20 diciembre, 2024 hugoklico Deja un comentario Editar

History of the Flatiron Building

From https://onlybook.es/blog/el-edificio-flatiron-de-nueva-york/

Directly in front of the building is Madison Square Park.

The Flatiron Building was built in 1902 by architect Daniel Burnham (Henderson, USA 1846 – 1912 Heidelberg, German Empire), was designed as a vertical neo-Renaissance palazzo, is famous for its unique architectural design and Beaux-Arts style, its facade is covered in white terra cotta and features ornamental wrought iron details.

The Flatiron Building is one of the first office buildings constructed in New York. In the early 20th century offices in general were dark and crowded, its design was created to address those problems.

The offices in the Flatiron were spacious and bright, thanks to the large windows found on each of the floors. In addition, the building’s triangular design allowed natural light to reach every corner of the building, something that was especially important at a time when electric lighting was not popular.

The location on the corner of Fifth Avenue and Broadway was ideal, allowing city residents to see the building from afar.

The Flatiron Building was not the first skyscraper in New York (there are several criteria for defining what a skyscraper really is), but it was the first to be built in the 20th century.

The Flatiron was initially disliked

One of the most photographed corners of New York was once seen as a tacky building.

There was harsh criticism and bad taste.

The Flatiron Building today

Over the years, the Flatiron Building has undergone many renovations and restorations. In the 1960s, it was proposed to demolish the building in order to build a new one in its place. However, due to pressure from various professional sectors and citizens, it was decided to preserve the building, finally protecting it in 1979 by declaring the building a National Historic Landmark.

In 2019 the building was left without tenants. Its offices were occupied by Macmillan Publishers and since that year it has been under renovation to accommodate new companies that wanted to put their offices there.

Today, the Flatiron Building remains one of the most iconic buildings in New York. Although it has been surpassed in height by many other skyscrapers in the city, its triangular shape and unique architectural design make it stand out in the Manhattan skyline.

-The Flatiron Building was one of the first buildings in New York to have an electric lighting system on its facade, making it visible from many parts of the city at night.

-In the 1920s, an observation deck was installed at the top of the building, which became a popular tourist attraction for many years. Today it is no longer operational,

-In 1974, a small plane collided with the building, causing minor damage and a great commotion in the city.

-The Flatiron Building has been included on many lists of the world’s most beautiful and iconic buildings, and remains a symbol of New York City for more than a century.

-They say that one of the drawbacks of working in the Flatiron was the large draft generated by opening the windows.

Hopper exhibition at the Withney Museum

-The Flatiron Building has been included on many lists of the world’s most beautiful and iconic buildings, and has remained a symbol of New York City for more than a century.

Hopper exhibition at the Withney Museum

It was open to the public from May 23 to October 6, 2013.

“Hopper Drawing” is the first major museum exhibition to focus on Edward Hopper’s drawings and creative process. More than anything else, «Hopper’s drawings» reveal the continually evolving relationship between observation and invention in the artist’s work, and his abiding interest in the spaces and motifs-the street, the cinema, the office, the bedroom, the road-to which he would return throughout his career as an artist. The exhibition has presented groundbreaking archival research on the buildings, spaces and urban environments that inspired his work.

“Hopper Drawing” was organized by Carter E. Foster, Steven and Ann Ames, curators of drawing, as well as The Horace W. Goldsmith Foundation, the National Endowment for the Arts, the Dietrich Foundation, the Selz Foundation, Barney A. Ebsworth, Steve Martin and Anne Stringfield, the Robert Lehman Foundation, Jane Carroll, Aaron I. Fleischman and Lin Lougheed, Arlene and Robert Kogod, and an anonymous donor.

New York Flatiron in film and television

This New York icon is seen in films.

-1998 in Godzilla, where it is accidentally destroyed by the U.S. Army.

-Backdrop for scene changes in “Friends”.

-2002, 2004 and 2007 Spider-Man. He was the Daily Bugle newspaper in the trilogy.

-2007. I am Legend, takes us to a rather black future for mankind, we see places of New York destroyed or totally abandoned as the Brooklyn Bridge, Washington Square, Times Square or the Flatiron Building.

-The building has been used as a filming location for the TV series Mad Men and the movie Men in Black 3.

-The building has been the subject of many works of art and photographs over the years, including the famous photograph taken by Alfred Stieglitz in 1903 entitled -The Flatiron Building-.

Alfred Stieglitz

In a 1946 article, Stieglitz recalled photographing the newly constructed Flatiron Building on the day of a major snowstorm. “Suddenly I saw the Flatiron Building as I had never seen it before. From where I stood, it looked as if it were moving toward me like the prow of a gigantic steamship, an image of the new America that was being formed.”

The Alfred Stieglitz Collection at the Art Institute, on the website: The Alfred Stieglitz Collection .

New York, Whitney Museum of American Art, “Photography Rediscovered: American Photographs from 1900-1930.” September 19 to November 25, 1979; Trip to the Art Institute of Chicago, December 22, 1979 to February 4, 1980.

Alfred Stieglitz

Alfred Stieglitz (Hoboken 1864 – 1946 Lake George, NY) was a pioneering photographer, vigorously championed photography as a work of art and established its value as modern art in the United States through his own work, the magazines he published, and the exhibitions he held in influential New York galleries.

He was a member of the jury for the first photography exhibition at the Art Institute of Chicago, held in 1900. After studying photography in Europe in the 1890s, Stieglitz returned home to New York and turned his camera to the streets and buildings of a rapidly changing city.

“Photography is my passion, the search for truth, my obsession.” Alfred Stieglitz

He printed these images initially as photogravures to emphasize atmospheric effects; later, he published in the fine art magazine Camera Work. During this early part of his career, Stieglitz also favored carbon printing, which produced deep tones and a soft, drawing-like quality.
From 1910 onwards, he adopted more direct images, moving away from a painterly, impressionistic approach. He made use of photographic papers such as platinum, palladium and, later, silver gelatin prints.

In his portraits of other artists he sought to depict their psychology and not just their likeness. This approach is especially evident in the hundreds of shots he took of his wife, Georgia O’Keeffe, (Sun Prairie, Wisconsin 1887 – 1986 Santa Fe.

See https://onlybook.es/blog/georgia-okeeffe-1era-parte/

Beginning in 1922, Stieglitz also made quasi-abstract photographs with cloud studies he called Equivalents. He saw them as music in pictures, asserting that visual art could be as emotional and non-representational as music. His later work also contained multiple meanings, whether it was a photograph of dying aspens on his family’s Lake George estate that functioned as a meditation on human mortality or of New York City skyscrapers that embodied progress and modernity.

Stieglitz’s formidable activity as a publisher and gallery owner paralleled that of his work as an artist. After serving as editor of the publication Camera Notes, he published his own magazine, Camera Work, which evolved from a showcase for the Photo-Secession to a forum for international modern art of all media. In his galleries-the Little Galleries of the Photo-Secession, in 1908 the gallery was renamed 291 for the street number on which it was located; the Intimate Gallery; and An American Place, he introduced the European avant-garde and promoted a new generation of American painters, while advocating photography’s place among the other fine arts.

It was one of the first galleries controlled by photographers, a milestone that Stieglitz complemented by exhibiting not only his photographs and those of his close collaborators, such as Steichen, Gertrude Käsebier, and Clarence H. White, but also used the spaces to exhibit

 “The Terminal” (1904)

Captured with a camera that professionals detested for being of “poor quality,” Stieglitz selected it because its small format allowed him to carry it more comfortably and adaptable to the ever-accelerating street life.

The photo can be considered another early hybrid between pictorialism and straight photography. Aside from doing street photography in times when the term didn’t even exist, his use of sand, wind or rain, as seen here, to add a softening effect to the image was stimulating.

“As long as there is light, you can photograph.” Alfred Stieglitz

“Torso de Georgia O’Keeffe” (1918-1919)

More than a specific photo, it is a series of photographs that Stieglitz composed of the naked torso of the painter, which he presented in multiple exhibitions. The objective, far from being just a pornographic or fetishistic pretension, was of a technical-artistic nature.

Once again, it was about the exploration of forms in the photographic composition: the framing keeps the woman anonymous in such a way that it is intimate and invites us to observe the lines that form on her body.

The photo-secessionists led by Alfred Stieglitz believed that the camera was a tool just as the brush is for the painter or the typewriter is for the writer.

They made the mistake, however, of initially believing that photography would be more valid as art if it imitated painting, which was what pictorialism advocated, although Stieglitz later switched sides.

“The ability to make a truly artistic photograph is not acquired suddenly, but is the result of an artistic instinct coupled with years of work.”

“The Steerage” (1907)

With “The Steerage”, also known as “The Deck of a Ship” or “The Mezzanine”, Stieglitz wanted to demonstrate that capturing reality in a certain way could have its beauty: what stands out in this photo is the innovative use of shapes and lines with which he composed it.

The work presents German emigrants who were deported from the United States, so they are forced to go to their homeland. He came to consider it his first modernist photograph and promoted it multiple times in Camera Work.

The composition shows two spaces separated by the bridge which, in turn, due to its tone, gains prominence and helps to convey the contrast between the two sides.

The lower view differs from the one above because the white garments come together as a repeated pattern, which does not exist at the other end of the image, which if seen in detail shows that some are privileged classes and the others, below, are less fortunate. (3)

It should be noted that Stieglitz was hardly interested in making photographs of a social or denunciatory nature; he saw in this scene only a set of perfect patterns to compose a great picture.

“My photographs are a picture of the chaos of the world and of my relationship to that chaos. My prints show the constant disturbance of man’s balance in the world, and his eternal battle to restore it.”

Alfred Stieglitz is known to have sat and waited for the scene to look interesting enough. This would also be one of the first times he showed his shift towards straight photography, leaving behind the intentional grain and soft blur that is often prevalent in Pictorialism.

In his words, “Equivalents” was the summary of his forty years of experience in photography. He stated:
“Through the clouds I wanted to put on record my philosophy of life, to show that my photographs were not due to a subject, not due to trees, not due to faces, not due to interiors, not due to special privileges. The clouds are there for everyone, free of taxation until now.”

Stieglitz at the end of his days, directed O’Keeffe to oversee bequests of his work to various museums, including the Art Institute, where he had studied in the 1910s, his collection was donated in 1949, and is part of the permanent photography collection.

History of the Tower Building. Tower Building 1888/89

The first skyscraper in New York was the Tower Building, with a Steel Framing structure (structural steel) was completed in 1889, had 11 floors, was demolished in 1913/14, Since 1913 it was no longer profitable due to lack of tenants.

The Tower Building was a building in Manhattan’s Financial District. Architect Bradford Gilbert (Watertown, NY 1853 – 1911 NY) submitted plans for its construction on April 17, 1888, it was completed on September 27, 1889.

The Tower Building was a structure in Manhattan’s financial district, at 50 Broadway, on a lot that extended eastward to New Street. It was arguably New York City’s first skyscraper and the first building with a steel skeleton structure.

John Noble Sterns, a supporter of the Cremorne Mission, of which Gilbert was a trustee, hired him in 1888 to design an eleven-story office building in New York City.

For such a tall building, traditional construction methods required very thick walls that would have taken up the land, which was only 20 feet wide. Drawing on his experience with the railroads, Gilbert thought of putting in an end-on railroad bridge, with iron girders to support the floors and exterior walls.

This innovation of “skeleton construction” with “steel-framed curtain walls” allowed him to build a skyscraper without having thick load-bearing walls, and it was also fireproof. Cast-iron columns of about 20 feet (6 m) formed the separate skeleton, and the walls of each floor were “hung” instead of transmitting the load to the wall of the floor below. To circumvent local building ordinances, Gilbert built a four-story base 21 m high, essentially the height of the adjacent buildings, of Little Falls iron and stone, on top of which he constructed ten stories using Philadelphia and Tiffany bricks, with an octagonal roof covered with Spanish shingles. The brick was richly colored and had Celtic ornamentation similar to Mason Stables.

At first it was met with great skepticism, and many predicted said it would collapse, certain engineers declared it “unsafe and impracticable.”

To assure the public of its safety, Gilbert moved his offices upstairs where he stayed for several years. In 1889, Engineering News called it “a very clever solution to an extremely difficult problem.” Ko

A building with traditional construction on the same lot would have only generated $30,000 a year in rent, due to the ten-story height limit and thick walls that would reduce square footage. Because Gilbert had devised a way to double the income from the property, The Philadelphia Inquirer noted that “old Knickerbockers (4) who own real estate on Broadway and other cutting-edge thoroughfares in lower New York have a new god in the person of Bradford L. Gilbert.”

The Flatiron Building New York was not technically the first skyscraper in New York, as is often thought.

This title actually belongs to the Tower Building, which was completed in 1889 and was 11 stories tall. The Flatiron Building was built in 1902, thirteen years later. However, the Tower Building was demolished in 1913 and no longer exists.

Perhaps for this reason it is said that the oldest skyscraper in New York (and still standing) is the Flatiron Building.

The Flatiron Building was designated a New York City landmark in 1966, added to the National Register of Historic Places in 1979 and designated a National Historic Landmark in 1989, further increasing its popularity.

The story of the Flatiron Building begins with architect Daniel Burnham, one of America’s most famous architects, who was commissioned to design and build it with his collaborator Frederick Dinkelberg (1858 – 1035). (5)

His bold design provoked numerous jeers from New York newspapers. The New York Tribune described his work as a “wretched piece of cake” and “New York’s most troublesome lifeless piece.”

See Burnham’s  https://onlybook.es/blog/daniel-burnham-y-el-edificio-ellicott-square-en-buffalo/

In 1959, St. Martin’s Press moved in, gradually renting additional office floors and becoming the building’s sole tenant in 2004.

Bradford Lee Gilbert was an American architect, his studio operated in New York City.

Known for designing the Tower Building in 1889, the first steel-framed building and the first skyscraper in New York.

This technique was soon copied throughout the United States.

He also designed the Atlanta International and Cotton States Exposition of 1895, and many railroad stations.

English-American Building

In 1897, Gilbert designed the building for the English-American Loan and Trust Company of Atlanta.

Located at 84 Peachtree Street NW in downtown Atlanta, Georgia, on a triangular-shaped block with eleven stories between Peachtree Street NE, Poplar Street NW and Broad Street NW.

Neoclassical and Neo-Renaissance Revival in style, but modern in form. It was Atlanta’s second skyscraper. The building included three electric elevators, 200 rooms and electric lighting.

It is the oldest remaining steel-framed skyscraper in Atlanta and one of the few non-railroad buildings by Bradfor Gilbert (a contemporary of Daniel Burnham’s Chicago School) that survive today.

It was completed five years before New York’s Flatiron Building. The Flatiron Building is protected by the city as a historic building, listed on the National Register of Historic Places.

Gilbert decided to quit college eager to learn architecture, apprenticed beginning in 1872 and apprenticed for five years in the New York City office of J. Cleveland Cady.

In 1876, Gilbert was hired as an architect for the New York, Lake Erie and Western Railroad under engineer Octave Chanute.

In 1890, Gilbert opened his studio at 1 Broadway, New York, he said “It certainly does not cost more […] to design a building that is architecturally correct, of good and quiet contour […] instead of the fancy ‘gingerbread’ work too often adopted; and with interior arrangements designed to meet all requirements.”

Throughout his career, Gilbert also designed apartment buildings, churches, clubs, exhibition buildings, hospitals, hotels, homes, and office buildings.

This attention to detail may have paid off, as many of his other projects grew out of his railroad connections, including the design of residences for presidents of various railroad companies such as William H. Baldwin Jr, Alfred Skitt, Arthur M. Dodge, Benjamin A. Kimball, and William Greene Raoul.

Notas

3

Fotonista. By ANA. April 9, 2024. Alfred Stieglitz, the photographer and gallery owner who changed everything.

4

The Knickerbocker Club (informally The Knick) is a gentlemen’s club in New York City founded in 1871. Considered the most exclusive club in the United States and one of the most aristocratic gentlemen’s clubs in the world.

The term “Knickerbocker”, in part due to writer Washington Irving’s use of the pseudonym Diedrich Knickerbocker, was a synonym for a New York patrician, comparable to a “Boston Brahmin”.

5

Frederick Philip Dinkelberg was known to be a collaborator of Daniel Burnham, in When Harry S. Black of the Fuller Company commissioned Burnham to design a new headquarters for the company on a triangular site in Madison Square in Manhattan, Burnham already had numerous other projects he was working on, and commissioned Dinkelberg to design what was then called the “Fuller Building” but would gain fame as the Flatiron Building. It is not known to what extent Dinkelberg was responsible for the details of the Flatiron Building design, and at the time the design was attributed to “DH Burnham & Co.”

Other major projects he worked on include the Jewelers’ Building in Chicago, and Wanamaker’s Department Store in Philadelphia and New York.

While in New York, Dinkelberg met Charles Bowler Atwood (1849-1895) and, through Atwood, Daniel Burnham. He was hired to work on the World’s Columbian Exposition, where Burnham was the chief builder.

See https://onlybook.es/blog/la-exposicion-mundial-de-chicago-de-1893-la-escuela-de-chicago/

After the fair ended, Burnham hired Dinkelberg to work at his firm, DH Burnham & Company.

There, he designed the Santa Fe Building, known as the Railway Exchange Building, a 17-story office building (1903-1904) and now part of the Michigan Boulevard Historic District.

And the Heyworth Building, a 19-story office building, a landmark in Chicago at the time.

——————-

Our Blog has been read more than 1,300,000 times.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

Entry navigation

Entrada anterior GB. The Flatiron Building in New York City (mb)

Historia del Flatiron Building

Viene de https://onlybook.es/blog/el-edificio-flatiron-de-nueva-york/

Justo enfrente del edificio está el Madison Square Park. 

El Flatiron Building lo construyó en 1902 el arquitecto Daniel Burnham (Henderson, EE. UU. 1846 – 1912 Heidelberg, Imperio alemán), fue diseñado como un palazzo neorrenacentista vertical, es famoso por su diseño arquitectónico único y su estilo Beaux-Arts, su fachada está cubierta de terracota blanca y cuenta con detalles ornamentales en hierro forjado. 

El Edificio Flatiron es uno de los primeros edificios de oficinas construidos en Nueva York. A principios del siglo XX las oficinas en general eran oscuras y abarrotadas, su diseño se creó para abordar esos problemas. 

Las oficinas en el Flatiron eran amplias y luminosas, gracias a los grandes ventanales que se encuentran en cada uno de los pisos. Además, el diseño triangular del edificio permitía que la luz natural llegara a cada rincón del edificio, algo que era especialmente importante en una época en la que no estaba popularizado el uso de la luz eléctrica.

La ubicación en la esquina de la Quinta Avenida y Broadway era ideal, al permitir a los residentes de la ciudad ver el edificio desde lejos.

El Edificio Flatiron no fue el primer rascacielos de Nueva York (existen varios criterios para definir que es realmente un rascacielos), pero sí fue el primero que se construyó en el siglo XX.

El Flatiron en un principio no gustó nada

Una de las esquinas más fotografiada de Nueva York fue vista en su momento como un edificio de mal gusto.

Hubo críticas duras y malintencionadas de la prensa, y otras como la de uno de los padres de la ciencia-ficción (junto a Julio Verne y Hugo Gernsback), el escritor y novelista británico Herbert George Wells (Bromley 1866 – 1946 Londres), autor de El hombre invisible y La Guerra de los Mundos), que escribió en su libro The Future in America: A Search After Realities (1906): “Me encontré boquiabierto, admirando un rascacielos, la proa del Edificio Flatiron en concreto, surcando el tráfico de Broadway y la Quinta Avenida a la luz de la tarde”. A pesar de tener una influencia clásica en su arquitectura, el edificio llegó a ser admirado por un auténtico futurista.

El Edificio Flatiron en la actualidad

A lo largo de los años, el Flatiron Building ha sido objeto de muchas renovaciones y restauraciones. En la década de 1960, se propuso demoler el edificio para construir uno nuevo en su lugar. Sin embargo, debido a la presión de varios sectores profesionales y de los ciudadanos, se decidió conservar el edificio, para finalmente protegerlo en 1979, al declarar al edificio Monumento Histórico Nacional.

En 2019 el edificio se quedó sin inquilinos. Sus oficinas estaban ocupadas por la Macmillan Publishers (Editorial Macmillan) y desde ese año se ha estado renovando para alojar a las nuevas empresas que querían poner alli sus oficinas.

Hoy en día, el Flatiron Building sigue siendo uno de los edificios más icónicos de Nueva York. A pesar de que ha sido superado en altura por muchos otros rascacielos de la ciudad, su forma triangular y su diseño arquitectónico único lo hacen destacar en el damero de Manhattan.

-El Flatiron Building fue uno de los primeros edificios de Nueva York en contar con un sistema de iluminación eléctrica en su fachada, lo que lo hacía visible desde muchos puntos de la ciudad durante la noche.

-En la década de 1920, se instaló una plataforma de observación en la cima del edificio, que se convirtió en una atracción turística popular durante muchos años. Hoy en día ya no está operativa,

-En 1974, un avión pequeño chocó con el edificio, causando daños menores y una gran conmoción en la ciudad.

-El Flatiron Building ha sido incluido en muchas listas de los edificios más bellos e icónicos del mundo, y sigue siendo un símbolo de la ciudad de Nueva York durante más de un siglo. 

-Dicen que uno de los inconvenientes de trabajar en el Flatiron era la gran corriente de aire que se generaba al abrir las ventanas.

Exposición de Hopper en el Museo Withney

Estuvo abierta al público desde el 23 de mayo al 6 de octubre de 2013

«Hopper Drawing» es la primera gran exposición de un museo que se centra en los dibujos y el proceso creativo de Edward Hopper. Más que cualquier otra cosa, los dibujos de Hopper revelan la relación en continua evolución entre la observación y la invención en la obra del artista, y su interés permanente en los espacios y motivos -la calle, el cine, la oficina, el dormitorio, la carretera- a los que volvería a lo largo de su carrera como artista. La exposición ha presentado una investigación de archivo pionera sobre los edificios, espacios y entornos urbanos que inspiraron su trabajo.

«Hopper Drawing» fue organizada por Carter E. Foster, Steven y Ann Ames, curadores de dibujo, asi como La Fundación Horace W. Goldsmith, el Fondo Nacional para las Artes, la Fundación Dietrich, la Fundación Selz, Barney A. Ebsworth, Steve Martin y Anne Stringfield, la Fundación Robert Lehman, Jane Carroll, Aaron I. Fleischman y Lin Lougheed, Arlene y Robert Kogod, y un donante anónimo.

New York Flatiron en cine y televisión

Este icono de Nueva York se lo ve en películas.

-1998 en Godzilla, donde es destruido accidentalmente por el ejército de los EE. UU.

-Telón de fondo en los cambios de escena en “Friends”.

-2002, 2004 y 2007 de Spider-Man. Fue el periódico Daily Bugle en la trilogía.

-2007. Soy leyenda, nos lleva a un futuro bastante negro para la humanidad, se ven lugares de Nueva York destruidos o totalmente abandonados como el Puente de Brooklyn, Washington Square, Times Square o el edificio Flatiron.

-El edificio ha sido utilizado como lugar de rodaje para la serie de televisión Mad Men y la película Men in Black 3.

-El edificio ha sido objeto de muchas obras de arte y fotografías a lo largo de los años, de entre ellas la famosa fotografía tomada por Alfred Stieglitz en 1903 titulada ·The Flatiron Building·.

Alfred Stieglitz

En un artículo de 1946, Stieglitz recordaba haber fotografiado el recién construido Flatiron Building el día de una gran tormenta de nieve. “De repente vi el Flatiron Building como nunca lo había visto antes. Desde donde estaba, parecía como si se estuviera moviendo hacia mí como la proa de un gigantesco barco de vapor, una imagen de la nueva América que se estaba formando”.

La colección de Alfred Stieglitz en el Art Institute, en el sitio web: La Colección Alfred Stieglitz .

Nueva York, Whitney Museum of American Art, “Photography Rediscovered: American Photographs from 1900-1930”. Desde el 19 de septiembre al 25 de noviembre de 1979; Viaje al Art Institute of Chicago, desde el 22 de diciembre de 197 9 al 4 de febrero de 1980.

Alfred Stieglitz

Alfred Stieglitz, (Hoboken 1864 – 1946 Lake George, NY) fue un fotógrafo pionero, defendió vigorosamente la fotografía como una obra de arte y estableció su valor como arte moderno en Estados Unidos a través de su propio trabajo, las revistas que publicó y las exposiciones que realizó en influyentes galerías de Nueva York.

Fue miembro del jurado de la primera exposición de fotografía en el Instituto de Arte de Chicago, celebrada en 1900. Después de estudiar fotografía en Europa en la década de 1890, Stieglitz regresó a su casa en Nueva York y dirigió su cámara a las calles y edificios de una ciudad que cambiaba rápidamente.

“La fotografía es mi pasión, la búsqueda de la verdad, mi obsesión”. Alfred Stieglitz

Imprimió estas imágenes inicialmente como fotograbados para enfatizar los efectos atmosféricos; más tarde, publicó en la revista de bellas artes Camera Work. Durante esta primera parte de su carrera, Stieglitz también favoreció la impresión al carbono, que producía tonos profundos y una calidad suave, similar a la del dibujo.
A partir de 1910, adoptó imágenes más directas alejándose de un enfoque pictórico e impresionista. Hizo uso de papeles fotográficos como el platino, el paladio y, más tarde, las impresiones de gelatina de plata.

En sus retratos de otros artistas buscó representar su psicología y no sólo su semejanza. Este enfoque es especialmente evidente en los cientos de tomas que hizo de su esposa, Georgia O’Keeffe, (Sun Prairie, Wisconsin 1887 – 1986 Santa Fe, Nuevo México) que Stieglitz llamó un solo «retrato compuesto».

Ver https://onlybook.es/blog/georgia-okeeffe-1era-parte/

A partir de 1922, Stieglitz también realizó fotografías casi abstractas con estudios de nubes a los que llamó Equivalentes. Los veía como música en imágenes, afirmando que el arte visual podía ser tan emocional y no representativo como la música. Su obra posterior también contenía múltiples significados, ya fuera una fotografía de álamos moribundos en la finca de su familia en el lago George que funcionaba como una meditación sobre la mortalidad humana o de los rascacielos de la ciudad de Nueva York que encarnaban el progreso y la modernidad.

La formidable actividad de Stieglitz como editor y galerista fue paralela a la de su trabajo como artista. Después de trabajar como editor de la publicación Camera Notes, publicó su propia revista, Camera Work, que pasó de ser un escaparate de la Photo-Secession a un foro para el arte moderno internacional de todos los medios. En sus galerías —las Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión, en 1908 la galería fue rebautizada como 291 por el número de calle en la que estaba ubicada; la Galería Íntima; y An American Place, introdujo la vanguardia europea y promovió una nueva generación de pintores estadounidenses, al tiempo que abogaba por el lugar de la fotografía entre las otras bellas artes.

Fue una de las primeras galerías controladas por fotógrafos, hito que Stieglitz complementó al exponer no sólo sus fotos y las de sus cercanos colaboradores, como Steichen, Gertrude Käsebier y Clarence H. White, sino que utilizó los espacios para exhibir el arte moderno europeo.

A través de 291, se dieron a conocer entre el público norteamericano las obras de Picasso, Matisse, Cézanne y Marcel Dunchamp. Los trece años que duró la galería permitieron consolidar a Alfred Stieglitz como un maestro de la fotografía y un galerista visionario. Fue una de las primeras galerías en exhibir arte creado por mujeres. La primera mujer en obtener este mérito fue Georgia O’Keeffe en 1916.

Entre los sujetos de Stieglitz están los paisajes, los campos, las ciudades, los edificios, y a partir de su transición hacia la fotografía directa, el desnudo femenino (más que nada de su amada y musa Georgia O’Keeffe) y, asimismo, el cielo y sus nubes. No faltaron tampoco los retratos hacia seres queridos y artistas cercanos a Stieglitz, como la fotógrafa Dorothy Norman y la pintora Rebecca Salsbury, a quien también retrató desnuda.

 “The Terminal” (1904)

Capturada con una cámara que los profesionales detestaban por ser de “mala calidad”, Stieglitz la seleccionó porque su formato pequeño le permitía llevarla de una manera más cómoda y adaptable a la siempre acelerada vida callejera.

La foto puede considerarse otro híbrido temprano entre el pictorialismo y la fotografía directa. Aparte de hacer fotografía callejera en tiempos en los que ni siquiera existía el término, resultó estimulante su uso de la arena, el viento o la lluvia, como se ve aquí, para agregar un efecto de suavizado a la imagen.

“Siempre que haya luz, se puede fotografiar”.  Alfred Stieglitz

“Torso de Georgia O’Keeffe” (1918-1919)

Más que una foto en concreto se trata de una serie de fotografías que compuso Stieglitz del torso desnudo de la pintora, que presentó en múltiples exhibiciones. El objetivo, lejos de ser solo una pretensión pornográfica o fetichista, era de carácter técnico-artístico.

Se trataba, una vez más, de la exploración de las formas en la composición fotográfica: el encuadre mantiene anónima a la mujer de tal manera que resulta íntimo e invita a observar las líneas que se forman sobre su cuerpo.

Los fotosecesionistas liderados por Alfred Stieglitz creían que la cámara era una herramienta tal como lo es el pincel para el pintor o la máquina de escribir para el escritor.

Cayeron en el error, eso sí, de inicialmente creer que la fotografía sería más válida como arte si se imitaba la pintura, que era lo que defendía el pictorialismo, aunque después Stieglitz se cambió de bando.

“La capacidad de hacer una fotografía verdaderamente artística no se adquiere de repente, sino que es el resultado de un instinto artístico junto con años de trabajo”.

“The Steerage” (1907)

Con “The Steerage”, conocida también como “La cubierta de un barco” o “El entrepuente”, Stieglitz quiso demostrar que capturar de una determinada forma la realidad podía tener su belleza: lo sobresaliente de esta foto es el uso innovador de las formas y líneas con las que compuso.

La obra presenta a emigrantes alemanes que fueron deportados de Estados Unidos, por lo que se ven obligados a ir a su tierra natal. La llegó a considerar su primera foto modernista y la promocionó múltiples veces en Camera Work.

La composición muestra dos espacios separados por el puente que, a su vez, debido a su tono, gana protagonismo y ayuda a transmitir el contraste entre ambos lados.

La vista inferior se diferencia de la de arriba porque las prendas blancas se unen como un patrón repetido, que no existe en el otro extremo de la imagen, que si se ve con detalle muestra que unos son clases privilegiadas y los otros, abajo, son menos afortunados. (3)

Cabe destacar que Stieglitz apenas se interesó en realizar fotografías de carácter social o de denuncia, él en esta escena sólo vio un conjunto de patrones perfectos para componer una gran foto.

“Mis fotografías son una imagen del caos del mundo y de mi relación con ese caos. Mis impresiones muestran la constante alteración del equilibrio del hombre en el mundo, y su eterna batalla por restablecerlo”.

Se sabe que Alfred Stieglitz se sentó a esperar que la escena luciera lo suficientemente interesante. Esta sería, asimismo, una de las primeras veces que mostró su cambio hacia la fotografía directa, dejando atrás el intencional grano y suave desenfoque que suele ser frecuente en el pictorialismo.

Según sus palabras, “Equivalents” era el resumen de sus cuarenta años de experiencia en la fotografía. Declaró:
“A través de las nubes quería dejar constancia de mi filosofía de la vida, mostrar que mis fotografías no se debían a un tema, ni a árboles, ni a rostros, ni a interiores, ni a privilegios especiales. Las nubes están ahí para todo el mundo, libres de impuestos hasta ahora”.

Stieglitz al final de sus dias, indicó a O’Keeffe que supervisara los legados de su obra a varios museos, incluido el Instituto de Arte, donde había estudiado en la década de 1910, su colección fue donada en 1949, y forma parte de la colección permanente de fotografía.

Historia del Tower Building. Edificio de la Torre 1888/89

El primer rascacielos de Nueva York fue el Tower Building, con una estructura de Steel Framing (acero estructural) se terminó en 1889, tenía 11 pisos, fue demolido en 1913/14, Desde 1913 ya no era rentable debido a la falta de inquilinos.

El Tower Building era un edificio en el Distrito Financiero de Manhattan. El arquitecto Bradford Gilbert (Watertown, NY 1853 – 1911 NY) presentó los planos para su construcción el 17 de abril de 1888, se completó el 27 de septiembre de 1889.

El Tower Building fue una estructura en el distrito financiero de Manhattan, en el número 50 de Broadway, en un lote que se extendía hacia el este hasta New Street. Podría decirse que fue el primer rascacielos de la ciudad de Nueva York y el primer edificio con una estructura de esqueleto de acero. 

John Noble Sterns, un partidario de la Misión Cremorne, de la que Gilbert era fideicomisario, lo contrató en 1888 para diseñar un edificio de oficinas de once pisos en la ciudad de Nueva York. 

Para un edificio tan alto, los métodos de construcción tradicionales requerían paredes muy gruesas que habrían ocupado el terreno que tenía solo 6,60 m de ancho. Recurriendo a su experiencia con los ferrocarriles, Gilbert pensó en poner un puente ferroviario de punta, con vigas de hierro para sostener los pisos y las paredes externas. 

Esta innovación de «construcción de esqueleto» con «muros cortina con estructura de acero» le permitió construir un rascacielos sin tener paredes de carga gruesas, era además ignífugo. Columnas de hierro fundido de unos 6 m formaban aparte el esqueleto, y las paredes de cada piso estaban “colgadas” en lugar de transmitir la carga a la pared del piso inferior. Para sortear las ordenanzas locales de construcción, Gilbert construyó una base de cuatro pisos 21 m de alto, esencialmente la altura de los edificios adyacentes, de hierro y piedra de Little Falls, encima construyo diez pisos utilizando ladrillos de Filadelfia y Tiffany, con un techo octogonal cubierto de tejas españolas. El ladrillo era de color intenso y tenía una ornamentación celta similar a la de Mason Stables.

Al principio fue recibido con gran escepticismo, y muchos predijeron dijeron que se derrumbaría, ciertos ingenieros lo declararon «inseguro e impracticable”.  

Para asegurar al público su seguridad, Gilbert trasladó sus oficinas al piso superior donde estuvo varios años. En 1889, Engineering News lo llamó «una solución muy hábil para un problema extremadamente difícil».  Kobble’s New York and Environs escribió: «El edificio Tower, del 50 de Broadway, con sus quince pisos, es un ejemplo notable de una utilización inteligente de un terreno angosto». 

La construcción del edificio de la Torre costó 250.000 dólares (8.477.000 dólares actuales), fue un gran negocio, ya que esperaban ingresar 210.000 dólares al año de alquileres.

Un edificio con una construcción tradicional en el mismo lote solo habría generado 30.000 dólares al año en alquiler, debido al límite de altura de diez pisos y las paredes gruesas que reducirían los metros cuadrados. Debido a que Gilbert había ideado una forma de duplicar los ingresos de la propiedad, The Philadelphia Inquirer señaló que «los viejos Knickerbockers (4) que poseen bienes raíces en Broadway y otras vías de vanguardia en la parte baja de Nueva York tienen un nuevo dios en la persona de Bradford L. Gilbert«. 

El Flatiron Building New York no fue técnicamente el primer rascacielos de Nueva York, como a menudo se piensa

Este título pertenece en realidad al Tower Building, el cual se terminó en 1889 y tenía 11 pisos de altura. El Flatiron Building se construyó en el año 1902, trece años después. Sin embargo, el Tower Building fue demolido en 1913 y ya no existe.

Quizas por esta razón se dice que el rascacielos más antiguo de Nueva York (y que aún se conserva) es el edificio Flatiron.

El edificio Flatiron fue designado monumento de la ciudad de Nueva York en 1966, agregado al Registro Nacional de Lugares Históricos en 1979 y designado Monumento Histórico Nacional en 1989, lo que hizo crecer aún más su popularidad.

La historia del Flatiron Building comienza con el arquitecto Daniel Burnham, uno de los arquitectos más famosos de los EEUU, a quien se le encargó el diseño y la construcción, la realizó junto a su colaborador Frederick Dinkelberg (1858 – 1035). (5)

Su atrevido diseño provocó numerosas burlas de los periódicos de Nueva York. El New York Tribune describió su trabajo como un “miserable trozo de pastel” y “la pieza sin vida más problemática de Nueva York”.

Ver de Burnham https://onlybook.es/blog/daniel-burnham-y-el-edificio-ellicott-square-en-buffalo/

En 1959 se instaló en él la editorial St. Martin’s Press, que fue alquilando poco a poco pisos de oficinas adicionales llegando a ser desde 2004 es el único inquilino del edificio.

Bradford Lee Gilbert fue un arquitecto estadounidense, su estudio funcionó en la ciudad de Nueva York. Conocido por diseñar el Tower Building en 1889, el primer edificio con estructura de acero y el primer rascacielos en Nueva York. 

Esta técnica pronto fue copiada en todos los Estados Unidos. 

También diseñó la Exposición Internacional y de los Estados del Algodón de Atlanta de 1895, y muchas estaciones de ferrocarril. 

Edificio inglés-americano

En 1897, Gilbert diseñó el edificio para la English-American Loan and Trust Company de Atlanta.  

Ubicado al 84 de Peachtree Street NW en el centro de Atlanta, Georgia, en una manzana en forma triangular con once pisos entre Peachtree Street NE, Poplar Street NW y Broad Street NW.

De estilo neoclásico y neorrenacentista, pero de formas modernas. Fue el segundo rascacielos de Atlanta. El edificio incluía tres ascensores eléctricos, 200 habitaciones e iluminación eléctrica. 

Es el rascacielos con estructura de acero más antiguo que queda en Atlanta y uno de los pocos edificios no ferroviarios de Bradfor Gilbert (contemporáneo de la escuela de Chicago de Daniel Burnham) que sobreviven hoy.

Se completó cinco años antes que el edificio Flatiron de Nueva York. El edificio Flatiron está protegido por la ciudad como un edificio histórico, figura en el Registro Nacional de Lugares Históricos.

           

Gilbert decidió renunciar a la universidad ansioso por aprender arquitectura,fue  aprendiz a partir de 1872 y durante cinco años en el estudio de J. Cleveland Cady en la ciudad de Nueva York. 

En 1876, Gilbert fue contratado como arquitecto para el Ferrocarril de Nueva York, Lago Erie y Oeste, bajo la dirección del ingeniero Octave Chanute. 

En 1890, Gilbert abrió su estudio en el número 1 de Broadway, en Nueva York, decía «Ciertamente no cuesta más […] diseñar un edificio que sea arquitectónicamente correcto, de contorno bueno y tranquilo […] en lugar del trabajo elegante de ‘pan de jengibre’ que se adopta con demasiada frecuencia; y con los arreglos interiores diseñados para satisfacer todos los requisitos». 

A lo largo de su carrera, Gilbert también diseñó edificios de apartamentos, iglesias, clubes, edificios de exposiciones, hospitales, hoteles, casas y edificios de oficinas. 

Esta atención al detalle puede haber dado sus frutos, ya que muchos de sus otros proyectos surgieron de sus conexiones ferroviarias, incluido el diseño de residencias para los presidentes de varias empresas de los ferrocarriles como William H. Baldwin Jr., Alfred Skitt, Arthur M. Dodge, Benjamin A. Kimball, y William Greene Raoul. 

Notas

3

Fotonista. Por ANA. 9 de abril de 2024. Alfred Stieglitz, el fotógrafo y galerista que cambió todo.

4

El Knickerbocker Club (informalmente The Knick) es un club de caballeros en la ciudad de Nueva York fundado en 1871. Considerado como el club más exclusivo de Estados Unidos y uno de los clubes de caballeros más aristocráticos del mundo. 

El término «Knickerbocker», en parte debido al uso del seudónimo Diedrich Knickerbocker por parte del escritor Washington Irving, era un sinónimo de un patricio de Nueva York, comparable a un «brahmán de Boston». 

5

Frederick Philip Dinkelberg fue conocido por ser colaborador de Daniel Burnham, en Cuando Harry S. Black, de la Fuller Company, encargó a Burnham el diseño de una nueva sede para la empresa en un terreno triangular en Madison Square, en Manhattan, Burnham ya tenía otros numerosos proyectos en los que estaba trabajando, y encargó a Dinkelberg el diseño de lo que entonces se denominaba «Fuller Building», pero que ganaría fama como Edificio Flatiron. No se sabe hasta qué punto fue responsable Dinkelberg de los detalles del diseño del Flatiron Building, y en su momento el diseño se atribuyó a «DH Burnham & Co.» 

Otros proyectos importantes en los que trabajó incluyen el Jewelers’ Building de Chicago, y los grandes almacenes Wanamaker´s de Filadelfia y Nueva York.

Mientras estaba en Nueva York, Dinkelberg conoció a Charles Bowler Atwood (1849-1895) y, a través de éste a Daniel Burnham. Fue contratado para trabajar en la Exposición Universal Colombina, en la que Burnham fue el jefe de construcción.

Ver https://onlybook.es/blog/la-exposicion-mundial-de-chicago-de-1893-la-escuela-de-chicago/

Finalizada la feria, Burnham contrató a Dinkelberg para trabajar en su estudio, DH Burnham & Company.

Allí, diseñó el Edificio Santa Fe, conocido como Edificio Railway Exchange, un edificio de oficinas de 17 pisos (1903-1904) y que hoy forma parte del Distrito Histórico de Michigan Boulevard.

Y el Edificio Heyworth, un edificio de oficinas de 19 pisos, un hito en el Chicago de la época.

——————-

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

19 diciembre, 2024 hugoklico Deja un comentario Editar

Flatiron Building in New York

Come from https://onlybook.es/blog/gb-the-flatiron-building-in-new-york-2nd-part/

«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors, which I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, so I decided to make an attempt. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. Here are the lines I have written in the meantime, with all their imperfections». Hugo Kliczkowski Juritz

“We all live under the sky, but some of us lift our eyes to the stars” Oscar Wilde

The Flatiron Building, originally called the Fuller Building, was designed to be the headquarters of the Life Insurance Company, owned by George A. Fuller.

One of New York’s most iconic buildings, it is located at 175 Fifth Avenue (between East 23rd and 22nd Streets). The district used to be called the Toy District because of the numerous toy factories there, and was later renamed the Flatiron District, due to the building’s fame.

It resembles a triangle, in which there are two sides whose base is much longer. The building has a floor area of 20,000 m2 spread over 22 floors and is 87 metres high. It has been a US National Historic Landmark since 29 June 1989.

By way of comparison, the Empire State Building 1930/31 by architects Shreve, Lamb and Harmon has 192 floors and 381 metres, and the One World Trade Center 2006/14 by architects David Childs (Skidmore, Owings and Merrill) and Daniel Libeskind, has 94 floors and 417 metres.

When the Flatiron was completed in 1902, it was one of the tallest buildings in the city and one of only two skyscrapers north of 14th Street (the other being the Metropolitan Life Insurance Company Tower by Napoleon LeBrun & Sons Architects (east wing and original towers) and Morgan & Meroni Architects (current east wing), which stood one block east).

The building occupies a triangular block formed by Fifth Avenue, Broadway and East 22nd Street, with 23rd Street skimming the northern (uptown) peak of the triangle. As with many other wedge-shaped buildings, the name ‘Flatiron’ derives from its resemblance to a cast-iron clothes iron.

It has been described as ‘one of the most iconic skyscrapers in the world as well as a symbol of New York City’. Because of its steel structure in many respects it was considered and is considered an innovative skyscraper, its construction took only 1 year, made possible by having a steel structure. All structural steel parts such as beams and columns were prefabricated and assembled on site like a Meccano.

It is located at the south (downtown) end of Madison Square and at the north (uptown) end of the Ladies’ Mile historic district.

The site was purchased in 1857 by Amos Eno (1), who shortly thereafter built the Fifth Avenue Hotel on a diagonally opposite site. Eno demolished the four-storey St. Germaine Hotel at the south end of the site and replaced it with a seven-storey apartment building, the Cumberland. On the remainder of the site he built four three-storey buildings for commercial use. This left exposed four floors on the north side of the Cumberland, which Eno leased to advertisers, including The New York Times, which installed a sign made of electric lights.

Later, Eno placed a canvas screen on the wall and projected images onto it with a magic lantern (an optical device, a precursor to the apparatus that began the art of cinema, based on the design of the camera obscura), on top of one of his smaller buildings, alternating advertisements and images.

Both the Times and the New York Tribune began to use the screen for news bulletins and, on election nights, tens of thousands of people gathered in Madison Square to await the latest results.

It was neither easy nor financially possible to keep the Flatiron in business

Architect Daniel Burnham designed the Beaux-Arts style building in 1902.

After more than 100 years as an office building, in 2019, the advertising company McMillan Publishers abandoned the 22 floors for renovation, declaring «It is a major financial investment that pays for itself in terms of the iconic image of having an office in such a building».

Businessman Nathan Silverstein did not see eye to eye with the partnership of real estate companies that owned 75% of the property, consisting of Sorgente Group, Newmark, GFP Real Estate and ABS Real Estate Partners and took the dispute to court, and in early 2023, a judge and the New York Supreme Court ordered its sale by auction.

At the end of March 2023, a first auction was held at the gates of the building, which Jacob Garlick of Abraham Trust won over Jeffrey Gural of GFP Real Estate, one of the current owners.

At the time, Jacob Garlick, founding partner of Abraham Trust, told a New York television station: «It’s been a lifelong dream of mine since I was 14 years old. Our mission is going to be to forever respect its integrity’»

But Trust did not make the obligatory payments to complete the purchase, and after that first failed auction, in the second auction, Jeffrey Gural achieved his desired goal, for 161 million dollars, about 150 million euros. The GFP Real Estate fund, has finally taken 100% of the iconic building.

«We achieved our goal, which is to end our relationship with Nathan Silverstein and own the building 100%,’ said Gural. ‘It’s a relief because for the last 30 years I’ve needed his consent for everything, sometimes we agreed, sometimes we didn’t».

Kristine Klein, editor of The Architect’s Newspaper, announced on 27 August 2024 in its pages that documents submitted to the New York City Department of City Planning provide news about the future of the building. The document contains details of the conversion of the offices into 60 residential units, the project tentatively ‘involves interior renovations and minor building modifications’.

When work is completed, the Environmental Assessment Statement (EAS) outlines that of its 22 floors, only the ground floor will remain open for commercial use, the upper levels will be converted to residential.

As a historic building, any work on the limestone and terracotta façade requires the approval of the Historic Monuments Preservation Commission.

The Commission agrees with the conversion and reviewing the planned renovations says that «There will be no demolition, addition or expansion work, but there will be minor exterior work including window replacements and ground floor door modifications. The most significant interior renovations will be the conversion of the large office floors into smaller, more insular flat unit layouts, as well as mechanical equipment upgrades».

Hopper

Hopper’s drawings of the Flatiron Building.

«Hopper Drawing» is the first major museum exhibition to focus on the drawings and creative process of Edward Hopper (Nyack, 22 July 1882 – 1967 15 May New York).

This exhibition showcases the Whitney Museum’s collection of Hopper’s work, which includes more than 2,500 drawings bequeathed to the museum by his widow Josephine Hopper, many of which have never before been exhibited. The exhibition examines Hopper’s significant achievements as a draftsman, and the sketches for many of his major oil paintings, including Early Sunday Morning (1930), New York Movie (1939), Office at Night (1940) and Nighthawks (1942), with their preparatory drawings and related works.

For years it was thought that the scene in Nighthawks, that enigmatic isolated café with solitary beings who neither speak to each other nor want to speak to each other, and that interior light characteristic of Hopper’s American painter, belonged to a now demolished ‘Diner’ on Greenwich Avenue, near the West Village, the neighbourhood where the painter lived at the time. It was later said to be in Mulry Square, a few streets north of where Hopper’s studio was located, and corresponded to a diner next to a gas station. But the blogger and regular contributor to The New York Times, Jeremiah Moss, denied this shortly afterwards, concluding that it was an invented location and recently adding that the painting shows the intersection of several streets, without specifying which ones.

Now passers-by, whether they are New Yorkers or not, know that the «Diner» is located at one of the corners of the Flatiron, at the intersection of Fifth Avenue, 23rd Street and Broadway, where the Whitney Museum has wanted to pay tribute to this legendary painting with an installation similar to the one Hopper painted in 1942, in a 3D version.

Although they can’t go in for burgers, they should go across the street to Shake Shack in Madison Square Park, along with their neighbours who line up every day at lunchtime. (2)

It was exhibited as a promotional strategy for the museum’s exhibition of unpublished drawings by the painter.

‘At night is when we can best sense the light in the installation; we can’t breathe the same smoke or drink the same whisky as his characters, but we can understand Hopper’s painting a little better, spatially’,

The Flatiron and the «23 skidoo»

It seems that when it was built, the aerodynamic shape of the building generated a draught on 23rd Street. This caused women’s dresses to be lifted by the wind. In the early years of the 20th century, women wore long dresses, «Mary Poppins» style.

At that time the sight of a woman’s bare ankles was a titillating sight, so many onlookers lined 23rd Street waiting for a gust of wind to lift the dresses of passers-by. The police set up on that corner to chase the peeping toms away. The expression that was born at that time was «23 skidoo», meaning ‘get the hell off 23rd’ or take advantage of a good opportunity to leave, is still in use today.

Notas

1

Amos Richards Eno (1810 – 1898) was a New York City real estate investor. He built the Fifth Avenue Hotel and many other projects on the streets of Broadway and Fifth Avenue, where he established a substantial family fortune of between 20 and 40 million US dollars (about 1.52 billion 2024 dollars). In April 1882, Eno and his relatives founded the Second National Bank of New York, his son John Chester Eno, the bank’s president, embezzled millions of dollars in 1884 and then fled to Canada to avoid prosecution. It caused a huge scandal, the stolen money was covered by his father.

2

El Pais. The traveller. Mario Suárez. 12 September 2013.

Our Blog has been read more than 1,300,000 times.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

Navegación de entradas

Entrada anteriorGB. MAN RAY, Dream Objects

Flatiron Building en Nueva York

«Todos vivimos bajo el cielo, pero algunos levantamos los ojos hacia las estrellas» Oscar Wilde

El Edificio Flatiron, originalmente llamado Edificio Fuller, fue diseñado para ser la sede de la Cia de Seguros de Vida, propiedad de George A. Fuller.

Es uno de los edificios más emblemáticos de Nueva York, está ubicado en el 175 de la Quinta Avenida (entre las calles East 23rd y 22nd). El distrito se llamaba Toy District debido a las numerosas fábricas de juguetes que había, pasó a llamarse distrito Flatiron, tal la fama del edificio.

Se asemeja a un triángulo, en el que hay dos lados cuya base es mucho más larga. El edificio cuenta con una superficie de 20.000 m2 distribuidos en 22 plantas y 87 metros de altura. Es un hito histórico nacional de los EEUU desde el 29 de junio de 1989.

Como comparación el Empire State Building 1930/31de los arquitectos Shreve, Lamb and Harmon tiene 192 plantas y 381 metros, y el One World Trade Center 2006/14 de los arquitectos David Childs (Skidmore, Owings and Merrill) y Daniel Libeskind, tiene 94 plantas y 417 metros.

Cuando el Flatiron se terminó de construir en 1902, era uno de los edificios más altos de la ciudad y uno de los dos únicos rascacielos al norte de la calle 14 (el otro era el Metropolitan Life Insurance Company Tower de los Arq. Napoleon LeBrun & Sons (ala este y torres originales) y los Arq. Morgan & Meroni (ala este actual) que se encontraba a una cuadra al este).

El edificio ocupa una manzana triangular formada por la Quinta Avenida, Broadway y la calle 22 Este, con la calle 23 rozando el pico norte (uptown) del triángulo. Al igual que con muchos otros edificios en forma de cuña, el nombre «Flatiron» deriva de su parecido con una plancha de ropa de hierro fundido.

Ha sido calificado como «uno de los rascacielos más emblemáticos del mundo asi como un símbolo de la ciudad de Nueva York». Por su estructura de acero en muchos aspectos se lo consideró y considera un rascacielos innovador, su construcción duró solo 1 año, posible al tener una estructura de acero. Se prefabricaron todas las partes estructurales de acero como las vigas y pilares, que fueron montadas en la obra como un mecano.

Se encuentra en el extremo sur (centro) de Madison Square y en el extremo norte (zona alta) del distrito histórico Ladies’ Mile.

El solar fue comprado en 1857 por Amos Eno (1), que poco después construyó el Hotel de la Quinta Avenida en un solar diagonalmente opuesto. Eno derribó el Hotel St. Germaine de cuatro pisos en el extremo sur del solar y lo sustituyó por un edificio de apartamentos de siete pisos, el Cumberland. En el resto del solar construyó cuatro edificios de tres pisos para uso comercial. Esto dejó expuestos cuatro pisos de la cara norte del Cumberland, que Eno alquiló a anunciantes, incluido The New York Times, que instaló un cartel formado por luces eléctricas.

Más tarde, Eno colocó una pantalla de lona en la pared y proyectó imágenes sobre ella con una linterna mágica, (un aparato óptico, precursor de los aparatos con los que comenzó el arte del cine, basado en el diseño de la cámara oscura), en la parte superior de uno de sus edificios más pequeños, se veían anuncios e imágenes de forma alternada.

Tanto el Times como el New York Tribune comenzaron a utilizar la pantalla para boletines de noticias y, en las noches de elecciones, decenas de miles de personas se reunían en Madison Square a la espera de los últimos resultados.

No fue facil ni económicamente posible mantener en actividad el Flatiron

El arquitecto Daniel Burnham realizó en 1902 el edificio en estilo Beaux-Arts.

Después de más de 100 años en funcionamiento como oficinas, en el 2019, la compañía de publicidad McMillan Publishers abandonó las 22 plantas para hacer una reforma declarando «Es una inversión económica muy importante que compensa solo por la imagen icónica que representa tener una oficina en un inmueble así».

El empresario Nathan Silverstein no se entendía con la asociación de empresas inmobiliarias que poseía el 75% de la propiedad, formada por Sorgente Group, Newmark, GFP Real Estate y ABS Real Estate Partners y llevaron la disputa a los tribunales, a comienzos de 2023, un juez y la Corte Suprema de Nueva York ordenó su venta mediante subastas.

A finales de marzo de 2023 se realizó una primera subasta en las puertas del edificio, que ganó Jacob Garlick, de Abraham Trust, sobre Jeffrey Gural, de GFP Real Estate, uno de los actuales propietarios.

En ese momento Jacob Garlick, socio fundador de Abraham Trust aseguró a una televisión neoyorquina «Ha sido un sueño que he tenido durante toda mi vida desde que tenía 14 años. Nuestra misión va a ser respetar por siempre su integridad».

Pero Trust no hizo los pagos obligatorios para concretar la compra, y tras esa primera subasta fallida, en segunda subasta, Jeffrey Gural logró su ansiado objetivo, por 161 millones de dólares, unos 150 millones de euros. el fondo GFP Real Estate, se ha hecho finalmente con el 100% del icónico edificio.

“Logramos nuestro objetivo, que es terminar nuestra relación con Nathan Silverstein y ser dueños del edificio al 100%”, dijo Gural. “Es un alivio porque durante los últimos 30 años he necesitado su consentimiento para todo, a veces estábamos de acuerdo, otras no”.

Asimismo, ha reconocido que “actualmente el mercado de oficinas está difícil con el aumento del trabajo remoto y los mayores costes de endeudamiento, que han golpeado a muchos propietarios”, su principal idea es convertir, al menos, parte de sus 22 plantas en pisos turísticos,“estará completamente alquilado y ocupado para uso residencial en 2026”.

Kristine Klein editora de The Architect´s Newspaper, anunció el 27 de agosto de 2024 en sus páginas que los documentos presentados al Departamento de Planificación Urbana de la Ciudad de Nueva York arrojan novedades sobre el futuro del edificio. El documento contiene detalles de la conversión de las oficinas en 60 unidades residenciales, el proyecto provisionalmente «implica renovaciones interiores y modificaciones menores del edificio”.

Cuando se terminen las obras, La Declaración de Evaluación Ambiental (EAS) reseña que de sus 22 pisos, solo la planta baja permanecerá abierta para uso comercial, los niveles superiores se convertirán en viviendas.

Es un edificio histórico, cualquier trabajo en la fachada conformada por piedra caliza y terracota requiere la aprobación de la Comisión de Preservación de Monumentos Históricos.

La Comisión está de acuerdo con la conversión y revisando las renovaciones previstas dice que “No se realizarán trabajos de demolición, adición o expansión, pero sí se realizarán trabajos exteriores menores que incluirán reemplazar ventanas y modificaciones en la puerta de la planta baja. Las renovaciones interiores más importantes serán la conversión de los amplios pisos de oficinas en diseños más pequeños e insulares de las unidades de apartamentos, así como actualizaciones del equipo mecánico”.

Hopper

Los dibujos de Hopper en el Flatiron Building.

«Hopper Drawing» es la primera gran exposición de museo centrada en los dibujos y el proceso creativo de Edward Hopper (Nyack, 22 de julio de 1882 – 1967 15 de mayo Nueva York).

Esta exposición muestra la colección del MuseoWhitney sobre la obra de Hopper, que incluye más de 2.500 dibujos legados al museo por su viuda Josephine Hopper, muchos de los cuales nunca se habían expuesto. La exposición examina los logros significativos de Hopper como dibujante, y los bocetos de muchos de sus grandes pinturas al óleo, incluyendo Early Sunday Morning (1930), New York Movie (1939), Office at Night (1940) y Nighthawks (1942), con sus dibujos preparatorios y obras relacionadas.

Durante años se pensó que la escena de Nighthawks, esa enigmática cafetería aislada con seres solitarios que ni se hablan ni quieren hablarse, y esa luz interior característica del pintor estadounidense de Hopper pertenecía a un “Diner” (cafetería americana) ya demolido en Greenwich Avenue, cerca de West Village, el barrio donde vivía el pintor por entonces. Después se dijo que estaba en Mulry Square, unas calles más al norte de donde tenía el estudio Hopper, y correspondía a una cafetería junto a una gasolinera. Pero el bloguero y colaborador habitual de The New York Times, Jeremiah Moss, lo desmintió poco después, llegando a la conclusión que era un lugar inventado y añadiendo recientemente que la pintura recoge el cruce de varias calles entre sí, sin especificar cuáles.

Ahora los paseantes sean neoyorquinos o no, saben el “Diner” lo tienen localizado en uno de los vértices del Flatiron, en el cruce entre la Quinta Avenida, la calle 23 y Broadway,allí en versión 3D el Whitney Museumha querido rendir homenaje a esta mítica pintura con una instalación similar a la que Hopper pintó en 1942.

Aunque no puedan entrar a comer hamburguesas, deberán ir enfrente, a Shake Shack, en Madison Square Park, junto a sus vecinos que hacen cola cada día a la hora del almuerzo. (2)

Se exhibió como una estrategia de promoción de la exposición del museo con dibujos inéditos del pintor.

“Por la noche es cuando mejor se puede intuir la luz en la instalación; no se respira el mismo humo ni podemos beber el mismo whisky que sus personajes, pero sí entender un poco mejor, espacialmente, la pintura de Hopper”,

El Flatiron y el “23 skidoo”

Parece ser que cuando se construyó, la forma aerodinámica del edificio generaba una corriente de aire en la calle 23th. Esto provocaba que los vestidos de las mujeres se levantaran por el viento. En los primeros años del siglo XX las mujeres llevaban vestidos largos, al estilo “Mary Poppins”.

En aquel momento la visión de los tobillos desnudos de una mujer era algo excitante, por lo que muchos mirones se situaban a lo largo de la calle 23th esperando que un golpe de viento levantara los vestidos de las paseantes. La policía se instaló en esa esquina para echar a los mirones. La expresión que nació en aquella época fue “23 skidoo”, entendido como “lárgate de la 23” o aprovechar una oportunidad propicia para irse sigue vigente hoy en día.

Notas

1

Amos Richards Eno (1810 – 1898) fue un inversor inmobiliario de la ciudad de Nueva York. Construyó el Hotel de la Quinta Avenida y muchos otros proyectos en las calles de Broadway y la Quinta Avenida, donde estableció una importante fortuna familiar de entre 20 y 40 millones de dólares estadounidenses (unos 1.520 millones de dolares de 2024). En abril de 1882, Eno y sus familiares fundaron el Second National Bank of New York, su hijo John Chester Eno, presidente del banco, malversó en 1884 millones de dólares y luego huyó a Canadá para evitar ser procesado. Provocó un gran escándalo, lo robado fue cubierto por su padre.

2

El Pais. El viajero. Mario Suárez. 12 septiembre 2013.

Continua en https://onlybook.es/blog/el-edificio-flatiron-de-nueva-york-2a-parte/

———————-

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

February 10, 2020

«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz

Texto en español https://onlybook.es/blog/man-ray-objetos-de-ensueno/

Canal Foundation, Mateo Inurria, 2 . Madrid.

Exhibition curator Pilar Parcerisas Colomer (Manresa 1957) (1)

The Plaza de Castilla is a place with icons that recall many times, different styles, scams and frustrations.

Ahere are the towers KIO “Kuwait Investments Office” of 1996, twin towers inclined 15 degrees (the tower of Pisa is 4 degrees), called Doors of Europe.

They are 114 meters high with 26 floors, designed by architects Philip Johnson (Cleveland 1906 – 2005 New Canaan) & John Burge (Chicago 1933).

The sculpture (to call it somehow) of Santiago Calatrava (Valencia 1951), which should have moved, cannot do it even though it cost millions to do so (2).

There it works, the hall of the Isabel II canal, where it is possible to see exhibitions, many of them unforgettable.

For its impact, I remember the Auschwitz Exhibition organized together with the Auschwitz-Birkenau State Museum, which closed in early February 2019 with about half a million visitors, but for its beauty I want to refer to the one that exhibited the work of Man Ray.

“I paint what cannot be photographed. I photograph what I do not want to paint. I paint what is invisible. I photograph what is visible». Man Ray.

Man Ray, (pseudonym of Emmanuel Radnitzky, Philadelphia 1890- Paris 1976), began his career as a painter, although from 1915 he devoted himself mainly to photography.

After living with Marcel Duchamp (Blainville, France 1887 – 1968 Nevilly) and Francis Picabia (Paris 1819 – 1953), the effervescence of Dadaism in New York, he settled in Paris in 1921.

Very early on he knew how to differentiate between painting and photography.
“I paint that which cannot be photographed, that is, that which comes from the imagination or from a dream, or from an unconscious impulse. I photograph the things I don’t want to paint, the things that already exist.

He soon practiced a pictorial automatism with the airbrush, without canvas or palette, at an early date, 1918.
He freed photography from its utilitarian, scientific or documentary function and elevated “creative photography” to the status of a work of art.

He became the surrealists’ favorite photographer, as his graphic simplicity was capable of enveloping the most banal things with a halo of mystery.

The surrealist movement embraced photography as an instrument linked to the psychic automatism it promoted, by virtue of which the artist allows the unconscious to dominate the creative act.

André Breton (Tinchebray 1896-1966 Paris) proclaimed that “the eye exists in a wild state” and Salvador Dalí (Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Figueras 1904-1989).

“…Photography is pure creation of the spirit”.Salvador Dalí

Surrealism introduced the common object into the field of sculpture, which acquired a symbolic meaning apart from its original functionality.

Man Ray with his “objets trouvés” (Found objects) created poetic objects, which he detached from their function of use. He extended his libertarian spirit to cinema, creating experimental films that opened the doors to avant-garde cinema.

Man Ray was very attracted to everyday objects and to experimentation in the laboratory. The result of both hobbies were the “Rayograms” (photographs without a camera) and the “Objets de mon affection” (objects of my affection), a set of autobiographical objects that illustrate the most ironic, critical, provocative and lucid side of the Dada spirit.

The writer and painter Georges Ribemont-Dessaignes (Montpellier 1884 – 1974 Saint-Jeanet) baptized them as “dream objects” because they are located in the domain of memory, dream and desire.

The naturalness with which Man Ray captures the existence of things is reflected in his portraits and self-portraits, in female nudes and in the very objects he photographs.

The exhibition takes a journey through the main themes addressed by Man Ray throughout his career and focuses on the poetics of the object, one of his greatest contributions to surrealism and twentieth-century art.

Friends, portraits and self-portraits

The appearance of photography changed the relationship between painting and portraiture.

Purely portrait photographers came to be seen as failed painters by the new avant-garde.

For Man Ray, creation began where reproduction stopped and the field of portraiture became a space for experimentation, he achieved fame in the Paris of the 1920s and 1930s. He made portraits of the aristocracy, the haute bourgeoisie and the artistic bohemians.

Dora Maar

He managed to capture the existence and the aura of people and left testimony of friends such as Picasso (Pablo Ruiz Picasso, Malaga1881 – 1973 Mougins), Marcel Duchamp, André Breton (Tinchebray, 1896 – 1966 Paris), Mina Ley, German Stein, Lee Müller, André Derain (Chatou 1880 – 1954 Garches), Louis Aragon (Louis Andrieux Paris 1897 – 1982), Jean Cocteau (Maisons-Laffitte 1889 – 1963 Milly-la-Forêt) and many members of the surrealist group.

I also record the summer of 1937 where Picasso lived in Mougins with Dora Maar (Henriette Theodora Markovitch, Tours 1907 – 1997 Paris), Paul and Nusch Éluard (Maria Benz, Mulhouse 1906 – 1945 Paris) and his new love Ady Fidelin (Casimir Joseph Adrienne Fidelin, Pointe-à-Pitre 1955 – 2004 Albi).

Rayogramas

Man Ray’s life was a continuous experimentation.

Around 1921 he discovered Rayograms or camera-less photos.

They consisted of recording the silhouette of small objects directly on photosensitive paper by means of the random incidence of light.

A discovery that follows in the wake of the nocturnality and the dream that so attracted the surrealists.

These photos turn the everyday objects he uses in his laboratory (matches, metal spirals, buttons, pens, pencils…) or in the kitchen (a mixer, a cheese grater, a pair of scissors or a string) into ghosts of themselves, into profane illuminations of the twentieth century.

Man Ray himself explained it this way:

“I rebelled against my camera and threw it away. I took whatever fell into my hand; the hotel room key, a handkerchief, pencils, a paintbrush, a piece of string. I was not obliged to bathe in the liquid. He would lay them on dry paper and expose them to the light for a few seconds as if they were negatives.

“I was very excited and had a lot of fun.”

In 1982 he published a set of Rayograms under the title “Les Champs délicieux” (The Delicious Fields) with a foreword by the poet Tristan Tzara (Samuel Rosenstock Moineşti Bacău 1896-1963 Paris) where the latter notes.

“These are the projections, the surprises in transparencies in the light of tenderness, the objects that dream and inhabit their dream.”

Isidore Ducasse’s enigma consists of a sewing machine (from 1920, remade in 1972) wrapped in a blanket and tied with a rope.

Inspired by a simile used by the French writer Isidore Ducasse (1809-87), known as the Count of Lautréamont.

“Beautiful as the accidental meeting, on a dissecting table, of a sewing machine and an umbrella.”

(The umbrella was interpreted as a masculine element, the sewing machine as a feminine element and the dissecting table as a bed).

“Man Ray, a la escucha de la luz”. André Breton

Dream object

1

Man Ray always felt an attraction to the everyday object, the one that was not given any artistic value: By itself/, Por sí mismo (1918) which values the existence of the object in itself, and Lampshae/Pantalla (1921) converts a simple paper spiral into a lamp.

In Man Ray, objects are imbued with an autobiographical character. They represent the construction of his inner world, the mirror in which he reflects himself. He called them Objets de mon affection/ Objects of my affection.
André Breton had already defined him as “the great scrutinizer of the decoration of everyday life”. Unlike Marcel Duchamp’s Ready-Made/Found Art, which chooses an object manufactured by industry and elevates it to the status of a work of art. Man Ray creates something new from the association of two objects, in the style of the poet Lautréamont’s metaphor “beautiful as the chance meeting of a sewing machine and an umbrella on a dissecting table.”

Women and Venus

Man Ray contemplates the woman as an object of desire.

In the portrait of Lee Miller, his lab assistant and lover, his camera fragments the body and turns her stretched neck into an anatomy of phallic connotations. Her hands become objects in themselves.

The nudes of Meret Oppenheim (1913-1985), in the studio of the engraver Louis Marcoussis (1883-1941), equate the beauty of the female body with the beauty of the machine.

The model shows her torso through the press, which she turns with her hand, while the other hand is inked. By placing the nude body in a workplace, Man Ray enlivens the desire that he also knew how to transmit in the field of fashion with his play of transparencies.

A tireless researcher, he discovered by chance, together with Lee Miller, “solarization”, a technique in which the image inverts its tone totally or partially when placed on a light-sensitive material: in the middle of the developing process, something climbed up Lee’s leg and when the light was turned on out of fear, the negatives in the developing tray were, when fixed, outlined by a halo. In this way he manages to highlight the outline of the body and face of Picasso’s lover, Dora Mar.

Between 1936 and 1940 Man Ray had a relationship with Adrienne Fidelin “Ady” (Casimir Joseph Adrienne Fidelin, Pointe-à-Pitre 1915-2004 Albi) a young mulatto dancer, originally from the French colony of Guadeloupe.

Ady’s nudes and the graceful movement of her body highlight the concept of beauty of the flesh-and-blood woman, as opposed to the artificial beauty of the mannequin seen in his works.
Man Ray and Marcel Duchamp: poetic machines Man Ray and Marcel Duchamp (1887 – 1968) met in 1915 in the USA. Man Ray had already seen in New York, at the Armory Show of 1913, his very famous Un descedant un escalier/Nude Descending a Staircase (1912), a work that had an effect not only on Man Ray, but on the entire history of 20th century art.

Man Ray photographed Duchamp’s studio with his cubist paintings. The ready-made (found art) and its shadows, he photographed Le Grand Verre/The Great Glass (1915 – 1923), with the dust accumulated on the glass, which he titled Èlevage de poussière/Dust Hatchery (1920), and even Marcel Duchamp himself as Rrose Séfavy, his female altar ego.(3)

The friendship between the two was one of the most fruitful of the twentieth century. They shared interests and affinities; together they opened art to an aesthetic influenced by industrialization and far from naturalism.

By identifying woman with the machine, Duchamp proposed a new concept of beauty; Man Ray, in turn, departed from the concept of naturalism, typical of traditional photography, by incorporating the camera into the concept of “automatism”, a means of creation that suppresses the artist’s conscious control over the process of creation, dominated by the unconscious.

Their curiosity to understand modernity marked their interest in optical instruments, visual illusionism and cinema.

Together they created pioneering kinetic machines such as Rotary Glass Plates/Placas de vidrio rotativas (1920), the film Amémic Cinéma/Cine anémico (1926) or the stereoscopic film Frames from a Projected Stereoscopic Film/Fotogramas de una película estereoscópica proyectada (1925/1973) of which only a few frames were saved.

They agreed in making art “a political machine”, stripping reality of its appearances and making visible its mechanics and the dreams of progress of modern times.

Notas

1

A large part of the texts are those that accompanied the exhibition, which was open from January 31 to April 21, 2019.

2

Called “The Obelisk of the Caja”, built to celebrate the 300th anniversary of the founding of Caja Madrid (1702-2002). It was commissioned to the architect Santiago Calatrava (Valencia 1951). It was inaugurated in 2009. With a cost of 14 million euros (It is true, there is no mistake in this value), had a cost of conservation, maintenance, cleaning and surveillance of 300.00 € per year, only worked 3 months.

Called “The Obelisk of the Caja”, built to celebrate the 300th anniversary of the founding of Caja Madrid (1702-2002). It was commissioned to the architect Santiago Calatrava (Valencia 1951). It was inaugurated in 2009. With a cost of 14 million euros (It is true, there is no error in this value), had a cost of conservation, maintenance, cleaning and surveillance of 300.00 € per year, only worked 3 months.

3

https://fr.wikipedia.org/wiki/Rrose_S%C3%A9lavy

Duchamp es el primer artista que se reinventa en una mujer con producción literaria y plástica por derecho propio: La firma «Rrose Sélavy» se menciona por primera vez en la escultura titulada «Viuda fresca».

The spelling of the first name “Rose” is written with a single “r”.

This spelling then evolves and the first name takes two r’s “Rrose”, among other reasons for a series of photographs executed by Man Ray , where Duchamp is presented as transvestite in woman, made up and wearing a hat.

Duchamp films Rrose Sélavy in at least three films and one short film: the name chosen evokes the phrase “Eros is life”: Duchamp also states that he chose the name “Selavy” because of its Jewish sound. The double r in the first name evokes the double Ll that begins with some Welsh surnames , as in “Lloyd”.
In 1939, a collection of aphorisms appeared under the name of Rrose Sélavy, “Poils et coups de pieds de tous”, written by Duchamp.

On Saturday, May 15, 1965, Duchamp organized a “Rrose Sélavy dinner” at the Victoria restaurant in Paris and surrounded himself with about thirty guests, including Carl Fredrik Reuterswärd (1934 – 2016), Jacques Fraenkel (Paris 1896 – 1964), Gabrièle Buffet-Picabia (Fontainebleau 1881 – 1985 Paris), PR de Zayas and Marie-Claire Dumas, all members of the Association for the Study of the Dada Movement.

Reproduction in whole or in part is permitted provided the source is acknowledged. Thank you.

You may be interested in this topic, so I send you this suggestion from Hugo K: SUBURBIA http://onlybook.es/blog/suburbia-1a-parte/

Our Blog has been read more than 1.300.000 times: http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/arteexposicionesfotografia

Entry navigation

Entrada anterior Palladio + Scamozzi arq. Opera y Venecia Xa. Parte 12Entrada siguienteEl Elogio de la Sombra. Tanizaki

The Wright Synagogue

4 marzo, 2022 

Beth Sholom Congregation

«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors, which I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, so I decided to make an attempt. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. Here are the lines I have written in the meantime, with all their imperfections». Hugo Kliczkowski Juritz

Elkins Prk. PA. 1954

Our Aunt Fory (younger sister of Alicia, our mother), was part of the Jewish community in Philadelphia, and she promised us that we could get in.

Of course (as usual), our trip was not easy, we punctured a tire, we had to change the rental car, we got lost, etc, as we had no GPS, we stopped a cab, and gave him the address where we wanted to go, Guillermo got in the cab, and I had to follow them behind, it was easy, while going 40 km, more complicated at 70 km / h and when the cab driver thought he was in the 500 miles of Indianapolis, it was an ordeal.

These things should be disclosed, as they are among the hardships of architects when they go to see works in places they do not know.

For all this we arrived late, and out of the hours of religious services.

It is an excellent way to know the result of a project, to be able to see it working, but …. It was designed by F. Ll. Wright (1867 – 1959) between 1953 and 1959, a tripod, perhaps a candelabrum.

Rabbi Mortimer J. Cohen (1894 – 1972), Wright’s interlocutor, wanted it to recall Mount Sinai, the place where the people of Israel received the word of God.

Inside it has no beams or buttresses.

During the day, there is more light (sunlight) outside than inside the synagogue, and its silhouette is cut out, but at night it is transformed, the light inside makes it possible for Wright’s magic to be in a state of ecstasy. Background, Figure, Interior, exterior, volume, space, transparency, transparency, permeability…. all at the same time, with no other order than that allowed by its own nature.

If we were to remove the synagogue from that place, something would be missing, something very important.

Our Blog has been read more than 1,300,000 times. http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

https://onlybook.es/blog/gb-the-works-of-frank-lloyd-wright-part-14-the-robie-house/

GB Wright, Larkin, Darwin Martin Complex, Midway Gardens. 2nd part

3 comments on “Wright’s Synagogue”.

1. Silvia Gottleb4 marzo, 2022 a las 9:39 amEditarCómo siempre Hugo ,un lujo leer tus explicaciones generales y arquitectónicas Orgullosa de que seas mi querido primo !!!!
   1. hugoklico5 marzo, 2022 a las 9:47 am Editar gracias primita, besos
   2. hugoklico10 marzo, 2022 a las 10:31 pm EditarGracias primita

Comes from https://onlybook.es/blog/saul-steinberg-artista/

«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz

If this book is titled «Saul Steinberg, artist» it is because it states, from beginning to end, that this was the most radical vocation of the man who said of himself that he had not just «belonged to the world of art, cartoons or drawing.»  and that the art world didn’t know where to place it. Profusely illustrated, it covers his life and work in Europe and the United States of America, especially in New York.

Saul Steinderg: The Wandering Sign

Alicia Chillida (1)

«I am a writer who draws.» Saul Steinberg

The paper on which Saul Steinberg draws seems to transform into a continuous and infinite ribbon. With its profuse lines it is capable of invading territories, maps, art galleries, museums, people, furniture, animals or buildings. (…)

Origin and Destination

Saul Steinberg chose drawing in search of maximum freedom of expression and action, until it became a wandering sign, traced by its own existence. He was born in 1914 in Râmnicu Sărat, a Romanian town near Bucharest, into a Jewish family of Russian descent who emigrated to the capital in 1915. He studied Philosophy and Letters at the University of Bucharest. Between 1933 and 1940 he lived in Milan, and there he obtained a degree in Architecture from the Royal Polytechnic. A tireless draftsman, inspired by Cubism and the Bauhaus, he began working in 1936 for the satirical newspaper Bertoldo.

As he himself would recall years later in his interview with Jean Vanden Heuvel (Los Angeles 1934 – 2017 New York), «although I believed that I did not have great talent, I always felt a strong inclination for drawing.»

When his first work was published he said, “I stared at it for hours, mesmerized. I walked carefully along each of the lines. It was probably not the drawing that I admired, but myself!

From that first publication, he became aware of the potential of his work and the power of disseminating his thoughts on paper through the mass media.

In the opinion of the American critic and philosopher Harold Rosenberg (New York 1906 – 1978 Springs), the author anticipated the artistic spirit of his time:

Steinberg, by capturing the mix (that exists) between nature and art, between the artist and the viewer, participates in the advanced artistic thinking of his time. Twenty years before pop art, he exposed his premises in a large number of drawings, as well as in the double relationship he maintains between commercial art and the museum.

In Italy, the architect and draftsman was a victim of Mussolini’s racial laws of 1938, which prohibited him from practicing his profession as a draftsman. Arrested later, he was interned in the Tortoreto camp, from which he was allowed to leave on the condition that he leave the country. Years later, he would write to his friend Aldo Buzzi: «I seemed to be in someone else’s role, I saw myself as if I were someone else, something similar to the situation of a man who draws a man.»

Finally, in 1941, he managed to flee Europe towards New York. He had to wait about a year in the Dominican Republic – where he met the Spanish painter and poet Eugenio Granell – waiting to obtain a visa to enter the United States. During that period, he began to collaborate with the weekly newspaper The New Yorker, a fact that helped him, together with the mediation of his agent Cesare Civita and his relatives residing there, to enter the country in July 1942.

In 1942, still in Ciudad Trujillo (today Santo Domingo), he drew caricatures of Hitler that appeared in various publications and were part of the exhibition “Cartoons against the Axis,” organized by the American Society of Magazine Cartoonists and held at the Art Students. League, which also featured, among others, Ad Reinhardt, Crockett Johnson and Charles Addams.

Der Schuldige (The Guilty One), in the July 26, 1944 edition of Das Neue Deutschland, a fake Resistance newspaper produced by the OSS Moral Operations

Already established in the United States, he was recruited in 1943 by the North American Naval Reserve and performed military service during World War II in the Moral Operations Division, integrated into the Office of Strategic Services (OSS).

In this unit, he dedicated himself to producing material for psychological warfare against the Axis Powers and, for this purpose, he was sent to India, China, North Africa and Italy.

In the fall of 1944, he settled permanently in New York, where he married the painter Hedda Sterne (Bucharest, 1910-New York, 2011).

After the war, he got to know the United States in depth and spent time in Europe, especially in Paris, where Romanian artists and writers who were part of the European intellectual and cultural elite such as Constantin Brancusi, Emil Cioran and Eugene Lonesco resided.

In 1957, he also traveled to Spain with his wife (and they visited San Sebastián, Madrid, Granada…). Among all these trips, it is worth mentioning the visit in 1958 to Picasso at his villa La Californie, in Cannes, where they had fun drawing exquisite corpses. (2)

A tireless explorer, he valued travel as a method. It would seem that in his drive to travel there was a desire for existential mutation, a desire to test himself and, perhaps, to become another. He was a wanderer due to his biography: Jewish, draftsman trained as an architect, prisoner and emigrant.

This tangled vital line is what draws its character and gives rise to the sign: a sign that moves between signs. Critic and art historian Dore Ashton has pointed out precisely this wandering condition of ST, in which character is destiny: Steinberg’s destiny was to identify the exact line among millions of possible lines to express his own character, simultaneously, with that of what he observed.

He knew that the word was derived from the ancient Greeks and that it was meant to engrave. For the Greeks, character was an instrument. For Steinberg, too.

Similarly, the French structuralist philosopher Roland Barthes, who dedicated an important essay to ST’s work, All except you, used the term «idiolect» to describe the characteristic way of speaking of this creator of sign-figures. .

The artist, according to Barthes, plays with all forms of representation, goes through the common language to create a new one, in which drawing becomes a way of philosophizing or satirizing, causing in the “reader” an intellectual spark, a grimace of laughter and despair.

ST offers a reading that never ends. From sign to sign, it invites the reader on an always unfinished journey.

New York, The Museum, Criticism, Art

Without ceasing to be present in magazines such as The New Yorker – which provided him with a collaboration that spanned more than five decades and allowed him to become known worldwide, or Flair, where he published his first photographic works during the 1950s – white photographs. and black intervened with drawing, which represents domestic interiors and urban scenes; In 1946 he participated in his first national exhibition: Fourteen Americans, curated by Dorothy C. Miller at the Museum of Modern Art in New York (MoMA), along with artists such as Isamu Noguchi, Arshile Gorky, Robert Motherwell and Mark Tobey.

In 1958 the book “Les Américains” – The Americans – was published with photographs by Robert Frank, a Swiss emigrant of Jewish origin who had toured the United States between 1955 and 1956, portraying the streets, the faces of the people, the squares, the bars and shops. (3)

Robert Delpire, its Parisian editor, invited Saul Steinberg to make the cover of this first edition, who responded to the commission with a few strokes of black ink on millimeter paper, a drawing that condensed the spirit of New York in the 1950s. .

The extraordinary visual acuity with which ST observed his adopted country dialogues with the work of Robert Frank, both European artists, inveterate travelers and passionate chroniclers of North American society. Les Américains soon became one of the most influential photography books in the world.

The large train stations and buildings of the city constitute another motif captured by the draftsman-architect and wandering traveler, who loved his adopted continent while satirizing it:

Ah! I love America […]. Freedom of movement, freedom to be what you want. America is utopia! There are no social classes, no obligations… And what I also like about there is that everything happens quickly! The containers are always full, you can find grand pianos, last year’s televisions or sofas: it is the wealth of garbage in America. Another thing: you can be alone. If you die, no one notices.[… ] His inclusion in the aforementioned MoMA exhibition established him as one of the artists of the moment, which aroused the distrust of the American critic, Clement Greenberg. “The presence of artists such as Sharrer, the ineffable Pickens, Tooker, Culwell, Aronson, Even the abstract painter Pereira, the sculptor Noguchi, and the talented illustrator and caricaturist Saul Steinberg—whose drawings have a surprising energy in their own right—takes away from the force (of the exhibition), either because, as in the case of the first four or five, they ultimately tend towards academicism, or because, as in the case of Pereira and Noguchi, their feigned pose dilutes good intentions. And the incorporation of Steinberg – who is good, but with his limitations – seems almost a desperate last-minute gesture: because, even if he gave much more of himself, it would still be relatively insignificant from the point of view of modern art.

Steinberg avoided any typecasting: «I don’t quite belong to the world of art, nor to the world of cartoons, nor to the world of magazines, which is why the art world doesn’t really know where to place me.»

[…] Another artist also close to him was the painter, sculptor, engraver and ceramist Joan Miró (Barcelona 1893 – 1983 Palma), with whom he shared that world of childhood, as well as an inclination towards irony and the complexity of drawing.

[…]  in his pictorial comments, a multitude of faces attentively contemplate a set of abstract paintings in an exhibition, and these same abstract forms blend with the hairstyles and other aspects of the viewers.

In his work, forms taken from Russian constructivism or references to Piet Mondrian are also evident, as in Luna Park (1968), where the Dutch neo-plasticist painter becomes an art deco fair attraction alongside Soren Kierkegaard and Arthur. Rimbaud.

…The text continues in the catalog, from this page 311 to page 324, which is where the text by María Teresa Muñoz begins.

The girl in the bathtub. Page/12. May 13, 2011

By the writer, journalist, editor, translator and literary advisor Juan Forn (Buenos Aires 1959 – 2021 Mar de las Pampas), responsible for the wonderful back covers of the newspaper Pagina/12

A few days ago, a hundred-year-old Romanian woman named Hedda Sterne died in New York (she used her name Sterne and Hedda Lindenberk as sunomonyms). The obituary machinery was set in motion in the usual manner and the headlines were: “The last of the abstract expressionists dies.” They were referring to the gang of Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning and company, who during the first years of the Cold War, with the active collaboration of the CIA and the North American State Department, exported to the entire world the news that There was a new way of painting and that the capital par excellence of art was no longer Paris, but New York.

The abstract expressionists were all men, all egomaniacs, all pontificators and drinkers, and they burned like bonzes after fighting like mad dogs, after discovering to their stupor that they had triumphed. A double-page photo that appeared in Life magazine in 1951, with the title “The Irascibles,” had made them famous. In the photo taken by Nina Leen (Russia 1914 – 1995 New York), among all those goats, the little head of Hedda Sterne appeared, in the last row, the only woman. “I am better known for that photo than for eighty years of work. “If I had an ego, I would be depressed,” declared Sterne in the only report they made of him at the inauguration of his last exhibition, when he was 97 years old.

The photo called «Los Irascibles or Los Belicosos» brought together a group of important artists and was taken to protest the refusal of the Metropolitan Museum of New York to show the works of the Abstract Expressionists in the 1950s, in the largest retrospective of American painting to date. In that photo were Willem de Kooning, Paul Jackson Pollock, Mark Rothko, Saul Steinberg, Hedda Sterne, among others.

The history of the photo and the group

In 1950, eighteen artists from what years later was called the New York School staged a protest against the exhibition “American Painting Today: 1950” that the Metropolitan Museum of Art was organizing for that year.

Many contemporary artists did not consider themselves represented in this exhibition that sought to bring together the best of American contemporary art and decided to organize a collective protest.

Among those artists were none other than the painters Jackson Pollock, Christopher Rothko, Barnett Newmann and Willem de Kooning.

In 2020, seventy years later, the March Foundation remembers that episode with an exhibition at its headquarters in Madrid, showing the works of the eighteen artists who participated in that protest, which began around the Studio 35 academy, in the Village of Nueva York, a space that the painters Motherwell, Baziotes and Rothko had launched in 1948 together with the sculptor David Hare.

Dissatisfied with the jury that the Metropolitan Museum had appointed to choose the representatives of contemporary North American painting, in their opinion of conservative tendency and little related to the avant-garde art that was being done in 1950, they wrote a letter to the president of the museum, Roland L. Redmond, signed by twenty-three artists.

The New York Times published that letter on its front page on May 22, 1950 under the headline «18 Painters Boycott the Metropolitan: They Accuse the Museum of Maintaining a Hostile Attitude toward Advanced Art.»

The Herald Tribune tried to disavow the protest of those artists in a harsh editorial that it published the next day in which it described the signatories as «The irascible 18.»

Despite everything, the Metropolitan held that exhibition at the end of 1950. Life magazine then proposed to the signatories of the letter that started the controversy that they pose for a photograph that is now historic. Fifteen of them attended and the image became an iconic symbol not only of the protest but of the ideology of what these artists thought about the future of American art.

La foto es ya el retrato canónico de la generación de artistas conocida como Escuela de Nueva York. Life publicó la fotografía el 15 de enero de 1951 ilustrando un artículo que titulaba “Una facción irascible de artistas avanzados ha liderado la lucha contra una exposición”.

The Hedda Sterne archives are deposited at the Smithsonian Institution. Included in the Archives of American Art, Hedda Sterne papers, AAA sterhedd 1939/1977. There is correspondence between Hedda and Saul Steinberg that contains little-known drawings by Steinberg that he sent to Hedda in a private and erotic nature.

His appearance in that photo was a misunderstanding. The bellicose men became enraged en masse with her and with Life, because the presence of a woman took away all seriousness from the matter (Hedda appeared in the photo with a little hat and a flirty purse hanging from her arm). Until the day before, they condescendingly told him, “You look like a man. “You could be one of us.” From that day on they decreed that she was neither abstract nor expressionist, something that she herself confirmed with a phrase that they did not find very funny: “It’s true, Mondrian is abstract. And, for an expressionist, there is no one better than my Saul.” Their Saul was Saul Steinberg, who for those painters was, yes, a brilliant cartoonist, even a gifted one, but a mere New Yorker cartoonist.

Steinberg was Romanian like Hedda, born in Bucharest and raised in the same environment, but they only met in New York. Hedda came from Paris, from where she had fled with the clothes on her back before being deported as a Jew, and Steinberg came from Milan, where she had been studying architecture before the anti-Semitic purges began: ‘I was four years older than him, and at nineteen I wasn’t running around with fifteen-year-olds,’ she said. Steinberg went to his small flat on 71st Street at noon in 1943 and stayed there for 18 years. In the bathtub of the flat, in 1949, he painted his famous portrait of Hedda, Girl in the Bathtub.

Unlike the Life painting, Hedda did not mind at all being Steinberg’s Girl in the Bathtub, even though they separated in 1961; she continued to live in the same small flat until her death, long after the bathtub painting had faded. Nor did she ever remove from the kitchen wall the beautiful diploma Steinberg had made for her, consecrating her as head chef of the house and of the city (though after Steinberg she never cooked for him again). When Peggy Guggenheim criticised Hedda for abandoning the kitchen and stubbornly refusing to label her paintings, Hedda corrected her: «I think it’s the style of the ego».

Since her arrival in America, she had been fascinated by the concrete and the immediate: «‘America is a country of the mind».

Sterne began painting moving cars, gigantic vegetables seen from the inside, totem-like aeroplane parts, still lifes with toilets (one of his obsessions: the differences between European and New World toilets), but to his astonishment and Steinberg’s hilarity, everything he did was abstract in the eyes of his colleagues: » ‘You could be one of us, You paint like a man».

Sterne unabashedly confessed that her dry spells had been plentiful, simply because she had lived for eighteen years with a man who never worked more than three-quarters of an hour at a time and who blindly relied on only one thing in the world: his formidable first stroke (according to Steinberg, ‘that stroke was his way of thinking’). During these crises of confidence, Hedda made freehand psycho-portraits of her colleagues and friends to distract herself: they were not physiognomic; they were exclusively of the psyche, in her opinion. She accumulated them over the years, and when she exhibited them, believing them to be the most abstract thing she had ever been able to do in her life, she was accused of having betrayed abstraction and (in 1971!) defenestrated once again. Steinberg had once drawn a story that Hedda told her, they had it hanging in the kitchen:

…a little girl is drawing. The mother asks her what she is drawing. How can you draw him if you don’t know what he looks like, says the mother. That’s why I draw him, the girl answers. Rothko and Barnett Newman were drinking one night in that kitchen. Barnett pointed to Rothko’s drawing. ‘That’s what we’re all forgetting,’ he said.

In 1943, she participated in The Exhibition by 31 Women held at Peggy Guggenheim’s Art of this Century gallery in New York.

Despite her work, Sterne has been almost completely ignored by the Art History of the post-war American art scene. Sterne saw his widely varying works as a flowing

From the moment she began to lose her sight until she went blind, Sterne kept a sort of logbook in the form of daily drawings, done in white crayon on white paper. She had set up her work table against the largest window of her flat and there she sat each day, crayon in hand, searching for the light with her milky eyes. In an interview filmed before her death, she is sitting at the same table, the light shining in from the side and illuminating her eyes, her hair is white and she has that serenity in her face that only the blind can have: she is literally glowing. ‘The doctors say you can’t wear out your eyes. It’s other things that wear them out, not use,’ he says at one point. ‘Ego is the tool some people use to make talent look like genius,’ she says at another point.

One sees her speak, recount her life, and sees all the women she was appear, all of them at once: the ten and the twenty and the thirty and the forty and the fifty, the fatal young woman Hans Arp and Duchamp fell in love with, the one persecuted as a Jew, the one rescued by New York, the one always attentive to the sensuality of the world, the artist immune to ego, the loner, the wise old woman. As if somehow, in that container, they were all preserved, preserved what most lose of themselves along the way. The novelist Henry de Montherlant (Paris 1895 – 1972 Ibid) said that there was only one way to portray happiness: with white ink on white paper.

Hedda Sterne

Part of a series in which a drawing by Saul Steinberg of a woman was projected onto Hedda Sterne, the projection aligns so closely with Sterne’s features that it becomes a kind of mask.

It anticipates the paper bag masks that Steinberg would begin to make several years later. Between 1959 and 1962, he animated many simple paper bags with faces drawn in crayon, ink or pencil, which he and his friends donned for the masked portraits taken by the photographer Inge Morath (Graz 1923 – 2002 Manhattan). The Eameses shared the Steinbergs’ interest in masks.

Charles, Ray Eames and Saul Steinberg

Shortly after Charles and Ray Eames developed the Shell Chairs (1948) with a fibreglass seat shell (mass-produced, a new seating typology) (4), Saul Steinberg visited the Eames Office in Los Angeles in 1950. Steinberg was already known for his humorous and sometimes provocative drawings of people and animals – especially cats – with which he repeatedly pushed the boundaries of traditional graphic media. During his visit, he spontaneously drew a series of lively caricatures on the furniture prototypes, floors and walls of the studio. He was particularly drawn to the Shell Chairs, and with a paintbrush he began to paint lines that flowed from one chair to the next, creating a small, imaginative cosmos of characters and animals, and the Eameses enthusiastically documented the spectacle in a series of photographs.

Nota

1

Alicia Chillida (San Sebastián, 1958) demonstrates an interest in the convergence of art, architecture, landscape and environmental issues.

Her most recent projects are the exhibitions Archivo Portera at the Museo de Arte Abstracto de Cuenca and Saul Steinberg, artist at the Juan March Foundation, Madrid.

-Moderator of the session ‘Artistic creation’ in the summer course Luis Martín-Santos and his time. Politics, society and culture in years of silence at the University of the Basque Country (UPV/EHU), San Sebastian.

-Invited by the Department of Systems Design Engineering, Keio University, Tokyo;

-Direction and production of the Edge’92 Biennial, Madrid.

-Coordination of the workshop Urban Interventions, directed by Muntadas for Arteleku, Donostia-San Sebastián.

-Directorship and production of Ulrich Rückriem’s permanent sculpture project: Siglo XX, XXI, in the Pre-Pyrenees of Huesca.

-Invited by the XII Havana Biennial.

-Director del Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria.

2

El cadáver exquisito era un juego surrealista de creación colectiva, que podía ser escrito o gráfico. En él, cada miembro del grupo realizaba su parte de la obra sin ser plenamente consciente de las demás. En este tipo de collage, el accidente desempeñaba un papel muy importante.

3

THE AMERICANS. Frank Robert- Kerouac Jack. ISBN 978- 84-18934-03-2. Editorial la Fábrica. 180 pp.

A masterpiece in the history of photography, this book shows an exciting portrait of America in the 1950s as a road movie.
Los Americanos was conceived during 1955 and 1956. First published in 1958, it did not take long to become a landmark, the most influential photography book in the world and a touchstone of American identity.
Robert Frank, who travelled the roads of 48 American states taking photographs of ordinary people (a parade in New Jersey, a funeral in South Carolina, shop windows in Washington, a cocktail party in New York, roads in Idaho, a picnic in California, Tennessee, Utah…) thanks to a grant from the John Simon Guggenheim Foundation, conceived this project as a result of his relationship with the beat generation, after meeting personalities such as Bill Brandt, Walter Evans and the poet Allen Ginsberg.

4

Vitra currently uses recycled post-consumer plastic to manufacture the shells of the Eames Plastic Chairs and fibreglass-reinforced polyester resin for the Eames Fiberglass Chairs.

They are produced in more than 170,000 configurations, 23 shell colours and 36 upholstery options. The seat shells, whether fibreglass, recycled plastic or welded steel wire, conform to the contours of the human body for a higher level of comfort.

Continued on https://onlybook.es/bl

—————–

Our blog has been read more than 1,300,000 times.

Nuestro Blog ha superado el millón de lecturas

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

8 diciembre, 2024 hugoklico Deja un comentario Editar

Saul Steinberg, Artist

«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz

The Juan March Foundation presented the first Saul Steinberg retrospective exhibition in Madrid, at its headquarters in Castello,77.

The work of Saul Steinberg (Ramnicu Sarat, Romania 1914 – 1999 New York).

I visited the exhibition at the end of November 2024, the texts and photos in this article come from the exhibition and its complete 388-page catalog edited by Manuel, Fontán del Junco and Aida Capa, together with Alicia Chillida and Francesca Pellicciari.

They clarify on the false cover that it contains texts by Harold Rosenberg, Alicia Chillida, Maria Teresa Muñoz, Sheila Schwartz, Francisca Pellicciari, Gabriele Gimmelli and Daniela Roman, and mention a tribute to El Roto.  

It opened on October 18, 2024, it will remain until January 12, 2025. I loved it, I will see it again before it closes.

They exhibit drawings, paintings, engravings, collages and 3-dimensional objects, photographs, artist books, magazines and films. 

In Spain, an exhibition of his drawings had only been held in 2002 at the Institut Valenciá d’Art Modern.

The Saul Steinberg Foundation of New York (Sheila Schwartz and Patterson Sim) has mainly collaborated, which, within the framework of its donations to international institutions, decided to donate nearly one hundred works to the Juan March Foundation.

For the exhibition they have received loans from the Center Pompidou, the Art Institute of Chicago, the Boston Museum of Fine Art, La Galeria Maeght, La Pace Gallery, the Biblioteca Nazionale Braidense in Milan from the artist’s heirs (his nephews Daniela and Stèphane Roman). and private collections. 

They have opened the site Saul Steinberg the extended exhibition at www.march.es

“I feel like I’ve spent my entire life crossing one border after another. Some real moons, some imaginary ones. After a trip, I feel as renewed as those artists who seem to always be in love.” Saul Steinberg, 1978.

Rumanía, Italia, República Dominicana, Estados Unidos…

 The diploma that distinguishes him as an architect from the Milan Polytechnic of 1940 states in its text…Nato a Sarat…DI RAZZA EBRAICA. Data that does not seem to be irrelevant to writing your personal data. 45 x 55 cm document. Archivi Storici. Politecnico di Milano.

Saul Steinberg. Harold Rosenberg (1)

Saul Steinberg is a man who lives on the border of genres, an artist who cannot be pigeonholed into a single category. He is a writer of images, an architect of words and sounds, a draftsman of philosophical reflections. His line of a masterful calligrapher and scribe, aesthetically delightful in itself, is also the line of an illusionist who poses riddles and jokes about appearances.

And it is, furthermore, a «line» in another sense that the word «line» only has in English: a witty phrase to seduce someone, a compliment. Because of his attraction to pen, ink, and pencils, and the complex intellectual nature of his creations, one might think that Steinberg is a writer of sorts, albeit one of a kind.

He has devised dialogues between the verbal and the visual that include word games with multiple levels of verbal and visual meaning, which have led to comparisons with James Joyce. His artistic monologues give life to images that are words, and to words that have the solidity of objects and suffer the misfortunes of living beings, like when a crocodile takes a bite out of the word HELP! -Relief!-. and the part in two, or when WHO pushes DID, which ends up crushing the I of IT in WHO DID IT? -Who was it?- (figure 1).

Steinberg’s compositions cross the borders that separate art from caricature, illustration, children’s art, art brut, and satire, and, at the same time, are loaded with reminiscences of various styles, from Greek art and oriental to cubism and constructivism. His work is especially current, but retains an aura of antiquity.

«I don’t belong to the world of art, nor to that of cartoons, nor to that of magazines,» he explains, «and that’s why the art world doesn’t really know where to place me.» Saul Steinberg

As a cartoonist, he torments those who insist on drawing distinctions between the fine arts and the mass media.

It must be admitted that he is witty, brilliant from a formal point of view, a great calligrapher, but «is he an artist?» (…) However, the moment his drawings and paintings are exhibited in an art museum, they become defined as art. Ever since Marcel Duchamp exhibited a bicycle wheel in a gallery more than fifty years ago, objects have been identified by the company in which they keep. By this rule, the present retrospective puts an end to the debate surrounding the works gathered in this exhibition, but does not determine the nature of a “Steinberg” that will be published in a magazine next week.

Today art, tomorrow vignette.

More important, however, than the outdated question of whether or not a work is art is the fact that all of Steinberg’s creations form a continuous, evolving whole; that are coherent with each other by virtue of the singular mold that shapes the thought, capacity and sensitivity of this artist. It is this definitive mental and manual signature that has helped him achieve greater recognition as a teacher among international audiences than any other living artist.

«The tradition of the artist is to become another person«. Saul Steinberg

He was one of the American artists who emerged immediately after World War II and revolutionized painting and sculpture by introducing a new object of representation: the mystery of individual identity.

Barnett Newman wrote about it:

«The self, terrible and constant, is for me the object of representation of painting.» Self or non-self (impersonality) has been the question around which artistic movements have risen or foundered in the United States during the decades after the war.

In their mythical searches, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Philip Guston, Barnett Newman and Mark Rothko have tried to find a special vocabulary that would allow them to reveal the being that underlies consciousness.

“The tradition of the artist is to become another person.” Saul Steinberg

Like them, Steinberg conceives art as an autobiography. (…) A virtuoso of identity exchanges, Steinberg has a natural inclination for comedy. His idea of ​​the comic is related at the same time to the fantasies of human beings and their intransigence (…)

For Steinberg, all that exists is an artist dedicated to perfecting his appearance, a curious version of Darwinism. As he explained in an interview: «The most important thing to find out is what kind of technique the crocodile uses to make itself seen.» This universal self-transformation also has its dark side. Becoming someone else is a moment of crisis. Steinberg’s drawings are filled with figures on the edge of cliffs, statues falling from their pedestals, solitary individuals staring into space.

Unlike the impenetrable but suggestive signs that Pollock and De Kooning evoke through the spontaneous action of the brush, Steinberg’s figurative language, equally mysterious, comes from the gallery of images burned into the collective spirit.

In this sense, as in others that we will see later, Steinberg is a precursor of pop art, although he transcends it, since he is above all an artist of free imagination. (…) one of his most personal and memorable works is the man with a rabbit inside his head who looks through the man’s eyes, a scared creature, trapped and protected at the same time. Fig 3. The Rabbit . Accessible only through his metaphors, Steinberg becomes “someone” when he demonstrates how his anonymous inner self constantly represents itself.

Saul Steinberg says drawing is a way of reasoning on paper. (Hugo K. It reminds me of what my granddaughter told me when I read to her, “Reading is like dreaming by looking at letters.”)

Steinberg insists that his personal interpretation of his own drawings is not the only one possible. (…) Steinberg has confessed that in his works one can detect a “seriousness or a (Mozartian) melancholy disguised as joy”, and it is true that some of his social panoramas of recent years – such as Law and Order – and Street War -Street War- have a gloomy tone.

In a single-stroke vignette, the artist draws himself inside a circle. (…) It could be interpreted that the drawing represents the history of civilized man. And so on.

Thoughtful and Thoughtful Images. “How can an image give ideas? However, Steinberg gives them. Or rather – something more valuable – it makes you want ideas.” Roland Barthes on Saul Steinberg, 1983

(…) The drawing means to each viewer what they can find in it. Steinberg’s art is an act that brings new insight to light, sometimes in the form of a riddle, and asks in return for an act of understanding.

An excess of interpretation complicates the responsive act: “Every explanation – Steinberg has stated – is an excessive explanation.” Although his art is based on popular imagery, it is ultimately as gnomic as that of contemporary Abstract Expressionists.

Steinberg confronts his present experience by going back in circles to earlier phases of his art and repurposing his language for new purposes.

His 1970s tables Fig 4 are assemblages on boards composed of visually deceptive, handmade images and forgeries of his artistic tools – pens, pencils, brushes, rulers, sketchbooks, notebooks – to which It incorporates such characteristic elements as its speech bubbles and rubber stamps, which fulfill the same identifying function as fingerprints and official signatures from the 1950s.

The larger boards are mounted on trestles and thus become real tables. Arranged with the same neatness as the objects kept in the display cases of a police agency, Steinberg’s artistic tools represent another level of his autobiography, the objects to which he feels most emotionally attached: his «erotic art,» like he likes to define it. (…) They are extensions of himself, but, like his masks with paper bags, “they are not reality, but a symbol.” …

…The text continues in the catalog, from this page 284 to page 307, which is where the text by Alicia Chillida begins.

NOTE

1

Note from the editors. This text by the American critic Harold Rosenberg, a good friend of Saul Steinberg, is translated into Spanish for the first time. It was originally published in the catalogue of the exhibition Saul Steinberg, held at the Whitney Museum of American Art in New York in 1978. The importance of Rosenberg’s essay lies not only in its acute and complex approach to the figure of Steinberg, but also in its vindication of his work, which it rightly places at the centre of the artistic context of the twentieth century. The current whereabouts of some of the images referred to by Rosenberg in the text and reproduced below are unknown, so the corresponding files are inevitably incomplete.

Continued in https://onlybook.es/blog/saul-steinberg-artista-2a-parte/

——————–

Our blog has been read more than 1,300,000 times.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parad

Post navigation

Previous postGB. The documentary “El Ariston” is awarded at the 39th Mar del Plata Film FestivalEntrada siguienteArq Luis Barragan. -casa Ortega y Barragán en DF México. ok

Viene de https://onlybook.es/blog/saul-steinberg-artista-3a-parte/

Haikus Geográficos: Las tarjetas postales de Saul Steinberg

Por Francesca Pellicciari (1)

Francesca Pellicciari

Saul Steinberg. De cerca (2)

En un artículo conmemorativo dedicado a Saul Steinberg, escrito pocos meses después de su fallecimiento, Norman Manea ( (Bucovina, Rumania, 1936) recuerda que la primera vez que le invitó a cenar a su casa no se presentó con la habitual botella de vino, sino con una vieja postal en color de Buzau, ciudad de sus padres y abuelos en la que habían transcurrido sus primeros años de vida.

Era un modo de compartir con Manea su común patria de origen mediante un instrumento -la tarjeta postal- que poseía el poder mágico de detener el tiempo en la epoca en que Steinberg habia vivido en Rumanía un poco antes: «Me interesa muchísimo el periodo inmediatamente anterior a mi nacimiento, y siento no haberlo visto. Tengo la impresión de que haciendo un esfuerzo de voluntad lo habría podido ver».

En la última etapa de su vida, y obsesionado por su país natal, al que había regresado una única vez desde que emigró a los Estados Unidos, Steinberg dedicó su atención a las postales de época de Rumanía, compradas a un comerciante de Queens y luego a un proveedor de Ámsterdam. Esta no era sino la última y la más nostálgica de una serie de colecciones de tarjetas postales que fue reuniendo a lo largo de su vida, pasión que compartía, no por casualidad, con su amigo el fotógrafo y fotoperiodista Walker Evans (San Luis 1903 – 1975 New Haven). Y es que las tarjetas postales constituían para ambos una referencia imprescindible de la cultura popular y, por consiguiente, un instrumento -también imprescindible-para describir la América vernácula: esa América que, como sostenía Steinberg, “nadie había descubierto antes que ellos, con sus «diners” -restaurantes-, chicas, autos, una América que creo que he sido el primero en descubrir, o al menos dibujar -aunque los fotógrafos como Walker Evans ya trabajaban”.

Steinberg no se limitaba a coleccionar postales, sino que las usaba también con su principal función: el envío postal.

Así, por ejemplo, comenzó la correspondencia de toda una vida con su amigo Aldo Buzzi (3) a partir de una postal de Bucarest, expedida durante las vacaciones de verano de la universidad. Y lo mismo sucedió con Le Corbusier, admirado maestro de sus años universitarios, y después amigo, a quien envió una postal de La Cité radieuse, proyectada por Le Corbusier, en la que Steinberg manifestaba su consideración y aprecio.

Su amigo lan Frazier relata que Steinberg sentía una «atracción sobrenatural por el correo postal», y narra anécdotas, algunas de ellas célebres, sobre pedazos de madera modelados en forma de carta, hojas de uva de mar e incluso billetes de un dólar enviados como postales.

«Materiales todos ellos que, igual que los sobres adornados con sellos y timbres falsos, dibujaba y enviaba cuidadosamente por correo para que legaran sin falta a su destino».

A medida que crece su interés por la tarjeta postal, entendida en su acepción más amplia como una memoria cristalizada, como el recorte de un fragmento de espacio-tiempo o como una historia que aún no se ha completado, esta va intro-duciéndose poco a poco en la obra a través de su prisma, que todo lo transforma, sintetiza y reelabora en múltiples claves de análisis Las postales resisten en una dimension a menudo fuera del tiempo, entre lo serio, lo ingenioso, lo alusivo o lo divagatorio, siguiendo los multiformes impitees de su mente genial.

Aunque para Steinberg no se trataba de un proceso premeditado, sino más bien de la expresión natural de su curiosidad y talento, quien observa hoy estos resultados puede intentar trazar un perfil aproximado, identificando temas recurrentes en sus obras que llevaron al artista a interiorizar la postal, no necesariamente en orden cronológico, sino conforme a una progresiva rarefacción y abstracción del tema, hasta legar a un grado cero en el que el autor se aparta y permite que el medio viva por sí solo, cosa que no por casualidad sucedió en sus últimos años de vida.

«Cartas a Aldo Buzzi«, 1945-1999. Saul Steinberg, con Aldo Buzzi
Traducción del italiano: Juan Carlos Gentile Vitale
Comentarios de Carlos Pérez y Vicente Ferrer

ISBN: 978-84-938692-2-9. Colección Grandes y pequeños, n.º 13 / Edición en castellano / 1.ª edición: junio 2012 / 18,5 x 23 cm / 264 págs. / Ilustraciones a todo color y en blanco y negro / Encuadernación en tapa dura con sobrecubierta / Impreso en Brizzolis, Madrid. (4)

Aunque distinto e independiente, es complementario de Reflejos y sombras, libro de memorias de Steinberg.

Las cartas pueden leerse como un verdadero diario que sólo interrumpe la muerte del artista. Junto con las cartas, se incluyen bocetos inéditos, apuntes del natural, postales antiguas y curiosos documentos de toda índole.

Aunque distinto e independiente, este libro es hasta cierto punto complementario de Reflejos y sombras, libro de memorias de Saul Steinberg que se publicó en la misma colección. Contiene la correspondencia enviada por Steinberg a Aldo Buzzi, amigo y privilegiado interlocutor del artista desde la época en que ambos fueron estudiantes de arquitectura en Milán. Tal como afirma en el prólogo Buzzi, responsable de la selección y autor de las notas que acompañan al texto, las cartas de Steinberg pueden leerse como un verdadero diario.

El libro resulta interesante no sólo por los comentarios de Steinberg sobre sucesos cotidianos y de actualidad y sobre sus asuntos personales, sino porque puede ser leído también como un diario de lecturas, un diario de viajes e incluso una guía gastronómica.

Junto con las cartas, Buzzi recibió de su amigo el obsequio de dibujos publicados en el New Yorker, bocetos inéditos, apuntes del natural, postales antiguas y curiosos documentos de toda índole, desde su certificado de nacimiento hasta un diploma de arquitecto que, en la Italia fascista, lo acreditaba fundamentalmente como judío.

Still Lifes

En su primer autorretrato conocido, realizado cuando aún era un estudiante en Milán (1938), Steinberg se dibuja sentado ante un pequeño escritorio con un sobre abierto, del que sobresale una carta, y un abrecartas. Sobre la mesa, se representa una solitaria y precoz naturaleza muerta, elementos que parecen anticipar todo un mundo de creaciones postales, tarjetas incluidas, con las que el artista colmará en el futuro sus innumerables dibujos de tableros de mesa, que se convertirán en un elemento distintivo de su trabajo.

De hecho, a partir de los años cincuenta empezará a realizar composicio-nes -muy a menudo collages- en las que conviven temas heterogéneos: junto a elementos de la iconografía clásica, se añaden otros que socavan el concepto tradicional de representación. El artista escribe a Buzzi en abril de 1964:

“Ahora estoy haciendo collages, no los de siempre, se entiende, y estoy redescubriendo de manera natural el cubismo. Estos dibujos son bromas sobre la historia del arte y las convenciones del dibujo, naturalezas muertas que representan no objetos, sino elementos de dibujo y pintura mezclados con balloons (¿bocadillos?) puestos sobre las mesas de las naturalezas muertas. Son cosas que se han dicho, mezcladas con cosas que ya se han visto o hecho. Dificil de explicar».

Ejemplo de este conjunto de obras es un dibujo publicado en The New Yorker en 1981 y en el catálogo de una de sus exposiciones individuales en la Pace Gallery, Still Life and Architecture (Naturaleza muerta y arquitectura) Fig 1. En esta última obra dibuja a lápiz cuatro viñe-tas, en cuyo interior se disponen cuatro naturalezas muertas diferentes, ordenadas jerárquicamente según el tipo de los objetos en ellas dibujados.

[…] Como hemos dicho, se trata de una fórmula nueva en la que en un determinado momento aparecen por primera vez dibujos de tarjetas postales -aunque a veces en los collages se incorporan tarjetas postales autenticas-, que representan un paisaje, la calle de una ciudad, un edificio; recurso que nos permite apreciar una mayor profundidad en el dibujo -el dibujo dentro del dibujo- e intuir, en última instancia, cómo piensa Steinberg la multiplicación de los niveles de lectura.

Italo Calvino (Santiago de Las Vegas, Provincia de La Habana 1923 – 1985 Santa María della Scala, Siena), en un texto sobre su obra, menciona «la transfiguración del artista en la práctica de su arte», y añade “El mundo dibujado tiene su propia fuerza, invade el tablero de la mesa, captura lo que le es ajeno, unifica todas las líneas en la suya propia, se sale del folio… No, es el mundo exterior el que entra a formar parte del folio: la pluma, la mano, el artista, el tablero, el gato, todo lo succiona el dibujo como un torbellino, todos los papeles de los tableros de mesa, las cartas, los sobres, las postales, los sellos usados, los dólares con la pirámide truncada, el ojo encima y la frase en latín..”.

De nuevo, en una portada de The New Yorker (1966), Steinberg dibuja un desordenado conjunto de cartas y sobres escritos con una caligrafía simulada (Fig 2).

En primer plano, destaca una tarjeta postal entre el montón de papeles. Llama la atención porque el motivo de la postal es también un dibujo, y, si este dibujo no tuviese los márgenes rectangulares de la tarjeta postal, sería a todos los efectos solo la representación de una plaza.

Pero las convenciones del dibujo nos dicen que, por el contrario, se trata de una postal. Steinberg afirma: «Soy más un director de orquesta, en este caso, que un pintor que hace pintura. El mío es un trabajo que dice algo sobre otra cosa; y, si es pintura, dice algo sobre la pintura, no sobre el hecho de que esto sea lo que es».

Short Stories

En los años setenta, empieza a trabajar en una serie de dibujos cuyo tema es la arquitectura. Escoge lugares concretos, tomados de su geografía personal o simplemente de alguna imagen preexistente, y los plasma en el papel.

Titula este grupo de obras con el nombre de Postcards. Algunos de estos dibujos aparecerán en dos suplementos de The New Yorker, en enero de 1978 y en febrero de 1980, el primero, centrado en localidades norteamericanas, y el segundo, en otros países.

Añade a cada dibujo el nombre del lugar siempre en la misma posición, en un espacio en blanco situado en la parte inferior, y lo enmarca con una línea trazada a mano: este procedimiento gráfico aporta distancia al dibujo, como si no fuese en realidad un dibujo, sino justamente una tarjeta postal. Incluso la representación de los edificios, a menudo frontal, confiere a los dibujos una clara objetividad, tanto que John Updike (John Hoyer Updike Reading, Pensilvania 1932 – 2009 Danvers, Massachusetts) los ha definido como «fotografías impersonales» o «imágenes impasibles»|.

Aunque bien pensado, y a pesar de su apariencia, no son impersonales. En 1979, escribe a Buzzi: «A ratos trabajo bien (es decir, con placer). He concluido la vista de Milán, que te mandaré en Polaroid, pronto, y otras vistas de Atenas, Papantla, etc., que me parece que son como short stories». Steinberg piensa estos dibujos como relatos bre-ves: al estatismo imponente de los edificios del fondo, se contrapone el bullicio de la vida en un primer plano captado en un momento específico, que es probablemente lo que confiere al lugar parte de su identidad: las embarcaciones que navegan tranquilas por el Bósforo en un día sereno,  la amplitud de los bulevares haussmannianos repletos de pequeños automóviles en una perspectiva que se pierde en el horizonte (Fig 3); o el cielo plúmbeo que resalta un inquietante edificio constructivista en Moscú. (Fig 4). Suelen ser dibujos dictados por la memoria, de modo que su arquitectura no es fiel al original, no está «estereotipada, sino que capta lo verdadero, es decir, la esencia de un lugar, de un edificio o de una personalidad».

Así, de un dibujo de Milán (Fig 5), sabemos que representa un barrio concreto de la ciudad (sin que se pueda identificar exactamente el lugar), captado en un determinado momento histórico: el de su época de estudiante en la ciudad durante los años treinta. El dibujo, de aparente trazo distante, nos habla mediante una instantánea de algo ya vivido y que a veces provoca nostalgia: «El aire de Milán era excelente entonces, y la luz hermosísima, y veía algo que no había visto nunca, el despertar tranquilo y silencioso de una ciudad: gente a pie, gente en bicicleta, el tranvía, los obreros».

Panoramas de Postal

A partir de los años sesenta, Steinberg, casi por contraste, realiza toda una serie de dibujos en los que la representación se vuelve evanescente, hasta prácticamente desaparecer del todo.

Contrapone, a una representación definida de una arquitectura, de un lugar o de una ciudad, un paisaje compuesto sustancialmente por la línea del horizonte y por manchas de color. Sin embargo, el autor define también estos dibujos como Postcards o, más precisamente Paisajes de estilo postal.

Como escribe el crítico musical, periodista y musicólogo Harold Schonberg (Harold Charles Schonberg Nueva York 1915 – 2003 Ibid) (5) sobre Steinberg: «El paisaje contiene todos los clichés de la historia de la pintura”.

El artista cree pintar un paisaje puro en este dibujo. Pero no lo es: está haciendo tarjetas postales. No solo pinta paisajes, además, como es habitual, reflexiona sobre las convenciones del arte:

Aquí vemos máscaras de postales, máscaras de paisajes. Estas postales no representan la verdad, la realidad, sino que representan nuestra idea convencional de cómo se muestra la naturaleza. En cierto sentido, la mayor influencia en el paisaje la tuvo Poussin, o mejor, los inventores de la pintura paisajística, que fueron también los inventores de la tarjeta postal. Por ello, la naturaleza se nos muestra ahora como una imitación del arte: en el mejor de los casos, imita a Poussin; en otros casos, imita la pantomima de un ocaso, de un claro de luna o del sol, es decir, los histrionismos de la naturaleza. Hago estas cosas solo con dos o tres pinceladas, luego las recorto, y a veces las mando por correo… Cf. Adrienne Clarkson. “Take 30 in New York: Saul Steinberg” entrevista para Canadian roadscasting Company, grabada en 1967 y emitida en 1968.

Steinberg elabora variaciones infinitas sobre un mismo tema, jugando con los colores e introduciendo a veces alguna minúscula forma negra, dibujada o realizada con estampillas, que sirve como escala en la composición, y a menudo utiliza también algún sello.

Una de estas variaciones aparece en la portada de uno de sus libros, El inspector publicado en 1973, en la que una figura solitaria se recorta en el horizonte, por una composición de nubes y por tres sellos estampillados en orden en el centro de la imagen: «Si pongo un sello en la pintura, lo hago para mostrar que ese color no es un verdadero color, es el símbolo de lo pintado, así como el sello es el símbolo del hombre. No sé muy bien si esto es un signo de modestia o locontrario”.

A veces, en estas composiciones, ya extrañas de por sí, aparecen como en una especie de visión dentro de otra visión los campesinos de El Ángelus de Jean-François Millet (Fig 6).

Millet fue un pintor realista, uno de los fundadores de la escuela de Barbizon, sus obras enfatizan escenas de campesinos y graneros. Los pintores de Barbizon fueron parte del Realismo pictórico francés, que surgió en reacción al más formalista Romanticismo de Delacroix.

[…] Además de ser un recuerdo de infancia (su padre tenía una fábrica de cajas de cartón y reproducía los campesinos de Millet en los estuches de bombones), Steinberg se sentía atraído por este tipo de belleza, que consideraba auténtica y que podía disponer metódicamente en sus paisajes inauténticos:

En mi opinión, el mejor de cuantos han teorizado sobre el arte es el Isaiah Berlin de The Naïveté of Verdi -La ingenuidad de Verdi-.

Ha acertado, se trata del periodo angélico originario. En cada uno de nosotros hay un principio angélico que ama lo bello en sí. Queremos la belleza en sí misma, no el arte; por el contrario, tenemos el arte en sí y no lo bello en sí. Con el paso de los años, me doy cuenta de que lo bello en sí, sin finalidad, es lo mejor que existe. Verdi, Rafael, Millet, los Bellini.

Postales con Perros

Evelyn Hoter, Saul Steinberg en una postal ampliada. Nueva York 1978. Plata en gelatina sobre papel en una copia moderna. 42 x 59 cm

En un retrato realizado por su amiga fotógrafa Evelyn Hoter, Steinberg aparece delante de una imagen ampliada de una calle con transeúntes .

Steinberg y la calle reproducida en la imagen no guardan la misma escala. Sin embargo, la sensación que transmite la fotografía en su conjunto -debido en parte al ángulo cerrado del encuadre es que existe una correlación o un nexo entre el retrato y su fondo. El propio artista nos explica la naturaleza de este vínculo: “He ampliado (un metro de largo) algunas antiguas postales rusas, y al mirarlas se entra en aquel mundo -poco antes de nuestro nacimiento, que es el tiempo más atractivo y comprensible, gente de uniforme, militares o del liceo o empleados, perros, caballos, un café (tea house, ciainaia), una tipografía en el segundo piso, un hombre con un largo abrigo que camina con las manos entrelazadas por detrás”.

…Continúa el texto en el catálogo, desde esta página 349 hasta la página 355 que es donde comienza el texto de Gabriele Gimmelli.

Exposiciones Individuales

-Fundación Juan March, Madrid, “Saul Steinberg, Artista”, 18 de octubre de 2024 – 12 de enero de 2025. Viajando al Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca, España, y al Museu Fundación Juan March, Palma, España, 2025-2027.

-Museo de Arte del Bates College, Lewiston, Maine, “Saul Steinberg: Brilliant Witty Inventive Cerebral”, del 7 de junio al 5 de octubre de 2024.

-The Drawing Room, East Hampton, Nueva York, “Saul Steinberg: On the Table. Dibujos, grabados y objetos de madera tallada”, 31 de mayo-21 de julio de 2024.

“La gente que ve un dibujo en The New Yorker piensa automáticamente que es chistoso porque es una caricatura. Si lo ve en un museo, piensa que es artístico; y si lo encuentra en una galleta de la suerte, piensa que es una predicción”. Saul Steinberg

-Centro Italiano per la Fotografia, Turín, Italia, “Ugo Mulas / Saul Steinberg’s Graffiti in Milan”, 14 de febrero al 14 de abril de 2024.

-Museo de Arte Sidney y Lois Eskenazi de la Universidad de Indiana, Bloomington, “Magic Ledger: The Drawings of Saul Steinberg”, del 27 de enero al 2 de junio de 2024.

-Museo de Arte de OSU, Stillwater, Oklahoma, “Línea de pensamiento: la obra de Saul Steinberg”, del 25 de julio al 30 de septiembre de 2023.

-Galería ddd, Kioto, Japón, “Saul Steinberg: Líneas que transforman el mundo real”, del 9 de agosto al 15 de octubre de 2023.

-Galería Nacional de Praga, República Checa, “Saul Steinberg: Entre línea y texto”, 24 de mayo al10 de agosto de 2023.

-The Drawing Room, East Hampton, Nueva York, “Saul Steinberg: Material of Interest– Drawings, Paintings, Objects, Prints and Plates”, del 1 de abril al 21 de mayo de 2023.

-The Pace Gallery, Seúl, Corea del Sur, “Saul Steinberg”, del 31 de marzo al 29 de abril de 2023.

-Museo de Arte Nelson-Atkins, Kansas City, Missouri, “Una forma de razonar sobre el papel”: El arte de Saul Steinberg, del 25 de marzo al 23 de septiembre de 2023.

-Museum der Moderne, Salzburgo, Austria, “Maske and Face/Maske und Gesichte: Inge Morath and Saul Steinberg”, del 25 de febrero al 18 de junio de 2023.

Notas

1

Francesca Pellicciari , diseñadora gráfica licenciada en Historia de la Arquitectura por la IUAV de Venecia, es la fundadora de pupilla grafik , un estudio de diseño especializado en proyectos editoriales, exposiciones e identidades visuales, enfocado al mundo de la arquitectura.

Desde 2010 a 2020 fue directora de arte y miembro del consejo editorial de la revista de arquitectura “San Rocco”. Diseñó la identidad visual y una serie de viajes para Humboldt Books y la serie “Saggi d’architettura” (Ensayos de arquitectura) para Sagep.

En 2016 fue comisaria de la participación del estudio Christ & Gantenbein en la Bienal de Venecia y, en 2021, de la del Pabellón Nacional de Uzbekistán. En 2021 fue co-comisaria de la exposición “Saul Steinberg, Milano-New York” en la Trienal de Milán. Es cofundadora de Nanban , una empresa de comercio electrónico dedicada a productos japoneses.

2

Cuando tenía casi veinte años, Saul Steinberg se trasladó a Milán para estudiar arquitectura en el Politécnico: sus años italianos (1933-1941) sentaron las bases de su visión de futuro, actuando como punto de partida, aunque temprano, de su capacidad única para trazar territorios inexplorados y apoyarse en el humor para “ocultar” la seriedad de ciertos temas, que combinó con un extraordinario talento gráfico.

La colección Steinberg de la Biblioteca Nazionale Braidense de Milán, recientemente cedida por la Fundación Saul Steinberg, rinde homenaje a los ocho años milaneses de Steinberg y arroja nueva luz sobre un artista cuya producción polifacética (desde revistas hasta murales y escenografías) hace difícil situarlo dentro de los cánones establecidos de la historia del arte . Partiendo de las obras que ahora se encuentran en la colección Brera, este libro desarrolla un viaje narrativo en el que el artista habla por sí mismo, a través de los textos de las conversaciones con su amigo Aldo Buzzi —algunas de ellas publicadas aquí por primera vez—. La vida y la obra de Steinberg se ven de cerca, mostrando cómo su propia historia atravesó su trabajo para crear una gran autobiografía.

Textos de James M. Bradburne, Francesca Pellicciari, Ilaria Bollati, Roberto Dulio.

ISBN:  9791254930151

Comisaria:  Francesca Pellicciari

Idiomas:  italiano e inglés

Encuadernación:  tapa dura, pp  238, 21 x 25. Edición 2022

3

Aldo Buzzi (Como, 1910 – Milán, 2009), compañero de Saul Steinberg en la Escuela de Arquitectura, fue uno de sus primeros amigos en Italia y se convertiría con el tiempo en un interlocutor privilegiado. A él debemos la existencia misma de un libro de memorias del artista y otro de cartas, y el que estas estén escritas originalmente en italiano. Buzzi, cuatro años mayor que Steinberg, tampoco desempeñaría nunca, como su amigo, la profesión de arquitecto: trabajó en el cine como ayudante de dirección al lado de Alberto Lattuada —otro compañero de la Escuela— y con otros directores. En 1955 dirigió, junto a Federico Patellani, el documental América pagana, dedicado a la cultura maya. Posteriormente entró en el mundo editorial, y hoy se le conoce, sobre todo, como autor tardío de un puñado de libros inclasificables. Por encima de todas las cosas, los dos amigos fueron unos grandes aficionados que compartieron su entusiasmo por la literatura, el arte, la gastronomía y los viajes.

4

Editorial Media Vaca. Calle Salamanca, 49, puerta 13. 46005 València. Tel (+34) 963 956 927. mediavaca@mediavaca.net. administracion@mediavaca.net

5

Harold Schonberg fue un crítico musical estadounidense, destacado en el The New York Times. Fue el primero en ganar el Premio Pulitzer por su actividad de critico (1971). Escribió y publicó trece libros sobre el tema.

——————–

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

Viene de https://onlybook.es/blog/saul-steinberg-artista-2a-parte/

Los Tiempos de Steinberg. Entre la coyuntura social y el lector intemporal

Por María Teresa Muñoz Jiménez

Cuando el pensamiento contemporáneo sobre el arte se enfrenta a obras producidas con una cierta distancia temporal, lo hace generalmente confiriendoles un poder de eternidad que las hace superiores a lo que pudieron significar en su origen, en el momento de su producción.

Las obras de arte adquieren un valor ideal, separadas ya del espectador de su tiempo o incluso de su creador, y se convierten en mágicas y extrañas, o se hacen totalmente ajenas a nuestra vida cotidina.

Pero, al tratar de sobrepasar la extrañeza que nos producen, descubrimos en ellas también algo familiar, en cuanto nos obligan a movernos hacia atrás en busca de aquello que envolvió o incluso fue la causa de su existencia.

Esta consideración del tiempo propio de las obras implica ya una posición histórica, en cuanto les presupone un cierto destino futuro.

El objeto artístico se convierte entonces, para generaciones de espectadores que lo contemplarán en distintos momentos y con distintos propósitos, en algo que no tiene presente.

Hay razones para invocar la historicidad como criterio de valor de una obra de arte, cuando se considera una producción artística como la de Saul Steinberg, tan profundamente marcada por la técnica y la temática de sus objetos, propios de un modo de hacer que no comparte con los más próximos de sus contemporáneos, los artistas plásticos norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX.

Saul Steinberg, nacido en Rumanía en 1914 y emigrado a los Estados Unidos tras su paso por Italia, coincidió en sus comienzos con la actividad de los pintores del expresionismo abstracto y con algunos de ellos compartió la misma condición de inmigrante.

Sin embargo, son el medio y la técnica que utilizó para producir sus obras los que le colocaron en un lugar excéntrico respecto a la corriente principal del arte de su tiempo, de manera que, para algunos críticos como Clement Greenberg, no importaría cuán potentes fueran sus resultados o incluso cuán indiscutible fuera la calidad de sus objetos, porque la condición de ilustrador o cartoonist supondría inmediatamente su irrelevancia para el arte en general. En el extremo opuesto, habría que citar a Harold Rosenberg, para quien la importancia de Saul Steinberg era equivalente a la de pintores como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky o Mark Rothko.

Rosenberg consideraba que son sus obras las que ponen en cuestión las fronteras del propio arte plástico, por cuanto demandan una redefinición de sus límites.

Sus primeros dibujos se publicaron en el periódico milanés Bertoldo entre 1936 y 1938  y, antes incluso de llegar a los Estados Unidos en 1942, sus dibujos aparecieron en la revista neoyorkina The New Yorker, a la que permaneció vinculado prácticamente toda su vida.

Tras permanecer en Bucarest hasta 1933, Saul Steinberg se trasladó a Milán, donde estudió Arquitectura, y permaneció allí casi una década.

Sus primeros dibujos se publicaron en el periódico milanés Bertoldo entre 1936 y 1938  y, antes incluso de llegar a los Estados Unidos en 1942, sus dibujos aparecieron en la revista neoyorkina The New Yorker, a la que permaneció vinculado prácticamente toda su vida.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Steinberg desempeñó labores para la inteligencia norteamericana en China y, a su vuelta, fue incluido en una exposición colectiva organizada por Dorothy C. Miller en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York.

Esta exposición, titulada Fourteen Americans -Catorce Estadounidenses- 1946, presentó en las salas del museo las obras de pintores y escultores como Arshile Gorky, Robert Motherwell, Mark Tobey o Isamu Nogu-chi, además de las del propio Saul Steinberg.

En el catálogo, Miller subrayó que los artistas elegidos, pese a emplear una gran diversidad de técnicas, no consideraban la técnica como lo más importante, sino la revelación que hace posible su existencia. Y afirmó que la obra de estos catorce artistas tenía más que ver con la comunicación que con la estética y que, a pesar de utilizar lenguajes propios de su país, sobrepasaban sus límites para dirigirse a un ámbito más universal, imbuidos de la atmósfera y la inspiración propios de su tiempo.

Aunque Saul Steinberg ya había expuesto varios dibujos en la Wakefield Gallery de Nueva York, en 1943, y en la Young Books Gallery, en 1945, su primer recopilatorio importante de dibujos llegó con la publicación del libro All in Line -Todo en línea-, en 1945.

En este libro, ya apareció una mención explícita a lo que sería una marca de identidad de la obra artística de Steinberg: el dibujo a línea.

En Fourteen Americans se incluyó, por vez primera, la obra de Steinberg en un museo de Arte Contemporáneo y se situó al mismo nivel que algunos de los artistas plásticos más relevantes de su tiempo. Esto significa, obviamente, que la publicación de sus dibujos en revistas de gran difusión tuvo lugar prácticamente en el mismo momento en que se presentó su obra en galerías y museos de arte, por lo que el reconocimiento de su condición de artista no se produjo con posterioridad, sino desde el principio de su carrera.

 Sin embargo, el influyente crítico Clement Greenberg, en su breve comentario a la exposición del MoMA publicada en The Nation, consideró la inclusión de Steinberg como un gesto de última hora y, mientras descalificaba a la mitad de los artistas representados por su academicismo o su falsedad, mantuvo que el dibujante Saul Steinberg era bueno solo de un modo limitado, ya que su técnica lo hacía en todo caso poco importante en términos del arte moderno.[…] Steinberg, además de trabajar fundamentalmente con trazos a pluma sobre una superficie de papel, ensayaba en estas primeras obras algunos de los que serían sus temas favoritos como los animales, las mujeres o la ciudad, muy lejos, por cierto, de la abstracción reclamada para la pintura.

Tanto la técnica como los temas lo colocaban inexorablemente como una rara avis dentro del panorama artístico norteamericano hacia 1950. No obstante, su obra gozó de una difusión incomparablemente más amplia y una aceptación del público mucho más generalizada que la de otros artistas, al utilizar como vehículo las revistas ilustradas y compartir con la palabra escrita una vertiente periodística y crítica sobre la sociedad. Sus dibujos, desde el momento en que ocuparon las portadas o las páginas interiores de The New Yorker, se convirtieron en una seña de identidad de la propia publicación.

Por otra parte, para el catálogo de la exposición citada, Fourteen Americans, Saul Steinberg envió un párrafo manuscrito totalmente ilegible, mientras que el resto de los artistas escribieron sobre sus respectivos enfoques o intenciones. El se limitó a proporcionar una clave gráfica de su trabajo, una especie de autentificación falsa de la veintena de obras que aparecían en la muestra, una sofisticada firma que antecedía a los dibujos. Esta nota manuscrita forma parte de una serie de dibujos sobre documentos falsos en los que empezó a trabajar a finales de la década de los años cuarenta y que continuó años después. En The Passport de 1954.

…Continúa el texto en el catálogo, desde esta página 325 hasta la página 332 que es donde comienza el texto de Sheila Schwartz.

Escribió su amigo en 1978, el escritor, educador, filósofo y critico de arte estadounidense Harold Rosenberg (Nueva York 1906 – 1978 Springs, Nueva York)“… Saul Steinberg es un pionero de los géneros, un artista al que no se puede encasillar en una categoría. Es un escritor de cuadros, un arquitecto de la palabra y de los sonidos, un dibujante de reflexiones filosóficas. Maestro de la pluma y de la caligrafía, su línea, deliciosa desde el punto de vista estético, es también la línea de un fantaseador que formula adivinanzas y chistes sobre las apariencias…»

“El toque Steinberg”, un sencillo juego con el orden lógico de las coas capaz de trastocar la conciencia y obligar a la reflexión. (2)

Nos presenta una visión irónica y sagaz de las ciudades americanas y sus habitantes. Dibujos que tienen como protagonista a la gran metrópoli, sus arquitectras, sus singulares laberintos y los seres atrapados en esos espacios urbanos.

“No se dibuja bien si se miente. Cuando un dibujo dice la verdad, automáticamente resulta ser un buen dibujo” S. Steinberg

Ha vivido 84 años, y a lo largo de seis décadas ha producido unas 90 portadas y más de 1200 dibujos solo para The New Yorker, ademas de otros miles de obras entre dibujos, esculturas, escenografías, fotografías y murales que se han exhibido en galerías y museos de todo el mundo.

La mayor parte de este enorme legado está en la Universidad de Yale y en la fundación que lleva su nombre. Sus archivos y cuadernos de dibujos, sus obras de pequeño formato y sus dibujos en blanco y negro de Nueva York están depositados en la maravillosa Biblioteca de libros y manuscritos raros de la Unversidad de Yale, junto a los archivos personales de Edith Wharton, Alfred Stieglitz, Georgia O’Keeffe, Eugene O’Neill, Ezra Pound, Gertrude Stein, Walt Whitman y Witold Gombrowicz, entre muchos otros.

Un paseo por la Universidad de Yale, Paul Rudolph, Louis Kahn, Eero Saarinen, Gordon Bunshaft. 4ta parte

Página de la Fundación Saul Steinberg https://saulsteinbergfoundation.org

ISBN-13 978-1681378626, Editorial New York Review Books, Editado el 19 noviembre 2024

Una nueva edición de las memorias dibujadas de Saul Steinberg sobre su huida de la Europa fascista, su estancia breve en la República Dominicana y luego su viaje a Estados Unidos, capturando en el camino absurdos, placeres y las sombrías realidades de la guerra. […] «All In Line» es una memoria a través de un dibujo de este momento clave en la vida de Steinberg, cuando comenzó a encontrar su línea y su camino en Estados Unidos.

En sus caricaturas e ilustraciones para The New Yorker y otros, Steinberg describió deliciosos absurdos y momentos tranquilos: un pintor corta un lienzo largo en porciones más pequeñas y vendibles; un niño dibuja una cara gigantesca en la acera ante la confusión de los transeúntes; una mujer sola en su habitación dobla perchas de metal en forma de rostros.

Pero Steinberg no rehuyó enfrentar las sombrías realidades de su época. Hay caricaturas antifascistas fulminantes, así como destellos de guerra: cielos llenos de bombarderos, familias huyendo, convoyes del ejército, jeeps averiados y campos de batalla en llamas.

Esta nueva edición de «All In Line» incluye una introducción de la caricaturista Liana Finck y un epílogo del escritor Iain Topliss sobre la creación del libro por parte de Steinberg.

“…mis dibujos son trampas atractivas…” Sauk Steinberg 1978

“…estuvo por encima de su oficio…inventó su oficio…” Dupín, 1972

Steinberg viajó por Euopa, América, Asia, la antigua Union Sovética y África que describió con sus dibujos, Sus mejores mentores estuvieron en los editores de The New yorker, Harold Ross y William Shawn, su compañera y amiga Hedda Sterne y Akdi Buzzi, con quien tuvo una amistad profunda que mantuvo hasta su muerte en 1999.

Steinberg mira a los que miran

Por Sheila Schwartz

El collage mural de Steinberg Art Viewers -Espectadores de Arte- era hasta hace poco una obra maestra desconocida, inédita, que solo habían podido contemplar aquellos que visitaron la Galerie Maeght durante el mes que la exposición del artista permaneció abierta al público, entre el 25 de marzo y el 23 de abril de 1966. Una vez finalizada la muestra, la obra se desmontó y las piezas de tela volvieron a manos de Steinberg.

Tras su fallecimiento, la Saul Steinberg Foundation heredó las piezas, y allí permanecieron hasta que fueron donadas al Centre Pompidou, donde se volvieron a montar, en el año 2021, para su exhibición en la «Exposición Saul Steinberg».

«…esta obra, una de las más imaginativas y visualmente atractivas, representa la culminación de los veinte años que dedicó al análisis del motivo del espectador ante la obra de arte. Al mismo tiempo, constituye un homenaje a la práctica del collage, que el artista cultivó durante toda su vida, y marca el punto final de su obra como muralista».

En el momento en que produjo Art Viewers, Steinberg ya había creado siete proyectos murales, una labor que había comenzado en 1947, uno para unos grandes almacenes, otro para un hotel, otro más para una línea de barcos de pasajeros, dos para sendas exposiciones y un último para un palazzo en Milán. De los siete murales, cinco consistían en dibujos ampliados fotográficamente que montaban después sobre la pared los técnicos de los respectivos proyectos.

El mural más relevante para entender Art Viewers es su antecedente casi inmediato, el colosal The Americans -Los estadounidenses-, que concibió para el pabellón de los Estados Unidos en la Exposición Internacional de Bruselas de 1958 (Fig 1).

Con sus tres metros de altura y una longitud total de más de setenta, el mural se dividía en ocho secciones temáticas. Steinberg llevó los dibujos del fondo a Bruselas, donde fueron fotografiados, ampliados y montados sobre las paredes. Después pasó más de tres semanas in situ, recortando y pegando figuras de cartulina marrón, aplicando el color con diferentes técnicas y añadiendo retales de tela y recortes de tiras cómicas de periódicos

[…] Si existe un rasgo que permita determinar su posición en la trayectoria del arte del siglo XX y definir su ecléctica y versátil imaginación, este es el collage. «Nací en un colegio de collage», afirmaba Steinberg, aludiendo al oficio de su padre, que se dedicaba a la fabricación de cajas decorativas. De niño, en la tienda de su padre, tenía a su disposición «todos los materiales que necesita un collagista». Su padre «tenía cartulinas, papeles de colores, papel dorado y pegamento […] y reproducciones de pinturas para decorar las cajas de caramelos». Las máscaras con bolsas de papel que Steinberg empezó a diseñar en 1959 también evolucionaron hasta convertirse en collages. Valiéndose de las habituales bolsas de papel de estraza de las tiendas de comestibles estadounidenses, creó una colección de tipos sociales, una serie que se hizo famosa gracias a las fotografías que tomó Inge Morath del artista y sus amigos (Fig 2)

…Continúa el texto en el catálogo, desde esta página 337 hasta la página 345 que es donde comienza el texto de Francesca Pellicciari.

Notas

1

La arquitecta María Teresa Muñoz Jiménez (Madrid, 1948) es investigadora y especialista en pensamiento y crítica de la Arquitectura.​ Fue la primera mujer en dirigir el departamento de proyectos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.

Se tituló arquitecta en 1972 en la ETSAM.

-Máster en arquitectura en 1974 en Canadá en la Universidad de Toronto con los arquitectos Peter Prangnell y Douglas Engel.

-Doctorado en la Universidad Politécnica de Madrid (UPM), su tesis la dirigio Rafael Moneo.

-Desde 1983 profesora titular en la ETSA de Madrid de Proyectos Arquitectónicos.

-Profesora invitada de la ETSA de Barcelona.

-Traducción del libro de George Baird y Charles Jencks, Meaning in Architecture (El significado en arquitectura).

-Autora de numeras publicaciones, artículos y libros. 1989, Cerrar el círculo y otros escritos, 1991, El laberinto expresionista, 1995, La otra arquitectura orgánica, 1998, La desintegración estilística de la arquitectura contemporánea, 2000 Vestigios, 2010 La mirada del otro, y en 2013 Jaulas y trampas.

-3 tomos de Historia de la Arquitectura Contemporánea Española 1994, 1995 y 1997 en colaboración con Juan Daniel Fullaondo, en 1992 Laocoonte crepuscular, Conversaciones sobre Eduardo Chillida y Bruno Zevi.

-Ha publicado escritos en revistas como Metalocus, Arquitectura, Circo, Arquitectura Bis, Iluminaciones y edito Las piedras de San Agustín, ensayos sobre la obra de Jorge Oteiza.

En el año 1988, premio FAD de pensamiento y crítica por su libro Juan Daniel Fullaondo. Formo parte del equipo director de la revista Arquitectura del Colegio de Arquitectos de Madrid.

Actualmente es profesora emérita de la ETSAM y colegiada en el COAM.

2

Tesis doctoral del Arq. Luis García Gil. 2021. “Saul Steinberg, en los márgenes de la Arquiectura”. ETSA de Madrid

3

Sheila Miriam Schwartz (Filadelfia 1952 – 2008) fue una escritora y profesora de escritura creativa estadounidense. Su colección de cuentos Imagine a Great White Light ganó un premio Pushcart Press Editor’s Award y fue nombrada uno de los mejores libros de 1991 por USA Today , y su cuento «Afterbirth» ganó un premio O. Henry en 1999.

Se formó en la Univ. de Temple en 1974 y obttuvo una maestría en la Univ. de Binghamton. Con la beca Wallace Stegner profundizó sus conocimientos de ficción en la Univ. De Stanford.

Imagine a Great White Light fue publicado en 1991 por Pushcart Press , como ganador de su Premio Anual del Editor

«. La reseña de Publishers Weekly concluyó: «por turnos oníricos y duros, estas historias son perturbadoras y, ocasionalmente, profundas». USA Today lo nombró uno de los mejores libros de 1991. 

«Lies Will Take You Somewhere» fue publicada por Etruscan Press en 2009, tres meses después de la muerte de Schwartz

«Afterbirth», que se publicó en Ploughshares en 1998 y ganó un premio O. Henry en 1999 como uno de los veinte mejores cuentos del año anterior.

Schwartz enseñó escritura creativa en la Univ. Northwestern , la Univ. de Ohio , la Univ. de Syracuse y la Univ. Estatal de Cleveland , donde se unió a la facultad en 1990 y permaneció durante el resto de su carrera docente. Uno de sus estudiantes, el periodista Lee Chilcote, la describió como una «profesora y crítica enormemente generosa». 

Schwartz murió el 8 de noviembre de 2008, a los 56 años, por complicaciones derivadas de un cáncer de ovario. En 2000 le diagnosticaron por primera vez cáncer de ovario en etapa cuatro y luchó durante ocho años contra el cáncer, que incluyó cirugía, tres rondas de quimioterapia y dos remisiones, hasta que el cáncer volvió a aparecer por segunda vez en 2006. Trabajó hasta la última semana de su vida. 

Premios y reconocimientos

1981/83 – Beca Wallace Stegner, Univ. de Stanford

1991 – Premio del editor de Pushcart por Imagine una gran luz blanca

1993 – Artista individual de la Asociación Nacional de Educación

1993 – Beca del Fondo Nacional para las Artes

1999 – Premio O. Henry por «Afterbirth»

2005 – Beca del Consejo de Artes de Ohio

Continúa en https://onlybook.es/blog/17973-2/

——————

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

Viene de https://onlybook.es/blog/saul-steinberg-artista/

Si este libro se titula «Saul Steinberg, artista» es porque afirma, de principio a fin, que esa fue la vocación más radical de quien dijo de sí mismo que no acababa «de pertenecer al mundo del arte, de la viñeta o del dibujo» y que el mundo del arte no supo bien dónde colocarlo. Profusamente ilustrado, recorre su vida y su obra en Europa y en los Estados Unidos de América, especialmente en Nueva York.

SAUL STEINDERG: EL SIGNO ERRANTE

Alicia Chillida (1)

«Soy un escritor que dibuja». Saul Steinberg

El papel sobre el que dibuja Saul Steinberg parece transformarse en una cinta continua e infinita. Con su trazo profuso es capaz de invadir territorios, mapas, galerías de arte, museos, per-sonas, muebles, animales o edificios. (…)

Origen y Destino

Saul Steinberg eligió el dibujo en busca de la máxima libertad de expresión y acción, hasta convertirlo en un signo errante, trazado por su propia existencia. Nació en 1914 en Râmnicu Sărat, un pueblo rumano próximo a Bucarest, en el seno de una familia judía de ascendencia rusa que emigró a la capital en 1915. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Bucarest. Entre 1933 y 1940 vivió en Milán, y allí obtuvo el título de Arquitectura en el Real Politécnico. Dibujante incansable, inspirado por el cubismo y la Bauhaus, comenzó en 1936 a trabajar para el periódico satírico Bertoldo.

Como él mismo recordaría años después en su entrevista con Jean Vanden Heuvel (Los Angeles 1934 – 2017 Nueva York), «aunque creía que no contaba con un gran talento, siempre sentí una fuerte inclinación por el dibujo».

Cuando se publicó su primer trabajo dijo, «me quedé mirándolo durante horas, hipnotizado. Me paseaba detenidamente por cada una de las líneas. Probablemente no era el dibujo lo que admiraba, sino a mí mismo»!

A partir de aquella primera publicación, tomó conciencia del potencial de su obra y del poder de difusión de su pensamiento sobre el papel a través de los medios de comunicación de masas.

A juicio del crítico y filósofo norteamericano Harold Rosenberg (Nueva York 1906 – 1978 Springs) el autor se anticipó al espíritu artístico de su tiempo:

Steinberg, al capturar la mezcla (que existe) entre la naturaleza y el arte, entre el artista y el espectador, participa del pensamiento artístico avanzado de su tiempo. Veinte años antes del pop art, expuso sus premisas en un gran número de dibujos, tanto como en la doble relación que mantiene entre el arte comercial y el museo.

En Italia, el arquitecto y dibujante fue víctima de las leyes raciales de Mussolini de 1938, que le prohibieron ejercer su profesión como dibujante. Arrestado posteriormente, fue internado en el campo de Tortoreto, del que se le permitió salir con la condición de abandonar el país. Años después, escribiría a su amigo Aldo Buzzi «Me parecía estar en el papel de algún otro, me veía a mí mismo como si fuera otro, algo parecido a la situación del hombre que dibuja a un hombre».

Finalmente, en 1941, consiguió huir de Europa en dirección a Nueva York. Hubo de aguardar cerca de un año en la República Dominicana -donde coincidió con el pintor y poeta español Eugenio Granell-, a la espera de obtener el visado para entrar en los Estados Unidos. Durante aquel periodo, comenzó a colaborar con el semanario The New Yorker, hecho que le ayudó, junto a la mediación de su agente Cesare Civita y sus familiares allí residentes, a entrar en el país, en julio de 1942.

En 1942, aún en Ciudad Trujillo (hoy Santo Domingo), dibujó caricaturas de Hitler que aparecieron en distintas publicaciones y formaron parte de la exposición “Viñetas contra el Eje”, organizada por la Sociedad Estadounidense de Caricaturistas de Revistas y celebrada en la Art Students League, en la que también participaron, entre otros, Ad Reinhardt, Crockett Johnson y Charles Addams.

Der Schuldige (El culpable), en la edición del 26 de julio de 1944 de Das Neue Deutschland, un periódico falso de la Resistencia producido por las Operaciones Morales de la OSS

Establecido ya en los Estados Unidos, fue reclutado en 1943 por la Reserva Naval norteamericana y realizó el servicio militar durante la Il Guerra Mundial en la División de Operaciones Morales, integrada en la Oficina de Servicios Estratégicos (OSS).

En esta unidad, se dedicó a producir material para la guerra psicológica contra las Potencias del Eje y, para tal fin, fue enviado a la India, China, el norte de África e Italia.

En el otoño de 1944, se estableció definitivamente en Nueva York, donde se casó con la pintora Hedda Sterne (Bucarest, 1910-Nueva York, 2011).

Finalizada la guerra, conoció los Estados Unidos en profundidad y pasó temporadas en Europa, especialmente en París, donde residían artistas y escritores rumanos que formaban parte de la élite intelectual y cultural europea como Constantin Brancusi, Emil Cioran o Eugène lonesco.

En 1957, también viajó a España junto a su mujer (y visitaron San Sebastián, Madrid, Granada…). De entre todos estos viajes, cabe mencionar la visita en 1958 a Picasso en su villa La Californie, en Cannes, donde se divirtieron dibujando cadáveres exquisitos. (2)

Explorador incansable, valoró el viaje como método. Se diría que en su pulsión de viajar existía un ansia de mutación existencial, un propósito de ponerse a prueba y, tal vez, de convertirse en otro. Fue errante por su biografía: judío, dibujante formado como arquitecto, prisionero y emigrante.

Esta línea vital enredada es la que dibuja su carácter y da origen al signo: un signo que se mueve entre signos. La crítica e historiadora del arte Dore Ashton ha señalado, precisamente, esta condición errante de ST, en la que el carácter es destino: El destino de Steinberg fue identificar la línea exacta entre millones de posibles líneas para expresar su propio carácter, simultáneamente, con el de lo que observaba.

Él sabía que la palabra derivaba de los antiguos griegos y que significaba grabar.

Para los griegos el carácter era un instrumento. Para Steinberg, también.

De igual manera, el filósofo estructuralista francés Roland Barthes, que dedicó a la obra de ST un importante ensayo, All except you -Todo excepto tú- empleó el término «idiolecto» para denominar la forma de hablar característica de este creador de figuras-signo.

El artista, según Barthes, juega con todas las formas de representación, atraviesa el lenguaje común para crear uno nuevo, en el que dibujar se convierte en un modo de filosofar o satirizar, provocando en el “lector” un chispazo intelectual, una mueca de risa y desesperanza.

ST ofrece una lectura que nunca termina. De signo en signo, invita al lector a un viaje siempre inconcluso.

Nueva York, El Museo, la Crítica, el Arte

Sin dejar de estar presente en revistas como The New Yorker -que le brindó una colaboración que se extendió durante más de cinco décadas y le permitió darse a conocer mundialmente, o Flair, donde publicó durante los años cincuenta sus primeros trabajos fotográficos – fotografías en blanco y negro intervenidas con dibujo, que representan interiores domésticos y escenas urbanas-; participó en 1946 en su primera exposición de ámbito nacional: Fourteen Americans -Catorce estadounidenses-, comisariada por Dorothy C. Miller en el Museum of Modern Art de Nueva York (MoMA), junto a artistas como Isamu Noguchi, Arshile Gorky, Robert Motherwell y Mark Tobey.

En 1958 se publicó el libro “Les Américains” -Los estadounidenses- con fotografías de Robert Frank, emigrante suizo de origen judío que había recorrido los Estados Unidos entre 1955 y 1956, retratando las calles, los rostros de las personas, las plazas, los bares y las tiendas. (3)

Robert Delpire, su editor parisino, invitó a Saul Steinberg a realizar la portada de esta primera edición, quien respondió al encargo con unos pocos trazos de tinta negra sobre papel mili-metrado, un dibujo que condensaba el espíritu de Nueva York en los años cincuenta.

La extraordinaria agudeza visual con la que ST observaba su país de adopción dialoga con la obra de Robert Frank, ambos artistas europeos, viajeros empedernidos y apasionados cronistas de la sociedad norteamericana. Les Américains pronto se convirtió en uno de los libros de fotografía más influyentes del mundo.

Las grandes estaciones de tren y los edificios de la ciudad constituyen otro motivo captado por el dibujante-arquitecto y viajero errante, amaba su continente de adopción a la vez que lo satirizaba:

¡Ah! Adoro América […]. Libertad de movimiento, libertad de ser lo que uno quiera. ¡América es la utopía! No hay clases sociales, tampoco obligaciones… ¡Y lo que también me gusta de allí es que todo se tira rápido! Los contenedores están siempre llenos, se pueden encontrar pianos de cola, televisores del año pasado o sofás: es la riqueza de las basuras en América. Otra cosa: se puede estar solo. Si te mueres, nadie se da cuenta.

[… ] Su inclusión, en la citada exposición del MoMA lo consagró como uno de los artistas del momento, lo que despertó el recelo del crítico norteamericano Clement Greenberg “La presencia de artistas como Sharrer, el inefable Pickens, Tooker, Culwell, Aronson, incluso del pintor abstracto Pereira, el escultor Noguchi y el talentoso dibujante y caricaturista Saul Steinberg -cuyos dibujos poseen una energía sorprendente por sí solos- le resta fuerza [a la exposición], bien porque, como en el caso de los cuatro o cinco primeros, tienden en el fondo al academicismo, o bien porque, como en el caso de Pereira y Noguchi, su pose fingida diluye las buenas intenciones. Y la incorporación de Steinberg -que es bueno, pero con sus limitaciones- parece casi un gesto desesperado de última hora: pues, aunque diera mucho más de sí, aún sería relativamente insignificante desde el punto de vista del arte moderno”.

Steinberg evitó todo encasillamiento «No pertenezco del todo al mundo del arte, ni al de las viñetas, ni al de las revistas, por eso el mundo del arte no sabe muy bien dónde situarme».

[…] Otro artista también cercano fue el pintor, escultor, grabador y ceramista Joan Miró (Barcelona 1893 – 1983 Palma), con quien compartía ese mundo de la infancia, además de una inclinación hacia la ironía y la complejidad del dibujo.

[…]  en sus comentarios pictóricos, una multitud de rostros contempla atentamente un conjunto de pinturas abstractas en una exposición, y estas mismas formas abstractas se confunden con los peinados y otros aspectos de los espectadores.

En su obra, también son patentes las formas extraídas del constructivismo ruso o las referencias a Piet Mondrian, como en Luna Park (1968), donde el pintor neo-plasticista holandés se convierte en una atracción de feria art déco junto a Soren Kierkegaard y Arthur Rimbaud.

…Continúa el texto en el catálogo, desde esta página 311 hasta la página 324 que es donde comienza el texto de María Teresa Muñoz.

La chica de la bañadera. Página/12. 13 de mayo de 2011

Por el escritor, periodista, editor, traductor y asesor literario Juan Forn (Buenos Aires 1959 – 2021 Mar de las Pampas), responsable de las maravillosas contratapas del periódico Pagina/12

Hace unos días murió en Nueva York una rumana de cien años llamada Hedda Sterne (usó de sudónimossu nombre Sterne y Hedda Lindenberk). La maquinaria necrológica se puso en marcha a la manera habitual y los titulares fueron: “Muere la última de los abstractos expresionistas”. Se referían a la pandilla de Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning y compañía, que durante los primeros años de la Guerra Fría, con la colaboración activa de la CIA y el Departamento de Estado norteamericano, exportó al mundo entero la noticia de que había una nueva forma de pintar y que la capital por excelencia del arte ya no era París, sino Nueva York.

Los abstractos expresionistas eran todos hombres, todos ególatras, todos pontificadores y bebedores, y ardieron como bonzos después de pelearse como perros rabiosos, después de descubrir con estupor que habían triunfado. Una foto a doble página aparecida en la revista Life en 1951, con el título “Los Irascibles”, los había hecho famosos. En la foto tomada por Nina Leen (Rusia 1914 – 1995 Nueva York), entre todos aquellos machos cabríos, asomaba la cabecita de Hedda Sterne, en la última fila, la única mujer. “Soy más conocida por esa foto que por ochenta años de trabajo. Si tuviera ego, me deprimiría”, declaró Sterne en el único reportaje que le hicieron al inaugurar su última muestra, cuando tenía 97 años.

La foto denominada «Los Irascibles o Los Belicosos» reunía a un grupo de importantes artistas y fue realizada para protestar por el rechazo del Museo Metropolitano de Nueva York para mostrar los trabajos de los Expresionistas abstractos en los años 50′ del siglo pasado, en la mayor retrospectiva de la pintura americana hasta el momento. En esa foto estaban Willem de Kooning, Paul Jackson Pollock , Mark Rothko, Saul Steinberg, Hedda Sterne entre otros.

La historia de la foto y el grupo

En 1950, dieciocho artistas de lo que años más tarde se bautizó como Escuela de Nueva York protagonizaron una protesta contra la exposición ”American Painting Today: 1950” que el Metropolitan Museum of Art estaba organizando para ese año.

Muchos artistas contemporáneos no se consideraban representados en esta muestra que pretendía congregar lo mejor del arte contemporáneo americano y decidieron organizar una protesta colectiva.

Entre aquellos artistas estaban nada menos que los pintores Jackson Pollock, Christopher Rothko, Barnett Newmann o Willem de Kooning.

En el 2020, setenta años después, la Fundación March rememora aquel episodio con una exposición en su sede de Madrid, mostrando las obras de los dieciocho artistas que protagonizaron aquella protesta, iniciada en el entorno de la academia Studio 35, en el Village de Nueva York, un espacio que en 1948 habían puesto en marcha los pintores Motherwell, Baziotes y Rothko junto al escultor David Hare.

Descontentos con el jurado que el Metropolitan Museum había designado para elegir a los representantes de la pintura norteamericana contemporánea, en su opinión de tendencia conservadora y poco relacionados con el arte de las vanguardias que se hacía en 1950, escribieron una carta al presidente del museo, Roland L. Redmond, que firmaron veintitrés artistas.

El New York Times publicó aquella carta en su portada del 22 de mayo de 1950 bajo el titular ”18 pintores boicotean al Metropolitan: acusan al Museo de mantener una actitud hostil hacia el arte avanzado”.

El Herald Tribune trató de desautorizar la protesta de aquellos artistas en un duro editorial que publicó al día siguiente en el que calificaba a los firmantes como ”Los 18 irascibles».

A pesar de todo, el Metropolitan celebró aquella exposición a finales de 1950. La revista Life propuso entonces a los signatarios de la carta que inició la polémica que posasen para una fotografía que ya es histórica. Acudieron quince de ellos y la imagen se convirtió en un símbolo icónico no sólo de la protesta sino del ideario de lo que estos artistas pensaban sobre el futuro del arte americano.

La foto es ya el retrato canónico de la generación de artistas conocida como Escuela de Nueva York. Life publicó la fotografía el 15 de enero de 1951 ilustrando un artículo que titulaba “Una facción irascible de artistas avanzados ha liderado la lucha contra una exposición”.

Los archivos de Hedda Sterne están depositados en el Smithsonian Institution. Incluídos en el Archives of American Art, Hedda Sterne papers, AAA sterhedd 1939/1977. Hay correspondencia entre Hedda y Saul Steinberg que contiene dibujos poco conocidos de Steinberg que envio a Hedda dentro del ámbito privado y de caracter erótico.

Su aparición en aquella foto fue un malentendido. Los belicosos varones se enfurecieron en masa con ella y con Life, porque la presencia de una mujer le quitaba toda seriedad al asunto (Hedda aparecía en la foto con sombrerito y coqueta cartera colgando del brazo). Hasta el día anterior le decían con condescendencia“Pintas como un hombre. Podrías ser uno de nosotros”. A partir de ese día decretaron que no era ni abstracta ni expresionista, cosa que ella misma les refrendó con una frase que mucha gracia no les hizo “Es cierto, abstracto es Mondrian. Y, para expresionista, nadie mejor que mi Saul”. Su Saul era Saul Steinberg, que para aquellos pintores era, sí, un dibujante brillante, incluso un dotado, pero un mero caricaturista del New Yorker.

Steinberg era rumano como Hedda, ambos habían nacido en Bucarest y frecuentado los mismos ambientes, pero recién se conocieron en Nueva York “Yo era cuatro años mayor que él, y a los diecinueve años no me andaba fijando en muchachitos de quince”, cuando Hedda venía de París, de donde huyó con lo puesto antes que la deportaran por judía, y Steinberg hizo lo propio desde Milán, adonde estudiaba arquitectura hasta que empezaron las purgas antisemitas. Steinberg apareció de visita en su departamentito de la calle 71 un mediodía de 1943 y se quedó dieciocho años. En la bañadera de ese departamento pintó en 1949 su archifamosa “Chica en la tina”, que es por supuesto un retrato de Hedda.

A diferencia de la foto de Life, a ella nunca le molestó ser la chica de la bañadera de Steinberg, aunque se separaran en 1961. Hedda siguió viviendo en ese mismo departamentito hasta su muerte, cuando ya hacía mucho que el dibujo en la bañadera se había despintado. Tampoco descolgó nunca de la pared de la cocina un hermoso diploma que le había hecho Steinberg consagrándola cocinera en jefe de la casa y de la ciudad (aunque no cocinó nunca más, ni siquiera para sí misma, después de Steinberg). Peggy Guggenheim le reprochó que abandonara la cocina y que se negara con la misma tozudez a que su pintura tuviese una marca de fábrica, un logo-style, Hedda le corregía: “Te refieres, sospecho, a ego-style”.

Desde su llegada a América, se había fascinado con lo concreto y lo inmediato: “Estados Unidos era más extraordinariamente surrealista que cualquier cosa que hubiesen imaginado los surrealistas”. Con Steinberg recorrieron todo el país en auto “Sólo nos faltó Hawaii; Saul no encontró el camino”.

Sterne empezó a pintar autos en movimiento, gigantescas hortalizas vistas desde adentro, piezas de avión en forma de tótems, naturalezas muertas con sanitarios (una de sus obsesiones: las diferencias entre los sanitarios europeos y los del nuevo mundo), pero para su estupor y la hilaridad de Steinberg, todo lo que hacía era abstracto a los ojos de sus colegas: “Podrías ser uno de nosotros”, “Pintas como un hombre”.

Sterne confesaba sin pudor que sus momentos de sequía habían sido abundantes, por el simple hecho de vivir dieciocho años junto a un hombre que nunca trabajaba más de tres cuartos de hora seguidos y que confiaba a ciegas en una sola cosa en el mundo: su formidable primer trazo (según Steinberg “ese trazo era su modo de pensar”). Durante esas crisis de confianza, Hedda hacía para distraerse psicorretratos a mano alzada de sus colegas y amigos: no eran fisonómicos; eran exclusivamente de la psique, en su opinión. Los acumuló durante años y cuando los expuso, creyendo que eran lo más abstracto que había sido capaz de hacer en su vida, la acusaron de haber traicionado a la abstracción y (¡en 1971!) la defenestraron una vez más. Steinberg había dibujado una vez una historia que Hedda le contó, la tenían colgada en la cocina:

…una nena está dibujando. La madre le pregunta qué dibuja. La nena dice que a Dios. ¿Cómo puedes dibujarlo si no sabés cómo es?, dice la madre. Para eso lo dibujo, contesta la chica. Rothko y Barnett Newman estaban bebiendo una noche en esa cocina. Barnett le señaló el dibujo a Rothko. “Eso es lo que estamos olvidando todos”, dijo.

En 1943, participó en The Exhibition by 31 Women que se realizó en la galería de arte de Peggy Guggenheim el Art of this Century en Nueva York.

A pesar de su obra, Sterne ha sido casi completamente ignorada por la Historia del Arte de la escena artística estadounidense de posguerra. Sterne veía sus muy variadas obras como un flujo, más que como afirmaciones definitivas. Cuando publicó su libro (American women artists) ya era reconocida como artista.

Desde el momento en que empezó a perder la vista hasta que se quedó ciega, Sterne llevó una suerte de bitácora en forma de dibujos diarios, hechos en crayones blancos sobre papel blanco. Había instalado su mesa de trabajo contra la ventana más grande de su departamento y ahí se sentaba cada día, crayón en mano, buscando la luz con sus ojos lechosos. En un reportaje filmado que le hicieron antes de morir, está sentada a la misma mesa, la luz entra de costado y le ilumina los ojos, tiene el pelo blanquísimo y esa serenidad en la cara que sólo los ciegos: es literalmente refulgente. “Los doctores dicen que no puedes gastarte los ojos. Lo que los gasta son otras cosas, no el uso”, dice en determinado momento. “El ego es la herramienta que usan algunos para que el talento parezca genio”, dice en otro momento.

Uno la ve hablar, relatar su vida, y ve aparecer todas las mujeres que fue, todas ellas a la vez: la de diez y la de veinte y la de treinta y la de cuarenta y la de cincuenta, la jovencita fatal de la que se enamoraron Hans Arp y Duchamp, la perseguida por judía, la rescatada por Nueva York, la siempre atenta a la sensualidad del mundo, la artista inmune al ego, la solitaria, la anciana sabia. Como si de alguna manera, en ese envase, se preservaran todas, se preservara lo que la mayoría pierde de sí en el camino. El novelista Henry de Montherlant (Paris 1895 – 1972 Ibid) dijo que sólo había un modo de retratar la felicidad: con tinta blanca sobre papel blanco.

Hedda Sterne lo hizo.

Forma parte de una serie en la que se proyectó un dibujo de Saul Steinberg de una mujer sobre Hedda Sterne, la proyección se alinea tan estrechamente con los rasgos de Sterne que se convierte en una especie de máscara.

Anticipa las máscaras de bolsas de papel que Steinberg comenzaría a hacer varios años después. Entre 1959 y 1962, animó muchas bolsas de papel sencillas con caras dibujadas con crayón, tinta o lápiz, que él y sus amigos se pusieron para los retratos enmascarados que tomó la fotógrafa Inge Morath (Graz 1923 – 2002 Manhattan). Los Eames compartían el interés de los Steinberg por las máscaras.

Charles, Ray Eames y Saul Steinberg

Poco después de que Charles y Ray Eames desarrollaran las Shell Chairs (1948) con carcasa de asiento de fibra de vidrio, (producidas en serie, constituyeron una nueva tipología de asientos) (4), Saul Steinberg visitó en 1950 la Eames Office de Los Ángeles. Steinberg ya era conocido por sus dibujos humorísticos y a veces provocadores de personas y animales ─sobre todo gatos─, con los a que traspasaba una y otra vez los limites de los medios gráficos tradicionales. Durante su visita dibujó de forma espontánea una serie de animadas caricaturas sobre los prototipos de muebles, el suelo y las paredes del estudio. Le llamaron especialmente la atención las Shell Chairs, y con un pincel empezó a pintar líneas que fluían de una silla a otra, creando un pequeño e imaginativo cosmos de personajes y animales, los Eames documentaron entusiasmados el espectáculo con una serie de fotografías.

Nota

1

Alicia Chillida (San Sebastián, 1958) demuestra un ineres por la convergencia entre arte, arquitectura, paisaje y, por cuestiones medioambientales.

Sus proyectos más recientes son las exposiciones Archivo Portera en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y Saul Steinberg, artista en la Fundación Juan March, Madrid,

-Moderadora de la sesión «Creación artística» en el curso de verano Luis Martín-Santos y su tiempo. Política, sociedad y cultura en años de silencio en la Universidad del País Vasco (UPV/EHU), San Sebastián;

-Fue invitada por el Departamento de Ingeniería de Diseño de Sistemas de la Universidad de Keio, Tokio; 

-Dirección y producción de la Bienal Edge´92, Madrid.

-Coordinación del taller Intervenciones urbanas, dirigido por Muntadas para Arteleku, Donostia-San Sebastián

-Comisariado y la producción del proyecto de escultura permanente de Ulrich Rückriem: Siglo XX, XXI, en el Prepirineo de Huesca. 

-Fue invitada por la XII Bienal de la Habana.

-Directora del Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria.

2

El cadáver exquisito era un juego surrealista de creación colectiva, que podía ser escrito o gráfico. En esa obra cada miembro del grupo realizaba su parte de la obra sin conocer por completo las otras partes. En este tipo de collage el accidente jugaba un papel muy importante.

3

LOS AMERICANOS. Frank Robert- Kerouac Jack. ISBN 978- 84-18934-03-2. Editorial la Fábrica. 180 pp.

Obra cumbre de la historia de la fotografía, este libro muestra un apasionante
retrato de la América de los años 50 a modo de road movie.
Los Americanos se gestó durante los años 1955 y 1956. Publicado por primera vez en 1958, no tardó mucho en convertirse en un hito, el libro de fotografía más influyente del mundo y en piedra de toque de la identidad estadounidense.
Robert Frank, que recorrió las carreteras de 48 estados norteamericanos tomando fotografías de gente corriente (Un desfile en Nueva Jersey, un funeral en Carolina del Sur, escaparates de Washington, un cóctel en Nueva York, carreteras de Idaho, un pícnic en California, Tennessee, Utah…) gracias a la beca que le concedió la John Simon Guggenheim Foundation, concibió este proyecto a raíz de su relación en la beat generation, tras coincidir con personalidades como Bill Brandt, Walter Evans o el poeta Allen Ginsberg.

4

Actualmente Vitra utiliza plástico posconsumo reciclado para fabricar las carcasas de las Eames Plastic Chairs y resina de poliéster reforzada con fibra de vidrio para las Eames Fiberglass Chairs.

Se fabrican con más de 170.000 configuraciones, 23 colores de carcasa y 36 opciones de acolchado. Las carcasas de asiento, ya sean de fibra de vidrio, plástico reciclado o cable de acero soldado, se adaptan a los contornos del cuerpo humano para dar mayor nivel de confort.

Continua en https://onlybook.es/blog/saul-steinberg-artista-3a-parte/

—————–

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

Arquitecto Luis Barragán por Hugo A. Kliczkowski Juritz

Muchas pequeñas cosas, es decir de todo un poco

Dijo Dante Alighieri

“Bien puede ser que lo que llamamos moderno, no sea sino aquello indigno de perdurar hasta hacerse viejo”.

Así comienza esta historia

Antes de ir a la FIL 2016,  feria del libro de Guadalajara quise visitar nuevamente la casa del Arq. Mexicano Luis Barragán, muchas veces me ocurre que mis ganas no siempre son suficientes, no había lugar en los pequeños grupos a los que  permiten entrar, ni ese día ni en los 3 subsiguientes.

En mi hotel entraron en la Web http://www.casaluisbarragan.org/visitas.html, y me informaron que la visita es previa cita, de Lunes a Viernes en 5 turnos, y llamaron por teléfono, sin conseguirnos lugar.

Fue la Sra. Catalina Corcuera Cabezut, directora desde hace mas de 20 años de la Casa Luis Barragán, con la que tuvimos una excelente charla en la que sin inocencia alguna le explicamos que habíamos editado un número de casas Internacional dedicado al arquitecto Barragán y otro de la colección achipocket dedicado a los arquitectos Legorreta Legorreta (HK) (discípulos y herederos arquitectónicos de Barragán).

Le explicamos que necesitábamos recrear en nuestra memoria la casa y accedió a invitarnos a verla.

Y no solo eso, ya que  nos permitió ver primero los jardines Ortega, contigua a la casa de Barragán, donde habito unos años, en esa casa estaba el premio Pritzker, y a esta casa primigenia en conceptos y experiencias espaciales, y de escala, casi un taller experimental, a ella se refirió Luis Barragán en su discurso al recibir el premio el 3 de Junio de 1980 en Dumbarton Oaks, EEUU, siendo la primera obra del mundo latino premiada  (segundo fue el arquitecto portugués Eduardo Souto de Moura).

Los jardines (sobre terrenos comprados por Barragán) fueron diseñados en 1940, así como la casa.

Sobre la casa Ortega dice el arquitecto en 1940”….”Un jardín bello es presencia permanente de la naturaleza, pero la naturaleza reducida a proporción humana y puesta al servicio del hombre, y es el más eficaz refugio contra la agresividad del mundo contemporáneo….”

Casa museo Luis Barragán

Como ya mencioné es una de las obras arquitectónicas contemporáneas de mayor trascendencia en el contexto internacional

La influencia de Luis Barragán en la arquitectura mundial sigue creciendo y su casa, conservada con fidelidad tal como la habitó y tuvo su estudio su autor hasta su muerte en 1988, es uno de los sitios más visitados en la ciudad de México por los arquitectos y los conocedores de arte de todo el mundo. Este museo, que comprende la residencia y el taller arquitectónico de su creador, es propiedad del Gobierno del Estado de Jalisco y de la Fundación de Arquitectura Tapatía Luis Barragán.

Casa-estudio Luis Barragan

Ubicado en la calle General Francisco Ramírez 12-14, colonia de Tacubaya, México, DF (11840).

Fue construida en 1948, y declarada por la UNESCO en 2004, Patrimonio Mundial,

Es el único inmueble individual en America Latina, y en su declaratoria la UNESCO manifiesta “ Es una obra maestra dentro del desarrollo del movimiento moderno que integra en una nueva síntesis de elementos tradicionales y vernáculos, así como diversas corrientes filosóficas “.

Ocupa dos lotes dentro de la misma calle, contando con una construcción de 1161,50 m2

La UNESCO incluye en sus categorías de inscripción para declarar a un bien como patrimonio de la humanidad entre otras categorías: “conjuntos y monumentos arquitectónicos y artísticos”. Estos últimos son grupos de construcciones independientes o reunidas con una arquitectura de valor excepcional o con una gran integración con el entorno natural. Precisamente a esta clase de tesoros pertenece la Casa Estudio de Luis Barragán. Se trata de una de las construcciones más interesantes de la Ciudad de México por sus referencias estéticas y planteamientos arquitectónicos.

Es una especie de compendio arquitectónico de las principales tendencias estéticas del siglo XX. Consta de planta baja y 2 plantas superiores y nos llama la atención por la selección de los materiales utilizados, los espacios creados y el manejo de una rica paleta de colores.

Considerado Patrimonio moderno, por su creatividad expresión y testimonial en la medida que recibe una herencia, la entiende, la comprende, y ello le permite transmitirla a otras generaciones.

Quien fue Luis Barragan?

(Guadalajara, 9 de marzo de 1902 – 1988 22 de noviembre Ciudad de México)

Nació en Guadalajara, y se graduó de ingeniero civil (el titulo que se otorgaba en esa época) aunque tempranamente y a raíz de sus viajes se decanto por la arquitectura. Realiza varias obras hasta que en 1936 se traslada a la ciudad de México.

En 1940 adquirió un amplio terreno en la entonces llamada Calzada de los Madereros, donde realizó algunos jardines, vendió la mayor parte de estos jardines reservándose una parte donde construyo su casa.

Desde 1940 al 45 realizo numerosas viviendas y desarrollos y posteriormente  junto a José Alberto Bustamante adquirió una enorme extensión de tierras en Pedregal de San Ángel para la realización de una ambiciosa urbanización-

Jardines

Tanto como a Roberto Burle Marx, los diseños de Barragán necesitan una lectura mas atenta para comprender su lenguaje y con el su significado.

En sus viajes influyeron en él los jardines de la Alhambra (y en ellos la sorpresa, la magia y el susurro de sus estanques) y en Francia 2 libros de Ferdinand Bac “Les Colombières” y “Jardins Echantés”.

En 1931 al volver a Europa visita a Bac en su jardín Les Colombières y le desencantó detectar la poca armonía con el espíritu de hoy. Conoció también a Le Corbusier y visito la Villa Savoye (situado en Poissy, en las afueras de Paris, construido en 1929) y el apartamento De Beistegui (diseñado en 1930).

En 1937 conoció a Richard Neutra con quien mantendría una gran amistad y compartiría conceptos sobre el paisaje.

Son muchos los personajes del mundo de la arquitectura y el paisajismo, el arte y la poesía que se relacionaron con él.

Nota: guardaba bajo llave en un cajón sus libros secretos, el ya mencionado Jardins Echantés y Les Colombières de F. Bac; B. Godounov de Pouchkine; Les Iles Grecques y el Poema electrónico de Le Corbusier y El Jardín Meridional de Nicolás María Rubio y Tudirí.

Que nos dicen de él

– arquitectura autobiográfica (por la enorme cantidad de gestos y guiños que nos llevan a las casas y el rancho de Mazamitla que habito de niño).

– solidez y armonía

– formas geométricas simples

– utilización de la luz en espacios místicos y emotivos.

– muestra el refugio, el escondite que nos libera hacia lo vital y lo necesario

– espacios para una vida ya vivida.

Nota: Enfermo de Párkinson, en su cama, bajo un rosario, sus últimas lecturas descansan sobre la más pequeñas de las mesas, Cumbres Borrascosas de Emily Brontë y En la búsqueda de Marcel Proust, de Maurois.

La casa Ortega

Una casa “experimental”

Podemos considerar a esta casa germen de lo que luego seria su casa definitiva. Un lugar donde pudo probar las sensaciones de espacios articulados, sugerentes, visiones  recorridos entre muros y árboles, arbustos y césped. Plantas y distancias mas presentidas que percibidas por el impacto visual.

Originalmente los jardines se unían por una puerta ahora tapiada dentro del muro que los separa.

El arquitecto que nos recibió y nos permitió visitarla y fotografiarla es sobrino de la Sra. Ortega la propietaria original.

Conserva mucho mobiliario diseñado por Barragán y por la Diseñadora Clara Porcet y está en un estado mucho más descuidado que la casa museo vecina.

Discurso del Arq. Luis Ramiro Barragán Morfín  en la entrega del Pritzker

(Los premios Pritzker son concedidos desde 1979 por la Fundación Hyatt).

Es en su discurso, donde con más facilidad podemos entender el pensamiento y la brújula con la que decidió guiar sus obras.

«Deseo dejar constancia, además, de mi respeto y admiración por el pueblo norteamericano, gran mecenas de las ciencias y de las artes, y que sin encerrarse dentro de los límites de sus fronteras las trascendió para distinguir de manera tan honrosa y generosa, en este caso, a un hijo de México. Tengo plena conciencia, por tanto, que el premio que se me otorga es un acto de reconocimiento de la universalidad de la cultura y en particular de la cultura de mi patria. Pero como nunca nadie se debe todo a sí mismo, sería mezquino no recordar en este momento la colaboración, la ayuda y el estímulo que he recibido a lo largo de mi vida por parte de colegas, dibujantes, fotógrafos, escritores, periodistas y personales amigos que han tenido la bondad de interesarse en mis trabajos.

Quisiera valerme de esta ocasión para presentar ante ustedes algunos pensamientos, algunos recuerdos e impresiones que, en su conjunto, expresen la ideología que sustenta mi trabajo. Y a este respecto ya se anticipó –aunque con excesiva generosidad el señor Jay A. Pritzker (1)  cuando explicó a la prensa que se me había concedido el Premio por considerar que me he dedicado a la arquitectura “como un acto sublime de la imaginación poética”. En mí se premia entonces, a todo aquél que ha sido tocado por la belleza. En proporción alarmante han desaparecido en las publicaciones dedicadas a la arquitectura las palabras belleza, inspiración, embrujo, magia, sortilegio, encantamiento y también las de serenidad, silencio, intimidad y asombro. Todas ellas han encontrado amorosa acogida en mi alma, y si estoy lejos de pretender haberles hecho plena justicia en mi obra, no por eso han dejado de ser mi faro».

Religión y Mito

 ¿Cómo comprender el arte y la gloria de su historia sin la espiritualidad religiosa y sin el trasfondo mítico que nos lleva hasta las raíces mismas del fenómeno artístico? Sin lo uno y lo otro no habría pirámides de Egipto y las nuestras mexicanas; no habría templos griegos ni catedrales góticas ni los asombros que nos dejó el renacimiento y la edad barroca; no las danzas rituales de los mal llamados pueblos primitivos ni el inagotable tesoro artístico de la sensibilidad popular de todas las naciones de la Tierra. Sin el afán de Dios nuestro planeta sería un yermo de fealdad. “En el arte de todos los tiempos y de todos los pueblos impera la lógica irracional del mito”, me dijo un día mi amigo Edmundo O’Gorman (2)  y con o sin su permiso me he apropiado sus palabras.

Belleza

La invencible dificultad que siempre han tenido los filósofos en definir la belleza es muestra inequívoca de su inefable misterio. La belleza habla como un oráculo, y el hombre, desde siempre, le ha rendido culto, ya en el tatuaje, ya en la humilde herramienta, ya en los egregios templos y palacios, ya, en fin, hasta en los productos industriales de la más alta tecnología contemporánea. La vida privada de belleza no merece llamarse humana.

Silencio

En mis jardines, en mis casas, siempre he procurado que prive el plácido murmullo del silencio, y en mis fuentes canta el silencio.

Soledad

Sólo en íntima comunión con la soledad puede el hombre hallarse a sí mismo. Es buena compañera, y mi arquitectura no es para quien la tema y la rehúya.

Serenidad

Es el gran y verdadero antídoto contra la angustia y el temor, y hoy, la habitación del hombre debe propiciarla. En mis proyectos y en mis obras no ha sido otro mi constante afán, pero hay que cuidar que no la ahuyente una indiscriminada paleta de colores. Al arquitecto le toca anunciar en su obra el evangelio de la serenidad.

Alegría

¡Cómo olvidarla! Pienso que una obra alcanza la perfección cuando no excluye la emoción de la alegría, alegría silenciosa y serena disfrutada en soledad.

La muerte

La certeza de nuestra muerte es fuente de vida, y en religiosidad implícita en la obra de arte triunfa la vida sobre la muerte.

Jardines

En el jardín el arquitecto invita a colaborar con el reino vegetal. Un jardín bello es presencia permanente de la naturaleza, pero la naturaleza reducida a proporción humana y puesta al servicio del hombre, y es el más eficaz refugio contra la agresividad del mundo contemporáneo.

“El alma de los jardines”, decía Ferdinand Bac, “alberga la mayor suma de serenidad de que puede disponer el hombre”. Y fue Bac quien despertó en mí el anhelo de la arquitectura de jardín. El decía: “En este pequeño dominio (sus jardines de Les Colombiers) no he hecho otra cosa que unirme a la solidaridad milenaria que la que todos estamos sujetos, que no es sino la ambición de expresar con la materia un sentimiento común a muchos hombres en búsqueda de un vínculo con la naturaleza al crear un lugar de reposo, de placer apacible”. Ya se ve que es condición de un jardín aunar lo poético y lo misterioso con la serenidad de la alegría. No hay mejor expresión de la vulgaridad que un jardín vulgar.

En una vasta extensión de lava al sur de la ciudad de México me propuse, arrobado por la belleza de ese antiguo paisaje volcánico, realizar algunos jardines que humanizaran, sin destruir tan maravilloso espectáculo. Paseando entre las grietas de lava protegido por la sombra de imponentes murallas de roca viva, repentinamente descubrí. ¡Oh sorpresa encantadora!, pequeños secretos valles verdes rodeados y limitados por las más caprichosas, hermosas y fantásticas formaciones de piedra que había esculpido en la roca derretida el soplo de vendavales prehistóricos.

Tan inesperado hallazgo de esos valles me produjo una sensación no desemejante a la que tuve cuando, caminando por un estrecho y oscuro túnel de la Alhambra, se me entregó, sereno, callado y solitario, el hermoso patio de los mirtos de ese antiguo palacio. Contenía lo que debe contener un jardín bien logrado: nada menos que el universo entero. Jamás me ha abandonado tan memorable epifanía y no es casual que desde el primer jardín que realicé en 1941, todos los que le han seguido pretenden con humildad recoger el eco de la inmensa lección de la sabiduría plástica de los moros de España.

Fuentes

Una fuente nos trae paz, alegría y apacible sensualidad alcanza la perfección de su razón de ser cuando por el hechizo de su embrujo, nos transporta, por decirlo así, fuera de este mundo. En la vigilia y en el sueño me ha acompañado a lo largo de mi vida el dulce recuerdo de fuentes maravillosas; las que marcaron para siempre mi niñez: los derramaderos de aguas sobrantes de las presas; los aljibes de las haciendas; los brocales de los pozos en los patios conventuales; las acequias por donde corre largamente el agua; los pequeños manantiales que reflejan las copas de los árboles milenarios; y los viejos acueductos que desde lejanos horizontes traen presurosos el agua a las haciendas con el estruendo de una catarata.

Arquitectura

Mi obra es autobiográfica, como tan certeramente lo señaló Emilio Ambasz (3) en el texto del libro que publicó sobre mi arquitectura el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En mi trabajo subyacen los recuerdos del rancho de mi padre donde pasé años de niñez y adolescencia, y en mi obra siempre alienta intento de transponer al mundo contemporáneo la magia de esas lejanas añoranzas tan colmadas de nostalgia. Han sido par a mí motivo de permanente inspiración las lecciones que encierra la arquitectura popular de la provincia mexicana: sus paredes blanqueadas con cal; la tranquilidad de sus patios y huertas; el colorido de sus calles y el humilde señorío de sus plazas rodeadas de sombreados portales. Y como existe un profundo vínculo entre esas enseñanzas y las de los pueblos del norte de África y de Marruecos, también éstos han marcado con su sello mis trabajos.

Católico que soy, he visitado con reverencia y con frecuencia los monumentales conventos que heredamos de la cultura y religiosidad de nuestros abuelos, los hombres de la colonia, y nunca ha dejado de conmoverme el sentimiento de bienestar y paz que se apodera de mi espíritu al recorrer aquellos hoy deshabitados claustros, celdas y solitarios patios. Cómo quisiera que se reconociera en algunas de mis obras la huella de esas experiencias, como traté de hacerlo en la capilla de las monjas capuchinas sacramentarias en Tlalpan, ciudad de México.

El arte de ver

Es esencial al arquitecto saber ver; quiero decir ver de manera que o se sobreponga el análisis puramente racional. Y con este motivo rindo aquí un homenaje a un gran amigo que con su infalible buen gusto estético fue maestro en ese difícil arte de ver con inocencia. Aludo al pintor Jesús (Chucho) Reyes Ferreira (4) a quien tanto me complace traer ahora la oportunidad de reconocerle públicamente la deuda que contraje con él por sus sabias enseñanzas. Y a este propósito no está fuera de lugar traer a la memoria unos versos de otro gran y querido amigo, el poeta mexicano Carlos Pellicer (5): por la vista el bien y el mal nos llegan. Ojos que nada ven, almas que nada esperan.

La nostalgia

Es conciencia del pasado, pero elevada a potencia poética, y como para el artista su personal pasado es la fuente de donde emanan sus posibilidades creadoras, la nostalgia es el camino para que ese pasado rinda los frutos de que está preñado. El arquitecto no debe, pues, desoír el mandato de las revelaciones nostálgicas, porque sólo con ellas es verdaderamente capaz de llenar con belleza el vacío que le queda a toda obra arquitectónica una vez que ha atendido las exigencias utilitarias del programa. De lo contrario la arquitectura no puede aspirar a seguir contando entre las bellas artes.

Mi socio y amigo el joven arquitecto Raúl Ferrera (6) y el pequeño equipo de nuestro taller comparten conmigo los conceptos que tan rudimentaria e insuficientemente he intentado presentar ante ustedes. Hemos trabajado y seguiremos trabajando animados por la fe en la verdadera estética de esa ideología y con la esperanza de que nuestra labor, dentro de sus muy modestos límites, coopere en la gran tarea de dignificar la vida humana por los senderos de la belleza y contribuya a levantar un dique contra el oleaje de deshumanización y vulgaridad.

Notas

1

Jay Arthur Pritzker (Chicago 26 de agosto de 1922 – 23 de enero de 1999) fue un empresario norteamericano y organizador de más de 60 compañías multi-industriales. En 1979 se estableció el Premio Pritzker de Arquitectura, que ahora es considerado el más prestigioso honor en el campo. En 2004, el Pabellón Jay Pritzker, diseñado por el arquitecto Frank Gehry, se completó como parte del Parque del Milenio en el centro de Chicago.

2.

Edmundo O’Gorman (Ciudad de México; 24 de noviembre de 1906 – 28 de septiembre de 1995) fue un reconocido historiador mexicano. Nació en Coyoacán. Hijo del ingeniero de minas y pintor irlandés Cecil Crawford O’Gorman y hermano del célebre pintor y arquitecto Juan O’Gorman.

3

Emilio Ambasz es un arquitecto, profesor y diseñador argentino.

(Resistencia  13 de junio de 1943). Entre 1970 y 1976 curador del MOMA.

4

(Chucho Reyes) José de Jesús Benjamín Buenaventura de los Reyes y Ferreira (Guadalajara, Jalisco, 17 de octubre de 1880 – 1977 5 de agosto Ibid) fue un pintor, coleccionista y anticuario mexicano. En 1957 asesoró la gama cromática original de las Torres de Satélite a Mathias Goeritz y Luis Barragán. En ese último influyó y asesoró en sus características gamas de color.

5

Carlos Pellicer Cámara (San Juan Bautista (hoy Villahermosa), Tabasco, México; 16 de enero de 1897 – Ciudad de México; 16 de febrero de 1977) fue un escritor, poeta, museólogo y político mexicano.. En agosto de 1921, junto con Vicente Lombardo Toledano, Diego Rivera, José Clemente Orozco y Xavier Guerrero entre otros, fundó el Grupo Solidario del Movimiento Obrero. Ese mismo año, su antiguo discípulo, el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez inauguraba el Museo Nacional de Antropología en Ciudad de México. Para su diseño se basó en las indicaciones de Pellicer. Pedro Ramírez Vázquez tuvo la oportunidad de colaborar con su maestro en etapas posteriores del museo regional de Tabasco.

6

Raúl Ferrera, socio de Barragán, heredó su archivo profesional

Historia de las instituciones que custodian los fondos de archivo de Luis Barragan

Su casa es el Museo que resguarda los libros que integraron su biblioteca, además de algunas pinturas, fotografías, y los objetos personales de Barragán.

Otras secciones de su archivo profesional la resguardó uno de sus familiares, quien después en 1994 entregó este archivo a la Fundación de Arquitectura en Guadalajara llamada «Luis Barragán» que conserva correspondencia amistosa, amorosa y familiar, testimonios escritos e ilustrados de sus viajes, por mencionar algunos. La Fundación se ubica en una de las Casas de Luis Barragán, a estos documentos se agregaron otros donados por amigos y familiares.

Fundación Barragan de Suiza

Institución sin fines de lucro financiada por la empresa suiza Vitra, se localiza en Birsfelden, cerca de Basilea (Basel), Suiza. Se hace cargo del archivo profesional del arquitecto mexicano Luis Barragán y su objetivo es la conservación, estudio y difusión del conocimiento sobre el trabajo de Luis Barragán.
El archivo profesional fue heredado por su socio el Arquitecto Raúl Ferrera, a su muerte, su viuda vendió parte del archivo a una empresa Suiza junto con los derechos de autor.

Resguarda 13, 500 dibujos, 7, 500 fotografías (positivo) 82 paneles fotográficos, 3, 500 negativos, 7, 800 transparencias; 290 publicaciones sobre el trabajo de Barragán, 54 publicaciones coleccionadas por Barragán; 7 expedientes con recortes sobre el trabajo de Barragán (periódicos, revistas, 7 maquetas y varios expedientes con manuscritos, notas, listas, correspondencia. Además resguarda la colección Armando Salas Portugal (1916-1995) fotógrafo que colaboro activamente con Barragán en 1944 cuando éste estaba diseñando El Pedregal de San Ángel 
Contacto Barragán Foundation, Klünenfeldstrasse 20, 4127, Birsfelden, Switzerland. Teléfono 41613771665.

 Alguna bibliografía

– 1937. The New architecture of México, de Esther Born

– 1940. Casa Ortega.

–  1976. The architecture of Luis Barragan. Introducción  de Emilio Ambasz . MoMA  .  ISBN 978-0-87070-233-4.

– 1979. House For Luis Barragan & San ChristobalTapa, GA 48

– 1997. Luis Barragan: Mexico’s Modern Master, 1902-1988 ed Monacceli Press

– 1997. Luis Barragan: Barragan House, Los Clubes and San Cristobal autor Emilio Ambasz – Ada Edita  GA

– 2002. CUATRO Centenarios: Luis Barragán (jardines en silencio); Marcel breuer, Arne Jacobsen, José   Luis Sert. De Darío Álvarez, Universidad de Valladolid y COACYCLE.

– 2009. Escritos y conversaciones – Luis Barragán editorial El Croquis autor Antonio Riggen

– 2009. Luis Barragan: Barragan House, Mexico City, 1947-1948 by Futagawa, Yukio Ada Edita. GA.

– 2011. La casa de Luis Barragán: Un valor universal, autores Alfaro, Garza, Palomar.

– 2013. Luis Barragán (1902-1988) .editorial RM. Prologo del arq. Álvaro Siza autores  Buendía Júlvez, Palomar, Eguiarte.

– 2014. Luis Barragán. Paraisos / Paradises , HK books autor Juan Molina y Vedia

– 2014. LUIS BARRAGAN. Casa estudio.  FCA Nº 21 –con DVD

Premios

1976 Premio Nacional de Ciencias y Artes, México.

1980 Premio Pritzker de Arquitectura.

1985. Premio Anual de Arquitectura Jalisco.

1987. Premio América de Arquitectura.

Sus obras

1979-84.  Faro del Comercio, en colaboración con Raúl Ferrara, Macroplaza en Monterrey, Nuevo León.

1978. Casa Gárate (hoy B. Meyer), en colaboración con Alberto Chauvet.

1976. Casa Gilardi, calle Gral. Antonio León 82, Tacubaya, México, DF.

1969. Puerta de servicio «Los Clubes», Las Arboledas, Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

Plan Maestro de Cano, Tepotzotlán, Estado de México.

1967-1968. Cuadra San Cristóbal. Establos, piscina. Casa, alberca y establos Folke Egerstrom, en colaboración con Andrés Casillas

1967. Lomas Verdes y Capilla, ordenación, en colaboración con Juan Sordo Madaleno.

1963. Los Clubes, ordenación general, Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

1958. Las Arboledas, ordenación general y jardines, Tlalnepantla de Baz y Atizapán de Zaragoza, Estado de México.

1957. Torres de Ciudad Satélite, (Anillo Periférico Norte) en colaboración con Mathias Goeritz, Ciudad Satélite, México DF.

1955. Jardines del Hotel Pierre Márquez, Acapulco. Guerrero

Casa Antonio Gálvez, (calle Pimentel, 10, Chimalistac San Ángel, México DF.

Plan de Ordenación de Jardines del Bosque (obra no construida), Guadalajara, Jalisco.

1952-1955. Convento de las Capuchinas Sacramentarias del Purísimo Corazón de María, centro de Tlalpan, México DF.

1950. Casa Eduardo Prieto López, Jardines del Pedregal de San Ángel. México DF.

1948. Dos casas (casas muestra) en la Avda. de las Fuentes, 10 (hoy 130), en colaboración con Max Cetto, Jardines del Pedregal de San Ángel, México, DF.

1947. Casa Estudio Luis Barragán, calle General Francisco Ramírez #14, Tacubaya,2 México, DF.

1945-1950. Plan Maestro, accesos, plaza de las Fuentes y tres jardines muestra, Jardines del Pedregal de San Ángel, México, DF.

Cuatro jardines particulares, avenida de los Constituyentes y calle General Francisco Ramírez, Tacubaya, México, D. F.

1944 Tres jardines privados en la Avda. San Jerónimo, Jardines del Pedregal de San Ángel, México, DF.

1941-1943 Casa y jardín en C/General Francisco Ramírez, Tacubaya, México DF.

1940 Casa Eduardo Villaseñor, San Ángel DF.

1937 Casa Pizarro Suárez, Lomas de Chapultepec, México DF.

1936 – 1940 Edificio de apartamentos en colaboración con Max Cetto, calle Río Lerma 147 México DF.

Casa para alquilar, calle Río Guadiana Colonia Cuauhtémoc, México DF.

Edificio de apartamentos, Colonia Cuauhtémoc, México DF.

Edificio de apartamentos en colaboración con José Creixell, Colonia Cuauhtémoc, México DF.

Edificio de apartamentos y casa unifamiliar anexa, Av. Río Missisipi en la plaza Melchor Ocampo, Colonia Cuauhtémoc, México, DF.

Edificio de estudios para pintores (en colaboración con el Arq. Max Cetto). Colonia Cuauhtémoc, México DF.

1936 Casa para dos familias, Avenida parque México 141 y 143, Colonia Condesa, México, DF.

Dos casas en Avda. Mazatlán, México DF.

1932 Restauración de casa en colaboración con Juan Palomar, Guadalajara, Jalisco.

1931 Casa de la familia Barragán, (con Juan Palomar y Arias), Chapala, Jalisco.

1929 Casa de Gustavo Cristo, Guadalajara, Jalisco.

Jardín de recreo infantil, Parque de la Revolución, Guadalajara, Jalisco.

Casas de alquiler para Efraín González Luna, actualmente Casa ITESO Clavijero. Guadalajara, Jalisco.

1928 Casas de alquiler para Robles León, Guadalajara, Jalisco.

Casa Harper de Garibi, Guadalajara, Jalisco.

Casa Efraín González Luna, actual Casa ITESO Clavijero, Guadalajara, Jalisco.

Casa de Enrique Aguilar, Guadalajara, Jalisco.

1927-1936 Casa en calle Simón Bolívar, Guadalajara, Jalisco.

Casa José C. Orozco, Guadalajara, Jalisco.

Casas para alquilar de Idelfonso Franco, Av. La Paz 2207 y Simón Bolívar 224, Guadalajara, Jalisco.

1927-1933 Casa del Dr. Medina, Guadalajara, Jalisco.

1927 Reforma de la casa Emiliano Robles León, Guadalajara, Jalisco.

——————–

Nuestro Blog uestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

Saul Steinberg, Artista 

La Fundación Juan March presentó en Madrid, en su sede de Castello,77, la primera exposición retrospectiva Saul Steinberg.

La obra de Saul Steinberg (Ramnicu Sarat, Rumania 1914 – 1999 Nueva York). 

Visité la muestra a finales de noviembre de 2024, los textos y fotos de este artículo, provienen de la exposición y de su completo catálogo de 388 páginas editado por Manuel, Fontán del Junco y Aida Capa, junto a Alicia Chillida, y Francesca Pellicciari. 

Aclaran en la falsa portada que contiene textos de Harold Rosenberg, Alicia Chillida, Maria Teresa Muñoz, Sheila Schwartz, Francisca Pellicciari, Gabriele Gimmelli y Daniela Roman, y mencionan un homenaje a El Roto.  

Se inauguró el 18 de octubre de 2024, permanecerá hasta el 12 de enero de 2025.  Me ha encantado, volveré a verla antes que cierre.

Exponen dibujos, pinturas, grabados, collages y objetos en 3 dimensiones, fotografías, libros de artista, revistas y filmaciones. 

En España solo se había realizado en el año 2002 en el Institut Valenciá d´Art Modern una exposición sobre sus dibujos. 

Ha colaborado principalmente la Saul Steinberg Foundation de Nueva York (Sheila Schwartz y Patterson Sim), que, en el marco de sus donaciones ainstituciones internacionales, decidió donar cerca de cien obras, a la Fundación Juan March.

Para la muestra han recibido prestamos del Centre Pompidou, el Art Institute of Chicago, el Boston Museum of Fine Art, La Galeria Maeght, La Pace Gallery, la Biblioteca Nazionale Braidense de Milán de los herederos del artista (sus sobrinos Daniela y Stèphane Roman) y colecciones particulares. 

Han abierto el sitio Saul Steinberg la exposición extendida en www.march.es. 

“Tengo la sensación de haberme pasado toda la vida cruzado una frontera tras otra. Alunas reales, otras imaginarias. Después de un viaje, me siento tan renovado como esos artistas que parecen estar siempre enamorados”. Saul Steinberg, 1978. 

Rumanía, Italia, República Dominicana, Estados Unidos, El Mundo…

 El diploma que lo distingue como arquitecto del Politécnico de Milán de 1940 pone en su texto…Nato a Sarat…..DI RAZZA EBRAICA. Dato que no parece fuera irrelevante para escribir sus datos personales. Documento de 45 x 55 cm. Archivi Storici. Politecnico di Milano.

Excelente Exposición en la Fundación Juan March de Madrid.” Saul Steinberg, artista”. Desde el 18 de octubre de 2024 al 12 de enero de 2025.

Saul Steinberg. Harold Rosenberg (1)

Saul Steinberg es un hombre que vive en la frontera de los géneros, un artista que no se puede encasillar en una sola categoría. Es un escritor de imágenes, un arquitecto de palabras y sonidos, un dibujante de reflexiones filosóficas. Su línea de calígrafo y escribano magistral, estéticamente deliciosa en sí misma, es también la línea de un ilusionista que plantea acertijos y chistes sobre las apariencias.

Y es, además, una «línea» en otro sentido que la palabra «line» solo posee en inglés: una frase ingeniosa para seducir a alguien, un piropo. Por la atracción que siente por la pluma, la tinta y los lápices, y por la compleja naturaleza intelectual de sus creaciones, se podría pensar que Steinberg es una especie de escritor, aunque único en su género.

Ha ideado diálogos entre lo verbal y lo visual que incluyen juegos de palabras con múltiples planos de significado verbal y visual, que han llevado a compararle con James Joyce. Sus monólogos artísticos dan vida a imágenes que son palabras, y a palabras que tienen la solidez de los objetos y sufren los infortunios de los seres vivos, ¡como cuando un cocodrilo’ le suelta un mordisco a la palabra HELP! -¡Socorro!-. y la parte en dos, o cuando WHO empuja a DID, que acaba espachurrando a la I de IT en WHO DID IT? -¿Quién ha sido?- (figura 1).

Las composiciones de Steinberg cruzan las fronteras que separan el arte de la caricatura, de la ilustración, del arte infantil, del art brut, de la sátira, y, al mismo tiempo, están cargadas de reminiscencias de diversos estilos, desde el arte griego y oriental hasta el cubismo y el constructivismo. Su obra es especialmente actual, pero conserva un halo de antigualla.

«No pertenezco al mundo del arte, ni al de las viñetas, ni al de las revistas -explica-, y por eso el mundo del arte no sabe muy bien dónde situarme». Saul Steinberg

Como humorista gráfico, atormenta a los que se empeñan en establecer distinciones entre las bellas artes y los medios de comunicación de masas.

Hay que admitir que es ocurrente, genial desde un punto de vista formal, un gran calígrafo, pero «¿es un artista?». (…) No obstante, en el momento en que sus dibujos y pinturas se exhiben en un museo de arte, pasan a definirse como arte. Desde que Marcel Duchamp expuso una rueda de bicicleta en una galería hace más de cincuenta años, los objetos se identifican por la compañía en la que andan. Por esta regla, la presente retrospectiva pone fin al debate en torno a las obras reunidas en esta exposición, pero no determina la naturaleza de un «Steinberg» que se publique en una revista la semana que viene.

Hoy arte, mañana viñeta.

Más importante, sin embargo, que la obsoleta pregunta de si una obra es o no arte es el hecho de que todas las creaciones de Steinberg forman un todo continuo y en evolución; que son coherentes entre sí en virtud del singular molde que da forma al pensamiento, a la capacidad y a la sensibilidad de este artista. Es esta firma mental y manual definitiva la que le ha ayudado a conseguir un mayor reconocimiento como maestro entre el público internacional que cualquier otro artista vivo.

La tradición del artista consiste en convertirse en otra persona. Saul Steinberg

Fue uno de los artistas estadounidenses que surgieron inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial y revolucionaron la pintura y la escultura mediante la introducción de un nuevo objeto de representación: el misterio de la identidad individual.

Barnett Newman escribió al respecto:

«El yo, terrible y constante, es para mí el objeto de representación de la pintura». El yo o el no yo (la impersonalidad) ha sido la cuestión en torno a la cual los movimientos artísticos han aflorado o han naufragado en los Estados Unidos durante las décadas posteriores a la guerra.

En sus míticas búsquedas, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Philip Guston, Barnett Newman o Mark Rothko han intentado encontrar un vocabulario especial que les permitiera dejar al descubierto el ser que subyace a la conciencia.

“La tradición del artista consiste en convertirse en otra persona”. Saul Steinberg

Al igual que ellos, Steinberg concibe el arte como una autobiografía. (…) Virtuoso de los intercambios de identidad, Steinberg siente una inclinación natural por la comedia. Su idea de lo cómico está relacionada al mismo tiempo con las fantasías de los seres humanos y con su intransigencia (…)

Para Steinberg, todo lo que existe es un artista entregado al perfeccionamiento de su apariencia, una curiosa versión del darwinismo. Como explicó en una entrevista: «Lo más importante que hay que averiguar es qué tipo de técnica emplea el cocodrilo para dejarse ver». Esta autotransformación universal también tiene su lado oscuro. Convertirse en otro es un momento de crisis. Los dibujos de Steinberg están llenos de figuras al borde de precipicios, estatuas que se caen de sus pedestales, individuos solitarios que miran fijamente al vacío.

A diferencia de los signos impenetrables pero sugerentes que evocan Pollock y De Kooning mediante la acción espontánea del pincel, el lenguaje figurativo de Steinberg, igual de misterioso, proviene de la galería de imágenes grabadas a fuego en el espíritu colectivo.

En este sentido, como en otros que veremos más adelante, Steinberg es un precursor del pop art, aunque lo trascienda, pues es ante todo un artista de la imaginación libre. (…) una de sus obras más personales y memorables es el señor con un conejo dentro de la cabeza que mira a través de los ojos del hombre, una criatura asustada, atrapada y protegida al mismo tiempo Fig 3. The Rabbit (El conejo). Accesible solo a través de sus metáforas, Steinberg se convierte en «alguien» cuando demuestra cómo su ser interior anónimo se representa constantemente a sí mismo.

Saul Steinberg, dice dibujar es una manera de razonar sobre papel. (Hugo K. Me hace acordar lo que me decía mi nietita cuando le leía, “Leer es como soñar mirando letras”).

Steinberg insiste en que su interpretación personal de sus propios dibujos no es la única posible. (…) Steinberg ha confesado que en sus obras se puede detectar una «seriedad o una melancolía (Mozartiana) disfrazada de alegría», y es cierto que algunas de sus panorámicas sociales de los últimos años -como Law and Order -Ley y orden- y Street War -Guerra callejera- poseen un tono lúgubre.

En una viñeta de un solo trazo, el artista se dibuja a sí mismo dentro de un círculo. (…) Se podría interpretar que el dibujo representa la historia del hombre civilizado. Y así sucesivamente.

Imágenes Pensantes y Pensadas. “¿Cómo puede una imagen dar ideas? Sin embargo, Steinberg las da. O más bien -algo más valioso- da ganas de ideas”. Roland Barthes sobre Saul Steinberg, 1983

(…) El dibujo significa para cada espectador lo que pueda encontrar en él. El arte de Steinberg es un acto que saca a la luz una nueva percepción, a veces en forma de acertijo, y pide a cambio un acto de comprensión.

Un exceso de interpretación complica el acto responsivo: «Toda explicación –ha afirmado Steinberg– es una explicación excesiva». A pesar de que su arte se basa en la imaginería popular, es, a fin de cuentas, tan gnómico como el de los expresionistas abstractos coetáneos.

Steinberg se enfrenta a su experiencia presente retrocediendo en círculos hasta llegar a otras fases anteriores de su arte y reutilizando su lenguaje para nuevos fines.

Sus mesas de la década de 1970 Fig 4 son ensamblajes sobre tablas integrados por imágenes y falsificaciones hechas a mano, visualmente engañosas, de sus herramientas artísticas -plumas, lápices, pinceles, reglas, cuadernos de dibujo, cuadernos de notas-, a las que incorpora elementos tan característicos como sus globos de diálogo y los sellos de caucho, que cumplen la misma función identificativa que las huellas dactilares y las firmas oficiales de la década de 1950.

Los tableros más grandes se montan sobre caballetes y se convierten así en auténticas mesas. Ordenadas con la misma pulcritud que los objetos que se guardan en las vitrinas de un organismo policial, las herramientas artísticas de Steinberg representan otro plano de su autobiografía, los objetos a los que se siente más unido emocionalmente: su «arte erótico», como a él le gusta definirlo. (…) Son extensiones de sí mismo, pero, al igual que sus máscaras con bolsas de papel, «no son la realidad, sino un símbolo». …

…Continua el texto en el catálogo, desde esta página 284 hasta la página 307 que es donde comienza el texto de Alicia Chillida.

NOTA

1

Nota de los editores. Este texto del crítico norteamericano Harold Rosenberg, buen amigo de Saul Steinberg, se traduce por primera vez al español, se publicó originalmente en el catálogo de la exposición Saul Steinberg, celebrada en el Whitney Museum of American Art de Nueva York en 1978. La importancia del ensayo de Rosenberg estriba no solo en su agudo y complejo acercamiento a la figura de Steinberg, sino, además, en la reivindicación que hace de su obra, a la que sitúa, con justicia, en el centro del contexto artístico del siglo XX. Se desconoce el paradero actual de algunas de las imágenes referenciadas por Rosenberg en el texto y reproducidas a continuación, de modo que las fichas correspondientes se hallan por fuerza incompletas.

Continua en https://onlybook.es/blog/saul-steinberg-artista-2a-parte/

——————–

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parad

“The Ariston, a modern ruin”, its history and its protagonists

«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz

El parador ARISTON, una ruina moderna por HaKj

We were expectant, very expectant, the director Gerardo Panero told us that he could not send us the documentary until it was screened at the 39th Mar del Plata film festival, which began on November 21 and ended on December 1, 2024.

I think he said, “that the festival jury was very strict, and that the documentary should not circulate parallel to the festival.”

I replied:

“…you have me more nervous than my first girlfriend (I don’t know if I was nervous in that century), but it helped me to politely ask her to send it.”

Preview of the documentary «El Ariston» selected in the Official Competition of the 39th Mar del Plata International Film Festival, screenings on November 24 and 25.

https://youtube.com/watch?v=ZX2rcdG2nx0%3Ffeature%3Doembed

We read the comments in the newspapers until we learned that they had given him a special mention.

Friday, November 29, 2024

“El Ariston”: documentary covers the history of the parador and can be seen at the Film Festival.

It is the famous parador located on the southern beaches of Mar del Plata.

The documentary film is directed by Gerardo Panero. In 2013 he directed the film about Amancio Willliams, the architect of the House on the Stream.

Argentine Feature Film Competition

-First Special Mention “EL ARISTON” by Gerardo Panero.

-Second Special Mention to Lautaru Bettoni and Benicio Mutti Spinetta for their performance in “NO CORRE VENTO”.

Gerardo Panero has a degree in Audiovisual Arts Teaching (UNSAM) and a graduate of ENERC (National School of Film Experimentation and Production). 

-He worked as a sound director in fiction feature films, documentaries, TV series and advertising.

“Chivilcoy, the foundation of a past” 

It won the 2010 digital TV award, shown by Canal Encuentro and Argentine Public TV.

“Amancio Williams”, documentary feature film.

Nominated by the Academy of Cinematographic Arts and Sciences of Argentina for the “Sur” 2014 award and nominated for the Silver Condor by the Association of Cinematographic Chroniclers of Argentina in 2015

“Plan for Buenos Aires”

It received the award for best documentary at the Guatemala International Film Festival.

Original title The Ariston

Year 2024

Duration 67 min.

Country Argentina

Address Gerardo Panero

Screenplay Gerardo Panero

Lito Vitale music

Photography Daniel Hermo

Companies Fueye Films

Documentary Genre

Argentine Cinema and Theater

Nov 24, 2024

Gerardo Panero 

The Ariston The director brings us what the famous tourist inn is and what it was. Interview: Javier Erlij, Edition: Alejandro Ramirez.

https://youtube.com/watch?v=3YhZsGouZHo%3Ffeature%3Doembed

https://www.ivoox.com/documental-sobre-ariston-festival-de-audios-mp3_rf_136220405_1.html

The Ariston, located in Playa Serena, is the work of architect Marcel Breuer.

“El Ariston” is the documentary that traces the history of the famous parador located in Playa Serena, in the southern area of ​​Mar del Plata. Directed by Gerardo Panero, the film will be part of the programming of the Mar del Plata International Film Festival, which will begin this Thursday in various theaters.

It was exhibited in three performances, within the Argentine Competition section: this Saturday at 10:10 and 7:20 p.m. and this Sunday at 4:10 p.m. in room 4 of Paseo Aldrey.

Panero, an Argentine film director born in the city of Chivilicoy, came to Ariston from a previous documentary work – made in 2013 – that revolved around the figure of Amancio Williams, architect of the famous “House on the Brook” , also located in Mar del Plata.

“The first approach was through the figure of Amancio, I investigated the deployment of the architecture of Mar del Plata and how the references of modern architecture did work in this city. This is how he came to know the history of the now abandoned inn and its architect Marcel Breuer».

Breuer is a key figure in the Bauhaus, a movement founded in Germany that renewed art and architecture.

In 1947 he visited Argentina and designed the Parador Ariston under the avant-garde criteria of said school. 1947 is a time of much development in architecture, a time of social changes, he said in an interview with LA CAPITAL.

It was built to be able to carry out urban development in that area (south of Mar del Plata). The idea was to sell the land, because with the creation of the Chapadmalal complex and Route 11 it was thought that these neighborhoods could be urbanized. And the parador was the first place of interest to populate that area.”

The documentary tells the architectural history of Mar del Plata and how with the passage of time the Ariston was forgotten and its slow destruction began.

This story leads us to reflect on the importance of architectural heritage in a city.turística.

For the filmmaker, the possibility of screening this film for the first time in Mar del Plata represents, in addition to “immense joy,” a “natural” screen for its premiere, given the closeness to the story and the people who participate in the film. .

In that sense, Mar del Plata historians contribute their voice to the documentary, as happens with Elisa Pastoriza, among others.

Synopsis

In 1947, Marcel Breuer, a fundamental figure of the Bauhaus, visited Argentina and designed the Parador Ariston in Mar del Plata. As time goes by, the Ariston will fall into oblivion. The context in which it was created leads us to discover how Mar del Plata is transformed into the dream city for Argentine families’ vacations and the importance of architectural heritage.

Reviews

«It is one of those neat and well-put together films that meets the objectives it sets out to do: take something that is visible to everyone and, from that, see what its story tells us about the present. «It won’t be much, but it won’t be little either.» Score: ★★★ (out of 5)». Ezequiel Boetti, OtherCines.com

Documentary about Ariston at the Mar del Plata Film Festival, November 22, 2024.

Review of “El Ariston”, documentary by Gerardo Panero (Argentine Competition). By Ezequiel Boetti. OtherCines.com

The hidden story behind an architectural jewel abandoned to its fate very close to Mar del Plata.

The Ariston (Argentina/2024). Direction and script: Gerardo Panero.

With the testimonies of Horacio Goyeneche, Hugo Kliczkowski Juritz, Magali Marazzo, Gustavo Nielsen, Elisa Pastoriza, Moira Sanjurjo and María Talay. Photography: Daniel Hermo. Edition: Emiliano Fardaus. Art direction: Laura M. Faccinelli. Sound: Gino Gelsi. Music: Lito Vitale. Producers: Gerardo Panero, Franco Carbone, Eliana Ponzano. Production house: Fueye Films. Duration: 67 minutes. 

Like any abandoned construction, the Parador Ariston is the trace of a truncated promise, of a past that predicted prosperity and joy for a future that, of course, never came. And the one that today is eaten away by the Atlantic saltpeter and surrounded by grass is also the only work in Latin America that bears the signature of the Hungarian architect Marcel Breuer, one of the great references of the modernist movement of the mid-20th century.

That parador, located a few kilometers south of the center of the city of Mar del Plata, is the end of the ball that the director Gerardo Panero pulls to investigate the way in which architecture becomes a fragment of urban identity, at the same time as a very faithful representation of the winds that blew in each era. This explains why Mar del Plata is characterized by what one of the several specialists who speaks to the camera defines as a “construction-destruction-construction” cycle.

There are the photos and testimonies that remind us of the imposing French promenade in the Belle Époque style that was built at the beginning of the last century and that was demolished just 20 years later.

They also remember that the new design, which remains in place to this day, responds to a new working class that was beginning to take over a place that until then had belonged to the elites.

This parador, thought to be a reference for the then incipient urbanization of the beaches near the lighthouse, dates back to that time, an advance that would be crowned with the creation of Chapadmalal on land expropriated from the Martínez de Hoz family.

Appealing to the most recurrent uses and customs of expository documentaries, with their mix of talking heads and archival material spun by a voice-over,

Review of “El Ariston”: Memory and abandonment of a Bauhaus icon

By Juan Pablo Russo. Friday, December 6, 2024

https://www.escribiendocine.com/noticias/2024/12/06/18868-critica-de-el-ariston-memoria-y-abandono-de-un-icono-de-la-bauhaus#google_vignette

The narrative is nourished by exhaustive research and achieves a balance between historical analysis and an aesthetic sensitivity that invites us to rethink the relationship between memory and space. The progressive destruction of the Parador Ariston highlights the challenges faced by heritage conservation in a city whose identity is strongly linked to tourism.

The Ariston is more than a testament to Marcel Breuer’s legacy; It is a reminder of how carelessness can blur the value of works that defined an era. In this sense, the documentary becomes a key tool to raise awareness about the need to value and protect these structures.

Publication in the New York times on April 21, 2019

Reporters Alex Marshall and Miriam Quick

The New York Times made a special supplement on the occasion of the 100 years of the Bauhaus, they asked me for collaboration and I asked them in return to give a special place to the Parador Ariston, which they did by putting it on the cover of Arts&Leisure, and pages 14 and 15.

Previous postMagna Graecia. The Doric order

2 comments on “The documentary «El Ariston» is awarded at the 39th Mar del Plata Film Festival”

Gustavo Nielsen5 diciembre, 2024 a las 12:18 pmEditar Qué informazo, gracias!!!

What a great information, thank you!!!
hugoklicoDecember 5, 2024 at 3:44 pm.The architect deserves the

Our Blog has obtained more than 1,300,000 readings:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
Onlybook.es/blog
Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina
http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

“El Ariston una ruina moderna”, su historia y sus protagonistas

El parador ARISTON, una ruina moderna por HaKj

Estábamos expectantes, muy expectantes, el director Gerardo Panero nos dijo que no podía enviarnos el documental hasta que no se proyectase en el 39 festival de cine de Mar del Plata, que comenzó el 21 de noviembre y finalizó el 1 de diciembre de 2024.

Creo que dijo, “que el jurado del festival era muy estricto, y que no debía circular el documental, paralela al festival”.

Le respondí:

“…me tenés más nervioso que mi primera novia (no se si en aquel siglo estaba nervioso), pero me sirvió para pedirle simpáticamente que lo enviara”.

Avance del documental «El Ariston» seleccionado en la Competencia Oficial del 39 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, proyecciones los dias 24 y 25 de noviembre.

Fuimos leyendo los comentarios en los diarios, hasta que supimos que le otorgaron una mención especial.

Viernes,29 de noviembre de 2024

“El Ariston”: documental recorre la historia del parador y podrá verse en el Festival de Cine.

Es el famoso parador ubicado en las playas del sur de Mar del Plata.

El filme documental tiene la dirección de Gerardo Panero. En 2013 dirigió la película sobre Amancio Willliams, el arquitecto de la Casa sobre el Arroyo.

Competencia Argentina de Largometrajes

-Primera mención Especial “EL ARISTON” de Gerardo Panero.

-Segunda Mención Especial a Lautaru Bettoni y Benicio Mutti Spinetta por su interpretación en “NO CORRE VIENTO”.

Gerardo Panero es licenciado en Enseñanza de las Artes Audiovisuales (UNSAM) y egresado de la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica). 

-Trabajó como director de sonido en largometrajes de ficción, documentales, series de TV y publicidad.

“Chivilcoy, la fundación de un pasado” 

Obtuvo el premio de TV digital 2010. exhibido por Canal Encuentro y la TV Pública Argentina.

“Amancio Williams”, largometraje documental.

Nominado por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina al premio “Sur” 2014 y nominado al Cóndor de Plata por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina en 2015

“Plan para Buenos Aires”.

Recibió el premio al mejor documental en el Festival Internacional de Cine de Guatemala.

Título original El Ariston

Año 2024

Duración 67 min.

País  Argentina

Dirección Gerardo Panero

Guion Gerardo Panero

Música Lito Vitale

Fotografía Daniel Hermo

Compañías Fueye Films

Género Documental

Cine y Teatro Argentino

24 nov 2024

Gerardo Panero 🎬 El Ariston El director nos trae lo que es y lo que fue el famoso parador turistico. Entrevista: Javier Erlij, Edición: Alejandro Ramirez.

https://www.ivoox.com/documental-sobre-ariston-festival-de-audios-mp3_rf_136220405_1.html

El Ariston, ubicado en Playa Serena, es obra del arquitecto Marcel Breuer.

“El Ariston” es el documental que recorre la historia del famoso parador ubicado en Playa Serena, en la zona sur de Mar del Plata. Dirigida por Gerardo Panero, la película será parte de la programación del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata que empezará este jueves en diversas salas.

Se lo exhibió en tres funciones, dentro de la sección Competencia Argentina: este sábado a las 10.10 y a las 19.20 y este domingo a las 16.10 en la sala 4 del Paseo Aldrey.

Panero, un director de cine argentino nacido en la ciudad de Chivilicoy, llegó al Ariston a partir de un trabajo documental anterior -realizado en 2013- que giró en torno a la figura de Amancio Williams, arquitecto de la famosa “Casa sobre el arroyo”, también emplazada en Mar del Plata.

“El primer acercamiento fue a través de la figura de Amancio, investigué sobre el despliegue de la arquitectura de Mar del Plata y cómo los referentes de la arquitectura moderna hicieron obra en esta ciudad. Así llegó a conocer la historia del hoy abandonado parador y de su arquitecto Marcel Breuer.

Breuer es una figura fundamental de la Bauhaus, un movimiento fundado en Alemania que renovó el arte y la arquitectura. 

En 1947visitó la Argentina y diseñó el Parador Ariston bajo los criterios vanguardistas de dicha escuela, 1947 es una época de mucho desarrollo de la arquitectura, una época de cambios sociales -contó en una entrevista con LA CAPITAL-.

Se lo construyó para poder hacer un desarrollo urbano en esa zona (sur de Mar del Plata). La idea fue vender los terrenos, porque con la creación del complejo Chapadmalal y de la Ruta 11 se pensaba que se podía urbanizar esos barrios. Y el parador fue el primer lugar de interés para poblar esa zona”.

El documental relata la historia arquitectónica de Mar del Plata y cómo con el paso del tiempo el Ariston quedó en el olvido y comenzó su lenta destrucción.

Esta historia lleva a reflexionar sobre la importancia del patrimonio arquitectónico en una ciudad turística.

Para el cineasta, la posibilidad de proyectar esta película por primera vez en Mar del Plata supone, además de una“alegría inmensa”, una pantalla “natural” para su estreno, dada la cercanía con la historia y con las personas que particián del filme.

En ese sentido, historiadores marplatenses aportan su voz en el documental, tal como ocurre con Elisa Pastoriza, entre otros.

Sinopsis

En 1947 Marcel Breuer, figura fundamental de la Bauhaus, visitó Argentina y diseñó el Parador Ariston, en Mar del Plata. Con el paso del tiempo, el Ariston caerá en el olvido. El contexto en el que fue creado nos lleva a descubrir cómo Mar del Plata se transforma en la ciudad soñada para las vacaciones de las familias argentinas y la importancia del patrimonio arquitectónico.

Críticas

«Es de esas películas prolijas y bien armadas que cumple los objetivos que se propone: tomar algo que está a la vista de todos y, a partir de eso, ver de qué nos dice su historia sobre el presente. No será mucho, pero tampoco es poco”. Puntuación: ★★★ (sobre 5)». Ezequiel Boetti, OtrosCines.com 

Documental sobre el Ariston en el Festival de Cine de Mar del Plata, 22 de noviembre de 2024

Crítica de “El Ariston”, documental de Gerardo Panero (Competencia Argentina). Por Ezequiel Boetti. OtrosCines.com

La historia oculta detrás de una joya arquitectónica abandonada a su suerte muy cerca de Mar del Plata.

El Ariston (Argentina/2024). Dirección y guion: Gerardo Panero.

Con los testimonios de Horacio Goyeneche, Hugo Kliczkowski Juritz, Magali Marazzo, Gustavo Nielsen, Elisa Pastoriza, Moira Sanjurjo y María Talay. Fotografía: Daniel Hermo. Edición: Emiliano Fardaus. Dirección de arte: Laura M. Faccinelli. Sonido: Gino Gelsi. Música: Lito Vitale. Productores: Gerardo Panero, Franco Carbone, Eliana Ponzano. Casa productora: Fueye Films. Duración: 67 minutos. 

Como toda construcción abandonada, el Parador Ariston es la huella de una promesa trunca, de un pasado que auguraba prosperidad y alegría para un futuro que, desde ya, nunca llegó. Y la que hoy está carcomida por el salitre del Atlántico y rodeada de pasto es también la única obra en Latinoamérica que lleva la firma del arquitecto húngaro Marcel Breuer, uno de los grandes referentes del movimiento modernista de mediados del siglo XX.

Ese parador, ubicado unos kilómetros al sur del centro de la ciudad de Mar del Plata, es la punta del ovillo de la que tira el realizador Gerardo Panero para indagar en la manera por la que la arquitectura se vuelve un fragmento de la identidad urbana, a la vez que una representación muy fiel de los vientos que soplaron en cada época. Eso explica por qué Mar del Plata se caracteriza por lo que uno de los varios especialistas que habla a la cámara define como un ciclo de “construcción-destrucción-construcción”.

Allí están las fotos y los testimonios que recuerdan la imponente rambla francesa de estilo Belle Époque que se construyó a comienzos del siglo pasado y que se demolió tan sólo 20 años después. También recuerdan que el nuevo diseño, que se mantiene hasta hoy, responde a una flamante clase trabajadora que comenzaba a copar un lugar que hasta entonces había pertenecido a las élites.

De esa época data este parador pensado como referencia de la entonces incipiente urbanización de las playas cercanas al faro, una avanzada que se coronaría con la creación de Chapadmalal en tierras expropiadas a la familia Martínez de Hoz.

Apelando a los usos y costumbres más recurrentes de los documentales expositivos, con su mezcla de cabezas parlantes y material de archivo hilados por una voz en off, 

Crítica de «El Ariston»: Memoria y abandono de un ícono de la Bauhaus

Por Juan Pablo Russo. Viernes 6 de diciembre de 2024

https://www.escribiendocine.com/noticias/2024/12/06/18868-critica-de-el-ariston-memoria-y-abandono-de-un-icono-de-la-bauhaus#google_vignette

La narrativa se nutre de una exhaustiva investigación y logra un balance entre el análisis histórico y una sensibilidad estética que invita a repensar la relación entre memoria y espacio. La progresiva destrucción del Parador Ariston pone en evidencia los desafíos que enfrenta la conservación del patrimonio en una ciudad cuya identidad está fuertemente vinculada al turismo.

El Ariston es más que un testimonio del legado de Marcel Breuer; es un recordatorio de cómo el descuido puede desdibujar el valor de las obras que definieron una época. En este sentido, el documental se convierte en una herramienta clave para crear conciencia sobre la necesidad de valorar y proteger estas estructuras.

Publicación en el New York times del 21 de Abril de 2019

Reporteros Alex Marshall y Miriam Quick

El New York Times realizó un suplemento especial con motivo de los 100 años de la Bauhaus, me solicitaron colaboración y les pedi a cambio que dieran un lugar especial al Parador Ariston, cosa que hicieron al Ponerlo en la Portada de Arts&Leisure, y páginas 14 y 15.

FIN

Ordenes griegos (1)

Video https://academiaplay.net/

Vale la pena ver Academia Play, ya que es una herramienta de aprendizaje a través del formato vídeo.

El orden dórico (Ordo Doricus) es el más antiguo y austero de los tres órdenes arquitectónicos clásicos utilizados en la Antigua Grecia.

Su nombre proviene, según el arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano Marco Vitruvio Polión (c. 80 o 70 a. C. – c.15 a. C.) de los primeros templos de este estilo que estaban construidos en las ciudades de los dorios.​ (2)

Se convirtió en el estilo preferido del continente griego asi como las regiones dominadas por los dorios, el Peloponeso, Creta y sus colonias occidentales, las sureñas Italia y Sicilia, lo que se conoce como la Magna Graecia. (3)

Se caracteriza por su simplicidad y robustez, aspciado (culturalmente) a valores como la masculinidad, la fuerza y la solidez.

Segesta fue una ciudad de Sicilia al noroeste de la isla, a unos 10 km de la costa y a unos 50 km al oeste de Palermo. La denominación griega era Egesta y en romano Segesta.

Los órdenes, sistemas estructurales de organización de componentes, jugaron un papel crucial en la búsqueda griega de la perfección de las proporciones.

Las columnas, los fustes, los capiteles y la entabladura se decoraban de acuerdo con uno de los tres órdenes aceptados, dórico, jónico y corintio.

El orden dórico fue desarrollado por los griegos, que eran descendientes de los micénicos, quienes estaban emparentados estrechamente con los minoicos (sin llegar a ser idénticos). Ambas civilizaciones antiguas descienden en parte de agricultores que emigraron del suroeste de Anatolia, en lo que es actualmente territorio de Turquía.

 El dórico alcanzó su cenit a mediados del siglo V a.C. y fue uno de los órdenes aceptados por los romanos que adaptaron en su arquitectura.

Características principales del orden dórico:

1. Columnas sin basa: Las columnas dóricas carecen de basa (apoyo), se alzan directamente sobre el estilóbato (la superficie superior de la plataforma del templo). Son estriadas y estan coronadas por un capitel achatado.

El fuste descansa sobre el estilóbato (el escalón superior del estereóbato). La plataforma que los contiene consta generalmente de tres escalones, al borde escalonado se lo conoce como crepidoma, que es la plataforma escalonada construida en piedra sobre la que se asienta un templo.

2. Fustes estriados: Los fustes de las columnas presentan estrías (normalmente entre 16 y 20), talladas con canales paralelos verticales formando aristas vivas.

El fuste, puede ser monolítico o compuesto por tambores de piedra superpuestos, su sección es circular, corto y poco esbelto. Su diámetro no es constante, sino que va disminuyendo con la altura más acusadamente cuanto más arriba, y frecuentemente tiene lo que se denomina éntasis, (5) que es un ligero abombamiento en la parte central.

El tamaño total de la columna nunca sobrepasa los dieciséis módulos, que es la medida del radio en la base de la columna (donde es mayor).

3. Capitel: El término capitel proviene del idioma occitano y este del latín: capitellum, diminutivo de caput, capitis, cabeza.

Está integrado por un equino -echinus- (una sección de esfera en forma de disco que sirve de unión entre la prolongación del fuste y el ábaco.

El ábaco (una losa rectangular superior que soporta en forma directa la estructura horizontal del edificio), y los collarinos, que son prolongaciones del fuste usados para disimular la unión con el fuste de la columna, son una fina acanaladura o moldura horizontal.

Existe una banda modelada el hipotraquelio -hypotrachelium- en la parte superior o ranura del fuste de la columna dórica, debajo del traquelio.

4. El Friso, situado sobre el arquitrabe, está decorado por triglifos (6) y metopas.

Los triglifos eran bloques con tres surcos verticales generalmente alineados sobre cada columna e intercolumnio. Consistía en dos estrías o glifos verticales bordeadas por dos semi o medios-glifos, a eso debe su nombre.

Las metopas eran paneles cuadrados entre los triglifos que podían ser lisos o ricamente decorados, a menudo con bajorrelieves y relieves de variados temas ornamentales.

5. Proporciones robustas: Su aspecto de sólido y fuerte lo da su relación de altura a diámetro, es menor que en los otros órdenes. Su altura, incluyendo el capitel, varia de 4 a 6 veces el diámetro de la base de su fuste. La entabladura dórica consiste en un arquitrabe sencillo, un friso de triglifos con metopas alternados y una cornisa lisa coronando el conjunto.

El ejemplo más famoso del uso del orden dórico es el Partenón, dedicado a Atenea Parthenos en la Acrópolis de Atenas, construido durante el siglo V a. C., que simboliza el cenit de este estilo arquitectónico. Atenea (Atenea la virgen) era el nombre de una imponente escultura de marfil y oro de la diosa griega realizada por Fidias, Una de las salas del Partenón fue diseñada para albergarla.

La quintaesencia de la arquitectura griega fue erigida hace más de 2.400 años entre los años 447 y 438 a.C. por orden de Pericles, el cual contó con Fidias como jefe de obra y responsable del programa escultórico, era uno de los mejores arquitectos de la antigua Grecia. Fue una obra impresionante para la época: se dice que costó lo mismo que una flota de 700 barcos.

El Partenón

Como sabemos fue un edificio que causó y causa admiración.

Para la construcción del Partenón se utilizaron 22.000 toneladas de mármol pentélico blanco, prescindiendo de cualquier otro material. El único elemento que no era de mármol fue el armazón de madera, que se usó para cubrir el techo sobre el que se colocaron las tejas de mármol (en lugar de barro como era habitual).

En el interior del Partenón, en la naos (donde solo podían acceder los iniciados), se encontraba la monumental estatua crisoelefantina (oro y marfil) de Atenea Parthenos. Esta obra de doce metros de altura y 1.200 kilos de peso fue realizada por Fidias y era considerada como una de las grandes maravillas de la antigüedad. Con la invasión otomana, fue llevada a Constantinopla, donde desapareció. Actualmente se puede ver una copia romana de menor tamaño en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

6. El entablamento, elemento básico de la arquitectura clásica varía para los órdenes dórico, jónico y corintio.

El arquitrabe, es una especie de viga gruesa y lisa que recorre toda la alineación de columnas, su función estructural es servir de dintel, para transmitir el peso de la cubierta a las columnas.

La cornisa, ubicada sobre el friso, forma un voladizo que desvía el agua de lluvia. Se adorna con unos bloques planos llamados mútulos, que llevan unas pequeñas piezas denominadas gotas que repelen el agua.​ Generalmente cuenta con una moldura de tipo cimacio –cymatium-. Es una moldura curva en forma de S, tiene una función estética asi como estructural.

7. La Ornamentación más común era la greca, en forma de clave, serpentina o laberinto.

Video de UNAM | FAD | Historia del Arte II. Miguel Angel González Vila

Música Apollo’s Lyre. Michael Levy. The Lyre of Apollo: The Chelys Lyre of Ancient Greece

Sierra de Historia. 18 de agosto de 2022. Alberto Garin  https://youtu.be/bxVls_RngdM

Cuando hablamos de órdenes arquitectónicos, lo primero que nos viene a la cabeza son los tres clásicos, el dórico, el jónico y el corintio. Sin embargo, un orden arquitectónico es el conjunto de un elemento vertical que soporta y un elemento horizontal que es soportado. Los tres órdenes clásicos no son más que tres posibilidades en un mar de innumerables alternativas.

8. En los extremos del templo se colocaron los frontones, decorados con esculturas que representaban el nacimiento de Atenea y su lucha con Poseidón por el dominio de la ciudad. Tanto los frontones como los frisos fueron realizados por Fidias y estaban profusamente coloreados. De las 96 planchas que componían el friso del Partenón, tan solo 40 se encuentran en el Museo de la Acrópolis. El resto están en el Museo Británico. En los frisos se representó la fiesta anual de las Panateneas.

Se realizan obras de restauración y conservación desde hace mas de 40 años. Estas comenzaron en 1983

No hay una fecha de finalización, no se sabe cuándo va a concluir y el nivel de terminación que alcanzarán.

9. pocos siglos duró el Partenón con su apariencia original, En el siglo VI, se convirtió en iglesia cristiana, por lo que se destruyó el frontón oriental y en su lugar se colocó un ábside. Más tarde, en el año 1458, durante la ocupación otomana, la Acrópolis fue un barrio cuartelario y sobre el Partenón se levantó una mezquita posteriormente se transformó en un almacén de pólvora. Durante el asedio veneciano a la ciudad, varias bombas explosionaron en el edificio, por lo que el Partenón quedó prácticamente destruido.

Notas

1

Fuentes

“La gramática de la Arquitectura” (editora general Emily Cole) original de Ivy Press y traducido por Lisma ediciones; “Los diez libros de Architectura” de M. Vitruvio Polión; Blog Baúl de Chity; Academia Play; Sierra de Historia Alberto Garín; Wikipedia; Chat GPT.

2

Se empleó en la Grecia continental desde finales del siglo VII a. C. así como en el sur de Italia y Sicilia. Algunos de los primeros templos que contienen elementos de este orden son el templo de Poseidón en Istmia, el Hereo de Argos y el templo de Apolo en Termo, de los que solo quedan ruinas.

3

Originalmente, Magna Graecia fue el nombre usado por los romanos para describir la región entre el golfo de Nápoles al oeste y el golfo de Tarento al este, de forma que el área entera de la colonización griega en la península itálica (e incluyendo en sentido más amplio también a la isla de Sicilia) fue conocida por este nombre, hasta su incorporación en la Italia romana.​

4

Según Virgilio, Segesta fue fundada conjuntamente entre el rey de aquel territorio llamado Acestes (que era hijo del rey local Criniso y de una mujer dardania), y Eneas, para acomodar a las mujeres que, hastiadas del mar, habían incendiado la flota de los troyanos fugitivos, y por todos aquellos que decidieron no continuar el viaje y deseaban ser gobernados por Acestes.

5

La finalidad de la éntasis es conseguir una mejor sensación estética y visual, al conferir más armonía al fuste y da la impresión de mayor esbeltez a las columnas.

6

Los triglifos, según Vitruvio, pueden ser una reminiscencia de las cabezas de las vigas de madera de similar escuadría que, cargando sobre el arquitrabe (en su origen también de madera) formarían el entramado estructural de recubrimiento. ​ Su apariencia es estriada en vertical.

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

24 nov 2011 FUNDACIÓN JUAN MARCH

El arquitecto, catedrático y académico Luis Fernández-Galiano se ocupa de la biografía y del talento creativo de Norman Foster.

Galardonado con el premio Pritzker y autor de una obra de gran refinamiento tecnológico y elegancia visual, cuyos rascacielos y aeropuertos han transformado la forma de construir este tipo de edificios. Conferencia del ciclo «Protagonistas de la arquitectura del siglo XXI».

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

35 rue de Sevres, cien años. Publicacion (buenísima) de la revista ARQUINE del 18 septiembre del 2024.

por Alejandro Hernández Gálvez | Twitter: otrootroblog | Instagram: otrootroblog

Quizá no exista ninguna otra dirección mítica en la arquitectura moderna con el peso del número 35 de la rue de Sèvres , en París. Fue ahí que el 18 de septiembre de 1924, hoy hace 100 años, Le Corbusier estableció su taller, según refiere la fundación que lleva el nombre que Charles Edouard Jeanneret-Gris se diera a sí mismo.

La calle de Sèvres se llamó primero de la Maladrerie, luego de Petites-Maisons, debido a un hospital para leprosos, cerrado bajo Francisco I y en lugar del cual se construyeron las Petites-Maisons. Allí se encerraba a mendigos, gente de malas costumbres y locos; sin embargo el establecimiento se dividió, quedando principalmente un hospital.

Desde 1355 hay noticias del nombre calle o camino de Sèvres , pues era la dirección hacia esa ciudad, al suroeste de París, hoy célebre por la Manufactura Nacional de porcelana que ahí se estableció en 1756 —y que de 1800 a 1847 fuera dirigida por Alexandre Bronginart, entre otras cosas, hijo de arquitecto, químico y mineralogista, y colaborador de Georges Cuvier, con quien realizó estudios pioneros en la estratigrafía, como su “Corte teórico de la cuenca parisina”— y la Oficina Internacional de Pesos y Medidas, fundada en 1875, donde se conservan los “patrones universales” del metro y del kilogramo.

Fue poco después de 1821 que la Compañía de Jesús compró los edificios situados en los números 33 y 35 de la rue de Sèvres. Luego añadirían los de los números 37 y 43. Entre 1855 y 1858 se construyó la iglesia de San Ignacio a la que seguirá la de un claustro. El último edificio construido en esos terrenos por los jesuitas, tras una complicada historia de expulsiones y regresos de la Compañía en Francia, fue un centro de estudios inaugurado en 1974.

José Ramón Alonso Pereira escribe que fue Winaretta Singer-Polignac quien, a inicios del verano de 1924, ofreció a Le Corbusier la posibilidad de instalar su estudio, “en condiciones muy ventajosas”, en “un espacio secundario que ocupaba la galería de uno de los lados claustrales de la Residencia de los jesuitas.” También cuenta que, tanto el templo de San Ignacio como el edificio de la residencia fueron proyecto de Jean-Maggior Torunesac, “arquitecto diocesano luego jesuita, que siguió el estilo ojival de la catedral de Le Mans.” De Winaretta Singer-Polignac escribe:

Era hija del célebre industrial americano Isaac Merrit Singer, cuyo nombre fue emblema de la máquina de coser. Nacida en Nueva York, vivió en Inglaterra y en París, donde aprendió a pintar y se interesó por las creaciones impresionistas, así como por los prerrafaelitas ingleses, admirando en ellos su tentativa de fusión entre literatura, filosofía, religión e historia. Se casó a los 22 años con Louis de Scey-Montbéliard y luego con el príncipe Polignac, cuya unión estuvo basada en un respeto mutuo y una gran amistad artística, en especial por la música.

Los salones de su casa del Trocadèro -decorados por el célebre José María Sert, tío del arquitecto José Luis Sert, luego aprendiz de Le Corbusier– fueron conocidos como un importante centro musical de vanguardia. Los mejores intérpretes de su tiempo tocaron ahí: Gabriel Fauré, Claude Debussy, Eric Satié, Maurice Ravel, Igor Stravinsky, Arthur Rubinstein, Manuel de Falla, etc.

Es sabido que muchas de las evocaciones de Marcel Proust sobre la cultura de la época nacieron de su asistencia a esos conciertos en el salón de los Polignac. Winaretta Singer usó también su fortuna para el fomento de las artes y las ciencias, con una manifiesta componente social ligada a su cristianismo militante. En particular, fue mecenas del Armée de Salut, 49 patrocinando los proyectos de Le Corbusier: el anexo del Palais du Peuple (1926-27), el Asilo flotante (1930) y la Cité de Refuge (1929-33). 

Alonso Pereira subraya el interés de Le Corbusier por nombrar a su lugar de trabajo “taller” y no “agencia de arquitectura”, como se acostumbraba —así se llamaba la de Perret, con quien trabajó— u “oficina”, inclinándose por el uso de “atelier” por artistas.

Sobre el espacio en sí, Alonso Pereira escribe: «Con una altura de 4 metros, el local medía 41 metros de largo por 3.50 de ancho. Es decir, tenía una proporción 1 a 12, proporción muy ingrata que sólo tenía parangón con una obra en la historia de la arquitectura: la galería que conforma el acceso a los palacios vaticanos definiendo el brazo recto de la plaza de San Pedro de Bernini, obra admirada por Le Corbusier unos pocos años antes, en el curso de su segundo viaje a Roma con Ozenfant en el verano de 1921. En ella puede verse un antecedente más o menos claro del atelier de Sèvres como espacio arquitectónico». 

«Situada en el primer piso del cuerpo conventual, no era fácil encontrar el local del atelier. El proceso de acceso era el siguiente. Común con la de la iglesia, la entrada a él desde la calle era un atrio iluminado por una claraboya, con puertas abiertas en todas direcciones. La única indicación del atelier era una pequeña placa azul con un letrero manuscrito en rojo: “Atelier Le Corbusier, primer piso al fondo del corredor”. Abierta la puerta de la derecha, se pasaba al corredor septentrional del claustro, iluminado por la luz del sur, que llevaba a su fondo hasta una escalera de madera que ascendía al primer piso. Una vez subida la escalera se cruzaba la puerta del santuario. Un mural fotográfico y una puerta negra daban paso al atelier».» 

«Diez altas ventanas daban sobre el claustro y sus árboles centenarios. En 1924 Le Corbusier cerró los dos extremos del local con muros de ladrillo. En los primeros tiempos, el atelier sólo estaba amueblado con algunas sillas y mesas de dibujo sobre caballetes, sin ningún orden, y el equipamiento se reducía al estrictamente necesario: un teléfono y una estufa, pues la galería no tenía calefacción. Luego se acondicionaron algunas pantallas para que Le Corbusier pudiese tener un rincón personal 53 para recibir».

En cuanto al espacio, el atelier se organizaba en tres tramos concatenados. El primero era un cuerpo oscuro, sin iluminación natural, donde se encontraban las zonas de acceso, almacén y copia de planos, control y secretariado, seguida por los pequeños despachos de Le Corbusier y, en su momento, del jefe de atelier, tras los cuales se abría al atelier propiamente dicho, con las mesas y tableros de dibujo, al fondo del cual se hallaría desde 1947 un gran mural pintado por Le Corbusier. 

A la entrada, un vestíbulo reducido, a cuya izquierda se puso el vestuario y la copiadora de planos, disimulada por archivadores, y luego la oficina del secretariado que controlaba la entrada. Detrás se encontraba el pequeño bureau de Le Corbusier, un despacho de 2.59 × 2.26 × 2.26: un ‘volumen patrón’ que daba expresión plástica a los conceptos del Modulor, cuya publicación se preparaba por entonces. Este bureau mítico era como un cabanon, una arquitectura interior dentro de una arquitectura envolvente. 

Otra descripción, menos objetiva, quizá, pero sin duda más cercana, es la que hizo Charlotte Perriand: «…Mis pasos me llevaron regularmente a la rue de Sèvres hasta 1937. Mi papel, inesperado, fue el de colaborar como asociada de Le Corbusier y Pierre Jeanneret en el desarrollo de su programa de mobiliario: “cajoneras, sillas y mesas”, que habían anunciado en 1925 en el pabellón del Esprit Nouveau, para continuar su estudio y asegurar la ejecución de los prototipos por mis artesanos, pero también para iniciarme en la arquitectura, como yo quería, porque todo está vinculado. Trabajar en este antiguo convento, hoy derribado, era un privilegio. Era un lugar inspirado. Pasada la caseta del conserje, entramos en un amplio pasillo para subir el primer tramo de escaleras. Arriba a la izquierda estaba la entrada al taller. Una vez atravesada la puerta, nos encontramos en un vasto campamento. Una cuerda recorría una pared interminable donde los dibujos colgaban de pinzas para la ropa».

Las altas ventanas daban al patio del convento. En el centro del taller, una solitaria estufa de leña. Ninguna oficina secreta independiente. El correo se colocaba sobre una de las mesas de dibujo. Todos podrían leerlo. En verano oíamos cantar a los pájaros, en invierno nos moríamos de frío (entonces me envolvía las piernas en papel de periódico para no sentir que se me congelaban los pies). Pensemos en esta época heroica, pionera y sin dinero, con tan pocos medios, pensemos en todos estos proyectos arquitectónicos o urbanísticos nunca realizados y sin embargo cuidadosamente estudiados, que van mucho más allá del objeto mismo, proyectos en relación con el hombre, en armonía con él, de acuerdo con sus tiempos. Porque, después de todo, ¿por qué nuestro trabajo sino ese? El resultado es visible y experimentado. Puede hacer feliz o infeliz al hombre, según su concepción honesta. Crea el nido del hombre y el árbol que lo sustentará. Terminamos creyéndolo.

Chicos, jóvenes, entusiastas, procedentes de las mejores escuelas, de todo el mundo, estaban allí, no sólo por la arquitectura, sino por Corbu, por su forma de resolver todos los problemas, por su aura. Corbu había elegido Francia para expresarse, pero Francia no lo había adoptado. Reinaba el academicismo. El rechazo del otro era mutuo, la lucha, incluso injusta, era necesaria. Corbu nunca habría aceptado a un estudiante de la Escuela de Bellas Artes en este estudio de la rue de Sèvres: sus dibujos eran malos, sus mentes estaban distorsionadas. Esta fue una de las razones por las que prefirió contratar a Jean Bossu, cuya motivación era ser arquitecto y que trabajaba como estibador nocturno en Les Halles. Sin embargo, Corbu no le ahorró sus críticas, como nos hizo a nosotros mismos, e incluso su mal humor, hasta el día en que Bossu nos dejó para ejercer su profesión en total libertad. En esta Torre de Babel hablábamos todos los idiomas, el francés mal, pero hablábamos el mismo idioma. Nos ayudábamos con las frecuentes “repentinas”, no éramos muchos. Aquellos días, la efervescencia empezaba tras la salida de Corbu, a las ocho de la tarde.

Corbu salió por última vez del 35 de la rue de Sèvres el miércoles 28 de julio de 1965. El atelier cerró por vacaciones y Le Corbusier partió a descansar en su cabanon de Cap Martin. El viernes 27 de agosto, Le Corbusier murió mientras nadaba en el Mediterráneo. Alonso Pereira escribe: sus restos volvieron a París, al atelier de Sèvres, abierto por última vez para recibirle.

La Vanguardia, 28 de agosto de 1965.

El arquitecto que acaba de morir ha sido en los años de entreguerras un fabuloso enterrador de conceptos, de formas, de masas, de ornatos… Fue un triunfador y un fracasado más o menos oficial. Recordemos a propósito de ello el palacio de la Sociedad de Naciones, en estilo dieciochesco que tan feliz hizo a los conservadores al presenciar cómo el proyecto de Le Corbusier era postergado por demasiado audaz. Pero el creador de la arquitectura racional hubo de decir en aquel trance unas palabras profundas «…El Palacio de las Naciones no es ya, como se pretendía, una máquina de trabajo, sino un mausoleo representativo de todo lo terriblemente inútil e incapaz de evolucionar que representa una Academia».

Le Corbusier, si conserva su primigenia prestancia, lo debe simplemente al hecho de no haber construido jamás un mausoleo. A. R. ©Hemeroteca Diario La Vanguardia de Barcelona.

Ver Sketches de Le Corbusier https://onlybook.es/blog/sketches-de-le-corbusier-viaje-a-oriente-y-burdeles-de-paris/

Ver El Modulor https://onlybook.es/blog/el-modulor-de-le-corbusier/

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-

En noviembre de 2024, planificamos con amigos/as un viaje por la bota de Italia, La Puglia, una región muy concurrida, ultimamente esta de «moda».

Hicimos base en Polignano a Mare, y desde alli armamos varios recorridos, como Alberobello, la capital de los Trulli, allí nos sumergimos en un cuento de hadas.

«Se pensi che l´avventura sia pericolosa, prova la routine, E´ Letale». Paulo Coelho

«Si crees que la aventura es peligrosa, prueba la rutina. Es letal».

El centro histórico de Alberobello es pequeño, por lo que es fácil de recorrer a pie,
se puede comenzar por el Trullo Soberano situado en la parte norte de la ciudad: es el único trullo de dos plantas, está amueblado con piezas originales de principios del siglo XX, tambien es bueno, comenzar por cualqueir parte.

Enseguida uno se sumerge en el distrito Monti, el barrio más grande y célebre de Alberobello, con unos 1000 trulli.

Visitamos el trulli Siamés, dos conos fusionados en el centro que, dice la leyenda, simbolizan la historia de amor y odio que envolvió a dos hermanos.
Todo está a «un paso», como el Barrio del Rione Aia piccola, el barrio más pequeño del centro histórico, allí hay unos 400 trulli de uso residencial.

El Museo del territorio funciona en la Casa Pezzolla, un complejo de 15 conos interconectados.

Las guias recomiendan visitar la Casa D’Amore, un edificio histórico que data de 1797, el primero construido después de que Alberobello fuera liberado de todas sus obligaciones fiscales por el rey de Nápoles, y el Belvedere Santa Lucía.

Como en toda la italia, comer es parte del viaje, aqui recomiendan la pasta orecchiette de Apulia, con grelos y anchoas saladas o las bombitas de carne, pequeños rollos de cerdo rellenos de queso y hierbas.

Los TRULLI son una antigua tipología constructiva realizada totalmente con muros de mampostería de piedra en seco, sin mortero alguno, rematada con una cubierta de forma cónica, está construída como una bóveda en voladizo, lleva a veces como decoración símbolos pintados con cal, la soportan muros de hasta un metro y medio de espesor, también encalados.

El origen de estas construcciones, así como la etimología de la propia palabra “trullo”, no está claro. Gabriella Esposito en “Architettura e storia dei trulli” (1983), dice que “trullo”, podría derivar de la voz latina trullus que designa en general cualquier construcción rematada en cúspide, o del griego torullus (cúpula).
Seguramente son una evolución de la choza primitiva de paja, traida de otros territorios, hay edificaciones similares en culturas ya muertas, en el III milenio A.C.

Se erigían tholos en Egipto y Mesopotamia, son de fácil construcción, no requieren el uso de cimbras, se forman aros concéntricos cerrados con un óculo central.

La cultura Micénica, II milenio a.C, muestra el primer edificio monumental con cubierta cónica: el Tesoro de Atreo (1), en cambio en Albobello lo han aplicado a la arquitectura habitacional.
El poblado de Koum en Aleppo, Siria, también se levantó totalmente con edificios en forma de trullo, revestidos externamente y coronados con pináculos como los de Alberobello. Quizas tenga que ver con la presencia de asentamientos de grupos étnicos provenientes de Grecia, Asia Menor o Egipto en la Italia meridional.

Son construcciones similares a las de Digano en Istria meridional, o en Baleares, a las Valchiusa en la Provenza, alas cabañas de planta circular de Liguria y Cerdeña, o las construcciones en Harrán , Turquía.

Pueblos como Alberobello, Locorotondo, Cisternino, Fasano, Martina Franca, Putignano, Noci… forman la denominada “Murgia dei trulli”, una de las áreas conservadas con mayor homogeneidad urbana de Europa, que siguen ocupadas hoy en día.

Alberobello, la “capital de los trulli” fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996, con una población de casi 11.000 habitantes, de los que 4000 viven hoy en trulli.

Polignano a Mare

Polignano existe desde los tiempos del Imperio Romano, cuando era una aldea de pescadores. Está en la región de Apulia (La Puglia) en la provincia de Bari.

Aqui nació el cantautor Domenico Modugno, (Polignano a Mare 1928 – 1934 Lampedusa, Sicilia), que además de regalarnos su inolvidable «Nel blu dipinto di blu» conocida como Volare, fue diputado y dirigente del Partido Radical Italiano. (2)

Polignano ha tenido un enorme desarrollo como área residencial en las afueras de Bari. Su principal actividad sigue siendo la pesca, la agricultura (en el campo se ven hermosos y antiguos olivos) y el turismo.

«La vida es como un espejo te sonríe si la miras sonriendo». Jim Morrison

«Aquí, en el límite bimilenario de la antigua Neápolis, por voluntad de Fernando II de Borbón, rey del reino de las dos Sicilias, se construyó en 1836 el grandioso puente con cinco luces de cuerda sobre el barranco, desde donde el pueblo admiraba las sublimes bellezas de un lugar encantador.
En 2016, la administración municipal conmemora el 180 aniversario de la construcción».

El Ponte Borbón es uno de los hitos de Polignano a Mare, al atardecer su horizonte se tiñe de rojo. Fue construido a principios del siglo XIX por el rey Fernando II de Borbón como parte de una nueva carretera para conectar Bari con Lecce.

Ostuni

Es el extremo norte del «tacon» de Italia, encontramos esta ciudad blanca, rodeada de centenarios olivos, estamos en las últimas estribaciones de la Murgia, una comarca de la región de Apuglia.

El nombre Murgia proviene del latín murex «piedra afilada». Invita a recorrer su trazado laberíntico, sus casas encaladas dan a calles, callejones sinuosos y escaleras, se puede ver aún ocho de los quince torreones aragoneses que limitaban el centro medieval.

La concatedral de Ostuni es de finales del siglo XV, construída entre 1435 y 1495, sus formas góticas tienen una portada tripartita de pilastras, de sección cuadrangular, que sobresalen de la pared (muchas pilastras servian de refuerzo, otras eran solo ornamentales). La Basilica Minore Concattedrale di Santa Maria Assunta es una catedral católica situada en la cima de la colina más alta de la ciudad.

Matera

Dificil explicar Matera, entramos en la ciudad moderna actual, que no permite ver lo que oculta, ni siquiera intuirlo.

Estamos en la Basilicata, una región antigua, suspendida entre dos mares y bellas montañas. El hombre que dejó su huella desde la prehistoria, llamaba a ésta zona «Lucania».

Su riqueza son los Sassi, unas cuevas excavadas en la montaña donde, hasta los años 50, vivía la población, que posteriormente se vio obligada a abandonar esas viviendas milenarias, tan curiosas como insalubres. Hoy son Patrimonio de la Humanidad. (3)

Su historia se remontan a la era Paleolítica, la primera cerámica neolítica de Matera se remonta unos 7500 años antes de Cristo, cuando se producía cerámica de terracota en los pueblos.

Fue construida sobre un poblado prehistórico atrincherado, de orígenes griegos, Supo tener estrechas relaciones con colonias de la costa meridional, por lo que en épocas romanas se convirtió en un centro de paso y abastecimiento.

La llegada masiva de monjes bizantinos y benedictinos transformó las cuevas de la Gravina, una gran fisura kárstica (4), en iglesias rupestres.

Tras el asentamiento de los normandos en Italia, la ciudad vivió un periodo de paz seguido de hambrunas y terremotos, fue ciudad real durante mucho tiempo, pasó a manos de los aragoneses para luego ser cedida al conde Giovan Carlo Tramontano, que posteriormente fue asesinado por la población oprimida por los impuestos. (que no nos den ideas).

Tenían un espìritu critico y de libertad, los habitantes de Matera fueron los primeros del sur de Italia en rebelarse contra la ocupación nazi.

Notas

1

El tesoro de Atreo, tumba de Atreo o tumba de Agamenón​ es un tholos de Grecia, localizada en la colina de Panagitsa, a las afueras de Micenas, fue construida durante la Edad de Bronce, alrededor de 1250 a. C.

La piedra del dintel sobre la puerta pesa 120 toneladas, con unas dimensiones aproximadas de 8.3 x 5.2 x 1.2 mts,​ seguramente una de la más grande del mundo. La tumba fue utilizada durante un período desconocido, mencionada por Pausanias (c. 420 a.C.), cuando estaba en la corte del rey macedonio Arquelao. en 1879 el arqueólogo alemán Heinrich Schliemann descubrió las tumbas de pozo bajo el «ágora» en la Acrópolis en Micenas.

2

Esta considerado como el «padre» de los cantautores italianos», escribió y grabó mas de 230 canciones, interpretó 38 películas para cine y 7 para la televisión, participó en 13 obras teatrales, y condujo programas en la TV. Una estatua de bronce lo recuerda, realizada por el escultor argentino Hermann Mejer (Mendoza 1961).

3

En 1952, una ley nacional estipuló el desalojo de los Sassi, considerados una «desgracia nacional» debido a su hacinamiento y condiciones insalubres. Sus habitantes fueron trasladados a nuevos barrios residenciales que se construyeron formando una nueva zona de la ciudad, un diseño de pocas luces, es frecuente ver como los diseñadores y planificadores de un poblado o ciudad nueva no han aprendido nada de lo que tienen a su lado, concibiendo centros pobres de espiritu y diseño (en España por ejemplo Patones de Arriba (antigua) y Patones de abajo (nueva). https://onlybook.es/blog/madrid-y-alrededores/

4

Las zonas cársticas comprenden regiones geográficas cuyo subsuelo tiene una geología dominada por calizas, dolomitas, mármol, yeso y sal.

——————–

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-

La Medalla de Oro del AIA 

La Medalla de Oro del AIA es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA).

La otorga “el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura”.

AIA

Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto

En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

En 2014 fue entregada por primera vez a una mujer, Julia Morgan a título póstumo. La medalla de 2016 fue otorgada por primera vez a una pareja después del cambio de estatutos de la organización del 2013 en la que abrió esta posibilidad.​

Aclaración, el título FAIA, abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, es un título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto. Dicho honor distingue a arquitectos que han hecho contribuciones significativas a la profesión de arquitectura. Menos del 2% de los cerca de 72.000 arquitectos estadounidenses forman parte del College of Fellows

Lista de ganadores de la Medalla de Oro del AIA

1907 Sir Aston Webb (1849 – 1930), Reino Unido

1909 Charles Follen McKim FAIA (1847–1909), EEUU

1911 George Browne Post FAIA (1837–1913), EEUU

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 1a parte, de Webb a Sullivan

1947 Gottlieb Eliel Saarinen (1873–1950), Finlandia

1948 Charles Donagh Maginnis FAIA (1867–1955), Irlanda y los EEUU

1949 Frank Lloyd Wright (1867–1959), EEUU

1950 Leslie Patrick Abercrombie (1879–1957), EEUU

1951 Bernard Ralph Maybeck (1862–1957), EEUU

1952 Auguste Perret (1874–1954), Francia

1953 William Adams Delano FAIA (1874–1960), EEUU

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 2nda parte, de Eliel Saarinen a W. Delano.

1955 Willem Marinus Dudok(1884–1974), Paises Bajos

1956 Clarence Samuel Stein(1882–1975), EEUU

1957 Louis Skidmore(1897–1962), EEUU

1958 John Wellborn Root (1850–1891), EEUU

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 3era parte, de Dudok a Wright

1959 Walter Adolph Georg Gropius (1883–1969), Alemania

1960 Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969), Alemania

1961 Le Corbusier – Charles Edouard Jeanneret-Gris – (1887–1965), Suiza

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 4ta parte, de Gropius a Le Corbusier

1962 Eero Saarinen (1910–1961), Finlandia/EEUU

1963 Alvar Aalto (1898–1976), Finlandia

1964 Pier Luigi Nervi (1891–1979), Italia

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 5ta parte, de Eero Saarinen a Nervi

1966 Kenzo Tange(1913–2005), Japón

1967 Wallace Harrison(1895–1981), Estados Unidos

1968 Marcel Breuer(1902–1981), Hungría

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 6ta parte, de Tadao Ando a Marcel Breuer

1969 William Wilson Wurster(1895–1973), Estados Unidos

1970 Buckminster Fuller(1895–1983), Estados Unidos

1971 Louis Kahn(1901–1974), Estados Unidos

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 7ma parte, de Wilson Wurster a Louis Kahn.

——————-

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-

Viene de https://onlybook.es/blog/17295-2/

1969 William Wilson Wurster (1895–1973), Estados Unidos

El arquitecto William Wilson Wurster (Stockton 1895 – 1973 Berkeley) se graduó en la Universidad de California en 1919 (algunas fuentes mencionan 1922), fue profesor de arquitectura en la Universidad de California, Berkeley, y en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, fue conocido por sus diseños residenciales en California. 

En 1922 viajó a Europa y pasó un año estudiando la arquitectura de Francia, Italia y España. A finales de la década de 1920, Wurster ya había comenzado a alejarse de su formación en arquitectura, mas comprometido con la arquitectura vernácula y la influencia del clima y el lugar. Trabaja en el estudio de William Adams Delano y Chester Holmes Aldrich.

En 1924 abre su estudio en Berkeley en California. Entre 1927 y 1942 Wurster diseñó más de doscientas casas. La estructura, los materiales y el aspecto de las casas quedaban supeditadas a la forma de vivirlas.

En sus proyectos la naturaleza, el aire fresco, la luz natural y la economía son partes de la construcción.

Conoció y fue amigo de Alvar Aalto, conoce a su futura esposa Catalina Bauer (1905 – 1964) en la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard, compartiendo clases  del urbanista socialista alemán Martin Wagner (1885 – 1957). Catalina era una especialista en planificación urbana, en 1934 publicó el libro Vivienda Moderna (Modern Housing).

En 1944 James Killian, vicepresidente del Instituto de Tecnología de Massachusetts, lo nombra director de la Escuela de Arquitectura y Urbanismo del MIT.

En 1945 su estudio se ​​convirte en Wurster Wurster, Bernardi y Emmons. En 1949 regresó a California como decano de la Escuela de Arquitectura en Berkeley, Wurster jugó un papel importante en la evolución de la enseñanza de la arquitectura en los años 1940 y 1950 y sentó las bases para nuevos enfoques de la formación de arquitectos, paisajistas y urbanistas.

Obras relevantes: Casa de playa Clark, Aptos (1937); Plaza Ghirardelli (1964); CASBS(1954); Calle California 555 (1969).

La Plaza Ghirardelli es una plaza pública emblemática en el Distrito de la Marina de San Francisco, California.

Una parte de la zona fue incluida en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 1982 como Pioneer Woolen Mills y D. Ghirardelli Company. Llegó a contar con más de 40 tiendas especializadas y restaurantes, algunas de ellas todavía ocupan la plaza.

El Centro de Estudios Avanzados en Ciencias del Comportamiento (CASBS) es un laboratorio de investigación interdisciplinario de la Universidad de Stanford, ubicado en 75 Alta Rd, Stanford, California.

Calle California 555 (1969), antes era el Banco de América Central, San Francisco junto con Skidmore, Owings and Merrill y Benardi and Emmons.

1970 Buckminster Fuller (1895–1983), Estados Unidos

Si existe una imagen verdaderamente elocuente para describir a Richard Buckminster Fuller, sin duda, es la que el pintor Boris Artzybasheff (1899-1965) realizó para la portada de la revista Time del 10 de enero de 1964.

Se puede ver como la cabeza de este inventor, ingeniero, poeta y arquitecto se encuentra facetada en cientos de triángulos, formando algo que no es sino una cúpula geodésica, como las que le hicieron famoso en todo el mundo.

Richard Buckminster «Bucky» Fuller (Milton 1895 – 1983 Los Angeles) fue un diseñador, arquitecto e inventor, profesor en la Universidad del Sur de Illinois Carbondale y un prolífico escritor,

Documentó escrupulosamente su vida, filosofía e ideas en un diario y en veintiocho libros..

En 1949 erigió la primera cúpula geodésica del mundo que podía sostener su propio peso sin límite. Era una cúpula de 4,2 metros de diámetro construida con tubos de aluminio y una cubierta de vinilo en forma de icosaedro. Para probar su diseño, Buckminster y muchos estudiantes que habían ayudado en su construcción se colgaron de la estructura ante los atónitos espectadores. El gobierno estadounidense reconoció la importancia del invento y le contrató para hacer pequeñas cúpulas para el ejército. En pocos años había miles de estas cúpulas en todo el mundo.

Fuller obtuvo 28 patentes y muchos doctorados honoríficos.

Acuñó la palabra Dymaxion (abreviación de Dynamic Maximum Tension) para referirse a su filosofía de obtener lo máximo de cada material. Esta palabra le sirvió como marca que empleó en muchas de sus invenciones, como la casa Dymaxion, el mapa Dymaxion o el coche Dymaxion.

Obras relevantes: Casa Dymaxion (1930); Cúpula de la casa Fuller-Hewlett (1960). Biosphere de Montreal (1967).

La casa Dymaxion

Fue una vivienda futurista. La palabra «Dymaxion», combina las palabras dinámico, máximo y tensión.

En 1920 Fuller deseaba construir una vivienda autónoma unifamiliar sostenible “la máquina viviente del futuro”. Aunque nunca se construyó, el diseño del Dymaxion aparece con visión de futuro, ejemplar en su autosuficiencia, podría haber sido producida en masa, luego envasada y enviada a todo el mundo. (1)

Casa Cúpula en Carbondale, Illinois. R. B. Fuller, 1960.

Un trabajo de investigación produce una de las cúpulas mas personales que construyera Fuller.

Construye la que fue su casa en Carbondale, en ella vivió durante toda la década de los años sesenta del pasado siglo.

El Dymaxion Car

El vehículo contaba con un eje delantero con dos ruedas y uno trasero con un solo neumático que albergaba la dirección del coche, podía girar 180º utilizando su eje trasero, llevaba un motor trasero V8 Ford que le aportaba 86 CV de potencia.

Su consumo se calculaba en 7,8 L/100km, unas cifras realmente buenas para la época, estaba destinado a llevar a 11 pasajeros. Por aerodinámica y bajo peso alcanzaba una velocidad punta de más de 100 km/h.

El Dymaxion Car (4to prototipo) formó parte de la muestra”Bucky Fuller & Spaceship Earth”, en el espacio Ivorypress Art + Books de Madrid el 9 de setiembre del 2011.

Alli se presentó el libro “Dymaxion Car Buckminster Fuller” de la editorial Ivorypress, estuvo Norman Foster, la hija de Buckminster Fuller, Allegra Fuller Snyder, presidenta del Comité directivo del Buckminster Fuller Institut; el arquitecto Thomas Zung socio de Fuller, y el arquitecto y catedrático Luis Fernández-Galiano.

Fui a ver la muestra de los inventos de Buckminster Fuller, muchos de sus dibujos maquetas y el famos Dymaxion “en persona”. La segunda vez que vi el Dymaxion fue en la exposicion “Motion” realizada en el Museo Guggenheim de Bilbao en abril de 2022. (2)

Ver acerca de la muestra en el Guggenheim  https://onlybook.es/blog/8012-2/

Reportaje completo en la revista Metropolis «Norman Foster y el coche Dymaxion» realizada por Martin C. Pedersen.

Pederson dirige el sitio web de arquitectura y diseño Common Edge (commonedge.org), vive en Nueva Orleans.

-¿Qué te inspiró a recrear el famoso coche Dymaxion de Bucky?

Bucky nunca está lejos de mis pensamientos. Colaboramos en proyectos durante los últimos doce años de su vida. Cuando me concedieron la medalla de oro del Royal Guild en Londres, dio la charla… y luego se fue a Estados Unidos, a ver a su esposa Ann, que estaba en fase terminal, en el hospital. Al llegar, sufrió un ataque cardíaco fatal junto a su cama y ella murió treinta y seis horas después…

Era amigo de Henry Ford, lo que le aseguraba que conseguiría piezas de Ford al 30 por ciento de su coste real. Cogió el motor V8 de cabeza plana, las ruedas, el volante, la transmisión y le dio un giro de 180 grados.

-Al recrear el nuevo automóvil, ¿dónde trazó la línea entre ejecutar fielmente los planos y dibujos originales y realizar mejoras en ellos?

El coche nº 4 no es una réplica del nº 3, pero sí replicamos el motor, el encendido Studebaker, las ruedas y el volante Ford. Lo único que no es completamente auténtico y original es el freno de mano.

-Hace unos años vi el Dymaxion que sobrevivió en la exposición Whitney. El interior estaba muy deteriorado. Tu equipo debe haber hecho un gran trabajo de investigación para recrear el interior.

Sí, increíble. Afortunadamente, conocemos bien a la gente de Stanford, donde está el archivo. Y las personas que elegimos para realizar el trabajo de restauración también eran extraordinariamente increíbles en la investigación… elaboramos un libro sobre el coche… una pequeña, diminuta punta del iceberg de todo el material que generamos.

-Necesitaron dos años para completarlo. ¿Cuánto costó el proyecto?

Prefiero no hablar de eso. La respuesta verdadera es que costó un ojo de la cara y mucho dinero…

-¿Cuál es la relevancia del automóvil para el mundo automovilístico actual?

…, el Dymaxion fue el clásico vehículo de transporte de pasajeros antes de su tiempo…  Hay una película antigua en la que Bucky hace piruetas con el coche alrededor de un policía.

-¿Cómo es el viaje aerodinámicamente?

No es blando, pero tiene una amortiguación increíble. Es más como un barco. Por supuesto, fue diseñado en colaboración con Sterling Burgess, el diseñador del yate ganador de la Copa del América. …

-¿Podría alcanzar cómodamente los 100 km/h por hora?

… Hicimos una serie de estudios y desarrollamos una película hermosa. La mostramos como parte de nuestra exposición Bucky en Madrid. Es bastante divertida. El Dymaxion sale de un garaje de los años 30 en Nueva York y pasa por delante de todos estos coches viejos. Pasa por delante del edificio Hearst, que por supuesto todavía era relativamente nuevo, luego cruza el río y entra en un túnel. Sale por el otro lado en la Nueva York actual…

-Es interesante cómo tú, Nicholas Grimshaw y Richard Rogers se sintieron atraídos por Bucky durante vuestra formación.

Fue su filosofía, su optimismo, su creencia en una tecnología limpia y amigable que permitiría a las especies sobrevivir si utilizaban su inteligencia… Pero nunca soñé que unos años más tarde Bucky terminaría contactándome para colaborar con él en proyectos y que se convertiría en una relación tan estrecha.

-Has hablado de Bucky con audiencias más jóvenes. ¿Sus ideas conectan con ellos?

Creo que realmente tienen eco, habilitó a una generación. No es una exageración decir que desencadenó el movimiento verde….sin duda el movimiento ambientalista tiene sus raíces en Bucky. Ha sido mucho más comprendido en Europa. No sé qué piensa usted, pero no creo que haya sido comprendido realmente en Estados Unidos.

La Biosphère de Montreal fue el antiguo pabellón de los Estados Unidos de la Expo 67 en Montreal, ahora convertido es un Museo, dedicado al agua y al medio ambiente.

Su concepción, obra de Richard Buckminster Fuller está situada en la île Sainte-Hélène.

En 1976, un incendio consumió el revestimiento de polímero.

La estructura, construida en acero, permaneció intacta, es todo lo que queda del antiguo pabellón.

El museo fue inaugurado en 1995.

La he visitado.

La Biosphère, está muy próxima al conjunto de los arquitectos Moshe Safdie y Rabines, Hábitat 67.

En la misma ciudad donde esta la estación de servicio de Mies van Der Rohe

Mies van der Rohe. Montreal, su única estacion de servicio

1971 Louis Kahn (1901–1974), Estados Unidos

Louis Isadore Kahn (Itze-Leib Schmuilowsky) nació en la isla estonia de Saaremaa.

Murió el 17 de marzo de 1974 de un ataque al corazón en los servicios de la estación de Pennsylvania de Nueva York, acababa de regresar de un viaje de trabajo en la India, a pesar de tener tres familias, nadie reclamó su cadáver durante tres dias, no llevaba sus documentos con él.

Cuando tenia tan solotres años, mientras se cocinaba cous en la estufa, cautivado por la luz, corrió el recipiente, y las llamas lo alcanzaron y le quemaron la cara y las palmas de las manos, fue su “marca de fábrica”, se sabe que en el colegio, los chicos se burlaban de él, y lo llamaban “scarface”.

En 1920, ganó una beca para la Universidad de Pensilvania, en 1924 se recibió de arquitecto.

Trabajó en el estudio de William H. Hoffman y Paul Henon Jr. , y en el de John Molitor, donde llegó a ser jefe de proyectos del plan regulador de Filadelfia.

Abre en 1935 su propio estudio y paralelamente desde 1947 hasta 1957 se dedica a la crítica del diseño y a la docencia en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale, a partir de 1957 hasta su muerte en 1974 fue profesor de Arquitectura en la Escuela de Diseño en la Universidad de Pennsylvannia, entre sus alumnos figuraban Moshe Safdie y Robert Venturi.

Kahn tuvo tres mujeres diferentes, su esposa Esther Israelí, su compañera de trabajo Anne Tyng, y Harriet Pattison.

En 1930, se casó con Ester Israelí, con quien diez años después tendría una hija, Sue.

Se relacionó sentimentalmente con una arquitecta joven que trabajaba en su estudio, Anne Tyng, con quien tendría a su hija Alex.

Años después, en 1959, llegaría a su vida la paisajista Harriet Pattison, la madre de Nathaniel. Se conocieron de casualidad en una fiesta de Filadelfia, Louis tenía casi 60 y Harriet 32. 

Me ha encantado saber que cuando sus amigos lo visitaban se acercaban a su piano y le pedían que tocara obras, especialmente Mozart y Bach.

Desde Ahmedabad, India –un destino al que Kahn fue muchas veces-, le escribió las últimas líneas a su hijo “Tu padre no se siente como un héroe conquistador. Espero algún día poder enseñarte a ser mejor hombre del que yo fui”.

Mi blog es mi memoria externa, mi libreta de viaje

Creo haber escrito muchas veces que mi blog, es mi diario, mi libreta de apuntes, por eso, cuando escribo acerca de los edificios que visito, tambien comento el contexto de esas visitas, esto me permite recordar, es lo que estoy haciendo ahora.

Louis Kahn

Supe mas de Louis Kahn, por mi querido amigo el arq Miguel Angel Roca, oi mucho de Kahn ya que nos veiamos semanalmente cuando fui su profesor adjunto de su catedra en Diseño 2 y 3 en la Universidad de Buenos Aires.

Miguel, hizo su tesis con Kahn. Hace poco me dijo mientras paseabamos por Toledo, casi no hablaba con él, era un dios, y para un joven era dificil, acercarse mas de lo imprescindible.

Supe de Kahn, cuando con Guillermo fuimos a La Jolla a ver el increible Instituto Salk, el arq Pablo Bransburg, que vivia allí nos guió, fuimos a ver varias obras de arquitectura, el Instituto Salk (1959/1965) lo visitamos completo, con su esposa Perla pasamos unos dias inolvidables, mientras comiamos unos mariscos tambien inolvidables.

Supe mas de Kahn cuando vi el documental “Mi arquitecto: el viaje de un hijo” (2003), nominado al Oscar ese año.Durante casi dos horas, recorre la vida y obra de su padre, al cual, como Kahn tenía dos familias simultáneas, cada una con hijos, lo veía poco. (3)

https://www.facebook.com/watch/?v=159097418570262

Supe mas de Kahn, al visitar su biblioteca Phillips Exeter Academy en New Hampshire (1965/1972) y su monumento en NY de las cuatro libertades, en la isla East River, un monumento al presidente Franklin D. Roosvelt. (4) Gracias Minond por decirme que podia llegar en telesferico.

Supe de Kahn cuando admiré en la Universidad de Yale su Galería de Arte, New Haven (1951/1953), a peassr de mis deseos no pude entrar, (porque aun no se inauguró su rehabilitación), al Yale Center for British Art (1969/1974).

Supe mas de Kahn cuando vi este año (2024) su “Primera Iglesia y Escuela Unitaria” en Rochester(1959/1969).

 “Una obra de arte no es algo vivo, pero te hace sentir vivo. Una obra de arte es lo que nos enseña que la naturaleza puede reunir a los hombres”.

“La arquitectura debe contener la medida del tiempo. Veinte o cincuenta años después de ser construida… sólo entonces podrás medirla. Es tan perfecta que, en el momento en que se realiza, su apariencia podrá diluirse, y probablemente lo haga, pero la espiritualidad permanecerá, y así entenderás la prueba del tiempo”. (5)

El escultor y diseñador Isamu Noguchi (1904/1988) se refirió a él como «un filósofo entre arquitectos».

National Assembly Building in Dhaka -Bangladesh – Louis Kahn 1962-83-Raymond Meier

En Bangladesh, sobre un espejo de agua, se duplican los volúmenes del edificio de la Asamblea y el complejo de gobierno en la capital Dakha (1964/1983).

Mereció recibir el premo Aga Khan de Arquitectura.

El complejo incluye: el edificio de la Asamblea Nacional, la plaza norte (6.040 m2), la plaza sur (20.720 m2), hoteles para los miembros del parlamento, ministros y secretarias, salas sociales y edificios comunes, todos ellos conectados por calles y vías peatonales y rodeados de jardines y lagos.

Se construyó a mano, cientos de trabajadores llevando cestos de concreto sobre sus cabezas, escalando andamios de bambú. Se tardó casi 20 años en terminarlo, fue inaugurado en 1983, nueve años después de la muerte de Kahn. Por dentro, su belleza es tan fascinante como por fuera.

El proyecto más ambicioso de Kahn se realizó en uno de los países más pobres del mundo, sin certeza de su terminación, finalmente se pudo realizar.

Instituto Salk de Estudios Biológicos

Es un complejo de laboratorios situados en La Jolla, en California, sin duda, es una referencia mundial en el mundo de la biología.

Louis Kahn lo construyó entre 1959 y 1965 a pedido del Dr. Jonas Edward Salk (1914 – 1995), inventor de la vacuna contra la poliomielitis, Salk colaboró durante los diferentes procesos de los laboratorios.

El conjunto está compuesto por dos bloques separados por una plaza seca, la componen los laboratorios, estudios, bibliotecas y oficinas.

Está situado cerca de unos acantilados de la costa de La Jolla, a pocos kilómetros al norte de San Diego.

La condición de Salk fuera que diez investigadores privados con sus respectivos equipos, todos muy cercanos a Salk pudiesen funcionar con total comodidad.

Hubo varios planteos, hasta que se decidió por la tercer propuesta, los laboratorios se distribuyeron en dos bloques separados por una plaza.

La estructura ideada por Kahn y diseñadas por el ingeniero también estonio August Eduard  Komendant (1906 – 1992), es de hormigón vertido, su característica es ser flexible para resistir los terremotos que hay en California.

Komendant era pionero en el campo del hormigón pretensado, se conocieron cuando coincidieron como profesores en la Universidad de Pennsylvania.

A Komendant le llamaba la atención la dedicación que Kahn otorgaba a la Universidad, a pesar de su complicada situación económica y la presión de los plazos que tenía en su estudio. Kahn siempre estaba alegre y animado en sus clases. Cuando le preguntó cómo era capaz de conseguirlo, éste le respondió:

“Cuando estoy con mis alumnos y les enseño arquitectura, soy feliz y me olvido de todo lo demás”. (6)

En un principio, Kahn pensó la plaza central con árboles y vegetación, pero prefirió encargar el diseño del jardín al arquitecto mexicano Luis Barragán (1902-1988).

Arquitecto Luis Barragán -casa Ortega y Barragán en DF México

Al ver Barragan las fachadas de hormigón no dudó en poner en toda la plaza un suelo de travertino del mismo color que el edificio, diciendo que “el suelo sería la quinta fachada”, solo hay una hilera de árboles en la entrada principal de los laboratorios.

En el centro de la plaza y atravesándola, Kahn diseñó un canalillo de agua que, dirigiéndose hacia el mar, culmina en una fuente de gran tamaño situada en una terraza ubicada en el lado sur y dos o tres metros más baja que la plaza. En ella hay unas escaleras y unos bancos de travertino.

Desde esta terraza se puede contemplar el océano Pacífico.

La madera de los estudios es teca, ésta necesita restauracion cada cierto tiempo al ser sensible a las inclemencias medioambientales. (7)

Salk-Institute-in-La-Jolla-California-Louis-Kahn-1959–65-©-The-Architectural Archives University of Pennsylvania. Foto de JohnNicolais.

Franklin D. Roosevelt Four Freedoms Park. NewYork 1973-2012. Foto de Paul-Warchol

Notas

1

https://www.archdaily.cl/cl/02-288162/clasicos-de-arquitectura-la-casa-dymaxion-buckminster-fuller

2

Norman Foster ha prestado 11 automóviles de su colección, Bentley R-Type Contnental de 1953, un Tatra, el Dymaxion de tres ruedas, el Voisin C-7 Lumineuse que conducía Le Corbusier entre ellos.

Comisariado por Norman Foster, Manuel Cirauqui y Lekha Hileman Waitoller, se exhibió entre el 8 de abril y el 18 de septiembre de 2022 en el Museo Guggenheim de Bilbao.

3

Nathaniel Kahn rastreó el sentido de su existencia en la obra de su padre, Louis Isadore Kahn, en su documental “Mi arquitecto: el viaje de un hijo” (2003).

Recorre la vida y obra de Louis Kahn, se proyectó en el Design Museum de Londres, como parte de la muestra Louis Kahn, el poder de la arquitectura, en el 2014. La exhibición incluyó maquetas, dibujos, fotografías y otras películas. Se exhibió un modelo de cuatro metros de altura del proyecto City Tower para Philadelphia (1952-57).

4

En memoria a su conocido “Discurso de las 4 Libertades” (Four Freedom Speech), Libertad de expresión, de culto, de vivir sin penuria y de vivir sin miedo.

5

En el último capítulo del libro 18 años con el arquitecto Louis I. Kahn, el ingeniero August Komendant recuerda los años en los que ambos coincidieron como profesores en la Universidad de Pennsylvania.

6

Natalia Iscaro. Publicado en el número 50 de Revista 90+10.

7

Luis Antonio Gutiérrez & Marta Rodríguez -Grupo PFC-

——————–

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios.html

sábado, 25 de mayo de 2019

Hundertwasser. Constructor de espacios dispensadores de felicidad. Parte 1

Hundertwasser, constructor de espacios dispendadores de felicidad

Consta de 3 partes

1era parte  https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios.html

2nda parte https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios_27.html

3era parte y final:  https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios_28.html

Friedensreich Hundertwasser. 1a parte

Constructor de espacios dispensadores de felicidad.

En uno de nuestros descansos  “post-Feria del libro de Frankfurt”, fui junto a mi hermano Guillermo a Viena, para ver alguna de las obras de Hundertwasser.

Paseamos y vimos con mucho tiempo y detalle la “Hundertwasserhaus”un maravilloso conjunto de viviendas sociales que en 1977 el alcalde Leopold Gratz le ofrece realizar.

Pudimos ver el uso de tejados con vegetación y ese concepto maravilloso de “árboles inquilinos” en las fachadas.

Aún me “duele”, no haber podido ir a visitar la planta de tratamiento de residuos, así como tengo pendiente la Waldspirale… (Complejo residencial en Darmstadt, Alemania).

Luego de ver –a conciencia- las casas y tomar un café en el bar de la esquina del edificio, fuimos a una librería que estaba enfrente, la dueña nos contó que había conocido a Hundertwasser, que le gustaba conversar y era muy simpático, solía mirar libros y a veces elegía alguno que le interesaba y otras le hacía algún encargo.

Nos repitió que le gustaba hablar con la gente y era muy amable.

Es interesante conocer las costumbres o actitudes de “normalidad” de aquellos personajes especiales y en ciertos casos excepcionales. Me lo imaginaba, caminando con ropa de colores, saludando a sus vecinos, y haciendo sus compras cotidianas.

Luego fuimos al Museo Hundertwasser (Kunst Haus Wien), que está a pocas calles de la Hundertwasserhaus junto al canal del Danubio, llamado el primer “museo verde” de Viena.

 Allí las obras pictóricas de Hundertwasser conviven con exposiciones temporales de fotografías. 

Está en la calle Untere Weißgerberstraße 13, (+43-1-712 04 91) info@kunsthauswien.com. Abre todos los días de 10 a 18 hs.


Frases de Fiedensreich-Hundertwasser:

”Cuando uno está soñando solo, es sólo un sueño. Cuando muchos sueñan juntos, es el principio de una nueva realidad“. Friedensreich Hundertwasser

Pudimos ver el uso de tejados con vegetación y ese concepto maravilloso de “árboles inquilinos” en las fachadas.

La línea recta conduce a la caída de la humanidad.

El arte por el arte es una aberración, la arquitectura por la arquitectura es un crimen.

El que vive en una casa debe tener derecho a asomarse a su ventana y a diseñar como le guste todo el trozo de muro exterior que pueda alcanzar con el brazo, así será evidente para todo el mundo desde la lejanía que allí vive una persona. 

Nos asfixiamos en las ciudades a causa de la contaminación atmosférica y la falta de oxígeno. La vegetación que nos permite vivir y respirar está siendo destruida sistemáticamente. Nuestra existencia está perdiendo dignidad. Pasamos por delante de fachadas grises y estériles, sin darnos cuenta que estamos condenados a vivir en celdas de una cárcel.

Si queremos sobrevivir, todos tenemos que actuar. Cada uno de nosotros debe diseñar su propio ambiente. No puedes quedarte esperando a que las autoridades te concedan el permiso. Los muros exteriores te pertenecen tanto como tu ropa y el interior de tu casa. Cualquier diseño personal es mejor que la estéril muerte. 

Tienes derecho a diseñar a tu gusto tus ventanas y los muros exteriores hasta lo que alcance tu brazo. Hay que ignorar los reglamentos que prohíben o restringen este derecho. Es tu deber ayudar a la vegetación a conseguir sus derechos con todos los medios a tu alcance. 

La naturaleza debe crecer libremente donde cae la lluvia y la nieve, lo que está blanco en invierno, debe ser verde en verano. Todo lo que se extiende en horizontal bajo el cielo, pertenece a la naturaleza, en las carreteras y los tejados deben plantarse árboles. Hay que conseguir que se pueda respirar de nuevo el aire del bosque en la ciudad. La relación entre el hombre y el árbol tiene que adquirir proporciones religiosas. Así, la gente entenderá por fin la frase- la línea recta es atea.  

“La producción de basura debería ser un delito criminal. Los productores de residuos, las indusr4ías de embalajes, las causantes de los residuos, es decir todos nosotros, deberíamos ser castigados severamente para así acabar radicalmente con la producción de residuos”.

Se transforma en médico, especialista en el “rediseño” de las viviendas enfermas. “…A los trabajadores me limito a darles instrucciones de conjunto. Nada de reglas, escuadras, ni niveles de agua. Saben que pueden dar libre curso a su instinto y saben que yo lo apruebo… Todos los que han trabajado para mí guardan un recuerdo lleno de respeto y nostalgia… Hoy los sindicatos han sustituido a las cofradías. Sólo hablan de salarios y de jornadas laborales, pero casi nada de formación profesional. Lo que intento promover entre mis obreros es la capacidad de innovar por medio del libre ejercicio de su creatividad. ¿Cómo podría la cerámica de mis paredes y mis columnas alcanzar semejante esplendor y diversidad, sin la libre iniciativa de mis albañiles y de mis enlosadores?”.

Sus obras fueron un manifiesto en contra de la arquitectura racional, la ortogonalidad y los espacios “inhumanos”, rechazaba la línea recta, usando los colores en las formas orgánicas. Pensaba que la miseria humana era el resultado de una arquitectura que construía espacios monótonos, estériles y repetitivos. Entendía la individualidad como una apuesta a la vida.

Armonía con la naturaleza, manifiestos construidos

Su obra es una ideología y un compromiso ecológico, fue un activo militante del respeto a las leyes de la naturaleza y la preservación del hábitat natural. Escribió artículos y dió conferencias en favor de la protección de la naturaleza, el rescate de los océanos, y la defensa de las ballenas, y la selva tropical.

Su visión del mundo se centraba en la letra “e” de “espiral”, consideraba que cada persona, desde su propio “ser”, se rodea de capas “de significación”, y ellas determinan su relación con el universo.

Sus nombres

Huntderwasser cambiará de nombre varias veces como un ritual. “… Yo tengo muchos nombres y soy muchas personas…hay tantas cosas que hacer que me gustaría ser diez Hundertwasser para hacer diez veces más cosas. Como eso no puede ser al menos puedo tener muchos nombres”.

Nació como Friedrich Stowasser

Se auto bendijo como Friedensreich Regentag Dunkelbunt Hundertwasser

Se lo conoce como Friedensreich Hundertwasser,

Sto en checo significa cien o Hundert en alemán. Por eso, Stowasser o Hundertwasser. Friedensreich puede entenderse como «lugar de paz» o «Reino de la paz”. Regentag  que se traduce como «Día lluvioso». Dunkelbunt que se traduce como «Oscuro, multicoloreado».

De acuerdo a estas explicaciones su nombre Friedensreich Hundertwasser significa, «Reino de la Paz con Cientos de Aguas».

En algunas pinturas aparece su firma como 百水 (hyaku-sui), la traducción al japonés de su apellido.

Aún me “duele”, no haber podido ir a visitar la planta de tratamiento de residuos, así como tengo pendiente la Waldspirale… (Complejo residencial en Darmstadt, Alemania). 

Su vida

Nació en Viena, Austria el 15 de diciembre de 1928 y falleció en el Reino Unido el 19 de febrero de 2000 a los 71 años. Su madre era judía y su padre (que murió a los pocos meses de su nacimiento) protestante.

Su infancia transcurrió en un ambiente de extrema pobreza y bajo el clima asfixiante del nazismo, ello motivo que su madre decidiera bautizarlo para salvarlo y lo alistó en las juventudes hitlerianas.

En la escuela (en sus primeras etapas de educación -1936- asiste a clases en el colegio Montessori de Viena), usaba el brazalete amarillo obligatorio con la estrella de David de judío y en su casa el brazalete nazi que usaba cuando a medianoche irrumpían de inspección nocturna en su casa donde vivieron escondidos en el sótano hasta 1944. Cuando terminó la guerra estaba en un estado grave de desnutrición y fue enviado al campo a vivir, pero el resto de su familia fue delatada y asesinada por los nazis.  

En 1948 asistió a clases de pintura en la Akademie der Bildenden Künste, que, que abandonó a los pocos meses por encontrarla aburrida, no le incentivaban sus contenidos.

En esa época visitó las exposiciones de Egon Schiele (1890-1918) en la Albertina y de Walter Kaampmann (1887-1945) que lo influyeron notablemente. Admira también a Gustav Klimt (1862-1918), los grabados de Katsushika Hokusai (1760-1849) y el arte japonés, los colores de Paul Klee (1879-1940) y los paisajes y la las naturalezas pintadas por Henri Rousseau (1844-1910).

Le hubiera gustado presentarse como pintor (influyente con su “shock en el arte pictórico”), escultor, arquitecto (ejerció brillantemente como tal sin título académico), urbanista, diseñador gráfico, de fachadas, banderas, vestidos, gráfico y de estampillas. 

Como teórico desarrollo una filosofía del ambientalismo. 

Sus trabajos (total o parcialmente), han sido utilizados para elaborar banderas, sellos,  monedas, posters, escuelas, iglesias, lavabos públicos y se ha usado de modelo en Nueva Zelanda en el diseño de edificios. En 1983 dibuja un proyecto de bandera para Nueva Zelanda (Koru).(1)

Fue un nómade, vivió en Italia, y luego junto a tres amigos franceses –pintores- viajó a Sicilia haciendo auto-stop. Vivió en París durante 7 años en casa de una familia. Luego viaja a  Marruecos, Túnez, norte de África, Austria. Estos viajes, que hacia sin dinero, los financiaba creando obras que entregaba a cambio de alojamiento.

En 1950 se traslada a Paris para continuar sus estudios, que decide nuevamente abandonar para continuar su derrotero por el mundo.

En 1952 realiza su primera exposición individual en el Kunstverein de Viena y 2 años más tarde en el Studio Paul Facchetti de Paris.

Es su bandera más famosa. “La ley de la naturaleza es la ley del arte, la del juego aleatorio de la creatividad espontánea. Los detalles más espectaculares de la belleza de la naturaleza se nos presentan con total gratuituidad ¿Para qué sirven los preciosos dibujos sobre las alas de las mariposas o sobre las plumas del pavo real?”.

“…La belleza es siempre funcional. Es la base de todos los logros tecnológicos de la ecología. La prueba es la siguiente: estoy convencido de que las alas de las mariposas, ampliamente desplegadas al sol, son recolectores de energía que actúan a la manera de paneles fotovoltaicos de la energía solar, e incluso de forma más eficaz, gracias a la belleza del diseño que engalanan las mariposas y que contrasta con el rigor geométrico de los paneles colectores industriales”.

Diseñó sellos para las islas de cabo verde, así como para la administración postal de Ginebra. Su sello de 1,20 francos suizos para las Naciones Unidas, obtiene en 1984 el premio al sello más bello y la medalla de oro del Presidente italiano Sandro Pertini.

“…El sello debe vivir su destino… un auténtico sello debe sentir la lengua del expedidor cuando humedece la cola… el sello debe conocer el interior oscuro del buzón. El sello debe soportar el franqueo de correos. El sello debe sentir la mano del cartero cuando entrega la carta al destinatario… El sello sólo es auténtico cuando se ha enviado en una carta, si no, no ha viajado jamás… Este precioso fragmento de arte alcanza a todo el mundo como regalo que viene de lejos. El sello debe ser testigo de la cultura, de la belleza y del genio creador del hombre”.

Su diseño, Características e influencias

Creaba sus propios colores con materiales que encontraba: ladrillos, tierra, carbón…y los aplicaba en capas muy finas, de esa forma intensificaba el color consiguiendo más profundidad.

Planteó un rechazo a las líneas rectas, a la que llegó a denominar la “herramienta del diablo”, utilizó colores brillantes, formas orgánicas, fomento un diálogo entre los seres humanos y la naturaleza estimulando el individualismo.

“La utilización ciega, cobarde y estúpida de la línea geométrica recta, ha convertido nuestras ciudades en baldíos desolados desde el punto de vista estético, espiritual y ecológico…la línea recta y sus derivados son úlceras cancerosas que envenenan por igual, la planificación urbana y la salud física…me niego a construir casas que puedan dañar a la naturaleza y a las personas”.

“… A los trabajadores me limito a darles instrucciones de conjunto. Nada de reglas, escuadras, ni niveles de agua. Saben que pueden dar libre curso a su instinto y saben que yo lo apruebo…Hoy los sindicatos han sustituido a las cofradías. Solo hablan de salarios y de jornadas laborales, pero casi nada de formación profesional. Lo que intento promover entre mis obreros es la capacidad de innovar por medio del libre ejercicio de su creatividad. ¿Cómo podría la cerámica de mis paredes y mis columnas alcanzar semejante esplendor y diversidad, sin la libre iniciativa de mis albañiles y de mis enlosadores?”.

Puede vinculárselo al “Biomorfismo”, movimiento artístico del siglo XX. Este término (utilizado por primera vez en 1936 por Alfred Barr –1902-1981- ), se centra en poner el interés en la vida natural, utilizando formas orgánicas. (en un artículo de la Tate Modern vincula a éste movimiento a artistas como Joan Miró (1893-1983), Jean Arp (1886-1966), Henry Moore (1898-1986), Barbara Hepworth (1903-1975), Yves Tanguy (1900-1955)  y Roberto Matta (1911-2002).

Pintura

Podía pintar en cualquier lugar, en su casa o en la de amigos, en la carretera, en un café, un restaurante, en la naturaleza, viajara en tren o en aviones. No tenía un estudio, y el lienzo no se extendía necesariamente sobre un caballete, podía ser sobre cualquier superficie.

Cuando estaba en el camino, podía suceder que doblara el papel, pintando solo en la parte visible de su trabajo.

Durante sus viajes, dejaba sus pinturas inconclusas para retomarlas a su regreso.

Hundertwasser hizo sus pinturas de muchas formas, pintó con acuarelas, al óleo, al temple, al huevo, con lacas brillantes y utilizó tierra. Mezcló distintos materiales, exponiéndolos uno al lado del otro, para que contrastaran no solo en su color sino también en su textura. El «chasis» de sus pinturas lo hacía él mismo, y casi siempre estiraba su propio lienzo, enmarcándolo.

Experimentó muchas técnicas e inventó nuevas. Pintó en diferentes tipos de papel, prefiriendo los papeles de envoltura usados, que a menudo montaba en varios soportes, como tableros de fibra de madera, cáñamo o lino.

Pintó en materiales encontrados, por ejemplo, en piezas de madera contrachapada, que encajó, como se muestra en el trabajo 904 Pellestrina Wood, o en una centralita, como en 816 Switch Board.

Casi invariablemente, Hundertwasser anotó en el frente o reverso de sus pinturas dónde y la fecha en que las pintó, así como la información técnica sobre el trabajo.

Textos del libro: Hundertwasser 1928-2000, Catálogo Raisonné, Colonia, 2002. Volumen 2:

“ El color…un mundo de colores, es siempre sinónimo de paraíso. Un mundo gris o monocromático es siempre sinónimo de purgatorio o de infierno”.

“ …un buen cuadro está lleno de magia. Te hace sentir feliz, te hace reír o llorar, pone las cosas en marcha. Debe ser como una flor, como un árbol. Debe ser como la naturaleza. Es algo que se añora, cuando no está”.

Wieland Schmied (1929-2014), historiador y crítico de arte austríaco, curador, erudito literario y escritor, escribe acerca de la pintura de Hundertwasser:

“…Una parte importante del efecto de la pintura de Hundertwasser es el color, utiliza los colores de manera instintiva, sin asociarlos con un simbolismo definido de su propio invento. Prefiere los colores intensos y radiantes y le encanta colocar colores complementarios uno junto al otro para enfatizar el doble movimiento de la espiral, por ejemplo”.

La espiral es el símbolo de la vida y la muerte

Los espirales aparecen en sus obras a partir de 1953, inspirado en un documental “Imágenes de la locura” en la que enfermos esquizofrénicos de un hospital de Paris aparecen dibujando y pintando espirales. Aparece la “casa espiral”, una vivienda ecológica que reduce la contaminación y que aparece repetidamente en sus obras.

Esta espiral se encuentra en ese punto donde la materia inanimada se transforma en vida.

Estoy convencido de que el acto de creación tuvo lugar en forma de espiral. Toda nuestra vida procede en espirales.

Nuestra tierra describe un curso en espiral. Nos movemos en círculos, pero nunca volvemos al mismo punto. El círculo no está cerrado. Solo pasamos muchas veces por el mismo barrio. Es característico de una espiral que parece ser un círculo pero no está cerrada.

La verdadera espiral no es geométrica sino vegetativa, se vuelve más delgada y gruesa y fluye alrededor de los obstáculos que están en su camino.

La espiral muestra la vida y la muerte en ambas direcciones. Comenzando desde el centro, el infinito pequeño de la espiral significa nacimiento y crecimiento, pero al crecer más y más, la espiral se diluye en el espacio infinito y desaparece como olas que desaparecen en las aguas tranquilas.

Por el contrario, si la espiral se condensa desde el espacio exterior, la vida comienza desde lo infinito a lo grande, la espiral se vuelve cada vez más poderosa y se concentra en lo infinitamente pequeño que el hombre no puede medir porque está más allá de su concepción y que lo llama muerte.

La espiral crece y muere como una planta; las líneas de la espiral, como un río serpenteante, siguen las leyes del crecimiento de una planta. Sigue su propio curso. De esta manera la espiral no se equivoca.

Notas

1

El koru (en lenguaje Maori, es hablado en el este de la Polinesia) es una forma de espiral basada en la aparición de una nueva fronda del helecho plateado desplegable, simboliza nueva vida, crecimiento, fuerza y ​​paz. Su forma «transmite la idea de movimiento perpetuo», mientras que la bobina interna «sugiere regresar al punto de origen». Wikipedia.

continúa en Parte 2

https://hugoklico.blogspot.com/2019/05/hundertwasser-constructor-de-espacios_27.html

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente
gracias

más articulos en mis blogs :

hugoklico.blogspot.com
y

onlybook.es/blog

——————–

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-

Ver anterior https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-5ta-parte-de-eero-saarinen-a-nervi/

1966 Kenzo Tange (1913–2005), Japón

Kenzo Tange (Sakai 1913 – 2005 Tokio) fue un arquitecto y urbanista vinculado vinculado a distintos movimientos arquitectonicos, al Moderno, al Metabolista y al Neo-futurismo.

En 1987 recibe el premio Pritzker.

Obras relevantes: Catedral de Santa María (1961/64 y 2007); Estadio Olímpico (1964); Shizuoka Newspaper and Broadcasting Corporation (1966/1967); Ayuntamiento de Tokio (1988/1991).

En el año 1994, viaje a Tokio para visitar a mis proveedores, GA (Global Architecture) de la editorial ADA EDITA; A+U (Architecture & Urbanism), y JA (Japan Architecture) las dos últimas de la editorial Shinkenchiku-sha Co.

El Ceo de GA, me fue a recibir al hotel, ya que el aeropuerto esta a 60 km de la ciudad y me trajo unas manzanas, tres exactamente.

En la revista GA las maravillosas fotografias las realizaba Yukio Futagawa, su hijo Tatsuo se ocupaba de la comercialización y la distribuidora la coordinaba Kawahara.

En su sede, pude ver como sacaban fotos de una maqueta, con algo que se asemejaba a una maquina de fotos descontracturada, separada en partes. Casi 2 horas para una foto, de la portada.

Al dia siguiente el director de A+U, Yasuhirto Teramarsu me llevó a recorrer la ciudad en metro, (con las ventajas de un metro excelente), fuimos a pasear a Shinjuku (que significa nueva posada), es uno de los barrios mas importantes administrativos y comerciales.

Vimos el edificio del Ayuntamiento, dificil comprender unas oficinas de casi 200 mil m2. El complejo consta de tres rascacielos, cada uno de los cuales ocupa una manzana. Sustituyó al antiguo Ayuntamiento de Tokio en Yūrakuchō, construido en 1957 tambien por Kenzo Tange, en la antigua ubicación del Ayuntamiento de Tokio, donde está ahora el Foro Internacional de Tokio.

La Catedral de Santa María

Ubicada en 3-15-16 Sekiguchi, Bunkyo-ku en Tokio.

Para descubrirla es necesario subir una pequeña loma, dando un paseo por las llamadas “mesetillas de Bunkyo”, que se distingue por sus cinco mesetas y varios valles, al noroeste de Shinjuku. Está rodeado por una espesa vegetación, al entrar (es necesario buscarla) uno queda asombrado por el clima de recogimiento que crea su planteo de contrastes, de luces y sombras.

El edificio original de madera de estilo gótico de 1899 fue destruido durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, como gran parte de la capital. Tange gana el concurso que le permite en 1961 su reconstrucción, planteando un proyecto muy diferente del original.

Décadas mas tarde en el 2007 se realiza una restauración, Taisei Construction Co. y Tange Associates, en un trabajo conjunto realizan una gran tarea, cambian las partes afectadas por el óxido y el desgaste del tiempo, principalmente el techo.

La catedral tiene una planta de cruz latina a través de la cual se abren ocho muros con forma de parábola hiperbólica. Estos muros crean cuatro grandes vidrieras que dejan pasar la luz natural formando una cruz de luz.

Presenta un enorme contraste entre la luz natural y su interior realizado en hormigón.

El efecto de la luz solar sobre la superficie exterior va cambiando según la hora del día y la inclinación de los rayos del sol. La puerta de madera de acceso al interior se encuentra entre dos grandes muros revestidos, que dan forma a una de las cuatro grandes vidrieras del edificio.

Video donde se muestra desde diferentes ángulos la fachada de la Catedral de Santa María revestida de aluminio galvanizado y marcos de acero inoxidable ferrítico tipo 445J1 (1) con un acabado en relieve grabado.

Shizuoka Newspaper and Broadcasting Corporation

Ginza 8-3-7, Barrio Chuo en Tokio

En 1966 la Shizuoka Newspaper and Broadcasting Corporation encarga al arquitecto japonés Kenzo Tange la construcción de su sede en el distrito de Ginza.

Se trata del primer proyecto en el que logra unir sus conceptos de arquitectura espacial y de planeamiento urbano (ya figura en su Plan de Tokio de 1960).

También se trata de la primera realización de las ideas metabolistas de Kenzo Tange, inspiradas en el crecimiento orgánico y desarrolladas en los años cincuenta.

Un recuerdo… en el 2018, como suelo hacer, deje mi movil sobre el asiento del taxi, que me llevó hasta la puerta de la Shizouka, apenas baje me di cuenta, pero era tarde. Ni siquiera tenia el tiket, cosa que hubiera sido bueno hacer, pero no lo hice.

En el movil tenia todo lo del viaje, mails, hoteles, direcciones…. desesperado entré al edificio, y como pude (en realidad como no pude) le explique al recepcionista lo que me habia sucedido, no hablabamos ninguna lengua común. Bajaron dos personas de la empresa, me trajeron una silla, y una coca cola, me dijeron que me tranquilice. Hablaban inglés.

Llamaron a ls empresas de Taxis de Tokio y les dieron el datos de mi viaje, hora y lugar. Quedaron en averiguar. Al rato, me dijeron que ubicaron el coche, pero que el chofer estaba en un viaje y no podia hablar, me pidieron que fuera a mi hotel.

Al llegar al hotel, la recepcionista me dijo que el taxista venia con mi movil. Cuando lo vi, lo abrace y quise darle una propina, no la aceptó, me dijo que yo era un cliente, y el me daba ese servicio. Tomamos algo juntos, que alegria me dió.

Dicen que “los japoneses” no se tocan, yo al mejor estilo criollo, lo abrace y percibi que lo entendia, la recepcionista viendo mi entusiasmo, tambien sonreía.

La lista de sus obras es muy importante, podria señalar One Raffles Place, anteriormente Overseas Union Bank Centre o OUB Centre (1988); las Torres Shinjuku Park (1990/1994); el Bank of Shanghai Headquarters (2002/2005);el Mode Gakuen Cocoon Tower (2006/2008) entre muchas otras.

“La Arquitectura es la creación de una forma especial de comprensión de la realidad. Se trabaja y transforma la realidad a través de la construcción de un importante objeto de uso. La forma artística de este objeto, por otro lado, tiene la doble cualidad de servir de espejo y enriquecerlo.
Esta comprensión de la realidad que tiene lugar a través de la creación de la arquitectura exige que tanto la anatomía de la misma, como su estructura sustancial y espiritual, sea comprendida como un todo”. Kenzo Tange.

1967 Wallace Harrison (1895–1981), Estados Unidos

Wallace Kirkman Harrison (1895 – 1981) comenzó su carrera profesional en el estudio de Corbett, Harrison & MacMurray, participando en la construcción del Rockefeller Center. Su trabajo es conocido por la ejecución de grandes proyectos públicos en Nueva York y el norte del estado, muchos de ellos como asesor de Nelson Rockefeller.

Obras relevantes: 1211 Avenue of the Americas (1971/1973); Metropolitan Opera House (1963/66);

El edificio formaba parte de la ”expansión tardía” del Rockefeller Center, se los conoce como los edificios XYZ. ​

Sus planos fueron dibujados por primera vez en 1963 por el “arquitecto de la familia Rockefeller” Wallace Harrison, del estudio de arquitectura Harrison & Abramovitz.(2)  

Sus letras tienen relación con la altura de cada torre, de mas alta a mas baja.

1251 Avenue of the Americas es el edificio X, el más alto con 229 m y 54 pisos, fue terminado en 1971. La empresa Esso (rebautizada como Exxon) se instalaría en la torre.

1221 Avenue of the Americas es el edificio Y tiene 205 metros con 51 pisos, completada en 1973. La editorial McGraw-Hill la ocupó.

1211 Avenue of the Americas, es el  edificio Z de 180 metros y 45 pisos. La empresa Celanese la ocupó en 1973.

El pedido requería que cada torre incluyese una plaza frente a ellos, siguiendo los lineamientos del Centro Lincoln Center for the Performing arts en el Upper West Side. (3)

Las plazas frontales serían grandes espacios de reunión, desde 1916 la Ley de Zonificación permitia compensar la superficie de las plazas con mas espacio para las oficinas de cada edificio.

La Ópera Metropolitana de Nueva York (Metropolitan Opera House, Metropolitan o Met) es una compañía, teatro de ópera, y de música clásica, ubicado en el 30 Lincoln Center Plaza. Es uno de los más importantes de la ópera mundial, ofrece  mas de 220 representaciones de Ópera. Su capacidad es de 3.800 espectadores.

Ver video de GoandseeTV https://youtu.be/afvJ9dbPoVY

La Sede de las Naciones Unidas fue construida en Nueva York entre 1949 y 1950 junto al East River, en 69 mil metros cuadrados de tierra compradas por Nelson Rockefeller  al principal constructor neoyorquino de la época, William Zeckendorf en ocho millones y medio de dólares.

La familia Rockefeller había ofrecido unos terrenos que tenian en Kykuit, pero fue rechazada al considerarse que estaba alejada de Manhattan.

La selección del Arquitecto

El arquitecto norteamericano Wallace Harrison fue nombrado director de planificación y los diferentes gobiernos miembros nombraron al consejo asesor en diseño.

El proceso no fue fácil ni rápido, pero finalmente lo conformaron Oscar Niemeyer (1907 – 2012) de Brasil; Julio Villamajo (1894 – 1948) de Uruguay; N.D. Bassov (1922 – 2001) de la Unión Soviética; Gaston Brunfaut (1894 – 1974) de Bélgica; Ernest Cormier (1885 – 1980) de Canadá; Le Corbusier (1887 – 1965) de Francia; Liang Ssu-cheng (1901 – 1972) de China; Sven Markelius (1889 – 1972) de Suecia;  Howard Robertson (1903 – 1961) del Reino Unido; y G.A. Soilleux (Australia).

Cada arquitecto presentó al menos una propuesta sobre la cual luego se trabajaría en conjunto. El comité estudió más de 50 propuestas antes de escoger la ganadora.

Además de los 39 pisos sobre el nivel del suelo dedicados a alojar las oficinas de los distintos países el complejo cuenta con tres plantas subterráneas que comunican la torre de la secretaria con el edificio de conferencias.

1968 Marcel Breuer (1902–1981), Hungría

Marcel Lajos Breuer fue un arquitecto, profesor, y diseñador de mobiliario e industrial  húngaro de origen judío. Uno de los principales maestros del Movimiento Moderno que mostró un gran interés por la construcción modular y las formas sencillas.

Obras relevantes Silla B3, más conocida como Silla Wassily, (1925/1926); Casa Gropius, Lincoln, Massachusetts (1937/1938); Parador Ariston, Mar de Plata, Argentina (1946-1947); Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York (1966);

Obras del arq Marcel Breuer https://www.urbipedia.org/hoja/Plantilla:Obras_de_Marcel_Breuer

La silla Wassily o Modelo B3, fue diseñada por Breuer mientras era director del taller de ebanistería en la Bauhaus de Dessau.

A pesar de la creencia popular, la silla no fue diseñada para el pintor no-objetivista Wassily Kandinsky, quien fue también docente en la Bauhaus. Sin embargo, Kandinsky había admirado el diseño, y Breuer fabricó un duplicado para la oficina personal de Kandinsky. La silla llegó a conocerse como «Wassily» decenios más tarde, cuando fue re-editada por un fabricante italiano Gavina que había conocido la anecdótica conexión con Kandinsky en el curso de sus investigaciones sobre los orígenes de la silla.

El diseño de la silla fue especialmente revolucionario para la época, por su uso de tubos de acero y su método de fabricación, que copiaba el sistema de fabricación de los tubos de las bicicletas. La estructura original era de acero niquelado, posteriormente cromado, y doblado. El asiento y el respaldo era de cuero, lona o tela.

La foto del sillón B46 de acero y madera (1928/1930) de Breuer la he tomado en Noviembre del 2024 en la exposición “Tiempos Inciertos. Alemania entre guerras” en la Caixa Forum de Madrid.

Detrás estaba expuesto el Taburete B8 de acero y fibra textil sintética (1928/1930)  y la mesa B12 de acero y madera (1928/1930). Todos diseños de Breuer.

Casa Gropius

Arquitectos Walter Gropius y Marcel Breuer

Ubicada en 68 Baker Bridge Road, Lincoln, Massachusetts.

Videos

Casa Gropius. Método sustractivo. Ziiar Matt

Video producida por Pinky Chan, Shirley Liew, Lim Hui Sim, Gab Liew, Tan Shing Yeou. 1 sept 2014.

En 1934 debe salir de Alemania y se dirige a Londres, se instala en el edificio Isokon https://onlybook.es/blog/el-edificio-isokon-lawn-road/

Fue (refugio) y vivienda entre otros de Walter Gropius, Marcel Breuer, László Moholy-Nagy, Sybil Moholy-Nagy, James Stirling, Agatha Christie entre muchos otros famosos,

En 1937 Gropius llega a la ciudad de Lincoln, en Estados Unidos con su familia y la compañía de algunos muebles que se habían fabricado en la Bauhaus. Debido a su condición de inmigrante recibió facilidades económicas para establecerse, proyectó su casa con influencias directas de la arquitectura de Nueva Inglaterra en colaboración de Marcel Breuer.

En 1969 a la muerte de Gropius, su mujer cedió la propiedad a la Sociedad para la Conservación de Antiguedades Históricas de Nueva Inglaterra, en 1974, pero siguió viviendo en la casa hasta su muerte en 1983. Dos años después de su muerte, se abrió como Casa Museo Histórico.

Parador Ariston

Ver https://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

Mi relacion con esta obra lleva muchos años, que incluyeron conocer gente fantástica que desea que se recupere este patrimonio argentino, obra del arq Marcel Breuer.

El link de mas arriba lo realice a comienzos de marzo del 2017. Ha tenido a la fecha mas de 14 mil visualizaciones, y ha motivado muchas publicaiones (incluida la del New York Times del 21 de abril de 2019) que repercutió en otros medios), conferencias (como la que realizamos en la casa sobre el Arroyo (4) de Amancio Williams (Buenos Aires 1913 – 1090 Ibid.) y  Delfina Gálvez Bunge (Buenos Aires 1913 – 2014), que consiguió sea declarado Monumento Historico Nacional.

Hemos realizado muchas conferencias en Argentina, Perú y Guatemala y reportajes en medios de difusión.

Está situado en el barrio La Serena en Mar del Plata, diseño de Marcel Breuer junto a Eduardo Catalano (Buenos Aires 1917 – 2010 Boston) y Francisco Coire, fue financiado por la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Bs As. Construído en 1948, en tan solo 60 días.

Un largo muro rectilíneo construido en piedra de la zona contenía a una pequeña caja vidriada que constituía el acceso principal, con el apoyo de sanitarios y guardarropa. Ese mismo muro vinculaba al edificio con un prisma rectangular donde se albergaban los cuartos del personal de servicio del parador.

Sobre la pared se recostaba una escalera exterior que llegaba hasta el área más “cerrada” del volumen principal, donde se ubicaba la zona de barra.

Como era el deseo proyectual del trebol, el largo perímetro vidriado de la planta alta permitía dominar el paisaje, excepto en la zona que recibía el sol del oeste, que fue intencionalmente cerrada con el diseño de la carpintería.

La estructuras fue realizada mediante losas de doble armadura, vigas invetidas y material de lava volcánica que permite mostrar unas líneas gráciles que aún hoy asombran.

Las losetas de lava volcánica, fue un material de poco uso para la época.

Agrego un hermoso cuento que escribió mi amigo y arquitecto Gustavo Nielsen, aqui está (gracias Gus)

Escombros de un paraíso

El Museo Whitney de Arte Americano

El edificio está diseñado como un zigurat de granito invertido que se retranquea en sus niveles inferiores como un gesto que a la vez sugiere distanciamiento y atracción a su interior. (5)
El Museo Whitney de Arte Americano, actual MET Breuer, es una joya a contracorriente de la arquitectura de Nueva York. Breuer optó por el contraste y el diálogo de contrarios, su bloque compacto, ensimismado, casi ciego, genera curiosidad por lo que encierra.

Frente a la esbeltez apabullante de los rascacielos que lo rodean, el edificio que creó Breuer para el anterior Museo Whitney se alza como bloque tectónico y silencioso que invita a una mirada reposada sobre el arte. En la fachada lateral, nos sorprenden pequeñas ventanas de abertura oblicuas.

«Quería transformar la vitalidad de la calle en la profundidad del arte”. Marcel Breuer

Notas

1

El acero inoxidable Tipo 441 es un acero inoxidable ferrítico, de buena resistencia a altas temperaturas. Su forma en en láminas, cuando se lo estabilizan con niobo y titanio proporciona buena ductilidad ante la soldadura y resistencia a la corrosión

2

El estudio Harrison & Abramovitz estuvo activo activo desde 1941 hasta 1976.

3

El Upper West Side es un barrio del distrito de Manhattan, entre el Central Park y el río Hudson al norte de la Calle 59 Oeste.

4

La conferencia “Identidad Patrimonial en riesgo”, realizada el 9 de diciembre de 2019 por los arquitectos Hugo Kliczkowski, Gustavo Nielsen y Guillermo de Diego. Moderaba Calina Artigas y Fernando Martín.

5

David Quesada Redactor jefe de Arquitectura y Diseño, agosto del 2020.

Continua en https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-7ma-parte-de-wilson-wurster-a-louis-kahn/

——————-

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

Anterior https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-4ta-parte/

La Medalla de Oro del AIA 

Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».

Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

1962 Eero Saarinen (1910–1961), Finlandia/EEUU

Obras relevantes: El David S. Ingalls Rink es una pista de hockey sobre hielo, conocido como la ballena (1953/1958); CBS Building (1961/1965); Arco Gateway (1963/1965).

Ver nota sobre la Universidad de Yale y obras de Eero Saarinen: https://onlybook.es/blog/un-paseo-por-la-universidad-de-yale-paul-rudolph-louis-kahn-eero-saarinen-gordon-bunshaft-7a-parte-y-final/

Al rascacielos CBS, la llaman también “La Roca Negra”, ubicado en el Midtown de Manhattanl, al 51 de la calle 52 West, esquina Avenida de las Américas (6ta Av). Tiene 38 plantas con una superficie de 81.000 metros cuadrados.

El Arco Gateway, o la Puerta hacia el Oeste, es la parte más importante del Monumento a la Expansión Nacional de Jefferson (expansión hacia el oeste de los EEUU) ubicada en San Luis, Misuri. Cuenta con 200 metros de altura máxima, lo que lo convierte en el monumento accesible más alto hecho por el hombre en los Estados Unidos, una estructura arquitectónica con forma de arco catenario aplastado.

1963 Alvar Aalto (1898–1976), Finlandia

El arquitecto y diseñador Alvar Aalto (Hugo Alvar Henrik Aalto, Kuortane, Ostrobotnia del Sur 1898 – 1976 Helsinki), formó parte del Movimiento Moderno.

Participó en los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna).

En Espacio, tiempo y arquitectura, publicado en 1949, el historiador Sigfried Giedion Giedion (1888 – 1968) sitúa a Aalto al nivel de los grandes como Le Corbusier, Mies van der Rohe, Walter Gropius y Frank Lloyd Wright, y como uno de los impulsores del Movimiento Moderno.

El movimiento moderno, estilo internacional o racionalismo, se desarrolló entre 1925 y 1965, sin duda es la principal tendencia arquiectónica de la primera mitad del siglo XX.

Cada tres o cinco años, en su honor desde 1967 se concede la “Medalla Alvar Aalto”, que otorga el Museo finlandés de Arquitectura y la Asociación Finlandesa de Arquitectos (SAFA).

La ceremonia se desarrolla en el Centro Alvar Aalto Symposium de la ciudad de Jyväskylä, lugar de nacimiento de Alvar Aalto. (1)

“Todo lo que es superfluo se vuelve feo con el tiempo”, Alvar Aalto un arquitecto funcionalista y orgánico.

Aalto visita España en 1951 (Barcelona, Madrid, Palma, Granada), su llegada fue el detonante para la creación del Grupo R (que se reconocía en el GATCPAC y el CIAM y reunía a arquitectos como Antoni de Moragas, Josep Antoni Coderch, Joaquim Gili, Josep Maria Sostres, Manuel Valls, Oriol Bohigas, Josep Martorell), y para el “Manifiesto de la Alhambra”, que quería recuperar las propuestas del Movimiento Moderno.

Obras relevantes: La Villa Mairea (1938); La Universidad Politécnica de Helsinki (1949/1969); El ayuntamiento de Säynätsalo (1950/1952).

La Villa Mairea es una casa de veraneo construida en Noormarkku en Finlandia por los arquitectos Alvar Aalto y Aino Aalto.

La Universidad Politécnica de Helsinki está ubicada en Otakaari 1, distrito de Otaniemi, en la parte este de Espoo en Finlandia.

Ayuntamiento de Säynätsalo. El edificio que ocupa actualmente es una de sus obras más importantes. 

La obra es exquisita, y muy bien resuelta, “esa escalera” que conduce al patio distribuidor deja a uno admirado, en ese viaje vi tambien su Casa Experimental, construída en la costa occidental de la isla de Muuratsalo en el lago Päijänne en Finlandia (1952/1953) proyecto de Elissa y Alvar Aalto.

Hasta 1994 fue la residencia de verano, una casa-oficina, actualmente el Museo Aalto está a cargo de la casa, y permite visitarla.

En el primer piso de la csa, en una habitación, en una biblioteca con algunos libros, vi (no puedo evitar emocionarme, ni dejar de mencionarlo) nuestro libro de la colección Archipocket dedicado a Alvar Aalto. (editorial H Kliczkowski del 1 de enero de 2002) con textos en español, luego vendimos a la editorial alemana teNeues los derechos para otras 4 lenguas, alemán, inglés, francés e italiano.

Ver https://onlybook.es/blog/introduccion-a-la-revista-casas-internacional-187/

Encontraron el sitio para la casa cuando viajaron a la isla mientras el Ayuntamiento de Säynätsalo estaba en construcción. Compraron la isla que por entonces estaba deshabitada con el objetivo de aislarse. El único modo de llegar era en barco y para ello Alvar Aalto construyó uno. La torre de la iglesia de Muurame diseñada por el arquitecto entre 1926 y 1929 se puede ver a lo lejos.

La casa se ubica frente a la playa en el linde del bosque de pinos que tiene la isla. Está protegida por el sur de una pequeña cordillera. Aalto utiliza esta particularidad del terreno, creando entre la cordillera y los pequeños pabellones, un espacio de trabajo, la interacción entre el terreno y el volumen principal es también importante.

El prisma cuadrado del que se compone la casa es recortado por el terreno y la cubierta a dos aguas. El desnivel del emplazamiento permite situar, bajo el nivel de la casa, debajo del salón, un pequeño refugio para embarcaciones. El volumen, agujereado por oeste y sur (que son las mejores orientaciones en Finlandia), tiene una presencia importante cuando se sube por el embarcadero.

Aalto quiso empezar una nueva vida en Muuratsalo, y sin duda se valió de la calificación “experimental” como pretexto para construir el refugio anhelado, el “paraíso terrenal”, escapando de su pasado a bordo del bote diseñado por el mismo al que llamó “Nemo Propheta in Patria”, y que, al igual que la casa, el bosque, el lago o las rocas, es parte de la arquitectura.

En el bote, Aalto vivió la experiencia reconfortante de la partida y de la llegada, “recorriendo la travesía de lo técnico a lo humano para rencontrarse en el paisaje y la naturaleza”.

“Cada casa, cada producto digno del arte de construir, aspira a ser una prueba de que queremos edificar el paraíso terrenal para los hombres”. Alvar Aalto

“En Muuratsalo, la arquitectura empieza en el lugar, quizás incluso antes, en la elección del propio lugar. Aalto escoge una isla desierta a la que sólo era posible acceder en bote cruzando el lago Päijänne. Un lugar alejado e inaccesible en el que poder desarrollar sus ideas con absoluta libertad. En Muuratsalo lo esencial es que la arquitectura está en la naturaleza y ésta, a su vez, forma parte de la arquitectura. Cada roca, cada árbol, el cielo, el lago, son también la arquitectura”.

Aalto, al igual que Le Corbusier, siempre se sintió atraído por el mundo clásico de la antigua Grecia, y tras su viaje de 1952 por España, Italia y Marruecos, decidió construir en el frio clima nórdico una modesta “casa patio”, “sin duda producto de la fascinación al observar la riqueza de los espacios intermedios. En la casa de Muuratsalo, como en la casa mediterránea, el patio es el centro del hogar y del habitar, es la habitación donde observar el cielo y meditar, el espacio fundamental en torno al que se articulan los demás; y en su centro un lugar para el cuidado del fuego, símbolo de continuidad”.

“A escasos metros de la casa, entre los árboles, hoy el bote permanece varado dentro de un cofre de listones de madera. Contemplándolo rodeado de tanta belleza uno se pregunta si no es tiempo de considerar alternativas a esta arquitectura nuevamente globalizada que parece perderse a medio camino entre la tecnología, la máscara y el artificio. Quizá todos deberíamos algún día poseer un bote como el de Muuratsalo, en el que poder despojarnos de lo superfluo, y escapar de lo intrascendente, para con ello siquiera poder aspirar alguna vez a “edificar el paraíso terrenal para los hombres”. Arquitectos J.L. Saez y F. Vigueras. El bote de Muuratsalo – despuntes

El bote de Muuratsalo

Rafael Moneo (1937), con motivo de la muerte de Aalto en 1976 publica en un artículo: “Aalto hablaba poco de arquitectura: dejaba que aquella hablase por sí misma….. Alvar Aalto no necesitó otros manifiestos que sus obras. Y, eso sí, sus obras eran (al menos así pienso que pueden ser entendidas) auténticos programas, furiosos ataques contra las arquitecturas académicas, contra cualquier forma que fuese de ortodoxia, contra la norma: Aalto parecía disfrutar con aquella continua negación de la forma que son sobre obras… lo protegía el sabio empleo de los materiales, el control de las sensaciones, el dominio de los espacios y de la luz, el conocimiento de las necesidades y del uso”. (Artículo: “Rey muerto sin Rey puesto”, publicado en el núm. 13-14 de la revista Arquitecturas bis).

1964 Pier Luigi Nervi (1891–1979), Italia

El ingeniero Pier Luigi Nervi estudió en la Escuela de Ingeniería civil de la Universidad de Bolonia graduandose en 1913. Ejerció la docencia en la Universidad de Roma entre 1946 y 1961. Era y es reconocido por su brillantez como ingeniero estructural y su novedoso uso del hormigón armado, es uno de los máximos exponentes del movimiento de arquitectura racionalista de los años veinte y treinta del siglo XX.

Obras relevantes: El Palazzetto dello Sport (1956/1957); Tour de la Bourse en Montreal (1964); Catedral de Santa María de la Asunción de San Francisco (California 1967) en colaboración con Pietro Belluschi FAIA(1899 – 1994).

El Palazzetto dello Sport o Pala Tiziano es un edificio multifuncional, principalmente utilizado para deportes, está en el distrito Flaminio en Roma.

Diseñado en 1956 por el arquitecto Annibale Vitellozzi (1902 – 1990) y el ingeniero Pier Luigi Nervi, se construyó para los XVII Juegos Olímpicos de Roma. La renovación realizada en el 2023, devolvió el edificio a su estado original.

La Tour de la Bourse es un rascacielos de 48 plantas situado en Montreal, en la intersección de Victoria Square y la Rue Saint-Jacques en el Quartier international de Montréal. Está conectada subterráneamente con la estación de metro de Square-Victoria.

La catedral es una cruz cubierta en una base cuadrada. Ocho paraboloides hiperbólicos de concreto hacen la transición del cuadrado a la cruz, elevado a una altura de aproximadamente 58 metros.  Algunos objetos de arte están suspendidos sobre el altar, como la escultura cinética de Richard Lippold (1915 – 2002) que aparece suspendido por hilos de oro.

Notas

1

Lista de galardonados con la Medalla Alvar Aalto

1967 Alvar Aalto (1898 – 1976) Finlandia

1973 Hakon Ahlberg (18891 . 1984) Suecia

1978 James Stirling (1926 – 1992) Reino Unido

1982 Jørn Utzon (1918 – 2008) Dinamarca

1985 Tadao Ando (1941) Japón

1988 Álvaro Siza (1933) Portugal

1992 Glenn Murcutt (1936) Australia

1998 Steven Holl (1947) Estados Unidos

2003 Rogelio Salmona (1927 – 2007) Colombia

2009 Tegnestuen Vandkunsten (estudio formado en 1970) Dinamarca

2012 Paulo David (1959) Portugal

2015 Fuensanta Nieto (1957) y Enrique Sobejano (1957) España

2017 Zhang Ke (1970) China

Continua en https://onlybook.es/blog/17295-2/

——————-
Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

Viene de https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-3era-parte/

La Medalla de Oro del AIA 

Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».

Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

1959 Walter Adolph Georg Gropius (1883–1969), Alemania

Fue arquitecto, urbanista y diseñador fundador de la Escuela de la Bauhaus.

Walter Gropius comenzó su carrera como arquitecto bajo la dirección de Peter Behrens (1868 – 1940). (1)

Se unió al movimiento modernista de la Deutscher Werkbund (2) , y en 1911 logró una obra maestra con la Fábrica Fagus (3) junto Adolf Meyer. (4)

Obras relevantes: Fábrica Fagus (1911/1925); El campus de la Bauhaus en Dessau (1925/1926); el edificio Pan Am (1960/1963)

En 1919, tras la Primera Guerra Mundial, se hizo cargo de la Escuela de Artes Aplicadas de Weimar, a la que rebautizó Bauhaus. Introdujo una nueva forma de enseñar el arte y la técnica. (5)

Diseñó para la escuela los famosos edificios de la Bauhaus en Dessau (Sajonia-Anhalt). En 1926 dejó su cargo de director de la Bauhaus y continuó su trabajo como arquitecto, la situación política y la falta de encargos le llevó a emigrar al Reino Unido, entre 1934 y 1937 Gropius vivió en las afueras de Londres, en el edificio Isokon (1932/1934) diseñado por el arquitecto Wells Coates,(1895 – 1958).

Tuve la ocasión de visitar el edificiolo, todo esto lo cuento en https://onlybook.es/blog/el-edificio-isokon-lawn-road/

En 1937 se dirige a los Estados Unidos donde es nombrado profesor de la Universidad de Harvard, allí formó una generación de arquitectos.

Ver https://onlybook.es/blog/bauhaus-5-y-gropius/

Hay un tema que no debe ser soslayado, Gropius no permitió que las mujeres estudiaran arquitectura, aún en contra de las leyes de la República de Weimar que establecían la educación universal.​

A las mujeres solo se les permitía participar en los talleres textiles o de cerámica.

Ver https://onlybook.es/blog/bauhaus-de-construyendo-el-amor-revista-coencuentros/

1960 Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969), Alemania

Fue alumno de Peter Behrens.

Junto a Walter Gropius, Frank Lloyd Wright y Le Corbusier se lo reconoce como uno de los pioneros de la arquitectura moderna.

Fue el último director de la Bauhaus, cuando el nazismo, que se oponía frontalmente a la modernidad, que era lo que la escuela representaba (su mérito entre otros peores y criminales fue acuñar el término Arte Degenerado).

Mies emigra a los estados Unidos, y pasa a dirigir la escuela de arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago.

Obras relevantes: El pabellón de Alemania, junto a Lilly Reich, fue el edificio de representación de Alemania en la Exposición internacional de Barcelona (1929); Casa Farnsworth(1946/1951); S. R. Crown Hall (1956) sede de la Facultad de Arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago, Illinois, halagada como «el Partenón del siglo XX; El Seagram Building (1958) ubicado en el 375 de Park Av. entre la 52 y la 53 en el centro de Manhattan). Torre de oficinas proyectada por Ludwig Mies van der Rohe junto a Philip Johnson (1906 – 2005) y la ingeniería de Severud Associates;

1961 Le Corbusier – Charles Edouard Jeanneret-Gris – (1887–1965), Suiza

Fue arquitecto, pintor, escritor, urbanista, fotógrafo, dibujante, artista textil, artista visual y diseñador 

Obras relevantes: Capilla Notre Dame du Haut (1950/1955); Villa Savoye (1929); Unité d’Habitation; La Ville Radieuse (1947/1952).

Le Corbusier (I) Fundación Caja de Arquitectos

La capilla de Notre Dame du Haut en Ronchamp, Francia, se la conoce como Ronchamp, oficia el culto católico.

La Villa Savoye, conserva el apellido de su primer propietario, ​está situado en Poissy, a una hora a las afueras de París, es un suburbio con largas calles de casas unifamiliares con jardín.

El predio domina el valle del Sena en la Rue de Villiers.

Es sin duda el paradigma de la Arquitectura Internacional y de la referencial arquitectura del siglo XX, junto a la Casa Farnsworth (1945/1951) de Ludwig Mies van der Rohe; la Casa de la Cascada (1936/1938) de Frank Lloyd Wright; la Casa Sobre el Arroyo (1943/46) de Amancio Willams y Delfina Gálvez y la Villa Mairea (1937/1939) de Alvar Aalto y Aino Marsio.

Ver Sketches https://onlybook.es/blog/sketches-de-le-corbusier-viaje-a-oriente-y-burdeles-de-paris/

Le Corbusier la consideró un prototipo tipológico para sus futuras construcciones en serie, ya en 1927 había planteado los Cinco Puntos para una nueva Arquitectura que desarrolla en ésta obra.

-La Villa Savoye se levanta, aislada del suelo sobre un sistema de pilotes.

–Planta libre, conseguida mediante la separación entre columnas de carga y paredes subdivisorias del espacio.

–Fachada libre, al perder el muro su función sustentante, no hay fachada principal y carece de elementos decorativos.

–La cubierta plana es transformada en jardín, sustituyendo el tejado y recuperando la zona de suelo cubierta por el bosque.

–La ventana longitudinal permite que el espacio natural, el espacio exterior, se integre con el espacio artificial, el interior, a la vez que uniformiza la entrada de luz.

​Sus dueños la habitaron por un corto espacio de tiempo, en 1940 tras la invasión alemana fue abandonada, bombardeada e incendiada. En 1963 la Villa Savoye fue declarada patrimonio arquitectónico por parte del gobierno francés que la restauró. Actualmente funciona como una “casa-museo” dedicada a la vida y las obras de Le Corbusier. La conserva la sociedad pública Monuments of France.

La Unité d’Habitation, o «Unidad de Habitación’, es el nombre de un concepto de tipología residencial del movimiento moderno desarrollado por Le Corbusier, con la colaboración del arquitecto y pintor portugués Nadir Afonso Rodríguez (1920 – 2013) (GOSE) (6), quien fuera pionero de la abstracción geométrica.

El concepto fue la base de varios conjuntos de viviendas diseñados por él en toda Europa, No todo le resulto fácil, Le Corbusier fue muy crítico en la falta de calidad general en Berlin, ya que los arquitectos no habían aplicado ninguna de sus detalladas instrucciones en los interiores y en la estructura exterior.

Cité Radieuse

El primer y más famoso de estos edificios, conocido como Cité Radieuse (ciudad radiante) e incluso La Maison du Fada («La casa del loco»), ​ ubicada en Marsella, Francia.

El edificio supone uno de los trabajos más famosos de Le Corbusier, siendo enormemente influyente y a menudo citado como fenómeno inspirador de la filosofía y estilo arquitectónico brutalista.

El edificio de Marsella, desarrollado junto con los diseñadores de Le Corbusier Shadrac Woods (1923 – 1973) y George Candilis (1913 – 1995) es un prisma rectangular de 130 m de longitud y 56 m de altura, elevado del suelo mediante grandes pilotis de hormigón. Sus 337 apartamentos en forma de dúplex se distribuyen en doce plantas. El edificio también incorpora tiendas, equipamientos deportivos, educativos y sanitarios, y un hotel. El volumen se remata con una cubierta plana transitable concebida como una terraza comunitaria, adornada con chimeneas de ventilación que adoptan formas escultóricas, y que alberga una pista de atletismo y un estanque de poca profundidad.

En el interior, los pasillos atraviesan el centro del eje longitudinal cada tercer piso del edificio, dando acceso al nivel de entrada de los dúplex, que se extienden de una fachada a la otra en el piso superior e inferior de cada pasillo, los mismos rematan en un balcón Brise soleil.

A diferencia de muchos de los diseños posteriores inspirados en el edificio de Marsella que carecen de las generosas proporciones del original, así como de sus instalaciones comunitarias y zonas verdes, la Unité es muy popular entre sus residentes, actualmente la habitan principalmente profesionales de clase media.

El edificio se construyó en béton brut (hormigón visto), pues en la escasez de la posguerra, el diseño en estructura metálica previsto inicialmente resultó ser demasiado costoso.

Controversia Política

https://www.swissinfo.ch/spa/cultura/le-corbusier-verdades-inc%c3%b3modas/41584950

https://www.swissinfo.ch/spa/cultura/le-corbusier-verdades-inc%c3%b3modas/41584950

Eileen Gray

Cuando escribi la nota sobre la casa E-1027 de Eileen Gray y los enfrentamientos que tuvo con Le Corbusier, descubrí un hecho no muy difundido, como el símbolo nazi en uno de los murales.

Eileen Gray. la casa E-1027, historia de una excepción

El enfrentamiento se debió a que Le Corbusier pinto ocho murales con la complicidad del ex esposo de Eileen, Jean Badovici.

En uno de ellos, pintó una cruz gamada. Jean Badovici (1893 – 1956) era arquitecto, crítico y editor rumano, había colaborado en parte en el diseño de la casa. 

Esto ya lo había escuchado en la conferencia que dio la arquitecta Beatriz Colomina en la Fundación Juan March en Madrid. En ella habló de Eileen Gray (Enniscorthy, Irlanda 1878 – 1976 Paris) de su casa E-1027 (7) y su relación, amor/odio con Le Corbusier.

En uno de los murales, pintó una cruz esvástica sobre el pecho de la mujer ubicada a la derecha (se ve en las fotos).

Sin ninguna intención especial, comparto los datos e informaciones que conozco, asi como las Relaciones políticas e ideológicas de Le Corbusier.

En 1934, fue invitado por Benito Mussolini (1883 – ejecutado en 1945 ) a una conferencia en Roma.

A principio de los ´40, le fue dado a Le Corbusier el cargo de urbanista en el gobierno nazi de Vichy, dirigido por el general Henri Philippe Benoni Omer Pétain (1856 – 1951) para supervisar los diseños de varias ciudades, incluyendo Algeria. Cuando sus planes fueron rechazados, Le Corbusier dejó la vida política junto al régimen de Vichy, que permitió la deportación de cientos de miles de judíos y gitanos a los campos de exterminio nazis.

Le Corbusier, verdades incómodas

Cuando se festejó el 50 aniversario de la muerte de Le Corbusier, las evidencias sobre sus relaciones con el régimen nazi de Vichy, empañaron el evento, Francia vive obsesionada con la mancha de su pasado colaboracionista.

Le Corbusier convivió con el régimen más de 18 meses, quizás por oportunista, quizás por ingenuo o probablemente por simpatizante.

Curiosamente en lugar de reconocer la nacionalidad francesa de Charles-Edouard Jeanneret obtenida en 1930, en los festejos que antes mencioné se referían a él como “el arquitecto suizo”. Lo narra el periodista de “Telérama” Xavier de Jarcy (1965) en su libro “Le Corbusier, un fascisme français” Le Corbusier, un fascismo francés. (8)

Desde el 29 de abril al 3 de agosto del 2015, el Centro Pompidou realizó una increíble retrospectiva centrada en “La medida del hombre”. Muestra que tuve el privilegio de visitar.

Ocupaba todas las salas expositivas del Pompidou con más de 300 piezas entre dibujos, maquetas, fotografías, películas, cartas, etc.

Ver El Modulor https://onlybook.es/blog/el-modulor-de-le-corbusier/

Su amistad con personajes como George Valois, (fundador de Le Faisceau, el primer partido fascista francés, que desapareció en 1928), asi como el doctor Pierre Winter o el ingeniero François de Pierrefeu, eugenistas. Tenían en común que eran miembros de la derecha más reaccionaria de Francia, todo ésto ya había sido documentado, destapando de este modo su faceta más oscura, asi como su admiración por Mussolini o su antisemitismo.

La Fundación Le Corbusier, ha publicado las cartas a su madre de 1940 donde le escribe “…estamos en las manos de un vencedor y su actitud podría ser aplastante. Si el trato es sincero, Hitler podría coronar su vida con una obra grandiosa: el ordenamiento de Europa…”. Narran estas convicciones libros como “Un Corbusier” de François Chaslin o “Le Corbusier, une froide vision du monde” (Le Corbusier, una fría visión del mundo), de Marc Perelman

Sus defensores, sin embargo, también son legión. “Entre sus amigos se contaban comunistas como el pintor Fernand Léger«.

-“…frecuentó a personalidades fascistas. Pero de ahí a decir que era un arquitecto de esa ideología es ir demasiado lejos…’

-“…Uno de estos libros no solo arremete contra Le Corbusier sino contra el Movimiento Moderno en general, dice cosas absurdas como que todas las vanguardias son modernistas y por lo tanto totalitarias”, menciona el filósofo Frédéric Migayrou.

Y agrega “…Se le puede hacer un proceso moral, pero confundir su visón global con un proceso totalitario no tiene sentido. Él busca un concepto, una visión total del hombre a partir de esa idea de percepción interna”, señala Migayrou, quien adelanta que el año que viene (se refiere al 2015) el Centro Pompidou busca celebrar un gran coloquio sobre el urbanismo de los años 30 a Vichy (1940-44). “Le Corbusier no va a ser exculpado. Frecuentó a personalidades fascistas. Pero de ahí a decir que era un arquitecto de esa ideología es ir demasiado lejos. Hay que situarlo en su contexto histórico…”.

Es verdad que el arquitecto nunca dejó a nadie indiferente. “Siempre molestó”, admite Michel Richard, ex director de la Fundación Le Corbusier (9), instalada en un edificio del barrio XVI de París, “…la gente está francamente a su favor, o abiertamente en contra. Hay excesos en ambos bandos…”.

En el funeral de 1965, Georges-André Malraux, ministro de Charles de Gaulle no escatimó palabras de elogio: “…Le Corbusier ha conocido grandes rivales […] Pero ningún otro ha representado con tanta fuerza la revolución de la arquitectura, porque ninguno ha sido durante tanto tiempo y tan copiosamente insultado”. Así habló el intelectual gaullista que luchó en
la Guerra Civil Española contra el fascismo que defendía el arquitecto suizo en la misma época.

«El escritor y político André Malraux  pronuncia el discurso en su funeral, ¿creen que Malraux no conocía esa correspondencia, que estaba todo escondido?”, defiende Frédéric Migayrou, comisario de la retrospectiva del Pompidou junto a Olivier Cinqualbre.

Su correspondencia

“La derrota de las armas me parece la milagrosa victoria de Francia”, escribe Le Corbusier a su madre en el verano de 1940, a los pocos meses de la derrota militar de Francia ante las tropas hitlerianas.

En su correspondencia privada, da rienda suelta a declaraciones antisemitas “El dinero y los judíos, que son en parte responsables (de la derrota) más la masonería francesa… todos recibirán el justo castigo. Estas vergonzosas fortalezas serán desmanteladas. Lo dominaban todo”.

Durante la ocupación nazi, Le Corbusier reconocía que, “los judíos lo estaban pasando mal”, pero enseguida añadía que, “su ciega sed de dinero había podrido el país”. Xavier de Jarcy recoge en su libroque mientras que su primo, Pierre Jeanneret, entra rápidamente en la Resistencia, el arquitecto se instala en Vichy a partir de enero de 1941. “Fue una elección libre”,” no una imposición», asegura el periodista.

Deseos de colaborar

“Le Corbusier no llega a Vichy por casualidad, junto a sus amigos, considera que el momento tan esperado ha llegado. Desde hace quince años esperan poder llevar a cabo el programa definido en las revistas Plans y Prélude, “La revolución que querían llevar a cabo pasaba esencialmente por el urbanismo, por materializar una ideología basada en un retorno a los valores patriarcales, como el trabajo y la familia”. Explica Xavier de Jarcy.

Y agrega “cuando el mariscal Pétain llega al poder, “es evidente que Le Corbusier tiene deseos de colaborar”. Pero el régimen de Vichy no necesariamente está interesado en su visión de la arquitectura. “Pétain tiene sus propias ideas, que no siempre coinciden con las de Le Corbusier”, puntualiza el periodista, quien establece una clara diferencia entre el arquitecto suizo y los colaboracionistas que delataban a quienes se oponían al nuevo régimen. “Hubo gente mucho peor que Le Corbusier, quien nunca colaboró con la Alemania nazi”.

Las opiniones de Le Corbusier han sido variables a lo largo del tiempo

En la década de 1920, cofundó y contribuyó con artículos sobre urbanismo en las revistas fascistas Plans, Prélude y L’Homme Réel.

También escribió artículos a favor del antisemitismo nazi para esas revistas, así como «editoriales de odio».

Entre 1925 y 1928, Le Corbusier, como ya hemos mencionado, tenía conexiones con Le Faisceau, un partido fascista francés de corta duración dirigido por Georges Valois, más tarde, Valois se convirtió en antifascista.

Le Corbusier conocía a otro ex miembro de Faisceau, Hubert Lagardelle, un exlíder sindicalista que se había sentido descontento con la izquierda política. En 1934, después de que Lagardelle hubiera obtenido un puesto en la embajada francesa en Roma, arregló que Le Corbusier diera una conferencia sobre arquitectura siendo invitado por Benito Mussolini.​ Lagardelle más tarde fue ministro de trabajo en el Régimen de Vichy.

Albert Speer y Leni Riefenstahl, la estética nazi

Le Corbusier buscó encargos del régimen de Vichy, particularmente en el rediseño de Marsella después de que su población judía hubiera sido eliminada por la fuerza, pero no tuvo éxito, y el único galardón que recibió fue la pertenencia a un comité que estudiaba el urbanismo. 

No veo como los deseos de Le Corbusier hubieran podido ser cumplidos, el régimen tenía su propia estética, que no era la del racionalismo, lo demostró con la persecución y cierre de la Bauhaus en 1933.

La estética del partido tenía un artífice, se llamaba Albert Speer (Berthold Konrad Hermann Albert Speer1905 – 1981), arquitecto que se había afiliado al Partido Nazi entre 1930 y 1931, y formaba parte de las SA.

A la muerte del arquitecto favorito de Hitler, Paul Ludwig Troost (1878 – 1934) Speer lo reemplazó como arquitecto jefe del partido y fue nombrado dirigente de la Oficina Principal de la Construcción, trabajando en el equipo de Rudolf Hess.

En 1937 Hitler lo nombró inspector general de edificios de Berlín, fue el responsable del Departamento Central de Reasentamiento, que desalojó a propietrios judíos de sus hogares.

En febrero de 1942, Speer fue designado ministro de Armamento y Producción de Guerra del Reich. Formó parte del círculo más cercano de Hitler, por ello fue condenado en los juicios de Núremberg y sentenciado a veinte años de prisión.

​En esa línea estética podemos mencionar a Leni Riefenstah (Helene Bertha Amelie Riefenstah 1902 – 2003) actriz, cineasta y fotógrafa, considerada como una de las figuras más controvertidas de la historia del cine: sus críticos han catalogado su trabajo como propaganda del nacional socialismo, otros la han defendído diciendo que “fue una cineasta innovadora y creativa, cuyas obras fueron explotadas con fines propagandisticos por el Tercer Reich”. ​

De una forma u otra fue famosa por sus importantes películas de propaganda a favor del partido nacionalsocialista.

En una reunión con su líder, Adolf Hitler, fue elegida para rodar las películas del partido, esta promesa se materializó cuando los nazis llegaron al poder.

Detenida y juzgada al finalizar la guerra, fue definida como “compañera de ruta” (Mitläufer) y no fue asociada con los crímenes de guerra de los nazis. Siempre negó haber estado al tanto del Holocausto y ganó cerca de cincuenta casos de difamación en los tribunales. Póstumamente fue elogiada por el conjunto de sus obras.

El biólogo, médico, investigador, eugenista y escritor Alexis Carrel (Marie Joseph Auguste Carrel-Billiard 1873 – 1944) nombró a Le Corbusier para el Departamento de Bio-Sociología de la Fundación para el Estudio de Problemas Humanos, un instituto que ha promovido políticas eugenésicas bajo el régimen de Vichy. Carrel habia sido galardonado con el Premio Nobel de Fisiología o Medicina en 1912.

En 1904 Galton definía su concepto de eugenesia como “la ciencia que trata sobre todas las influencias que mejoran las cualidades innatas de una raza, y también con aquellas que las desarrollan hasta la mayor ventaja”.

Se suman los motivos para acusar a Le Corbusier de antisemitismo, y también de menospreciar a la población musulmana de Argelia, que en ese entonces era parte de Francia.

Tras la Liberación, Le Corbusier salió ileso. “La depuración solo se ocupó de los casos más graves”, recuerda de Jarcy, quien admite desde las primeras páginas de su libro que “ser fascista no impide tener talento”, citando otro ejemplo controvertido: el del escritor Louis Ferdinand Auguste Destouches (1894 – 1961) que fue héroe de guerra en la Primera Guerra Mundial y traidor colaboracionista y panfletario antisemita en el transcurso de la Segunda.

Notas

1

 Fue quien acuñó la frase «Menos es Más» atribuida erróneamente a Mies van der Rohe (1886 – 1969) que era su ayudante.

2

La Deutscher Werkbund (DWB) fue una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich​ por el arquitecto, escritor y diplomático Hermann Muthesius (1861 – 1927).

3

Adolf Meyer (1881 – 1929). Fue profesor en la Bauhaus (1919-1925). En 1926 fue nombrado arquitecto municipal de Fráncfort del Meno donde realizó la mayor parte de sus obras. Sus obras más reconocidas fueron las realizadas junto a Walter Gropius, como la Fábrica Fagus y en el Teatro Municipal de Jena (1922-1923).

4

La Fábrica Fagus-Werk era una fábrica de hormas de botas y zapatos en Alfeld an der Leine, situada en la Baja Sajonia, Alemania, un ejemplo referencial de arquitectura moderna temprana debido a la influencia que este edificio tuvo sobre el desarrollo de la arquitectura del movimiento moderno.

En el año 2011, la fábrica Fagus fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. «El papel de los muros se restringió a ser meras cortinas estiradas entre las columnas erguidas en la estructura para preservar de la lluvia, el frío y el ruido»^. Walter Gropius, «The New Architecture and the Bauhaus», London, 1937.

El propietario Carl Benscheidt quería una estructura radical que expresara la ruptura con el pasado de la compañía, diseñada por Walter Gropius y Adolf Meyer entre 1911 y 1913, ciertos añadidos y sus interiores se completaron en 1925.

5

Como director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst (Escuela Superior de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola escuela que combinara los objetivos académicos de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura. En 1919, Walter Gropius funda una escuela de diseño, arte y arquitectura en Weimar, a la que llamó Staatliches Bauhaus.

6

Nadir Afonso trabajó con Le Corbusier y Oscar Niemeyer. Designado GOSE “Gran oficial de la Orden de Santiago de la Espada”.

Una condecoración portuguesa, que premia el mérito literario, científico y artístico (Antiga, Nobilíssima e Esclarecida Ordem Militar de Sant’Iago da Espada, do Mérito Científico, Literário e Artístico).

La orden tiene su origen en la Orden de Santiago fundada en 1170, por Pedro Fernández de Castro y Fernando II de León, rey de León (1157-1188).

7

¿Como se conforma el nombre E-1027?

  “E” por Eileen

  “10” por ser la J de Jean la 10 letra del abecedario

  “2” la letra del apellido Badovici y

  “7” porque G de Gray es la séptima letra.

8

Minuciosamente documentado a través de la propia correspondencia de Le Corbusier, Xavier de Jarcy observa en las formas un vehículo para sus ideas totalitarias, con el hormigón, la estandarización, el orden racional, la regularidad geométrica, la pureza y la intervención en las ciudades como maquinaria para producir “el hombre nuevo”.

Esta visión se materializa en las “unidades de habitación”, como la Cité Radieuse de Marsella, o la de Rezé, a las afueras de Nantes, enormes bloques de viviendas concebidos como ciudades verticales con apartamentos prácticos e higiénicos, y dotados de servicios como guardería, instalaciones deportivas o jardines.

9

La Fundación Le Corbusier, situada en los números 8 y 10 de la plaza del Doctor Blanche, en el Distrito 16º de París, es una fundación privada, creada en 1967, que promueve y defiende la obra del arquitecto Le Corbusier y que conserva numerosos archivos. Es la heredera universal de la totalidad de sus bienes, mobiliarios e inmobiliarios, de acuerdo con su deseo expresado en 1949 y oficializado en 1960. ​ Conserva la mayor parte de sus dibujos, estudios y planos originales de Le Corbusier, realizados principalmente en colaboración con Pierre Jeanneret de 1922 a 1940, así como una importante colección de archivos escritos y fotográficos.

Continúa en https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-5ta-parte-de-eero-saarinen-a-nervi/

———————–

Nuestro Blog ha obtenido más de 1.200.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parado

La Medalla de Oro del AIA 

La Medalla de Oro del AIA es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA).

La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».

La Octagon House se convirtió en la sede del American Institute of Architects (AIA) el 1 de enero de 1899.

La Octagon House está en Washington, D.C., fue construida entre 1789 y 1800, propiedad del Instituto Americano de Arquitectos, originalmente perteneció al coronel John Tayloe.

Después de que la Casa Blanca fuera quemada por los britanicos en la guerra de 1812, (la guerra anglo-estadounidense de 1812), el Octagon se convirtió en el hogar temporal del presidente James Madison y su esposa Dolley, (Madison fue el 4to. Presidente de los EEUU -desde 1809 a 1817-).

Durante la Guerra Civil fue un hospital improvisado. Madison usó la habitación circular encima de la entrada como estudio, y allí firmó el Tratado de Gante que acabó con la Guerra de 1812 que enfrentó a los Estados Unidos contra el Reino Unido y sus colonias canadienses. 

The Octagon House, fue diseñada por el médico, inventor, pintor y arquitecto William Thornton (1759 – 1828) responsable entre otras obras del Capitolio de los Estados Unidos.

La casa se construyó para la fmailia del coronel John Tayloe, propietario de las plantaciones de Mt. Airy, éstas eran las más ricas de Virginia, a 150 kilómetros al sur de Washington. Aparentemente la casa se construyó siguiendo los consejos de George Washington, tiene tres pisos, se uso lo que en aquella época era un nuevo ladrillo con el tradicional estilo georgiano.

Los materiales de construcción, madera, hierro, ladrillos y otras piedras se produjeron en los Estados Unidos, pero la piedra Coade (un tipo de piedra cerámica inglesa), las cocinas, los elementos decorativos y los muebles fueron traídos desde Inglaterra.

Ha habido cambios, hoy, es la Fundación Americana de la Arquitectura la dueña de Octagon House, y la AIA ha movido su sede a un edificio más grande detrás del original. Se ha llevado a cabo un extenso trabajo de rehabilitación en la casa desde 1996, tratando de retornar al esplendor inicial del edificio.

AIA

La AIA, es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses.

Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto

En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

En 2014 fue entregada por primera vez a una mujer, Julia Morgan a título póstumo. La medalla de 2016 fue otorgada por primera vez a una pareja después del cambio de estatutos de la organización del 2013 en la que abrió esta posibilidad.​

Aclaración, el título FAIA, abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, es un título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto. Dicho honor distingue a arquitectos que han hecho contribuciones significativas a la profesión de arquitectura. Menos del 2% de los cerca de 72.000 arquitectos estadounidenses forman parte del College of Fellows.

Lista de ganadores de la Medalla de Oro del AIA

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 1a parte

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 2nda parte

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 3era parte

Las medallas de Oro de la AIA (Instituto Americano de Arquitectos). 4ta parte

Viene https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-2nda-parte/

La Medalla de Oro del AIA 

Es concedida por el Instituto Americano de Arquitectos (American Institute of Architects, AIA). La otorga «el Comité Nacional de Directores del AIA en reconocimiento a un significativo trabajo de influencia duradera en la teoría y en la práctica de la arquitectura».

Es una organización profesional fundada en 1857 que representa los intereses profesionales de los arquitectos estadounidenses. Desde 1947, la entrega de la medalla ha sido más o menos anual, es el mayor galardón del Instituto. En los últimos años la Medalla de Oro ha sido parcialmente eclipsada por el Premio Pritzker.

1955 Willem Marinus Dudok (1884–1974), Paises Bajos

Fué ingeniero, arquitecto, urbanista, diseñador y oficial militar.

Muchos de sus edificios (como el Ayuntamiento de 1931) eran asimétricos y de una rotundidad geométrica, sus finos voladizos estaban inspiradas en la arquitectura de Frank Lloyd Wright, muy en boga por la publicación de su obra en los Países Bajos.

Ayuntamiento ; Hilversum (1928-1931); Monumento en Afsluitdijk, Países Bajos (1933) ; Cité Universitaire , Collège néerlandais París, Francia (1939) donde varios edificios de la CIUP han sido diseñadas por arquitectos como como Le Corbusier, Heydar Ghiai y Claude Parent.

1956 Clarence Samuel Stein  (1882–1975), EEUU

Era arquitecto, urbanista y escritor, uno de los principales promotores del movimiento Garden City en los Estados Unidos. Estableció su estudio de planificación y arquitectura en la ciudad de Nueva York en 1919, después de estudiar en la Universidad de Columbia y la École des Beaux-Arts de París.

En 1923, Stein cofundó la Regional Planning Association of America (RPAA), que se ocupó de importantes cuestiones de planificación, como la vivienda social asequible, los efectos de la suburbanización y la conservación de la naturaleza.

-Planes para Radburn (Nueva Jersey); Sunnyside Gardens (Nueva York) ; Greenbelt (Maryland) y Village Green (Los Ángeles).

Un diagrama que muestra la estructura de red de calles de Radburn y su jerarquía. Sendas peatonales separadas corren a través de los espacios verdes entre los callejones sin salida y a través de la espina verde central. Nota: el área sombreada no se construyó.

En Radburn, se experimenta con la separación de los sistemas viarios, para que el peatón y el vehículo nunca se crucen, su acercamiento es a traves de espacios intermedios, que se formalizan en calles en “cul de sac”. A su vez, las zonas verdes de cada supermanzana se comunican entre sí mediante pasos subterráneos permitiendo caminar por toda la ciudad sin la interferencia de los vehículos.

Esta manera de organización se determina mediante el concepto de “supermanzana” residencial.

1957 Louis Skidmore (1897–1962), EEUU

Realizó sus prácticas profesionales en Cram & Ferguson, un estudio importante de Boston que diseñó edificios en estilo gótico. Estudió en el Boston Architectural Club.

El haber podido ganar un premio en el BAC, le abrió las puertas para ingresar al MIT, luego estudió en el Instituto de Massachusetts de Tecnología (MIT) hasta el año 1924.

Socio fundador del SOM, integrado por Skidmore y Nathaniel A. Owings que cofundaron la empresa en 1936. John O. Merrill se convirtió en el tercer socio en 1939. 

«Skid era un chico muy tranquilo, muy brillante y lo bastante mañoso para conseguir trabajo, pero muy agradable y, si se tomaba algunas copas, era muy cordial. Nunca fue mezquino. No pudo haber sido más agradable conmigo y con los cuatro socios con los que crecimos. Skid era el hombre que tuvo la perspicacia de encontrar gente. Skid consiguió los primeros cuatro socios.» – Gordon Bunshaft

A lo largo de sus más de 65 años de existencia, SOM ha recibido más de 800 premios de arquitectura y diseño. En 1961 recibió el primer premio del Instituto Americano de Arquitectura concedido a un estudio de arquitectura, y lo volvió a ganar en 1996.

Actualmente dispone de oficinas en Chicago, Nueva York, San Francisco, Washington, Los Ángeles, Londres, Hong Kong y São Pablo

Arquitecto Bruce Graham (1925 – 2010) del SOM y Fazlur Rahman Khan (1929 – 1982) ingeniero estructural.

Acerca de sus intervenciones en Londres escribió “Diseñamos nuestros edificios para los habitantes y para aquellos que los ven desde la calle. Intentamos diseñar edificios que sean parte de Londres, no como una imitación de estilos de época, sino como una invención”.​

Fue construido en 1965 – 1970, remodelado en 1995, está ubicado al 875 N. Michigan Ave, diseñado por Bruce Graham (1925 – 2010) del SOM, y Fazlur Rahman Khan (1929 – 1982).

Proyecto de David Childs del SOM, junto a Daniel Libeskind. Childs es conocido por haber diseñado el Burj Khalifa (junto a Tom Wright (1957), y la Torre Willis.

1957 Ralph Thomas Walker FAIA(1889–1973 (3), EEUU

Formó parte del estudio McKenzie, Voorhees, Gmelin, nombre que se fue modificando a medida que cambiaba la constitucion del estudio.

Walker fue denominado «El único otro arquitecto honesto en América» por Frank Lloyd Wright, quienes conocemos la personalidad de Wright entendemos quien es el OTRO arquitecto.

Fue denominado «Arquitecto del Siglo» por el The New York Times cuando recibió la Medalla de Oro del AIA.

Escribió “El rascacielos es la única forma de vivir en esta era de máquinas. Es una expresión y reflejo de la época”. Acerca delrol de los arquitectos. “…el arquitecto del futuro será un psicólogo, porque es importante para el arquitecto diseñar una casa para las personas que sea mentalmente confortable, algo tan necesario como que sea físicamente confortable”.

A raiz de su diseño para el edificio Barclay-Vesey (1922-1926), encargado por la New York Telephone en 1921, (ahora Verizon Building), se le atribuye ser el primer rascacielos en aplicar la ley de Zonificación de 1916 (Nueva York) como premisa de diseño. Está ubicado en el 140 de West Street en Nueva York.

Walker se convirtió en un diseñador líder.

Inspirado por los dibujos teóricos de Hugh Ferriss (1889 – 1967) (1) exhibidos en 1922 (2), Walker creó una enorme torre asimétrica apartada de su base.

El diseño abrió el camino para una generación de rascacielos construidos utilizando el principio de retroceso.​

Como resultado del éxito de sus diseños, Walker se convirtió en socio de la firma y su nombre se cambió a Voorhees, Gmelin & Walker en 1926.

El 1 Wall Street, originalmente el Irving Trust Company Building, luego el Bank of New York Building y BNY Mellon Building, es un rascacielos situado en Manhattan, diseñado en estilo art déco, mide 199 m de altura y consta de dos secciones.

El edificio original de 50 pisos fue diseñado por Ralph Thomas Walker de la firma Voorhees, Gmelin & Walker y construido entre 1929 y 1931, el anexo de 36 pisos fue diseñado por la firma sucesora Voorhees, Walker Smith & Haines y construido entre 1963 y 1965.

Después de completar el edificio Barclay-Vesey, diseñó varios edificios utilizando su combinación de alturas asimétricas y torres con adornos art déco, incluida la sede del Ejército de Salvación (1929-30) en la calle West 14th Street, el Irving Trust Bank en el 1 Wall Street (1928-31), y varios edificios en Nueva York y en otras ciudades del estado como Syracuse, Rochester y New Jersey el Bell Headquarters Building.

Durante la década de 1930, a medida que disminuía el influjo del art déco, Walker se involucró en la planificación de laExposición Universal de Chicago (1933).

Y también en la llamada “Exposición General de segunda categoría de Nueva York”, inaugurada desde el 30 de abril al 31 de octubre de 1939, y reabierta desde el 11 de mayo al 27 de octubre de 1940.

Su eslogan fue «Construyendo el mundo del futuro», 45 millones de personas visitaron sus 500 hectáreas.

El diseñador de la muestra fue Henry Dreyfuss (1904 – 1972), y los arquitectos del centro temático fueron Jacques Fouilhoux y Wallace Kirkman Harrison (1895 – 1981) éste último participó en el diseño del Rockefeller Centre, conglomerado de 19 edificios comerciales.

1958 John Wellborn Root (1850–1891), EEUU

Fue uno de los fundadores de la llamada Escuela de Chicago. Formó el influyente estudio Burnham & Root.

Dos de sus edificios han sido designados Monumentos Históricos Nacionales, el Rookery y el Reliance, otros han sido designados Monumentos Históricos de Chicago y figuran en el Registro Nacional de Lugares Históricos.

En 1958, recibió póstumamente la Medalla de Oro del AIA.

El Rookery Building es un edificio histórico situado en el 209 South LaSalle Street en el Loop de Chicago. Completado en 1888 según el diseño de John Wellborn Root & Daniel Burnham , es uno de sus diseños más importantes, allí estuvieron durante un tiempo sus oficinas. El edificio tiene 55 m de altura y doce plantas, y se considera el rascacielos más antiguo de Chicago.

Frank Lloyd Wright era un joven arquitecto en 1886 que trabaja como asistente de Adler & Sullivan.

Al desligarse del estudio de Sullivan en 1893, Wright ocupa unas oficinas en el edificio Rookery entre los años 1898 y 1899.
En 1905 recibe el encargo de rediseñar el vestíbulo del edificio Rookery. 

Reunificó la entrada con un estilo de la pradera (Prairie Style) realizando un diseño moderno abierto y pleno de luz. Las dos escaleras curvas ornamentadas que unen el primer piso con el segundo se convierten en parte del conjunto del vestíbulo. Wright eliminó gran parte de la terracota y el hierro de la escalera central y los balcones reemplazandolos con patrones geométricos en las barandillas de las escaleras Oriel, éstas se caracterizan por su estructura que se extiende hacia afuera de la pared, creando un espacio adicional ya menudo un efecto visual impactante, un estilo común en arquitecturas góticas y renacentistas.

La intervención más significativa de Wright fue la adición del mármol blanco con adornos estilo persa.  Los recubrimientos y decorados de mármol añaden al vestíbulo una sensación de lujo, cambiando así el antiguo interior con decorados en acero. También encerró las columnas de hierro con mármol blanco. La reforma edificio Rookery sería el único trabajo de Wright en cualquier edificio del paisaje urbano de la ciudad.

Cuando se remodelo el edificio en 1989, el edificio recuperó su diseño original.

Ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-1/

El sótano y la primera planta fueron diseñadas por John Root de la firma Burnham & Root en 1890, y el resto del edificio fue completado por Charles B. Atwood (1849 – 1895) en 1895. 

Está situado en el 1 W. Washington Street en el Loop en Chicago. Fue el primer rascacielos con grandes ventanas de vidrio que componen la mayoría de la fachada, presagiando una característica que sería dominante en el siglo XX.

Propuso innovaciones arquitectónicas como la base «flotante», una losa de hormigón armado que proporcionó el peso del edificio con una plataforma sólida sobre el suelo notoriamente pantanoso de Chicago .

Su diseño es de una cimentación de rejilla “una cimentación en la que los rieles de hierro y las vigas estructurales se combinan en un patrón entrecruzado y se recubren en hormigón para soportar el inmenso peso del edificio sin piedras de cimentación pesadas. Esta construcción es particularmente útil cuando las cargas estructurales son altas en comparación con la capacidad portante natural del suelo”.

Notas

1

„The problem for us is this: how can we in the “Machine Age” conserve human values?“ . El problema para nosotros es este: ¿cómo podemos conservar los valores humanos en la “era de las máquinas”?. Hugh Ferriss

Se desconoce el año exacto en que comenzó a publicarse la serie de “las Carceri” de Giambattista Piranesi (1720 – 1778), pero existe la certeza de que salió a la luz poco antes de 1750. Se trataba de un conjunto de grabados de tema arquitectónico fantástico, que mostraba espacios colosales, oscuros y laberínticos, a modo de “prisiones” sin puertas, simbólicas e imposibles. La serie de “las Carceri” se convertiría con el paso del tiempo en uno de los lugares imaginarios más visitados de la cultura moderna, y en una fuente de inspiración inagotable para pintores y arquitectos.

Hugh Ferriss (1889-1967) ha sido sin duda alguna el Piranesi del siglo XX, y ha dejado una huella profunda e insustituible en el imaginario arquitectónico moderno, aun cuando su influencia aún no ha sido reconocida con la amplitud y entusiasmo que se merece. Nacido en St. Louis, se graduó como arquitecto en 1911 en la Washington University, no ejerció nunca como tal o no lo hizo de la manera esperada. A través de su profesión de visualizador y dibujante (renderer) de proyectos y edificios creados por otros arquitectos se convirtió de manera subrepticia en un auténtico visionario, desarrollando un estilo tan sugerente y original que sus servicios fueron solicitados en seguida por una gran cantidad de profesionales: entre sus clientes habituales se contaban los arquitectos y urbanistas más renombrados de Estados Unidos además de numerosos publicistas y las empresas más poderosas relacionadas con la construcción. “La Metrópolis sublime de Hugh Ferris. Actualidad de un modelo visionario”. Teatro Marittimo N2. Marzo 2012. David Rivera

2

Ferriss se vio implicado en la elaboración de diversas propuestas arquitectónicas y urbanas regionales de gran alcance, que quedan ejemplificadas por sus numerosas colaboraciones con Raymond Hood (1881 – 1934) coautor con John Mead Howells    del edificio neogótico de la Tribune Tower en Chicago y Harvey Wiley Corbett (1873 – 1954) y sobre todo por la revolucionaria serie de dibujos explicativos con los que ilustró las posibles consecuencias estéticas y compositivas de la Zoning Law de 1916 (una serie de propuestas experimentales de 1922 con las que Ferriss probablemente dio nacimiento al característico “estilo escalonado. Teatro Marittimo N2. Marzo 2012. David Rivera

3

Walker se suicidó en 1973, usando una bala de plata que él mismo había forjado.

Continúa en https://onlybook.es/blog/las-medallas-de-oro-de-la-aia-instituto-americano-de-arquitectos-4ta-parte/

——————–

Nuestro Nuestro Blog ha obtenido más de 1.300.000 lecturas.

http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/