 by the rampant spread of the Chevron pattern, but Wright used it in 1952.
For budget reasons, the copper metal trim was replaced with fiberglass reinforced plastic. It is listed on the National Register of Historic Places.
Our Blog has obtained more than One million readings: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/
Miércoles 27 de marzo del 2024 a ls 18 hs (Argentina) 22 hs (España)
Textos de la participación del Arq. Hugo A. Kliczkowski Juritz
Buenas tardes, quería agradecer la invitación que me ha realizado la Academia de Arquitectura y Urbanismo, asi como a Nani Arias Incolla, a Carla Brocato, a los panelistas que me acompañan y a las personas que están escuchando esta Jornada.
Espero que este espacio nos permita reflexionar sobre el estado del Parador Ariston y su incierto futuro.
Evitaré hacer una biografía completa de los arquitectos que lo diseñaron, solo hablaré de aquellas circunstancias de sus vidas que tuvieron relación con el edificio, y de algunos momentos que rodearon su construcción, también mencionaré algunas acciones que se han llevado a cabo para conseguir su protección como la declaratoria de Monumento Histórico Nacional, y, sobre todo hablaré lo que para mí es lo más importante, cuáles son las profundas razones que hacen necesaria su preservación y puesta en valor.
Comienzo
Trabajadores del parador en la década de los sesenta, época de esplendor del Ariston
El título de esta charla “¿Qué pasa con el Ariston?”, es un título correcto, aunque viendo en qué estado está desde hace décadas, tambien sería posible preguntarnos. “¿Que nos pasa con el Ariston?”.
Que nos ocurre como profesionales, como parte de una sociedad, que le pasa a esa sociedad y a quienes la dirigen.
La arquitectura es un arte coral, la hacen muchos, la hace la sociedad en su conjunto y muchas veces se enhebra con la biografía de sus arquitectos.
Sería fácil hacer un paralelismo, entre el deterioro del Ariston, y sus causas (por ejemplo, la desidia, el abandono y el desinterés), con lo que le ocurre a la Argentina.
Pero volvamos al Ariston. Una Obra que es una tragedia, al estilo de las tragedias griegas con pinceladas argentinas.
Los personajes, son convocados por el destino, en este caso la Universidad de Buenos Aires.
El escenario es la representación de un paraíso sometido al deseo político de generar un polo turístico.
Es una Obra Moderna, por lo que los espectadores pueden participar, algunos lo han hecho desordenadamente, sin criterio alguno. Tiene varios y variados actos.
En el primero se reúnen los actores principales, y luego de un corto descanso, los espectadores cada vez que pueden, transforman la obra en una instalación, llegando casi al final de su tiempo, a transformarla en una ruina moderna. Y hoy estamos aquí, en una acción más, tratando de evitar que se transforme en una EX Ruina Moderna.
Ya depende de nosotros, el resto de los actores, han hecho lo suyo y asi estamos. Quiero decir asi estamos de mal.
Es una tragedia arquitectónica y urbana. Como toda tragedia, su final definirá el espíritu de su tiempo. Y el nuestro es apostar decididamente por su salvación.
De todos depende recuperar el Parador Ariston. Aun de aquellos, que durante mucho tiempo no lo comprendieron.
El título de la Obra es el de su guion, Parador Ariston
El Argumento es el que paso a contarles
En esta obra, como en casi toda obra, su carácter esta generado por decisiones políticas, como las que tomó el gobierno de Perón y Quijano.
Transcurría el año 1947, cuando se firma la ley de propiedad horizontal, que da un cambio al tejido de la ciudad de Mar del Plata, la oferta de lotes dará lugar con el tiempo a lo que son hoy los barrios del Alfar, San Jacinto, Playa Serena, San Patricio, San Carlos, Costa Azul y Acantilados.
Se pavimenta la ruta 2 y se la prolonga hasta Miramar.
La atmosfera al ser política está representada por el diseño de un slogan “Usted se paga el viaje, el gobierno el hospedaje”. Esto ocurrió en toda la Nación.
Dos años antes, en 1945, la consigna era “el mar y la montaña deben ser accesibles a todos los hombres»,ese “turismo social” se concreta con la construcción de los 9 hoteles y 19 bungalows que conforman el complejo de Chapadmalal en un predio de 75 hectáreas
En esta obra, el guion no tiene un solo argumento, tiene varios actos, que se mezclan y se combinan, con diferentes tonalidades, a veces de manera perversa. Cada una de ellas retrata a sus actores. Es una época donde la acumulación de población en las ciudades, el uso de nuevos materiales y la figura de la propiedad horizontal se ligan a las ideas del movimiento moderno.
Personajes
En esta Obra, existen personajes principales, secundarios y ambientales.
Los principales intervienen en los comienzos, los secundarios mucho tiempo y los ambientales de vez en cuando. La iniciativa la toma la universidad de Buenos Aires, a propuesta de los arq. Carlos Coire y Eduardo Catalano cuando se decide hacer un curso e invitar a uno de los actores principales, sino al principal, al arquitecto húngaro Marcel Breuer. Tiene 45 años y un extraordinario curriculum.
Siguiendo a la escritora y poetiza Sandra Lorenzano en las líneas de su libro “Herida Fecunda”, preguntémonos que se llevaron del Ariston los que ya no están, aquellos que no vemos.
Si ya no están en el Ariston, es que se han ido con ellos el recuerdo y su memoria, pero quizás sus espíritus querrán que otros regresen.
Entre todos tendremos que hacer eso posible, para que no sea tan cierto e inevitable aquellos versos de Borges que dicen que “Ya somos el olvido que seremos”. Comienza diciendo
Ya somos el olvido que seremos.
El polvo elemental que nos ignora
Y finaliza
Pienso, con esperanza, en aquel hombre
…
Bajo el indiferente azul del cielo
esta meditación es un consuelo.
Cuando recuperemos el Ariston, volverán las voces, las risas, el grito ahogado, los sentidos tendrán otro sentido, y entonces sabremos que lo hemos hecho bien. La memoria personal, la memoria compartida, se forma de recuerdos, mientras nuestros pasos, debieran avanzar, con nuestros mejores sentimientos, hacia la luz.
Hoy el parador está en penumbras, y lo que sigue no debiese ser la oscuridad, sino la luz que nos haga mejor a todos.
Significado y origen del nombre Ariston
En los escritos, cartas y documentos de sus diseñadores no se logra saber porque lo llamaron Ariston.
Buscando en otras fuentes leí que deriva de Griego Antiguo αριστος (aristos), que significa «lo mejor».
Desde su nombre, ya estamos definiendo esta tragedia arquitectónica, el Parador Ariston, es “lo mejor”.
¿Porque se hizo y para qué?
La construcción contenía un pequeño club de bebidas y de baile, un pequeño centro social para promover la venta de parcelas de un futuro desarrollo inmobiliario. El programa pedía conseguir con un diseño atractivo, atraer a potenciales compradores de terrenos.
Al estar alejado de la playa, con un entorno de dunas altas, requería estar la suficiente altura para ver el océano, fue la razón de los pilotes.
Decía en la invitación a su inauguración, que se realizaría un miércoles 11 de febrero de 1948 a las 22 horas, y agregaba:
Una belleza arquitectónica frente al mar.
Diseñado por uno de los mejores maestros norteamericanos, el arquitecto Marcel Breuer.
Un hermoso salón de paredes de Cristal, con una pista de baile de acero.
Y el marco musical de jazz y tango
Su Diseño
Enlazadas por un largo muro de piedra, las dos alas contienen el club en una punta y los cuartos del personal y servicios en la otra.
Al Club se ingresa por un vestíbulo a nivel de suelo, que servía como área de exhibición y publicidad. Una cómoda escalera caracol conectaba el vestíbulo con el salón del piso superior. En el salón solo se servirían bebidas, por lo que solo requería un bar con un mostrador.
Estructura
Las vigas de la losa del techo han sido invertidas para producir una superficie de techo plano ininterrumpido en el interior.
El concreto empleado contiene agregados de basalto y mica que le otorgan una calidad gris, similar al granito.
Debido al atraso de las obras Eduardo Catalano decide pasar su luna de miel en Mar del Plata para ir a la obra todos los días. Eso lo contaba a Breuer en una postal, nos enteramos de este y otros cotilleos gracias al archivo digital de Marcel Breuer, de la Universidad de Siracusa.
¿Porque es importante el Parador Ariston?
Así como las acciones inmateriales se recuperan en las historias que se cuentan, cuando son edificios, las historias se construyen de manera más compleja, las que hemos creado y compartido en distintos momentos, son esos edificios los que nos dan pistas de esas historias.
Deberíamos sentirnos orgullosos del Parador Aristón, ya que es parte de nuestra historia, de nuestra historia colectiva.
Su “huella” es parte de nuestra identidad como un valor sustantivo que conforma el patrimonio cultural común, por eso nos duele el estado de abandono al que está sometido.
Debemos cuidarlo y evitar que desaparezca.
Porque hay un riesgo, cuando desaparecen estas obras, las historias también desaparecen.
Revista Nuestra arquitectura
Marcel Lajos Breuer
Silla Wassily de Breuer
Marcel Lajos Breuer nace en Hungría en 1902 y a los 18 años se traslada a Weimar, para estudiar en la Sttaliches Bauhaus. (escuela estatal).
Fue uno de los 143 alumnos que la Bauhaus contó en su segundo año de vida, fundada y dirigida por Walter A.G. Gropius.
Trabajo en el estudio de Pierre Chareau y ante el llamado de Gropius vuelve años más tarde a la Bauhaus, ya en Dassau (funcionó desde 1925 hasta su clausura en 1933) para dirigir el taller de muebles.
En 1925, con 23 años, dirige el taller de ebanistería, donde diseña sus primeras sillas y mesas de tubo de acero, como la famosa silla Wassily, originalmente llamada B3.
Silla Cesca de Breuer
También diseñó la silla Cesca de 1929, que lleva el nombre de su hija Francesca, es la B32, ambas sillas “clásicas”, se siguen fabricando luego de casi un siglo.
Entre 13 profesores solo figura una mujer, Gunta Stölzl, fue la directora del taller textil, durante 6 años, desde 1925 a 1931.
Sabemos que, en la Bauhaus, las mujeres no pudieron estudiar arquitectura hasta la dirección de Hannes Meyer y fueron relegadas al sector textil.
Walter Gropius defendía que las mujeres no estaban “dotadas para realizar ciertas funciones porque, mientras que los hombres pensaban en tres dimensiones, ellas solo lo hacían en dos… y debían realizar tareas más femeninas”.
En el centro de la foto vemos a Marcel Breuer entre Walter Gropius y Wassily Kandinsky, ambos con sombrero.
La Bauhaus funcionó poco más de 14 años, desde 1919 hasta su clausura en 1933, lo hizo en tres sedes, en Weimar 6 años, entre 1919 y 1925, en Dassau 7 años, desde 1925 a 1932 y en sus últimos estertores en Berlin 1 año, desde 1932 a 1933.
Breuer se gradúa en la Bauhaus en 1924, tiene 22 años y enseña en ella 4 años más, luego se traslada a Berlin, donde pasa los siguientes 3 años. Cuando el clima nazi es irrespirable y peligroso por su condición de judío, su amigo Gropius lo convence de abandonar Alemania. Estan un tiempo en el famoso edificio Isokon Flats, en Hampstead, al norte de Londres, diseño del canadiense Wells Coates.
Casa Gropius en Lincoln
En los primeros años realiza trabajos con su amigo y socio Gropius, como su casa en Lincoln, Massachusetts.
Antes de diseñar el Ariston diseña la casa Geller I en Long Island, Nueva York, y faltarían solo 5 años para hacer la sede de la Unesco en Paris que realiza con Pier Luigi Nervi y Bernard Zehrfuss, la Casa Starkey en Duluth, Minesota y 13 años más para el Centro de Investigación IBM en La Gaude en Francia
Casa Geller I en Long Island
Sede de la Unesco en Paris, junto a Nervi y Zehrfuss
Centro IBM en La Gaude
Actualmente Met Breuer
Esta es la historia contada por Carlos Coire
“Almorzábamos todos los días en un restaurante de Carlos Pellegrini al 600… habíamos recibido con Catalano el encargo de una obra.
Al cruzar nuestras miradas, adivinamos que teníamos el mismo pensamiento, invitar a Breuer a trabajar con nosotros en la obra”.
“Se lo propusimos y aceptó entusiasmado. Le explicamos el tema: Un parador para una playa de Mar del Plata, destinado a confitería por la tarde y boîte con pista de baile por la noche, debía estar funcionando en cuatro meses.
“Se quedó mirando un punto fijo, y luego desplegó una servilleta en la mesa y en ella dibujó el trébol del Ariston, aclarando: Se necesita, un gran perímetro para favorecer las visuales al mar durante el día, y por otra parte lograr que, de noche, las miradas se dirijan a la pista de baile.
“Esa tarde llegamos al Estudio – en realidad un galpón de 15 x 8 en el primer piso de una casa de inquilinato. Breuer ya estaba trabajando…”.
Que hubo en el Ariston
Allí funcionó la discoteca “Maryana” y en los 80 en pleno esplendor surfero fue el turno del café bar “Bruma y Arena”.
y en los años 90, la parrilla “Perico”.
En febrero del 2015 aparece un cartel donde una empresa española, de nombre Calpevillas anuncia su restauración para centro comercial y cultural, y se cerca el lugar.
En ese cartel figura un falso link que nunca funcionó.
Cada emprendimiento iba modificando el edificio con menos arte que respeto.
A partir de 1993, el Parador Aristón inició su deterioro, abandonado a su suerte, es decir a su mala suerte.
Algunas acciones
El 20 de noviembre del 2019 el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación Argentina sancionan la Ley Nº 27.538.
En su Artículo Nº 1 declara Monumento Histórico Nacional en los términos de la Ley Nº 12.665 y en su Artículo Nº 2 declara que la Comisión Nacional de Monumentos, de Lugares y Bienes Históricos dependiente del Ministerio de Cultura de la Nación, instrumentará todo lo atinente para el cumplimiento de la presente ley.
Charla en la Casa sobre el Arroyo.
Parador Ariston, “Identidad Patrimonial en riesgo”.
Fue el Lunes 9 de diciembre de 2019
Participaron
Gustavo Nielsen, Guillermo de Diego y Hugo Kliczkowski
moderó Celina Artigas.
Difusion en periodicos nacionales e internacionales
El Marplatense. 3 de enero de 2019
Diario La Capital de Mar del Plata. 14 de febrero de 2006
Clarin. 6 de setiembre de 2017. Por Miguel Jurado
La Nación. 12 de junio de 2018
El Marplatense. 3 de enero de 2019
La nación. 3 de septiembre de 2019. Por Dario Palavecino
The New York Times
El 21 de Abril de 2019 el New York Times hizo un suplemento sobre la Bauhaus, el Ariston estuvo muy presente, donde publicaron un texto que me solicitaron sobre el Ariston.
El Tiempo. 8 de mayo de 2022. Por Marcelo Metayer (agencia DIB)
MardelNews. 20 de abril de 2023
Clarín. 28 de mayo de 2023. Por Federico Ladrón de Guevara
Diario Página 12. 5 de enero de 2024. Por Lucia Requejo
El 5 de agosto del 2017 abrimos una pagina en Change.org. A la fecha (marzo 2024) se recogieron más de 34.370 firmas.
¿Porque son relevantes los arquitectos que diseñaron el Parador ariston?
En Moderna Buenos Aires, del CPAU (Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo) leemos
Eduardo Fernando Catalano (1917-2010)
Otro arquitecto del equipo de proyecto es el Arq Eduardo Catalano.
Se recibe de arquitecto en 1940 en la Universidad de Buenos Aires.
Becado por las Universidades de Pensilvania y Harvard, fue invitado por Henry Kamphoefner, a participar en un grupo muy especial, todos ellos pioneros en el campo de la arquitectura moderna, como Philip Johnson, I. M. Pei, Paul Rudolph, George Matsumoto.
Profesor en el AA, Architectural Association de Londres.
Jefe del departamento de Arquitectura en la Escuela de diseño de la Univ. de Carolina del Norte,
y durante 21 años desde 1956 hasta 1977, Profesor Titular de Arquitectura del MIT (Massachusetts Institute of Technology).
Doctor Honoris causa de la NCSU ((North Carolina State University), por la Univ de Moron y la UBA.
Integró el Instituto de Arq y Urbanismo de Tucumán.
Centro de estudiantes Julius Adams Stratton
Ganó numerosos concursos en Argentina y en los EEUU.
Realizó la Embajada de EE.UU. (en Argentina 1975 y Sudáfrica).
El Centro de estudiantes Julius Adams Stratton del MIT Instituto de Tecnología de Massachusetts en Cambridge (1962).
Entre sus profesores figuraron Walter Gropius y Marcel Breuer. En Raleigh construye la famosa casa Catalano, que fuera elogiada por Wright, que sobre ella escribió: “Es refrescante ver como la idea de refugio es tratado en esta casa de Eduardo Catalano” -sabemos que el amigo Frank Lloyd Wright no era muy afecto a prodigarse en elogios al trabajo de otros arquitectos-.
Adjetivada como la casa de la década, es considerada como uno de los grandes referentes de la arquitectura residencial de mediados del siglo XX.
Una única planta con 4 habitaciones que cubre una gran cubierta en forma de paraboloide hiperbólico de madera, donde 2 de sus vértices están encastrados y los otros 2 en voladizo.
Lamentablemente fue demolida en el 2001, estaba al 1467 de Ridge Road, hoy esa calle lleva el nombre de Catalano Drive.
En 1956 le otorgan el primer premio del Instituto Americano de Arte.
El tercer arquitecto es Carlos Coire.
Ha contado varias anécdotas, ésta es muy ilustrativa:
“Las autoridades de la Escuela de Arquitectura le pidieron que esbozara un nuevo plan de estudios. Con los arquitectos Agostini y Catalano lo orientábamos en esa tarea, terminado el primer borrador nos preguntó:
-Que docentes se encargarán de aplicarlo?
Le contestamos:
Los actuales profesores.
Entonces, destruyendo lo realizado agregó
–En ese caso, esto no tiene sentido, lo que se necesita es un cambio de mentalidad, lo contrario es echar vino nuevo en otros viejos.
Carlos Coire (1914-2006).
Por su labor docente lo llamaban “maestro de maestros”.
Decano de la Facultad de Arquitectura de la UBA desde 1958 y 1962, encargó el proyecto y ejecución de la ciudad Universitaria.
Fue Vicedecano y profesor titular de Arquitectura en la Universidad de Morón.
Realizo viviendas unifamiliares y multifamiliares así como emprendimientos privados e industriales,
Homenajes
El edificio que fue el Whitney Museum, ahora lleva su nombre.
Está en la Madison Avenue y 75, lo proyecta Marcel Breuer (junto a H. Smith, M. Irving y R. Gluckman), de 1964, cuando el Whitney se muda al edificio realizado por Renzo Piano, pegado al High Line, vende su edificio al Metropolitan Museo, que en homenaje a Breuer, lo llama Met-Breuer.
Finalizando
FO
Hay una buena noticia, Magalí Marazzo y el equipo que dirigió ha recibido en febrero de 2024 el premio del Fondo Mundial para los Monumentos (siglas en ingles WMF) por la recuperación y puesta en valor de la casa sobre el arroyo de los arq Williams y Galvéz, me ha invitado a presentar al mismo Fondo el Parador Ariston.
Su actividad comenzó en 1996 las propuestas se analizan por el Consejo Internacional de Monumentos y sitios ICOMOS.
Esta charla, se suma a otras acciones contemporáneas como el largometraje documental ARISTON que está editando ahora el director Gerardo Panero.
Una reflexion
He recibido diversos comentarios sobre mis participaciones en la defensa de varios edificios en estado de ruina.
Algunos alentadores y de los otros, sobre todo de autoridades que tenian planes de uso de los terrenos que ocupan esos edificios vandalizados e incendiados, vaya uno a saber por quienes.
Varios del tipo “como vamos a gastar dinero en recuperar edificios cuando hay chicos que se mueren de hambre”.
Mi respuesta, siempre es
La misma ideologia que hace pasar hambre a los mas necesitados, la que los priva de sanidad, vivienda y educacion es la que los priva tambien de su patrimonio arquiteconico y cultural.
Y agrego
Si cada uno de los 47 millones de habitantes de la Argentina, se preocupara de cuidar una sola cosa, es decir, si cuidaramos decenas de millones de cosas, les aseguro que viviriamos en otra Argentina.
Un buen amigo me envía esta foto. Me escribe. “Libros de un gran editor y amigo”.
La vi hará una hora, en Pelayos de la Presa, en la Sierra madrileña, donde hace frio, está desapacible y llueve. Ha llovido toda la semana. La frase es cariñosa y acepto el “gran editor” sabiendo que Carlos, mi amigo es así de generoso. La muestro a mi gente, diciéndoles, casi asombrado “pasaron siete años que cerré la editorial y aun están a la venta, en este caso, la librería Book Center de Madrid. Tuve la suerte de realizar como arquitecto y como editor obras que aun están visibles. Quiero decir que puedo verlas. Veo el día que vi el terreno o el día que se decidí realizar un proyecto editorial. Veo las conversaciones. Los acuerdos y desacuerdos, veo todo lo que ya no se ve. La foto muestra la colección “Miniletras”. Quería salir de los temas de arquitectura o arte, cocina e infantiles. Pensaba que tendría mas alcance, mejores accesos en las librerías, pensé muchas cosas. Recordé que fue difícil dar con una solución a las portadas. No deseaba tener que diseñar 100 portadas (hicimos más de cien títulos) diferentes, deseaba tener una idea general que confirmara una colección y diferenciara los títulos. Busque diseñadores y no daban con la solución que esperaba. Lo más difícil se resolvió de la manera mas fácil. Los escritores tienen plumas, bolígrafos, lápices… una fabrica sofisticada de plumas italiana “Delta” me dio los modelos de plumas. Portadas blancas (en una vidriera se ven mejor, llaman mas la atención del lector, del comprador) con plumas puestas verticales inclinadas…
Podría contar muchas anécdotas, como el intercambio epistolar con Eduardo Galeano que pidió amable pero firmemente cambiar la pluma de sofisticado diseño por un pincel, el titulo era y es “El viaje”.
O la tarea impecable e impagable de Marcela Zilberberg y de entrañables agentes literarios como Mercedes Casanovas, Raquel de la Concha o Willi Schavelson. Entre todos se consiguió la aceptación de grandes editoriales para seleccionar cuentos cortos y darnos derechos de autor de Soledad Puertolas, Eduardo del Llano, Marta Sanz, Manuel Mujica Lainez, Arturo Perez Reverte, Juan José Millas, Mario Benedetti, Federico Garcia Lorca, Javier Marías y así seguía decenas de escritores muy bien encontrados. Con la foto vi y recordé esa actividad, esa parte de mi vida, que editábamos das tiradas de 22.000 ejemplares. 64 paginas y letra “ grande para leer sin gafas”. Gracias Carlos, la lluvia ahora es maravillosa.
sobre arquitectura, Arte, fotografía, diseño por Hugoklico@gmail.com
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