Madrid

A todos estos lugares se puede ir en auto, taxi, buses, trenes, por agencias de turismo.

Lugares cercanos

1

Patones de arriba (Interés 10/10)

A 68 km de Madrid por la A-1  (1 hora)

En 1555 Patones de Arriba ya existía, tenía 7 vecinos, y era dependiente de Uceda. Hubo reyes del pueblo hasta 1750, que se pidió que empezara a haber alcalde, los reyes eran hereditarios.

Arquitectura negra: Patones de Arriba ofrece una de las muestras más representativas de arquitectura negra de la Comunidad de Madrid.

Mediante esta denominación se conoce un tipo de arquitectura rural que emplea como elemento constructivo principal la pizarra, roca muy abundante en la zona.

Casi todos los edificios de Patones de Arriba están levantados con este material, incluso las construcciones y reconstrucciones llevadas a cabo en las últimas décadas del siglo XX.

Video

Reservar para quedarse a almorzar, las especialidades son el cordero y el cochinillo.

Domingo muy concurrido, dificil aparcar cerca.

2

Chinchon (7/10)

A 44 km de Madrid. 45 minutos

Chinchón es un municipio que se encuentra en el sureste de la Comunidad de Madrid, en la comarca de Las Vegas.

El municipio tiene una superficie de 115,9 km² y cuenta con una población de 5240 habitantes En 1974 su casco histórico, con una notable Plaza Mayor, fue declarado Conjunto Histórico-Artístico.

Llegar en auto o en transporte publico:

Línea 337: Madrid (Conde de Casal) – Chinchón – Valdelaguna

Línea 416: Valdemoro (Hospital) – San Martín de la Vega – Titulcia – Colmenar de Oreja.

Línea 430: Aranjuez – Villarejo de Salvanés

Hasta 1480, momento en que se convierte en señorío concedido a los marqueses de Moya, Andrés Cabrera y Beatriz de Bobadilla, este territorio rendía cuentas a los concejos y arzobispados de Segovia y Toledo.

En esta época, y en reconocimiento de los marqueses al apoyo militar a la causa de Isabel en su lucha por el trono de Castilla, fueron concedidos 1200 vasallos y un extenso territorio al sur de la jurisdicción de Segovia que incluía el término de Chinchón. Fue entonces cuando se construyó el castillo de Chinchón, de estilo renacentista.

3

Toledo (10/10)

A 72,3 km de Madrid. 1 hora)

Toledo es una antigua ciudad ubicada en una colina sobre las llanuras de Castilla-La Mancha, en España central. Es la capital de la región y es conocida por los monumentos medievales árabes, judíos y cristianos en su ciudad antigua amurallada. También fue la antigua casa del pintor manierista El Greco (1541 – 1614). La Puerta de Bisagra, de estilo morisco, y la Puerta del Sol, de estilo mudéjar, llevan al barrio antiguo, donde la Plaza de Zocodover es un animado lugar de reunión.

La Catedral gótica de Toledo domina el horizonte de la ciudad y cuenta con la compleja obra «El Transparente» de Narciso Tomé en el altar, frescos de Juan de Borgoña y obras de Goya y El Greco. La Casa-Museo de El Greco tiene su propia colección de obras del artista, mientras que el monasterio gótico San Juan de Los Reyes del siglo XV tiene abundantes adornos de arte de fines del período medieval. La mezquita de Cristo de la Luz se construyó en el año 999, y la sinagoga de El Tránsito del siglo XIV alberga el Museo Sefardí. Fuera de sus murallas, la fortaleza de Alcázar tiene un patio de estilo italiano, almenas y un museo militar, y el puente romano de Alcántara cruza el río Tajo.

Perderse (literalmente) por sus calles.

En verano hace MUCHOOOOO calor. Llevar y beber mucha agua.

Tiene muchas subidas, es hermosa, pero en sus subidas y bajadas esta “la penitencia”. Hay desde una de las entradas unas escaleras mecánicas para subir arriba de todo.

4

Segovia (8/10)

A 96,7 km de Madrid A6 y AP61

El acueducto de Segovia es un acueducto romano que llevaba aguas a la ciudad española de Segovia. Su construcción data de principios del siglo II d. C., a finales del reinado del emperador Trajano o principios del de Adriano.

Comer cochinillo en el restaurante Dionisio Duque, fundado en 1895. sobre la calle real, a pocos pasos del Acueducto, o en Mesón Cándido (lo atiende la tercera generación), pedir mesa con ventana que de al Acueducto, esta pegado a él.

5

El Escorial (8/10)

A 62,5 km de Madrid. 1h10 por A-6

El Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial es un complejo que incluye un palacio real, una basílica, un panteón, una biblioteca , un colegio y un monasterio. Se encuentra en la localidad española de San Lorenzo de El Escorial, en la Comunidad de Madrid, y fue construido entre 1563 y 1584.

Recorrerlo caminando.

Ver:

Se lo conoce también como Monasterio de San Lorenzo El Real, o sencillamente, El Escorial

Dirección: Av Juan de Borbón y Battemberg, s/n, 28200 San Lorenzo de El Escorial, Madrid

Teléfono: 918 90 50 11

Arquitecto: Juan Bautista de Toledo. , fue ideado en la segunda mitad del siglo xvi por el rey Felipe II, tambien intervinieron posteriormente Juan de Herrera, Juan de Minjares, Giovanni Battista Castello El Bergamasco y Francisco de Mora.

La Casita del Infante, o «de Arriba» fue construida por el arquitecto neoclásico Juan de Villanueva entre 1771 y 1773 como casa de campo para el infante don Gabriel de Borbón (1752-1788), hijo predilecto del rey Carlos III y hermano de Carlos IV.

La Casita del Principe, o Casita de Abajo es una de las residencias de la familia real española. Es un edificio del siglo XVIII, en 1931 fue declarada Bien de Inerés Cultural. Fue construída como pabellón de recreo para uso de Carlos IV, por entonces Príncipe de Asturias, fue realizada en dos fases constructivas.

La primera fase, entre octubre de 1771 y 1773, y la segunda entre octubre de 1781 y diciembre de 1784 que se termina el ala oeste, con el salón y la pieza ovalada.

Silla de Felipe II es un conjunto de plataformas escalonadas labrados en granito. Según la tradición, sirvió de observatorio a Felipe II durante la construcción del monasterio de El Escorial. No obstante, las teorías más verosímiles apuntan a que se trata de un nemeton o altar de sacrificios de origen vetón, palabra que del latin significa «los saqueadrores», época prerromana, siglo V a.C.

Real Club de Golf La Herreria

Golf y monasterio

Se puede comer y tiene una hermosa vista de El Escorial.

Museo Cocheras del Rey, Calle del Rey, 41, 28200 San Lorenzo de El Escorial, Madrid.

sábados de 11 a 14 y 15 a 19, domingos de 11 a 14 y de 15 a 18 hs. cerrado de Lunes a Viernes.

También

Alcalá de Henares

A 50 km  34,3 km

Alcalá de Henares es una ciudad situada al nordeste de Madrid. Es conocida por la Universidad de Alcalá, que se encuentra en edificios del casco antiguo que datan del siglo XVI. Entre ellos destaca el paraninfo, un salón con un elaborado techo de estilo mudéjar, donde el rey de España entrega el premio Cervantes de literatura todos los años. Cerca de allí se encuentra el Museo Casa Natal de Cervantes, donde vivió el famoso autor de El Quijote.

Avila

A 114 km de Madrid. 1h23 por A6 y AP6

Ávila está al oeste de Madrid

Punto de encuentro al patrimonio, a la historia, al arte, a la religión, a la cultura, a lo místico, a la naturaleza, a las fiestas y a la gastronomía.

La ciudad vive su época dorada en el s. XVI, siendo centro de lo místico y  espiritual, se va del gótico al renacimiento y del manierismo al barroco.

Lo mas importante:

La Muralla de Ávila. medieval. Su perímetro es de 2516 m, tiene 2500 merlones, 87 torreones, 9 puertas y un par de porteras. Es el recinto amurallado mejor conservado de todo el mundo.

Se la puede recorrer en una buena extensión con vistas maravillosas

Y La Catedral. Es la primera catedral de estilo gótico de España. La misma se levantó en los restos de una anterior

Además se puede ver:

• La Basílica de San Vicente. Construida a extramuros, según la tradición. La basílica es un buen ejemplar del románico en Ávila. Fue hecha con granito caleño.
• El Real Monasterio de Santo Tomás. Construido durante el mecenazgo de Hernando Núñez de Arnalte, de 1482-1493. Posteriormente, los Reyes Católicos ordenan construir un palacio alrededor del claustro oriental.
• El Convento y el Museo de Santa Teresa.
• El Monasterio de la Encarnación. Fundado en 1478 en el interior del recinto amurallado.
• La Casa de los Deanes. Es una casa señorial de estilo renacentista que data del s. XVI. Fue la residencia del Deán de la catedral.
• La Iglesia de Santo Tomé El Viejo. Edificio religioso del s. XII construido en granito caleño. Se destaca su decoración que combina lo figurativo, lo vegetal y lo geométrico.
• El Palacio de los Superunda. El edificio es de estilo renacentista, construido alrededor de 1580 por Pedro Ochoa Aguirre.
• La Iglesia de San Pedro. Se encuentra en la plaza del Mercado Grande, con cierta similitud a la basílica de San Vicente.
• El Convento de San José. Convento caracterizado por su sencillez y austeridad.
• Los Cuatro Postes. Así se le conoce popularmente a la pequeña ermita de San Sebastián. Se encuentra al lado izquierdo del río Adaja, en las afueras de la ciudad. El nómbrelo recibe por las monolíticas columnas de orden dórico que están unidas por un arquitrabe.

Ciudad Real

En Madrid ciudad

– Recomiendo un tour con los buses, descansas mirando y va a los lugares donde uno quiere visitar, y te llevan, subís y bajas)

– Pasear y vagar sin rumbo fijo, como un Flâneur, al decir del filósofo Walter Benjamin (1892 – 1940) a partir de una poesía de Charles Baudelaire (1821 – 1867) y dibujos de mi buen amigo Edgardo Minond, por el Madrid de los Austrias, de los Borbones.

– EL RASTRO.  Ir el domingo. Van junto y alrededor tuyo muchos “cacos”, cuidar MUCHO las mochilas  billeteras, etc).

– Pasear por la “remodelada” Gran Vía.

– Entrar en la estación de Atocha y ver su jardín tropical, es gratis entrar. Lo diseño el Arq. Rafael Moneo (el mismo del Museo Thyssen Bornemisza (entre otros como el Museo de Mérida, etc.).

– Plaza Mayor ( para mí, luego o junto con la de Bruselas, una de las mas hermosas) y saliendo por unas de sus puertas el mercado de San Miguel

– Pasear por el parque del Retiro, al final de la calle Serrano, los domingos hay mucho cantante y espectáculos circenses callejeros. Visitar el Palacio de Cristal.

– Caminar por el Paseo del Prado. Empezando por Plaza Cibeles, a la izquierda El Correo, luego El Prado, Thyssen Bornemisza, Caixa Forum, finalizar en el reina Sofía y Atocha

– Compras por calle Serrano y si te da el cuero por la avenida Ortega y Gasset

– Ver el Palacio de CORREOS, del Arq. Antonio Palacios Ramilo (1874-1945), y adelante la fuente de las Cibeles (donde cuando Messi lo deja, festeja el real Madrid)

– barrios de Chueca, Lavapiés (cerca del Reina Sofía), Malasaña

Pasear por el parque de Madrid Río (se puede alquilar una bici normal o eléctrica).

Y al lado el MATADERO.  el antiguo matadero y mercado municipal de ganados.

En la Plaza de Legazpi está el metro, y buses.

Ver que actividades tienen, hay 2 teatros, cine de autor y exposiciones, restaurantes.

Esta pegado al enorme parque Madrid Rio, alquilan bicicletas asistidas y normales para recorrerlo.

Tiene 121 hectáreas, muy bien diseñado, ajardinado, cuidado y visitado, su coste (la autopista M 30 con cientos de miles de autos circulando en trinchera, enterrada), su coste fue de siete mil millones de euros.

Ver los 2 puentes hechos por Daniel Canogar (1964), sobre el rio (si así se lo quiere llamar a ese hilo de agua) Manzanares.

“Constelaciones» es una instalación pública permanente realizada sobre los techos abovedados de dos nuevos puentes peatonales que cruzan el río Manzanares.

En su conjunto reunen más de 6.5 millones de teselas.

Las teselas son piezas de forma cúbica, hechas de rocas calcáreas, vidrios o cerámicas, muy cuidadas y elaboradas, de distintos tamaños, el artista las arma como un rompecabezas, distribuyendolas por forma y color, fijándolas con un aglomerante de la serie MIKRA.

Estos 2 colosales murales representan fotográficamente a vecinos de los dos barrios que los puentes unen. Estos vecinos han sido fotografiados para que aparenten estar flotando en el aire.

La obra remite a la representación ingrávida de la figura humana en frescos y mosaicos sacros del pasado.

Los pixeles de las fotografías tomadas por el artista se transformaron en las teselas de estos murales, confluyendo de esta forma técnicas antiguas con procesos contemporáneos.

Puente de Arganzuela (2008-2011). Puente Pasarela

En Madrid Rio, está la pasarela más moderna sobre el Manzanares: el Puente Monumental de Arganzuela.

Puenete peatonal, diseñado por el arquitecto francés Dominique Perrault (1953). Se constyruyó en el 2011 y tiene toques futuristas. Su doble espiral de metal en forma de tirabuzón con dos brazos, cubiertos por una malla metálica que brilla durante el día y se ilumina por las noches mediante farolas que recrean pájaros y mariposas, hacen de este puente no sólo el más original sino uno de los iconos arquitectónicos de Madrid.

Dominique Perrault, es profesor en la Escuela Politécnica Federal de Lausanne, miembro del Consejo científico del Atelier Internacional del Gran París desde 2012. Ganó en 1989 el primer premio de la Biblioteca Nacional de Francia, autor del velódromo y de la piscina olímpica de Berlín, de la ampliación del Tribunal de Justicia de la Unión Europea en Luxemburgo, del Centro Olímpico de Tenis en Madrid, del campus de la Universidad femenina Ewha en Seúl y de la torre Fukoku en Osaka.

Se ocupa de rehabilitación patrimonial, como el hipódromo de Longchamp en París, el pabellón Dufour en el Palacio de Versalles o la de la Oficina de Correos del Louvre en París. En el 2014 ha inaugurado la torre más alta de Viena,​ icono del nuevo barrio de negocios de la capital austriaca, así como el Gran Teatro de Cordeliers en Albi en Francia.

Madrid Rio

Dentro de un paseo de cinco kilómetros, los que separan el Puente de la Reina Victoria del espacio cultural de Matadero, se descubren rincones y,  cinco puentes monumentales. Puente de la reina Victoria,construido en arco entre 1908 y 1909 con toques modernistas y barandilla de hierro enfrente de la Ermita de San Antonio de la Florida, para ver los frescos que Goya pintó en su interior a finales del siglo XVIII y la tumba donde está enterrado, la entrada es gratuita.

Puerta del Rey y el monumental puente del mismo nombre, una pasarela peatonal de 1816 que comunica el Campo del Moro (los jardines del Palacio Real) con una de las entradas a la Casa de Campo. Allí está el Palacio de los Vargas, edificio renacentista de 1519 (hoy de propiedad municipal), la fuente monumental y una zona de viveros y huertas con un mirador.

El Puente de Segovia, el más antiguo de la capital de 1574, en época de Felipe II. Obra del arquitecto mayor Juan de Herrera (1530-1597), autor del Monasterio de El Escorial. Compuesto por nueve ojos en arco de medio punto y sillares de granito, tiene 172 metros. con 75 arcos simples, 44 arcos dobles, seguidos de cuatro arcos simples, 167 arcos en total.

En la otra orilla se puede ver la pequeña Ermita de la Virgen del Puerto de 1716. Ya dentro de Madrid Río, y transitando zonas arboladas se llega, algo más de dos kilómetros después, al impresionante Puente Toledo (peatonal), de estilo barroco churrigueresco construido entre los años 1718 y 1732 con nueve ojos de medio punto con sillares de granito. Tras cruzar el Puente de la Reina, construido en arco entre 1908 y 1909 con toques modernistas y barandilla de hierro, se llega al paseo peatonal de la Ribera del Manzanares.

Museos

Del Prado

Paseo del Prado, s/n, 28014 Madrid

Ampliación realizada por el arq. Rafael Moneo (1937) y actualmente realiza otra ampliación (gano elconcurso de 2016) de 5.700 m2 el Arq. Norman Foster (1935) y Carlos Rubio Carvajal (1950).

La reforma es sobre un edificio existente «el Salón de Reinos» que junto con el Casón del Buen Retiro, son los úñltimos vestigios que quedan del Palacio Real del Buen Retiro, construído entre 1633 y 1639.

Se realizó bajo el reinado de Felipe IV, sobre el proyecto del arq Giovanni Battista Crescenzi (1577 – 1635).

Horarios de Lunes a Sabado de 10 a 20 hs. Domingos de 10 a 19 hs.

Museo Nacional Reina Sofia

Calle de Santa Isabel, 52, 28012 Madrid

Ampliación arq. Jean Nouvell.

Lunes a sábado de 10 a 21 hs. (martes cerrado) domingo de 10 a 19 hs.

La entrada es gratuita los lunes, miércoles, jueves, viernes y sábado de 19h a 21h y los domingos entre las 13:30 horas y las 19 horas

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza es una pinacoteca de maestros antiguos y modernos

Paseo del Prado, 8, 28014 Madrid

Martes a domingo de 10 a 19 hs. Lunes de 12 a 16 hs.

Caixa Fórum

Arq. Herzog & de Meuron (reforma 2002)

La sede de CaixaForum Madrid es un antiguo edificio de tipo fabril, la antigua Central eléctrica del Mediodía de 1900 a nombre del empresario José Batle.

Con fachadas de ladrillo, se hallaba encajonado entre calles estrechas.

La fachada lateral de un bloque anexo quedaba al descubierto, y fue embellecida mediante un espectacular tapiz vegetal, conformado por cientos de plantas que se mantienen vivas mediante un sistema de riego oculto, creación de Patrick Blanc en 2008.

Escuelas Pías de San Fernando (Sede UNED)

Calle de Tribulete, 14. Madrid. a 10 minutos andando desde el Museo Reina Sofia por el encantador barrio de Lavapies, recorrer la calle argumosa, llena de bares y restauranes. Lunes a Viernes de 9,15 a 21,45 hs. sábados y domingos cerrado.

Se conserva parcialmente en ruinas, fue el primer colegio que hubo en Madrid de la orden de los Escolapios.

Fundado en 1729, el colegio tenía como objeto la educación de niños pobres.

Construida entre 1763 y 1791 por el hermano Gabriel Escribano y destruida durante los primeros días de la Guerra Civil, en 1936.

El edificio fue totalmente reformado como sede de la UNED, dotándose de una gran biblioteca, auditorios, salones de actos…y revitalizando culturalmente el castizo barrio de Lavapiés.

El edificio diseñado por José Ignacio Linazasoro (1947) se desarrolla en las ruinas de la iglesia de las antiguas Escuelas Pías de San Fernando, destruida durante la Guerra Civil, y en el solar adyacente. La intervención se plantea como una actuación urbana reordenando la Plaza de Agustín Lara y creando un aparcamiento bajo ésta. El edificio alberga un Aulario Universitario que ocupa el solar vacío, y una Biblioteca situada en las ruinas.

Ermita de San Antonio de la Florida

Gta. de San Antonio de la Florida, 5, Moncloa – Aravaca, Madrid.

Una ermita situada en el distrito de Moncloa-Aravaca que alberga, magníficas obras de Francisco de Goya pintadas a finales del siglo XVIII.

Fue declarada Monumento Nacional en el año 1905 para su correcta conservación.

Allí está la tumba de Francisco de Goya desde 1919.

Museo Lazaro Galdiano

Av. Serrano 122.

El Museo Lázaro Galdiano, en Madrid, es un museo estatal de origen privado, que alberga una amplia y heterogénea colección, formada con interés enciclopédico hacia todas las artes y técnicas. Este excepcional conjunto, constituido por más de 12 600 piezas, fue reunido por el coleccionista y editor José Lázaro Galdiano (1862 – 1947) quien al morir lo lega al Estado español junto con su residencia madrileña, la sede de su editorial La España Moderna y una biblioteca de 20 000 volúmenes.

Tras crearse la Fundación Lázaro Galdiano y adaptarse como museo la antigua residencia del donante (Parque Florido, en el barrio de Salamanca de Madrid), la colección se presentó al público el 27 de enero de 1951

Entre sus obras de arte más valiosas destaca el conjunto de pinturas, dibujos y grabados de Goya, con piezas mundialmente conocidas como El aquelarre o Las brujas, encargadas por los duques de Osuna (1797-1798). El Bosco, Lucas Cranach el Viejo, El Greco, Murillo, Zurbarán, Claudio Coello, Luis Paret o Federico de Madrazo, así como una miniatura en pergamino de Giulio Clovio y dos bronces de Giambologna. Pero posiblemente la obra más singular del museo es la pintura sobre tabla El Salvador joven, realizada en el taller de Leonardo da Vinci a partir de un diseño perdido del maestro.

El Museo Sorolla es un Museo Nacional español ubicado en un palacete del Paseo del General Martínez Campos, emplazamiento que serviría de taller y vivienda a Joaquín Sorolla y Bastida (1863 – 1923) junto a su mujer y tres hijos. 

Dirección: Paseo del General Martínez Campos, 37, 28010 Madrid

Inaugurado el 11 de junio de 1932.

Lunes cerrado. Martes a sábado de 9,30 a 20 hs y los domingos de 10 a 15 hs.

La iglesia de San Antonio de los Alemanes, se ubica en la esquina de las calles Puebla y corredera baja de San Pablo.

Estilo barroco madrileño, diseñada por Pedro Sanchez. está enteramente pintada al fresco, tanto la cúpula elipsoidal que lo cubre como la unidad de ésta con las paredes. Es impresionante ver la decoración pictórica que cubre toda la superficie interior del edificio.

El interior de la iglesia es un perfecto ejemplo de ilusionismo barroco, en el que la pintura al fresco se une a la arquitectura y las esculturas de los retablos para crear un efecto de lujo, movimiento y colorido.

Tiene frescos de Luca Giordano (1634 – 1705) y Francisco Ricci (1614 – 1685). Giordano fue pintor de la corte y trabajo en el Palacio Real y el Palacio del Buen retiro. Ricci vino a Madrid a tranajar en el Monasterio del Escorial. Tambien intervino Juan Carreño de Miranda(1614 – 1685),

Su construcción comenzó con la aprobación del proyecto arquitectónico en 1624 durante el reinado de Felipe IV (1621-1640) y no finalizaría hasta inicios del siglo XVIII. Cerca de la Plaza Mayor. Metro estación Callao (L3 y L5), estación Gran Via L1 y L5 y Estación Noviciado L2, L3 y L10. Lunes a Sábado de 10,30 a 14 hs.

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Puede interesarte este tema, por lo que te envío una sugerencia de Hugo K: Florencio Molina Campos.

Florencio Molina Campos, ¿quién se va a ocupar de cuidar y exhibir sus obras?

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PUBLICADO POR hugoklico

Arquitecto. Argentino/Español. Editor y distribuidor de libros ilustrados.

2 comentarios en «Suecia, Mälmo, y el Turning Torso de Santiago Calatrava»

1. Libertas de santiago dice: 9 septiembre, 2018 a las 11:47 pm Editar. Una maravilla que muestra que el arte no tiene límites, pues, el hombre sueña ilimitadamente.

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Título: Las mejores recetas de cocina italiana

Autor: AAVV

Editorial: Kliczkowski Publisher

Temática: Cocina / comidas y bebidas, etc.

Año de Edición: 2024. 120 pp, 200 gramos.

13 cm x 19,7 cm. encuadernación rústica

Idioma: español

Asppan y Onlybook asi como H Kliczkowski, obtienen varios premios editoriales en 2002 el “Best Selection from Japan Library Association); 2003 (100 años premios FAD), Integrante de la exposición itinerante 100 % Disseny Catalá; 2004 (Selección en la XXI Salón del Libro Infantil en Lleida ); Selección en la semana del Libro Infantil y Juvenil;2004 ( Selección premios Daniel Gil de diseño editorial categoría ilustración/fotografía); 2005 1er premio Best Wine history book; 1er premio Sapain and rest of the world; 1er premio Best wine Literature Book; 2005 Gourmand World Cookbook awards 2005, etc.

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La Norman Foster Foundation ha presentado el primer Máster en Ciudades Sostenibles desarrollado en colaboración con la UAM (Universidad Autónoma de Madrid). Información pública y publicada del Master.

El objetivo del Máster UAM-NFF ‘On Sustainable Cities’ es formar a estudiantes de diferentes disciplinas en el “desarrollo sostenible de las ciudades” a través de distintas estrategias de futuro.

En el primer año académico serán las ciudades europeas de Atenas, San Marino y Bilbao; extendiéndose, en años posteriores, a ciudades de otros continentes.

La presentación ha girado en torno a ideas y estrategias para afrontar los desafíos a los que se enfrentan las ciudades, y ha tratado temas como la arquitectura, la política y el cambio climático. Estuvieron presentes la rectora Amaya Mendikoetxea y la vicerrectora de Estudios de Posgrado de la UAM Isabel Alonso.

El Máster UAM-NFF On Sustainable Cities, cuyo programa académico comenzó en enero del 2024, formará a treinta estudiantes de posgrado procedentes de los cinco continentes interesados en liderar las ciudades del futuro. Los estudiantes tienen una diversidad de procedencia, formación, antecedentes y perspectivas.

El programa combina la enseñanza impartida por académicos y profesionales, la experiencia real en el campo de trabajo y el contacto directo con los equipos que gobiernan las ciudades colaboradoras en el programa.

El Máster de un año de duración, ofrece al estudiante un laboratorio tecnológico de vanguardia dotado con herramientas avanzadas de análisis de datos, predicción, visualización, inteligencia artificial, realidad virtual y realidad aumentada, esenciales en esta especialidad donde la tecnología juega un papel crucial para el análisis y predicción de diferentes variables en la evolución y sostenibilidad de las ciudades.

El Programa en Ciudades Sostenibles utiliza el uso de criterios objetivos para evaluar el rendimiento urbano y promover iniciativas que mejoren la calidad de vida mientras se reduce la huella de carbono.

Para su diseño, se han integrado diferentes indicadores, incluyendo los Objetivos de Desarrollo Sostenible de las Naciones Unidas, en la que Norman Foster ostenta el cargo de advocate of the Forum of Mayors y en donde la Norman Foster Foundation es Centro de Excelencia.

Inauguración del Norman Foster Institute

El programa ideado para la presentación del Máster ha tenido como moderador a Tim Stonor (1968). (1)

En la primera sesión se han presentado y debatido ponencias por parte de Norman Foster. (2)

Kent Larson (3)

Edgar Pieterse (1968). (4)

Y Dava Newman (5)

El programa continuó con otras ponencias y debates a cargo de representantes de las tres ciudades que son objeto de estudio dentro del máster.

Georgios Stamtsis (1974). (6)

Eider Inunciaga Serna. (7)

y Stefano Canti. (8)

También participarán:

Alejandro Aravena (1967). (9)

http://onlybook.es/blog/elemental-arq-alejandro-aravena/

Vishaan Chakrabarti (1966). (10)

“La mayoría de los científicos coinciden en que el ritmo acelerado del cambio climático exige que no solo diseñemos entornos neutros en carbono, sino entornos negativos en carbono, cada vez está más claro que serán necesarias medidas mucho más agresivas para evitar que la temperatura media del planeta aumente menos de dos grados centígrados, punto a partir del cual todas las especies del planeta estarán sometidas a un riesgo extremo”. Vishaan Chakrabarti.

y Beatriz Corredor (1968). (11)

También intervinieron Glyn Richards. (12)

Y Bret Stephens, periodista, editor, y columnista en The New York Times.

Tras el evento de la mañana, la Norman Foster Foundation presentó el primer debate público del Norman Foster Institute, Cities Beyond Earth.

Sirvió para analizar la relación entre las colonias espaciales y la sostenibilidad de las ciudades de la Tierra. 

Máster de Formación Permanente en Ciudades Sostenibles

En un mundo en el que la urbanización exponencial se enfrenta, más que nunca, a grandes dilemas ambientales, sociales y económicos, la importancia de las políticas sostenibles cobra un peso sin precedentes. Los gobiernos, organizaciones y ciudadanos deben adoptar un enfoque sistemático y eficaz para abordar estas cuestiones.

El Máster de formación permanente en Ciudades Sostenibles, está diseñado para ayudar a los líderes de las ciudades del futuro a adquirir los conocimientos y herramientas de implementación de políticas sostenibles que puedan mejorar la calidad de vida en las ciudades. Combina la enseñanza impartida por académicos y profesionales, la experiencia real en el campo de trabajo y el contacto directo con los equipos que gobiernan las ciudades colaboradoras en el máster.

Notas

1

Miembro del Advisory Board Norman Foster Foundation Madrid y director de Space Syntax de Londres.

2

Presidente de la Norman Foster Foundation y co-director del Norman Foster Institute Madrid, advocate of the United Nations Forum of Mayors, fundador y presidente de Foster + Partners.

3

Co-director del Norman Foster Institute, miembro del Advisory Board de la Norman Foster Foundation Madrid, director de City Science Group del Massachusetts Institute of Technology (MIT) Media Lab.

4

Rector del Norman Foster Institute, director y fundador de African Centre for Cities (ACC) de la University of Cape Town, Ciudad del Cabo, Sudáfrica.

5

Decana honoraria del Norman Foster Institute, director del Massachusetts Institute of Technology (MIT) Media Lab, Cambridge. 

6

Presidente de la Agencia de Desarrollo de Atenas.

7

Área de Euskera, Atención y Participación Ciudadana, Agenda 2030 e Internacional, Bilbao.

8

Ministro de Territorio, Medio Ambiente, Agricultura y Protección Civil, San Marino, Italia.

9

Miembro del Academic Council, Norman Foster Institute, director ejecutivo de ELEMENTAL; ELEMENTAL Copec Chair, Universidad Católica de Chile, presidente del Jurado del Premio Pritzker de Arquitectura, Chicago y miembro del Advisory Board, Norman Foster Foundation Madrid.

10

Miembro del Academic Council, Norman Foster Institute, honorary trustee de la Norman Foster Foundation Madrid y fundador y director creativo de Practice for Architecture and Urbanism (PAU), Nueva York.

11

Miembro del Norman Foster Institute Academic Council, presidenta de Redeia y ex ministra de Vivienda de España.

12

Director de Sostenibilidad de Bupa, que se centró en el desarrollo de acciones enfocadas en la salud para el diseño de las ciudades del futuro, no sólo para promover el bienestar de las poblaciones urbanas, sino también para hacer frente a la crisis climática.

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

Cada cierto tiempo, alguna red social, sea Threads, Instagram, X o  Facebook, me envia fotos que yo habia publicado hace tiempo, a veces hace años.

Y dan gratas sorpresas, no siempre las recuerdo.

Como estas fotos que saque el 14 de junio del 2019 en Buenos Aires, en la Librería Feria del Libro, en la Avenida santa Fé 2475, donde exhibian libros de la editorial H Kliczkowski.

Algunos de los libros que se ven en la foto:

-Piero Della Francesca

Autor Michael, Michel

Traduccion Pia Minchot Ballarin

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado en febrero del 2003. 80 páginas.

Texto en español. 23 x 16 cm. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-84-96137-59-2

 – Memphis

Autora Brigitte Fitousi

Traduccion Maria Sol Kliczkowski Wladimirski 

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado en febrero del 2003. 82 páginas. Texto en español. 23 x 16 cm. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 8496048438

Colección Memorias

La colección Memoria presenta una selección de monografías sobre clásicos retomados con un nuevo enfoque por conocidos críticos y articulistas. Un amplio abanico de temas que forman parte de nuestra memoria cultural y que abarcan títulos que van desde las vanguardias hasta las más recientes investigaciones arqueológicas. Presentada en un fabuloso formato y repleta de fotografías a todo color.
Reunidos en torno a Ettore Sottsass, gran maestro del diseño italiano de la posguerra, los jóvenes creadores del grupo Menphis restablecieron el desafío del color y la decoración. Casa del Libro. España

De la misma colección: Del Egipto de Keiichi Tahara, Man Ray, Klimt y la moda, El espíritu Dada, Bauhaus, Memphis, Klimt y la moda, El taller de Miró, Bauhaus, Picasso y sus objetos, Los tesoros de Egipto, Giacometti, Brancusi y la fotografía, Le Corbusier, Oscar Neimeyer, Picabia, etc..

-Eileen Gray

Autora François Baudot

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado en febrero del 2003. 82 páginas, texto en español. 23 x 16 cm. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 9788496137622

Eileen Gray, dedicada a la búsqueda de una estética a la vez moderna, funcional y deleitosamente sofisticada. Se conoció su celebridad en los años veinte gracias al inesperado uso que hizo de la técnica japonesa de la laca.

-Hijos y Famosos. Siguiendo sus pasos

Autora Birgit Krols 

Edición en español Joan Espasa Rodríguez

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado en 2011. 144 páginas con texto en español. 25 x 33 cm.. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-84-96592-94-0

Algunos de los libros que se ven en la foto:

-Mini watch bible. Solo relojes

Autor Philippe de Baeck

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado enero 2008. 432 páginas. Edición bilingüe en español e inglés. Encuadernado en Tapa dura. ISBN-13 ‏ : ‎ 978-8496592766

Relojes caros, de caballero, de señora, relojes sofisticados, es el material con el que este libro constituye a través de sus 432 páginas y sus fantásticas fotografías a todo color un libro de referencia que muestra los relojes más destacados del mundo.

-Demasiado joven para morir. Iconos del siglo XX que movieron generaciones.

Autora Birgit Krolse

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado en 2010. 144 páginas. Edición bilingüe en español y portugués. Encuadernado en Tapa dura. Fotografías en color y ByN. ISBN: 978-84-96592-82-7

-Harley Davidson. El centenario de una leenda /100th anniversary of a Legend

Autor Juan Carlos Montes, Paco Asensio, Fotos Miguel Tres (Books Factory Studio)

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado enero 2003. 21 x 13 cm. 207 páginas. Edición bilingüe español e inglés. Encuadernado en Tapa rigida acolchada. ISBN-13: ‎ 978-84-96137-23-3

Sinopsis «…William Harley y los hermanos Davidson crearon hace cien años un mito que ha crecido con el paso del tiempo y que únicamente puede ser comprendido en toda su esencia si se ha sentido alguna vez el gran latido del bicilíndrico americano. Harley-Davidson es mucho más que una moto. En realidad, quien adquiere una Harley no compra un vehículo, sino una filosofía, una imagen de marca cuyo valor añadido se ha forjado a lo largo de cien años, More than a machine, algo más que una máquina…». Casa del libro

Algunos de los libros que se ven en la foto:

–Cícladas. 3000 años a.C.

Autor Bérénice Geoffroy-Schneiter

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado noviembre 2003. 23 x16 cm. 80 páginas. Edición en español .

Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN-13: ‎ 978-84-96137-60-8

CÍCLADAS, es presentado oscilando entre el simple guijarro y verdaderas estatuas cercanas a la grandeza natural; estos enigmáticos “ídolos” tallados en un mármol translúcido y resplandeciente nos fascinan más allá de los siglos. Casa del Libro

-Fernando Alonso

Autores varios

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado diciembre 2010. 21 x 13 cm. 80 páginas. Edición en español .

Encuadernado en Tapa blanda. ISBN 978-84-96592-92-6

Sinopsis Cientos de fotos de toda la trayectoria del bicampeón del mundo en la Fórmula 1, desde Minardi a Ferrari. Casa del libro

– MAXIMALISM = MAXIMALISMO

Autor Aurora Cuito Ricard

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado febrero 2003. 21 x 21 cm. 98 páginas. Edición bilingüe español/ingles

Encuadernado en Tapa blanda. ISBN 978-84-96048-50-8

Esta nueva sensibilidad, que nos hemos atrevido a llamar maximalismo, agrupa las intenciones de los diseñadores que están construyendo una nueva modernidad compleja y ecléctica. Como ocurre con toda corriente estética que nace con fuerza, el maximalismo ha sacudido todas las disciplinas e incluso ha servido para que éstas se hayan combinado y hayan dado lugar a nuevas materias multidisciplinarias.

– GAUDI, DALI

ANTONI GAUDI/SALVADOR DALI. Serie Duetos

Autor Llorenç Bonet Delgado

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado octubre 2002. 22 x 17 cm. 80 páginas. Edición texto en español. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-89439-37-5

Una gran obra. un pintor y un arquitecto. Un gran libro en pequeño formato. con fotografías, planos, secciones, memorias descriptivas. Todas las obras con su plano de ubicación y datos técnicos y referenciales. Incluye una cronología de obras desde 1868 a 1968. Amazon

Sinopsis. Presentamos los 10 trabajos más relevantes de Antoni Gaudí y de Salvador Dalí. También un análisis comparativo que descubre la obra de estos dos genios, capaces de transformar la técnica pictórica y la arquitectónica en algo más. Este libro es uno y también tres. Uno sobre trabajos del arquitecto Antoni Gaudí, otro sobre las obras de Salvador Dalí y un tercero sobre la interacción entre ambos. La Casa del Libro

-Antonio Saint´ Elia

Autor Llorenç Bonet Delgado

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado febrero 2003. 22 x 17 cm. 80 páginas. Edición español. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-96137-00-4

+ CASAS HOUSES, HÄUSER

Autor Alejandro Bahamon Rios, Jane Wintle y Susanne Engler

Traductora Susannejtr Engler

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado abril 2006. 30 x 27 cm. 432 páginas. Edición trilingüe, español, ingles alemán. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-96304-62-8

La vivienda, célula madre de las ciudades, es el elemento clave para el análisis de sus cambios. Los cuatro apartados en que se subdivide este libro -casas, áticos, apartamentos y lofts-, ilustran las variadas soluciones que se adoptan hoy en día. Contiene entrevistas y biografías detalladas de los autores de los proyectos. Cada vivienda se describe con fotografías y planos muy detallados y de alta calidad.

-La Magia de los Pequeños Espacios

Magic of Small Spaces (English, French and Spanish Edition)

Autor Lucrecia Alvarez, Cristina Paredes, Francesc Zamora

Traductora Susannejtr Engler

Editores Oscar  y Paco Asensio y Hugo Kliczkowski

Coeditores Silverback Books

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado en el 2007. 21 x 21 cm. 420 páginas. Edición trilingüe, español, ingles y francés. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-1-59637-243-6 

Organizada por su superficie, sus metros cuadrados. Cada vivienda se muestra con un plano de su planta y una fotografía del interior que ilustra cómo maximizar el espacio disponible. Incluyendo ideas inteligentes para almacenamiento, muebles y componentes integrados. Los espacios de este libro son impecables en términos de estética y cada uno ofrece una solución original a los problemas que surgen por la falta de espacio en tantas viviendas nuevas hoy en día. Los lectores se van con un excelente sentido de cómo convertir un lugar pequeño en un hogar funcional. GetTextBooks

-Antonio Gaudí

Autor Lucrecia Alvarez, Cristina Paredes, Francesc Zamora

Traductora Susannejtr Engler

Editores Oscar  y Paco Asensio y Hugo Kliczkowski

Coeditores Silverback Books

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado en el 2003. 24 x 30 cm. 240 páginas. Edición en mas de 12 lenguas, español, catalán, frances, aleman, polaco, chino, frances, portugues, inglés, japones, etc. Encuadernado en Tapa dura con sobrecubierta. ISBN 978-84-96241-53-4 

Fecha de construcción: 1908-1916 Fotógrafo: Fere Planells «No es cuestión de querer ser original, porque el propio estilo surge de dentro y sale a la luz de forma espontánea». La Colonia Güell es una de las obras más originales e interesantes de Gaudí, aunque el proyecto nunca se completó. Gaudí tuvo vía libre para diseñar el proyecto… cripta con pórtico y capilla Reixac s/n, Sa Fecha de construcción: 1900-1909 Fotógrafos: Miquel Tres y Joana Furio Bellesguard 

–LOS BEATLES, INEDITO

Autor Hugh Fielder

Traductor Joan Espasa Rodriguez

Editores Hugo Kliczkowski

Coeditores Getty Images

Editorial H Kliczkowski

Distribuidora A.Asppan S.L.

Editado en el 2011. 21 x 21 cm. 200 páginas. Edición en español. Encuadernado en Tapa dura. ISBN 978-84-96592-93-3

En menos de 10 años, de banda escolar al acontecimiento de mayor éxito, el más aclamado e influyente de la música popular.
Su formación. La «Beatlemanía», el fin con los años de la separación, sus fans, su vida privada y semi pública. Con más de 150 fotografías y textos explicativos, se puede realizar un recorrido por la carrera del mejor grupo del pop de todos los tiempos.

Puede interesarte este tema, por lo que te envío esta sugerencia de Hugo K: Arq Fernando Higueras http://onlybook.es/blog/arq-fernando-higueras/

Anterior ver http://onlybook.es/blog/suburbia-5ta-parte/

Panorámica final

La huella de la ciudad dispersa

Cuando, en 1971, los arquitectos Robert Venturi y Denise Scott Brown invitaron al mundo a disfrutar de la iconografía pop de Las Vegas, la capital del juego tenía poco más de 270.000 habitantes.

http://onlybook.es/blog/robert-venturi-denise-scott-brown/

Se calcula que en 2025 sobrepasará los tres millones.

La creciente huella que va dejando el imparable urbanismo disperso en el vasto territorio estadounidense se aprecia mejor desde el cielo. Así, Benjamin Grant, que dirige el proyecto Overview, presenta una serie de planos aéreos que permiten apreciar las muy diversas formas de la suburbanización: desde suburbios clásicos como Llewelyn Park o Levittown, ahora completamente rodeados de sprawl, hasta sofisticadas urbanizaciones de Florida que dejan caleidoscópicas formas geométricas inscritas sobre la Tierra.

Desde las enormes autopistas que canalizan el tráfico diario de los viajeros (commuters) hasta los grandes centros comerciales en vías de desaparición, pasando por enormes parques empresariales o una mega iglesia como la New Birth Missionary Baptist Church, en Georgia, muy importante para la comunidad afroamericana, que puede llegar a acoger hasta 12.000 feligreses por semana.

La dispersión llega a casa

La conformación de Suburbia como hecho cultural en Cataluña es una realidad que las narrativas sobre el proceso de urbanización catalán han ignorado históricamente, demasiado centradas en el crecimiento de las grandes ciudades y en la diferenciación ideológica entre una Cataluña urbana, barcelonesa, y una Cataluña «interior», cuna de lo que todavía hoy denominamos «campo».

La Cataluña suburbana que hoy observamos desde el parabrisas del automóvil o desde la ventanilla del avión muestra como en muchos territorios los crecimientos urbanos ya no se corresponden con la conocida metáfora de la ciudad «en mancha de aceite»

En realidad, un conjunto inabarcable de manchas de aceite se ha acabado esparciendo, dando lugar a una misma realidad, repetida y clonada en todas partes: la urbanización regional dispersa.

Esta dispersión de la urbanización que nos resulta hoy tan cotidiana se desarrolló de la mano de la motorización de la sociedad a partir de la segunda mitad de siglo pasado y envuelta en un discurso cultural muy heterogéneo, donde la propaganda ideológica de la “American Way of Life”, efervescente en aquella época y representada fielmente por la casa unifamiliar prefabricada norteamericana, se mezcla con tradiciones locales derivadas de la crítica seminal a la ciudad industrial, concentrada y densa, desde las visiones pastorales que idealizaban la vida rural, divulgadas y consumidas popularmente con expresiones como “la caseta i l’hortet” (1).

El camino recorrido desde aquellas primeras apuestas suburbanas hasta la actual urbanización regional dispersa no es homogéneo y presenta recovecos inesperados que hacen de la Suburbia catalana un universo urbano todavía por descubrir.

Las Torres de Fin de Semana

Primeras urbanizaciones en la era del “600”

La primera gran ola suburbana en Cataluña corresponde a la construcción de urbanizaciones de segunda residencia entre la década de 1960 y mediados de la década siguiente.

En un contexto caracterizado por el desarrollismo y los crecimientos poblacionales concentrados en las grandes ciudades se produjo esta inesperada multiplicación de los hábitats residenciales de baja densidad -las torres de fin de semana-, siempre en entornos dispersos próximos a unas ciudades compactas cada vez más densas, subrayando así la dualidad ciudad-campo. Unos entornos suburbanos de primera generación que siempre ofrecían el contacto con la naturaleza o la vivencia del mundo agrícola, pero ¡eso sí!, siempre cerca de Barcelona.

Una síntesis feliz intensivamente amplificada por los anuncios y la publicidad.

Propaganda en las Ferias de Muestras

Las ferias de muestras eran un magnífico escaparate internacional donde cada país mostraba sus productos e innovaciones.

XXIII Feria Internacional de Muestras de Barcelona. 1955. pabellón de los EE. UU.

En 1955, Estados Unidos participó en la XXIII Feria de Barcelona, el mismo año en el que España entró a formar parte de la ONU abandonando lentamente su ostracismo. En el exterior del pabellón norteamericano se montó una casa unifamiliar prefabricada con su parcela de césped y un coche en el garaje.

XXIV Feria Internacional de Muestras de Barcelona. 1956. pabellón de los EE. UU.

En el interior había un Ford Thunderbird descapotable (el mismo modelo que tenía Marylin Monroe) y otros productos comerciales e industriales. En los dos años siguientes, EE. UU. también participó y el público se maravilló con los donuts, los trajes femeninos, las cocinas con electrodomésticos y, también, la moderna arquitectura de los pabellones americanos.

XXV Feria Internacional de Muestras de Barcelona. 1957. pabellón de los EE. UU.

El objeto de la ciudad jardín es una colonización interior basada en la descentralización de la industria y su traslación al campo a fin de hacer más sana y más barata la vida urbana, beneficiando además a la agricultura vecina con las ventajas sociales de la ciudad y las mayores facilidades para la venta de sus productos”. Arquitecto y Urbanista Cebrià de Montoliu (1873 – 1923)

La explosión del adosado

Una urbanización regional dispersa

Si la construcción de urbanizaciones se había producido sobre todo ocupando espacios situados alrededor de la ciudad central, a partir de finales de la década de 1980 el fenómeno suburbano alcanzó una escala regional nunca antes conocida.

Muchas urbanizaciones se convirtieron en primeras residencias.

Y se produjo la construcción masiva de viviendas unifamiliares cada vez más alejadas y por todas partes alrededor de las ciudades intermedias.

En la costa, en la montaña, en el campo y entre ciudades, un nuevo producto inmobiliario, la casa adosada, lideró este proceso de urbanización sin precedentes que también multiplicó los centros comerciales, las salas multicines y los polígonos industriales.

Un universo suburbano clonado por todas partes que representa una de las versiones más crudas de la ur/banalización.

Urbanalización del paisaje

La urbanización dispersa no supone únicamente la multiplicación de un mismo paisaje residencial, repetido y especializado, en el territorio, sino que las diferentes esferas de la vida urbana relacionadas con cuestiones como la movilidad o el consumo resultan igualmente estandarizadas.

La experiencia urbana, que debería ser única y de un lugar, acaba amputada de contenidos diferenciales y se muestra, de forma omnipresente, igual por todas partes, intercambiable en cualquier lugar. Ya sea al conducir el automóvil o al comprar en una gran superficie comercial, los paisajes del consumo metropolitano muestran claramente el alcance de este copiar y pegar de la forma y las funciones urbanas.

Una urbanización independiente del territorio e indiferente respecto al lugar a la que podemos denominar, más bien, ur/banalización.

La Cataluña Suburbana

Hoy y Mañana

Anatomía de un territorio por reconocer

No deja de ser paradójico que la urbanización dispersa, que hunde sus primeras raíces ideológicas en la crítica a la crisis ambiental causada por el crecimiento sin freno de la ciudad industrial de finales de siglo XIX, sea hoy la responsable de todo un abanico de impactos ambientales que aún resultan más lesivos para el territorio: el consumo exagerado de terreno y agua, la fragmentación de los espacios abiertos o las emisiones derivadas de una movilidad siempre en automóvil certifican el verdadero peaje ecológico de Suburbia en un momento en el que los nuevos riesgos que plantea el cambio climático aconsejarían un tipo de urbanización muy diferente.

Al mismo tiempo, a los peligros ambientales hay que añadir unos espacios públicos empobrecidos y simplificados, reducidos a las necesidades propias de la vialidad y del vehículo privado. Una sociedad minimizada, no exenta de problemáticas como el aislamiento social y la paranoia inducidas por la repetición del monocultivo residencial y por la ausencia de la diversidad de funciones e intereses que acostumbran a definir la ciudad y la vida urbana.

Alerta Mira-Sol, 2019 – 2023. En 2019, la fotógrafa Blanca Munt participó en un chat vecinal creado para vigilar su barrio y alentar de posibles robos en domicilios.

Lo que en un principio se presentó como una eficaz herramienta vecinal pronto se convirtió en fuente de conjeturas, suspicacias y paranoia. La aparentemente tranquila convivencia en un barrio de calles luminosas y viviendas estandarizadas se desmorona, no solo por la existencia real de robos, sino básicamente por la disgregación absoluta de la idea de comunidad cuando se prioriza la seguridad individual. Con el proyecto Alerta Mira-sol, la artista nos propone una inquietante reflexión acerca de la tensión entre el privilegio de vivir en un lugar apacible y la constante sensación de amenaza latente como parte de la actual cultura del miedo.

Exposición “La Construcción del sueño americano”

Dirección del proyecto

Jordi Costa

Comisario

Philipp Engel

Asesor

Francesc Muñoz

Seguimiento y producción del proyecto

Mónica Ibáñez

Coordinación, Investigación

Eva Gimeno y Miquel Nogués. Marian Boadas, Anissia Libera Fontana y Roberta Tenci

Diseño del montaje expositivo

Iñaki Baquero e Iñigo Azpiazu (BOPBAA) y Marta LLinàs

Diseño Gráfica

Marta Linàs (Estudio Canó)

Comunicación

Wó Studio

Coordinación de montaje

Alex Papalini y Mario Corea

Montaje Industrial

Croquis

Producción Gráfica

Nogales Barcelona

Entre otros…..

Producción de CCCB, Diputació Barcelona, Ajuntament de Barcelona, Ministerio de Cultura de España. Barcelona Capital Cultural y Científica.

Notas

1

Expresión popularizada por Francesc Macià (1859-1933), primer presidente de la Generalidad de Cataluña (1931-1933) durante la Segunda República, como cristalización de su ideario o proyecto político: “que todo el mundo pudiera disfrutar de una casa y uno pequeño terreno en propiedad, evocando una situación de idílico bienestar y progreso”.

Puede interesarte este tema, por lo que te envío esta sugerencia de Hugo K: La Casa Courret en Lima http://onlybook.es/blog/la-casa-courret-en-lima/

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Hipsturbia

Nuevos modelos, nuevas generaciones

A partir de los años noventa, en medio de una creciente preocupación medioambiental, surgieron movimientos como el Nuevo Urbanismo o el Crecimiento Inteligente para los que Suburbia se convirtió en un laboratorio de ideas para su reciclaje o reformulación urbanística con propuestas de zonas residenciales de uso más diverso y menos disperso, pensadas para disminuir la dependencia del automóvil y fomentar los desplazamientos a pie o en bicicleta.

Seaside, en Florida, sigue siendo una de las puntas de lanza del Nuevo Urbanismo, mientras que Huntington Beach, al sur de Los Ángeles, un antiguo suburbio de la era de los tranvías fundado en 1909 por el magnate Henry Huntington -propietario de la Pacific Electric Railway-, se ha convertido en meca para surfistas. Ahí se respira una atmósfera de hedonismo hipster que empapa la obra de Ed y Deanna Templeton, una pareja de artistas autodidactas del ambiente skater que han recopilado sus fotografías en un libro titulado “Contemporary suburbium”. El sueño americano de última generación.

Seaside, el Nuevo Urbanismo

Seaside, diseñado en los años noventa por los arquitectos Elizabeth Plater-Zyberk y Andrés Duany (la firma DPZ), que se inspiraron en los suburbios anteriores a la llegada del automóvil como Llewellyn Park o Riverside, se convirtió en el buque insignia del Nuevo Urbanismo.

Aunque solo es accesible por carretera, Seaside fomenta paradójicamente los desplazamientos a pie o en bicicleta. Para mantener su estatus, la comunidad se rige por estrictas normas estéticas.

Que fuese escogida por Peter Weir como decorado para “El show de Truman” (1998), donde Jim Carrey es el protagonista, sin saberlo, de un programa de telerrealidad, encierra una crítica a esos mecanismos de control. Pero, gracias al dinero ganado como localización, se construyó una escuela.

Huntington Beach

Resistencia hipster

Ed Templeton (1972) descubrió de adolescente a los Dead Kennedys, a Larry Clark y la subcultura del skate. Había llegado hasta Huntington Beach con su madre a los ocho años. Pese a que, como campeón de skate, viajó por todo el mundo y que este suburbio del sur de Los Ángeles está cada vez más lleno de partidarios de Trump, antivacunas y xenofobia, sigue viviendo allí con su mujer, la también artista multidisciplinar Deanna Templeton, porque la arquitectura y la atmósfera del lugar continúan inspirándolo y porque todavía queda margen para el estilo de vida contemplativo de un fotógrafo, pintor y diseñador gráfico que ha basado toda su obra en su hábitat natural, el condado de Orange.

Mondo Suburbia

En el Seattle grunge de 1990, los artistas Jim Blanchard y Michael Dowers, que no tardarían en entrar a trabajar en el prestigioso sello Fantagraphics, convocaron a 26 astros del cómic underground estadounidense para que dieran su visión de la Suburbia de sus padres, un paisaje con todos sus atributos -el césped, la barbacoa, el chico de los periódicos, las armas…-.

Pero extrema y muy irreverentemente satirizado, evidenciando que la imagen mental, aparentemente inalterable, de los barrios residenciales impolutos había empezado a desmoronarse.

Peter Bagge (1957), estrella local y uno de los convocados, emprendería ese mismo año su famosa serie ”Odio” con el mismo alter ego que había protagonizado su infancia suburbana en “Mundo idiota”, Buddy Bradley.

En las ruinas del suburbio

A medida que Amazon amplía su imperio, los grandes centros comerciales van quedando en ruinas a la espera de ser reciclados en espacios más diversificados o en almacenes de la misma compañía que monopoliza el comercio en línea.

Si, en los cincuenta, los llamados malls sustituyeron a la tradicional calle mayor y privatizaron el espacio público en la periferia de las ciudades, convirtiéndose en el principal punto de encuentro para las familias, su desaparición deja pocas alternativas para la socialización más allá de las redes sociales del mundo virtual. Al mismo tiem-po, ni el comercio en línea ni el relativo auge del teletrabajo logran todavía disminuir el tráfico automovilístico, ni tampoco el dispendio energético de la vida en la ciudad dispersa, que sigue ganando terreno bajo la amenaza permanente de un desastre medioambiental.

A finales de 2018, el número de locales vacíos en los centros comerciales alcanzó cotas que no se veían desde la Gran Recesión. Una sola empresa de grandes almacenes, Macy’s, había despedido a más de 50.000 empleados desde 2008. Y Wall Street auguraba que lo peor estaba por llegar: a principios de 2018, el valor de mercado de Amazon era mayor que la suma de Walmart, Costco, T. J. Maxx, Target, Ross, Best Buy, Ulta Beauty, Kohl’s, Nordstrom, Macy’s, Bed Bath & Beyond, Saks/Lord & Taylor, Dillard’s, JCPenney y Sears (…) dice Alec McGillis. Estados Unidos de Amazon (2022)

“No son las tiendas las que mueren -señaló el profesor de ciencias económicas Scott Galloway-, sino la clase media y, a su vez, los negocios que prestan servicio a una población y a unos barrios que han vivido tiempos mejores.»

La cara oculta de Nueva Jersey

Aunque vive en Nueva York, Todd Solondz (1959) ha rodado toda su filmografía, desde Welcome to the Dollhouse (1995) a Wiener Dog (2016), en la Nueva Jersey suburbana que le vio crecer, donde sus personajes evolucionan y cambian de rostro de película en película.

Es el cineasta de Suburbia por excelencia, célebre por mostrar el lado oscuro de personalidades tan aparentemente respetables como el psiquiatra y padre de familia Bill Maplewood, en realidad un criminal pedófilo interpretado por Dylan Baker en Happiness (1998).

Maplewood es, de hecho, el nombre de una de esas zonas residenciales tan familiares para Solondz, como Livingston, que también da nombre a la familia de “Storytelling” (2001).

Jaylen Brown, el atleta negro que asusta al negocio por «preguntar demasiado»

La estrella de los Boston Celtics impacta dentro y fuera de la cancha.

Por Jeremías Batagelj (Página12. 14 de junio de 2024)

Brown es el jugador diferente para los Celtics en estas finales de la NBA. Pero siempre fue un distinto en un ambiente en el que pensar, muchas veces, está mal visto. Su historia de vida -marcada por la (falsa) dicotomía entre atletismo y educación- el racismo en Boston y las controversias por ser amigo de sus amigos. 

“Es inteligente. Quizás demasiado”. Así definían varios ejecutivos de la NBA, en la previa del Draft de 2016, a Jaylen Brown, actual alero de los Boston Celtics. Pero ese textual estaba lejos de ser un elogio. Es que para los ojeadores y varios general managers, el IQ que tenía ese prospecto podría ser un problema. “Puede preguntar mucho sobre el negocio o perder la pasión”, hipotetizaban en off the récords a los medios locales.

Brown juega en la mejor liga del mundo, y ha liderado una protesta pacífica contra el gatillo fácil en EE. UU, sin alejarse del básquet, es el jugador clave paa su equipo, Los Celtics, en una serie contra los Dallas Mavericks.

Educación o atletismo

En el otoño del 2015, en un aula de Berkelely, California, el reconocido profesor Derek Van Rheenen da inicio a una de sus clases de posgrado sobre estudios culturales. Hay casi 300 personas mirándolo, la mayoría egresados universitarios que rondan los 25-30 años. Pero, entre ellos, sobresale un jovencito de 18 años de dos metros de altura, una enorme espalda y brazos de boxeador.

Se preguntan ¿qué hace un adolescente en una materia para licenciados y magisters?

Utilizó su beca universitaria, el joven Jaylen se movió entre autores que indagaban entre el racismo, la pobreza, la desigualdad y la injusticia social. Criado por su madre soltera Mechalle, profesora universitaria, quien lo convenció que convivieran en él, el llenar estadios, y capitanear el equipo de ajedrez de su colegio. Su padre fue exboxeador y campeón del mundo.

Hace poco tiempo le preguntaron, en Harvard, por la dicotomía entre inteligencia y atletismo: con qué se identificaba más. “Para ser honesto, nunca le doy a nadie una respuesta directa porque odio la dicotomía. Odio el hecho de que tenga que ser uno u otro. Odio el hecho de que no hay posibilidad para ambos»,

Boston y racismo, un puente que Brown prefiere quemar

Brown fue seleccionado con el pick 3 del Draft de 2016 para los Celtics.

Boston, no es un destino más, la historia de sus habitantes blancos con los atletas negros no es fácil. Es una clara cultura católica, con raíces en su inmigración irlandesa, sus ciudadanos son conservadores, a pesar de estar rodeada por universidades “progrs” como Harvard o el MIT. Los Celtas juegan al nivel de los Lakers.

En los 60, cuando se iba de gira al regresar su casa estaba vandalizada por ser una persona, un atleta negro que peleaba por los derechos civiles.

James Lebron denunció los ataques racistas que sufre cada vez que juega de visitante en el TD Garden de Boston,

Sabiendo que hay mucho por hacer, Brown creo el “Programa Bridge”, que asesora a jóvenes negros que sean estudiantes de secundaria de Boston y estén interesados ​​en seguir carreras en programas STEM, un acrónimo para englobar los estudios en ciencia, tecnología, ingeniería y matemática.

Brown eligió Berkeley, por ser donde se organizaron los Panteras Negras, donde Martin Luther King Jr habló frente a una multitud de estudiantes, allí militó Shareef Abdur-Rahim un exNBA.

Brown encabezó las protestas teas la muerte de George Floyd (2) en Georgia.

“No importa que tan alto seas y qué tan bien jueges, el básquet es lo que haces, no todo lo que quieres. Se te mide por la huella que dejas en el mundo. Y para verdaderamente dejar una huella hay que hacer lo correcto y denunciar lo incorrecto”, Dice que ese es el mantra de su madre.

No exento de escándalos, quizás enormes errores, como su relación con el rapero Ye -antes conocido como Kayne West– cuando el artista lanzó su marca Donda Sports. Su reacción fue a destiempo al alejarse de la escuela o secta creada por Ye, cuando el músico entró en un espiral de racismo -llamó a la esclavitud «una elección»-, antisemitismo y agresiones a Kim Kardashian, su exmujer y madre de sus hijos.

Es figura principal, y convierte como superestrellas de la calidad de jugadores como Tatum, recibió el premio MVP, otorgado al jugador cuya contribución al equipo es mayor entre sus compañeros de equipo. Michael Jordan es el jugador que ha ganado más veces el MVP de las finales NBA, con 6 trofeos.

Brown, es el jugador que asustó al negocio por ser inteligente, quizás demasiado. 

Catástrofes en miniatura

Desde pequeño, Thomas Doyle (1976) se sintió atraído por los dioramas de los museos a los que lo llevaba su madre.

Estaba condenado a convertirse en un escultor de bonsáis apocalípticos que flirtea constantemente con el modelismo, tomando prestados sus materiales, para construir miniaturas (a escala 1:43 o incluso más reducidas) en las que, de manera tan hiperbólica como obsesiva y recurrente, los vecinos de tranquilas zonas residenciales se enfrentan a hecatombes naturales en forma de gigantescos derrumbamientos de tierras.

Toda una metáfora de la amenaza de desastre ecológico que pesa sobre Suburbia desde siempre, aunque solo se haya tomado conciencia de ello en las últimas décadas.

Atlanta, La meca negra

“Viviendo en los suburbios del sur de Atlanta era fácil olvidarse de los blancos. Los blancos son como las crías de paloma: son reales y existen, pero rara vez se piensa en ellas”, escribió la afroamericana Z. Z. Paker en un relato titulado “Brownies” publicado en 2003.

Apenas un lustro después, la fotógrafa Sheila Pree Bright (1967) agrupó en un libro titulado “Suburbia” sus trabajos realizados en casas de clase media alta en la periferia de Atlanta para colmar un vacío, ya que hasta entonces la minoría racial a la que pertenece no había sido representada en el barrio. Para evidenciar esa ausencia de representación optó por no mostrar a los habitantes de las casas, dejando tan solo algunas pistas sobre sus orígenes.

Notas

1

El draft​ es el proceso utilizado en los Estados Unidos, Canadá, Australia y México para asignar determinados jugadores a equipos deportivos. Los equipos se turnan en la selección de entre un grupo de jugadores que son los elegibles.

2

La muerte de George Floyd ocurrió el 25 de mayo de 2020 en el vecindario de Powderhorn, en la ciudad de Mineápolis, como resultado de la brutalidad policial del oficial Derek Chauvin, quien lo mató de asfixia al presionar con su rodilla el cuello de Floyd contra el pavimento durante 8 minutos y 46 segundos. En pocos días, el hecho generó una oleada de indignación y protestas a lo largo del país en contra de la brutalidad policial, racismo, la xenofobia y los abusos hacia ciudadanos afro estadounidenses. Las protestas se extendieron a otras ciudades del mundo.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Desde que se instaló en Raleigh

(Carolina del Norte) en 2008 Alberto Ortega (Sevilla, 1976) ha centrado única y exclusivamente su ingente obra de pintura al óleo en ambivalentes escenas nocturnas de las calles de los barrios residenciales, entre los años cincuenta y la actualidad. Intrigado por el influjo de Suburbia en el cine, la literatura y las artes visuales, Ortega ha fabricado su propia narrativa suburbana a partir de casas, automóviles y personajes en miniatura que dispone como modelos a su gusto para tener un control total de la puesta en escena, la iluminación y la composición de todos los elementos.

Y este vuelve a ser el caso, una vez más, de dos cuadros presentados por primera vez en esta exposición.

Protegidos por la Segunda Enmienda

Desde el 12 de diciembre de 1791, la Segunda Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos de América garantiza el derecho a poseer y llevar armas.

Nada puede alterar este derecho fundamental.

En 2023, en la mitad de los 50 estados se puede llevar un arma sin licencia ni control alguno. Hay más de un arma (legal) por habitante.

En medio de esta realidad, el fotógrafo italiano Gabriele Galimberti (1977) retrató a auténticos y muy orgullosos coleccionistas de armas de todas las razas, edades y clases sociales.

A lo largo y ancho de Estados Unidos.

Para ellos, «lo único que puede parar a un mal tipo con un arma es un buen tipo con un arma».

Vestigios

No es fácil fotografiar a los muertos.

Angela Strassheim empieza por localizar una vivienda en a que se haya cometido un asesinato doméstico y, a continuación, negocia el acceso con quienes viven en ella actualmente.

Una vez dentro, ella y un ayudante se encierran durante horas prácticamente a oscuras mientras ella toma largas exposiciones del ADN de la sangre de las víctimas, que se hace visible gracias a un producto químico denominado Blue Star. Por último, un proceso de posproducción establece las tonalidades para revelar finalmente restos de luchas y vidas perdidas.

Ocultos a simple vista, los muertos permanecen en los pequeños apartamentos y casas modernas en los que su sangre salpicó paredes y suelos, en las mismas habitaciones donde rieron y amaron.

Sacados a la luz en estas fotografías, el mundo de los muertos y el de los vivos son tan inseparables como los actos de rabia y amor que allí se produjeron.

Cada escena resucita las pasiones contradictorias que cohabitan en el espacio doméstico y luego las derrumba en un único encuentro fotográfico que no puede resolver sus propias contradicciones ni las nuestras. Cual heridas abiertas, los espacios domésticos de Strassheim se niegan a cicatrizar, se niegan a seguir adelante, se niegan a cambiar su historia de una vez por todas ante la violencia.

Atrapados en estos espacios, los espectros de sangre de Strassheim no gimen ni rechinan de dientes. Tan solo tienen un poder: permanecer.

Permanecen después de que los suelos se hayan limpiado con los disolventes más fuertes conocidos por el ser humano. Permanecen después de que se hayan pintado las paredes.

Permanecen, se les recuerde o no. Angela Strassheim da testimonio de su incesante presencia. Juntos transforman el ADN imborrable y la luz pasajera en oscuros memoriales de traición y desesperación.

Una vez dentro, no hay salida: el ADN de su sangre se convierte lentamente en el ADN de nuestra sangre, inscrito en paredes y suelos familiares, vestigios de la violencia que terminó con sus vidas, que ahora y siempre atormenta a las nuestras. Vince Leo

El infiero de las MCmansions

La atrofia del sueño americano

El lado insaciable de la cultura del éxito alcanzó la cumbre de su expresión arquitectónica en las casas unifamiliares de construcción barata y gran ornamentación que más tarde se conocerían como «McMansions» y que surgieron en los primeros años de la era Reagan.

El tamaño medio de las viviendas unifamiliares en Estados Unidos ha seguido creciendo: de 74 m2 en 1950 a 195 m2 en 1990 y 230 m2 en los últimos años.

Perseguir el sueño americano implica mudarse a una casa cada vez mayor, hasta llegar a las McMansions que, en su apogeo en la década de 2000, ¿llegaron a alcanzar superficies construidas de más de 1.500 m2?.

En su página web McMansionHell, la crítica de arquitectura Kate Wagner analiza el aspecto de estas viviendas y comenta en un tono hilarante los aspectos más llamativos, que pueden interpretarse únicamente como una desesperada e ilusa demostración de estatus.

¿Post Suburbia?

Hace más de treinta años que Suburbia está sentenciada a muerte: los apóstoles del Nuevo Urbanismo, que pretendían transformarla en un modelo más sostenible, alertaban de que el petróleo estaba a punto de acabarse.

Pero hoy en día, ocho de cada diez estadounidenses viven dispersados, las viviendas unifamiliares siguen representando el 75% de las zonas residenciales, solo un 6,8% de la población vive en áreas urbanizadas con distancias salvables a pie y en el 98,8% del suelo estadounidense sigue siendo ilegal convertir las áreas residenciales en zonas de uso mixto, lo cual sería necesario para reducir los desplazamientos. Las diferencias socioeconómicas se han extremado en la periferia sin fin de las ciudades americanas.

Suburbia es más abierta, aunque también más desigual. Pese a todo esto, la feliz postal de los años cincuenta continúa anclada muy profundamente en el imaginario popular y colectivo como si el tiempo no le hubiera pasado por encima.

En la campaña de las elecciones de 2020, el entonces presidente Donald Trump se erigió en guardián del “suburban lifestyle dream” y se dirigió a las” suburban housewifes” para asegurarles que iba a protegerlas de la “invasión” de residentes con bajos ingresos que podrían devaluar sus propiedades y convertir el sueño en una distopía.

Trump no contaba con que la mayoría de las mujeres que son madres trabajan fuera de casa. Tampoco con que los suburbios se habían diversificado y ya no eran tan tradicionalmente conservadores. Un fallo de cálculo que muy probablemente le costó la Casa Blanca.

Postales distorsionadas de los años cincuenta

Los bancos de imágenes están llenos de estampas felices de la era Eisenhower.

Documentan los más diversos aspectos de la vida suburbana: niñas jugando con su hula-hoop, mujeres cocinando, maridos regresando a casa o familias enteras mirando la televisión. ¿Pero son reales o más bien se trata de actores recreando situaciones cotidianas con fines publicitarios? La fotógrafa polaca Weronika Gesicka (1984) se hizo la pregunta y concluyó que, de cualquier forma, habían quedado suspendidas entre la realidad y la ficción, cual cliché congelado como ideal de políticos ultraconservadores.

Y manipuló decenas de ellas con un simple Photoshop evidenciando el absurdo y elevándolas a una dimensión completamente surrealista que contrarresta e invalida la nostalgia interesada en propagar un ideal ficticio.

El nuevo Melting Pot

La era de la diversidad

En 2044, Estados Unidos será un país de minorías.

Los blancos perderán su hegemonía mayoritaria en favor de la suma de hispanos, afroamericanos, asiáticos y otras minorías.

Los barrios residenciales ya dejaron de percibirse como un paisaje completamente blanco a partir de los años ochenta, momento en el que la llamada white flight (migra-ción blanca) alzaba de nuevo el vuelo hacia suburbios más alejados (exurbs) huyendo de las minorías, sobre todo de los afroamericanos, que se aventuraban en el supuesto paraíso de vallas blancas que les había sido históricamente vetado.

Ferguson, suburbio de Saint Louis célebre por la muerte de Michael Brown (1) en 2014, había sido completamente WASP (acrónimo en inglés de blanco, anglosajón y protestante), pero cambió de color a medida que los afroamericanos de clase media se quedaron a vivir con los blancos más pobres. Al mismo tiempo, también se han desa-rollado prósperas comunidades con mayoría asiática, como la emblemática Monterey Park, conocida como el «Beverly Hills chino» a partir de los años ochenta, o los suburbios afroamericanos de Atlanta, «la Meca Negra del Sur», que obtuvieron una reivindicativa visibilidad gracias a los trabajos de las fotógrafas Jessica Chou y Sheila Pree Bright.

Carmen de la Guardia Herrero analiza, a través de las vidas de dos de las mujeres más interesantes de la generación que comenzó su edad adulta en los años veinte y treinta del siglo XX, Victoria Kent (1892 – 1987)y Louise Crane (1913 – 1997), el poder de una red de amigas y los enormes logros conseguidos gracias al apoyo y cariño entre todas ellas.

Además, se asoma a la vida de estas dos emblemáticas mujeres en una de las ciudades más cosmopolitas del mundo; el Nueva York donde creció la filántropa americana y editora Louise Crane y al que se exilió la abogada, política republicana y editora Victoria Kent terminada la Guerra Civil, después de refugiarse en Francia y México. En la década de los cincuenta, Victoria y Louise iniciaron su relación afectiva, mientras el franquismo condenaba al olvido la trayectoria de todas las modernas españolas; años en los que las niñas que crecían y estudiaban en España fueron educadas con ejemplos equivocados, que debían conducirlas a los espacios de sometimiento y silencio deseados por la dictadura.

Carmen de la Guardia Herrero es Catedrática del Departamento de Historia Contemporánea de la Universidad Autónoma de Madrid y Directora asociada del programa graduado de la School of Spanish del Middlebury College.

Editado en febrero de 2016 por Silex Ediciones. 328 pp. ISBN 8477376182.

Neighbours (Norman McLaren,1952)

Suburbia. La construcción del sueño americano nos sumerge en el imaginario de la idílica casa familiar de los barrios residenciales y muestra cómo este estilo de vida ha sido vendido y promovido a través de la ficción y la industria del entretenimiento.

La exposición retrocede a los orígenes de los barrios residenciales a principios del siglo XIX, explicando su desarrollo masivo en los años cincuenta y repasando el contexto económico, político y social que hizo posible su expansión imparable por todos los Estados Unidos. También explora cómo este modelo idílico se ha exportado por el mundo, poniendo especial énfasis en su influencia en la formación de los suburbios de Cataluña. 

A propósito de la exposición, proponemos una selección de cinco películas del catálogo del Archivo Xcèntric que revisan la vida familiar en los suburbios a través del cine de reapropiación, la animación y las películas caseras.

Neighbours, Norman McLaren, Canadá, 1952, 8’

La vida apacible de dos vecinos es interrumpida por la aparición de una flor en la frontera entre sus respectivos terrenos. La discusión por la propiedad de la flor desemboca en una pelea en stop-motion que se lleva por delante el vecindario, evidenciando la barbarie contenida en el supuesto orden de la propiedad privada.

Home Stories, Matthias Müller, Alemania, 1990, 6’

Matthias Müller se apropia de metraje de películas del Hollywood clásico para montar una pieza que pone de manifiesto la codificación mediante el cine de la apariencia, los gestos y los miedos del ama de casa norteamericana, aislada en su mansión suburbial.

Pièce touchée, Martin Arnold, Austria, 1989, 15’

Mediante la repetición y el cambio de velocidad, Martin Arnold manipula el montaje de una escena arquetípica, la llegada del marido a casa después de la jornada laboral. El resultado es una coreografía hipnótica que desnaturaliza los gestos cotidianos para hacer emerger su naturaleza mecánica.

Schmeerguntz, Gunvor Nelson, Estados Unidos, 1965, 15’

Un flujo de imágenes publicitarias —mujeres e interiores de revista; mujeres positivas y alegres; madres y esposas ejemplares, perfectamente arregladas, durante las labores de la casa— discurre sin interrupción, aunque en el mismo se mezclen imágenes que las cuestionan, al sugerir que el trabajo del hogar y la maternidad no son tan fáciles ni agradables; que los electrodomésticos pueden estropearse y necesitar arreglo, que las tuberías pueden atascarse y requerir fontanería.

Yard Work is Hard Work, Jodie Mack, Estados Unidos, 2008, 28’

Jodie Mack propone una parábola musical sobre el amor en los tiempos de las hipotecas subprime. La protagonista hace todo los que se espera de ella: enamorarse, casarse, tener hijos y, evidentemente, hipotecarse. La película está formada por un collage animado con los retazos de las revistas que, justamente, promocionan este estilo de vida: las revistas de moda, de viajes, de interiorismo y los anuncios clasificados de los periódicos. Una romcom satírica acechada por la crisis financiera de 2008.

CCCB mirador

Centre de Cultura Contemporània de Barcelona

Montalegre 5 (080019 Barcelona 93 306 4100  www.cccb.org

Una excelente noticia. El CCCB abre al público la Sala Mirador, el espacio más emblemático del Centro. Situada en la 5ta. Planta,

Horario de 11 a 20 hs. La entrada es gratuita.

A través de la fachada de Cristal se puede contemplar Barcelona desde una perspectiva diferente, el mar, el Raval y el barrio Gótico, Montjuic, el Tibidabo y la torre de Collserola.

El Raval es un barrio de Barcelona multicultural donde el 60,94 % de la población (29 441 de las 48 263 personas ha nacido en el extranjero). Datos estadísticos de los barrios Ayuntamiento de Barcelona. 2024.

Ubicado en el distrito de Ciudad Vieja, nacido de la ampliación de las murallas medievales de la ciudad, probable existieron asentamientos anteriores.

Delimitado por la avenida del Paralelo con el barrio del Pueblo Seco, por las rondas de San Pablo y San Antonio con el barrio de San Antonio, y por la calle de Pelayo y La Rambla con el Barrio Gótico.

El distrito de Ciudad Vieja (Ciutat Vella) es uno de los diez distritos en que se divide administrativamente la ciudad de Barcelona.

Comprende todo su centro histórico, con una extensión de 4,37 km² y una población de 104 507 habitantes (INE 2010). 

También es conocida la calle de la Cera, con una gran e histórica comunidad de etnia gitana.

Su nombre proviene de los ríos de cera formados por las numerosas velas colocadas ante la virgen de esa calle, para protegerse de la peste.

De esta comunidad surgió la rumba catalana.

Popularmente conocido como el Barrio Chino de Barcelona, denominación acuñada por el periodista Paco Madrid (1900 – 1952) en un artículo publicado en el semanario El Escándalo.​

Los habitantes del barrio de esta época inspiraron a artistas como Pablo Picasso (1881 – 1973) durante el período de su obra denominado período azul.

El Barrio Gótico (Gótico levantino o Gótico mediterráneo) es el núcleo de los cuatro barrios que forman el distrito de la Ciudad Vieja de Barcelona. Alli se encuentra la judería.

En el Barrio Gótico se encuentra la Basílica de la Merced construyó entre 1765 y 1775, por el arquitecto catalán José Mas Dordal (1808 -? ), la Casa de la Pia Almoina también conocida como la Canonja.

Están los Barrios de la Mercé, de la Ribera, el Palacio Real Menor.

La Plazuela de Manuel Ribé (Se creó a consecuencia de la destrucción que provocaron las bombas de los aviones italianos durante la Guerra civil española).

La Plaza del Rey, en el Distrito de Ciutat Vella. La Plaza esta rodeada de edificios góticos y renacentistas.

La Torre de Collserola es una torre de telecomunicaciones situada en el Cerro de la Villana (a 445,5 metros sobre el nivel del mar).

Fue construida en 1990/92 con motivo de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Tiene un mirador público en su piso 10. La torre tiene 288,4 metros, diseñada por el Arq. Norman Foster (1935), la ingeniería Arup y los ingenieros de caminos Julio Martínez Calzón (1938 – 2022) y Manuel Julià Vilardell.

Nota

1

La muerte de Michael Brown de 18 años se produjo el 9 de agosto de 2014. Fue abatido a tiros cuando, bajo sospecha de asalto, agresión y robo.

Wilson, un agente de policía de Ferguson, dijo que se produjo un altercado cuando Brown lo atacó en su vehículo policial para tomar la pistola de servicio de Wilson. La lucha continuó hasta que se disparó la pistola.

Johnson, un amigo que acompañaba a Brown, dijo que Wilson inició una confrontación agarrando a Brown por el cuello a través de la ventana de la patrulla de Wilson, amenazándolo y luego disparándole.

El incidente desencadenó una serie de reacciones en la zona metropolitana de San Luis y también a nivel nacional, incluyendo manifestaciones pacíficas, 16​ protestas, enfrentamientos violentos de la población negra con la policía, varias formas de manifestaciones sociales 17​ y la demanda popular de una investigación de los hechos.

El 11 de agosto el FBI abrió una investigación del tiroteo, y al día siguiente el presidente de los Estados Unidos Barack Obama hizo una declaración pública de condolencias a la familia de Brown, disponiendo recursos federales para la realización de las investigaciones.

Continúa en http://onlybook.es/blog/suburbia-5ta-parte/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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“Cada ama de casa de los suburbios luchaba sola contra ello. Mientras hacía la camas, iba a la compra, combinaba el material de las fundas, comía bocadillos de mantequilla de cacahuete con sus hijos, hacia de chofer de Cub Scouts y Brownies o se acostaba junto a su marido por la noche, temía hacerse incluso a si misma la pregunta silenciosa: ¿esto es todo?.”

Betty Friedan. La mística de la femeneidad. 1963

Reinas del Hogar

La esfera de la mujer

En los años cincuenta, toda una generación de mujeres que había tenido acceso a estudios universitarios se encontró atrapada en casa suburbanas a kilómetros del centro, rodeada de un variadisimo ejército de electrodomésticos comercializados y publicitadis durante el frenesí consumista de posguerra, un período de bonanza económica.

“En La mística de la femeneidad” (1963), ensayo premiado con el Pulitzer y con ventas iniciales de mas de un millon de ejemplares, la activista feminista Betty Friedan (1921-2006) identificó este sentimiento de frustación como “el problema que no tiene nombre”, que se manifestaba con síntoma tan graves como ansiedad, neurosis, insomnio, alcoholismo o incluso suicidio, Apenas una década despues, Ira Levi (1929 . 2007), autor de la muy urbana “La Semilla del diablo”, logro otro bestseller con “Las poseidas de Stepford”, una mordaz distopía en la que las amas de casa de un privilegiado suburbio de Connecticut habían sido sustituidas por réplicas robóticas para conseguir la sumision absoluta, una metáfora tan brutal como certera.

Estos productos forman parte de la colección privada de Alfaro Hofmann:

El Color del Paraiso

Solo para blancos

A su regreso de la Segunda Guerra Mundial, los afroamericanos no tuvieron derecho a los préstamos hipotecarios de los que se beneficiaron sus compañeros de armas blancos. Ni los promotores inmobiliarios, ni los propios vecinos, preocupados por el valor de sus propiedades, les abrieron las puertas de su exclusivo paraíso residencial. Quedaron hacinados en atestados guetos urbanos que además quedaban expicitamente señalados para prevenir cualquier tipo de inversión, publica o privada.

Con la excusa de la “renovacion urbana”, desatada con la construcción de autopistas, muchs de esos barrios fueron destruídos. El derecho a una vivienda digna fue una de las claves de la lucha por los derechos civiles de los años sesenta; en 1968 apenas una semana despues del asesinato de Martin Luther King (1929 – 1968), la Cámara de reprsentantes aprobó la Fair Housing Act, una ley firmada por el presidente Lyndon Johnson (1908 – 1973) para acabar con la discriminación en el alquiler o venta de bienes inmuebles por cuestiones de raza, religión u orígenes nacionales.

Los derechos civiles según Rockwell

El ilustrador norteamericano mas popular del siglo XX, Norman Rockwell (1894 – 1978), había dibujado con la mayor ternura el día a día de la clase media a lo largo de más de 300 portadas para The Saturday evening Post.

Cuando ya habia cumplido 70 años, dio un giro radical a su carrera y se implicó en la lucha por los derechos civiles de la comunidad afroamericana a través de sus trabajos para la revista Look.

Despues de retratar el primer día de escuela de la pequeña Ruby Bridges (1) en 1964, mostró la llegada de un grupo de niños afroamericanos a Park Forest en 1967, ilustrando un reportaje -titulado con un hoy incorrecto “Negro in the Suburbs”- dentro de un monográfico especial Suburbia.

En agosto del 2023, tuve el enorme placer de visitar el maravilloso, encantador y enorme Museo Norman Rockwell, en Stockbridge, Massachusetts.

Fue fundado en 1969 en el lugar donde Rockwell vivió sus últimos 25 años. Inaugurado en 1993, el edificio fue diseñado por el ganador del Premio Driheaus 2011 (2), el arquitecto Robert Stern.

Robert Arthur Morton Stern (1939) radicado en Nueva York, es socio fundador del estudio Robert AM Stern Architects, también conocido como RAMSA.

Desde 1998 a 2016 fue Decano de la Escuela de Arquitectura de Yale.

Imposible visitarlo solo una vez, pasé alli toda la tarde, además de las 574 obras de arte originales de Rockwell, el museo alberga sus archivos, una colección de más de 100.000 artículos, fotografías, cartas de fans entre otros documentos.

Norman Rockwell

Norman Percevel Rockwell fue un ilustrador, fotógrafo y pintor estadounidense célebre por sus imágenes llenas de ironía y humor.

A los 14 años descubre que su verdadera vocación es la ilustración, y asiste a las clases de arte de la Chase School en Manhattan.
A los quince años, abandona los estudios para ir a la National Academy School, donde hacía copias de vaciados en yeso.

En 1910, con 16 años Rockwell se trasladó a la Art Students League, sus maestros fueron George Bridgman y Thomas Fogarty.

En 1916, con 22 años es ilustrador oficil del Saturday Evening Post, una revista de actualidad y sociedad, lo hace durante 47 años.

Admirado e imitado, hizo publicidad para McDonald’s o Coca-cola, cereales, chicles, neumáticos, etc.

En su libro “Mis aventuras como ilustrador”, menciona los rabajos de su amigo Joseph Christian Leyendecker como inspiracion e influencia.

Representó las actitudes del caracter de los niños, corriendo, burlándose de otros, tomando el desayuno, yendo a la escuela o jugando al baseball.
Dedicó un cuadro en 1942 de carácter publicitario «Démosle suficiente y a tiempo», un llamamiento público para apoyar a los soldados. o «La lealtad del Boy Scout».
Libertad

De esta convulsa época destaca su serie de «Libertad», formada por varios cuadros:

«Libertad de la necesidad», de 1943, que representa a una familia reunida en torno a una mesa el día de Acción de Gracias.

«Libertad de expresión», del mismo año.

«Libertad del miedo» y por último.

«Libertad de culto», considerada por muchos su obra maestra, plena en emoción, detalles y solemnidad.

Ya en la década de los 50 y 60, Rockwell volvió a sus temas amables y tiernos, representando imágenes navideñas, familias reunidas, viajes familiares en automóvil, interiores de tiendas o barberías, heladerías con niños, e incluso hizo algunas obras repletas de ironía, como «El entendido», de 1962, donde representó a un hombre de espaldas observando con pose afectada un cuadro perteneciente al Expresionismo abstracto, propio de pintores como Pollock, por los que Rockwell se sentía atraído.

Mientras Rockwell pensaba en implementar su idea, en una reunión del consejo de la ciudad, uno de sus vecinos habló y, a pesar de que nadie estuvo de acuerdo con él, se le dio la oportunidad de hablar. ¡Rockwell se dio cuenta de que era exactamente lo que necesitaba! «De repente recordé cómo Jim Edgerton se puso de pie en la reunión del consejo de la ciudad y dijo algo que no agradó a los presentes. Pero se le dio la oportunidad de hablar. Nadie le dijo que se callara. Oh Dios, pensé. Aquí lo tienes. Libertad de expresión. Ilustraré las Cuatro Libertades usando a mis vecinos de Vermont como modelos «. (4)

Comenzó el trabajo, con una tensión increíble, trabajó como un poseso durante muchos meses. Rockwell invitó a los residentes de Vermont a su estudio. Un amigo del artista recordó que trataba a sus modelos como invitados de honor y dijo que el éxito de sus cuadros dependía de ellos: “Si tus modelos sienten que eres su amigo, no el jefe, si les haces sentir que son importantes para el éxito de tus cuadros, te ayudarán en todos los sentidos. Después de terminar su trabajo, entregó a todos un sobre sellado con un cheque.

A mediados de los 60 y principios de los 70, Rockwell recupera su punto mordaz y crítico con la sociedad: los cambios políticos que entonces sufrió norteamérica, entre ellos los de la integración de los negros, la lacra del racismo y la investidura del presidente Kennedy, fueron tomados e interpretados por Rockwell, quien siempre abogó por la multiculturalidad, la integración y sobre todo, la defensa del débil y el apoyo a los negros perseguidos o insultados: de este período destacan obras impactantes como «El problema con el que convivimos todos», de 1964, donde representa con delicada intensidad a una niña negra que tiene que ir escoltada a la escuela, víctima de los insultos y agresiones de otros ciudadanos; o el magnífico lienzo «La regla de oro», de 1961, donde queda patente su pasión por la defensa de los derechos humanos, su religiosidad y su respeto a todas las razas.

Un reportero en las afueras

Bill Owens (1938), las conradicciones de la clase media

Publicado en 1972, el hoy icónico libro “Suburbia” recogía 127 fotografías en blanco y negro de la zona residencial californiana donde todavía vive su autor, el entonces reportero Bill Owens, que se dedicó a inmortalizar a sus vecinos y amigos para plantear una panorámica de la vida suburbana. Owens, que habia cubierto las protestas contra la guerra de Vietnam o el traumático concierto de Altamont (3) se encontró viviendo con su familia en un pasiaje amigable en el que detectó sutiles contradicciones que decidió catalogar creando una obra a medio camino entre los “nuevos documentalistas” de los años sesenta, como Diane Arbus (1923 – 1971) o Garry Winogrand (1928 – 1945), y las lecturas irónicas mas conceptuales y polsmodernas que estaban por venir.

Bille Owens

“En nuestra casa, la sala de estar esta situada en la parte de atrás, de manera que por la noche nos sentamos delante del garaje y vemos pasar el tráfico”.

Gelatina de Plata. 1972. Archivo de Bill Owens en Milano

En 2007, esta vez a todo color, volvió a retratar los alrededores de Hayward, en el mismo condado de Alameda, recogiendo las fotografías en una antología introducida por el relato de la siempre ácida  A. M. Homes (1961) Un premio para cada jugador (del libro Dias Temibles), en el que una familia se divide la lista de la compra y sus miembros compiten entre si dentro de un gigantesco centro comercial.

Una Sociedad Adúltera  

En 1968, John Updike (1932-2009), como antes lo fue su admirado John Cheever, también llegó a ser portada de Time, pero no tanto por su prestigio literario como por el lucrativo escándalo causado por su novela “Parejas”, en la que narraba la utopía erótica de los vecinos de Tarbox, ficticio suburbio de Nueva Inglaterra, basada en el intercambio de parejas.

Ese mismo año se estrenó “Suburban Roulette” (1968), película de serie B sobre otra comunidad de swingers.

No era casualidad ya que, por lo menos desde la publicación de “The Split-Level Trap “(1961), el llamado “informe Kinsey de los suburbios”, los barrios residenciales empezaron a imaginarse como un entorno amoral habitado por jóvenes parejas consideradas como promiscuas en infinidad de novelas pulp.

Orrie Hitt, Sexurbia County, Beacon Books, Nueva York 1960.

Richard E. Gordon, Katherine K. Gordon y Max Gunther, The Split-Level Trap, Bernard Geis Associates, Nueva York 1960.

Dean Hudson, Passion Suburb, Midnight reader, 1962.

Jay Carr, Suburban Lovers, Monarch Books, Nueva York 1962.

John Conway, Love in Suburbia. They Spiced their Lives with Other Men’s Wives, Monarch Books, Nueva York 1964.

Matthew Bradley, Adultery in Suburbia, Gold Star Books, The New International Library, Derby, Connecticut 1964.

La Pesadilla Residencial

Splitnik, La casa como Propaganda

Y la noche se hizo en Suburbia, lo que había sido un sueño devino en pesadilla. La idea de un lugar seguro, saludable y alegre se contaminó progresivamente de miedos, terrores y paranoias.

Se corrieron cerrojos y se instalaron alarmas. Al fin y al cabo, en la tradición gótica americana, la casa, a menudo encantada, siempre había sido una fuente de horror: el mal anidaba dentro, enterrado entre los secretos familiares.

Con la aparición de las viviendas en serie se consolidó un nuevo subgénero, denominado “gótico suburbano”, que empezó a manifestarse tanto en la literatura como en el cine.

A diferencia del gótico tradicional, en este nuevo paisaje la residencia familiar ya no estaba anclada en ningún territorio determinado, como antaño en Nueva Inglaterra, sino que, con su valla blanca y su césped verde, podía estar en cualquier parte del país. Y el mal venía de fuera, amenazaba con invadir el hogar, incluso con devaluarlo. También podía ser el vecino de al lado, tan amable con su cortadora de césped. Bajo la apariencia de reluciente normalidad, los suburbios americanos siempre esconden grietas por las que se cuela el terror.

Atomurbia

Refugios en elpatio trasero

En la geografía de la dispersión interviene el miedo atómico. “Atomurbia” es el nombre que se dio a un proyecto delirante que apareció en las páginas de Life ya en 1947, ante la posibilidad de una guerra atómica, la solución del sociologo William Ogburn (1886 – 1959) consistía en dispersar a la totalidad de la población estaounidense por toda la geografia del pais, reubicando a 20 milones de pesonas con un coste de 5 billones de dolares al cambio actual. Nadie se lo tomó demasiado en serio. Pero el 6 de Octubre de 1961, cuando el presidente J.F.Kennedy (1917 – 1963) hizo un llamamiento para que las familias pudieran protegerse de un posible ataque nuclear, la demanda de refugios económicos “hagalo usted mismo” se disparó. Aunque su efectivid resulta hoy de lo mas cuestionable, miles de sótanos y patios traseros se acndicionaron para poder resistir un ataque nuclear. La cifra es incalculable porque no requerían permiso y solían construirse en secreto para no tener que compartir el restringido espacio con los vecinos.

Disturbia

Nuevo gótico americano

Ya en 1960, la pareja de psicólogos de Nueva Jersey Richard y Katherine Gordon, en su libro “The Split-Level Trap”, acuñaron la palabra Disturbia para recopilar las ansiedades de los habitantes del suburbio, unos temores que tanto la ficción como la vida cotidiana se han encargado de ir ampliando a lo largo de las últimas décadas.

El concepto de una casa en medio de la noche, donde la oscuridad circundante ya representa una amenaza, se ha convertido en algo más que un motivo recurrente para infinidad de fotógrafos y artistas americanos. Es casi una obsesión. El miedo a la invasión del hogar, a la visita de algún asesino en serie o de meros ladrones, combinada con el aislamiento suburbano, explica en parte la desmedida pasión por las armas de fuego de los americanos, protegidos por la Segunda Enmienda. A la creciente sensación de inseguridad contribuye también el deterioro de un paisaje periférico que desde la crisis de 2008 tiene un nivel de pobreza más elevado que los centros urbanos gentrificados.

La América insomne

Las fotografías del siempre oscuro

Gregory Crewdson (1962) realiza grandes producciones cinematográficas reducidas a un solo plano, elaboradas puestas en escena -incluso con efectos especiales como nieve artificial- que nos devuelven un testimonio sonámbulo de la pesadilla americana.

Esto resulta particularmente cierto en la serie “Dream House” -rodada- por así decirlo en la casa intacta de una persona fallecida en las afueras de Rutland (Vermont) con participación de estrellas del cine tan conocidas como Tilda Swinton, Gwyneth Paltrow, William H. Macy, Dylan Baker, Julianne Moore o Philip Seymour Hoffman, cuya presencia evidencia aún  más la atmósfera irreal de esta serie de enigmáticas escenas situadas entre lo cotidiano y lo desconcertante.

Norman Mailer

An American Dream.

The Dial Press. Nuva York. 1965

Phyllis McGinley

A Sort Walk from the Station

Dibujos de Roberta Macdonald

The Viking Press. Nueva York.1951

John McPartland

No Down Payment

Simon & Schuster. Nueva York. 1957

Rick Moody

The Ice Storm

Abacus. G Bretaña. 1994

Tom Perrota

Election. 1988

Penguin Random House Company. Nueva York

Little Children

St. Martin Press. Nueva York. 2004

Thomas Pynchon

The Cryinf of LOT 49

Lippincott Company. Filadelfia-Nueva York.1966

John Updike

A month of Sundays. 1975

Rabbit is Rich. 1981

Rabbit Redux. 1988

S. 1988

Rabbit at Rest. 1990

Rabbit, Run. 1994

In the Beauty of the Lillies. 1996

Alfred A. Knopf. Nueva York.

Sloam Wilson

The Man in the Gray Flannel Suit.

Simon & Schuster. Nueva York. 1955

Peter Wyden

Suburbia´s Coddled Kids

Ilustraciones de F.B. Modell

Doubleday & Co. Inc. Nueva York. 1962

Richard Yates

Revolutionary road

Methuen, Londres. 2001

Notas

1

“El problema con el que todos vivimos” es una pintura de 1964 de Norman Rockwell que se considera una imagen icónica del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos.  Representa a Ruby Bridges (1954) una niña afroamericana de seis años, de camino a la escuela primaria William Frantz, una escuela pública exclusivamente para blancos, el 14 de noviembre de 1960, durante la crisis de desegregación escolar de Nueva Orleans.

Debido a las amenazas de violencia contra ella, está escoltada por cuatro alguaciles adjuntos de Estados Unidos, la pintura está enmarcada de modo que las cabezas de los mariscales queden recortadas a la altura de los hombros, lo que convierte a Bridges en la única persona completamente visible. 

En la pared detrás de ella están escritos el insulto racial » nigger » y las letras » KKK «; También se ve un tomate aplastado y salpicado arrojado contra la pared. Los manifestantes blancos no son visibles, ya que el espectador mira la escena desde su punto de vista. La pintura es óleo sobre lienzo y mide 91 cm de alto por 150 cm de ancho. 

2

Habían pasado 50 años de la tragedia de Altamont, el concierto de los Rolling Stones que terminó en sangre y muerte.

El joven Meredith Hunter, con su traje verde y su pelo afro, segundos antes de la tragedia. Captura del documental Gimme Shelter.

El 6 de noviembre de 1969 se organizó -mal y en poco tiempo- un festival que pretendía ser el Woodstock de la Costa Oeste. Los encargados de la seguridad fueron Los Ángeles del Infierno, una banda de motoqueros con un historial de violencia irracional, delitos, racismo y machismo. Cuando Mick Jagger estaba en el escenario, comenzó el horror.

Se respiraba un clima de alegría y esperanza. La alineación del festival era impecable: Santana, Flying Burrito Brothers, Jefferson Airplane, Crosby, Stills, Nash and Young, Grateful Dead y los Rolling Stones. Hubo dos víctimas fatales tras ser atropelladas y uno por sobredosis. Cuatro muertos en unas pocas horas, Meredith Hunter, afrodescendiente de 18 años (1951 – 1969), que había sido golpeado por uno de los Ángeles, éste luego fue hasta su auto a buscar un arma, y le disparó asesinándolo.

Notas

1

“El problema con el que todos vivimos” es una pintura de 1964 de Norman Rockwell que se considera una imagen icónica del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos.  Representa a Ruby Bridges (1954) una niña afroamericana de seis años, de camino a la escuela primaria William Frantz, una escuela pública exclusivamente para blancos, el 14 de noviembre de 1960, durante la crisis de desegregación escolar de Nueva Orleans.

Debido a las amenazas de violencia contra ella, está escoltada por cuatro alguaciles adjuntos de Estados Unidos, la pintura está enmarcada de modo que las cabezas de los mariscales queden recortadas a la altura de los hombros, lo que convierte a Bridges en la única persona completamente visible. 

En la pared detrás de ella están escritos el insulto racial » nigger » y las letras » KKK «; También se ve un tomate aplastado y salpicado arrojado contra la pared. Los manifestantes blancos no son visibles, ya que el espectador mira la escena desde su punto de vista. La pintura es óleo sobre lienzo y mide 91 cm de alto por 150 cm de ancho. 

2

El Premio de Arquitectura Driehaus , denominado en su totalidad Premio Richard H. Driehaus de la Universidad de Notre Dame , es un premio mundial en el campo de la arquitectura clásica y tradicional contemporánea . El Premio Driehaus fue concebido como una alternativa al Premio Pritzker, predominantemente modernista.

3

Habían pasado 50 años de la tragedia de Altamont, el concierto de los Rolling Stones que terminó en sangre y muerte.

El 6 de noviembre de 1969 se organizó -mal y en poco tiempo- un festival que pretendía ser el Woodstock de la Costa Oeste. Los encargados de la seguridad fueron Los Ángeles del Infierno, una banda de motoqueros con un historial de violencia irracional, delitos, racismo y machismo. Cuando Mick Jagger estaba en el escenario, comenzó el horror.

Se respiraba un clima de alegría y esperanza. La alineación del festival era impecable: Santana, Flying Burrito Brothers, Jefferson Airplane, Crosby, Stills, Nash and Young, Grateful Dead y los Rolling Stones. Hubo dos víctimas fatales tras ser atropelladas y uno por sobredosis. Cuatro muertos en unas pocas horas, Meredith Hunter, afrodescendiente de 18 años (1951 – 1969), que había sido golpeado por uno de los Ángeles, éste luego fue hasta su auto a buscar un arma, y le disparó asesinándolo.

4

Iryna Olikh. Arthive.

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Puede interesarte este tema, por lo que te envío esta sugerencia de Hugo K: La Casa Courret en Lima http://onlybook.es/blog/la-casa-courret-en-lima/

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

1a parte http://onlybook.es/blog/suburbia-1a-parte/

“Suburbia». La construcción del sueño americano” presenta obras de destacados creadores que, desde diversos puntos de vista, nos ayudan a contemplar de forma crítica el famoso estilo de vida americano: 

Alice Brazzit (1986), Jessica Chou, Gregory Crewdson, Thomas Doyle, Gerard Freixes, Rodrigo Fresán, Gabriele Galimberti, Weronika Gesicka, Benjamin Grant, Todd Hido, Joel Meyerowitz (1938), Matthias Müller, Blanca Munt, Alberto Ortega, Bill Owens, Norman Rockwell (1894 – 1978), Sheila Pree Bright (1967), León Siminiani, Todd Solondz, Amy Stein, Greg Stimac, Angela Strassheim (1969), Deborah Stratman, Ed & Deanna Templeton, Kate Wagner, Peter Wells (1812 – 1995), Christopher Willan entre muchos otros.

El imperio del motor

Las autopistas de la libertad

El triunfo del Ford T, del que se vendieron más de 15 millones entre 1908 y 1927, transformó el país.

Para permitirle circular, el gobierno federal se lanzó a la construcción de carreteras, decretada mediante la Federal Aid Road de 1916, cuya aprobación coincidió con las primeras leyes de zonificación que compartimentaban la ciudad en distintas áreas según su uso (comercial, industrial, residencial).

La constitucionalidad de esta segmentación fue ratificada por el tribunal Supremo en 1926.

Distinguiendo entre zonas exclusivamente reservadas a casas familiares y otras para edificios de pisos, considerados textualmente “meros parásitos”.

Era el inicio de un proceso de suburbanización al servicio del automóvil.

En 1942 se formó un grupo de presión integrado por 240 miembros del sector automovilístico, tanto privado como público, conocido como The Road Gang, que culminó su labor de presión con la Federal Aid Highway Act (1956) impulsada por el presidente Dwight D. Eisenhower (1890 – 1969) y que ha sido la mayor obra pública realizada en la historia de los Estados Unidos, una red de autopistas interestatales de 78.465 kilómetros con sus gasolineras, restaurantes de carretera, moteles baratos y barrios residenciales

Las supermanzanas de Radburn

En un mundo que ya giraba alrededor del automóvil, Henry Wright (conocido por sus contribuciones a la evolución de las comunidades residenciales planificadas.

Colaboró ​​con figuras de renombre como Lewis Mumford) y Clarence Stein (1882 – 1975) pusieron en práctica el concepto de la supermanzana de Radburn en Nueva Jersey, una comunidad planificada para que automóviles y peatones nunca llegaran a cruzarse.

En 1928 se vendió como “La Ciudad de la Era del Motor”. Pero debido al crack del 29, no llegaron a construirse más que dos supermanzanas (se pensaron para 25 mil habitantes y cuentan con poco más de 3 mil) situadas a ambos lados de la arteria principal e interconectadas por túneles y puentes.

El garaje era la entrada a casas situadas en calles sin salida, que serían típicas de Suburbia, pero la parte de atrás daba a un gran parque comunitario con zona infantil e instalaciones deportivas.

En Buenos Aires se construían complejos para gente de bajos recursos, que hoy son ocupadas, por clases acomodadas, tal la calidad de vida que se desarrolla ayer. Fueron tres concursos en septiembre de 1925.

Ver http://onlybook.es/blog/el-arq-fermin-bereterbide-por-hugo-a-kliczkowski-juritz/

El boom de Suburbia

El regreso de los soldados que combatieron en la Segunda Guerra Mundial, ansiosos por construir una familia en las casas de sus sueños, motivó la proliferación de los primeros suburbios masivos a los que tuvieron acceso gracias a la generosa financiación de la Asociación de Veteranos.

Asi, el baby-boom, que sumó 29 millones de habitantes en Estados Unidos en una década, ya no se produjo en pisos urbanos de alquiler, sino en once millones de viviendas unifamiliares que podían venir con toda clase de electrodomésticos incorporados presididos por un flamante televisor en el que los nuevos suburbanitas contemplaban versiones idealizadas de sí mismos y de los que vendrían a engrosar sus filas.

Eran todos muy parecidos entre sí: misma edad, mismo color de piel, misma experiencia bélica, mismas hipotecas y la misma sensación de desarraigo y de empezar de cero. Todos los medios se hicieron eco del fenómeno y tanto el cine como la literatura reflejaron aquel paisaje estandarizado en el que las mujeres esperaban a sus maridos con una copa en la mano, los niños se desplazaban en bicicleta y todos celebraban alegres barbacoas los domingos.

Promociones Masivas

Edificación en serie

Los distintos Levittown de la Costa Este, Lakewood en la Oeste y Park Forest en el área de Chicago fueron las “comunidades planificadas” más importantes y más ampliamente publicitadas de todas las creadas para acoger a las nuevas familias de los soldados que regresaron de la guerra.

William Levitt llegó a construir 30 viviendas unifamiliares por día en 1948, trabajaba con piezas manufacturadas, como las casas prefabricadas,.

Aplicaban las técnicas del trabajo en cadena heredadas del fordismo.

La oferta era imbatible: por el precio de un piso de alquiler en la ciudad, una casa con Jardin en propiedad a 30 años y sin intereses para los veteranos.

Lakewood se desarrolló más lentamente, pero llegó a ser el mayor suburbio de la posguerra con 17,5 mil pequeñas parcelas que cobijaron a 80 mil personas

Mientras que Park Forest se distinguió como el suburbio modelo para los que habían cambiado el uniforme de soldado por el traje gris de oficinista.

Club de Campo Hacoaj Tigre

Un interés no menor al escribir en mi blog es el de hacerlo como si fuese un libro de bitácora, para encontrar en él, trozos, partes de mi vida, con otros y en ciertos momentos conmigo…

Escribiendo sobre Suburbia, y al buscar antecedentes urbanos, recordé el Concurso del Club Hacoaj-Tigre de Buenos Aires, donde sacamos el primer premio, año 1990.

Está ubicado en la Av. Santa María (Ruta 27) Nº 4002, Rincón de Milberg, Tigre.

Lo proyectamos y construimos totalmente, El enorme movimiento de tierras, la diagramación y planimetría general de lotes, Golf, Club social y deportivo, entradas, etc.

El enorme Country Club de 37 hectáreas, con un golf de 18 hoyos, planteaba (y por eso ganamos) que todos los lotes tuviesen igual situación, dando el frente al golf y el acceso por el contrafrente. En total 350 lotes de 1.000 m2 cada uno, todos con vistas al Campo de Golf, y las mejores actividades e instalaciones deportivas, sociales y culturales.

Debido a la magnitud del terreno y la situación de inundación del Tigre en épocas de sudestada, se debió rellenarlo.

Dada la magnitud de millones de metro cúbicos de relleno, se compró una cantera y durante un año, miles de camiones transportaban la tierra para subir el nivel topográfico.

http://onlybook.es/blog/conversatorio-en-la-universidad-de-occidente-en-guatemkala-i/

El modelo Levittown

Cuando fue portada de Time, en Julio de 1950, William Levitt (1907 – 1994) ya era el mayor constructor de estados Unidos: “Somos la General Motors del sector inmobiliario”, declaró. Y ni siquiera había terminado el primero de la media docena de suburbios que desarrolló, el Levittown de Long Island, con capacidad para unos 60 mil habitantes. Al principio, las casas modelo Cape Cod o Ranch eran de alquiler, pero la ayuda gubernamental a través de la Federal House Administration hizo que saliera mas a cuenta venderlas. En el momento de mayor producción, gracias a un sistema de equipos especializados que se iban relevando, la firma Levitt & son levantaba una casa cada quince minutos. Todas estaban equipadas con un flameante televisor marca Admiral.

La suburbanización de la Imaginación

El boom editorial, cinematográfico y televisivo

El radical cambio del modo de vida americano ejerció un profundo impacto en la cultura. En la pequeña pantalla parpadeaban familias modelo que protagonizaban cómicas situaciones de la vida cotidiana suburbana y los grandes estudios no tardaron en acomodar decorados de calles residenciales que todavía son el escenario de un sinfín de películas y series. Al mismo tiempo, las estanterías de las librerías se llenaron de toda clase de obras relacionadas con Suburbia: si Babbit, el clásico de Sinclair Lewis (1885-1951), había asentado el modelo de hombre de clase media en los años veinte, a partir de los años cincuenta cada vez fueron mas numerosos los escritores que ambientaron sus obras en casa con ventanas panorámicas situadas en tranquilas calles sin salida. Era lo lógico, hasta celebridades literarias como Jon Cheever (1912-1982) y John Updike (1032-2009), que habían forjado su fama en las páginas de The New Yorker, también se habían trasladado a la periferia para educar a sus hijos lejos de la ciudad.

John Barth

The Development

First Mariner Books edition. 2010

Frederick Barthelme

Natural Selection

Viking, Penguin Book. Nueva York. 1990

Ann Beattie

Secrets and Surprises. 1978

What Was Mine. 1991

Random House. Nueva York.

Raymond Carver

Cathedral

Alfred A. Knopf. Nueva York 1983

Raymond Carver

Where I´m Calling From

New and Selected Stories

The Atlantic Monthly Press. Nueva York. 1988

Auguste Comte Spectorsky

The Exurbanites

Dibujos de Robert Osborn.

J.B.Lippincott Company. Filadelfia. 1955

Don Delillo

White Noise

Penguin Books. Nueva York. 1986

Joan Didion

The White Albun

Simon & Schuster. Nueva York.1979

Bret Easton Ellis

Lunar Park

Picada. Londres. 2005

Jeffrey Eugenides

The Virgin Suicides

Farrar, Straus and Giroux, Nueva York. 1933

Richard Ford

Independence Day

Alfred A. Knopf. Nueva York.1995

Richard Ford

The Sportswriter

Flamingo. Londres. 1986

Paula Fox

Desperate Characters

Hartcourt, Brace & World. Nueva York. 1970

Jonathan Franzen

The Correections

Farrar, Straus and Giroux, Nueva York. 2001

Eric Hodgins

Mr. Blandings Builds His Dream House

Ilustraciones William Steig

Simon & Schuster. 1946

A.M. Homes

The Safety of Objects

W.W.Norton & Company. Nueva York. 1990

A.M. Homes

Music for Torching

Rob Weisbach Books. Nueva York. 1999

Shirley Jackson

The Haunting of Hill House

Viking Press. Nueva York. 1959

Gish Jen

Typical American

Plume Penguin Books. Nueva York. 1992

John Keats

The Crack in the Picture Window

Houghton Miffli. 1956

Jean Kerr

Please don´t eat the Daisies

Doubleday & Cia, Inc. Garden City. Nueva York. 1957

Chang-Rae Lee

My Year abroad

Riverhead Books.  Nueva York. 2021

Sinclair Lewis

Babbitt

Harcourt, Brace & World, Inc. Nueva York. 1950

Continua en http://onlybook.es/blog/suburbia-3era-parte/

Puede interesarte este tema, por lo que te envío esta sugerencia de Hugo K: Fundación de una ciudad romana ex novo de nueva planta http://onlybook.es/blog/fundacion-de-una-ciudad-romana-ex-novo-de-nueva-planta-1/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Suburbia (1)

La construcción del sueño americano

CCCB, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona,  del 20 de marzo al 8 de septiembre de 2024.

El momento en que la televisión sustituyó al fuego del hogar.

Comisariado por Philipp Engel

Asesor Francesc Muñoz

Textos y fotos de la exposición y del catálogo editado en el 2024 por el CCCB y la Dirección de Comunicación de la Diputación de Barcelona. Tiene 208 páginas, 17 x 24 cm, 150 imágenes entre B/N y color. ISBN 978-84-19091-89-5 (castellano – english).

Análisis del fenómeno suburbano americano o ¿por qué las ciudades americanas se han desarrollado de manera tan radicalmente opuesta a las nuestras, desplegando una periferia de barrios residenciales y apenas vida en el centro? Y ¿cómo se ha vivido y se vive en Suburbia? ¿Cómo lo ha retratado el cine, la literatura, la fotografía? ¿Qué movimientos sociales acompañan al fenómeno suburbano?

“Suburbia. La construcción del sueño americano” nos sumerge en el imaginario de la casa familiar idílica y muestra cómo se ha vendido y potenciado este estilo de vida desde la ficción y la industria del entretenimiento. La exposición se remonta a los orígenes de los barrios residenciales a principios del siglo XIX, explica cómo se desarrollaron masivamente en los años cincuenta y repasa el contexto económico, político y social que hizo posible su imparable expansión por todos los Estados Unidos.

En un momento en el que cada vez son más numerosas las familias que persiguen su propia versión del sueño en la periferia de las ciudades, resulta pertinente analizar las contradicciones de un modelo urbanístico cuya razón de ser fue la segregación social, étnica o de género.

El sueño de vivir en una casa con piscina sigue muy vivo en la actualidad y se ha exportado en todo el mundo. La exposición muestra el impacto de este modelo altamente insostenible, basado en continuos desplazamientos en automóvil, con ejemplos de urbanizaciones que han surgido en torno a Barcelona o Madrid.

A través de abundante material histórico, documentales de época, fotografías, pinturas, películas y series, novelas y revistas, obras de arte u objetos cotidianos, la exposición nos sitúa en el paraíso mental del suburbio y nos invita a replantearnos el valor de la ciudad y el espacio público hoy.

La exposición pone en valor las contradicciones de este modelo, exitosamente exportado por todo el mundo, aunque se trata de un modo de vida insostenible, basado en continuos desplazamientos en automóvil, y en un gran dispendio energético.

Es posible que sea precisamente esa ambivalencia, entre la utopía y la distopía, lo que hace que Suburbia sea tan magnética para la mirada artística.

Suburbia siempre acaba emergiendo como un paisaje fascinante.

¿Quién no ha deseado alguna vez el sueño americano? Una casa grande con jardín, piscina y un par de coches en el garaje. Un sitio tranquilo y seguro para vivir en familia, cerca de la naturaleza y con un vecindario amistoso. La exposición recorre la historia cultural de este ideal de vida reproducido hasta la saciedad en la televisión, la publicidad o el cine y analiza la vigencia y los aspectos más controvertidos de este modelo urbanístico.

http://onlybook.es/blog/la-construccion-del-sueno-americano/

Suburbia (2) entre el sueño y la pesadilla

Por Philipp Engel

Suburbia es tanto una imagen mental como un paisaje mutante.

Y si resulta tan fascinante es precisamente por ese carácter doble, ambiguo, incluso paradójico, entre ficción y realidad. Por un lado, están esas zonas exclusivamente residenciales, formadas por casas unifamiliares en propiedad rodeadas de césped inmaculado, con un par de automóviles dormitando en el garaje, e idealmente una piscina en el patio de atrás…Suburbia nació y se desarrolló entre la ciudad y el campo, con “las ventajas del campo y las comodidades de la ciudad”…el eterno mantra promocional suburbano…”si es que no son las incomodidades del campo combinadas con lo peor de la ciudad”.

…Tan contaminante como insostenible, un suburbio de Nueva Jersey contamina más que todo Lower Manhattan.

En Europa las ciudades han sido tradicionalmente densas y centralizadas, a la inversa de las norteamericanas…pero, desde que la palabra gentrificación se puso de moda en Europa, a raíz de la mutación de los centros históricos en hoteles-boutique (o en parques temáticos) …han ido empujando a familias a vivir su propia versión del Sueño Americano en las urbanizaciones que proliferan en todas las periferias urbanas.

…Eisenhower, el baby boom, y la era dorada de la clase media..esa es la Suburbia que más ha calado en el imaginario colectivo.

…La televisión nunca ha dejado de crear deseo suburbano, y las risas enlatadas de las sitcoms son como las sonrisas congeladas de los cincuenta: ya no se sabe muy bien de dónde vienen.

…La tendencia de asentamientos totalmente artificiales se generalizó por todo el país…como LLewellyn Park en Nueva Jersey, un suburbio de los llamados pintorescos, con mansiones diseminadas por un armonioso parque de inspiración inglesa, fundado por un magnate farmacéutico, Lewellyn Haskell, fans de los asentamientos Shaker en su juventud…rodeada por muros y con entrada vigilada, Llewelyn Park prefigura las “comunidades cerradas” que proliferan hoy por toda América desde Estados Unidos a los countries de Buenos Aires. (mas adelante mostrado en detalle).

…La Utopía burguesa “sufrió el castigo de la popularidad”, según comentó maliciosamente el sociólogo e historiador Lewis Mumford (1895 – 1990)…El anti sueño sería ser expulsado del paraíso, acabar en la ruina como Ned Merril de “El nadador”, encarnado por Burt Lancaster en el vine, un relato que empieza como una divertida apuesta y acaba como una auténtica pesadilla. De piscina en piscina. Merril atraviesa Bullet Park hasta llegar a su casa…vacía y abandonada.

El sueño de una casa rodeada de un pedazo de tierra sigue muy vivo. Posiblemente sea el sueño más potente que jamás hemos tenido.

La Construcción del “sueño americano”

El estilo de vida americano ha recurrido a contundentes argumentos de venta para imponer su ideal urbanístico.

Las ventajas del campo con las comodidades de la ciudad: ¡el lugar ideal para ver crecer a los niños!. Verde, tranquilo, silencioso y seguro.

Desde los años noventa, la mayoría de los estadounidenses vive en esa masa de urbanismo disperso, tambien conocida como sprawl, que no deja de expandirse.

No importa que se trate de un sistema basado en continuos desplazamientos en automóvil ni que Estados Unidos sea el segundo país más contaminante del mundo después de China.

Tampoco que haya sido objeto de numerosas críticas por tratase de un meditado proceso de compartimentación urbanística en grupos socioeconómicamente homogéneos que fomenta la desigualdad y protege el privilegio. El sueño americano es poderoso y no ha perdido ni un ápice de su atractivo, y menos después de la pandemia.

Durante décadas, todos estos barrios residenciales omnipresentes en el cine y en la televisión, asi como en la publicidad y la literatura, entre otras manifestaciones culturales y artísticas, nos parecían tan fascinantes como ajenos. Formaban una ciudad radicalmente opuesta a las nuestras, históricamente densas y concentradas.

Pero cada vez son mas numerosas las familias europeas que se ven obligadas a perseguir su propia versión del sueño en las urbanizaciones de la periferia. Esta historia cultural del modelo disperso de la ciudad americana pretende reflejar las contradicciones y ambigüedades -lo mejor y lo peor al mismo tiempo- de un no-lugar que ha fascinado a tantos creadores de la más diversa índole.

La planificación de un sueño

Los primeros colonos ya soñaban con una casa y un pedazo de tierra cuando cruzaron el Atlántico a bordo del Mayflower rumbo al Nuevo Mundo.

Pero fue a partir de principios del siglo XIX cuando, paralelamente a la conquista del Oeste, surgió una nueva forma de colonización inspirada por el mito de la América Pastoral. Aprovechando las sucesivas revoluciones de la movilidad, que permitían cubrir desplazamientos diarios antes inasumibles, distintas capas de la sociedad fueron ocupando progresivamente el territorio que rodeaba las grandes urbes, entre el campo y la ciudad. Tal y como reflejan las obras del pintor Carl Rakeman (1878 – 1965), que dedicó su vida artística a la oficina de Carreteras Públicas (BPR), primero llegó el ferrocarril a vapor, luego vino el tranvía eléctrico, más tarde el automóvil y finalmente el país quedo, poco a poco, totalmente transformado por una red de autopistas interestatales.

Cada uno de estos medios de transporte dio lugar a “comunidades planificadas” completamente distintas en cuanto a urbanismo, arquitectura y situación geográfica siempre alrededor de las principales vías de comunicación movilizando en cada paso a una clase social distinta, A la alianza de promotores y compañías de transporte que, desde un principio, fue clave para la expansión suburbana, se sumó, a partir de principios del siglo XX, el propio gobierno federal. La idea, tal y como la sintetizó el presidente F. D. Roosevelt en 1942, consistía en que “un país de propietarios de personas que poseen una participación real en su propia tierra es inconquistable”.

Las primeras comunidades cerradas

Llewellyn Park, una comunidad cerrada con acceso vigilado fundada en 1852 por Llewellyn Haskell, un empresario farmacéutico, fue diseñada por A.J. David (1803 – 1892), discípulo de A.J.Dowing, que aportó su estilo pintoresco de calles curvas, en ruptura con la cuadrícula de las ciudades, y la idea de un parque comunitario.

El mismo estilo fue llevado a una escala mayor por Calvert Vaux (3) y Frederick Law Olmstead (1822 – 1903), que acababan de diseñar el Central park de Nueva York y crearon en 1869 la comunidad de Riverside en Illinois, que tenía su propia estación de ferrocarril. Tuxedo Park, fundada en 1886 y más dispersa, se creó alrededor de un exclusivo club de campo que reunía a la jet set de Nueva York, alli se popularizó el esmoquin.

Los Angeles sobre raíles

La ciudad más poblada de California, paradigma de ciudad pensada para el automóvil, llegó a disponer de la red de tranvías mas extensa no solo de Estados unidos, dino del mundo.

Al contrario que en Europa, los magnates del tranvía, como Henry E. Huntington (1850 – 1927), podían comprar y vender terrenos a su antojo, llegando a amasar inmensas fortunas. Pero la progresiva popularización del automóvil y el consiguiente fenómeno de la dispersión urbanística hicieron que el tranvía cayera en desuso porque no podía llegar a todas partes. Los grandes de la industria del motor, encabezados por General Motors, fueron acusados de conspirar para acelerar su caída comprando líneas de tranvía para desguazarlas y reemplazarlas por autobuses, aunque eso nunca quedó legalmente demostrado.

La democratización del sueño

Casas para todos

La llegada del tranvía permitió a clases mas modestas -incluso a la clase obrera- el acceso a zonas exclusivamente residenciales diseñadas a la medida de sus posibilidades. Así aparecieron las primeras series de casas más o menos parejas y las prefabricadas que se vendían por correo. En contraste con los mas alejados y estilizados suburbios pintorescos de la utopía burguesa, los “suburbios del tranvía”, se desarrollaban alrededor de estas líneas de transporte y prolongaban la organización cuadriculada de las ciudades. El lobby de los promotores inmobiliarios fue ganando importancia y la casa unifamiliar acabó convertida en un asunto de estado: después de la campaña “Own your Own Home”, lanzada por el departamento de trabajo en 1917, no por casualidad el año de la Revolución rusa, el futuro presidente Herbert Hoover escribió que “mantener un alto porcentaje de propietarios individuales” era una prioridad para el país. Así se produjo un gran boom inmobiliario, en los años veinte, una burbuja que pudo ser el preludio de la Gran Depresión.

El paraíso de la clase obrera

“El mayor promotor inmobiliario del mundo”, así se anunciaba samuel E. Gross (1843 – 1913), que también era un maestro de la publicidad. En sus folletos, cuidadosamente diseñados e ilustrados, siempre enfocados a la clase obrera, anunciaba que, en una década, había construido y vendido 7 mil casas, vendido hasta 30 mil parcelas y construido hasta 16 suburbios de Chicago. Abogado y político, hizo campaña por la jornada de 8 horas para que sus clientes pudieran ir y volver de la fábrica cada día. Tambien escribió una obra de teatro, The Mercant Princ of Cornville (1896), y denunció a Edmond Rostand de robarle la célebre escena del balcón, ganó el juicio y Cyrano de Bergerac no pudo representarse en Estados Unidos durante años.

Continua http://onlybook.es/blog/suburbia-2da-parte/

Notas

1

La palabra viene del latín -sub+urbe- y conceptualmente engloba todos los suburbios. Suburbio sigue teniendo un significado distinto, según la RAE está siempre en la periferia de las ciudades, corresponde a una zona deprimida, del extrarradio, ese paisaje postindustrial, antes obrero, ahora precario, en el que se erigen grandes edificios-colmena, que nunca constituyeron un sueño aspiracional para el resto de la sociedad. Philipp Engel.

2

“Suburbia, el país de los suburbios es lo que pensé la primera vez que oí esa palabra, a través de la melancólica voz de Neil Tennant…El cantante de Pet Shop Boys comentó que le había parecido “una buena idea escribir una canción sobre Suburbia y sobre como es esta en realidad, “violenta, decadente y desastrosa”. Philipp Engel.

3

Estudió arquitectura bajo la tutela del arquitecto británico Lewis Nockalls Cottingham (1787 – 1847),pionero en el estudio de la arquitectura gótica medieval.

Más tarde se trasladó a Nueva York y se puso al servicio del paisajista Andrew Jackson Downing (1815 – 1852), quien fuera editor de la revista The Horticulturist magazine (1846–52), se lo considera uno de los fundadores de la arquitectura paisajista.

Puede interesarte este tema, por lo que te envio esta sugerencia de Hugo K: Eladio Dieste «El señor de los ladrillos» http://onlybook.es/blog/eladio-dieste-el-senor-de-los-ladrillos-por-hakj/

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

Marion Mahony, the architect who together with Walter Griffin designed Canberra.

«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz

Marion Mahony (1871 – 1961) was the first woman to practice as an architect in Illinois, she trained at MIT (Massachusetts Institute of Technology), she was one of Frank Lloyd Wright’s most loyal collaborators and the designer who, together with her husband Walter Burley Griffin, planned the new capital of Australia, Canberra, until its golden years in the mid-twentieth century. (1)

Famous for her love-hate relationship with Wright, she was, however, the woman who drew the characteristic drawings of his buildings and projects.

The lithographs of the Wasmuth portfolio (1910), which made Wright so famous, were designed and made by Marion. His delicate watercolors, influenced by Japanese painting, are one of his greatest legacies.

Mahony was born in Chicago, after the terrible fire that destroyed the city, his family had to move to the countryside. It was the so-called Great Rebuilding of the city by architects such as Louis Sullivan who encouraged him to study that profession.

Her father, a journalist of Irish origin, died when Marion was a child. She inherited the character of her mother, a member of the Chicago Women’s Club, was a school principal and a strong fighter for women’s rights.

She was the second woman to graduate from the Massachusetts Institute of Technology and the first to practice as an architect.

After a year-long trip to Europe, he returned to work with Dwigh Heald Perkins (1867–1941), his mother’s cousin.

Perkins shared the studio with Wright, who hired her, with Marion being her first employee. Together they explored and performed Prairie Style throughout Illinois. Marion drew them and made the sketches that we all know.

I had with Wright some confrontations, due to the competition that the character of both produced. Barry Byrne, a member of the studio, said that «When they were together there were sprakles»… «When Marion showed up you knew it was going to be a fun day.»

Marion was close friends with Catherine, Kitty, Wright’s wife.

Catherine Wright, Frank’s wife, is seated in front of the camera, while Marion Mahony is in profile, in Oak Park, Illinois, ca. 1895 and 1897. (Photo by Frank Lloyd Wright Preservation Trust/Getty Images)

They worked together for 15 years, accompanying him in 1895 when Wright created his studio in Oak Park, where Marion was one of the main designers being responsible for many of the furniture, murals, stained glass, light fixtures and the design of the mosaics of the houses that were projected.

He created the image of the drawings in the studio, which identify Wright’s early period.

The composition and technique were influenced by Japanese prints.

When Wright left (fleeing) to Europe with Mamah he proposed to Marion that she take charge of the study and the works that were in progress, Marion did not accept.

She was highly critical of Wright’s neglect of Kitty and commented critically that «Wright created very little, he spent his time claiming things for himself and sweeping away others».

Then Wright proposed him to his associate at Steinway Hall, Herman Von Holst (1874 – 1955) to take the work, Holst needed someone with clear design concepts, he needed Marion, he and Wright knew it, so he proposed to work with him, Marion accepted, taking charge of finishing the work in progress.

There is enough documented information, it is possible to discover his hand and his name on the stamps in drawings and plans.

Steinway Hall

Steinway Hall was an 11-story building designed by Dwight Heald Perkins (1867-1941) and opened in 1896. 

Like this theatre/offices, many others were built around the world by the manufacturing company Steinway & Sons, where they exhibited their prestigious pianos.

From the winter of 1896-97, the 11th floor of the building housed the offices of a group of architects.

Among them were its author Dwight Heald Perkins, Robert C. Spencer (1864 – 1953), Frank Lloyd Wright and Myron Hubbard Hunt (1868 – 1952).

Frank L. Wright and the «Architects of Steinway Hall: A Study of Collaboration»

Paperback – 20 July 2021. Author: Stuart Cohen

The book «Frank L. Wright and the Architects of Steinway Hall» analyzes the period between Wright’s arrival in Chicago in 1887 (remember that he worked in the studio of Louis H. Sullivan until 1888, then he partnered with Cecil Corwin (1860 – 1941) and they created a studio in the Schiller Building in downtown Chicago in 1893, until the dissolution of the company he moved to the Steinway Hall office in 1897. Wright would maintain an office there until 1908.

It also narrates the brief period in which numerous young and talented architects shared that space, and tries to evaluate how they collaborated on projects and in the creation of an architectural theory that would decisively influence the development of world architecture.  

The office was actually a shared loft that allowed for the creation of shared ideas, similar designs and above all a «circle of creative architects», many of them friends, who elaborated the theories that would guide their designs.

Active architects of Chicago Architectural Steinway Hall converged there, such as Webster Tomlinson, Irving Pond (1857 – 1939) and Allen Bartlitt Pond (1858 – 1929), Adamo Boari (1863 – 1928), Walter Burley Griffin (1876 – 1937) and Birch Long (1876 – 1937).

“The Eighteen”

Wright would call «The Eighteen» that group of architects who met to eat and discuss common issues. Above all, debates about the art and history of architecture, that, guided by a theory, architecture could be created by teams, and not isolated facts of loose geniuses.

The group was joined by other architects who did not work on the building such as Arthur Dean and George Robinson Dean (1864 – 1919), Hugh Garden (1873 – 1961), Arthur Heun, Alfred Hoyt Granger (1867 – 1939), Richard Ernest Schmidt (1865 – 1958) who years later would work for Howard Van Doren Shaw, Louis Sullivan and Frank Lloyd Wright, Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926).

Architects who flourished after the great fire of 1871 in Chicago and the «World’s Columbian Exposition» fair held in 1893.

http://onlybook.es/blog/la-exposicion-mundial-de-chicago-de-1893-la-escuela-de-chicago/

Architects close to the term «Prairie School», a term coined by the Canadian historian H. Allen Brooks (1925 – 2010), responsible for the 32-volume edition of the monumental The Le Corbusier Archive.

The directories studied indicate that from 1897 to 1910, up to fifty different architects rented space in the building.

The so-called Chicago School included names such as Barry Byrne (1883 – 1967), William E. Drummond (1876 – 1948), George G. Elmslie (1869 – 1952), Hugh Garden, Marion Mahony Griffin, Birch Burdette Long, George W. Maher (1864 – 1926), George C. Nimmons (1865 – 1947), William Purcell, Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926), and Robert C. J. R. Spence (1864 – 1953).

«… The meadow has a beauty of its own and we should recognize it by accentuating this natural beauty, its calm level… Planes parallel to the earth make the building belong to the land. I see the very line of the horizon as the authentic line of human life, indicative of freedom… The horizontal line is the line of the domestic«. Frank Lloyd Wright 1910/11.

Wright contemplates working in his Hillside studio in Taliesin, circa 1940 (photo by Marvin Koner of Getty Images)

In Wright’s studio, Marion had met her husband in 1911.

Walter Burley Griffin, who was five years younger than Marion.

While a collaborator with Wright, the two had a bad and difficult relationship, so Griffin left the studio in 1906.

Griffin had an excellent character, his friends said that he could put out the fire that emanated from Marion, the couple formed a studio, which had a lot of work, between 1899 and 1914, the Chicago studio created more than 130 designs between buildings, urban plans and landscaping. Half of them were built in the states of Illinois, Iowa, Michigan and Wisconsin.

In 1912 they entered together in the competition for the planning of the city of Canberra, the new capital of Australia. With Griffin’s enormous experience and Marion’s incomparable prints, they won it and moved to that part of the world in 1914.

History has not been fair when it comes to recognizing (as it did so many professionals) his real participation in the project.

After winning the Canberra contest, and the cover lavished on them by the prestigious newspaper The New York Times, Wright and Griffin did not speak to each other again, Wright referred to him as a cartoonist. Wright «was ungenerous in lavishing himself on the merits of others.»

Walter Griffin y Marion Mahony en Castlecrag, Sydney en julio de 1930

Marion decides to dedicate herself in life and soul to making her husband Griffin a great architect. In her memoirs she writes «I became his useful slave (…), I lost myself in him and that seemed very satisfying to me».

Although only a small part of the plan was realized, they decided to stay, the book «Marion Mahony Griffin: Drawing the form of Nature», is the result of her botanical drawings and illustrations in Tanzania.

They settled in New South Wales, building the residential neighbourhood of Castlecrag, Marion directed and designed the scenery for the local theatre.

«Marion Mahony Reconsidered» by David Van Zanten (1943).

It was published by The University of Chicago Press, ISBN 9780226850818. 192 pp, 69 illustrations (65 in B/W).

The book sheds light on many personal and professional aspects of Marion, who has finally begun to receive the recognition she deserves for her contributions to the field of early twentieth-century architecture. She did not have it easy, marginalized by the enormous shadow of Wright and her husband Walter Burley Friffin.

It shows us Marion’s personal journey from the suburbs of Chicago to Wright’s right-hand woman and her bohemian life with her husband in Australia, defines her as a «talented, complex and enigmatic» modern architect.

Mahony approaches the relationship with Wright with sadness «He created very little, spent his time claiming things for himself and leaving others aside.»

Largely recognized for her exquisite presentation drawings for both Wright and her husband, Walter Burley Griffin, she was a designer whose independent and highly original work attracted attention at a time when architectural drawing and graphic illustration were becoming integral to the design process.

The book examines new research on Mahony’s life and paints a vivid portrait of the place of a woman who stands out among the most renowned American architects.

The included essays cover Mahony’s origins in the suburbs of Chicago, through her years as Wright’s right-hand man and her bohemian life with her husband in Australia, whose new capital, Canberra, she helped plan until her golden years in the mid-twentieth century.

Filled with richly detailed analyses of Mahony’s works and including and populated by an international cast of characters, «Marion Mahony Reconsidered» greatly expands our knowledge of this talented, complex, and enigmatic modern architect.

Although the Griffin Mahony are not as well known in the rest of the world, they are an institution in Australia, where they are revered.

Its nucleus was a cultured circle, made up of many progressive professionals.

His cousin, the architect Dwight Herald Perkins, author among other buildings of the Steinway Hall, who details in this article, the sum as a draftsman in his studio.

This studio was on the 11th floor of Steinway Hall, where Wright works.

In 1985 he began working in Oak Park, in Wright’s studio, that relationship lasted 14 years.

After her marriage, Mahony went to work at Griffin’s law firm. A multi-home development designed by Griffin and Mahony, Rock Crest – Rock Glen in Mason City, Iowa, is seen as their most spectacular American design development of the decade and remains the largest collection of prairirie-style homes surrounding a natural setting.

Returning to his intense and interesting life

Without a doubt, Marion Mahony Griffin (1871-1961) should appear with her own name in modern urban history. However, this has not been the case. It was not until the celebration of the 100th anniversary of the Canberra project competition that her name appeared on an equal footing with her husband’s. In 2013, Marion Mahony Griffin’s co-authorship of the city’s project was recognised in the exhibition The Dream of a Century: The Griffins in Australia’s Capital.

The second woman to graduate as an architect from MIT in 1894, she belonged to a social environment of a wide and diverse circle of progressive women and men (labor reformers, voters, civic activists, and high-society women’s clubs), which facilitated her entry into the world of work. In 1902 he received his first commission stemming from these relationships, the Reverend James Blake Vila, a Unitarian reformer, poet and playwright, commissioned him to design the new All Saints Church in Evanston.

Marion Mahony began her professional practice, as a cartoonist, in the studio of her cousin Dwight Perkins. This kinship relationship was important, since, for many women, even if they had studied, professional practice was inaccessible since the incorporation of women was not well received.

In 1895 he began working in Frank Lloyd Wright’s studio in Oak Park, and for 14 years he was one of the most important people in it. So much so that when Wright left for Japan, in 1909, he offered her to be the one to take charge of the studio. She declined the proposal, but agreed to work in the studio of Herman von Holst, who continued the studio’s works. and it was Marion who took charge of finishing the work that had been started, as stated in the stamps of the drawings and plans.

At Oak Park, Marion Mahony was one of the main designers, being responsible for many of the furniture, murals, stained glass, lighting and mosaics of the houses that were projected. He created the image of the studio’s drawings, which were instrumental in the identification and uniqueness of the first Wright.

The style of his drawings was influenced by Japanese prints both in composition and technique. (2)

In Wright’s studio she met her future husband, Walter Burley Griffin. Together they formed their studio and in 1911 they entered the competition for the new capital of Australia, Canberra.

Marion Mahony and her husband Walter Burley Griffin in Canberrra

In 1914 they moved to Australia to develop the project, history has forgotten the name of Marion Mahony when the project of this city is mentioned. The drawings undoubtedly bore his stamp and it can be said that his participation in the project was extremely important. But as has happened with many wives of architects, she decided to step aside so that the figure of the husband could stand out, in that way (and they were not wrong), they avoided social and professional reluctance to recognize the good work of professional women.

in which the creativity of humanity and the non-destruction of nature are sought.

In 1937 Walter Griffin died in India. She continued to work, and upon her return to the United States she developed three unrealized urban projects, the World Fellowship Center in Conway in 1942 commissioned by Lola M. Lloyd (1875 – 1944) (Co-founder with Jane Addams (1860 – 1935) of the Women’s International League for Peace and Freedom).

The second commission, in 1943, was the village of Rosary Cristals, near Burne, also owned by Lola Lloyd, and was related to Marion Mahony’s interest in single taxes and the anthroposophical vision. And a final urban project for the South Side of Chicago in 1947. All of them recognize his concern and interest in environmental design and his ability to solve human design problems both in detail and on a large scale. (3)

“… the book has one main purpose, to correct Marion’s absence from history by raising new questions, focusing on achievements that cannot be denied and beginning to fill some of the gaps and absences in her story… it is an academic achievement for the history of architecture…». Jane Clarke, historian.

“… An architect and graphic artist extraordinaire, Marion Mahony was a force of nature… marginalized as an «assistant» or «talented draftsman» for Wright and for Griffin… it is not possible to amplify her achievements by diminishing those of her husband… Perhaps it’s a dangerous book for those who believe that Wright invented everything that emanated from his Oak Park studio… It was undoubtedly part of the genesis of modern architecture in the United States.» Christopher Vernon, University of Western Australia.

Return to Chicago and the end

In 1937, while building a university library in Lucknow, India, Walter died of peritonitis. Mahony returned, first to Australia, but finally, in 1939, to Chicago, where she spent her last 24 years at her sister’s house, a school principal. She never wanted to talk about herself or her work as an architect, but about her husband.

He did draw a beautiful mural at his sister’s school, the George Armstrong Elementary School in the city, and became interested in the anthroposophy of Rudolf Steiner (the one of Waldorf education), to which he dedicated a good part of his last decades. (4)

Murió demente, no sin antes dejar escrita su biografía en un libro que se puede consultar online en el Art Institute of Chicago: The magic of America.

Notas

1

By Itziar Narro. July 12, 2020. AD

2

Dr. Arq. Zaida Muxí, One day an architect. March 25, 2015

https://undiaunaarquitecta.wordpress.com/2015/03/25/marion-mahony-1871-1961/embed/#?secret=jdWcFSLycy#?secret=8LVxScj8Wq

3

Archdaily. Marion Mahony Griffin: an architecture in tune with nature and the creativity of humanity.

4

In the early twentieth century he founded an esoteric spiritual movement, anthroposophy, with roots in German idealist philosophy and theosophy. His teachings are influenced by Christian Gnosticism, Many of his ideas are pseudoscientific, he was also a supporter of pseudohistory.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Let’s save the Parador Ariston from its ruin

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hugoklico

Arquitecto. Argentino/Español. editor. distribuidor de libros ilustrados Ver todas las entradas de hugoklico 

Marion Mahony, la arquitecta que junto a Walter Griffin diseñó Canberra.

Marion Mahony (1871 – 1961) fue la primera mujer que ejerció como arquitecta en Illinois, se formó en el MIT (Instituto Tecnológico de Massachusetts), fue una de las más fieles colaboradoras de Frank Lloyd Wrigth y la proyectista que, junto a su marido Walter Burley Griffin, planificó la nueva capital de Australia, Canberra, hasta sus años dorados a mediados del siglo XX. (1)

Famosa por su relación de amor-odio con Wright fue, sin embargo, la mujer que dibujó los características dibujos de sus edificios y proyectos.

Las litografías del Wasmuth porfolio (1910), que tanta fama le dieron a Wright, las diseñó y realizó Marion. Sus acuarelas delicadas, influidas por la pintura japonesa, son uno de sus mayores legados.

Mahony nació en Chicago, después del terrible incendio que destruyó la ciudad, su familia debió mudarse al campo. Fue el llamado Great Rebuilding (la gran reconstrucción) de la ciudad a cargo de arquitectos como Louis Sullivan le animaron a estudiar esa profesión.

Su padre, un periodista de origen irlandés murió cuando Marion era una niña. Heredó el carácter de su madre, miembro del Chicago Women’s Club, fue directora de un colegio y firme luchadora por los derechos de las mujeres.

Fue la segunda mujer en graduarse en el Massachusetts Institute of Technology y la primera en ejercer como arquitecta.

Luego de un viaje de un año por Europa, regreso para trabajar con Dwigh Heald Perkins (1867 – 1941) primo de su madre.

Perkins compartía el estudio con Wright, que la contrata, siendo Marion su primera empleada. Juntos exploraron y realizaron las Casas de la Pradera (Prairie Style) en todo Illinois. Marion las dibujo y realizó los bocetos que todos conocemos.

Tenia con Wright algunos enfrentamientos, debidos a la competencia que el carácter de ambos producía. Barry Byrne, integrante del estudio, decía que «Cuando estaban junto había sprakles (destellos)»… «Cuando aparecía Marion sabías que iba a ser un día divertido».

Marion era amiga íntima de Catherine, Kitty, la mujer de Wright.

Catherine Wright, esposa de Frank está sentada frente a la cámara, mientras Marion Mahony está de perfil, en Oak Park, Illinois, aprox 1895 y 1897. (Foto de Frank Lloyd Wright Preservation Trust/Getty Images)

Trabajaron juntos 15 años, lo acompaño en 1895 cuando Wright crea su estudio en Oak Park, allí Marion fue una de las principales diseñadoras siendo responsable de muchos de los muebles, murales, vitreaux, artefactos de iluminación y el diseño de los mosaicos de las casas que se proyectaban.

Creó la imagen de los dibujos del estudio, que identifican la primera época de Wright.

La composición y la técnica estaban influenciadas por las estampas japonesas.

Cuando Wright se va (huyendo) a Europa con Mamah le propuso a Marion que se encargara del estudio y de las obras que estaban en ejecución, Marion, no aceptó.

Fue muy crítica con el abandono que Wright hiciera de Kitty comentó críticamente que “Wright creó muy poco, se pasaba el tiempo reclamando cosas para sí mismo y barriendo otras»,

Entonces Wright lo propuso a su asociado de Steinway Hall, Herman Von Holst (1874 – 1955) para que tomara los trabajos, Holst necesita a alguien con claros conceptos de diseño, necesitaba a Marion, él y Wright lo sabían, por lo que le propone trabajar con él, Marion acepta, haciéndose cargo de terminar los trabajos en proceso.

Hay suficiente información documentada, es posible descubrir su mano y su nombre en los sellos en dibujos y planos.

Steinway Hall

Steinway Hall era un edificio de 11 pisos diseñado por Dwight Heald Perkins (1867- 1941) e inaugurado en 1896. 

Como este teatro/oficinas, se construyeron muchos otros en todo el mundo por la empresa fabricantes Steinway & Sons, donde exhibían sus prestigiosos pianos.

A partir del invierno de 1896-97, el piso 11 del edificio albergó las oficinas de un grupo de arquitectos.

Entre ellos su autor Dwight Heald Perkins, Robert C. Spencer (1864 – 1953), Frank Lloyd Wright y Myron Hubbard Hunt (1868 – 1952).

Frank L. Wright and the Architects of Steinway Hall: A Study of Collaboration

Tapa blanda – 20 Julio 2021. Autor Stuart Cohen

El libro “Frank L. Wright and the Architects of Steinway Hall” analiza el período entre la llegada de Wright a Chicago en 1887 (recordemos que trabajó en el estudio de Louis H. Sullivan hasta 1888, luego se asocia a Cecil Corwin (1860 – 1941) y crean un estudio en el edificio Schiller en el centro de Chicago en 1893, hasta que disuelta la sociedad se traslada a la oficina de Steinway Hall en 1897. Wright mantendría una oficina allí hasta 1908.

Tambien narra el breve periodo en que numerosos jóvenes y talentosos arquitectos compartieron ese espacio, y trata de evaluar como colaboraron en proyectos y en la creación de una teoría arquitectónica que influiría decididamente en el desarrollo de la arquitectura mundial.  

La oficina, era en realidad un loft compartido que permitió crear ideas compartidas, diseños similares y sobre todo un “circulo de arquitectos creativos”, muchos de ellos amigos, que elaboraban las teorías que guiaría sus diseños.

Alli convergían arquitectos activos del Chicago Architectural Steinway Hall como Webster Tomlinson, Irving Pond (1857 – 1939) y Allen Bartlitt Pond (1858 – 1929), Adamo Boari (1863 – 1928), Walter Burley Griffin (1876 – 1937) y Birch Long (1876 – 1937).

“The Eighteen”

Wright denominaría “The Eighteen” a ese grupo de arquitectos que se reunía para comer y discutir temas en común. Sobre todo, debates sobre el arte y la historia de la arquitectura, que, guiados por una teoría, la arquitectura podía ser creada por equipos, y no hechos aislados de genios sueltos.

Al grupo se le sumaron otros arquitectos que no trabajaban en el edificio como Arthur Dean y George Robinson Dean (1864 – 1919), Hugh Garden (1873 – 1961), Arthur Heun , Alfred Hoyt Granger (1867 – 1939), Richard Ernest Schmidt (1865 – 1958) quien años más tarde trabajaría para Howard Van Doren Shaw, Louis Sullivan y Frank Lloyd Wright, Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926).

Arquitectos que florecieron tras el gran incendio de 1871 en Chicago y la feria de la “World’s Columbian Exposition” celebrada en 1893.

http://onlybook.es/blog/la-exposicion-mundial-de-chicago-de-1893-la-escuela-de-chicago/

Arquitectos cercanos al término “Prairie School”, término acuñado por el historiador canadiense H. Allen Brooks (1925 – 2010), responsable de la edición en 32 volúmenes del monumental The Le Corbusier Archive.

Los directorios estudiados, indican que desde 1897 hasta 1910, hasta cincuenta arquitectos diferentes alquilaron espacio en el edificio.

La llamada Escuela de Chicago incluía nombres como Barry Byrne (1883 – 1967), William E. Drummond (1876 – 1948), George G. Elmslie (1869 – 1952), Hugh Jardín, Marion Mahony Griffin, Abedul Burdette Long, George W. Maher (1864 – 1926), George C. Nimmons (1865 – 1947), Guillermo Purcell, Howard Van Doren Shaw (1869 – 1926) y Robert C. JR Spence (1864 – 1953).

‘… La pradera tiene una belleza propia y deberíamos reconocerla acentuando esta belleza natural, su sosegado nivel… Planos paralelos a la tierra hacen que el edificio pertenezca al terreno. Veo la línea misma del horizonte como la auténtica línea de la vida humana, indicadora de la libertad… La línea horizontal es la línea de lo doméstico’. Frank Lloyd Wright 1910/11.

Wright contempla trabajando en su estudio de Hillside en Taliesin, alrededor de 1940 (foto de Marvin Koner del Getty Images)

En el estudio de Wright, Marion había conocido a quien en 1911 sería su marido.

Walter Burley Griffin, que era cinco años menor que Marion.

Mientras fue colaborador de Wright, ambos tuvieron una mala y difícil relacion, por lo que Griffin deja el estudio en 1906.

Griffin tenía un excelente carácter, sus amigos decían que podría aplacar el fuego que emanaba de Marion, el matrimonio forma un estudio, que tiene mucho trabajo, entre 1899 y 1914, el estudio de Chicago crea más de 130 diseños entre edificios, planes urbanos y paisajismo. La mitad de ellos se construyeron en los estados de Illinois, Iowa, Michigan y Wisconsin.

En 1912 se presentan juntos al concurso de la planificación de la ciudad de Canberra, la nueva capital de Australia. Con la enorme experiencia de Griffin y las inigualables láminas de Marion lo ganan y se trasladan en 1914 a esa parte del mundo.

La historia no ha sido justa a la hora de reconocer (como a tantas profesionales) su real participación en el proyecto.

Luego de ganar el concurso de Canberra, y la portada que les prodigó el prestigioso periódico The New York Times, Wright y Griffin no volvieron a hablarse, Wright se refería a él como un dibujante. Wright “era poco generoso a la hora de prodigarse ante los méritos de otros”.

Walter Griffin y Marion Mahony en Castlecrag, Sydney en julio de 1930

Marion decide dedicarse en vida y alma a conseguir que su marido Griffin sea un gran arquitecto. En sus memorias escribe «Me convertí en su esclava útil (…), me perdí en él y eso me pareció muy satisfactorio»,

A pesar de que se realizó solo una pequeña parte del plan, decidieron quedarse, el libro “Marion Mahony Griffin: Drawing the form of Nature”, es el resultado de sus dibujos e ilustraciones botánicas en Tanzania.

Se instalaron en New South Wales, construyendo el barrio residencial de Castlecrag, Marion dirigió y diseñó la escenografía del teatro local.

«Marion Mahony Reconsidered» de David Van Zanten (1943).

Fue editado por The University of Chicago Press, ISBN 9780226850818. 192 pp, 69 ilustraciones (65 en b/n).

El libro esclarece muchos aspectos personales y profesionales de Marion, quienfinalmente ha comenzado a recibir el reconocimiento que merece por sus contribuciones al campo de la arquitectura de principios del siglo XX. No lo tuvo fácil, marginada por la enorme sombra de Wright y de su marido Walter Burley Friffin.

Nos muestra el viaje personal que realiza Marion desde los suburbios de Chicago, a ser la mano derecha de Wright y su vida bohemia junto a su marido en Australia, la define como una “talentosa, compleja y enigmática” arquitecta moderna.

Mahony aborda la relación con Wright con tristeza «Creó muy poco, pasó su tiempo reclamando cosas para sí mismo y dejando a los demás a un lado».

Reconocida en gran medida por sus exquisitos dibujos de presentación tanto para Wright como para su marido, Walter Burley Griffin, fue una diseñadora cuyo trabajo independiente y muy original atrajo la atención en un momento en el que el dibujo arquitectónico y la ilustración gráfica se estaban volviendo parte integral del proceso de diseño.

El libro examina nuevas investigaciones sobre la vida de Mahony y pinta un vívido retrato del lugar de una mujer que destaca entre los arquitectos estadounidenses más reconocidos.

Los ensayos incluidos recorren desde los orígenes de Mahony en los suburbios de Chicago, a través de sus años como mano derecha de Wright y su vida bohemia con su marido en Australia, cuya nueva capital, Canberra, ayudó a planificar hasta sus años dorados en mediados del siglo XX.

Lleno de análisis ricamente detallados de las obras de Mahony e incluyendo y poblado por un elenco internacional de personajes, “Marion Mahony Reconsidered” amplía enormemente nuestro conocimiento sobre este talentoso, complejo y enigmático arquitecto moderno.

Aunque los Griffin Mahony no sean tan conocidos en el resto del mundo, sí son una institución en Australia, donde son venerados.

Su núcleo era un circulo culto, conformado por muchos profesionales progresistas, su primo, el arquitecto Dwight Herald Perkins, autor entre otros edificios del Steinway Hall, que detalle en este artículo,la suma como dibujante en su estudio. Dicho estudio estaba en el piso 11 del Steinway Hall, donde trabaja Wright.

En 1985 comienza a trabajar en Oak Park, en el estudio de Wright, esa relación duró 14 años.

Tras su matrimonio, Mahony pasó a trabajar en el bufete de Griffin. ​ Una urbanización con varias casas diseñadas por Griffin y Mahony, Rock Crest – Rock Glen en Mason City, Iowa, se ve como su desarrollo de diseño estadounidense más espectacular de la década y sigue siendo la mayor colección de casas de estilo pradera que rodean un entorno natural.

Volviendo a su intensa e interesane vida

Sin duda alguna Marion Mahony Griffin (1871-1961) debería aparecer con nombre propio en la historia urbanística moderna. Sin embargo, no ha sido así. Ha habido que esperar hasta la celebración de los 100 años del concurso del proyecto de Canberra para que su nombre apareciera en igualdad de condiciones que el de su marido. En el año 2013 se ha reconocido la co-autoría de Marion Mahony Griffin en el proyecto de la ciudad en la exposición The Dream of a Century: The Griffins in Australia’s Capital.

Fue la segunda mujer graduada de arquitecta en el MIT en 1894, perteneció a un entorno social de un amplio y diverso círculo de mujeres y hombres progresistas (reformistas laborales, votantes, activistas cívicos y clubes de mujeres de la alta sociedad), lo que facilitó su ingreso al mundo laboral. En 1902 recibió su primer encargo derivado de esas relaciones, el reverendo James Blake Vila, reformador unitario, poeta y dramaturgo le encargó el diseño de la nueva iglesia de Todos los Santos en Evanston.

Marion Mahony comenzó su práctica profesional, como dibujante, en el estudio de su primo Dwight Perkins. Esta relación de parentesco fue importante, ya que, para muchas mujeres, aunque hubieran estudiado la práctica profesional era inaccesible ya que la incorporación de las mujeres no era bien recibida.

En 1895 comenzó a trabajar en el estudio de Frank Lloyd Wright en Oak Park, y durante 14 años fue una de las personas más importantes del mismo. Tanto fue así que cuando Wright se fue a Japón, en 1909, le ofreció que ella fuera quien se hiciera cargo del estudio. Ella declinó la proposición, pero aceptó trabajar en el estudio de Herman von Holst, quien continuó las obras del estudio, y fue Marion quien se hizo cargo de terminar los trabajos que habían quedado empezados, tal como consta en los sellos de los dibujos y planos.

En Oak Park Marion Mahony fue una de las principales diseñadoras siendo responsable de muchos de los muebles, murales, vidrieras, luminarias y mosaicos de las casas que se proyectaban. Creó la imagen de los dibujos del estudio, que fueron fundamentales para la identificación y singularidad del primer Wright. El estilo de sus dibujos estaba influenciado por las estampas japonesas tanto en composición como en la técnica. (2)

En el estudio de Wright conoció a quien sería su marido, Walter Burley Griffin. Forman juntos su estudio y en 1911 se presentan al concurso para nueva capital de Australia, Canberra.

Marion Mahony y su esposo Walter Burley Griffin en Camberrra

En 1914 se mudaron a Australia para desarrollar el proyecto, la historia ha olvidado el nombre de Marion Mahony cuando se menciona el proyecto de esta ciudad. Los dibujos llevaban sin duda su sello y se puede afirmar que en el proyecto su participación fue sumamente importante. Pero como ha pasado con muchas esposas de arquitectos, ella decidió hacerse a un lado para que despuntara la figura del marido, de esa manera (y no estaban erradas), evitaban la reticencia social y profesional para reconocer el buen trabajo de las mujeres profesionales.

La influencia entre Griffin y Mahony, fue mutua. El interés de él por el paisaje y por una arquitectura en sintonía con la naturaleza, fue plenamente asumida por Marion Mahony. Ambos compartían la idea que de una civilización ideal en que cada persona viviera en casas que estuvieran en sintonía con la naturaleza y las personas, esta posición les llevó, especialmente a ella, a involucrarse en la sociedad Antroposófica, en la que se busca la creatividad de la humanidad y la no destrucción de la naturaleza.

En 1937 muere Walter Griffin en India. Ella continúa trabajando, y a su regreso a Estados Unidos desarrolla tres proyectos urbanos no realizados, el World Fellowship Center en Conway en 1942 encargado por Lola M. Lloyd (1875 – 1944) (Cofundadora con Jane Addams (1860 – 1935) de la Liga Internacional de Mujeres por la Paz y la Libertad).

El segundo encargo, en 1943, fue el pueblo de Rosary Cristals, cerca de Burne, también de Lola Lloyd, y se relacionaba con el interés de Marion Mahony en los impuestos únicos y en la visión antroposófica. Y un último proyecto urbano para el Sur de Chicago en 1947. En todos ellos se reconoce su preocupación e interés por el diseño del medioambiente y su habilidad por resolver problemas humanos de diseño tanto en el detalle como en la gran escala. (3)

“…el libro tiene un propósito principal, corregir la ausencia de Marion de la historia plantando nuevas preguntas, enfocándose en logros que no pueden ser negados y comenzando a llenar alguno de los vacíos y ausencias en su historia…es un logro académico para la historia de la arquitectura…”. Jane Clarke, historiadora.

“…Una arquitecta y extraordinaria artista gráfica, Marion Mahony fue una fuerza de la naturaleza…marginada como una “ayudante” o “talentosa dibujante” para Wright y para Griffin…no es posible amplificar sus logros disminuyendo los de su esposo…Quizás sea un libro peligroso para quienes creen que Wright inventó todo lo que emanaba de su estudio de Oak Park…Fue sin duda, fue parte de la génesis de la arquitectura moderna en Estados Unidos”. Christopher Vernon, Universidad de Australia Occidental.

Vuelta a Chicago y el final

En 1937, mientras construía una biblioteca universitaria en Lucknow, India, Walter murió de peritonitis. Mahony volvió, primero a Australia, pero finalmente, en el 39, a Chicago, donde pasó sus últimos 24 años en casa de su hermana, directora de un colegio. Nunca quiso hablar de sí misma ni de su trabajo como arquitecta, sino de su marido.

Sí dibujó un precioso mural en la escuela de su hermana, el George Armstrong Elementary School de la ciudad, y se interesó por la antroposofía de Rudolf Steiner (el de la educación Waldorf), a la que dedicó buena parte de sus últimas décadas. (4)

Murió demente, no sin antes dejar escrita su biografía en un libro que se puede consultar online en el Art Institute of Chicago: The magic of America.

Notas

1

Por Itziar Narro. 12 de julio de 2020. AD

2

Dra. Arq. Zaida Muxí, Un día una arquitecta. 25 de marzo de 2015

Marion Mahony 1871-1961

3

Archdaily. Marion Mahony Griffin: una arquitectura en sintonía con la naturaleza y la creatividad de la humanidad.

4

A principios del siglo xx fundó un movimiento espiritual esotérico, la antroposofía, con raíces en la filosofía idealista alemana y la teosofía. Sus enseñanzas están influidas por el gnosticismo cristiano,​ Muchas de sus ideas son pseudocientíficas, también era partidario de la pseudohistoria.

Puede interesarte este tema, por lo que te envio esta sugerencia de Hugo K: SUBURBIA http://onlybook.es/blog/suburbia-1a-parte/

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Mas Casualidades

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Iba caminando por la avenida Alcalá y veo dos bolsas al lado de un contenedor de la basura sobre la acera, una con unos libros encuadernados con algún plástico de un azul intenso y en la otra unas partituras.

Una de ellas Sonatas para piano de Haydn, de Edición Ibérica N.º 131. Volumen 1 (10 sonatas). Editorial Boileau de Barcelona. Reimpresión del 2003.

Dentro del libro un ticket de la librería Mundimusical de la calle Espejo 4 de Madrid.

La compraron el 4 de mayo de 2009 por 3.30 € (en esa época era obligatorio indicar su equivalencia en pesetas, pone 549 pesetas).

No tiene ninguna escritura ni digitalización, entiendo que nunca se estudiaron.

El otro, es de J.S. Bach Inventionen und Sinfonien. BWV 772-801

Wiener Urtext Edition. Johann Sebastian Bach (Eisenach 1685 – 1750 Leipzig).

Dentro encuentro un ticket de Mundimusica, fue comprada el 19 de abril de 2011 por 12.70 € (2.113 pesetas).

BWV significa Bach-Werke-Verzeichnis, es el catálogo de las obras de Bach.

Urtext significa “texto original”, las editoriales utilizan el termino para calificar sus productos.

Bach nace el mismo año que Georg Friedrich Händel (y que Domenico Scarlatti), seguramente no sea una casualidad ese hecho común de Bach y Handel.

Muchas invenciones de Bach las conozco y las toco en el piano, como las invenciones 1  BWV 772 (con su versión 772 a), la 3 BWV 774, la 4 BWV 775.

La 8 BWV 779, la estudiaba de muy chico, quizás antes de mis 12 años.

La notación musical de Bach es hermosísima, de una armonía no solo musical, sino estética.

Recordé mi viaje a Eisenach, para caminar por las calles que caminó Bach, su pueblo y su casa natal, creo fui muy temprano a visitarla, hasta que me dijeron que cerrarían, alli compré para mí y para mi profe Gualli unos facsímiles de su hermosa escritura.

En la casa donde paso sus primeros diez años, se conserva el manuscrito de su “Cantata BXV 72 Alles Nur Nach Gottes Willen, asi como el violoncello Piccolo para el que seguramente escribió su “Suite N1 6 BWV 1012”.

El facsímil que compré pone Johann Sebastián Bach (1685 – 1750). Pasión según San Mateo BWV 244. Inicio del coro de apertura. (de la gran editorial) Doblinger.

Un par de años más tarde luego de la feria del libro de Frankfurt, viaje a Leipzig, para ver la ciudad donde vivió, trabajó y está enterrado Bach.

Luego que Georg Phillipp Telemann renunciara al puesto en Leipzig y se trasladara a Hamburgo, Bach fue nombrado en 1723, Bach Thomaskantor y director musical de las principales iglesias de la ciudad, San Nicolás (Nikolaikirche) y San Pablo (Paulinerkirche), la iglesia de la Universidad.

Parte de esto y más cosas, escribi en http://onlybook.es/blog/johann-sebastian-bach-los-cambios-la-arquitectura-por-hakj/

Fue en la cafetería Zimmermann, donde Bach trabajó entre 1732 y 1741.

En 1735 compuso e interpretó la famosa Cantata del café, BWV 211, seguramente también se estrenaron alli las cantatas profanas y otras instrumentales que escribió para Augusto III de Polonia y II de Sajonia, como la «Cantata BWV 205a “Blast Larmen, Ihr Feinde», la «Cantata BWV 206 ‘Schleight, Splielende Wellen» o la «Cantata BWV 207a ‘Auf, Schmetternde Tone».

Su dueño Gottfried Zimmermann, desde 1720 alojó el Collegium Musicum, que fundara Georg Philipp Telemann como estudiante de derecho en 1702​ y posteriormente fue dirigido por Bach entre 1729 y 1739. Para 1723, era una cafetería ampliamente conocida en Leipzig y el centro de reunión de la clase media local.

Estaba ubicaba en la plaza del mercado (Marktplatz) en la elegante calle Catalina (Katharinenstrasse). Zimmermann no cobró cuota alguna al Collegium Musicum por ser la sede de sus conciertos, ni cobraba tarifa al público, con que los gastos de Zimmermann estaban cubiertos por la venta de cafés.

Los conciertos finalizaron con su muerte en 1741.

Recibo el 26 de mayo de 2024 este WhatsApp de Vicky P.:

– “Fui a la casa de una amiga y le digo “que hermoso libro”, lo empiezo a mirar y cuando miro la editorial era tuyo, no lo podía creer. Precioso, tus libros están por todos lados”.

Les cuento datos sobre el libro, su autor es Xavier Girard. “Matisse 1917 – 1954”. Tiene 80 páginas con encuadernación de tapa dura y sobrecubierta, de 16 x 22 cm. Compre los derechos en español a la editorial inglesa Carlton y lo edité en setiembre del 2003, ISBN 978-8496137905.

Girard ha escrito otros libros como: “La Bauhaus”, “French Riviera – Living well was the best revenge”, “Louise Bourgeois, Face to Face”, “Matisse, Une Splendeur Inouie”, “Annees Fitzgerald”, “Les – La Côte d’Azur 1920-1930”, “French Riviera in the 1920 s”.

Un buen amigo me envía esta foto.

Me escribe “Libros de un gran editor y amigo”.
La vi hará una hora, en Pelayos de la Presa, en la Sierra madrileña, donde hace frio, está desapacible y llueve. Ha llovido toda la semana.
La frase es cariñosa y acepto el “gran editor” sabiendo que Carlos M, mi amigo es así de generoso.
La muestro a mi gente, diciéndoles, casi asombrado “pasaron siete años que cerré la editorial y aun están a la venta, en este caso, la librería Book Center de Madrid».
Tuve la suerte de realizar como arquitecto y como editor obras que aun están visibles. Quiero decir que puedo verlas.
Veo el día que vi el terreno o el día que se decidí realizar un proyecto editorial.
Veo las conversaciones. Los acuerdos y desacuerdos, veo todo lo que ya no se ve.
La foto muestra la colección “Miniletras”.
Quería salir de los temas de arquitectura o arte, cocina e infantiles.
Pensaba que tendría mas alcance, mejores accesos en las librerías, pensé muchas cosas.
Recordé que fue difícil dar con una solución a las portadas. No deseaba tener que diseñar 100 portadas (hicimos más de cien títulos) diferentes, deseaba tener una idea general que confirmara una colección y diferenciara los títulos.
Busque diseñadores y no daban con la solución que esperaba.
Lo más difícil se resolvió de la manera mas fácil. Los escritores tienen plumas, bolígrafos, lápices… una fabrica sofisticada de plumas italiana “Delta” me dio los modelos de plumas. Portadas blancas (en una vidriera se ven mejor, llaman mas la atención del lector, del comprador) con plumas puestas verticales inclinadas…
Podría contar muchas anécdotas, como el intercambio epistolar con Eduardo Galeano que pidió amable pero firmemente cambiar la pluma de sofisticado diseño por un pincel, el titulo era y es “El viaje”.
O la aceptación de grandes editoriales para seleccionar cuentos cortos, de Soledad Puertolas, Eduardo del Llano, Marta Sanz, Manuel Mujica Lainez, Arturo Perez Reverte, Juan José Millas, Mario Benedetti, Federico Garcia Lorca, Javier Marías y así seguía decenas de escritores muy bien encontrados.

Que fue posible gracias a agentes literarios como Mercedes Casanovas, Raquel de la Concha o Guillermo Schavelzon. Recuerdo con emoción cuando Guillermo abrió una habitación de su oficina en Barcelona y me mostró todos los escritos, borradores y maquina de escribir de Mario Benedetti, de quien era en ese momento el albacea o el «guardian» de su archivo..

O de mis amigos cubanos Armando Fernandez y Alina Castellanos que me permitieron llegar a publicar a Leonardo Padura, entre otros grandes.

Y ya puestos a recordar a su hija Adriana Fernandez Castellanos (y para mi de la familia), que se fue a Polonia a estudiar con el gran director de cine Andrzej Wajda, sin saber una palabra de polaco, y como llegó a hacer en el 2017 su documental Dos Islas, maravillosa y premiado documental.

En el 2008 habia realizdo el corto «El pez de la torre nada en el asfalto» y «El Vedado».
Con la foto vi y recordé esa actividad, esa parte de mi vida. Gracias Carlos, la lluvia ahora es maravillosa.

Mi querido sobrino Nicolas K. , me escribe que se va «el jueves a Uruguay a trabajar». El0 de mayo me dice que esta en el Sofitel d Carrasco, que esa zona de Montevideo es hermosa.

Y me envia esta foto, y le pregunto, donde la sacaste? y me responde «En la casa donde estoy filmando».

Lo recuerdo muy bien, lo editamos en abril del 2005, le puse el título fascinado por los colores de las ropas, los complementos, los ingredientes. y un subtítulo Un viaje culinario a traves de Sudafrica. Sus autores Lannice Snyman y Andrzej Sawa.

La traducción la hizo Elena María Feito, del equipo de traductores de ASPPAN. los textos en castellano, con 223 páginas a todo color, tapa dura con sobrecubierta, 24 cm x 31 cm. Su ISBN 9788496304635.

La Libreria Casa del Libro escribió «Una fórmula exquisita, recetas, historias, paisajes, tradiciones milenarias de Sudáfrica. Mas de 250 recetas, desde las más rústicas a las más elaboradas, desde las mas suaves a las mas especiadas. Procedentes de los mejores restaurantes africanos, incluye delicias caseras transmitidas de madre a hijo durante generaciones».

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Pabellón de la Serpentine 2024 (1)

Mass Studies 

2024 en Londres, material utilizado madera

Desde el 7 de junio al 27 de octubre, el 23 pabellón temporal de la Serpentine Gallery, abre sus puertas al público en los Kensington Gardens de Londres.

Fue diseñada por el coreano Minsuk Cho (1966) de Mass Studies.

Está radicado en Seúl, la construcción está inspirada en la arquitectura vernácula en madera de su país.

Denominado Archipelagic Void, el pabellón presenta una estrella de cinco puntas, organizadas alrededor de un vacío central, para albergar diferentes usos de manera independiente.

Goldman Sachs apoya estos proyectos anuales, y este es el décimo año consecutivo que sucede.

Las cubiertas de los brazos irregulares, varían en tamaño, forma y altura, están conectadas por un anillo circular de acero, situado sobre el patio central. Apoyados en pedestales de hormigón, los cinco módulos contienen al Auditorio, que está coronado por un techo inclinado y aberturas laterales, revestidas de policarbonato de tonos rosados.

Ubicada al norte del Pabellón se encuentra la Biblioteca de libros no leídos, una iniciativa artística de Heman Chong y la archivera Renée Staal.

Concebido como una obra de arte que funciona como una biblioteca de referencia «viva», cada libro ha sido donado por su anterior propietario para formar un acervo de conocimiento común.

Los visitantes pueden contribuir y enviar un libro no leído que tengan en su poder a una colección creciente.

Al hacer accesibles estos títulos, La «Biblioteca de Libros No Leídos» funciona como un gesto colectivo, abordando nociones de acceso y distribución.

La Galería, contiene una instalación sonora que reproduce música del compositor Jang Young-Gyu; la Play Tower es una estructura piramidal provista de una red naranja que invita a jugar a los visitantes, posee una Casa de té. 

“Nos sentimos honrados y agradecidos de presentar Archipelagic Void. Para realizar el Pabellón, comenzamos preguntando qué se puede descubrir y agregar al sitio Serpentine, que ya ha presentado más de veinte iteraciones históricas en el centro del parque, con un plantel de grandes arquitectos y artistas Para abordar este nuevo capítulo de manera diferente, en lugar de verlo como una carta blanca, aceptamos el desafío de considerar los muchos elementos periféricos existentes mientras exploramos el centro como un vacío. el Serpentine Pavilion. Al invertir el centro como un vacío, alejamos nuestro enfoque arquitectónico del centro construido del pasado, facilitando nuevas posibilidades y narrativas”. Minsuk Cho, Arquitecto, Mass Studies.

El último Pabellón Serpentine había sido proyectado por la arquitecta franco-libanesa Lina Ghotmeh proponiendo un espacio de encuentro.

En la edición de 2022, el artista Theaster Gates en 2022 creó un espacio tranquilo para la contemplación, y en ediciones anteriores nos mostraron proyectos de Counterspace Studio en 2021, de Francis Kéré en 2017, de Bjarke Ingels en 2016 o de Rem Koolhaas, en 2006.

Archipelagic Void de Mass Studies se compone de un vacío único en el centro rodeado por una serie de estructuras más pequeñas y adaptables ubicadas en su periferia. El proyecto hace referencia al madang o patio abierto que se encuentra en las casas tradicionales coreanas.

Alrededor del vacío, cada estructura de este pabellón multifacético se concibe como una “máquina de contenidos”.

Cada una con un nombre y propósito distintos, incluyendo la Galería, la Biblioteca, el Auditorio, la Casa de Té y la Torre de Juegos.

Ensambladas, las piezas se convierten en diez espacios que rodean el vacío: creando cinco espacios cubiertos distintos y cinco áreas intermedias abiertas que se integran con el parque circundante y las actividades del Pabellón.

Programa
Como entrada principal al Pabellón, la Galería alberga una instalación de sonido de seis canales creada por el músico y compositor Jang Young-Gyu, que presenta The Willow en el verano y Moonlight en el otoño.

Inspirándose en el entorno que rodea el Pabellón, Jang incorpora sonidos de la naturaleza y las actividades humanas grabados en los Jardines de Kensington con música vocal e instrumentos tradicionales coreanos. Los tonos y melodías distintivos trazan el cambio de estaciones. La pieza responde al paisaje en constante transformación del Parque.

En un guiño a la historia del edificio Serpentine, la Casa de Té estará ubicada al este del Pabellón. Diseñado por James Gray West, el edificio Serpentine South fue inaugurado en 1934 y originalmente funcionó como una casa de té hasta principios de la década de 1960, antes de reabrir sus puertas como galería de arte en 1970.
Al oeste, se encuentra el Auditorio, la estructura más grande de las cinco “islas”.

Con bancos integrados en sus paredes interiores, el espacio permite reuniones públicas y contará con un programa de actuaciones y charlas.

El Serpentine Pavilion 2024 también se convertirá en una plataforma para Serpentine’s Park Nights, la plataforma interdisciplinaria anual para encuentros en vivo en música, poesía, performance y danza en la que los artistas crearán nuevas obras específicas para un sitio.

Park Nights de este año presentará un espectáculo de danza de la coreógrafa Eun-Me Ahn y su compañía el viernes 28 y sábado 29 de junio y una velada de poesía que reunirá a los poetas de renombre internacional Don Mee Choi y Denise Riley e invitados el viernes 19. Julio.

Jujuy Argentina

En julio del 2024, Serpentine Arts Technologies organizará un día de eventos que explorarán la relación entre tecnología, propiedad y ecología. Se invitará a los visitantes a convertirse en administradores de una obra de arte colectiva iniciada por Tomás Saraceno y sus colaboradores, las comunidades de Salinas Grandes en Jujuy, Argentina.

Titulado Fairclouds, este proyecto único construye conexiones entre los ciclos del agua, la información y la vida. Al comprar una licencia de propiedad común parcial y convertirse en parte de una red internacional de administradores, el público apoyará el trabajo de las comunidades indígenas en Argentina. El proyecto es parte de una colaboración continua entre Serpentine Arts Technologies, RadicalxChange y Aerocene Foundation.

Notas

1

Textos y fotos de AV, Arquitectura viva y de Metalocus.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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No debiese haber temas que le fueran ajenos a la mano del diseñador, del arquitecto, o del artista, ni siquiera volúmenes o superficies independientemente de su tamaño que pudieran serles extraño o indiferentes.

Estoy pensando en Le Corbusier con su Cabañon de 1954, o el Dymaxion Car el auto diseñado por Buckminster Fuller (1895-1983), un triciclo de 6 metros de largo para 11 pasajeros de 1933 y que Sir Norman Foster se ocupa de mostrárnoslo enseñar por todo el mundo. (13)

Ahora estamos analizando el proyecto de Tokio de los baños, públicos, ejemplos que nos demuestran en su diversidad y riqueza lo que antes decíamos. En ellos, grandes y renombrados arquitectos han dado una respuesta.

Distintas, diferentes, no todas “maravillosas”, pero todas respetuosas del programa.

En la primera parte hemos visto seis proyectos de los arquitectos y diseñadores Tadao Ando (premio Pritzker 1995), Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban (premio Pritzker 2013), Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki (premio Pritzker 1993). http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/

En la segunda parte los cinco trabajos que han construido Masamichi Katayama / Wonderwall, Marc Newson, Kazoo Sato, Fujimoto Sōsuke, Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX. http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/

En esta tercera parte difundimos los baños de Junko Kobayashi, Toyo Ito (premio Pritzker 2013), Sato Kashiwa y, Tomohito Ushiro,

Kobayashi Junko

Baño público ubicado en Sasazuka Ryokudō (Sasazuka 1-29), inaugurado el 10 de marzo de 2023, bajo las vías del tren de la línea Keiò.

El exterior oxidado, le da una apariencia “que impresiona”, y que quizás no invite a todos a aproximarse al baño, pero cuenta con un fácil acceso en silla de ruedas o coche para bebés.

Los baños para niños están en la parte frontal de la construcción, a la vista de los padres, y tienen grandes cristales que dejan pasar la luz, entre otros detalles que brindan seguridad.

No cabe duda de que es una obra de Kobayashi Junko, presidenta de la Asociación de Baños de Japón, que ha participado en el planeamiento de más de 250 baños públicos.

Su diseño único consiste en cilindros de diferentes alturas y, al levantar la mirada, nos espera una sorpresa: en lugar de encontrarnos con el hormigón de la vía férrea superior, nos sorprende un alero de color amarillo brillante, algo que da a este baño un toque de diversión.

El panel oxidado irá cambiando de color con el paso del tiempo, lo que nos invita a visitarlo varias veces.

Toyo Ito (premio Pritzker 2013)

El Baño se encuentra al pie de una escalera que conduce al santuario de Yoyogi-Hachiman, en el barrio de Shibuya.

El arquitecto japonés Toyo Ito ha denominado a su propuesta de aseo público «Tres Setas».

Su propuesta es el proyecto undécimo baño público de los 17 distribuidos y planeados en el distrito de Shibuya de Tokio.

El baño se divide en tres estructuras cilíndricas rematadas con techos abovedados que crean una forma que recuerda a los hongos que se encuentran en el bosque que rodea el santuario.

La nueva instalación se construyó para reempl azar unos antiguos aseos situados en la parte inferior de un tramo de escaleras que conducen al popular santuario Yoyogi.

Cada pieza individual dispone de un gran espacio para que pueda ser utilizada fácilmente por diferentes tipos de usuarios, desde personas mayores hasta personas con niños, las funcionalidades se redistribuyen entre las piezas de hombres y mujeres, las cubiertas se elevan por encima de las paredes para permitir la entrada directa de luz natural y aire a los aseos.

Toyo Ito comentaba que “…incluso yo, un hombre, no quería usar los aseos públicos, salvo que fuera inevitable”.

El diseño refleja el deseo de crear unos “aseos con una sensación de seguridad que permita a las mujeres usarlos incluso de noche, unos aseos que tenga un diseño discreto y que se pueda usar de manera informal”.
El proyecto de Ito se une a los aseos públicos transparentes de Shigeru Ban, el aseo circular de Tadao Ando, ​​el aseo de Fumihiko Maki con su «techo alegre», los aseos minimalistas de vidrio de Takenosuke Sakakura, o propuestas de diseñadores como Nao Tamura con su inodoro rojo o el inodoro de paredes de hormigón de Masamichi Katayama. Todos estos ejemplos los estamos exponiendo en las 3 partes publicadas en el blog.

Sato Kashiwa

WHITE

El diseñador gráfico Kashiwa Sato ha diseñado un baño cúbico envuelto de lamas de aluminio blanco. Las lamas verticales encierran un pasillo interior.

Está ubicado en la salida oeste de la estación Ebisu, se construyó un enorme cubo blanco, fue inaugurado en julio de 2021, tiene mucho uso, y deben trabajar mucho en su conservación para que continue blanco, sinonimos para el diseñador de pulcritud y seguridad.

Programa infantil

Limpieza baños en el parque

Niños que participaron en un taller de limpieza frente al baño del parque de Ebisu, diseño de Katayama Masamichi, inaugurado en agosto de 2020.

Katayama Masamichi, ha trabajado en Nueva York y Paris y estuvo a cargo del diseño de interiores de la tienda insignia de Uniqlo en Ginza.

Uniqlo en Ginza

El primer baño del proyecto toilete se abrió al publico en agosto de 2020, fue el proyecto de Ban Shiguru con una estructura de paredes de cristales transparentes.

Su enorme difusión por las redes, lo hizo muy conocido y popular.

Shiguru Ban baños transparentes

Tomohito Ushiro

Está en el parque Hiroo Higashi, una zona residencial rodeada de vegetación, de residentes y de visitantes. De día, el color blanco del exterior se roba el protagonismo ya que se destaca entre el concreto, la flora y las plantas que salpican el paisaje.

“Lo diseñé como una obra de arte público”

El director creativo japonés Tomohito Ushiro propone e idea luces pixeladas que bailan y cambian de forma en una miríada de imágenes.

El inodoro se ilumina con 7900 millones de formas, un número que refleja la población mundial estimada, y las luces parpadean en varios patrones.

El brillo pixelado puede imitar los rayos solares que se filtran a través de los árboles durante el día y como la luz de la luna o las luciérnagas errantes por la noche. Ushiro afirma que los usuarios y los transeúntes no verán el mismo patrón dos veces. Quiere encarnar la idea de igualdad diversa. Dice “todos somos iguales en el sentido de que todos somos diferentes”.

El interior y el exterior del baño público tiene un lenguaje que invita a cualquiera a usarlo: pantallas digitales gigantes gamificadas que encienden luces en el exterior, una entrada pintada de blanco cuyo diseño recuerda los baños públicos en las piscinas, y accesorios interiores y baños que firman el clásico vernáculo del Japón de alta tecnología mediante el uso de acero y tonos blancos.

Los vidrios protegen el gigantesco panel de luz detrás del inodoro, la pantalla que se ilumina por la noche y cuando el entorno está lo suficientemente oscuro para que la luz desempeñe su papel. El diseño de Ushiro sigue la versión del techo tradicional japonés de Marc Newson en el Tokyo Toilet que enseñamos en la 2nda entrega. http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/

Ushiro quiere alentar a los visitantes a ver “el inodoro no solo como un servicio público, sino también como un centro de placer cultural”. “Diseñé este inodoro para que fuera como una obra de arte pública que forma parte de la vida diaria y, al mismo tiempo, hace preguntas constantemente al espectador”. “Espero que se convierta en un monumento que continúe cuestionando la importancia de este proyecto».

vista exterior

El panel de luz gigante está instalado detrás del inodoro.

Uno de los dos inodoros universales está equipado con un dispositivo apto para ostomizados.

Notas

13

Sir Norman Foster desarrolló una fiel reproducción del Dymaxon. Solo existía una unidad (de las tres que se fabricaron en 1933) y con la ayuda de más de 2000 fotografias pudo reproducirlo.

Se utilizó aluminio, sobre una estructura de un Ford Tudor de 1934 y un motor V8 de 86 CV de Ford, igual a los originales de Fuller.

Pude verlo expuesto en octubre de 2010 en el Ivorypress Art+Books en Madrid, y en septiembre de 2022 en el Museo Guggenheim de Bilbao en “Motion, Autos, Art, ARchitectura”, comisariada por Foster y organizada en colaboración con la Norman Foster Foundation.

http://onlybook.es/blog/motion-autos-arte-y-arquitectura-by-norman-foster-2nda-parte/

14

José Juan Barba de Metalocus el 1 de agosto de 2021

15

María Anastidas de Metalocus del 21 de septiembre de 2020

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston

The Tokyo Toilet

parte una http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/

continua en http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-3-y-final-por-ahora/

En la primera parte hemos visto los proyectos de los arquitectos y diseñadores Tadao Ando (premio Pritzker 1995), Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban (premio Pritzker 2013), Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki (premio Pritzker 1993) http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/

Ahora veremos los trabajos que han construido Masamichi Katayama / Wonderwall, Marc Newson, Kazoo Sato, Fujimoto Sōsuke, Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX,

Consideraciones

Además de un buen diseño, se buscó que los baños fueran cómodos y funcionales. La selección y la disposición del equipamiento estuvo a cargo de la empresa de retretes TOTO, mientras que, para el diseño y la construcción, participó Daiwa House. Satō Kashiwa, director de arte, se encargó del diseño de las placas de información y los pictogramas de los baños.

Sasakawa Junpei, director de la Fundación Nippon, señaló que la construcción de los baños representa únicamente el 50 % del éxito del proyecto, la otra mitad depende de que estos sean utilizados. Por esta razón, NIGO (pseudónimo de Tamoaki Nagao), un popular diseñador de moda creó los uniformes para el personal de limpieza.

Se hará cargo del mantenimiento de los baños también junto a la Asociación de Turismo de Shibuya y el ayuntamiento del distrito. Este proyecto busca hacer surgir, de manera natural, la consideración en las personas de dejar un baño limpio para quienes lo usen después, así como que la gente sienta curiosidad de visitar ciertos parques porque hay baños originales.

Los uniformes son elásticos y permiten que la gente que se los pone se mueva libremente. Esta frase (ya me dirán ustedes), es muy japonesa “Con esto, se espera que el personal de limpieza podrá sentirse orgulloso de su labor”.

Masamichi Katayama / Wonderwall (8)

Se encuentra en el parque Ebisu, en Shibuya. Fue inaugurado el18 de agosto de 2020. La fotografías es de Satoshi Nagare

Una instalación que se aleja de los conceptos y elementos arquitectónicos: es un objeto que se coloca casualmente en el parque, como cualquier otro.

En Japón, el origen de los baños es Kawaya.

El concepto Kawaya era una cabaña que se erigía sobre el río Kawa que se remontaba a los tiempos neolíticos de principios del período Jomon (10.000 a 6.000 AEC). (9)

Estas cabañas eran de diseños primitivos y simples, a menudo hechas de tierra endurecida o de trozos de madera unidos entre sí.

El inodoro diseñado por Wonderwall liderado por el diseñador de interiores Masamichi Katayama es la quinta propuesta del barrio de Shibuya que se inauguró el 5 de agosto de 2021.

Tratando de imaginar la apariencia y la atmósfera de los Kawaya primitivos del pasado, Masamichi Katayama propuso un “espacio ambiguo” que es simultáneamente un objeto y un aseo combinando al azar 15 paredes de hormigón. “Los espacios entre las paredes llevan a los usuarios a tres áreas diferentes diseñadas para hombres, mujeres y discapacitados. El diseño crea una relación única en la que se invita a los usuarios a interactuar con la instalación como si estuvieran jugando con un curioso equipo de juegos”.

“Tuvimos en cuenta una instalación que se aleja de los conceptos y elementos arquitectónicos: un objeto que se encuentra en el parque, como si fuera un parque infantil, o bancos o árboles”.

“El diseño crea una relación única en la que se invita a los usuarios a interactuar con la instalación como si estuvieran jugando con una pieza de juego”. 

Tour a los baños

En noviembre de 2022 se llevó a cabo un tour en autobús organizado por la Asociación de Turismo del Distrito de Shibuya. Los participantes pudieron admirarlos, y observar los trabajos de limpieza y disfrutar de un espacio de comunicación. Recibió tan buenas críticas que está planeado efectuarlo de manera regular.

Los pasajeros del autobús pagan 4.950 yenes (aprox 28 €) por visitar nueve aseos distintos, durante 2 horas, entre ellos uno con paredes transparentesque se vuelven opacas cuando los usuarios entran y otro que se maneja mediante comandos de voz.

«Los visitantes pueden ser conducidos por las partes menos visitadas de Shibuya y disfrutar de todo el distrito mientras conocen los baños», dice Yumiko Nishi, responsable de la asociación turística del distrito.

Niños en el taller de limpieza del baño público del parque de Ebisu, foto tomada em octubre de 2022.

Mark Newson (10)

Baño público de Urasandō ubicado en Sendagaya 4-28-1, inaugurado el 20 de enero de 2023. Fotografía de architecturephoto.

Debajo de la autopista metropolitana, cerca del cruce de la avenida Meiji Dōri con la de Kitasandō, apareció un baño muy simple de hormigón. Con un techo de cobre y muros de piedra que se asemejan a los de los templos y santuarios, remite a la arquitectura tradicional de estilo japonés.

El diseño estuvo a cargo de Mark Newson, de Australia. Se trata de un diseñador de productos representativo de nuestros días, que ha trabajado para Louis Vuitton y también participó en el diseño del reloj Apple Watch.

Su interior es monocromático, de color verde azulado, que le da un toque de pulcritud. El techo de cobre será cubierto de una pátina de color verdoso que le da una apariencia desgastada y que irá cambiando de tonalidad con el tiempo. Combinará perfectamente con el verde del interior y seguramente muchos lo visitarán repetidamente para atestiguar su transformación.

Los muros de piedra son impresionantes. El techo de cobre le brinda una honrada curva a la estructura, tal como los techos tradicionales japonenses del estilo minoko.

El verde pastel baña suavemente las paredes de su diseño, lo usa como su color principal, y único color, las direcciones y las señales aparecen claras y visibles y el equipo dentro de la instalación pública es más fácil de ver. “Espero que este inodoro sea tan atractivo y conveniente como las otras atracciones ocultas en Shibuya”, “Aunque el baño está en un lugar concurrido y ultramoderno, quería hacer que esta forma de techo, que a menudo se encuentra en santuarios, templos, salones de té y áreas rurales, subconscientemente se sintiera cómoda y pacífica. La pátina del techo piramidal de cobre permitirá, con el tiempo, que el edificio se mezcle con la ciudad y se convierta en parte del tejido de Tokio”.

Kazoo Sato y Disruption Lab Team

Un baño público “Contactless” activado por la voz.

Satō Kazū frente a los baños del parque Nanagō-dōri, galardonados con el premio IF Design 2023, uno de los tres grandes premios del mundo del diseño.

El diseñador Kazoo Sato y disruption lab team diseñan Hi Toilet, un baño público que funciona a través de comandos de voz, evitando el contacto y mejorando la higiene, enHatagaya, Shibuya-ku.

El concepto de diseño de Hi Toilet es crear una experiencia más higiénica y sencilla, sin necesidad de tocar superficies y con instrucciones guiadas por voz. Esta idea ya existía antes de la llegada del Covid-19, pero la pandemia aceleró el proceso de creación de esta experiencia única para evitar el contacto entre personas.

La inspiración de Kazoo Sato para crear un inodoro totalmente activado por voz surgió después de mucha investigación y búsqueda de información sobre el comportamiento de los usuarios en los distintos baños públicos de Europa y EE. UU. La mayoría de ellos evitan el contacto con las superficies, pulsando la cisterna con el pie o el codo, y abriendo y cerrando la puerta con papel higiénico.

Por todo ello, el equipo creativo pensó en los baños dirigidos por comandos de voz, evitando todo tipo de contacto y mejorando la higiene de los espacios. Los comandos de voz permiten abrir y cerrar la puerta, tirar de la cadena, abrir y cerrar el grifo y poner música.

Es el diseño número12 del proyectoThe Tokyo Toilet.

Fujimoto Sōsuke (11)

Fujimoto Sōsuke, estuvo a cargo del Baño Público de Nishisandō, el último de los 17 que incluye el proyecto, se ha vuelto famoso por ser el diseñador de “Ringu”, el techo grande y el símbolo de la sede principal de la Expo 2025 Osaka, Kansai.

Llama la atención que muchos de los 17 baños son de color blanco.

Fujimoto señala “que este color es fácil de reconocer, al tiempo que da impresión de pulcritud.

Se convierten en un punto brillante dentro de una metrópolis gris”.

Tienen la desventaja que se ensucian fácilmente, por eso es un color difícil de utilizar en los baños públicos. Para este proyecto, se da importancia también al mantenimiento de las instalaciones, por lo que los creadores no tuvieron que ceñirse a reglas que los limitaran y se les permitió que echaran a volar su imaginación.

Los baños de del proyecto The Tokyo Toilet se limpian tres veces al día. Además, cada mes son revisados y se lavan con el método profesional de limpieza húmeda. Por si fuera poco, cada año se da mantenimiento a los exteriores y a la iluminación, entre otros aspectos. Este plan permitió materializar condiciones que normalmente serían adversas, como las paredes y suelos blancos, los cristales que rodean a los baños o la abundante madera natural utilizada en el diseño, además de, por supuesto, mantener la comodidad de las instalaciones.

Considera que los “baños públicos son una fuente comunitaria y eligió los conceptos de “recipiente” y “manantial” para crear un oasis en medio de la metrópoli”.

Su baño está en Nishisandō, Yoyogi 3-27-1, fue inaugurado el 24 de marzo de 2023.

En el frente están los lavabos en una estructura curvada, se pueden usar desde el corredor o desde la acera y los seis grifos con los que cuenta están a diferentes alturas.  El agua corre por la rampa y se dirige al desagüe del centro.

Desde la lejanía este diseño sólido se asemeja a un recipiente blanco. El árbol hainoki, símbolo del baño, le da un toque de ternura.

Es un diseño que toma en cuenta a todas las personas, desde los niños y los ancianos, hasta los peatones que no utilizan los baños.

En un lateral hay un baño multiusos que cuenta con todas las funcionalidades necesarias.

Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX

Un baño que es un espacio comunitario.

Realizó el Baño público de Hatagaya (Hatagaya 3-37-8, inaugurado el 22 de febrero de 2023.

El equipo dirigido por el profesor Miles Pennington del Instituto de Ciencia Industrial de la Universidad de Tokio diseñó no solo un baño, sino un espacio comunitario. Bajo el concepto “With Toilet”, crearon un espacio que se puede aprovechar como sala de espera, área de exposiciones o para tiendas temporales.

En su exterior totalmente blanco se pueden exponer obras de arte o utilizar proyectores para mostrar imágenes. También se pueden extraer los bolardos y colocando las maderas encima se convierten en bancos. Combinando la posición de los 31 bolardos se puede hacer una sala de conferencia o asientos en círculo.

El baño está equipado con cambiador de pañales y de ropa, así como baño para personas ostomizadas (aquellas personas operadas que tienen un orificio en el abdomen para sacar fuera del tubo digestivo o urinario a envases).

Perfect Day. El cuidado

“…los bienes comunes no existen sin una comunidad que los utilice y los cuide…”

Tomo estos pasajes del film Perfect Day.

Cuando el protagonista Hirayama (Yakusho Kōji) cede su espacio vital, sobre todo su cama y su recamara, a su sobrina Niko (Arisa Nakano), tras escaparse de su casa.

Cuidarla es mostrarle el otro mundo que existe, que esta lleno de espacios comunes, la calle, los saunas las lavanderías, el parque, el bosque…

Cruzando el puente en bicicleta, dicen:

“…El mundo está hecho de muchos mundos, algunos están conectados y otros no”.

“Hay un mundo en el que las cosas no se cuidan y sólo se usan; hay otro en el que el mantenimiento es la clave para sostener y reparar el mundo. El cuidado es el puente. E implica, por necesidad, un esfuerzo colectivo…los bienes comunes no existen sin una comunidad que los utilice y los cuide…”

Otros diálogos son con su compañero Takashi (Tokio Emoto), cuando éste último pregunta, “¿de verdad te gusta este trabajo?”, para más adelante, sentenciar: “¿qué pasa con este mundo de mierda?”

Son las dos posiciones planteadas en el film y en la sociedad, Takashi no quiere limpiar la caca, es el reflejo del desgaste de la vida moderna y no se siente responsable de limpiar lo que ensucian los demás, Hirayama por el contrario, acepta su función, asume su rol de cuidar haciéndolo con dignidad.

¿Quién cuida a quien nos cuida?

Cuidar al mundo es mucho más que limpiar baños. Las prácticas de cuidado de Hirayama incluyen: cepillar los pisos, los lavabos y los baños, sí, pero también cuidar a un niño perdido mientras busca a su mamá; explicarle a una desconocida cómo funciona un baño público; compartir sus joyas musicales con las generaciones futuras; cuidar al borracho que se quedó dormido; jugar gato con una persona anónima; esperar afuera mientras alguien pasa por un mal momento; hacerse amigo de quienes no tienen más amigos; saludar y respetar al sin hogar que hace campamento al lado de un baño; celebrar a los niños que juegan inocentes en el parque; recuperar una planta del parque para cuidarla en su propia casa.

Todo lo que hace el personaje es cuidar: sin el cuidado y el mantenimiento ningún espacio tiene valor en sí mismo. (12)

Notas

8

José Juan Barba de Metalocus

9

Las expresiones “de la era común” (e. c.)​ y “antes de la era común” (a. e. c.)​ son designaciones alternativas al empleo de “después de Cristo” (d. C.) y “antes de Cristo.

10

Nació en Sídney, Australia en 1963, Marc Newson ha vivido y trabajado en Sídney, Tokio, París y actualmente reside en el Reino Unido, donde su empresa tiene su sede desde 1997. Sus clientes incluyen empresas como Louis Vuitton, Montblanc, Hermès, Nike, Dom Pérignon, Jaeger-LeCoultre y Ferrari entre otgros.

Además de supervisar su propia empresa, ha ocupado altos cargos en las empresas de los clientes, habiendo sido director creativo de Qantas Airways de 2005 a 2015 y diseñador de proyectos especiales en Apple desde su primera participación en el diseño del ‘Apple Watch’. En 2019, Marc y Sir Jonathan Ive fundaron el colectivo creativo LoveFrom.

Ha sido incluido en la lista de las 100 personas más influyentes de la revista TIME y ha recibido numerosos premios y distinciones. Doctor honorario del Royal College of Art y la Universidad de Sydney, ha ocupado cátedras adjuntas en la Universidad de Sydney y la Universidad Politécnica de Hong Kong, y ha sido designado RDI (Royal Designer for Industry) por la Royal Society of Arts. En 2012, Su Majestad la Reina Isabel II le otorgó CBE (comandante de la Excelentísima Orden del Imperio Británico).

11

Nippon.com una ventana a Japón. 14/04/2023

12

Francisco Paillie Pérez de Arquine. 16 de abril de 2024

Puede interesarte este tema, por lo que te envio esta sugerencia de Hugo K: Eladio Dieste «El señor de los ladrillos» http://onlybook.es/blog/eladio-dieste-el-senor-de-los-ladrillos-por-hakj/

Nuestro Blog ha obtenido más de Un Millón de lecturas:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

The Tokyo Toilet

El proyecto ofrece una nueva visión de los baños públicos japoneses, erradicando la idea que deben tener mala fama además de ser sucios o malolientes.

Dieron la posibilidad a la creación de 17 diseños realizados por arquitectos japoneses de renombre mundial.

El proyecto The Tokyo Toilet, es un proyecto a cargo de The Nippon Foundation (1) que tiene como objetivo crear baños públicos que favorezcan la inclusividad y la diversidad, tienen que ser usados por todos, independientemente de su género, edad o discapacidad.

El lanzamiento del proyecto fue parte de un esfuerzo para mejorar la ciudad antes de los Juegos Olímpicos de Tokio 2020.

El barrio de Shibuya tiene por eslogan “una ciudad que convierte la diferencia en su fortaleza”, es un distrito conocido por ser la cuna de tendencias culturales en Japón.

Los invitados han sido arquitectos y diseñadores Tadao Ando, Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban, Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki, que muestro en esta primer parte.

El resto de los profesionales son Masamichi Katayama / Wonderwall, Nigo, Toyo Ito, Kashiwa Sato, Kazoo Sato, Marc Newson, Tomohito Ushiro, Miles Pennington, que mostrare en la proxima entrega.

El proyecto Tokio Toilet ha formado el telón de fondo para la película estrenada en 2023 nominada al Oscar Perfect Days, dirigida por Wim Wenders, que protagoniza el famoso actor japonés Yakusho Kōji.

http://onlybook.es/blog/12621-2/

The Tokyo Toilet, es un programa de la Fundación Nippon destinado a renovar diecisiete baños públicos en Shibuya, por 16 creadores reconocidos, en colaboración con el gobierno de la ciudad de Shibuya. Los inodoros fueron construidos por Daiwa House Industry Co. Ltd., con Toto Ltd. asesorando sobre el equipo y el diseño del inodoro. Además de la construcción, el mantenimiento se llevará a cabo bajo un acuerdo tripartito entre la Fundación Nippon, el gobierno de la ciudad de Shibuya y la Asociación de Turismo de la Ciudad de Shibuya.

En el 2016 el Ministerio del Territorio, Infraestructuras, Transporte y Turismo realizó una encuesta. El 51,7 % respondió que no usaba los baños públicos de los parques, solo el 1,2 % lo hacía. Del entre los que no lo usaban el 68,1 %, dijeron que no dan la impresión de ser higiénico, y que no están lo suficientemente limpios, un  1,4 %, manifestó que su interior y de las áreas aledañas no inspiraban seguridad para usarlos con tranquilidad.

Tadao Ando (2)

Un baño público circular entre los cerezos del parque Jingu-Dori, se llama Amayadori.

Los proyectos, denominados “Tokyo Toiletson” dirigidos por la fundación sin ánimo de lucro Nippon Foundation, serán 17 nuevos aseos públicos construidos en el barrio de Shibuya.

Uno de los barrios mas juveniles y de más vida de Tokio.

Es un baño con vocación de convertirse en un monumento, se inauguró el 7 de septiembre de 2020.

Prueba de ello es la obra del arquitecto japonés Tadao Ando que aterrizó en Tokio. El edificio se compone de un techo circular que sobresale a modo de porche y una pared cilíndrica con aperturas verticales que permiten la entrada de la luz y el viento. Es esta armadura la que custodia discretamente en su interior la principal función del lugar, en una intención de aportar seguridad, comodidad y, belleza.

Dice Tadao Ando de AMAYADORI, que literalmente significa refugiarse de la lluvia.
“Busqué que esta pequeña arquitectura superase los límites de un aseo público para convertirse en un «lugar» en el paisaje urbano que proporcionase un inmenso valor público. Utilizando este razonamiento claro y simple para el concepto de esta estructura, elegí utilizar un plano circular con un techo que se extendía y un “engawa”, que es una franja de borde de piso sin tatami, de madera o bambú, se puede recorrer el baño alrededor de él, se asemeja asi a un porche o un solárium”.

“Para mí era vital hacer un espacio cómodo y seguro. Los visitantes pueden moverse dentro de una pared cilíndrica de persianas verticales para sentir la comodidad del viento y la luz del entorno circundante. La sensación de seguridad se verá reforzada por la circulación libre y centrípeta que pasa al otro lado”.

Kengo Kuma (3)

Su proyecto ha sido el noveno en inaugurarse el 24 de junio de 2021.

Kuma diseñó una “villa de baños” dentro del Parque Nabeshima Shoto, su vegetación excéntrica, lo transforman en un espacio poco convencional para ser sede de baños públicos. Diseñó también el camino para generar una experiencia única y completamente diferente.

El objetivo central de Kuma era disipar la imagen de los baños públicos sucios, oscuros y aterradores. En este caso, pretende que los espacios públicos, además de ser abiertos para todos, sean perfectos para gozar de una experiencia divertida. Justamente, las paredes ecológicas ofrecen una visión un más pública, al tiempo que original.

Se compone de cinco cabañas cubiertas con persianas de madera de cedro con “alas”, se conectan a través de un paseo a lo largo del bosque. Cada uno de los bloques tiene una finalidad distinta que va desde un espacio para niños hasta uno para personas que requieren usar silla de ruedas o bien, muletas.

El objetivo central es proteger a las personas del Coronavirus.

Aseo triangular de Nao Tamura (4)

“¿A medida que entramos en una era de mayor conciencia, ¿cómo puede evolucionar un espacio común como el baño público para adaptarse de manera efectiva a nuestras necesidades infinitamente diversas?”.

La diseñadora japonesa Nao Tamura, residente en Nueva York, ha completado un bloque de baños públicos rojos en una pequeña parcela triangular en el distrito de Shibuya del centro de Tokio.

La estructura roja diseñada por Nao Tamura se inspiró en Origata (5), un método tradicional japonés de envolver regalos, para hacer referencia a la noción de hospitalidad.

 Escribe “…es un símbolo de la entrega de regalos, este motivo encarna el espíritu de hospitalidad hacia los visitantes multinacionales del distrito de Shibuya y transmite mi visión de crear un espacio seguro que envuelva a todos los usuarios”.
“La técnica antigua no es solo una expresión de belleza y etiqueta, sino una de las formas más elevadas de honor y respeto cuando se otorga a quien la recibe”.
“Para replicar la técnica de Origata y los precisos pliegues de papel que la encarnan, elegí placas de acero para crear la estructura y la fachada del exterior”.

El color rojo nos muestra una intervención que es fácil de ver, reconocible y transmite una sensación de urgencia. El área de inodoros está dividido en tres con un baño accesible para sillas de ruedas, un inodoro femenino y un inodoro masculino alineados en una fila en la punta del triángulo.

“Al vivir en Nueva York, he tenido el privilegio de presenciar cómo la comunidad LGBTQ + vive alineada con sus identidades sexuales. Cuando diseñé este baño público para una pequeña parcela triangular en Shibuya, imaginé una sociedad que abraza a la comunidad LGBTQ + y les brinda espacio para vivir su verdad. Me di cuenta de que lo que permite a cada usuario una experiencia cómoda se reduce a la seguridad, la privacidad y la urgencia. Con esto en mente, creé tres espacios separados que redefinen la forma en que un baño público establece el espacio personal”.

Shigeru Ban

El arquitecto japonés Shigeru Ban ha diseñado dos nuevos baños públicos de vidrio, ubicados en el mini parque Yoyogi Fukamachi y el parque comunitario Haru No Ogawa, ambos en el barrio de Shibuya.

Utilizando una nueva tecnología, Shigeru Ban proyectó los inodoros con dos puntos clave en mente: limpieza y seguridad. Según Shigeru Ban, “…hay dos cosas de las que nos preocupamos cuando ingresamos en un aseo público, especialmente aquellos ubicados en parques. La primera es si está limpio por dentro y la segunda es que nadie está esperando secretamente adentro. Utilizando una nueva tecnología, diseñamos las paredes exteriores con vidrio que se vuelve opaco cuando se bloquea. Esto permite a los usuarios verificar la limpieza y si alguien está usando el baño desde el exterior. Por la noche, la instalación ilumina el parque como una hermosa linterna”.
Estos aseos, divididos en tres cubículos donde cada estancia tiene un color que coincide con los tonos que se encuentran en los parques, están compuestos por baños para mujeres, hombres y una instalación accesible.

Takenosuke Sakakura

Andon

“El antiguo baño en Nishihara 1 era poco atractivo y rara vez se usaba. Pensamos que era importante crear una instalación que no sólo cumpla con los requisitos básicos de un baño público, como tener suficientes inodoros para garantizar un tiempo de espera razonable, sino que ofrezca un atractivo único que aliente a más personas a usar las instalaciones. Al construir una instalación que sea luminosa y abierta en el espacio limitado del sitio, esperamos mejorar tanto del baño sino de todo el parque. Esperamos que el baño ilumine el parque si fuera una linterna, creando un espacio público atractivo para los visitantes”.

El módulo tiene tres aseos unisex que iluminaran por la noche para hacer del parque un espacio más acogedor. como un «Andon» / linterna » en el Parque Nishihara Itchome de Tokio.

«Al construir una instalación que sea luminosa y abierta en el espacio limitado del sitio, esperamos mejorar la imagen no solo del baño sino de todo el parque”. Takenosuke Sakakura.

En el exterior, el edificio tiene tres puertas para entrar en tres aseos unisex, dentro de un elemento rectangular regular. En el interior, las paredes están acabadas con vidrio esmerilado, serigrafiado con árboles.

Fue inaugurado el 31 de agosto del 2021.

Takenosuke Sakakura nació en Tokio en 1946. Después de graduarse en el Departamento de Arquitectura de la Universidad de Nihon, se unió al Instituto de Investigación Arquitectónica Sakakura fundado por su padre Junzo Sakakura. Fundó Sakakura International en 1979, rebautizada en 1998 como Sakakura Atelier. Entre sus obras principales está la Gallery Saka, el edificio residencial en Tokyo Midtown y las villas Oiwake Club.

Fumihiko Maki

En el parque de Ebisu Higashi, conocido como el “parque del pulpo”, aparecieron unos baños que parecen un calamar.

Obra del arquitecto ganador del Pritzker Fumihiko Maki. Ha imaginado un baño que recuerda a un calamar, ya que en este parque hay un tobogán en forma de pulpo muy popular entre los niños. El techo elevado de los muros tipo pagoda además de integrar las dos secciones provee de ventilación y luz natural y se integra con los columpios y demás equipamientos del parque. Fukimiko Maki quiso que además de baños tuviera una zona de descanso con bancos que no fuera una mole y se pudiera ver a través de él, por ello diseñó una planta descentralizada.

Dice el arquitecto “El sitio del proyecto, Ebisu East Park, es un parque popular del vecindario que se utiliza como área de juegos para niños y está lleno de exuberante vegetación. Queríamos que esta instalación funcionara no sólo como un baño público, sino como un espacio público que sirve como un pabellón de parque equipado con un área de descanso. Pensando en una variedad de usuarios, desde niños hasta personas que van de camino al trabajo, queríamos crear un espacio seguro y cómodo que utiliza un diseño descentralizado para permitir buenas líneas de visión en toda la instalación. El alegre techo que integra las diferentes secciones promueve la ventilación y la luz natural, creando un ambiente brillante y limpio al tiempo que le da a la instalación una apariencia única similar a los equipos de juegos infantiles”.

Continua parte 2 http://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-2/

Notas

1

Gran parte de las fotografías son de Satoshi Nagare, de la Fundación Nippon.

2

María Ángeles Cano de Condé Nast Traveller.

3

Diana Garrido de AD.

4

José Juan Barba de METALOCUS.

5

Origata, con más de 600 años de historia, es un conjunto de reglas detalladas sobre la manera de envolver obsequios y atarlos con cuerdas para sujetarlos. Este concepto, que se fue legando entre las familias samuráis como una forma de cortesía, se expandió posteriormente a la vida de los japoneses en general

6

María Anastidas de METALOCUS.

7

Isabel Margarejo de AD

Puede interesarte este tema, por lo que te envio esta sugerencia de Hugo K: Palladio Villa Cornaro http://onlybook.es/blog/palladio-villa-cornaro/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz

Finding Vivian Maier

The theatrical release of “Finding Vivian Maier” in the US was on March 28, 2014.

Vivian Maier (1926 – 2009) always carried a Rolleiflex camera around her neck, but jealously hid her photographs from others.

His black and white photographs, mostly from the 1950s and 1960s, are striking images of the architecture and street life of Chicago and New York. He rarely took more than one frame of each image and concentrated on capturing children, women, the elderly, and people on the street. The breadth of Maier’s work also reveals a series of striking self-portraits, as well as prints from his travels to Egypt, Bangkok, Italy, the American Southwest, and elsewhere.

The exhibition “Vivian Maier, Street Photographer” includes more than 100 black and white and color photographs and 8 mm films taken by Maier. The Hamilton Art Gallery is the first Canadian gallery to present the exhibition.

On November 11, 2011, John Maloof presented slides and explained the life and work of Vivian Maier, in New York at the powerHouse Arena at 37 Main Street, DUMBO, Brooklyn. John Maloof spoke about his extraordinary discovery of Vivian Maier’s photography. Along with a Q&A and slideshow, Maloof detailed his experience discovering the extensive work of Vivian Maier and shared his insight into the curious Chicago nanny turned posthumous street photographer phenomenon.

The event was ahead of the launch of Vivian Maier: Street Photographer.

The Maloof Collection and Merry Karnowsky Gallery (170 S. La Brea Avenue, Los Angeles) presented “Vivian Maier: A Life Discovered” on January 7, 2012.

Its opening was filmed and became part of the documentary by “Vivian Maier. Photographs from the Maloof Collection, featured by Tim Roth.

It chronicles the remarkable discovery by John Maloof in 2007 at an auction house in Chicago.

Maier is recognized as a photographer who is an icon of her vision from the 1940s to the 1970s.

He shot more than 2,000 rolls of film, printed more than 3,000 photographs, and produced more than 150,000 negatives depicting the street life and architecture of New York, Chicago, Los Angeles, and the American Southwest, as well as destinations as far away as Manila, Bangkok, Beijing, Egypt and Italy.

Maier died in 2009 at the age of 83, before the extent of his legacy was fully understood or revealed.

The Maloof collection is comprised of approximately 90% of Vivian Maier’s work, meticulously reconstructed, archived and catalogued.

The collection contains between 100,000 and 150,000 negatives, more than 3,000 vintage prints, hundreds of rolls of film, home movies, audiotape interviews, original Vivian Maier cameras, documents and various other items.

From June 21 to October 20, 2019, Kutxa Kultur space at Tabakalera in San Sebastián. “We intend for him to access the identity that he never had throughout his life and his place in photography. Give her a beautiful story after her death, because she was never recognized for her origin and her status and submitted to her status as a nanny.” “…Maier’s photographic writing can be compared to that of the great photographers of the 20th century, so exhibitions like this aim to do justice to his memory.” “There are aspects in which she was a pioneer, such as her color work, with which she was 15 or 20 years ahead of that of William Eggleston (1939) in the 70s, and with her super 8 films, in which she anticipated the language of John Cassavetes (1929 – 1989) from the 70s and 80s showing the scenes with his own perspective…I think the fact that he was self-taught gave him a freedom of syntax that differentiated him from the rest”.

The exhibition was curated by Anne Morin (Rouen 1973), a graduate of the École Nationale de Photographie d’Arles and the École Supérieure des Beaux-Arts of Montpellier.

“Thank you for keeping me alive”. Sixto Rodriguez

The exhibitions made with material from Vivian Maier have been many, if it makes sense to put some here it is to give the vision of the enormous work that Maloof has done so that Vivian can be present in our lives, perhaps I would never have dreamed or wanted it, but I am I’m sure she would be as surprised as she was delighted, especially because she could have had resources to live her last years with more dignity.

I would have said, like Sixtus, “Thank you for keeping me alive.”

His story reminds me of the story of Sixto Rodríguez (Jesus Sixto Diaz-Rodriguez (Detroit 1942 – 2023), revealed in Malik Bendjelloul’s fantastic 86-minute 2012 Swedish-British documentary “Searching for Sugar Man.”

https://www.rtve.es/play/videos/somos-documentales/searching-sugar-man/6752174

Sixto Rodríguez (so called because he was the sixth child in the family) was a little-known singer who worked singing in bars.

At the end of the 1960s he was contacted by two music producers who convinced him to record an album, “Cold Fact” in 1970, which did not have commercial success, an attempt the following year with a second album “Coming from Reality” in 1971, neither did It had good sales in the United States.

Sixto never knew of his enormous success in South Africa, after the poor sales of his two albums in the US, he left music and dedicated himself to working in construction.

But, oh surprise, he was no longer an outcast, his work was very well received in South Africa, where the lyrics of his songs and the mystery that surrounded the singer transformed him into a very popular figure among the country’s young people.

His album Cold Fact was adopted as a symbol of the fight against apartheid.

His lyrics, several of his songs were banned by the South African Broadcasting Corporation.

South African musicians such as Koos Kombuis (1954), Willem Möller and Johannes Kerkorrel (1960) were inspired by Rodriguez’s message.
Thanks to the efforts of two South African fans (Stephen ‘Sugar’ Segerman and Craig Bartholomew-Strydom) they discover his whereabouts. The documentary narrates the trip that Rodríguez made to South Africa in March 1998, where he played six concerts. After this, the singer continued to live modestly in Detroit and donate all the money raised at the concerts to his family and friends, returning sporadically to the African country to play some concerts.

Fate caused him to be compared to Elvis Presley and the Rolling Stones.

Our singer died at 81 years old.

2022

MK Gallery, Milton Keynes MK9 3QA, United Kingdom

2021

Werkstattgalerie Hermann Noack, Berlin, Germany

Luxembourg Museum, Paris, France

2020

Cascais Cultural Center, Cascais, Portugal

Fabriken Bästekille, Kivik, Sweden

Porto Seguro Cultural Space, São Paulo, Brazil

Art Angle Corporation, Taipei City, Taiwan

Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Amsterdam, Netherlands

FoLa Latin American Photo Library, Buenos Aires, Argentina

Glenbow Museum, Calgary, Canada

The Finnish Museum of Photography, Helsinki, Finland

2019

Museum of Ancient Évêché, Grenoble, France

Meravigli Way, Milan, Italy

Magazzino delle Idee, Trieste, Italy

Kutxa Kultur Artegunea, San Sebastian, SS, Spain

Somerset House, Strand London, United Kingdom

Sofia Art Galleries, Sofia, Bulgaria

Scuderie del Castello Visconteo, Pavia Italy, Italy

Patio Herreriano Museum of Contemporary Spanish Art, Valladolid Spain, Spain

Lumiere Gallery, Atlanta GA, United States

Louisiana Museum of Art and Science, Baton Rouge LA, United States

Les Douches la Galerie, Paris, France

2018

KP Projects, Los Angeles CA, United States
Howard Greenberg Gallery, New York NY, United States

Willy Brandt Haus, Berlin, Germany

Hanks Photo Lab, Mount Vernon New York, United States

70 South Gallery, Morristown New Jersey, United States

Hamilton Art Gallery, Hamilton, Canada

Madelyn Jordon Fine Art, Scarsdale New York, United States

Pallavicini Palace, Bologna BO, Italy

International Photography Hall of Fame, St. Louis MO, United States

2017

KP Projects, Los Angeles CA, United States

The Granary Gallery, Martha’s Vineyard MA, United States

Doge’s Palace of Genoa, Genoa, Italy

Howard Greenberg Gallery, New York NY, United States

The Art Center in Tarnow, Tarnow, Poland

Museo di Roma in Trastevere, Rome, Italy

FoLa Latin American Photo Library, Buenos Aires, Argentina

2016

ILEX Gallery, Rome, Italy

CAMPREDON Art Center, L’Isle-sur-la-Sorgue, France

Les Douches la Galerie, Paris, France

Dell’Arengario Palace, Monza, Italy

Lumiere Gallery, Atlanta GA, United States

Des Moines Art Center, Des Moines IA, United States

Canal Isabel II Foundation, Madrid, Spain

Foto Colectania Foundation, Barcelona, ​​Spain

Arlington Museum of Art, Arlington, Texas, United States of America

Photobastei, Zurich, Switzerland

Kulturhuset Stadsteatern, Sergel Square, Sweden

Dunkers Kulturhus, Helsingborg, Sweden

2015

Valparaiso Cultural Park, Valparaiso, Chile

Merry Karnowsky Gallery, Los Angeles CA, United States
Meravigli Way, Milan, Italy

Photo Beijing, Beijing, China

Las Condes Cultural Center, Santiago, Chile

HarperCollins BookLab, New York NY, United States

MAN Museo D’Arte della Provincia di Nuoro, Nuoro NU, Italy

Sungkok Art Museum, Seoul, South Korea

Sherrick & Paul Gallery, Nashville TN, United States

Museum of Art, Lexington KY, United States

Museum of Image and Sound of São Paulo, São Paulo, Brazil

Bernal Space Gallery, Madrid, Spain

Museum of Art, Pullman WA, United States

Willy Brandt Haus, Berlin, Germany

2014

Fifty One Fine art photography, Antwerp, Belgium

Beetles + Huxley, London, United Kingdom

Lumiere Gallery, Atlanta GA, United States

Les Douches la Galerie, Paris, France

Howard Greenberg Gallery, New York NY, United States

FotoFocus Biennial, Cincinnati OH, United States

Center for Contemporary Photography, Fitzroy Victoria, Australia

Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Amsterdam, Netherlands

Hasselblad Foundation, Gothenburg, Sweden

December 17, 2013 – January 25, 2014

“Vivian Maier: street photographer”

Hasselblad Foundation, Gothenburg, Sweden

Dec 2 to Dec 23, 2013

“Vivian Maier”

Beetles+Huxley, London, United Kingdom

November 17, 2013
Presentation of the film “Looking for Vivian Maier” – US premiere

SVA Theatre, New York NY, United States

November 8 to January 4, 2014

“Vivian Maier: a photographic revelation”

CHÂTEAU DE TOURS, Tours, France

October 16 to December 21, 2013

“Vivian Maier exhibition in Paris”

Les Douches la Galerie, Paris, France

October 6 to December 18, 2013

“Vivian Maier: the lens of a woman”

Brandeis University – Women’s Studies Research Center, Waltham MA, USA

September 4 to October 27, 2013

“Vivian Maier Street Photographer”

Isa Spalding Gallery, Toronto, Canada

April 16 to June 29, 2013

“Vivian Maier + Saúl Leiter”

Fifty One Fine art photography, Antwerp, Belgium

March 11 to April 3, 2013

“Vivian Maier”

Chris Beetles Fine Photographs, London, United Kingdom

October 1 to November 13, 2012

“Vivian Maier: I keep it safe”

Gallery dell’Incisione, Brescia, Italy

September 20 to January 6, 2013

“Vivian Maier”

Hungarian House of Photography, Budapest, Hungary

February 3 to April 22, 2012

“Vivian Maier: discovered”

Monroe Gallery, Santa Fe NM, United States

January 7 to January 28, 2012

“Vivian Maier” – Hosted by Tim Roth

Merry Karnowsky Gallery, Los Angeles CA, United States

October 10, 2011 – December 9, 2011
“Vivian Maier – Photographs from the Maloof Collection”

Howard Greenberg Gallery, New York NY, United States

September 11 to October 9, 2011

“Vivian Maier – Street Photographer”

Noorderlicht Photofestival, Groningen, Netherlands

July 29 to September 16, 2011

“Vivian Maier: a life revealed”

Photofusion Gallery, London, United Kingdom

July 5 to August 5, 2011
“A la recherche de Vivian Maier (In Search of Vivian Maier)”

Gap Library, Gap, France

July 1 to July 24, 2011

“Vivian Maier – A life discovered”

London Street Photography Festival, London, United Kingdom

June 28 to July 3, 2011

“A la recherche de Vivian Maier (In Search of Vivian Maier)”

Saint-Julien-en-Champsaur, Saint-Julien-en-Champsaur, France

January 27 to April 28, 2011

“Twinkle, twinkle, little star.”

Galerie Hilaneh von Kories, Hamburg, Germany

January 7 to April 3, 2011

“Looking for Vivian Maier: Chicago Street Photographer”

Chicago Cultural Center, Chicago IL, United States

November 18 to December 4, 2010

“LOOKING FOR VIVIAN MAIER.”

Apartment 2, Oslo, Norway

Our Blog has obtained more than One Million readings:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

Onlybook.es/blog

Hugoklico.blogspot.com

Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written«. Hugo Kliczkowski Juritz

second part http://onlybook.es/blog/gb-vivian-maier-thanks-for-keeping-it-alive-part-two/

It tells the fascinating true story underlying the fascinating life of Vivian Maier.

The nanny photographer, whose work was discovered in a Chicago storage room, captured the world’s imagination with her masterful images and mysterious life. Before she rose posthumously to global fame, she buried her past so deeply that even the families she lived with knew little about her. No one could tell where he was born or raised, if he had parents or siblings, if he enjoyed personal relationships, why he took photographs and why he didn’t share them with others.

Ann Marks, one of the few people to see Vivian’s complete personal records and archive of 140,000 images, chronicles it in “VIVIAN MAIER, DEVELOPED.”

Meticulous research reveals the story of a woman who fled a family with a hidden history of illegitimacy, bigamy, parental rejection, substance abuse, violence and mental illness to live life on her own terms. With a limited ability to reveal feelings and establish relationships, he expressed himself through photography, creating a secret portfolio of images full of emotion, authenticity and humanity. With boundless resilience, she tore down every obstacle in her path, determined to improve her lot and that of others by tirelessly defending the rights of workers, women, Africans, and Native Americans.

She is considered one of the greatest street photographers of the 20th century, along with the likes of Bernice Abbott (1898 – 1991), Lisette Model (1901 – 1983), and Robert Frank (1924 – 2019).

The 368-page book with English text was published by Atria Books/Simon & Schuster, ISBN 9781982166724 in December 2021.

John Maloof, photographs by Vivian Maier. Text by Ann Marks

Street Style

Street photography or street style is a way of telling stories to transmit the experience of everyday life and the vision of the artist through the photos he takes around the world.

Like photojournalism, nothing is staged, posed or planned. It is not based on studio models or lights.

The color work of street photographer Vivian Maier was the subject of an exhibition at the Howard Greenberg Gallery (in New York) held from November 14, 2018 to January 5, 2019. Many of the photographs were exhibited for the first time , to deepen the understanding of her work and her desire to record and present her interpretation of the world around her. “Vivian Maier: The Color Work” dates from the 1950s to the 1980s, captures the street life of Chicago and New York and includes several of her enigmatic self-portraits.

The exhibition has coincided with the publication of Vivian Maier: The Color Work (Harper Design | HarperCollins, November 2018), the first book dedicated to her color images. With a foreword by renowned photographer Joel Meyerowitz (1938) and text by Colin Westerbeck, former curator of photography at the Art Institute of Chicago.

Places of the world

How to read the instructions VM1960W00212-08-MC.

Vivian Maier (VM) 1960 (year) WOO212-08 (catalog) MC (Maloof Collection).

1963. Audrey Hepburn at the premiere of “My Fair Lady” in Chicago at the RKO Palace Theatre. October 23. VM19XXW02129-11-MC

The various cameras of Vivian Maier.

“VIVIAN MAIER LIVING COLOR” exhibition, “VIVIAN MAIER: Color Vivo”, Los Angeles, California, December 1, 2018. (Photo by Harmony Gerber).

Nominations announced for the 87th Academy Awards Beverly Hills, CA on January 15, 2015.

Directors J.J. Abrams and Alfonso Cuarón announce the film “Finding Vivian Maier” as nominated for best documentary at the ceremony, at the AMPAS Samuel Goldwyn Theater. (Photo by Kevin Winter).

Vivian Maier exhibit on September 8, 2014 at the Chicago History Museum on the North Side.(Chris Walker, Chicago Tribune)

A visitor’s legs appear in this Sept. 8, 2014, photo beneath one of Vivian Maier’s photos in the exhibit at the Chicago History Museum on the North Side. (Chris Walker, Chicago Tribune)

A visitor’s legs appear in this Sept. 8, 2014, photo beneath one of Vivian Maier’s photos in the exhibit at the Chicago History Museum on the North Side. (Chris Walker, Chicago Tribune)

It is perhaps one of the most recognizable facets of his work.

They are present in her work with a certain insistence, with perseverance, she discovers herself in them.

He avoids simple confrontation, his gaze is diverted, interrupted by a reflection, a break, that seems to bounce off something that takes us out of the frame and projects us outside the image, outside itself.

Her shadow, her profile are allusions, her desire to capture her own image is such that even when she portrays other people she reflects herself in some element of the composition, turning her portraits into veiled self-portraits.

Vancouver. Canada

Turin, Italy, February 9, 2022.

Visitors attend the preview of artist Vivian Maier’s Inédita exhibition at the Reali Museum. (Photo by Roberto Serra).

The tour has been conceived as a pleasant walk along a large avenue through which the work of Vivian Maier runs. The visitor will be able to get into her skin, walk like she did and see what her eyes saw.

White, black and gray are the predominant colors in most photography exhibition designs. This is not the case with the exhibition setting, designed by Gabriel Corchero Studio.

The room is full of color, a detail that weaves with the femininity and delicacy of Vivian Maier. Each section is assigned a color that is part of a chromatic progression, in which one of the sections of this exhibition is not included; Precisely the only one that does not need color due to the vast vividness of the tone of its images, the “Color Photographs” section, is located in the vaulted gallery of the room, whose exposed brick walls have been covered with enormous cardboard panels on the that their works are exhibited.

The 9 Super 8 films are distributed and viewed in different spaces of the room, highlighting two large prisms, located in the central area, which house 4 of them. Another of the spaces in the room, where the 13 self-portraits are located, deserves a special mention for the prominence that the reflections acquire, thanks to its octagonal shape and a delicate mirror prism in the center, which give reflections to the self-portraits.

A nod to the practice of the brilliant artist when she photographs herself and used reflective materials to show her figure.

The exhibition catalog with text in English. It was edited by John Maloof, and prefaced by the English writer Geoff Dyer, with images from the exhibition, and others that do not belong to it.

The “Vivian Maier” mural by Eduardo Kobra (1976) is displayed in the Wicker Park neighborhood of Chicago on May 4, 2019. (Photo by Raymond Boyd).

Ends in the fourth part http://onlybook.es/blog/gb-vivian-maier-thank-you-for-keeping-it-alive-part-four-and-final/

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz

His life

The story of Vivian Maier is an unprecedented story, as unusual as it is unexpected.

A photographic legacy that hides an exciting and secret history.

We have mentioned that she worked as a nanny for more than four decades, and in her free time she created a parallel and secret reality in which she took thousands of photographs, recorded urban sounds and filmed in Super 8 and 16 mm; and she did all three things with a mastery and absolute modernity not common in someone who can be considered an amateur photographer.

He managed to open a fascinating window into everyday life in public spaces. She accumulated more than 2,000 rolls of undeveloped film, 5,000 printed photographs and more than 120,000 negatives that, apart from her, practically no one else looked at during her life.

When a large part of his assets, as well as all of his photographic production, were deposited in a furniture storage room, and were subsequently seized and sold, John Maloof (1981) entered the scene, a young student who was looking for photos to document a work that was doing about his neighborhood.

He acquired them at a small auction in Chicago.

Maloof discarded the photographs for this purpose, but revealed a portion of them for the purpose of selling them on the internet.

Allan Sekula (1951 – 2013), a well-known American artist of Polish origin, photographer, writer, filmmaker, photography theorist and critic, contacted him to warn him that those photos were loaded with great talent.

But who was behind the camera?

Maloof’s investigations led him to find out that the author of the snapshots was Vivian Maier, a mysterious woman who had lived between Chicago and New York.

Maier’s legacy has become an extraordinary surprise for experts, who were amazed by photographs endowed with a modernity and quality unusual for the years and circumstances in which they were produced.

These singularities have led Vivian Maier to be compared with masters of the stature of Diane Arbus (1923 – 1972), Robert Frank (1924 – 2019), William Klein (1926 – 2022) or Garry Winogrand (1928 – 1984).

The dramatic thing about this story is that Maier never knew that her secret passion would take her out of anonymity until she became an enigmatic and fascinating figure.

Now we can admire his work, since his photos are the testimony of his contemplation of the world, that «something» furtive from the mind of this mysterious person of whom it seems that there will always remain unknowns.

The impact that Vivian Maier has generated in the world of photography has taken her work to the best galleries in the world and to be published in many books about her work.

Maloof directed the 2013 film “Finding Vivian Maier,” which was nominated for an Oscar in 2014 for “Best Documentary Feature.” Thanks to the investigations and interviews carried out by John Maloof after the photographer’s death.

«For all the meals have been cooked, the plates and cups washed; the children sent to school and thrown out into the world. Nothing remains of all this; everything disappears. No biography, no history, has a word to say about it». A Room of One’s Own, 1929. Virginia Woolf

A walk through her life The work of Vivian Maier (New York, 1926 – Chicago, 2009) tells us a lot about her life, although there are still numerous shadows about her biography.

In 1951, at the age of 25, Maier emigrated permanently to the United States, first to New York and in 1956 to Chicago. Given his precarious economic situation, the Gensburg family, for whom he had worked for almost 17 years, provided him with an apartment to live in until he died in 2009 in complete anonymity. The exhibition begins in the 1950s, the date of emigration to the United States.

The exhibition

It is divided into 6 sections: Childhood, Portraits, Formalisms, Street Scenes, Self-portraits and Color Photographs.

1 Childhood

Vivian Maier/Maloof Collection. Courtesy of the Howard Greenberg Gallery of NY

For Maier, the act of photographing was his way of relating to people. He fixed his gaze on the world, evoking the poetics of daydreams, typical of the child’s world.

This section shows the degree of empathy that Maier had with the children. Childhood is a vitally important constant in his work.

Under this theme we see photographs in which children are the protagonists; whether it be images of children posing individually, playing in a group or staring into the camera.

A multitude of photographs of children accompanied by adults stand out, which suggests that Maier was attracted to photographically studying the bond that existed between the two.

The children she cared for accompanied her on her wanderings, on the long walks through which she discovered thousands of places, people, stories and secrets. Their children also became their models, pretexts to carry out skits, portraits, stories, games…

2 Portraits

This section mainly concentrates a wide variety of photographs of women, the elderly and the homeless. These images are a testimony to his curiosity about everyday life and the traits of the people who caught his attention. While some photographs are obviously snapshots taken secretly, others are the result of a real encounter between Maier as a photographer and her models, who are photographed from the front and at a short distance.

It is in the portraits where Maier gets closer to the other. It is appropriate to make a distinction between the portraits of people who belonged to the lower classes – with whom she herself could identify – and the portraits of people with an apparently comfortable life.

When observing the portraits of these people, who lived on the margins of the world – with whom Maier felt partly identified – one gets the feeling that they abandon themselves to the image, to photography. They don’t smile, they don’t try to achieve anything with their image beyond simply describing who they are. Simplicity, confusion, austerity and closeness are very present in this genre. Something unusual should be noted in this series of portraits; In some of them, Maier prints his face on those of the people he is photographing. This peculiarity means that his portraits also represent his own person and, ultimately, they can be considered, in addition to portraits, as self-portraits.

Although in the series of popular portraits he reinforces his protagonists by taking these snapshots while respecting a certain distance, in the case of the portraits of upper-class individuals, Maier literally pushes them, or purposely bumps into them, causing them to make a somewhat negative, a reaction that he takes advantage of and captures with a certain irony.

An important part of his portraits feature vagabonds, people abandoned to their fate for whom he felt compassion.

Untitled, c.1950 © Vivian Maier/Maloof Collection, Cortesía Galería Howard Greenberg de NY

New York Public Library, New York, c. 1952 © Vivian Maier/Maloof Collection, Cortesía de la Galería Howard Greenberg de NY

Sometimes she errs on the side of being nosy and “assaults”, in a somewhat impolite way, the private sphere of these people. If we quickly associate the work of Garry Winogrand with the concept of aggressiveness and that of Robert Frank with social criticism, in the field of portraits, we could associate the work of Vivian Maier with daring.

3 Formalisms

It includes a selection of images whose importance lies in the formal features of the elements that appear in the photographs. It perfectly defines Maier’s obsession not so much with the image itself but with the act of photographing. He took images of people, the street, objects, landscapes… Sometimes, it seems that he conceived what he photographed only from a formal point of view, without worrying about the discourse or content of the photographs.

Two of the aspects for which Maier’s work is best recognized are the framing and balance in his photographs; most of them taken head-on, with a certain pragmatism.

The balance lies in the tensions generated by the large axes of the frame, in the arrangement of lines, shapes and volumes, elements to which urban scenes usually lend themselves. He also attaches great importance to what remains “next to” the anecdote, to geometric structures, to the graphic rhythms of architecture, to its textures.

Most of them are images of elements close to the anecdote, whether structures, shapes or geometries, which make up a kind of visual minimalism. We appreciate photographs with a very synthetic description, with large axes that delimit the space. A multitude of lines, shapes and volumes that announce the disappearance of the figure.

These images are the preamble to his color work that began in the sixties.

4 Escenas de Calle

Another very interesting section, and the most extensive in the exhibition, is called Street Scenes, which includes some of his memorable photographs of the architecture and urban life of New York and Chicago, especially from the 50s and 60s, especially from its most popular neighborhoods.

Although he did not have a limited field of action, he took numerous images of the streets of NY and Chicago, especially in their most popular neighborhoods.

The street was his theater and his images a pretext.

With his snapshots he extracted the beauty of the ordinary, searching in everyday life for those almost invisible cracks through which he accessed “his world”.

Unknown people, anonymous people, were part of that world. Maier lined up in space with those people; He was looking for his ideal place and his optimal angle.

What he measured with his camera was not the light, it was his distance from the other. “Distance” is the key word in his work.

It is important to highlight this because it constitutes the basis of their modus operandi. Maier’s relationship with the people who appear in his photographs was inevitably forged through the lens of his camera.

In most of the images that are part of this section, their attention is focused on the “other.” This becomes for an instant the main actor – or secondary, as the case may be – of micro events. In his street scenes he did not enter the scene he photographed; He stayed at its threshold, at the limit. Neither too close to interfere, nor too far to be invisible. He simply photographed what he saw; I wasn’t trying to capture anything exceptional, just the little things, the truly important things in the definition of each person or situation: a detail, a gesture, an attitude, an inflection in reality transformed into an anecdote.

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5 Self-portraits

It is perhaps one of the most recognizable facets of his work.

Self-portraits marked his photographic career. She did an infinite number of them, as many as there were possibilities of discovering who she herself was; something that was proposed with a certain insistence and apparent obsession. This is why this subgenre has its own section within the exhibition (Self-portraits) in which we observe his surprising ability to take advantage of reflections and elements that he found in his daily life to create fantastic compositions in which he incorporated his figure.

Often, in his self-portraits, Maier shied away from simple visual confrontation in favor of a lost, confused look, interrupted by a reflection that distorted his image.

On other occasions, we observe how the profile of his shadow spreads on the ground like a puddle of water and, on other occasions, his face bounces on something and escapes, deviating from the path, from the frame of the image. Here we find a contradiction – or personal struggle – between the concept of escaping and finding oneself, as we have mentioned previously. In any case, and apparently, what she was looking for was to find her place in the world, as she herself expresses in one of the sounds she recorded.

6 color photographs

Finally, the Color Photographs section includes the most recent photographs of the artist. Starting in 1965, Maier began to address color photography. This move to color is accompanied by a technical change, since he begins to work with a Leica, much lighter and with the viewfinder located at eye level, very important differences compared to the Rolleiflex that he had used until then. This change reinforces your eye contact with the people you photograph. In this section it is the color spectrum that captures Maier’s attention. Chromatic experimentation is the undisputed protagonist in this section. Explore the characteristics of chromatic language with a certain lightness, developing your own lexicon. He emphasizes the garish details, fixes his gaze on the variegated dissonances of fashion and plays with contrasts. The result is unique, free and even playful images. In them you can see how he has fun with reality through his camera.

In addition to the extremely varied selection of photographs, distributed among the six sections of the exhibition, 9 films in Super8 are included, made between 1965 and 1973.

Through this material you can see how it establishes a very playful and relaxed relationship with the environment, ignoring any technicality. In those films, we see how he moves away, gets closer, surrounds something that his intuition and perception led him to see, until he stops, frames it, and that’s when he makes the decision to capture that specific image. His camera recorded the movement of his eyes, rather than the content it focused on.

Maier’s ability to capture the right frame at the exact moment, with elements of lighting, movement and essence aligned, is revealed in the notable fact that he rarely took more than one image of the same moment in time.

“Why have you never shown anyone your work? Do you agree with what I’m doing?” John Maloof, discoverer of Vivian Maier material. Interview for Lomography Magazine, 2011.

The third part continues at http://onlybook.es/blog/gb-vivian-maier-thank-you-for-keeping-it-alive-part-three/

Our Blog has obtained more than One Million readings:  http://onlybook.es/blog/nuestro-blog-ha-superado-el-millon-de-lecturas/

Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

http://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-una-ruina-moderna-por-hugo-a-kliczkowski/

second part http://onlybook.es/blog/vivian-maier-gracias-por-mantenerla-viva-segunda-parte/

«This translation from Spanish (the original text) to English is not professional. I used Google Translate, so there may be linguistic errors that I ask you to overlook. I have often been asked to share my texts in English, which is why I decided to try. I appreciate your patience, and if you see anything that can be improved and would like to let me know, I would be grateful. In the meantime, with all its imperfections, here are the lines I have written». Hugo Kliczkowski Juritz

Photo SPAIN exhibition

Canal Foundation, c/Mateo Inurria, 2. Madrid

Curator: Anne Morin, director of di/Chroma photography

June 9 to August 14, 2016.

The Canal Foundation presented “Vivian Maier, Street Photographer”, the first major exhibition of who, after her death, became a world reference in photography.

“He knew how to capture his time in a fraction of a second. He transmitted the beauty of ordinary things, searching for the everyday, in the banal, the imperceptible fissures and the furtive inflections of reality.”

Vivian Maier, one of the most surprising and media characters in contemporary photography, alternated her profession as a nanny with her hidden and great passion: she took more than one hundred thousand photographs that she never showed.

After his death in destitution and artistic anonymity, his archive was found by accident, and since his work saw the light in 2010 he has become one of the greatest world references in “street photography” and a media phenomenon.

For the first time in Madrid, this exhibition takes a global tour of the work of Vivian Maier, thematically addressing her main interests and showing the quality of her vision and the subtlety with which she made the visual language of her time her own.

From a perspective interested in the urban and the formation of life in cities, that is, from an architectural perspective, Vivian’s photographs remind us of the soul that lives where we live.

They are not just streets, they are not just cars, they are not just spaces, but they are everything together and at the same time, the succession of images reflects our life.

In the 1995 film Smoke, by Paul Auster and directed by Wayne Wang, the protagonist Auggie Wren (Harvey Keitel) takes photos from the entrance of his business, which sells smoking items, always facing the same direction, every day he can.

His friend, the novelist Paul Benjamin (William Hurt) visits him and when he sees the photographic album, he tells him

-they are all the same, while turning the pages, why are you doing it he asks

Until suddenly in one of them, instead of seeing walkers, people crossing in one direction or another see their wife.

In reality, he stares at the woman who was his wife, because he had died, I don’t remember what he says, but I can remember that at that moment the protagonist understood, I understood, that, being the same photos, they are not the same.

The time, the people, the memories ourselves, we are not the same.

The critic Carlos Boyero (1953) wrote of the film “…I see it frequently…it helps to survive…”

The image of the river that seems the same, where the water flows permanently, reminds us factually that that river is never the same river, even if it seems that way.

That’s why I was so interested in Vivian Maier’s exhibition, her photographs also help us survive.

Exhibition content.

The exhibition includes a total of 120 photographs, in addition to a selection of contacts, taken between 1950 and 1981, of which 100 black and white images cover the period from 1950 to 1970 and another 20 in color from 1965 to 1981.

In addition to 9 Super 8 films made between 1965 and 1973. This material masterfully takes us on an interesting “walk” through the streets of New York and Chicago in the second half of the 20th century. We discover a story in every corner and a life behind each of the gestures of the protagonists of this exhibition: men, women and children; elderly, homeless and people with a well-off life, workers or simply people who travel on a train. But they all have something in common, something that at a certain moment caught Vivian’s attention to make them part of her world.

His life can easily evoke Churchill’s famous quote, “A riddle, wrapped in a mystery, inside an enigma.”

Vivian Maier (February 1, 1926 – April 21, 2009) was born in New York City in the Bronx neighborhood.

He spent most of his youth in France, his mother was French, born in the High Alps of the Champsaur Valley, near the town of Gap, his father was Austro-Hungarian.

At the beginning of the 20th century, the Maier and Jaussaud families left their respective homelands in search of a better life in the United States. They had met in New York where they married in 1919. In 1920 their first child, Charles, was born, and 6 years later Vivian would come into the world. The “American dream” was not fulfilled for the Maier family, they had to resign themselves to a much more difficult situation than the one they had left behind. Vivian had to live in a family worn down by economic difficulties.

In 1930, when he was only 4 years old, his father abandoned them, guardianship of his brother Charles passed to his paternal grandparents who lived in the Bronx. Maria Jaussaud and her daughter Vivian settled in this same neighborhood, in the house of a friend of her mother, Jeanne Bertrand, also from Champsaur, who had been working as a sculptor and photographer in New York since 1912. She was a renowned portrait painter in 1902. She had been proclaimed by the Boston Globe as one of Connecticut’s best photographers.

Jeanne Bertrand greatly influenced the life of Vivian Maier, although there is not much data that allows us to assess what type of influence she could have exerted on her. The 30s and 40s are quite a blur in Vivian’s life. It is known that he returned and settled with his mother in the Champsaur Valley, and in 1939, at the age of 13, he made one of his sporadic visits to New York with his mother due to litigation with the justice system over issues linked to his brother Charles.

In 1951 she returned permanently, but alone, without her mother.

She traveled on the steamship “De Grass”, and while she lived in New York she worked as a nanny for a family in Southampton.

It was in 1949 that while in France, he began taking his first photographs with his mother’s modest and inaccurate Kodak Brownie box camera, a small amateur camera with a single shutter speed, no focus control and no aperture dial. .

Its screen was tiny and its results very poor.

In 1952, he bought a Rolleiflex camera.

When she moved permanently to the North Shore suburbs of Chicago, another family hired her as a nanny for their three children.

He maintained contact with them for the rest of his life.

In 1956, already settled in Chicago, she was able to have a private bathroom and a dark room where she could process her prints and develop her own black and white negatives.

At the beginning of the 70s, when the children were older, he had to leave his job, and moved from family to family, his negatives began to accumulate.

He took photos constantly over five decades, leaving behind more than 100,000 negatives, most of them of Chicago and New York.

She documented the world around her through home movies, recordings, and collections, putting together one of the most fascinating windows into American urban life in the second half of the 20th century.

In his free time, he took photos that he jealously hid from the eyes of others. Taking snapshots in the late 1990s, he would leave behind an immense body of work. His passion for documenting extended to a series of homemade documentaries and audio recordings.

Interesting fragments of America, the demolition of historic landmarks to make way for new development, the invisible lives of various groups of people and homeless people, as well as some of Chicago’s most treasured sites, were meticulously cataloged by Vivian.

She was a free spirit, and a proud soul, who when she ran out of resources was saved by three of the children she had cared for earlier in her life. They fondly remembered Maier as a second mother, and they banded together to pay for her apartment and take care of her.

Unbeknownst to them or anyone else, one of the warehouses where Vivan kept his photographs was auctioned off to pay off his late payments.

There were closets full of those negatives that he kept secretly throughout his life, as well as objects that he found, such as art books, newspaper clippings, home movies, or knick-knacks.

Maier’s enormous body of work would come to light when in 2007 his work was discovered at a local second-hand auction house on Chicago’s northwest side. From there, it would eventually impact the entire world and change the life of the man who championed his work and brought him into the public eye, John Maloof.

Currently, Vivian Maier’s work is being archived.

John Maloof is at the center of this project after reconstructing most of the archive, which had previously been dispersed among the various buyers who attended that auction. Now, with approximately 90% of her archive reconstructed, Vivian’s work is part of a revival in interest in the art of street photography.

«Well, I guess nothing is meant to last forever. We have to accommodate other people. It’s a wheel. You get on, you have to go to the end. And then someone has the same chance to go all the way and so on.” Vivian Maier

color photographs

The change to color occurred from 1965 onwards and was accompanied by a practical change, as he began to work with a Leica, with a viewfinder directly at eye level (unlike the Rolleiflex used until then).

In this way, he directly faces eye contact with others and photographs the world in its colored reality.

His color writing is unique and free.

He explores the specificities of color language in his own way, having fun with reality: he highlights striking details, points out the variegated dissonances of fashion and plays with iridescent counterpoints.

Information that John Maloof has shared on the “Vivian Maier” blog

Pictured are John Maloof (1981) and Tim Roth (1961) attending the opening of the “VIVIAN MAIER: LIVING COLOR” Exhibition on December 1, 2018 in Los Angeles. (Photo by Harmony Gerber/Getty Images)

In 1952 he bought his first Rolleiflex camera.

Throughout his career he used Rolleiflex 3.5T, Rolleiflex 3.5F, Rolleiflex 2.8C, Rolleiflex Automat and others.

Later he also used a Leica IIIc, an Ihagee Exakta, a Zeiss Contarex and several other SLR cameras.

I mainly used Kodak Tri-X and Ektachrome films.

Of the 100,000 negatives and slides found, all of them have been digitized into digital contact sheets.

A selection of photographs has been scanned in high resolution, a task that continues.

There are around 700 rolls of Ektachrome 35mm color film that have not yet been processed, they are protected in a refrigerator until they are developed.

Maloof began scanning negatives on an Epson V700, and later with an Imacon 949.

Digital contact sheets were obtained by placing negatives and slides on a light table that was photographed with a Better Light Super 8K-HS scanner.

Colección Maloof

John Maloof is the owner and chief curator of the Maloof Collection.

Howard Greenberg Gallery handles all sales of prints from the Collection. Steve Rifkin of Hank’s Photographic Services makes all gelatin silver prints and Carl Saytor of Luxlab prints all color work.

«John Maloof has come across an unknown artist whose photography is compared to giants, a lonely woman who, in death, is attracting the kind of attention and acclaim she had avoided in life.» Huffington Post

«Maier’s work and biography are starkly moving reminders of how powerfully we all experience our lives, largely in isolation.» – Vanity

«She is now considered a lost master of the form, the Windy City’s own Helen Levitt.» New York Times

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Let’s save the Parador Ariston from its ruin

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El parador ARISTON, una ruina moderna por HaKj

Finding Vivian Maier

El estreno en cines de “Finding Vivian Maier” en los EEUU fue el 28 de marzo de 2014.

Vivian Maier (1926 – 2009) siempre llevaba una cámara Rolleiflex colgada del cuello, pero ocultaba celosamente sus fotografías a los demás.

Sus fotografías en blanco y negro, en su mayoría de las décadas de 1950 y 1960, son imágenes impactantes de la arquitectura y la vida callejera de Chicago y Nueva York. Rara vez tomó más de un fotograma de cada imagen y se concentró en capturar a niños, mujeres, ancianos y gente de la calle. La amplitud de la obra de Maier también revela una serie de sorprendentes autorretratos, así como grabados de sus viajes a Egipto, Bangkok, Italia, el suroeste de Estados Unidos y otros lugares.

La exposición “Vivian Maier, Street Photographer” incluye más de 100 fotografías en blanco y negro y en color y películas de 8 mm tomadas por Maier. La Galería de Arte de Hamilton es la primera galería canadiense en presentar la exposición.

El 11 de noviembre del 2011 John Maloof presentó diapositivas y explicó la vida y obra de Vivian Maier, en Nueva Yoek en el powerHouse Arena en 37 Main Street, DUMBO, Brooklyn. John Maloof habló sobre su extraordinario descubrimiento de la fotografía de Vivian Maier. Junto con una sesión de preguntas y respuestas y una presentación de diapositivas, Maloof detalló su experiencia al descubrir el extenso trabajo de Vivian Maier y compartió su visión sobre la curiosa niñera de Chicago convertida en un fenómeno fotógrafo callejero póstumo.

El evento fue adelantando el lanzamiento de Vivian Maier: Street Photographer .

La Colección Maloof y la Galería Merry Karnowsky (170 S. La Brea Avenue, Los Ángeles) presentaron el 7 de enero de 2012 “Vivian Maier: Una vida descubierta”, A Life Discovered.

Su apertura se filmó y pasó a ser parte del documental de “Vivian Maier. Fotografías de la colección Maloof”, presentada por Tim Roth.

Narra el hecho notable del descubrimiento por John Maloof en 2007 en una casa de subastas en Chicago.

A Maier se la reconoce una fotógrafa que es un icono de su visión desde los años 40 hasta los 70.

Tomó más de 2.000 rollos de película, imprimió más de 3.000 fotografías y produjo más de 150.000 negativos que representan la vida callejera y la arquitectura de Nueva York, Chicago, Los Ángeles y el suroeste de Estados Unidos, así como destinos tan lejanos como Manila, Bangkok, Beijing, Egipto e Italia.

Maier murió en 2009 a la edad de 83 años, antes de que se entendiera o revelara completamente el alcance de su legado.

La colección Maloof se compone deaproximadamente el 90% del trabajo de Vivian Maier, meticulosamente reconstruido, archivado y catalogado.

La colección posee entre 100.000 y 150.000 negativos, más de 3.000 copias antiguas, cientos de rollos de película, películas caseras, entrevistas en cintas de audio, cámaras originales de Vivian Maier, documentos y varios otros artículos.

Desde el 21 de junio al 20 de octubre de 2019, espacio Kutxa Kultur en la Tabakalera de San Sebastián. “Pretendemos que acceda a la identidad que nunca tuvo a lo largo de su vida y su lugar en la fotografía. Darle una bella historia después de su muerte, porque nunca fue reconocida por su procedencia y su estatus y se sometió a su condición de nanny”. “… la escritura fotográfica de Maier se puede comparar a la de los grandes fotógrafos del siglo XX así que muestras como esta pretenden hacer justicia a su memoria”. “Hay aspectos en los que fue una pionera como su trabajo en color, con el que se adelanta 15 o 20 años al de William Eggleston (1939) de los 70 y con sus películas de super 8, en las que se anticipa al lenguaje de John Cassavetes (1929 – 1989) de los 70 y los 80 mostrando las escenas con una mirada propia…Creo que el hecho que fuera autodidacta le dio una libertad de sintaxis que la diferenciaba del resto”.

Comisarió la muestra Anne Morin (Rouen 1973), graduada en la École Nationale de Photographie d’Arles y la École Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier.

“Gracias por mantenerme vivo”. Sixto Rodríguez

Las exposiciones realizadas con material de Vivian Maier han sido muchísimas, si tiene sentido poner algunas aquí es para dar la visión del enorme trabajo que Maloof ha hecho para que Vivian pueda estar presente en nuestras vidas, quizás nunca lo hubiera soñado o querido, pero estoy seguro estaría tan sorprendida como encantada, sobre todo porque podría haber tenido unos recursos para vivir con más dignidad sus últimos años.

Hubiera dicho, como Sixto “Gracias por mantenerme viva”.

Su historia me recuerda a la historia de Sixto Rodríguez (Jesus Sixto Diaz-Rodriguez (Detroit 1942 – 2023), dada a conocer en el fantástico documental sueco-británico de 2012 de 86 minutos, realizado por Malik Bendjelloul “Searching for Sugar Man”.

https://www.rtve.es/play/videos/somos-documentales/searching-sugar-man/6752174

Sixto Rodríguez (asi llamado por ser el sexto hijo de la familia) era un cantante que trabajaba cantando en bares, poco conocido.

A fines de los años 1960 fue contactado por dos productores musicales que lo convencieron de grabar un disco, “Cold Fact” en 1970, que no tuvo éxito comercial, intento al año siguiente con un segundo disco “Coming from Reality” de 1971, tampoco tuvo buenas ventas en Estados Unidos.

Sixto nunca supo de su enorme éxito en Sudáfrica, luego de la poca venta de sus dos discos en los EE. UU., dejó la música y se dedicó a trabajar en la construcción.

Pero, Oh sorpresa, dejó de ser un marginado, su trabajo fue muy bien recibido en Sudáfrica, donde las letras de sus canciones y el misterio que rodeaba al cantante lo transformaron en una figura muy popular entre los jóvenes del país.

Su álbum Cold Fact fue adoptado como un símbolo de la lucha contra el apartheid.

Sus letras, varias de sus canciones fueron prohibidas por la South African Broadcasting Corporation.

Músicos sudafricanos como Koos Kombuis (1954)  Willem Möller y Johannes Kerkorrel (1960) se inspiraron en el mensaje de Rodríguez.
Gracias a los esfuerzos de dos fanes sudafricanos (Stephen ‘Sugar’ Segerman y Craig Bartholomew-Strydom) descubren su paradero. En el documental se narra el viaje que hizo Rodríguez a Sudáfrica en marzo de 1998, donde tocó seis conciertos. Tras esto, el cantante siguió viviendo de forma modesta en Detroit y donando todo el dinero recaudado en los conciertos a sus familiares y amigos, regresando de forma esporádica al país africano para tocar algunos conciertos.

El destino hizo que se lo compare con Elvis Presley y con los Rolling Stones.

Nuestro cantante murió a los 81 años,

2022

Galería MK, Milton Keynes MK9 3QA, Reino Unido   

2021

Werkstattgalerie Hermann Noack, Berlín, Alemania

Museo de Luxemburgo, París, Francia

2020

Centro Cultural de Cascais, Cascais, Portugal

Fabriken Bästekille, Kivik, Suecia

Espacio Cultural Porto Seguro, São Paulo, Brasil

Art Angle Corporation, Ciudad de Taipei, Taiwán

Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Ámsterdam, Países Bajos

FoLa Fototeca Latinoamericana, Buenos Aires, Argentina

Museo Glenbow, Calgary, Canadá

El Museo Finlandés de Fotografía, Helsinki, Finlandia

2019

Museo del Antiguo Évêché, Grenoble, Francia

Forma Meravigli, Milán, Italia

Magazzino delle Idee, Trieste, Italia

Kutxa Kultur Artegunea, San Sebastián, SS, España

Somerset House, Strand Londres, Reino Unido

Galerías de arte de Sofía, Sofía, Bulgaria

Scuderie del Castello Visconteo, Pavía Italia, Italia

Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español, Valladolid España, España

Galería Lumiere, Atlanta GA, Estados Unidos

Museo de Arte y Ciencia de Luisiana, Baton Rouge LA, Estados Unidos

Les Douches la Galerie, París, Francia

2018

KP Projects, Los Ángeles CA, Estados Unidos
Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos

Willy Brandt Haus, Berlín, Alemania

Hanks Photo Lab, Mount Vernon Nueva York, Estados Unidos

70 South Gallery, Morristown Nueva Jersey, Estados Unidos

Galería de arte de Hamilton, Hamilton, Canadá

Madelyn Jordon Fine Art, Scarsdale Nueva York, Estados Unidos

Palacio Pallavicini, Bolonia BO, Italia

Salón de la Fama de la Fotografía Internacional, St. Louis MO, Estados Unidos

2017

KP Projects, Los Ángeles CA, Estados Unidos

The Granary Gallery, Martha’s Vineyard MA, Estados Unidos

Palacio Ducal de Génova, Génova, Italia

Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos

El Centro de Arte en Tarnow, Tarnow, Polonia

Museo di Roma en Trastevere, Roma, Italia

FoLa Fototeca Latinoamericana, Buenos Aires, Argentina

2016

Galería ILEX, Roma, Italia

CAMPREDON Centro de arte, L’Isle-sur-la-Sorgue, Francia

Les Douches la Galerie, París, Francia

Palacio Dell’Arengario, Monza, Italia

Galería Lumiere, Atlanta GA, Estados Unidos

Centro de Arte de Des Moines, Des Moines IA, Estados Unidos

Fundación Canal Isabel II, Madrid, España

Fundación Foto Colectania, Barcelona, ​​España

Museo de Arte de Arlington, Arlington, Texas, Estados Unidos

Photobastei, Zúrich, Suiza

Kulturhuset Stadsteatern, Plaza Sergel, Suecia

Dunkers Kulturhus, Helsingborg, Suecia

2015

Parque Cultural de Valparaíso, Valparaíso, Chile

Galería Merry Karnowsky, Los Ángeles CA, Estados Unidos
Forma Meravigli, Milán, Italia

Foto Pekín, Pekín, China

Centro Cultural de las Condes, Santiago, Chile

HarperCollins BookLab, Nueva York NY, Estados Unidos

MAN Museo D’Arte della Provincia di Nuoro, Nuoro NU, Italia

Museo de Arte Sungkok, Seúl, Corea del Sur

Galería Sherrick & Paul, Nashville TN, Estados Unidos

Museo de Arte, Lexington KY, Estados Unidos

Museo de Imagen y Sonido de São Paulo, São Paulo, Brasil

Bernal Espacio Galería, Madrid, España

Museo de Arte, Pullman WA, Estados Unidos

Willy Brandt Haus, Berlín, Alemania

2014

Fifty One Fotografía artística, Amberes, Bélgica

Beetles + Huxley, Londres, Reino Unido

Galería Lumiere, Atlanta GA, Estados Unidos

Les Douches la Galerie, París, Francia

Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos

Bienal FotoFocus, Cincinnati OH, Estados Unidos

Centro de Fotografía Contemporánea, Fitzroy Victoria, Australia

Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Ámsterdam, Países Bajos

Fundación Hasselblad, Gotemburgo, Suecia

17 de diciembre de 2013 – 25 de enero de 2014

“Vivian Maier: fotógrafa callejera”

Fundación Hasselblad, Gotemburgo, Suecia

2 dic al 23 dic 2013

“Vivian Maier”

Beetles+Huxley, Londres, Reino Unido

17 de noviembre de 2013
Presentación de la película “Buscando a Vivian Maier” – Estreno en los EEUU

SVA Theatre, Nueva York NY, Estados Unidos

8 de noviembre al 4 de enero de 2014

“Vivian Maier: una revelación fotográfica”

CHÂTEAU DE TOURS, Tours, Francia

16 de octubre al 21 de diciembre de 2013

“Exposición de Vivian Maier en París”

Les Douches la Galerie, París, Francia

6 de octubre al 18 de diciembre de 2013

“Vivian Maier: la lente de una mujer”

Universidad Brandeis – Centro de Investigación de Estudios de la Mujer, Waltham MA, EEUU

4 de septiembre al 27 de octubre de 2013

“Vivian Maier Fotógrafa callejera”

Galería Isa Spalding, Toronto, Canadá

16 de abril al 29 de junio de 2013

“Vivian Maier + Saúl Leiter”

Fifty One Fotografía artística, Amberes, Bélgica

11 de marzo al 3 de abril de 2013

“Vivian Maier”

Chris Beetles Fine Photographs, Londres, Reino Unido

1 de octubre al 13 de noviembre de 2012

“Vivian Maier: Lo sguardo nascosto”

Galería dell’Incisione, Brescia, Italia

20 de septiembre al 6 de enero de 2013

“Vivian Maier”

Casa Húngara de Fotografía, Budapest, Hungría

3 de febrero al 22 de abril de 2012

“Vivian Maier: descubierta”

Galería Monroe, Santa Fe NM, Estados Unidos

7 de enero al 28 de enero de 2012

“Vivian Maier” – Presentado por Tim Roth

Galería Merry Karnowsky, Los Ángeles CA, Estados Unidos

10 de octubre de 2011 – 9 de diciembre de 2011
“Vivian Maier – Fotografías de la colección Maloof”

Howard Greenberg Gallery, Nueva York NY, Estados Unidos

11 de septiembre al 9 de octubre de 2011

“Vivian Maier – Fotógrafa callejera”

Noorderlicht Photofestival, Groningen, Países Bajos

29 de julio al 16 de septiembre de 2011

“Vivian Maier: una vida al descubierto”

Galería Photofusion, Londres, Reino Unido

5 de julio al 5 de agosto de 2011
“A la recherche de Vivian Maier (En busca de Vivian Maier)”

Biblioteca Gap, Gap, Francia

1 de julio al 24 de julio de 2011

“Vivian Maier – Una vida descubierta”

Festival de fotografía callejera de Londres, Londres, Reino Unido

28 de junio al 3 de julio de 2011

“A la recherche de Vivian Maier (En busca de Vivian Maier)”

Saint-Julien-en-Champsaur, Saint-Julien-en-Champsaur , Francia

27 de enero al 28 de abril de 2011

“Brilla brilla pequeña estrella… “Twinkle, twinkle, little star”,

Galerie Hilaneh von Kories, Hamburgo, Alemania

7 enero al 3 abril 2011

“Buscando a Vivian Maier: fotógrafa callejera de Chicago”

Centro Cultural de Chicago, Chicago IL, Estados Unidos

18 de noviembre al 4 de diciembre de 2010

“Buscando a Vivian Maier”.

El Apartamento 2, Oslo, Noruega

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ver segunda parte en http://onlybook.es/blog/vivian-maier-gracias-por-mantenerla-viva-segunda-parte/

Narra la fascinante historia real, que esta subyacente en la fascinante vida de Vivian Maier.

La niñera fotógrafa, cuyo trabajo fue descubierto en un trastero de Chicago, capturó la imaginación del mundo con sus imágenes magistrales y su vida misteriosa. Antes de saltar póstumamente a la fama mundial, enterró tan profundamente su pasado que incluso las familias con las que vivía sabían poco sobre ella. Nadie podía contar dónde nació o creció, si tuvo padres o hermanos, si disfrutaba de las relaciones personales, por qué tomaba fotografías y por qué no las compartía con los demás.  

Ann Marks, una de las pocas personas que vio los registros personales completos de Vivian y el archivo de 140.000 imágenes, lo narra en “VIVIAN MAIER, DEVELOPED”.

Una meticulosa investigación revela la historia de una mujer que huyó de una familia con una historia oculta de ilegitimidad, bigamia, rechazo de los padres, abuso de sustancias, violencia y enfermedades mentales para vivir la vida en sus propios términos. Con una capacidad limitada para revelar sentimientos y establecer relaciones, se expresó a través de la fotografía, creando un porfolio secreto de imágenes llenas de emoción, autenticidad y humanidad. Con una resiliencia ilimitada, derribó todos los obstáculos en su camino, decidida a mejorar su suerte y la de los demás defendiendo incansablemente los derechos de los trabajadores, las mujeres, los africanos y los nativos americanos.

Se la considera una de las mejores fotógrafas callejeras del siglo XX, junto con personas como Bernice Abbott (1898 – 1991), Lisette Model (1901 – 1983) y Robert Frank (1924 – 2019).

El libro de 368 páginas y texto en inglés fue editado por Atria Books/Simon & Schuster, ISBN 9781982166724 en diciembre de 2021.

John Maloof, fotografías de Vivian Maier. Texto de Ann Marks

Street Style

La fotografía callejera o street Style, es una manera de contar historias para transmitir la experiencia de la vida cotidiana y la visión del artista mediante las fotos que realiza por el mundo.

Como el fotoperiodismo, nada está escenificado, ni posado ni planeado. No se basa en modelos o luces de estudios.

El trabajo en color de la fotógrafa callejera Vivian Maier fue el tema de la exposición en la Galería Howard Greenberg (en Nueva York) realizada entre el 14 de noviembre de 2018 al 5 de enero de 2019. Muchas de las fotografías se expusieron por primera vez, para profundizar la comprensión de su obra y su afán por registrar y presentar su interpretación del mundo que la rodea. “Vivian Maier: The Color Work” data las décadas de 1950 a 1980, captura la vida callejera de Chicago y Nueva York e incluye varios de sus enigmáticos autorretratos.

La exposición ha coincidido con la publicación de Vivian Maier: The Color Work (Harper Design | HarperCollins, noviembre de 2018), el primer libro dedicado a sus imágenes en color. Con un prólogo del renombrado fotógrafo Joel Meyerowitz (1938) y texto de Colin Westerbeck, ex curador de fotografía del Instituto de Arte de Chicago.

Lugares del Mundo

Forma de leer las indicaciones VM1960W00212-08-MC.

Vivian Maier (VM) 1960 (año) WOO212-08 (catalogo) MC (Maloof Collection).

1963. Audrey Hepburn en el estreno de “My Fair Lady” en Chicago en el RKO Palace Theatre. 23 de octubre. VM19XXW02129-11-MC

Las diversas cámaras de Vivian Maier.

Exposición “VIVIAN MAIER LIVING COLOR”, “VIVIAN MAIER: Color Vivo”, Los Ángeles, California, 1 de diciembre de 2018. (Foto de Harmony Gerber).

Anuncio de las Nominaciones a los 87 premios de la Academia Beverly Hills, CA el 15 de enero de 2015.

Los directores J.J. Abrams y Alfonso Cuarón anuncian la película “Finding Vivian Maier” como nominada al mejor documental en la ceremonia, en el Teatro Samuel Goldwyn de AMPAS. (Foto de Kevin Winter).

Exposición de Vivian Maier el 8 de septiembre de 2014 en el Museo de Historia de Chicago en el North Side.(Chris Walker, Chicago Tribune).

Las piernas de un visitante aparecen en esta fotografía del 8 de septiembre de 2014 debajo de una de las fotos de Vivian Maier en la exposición en el Museo de Historia de Chicago en el North Side.(Chris Walker, Chicago Tribune).

Vivian Maier

“Street photographer”

Retratos

Es quizás una de las facetas más reconocibles de su trabajo.

Están presentes en su obra con cierta insistencia, con perseverancia, se descubre ella misma en ellos.

Evita la simple confrontación, su mirada se ve desviada, interrumpida por un reflejo, un quiebro, que parece rebotar sobre algo que nos saca del encuadre y nos proyecta fuera de la imagen, fuera de ella misma.

Su sombra, su perfil son alusiones, es tal su afán por captar su propia imagen que incluso cuando retrata a otras personas se refleja ella misma en algún elemento de la composición, convirtiendo sus retratos en velados autorretratos.

Vancouver. Canadá

Turín, Italia, 9 de febrero de 2022.

Los visitantes asisten a la previsualización de la exposición Inédita de la artista Vivian Maier en el Museo Reali. (Foto de Roberto Serra).

El recorrido se ha concebido como un agradable paseo por una gran avenida a través de la cual discurre la obra de Vivian Maier. El visitante podrá meterse en su piel, pasear como lo hacía ella y ver lo que sus ojos veían.

El blanco, el negro y el gris son los colores predominantes en la mayoría de los diseños de las exposiciones de fotografía. No es el caso de la ambientación de la exposición, diseñada por Gabriel Corchero Studio.

La sala está repleta de colorido, detalle que hila con la feminidad y la delicadeza de Vivian Maier. Cada sección tiene asignado un color que forma parte de una progresión cromática, en la cual no está incluida una de las secciones de esta exposición; precisamente la única que no necesita color por la vasta viveza del tono de sus imágenes, la sección “Fotografías a color”, está ubicada en la galería abovedada de la sala, cuyos muros de ladrillo visto han sido recubiertos con enormes paneles de cartón sobre los que se exponen sus obras.

Las 9 películas en Super 8 se reparten y visualizan en diferentes espacios de la sala, destacando dos grandes prismas, ubicados en la zona central, que alojan 4 de ellas. Otro de los espacios de la sala, donde se ubican los 13 autorretratos, merece una mención especial por el protagonismo que adquieren los reflejos, gracias a su forma octogonal y a un delicado prisma de espejos en el centro, que dan reflejos a los autorretratos.

Un guiño a la práctica de la genial artista cuando se fotografía así misma y se valía de materiales reflectantes para mostrar su figura.

El Catálogo de la exposición con texto en inglés. Fue editado por John Maloof, y prologado por el escritor inglés Geoff Dyer, con imágenes de la muestra, y otras que no pertenecen a la misma

El mural “Vivian Maier” de Eduardo Kobra (1976) se exhibe en el barrio de Wicker Park en Chicago, el 4 de mayo de 2019. (Foto de Raymond Boyd).

Finaliza en la cuarta parte http://onlybook.es/blog/wp-admin/post.php?post=14431&action=edit

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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La Construcción del Sueño Americano

Carmen de la Guardia Herrero

Editorial Síntesis, 2019

La Construcción del Sueño Americano

Estados Unidos 1929 – 2018

Carmen de la Guardia Herrero

Editorial Síntesis, 2019

ISBN: 9788491714156

Colección: Temas de Historia Contemporánea

324 páginas. Encuadernación: Rústica.  Español

Un lúcido texto articulado sobre uno de los ejes vertebradores de la historia de Estados Unidos, la idea del Sueño Americano recorre la historia política, social y cultural de la nación americana desde la génesis del concepto, durante la crisis de 1929, hasta la actualidad.

Desde sus orígenes, esta idea se construye para defender una forma de entender la política, la economía, la sociedad y la cultura estadounidense, frente a una de las presidencias más innovadoras de la historia de Estados Unidos, la de F. D. Roosevelt. Sus soluciones para afrontar la crisis del 29 incrementaron las competencias políticas, económicas y sociales del Estado americano. Muchos estadounidenses se alzaron contra estas medidas y, enarbolando la idea de un sueño americano que hundía sus raíces en la época fundacional, reinventaron la historia de Estados Unidos, ensalzando los valores de la frontera, de la audacia y del individualismo que, según ellos, habían sostenido a Estados Unidos

Exposición en el CCCB

 “Suburbia. La construcción del sueño americano”

Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Montalegre, 5 – 08001 Barcelona. Tel. (+34) 933 064 100

Fax (+34) 933 064 101. info@cccb.org

Desde el 20 marzo al 8 septiembre 2024

La exposición incorpora materiales históricos, fotografías, ilustraciones e instalaciones artísticas de creadores tan destacados como Joel Meyerowitz, Norman Rockwell, Nina Leen, Bill Owens, Todd Hido, Angela Strassheim, Ed Templeton, Gabriele Galimberti, Jessica Chou, Weronicka Gesicka, Gregory Crewdson o Elías León Siminiani.

Otros libros de Carmen de la Guardia Herrero

Moving Women and the United States Crossing the Atlantic

Carmen de la Guardia Herrero

Elena Postigo Castellanos

Universidad Alcalá de Henares (UAH), Madrid, 2016

Las maestras republicanas en el exilio

Carmen de la Guardia Herrero

Los Libros de la Catarata. Madrid, 2020

Historia de Estados Unidos (Serie Historia) Tapa blanda – 12 mayo 2012

Carmen de la Guardia Herrero 

Mi padre, nuestro padre, de Guille y mío era especial.

Especial, por cosas que no vienen al caso.

Cuando fue necesario, vital diría yo, comenzamos a vender suscripciones en los pabellones de la facultad de arquitectura, sería el año 1968.

Salimos disparados de nuestro piso de Gelly y Obes y Copérnico, al bario que ahora lo llaman “La Isla”, a Luis le gustaba decir que al garaje se entraba por la calle Luis Agote.

En uno de sus viajes a NY, trajo 2 discos estereofónicos, «Los Plateros» y la «5ta, sinfonía del nuevo mundo de Antonín Dvořák», en aquel entonces era la 5ta, luego paso a ser la 9na.

Luis llevaba a sus atónitos invitados de un parlante a otro (los separaban 9 metros en el amplio living), y les decía, aquí se escucha una parte de la orquesta, los bajos, y aquí, caminando los 9 metros, la otra, los agudos y asi, incansables veces.

Cuando yo lleve el disco de los Bad Boys «Papaumama», y lo escuchaba a todo volumen, Luis, cabreado me decía, como podía escuchar esa porquería, yo lo había buscado en el Club del Disco, en el primer piso de la Avda Santa Fé, un ritual de los sábados al mediodía, donde en unas cabinas podias escuchar si ese era el disco que querías llevar, con ese Papaumama estaba y sigo fascinado.

Luis había construido el edificio, estaba (estábamos) orgullosos, antes yo decía  que de alli salimos disparados a un departamento en la calle Pasteur y Cangallo.

Cuando le cambiaron el nombre a Cangallo por General Domingo Perón, Luis decía que vivía en Pasteur y General Domingo Cangallo.

Ese humor tenía Luis.

Un día apareció con una caja de cientos de llaveritos con un elefante cada uno.

El sistema para vender suscripciones era acercarse a una mesa y poner sobre ella 5 o 6 revistas, Summa, Nuestra Arquitectura, Hogar y Arquitectura, GA, Domus. Architecture d’Au Jourd hui…

Los estudiantes las miraban y se suscribían.

A veces hacia 10 suscripciones en un día, a veces 80.

Tanta venta era un misterio, pero no estaba solo. Llevaba los elefantitos.

Le preguntaba a los y las estudiantes

-que hacen?

-preparamos la entrega.

Entonces Luis le daba un elefantito, el elefantito de la suerte.

Cuando veía alguna embarazada, le aseguraba que le daría suerte al recibir a su bebe.

Luis estaba convencido y convencía.

Quizás alguien lea esto y haya recibido algún elefantito, y se sonría.

Hace pocas semanas en un metro de Barcelona, un marroquí ofrecía llaveros, había varios, yo solo veía el elefantito.

Y a Luis.

viene de http://onlybook.es/blog/elemental-arq-alejandro-aravena/

2008/2010. Mirador las Cruces en la ruta del Peregrino. Jalisco. Mexico

La Ruta del Peregrino tiene más de dos siglos de antigüedad, uniendo algunos municipios de Jalisco.

Nace en Ameca se recorren 117 km hasta llegar a Talpa de Allende para arribar a la basílica de Nuestra Señora del Rosario.

Tres millones de personas recorren este camino, ante la falta de infraestructura de apoyo en el 2008 se puso en marcha un proyecto para proporcionar servicios básicos, como alojamientos, observatorios y santuarios a los peregrinos. El estudio del Arquitecto Dellekamp encargó 15 intervenciones s diferentes estudios.

Es un punto de observación en forma de prisma de Hº Aº, apoyada, descansando sobre la ladera, brinda sombra, ventilación cruzada y una panorámica del valle en el punto más alto del camino.

Proyectada de manera que pueda envejecer como un elemento natural sin mantenimiento, evitando altos costes para acceder a ella a repararla. AV 185. Fotos Iwan Baan. 

2008/2012. Parque Bicentenario de la Infancia. Santigo

Se ubica en la ladera baja del cerro de San Cristóbal, al norte de Santiago, ocupa una superficie de 4 hectáreas, de las que 1.800 metros cuadrados se destinan a zonas de juegos infantiles.

Con una parte del solar en pendiente y otra más llana en su aproximación hacia el tejido urbano, la propuesta usa la inclinación del terreno para resolver el dilema entre diversión y seguridad para los niños.

Entre terrazas planas y taludes suaves discurren 60 toboganes.

El cierre perimetral se diseña como un tubo hueco y amplio en el que los niños se pueden introducir para hacer un recorrido con cambios de cota y 310 metros lineales. El parque ofrece una zona para refrescarse con juegos de agua entre un bosque de esferas, sombra en un jardín arbolado con una colección de casas de madera en las copas de los árboles. (Arquitectura Viva. Fotógrafo Cristóbal Palma). (3)

2009/2013. Viviendas Villa Verde. Constitución

Superficie 5688 m².

El 27 de febrero de 2010 tuvo lugar un movimiento sísmico de 8,8 grados en la escala sismológica de Richter, cuyo epicentro se ubicó en el mar chileno, frente a la costa de la Región de Biobío.

Un fuerte tsunami impactó las costas chilenas como producto del terremoto, destruyendo varias localidades ya devastadas por el sismo.

La ciudad de Constitución fue, entre otras, una de las más afectadas a causa del terremoto y posterior maremoto.

En esta ciudad de 46.000 habitantes las víctimas fatales llegaron a un total de 525 fallecidos.

En total y a lo largo de Chile, se estima que hubo un total de 2 millones de damnificados y unas 500.000 viviendas sufrieron graves daños. Este desastre se proclamó como la peor tragedia natural vivida en Chile desde el terremoto de 1960. (4)

Se puso especial atención al arraigo de la comunidad a través de la participación de los ciudadanos en el proyecto.

“Ideamos una tipología que volvió a aplicar el principio de incrementalidad”.

La empresa forestal Arauco, decidió fomentar el acceso a sus trabajadores de viviendas definitivas en el marco de la política habitacional de Chile, que consiste en un Fondo Solidario de Vivienda I (hasta 600 UF sin deuda, unos 25.000 dólares) y el FSV II (hasta 1000 UF con crédito hipotecario, unos 40.000 dólares). Los recursos disponibles eran superiores a los aplicados para viviendas sociales que ya habiamos realizado, lo que permitiría proyectos más ambiciosos.

Aclara el estudio “El proyecto propone casas en hilera con dos alturas, donde el usuario recibe la mitad del volumen edificable con unos acabados interiores sencillos, pero de calidad. La superficie inicial de cada unidad es de 57 m², pudiendo alcanzar los 85 m² tras la construcción de las extensiones. El aporte fundamental consiste en que se entrega la estructura casi completa para el estado final de las casas (muros medianeros compartidos, cubierta a dos aguas, solera inferior y vigas para el forjado del primer piso), dejando a los habitantes la realización de tan solo un forjado y dos paños verticales exteriores. Además, siguiendo las experiencias positivas de otros proyectos participativos, se convocaron talleres formativos y de consulta sobre la realización de las ampliaciones”.

El Plan estima una demanda de 9.000 unidades a ser implementadas en alrededor de treinta localidades.

“Por tanto, frente a desastres naturales, soluciones naturales. Si se es riguroso con el sentido común se resuelve la pregunta”. Alejandro Aravena en La Ciudad de las Ideas, Puebla, México, 2017.

2010. La nueva sede de la farmacéutica Novartis en Shanghái​

Aravena ha obtenido experiencia de su proyecto para una villa en Ordos, una nueva ciudad en Mongolia Interior, China, fue en el 2008 cuando se le encargó un proyecto que formaría parte de Ordos 100, un ambicioso proyecto arquitectónico de Ai Weiwei y Herzog & de Meuron.

Una casa que se convertiría en una residencia de alto nivel, en una ciudad en desarrollo, (la región tiene enormes depósitos de carbón). Muchas de las villas no se construyeron, la experiencia para el equipo de Aravena fue que “cuando se trabaja en un proyecto lejano en el extranjero, a menudo hay una gran brecha entre el lugar de construcción y la mesa de dibujo”.

En su libro ELEMENTAL, comenta “La lección que aprendimos de Ordos fue que no se iba a seguir ningún tipo de plan, ningún tipo de instrucción organizada en forma de dibujos o especificaciones técnicas”.

En el 2010, le encargan la compañía farmacéutica suiza Novartis en Shanghai.

“Decidimos elegir ladrillos recuperados e interpretaciones poco precisas, en lugar de construir algo perfecto optamos por construir algo poderoso”.

Sus planos formaron parte de su estrategia «más o menos».

En lugar de trabajar con planos, presupuestos y plazos estudiados y acordados, la experiencia de Chile nos había entrenado bien para improvisar y reaccionar ante circunstancias fluidas y contextos llenos de incertidumbres”.

A diferencia de Mies van der Rohe, “Aravena no cree que Dios esté en los detalles, sino en la falta de ellos”.

2010/2015. Casa de la Cultura en Constitución

Tiene 829 m2, está sobre la calle Cruz, frente a la plaza de Armas.

Forma parte de los proyectos del Plan de Reconstrucción luego del tsunami de febrero del 2010 (PRES), se ha convertido en un impulsor para el desarrollo de las artes y la cultura.

En su primer año se desarrollaron 120 eventos con una participación de mas de 20 mil participantes, que no ha dejado de crecer desde entonces.

Tiene un pórtico de doble altura formado por una sucesión de grandes costillas de madera.

El interior se fragmenta en varios recintos independientes y flexibles, para eventos y exposiciones.

2011/2014. Centro de Innovación Anacleto Angelini, de la PUC, Campus San Joaquín, Santiago.

calle Vicuña Mackenna 4860, Macul, Región Metropolitan.

Área: 8176 m²

El grupo Angelini, un consorcio empresarial, décimo en importancia económica según la revista Forbes, con un patrimonio de 1500 millones de dólares, donó los fondos para edificar un centro de innovación tecnológica.

Este edificio fue pensado como una respuesta estructural al cambio climático en Santiago de Chile, teniendo como base de cálculo la eficiencia energética en un contexto de aridización.

En vista de la irradiación y sus efectos en espacios interiores, tanto del punto de vista de la reflectancia como de la termicidad en corporativos con revestimientos vítreos, se procedió a invertir la apertura tradicional de un edificio, pasando su diseño a privilegiar los espacios interiores como abiertos, y los espacios exteriores como ejes estructurales, consecuentemente produciendo una fachada de concreto desnudo, y un interior dinámico.

De esta manera se señala la reducción del consumo energético teórico de 120 kW/m² al año en un edificio estándar de oficinas en Santiago, a 45 kW/m² por año.

El edificio tiene 11 pisos y 3 niveles subterráneos.

En 2015, el edificio fue galardonado como el diseño del año, por el Design Museum de Londres.

La Universidad de Chicago lo ha considerado como uno de los 30 mejores edificios construidos del siglo XXI.

2012. Conjunto de 150 viviendas y un centro Comunitario de la colonia Lo Barnechea, al norte de Santiago

Cada vivienda tiene 67 metros cuadrados, dos plantas más mansarda, salón comedor, tres dormitorios, cocina y baño, además de la posibilidad de ser ampliadas hacia el interior, según los principios de Elemental.

2012/2014. Constitución Seaside Promenade. Constitución

El proyecto comprende una serie de miradores costeros conectados que van desde la desembocadura del río Maule hasta el Puerto de Maguellines, con el fin de potenciar y poner en valor el patrimonio natural.

Esta costa está caracterizada por enormes conjuntos rocosos con alto valor paisajístico pero que suponen, también, enormes obstáculos para recorrer la zona. El circuito proporciona un zócalo accesible de cinco tramos, asociados a una ciclovía de 4,5 kilómetros, que busca reactivar el turismo local.

Los miradores son elementos de geometría básica que enmarcan las vistas, formados por tres caras de madera y una barandilla de seguridad en el frente que se abre hacia el paisaje.

2014/2018. Casa Ochoquebradas, Etapa 4, Los Vilos

Foto de Cristóbal Palma 

El proyecto del Pabellón “Ocho Quebradas” en los Vilos (Chile) nace de un encargo por parte de la Universidad Finis Terrae dentro del marco de la promoción residencial 8³, donde se realizarán 8 etapas de construcción de ocho casas cada una. El territorio queda delimitado por la costa del océano Pacífico, a la altura del km. 220 de la Ruta 5 Norte; una topografía desértica rocosa y arenosa, y una antigua vía del tren desdibujada por el tiempo y el desuso.

El proyecto (tambien llamado ochoalcubo), está liderado por el emprendedor y apasionado por la arquitectura, Eduardo Godoy, ha comenzado una nueva fase de las 8 etapas que involucran a 8 arquitectos diferentes.

La primera etapa de este verdadero laboratorio de arquitectura tiene lugar en Marbella y se compone de obras de Christian de Groote, Mathias Klotz, Cristián Valdés, José Cruz, Teodoro Fernández, Cecilia Puga, Smiljan Radic, Cristián Undurraga, Felipe Assadi, y Sebastián Irarrázaval.

El promotor ha invitado a ocho arquitectos japoneses Ryue Nishizawa, Kazuyo Sejima, Kengo Kuma, Sou Fujimoto, Unya Ishigami y Atelier Bow-Wow (Yoshiharu Tsukamoto y Momoyo Kaijima) a proyectar una casa de vacaciones en Los Vilos, un agreste entorno natural situado a 250 kilómetros al norte de Santiago de Chile.

Toyo Ito fue la primera figura internacional en ingresar a este proyecto con la construcción de la Casa White O en el 2009 dando inicio a la segunda etapa.

El proyecto de Aravena tiene 250 m2, se distribuyen cuatro habitaciones, una zona de estar-comedor, cocina, aseos y una bodega. El proyecto “da pie a cierto primitivismo, que se expresa en su forma, semejante a la de un dolmen o tótem levantado en el paisaje”. Tiene la lírica de un exquisito dibujo de Piranesi azotado por las olas.

“Como rocas varadas en la playa, tres cuerpos de hormigón armado organizan el programa, estableciendo un diálogo con el paisaje abrupto frente a un violento Océano Pacífico”.

2015. La Cabaña del Escritor. Montricher. Suiza

La Fundación Jan Michalski, denominada también la Maison de l´Ecriture, se encuentra en Montricher, en la localidad de Bois Désert, rodeada de naturaleza en estado puro, frente al lago Geneva y los Alpes suizos.
Los arquitectos Vincent Mangeat y Pierre Wahlen, diseñaron un complejo que comprende diversos edificios que albergan los distintos usos que requería el programa: una residencia para los escritores, un comedor, una sala de estar, una biblioteca, un auditorio y un espacio de exposiciones; todo ello situado bajo la original cubierta de formas orgánicas que unifica y da personalidad al conjunto.

La Fundación cuenta con un grupo de siete módulos residenciales, de varios tamaños y estilos, denominados «treehouses», debido a que se encuentran colgados de la gran cubierta. Un octavo módulo, denominado «the elemental treehouse”, alberga el espacio de cocina y de descanso comunitario para los escritores.

Cada módulo ha sido diseñado por diferentes estudios de arquitectura.

Elemental de Alejandro Aravena), Schaub Zwicky, Atelier Bonnet, Fuhrimann Hächler, Rintala, Eggertssony Studio MK 27, Mangeat y Wahlen & Decosterd.

El auditorio se concibe como un espacio multidisciplinar donde acoger todo tipo de eventos culturales, con una capacidad para 120 espectadores. Fotografías de Leo Fabrizio.

2015. Edificio de oficinas spara Novartis. Shangai. China

2010/2015. Residencia para la Universidad St. Edwards, Austin, Texas

Ganan el concurso para diseñar una residencia que de alojamiento a 300 estudiantes en el campus que la Universidad tiene en las afueras de Austin en Texas. Debía incluir servicios como comedores.

En el zócalo se dan los usos más públicos y las habitaciones en los niveles superiores.

El edificio esta fragmentado en bloques que aumenta el perímetro de la fachada, las habitaciones tienen asi vistas diferentes, luz natural y un alto grado de intimidad en cuanto a visuales.

nte el duro entorno físico y climático, los bloques se envuelven con una piel dura y rugosa por fuera y se abren con superficies continuas de vidrio hacia el núcleo interior resguardado. textos de AV 185 y fotos de Cristóbal Palma.

2024. Sede del BPI en Basilea. The Bank for International Settlements (BIS) 

Elemental con el estudio Nissen Wentzlaff de Suiza.

Ha obtenido el 1er premio Concurso Internacional.

El jurado compuesto por Sacha Menz, Beat Aeberhard, Louisa Hutton, Débora Mesa Molina, Vittorio Magnago Lampugnani, Christophe Girot, Thomas Jordan, Luiz Awazu Pereira da Silva, Monica Ellis, Bertrand Legros y Véronique Neiss, seleccionó este diseño ganador sobre los 10 trabajos presentados.

Intervinieron Bjarke Ingels, David Chipperfield, Dominique Perrault, Foster + Partners, Herzog & de Meuron, Tatiana Bilbao, Mecanoo, Kengo Kuma junto a asociados locales.

Dijo el jurado que «la propuesta ganadora, ofrece una nueva torre en el sitio que busca conectarse y complementarse a la torre existente diseñada por el arquitecto suizo Martin Burckhardt (1921 – 2007),una icónica torre circular de los años 70″.

El jurado no solo apreció este gesto, sino que también destacó «su amplio uso de la madera y su fachada tipo “bosque”.

ELEMENTAL al explicar su proyecto dice:

“Identificamos 5 fuerzas diferentes en las que se basa nuestro proyecto.

Los contextos urbanos (plural). Un desafío particular de este proyecto es que tiene que responder a dos contextos: la torre existente y las torres circundantes

Tiempo: ganarlo y preservarlo. «Una parte significativa del nuevo proyecto se construye sin interrumpir la función actual del banco, maximizando la continuidad de la operación y en consecuencia ganando un tiempo precioso. Se preservan los viejos árboles existentes, cuidando el tiempo ganado que llevan. Su presencia proporciona valiosas áreas al aire libre con sombra«.

Colaboración. «El cambio de paradigma. el énfasis de nuestro diseño se ha desplazado hacia los espacios colectivos y sociales. El plano de planta convencional de una torre se invirtió: el núcleo central típico se dispersa en un perímetro más poroso, liberando el centro para la transparencia y la visibilidad, mejorando la experiencia de encontrarse con otro»s.

Sostenibilidad, híbridos estructurales y espacios al aire libre. «De acuerdo con el concepto de agrupación de pisos, cada tercer piso está hecho de hormigón, lo que permite el uso extensivo de madera estructural en la torre y, por lo tanto, reduce al mínimo la energía embebida».

Carácter. «Nuestra propuesta es responder a la torre con otra forma pura: un cuadrado. El proyecto trata sobre un diálogo clásico entre el círculo y el cuadrado. después de la pandemia, parece que todos tenemos el deseo de volver a la naturaleza. Por eso propusimos un bosque de columnas. Columnas más gruesas trabajando en compresión hacia el centro, dan lugar a elementos más delgados hacia el borde, dando al edificio una sensación natural en un entorno urbano denso».

Un proyecto muy interesante es la Villa Verde en Constitución, Chile (2013). En la página web de ELEMENTAL podemos leer:

“La empresa forestal Arauco (enfocada a la sostenibilidad en la utilización de la madera) nos encargó desarrollar un plan para apoyar a sus trabajadores y contratistas a tener acceso a su vivienda definitiva dentro del marco de la política habitacional vigente en Chile. Esto nos permitió por primera vez incursionar en el tramo superior de la política habitacional. Con mayor disponibilidad de recursos, en vez de tomar una de nuestras viviendas más económicas y entregarla más terminada, volvimos a aplicar el principio de incrementalidad, pero con un escenario de crecimiento inicial y final de mayor estándar: de 57m² (superficie inicial de cada unidad) se pueden incrementar las viviendas hasta 85 m²”.

“… estamos tratando de identificar cuál es el problema, al pedirle a la gente que participe, lo que intentamos es imaginar cuál es la pregunta, no cuál es la respuesta. No hay nada peor que responder bien a preguntas incorrectas…” Alejandro Aravena, 13 de enero de 2016 en el Dezeen Magazine, entrevistado por Anna Winston

Acerca de la Residencia de Estudiantes St. Edwards en la Universidad de Austin el Arq Julio Gómez-Perretta de AyE comenta: “…Aravena es un escultor de arquitectura, un creador de formas que busca en la contundente simplicidad de la geometría la belleza de la forma. Parece reflejar a veces la imagen ciclópea de la arquitectura Inca, tallada en roca pura como en el Centro de Innovación de la UC o bien hecha de frágil cristal, como en las Torres Siamesas de la UC…”

 Financial Times

En 2019 el periódico británico Financial Times destacó la casa diseñada por Aravena en Ocho Quebradas (un condominio cercano a Los Vilos) como una de las cuatro mejores casas de Sudamérica. Las otras tres son The Grid House y Quinta da Baroneza, en Sao Paulo, la casa denominada «Patagonia», en Bariloche. La propiedad de 250 metros cuadrados es una vivienda para vacaciones, construida con tres grandes bloques de hormigón que se sostienen mutuamente, tiene una distribución muy bien lograda y ventanales que permiten una vista panorámica al mar. Está tasada en 1,1 millones de dólares.

Publicaciones

Además de varios artículos en revistas especializadas, Aravena es autor de varios libros:

-1999. Aravena, Alejandro. Los hechos de la arquitectura con Fernando Pérez Oyarzún y José Quintanilla.

-2002. El Lugar de la Arquitectura.

-2003. Material de Arquitectura.

Entre las publicaciones sobre su obra se cuentan

-«La monografía Alejandro Aravena, progettare e costruire» publicada por Electa;

-La cuarta edición de «Historia Critica de la Arquitectura Moderna» de Kenneth Frampton.

-«60 Innovators Shaping Our Creative Future» de Thames & Hudson.

así como libros de Phaidon y Taschen.

Sus obras han sido publicadas en Libros y revistas especializadas en más de treinta paises.

Se han presentado exhibiciones sobre su obra en Harvard GSD (2004), la Bienal de San Pablo (2007), la Bienal de Arquitectura de Venecia y la Trienal de Milán (2008), entre otras.

El Colegio de Arquitectos de Chile lo eligió en 2000 como el “Mejor arquitecto menor de 35 años”.

La Fundación Rolex de Suiza lo nominó entre los «25 arquitectos más promisorios del mundo». Los estudiantes de Arquitectura lo eligieron como el “Mejor arquitecto menor de 45 años”.

Algunos de los premios que ha recibido son

-2006. Medalla de Arquitectura Erich Schelling.

-Premio global de arquitectura sustentable.

-2008. León de Plata en la Venice Architecture Biennale.

-2009. Premio Avonni a la Innovación.

-2010. Premio de Diseño Curry Stone.

-Premio Marcus de Arquitectura.

-Título de Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de La Plata.

-2018. Premio Charles Jencks, otorgado por la Royal Institute of British Architect (RIBA).

Premio Pritzker

Jay Arthur Pritzker (Chicago 1922 – 1999) fue un empresario norteamericano que puso en funcionamiento más de 60 compañías multi-industriales. En 1979 se estableció el Premio Pritzker de Arquitectura, que ahora es considerado el más prestigioso honor en el campo.

En 2004, el Pabellón Jay Pritzker, diseñado por el arquitecto Frank Gehry, se completó como parte del Parque del Milenio en el centro de Chicago.

Ha recibido el Premio Pritzker en el 2016, el primer arquitecto chileno en recibirlo, y el cuarto latinoamericano después del mexicano Luis Barragán, y los brasileños Oscar Niemeyer y Paulo Mendes da Rocha.

Ver http://onlybook.es/blog/arquitecto-luis-barragan-casa-ortega-y-barragan-en-df-mexico/

La figura de Alejandro Aravena, sus proyectos, su actitud frente a la arquitectura pasan de todo menos desapercibidos.

Recibe tanto elogios como críticas, a veces más de unos y otros veces más de lo otros.

Tom Pritzker, director ejecutivo y presidente de la Fundación Hyatt que patrocina el premio dijo que “la arquitectura de Aravena da oportunidades económicas a los menos privilegiados, mitiga los efectos de los desastres naturales, reduce el consumo de energía y brinda un espacio público acogedor, es un arquitecto innovador e inspirador…muestra cómo la arquitectura de óptima calidad puede mejorar la vida de las personas”.

De entre sus obras, el jurado destacó especialmente las cinco obras realizadas para la Universidad Católica, su alma mater, entre ellas, las sedes de las facultades de Matemáticas y de Medicina, como asimismo el Centro de Innovación Anacleto Angelini

Se ha comentado críticamente que él mismo formó parte del jurado hasta el año 2015, y que se trata además de la primera vez que se entrega el Pritzker a un director en ejercicio de la Bienal de Arquitectura.

Con sus 48 años es el segundo premiado Pritzker más joven (después de Ryue Nishizawa)

Es interesante leer que Aravena habría sido premiado no por la calidad de su obra construida, sino por su estilo especial de ejercer la arquitectura, convirtiéndolo en un símbolo del compromiso con la arquitectura social (tema tambien controvertido).

Es un cambio de paradigma en los criterios de la decisión de quien merece el Pritzker, de premiar una trayectoria, de obras de toda una vida (una arquitectura como arte) a premiar la relevancia de las propuestas arquitectónicas de un profesional, de una arquitectura activista en los problemas sociales de las grandes urbes.

Notas

3

AV Monografías 185. Elemental. Alejandro Aravena.

4

TFG “La construcción de Alejandro Aravena” Autor Karim Benchiha Notivol. Director Enrique Cano Suñén. Escuela de Ingeniería y Arquitectura 2017/2018. Universidad de Zaragoza.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

Let’s save the Parador Ariston from its ruin

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Alejandro Aravena Mori (Santiago de Chile 1967) es arquitecto, académico de la Pontificia Universidad Católica de Chile , profesor visitante de la Universidad de Harvard, y Premio Pritzker 2016.

Estudió en el Colegio Alemán, donde sus padres eran profesores, graduandose en 1992 de arquitecto en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Estudios Urbanos de la Pontificia Universidad Católica de Chile, fundada en 1888, de un enorme prestigio, figura primera dentro de las Universidades chilenas, siendo una de las 4 Universidades chilenas incluidas en el Academic Ranking of World Universities.

Durante su formación recibió influencia de algunos profesores y arquitectos como Fernando Alfredo Pérez Oyarzún (1950), que obtuviera el Premio Nacional de Arquitectura, y fue director del Museo Nacional de Bellas Artes.

Tras graduarse como arquitecto se trasladó a Venecia para realizar un postgrado en el Instituto Universitario de Arquitectura, fundado en 1926, entre sus rectores figura entre otros su creador Giovanni Bordiga, Carlo Minelli, Carlo Scarpa, Carlo Aymonino, y desde el 2015 Alberto Ferlenga.

Luego ha seguido cursos de grabado en la Academia de Bellas Artes (Accademia di belle arti di Venezia), fundada en 1756.

Desde 1994 es profesor de la Escuela de Arquitectura en la Universidad Católica de Chile y, desde 2000, es profesor en la Escuela de Graduados en Diseño de Harvard.

Imparte cursos y conferencias en el Colegio de Arquitectos de Cataluña, Archilab 2001 (Orleans), el IUAV (Venecia), el Banco Mundial y el Banco Iberoamericano de Desarrollo (Washington), el Istituto Universitario di Architettura di Venezia, la AA School of Architecture de Londres, fundada en 1847 y la Escuela de Economía de Londres.

Ha integrado el jurado del premio Pritzker desde el año 2009 al 2015.

Fue elegido en el 2010 International Fellow of the Royal Institute of British Architects.

Desde el 2011 es miembro de la Junta del Programa de Ciudades de la London School of Economics.

Miembro del Consejo Asesor Regional del Centro David Rockefeller de Estudios Latinoamericanos.

Desde el 2013 es miembro de la Junta Directiva de la Fundación Suiza Holcim.

Miembro Fundador de la Sociedad Chilena de Políticas Públicas; y líder del Laboratorio de Diseño de Helsinki para SITRA, el Fondo de Innovación del Gobierno de Finlandia. Fue una de las 100 personalidades que contribuyeron a la Cumbre Mundial Río +20 en 2012.

Ocupa la Cátedra ELEMENTAL Copec de la Universidad Católica de Chile desde 2006. Es autor de “Los Hechos de la Arquitectura” (1999), “El Lugar de la Arquitectura” (2002) y “Material de Arquitectura”, editorial Univ. Católica de Chile. (2003), textos de Mostafavi, Dal Co y Rice, los de Mori, Witte, Steinberg u obras de Serra, Märkli, Lewerentz y Mayer Hermann en el escenario internacional, entre otros, dialogan con entrevistas y obras de arquitectos chilenos. ISBN:9789561407442

“Si algún poder tiene el diseño, ese es el poder de síntesis. Cuanto más complejo es el problema, mayor es la necesidad de simplicidad” Alejandro Aravena

Bienal de Venecia

En el año 2016 fue director de la 15.ª Exhibición Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia.

ELEMENTAL

Su primer contacto con el tema de la vivienda de emergencia, de la escasez de tiempo y recursos fue en su estudio llamado “Otherwise-ness”.

Junto a Andres Iacobelli (Recoleta 1969) y Pablo Allard (1) funda en el 2001 el estudio ELEMENTAL, que dirige desde el 2006.

Junto a sus socios Gonzalo Arteaga, Diego Torres, Víctor Oddó y Juan Ignacio Cerda realiza proyectos sociales de infraestructura, transporte, espacio público y vivienda, en cooperación con la Universidad Católica de Chile y Copec.

ELEMENTAL es una iniciativa internacional para innovar y construir conjuntos de vivienda de muy bajo costo. A la fecha ha realizado más de 2500 viviendas de este tipo y construido obras en Chile, Estados Unidos, México, China y Suiza.

Su obra arquitectónica incluye el diseño y construcción de centros de enseñanza, edificios institucionales, oficinas, plantas de empresas, sedes de servicios públicos, museos, bibliotecas y viviendas. Entre las últimas destacan tanto proyectos de vivienda social de bajo presupuesto, como amplias y cómodas residencias en la ciudad o casas de veraneo en sectores campestres y en balnearios.

A fines de 2005, la Universidad de Harvard realizó una muestra con una amplia retrospectiva de toda su obra como arquitecto.

“El desafío de la arquitectura es salir de la especificidad del problema a la inespecificidad de la pregunta”. Alejandro Aravena. 2016

TED

“…más complejo es el sistema, mayor es la necesidad de simplicidad”

Cuando le consultaron hace 10 años, por la construcción de viviendas para 100 familias en Chile, Alejandro Aravena buscó una inspiración inusual: la sabiduría de las favelas y los barrios marginales.

En lugar de construir un gran edificio con unidades pequeñas, construyó mitades de casas flexibles que cada familia podría ampliar. Su charla en TED ha tenido 685.501 visualizaciones.

1998/1999. Facultad de Matemáticas de la Universidad Católica de Chile, Santiago, Proyecto resuelto a base de una estructura en “pliegues” que unifica y da coherencia a una compleja composición arquitectónica.

Las dos estructuras donde funcionaba la Facultad de Matemáticas de la Universidad Católica de Chile en Santiago de los años ´70, se unieron para dar solución a la necesidad de dar lugar al departamento administrativo y de profesores. El hormigón que conforma el edificio contrasta con otros materiales de las fachadas como el vidrio, la madera y el cobre; este último metal fue elegido porque acusa positivamente el paso del tiempo y manifiesta una oxidación noble y oscura. AV 185.  Fotos de  Tadeuz Jalocha.

2001. Colegio Huelquén Montessori. Elemental con Claudio Blanco

Construcción por etapas.

Terreno de 5.000 m2. 1era etapa 750 m2 a construir en 3 meses, un tiempo muy corto que obliga a trabajar casi como una arquitectura de emergencia, y trabajar con elementos que se ensamblan.

2001/2004. Viviendas Quinta Monroy, Iquique. Vivienda Colectiva

La Quinta Monroy era, el último campamento informal del centro de Iquique, una ciudad del desierto chileno a 1.500 kilómetros al norte de Santiago.

Se reemplazó un campamento con malas condiciones de habitabilidad por un programa estatal de 93 viviendas. A pesar del coste del terreno (superior al que tendría en la periferia) se decidió evitar desplazamientos. El presupuesto fue de 7.500 usa por casa, se construye la mitad de la casa y se facilita mediante autoconstrucción su ampliación. Las instalaciones se construyen íntegramente.

2001/2004. Escuela de Medicina de la UC. Santiago

Está ubicada al norte del núcleo urbano céntrico de Santiago, se desarrolla en 3 plantas bajo nivel y siete de altura.

El nivel superior tiene un gran lucernario que facilita su iluminación y arma un claustro interesante.

El edificio se inserta entre las construcciones preexistentes, creando dos grandes patios. Éstos tienen orientaciones opuestas, un carácter diferente y fachadas radicalmente distintas.

Hacia el sur, fachada de vidrio semi reflectante, sobre el que destaca un voladizo señalando la entrada al edificio. Hacia el norte, una doble fachada con una capa exterior de grandes pilastras de ladrillo, y una segunda piel de vidrio.

Entre estas se crea una sombra que protege de la fuerte radiación solar del norte.  (AV monografía 185.  Fotos Roland Halbe, Tadeuz Jalocha y Elvira Pérez).

2002/2005. Torres Siamesas Universidad Católica de Chile. Campus San Joaquín, Santiago.

Arquitectos Alfonso Montero, Charles Murray, Ricardo Torrejon, Alejandro Aravena yEmilio De la Cerda.

Las Torres Siamesas fueron diseñadas para la Universidad Católica de Chile. El encargo consistió en una torre de vidrio para alojar el Centro de Innovación Tecnológica de la Universidad. Esto presentó tres problemas para el equipo de proyecto: las computadoras, el vidrio y la torre. El cliente deseaba que el edificio se constituya en ícono de la Universidad.

 “Para este edificio se pensó en las convenciones. Nos pidieron un edificio de vidrio. Los otros edificios de espejos en Santiago tienen una cuenta mensual de aire acondicionado que es inmmoral. Por eso se ideó una estructura poco común para ahorrar en aire acondicionado. Buscamos verdaderas soluciones y, en eso, tuvimos que construir el edificio contra los prejuicios. Y hay gente a la que lo inesperado la irrita».

Se trata de un único edificio que parte del suelo con una volumetría de torre, presentando en la parte superior un quiebre que genera la sensación de dos torres siamesas. El volumen se parte en dos a partir del séptimo piso. Frontalmente, se lee como un único volumen bicéfalo, pero en escorzo se distinguen dos torres verticales que comparten gran parte de su cuerpo.

La superficie era de 5.000 m2 “reducida para una torre, por lo que conseguir una proporción vertical resultaba imposible, aun achicando las plantas”.

El basamento, es accesible mediante rampas, tiene dos plantas de altura y conforma la cubierta de los edificios anexos.

Toma la forma de planos inclinados de madera, creando espacios estancos para relajarse al sol o a la sombra de la torre, según la época del año.

La torre está cubierta por una doble piel, creando una cámara de aire ventilada que funciona como aislante térmico. Se trata de una torre adentro de otra torre, de vidrio por fuera y fibrocemento por dentro.

El edificio tiene nueve pisos, con dos subsuelos y dos construcciones anexas compuestas por primer piso y subsuelo.

Al ser el destino del edificio estudio con computadoras, las salas se mantienen en penumbras para evitar el reflejo de la luz sobre las pantallas.

La placa de la torre se redujo la necesidad de aberturas al mínimo.

El espacio generado entre las dos torres, de nueve alturas, es considerado como una gran circulación pública, a modo de nexo del edificio.

Su frente vidriado (requerimiento del comitente) se resolvió mediante el uso de una doble piel que aprovecha el efecto chimenea o cámara de aire ventilada que genera el espacio abierto entre ambas. Para evitar encerrar el aire caliente contenido entre ambas pieles, se facilitó su salida al exterior por la parte superior del edificio.

La piel exterior de vidrio corriente es muy mala para el control energético, pero excelente para resistir el polvo, la lluvia y el envejecimiento.

Más adentro, el edificio de fibrocemento es muy malo para resistir a la intemperie, pero muy bueno desde el punto de vista térmico. Y entre ambos hay circulación de aire.

Tiene una estructura antisísmica, tanto muros como pilares resistentes son perpendiculares al suelo, la falta de verticalidad de la torre es solo aparente y su forma oblicua se consigue con una estructura metálica apoyada en voladizos de hormigón Armado.

Se uso hormigón armado, fibrocemento y maderas nativas como coigüe y mañío, el basamento se recubrió con durmientes de ferrocarril.

2003/2004. Viviendas sociales. conjunto “Quinta Monroy”, Iquique

Viviendas “expansibles”, Viviendas sociales que crecen.

En el 2003, el gobierno de Chile le encarga dar respuesta habitacional a 100 familias de la ciudad de Iquique, estas familias estaban en forma “ilegal” en terrenos que ocupaban con construcciones precarias. El presupuesto fue de 7.500 usa que debía incluir todos los gastos, terreno, diseño arquitectónico, urbanización, materiales y construcción.

Asi surge Quinta Monroy, construida en 2004, la superficie total construida fue de 35 000 m² y trabajaron, además de Aravena, los arquitectos Alfonso Montero, Tomás Cortese, Emilio de la Cerda y Andrés Iacobell y los ingenieros Juan Carlos de la Llera, Mario Álvarez, Tomás Fischer, Alejandro Ampuero, Carl Lüders y José Gajardo.

La propuesta es clara, construir sobre terrenos con buena conexión con los lugares de trabajo, recreación, educación, redes comunitarias y transformar el coste en una inversión, con incremento del valor y no en un bien de consumo que deprecia su valor.

Consta de 93 viviendas de dos pisos, cada una tiene 36 metros cuadrados construidos, el diseño ofrece un área que permite a cada vivienda crecer hacia un lado hasta un máximo de 72 metros cuadrados.

Su diseño arquitectónico, integra la lista de los 25 mejores diseños arquitectónicos del siglo XXI, elaborada por The Guardian.

Con presupuestos escasos la idea de Aravena fue construir “media casa grande” en lugar de una casa pequeña y apostar a la capacidad que tendrán las familias para ir realizando mejoras sucesivas.

Problemas en las viviendas de “Población Elemental”

En el año 2006 encabeza un proyecto de viviendas sociales en la ciudad de Valparaíso en el sector de Playa Ancha en lo que se denominó Población Elemental financiado por el Estado de Chile. El conjunto habitacional no resistió la lluvia por lo que resultaron anegadas 158 casas, 28 casas debieron ser declaradas como inhabitables (2)

2008/2014. Conjunto de 150 viviendas y un centro Comunitario de la colonia Lo Barnechea

La comuna de Lo Barnechea esta al noreste de Santiago, conde hay zonas con casas de lujo, otras con vivienda social y otra con campamentos autoconstruidos.

Estas viviendas, desarrolladas en dos fases, se crearon para realojar a un gran número de familias de dos grandes asentamientos irregulares, creando un conjunto de 363 casas.

El proyecto da prioridad a que las familias puedan permanecer en su zona de residencia habitual, para mantener los beneficios de la cercanía a sus trabajos y escuelas, y no crear riesgos de exclusión social.

La construcción se ordena alrededor de patios colectivos que sirven a un promedio de veinte viviendas, y que constituyen una asociación territorial entre el espacio público y el privado.

Para optimizar el uso de suelo sin hacinamiento, se propone un modelo de casa con desarrollo vertical en tres niveles y posibilidades de ampliación hacia el interior.

Cada vivienda tiene 67 metros cuadrados, dos plantas más mansarda, salón comedor, tres dormitorios, cocina y baño.

Tiene la posibilidad de ser ampliadas hacia el interior, según los principios de Elemental.

2008/2010. Viviendas sociales en Monterrey, 2010. Monterrey. México (proyecto premiado). Vivienda colectiva

Ante los altos precios de la vivienda, el Instituto de la Vivienda del estado mejicano de Nuevo León encarga a Elemental la construcción de  70 residencias en la ciudad de Monterrey, cuya área metropolitana es la tercera más poblada del país.

El conjunto ocupa una manzana rectangular, con una hilera de viviendas en cada frente rodeando un patio, y dejando el espacio de una avenida, otra hilera enfrentada. Del presupuesto, el 80 % se destina a la compra del suelo, y el 20 % a la construcción de las viviendas. Sigue las experiencias de Quinta Montoy y su ampliación es dentro de un espacio libre totalmente cubierto.

Notas

1

Andres Iacobelli asumió como titular de la Subsecretaría de Vivienda y Urbanismo, nombrado por el presidente Sebastián Piñera.

Durante su gestión afrontó la reconstrucción de viviendas para 200 mil familias damnificadas por el terremoto del 27 de febrero de 2010.

En julio de 2011, se hizo pública su renuncia al cargo, la cual se debió a posibles cuestionamientos que realizó la Contraloría General de la República (CGR) por las gestiones que habría realizado para «acelerar el pago de una transacción» de terrenos del abuelo de Paulina Etcheberry, su cónyuge.

El gobierno, a través del ministro del Interior Andrés Chadwick, argumentó que su renuncia se debió a «razones personales». (Diario La Nación. 29 de julio de 2011).

2

Francisco Aravena (23 de junio de 2011). Qué Pasa (Santiago de Chile). “El temporal del fin de semana en Valparaíso dejó a una población entera anegada y a parte de ella inhabitable. Es un proyecto que lleva la rúbrica de la empresa más innovadora y reconocida en el campo de las viviendas sociales en Chile: Elemental”. Tormenta Elemental Revista Qué Pasa (quepasa.cl).

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Puede interesarte este tema, por lo que te envío una sugerencia de Hugo K: La Torre Malmo de S. Calatrava. https://onlybook.es/blog/suecia-malmo-el-turning-torso-de-santiago-calatrava/

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